Artinside Das Museumsmagazin der Region Basel Ausgabe ...

Artinside Das
Tatlin.
neue Kunst für eine neue Welt
06.06.2012 – 14.10.2012
Museum Tinguely
Tatlin mit Assistent vor dem Modell des Denkmals der III Internationale, 1925
Museumsmagazin
der Region Basel
Ausgabe Sommer 2012
Renoir. Zwischen Bohème
und Bourgeoisie
Die frühen Jahre
01.04.2012 – 12.08.2012
Kunstmuseum Basel
Jeff Koons
13.05.2012 – 02.09.2012
Fondation Beyeler, Riehen
Craigie Horsfield
Slow Time and the Present
10.06.2012 – 26.08.2012
Kunsthalle Basel
Gerrit Rietveld
Die Revolution des Raums
17.05.2012 – 16.09.2012
Vitra Design Museum/D
Martin Disler
Malerei, Grafik und Skulptur
28.04.2012 – 28.10.2012
Kloster Schönthal/BL
Léger – Laurens
Tête-à-Tête
23.06.2012 – 04.11.2012
Museum Frieder Burda/D
schwebend – von der
Leichtigkeit des Steins
26.04.2012 – 15.07.2012
Museum der Kulturen Basel
Liebe auf den ersten Blick
Sammlung Würth
27.04.2012 – 06.01.2013
Forum Würth, Arlesheim/BL
Chassé-croisé
Dada-Surréaliste, 1916–1969
bis 01.07.2012
Espace Fernet Branca/F
Simon Starling
24.05.2012 – 26.08.2012
Kunsthalle Mulhouse/F
Carlos Garaicoa
A City View From the Table of My House
01.06.2012 – 15.07.2012
Kunsthaus Baselland/BL

Annette Schönholzer und Marc Spiegler werden nicht ruhen, sich mit Leidenschaft für den einzigartigen Erfolg der Art Basel zu engagieren.
Wir werden nicht ruhen
Die Verwendung von Namen oder sonstiger Bezeichnungen Dritter in dieser Werbung erfolgt mit der entsprechenden Genehmigung. © UBS 2012. Alle Rechte vorbehalten.
Leidenschaft. Das verbindet uns
mit den Direktoren der Art Basel.
Die Art Basel ist seit langem
die renommierteste Messe der Welt für
moderne und zeitgenössische Kunst.
Annette Schönholzer und Marc Spiegler
geben dieser Erfolgsgeschichte mit Engagement,
Erfahrung und ausgezeichneten Beziehungen
zur Kunstwelt immer wieder neue Impulse.
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Liebe Kunstfreunde
Der Tisch für den Kunstsommer ist gedeckt. Wie immer mit einem reichhaltigen Menu, das ihnen die
Kunstinstitutionen in und um Basel servieren. Einmal mehr ist es «haute cuisine», wie man sie auch in
grossen Kunstdestinationen Europas kaum reichhaltiger finden wird.
Mit der Ausstellung Tatlin. neue Kunst für eine neue Welt ist dem Museum Tinguely ein grosser Coup
gelungen. Weltweit zum ersten Mal seit 20 Jahren wird das Werk dieses legendären Künstlers, der die
russische Avantgarde zusammen mit Kasimir Malewitsch geprägt hat, in einer grossen Überblicksausstellung
wieder zu sehen sein. Dies mit weit über hundert der wichtigsten Leihgaben aus den grossen
russischen Museen in Moskau und St. Petersburg. Entdecken Sie Tatlin als Maler der klassischen
Moderne, der sich mit Picasso und Matisse misst – als Erfinder der Konterreliefs, mit denen er eine neue
Gattung ins Leben rief – als Schöpfer des himmelsstrebenden Turms für die III. Internationale, der den
Eiffelturm an Höhe übertroffen hätte, unrealisiert die Turmbauvisionen von Babel bis Dubai evoziert
und Generationen von Architekten inspirierte – oder als Schöpfer des Flugapparates Letatlin, mit denen
er die schon aus antiken Mythologien sprechenden Träume individuellen Fliegens ermöglichen wollte.
Pierre-Auguste Renoirs Frühwerk‚ zwischen Bohème und Bourgeoisie stellt ihnen das Kunstmuseum
Basel vor. Die konzentrierte Schau zeigt den Künstler in einem neuen Licht, das seine künstlerische
Herkunft und seine Freundschaft mit dem jungen Monet neu beleuchtet. Das unter anderen permanent
in der Sammlung zu sehende, herausragende Bild der Dame mit dem Möwenhütchen von Renoir findet sich
in dieser Ausstellung inmitten von wichtigen Leihgaben wieder und ermöglicht so einen frischen Blick
auf die jungen Jahre Renoirs.
Ganz anders zeigt sich diesen Sommer die Fondation Beyeler. Mit Jeff Koons ist einer der schillerndsten
Künstler der Gegenwart zu Gast. Seine Werke oszillieren zwischen barocker Üppigkeit und minimalistischer
Reduktion, profanem Realismus und höchster Künstlichkeit. Man darf gespannt sein, wie dieser
Meister der (Selbst-) Inszenierung und des Kunstmarketings in der grossen Überblicksschau vorgestellt
wird.
Junge Kunst und Künstler zu zeigen, hat in Basel lange Tradition. Und so ist neben Koons auch in zahlreichen
weiteren Institutionen Gegenwartskunst zu sehen. Sei es in der Kunsthalle Basel mit dem politisch
engagierten Fotografen und Medienkünstler Craigie Horsfield, dem Museum für Gegenwartskunst
mit Hilary Lloyds Filminstallationen, dem Museum der Kulturen mit der berauschenden kinetischen
Installation von Justin Fiske oder dem Kunsthaus Baselland, das mit Carlos Garaicoa einem der wichtigsten
zeitgenössischen Künstler Kubas eine grosse Überblicksschau widmet.
Und wie immer stehen auch in der näheren Umgebung Ausstellungsleckerbissen für Sie bereit. Nehmen
Sie Platz auf den Stühlen des holländischen De-Stijl Architekten und Designers Gerrit Rietveld im Vitra
Design Museum, besuchen Sie den grossen Plastiker Martin Disler in der wunderbaren Natur des Kloster
Schönthal, begegnen Sie Simon Starling wieder in der Kunsthalle Mulhouse oder fahren Sie zur Kur
nach Baden-Baden, wo Fernand Léger und Henri Laurens im Museum Frieder Burda in Dialog treten –
eine Gegenüberstellung von zwei Geistesverwandten, auf die ich mich sehr freue.
Guten Appetit, schöne Ausstellungserlebnisse und wie stets viel Neugierde wünscht Ihnen Ihr
Roland Wetzel,
Direktor Museum Tinguely
editorial
Artinside

inhalt
Artinside
Vladimir Tatlin, Matrose, 1911 | Craigie Horsfield, The
Arciconfraternity of Santa Monica, Piazza Sant'Antonino,
Sorrento, April 2010 | Jeff Koons, Woman in Tub, 1988 |
Pierre-Auguste Renoir, Fleurs dans une serre, 1864 |
06 Tatlin. neue Kunst für eine neue Welt im Museum Tinguely
Mit Meisterwerken vorwiegend aus Moskau und St. Petersburg
präsentiert die Vladimir Tatlin (1885-1953) gewidmete Einzelschau eine
der Leitfiguren der russischen Avantgarde. In seinen Konterreliefs
hat Tatlin die Grenzen der Malerei gesprengt. Mit dem revolutionären
Modell für einen gigantischen Turm verwirklichte er eine Synthese von
Architektur, bildender Kunst und sozialer Utopien. Den individuellen
Träumen einer kollektiv normierten Gesellschaft verlieh er schliesslich
mit dem Flugapparat Letatlin Ausdruck.
13 Die Kunsthalle Basel zeigt Craigie Horsfield
Der englische Künstler Craigie Horsfield zeigt in der Kunsthalle Basel
fotografische Aufnahmen transferiert in historische Medien wie
Wandteppiche oder Fresken.
14 Jeff Koons und Philippe Parreno in der Fondation Beyeler
Die Fondation Beyeler präsentiert die erste Ausstellung des
amerikanischen Künstlers Jeff Koons (*1955) in einem Schweizer
Museum. Der wohl bekannteste lebende Künstler sorgt mit seinen
unverkennbaren, die Populär- und Hochkultur verbindenden
Kunstwerken seit Jahrzehnten für grosses Aufsehen.
Die Ausstellung widmet sich in einer umfangreichen Präsentation
drei zentralen Werkgruppen – The New, Banality und Celebration –, die
entscheidende Etappen in Koons’ künstlerischer Entwicklung markieren
und mitten ins Schaffen und Denken des Künstlers führen.
Der französische Künstler Philippe Parreno (*1964) zeigt in der Fondation
Beyeler neue Filme, Zeichnungen, Skulpturen und Soundinstallationen.
26 Renoir: Zwischen Bohème und Bourgeoisie.
Die frühen Jahre
Auguste Renoir zählt zu den französischen Malern, die in den frühen
1870er-Jahren den Impressionismus begründet haben. Mit heller Palette,
einer lockeren Pinselführung, Motiven aus dem modernen Stadtleben
und des Freizeitvergnügens in der Natur schrieben er und seine
Mitstreiter Kunstgeschichte. Das Kunstmuseum Basel richtet in dieser
grossen Überblicksausstellung erstmals den Fokus auf das überraschend
vielschichtige Frühwerk des Künstlers bis hin zu den ersten bedeutenden
impressionistischen Gemälden. Renoirs wichtigstes Modell der frühen
Jahre war seine Geliebte Lise Tréhot. Diese Werkgruppe bildet einen
Höhepunkt der Ausstellung und zeigt die Spannweite von Renoirs erstem
Schaffensjahrzehnt.
Eine eigene Gruppe bilden die Portraits von seinen engsten
Künstlerfreunden Frédéric Bazille, Claude Monet und Alfred Sisley.
Anhand von Landschaften, vor allem des Pariser Umlands, sowie
Szenen aus der vie moderne wird Renoirs eigenständiger Beitrag zum
Impressionismus deutlich.
32 Gerrit Rietveld im Vitra Design Museum
In einer grossen Retrospektive zeigt das Vitra Design Museum anhand
von rund 320 Exponaten einen umfassenden Überblick über das Schaffen
des Niederländers Gerrit Rietveld.
33 Justin Fiske im Museum der Kulturen
Der südafrikanische Künstler Justin Fiske tritt mit seinen Installationen
in einen sinnlichen Dialog mit den von Herzog & de Meuron neu
geschaffenen Räumen des Museum der Kulturen.
37 Martin Disler im Kloster Schönthal
Disler war ein Autodidakt und ein rastloser Schaffer, der grosse Erfolge
feiern konnte. Die Ausstellung im Kloster Schönthal zeigt monumentale
Acrylbilder, Grafiken und Skulpturen.
38 Léger und Laurens im Museum Frieder Burda
Die Zeitgenossen Fernand Léger und Henri Laurens werden einander
in der Ausstellung im Museum Frieder Burda mit ihren künstlerischen
Ausdrucksformen (Malerei und Skulptur) gegenübergestellt.
40 «Liebe auf den ersten Blick» im Forum Würth
Dem Sammler Reinhold Würth ist die Jubiläums-Ausstellung der Würth
AG zu verdanken, die in diesem Jahr ihr 50-Jahr-Jubiläum begeht.
41 Espace d'Art Contemporain Fernet Branca
In Saint-Louis erwartet das Publikum eine dada-surrealistische Collage
aus rund 200 Werken von insgesamt 98 Surrealisten, Dadaisten und
Gleichgesinnten.
42 Simon Starling in La Kunsthalle Mulhouse
Simon Starlings Skulpturen, Installationen und Reisen artikulieren sich
um Transformations-, Hybridations- und Verschiebungsprozesse sowie
Interventionen vor Ort.
43 Kunsthaus Baselland
Der kubanische Künstler Carlos Garaicoa untersucht in seinen Arbeiten
Architektur und Urbanismus als Abbild und Spiegel politischer Realität
und gesellschaftlicher Entwicklung.
45 Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region
24 Adressen, Öffnungszeiten
Impressum. Artinside – Das Museumsmagazin der Region Basel
Herausgeber: Matthias Geering
Artdirection/Produktion: Sibylle Meier
Lauftext Meier Geering, Oberwilerstrasse 69, CH-4054 Basel
info@artinside.ch | www.artinside.ch
Ausgabe Sommer 2012 | Erscheint drei Mal jährlich | Auflage 166 000 Exemplare
Bildbearbeitung/Druck: Vogt-Schild Druck, Derendingen
Ein Teil der Auflage ist der Basler Zeitung vom 4. Juni 2012 beigelegt
Jahresabo Schweiz: CHF 18.–, Jahresabo EU: Euro 18.– | ISSN 1660-7287
Die nächste Ausgabe erscheint am 5. September 2012
Gerrit Rietveld, Rot-Blauer Stuhl, 1918/23 | Justin Fiske mit seiner
Installation aus Steinen | Martin Disler, Die letzten Kisten, 1994 |
Henri Laurens, Der Herbst, 1948 | Carlos Garaicoa, A City View From
the Table of My House, 2001 |
inhalt

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Tatlin. neue Kunst für eine neue Welt
Artinside Artinside
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Tatlin.
neue Kunst
für eine neue
Welt von Gian Casper Bott*
Mit Vladimir Tatlin (1885–1953) stellt
das Museum Tinguely in Basel eine
legendäre Künstlerpersönlichkeit
ins Zentrum seiner grossen Sommerausstellung.
Tatlin ist eine der Leitfiguren der Russischen
Avantgarde. Fast zwanzig Jahre ist es
her, seit dieser zentrale Erneuerer der Kunst
letztmals in einer umfassenden Retrospektive
zu sehen war.
Präsentiert werden frühe Gemälde, raumgreifende
Konterreliefs, Rekonstruktionen
des revolutionären Turms und der Flugapparat
Letatlin. Seine Arbeiten für das Theater
runden die Ausstellung ab. Mit über 100 Meisterwerken
vorwiegend aus den wichtigsten
Sammlungen in Moskau und St. Petersburg
wird Tatlin als herausragender Künstler der
Zeitenwende zu Beginn des 20. Jahrhunderts
umfassend vorgestellt.
Vladimir Tatlin begann seine Laufbahn
als Seefahrer. Bis 1913 war er als Künstler
ausschliesslich im Bereich der Malerei und
Zeichnung tätig. In jungen Jahren beschäftigte
er sich mit der alten russischen Ikonenmalerei
und der Volkskunst, anschliessend
mit den aktuellsten Strömungen der
Avantgarden in Russland und Westeuropa,
namentlich Paris. Seine frühen Gemälde sind
in der Ausstellung umfassend vertreten. In
ihrer flächig-dekorativen Farbigkeit, ihrem
rhythmisch durchpulsten Kurvaturenstil,
wo dunkle und helle Umrisslinien eine son-
derbare Prägnanz erhalten, gelingt Tatlin
eine eigenständige Synthese von russischer
Tradition und französischer Avantgarde.
Konterreliefs
1914 hat Tatlin den Schritt vom Avantgarde-Maler
zum revolutionären Künstler unternommen;
eine Vorahnung der politischen
Epochenwende, die 1917 zum Durchbruch
kam, lag in der Luft. Von Tatlins malerischen
Reliefs und Eck-Konterreliefs – seinem radikalsten
und weitreichendsten Beitrag zur
Kunst der Moderne – ist wenig erhalten. Mit
den heute noch existierenden Originalen aus
Moskau und St. Petersburg und einer breiten
Übersicht der nach fotografischen Vorlagen
entstandenen Rekonstruktionen fokussiert
die Ausstellung diesen für die Geschichte
der Kunst zentralen Aspekt. Tatlins Konterreliefs,
die auf einen totalen Bruch mit
sämtlichen Formen des bürgerlichen Kunstbetriebs
zielen, sind als «contre-attaque» im
Sinne einer energischen Steigerung zu verstehen.
Konstantin Umanskij schrieb 1920,
der «Tatlinismus» würde behaupten, das
Bild als solches sei tot: «Dem Dreidimensionalen
ist es zu eng auf der Bildfläche.»
«Wir glauben nicht mehr an das Auge,
wir stellen das Auge unter die Kontrolle des
Tastsinns», hat Tatlin 1920 proklamiert. Mit
den Konterreliefs hob er die Gesetze der Malerei
aus den Angeln und schuf gleichsam
eine neue Kunstgattung sowie ein neues Verständnis
für das ins Werk gesetzte Material.
Revolution, Architektur und Utopie –
Tatlins Turm
Wenige Kunstwerke haben im 20. Jahrhundert
einen derart legendären Status
gewonnen wie Tatlins 1919–20 erarbeitetes
Projekt des Denkmals der III. Internationale.
Die Realisierung der 400 Meter hohen Konstruktion
wurde sowohl durch den Bürgerkrieg
verhindert als auch durch fehlende materielle
Ressourcen und die technologischen
Grenzen jener Zeit. Das Monument – parallel
zur Erdachse gestellt, mit vier unterschiedlich
rasch nach kosmologischen Rhythmen
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Vladimir Tatlin, Komposition aus weiblichem Akt, 1913
Vladimir Tatlin, Eck-Konterrelief, 1914
Tatlin.
neue Kunst für eine neue Welt
06.06.2012 – 14.10.2012
Museum Tinguely
www.tinguely.ch
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Vladimir Tatlin, 1914, Unbekannter Fotograf
und Gesetzen um die eigene Achse rotierenden Innenkörpern – hätte
den Sitz einer hierarchisch und gerecht organisierten Regierung einer
neuen sozialen Ordnung repräsentiert. Nikolai Punin pries 1920
den Entwurf «als ein internationales Ereignis innerhalb der Welt der
Kunst» und sah darin «die organische Synthese der Prinzipien von
Architektur, Skulptur und Malerei». Der gebaute Turm hätte die konsequente
Erweiterung der in Tatlins Konterreliefs entwickelten Prinzipien
von Zeit und Raum gebildet.
Der Flug des Letatlin
Den individuellen Träumen einer kollektiv normierten Gesellschaft
verlieh Tatlin 1929/1932 mit der visionären Flugplastik Letatlin
Ausdruck. Für den Künstler, der einen Hang zur Mystifikation hatte,
war das Fliegen so etwas wie eine im Zuge der Evolution verlorengegangene
menschliche Urerfahrung, die er für den modernen Menschen
wiedererlangen wollte. Letatlin – ein Flugapparat mit einer
singulären Synthese aus Kunst, Technik und Utopie – kann als Kulmination
und Endergebnis einer Erforschung des Plastischen und seiner
Grenzen gelten, die in der Zarenzeit mit den Konterreliefs begann
und im revolutionären Turmmodell gedanklich ins Monumentale
gesteigert worden war.
Das Theater als Bühne der neuen Welt
Tatlins Beschäftigung mit dem Theater währte sein ganzes Leben.
Autobiografische Bezüge sind in Tatlins Leidenschaft für Richard
Wagners Oper Der Fliegende Holländer evident. Der Eindringlichkeit
der musikalischen See- und Seelenlandschaften versuchte Tatlin
ein spätromantisch-rayonistisches Äquivalent in Malerei gegen-
überzustellen, Klangfarbe in Farbklang voller dramatischen Odems
zu überführen. Der Höhepunkt in Tatlins Schaffen für das Theater
repräsentiert seine 1923 erfolgte Inszenierung von Velimir Chlebnikovs
futuristischem Metapoem Zangezi. Tatlin beschloss, «neben die
Wortkonstruktionen eine Materialkonstruktion zu setzen». Sprachmaterial
der Dichtung und stoffliches Material der bildenden Kunst
waren für ihn zwei Artikulationen derselben Weltenergie. Das avantgardistische
Zangezi-Experiment fesselte durch Lautäquivalenz und
synästhetische Entsprechung von Klängen, Farben, Texturen und
Licht.
Heute fasziniert Tatlin mit seinem stets auf Veränderung zielenden
und niemals den gesellschaftlichen, Gesamtzusammenhang ausser
Acht lassenden Werk, weil er vor bald einem Jahrhundert die Grundlagen
für Strömungen setzte, die in der Gegenwartskunst nach wie
vor relevant, von inspirierender Kraft und lebendiger Aktualität sind.
*Gian Casper Bott ist Gastkurator der Ausstellung.
Vladimir Tatlin, Der Thron der Venus, Bühnenbildentwurf zum Theaterstück «Zar Maxemjan», 1911
Tatlin. This year the Museum Tinguely in Basel is dedicating its large summer
exhibition to one of the most important figures of the Russian avant-garde: Vladimir
Tatlin (1885–1953). It is now twenty years since the last comprehensive retrospective to
be devoted to this radically innovative artist. The works to be presented include early
paintings, counter-reliefs that reach out into the surrounding space, reconstructions of
his revolutionary tower, and the flying machine Letatlin. The exhibition is rounded off
with examples of his work for the theatre. The œuvre of this outstanding artist from the
watershed period at the beginning of the twentieth century will be represented in over
one hundred masterpieces, mostly on loan from major collections in Moscow and
St Petersburg.
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Craigie Horsfield in der
Kunsthalle Basel
Anfang Juni eröffnet die Kunsthalle Basel die Ausstellung Slow
Time and the Present von Craigie Horsfield. Der in Grossbritannien
geborene Künstler, dessen Arbeit die Fotografie als
Ausgangsmedium nutzt, transferiert fotografische Aufnahmen in
historische Medien wie Wandteppiche oder Fresken. Die Zeitlosigkeit
der entstehenden Bilder ist ebenso beachtlich wie das Produkt
als grossformatige Tapisserie selbst. Der Herstellungsprozess hat
sich im historischen Vergleich kaum verändert, und so ist jeder
Schritt Bestandteil einer intensiven Kooperation zwischen Horsfield
als Künstler, dem Print-Designer und den Mitarbeitern der Weberei.
In Slow Time and the Present werden vor allem neue Arbeiten gezeigt,
die eigens für die Ausstellung produziert wurden.
Vorlage der Arbeiten sind neben den Fotografien oft auch Film-
Stills, die digital umgerechnet und auf die mechanischen Jacquard-
Webstühle übertragen werden. Die einzelnen Fotografien oder Stills
aus Videos sind stets von Horsfield selbst aufgenommen und äusserst
vielfältig: Die Menschenmasse vor der Bühne eines Hip-Hop-Konzerts
der Band 99 Posse in Neapel befindet sich genauso darunter wie
die traditionelle Osterprozession der Mönche der Bruderschaft Santa
Monica in Sorrent. Horsfields Interesse gilt dabei wiederkehrenden
Ritualen, Traditionen, aber auch dem Verhältnis von Personen zu
ihrer Zeit und Umgebung. Die Abbildungen der Menschenansammlungen
erhalten auf das traditionelle Medium übertragen etwas Zeitloses.
Zwar deuten Brillen und bedruckte T-Shirts an, dass die Bilder
zeitgenössisch sind, aber das Gesamtbild und die durch das Bild
transportierten Emotionen der tanzenden, singenden Menschenmenge
sind universell. Horsfield legt bei seinen Arbeiten nicht nur
Craigie Horsfield, The Arciconfraternity of Santa Monica, Piazza Sant’Antonino, Sorrento, April 2010
Craigie Horsfield
Slow Time and the Present
10.06.2012 – 26.08.2012
Kunsthalle Basel
www.kunsthallebasel.ch
einen Fokus auf das Sichtbare. Während die Oberfläche von Fotografie
und Film glatt und idealerweise unsichtbar ist, macht Tapis-
serie das Bild auch haptisch erfahrbar. Auch ist es wichtiger Bestandteil
der Arbeiten, dass sie in enger Zusammenarbeit zwischen dem
Künstler und den Arbeitenden in der Weberei entstehen. Aus der engen
Gemeinschaftsarbeit aller Beteiligten wird eine unverzichtbare
gemeinsame Erfahrung. Die sich über Wochen erstreckende Produktion
steht in starkem Kontrast zur Momenthaftigkeit der Entstehung
der ursprünglichen Abbildung. Der Augenblick der Aufnahme der
fotografischen oder filmischen Bildvorlage scheint durch die aufwendige
Webarbeit zeitlich gedehnt und die entstehende Arbeit wird in
ein neues Verhältnis hinsichtlich des festgehaltenen Momentes gesetzt.
Ein ähnlicher Gegensatz entsteht zwischen Inhalt und Titel der
Arbeiten. Der detaillierte Titel jeder Arbeit, der durch die Angabe von
Ort und Datum einen einzelnen Augenblick genau definiert, steht in
absolutem Kontrast zur Unmöglichkeit der zeitlichen Einordnung
der Abbildung.
Neben den grossformatigen Tapisserien, diesem klassisch-historischen
Medium europäischer Königshäuser, wird Horsfield in der
Kunsthalle Basel erstmals auch Fresken zeigen. Der Arbeitsprozess
zur Produktion der Fresken ähnelt dem zur Herstellung der gewebten
Wandarbeiten und involviert eine ganze Gruppe von Künstlern und
Technikern um den Künstler Adam Lowe. Lowe, der in Madrid lebt
und arbeitet, ist ursprünglich darauf spezialisiert, historische Fresken
und Artefakte dreidimensional nachzubilden. In Craigie Horsfields
Projekt werden ähnlich wie bei den Tapisserien Fotografien und
Film-Stills in portable Fresken transferiert.
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Artinside

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Jeff Koons
«Ich versuche, die Sehnsüchte
der menschen zu meinem
Gegenstand zu machen.»
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Jeff Koons, Michael Jackson and Bubbles, 1988
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Stacked, 1988
Im Jahre 1988 realisierte Koons die bahnbrechende
Werkgruppe Banality, durch die er endgültig zum
Star der internationalen Kunstszene avancierte. Darin
stellte Koons den Kunstbegriff auf ganz neue Grundlagen,
indem er das vermeintlich Banale zum künstlerischen
Ideal erhob.
Zur Werkgruppe Banality gehört auch die grosse bemalte
Holzskulptur Stacked, die der Künstler nach seinen
genauen Vorgaben von professionellen Holzschnitzern in
kunsthandwerklicher Tradition anfertigen liess. Wie der
Werktitel Stacked andeutet, «stapeln» sich hier ein Hausschwein,
eine Ziege, zwei Hunde und ein Vogel zu einer
bizarren turmartigen Konstruktion, die nicht zuletzt an
die drei übereinandergeschichteten Staubsauger in New
Shelton Wet/Drys Tripledecker erinnert: Aus einer minimalistischen
Kombination von Objekten ist eine skulpturale
Figurengruppe entstanden, die vielmehr an die barocke
Formensprache anknüpft.
Als neue Interpretation der berühmten Märchenfiguren
der «Bremer Stadtmusikanten» verweist Stacked
auch in besonderer Weise auf Koons’ häufigen Rückgriff
auf die europäische Volkskunst, die seiner Grundidee einer
für alle zugänglichen Kunst entspricht.
Tulips, 1995-1998
In der Werkgruppe Celebration vollzieht Koons
den eigentlichen Schritt zur Malerei, die sich hier
erstmals in seinem Werk ebenbürtig neben der
Bildhauerei behauptet. Zu den Feiern, die in Celebration
behandelt werden, zählt auch der Kindergeburtstag,
bei dem nicht selten Modellierballons zur Unterhaltung
der kleinen Gäste eingesetzt werden. Diese
Ballons sind im eindrucksvollen Ölgemälde Tulips zu
sieben verschiedenfarbigen Tulpen geformt worden,
die als Bouquet vor einer drapierten Glanzfolie inszeniert
sind. Ästhetisch besticht das farbintensive Gemälde
durch seine enorme malerische Präzision, die
dem Prinzip eines «Malens nach Zahlen» folgt und
eine «objektive», geradezu hyperrealistische Wirkung
erzielt. In seiner kompositorischen Schlichtheit
wirkt Tulips zwar plakativ, doch erweist sich das Gemälde
bei genauerer Betrachtung in seinem inneren
Aufbau als sehr differenziert.
In Tulips steigert Koons ein kindliches Motiv zu
einem kraftvollen und sinnlichen Spektakel, bei dem
sich die vielfach verzerrt gespiegelten Figuren in einer
beinahe abstrakten Farbkomposition aufzulösen
scheinen.
Hanging Heart
(Gold/Magenta)
1994-2006
Seit 1994 arbeitet Jeff Koons an der gewaltigen
Werkgruppe Celebration, die aus grossformatigen
Plastiken und Ölgemälden besteht. Die Motive gehen
hier auf vertraute dekorative Dinge zurück, die sich
mit verschiedenen Höhepunkten des Festtagskalenders
in Beziehung bringen lassen und kindliche Sehnsüchte
widerspiegeln. Unter diesen Dingen finden sich etwa
Geschenkartikel für Weihnachten oder den Valentinstag,
wie sie auch als Ausgangspunkt für das symbolträchtige
Hanging Heart (Gold/Magenta) dienten. Wie so oft
bei Koons befasst sich das Kunstwerk auch hier mit zeitlosen
Themen wie Liebe, Leben und Glück.
Durch die enorme Vergrösserung und die materielle
Transformation erhebt Koons in Hanging Heart (Gold/
Magenta) ein zierliches und vergängliches Ornament zu
einem wahrhaftigen, Ewigkeit versprechenden Monument.
Verführerisch glänzend, hängt das goldene Riesenherz
schwerelos an einer elegant geschwungenen rosa
Schleife inmitten des Raumes. Der Schein trügt jedoch,
denn was leicht und schmiegsam wirkt, besteht in Wirklichkeit
aus tonnenschwerem rostfreiem Chromstahl.
Dieser einzigartige Illusionismus geht auf die perfekte
Umsetzung der Herzfigur zurück, in deren makelloser
Oberfläche sich Raum und Betrachter reflektieren, wodurch
sie in unmittelbare Beziehung zum Kunstwerk
treten.
Artinside Artinside
oben: Jeff Koons, New Shelton Wet/Drys Tripledecker, 1981
New Shelton
Wet/DrysTripledecker,
1981
Seit seinem frühen Schaffen entstehen Jeff Koons’
Werke innerhalb von geschlossenen Gruppen, die
der Künstler jeweils mit einem eigenen Titel versieht.
Der ersten Werkgruppe, die Koons von Anfang an
als solche plante, gab er den Titel The New. Besonders
charakteristisch für diese Serie sind fabrikneue, ungebrauchte
Reinigungsgeräte, die, auf Leuchtstoffröhren
ruhend, in kubischen Plexiglasvitrinen inszeniert sind,
wie es auch in New Shelton Wet/Drys Tripledecker der Fall
ist.
Als vorgefundene Objekte, die zum Kunstwerk erhoben
werden, lassen sich Koons’ Staubsauger in die Tradition
des Readymade einreihen, das Marcel Duchamp im
frühen 20. Jahrhundert in die Kunst eingeführt hatte. In
der strengen, stapelförmigen Anordnung verweisen sie
aber auf künstlerische Prinzipien der Minimal Art.
Obwohl die Staubsauger ursprünglich als kommerzielle
Funktionsobjekte entstanden sind, stellt sie Koons
nicht einfach als leblose Ware in sargähnlichen Vitrinen
aus. Vielmehr hebt er die biologische und lebendige
Qualität der Staubsauger hervor, wenn er sie als «atmende
Maschinen» bezeichnet. Zugleich verkörpern sie
aufgrund ihres unberührten, makellosen Zustands das
«ideale Neue» und werden so zu Sinnbildern für das Reine,
Ewige und Unversehrte – Schlüsselbegriffe, die sich
durch Koons’ gesamtes Schaffen ziehen.
Jeff Koons, Stacked, 1988
Jeff Koons, Hanging Heart (Gold/Magenta), 1994-2006 Jeff Koons, Tulips, 1995-1998
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Jeff Koons
13.05.2012 – 02.09.2012
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
Calder Gallery
Artinside Raphaël Bouvier ist Assistenzkurator der Ausstellung
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Jeff Koons, Split-Rocker, 2000/2012
Split-Rocker, 2000/2012
Mit Split-Rocker wird eine kolossale Blumenskulptur aus
Abertausenden echten Pflanzen im Park der Fondation
Beyeler präsentiert. Die Skulptur führt auf eigene Weise
den harmonischen Dialog zwischen Kunst und Natur fort, der für
die Fondation Beyeler so charakteristisch geworden ist. Split-Rocker
ist 2000 ein erstes Mal im Kreuzgang des Palais des Papes in Avignon
aufgestellt worden und ein paar Jahre später in den Gärten von Versailles.
Jetzt ist der Split-Rocker in Riehen herangewachsen.
Für seine Blumenskulptur ist Koons von zwei verschiedenen
Schaukeltiermotiven ausgegangen, einem Pony und einem Dinosaurier,
deren Köpfe er zunächst halbiert und dann neu zusammengesetzt
hat. Da die beiden Hälften nicht deckungsgleich sind, entstehen
an verschiedenen Stellen spaltartige Zwischenräume, welche die
Skulptur öffnen und sie zu einer Unterschlupf bietenden Architektur
werden lassen. Als zerlegte und andersartig wieder zusammengesetzte
Figur, die gleichzeitig seitlich und nach vorne schaut, bezieht sich
Split-Rocker auf den Kubismus eines Pablo Picasso und lenkt ihn zugleich
in eine ganz andere Richtung. Als florale Aussenskulptur reiht
sich Split-Rocker aber auch in die Tradition der barocken Gartenkunst
und der sogenannten Formschnittgärtnerei ein, die heute noch in
den populären Vergnügungsparks weiterlebt.
In der Kombination eines Ponys und eines Dinosauriers verkörpert
Split-Rocker jene Verbindung von Gegensätzen, die auch in der Idee
eines «monströsen», riesenhaften Kinderspielzeugs zum Ausdruck
kommt. Dabei wählt der Künstler ausgerechnet vergängliche Blumen
als Material für sein Dauer verheissendes Monument. Nicht zuletzt
in diesem besonderen Zusammenspiel vermeintlicher Widersprüche
liegt auch die eigentliche Spannung und Kraft der Kunst von Jeff
Koons.
Die Fondation Beyeler startet eine auf mehrere Jahre angelegte
Kooperation mit der Calder Foundation in New York. Werke
aus den Sammlungen beider Stiftungen werden vereint und
in einer Serie von kuratierten Präsentationen, der «Calder Gallery»,
ausgestellt. Ziel ist es, in der Fondation Beyeler eine permanente
Präsenz von Werken des bedeutenden amerikanischen Künstlers
Alexander Calder (1898–1976) zu ermöglichen, wie sie in Europa
einzigartig ist, und einen Beitrag zur Erforschung seines Œuvre zu
leisten. Damit knüpft die Fondation Beyeler sowohl an ihre grosse
Ausstellung «Calder – Miró» (2004) als auch an ihre Serie von «Rothko
Rooms» an, die in Zusammenarbeit mit dem Rothko Estate entstand.
Die erste «Calder Gallery» eröffnet am 25. Mai 2012. Die Präsentation
ist eine Hommage an Mary Calder Rower, die jüngste
Tochter von Alexander Calder, die letztes Jahr verstorben ist und der
Calder Foundation über 1000 Werke ihres Vaters vermacht hat.
Die erste Präsentation einer ausgewählten Gruppe von singulären
Werken beginnt mit Arbeiten aus den frühen 1930er-Jahren, der entscheidenden
Zeit in Paris, in der Calder dazu gelangt, Bewegung zum
Alexander Calder, Untitled, c. 1940
von Theodora Vischer*
Thema seines künstlerischen Denkens zu machen. Sie wird fortgesetzt
mit Werken aus den frühen 1940er-Jahren, der mittleren Schaffenszeit
in Amerika, in die auch die erste grosse Retrospektive im Museum
of Modern Art in New York (1943) fällt. Und sie wird abgerundet
von einem markanten Mobile aus dem letzten Lebensjahr, 1976, dem
Abschluss einer eindrücklich produktiven Zeit. Die Leichtigkeit der
Werke von Calder, die ohne Masse durch ihre eigene Bewegung von
Flächen und Linien zu Volumen werden, wird gerne mit Verspieltheit
und Spiel assoziiert. Im Zentrum der ersten Präsentation steht
ein anderer Aspekt, der mit der energetischen Bewegung der Werke
sozusagen wesenhaft verbunden ist. Es ist die Erfahrung von Zeit, die
jeder Betrachter bei der Wahrnehmung eines Mobiles individuell und
in seiner eigenen Gegenwart machen kann.
Die «Calder Gallery» wird von Theodora Vischer kuratiert,
Senior Curator at Large der Fondation Beyeler.
19

20
Philippe Parreno
Philippe Parreno
10.06.2012 – 30.09.2012
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
von Michiko Kono*
Anfangs ist nichts als die schwarze Projektionsfläche zu sehen. Für einen
längeren Augenblick in komplette Dunkelheit und Stille gehüllt, wird
diese Erfahrung für Ohren und Augen fast schmerzhaft. Spätestens als
plötzlich ein von Steinen und schwarzen Wurzeln übersäter Pfad erscheint, über
den die Kamera wandert, wird dem Betrachter klar, dass es sich nicht um einen
technischen Defekt handelt, sondern dass die Reise bereits begonnen hat. Kleine
weisse Partikel tanzen durch die Luft, sie erinnern an Aschestaub. Am Horizont
taucht nun eine Sonne auf, dann eine zweite. Um sie herum bleibt der Himmel
vollkommen schwarz.
Der Begriff «CHZ» («Continuously Habitable Zones») bezeichnet in der Astrobiologie
jene Planeten, auf denen die idealen Bedingungen vereint sind, um
Leben entstehen zu lassen. Diese Zonen sind auf solchen Planeten anzutreffen,
die Wasser in seiner flüssigen Form über einen langen Zeitraum herstellen und
bewahren können, sodass sich Leben entwickeln kann. Verständlicherweise müssen
die Temperaturen mild und konstant genug sein, damit das Wasser weder
verdunstet noch gefriert. Potenzielle «Continuously Habitable Zones» konnten
von Wissenschaftlern in weit entfernten Sonnensystemen mithilfe von Teleskopen
identifiziert werden. Für die Wissenschaft ist es denkbar, dass sich Leben auf
einem Planeten finden könnte, der zu einem System mit mehr als einer Sonne
gehört. Setzt man Vegetation allerdings dem Licht mehrerer Sonnen aus, wird sie
durch die saturierte Fotosynthese komplett schwarz. Diese Landschaften sind es,
die Philippe Parreno in seiner neuen Videoarbeit Continuously Habitable Zones aka
C.H.Z. thematisiert. Als Tonspur dienen unterirdische Aufnahmen, die Parreno
selbst erstellt hat oder die aus den Archiven des seismografischen Observationszentrums
von Porto stammen. In dem 14-minütigen Film wechseln in sechs Sequenzen
unterschiedliche Landschaftsformen einander ab, bis am Ende wieder
absolute Dunkelheit herrscht und nur entferntes Hundebellen die
tatsächliche Präsenz von Leben suggeriert.
Dies ist einer der beiden neuen Filme, die der französische Künstler
Philippe Parreno in der Fondation Beyeler zeigt und die den Kern
seiner Ausstellung bilden. Wie so oft bei ihm sind diese Werke nicht
als isolierte Einzelstücke zu verstehen. Die gesamte Ausstellung soll
vom Betrachter wie eine Reise durch einen Vergnügungspark empfunden
werden. Der Ablauf der Filmprojektionen und weiterer Installationen
im Museum, die den Einsatz von Licht und Ton einbeziehen,
wird vom Künstler mit Präzision orchestriert. Durch unerwartete
Details entstehen Wahrnehmungsverschiebungen, die beim Betrachter
Spuren hinterlassen sollen, als habe er sich beim Ausstellungsbesuch
mit einem Virus infiziert, der, ebenso wie er sich unbemerkt
eingeschlichen hat, nach einer gewissen Zeit seine Wirkung verliert
und sich verflüchtigt. Dieser Virus wird durch eine DVD vergegenständlicht,
die vom Besucher unentgeltlich mitgenommen werden
kann. Sie beinhaltet die beiden Filme – doch nach einem im Vorfeld
von Parreno definierten Datum kann der Inhalt nicht mehr ausgelesen
werden und verschwindet.
Die zweite Videoarbeit, die in der Fondation Beyeler uraufgeführt
wird, befasst sich mit dem Mythos Marilyn Monroe. Eine Suite des
New Yorker Hotels Waldorf-Astoria, in dem Marilyn Monroe viel Zeit
verbracht hat, wird im Detail durch die Augen der Schauspielerin gezeigt,
während eine Stimme, die die ihre sein könnte, Impressionen
vermittelt. Die Kamera schweift über das Inventar, einen Schreib-
tisch, ein Sofa, einen Blumenstrauss, Lithografien Goyas, die an der
Wand hängen. Eine Füllfeder trägt auf dem eleganten Briefpapier des
«Waldorf-Astoria» Notizen ein. Die Handschrift ist jene Marilyns,
doch bald stellt sich heraus, dass diese Zeilen nicht von einer menschlichen
Hand, sondern von einem Roboter niedergeschrieben werden.
Dieser Roboter wurde eigens dafür programmiert, die Schrift Marilyn
Monroes zu reproduzieren.
Zu beiden Filmen schrieb Parreno eine Art Drehbuch mittels beeindruckender
Zeichnungen, in denen der Künstler mit präziser
Feinheit und grosser Sensibilität seine Vision der Filme auf Papier
übertragen hat. Die Ausstellung soll durch eine Soundinstallation
ergänzt werden, die dem Betrachter das Gefühl vermittelt, dass das
gesamte Museum, ähnlich wie Marilyn Monroe oder die Landschaft,
die Parreno für Continuously Habitable Zones aka C.H.Z. gefilmt hat,
zum Leben erwacht.
*Michiko Kono ist Associate Curator der Fondation Beyeler.
Artinside Artinside
Philippe Parreno, Inverted Topiary 6, 2011 Philippe Parreno, Opening Shot (scene not in film), 2011
21

Henri Matisse, «Acanthes»,1953, Kohle, ausgeschnittene Papiere, mit Gouache bemalt, auf Papier auf Leinwand, 311x 350,5 cm © 2010 Succession Henri Matisse / ProLitteris, Zürich
Während drei Jahren wurde das Werk «Acanthes» wissenschaftlich aufbereitet, konserviert und restauriert.
Nationale Suisse setzt sich mit Leidenschaft für die bildende Kunst und ihre geistigen Werte ein. Dazu gehört
auch die Unterstützung für das bedeutende Restaurierungsprojekt der Fondation Beyeler.
Mehr Infos finden Sie unter www.nationalesuisse.ch/acanthes
«Acanthes»
von Henri Matisse
Die Fondation Beyeler führt seit 2009 ein umfangreiches Restaurierungsprojekt
mit Unterstützung von Nationale Suisse
durch, das Henri Matisse’ Acanthes (1953, 311 x 350,5 cm),
einem Hauptwerk aus der Serie seiner grossformatigen Scherenschnitte
(Papiers découpés), gewidmet ist. Nachdem die kunsttechnologische
Erforschung und die Restaurierung des Werks abgeschlossen
sind, wird nun ein neuer Zierrahmen mit Verglasung
angefertigt.
In der Sammlung Beyeler gehört Acanthes zu den grössten Werken
und ist das grösste gerahmte und verglaste Bild. Bislang besass das
Werk einen schlichten weissen Holzrahmen, der vermutlich Ende der
1970er-Jahre im Kunstmuseum Basel angefertigt wurde, wo das Werk
lange Jahre als Dauerleihgabe von Ernst Beyeler ausgestellt war. Allerdings
entspricht die gesamte Rahmenkonstruktion nicht mehr den
aktuellen konservatorischen Anforderungen.
Durch die Recherchen konnte nachgewiesen werden, dass Matisse
Acanthes als eigenständiges und in seinen Massen definiertes Werk
geschaffen hat. Die Neurahmung soll die nach Matisse «auf das Wesentliche
reduzierte Form» akzentuieren. Als «Fenster in die Welt
des Bildes» spielt ein Zierrahmen bei der Erfahrbarkeit des Kunstwerks
eine bedeutende Rolle. Er ist Vermittler zwischen dem Werk
und seiner Umgebung. Der Rahmen sollte das umschlossene Bild
nicht dominieren, ihm aber auch ein angemessenes Gegengewicht
bieten, damit das Bild seine Wirkung zu entfalten vermag. Bei vielen
modernen und zeitgenössischen Arbeiten entspricht eine Rahmung
des Werks allerdings nicht mehr dem Bildkonzept. So sind die aktuell
in der Fondation Beyeler gezeigten grossformatigen Gemälde von
Jeff Koons allesamt bewusst ungerahmt. Die Rahmung ist aber auch
eine wesentliche konservatorische Massnahme, da sie dem Schutz
des Werks dient. Ein Rahmen stabilisiert die Struktur, und durch eine
spezielle Verglasung werden empfindliche Oberflächen vor Schmutz,
mechanischen Beschädigungen und schädigenden Lichtstrahlungen
geschützt.
Von besonderer Wichtigkeit war der internationale Vergleich mit
den anderen grossformatigen Papiers découpés von Henri Matisse. Die
besitzenden Sammlungen haben bei deren Rahmung unterschiedliche
Konzepte entwickelt und umgesetzt. In den meisten Fällen hat
man sich für eine Rahmung mit einer Holz- oder Aluminiumleiste
und Acrylglas oder Spezialglas entschieden.
Besondere Sorgfalt wurde bei Acanthes auf ein ästhetisch optimales
Ergebnis gelegt. Während des intensiven Findungsprozesses arbeiteten
die Restauratoren eng mit Rahmenspezialisten und den Kuratoren
der Fondation Beyeler zusammen. Dazu wurde zum einen der
Frage nachgegangen, welche Holzart mit welcher Fassung am besten
zum Werk passt, zum anderen, wie breit das Profil der Rahmenleiste
sein kann, um einen harmonisch proportionierten Rahmen zu erhalten.
Hinsichtlich der schützenden Verglasung ist es glücklicherweise
heute möglich, durch eine Sonderanfertigung eine Acrylglasscheibe
aus einem Stück zu erhalten. Im Gegensatz zur ehemaligen Scheibe
ist nun keine störende Klebenaht mehr vorhanden, und zugleich ist
ein optimaler Schutz vor schädigender UV-Strahlung gewährleistet.
Mit Abschluss des Projekts im Juli 2012 wird Acanthes in seinem
neuen Rahmen zu sehen sein und in der Sammlungspräsentation
2013 einen prominenten Platz einnehmen.
Die Restauratoren arbeiten an «Acanthes».
23
Artinside

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Fondation Beyeler
Baselstrasse 101, CH-4125 Riehen
Tel +41 61 645 97 00
Fax +41 61 645 97 19
fondation@fondationbeyeler.ch
www.fondationbeyeler.ch
Öffnungszeiten. Mo–So 10–18 Uhr,
Mi 10–20 Uhr.
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 25.–
IV/Gruppen ab 20 Pers. CHF 20.–
Studenten bis 30 Jahre CHF 12.–
Jugendliche 11–19 Jahre CHF 6.–
Familienpass CHF 50.–
Jeden Montag von 10 bis 18 Uhr
und mittwochs von 17 bis 20 Uhr
vergüns tigte Eintrittspreise.
Führungen. Von Montag bis
Sonntag öffentliche Überblicksführungen
in deutscher Sprache.
Sporadisch sonntags in französischer
und englischer Sprache.
Private Führungen
Tel. +41 61 645 97 20.
Art Club / Freunde. Für Mitglieder
des «Art Clubs» und «Freunde»
gelten Vorzugsbedingungen.
Restaurant Berower Park.
Täglich geöffnet 10–18 Uhr,
Mittwoch abends geöffnet
Tel +41 61 645 97 70
restaurant@fondationbeyeler.ch
Artshop. Tel. +41 61 645 97 56
artshop@fondationbeyeler.ch
Anreise. Mit Tram Nr. 6 (ab Innenstadt
und Badischem Bahnhof ),
Tram Nr. 2 (ab Bahnhof SBB) mit
Umsteigen bei der Haltestelle
«Messeplatz» auf Tram Nr. 6.
Mit Bahn ab Basel SBB und Badischem
Bahnhof nach Riehen
Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 16, CH-4010 Basel
Tel +41 61 206 62 62
Fax +41 61 206 62 52
www.kunstmuseumbasel.ch
Öffnungszeiten. Di–So 10–18 Uhr,
Mo geschlossen.
Eintrittspreise.
Ständige Sammlung KM CHF 15.–
Renoir CHF 21.–
(inkl. ständige Sammlung)
MGK CHF 12.–
Kombiticket KM&MGK CHF 25.–
Führungen. Tel. +41 61 206 63 00
tours@kunstmuseumbasel.ch
Sonderveranstaltungen.
Tel +41 61 206 62 56
Kupferstichkabinett.
St.Alban-Graben 16, Basel
Tel +41 61 206 62 72
Bibliothek.
St. Alban-Graben 10, Basel
Tel +41 61 206 62 70
Shop. Postkarten, Posters, T-Shirts,
Gadgets etc.
Buchhandlung.
St. Alban-Graben 16, Basel
Tel +41 61 206 62 82
www.shop.kunstmuseumbasel.ch
Bistro Kunstmuseum.
St. Alban-Graben 14, Basel
Tel +41 61 2071 55 22
Museum für
Gegenwartskunst
St. Alban-Rheinweg 60, Basel
Tel +41 61 206 62 62
Di–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen.
www.kunstmuseumbasel.ch
www.elaine-mgk.ch
Pablo Picasso, Corbeille et fruits. Schätzung: CHF 380‘000 / 440‘000.
Museum Tinguely
Paul Sacher-Anlage 1, CH-4002 Basel
Tel +41 61 681 93 20
Fax +41 61 681 93 21
infos@tinguely.ch
www.tinguely.ch
Öffnungszeiten. Di–So 11–18 Uhr,
Mo geschlossen.
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 15.–
Schüler, Studenten,
Lehrlinge, AHV, IV CHF 10.–
Gruppen ab 20 Personen CHF 10.–
Kinder/Jugendliche bis
16 Jahre in Begleitung
eines Erwachsenen gratis
Audioguide zur
Sammlung D/F/E CHF 3.–
Schulklassen. Schulklassen inkl.
Begleitpersonen haben nach
telefonischer Voranmeldung freien
Eintritt: Tel +41 61 681 93 20
Führungen/Kunstvermittlung.
Öffentliche Führungen in deutscher
Sprache So, 11.30 Uhr. Private
Führungen: Tel +41 61 681 93 20.
Workshops und Kinderclub:
Tel +41 61 688 92 70
Museumsbistro. Das Restaurant
«Chez Jeannot» liegt direkt an der
Rheinpromenade.
Öffnungszeiten: Di–So 10,–18 Uhr
Reservationen: Tel +41 61 688 94 58
Museumsshop. Der Museumsshop
bietet Kataloge, Plakate und Geschenkartikel
an.
Anreise. Vom Bahnhof: Tram Nr. 2
bis Wettsteinplatz; Bus Nr. 31 oder
38 Richtung Habermatten. Vom
Badischen Bahnhof: Bus Nr. 36.
Autobahn: Ausfahrt Basel
Wettstein
Museum der Kulturen
Münsterplatz 20, CH-4051 Basel
Tel + 41 61 266 56 00
info@mkb.ch
www.mkb.ch
Öffnungszeiten. Di–So: 10.00–17.00
Jeden ersten Mittwoch im
Monat: 10.00–20.00
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 16.–
Jugendliche 13–19 J. CHF 5.–
Personen in Ausbildung CHF 5.–
IV und Gruppen (ab 10 Pers.)
CHF 11.–
Führungen. Jeden Sonntag
11.00-12.00 Uhr.
Sporadisch donnerstags
Mittagsführungen 12.30–13.00 Uhr.
Private Führungen
T + 41 61 266 56 00
Museumsshop. Der Museumsshop
bietet Accessoires, Geschenkartikel
und Handwerksartikel aus unterschiedlichen
Ländern
Museumsbistro. Gusto-Häppchen
aus aller Welt im Herzen der Basler
Altstadt.
Münsterplatz 20, 4051 Basel
Di, Mi, Sa, So 10.00–18.00
Do, Fr 10.00–22.00
Reservationen: T + 41 61 261 74 44
Club. «Kulturkreis». Für Mitglieder
gelten Sonderkonditionen.
Anreise. Tram Nr. 2 bis Haltestelle
Kunstmuseum
FISCHER
Auktionen 13. bis 15. Juni 2012
Vorbesichtigung 2. bis 10. Juni 2012
Online-Katalog unter
www.fischerauktionen.ch
Kunsthalle Basel
Steinenberg 7
CH-4051 Basel
Tel. +41 61 206 99 00
info@kunsthallebasel.ch
www.kunsthallebasel.ch
Öffnungszeiten.
Di/Mi/Fr 11–18 Uhr
Do 11–20.30 Uhr
Sa/So 11–17 Uhr
Eintrittspreis. CHF 10.–/6.–
inkl. SAM Schweizerisches
Architekturmuseum
Führungen. Jeden Sonntag 12 Uhr
und jeden zweiten Donnerstag
18.30 Uhr
Espace d'Art
Contemporain,
Fernet Branca,
Saint-Louis/F
2, rue du Ballon
F-68300 Saint-Louis
Tel. +33 38 969 10 77
musee-fernet-branca@wanadoo.fr
www.museefernetbranca.org
Öffnungszeiten.
Mi–So 14–19 Uhr.
Mo–Di geschlossen.
Eintrittspreis. Euro 7.–/6.–,
Kinder unter 12 Jahren gratis
Führungen. Französisch und
Deutsch auf Anfrage
Kunsthaus Baselland
St. Jakobs-Strasse 170
CH-4132 Muttenz/Basel
beim Fussballstadion St. Jakob
Tel. +41 61 312 83 88
Fax +41 61 312 83 89
office@kunsthausbaselland.ch
www.kunsthausbaselland.ch
Öffnungszeiten.
Di/Do–So 11–17 Uhr | Mi 14–20 Uhr
Mo geschlossen
Eintrittspreis. CHF 7.–/5.–
Führungen. Auf Anfrage
La Kunsthalle Mulhouse
La Fonderie/F
16, rue de la Fonderie,
F-68100 Mulhouse
Tel +33 03 69 77 66 47
kunsthalle@mulhouse.fr
www.kunsthallemulhouse.com
Öffnungszeiten.
Mi–So 12–18 Uhr
Do bis 20 Uhr
Eintrittspreis. Freier Eintritt
Führungen. Kostenlose Führungen
Sa und So 15 Uhr, Gruppen
reservieren unter +33 3 69 77 66 47
Kloster Schönthal,
Langenbruck/CH
CH-4438 Langenbruck
Tel +41 61 706 76 76
mail@schoenthal.ch
www.schoenthal.ch
Öffnungszeiten. Fr 14–17 Uhr,
Sa/So 11–18 Uhr
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 10.–
Studenten/Künstler CHF 8.–
Familien CHF 20.–
Gruppen ab 6 CHF 8.–
Die private Stiftung unterhält das
Baudenkmal und die Landschaft
ohne Subventionen
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
Charles-Eames-Str. 2,
D-79576 Weil am Rhein
Tel +49 76 21 702 32 00
info@design-museum.de
www.design-museum.de
Öffnungszeiten. täglich 10–18 Uhr,
Eintrittspreis. Euro 8.–/6.50
Führungen. Führungen durch die
Ausstellung: Sa/So um 11 Uhr.
Architekturführungen täglich
Deutsch: 11, 13 und 15 Uhr
Englisch: 12 und 14 Uhr
Anreise. Mit dem Bus Nr. 55 ab Basel
Claraplatz oder Bad. Bahnhof bis
Haltestelle Vitra
Forum Würth
Arlesheim
Dornwydenweg 11
CH-4144 Arlesheim
Tel +41 61 705 95 95
Fax +41 61 705 95 96
forum@wuerth-ag.ch
www.forum-wuerth.ch
Öffnungszeiten. Mo bis So 11–17 Uhr
Eintritt. frei
Führungen. jeden Sonntag
um 11.30 Uhr
Begleitprogramm. siehe
www.forum-wuerth.ch
Museum Frieder Burda,
Baden-Baden/D
Lichtentaler Allee 8b
D-76530 Baden-Baden
Tel +49 07221/39898-0
office@museum-frieder-burda.de
www.museum-frieder-burda.de
Öffnungszeiten. Di bis So
10–18 Uhr,
Montag geschlossen.
Eintrittspreis. Euro 10.–
Führungen. Mi 16 Uhr | Sa, So und
Feiertage 11 und 15 Uhr
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Galerie Fischer Auktionen AG | Haldenstrasse 19 | CH-6006 Luzern
Tel. +41 (0)41 418 10 10 | info@fischerauktionen.ch
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Renoir. Zwischen Bohème
und Bourgeoisie:
Die frühen Jahre
01.04.2012 – 12.08.2012
Kunstmuseum Basel
www.kunstmuseumbasel.ch
Prägende Künstlerfreundschaften
Das Kunstmuseum Basel richtet in seiner Sonderausstellung
seit dem 1. April den Fokus auf das
überraschend vielschichtige Werk der frühen Jahre
Pierre-Auguste Renoirs. Einen Höhepunkt der Ausstellung
bilden Gemälde, für die ihm Lise Tréhot Modell
stand. In diesen tritt sie in unterschiedlichsten Rollen
und Bildgenres auf: Beispielsweise als modisch gekleidete
Pariserin und bohemiennehaftes Landmädchen.
Renoir und Lise verband ein von 1865 bis 1872 dauerndes
Verhältnis, aus dem zwei illegitime Kinder hervorgingen.
Diesem Thema sowie der Frage nach Renoirs Beitrag
zu einer Malerei der «vie moderne» war der Artikel
gewidmet, der in der Frühlingsausgabe des Artinside erschienen
ist.
Von besonderer Bedeutung für Renoirs Entwicklung
während seiner künstlerisch entscheidenden Jahre war
sein soziales Umfeld: Dazu zählten Gönner wie die traditionsreiche,
kunstsinnige Familie Le Cœur und enge
Künstlerfreundschaften, die ihn mit etwa gleichaltrigen
Kollegen wie Alfred Sisley, Claude Monet und Frédéric
Bazille verbanden. Gemälde, in denen diese Personen ihren
Auftritt haben, bilden in der Ausstellung eine eigene,
zentrale Gruppe. Dem Verhältnis zwischen Renoirs sozialem
Umfeld und den Bildern, zu denen es ihn anregte,
ist der vorliegende Beitrag gewidmet.
Im November 1861 trat Renoir in das Atelier des
Schweizer Malers Charles Gleyre ein. Hier traf der gelernte,
aus einer Handwerkerfamilie stammende Porzellanmaler
erstmals auf Jules Le Cœur, Sisley, Monet und
Bazille: junge Männer aus wohlhabendem Elternhaus, die
sich entgegen der Familientradition dafür entschieden
hatten, Maler zu werden. Le Cœur mietete in Marlotte,
einem unweit von Paris im Wald von Fontainebleau gelegenen
Ort, ein Haus. Von hier aus brachen die Künstlerkollegen
ins Umland auf und experimentierten wie
von Stefanie Manthey*
Camille Corot und François Daubigny, beide bekannte
Maler der Vorgängergeneration, mit Landschaftsdarstellungen.
Sie strebten danach, die Jury des Pariser Salons
zu überzeugen und Gemälde bei dieser Grossausstellung
zeigen zu können. Parallel dazu bemühte sich Renoir
um Porträtaufträge und empfahl sich damit als Maler
von Bildnissen. 1864 porträtierte er William Sisley, den
Vater seines Künstlerfreundes Alfred Sisley. In unmittelbarer
Folge malte Renoir Sisley junior: Er zeigt den Sohn
als Inbegriff des Dandys mit einer locker um den Hals
geschlungenen «cravate». Diese entspricht dem sprichwörtlichen
Code der Eleganz, der von dem Ur-Dandy
Beau Brummell geprägt wurde. Renoir imitiert mit Pinsel
und Farbe den lässigen Fall der «cravate» in der pointenreichen
Mühelosigkeit, die jeder Dandy anstrebt: Im Effekt
muss der Knoten so wirken, als ob er in grösster Hast
geschlungen wurde.
Unter Renoirs Künstlerfreunden nehmen Bazille und
Monet eine Sonderstellung ein. Mit Bazille verband ihn
bis zu dessen frühzeitigem Tod im Deutsch-Französischen
Krieg die grösste Nähe. Ende der 1860er-Jahre
nutzten sie gemeinsam die in Paris von Bazille gemieteten
Räume. Renoirs Verhältnis zu Monet war nicht konstant,
dafür aber phasenweise künstlerisch umso intensiver.
1869 malten sie erstmals Seite an Seite in der Nähe von
Bougival, einer Gegend, die von der Pariser Bevölkerung
wegen der Badeinsel, La Grenoullière, am Wochenende
belagert wurde. Gemeinsam zählten sie zu den ersten, die
den städtischen Badespass als Thema zeitgenössischer
Malerei aufgriffen. Diese Praxis setzten sie Anfang der
1870er-Jahre fort, nachdem Monet zusammen mit seiner
Frau Camille und ihrem Sohn Jean nach Argenteuil umgezogen
war. Sie begaben sich in Monets Malboot und
machten von dort aus dasselbe Motiv zum Thema ihrer
Gemälde: im Fall von La Seine à Argenteuil (Les voiles)
Artinside Artinside
Pierre-Auguste Renoir, Portrait d'Alfred Sisley, um 1864
27

28
eine ufernahe Szene mit zwei Skippern, die sie zum Anlass nahmen,
malerisch Reflexionen von Licht auf Segeltuch und fliessendem Gewässer
einzufangen. In der Folge nahm Renoir den Künstlerkollegen
aus unterschiedlichen Perspektiven in den Blick und wagte sich an
eigenständige, kühnere Kompositionen, so zum Beispiel am 23. Juli
1874, einem Datum, das in die Geschichte des Impressionismus eingegangen
ist. Demzufolge war Édouard Manet bei Monet zu Gast und
damit beschäftigt, Camille Monet, ihren Sohn Jean und Monet im
Garten zu malen, als Renoir eintraf. Die Situation erregte seine Auf-
Artinside Artinside
Pierre-Auguste Renoir, La Seine à Argenteuil (Les voiles), 1874
merksamkeit. Für Madame Monet et son fils übernahm er die Szenerie
und wandelte sie in einem Detail gewitzt ab: Statt des Hausherrn
als Gärtner drängt sich in Renoirs Komposition ein aufgeplusterter
Hahn von rechts ins Bild. In der Folge soll Manet Monet aufgefordert
haben, Renoir mitzuteilen, dass er es mit dem Malen sein lassen solle.
Eine Anekdote, die durchblicken lässt, dass die Künstlerkollegen
auch Konkurrenten waren.
Die Le Cœurs unterstützten Renoir während seiner frühen Jahre
massgeblich. In ihnen fand er so etwas wie eine zweite Familie, bis
es 1874 zum Bruch kam. Über Jules Le Cœur lernte Renoir dessen Bruder,
den Architekten Charles Le Cœur kennen. Er vergab an Renoir
Aufträge für Porträts von sich und seiner Familie und eröffnete ihm
Kontakte zu Vertretern der Haute Bourgeoisie. 1871 inszenierte Renoir
ihn in Portrait de Charles Le Cœur als zeitgenössisch gekleideten
Mann im Sommeranzug und titulierte ihn in der Widmungsadresse
als «galanten Gärtner». In einem Brief vom 1. März 1871 berichtete Renoir
Charles Le Cœur von seinem Zusammenbruch während seines
Militäreinsatzes im Deutsch-Französischen Krieg und drückte seine
Weitere Ausstellung
im Kunstmuseum Basel
Panoramen –
Vermessene Welten
02.06.2012 – 07.10.2012
Sehnsucht nach einem Wiedersehen aus. «Ami Renoir», so die Grussformel,
mit der er sich aus dem Brief verabschiedet. In seinem an den
Gönner adressierten Gemälde hebt er den Austausch auf eine metaphorische
Ebene, übersetzt die Tradition lobender Anerkennung in
eine zeitgenössische Poesie der Gabe.
* Stefanie Manthey ist als Wissenschaftliche Assistentin
an Ausstellung und Katalog sowie dem Begleitprogramm beteiligt.
Pierre-Auguste Renoir, Madame Monet et son fils, 1874
29

30
Renoir. Between Bohemia and Bourgeoisie: The Early Years. Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) was a member
of the group of French painters who laid the foundations of Impressionism. With a bright palette, loose brushstrokes, and motifs
from modern urban life and leisure in natural settings, Renoir and his fellow Impressionists wrote art history. As a result, the
Impressionist period has largely dominated perceptions of Renoir’s oeuvre. In a grand survey exhibition, the Kunstmuseum Basel
now focuses for the first time on the artist’s surprisingly multifaceted early work from the period leading up to his first important
Impressionist paintings of the 1870s. Renoir’s early work reflects the tensions between conflicting conceptions of painting.
His own point of departure was decorative porcelain painting. Subsequent influences include the realism of Gustave Courbet,
the Barbizon school’s plein air paintings, and the experience of all the paintings he studied as a frequent visitor to the Louvre.
Renoir’s most important model during these early years was his lover, Lise Tréhot, with whom he had a relationship that lasted
from 1865 to 1872. Lise posed for a series of major early works. This group constitutes a highlight of the exhibition, illustrating the
range of Renoir’s creativity during this first decade. Portraits of his friends and fellow artists such as Claude Monet and Frédéric
Bazille, and Alfred Sisley form another distinct group. Renoir's own contribution to Impressionism is most clearly apparent in his
landscapes, especially those of the countryside around Paris, and in his scenes of «la vie moderne».
Der urbane Alltag von Hilary Lloyd
Das Museum für Gegenwartskunst präsentiert die erste Überblicksausstellung
der britischen Künstlerin Hilary Lloyd
(*1964, lebt in London) in der Schweiz.
Lloyds verstohlenes Kameraauge fixiert unter anderem Schauplätze
des urbanen Lebens und beleuchtet die moderne Stadt als Ort des
Voyeurismus, Fetischismus und der sexuellen Ambivalenz. In langfristigen
Studien entstehen eindrückliche Sequenzen von Menschen
in alltäglichen Ritualen und routinierten Gesten der Selbstdarstellung.
Lichteffekte auf reflektierenden Oberflächen führen bisweilen
dazu, dass sich die materielle Substanz der Oberfläche nicht mehr
erschliesst.
In ihren Installationen der frühen 1990er-Jahre mit Videos, Diaprojektoren
und ambientem Sound wird die gegenseitige Abhängigkeit
von Menschen und Stadt aufgezeigt, die als untrennbare Einheiten einander
bedingen. Handwerker, Kellner, Skater, DJs und Clubbesucher
werden zu Subjekten von Lloyds Untersuchung. Obwohl in diesen
Arbeiten die Zeit oft in Echtzeit abläuft, sind sie nicht als Dokumentation,
sondern eher als Isolation und Vergrösserung des Ordinären
zu lesen. Es ist der selektive Blick, der das Bild urbaner Faszination
zeichnet, das durchdrungen ist von einer dynamischen Choreografie
aus statischen und bewegten Sequenzen. Am offensichtlichsten werden
diese zu Bildmontagen zusammengefügten Wahrnehmungseffekte
mithilfe von Spiegelungen, Splitscreens, Rotation in Arbeiten
wie Building (2011) oder Motorway (2010) erreicht.
Die Bilder von Lichteffekten, Architektur, Werbung und Posen
aktuellerer Arbeiten (beispielsweise Striped Man, 2011) sind von verstärkt
strukturalistischer Natur. Sie sind reduziert auf ihre schiere
Oberfläche und Materialität. Eine neue Richtung beschreitet Hilary
Lloyd mit Arbeiten, bei denen das Licht selbst das Objekt unbeweglicher
Aufmerksamkeit wird und der Betrachter buchstäblich zur
Reflektion aufgefordert wird. Dieser Eindruck entsteht letztendlich
auch durch die Installation selber mit den sorgfältig im Raum verteilten
Flachbildschirmen und Projektoren.
Hilary Lloyd verbrachte 2001 als Gast der Stiftung Laurenz-Haus
ein Jahr in Basel. 2011 wurde sie für den renommierten Turner Prize
nominiert.
Die Ausstellung wird unterstützt durch den Fonds für künstlerische Aktivitäten im
Museum für Gegenwartskunst der Emanuel Hoffmann-Stiftung und der Christoph
Merian Stiftung sowie der george foundation.
Artinside Artinside
Pierre-Auguste Renoir, Portrait de Charles Le Cœur, 1871
Hilary Lloyd, Man, 2010
31

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Gerrit Rietveld – Die Revolution des Raums
Vom 17. Mai bis 16. September 2012 präsentiert das Vitra Design Museum eine Ausstellung
über das einflussreiche Mitglied der De-Stijl-Gruppe.
Gerrit Rietveld
Die Revolution des Raums
17.05.2012 – 16.09.2012
Vitra Design Museum
Weil am Rhein/D
www.design-museum.de
Der Niederländer Gerrit Rietveld (1888–1964) war einer der wichtigsten
Designer und Architekten des 20. Jahrhunderts. Bis
heute wird sein Werk vor allem mit seinen zwei bekanntesten
Entwürfen assoziiert, die zu Ikonen des modernen Designs wurden:
dem Rot-Blauen Stuhl (1918/1923) und dem Rietveld-Schröder-Haus
(1924). Doch die Ausstellung zeigt, dass Rietvelds Werk noch viel
mehr zu bieten hat und heute neu entdeckt werden kann.
Die Ausstellung im Vitra Design Museum ist die erste grosse Retrospektive
über Gerrit Rietveld im deutschsprachigen Raum seit 1996.
Anhand von rund 320 Exponaten – darunter Möbel, Modelle, Gemälde,
Fotografien, Filme und rund 100 Originalzeichnungen und -pläne
– gibt sie einen umfassenden Überblick über das Schaffen des Niederländers.
Zudem bezieht sie bedeutende Vergleichswerke von Zeitgenossen
wie Theo van Doesburg, Bart van der Leck, Le Corbusier sowie
Marcel Breuer ein und beleuchtet Rietveld damit im Kontext und Austausch
mit anderen Strömungen der Moderne. Auch bislang weniger
bekannte Aspekte seines Schaffens, etwa die Inspirationsquellen seines
Frühwerks oder seine Bauten der Nachkriegszeit, werden ausführlich
vorgestellt. Ein ganzer Abschnitt widmet sich den Retrospektiven
über Rietveld und De Stijl in den 1950er-Jahren (1951 erstmals im
Stedelijk Museum in Amsterdam bis 1961 in Rom), die Rietvelds Ruf
als zentraler Protagonist der De-Stijl-Bewegung zementierten und zu
seiner weltweiten Anerkennung entscheidend beitrugen.
Weitere Ausstellungen
in der
Vitra Design Gallery
Ronan & Erwan Bouroullec
Album
bis 03.06.2012
Confrontations
Contemporary Dutch Design
12.06.2012 – 02.09.2012
Betrachtet man das Werk von Gerrit Rietveld im Lichte dieser neuen
Retrospektive zu seinem Werk, so erweist es sich in vielen Facetten
als erstaunlich aktuell. Rietvelds urbanistische Planungen wirken
zeitgemässer als viele radikale Utopien der Moderne, da sie auf sozialen
Aspekten anstatt auf Dogmatismus beruhen. Mit einer Reihe
von Selbstbau-Möbeln der 1930er- und 1940er-Jahre hat Rietveld die
heutigen Ideen des «Do-it-yourself»-Trends und des Open Design
vorweggenommen. Passend zu den Möbeln entstand später eine Broschüre
mit dem Titel «Furniture you make yourself» (Möbel zum
Selbstbauen), in dem der Designer seine Entwürfe offenlegte.
Die Aktualität von Rietvelds Schaffen betont das Vitra Design Museum
nicht zuletzt mit einem umfassenden Rahmenprogramm, das
unter dem von Rietveld entlehnten Motto «Experiment und Industrie»
steht. So zeigt die Begleitausstellung «Confrontations. Contemporary
Dutch Design» in der Vitra Design Museum Gallery Arbeiten
von sechs jungen Designern aus den Niederlanden. In anderen Veranstaltungen
werden der Einfluss Rietvelds auf heutige Trends, die
Arbeit des niederländischen Designkollektivs Droog oder die wirtschaftlichen
Perspektiven deutsch-niederländischer Designkooperationen
diskutiert. Unter den Teilnehmenden des Rahmenprogramms
sind renommierte Gäste wie Aaron Betsky, Jurgen Bey, Li Edelkoort,
Formafantasma, Konstantin Grcic, Hella Jongerius, Renny Ramakers,
Wieki Somers und viele mehr.
schwebend – von der
Leichtigkeit des Steins
26.04.2012 – 15.07.2012
Museum der Kulturen Basel
www.mbk.ch
The real thing
A
uf Einladung des Museums der Kulturen hat der Künstler Justin Fiske
(Südafrika) das neue Dachgeschoss spielerisch und poetisch in einen
Raum der Reflexion verwandelt. Justin Fiske befestigte Hunderte am
Rheinufer gesammelte Kieselsteine an Fäden, die von der Decke herunterhängen.
Die Fäden verknüpfte und verband er wiederum so, dass die gesamten Installationen
von den Besuchenden in Bewegung gesetzt werden können. Durch
dieses Prinzip sind handwerklich hoch komplexe geometrische Gebilde entstanden,
die in ihrer absoluten Reduktion Poesie und Schönheit ausstrahlen.
Die so animierten Steine scheinen zwischen Erde und Himmel zu schweben,
lebendig geworden, der Schwerkraft enthoben. Justin Fiske gehört zur Generation
der Digital Natives. Dennoch – oder gerade deswegen – nimmt er mit seinen
Installationen eine kritisch distanzierte Haltung gegenüber virtuellen Realitäten
ein. Ausgehend von sich bewegenden Gittermustern, Raumillusionen, die als
PC-Schoner entwickelt wurden, versuchte Justin Fiske zu Beginn seines künstlerischen
Schaffens, diese digitalen Simulationen wieder zurück in das reale Leben
zu holen und analog umzusetzen. Statt Bits und Bytes verknüpfte er deshalb Stein
und Faden. Dabei begann ihn «the real thing» mehr und mehr zu interessieren.
Denn in unser zunehmend technisierten Welt, so Fiske, wird es stets schwieriger,
Dinge und deren Mechanismen in ihrer Tiefe und Komplexität zu erkennen und
zu verstehen.
In der Ausstellung treten Justin Fiskes filigrane Kieselsteinformationen mit
der Architektur von Herzog & de Meuron sowie mit ausgewählten Objekten aus
der Sammlung des Museums der Kulturen in einen sinnlichen Dialog. Die Ausstellung
besteht aus acht Arrangements, die sich metaphorisch mit dem menschlichen
«Werden, Sein und Vergehen» auseinandersetzen. Stets versuch(t)en Menschen,
sich durch Mythen und Erzählungen zu erklären, wie die Welt entstanden
ist. Stets wurden – und werden bis heute – (Lebens-)Fäden gesponnen, die in das
soziale Gewebe der Menschheit eingewoben werden wollen. Und stets mussten
und müssen sie sich mit dem Tod auseinandersetzen. Die Serie von visuellen Arrangements
ermöglicht den Besuchenden den kulturell fremden Gegenständen,
den dahinter stehenden Menschen wie auch sich selbst zu begegnen.
Artinside Artinside
Gerrit Rietveld, Rot-Blauer Stuhl, 1918/1923 Gerrit Rietveld mit einem Modell des «Kernhauses», 1941
Couleurs de l’ombre by Hiroshi Sugimoto | 12.–21. Juni 2012
Während der Art 43 Basel freier
Eintritt in die Ausstellung
oben : Hiroshi Sugimoto, Installation mit bedruckter Seide, 2012
links: Justin Fiske, Installation mit Spindeln, 2012
Für die dritte Auflage von «Kunstwerken
auf Seidentüchern» hat Hermès, Hersteller
von Luxusmodeartikeln, den Künstler Hiroshi
Sugimoto eingeladen. Diese Begegnung
zwischen zeitgenössischer Kunst und uraltem
Handwerk wird erstmals im Museum
der Kulturen während der Art Basel gezeigt.
Hiroshi Sugimoto (1948) ist ein japanischer
Künstler/Fotograf, der in New York lebt und
arbeitet. 2009 erhielt er den «Praemium
Imperiale», einen auf Anregung des japanischen
Kaiserhauses gestifteten Preis. Er
gilt als der «Nobelpreis der Künste».
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Art City Basel
Museums, Exhibitions and Fairs
during Art 43 Basel, June 14–17, 2012
www. museenbasel.ch
Fondation Beyeler
Jeff Koons
until September 02, 2012
Philippe Parreno
until September 30, 2012
June 11–17 | 9 am–7 pm
Baselstrasse 101, Riehen/Basel | www.fondationbeyeler.ch
Haus für elektronische
Künste Basel
Kunstmuseum Basel
Renoir. Between Bohemia and
Bourgeoisie: The Early Years
until August 12, 2012
June 12–13 | 10 am–6 pm
June 14 | 11 am–6 pm
June 15–17 | 10 am–6 pm
Kunsthaus Baselland
St. Alban-Graben 16, Basel | www.kunstmuseumbasel.ch
Forum Würth Arlesheim
Museum für Gegenwartskunst
Basel
Hilary Lloyd
until September 16, 2012
June 12–17 | 11 am–6 pm
St. Alban-Rheinweg 60, Basel | www.kunstmuseumbasel.ch
Espace d’Art Contemporain
Fernet Branca, Saint-Louis/F
Museum Tinguely
Tatlin.
new art for a new world
until October 14, 2012
June 11–17 | 9 am–7 pm
Paul Sacher-Anlage 1, Basel | www.tinguely.ch
Museum der Kulturen Basel
Art 43 Basel
The International Art Show
June 14–17 | 11 am–7 pm
Vernissage by invitation only:
June 13 | 3–8 pm
Messeplatz Basel | www.artbasel.com
Art Parcours in St. Johann
LISTE 17
The Young Art Fair, a project in the
community Warteck pp
June 12–17 | 1–9 pm
June 17 |1–7 pm
Opening Reception: June 11 | 6–10 pm
Burgweg 15, Basel | www.liste.ch
Carlos Garaicao
Opening hours | Open to the public
Credits | Fondation Beyeler: Jeff Koons, Winter Bears, 1988, The Rachel and
Jean-Pierre Lehmann Collection © Jeff Koons, Photo: © Jeff Koons Studio
New York | Kunstmuseum Basel: Pierre-Auguste Renoir, En été, 1868, Nati-
gateways.
Art and Networked Culture
until August 19, 2012
Sofie Thorsen
Marc Bauer
until July 17, 2012
Liebe auf den ersten Blick
Sammlung Würth
until January 6, 2013
Chassé-croisé,
Dada-Surréaliste, 1916–1969
until January 01, 2013
suspended – on the lightness
of stone
until July 15, 2012
June 13 | 10 am – 12 midnigth
June 14 – 16 | 11 am – 10 pm
June 17 | 11 am – 7 pm
onalgalerie, Staatliche Museen Berlin bpk, Photo: Jörg P. Anders | Museum
für Gegenwartskunst Basel: Hilary Lloyd, Trousers, 2010 | Museum Tinguely:
Unbekannter Fotograf, Tatlin mit Assistent vor dem Modell des Denkmals der
III. Internationale, Petrograd 1920, Moderna Museet Stockholm © Foto: Moderna
Museet Stockholm | Liste 17: Annex of LISTE, Architects UNDEND Zurich |
Haus für elektronische Künste Basel: boredomresearch (GB), «Real Snail Mail»,
2008-2011 | Kunsthaus Baselland: Carlos Garaicoa, A City From the Table of My
June 11–16 | 10 pm–7 pm
June 11–17 | 11 am–5 pm
June 14–17 | 11 am–5 pm
June 15–19 | 10 am–7 pm
June 12–17 | 10 am–5 pm
Opening Night | Open to the public
House (Detail), 2001, Courtesy Carlos Garaicoa | Forum Würth: Anselm Kiefer,
Tannhäuser, 1991, Sammlung Würth, Inv. 7756© Anselm Kiefer | Espace
June 17 | 10 pm–6 pm
June 13 | 2 pm–8 pm
June 13 | 8pm – 12 midnight
d'Art Contemporain Fernet Branca: Max Ernst, Fleurs-coquillages, 1932 |
Museum der Kulturen: Spindel, Installation von Justin Fiske © Museum
der Kulturen Basel | ART Basel, Artparcours: Claude Lévêque, Ring of Fire,
2011, Caravane, © ADAGP Claude Lévêque, Photo Elie Morin, Courtesy the artist
Artinside
Oslostrasse 10, Basel/Münchenstein
www.haus-ek.org
St. Jakobs-Str. 170, Muttenz/BL
www.kunsthausbaselland.ch
Dornwydenweg 11, CH-4144 Arlesheim
www.forum-wuerth.ch
2 rue du Ballon, F-68300 Saint-Louis/Fr
www.museefernetbranca.com
Münsterplatz 20, Basel
www.mbk.ch
St. Johann, Basel
www.artbasel.com
and kamel mennour, Paris,
Concept, Design, Production: Lauftext | Grafikatelier Sibylle Meier, Basel |
meiergrafik@sunrise.ch
Artinside
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Artinside Ausstellungen
Tatlin.
neue Kunst für eine neue Welt
06.06.2012 – 14.10.2012
Museum Tinguely
Artinside
Artinside Ausstellungen
Chaïm Soutine, Le canard sur fond bleu, 1925
Morris Louis, Omega IV, 1959/60
in
der Region Basel
Ausgabe Sommer 2012
Renoir. Zwischen Bohème
und Bourgeoisie
Die frühen Jahre
01.04.2012 – 12.08.2012
Kunstmuseum Basel
Jeff Koons
13.05.2012 – 02.09.2012
Fondation Beyeler, Riehen
Craigie Horsfield
Slow Time and the Present
13.01.2012 – 04.03.2012
Kunsthalle Basel
Gerrit Rietveld
Die Revolution des Raums
17.05.2012 – 16.09.2012
Vitra Design Museum/D
Martin Disler
Malerei, Grafik und Skulptur
28.04.2012 – 28.10.2012
Kloster Schönthal/BL
Léger – Laurens
Tête-à-Tête
23.06.2012 – 04.11.2012
Museum Frieder Burda/D
schwebend – von der
Leichtigkeit des Seins
26.04.2012 – 15.07.2012
Museum der Kulturen Basel
Liebe auf den ersten Blick
Sammlung Würth
27.04.2012 – 06.01.2013
Forum Würth, Arlesheim/BL
Chassé-croisé
Dada-Surréaliste, 1916–1969
bis 01.07.2012
Espace Fernet Branca/F
Simon Starling
24.05.2012 – 26.08.2012
Kunsthalle Mulhouse/F
Carlos Garaicoa
A City View From The Table of My House
01.06.2012 – 15.07.2012
Kunsthaus Baselland/BL
Tatlin mit Assistent vor dem Modell des Denkmals der III Internationale, 1925
Ausstellungen in
der Region Basel
Ausgabe Frühjahr 2007
Edvard Munch
Brice Marden
Die Situationistische Museum Frieder Burda, Baden-Baden/D
Zeichen der Moderne Werke auf Papier
Internationale (1957-1972) Kloster Schönthal, Langenbruck/CH
18.03.2007 – 15.07.2007 24.03.2007 – 29.07.2007 04.04.2007 – 05.08.2007 Vitra Design Museum, Weil am Rhein/D
Fondation Beyeler, Riehen Kunstmuseum Basel Museum Tinguely Basel Espace Fernet Branca, Saint-Louis/F
Artinside Ausstellungen
Antoine Zgraggen, Der grosse Hammer, Museum Tinguely
Claude Monet, Le Palais Contarini, 1908
in
der Region Basel
Ausgabe Frühling 2008
Soutine und die Moderne
16.03.2008 – 06.07.2008
Soutine und die Moderne
Kunstmuseum Basel
16.03.2008 – 06.07.2008
Kunstmuseum Basel
Action Painting
27.01.2008 – 12.05.2008
Action Painting
Fondation Beyeler, Riehen
27.01.2008 – 12.05.2008
Fondation Beyeler, Riehen
Hannah Höch
Aller Anfang ist DADA!
Hannah Höch
16.01.2008 – 04.05.2008
Aller Anfang ist DADA!
Museum Tinguely Basel
16.01.2008 – 04.05.2008
Museum Tinguely Basel
Miriam Cahn
Malerei, Zeichnungen
Miriam Cahn
03.05.2008 – 26.10.2008
Malerei, Zeichnungen
Kloster Schönthal
03.05.2008 – 26.10.2008
Kloster Schönthal
Gerhard Richter
Bilder aus privaten
Gerhard Richter
Sammlungen
Bilder aus privaten
19.01.2008 – 27.04.2008
Sammlungen
Museum Frieder Burda
19.01.2008 – 27.04.2008
Museum Frieder Burda
Leben unter dem Halbmond
Die Wohnkulturen der
Leben unter dem Halbmond
arabischen Welt
Die Wohnkulturen der
23.02.2008 – 31.08.2008
arabischen Welt
Vitra Design Museum,
23.02.2008 – 31.08.2008
Weil am Rhein/D
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
in
der Region Basel
Ausgabe Herbst 2008
VENEDIG
Von Canaletto und Turner
bis Monet
28.09.2008 – 25.01.2009
Fondation Beyeler
Die Magie der Dinge
Stilllebenmalerei 1500–1800
07.09.2008 – 04.01.2009
Kunstmuseum Basel
Eva Aeppli
Die Schenkung
Christoph Aeppli
19.09.2008 – 01.02.2009
Museum Tinguely Basel
Sculpture at Schoenthal
im Kloster Schoenthal
Richard Long
Cowshed Ellipse
CH-4438 Langenbruck
Die Skulpturen der Maler
Malerei und Plastik
im Dialog
05.07.2008 – 26.10.2008
Museum Frieder Burda
Baden-Baden/D
George Nelson
Architekt, Autor,
Designer, Lehrer
13.09.2008 – 01.03.2009
Vitra Design Museum
Weil am Rhein/D
Artinside Ausstellungen
Artinside Ausstellungen
Antoine Zgraggen, Der grosse Hammer, Museum Tinguely
Artinside
in
der Region Basel
Ausgabe Sommer 2007
Jasper Johns
An Allegory of Painting
02.06.2007 – 23.09.2007
Kunstmuseum Basel
Edvard Munch
Zeichen der Moderne
18.03.2007 – 22.07.2007
Fondation Beyeler, Riehen
Die Situationistische
Internationale (1957-1972)
04.04.2007 – 05.08.2007
Museum Tinguely Basel
Sculpture at Schoenthal
In der Landschaft: David Nash
In der Kirche: Philip Loersch
05.05.2007 – 28.10.2007
Kloster Schönthal
Faces à Faces
la peinture en questions
09.06.2007 – 14.10.2007
Espace Fernet Branca,
Saint-Louis/F
MyHome
Sieben Experimente für
ein neues Wohnen
14.06.2007 –16.09.2007
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
in
der Region Basel
Ausgabe Sommer 2008
Kunstmaschinen –
Maschinenkunst
Das Museum als
Produktionshalle
05.03.2008 – 29.06.2008
Museum Tinguely Basel
Fernand Léger
Paris – New York
01.06.2008 – 07.09.2008
Fondation Beyeler
Soutine und die Moderne
16.03.2008 – 06.07.2008
Kunstmuseum Basel
Sculpture at Schoenthal
im Kloster Schoenthal
Miriam Cahn
04.05.2008 – 26.10.2008
CH-4438 Langenbruck
Die Skulptur der Maler –
Malerei und Plastik
im Dialog
05.07.2008 – 26.10.2008
Museum Frieder Burda
Baden-Baden/D
Günther Grass
Aquarelle, Zeichnungen
und Skulpturen
10.04.2008 – 21.09.2008
Forum Würth Arlesheim
DUBAI NEXT
05.06.2008 – 14.09.2008
Vitra Design Museum
Weil am Rhein/D
Ausstellungen in der
Region Basel
Ausgabe Herbst 2006
Kandinsky
Malerei 1908 – 1921
21.10.2006 – 04.02.2007
Kunstmuseum Basel
EROS I
Rodin und Picasso
06.08.2006 – 15.10.2006
Fondation Beyeler, Riehen
EROS II
in der Kunst der Moderne
08.10.2006 – 18.02.2007
Fondation Beyeler, Riehen
Niki & Jean
l’Art et l’Amour
29.08.2006 – 21.01.2007
Museum Tinguely Basel
Bibelbilder
Arnulf Rainer – Gustave Doré
11.11.2006 – 21.01.2007
Museum Frieder Burda
Jean Prouvé
Die Poetik des technischen Objekts
23.09.2006 – 28.01.2007
Vitra Design Museum, Weil am Rhein
Artinside
Artinside
Artinside
Ausstellungen in der
Region Basel
Ausgabe Sommer 2006
Art 37 Basel
The International Art Show
14.06. – 18.06.2006
Messe Basel
Henri Matisse
Figur Farbe Raum
19.03. – 23.07.2006
Fondation Beyeler, Riehen
EROS
Rodin und Picasso
06.08. – 07.10.2006
Fondation Beyeler, Riehen
Edgard Varèse
Komponist Klangforscher
Visionär
28.04. – 27.08.2006
Museum Tinguely Basel
Hans Holbein d.J.
Die Jahre in Basel
1515 bis 1532
01.04. – 02.07.2006
Kunstmuseum Basel
Chagall in neuem Licht
Grosse Retrospektive
07.07. – 29.10.2006
Museum Frieder Burda
Ausstellungen in der
Region Basel
Ausgabe Frühling 2006
Hans Holbein d. J.
Die Jahre in Basel
1515 bis 1532
01.04. – 02.07.2006
Kunstmuseum Basel
Henri Matisse
Figur Farbe Raum
19.03. – 09.07.2006
Fondation Beyeler
Eva Aeppli
«Livres de vie»
25.01. – 30.04.2006
Museum Tinguely Basel
Joe Colombo
Die Erfindung der Zukunft
21.01. – 10.09.2006
Vitra Design Museum
Neue Malerei
Erwerbungen 2002-2006
25.02. – 25.06.2006
Museum Frieder Burda
Atmosphäre
und Ausdruck
12.11.2005 – 23.04.2006
Forum Würth Arlesheim
Ausstellungen in
der Region Basel
Ausgabe Herbst 2007
Max Ernst
Im Garten der
Nymphe Ancolie
12.09.2007 – 27.01.2008
Museum Tinguely Basel
Die andere Sammlung
Hommage an Hildy und
Ernst Beyeler
19.08.2007 – 06.01.2008
Fondation Beyeler
Andreas Gursky
20.10.2007 – 24.02.2008
Kunstmuseum Basel
Sculpture at Schönthal
im Kloster Schönthal
CH-4438 Langenbruck
Hans Josephsohn
03.11.2007 bis 04.05.2008
Deutsche und
amerikanische Malerei
aus der Sammlung
Frieder Burda
20.10.2007 – 06.01.2008
Museum Frieder Burda,
Baden-Baden/D
Le Corbusier
The Art of Architecture
29.09.2007 – 10.02.2008
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
Von Spitzweg bis Baselitz
Streifzüge durch die
Sammlung Würth
31.08.2007 – 30.03.2008
Forum Würth Arlesheim
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Martin Disler im Kloster Schönthal
Martin Disler (1949 bis 1996) galt in den 1970er- und 1980er-Jahren
als einflussreicher Künstler im deutschsprachigen Raum. Bevor er
sich der Kunst zuwandte, kam er durch eine Anstellung in einer psychiatrischen
Klinik in Kontakt mit kranken, von der Gesellschaft ausgegrenzten
Menschen. Von dieser Erfahrung tief berührt, begann er
zu zeichnen und zu malen und verfasste Gedichte und Prosa.
Disler, ein Autodidakt war ein rastloser Schaffer. Als Einzelgänger
und wegen seiner eruptiven und teils «unschönen» Bildsprache
versuchte man ihn gegen seinen Willen in die Schublade der «Jungen
Wilden» oder der «Neo-Expressiven» zu zwängen. Auch von seinen
grossen Erfolgen liess er sich nicht vereinnahmen. «Hungrig» und
neugierig wie er war, wandte er sich neuen Ausdrucksweisen und
Techniken zu. In den Jahren ab 1985 setzte sich Disler intensiv mit
der Plastik auseinander. Erst schuf er diffizile, «trashig» anmutende
Gipsplastiken, dann begann er die vielgestaltige Skulpturengruppe
«Häutung und Tanz» in Bronze zu giessen. Diese ging auf Reisen zu
Ausstellungen in der Whitechapel Art Gallery London, dem Duisburger
Wilhelm Lehmbruck Museum und der Kunsthalle Basel. Ab 2012
führt sie zur Ausstellung ihren «unheimlichen Tanz» im Skulpturenpark
des Klosters Schönthal auf.
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Martin Disler, Die letzten Kisten, 1994
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Léger – Laurens
Tête-à-Tête
23.06.2012 – 04.11.2012
Museum Frieder Burda, Baden-Baden
www.museum-frieder-burda.de
Fernand Léger und Henri Laurens
im Museum Frieder Burda
Gemälde und Skulpturen der beiden Franzosen im Dialog
L
euchtende Farben und voluminöse Formen: Die Arbeiten
von Fernand Léger (1881–1955) und Henri Laurens
(1885–1954) waren prägend für die Moderne. Léger
setzte in der Malerei starke Akzente und Laurens schuf Skulpturen,
die noch heute vielen Bildhauern als Vorbild dienen. Die
beiden Franzosen stehen im Mittelpunkt der grossen Sommerausstellung
im Museum Frieder Burda in Baden-Baden.
Unter dem Titel «Léger – Laurens. Tête-à-Tête» werden vom
23. Juni bis 4. November 2012 insgesamt rund 100 Werke dieser
Künstler präsentiert.
Bedeutende Leihgaben kommen hierfür aus dem Centre
Pompidou in Paris. Seit 2008 besteht eine enge Kooperation
zwischen dem Centre Pompidou und dem Museum Frieder
Burda. Über 20 hochkarätige Werke kommen aus Paris nach
Baden-Baden. Einige davon werden erstmals in Deutschland zu
sehen sein. Dazu zählt das von einem ganz neuartigen Malstil
geprägte imposante Werk von Fernand Léger La Composition
aux deux perroquets – Komposition mit zwei Papageien (1935–1939).
Ergänzt wird diese Auswahl um weitere Werke aus grossen europäischen
Museen und Privatsammlungen.
Fernand Léger gehört zu den herausragenden Vertretern der
Moderne des beginnenden 20. Jahrhunderts. Wie seine Freunde
Pablo Picasso und Georges Braque setzt er sich mit seiner Zeit
auseinander und erarbeitet in der kubistischen Phase seines
Schaffens Bilder in kräftigen Farben, die er «Formkontraste»
nennt. Gleichzeitig mit Henri Laurens, den er 1910 kennen
Artinside Artinside
Fernand Léger, Composition I, 1930
lernte, mit Marc Chagall, dem Schriftsteller Guillaume Apollinaire
und anderen hatte er ein Atelier in der berühmten Pariser Künstlerkolonie
«La Ruche». Unter Einfluss der Kriegsmaschinerien begann
seine période mécanique (mechanische Periode). Léger selbst wäre bei
einem Einsatz im Ersten Weltkrieg beinahe ums Leben gekommen.
Der Mensch fügt sich fortan formelhaft in seine Sujets ein, er wird als
anonymes Objekt dargestellt. Während des Zweiten Weltkriegs arbeitet
Léger in New York und verwendet nun leuchtende, reine Farben,
die sich schon bald von den Formen lösen, zu denen sie gehören.
Henri Laurens erhält früh eine handwerkliche Ausbildung. Tagsüber
lernt er auf Bauplätzen Steine zu behauen, abends besucht er Zeichenkurse.
Seine ersten Skulpturen sind von Rodin beeinflusst. Als
er mit dem Kubismus in Berührung kommt, entwickelt sich die Idee,
in Plastiken, Reliefs und Collagen den analytischen Kubismus in die
Henri Laurens, La grande Musicienne, 1937
dritte Dimension zu übertragen. Auch Laurens war eng mit Georges
Braque und Pablo Picasso befreundet. 1921 löst sich Laurens vom Kubismus
und wendet sich der menschlichen Figur und dem Volumen
zu. Die Dreißigerjahre sind von massigen, dynamischen, häufig aus
Bronze gefertigten Kompositionen geprägt. Dabei findet Laurens
zu einem organischen, kurvigen Stil, in dem er abstrahierte, rhythmisch
bewegte Figuren - meist weibliche Akte - von poetischer Kraft
realisiert.
Jean-Louis Prat, ehemaliger Direktor der Fondation Maeght, kuratiert
die Léger-Laurens-Ausstellung. Thematische Parallelen, gemeinsame
Interessen sowie ihre Freundschaft werden in der Präsentation
herausgearbeitet. Diese aussergewöhnliche Ausstellung bietet
die Möglichkeit, zwei Ikonen der Klassischen Moderne in einem neuen
Licht zu entdecken.
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Liebe auf den
ersten Blick
Mit dem Sammler Reinhold Würth durch 100 Jahre
lebendigste Kunstgeschichte
Liebe auf den ersten Blick
Sammlung Würth
27.04.2012 – 06.01.2013
Forum Würth, Arlesheim
www.forum-wuerth.ch
Mit der hochkarätigen Sammlungsausstellung
Liebe auf den ersten Blick feiert das Forum
Würth das 50-Jahre-Jubiläum der Würth AG,
das diese im Jahr 2012 begeht. Die Auswahl aus der
Sammlung Würth, die in den Ausstellungsräumen
gastiert, beleuchtet bedeutende Kapitel der Kunst der
Moderne – vom Impressionismus bis heute. Hierfür
stehen herausragende Künstler wie Max Liebermann,
Max Beckmann, Pablo Picasso, Max Ernst, Paul Klee,
Roy Lichtenstein, Alex Katz, David Hockney, Christo
und Jeanne-Claude, Gerhard Richter und Anselm Kiefer.
Auch die im 20. Jahrhundert so revolutionierende
Bewegung der Abstraktion ist wesentlich repräsentiert
mit Werken von Willi Baumeister, Victor Vasarely
oder Jesús Rafael Soto. Einen Querschnitt durch 100
Jahre lebendigste Kunstgeschichte bietet die Ausstellung,
basierend auf dem persönlichen Augenmerk des
Sammlers Reinhold Würth. Darauf bezieht sich auch
der Ausstellungstitel Liebe auf den ersten Blick, der ganz
einfach die Freude des Sammelns, die den Unternehmer
stets gegenüber der Kunst bewegt hat und ihn in
den Bann dieser Kunstwerke gezogen hat, meint. Das
Ergebnis dieser Passion führt die Ausstellung eindrücklich
vor Augen.
David Hockney, View from Terrace II, 2003 oben: Anselm Kiefer, Tannhäuser, 1991
Chassé-croisé,
Dada-
Surréaliste,
1916-1969
Kaum ein Jahr nach der beeindruckenden
Präsentation der Planque-
Sammlung zeigt das Musée d'art contemporain
Fernet Branca in Saint-Louis
eine dada-surrealistische Collage aus rund
200 Werken von insgesamt 98 Surrealisten,
Dadaisten und Gleichgesinnten. Die Ausstellung
zeigt Werke von Hans Arp, Hannah
Höch, Hans Richter, Tristan Tzara, Serge
Charchoune und vielen mehr.
Das Publikum erwartet eine künstlerische
Reise von den Anfängen des Dadaismus in
Zürich im Jahre 1916 bis zum rechten Seine-
Ufer im Paris zu Beginn der 20er-Jahre des
vergangenen Jahrhunderts und zu den Anfängen
des Surrealismus.
Die Dada-Bewegung mit ihren Verfechtern
Hugo Ball, Tristan Tzara und dem Elsässer
Hans Arp, erblickte das Licht der
Welt in der Schweiz, im Cabaret Voltaire
in der Zürcher «Spiegelgasse». Wie kaum
eine andere Kunstbewegung davor sollte
diese Kunstrichtung das damalige Europa
prägen. Diese intellektuelle, literarische
und künstlerische Bewegung der Kriegsjahre
1914 bis 1924 zeichnete sich aus durch
das Hinterfragen aller Konventionen und
Zwänge, seien diese ideologischer, künstlerischer
oder politischer Natur. Ihre Künstler
brachten Respektlosigkeit, Extravaganz und
Verachtung für alles «Überkommene» der
Vergangenheit und der damaligen Zeit zum
Ausdruck. Diese Haltung ermöglichte eine
grosse Freiheit in der künstlerischen Praxis
und das Ausschöpfen aller verfügbaren
Werkstoffe und Formen.
Die Bezeichnung «Surrealismus» tauchte
erstmals in einem Brief von Guillaume Apollinaire
vom März 1917 auf. Die Bewegung
überdauerte das Jahrhundert, und es gelang
ihr, Ideen und Schöpfungsprozesse in Literatur,
Malerei, Politik, Fotografie, Film und
Lyrik nachhaltig zu erschüttern. Die Künstler
hiessen André Breton, Louis Aragon,
Paul Eluard – sie alle waren nach dem Ersten
Weltkrieg etwa zwanzig Jahre alt und wollten
«das Leben ändern».
Der Parcours der Ausstellung in Saint-
Louis zeigt auf eindrückliche Weise, dass die
Verknüpfung von Dadaismus und Surrealismus
eine atemberaubende Collage überraschender
Werke ergibt, ein «Patchwork»
der Emotionen, welches dem Publikum eine
ganze Reihe weithin unbekannter Künstler
erschliesst. Diese Reise führt von Hans Arp
bis Chirico über Klee, Delvaux, Matta, Lam,
Michaux oder auch Breton und Soupault.
Diese Künstler vertraten die Auffassung,
dass die Kunst sich nicht damit begnügen
dürfe, die Realität wiederzugeben. Vielmehr
habe die Kunst die Aufgabe, Traum, Zauber
und Unerwartetes hervorzubringen, um zu
der von Künstlern «Surrealität» genannten
Stufe vorzudringen.
Mit welchen Waffen gelingt ihnen dies?
Traum, Zufall, Spiel, automatische Schrift,
die Cadavre exquis, lyrischer Schock aus dem
Zusammenprall diametral gegensätzlicher
Realitäten. Mit Künstlern wie Magritte, Dalí,
Miró, Tanguy oder Man Ray bahnen sich
Kunst und Lyrik den Weg in das tägliche Leben,
um eine andere Form der Realität zu erschliessen,
die weder real noch irreal ist.
Chassé-croisé
Dada-Surréaliste, 1916–1969
bis 01.07.2012
Espace Fernet Branca
Saint-Louis/F
www.museefernetbranca.org
Aube Elléouët, les Semailles, 1970
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Artinside

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Trois cent cinquante
kilogrammes
par mètre carré
Simon Starlings Skulpturen, Installationen und Reisen artikulieren
sich um Transformations-, Hybridations- und Verschiebungsprozesse
sowie Interventionen vor Ort. Seine Arbeit ist
oft wie eine Erzählung aufgebaut und überlässt es dem Zuschauer, das
Werk weiterzudenken.
Anlässlich seines Projektes in La Kunsthalle Mulhouse unterhält
sich Simon Starling mit Vincent Honoré, dem Kurator der Ausstellung.
Vincent Honoré: Ihre Werke sind oft eingebettet in einen spezifischen
sozialen und historischen Kontext. Als Ausgangspunkt dient Ihnen eine
eigentliche – wenn auch subjektive – Archäologie des Wissens.
Für das Projekt in Mulhouse befassten wir uns zuerst mit der Geschichte
des Gebäudes und der Stadt. Was interessierte Sie im Speziellen an dem,
was Sie vorfanden und in Erfahrung brachten?
Simon Starling: Viele meiner Werke haben ihren Ursprung in einer
Auseinandersetzung mit post-industriellen Orten verschiedenster
Prägung. Dies ist natürlich teilweise dem Boom von Ausstellungsgeländen
geschuldet, die in den Nachwehen des industriellen Zusammenbruchs
in Europa und Nordamerika im späten 20. Jahrhundert
an eben solchen post-industriellen Orten ihren Platz fanden, und der
Rolle der Kunst in diesem urbanen Erholungsprozess. MassMOCA
in North Adams, Massachusetts, der Kunstraum in Dornbirn, Parc
Saint Léger im ländlichen Burgund – die Liste ist lang, aber alle diese
Orte boten mir einen spezifischen Fokus für mein fortwährendes Interesse
an Fragen zu Arbeit, zum Wert der Arbeit, zur Bedeutung des
(Kunst-)Handwerks und so weiter.
Das Werk geht Fragen nach wie zum Beispiel: Was ist unsere Beziehung
zu der Produktion von Alltagsgegenständen und woher stammen
die Rohmaterialien für die Herstellung dieser Dinge? – Grosse Fragen
mit globaler Resonanz, die aber immer innerhalb von bestimmten lokalen
und charakteristischen Parametern gestellt werden. Giessereien
waren seit den Anfängen meiner Tätigkeit mit Werken wie Work, madeready
(Kunsthalle Bern, 1997) eine sehr wichtige Inspirationsquelle für
mich, sowohl auf Produktionsstufe wie auch auf einer konzeptuellen
Ebene als Ort für Veränderungen und Nachdenken.
Simon Starling
Trois cent cinquante kilogrammes
par mètre carré
24.05.2012 – 26.08.2012
La Kunsthalle Mulhouse
www. kunsthallemulhouse.com
Als ich erfuhr, dass die Kunsthalle in Mulhouse früher eine ausgesprochen
produktive Giesserei war, war dies für mich sofort interessant als
Ausgangspunkt für ein Projekt. Mich reizte die Idee, ihre jetzige Funktion
als Ausstellungsort zu ihrer früheren Funktion als Giesserei in
Bezug zu stellen. Diese Spannung zwischen Vergangenheit und Gegenwart
wird greifbar in den Veränderungen, die vorgenommen wurden,
um sie zu einem Ausstellungsort umzubauen.
Ich fing an zu spekulieren, wie ein Stück Schwermaschinerie, wie es
früher in der Giesserei hergestellt wurde, an die neuen Räumen und deren
Sicherheitsvorschriften angepasst aussehen könnte.
VH: Sie werden oft als Konzeptkünstler bezeichnet. In gewisser Weise
wird diese Kategorisierung aber weder Ihnen noch der Bandbreite Ihrer
Werke gerecht. Ich kann mich erinnern, einmal die naive, aber doch berechtigte
Frage an Jason Dodge gestellt zu haben: Was sind Sie eigentlich?
Er antwortete: Ich bin ein Bildhauer.
Nun frage ich Sie: Was sind Sie eigentlich?
SS: Ich denke, ich würde Jason recht geben und mich auch unter den
Bildhauern einreihen. Alles, was ich mache, seien es Filme, Fotografien,
grossräumige Installationen oder kleinräumige Skulpturen, hat seine
Wurzeln in einem grundsätzlichen Skulpturverständnis. Um es mit den
Worten Lawrence Weiners zu sagen: Skulptur wird gemacht von Leuten,
die mit der Beziehung zwischen Menschen und Dingen unzufrieden
sind. Auch für mich geht es im Grunde um die Beziehung zwischen
Menschen und Dingen. Oder vielleicht genauer: um die Beziehung zwischen
Menschen und Orten und Dingen.
Die Arbeit ist ein fortlaufendes Neuverhandeln dieser Beziehungen
und Zusammenhänge. Konzeptkunst hatte zwar einen immensen Einfluss
darauf, wie ich meine Arbeit als Skulptor definiere, aber, wie Sie
sagten, sie ist vielleicht eine zu begrenzte Kategorie. – Ich hüte mich jedoch
vor einer starren Methodologie oder einer starren künstlerischen
Sprache.
Es ist mir wichtig, zurückblicken zu können und zu sehen, wie sich das,
was ich mache, entwickelt hat. Was ich heute bin und mache, ist sicher
nicht dasselbe wie vor zehn Jahren.
A City View From the Table of My House
von Sabine Schaschl*
Der kubanische Künstler Carlos Garaicoa (geb. 1967 in Havanna,
lebt in Havanna und Madrid) untersucht in seinen Arbeiten
Architektur und Urbanismus als Abbild und Spiegel politischer
Realität und gesellschaftlicher Entwicklung. In Fotografien,
Zeichnungen, Skulpturen, Installationen und Filmen macht der
Künstler auf die Krise und Geschichte des städtischen Raums aufmerksam.
Sein Heimatland Kuba nimmt er bereits seit den 1990er-
Jahren immer wieder zum Ausgangspunkt seiner Arbeit. In den
neoklassizistischen Ruinen Kubas spiegelt sich der verlorene Glanz
der spanischen Kolonialzeit und in den oftmals nicht vollständig
realisierten Bauwerken des Sozialismus zeigen sich eindringlich die
Folgen des Niedergangs moderner Ideologie. Garaicoa fügt dem Vorhandenen
auf kritisch hinterfragende Weise seine eigene Utopie hinzu.
Er ergänzt beispielsweise auf Schwarz-Weiss-Fotos von zerfallenen
Gebäuden mit feinen, farbigen Fäden die zerstörten Teile oder
vollendet auf diese Weise imaginär Bauwerke, die in Wirklichkeit nie
fertiggestellt worden sind. Dahinter steht eine umfassende Kritik sowohl
an Regierung und Institutionen, die den Verfall der Stadt seit
der Revolution von 1959 nicht verhindern, als auch an den Ideologien
des 20. Jahrhunderts im Allgemeinen.
Garaicoas Blick auf die Stadt löst sich immer wieder von konkreten
Orten der Wirklichkeit und lässt künstlerische urbane Visionen entstehen.
Eine fiktive Stadt, die sich zudem mit dem Thema von privatem
und öffentlichem Raum auseinandersetzt, stellt das Foto der
Installation A City View From the Table of My House (1998) dar: antiquiert
wirkende Alltagsgegenstände wie Kristallvasen, Lampen und
Glasflakons formen gemeinsam eine Art Modell, das es dem Besitzer
erlaubt, nach Belieben Gebäude und Plätze zu verrücken. Gleichzeitig
erzählen die Gegenstände selbst eine Geschichte persönlicher Erin-
Carlos Garaicoa
A City View From the Table of My House
01.06.2012 – 15.07.2012
Kunsthaus Baselland
www. kunsthausbaselland.ch
Artinside Artinside
Simon Starling, Trois cent cinquante kilogrammes par mètre carré, 2012
Carlos Garaicoa, A City View from The Table of My House, 2001
nerungen und formen so den Charakter dieser eigentümlichen Stadt.
Dagegen ist Bend City (Red), 2008, auf den ersten Blick eine Ansammlung
minimalistisch anmutender Papierskulpturen. Bei näherer Betrachtung
heben sich aus den 96 gefalteten, roten Papierseiten durch
feine Schnitte und Faltungen jedoch Brücken, Gebäude und Denkmäler
empor. Zusammen lassen die individuell gestalteten Bauwerke die
poetisch-bedrückende Utopie einer sozialistischen, gleichförmigen
Stadt entstehen.
Viele seiner Werke sind so fragil wie die Hoffnung in krisengeplagten
Zeiten oder die Erinnerung an das längst Vergangene: The
Old and the New (2010) heisst beispielsweise eine 12-teilige Serie von
Papierarbeiten, in denen sich feine Lithografien historischer Fassaden
vorsichtig aufbäumen, welche mit utopisch wirkenden Scherenschnitten
aus schwarzem Karton erweitert und ästhetisch gebrochen
werden.
Die Ausstellung im Kunsthaus Baselland vereint erstmals in der
Schweiz ältere mit neuesten Werken und bietet einen umfassenden
Überblick auf das Schaffen eines der wichtigsten kubanischen Künstler
seiner Generation.
*Sabine Schaschl ist Direktorin des Kunsthaus Baselland
und Kuratorin der Ausstellung
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www.beroccaboost.ch
Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region Basel
Aarau | Kunsthaus
Kris Martin – Every Day
of the Weak
Die Ausstellung im Aargauer
Kunsthaus zeigt die in Europa bisher
umfassendste Schau des Künstlers. Als
erste Retrospektive angelegt, vereint
sie die zentralen Arbeiten der letzten
Jahre und zeigt das ganze Spektrum
der Medien, deren sich Kris Martin bedient.
Ein Höhepunkt bildet die Arbeit
To Whom ..., eine grosse Kirchenglocke,
die wegen des fehlendes Klöppels auch
in Bewegung keinen Klang erzeugt.
12.05. bis 12.08.2012
www.aargauerkunsthaus.ch
Bern | Kunstmuseum
... Die Grenzen überfliegen – der
Maler Hermann Hesse
Zum 50. Todesjahr von Hermann Hesse
präsentiert das Kunstmuseum Bern zusammen
mit dem Museum Hermann
Hesse Montagnola die erste Retrospektive
zu Hesses malerischem Werk.
19.03. bis 25.07.2012
www.kunstmuseumbern.ch
Solothurn | Kunstmuseum
Félix Vallotton – Zeichnungen
Die von den Kunstmuseen Solothurn
und Winterthur gemeinsam vorbereitete
Ausstellung widmet sich
ausschliesslich Vallottons Arbeiten auf
Papier, zu denen neben Kohle-, Kreide-,
Tusche- und Bleistiftzeichnungen auch
Pastelle und Aquarelle gehören.
bis 12.08.2012
www.kunstmuseum-so.ch
Kris Martin, All Saints, 2007 | Hermann Hesse, Ohne
Titel (Traumbild), 1917
St. Gallen | Kunstmuseum
Pipilotti Rist – Blutbetriebene
Kameras und quellende Räume
Die retrospektiv angelegte Ausstellung
Blutbetriebene Kameras und quellende
Räume, entstanden in Kooperation
mit der Londoner Hayward Gallery
und der Kunsthalle Mannheim, ist seit
Jahren Pipilotti Rists erste umfassende
Einzelpräsentation in der Schweiz –
und zugleich eine vorübergehende
Heimkehr der Künstlerin.
02.06.2012 bis 25.11.2012
www.kunstmuseumsg.ch
Thun | Kunstmuseum
Los Carpinteros –
Silence Your Eyes
Das kubanische Künstlerduo Los Carpinteros
arbeitet und lebt in Kuba und
in Madrid. Sie schaffen monumentale
Installationen und Zeichnungen, die
vor allem die Funktionalität und den
Gebrauch von Architektur, Möbeln und
Designobjekten hinterfragen.
bis 08.07.2012
www.kunstmuseumthun.ch
Winterthur | Fotomuseum
Rosângela Rennó – Strange
Fruits
09.06.2012 bis 19.08.2012
www.fotomuseum.ch
Los Carpinteros: Movimiento de Liberación
Nacional, 2010 | Rosângela Rennó, Three Holes (Drei
Löcher) und Escorpião (Skorpion), 1998
Winterthur | Kunstmuseum
Wunderbar –
In Zusammenarbeit mit dem
Naturmuseum Winterthur
Das Naturmuseum Winterthur widmet
die kommende Sommerausstellung der
Vieldeutigkeit des naturkundlichen
Objekts. In den benachbarten Räumen
des Kunstmuseums wird eine Auswahl
von Werken aus der Sammlung gezeigt,
welche die Auseinandersetzung
mit dem Thema durch Beispiele aus der
bildenden Kunst ergänzt. Präsentiert
werden auch hier vieldeutige Bilder
und Objekte von Hans Fischli, Max
Ernst, Meret Oppenheim und anderen.
24.06.2012 bis 26.08.2012
www.kmw.ch
Zürich | Kunsthaus
Adrian Zingg – Wegbereiter
der Romantik
Das Kunsthaus Zürich präsentiert die
erste Museumsausstellung dieses wohl
einflussreichsten Vertreters der Landschaftsdarstellung
zwischen europäischer
Aufklärung und Dresdener Frühromantik.
Mit seinen grossformatigen
Sepiablättern beeinflusste Zingg eine
ganze Generation bis hin zu Caspar
David Friedrich und Ludwig Richter.
Seine Motivwahl und Landschaftsauffassung
prägten die Souvenirproduktion
des frühen Tourismus.
04.06.2012 bis 22.08.2012
www.kunsthaus.ch
Hans Fischli, Pflanzliche Serie «Celerina I», 1931 |
Adrian Zingg, Am Wasserfall (Detail), 1785
Zürich| Museum für Gestaltung
Endstation Meer?
Das Plastikmüll-Projekt
Seit Massenprodukte aus Plastik unser
Leben erleichtern, hat sich das Meer
schleichend in eine gigantische Plastiksuppe
verwandelt. Die Ausstellung
präsentiert gesammelten Plastikmüll
aus allen Weltmeeren und macht
sichtbar, wie gross das Ausmass dieser
ökologischen Katastrophe ist.
04.07.2012 – 23.09.2012
www.museum-gestaltung.ch
Zürich | Landesmuseum
Postmodernism.
Style and Subversion 1970–1990
Die im Herbst 2011 im Victoria and
Albert Museum (V&A) in London
gezeigte Hauptausstellung ist ab 6. Juli
2012 im Landesmuseum Zürich zu
sehen. Sie gilt als die erste profunde
Werkschau über Malerei, Design und
Architektur der 1970er- und der 1980er-
Jahre, die sich mit einem der am heftigsten
umstrittenen Phänomene der
jüngsten Kunst- und Designgeschichte
befasst: dem Postmodernismus. Das
Landesmuseum Zürich ergänzt die
Ausstellung mit den wichtigsten
Schweizer Vertretern der Postmoderne
und bindet das Ganze in eine Timeline
aus politischen, wirtschaftlichen und
sozialen Ereignissen ein.
06.07.2012 bis 28.10.2012
www.slmnet.ch
Jean-Paul Goude und Antonio Lopez,
Konstruktivistisches Schwangerschaftskleid für
Grace Jones, 1979
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Artinside

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Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region Basel
Amsterdam | Van Gogh Museum
Van Gogh's studio practice:
Canvases re-used
Vincent van Gogh benutzte immer wieder
Leinwände, auf die er schon zuvor
gemalt hatte. Er begann damit 1885, als
er noch in Nuenen lebte und setzte diese
Technik auch in seinen Pariser Jahren
(1886–1888) ein. Die Sonderausstellung
untersucht diese Arbeitstechnik anhand
zahlreicher Werke, das interdisziplinäre
Forschungsprojekt läuft unter
dem Namen Van Gogh’s studio practice.
10.06.2012 bis 23.09.2012
www.vangoghsstudiopractice.com
www.vangoghmuseum.nl
Berlin | Martin-Gropius-Bau
Baumeister der Revolution.
Sowjetische Kunst und Architektur
1915–1935.
Die Ausstellung Baumeister der Revolution
lenkt den Blick auf einen Bereich
der sowjetischen Avantgarde, der in
Europa und darüber hinaus relativ
unbekannt geblieben ist: die Architektur.
Auch in Russland und den anderen
Nachfolgestaaten der Sowjetunion sind
die Namen der meisten Architekten
weitestgehend vergessen. Ihre Bauten
sind nicht in dem Masse Teil des kulturellen
Gedächtnisses geworden, wie es
das Neue Bauen im Westen ist.
bis 09.07.2012
www.berlinerfestspiele.de
Bregenz | Kunsthaus
Ed Ruscha
Das Kunsthaus Bregenz präsentiert
eine grosse Spannbreite des Werks von
Ed Ruscha, angefangen von Fotografien
über Malerei bis hin zu seinen
Büchern. Dabei liegt die Konzentration
auf einem zwar naheliegenden, bisher
jedoch noch nicht in extenso berücksichtigten
Thema, der Bedeutung
nämlich, die dem Akt des Lesens in
seinem Werk zukommt. Spektakulärer
Höhepunkt der Bregenzer Präsentation
werden sicher die neuen, speziell
für diese Ausstellung von Ed Ruscha
gemalten Bilder sein.
07.07. bis 14.10.2012
www.kunsthaus-bregenz.at
Freiburg | Museum
für neue Kunst
Rodin Giacometti Modigliani...
Linie und Skulptur im Dialog
Von Auguste Rodin bis Alberto Giacometti,
von Edgar Degas bis Max Ernst –
das Museum für Neue Kunst zeigt über
50 Meisterwerke aus der US-amerikanischen
Kasser/Mochary Family Foundation.
Die Entdeckung von Rodin in den
späten 1920er-Jahren und der Ankauf
von éternelle idole 1971 waren grundlegend
für die Ausrichtung der
Sammlung. Die berühmte
Bronzefigur betont ein
Gestaltungsmittel,
das wegweisend für
die Bildhauerei des
20. Jahrhunderts
werden sollte: die
Linie.
12.05. bis 16.09.2012
www.freiburg.de/museen
London | Tate Modern
Damien Hirst
Mehr als 70 Werke aus allen Schaffensperioden
des britischen Künstlers
Damien Hirst sind in der Londoner
Tate Modern zu sehen. Es ist die erste
Hirst-Schau dieser Art, in der umfassend
Rückblick auf das Schaffen des
heute 46-Jährigen gehalten wird.
bis 09.09.2012
www.tate.org.uk/modern
London | Tate Britain
Picasso und die englische Kunst
1919 verbrachte Picasso vier Monate in
London. Seine Bewunderung für britische
Kunst wandelte sich in eine Bewunderung
der britischen Künstler für
Picasso. Die Ausstellung zeigt mehr als
150 Kunstwerke, die seine Wirkung auf
britische Künstler deutlich machen.
bis 15.07.2012
www.tate.org.uk/britain
Madrid | Museo Reina Sofia
Hans Haacke. Castles in the air
Die Ausstellung zeigt Hans Haackes
wichtigste Werke: Helmsboro Country
(1990) oder The Invisible Hand of the
Market (2009) behandeln Motive wie
die Globalisierung oder die Beziehung
zwischen Kunst und Macht.
bis 23.07.2012
www.museoreinasofia.es
München | Pinakothek der
Moderne
Frauen
Picasso, Beckmann und de Kooning:
Im Mittelpunkt steht die Auseinandersetzung
dieser Maler mit dem Thema
Frau. Die Rolle, die sie Frauen in ihrer
Kunst beimessen, geht weit über Klischees
von Weiblichkeit hinaus.
bis 15.07.2012
www.pinakothek-der-moderne.de
Bildnachweis | Titelseite: Unbekannter Fotograf, Tatlin mit Assistent vor dem Modell des Denkmals der III. Internationale, Petrograd 1920, Moderna Museet, Stockholm © Foto: Moderna Museet Stockholm | bei einem Teil der Auflage:
Jeff Koons, Winter Bears, 1988, The Rachel and Jean-Pierre Lehmann Collection, © Jeff Koons, Foto: Jeff Koons Studio, New York | S.4 v.o.n.u: Vladimir Tatlin, Matrose (Selbstbildnis), 1911, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg
© Foto: 2012 Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg | Kunsthalle Basel, The Arciconfraternity of Santa Monica, Piazza Sant'Antonino, Sorrento, April 2010, 2010, Courtesy the artist | Jeff Koons, Woman in tub, 1988, Privatsammlung ©
Jeff Koons, Jeff Koons Studio, New York | Pierre-Auguste Renoir, Fleurs dans une serre, 1864, bpk/Hamburger Kunsthalle/Elke Walford | S.5 Gerrit Rietveld, Rot-Blauer Stuhl, 1918/1923, © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, Foto: Andreas Sütterlin |
Justin Fiske, mit seiner Installation im Museum der Kulturen, Basel © Museum der Kulturen Basel, Foto:© by Clinton Whaits & MKB/Derek Li Wan Po | Martin Disler, Die letzten Kisten, 1994, Nachlass Martin Disler © Kloster Schönthal |
Henri Laurens, L’Automne (Der Herbst), 1948, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’Art moderne / Centre de Création industrielle, © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, bpk / CNAC-MNAM / Adam Rzepka, Abdruck honorarfrei im Rahmen
der Ausstellung, im Museum Frieder Burda in Baden-Baden | Carlos Garaicoa, A City View From the Table of My House (Detail), 2001, Courtesy Carlos Garaicoa | S.6-7 Unbekannter Fotograf, Präsentation des Letatlin auf einer Segelflugschau
in Moskau, 1933 © Foto: 2012, Staatliche Tretjakov-Galerie Moskau | S.8 Vladimir Tatlin, Komposition aus weiblichem Akt, 1913, Staatliche Tretjakov-Galerie, Moskau © Foto: 2012, Staatliche Tretjakov-Galerie, Moskau | S.9 Vladimir
Tatlin, Eck-Konterrelief, 1914, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg © Foto: Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg | S.10 Unbekannter Fotograf, Vladimir Tatlin, 1914 RGALI Russisches Staatsarchiv für Literatur und
Kunst, Moskau, © Foto: 2012 RGALI Russisches Staatsarchiv für Literatur und Kunst, Moskau | S.11 Vladimir Tatlin, Der Thron der Venus, Bühnenbildentwurf zum Theaterstück "Zar Maxemian", 1911, Staatliches Russisches Museum,
© Foto: 2012 Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg | S.13 Craigie Horsfield, The Arciconfraternity of Santa Monica, Piazza Sant'Antonino, Sorrento, April 2010, 2010, Courtesy the artist | S.14-15 Jeff Koons, Michael Jackson and
Bubbles, 1988, The Broad Art Foundation, Santa Monica, © Jeff Koons, Foto: Jeff Koons Studio / Douglas M. Parker Studio, Los Angeles | S.16 oben: Jeff Koons, New Shelton Wet/Drys Tripledecker, 1981, Des Moines Art Center Permanent
Collections, erworben mit dem Erlös aus dem Verkauf einer Schenkung von Roy Halston Frowick, 1991, © Jeff Koons, Foto: Jeff Koons Studio, New York | S.16 unten: Jeff Koons, Stacked, 1988, Privatsammlung, © Jeff Koons, Foto: Jeff
Koons Studio / Jim Strong, New York | S.17 oben: Jeff Koons, Hanging Heart (Gold/Magenta), 1994–2006, Besitz des Künstlers, © Jeff Koons, Foto: Jeff Koons Studio, New York | S.17 unten: Jeff Koons, Tulips, 1995–98, Privatsammlung,
© Jeff Koons, Foto: Jeff Koons Studio / Tom Powel | S.18 Jeff Koons, Split-Rocker, 2000, Ausführung im Berower Park der Fondation Beyeler anlässlich der Ausstellung Jeff Koons, Riehen/Basel 2012, Besitz des Künstlers, © Jeff Koons,
Fotomontage: Fondation Beyeler, Riehen/Basel | S.19 Alexander Calder, Untitled c. 1940, Calder Foundation, New York, NY, U.S.A, Foto: © Calder Foundation New York/Art Ressource New York, © 2012 ProLitteris, Zürich | S.20 unten:
Philippe Parreno, Inverted Topiary 6, 2011, Foto: Hans-Georg Gaul | S.20 oben: Philippe Parreno, Opening Shot (scene not in film), 2011 Foto: Hans-Georg Gaul | S.23 Die Restauratoren arbeiten an: Henri Matisse, Acanthes, 1953, Fondation
Beyeler, Riehen / Basel, Foto: Andri Pol © 2011, Succession Henri Matisse/ProLitteris, Zürich | S.27 Pierre-Auguste Renoir, Portrait d’Alfred Sisley, um 1864, Stiftung Sammlung E.G. Bührle, Zürich, SIK-Zürich (J.-P. Kühn) | S.28 Pierre-
Auguste Renoir, La Seine à Argenteuil (Les voiles), 1874, Portland Museum of Art, Portland/Oregon | S.29 Pierre-Auguste Renoir, Madame Monet et son fils, 1874, The National Gallery of Art, Washington | S.30 Pierre-Auguste Renoir,
Portrait de Charles Le Cœur, 1871, Musée d’Orsay / Gérard Blot | S.31 Hilary Lloyd, Trousers, 2010 | S.32 Gerrit Rietveld, Rot-Blauer Stuhl, 1918/1923, © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, Foto: Andreas Sütterlin | Gerrit Rietveld mit einem Modell des
«Kernhauses», 1941, © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, Foto: Collection Rietveld Schröder Archive, Utrecht | S.33 Justin Fiske, Installation mit Spindel, © Foto: Museum der Kulturen Basel | S.37 Martin Disler, Die letzten Kisten, 1994, Nachlass
Martin Disler © Kloster Schönthal | S.38 Fernand Léger, Composition I / Komposition I, 1930, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Foto: Cantz Medienmanagement, Ostfildern © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, Abdruck honorarfrei im Rahmen
Engagement
der Ausstellung, im Museum Frieder Burda in Baden-Baden | S.39 Henri Laurens, La grande Musicienne, 1937, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’Art moderne / Centre de Création industrielle, © VG Bild-Kunst, Bonn 2012, bpk /
CNAC–MNANM / Adam Rzepka, Abdruck honorarfrei im Rahmen der Ausstellung, im Museum Frieder Burda in Baden-Baden | S.41 Aube Elléouët, les Semailles, 1970 © Foto: Alberto Ricci adagp Paris 2011 | S.42 Simon Starling, Trois
cent cinquante kilogrammes par mètre carré, 2012 © Simon Starling | S.43 Carlos Garaicoa, A City View From the Table of My House (Detail), 2001, Courtesy Carlos Garaicoa | S.44 oben: Anselm Kiefer, Tannhäuser, 1991, Sammlung
Würth, Inv. 7756 © Anselm Kiefer | unten: David Hockney, View from Terrace II, 2003, © Sammlung Würth | S.45 Kris Martin, All Saints, 2007, 250 antike Glashauben, Collection Vanmoerkerke, Belgien Foto: Achim Kukulies, Düsseldorf,
Courtesy Sies + Höke, Düsseldorf | Hermann Hesse, Ohne Titel (Traumbild), Dezember 1917, Deutsches Literaturarchiv Marbach © Hermann Hesse-Editionsarchiv, Volker Michels | Los Carpinteros: Movimiento de Liberación Nacional,
2010, Metall, Plastik , Courtsey Los Carpinteros und Ivorypress, Madrid | Rosângela Rennó, Three Holes (Drei Löcher) und Escorpião (Skorpion), 1998, Aus der Serie Vulgo [Alias], 1998-1999, Courtesy Galerie Cristina Guerra Contemporary
Art, Lissabon, Portugal © Rosângela Rennó | Hans Fischli, Pflanzliche Serie «Celerina I», 1931 | Adrian Zingg, Am Wasserfall (Detail), 1785, Dresden, Kupferstichkabinett | Jean-Paul Goude und Antonio Lopez, Konstruktivistisches
Schwangerschaftskleid für Grace Jones, 1979 © Jean-Paul Goude | S.46 Vincent van Gogh, Basket of pansies, 1886 | Richard Pare, Shabolovka Radio Tower, 1998, Fotografie © Courtesy Richard Pare and Kicken Berlin | Ed Ruscha, THE
MOUNTAIN, 1998, Courtesy Gagosian Gallery, © Ed Ruscha | Auguste Rodin, L’éternelle idole, 1893, Foto: Kasser/Mochary Family Foundation, Montclair, NY | S.47 Damien Hirst, Sympathy in White Major – Absolution II, 2006, Provate
Collection, © Damien Hirst and Science Ltd. | Pablo Picasso, Nude Woman in a Red Armchair 1932, © Succession Picasso/DACS 2002, Pro Litteris, Zürich | Hans Haacke, Helmsboro Country, 1990 | Max Beckmann (1884-1950) Frau mit
Mandoline in Gelb und Rot, 1950 Öl auf Leinwand, 91,9 x 140,2 cm Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Pinakothek der Moderne, München S.50 v.o.n.u. Edgar Degas, Trois danseuses, jupes violettes, 1896, Privatsammlung | Luciano
Wir engagieren uns für eine attraktive
Kunst- und Kulturregion Basel.
Artinside Fabro, L'Italia d'oro, 1971, Sammlung Goetz | Jean Tinguely, Study for an End of the World No. 2 (Filmstill), Las Vegas, 1962
Artinside
Vincent van Gogh, Basket of Pansies, 1886 Richard Pare, Shabolovka Radio Tower, 1998. Ed Ruscha, THE MOUNTAIN, 1998 Auguste Rodin, L’éternelle idole, 1893
Damien Hirst, Sympathy in White Major –
Absolution II, 2006
Pablo Picasso, Nude Woman in a
Red Armchair, 1932
Hans Haacke, Helmsboro Country, 1990 Max Beckmann, Frau mit Mandoline
in Gelb und Rot, 1950
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Von Bartha Collection
Clare Kenny, No hard feelings, 2011
Lambda and Baryt prints, handmade bronze nail
spraypaint and varnish, 120 x 110 x 45 cm
Andreas His, Paris, boulevard de la Villette, 1976
Öl auf Leinwand, 74 x 71 cm
VON BARTHA COLLECTION
Schertlingasse 16, Basel
+41.61.271 63 84
www.vonbartha.com
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ART 43 BASEL, 14.06. – 17.6.2012
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Opening: 01.06.2012, 18 – 20 h
ART 43 BASEL, 14.06. – 17.6.2012
HALLE 2.0, STAND F7
CARZANIGA
Gemsberg 8, Basel
+41.61.264 30 30
www.carzaniga.ch
ANDREAS HIS, LUCA CACCIONI,
LUDWIG STOCKER
12.05. – 16.06.2012
Vernissage: 12.05.2012, 11 – 15 h
LENZ KLOTZ, PAOLO POLA
23.06. – 18.08.2012
Vernissage: 23.06.2012, 11 – 15 h
ART 43 BASEL, 14.06. – 17.6.2012
HALLE 2.0, STAND A01
Oliver Krähenbühl, ohne Titel, 2012
Öl auf Baumwolle, 150 x 105 cm
Ernst Ludwig Kirchner, Strassenbild vor dem Friseurladen, 1926
Öl auf Leinwand, Gordon 848, 119 x 100 cm.
Vorderseite oben links signiert; Rückseite signiert, betitelt
Hanspeter Kamm, «Eher senkrecht», 2010
Draht, Gewebe, 100 x 37 x 25 cm
GRAF & SCHELBLE
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www.grafschelble.ch
OLIVER KRÄHENBÜHL
"Dazzled by Bright Lights". Malerei,
Zeichnung
bis 25.05.2012
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"Vue". Fotografie,
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08.06. – 06. 08.2012
HENZE & KETTERER & TRIEBOLD
Wettsteinstr. 4, 4125 Riehen
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www.henze-ketterer-triebold.ch
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Der Tanz – Menschenbilder.
09.06. – 25.08.2012
Vernissage: 09.06.2012, 12 – 19 h
ART 43 BASEL, Art Feature,
HALLE 2.0, STAND G8
14. – 17. 06. 2012:
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HILT
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Matt McClune, Untiteld (Spring Composition)
100x75 cm 2012 Pigment und Mischtechnik auf eloxiertem Aluminium
Felix Baudenbacher, Bridge2 2012
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16.05.2012 – 23.06.2012
Vernissage: 16.05.2012, 18 –20 h
Artist Talk: 06.06.2012, 18.30 h
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Vernissage: 31.08.2012, 17 – 20 h
Zeitgenössische Kunst aus Berliner Galerien
GALERIE BROCKSTEDT www.brockstedt.com
COLLECTIVA www.collectivagallery.com
GALERIE DESCHLER www.deschler-berlin.de
GALERIE HIRSCHMANN www.galeriehirschmann.com
KUNSTBÜROBERLIN www.kunstbueroberlin.de
KIT SCHULTE CONTEMPORARY ART www.kitschulte.com
WAGNER+PARTNER www.galerie-wagner-partner.com
ZELLERMAYER GALERIE www.zellermayer.de
FIRST VIEW Di 12 Juni 13 – 21 h SHOW HOURS 13 –17 Juni | Mi – Sa 11 – 19.30 h | So 11 – 18 h
Ernesto Tatafiore, Ohne Titel
Guido Nussbaum, La Grande Moquette, 2011,
beide Bilder Courtesy STAMPA, Basel
Christian Peltenburg-Brechneff, Mountain Landscape,
Serie , 1 Nr. 7, 2011, Öl auf Leinwand, 107 cm x 127 cm,
auf der Rückseite des Weres bezeichnet, signiert und datiert
STAMPA
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www.stampa-galerie.ch
ERNESTO TATAFIORE
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GUIDO NUSSBAUM
Nouvelle Peinture d‘Histoire
01.06.2012 – 25.08.2012
ART43 BASEL, 14.06. – 17.6.2012
HALLE 2.1, STAND N20
Art Bookshop, Halle 1
DANIEL BLAISE THORENS
Aeschenvorstadt 15, Basel
+41. 61. 271 72 11
www.thorens-gallery.com
CHRISTIAN PELTENBURG -
BRECHNEFF
www.berliner-galerien.de
Kaserne Basel Klybeckstrasse 1b, CH-4057, Schweiz

50
Artinside
Edgar Degas, Trois danseuses, jupes violettes,
1896 | Luciano Fabro, L'Italia d'oro,
1971 | Jean Tinguely, Study for an End of the
World No. 2 (Filmstill), Las Vegas, 1962
Das nächste Artinside erscheint am 5. September 2012 mit diesen Themen
Fondation Beyeler, 30.09.2012 – 27.01.2013
Edgar Degas.
Edgar Degas (1834–1917) gilt neben van Gogh, Cézanne und Gauguin als einer der
wichtigsten Wegbereiter der modernen Kunst. Dennoch sind Degas-Ausstellungen ein
seltenes Ereignis. Nachdem er den Impressionismus um 1880 hinter sich gelassen hatte,
gelangte Degas in seinem kühnen und eigensinnigen Spätwerk zum unbestrittenen
Höhepunkt seines Schaffens. Die grosse Ausstellung der Fondation Beyeler zeigt
seine berühmten Darstellungen von Tänzerinnen, weiblichen Akten, Reitern und
Landschaften. Zu sehen sind rund 150 Gemälde, Pastelle, Skulpturen, Zeichnungen und
Fotografien aus öffentlichen und privaten Sammlungen aus der ganzen Welt.
Kunstmuseum Basel, 09.09.2012 – 03.02.2013
Arte Povera. Der grosse Aufbruch.
Boetti, Kounellis, Merz, Pistoletto aus der Sammlung Goetz.
In den 60er-Jahren formiert sich in Italien mit den heute so berühmten Künstlern wie
Alighiero Boetti oder Mario Merz eine neue künstlerische Bewegung: die Arte Povera.
Charakteristisch ist der Einsatz ärmlicher Materialien wie Erde, Glas, Äste, Wachs, der
im durchaus kritischen Gegensatz steht zur immer technologischer werdenden Umwelt.
In stilistischer Anarchie streben Bilder, Objekte und Rauminstallationen danach, zu
natürlichen Prozessen und Gesetzmässigkeiten zurückzufinden. Aber auch das kulturelle
Erbe der Antike wird in diesen visualisierten Wahrnehmungsprozessen auf sinnliche und
poetische Weise thematisiert.
Die grosse Sonderausstellung im Kunstmuseum Basel ermöglicht es mit rund 100 Werken
aus der Sammlung Goetz, die grosse Aktualität der Arte Povera auch für die jüngste
Künstlergeneration zu veranschaulichen.
Museum Tinguely, 07.11.2012 – 03.02.2013
Tinguely@Tinguely. Ein neuer Blick auf Jean Tinguelys Werk.
Vor 16 Jahren, im Oktober 1996, wurde das Museum Tinguely eröffnet. Seither ist die
grösste Sammlung von Arbeiten Jean Tinguelys noch weiter gewachsen. Dies ist der
Grund, weshalb ein neuer Sammlungskatalog in drei Sprachen erscheint. Er liefert einen
umfassenden Überblick über den Künstler, die Sammlung und ihre Dokumentation.
Gleichzeitig werden seine Werke erstmals seit langer Zeit wieder die gesamte
Ausstellungsfläche einnehmen. 20 Jahre nach dem Tod des Künstlers wird mit einer
neuen Präsentation auch eine revidierte Sicht auf seine künstlerische Arbeit vorgestellt.
So wird mit einem frischen Blick und einem erweiterten Vermittlungsangebot Tinguelys
Œuvre für eine neue Generation greifbar werden.
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