This Is Me This Is You

Inhalts verzeichnis
Contents
6 Vorwort
Foreword
Achim Hochdörfer, Bernhard Maaz
10 Im Zentrum steht immer der Mensch
The Focus Is Always on the Human Being
Eva Felten im Gespräch mit /in
Conversation with Achim Hochdörfer
18 Half the Picture
Perspektiven aus der Eva Felten Fotosammlung
Perspectives from the Eva Felten
Photography Collection
Monika Bayer-Wermuth
Kapitel
Chapters
28 Where You Look From Is Always Half the Picture
Der Standpunkt der Betrachtung macht immer die
Hälfte des Bildes aus
54 Menschen des 20. Jahrhunderts
People of the 20th Century
94 To Take a Picture
Ein Bild nehmen
152 To Make a Picture
Ein Bild machen
176 Angeeignete Bilder
Appropriated Images
204 Intimität
Intimacy
246 Fotografie als Politischer und Sozialer Raum
Photography as Political and Social Space
Anhang
Appendix
298 Künstler:innen-Liste
List of Artists
300 Dank
Acknowledgments
302 Fotonachweise
Photo Credits

Vorwort
Foreword
Achim Hochdörfer
Direktor / Director
Museum Brandhorst
Bernhard Maaz
Generaldirektor / Director General
Bayerische Staatsgemäldesammlungen

Die außergewöhnlich großzügige Schenkung der Eva Felten
Fotosammlung markiert einen historischen Moment in der
Geschichte des Museums Brandhorst. Mit einem Umfang von
429 Werken von 140 Künstler:innen – aufgrund zahlreicher Serien
sind es insgesamt 1 095 Aufnahmen – handelt es sich nicht
nur quantitativ um einen substanziellen Zuwachs. Die durchweg
herausragende Qualität der Werke bedeutet auch eine Bereicherung
in einem Medium, das für die Kunst des 20. und 21.
Jahrhunderts von zentraler Bedeutung war und ist. Zwar verfügte
die Sammlung Brandhorst bereits über einige herausragende
Konvolute in der Fotografie, dank der international bedeutenden
Eva Felten Fotosammlung ist das Museum jedoch
nun in der Lage, wesentliche Entwicklungen der Fotografie
von den 1930er-Jahren bis in die unmittelbare Gegenwart präsentieren
zu können. Sie schließt damit eine Lücke in einem
Museum, das seit seiner Eröffnung 2009 zu einem der bedeutendsten
Museen für zeitgenössische Kunst in Deutschland herangewachsen
ist.
Die Eva Felten Fotosammlung setzt bei der Street Photography
ein. Zahlreiche Ikonen von Walker Evans, Robert Frank,
Lee Friedlander, Helen Levitt, Lisette Model und Garry Winogrand
sind zumeist in technisch herausragenden Abzügen vertreten.
Sie finden in sozialkritischen Fotografien von Gordon
Parks, Diane Arbus, Larry Clark, Anthony Hernandez, Philip-
Lorca diCorcia und Nan Goldin ihre Fortschreibung. Darunter
befinden sich auch exzellente Beispiele der frühen Farbfotografie
von Saul Leiter, William Eggleston und Joel Meyerowitz.
Ein weiterer Fokus der Sammlung liegt auf der konzeptuellen
Fotografie ab den 1960er-Jahren mit Werken von Ed Ruscha,
Robert Heinecken und Victor Burgin bis hin zu Thomas Ruff,
Christopher Williams, Zoe Leonard und Roni Horn. Hinzu
kommen exzeptionelle Arbeiten der Pictures Generation von
Sherrie Levine, Laurie Simmons, Louise Lawler und Richard
Prince. Die unermüdliche Neugierde und Begeisterungsfähigkeit,
mit der Eva Felten auch die jüngeren Entwicklungen der
Fotografie verfolgt, zeigen sich in aktuellen Erwerbungen etwa
von Carrie Mae Weems, Deana Lawson, LaToya Ruby Frazier,
Zanele Muholi und A.L. Steiner.
Die Eva Felten Fotosammlung zeichnet sich durch eine
bemerkenswerte internationale Ausrichtung aus. Neben den
US-amerikanischen Positionen, die den größten geografischen
Sammlungsschwerpunkt bilden, erweitern weitere
geografische Regionen die Sammlung um wichtige Sichtweisen
und Perspektiven. Mit Michał Cała, Viktor Kolář, Zofia
Rydet, Jitka Hanzlová und Joanna Piotrowska befinden sich
herausragende Werke von osteuropäischen Künstler:innen
aus Polen, Tschechien und Rumänien in der Sammlung. Ein
eigenständiger Schwerpunkt liegt im Bereich der japanischen
Fotografie, die mit Werken von Nobuyoshi Araki, Shōmei
Tōmatsu, Issei Suda, Kazuo Sumida und Shin Yanagisawa vertreten
ist. Neben Positionen aus dem Vereinigten Königreich
wie Victor Burgin, Isaac Julien und Jo Spence sowie Christer
Strömholm aus Schweden, Rineke Dijkstra aus den Niederlanden
und dem Schweizer Künstler Walter Pfeiffer, umfasst
die Sammlung mit Tracey Moffatt aus Australien, Pieter Hugo
und Zanele Muholi aus Südafrika sowie Malick Sidibé aus Mali
auch kleinere Konvolute aus Afrika und Australien.
Auf vielseitige und ideale Weise ergänzt die Eva Felten
Fotosammlung damit die bisherigen Bestände der Sammlung
Brandhorst: Bei Cady Noland, Mike Kelley, Arthur Jafa, Robert
Gober, Pope.L oder Kara Walker sind die Verbindungen zur Pop
Art besonders augenfällig – insbesondere zu Andy Warhol und
Ed Ruscha – sowie auch zu den sich daran anschließenden Tendenzen
des Neo-Pop mit seinen teils abgründigen Analysen der
US-amerikanischen Konsumgesellschaft und ihren repressiven
Strukturen. Darüber hinaus legt die Fotosammlung einen
wichtigen Grundstein und gibt Bezugspunkte für die zunehmend
wichtiger werdende Auseinandersetzung mit digitalen
Reproduktionstechniken.
The extraordinarily generous gift of the Eva Felten Photography
Collection marks a historical moment in the history of Museum
Brandhorst. With 429 works by 140 artists—1,095 photographs
in total, thanks to the numerous series—it is a substantial increase
in material, but not only quantitively. The consistently
exceptional quality of the works also represents an expansion in
a medium that was and is of central importance to art of the 20th
and 21st centuries. The Brandhorst Collection was already in
possession of several outstanding sets of photographs. Thanks to
the internationally important Eva Felten Photography Collection,
however, the museum is now in a position to present essential developments
in photography from the 1930s to the immediate present.
It thus fills a gap in a museum that since its opening in 2009
has grown to be one of Germany’s most important museums for
contemporary art.
The Eva Felten Photography Collection begins with street
photography. Numerous icons by Walker Evans, Robert Frank, Lee
Friedlander, Helen Levitt, Lisette Model, and Garry Winogrand are
represented, usually in technically outstanding prints. They find
their successors in the sociocritical photographs of Gordon Parks,
Diane Arbus, Larry Clark, Anthony Hernandez, Philip-Lorca
diCorcia, and Nan Goldin. The collection includes excellent examples
of early color photography by Saul Leiter, William Eggleston,
and Joel Meyerowitz. Another focus of the collection is conceptual
photography from the 1960s onward, with works ranging from
artists like Ed Ruscha, Robert Heinecken, and Victor Burgin to
Thomas Ruff, Christopher Williams, Zoe Leonard, and Roni Horn.
In addition, there are exceptional works of the Pictures Generation
by Sherrie Levine, Laurie Simmons, Louise Lawler, and Richard
Prince. The indefatigable curiosity and enthusiasm with which
Eva Felten also follows the latest developments in photography are
seen in recent acquisitions of Carrie Mae Weems, Deana Lawson,
LaToya Ruby Frazier, Zanele Muholi, and A.L. Steiner, for example.
The Eva Felten Photography Collection is distinguished by a
notably international orientation. In addition to American artists,
who represent the strongest geographical emphasis of the collection,
other geographic regions expand the collection with important
viewpoints and perspectives. In Michał Cała, Viktor Kolář,
Zofia Rydet, Jitka Hanzlová, and Joanna Piotrowska, the collection
has works from Eastern European artists from Poland, the Czech
Republic, and Romania. Another focus is Japanese photography,
represented by the works of Nobuyoshi Araki, Shōmei Tōmatsu,
Issei Suda, Kazuo Sumida, and Shin Yanagisawa. In addition to artists
from the United Kingdom, such as Victor Burgin, Isaac Julien,
and Jo Spence; Christer Strömholm of Sweden; Rineke Dijkstra of
the Netherlands; and the Swiss artist Walter Pfeiffer, the collection
also has smaller sets of works from Africa and Australia by Tracey
Moffatt of Australia, Pieter Hugo and Zanele Muholi of South
Africa, as well as Malick Sidibé of Mali.
In a variety of ways, the Eva Felten Photography Collection
complements ideally the existing holdings of the Brandhorst
Collection: in the case of Cady Noland, Mike Kelley, Arthur Jafa,
Robert Gober, Pope.L, and Kara Walker, the connections to Pop
Art are especially striking—especially to Andy Warhol and Ed
Ruscha—as well as to later trends of Neo-Pop with its occasionally
cryptic analyses of the consumer society of the United States
and its repressive structures. The photo collection also lays a
cornerstone and gives points of reference for the increasingly important
discussion of digital reproduction technologies.
7

Bereits früh, kurz nach Beginn ihrer Sammelleidenschaft in
den späten 1980er-Jahren, entschied sich Eva Felten für ein
übergeordnetes Thema ihrer Fotografie-Sammlung: die Darstellung
von Menschen. Was die Aufnahmen eint, ist der sensible
Blick auf das Schicksal einzelner Menschen, insbesondere
auch jener, die abseits des Mainstreams leben. In der
Gesamtschau entsteht ein vielfältiges menschliches Panorama
an zutiefst unterschiedlichen Lebenssituationen und -entwürfen,
politischen Haltungen, sozialen Ungleichheiten, inneren
Stimmungen und Konflikten. Diese soziale, menschlich offene
Schwerpunktsetzung, die Eva Felten in den letzten Jahren
konsequent weitergeführt hat, macht die Sammlung in dieser
Form einzigartig.
Der hier vorliegende Katalog führt in den umfangreichen
Bestand der Eva Felten Fotosammlung ein, der anlässlich
der Ausstellung This Is Me, This Is You. Die Eva Felten
Fotosammlung erstmals der Öffentlichkeit präsentiert wird.
Titelgebend für die Ausstellung und Publikation ist eine
96-teilige Fotoserie von Roni Horn. Mit This Is Me, This Is You
hat die US-amerikanische Künstlerin ein Schlüsselwerk geschaffen,
in dem zentrale Fragen des Mediums Fotografie zur
Sprache kommen: Ist es der objektive Blick der Kamera, der
sein Motiv mit maschineller Unbestechlichkeit festhält? Oder
wird das Bild von dem subjektiven Blick der Fotografin strukturiert?
Sind die Aufnahmen inszeniert oder spontan, bildhaft
oder performativ? Und welche Rolle kommt dem Blick
der Betrachtenden zu? Auf humorvolle und unterhaltsame
Weise verwickelt uns Roni Horns Bildserie in das komplexe
Spiel von Blickverhältnissen, die auch den Ausgangspunkt der
Ausstellungskonzeption bilden.
Die Mammutaufgabe der Inventarisierung der Eva Felten
Fotosammlung, die Konzeption und Organisation der Ausstellung
und der vorliegenden Publikation sind das Ergebnis der
gemeinsamen Anstrengung vieler. Ihnen allen möchten wir für
ihren Einsatz danken.
Zuallererst gilt unser Dank der Kuratorin der Ausstellung
und Herausgeberin des Katalogs Monika Bayer-Wermuth,
die dieses Projekt mit Weitsicht und unerschütterlichem Enthusiasmus
geleitet hat und sich der Werke mit großer Hingabe
annahm. Ihr Gespür für Themen und ihre Vision, diese
erstmalige Sammlungspräsentation thematisch aufzubereiten,
sind das Herzstück von Ausstellung und Buch.
Die verlegerische Betreuung des umfangreichen Buchprojekts
lag in den zuverlässigen Händen des Deutschen
Kunstverlags. Besonderer Dank gebührt hier Anja Weisenseel
und David Fesser für ihre hervorragende Koordination sowie
Kerstin Protz für ihre vorausschauende Betreuung der Produktionsabläufe.
Es freut uns, dass wir mit Sven Lindhorst-Emme
und Lea Hinrichs vom Studio Lindhorst-Emme+Hinrichs bei
dem Layout der Publikation zusammenarbeiten konnten. Ihrer
Klarheit und ihrem Gefühl für Rhythmus verdanken wir
die so präzise wie spielerische Gestaltung des Buchs. Für ihre
aufmerksame und akribische Durchsicht richten wir unseren
Dank an Dawn Michelle D’Atri, die die englischen Texte lektoriert
hat, sowie an Katharina Hellriegel-Stauder, die das Lektorat
der deutschen Texte verantwortete. Steven Lindberg und
Alexandra Titze-Grabec haben die Texte vom Englischen ins
Deutsche beziehungsweise vom Deutschen ins Englische übersetzt.
Auch ihnen gilt unser herzlicher Dank. Die Künstlerin
und Fotografie-Expertin Carmen Dobre-Hametner zeichnet
sich verantwortlich für den Großteil der fundiert recherchierten
Biografien und Werktexte in diesem Katalog. Wir danken
ihr für ihre unverzichtbare Arbeit an unserem Projekt.
Ausstellung und Katalog waren nur durch den engagierten
Einsatz des Teams des Museums Brandhorst und vieler
engagierter Mitarbeiter:innen der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen
möglich. Es sei ihnen herzlichst dafür gedankt.
Für ihren kompetenten Einsatz und die fachliche Betreuung
des Inventarisierungsprozesses sowie der konservatorischen
From early on, shortly after her passion for collecting began in
the late 1980s, Eva Felten chose an overarching theme for her
photography collection: the depiction of human beings. The photographs
are united by a sensitive look at the fate of individual
people, especially those living outside of the mainstream. Seeing
them together offers a diverse human panorama of profoundly
different living situations and lifestyles, political attitudes, social
inequalities, and inner moods and conflicts. This social, humanistic
open emphasis, which Eva Felten has pursued consistently
in recent years, makes the collection unique in this form.
The present catalogue is an introduction to the extensive
holdings of the Eva Felten Photography Collection, presented
to the public for the first time in the exhibition This Is Me, This
Is You: The Eva Felten Photography Collection. The title of the
exhibition and publication is taken from a series of 96 photos by
Roni Horn. In This Is Me, This Is You, the American artist created
a key body of work that raises central questions about the
medium of photography: Does the objective gaze of the camera
capture its motif with the integrity of a machine? Or is the image
structured by the photographer’s subjective gaze? Are the photographs
staged or spontaneous, visual or performative? And what
role does the viewer’s gaze play? In a humorous and entertaining
way, Roni Horn’s series of photographs involves us in the complex
game of the gaze relationships that are also the point of departure
for the conception of the exhibition.
The mammoth task of inventorying the Eva Felten Photography
Collection and the conception and organization of the
exhibition and this publication are the result of a joint effort by
many people. We would like to thank them for their contributions.
First of all, we thank the curator of the exhibition and editor
of the catalogue, Monika Bayer-Wermuth, who led this project
with farsightedness and relentless enthusiasm and approached
the works with great dedication. Her sense for themes and her
vision of telling the story of this first presentation of the collection
thematically are at the heart of the exhibition and the book.
The management of the publishing of this extensive book
project lay in the reliable hands of Deutscher Kunstverlag. Anja
Weisenseel and David Fesser deserve special gratitude for their
superb coordination as does Kerstin Protz for her proactive management
of the production process. We are pleased to have been
able to work with Sven Lindhorst-Emme and Lea Hinrichs of the
Studio Lindhorst-Emme+Hinrichs on the layout of the publication.
The equally precise and playful design of the book is due to
their clarity and sense of rhythm. For their attentive and meticulous
review, we thank Dawn Michelle d’Atri, who copyedited
the English texts, and Katharina Hellriegel-Stauder, who was
responsible for copyediting the German texts. Steven Lindberg
and Alexandra Titze-Grabec translated the texts from German
into English and from English into German, respectively. We are
sincerely grateful to them as well. The artist and photography
expert Carmen Dobre-Hametner took on the majority of the wellresearched
biographies and texts on the works in this catalogue.
We thank her for her invaluable contributions to our project.
The exhibition and catalogue were possible only thanks to
the committed work of the Museum Brandhorst team and of the
many dedicated employees of the Bayerische Staatsgemäldesammlungen,
for which we are sincerely grateful. For their proficient
work and capable handling of the inventorying process, and for
their initial conservational assessment of the works, we wish
8

Ersterfassung der Arbeiten möchten wir Isabel Gebhardt,
Michaela Tischer und Bianca Albrecht von der Restaurierungsabteilung
einen großen Dank aussprechen. Besondere
Erwähnung gilt an dieser Stelle Marjen Schmidt, die als externe
Fotorestauratorin die konservatorische Ersterfassung
übernommen und so die unentbehrliche Grundlage für die
wissenschaftliche und kuratorische Aufarbeitung der Fotografien
geschaffen hat. Die Bestandsaufnahme der über 1 000
fotografischen Einzelobjekte wäre ohne die kompetente und
couragierte Arbeit der Fotoabteilung nicht möglich gewesen;
ein besonderer Dank gilt hier Haydar Koyupinar und Elisabeth
Greil. Danken möchten wir auch Wolfgang Wastian, dem Leiter
der Museums- und Ausstellungstechnik, für seine zuverlässige
und engagierte Betreuung des Projekts sowie seinen Kolleg:innen
Stephen Crane, Angelika Harboeck, Adrian Keleti, Norbert
Schölzel und Gerhard Wagenpfeil für ihre tatkräftige und wertvolle
Unterstützung. Mit großem Elan haben Anna Woll und
Janina Vujic an Presse und Kommunikation für die Sammlungspräsentation
gearbeitet. Ihnen gebührt ein aufrichtiger Dank.
Für das dichte und vielseitige Vermittlungsprogramm danken
wir Jochen Meister, Funda Karaca und Andrea Zabric. Ferner
danken wir Barbara Siebert und Katarina Jelic von der Veranstaltungsabteilung
für die sorgfältige organisatorische Betreuung
des Rahmenprogramms sowie Kirsten Storz und Sandra
Dichtl von der Udo und Anette Brandhorst Stiftung für ihre
tatkräftige Unterstützung bei der Projektplanung. Der Kuratorin
Franziska Linhardt sei gedankt für ihre stete Bereitschaft
zum fachlichen Austausch, der die Konzeption der Ausstellung
inhaltlich bereicherte. Auch Lara Prasch, die als Praktikantin
einen Großteil der Bildrechtklärung übernommen hat, gebührt
unser Dank. Ein besonderer Dank gilt Estelle Vallender, deren
uneingeschränkte Unterstützung als Teamassistenz für die Realisation
von Ausstellung und Katalog unentbehrlich war. Mit
außerordentlicher Präzision hat Lena Tilk den komplexen Inventarisierungsprozess
überwacht und die wissenschaftliche
Ersterfassung der Sammlung vorangetrieben. Dafür und für
die verantwortungsvolle redaktionelle Betreuung des umfangreichen
Katalogs möchten wir ihr herzlichst danken.
Unser größter Dank aber gilt selbstverständlich Eva
Felten. Hinter jeder einzelnen Fotografie steht ein ganz konkreter
Moment im Leben der Sammlerin: Momente, in denen
Begeisterung, Betroffenheit, Staunen, Engagement, aber auch
Zweifel, Abwägen und Risikobereitschaft in Sekundenschnelle
ineinander übergehen. All diese Momente und die vielen Reflexionen
und Gespräche, die damit über einen Zeitraum von
über 40 Jahren verbunden sind, fügen sich zu einer einzigartigen
Vision. Das Ergebnis dürfen wir und das hoffentlich große
Publikum nun zum ersten Mal erleben. Den vielen weiteren
Entdeckungen, die in den kommenden Jahren in wechselnden
Sammlungspräsentationen zu erwarten sind, blicken wir
mit großer Vorfreude entgegen. Denn mit ihrer Entscheidung,
ihre Sammlung einem öffentlichen Museum anzuvertrauen,
beschenkt Eva Felten unsere Besucher:innen, die künftig die
Fotografien in den Räumen des Museums Brandhorst sehen
und bestaunen können, um mit ihnen in einen Dialog zu gehen
und ihr eigenes Ich den fotografierten Dus gegenüberzustellen:
„This Is Me, This Is You“. Eva Feltens Experimentierfreudigkeit,
ihrem ästhetischen Gespür und ihrer vorbildhaften Großzügigkeit
gilt unsere dankbare Bewunderung.
to express great thanks to Isabel Gebhardt, Michaela Tischer,
and Bianca Albrecht of the Conservation Department. Marjen
Schmidt deserves special mention in this context as an external
conservator of photography whose initial conservational assessment
of the photographs provided an indispensable foundation
for scholarly and curatorial work on the photographs. This inventory
of more than a thousand individual photographs would
not have been possible without the intrepid and capable work of
the Photography Department, for which Haydar Koyupinar and
Elisabeth Greil deserve special thanks. We also wish to thank
Wolfgang Wastian, head of Art Handling and Installation, for
his reliable and committed management of the project as well as
his colleagues Stephen Crane, Angelika Harboeck, Adrian Keleti,
Norbert Schölzel, and Gerhard Wagenpfeil for their efficient and
valuable support. Anna Woll and Janina Vujic worked with great
élan on press and communication for the presentation of the collection
and have earned our sincere gratitude. We thank Jochen
Meister, Funda Karaca, and Andrea Zabric for their concentrated
and diverse educational program. We are also grateful to Barbara
Siebert and Katarina Jelic of the Events Department for their
meticulous handling of the management of the supporting program
as well as Kirsten Storz and Sandra Dichtl of the Udo und
Anette Brandhorst Stiftung for their capable support of project
planning. We thank the curator Franziska Linhardt for always
being open to exchange expertise, which substantially enriched
the conception of the exhibition. The intern Lara Prasch also deserves
our thanks for largely handling the reproduction rights for
the images. Our special gratitude goes to Estelle Vallender, whose
all-out support as a team assistant in realizing the exhibition and
catalogue was indispensable. Lena Tilk supervised the complex
inventorying process with great precision and advanced the initial
scholarly evaluation of the collection. For that and for her
responsible editorial management of the extensive catalogue, we
wish to thank her most warmly.
Our deepest gratitude, however, is of course owed to Eva
Felten. Behind every single photograph stands a very specific
moment in the collector’s life: moments in which enthusiasm,
shock, astonishment, and engagement but also doubts, considerations,
and a willingness to take risks intermingled in a matter
of seconds. All these moments and the many reflections on and
conversations about them over a period of more than 40 years
have come together in a unique vision. We and the hopefully
large audience can now experience the result of this vision for
the first time. We look ahead with great anticipation at the many
more discoveries that await us in changing presentations of the
collection in the coming years. With her decision to entrust her
collection to a public museum, Eva Felten is providing a gift to
our visitors, who in the future will be able to see and admire these
photographs in the rooms of Museum Brandhorst, and to engage
in a dialog with them, juxtaposing their own ‘me’ against the photographed
‘yous’: This Is Me, This Is You. Eva Felten’s openness to
experimentation, her aesthetic sense, and her exemplary generosity
have earned our grateful admiration.
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Im Zentrum steht
immer der Mensch
The Focus Is Always
on the Human Being
Eva Felten im Gespräch mit
Achim Hochdörfer
6. und 7. Juni 2023
Eva Felten in Conversation with
Achim Hochdörfer
June 6 and 7, 2023

Achim Hochdörfer: In den frühen 1990er-Jahren hast du
begonnen, Fotografie zu sammeln. Was hat dich daran interessiert?
Eva Felten: Ich hatte nicht wirklich geplant, eine Fotosammlung
aufzubauen. Aber ich interessierte mich
schon früh für Künstler:innen wie Sherrie Levine, Richard
Prince und Roni Horn, zunächst für ihre Gemälde
und Skulpturen, aber bald richtete ich mein Augenmerk
mehr und mehr auf ihre Fotografien. Sie beschäftigen
sich damit, wo Fotografie vorkommt und wie sie unsere
alltägliche Wahrnehmung prägt: als Dokument, in der
Werbung, aber auch als bevorzugtes Mittel in unserer
intimen, zwischenmenschlichen Kommunikation. Im
Rückblick würde ich sagen, dass ich im Laufe der letzten
Jahrzehnte diese Themen immer weiter vertieft habe.
Aber das hat sich erst nach und nach, ganz unsystematisch,
durch intensives Betrachten und in endlosen Gesprächen
entwickelt.
AH: Kannst du dich an bestimmte Momente erinnern, die deine
Begeisterung für Fotografie getriggert haben?
EF: Als ich das erste Mal Bilder von Tracey Moffatt gesehen
habe, war das so ein Wow-Moment: Something
More (1989, S. 156), die Frau in dem roten Kleid, das
sprang so ins Auge, dass ich völlig perplex war. Mein
Zugang war immer ein visueller. Solche Momente, in
denen man plötzlich von einem Bild gefesselt wird
und alle Komponenten eine zwingende Logik entfalten
– wahrscheinlich sind es diese Erfahrungen, die
das Sammeln von Kunst immer wieder aufs Neue antreiben.
AH: Und was hast du dann zuerst gekauft?
EF: Tracey Moffatt, Rineke Dijkstra, Jitka Hanzlová und
bald auch Nan Goldin. Dijkstras Aufnahmen von Kindern
und Jugendlichen in selbst gewählten Posen haben
mich gereizt, weil sie mit minimalen Mitteln ungeheuer
viel erzählen. Es sind gestellte Aufnahmen in einem
vorgegebenen Setting, weshalb sich die ganze Aufmerksamkeit
auf die unverwechselbaren Eigenheiten der
Menschen richtet. Auch von Jitka Hanzlová war ich begeistert,
vor allem von ihrer Female-Serie (1997–2000,
S. 66–69), für die sie Frauen in New York fotografiert hat,
die sie auf der Straße interessant fand und ansprach.
Es sind spontane, aus dem Leben gegriffene Selbstdarstellungen,
die allein durch Kleidung, Frisur, Körperhaltung,
Gesichtsausdruck und wenige Accessoires berührende
Einblicke in das Innenleben und die sozialen
Codes der Menschen gewähren. Ausgehend von diesen
Fotografinnen bin ich dann Ende der 1990er-Jahre historisch
zurückgegangen und habe mich mehr und mehr
mit Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus, Vivian
Maier, Ed van der Elsken und anderen beschäftigt.
AH: Welche anderen Aspekte der Fotografie haben dich in dieser
frühen Zeit inspiriert?
EF: Zum einen Aufnahmen von Räumen und Interieurs,
zum Beispiel von Thomas Ruff und Jörg Sasse, in denen
mit wenigen Mitteln – ein Schwamm auf einer Ablage
oder eine Nachttischlampe neben einem Bett – etwas
darüber erzählt wird, wie die Gegenstände, mit denen
sich Menschen umgeben, zu Trägern ihrer Gefühle und
ihrer Lebensweise werden. Und zum anderen dachte
ich über Bilder konzeptueller Künstler wie die von
Dan Graham, Bernd und Hilla Becher, Rodney Graham
und Victor Burgin nach, die sich mit der Rolle der Fotografie
im öffentlichen Raum auseinandersetzen: von
Billboards über Industriebauten bis zu Schallplattencovern.
Achim Hochdörfer: In the early 1990s, you began to collect photography.
What about it interested you?
Eva Felten: I had not really planned on putting together a
photo collection. I was interested early on in artists such
as Sherrie Levine, Richard Prince, and Roni Horn, initially
for their paintings and sculptures, but soon I shifted my
focus increasingly to their photographs. They got me interested
in the questions of where photography is found, and
how it shapes our everyday perceptions: as a document, in
advertising, but also as our preferred means of intimate,
interpersonal communication. In retrospect, I would say
that I got deeper and deeper into these themes over the
course of recent decades. But that only evolved gradually,
quite unsystematically, through intense observation and
in endless conversations.
AH: Can you recall specific moments that triggered your enthusiasm
for photography?
EF: The first time I saw photographs by Tracey Moffatt
was a wow moment: Something More (1989, p. 156), the
woman in the red dress that leapt into my eye so that I was
completely perplexed. My approach was always a visual
one. A compelling logic unfolds in such moments in which
you are suddenly enthralled by an image and all of its components—probably
those are the experiences that continually
motivate anew the collecting of art.
AH: And what did you then buy first?
EF: Tracey Moffatt, Rineke Dijkstra, Jitka Hanzlová, and
soon Nan Goldin as well. Dijkstra’s photographs of children
and teenagers in poses they chose themselves attracted
me because they tell an enormous amount with minimal
means. They are posed shots in an established setting,
which is why attention focuses entirely on the unmistakable
features of the people. I was also enthusiastic about
Jitka Hanzlová, above all her Female series (1997–2000,
pp. 66–69), for which she photographed women in New
York on the street whom she found interesting and spoke
to. They are spontaneous self-presentations snatched from
life, which solely through their clothes, hairstyles, poses,
facial expressions, and a few accessories offer moving insights
into the inner lives and social codes of the people.
Starting out from those women photographers, in the late
1990s I went further back in history and was preoccupied
more and more by Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus,
Vivian Maier, Ed van der Elsken, and others.
AH: What other aspects of photography inspired you in this early
period?
EF: First, photographs of rooms and interiors, by Thomas
Ruff and Jörg Sasse, for example, in which—with just a
few means, such as a sponge on a shelf or a lamp on a night
table next to a bed—a story is told about how the objects
with which people surround themselves convey their emotions
and way of life. Second, I thought about photographs
by conceptual artists, like those of Dan Graham, Bernd
and Hilla Becher, Rodney Graham, and Victor Burgin, who
address the role of photography in public spaces: from billboards
by way of industrial buildings to record covers.
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AH: Beide Stränge, sowohl die Interieurs als auch die konzeptuelle
Fotografie, hast du in den folgenden Jahren nicht weitergeführt.
Aber ich habe den Eindruck, dass sie deinen Blick dafür
geschärft haben, was sich als zentrales Thema deiner Sammlung
herauskristallisieren sollte: Darstellungen von Menschen
und ihrer Lebensumstände. Aber bevor wir näher darauf eingehen:
Wie war dein eigener biografischer Kontext in dieser Zeit?
EF: Meine Erziehung war alles andere als kulturaffin
(lacht). Vielleicht war mein Interesse an Kunst ein Aufbegehren
gegen ein enges bürgerliches Korsett. Nach dem
Abitur bin ich nach Paris gegangen und habe dort alle
Ausstellungen und Museen förmlich in mich aufgesogen.
Obwohl ich danach Betriebswirtschaft studiert habe, bestand
mein Freundeskreis schon damals hauptsächlich
aus Kunstinteressierten. Über die Jahre bildete sich so
ein Netzwerk aus befreundeten Sammler:innen – auch
mein damaliger Mann gehörte dazu –, Galerist:innen,
Kurator:innen und Künstler:innen. Für mich war das
eine faszinierende Welt. Wichtige Gesprächspartner:innen
und Ratgeber:innen waren mein langjähriger, leider
inzwischen verstorbener Freund Roland Angst, der
ebenfalls bereits verstorbene Rudolf Kicken und seine
Frau Annette, Laurence Miller, Howard Greenberg und
später insbesondere Thomas Zander, dessen Begeisterung
ansteckend ist.
AH: In dem Kontext hast du auch Udo Brandhorst kennengelernt?
EF: Genau – wir kennen uns seit meinem Studium in
München, wir haben uns immer wieder auf Kunstmessen
und Ausstellungseröffnungen gesehen. Wir haben
uns ausgetauscht, diskutiert, welche Künstler:innen
wir gerade interessant finden, hatten viele gemeinsame
Freunde, es war immer sehr anregend. Und so sind wir
2003 auch zusammengekommen – Kunst ist das Bindeglied.
AH: Hast du auch den Kontakt zu Künstler:innen gesucht?
EF: Studiobesuche fand ich immer besonders spannend,
weil man den Künstler:innen quasi beim Denken über
die Schulter blicken kann. Bei Roni Horn waren wir oft
in ihrem Atelier in Brooklyn, zu einer Zeit, als man noch
schwer dort hinkam. Auch mit Rineke Dijkstra und Jitka
Hanzlová habe ich mich bald angefreundet. Über die Jahre
habe ich mich mit vielen Künstler:innen unterhalten,
ein langes Gespräch mit Saul Leiter habe ich in lebendiger
Erinnerung. Ein sehr eindrucksvoller Besuch war
bei Isaac Julien in London, der ein perfekt ausgestattetes
und organisiertes Studio hat, in dem er Fotografien aufnimmt
und Szenen für seine Filme dreht.
AH: Wann wurde dir klar, dass das Ganze zu einer Sammlung
wird?
EF: In den frühen 2000er-Jahren, denke ich. Da habe ich
mich gefragt, was die Aufnahmen verbindet, die mich
interessieren. Gibt es thematische Schwerpunkte? Eine
gemeinsame Ästhetik? Es wurde mir klar, dass sich mein
Sammeln nicht in erster Linie um einzelne künstlerische
Positionen dreht, die erweitert und komplettiert
werden müssen. Den roten Faden, den ich entdeckte, waren
Menschenbilder: die Darstellung von Menschen in
ihrem sozialen Umfeld.
AH: Ah – das korrespondiert ja auch damit, dass die Fotografie
in der Moderne zu einem so bevorzugten künstlerischen Medium
der Menschendarstellung wurde. Hast du eine Idee, warum
das so ist?
EF: Ich denke, es gibt eine ganz besondere Intensität,
wenn das ‚kalte‘, mechanische Herstellungsverfahren
AH: With both strands, the interiors and the conceptual photography,
you didn’t continue pursuing them in the years that followed.
But I have the impression that they have sharpened your
eye for what would crystallize into the central theme of your collection,
namely, depictions of human beings and their living conditions.
But before we go into detail about that: What was your
own biographical context like at that time?
EF: My education was anything but culturally inclined
[laughs]. Perhaps my interest in art was a way of rebelling
against a tight bourgeois corset. After graduating from high
school, I went to Paris and soaked up all the exhibitions and
museums there. Although I studied business administration
later, already at that time most of my friends were interested
in art. Over the years, a network of friends came together of
collectors (my husband at the time was one of them), gallerists,
curators, and artists. It was a fascinating world for me.
Important conversation partners and advisors included my
friend of many years Roland Angst, sadly now deceased;
Rudolf Kicken, who has also since passed, and his wife,
Annette; Laurence Miller; Howard Greenberg; and later
especially Thomas Zander, whose enthusiasm is infectious.
AH: You also met Udo Brandhorst in that context?
EF: Exactly—we had known each other since I studied
in Munich, and we kept seeing each other at art fairs and
exhibition openings. We had exchanges, discussed which
artists we found interesting at the moment, and had many
friends in common—it was always quite inspiring. And so
we got together in 2003—art is the link.
AH: Did you seek out contact to artists?
EF: I always found studio visits particularly exciting, because
you can look over the shoulders of artists while they
are thinking, as it were. I was often in Roni Horn’s studio in
Brooklyn, at a time when it was difficult to get there. I quickly
became friends with Rineke Dijkstra and Jitka Hanzlová
as well. Over the years, I talked with many artists; I have a
vivid memory of a long conversation with Saul Leiter. One
very impressive visit was with Isaac Julien in London, who
has a perfectly equipped and organized studio where he
takes photographs and shoots scenes for his films.
AH: When did it become clear to you that it was all becoming a
collection?
EF: In the early 2000s, I think. I asked myself what connects
the photographs that interest me. Are there thematic
focuses? A shared aesthetic? It became clear to me that my
collecting was not primarily about the individual artists’
positions, which have to be expanded and completed. The
common thread that I discovered were pictures of people:
the depiction of human beings in their social surroundings.
AH: Ah—that is also in keeping with the way modern photography
became the preferred artistic medium for depicting people.
Do you have an idea why that is?
EF: I think there is a very special intensity when the ‘cold,’
mechanical method of photography—lens, light, clicking
the shutter release, a chemical reaction—becomes interlocked
with the human gaze. I once read a quotation from
12

der Fotografie – Linse, Licht, das Klicken des Auslösers,
eine chemische Reaktion – mit dem menschlichen Blick
verschränkt wird. Ich habe einmal ein Zitat von Walter
Benjamin gelesen, der diese geheimnisvolle Spannung in
seinem Aufsatz „Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen
Reproduzierbarkeit“ so beschrieben hat: „Im
flüchtigen Ausdruck eines Menschengesichts winkt aus
den frühen Fotografien die Aura zum letzten Mal.“ Ich
denke, dass es diese magischen Momente nicht nur in
der frühen Fotografie gibt ...
AH: … sondern auch in den Bildern in deiner Sammlung?
EF: Sicher, und untergründig war das wohl immer ein
Motiv für mich, ein Bild zu kaufen, auch wenn ich darüber
so genau gar nicht immer nachgedacht habe. Aber
diese Verbindung zu den Bildern war mir immer wichtig
– das war etwas, das mich beispielsweise zur sozialdokumentarischen
Fotografie der 1930er-Jahre und der Street
Photography der 1950er- und 1960er-Jahre gebracht hat
und später dann auch zurück zu den aktuellen Positionen.
AH: Aber das ist ja nicht ohne Gefahren, oder? Denn diese Bilder
– und vor allem auch viele Bilder deiner Sammlung – zeigen
Armut und Elend. Ob und wie Kunst das darstellen kann oder
soll, darüber gab und gibt es ja bis heute Diskussionen. Wie löst
du das Dilemma für dich?
EF: Ehrlich gesagt: gar nicht. Ich glaube auch nicht, dass
es dafür eine Standardlösung gibt. Wenn ich viel Geld für
ein Foto ausgebe, das jemanden zeigt, die oder der kaum
genug hat, um zu überleben, dann ist mir der Widerspruch
schon bewusst. Und gleichzeitig hoffe ich, dass
ich in meinem Rahmen dazu beizutragen kann, dass solche
Bilder eine Präsenz bekommen – Bilder von Künstler:innen
also, die hinschauen, wo wir im Alltag meistens
wegschauen, die Brüchigkeiten zeigen, wo wir lieber glatte
Oberflächen haben. Das ist kein starkes Argument, ich
weiß. Aber ich hoffe sehr, dass Kunst die Kraft hat, Dinge
zum Besseren zu verändern oder zumindest uns zu zeigen,
was wir verändern sollten.
AH: Das war eine der Sachen, die mir auch aufgefallen ist, als
ich mir deine Sammlung genauer angeschaut habe – da ist eben
nicht nur das Auratische, sondern auch das Politische unmittelbar
spürbar. Ich denke da zum Beispiel an Richard Avedons
Bild des Student Nonviolent Coordinating Committee von 1963
(S. 260/261) ...
EF: … ja, diese Aufnahme von Julian Bond, wie der vorne
steht und bei aller Wut gewaltfrei bleibt, das hat mich beeindruckt,
vielleicht auch, weil das nicht den klassischen
Vorstellungen von Heldentum entspricht. Seine Courage
ist viel subtiler, er fordert, möchte vermitteln, aber losschlagen
will er nicht, und gerade dadurch wirkt er verletzlich,
als jemand, dem die Widersprüche der Situation
klar sind und der sich da durchnavigieren muss. Und
ganz abgesehen davon, dass es eine tolle Komposition ist,
stellt mir das Bild halt die Frage, wo Grenzen sind, was
man tut, um etwas zu erreichen, ein gesellschaftliches,
ein politisches Ziel.
AH: Etwas Ähnliches habe ich bei der Arbeit Lessons of the Hour,
London 1983 (Who Killed Colin Roach?) (1983/2019, S. 262–265)
von Isaac Julien gedacht.
EF: Genau, es ist eine Dokumentation der antirassistischen
Proteste, die damals im Anschluss an den Tod
eines 21-Jährigen vor einer Polizeistation in London aufflammten.
Angesichts der Black Lives Matter-Proteste ist
die Serie hochaktuell. Beziehungsweise ist die Thematik
einfach wieder stärker in die Medien gerückt. Ihre Brisanz
und Aktualität hatte sie nie verloren.
Walter Benjamin who described this mysterious tension in
his essay “The Work of Art in the Age of Its Technological
Reproducibility”: “In the fleeting expression of a human face,
the aura beckons from early photographs for the last time.”
I think that these magic moments do not exist solely in early
photographs . . .
AH: . . . but also in the photographs in your collection?
EF: Certainly, and unconsciously that was probably always
a motive for me to buy photographs, even when I didn’t always
think about it specifically. But this connection to the
images was always important to me—that was something
that brought me to the documentary photography of 1930s
society and to the street photography of the 1950s and 1960s,
for example, and then later also back to current artists.
AH: But that is not without risks, is it? Because such photographs—and
above all many photographs in your collection—
show poverty and misery. There have been and continue to be
discussions of whether and how art can or should depict that.
How do you resolve that dilemma for yourself?
EF: To be honest: not at all. I don’t believe there is a standard
solution for it. When I pay a lot of money for a photograph
showing someone who does not have enough money
to survive, then I am certainly aware of the contradiction. At
the same time, I hope that within my framework I can contribute
to these images having a presence—photographs by
artists who look where most of us look away in our daily
lives, who show the brittleness where we would rather have
smooth surfaces. That is not a strong argument, I know. But
I very much hope that art has the power to change things
for the better, or at least to show us what we should change.
AH: That was one of the things that struck me, too, when I looked
at your collection more closely—not only the auratic but also the
political is immediately tangible. I am thinking, for example, of
Richard Avedon’s photograph of the Student Nonviolent Coordinating
Committee of 1963 (pp. 260/261) . . .
EF: . . . yes, this photograph of Julian Bond, standing in
the front and remaining nonviolent for all of his anger, impressed
me, perhaps in part because it does not correspond
to classic ideas of heroism. His courage is far more subtle;
he challenges, wants to communicate, but he does not want
to let fly, and for that very reason he looks vulnerable, like
someone who clearly sees the contradictions in the situation
and has to navigate his way through them. And even apart
from the fact that it is a terrific composition, the image raises
the question for me: Where are the limits, and what will
one do to achieve something, a social, a political goal?
AH: I thought something similar about the work Lessons of
the Hour, London 1983 (Who Killed Colin Roach?) (1983/2019,
pp. 262-265) by Isaac Julian.
EF: Exactly, it documents the antiracist protest that flared
up following the death of a 21-year-old in front of a police
station in London. The series is very topical again today in
the face of the Black Lives Matter protests. Or rather these
themes are simply more the focus of the media again. They
never lost their explosiveness and topicality.
13

ZOE LEONARD
One Woman Looking at Another (Carolyne Roehm Fashion Show), 1990
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 94,3 × 65,5 cm
30

31
Sofern nicht anders vermerkt, beziehen sich alle Maßangaben auf das Blattmaß.
Unless otherwise stated, all dimensions refer to the sheet size.

THOMAS STRUTH
Hermitage 2, St. Petersburg, 2005, Abzug / printed 2006
Chromogener Farbabzug / chromogenic color print, 114 × 144,8 cm
44

Seiten / pages 63–65
BRUCE WRIGHTON
Couple in Blue, Owego Fair, NY
Blind Woman at Woolworth’s Counter, Binghamton, NY
Downtown Man, Binghamton, NY
Garry DuMond, Auxiliary Police, Binghamton, NY
Count at Home, Marathon, NY
Fred, Binghamton, NY
Girl in LOVE T-Shirt, Binghampton, NY
Newlyweds at Carnival, Owego Fair, NY
Walter Perry, SWS Employee, Binghamton, NY
Alle / all ca. 1987, aus / from: One-Time-Portraits, 1986–1987
Chromogene Farbabzüge / chromogenic color prints, je / each 25,3 × 20,2 cm
62

63

VIVIAN MAIER
New York, NY, undatiert / undated, Abzug / printed 2013
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 50,6 × 40,7 cm
VIVIAN MAIER
September 3, 1954. New York, NY, 1954, Abzug / printed 2013
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 50,6 × 40,7 cm
VIVIAN MAIER
November 4, 1955. San Francisco, CA, 1955, Abzug / printed 2013
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 50,6 × 40,7 cm
100

VIVIAN MAIER
Ohne Titel / Untitled, undatiert / undated, Abzug / printed 2013
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 50,6 × 40,7 cm
VIVIAN MAIER
September 3, 1953. New York, NY, 1953, Abzug / printed 2013
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 50,6 × 40,7 cm
101

HELEN LEVITT
Untitled, New York (Two Young Black Boys Smoking), ca. 1939
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 22,6 × 18,2 cm
106

HELEN LEVITT
Untitled, New York (Kids over Doorway), 1940, späterer Abzug / printed later
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 35,5 × 28 cm
HELEN LEVITT
Untitled, New York (Broken Mirror), ca. 1940
Späterer Abzug / printed later
Silbergelatineabzug / gelatin silver print,
32,8 × 21,7 cm
107

EVELYN HOFER
Nottinghill Gate, London, 1962
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, Rahmenmaße / framed dimensions 61 × 51 cm
118

119
EVELYN HOFER
Bowery, New York, 1965
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, Rahmenmaße / framed dimensions 61 × 51 cm

EVELYN HOFER
Girl with Bicycle, Dublin, 1966
Dye Transfer / dye transfer print, Rahmenmaße / framed dimensions 64,5 × 55,5 cm
120

SAM SAMORE
Allegories of Beauty # 14, 1990er-Jahre / 1990s
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 68 × 127 cm
228

229
SAM SAMORE
Allegories of Beauty # 44, 1990er-Jahre / 1990s
Silbergelatineabzug / gelatin silver print, 68 × 127 cm

Seiten / pages 282–289
TOD PAPAGEORGE
Aus / from: Studio 54, New York, 1978–1980
70 Silbergelatineabzüge / gelatin silver prints, je / each ca. 40,5 × 51 cm
282

283

Vom ersten Fotokauf bis zur Entstehung einer Sammlung haben
mich viele Menschen begleitet und unterstützt. Ich danke
speziell Rudolf Kicken und Roland Angst für die fachliche Beratung
und ästhetische Schulung meines Auges, Thomas Zander
für seine ansteckende Begeisterung und sein umfassendes
Wissen über das Medium Fotografie.
Meine Töchter Anna Shields und Laura Felten haben
meine Leidenschaft mit großem Interesse und aktiver Teilnahme
begleitet. Für die vielen Anregungen und kritischen Gespräche
bin ich ihnen dankbar. Ich freue mich, dass sie meinen
Wunsch, die Sammlung zusammenzuhalten und dem Museum
Brandhorst zu schenken, unterstützt haben.
Insbesondere danke ich auch Udo Brandhorst dafür, dass
er mich darin bestärkt hat, meine im Laufe der Jahrzehnte zusammengetragenen
Bestände als eine ‚Sammlung‘ zu erkennen.
Gemeinsam mit Achim Hochdörfer hat er mich mit großer Beharrlichkeit
davon überzeugt, sie dem Museum Brandhorst zu
schenken. Zugleich hat mir Udo wichtige Werke geschenkt, die
die Sammlung sinnvoll ergänzen.
Nach der Vorarbeit von Susanne Huber übernahm Monika
Bayer-Wermuth die inhaltliche Aufarbeitung und thematische
Gliederung meiner Sammlung. Beiden gebührt besonderer
Dank und große Anerkennung für ihren Einsatz und
Enthusiasmus. Monika hat die roten Fäden in meiner erratischen
Sammlungswut aufgezeigt und sie gemeinsam mit Lena
Tilk geordnet. Die Inventarisierung, Recherche und Dokumentation
wurden maßgeblich von Lena geleistet. Für die fachkundige
Handhabung und die sehr präzise restauratorische
Betreuung der vielen empfindlichen Fotografien möchte ich
der Museums- und Ausstellungstechnik unter der Leitung von
Wolfgang Wastian und den Restauratorinnen Isabel Gebhardt,
Michaela Tischer und Marjen Schmidt herzlich danken.
Alle an der Ausstellung beteiligten Mitarbeiter:innen des
Museums Brandhorst haben mir das Gefühl gegeben, dass meine
Sammlung den richtigen Ort gefunden hat und sich ergänzend
in eine großartige Kunstsammlung eingliedert.
Eva Felten
From my first purchase of a photograph to the formation of a
collection, many people have accompanied and supported me. I
thank specially Rudolf Kicken and Roland Angst for expert advice
and the aesthetic training of my eye and Thomas Zander for
his infectious enthusiasm and his comprehensive knowledge of
the medium of photography.
My daughters, Anna Shields and Laura Felten, have followed
my passion with great interest and active participation. I
am grateful to them for many suggestions and critical conversations.
I am pleased that they have supported my wish to keep the
collection together and donate it to Museum Brandhorst.
I also wish to thank Udo Brandhorst especially for having
encouraged me to see the holdings I had assembled over decades
as a ‘collection.’ Together with Achim Hochdörfer, he persuaded
me with great persistence to donate it to Museum Brandhorst.
Udo also gave me important works that supplement the collection
in significant ways.
Following preliminary work by Susanne Huber, Monika
Bayer-Wermuth took over the analysis of the content and classification
of the themes of my collection. Both deserve special thanks
and great recognition for their commitment and enthusiasm.
Monika found the thread in my erratic collecting mania and organized
it together with Lena Tilk. The inventory, research, and
documentation were largely Lena’s work. I would like to sincerely
thank the Department of Art Handling and Installation headed
by Wolfgang Wastian and the conservators Isabel Gebhardt,
Michaela Tischer, and Marjen Schmidt for their professional
handling and very precise conservational measures of the many
sensitive photographs.
All of the Museum Brandhorst staff who participated in
the exhibition gave me the feeling that my collection has found
the right place and been integrated into a great art collection in a
complementary way.
Eva Felten
301

Fotonachweise
Photo
Credits
Wir danken den Fotograf:innen für die
Erlaubnis, ihre Aufnahmen für dieses
Buch zu nutzen:
We thank the photographers for allowing
us to use their pictures for this publication:
Seite(n) / page(s)
39, 42 / 43, 54 – 57, 59 – 61, 63 – 65, 78 – 80,
86 – 88, 108, 111, 113 – 117, 129, 130 – 133,
138 – 139, 141, 154 / 155, 164, 180 – 181, 186 – 189,
198, 206 – 208, 217, 222 – 225, 226 / 227,
230 – 231, 258 – 259, 260 / 261, 273, 276 – 289:
Elisabeth Greil, Bayerische Staatsgemäldesammlungen,
Museum Brandhorst,
München / Munich
34: Barbora Gerny
160 / 161: Nicolas Brasseur
184: Photo President and Fellows of
Harvard College, P1973.1
237 – 238: Stefan Altenburger Photography
Zürich / Zurich
262 / 263, 264 – 265: Thierry Bal
274 / 275: Margarita Platis, Bayerische
Staatsgemäldesammlungen München /
Munich
Wir danken den Urheber:innen, Künstler:innen
und / oder ihren Nachlässen für
die freundliche Genehmigung, Aufnahmen
ihrer Werke abzudrucken:
We thank all copyright holders, artists,
and / or their estates for the kind permission
to reproduce pictures of their artworks:
Seite(n) / page(s)
30, 40 / 41: © Zoe Leonard. Courtesy Galerie
Gisela Capitain, Köln / Cologne, Hauser &
Wirth
32: © Christopher Williams. Courtesy Galerie
Gisela Capitain, Köln / Cologne, David
Zwirner New York / London / Hong Kong
33: © Bruce Davidson / Magnum Photos.
Courtesy Howard Greenberg Gallery,
New York
34, 236 – 239: © Roni Horn. Courtesy
Hauser & Wirth
35, 36, 38: © Lee Friedlander. Courtesy
Fraenkel Gallery, San Francisco, Luhring
Augustine, New York
39, 99 – 101: © Estate of Vivian Maier.
Courtesy Maloof Collection, Howard
Greenberg Gallery, New York
42 / 43, 217: © Larry Clark. Courtesy Luhring
Augustine, New York, Simon Lee Gallery,
London
44, 232 / 233: © Thomas Struth. Courtesy
Marian Goodman Gallery
56 – 57: © Walker Evans Archive, The
Metropolitan Museum of Art
58 – 61, 206 – 208: © The Estate of Diane
Arbus. Courtesy The Estate of Diane Arbus,
Fraenkel Gallery, San Francisco
62 – 65: © Estate of Bruce Wrighton.
Courtesy Laurence Miller Gallery
66– 69: © Jitka Hanzlová, VG Bild-Kunst,
Bonn 2023. Courtesy Kicken Berlin
70 – 71: © Carrie Mae Weems. Courtesy
Galerie Barbara Thumm, Berlin
72 / 73, 74 – 75: © Pieter Hugo. Courtesy
Stevenson, Amsterdam / Kapstadt /
Johannesburg, Yossi Milo, New York,
Priska Pasquer, Köln / Cologne
76: © Issei Suda. Courtesy Priska Pasquer,
Köln / Cologne
77 – 81: © Rineke Dijkstra. Courtesy
Galerie Max Hetzler
82: © Joel Meyerowitz. Courtesy Kicken
Berlin
83 – 84: © Helga Paris, VG Bild-Kunst,
Bonn 2023. Courtesy Helga Paris Archiv
85: © Neal Slavin. Courtesy Kicken Berlin
96 – 98: © The Andrea Frank Foundation.
Courtesy National Gallery of Art, Pace
Gallery, New York
102 – 103: © 2023, Estate of Lisette Model.
Courtesy Kicken Berlin
104 – 108: © Helen Levitt. Courtesy Galerie
Thomas Zander, Köln / Cologne
109: © William Klein. Courtesy William
Klein Studio FILMS PARIS NEW YORK,
Paris
110: © Jerome Liebling
111: © Dirk Reinartz
113 – 115: © Gordon Parks. Courtesy of the
Gordon Parks Foundation
116 – 117: © Dave Heath. Courtesy Howard
Greenberg Gallery, New York, Stephen
Bulger Gallery
118 – 120: © Estate of Evelyn Hofer.
Courtesy Estate of Evelyn Hofer
302

122 – 124: © Leon Levinstein. Courtesy
Galerie Thomas Zander, Köln / Cologne,
Howard Greenberg Gallery, New York
126 – 127: © Saul Leiter. Courtesy Howard
Greenberg Gallery, New York
128 – 129: © Fred Herzog. Courtesy The
Estate of Fred Herzog, Equinox Gallery,
Vancouver, Laurence Miller Gallery, New
York
130 – 133: © Arthur B. Rickerby
134: © Ed van der Elsken. Nederlands
Fotomuseum, Rotterdam, Courtesy Kicken
Berlin
135 – 137: © Gabriele und / and Helmut
Nothhelfer. Courtesy Gabriele und / and
Helmut Nothhelfer
138 – 139: © The Estate of Harry Callahan.
Courtesy Pace / MacGill Gallery, New York
141, 230 – 231: © The Estate of Shin
Yanagisawa. Courtesy Yumiko Chiba
Associates
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Courtesy David Zwirner
156 – 159, 268 – 270, 274 / 275: © Tracey
Moffatt. Courtesy Roslyn Oxley9 Gallery,
Sidney, Lothar Albrecht Galerie, Frankfurt /
Main
160 / 161, 162 – 163: © Suzy Lake. Courtesy
mfc – michèle didier, Paris, Brüssel /
Brussels
164: © Eggleston Artistic Trust. Courtesy
Eggleston Artistic Trust
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166 / 167: © Joanna Piotrowska. Courtesy
Galerie Thomas Zander, Köln / Cologne
168, 192 / 193: © Deana Lawson. Courtesy
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169: © Zanele Muholi. Courtesy Yancey
Richardson, New York
178 – 181: © Richard Prince. Courtesy
Gladstone Gallery, New York
182 – 183: © Laurie Simmons. Courtesy
LGDR, New York
184: © The Robert Heinecken Trust,
Harvard Art Museums / Fogg Museum,
National Endowment for the Arts Grant
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David Zwirner
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Gladstone Gallery, New York
194 – 197: © Nobuyoshi Araki. Courtesy
Bob van Orsouw, Zürich / Zurich, Taka
Ishii Gallery, Tokio / Tokyo
198: © Thomas Ruff / VG Bild-Kunst, Bonn
2023
210 – 211: © 2023 The Peter Hujar Archive /
Artist’s Rights Society (ARS). Courtesy
The Peter Hujar Archive, LLC, Pace
Gallery, New York, Fraenkel Gallery,
San Francisco
212 – 215: © Nan Goldin. Courtesy Marian
Goodman Gallery
218 – 219, 220 / 221: © A.L. Steiner. Courtesy
Deborah Schamoni, München / Munich
222 – 225, 226 / 227: © Walter Pfeiffer.
Courtesy Bob van Oursow, Zürich / Zurich
228 – 229: © Sam Samore. Courtesy
Galerie Gisela Capitain, Köln / Cologne
248 – 253, 256: © Anthony Hernandez.
Courtesy Galerie Thomas Zander,
Köln / Cologne
255: © Estate of Jo Spence. Courtesy
Richard Saltoun Gallery London,
Rom / Rome
258 – 259: © Danny Lyon / Magnum Photos
260 / 261: © 2023 The Richard Avedon
Foundation
262 / 263, 264 – 265: © Isaac Julien.
Courtesy Metro Pictures, New York
276 – 279: © Shirana Shahbazi. Courtesy
Bob van Oursow, Zürich / Zurich
280 – 281: © Victor Burgin. Courtesy
Galerie Thomas Zander, Köln / Cologne
282 / 283, 284 – 287, 288 – 289: © Tod
Papageorge. Courtesy Galerie Thomas
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303

Impressum
Colophon
Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung
This book is published on the occasion of the exhibition
This Is Me, This Is You.
Die Eva Felten Fotosammlung
The Eva Felten Photography Collection
Kuratorin / Curator: Monika Bayer-Wermuth
Museum Brandhorst, München / Munich
19. Oktober 2023 – 7. April 2024 / October 19, 2023 – April 7, 2024
Museum Brandhorst
Bayerische Staatsgemäldesammlungen
Türkenstraße 19
80333 München / Munich
Deutschland / Germany
www.museum-brandhorst.de
Direktor / Director: Achim Hochdörfer
Leitende Kuratorin / Chief Curator: Monika Bayer-Wermuth
Kuratorin / Curator: Franziska Linhardt
Wissenschaftlicher Mitarbeiter / Research Associate: Arthur Fink
Teamassistenz / Team Assistant: Estelle Vallender
Praktikantin / Intern (This Is Me, This Is You): Lara Prasch
Presse und Kommunikation / Press and Communication:
Anna Woll, Janina Vujic
Restaurierung / Conservation (Doerner Institut):
Isabel Gebhardt, Bianca Albrecht, Michaela Tischer
Registrarin, Inventar und Dokumentation / Registrar, Inventory,
and Documentation: Maria Espinosa
Museums- und Ausstellungstechnik / Art Handling and Installation
(Doerner Institut): Wolfgang Wastian, Stephen Crane, Angelika
Harboeck, Adrian Keleti, Norbert Schölzel, Gerhard Wagenpfeil
Betriebstechnik / Building Technology: Bernhard Kraus
Örtliche Verwaltung / Administration: Benjamin Roger
Kunstvermittlung und Besucherservice / Art Education and Visitor
Services: Simone Ebert, Funda Karaca, Jochen Meister, Andrea Zabric,
Alexandra Hiltmair, Anke Palden, Waltraud Tannenberg
Vermietungen und Veranstaltungen / Rental and Events:
Barbara Siebert, Constance Huchette, Katarina Jelic, Andrea Schick
Fotoabteilung / Photo Department: Haydar Koyupinar, Sybille Forster,
Elisabeth Greil, Nicole Wilhelms
Udo und Anette Brandhorst Stiftung /
Udo and Anette Brandhorst Foundation
Wissenschaftliche Mitarbeiterin und Projektmanagement /
Research Associate and Project Management: Kirsten Storz
Wissenschaftliche Mitarbeiterin, Inventarisierung /
Research Associate, Inventory: Lena Tilk
Assistenz von / Assistant to Udo Brandhorst: Renate Blaffert
Assistenz von / Assistant to Achim Hochdörfer: Sandra Dichtl
PUBLIKATION / PUBLICATION
Herausgeberin / Editor: Monika Bayer-Wermuth
Redaktion / Editorial Board: Lena Tilk, Monika Bayer-Wermuth
Publikationsmanagement / Managing Editor: Lena Tilk
Bildbeschaffung und Bildrechteklärung / Image Sourcing and
Copyright Clearance: Lara Prasch, Lena Tilk
Werktexte und Künstler:innenbiografien / Work Texts and
Artist Biographies: Außer anders angegeben, alle Texte verfasst von
Carmen Dobre-Hametner / Unless otherwise stated, all texts written by
Carmen Dobre-Hametner
Grafische Gestaltung und Satz / Graphic Design and Typesetting:
studio lindhorst-emme+hinrichs, Berlin
Deutsches Lektorat / German Copyediting:
Katharina Hellriegel-Stauder
Englisches Lektorat / English Copyediting: Dawn Michelle d’Atri
Übersetzungen Englisch–Deutsch / Translation, English–German:
Alexandra Titze-Grabec
Übersetzungen Deutsch–Englisch / Translation, German–English:
Steven Lindberg
Projektmanagement Verlag / Project Management, Publisher:
David Fesser
Herstellung Verlag / Production Management, Publisher: Kerstin Protz
Reproduktionen / Reproductions:
LVD Gesellschaft für Datenverarbeitung mbH, Berlin
Druck und Bindung / Printing and Binding:
DZA Druckerei zu Altenburg GmbH, Altenburg
Papier / Paper: Perigord, 135 g/m²
Schriften / Typefaces: Pragmatica Condensed / Abril Text
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Deutscher Kunstverlag
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ISBN 978-3-422-80116-5
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