maC Portraits 2024 - HZT Berlin

PORTRAITS
2024___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN

CHOREOGRAPHIEREN HEISST,
DIE ANWESENDEN ZU BEWEGEN.
TO CHOREOGRAPH MEANS
TO MOVE THOSE WHO BEAR WITNESS.
Zeitgenössische Choreographie bewegt Fragen
nach Teilhabe, nach Zusammenarbeit und gesellschaftlicher
Verantwortung.
In diesem Sinne eröffnet der Masterstudiengang
Choreographie (maC) den Studierenden einen
Raum zur Entwicklung und Vertiefung der eigenen
künstlerischen Praxis. Es ist ein Ort der Reflexion,
der konstruktiven Kritik und der Konfrontation
mit einer künstlerischen, methodischen und kulturellen
Pluralität und Diversität.
Da der Studiengang künstlerisch-praktisch
orientiert ist, nehmen choreographische Projekte
einen großen Raum ein. Dazu gehört, dass
die Studierenden ihre eigene Praxis kritisch
reflektieren, einen eigenen künstlerischen
Standpunkt entwickeln und ihren ästhetischen
Ansatz vermitteln können.
Um Ihnen einen Einblick in diesen Prozess zu
geben, erscheinen diese Portraithefte der Studierenden.
Mit ihren individuell gestaltete Eindrücken,
Gedanken, Materialien aus Proben- und
Arbeitsprozessen veröffentlichen die Studierenden
anlässlich ihrer abschließenden Masterprojekte
eine Reflexion ihrer Studienzeit. Auf der Seite,
die in jedem Heft auf das Portraitfoto folgt, finden
Sie Texte, in denen die Studierenden sich drei
Fragen widmen: Wo bist du künstlerisch gerade?
Welche Bedeutung hat(te) das maC-Studium für
deine künstlerische Entwicklung? Wo möchtest du
gerne in ein paar Jahren sein?
Wir freuen uns, Ihnen unsere Absolvent*innen
vorzustellen – mit ihren persönlichen Gedanken
dazu, was Choreographie sein kann.
Contemporary choreography brings up questions of
participation, collaboration and social responsibility.
In this sense, the Master of Choreography (maC)
provides students the space to develop and deepen
their own artistic practice. It is a place of reflection,
constructive criticism and confrontation with
an artistic, methodical and cultural pluralism
and diversity.
Within the artistic practice-led programme choreographic
projects take up a lot of space. This involves
the students critically reflecting on their own practice,
further developing their artistic point of view
and being able to convey their aesthetic approach.
These portrait booklets of the students are published
to give you an insight into this process. Using
their unique impressions, thoughts, materials
from rehearsal and research, the students publish
a reflection on their time at university on the occasion
of their final Master‘s projects. On the page
that follows the portrait photo in each booklet,
you will find texts in which the students address
three questions: Where are you artistically right
now? What significance does the maC course have
for your artistic development? Where would
you like to be in a few years?
We are pleased to introduce
our graduates to you –
with their personal
thoughts on what
choreography
can be.

MELISSA HERRADA nähert sich
dem Körper mit Subtilität,
Behutsamkeit und
Sensibilität.
CAROLINA DE VEGA sucht nach
radikalen Räumen, die Identitäten,
Körper und soziale Teilhabe neu
erfinden.
HOLGER BENEDICT SEIDELIN
möchte echte Gefühle wecken,
um seine Arbeit emotional
zugänglich werden zu lassen.
ELVAN TEKIN beschäftigt sich mit
Identität und Körper, erobert
Räume zurück und fördert so
ein tieferes Verständnis für
kollektive Kämpfe.

MELISSA HERRADA

© Mirjana Vrbaški
DE Im Moment interessiere ich mich für
choreo grafische Kompositionen, die eine spezifische
Zeit für Beobachtung, Kontemplation
und Wahrnehmung von Körper und Raum, von
Schwerkraft und Architektur kultivieren. Ich
interessiere mich für die Choreografie, die aus
ewigen Augenblicken besteht. Meine künstlerische
Praxis hat mit der Kraft des Körpers zu tun, die
sich aus seiner Zerbrechlichkeit, Sensibilität und
Ungewissheit ergibt. Die ständige Begegnung
mit dem Unbekannten.
Das Masterstudium hat mir die nötige Zeit gegeben,
um meine choreografischen Vorahnungen
zu verwirklichen. Es hat mir die Möglichkeit gegeben,
mich auf künstlerischer und menschlicher
Ebene neu zu erkennen.
In ein paar Jahren möchte ich die kleinen choreografischen
Gewissheiten, die ich gefunden habe,
weiter in Frage stellen und meine künstlerische
Praxis ständig neu erfinden.
EN At this moment I am interested in choreographic
compositions that cultivate specific times
for observation, contemplation, and acknowledgement
of the body and space, of gravity and architecture.
I am interested in the choreography composed
from eternal instants. My artistic practice has to
do with the power of bodies from their fragility,
subtlety, and uncertainty. The constant encounter
with the unknown.
Studying for this Master‘s degree has given me the
necessary time for my choreographic presentiments
to take shape. It has given me the possibility
to rediscover myself artistically and on a human
level as well.
In a couple of years, I would like to continue to
question the small choreographic certainties I have
found and constantly reinvent my artistic practice.

Melissa Herrada Performancekünstlerin,
Choreografin, Tänzerin und Lehrerin in Berlin.
Im Jahr 2014 schloss sie ihr Studium der
Darstellenden Künste an der Escuela Profesional
de Danza de Mazatlan, Mexiko, ab. Zurzeit
studiert sie den Master in Choreografie am HZT
in Berlin. Ihre künstlerische Praxis hat mit der
Kraft des Körpers zu tun, dem sie mit Subtilität,
Zerbrechlichkeit und Sensibilität begegnet.
Im Laufe ihrer Karriere hat sie in verschiedenen
Kontexten in über 10 Ländern gearbeitet. Seit
2016 ist sie eine kreative Mitarbeiterin der mexikanischen
Kompanie Cuatro X Cuatro unter
der künstlerischen Leitung von Shantí Vera.
EN Melissa Herrada. Performance artist, choreo ­
grapher, dancer and teacher in Berlin. In 2014
she completed her Bacherlor in Fine Arts at the
Escuela Profesional de Danza de Mazatlan,
Mexico. She is currently studying for a Master‘s
degree in Choreography at the HZT in Berlin.
Her artistic practice has to do with the power of
the body, which she approaches through sub ­
tlety, fragility and vulnerability. Throughout her
career, she has worked in various contexts in
over 10 countries. Since 2016 she has been a
creative collaborator of the Mexican company
Cuatro X Cuatro under the artistic direction of
Shantí Vera.
2024___Immensity
2024___La Potra
2023___Ein Körper
2023___Safety Blue
Portraitvideo
2024___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst Ernst Busch in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

HOLGER BENEDICT SEIDELIN

© Yero Adugna Eticha
DE Ich strebe danach, Musik, Tanz und Theater
sowohl auf der Bühne als auch im Film zu
integrieren. Anstatt mich auf eine Kunstform
beschränkt zu fühlen, finde ich Inspiration
in der Kombination verschiedener Medien. Meine
Werke konzentrieren sich durchweg auf klare
thematische Erzählungen, die Spannung, Liebe
und Hoffnung in menschlichen Beziehungen
erkunden. Ich nutze die Kunst, um meine Zweifel
und Barrieren zu untersuchen. Derzeit erforsche
ich familiäre und gesellschaftliche Hierarchien,
unterbewusste Bilder, Musicals, expressive Szenografie
und gewagte Kostüme. Ich lege Wert auf
Präzision in Drehbuchschreiben, körperlichem Ausdruck,
Charakterentwicklung und Sounddesign
und ziele darauf ab, echte Emotionen hervorzurufen
und emotionale Zugänglichkeit zu gewährleisten.
Während meines maC-Studiums habe ich
bedeu tende Fortschritte gemacht. Mit Zugang zu
umfangreichen Ressourcen und einem experimentierfreudigen
Umfeld tauchte ich in die Körper -
bewegung und Filmsprache ein. Die Zusammenarbeit
mit Tänzern und Mentoren stärkte mein
Selbstvertrauen und meine Fähigkeiten.
Ich möchte experimentelle Musicals sowohl für die
Leinwand als auch für die Bühne schaffen, die
fesselnde Geschichten erzählen und menschliche
Beziehungen sowie Naturphänomene erforschen.
Dies hat mein Interesse an Wissenschaft und
Natur neu entfacht, in die ich als nächstes künst -
lerisch eintauchen möchte. Kürzlich habe ich
ein Unternehmen gegründet, das interdisziplinäre
Künstler unterstützt, frei von traditionellen Be -
schränkungen, mit dem Ziel, einen grenzen losen
künstlerischen Hub zu schaffen. Ein Irrenhaus.
EN I strive to integrate music, dance, and
theater both onstage and in film. Rather than
feeling confined by one art form, I find inspiration
in combining different mediums. My works
consistently focus on clear thematic narratives,
exploring tension, love, and hope in human
relationships. I use art to examine my doubts
and barriers. Currently, I explore family and
so -cietal hierarchies, subconscious imagery,
musicals, expressive scenography, and bold
costumes. I prioritize precision in scriptwriting,
physical expression, character development,
and sound design, aiming to evoke genuine
emotion and ensure emotional accessibility.
During my maC studies, I experienced significant
growth. With access to extensive resources and
an environment fostering experimentation, I delved
into body movement and film language. Collaborating
with dancers and mentors enhanced my confidence
and skills.
I aim to create experimental musicals for both
screen and stage, focusing on captivating stories
and exploring human relationships and natural
phenomena. This has reignited my interest in
science and nature, which I want to dive into artisti -
cally as the next chapter. I recently founded a
company to support interdisciplinary artists, free
from traditional constraints, aspiring to create
a boundless artistic hub. A mad house.

THE UNIT AND THE PITFALL is an experimental dance musical,
inspired by my personal story. In my MA production I’m investigating
family dynamics, creating a family portrait inspired by my own.
Coming from music composition and theater, I seek to create bridges
and classes between art forms. I seek to immerse the performers in
scenarios they have to solve. I believe that overwhelming the
performer infuses dance with vitality. With obstacles, habits, and
thoughts to go through, the performers gain a presence I experience
in daily life. An authenticity I’m interested in. People of society
traveling past each other, solving their problems on the go.
I’m inspired by the phenomena of thought patterns. A thought, whose
origin we may not even know, can carve deep grooves in our brain if
repeated enough, leading us to spiral into a fabricated reality where
subconscious and conscious live together.
Negative thought patterns form the foundation of both the
choreography and textual elements, emphasizing the experience of
being ensnared in a pattern, both as a family and as a performer
within the piece. The incorporation of live-composed sound and
music serves to broaden the perception of the performer's psyche.
Photo: Holger Seidelin
Performers Johann Eggebrecht, Sawako Ogo, Anna Bolk, Veronica Parlagreco,
Jürgen Linneweber Choreographer/Director, Composer, Author Holger Benedict
Seidelin Set Designer Dorka Kreisz Set Design Assistance Danijela Matović, Hannah
Langels Costum Designer Lucia Leibnitz Costume Assistance Magdalena Stippl
Sound Designer Matias Milling Light Designer Riccardo Bernardi Director’s
Assistant Eleni Derveni Music Composition Holger Benedict Seidelin and Anna Bolk
Mentoring Pablo Liambias, Max Kestner

I love you
The phrase "I love you" intrigues me as an abstract
concept worthy of research. During my M6 piece
“Digital Nomad” in 2023, I developed a fascination
with the lifestyles and emotional states of individuals
who travel globally for remote work. Using platforms
like Reddit and YouTube, I analyze physical and
emotional expressions from influencers to initiate a
dance piece exploring isolation, hyperventilation, and
situation-based choreography. Integrating my personal
experiences into the creative process, I strive to imbue
honesty into the characters onstage through music,
movement, and words. I'm particularly drawn to
infusing performances with a strong and playful
musical element.
As a musician composing my own music while
choreographing, I'm focused on crafting a distinct
identity for each piece. I view my music as an
environment, working in tandem with scenography to
create a world for the choreography to inhabit and
thrive in. My choreography is inspired by situations
I've observed or experienced in my own life, which I
then translate onto the stage.
My musical approach investigates psychology, aiming
to place the audience inside the performer's mind.
Through sound, voice, and manipulation, I work to
bring the performer's emotional state to the forefront.
In my piece "Digital Nomad," I seek to depict a
Western culture where people feel remote and
become molded into the figure they aspire to be.
Photo: Holger Seidelin, Performer: Hannah Stein
Piece: Digital Nomad, 2023, Berlin

the violence of the soul
My research delves into the violence of the soul and
the various addictions prevalent in both individuals
and society. This encompasses addiction to media,
the pursuit of love, the quest for validation,
navigating truth in uncertain times, and the
incessant need for resolution. Throughout my work,
particularly in my MA studies, I grapple with
emotionally weighty material, striving to grant it a
voice.
As a composer, I am driven to elevate music and
sound to the forefront, infusing performances with a
sense of urgency. Central to my research is the
utilization of sound and voice in character
development, exploring the psychological nuances
embedded within the rhythm and tones of both
voice and sound.
In my MA project, a family drama, I delve into the
various textures, effects, and themes that define
each family member's rule of law. This extends to
considerations of costume and scenography. My
focus lies in exploring the intricate interplay between
different art forms. I aim to create a cohesive world
where dance intertwines seamlessly with other
artistic elements. My ultimate goal is to craft an
immersive experience where the different art forms
allows for a dynamic exploration of reality, both for
myself and for the audience..
Creator: Holger Seidelin, Performer Tamae Yoneda Music Video: Let the World Take Me 2024,
Creator: Holger Seidelin, Performer: Tamae Music Video: Let the World Take Me, 2024 Photo: Holger Seidelin

body building and masculinity
As part of my MA, I'm exploring masculinity. The phrase
“A man in contact with his feelings” is rare but deeply
ingrained. Does society define a man by his public
appearance, or is it his self-view, actions, and
relationship with his feelings and thoughts?
Collaborating with bodybuilder Magni for the project
“Mars in Europe” sheds light on the desire to transform
one's body: memories of adolescence, encounters with
bullies, and the urge to assert oneself against the
environment. Our connection deepens as we share
personal memories while filming and creating sculptures
at the seaside in Copenhagen.
Photo: Holger Seidelin, Body Builder: Magni Hansen
prison choir and masculinity
As a side project for school called “Are You Awake,”
funded by the Danish Arts Fund, I'm working on a
musical that explores how different social backgrounds
and classes in Danish society perceive masculinity.
Through lyrical tasks with inmates from various Danish
prisons in collaboration with Fangekoret, we delve into
the clash between men who have been incarcerated and
those who are free. In the ongoing discussion of toxic
masculinity, I'm eager to investigate where the toxicity
lies and who the male victims of patriarchy are. Engaging
in dialogue and collaboration with one of the most
stigmatized groups in Danish society prompts questions
about how we perceive and treat these individuals and
what measures are necessary to improve our society.
Photo and Performer: Holger Seidelin, Ardèche, 2023.

Holger Benedict Seidelin arbeitet mit interdisziplinären
Theater- und Musikstücken, die
komplexe emotionale Geschichten erzählen
sollen. Seidelin ist ein dänischer Musiker,
Choreograf und Theaterregisseur und hat einen
Bachelor-Abschluss von der RMC-Dänemark
und absolviert seinen Master an der HZT Berlin
in Choreografie. Er hat auch einen einjährigen
Kurs an der Tanzfabrik, 3 Monate an der Schauspielfabrik
und 5 Monate an den Dance Works
absolviert. Seit 2016 ist er aktiv und hat interdisziplinäre
Projekte wie „Eik‘s Future Memories
(Performance) 2019, Illutron“ geleitet, an denen
40 Künstler beteiligt waren und Unterstützung
von der Danish Arts Foundation erhielten und
500 Besucher anzogen. Seine Arbeit umfasst
„Digital Nomade (Tanzmusik-Performance) 2023,
HFM - Berlin“, die digitale Nomaden-Lebensstile
erforscht, „Eikeikeik.com (Interaktive Kunstwebsite)
2019, ekeikeik inc“, die 400 monatliche
Besucher und mediale Aufmerksamkeit anzieht,
sowie die Gedicht- und Gemäldesammlung
„Shampoo“ von 2017, die auf dem ZineFest in
Aarhus, Dänemark, verkauft wurde.
EN Holger Benedict Seidelin is working with
interdisciplinary theater and musical pieces that
strive to tell complex emotional stories. Seidelin,
a Danish musician, choreographer, and theater
director, holds a Bachelor’s degree from RMC-
Denmark and is completing his MA at HZT Berlin
in Choreography. He has also completed a oneyear
course at Tanzfabrik, 3 months at Schauspielfabrik,
and 5 months at Dance Works. Active
since 2016, he has led interdisciplinary projects
such as “Eik’s Future Memories (Performance)
2019, Illutron,” involving 40 artists and receiving
support from the Danish Arts Foundation,
drawing 500 attendees. His work includes “Digital
Nomade (dance music performance) 2023,
HFM - Berlin,” exploring digital nomad lifestyles,
“Eikeikeik.com (Interactive art website) 2019,
ekeikeik inc,” attracting 400 monthly visitors and
media attention, and the poem and painting
collection “Shampoo” in 2017, sold at ZineFest in
Aarhus, Denmark.
Portraitvideo
2024___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst Ernst Busch in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

CAROLINA DE VEGA

© Mirjana Vrbaski
DE Gibt es so etwas wie eine Trennung?
Wie können wir Symbole, Gesten und eine radikale
Poetik der Bewegung fließend gestalten, um
Rollen und Identitäten in der Performance zu
hinterfragen? Welche anderen Formen der
Existenz und sozialen Begegnungen können in
einem performativen Raum entstehen, der
Individualität und Gemeinschaft in Frage stellt?
Gegenwärtig bin ich daran interessiert, das
Potenzial der Verflechtung und Gegenüberstellung
verschiedener sozialer Begegnungskontexte,
Konzepte, künstlerischer Medien und Empfindungen
zu erforschen, die von meinen eigenen
Lebenserfahrungen und meinen Migrationshintergrund
inspiriert sind. Indem ich diese Erfahrungen
dekonstruiere und sie in andere Räume stelle,
oft in grotesken und surrealen Formen, umarme
ich die Absurdität der Existenz in der Hoffnung,
mit anderen in Resonanz zu treten. Grenzen zu
durchbrechen, um Fäden zu spinnen, die das
Unfassbare näher zusammenbringen, ist für mich
ein Weg, um zu erforschen, wie menschliche
und nicht-menschliche Körper koexistieren und
interagieren können, mit dem Ziel, neue Formen
der sozialen Interaktion und Beteiligung zu
entdecken.
Meine künstlerischen Interessen wurden durch
den maC-Studium-Raum deutlicher, der mir einen
sicheren Ort zum Experimentieren und Schaffen
bot. Es gab mir die Möglichkeit zur Reflexion und
einen Rahmen für Lern- und Erprobungsmöglichkeiten
unter verschiedenen AkteurInnen, Lehrkräften
und KollegInnen, was meine Praxis sehr
bereichert hat. In dieser Begegnung mit anderen
fand ich die Unterstützung, die ich brauchte,
und ich bin dankbar für die Zeit und die Ressourcen,
die mir zur Verfügung gestellt wurden.
Gemeinsam schaffen, gemeinsam produzieren,
getreu meinen künstlerischen Idealen und immer
mit der Gewissheit, dass der Dialog Kraft erzeugt.
EN Is there such a thing as separation? How
can we create fluidity in symbols, gestures and
radical poetics of movement to challenge roles and
identities in performance? What other forms of
existence and social encounters can arise in a performative
space that questions individuality and
community? Currently I am interested in exploring
the potential of interconnectedness and juxtaposition
of different social gathering contexts, concepts,
artistic mediums and sensations inspired in my
own life experiences and migration background.
By deconstructing these experiences and placing
them in other spaces, often in grotesque and
surreal forms, I embrace the absurdity of existence
hoping to resonate with others. Breaking boundaries
to create threads that bring the ungraspable
closer together is a way for me to research about
how human and non-human bodies can coexist
and interact, aiming to discover new transformations
modes of social interaction and participation.
My artistic interests became clearer through
the maC-Studium space, which offered me a safe
place for experimentation and creation. It provided
me with reflection and a framework for learning
and testing opportunities among diverse actors,
teaching staff, and peers, enriching my practice
greatly. In that encounter with others, I found the
support I needed and am grateful for the time
and resources provided.
Creating collaboratively, producing together, remaining
consistent with my artistic ideals and always
with the certainty that dialogue generates strength.

Carolina de Vega. Performerin, Choreografin
und Regisseurin aus Buenos Aires, Argentinien,
mit Wohnsitz in Berlin. Sie schloss ihre BA in
Choreographie an der Universidad Nacional de
las Artes in Argentinien ab, absolvierte ein
Erasmus+ am Institut del Teatre, Spanien und
studierte Philosophie an der Universidad de
Buenos Aires. Ihr Interesse liegt in der Schaffung
experimenteller und radikaler Bewegungsdichtungen
durch die Dekonstruktion und Gegenüberstellung
ihrer eigenen Lebenserfahrungen
und Hintergründe mit menschlichen und nichtmenschlichen
Körpern, wodurch Identitäten,
Räume und soziale Teilhabe im Aufführungsraum
neu erfunden werden.
Ihre Werke wurden auf dem 777 Festival (Berlin),
Creadansa Festival, Transversal Festival (Barcelona),
Bienal de Arte Joven 2022 und FAUNA
2019 (Buenos Aires) präsentiert und haben
den Premio Estímulo a la Creación 2018, Prodanza
2020 und 2021 gewonnen.
Derzeit absolviert sie einen Master in Choreographie
am HZT Berlin gefördert durch ein
Studienstipendium der Heinrich-Böll-Stiftung.
EN Carolina de Vega. Performer, choreographer
and director from Buenos Aires, Argentina, based
in Berlin. She completed her BA in Choreography
at the Universidad Nacional de las Artes in
Argentina, completed an Erasmus+ at the Institut
del Teatre, Spain and studied Philosophy at the
Universidad de Buenos Aires. Her interest lies in
creating experimental and radical poetics of
movement by deconstructing and juxtaposing her
own life experiences, backgrounds, with human
and non-human bodies, reinventing identities,
spaces and social participation in the performance
space.
Her works have been presented at the 777 Festival
(Berlin), Creadansa Festival and Transversal
Festival (Barcelona), Bienal de Arte Joven 2022
and FAUNA 2019 (Buenos Aires) and have won
the Premio Estímulo a la Creación 2018, Prodanza
2020 and 2021.
She is currently studying for a master’s degree in
choreography at the Inter-University Centre for
Dance Berlin, funded by a scholarship from the
Heinrich Böll Foundation.
2024___La Madriguera [Der Bau]
2024___[untitled]
2023___The Party
2023___LOADING
2022___Memorias del subsuelo
linktr.ee/carolinadevega
www.devegacarolina.wordpress.com
instagram/@carolina.d.v
Portraitvideo
2024___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst Ernst Busch in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

ELVAN TEKIN

© Yero Adugna Eticha
DE Künstlerisch arbeite ich an der Schnittstelle
von Kuratieren, Organisieren und Choreografieren.
Ich begann meine kuratorische Praxis Anfang 2023
aus Dringlichkeit und Notwendigkeit heraus, als
das Erdbeben die Türkei, Kurdistan und Syrien
erschütterte. Diese Tragödie ließ mich das Potenzial
des Kuratierens als Erweiterung meiner choreografischen
Praxis erkennen und wie sie sich politisch
und künstlerisch gegenseitig befruchten.
Ob ich nun choreografiere oder kuratiere, meine
Arbeit ist ein Zeugnis für den anhaltenden Geist
des Widerstands und das Streben nach Befreiung.
Ich erforsche den kurdischen Feminismus innerhalb
einer breiteren soziopolitischen Landschaft
durch komplexe Choreografien, die Gesten des
Protests mit Momenten der Intimität und Verletzlichkeit
verweben.
Mein Ziel für die nächsten Jahre ist es, meine
Arbeit auf verschiedene Kontexte und Orte auszudehnen,
eine Ästhetik und Methodik zu definieren,
die den Fokus meiner choreografischen
und kuratorischen Praxis zusammenführt und
vertieft.
EN Artistically, I work at the intersection of
curating, organising and choreographing. I started
my curatorial practice in early 2023, out of urgency
and necessity, when the earthquake hit Turkey,
Kurdistan and Syria. This tragedy made me realise
the potential of curating as an extension of my
choreographic practice, and how they feed each
other politically and artistically.
Whether choreographing or curating, my practice
is a testament to the enduring spirit of resistance
and the quest for liberation. I explore Kurdish
feminism within a broader socio-political landscape
through intricate choreography that interweaves
gestures of protest with moments of intimacy and
vulnerability.
My objective for the next few years is to expand
my work into different contexts and places, to
define an aesthetic and methodology to merge and
deepen the focus of my choreographic and curatorial
practice.

Elvan Tekin (Izmir, 1994) ist Tänzerin, Choreografin
und Community-Organisatorin und lebt
in Berlin. In ihrer Arbeit beschäftigt sie sich
mit den Nuancen von Identität und Körper,
erobert Räume zurück und fördert ein tieferes
Verständnis für kollektive Kämpfe. Im Jahr
2022 wurde Elvans Forschungsprojekt Poetics of
Political Resistance durch die #TakeHeart
Residencies auf Kampnagel, Hamburg, gefördert.
Im Jahr 2023 wurde ihre Solo-Performance
to be a fish in a raki bottle beim Tanztage Festival
in den Sophiensaelen, Berlin, präsentiert.
Außerdem ist Elvan Co-Kuratorin und Gründerin
des kuratorischen Projekts emergentspaces,
das queere und trans*-feministische Perspektiven
in der Diaspora in den Mittelpunkt stellt.
EN Elvan Tekin (Izmir, 1994) is a dancer, choreographer
and community organiser based in
Berlin. Her practice navigates the nuances of
identity and the body, reclaiming spaces and
cultivating deeper understanding of collective
struggles. In 2022, Elvan’s research project
Poetics of Political Resistance was funded by
the #TakeHeart residencies at Kampnagel,
Hamburg. In 2023, her solo performance to be a
fish in a raki bottle was presented at Tanztage
Festival in Sophiensaele, Berlin. Moreover, Elvan
is the co-curator and founder of the curatorial
project emergentspaces which centralises queer
and trans* feminist perspectives in diaspora.
2024__ X Ê R
2023__ BABEL IS FALLING
2022__ stateless solo
Portraitvideo
2024___maC
MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE
HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN
Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst Ernst Busch in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

IMPRESSUM
Herausgeber Hochschulübergreifendes Zentrum
Tanz (HZT) Berlin
Redaktion/Lektorat Christiane Berger
Konzept Jascha Viehstädt, Wanda Golonka
Satz Franziska Bauer
Team maC Prof. Wanda Golonka
(Studiengangsleitung), Prof. Susanne Vincenz,
Prof. Ingo Reulecke, Dr. Christiane Berger,
Isabel Robson
Diese Publikation erscheint zu den Abschlussarbeiten
des Masterstudiengangs Choreographie
des HZT Berlin.
www.hzt-berlin.de | mac@hzt-berlin.de
© HZT Berlin 2024
Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule
für Schauspielkunst Ernst Busch in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

mELISSa HERRaDa
HOLGER BENEDICT SEIDELIN
CaROLINa DE VEGa
ELVaN TEKIN