EPA Darstellendes Spiel - Landesarbeitsgemeinschaft ...

Beschlüsse der Kultusministerkonferenz 

Einheitliche Prüfungsanforderungen 

in der Abiturprüfung 

Darstellendes Spiel 

Die Länder werden gebeten, die neu gefassten Einheitlichen 

Prüfungsanforderungen für das Fach Darstellendes Spiel 

spätestens zur Abiturprüfung im Jahr 2010 umzusetzen. 

Einheitliche Prüfungsanforderungen in der Abiturprüfung (EPA) im Fach Darstellendes Spiel 

(Beschluss der Kultusministerkonferenz vom 16.11.2006) ........................................................................ 3

Einheitliche Prüfungsanforderungen in der Abiturprüfung (EPA) 

im Fach Darstellendes Spiel 

(Beschluss der Kultusministerkonferenz vom 16.11.2006) 

Inhaltsverzeichnis 

Fachpräambel ............................................................................................................................................. 5 

I. Festlegungen für die Gestaltung der Abiturprüfung ....................................................................... 6 

1 Fachinhalte und Kompetenzen ....................................................................................................... 6 

1.1 Sachkompetenz: theaterästhetische Grundlagen ............................................................................ 7 

1.2 Gestaltungskompetenz: theaterästhetische Gestaltung................................................................... 7 

1.3 Kommunikative Kompetenz: theaterästhetische Kommunikation................................................. 8 

1.4 Soziokulturelle Kompetenz: soziokulturelle Partizipation............................................................. 9 

2 Anforderungsbereiche.................................................................................................................. 11 

2.1 Allgemeine Beschreibung............................................................................................................ 11 

2.2 Konkretisierung der Anforderungsbereiche bezogen auf Kompetenzbereiche ............................ 13 

2.3 Beispiele...................................................................................................................................... 14 

2.3.1 Anforderungsbereich I................................................................................................................. 14 

2.3.2 Anforderungsbereich II................................................................................................................ 14 

2.3.3 Anforderungsbereich III .............................................................................................................. 14 

2.4 Operatoren................................................................................................................................... 15 

2.4.1 Anforderungsbereich II................................................................................................................ 15 

2.4.2 Anforderungsbereich III .............................................................................................................. 16 

3 Mündliche Prüfung ...................................................................................................................... 17 

3.1 Ziele der mündlichen Prüfung ..................................................................................................... 17 

3.2 Aufgabenstellung......................................................................................................................... 17 

3.2.1 Aufgabenstellung für den spielpraktischen Teil .......................................................................... 17 

3.2.2 Aufgabenstellung für die Reflexionsaufgabe............................................................................... 18 

3.3 Ablauf der Prüfung...................................................................................................................... 18 

3.4 Bewertungskriterien und Anforderungen..................................................................................... 18 

3.4.1 Bewertung der spielpraktischen Prüfung ..................................................................................... 18 

3.4.2 Bewertung der Reflexionsaufgabe............................................................................................... 19 

4 Weitere Prüfungsformen .............................................................................................................. 20 

4.1 Mündliche Prüfung...................................................................................................................... 20 

4.2 Besondere Lernleistung ............................................................................................................... 20 

4.3 Anforderungen und Bewertung ................................................................................................... 20 

II. Aufgabenbeispiele........................................................................................................................ 21 

1 Entwicklung einer choreografischen Szene auf der Basis einer musikalischen Komposition ...... 21 

1.1 Aufgaben ..................................................................................................................................... 21 

1.2 Erwartungshorizont ..................................................................................................................... 21 

1.3 Unterrichtliche Voraussetzungen................................................................................................. 23 

1.4 Hinweise zur Bewertung der Prüfungsleistung............................................................................ 23 

2 Umgestaltung eines Werks der Bildenden Kunst in eine Szene ................................................... 23 

2.1 Aufgaben ..................................................................................................................................... 23 

2.2 Erwartungshorizont ..................................................................................................................... 24 

2.3 Unterrichtliche Voraussetzungen................................................................................................. 25 

3

2.4 Hinweise zur Bewertung der Prüfungsleistungen........................................................................ 26 

3 Inszenierung eines kurzen dramatischen Textes .......................................................................... 26 

3.1 Aufgaben..................................................................................................................................... 26 

3.2 Erwartungshorizont..................................................................................................................... 28 

3.3 Voraussetzungen ......................................................................................................................... 31 

3.4 Hinweise zur Bewertung der Prüfungsleistung ........................................................................... 31 

4 Szenische Gestaltung eines Gedichtes ......................................................................................... 32 

4.1 Aufgaben..................................................................................................................................... 32 


4.3 Unterrichtliche Voraussetzungen: ............................................................................................... 34 


5 Realisierung eines theatertheoretischen Ansatzes in der Inszenierung 

eines kurzen dramatischen Textes................................................................................................35 

5.1 Aufgaben..................................................................................................................................... 35 


5.3 Unterrichtliche Voraussetzungen: ............................................................................................... 38 


6 Theatrale Adaption eines epischen Textes ................................................................................... 39 

6.1 Aufgaben..................................................................................................................................... 39 


6.3 Unterrichtliche Voraussetzungen ................................................................................................ 42 


7 Erarbeitung einer Szene mit einem Requisit als zentralem Bedeutungsträger ............................. 43 

7.1 Aufgaben..................................................................................................................................... 43 


7.3 Unterrichtliche Voraussetzungen ................................................................................................ 45 


4

Fachpräambel 

Der Unterricht im sprachlich-literarisch-künstlerischen Aufgabenfeld führt zum Verständnis künstlerischer 

Formen, menschlicher Möglichkeiten und soziokultureller Zusammenhänge. 

Im Rahmen dieses Aufgabenfeldes hat das Fach Darstellendes Spiel den besonderen Auftrag einer grundlegenden 

Bildung in den Darstellenden Künsten. 

Das Fach „Darstellendes Spiel“ auf grundlegendem Anforderungsniveau soll dabei 

• in grundlegende Sachverhalte und Strukturen sowie Geschichte und Theorie des Faches einführen, 

• seine wesentlichen Arbeitsmethoden vermitteln und reflektieren, 

• Zusammenhänge innerhalb des Faches und über seine Grenzen hinaus erkennbar werden lassen. 

Kooperationsfähigkeit und Kreativität, problemlösendes Denken, das Denken in Modellen und symbolischen 

Zusammenhängen sind als unmittelbare Anforderungen des Faches von zentraler wissenschaftspropädeutischer 

Bedeutung und tragen wesentlich zur Studierfähigkeit bei. 

Darstellende Kunst trägt den existentiellen Ausdrucks- und Kommunikationsbedürfnissen von Menschen 

Rechnung. In fast allen Kulturen beinhaltet sie die imaginative und kreative Aneignung von Welt, bei der 

eine Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit stattfindet und ihre potentielle Veränderbarkeit erforscht 

wird. Dabei ermöglicht die symbolische Welt des Theaters vielfältige kreative Weltentwürfe. Kommunikation 

durch und über Theater bewirkt einen Erkenntnisgewinn, der emanzipatorische Kraft hat. Über den 

schulischen Rahmen hinaus wird die Basis für ein lebenslanges Interesse an den Formen darstellender 

Künste und ihrem gesellschaftlich innovativen Potential geschaffen. 

Das Fach Darstellendes Spiel gehört mit Kunst und Musik zu den Fächern, die einen „ästhetischexpressiven 

Modus der Weltbegegnung“ 1 ermöglichen. In diesem curricularen Rahmen hat das Fach Darstellendes 

Spiel den besonderen Auftrag der theaterästhetischen Bildung und zwar sowohl produktionsästhetisch 

- in eigenen theatralen Gestaltungsprozessen - als auch rezeptionsästhetisch - in der Auseinandersetzung 

mit Werken der Theaterkunst. 

Auf der produktionsästhetischen Ebene erforschen, deuten und reflektieren Schülerinnen und Schüler ihr 

Verständnis von sich selbst und der Welt, in der sie leben. Mit Mitteln der darstellenden Künste werden 

Wirklichkeiten gespiegelt, in Frage gestellt, alternative Wirklichkeiten entworfen, gestaltet und präsentiert. 

Mit der Aufführung in der Schulöffentlichkeit positionieren sie sich mit ihren Anliegen und stellen sich 

einem gesellschaftlichen Diskurs. 

Auf der rezeptionsästhetischen Ebene wird eine Auseinandersetzung mit eigenen theatralen Werken und 

auch mit Aufführungen professioneller Theater angeregt. Jugendliche machen dabei die Erfahrung einer 

aktiven, kreativen Partizipation am gesellschaftlichen und kulturellen Leben der Gegenwart. 

1 

Eckhard Klieme, Zur Entwicklung nationaler Bildungsstandards. Bonn 2003 S. 67 ff. 

5

I. Festlegungen für die Gestaltung der Abiturprüfung 

Darstellendes Spiel ist bis auf weiteres ein Prüfungsfach der mündlichen Abiturprüfung. Auf der Grundlage 

der hier getroffenen allgemeinen Festlegungen über die Inhalte und Anforderungen der Abiturprüfung 

können Länder ggf. das Fach auch als schriftliches Prüfungsfach auf grundlegendem Anforderungsniveau 

erproben. 

1 Fachinhalte und Kompetenzen 

Zentrale Fachinhalte sind die theatralen Bedeutungskonstituenten, d.h. die spezifischen Bedingungen 

und Möglichkeiten, wie im Theater Bedeutung erzeugt und kommuniziert wird sowie performative 

Handlungen, die ästhetische Wahrnehmung und Erfahrung ermöglichen. Diese lassen sich wie folgt auffächern: 

• Theatrale Ausdrucksträger (Spieler als Ausdrucks- und Rollenträger, bühnenspezifische und akustische 

Zeichen) 

• Theaterspezifische Techniken und Gestaltungsmittel (Zum Beispiel Elemente des Bildertheaters, 

choreografische und chorische Techniken) 

• Strukturen 

• theatrale Strukturen (Raum und Zeit, Fokus, Rhythmus) 

6 

• dramaturgische Strukturen (Werk- und Inszenierungsdramaturgie / visuelle und narrative Dramaturgie) 

• formale Strukturen (Bau- und Spielformen, Genres) 

• Spielkonzepte (Eigenproduktion, Umsetzung, bzw. Bearbeitung eines Theatertextes, Adaption eines 

nichtdramatischen Textes) 

• Performativität: ästhetische Wahrnehmung und Erfahrung (Aspekte der sinnlichen Qualität des 

theatralen Spielens in ihrer Wirkung auf Spieler und Zuschauer) 

Der Unterricht hat die Entwicklung einer allgemeinen theaterästhetischen Handlungskompetenz zum Ziel, 

die wie folgt definiert werden kann: 

Theaterästhetische Handlungskompetenz umfasst solche auf die Inhalte des Faches bezogenen Fähigkeiten 

und Fertigkeiten, die zur Lösung und Reflexion komplexer Gestaltungsaufgaben angewendet werden, 

dabei mannigfaltige kommunikative Prozesse in Gang setzen und so eine Teilhabe am kulturellen 

Leben der Gesellschaft ermöglichen. 

Aus dieser Definition ergeben sich vier Kompetenzbereiche: 

• Sachkompetenz: Schülerinnen und Schüler verfügen über Grundkenntnisse und –fertigkeiten in Bezug 

auf die theatralen Bedeutungskonstituenten und performativen Handlungen. 

• Gestaltungskompetenz: Sie verwenden diese Grundkenntnisse und –fertigkeiten zur Lösung komplexer 

theatraler Gestaltungsaufgaben. 

• Kommunikative Kompetenz: Sie begreifen, deuten, reflektieren und evaluieren theaterästhetische 

Prozesse und Produkte als kommunikative Akte.

• Soziokulturelle Kompetenz: Sie verfügen über exemplarische Kenntnisse einiger für das Theater der 

Gegenwart relevanter Aspekte der Theaterkultur, -theorie und –geschichte. 

In der Abiturprüfung werden Leistungen in diesen vier Kompetenzbereichen - aufgefächert nach den drei 

Anforderungsbereichen - gefordert. 

1.1 Sachkompetenz: theaterästhetische Grundlagen 

Schülerinnen und Schüler verfügen über theatrale Grundkenntnisse und –fertigkeiten, die sie zur 

Verwirklichung und zum Verstehen von eigenen und fremden Gestaltungsanliegen brauchen. 

Hierzu gehören 

• theaterästhetische Wahrnehmungskompetenz 

• primäre Sinneswahrnehmung als Voraussetzung für ästhetische Wahrnehmung 

• ästhetische Wahrnehmung als Voraussetzung für theatrales Handeln und Reflektieren 

• Kreativität und Imaginationsfähigkeit als integraler Faktor schöpferischer Prozesse 

• „Spielfreude“, d. h. die Motivation, Theaterprojekte zu entwickeln und zu präsentieren 

• Spielfähigkeit, z.B. Bewusstheit für Körper- und Stimmausdruck, Bühnenpräsenz, sensibles Agieren 

und Reagieren als Spieler und Mitspieler innerhalb des Spielgeschehens 

• Grundkenntnisse und –fertigkeiten in Bezug auf 

• die theatralen Ausdrucksträger 

• theaterspezifische Techniken und Gestaltungsmittel 

• theatrale Strukturen 

• dramaturgische Strukturen 

• formale Strukturen (Bau- und Spielformen, Genres) 

• Spielkonzepte 

• Fähigkeit, symbolische Objekte oder Handlungen für komplexe Zusammenhänge zu finden und zu 

erkennen 

• Kenntnisse elementarer Wirkungskriterien von performativen Handlungen 

1.2 Gestaltungskompetenz: theaterästhetische Gestaltung 

Schülerinnen und Schüler verwenden theatrale Mittel gezielt und reflektiert zur Lösung komplexer 

Gestaltungsaufgaben. 

• Sie verwenden die theatralen Bedeutungskonstituenten 

• bei der Gestaltung eigener Erfahrungen, Ideen und Geschichten, also z.B. bei der Inszenierung eigener 

biographischer Bezüge und Erlebnisse oder eigener Texte und sonstiger Materialien, die in 

einem engen Bezug zum Spieler stehen 

7

8 

• bei der Gestaltung dramatischer Texte, also z.B. fertiger oder bearbeiteter Textvorlagen (dialogische 

Texte, Dramen u.a.) oder aus der Gruppe hervorgegangener, selbst produzierter dramatischer 

Spielvorlagen 

• bei der Gestaltung nicht-dramatischer Texte (Kurzgeschichten, Gedichte, Zeitungstexte etc.) und 

anderer Spielvorlagen (Bilder, Comics, Statistiken etc.) 

• Sie entwerfen und realisieren szenische Gesamtkonzepte, die ein funktional stimmiges Zusammenspiel 

der einzelnen Elemente erfordern und überprüfen die intendierte Wirkung. 

• Sie finden Symbole für komplexe inhaltliche Zusammenhänge und setzen sie gezielt ein, z.B. bestimmte, 

über sich selbst hinaus Bedeutung anzeigende Objekte (z.B. Koffer), 

• bestimmte, in wiederkehrenden Situationen bedeutsam erscheinende symbolhafte Gesten (z.B. 

„nichts hören, nichts sehen, nichts sprechen“) oder Bewegungsabläufe (z.B. Marionette), 

• in ihren Dimensionen (z. B. Tiefe, Höhe, Verzerrungen) oder ihrer Ausstattung mit bestimmten 

Gegenständen (z. B. ein Kreuz im leeren Raum) symbolhaft gestaltete Räume. 

• Sie verfügen über Präsentationsfähigkeit, d. h. sie können erarbeitete szenische Produkte in Aufführungen 

präsentieren 

• Sie verfügen über Strategien zur selbstständigen gestalterischen Aufgabenlösung. Dabei spielen die 

folgenden Aspekte eine wichtige Rolle: 

• die Fähigkeit, Aufgabenlösungen in Zusammenarbeit mit den anderen Mitgliedern der gestaltenden 

Gruppe zu finden 

• Kenntnisse grundlegender Methoden zum Finden szenischer Lösungen (Sammeln, Sichten, Auswählen, 

etc.) 

• die Bereitschaft, Ideen zu explorieren, d.h. alternative Lösungsmöglichkeiten und –wege zu finden 

und auszuprobieren 

• die Fähigkeit, Aussagen zu fokussieren, d. h. szenische Entscheidungen zu treffen und mit einem 

Gesamtkonzept abzustimmen 

• die Fähigkeit, Präsentationen durch Proben vorzubereiten 

• die Fähigkeit, den Gesamtaufwand für ein Vorhaben in Beziehung zu den zur Verfügung stehenden 

zeitlichen, räumlichen, und personellen Möglichkeiten realistisch einzuschätzen 

1.3 Kommunikative Kompetenz: theaterästhetische Kommunikation 

Schülerinnen und Schüler begreifen, deuten, reflektieren und evaluieren theaterästhetische Prozesse 

und Produkte als kommunikative Akte. 

• Sie verfügen über eine für die Kommunikation über Theater erforderliche theaterspezifische Fachterminologie. 

• Sie verstehen theaterästhetische Kommunikation als Spezialfall ästhetischer Kommunikation: zum 

einen bedingt durch das besondere „Framing“, zum anderen bedingt durch die Einmaligkeit der „Aufführung“, 

die die Gleichzeitigkeit von Produktion und Rezeption zur Folge hat. 

• Sie deuten und reflektieren Theater als symbolische Repräsentation von Welt und begreifen,

• dass für die Dauer der Aufführung eine eigene autonome Wirklichkeit entsteht (Als-ob- 

Wirklichkeit), die vom Zuschauer als solche akzeptiert wird, 

• dass diese autonome fiktive Wirklichkeit die „reale“ Wirklichkeit aus einer spezifischen Perspektive 

sowohl abbildet als auch zur Reflexion anbietet. 

• Sie reflektieren, analysieren und deuten eigene und fremde theatrale Arbeit: 

• Sie nutzen hierfür ihre bereits erworbenen theaterästhetischen Grundkenntnisse oder erweitern diese, 

wenn spezifische Kenntnisse fehlen (z.B. Kenntnis der theatralen Bedeutungskonstituenten, 

Fachterminologie). 

• Sie nutzen die eine Inszenierung begleitenden Materialien, um ihr Verständnis zu vertiefen (z.B. 

Programmhefte, Rezensionen, eigene Recherche). 

• Sie schätzen ein, wie individuelle biographische Faktoren (Lebenserfahrung, Theatererfahrung, eigene 

emotionale Beteiligung, Sozialisation ...) Wahrnehmung und Deutung beeinflussen und berücksichtigen 

dies angemessen im Reflexionsprozess. 

• Im Diskurs über unterschiedliche Sichtweisen beweisen sie Ambiguitätstoleranz und Achtung für 

andere Meinungen. 

• Sie verfügen über Qualitätskriterien und wenden diese zur Evaluation eigener und fremder Arbeit an. 

Dies bedeutet 

• in Bezug auf die Beurteilung eigener Arbeit auch, dass sie sich der möglichen Diskrepanz zwischen 

Intention und Wirkung bewusst sind und die eingesetzten theatralen Mittel in Hinsicht auf die tatsächliche 

Wirkung überprüfen, 

• in Bezug auf die Beurteilung fremder Arbeit, dass sie spontane Wertungen („gefallen“ oder „nicht 

gefallen“) unter Anwendung von Qualitätskriterien überprüfen, um zu einem differenzierten Urteil 

zu gelangen 

• Sie verfügen über mündliche und schriftliche Methoden der Anschlusskommunikation. 

1.4 Soziokulturelle Kompetenz: soziokulturelle Partizipation 

Schülerinnen und Schüler reflektieren die soziokulturelle Funktion von Theater. 

Sie verfügen über exemplarische Kenntnisse einiger für das Theater der Gegenwart relevanter Aspekte der 

Theaterkultur, -theorie und –geschichte, die aus den folgenden Themenbereichen ausgewählt werden können 

und in einem inhaltlichen Zusammenhang mit den jeweiligen Spielprojekten stehen. 

• Bezüge zur eigenen Lebenswelt 

• individuell, z.B. das eigene Ich, Familie, Schule, Freunde 

• gesellschaftlich, z.B. Staat, Arbeitswelt, Konfliktfelder wie Gewalt, Umwelt 

• interkulturell, z.B. multikulturelle Gesellschaft, Globalisierung, fremde Kulturkreise 

• Theater in der Kultur der Gegenwart, z. B. in Bezug auf 

• Formenvielfalt (Schauspiel, Oper, Tanztheater, Performance, Kleinkunst, Mischformen, etc.) 

• Postdramatische Theaterformen 

9

10 

• Inszenierungsstile (z. B. Stil prägende Regiearbeiten der Gegenwart) 

• den Einfluss elektronischer Medien auf Inszenierungen (virtuelle Bühnenbilder, Theaterhandlungen 

als Computerspiel, etc.) 

• die kulturelle Identität (regionale und lokale Prägungen) 

• die interkulturelle Dimension (z.B. Einfluss anderer Kulturen, Mehrsprachigkeit) 

• Historische Theaterformen, -epochen und Produktionsbedingungen, insbesondere solche, die die Entwicklung 

des Theaters der Gegenwart geprägt haben 

• relevante Epochen (horizontal): 

• Antikes Theater (Entwicklung von Tragödie, Komödie, dramaturgische Grundmuster, mythologische 

Stoffe u.a.) 

• Commedia dell’arte (Improvisationstheater, Wirkung auf Formen des Volkstheaters, Typisierung 

der Figuren, Masken u.a.) 

• Elisabethanisches Theater (Theater als Bestandteil des gesellschaftlichen Lebens, differenzierte 

Schauspielkunst, Totalität der Welterfahrung) 

• Theater der Aufklärung (Bürgerliches Trauerspiel, Charaktertragödie, aufklärerisch- 

• 

humanistische Intention des Theaters u.a.) 

relevante Entwicklungsstränge (vertikal): 

• Orte und Gebäude, an bzw. in denen Theater gespielt wurde oder wird als Spiegel der gesellschaftlichen 

Bedeutung von Theater 

• auf Theaterereignisse bezogene Konventionen (z. B. Verhalten der Zuschauer, Einbettung der 

Aufführung ins gesellschaftliche Leben) 

• Inszenierungsstile (z. B. Ausstattung, Darstellung) 

• gesellschaftliche Bedeutung von Theaterschaffenden, z. B. von Schauspielern und Schauspielerinnen, 

Theaterautoren 

• Bedeutende Theaterautoren und –autorinnen und ihre Werke aus verschiedenen Epochen, insbesondere 

solche, welche die Entwicklung des Theaters der Gegenwart geprägt haben. Reflexion auf dem Hintergrund 

• eigener Projekte, 

• der Spielplangestaltung eines spezifischen Theaters der Gegenwart, 

• ihres Stellenwertes innerhalb der Geschichte des Theaters. 

• „Klassische Moderne“ (Überwindung klassischer Dramenkonzeptionen, gesellschaftsrelevantes, politisches 

Theater, veränderte Rolle des Schauspielers und des Zuschauers, Einfluss auf zeitgenössische 

Regiestile u.a.) 

• Theater in theoretischen und konzeptionellen Kontexten in Bezug auf 

• Schauspielertheorien (z.B. Stanislawski, Strasberg...)

• Dramentheorien (z.B. Aristoteles, Lessing, Schiller, Brecht) 

• Theaterkonzepte (z. B. Artaud, Grotowski, Brook) 

• Theater als Kerndisziplin medial vermittelter darstellender Künste (z.B. Kinofilm, Fernsehspiel, Hörspiel); 

Gemeinsamkeiten und Unterschiede in der Verwendung der theatralen Bedeutungskonstituenten 

• Theatralität als essentielles Merkmal kultureller Praxis, z. B. Inszenierungs-, Darstellungs- und Aufführungsformen 

im Alltag 

• Interdisziplinäre Bezüge zwischen Theater und anderen Künsten unter dem verbindenden Aspekt der 

Performanz. 

2 Anforderungsbereiche 

2.1 Allgemeine Beschreibung 

Im Fach Darstellendes Spiel geben die Vorgaben der Kultusministerkonferenz in den „Einheitlichen Prüfungsanforderungen 

in der Abiturprüfung Deutsch“ vom 24.5.2002 zur fachspezifischen Beschreibung der 

Anforderungsbereiche (AB) die Möglichkeit, die Teilleistungen, die in den in der Prüfung gezeigten Schülerleistungen 

untrennbar sind, analytisch getrennt zu erfassen und einer nachvollziehbaren und kommunizierbaren 

Bewertung zugänglich zu machen. Darüber hinaus geben die Anforderungsbereiche wichtige 

Hinweise für die Gestaltung und Formulierung der Prüfungsaufgaben, deren Aufbau nicht dem Dreischritt 

der Anforderungsbereiche entsprechen muss. 

AB I 

umfasst im Fach Darstellendes Spiel die Kenntnis theatraler Zeichensysteme und die Erfahrung im Umgang 

mit ihnen, mit Gestaltungsmitteln und -techniken, Formen und Strukturen sowie grundlegende Kenntnisse 

in abgegrenzten Gebieten der Theatertheorie und Theatergeschichte. Die Schüler verfügen über ein Fachvokabular 

als Voraussetzung für theatrale Gestaltungsprozesse, zur Beschreibung und Bewertung theatraler 

Vorgänge. 

AB II 

beschreibt die Fähigkeit, dieses performative und fachliche Wissen auf nicht aus dem Unterricht bekannte 

Texte, Szenen, theatrale Handlungen und Inszenierungen anzuwenden, um diese zu analysieren, zu beschreiben 

und zu gestalten. Zum AB II gehört auch die Strukturierung des künstlerischen Arbeitsprozesses 

sowie die ziel- und aufgabenorientierte Auswahl und der Einsatz von Gestaltungsmitteln, um in einem 

bestimmten Raum und der gegebenen Zeit einen Gestaltungsprozess in Gang zu setzen. Hierzu zählt auch 

der Vergleich mit anderen Werken der bildenden Kunst, Musik und des Theaters. 

AB III 

erfasst die Art und Qualität der gestalterischen Problemlösung und ihres Konzepts, die Reflexion des Arbeitsprozesses 

und seiner fachlichen Anteile sowie die Bewertung und Beurteilung der eigenen Entwürfe, 

des eigenen Konzepts und Produkts auf dem Hintergrund theoretischer und historischer Bezüge. Dazu 

gehören die kritische Auseinandersetzung mit der Vorlage, anderen und eigenen Konzepten sowie mit den 

Fragen und Kommentaren der Prüfer, außerdem die selbstständige Analyse und sprachlich differenzierte 

Interpretation einer Vorlage. 

Die Aufgabenstellung in der Abiturprüfung im Fach Darstellendes Spiel sieht die Bearbeitung, Lösung und 

Reflexion einer komplexen szenischen Aufgabe vor, die an den Kompetenzbereichen des Faches orientiert 

11

ist. Dabei überschneiden sich die Anforderungsbereiche und sind untrennbar miteinander verbunden. Sie 

geben daher nicht die Struktur der Aufgabenstellung vor, sondern bedeuten eine je eigene Sichtweise auf 

ein komplexes Ganzes. Sie eröffnen die Möglichkeit, die Leistungen in der Abiturprüfung analytisch aufzugliedern, 

zu beobachten, zu erfassen und zu beurteilen. 

Eine Prüfungsaufgabe muss sich auf alle drei Anforderungsbereiche erstrecken. Die Prüfungsaufgaben 

erreichen dann ein angemessenes Niveau, wenn das Schwergewicht der zu erbringenden Prüfungsleistung 

im Anforderungsbereich II (ca. 40 %) liegt und daneben die Anforderungsbereiche I und III (mit ca. je 

30 %) berücksichtigt werden. Die Aufgabenstellung muss eine Beurteilung ermöglichen, die das gesamte 

Notenspektrum umfasst. Die konkreten Leistungserwartungen werden über die Aufgabenstellung gesteuert. 

Letztlich muss die ausgewogene Beurteilung der Gesamtleistung Priorität vor einer Addition von Teilnoten 

in Bezug auf die Anforderungsbereiche oder vor einer zu stark mathematisierten Form der Berechnung 

haben. Insbesondere im Darstellenden Spiel ist die Mehrdimensionalität der Leistung zu beachten und 

angemessen zu berücksichtigen. 

In der Abiturprüfung beziehen sich Teilleistungen immer auf eine von einer Person oder einer Gruppe 

erarbeitete komplexe szenische Darstellung. Dabei werden die Zeichensysteme des Theaters im Rahmen 

eines bestimmten Gestaltungskonzepts bewusst eingesetzt, in ihrer Wirkungsästhetik reflektiert und Bezüge 

zu bestimmten theatralen Formen, zu Theatertheorie und Theater- sowie Kulturgeschichte hergestellt. 

In der Aufgabe und Beurteilung muss die spezifische Qualität des künstlerischen Fachs Darstellendes Spiel 

ebenso berücksichtigt werden wie der Bezug auf die im Unterricht erworbenen Kompetenzen und die Reflexions- 

und Analysefähigkeit der Schülerinnen und Schüler. 

Die gestalterische Aufgabe soll klar umrissen sein und konkrete Orientierungshilfen bieten. Andererseits 

soll die Aufgabe eine größtmögliche Offenheit für kreative Lösungen gewähren, so dass unterschiedliche 

inhaltliche und gestalterische Lösungen möglich werden und eine Bewertung im ganzen Notenspektrum 

infrage kommt. 

Daher kommt der Reflexion der szenischen Darstellung und des Arbeitsprozesses im Anschluss an den 

praktischen Teil der Prüfung eine besondere Bedeutung zu. 

Die Anforderungsbereiche setzen eine Unterrichtspraxis voraus, die den Schülerinnen und Schülern in 

Theaterprojekten Gelegenheit gibt, ihre Darstellungs-, Gestaltungs- und Reflexionsfähigkeit zu entwickeln 

und künstlerische Entscheidungen auch auf historische und theoretische Kenntnisse zu beziehen. 

12

2.2 Konkretisierung der Anforderungsbereiche bezogen auf Kompetenzbereiche 

Kompetenzbereiche 

TheaterästhetischeGrundlagen 

TheaterästhetischeGestaltung 

TheaterästhetischeKommunikation 

Soziokulturelle 

Partizipation 

AB I 

Kennen/Können/Wissen 

Grundlegende Fachbegriffe 

beherrschen. 

Theatrale Zeichensysteme 

kennen und können. 

Text- und szenische 

Strukturen erfassen und 

beschreiben. 

Darstellungstechniken 

kennen. 

Bezug zu eigenen Erfahrungen 

und Ideen herstellen. 

Spielformen beschreiben. 

Den Inhalt einer Szene 

wiedergeben. 

Präsenz im Spiel zeigen. 

Theater als symbolisches 

Handeln begreifen. 

Aufführungskonventionen 

und ästhetische Kriterien 

zur Wahrnehmung, Deutung 

und Bewertung von 

Aufführungen kennen. 

Unterschiedliche Medien 

und ihre gesellschaftliche 

Funktion kennen. 

Kenntnisse über Theatergeschichte, 

–funktionen und 

fachspezifische Theorien 

nachweisen. 

AB II 

Anwenden und Gestalten 

Einzelne Gestaltungselemente 

in begrenzten Kontexten 

anwenden. 

Eine Szene unter Verwendung 

zentraler Zeichensysteme 

gestalten. 

Zu einer Rolle eine Figur 

entwickeln. 

Unterschiedliche Vorlagen 

zur szenischen Gestaltung 

adaptieren. 

Medien, Raum u. andere 

Gestaltungsmittel nutzen. 

Geeignete und angemessene 

Spielformen auswählen 

und verwenden. 

Den Arbeits- und Gestal- 

tungsprozess strukturieren. 

Die eigene Aufführung als 

Kommunikation zwischen 

Zuschauer und Spieler 

gestalten. 

Präsentationen eigenständig 

analysieren und ästhetische 

Kriterien zur Beurteilung 

von Aufführungen 

anwenden. 

Lebensweltliche Bezüge in 

die Gestaltung einbeziehen. 

Medieneinsatz begründen. 

Unterschiedliche Medien 

vergleichen. 

Ab III 

Probleme lösen, Reflek- 

tieren und Werten 

Szenen von einer Spielform 

in eine andere übertragen. 

Spielformen zielbewusst 

brechen. 

Eigene und fremde Szenen 

analysieren u. reflektieren. 

Eine Präsentation nach 

einem eigenen Konzept 

gestalten. 

Einen eigenen Zugang zum 

Thema oder zur Vorlage 

finden, eigene Ideen und 

Konzepte entwickeln, 

begründen, reflektieren und 

diskutieren. 

Alternativen zum gewählten 

Arbeits- und Gestaltungsprozess 

entwickeln 

und begründen. 

Aufführungen kritisch und 

eigenständig beurteilen und 

bewerten. 

Qualitätskriterien reflektieren. 

Alternative Entwürfe und 

Konzepte entwickeln und 

begründen. 

Zusammenhänge zwischen 

Gesellschaft und Theater 

herstellen. 

Für die eigene Gestaltung 

Möglichkeiten soziokultureller 

Partizipation entwerfen. 

Vorteile bestimmter Medien 

in speziellen Verwendungszusammenhängen 

erörtern. 

13

2.3 Beispiele 

2.3.1 Anforderungsbereich I 

– Elementare darstellerische Techniken in einfachen Aufgaben anwenden 

– Eine einfache Rollenbiographie als Teilaspekt der Rollengestaltung selbstständig erarbeiten 

– Übungen erläutern und durchführen, die zu einem kreativ-künstlerischen Arbeitsprozess gehören 

– Eine Szene beschreiben 

– Alltägliche Bewegungen in theatrale Abläufe umsetzen 

– Sachtexte zusammenfassen und wiedergeben 

– Sachverhalte aus einem der Inhaltsbereiche des Theaters benennen (Dramaturgie, Zeichensysteme, 

Theorie, Theatergeschichte, Theaterformen) 

– Arbeitstechniken, die zur Lösung der Aufgabe beigetragen haben, benennen und beschreiben 

– Die eigenen körperlichen Ausdrucksmöglichkeiten, die verwendeten Gestaltungsmittel und den bespielten 

Raum beschreiben 

– Eine Vorlage in ihrer Qualität und Struktur erfassen. 

2.3.2 Anforderungsbereich II 

– Für eine Rolle eine Figur mit einem klaren Bewegungsmuster finden 

– Alltagsbewegungen stilisieren oder in Bewegungs-/Tanzmuster umformen 

– Die Wirkung körpersprachlicher Mittel einschätzen und einsetzen 

– Die Eigenheiten und Gegebenheiten des Bühnenraums wahrnehmen und nutzen 

– Bei der eigenen Umsetzung den konzeptionellen Rahmen beachten 

– Differenzerfahrung zwischen vorgegebener Musik und eigenen Bewegungsmaterial und assoziierter 

Lebenswirklichkeit formulieren und bei der Gestaltung berücksichtigen. 

– Vergleiche mit anderen Genres anstellen können 

2.3.3 Anforderungsbereich III 

– Die Struktur, Geschlossenheit, konzeptuelle Klarheit und theatrale Qualität des Produkts planen und 

realisieren oder erkennen und analysieren 

– Den Arbeitsprozesses reflektieren und kritisch bewerten 

– Eine eigene Konzeption entwickeln, umsetzen, reflektieren und diskutieren 

– Eigenständig einen Bezug zu anderen Theaterformen herstellen und theoretisch und historisch reflektieren 

– Die Bedeutung des Musikeinsatzes für die Darstellung analysieren, gestalten, begründen und reflektieren 

14

2.4 Operatoren 

2.4.1. Anforderungsbereich I 

– Anwenden (in einfachen Aufgaben) 

– Benennen (Sachverhalte, Arbeitstechniken) 

– Beschreiben (Arbeitstechniken, Übungen, Gestaltungsmittel) 

– Bewegungsmuster finden 

– Darstellen (einfache Techniken) 

– Durchführen (Übungen) 

– Erfassen (Struktur, Qualität) 

– Erläutern (einfache Sachverhalte) 

– Erstellen 

– Sammeln 

– Erarbeiten (Teilaspekte) 

– Umsetzen (einfach, direkt) 

– Wahrnehmen (Raumstrukturen) 

– Wiedergeben 

– Zusammenfassen 

– Zusammenstellen 

2.4.1 Anforderungsbereich II 

– Analysieren (Vorlage, Formen, Figurenkonstellationen, Handlungsverlauf) 

– Anwenden (in komplexen Aufgaben) 

– Auswählen (Übungen) 

– Beachten (eines konzeptionellen Rahmens) 

– Begründen (Auswahl) 

– Berücksichtigen (Konzept, Erfahrungen) 

– Darstellen (übertragen) 

– Einordnen (Genre, Theorie, Geschichte) 

– Einschätzen (Wirkungen, Reaktionen) 

– Einsetzen (Mittel, Bedeutungsträger) 

15

– Erarbeiten (Szenen, komplexe Abläufe) 

– Erläutern (Entscheidungen, Arbeitsweisen) 

– Erschließen (Textaussage) 

– Finden (Figur, Bewegungsmuster) 

– Formulieren (Differenzerfahrungen) 

– In Beziehung setzen 

– Nutzen (Raumstrukturen) 

– Realisieren, Umsetzen (Konzept, Idee) 

– Rhythmisieren 

– Stilisieren 

– Umformen (Alltagsbewegungen) 

– Vergleichen (andere Genres, Theorien, Aufführungen) 

2.4.2 Anforderungsbereich III 

– Alternativen entwerfen und begründen 

– Sich auseinandersetzen mit komplexen Sachverhalten, Aufgaben, Alternativen 

– Bezüge herstellen (komplex, Theorien, Geschichte) 

– Begründen (differenziert) 

– Beurteilen, bewerten (Text, Arbeitsprozess, Aufführung) 

– Erörtern (Thesen, Konzepte) 

– Entwerfen (eigenständig, differenziert) 

– Gestalten (komplex) 

– Interpretieren (Komplexe Gestaltungsformen) 

– In Beziehung setzen (eigenständig) 

– Konzept entwickeln 

– Planen (Arbeitsprozess, Produkt) 

– Reflektieren (kritisch, eigenständig, Arbeitsprozess) 

– Einen Standpunkt entwickeln 

– Stellung nehmen (eigenständig, begründet) 

– Überprüfen (Thesen, Konzepte, kritisch, eigenständig) 

16

3 Mündliche Prüfung 

3.1 Ziele der mündlichen Prüfung 

Bei der mündlichen Prüfung sollen die Prüfungskandidaten Leistungen in den vier theaterästhetischen 

Kompetenzbereichen Sachkompetenz, Gestaltungskompetenz, kommunikative Kompetenz, soziokulturelle 

Kompetenz – aufgefächert nach den drei Anforderungsbereichen - nachweisen. 

3.2 Aufgabenstellung 

Allgemeine Vorgaben 

Die Prüfung setzt sich zusammen aus einer Gestaltungsaufgabe, die aus einem spielpraktischen Teil und aus 

einem an die Ergebnispräsentation anschließenden Gespräch besteht, und einer Reflexionsaufgabe, die 

einen Zusammenhang zwischen dem eigenen theatralen Handeln und dem kulturellen Leben in Vergangenheit 

und Gegenwart herstellt. Im ersten Teil werden vorwiegend Sachkompetenz, Gestaltungskompetenz 

und kommunikative Kompetenz, im zweiten Teil vorwiegend kommunikative und soziokulturelle Kompetenz 

gefordert. Die Prüfung bezieht sich auf Unterrichtsgegenstände aus allen Halbjahren. 

Der spielpraktische Teil der Gestaltungsaufgabe kann durch eine andere Form der Gestaltungsaufgabe 

ersetzt werden. Diese Aufgabe muss sich auf spielpraktische Leistungen oder entsprechende Erfahrungen 

der Prüfungskandidaten beziehen und die hier festgelegten Vorgaben zur mündlichen Prüfung sinngemäß 

berücksichtigen. 

Die Aufgaben müssen so gestellt werden, dass die Prüflinge nicht nur erlernte Fertigkeiten und Kenntnisse 

reproduzieren, sondern das Gelernte selbstständig in neuen Situationen oder auf Fragestellungen in neuen 

Zusammenhängen anwenden können. 

3.2.1 Aufgabenstellung für den spielpraktischen Teil 

In der spielpraktischen Aufgabe soll eine Szene selbstständig entwickelt und dramatische Figuren angemessen 

und differenziert mimisch-gestisch, sprachlich, proxemisch, choreografisch und im Spiel mit Raum und 

Requisit gestaltet werden. 

Beispiele: 

• Aus einem vorgegebenen Spielansatz wird eine Szene entwickelt und präsentiert. Der Spielansatz wird 

durch ein Thema, eine Situation, eine Personenkonstellation oder Angaben zur Biografie sowie die Intentionen 

der handelnden Personen näher bestimmt. Ausgangspunkt können Texte, Bilder, Requisiten, 

Filmszenen, Musik u.a. sein. 

• Ein epischer oder lyrischer Text wird in eine Spielszene umgestaltet. 

• Für einen kurzen vorliegenden dramatischen Text oder einen Szenenausschnitt wird eine darstellerische 

Lösung erarbeitet und aufgeführt. 

• Eine spezifische Szene wird in ein anderes Genre übertragen und dargestellt. 

• Eine bekannte Rolle wird auf eine veränderte Situation oder Personenkonstellation übertragen. 

Da in einer theatralen Handlung in der Regel mehrere Figuren interagieren, sind Prüfungen in Gruppen bis 

zu maximal drei Personen möglich. Dabei muss gewährleistet sein, dass die Einzelleistungen feststellbar 

sind. Schülerinnen und Schüler, die nicht geprüft werden, können bei der Gestaltung der spielpraktischen 

Aufgabe als zusätzliche Darstellerinnen und Darsteller mitwirken. 

17

Der Präsentation folgt unmittelbar ein kurzes Gespräch über die Aufgabenlösung und die verwendeten 

Lösungsstrategien. 

3.2.2 Aufgabenstellung für die Reflexionsaufgabe 

Im Reflexionsteil soll die Aufgabenstellung Ausgangspunkt für ein Prüfungsgespräch sein: 

Die Aufgabenstellung steht in einem unmittelbaren Zusammenhang mit dem ersten Prüfungsteil. Sie kann 

sich unter anderem auf folgende Prüfungsgegenstände beziehen: 

• Der kulturelle, historische oder theoretische Hintergrund eines Projekts, an dem die Prüfungskandidaten 

beteiligt waren (Dramentheorie, Kunst- oder Theatertheorie, Theatergeschichte, Theaterkonzepte, etc.), 

• Lösungen oder Varianten zu einem Projekt, an dem die Prüfungskandidaten beteiligt waren vor dem 

Hintergrund theoretischer oder wirkungsästhetischer Überlegungen (Textbearbeitung, Stil der Darstellung, 

Anlage der Rollen- und Raumkonzeption, Licht-und Tonregie). 

3.3 Ablauf der Prüfung 

Die Prüfungsteile können je nach Aufgabenstellung unmittelbar aufeinander folgen oder auch zeitlich 

getrennt werden. Je nach Ablauf werden beide Aufgaben gleichzeitig gestellt und eine gemeinsame Vorbereitungszeit 

gewährt oder die praktische und reflexive Aufgabe werden getrennt gestellt, d. h. dass zwei 

getrennte Vorbereitungszeiten gewährt werden. 

Bei der Festlegung der Vorbereitungs- und Prüfungszeiten für den spielpraktischen und reflektierenden Teil 

sind die Besonderheiten des Faches jeweils angemessen zu berücksichtigen. 

3.4 Bewertungskriterien und Anforderungen 

Die Bewertung der beiden Prüfungsteile mündet in eine gemeinsame Note. Dabei ist die Leistung im spielpraktischen 

Teil (spielpraktische Aufgabe und direkt anschließendes Gespräch) stärker zu gewichten als die 

Leistung in der Reflexionsaufgabe. 

Die Aufgabenstellung sowohl der spielpraktischen Aufgabe als auch der Reflexionsaufgabe muss Leistungen 

in allen drei Anforderungsbereichen ermöglichen. 

Die Bewertung der Prüfungsleistung berücksichtigt die Anforderungen der Aufgabenstellung und die Eigenständigkeit 

der Prüfungsleistung auf dem Hintergrund der unterrichtlichen Voraussetzungen. Sie orientiert 

sich an der Beschreibung erwarteter Prüfungsleistungen. 

Leistungen, die in sinnvoller Weise von den Erwartungen abweichen, müssen in die Bewertung einbezogen 

werden, sofern sie im Rahmen der Aufgabenstellung liegen. 

3.4.1 Bewertung der spielpraktischen Prüfung 

In die Bewertung der Lösung der spielpraktischen Aufgabe fließt sowohl die Qualität der Präsentation als 

auch die Qualität des direkt anschließenden Gesprächs ein. 

Zu den Bewertungskriterien der Präsentation gehören u.a. 

• das Verhältnis der Lösung zur gestellten Aufgabe 

• die Erkennbarkeit eines Gesamtkonzepts 

• die Wahl und Verwendung theatraler Mittel und Techniken 

• die individuellen darstellerischen Leistungen in Bezug auf Rollengestaltung 

18

• das Zusammenspiel mit anderen Spielern in Bezug auf Figurenkonstellationen 

• die Gestaltung theatraler und dramaturgischer Strukturen 

• die Eigenständigkeit der szenischen Lösung 

Zu den Bewertungskriterien des anschließenden Gesprächs gehören u.a. 

• die Verwendung theaterspezifischer Fachterminologie 

• die Begründung der spezifischen Aufgabenlösung 

• die Erörterung alternativer Lösungsmöglichkeiten und die Begründung, warum sie verworfen wurden 

• die Erläuterung der angewendeten Lösungsstrategien 

• die Erklärung, welche Schwierigkeiten sich ergaben und wie damit umgegangen wurde 

• die Reflexion der intendierten und der tatsächlichen Wirkung 

• die kritische Einschätzung von Anspruch und tatsächlichem Ergebnis 

• der Umgang mit Nachfragen der Prüfungskommission 

3.4.2 Bewertung der Reflexionsaufgabe 

Zu den Bewertungskriterien für die Reflexionsaufgabe gehören u.a. 

• Umfang und Differenziertheit der Kenntnisse 

• Sachliche Richtigkeit 

• Differenziertheit der Ausführungen 

• Herausarbeitung des Wesentlichen 

• Klarheit im Aufbau und Gliederung 

• Umgang mit Impulsen und Fragen der Prüfungskommission 

• eigene weiterführende sachgerechte Beiträge, die über die Aufgabe hinausweisen 

Die Note „ausreichend“ (5 Punkte) kann nur erteilt werden, wenn die Ergebnisse erkennen lassen, dass die 

Schwerpunkte der Aufgaben erfasst und Ansätze zu Lösungen erbracht wurden. Dabei müssen darstellerische 

und gestalterische Fähigkeiten und Fertigkeiten erkennbar sein, Ansätze zur Aufgabenlösung beschrieben 

werden sowie fachliche Grundkenntnisse verständlich dargeboten werden. Neben Leistungen im Anforderungsbereich 

I und II müssen zumindest ansatzweise auch Leistungen im Anforderungsbereich III 

nachgewiesen werden. 

Sind in der spielpraktischen Aufgabe ungenügende Leistungen erbracht worden, so kann die gesamte Prüfungsleistung 

nicht mehr „ausreichend“ (5 Punkte) genannt werden. 

Ein mit „gut“ (11 Punkte) beurteiltes Prüfungsergebnis setzt voraus, dass Intention und Zielrichtungen der 

Aufgaben differenziert erfasst und selbstständige, der Komplexität der Aufgaben angemessene Lösungen 

gefunden, präsentiert und erläutert werden. Dabei muss das Ergebnis der spielpraktischen Aufgabe zeigen, 

dass der Prüfling über fundierte theaterästhetische Fähigkeiten und Fertigkeiten verfügt, diese zur Gestaltung 

eines szenischen Produkts einsetzen und Gestaltungsentscheidungen begründen kann. Bei der Lösung 

19

der Reflexionsaufgabe müssen fachspezifische Sachverhalte klar, zielgerichtet geordnet und argumentativ 

schlüssig vorgetragen werden. Insbesondere muss der Zusammenhang zwischen der spielpraktischen Aufgabe 

und der Reflexionsaufgabe erkannt und erläutert werden. 

Überwiegend werden hier Leistungen im Anforderungsbereich II und III erbracht. 

4 Weitere Prüfungsformen 

„Die Abiturprüfung umfasst vier oder fünf Prüfungsfächer. Verpflichtend sind mindestens drei schriftliche 

Prüfungsfächer und mindestens ein mündliches Prüfungsfach ....“ (Vereinbarung zur Gestaltung der gymnasialen 

Oberstufe in der Sekundarstufe II [Beschluss der Kultusministerkonferenz vom 07.07.1972 i d. F. 

vom 02.06.2006], Ziff. 8.2.). Das fünfte Prüfungsfach ist entweder eine schriftliche oder mündliche Prüfung 

in einem weiteren Fach oder eine besondere Lernleistung gemäß Ziffer 7.6. Dort wird die besondere Lernleistung 

beschrieben: „Besondere Lernleistungen können z. B. sein: ein umfassender Beitrag aus einem von den 

Ländern geförderten Wettbewerb, eine Jahres- oder Seminararbeit, die Ergebnisse eines umfassenden, auch 

fachübergreifenden Projektes oder Praktikums in Bereichen, die schulischen Referenzfächern zugeordnet werden 

können. Die besondere Lernleistung ist schriftlich zu dokumentieren. Voraussetzung für die Einbringung ist, 

dass die besondere Lernleistung oder wesentliche Bestandteile noch nicht anderweitig im Rahmen der Schule 

angerechnet wurden. In einem Kolloquium stellt die Schülerin oder der Schüler die Ergebnisse der besonderen 

Lernleistung dar, erläutert sie und antwortet auf Fragen. Bei Arbeiten, an denen mehrere Schülerinnen und 

Schüler beteiligt waren, ist die Bewertung der individuellen Schülerleistung erforderlich.“ 

Im Darstellenden Spiel kommen für das fünfte Prüfungsfach folgende Prüfungsformen infrage: 

4.1 Mündliche Prüfung 

Ist Darstellendes Spiel nicht 4. Prüfungsfach, kann eine mündliche Prüfung wie im Abschnitt 3. beschrieben, 

durchgeführt werden. 

4.2 Besondere Lernleistung 

Grundlage für die Prüfung einer besonderen Lernleistung kann ein besonders gelungenes oder prämiertes 

Theaterprojekt einer Theater-AG, eines Unterrichts mit grundlegendem Anforderungsniveau im Fach Darstellendes 

Spiel – sofern die Ergebnisse dieses Kurses nicht in die Abiturwertung eingebracht wurden - , 

oder eines fachübergreifenden Projekts, eines Literatur- oder Seminarkurses sein. Ein Hinweis auf ein 

besonders gelungenes Projekt ist die Auswahl zu einem regionalen, landesweiten oder bundesweiten Theaterfestival, 

wie z.B. einem Landesschultheatertreffen, dem bundesweiten Schultheater der Länder oder dem 

Bundeswettbewerb Theatertreffen der Jugend. 

Die Prüfung wird auf der Grundlage der in Abschnitt 3 beschriebenen mündlichen Prüfung durchgeführt. In 

einer schriftlichen Ausarbeitung dokumentieren die Schüler ihre Lernleistung, indem sie 

– das Spielkonzept eigenständig beschreiben, analysieren und erörtern oder 

– sich kritisch mit der Presseberichterstattung auseinandersetzen oder 

– ihre Rolle auf der Basis einer vertieften Figurenanalyse reflektieren und Alternativen erörtern. 

Das Kolloquium wird auf der Grundlage von Abschnitt 3. durchgeführt. 

4.3 Anforderungen und Bewertung 

Die Ausführungen in Abschnitt 3 gelten sinngemäß. 

20

II. Aufgabenbeispiele 

1 Entwicklung einer choreografischen Szene auf der Basis einer musikalischen Komposition 

1.1 Aufgaben 

• Wählen Sie eines der beiden Musikstücke aus (Michael Gordon: Yo Shakespeare oder Carl Orff: (Auszüge 

aus der) Carmina Burana), setzen Sie die Musik in Bilder um und gestalten Sie eine szenische beziehungsweise 

choreografische Improvisation, die die Atmosphäre, den Rhythmus und den Inhalt der 

Musik aufnimmt und zu einer theatralen Aussage formt. 

Aufgabe für das direkt anschließende Gespräch 

• Begründen bzw. erläutern Sie Ihre Entscheidung für das gewählte Musikstück, Ihre gestalterische 

Konzeption und Ihre Strategie zur Aufgabenlösung. 

• Erläutern Sie vor diesem Hintergrund grundsätzliche inhaltliche Ansprüche und formale Ansätze des 

Tanztheaters und die Wahl der gestalterischen Mittel (tänzerisch/choreografisch/theatral) in ihrer Wirkungsästhetik. 

Reflexionsaufgabe: Theorie/Geschichte/Kulturelles Leben: 

• Stellen Sie Ihre praktische Umsetzung in einen konkreten Kontext mit dem Tanztheater von Urs Dietrich 

am Beispiel der Aufführung „Clip“ und in ihren allgemeinen zeitgenössischen Kontext. 

• Beschreiben Sie den Entstehungsprozess des Tanztheaters in Deutschland. 

• Erläutern Sie vor diesem Hintergrund grundsätzliche inhaltliche Ansprüche und formale Ansätze des 

Tanztheaters. 

1.2 Erwartungshorizont 

Sachkompetenz: Schwerpunkt Tanztheater 

Anforderungsbereich I 

• Bewegungssequenzen genau wiederholen 

• Erkennen, dass unterschiedliche Bewegungstempi unterschiedliche Wirkungen erzielen 

• Den Bühnenraum in seinen Eigenheiten und Gestaltungsmöglichkeiten wahrnehmen 

Anforderungsbereich II 

• Alltägliche Bewegungen in Bewegungs/Tanzsequenzen umformen 

• Bewegungen entsprechend der gewählten Musik rhythmisieren 

• Bewegungsabläufe zeitlich gliedern 

• Die Tanz/Bewegungssequenzen angemessen im Spielraum verorten 

• Die Bildwirkung des Spiels begreifen 

• Die spielformspezifischen Mittel der Tanz/Bewegungsprache berücksichtigen 

• Musik als eigenständigen Impulsgeber für Bewegungsabläufe und Inhaltsentwicklungen erkennen und 

anwenden 

21

Anforderungsbereich III 

• Inhalte und Bilder zu der gewählten Musik assoziieren 

• Die Wirkung körpersprachlicher Mittel einschätzen und reflektieren 

• Musik und Tanz/Bewegung als dramaturgisches Instrument erkennen und einsetzen 

• Rhythmus als Gestaltungselement in der Szene erkennen und selbstständig anwenden 

• Erkennen, dass Musik den Ausdruck der Bewegung unterstützen oder kontrastieren kann 

• Entscheidung für einen möglichen Einsatz von Text oder Stimme als Instrument treffen 

Gestaltungskompetenz 


• Bei der eigenen Umsetzung den konzeptionellen Rahmen einhalten 

• Die musikalischen/tänzerischen/choreografischen Bedingungen berücksichtigen 


• Bei der Gestaltung der Szene Kompositionsprinzipien (wie Steigerung, Kontrastierung, Parallelführung, 

Variation, Reihung, Umkehrung, Bruch, Wiederholung, Verdichtung) selbstständig entwickeln und anwenden 


• In der Aufgabenvorbereitung die Szene mit einem deutlichen Aufbau (Handlungsbogen, Dynamik, 

Bildwirkung) entwickeln (entweder logisch oder assoziativ) 

• Eigene Erfahrungen/Ideen/Geschichten als Quell szenischer/choreografischer Gestaltung nutzen und sie 

in einen konzeptionellen Rahmen stellen 

Kommunikative Kompetenz 


• Tanztheater als symbolischen, repräsentativen oder performativen Akt verstehen 


• Differenzerfahrung zwischen vorgegebener Musik und angestoßenem eigenen Bewegungsmaterial und 

assoziierter Lebenswirklichkeit formulieren und bei der Gestaltung berücksichtigen 

• Geplante und realisierte Wirkungsästhetik reflektieren 

• Alternativen aufzeigen und Entscheidungen begründen können 

Soziokulturelle Kompetenz 


• Tanztheater kennen, erläutern und bewerten können (am Beispiel der Aufführung „Clip“ von Urs Dietrich) 

22


• Tanztheatertradition, ihre Entwicklung und Veränderung erläutern können 


• Kulturelle Identität und kulturelles Erbe in der Musik aufspüren und aus dem lebensweltlichen Bezug 

über Bewegungselemente und Inhalte einen Interpretationsansatz finden. 

1.3 Unterrichtliche Voraussetzungen 

Musiktheatrales Projekt 

Tanztheaterprojekt mit professionellen Tänzern/innen 

Theaterbesuch und Reflexion Tanztheaterproduktion „Clip“ von Urs Dietrich 

1.4 Hinweise zur Bewertung der Prüfungsleistung 

Die Note „ausreichend“ (5 Punkte) kann erteilt werden, wenn das Ergebnis erkennen lässt, dass der Charakter 

und der Schwerpunkt der Aufgaben erfasst und Ansätze zur Lösung erbracht wurden. Dabei muss 

deutlich werden, dass zur Atmosphäre, dem Rhythmus und dem Inhalt des Musikstücks theatrale Bilder, 

Bewegungen gefunden und choreografische Ideen entwickelt wurden. Darstellerische und tänzerische 

Fähigkeiten und Fertigkeiten müssen erkennbar sein. Grundkenntnisse zum Tanztheaters bezogen auf eine 

konkrete Inszenierung müssen verständlich und angemessen dargeboten werden. Neben Leistungen im 

Anforderungsbereich I und II müssen zumindest ansatzweise auch Leistungen im Anforderungsbereich III 

nachgewiesen werden. 


nicht mehr als „ausreichend“ (5 Punkte) genannt werden. 




dass der Prüfling über fundierte darstellerische, tänzerische und choreografische Fertigkeiten verfügt, diese 

zur Gestaltung einer Tanztheatersequenz einsetzen und konzeptionelle Entscheidungen begründen kann. Bei 

der Lösung der Reflexionsaufgabe muss die Entwicklung des Tanztheaters klar, zielgerichtet geordnet und 

argumentativ schlüssig vorgetragen werden und auf die spezifische Tanztheaterinszenierung bezogen werden. 


2 Umgestaltung eines Werks der Bildenden Kunst in eine Szene 

2.1 Aufgaben 

• Entwickeln und gestalten Sie aus der vorliegenden Reproduktion (hier am Beispiel von Edward Hopper: 

„Hotel am Bahndamm“) eine verbale oder nonverbale dialogische Szene. Gehen Sie von den vermuteten 

Haltungen der abgebildeten Figuren aus und übersetzen Sie sie in Ihr Lebensalter und in eine 

veränderte Raumsituation. Stellen Sie einen Bezug zu Ihrer Lebenswelt her. Die Figurenkonstellation in 

der Abbildung soll Ausgangs- oder Schlussbild darstellen. 

23


• Begründen Sie Ihr Bildverständnis, Ihre Konzeption und die Wahl der gestalterischen Mittel in ihrer 

Wirkungsästhetik. 

Reflexionsaufgabe: Theorie / Geschichte / Kulturelles Leben 

Stellen Sie Ihre Adaption in einen Kontext mit dem Bildertheater von Robert Wilson am Beispiel der Aufführung 

„Black Rider“. Gehen Sie dabei auf dessen künstlerischen Ansatz ein und bewerten Sie ihn. 


Sachkompetenz: Schwerpunkt Bildertheater 


• alltägliche Bewegungen in theatrale Abläufe überführen 

• die Darstellung auf die Erfordernisse der Spielform abstimmen 

• die Wirkung körpersprachlicher Mittel kennen 

• vernehmbar und verständlich, mit klarer Artikulation und Betonung sowie angemessen in Lautstärke 

und Sprechtempo sprechen 


• die Wirkung körpersprachlicher Mittel bewusst nutzen 

• unterschiedliche Ausdrucksmittel erproben und variieren 

• Emotionen mit dem Klang der Stimme transportieren 

• den Bühnenraum in seiner Eigenheit und seinen Gestaltungsmöglichkeiten wahrnehmen und sich bewusst 

in ihm bewegen 


• die Bildwirkung des Spiels begreifen und reflektieren 

• die spielformspezifischen Mittel der Bildsprache einsetzen und begründen 



• beim eigenen Spiel den konzeptionellen Rahmen einhalten 

• Mimik, Gestik, Haltung und Bewegung bewusst einsetzen 

• die spielformspezifischen Bedingungen berücksichtigen 

• zwischen Spielzeit und gespielter Zeit im Spiel unterscheiden 


• einen verbalen bzw. nonverbalen Dialog entwickeln und gestalten 

• Bühnenräume auch mit sparsamen Mitteln gestalten 

24

• Requisiten gezielt auswählen und ins Spiel bringen 

• bei der Gestaltung der Szene Kompositionsprinzipien (wie Steigerung, Kontrastierung, Parallelführung, 

Variation, Reihung, Umkehrung, Verfremdung, Wiederholung, Verdichtung) selbstständig entwickeln 

und anwenden. 


• in der Aufgabenvorbereitung die Szene mit einem strukturierten Aufbau (wie Handlungsbogen, Dynamik, 

Bildwirkung) entwickeln (entweder logisch oder assoziativ) und reflektieren 

• eigene Erfahrungen/Ideen/Geschichten als Quelle szenischer Gestaltung nutzen, sie in einen konzeptionellen 

Rahmen stellen und begründen 



• Theater als symbolischen repräsentativen bzw. performativen Akt verstehen 


• Differenzerfahrung fremder und eigener Lebenswirklichkeiten formulieren und bei der Gestaltung 

berücksichtigen 


• die Wirkung körpersprachlicher Mittel anwenden und reflektieren 

• die daraus entstehende Wirkungsästhetik in Planung und Umsetzung reflektieren 



• Theatertradition und -veränderung erläutern 


• kulturelle Identität und kulturelles Erbe in Bildern aufspüren und aus dem lebensweltlichen Bezug 

einen Interpretationsansatz finden 


• Bildertheater kennen, erläutern und bewerten (am Beispiel der Aufführung „Black Rider“ von Robert 

Wilson/Tom Waits. Das Bildertheater verbindet Theater und bildende Kunst. Der bildliche Ausdruck 

dominiert. Große statuarische und bildliche Tableaus aus Figuren (Darstellern), Objekten, Raumelementen 

und Licht sind kennzeichnend. Im Bildertheater wird die geschlossene Handlung aufgegeben. 

Eine Montage mit Sprech- und Bewegungstheaterszenen ist möglich.) 


• Bildertheaterprojekt mit Aufführung 

• Theaterbesuch und Reflexion: „Black Rider“ (Bob Wilson/Tom Waits) 

• Kooperationsprojekt mit Kunstkurs zum Thema Performance 

25

2.4 Hinweise zur Bewertung der Prüfungsleistungen 

Die Note „ausreichend“ (5 Punkte) kann nur erteilt werden, wenn die Ergebnisse erkennen lassen, dass der 

Prüfling in der Lage ist, auf Grundlage eines Bildimpulses eine Szene zu entwickeln und dabei Techniken 

des Bildertheaters, des Bewegungstheaters und des Sprechtheaters zu verwenden. Er muss seine Ansätze 

zur Aufgabenlösung beschreiben können sowie Grundkenntnisse zum Bildertheater Robert Wilsons verständlich 

darbieten. Neben Leistungen im Anforderungsbereich I und II müssen zumindest ansatzweise 

auch Leistungen im Anforderungsbereich III nachgewiesen werden. 





gefunden, präsentiert und erläutert werden. Das heißt hier insbesondere, dass der Prüfling die im Bild dargestellte 

Situation (Personen, ihre Beziehung zueinander, Stimmung) in seine eigene Lebenswelt übersetzen 

kann. Das Ergebnis der spielpraktischen Aufgabe muss zeigen, dass der Prüfling über fundierte Fähigkeiten 

und Fertigkeiten in Bezug auf Bilder-, Bewegungs- und Sprechtheaterformen verfügt, diese zur Gestaltung 

einer Szene einsetzen und Gestaltungsentscheidungen begründen kann. Bei der Lösung der Reflexionsaufgabe 

muss er die besonderen Merkmale des Bildertheaters Robert Wilsons klar, zielgerichtet geordnet und 

argumentativ schlüssig erläutern und in Bezug zu seiner eigenen Aufgabenlösung setzen. Überwiegend 

werden hier Leistungen im Anforderungsbereich II und III erbracht. 

3 Inszenierung eines kurzen dramatischen Textes 

3.1 Aufgaben 

• Wählen Sie fünf der dreizehn Szenen aus dem Minidrama „Franz und Maria“ von Gustav Ernst und 

gestalten Sie eine szenische Abfolge, indem Sie die Entwicklung der Rollenfiguren bezüglich ihres 

Gestus, ihres Status, ihrer Partnerbeziehung und ihres zunehmenden Alters sowie die unterschiedlichen 

Orte verdeutlichen. 

• Finden Sie eine überzeugende darstellerische Lösung für die vom Autor als „Verwandlung“ bezeichneten 

Akzente zwischen den Szenen. Von den anderen Regieanweisungen können Sie abweichen. 

Zugelassene Ausstattung unter der Bedingung der (multifunktionalen) Verwendung in allen 5 Szenen: 1 

Requisit und 1 Bühnenbildelement (z.B. Möbelstück) 

Textvorlage: Franz und Maria. Stück in 15 Bildern von Gustav Ernst 

Franz mit einem Glas Bier in der Hand, ironisch Ist da noch frei neben ihnen, Gnädigste? 

Maria Ja. Warum? 

Verwandlung 

Franz Küss mich. Er reißt ihr die Hose herunter. 

Maria lachend Kannst du überhaupt eine Familie ernähren? 

Verwandlung 

26

Maria Hast du die Ringe mit? 

Franz Scheiße, die hab ich vergessen. 

Sie haut ihm mit dem Blumenstrauß eine herunter. 

Lachend zieht er die Ringe aus der Tasche. 

Verwandlung 

Maria mit Kinderwagen Den Glasschrank hätt ich gern. Der tät so schön ins Eck passen. 

Franz Was, wo mein Werkzeugkastl hinkommt? 

Verwandlung 

Franz zieht sich die Hose herauf Wieder was erledigt. 

Maria Darf ich jetzt weiterkochen? 

Verwandlung 

Maria schreit Schau auf dich! Schau auf dich! 

Franz betrunken Reiz mich ja nicht, du! Reiz mich ja nicht! 

Verwandlung 

Franz Bin ich froh, dass der Bub endlich auszieht, diese Rotzpippen, die! 

Maria weinend An mich denkt dabei niemand, was? 

Verwandlung 

Maria drischt mit einem Wäschestück auf Franz ein Meine ganze Jugend hab ich dir geopfert, du Hund, 

meine ganze Jugend! 

Franz Ich hab doch eh nur gepudert mit ihr, was willst denn? 

Verwandlung 

Franz Und wenn ich in Pension geh und die Abfindung krieg, fahren wir nach Ägypten, okay? 

Maria Mein Wunsch war immer - ferner Osten... 

Verwandlung 

Maria weinend Was nur mit dem Bub los ist... 

Franz Dein Sohn! Hab ich dirs nicht immer gesagt! Hab ich dirs nicht immer gesagt? 

Verwandlung 

Franz Ich glaub, ich hab Zucker. 

Maria Was? Jetzt? Wo wir in die Rente kommen? Na, wirklich nicht! 

Verwandlung 

Maria Ich kann dir nicht zuschauen, wie du dir das immer hineinspritzt. 

27

Franz Willst, dass ich abkratz, was? Willst die ganze Renten allein verputzen, was? Wart schon ein anderer 

drauf, was? 

Verwandlung 

Franz Schau, nächste Woche bin ich wieder heraußen. Dann fahren wir nach Ägypten, okay? Oder in den 

fernen Osten. 

Maria Wenn ich nur wüsst, wo der Bub ist. 

Verwandlung 

Maria telefoniert Dabei hat er immer geglaubt, er stirbt an Krebs, der Franz. So kann man sich täuschen im 

Leben. 

Verwandlung 

Maria im Gitterbett Warts nur, wenn mein Sohn komm! Warts nur! Mich so liegen lassen! Warts nur! 

Vorhang 

(Gustav Ernst: Franz und Maria. In: MiniDramen. Verlag der Autoren Frankfurt am Main 2000, S. 150f.) 


• Erläutern beziehungsweise begründen Sie 

• Ihre Entscheidung für die getroffene Auswahl der Szenen des Stücks, 

• Ihre Strategie zur Aufgabenlösung und 

• Ihre Wahl der gestalterischen Mittel (Gestus, Status, Alter der Rollenfiguren / Sprache / Raum / Zeit / 

„Verwandlungen“) in ihrer Wirkungsästhetik 

Reflexionsaufgabe: Theorie / Geschichte / Kulturelles Leben: 

• Stellen Sie das Minidrama von Gustav Ernst und seine szenische Umsetzung in einen Kontext mit den 

Volksstücken von Ödön von Horvath am Beispiel der Aufführung „Kasimir und Karoline“ (Regie 

Christoph Marthaler). 

• Erläutern Sie vor diesem Hintergrund grundsätzliche inhaltliche und formale Anschauungen des 

Volkstheaters von Horvath. 

• Ordnen Sie das deutschsprachige Volkstheater in seinen historischen Entstehungsprozess ein und reflektieren 

Sie seine Aktualität. 


Sachkompetenz: Schwerpunkt Sprech- und Körpertheater 


• alltägliche Bewegungen in theatrale Abläufe überführen 

• unterschiedliche Ausdrucksmittel erproben und variieren 

28

• vernehmbar und verständlich sprechen, mit klarer Artikulation und Betonung sowie angemessen in 

Lautstärke und Sprechtempo 

• mit den individuellen Ausdrucksmöglichkeiten eine Rolle verkörpern 

• Impulse im Spiel geben und Impulse der Mitspieler aufnehmen 

• den Bühnenraum in seinen Eigenheiten und Gestaltungsmöglichkeiten wahrnehmen 


• Emotionen mit dem Klang der Stimme transportieren 

• Bewegungssequenzen angemessen im Spielraum verorten 

• die Mittel der Körpersprache berücksichtigen 

• die Bildwirkung des Spiels begreifen 

• die Darstellung auf die Erfordernisse der Spielform abstimmen 

• erkennen, dass unterschiedliches Spieltempo eine unterschiedliche Wirkung erzielt 

• zwischen Spielzeit und gespielter Zeit unterscheiden 


• angemessene Mimik, Gestik, Haltung und Bewegung für eine Rollenfigur finden 

• die dramatische Textvorlage als authentisch gesprochene Sprache klingen lassen 

• die Wirkung körpersprachlicher Mittel einschätzen und reflektieren 

• Bildhaftigkeit als dramaturgisches Instrument erkennen und einsetzen 

• bei der Betrachtung von Szenen Kompositionsprinzipien wie Steigerung, Kontrastierung, Parallelführung, 

Variation, Reihung, Umkehrung, Bruch, Wiederholung, Verdichtung erkennen und benennen 



• bei der eigenen Umsetzung den konzeptionellen Rahmen einhalten 

• die eigenen stimmlichen und körperlichen Gegebenheiten einschätzen 

• die Bildwirkung des Spiels begreifen und berücksichtigen 

• die räumlichen Bedingungen berücksichtigen 

• Bewegungsabläufe zeitlich gliedern 


• die Szenen jeweils einzeln und in der Abfolge mit einem deutlichen Aufbau (Handlungsbogen, Dynamik, 

Bildwirkung) entwickeln 

• die „Verwandlungen“ zwischen den Szenen dramaturgisch stimmig entwickeln und umsetzen 

29

• die Stimme in der Betonung des Sprechens, im Rhythmus und in der Modulation differenzieren 

Eigenheiten des gewählten Requisits und ihre Assoziationen beim Zuschauer berücksichtigen 

• Bühnenelemente multifunktional einsetzen 


• bei der Gestaltung der Szenen Kompositionsprinzipien (wie Steigerung, Kontrastierung, Parallelführung, 

Variation, Reihung, Umkehrung, Bruch, Wiederholung, Verdichtung) selbständig entwickeln und 

anwenden 

• eigene Erfahrungen/Ideen/Geschichten als Quell szenischer Gestaltung nutzen und sie in einen konzeptionellen 

Rahmen stellen 

• die dramatischen Strukturen in den Szenen erkennen und adäquat dramaturgisch umsetzen 



• dramatische Strukturen in Szenen (anhand des vorliegenden dramatischen Textes) erkennen und beschreiben 

• Volkstheater in Absetzung zum Bildungstheater mit regionalen Bezügen und bewusst „niederem Stil“ 

hinsichtlich der Verortung, der Figurenzeichnung und der Sprache verstehen 


• Textvorlagen in Hinblick auf eine theatrale Umsetzung analysieren 

• den vorliegenden Text in die Tradition des Volkstheaters einordnen 

• Volkstheater in der Entwicklung als zunehmend tendenziell gesellschaftskritisches Genre (Hauptmann, 

Zuckmayer), in der Erneuerung der Zeit der Weimarer Republik als eigenes künstlerisches Genre (Fleißer, 

Horvath, Brecht) begreifen, an das die Entwicklung des Volkstheaters in der Bundesrepublik (u.a. 

mit Sperr, Kroetz) anschließt 


• die „Verwandlungen“ zwischen den Szenen und ihre szenische Umsetzungsform dramaturgisch erläutern 

und begründen 

• Differenz zwischen Anspruch des Volkstheaters und der Wirkung beim breiten Publikum und ihre 

Auswirkung auf die unterschiedliche Formensprache des Volkstheaters formulieren 

• geplante und realisierte Wirkungsästhetik differenziert unter Verwendung von Fachbegriffen reflektieren 

• Alternativen aufzeigen und Entscheidungen begründen 



• Volkstheater kennen und beschreiben (am Beispiel der Aufführung „Kasimir und Karoline“ von Ödön 

von Horvath) 

30


• Entwicklung und Veränderung der Volkstheatertradition (von Nestroy über Hauptmann, Zuckmayer, 

Fleißer, Brecht bis Sperr, Kroetz, Turrini und Kusz) erläutern 


• kulturelle Identität und kulturelles Erbe in der Tradition des Volkstheaters aufspüren und aus dem 

lebensweltlichen Bezug über Formen und Inhalte einen Interpretationsansatz finden 

3.3 Voraussetzungen 

In 12: Eigenproduktion / Bild- und Körpertheater – Projekt zum Thema „Reise ins Niemandsland“ – Auseinandersetzung 

mit Heimat und Fremde. Collagetechniken, kreative Schreibversuche. 

In 13: Adaption des Stücks „Italienische Nacht“ von Ödön von Horvath; Theaterbesuch und Reflexion der 

Sprechtheaterproduktion „Kasimir und Karoline“ von Ödön von Horvath; Sichtung und Analyse von 

(Schülertheater-) Aufführungen, größtenteils anhand von Videoaufzeichnungen: „Der Kaukasische Kreidekreis“ 

von Bertolt Brecht, „Pioniere in Ingolstadt“ von Marieluise Fleißer, „Des Teufels General“ von Carl 

Zuckmayer, „Der tollste Tag“ von Peter Turrini. 

3.4 Hinweise zur Bewertung der Prüfungsleistung 

Die Note „ausreichend“ (5 Punkte) kann nur erteilt werden, wenn eine sinnvolle Szenenauswahl getroffen 

wurde und die Inszenierung der einzelnen Szenen darstellerische und gestalterische Fähigkeiten im Sprech-, 

Bewegungs- und Körpertheaters nachweist. Im Anschlussgespräch muss der Prüfling seine Auswahl und 

ansatzweise auch eine Inszenierungskonzeption begründen können. Grundkenntnisse über das deutsche 

Volkstheater insbesondere über die Volkstücke von Ödön von Horvath müssen verständlich dargeboten 

werden. Neben Leistungen im Anforderungsbereich I und II müssen zumindest ansatzweise auch Leistungen 

im Anforderungsbereich III nachgewiesen werden. 






dass der Prüfling eine Szenenauswahl getroffen hat, die die destruktive Dynamik des Originaltextes wiedergibt 

und dass er für die „Verwandlungen“ zwischen den Szenen szenische Lösungen gefunden hat. Bei der 

Lösung der Reflexionsaufgabe muss die Geschichte des Volkstheaters, insbesondere der Volksstücke von 

Ödön von Horvath zielgerichtet geordnet und argumentativ schlüssig vorgetragen werden. Insbesondere 

muss der Zusammenhang zwischen „Franz und Maria“ und „Kasimir und Karoline“ hergestellt werden. 


31

4 Szenische Gestaltung eines Gedichtes 

4.1 Aufgaben 

(Gruppengröße 2) 

Rose Ausländer 

Doppelt 

Der Spiegel 

gibt mich 

mir wieder 

Hier steh ich 

Ich an Ich 

Koffer bis an den Hals 

vier ratlose Augen 

Im Doppelrahmen 

wie viele Kanten 

schneiden sich 

im Blick 

Doppelt allein 

Wohin 

Der Atem hält 

mit sich selber Schritt 

Entwickeln Sie auf der Grundlage dieses Gedichtes eine Szene! 

• Finden Sie für die Situation, in der sich das lyrische Ich befindet, eine Handlungssequenz. 

• Entwickeln Sie eine Rollenfigur für das lyrische Ich. 

• Verwenden Sie bei der szenischen Gestaltung Techniken des Körpertheaters. 

• Sie können entscheiden, ob und wie der Text sprecherisch gestaltet werden soll (ganz oder auch nur 

auszugsweise). 


• Erläutern Sie ihr Textverständnis. 

• Erläutern Sie Ihre Strategie zur Aufgabenlösung. 

• Begründen Sie Ihre Wahl der spezifischen Techniken des Körpertheaters. 

• Erklären Sie Ihre Rollen- und Textgestaltung 

32

Reflexionsaufgabe: Theorie / Geschichte / kulturelles Leben 

• Beschreiben Sie Theaterformen, in denen Bedeutung vorwiegend durch die Ausdrucksmittel des Körpers 

erzeugt werden. Unterscheiden Sie dabei zwischen europäischen und außereuropäischen Formen 

des Körpertheaters. 

• Erläutern Sie den Einsatz von Techniken des Körper- oder Bewegungstheaters an der Aufführung „.....“ 

• oder: Erläutern Sie die szenische Gestaltung von Gedichten in der Aufführung „...“ 


Sachkompetenz 


• Strategien zur Aufgabenlösung kennen 

• Bedeutung der Textvorlage erfassen 

• Techniken des Körpertheaters beherrschen (z.B. Spiegeltechnik, z. B. Zeitlupe) 

• Theatrale Mittel benennen und beschreiben 

• Symbolische Bedeutung beschreiben 

• Traditionelle Körper- / Bewegungstheaterformen kennen und benennen 


• Strategien zur Aufgabenlösung beschreiben 

• Den Symbolgehalt der Textvorlage analysieren 


• Den Unterschied zwischen lyrischen und theatralen Symbolen erörtern 



• Möglichkeiten der Umwandlung von nicht-dramatischen Texten in dramatische Texte kennen 

• Verfahren der Rollenentwicklung kennen 


• Bezug zu eigenen Erfahrungen herstellen 

• Über szenische Stukturierungstechniken verfügen 

• Strategien zur Aufgabenlösung auswählen und anwenden können 

• Theatrale Gestaltungsmittel kontextadäquat auswählen und einsetzen können 

• Rollen kontextadäquat gestalten und darstellen 

• Die Szene strukturieren 

33

• Traditionelle Körper- / Bewegungstheaterformen erläutern 


• Gestaltungskonzept erläutern und begründen 

• Den lyrischen Text kontextadäquat in einen dramatischen Text umwandeln und gestalten 

• Szenische Entscheidungen begründen 



• In einer Theateraufführung eingesetzte theatrale Mittel erkennen und benennen 


• Die intendierte Wirkung erläutern 


• Ein stimmiges theatrales Produkt erstellen und gestalten (konzeptionelle Klarheit, Einsatz der theatralen 

Mittel, Rollengestaltung, Strukturierung) 

• Die Qualität der Aufgabenlösung bewerten (aus der Sicht der Produzierenden, z. B. problematische 

Entscheidungen, ungelöste Teilaufgaben, Differenz zwischen intendierter und tatsächlicher Wirkung,…) 



• Merkmale und Besonderheiten lyrischer Sprache kennen 


• In einer Theateraufführung eingesetzte Techniken des Körper- oder Bewegungstheaters analysieren 


• Das eigene Handeln einordnen in und vergleichen mit Theaterformen aus dem europäischen oder außereuropäischen 

Raum (bzw. mit einer spezifischen Aufführung) 

• Das eigene Handeln in Beziehung setzen und vergleichen mit einer Aufführung des professionellen 

Theaters 

4.3 Unterrichtliche Voraussetzungen: 

• Erfahrung mit der Dekodierung und Kodierung von Symbolen 

• Erfahrungen mit verschiedenen Techniken des Körpertheaters 

• Erfahrungen mit der szenischen Gestaltung von nicht-dialogischen Texten 

• szenische Umsetzung von lyrischen Texten 

34

• Begegnung mit europäischen und außereuropäischen Formen des Körpertheaters (z.B. Pantomime, 

Tanztheater, No-Theater) 

• Besuch einer Aufführung, in der vornehmlich mit Mitteln des Körpertheaters gearbeitet wurde 

• oder Besuch einer Aufführung, in der Gedichte szenisch gestaltet wurden 



Schwerpunkte der Aufgaben erfasst und Ansätze zu Lösungen erbracht wurden. Bei der spielpraktischen 

Aufgabe muss deutlich werden, dass die lyrische Grundsituation erkannt und eine szenische Entsprechung 

gefunden wurde und dass das Spiegelmotiv mit Mitteln des Körpertheaters darstellerisch und gestalterisch 

umgesetzt wurde. Fachliche Grundkenntnisse in Bezug auf unterschiedliche Körpertheaterformen müssen 

verständlich dargeboten werden. Neben Leistungen im Anforderungsbereich I und II müssen zumindest 

ansatzweise auch Leistungen im Anforderungsbereich III nachgewiesen werden. 





gefunden, präsentiert und erläutert werden. Bei der spielpraktischen Aufgabe muss zusätzlich zur Umsetzung 

der lyrischen in eine szenische Grundsituation und zur Gestaltung des Spiegelmotivs mit Mitteln des 

Körpertheaters deutlich werden, welche Rollenfigur für das lyrischen Ich entwickelt wurde. Im Anschlussgespräch 

müssen Möglichkeiten und Schwierigkeiten der szenischen Umsetzung lyrischer Texte erläutert 

werden. Bei der Lösung der Reflexionsaufgabe müssen europäische Formen des Körpertheaters differenziert 

beschrieben und mit außereuropäischen Körpertheaterformen verglichen werden. Insbesondere muss 

der Zusammenhang zwischen der spielpraktischen Aufgabe und einer spezifischen Inszenierung des professionellen 

Theaters hergestellt werden. Überwiegend werden hier Leistungen im Anforderungsbereich II und 

III erbracht. 

5 Realisierung eines theatertheoretischen Ansatzes in der Inszenierung eines kurzen dramatischen 

Textes 

5.1 Aufgaben 

(Gruppengröße 2 – 3) 

Wolfgang Deichsel, „Auch einer von denen“ 

Schrader hält seinen Bekannten Rott auf. 

Schrader: Rott, geben Sie`s doch zu! Sie sind doch auch einer von denen! 

Rott: Was ist los? 

Schrader: Sie sind doch auch einer von denen! 

Rott: Was denn? Was denn? 

Schrader: Ich sage, dass Sie auch einer von denen sind. 

Rott: Was soll denn sein, Schrader? Ich hab doch nichts gemacht! 

35

36 

Schrader: Sehn Sie! 

Rott (ängstlich): Von denen! Von denen! Von wem denn? 

Schrader: Sehn Sie! Typisch! 

Wolfgang Deichsel, „Frankenstein – aus dem Leben der Angestellten, Berlin 1979, S. 19 

Inszenieren Sie diesen Text. 

Orientieren Sie sich bei Ihrer Inszenierung an Bertolt Brechts Theorie des epischen Theaters 

• in Bezug auf die Aussage, 

• in Bezug auf die verwendeten gestalterischen Mittel. 

Szenische und/oder Texterweiterungen bzw. -kürzungen sind möglich. 



• Begründen Sie Ihre Entscheidungen für die Inszenierung 

o in Bezug auf die Aussage der Handlung, 

o in Bezug auf die Konturierung der Figuren, 

o in Bezug auf die eingesetzten theatralen Mittel. 


• Erläutern Sie Brechts Theorie des epischen Theaters. 

• Beschreiben Sie den Einsatz von Mitteln des epischen Theater in der Inszenierung „.......“ (Inszenierung 

eines Brecht-Stückes oder eines anderen Stücks, in dem mit den Mitteln des epischen Theaters gearbeitet 

wurde). 


Schwerpunkt: Inszenieren unter Berücksichtigung programmatischer Vorgaben 

Sachkompetenz: 


• Grundlegende Fachbegriffe in Bezug auf die Inszenierung von Texten kennen 

• Die zentralen theatralen Zeichen kennen 

• Wissen, wie Textvorgaben konkretisiert werden können (Festlegen von Situation, Ort, Zeit, Personen) 

• Szenische Strukturierungstechniken kennen 

• Verfahren der Rollenentwicklung kennen


• Zentrale Zeichensysteme anwenden 

• zu einer Rolle eine Figur entwickeln 

• Szenische Strukturierungstechniken anwenden 


• Gestaltungsmittel des epischen Theaters kennen und in begrenzten Kontexten anwenden 

• Strategien zur Aufgabenlösung kennen und anwenden 



• Strategien zur Aufgabenlösung auswählen und verwenden 

• Bezug zu eigenen Erfahrungen herstellen 

• Figuren aus offenen Rollenvorgaben entwickeln 

• Bühnenpräsens zeigen 


• eine bedeutungsoffene Textvorgabe in Bezug auf Situation, Handlung und konkretisieren 


• ein Inszenierungskonzept erstellen 


• Durch den Einsatz ausgewählter Verfremdungstechniken den Text als „episches Theater“ gestalten 

• Ein stimmiges theatrales Produkt erstellen und gestalten (konzeptionelle Klarheit, Rollengestaltung, 

Einsatz der theatralen Mittel und der Verfremdungstechniken) 



• Gestaltungskonzept erläutern 

• In einer Theateraufführung eingesetzte Verfremdungstechniken erkennen und benennen 

• Qualitätskriterien kennen 


• Szenische Entscheidungen begründen, insbesondere die Konkretisierung und die Auswahl der Verfremdungstechniken 


• In einer Theateraufführung eingesetzte Verfremdungstechniken analysieren 

37

• ästhetische Kriterien zur Beurteilung anwenden 


• Die spezifische Wirkung der gewählten Verfremdungstechniken analysieren 

• Die Qualität der Aufgabenlösung bewerten (aus der Sicht der Produzierenden, z.B. problematische 

Entscheidungen, ungelöste Teilaufgaben, Differenz intendierter und tatsächlicher Wirkung) 

• Die Qualität einer „fremden“ Theateraufführung in Bezug auf die verwendeten Mittel bewerten 



• Brechts Theorie des epischen Theaters kennen 

• Mittel des epischen Theaters, insbesondere Verfremdungstechniken kennen und beschreiben 


• Lebensweltliche Bezüge in die Gestaltung einbeziehen 

• Das eigene Handeln in Beziehung setzen mit der professionellen Theaterpraxis 


• In Brechts Theatertheorie einen Zusammenhänge zwischen der politischen Funktion von Theater und 

der epischen Theaterform herstellen 

• Kritisch Stellung nehmen zu Brechts Theorie des epischen Theaters 

5.3 Unterrichtliche Voraussetzungen: 

• Gestaltung von Minidramen, insbesondere von bedeutungsoffenen Minidramen (z.B. Minidramen im 

Verlag der Autoren, Frankfurt Main, 1987) 

• Brechts Theorie des epischen Theaters 

• Spielpraktische Erfahrungen mit V-Effekten 

• Besuch einer Inszenierung eines Theaterstücks von Bertolt Brecht oder Besuch einer Inszenierung, die 

epische Elemente verwendet 



Schwerpunkte der Aufgaben erfasst und Ansätze zu Lösungen erbracht wurden. Dazu gehört, dass die 

bedeutungsoffene Situation konkretisiert wurde und dass bei der Inszenierung V-Effekte eingesetzt wurden. 

Darstellerische Fähigkeiten und Fertigkeiten müssen in der Rollengestaltung erkennbar sein. Gestaltungsentscheidungen 

müssen ansatzweise erläutert und begründet werden. Grundlegende Ziele und Verfahren 

des epischen Theaters müssen verständlich erläutert werden. Neben Leistungen im Anforderungsbereich I 

und II müssen zumindest ansatzweise auch Leistungen im Anforderungsbereich III nachgewiesen werden. 



38



gefunden, präsentiert und erläutert werden. Dazu gehört vor allem, dass deutlich wird, dass episches Theater 

aufklärerische politische Ziele hat. Es muss deutlich werden, dass die Konkretisierung der Handlung und 

der Figuren und die eingesetzten V-Effekte die intendierte Aussage unterstützen. Bei der Lösung der Reflexionsaufgabe 

muss Brechts Theorie des epischen Theaters zielgerichtet geordnet und argumentativ schlüssig 

vorgetragen und am Beispiel einer Inszenierung konkretisiert werden. Überwiegend werden hier Leistungen 

im Anforderungsbereich II und III erbracht. 

6 Theatrale Adaption eines epischen Textes 

6.1 Aufgaben 

Daniil Charms 

An der Quaimauer unseres Flusses hatte sich eine sehr große Menschenmenge gesammelt. In den Fluss 

gefallen war der Regimentskommandeur Sepunov. Er verschluckte sich in einem fort, sprang bis zum Bauch 

aus dem Wasser, schrie und versank wieder im Wasser. Er schlug mit den Armen nach allen Seiten und 

schrie wieder um Hilfe. 

Die Menge stand am Ufer und schaute mit finsterer Miene zu. 

- Er ertrinkt, - sagte Kuzma. 

- Klar ertrinkt er, - bestätigte ein Mann mit einer Schirmmütze. 

Und tatsächlich, der Regimentskommandeur ertrank. 

Die Menge begann sich zu verlaufen. 

Daniil Charms, Fälle 

Inszenieren Sie diesen Text. 

Achten Sie darauf, 

• dass der Text keine epischen Teile mehr enthält, sondern durchgehend dialogisiert wird, 

• dass die Handlung inhaltlich klar verständlich ist, 

• dass die Figuren deutlich konturiert werden, 

• dass szenische Lösungen für die Verdeutlichung des Schauplatzes gefunden werden (keine „Kulisse“!). 



• Erläutern Sie die von Ihnen beabsichtigte Wirkung. 

• Begründen Sie Ihre Entscheidungen 

• in Bezug auf die Strukturierung der Handlung, 

• in Bezug auf die Konturierung der Figuren, 

39

40 

• in Bezug auf die sprachliche Gestaltung des Dialogs, 

• in Bezug auf die eingesetzten theatralischen Mittel. 


• Beschreiben Sie die unterschiedlichen Rezeptionsweisen von Lesern dramatischer Texte und Zuschauern 

von Theateraufführungen. 

• Welche Schwierigkeiten ergeben sich bei der Inszenierung postdramatischer Theatertexte, z. B. Peter 

Handkes Text „Die Stunde, da wir nichts voneinander wussten“? 


Schwerpunkt: Adaption eines epischen Textes 

Sachkompetenz 


• Bedeutung der Textvorlage erfassen 

• Grundlegende Fachbegriffe in Bezug auf die szenische Adaption von nicht-dramatischen Texten kennen 

• Die zentralen theatralen Zeichen kennen 

• Verfahren der Rollengestaltung kennen 

• Techniken des Körpertheaters kennen 


• Zentrale theatrale Zeichen beherrschen und anwenden 

• Zu einer Rolle eine Figur entwickeln 

• Körpertheatertechniken kennen, die einen imaginierten Raum entstehen lassen, z.B. pantomimische 

Techniken 


• Möglichkeiten der Umwandlung von nicht-dramatischen in dramatische Texte kennen 

• Strategien zur Aufgabenlösung kennen und anwenden 

• Techniken des Körpertheaters beherrschen, die einen imaginierten Raum entstehen lassen, z.B. pantomimische 

Techniken 

• Szenische Strukturierungstechniken anwenden 



• Strategien zur Aufgabenlösung auswählen und verwenden 

• Bezug zu eigenen Erfahrungen herstellen

• Bühnenpräsenz zeigen 

• Inhaltlich stimmige Rollen entwickeln 


• Eine nicht-dramatische in eine dramatische Vorlage umwandeln 

• Entscheidungen für die Gestaltung der Szene treffen (z.B. anwesende und nicht anwesende Figuren, 

z.B. Raumgestaltung) 

• Theatrale Gestaltungsmittel kontextadäquat auswählen und einsetzen 



• Kontextadäquate Figuren gestalten und darstellen 

• Inhaltlich adäquate Techniken des Körpertheaters auswählen, z. B. um den Ort der Handlung zu verdeutlichen 

• Ein stimmiges theatralen Produkt erstellen und gestalten (konzeptionelle Klarheit, Rollengestaltung, 

Einsatz der theatralen Mittel) 



• Entscheidungen in Bezug auf die Adaption eines nicht-dramatischen Texten beschreiben 

• Gestaltungskonzept erläutern 

• Qualitätskriterien kennen 


• Entscheidungen in Bezug auf die Adaption eines nicht-dramatischen Textes begründen 

• Szenische Entscheidungen begründen, insbesondere die Entscheidungen in Bezug auf die Rollengestaltung 

und die Auswahl der Körpertheatertechniken 



• Die spezifische Wirkung der ausgewählten Körpertheatertechniken reflektieren 

• Erläutern, was bei der der Umwandlung eines literarischen in einen dramatischen Text geleistet werden 

muss und welche Schwierigkeiten sich dabei ergeben 

• Aus der Sicht der Produzierenden die Qualität der Aufgabenlösung bewerten, z.B. problematische 

Entscheidungen, ungelöste Teilaufgaben, Differenz intendierter und tatsächlicher Wirkung 

41



• Bezug zu gesellschaftlichen Themen und Problemen herstellen 

• Unterschiede in der Rezeptionsweise von Lesern dramatischer Texte und Zuschauern einer Aufführung 

kennen 

• Merkmale postdramatischer Theatertexte kennen 


• Lebensweltliche Bezüge in die Gestaltung einbeziehen 

• Merkmale postdramatischer Theatertexte am Beispiel eines konkreten Textes analysieren 


• Analysieren und vergleichen, was Leser eines dramatischen Textes und Zuschauer einer Aufführung 

leisten müssen 

• Schwierigkeiten bei der Inszenierung eines postdramatischen Theatertextes reflektieren 


• Erfahrung mit der szenischen Umsetzung von epischen Texten 

• Erfahrung mit absurdem Theater und schwarzem Humor 

• Erfahrung mit dem Spiel „im leeren Raum“ (Verdeutlichung von Ort und Zeit der Handlung durch 

körperorientierte Spielweisen) 

• Reflexion von Rezeptionsweisen unterschiedlicher künstlerischer Medien 

• Produktive oder rezeptive Erfahrungen mit der Inszenierung einer postdramatischen Textvorlage 



Schwerpunkte der Aufgaben erfasst und Ansätze zu Lösungen erbracht wurden. Es muss deutlich werden, 

dass der Prüfling in der Lage ist, einen nicht-dramatischen Text zu adaptieren und so zu inszenieren, dass 

die Handlung verständlich wird. Auf der darstellerischen Ebene muss er zeigen, dass er eine Rollenfigur 

durch Bewegungen, Gesten, Sprechgestus konturieren kann. Im Nachgespräch muss er darlegen, wie er bei 

der Adaption dieses nicht-dramatischen Textes vorgegangen ist. Im Rahmen der Reflexionsaufgabe muss er 

erklären, was unter postdramatischen Texten zu verstehen ist und wie sich potdramatische von dramatischen 

Texten unterscheiden. Neben Leistungen im Anforderungsbereich I und II müssen zumindest ansatzweise 






gefunden, präsentiert und erläutert werden. Neben der Umsetzung dieses nicht-dramatischen Textes in 

42

einen dramatischen Text und der Konturierung einer Rollenfigur soll Ort und Situation durch körperliches 

Spiel geschaffen werden (Wo sind sie? Was ist vorher geschehen? Was wird nachher geschehen?). Gestaltungsentscheidungen 

müssen fundiert begründet werden. Bei der Lösung der Reflexionsaufgabe muss über 

Kenntnisse postdramatischer Texte hinaus auch erörtert werden, welche Herausforderungen die Inszenierung 

postdramatischer Texte mit sich bringt. Überwiegend werden hier Leistungen im Anforderungsbereich 

II und III erbracht. 

7 Erarbeitung einer Szene mit einem Requisit als zentralem Bedeutungsträger 

7.1 Aufgaben 

• Wählen Sie ein oder mehrere der vorgegebenen Requisiten aus, entwickeln und gestalten Sie mit den 

Mitteln des expressiven Körpertheaters eine szenische Handlung, in der das Requisit (z.B. Schuh, Buch, 

Stuhl ) sich zunehmend seiner ursprünglichen Benutzung widersetzt und als „Gegenspieler“ die Szene 

bestimmt. 


• Begründen Sie Ihre Entscheidung für die Requisiten und erläutern Sie ihren Zeichencharakter im 

theatralen Kontext. 

• Erläutern Sie Ihre Figurencharakteristik und Gestaltungskonzeption sowie Ihre körpersprachlichen 

Mittel. 

Reflexionsaufgabe: Theorie/ Geschichte/ Kulturelles Leben 

• Stellen Sie ihre szenische Umsetzung in den Kontext mit einer Szene aus dem Film von Charly Chaplin: 

„Modern Times“ ( 1936 ) 

• Charakterisieren Sie seine Figur des Tramp. 

• Bewerten Sie Chaplins künstlerischen Ansatz im Umgang mit den Maschinen unter Berücksichtigung 

der spezifischen Mittel des Stummfilmes. 


Sachkompetenz: Schwerpunkt Körpersprache 


• Requisiten gezielt aussuchen 

• Den Zeichencharakter verschiedener Requisiten kennen 

• Die spielformspezifischen Mittel berücksichtigen 

• Eindeutige Bewegungssequenzen finden und genau wiederholen 

• Den Bühnenraum bewusst wahrnehmen 

• Gestaltungsmöglichkeiten im Raum der Bühne suchen 


• Unterschiedliche Ausdrucksmittel der mimisch – gestischen Zeichen erproben und variieren 

43

• Alltägliche Bewegungen in eine übersteigerte Körpersprache verändern 

• Die Bildwirkung des eigenen Spiels auf den Zuschauer begreifen 

• Die Wirkung körpersprachlicher Mittel einschätzen und reflektieren 

• Requisiten gezielt auswählen und im Spiel verändern 

• Handlungsvorgänge zeitlich gliedernd 

• Sich bewusst in den Gestaltungsmöglichkeiten des Bühnenraumes bewegen 


• Die Wirkung der Mittel der Körpersprache einschätzen und reflektieren 

• Gemeinsamkeiten und Unterschiede der künstlerischen Mittel von Körpertheater und Stummfilm erkennen 

und reflektieren 



• Die spielformspezifischen Bedingungen des Körpertheaters berücksichtigen 

• Optische, akustische, haptische Qualitäten des Gegenstandes ergründen 

• Die eigene Spielkonzeption einhalten 

• Beim eigenen Spiel den konzeptionellen Rahmen einhalten 


• Eigenheiten der gewählten Requisiten und ihre Assoziationen beim Zuschauer berücksichtigen 

• Eigene erlebte Geschichten, Erfahrungen, Ideen als Quellen der Szenengestaltung nutzen 


• Aus dem lebensweltlichen Bezug einen Interpretationsansatz erarbeiten 

• In der Aufgabenvorbereitung die Szene mit einem deutlichen Aufbau 

( Handlungsbogen, Dynamik, Bildwirkung ) entwickeln 

• Bei der Gestaltung der Szene Kompositionsprinzipien ( wie Steigerung, Kontrastierung, Parallelführung, 

Variation, Reihung, Umkehrung, Bruch, Wiederholung, Verdichtung) selbständig entwickeln und 

anwenden 

• Eine Figurencharakteristik im Spiel entwickeln 

• Traditionelle Körper - / Bewegungsformen der Commedia dell´arte erläutern 

44



• Entwicklungswege und Strategien zur Aufgabenlösung beschreiben 

• Das Körpertheater als symbolischen, repräsentativen bzw. performativen Akt verstehen 


• Differenzerfahrungen fremder und eigenen Lebenswirklichkeiten formulieren und bei der Gestaltung 

berücksichtigen 

• Geplante und realisierte Wirkungsästhetik reflektieren 



• Körpersprachliche Theatertraditionen des Harlekin / Clown kennen 

• Künstlerische Mittel des Filmes benennen 


• Stummfilme von Charly Chaplin mit ihrer grotesken Situationskomik beurteilen und expressive Körpersprache 

und psychologische Mittel in seiner Figur des „Tramp“ charakterisieren können 

• Den sozialkritischen Ansatz in „ Modern Times“ erklären 

• Fachübergreifende Aspekte zu Kunst ( Gestaltungsmittel des Films z.B. Kameraführung, Bildeinstellung, 

Rhythmisierung der Bilder ) herstellen und interpretieren 


• In der Qualifikationsphase Erarbeitung eines Theaterprojektes mit dem Schwerpunkt Körpertheater, das 

mit einer Aufführung beendet wird 

• Vermittlung von Kenntnissen über die körpersprachlichen Theatertraditionen des Harlekin / Clown wie 

z.B. in der Commedia dell’ arte, im Stummfilm, Zirkus, Varieté und der von M. Marcau und S. Molcho 

geprägten Pantomime 

• Analyse von Stummfilmen mit Charly Chaplin / Schwerpunkt „ Modern Times“ (1936) unter dem 

Gesichtspunkt der künstlerischen Mittel der Körpersprache ( fachübergreifend Kunst – künstlerische 

Mittel des Filmes) 

• Gemeinsamkeiten der Spielfiguren Pierrot / Arlecchino und Chaplins Tramp. 



Schwerpunkte der Aufgaben erfasst und Ansätze zu Lösungen erbracht wurden. In der Spielszene muss 

deutlich werden, wie ein Requisit vom „Mitspieler“ zum „Gegenspieler“ werden kann und welche körperlichen 

Mittel eingesetzt werden können, um die Verwandlung deutlich zu machen. Im Nachgespräch muss 

erläutert werden, was gemeint ist, wenn von einem Requisit als „Mit-„ oder „Gegenspieler“ gesprochen 

wird. In der Reflexionsaufgabe muss die Figur des „Tramp“ und sein Umgang mit den Maschinen ansatz- 

45

weise analysiert werden. Neben Leistungen im Anforderungsbereich I und II müssen zumindest ansatzweise 






gefunden, präsentiert und erläutert werden. In der Spielszene muss neben der Handlung - der Verwandlung 

eines Requisits vom „Mitspieler“ zum „Gegenspieler“ - auch die Figur des Protagonisten deutlich konturiert 

werden (Clown? groteske Überzeichnungen?). Eine bewusst gestaltete Handlungsstruktur muss im Spiel 

erkennbar sein und erläutert werden. Außerdem muss Chaplins „Tramp“ auf die in der Spielszene entwickelte 

Figur bezogen werden. Überwiegend werden hier Leistungen im Anforderungsbereich II und III 

erbracht. 

46

EPA Darstellendes Spiel - Landesarbeitsgemeinschaft ...

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