Filmakademie Baden-Württemberg Campus Magazin 25/26

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CAMPUS MAGAZIN(E)
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
26

CAMPUS MAP
The technical departments of
the Filmakademie provide the technical
infrastructure for administration, teaching
and production.
Cinema
IT-OfficeNet
Mobile Technology (Rental)
Production Design Workshop
Sound Stages
Recording Studios
Video Editing
TECHNICAL
DEPARTMENTS
In the area of administration,
responsibilities include student
management, finance and accounting,
annual financial statements, controlling,
risk management, procurement, legal
issues, job and personnel planning
and development, as well as general
administration and business organisation.
Casting Office
Commercial Administration
Financial Accounting
General Administration
Library, Video & Media Library
Personnel & Fees
Office of Student Affairs
Teaching Administration
ADMINISTRATION
The range of study courses reflects the
entire spectrum of topics in the media
industry, from screenwriting, directing and
cinematography to animation, production
design and editing, from production, film
music and sound design to motion design
and interactive media, spread across 3 study
courses:
Film and Media
Film Music and Sound Design
Production
In addition, the following postgraduate
diploma courses are offered:
Animation / Animation &
Effects Producer
Animation / Technical Director
Film Journalism
Film Music
Film Sound Production & Film
Sound Design
Interactive Media
Motion Design
Production Design
ACADEMY OF
PERFORMING ARTS
The neighbouring ADK prepares students
comprehensively – and uniquely in Germany –
for careers both on stage and in film. The
interdisciplinary, practice- and project-oriented
training takes place in cooperation between the
study courses directing, dramaturgy, acting, and
stage & costume design across all years and study
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
programmes.
The Atelier Ludwigsburg-Paris is an EU-funded one-year
further education programme for aspiring international film
producers and distributors who have already successfully
finished a study course. It is an autonomous institution under
the umbrella of FABW and with the film schools La fémis
(France) and NFTS (England) and broadcaster ARTE as main
partners.
ALUMNI NETWORK
FRIENDS OF FABW
ASTA
GENDER EQ
The alumni network ensures regular contact
The promotional association Friends
The General Student Committee AStA is elected
The Filmakademie is c
and exchange with Filmakademie graduates, for
of Filmakademie Baden-Württemberg
directly by the student body at the beginning of
constitutionally requir
example by maintaining the alumni homepage,
(Förderverein der Filmakademie Baden-
each academic year. It represents the interests of
women and men and w
sending out newsletters, organising events
Württemberg e.V.) was founded in 1993 and
the students within and outside the Filmakademie
of existing disadvantag
and forwarding offers for jobs, workshops or
now has over 400 members. It is recognised
and performs advisory and supportive tasks in the
Opportunities Officers
scholarships.
as a non-profit association for tax purposes
service of the student body of FABW.
and men in career adv
and, in accordance with its statutes, focuses
disadvantages and que
on promoting exellence.
the reconciliation of w

Workshops for external students:
Film Acting
In the Film Acting Workshop and the
English-language International Screen Acting
Workshop, young acting talents can expand
their classical training to include film acting
for 8 weeks. Teaching includes theoretical
and practical excercises under the guidance
of renowned industry professionals.
TEACHING
The Animationsinstitut is part of the
Filmakademie, but at the same time has its
own organisational structures in some areas.
Management
Research & Development
Staff Units
Teaching
Technical Deptartments
ANIMATIONSINSTITUT
FMX - Film & Media Exchange is organised
by Filmakademie Baden-Wuerttemberg. It is a
globally influential trade conference that focuses
on the development and trends in the design,
technology and business of animated films, visual
effects, interactive and immersive media.
FMX
MANAGEMENT
In the area of teaching, the management is responsible, among
other things, for the conception, planning and implementation
of teaching, the acquisition of teaching personnel, study
coordinators and project supervisors, commissioned
productions, the development of the Ludwigsburg/Stuttgart
region as a media location for alumni and start-ups, as well
as cooperation with regional and national broadcasters and
production companies.
STAFF UNITS
The staff units are directly assigned to the management.
UALITY
ommitted to the
ed equal opportunities for
orks towards the elimination
es for women. The Equal
advise and support women
ancement, the elimination of
stions of work-life balance and
ork and care.
INTERNATIONAL OFFICE
The International Office organises mobilities
in the form of excursions and guest studies
at partner institutions abroad. Its Englishlanguage
International Class brings together
24 incoming students each year in the summer
semester. The mission of the International
Office is to enable all students of the
Filmakademie to have an experience abroad in
the course of their studies.
Assistant to the Director
Commissioned Productions
Communications
Controlling
Distribution & Licences
Diversity & Inclusion Strategy Coordinator
Festivals
Head of Studies
Legal Advisor
Scholarships / Pitchings
Sustainability Management and Special Tasks

2
THE RHYTHM
OF CHANGE

EDITORIAL
WILLKOMMEN AUF DEM CAMPUS,
WILLKOMMEN IM WANDEL,
WILLKOMMEN IM JETZT
DIE DIESJÄHRIGE,
VON DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG
VERANSTALTETE BRAN-
CHENKONFERENZ FMX
– FILM & MEDIA EXCHANGE, BEI DER ANFANG MAI MEDIENSCHAFFENDE AUS ALLER
WELT IN STUTTGART ZUSAMMENTRAFEN, STAND UNTER DEM MOTTO "THE RHYTHM
OF CHANGE". EIN SCHÖNES UND BESONDERS PASSENDES MOTTO FÜR DIE ZEITEN,
IN DENEN WIR LEBEN. DOCH WIE UMGEHEN MIT ALL DEN VERÄNDERUNGEN, DIE
UNS UMGEBEN UND HERAUSFORDERN?
Liebe Dozierende, liebe Mitarbeitende,
liebe Gäste und natürlich: Liebe Studierende!
Herzlich willkommen (zurück) auf dem Campus in Ludwigsburg! Einige von euch betreten diesen
Ort zum ersten Mal – mit Erwartungen, mit Neugier, mit Vorfreude, vielleicht aber auch mit einem
mulmigen Gefühl. Andere kehren zurück, kennen sich hier bereits aus. Und doch: Auch für sie ist
oder wird dieses Jahr wohl manches neu: Neue Ideen, neue Ziele, neue Projekte, neue Studierende,
neue Freundinnen und Freunde…
Für mich persönlich bringt der Auftakt des akademischen Jahres 2025/2026 ebenfalls viel Neues.
Es ist mein erstes akademisches Jahr als Direktor der Filmakademie. Nach zwanzig Jahren unter
der Leitung von Thomas Schadt bedeutet der Amtswechsel nicht nur einen persönlichen Übergang,
sondern zumindest ein Stück weit auch einen Wendepunkt für die Filmakademie und den
Campus. Und es geht mir dabei vielleicht ähnlich wie manchen von Euch. Ich starte das akademische
Jahr mit großer Lust und (Vor-)Freude. Aber eben auch mit einem Gefühl des Respekts. Und
das ist auch völlig ok so.
DER RHYTHMUS
DES WANDELS.
Was verändert sich? Was bleibt? Und was liegt in unserer gemeinsamen
Verantwortung, neu zu denken, neu zu erschaffen
und zu gestalten? Die Antwort darauf ist komplex. Doch
sie beginnt mit einer einfachen, aber ehrlichen Feststellung:
Veränderung ist eine Tatsache. Und sie ist allgegenwärtig.
Ob wir es wollen oder nicht: Alles verändert sich fortwährend. Die Umwelt, technologische Entwicklungen,
politische Verschiebungen, globale Krisen, gesellschaftliche Umbrüche – das alles
prägt unseren Alltag, unser Denken, unsere Arbeit, unser Sein. Oft führen Wandel und Veränderungen
zu einem Gefühl von Unsicherheit. Zum einen, weil wir im Strom der Veränderungen nicht
wissen, was auf uns zukommt. Zum anderen, weil wir auch Liebgewonnenes loslassen und uns innerlich
wie äußerlich neu ausrichten müssen. Das ist nicht immer leicht.
3

EDITORIAL
UNSER CAMPUS:
KEIN BOLLWERK.
Der stete Wandel aller Dinge macht auch vor unserem
Campus nicht Halt. Denn auch wenn unser
Campus ein besonders geschützter Ort ist: Er ist kein
Bollwerk und er soll auch kein Bollwerk sein. Er ist
Teil der Welt und so reflektiert er auch all die Herausforderungen, Reibungen und Auseinandersetzungen,
die unsere Welt nun mal ausmachen. Auch den tiefgreifenden Wandel, den unsere Welt
momentan durchläuft.
Die Dynamik des Wandels mag sich mitunter unangenehm anfühlen. Aber sie birgt auch eine
enorme Kraft – die Kraft der Erneuerung. Ohne das Vergehen des einen kann nichts Neues entstehen.
Wichtig ist, den Wandel nicht zu leugnen oder gar zu versuchen, ihn aufzuhalten. Das ist
unmöglich. Wichtig ist auch, ihn mit wachem Verstand zu beobachten und zu erfahren. Vor allem
aber ist wichtig, den Wandel – wo er doch ohnehin stattfindet – als Transformation statt als Disruption
zu begreifen und ihn bewusst und konstruktiv zu gestalten, statt sich ihm willenlos zu ergeben.
Sozialpsychologische Veränderung findet
nicht nur – ja noch nicht mal in erster Linie
– im Außen statt. Sie beginnt im Innern
– in der Art, wie wir wahrnehmen, wie wir
denken, wie wir reagieren und handeln. Je klarer wir die Dinge sehen, desto ruhiger stehen wir
im Strom der Veränderung und desto gefestigter können wir dem Neuen begegnen und es mit unserer
eigenen Haltung und Handlung prägen.
ETWAS KLÜGER,
KREATIVER, MENSCHLICHER.
Dabei sollten wir unseren eigenen Einfluss weder überschätzen – noch unterschätzen. Wir können
die Welt, deren untrennbarer Teil wir sind, nicht allein und nicht komplett verändern. Dafür
ist sie zu vielschichtig. Aber wir haben die Mittel, sie jedenfalls ein Stück weit zu verändern: sie etwas
klüger, etwas kreativer, etwas menschlicher zu machen. Anfangen können wir dabei bei unserem
eigenen Verhalten. Mit all den Ursachen, die wir – und damit meine ich jede und jeden einzelnen
von uns: Studierende, Dozierende, Mitarbeitende – hier und heute setzen, prägen wir die
Welt von morgen. Ganz unmittelbar.
DER CAMPUS
ALS LEBENDIGER ORGANISMUS.
Ein Campus ist nie nur ein Ort. Er
ist ein lebendiger Organismus, der
von Visionen, Begegnungen, Auseinandersetzungen
und Gemeinschaft
lebt. Unsere Akademien – die Filmakademie und die Akademie für Darstellende Kunst – teilen
nicht nur eine räumliche Nähe, sondern auch eine gemeinsame Geschichte. Und sie teilen eine
gemeinsame Verantwortung.
Wir arbeiten in unterschiedlichen Disziplinen, bedienen uns verschiedener Ausdrucksformen –
und doch eint uns das Streben nach Sinn, nach Wahrheit, nach Gestaltung, nach Wirkung. In einer
Zeit, in der Abschottung, Abgrenzung, Ausgrenzung und Vereinzelung vielerorts zunehmen, wollen
wir ganz bewusst einen Gegenentwurf leben: uns der Welt, in der wir leben und uns füreinander
öffnen, statt uns abzuschotten. Und gleichzeitig: noch enger zusammenrücken.
4

ECHTHEIT,
VERTRAUEN, VERBINDUNG.
Wenn wir lernen, die Anderen wirklich
zu sehen – nicht nur durch unsere Annahmen,
Projektionen und Konzepte,
sondern in ihrer tatsächlichen Eigenart,
mit ihren individuellen Erfahrungen, mit ihren Stärken und ihrer Verletzlichkeit – und wenn wir
zudem bereit sind, auch uns selbst authentisch zu zeigen – in unseren Worten, Handlungen und
Werken –, dann kann etwas sehr Wertvolles entstehen: Echtheit. Vertrauen. Verbindung. Und dies
sind die Pfeiler für echte Gemeinschaft, die uns im Strom der Veränderung Festigkeit verleiht.
Die vergangenen Jahrzehnte haben gezeigt, was möglich
ist, wenn eine Vision, Mut, Engagement und der
fortwährende Einsatz von so vielen zusammenkommen.
Die Filmakademie hat sich mit ihren nationalen
und internationalen Erfolgen, ihrem stark praxisorientierten Lehrkonzept und ihrer engen Verbindung
zur Medienbranche einen Ruf erarbeitet, der weit über die Landesgrenzen hinausstrahlt. Die
ADK setzt seit Jahren künstlerische und gesellschaftliche Impulse, die bewegen. Unsere Akademien
sind dafür bekannt, künstlerische Persönlichkeiten zu formen, die mit einer eigenen Stimme und
Haltung auf- und in die Welt hinaustreten.
WAS WAR? WAS IST?
WAS KOMMT?
Das alles ist kein Zufall. Es ist das Ergebnis unzähliger guter Bedingungen, die zusammengekommen
sind, damit entstehen konnte, was wir heute auf unserem Campus erleben dürfen. Und es ist
die Folge mutiger Entscheidungen visionärer Persönlichkeiten unseres Landes. Unser Land – Baden-Württemberg
– traf vor über 35 Jahren die Entscheidung, ausgerechnet in Ludwigsburg, nicht
gerade einem Epizentrum der weltweiten Filmbranche, eine Filmakademie entstehen zu lassen.
Und es entschied sich außerdem, die Filmakademie mit den erforderlichen Mitteln auszustatten,
damit sie es mit den renommiertesten Filmschulen dieser Welt aufnehmen kann. Im Jahr 2008 kam
dann die ADK hinzu. Und seither wurden unsere Institutionen, die eine in Europa einmalige Campusgemeinschaft
bilden, auch nicht mehr ernsthaft in Frage gestellt. Auch dann nicht, als die Umstände
mitunter widrig erschienen. Sicher lag das auch daran, dass wir uns über die Jahre hinweg
zu einem großen Erfolg und Aushängeschild des Landes entwickelt haben. Möglicherweise lag es
aber auch an dem weitsichtigen Verständnis, dass es Kultur und Medien sind, die ein Land zusammenhalten,
die ihm in einer hochtechnisierten Welt eine menschliche Seele und den Geist der Freiheit
geben. Auch und gerade in Zeiten der Krise.
DIESEN WEG WOLLEN
WIR FORTSETZEN –
UND ZUGLEICH NEU DENKEN.
So wertschätzend und dankbar wir
für die Geschichte unserer Akademien
und unseres gemeinsamen
Campus sein können: Der Blick darf
nicht rückwärtsgewandt sein. Unser
Fokus muss auf der Gegenwart liegen
- mit der inneren Ausrichtung auf die Zukunft. Denn wie erwähnt: Die Ursachen, die wir hier
und heute setzen, prägen das Morgen. Und so haben wir die Zukunft zwar nicht völlig, aber ein gutes
Stück jedenfalls auch selbst in der Hand.
Ja, wir stehen vor großen Herausforderungen. Die öffentlichen Kassen sind längst nicht mehr so
gefüllt wie noch vor ein paar Jahren. In Zeiten ökonomischer Zwänge stellen manche die Frage,
wie relevant Kultur und Medien überhaupt sind. Die Wirtschaft muss sich neu erfinden und das
5

EDITORIAL
HERAUSFORDERUNG
ODER CHANCE? –
BEIDES.
spüren auch wir. Digitalisierung und Künstliche Intelligenz
verändern die Art, wie wir arbeiten, wie wir
leben, wie wir denken und wie wir erzählen. Politische
Umbrüche im In- und Ausland gefährden die
Freiheit der Kunst, der Rede und der Meinung heute
ganz konkret. Noch nie seit Ende des Zweiten Weltkriegs standen die Demokratien in Europa
und darüber hinaus so sehr unter Druck wie im Augenblick. Auch hier in Deutschland. Unsere
freie, pluralistische Gesellschaft wird von innen und außen angegriffen. Hinzu kommen die Folgen
der inzwischen sehr spürbaren Klimakrise sowie von Kriegen und sonstigen Auseinandersetzungen,
die unsere Menschlichkeit herausfordern und auch von Kunst- und Medienschaffenden
ein Umdenken fordern.
Aber: Jede dieser Herausforderungen können wir zugleich als Chance und als eine Einladung begreifen.
Eine Einladung, menschliche Haltung zu zeigen, klarer zu sehen, mit größerer Tiefe zuzuhören
– und nicht nur reflexartig zu reagieren. Die Frage ist nicht, wie wir dem mitunter überwältigend
wirkenden Wandel entkommen. Die Frage ist: Wie können wir inmitten des Wandels Ruhe
bewahren – und entsprechend agieren? Wie kann es uns gelingen, nicht aus Angst oder Abwehr
heraus zu handeln, sondern aus echtem Verständnis und mit Zuversicht? Klar, mutig, menschlich,
beherzt.
Als neuer Direktor wünsche ich
mir einen Campus, der sich weiter
öffnet, der diverser, internationaler
und inklusiver wird.
MEIN WUNSCH:
EIN OFFENER CAMPUS DES
MITEINANDERS UND DER FREUDE.
Ein Campus, der keine Angst davor
hat, dass sich die Herausforderungen
und Krisen dieser Welt auch bei uns reflektieren. Einen Campus, der auch künftig nicht
nur Technik und Handwerk lehrt, sondern Haltung und positives Denken. Einen Campus, der sich
nicht von Trends treiben lässt, sondern selbst Maßstäbe setzt. Ich wünsche mir einen Campus, auf
dem Freude an der Sache und Verantwortung für die Gesellschaft keine Gegensätze sind. Wo unvoreingenommene
Neugier, die echte Begegnungen ermöglicht, erlaubt ist. Wo Scheitern nicht als Makel
gilt, sondern als notwendiger Teil der persönlichen und künstlerischen Entwicklung.
FREIHEIT. EINFLUSS.
VERANTWORTUNG.
Ich wünsche mir einen Ort, an dem wir
lernen, unsere inneren Bilder und Gedanken
nicht mit der Realität zu verwechseln
und uns nicht in blinden Aktionismus stürzen.
Wo wir innehalten dürfen. Wo wir zunächst hinterfragen, statt vorschnell zu urteilen. Wo echtes
Zuhören, Bedächtigkeit und die Einbindung möglichst vieler Stimmen und Perspektiven als
Stärke verstanden werden. Und: Ich wünsche mir einen Campus, der weder sich selbst noch die
Demokratie, die uns den Raum der Freiheit auf dem Campus überhaupt erst ermöglicht, als Selbstverständlichkeit
und stabiles System begreift. Denn sie sind es nicht.
Unsere Arbeit sollte nie Selbstzweck sein. Sie hat Einfluss. Und mit Einfluss kommt Verantwortung.
Unsere künstlerischen und persönlichen Freiheiten sind keine Geschenke – sie sind Rechte,
die errungen wurden, die immer wieder neu gelebt und zur Not sehr entschieden verteidigt werden
müssen. Entsprechendes gilt für die Ordnung, die die unabdingbare Grundlage unserer Freiheiten
ist: unsere Demokratie.
6

Freiheit beginnt dort, wo wir bemerken, dass wir auch anders handeln könnten – nicht aus Zwang,
sondern aus Einsicht und eigener Intention. Dort, wo wir die Muster unseres individuellen und kollektiven
Denkens erkennen und Raum schaffen für neue Betrachtungsweisen. Deshalb möchte ich
euch einladen, mit euren Ideen, Projekten, Darstellungen und Positionen auch einen Beitrag zur Zukunft
dieser Freiheit zu leisten. Machen wir aus dem neuen akademischen Jahr und diesem Campus
einen Leuchtturm der Freiheit, dessen Licht weit in die Zukunft strahlt. Hell und klar.
WARUM WIR?
WARUM JETZT?
Weil es keine bessere Gelegenheit gibt als jetzt. Weil niemand besser
geeignet ist als wir. Weil wir – mit all unserer Energie, unserer
Neugier, unserem Mut und unserer menschlichen Haltung –
unsere Akademien, unseren Campus, unsere Gemeinschaft immer
wieder neu erfinden können. Damit leisten wir auch einen Beitrag, der weit über den Campus hinauswirkt.
Jeden Moment aufs Neue. Leben ist Veränderung. Lasst die Melodie der Veränderung erklingen
und uns gemeinsam zum Rhythmus des Wandels tanzen. Genau hier und genau jetzt.
Dr. Andreas Bareiß
Direktor und Geschäftsführer der Filmakademie Baden-Württemberg
7

THE RHYTHM
OF CHANGE
WELCOME TO THE CAMPUS,
WELCOME TO CHANGE,
WELCOME TO THE PRESENT!
THIS YEAR‘S INDUSTRY CON-
FERENCE FMX – FILM & MEDIA
EXCHANGE, ORGANISED BY
FILM AKADEMIE BADEN-WÜRT-
TEMBERG, BROUGHT MEDIA PROFESSIONALS FROM ALL OVER THE WORLD TO
STUTTGART IN EARLY MAY UNDER THE MOTTO ‘THE RHYTHM OF CHANGE’. A BEAU-
TIFUL AND PARTICULARLY FITTING THEME FOR THE TIMES WE LIVE IN. BUT HOW
DO WE DEAL WITH ALL THE CHANGES THAT SURROUND AND CHALLENGE US?
Dear lecturers, staff, guests, and of course, dear students!
Welcome (back) to the campus in Ludwigsburg! Some of you are visiting this place for the first time
– with expectations, curiosity, anticipation, but perhaps also with a feeling of unease. Others are returning
and already know their way around. And yet, even for them, this year will bring many new
things: new ideas, new goals, new projects, new students, new friends...
For me personally, the start of the 2025/2026 academic year also brings many new things. It is my
first academic year as managing director of FABW. After twenty years under the leadership of Thomas
Schadt, the change of office is not only a personal transition, but also, at least to some extent, a
turning point for the Filmakademie and the campus. And perhaps I feel like some of you. I am starting
the academic year with great enthusiasm and joyful anticipation. But also with a sense of respect.
And that is totally okay.
THE RHYTHM OF
CHANGE.
What is changing? What will remain the same? And what is
our shared responsibility to rethink, recreate, and redesign?
The answer is complex. But it begins with a simple yet honest
observation: change is a fact. And it is omnipresent.
Whether we like it or not, everything is constantly changing. The environment, technological developments,
political shifts, global crises, social upheavals – all of these shape our everyday lives,
our thinking, our work, our very existence. Change and transformation often lead to a feeling of
uncertainty. On the one hand, this is because we don‘t know what lies ahead in the flow of change.
But on the other, it‘s because we have to let go of things we have grown fond of and realign ourselves
both internally and externally. That‘s not always easy.
The constant change of all things does not stop at our campus.
Even though our campus is a particularly protected place,
it is not a bulwark, nor is it intended to be one. It is part of the
world and thus reflects all the challenges, frictions, and conflicts
that make up our world. This includes the profound changes our world is currently undergoing.
8
OUR CAMPUS:
NOT A BULWARK.

EDITORIAL
The dynamics of change can sometimes feel uncomfortable. But they also hold enormous power –
the power of renewal. Without the passing of the old, nothing new can emerge. It is important not
to deny change or even try to stop it. That is impossible. It is also important to observe and experience
it with an alert mind. Above all, however, it is important to understand change – since it is
happening anyway – as transformation rather than disruption, and to shape it consciously and constructively
instead of surrendering to it without will.
SLIGHTLY SMARTER, MORE
CREATIVE, MORE HUMAN.
Social psychological change does not primarily
take place externally – or even
mainly. It begins internally – in the way
we perceive, think, react, and act. The
clearer we see things, the calmer we are in the flow of change and the more confidently we can
face the new and shape it with our own attitudes and actions.
In doing so, we should neither overestimate nor underestimate our own influence. We cannot
change the world – which we are an inseparable part of – completely or on our own. It is too
complex for that. But we do have the means to change it, at least to some degree: to make it a little
smarter, a little more creative, a little more human. We can start with our own behaviour. With
all the causes that we – and by that I mean each and every one of us: students, lecturers, employees
– set in motion here and now, we shape the world of tomorrow. Very tangibly and very directly.
A campus is never just a place. It is a living organism
that thrives on visions, encounters, debates,
and community. Our academies – FABW
and the Academy of Performing Arts (ADK) –
not only share a physical proximity, but also a common history. And they share a common responsibility.
We work in different disciplines, use different forms of expression – and yet we are united by the
pursuit of meaning, truth, creativity, and impact. At a time when isolation, segregation, exclusion,
and alienation are on the rise in many places, we want to consciously embrace an alternative model:
opening ourselves up to the world we live in and to each other, instead of closing ourselves off.
And at the same time, we want to move even closer together.
THE CAMPUS
AS A LIVING ORGANISM.
AUTHENTICITY, TRUST,
CONNECTION.
When we learn to truly see others – not just
through our assumptions, projections, and concepts,
but in their genuine uniqueness, with their
individual experiences, strengths, and vulnerabilities
– and when we are also willing to show ourselves authentically in our words, actions, and
works, then something very valuable can emerge: authenticity. Trust. Connection. And these are the
pillars of true community, which give us stability in the flow of change.
The past decades have shown what is possible
when vision, courage, commitment, and the ongoing
dedication of so many people come together.
With its national and international successes,
strongly practice-oriented teaching concept, and
WHAT WAS? WHAT IS?
WHAT WILL BE?
9

EDITORIAL
close ties to the media industry, the Filmakademie has earned a reputation that extends far beyond
the state borders. For years, the ADK has been providing artistic and social contributions and impetuses
that resonate and move people. Our academies are known for shaping artistic personalities
who step out into the world with their own voice, identity and sense of purpose.
None of this is a coincidence. It is the result of countless favourable conditions that came together
to create what we are privileged to experience on our campus today. And it is the result of courageous
decisions made by visionaries in our state. More than 35 years ago, our state – Baden-Württemberg
– made the decision to establish a film academy in Ludwigsburg, of all places, which is
not exactly a hub of the global film industry. It also decided to provide the Filmakademie with the
necessary resources to enable it to compete with the most renowned film schools in the world. In
2008, the ADK was added. And since then, our institutions, which form a campus community that
is unique in Europe, have never been seriously called into question. Not even when circumstances
sometimes appeared adverse. This was certainly due in part to the fact that over the years we
have developed into a great success and a flagship for the state. But it may also have been thanks to
the far-sighted understanding that it is culture and media that hold a country together, that give
it a human soul and a spirit of freedom in a highly technological world. This is especially true in
times of crisis.
WE WANT TO CONTINUE ON
THIS PATH – AND RETHINK IT
AT THE SAME TIME.
As appreciative and grateful as we are
for the history of our academies and
our shared campus, we must not look
backward. Our focus must be on the
present, with our sights set on the future.
Because, as I mentioned earlier, the decisions we make here and now will shape tomorrow.
And so, while we may not have complete control over the future, we certainly have a significant
say in shaping it.
Yes, we face major challenges. Public coffers are no
longer as full as they were a few years ago. In times of
economic constraints, some question the relevance of
culture and media. The economy must reinvent itself,
and we are feeling the effects.
CHALLENGE
OR OPPORTUNITY?
BOTH.
Digitalisation and artificial intelligence are changing the way we work, live, think, and communicate.
Political upheavals at home and abroad are posing a very real threat to freedom of art, speech,
and opinion today. Not since the end of the Second World War have democracies in Europe and beyond
been under as much pressure as they are now. This is also true here in Germany. Our free, pluralistic
society is under attack from within and from the outside. Added to this are the consequences
of the now very noticeable climate crisis, as well as wars and other conflicts that challenge our
humanity and also require a rethink on the part of artists and media professionals.
But we can also see each of these challenges as an opportunity and an invitation. An invitation to
show humanity, to see more clearly, to listen more deeply – and not just react reflexively. The question
is not how we can escape this sometimes overwhelming change; the question is: How can we
remain calm in the midst of change – and act accordingly? How can we succeed in acting not out
of fear or defensiveness, but out of genuine understanding and with confidence? Clearly, courageously,
humanely, wholeheartedly.
10

MY WISH:
AN OPEN CAMPUS OF
TOGETHERNESS AND JOY.
As the new managing director, I envision a
campus that continues to open up, become
more diverse, international, and inclusive. A
campus that is not afraid to allow the challenges
and crises of this world to be reflected here
in our own community. A campus that will continue to teach not only technology and craftsmanship,
but also attitude, purpose and positive thinking. A campus that is not driven by trends but sets
its own standards. I want a campus where enjoyment of what we do and responsibility for society
are not contradictions. Where unbiased curiosity that enables genuine encounters is welcomed.
Where failure is not seen as a flaw, but as a necessary part of personal and artistic development.
I want a place where we learn not to confuse our inner images and thoughts with reality and not to
rush into blind action. Where we are allowed to pause. Where we question first, rather than judging
hastily. Where genuine listening, deliberation, and the inclusion of as many voices and perspectives
as possible are seen as strengths. And I want a campus that does not take itself – or the democracy
that makes the space of freedom on campus possible in the first place – for granted as a
stable system. Because neither are.
Our work should never be an end in itself. It has
influence. And with influence comes responsibility.
Our artistic and personal freedoms are not gifts
– they are rights that have been hard-won, that
must be lived out again and again, and, if necessary, firmly defended. The same applies to the order
that is the indispensable foundation of our freedoms: our democracy.
FREEDOM. INFLUENCE.
RESPONSIBILITY.
Freedom begins where we realise that we could also act differently – not out of force, but out of
insight and our own intention. Where we recognise the patterns of our individual and collective
thinking and create space for new ways of looking at things. That is why I would like to invite you
to contribute to the future of this freedom with your ideas, projects, presentations, and positions.
Let‘s make the new academic year and this campus a beacon of freedom whose light shines far into
the future. Bright and clear.
WHY US?
WHY NOW?
Because there is no better opportunity than now.
Because no one is better suited for this than us. Because
we – with all our energy, curiosity, courage,
and humanity – can continuously reinvent our
academies, our campus, and our community. In doing so, we are also making a contribution that
will have an impact far beyond the campus. Every moment anew. Life is change. Let the melody of
change ring out and let us dance together to the rhythm of change. Right here, right now.
Dr. Andreas Bareiss
Director and Managing Director of Filmakademie Baden-Württemberg
11

INHALT
2
EDITORIAL
Dr. Andreas Bareiß
96
DOZIERENDE IM PORTRÄT
Prof. Matthias Raue und Meike Katrin Stein
104
SPOTLIGHT
International Screen Acting Workshop –
Kooperation mit e-TALENTA
14
ALUMNI IM FOKUS
Mascha Schilinski und Louise Peter
30
JUBILÄUM
20 Jahre Set Extension Workshop
112
INTERNATIONALE NETZWERKE
116
DAS ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
124
MEET THE STAFF:
Linda Krämer und Juliane Voigtländer
44
DREHBERICHT
„Paradeisa“ (AT)
50
ANIMATIONSINSTITUT
132
KUNSTRASENTURNIER 2025
136
ALUMNI IM FOKUS
Lisa Purtscher und Lotta Schmelzer
80
ALUMNI IM FOKUS
Ilija Brunck
144
PARTNER DER FABW:
Das Deutschlandstipendium
88
FMX 2025 – RHYTHM OF CHANGE
152
EDITION FABW
Kurzgeschichtenbände
94
BILDERGALERIE
„Irgendwie Schadt“
156
SPOTLIGHT: DIVERSITÄT
160
AUFTRAGSPRODUKTIONEN
12
164
FÖRDERVEREIN

CONTENTS
8
EDITORIAL
Dr. Andreas Bareiss
22
ALUMNI IN FOCUS
Mascha Schilinski and Louise Peter
108
SPOTLIGHT:
International Screen Acting Workshop
Cooperation with e-TALENTA
115
INTERNATIONAL NETWORKS
120
ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
40
ANNIVERSARY
20 Years of Set Extension Workshop
48
FILMING REPORT:
„Paradeisa“ (Working Title)
128
MEET THE STAFF
Linda Krämer and Juliane Voigtländer
135
FIELD TURF TOURNAMENT 2025
50
ANIMATIONSINSTITUT
140
ALUMNI IN FOCUS
Lisa Purtscher and Lotta Schmelzer
85
ALUMNI IN FOCUS
Ilija Brunck
92
FMX 2025 – RHYTHM OF CHANGE
94
PICTURE GALLERY:
„Kind of Schadt“
100
LECTURERS IN PORTRAIT
Prof. Matthias Raue and Meike Katrin Stein
147
PARTNERS OF FABW
The Deutschlandstipendium
155
EDITION FABW
Short Story Collections
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SPOTLIGHT: DIVERSITY
162
COMMISSIONED PRODUCTIONS
166
FRIENDS OF FABW
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ALUMNI IM FOKUS
„Darlings only“ statt
„Kill your darlings“
MASCHA SCHILINSKI
ist eine in Berlin geborene
Autorin und Regisseurin. Sie
absolvierte die „Drehbuch-
Masterclass“ an der Filmschule
Hamburg und arbeitete als
Autorin. Anschließend begann
Mascha ihr Filmregie-Studium
an der Filmakademie Baden-
Württemberg. Ihr preisgekrönter
mittellanger Film DIE KAT-
ZE entstand in ihrem zweiten
Studienjahr. Im dritten Studienjahr
drehte sie ihren Spielfilm
DIE TOCHTER / DARK
BLUE GIRL Der Film feierte
seine Premiere auf der Berlinale
2017 und wurde für den
GWFF Award – Best First Feature
nominiert. DIE TOCH-
TER wurde weltweit auf mehr
als vierzig Festivals gezeigt und
mit mehreren internationalen
Preisen ausgezeichnet.
Mascha und Louise bei der Verleihung
des Thomas Strittmatter Preises
LOUISE PETER
wurde 1982 in Berlin geboren.
Sie ging zum Studium der
Theater-, Film- und Medienwissenschaften
nach Wien, gefolgt
von einer Schauspielausbildung
in Berlin. Danach lebte sie als
freischaffende
Schauspielerin
in Berlin und Bremen, unterbrochen
von längeren Schreibaufenthalten
in Südspanien.
Bis 2020 studierte sie Drehbuch
an der Filmakademie
Baden-Württemberg und verbrachte
ein Semester an der La
Fémis in Paris. Sie erhielt ein
Stipendium der Studienstiftung
des deutschen Volkes. Ihre
Kurzfilme wurden mit diversen
Preisen ausgezeichnet. Ihr
Kurzfilm EYE FOR AN EYE
wurde 2016 für den Student
Academy Award nominiert sowie
mit dem Short Tiger Award
prämiert.
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Im Gespräch mit Mascha Schilinski und Louise Peter
DER DEUTSCHE BEITRAG IN DIE SONNE
SCHAUEN / SOUND OF FALLING IST IM
MAI 2025 BEI DEN 78. INTERNATIONALEN
FILMFESTSPIELEN VON CANNES MIT DEM
PREIS DER JURY AUSGEZEICHNET WOR-
DEN. MIT FABW-ALUMNA MASCHA SCHI-
LINSKI WURDE ZUM ERSTEN MAL IN DER
GESCHICHTE DES FESTIVALS EINE DEUT-
SCHE REGISSEURIN MIT DIESEM BEDEUTEN-
DEN PREIS GEEHRT – UND DAS FÜR EINEN
ZWEITEN SPIELFILM UND DEBÜT NACH DEM
STUDIUM. NUN GEHT IN DIE SONNE SCHAU-
EN AUCH BEI DER 98. OSCAR ® -VERLEIHUNG
ALS DEUTSCHER BEITRAG INS RENNEN UM
EINEN ACADEMY AWARD ALS BESTER
INTERNATIONALER SPIELFILM.
Das Drehbuch zu IN DIE SONNE SCHAUEN schrieb
Mascha Schilinski gemeinsam mit Filmakademie-Absolventin
Louise Peter. Es war 2023, noch unter dem Arbeitstitel
„The doctor says I`ll be alright, but I’m feelin‘
blue“ bereits mit dem Thomas Strittmatter Preis der
MFG Medien- und Filmgesellschaft Baden-Württemberg
ausgezeichnet worden.
IN DIE SONNE SCHAUEN wurde in der Produktion
von Studio Zentral und ZDF- das kleine Fernsehspiel realisiert.
Liebe Mascha, liebe Louise, Cannes ist sicherlich
weltweit das Filmfestival mit dem meisten Glamour
und größten Staraufgebot. Was waren eure
prägendsten Momente und beeindruckendsten
Begegnungen?
LUISE: Dieser ganze Ort und diese ganze Zeit, das sind
im Prinzip aneinandergereihte Tage von Glamourosität.
Bei der Premiere oder Preisverleihung dabei zu sein, ist
schon überwältigend. An diesen Orten zu sein, die man
alle von Pressefotos kennt. Manchmal hat das auch etwas
Skurriles, wenn man plötzlich selbst dort steht. Das fühlt
sich dann ganz anders an, als man vorher gedacht hat.
Manchmal musste ich auch innerlich lachen, weil mir
der ganze Glamour und Zirkus so absurd vorkam. Wir
sind zum Beispiel mit Stöckelschuhen durch die ganze
Altstadt gelaufen, bis wir überhaupt beim Glamour
angekommen sind. Und dann zwickt plötzlich ein Blasenpflaster…
Also für mich hatte das alles eine sehr große Spannbreite.
Einerseits war ich völlig überwältigt und hatte tolle
Erlebnisse, andererseits kann das aber auch ganz schnell
ins Absurde kippen.
MASCHA: Dem kann mich anschließen. Mein absurdester
Moment: Ich war ja mit meinem fünf Monate alten
Baby dort und musste in provisorischen Räumlichkeiten
einen wahnsinnigen Interviewmarathon absolvieren.
Fabian hat währenddessen die ganze Zeit das Kind
geschaukelt. Es gab in dem riesigen Palais, in dem sich
auch das große Kino befindet, keinen wirklich geeigneten
Ort, wo ich das Baby stillen konnte. Es wurde dann
einfach ein Vorhang zur Seite geschoben, hinter dem eigentlich
irgendwelche Kellner mit Champagnerflaschen
hantieren. Ich hatte einen Jumpsuit an, bei dem man
hinten den ganzen Reißverschluss aufmachen musste,
um das Kind zu stillen. Und genau in dem Moment, in
dem man da barbusig sitzt und denkt, man ist kurz alleine
hinter diesem Vorhang, fliegt eine andere Tür auf und
Thierry, der Festivalleiter, kommt rein, prallt zurück,
weil er quasi in mich reinrennt, und sagt „Ah, oui, ca
c´est aussi Cannes!“ (Das ist eben auch Cannes). Der war
auch gerade unterwegs auf Wegen hinter den Kulissen,
damit er schnell von A nach B kommt. An diese Situation
muss ich manchmal denken, weil das so eindrücklich
war, wie diese zwei Welten aufeinandergeprallt sind.
Der Glamour einerseits, aber dann eben auch dieses totale
Chaos in ganz normalen Situationen, die man irgendwie
bewältigen muss.
Einer der schönsten Momente für mich war, als das ganze
Team zusammengekommen ist, die fast alle angereist
waren. Wir saßen mit einigen von ihnen an der Croisette
am Strand einfach an einer Bude und haben einen
Burger gegessen. Für mich war das ein Highlight, weil
ich diesen ganzen Interviewmarathon hatte und von den
anderen so abgeschieden war. Es war einfach schön, da
zu sitzen, miteinander zu essen und zu sprechen und
diese Verbundenheit zu spüren.
Als alle erzählt haben, was sie so erlebt haben, ist mir
auch klar geworden, dass jeder ein ganz anderes Cannes
erlebt. Die jungen Schauspieler z.B. sind nachts um die
15

ALUMNI IM FOKUS
Häuser gezogen und waren auf abgefahrenen Partys in
großen Villen. Ich glaube, innerhalb von Cannes finden
also viele Parallelwelten statt.
diese schöne Zeit, die wir hier hatten. Irgendwann sehr
spät bekam ich eine Nachricht, dass die Jury immer
noch tagt und es sich auf Samstagmittag verschiebt.
IN DIE SONNE SCHAUEN hat eine umjubelte
Premiere gefeiert. Habt ihr euch da schon Hoffnungen
auf eine Auszeichnung gemacht?
LOUISE: Der Weltvertrieb MK2 hat dann auch noch gemeldet,
dass sie noch keinen Anruf bekommen haben.
Aber alle anderen eben auch nicht.
MASCHA: Das Thema habe ich am Anfang weit weggeschoben.
Es war schon aufregend genug, dass wir in Cannes
laufen. Als wir dann erfahren haben, dass wir den
Wettbewerb eröffnen, war das zusätzlich natürlich etwas
ganz Besonderes. Damit waren wir erstmal alle total
eingespannt und die Zeit ist nur so verflogen. Man hatte
wahnsinnig viele Termine, die Tage waren irre vollgestopft.
Manchmal wusste
MASCHA: Genau. Und dann haben wir mitbekommen,
dass es einen Stromausfall in Cannes gab. Dadurch kam
es zu Problemen mit dem Netz und das Telefon funktionierte
nicht. Wir wussten also nicht, was los ist. Am Ende
kam dann recht spät doch ein Anruf. Es hieß, es wäre
gut, wenn man bei der Preisverleihung anwesend wäre.
Mehr erfährt man nicht. Dann sitzt man da mit ziemlichem
Herzklopfen.
man gar nicht mehr – ähnlich
wie beim Drehen von
IN DIE SONNE SCHAUEN
– war das jetzt heute oder
LOUISE: Später haben wir
noch gehört, dass zum Beispiel
die Dardenne-Brüder,
das andere gestern oder
die ja auch einen Preis bekommen
wann hat was stattgefunden?
Wir waren ja auch ein
haben, schon kurz
davor waren, ins Flugzeug
bisschen die Underdogs,
zu steigen, weil sie auch
man hat sich gefragt: Wer
sind die eigentlich?
dachten, der Anruf kommt
nicht. Sie wurden dann
nochmal zurückgeholt.
LOUISE: Weil wir gleich
Filmstill IN DIE SONNE SCHAUEN
am ersten Tag liefen, hat
man auch gedacht: Die anderen Wettbewerbsfilme kommen
ja alle noch in den nächsten Tagen und deswegen
weiß man am ersten Tag noch gar nicht, was diese guten
Rezessionen bedeuten.
Ihr habt die Brüder
Dardenne schon erwähnt. Ihr wart ja in illustrer
Gesellschaft mit Regie-Größen wie Wes Anderson,
Kelly Reichardt oder Richard Linklater. Seid
ihr mit denen auch mal persönlich ins Gespräch
gekommen?
MASCHA: Ich habe die Rezensionen gar nicht gelesen.
Ich glaube, das war für mich sehr gut. Irgendwann wurde
mir natürlich zugetragen, dass der Film wirklich außergewöhnlich
gut besprochen wird, aber das sagt ja
noch gar nichts darüber aus, was die Jury empfindet.
Bei uns stand nicht im Fokus, dass es am Ende auch um
Preise geht. Wir waren einfach glücklich, dass wir Teil
von all dem sind.
MASCHA: Ja, ich nach der Preisverleihung. Nachdem
ich auf der Bühne war, wurde ich hinter die Kulissen gebeten
und bin als allererstes in Cate Blanchett reingelaufen.
Das war eine schöne Begegnung. Sie hat mir ganz
herzlich gratuliert. Später habe ich auch Maren Ade und
die Dardenne-Brüder getroffen. Alice Rohrwacher saß
da, also wirklich Filmemacher, die man selbst verehrt.
Das waren schöne Momente. Das war für mich wirklich
Als das Festival zu Ende ging, kam man natürlich nicht
mehr umhin, über die Möglichkeit eines Preises nachzudenken.
Und dann kam es zu einer ziemlich absurden
Situation. Es hieß, man bekommt am Freitagabend einen
surreal, mit ihnen hinter der Bühne zu sitzen und
weiter die Preisverleihung über einen Monitor zu verfolgen.
Alle freuen sich, alle sind aber auch schüchtern
und aufgeregt.
Anruf. Der kam aber nicht. Deshalb habe ich mich
komplett entspannt und dachte, prima, wir gehen jetzt
einfach alle am Strand Champagner trinken und feiern
Kommen wir mal zu eurer Arbeit. Ihr habt
das Drehbuch zu IN DIE SONNE SCHAUEN
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gemeinsam verfasst. Habt ihr vorher schon mal
zusammengearbeitet? Und wie lief die Kollaboration
zwischen euch genau ab?
Stoff anzusammeln und dann zu gucken, wie der Stoff
sich von alleine weiterbewegt. Die Inspiration hat sich
immer ein bisschen aus dem ergeben, was davor schon
„rausgeploppt“ war. Es war also ein sehr assoziativer Prozess.
MASCHA: Louise und ich kennen uns seit Teenie-Zeiten.
Wir waren auf der gleichen Schule. Das war jetzt
unsere erste professionelle Zusammenarbeit. Und die
war in vielerlei Hinsicht ganz großartig, weil das ein
sehr komplexer Stoff ist, weil uns die gleichen Themen
MASCHA: Man kann noch ergänzen, dass wir einen
Sommer lang auf der Altmark auf diesem Hof verbracht
haben, der später auch zum Drehort wurde.
angesprochen haben oder wir uns unabhängig voneinander
mit ganz ähnlichen Sachen beschäftigt haben. Diese
freundschaftliche Vertrautheit, die wir miteinander haben,
war für diesen Stoff besonders wichtig, weil wir
sehr in die Tiefe gearbeitet haben. Das hätte man schwer
mit jemand Fremdem machen können.
Und dieser Ort war dann im Grunde genommen die Initialzündung
oder das Gerüst für diesen Stoff, für diese
Themen, die bis dahin unsichtbar herumgeflogen sind
und die wir nicht greifen konnten. Wie schaffen wir es,
diese Themen in filmische Sprache zu übersetzen? Müssen
wir nicht eher eine Installation
LOUISE: Wir hatten auch
schon früher sehr ähnliche
daraus machen?
Oder müssen wir doch ei-
Gedankengänge. Im
nen Roman darüber schrei-
Deutschunterricht hatten
wir immer die gleichen
Noten in den Klausuren,
aber immer beide mit zwei
ben, weil wir uns für die
leisen inneren Beben der
Figuren interessieren? Wir
wollten wirklich in ganz
Punkten Abzug wegen der
feinstoffliche Gefühlsverästelungen
Rechtschreibung.
hineinlauschen
und Dinge greifbar machen,
MASCHA: Wir ergänzen
uns also eigentlich nicht.
Mascha mit dem Preis der Jury in Cannes
für die es eigentlich
keine Worte gibt.
(lacht)
Und dann haben wir uns gleichzeitig phänomenologisch
LOUISE: Wir hatten uns immer mal vorgenommen, etwas
zusammen zu machen, aber ohne konkrete Stoffidee.
Der Stoff ist dadurch entstanden, dass wir ganz
viel über die Themen geredet haben, die der Film behandelt.
Jede hat diese Themen aus ihrer eigenen Erlebniswelt
heraus gewälzt. Aber wir haben auch die ganze Zeit
über Dinge philosophiert, die uns beschäftigt haben oder
die uns über den Weg gelaufen sind.
immer stärker diesem Thema der transgenerationalen
Weitergabe von Traumata genähert und haben dort viele
Phänomene gefunden, die uns interessiert haben. Dabei
war uns klar, dass wir auf gar keinen Fall einen psychologisierten
Film machen wollen, der versucht, Antworten
zu finden. Wir fanden es viel spannender, eben keine
Antworten zu haben auf Fragen wie: Was findet man von
sich selbst in anderen? Was prägt uns bis heute? Was hat
sich in unsere Körper eingeschrieben, das lange vor unserer
Irgendwann kam dann dieser Punkt, an dem wir gesagt
haben: Wollen wir nicht versuchen, daraus etwas zu machen?
Damals konnten wir es noch nicht richtig greifen,
eigenen Zeit begonnen hat? Was hat vielleicht vor
unserer eigenen Geburt stattgefunden, worauf wir nie
einen Zugriff bekommen? Das wollten wir erforschen.
weil dieses Thema auch ein bisschen ungreifbar war.
Und dann haben wir angefangen, darüber nachzudenken,
wie man das alles in eine Form gießen könnte. Dabei
haben wir ganz schnell gemerkt, dass die klassische
Form nicht funktioniert, dass man die Geschichte nicht
traditionell in drei Akte stecken kann, weil die Erzählweise
etwas Poetisches haben musste. Wir haben also
erstmal literarisch drauflos geschrieben, um überhaupt
Und dieser Hof hat dann das Setting gesetzt, indem wir
gesagt haben, wir zeigen 100 Jahre Leben auf diesem
Hof. Und wir springen quer durch die Zeiten, durch
verschiedene Jahrzehnte und erzählen ganz radikal subjektiv
durch die Augen von vier Protagonistinnen. Dabei
hat uns vor allen Dingen interessiert, welche Dinge
man nicht mehr auf dem Sterbebett erzählt, also welche
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ALUMNI IM FOKUS
kleinen Geheimnisse verschüttet sind und was diese Figuren
eigentlich wirklich im tiefsten Inneren bewegt.
Wobei sie aber selber vielleicht versuchen, das abzutun,
weil es so schambehaftet ist oder weil es keine großen
haben, auch sehr viel prokrastiniert haben, was für den
Film total wichtig war. Eigentlich haben uns dann die Figuren,
die irgendwann entstanden sind, geholfen, diese
verschütteten Dinge ans Licht zu bringen.
Kriegsgeschichten sind oder Geschichten, mit denen
man hausieren gehen kann, sondern ganz kleine leise
Momente.
LOUISE: Unsere Prämisse für uns selbst und das Erzählen
war dabei immer: Wir wollen genau das erzählen,
was aus uns raus muss, ohne darauf zu achten, was
Wir hatten also diesen Ort und wussten, dass wir da drehen
können. Das war natürlich ein Riesengeschenk für
diesen sehr ambitionierten Debütfilm und hat ihn überhaupt
möglich gemacht. Die Gleichzeitigkeit von Zeit
war das, was ich auch filmisch sofort reizvoll fand. Wir
haben viel darüber gesprochen, dass man an der einen
Stelle an diesem Ort etwas
ganz Profanes macht, so
das Publikum, was die Zielgruppe will. Wir wollten uns
davon wirklich komplett frei machen. Dass das tatsächlich
funktioniert hat und wir das gegen alle Widerstände
verteidigt haben, ist im Nachhinein wirklich eine sehr
schöne Bestätigung. Natürlich ist es wichtig, das Drehbuch-Handwerk
zu lernen. Aber das sollte nur eine Arbeitsgrundlage
sein. Im
Mittelpunkt sollte immer
wie wir da vielleicht saßen
der Inhalt stehen, der
und am Handy rumgedaddelt
haben. Dass jemand
anderes dort aber vielleicht
zu einem anderen
eben raus muss. In Gesprächen
habe ich aber oft
das Gefühl, dass das umgedreht
stattfindet.
Zeitpunkt eine wirklich
existenzielle Erfahrung gemacht
MASCHA: Wir haben
hat. Das nebenein-
wirklich versucht, den
ander zu montieren war
Film zu machen, nachdem
dann letztlich auch so,
wir selbst eine Sehn-
wie dieser Schreibprozess
Filmstill IN DIE SONNE SCHAUEN
sucht hatten und da
funktioniert hat. Dieser
komplett kompromisslos
Stoff hat sich immer gewehrt, sobald wir versucht haben,
eine Handlung zu konstruieren und den Film in eine
Form zu pressen. Wir hatten das ganz starke Gefühl,
dass wir uns alle selbst erzählerisch enorm limitieren.
Dir wird beigebracht, dass es den Dreiakter, den Fünfakter,
die Acht-Sequenzen-Methode gibt. Und in dieses
Gefäß soll jetzt dieser Film reinpassen. Aber tatsächlich
sind Geschichten, die uns beide interessieren, ganz oft
eben nicht Filme, die in dieser Form stattfinden und die
sich thematisch einfach nur an einem Thema abarbeiten,
sondern die eher versuchen, das pralle Leben einzufangen.
Filme, für die es keinen Elevator-Pitch gibt. Und das
war bei diesem Film auch so.
durchzugehen. Das war am Anfang anstrengend,
weil wir selbst erstmal eine neue Form für diesen Inhalt
finden mussten und auch keine Vorbilder dafür gefunden
haben. Gleichzeitig war es irgendwann sehr befreiend,
weil wir festgestellt haben, wir machen es ganz
anders. Es ist nicht das Prinzip „kill your darlings“, sondern
„darlings only“, d.h. wir machen Szene für Szene
nur das, was wir sehen wollen. Im Grunde genommen
ist der Film hier eigentlich wie ein Gedicht. Es sind einzelne
Momente und der Zuschauer wird unmittelbar hineingeworfen
in das Erleben dieser vier Frauen. Und ja,
es ist natürlich auch ein Film darüber, wie Erinnerungen
an sich funktionieren, und dementsprechend assoziativ
springt dieser Film und mutet dem Zuschauer auch
LOUISE: Als er finanziert war, waren wir dann auch
froh, dass wir ihn nicht mehr pitchen müssen. (lacht)
viel zu. Aber wir lieben das, weil wir selbst auch gerne
herausgefordert werden, wenn wir etwas konsumieren.
MASCHA: Wir haben den Film dann vier Jahre lang
bis zum Dreh kontinuierlich entwickelt. Bis auf wenige
Ausnahmen haben wir uns täglich gesehen und uns
kontinuierlich damit beschäftigt. Der Alltag sah so aus,
dass wir vor allen Dingen irre lange und viel gesprochen
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Vier Jahre sind eine lange Zeit. Gab es da auch
mal Situationen, in denen ihr total unterschiedlicher
Meinung wart und wie habt ihr das gelöst?

LOUISE: Unterschiedlicher Meinung nicht unbedingt,
aber es gab schon Momente, in denen man ein bisschen
gebraucht hat, sich in ganz konkrete Gedankengänge
oder Bilder reinzudenken. Es gab natürlich immer Tage,
an denen einem nichts einfällt. Einzelne Drehbuchfassungen
Claudio Demel (Filmton) und Johann Meis (Filmton
Assistenz) waren weitere FABW-Alumni an
der Realisierung des Films beteiligt. Hattest Du
vorher schon im Studium mit ihnen gearbeitet
und möchtest Du das auch in der Zukunft tun?
haben auch nicht so ineinandergegriffen wie
das heutige Endprodukt. Da gab es immer mal Menschen,
die wirklich komplett verwirrt waren und damit
gar nichts anfangen konnten. Das war dann zum Teil
schwierig dranzubleiben und in dem Stoff selbst noch
etwas zu sehen. Es gab also gefühlt schon harte Zeiten,
aber die hatten immer etwas damit zu tun, dass man so
extrem auf der Suche war.
MASCHA: Das ist für mich das größte Geschenk an der
„AKA“, dass man in der Zeit, in der man dort ist, auf
Menschen trifft, die aus dem gleichen Grund da sind
wie man selbst, die für Filme brennen und die etwas
suchen und ausprobieren wollen. Manchmal muss man
ein paar Runden drehen und findet nicht immer gleich
seine Leute. Es ist ein bisschen wie auf dem Schulhof.
Man kommt auch nicht mit allen zurecht. Man muss also
MASCHA: Es gab eben einfach
kein Vorbild oder etwas,
an dem wir uns orientieren
schauen, mit wem man
gleich tickt oder sich ergänzt
und mit wem man
konnten. Für uns
eine gemeinsame Vision
war das anstrengend, weil es
und Sprache entwickeln
die ganze Zeit um unsichtbare
Materie ging. Damit
mussten wir immer wieder
ringen, bis wir verstanden
haben, dass wir uns nur
hinsetzen und die Bilder, die
in uns sind, aufschreiben
und dann miteinander verknüpfen
müssen, wie in einem
Filmstill IN DIE SONNE SCHAUEN
kann. Ich habe das große
Glück gehabt, dass ich Fabian
gleich am ersten Tag
an der Filmakademie getroffen
habe. Jetzt sind wir
ein Paar, haben eine Familie
gegründet haben und
führen eine Art Familienbusiness.
(lacht)
Montageprozess. Das hat wirklich lange gedauert,
weil wir ja weder eine Geschichte noch Figuren im Kopf
hatten. Es ging uns um bestimmte, sehr philosophische
Themen, um Bilder, bestimmte Stimmungen und Atmosphären,
die wir unbedingt einfangen wollten. Diesem
Prozess und uns selbst zu vertrauen, es zuzulassen, dass
dieser Stoff uns immer wieder sagt: Ihr macht das schon
richtig. Das war eigentlich das, was am längsten gedauert
hat.
Cosima habe ich während des Studiums gar nicht kennengelernt,
weil sie ein paar Jahrgänge über mir war.
Aber ich kannte sie von Timm Krögers Film DIE THEO-
RIE VON ALLEM und sie ist mir sehr empfohlen worden.
Über ihre großartige Arbeit für diesen Film sind
wir dann ins Gespräch gekommen. Ich glaube schon,
dass es ein Netzwerk von FABW-Alumni gibt, was toll
ist. Auch wenn ich z.B. mit Cosima nicht im gleichen
Jahrgang war, wissen wir beide, wie es im „Blauen Engel“
LOUISE: Und dabei war jeder Moment schmerzhaft und
schön zugleich. Etwas zu finden oder zu kreieren, wofür
man eigentlich noch keine Worte oder Bilder hat, das
kann schon unerträglich sein. Dem weicht man dann
auch gern mal aus. Aber um durch diesen Prozess durchzugehen,
aussieht und wie es da riecht. So eine gemeinsame
Geschichte verbindet, weil man über die gleichen Dinge
sprechen kann, über Dozenten, die einem begegnet
sind und anderes. Das ist ein bisschen wie nach Hause
kommen.
muss man einen bestimmten Schmerz wohl
auf sich nehmen.
Leider hat es mit den AKA-Kontakten nicht in allen Bereichen
geklappt. Ich habe zum Beispiel in Ludwigsburg
Lasst uns mal über den „AKA-Effekt“ sprechen.
Mit Fabian Gamper (Bildgestaltung), Cosima Vellenzer
(Szenenbild), Maike Kiefer (Set Decoration),
keine Produzenten getroffen. Ich hatte immer
die Hoffnung: Mir passiert vielleicht auch so eine Begegnung,
wie sie z.B. Maren Ade und Janine Jackowski
19

ALUMNI IM FOKUS
erlebt haben. Aber irgendwann stand dann Louise plötzlich
wieder auf dem Aka-Hof. Wir hatten uns ein paar
Jahre nicht gesehen und hatten sofort wieder eine tolle
Verbindung wie früher. Das kann man nicht erzwingen.
Das passiert einfach. Louise und ich wollen unbedingt
bekommt, weil eine Frauenquote zu erfüllen ist. Das hat
uns ein ganzes Stück vorangebracht und bestimmte Dinge
konnten sich dadurch normalisieren. Aber es ist eben
ein sehr fragiler Prozess. Und man merkt, wie schnell
das wieder in eine andere Richtung kippen kann.
wieder zusammenarbeiten. Fabian und ich sowieso und
auch mit Cosima und Claudio möchte ich gerne wieder
arbeiten.
Solange diese Frage noch im Raum steht, ob man einen
Unterschied spürt, gibt es auch noch einen Unterschied.
Männlichen Kollegen wird diese Frage gar nicht
IN DIE SONNE SCHAUEN ist ein Film voller
weiblicher Charaktere. Was sind eure persönlichen
bisherigen Erfahrungen in der Filmbranche?
Werden Frauen immer noch anders behandelt?
Habt ihr selbst Benachteiligung oder
Diskriminierung erlebt?
gestellt. In Cannes habe ich erlebt, dass ich mit einem
Pressevertreter eine Stunde über den Film gesprochen
habe. Im publizierten Interview tauchten dann plötzlich
hauptsächlich Fragen auf, von denen ich dachte, dass
sie nur am Rande eine Rolle spielen: Wie lassen sich
meine Mutterpflichten mit der Regie vereinbaren? Wer
passt bei der Premiere auf
LOUISE: Das ist natürlich
ein großes Thema, mit
dem man oft konfrontiert
wird und dessen man sich
auch selbst bewusst ist.
Und man kennt ja die Zahlen.
Erst vor ein paar Tagen
wurde wieder eine neue
Auswertung veröffentlicht,
nach der nur ein knappes
mein Kind auf ? Und so
weiter. Da habe ich schon
überlegt, ob er diese Frage
eigentlich auch männlichen
Regie-Kollegen stellt,
die in Cannes eine Premiere
haben und gerade
Vater geworden sind.
Da sind mir immer wieder
ziemlich unglaubliche
Drittel aller Frauen Film-
Sachen passiert. Irgendwann
oder Produktionsförderung
Filmstill DIE TOCHTER mit Helena Zengel
überlegt man dann,
bekommen. Das sind natürlich krasse Zahlen. Von einer
Chancengleichheit und dem Moment, in dem man über
dieses Thema gar nicht mehr reden muss, sind wir also
noch weit entfernt.
ob man überhaupt mitteilt, dass man eine Familie oder
Kinder hat. Das familienfreundliche Drehen existiert
einfach noch nicht, oder ich habe es noch nicht kennengelernt.
Ich bin wohl noch zu kurz im Beruf, um wirklich profunde
Auskünfte zu geben. Chauvinistische Verhaltensmuster
begegnen mir persönlich immer wieder. Aber
ich würde sagen, die sind nicht unbedingt filmspezifisch,
sondern in der ganzen Gesellschaft verbreitet.
Damit muss man lernen umzugehen und kann solche
Leute durchaus auch damit konfrontieren. In der persönlichen
Begegnung habe ich aber meistens das Gefühl,
dass ich von Frauen wie von Männern als Mensch gesehen
werde – von den oben genannten Ausnahmen abgesehen.
MASCHA: Ich bin der Jahrgang, der definitiv davon profitiert
hat, dass die Frauenquote eingeführt worden ist.
Ohne diese Quote hätte ich zum Beispiel bestimmte Krimiserien
nicht oder sehr viel schwieriger drehen können.
Es war ganz klar spürbar, dass man diesen Auftrag
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Ich bin sehr gespannt, was passiert, wenn es die Frauenquote
in der Filmbranche nicht mehr gibt. Ich habe gehört,
dass sie abgeschafft werden soll. Die große Frage
ist dann, ob die Errungenschaften durch die Quote sich
schon so verselbständigt haben, dass sie bleiben oder ob
das Pendel wieder zurückschwingt. Ich fürchte, dass das
alles noch sehr zerbrechlich und leider keine Selbstverständlichkeit
ist.
LOUISE: Frauen machen 50 Prozent der Menschheit aus.
Deswegen finde ich es wirklich krass, als wie exotisch
es immer noch betrachtet wird, wenn Frauen erzählen
und dass es immer noch diese sogenannten „Frauenthemen“
gibt. Ich hatte in den letzten Jahren zum Beispiel
öfter Anfragen von Männern zu Stoffen, mit denen sie
nicht ganz zufrieden sind, „weil da jetzt auch noch ein
bisschen der weibliche Blick fehlt.“ Ich finde das sehr

befremdlich. Es gibt doch auch genug Frauen auf der
Welt, die ich nicht verstehe, die ich nicht nachvollziehen
kann. Ich habe viele männliche Freunde, die mir total
nahe sind und über deren Verhaltensweisen ich nicht
stolpere. Wir alle haben in unserem Alltag ständig mit
Männern und Frauen zu tun. Aber sobald es um Filmstoffe
oder deren Verwertbarkeit geht, gibt es dann plötzlich
den weiblichen Blick auf die Dinge. Für die Zukunft
würde ich mir wünschen, dass es einfach einen menschlichen
Blick gibt. Im Moment wird oft noch der Mann als
Mensch betrachtet und die Frau als irgendetwas anderes.
MASCHA: Diese Trennung und diese Diskussion finde
ich auch immer wieder total verblüffend. Ich hoffe,
dass wir Filme wieder als Kunstform sehen können.
Und Kunst bedeutet für mich die Freiheit, erzählen zu
können, was erzählt werden möchte. Ich finde auch diese
Trennung, dass jetzt Männer keine Frauenfiguren
mehr schreiben dürfen, völlig absurd. Oder dass Frauen
jetzt nur noch Frauen schreiben. Es geht doch, unabhängig
vom Geschlecht, immer um Empathie und Erfahrung
und darum, etwas wirklich Wahrhaftiges erzählen
zu wollen.
Produktionsfirmen veröffentlichen ja immer große Ausschreibungen:
Wir suchen mutige, innovative Stoffe!
Aber das ist total plakativ. Was mutig in dem Fall bedeutet,
ist am Ende doch wieder total limitiert. Wir hatten
sehr viel Gegenwind bei der Art und Weise, wie wir
erzählt haben, auch an der Filmakademie. In der Drehbuch-Prüfung
haben mich große Fragezeichenaugen angeschaut
und ich glaube, ich habe die schlechteste Note
von allen bekommen. Kurz darauf haben wir dann den
Thomas Strittmatter Preis gewonnen. Am Ende muss
man einfach auf sich selbst hören und nicht auf das, was
andere Leute sagen. Natürlich ist man auch darauf angewiesen,
dass bestimmte Leute die Qualität eines Stoffes
erkennen. Nur dann bekommt man eine Finanzierung
zustande. Aber dieses sogenannte Rezept, nach dem immer
alle suchen, das gibt es einfach nicht.
Wir alle haben doch diese Sehnsucht, etwas zu schauen,
das uns tief bewegt und das etwas in uns auslöst, etwas
verändert. Weil wir in eine Welt hineinschauen durften,
in der wir uns selber noch gar nicht zuhause gefühlt
haben. Oder weil wir entdecken, dass andere Menschen
auch ganz geheime Gedanken haben und wir uns darin
wiederfinden können. Und wir einfach dasitzen und
merken: Oh, wir sind gar nicht so alleine, wie wir dachten.
Dann funktionieren Filme – wie ein gutes Buch und
wie Kunst überhaupt – als überlebenswichtiger Trostmoment.
Und ich glaube, das sollte eigentlich im Fokus
stehen.
IN DIE SONNE SCHAUEN
REGIE: Mascha Schilinski
DREHBUCH: Mascha Schilinski, Louise Peter
BILDGESTALTUNG: Fabian Gamper
MONTAGE: Evelyn Rack
SZENENBILD: Cosima Vellenzer
AUSSTATTUNG: Maike Kiefer
MUSIK: Michael Fiedler, Eike Hosenfeld
TON: Claudio Demel, Jürgen Schulz, Kai Tebbel
TON-ASSISTENZ: Johann Meis
SOUNDDESIGN: Jürgen Schulz, Billie Mind
MISCHTONMEISTER: Kai Tebbel
PRODUKTION: Studio Zentral, ZDF /
Das kleine Fernsehspiel
AUSFÜHRENDE PRODUZENTIN: Maren Schmitt
PRODUZENTEN: Lucas Schmidt, Lasse Scharpen
Redaktion ZDF / Das kleine Fernsehspiel:
Burkhard Althoff, Melvina Kotios
VERLEIH: Neue Visionen
WELTVERTRIEB: MK2 Films
BESETZUNG: Hanna Heckt, Lena Urzendowsky,
Laeni Geiseler, Susanne Wuest, Luise Heyer,
Lea Drinda, Florian Geißelmann, Greta Krämer, Luzia
Oppermann, Claudia Geisler-Bading, Zoë Baier u.a.
LINKS:
HTTPS://WWW.TALENTREPUBLICA-
GENCY.DE/
DIRECTORS/MASCHA-SCHILINSKI
HTTPS://FRAME-MANAGEMENT.
COM/MANAGEMENT/
WRITERS/LOUISE-PETER/
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ALUMNI IN FOCUS
„Darlings only“ instead
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of „Kill your darlings“
MASCHA SCHILINSKI
is an author and director
born in Berlin. She
completed the ‘Screenwriting
Masterclass’ at
Filmschule
Hamburg
(Hamburg Film School)
and worked as an author. Mascha then began studying
film directing at Filmakademie Baden-Württemberg.
Her award-winning medium-length film
DIE KATZE / THE CAT was made in her second
year of study. In her third year, she shot her feature
film DIE TOCHTER / DARK BLUE GIRL. The
film premiered at the 2017 Berlinale International
Film Festival and was nominated for the GWFF
Best First Feature Award. DIE TOCHTER has been
shown at more than 40 festivals worldwide and has
won several international awards.
LOUISE PETER
was born in Berlin in 1982.
She went to Vienna to
study theatre, film, and media
studies, followed by acting
training in Berlin. She
then lived as a freelance actress in Berlin
and Bremen, with intermittent extended writing
stays in southern Spain.
Until 2020, she studied screenwriting at Filmakademie
Baden-Württemberg and spent a semester
at La Fémis in Paris. She received a scholarship
from the German Academic Scholarship Foundation.
Her short films have won various awards. Her
short film EYE FOR AN EYE was nominated for
the Student Academy Award in 2016 and won the
Short Tiger Award.
Louise und Mascha
bei der ZDF "Orange Hour"
beim Filmfest München
2025 mit Heike Hempel
und Frank Zervos

In conversation with Mascha Schilinski and Louise Peter
THE GERMAN ENTRY IN DIE SONNE
SCHAUEN / SOUND OF FALLING WAS
AWARDED THE JURY PRIZE AT THE 78TH
CANNES INTERNATIONAL FILM FESTIVAL IN
MAY 2025. FABW ALUMNA MASCHA SCHI-
LINSKI IS THE FIRST GERMAN DIRECTOR
IN THE HISTORY OF THE FESTIVAL TO BE
HONOURED WITH THIS PRESTIGIOUS AWARD
– AND THAT FOR A SECOND FEATURE FILM
AND DEBUT AFTER GRADUATING. NOW IN
DIE SONNE SCHAUEN IS ALSO IN THE RUN-
NING FOR AN ACADEMY AWARD FOR BEST
INTERNATIONAL FEATURE FILM AT THE
98TH OSCAR ® AWARDS AS THE GERMAN
ENTRY.
Mascha Schilinski wrote the screenplay for IN DIE
SONNE SCHAUEN together with FABW graduate Louise
Peter. It was in 2023, still under the working title ‘The
doctor says I‘ll be alright, but I‘m feelin’ blue’, that it was
awarded the Thomas Strittmatter Prize by MFG Medien-
und Filmgesellschaft Baden-Württemberg.
IN DIE SONNE SCHAUEN was produced by Studio Zentral
and ZDF- Das kleine Fernsehspiel.
Hi Mascha and Louise, Cannes is certainly the
most glamorous film festival in the world with
the biggest star lineup. What were your most
memorable moments and most impressive encounters?
LUISE: The whole place and the entire time there were
basically a series of glamorous days. Attending the premiere
and the award ceremony is pretty overwhelming.
Being in these places that you know from press photos.
Sometimes it‘s a bit bizarre when you suddenly find
yourself there. It feels completely different than you imagined.
At times I had to laugh to myself because all the
glamour and circus seemed so absurd. For example, we
walked through the entire old town in high heels until
we finally arrived at where the glamour was. And then
suddenly a blister bandage started to pinch...
So for me, it was a mix of everything. On the one hand,
I was completely overwhelmed and had some great experiences,
but on the other side, it could suddenly feel
a bit absurd.
MASCHA: I can relate to that. My most absurd moment:
I was there with my five-month-old baby and had to do
a crazy interview marathon in makeshift rooms. Fabian
rocked the baby the whole time. There wasn‘t really
anywhere suitable for me to breastfeed in the huge palace
where the big cinema is located. So they just pulled a
curtain to one side, with waiters dealing with champagne
bottles behind it! I was wearing a jumpsuit that I had to
unzip all the way down the back to breastfeed. And just
as I was sitting there half-dressed, thinking I was alone
behind the curtain, another door flew open and Thierry,
the festival director, came in, practically bumping into
me, startled, and said, ‘Ah, oui, ca c‘est aussi Cannes!’
(‘Well, that‘s Cannes for you!’). He was just backstage trying
to get from A to B quickly. I sometimes think back to
that situation because it was so striking how those two
worlds collided. The glamour on the one hand, but also
this total chaos in completely normal situations that you
somehow have to deal with.
One of the best moments for me was when the whole
team got together, almost everyone who had travelled
there. We sat with some of them at a beach shack on the
Croisette, eating burgers. For me, that was a highlight
because I had been so embroiled in the whole interview
marathon and had been pretty isolated from the others.
It was just nice to sit there, eat together, talk, and feel
that connection.
When everyone was talking about their experiences
there, I realised that everyone experiences Cannes in a
completely different way. The young actors, for example,
went out at night and went to crazy parties in big villas.
I think there are many parallel worlds within Cannes.
IN DIE SONNE SCHAUEN celebrated an
acclaimed premiere. Were you already hoping for
an award?
MASCHA: I put that idea far from my mind at the beginning.
It was exciting enough that we were in Cannes.
When we found out that we were opening the competition,
that was something extra special on top, of course.
We were all totally busy and time just flew by. We had
so many appointments; the days were packed full. Sometimes,
you started to lose track – like when we were
shooting IN DIE SONNE SCHAUEN – was that today or
yesterday, or when did what happen? We were also sort
23

ALUMNI IN FOKUS
of the underdogs, so people wondered: Who are these
guys, anyway?
You already mentioned the Dardenne brothers.
You were in illustrious company with directing
greats such as Wes Anderson, Kelly Reichardt and
LOUISE: Because our film was being shown on the first
day, we were thinking, well, the other festival films will
Richard Linklater. Did you get to talk to them
personally?
all be premiered over the next few days, so on the first
day you don‘t really know what the good reviews actually
mean.
MASCHA: Yes, I did, after the award ceremony. After I
left the stage, I was asked to go backstage and the first
person I ran into was Cate Blanchett. It was a lovely moment.
MASCHA: I didn‘t read the reviews at all. I think that
was very good for me. At some point, of course, I heard
the film was getting great reviews, but that doesn‘t say
anything about what the jury thinks. For us, it ultimately
wasn’t about the awards. We were just happy to be
part of it all.
She congratulated me warmly. Later, I also met
Maren Ade and the Dardenne brothers. Alice Rohrwacher
was sitting there, so you are really in the midst of
filmmakers you admire yourself. Those were wonderful
moments. It was so surreal for me to sit backstage
with them and continue watching the award ceremony
on a monitor. Everyone is
When the festival came
to an end, it was impossible
happy, but also shy and excited.
not to think about the
possibility of winning an
Let‘s talk about your
award. And then we faced a
work. You co-wrote
rather absurd situation. We
were told we would receive
a call on Friday evening.
But it never came. So I
let myself completely relax
and thought, great, let‘s
all go to the beach, drink
Filmstill IN DIE SONNE SCHAUEN
the screenplay for IN
DIE SONNE SCHAU-
EN. Had you worked
together before? And
how did the collaboration
between you work
exactly?
champagne, and celebrate
the wonderful time we‘ve had here. Then very late that
night, I got a message saying that the jury was still deliberating
and the call would be postponed until Saturday
afternoon.
MASCHA: Louise and I have known each other since we
were teenagers. We went to the same school. This was
our first professional collaboration. And it was amazing
in many ways because it‘s a very complex subject, because
we were interested in the same themes, and because
LOUISE: The international distributor, MK2, then said
that they hadn‘t received a call either. But neither had
anyone else.
we were independently working on very similar
things. The friendly familiarity we have with each other
was particularly important for this material since we really
dug in deep on it. That would have been hard to do
MASCHA: Exactly. And then we heard that there was a with someone you didn‘t know well.
power outage in Cannes, which caused problems with
the network, and the phone wasn‘t working. So we
didn‘t know what was going on. In the end, the call finally
came in quite late. They told us it would be good
for us to attend the award ceremony. That‘s all we knew.
LOUISE: We had very similar ways of thinking even before
that. In German class, we always got the same marks
on our exams, but we both lost two points for spelling
every time.
Then you sit there with your heart pounding.
MASCHA: So we don‘t really complement each other.
LOUISE: Later we heard that the Dardenne brothers, (laughs)
who also won an award, were about to board their plane
because they thought the call wasn‘t coming. They were
actually brought back.
LOUISE: We had always planned to do something together,
but we didn‘t have any specific ideas. The material
24

came about because we talked a lot about the themes the
film deals with. Each of us explored these topics from
our own experiences, but we also spent a lot of time philosophising
own time? What may have happened before we were
born that we will never have access to? That‘s what we
wanted to explore.
about things that were on our mind or that
we had come across.
And this farm ended up providing the setting – we said
we would show 100 years of life on this farm. And we
Eventually, we reached a point where we said, ‘Why
don‘t we try to do something with this?’ At the time,
we couldn‘t really grasp it because the topic was hard
to pin down. And then we started thinking about how
we could shape it. We quickly realised that the classic
form wouldn‘t work, that we couldn‘t force the story into
the traditional three-act format because the narrative
had to have a poetic style to it. So we just started writing
freely, kind of like literary sketches, to gather material
and then see where
jump back and forth through time, across different decades,
and tell the story in a radically subjective way
through the eyes of four women. We were particularly
interested in the things people don‘t talk about on
their deathbeds, the little secrets that are buried deep inside,
and what really moves these characters deep down.
Things they themselves may try to dismiss because they
are so shameful or because they are not great war stories
or the kind of tales you brag about, but rather very small,
quiet moments.
it would take us. The inspiration
always somewhat
evolved from what had already
‘popped out’ before,
so it was a very associative
process.
So, we had this location
and knew we could shoot
there. That was a huge gift
for this very ambitious debut
film, of course, and
made it possible in the first
MASCHA: You could add
that we spent a summer on
this farm in the Altmark,
which later became the
film location.
Filmstill IN DIE SONNE SCHAUEN
place. The simultaneity of
time was what I immediately
found appealing from
a cinematic point of view.
We talked a lot about how
in a given place, you do
And the farm was basically the initial spark – or the
framework – for this material, for these themes that had
been floating around invisibly until then and that we
couldn‘t grasp. How could we translate these themes into
cinematic language? Would it be better to turn it into
an installation? Or should we write a novel about it instead
because we‘re interested in the quiet inner tremors
and upheavals of the characters? We really wanted to
listen in on very subtle emotional layers, nuances, and
make something tangible out of what there are really
no words for.
something completely mundane – like we were sitting
there playing around on our mobile phones – but in another
time, someone else might have had a truly existential
experience there. Editing these juxtapositions together
was ultimately how the writing process worked.
This material always resisted us whenever we tried to
construct a plot and squeeze the film into a conventional
format. We kept strongly feeling like we were limiting
ourselves enormously as storytellers. You‘re taught that
there‘s the three-act structure, the five-act structure, the
eight-sequence method. And now we’re supposed to fit
this film into that mould. But in fact, the stories that interest
And then, at the same time, we became increasingly interested
in the phenomenological aspect of transgenerational
transmission of trauma and found many phenomena
there that intrigued us. It was clear to us that we
didn‘t want to make a psychologised film that tried to
us both are frequently not films that take place
in this form and simply work through a single theme,
but are more about trying to capture the fullness of life.
Films for which there is no elevator pitch. And that was
also the case with this film.
find answers. We found it much more intriguing not to
have answers to questions such as: What parts of yourself
do find in others? What shapes us to this day? What
LOUISE: Once it was financed, we were glad we didn‘t
have to pitch it anymore. (laughs)
was inscribed in our bodies that began long before our
25

ALUMNI IN FOCUS
MASCHA: We then spent four years continuously developing
the film until we were ready to shoot. With a
few exceptions, we saw each other almost every day and
worked on it constantly. Our everyday life mainly involved
talking a lot, for a long time, and also procrastinating
a lot, which was really important for the film.
In the end, it was the characters that emerged along the
way that helped us bring these buried things to light.
LOUISE: Not necessarily different opinions, but there
were moments when we needed a little time to think
through very specific trains of thought or images. Of
course, there were always days when nothing came to
mind. Individual versions of the script didn‘t mesh as
well as the final product does today. There were always
people who were completely confused and couldn‘t
make sense of it at all. That made it difficult to stay focused
and see anything in the material itself. So there
LOUISE: Our premise for ourselves and the storytelling
was that we always wanted to tell exactly what needs
to come out of us, without paying attention to what the
were definitely tough times, but they always had something
to do with the fact that we were searching so deeply
and intensely.
audience or the target group might want. We wanted to
free ourselves completely from that. The fact that it actually
worked and that we defended it against all odds is, in
retrospect, a really meaningful
validation. Of course,
it‘s important to learn the
craft of screenwriting. But
that should only be a foundation
MASCHA: There was simply no model or anything we
could use as a guide. That was stressful for us because it
was all about invisible material.
We kept struggling
with that again and again
until we understood that
we just had to sit down and
to start working
write about the images that
from. The focus should always
be on the content that
needs to be told. In conversations,
however, I often get
the feeling that the opposite
is true.
were inside us and then
link them together, like in a
montage process. That took
a very long time because
we didn‘t have a story or
characters in our heads. We
MASCHA: We really tried
to make the film based on our own longing and to follow
that process through without any compromising.
That was tough at the beginning, because we first had to
find a new form for this content and couldn‘t find any
role models for it. But it also started to feel liberating at
some point as we realised that we were doing this completely
differently. It‘s wasn’t about the ‘kill your darlings’
principle, but rather ‘darlings only’ – we created
the film scene by scene, out of the things we wanted to
see. Essentially, the film is actually like a poem. It‘s made
up of individual moments, and the viewer is immediately
thrown into the experiences of these four women.
And yes, of course it‘s also a film about how memories
work, and so the film jumps around in an associative
way and demands a lot from the viewer. But we love that
because we ourselves also like to be challenged when we
watch something.
Four years is a long time. Were there ever situations
where you had completely different opinions,
and how did you resolve them?
26
Filmstill IN DIE SONNE SCHAUEN
were interested in specific,
very philosophical themes,
images, certain moods and atmospheres that we really
wanted to capture. Trusting this process and ourselves,
allowing this material to keep telling us: You‘re doing it
right. That was actually what took the longest.
LOUISE: And every moment was painful and beautiful
at the same time. Finding or creating something for
which you don‘t have words or images yet can be unbearable.
It‘s tempting to avoid that. But to go through
this process, you have to be willing to accept a certain
amount of pain.
Let‘s talk about the ‘AKA effect’. Other FABW
alumni involved in the making of the film were
Fabian Gamper (cinematography), Cosima Vellenzer
(production design), Maike Kiefer (set decoration),
Claudio Demel (sound), and Johann Meis
(sound assistant). Had you worked with them before
during your studies, and would you like to
do so again in the future?

MASCHA: For me, the greatest gift about attending the
‘AKA’ is that during your time there, you meet people
who are there for the same reasons you are, who are passionate
about film and who are looking for something
and want to try things out. Sometimes you have to go
around a few times to find ‘your’ people right away. It‘s a
bit like being back in the schoolyard. You don‘t get along
with everyone, so you have to figure out who you click
with or who complements you and who you can develop
a shared vision and language with. I was very lucky to
meet Fabian on my first day at the Filmakademie. Now
we‘re a couple, have started a family, and run a kind of
family business. (laughs)
I didn‘t meet Cosima during my studies because she
was a few years ahead of
me. But I knew her from
Timm Kröger‘s film DIE
THEORIE VON ALLEM
(THE UNIVERSAL THE-
ORY), and she came highly
recommended. We got
to talking about her amazing
work on that film. I
do think there‘s a network
of FABW alumni, which
is great. Even though Cosima
and I weren’t in the
same year, for example, we
both know what it‘s like at
the ‘Blauer Engel’ cafe and
how it smells there. A shared history like that connects
you because you can talk about the same things, about
lecturers you‘ve had and other experiences. It‘s a little
like coming home.
Unfortunately, the contacts I made at FABW didn‘t work
out in all areas. For example, I didn‘t meet any producers
in Ludwigsburg. I always hoped that I might have
an encounter like Maren Ade and Janine Jackowski did.
But then one day Louise suddenly turned up on the AKA
campus again. We hadn‘t seen each other for a few years
and immediately reconnected like we used to. You can‘t
force that. It just happens. Louise and I definitely want
to work together again. Fabian and I certainly will, and
I‘d also like to work with Cosima and Claudio again.
IN DIE SONNE SCHAUEN is a film full of female
characters. What have been your personal
experiences in the film industry so far? Are women
still treated differently? Have you experienced
discrimination or disadvantages yourselves?
LOUISE: That‘s obviously a big issue that you‘re confronted
with often and also aware of personally. And we
all know the figures. Just a few days ago, a new study
was published showing that only just under a third of
all women receive film or production funding. Those are
glaring figures, of course. So, we‘re still a long way from
equity and equal opportunities and from a point where
we no longer need to talk about this issue.
Bei der Verleihung des Thomas Strittmatter Preises 2023 mit
MFG-Geschäftsführer Carl Bergengruen, Schauspielerin Julia
Jäger und Arne Braun, Staatssekretär im Ministerium für Wissenschaft,
Forschung und Kunst Baden-Württemberg
I‘m probably still too new to the profession to give any
really profound insights. I personally encounter chauvinistic
behaviour on a regular
basis. I wouldn’t say
that is necessarily specific
to film, though, but rather
widespread throughout
society. You have to learn
how to deal with it and can
certainly confront people
about it. In personal encounters,
however, I usually
feel that I am seen as a
person by both women and
men – aside from the exceptions
mentioned above.
MASCHA: I‘m part of the
generation that has definitely benefited from the introduction
of the women‘s quota. Without this quota, I
wouldn‘t have been able to shoot certain crime series, for
example, or it would have been much more difficult. It
was very clear that you were given a job because a quota
for women had to be met. That helped us a lot and allowed
certain things to normalise. But it‘s a very fragile
process. And you can see how quickly things can tip
back in the other direction.
As long as the question of whether there is a difference
still has to be asked, then there is still a difference. Male
colleagues are never asked that question. In Cannes, I
spent an hour talking to a press representative about the
film. In the published interview, however, most of it focused
on the questions I thought were only marginally
relevant: How do I balance being a mother with directing?
Who will look after my child at the premiere? And
27

ALUMNI IN FOCUS
so on. I wondered whether he had asked male directors
who were premiering in Cannes and were new fathers
the same questions. I‘ve had some pretty unbelievable
experiences. At some point, you start to wonder whether
you should even mention that you have a family or children.
Family-friendly filming simply doesn‘t exist yet, or
at least I haven‘t come across it.
I‘m very curious to see what happens when the quota for
women in the film industry is abolished. I‘ve heard that
it‘s going to be phased out. The big question is whether
the achievements that have been made due to the quota
have become so ingrained that they will stay on course,
or whether the pendulum will swing back again. I’m
concerned that it‘s all still very fragile and, unfortunately,
not something we can take for granted.
LOUISE: Women make up 50 percent of the human
race. That‘s why I find it really shocking how exotic it‘s
still considered when women speak up and that there
are still these so-called ‘women‘s issues’. In recent years,
for example, I‘ve often had requests from men about material
they‘re not entirely happy with ‘because it‘s still
missing a bit of female perspective’. I find that very
strange. There are plenty of women in the world whom
I don‘t understand, whom I can‘t relate to. I have many
male friends who are very close to me and whose behaviour
doesn´t leave me baffled. We all deal with men and
women in our everyday lives. But as soon as it comes
to film material or its usability, there is suddenly this
female perspective on things. For the future, I would
like to simply see a more human perspective. Right now,
men are often still seen as human beings and women as
something else.
film school. During the final exam in the screenwriting
course, I was met with a lot of raised eyebrows, and
I think I got the worst grade of everyone. Shortly after
that, we won the Thomas Strittmatter Prize. In the end,
you just have to listen to yourself and not to what other
people say. Of course, you also have to rely on certain
people recognising the quality of a piece of material. Only
then can you get funding. But there‘s no such thing as
a formula that everyone is always looking for.
We all have this longing to watch something that moves
us deeply and triggers something inside us, something
that changes us. Because we get a chance to look into a
world where we haven’t felt at home yet. Or because we
discover that other people also have very secret thoughts
and we can identify with them. And we just sit there and
realise: Oh, we‘re not as alone as we thought. Then films
– like a good book and art in general – serve as a vital
moment of comfort for us. And I think that should really
be the focus.
MASCHA: I also find this separation and discussion totally
baffling. I hope that we can see films as an art form
again. And for me, art means the freedom to tell the story
that wants to be told. I also find this division, that
men are no longer allowed to write female characters,
completely absurd. Or that women now only write about
women. Regardless of gender, it‘s always about empathy
and experience and wanting to tell something truly
authentic.
Filmstill IN DIE SONNE SCHAUEN
Production companies always publish big calls for submissions:
We‘re looking for bold, innovative material!
But these are just buzzwords. Ultimately, what they
mean by ‘bold’ in this case is totally limited. We faced
a lot of resistance to the way we told our story, even at
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IN DIE SONNE SCHAUEN / SOUND OF FALLING
DIRECTOR: Mascha Schilinski
SCREENPLAY: Mascha Schilinski, Louise Peter
CINEMATOGRAPHY: Fabian Gamper
EDITING: Evelyn Rack
SET DESIGN: Cosima Vellenzer
PRODUCTION DESIGN: Maike Kiefer
MUSIC: Michael Fiedler, Eike Hosenfeld
SOUND: Claudio Demel, Jürgen Schulz, Kai Tebbel
SOUND ASSISTANT: Johann Meis
SOUND DESIGN: Jürgen Schulz, Billie Mind
SOUND MIXER: Kai Tebbel
PRODUCTION: Studio Zentral, ZDF /
Das kleine Fernsehspiel
EXECUTIVE PRODUCER: Maren Schmitt
PRODUCERS: Lucas Schmidt, Lasse Scharpen
EDITORS: ZDF / Das kleine Fernsehspiel:
Burkhard Althoff, Melvina Kotios
DISTRIBUTION: Neue Visionen
WORLD SALES: MK2 Films
CAST: Hanna Heckt, Lena Urzendowsky, Laeni Geiseler,
Susanne Wuest, Luise Heyer, Lea Drinda, Florian
Geisselmann, Greta Krämer, Luzia Oppermann, Claudia
Geisler-Bading, Zoë Baier, and others.
LINKS:
HTTPS://WWW.TALENTREPUB-
LICAGENCY.DE/DIRECTORS/
MASCHA-SCHILINSKI
HTTPS://FRAME-MANAGEMENT.
COM/MANAGEMENT/WRITERS/
LOUISE-PETER/
The film team on the red carpet in Cannes.
29

SET EXTENSION WORKSHOP
30

31

SET EXTENSION WORKSHOP
2006
2008
2009
2014 2015 2016
2020 2021
2022
32

2010 2011 2013
2017 2018
2019
2023 2024
33

JUBILÄUM
34

20 JAHRE
SET EXTENSION WORKSHOP
“Die Studierenden sollen lernen, den analogen und
den digitalen Raum gesamtheitlich zu denken und zu fühlen.“
Im Gespräch mit Thomas Stammer
Welchen Stellenwert hat das Szenenbild in
Deutschland?
DREI GEWERKE, EINE VISION: VOR 20
JAHREN HAT DER SZENENBILDNER
THOMAS STAMMER DEN SET EXTENSION
WORKSHOP AN DER FILMAKADEMIE BE-
GRÜNDET. DIE KOOPERATION VON PRODUC-
TION DESIGN, KAMERA UND VFX IST EIN
IN EUROPA EINZIGARTIGES EXPERIMEN-
TIERFELD AUF DER HÖHE DER TECHNIK. IM
GESPRÄCH BESCHREIBT THOMAS STAMMER,
WAS DEN ERFOLG DES WORKSHOPS AUS-
MACHT, WIE ALLES ANGEFANGEN HAT UND
WAS IHN PERSÖNLICH ANTREIBT.
Lieber Thomas, wie bist Du zum Szenenbild/
Production Design gekommen?
Ich habe mit Architektur angefangen, wollte aber dann
zum Film wechseln. In Babelsberg hatte ich einen guten
Einstieg, mein Diplomfilm wurde als erster dort mit einem
"Student Oscar®" ausgezeichnet. Mein Ehrgeiz war
von Anfang an, mich als Filmemacher einzubringen mit
dem Anspruch, ein internationales Niveau zu erreichen,
bei dem die Menschen überall auf der Welt sagen: Wow,
das sieht gut aus!
Das kommt auf den Einzelfall an. Manche Regisseure
und Produzenten verstehen nicht, wie wichtig das Zusammenspiel
von Szenenbild, Kamera und VFX für die
Filmgestaltung ist. Wenn das Budget eines Films z.B. um
eine halbe Million Euro gekürzt wird, weil die letzte Förderung
nicht kommt, wird selten an Drehtagen gespart.
Also denken viele: Szenenbild ist ein großer Posten, da
kann man immer ran, das geht auch billiger und mit
weniger Qualität.
Wo hast du so etwas erlebt?
Anfang der 2000er habe ich an einem Film gearbeitet,
der vor der Wende in Berlin spielt. Der Regisseur wusste
als Ostdeutscher natürlich nicht, wie es 1989 im westdeutschen
Kreuzberg aussah, weil er noch nie dort war.
Der Produzent war der Ansicht, dass wir das alles an den
Orten drehen können, die bei Touristen beliebt waren.
Ich bin dann ins Kreuzberg Museum gegangen, habe Bilder
der Locations besorgt und die gleichen Perspektiven
Anfang der Nullerjahre fotografiert. Görlitzer Park 1989
und heute, Wiener Straße 1989 und heute. Da ist ihnen
die Kinnlade runtergefallen: Wir haben ein Problem! Ich
habe gesagt: Keine Panik! Denn es war wie so oft kein
reales Problem, auch kein budgetäres Problem, sondern
ein mentales Problem.
Kannst du das näher beschreiben?
Viele haben eine ziemlich starre Produktionsstruktur
im Kopf, es gibt im deutschen Film auch noch viele
Hierarchien. Da wirkt die Autorenfilmer-Traditionen
nach. Wenn ein Buch eine bestimmte visuelle
Qualität braucht, müssen Szenenbild, Kamera und die
35

JUBILÄUM
VFX-Abteilung meiner Ansicht nach von Anfang an mitreden.
Stattdessen beschäftigt man sich sehr lange nur
mit dem Drehbuch. Dann stellt sich heraus, dass die Produktion
7 Millionen kosten würde. Man hat aber nur
fünf. Also muss man das Buch umschreiben und die jahrelange
Vorarbeit war für die Katz.
Das klingt ziemlich unglaublich.
In Deutschland schickt ein Regisseur oder Produzent oft
einen Locationscout ohne Briefing los. Anstatt vorher
mit dem Production Design zu besprechen, was die Regie
genau braucht und wie das am Ende aussehen soll.
Ich kann einem Location Scout sehr exakte Kriterien liefern,
damit er passende und drehbare Orte findet. Bei
Gibt es auch positive Beispiele?
Natürlich. Nico Hofmanns erfolgreiche TV-Produktionen
vor 20 Jahren, an denen ich mitarbeiten durfte.
Wir haben Hamburg geflutet und Dresden abgebrannt.
Mit DRESDEN hatten wir 13 Millionen Zuschauer an einem
Abend. Später kam dann UNSERE MÜTTER, UN-
SERE VÄTER dazu, der erste internationale Emmy für
Deutschland. Nico hat damals den Begriff “Kino fürs
Fernsehen” geprägt, und ich finde schon, dass diese Produktionen
eine Kinoqualität haben. Oder ein Beispiel
hier an der Filmakademie: Mit dem langjährigen Akademie-Direktor
Thomas Schadt habe ich CAROLA STERN
– EIN DOPPELLEBEN gemacht. Die Erzählung erstreckte
sich über sieben Jahrzehnte, das war eine richtig tolle
Arbeit. Als Dokumentarfilmer wusste Thomas wenig
über Szenenbild, aber er hatte großen Respekt. Gestützt
durch sein Vertrauen, konnte ich das Äußerste für seinen
Film rausholen. Ich bin immer bereit, sehr weit zu
gehen, wenn ich das Gefühl habe, dass Leute die Arbeit
wahrnehmen und schätzen.
Haben wir genügend kompetente Production
Designer in Deutschland?
2009
„Dieses Dreieck zwischen
Kamera, VFX und Szenenbild,
wenn es optimal skaliert ist,
kann wirklich großartige Dinge
schaffen – das vermittle ich den
Studierenden als Allererstes.”
Auf jeden Fall! Einige der erfolgreichsten kommen aus
Ludwigsburg, das liegt an der Campusstruktur und daran,
dass die Filmakademie den Teamwork-Gedanken
stark fördert. Ich bin immer völlig fasziniert, wie hoch
die Qualität der Diplomfilme ist. Deswegen passt der Set
Extension Workshop so gut hierher. Er bringt hochkomplexe
technische Aspekte mit künstlerischen Aspekten
zusammen, und das nicht abstrakt, sondern im praktischen
Tun.
einem Film, der im Tiefschnee spielen sollte, hieß es:
Wir fahren nach Finnland und graben dort einen LKW
im Schnee ein. Ich habe gesagt: auf keinen Fall. Selbst
wenn wir dort eine Schneewehe finden: Bis das Loch gegraben
und der LKW drin ist, gibt es auf einer Seite keinen
Schnee mehr, weil 100 Leute ihn zertrampelt haben.
Da fehlt die Erfahrung. Wenn das niemand ausspricht,
wird viel Geld vernichtet. Ich finde wichtig, dass sich alle
aufeinander einlassen und das Potenzial des anderen
respektieren - besser noch schätzen. Ich habe mich immer
für die Anforderungen der anderen Gewerke interessiert,
mich intensiv mit VFX beschäftigt und mit kameraspezifischen
Themen wie Lichtgestaltung, Schnitt
und Inszenierung im Raum.
36
Wie ist die Idee für den Workshop entstanden?
Der Impuls kam von Nico Hofmann. Er hat mich geholt,
als bei MEIN BRUDER, DER VAMPIR, dem Di plomfilm
von Sven Taddicken, nichts mehr ging. Der Szenenbilder
hatte ein Set entworfen, das niemand bezahlen konnte,
das gleiche galt für die VFX-Planung. Und es gab keine
Kommunikationsebene zwischen den Gewerken. Wir
haben das durch präzise Absprachen ziemlich schnell gelöst,
und Nico war so beeindruckt, dass er einen Workshop
dazu etablieren wollte. Ich habe den dann so konzipiert,
dass VFX, Bildgestaltung/Kamera und Szenenbild
ihn gemeinsam veranstalten. Diese drei Gewerke müssen
zusammen funktionieren, und das geht nur, wenn
sie gut miteinander kommunizieren. Begonnen habe ich

mit dem VFX Spervisor Denis Behnke und dem Kameramann
Roland Mönch. Aktuell arbeite ich mit dem Kameramann
Matthias Bolliger und dem VFX Supervisor
Marc Angele. Wir werden vom Animationsinstitut sehr
stark unterstützt und können dadurch die jeweils aktuellste
Technik einsetzen, das ist extrem wichtig.
Anschlüsse und Übergänge an den digitalen Raum gelingen.
Diese Übergabe-Punkte sind unglaublich wichtig.
Jedes Defizit in der Kommunikation spüren alle nachher
im Ergebnis.
Entsteht bei jedem Workshop ein Film?
Wie läuft der Workshop ab?
Die Studierenden sollen lernen, den analogen und den
digitalen Raum gesamtheitlich zu denken und zu fühlen.
Erstmal erklären wir die Begriffe und die Technologie.
Dabei ist mir wichtig, dass die Technik der Narration
dient und nicht umgekehrt. Dann bauen die Studierenden
des Fachbereichs Szenenbild/Production Design ein
Set und die VFX-Student*innen erweitern es. In dieser
praxisnahen Zusammenarbeit am Filmbild erleben sie
hautnah die Rahmenbedingungen der anderen Fachbereiche.
Wenn sie zum Beispiel im Modell eine Wand planen,
die vier Meter hoch und 20 Meter lang ist, lernen
sie, was das für ein Aufwand ist. Die Kameraleute merken:
Ich kann das Bild nur auf Grundlage dessen aufbauen,
was das Szenenbild anbietet. Umgekehrt lernen die
Szenenbilder: Wir müssen das analoge Set so konzipieren,
das der VFX-Aufwand nicht zu groß wird und am
Set vernünftig inszeniert werden kann. Die VFX-Leute
müssen ihre Bedürfnisse anmelden, damit die
Mit einem haben wir sogar mal einen Festival-Preis gewonnen.
Viel wichtiger sind aber die vielfältigen Erfahrungen,
die die Studierenden gewinnen, auch wenn sie
mal scheitern. Nach dem letzten Workshop haben die
Studierenden gesagt: Jetzt wissen wir, wie wir das machen
müssen und könnten direkt loslegen. Das ist für
mich das schönste Kompliment.
Seid ihr schon mal gescheitert?
Natürlich, Fehler passieren. Wir hatten mal ein Set mit
dem Führungslicht 45 Grad zu unserer Erzählerachse.
Wir hatten eine gute Previs gemacht, aber keine Techvis.
In der Previs wird die Inszenierung in einem animierten
3D-Modell visualisiert. Die Techvis hält fest,
wo der Kran steht und die Lampen. Am Ende des Tages
hätte die Lampe für das Führungslicht dann hinter
der Studiowand stehen müssen, um die 45 Grad zu
erreichen. Wir mussten die Position des Führungslichts
ändern. Dadurch ergab sich eine andere Kameraachse
2014
37

JUBILÄUM
– und dann war das Set zu klein für den Bildausschnitt,
den wir brauchten.
Gibt es solche Workshops auch an anderen Filmhochschulen?
Mir ist europaweit keine bekannt, die so etwas anbietet
und stemmt. Das ist ein echtes Leuchtturmprojekt.
Wenn wir den Workshop bei der FMX vorstellen, könnte
ich hinterher massenweise Tickets verkaufen an Kolleg*innen
und Hochschulvertreter aus ganz Europa, die
gerne mal dabei wären. Allein wegen der Virtual Production:
kreative Experimente mit der damit einhergehenden
neuen Erzählweise finden in Deutschland derzeit
nur in Ludwigsburg statt.
Wie ist der erste Workshop vor 20 Jahren abgelaufen?
Das hat klein angefangen. Denis Behnke und ich haben
vermittelt, wie wir bei Nicos Event-Movies frühzeitig
und vertrauensvoll alle Prozesse miteinander abgestimmt
haben. Bei DIE STURMFLUT haben wir eine
Hamburger Straße gebaut und überflutet. Denis musste
exakt wissen, was wir baulich leisten können, und ich,
was er braucht, damit er seine digitalen Effekte nachher
sauber einfügen konnte. Und es musste früh klar sein,
was die Kamera macht. Dieses Dreieck zwischen Kamera,
VFX und Szenenbild, wenn es optimal skaliert ist,
kann wirklich großartige Dinge schaffen – das vermittle
ich den Studierenden als Allererstes. Man muss sich realistisch
und genau abstimmen, was man erzählen will:
Das können wir machen, das können wir nicht machen.
Du hast Virtual Production (VP) erwähnt: Was
sind für dich die Stärken und die Schwächen?
Mit Greenscreen hat man das Set als gefilmte Grundlage
und kann vieles in der Postproduktion anpassen. Bei VP
muss alles vorher vollständig geklärt sein. Die Technik
ist stark im Serienformat, weil sich der Aufwand mit den
LED-Screens und der getrackten Kamera rechnet, wenn
man das Set immer wieder einsetzen kann. Dazu kommt
die spezielle Interaktion mit den Effekten. Wenn ich eine
Szene im Schneegestöber habe, muss ich mit Greenscreen
den fallenden Schnee digital ergänzen, weil er
sonst das Chroma Keying extrem erschwert. Mit VP bekomme
ich ein viel besseres Acting, weil sich die Schauspielerin
physisch durch Kunstschnee kämpft und damit
interagiert. Ein weiterer Vorteil von VP ist, dass sich
38
die digitale Kulisse spiegelt, besonders effektiv auf Autos,
Fensterscheiben, fahrenden Zügen. Das wäre mit Greenscreen
und VFX-Nachbearbeitung ein Riesenaufwand.
Schwächen hat VP bei der Ausleuchtung mit hohem
Kontrastumfang. Szenen bei Dämmerung oder bewölktem
Himmel sehen fantastisch aus. Knallende Mittagssonne
würde ich aktuell nicht empfehlen. Außerdem
braucht man genug Abstand von der LED, weil die Auflösung
nicht so groß ist. Das wiederum braucht ein ausreichend
dimensioniertes Set.
Welche Rolle spielt Künstliche Intelligenz für
dich und deine Arbeit?
Ich arbeite seit zweieinhalb Jahren mit KI und war zwischenzeitlich
frustriert, weil sie nicht geliefert hat, was
ich wollte. Dann habe ich inspirierende Menschen kennengelernt,
die mir neue Wege aufgezeigt haben. Hier in
Ludwigsburg durch die Beteiligung von Mirko Lempert
von der Firma Monocular in unserem Workshop. Es gibt
aktuell nur sehr wenige Leute, die diese Technik wirklich
sinnvoll einsetzen können. Dazu gibt es einige sehr
schwierige Themen wie Copyright, Auflösung und Continuity.
Für mich persönlich ist ganz klar, dass ich nicht
mit Big Data arbeite, sondern nur mit Daten, an denen
ich alle Rechte habe. Big Data ist nichts anderes als das
McDonald‘s der Bildwelt: Schnell, heiß, fettig und ein
Querschnitt der Popkultur. Die meisten Motive stammen
aus Videospielen und Werbung. Und im Alltagsgebrauch
kommt oft nicht viel mehr heraus als Bilderdurchfall.
Setzt du KI in der Lehre ein?
Dave McKean hat bei der FMX 2023 von seinen Erfahrungen
mit KI berichtet, vom Verlust des Schöpfungsprozesses.
Ich finde es wichtig, dass Studierende erstmal
ohne KI arbeiten, damit sie diesen Prozess erleben. Wenn
die KI gleich zu Beginn Bilder ausspuckt, ist der Prozess
weg und man steuert nur noch nach, anstatt aus der eigenen
Vorstellungskraft zu schöpfen.

2021
2019
2023
39

ANNIVERSARY
20 YEARS OF
SET EXTENSION WORKSHOP
‘Students should learn to think and feel about analogue and
digital space in a holistic way.’
In conversation with Thomas Stammer
That depends on the individual case. Some directors and
producers don't understand how important the interplay
between production design, cinematography, and VFX is
for filmmaking. If a film's budget is cut by half a million
euros, for example, because the final funding doesn't
come through, it's rare for savings to be made on shooting
days, so many people think that production design
is a big expense, you can always cut back there, it can be
made cheaper and with lower quality.
Where have you experienced this?
THREE CRAFTS, ONE VISION: 20 YEARS
AGO, PRODUCTION DESIGNER THOMAS
STAMMER FOUNDED THE SET EXTENSION
WORKSHOP AT FABW. THE COLLABORATION
BETWEEN PRODUCTION DESIGN, CINEMATO-
GRAPHY, AND VFX IS A UNIQUE EUROPEAN
TESTING GROUND AT THE CUTTING EDGE OF
TECHNOLOGY. IN THIS INTERVIEW, THOMAS
STAMMER DESCRIBES WHAT MAKES THE
WORKSHOP SO SUCCESSFUL, HOW IT ALL
BEGAN, AND WHAT DRIVES HIM PERSONAL-
LY.
In the early 2000s, I worked on a film set in Berlin before
reunification. As an East German, the director naturally
didn't know what Kreuzberg in West Germany
looked like in 1989 because he had never been there. The
producer thought we could shoot everything at the locations
where tourists visit. So, I went to the Kreuzberg
Museum, got pictures of the locations, and photographed
the same perspectives in the early 2000s. Görlitzer Park
in 1989 and today, Wiener Strasse in 1989 and today. Their
jaws dropped: we had a problem! I said, ‘Don't panic!’ Because,
as is so often the case, it wasn't a real problem, nor
was it a budget problem, but rather a mindset problem.
Can you describe that in more detail?
Thomas, how did you get into production design?
I started out in architecture, but then I wanted to switch
to film. I got off to a good start in Babelsberg, where
my diploma film was the first to win a "Student Oscar®".
From the beginning, my ambition was to make a name
for myself as a filmmaker and achieve an international
standard where people all over the world would say,
‘Wow, that looks great!’
How important is production design in Germany?
Many people have a fairly rigid production structure in
their heads, and there are still a lot of hierarchies in German
cinema. The auteur film tradition still has an influence.
If a book requires a certain visual quality, I believe
that the production design, cinematography, and
VFX departments need to be involved from the outset.
Instead, people spend a long time focusing solely on the
script. Then it turns out that the production would cost
seven million. But you only have five, so you have to rewrite
the book, and all the years of preparatory work
have been for nothing.
40

That sounds pretty unbelievable.
In Germany, a director or producer often sends out a location
scout without a briefing, instead of having a discussion
with the production design team beforehand
about what the director exactly needs and how it should
look in the end. I can give a location scout very precise
criteria so that they can find sites that are suitable
for filming. For a film that was supposed to be set in
deep snow, they said: We‘ll go to Finland and bury a lorry
in the snow. I said ‘no way’. Even if we find a snowdrift
there, by the time the hole is dug and the truck is in
it, there won‘t be any snow left on one side because 100
people will have trampled it. They lack experience. If no
one speaks up, a lot of money will be wasted. I think it‘s
important that everyone engages with each other and respects
each other‘s potential – or even better yet, appreciates
it. I‘ve always been interested in the requirements
of other trades, and I‘ve studied VFX extensively as well
as camera-specific topics such as lighting design, editing,
and staging in space.
Are there any positive examples?
Sure. Nico Hofmann‘s successful TV productions 20
years ago, which I was privileged to work on. We flooded
Hamburg and burned down Dresden. DRESDEN attracted
13 million viewers in one evening. Later came
UNSERE MÜTTER, UNSERE VÄTER (GENERATION
WAR), which won Germany‘s first International Emmy.
Nico coined the term ‘cinema for television’ back then,
and I do think these productions have a cinematic quality.
Or take an example from here at the Filmakademie:
I made CAROLA STERN – EIN DOPPELLEBEN (CAR-
OLA STERN – A DOUBLE LIFE) with Thomas Schadt,
FABW’s long-standing director. The story spanned seven
decades, it was really outstanding work. As a documentary
filmmaker, Thomas knew little about production
design, but he had great respect. Supported by his
trust, I was able to get the most out of his film. I‘m always
willing to go the extra mile when I feel that people
notice and appreciate the work.
Do we have enough skilled production designers
in Germany?
Definitely! Some of the most successful ones come from
Ludwigsburg, which is due to the campus structure and
the fact that the Filmakademie strongly promotes teamwork.
I am always completely fascinated by the high
2017
quality of the diploma films. That‘s why the Set Extension
Workshop fits in so well here. It brings together
highly complex technical aspects with artistic ones, not
in an abstract way, but in practical, hands-on work.
How did the idea for the workshop come about?
The impetus came from Nico Hofmann. He brought me
in when nothing was working on MEIN BRUDER, DER
VAMPIR (MY BROTHER THE VAMPIRE), Sven Taddicken‘s
diploma film. The production designer had designed
a set that no one could afford, and the same was
true for the VFX planning. And there was no communication
between the departments. We solved this fairly
quickly through precise coordination, and Nico was
so impressed that he wanted to establish a workshop on
the subject. I designed it so that VFX, cinematography,
and production design would organise it together. These
three departments have to work together, and that‘s only
possible if they communicate well with each other.
I started with VFX supervisor Denis Behnke and cinematographer
Roland Mönch. I‘m currently working with
cinematographer Matthias Bolliger and VFX supervisor
Marc Angele. We get a lot of support from the Animationsinstitut,
and that means we can use the latest technology,
which is extremely important.
How is the workshop structured?
The students learn to think and feel about analogue and
digital space in a holistic way, as an integrated whole.
First, we explain the terms and the technology. It’s important
to me that the technology serves the narrative
and not the other way around. Then the students in the
production design department build a set and the VFX
students expand it. In this practical collaboration on the
moving image, they experience firsthand the working
41

ANNIVERSARY
conditions of the other departments. For example, when
they plan a wall in the model that is four meters high
and 20 meters long, they learn how much work that involves.
The camera operators realise that they can only
build the shot based on what production design offers.
Conversely, the production designers learn that
they have to design the analogue set in a way that keeps
the VFX manageable and can be reasonably staged on
set. The VFX people have to communicate their needs so
that the connections and transitions to the digital space
work. These handover points are incredibly important.
Any shortcomings in communication are felt by everyone
in the end result.
Does every workshop result in a film?
We even won a festival award with one of them. But
what‘s much more important is the diverse experience
the students gain, even if they fail sometimes. After the
last workshop, the students said: Now we know how to
do it and could start right away. That‘s the best compliment
I could get.
Have you ever failed?
Of course, mistakes happen. We once had a set with the
key light at a 45-degree angle to our narrator‘s axis. We
had done a good previs, but no techvis. In previs, the
staging is visualised in an animated 3D model. Techvis
determines where the crane and the lights are positioned.
At the end of the day, the lamp for the key light
would have had to be behind the studio wall to achieve
the 45-degree angle. We had to change the position of
the key light. This resulted in a different camera axis –
and then the set was too small for the frame we needed.
Are there workshops like this at other film
schools?
I don‘t know of any in Europe that offer and manage
something like this. It‘s a real flagship project. If we
present the workshop at FMX, I could sell loads of tickets
afterwards to colleagues and university representatives
from all over Europe who would love to attend.
When it comes to virtual production alone, creative experiments
with the new narrative style that comes with
it are currently only being done in Ludwigsburg in Germany.
How did the first workshop 20 years ago go?
It started out small. Denis Behnke and I explained how
we coordinated all the processes early on and in a spirit
of trust for Nico‘s event movies. For DIE STURMFLUT
(STORM TIDE), we built a Hamburg street and flooded
it. Denis had to know exactly what we could do in terms
of construction, and I had to know what he needed so
that he could seamlessly insert his digital effects afterwards.
And it had to be clear from the beginning what
the camera was going to do. This triangle between cinematography,
VFX, and production design, when scaled
optimally, can create really great things – that‘s the first
thing I teach the students. You have to be realistic and
precise about what you want to tell: what we can do and
what we can‘t do.
You mentioned virtual production (VP): What do
you see as its strengths and weaknesses?
With a green screen, you have the set as a filmed basis
and can adjust a lot in post-production. With VP,
everything has to be completely clarified in advance. The
technology is ideal in the series format because the effort
involved with the LED screens and the tracked camera
pays off when you can use the set over and over
again. Then there‘s the special interaction with the effects.
If I have a scene in a snowstorm, I have to add the
falling snow digitally with a green screen, because otherwise
it makes chroma keying extremely difficult. With
VP, I get much better acting because the actress physically
fights her way through artificial snow and interacts
with it. Another advantage of VP is that the digital
backdrop is reflected, which is particularly effective on
cars, windowpanes and moving trains. That would be a
huge effort with green screens and VFX post-processing.
VP has weaknesses when it comes to lighting with high
contrast ranges. Scenes at dusk or with cloudy skies look
fantastic. I wouldn‘t recommend bright midday sun at
this point. You also need enough distance from the LED
because the resolution is not that high, which in turn requires
a sufficiently large set.
What role does artificial intelligence play for you
and your work?
I have been working with AI for two and a half years and
was frustrated because it didn‘t deliver what I wanted.
Then I met some inspiring people who showed me new
42

ways – here in Ludwigsburg through the participation of
Mirko Lempert from Monocular in our workshop. There
are currently very few people who can really use this
technology effectively. There are also some very difficult
issues such as copyright, resolution, and continuity. For
me personally, it‘s very clear that I don‘t work with big
data, only with data to which I have all the rights. Big
data is nothing more than the McDonald‘s of the image
world: fast, hot, greasy, and a cross-section of pop culture.
Most of the motifs come from video games and advertising.
And in everyday use, it often amounts to nothing
more than image diarrhoea.
2020
Do you use AI in teaching?
Dave McKean spoke at FMX 2023 about his experiences
with AI and the loss of the creative process. I think
it‘s important for students to work without AI at first so
they can experience the process. If AI spits out images
right from the start, the process is gone and you‘re just
tweaking things instead of drawing on your own imagination.
This triangle between
cinematography, VFX, and
production design, when
scaled optimally, can create
really great things – that‘s
the first thing I teach the
students.
2021
43

Paradeisa (AT)
DREHBERICHT
44

EIN LEERSTEHENDES ATELIER. ZER-
STREUTE FARBTUBEN, DER GERUCH
VON TERPENTIN, DAZWISCHEN EIN JUNGES
MÄDCHEN, DAS MIT ERSTAUNLICHER RUHE
VERSUCHT, DAS CHAOS SEINER FAMILIE
ZUSAMMENZUHALTEN. PARADEISA
(ARBEITSTITEL) IST EINE 90-MINÜTIGE
TRAGIKOMÖDIE ÜBER DIE ABSURDE IDEE
EINES NARZISSTISCHEN KÜNSTLERS, SICH
SELBST FÜR DEN ERFOLG ZU INSZENIEREN –
IM WAHRSTEN SINNE DES WORTES.
In der Rolle der zwölfjährigen Lou steht ein Kind im
Mittelpunkt, das früh lernen muss, Verantwortung für
seinen Vater Edgar zu übernehmen. Edgar ist Maler, aber
seine Bilder verkaufen sich nicht mehr, und der Familie
droht das Geld auszugehen. Seine absurde Idee, dass
sich seine Bilder nur post mortem wieder verkaufen, also
erst dann, wenn er tot ist, reißt Lou und ihren Bruder
Jonathan in ein Abenteuer, bei dem sie ihren Vater
für tot erklären – inklusive inszenierter Beerdigung und
gefälschter Dokumente. Am Ende jedoch reift bei Lou
die Erkenntnis, dass nichts davon ihrem Vater wirklich
helfen wird und sie sich besser vor ihm schützen muss.
Gedreht wurde von Ende März bis Anfang Mai – zunächst
im Albrecht Ade Studio der Filmakademie, wo
aufwändig eine Altbauwohnung nachgebaut wurde,
dann on Location in Stuttgart, Ludwigsburg und Mannheim.
Das Team um Regisseurin Marleen Valien und Kameramann
Max Rauer, beide Studierende im Diplomjahr,
stellte sich einer Reihe besonderer Herausforderungen:
Dreharbeiten mit Kind, Fahraufnahmen in dichtem
Stadtverkehr, Kunstwerke mit teils hohem Versicherungswert
– und ein straff kalkuliertes Budget, das
gegen Ende nur noch ein kleines Team zuließ. Aber genau
diese Bedingungen stärkten den Zusammenhalt.
Die Entscheidung für reguläre 8-Stunden-Drehtage
wirkte sich spürbar positiv auf Stimmung und Konzentration
am Set aus – ein Faktor, der sich letztlich auch
auf die Qualität der Szenen übertrug.
verweilt wäre. Die Kostüme von Angela Queins und das
Make-up von Charlotte Fleck unterstrichen diese Ambivalenz
visuell perfekt.
Auch schauspielerisch wurde das Projekt zu einem Highlight.
Das feinfühlige Zusammenspiel der Darsteller*innen
– allen voran der Hauptdarsteller*innen Rada Rae,
Robert Finster und Carlo Krammling – sorgte am Set
immer wieder für intensive und bewegende Momente.
Für den Ton am Set war Filmakademie-Alumnus
Johann Meis verantwortlich. Das Sounddesign wird von
Jonathan Dönges und Valentin Vankann gestaltet, die
Filmmusik komponiert Constantin Rinke und produziert
wird PARADEISA von Tristan Schneider und Julius
Wieler – allesamt Studierende in ihrem letzten Jahr
an der Filmakademie.
Nicht zuletzt war es die oft zitierte „Extra-Meile“, die
dieses Projekt prägte: ein Team, das jede Hürde mit
Herzblut nahm und durch gemeinsame Kreativität Möglichkeiten
schuf, die auf dem Papier kaum denkbar waren.
Alle Beteiligten brachten sich mit außergewöhnlichem
Engagement ein – das Ergebnis war ein Dreh, der
nicht nur fordernd, sondern auch zutiefst erfüllend war.
PARADEISA wurde in Koproduktion mit kurhaus production,
ZDF – Das kleine Fernsehspiel und ANORAK
Film realisiert und von der MFG Filmförderung Baden-Württemberg
gefördert – ein weiterer Beleg dafür,
wie ambitionierte Hochschulprojekte durch starke Partnerschaften
und gezielte Unterstützung auf ein professionelles
Produktionsniveau gehoben werden können.
PARADEISA ist nicht nur eine Geschichte über Loslösung
und Selbstermächtigung. Es ist auch das Ergebnis
einer Produktion, deren Team genau das selbst erlebt
hat.
Text: Julius Wieler, Tristan Schneider
Besondere Aufmerksamkeit erhielt das aufwändige und
detailverliebte Szenenbild, gestaltet von den Diplom-Studierenden
Teresa Berner und Felicitas Püls: Die filmische
Welt von PARADEISA wirkte gleichermaßen bizarr
und glaubwürdig – ein Raum, in dem man gerne länger
45

DREHBERICHT
PARADEISA (AT) – CAST & CREW
LOU – Rada Rae
EDGAR – Robert Finster
JONATHAN – Carlo Krammling
REGIE: Marleen Valien
BUCH: Marleen Valien und Max Rauer
PRODUCER: Julius Wieler und Tristan Schneider
BILDGESTALTUNG: Max Rauer
SZENENBILD: Teresa Berner, Felicitas Püls
KOSTÜM: Angela Queins
MASKE: Charlotte Fleck
SOUND SUPERVISOR: Jonathan Dönges
PRODUCTION SOUND MIXER & RE-RECORDING MIXER: Johann Meis
SOUNDDESIGN: Jonathan Dönges, Valentin Vankann
MUSIK: Constantin Rinke
MONTAGE: Vreni Sarnes
ANIMATION: Ilya Barrett, Sofija Zikovic
46

47

Paradeisa (WT)
FILMING REPORT
AN EMPTY SOUND STAGE. SCATTERED PAINT
TUBES, THE SMELL OF TURPENTINE, AND
IN THE MIDDLE OF IT ALL, A YOUNG GIRL WHO
TRIES WITH ASTONISHING CALM TO HOLD HER
CHAOTIC FAMILY TOGETHER. PARADEISA (WOR-
KING TITLE) IS A 90-MINUTE TRAGICOMEDY
ABOUT THE ABSURD IDEA OF A NARCISSISTIC
ARTIST STAGING HIMSELF FOR SUCCESS – IN
THE TRUEST SENSE OF THE WORD.
At the heart of the story is twelve-year-old Lou, a child
who has to learn early on to take responsibility for her
father, Edgar. He is a painter, but his paintings no longer
sell, and the family is running out of money. His absurd
idea that his paintings will only sell again after his death
drags Lou and her brother Jonathan into an adventure in
which they declare their father dead – complete with a
staged funeral and forged documents. In the end, however,
Lou realises that none of this will really help her
father and that she needs to protect herself from him.
Filming took place from late March to early May, first at
the Albrecht Ade Studio at the Filmakademie, where an
old apartment was elaborately reconstructed, and then
on location in Stuttgart, Ludwigsburg, and Mannheim.
The team led by director Marleen Valien and cinematographer
Max Rauer, both students in their final year, faced
a number of special challenges: filming with a child,
driving shots in heavy city traffic, works of art with
high insurance values – and a tightly calculated budget
that only allowed for a small team towards the end. But
it was precisely these conditions that strengthened the
team spirit.
The decision to stick to regular 8-hour shooting days had
a noticeably positive effect on the mood and concentration
on set – a factor that ultimately carried over into the
quality of the scenes.
Special attention was paid to the elaborate and meticulously
detailed production design by graduate students
Teresa Berner and Felicitas Püls: The cinematic world
of PARADEISA seemed both bizarre and believable – a
space you wanted to linger in a little longer. The costumes
by Angela Queins and makeup by Charlotte Fleck
visually underscored this ambivalence perfectly.
The project was also a highlight in terms of acting. The
sensitive interplay between the actors – above all the lead
actors Rada Rae, Robert Finster, and Carlo Krammling –
created intense and moving moments on set throughout
the filming.
FABW alumnus Johann Meis was responsible for the
sound on set. The sound design is by Jonathan Dönges
and Valentin Vankann, the film music is composed
by Constantin Rinke, and PARADEISA is produced by
48

Tristan Schneider and Julius Wieler – all of whom are
students in their final year at the Filmakademie.
Last but not least, it was the often-cited ‘extra mile’ that
shaped this project: A team that tackled every hurdle
with passion and, through collective creativity, created
possibilities that seemed almost inconceivable on paper.
Everyone involved contributed with extraordinary commitment.
The result was a shoot that was not only demanding
but also deeply fulfilling.
PARADEISA was realised in co-production with kurhaus
production, ZDF – Das kleine Fernsehspiel, and
ANORAK Film, and was supported by MFG Baden-Württemberg’s
film funding programme – further proof of
how ambitious film school projects can be elevated to
a professional production level through strong partnerships
and targeted support.
PARADEISA is not just a story about letting go and
self-empowerment. It is also the result of a production
whose team experienced exactly that themselves.
Text: Julius Wieler, Tristan Schneider
PARADEISA (WT) – CAST & CREW
LOU – Rada Rae
EDGAR – Robert Finster
JONATHAN – Carlo Krammling
DIRECTOR: Marleen Valien
SCREENPLAY: Marleen Valien and Max Rauer
PRODUCERS: Julius Wieler and Tristan Schneider
CINEMATOGRAPHY: Max Rauer
PRODUCTION DESIGN: Teresa Berner, Felicitas Püls
COSTUMES: Angela Queins
MAKEUP: Charlotte Fleck
SOUND SUPERVISOR: Jonathan Dönges
PRODUCTION SOUND MIXER &
RE-RECORDING MIXER: Johann Meis
SOUND DESIGN: Jonathan Dönges, Valentin Vankann
MUSIC: Constantin Rinke
EDITING: Vreni Sarnes
ANIMATION: Ilya Barrett, Sofija Zikovic
49

ANIMATIONSINSTITUT
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MORE INFORMATION:
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ANIMATIONSINSTITUT
DIRECTOR OF THE ANIMATIONS-
INSTITUT / LEITUNG
ANIMATIONSINSTITUT
DR. JAN PINKAVA
HEAD OF FINANCE /
KAUFMÄNNISCHE LEITUNG
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HEAD OF IT & POSTPRODUCTION /
LEITUNG IT & POSTPRODUKTION
MICHAEL SCHOTT
STUDIES / LEHRE
STUDIES COORDINATION /
STUDIUM
CONSTANZE BÜHNER
HANNAH KONTOS
ANN-KATHRIN EGLSOER
CHRISTINA AYKOL
COORDINATION INTERNATIONAL
NETWORK /
INTERNATIONALISIERUNG
ALEXANDRA JOSHI
PRODUCTION / PRODUKTION
ANNA MATACZ
YANNICK PETZOLD
BENEDIKT KAFFAI
PHILIPP OBLÄNDER
BEYOND STUDY & TALENT
INITIATIVES / BEYOND STUDY &
TALENTFÖRDERUNG
CHRISTIAN MÜLLER
SENIOR LECTURERS /
LEITENDE DOZIERENDE
PROF. ANDREAS HYKADE –
ANIMATION DIRECTING
URTE ZINTLER –
CHARACTER ANIMATION
YI LUO –
CONCEPT ART
ANNA BRINKSCHULTE –
INTERACTIVE MEDIA
PROF. LILIAN KLAGES –
ANIMATION/EFFECTS PRODUCING
DR. DIANA ARELLANO –
TECHNICAL DIRECTING
JAN BURDA –
VISUAL EFFECTS
PROJECT SUPERVISORS /
PROJEKTBETREUENDE
ANDREAS ULMER
VALENTIN KEMMNER
RESEARCH & DEVELOPMENT /
FORSCHUNG & ENTWICKLUNG
PROF. VOLKER HELZLE
SIMON SPIELMANN
JONAS TROTTNOW
DR. ALEXANDER KREISCHE
ADMINISTRATION
FINANCES / FINANZEN
NICOLE KÖPPE
SELINA WEILGUNY
ADMINISTRATION & HR /
PERSONAL
ANJA FELLERHOFF
COMMUNICATIONS /
KOMMUNIKATION
THERESA SEITZ
CHRISTIANE ORTMANN
AMELIE KANT
LEONIE PHARO
IT & POSTPRODUCTION /
IT & POSTPRODUKTION
VIET NGUYEN
JOHN HOLTH
THOMAS DEL POPOLO
REINER PFEIFFER
EBRAHIM ALFADHALA
PHILIPP OBLÄNDER
STAFF POSITIONS /
STABSSTELLEN
PROJECT MANAGEMENT &
MEDIA PRODUCTION /
PROJEKT KOORDINATION &
MEDIEN PRODUKTION
DR. ALEXANDER KREISCHE
PROJECT MANAGEMENT IT
APPLICATIONS / PROJEKT-
MANAGEMENT IT-ANWENDUNGEN
CHRISTIANE GEYER
FESTIVAL COORDINATION /
FESTIVALKOORDINATION
ANKE KLETSCH
ADMINISTRATION &
PROCUREMENT / BESCHAFFUNG
RENATA EARNSHAW-MATHIASCH
INSTAGRAM: @ANIMATIONSINSTITUT
LINKEDIN: ANIMATIONSINSTITUT
YOUTUBE: FILMAKADMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
51

INSIDE FABW – MEET THE STAFF
„TECHNISCHE VERANTWORTUNG,
LEADERSHIP, CREATIVITY –
DAS ALLES KOMMT IN DER ROLLE
VON TECHNICAL DIRECTORS
ZUSAMMEN.”
52

Sieben Fragen an Diana Arellano
Leitende Dozentin der
Studienvertiefung Technical
Directing am Animationsinstitut der
FABW
SEIT 2024 LEITET DIANA ARELLANO
DIE STUDIENVERTIEFUNG TECHNI-
CAL DIRECTING (TD). SIE STAMMT
AUS PERU UND STUDIERTE IN VENEZUELA
COMPUTER ENGINEERING. SCHON DAMALS
WAR DAS ZIEL: DIE ANIMATIONSBRANCHE.
IHR WEG FÜHRTE DANN ÜBER SPANIEN
ZUR FORSCHUNG AN DIE FABW, WORAUF
EINE ERFOLGREICHE KARRIERE IN DER
KREATIVINDUSTRIE FOLGTE. IM INTERVIEW
SPRICHT SIE ÜBER IHRE RÜCKKEHR AN DIE
"AKA" UND DARÜBER, WIE TECHNISCHE
INNOVATIONEN NEUE KREATIVE CHANCEN
ERÖFFNEN.
Liebe Diana, du kommst ursprünglich aus Südamerika.
Wann und auf welchem Weg bist du
zum ersten Mal mit der FABW in Kontakt gekommen?
Ich bin in Venezuela aufgewachsen und habe dort Computer
Engineering studiert, mit der Idee, irgendwann
einmal bei Pixar in den USA zu arbeiten. Das war Ende
der 1990er. Animation oder VFX zu studieren, war damals
in Südamerika praktisch nicht möglich. Ich habe
mich daher in eine etwas andere Richtung entwickelt,
hin zur Forschung und Entwicklung. Mein Bachelor
drehte sich um digitales, interaktives Storytelling, und
ich hatte anschließend die Möglichkeit, einen Master in
Mallorca zu machen – später folgte noch ein PhD. Vor allem
habe ich mich während meines Studiums damit beschäftigt,
wie man Emotionen und eine Persönlichkeit –
also „characteristics“ – in virtuelle Charaktere umsetzt.
Das Feld nennt sich Affective Computing – eine Schnittstelle
zwischen Informatik, Psychologie und Kognitionswissenschaft,
die untersucht, wie Computer menschliche
Emotionen erkennen, interpretieren und simulieren
können. In diesem Kontext entstand der Kontakt zur Filmakademie:
Dort gab es ein Forschungsprojekt, für das
ich mich beworben habe.
Das klingt nach einem spannenden Feld. Was genau
war das für ein Projekt an der FABW und wie
ging es für dich danach weiter?
Es ging um Gesichtsanimation, genauer gesagt: prozedurale
Animation. Das Animationsinstitut hatte eine Datenbank
mit verschiedenen Gesichtsausdrücken, und
wir arbeiteten mit FACS – dem Facial Action Coding System.
Das bedeutet, man kann das menschliche Gesicht
in einzelne Muskelbewegungen codieren und dann gezielt
animieren. In meinem Forschungsprojekt beschäftigte
ich mich in diesem Zusammenhang mit der Unterstützung
von Kindern und Jugendlichen mit Autismus.
Ziel war es, ihnen durch animierte Charaktere zu helfen,
Emotionen besser wahrzunehmen und zu verstehen.
Ursprünglich war geplant, dass ich nur ein Jahr an
der Film akademie bleibe, aber daraus entwickelten sich
Anschlussprojekte – und am Ende blieb ich sechs Jahre
am Animationsinstitut. Es ist auch wirklich ein besonderer
Ort. Ich bin sehr froh, dass ich hier gelandet bin –
und jetzt wieder selbst in der Lehre tätig sein darf.
Zunächst warst du aber jahrelang in der Industrie
tätig. Was hast du genau gemacht?
Angefangen habe ich bei Mackevision – einem Unternehmen,
das später Teil von Accenture wurde und sich
auf digitale Visualisierung in unterschiedlichsten Formen
spezialisiert hat. Ich habe an vielen Projekten gearbeitet,
zunächst als Pipeline-Entwicklerin. Das heißt, ich
habe technische Abläufe automatisiert und Tools entwickelt,
die die Arbeit der Kreativteams unterstützen, etwa
im Bereich Rendering oder Datenmanagement. Dabei habe
ich gemerkt, dass mir Kommunikation, Organisation
und Teamführung besonders gut liegen. Auch wenn ich
weiterhin immer ein Ohr am Technischen hatte, wurde
ich dann bald Scrum Master. In der agilen Softwareentwicklung
ist man als Scrum Master dafür zuständig, die
Zusammenarbeit im Team zu organisieren, Prozesse zu
moderieren und sicherzustellen, dass Entwicklerinnen
und Entwickler möglichst effizient und fokussiert arbeiten
können. Ich war hier die Schnittstelle zwischen den
Projektverantwortlichen und unserem Entwicklerteam.
Ich habe also sichergestellt, dass die technischen Wünsche
und Anforderungen der Kund*innen umgesetzt
werden. Später habe ich die Leitung des gesamten Softwareentwicklungsteams
übernommen, das aus rund 30
Personen bestand.
53

INSIDE FABW – MEET THE STAFF
Du hast in dieser Zeit sicher an vielen interessanten
Projekten gearbeitet. Gibt es eines, das für
dich heraussticht – vielleicht, weil es besonders
wichtig oder prägend war?
Hmm, das ist schwierig, nur eines herauszugreifen. Das
Herausforderndste war vermutlich ein internes Projekt
– eine umfassende technische Transformation. Wir haben
die gesamte Pipeline vom Offline-Rendering auf Real-Time-Rendering
umgestellt. Das heißt also, dass alle
bisherigen Arbeitsabläufe, Tools und Prozesse, die auf
klassische Renderverfahren ausgelegt waren, völlig neu
gedacht und auf Echtzeit-Technologien wie die Unreal
Engine umgestellt wurden. Ziel war es, eine durchgängige
Realtime-Pipeline zu schaffen, die flexibler, schneller
und effizienter ist – sowohl für interne Teams als auch
für Kundenprojekte. Das war nicht nur technisch anspruchsvoll,
sondern auch organisatorisch, weil wir das
gesamte Entwicklerteam neu strukturieren mussten – in
kleinere, spezialisierte Gruppen, die verschiedene Produktionsbereiche
wie Modeling, Lighting oder Postproduktion
abdecken. Ein weiteres bedeutendes Projekt war
ein digitaler Konfigurator für einen Automobilhersteller.
Das klingt vielleicht auf den ersten Blick nicht spektakulär
– schließlich stellt man einfach ein Auto zusammen.
Aber das Projekt war technisch extrem komplex: Es gab
unzählige optionale Bauteile, die einzeln in CGI abgebildet
und verarbeitet werden mussten. Der Umfang war
enorm – technisch, inhaltlich und organisatorisch.
Das hört sich nach großen Managementaufgaben
an. Geht es dir als leitende Dozentin in Technical
Directing (TD) auch darum, die Studierenden
auf vergleichbare Rollen und Verantwortlichkeiten
vorzubereiten?
Auf jeden Fall! Technical Directors sind eben auch Directors
– und das bedeutet, sie übernehmen Verantwortung.
Deshalb müssen sie auch Leadership entwickeln
oder ihre Führungskompetenzen weiter pflegen, wenn
sie schon welche mitbringen. Mir ist es wichtig, dass wir
Technical Directors in ihrer Rolle stärken – als zentrale,
gestaltende Personen im Team. Sie sind nicht einfach
nur die Coder oder Programmierer, sondern können viel
mehr beitragen. Deshalb möchte ich sie dazu befähigen,
auch Führungsaufgaben zu übernehmen, wenn es sinnvoll
ist. Die Rolle und die Aufgaben, die TDs in der Industrie
übernehmen, sind so breit angelegt, dass man
daraus sehr viel machen kann – je nach Persönlichkeit
und Projekt. Technical Directing vereint für mich technische
Verantwortung, Leadership und Creativity. All
das kommt in dieser Position zusammen.
Wie sieht das in der Praxis aus? Was gibst du den
TDs an der AKA mit?
Für die TDs bin ich in erster Linie die zentrale Ansprechpartnerin.
Mir ist es wichtig, dass sie wissen: Sie können
jederzeit zu mir kommen – mit Fragen, Problemen
oder Ideen. Wenn ich selbst nicht direkt helfen kann,
finde ich jemanden, der sie gezielt unterstützt. Ich verstehe
meine Rolle als Mentorin – viel läuft über individuelles
Eins-zu-eins-Mentoring, aber auch über gemeinsame
Formate wie TD-Meetings. Dort entsteht eine
Art Community, in der sich die Studierenden gegenseitig
austauschen und voneinander lernen können. Jeder
der TDs arbeitet ja aktiv bei den Studierenden-Projekten
des Animationsinstituts mit. Ich versuche dabei mit den
Projektverantwortlichen, Struktur hineinzubringen – im
Sinne von: Bevor ein Projektteam auf einen TD zugeht,
sollte klar sein, wofür genau diese Person gebraucht
wird. Welche Aufgaben stehen an? Welche Kompetenzen
sind gefragt? Es geht schließlich nicht nur darum, technische
Grundlagen zu programmieren, sondern auch darum,
auf technologischer Ebene innovative Ansätze zu
entwickeln. Das spielt auch mit Blick auf das Scientific
Research Project eine wichtige Rolle: Alle TDs arbeiten
während ihres Studiums an einem eigenen Forschungsvorhaben
im Austausch mit der Research & Development-Abteilung
der FABW. Dort setzen sie sich intensiv
mit einem selbstgewählten Thema auseinander und vertiefen
kreative wie technologische Fragestellungen.
Welche Themen oder Technologien sind da für
die TDs derzeit besonders spannend oder technologisch
besonders relevant?
Viele Studierende interessieren sich stark für KI – zum
Beispiel dafür, wie sich Künstliche Intelligenz in den Visual
Effects einsetzen lässt oder bei der Erstellung von
Assets und Animationen unterstützen kann. Ich bemerke,
dass unsere TDs generell eine große Neugier mitbringen
– sie wollen viel ausprobieren und eigene Wege gehen.
Manche beschäftigen sich mit KI, andere entwickeln
Tools für Artists oder setzen sich mit Look-Development
auseinander. Es gibt ganz unterschiedliche, spannende
Richtungen – und genau das macht es so interessant:
Die TDs wählen das Thema ihres Research-Projekts
54

selbst. Wir schauen dann gemeinsam, wie wir sie dabei
begleiten und die Umsetzung sinnvoll unterstützen
können. Es kommt dabei auch sehr auf die Persönlichkeit
an. Viele träumen natürlich von den großen Studios
– Pixar, DreamWorks, Weta – was bei unseren Alumni
dann auch oft klappt. Aber es gibt auch Studierende,
die ganz bewusst sagen, sie möchten lieber im kleineren
Rahmen arbeiten – an unabhängigen Projekten, in
denen sie mehr kreative Freiheit haben und den gesamten
Prozess abdecken können, statt nur einzelne Rollen
wie Pipeline-TD oder Lighting-TD zu übernehmen. Diese
Vielseitigkeit ist auch ein besonderer Aspekt unserer
Ausbildung. Einer unserer TDs im vierten Semester arbeitet
derzeit an einem eigenen Framework in Blender,
mit dem Ziel, stilisierte Renderings zu erstellen – mit
einem besonderen Fokus auf Wasser. Meine Hauptaufgabe
besteht darin, ihn im Forschungsprozess und bei der
Planung zu begleiten. Außerdem haben wir gezielt nach
geeigneten Mentor*innen für ihn gesucht, die ihn bei
technischen Fragen unterstützen können. Das Ergebnis
ist ein beeindruckendes Tool, das es Artists ermöglicht,
Wasserflächen sowie die Spiegelungen anderer stilisierter
Objekte in der Szene zu gestalten, ohne dass deren
Eigenschaften verloren gehen. Besonders stolz bin ich
auch auf die Arbeit zweier TDs, die kürzlich ihr Studium
abgeschlossen haben. Deren Abschlussarbeiten wurden
auf der SIGGRAPH-Konferenz angenommen, die im
August in Vancouver stattfand.
VR Experience beim New Image Festival in Paris
55

INSIDE FABW – MEET THE STAFF
„TECHNICAL RESPONSIBILITY,
LEADERSHIP, AND CREATIVITY ALL
COME TOGETHER IN THE ROLE
OF A TECHNICAL DIRECTOR”
Seven Questions for Diana Arellano
Senior Lecturer for the Technical Directing specialisation at the
Animationsinstitut of FABW.
SINCE 2024, DIANA ARELLANO HAS
BEEN HEADING THE TECHNICAL
DIRECTING (TD) SPECIALISATION.
ORIGINALLY FROM PERU, SHE STUD-
IED COMPUTER ENGINEERING IN VENE-
ZUELA – WITH HER SIGHTS ALREADY SET
ON THE ANIMATION INDUSTRY. HER PATH
TOOK HER THROUGH SPAIN TO A RESEARCH
POSITION AT FABW, WHICH MARKED THE
BEGINNING OF A SUCCESSFUL CAREER IN
THE CREATIVE INDUSTRY. IN THIS INTER-
VIEW, SHE TALKS ABOUT RETURNING TO
THE FILMAKADEMIE AND HOW TECHNICAL
INNOVATION IS OPENING UP NEW CREATIVE
OPPORTUNITIES.
Dear Diana, you’re originally from South America.
When and how did you first get in touch with
FABW?
I grew up in Venezuela and studied Computer Engineering
there, always with the dream of one day working at
Pixar in the U.S. That was in the late ‚90s. At the time,
studying animation or VFX in South America was virtually
impossible. So I took a slightly different path – into
research and development. My bachelor’s thesis focused
on digital, interactive storytelling, and afterwards I had
the opportunity to pursue a master’s degree in Mallorca,
followed later by a PhD. During my studies, I was especially
interested in how to bring emotions and personality
into virtual characters. This field is known as Affective
Computing: an interdisciplinary area between computer
science, psychology, and cognitive science that explores
how computers can recognise, interpret, and simulate
human emotions. It was in this context that I first
came into contact with the Filmakademie. There was a
research project underway, and I applied to be part of it.
That sounds like a fascinating field. What kind of
project were you working on at FABW, and how
did things develop for you after that?
The project was focused on facial animation – more specifically,
procedural animation. The Animationsinstitut
had a database of various facial expressions, and we were
working with FACS, the Facial Action Coding System.
This system allows you to break down the human face
into individual muscle movements and animate them in
a targeted way. As part of my research project, I explored
how this technology could support children and adolescents
with autism. The goal was to use animated characters
to help them better recognise and understand emotions.
Originally, I was only supposed to stay at FABW
for one year, but that initial project led to follow-up
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collaborations – and in the end, I stayed at the Animationsinstitut
for six years. It truly is a special place. I’m
very glad that I ended up here – and now, I’m excited to
be teaching again.
You must have worked on many exciting projects
during that time. Is there one that stands out to
you – perhaps because it was particularly important
or impactful?
But before that, you spent several years working
in the industry. What exactly did you do?
I started out at Mackevision – a company that later became
part of Accenture and specialises in digital visualisation
in a wide variety of forms. I worked on many
projects, initially as a pipeline developer. That meant automating
technical processes and developing tools to
support the work of creative teams, for example in rendering
or data management. Through that work, I realised
that I had a strong aptitude for communication, organisation,
and team leadership. While I always kept one
foot in the technical side, I soon transitioned into the
role of Scrum Master. In agile software development, the
Scrum Master is responsible for organising team collaboration,
moderating processes, and ensuring that developers
can work as efficiently and with as much focus as
possible. I acted as the interface between project stakeholders
and our development team – making sure that
clients’ technical needs and requirements were translated
into workable solutions. Later, I went on to lead the
entire software development department, which consisted
of around 30 people.
Hmm, it’s hard to pick just one. Probably the most challenging
was an internal project – a large-scale technical
transformation. We transitioned our entire pipeline from
offline rendering to real-time rendering. That meant
completely rethinking all existing workflows, tools, and
processes, which had been built for traditional rendering
methods, and shifting them to real-time technologies
like Unreal Engine. The goal was to develop an endto-end
real-time pipeline that would be more flexible,
faster, and more efficient – both for internal teams and
for client projects. It was a huge technical challenge, but
also an organisational one: we had to restructure the entire
development team into smaller, specialised units focused
on different production areas like modeling, lighting,
or post-production. Another significant project was
a digital configurator for a major automotive brand. At
first glance, that might not sound all that exciting – after
all, it’s just configuring a car. But the technical complexity
was immense. There were countless optional components,
all of which had to be created and processed individually
in CGI. The scope was enormous – technically,
creatively, and organisationally.
Technical Director on set
57

INSIDE FABW – MEET THE STAFF
That sounds like a major management task. As
the senior lecturer in Technical Directing (TD),
is your goal now to prepare students for similar
roles and responsibilities?
Absolutely! Technical Directors are, after all, directors –
which means they take on responsibility. That’s why it’s
so important for them to develop leadership skills, or to
strengthen the ones they already have. I want to empower
TDs in their role – as key creative and technical figures
within a team. They’re not just coders or programmers.
They can contribute so much more. So my goal is
to help them grow into leadership roles when it makes
sense for them. The role of a TD in the industry is incredibly
broad, which means it can be shaped in many
different ways depending on the individual and the project.
For me, Technical Directing is all about combining
technical responsibility, leadership, and creativity. It all
comes together in this position.
What does that look like in practice? What do
you try to pass on to the TDs at the AKA?
For the TDs, I’m first and foremost their main point of
contact. It’s important to me that they know: they can always
come to me – with questions, challenges, or ideas.
If I can’t help directly, I’ll find someone who can support
them specifically. I see my role as a mentor. A lot
of the support happens through one-on-one mentoring,
but also through shared formats like TD meetings. These
meetings create a kind of community where the students
can exchange ideas and learn from one another. Each TD
is actively involved in student film projects at the Animationsinstitut.
I work with the project leads to bring
structure to the process – meaning that before a project
team approaches a TD, it should already be clear what
that person is needed for. What tasks need to be done?
What skills are required? After all, it’s not just about implementing
technical basics – it’s also about developing
innovative approaches on a technological level. That also
plays an important role in the Scientific Research Project:
all TDs work on an individual research topic during
their studies, in collaboration with the Filmakademie’s
Research & Development department. There, they dive
deep into a subject of their own choosing and explore it
creatively and technically.
A lot of students are really interested in AI – for example,
how artificial intelligence can be used in visual effects,
or how it can support asset creation and animation.
I’ve noticed that our TDs are generally very curious
– they want to experiment, explore, and find their own
paths. Some focus on AI, others develop tools for artists,
and some explore look development. There’s a wide
range of fascinating directions – and that’s what makes it
so interesting: the TDs choose their research topic themselves,
and we work together to guide and support their
process in a meaningful way. A lot depends on their individual
personality. Of course, many dream of working
at the big studios – Pixar, DreamWorks, Weta – and that
often works out for our graduates. But there are also students
who deliberately choose a smaller-scale path – independent
projects where they have more creative freedom
and can cover the entire production process, rather
than taking on a narrowly defined role like pipeline TD
or lighting TD. This versatility is a unique part of our
training. One of our TDs in his 4th semester is working
on his own framework in Blender to create stylised
renderings, with a specific focus on water. My main task
is to guide him in the research process, planning, and
reviews of his progress. We also looked for the perfect
mentors for him, who can help him with the more technical
questions and approaches. The result is an impressive
tool that allows the artists to stylise water bodies,
as well as the reflections of other stylised objects in the
scene, without losing any of their properties. Another
example of my job is guiding and supporting students in
their submissions to conferences. I am very proud of the
work of two of our TDs who recently graduated and who
have had their work accepted at the SIGGRAPH conference,
which took place in Vancouver in August.
VR Experience at the New Image Festival in Paris
Which topics or technologies are especially exciting
or relevant for TDs at the moment?
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59

ANIMATIONSINSTITUT
PRODUCING FÜR ANIMATION
UND VISUAL EFFECTS – ZWISCHEN
KREATIVITÄT UND KOMPLEXITÄT
DER STUDIENGANG
ANIMATION/EFFECTS
PRODUCING (AEP) AM
ANIMATIONSINSTITUT
RICHTET SICH AN ALLE, DIE
KREATIVE PROZESSE MIT
TECHNISCHEM KNOWHOW,
ORGANISATIONSTALENT
UND EINEM AUGE FÜRS
GANZE VERBINDEN
WOLLEN.
FÜR RAHUL RAO KANUPARTHI HEISST PRODUCING,
DIE ÜBERSICHT ZU BEHALTEN – AUCH WENN’S
HEKTISCH WIRD!
WAS HABEN LASER-GESCHNITTENES PAPIER,
EINE IMMERSIVE KI-INSTALLATION, EIN FUCHS UND
EINE KOMÖDIE ÜBER DIGITALE NACKTBILDER
GEMEINSAM? GANZ EINFACH: HINTER JEDEM DIESER PROJEK-
TE STEHEN STARKE PRODUZENT*INNEN. VIER
STUDIERENDE GEBEN EINEN EINBLICK DARIN, WOHER SIE
KOMMEN, WELCHE FÄHIGKEITEN SIE MITBRACHTEN UND WIE
SIE DIESE WÄHREND IHRER ZEIT AM ANIMATIONSINSTITUT
WEITERENTWICKELT UND PROFESSIONALISIERT HABEN.
DIE UNTERSCHIEDLICHSTEN PROJEKTE, STORIES, TECHNIKEN
UND PERSÖNLICHKEITEN IM TEAM SIND MOTIVATION UND
HERAUSFORDERUNG ZUGLEICH.
Rahul bringt einen
vielseitigen Hintergrund
mit: Er studierte
Wirtschaft und Informatik,
arbeitete in der IT und sammelte parallel praktische
Erfahrung in Film und 3D-Animation. Für ihn verbindet
das AEP-Studium alles, was ihm wichtig ist: „Man
lernt viel über Menschen, Mindsets, Wirtschaft, Politik
und Projektmanagement und wie all das ein Projekt beeinflussen
kann.“
Im satirischen 3D-Kurzfilm SEND NUDES ist Rahul
als Producer tätig und übernimmt zusätzlich Aufgaben
in der technischen Dokumentation und 3D-Produktion.
Der Film behandelt Fragen von Privatsphäre
im digitalen Raum – humorvoll, aber mit Haltung.
„Ich wollte verstehen, wie 3D-Filmproduktion in der
Tiefe funktioniert. SEND NUDES war dafür die perfekte
Gelegenheit“, sagt Rahul. Producing bedeutet für ihn vor
allem Klarheit in der Kommunikation: „Ich habe gelernt,
ruhig und vorbereitet zu bleiben, egal, wie groß der Druck
ist – und Dinge klar auf den Punkt zu bringen.“
Filmstill aus SEND NUDES
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FREDERIK STAPF FRAGT SICH:
„WAS FÜR EIN PRODUCER MÖCHTE ICH SEIN?“
Frederik kam über
ein BWL- und ein anschließendes
Kommunikationsdesign-Studium
zum Producing.
Im Projekt LIMBO beschäftigt er sich mit der Frage, wie
Erinnerungen durch Künstliche Intelligenz rekonstruiert
und interpretiert werden können. Teilnehmende geben
persönliche Momente preis, die mithilfe von KI in
sogenannte audiovisuelle „Echos“ umgewandelt werden.
Im Studium lernt Frederik viel über sich selbst: „Wie
führe ich ein Team? Wo liegen meine Grenzen? Wann
lohnt es sich zu kämpfen? Ich lerne viel über mich in
der Teamarbeit – wann ich durchgreifen sollte und
wann es besser ist, einen Schritt zurückzutreten. Es ist
ein kontinuierlicher Lernprozess.“
Frederik erzählt, dass es im Producing vor allem darum
geht, Neues auszuprobieren – nicht nur fachlich,
sondern auch in der Zusammenarbeit. „Man muss sich
selbst und sein Team gut kennen und verantwortungsvoll
damit umgehen.“
Die interaktive Installation LIMBO im Franck-Areal in
Ludwigsburg
YELYZAVETA DAVYDENKO KAM VON LIVE ACTION
ZU ANIMATION UND VISUAL EFFECTS
Yelyzaveta wusste
schon früh, dass sie in
die Filmbranche will.
Über ihr Studium in
Politischer Ökonomie,
erste Erfahrungen
an Sets und bei studentischen Produktionen fand sie
ihren Weg an die Filmakademie. Mit einem klaren Ziel:
„Ich will verstehen, wie man kreative Welten realistisch
umsetzen kann, sowohl inhaltlich als auch technisch.“
Die ersten zwei Jahre hat Yelyzaveta Live Action Producing
studiert, bevor sie dann über ein Praktikum
bei RISE FX in die Welt des Animation/Effects Producing
einstieg und an das Animationsinstitut wechselte.
waren rechtlich schwer einschätzbar, weil nicht klar war,
auf welchen Datensätzen sie trainiert wurden“, erzählt
Yelyzaveta.
Worauf kommt es beim Producing an? Yelyzaveta fasst es
so zusammen: „Gerade im Animation/Effects Producing
sind Kommunikationsstärke, Einfühlungsvermögen und
Ausdauer entscheidend - denn Animationsprojekte sind
komplex und dauern oft Monate oder sogar Jahre.“
Im Projekt THE AMAZING KITSUVERSE, bei dem Yelyzaveta
als Producerin tätig war, trifft eine alte Frau auf
ein KI-gesteuertes Universum. Produziert wurde mit
Hilfe von KI-basiertem Style Transfer – ein Prozess,
den das Team selbst erst erforschen musste. „Viele Tools
Filmstill aus THE AMAZING KITSUVERSE
61

ANIMATIONSINSTITUT
„WENN KEIN PLAN EXISTIERT, WIRD EINER
GEMACHT!“, LAUTET DAS MOTTO VON
LIUBOV POPOVA
Liubov kommt aus
der Welt der Onlinevideos.
Als Creative
Producerin bei The-
Soul Publishing verantwortete sie Formate für YouTube
und TikTok und leitete ein internationales Kreativteam.
Jetzt will sie sich auf filmisches Erzählen konzentrieren
– und fand im AEP-Studium den richtigen Rahmen
dafür.
„Ich habe mich für das AEP-Studium entschieden, weil
ich den Schritt von Onlinevideos hin zum Film und
zur Animation machen wollte – dorthin, wo Erzählen,
handwerkliche Präzision und visuelle Innovation auf besondere
Weise zusammenfinden.“
Ihr Projekt GAIA ist ein experimenteller Stop-Motion -
Film mit einer einzigartigen Technik: animierte Schichten
aus lasergeschnittenem Papier. „Es gab dafür keinen
Workflow. Wir mussten alles selbst entwickeln“, sagt
Liubov.
Sie koordiniert das Team, plant Materialien, testet Abläufe
und sorgt dafür, dass die künstlerische Vision trotz
technischer Hürden realisierbar bleibt.
Für sie bedeutet Animation/Effects Producing, kreative
Ideen in greifbare Projekte zu übersetzen – auch wenn
man den Weg dorthin erst noch entwickeln muss.
Hinter den Kulissen von GAIA
WELCHE FÄHIGKEITEN SOLLTEST DU
FÜR EIN AEP-STUDIUM MITBRINGEN?
Alle vier betonen ähnliche Fähigkeiten: Neugier, Teamgeist,
strukturiertes Denken – und den Willen, Verantwortung
zu übernehmen. Yelyzaveta fasst es so zusammen:
„Excel ist dein bester Freund.“ Für Frederik ist klar:
„Du musst dein Team gut kennen und wissen, wann du
steuerst und wann du Raum gibst.“ Animation/Effects
Producing ist also mehr als Organisation. Es ist Kommunikation,
Navigation und die Schnittstelle zwischen
Künstler*innen und Deadlines.
Liubov bringt es auf den Punkt:
„Animation/Effects Producing ist,
als würde man eine Brücke
bauen, während man sie schon
überquert.“
62

PRODUCING FOR ANIMATION
AND VISUAL EFFECTS – BETWEEN
CREATIVITY AND COMPLEXITY
WHAT DO LASER-CUT PAPER, AN IMMERSIVE AI
EXHIBITION, A FOX AND A COMEDY ABOUT DIGITAL
NUDE PICTURES HAVE IN COMMON? IT’S SIMPLE:
EVERY ONE OF THESE PROJECTS HAS VERY STRONG PRO-
DUCERS STANDING BEHIND IT. FOUR AEP STUDENTS OFFER
INSIGHT INTO WHERE THEY COME FROM, WHAT SKILLS
THEY HAVE AND HOW THEY DEVELOPED AND PROFESSION-
ALISED THEM DURING THEIR TIME AT THE ANIMATIONSIN-
STITUT. THE WIDE VARIETY OF PROJECTS, STORIES, TECH-
NIQUES AND PERSONALITIES WITHIN THE TEAM ARE BOTH
A MOTIVATION AND A CHALLENGE AT THE SAME TIME.
THE ANIMATION/EFFECTS
PRODUCING (AEP)
STUDY COURSE AT THE
ANIMATIONSINSTITUT IS
DIRECTED AT EVERYONE
WHO WANTS TO COMBINE
CREATIVE PROCESSES WITH
TECHNICAL KNOW-HOW, A
TALENT FOR ORGANISATION
AND A KEEN EYE FOR THE BIG
PICTURE.
TO RAHUL RAO KANUPARTHI
PRODUCING MEANS KEEPING A
CLEAR OVERVIEW – EVEN WHEN
THINGS GET HECTIC!
Rahul comes from a very diverse background: he studied
economics and computer science, worked in IT and simultaneously
gained practical experience in film and 3D
animation. To him, studying AEP combines everything
that’s important to him: “You learn a lot about people,
mindsets, economics, politics and project management
and how all of this can influence a project.”
In the satirical 3D short film SEND NUDES, Rahul operates
as the producer while also taking on tasks in technical
documentation and 3D production. The film deals
with questions of privacy in the digital space in a humorous
way but still shows awareness for the seriousness
of this topic.
Film still of SEND NUDES
“I wanted to really dive deep into the intricacies of 3D
film production. SEND NUDES provided me with the
perfect opportunity for it”, says Rahul. For him, producing
means clarity in communication above everything
else: “I’ve learnt to stay calm and collected, no matter the
pressure – and to keep things concise.
63

ANIMATIONSINSTITUT
FREDERIK STAPF:
WHAT KIND OF
PRODUCER DO I WANT
TO BE?
Frederik transitioned to Producing
after studying business economics
followed by communication design.
While working on the project
LIMBO, he explores how memories
can be reconstructed and interpreted
with the help of Artificial Intelligence.
Participants share person-
The interactive installation LIMBO
al memories that an AI then converts into audiovisual a continuous learning process.”
‘echoes`.
To Frederik the most important part of producing is trying
out new things – not just in a professional sense but
Frederik learnt a lot about himself during his studies:
“How do I lead a team? Where do I draw my boundaries? especially in his collaboration with others. “You have to
How do I pick my battles OR What is worth fighting for? know yourself and your team really well and handle it
I learn a lot about myself through teamwork – like when responsibly.”
to take action and when it’s better to take a step back. It’s
YELYZAVETA
DAVYDENKO: FROM
LIVE ACTION TO
ANIMATION AND
VISUAL EFFECTS
Yelyzaveta knew from a very young
age that she wanted to work in the
film industry. She started off studying
business administration where
she had her first experience working
on the sets of student productions.
She then moved on to the
Filmakademie with one clear goal Colour script of THE AMAZING KITSUVERSE
in mind: “I want to understand how
to translate creative worlds into film, in both a textual – a process which the team had to develop themselves.
and technical way.”
“Because a lot of other tools were hard to assess legally
During her first two years, Yelyzaveta studied Live Action since it was unclear which data sets they were trained
Producing. However, an internship at RISE FX motivated
her to enter the world of Animation/Effects Produc-
What is most important when it comes to producing?
on” she explains.
ing and transfer to the Animationsinstitut.
According to Yelyzaveta, “strong communication skills,
The project THE AMAZING KITSUVERSE, for which empathy, and perseverance are essential in Animation/
Yelyzaveta acted as the producer, tells the story of an old Effects Producing because animation projects are complex
and often take months or even years to finish.”
lady who finds herself in an AI-controlled universe. It
was produced with the help of an AI-based style transfer
64

LIUBOV POPOVA:
“IF THERE IS NO
PLAN YET, ONE WILL
BE MADE!”
Liubov made her debut in the
world of online videos. She
worked as a creative producer
at TheSoul Publishing where
she was responsible for TikTok
and YouTube formats as well as
leading an international creative
team. She has now found her The team behind GAIA
new calling in cinematic storytelling
through her AEP studies at Animationsinstitut.
“I decided on studying AEP because I wanted to take
a step away from online videos and towards film and
animation – where storytelling, technical precision and
visual innovation all come together in a very special
way.”
Her project GAIA is an experimental stop-motion film
using a truly unique technique: animated layers of laser-cut
paper. She explains that “there was no pre-existing
workflow. We had to develop everything ourselves.”
She coordinates the team, plans materials and
tests processes, all the while ensuring that the artistic
vision can be realised despite any potential technical difficulties.
For her, Animation/Effects Producing means transforming
creative ideas into tangible projects – even if you
have to pave the road yourself.
WHAT ABILITIES SHOULD YOU HAVE TO STUDY AEP?
All four students emphasise similar skills: curiosity,
team spirit, a structured way of thinking – and the willingness
to take on responsibility. Yelyzaveta summarises:
“Excel is your best friend”, while for Frederik, one
thing is clear: “You have to know your team really well
and have to know when to take the lead and when to
give them space.” Therefore, Animation/Effects Producing
is more than just organising. It‘s communication,
navigation and being the interface between artists and
deadlines.
As Liubov sums it up:
“Animation/Effects Producing
is as if you’re building a bridge
while you’re
already crossing it.”
65

SPOTLIGHT
WIE STUDIERENDE
DIE ROLLE DER KI
IN KUNST UND GEDÄCHTNIS
ERFORSCHEN
KÜNSTLICHE INTEL-
LIGENZ IST SCHON
LANGE KEIN WEIT
ENTFERNTES FORSCHUNGS-
THEMA MEHR, SONDERN
MITTLERWEILE EIN FESTER BE-
STANDTEIL UNSERES ALLTAGS.
BESONDERS IN DER KREATIV-
UND MEDIENBRANCHE SOR-
GEN SICH KÜNSTLER*INNEN,
AUTOR*INNEN UND ANDERE
KUNSTSCHAFFENDE, KI KÖN-
NE IHNEN DIE JOBS UND SO
AUCH IHREN LEBENSUNTER-
HALT RAUBEN.
Es stellen sich die Fragen: Stellt KI
eine Bedrohung dar? Kann sie auf
ethische Art und Weise angewandt
werden – so, dass sie unterstützt
und nicht ersetzt? Wie können wir
mit dieser Technologie leben und
arbeiten?
Auf keine dieser Fragen gibt es
eine einfache Antwort. Allerdings
haben genau wegen dieser Chancen
und Herausforderungen die
Studierenden hinter den Projekten
SENSUAL, THE AMAZING
KITSUVERSE und LIMBO versucht,
mit KI zu arbeiten und sie in
ihre Produktionen zu integrieren.
Damit eröffnen sie neue Perspektiven,
aber auch Zweifel darüber,
welche Auswirkungen die neue
66
Technologie für Kunst, Storytelling
und unser eigenes Erinnerungsvermögen
haben kann.
WARUM KI?
INSPIRIERT VON
LIEBE, MÜHELOSIGKEIT
UND ERINNERUNGEN
Jedes Studierendenteam war auf
ganz eigene Weise motiviert, KI
in ihr Projekt einfließen zu lassen.
Tanja Nuijten, die Macherin
des 2D-animierten Kurzfilms
SENSUAL, wollte ihre hochdetaillierte
Aquarellkunst mit Animation
– und damit die überwältigenden
Eindrücke und Gefühle der
ersten Liebe und Intimität – verbinden.
In ihrem Film repräsentieren
Schnecken einen Zungenkuss,
Käfer das kribbelnde Gefühl einer
Gänsehaut und ein Bär die Wärme
und Sicherheit einer engen Umarmung.
Sie malte fast 900 Bilder von
Hand – dennoch nicht genug, um
eine glatte Animation zu erzeugen.
Die Lösung: KI-generierte Inbetween-Frames,
die die handgemalten
Bilder miteinander verbinden. „Ich
wollte meinen detaillierten Style
nicht verlieren”, sagt Tanja, “aber
ich habe Hilfe dabei gebraucht, die
notwendige Anzahl an Bildern zu
schaffen, um diese Gefühle zum
Leben zu erwecken. Ohne KI wäre
dieses Pensum nicht zu bewältigen
und damit auch das Projekt unmöglich
gewesen.“
Währenddessen spornte eine andere
Frage das Team hinter THE
AMAZING KITSUVERSE an: Was
passiert mit unserer Individualität,
wenn alles mühelos wird? In ihrem
Projekt, welches das Team als
“KI-Allrounder” bezeichnet, lockt
ein Fuchs, der KI repräsentiert, eine
alte Frau in ein scheinbares Paradies,
in dem jeder Wunsch mit einem
einfachen Händeklatschen in
Erfüllung geht. Doch der Preis für
diese Mühelosigkeit ist hoch: Die
Frau verliert ihre Einzigartigkeit.
Was passiert mit uns, wenn wir uns
zu sehr auf Künstliche Intelligenz
verlassen?
Im Gegensatz zu den anderen beiden
Projekten geht die interaktive
Anwendung LIMBO über unmittelbare
kreative Bedürfnisse hinaus
und erforscht stattdessen, wie generative
KI Erinnerungen beeinflussen
kann. LIMBO lässt die Grenzen zwischen
eigenen und geteilten Erlebnissen
verschwimmen und fordert
die Teilnehmenden dazu auf, die Bedeutung
ihrer Erinnerungen innerhalb
von „Big Data“ neu zu betrachten:
„Wenn du nur eine Erinnerung
behalten könntest, welche wäre es?“

KI IM KREATIVEN PRO-
ZESS: NEUE TOOLS,
NEUE WORKFLOWS
anders als bei der Produktion von
THE AMAZING KITSUVERSE, wo
KI-Tools oftmals sehr sichtbar den
KI in einer Filmproduktion zu nutzen,
ist das eine, aber wie sieht es
bei interaktiven Installationen aus?
Film mitgestalteten.
LIMBO legt den kreativen Prozess in
Alle drei Projekte experimentier-
Das KITSUVERSE-Team rund um
die Hände des Publikums – indem
ten mit KI als aktivem Produkti-
Regisseur Leo Neumann integrier-
Teilnehmende audiovisuelle Dar-
onspartner. SENSUAL nutzte RIFE
te KI weitaus umfassender: neura-
stellungen ihrer Erinnerungen mit
for Nuke für Frame-Interpolation
le Netzwerke wurden direkt in die
KI erstellen. Während der Konzep-
und generierte so Inbetween-Fra-
Rendering-Pipeline von Unreal En-
tion, den ersten Versuchen und zu-
mes, die eine flüssige Animation
gine gewoben, was den finalen vi-
letzt während den ersten Interaktio-
erst möglich machen. Bevor Tanja
suellen Stil bestimmte. Aber nicht
nen mit Teilnehmenden musste das
und die Produzentin Avina Graefe
nur das, denn Experimente mit KI
Team immer wieder mit der Unvor-
sich aber auf dieses Tool festlegten,
gab es in jeder Produktionsabtei-
hersehbarkeit der KI kämpfen. Zu-
testeten sie zahllose KI-Modelle: ei-
lung: von Rendering zu Musik und
dem mussten sie hinterfragen, wel-
nige schufen chaotische, traumar-
Sounddesign. Das Team trainier-
ches Maß an Filter und Kuration die
tige Bilder, weit entfernt vom Stil
te sogar seine eigenen Modelle, um
Authentizität der Ergebnisse nicht
des Films. Für das Team war es
den Output besser kontrollieren zu
verfälscht; gleichzeitig dürfen sie
sehr frustrierend, immer wieder
können. Dabei äußerten sie sowohl
aber auch nicht überwältigen. Die
ein KI-Tool „geknackt zu haben“,
Begeisterung als auch Vorsicht ge-
größte Herausforderung lag in der
nur um festzustellen, dass den Er-
genüber Programmen von Dritten.
Konzeption: Art Director Raphael
gebnissen immer das letzte Quänt-
Weit entfernt also von einer magi-
Tonn, der im vierten Jahr Interak-
chen an Qualität fehlte. Gemeinsam
schen, über-hilfreichen Lösung in
tive Medien am Animationsinstitut
mit den Technical Directors Hannes
der Filmproduktion, war jede Im-
studiert, befürchtete vor allem ver-
Sturm (der auch an THE AMAZING
plementierung von KI mit konstan-
störenden oder voreingenomme-
KITSUVERSE mitgewirkt hat) und
ter Evaluierung verbunden: bringt
nen Output. KI-Modelle trainieren
Vincent Maurer schufen sie durch
dieser und jener KI-gestützte Ar-
anhand von riesigen und oft prob-
viel Testen und Ausprobieren ei-
beitsschritt einen Mehrwert mit
lematischen Datensätzen im Inter-
nen Workflow, in dem die KI als
sich oder doch nur unnötige Kom-
net. Wenn Teilnehmende also etwas
unsichtbarer Helfer fungierte. Ganz
plexität?
so Persönliches wie ihre eigenen
67

SPOTLIGHT
Erinnerungen erforschen, muss ihnen
eine sichere und bedeutungsvolle
Erfahrung garantiert werden
können.
FAIRNESS IM FOKUS:
KONSENS, ORIGINALI-
TÄT UND BIAS
Trotz ihrer unterschiedlichen Herangehensweisen
haben alle drei
Teams eins gemeinsam: ihre Selbstverpflichtung
zu fairer Nutzung von
KI.
Das Team hinter THE AMAZING
KITSUVERSE betont, dass die Nutzung
von ethisch einwandfrei trainierten
KI-Modellen absolute Priorität
für sie hatte – also Modelle,
die auf lizensierten Datensätzen basieren,
anstatt copyright-geschützte
und private Inhalte ohne Zustimmung
zu sammeln. „Es war super
wichtig für uns, KI-Tools zu finden,
die uns in unserer Pipeline unterstützen,
die nach ethischen Grundsätzen
trainiert wurden und die im
kreativen Prozess die Künstler nicht
ersetzen“, sagt Technical Director
Hannes Sturm, „Wir haben den
Film auf diese Weise erfolgreich
fertigstellen können, und ich denke,
das ist sehr relevant.“
Ähnlich ging es LIMBOs Schöpfern:
sie erkannten das moralische
Dilemma hinter der KI besonders
bei Tools, die von den ungefilterten
Extremen der Online-Welt trainiert
wurden. Ein zweischneidiges
Schwert, wenn man so will. Denn
während KI einerseits ein noch nie
dagewesenes gemeinschaftliches
Gedächtnis“ der Menschheit darstellt,
bringt sie eben wegen der ungefilterten
Breite an Content das
Potenzial mit, gefährliche Bias wiederzugeben.
Und die müssen kritisch
reflektiert werden. Das Team
setzte sich das Ziel, den Teilnehmenden
diese Spannung bewusst
zu machen und es wie ein Feature
ihrer Installation zu behandeln –
nicht wie einen Fehler.
Während ihrer Arbeit an SENSUAL
vergaß Tanja nie, dass KI berüchtigt
dafür ist, fremde Stile nachzuahmen.
Sie wollte stets verhindern,
Kunst von anderen zu stehlen oder
die künstlerische Identität von anderen
zu verfälschen. Indem ihre
originalen Aquarell-Werke die
Grundlage für den finalen Look bildeten
und KI nur unsichtbar agierte,
konnte sie sich am Ende sicher
sein, sowohl ihre eigene künstlerische
Vision als auch die weitere
Kunst-Community respektiert zu
haben.
JENSEITS VON GUT
UND BÖSE
Schlussendlich kann keiner der
Studierenden KI als grundsätzlich
gut oder schlecht bezeichnen. Leo
fasst es so zusammen: „KI ist weder
schwarz noch weiß – es kommt total
darauf an, wie durchdacht man
sie nutzt.“ Über alle Projekte hinweg
war KI ein Werkzeug, das Selbstreflektion
erforderte: über kreatives
Eigentum, moralische Verantwortung
und darüber, was es bedeutet,
ein Mensch im digitalen Zeitalter
zu sein.
All diese Studierenden zeigen sich
optimistisch. Wenn man vorsichtig
damit umgeht, kann KI die Möglichkeiten
in der Film- und Medienproduktion
erweitern – sie kann
helfen, bestimmte Visionen zu ermöglichen,
oder durch KI-gestützte
Visualisierung Verbindungen zu
schaffen. Bei achtlosem Umgang
aber hat Künstliche Intelligenz das
Potential, Individualität und einzigartige
Persönlichkeiten auszulöschen.
Die neue Generation Künstler*innen
hat ihre Lektion gelernt:
Während KI wächst, muss gleichzeitig
auch ihr Wille steigen zu
hinterfragen, anzupassen und die
Menschlichkeit im Zentrum ihrer
Arbeit zu halten.
LIMBO und Ludwigsburg:
Mit LIMBOs KI schufen
Teilnehmende Echos von
Erinnerungen aus 75 Jahren
Städtepartnerschaft mit
Montbéliard.
68

HOW STUDENTS EXPLORE
AI’S PLACE IN ART AND
MEMORY
ARTIFICIAL INTELLI-
GENCE HAS BECOME
A FIXED ENTITY IN
OUR SOCIETY – NO LONGER A
DISTANT RESEARCH TOPIC, IT
IS NOW A CONSTANT IN OUR
EVERYDAY LIVES. ESPECIALLY
IN THE CREATIVE AND MEDIA
INDUSTRIES, ARTISTS, WRIT-
ERS AND OTHER CREATIVES
WORRY ABOUT AI POTEN-
TIALLY ERASING THEIR JOBS
AND LIVELIHOODS.
This raises many questions: Is AI
a threat? Can it be used in ethical
ways that assist the artist and do not
replace them? How do we want to
live and create alongside this technology?
None of these questions have simple
answers. However, precisely
because of the opportunities and
challenges presented by AI, the students
behind the projects SENSU-
AL, THE AMAZING KITSUVERSE,
and LIMBO have all tried to work
with and incorporate AI into their
productions – opening up new perspectives
and doubts about what AI
can mean for art, storytelling, and
how we remember ourselves.
WHY CHOOSE AI? IN-
SPIRATIONS BETWEEN
LOVE, EASE, AND THE
NATURE OF MEMORY
Each student team found a unique
motivation to bring AI into their
project. Tanja Nuijten, who created
the 2D animated short SENSUAL,
strived to combine her highly detailed
watercolour art with animation,
and to capture the overwhelming
sensations of first love and
intimacy. Slugs represent a French
kiss, bugs the fluttering feeling of
goosebumps on the skin, and a bear
the warmth and safety of a close embrace.
Even though she hand-painted
almost 900 frames it was still not
quite enough to ensure a smooth
animation in the film. The solution:
inbetweening the hand-painted
frames with AI-generated ones.
“I didn’t want to lose the details of
my style,” Tanja says, “but I needed
help to create the necessary volume
of images to bring these feelings
to life. I couldn’t have done
it on my own. So, without AI, this
project would have been impossible
to complete.”
Meanwhile, the team behind THE
AMAZING KITSUVERSE was
driven by an urgent question:
what happens to our individuality
when everything becomes effortless?
In their project, which they
call “an overall AI package”, a fox
69

SPOTLIGHT
representing AI lures an old woman
into an apparent paradise where
everything can come true with just
a simple clap – but at the cost of
losing what makes her unique.
What becomes of us when we use
AI to an extent that isn’t healthy anymore?
In contrast, the interactive experience
LIMBO looked beyond immediate
creative needs and instead
explored how generative AI can influence
memories. LIMBO blurs
the boundaries between personal
and shared experiences and challenges
participants to reconsider
the significance of their memories
in times of big data: “If you could
only keep one memory, which one
would you keep?”
AI IN THE CREATIVE
PROCESS: NEW TOOLS,
NEW WORKFLOWS
All three projects experimented
with AI as an active production partner.
SENSUAL used RIFE for Nuke
for frame interpolation, generating
the “in-between” frames needed for
smooth animation. However, before
landing on this tool, Tanja and producer
Avina Graefe tested countless
AI models — some creating chaotic,
dreamlike images that didn’t
match their style at all. Tanja describes
the frustration of thinking
they had finally “figured out” the AI
tool, only to always find the results
lacking that final percent of quality
they needed. This process of trial
and error, assisted by Technical
Directors Hannes Sturm (who also
worked on THE AMAZING KIT-
SUVERSE) and Vincent Maurer,
shaped a workflow where AI served
as an invisible helper, unlike during
the production of THE AMAZING
KITSUVERSE, where AI tools are
sometimes very visible co-creators.
The KITSUVERSE-team around Director
Leo Neumann integrated AI
more comprehensively: neural networks
were woven directly into the
rendering pipeline of Unreal Engine,
determining the film’s final
visual style. Not only that: AI experimentation
touched nearly every
department during production, including
rendering, music and sound
design. The team even trained their
own models to have greater control
— reflecting both excitement
and caution about third-party AI
tools. Far from being a magical,
uber-helpful solution during production,
integrating AI to this degree
demanded constant evaluation
of whether each AI-enhanced step
truly added value or just introduced
unnecessary complexity.
Using AI in a film production is one
thing, but what about interactive
installations? LIMBO put the creative
process into the hands of the
audience – by letting participants
generate images of their memories
using AI. During conception, trials
and finally during the first interactions
with participants, the team
had to grapple with the unpredictability
of AI outputs, questioning
how much to curate or filter the results
to keep them authentic but not
overwhelming. The biggest challenge
was conceptual – Art Director
Raphael Tonn, fourth-year Interactive
Media Student at Animationsinstitut,
worried about the potentially
unsettling or biased outputs.
AI models are trained on vast and
often problematic internet data. So,
as participants explore something as
personal as memories, they had to
ensure a safe and meaningful experience.
ETHICS AT THE CENTRE:
CONSENT, ORIGINALITY,
AND BIAS
Despite their differing approaches,
all three projects share a commitment
to ethical AI use.
KITSUVERSE’s team emphasises
their priority of using ethically
trained AI models — ones based on
licensed datasets rather than scraping
copyrighted or private content
without consent. “We really aimed
to find AI tools that support us
in our pipeline, that are ethically
trained and that don’t take the creative
process away from the artists
themselves”, says Technical Director
Hannes Sturm. “And we managed
to make the film successfully
like that, and I think that’s very relevant.”
Similarly, LIMBO’s creators also recognised
the moral dilemma of using
AI – especially tools trained on
the unfiltered extremes of online
life. For them, this issue is a double-edged
sword: on one hand, AI
offers an unprecedented “common
memory” of humanity that depicts
the human experience like no other
technology before it. On the other
hand, specifically because of this
unfiltered vastness, using AI brings
with it a potential for recreating
harmful biases that requires critical
reflection. The team aimed to keep
participants aware of this tension –
to treat it like a feature of their installation,
rather than a bug.
While working on SENSUAL, Tanja
was acutely aware of AI’s reputation
for style mimicry and wanted
to avoid stealing or diluting anyone
70

else’s artistic identity. By letting her
original watercolours dictate the final
look and only using AI for invisible
tasks, she felt confident they
respected both her vision and the
broader artistic community.
BEYOND GOOD OR BAD
In the end, none of these students
came away seeing AI as purely good
or bad. Leo sums it up like this: “AI is
neither black nor white — it depends
entirely on how thoughtfully you use
it.” Across all projects, AI was a tool
that demanded self-reflection: about
creative ownership, ethical responsibility,
and what it means to be human
in a digital age.
All these student projects show a
shared optimism. Used carefully, AI
can expand the possibilities in film
and media creation – it can help
achieve a certain vision or to connect
through AI-assisted visualisation.
However, used carelessly, it can erase
individuality and unique personalities.
For this new generation of artists,
the lesson is clear: as AI grows
more powerful, so must the willingness
to question, adapt, and keep humanity
at the centre of their work.
71

ANIMATIONSINSTITUT
BEYOND
STUDY
BRÜCKEN BAUEN ZWISCHEN
AKADEMIE UND BERUFSWELT
EINE ZENTRALE ROLLE IM PRAXISNA-
HEN LERNEN UND LEHREN AM ANI-
MATIONSINSTITUT DER FILMAKADEMIE
SPIELT NICHT NUR DIE FUNDIERTE FACH-
LICHE AUSBILDUNG, SONDERN AUCH DIE
GEZIELTE VORBEREITUNG AUF DEN ÜBER-
GANG VOM STUDIUM INS BERUFSLEBEN.
ÜBER UNTERRICHT UND PROJEKTARBEIT
HINAUS WIRD GROSSEN WERT DARAUF GE-
LEGT, VIELFÄLTIGE PERSPEKTIVEN FÜR EINE
ERFOLGREICHE ZUKUNFT IN DER KULTUR-
UND KREATIVWIRTSCHAFT AUFZUZEIGEN.
STARKE FÖRDERUNG AUS LAND
UND REGION
Gerade der Standort Ludwigsburg bietet zahlreiche Angebote
zur Förderung von Talenten – von städtischen
und regionalen Förderprogrammen bis hin zu Kooperationen
mit der lokalen Kreativwirtschaft. Das Animationsinstitut
unterstützt Studierende und Absolvent*innen
dabei, diese Möglichkeiten zu erschließen und gezielt zu
nutzen.
Unter dem Motto „Beyond Study“ vereint das Animationsinstitut
dafür eine lebendige Community aus Studierenden,
Absolvent*innen, Lehrenden und Mitarbeitenden.
Im Mittelpunkt stehen hier Themen wie
regelmäßiger Austausch, Netzwerken, gegenseitige Unterstützung
sowie die gemeinsame Entwicklung von Ideen
und Teams. Ergänzt wird dieses Miteinander durch
Wissens- und Technologietransfer sowie durch enge Kooperationen
mit starken Partnern und Institutionen außerhalb
der Hochschule.
Im Folgenden zeigen wir, wie das Animationsinstitut
Young Professionals (Studierende und Graduates) in ihrer
nachhaltigen künstlerischen, persönlichen und beruflichen
Entwicklung unterstützt – etwa bei der
Stärkung individueller Talente, der Umsetzung und Weiterentwicklung
ihrer Projekte und Gründungsinteressen
sowie durch wertvolle Kontakte zur Branche.
Beim Start-up Monday im Februar 2025 gab es für Studierende
und Gründungsinteressierte Impulse und Tipps von Organisationen
aus der Region. Mit dabei waren Vertreter*innen
der Stadt Ludwigsburg, der Kreissparkasse Ludwigsburg, der
MFG Baden-Württemberg, der Wirtschaftsförderung Region
Stuttgart (WRS), Baden-Württemberg International (BW_i),
Start-up BW, HDM Sandbox, M.Tech, bwcon, der Industrie- und
Handelskammer, Senioren der Wirtschaft sowie das Kokolores
Collective.
Die Stadt Ludwigsburg etwa schafft ein Umfeld, das vielfältige
Entwicklungsmöglichkeiten für Kreative bietet.
In Abstimmung mit dem Animationsinstitut entwickelt
die Kommune derzeit das bereits ausgezeichnete
Konzept „Ludwigsburg gründungsfreundlich“ weiter. Es
handelt sich um eine Initiative, die insbesondere junge
Gründer*innen durch gezielte Beratung, Netzwerkformate,
günstige Räumlichkeiten und individuelle Begleitung
bei der Umsetzung ihrer Ideen unterstützt.
72

Hierzu zählt auch das KOKOLORES-KOLLEKTIV – eine
in Ludwigsburg ansässige, interdisziplinäre Gruppe
unabhängiger Kreativer, Start-ups und Studios aus den
Bereichen Animation, Design und Storytelling, deren
Mitglieder größtenteils aus der Filmakademie hervorgegangen
sind. Inzwischen ist das Kollektiv als Verein
organisiert und wird von der Stadt Ludwigsburg aktiv
unterstützt. Es bildet zugleich das kreative Zentrum
des sogenannten Games Hub Ludwigsburg – einer Initiative
der MEDIEN- UND FILMGESELLSCHAFT BA-
DEN-WÜRTTEMBERG (MFG), die junge Unternehmen
aus der Games- und Medienbranche bei ihrer Ansiedlung
und Entwicklung fördert.
Die von der Filmakademie organisierte FMX – FILM
& MEDIA EXCHANGE zählt zu den wichtigsten Branchentreffen
für Animation, visuelle Effekte, interaktive
Medien und digitale Inhalte in Europa. Ein besonderer
Schwerpunkt liegt auf dem persönlichen Austausch
zwischen etablierten Profis aus der ganzen Welt, aufstrebenden
Talenten und Unternehmen. Young Professionals
der Filmakademie, insbesondere des Animationsinstituts,
profitieren in vielfacher Hinsicht von der engen
Verbindung zur FMX.
Darüber hinaus pflegt das Animationsinstitut zahlreiche
weitere Kooperationen mit der MFG. So unterstützt etwa
das Programm Developer Boost gründungsinteressierte
Teams bei der Weiterentwicklung eigener Game- oder
Medienideen. Profitiert hiervon haben auch aktuelle
Ausgründungen aus dem Animationsinstitut, beispielsweise
die Unternehmen Blossom Seeker, Mucks Games
oder Spacelimes Studios.
Graduate Get-Together bei der FMX 2025
Zudem verschafft die MFG Young Professionals auch
über die Region hinaus Auftritte auf bedeutenden Branchenevents.
Dazu zählen unter anderem die gamescom
und die Frankfurter Buchmesse, auf denen eigene Projekte
vorgestellt, Sichtbarkeit gewonnen und wertvolle
Branchenkontakte geknüpft werden können.
Für Baden-Württemberg hat die Animations- und Kreativwirtschaft
auch wirtschaftspolitisch eine besondere
Bedeutung. Das zeigte sich zuletzt beim Besuch von Finanzminister
Danyal Bayaz an der Filmakademie, wo er
mit Studierenden und Gründer*innen über die Rahmenbedingungen
für kreative Start-ups ins Gespräch kam.
Zum Beispiel erhalten sie als Speaker Guides direkten
Zugang zu internationalen Expert*innen der Animations-
und VFX-Branche – und damit zu wertvollen Einblicken
in aktuelle Entwicklungen, Produktionsprozesse
und Trends. Zum anderen bietet die FMX ideale Möglichkeiten
zum Networking: Im Austausch mit Entscheidungsträger*innen
und Kreativen aus aller Welt lassen
sich wichtige Kontakte für Praktika, Berufseinstiege oder
zukünftige Kooperationen knüpfen.
In das Rahmenprogramm eingebunden findet am Animationsinstitut
der DIPLOMA SHOWROOM statt –
eine Ausstellung, bei der die Diplomand*innen ihre
Abschlussarbeiten im gesamten Institutsgebäude in
ENGER BRANCHENKONTAKT ALS
ENTWICKLUNGSMOTOR
Wenn sich die internationale Animations-, VFX- und
Gamesbranche alljährlich im Rahmen der „STUTTGART
ANIMATED WEEK“ zu den Branchenhighlights FMX,
ITFS und APD versammelt, eröffnet sich für die Studierenden
des Animationsinstituts eine besondere Chance:
Sie können sich und ihre Projekte einem hochkarätigen
Publikum präsentieren – darunter Produzent*innen,
Studios und potenzielle Arbeitgeber.
Das Team von A SPARROW'S SONG: v.l. Elias Weber,
Tobias Eckerlin, Vincent Maurer, Lilli-Luisa Heckmann
73

ANIMATIONSINSTITUT
individuell gestalteten Showrooms präsentieren. Vertreter*innen
der Branche, die im Rahmen der FMX und
weiterer Veranstaltungen gezielt nach Talenten suchen,
besuchen diesen Showroom regelmäßig.
Wie Studierende des Animationsinstituts von diesen
Möglichkeiten profitieren, zeigen Beispiele wie Vincent
Maurer: Er konnte sein Mobility Year bei den Branchengrößen
Sony und ILM in Kanada verbringen. Oder
auch Arne Hain: Als Speaker Guide betreute er den legendären
Stop-Motion-Künstler Phil Tippett, der unter
anderem für seine bahnbrechende Arbeit an der STAR
WARS-Reihe bekannt ist. Aus dieser Begegnung entwickelte
sich ein enger Austausch – schließlich arbeitete
Arne Hain gemeinsam mit Tippett an Szenen für STAR
WARS: THE RISE OF SKYWALKER. (Mehr über Vincent
und Arne erfahrt ihr im Online-Blog des Animationsinstituts).
zugänglich gemacht. Darüber hinaus erhält auch die Games-Entwicklung
am Animationsinstitut eine eigene
Plattform: In der ITFS Games Zone werden interaktive
Projekte präsentiert, die direkt vor Ort ausprobiert werden
können.
Die ANIMATION PRODUCTION DAYS (APD) sind eine
Business-Plattform für die europäische Animationsbranche,
auf der Produzent*innen auf potenzielle Partner*innen,
Investoren und Sender treffen. Insbesondere
das APD-Talents-Programm wird intensiv von Projekten
des Animationsinstituts genutzt, um Kontakte in den
Markt zu knüpfen.
Letzteres ist auch Ziel des „TALENT MEET-UP BW“
– ein Format zur gezielten Vernetzung junger Talente
aus ganz Baden-Württemberg. Das Angebot richtet sich
nicht nur an Studierende und Alumni der Filmakademie,
sondern ausdrücklich auch an Nachwuchskräfte
anderer Hochschulen sowie unabhängige Kreative aus
dem Land. In inspirierender Atmosphäre entstehen hier
Kontakte, Kooperationen – eine regionale Basis für Zusammenarbeit
und erste Schritte in die Branche.
Arne Hain beim Animieren mit STAR WARS-Legende
Phil Tippet.
Die FMX bringt zudem jedes Jahr zahlreiche Alumni des
Animationsinstituts zurück nach Stuttgart – ein idealer
Anlass für ein Wiedersehen, etwa beim traditionellen
Alumni-Treffen des Instituts. Diese Zusammenkunft
bietet Raum für den Austausch mit früheren Kommiliton*innen
sowie für den Kontakt zu aktuellen Jahrgängen,
Lehrenden und Mitarbeitenden.
Solche Räume für persönliche Begegnungen und Austausch
unterstützt das Alumni-Team des Animationsinstituts
auch bei anderen wichtigen Filmfestivals und
Branchenevents – etwa in Berlin oder Annecy – und
stärkt so das lebendige, internationale Netzwerk rund
um die Akademie nachhaltig.
Beren Baumgartner von Zeitland media & games bei der
Spiele-Entwicklung
Das INTERNATIONALE TRICKFILM-FESTIVAL
STUTTGART (ITFS) zählt zu den weltweit bedeutendsten
Festivals für Animationsfilm. Auch Studierende und
Graduates des Animationsinstituts sind regelmäßig mit
ihren Arbeiten vertreten: Ihre Filme laufen im offiziellen
Programm und werden einem breiten Publikum
DIPLOMA SHOWROOM
ALLES ÜBER DIE AKTUELLEN DIPLOM-
STUDIERENDEN UND IHRE PROJEKTE:
WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE/
DIPLOMASHOWROOM
74

PANEURAMA &
EUROPÄISCHE TALENTFÖRDERUNG
Ein wesentlicher Aspekt der Talentförderung ist ein enges
europäisches Netzwerk mit Hochschulen, der Branche
und relevanten Institutionen – es zeigt sich bereits
im Studium und bleibt auch darüber hinaus im Rahmen
der Beyond-Study-Initiativen aktiv.
Nach 16 Jahren europäischer Projekt- und Teamentwicklung
mit Animation Sans Frontières eröffnet derzeit die
durch Erasmus+ geförderte PANEURAMA Innovation
Alliance gezielte Hilfestellungen und Unterstützung in
wesentlichen Fragen des Übergangs zwischen Studium
und beruflicher Zukunft.
Ziel ist es, die Abstimmung und den Übergang zwischen
akademischer Ausbildung und den realen Anforderungen
der Animations-, Games- und VFX-Industrie zu verbessern.
Für Young Professionals, Educators und die
Industrie bedeutet das: 12 praxisnahe Fokus-Themen,
internationale Kooperationen und konkrete Einblicke in
die Lehre und Arbeitswelt von morgen.
Entsprechend der grundsätzlichen Ausrichtung der
Film akademie verbindet PANEURAMA mit dieser Struktur
Studium und Berufspraxis auf beispielhafte Weise. Es
stärkt nicht nur die individuellen Chancen und Kenntnisse
der Teilnehmenden, sondern auch die Innovationskraft
der europäischen Kreativwirtschaft und den
Austausch mit internationalen Hochschulen.
Organisiert wird PANEURAMA von einem
starken Netzwerk: Neben dem Animationsinstitut
sind unter anderem The Animation
Workshop (Dänemark), die Breda University
of Applied Sciences (Niederlande) und Paris 8
(Frankreich) beteiligt. Auf Unternehmensseite
unterstützen renommierte Partner wie Fortiche,
Digic Pictures, Rise VFX, Beyond Horizon
und Creative Viborg das Projekt. Ergänzt wird
das Netzwerk durch assoziierte Branchengrößen
wie Netflix Animation, Epic Games,
Unity, Ubisoft und Adobe.
Dazu gehören zeitlich begrenzte Innovation Labs sowie
die jederzeit online verfügbare SkillBASE. Beide Formate
werden begleitet von wissenschaftlicher Recherche und
Präsentationen bei Konferenzen und Festivals. Die Themen
reichen von technologischen Entwicklungen, Soft
Skills und Arbeitskultur über Hard Skills und Entrepreneurship
bis hin zu Nachhaltigkeit und neuen Erzählformen.
Die Inhalte richten sich gezielt an Young Professionals,
aber auch an Lehrende und Fachkräfte aus
der Industrie.
PANEURAMA SKILLBASE
24/7 KNOWLEDGE BASE FOR
YOUNG PROFESSIONALS, EDUCATORS AND CREATIVE
INDUSTRIES
WWW.PANEURAMA.EU/SKILLBASE
Innovation Alliance Präsentation beim Talent Panel des Annecy Festivals 2025
75

ANIMATIONSINSTITUT
BEYOND
STUDY
BUILDING BRIDGES BETWEEN
EDUCATION AND THE PROFESSIONAL
WORLD
AT THE ANIMATIONSINSTITUT OF
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEM-
BERG, HANDS-ON TEACHING AND
LEARNING ARE NOT ONLY ABOUT SOLID
EDUCATION – THEY ALSO FOCUS ON
ACTIVELY PREPARING STUDENTS FOR THE
TRANSITION FROM STUDIES TO PROFES-
SIONAL LIFE. IN ADDITION TO CLASSES
AND PROJECT WORK, GREAT IMPORTANCE
IS PLACED ON OFFERING PROSPECTS FOR
A SUCCESSFUL FUTURE IN THE CULTURAL
AND CREATIVE INDUSTRIES.
The motto Beyond Study at the Animationsinstitut
stands for a lively community of students, graduates, lecturers,
and staff. Key themes include regular exchange,
networking, mutual support, and the joint development
of ideas and teams. These collaborations are further
strengthened by knowledge and technology transfer, as
well as close partnerships with strong external institutions
and industry players.
Enjoy a glimpse into how the Animationsinstitut supports
young professionals – both students and graduates
– in their long-term artistic, personal, and professional
development. This includes fostering individual talents,
helping to realise and further develop projects and
start-up ideas, and creating valuable connections within
the industry.
STRONG SUPPORT FROM THE STATE
AND REGION
The Ludwigsburg region offers a wide range of opportunities
for talent development – from municipal and
regional funding programmes to partnerships with the
local creative industry. The Animationsinstitut helps
students and graduates to access and leverage these resources.
The city of Ludwigsburg, for example, provides an environment
with diverse options for creative professionals
to grow. Under consultation with the Animationsinstitut,
the city is currently further developing its
award-winning initiative “Ludwigsburg gründungsfreundlich”
(Ludwigsburg supporting founders). This programme
is designed to aid young founders offering tailored
advice, networking formats, affordable workspaces,
and individual guidance to help them realise their ideas.
At the Start-up Monday in February 2025, students and
aspiring entrepreneurs received valuable insights and advice
from regional organisations. Taking part were representatives
from the City of Ludwigsburg, Kreissparkasse Ludwigsburg,
MFG Baden-Württemberg, the Stuttgart Region Economic
Development Corporation (WRS), Baden-Württemberg
International (BW_i), Start-up BW, HDM Sandbox, M.Tech,
bwcon, the Chamber of Industry and Commerce, Seniors in
Business, and the Kokolores Collective.
76

One example is the KOKOLORES COLLECTIVE – an interdisciplinary
group of independent creatives, start-ups,
and studios working in animation, design, and storytelling.
Based in Ludwigsburg, many members are graduates
of the Filmakademie. Now organised as a registered association,
the collective receives funding from the city. It
also serves as the creative centre of the Games Hub Ludwigsburg
– an initiative by MFG BADEN-WÜRTTEM-
BERG (MEDIA AND FILM SOCIETY OF THE STATE
BADEN-WÜRTTEMBERG) that supports start-ups in
the games and media sector, as they establish and develop
their businesses.
The Animationsinstitut also maintains numerous other
collaborations with MFG. For example, the Developer
Boost programme, which supports start-up-minded
teams in further developing their own game or media
ideas. Several founders who graduated from the Animationsinstitut
– such as Blossom Seeker, Mucks Games,
and Spacelimes Studios – have already benefited from
this initiative.
In addition, MFG provides young professionals with opportunities
to showcase their work beyond the region at
major industry events. These include, among others, gamescom
and the Frankfurter Buchmesse (annual book
fair in Frankfurt – the largest of its kind worldwide)
where they can present their projects, gain visibility, and
make valuable industry connections.
The animation and creative industries also hold special
significance for Baden-Württemberg’s economic policy.
A recent example is the visit of Finance Minister Danyal
Bayaz at FABW, during which he met with students and
founders to discuss the conditions for creative start-ups.
Graduate get-together at FMX 2025
for animation, visual effects, interactive media, and digital
content. It places special emphasis on personal exchange
between established professionals from around
the world, emerging talent, and industry players. Young
professionals from the Filmakademie – and especially
the Animationsinstitut – benefit greatly from the close
ties to FMX.
Animationsinstitut students have the opportunity to
function as Speaker Guides during the conference. This
position offers them access to international experts from
the animation and VFX sector and thus valuable insights
into current developments, production processes, and
trends. FMX also serves as an ideal networking platform,
where contacts for internships, entry-level jobs, or future
collaborations can be made through conversations
with decision-makers and creatives from across the globe.
CLOSE INDUSTRY CONNECTIONS AS
A DRIVER OF DEVELOPMENT
Each year, when the international animation, VFX, and
games industries gather in Stuttgart for the highlights
of the Stuttgart Animated Week – FMX, ITFS, and APD
– Animationsinstitut students are offered a unique opportunity:
to present themselves and their projects to a
high-profile audience of producers, studios, and potential
employers.
FMX – FILM & MEDIA EXCHANGE, organised by the
Filmakademie, is one of Europe’s leading conferences
The diploma projects SENSUAL and A SPARROW'S SONG
on display at the Diploma Showroom 2025 at the Animationsinstitut.
As part of the FMX programme, the DIPLOMA SHOW-
ROOM is hosted at the Animationsinstitut – a curated
exhibition where graduating students present their diploma
projects in individually designed rooms throughout
the institute. Industry representatives attending FMX
and the connected events of Stuttgart Animated Week
regularly visit the showroom in search of new talent.
The benefits of these opportunities are best illustrated
77

ANIMATIONSINSTITUT
and reaching a wide audience. Game development at the
institute also receives dedicated attention through the
ITFS Games Zone, where interactive projects are presented
and can be tried out on-site.
The ANIMATION PRODUCTION DAYS (APD) provide
a key business platform for the European animation industry,
where producers connect with potential partners,
investors, and broadcasters. The APD Talents Programme,
in particular, is actively used by Animationsinstitut projects
to gain access to the market and establish key contacts.
Student guide Bilal Yigit Inal (right) with speaker Will Becher,
animator known for the WALLACE & GROMIT films, at FMX
2025.
This goal is also supported by the TALENT MEET-UP
BW – a networking format specifically designed to connect
young creatives from across Baden-Württemberg.
The initiative is open not only to students and alumni
of the Filmakademie but also to emerging talents from
other universities and independent creatives from across
the state. In an inspiring atmosphere, new contacts and
collaborations are formed – a regional foundation for
entering the industry and launching creative careers.
Arne Hain working with STAR WARS legend Phil Tippett.
FMX and the STUTTGART ANIMATED WEEK bring
many Animationsinstitut alumni back to Stuttgart
each year – making it the perfect occasion for a reunion.
That’s why the Animationsinstitut’s annual Alumni
Get-Together is hosted during FMX conference and provides
a space to reconnect with former classmates and
network with current students, lecturers, and staff.
through examples like Technical Directing graduate
Vincent Maurer, who completed his Mobility Year at
top industry studios Sony and ILM in Canada. Or Arne
Hain, who, as a Speaker Guide, worked with legendary
stop-motion artist Phil Tippett – renowned for his
groundbreaking work on STAR WARS. Their encounter
led to a close collaboration, and Hain went on to contribute
to scenes in STAR WARS: THE RISE OF SKY-
WALKER (more about Vincent and Arne can be found in
the Animationsinstitut‘s online blog).
The STUTTGART INTERNATIONAL FESTIVAL OF
ANIMATED FILM (ITFS) is one of the world’s leading
animation film festivals. Students and graduates of the
Animationsinstitut regularly present their work here –
screening their films as part of the official programme
MEET-UPS and NETWORKING EVENTS as platforms
for personal connection and professional exchange are
also organised during other major film festivals and industry
events, such as the Berlinale and the Annecy International
Animation Film Festival. These events help
to further strengthen FABW’s vibrant international network.
DIPLOMA SHOWROOM
ALL ABOUT CURRENT DIPLOMA
STUDENTS AND THEIR PROJECTS:
HTTPS://ANIMATIONSINSTITUT.DE/EN/
BEYOND-STUDY/DIPLOMASHOWROOM
78

PANEURAMA & EUROPEAN TALENT
INITIATIVES
A key aspect of talent support is a strong European network
of universities, industry partners, and relevant institutions
– a support system that is already active and
available to Animationsinstitut students and which continues
to be available after graduation through various
Beyond Study initiatives.
In line with FABW´s core mission, PANEURAMA
exemplifies how academic studies and professional practice
can be closely connected. It not only enhances the
individual skills and opportunities of its participants but
also strengthens innovation across the European creative
industries and fosters exchange with international
academic institutions.
Building on 16 years of experience in European project
and team development through Animation Sans Frontières,
the new PANEURAMA Innovation Alliance –
funded by Erasmus+ – now offers targeted guidance and
support on essential questions related to the transition
from academic studies to professional careers.
The goal is to provide an intermediate step between academic
training and the professional world, in order to
align the real-world demands of the animation, games,
and VFX industries with the knowledge gained during
the years of studies. For young professionals, educators,
and industry players, this means 12 hands-on focus topics,
international collaborations, and tangible insights
into the teaching and working environments of the future.
Exclusive Innovation Labs and SkillBASE, an accessible
online resource, are included in the programme. Both
formats are accompanied by academic research and are
presented at conferences and festivals. The topics range
from technological advancements, soft skills, and work
culture to hard skills, entrepreneurship, sustainability,
and new storytelling formats. The content is designed
specifically for young professionals, but also addresses
educators and industry experts.
The PANEURAMA project network includes,
alongside the Animationsinstitut, partners
such as The Animation Workshop VIA
UC (Denmark), Breda University of Applied
Sciences (Netherlands), Paris 8 | ATI (France),
Creative Viborg, Beyond Horizon, Digic
Pictures, Khora, Fortiche Productions, Rice
Visual Effects, Quisten Animation, and Coflow
Visuals, with associated partners, such as
Netflix Animation, Epic Games, Unity, Ubisoft
and Adobe.
PANEURAMA SKILLBASE
24/7 KNOWLEDGE BASE FOR
YOUNG PROFESSIONALS, EDUCATORS AND
CREATIVE INDUSTRIES
WWW.PANEURAMA.EU/SKILLBASE
PANEURAMA partner meeting in Viborg
PANEURAMA NxtGen Innovation LAB Viborg The Animation
Workshop August 2025
79

ALUMNI IM FOKUS
„Zu sehen, wie 20.000 Menschen
auf etwas reagieren, an dem man
monatelang gearbeitet hat –
das ist einfach irre.“
80

Ilija Brunck ist Mitgründer und CEO des international erfolgreichen
Animationsstudios Woodblock.
DIREKT NACH DEM STUDIUM AM ANI-
MATIONSINSTITUT DER FABW WAGTE
ER MIT SEINEM TEAM DEN SCHRITT IN
DIE SELBSTSTÄNDIGKEIT. IM INTERVIEW
SPRICHT ER ÜBER DIE FRÜHEN HERAUS-
FORDERUNGEN – UND DARÜBER, WIE
ES IST, VISUALS FÜR EINE DER SPEKTA-
KULÄRSTEN LEINWÄNDE DER WELT ZU
GESTALTEN: DIE LED-FLÄCHEN DER LAS
VEGAS SPHERE.
Lieber Ilija, das Regiekollektiv Polynoid, aus dem
später Woodblock entstand, hat seinen Ursprung
am Animationsinstitut. Wie hat damals alles angefangen?
Wir sind insgesamt sechs Gründer – fünf von uns haben
am Animationsinstitut der FABW studiert. Der sechste
ist mein Bruder, der Betriebswirtschaft studiert hat. Wir
haben uns fast alle schon im ersten Studienjahr kennengelernt
– nur einer kam später im Projektstudium dazu.
Schon damals fingen wir an, gemeinsam Filme zu
machen. Eines unserer ersten Projekte war der Kurzfilm
458NM, den wir im zweiten Jahr im Kurs Filmgestaltung
2 realisierten. Darin sind zwei biomechanische
Schnecken die Hauptfiguren. Der Film lief sehr erfolgreich
auf internationalen Festivals. Das war für uns ein
Schlüsselmoment: Wir haben gemerkt, dass wir gemeinsam
wirklich etwas auf die Beine stellen können. Also
haben wir beschlossen, uns unter einem gemeinsamen
Namen zusammenzuschließen – so entstand das Regiekollektiv
Polynoid, aus dem später Woodblock wurde.
Mit LOOM von 2010 hat Polynoid dann erneut
für Aufsehen gesorgt...
Wann habt ihr dann ernst gemacht mit der
Gründung eines eigenen Studios? Das ist sicher
eine Herausforderung – gerade direkt nach dem
Studium.
Schon während der Produktion unseres Diplomfilms
war uns klar, dass wir nach der AKA gemeinsam ein eigenes
Studio gründen wollen. Parallel haben wir deshalb
an sogenannten Drittmittelprojekten gearbeitet. Das sind
Auftragsproduktionen, bei denen externe Partner wie
Unternehmen mit der Filmakademie kooperieren und
Studierende beauftragen. In unserem Fall waren das zum
Beispiel Projekte für VW und Nivea. Das Honorar, das
wir damit verdient haben, haben wir direkt genutzt, um
uns auf die Gründung vorzubereiten. Wir hatten zwar
noch keine Firma, aber wir haben das Geld bewusst zurückgelegt
– für erste Investitionen wie Server, Büroausstattung
oder Miete. Wir haben also schon im Studium
nicht nur kreativ, sondern auch strukturell den Grundstein
für das gelegt, was später Woodblock wurde.
Aller Anfang ist schwer. War das bei euch auch
so?
Auf jeden Fall. Als wir gegründet haben, sind wir direkt
in die Werbewelt eingestiegen – unter anderem, weil
wir durch unsere Festivalerfolge mit LOOM früh internationale
Kooperationen hatten, etwa in den USA über
Psyop und in Großbritannien über Passion Pictures. Die
haben uns für kommerzielle Projekte vertreten, also Pitches
organisiert, bei denen man als Regisseur oder Studio
vorgeschlagen wird. Und da muss man sagen: Wir
haben anfangs viele Pitches gemacht – und sind dabei oft
gescheitert. Wir kamen ja aus dem künstlerischen, erzählerischen
Animationsbereich, und mussten erst mal
Genau, im dritten Studienjahr haben wir noch zwei, drei
kleinere Filme gemeinsam produziert. Danach ging es
für viele von uns ins sogenannte Urlaubsjahr: Einige haben
bei internationalen Studios gearbeitet – ich selbst
war bei Polygon Pictures in Tokio. Nach dieser Zeit haben
wir uns für unseren Diplomfilm wieder zusammengefunden
– das war LOOM. Dieser wurde mit vielen tollen
Preisen ausgezeichnet.
Szene aus LOOM, dem Abschlussfilm
des Polynoid-Kollektivs.
81

ALUMNI IM FOKUS
viele Talente raus. Einer unserer Gründer, Jan Bitzer, lebt
heute in L.A. Dadurch haben wir eine natürliche Präsenz
vor Ort, was gerade für den US-Markt sehr hilfreich ist.
Aktuell besteht unser Kernteam von Festangestellten aus
etwa 40 Personen. Je nach Projektumfang arbeiten wir
auch mit zusätzlichen Freelancern.
Was würdest du Studierenden raten, die mit dem
Gedanken spielen, nach dem Abschluss auch zu
gründen?
Die beeindruckende LED-Außenfläche
der MSG Sphere in Las Vegas
verstehen, wie das Werbegame läuft. Aber irgendwann
haben wir’s dann verstanden – wie man Projekte präsentiert,
was Kunden eigentlich sehen wollen, wie Timing
und Kalkulation funktionieren. Das war ein Lernprozess.
Unser erster wirklich größerer Job war dann für MTV –
mit dem sind wir 2011 nach Berlin gezogen.
Ich glaube, entscheidend ist vor allem, ob man durchhält.
Es gibt immer wieder Phasen, in denen es schwer
wird – und die Leute, die irgendwann aufhören, haben’s
im Grunde nicht geschafft. Aber die, die einfach Schritt
für Schritt weitergehen, die werden mit der Zeit sehr,
sehr gut in dem, was sie tun. Dabei ist es auch wichtig,
auf sich selbst zu achten. Wir haben am Anfang wahnsinnig
viel gearbeitet. Aber irgendwann haben wir gemerkt:
Das ist nicht der richtige Weg. Du kannst ein Studio
nicht langfristig gesund führen, wenn du dich dabei
selbst kaputt machst. Das und auch alles andere muss
im Team offen und fair besprochen werden. Und, was
uns persönlich immer sehr wichtig war: Wir haben nie
Schulden gemacht, uns nie von irgendjemandem Geld
geliehen. Das hat uns erlaubt, als Studio unabhängig zu
bleiben. So können wir etwa als Regiekollektiv Polynoid
weiterhin freie, künstlerische Projekte umsetzen, wenn
es die Zeit erlaubt.
Ihr seid heute mit Woodblock in Ludwigsburg
und Los Angeles sowie mit eurer Zentrale in Berlin
vertreten. Wie kam es zu dieser Entwicklung
– und wie sieht das Studio heute aus?
Direkt nach der Gründung haben wir uns erst mal ein
kleines Büro in Ludwigsburg gemietet – da waren wir
damals nur zu sechst. Relativ schnell kamen aber ein
paar weitere Leute dazu, mit denen wir regelmäßig zusammengearbeitet
haben. Unser Ziel war nie, besonders
schnell oder besonders groß zu wachsen. Es hat sich einfach
organisch entwickelt: Wenn jemand gut ins Team
gepasst hat, wollten wir die Person halten – und viele
von denen, die wir damals früh angestellt haben, sind
bis heute bei uns. Als wir dann nach Berlin gezogen sind,
haben wir das Büro in Ludwigsburg bewusst behalten.
Zum einen, weil wir dort schon mit Leuten zusammengearbeitet
hatten. Und zum anderen natürlich wegen der
Nähe zum Animationsinstitut: Da kommen jedes Jahr
In diesem Jahr habt ihr mit Woodblock die beeindruckende
Sphere in Las Vegas bespielt, bei
mehreren ausverkauften Shows des DJs Anyma.
Die Sphere ist ein spektakuläres, kuppelförmiges
Venue für 20.000 Menschen und die größten
LED-Innen- und Außenfläche der Welt. Wie kam
es dazu, dass ihr Teil dieses außergewöhnlichen
Projekts wurdet?
Die Zusammenarbeit mit der Sphere war für uns definitiv
ein Meilenstein. Wir hatten bereits zuvor an mehreren
großen 3D-Billboard-Projekten gearbeitet – unter
anderem in New York, London und Tokio – und dabei
erste Erfahrungen mit großformatigen, immersiven
Visuals gesammelt. Unsere erste Chance, etwas für die
Sphere zu machen, kam über eine Verbindung zu MHP
in Ludwigsburg, die Aston Martin betreuen. Für deren
Auftritt bei der Formel 1 in Las Vegas haben wir ein erstes
Projekt für die Außenseite der Sphere umgesetzt.
82

„Wir haben der Filmakademie
enorm viel zu verdanken. Das ist
einfach ein großartiger Ort, um
etwas Eigenes zu starten.“
Daraufhin folgten weitere sogenannte Exosphere-Pieces
– also Inhalte für die Außenfassade. Als Anyma eine große
Show in der Sphere plante, kam sein Team auf uns
zu. Wegen der enormen technischen Anforderungen der
Sphere suchten sie ein erfahrenes Studio zur Umsetzung
– und da kamen wir ins Spiel.
Für viele CGI-Artists dürfte es ein Traum sein,
einmal eigene Arbeiten auf der riesigen Sphere in
Las Vegas zu zeigen. War das für euch auch so?
Absolut! Als die Sphere angekündigt wurde, war für uns
sofort klar: Da wollen wir auch was darauf machen. Für
uns war die Anyma-Show ein wirklich schönes Erlebnis.
Dabei zu sein, wie fast 20.000 Menschen kollektiv auf etwas
reagieren, an dem man monatelang gearbeitet hat –
das war einfach toll. Das Beeindruckende ist nicht nur
die Größe der Leinwand, sondern auch, wie immersiv
das Ganze ist. Du bist komplett von Bildwelten umgeben,
das gab es vorher so noch nicht. Technisch war es aber
auch eine echte Herausforderung: gigantische Auflösungen,
absurde Datenmengen, extrem lange Renderzeiten
– sowas stemmt man nicht mal eben nebenbei. Wir sind
dankbar, dass alles so gut geklappt hat.
Wenn du an deine Anfänge am Animationsinstitut
denkst – was hat dir diese Zeit mitgegeben?
Die Filmakademie war für mich eine absolut prägende
Zeit – fachlich, aber vor allem auch menschlich. Wir
Gründer haben uns dort kennengelernt, und ohne dieses
Umfeld gäbe es Polynoid und Woodblock so nicht.
Das Netzwerk, das dort entsteht, ist unglaublich stark –
viele der Verbindungen aus dem Studium begleiten uns
bis heute. Ich kann wirklich jedem, der ernsthaft in die
Animation will, nur empfehlen: Geh an das Animationsinstitut.
Wir haben der Filmakademie enorm viel zu verdanken.
Das ist einfach ein großartiger Ort, um etwas
Eigenes zu starten.
83

ALUMNI IN FOCUS
84
Visuals des Woodblock-Projekts
für die Sphere in Las Vegas

„When 20,000
People React to
Something You’ve
Spent Months
Creating –
It’s Just Insane“
Ilija Brunck is co-founder and CEO
of the internationally successful
animation studio Woodblock.
RIGHT AFTER GRADUATING FROM FABW,
HE AND HIS TEAM TOOK THE LEAP INTO
INDEPENDENCE. IN THIS INTERVIEW, HE
TALKS ABOUT THE EARLY CHALLENGES –
AND WHAT IT’S LIKE TO CREATE VISUALS
FOR ONE OF THE WORLD’S MOST SPECTACU-
LAR SCREENS: THE LED SURFACES OF THE
LAS VEGAS SPHERE.
In 2010, Polynoid made waves again with LOOM...
That’s right. In our third year, we made two or three
smaller films together. After that, many of us took what’s
known as a “holiday year”: some worked at international
studios – I spent mine at Polygon Pictures in Tokyo.
We reunited for our graduation film – that was LOOM,
which went on to win several prestigious awards.
Woodblock has its roots at the Animationsinstitut.
How did it all begin?
When did you make the official leap and found
your own studio? That’s a bold move, especially
right after graduation.
There are six of us founders in total – five of us studied
at the Animationsinstitut of FABW. The sixth is my brother,
who studied business. Most of us met in our first
year of studies – only one joined later during project
work. Even back then, we started making films together.
One of our first projects was the short film 458NM,
which we created in our second year during the Filmgestaltung
2 (experimental filmmaking) course. The main
characters were two biomechanical snails. The film was
very successful at international festivals. That was a key
moment for us: we realised we could really build something
together. So we decided to unite under a shared
name – this became the director’s collective Polynoid,
which later evolved into Woodblock.
We already knew during the production of LOOM that
we wanted to found our own studio after the Filmakademie.
At the same time, we started working on what
are known as third-party projects – commercial productions
in which external partners collaborate with the
academy and commission students. For us, that meant
projects for clients like VW and Nivea. We used the income
from those projects to prepare for launching the
company. We didn’t even have a registered business yet,
but we saved that money for our first investments – servers,
office equipment, rent. So even while we were
still studying, we were laying the creative and structural
foundation for what would later become Woodblock.
85

ALUMNI IN FOCUS
Getting started is never easy. Was that the case
for you as well?
Definitely. When we founded the studio, we jumped
straight into the advertising world – partly because of
the exposure LOOM had given us. We had early international
partnerships, including with Psyop in the U.S.
and Passion Pictures in the U.K. They represented us for
commercial projects, organizing pitches where studios
or directors are proposed for work. And to be honest: we
did a lot of pitches early on – and lost many of them. We
came from a creative, narrative animation background,
and first had to learn how the advertising game works.
Eventually, we figured it out – how to pitch a project,
what clients actually want to see, how to handle timing
and budgeting. It was a learning process. Our first real
breakthrough was a project for MTV – that’s when we
moved to Berlin in 2011.
Your headquarters is now in Berlin, but Woodblock
also has a presence in Ludwigsburg and
Los Angeles. How did that come about, and what
does the studio look like today?
Right after we started the studio, we rented a small office
in Ludwigsburg – just the six of us at the time. Pretty
soon, more people joined, folks we had worked with
frequently. We never set out to grow fast or big. It just
happened organically: if someone fit well into the team,
we wanted to keep them – and many of the people we
hired early on are still with us today. When we moved
to Berlin, we kept the Ludwigsburg office on purpose.
First, because we already had collaborators there. And
second, because of its proximity to the Animationsinstitut
– which produces new talent every year. One of our
founders, Jan Bitzer, now lives in L.A., so we have a natural
presence there too, which is a big advantage for the
U.S. market. Right now, our core team includes around
40 full-time employees. Depending on the scale of the
project, we also work with additional freelancers.
What advice would you give students who are
thinking about starting their own company after
graduation?
crazy in the beginning. But at some point, we realised:
that’s not sustainable. You can’t run a healthy studio
long-term if you burn yourself out. That, and everything
else, needs to be discussed openly and fairly within the
team. And one thing that was always very important to
us: we never went into debt or borrowed money from
anyone. That allowed us to stay independent as a studio.
That’s also why we can still produce independent, artistic
projects under the Polynoid label when time allows.
This year, Woodblock created visuals for the impressive
Sphere in Las Vegas, featured during several
sold-out shows by DJ Anyma. The Sphere is a
dome-shaped venue for 20,000 people and hosts
the largest LED surfaces in the world, inside and
out. How did you become part of this extraordinary
project?
Working with the Sphere was definitely a milestone for
us. We had already worked on several major 3D billboard
projects—in New York, London, and Tokyo—which gave
us early experience with large-scale, immersive visuals.
Our first opportunity to contribute to the Sphere
came through a connection with MHP in Ludwigsburg,
who work with Aston Martin. For their Formula 1 appearance
in Las Vegas, we created a project for the exterior
of the Sphere. That led to additional „Exosphere pieces“
– content for the outer LED shell. Then, when Anyma
was planning a major show inside the Sphere, his team
approached us. Given the Sphere’s extreme technical
requirements, they were looking for a studio with the
right experience – and that’s how we came on board.
The creative team at Woodblock, collaborating from
studios in Berlin, Ludwigsburg, and Los Angeles
I think the key is perseverance. There will always be
tough times – and the people who give up simply don’t
make it. But those who just keep going, step by step,
eventually become very, very good at what they do. It‘s
also important to take care of yourself. We worked like
86
“We owe the Filmakademie a great
deal. It’s simply an amazing place to
launch something of your own.”

For many CGI artists, showing their work on the
massive Sphere must be a dream. Was it the same
for you?
Absolutely! As soon as the Sphere was announced, we
knew: we want to create something for that. The Anyma
show was a truly special experience for us. Being
there, watching nearly 20,000 people react collectively
to something we’d worked on for months – it was just
amazing. What’s so impressive isn’t just the size of the
screen – it’s how immersive it is. You’re completely surrounded
by visuals. That didn’t exist before. But technically,
it was a massive challenge: enormous resolutions,
absurd amounts of data, extremely long render times –
you can’t just handle that on the side. We’re really grateful
that everything went so smoothly.
Looking back at your early days at FABW – what
did that time give you?
The Filmakademie was a hugely formative time for me
– professionally, but even more so personally. We founders
met there, and without that environment, Polynoid
and Woodblock wouldn’t exist as they do. The network
you build there is incredibly strong – many of
those connections still shape our work today. For anyone
serious about a career in animation, I can only say: go
to the Animationsinstitut. We owe the Filmakademie a
great deal. It’s simply an amazing place to launch something
of your own.
87

FMX 2025
Managing Director Christina Casper-Römer (2. Von rechts)
im “Studio Insights”-Panel mit Dave Gougé, Henrik Fett
und Eva Mautino (von links).
Der Masterclass-Lehrer Ed
Hooks, nachdem er alle seine
Bücher verkauft hatte.
Repräsentant*innen der FMX-Förderinstitutionen
beim Rundgang über den Marketplace.
88

FMX 2025:
RHYTHM OF CHANGE
WIE GEMEINSCHAFTSSINN DAS BLATT
WENDEN KANN
ZUSAMMENKOMMEN, IDEEN AUSTAUSCHEN,
PERSPEKTIVEN SCHÖPFEN: SO HABEN DIE
KREATIVEN KÖPFE BEI DER FMX AUF DEN
WANDEL IHRER BRANCHE REAGIERT. SIE
PRÄSENTIERTEN DAS NEUSTE AUS VFX, ANI-
MATION UND DIGITALEN MEDIEN UND DIS-
KUTIERTEN OFFEN ÜBER DIE WIRTSCHAFT-
LICHE SITUATION UND KI. SO FÜLLTEN SIE
DAS MOTTO MIT LEBEN UND MACHTEN DIE
DIESJÄHRIGE KONFERENZ ZU EINER GANZ
BESONDEREN.
Jede FMX entfaltet ihre eigene Dynamik, vier Tage spektakulärer
Präsentationen, intensiver Workshops und lebhaften
Networkings vertiefen das ohnehin ausgeprägte
Gemeinschaftsgefühl unter den Kreativen aus aller
Welt. In diesem Jahr war das noch deutlicher spürbar
als sonst. RHYTHM OF CHANGE hat sich als das richtige
Motto zur richtigen Zeit erwiesen: Die Konferenzteilnehmer*innen
nutzten die FMX als Plattform für den
Austausch, um in die Zukunft zu denken und neue Ideen
zu entwickeln.
„Ich bin stolz darauf, dass wir in der derzeitigen Situation
der Branche eine Konferenzerfahrung ohne Abstriche
anbieten konnten“, sagt der FMX Project Manager
Mario Müller. „Dadurch, dass wir das diesjährige Motto
den Veränderungen in der Kreativwirtschaft gewidmet
haben, war die Relevanz der FMX größer denn je.“
Selbst erfahrene Konferenzgänger waren begeistert von
der Aufbruchsstimmung. „Ich habe das Gefühl, das Energie-Level
steigt jedes Jahr”, sagte VFX Supervisor Johnny
Han (HBO). Bei seinem dritten FMX-Auftritt präsentierte
er die mit einem VES-Award ausgezeichneten Effekte
für die Serie THE PENGUIN. „Das beste ist für mich,
diese nächste Generation von Künstler*innen zu sehen,
die an digitaler Bildgestaltung arbeitet, im Compositing,
in der Forschung und Entwicklung, an künstlicher Intelligenz.
Die gesamte Branche ist darauf ausgerichtet, sich
weiterzuentwickeln, immer neue Werkzeuge und Technologien
zu erschaffen. Hier gibt es jedes Mal viel Neues
zu sehen.” Wie würde Johnny die FMX in drei Worten
beschreiben? “Mutig, inspirierend und herausfordernd.”
In diesem Jahr schmückten einige große Produktionen
das Konferenzprogramm. Direkt nach ihren jeweiligen
Weltpremieren konnten die Besucher*innen tief eintauchen
in die VFX von Ryan Coogler’s lang erwartetem
Übersinnlichkeitsdrama SINNERS und Marvel’s THUN-
DERBOLTS*, außerdem in die zweiten Staffeln der international
gefeierten Serien THE LAST OF US und
ANDOR: A STAR WARS STORY. An letzterer war natürlich
die legendäre Effektschmiede Industrial Light &
Magic beteiligt, die im 50. Jahr ihres Bestehens der FMX
einen Hingucker bescherte in Form eines prächtigen
Standes im Recruiting Hub.
„Genau das liebe ich”, sagte Christina Caspers-Römer,
Managing Director beim VFX-Studio Trixter und eine
von rund 270 Speakern mit dem Schwerpunkt Perspektiven
in der VFX-Industrie. “Man bekommt die neueste
Technologie zu sehen mit den Filmen, in denen sie
eingesetzt wurde, dazu den Ausblick, was nächstes Jahr
kommen könnte – und die FMX hat da immer richtiggelegen.”
Was die Animation angeht, hatte die FMX 2025 sowohl
den diesjährigen Oscar-Gewinner FLOW im Angebot
wie auch den aussichtsreichsten Mitbewerber
THE WILD ROBOT, außerdem die Stop-Motion-Kunst
von Aardman in WALLACE & GROMIT: VENGEANCE
MOST FOWL sowie die bahnbrechende stilisierte Animation
in der Steampunk-Fantasy-Serie ARCANE. Die
Präsentation der französischen Effektschmiede Fortiche
dazu war bis auf den letzten Platz gefüllt.
Diesen künstlerisch inspirierenden Präsentationen standen
Debatten über den Zustand der Branche gegenüber.
89

FMX 2025
ist sehr positiv, alle sind leidenschaftlich, knüpfen
Kontakte, tauschen Ideen aus.” Wie kann man die
FMX in drei Worte fassen? “Leidenschaft, Neugierde und
Gemeinschaft.”
15 der rund 200 Sessions drehten sich um Künstliche
Intelligenz (KI), das alles überlagernde Thema der Stunde.
In Präsentationen und Diskussionsrunden gaben die
Referent*innen viele Denkanstöße, wie die Branche mit
dem technologischen Quantensprung umgehen kann
und sollte. KI-Tools können dabei helfen, Projekte zu
verwirklichen, die ohne sie nicht möglich wären – wie
die KI-getriebene Verjüngung von Robin Wright und
Tom Hanks in Robert Zemeckis’ Spielfilm HERE. “Ohne
den KI-Aspekt hätten wir niemals grünes Licht bekommen”,
bekannte der Production VFX Supervisor Kevin
Baillie bei der FMX.
Dem gegenüber stehen kritische Punkte wie die Urheberrechtsfrage.
“Wir arbeiten offline und trainieren die
Tools mit den Daten, die uns die Kunden liefern, um
ethisch korrekt zu bleiben“, sagte Christina Caspers-
Römer auf der FMX-Bühne. “Auf dieser Grundlage arbeiten
wir weiter. Für uns gibt es kein magisches Prompten
eines Satzes, um ein Bild zu erzeugen.“
Und dann besteht die Gefahr, dass der kreative Prozess
verloren geht. “Wenn ich als Malerin vor einer weißen
Leinwand sitze, habe ich eine Vorstellung, aber ich weiß
nicht, wohin mich die Reise führen wird, bis ich fertig
bin”, sagte die Kenianerin Yvonne Muinde, Concept Artist
und Matte Painter (AVATAR). “Deshalb glaube ich:
Wenn wir die Reise des Kunstwerks zerstören, ist es bedeutungslos.”
Eine FMX-Besucherin in einer alternativen Realität vor dem
Stand der Filmakademie und ihres Animationsinstituts.
Mittendrin war Chris Edwards, Gründer und CEO des Visualisations-Studios
The Third Floor und FMX-Stammgast,
unter anderem als Teilnehmer des viel beachteten
CEO Summit. “Die FMX ist ein großartiger Ort, um alle
wiederzutreffen in einer so entscheidenden Zeit, denn
wir stecken mitten in einer Transformation“, sagte er.
“Hier haben wir die Möglichkeit, zwanglos wichtige Aspekte
zur Zukunft unserer Branche zu diskutieren.“
Chris hat keinen Zweifel daran, dass die Kreativbranche
produktive Impulse setzen und neue Wege finden wird.
“Mir gefällt das Zusammenspiel von jungen Menschen
mit ihren Ambitionen und ihrem Enthusiasmus mit den
Veteranen der Branche, die ihre neuesten Technologien
zeigen, mit denen sie die Welt verändern“, sagte er.
„Und ich glaube, dass eine Konferenz beides braucht,
um wirklich relevant zu sein.” Die FMX in drei Worten?
“Zusammenarbeit, Gemeinschaft und Zukunft.”
Keine bewegten Bilder ohne die Menschen, die sie aufnehmen.
“Man hat mich eingeladen, um über Kameraarbeit
und VFX zu sprechen, und ich war die erste weibliche
DoP, die das bei der FMX getan hat. Das ist ein tolles
Gefühl“, sagt Ashley Barron (DR. WHO). “Die Stimmung
Das Feedback zur FMX 2025 war überwältigend, Teilnehmende
wie Speaker teilten ihre Erlebnisse und ihre
Begeisterung mit der Community “Es war eine großartige
FMX, absolut fabelhaft!“, sagt FMX Conference Chair
Jan Pinkava. „Wir hatten einige der besten Speaker, Panels
und Sessions aller FMX-Zeiten – auch wenn ich sie
nicht alle sehen konnte, weil so viele gute dabei waren.“
Was bleibt, sind die mit Händen zu greifende Aufbruchstimmung
und viele denkwürdige Momente. Nach vielen
Jahren als Masterclass-Referent erlebte Ed Hooks eine
rührende Premiere: Erstmals verkaufte er sämtliche
handimportierte Exemplare seines Buchklassikers „Acting
for Animators“.
90

Ein Blick in den FMX School Campus.
Der Veranstaltungsort der FMX: das Haus der Wirtschaft in Stuttgart
91

FMX 2025
FMX 2025:
RHYTHM OF CHANGE
HOW COMMUNITY SPIRIT CAN
TURN THE TIDE
COME TOGETHER, EXCHANGE IDEAS, CREA-
TE PROSPECTS: THAT’S HOW THE CREATI-
VE MINDS GATHERED AT FMX RESPONDED TO
THE TRANSFORMATION OF THEIR INDUSTRIES.
SHARING THE LATEST IN VFX, ANIMATION AND
DIGITAL MEDIA, THEY OPENLY DISCUSSED THE
STATE OF THE INDUSTRY AND AI – THUS BRIN-
GING TO LIFE THIS YEAR’S THEME AND MAKING
THE CONFERENCE AN EXCEPTIONAL ONE.
Every FMX conference unfolds its own dynamic. Four
days of spectacular presentations, deep-dive workshops,
and vibrant networking tend to deepen the already
strong sense of community among the creatives from
all over the world. This year, that was even more tangible
than usual. RHYTHM OF CHANGE proved to be the
right theme at the right time: The attendees used the
platform for a lively exchange, initiating the genesis of
new ideas and prospects.
‘I am proud that we were able to realise FMX in the
current industry climate without compromising the experience’,
says FMX project manager Mario Mueller. ‘By
dedicating the theme of the conference to the ongoing
transition, the relevance of FMX was greater than ever.’
Even experienced conference attendees were amazed
by the atmosphere. ‘It feels like the energy gets more
intense every year’, said VFX supervisor Johnny Han
(HBO). He attended FMX for the third time, presenting
his VES-awarded work on the series THE PENGUIN.
‘The best part is seeing this next generation of artists
working in CG, compositing, R&D, AI. This whole industry
is founded on moving forward, exploring new tools,
92
next generation technology. There’s something new to
see every time – it never gets old.’ How would Johnny
describe FMX in three words? ‘Bold, inspiring and challenging.’
FMX 2025 presented some productions of the hour:
Right after their world premieres, the audience got to
experience VFX deep-dives into Ryan Coogler’s long
awaited supernatural feature SINNERS and Marvel’s
THUNDERBOLTS*, as well as the second seasons of the
critically acclaimed series THE LAST OF US and AN-
DOR: A STAR WARS STORY. The latter featured effects
by legendary VFX company Industrial Light & Magic,
which celebrated its 50th anniversary at their showstopping
booth in the FMX Recruiting Hub.
‘That is exactly what I love’, said Christina Caspers-
Römer, managing director at VFX company Trixter and
one of about 270 speakers addressing the topic of prospects
in the VFX industry. ‘You can see the latest technology
with the latest films it has been used in, along
with a glimpse of what might come next year – and FMX
has always been right about that.’ Christina was on three
FMX panels on the evolution and prospects in the VFX
industry.
Cinematographer Ashley Barron with Jordan
Thistlewood from Cooke Digital.

The animation track featured this year’s Academy Award
winner FLOW as well as its most promising competitor
THE WILD ROBOT, Aardman’s stop-motion artistry
in WALLACE & GROMIT: VENGEANCE MOST
FOWL, and the groundbreaking stylized animation in
the steampunk fantasy series ARCANE. The presentation
by French VFX studio Fortiche saw every seat filled.
These artistically inspiring presentations were juxtaposed
with discussions and debates about the state of
the industry. Right in the midst of it was Chris Edwards,
founder and CEO of visualisation studio The Third Floor
and a regular at FMX, including as a participant in the
well-acclaimed CEO summit. ‘FMX is an awesome place
French animator Thibaut Delahaye during his presentation
on FLOW in König-Karl-Halle.
to reconnect with everyone at such a pivotal time, because
we’re all in transformation’, he said. ‘It’s a great
opportunity for us to casually discuss very important
things about the future of our industry.’
Chris has no doubt that creatives will find ways to productively
shape new opportunities and forge new paths.
‘I love the dichotomy between young people and all
their promise and enthusiasm and the industry veterans
talking about their latest technologies that are going
to change the world”, he said. ‘And I think you need
both of those elements at a conference like this to really
be relevant.’ FMX in three words? ‘Collaboration, community
and future.’
No moving images without the people who capture
them: ‘I was invited to speak about cinematography and
VFX, and I was the first woman cinematographer at
FMX to do so. That’s very exciting’, said Ashley Barron
(DR. WHO). ‘The vibe I get here is that everyone is very
passionate, likes to connect and share ideas.’ How to put
FMX in three words? ‘Passion, curiosity and community.’
Fifteen of the 200 sessions revolved around artificial intelligence
(AI), the elephantine topic of the hour. In presentations
and panels, speakers provided plenty of food
for thought on how to deal with the technological quantum
leap. AI tools can help to do things that would be
impossible to achieve without them – like the AI-driven
de-aging of Robin Wright and Tom Hanks in Robert Zemeckis’
film HERE. ‘The movie would never have been
greenlit without that’, said production VFX supervisor
Kevin Baillie at FMX.
On the other hand, there are issues like copyright. ‘We
work offline, training the tool with data we get from the
client so it’s ethically correct’, Christina Caspers-Römer
said on a panel. ‘Then we move forward. For us, there is
no magically prompting a sentence to create an image.’
And then there’s the risk of losing the creative process.
‘As a painter, when I sit in front of a blank canvas, I see
something, but I don’t know where the journey is going
to take me until I’m finished’, said Kenyan concept artist
and matte painter Yvonne Muinde (AVATAR). ‘So I feel
if we ruin the journey of the artwork, it’s meaningless.’
The feedback on FMX 2025 was tremendous, with both
attendees and speakers sharing their experiences and
praise with the community. ‘It’s been a great FMX, absolutely
fabulous!’, said FMX conference chair Jan Pinkava.
‘We had some of the best speakers and panels and sessions
I have actually ever witnessed – and I didn’t even
get to see them all because there were so many good
ones.’
What remains is the palpable spirit of optimism and
many memorable moments. After many years as a regular
masterclass speaker at FMX, Ed Hooks experienced
a touching premiere: For the first time ever, he sold all
the hand-imported copies of his classic book “Acting for
Animators”.
This year‘s programme chair Paul Debevec delivered
an inspiring keynote address.
93

PHOTO GALLERY
Bye-bye
Thomas Schadt
Unter dem Motto „Irgendwie Schadt“ haben wir am
23. Mai 2025 im Albrecht Ade Studio den Abschied von
unserem langjährigen Direktor Prof. Thomas Schadt gefeiert
– mit großartigen Beiträgen und vielen besonderen
Momenten von langjährigen Weggefährt*innen bei einem
Festakt, einem Hoffest und einer Party in der Filmgalerie,
bei der der Meister selbst als DJ aufgelegt hat.
20 Jahre lang hat Thomas Schadt die Filmakademie sicher
durch ruhige und manchmal auch weniger ruhige
Zeiten geführt. Wir sagen deshalb nicht nur „tschüss“,
sondern vor allem
DANKE FÜR ALLES, THOMAS!
Goodbye
Thomas Schadt
Under the theme ‘Irgendwie Schadt’ (‘Kind of Schadt”),
we celebrated the leaving of our longstanding director
Professor Thomas Schadt on May 23, 2025, at the Albrecht
Ade Studio – with wonderful contributions and
many special moments from long-time colleagues and
companions. The festive event featured a ceremony,
a courtyard party and a celebration in the Filmgalerie,
where the maestro himself took to the turntables as DJ.
For 20 years, Thomas Schadt guided the Filmakademie
safely through calm times and sometimes turbulent
ones. So we‘re not just saying ‘goodbye’, but above all,
THANK YOU FOR EVERYTHING,
THOMAS!
94

DOZIERENDE IM PORTRÄT
RÜCKBLICKE
UND
AUSBLICKE
96

Ein Interview mit Prof. Matthias Raue und Meike Katrin Stein
SEIT 1996 BESTIMMT PROF. MATTHIAS RAUE
ALS LEITENDER DOZENT DIE GESCHICKE DES
STUDIENGANGS FILMMUSIK AN DER FILMAKA-
DEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG. NUN SIEHT ER
DIE ZEIT GEKOMMEN, DEN STAFFELSTAB WEI-
TERZUGEBEN AN MEIKE KATRIN STEIN. IM DOP-
PELINTERVIEW BIETEN BEIDE EINBLICKE IN IHRE
ZURÜCKLIEGENDE UND KOMMENDE TÄTIGKEIT.
PROF. MATTTHIAS RAUE
Matthias Raue, geboren am 27. August 1952 in Frankfurt
am Main, ist umgeben von Musikalität aufgewachsen.
Nach der Schule studierte er zuerst Schulmusik an der
Hochschule für Musik in Frankfurt, dann Komposition
an der Hochschule der Künste in Berlin bei Isang Yun.
Seit 1981 arbeitet er als freier Komponist. Neben Kammermusik
und Orchesterwerken sowie Ballett- und
Bühnenmusiken hat er vor allem Musik für über 200
Film- und Fernsehproduktionen geschrieben (darunter
u.a. die Titelmusik und Lieder zu LÖWENZAHN).
Er arbeitete u.a. am Schauspiel Frankfurt, TAT Frankfurt,
Ohio Theater N.Y., an dem er sein Musical „H“ (englische
Songtexte Jerry Leiber) aufführte. Als Produzent, Komponist
und Musiker gründete er die Tanit Media GmbH
und das Tanit Studio.
MEIKE KATRIN STEIN
Meike Katrin Stein studierte Musikwissenschaft in München
und Wien sowie Filmmusik & Sounddesign an der
Filmakademie Baden-Württemberg. Seit ihrem Diplom
arbeitet sie als freiberufliche Komponistin für Film,
Fernsehen, Bühne und Konzertsaal, ihre Musik ist u.a.
regelmäßig in Fernsehproduktionen von ZDF, Arte und
dem SWR zu hören. Als Komponistin und Orchestratorin
war sie an Opernuraufführungen des Nationaltheaters
Mannheim und der Staatsoper Hamburg beteiligt.
2020 schuf sie das Chorprojekt „Stadt:Beben“ mit Gehörlosen
im Rahmen des Festivals „Die irritierte Stadt“
in Stuttgart. Ihr musikalisches Repertoire reicht von
Klassik über Filmmusik bis hin zu Jazz und Folk Metal.
Seit 2025 ist sie die leitende Dozentin des Studiengangs
Filmmusik an der Filmakademie Baden-Württemberg.
Lieber Matthias, wie schwer fällt es Dir, nach
30 Jahren zu sagen: das war´s?
Natürlich ist es mir nicht so leichtgefallen, einfach „das
war’s“ zu sagen, galt doch immer meine Liebe dem Studiengang
und meinem Bestreben, ihn zu optimieren und
weiterzuentwickeln. Aber meine Gesundheit sagte plötzlich:
Stop!!
Dies war zunächst sehr schmerzlich, wird mir aber sehr
viel mehr Zeit geben, liegengebliebene Projekte auch außerhalb
meiner sonstigen Filmmusikarbeit neu anzugehen.
Das hilft loszulassen!
Erleichtert hat mich auch, Meike gefunden zu haben.
Mit dem Wissen um ihr künstlerisches und pädagogisches
Können habe ich die Gewissheit, dass sie den Studiengang
kompetent weiterführen wird.
@Matthias: Kannst Du in wenigen Sätzen ein
Resümee Deiner Tätigkeit an der FABW ziehen?
In den fast 30 Jahren durfte ich über 100 Filmkomponist*innen
ausbilden. Ich denke, es ist mir gelungen,
neben der Vermittlung theoretischen Wissens, die individuelle
Kreativität / den Kompositionsstil bei jedem
herauszuarbeiten und zu festigen. Trotz der kurzen Studienzeit
konnte ich jeden einzelnen sehr persönlich
kennenlernen, was durch unsere Exkursionen sehr gefördert
wurde. Ich bin jedes Mal die 200 Kilometer von
Frankfurt nach Ludwigsburg gerne gefahren und kam
zufrieden mit der Entwicklung der Student*innen zurück.
Es war mir immer wichtig, künstlerisch und pädagogisch
kompetente Dozenten zu finden, und dies ist mir
auch mit der Übernahme der Leitung durchaus gelungen.
Eine große Hilfe war für mich immer Andreas
Fuchs. Ich hoffe, er wird dem Studiengang als Koordinator
noch lange erhalten bleiben.
Liebe Meike, nun übernimmst Du also die Leitung
des Studiengangs Filmmusik. Was überwiegt
gerade: Respekt vor der Aufgabe oder Vorfreude?
Seit dem Moment, in dem ich gefragt wurde, überwiegen
bei mir die Vorfreude und vor allem der Tatendrang.
Ich freue mich sehr über diese Möglichkeit, den Studiengang
Filmmusik als leitende Dozentin in die Zukunft
zu führen – eine Zukunft, die auch in unserer Branche
97

DOZIERENDE IM PORTRÄT
viele Veränderungen mit sich bringen dürfte. Künstliche
Intelligenz ist nur eines von vielen Themen, das uns
in den kommenden Jahren beschäftigen wird. Natürlich
freue ich mich auch sehr auf die musikalische Arbeit
mit den Studierenden und die damit verbundenen Gestaltungsmöglichkeiten
im Curriculum.
@Meike: Du kannst durch Matthias´ langes
Wirken auf ein solides Fundament aufbauen.
Hast Du schon Ideen, wie Du auch eigene Akzente
setzen kannst?
Dank Matthias‘ Wirken starte ich mit einem über die
Jahre sehr gut eingespielten Curriculum, das ich als stabile
und verlässliche Basis für meine Arbeit nehmen
kann. Die (Film-)Musikbranche hat sich in den vergangenen
Jahren rasant verändert, Streaming-Dienste gewinnen
mehr und mehr an Bedeutung und Künstliche Intelligenz
komponiert bereits. Das wird unser Berufsbild
stark verändern und erfordert auch eine kontinuierliche
Weiterentwicklung unseres Studienplans. Mein Ziel ist
es, dass sich unsere Absolvent*innen mit ihren im Studium
erlernten Fähigkeiten und der Ausformung ihrer individuellen
künstlerischen Handschrift auf dem Markt
behaupten können. Dazu gehören auch Skills in den Bereichen
Unternehmensführung und Musikmanagement,
die ich im Curriculum stärker etablieren möchte.
@Beide: Ihr praktiziert ja einen fließenden Übergang
der Leitung. Wie genau sieht euer Zeitplan
aus?
MATTHIAS: Im Sommersemester 2025 haben wir uns
die Leitung geteilt, perspektivische Themen wie neue
Seminare oder Planungen für das nächste Jahr lagen
bereits bei Meike. Ab dem aktuellen Wintersemester
2025/26 übernimmt sie die alleinige Leitung des Studiengangs.
MEIKE: Matthias bleibt unserer Abteilung aber als Dozent
für Orchestereinspielungen erhalten. Und wir stehen
bei Fragen oder strittigen Themen in regelmäßigem
Austausch, das ermöglicht uns einen reibungslosen
Übergang.
@Beide: Wann hat euch die Liebe zur Musik gepackt?
Wurde sie euch in die Wiege gelegt?
MEIKE: Seit ich mich erinnern kann, wurde bei uns
zuhause viel gesungen. Im Alter von sechs Jahren fing
ich an, Geige zu spielen, später kamen Klavier, Gesang,
98
Orchester und Musiktheorie hinzu. Meine erste Geigenlehrerin
hat mir von Anfang an vermittelt, dass die Freude
und Begeisterung beim Musizieren immer im Vordergrund
stehen sollten. Das hat mich total gepackt und ich
wollte am liebsten nur noch Musik machen. Mit zwölf
Jahren habe ich daher den Entschluss gefasst, Musik zu
meinem Beruf zu machen – auch wenn ich damals noch
nicht genau wusste, wie und was. Das kam dann erst
ein paar Jahre später. In der Filmmusik verbinden sich
musikalische mit narrativen Elementen – das ist immer
wieder aufs Neue wunderbar zu sehen (und zu hören!),
wenn Filmmusik eine Geschichte lebendig und emotional
erlebbar werden lässt.
MATTHIAS: Mein Elternhaus war sehr musikalisch. Sowohl
meine Mutter als auch mein Vater waren Musiklehrer
an Gymnasien. Mein Vater war Geiger, was mich
mit 4 Jahren dazu brachte, ihn so zu nerven, dass er
mit mir zum Geigenbauer ging, der mir eine sehr kleine
Geige baute, auf der ich dann anfing zu lernen. Schon
in meiner Schulzeit arbeitete ich in Theatern, zunächst
als Musiker, dann als Komponist. Durch Tourneen mit
verschiedenen Musikern lernte ich fast alle kleinen und
großen Hallen in Deutschland kennen. Dabei bekam
ich Kontakt zu Regisseuren und begann Filmmusiken
zu komponieren, was ich bis heute liebe und tue. Mein
Kompositionslehrer in Berlin, Isang Yun, erschloss mir
eine eigene kulturelle Welt und öffnete meinen Horizont
in viele Richtungen, eine Grundvoraussetzung, um
Filmmusik zu komponieren. Neben dem Komponieren
konventioneller Filmmusik bleibe ich auch gerne im experimentellen
Bereich – Oper, Performances, Orchesterund
Kammermusikwerke.
@Beide: Ihr habt das Thema Künstliche Intelligenz
bereits erwähnt. Welche Herausforderungen
kommen diesbezüglich in den nächsten Jahren aus
eurer Sicht auf die Filmmusik im Allgemeinen
und das Filmmusik-Studium im Besonderen zu?
MEIKE: Da sehe ich vor allem den Umgang mit komponierender
KI und die Veränderungen in Film- und
Musikbranche im Fokus. Musik und Filme werden eher
gestreamt als gekauft, KI kann mit Leichtigkeit in wenigen
Sekunden eine „gefällige Hintergrundmusik“ für einen
Werbespot komponieren. Mit diesen Entwicklungen
muss die Branche umgehen und einen Weg finden,
das Berufsbild des/der Filmmusikkomponist*in neu zu
definieren, auch wir an der Filmakademie. Künstliche
Intelligenz an sich ist ja nichts Bedrohliches. Vielmehr

sollten wir Wege finden, diese herausragende Technologie
vorteilhaft zu nutzen, und keine Angst vor Entwicklung
und Veränderung haben.
MATTHIAS: Sicherlich wird KI eine Herausforderung
darstellen und der Umgang mit dieser bedarf einer sehr
festen eigenen Position, wie z.B. Stil, einzigartige Erkennbarkeit.
KI lebt von dem, was wir als Komponist*in
neu erfinden und empfinden. Abgesehen von den noch
sicherlich anstehenden Urheberrechtsfragen hat KI keine
Seele und keinen emotionalen Zugang zu den Bildern,
die unsere Musik brauchen. Sie kann ein spontaner Auslöser
sein, der zu neuen Anregungen führen kann, aber
nie mehr. Der Umgang mit neuen Klängen, innovativer
Technik, der Verbindung von alten Stilen mit neuen musikalischen
Theorien und deren Entwicklung wird Herausforderung
für die Zukunft des Studiums sein.
@Meike: Du hast eine Familie, Du komponierst,
spielst auch live in mehreren Bands, schreibst
Konzertkritiken und bist bereits als Dozentin
tätig. Nun noch die Leitung der Abteilung. Wie
bekommst Du das alles unter einen Hut?
In allem, was ich tue, ist die Begeisterung mein Motor
und treibt mich an, wobei Zeitmanagement im Alltag natürlich
ein großes Thema für mich ist. All meine beruflichen
Tätigkeiten haben, und das erlebe ich als sehr bereichernd,
mit Musik in ihrer ganzen Vielfalt zu tun. Die
Leitung des Studiengangs Filmmusik nehme ich dankbar
als großartige Chance an, in der Ausbildung des Kompositionsnachwuchses
etwas zu bewirken und junge Menschen
dazu zu motivieren, Filmmusik zu ihrem Beruf zu
machen und in die Welt zu tragen.
@Meike: Du bist auch Absolventin der Filmakademie.
Was machen die FABW und das Filmmusik-Studium
aus Alumna-Sicht aus?
Der direkte Einstieg in die Filmmusikpraxis mit den vielen
studentischen Projekten, die man an der Filmakademie
von Tag 1 an vertonen kann, ist einzigartig. An den
vielen Chancen und Aufgaben, bei denen man „ins kalte
Wasser springen“ muss, wächst man tagtäglich. Hinzu
kommen ein fachlich gut strukturiertes Studium und
die Ensemble-Einspielungen, die die Filmmusikstudierenden
unter anderem mit dem Filmorchester Babelsberg
mehrmals im Studium durchführen dürfen. Diese
Kombination aus kompositorischem Handwerk, Praxis,
Einspielungen und Netzwerk ist an der Filmakademie
goldrichtig.
@Matthias: Und aus Sicht eines leitenden
Dozenten?
Die Verbindung von Theorie und Praxis, die Meike schon
erwähnt hat, ist einmalig an einer Filmhochschule und
daher ein Aushängeschild für die Filmakademie. Die
Präsenz aller in der Filmindustrie vorhandenen Gewerke
schafft eine einmalige Chance, Verbindungen schon
während des Studiums zu erreichen. Viele meiner ehemaligen
Student*innen arbeiten auch nach dem Studium
u.a. mit Regisseur*innen und Produzent*innen zusammen.
Die Praxisnähe zum „wirklichen Leben“ erleichtert
enorm den Einstieg in dieses harte Business. Auch als
Alumni/Alumnae bestehen dann immer noch Kontakte,
die sich fortsetzen.
@Matthias: Wie sehen Deine Pläne für die nähere
Zukunft aus? Wird es eher ein Ruhestand oder
ein Unruhestand?
Wie vorher schon angedeutet, werde ich mich auf das
Komponieren verschiedener Werke konzentrieren. Ich
werde eine Oper zu Ende schreiben, eine amerikanische
Serie musikalisch begleiten, Konzerte spielen, eine sehr
spannende Doku vertonen…
Ich bin im tiefsten Herzen Komponist und Musiker, ich
denke, da gibt es keinen Ruhestand.
@Beide: Zum Abschluss: Wer ist euer Lieblings-
Filmkomponist und was ist euer Lieblings-Filmscore?
MEIKE: Mein Lieblings-Filmmusikkomponist ist John
Williams, mein Lieblings-Filmscore THE LORD OF THE
RINGS von Howard Shore.
MATTHIAS: Es gibt so viele, aber wenn ich einen nennen
sollte, ist das Michael Nyman und der Score zu THE
PIANO.
LINKS:
https://meikekatrinstein.com/
http://www.matthias-raue.de
99

LECTURERS IN PORTRAIT
RETROSPECTS
AND OUTLOOKS
100

An interview with Professor Matthias Raue and Meike Katrin Stein
SINCE 1996, PROFESSOR MATTHIAS RAUE
HAS BEEN SHAPING THE FUTURE OF THE
FILM MUSIC COURSE OF STUDY AT FILMAKA-
DEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG AS ITS SENIOR
LECTURER. NOW HE FEELS THE TIME HAS COME
TO PASS THE TORCH TO MEIKE KATRIN STEIN.
IN A JOINT INTERVIEW, BOTH OFFER INSIGHTS
INTO THEIR PAST AND FUTURE ACTIVITIES.
PROFESSOR MATTHIAS RAUE
Matthias Raue, born on August 27, 1952, in Frankfurt
am Main, grew up surrounded by music. After finishing
school, he first studied school music at Frankfurt University
of Music and Performing Arts, then composition
at Berlin University of the Arts with Isang Yun.
He has been working as a freelance composer since
1981. In addition to chamber music and orchestral
works as well as ballet and stage music, he has written
music for over 200 film and television productions (including
the theme music and songs for the Löwenzahn
children’s TV series).
He has also worked at the Schauspiel Frankfurt, TAT
Frankfurt, and Ohio Theater (N.Y.), where he performed
his musical H (English lyrics by Jerry Leiber).
As a producer, composer, and musician, he founded
Tanit Media GmbH and Tanit Studio.
MEIKE KATRIN STEIN
Meike Katrin Stein studied musicology in Munich and
Vienna as well as film music & sound design at Filmakademie
Baden-Württemberg. Since graduating, she
has worked as a freelance composer for film, television,
stage, and concert halls. Her music can be heard regularly
in television productions by ZDF, Arte, and SWR,
among others. As a composer and orchestrator, she has
been involved in opera premieres at the Mannheim National
Theatre and the Hamburg State Opera. In 2020,
she created the choir project ‘Stadt:Beben’ with hearing
impaired people as part of the ‘Die irritierte Stadt’
festival in Stuttgart. Her musical repertoire ranges from
classical music and film music to jazz and folk metal.
Since 2025, she has been the senior lecturer for the Film Music
course of study at Filmakademie Baden-Württemberg.
Matthias, how difficult is it for you to say ‘that’s
it’ after 30 years?
Of course, it wasn’t easy for me to just say ‘that’s it’,
because I’ve always loved the course of study and
strived to optimise and develop it further. But my
health suddenly told me to stop. This was very painful
at first, but it will give me a lot more time to tackle
projects that have been left unfinished outside
of my other film music work. That helps me let go!
Finding Meike also made it easier for me. Knowing her
artistic and educational capabilities, I am confident that
she will skilfully and successfully continue the course
of study.
Matthias: Can you summarise your work at
FABW in a few sentences?
Over almost 30 years, I have had the privilege of training
more than 100 film composers. I think I have succeeded
in imparting theoretical knowledge while also
bringing out and consolidating the individual creativity
and compositional style of each student. Despite the
short duration of the course of study, I was able to
get to know each student very well, which was greatly
facilitated by our excursions. I always enjoyed driving
the 200 kilometres from Frankfurt to Ludwigsburg
and came back satisfied with the students’ progress.
It has always been important to me to find artistically and
pedagogically skilled lecturers, and I have certainly succeeded
in doing so when I took over as senior lecturer.
Andreas Fuchs has always been a great help to me. I hope
he will continue to serve as study coordinator for a long
time to come.
Meike, so now you are taking over as senior lecturer
of the Film Music programme. Which prevails
right now: respect for the task or anticipation?
From the moment I was asked, eager anticipation and,
above all, a zest for action have prevailed for me. I am
very excited about this opportunity to take the Film Music
course of study into the future as head of the department
– a future that is likely to bring many changes to
our industry. Artificial intelligence is just one of many
101

LECTURERS IN PORTRAIT
topics that we’ll be addressing in the coming years. Of
course, I am also really looking forward to the musical
work with the students and the creative possibilities this
offers in shaping the curriculum.
Meike: Thanks to Matthias’ long career, you can
build on a solid foundation. Do you already have
ideas about how you can add your own touches?
Thanks to Matthias’ work, I am starting with a curriculum
that has been well established over the years and
which I can use as a solid and reliable basis for my work.
The (film) music industry has changed rapidly in recent
years, streaming services are becoming increasingly important,
and artificial intelligence is already composing
music. This will greatly change our professional profile
and also requires continuous evolution of our curriculum.
My goal is for our graduates to be able to hold their
own on the market with the skills they have learned
during their studies and the development of their individual
artistic signature. This also includes skills in
the areas of business administration and music management,
which I would like to establish more firmly in the
curriculum.
Matthias & Meike: You’re accomplishing a smooth
transition of leadership. What exactly does your
timeline look like?
MATTHIAS: In the summer semester of 2025, we shared
the leadership, with Meike already responsible for future-oriented
matters such as new seminars and planning
for the next year. Starting in the current winter semester
of 2025/26, she will take over sole responsibility
for the course of study.
the very beginning that joy and enthusiasm should always
be at the forefront of making music. That really
resonated with me, and I wanted to do nothing but make
music. So, at the age of twelve, I decided to make music
my career – even though I didn’t know exactly how or
what at the time. That came a few years later. Film music
combines musical and narrative elements – it’s wonderful
to see (and hear!) this time and again when film
music brings a story to life and makes it an emotional
experience.
MATTHIAS: Growing up, my family home was very musical.
Both my mother and father were music teachers at
secondary schools. My father was a violinist, which led
me to bug him so much at the age of four that he took
me to a violin maker who built me a very small violin,
which I then started learning on. I worked in theatres
during my school days, first as a musician, then as a
composer. Through tours with various musicians, I got
to know almost all the small and large concert halls in
Germany. This brought me into contact with directors,
and I began to compose film music, which I still love
and do today. My composition teacher in Berlin, Isang
Yun, opened up a whole new cultural world for me and
broadened my horizons in many directions, which is essential
for composing film music. In addition to composing
conventional film music, I also enjoy working in the
experimental field – opera, performances, orchestral and
chamber music works.
Matthias & Meike: You have already mentioned
the topic of artificial intelligence. In your opinion,
what challenges will this pose for film music
in general and film music studies in particular in
the coming years?
MEIKE: Matthias will remain with our department as a
lecturer for orchestral recordings. And we are in regular
contact with each other if we have any questions or issues
to discuss, which ensures a smooth transition.
Matthias & Meike: When did you first fall in love
with music? Was it something you were born
with?
MEIKE: For as long as I can remember, there has been a
lot of singing in our home. I started playing the violin at
the age of six, and later added piano, singing, orchestra,
and music theory. My first violin teacher taught me from
MEIKE: I think the focus will be on how we deal
with AI-based composing and the changes in the
film and music industries. Music and films are
streamed more than bought, and AI can easily compose
‘pleasant background music’ for a commercial
in a matter of seconds. The industry has to deal
with these developments and find a way to redefine
the professional role of a film music composer, and
so do we at FABW. Artificial intelligence in itself is
not a threat. Rather, we should find ways to use this
outstanding technology to our advantage and not be
afraid of development and change.
102

MATTHIAS: AI will certainly pose a challenge, and dealing
with it requires a very strong personal foundation,
such as a distinctive style and unique recorgnisability.
AI thrives on what we as composers reinvent and perceive.
Apart from the copyright issues that are sure to
arise, AI has no soul and no emotional connection to
the images that our music needs. It can be a spontaneous
spark that leads to new ideas, but nothing more.
Dealing with new sounds, innovative technology, combining
old styles with new musical theories and developing
them will be a challenge for the future of the
study programme.
Meike: You have a family, you compose, you also
play live in several bands, you write concert reviews,
and you are already working as a lecturer.
Now you are also heading the department. How
do you manage to juggle everything?
Enthusiasm is what drives me in everything I do, although
time management is obviously a big issue for me
in everyday life. All my professional activities have to do
with music in all its diversity, which I find very enriching.
I am grateful for the opportunity to head the Film
Music course of study, as it allows me to make a difference
in the education of young composers and motivate
them to make film music their profession and bring it
to the world.
Meike: You are also a graduate of FABW. What
makes the Filmakademie and the Film Music
course of study special from an alumna’s perspective?
The integration of theory and practice that Meike already
mentioned is unique at a film school and therefore
a hallmark of the Filmakademie. The presence of all
the trades involved in the film industry creates a unique
opportunity to make connections while still studying.
Many of my former students continue to work with directors
and producers after graduation. The practical relevance
to ‘real life’ makes it much easier to break into
this tough business. We still have contact with our former
students that continue long after they have received
their degree and become alumni.
Matthias: What are your plans for the near future?
Will it be more of a quiet retirement or an
active one?
As I mentioned before, I will be focusing on composing
various works. I’ll finish writing an opera, compose the
music for a US series, play concerts, and score a very exciting
documentary... I am a composer and musician in
my heart, so I don’t think there will be any retirement.
Matthias & Meike: Finally, who is your favourite
film composer and what is your favourite film
score?
MEIKE: My favourite film music composer is John Williams,
and my favourite film score is THE LORD OF THE
RINGS by Howard Shore.
MATTHIAS: There are so many, but if I had to name
one, it would be Michael Nyman and the score for
THE PIANO.
The direct entry into film music practice with the many
student projects that you can score to music at the Filmakademie
from day one is unique. You grow every day
through the many opportunities and tasks that require
you to ‘jump into the deep end’. Added to this are a
well-structured study programme and the ensemble recordings
that film music students get to perform several
times during their studies with the Babelsberg Film
Orchestra, among others. This combination of compositional
craft, practice, recordings, and networking is just
right at the Filmakademie.
LINKS:
https://meikekatrinstein.com/
http://www.matthias-raue.de
Matthias: And from the perspective of a senior
lecturer?
103

SPOTLIGHT
Andreas Lademann und Andreas Dendorfer
S C R E E N
A C T I N G
WORKSHOP
104

INTERNATIONAL SCREEN ACTING WORKSHOP:
KOOPERATION MIT E-TALENTA
SEIT MEHR ALS 20 JAHREN VERANSTALTEN
WIR FILMSCHAUSPIELWORKSHOPS AN DER
FILM AKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG. 2016
HABEN WIR GEMEINSAM MIT UNSEREM PARTNER
E-TALENTA EIN PROGRAMM INS LEBEN GERU-
FEN, UM SCHAUSPIELENDE AUS GANZ EUROPA
MIT DEN NOTWENDIGEN WERKZEUGEN AUSZU-
STATTEN, UM DIESE WACHSENDE NISCHE EINES
GLOBALISIERTEN FILMMARKTES ZU FÜLLEN.
Die Welt wird zunehmend miteinander verbunden
durch das massiv wachsende Handels- und Kulturangebot.
Besonders die Filmindustrie verändert sich und bietet
neue Chancen in allen Bereichen. Ein Zustrom von
englischsprachigen Produktionen und internationalen
Koproduktionen nach Europa sucht nach neuen Talenten.
Dabei werden internationale Casts und diverse Backgrounds
immer wichtiger.
Unser Ziel ist es, ein qualitativ hochwertiges Paket im
Bereich Screen Acting anzubieten, insbesondere für
Schauspielende aus Ländern mit einer kleinen Filmindustrie.
Damit reagieren wir auf den wachsenden Bedarf
an vielfältigen Talenten, für das wir eine Plattform bieten
möchten: TRAINIEREN, LERNEN UND GESEHEN
WERDEN. Die Branche ist hungrig nach verschiedenen
Nationalitäten, Ethnien, Sprachen und Geschlechtern –
sowie gut ausgebildeten jungen Schauspieler*innen.
Wir haben mit Andreas Lademann und Andreas Dendorfer
von eTALENTA gesprochen.
Juliane Voigtländer und Christian Wagner hat uns besonders
überzeugt, dass der ISAW nicht nur handwerkliche
Fähigkeiten vermittelt, sondern gleichzeitig
ein kreatives Netzwerk schafft, das nachhaltig
wirkt. Zusammen mit dem guten Ruf und der Qualität
der Filmakademie BW hat uns das sehr schnell von
einer Zusammenarbeit überzeugt, die bis heute anhält.
Was ist euch bei der Förderung von Nachwuchstalenten
wie in unserem Screen Acting Workshop
besonders wichtig?
Wir als Plattform können Türen öffnen – auch international.
Aber damit Schauspieler*innen die Chancen
optimal nutzen können, brauchen diese auch
Knowhow und bestimmte Fähigkeiten. Förderung
von Nachwuchstalenten heißt für uns beides – Talente
für die Branche sichtbar zu machen und Vermittlung
von nötigem Wissen und Fertigkeiten.
Außerdem ist es uns wichtig, dass junge Schauspieler*innen
ihr Potenzial nutzen können – unabhängig
vom Budget. Auch am Weiterbildungsmarkt wird viel
Geld gemacht mit den Träumen und Wünschen von
Schauspieler*innen. Der ISAW ist international anerkannt
für seine hohe Qualität zu äußerst fairen Bedingungen
– auch das schätzen wir sehr und unterstützen
zudem noch mit einem Stipendium. Eine renommierte
Jury aus Casting Directors und anderen Casting Professionals
wählt jedes Jahr unter den Bewerber*innen eine
Person aus, die dann keine Teilnahmegebühr zahlt.
Wie ist die Kooperation mit dem International
Screen Acting Workshop (ISAW) der Filmakademie
zustande gekommen und was hat euch daran
besonders interessiert?
Die Kooperation entstand aus dem gemeinsamen
Wunsch, jungen Schauspielerinnen und Schauspielern
konkrete Perspektiven für den Einstieg in den internationalen
Markt zu bieten. Wir waren damals intensiv
dabei, die Casting-Plattform zu internationalisieren.
Dabei haben wir eine Lücke erkannt zwischen
dem Potenzial, das internationales Arbeiten für Schauspieler*innen
bietet, und dem Maß, in dem diese darauf
vorbereitet werden. In den Gesprächen damals mit
Inwiefern hilft eure Plattform Schauspieler*innen
dabei, sich in einer stark umkämpften Branche
hervorzuheben?
e-TALENTA ermöglicht es Schauspieler*innen,
sich professionell und umfassend zu präsentieren
– mit allen relevanten Materialien wie Showreel,
Vita, Fotos, Sprachkenntnissen, Selftapes und
mehr. Entscheidend ist: Wir machen Talente auffindbar
für Casting-Entscheider*innen in ganz Europa
– und zwar so, dass es sich jeder leisten kann.
Anders als reine Schauspieldatenbanken bieten wir außerdem
Schauspieler*innen zusätzliche Werkzeuge, um
sich selbst aktiv zu vermarkten. Für Besetzer*innen gibt
105

SPOTLIGHT
es wiederum Tools, um mit all den Informationen effizient
und kreativ zu arbeiten. Das alles basiert auf unserem
Non-Profit-Ansatz.
Was reizt euch persönlich an der Film- und
Medienbranche? Welche Entwicklungen oder
Veränderungen wünscht ihr euch für die Zukunft?
Gleichzeitig können sie sich selbst als Spielpartner*in
anbieten und damit anderen Mitgliedern der Community
helfen. So profitieren alle vom Erfahrungsschatz und
der Kreativität der gesamten Community – und sind bei
der Vorbereitung nie mehr allein.
Welche Ziele verfolgt e-TALENTA in den kommenden
fünf Jahren – inhaltlich wie strategisch?
Uns fasziniert, wie stark Geschichten unsere Gesellschaft
prägen – und wie entscheidend die Menschen vor und
hinter der Kamera dafür sind. Wir wünschen uns eine
Branche, die mutig ist - jenseits von Klischees und
Marktlogik. Und faire Strukturen, in denen Kunst nicht
vom Geld abhängt, sondern von Talent und Engagement.
Wir sind nach vielen Jahren in der Branche zu der Überzeugung
gelangt, dass die Situation von Schauspieler*innen
zu häufig ausgenutzt wird, um Profite zu maximieren.
Wir möchten ein Gegenmodell sein und auch den
Markt zum Umdenken inspirieren.
Schließlich verfolgen in der Kulturwelt viele Organisationen,
Theater, Bildungsanbieter einen Non-Profit-Ansatz.
Aus gutem Grund. Warum sollte das gerade beim
Thema Casting-Plattform anders sein? Die ganze Filmbranche
existiert fast nur mit öffentlicher Förderung.
Dann auf dem Rücken gerade von Schauspieler*innen
Gewinne zu maximieren ist, absolut unpassend. Schließlich
ist der Zugang zu Schauspieler*innen für den Filmstandort
elementar. Sie müssen in der gesamten Casting-Branche
sichtbar sein – ohne finanzielle Barrieren.
Welches neue Feature oder Projekt, das ihr künftig
plant, begeistert euch aktuell am meisten?
Könnt ihr in dem Zusammenhang auch etwas
zum Non-Profit-Gedanken und eurer Haltung
zur Fairness in der Branche sagen?
Unser aktuellstes Feature befindet sich gerade in einer
öffentlichen Testphase (Public-Beta) und ist ein tolles
Beispiel dafür, was möglich ist, wenn man klassische,
businessgetriebene Aspekte nicht in den Vordergrund
stellt: die Scene Partner Community.
Mit der Scene Partner Community können Schauspieler*innen
schnell und unkompliziert andere Kolleg*innen
finden, die Lust haben, gemeinsam Szenen zu proben,
Self-Tapes aufzunehmen oder sich beim Üben von
Sprachen und Dialekten zu unterstützen.
106
Alle, die in der Branche mit Casting zu tun haben, sollen
wissen, dass sie mit e-TALENTA ihre zuverlässige und
faire Quelle haben, um professionelle Talente aus ganz
Europa zu besetzen. Fair bedeutet vor allem, dass mit
den Jobangeboten für Schauspieler*innen kein Profit gemacht
wird bzw. dass Schauspieler*innen für Sichtbarkeit
und Jobchancen nicht in profitorientierte Plattformmodelle
gedrängt werden müssen.
Unser Ziel ist es, dass sich das Non-Profit-Modell durchsetzt
und Schauspieler*innen für Ihre Präsenz nicht
mehr zahlen als nötig. e-TALENTA als eine europaweite
Plattform mit Non-Profit-Ansatz soll sich europaweit
noch weiter etablieren.
Strategisch setzen wir darauf, das Bewusstsein für die
Mechanismen der Castingbranche zu schärfen und auch
mal an der ein oder anderen Stelle neu zu denken. Sowie
auf Kooperationen, neue Tools für Casting, Filmemacher*innen
und Schauspieler*innen und ein solidarisches
Finanzierungsmodell, das nicht auf Profit basiert.
Welches Feature auf e-TALENTA sollten Schauspieler*innen
eurer Meinung nach unbedingt
nutzen – und warum?
Zum einen sollten alle die Möglichkeit nutzen, sich umfassend
und aktuell zu präsentieren. Fotos und Showreels
sollten auf der Plattform abrufbar und auf dem neuesten
Stand sein. Ist dies der Fall, sollte man dies nutzen
und auf sich aufmerksam machen, z.B. mit dem sog. casting-LETTER.
Hunderte Besetzer*innen erhalten diesen
regelmäßig – übersichtlich aufbereitet und mit der Garantie,
nur News von professionellem Schauspieler*innen
zu erhalten. Das ist für Besetzer*innen viel effizienter,
als hunderte Mails einzeln durchzulesen und die
Daten mühsam abzuspeichern.
Ach ja, und beim Speedca:sting, das wir jedes Jahr mehrfach
zusammen mit dem ca:st-Magazin organisieren,
sollte man sich unbedingt bewerben. Hier sitzen sich

Schauspieler*innen und Besetzungsentscheider*innen
aus den Bereichen Produktion, Regie, Redaktion sowie
Casting direkt gegenüber und lernen sich in kürzester
Zeit auch persönlich kennen. Nach fünf Minuten wird
weitergerückt, so dass an einem Tag hunderte von Kontakten
hergestellt werden. Das macht Spaß und ist nicht
so steif wie bei dem ein oder anderem Festival-Stehempfang.
Was unterscheidet e-TALENTA von anderen
Casting-Datenbanken und Plattformen in der
Branche?
Der wichtigste Unterschied: Wir sind nicht profitorientiert.
Das heißt, wir verfolgen keine Gewinnerzielung,
sondern das Ziel, faire und zugängliche Bedingungen für
Schauspieler*innen und Besetzer*innen zu schaffen. Unsere
Plattform ist international (20 Sprachen) und bewusst
günstiger als kommerzielle Anbieter, da wir für
kostenintensivere Leistungen nur einen Kostendeckungsbeitrag
erheben und keine Gewinnmarge benötigen.
Dazu bieten wir, wie bereits erwähnt, neben klassischen
Casting-Features auch Schauspieler*innen spannende
Tools, um sich aktiv zu vermarkten und um sich untereinander
zu vernetzen und zu unterstützen.
Wie unterstützt ihr insbesondere junge Schauspieler*innen
beim Einstieg in die Branche und
dem Aufbau ihrer Karriere?
Neben der kostenlosen Basis-Mitgliedschaft bieten wir
Fördermitgliedschaften zu Preisen, die mitunter halb so
hoch sind wie bei kommerziell orientierten Anbietern.
Dazu können Studierende und Absolvent*innen den
Volleintrag zwei Jahre lang sogar ganz kostenlos nutzen.
Außerdem unterstützen wir direkt und mit Expert*innen
beim Aufbau professioneller Profile, geben Feedback
und sorgen mit speziellen Aktionen aktiv dafür, dass
neue Talente von relevanten Casting Directors wahrgenommen
werden.
LINKS:
SCREEN ACTING WORKSHOPS
DER FABW:
https://www.screenacting-fabw.de/
CASTFORWARD:
https://www.castforward.de/
107

SPOTLIGHT
INTERNATIONAL SCREEN ACTING WORKSHOP:
COOPERATION WITH E-TALENTA
WE HAVE BEEN ORGANISING FILM ACT-
ING WORKSHOPS AT FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG FOR MORE THAN 20
YEARS. IN 2016, WE TEAMED UP WITH OUR
PARTNER E-TALENTA TO LAUNCH A PRO-
GRAMME DESIGNED TO EQUIP ACTORS FROM
ALL OVER EUROPE WITH THE TOOLS THEY
NEED TO FILL THIS GROWING NICHE IN A
GLOBALISED FILM MARKET.
particularly impressed by the fact that ISAW not only
teaches technical skills, but also creates a creative network
that has a lasting effect. Together with the good
reputation and quality of the Filmakademie, this quickly
convinced us to form a collaboration that continues
to this day.
What is especially important to you when promoting
young talent, as in our Screen Acting
Workshop?
The world is becoming increasingly interconnected
through the massive growth in trade and cultural offerings.
The film industry in particular is changing and
opening up new opportunities in all areas. An influx of
English-language productions and international co-productions
into Europe is looking for new talent. International
casts and diverse backgrounds are becoming more
and more important.
Our goal is to offer a high-quality package in the field of
screen acting, especially for actors from countries with
a small film industry. In doing so, we are responding
to the growing demand for diverse talent and want to
provide a platform for this: TRAIN, LEARN, AND BE
SEEN. The industry is hungry for different nationalities,
ethnicities, languages, and genders – as well as welltrained
young actors.
How did the collaboration with the FABW’s International
Screen Acting Workshop (ISAW) come
about, and what particularly interested you in it?
The cooperation arose from a shared desire to offer
young actors concrete prospects for entering the international
market. At the time, we were working intensively
on internationalising the casting platform. In the
process, we recognised a gap between the potential that
international work offers actors and the extent to which
they are prepared for it. In our discussions with Juliane
Voigtländer and Christian Wagner at the time, we were
As a platform, we can open doors – even internationally.
But for actors to make the most of these opportunities,
they also need know-how and certain skills. For us,
promoting young talent means both making talent visible
to the industry and imparting the necessary knowledge
and skills.
It is also important to us that young actors can realise
their potential – regardless of budget. The continuing
education market also makes a lot of money from the
dreams and desires of actors. ISAW is internationally recognised
for its high quality and extremely fair conditions
– we also greatly appreciate that and support it with a
scholarship. Every year, a prominent jury of casting directors
and other casting professionals selects one person
from among the applicants, who then does not have
to pay a participation fee.
How does your platform help actors stand out in
a highly competitive industry?
e-TALENTA enables actors to present themselves professionally
and comprehensively – with all relevant materials
such as showreels, CVs, photos, language skills,
self-tapes, and more. What’s key is that we make talent
discoverable for casting professionals across Europe
– in a way that everyone can afford. Unlike conventional
acting databases, we also offer actors additional tools
to actively market themselves. Casting directors, in turn,
have tools to work with all the information efficiently
and creatively. All of this is based on our non-profit
approach.
108

What appeals to you personally about the film
and media industry? What developments or
changes would you like to see in the future?
We are fascinated by how strongly stories shape our society
– and how crucial the people in front of and behind
the camera are to this. We want an industry that is
courageous, going beyond clichés and market logic. And
fair structures in which art does not depend on money,
but on talent and commitment.
After many years in the industry, we have found that actors
are too often exploited with the goal of maximising
profits. We want to be a counter-model and inspire the
market to rethink its approach.
After all, many organisations, theatres, and educational
providers in the cultural world pursue a non-profit approach.
And for good reason. Why should it be any different
when it comes to casting platforms? The entire
film industry exists almost entirely on public funding.
Maximising profits on the backs of actors is completely
inappropriate. After all, access to actors is fundamental
for the film industry. They need to be visible throughout
the casting industry – without financial barriers.
Which upcoming new feature or project are you
most excited about right now? In this context,
can you also say something about the non-profit
concept and your stance on fairness in the industry?
Our latest feature is currently in a public testing phase
(public beta) and is a great example of what is possible
when you don’t focus on traditional, business-driven aspects:
the Scene Partner Community.
With the Scene Partner Community, actors can quickly
and easily find other colleagues who want to rehearse
scenes together, record self-tapes, or help each other
practice languages and dialects.
At the same time, they can offer to serve as acting partners
and thus help other members of the community.
This way, everyone benefits from the wealth of experience
and creativity of the entire community – no one
has to prepare all alone anymore.
Everyone involved in casting in the industry should
know that e-TALENTA is their reliable and fair source
for professional talent from all over Europe. Fair means
above all that no profit is made from job offers for actors,
and that actors are not forced into profit-oriented
platform models in order to gain visibility and job opportunities.
Our goal is for the non-profit model to prevail and for
actors not to pay more than necessary for their presence.
As a Europe-wide platform with a non-profit approach,
e-TALENTA aims to establish itself even further
across Europe.
Strategically, we focus on raising awareness of the mechanisms
of the casting industry and sometimes rethinking
things here and there. We also focus on collaborations,
new tools for casting, filmmakers, and actors, and
a solidarity-based financing model that is not founded
on profit.
What feature on e-TALENTA do you think actors
should definitely use, and why?
First, everyone should utilise the opportunity to present
themselves comprehensively and keep their information
up to date. Photos and showreels should be current and
available on the platform.
Next, you should take advantage of this and draw attention
to yourself, e.g. with the ‘casting-LETTER’. Hundreds
of casting directors receive this letter regularly –
easy to navigate and with the assurance that they will
only receive news from professional actors. This is much
more efficient for casting directors than reading through
hundreds of emails individually and laboriously saving
the data.
Oh, and don’t forget to apply for Speedca:sting, which
we organise several times a year in collaboration with
ca:st magazine. At this event, actors and casting professionals
from the fields of production, directing, editing,
and casting sit directly across from each other and get
to know each other personally in a very short time. After
five minutes, everyone moves on to the next person,
so that hundreds of contacts are made in a single day. It’s
fun and not as stiff as some festival receptions.
What are e-TALENTA’s goals for the next five
years, both in terms of content and strategy?
109

SPOTLIGHT
What distinguishes e-TALENTA from other casting
databases and platforms in the industry?
The key difference is that we are not profit-oriented,
which means that we do not pursue profit, but rather
the goal of creating fair and accessible conditions for actors
and casting directors. Our platform is international
(20 languages) and deliberately less expensive than commercial
providers, as we only charge a cost-covering fee
for more cost-intensive services and do not need a profit
margin.
As already mentioned, in addition to classic casting features,
we also offer actors useful tools to actively market
themselves, network, and support each other.
How do you support young actors, particularly
in getting started in the industry and building
their careers?
In addition to a free basic membership, we offer supporting
memberships at fees that are sometimes half as
much as those of commercially oriented providers. In
addition, students and graduates can even use the full
membership for two years completely free of charge.
We also provide direct support and expert assistance in
creating professional profiles, give feedback, and actively
ensure that new talent is noticed by relevant casting directors
through special campaigns.
LINKS:
SCREEN ACTING WORKSHOPS
AT FABW:
https://www.screenacting-fabw.de/
CASTFORWARD:
https://www.castforward.de/
S C R E E N
A C T I N G
WORKSHOP
110

111

INTERNATIONALE NETZWERKE
Lea Staron mit Kommilitonen vor dem Hauptgebäude
der Stan Richards School
112

JOINING FORCES
– SO LAUTET DER PLAKATIVE TITEL DES
NEUEN PROGRAMMS MIT DER UNIVERSITY
OF TEXAS AT AUSTIN. MASSGESCHNEIDERT
FÜR STUDIERENDE IM BEREICH WERBEFILM,
STARTETE DAS PROJEKT, DAS VON DER
BADEN-WÜRTTEMBERG STIFTUNG IM RAH-
MEN DES BWS PLUS PROGRAMMS GEFÖR-
DERT WIRD, MIT EINEM BESUCH VON FÜNF
STUDIERENDEN DER FILMAKADEMIE AN DER
PARTNERSCHULE IN AUSTIN ZUM JAHRES-
BEGINN.
Entgegen den allgemeinen transatlantischen Entwicklungen
begann diese Partnerschaft harmonisch und vielversprechend.
Der Anstoß zu dem Projekt kam 2023 von Viktor Presber,
der seinerzeit Werbefilmproduktion studierte und
uns auf die Stan Richards School of Advertising and Public
Relations am Moody College of Communication der
University of Texas at Austin aufmerksam machte. Dortige
Lehrinhalte wünsche er sich, so Viktor, ergänzend
zur Ausbildung an der Filmakademie, insbesondere mit
Blick auf seine angestrebte Karriere in der Werbebranche.
Diese zutreffende Analyse setzte die Entwicklung
des Projekts in Gang, an dem federführend das International
Office, der leitende Dozent im Studiengang Werbefilm
Florian Sigl, die Studienkoordinatorinnen Olivia
Marten und Gudrun Weiler sowie Prof. Laura Bright von
der Stan Richards School of Advertising and Public Relations
beteiligt waren.
Viel Überzeugungsarbeit war nicht erforderlich, um die
Kooperation zwischen zwei Institutionen, deren Profile
sich derart perfekt ergänzen, in Gang zu bringen. An
der Filmakademie entwickeln Studierende im Rahmen
ihrer künstlerischen Studienarbeiten Werbespots – völlig
frei von Einflussnahme der jeweiligen Unternehmen.
An der Stan Richards School of Advertising and Public
Relations hingegen liegt der Fokus im Masterprogramm
explizit auf der konzeptionellen Seite. Hier stehen, oft
in direktem Austausch mit namhaften Auftraggebern,
Markt- und Zielgruppenanalysen sowie die Entwicklung
von Kampagnen im Vordergrund. Komplementär
dazu entstehen Filme mit einer eher veranschaulichenden
Funktion.
„Joining Forces” vereint diese unterschiedlichen Schwerpunkte
und bringt den Studierenden neue Facetten des
vielschichtigen Berufsfeldes näher. Dadurch bereitet unser
Projekt die Teilnehmenden ganz spezifisch auf die
Realität der Branche und auf die Märkte Europas respektive
der USA vor.
Das Seminar, in dem die konkreten Ideen für die Spots
entwickelt werden, wird von Hollywood-Star und
Oscar-Preisträger Matthew McConaughey (DALLAS
BUYERS CLUB, INTERSTELLAR, TRUE DETECTIVE)
gemeinsam mit Professorin Laura F. Bright geleitet. Der
Kurs trägt den Namen „Script to Screen“. Ein spezieller
Fokus dieses Kurses liegt auf der Produktion von Werbespots
im Zusammenspiel mit der Entwicklung und Verbreitung
von Werbekampagnen aus der Perspektive einer
Werbeagentur.
Diesmal sind die Studierenden mit einem Konzept für
einen Werbespot für das Parfum „Comme des Garçons 2“
aus Texas zurückgekehrt, der im weiteren Verlauf des
Studienjahres an der Filmakademie realisiert werden
soll. An der Produktion werden dann zahlreiche weitere
Studierende beteiligt sein, was den Kreis der Personen,
die von „Joining Forces“ profitieren, noch einmal
erweitert.
Mich persönlich freut es sehr, dass wir dieses ambitionierte
Programm trotz weltpolitischer Widrigkeiten auf
die Beine stellen konnten. Die verbindliche und freundschaftliche
Zusammenarbeit mit Prof. Laura F. Bright aus
Austin stimmt mich zuversichtlich, dass wir auch in der
aktuellen Weltlage gemeinsam etwas Konstruktives erschaffen
können. Es ist ermutigend zu sehen, wie sich
die Studierenden beider Schulen begeistert und unbeeindruckt
von politischen Entwicklungen in die kreative
Kooperation stürzen. Wir sind dankbar, dass wir durch
die Förderung des BWS-plus-Programms in der Lage
sind, in diesen fordernden Zeiten Brücken zu bauen.
Guido Lukoschek
Leitung International Office
Filmakademie Baden-Württemberg
113

INTERNATIONAL NETWORKS
AUSTIN, TEXAS
Ich weiß gar nicht, wo ich anfangen soll. Ich durfte
für ein paar Wochen Teil des Austauschprogramms
an der University of Texas at Austin sein – und was soll
ich sagen: Ich habe mich selten so schnell so willkommen
gefühlt.
Die Studierenden dort haben mich direkt in ihre
Projekte geholt, als wäre ich schon immer Teil davon
gewesen. Zwischen Seminaren, Studio-Sessions
und Gesprächen auf
dem Campus habe ich so viel gelernt
– nicht nur über Werbung,
sondern auch über Haltung.
Dieser Gedanke, der dort irgendwie
überall mitschwingt:
„Yes, let’s try it!“ Nicht lange zerdenken, sondern machen.
Testen. Vertrauen. Das hat mich total inspiriert.
Und dann hängen da überall auf dem Campus diese Banner:
„What starts here changes the world.“ Klingt erstmal
groß – aber nach ein paar Tagen dort glaubt man es
wirklich.
Einer der magischsten Momente?
Wir durften Matthew McConaughey persönlich kennenlernen,
der als Co-Dozent regelmäßig in den Kurs
kommt. Ja, wirklich. Und ja – genauso cool, wie man
denkt.
Danke Austin. Für die Ideen. Die Offenheit.
Und die Tacos.
don’t even know where to start.
I I had the opportunity to take part in an exchange programme
at the University of Texas at Austin for a few
weeks – and what can I say: I have rarely felt so welcome
so quickly.
„What starts here
changes
the world.“
The students there welcomed me into their projects as
if I had always been part of them. Between seminars,
studio sessions, and conversations
on campus,
I learned so much – not only
about advertising, but also about
attitude.
There’s this idea that seems to resonate
everywhere there:
‘Yes, let’s try it!’ Don’t overthink things, just do them.
Test them out. Trust them. That really inspired me.
And then there are these banners hanging all over campus:
‘What starts here changes the world.’
It sounds big at first, but after a few days there,
you really believe it.
One of the most magical moments?
We got to meet Matthew McConaughey in person;
he regularly co-lectures at the course. Yes, really. And
yes – he’s just as cool as you’d expect.
Thank you, Austin. For the ideas. The openness.
And the tacos.
LEA STARON
Teilnehmerin und Studentin im Studienschwerpunkt Werbefilm Producing
Participant and student in advertising film production at FABW
Mitte: Beim Basketball; rechts:
Studierende aus Texas
114

JOINING FORCES
– THAT IS THE STRIKING TITLE OF THE NEW
PROGRAMME WITH THE UNIVERSITY OF
TEXAS AT AUSTIN. TAILORED TO STUDENTS
IN THE ADVERTISING FILM COURSE, THE
PROJECT, WHICH IS FUNDED BY THE BA-
DEN-WÜRTTEMBERG STIFTUNG FOUNDATI-
ON AS PART OF THE BWS PLUS PROGRAM-
ME, KICKED OFF WITH A VISIT BY FIVE
STUDENTS FROM FABW TO THE PARTNER
SCHOOL IN AUSTIN EARLIER THIS YEAR.
Contrary to general transatlantic developments, this
partnership began harmoniously and promisingly.
The inspiration for the project came in 2023 from Viktor
Presber, who was studying advertising film production
at the time and drew our attention to the Stan Richards
School of Advertising and Public Relations, part of
Moody College of Communication at the University of
Texas at Austin. Viktor said he wanted the course content
there to complement his training at the Filmakademie,
especially with a view to his desired career in the
advertising industry. This insightful and valid analysis
set the project in motion, with the International Office,
the senior lecturer in the advertising film course
of study, Florian Sigl, study coordinators Olivia Marten
and Gudrun Weiler, and Laura F. Bright, a professor at
Stan Richards School of Advertising and Public Relations
playing a leading role.
It didn’t take much persuasion to get the cooperation
between two institutions with such perfectly complementary
profiles off the ground. At the Filmakademie,
students develop commercials as part of their artistic
studies – completely free from corporate influence. At
Stan Richards School of Advertising and Public Relations,
on the other hand, the emphasis of the master’s programme
is explicitly on the conceptual side. There, the
focus is on market and target group analyses and the
development of campaigns, often in direct collaboration
with renowned clients. Complementing this approach,
films with a more illustrative purpose are created.
“Joining Forces” combines these different focuses and introduces
students to new facets of this multifaceted professional
field. Our project thus prepares participants
specifically for the realities of the industry and the markets
in Europe and the US.
The seminar, during which the concrete ideas for the
commercial spots are developed, is led by Hollywood
star and Oscar winner Matthew McConaughey (DAL-
LAS BUYERS CLUB, INTERSTELLAR, TRUE
DETECTIVE) together with Professor Laura F. Bright.
The course is called ‘Script to Screen’. A special focus of
the course is on the production of commercials in conjunction
with the development and marketing of advertising
campaigns from the perspective of an advertising
agency.
This time, the students returned from Texas with a concept
for a commercial for the perfume “Comme des
Garçons 2”, which will be realised at the Filmakademie
later in the academic year. Numerous other students will
then be involved in the production, further expanding
the circle of people who benefit from “Joining Forces.”
I am personally very pleased that we were able to set
this ambitious programme in motion despite global political
adversity. The committed and friendly cooperation
with Professor Bright from Austin makes me confident
that we can create something constructive together,
even in the current global situation. It is encouraging to
see how the students from both schools are enthusiastically
throwing themselves into this creative collaboration,
unfazed by political developments. We are grateful
that the support of the BWS plus programme enables us
to build bridges in these challenging times.
Guido Lukoschek
Head of International Office
Filmakademie Baden-Württemberg
115

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
INFO-BOX
Das Atelier setzt als Pionier Maßstäbe:
Es bietet eine der wenigen ganzjährigen,
praxisnahen Postgraduierten-Ausbildungen
in Vollzeit – mit klarem Fokus
auf Filmproduktion und -verleih in
einem europäischen Kontext. Gegründet
im Jahr 2001, geht das Programm auf eine
Initiative der deutschen und französischen
Regierungen zurück und steht unter
dem Dach der 1999 ins Leben gerufenen
Deutsch-Französischen Filmakademie.
Unterstützt wird das Programm unter
anderem von der EU-Kommission
(Creative Europe MEDIA), dem Ministerium
für Wissenschaft, Forschung und
Kunst Baden-Württemberg, dem Beauftragten
der Bundesregierung für Kultur
und Medien sowie dem Deutsch-Französischen
Jugendwerk.
Filmstills THE FOOL
116

LEITUNG:
_PROF. GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE)
_PROF. ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE)
_PIERRE-YVES JOURDAIN (LA FÉMIS)
PROGRAMMKOORDINATION:
_DOROTHEE MARTIN
PROJEKTBETREUUNG:
_ANNE-LAURE BERTEAU
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
JUNGE FILMSCHAFFENDE AUS GANZ EUROPA,
UND DARÜBER HINAUS, KOMMEN JEDES JAHR
IM ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS ZUSAMMEN,
UM SICH AUF EINE KARRIERE IN DER FILM-
PRODUKTION ODER IM VERLEIH UND VERTRIEB
VORZUBEREITEN. SIE ERWARTET EIN INTENSI-
VES AUSBILDUNGSJAHR MIT EINEM KLAREN FO-
KUS AUF PRAKTISCHE QUALIFIKATION, INTER-
NATIONALE ZUSAMMENARBEIT UND EINBLICKE
IN DEN EUROPÄISCHEN FILMMARKT.
Das Programm bietet eine europaweit einzigartige Ausbildung,
getragen von zwei renommierten Filmschulen:
der FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG und
LA FÉMIS in Paris. Seit 2007 ergänzt die angesehene
NATIONAL FILM AND TELEVISION SCHOOL (NFTS)
bei London das Netzwerk als dritter Kooperationspartner.
Diese trilaterale Zusammenarbeit eröffnet den Teilnehmenden
nicht nur Einblicke in unterschiedliche
Produktionssysteme, sondern stärkt auch ihre Fähigkeit,
länderübergreifend zu denken und zu arbeiten.
Das Curriculum deckt alle zentralen Bereiche der Filmproduktion
ab: Stoffentwicklung, Finanzierung, Produktion,
Vertrieb und Marketing. Aktuelle Entwicklungen
der Branche, etwa der Einsatz von Künstlicher
Intelligenz oder nachhaltige Produktionsansätze, werden
ebenso einbezogen. Die Inhalte werden von aktiven Expert*innen
aus der Filmwirtschaft vermittelt und durch
Exkursionen, zum Beispiel zum Sender ARTE in Straßburg,
sowie durch Besuche bedeutender Festivals wie
der Berlinale, dem Festival in Cannes, Clermont-Ferrand
oder Series Mania ergänzt. Ein Praktikum bei einem Verleih
oder Weltvertrieb rundet die Ausbildung praxisorientiert
ab.
Der rote Faden, der sich durch das Weiterbildungsjahr
zieht, ist die Produktion einer Kurzfilmreihe. Jährlich
entstehen bis zu neun Filme, die in binationalen Producer*innen-Teams
erarbeitet und umgesetzt werden.
Studierende der beiden Filmhochschulen arbeiten dabei
eng mit den Producer*innen zusammen, begleitet von
ARTE und dem SWR als Koproduktionspartner. Im Studienjahr
2024/25 stand die Filmreihe unter dem Motto
„Let’s Dance!“. Die fertigen Filme wurden im Februar
2025 auf dem Max Ophüls Festival in Saarbrücken
präsentiert und im Mai auf ARTE ausgestrahlt. Sie sind
ebenso über die Arte Mediathek verfügbar.
Inzwischen zählt das Atelier fast 400 Absolventinnen
und Absolventen aus 42 Nationen. Sie sind im Atelier
Network, dem aktiven Alumni-Verein, organisiert. Dort
Exkursion zu ARTE
117

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
tauschen sie sich regelmäßig aus, teilen Informationen,
Kontakte, Erfahrungen und entwickeln auch gemeinsame
Filmprojekte. So ist ein internationales Netzwerk
entstanden, das nicht nur die europäische Filmbranche
stärkt, sondern weit darüber hinauswirkt.
DREI FRAGEN AN ALUMNI DES JAHRGANGS
2023/24
SOPHIA STIER aus Deutschland
produzierte zusammen
mit Kosta Ilič aus Serbien
den Kurzfilm THE FOOL
während des Atelier-
Jahres an der Filmakademie
Baden-Württemberg und arbeitet
derzeit als freie Creative
Producerin und Casting Direktorin,
gerade produziert sie einen Kinospielfilm.
LORRA VIDEV ist eine bulgarisch-kanadische
Produzentin,
Sales Representative
und Standup-Comedian mit
Sitz in London, die kürzlich
mit LE CONTINENT SOM-
NAMBULE in Cannes vertreten
war. Derzeit arbeitet sie an einer
Dokumentarfilm-Koproduktion und ist auf der Suche
nach spannenden Projekten für eine Zusammenarbeit
in Großbritannien, Kanada, Bulgarien, Frankreich und
Deutschland. Sie arbeitete mit Youssef Amar aus Frankreich/Marokko
an dem Kurzfilm KAVALYÉ O DAM.
Für die Kurzfilmproduktion habt ihr als Producer
in binationalen Teams zusammengearbeitet.
Was habt ihr daraus für eure Zeit nach dem Atelier
mitnehmen können?
SOPHIA: Wir waren bei unserem Kurzfilm tatsächlich
gar nicht nur binational, sondern multinational unterwegs,
da verschiedene Heads aus anderen Ländern wie
Polen, Frankreich, Palästina oder Sri-Lanka kamen. D.h.
unser Grad an Verständigung und struktureller und
schneller Kommunikation war hoch. Es war eine besondere
Erfahrung, aber auch Herausforderung, auch
in stressigen Situationen geduldig und genau zu sein.
Ich denke, wir haben alle sehr davon profitiert und gelernt,
was z.B. andere Arbeitsweisen und produktionelle
Techniken angeht. Filmemachen ist Teamarbeit, internationales
Filmemachen hebt diese Teamarbeit nochmal
auf ein anderes Level. Gerade, wenn es ums Geschichtenerzählen
geht, ist das ein extrem großer Gewinn. Die
Netzwerke, die daraus entstehen, führen zwangsläufig zu
einer Fusion aus tollen neuen Kooperationsmöglichkeiten
für weitere internationale Projekte in alle Richtungen.
LORRA: Beim Produzieren geht es zum Großteil um
die enge Zusammenarbeit mit anderen Menschen. Wenn
du also jemanden findest, mit dem du gut zusammenarbeiten
kannst, solltest du diese Verbindung pflegen. Ich
arbeite derzeit an meinem dritten Projekt mit meinem
Produktionspartner aus dem Atelier. Sei immer bereit,
zu teilen und zu lernen, und teile dein Wissen großzügig
– du gewinnst nichts, wenn du kein Teamplayer
bist. Es ist immer spannend, mit Menschen aus anderen
Kulturen zusammenzuarbeiten. Es ist eine bereichernde
Erfahrung und eine Gelegenheit, ein Land oder eine
Region kennenzulernen, die man vorher vielleicht noch
nicht so gut kannte.
Welche besonderen Herausforderungen sind euch
beim Dreh eures Films begegnet?
SOPHIA: Der straffe Zeitplan und die Deadlines des Atelier-Programms
uterscheiden sich sehr von anderen Produktionen,
in denen man oftmals etwas mehr Flexibilität
hat. Einerseits ist dieser Druck von außen sehr motivierend.
Man lernt dadurch, wie eine echte Auftragsproduktion
funktioniert und dass sehr schnell sehr viel
entstehen kann. Andererseits schränkt dieser Druck natürlich
auch ein, in dem Sinne, dass nicht alles berücksichtigt
werden kann, was einem als Filmemacher*in
wichtig ist. Wir hatten zum Beispiel viele Drehorte und
viele Darsteller*innen, aber wenig Zeit für Proben in der
Vorproduktion oder für den Schnitt in der Postproduktion,
was an einigen Stellen doch hilfreich gewesen wäre.
Zum Glück hatten wir eine erfahrene Regisseurin und
ein hochmotiviertes Team, das alles gegeben hat, um das
Beste rauszuholen. Der entstandene Film ist das Produkt
eines unwahrscheinlich intensiven Jahres, und wenn ich
auch andere Atelier-Filme sehe, bin ich immer wieder
beeindruckt von dem, was diese wundervolle Kooperation
jedes Jahr aufs Neue zustande bringt. Es ist ein Geschenk
für alle beteiligten Lernenden.
118

LORRA: Wir hatten großes Glück, dass uns viele nette
Menschen auf unserem Weg unterstützt haben. Von vergünstigten
Drehorten über Freund*innen, die als Runner
mitgeholfen haben, bis hin zu Freiwilligen, die in
dem Film mitgewirkt und ihn zu dem gemacht haben,
was er ist. Die größte Herausforderung bestand darin,
die Rechte an der Musik zu erwerben. Generell wird davon
abgeraten, urheberrechtlich geschützte Musik für
das Atelier-Projekt zu verwenden, aber von Beginn des
Schreibprozesses an war der Song, den wir verwendet
haben, so integraler Bestandteil unseres Films (unser
Film trägt den Titel KAVALYÉ O DAM, benannt nach
dem Song), dass es sich nicht richtig anfühlte, ihn durch
ein anderes Musikstück zu ersetzen. Mit einigen Verhandlungen
und viel Ausdauer sowie einer klaren Vorstellung
vom Endprodukt konnten wir überzeugende
Argumente vorbringen, um die Rechte an der Musik für
unseren Film zu erwerben.
Was war dein Highlight während des
Atelier-Jahres?
SOPHIA: Mein Highlight ist jede einzelne Person, die
ich durch das Programm kennenlernen durfte, seien es
meine Mitteilnehmenden, die zu einer Art Familie geworden
sind, seien es die Lehrenden und Verantwortlichen,
seien es die Filmemacher*innen und Kreativen,
die ich auf den zahlreichen Festivals kennenlernen durfte.
Ich habe so viel gelernt in diesem Jahr, nicht nur über
das internationale Filmemachen an sich, sondern vor allem
über menschliches Miteinander, Teamarbeit, warum
es sich lohnt, in diese verrückte Kreativbranche einzusteigen,
und über mich. Die Connections, die hieraus
entstanden sind, sind unglaublich wertvoll und ich bin
sehr dankbar, ein Teil davon gewesen zu sein. Ohne diesen
Zugang wäre Vieles für uns alle nie möglich geworden.
LORRA: Wo soll ich anfangen... Das ganze Jahr war für
mich ein Highlight! Wenn ich bestimmte Momente herausgreifen
muss, fallen mir zwei besonders ein: unsere
Atelier-Party im „D-Zügle“, weil wir uns dort zum ersten
Mal alle kennengelernt und zusammengearbeitet haben...
und natürlich Cannes, weil ich zum ersten Mal bei
einem A-Festival war und JEDER einzelne Moment aufregend
und neu war. Die allerletzte Unterrichtsstunde
an der La Fémis war für mich ebenfalls ein besonderer
Moment. Ich habe eine 40-minütige Aufnahme auf meinem
Handy, in der alle viele kitschige und ehrliche Dinge
über die zu Ende gehende Zeit im Atelier sagen.
BEWERBUNG UND TEILNAHME
FÜR WEN? JUNGE FILMSCHAFFENDE –
BEWERBER*INNEN AUS ALLER WELT
Das Weiterbildungsjahr wendet sich an
angehende Produzent*innen und Verleiher*innen
aus Europa und der ganzen Welt
im Alter von bis zu 30 Jahren und bietet
eine vertiefende Ausbildung mit europäischer
Ausrichtung. Absolvent*innen von
Filmhochschulen oder anderen relevanten
Studiengängen mit ersten Berufserfahrungen
in der Filmwirtschaft sind die Zielgruppe.
ERFORDERLICHE SPRACHKENNTNISSE
Sehr gute Englischkenntnisse; Deutschund
Französischkenntnisse sind von Vorteil.
WEITERE INFORMATIONEN AUF
DER WEBSITE DES
ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
www.atelier-ludwigsburg-paris.com
FOLGT UNS AUF FACEBOOK UND
INSTAGRAM UNTER
FB.ME/AtelierLudwigsburgParis
https://www.instagram.com/
atelierludwigsburgparis/
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ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
INFO-BOX
The Atelier is a pioneer that sets
standards: It offers one of the few
year-long, practical-oriented, fulltime
postgraduate programmes –
with a clear focus on film production
and distribution in a European
context. Founded in 2001, the
programme originated from an
initiative by the German and French
governments and is part of the
German-French Film Academy,
which was established in 1999.
The programme is supported by
the European Commission (Creative
Europe MEDIA), the Baden-
Württemberg Ministry of Science,
Research and the Arts, the German
Federal Government Commissioner
for Culture and the Media, and the
Franco-German Youth Office, among
others.
Set photo and film still KAVALYE O DAM
120

PROGRAMME HEADS:
_PROF GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE)
_PROF ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE)
_PIERRE-YVES JOURDAIN (LA FÉMIS)
PROGRAMME COORDINATION:
_DOROTHEE MARTIN
PROJECT SUPERVISION:
_ANNE-LAURE BERTEAU
ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
EVERY YEAR, YOUNG FILMMAKERS FROM ALL
OVER EUROPE AND BEYOND COME TOGETHER
AT THE ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS TO PRE-
PARE FOR A CAREER IN FILM PRODUCTION OR
DISTRIBUTION AND MARKETING. THEY CAN EX-
PECT AN INTENSIVE YEAR OF TRAINING WITH
A CLEAR FOCUS ON PRACTICAL SKILLS, INTER-
NATIONAL COOPERATION, AND INSIGHTS INTO
THE EUROPEAN FILM MARKET.
The programme offers a unique training opportunity in
Europe, supported by two renowned film schools: FILM-
AKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG and LA FÉMIS
in Paris. In 2007, the prestigious NATIONAL FILM
AND TELEVISION SCHOOL (NFTS), located near London,
joined the network as a third cooperation partner.
This trilateral collaboration not only gives participants
insights into different production systems, but also
strengthens their ability to think and work across borders.
The curriculum covers all main areas of film production:
script development, financing, production, distribution,
and marketing. Current developments in the industry,
such as the use of artificial intelligence and sustainable
production approaches, are also included. The content
is taught by experts active in the film industry and
supplemented by excursions, for example to the ARTE
television station in Strasbourg, as well as visits to major
festivals such as the Berlinale, Cannes Film Festival,
Clermont-Ferrand, and Series Mania. An internship at
a distribution company or in international sales rounds
out the practical training.
The common thread running through the continuing
education year is the production of a series of short
films. Each year, up to nine films are developed and produced
in binational teams of producers. Students from
both film schools work closely with the producers, accompanied
by ARTE and SWR as co-production partners.
In the 2024/25 academic year, the film series was
themed ‘Let's Dance!’ The finished films were presented
at the Max Ophüls Festival in Saarbrücken in February
2025 and broadcast on ARTE in May. They are also available
via the Arte Mediathek streaming platform.
The Atelier now has almost 400 graduates from 42 countries.
They are organised in the Atelier Network, an active
alumni association. There they regularly exchange
ideas, share information and contacts, and develop joint
film projects. This has created an international network
that not only strengthens the European film industry,
but also has an impact far beyond its borders.
The Atelier class of 2024/25
121

ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
THREE QUESTIONS FOR ALUMNI OF THE 2023/24
CLASS
SOPHIA STIER from Germany produced
the short film THE FOOL
together with Kosta Ilič from
Serbia during her year at
Film akademie Baden-Württemberg
and now works as
a freelance creative producer
and casting director. She is currently
producing a feature film.
LORRA VIDEV is a Bulgarian-Canadian
producer, sales-rep, and standup
comedian based in London,
with a recent Cannes nomination
for LE CONTINENT
SOMNAMBULE. She is currently
working on a documentary
feature co-production and
looking for exciting projects to collaborate
on in the UK, Canada, Bulgaria, France and
Germany. She worked with Youssef Amar from France/
Morocco on the short film KAVALYÉ O DAM.
For the short film production, you worked together
as producers in binational teams. What
did you take away from this experience for your
time after the Atelier?
currently on my third project with my Atelier co-producer.
Always be ready to share and to learn, and be generous
with your knowledge – there is nothing to win
by not being a team player. It's always going to be interesting
to work with collaborators from other cultures.
It's an enriching experience and an opportunity to learn
about a country or region that you maybe didn't know
so intimately before.
What particular challenges did you encounter
while shooting your film?
SOPHIA: The tight schedule and deadlines of the Atelier
programme are very different from other productions,
where you often have a little more flexibility. On the one
hand, this external pressure is very motivating. It teaches
you how a real commissioned production works and
that a lot can be achieved very quickly. On the other
hand, this pressure is also limiting in the sense that
you can't take into account everything that is important
to you as a filmmaker. For example, we had many
locations and many actors, but little time for rehearsals
in pre-production or for editing in post-production,
which would have been helpful at some points. Fortunately,
we had an experienced director and a highly motivated
team who gave their all to get the best out of it.
The resulting film is the product of an incredibly intense
year, and when I see other Atelier films, I am always impressed
by what this wonderful collaboration achieves
year after year. It is a gift for all the students involved.
SOPHIA: Our short film wasn't just binational, but multinational,
as various heads came from other countries,
including Poland, France, Palestine, and Sri Lanka. This
meant that we had a high level of understanding and
structural and rapid communication. It was a special experience,
but also a challenge to remain patient and precise
even in stressful situations. I think we all benefited
greatly from it and learned a lot, for example about
other ways of working and production techniques. Filmmaking
is teamwork, and international filmmaking takes
this teamwork to another level. This is an extremely valuable
asset, especially when it comes to storytelling. The
networks that emerge inevitably lead to a fusion of great
new opportunities for further international projects in
all directions.
LORRA: We were very lucky in the sense that we had
a lot of lovely people help us along the way. From locations
at reduced rates, to friends who came on as runners
to volunteers who took part in the film and made
it what it is. Our biggest challenge was getting the rights
to pre-existing music. In general, it is not advised to
use in copyright music for the Atelier project, but from
the very beginning of the writing process, the song that
we used was so integral to our film (our film is titled
KAVALYÉ O DAM after the song), that it didn't feel right
to do it with any other musical piece. With some negotiation
and perseverance as well as a strong vision of
the final product, we were able to create convincing arguments
to acquire the rights to the music we used for
our film.
LORRA: So much of producing is about working closely
with people, so when you find someone who you
work well with, explore that connection further. I am
122
What was your highlight during the Atelier year?

SOPHIA: My highlight is every single person I got to
know through the programme, whether it's my fellow
participants, who have become like family, the teachers
and staff, or the filmmakers and creatives I got to meet at
the numerous festivals. I have learned so much this year,
not only about international filmmaking itself, but above
all about human interaction, teamwork, why it is worth
getting into this crazy creative industry, and about myself.
The connections that have been made here are incredibly
valuable and I am very grateful to have been a
part of it. Without this access, many things would never
have been possible for any of us.
LORRA: Where to begin...the whole year was a highlight
for me! If I had to think of particular moments, a
couple stand out: our Atelier party at ‘D-Zügle’, as it was
the first time we all got to know one another and collaborate
together...and of course, Cannes as it was my
first time ever at an A-List festival so EVERY single moment
felt exciting and new. The very last class we had
at La Fémis was also a special moment for me, I have a
40-minute recording on my phone of everyone saying
many cheesy and true things about their year at the Atelier
coming to an end.
APPLICATION AND PARTICIPATION
FOR WHOM? YOUNG FILMMAKERS –
APPLICANTS FROM ALL OVER THE
WORLD
The continuing education year is aimed at
aspiring producers and distributors from
Europe and around the world up to age 30
and offers in-depth training with a European
focus. The target group is graduates
of film schools or other relevant courses
of study with initial professional experience
in the film industry.
LANGUAGE REQUIREMENTS
Excellent English skills; German and
French language skills are a plus.
FURTHER INFORMATION ON THE
WEBSITE OF THE ATELIER LUD-
WIGSBURG-PARIS
www.atelier-ludwigsburg-paris.com
On the set of LET´S CALL IT LOVE
FOLLOW US ON FACEBOOK AND
INSTAGRAM AT
FB.ME/AtelierLudwigsburgParis
https://www.instagram.com/
atelierludwigsburgparis/
In London´s Pinewood Studios
123

MEET THE STAFF
„Unser Campus
bietet Raum
zum Wachsen,
Denken und
Gestalten.“
124

DIE STUDIENLEITUNG
JULIANE VOIGTLÄNDER UND LINDA KRÄMER
BILDEN GEMEINSAM DIE STUDIENLEITUNG
DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG.
IM INTERVIEW ERLÄUTERN SIE, WAS ES BEDEU-
TET, EINEN KOMPLEXEN LEHRBETRIEB ZU OR-
GANISIEREN, INHALTLICH AKTUELL ZU BLEIBEN
UND DABEI DIE BEDÜRFNISSE DER STUDIEREN-
DEN IM BLICK ZU BEHALTEN.
Liebe Juliane, liebe Linda, was macht für euch die
Filmakademie zu einer besonderen Hochschule?
JULIANE: Unser Campus mit der Filmakademie, in der
FABW-Community meist „AKA“ genannt, ihrem Animationsinstitut
und ihrem Atelier Ludwigsburg-Paris sowie
der Akademie für Darstellende Kunst (ADK) ist eine
einzigartige Begegnungsstätte. Die AKA bietet eine außergewöhnlich
intensive Lernumgebung. Wir sind hier
sehr gut ausgestattet, zum Beispiel mit eigenen Studios
und neuester Technik und können alle medialen Formate
herstellen. Dazu gehören Kooperationsprogramme
wie z.B. Extended Directing, ausgerichtet von der FABW
und der ADK. Dabei setzen Studierende aus unterschiedlichen
Gewerken ihr eigenes Projekt in der Regie
um – ob auf der Bühne, im Bewegtbild oder als Game.
Die eigentliche Besonderheit ist aber unser Standort
Ludwigsburg. Anders als in den Großstädten sind unsere
Studierenden auf die gegenseitige Unterstützung
angewiesen und vernetzen sich stärker als an anderen
Hochschulen. Manchmal fühlen wir uns wie in einem
Internat.
LINDA: Ein weiteres Alleinstellungsmerkmal bildet die
bilinguale Lehre im Projektstudium, die es internationalen
Studierenden ermöglicht, an der FABW zu studieren.
Studierende aus aller Welt treffen sich auf unserem
Campus, um miteinander Filme zu realisieren und voneinander
zu lernen. Die projektorientierte Arbeit und
die enge Zusammenarbeit schaffen ein starkes, globales
Netzwerk unter den jungen Filmschaffenden. Viele
Absolvent*innen bleiben verbunden – sowohl innerhalb
der Branche als auch mit unserer Hochschule.
Wie wichtig ist die Praxisnähe heute noch – ein
Gründungsprinzip der Akademie?
JULIANE: Sie ist nach wie vor zentral. Die Möglichkeit,
eine Vielzahl von Projekten umzusetzen und im „Learning
by Doing“ umfassende Erfahrung zu sammeln, ist
für viele ein Hauptgrund, hier zu studieren. Die enge
Einbindung von Dozierenden aus der Branche sorgt dafür,
dass die Lehre aktuell bleibt.
LINDA: Wir bieten eine praxisnahe Ausbildung in einem
geschützten Rahmen. Die Bedingungen ähneln der
beruflichen Realität, aber immer im Kontext der Lehre.
So sammeln Studierende in kurzer Zeit wertvolle Erfahrungen,
die sie außerhalb der Akademie über Jahre
hinweg erwerben müssten. Zusätzlich ermöglicht das
Diplomsystem flexible und individuelle Lehrformate, da
die FABW nicht dem Bologna-Prozess unterliegt wie andere
Hochschulen.
Inwieweit habt ihr Anteil an der Gestaltung solcher
Lehrformate?
LINDA: Als Studienleiterinnen übernehmen wir die
übergeordnete Studienplanung, setzen thematische
Schwerpunkte und entwickeln gemeinsam mit unseren
Dozierenden Unterrichtskonzepte. Dabei überprüfen
wir genau, wie wir relevante und aktuelle Themen
angemessen aufgreifen können.
JULIANE: Die einzelnen Studiengänge arbeiten auf
Grundlage eigener Curricula. Wir kennen deren Planungen,
unterstützen mit Vorschlägen und stehen im regelmäßigen
Austausch. Uns ist wichtig, im Dialog zu bleiben
und Entwicklungen gemeinsam zu gestalten.
Wie greift ihr neue Technologien und Themen
wie Künstliche Intelligenz (KI) in der Lehre auf ?
LINDA: Technologische Entwicklungen – wie etwa KI
– beeinflussen die Ausbildung deutlich. Viele Studierende
bringen heute schon umfangreiche Kenntnisse
mit. Dennoch bleibt die fundierte Auseinandersetzung
im Studium unverzichtbar. Wir ermutigen die Studierenden,
Angebote zu nutzen, auch wenn sich der Nutzen
manchmal nicht sofort erschließt. Langfristig profitieren
sie davon.
125

MEET THE STAFF
JULIANE: KI löst unter den Studierenden natürlich
teilweise auch Verunsicherung und Ängste aus. Deshalb
bieten wir Symposien und praktische Workshops zu diesem
Thema an, auch wenn es durch den rasanten Fortschritt
gar nicht so leicht ist, die passenden Dozierenden
zu finden. Diese Formate helfen, Berührungsängste
abzubauen und das Potenzial von KI differenziert zu betrachten.
Bei den meisten verwandelt sich dann Verunsicherung
in Neugier.
LINDA: Unser Ziel ist es, Brücken zwischen technologischem
Fortschritt und künstlerischer Praxis zu bauen,
um die Studierenden auf zukünftige Herausforderungen
vorzubereiten. Dabei hilft, dass der Campus eine
eigene Abteilung mit „Forschung & Entwicklung“ beheimatet,
die Forschung, Lehre und Projektarbeit miteinander
verzahnt.
Hilft euer eigener Hintergrund in der Filmproduktion
bei der heutigen Aufgabe?
JULIANE: Definitiv, wir sind beide Alumni der AKA
und kennen den Campus aus verschiedenen Perspektiven.
Unsere Ausbildung und unsere Berufserfahrung als
Producerinnen hat uns sehr gut auf die Aufgaben und
Herausforderungen in der Studienleitung vorbereitet.
Wir haben Verständnis für kreative Prozesse, verstehen
aber auch finanzielle Zusammenhänge und Notwendigkeiten.
Damit fällt es leichter, z.B. bei der Wirtschaftsplanung
der Lehre die Übersicht zu behalten.
LINDA: Als Producerinnen bringen wir ein generalistisches
Verständnis mit. Wir koordinieren, unterstützen
und behalten den Überblick über die verschiedenen Bereiche.
Unser Alltag ist dem einer Producerin nicht unähnlich:
immer im Spagat zwischen Problemlösung und
Projektmanagement. Wir springen spontan in unterschiedlichste
Themen rein und sind gleichzeitig dankbar
für jede ruhige Minute.
JULIANE: Wir planen und führen jedes Jahr viele unterschiedliche
Formate durch. Dabei übernimmt mit
großem Engagement unsere Kollegin Steffi Schlupeck
eine maßgebliche Rolle. Gerade bei der Organisation unserer
Lehrveranstaltungen und öffentlichen Events sorgt
sie für einen reibungslosen Ablauf. Dazu gehören z.B. die
Studienjahreseröffnung, die Campuseröffnungswoche,
die jährliche Premieren-Lesung des aktuellen Kurzgeschichtenbandes
oder auch Symposien zu aktuellen Themen,
welche die Medienbranche bewegen.
126
Wie sieht euer beruflicher Werdegang nach dem
Diplom an der Filmakademie aus? Und wie seid
ihr letztlich in der Studienleitung der FABW gelandet?
LINDA: Nach meinem Abschluss im Jahr 2010 begann
ich als Post Production Producerin bei DAS WERK München
zu arbeiten. Dort habe ich alle möglichen Formate
von Werbung bis Kino betreut. Später habe ich als Producerin
für eine andere Firma in München Formate für
Arte produziert und in der Herstellungsleitung der NDF
(Neue Deutsche Filmgesellschaft) gearbeitet.
Bevor ich als Studienleiterin an die FABW zurückgekommen
bin, habe ich Juliane während ihrer Elternzeit vertreten,
als sie noch das Castingbüro an der FABW geleitet
hat. Und sie hat dann später mich vertreten, als ich
in meiner zweiten Elternzeit war. Es ist schon lustig, wie
das Leben so spielt. Dass wir einmal ein Kolleginnenteam
in der Studienleitung werden, war nicht vorherzusehen.
Würde man unsere Geschichte in ein Drehbuch
schreiben, könnte es fast konstruiert wirken.
Fest in Ludwigsburg zu bleiben, war gar nicht mein Plan,
als ich vor 10 Jahren an die Filmakademie zurückgekommen
bin. Jetzt bin ich glücklich, dass es so gekommen
ist. Für mich ist die Beschäftigung mit den unterschiedlichen
Themen in der Studienleitung ein Geschenk, das
man nicht in jedem Job bekommt. Ich fühle mich hier
genau richtig.
JULIANE: Linda, Du sagst es! Meine Zukunft hatte ich
mir ebenfalls nicht an der Filmakademie oder in Ludwigsburg
ausgemalt. Vor und nach dem Produktionsstudium
habe ich verschiedene Stationen in der Werbung,
lange im Casting und als Freelancerin in Filmproduktionen
verbracht. Zuletzt habe ich als Producerin für die
Studio Hamburg Gruppe gearbeitet, bevor ich der Liebe
wegen nach Stuttgart gekommen bin. An der Filmakademie
durfte ich viele Jahre den Filmschauspielworkshop
und das Castingbüro betreuen, bis eine Elternzeitvertretung
für Linda gesucht wurde - und der Rest ist
Geschichte.
Ist euch der Perspektivwechsel von Studentinnen
zu Mitarbeiterinnen schwergefallen?
LINDA: Da ich einigen Abstand hatte zwischen dem Status
von der Studentin zur Mitarbeiterin, ist es mir nicht
schwergefallen.

JULIANE: War bei mir ganz ähnlich, an den neuen
Blickwinkel habe ich mich sehr schnell gewöhnt. Der
Alumni-Hintergrund hilft uns außerdem beim Verständnis
der studentischen Ideen, Fragen oder Nöte. Wir
haben das alles auch durchlebt und können uns da gut
einfühlen.
Viele Alumni kehren als Lehrende zurück.
Woran liegt das?
LINDA: Die Verbindung zur Akademie bleibt bei vielen
bestehen. Ehemalige möchten ihre Erfahrungen weitergeben
und die nächste Generation unterstützen. Aus dem
Austausch mit Alumni ist auch die Reihe „Selfmade“ entstanden,
die gezielt auf den Übergang ins Berufsleben
vorbereitet. Die Reihe wird von drei Alumni geleitet und
unterrichtet. Im Mittelpunkt steht das Thema: „Was ich
selbst gerne gewusst hätte, bevor ich die AKA verlassen
habe“. Über die Jahre haben wir ein umfangreiches Programm
entwickelt, das sich mit konkreten Fragen beschäftigt
wie: Wie gehe ich in ein Bewerbungsgespräch?
Wie finanziere ich mich selbst? Was ist die Künstlersozialkasse?
Und viele weitere.
zeigen, kam von einem Studierenden – mittlerweile ist
das ein festes monatliches Format. Die Studierenden
wählen die Filme auch selbst aus.
JULIANE: Darüber hinaus führen wir Einzelgespräche
mit Studierenden und stehen im Austausch mit dem
AStA. Wir legen großen Wert auf eine offene Gesprächskultur
und nehmen neue Impulse aktiv auf. Über umfassende
Evaluierungen geben Studierende regelmäßig
Rückmeldung, diese Ergebnisse nutzen wir zur Weiterentwicklung
des Curriculums. Dadurch bekommen wir
ein Gefühl für die Stimmung in der Studierendenschaft.
Jede neue Generation bringt ihre eigenen Themen mit,
auf die wir in der Regel auch eingehen.
Was ist euer größtes Anliegen in der Ausbildung?
JULIANE: Die Studierenden erhalten an der AKA den
Raum, einen eigenen Stil, eine künstlerische Handschrift
zu entwickeln. Wir wollen kreative Persönlichkeiten
ausbilden, die sich ihrer Verantwortung als Filmemacher*innen
bewusst sind und Haltung entwickeln.
Das ist für uns ein zentrales Ziel.
JULIANE: Ein schönes Beispiel ist Katrin Gärtner – sie
hat Produktion an der FABW studiert und zugleich als
Stuntfrau gearbeitet. Schon während des Studiums wurde
sie häufig zu Projekten hinzugezogen, entweder beratend
oder in der Stuntkoordination. Heute unterrichtet sie gemeinsam
mit Kolleg*innen aus der Branche Action Design,
bietet aber weiterhin Stuntberatung und inzwischen
auch Intimacy Coordination für unsere Studierenden an.
Worauf achtet ihr bei der Auswahl von Lehrenden
besonders?
JULIANE: Neben der fachlichen Expertise ist pädagogisches
Feingefühl entscheidend. Es geht darum, junge Menschen
zu begleiten, nicht nur darum, Wissen zu vermitteln.
LINDA: Der Austausch steht im Vordergrund – Lehre
verstehen wir als wechselseitigen Prozess. Es geht nicht
um Frontalunterricht, sondern um gemeinsames Lernen
und Arbeiten. Oder besser: Erarbeiten.
Bringen auch Studierende Vorschläge in die
Lehre ein?
LINDA: Ja, ein Beispiel: Die Idee, Filmklassiker im Caligari-Kino
mit anschließender Diskussionsrunde zu
LINDA: Studierende wirken durch ihr mediales Schaffen
als Multiplikator*innen in die Gesellschaft. Dafür geben
wir ihnen im Laufe ihres Studiums nicht nur theoretische
und praktische Werkzeuge an die Hand. Wertevermittlung
ist ebenfalls unser großes Anliegen, das wir
sowohl in der Lehre verfolgen als auch im Zusammenleben
auf dem Campus praktizieren.
Zum Abschluss: Was ist euer absoluter
Lieblingsfilm und warum?
LINDA: Den einen Lieblingsfilm habe ich nicht. Ich mag
Geschichten, die erzählen, wie Figuren ihren Weg finden
müssen. Wie Menschen miteinander in Beziehung stehen
und was diese Beziehungen füreinander bedeuten.
Wie die Menschen dabei mit ihrer eigenen Haltung verhandeln,
berührt mich immer wieder aufs Neue. Filme
wie BOYHOOD, MARRIAGE STORY und LITTLE WO-
MEN zählen zum engeren Kreis dieser Filme.
JULIANE: Ganz schwierige Frage, es gibt so viele Lieblingsfilme!
Je länger ich darüber nachdenke, desto
schwerer fällt mir die Antwort. Vielleicht eher auch
Lieblingsregisseur*innen, wie Richard Linklater, Sofia
Coppola oder Joel und Ethan Coen? Ach nein, ich weiß es:
LITTLE MISS SUNSHINE!
127

MEET THE STAFF
But what really sets us apart is our location in Ludwigsburg.
Unlike in big cities, our students rely on mutual
support and networks more closely than at other universities.
Sometimes we feel like we’re at boarding school.
“Our campus
offers space
to grow, think,
and create.”
JOINT HEADS
OF STUDIES
JULIANE VOIGTLÄNDER AND LINDA KRÄ-
MER ARE THE JOINT HEADS OF STUDIES AT
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG (FABW).
IN THIS INTERVIEW, THEY EXPLAIN WHAT IT
MEANS TO ORGANISE COMPLEX TEACHING AC-
TIVITIES, KEEP THE CONTENT UP TO DATE, AND
KEEP THE NEEDS OF THE STUDENTS IN MIND.
LINDA: Another unique feature is the bilingual teaching
in the graduate studies phase, which enables international
students to study at FABW. Students from all over
the world meet on our campus to make films together
and learn from each other. The project-based work
and close collaboration create a strong, global network
among young filmmakers. Many graduates stay connected
– both within the industry and with our film school.
How important is practical relevance today – as a
founding principle of FABW?
JULIANE: It is still key. The opportunity to implement
a variety of projects and gain comprehensive experience
through ‘learning by doing’ is a major reason why many
choose to study here. The close involvement of lecturers
from the industry ensures that the teaching remains
up to date.
LINDA: We offer practical training in a protected environment.
The conditions are similar to those in the
professional world, but always in the context of teaching.
This allows students to gain valuable experience in
a short period of time that would otherwise take years
to acquire outside the academy. In addition, the diploma
system allows for flexible and individual teaching formats,
since FABW is not subject to the Bologna Process
like other universities.
Juliane and Linda, what makes the Filmakademie
a special university for you?
To what extent are you involved in designing
such teaching formats?
JULIANE: Our campus, with the Filmakademie – usually
referred to as ‘AKA’ in the FABW community – its
Animationsinstitut and its Atelier Ludwigsburg-Paris,
as well as the Academy of Performing Arts (ADK), is
a unique meeting place. The AKA offers an exceptionally
intensive learning environment. We are very well
equipped here, for example with our own sound stages
and the latest technology, and can produce all media formats.
This includes cooperation programmes such as Extended
Directing, organised by FABW and ADK. Students
from different disciplines realise their own projects in
the field of directing – whether on stage, in moving images,
or as games.
LINDA: As heads of studies, we are responsible for overall
study programme planning, setting thematic priorities,
and developing teaching concepts together with
our lecturers. In doing so, we carefully consider how we
can address relevant and current topics in an appropriate
manner.
JULIANE: The individual courses of study are based on
their own curricula. We are familiar with the departments’
plans, support them with suggestions, and are in
regular contact with them. It is important to us to remain
in dialogue and shape developments together.
128

How do you address new technologies and topics
such as artificial intelligence (AI) in your teaching?
LINDA: Technological developments – such as AI – have
a significant impact on education. Many students already
have extensive knowledge in this area. Nevertheless, indepth
study remains essential. We encourage students to
take advantage of what is on offer, even if the benefits are
not always immediately apparent. They will reap the rewards
in the long term.
JULIANE: AI naturally causes some uncertainty and
anxiety among students. That’s why we offer symposia
and practical workshops on this topic, even though the
rapid pace of progress makes it difficult to find the right
lecturers. These formats help to ease reservations and
encourage a nuanced view of AI’s potential. For most
people, uncertainty then turns into curiosity.
LINDA: Our goal is to build bridges between technological
progress and artistic practice in order to prepare students
for future challenges. It helps that the campus has
its own research & development department that integrates
research, teaching, and project work.
the opening of the academic year, the campus opening
week, the annual premiere reading of the current short
story collection, symposia on current topics that are relevant
to the media industry, and more.
What did your professional career look like after
graduating from the Filmakademie? And how did
you end up as head of studies at FABW?
LINDA: After graduating in 2010, I started working
as a post-production producer at DAS WERK Munich.
There, I worked on all kinds of formats, from advertising
to cinema. Later, I worked as a producer for another
company in Munich, producing formats for Arte, and in
production management at NDF (Neue Deutsche Filmgesellschaft)
film and television production company.
Before returning to FABW as head of studies, I substituted
for Juliane during her parental leave when she was
still running the casting office at FABW. And she then
sat in for me when I was on my second parental leave.
It’s funny how life works. We never could have predicted
that we would one day become colleagues in the head
of studies team. If you wrote our story in a screenplay, it
would almost seem contrived.
Does your own background in film production
help you in your current role?
JULIANE: Definitely, we are both alumni of FABW and
know the campus from different perspectives. Our training
and professional experience as producers has prepared
us very well for the tasks and challenges that the
role of head of studies brings. We understand creative
processes, but we also understand financial contexts and
necessities. This makes it easier to maintain an overview
when planning the budget for teaching, for example.
LINDA: As producers, we bring a generalist understanding
to the table. We coordinate, support, and keep track
of the various areas. Our day-to-day work is not unlike
that of a producer: always juggling problem solving and
project management. We jump into a wide variety of
topics on the fly and are grateful for every quiet minute.
JULIANE: We plan and implement many different formats
every year. Our colleague Steffi Schlupeck plays a
key role in this with great commitment. She ensures that
everything runs smoothly, especially when it comes to
organising our courses and public events. This includes
Staying in Ludwigsburg wasn’t my plan at all when I returned
to the Filmakademie 10 years ago. Now I’m happy
that it turned out this way. For me, dealing with the different
topics in the head of studies department is a gift
that you don’t get in every job. I feel right at home here.
JULIANE: Linda, you said it! I also didn’t imagine my
future at the Filmakademie or in Ludwigsburg.
Before and after my production studies, I worked in various
positions in advertising, spent a long time in casting,
and freelanced in film productions. Most recently, I
worked as a producer for the Studio Hamburg Group before
moving to Stuttgart for love. At FABW, I was able to
supervise the film acting workshop and the casting office
for many years until a replacement was sought for
Linda during her parental leave – and the rest is history.
Was it difficult for you to make the transition
from student to employee?
LINDA: Since I had some time and distance between
my status as a student and as an employee, it wasn’t difficult
for me.
129

MEET THE STAFF
JULIANE: It was very similar for me; I got used to
the new perspective very quickly. Moreover, our alumni
background helps us understand the students’ ideas,
questions, and needs. We’ve been through it all ourselves
and can empathise with them.
Many alumni return as teachers. Why is that?
with students and are in contact with the student council.
We embrace an open culture of dialogue and actively
welcome new ideas. Students provide regular feedback
through comprehensive evaluations, and we use these results
to further develop the curriculum. This gives us a
feel for the mood among the student body. Each new generation
brings its own issues, which we usually address.
LINDA: Many of them maintain their connection to the
academy. Former students want to pass on their experience
and support the next generation. The dialogue and
interaction with alumni also gave rise to the ‘Selfmade’
series, which specifically prepares students for the transition
to professional life. The series is led and taught by
three alumni. The focus is on the topic: ‘What I would
have liked to have known before I left the AKA.’ Over the
years, we have developed a comprehensive programme
that addresses specific questions such as: How do I go into
a job interview? How do I finance myself? What is the
artists’ social security fund? And many more.
JULIANE: Katrin Gärtner is a great example – she studied
production at FABW while working as a stuntwoman.
Even during her studies, she was frequently called in for
projects, either in an advisory capacity or as a stunt coordinator.
Today, she teaches action design alongside colleagues
from the industry, but continues to offer stunt consulting
and, more recently, intimacy coordination for our students.
What do you look for in particular when selecting
teachers?
JULIANE: In addition to professional expertise, pedagogical
sensitivity is crucial. It’s about guiding and supporting
young people, not just imparting knowledge.
Linda: The focus is on interaction, sharing and dialogue
– we see teaching as a mutual process. It’s not about lecturing,
but about learning and working together. Or better
yet: working things out together.
Do students also contribute suggestions for the
courses and curriculum?
What is your biggest concern in education?
JULIANE: At the AKA, students are given the space to
develop their own style and artistic signature. We want
to train creative individuals who are aware of their responsibility
as filmmakers and develop a stance. That is
a central goal for us.
LINDA: Through their media work, students act as disseminators
in society. To this end, we provide them with
more than just theoretical and practical tools during
their studies. The transmission of values is also very important
to us, and we pursue that both in our teaching
and in our campus life.
Finally, what is your absolute favourite movie
and why?
LINDA: I don’t have one favourite movie. I like stories
that tell how characters have to find their way in life.
How people relate to each other and what those relationships
mean to them. How people negotiate their own
attitudes in the process always touches me. Films like
BOYHOOD, MARRIAGE STORY, and LITTLE WOMEN
are among my favourites.
JULIANE: That’s a really difficult question, I have so
many favourite movies! The longer I think about it, the
harder it is to answer. Maybe I’d rather name my favourite
directors, like Richard Linklater, Sofia Coppola, or Joel
and Ethan Coen? Oh wait, now I know: LITTLE MISS
SUNSHINE!
LINDA: Yes, here’s an example: The idea of showing
movie classics at the Caligari cinema followed by a discussion
came from a student – it’s now a regular monthly
event. The students also choose the films themselves.
JULIANE: In addition, we hold one-on-one meetings
Steffi Schlupeck, Juliane Voigtländer, Linda Krämer
130

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32. KUNSTRASENTURNIER
IN LUDWIGSBURG
VOM 20.-22. JUNI 2025 WURDE WIEDER
DIE FUSSBALLMEISTERSCHAFT DER EU-
ROPÄISCHEN KUNSTHOCHSCHULEN UND
AKADEMIEN AUSGETRAGEN – UND ZWAR IN
LUDWIGSBURG. UND WIR DÜRFEN MIT STOLZ
VERKÜNDEN: DER FC AKA HAT ZUM 7. MAL
DIE "GOLDENE ECKFAHNE" NACH HAUSE GE-
HOLT UND ZÄHLT DAMIT NUN ZU DEN RE-
KORDTITELGEWINNERN!
Vielen Dank an alle, die dieses Turnier möglich gemacht
haben: UNSER TOLLES ORGA-TEAM, DIE
VIELEN HELFENDEN HÄNDE, UNSERE SPONSO-
REN:
DFB, Bürger Maultaschen, Rossknecht ziemlichBE-
STEbiere, Bäckerei Trölsch, SÜDKOLA Limonadenwerk
und FABW.
Ein besonderer Dank geht natürlich an alle Teams,
die aus ganz Europa angereist sind, um am Turnier
teilzunehmen – und Spaß zu haben.
WIR FREUEN UNS SCHON
JETZT MIT EUCH AUF
MÜNSTER 2026!
133

PHOTO GALLERY
134

32ND FIELD TURF
TOURNAMENT
IN LUDWIGSBURG
FROM JUNE 20 TO 22, 2025, THE FOOTBALL
CHAMPIONSHIP FOR EUROPEAN ART COL-
LEGES AND ACADEMIES WAS HELD ONCE AGAIN
– THIS TIME IN LUDWIGSBURG. AND WE ARE
PROUD TO ANNOUNCE THAT FC AKA WON THE
"GOLDEN CORNER FLAG" FOR THE SEVENTH
TIME, MAKING IT ONE OF THE RECORD TITLE
WINNERS!
Many thanks to everyone who made this tournament
possible: our fantastic organising team, the many helping
hands, and our sponsors:
DFB, Bürger Maultaschen, Rossknecht ziemlichBESTEbiere,
Bäckerei Trölsch, SÜDKOLA Limonadenwerk, and
FABW.
Special thanks in particular go to all the teams who travelled
from all over Europe to compete in the tournament
– and to have fun.
WE ARE ALREADY
LOOKING FORWARD
TO SEEING YOU
IN MÜNSTER IN 2026!
135

ALUMNI IM FOKUS
„
HEUTE WISSEN WIR:
UNSERE UNTERSCHIEDE
MACHEN UNS ZU EINEM
GUTEN TEAM.
136

Ein Gespräch mit Lisa Purtscher und Lotta Schmelzer
Absolventinnen Produktion (2025)
IM APRIL HABEN LISA PURTSCHER UND
LOTTA SCHMELZER IHR STUDIUM DER
PRODUKTION AN DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG ABGESCHLOSSEN.
BEREITS IM OKTOBER 2023 HABEN SIE DIE
FIRMA LISELOTTE FILMS IN LUDWIGSBURG
GEGRÜNDET, MIT DER SIE PROJEKTE IN DEN
BEREICHEN FIKTION, DOKUMENTARFILM
UND SERIEN REALISIEREN. DIE BEIDEN
BLEIBEN ALSO AUCH NACH IHREM DIPLOM
IHRER „GELIEBTEN KLEINEN FILMHOCH-
SCHULSTADT“ (ZITAT) TREU.
uns unterstützt haben. Es gibt eine Liste von Personen,
die ihr in unserem “LiseLotte Dankt” im BABY STAR-
Abspann lesen werdet – ohne diese Menschen wäre es
sehr viel schwieriger gewesen, alles auf die Beine zu stellen.
Aber jeder Langfilm ist fordernd und das besonders,
wenn man noch an der Hochschule ist. Gründen
und produzieren mussten wir also wie jede andere Produktionsfirma;
diesen Weg sind wir zu zweit gegangen,
das fühlt sich dann schon nach der üblichen Branche an.
Nach mehreren gemeinsamen Kurzfilmen haben sie
ihr Studium mit BABYSTAR, ihrem ersten Spielfilm,
mit dem ZDF - Das kleine Fernsehspiel abgeschlossen.
BABYSTAR hat Anfang September bei einem der international
bedeutendsten Filmfestivals, dem TIFF in
To r onto, seine Weltpremiere gefeiert. Ihr zweiter
90-Minüter ist ein Dokumentarfilm mit dem Titel THE-
RE YOU GO im Auftrag des SWR.
Liebe Lisa, liebe Lotta, ihr habt bereits knapp
zwei Jahre vor eurem Abschluss an der Filmakademie
eure eigene Firma gegründet. Das Wasser
beim Sprung ins Haifischbecken der Filmbranche
hat sich dadurch vermutlich nicht ganz so kalt
angefühlt?
Eine super spannende Frage und doch, das Wasser war
schon dennoch ziemlich kalt. Wie eine Gründung funktioniert
und was man genau dafür benötigt, mussten wir
uns im Grunde selbst beibringen. Um unseren ersten
Langfilm BABYSTAR dann mit der eigenen Firma produzieren
zu dürfen, mussten wir erst einmal die Filmakademie
von uns und unserem Vorhaben überzeugen,
üblich ist dieser Weg ja nicht. Im Rahmen der Filmakademie
die Möglichkeit zu bekommen, einen Langfilm
abzuschließen, der die Qualität eines branchenkonkurrenzfähigen
Langfilms hat, ist eine große Chance. Als
Produzentinnen war es uns also sehr wichtig, unseren
Abschlussfilm zu unserem Baby(star) zu machen und
auch außerhalb der Hochschule die Wertschätzung dafür
zu bekommen, weshalb wir mit Beginn der Preproduction
gegründet haben. Mit der Filmakademie hatten
wir einen sicheren Hafen mit tollen Mentor*innen, die
Filmstill BABYSTAR
Wann habt ihr euch an der „AKA“ kennengelernt?
Und wann ist der Entschluss in euch
gereift, eine Produktionsfirma zu gründen?
Wir haben beide 2018 begonnen, Produktion zu studieren.
In diversen Unterrichtseinheiten haben wir bei
Vorstellungsrunden immer klarer formuliert, dass wir
gerne einmal selbst gründen würden. Damals trauten
wir uns kaum, das auszusprechen. Wie zwei Teenager
in einem Coming-of-Age-Film wagten wir lange nicht
zu fragen, was wir beide dachten: Wollen wir nicht gemeinsam
gründen? Bis dahin waren wir “nur” das DJ-
Duo LiseLotte, das regelmäßig im Flint auflegte – und
so entstand die Idee einer richtigen Firma.
An einem sonnigen Tag, ganz in Weiß gekleidet (so ein
Gesellschaftsvertrag ähnelt in vielen Zügen einem Ehevertrag),
gingen wir zum Notar in Ludwigsburg und besiegelten
diesen großen Traum. Eine Firma zu gründen,
erfordert viel Mut und ist ein großes Privileg, deshalb
möchten wir uns dafür einsetzen, dass es auch für andere
weiblich gelesene Personen in Zukunft die Möglichkeit
gibt, ihre Firmen zu gründen. Filme produzieren
ist nämlich noch immer ein sehr männlich dominierter
Beruf.
137

ALUMNI IM FOKUS
In welchem Maß hat euch das Produktionsstudium
auf diesen Schritt vorbereitet
Abgesehen von vielen Unterrichtsstunden zu Finanzierung,
Medienrecht und Case Studies aus der Branche,
haben wir durch die AKA besonders die Selbstsicherheit
gefunden, die Produzentinnen zu werden, die wir heute
sind. Wir haben in der Studienvertiefung International
Producing diverse Filmfestivals besucht, haben gelernt,
uns auf diesen zu orientieren und ein Netzwerk aufzubauen.
Außerdem haben wir die Möglichkeit bekommen
herauszufinden, wo unsere Stärken und Schwächen liegen,
damit umzugehen und diese für uns zu nutzen. Wir
beide hatten zu Beginn unserer Zusammenarbeit Sorge,
wir könnten zu ähnlich sein. Heute wissen wir: Unsere
Unterschiede machen uns zu einem guten Team.
Was waren die größten Herausforderungen? Und
gab es auch positive Überraschungen?
Wie bei jedem Projekt haben wir Hochs und Tiefs erlebt,
hatten Monate ohne Fortschritte und Monate mit
vielen Entwicklungen und Veränderungen. Es gab inhaltliche
Knoten, die sich erst nach Monaten lösten. Der
Prozess erforderte viel Durchhaltevermögen, besonders
auch von unserem Autor*innenteam Nicole Rüthers und
Joscha Bongard. Die größte Herausforderung für uns
war aber auf jeden Fall die gesamte Finanzierung. Die
Möglichkeiten für Abschlussfilme sind leider im deutschen
Fördersystem einfach wahnsinnig eingeschränkt.
Wir haben lange auf die finale Zusage vom ZDF gewartet
und anschließend gezittert, ob unser Stoff die Förderung
der MFG erhält. Gerade mal einen Monat vor der
Einreichung haben wir gegründet. Wir waren zu zweit
und hatten vieles zu dem Zeitpunkt zum ersten Mal gemacht.
“Learning by Doing” hat seitdem eine neue Bedeutung
für uns bekommen. Wir saßen jeden Tag bis in
die Nacht im Büro. Diese Förderung war der wichtigste
Finanzierungsbaustein für den Film – der Druck
Beim Dreh von BABYSTAR
war enorm hoch, weil wir wussten, dass wir diese Gelder
brauchten, um den Film zu realisieren. Es war eine
sehr zähe Zeit, durch die wir uns wirklich durchkämpfen
mussten. Von der Hessen Film & Medien Förderung
erhielten wir dann noch vor der MFG eine Absage, was
ein großer Rückschlag war. Bei einer zweiten Einreichung
wiederum 6 Monate später hat es dann geklappt.
Neben der Finanzierung war es für uns auf jeden
Fall auch auf persönlicher Ebene herausfordernd,
unsere Freundschaft, unser WG-Leben (genau:
wir haben auch noch in einer Wohnung gelebt)
und unsere Arbeit zu vereinbaren. Durch unsere Erfahrungen
bei Kurzfilmen wussten wir ja zum Glück,
auf was wir uns einlassen, aber die Dimension eines
Langfilms hatten wir vorher auch noch nie erlebt.
Bei BABYSTAR und THERE YOU GO besteht die
Crew hauptsächlich aus ehemaligen Kommiliton*innen.
Würdet ihr gern auch in Zukunft mit
Alumni der FABW arbeiten?
Definitiv. Um es mal in Perspektive zu setzen: Aktuell
arbeiten wir an acht Stoffen in konkreter Entwicklung
oder Produktion und sechs davon sind von AKA-Absolvent*innen.
Das bedeutet, es entstand da auch eine
kleine AKA-Familie, und mit der wollen wir auch
in Zukunft arbeiten. Trotzdem denken wir auch über
unsere Hochschule hinaus. Wir möchten ja in den
nächsten Jahren wachsen und größer werden. Wir
können uns gut vorstellen, einen Standort in Österreich
zu eröffnen, um hier auch Koproduktionen entstehen
zu lassen. In Wien haben wir den Vorteil, dass
wir durch Lisa noch einige Beziehungen in die Branche
haben und entwickeln derzeit auch hier ein Projekt.
BABYSTAR handelt von einer 16-jährigen Influencerin,
die versucht, sich von Fremdbestimmung
und Käuflichkeit zu befreien. Auf eurer
Homepage ist zu lesen, dass ihr Filme drehen
möchtet, „die zum Nachdenken über unsere
moderne Gesellschaft anregen und Geschichten
aus einer weiblichen Perspektive erzählen.“ Sind
das für euch die entscheidenden Kriterien bei der
Auswahl und Entwicklung eurer Projekte?
Wir haben lange über unsere Positionierung als Firma
nachgedacht und geschaut, wo der gemeinsame
Nenner in den Stoffen liegt, die wir produzieren wollen.
Das Ergebnis war, dass wir Formate machen, die
138

einem Zeitgeist folgen und gesellschaftskritisch auf
unsere Welt schauen. BABYSTAR passt also perfekt
in das Profil. Als zwei Frauen in dieser immer noch
männlich dominierten Branche sehen wir es als eine
unserer Freuden und Aufgaben, Filme von Frauen
für Frauen zu erzählen, dabei setzen wir besonders
auf die Darstellung und Inszenierung von weiblich gelesenen
Personen in unseren Inhalten. Wir legen uns
aber nicht darauf fest und möchten uns hier auch bei
der Besetzung hinter der Kamera nicht einschränken.
Könntet ihr euch vorstellen, auch mal einen
richtigen Action-Kracher zu drehen?
Absolut, nichts geht über einen Feierabend mit DIE
HARD, derzeit ist sowas allerdings noch nicht in der
Pipeline. Uns sind besonders der Eindruck, mit dem
man aus unseren Filmen geht und das, was man daraus
mitnimmt, wichtig. Wenn das auch Action beinhaltet,
würden wir das nicht kategorisch ausschließen.
Habt ihr euch bewusst für einen Verbleib in Ludwigsburg
entschieden? Was hat am Ende den
Ausschlag dafür gegeben?
Uns ist die Nähe zu Talenten und dem deutschen Filmnachwuchs,
besonders als so junge Firma, wichtig, und
hier in Ludwigsburg wird ein Teil der neuen Generation
ausgebildet. Außerdem schätzen wir unsere gute Beziehung
zur Regionalförderung MFG, der Input und die Zusammenarbeit
bis dato waren einfach toll. Zu guter Letzt
ist es aber auch eine emotionale Verbundenheit mit dem
Ort, wo alles angefangen hat.
Könnt ihr das Studium an der Filmakademie
guten Gewissens weiterempfehlen?
Auf jeden Fall und das tun wir auch oft. Ludwigsburg ist
so konzentriert, aber – ohne jemandem zu nahe zu treten
– es ist sehr klein und viel ist nicht los (außer natürlich
die Kürbisausstellung und das „D-Zügle“). Und genau
das ist auch der Vorteil dieses speziellen Ortes, weil
man Film echt machen wollen muss, wenn man aus einer
Stadt wie München oder Wien dort hinzieht. Ein
Dorf voller hungriger Filmschaffender mit wenig Ablenkung
und viel Passion zur Sache, guter Nährboden für
gute Filme.
Wir freuen uns total, im nächsten Jahr einen weiteren
Langspielfilm in Zusammenarbeit mit der Filmakademie
zu realisieren, der Film HYPERBABY unter der
Regie von Romina Küper und gemeinsam mit der Producerin
Katharina Mumper entsteht zusammen mit
dem SWR. Außerdem entwickeln wir aktuell eine Serie
für RTL+, einen Horrorfilm und einen weiteren Debüt-Langspielfilm.
Aktuell drehen wir unseren Dokumentarfilm
THERE YOU GO mit dem SWR, dem NDR
und der MFG sowie der Hamburger Förderung MOIN.
BABYSTAR kommt bald raus - wir sind sehr gespannt,
was ihr denkt!
Zum Abschluss: Welcher Film oder welche Filme
haben euch nachhaltig geprägt und warum?
LISA: Mich haben die Filme von Hayao Miyazaki geprägt,
auch weil mein Vater sie mir mit 10 viel zu früh gezeigt
hat, aber auch weil die Magie in allen Studio-Ghibli-Filmen
auch ein magisches Element in mein eigenes Leben
bringt. LITTLE MISS SUNSHINE hat mich gelehrt, dass
ich meinen Körper als Frau lieben und den Spaß am Leben
nie verlieren darf, FRANCES HA hat mich auf meine
Twenties vorbereitet (it´s a journey!) und LA HAINE
mir als Teenagerin politische Missstände aufgezeigt. Ich
denke, Film prägt uns als Gesellschaft wie kaum ein anderes
Medium, und so darf auch ich heute ein Teil von
etwas (hoffentlich) Großem sein.
LOTTA: Mich kann man mit Biopics wie SPENCER und
Geschichten wie MARRIAGE STORY, ANATOMY OF A
FALL, HOW TO HAVE SEX oder FRANCES HA total
abholen. Wir schauen beide tatsächlich sehr viele unterschiedliche
Filme und sind oft gar nicht unbedingt der
gleichen Meinung, was den Austausch umso spannender
macht, ganz besonders, wenn man gemeinsam auf Filmfestivals
ist. Einen Nenner finden wir aber immer bei
genial geschriebenen Dramen wie LITTLE MISS SUNS-
HINE oder Kunstwerken wie AFTERSUN, bei dem wir
uns auf dem IFFR in Rotterdam die Augen aus dem Leib
geheult haben. Schon toll, was Film schaffen kann. Wir
hoffen auch euch mal mit unseren Filmen so zu begeistern…
LINK:
https://www.liselottefilms.com/
Was sind eure nächsten Projekte?
139

ALUMNI IN FOCUS
‘ TODAY WE KNOW THAT
OUR DIFFERENCES MAKE US
A GOOD TEAM.‘
When the company was founded...
...and on the set of BABYSTAR
140

A conversation with Lisa Purtscher and Lotta Schmelzer
Production graduates (2025)
IN APRIL, LISA PURTSCHER AND LOTTA
SCHMELZER COMPLETED THEIR STUDIES IN
THE PRODUCTION COURSE AT FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG. BACK IN OCTOBER
2023, THEY FOUNDED THE COMPANY LISELOTTE
FILMS IN LUDWIGSBURG, WHERE THEY REALI-
SE PROJECTS IN THE FIELDS OF FICTION FILM,
DOCUMENTARY FILM, AND SERIES. SO EVEN
AFTER GRADUATING, THE TWO ARE STAYING
TRUE TO THEIR ‘BELOVED LITTLE FILM SCHOOL
TOWN’ (THEIR WORDS).
After several short films together, they completed their
studies with BABYSTAR, their first feature film, with
ZDF – Das kleine Fernsehspiel. Their second 90-minute
film is a documentary entitled THERE YOU GO, commissioned
by SWR.
Hi Lisa, hi Lotta, you founded your own company
almost two years before graduating from FABW.
That probably made the water a little less cold
when you jumped into the shark tank of the film
industry, right?
That’s a really interesting question, but actually the water
was still pretty cold. We basically had to teach ourselves
how to start a company and what exactly we needed
to do it. To be able to produce our first feature film,
BABYSTAR, with our own company, we first had to
convince the Filmakademie of our vision and our project,
which is not the usual way of doing things. Getting
the opportunity within the framework of FABW to complete
a feature film that is of a quality competitive with
other films in the industry is a great opportunity. As producers,
it was very important to us to make our diploma
film our baby (star) and gain recognition for it outside
of the school, which is why we founded the company
at the beginning of pre-production. The Filmakademie
provided us with a safe haven and amazing mentors who
supported us. There is a list of people you will find in
our ‘LiseLotte says thank you’ section in the BABYSTAR
credits – without those people, it would have been much
more difficult to get everything off the ground. But every
feature film is demanding, especially when you’re still
at film school. So we had to establish the company and
produce like any other production company. We went
down this path together, which felt like we were taking
a step into the real industry.
When did you meet at the ‘AKA’? And when did
you decide to start a production company?
We both started studying production in 2018. In various
classes, we made it increasingly clear during introduction
rounds that we would like to start our own company
one day. At the time, we could barely say it out loud.
Like two teenagers in a coming-of-age movie, we didn’t
dare to ask what we were both thinking for a long time:
‘Do we want to start a business together?’ Until then, we
were ‘just’ the DJ duo LiseLotte, who regularly played at
Flint, a local bar – and that’s how the idea of a real company
came about.
On a sunny day, dressed all in white (a company partnership
agreement is similar to a marriage contract in
many ways), we went to a notary in Ludwigsburg and
sealed this big dream. Starting a company requires a lot
of courage and is a great privilege, which is why we want
to work to ensure that other female-identified people also
have the opportunity to start their own companies
in the future. After all, film production is still a very
male-dominated profession.
On the set of BABYSTAR
To what extent did your production studies prepare
you for this step?
Apart from many lessons on financing, media law, and
case studies from the industry, the AKA gave us the
141

ALUMNI IN FOCUS
self-confidence to become the producers we are today.
During our specialisation in international producing, we
attended various film festivals, learned how to navigate
them, and built up a network. We also had the opportunity
to discover our strengths and weaknesses, figure out
how to deal with them and use them to our advantage.
When we first started working together, we were both
worried that we might be too similar. Today we know
that our differences make us a good team.
In addition to the financing, it was definitely challenging
for us on a personal level to balance our friendship,
our shared apartment (yes, we were even living together),
and our work. Fortunately, thanks to our experience
with short films, we knew what we were getting ourselves
into, but we had never experienced the scale of a
feature film before.
The crew of BABYSTAR and THERE YOU GO
consists mainly of former fellow students. Would
you like to continue working with FABW alumni
in the future?
The film team of BABYSTAR
What were the biggest challenges? And were
there any positive surprises?
As with any project, we experienced highs and lows,
months without any progress and months with lots of
developments and changes. There were content-related
issues that took months to resolve. The process required
a lot of perseverance, especially from our team of writers,
Nicole Rüthers and Joscha Bongard. But the biggest
challenge for us was definitely the financing. Unfortunately,
the opportunities for graduation films are incredibly
limited in the German funding system. We waited a
long time for the final confirmation from ZDF and then
were on edge waiting to see if our material would receive
funding from the MFG film funding programme.
We founded the company just one month before the
submission deadline. There were only two of us and we
were doing many things for the first time. ‘Learning by
doing’ has taken on a whole new meaning for us since
then. We sat in the office every day until late at night.
This funding was the most important financial component
for the film – the pressure was enormous because
we knew we needed this money to be able to make
the film. It was a very tough time that we really had
to fight our way through. We received a rejection from
the Hessian federal film funding before the MFG made
their decision, which was a major setback. But when
we submitted again six months later, it worked out.
Definitely. To put it in perspective: we are now working
on eight projects currently in concrete development or
production, and six of them are by AKA graduates. So,
in a way, a little AKA family has formed, and we want
to continue working with them in the future. Nevertheless,
we are also thinking beyond our alma mater. We
want to grow and expand in the coming years. We can
well imagine opening a location in Austria to develop
co-productions there. In Vienna, we have the advantage
that Lisa still has some connections in the industry, and
we are currently developing a project there as well.
BABYSTAR is about a 16-year-old influencer
who tries to free herself from external control
and commercialism. On your website, you
say that you want to create films that ‘make you
rethink our modern society and tell stories from
a female perspective’. Are these the decisive criteria
for you when selecting and developing your
projects?
We thought long and hard about our positioning as a
company and looked for the common denominator in
the material we want to produce. The result was that we
make formats that follow the zeitgeist and take a socially
critical look at our world. BABYSTAR fits this profile
perfectly. As two women in this still male-dominated industry,
we see it as one of our joys and responsibilities to
tell stories by women and for women, with a particular
focus on the portrayal and staging of female-identified
characters in our content. However, we don’t limit ourselves
to this and don’t want to restrict ourselves when
it comes to behind-the-camera roles.
Could you imagine producing a veritable action
blockbuster?
142

Absolutely, nothing beats ending the day with DIE
HARD, but there isn’t anything like that in the pipeline
right now. What’s important to us is the impression our
films leave and what people take away from them. If that
includes action, we wouldn’t rule it out categorically.
Did you consciously decide to stay in Ludwigsburg?
What was the deciding factor in the end?
in all Studio Ghibli films brings a magical element into
my own life. LITTLE MISS SUNSHINE taught me that
I should love my body as a woman and never lose my
sense of fun in life, FRANCES HA prepared me for my
twenties (it’s a journey!), and LA HAINE showed me political
injustices as a teenager. I think film shapes us as a
society like no other medium, and so today I too can be
part of something (hopefully) big.
As a young company, it’s important for us to be close to
talent and young German filmmakers, and part of the
new generation is being trained here in Ludwigsburg.
We also appreciate our good relationship with the regional
funding agency MFG; the input and cooperation
have been great so far. Last but not least, we have an
emotional connection to the place where it all began.
Would you wholeheartedly recommend studying
at FABW?
Absolutely, and we often do that. Ludwigsburg is so concentrated,
but – without wanting to offend anyone –
it’s very small and there’s not much going on (except, of
course, the pumpkin exhibition and the ‘D-Zügle’ pub).
And that’s exactly what makes this place so special, because
you have to really want to make films if you move
there from a city like Munich or Vienna. A town full of
hungry filmmakers with few distractions and a lot of
passion for what they do – that’s a good breeding ground
for good films.
LOTTA: I’m totally into biopics like SPENCER and stories
like MARRIAGE STORY, ANATOMY OF A FALL,
HOW TO HAVE SEX, and FRANCES HA. We actually
watch a lot of different films and often don’t necessarily
agree, which makes the discussion all the more
thought-provoking, especially when we’re at film festivals
together. But we always find common ground
in brilliantly written dramas like LITTLE MISS SUN-
SHINE or works of art like AFTERSUN, which had us
crying our eyes out at the IFFR in Rotterdam. It’s amazing
what film can do. We hope to inspire you with our
films very soon, too...
LINK:
https://www.liselottefilms.com/
Filmstills BABYSTAR
What are your next projects?
We are really excited to be making another feature film
next year in collaboration with the Filmakademie. The
film, HYPERBABY, is being directed by Romina Küper
and produced by Katharina Mumper in collaboration
with SWR. We are also currently developing a series for
RTL+, a horror film, and another debut feature film. We
are currently shooting our documentary THERE YOU
GO with SWR, NDR, MFG, and Hamburg-based film
fund MOIN. BABYSTAR is coming out soon, and we’re
very excited to hear what you think!
Finally, which film or films have had a lasting
impact on you and why?
LISA: The films of Hayao Miyazaki have influenced me,
partly because my father showed them to me when I was
10, which was far too early, but also because the magic
143

PARTNER DER FABW
WARUM WIR
STIFTEN
DIE FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG HAT
IN DIESEM JAHR NEUN DEUTSCHLANDSTIPEN-
DIEN VERGEBEN – EIN REKORD FÜR DIE LUD-
WIGSBURGER FILMHOCHSCHULE. DREI PARTNER
DER FABW BERICHTEN ÜBER IHRE MOTIVATION,
DURCH DIE VERGABE EINES DEUTSCHLAND-
STIPENDIUMS TALENTE ZU FÖRDERN – UND
WAS SIE AN DER FILM AKADEMIE BESONDERS
SCHÄTZEN.
Jahr mit Sophie Hirschmüller verblieben und freuen uns
darauf, weiterhin ihre Entwicklung zu begleiten.
Wie würden Sie Constantin Film kurz charakterisieren?
Constantin Film ist eines der erfolgreichsten Filmproduktions-
und Verleihunternehmen Deutschlands.
Mit einem hohen kreativen Anspruch zielt das Unternehmen
darauf ab, relevante und erfolgreiche Filme
und Serien zu produzieren. Das Repertoire reicht dabei
von internationalen Klassikern wie DAS PARFÜM
– DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS bis zu Comedy-Blockbustern
wie FACK JU GÖHTE. Neben Kinofilmen
produziert Constantin Film auch für Fernsehsender
(WANNSEEKONFERENZ) und für Streamingdienste
(LIEBES KIND, KAULITZ & KAULITZ, EXTERRITORI-
AL UND LOL). Seit 75 Jahren stellt sich Constantin Film
dem Wettbewerb um Kreativität und darum, die besten
Filmemacher*innen für ihre Projekte zu gewinnen.
Was schätzen Sie an der Filmakademie
Baden-Württemberg bzw. den Studierenden und
Alumni?
CONSTANTIN FILM AG
STIPENDIATIN:
SOFIE HIRSCHMÜLLER, Studentin Drehbuch
Liebe Alicia Remirez, was motiviert Constantin
Film, sich im Rahmen des Deutschlandstipendiums
zu engagieren?
Es ist eine Freude, begabte Filmemacher*innen unterstützen
zu können. Die finanzielle Unterstützung ist dabei
nur ein Baustein. Wir hoffen auf eine langfristige Beziehung
und darauf, dass sich die Träger*in zukünftig an
uns wendet, wenn sie Rat braucht. Derart sind wir dieses
Für uns ist die Filmakademie Baden-Württemberg ein
Ort der Kreativität und der erzählerischen Innovation.
Der Austausch mit den Studierenden und Alumni ist bereichernd
und inspirierend und daher für den Markt
enorm wichtig. Der Vernetzungsgedanke der Akademie
ist jederzeit spürbar und einladend, was den kreativen
Austausch mit den jungen Talenten stets so angenehm
und gewinnend macht.
Wie empfinden Sie das Get-Together der Stifter*innen
und Stipendiat*innen als Austauschund
Inspirationsquelle?
Die Gründe, Stifter*in zu sein, sind vielseitig. Es ist belebend,
hautnah zu erfahren, welche Motive einen dazu
bringen, ein oder mehrere Stipendien zu übernehmen.
144

Mal sind es persönliche Verbindungen zu einer Stipendiat*in,
mal die Erinnerung an einen geliebten Menschen.
Besonders berührend sind die Gespräche mit den jungen
Filmschaffenden. Man spürt ihre Freude darüber, wahrgenommen
worden zu sein.
Kavindu hat im Auswahlprozess mit einem reflektierten,
eigenständigen Ansatz überzeugt. Seine Arbeiten zeigen,
dass er sich mit gesellschaftlichen Themen auseinandersetzt
und gestalterisch interessante Wege geht. Solche
Profile bringen wichtige Impulse – auch für den kreativen
Nachwuchs in der Region. Wir sehen gute Chancen,
dass er seinen Weg als selbstständiger Kreativer oder Teil
eines Teams erfolgreich gestalten kann – gern auch mit
Bezug zu Ludwigsburg.
Welche Bedeutung hat kreative Ausbildung für
die Entwicklung des Wirtschaftsstandorts
Ludwigsburg?
ALICIA REMIREZ
Geschäftsführerin und Produzentin
Constantin Film Produktion GmbH
Die Filmakademie und andere kreative Ausbildungsstätten
prägen das Profil Ludwigsburgs als Standort für Medien
und Innovationen. Sie bringen junge Menschen
STADT LUDWIGSBURG,
FACHBEREICH WIRTSCHAFTS-
FÖRDERUNG
STIDENDIAT:
KAVINDU SIVARAJHA, Student Bildgestaltung/Kamera
Lieber Lars Frommer, was motiviert die Stadt
Ludwigsburg, sich im Rahmen des Deutschlandstipendiums
zu engagieren?
Die Stadt Ludwigsburg setzt seit vielen Jahren gezielt
auf die Förderung von Talenten und Innovationen –
gerade in den Bereichen Medien, Film und Kreativwirtschaft.
Das Deutschlandstipendium ist für uns ein wirkungsvolles
Instrument, um exzellenten Studierenden
nicht nur finanzielle Unterstützung zu bieten, sondern
sie auch als zukünftige Kreativschaffende für die Region
zu gewinnen. Unser Engagement unterstreicht, dass
wir nicht nur auf etablierte Unternehmen setzen, sondern
aktiv in das kreative Potenzial der nächsten Generation
investieren.
Was zeichnet Kavindu aus Ihrer Sicht als besonders
förderwürdigen jungen Kreativen aus –
insbesondere im Hinblick auf seine Chancen, als
Teil der kreativen Gründerszene oder als Selb -
ständiger in der Region Fuß zu fassen?
Frank Steinert (Leiter des Fachbereichs Wirtschaftsförderung
der Stadt Ludwigsburg) übergibt Kavindu das D-Stipendium.
in die Stadt, schaffen Netzwerke und wirken bis in die
regionale Wirtschaft hinein. Wir sehen das als wichtigen
Teil der Standortentwicklung – nicht nur im Sinne von
Wirtschaftsförderung, sondern auch als Beitrag zu einer
lebendigen, offenen Stadtgesellschaft.
Was schätzen Sie an der Zusammenarbeit mit der
Filmakademie?
Die Zusammenarbeit ist seit vielen Jahren konstruktiv
und vielseitig. Ob beim Caligari-Preis, beim Berlinale-
Empfang oder bei Veranstaltungen wie dem Start-up
Monday – es gibt immer wieder Schnittstellen, bei denen
wir gemeinsam aktiv werden. Die Akademie bringt
kreative Perspektiven ein, wir unterstützen bei der Vernetzung
und Entwicklung. Das ist für beide Seiten gewinnbringend.
LARS FROMMER
Stellvertretender Leiter des Fachbereichs Wirtschaftsförderung
Stadt Ludwigsburg
145

PARTNER DER FABW
SERU ANIMATION GMBH & CO. KG
STIPENDIATIN: CONSTANZA SCHMIDT, Studentin
International Producing
Lieber Sebastian Runschke, warum unterstützt
SERU Animation das Deutschlandstipendium?
Wir glauben an Talent, Haltung und Neugier. Diese Eigenschaften
finden wir bei vielen Studierenden der
Film akademie. Das Deutschlandstipendium ist für uns
eine wunderbare Möglichkeit, junge Kreative gezielt zu
fördern und auf ihrem Weg zu begleiten. Wir sehen darin
eine konkrete Chance, Engagement sichtbar zu machen
und Entwicklung zu ermöglichen. Das passt perfekt
zu unserem Selbstverständnis bei SERU. Gerade in
aktuellen Zeiten braucht es starke neue Stimmen. Wir
freuen uns, wenn wir dabei ein klein wenig Rückenwind
geben können.
Was schätzt ihr an der Filmakademie und ihren
Studierenden?
Die Filmakademie mit ihrem Animationsinstitut ist für
uns ein zentraler Impulsgeber in der deutschen Animationslandschaft.
Wir schätzen die Verbindung von künstlerischer
Freiheit, technischer Exzellenz und dem Mut,
neue Wege zu gehen. Die Studierenden bringen frische
Perspektiven mit, sind engagiert, reflektiert und
oft schon erstaunlich professionell. Mich beeindruckt
immer wieder, wie viel Eigeninitiative, Ernsthaftigkeit
und kreative Energie in den Projekten der Studierenden
steckt. Mit der Förderung des Nachwuchses investieren
wir ganz bewusst in die Zukunft unserer Branche. Auch
wenn sich die Animationswelt durch neue Technologien
gerade stark verändert, sind wir überzeugt: Es liegt in
der Verantwortung der etablierten Studios, jungen Talenten
Chancen zu geben und sie aktiv zu unterstützen.
Was macht SERU als Unternehmen besonders
aus?
Wir entwickeln und produzieren hochwertige Animationsfilme
für Kino und TV mit starkem erzählerischem
Kern, internationaler Ausrichtung und viel Liebe zum
Detail. Unser Firmensitz ist in Ludwigsburg, ganz bewusst
in direkter Nähe zur Filmakademie gewählt. Hier
haben wir unsere kreative Basis gefunden. Viele unserer
Teammitglieder haben als Studierende bei uns erste Einblicke
bekommen und sind nach dem Abschluss zurückgekehrt.
SERU steht für künstlerische Ambition, technisches
Knowhow und ein Miteinander, das auf Vertrauen
und Teamgeist baut.
SEBASTIAN RUNSCHKE
Geschäftsführer
SERU Animation GmbH & Co. KG
Welche Bedeutung hat für euch soziales Engagement
und eine gelungene Work-Life-Balance,
gerade auch als Motor für Kreativität?
Ein gutes kreatives Umfeld braucht mehr als Projektpläne
und Deadlines. Wir setzen auf Vertrauen, Flexibilität
und individuelle Entwicklung. Mir ist wichtig, dass
Menschen bei uns nicht nur zum Arbeiten kommen,
sondern ihre Potenziale wirklich entfalten wollen und
können. Soziales Engagement gehört für uns zur Haltung,
die wir auch in unseren Geschichten transportieren.
Und wer Zeit für Familie, Natur oder eigene Interessen
hat, bringt neue Impulse mit. Kreativität entsteht
dort, wo Menschen sich wohl und wertgeschätzt fühlen.
146

DEUTSCHLANDSTIPENDIUM
ALLE FÖRDER*INNEN UND STIPENDIAT*INNEN
DES JAHRES 2025 / ALL SPONSORS AND
SCHOLARSHIP RECIPIENTS FOR 2025
Constanza Schmidt, International Producing
International Producing - SERU
Annchristin Valerie Böhm, Drehbuch / Szenischer
Film Screenwriting / Fiction Film -
GABRIELE KUHN
Amina Rosa Krami, Regie / Szenischer Film
Directing / Fiction Film - YTF GGMBH
Kavindu Sivarajha, Bildgestaltung/Kamera
Cinematography - STADT LUDWIGSBURG
Fiona Quint, Regie / Dokumentarfilm Directing /
Documentary Film - YTF GGMBH
Lahiru Madushanka Senevirathna, Montage/Schnitt
Editing - KREISSPARKASSE LUDWIGSBURG
Sofie Hirschmüller, Drehbuch / Szenischer Film
Screenwriting / Fiction Film - CONSTANTIN FILM
Leonard Rottok, Regie / Dokumentarfilm Directing /
Documentary Film - JOURNAL FRANKFURT
Sebastian Schmitt, Filmton/Sounddesign Film Sound &
Sound Design - BKV-GESUNDHEIT.COM
-> HINWEIS FÜR STUDIERENDE:
BEWERBUNGSSCHLUSS IST DER 30. NOVEMBER.
-> NOTE FOR STUDENTS: APPLICATION
DEADLINE IS NOVEMBER 30.
Kontakt für Bewerbungen und Förderinteressierte
Contact for applications and those interested in
funding:
HEIDE THON
Assistenz der Geschäftsführung & Koordination
Mobilitätsjahr Management Assistant & Coordination
Mobility Year
heide.thon@filmakademie.de
147

PARTNERS OF FABW
WHY WE DONATE
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG HAS
AWARDED NINE DEUTSCHLANDSTIPENDIEN
(GERMANY SCHOLARSHIPS) THIS YEAR –
A RECORD FOR THE LUDWIGSBURG-BASED
FILM SCHOOL. THREE PARTNERS OF FABW
REPORT ON THEIR MOTIVATION FOR PROMOT-
ING TALENT BY AWARDING A DEUTSCHLAND-
STIPENDIUM – AND WHAT THEY PARTICULARLY
APPRECIATE ABOUT THE FILMAKADEMIE.
CONSTANTIN FILM AG
SCHOLARSHIP HOLDER:
SOFIE HIRSCHMÜLLER, screenwriting student
Constantin Film is one of Germany’s most successful
film production and distribution companies. With high
creative standards, the company aims to produce relevant
and successful films and series. Its repertoire ranges
from international classics such as DAS PARFÜM –
DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS / PERFUME: THE
STORY OF A MURDERER to comedy blockbusters such
as FACK JU GÖHTE / SUCK ME SHAKESPEER. In addition
to feature films, Constantin Film also produces
for TV broadcasters (WANNSEEKONFERENZ / THE
CONFERENCE) and streaming services (LIEBES KIND
/ DEAR CHILD, KAULITZ & KAULITZ, EXTERRITO-
RIAL, and LOL). For 75 years, Constantin Film has been
competing in the creative arena and striving to attract
the best filmmakers for its projects.
Alicia Remirez, what motivates Constantin Film
to get involved in the Deutschlandstipendium
programme?
It is a pleasure to be able to support talented filmmakers.
Financial support is only one part of this. We hope to
build a long-term relationship and that the scholarship
holder will turn to us in the future if they need guidance
or advice. That is what we have accomplished with
Sophie Hirschmüller this year, and we look forward to
continuing to accompany and support her development.
How would you briefly characterise Constantin
Film?
What do you appreciate about FABW and its students
and alumni?
For us, Filmakademie Baden-Württemberg is a place of
creativity and narrative innovation. The dialogue and
sharing with students and alumni is enriching and inspiring,
and therefore extremely important for the market.
The academy’s spirit of networking is always tangible
and welcoming, which makes creative collaboration
with young talent so enjoyable and rewarding.
How do you feel about the get-together between
donors and scholarship recipients as a source of
dialogue and inspiration?
There are many reasons for becoming a donor. It is invigorating
to experience first-hand what motivates people
to award one or more scholarships. Sometimes it is a
personal connection to a scholarship holder, sometimes
the memory of a loved one. The conversations with the
young filmmakers are particularly touching. You can feel
their joy at being noticed.
ALICIA REMIREZ
Managing Director and Producer
Constantin Film Produktion GmbH
148

149

PARTNERS OF FABW
CITY OF LUDWIGSBURG,
DEPARTMENT OF ECONOMIC
DEVELOPMENT
SCHOLARSHIP HOLDER:
KAVINDU SIVARAJHA, cinematography student
Lars Frommer, what motivates the City of Ludwigsburg
to get involved in the Deutschlandstipendium
programme?
For many years, the City of Ludwigsburg has been focusing
on promoting talent and innovation, especially in
the fields of media and film and in the creative industries.
The Deutschlandstipendium is an effective tool for
us to not only offer excellent students financial support,
but also to attract them to the region as future creative
professionals. Our commitment underscores that we do
not just focus on established companies, but also actively
invest in the creative potential of the next generation.
How important is creative education and training
for the development of Ludwigsburg as a business
hub?
The Filmakademie and other creative training institutions
shape Ludwigsburg’s profile as a hub for media and
innovation. They bring young people to the city, create
networks, and have an impact on the regional economy.
We see this as an important part of location development
– not only in terms of economic development, but also
as a contribution to a lively, open urban society.
What do you appreciate about working with
FABW?
The collaboration has been constructive and multifaceted
for many years. Whether it’s the Caligari Award, the
alumni get-together at the Berlinale, or events such as
Start-up Monday, there are always opportunities for us
to work together. The Filmakademie brings creative perspectives,
and we support networking and development.
This is beneficial for both sides.
LARS FROMMER
Deputy Head of the Department of Economic Development,
City of Ludwigsburg
In your opinion, what distinguishes Kavindu as
a young creative who is particularly worthy of
support – especially with regard to his chances of
gaining a foothold in the creative start-up scene
or as a freelancer in the region?
Kavindu impressed us in the selection process with his
thoughtful, independent approach. His work shows that
he engages with social issues and takes interesting creative
paths. Profiles like this provide important impetus –
also for young creative talent in the region. We see good
opportunities for him to successfully pursue his career
as an independent creative artist or as part of a team –
ideally with a connection to Ludwigsburg.
SERU ANIMATION GMBH & CO. KG
SCHOLARSHIP HOLDER: CONSTANZA SCHMIDT,
student in international producing
Sebastian Runschke, why does SERU Animation
support the Deutschlandstipendium programme?
We believe in talent, attitude, and curiosity. We find
these qualities in many students at the Filmakademie.
The Deutschlandstipendium is a wonderful opportunity
for us to specifically support young creative people and
accompany them on their journey. We see it as a concrete
opportunity to make commitment visible and enable
development. This fits perfectly with our self-image
at SERU. Especially in times like these, strong new voices
are needed. We are happy to be able to provide a little
tailwind.
150

A good creative environment needs more than project
plans and deadlines. We focus on trust, flexibility, and
individual development. It is important to me that people
don’t just come to work for us, but that they really
want to and are able to develop their potential. Social
commitment is part of our values, which we also convey
in our stories. And those who have time for family,
nature, or their own interests bring new ideas to the table.
Creativity arises where people feel comfortable and
valued.
What do you appreciate about FABW and its students?
What makes SERU special as a company?
We develop and produce high-quality animated films for
cinema and TV with a strong narrative core, an international
focus, and great attention to detail. Our company
is based in Ludwigsburg, deliberately chosen for its proximity
to the Filmakademie. This is where we have found
our creative home. Many of our team members gained
their first insights while studying here and returned after
graduating. SERU embodies artistic ambition, technical
expertise, and a sense of community based on trust
and team spirit.
How important are social commitment and a
good work-life balance to you, especially as a
driver of creativity?
The Filmakademie with its Animationsinstitut is a key
source of inspiration for us in the German animation
landscape. We appreciate the combination of artistic
freedom, technical excellence, and the courage to break
new ground. The students bring fresh perspectives, are
committed, reflective, and often already amazingly professional.
I am always impressed by how much initiative,
seriousness, and creative energy goes into the students’
projects. By promoting young talent, we are consciously
investing in the future of our industry. Even though
the world of animation is currently undergoing major
changes due to new technologies, we are convinced
that it is the responsibility of established studios to give
young talent opportunities and actively support them.
SEBASTIAN RUNSCHKE
Managing Director
SERU Animation GmbH & Co. KG
The scholarship recipients and donors for 2025 with Heide Thon and
FABW managing director Dr. Andreas Bareiss (outside left and right)
151

EDITION FABW
xx
152

Auf „Schräg“
folgt „Wendepunkt“
DER FABW-KURZGESCHICHTENBAND
GEHT IN DIE NÄCHSTE RUNDE UN-
TER NEUER LEITUNG. MICHAEL ACHILLES
VERABSCHIEDETE SICH NACH ACHT AUS-
GABEN AUF DER PREMIERE VON „SCHRÄG“
AM 23. APRIL 2025. IM PRALL GEFÜLLTEN
ALBRECHT ADE STUDIO ÜBERGAB ER DIE
HERAUSGABE DER REIHE AN DIE FABW-AB-
SOLVENTINNEN MADELEINE HARTUNG UND
JANNIKA QUAAS.
Die Schauspielklasse des zweiten Jahres der Akademie
für Darstellende Kunst begeisterte am Welttag des
Buches in einer Inszenierung von Regisseurin Jannika
Quaas mit einer für die Bühne adaptierten Auswahl
aus dem Kurzgeschichtenband „Schräg“: Die Schauspielenden
zeigten in einer szenischen Lesung „Reihungen“
von Julian Schäfer, „Wohlstandsverwahrlosung“ von Leon
Harms und „Orange Sandalen“ von ADK-Dramaturgie-Absolventin
Amelie Hermann.
Die Autorinnen und Autoren interpretierten das Thema
„Schräg“ vielfältig und unkonventionell. In ihren Kurzgeschichten
betrachteten sie unter anderem zerbrochene
Freundschaften, intensive Familienbeziehungen und
schrieben fantastische Geschichten über Charaktere mit
liebenswerten Eigenheiten auf der Suche nach Identität,
Zugehörigkeit und Selbstbestimmung. Die eigens für
die Kurzgeschichten virtuos komponierte Musik von Sophia
Sämann-Brandes und Torsten Brandes bereicherte
zusätzlich den Abend und berührte die Zuschauenden.
Am Ende des Abends waren alle vorhandenen Exemplare
von „Schräg“ vergriffen. Der Band ist seit April im
Buchhandel verfügbar.
sondern auch zwischen den Studierenden verschiedenster
Gewerke der beiden Hochschulen auf dem Ludwigsburger
Campus.
Diese besonderen künstlerischen Begegnungen führt der
nächste Band der Reihe fort. Er widmet sich dem Thema
„Wendepunkt“ in all seinen Facetten: Momente voller
großer Entscheidungen, von Triumphen und Niederlagen.
Figuren, die an Scheidewegen stehen und auf dem
Weg zu Erkenntnissen sind, die ihr weiteres Leben erheblich
mitbestimmen werden – die neunte Ausgabe der
FABW-Kurzgeschichtenreihe behandelt diese Elemente
und noch viele mehr. Die Einreichung und Jury-Auswahl
der Geschichten ist bereits abgeschlossen. Für die
Autor*innen starten nun die dramaturgische Beratung
und die Überarbeitungsrunden ihrer Texte. Die Premiere
von „Wendepunkt“ ist im Frühsommer 2026 im Albrecht
Ade Studio geplant.
Möglich wird diese Veröffentlichung der Edition FABW
auch durch die Unterstützung der Wüstenrot-Stiftung.
Die Zusammenarbeit zwischen der FABW und der Akademie
für Darstellende Kunst prägt den Kurzgeschichtenband
seit vielen Jahren erfolgreich und schafft nicht
nur eine Begegnung zwischen Literatur und Schauspiel,
153

EDITION FABW
154

‘Schräg’ is followed
by ‘Wendepunkt’
THE FABW SHORT STORY COLLECTION
IS ENTERING ITS NEXT ROUND UNDER
NEW MANAGEMENT. MICHAEL ACHILLES
BID FAREWELL AFTER EIGHT EDITIONS
AT THE PREMIERE OF SCHRÄG (SLANTED/
WEIRD) ON APRIL 23, 2025. IN THE PACKED
ALBRECHT ADE STUDIO, HE HANDED OVER
THE PUBLICATION OF THE SERIES TO FABW
GRADUATES MADELEINE HARTUNG AND
JANNIKA QUAAS.
On World Book Day, the second-year acting class of the
Academy of Performing Arts (ADK) delighted audiences
with a stage adaptation of selected short stories from
the collection Schräg. In a staged reading, the actors
performed ‘Reihungen’ (‘Sequences’) by Julian Schäfer,
‘Wohlstandsverwahrlosung’ (‘Spoiled by Affluence’) by
Leon Harms, and ‘Orange Sandalen’ (‘Orange Sandals’)
by ADK dramaturgy graduate Amelie Hermann.
The authors interpreted the theme ‘Schräg’ in diverse and
unconventional ways. In their short stories, they looked
at broken friendships and intense family relationships,
among other things, and wrote fantastic stories about
characters with endearing quirks in search of identity,
belonging, and self-determination. The music, composed
especially for the short stories by Sophia Sämann-
Brandes and Torsten Brandes, added to the evening and
touched the audience. By the end of the evening, all copies
of Schräg were sold out. The volume has been available
in bookstores since April.
These special artistic encounters will be continued in the
next volume of the series. It is dedicated to the theme of
Wendepunkt (Turning Point) in all its facets: moments
filled with big decisions, triumphs, and defeats. Characters
who stand at crossroads and are on the path to insights
that will significantly shape the rest of their lives
– the ninth edition of the FABW short story series deals
with these elements and many more. The submission
and jury selection of the stories has already been completed.
The authors will now begin dramaturgical consultation
and revision of their texts. The premiere of
Wendepunkt is planned to be held in early summer 2026
at the Albrecht Ade Studio.
This publication by Edition FABW was made possible
with the support of the Wüstenrot Foundation.
The collaboration between FABW and ADK has successfully
shaped the short story collection for many years,
creating not only an encounter between literature and
theatre, but also between students from a wide range
of disciplines at the two academies on the Ludwigsburg
campus.
The new editors Jannika Quaas and Madeleine Hartung
(left and right) with parting editor Michael Achilles
and Professor Thomas Schadt.
155

SPOTLIGHT: DIVERSITÄT
Boosting the Next Generation und Respect Code Film:
ZWEI INITIATIVEN
FÜR VIELFALT UND
ACHTSAMKEIT
Vielfalt, Respekt und ein diskriminierungsfreies Miteinander
sollten keine leeren Worte sein, sondern das
Fundament für eine starke und zukunftsfähige Film-
und Medienwelt. Deshalb setzt die Filmakademie Baden-Württemberg
mit dem Projekt „Boosting the Next
Generation“ und der Unterzeichnung des „Respect Code
Film“ ein klares Zeichen: für Veränderungen, die bereits
in der Ausbildung ansetzen und im späteren Berufsleben
nachhaltig Wirkung entfalten sollen.
DIVERSITÄT
VON ANFANG AN
Welche Veränderungen sind notwendig, um Diversität
für die Fachkräfte von morgen zum Branchenstandard
zu machen? Diese Frage steht im Zentrum der Hochschulkooperation
„Boosting the Next Generation“, an der
die FABW gemeinsam mit mittlerweile allen sechs staatlichen
oder staatlich geförderten Filmhochschulen, Netflix
und der MaLisa Stiftung beteiligt ist.
Während eines Panels, das im Rahmen des Filmfest München
stattfand, diskutierten Filmschaffende, Lehrende
und Studierende, darunter auch Yelyzaveta (Lisa) Davydenko,
Studentin am Animationsinstitut der FABW, über
bisher Erreichtes und aktuelle Herausforderungen. Dabei
wurde deutlich: Die hochschulübergreifenden Weiterbildungen
zu Diversität, die gezielt auf die Schnittstelle
von Film und Lehre ausgerichtet sind, tragen erste
Früchte. Engagierte Lehrende, Mitarbeitende und Studierende
setzen neue Impulse, die immer stärker in den
Alltag der Ausbildung einfließen.
Das bedeutet auch, dass Diversität nicht als Zusatz verstanden
werden darf, sondern eine Selbstverständlichkeit
sein muss – in der Lehre, in den Projekten und
später am Set. Die beteiligten Hochschulen zeigen mit
ihrer fortgesetzten Zusammenarbeit – unter anderem
durch die bis Ende 2026 gesicherte Koordinationsstelle
für Diversity & Inclusion – wie nachhaltige Veränderungen
gelingen können. Dazu sagte Maria Furtwängler,
Schauspielerin, Produzentin und Mitgründerin der
MaLisa Stiftung: „Es ist wichtiger denn je, sich für Geschlechtergerechtigkeit
in den audiovisuellen Medien
einzusetzen. Ich freue mich, dass diese erfolgreiche
Zusammenarbeit der Filmhochschulen weitergeführt
wird.“
RESPEKT
IST GRUNDVORAUSSETZUNG
Mit der Unterzeichnung des Respect Code Film geht
die Filmakademie nun auch im Bereich der Arbeitskultur
einen wichtigen Schritt. Als erste Filmhochschule in
Deutschland verpflichtet sie sich offiziell, ein achtsames,
sicheres und angstfreies Umfeld für alle zu schaffen –
für Studierende, Lehrende und Mitarbeitende gleichermaßen.
Der Code formuliert verbindliche Standards für den respektvollen
Umgang miteinander, benennt Anlaufstellen
bei Fehlverhalten und fördert eine offene, wertschätzende
Kommunikationskultur. Initiiert von der Produktionsallianz,
dem Bundesverband Schauspiel (BFFS) und
der Gewerkschaft Ver.di, wird der Code von Branchengrößen
wie der Deutschen Filmakademie und Netflix
unterstützt. Er gilt nun verbindlich für alle an der Filmakademie
Tätigen. Ein weiterer wichtiger Baustein ist
die Zusammenarbeit mit der Themis Vertrauensstelle,
die Betroffene bei sexueller Belästigung und Gewalt unterstützt.
156

Dr. Andreas Bareiß, Direktor der Filmakademie,
bringt es auf den Punkt:
„RESPEKT IST IN DER LEHRE GENAUSO
WICHTIG WIE AM SET. MIT DER UNTERZEICH-
NUNG ZEIGEN WIR KLAR, WOFÜR WIR STE-
HEN – UND WOFÜR NICHT. RESPEKTLOSIG-
KEIT, DISKRIMINIERUNG UND RASSISMUS
HABEN BEI UNS KEINEN PLATZ.“
Vielfalt und Respekt sind für die Filmakademie keine
kurzfristigen Themen, sondern dauerhafte Verpflichtungen.
Mit klar definierten Maßnahmen und einer engen
Zusammenarbeit mit Partnern aus der Branche arbeitet
sie kontinuierlich daran, Ausbildung und Arbeitsumfeld
nachhaltig zu verbessern. So schafft die Filmakademie
die Grundlagen dafür, dass die Film- und Medienbranche
künftig offener, fairer und zukunftsfähiger wird.
Von links: Auditorin Dr. Isabell Lisberg-Haag mit Mitgliedern der Steuerungsgruppe der FABW (Lucca Veyhl,
Marika Köpf, Ute Härter, Lucca Veyhl, David Steffen) bei der Übergabe des Zertifikats „Vielfalt gestalten“
im Allianz Forum am Pariser Platz in Berlin.
157

SPOTLIGHT: DIVERSITY
Boosting the Next Generation and Respect Code Film:
TWO INITIATIVES FOR DIVERSITY
AND MINDFULNESS
Diversity, respect, and a non-discriminatory environment
should not just be empty words, but the foundation
for a strong and sustainable film and media world
instead. That is why Filmakademie Baden-Württemberg
is sending a clear signal with its ‘Boosting the Next Generation’
project and by signing the ‘Respect Code Film’:
advocating for changes that start in education and have a
lasting impact throughout professional life.
RESPECT IS ESSENTIAL
By signing the Respect Code Film, the Filmakademie is
now also taking an important step with regard to work
culture. It is the first film school in Germany to officially
commit to creating a mindful, safe, and fear-free environment
for everyone – students, teachers, and staff
alike.
DIVERSITY FROM THE START
What changes are necessary to make diversity the industry
standard for tomorrow‘s professionals? This
question is at the heart of the ‘Boosting the Next Generation’
collaborative project, which FABW has been involved
in from the start, now alongside all six other state
or state-funded German film schools, Netflix, and the
MaLisa Foundation.
During a panel discussion held as part of the Munich
Film Festival, filmmakers, teachers, and students, including
Yelyzaveta (Lisa) Davydenko, a student at FABW‘s
Animationsinstitut, discussed what has been achieved
so far as well as the current challenges. It became
clear that inter-university continuing education courses
on diversity, which are specifically geared toward the intersection
of film and teaching, are beginning to bear
fruit. Committed teachers, staff, and students are providing
new impetus that is increasingly finding its way into
everyday education.
This also means that diversity must not be seen as an
add-on, but as a matter of course in teaching, in projects,
and later on set. Through their continued cooperation –
including the coordination office for diversity and inclusion,
which is secured until the end of 2026 – the participating
higher education institutions are demonstrating
how sustainable change can be achieved. Maria Furtwängler,
actress, producer, and co-founder of the MaLisa
Foundation, said: ‘It is more important than ever to promote
gender equality in audiovisual media. I am delighted
that this successful collaboration between the film
schools is being continued.’
158
The code sets down binding standards for respectful interaction,
identifies points of contact in the event of misconduct,
and promotes an open, appreciative culture of
communication. Initiated by the Production Alliance,
the Federal Association of Actors (BFFS), and the Ver.di
trade union, the code is supported by industry giants
such as the German Film Academy and Netflix. It is now
binding for everyone working at FABW. Another important
component is the cooperation with the Themis Trust
Center, which supports individuals affected by sexual
harassment and violence.
Dr. Andreas Bareiss, managing director of Filmakademie
Baden-Württemberg, sums it up:
‘RESPECT IS JUST AS IMPORTANT
IN TEACHING AS IT IS ON SET.
BY SIGNING THE CODE, WE ARE
CLEARLY SHOWING WHAT WE
STAND FOR – AND WHAT WE DO
NOT STAND FOR. DISRESPECT,
DISCRIMINATION, AND RACISM
HAVE NO PLACE HERE.’
Diversity and respect are not short-term issues at the
Filmakademie, they are long-term commitments.
With clearly defined measures and close cooperation
with partners from the industry, the Filmakademie is
continuously working to improve education, training
and the working environment in a lasting manner. In
this way, FABW is laying the foundations for a film and
media industry that is more open, fair, and viable for
the future.

Erfolgreicher Abschluss des Diversity Audits im Literaturhaus Stuttgart.
Wiebke Wiesner, kommissarische Geschäftsführerin der Produktionsallianz,
und Dr. Andreas Bareiß, Direktor der FABW, bei der Unterzeichnung
des Respect Code Film.
159

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
160

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
DES DRITTMITTELBEREICHES
STUDIUM FINANZIEREN,
ERFAHRUNGEN SAMMELN,
EXISTENZ AUFBAUEN
Auftragsproduktionen im Drittmittelbereich werden mit
erfahrenen Studierenden, mit Alumni und bevorzugt
mit Produktionsfirmen, die Absolventinnen und Absolventen
in der Region gegründet haben, realisiert. Auch
die Zusammenarbeit mit externen Firmen ist möglich.
STUDIERENDE
Diese Auftragsproduktionen der FABW ermöglichen
den Studierenden über die Projekte in der Lehre hinaus
wichtige Erfahrungen in der Praxis und bieten zudem
die Möglichkeit, sich den eigenen Lebensunterhalt
zu finanzieren.
Das eigene Tun ist der Schlüssel für den Erfolg. Konzeptwettbewerbe
bieten die Chance, sich auszuprobieren.
Mit welcher Strategie überzeuge ich den Auftraggeber
von meinen Ideen? Welche Haltung nehme ich dabei
ein? Ganz im Sinne der praxisorientierten Ausbildung
lernen die Beteiligten, bereits im Pitch unter realen Bedingungen
zu präsentieren.
Begleitet durch die Mitarbeiter*innen der FABW, übernehmen
Studierende Verantwortung für ein professionelles
Projekt. Verträge müssen erfüllt, Budgets und
Zeitpläne eingehalten werden. Mit anspruchsvollen Auftraggebern
werden Absprachen getroffen, die unbedingt
eingehalten werden müssen. Verbindlich und verlässlich
zu agieren, schafft Vertrauen. Doch wie kommuniziere
ich mit dem Marketingleiter, der Geschäftsführerin oder
einem Familienunternehmer? Warum sind diese Menschen
neugierig auf mich, auf meine Ideen abseits ausgetretener
Pfade? Andererseits: Welchen Zwängen unterliegen
meine Ansprechpersonen? Gibt es Grenzen für
meine Kreativität? Welche Rolle spielen Corporate-Identity-Vorgaben
und Marketing-Bibeln?
ALUMNI
Da uns die Förderung der Absolventinnen und Absolventen
ein wichtiges Anliegen ist, unterstützt die FABW
das eigene Netzwerk und bildet so eine Brücke vom Studium
zur Berufswelt. Die Aufträge bieten jungen Produzentinnen
und Produzenten einen Startimpuls für eine
spätere betriebswirtschaftliche Existenzgrundlage.
Nachfolgeprojekte kann eine Produktionsfirma eigenständig
ohne die Filmakademie umsetzen.
EXTERNE
FILMPRODUKTIONSFIRMEN
Auch wenn die Zusammenarbeit mit Studierenden und
Alumni im Vordergrund steht, so sind dennoch Kooperationen
mit externen Filmproduktionsfirmen möglich,
wenn Studierende oder Alumni dort in relevanter Rolle
eingebunden sind. Gewinnen Studierende oder Alumni,
die bei einer externen Produktionsfirma arbeiten, einen
Konzeptwettbewerb, so kann jene den Auftrag mit
der FABW zusammen umsetzen.
_YVES ALAIN LAMBERT, HERSTELLUNGSLEITER
DRITTMITTEL/AUFTRAGSPRODUKTIONEN
TEL: +49 7141 969 82370
DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE
_CHRISTIAN MÜLLER, TALENTFÖRDERUNG &
AUFTRAGSARBEITEN AM ANIMATIONSINSTITUT
TEL: +49 7141 969 82817
CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE
161

COMMISSIONED PRODUCTIONS
COMMISSIONED PRODUCTIONS OF THE
THIRD-PARTY FUNDING SECTOR
FINANCE YOUR STUDIES,
GAIN EXPERIENCE, BUILD A
LIVELIHOOD
Commissioned productions in the Third-party Funding
sector are realized with experienced students, with
alumni and preferably with production companies that
graduates have founded in the region. Cooperation with
external companies is also possible.
STUDENTS
These commissioned productions at FABW enable students
to gain important practical experience over and
above the projects that are part of their curriculum. They
also offer them the opportunity to finance their own
living expenses.
Doing your own work is the key to success. Concept
competitions offer the chance to try things out. What
strategy do I use to convince the client of my ideas? What
attitude do I adopt? In keeping with the practice-oriented
training, the participants learn how to present their
ideas under real conditions during the pitch.
Accompanied by FABW staff, students assume responsibility
for a professional project. Contracts must be fulfilled,
and budgets and schedules adhered to. Agreements
are made with demanding clients that must be adhered
to at all costs. Acting in a binding and reliable manner
creates trust. Yet how do I communicate with the marketing
manager, the managing director or a family entrepreneur?
Why are these people curious about me, about
my ideas off the beaten track? On the other hand, within
what constraints are my contacts working? Are there
limits to my creativity? What is the role of corporate
identity guidelines and marketing bibles?
for their livelihood in business later on. Follow-up projects
can be independently realized by a production company,
without the Filmakademie.
EXTERNAL FILM PRODUCTION
COMPANIES
Even if the focus is on cooperation with students and
alumni, cooperation with external film production companies
is also still possible if students or alumni are involved
there in a relevant role. If students or alumni
who work for an external production company win a
concept competition, the company can realize the commission
together with FABW.
_YVES ALAIN LAMBERT, HEAD OF
THIRD-PARTY FUNDED PRODUCTIONS
TEL: +49 7141 969 82370
DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE
_CHRISTIAN MÜLLER, TALENT PROMOTION
AND COMMISSIONED PRODUCTIONS AT THE
ANIMATIONSINSTITUT
TEL: +49 7141 969 82817
CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE
ALUMNI
Since the promotion of graduates is an important concern,
FABW supports its own network. This way, it builds
a bridge from studies to the professional world. The
commissions offer young producers a starting impulse
162

163

FÖRDERVEREIN
LEIDENSCHAFTLICHES ENGAGEMENT FÜR
STUDIERENDE UND IHRE PROJEKTE
DER FÖRDERVEREIN DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG BESTEHT AUS UN-
TERNEHMEN, EHEMALIGEN DER FABW SOWIE
VIELEN WEITEREN INSTITUTIONEN UND EIN-
ZELPERSONEN, WELCHE DIE STUDIERENDEN
DER FILMAKADEMIE UNTERSTÜTZEN MÖCHTEN.
DER FÖRDERVEREIN LEISTET DIESE WERTVOL-
LE UNTERSTÜTZUNG SEIT 1993 UND HAT IN
DIESER ZEIT FINANZIELLE MITTEL VON ÜBER
EINER MILLION EURO AKQUIRIERT. KERN UND
JÄHRLICHER HÖHEPUNKT DER FÖRDERUNG
IST DIE VERGABE DER CALIGARI-PREISE. MIT
DEN AUSZEICHNUNGEN ERHALTEN BESON-
DERS INNOVATIVE UND KÜNSTLERISCH WERT-
VOLLE STUDIENPROJEKTE, DIE SICH NOCH IN
DER ENTWICKLUNG BEFINDEN, EINE ZUSATZ-
FÖRDERUNG. DIE EINGEREICHTEN EXPOSÉS,
TREATMENTS, DREHBÜCHER ODER ARBEITS-
FASSUNGEN WERDEN VON EINER FACHJURY
BEURTEILT, DIE IM ANSCHLUSS DIE AUSGE-
ZEICHNETEN PROJEKTE BESTIMMT.
2025 fand die feierliche Verleihung der Caligari-Preise
am 24. April im Albrecht Ade Studio der FABW statt.
Der Förderverein konnte sich über eine beeindruckende
Resonanz mit über 40 eingereichten Projekten aus verschiedenen
Genres und Studienschwerpunkten wie Animation,
Journalistischer Film, Dokumentarfilm, Szenischer
Film, Interaktive Medien und Werbefilm freuen.
Die Projekte stammen von Studierenden des 3. und 4.
Studienjahrs.
• Ministerium für Umwelt, Klima und
Energiewirtschaft Baden-Württemberg
• royal.film GmbH
• Stadt Ludwigsburg
• Stiftung Kunst, Kultur und Bildung der
Kreissparkasse Ludwigsburg
• Andreas Stihl AG & Co.KG
• SV Sparkassenversicherung Holding AG
• Wüstenrot Stiftung
• YTF Young Talent Foundation Berlin gGmbH
• Nico Hofmann
• Sascha Schwingel
Die Preisverleihung wurde von Jürgen Walter, dem
1. Vorsitzenden des Fördervereins, und seinem Stellvertreter
Wolfgang Kerber moderiert. Für die musikalische
Begleitung sorgte wie in den letzten Jahren die
Caligari-Band unter der Leitung von Andreas Fuchs.
Die Jury würdigte alle prämierten Projekte (siehe Übersicht
unten) als bemerkenswert und facettenreich: „Die
eingereichten Projekte haben uns durch ihre kreative
Bandbreite beeindruckt“, erklärt Jürgen Walter.
„Die Geschichten reichen von Alltagssituationen bis zu
aktuellen politischen und gesellschaftlichen Themen
wie Diversität, Künstliche Intelligenz oder Einflussnahme
der ‚Neuen Rechten‘. Wir sind überzeugt davon,
dass die ausgezeichneten Stoffe über verschiedene Genres
und Formate hinweg zu großartigen Filmen umgesetzt
werden.“
Die Jury, bestehend aus dem Vorstand des Fördervereins,
nominierte 26 Projekte und vergab schließlich 12 Caligari-Preise
im Wert von je 5.000 Euro.
Die Caligari-Förderpreise sind von großer Bedeutung für
junge Filmemacherinnen und Filmemacher: Die finanzielle
Unterstützung bietet ihnen bessere Möglichkeiten,
ihre Projekte zu realisieren und sich in der Branche weiter
zu etablieren. Die Preisgelder wurden von folgenden
Sponsoren und Förderern bereitgestellt:
164

Ausgezeichnet wurden folgende Projekte:
Mitgliederpreise:
SOHNEMANN (Kurzspielfilm)
TRAUMMUTTER (Kurzspielfilm)
MARTHAS ZIMMER (Kurzspielfilm)
Preis der Stadt Ludwigsburg
DOSENMUTTER (Kurzspielfilm)
Preis des Ministeriums für Umwelt, Klima und
Energiewirtschaft Baden-Württemberg
LOSING VOISES (Werbefilm)
Petra Mosselman Gedächtnispreis von
Nico Hofmann und Sascha Schwingel
UNTER DEM SCHLEIER DES TODES (Kurzspielfilm)
Preis der Stihl AG & Co.KG
LIMBO (Transmedia-Installation)
Preis der YTF Young Talent Foundation Berlin gGmbH
BETWEEN US THE SEA (Kurzspielfilm)
Preis der Wüstenrot Stiftung
OMSORG (Dokumentar-Kurzfilm)
Preis der SV Sparkassenversicherung
UNDERDOGS (Animationsfilm)
Preis der Stiftung Kunst, Kultur und Bildung
der Kreissparkasse Ludwigsburg
PARAPAPA (Kurzspielfilm)
Preis der royal.film GmbH
THE THIRST (Werbefilm/Animationsfilm)
Wer die Studierenden der Filmakademie
als Privatperson oder Firma unterstützen
möchte, findet den Mitgliedsantrag auf
der Website des Fördervereins:
www.förderverein-filmakademie.de
DER FÖRDERVEREIN DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG / VORSTAND
1. VORSITZ: Jürgen Walter
STELLVERTRETUNG: Wolfgang Kerber
Für Studierende der FABW ist die Mitgliedschaft für die
Zeit ihres Studiums und bis 1 Jahr nach dem Abschluss
kostenlos. Für Privatpersonen beträgt der Jahresbeitrag
60,00 EUR, für Startup-Unternehmen 175,00 EUR und
für etablierte Unternehmen 350,00 EUR.
Wiltrud Baier, Matthias Drescher,
Dr. Michael Hartmann, Dirk Hibbeler,
Yves Alain Lambert, Friedrich Müller, Armin Schneider,
Sabine Willmann
ASSISTENZ: Ute Puschmann
E-Mail: ute.puschmann@filmakademie.de
165

FRIENDS OF
FILMAKADEMIE BADEN-WUERTTEMBERG
PASSIONATE COMMITMENT TO STUDENTS
AND THEIR PROJECTS
THE FRIENDS OF FILMAKADEMIE BADEN-WÜRT-
TEMBERG ASSOCIATION (‘FÖRDERVEREIN’) IS
COMPRISED OF COMPANIES, FABW ALUMNI,
AND MANY OTHER INSTITUTIONS AND INDIVI-
DUALS WHO WANT TO SUPPORT THE STUDENTS
OF THE FILMAKADEMIE. THE FRIENDS ASSOCI-
ATION HAS BEEN PROVIDING THIS VALU ABLE
SUPPORT SINCE 1993 AND HAS ACQUIRED
FINANCIAL RESOURCES OF OVER ONE MILLI-
ON EUROS TO DATE. THE CORE AND ANNUAL
HIGHLIGHT OF THE ASSOCIATION‘S WORK IS
THE PRESENTATION OF THE CALIGARI AWARDS.
THESE AWARDS PROVIDE ADDITIONAL FUNDING
FOR PARTICULARLY INNOVATIVE AND ARTI-
STICALLY VALUABLE STUDENT PROJECTS THAT
ARE STILL IN DEVELOPMENT. THE SUBMITTED
EXPOSÉS, TREATMENTS, SCREENPLAYS, OR
WORKING DRAFTS ARE EVALUATED BY A JURY
OF EXPERTS, WHO THEN SELECT THE WINNING
PROJECTS.
In 2025, the Caligari Award ceremony took place on
24 April in the Albrecht Ade Studio at FABW. The association
was delighted with the impressive response,
with over 40 projects submitted from various genres and
study emphasis fields, including animation, film journalism,
documentary film, fiction film, interactive media,
and advertising film. The projects were submitted by
students in their third and fourth years of study.
· Ministry of the Environment, Climate Protection and
the Energy Sector of Baden-Württemberg
· royal.film GmbH
· City of Ludwigsburg
· Kreissparkasse Ludwigsburg Foundation for Art,
Culture and Education
· Andreas Stihl AG & Co. KG
· SV Sparkassenversicherung Holding AG
· Wüstenrot Foundation
· YTF Young Talent Foundation Berlin gGmbH
· Nico Hofmann
· Sascha Schwingel
The award ceremony was presented by Jürgen Walter,
First Chair of the Friends Association, and his deputy
Wolfgang Kerber. As in previous years, musical accompaniment
was provided by the Caligari Band under the direction
of Andreas Fuchs.
The jury praised all the award-winning projects (see
overview below) as remarkable and multifaceted: ‘We
were impressed by the creative breadth of the submitted
projects’, explained Jürgen Walter. ‘The stories
range from everyday situations to current political
and social issues such as diversity, artificial intelligence,
and the influence of the “New Right”. We are convinced
that the award-winning material will be turned
into great films across different genres and formats.’
The jury, comprised of the board of the association, nominated
26 projects and ultimately presented 12 Caligari
Awards worth €5,000 each.
The Caligari Awards are of great importance to young
filmmakers: The financial support offers them better opportunities
to realise their projects and further establish
themselves in the industry. The award money was provided
by the following sponsors and supporters:
166

The following projects were distinguished with awards:
Member awards:
SOHNEMANN (fictional short film)
TRAUMMUTTER (fictional short film )
MARTHAS ZIMMER (fictional short film )
Award from the City of Ludwigsburg
DOSENMUTTER (fictional short film )
Award from Stihl AG & Co. KG
LIMBO (transmedia installation)
Award from the Ministry of the Environment,
Climate Protection and the Energy Sector of
Baden-Württemberg
LOSING VOISES (advertising film)
Petra Mosselman Memorial Award endowed by
Nico Hofmann and Sascha Schwingel
UNTER DEM SCHLEIER DES TODES (fictional short film)
Award from the YTF Young Talent Foundation
Berlin gGmbH
BETWEEN US THE SEA (fictional short film)
Award from the Wüstenrot Foundation
OMSORG (documentary short film)
Award from SV Sparkassenversicherung
UNDERDOGS (animated short film)
Award from the Kreissparkasse Ludwigsburg
Foundation for Art, Culture and Education
PARAPAPA (fictional short film)
Award from royal.film GmbH
THE THIRST (advertising film / animated short film)
Anyone wishing to support the students
of FABW as a private individual or
company can find the membership
application form on the association‘s
website:
www.förderverein-filmakademie.de
Membership is free for FABW students for the duration
of their studies and for up to one year after graduation.
The annual membership fee is EUR 60.00 for private
individuals, EUR 175.00 for start-ups, and EUR 350.00
for established companies.
FRIENDS OF FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG EXECUTIVE BOARD
FIRST CHAIR: Jürgen Walter
DEPUTY CHAIR: Wolfgang Kerber
Wiltrud Baier, Matthias Drescher,
Dr. Michael Hartmann, Dirk Hibbeler,
Yves Alain Lambert, Friedrich Müller, Armin Schneider,
Sabine Willmann
ASSISTANT: Ute Puschmann
Email: ute.puschmann(at)filmakademie.de
167

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG GMBH
AKADEMIEHOF 10
D - 71638 LUDWIGSBURG
filmakademiebw
filmakdemie_bw
TEL: +49 7141 969 0
E-MAIL: INFO@FILMAKADEMIE.DE
WWW.FILMAKADEMIE.DE
Filmakademie Baden-Württemberg GmbH
@FilmakademieBW
filmakademiebw
IMPRESSUM / IMPRINT
HERAUSGEGEBEN VON DER / PUBLISHED BY
Filmakademie Baden-Württemberg GmbH
Ludwigsburg
VERANTWORTLICH IM SINNE DES PRESSERECHTS /
RESPONSIBLE ACCORDING TO THE GERMAN PRESS LAW
Dr. Andreas Bareiß
REDAKTION / EDITORS
Andreas Friedrich, Fenja Schnizer
REDAKTION / EDITORS ANIMATIONSINSTITUT
Christiane Ortmann, Theresa Seitz, Julia Graf, Amelie Kant, Leonie Pharo
TEXTE UND INTERVIEWS / TEXTS AND INTERVIEWS
Dr. Andreas Bareiß, Andreas Friedrich, Julia Graf, Bernd Haasis,
Madeleine Hartung, Amelie Kant, Yves Alain Lambert, Guido Lukoschek,
Dorothee Martin, Jannika Quaas, Tristan Schneider, Fenja Schnizer,
Fabian Stetzler, Sebastian Uhlig, Julius Wieler
GESTALTUNG / LAYOUT + DESIGN
Kommunikationsdesign Heide Sorn-Daubner,
Stuttgart
DRUCK / PRINT
Druckmanufaktur Raisch,
Reutlingen
CAMPUS MAGAZIN(E) 25/26 CAMPUS 25/26
Druckprodukt
CO₂ kompensiert
Druckprodukt
CO₂ kompensiert
AUFLAGE / PRINT RUN
800
klima-druck.de
ID-Nr. 25209374
Mehr Informationen zur Berechnungsmethodik, zur
Kompensation und dem gewählten Goldstandard-
Klimaschutzprojekt finden Sie unter klima-druck.de/ID.
klima-druck.de
ID-Nr. 25209378
Mehr Informationen zur Berechnungsmethodik, zur
Kompensation und dem gewählten Goldstandard-
Klimaschutzprojekt finden Sie unter klima-druck.de/ID.
168

FOTONACHWEIS / PHOTO CREDITS
Umschlag/sleeve – Set Extension Workshop 2009: FABW
p. 2, 7 – Portraits Andreas Bareiß: FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 12 – Editorial, Meet the Staff, Partner der FABW: FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 12 – FMX: www.dominiquebrewing.com
p. 12 – Internationale Netzwerke: private archives Lea Staron
p. 13 – Mascha Schilinski + Louise Peter: AEDT
p. 13 – Filming Report: Leon Greiner
p. 13 – Ilija Brunck: Woodblock
p. 13 – Prof. Matthias Raue: Pernilla Raue
p. 13 – Meike Katrin Stein: private archives
p. 13 – Lisa Purtscher + Lotta Schmelzer: Tonyslav Tony Bozic
p. 14, 27 – Thomas Strittmatter Award cerempny: AEDT
p. 16, 18, 19, 24-26, 28 – Film stills IN DIE SONNE SCHAUEN: Neue Visionen Filmverleih GmbH
p. 17 – Mascha Schilinski with jury award: picture alliance / abaca; Photographer: David Nivière
p. 20 – Film still DIE TOCHTER: FABW / Fabian Gamper
p. 22 – Portrait Mascha Schilinski: Fabian Gamper
p. 22 – Portrait Louise Peter: René Fitzeck
p. 22 – Orange Hour: ZDF / Jens Hartmann
p. 29 – Red Carpet Cannes: picture alliance / eventpress; photographer: Kochan eventpress
p. 44, 46-49 – Filming report PARADEISA: Leon Greiner
p. 52, 55, 56 – Diana Ariello: FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 55, 57-58 – R&D: FABW / photographer Alexander Kreische
p. 59 – FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 60 – Portrait Rahul Rao Kanuparthi: FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 61 – Portrait Frederik Stapf: Fiona Menzel
p. 61 – Portrait Yelizaveta Davydenko: Fabian Nübling
p. 62 – Liubov Popova: private archives
p. 62, 65 – Behind the scenes + team GAIA: Gwenola Heck
p. 68 – FABW / photographer Julia Graf
p. 69 – FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 72, 76 – Stadt Ludwigsburg
p. 73 top – FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 73 bottom – Tobias Eckerlin
p. 74 top – Arne Hain
p. 74 bottom – Beren Baumgartner
p. 75, 79 – Paneurama
p. 77 top – FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 77 bottom – Tobias Eckerlin
p. 78 top – Bilal Yigit Inal
p. 78 bottom – Arne Hain
p. 80-87 – Woodblock
p. 88-93 – FMX 2025: www.dominiquebrewing.com
p. 94 top – Bye-bye Thomas Schadt: FABW / photographer Anja Fellerhoff
p. 94 middle and bottom – FABW / photographer Madlen Medvedovskyy
p. 95 – FABW / photographers Anja Fellerhoff, Madlen Medvedovskyy
p. 96 – Portrait Prof. Matthias Raue: Pernilla Raue
p. 96 – Portrait Meike Katrin Stein: private archives
p. 100 – Matthias Raue with students: Andreas Fuchs
p. 100 – Meike Katrin Stein conducting orchestra: René Abe
p. 104 – Portrait Andreas Lademann + Andreas Dendorfer: CASTFORWARD / e-TALENTA
p. 112, 114 – Exchange programme Austin, Texas: Lea Staron
ALP
p. 115 – Portrait Guido Lukoschek: private archives
p. 118 – Portrait Sophia Stier: private archives
p. 118 – Portrait Lorra Videv: private archives
p. 120 – Set photo KAVALYE O DAM: Stéphanie Carranza
p. 123 – Set photo LET´S CALL IT LOVE: Leila Hamid
p. 124, 128, 130 – Heads of studies: FABW / Anja Fellerhoff
p. 132-135 – Field turf tournament: Kevin Koch
p. 136 – Portrait Lisa Purtscher + Lotta Schmelzer: Bernhard Strobel
p. 137, 143 – Film stills BABYSTAR: Jakob Sinsel
p. 138, 141 – Set photos BABYSTAR: Jakob Fliedner
p. 140 top – Tonyslav Tony Bozic
p. 140 bottom – Kevin Koch
p. 142 – Team photo BABYSTAR: Matze Nomadic
p. 144, 148 – Sofie Hirschmüller: PHILIPP T.
p. 145, 146, 151 bottom – Stipend holders and donors: FABW / Anja Fellerhoff
p. 149, 150 – Kavindu Sivarajha: private archives
p. 151 top – Constanza Schmidt: private archives
p. 152-155 – Premiere „Schräg“: Steven M. Schultz / ADK
p. 157 – Diversity: Peter Himsel / www.himsel.de
p. 159 top – FABW / photographer Linda Daubner
p. 159 bottom – Produktionsallianz
p. 160-163 – Commissioned productions: FABW / Yves Alain Lambert
p. 164-167 – Caligari Award Show: FABW / photographer Kavindu Sivarajha
Other photos: Filmakademie Baden-Württemberg GmbH (FABW)

Filmakademie Baden-Württemberg GmbH | Akademiehof 10 | 71638 Ludwigsburg
WWW.FILMAKADEMIE.DE