Materialien zur Vorlesung "Öffentliche und private Sphäre"

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PD Dr. Wolfgang Fuhrmann, Institut für Musikwissenschaft der Universität Wien Vorlesung „Öffentliche und private Sphäre in der Musik des 19. Jahrhunderts“, SoSe 2011 Theoretische Modelle Im Lauf der Vorlesung haben sich vor allem zwei theoretische Überlegungen als weiterführend erwiesen. Die erste betrifft den Prozess der Entwicklung musikalischer Öffentlichkeit, die andere ihre Formen. 1. Musikalische Bildung und Kultur war traditionsgemäß ein Vorrecht des Adels. Auch wenn es im 16., 17. und vor allem im 18. Jahrhundert schon beachtliche musikalische Aktivitäten des Bürgertums gegeben hat, hat es doch erst im 19. einen dominierenden Platz im Musikleben erobert. Und auch hier waren es zunächst die höheren, besser verdienenden, besser gebildeten Schichten innerhalb des Bürgertums. Musikalische Öffentlichkeit wird so begreiflich als ein sich von einer schmalen Elite an der Spitze der gesellschaftlichen Pyramide langsam ausbreitender Prozess, der immer auf Ungleichheiten von Bildung und Besitz gründete, dennoch aber seine soziale Basis immer mehr verbreiterte; musikalische Öffentlichkeit diffundierte gleichsam von oben nach unten. Der Versuch des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, die großen Werke der bürgerlichen Musikkultur auch den Arbeitern nahezubringen, ist gewissermaßen die letzte Konsequenz dieses Prozesses. 2. Die Unterscheidung zwischen „privat“ und „öffentlich“, wie sie etwa Habermas oder die entsprechenden Bände der „Musikgeschichte in Bildern“ treffen, erweist sich als zu starr, um der historischen Wirklichkeit gerecht zu werden. Tatsächlich gibt es zwischen diesen beiden Bereichen eine Reihe von Zwischenstufen. Ich habe – in lockerer Anlehnung an Bruno Latours „Soziologie der Assoziationen“ – folgendes Modell vorgeschlagen: – Privat (im eigentlichen Sinn): häuslich-intimes Musizieren – Gesellig: Musizieren im Kreis von Freunden und Bekannten – „Gesellschaft“: Musizieren im Rahmen eines „Salons“ – Assoziation: Musizieren im Rahmen einer Musikgesellschaft, also eines auch durch Statuten geregelten Vereins – Öffentlich: Musizieren in einem nicht, oder höchstens durch Eintrittspreise beschränkten Rahmen. In diesen Zwischenstufen vor allem spielt sich die Entwicklung musikalischer Öffentlichkeit ab. Denn in den oft noch kleinen Städten Europas (vor allem in der ersten Jahrhunderthälfte) kennt sich die schmale Schicht der „Gebildeten“ ohnehin persönlich und außerhalb ihres Kreises gab es für diese Art von Musik ohnehin praktisch kein Publikun. Ob man sich dabei in einem Salon traf oder im Konzertsaal, spielt dabei kaum eine Rolle: Man blieb „unter sich“. Dies ändert sich erst mit dem rapiden Bevölkerungswachstum und der immer stärkeren Erweiterung musikkundiger Schichten in der zweiten Jahrhunderthälfte. © 2011 by Wolfgang Fuhrmann 4
PD Dr. Wolfgang Fuhrmann, Institut für Musikwissenschaft der Universität Wien Vorlesung „Öffentliche und private Sphäre in der Musik des 19. Jahrhunderts“, SoSe 2011 2. Intimität und Massenöffentlichkeit (1): Das Musikfest Die Verbreitung musikalischer Interessen und Aktivitäten über deren traditionelle Sphäre in Aristokratie und Kirche hinaus wird zu Beginn des 19. Jahrhunderts vielfach bemerkt und auch bemängelt. Das wirtschaftlich im Aufstieg begriffene Bürgertum, das in mehreren Revolutionen (1789, 1830, 1848) nach politischer Macht und Repräsentation strebt, schreibt sich zugleich die Kultur auf die Fahnen. Drastisch formuliert diesen Zusammenhang 1825 ein Autor aus Würzburg in der Musikzeitschrift Cäcilia, in einem Artikel mit dem schönen Titel „Ein unvorgreifliches Bedenken über die itzige musikalische Kultur à la mode“: „Auf dem Angesichte unserer Zeit kokettiren zwei grelle Schönpflästerchen, nämlich das papierene in Bezug auf Staats- und Geschäftsleben, und, was die ästhetische Bildung belangt, das musikalische. Weil nun weder der Land- noch Gottesfrieden je das Reich der Töne in seine Huth genommen, so ist uns dadurch freie Fug und Macht gegeben, eben dieses letztere zu lüften, um etwa die verdeckte Pocke zu erkunden, die darunter liegen mag.“ Die umfassendste Form, in der sich Bürgertum und Nation musikalisch selbst repräsentieren, zugleich die Form mit dem höchsten Grad an sozialer Inklusivität, ist das Musikfest. Definition des deutschen Musikfests: zwei- bis dreitägige musikalische Veranstaltungen an einem Ort mit regionalen Kräften (im Unterschied zum Schweizer Musikfest, dem Ursprung der gesamten Musikfestbewegung, an dem die ganze Nation teilnahm, oder zum österreichischen, das zumindest in Wien große Oratorien auch mit lokaler Besetzung aufführen konnte). Zunächst durch Personen, dann durch Vereine organisiert, in der Regel ein- bis zweijährig wiederkehrend, wobei Ort zyklisch wechselt (z. B. im Niederrheinischen Musikfest: Elberfeld, Düsseldorf, Köln, Aachen). Kein äußerer Anlass, Aufführungen meist Pfingsten oder September. Teilnehmerschaft: gemischter ad-hoc Chor, Orchester manchmal professionell, Solisten Dilettanten (später Profis), keine Teilnehmerrestriktionen (nach Vereinszugehörigkeit, Begabung, Sozialstatus, Einkommen o. ä.). Ab den 1840er Jahren zunehmende Tendenz zur Professionalisierung (Berufsmusiker) und damit auch zur Kommerzialisierung. Konzertprogramm: geistliche & weltliche Musik, insbesondere großes Chor- Orchesterwerk: zunächst bevorzugt Haydns Oratorien, ab 1820/30 Händel. Daneben effektvoll-triviale Musik wie Friedrich Schneiders – nicht ursprünglich für ein Musikfest komponiertes – Das Weltgericht. Ausdrücklich für Musikfeste entstanden Beethovens Christus am Ölberg, Louis Spohrs Das jüngste Gericht, die Oratorien von Mendelssohn: Elias, Paulus. Als wenig erfolgreich, da zu zart- © 2011 by Wolfgang Fuhrmann 5
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