Hockney Welt der Bilder (Leseprobe)

David Hockney
Martin Gayford
Die Welt
der Bilder
FÜR KINDER
MIDAS
ILLUSTRIERT VON ROSE BLAKE

David Hockney
Martin Gayford
Die Welt
der Bilder
FÜR KINDER
ILLUSTRIERT VON ROSE BLAKE
MIDAS

INHALT
EINFÜHRUNG 6
Kapitel 1: NACHDENKEN ÜBER KUNST 8
Warum machen wir Bilder?
Kapitel 2: ZEICHEN SETZEN 26
Wann ist ein Zeichen interessant?
Kapitel 3: LICHT UND SCHATTEN 42
Was genau sind Schatten?
Kapitel 4: VORSICHT LÜCKE 56
Wie legen Künstler eine Szene an?
Kapitel 5: SPIEGEL UND REFLEXIONEN 72
Wie spielen Künstler mit Licht?
Kapitel 6: MALEREI UND FOTOGRAFIE 84
Womit arbeiten Künstler?
Kapitel 7: BEWEGTE BILDER 100
Können sich Bilder wirklich bewegen?
Kapitel 8: DIE GESCHICHTE GEHT WEITER 110
Was bringt die Zukunft für die Bilder?
GESCHICHTE DER ERFINDUNGEN 118
GLOSSAR 122
BILDNACHWEISE 124
INDEX 127

EINFÜHRUNG
Bilder sind überall: auf Laptops, dem Handy, in Zeitschriften, Zeitungen und
in Büchern wie diesem hier. Wir sehen sie auf der Straße und im Fernsehen.
Sie hängen an Wänden – zu Hause, aber auch in Kunstgalerien und Museen.
Wir denken, träumen und versuchen, die Welt um uns zu verstehen – in
Bildern ebenso wie in Worten.
Dieses Buch basiert auf vielen Gesprächen mit meinem Freund
Martin Gayford, er ist Kunstkritiker und schreibt über Kunst. Es ist also
gewissermaßen ein Dialog. Damit du weißt, wer gerade spricht, steht der
jeweilige Name neben dem Text. Und eine dritte Person nimmt an unserer
Unterhaltung teil: unsere Illustratorin Rose Blake. Sie hat die Bilder von
uns dreien hier auf die Seiten gezeichnet. Auch meine Haustiere und andere
Künstler sind auf ihren Bildern zu finden.
Ich bin David Hockney und ich bin Künstler.
Ich mache Bilder. Ich zeichne, male,
fotografiere und arbeite am Computer
und mit dem Tablet. Dabei behalte ich
immer auch die Arbeiten anderer Künstler
im Blick und unterhalte mich mit anderen
Menschen über Kunst.
David
6

Dieses Buch ist also keine gewöhnliche Kunstgeschichte (in der man die
Ereignisse erwartungsgemäß in der Reihenfolge findet, in der sie passiert
sind). Eine solche Zeitleiste findest du ab Seite 118. Sie erklärt, welche
Werkzeuge Künstler benutzten und wie sich neue Erfindungen auf die
Kunstwerke auswirkten. Auf Seite 122 im Glossar kannst du Wörter
nachschlagen, die du vielleicht noch nicht kennst.
Mir gefallen vielleicht ganz andere Bilder als dir, und wenn du deine
eigene Geschichte der Bilder schreiben würdest, dann vielleicht mit anderen
als denen, die ich in diesem Buch verwendet habe.
Sprich am besten darüber, was du siehst, wenn du dieses Buch liest (oder
vorgelesen bekommst). Wenn wir Bilder betrachten, bringt jeder seine eigene
Sichtweise mit; das ist das Tolle an der Kunst – und der Grund, warum ich
immer neue Kunst schaffe.
– David Hockney
Martin
Rose
7

NACHDENKEN ÜBER KUNST
Warum machen wir Bilder?

DAVID: Bilder sind sehr alt – vielleicht sogar älter
als die Sprache. Ich stelle mir gern vor, dass der
erste Mensch, der ein Tier zeichnete, von jemandem
beobachtet wurde. Und als diese andere Person dem
Tier dann in der Natur wieder begegnet ist, sah sie
es bestimmt etwas klarer.
Wenn wir Bilder schaffen, müssen wir sehr genau
hinschauen. Der Künstler, der vor 17.000 Jahren
den Bullen auf die Höhlenwand von Lascaux in
Südfrankreich gemalt hat, muss das Tier wohl sehr
genau beobachtet haben.
Zeichnung eines Bullen, Höhle von Lascaux,
Frankreich, ca. 15.000 v. Chr.
10

PABLO PICASSO, Die Eule, 1952
Jedes Bild, das von Menschen gemacht wurde, hat seine eigenen Regeln.
Jemand hat es an einer bestimmten Stelle geschaffen und so arrangiert, dass
es eine bestimmte Fläche bedeckt. Als der spanische Maler Pablo Picasso
1952 dieses Bild von einer Eule anfertigte, zeigte er damit seine ganz
persönliche Sichtweise.
Wir alle sehen die Welt auf unterschiedliche Art und Weise. Selbst wenn
wir ein kleines quadratisches Objekt betrachten – ein Kästchen –, sieht es
der eine so und der andere eben anders. Wenn wir einen Raum betreten,
nehmen wir die Dinge durch die Brille unserer Gefühle, Erinnerungen und
Bedürfnisse wahr.
11

Wandgemälde. Pharao Ramses II. bei einer nubischen
Militärexpedition, Ägypten, 13. Jh. v. Chr.
MARTIN: Wenn wir Kunst betrachten,
interessieren uns meistens zwei Fragen:
Warum wurde dieses Bild geschaffen und was
bedeutet es? Und man muss sich auch fragen:
Was zeigt das Bild? In der Kunst Ägyptens ist
der Pharao die größte Figur. Schau dir dieses
Bild von Pharao Ramses II. an. Es wurde im
13. Jahrhundert v. Chr. auf die Wand eines
Tempels gemalt. Hätte man ihn damals
jedoch mit einem Zentimetermaß gemessen,
wäre der Pharao nicht größer gewesen als
andere Menschen zu seiner Zeit, aber in der
Vorstellung der Ägypter überragte er alle und
wurde dementsprechend groß gemalt.
12

DAVID: Im Laufe der Zeit waren Künstler
immer auf der Suche nach Möglichkeiten, unsere
dreidimensionale Welt auf einer ebenen Fläche
darzustellen, also auf einem Blatt Papier oder
einer Leinwand. Insofern lässt sich ein Bild mit
einer Landkarte vergleichen. Die Aufgabe eines
Kartenzeichners besteht darin, die Eigenschaften
eines gewölbten Objekts – der Erde – auf einer
Fläche darzustellen.
Das ganz genau hinzubekommen ist unmöglich!
Darum spiegeln auch alle Karten die Interessen
und das Wissen der Person wider, die sie
hergestellt hat. Bei Bildern ist das genauso.
13

JAN VAN EYCK,
Die Arnolfini-Hochzeit, 1434
MARTIN: Wenn du die Geschichte von Bildern genauer betrachtest,
findest du Verbindungen zwischen Bildern, die aus völlig verschiedenen
Epochen und von unterschiedlichen Orten stammen. Zwei Personen
in einem Raum, der Blick aus dem Fenster, ein Haustier: All das
finden wir in Jan van Eycks Bild »Die Arnolfini-Hochzeit« – aber auch
in deinem Gemälde »Mr. and Mrs. Clark and Percy« (auf der nächsten
Seite), das mehr als 500 Jahre später entstanden ist.
Van Eyck arbeitete im 15. Jahrhundert in den Niederlanden. Seine Bilder
waren frisch und neuartig, sie sahen ganz anders aus als die Bilder
der anderen Künstler zu jener Zeit. Indem er Ölfarben in Schichten
übereinander auftrug, schuf er tiefe, satte Farben und feine Details.
Er malte dieses Bild von Giovanni Arnolfini, einem Händler aus Brügge,
und seiner Gattin im Jahre 1434.
DAVID: Van Eycks Gemälde sind voll von Gegenständen, die so vorher nie
zu sehen gewesen waren. Kein Maler hatte jemals einen Spiegel im Bild, so
wie in der Mitte des Arnolfini-Bildes. Sicher war das für van Eyck schwer
zu malen, aber jeder, der es nach ihm tat, konnte seinem Beispiel folgen. Das
gilt für fast alles in diesem Bild: die leicht angeschmutzten Holzpantoffeln,
die Orangen am Fenster und den Kronleuchter. Als van Eyck einmal
herausgefunden hatte, wie man das malen musste, konnte ihn jeder Künstler
imitieren.
15

DAVID HOCKNEY, Mr. and Mrs. Clark and Percy, 1970–71
16

DAVID: Mein Bild habe ich 1970 und 1971 gemalt,
es zeigt meine Freunde Celia Birtwell und Ossie
Clark in ihrer Wohnung am Notting Hill Gate
in London.
MARTIN: Manche Bilder sprechen uns an,
auch wenn die Gegenstände darauf inzwischen
ungewohnt sind. Das weiße Wählscheiben-
Telefon in der Ecke des Bildes, das 1971
sicher modern und schick war, wirkt heute
einigermaßen merkwürdig (wie der komische
Hut von Giovanni Arnolfini oder die grüne Robe
seiner Gattin). Vielleicht fragen sich unsere
Leser sogar, was dieses weiße Telefon eigentlich
ist. Dennoch betrachten sie die beiden
Menschen auf dem Bild wohlwollend und mit
Interesse, ebenso die Blumen und Percy, die
Katze – genau wie wir uns die Tiere auf den
Wänden urzeitlicher Höhlen anschauen, ohne
zu wissen, wer sie gemalt hat oder warum.
17

UTAGAWA HIROSHIGE, Ansicht des Hafens (Miya: Station Nr. 42), ca. 1847–52
DAVID: Bilder beeinflussen andere Bilder. Vincent
van Gogh war einer der ersten Maler im Europa
des 19. Jahrhunderts, der die leuchtenden Farben
und schwungvollen Linien einsetzte, die er aus der
japanischen Malerei kannte, wie zum Beispiel in dem
Farbholzschnitt oben auf dieser Seite. Er ließ sich
in Arles in Südfrankreich nieder, wo die Sonne stark
und grell schien. Van Goghs intensive Farben hatten
großen Einfluss auf viele Künstler nach ihm.
18

VINCENT VAN GOGH, Père Tanguy, 1887
Und noch eines schaute er sich von der japanischen Kunst ab: die fehlenden
Schatten. Darüber, wie Künstler Licht und Schatten einsetzen, sprechen wir
weiter hinten in diesem Buch.
MARTIN: Für dieses Bild von seinem Freund, Père Tanguy, verwendete
van Gogh eine Reihe japanischer Farbholzschnitte aus seiner
Sammlung als spannenden Hintergrund. Im späten 19. Jahrhundert
sammelten Künstler begeistert diese Holzschnitte, denn sie zeigten
eine völlig neue Arbeitsweise. Kunst musste nicht mehr so aussehen
wie die reale Welt.
19

DAVID: Um noch einmal auf van Eyck und sein Porträt von Arnolfini
zurückzukommen, ich stelle mir van Eyck gern bei der Arbeit vor. Sein
Atelier muss fast wie ein Hollywood-Filmstudio ausgesehen haben. Perücken,
Waffen, Kronleuchter, Modelle – alle möglichen Requisiten. Es ist völlig
unmöglich, aus der Erinnerung solche Bilder zu malen. Das muss eher wie bei
einem Filmdreh abgelaufen sein: Kostüme, Licht, Kamera und los!
MARTIN: Es gibt viele Querverbindungen zwischen Malerei, Fotografie
und Kino. Darauf gehen wir weiter hinten im Buch noch genauer ein.
DAVID: Als ich klein war, nannte man das Kino noch »Pictures« … Bilder.
Mama, können wir zu den Bildern gehen? Ein Film ist ja nichts anderes als
bewegte Bilder … trotzdem sind es immer noch Bilder.
MARTIN: Filme wurden in Hollywood gedreht, weil das Licht in
Kalifornien so intensiv war. Die Filmemacher lösten damit also
ein Problem, mit dem sich auch große Maler schon herumschlagen
mussten, darunter Caravaggio und Leonardo da Vinci: die
Beleuchtung. Sie mussten herausfinden, wie sie das Motiv am
besten ausleuchteten, um ein möglichst starkes Bild zu schaffen.
20

LEONARDO DA VINCI, Mona Lisa, ca. 1503–19 Fotografie von Marlene Dietrich, ca. 1937
DAVID: Leonardos großartiges Gemälde von der Mona Lisa ist eines
der ersten Porträts mit Schattenübergängen. Das Gesicht ist wunderbar
ausgeleuchtet. Schau dir die Schatten unter der Nase an, und dieses Lächeln,
wie da Vinci die Farbübergänge von heller bis zu dunkler Haut meistert. Ich
habe keine Ahnung, wie er das hinbekommen hat – es muss ewig gedauert
haben, die Farbe aufzutragen. Diese Beleuchtung erinnert mich eher an Fotos
der großen Schauspielerin Marlene Dietrich.
21

DAVID: Walt Disney war ein großer amerikanischer
Künstler. Wer waren denn die eigentlichen Stars der
1930er und 1940er? Micky Maus und Donald Duck!
Und heute gibt es sie immer noch.
Wenn man sich den Film »Pinocchio« Bild für
Bild anschaut, sieht man die erstaunliche Sequenz,
in der Pinocchio mit Geppetto den Bauch des Wals
betritt. Sie entfachen ein Feuer, um das Ungetüm
zum Rülpsen zu bringen, und dann kommt die geniale
Stelle, wo beide aus dem Wal herausgeschleudert
werden. Dann verfolgt sie der Wal. Auf ihrem Floß
geraten beide in einen Sturm und werden schließlich
an einen Strand gespült.
Als ich begriff, wie das gemacht wurde, war ich
erstaunt. Teile des Films, die weißen Schaumkronen
und tobenden Wellen, sehen aus wie chinesische und
japanische Holzschnitte – offensichtlich hatten sich
die Trickfilmzeichner von Disney diese Kunstwerke
angeschaut, ebenso einige Fotos von Wellen und Meer.
Als Geppetto und Pinocchio an die Küste gespült
werden, sieht man die Wasserblasen, bis das Wasser
schließlich im Sand versinkt. Fantastisch!

WALT DISNEY PRODUCTIONS, Standbild aus Pinocchio, 1940
UTAGAWA HIROSHIGE, Detail aus Naruto-Strudel, Provinz Awa, ca. 1853

MARTIN: In der Geschichte geht es nicht geradeaus. Alle Künstler
stoßen auf unterschiedliche Probleme – wie sie den Raum einsetzen,
um in ihren Bildern Geschichten zu erzählen, oder wie sie den Strich
eines Pinsels oder Stifts wie eine Person oder einen Gegenstand
aussehen lassen. Darum schauen wir uns in diesem Buch zuerst einige
dieser Ideen an, bevor wir uns zu bestimmten Orten oder in bestimmte
Zeiten begeben.
Wir werden uns auch darüber unterhalten, wie sich die technische
Entwicklung auf die Geschichte der Kunst ausgewirkt hat. Seit der
Erfindung der Fotografie haben es Zeitungen, bewegte Bilder, das
Fernsehen, das Internet und das Smartphone möglich gemacht,
Milliarden von Bildern in Lichtgeschwindigkeit zu teilen – auf der
ganzen Welt. Bilder ändern sich, und zwar schnell. Immer mehr
Menschen stellen sie her und bearbeiten sie, viel schneller als je zuvor.
DAVID: Die Menschen lieben Bilder. Sie haben einen starken Einfluss darauf,
wie wir die Welt um uns erleben. Viele Leute haben sich schon immer lieber
Bilder angesehen, als zu lesen; vielleicht wird das auch immer so bleiben. Ich
glaube, die Menschen mögen Bilder sogar noch lieber als Worte. Ich schaue
mir die Welt gern an und habe mich schon immer dafür interessiert, wie wir
sehen und was wir sehen. Die Geschichte der Bilder beginnt in den Höhlen
und endet heute, auf dem iPad. Und wer weiß, wie es weitergeht?

25

ZEICHEN SETZEN
Wann ist ein Zeichen interessant?

Felsbild eines Löwen, Höhle Les Combarelles, Frankreich, ca. 12.000 v. Chr.

DAVID: Sobald du zwei oder drei Zeichen auf einem Blatt Papier hinterlässt,
fangen sie an, wie irgendetwas auszusehen. Zwei kleine Striche könnten
zum Beispiel zwei Figuren oder zwei Bäume sein. Vier Zeichen könnten
ein Gesicht darstellen, das weiß jeder. Wir lesen alle möglichen Dinge aus
Zeichen. Mit ganz wenig lassen sich Landschaften, Menschen oder Tiere
darstellen.
MARTIN: Wenn wir die Welt betrachten, erkennen wir in einem Ding
oft ein anderes Ding. Der Künstler Leonardo da Vinci sagte, er stelle
sich die zufälligen Formen oder Muster auf den Mauern und Steinen
in seiner Umgebung meist als unglaubliche Landschaften, Figuren
oder Gesichter vor. Schau dir das Bild des Löwen an, es ist mehr
als 14.000 Jahre alt. Vorzeitliche Künstler bearbeiteten den Fels mit
Steinwerkzeugen und verwandelten natürliche Risse und Wölbungen
in das Bild eines großes Tieres.

DAVID: Was macht ein Zeichen interessant? Ich glaube, es ist die Bewegung
– die Art und Weise, wie ein Künstler den Stift oder Pinsel einsetzt. Oft
kann man erkennen, ob er die Linie schnell oder recht langsam gezeichnet hat.
Chinesische Maler trainierten ihre Kunst, indem sie dieselben Bilder
immer und immer wieder malten. Angenommen, sie zeichneten einen Vogel.
Sie begannen vielleicht mit zehn Strichen, bis sie schließlich mit drei oder
vier auskamen. Ich habe einmal einen jungen chinesischen Maler beobachtet,
der Katzen malte. Er setzte jeden Strich ganz perfekt. Auch die chinesischen
Schriftzeichen sind eng mit der Malerei verbunden. Winzige Veränderungen an
einem Zeichen sorgen sofort für eine neue Bedeutung.
WU ZHEN, Seite aus einem Album mit Bambus-Zeichnungen, 1350
30

MUQI FACHANG, Sechs Kakipflaumen, 13. Jahrhundert
Im 13. Jahrhundert malte der chinesische Geistliche und Maler Muqi
dieses zarte Bild von sechs Früchten mit Tusche auf Seide. Dazu hinterließ
er fast gar keine Zeichen – man kann die wenigen Pinselstriche förmlich
zählen. Dennoch vermochte er es, alle Früchte verschieden aussehen zu lassen.
Zu jener Zeit benutzten chinesische Maler keine Farben, darum war es
besonders wichtig, wie sie die Tusche verwendeten und den Pinsel führten.
Während der Ming-Dynastie zählte ein Kunst-Autor 26 verschiedene
Möglichkeiten, Felsen zu malen, und sogar 27, um das Bild eines Baumes
mit Blättern zu versehen!
31

DAVID: Maler borgen ständig Zeichen untereinander aus. Du kannst das
erkennen, wenn du ihre Bilder genauer betrachtest. Sie lernen, indem sie
Arbeiten anderer Künstler kopieren. Auch Rembrandt, der im 17. Jahrhundert in
Amsterdam arbeitete, hatte vermutlich einige chinesische Zeichnungen gesehen.
Amsterdam war eine Hafenstadt und die Holländer trieben vor allem Handel
mit dem Fernen Osten. Vermutlich brachten sie neben Gewürzen, Porzellan und
Seide auch Bilder auf ihren Schiffen mit.
Schau dir Rembrandts Skizze des Kindes an, das gerade laufen lernt. Das
Kind wird von seiner Mutter und einer älteren Schwester gehalten. Die Mutter
hält es gut fest, die Schwester zögert etwas. Das Kind scheint sich etwas zu
fürchten, was nur an ein oder zwei Zeichen auf seinem Gesicht zu erkennen
ist. Der Vater hockt links und schaut erstaunt – zu erkennen lediglich an zwei
wunderschönen Tuscheflecken.
32

REMBRANDT VAN RIJN, Ein Kind lernt laufen, ca. 1656
Rembrandt verwendet nicht viele Linien. Dennoch können wir erkennen,
dass der Rock der Mutter etwas abgetragen und der Eimer der Milchmagd
ziemlich schwer ist – eine unglaubliche Zeichnung.
Rembrandts Zeichnungen sind nicht besonders groß, denn Papier war sehr
teuer. Er musste jeden Millimeter nutzen! Wenn die Zeichnungen nur in
einem kleinen Format reproduziert werden, erkennt man nicht alle Details,
aber wenn man sie vergrößert und dann noch einmal anschaut, sieht man
deutlich mehr. Und man erkennt, wie schön die Zeichnung ist.
33

DAVID: Es gab einmal eine Zeit, zu der jeder zeichnen konnte. Bevor die
Fotografie aufkam, wurde Zeichnen sogar an der US-Militärakademie
unterrichtet, denn die Offiziere in der Armee mussten zeichnen können.
Ingenieure mussten eine Maschine zeichnen können. Das war schon seit
30.000 Jahren so. Und sehr gut zeichnen zu können, will gelernt sein.
MARTIN: Wir wissen, dass viele berühmte Maler, wie Raffael,
Michelangelo und J. M. W. Turner, bereits als Teenager zu malen
begonnen haben. Das ist wie ein Musikinstrument spielen oder Tennis
– man muss täglich üben.
Michelangelos Zeichnungen, wie die des laufenden Mannes,
beeindruckten alle, die ihn trafen. Eine berühmte Geschichte erzählt,
wie Jacopo Gallo, ein römischer Adliger, 1496 das Haus des Künstlers
besuchte. Er wollte einige Werke von Michelangelo anschauen. Dieser
hatte jedoch gerade keine Bilder da, aber er nahm seine Feder und
zeichnete eine Hand. Gallo war sprachlos, so perfekt war sie.
DAVID: Du wärst auch erstaunt, wenn eine Michelangelo-Zeichnung plötzlich
vor deinem Auge auftauchen würde, vor allem, wenn du vorher noch nicht viel
von ihm kanntest. Michelangelos Zeichnungen sind toll. Bei manchen weiß man
gar nicht, wie er das hinbekommen hat.
34

MICHELANGELO, Figurstudie eines laufenden Mannes, ca. 1527–60
35

WILLIAM-ADOLPHE BOUGUEREAU, Mignon, 1869
MARTIN: Ende des 18. Jahrhunderts schienen die Pinselstriche zu
verschwinden. Die Gemälde, die in den großen Galerien wie der Royal
Academy in London oder im Salon in Paris ausgestellt wurden, hatten
eine glatte Oberfläche. Sie sahen fast ein wenig wie Fotos aus.
Als jedoch Édouard Manet in Paris in den 1850er- und 1860er-
Jahren zu malen begann, kam der Pinselstrich zurück! Seine Bilder
– wie das Porträt der Malerin Berthe Morisot – hoben sich von allen
anderen ab. Nach Manet kamen Claude Monet, die Impressionisten
und Vincent van Gogh.
Zu jener Zeit wurden sie alle kritisiert, weil sie Bilder ausstellten, die
eher wie Skizzen als wie fertige Gemälde aussahen.
36

ÉDOUARD MANET, Berthe Morisot mit Veilchenstrauß, 1872
37

DAVID: Monet und die Impressionisten malten unter freiem Himmel statt im
Atelier. Sie arbeiteten bei jedem Wetter, häufig auch sehr schnell. Es gibt
zum Beispiel wunderschöne Monet-Gemälde von schmelzenden Eisschollen
auf der Seine. Eis auf diesem Fluss war so selten, dass Monet sofort
hingehen und dieses Naturereignis im Bild festhalten musste.
MARTIN: Der Winter 1879–80 war einer der kältesten im
19. Jahrhundert. Auf der Seine bildete sich eine dicke Eisschicht,
bedeckt von mehreren tiefen Lagen Schnee. Monet lebte zu jener Zeit
in Vétheuil, einer kleinen Stadt außerhalb von Paris. Es wird erzählt,
dass das Eis auf der Seine am Abend des 4. Januar zu schmelzen
begann, zuerst im Osten, dann immer weiter im Westen.
DAVID: Monet muss sich sofort an die Arbeit gemacht haben, als er von
den Eisschollen auf der Seine erfuhr. Das Eis konnte ja schon in einer
Nacht geschmolzen sein. Er musste sich also sehr beeilen. Wenn die Sonne
untergeht, weiß man, dass es bis zur Dunkelheit nur noch ungefähr eine
Stunde dauert. Er muss also sehr genau hingeschaut haben! Bilder können uns
Dinge zeigen, die wir ohne sie gar nicht wahrgenommen hätten. Monet sorgte
dafür, dass wir die Welt ein bisschen deutlicher erkennen.

CLAUDE MONET, Eisgang, 1880

DAVID: Wie schnell sich Licht und Himmel verändern, ist mir beim Malen in
Yorkshire aufgefallen. Das Klima dort ist ähnlich wie in Nordfrankreich, wo
Monet arbeitete. Auf meinen Kohlezeichnungen von Woldgate in Ost-Yorkshire
im Frühling 2013 verwendete ich viele verschiedene Zeichen. Man braucht eine
gewisse Vielfalt. Ich schaute mir Pablo Picasso an, Henri Matisse und Raoul Dufy.
Ich verwendete aber nur solche Zeichen, die mit einem Kohlestift möglich sind;
mehr geht nicht.
Es gibt ebenso eine Geschichte der Zeichen wie es eine Geschichte der Bilder
gibt! Du kannst verschiedene Zeichen anschauen, die ein Künstler verwendet, und
dann etwas ausborgen – Zeichen mit einer Feder, mit Zeichenkohle, Bleistift,
ebenso Striche mit Pinsel und Farbe. Und du erkennst sie noch besser, wenn du
selbst zeichnen lernst und die Zeichen kopierst.
RAOUL DUFY, Die Avenue du Bois de Boulogne, 1928
40

DAVID HOCKNEY, Woldgate, 26. Mai 2013, 2013

1. Auflage 2019
ISBN 978-3-03876-144-0
Die Welt der Bilder für Kinder
© 2019 Midas Verlag AG
Übersetzung: Claudia Koch
Lektorat & Projektleitung: Gregory C. Zäch
Buchdesign: Sarah Praill
Texte von Martin Gayford © 2018 Martin Gayford
Texte von David Hockney © 2018 David Hockney
Arbeiten von David Hockney © 2018 David Hockney
Illustrationen von Rose Blake © 2018 Rose Blake
Englische Orignalausgabe:
A History of Pictures for Children © 2018 by Thames & Hudson
Gekürzte und adaptierte Fassung des Buches by Mary Richards
Welt der Bilder von David Hockney und Martin Gayford
Midas Verlag AG, Dunantstrasse 3, CH 8044 Zürich
Mail: kontakt@midas.ch, Social Media: @midasverlag
Alle Rechte vorbehalten. Printed in China
128

Die Geschichte der Bilder beginnt in den Höhlen und
endet - zumindest momentan - mit dem iPad. Wer
weiss, wohin die Reise noch führt? – David Hockney
David Hockney
Begleite David Hockney und Martin Gayford auf einer
spannenden Reise durch die Welt der Bilder, wunderschön
illustriert von Rose Blake wirst du eine große Bandbreite
von Kunstwerken entdecken: Höhlenmalereien, Fresken,
Skulpturen, Gemälde, Fotografien, Videokunst und
noch viel mehr. Zudem lernst du zahlreiche Künstler wie
Caravaggio, Van Gogh, Monet oder Picasso kennen und
erfährst, wie sie gearbeitet haben. Dieses Buch macht
neugierig und öffnet die Augen für die Vielfalt der Kunst.
David Hockney ist einer der
populärsten lebenden Künstler
der Welt. Er schafft Bilder in fast
jedem Medium und studiert auch
gern die Werke anderer Künstler.
Martin Gayford ist Kunstkritiker
und Autor. Mit David Hockney
führte er im Laufe der Jahre viele
Gespräche über Kunst, von denen
einige zu Büchern wurden.
Martin Gayford
Rose Blake ist eine mehrfach
preisgekrönte Illustratorin aus
London. Sie kennt David Hockney,
seit sie 11 Jahre alt ist.
Rose Blake
www.midas.ch
ISBN-13: 978-3-03876-144-0
MIDAS