Abendprogramm (PDF) - Philharmonie Luxembourg

On the border
Vendredi / Freitag / Friday
30.10.2009 21:00
Grand Théâtre de Luxembourg, Studio
«Hommage à Klaus Nomi – a songplay in nine fits»
pour contre-ténor, comédien et ensemble (1998–2007/2008)
Olga Neuwirth idée, composition, arrangement
Thomas Jonigk texte
Raaf Hekkema instrumentation des interludes baroques
Andrew Watts contre-ténor
Marc Bischoff comédien
musikFabrik
Liz Hirst flûte
Piet Van Bockstal hautbois
Carl Rosman clarinette
Nándor Götz saxophone
Elise Jacoberger basson
Evan Williams cor
Markus Schwind trompette
Bruce Collings trombone
Melvyn Poore sampler
Michael Weilacher percussion
Ulrich Löffler synthesizer
Hubert Steiner guitare électrique
Hannah Weirich violon
Axel Porath alto
Dirk Wietheger violoncelle
Michael Tiepold contrebasse
John Eckhardt basse, basse électrique
Willi Bopp régie son

«Hommage à Klaus Nomi – a songplay in nine fits»
für Countertenor, Schauspieler und Ensemble (1998–2007/2008)
Song 1:
«So simple»
Zwischenmusik 1:
Giovanni Battista Pergolesi: Largo (Stabat mater) (1736)
Song 2:
«Wünsch dir nichts»
Song 3:
«Remember»
Zwischenmusik 2:
Georg Friedrich Händel: «Dove sei amato» (Rodelinda, regina
de’ Longobardi) (1725)
Song 4:
«I like to be free»
Song 5:
«Last dance»
Zwischenmusik 3:
Antonio Lotti: «Quantus tremor» (Requiem en fa majeur)
(1717–1719?)
Olga Neuwirth: No more secrets, no more lies (2004)
Song 6:
«Awake from winter»
Zwischenmusik 4:
Johann Sebastian Bach: Largo ma non tanto (Konzert für zwei
Violinen d-moll [ré mineur] BWV 1043) (vor 1730)
Song 7:
«Can’t help it»
Zwischenmusik 5:
Antonio Vivaldi: «Cum dederit delectis» (Nisi Dominus
en sol mineur RV 608)
Edward Lear: «The Yonghy Bonghy Bò» (1876)

Zwischenmusik 6:
Georg Philipp Telemann: Adagio (Oboenkonzert d-moll [ré mineur]
TWV 51:d1)
Song 8:
«My time»
Zwischenmusik 7:
Jan Pieterszoon Sweelinck: Variationen 1–3 über «Mein junges
Leben hat ein End» SwWV 324
Song 9:
«The witch»
~75’
Kompositionsauftrag von Kunststiftung NRW, musikFabrik und
MaerzMusik | Berliner Festspiele
Koproduktion MaerzMusik | Berliner Festspiele, musikFabrik,
London Contemporary Opera und Grand Théâtre de Luxembourg
Dans le cadre de Luxembourg Festival 2009

Sur l’autre rive
Martin Kaltenecker
Au nom d’Olga Neuwirth (*1968) s’attache l’image d’une compositrice
qui ne fait rien comme les autres, d’une rebelle en dehors
des écoles et de l’enseignement, marquée par sa «méfiance envers
tout pompiérisme idéologique ou institutionnel» (Max Nyffeler).
Neuwirth sait provoquer: contre la xénophobie qui gangrène
l’Autriche, elle arbore un brassard noir dans un concert chic au
Konzerthaus de Vienne; contre la domination masculine du
milieu musical, elle apparaît dans un café déguisée en Stockhausen,
pour proférer des paroles machistes à l’encontre des femmes
compositeurs. Ses premiers modèles furent les musiques radicales
de Nono et de Varèse, mais aussi Vinko Globokar, passionné par
l’improvisation musicale, qui lui avait «libéré l’imagination» et
inculqué le goût de la littérature: Neuwirth est une lectrice bouli-
mique et qui ne se trompe guère dans le choix des textes qu’elle
utilise (dont ceux de sa complice Elfriede Jelinek). On dira qu’au
sein de la société du spectacle, l’artiste-rebelle n’est qu’un clown
qui joue avec le système et qui en est complice: la pierre de touche
devient alors le risque, un désir d’expérimenter qui peut produire
éventuellement des pièces ratées ou incompréhensibles – plutôt
que de soigner une image publique homogène et un son recon-
naissable. «Stravinsky aussi a essayé toutes sortes de choses, dit
Neuwirth, et on l’a attaqué de la même façon. Mais il est tou-
jours préférable d’être un compositeur qui reste vivant jusqu’à la
fin de sa vie, c’est-à-dire avec un esprit ouvert et qui se confronte
à de nouveau défis, au lieu de se confirmer toujours soi-même à
travers le confort du langage trouvé. Essayer, quitter la terre ferme
et échouer font partie également du processus créateur.»
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Olga Neuwirth
Neuwirth a en même temps une manière singulière de capter son
époque, et cela dès ses premières œuvres au début des années
1990, à travers l’association avec l’image et une ouverture vers des
musiques de tradition non savante, dont elle capte les gestes et
les sonorités. Neuwirth a écrit des musiques de film, composé
pour des installations et vidéos expérimentales et a même pro-
duit des films dont elle est l’auteure du son comme de l’image.
«La musique se referme d’une certaine manière, puisqu’elle doit
être recomposée dans la tête de chaque auditeur. Tout ce qui est
lié aux objets visuels peut être consommé plus facilement. Le
côté revêche de la ‹musique contemporaine sérieuse› vient de ce
manque apparent de référence au dehors, dans un monde obsédé
par l’image.» C’est aussi le cinéma qui devrait constituer pour
Neuwirth la source d’inspiration de l’opéra contemporain: elle a
ainsi pris comme livret le script du film Lost Highway de David
Lynch, et les techniques cinématographiques vont chez elle
revivifier celles de l’écriture musicale, pour la rendre moins lisse
et prévisible: «Dans toutes mes tentatives permanentes de jouer
avec des coupes brusques, des fondus enchaînés, des contrastes
rapides, des gestes qui ne mènent vers rien et le montage de
matériaux hétérogènes, il s’agit d’œuvrer contre les absurdités de
la vie de tous les jours.»
photo: Sebatian Hoppe
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D’autre part, Neuwirth accueille dans l’œuvre savante la rumeur
et l’énergie de la culture populaire: il y aura des synthétiseurs et
de la guitare électrique, des chansons klezmer, des échos de jazz.
Neuwirth est allée trouver elle-même DJ Spooky pour lui propo-
ser ses propres sonorités en vue de mixages nouveaux, «chose qu’on
ne goûte pas toujours dans le scène ‹rigoriste› de la musique con-
temporaine. J’en ai entendu un rayon, sur ce sujet – c’est banal,
il n’y a aucune pensée de la structure, c’est du kitsch, un patch-
work…». Dans les années 1990, Neuwirth (comme l’italien Fausto
Romitelli, à la même époque) ne voulait pas refouler les sonorités
électroniques du punk ou du jazz qui marquent notre imaginaire
sonore – après tout, l’adolescente avait été fascinée par Miles
Davis avant de s’enticher du concerto pour trompette de Haydn.
Au ‹bloc› déprimant que représente le piano, meuble bourgeois
et anxiogène, la jeune musicienne avait préféré la trompette, s’identifiant
intimement aux noces du métal et du souffle, avant d’être
brutalement privée de l’exercice de cet instrument par un accident
de voiture. Le ‹son› de la musique de Neuwirth ne sera donc pas
aussi fixé que celui de certains de ses aînés – Nono, Lachenmann,
Sciarrino ou Grisey – mais se repère plutôt dans une manière
singulière de mixer les sonorités, avec une aisance, un savoir technique
et une poésie qui sont rares.
En 1998, Neuwirth s’est emparée pour la première fois de la figure
de Klaus Nomi (1944–1983), découvert par David Bowie, icône
de la scène du New Wave. Doué d’une voix à l’étendue exceptionnelle,
Nomi se produisait dans des tenues extravagantes qui jou-
aient d’une homosexualité s’exprimant par le déguisement; il fut
aussi l’un des premiers personnages célèbres à mourir du sida.
Pour Neuwirth, Nomi représente sans doute d’abord le symbole
d’une attitude underground qui bruisse sous les institutions et
les certitudes, mais elle paraît fascinée également par une voix
étrange, elle même rebelle aux classifications. Ses Five daily miniatures
(1994) faisaient déjà appel à la voix de contre-ténor – dans
une curieuse suite de scènes qui citaient des phrases de Gertrude
Stein; récemment, …ce qui arrive (2004) incluait trois songs chantés
par la voix d’alto, chaude et inclassable, du sémillant travesti berlinois
Georgette Dee. Neuwirth sait aussi repérer tous les bruits de

la voix – «les registres diversifiées des ‹couleurs vocales› chez Lynch,
du chuchotement au éclats de rire» – et les utiliser; dans Spleen
pour clarinette basse (1994), on entendait des rugissements et de
vrais baisers. Le traitement vocal du contreténor dans l’Hommage
est varié par l’accent employé ou par l’application sur la voix
parlée (dans Awake) d’un léger pitch-band, qui fait résonner des
hauteurs musicales.
Depuis les quatre songs arrangés en 1998, l’Hommage à Klaus Nomi
s’est étoffé: neuf chansons sont entremêlées d’arrangements de
différentes compositions de musique ancienne (dûs au saxopho-
niste Raaf Hekkema) et reliées par un texte de l’écrivain allemand
Thomas Jonigk qui fait parler Nomi. Annoncées à chaque fois
par une cloche qui rappelle, comme dans certaines cantates baro-
ques, le temps qui passe et l’heure dernière, les interventions du
récitant déploient le récit poétique d’un chanteur qui récapitule-
rait sa vie, passant de l’attendrissement à une ironie acerbe ou
une vanité glamour, et hanté par le leitmotiv du compte à rebours
enclenché par une maladie impitoyable.
«J’ai toujours été sur l’autre rive, dit Nomi au début, j’ai fait de
moi un vampire surhumain, un robot de kabuki, né d’une nuit
d’amour improbable entre Maria Callas et Elvis Presley…» C’est
aussi de la devise de l’hybridation que va jouer la musique. Le
rythme des chansons réinstrumentées par Neuwirth est souvent
marqué par une percussion massive: «J’ai un faible pour des sonorités
assez rudes, brutales, plutôt que des surfaces polies et raffi-
nées», dit la compositrice, qui utilise également le synthétiseur
pour introduire des grommellements qui vont contrepointer une
trompette bouchée, un léger larsen comme petite touche finale
(«I like to be free»), un dialogue de la voix avec son propre écho
samplé («My time»), ou encore de faux chœurs qui soupirent dans
«Can’ help it», chanson qui est elle-même, avec son accent allemand
chuinté, un hommage au meneur dans le film Cabaret de Bob
Fosse.
Ce sont surtout les deux ‹highlights› de Purcell qui déploient tout
un art de l’hybridation sonore: dans les adieux de Didon et Enée,
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c’est le clavecin, artificiel à souhait du synthé, avec aussi des grincements
métalliques, des fausses notes, des glissandos qui exa-
gèrent la basse descendante du lamento, les accents acides d’une
petite trompette dans le suraigu qui reprend le rythme pointé, le
tout donnant une musique triste et déglinguée. Dans le fameux
«Awake from winter», des bruits de rafales, des roulements de tambours
virtuels et des cliquetis glacés répondent à la profonde res-
piration de la clarinette basse.
Les inserts baroques ont été sélectionnés par Neuwirth et ils sont
toujours courts – on ne s’épanche pas dans cet hommage, qui
parle certes de la mort, mais à travers un second degré kitsch et
‹camp› qui dissout les pesanteurs. Ils sont liés entre eux par le
thème de la mort ou par celui du chant, reflété en miroir par des
voix instrumentales qui ressortent – le saxophone dans le Stabat
mater de Pergolèse, la trompette dans la plainte de Rodelinda de
Händel, le hautbois dans un adagio de Telemann. Le rythme
martelé du «Quantus tremor» («Quelle terreur») du Requiem de Lotti
reprend en écho les piétinements de «Last dance», qui sonne rétrospectivement
comme une danse macabre, et Hekkema emploie
le timbre étrange du bugle contralto (avec une sourdine wha wha)
pour imiter la voix du «castrat venu d’autres planètes» dont parle
le texte. Le contraste devient extrême, à la fin, entre les variations
sur «Ma jeune vie prend fin» de Sweelinck (œuvre pour clavier
ici traitée en canzona vénitienne du 17 e siècle, avec un répons des
cuivres et des cordes), la description de la décomposition du
cadavre, et la danse effrénée qui célèbre la mort de la méchante
sorcière qui a enfin crevé!
Quelle musique, demandait-on récemment à Neuwirth, voudriez
pour votre enterrement? «The wicked witch is dead, dans la version
Klaus Nomi», avait-elle répondu – histoire, sans doute, qu’on ne
pleure pas trop. On dirait ici un écho déjanté du sextuor final de
Don Giovanni – le dissolu a été puni, dansons, essuyons nos larmes
«d’une main manucurée», comme Jonigk le fait dire à son héros…

Schubladen im Weltall
Olga Neuwirths «Hommage à Klaus Nomi»
Bernhard Günther
Schubladen sind solide gebaut und halten meist über viele Jahr-
zehnte. Ganz sicher gilt das für jene ästhetischen Schubladen, mit
denen kulturelle Angebote säuberlich so sortiert werden, dass man
sich in Veranstaltungsprogrammen, Plattenläden, Buchhandlungen
u.v.a.m. möglichst auf Anhieb zurechtfinden soll. Da gibt es
beispielsweise «Theater» und «Konzert», «Pop» und «Klassik», «Alte»
und «Neue Musik» – und in der Regel weiß man ungefähr, was
man sich unter der jeweiligen Bezeichnung vorstellen kann. Oder
etwa nicht?
Beim Aufschlagen der ersten Seite des heutigen Abendprogramms
öffnen sich ziemlich viele solcher Schubladen zur gleichen Zeit.
Das beginnt schon bei der Liste der Koproduzenten aus den
Bereichen Konzert, Oper und Theater – dem Berliner «Festival
für aktuelle Musik» MaerzMusik, dem Kölner Ensemble musik-
Fabrik, der London Contemporary Opera und dem Grand Thé-
âtre de Luxembourg. Hinzu kommt der Rahmen der Konzert-
reihe «On the border» der Philharmonie, die für sich genommen
schon für das Miteinander verschiedenster Genres und Stile steht.
Dann wären da noch der ungewöhnliche Untertitel «Songplay»
(bei dem man nicht recht weiß, ob eher eine Art spielerischer
Liederabend oder ein Theaterstück mit Popmusik bevorsteht)
sowie eine ganze Reihe von Komponistennamen aus dem 17. und
18. Jahrhundert (Bach, Telemann, Händel, Vivaldi, Lotti, Pergolesi
und Sweelinck), die sich normalerweise eher im Alte-Musik-Zyklus
«Voyage dans le temps» finden würden. Und dann, vor allem,
gibt es die beiden Namen, die im Zentrum des heutigen Programms
stehen, Klaus Nomi und Olga Neuwirth, deren Gemeinsamkeit
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Klaus Nomi
nicht zuletzt darin besteht, dass beide mit dem größten Vergnügen
eine Unzahl von stilistischen Schubladen gesprengt haben.
Nomi, am 24. Januar 1944 im süddeutschen Immenstadt im
Allgäu unter dem bürgerlichen Namen Klaus Sperber geboren
und am 6. August 1983 als eines der ersten prominenten AIDS-
Opfer in New York gestorben, hatte sich schon früh für die Oper
begeistert und begann nach einer Konditorlehre und einigen Er-
fahrungen als Statist an den Essener Bühnen ein Gesangsstudium
in Berlin, wo er es in der Deutschen Oper allerdings nur bis zum
Platzanweiser brachte. 1973 zog er nach New York, perfektionierte
beim Gesangs- und Bühnen-Coach Ira Siff die Kunst der hohen
Countertenor-Stimme und wuchs immer mehr in die Rolle der
androgynen Kunstfigur Klaus Nomi hinein («Um das zu werden,
was ich bin, musste ich mich erfinden»). Ein Auftritt in der legendären
NBC-Show «Saturday Night Live» als Gast von David
Bowie machte ihn 1979 über Nacht einem breiten Publikum be-

kannt. Es folgte 1980 die erste Platteneinspielung, dann Fernseh-
auftritte in Deutschland, unter anderem bei Alfred Biolek und
Thomas Gottschalk, in dessen Talkshow «Na sowas!» er 1982 seine
unterkühlt-überdrehten Interpretationen der Opernarien von
Henry Purcell vorführte. Purcells King Arthur von 1691, gekleidet
in eine an Oskar Schlemmers Bauhaus-Kostüme und die Fracks
der Comedian Harmonists der 1930er Jahre erinnernde Weiter-
entwicklung von Bowies Ziggy-Stardust-Outfit von 1972 – «Man
kann sich einen Marsbesucher beim sonntäglichen Kirchgang vorstellen»,
schrieb Steffen Kühn über Nomis «hyperstilisiertes Image,
[…] ständig changierend zwischen Ironie und Ernsthaftigkeit».
Es war, wenn man so will, ein retro-futuristischer Glam-Barock,
eine extrovertiert-subtile Kunst voller Zeitensprünge und Wider-
sprüche, die Klaus Nomi von der schrägen Kultfigur der kunst-
affinen New Yorker Schwulenszene zur grenzüberschreitenden
Ikone der 1980er Jahre werden ließ. Oder, mit den Klaus Nomi
im Libretto des heutigen Abends in den Mund gelegten Worten
von Thomas Jonigk: «Kabukiroboter. Samurai auf LSD, interga-
laktischer Pierrot, High-Tech-Primadonna, singender Mutant.
Mehr Dietrich als Devo, mehr Callas als Clash. […] Das Wunschkindergebnis
einer rauschartigen Liebesnacht zwischen Maria
Callas und Elvis Presley: das bin ich.»
Olga Neuwirth, geboren am 4. August 1968 im österreichischen
Graz, kam aus einem vom Jazz geprägten Elternhaus und lernte
zunächst Trompete, bevor sie mit 17 Jahren beim Festival stei-
rischer herbst erstmals als Komponistin aktiv wurde. 1986/1987
studierte sie zunächst in San Francisco Komposition, Malerei und
Film, dann in Wien Komposition und Elektroakustik, schließlich
in Paris bei Tristan Murail und am Ircam; es folgten prägende
Begegnungen mit Adriana Hölszky und Luigi Nono. Spätestens
mit ihren Aufführungen bei den Wiener Festwochen in den
1990er Jahren wurde Olga Neuwirth zum Shooting star der sich
damals nahezu explosionsartig entwickelnden Neue-Musik-Szene
Österreichs. Auf den großen Festivals des damals noch viel stärker
als heute an der Avantgarde-Tradition orientierten internationalen
«Neue-Musik-Betriebs» stand sie schnell im Ruf, stets für Über-
raschungen gut zu sein. Mit gutem Grund, denn Olga Neuwirth
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war eine der ersten, die im lange rein «innermusikalisch» orien-
tierten Musikbereich ganz selbstverständlich Film, Video, Literatur,
Malerei, Theater und Musik miteinander in Beziehung setzten –
und sie tut das noch dazu auf äußerst ideensprühende, spieler-
ische Weise. Ob sie ein Libretto von Elfriede Jelinek, einen dicken
Roman von Georges Perec oder wilde Texte von William S.
Burroughs vertont; ob sie filmische Schnitt- und Montagetechniken
als kompositorische Mittel einsetzt oder kurzerhand aus einem
Film wie David Lynchs Lost Highway eine Oper macht; ob sie
sich vom Absurden Theater, von Science Fiction, Videoclips,
Maltechniken der Bildenden Kunst oder ganz einfach von ihrer
breit gefächerten Plattensammlung inspirieren lässt – stets scheint
ihr, um im anfangs gebrauchten Bild zu bleiben, eine riesige
Kommode mit Dutzenden offen stehender Schubladen zu Gebote
zu stehen, deren Inhalt und Anordnung sie immer wieder neu
vertauscht, verbindet, durcheinanderwirbelt.
Die Hommage à Klaus Nomi geht zurück auf ein großes Olga-
Neuwirth-Porträt bei den Salzburger Festspielen 1998. Im zweiten
Konzert waren dabei, fein verzahnt mit Musik vom 17. bis zum
20. Jahrhundert, vier der legendären Nomi-Songs erstmals in Olga
Neuwirths Arrangement zu hören. Es schadet nicht, sich in Erin-
nerung zu rufen, dass es damals keineswegs im Rahmen des
Üblichen lag, das Publikum eines erlesenen Klassik-Festivals mit
schräg arrangierten Pop-Songs zu traktieren. Dieser ersten Ent-
wicklungsstufe mit «So simple» (nach Nomis «Simple Man»), «Remember»
(bei Nomi: «Death»), «Can’t help it» (nach «Falling in Love
Again») und dem ausgelassenen Schluss mit «The witch (nach «Ding-
Dong!») folgten 2005 für eine Aufführung in Paris die Songs «Rush
in» (nach Hugo E. Peretti / Luigi Creator / George David Weiss),
«Just one look, but…» (nach Doris Payne / Gregory Carroll) sowie
«Eclipse» («Last Dance», nach Kristian Hoffman). Für die musik-
Fabrik, das Festival MaerzMusik, die London Contemporary
Opera und das Grand Théâtre de Luxembourg hat Olga Neuwirth
nun diesen siebenteiligen Liederzyklus ausgebaut und überar-
beitet sowie mit barocken Zwischenspielen (instrumentiert vom
niederländischen Saxophonisten Raaf Hekkema), Texten des
Autors und Dramaturgen Thomas Jonigk sowie mit szenischen

Klaus Nomi
und visuellen Aspekten kombiniert. Resultat ist nun das abend-
füllende Songplay in nine fits, das angeblich die letzte Form der
jahrelangen Nomi-Reflexionen von Olga Neuwirth darstellt –
aber wer kann das schon wissen?
So schwer die Hommage à Klaus Nomi einzuordnen sein mag –
das Wort «Hommage» ist auf jeden Fall ernstzunehmen: «Seit
meinem 12. Lebensjahr verfolgen mich seine Songs», bekennt
Olga Neuwirth und verweist nicht nur auf ihr ausgeprägtes Faible
für androgyne Stimmlagen (dem sich schließlich mehrere Kompositionen
mit Countertenor verdanken), sondern auch auf Nomis
eigenartiges Changieren zwischen Ernst und Exaltiertheit: «Ich
glaube, er hat die Menschen wie von einer Raumstation aus ge-
Courtesy of zabakdaz.com
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nauestens beobachtet und analysiert, bevor es zu diesen ätzenden,
zarten, leichten, tragischen und ironischen Songs kam.»Auch
wenn Grenzüberschreitungen aller Art in weiten Bereichen der
Gegenwartskultur von Jahr zu Jahr immer leichter von der Hand
gehen – Olga Neuwirths Hommage à Klaus Nomi sollte nicht als
lockere Stilcollage missverstanden werden. Schon gar nicht, wenn
man sich vor Augen hält, wie leicht man sich beim entschlossenen
Verzicht auf alle Sicherheit gewährenden Schubladen in die Gefahr
begibt, missverstanden zu werden. Und ebenfalls nicht, wenn
man beobachtet, wie schon Nomi mit vielschichtiger ironischer
Distanz zu Werke ging: «Remember» basiert auf Purcells Schlussarie
der Dido, die nach Aeneas Abschied in den Armen ihrer Kammerfrau
stirbt. «Can’t help it» (nach Friedrich Hollaenders «Ich bin von
Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt») klingt in Nomis Fassung, im
Marschrhythmus anstelle des langsamen Walzers gesungen, eher
wild-entschlossen als so schwelgerisch wie bei Marlene Dietrich.
Und ist es wirklich nur lustig, wenn in «The witch» irgendwo
zwischen Bierzelt und Bierernst die böse Hexe vom Wizard of
Oz eingeschmolzen wird?
«Nicht Masochismus steckt hinter meiner Themenwahl», sagt
Olga Neuwirth zur Hommage à Klaus Nomi, «sondern der Ausnahmezustand
Leben, wie man damit umgeht, und Melancholie
und Sehnsucht. Es ist vielleicht eine Liebe zum seelischen Leiden,
die den Menschen ‹nobilitiert› und wie sie Nomi – meiner Mei-
nung nach – in seinen ironischen Songs thematisiert. Natürlich
auch seine androgyne Erscheinung, die sich über die Geschlecht-
ergrenzen hinweg hebt. Ist Nomi Dürers Engel in Melencolia I?
Der sein gebeugtes Haupt am Kinn aufstützende Engel vermisst
die Welt, sein Denken geht bis an die Grenzen. Dieses Wissen
um die eigene Unfähigkeit erdrückt vielleicht seine Stirn, aber
die Songs erheben ihn aus diesem Zustand. Das Weh um die
eigene Endlichkeit wird ironisiert und stilisiert, um das Weh, die
Schwermut des Alltags zu erleichtern.»

Hommage à Klaus Nomi –
a songplay in nine fits
Libretto
Thomas Jonigk
Darsteller:
We have sailed many weeks, we have sailed many days
But a Snark, on the which we might lovingly gaze,
We have never beheld till now!
Come, listen, my men, while I tell you again
The … unmistakable marks
By which you may know, wheresoever you go,
The warrented genuine Snarks.
Sänger:
I engage with the Snark – every night after dark –
In a dreamy delirious fight:
I serve it with greens in those shadowy screens,
And I use it for striking a light;
But if ever I meet with a Boojum, that day,
In a moment (of this I am sure),
I shall softly and suddenly vanish away –
And the notion I cannot endure!
Darsteller:
Hören Sie? Hören Sie das nicht? Was das ist? Das Ende. Tod?
Das geht ja gut los: Der Countdown läuft. Zehn, neun, acht,
sieben, sechs, fünf, vier … Und bei Null ist es dann aus und
vorbei. Fürchten Sie sich nicht. Wenn es eintritt, ist auf ein-
mal alles ganz natürlich. Nicht mehr menschlich. Die gute
Nachricht: Gegenüber stehe ich und erwarte Sie. Dort, wo
ich schon immer gewesen bin: am anderen Ufer: die absolute
Unübersehbarkeit, die größtmögliche intergalaktische Un-
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kenntlichkeit unter atlantischen Farben und Formen, Material
gewordene Materialität, futuristischer Fortsatz einer noch
ungeschriebenen Mythologie, in der es nicht mehr notwendig
ist, jedem so grauenhaft alltägliche Sachen wie «Guten Tag!»
zu sagen. Guten Tag, mein Name ist Klaus Sperber aus
Immenstadt in Bayern. Immenstadt, die Deutschen Alpen,
von meiner Mutter geboren, ernährt, vorgezeigt, zugedeckt,
großgezogen und später nach Essen in Nordrhein-Westfalen
verfrachtet, wo es auch nicht anders als in Immenstadt war,
nur nördlicher, abgelenkter, mit mehrspurigen Straßen, Leuchtreklamen,
Schnellzügen, Einkaufspassagen und Theater.
Theater! Aus. Vorbei. Vergangenheit, eine Sehstörung, senti-
mentale Erinnerung in Schwarz-weiß, gestörter Empfang
längst vergangener Gedanken. Und dann: am anderen Ufer,
als Statue, ein lebender Toter, ein wirkungsbewusster Vampir,
männlich, weiblich, übermenschlich: ich. Als Nicht-Ich bin ich
mehr ich, als ich je gewesen bin. Ich hülle mich in Kunstfaser
und überdimensionale Schulterpolster. Ich kämme mein ge-
geltes Haar zu einer dreigezackten Krone und bemale mein
Gesicht schwarz-weiß. Kabukiroboter. Samurai auf LSD,
intergalaktischer Pierrot, High-Tech-Primadonna, singender
Mutant. Mehr Dietrich als Devo, mehr Callas als Clash. Klaus
aus Außerhalb. Klaus als Kastrat. Klaus als Künstler. Klaus
im Kokon. Das Wunschkindergebnis einer rauschartigen
Liebesnacht zwischen Maria Callas und Elvis Presley: das
bin ich. Ich bin unvermeidlich. Wie ein Autounfall. Ein Erd-
beben, eine Sintflut, ein Orkan und Meteoritenhagel. Ich
stehe am Rande des Weltalls und sehe teilnahmslos herab:
Abziehbilder, Kopien von Kopien, Nullnummern, die ver-
ängstigt nach oben blicken, wo die flauschigen Schäfchen-
wolken sich verkriechen und der Sturmhimmel sich schwarz
zusammenzieht. Es droht eine Naturkatastrophe auf
höchstem Niveau. Klaus Nomi.
Song 1:
So simple»
Zwischenmusik 1:
Giovanni Battista Pergolesi: Largo (Stabat mater) (1736)

Darsteller:
OMNI, NIMO, INOM, OMIN, ONIM, MINO, MONI: NOMI.
Zehn, neun, acht. Die Zeit läuft ab … Klaus Nomi: The one
and only. Nomina sunt odiosa. Namen sind Schall und Rauch,
nichts ist beständig, alles vergänglich, sterblich, nicht ich, ich.
Was ich da sage, passt nicht zu mir.
Song 2:
«Wünsch dir nichts»
Darsteller:
Zurück zu mir: Deutsche Alpen. Essen. Berlin. Klaus Sperber.
Platzanweiser. Statist. Aushilfsarbeiter. Bäcker. Linzertorte.
Schwarzwälderkirschtorte. Käsekuchen. Donauwelle. Phila-
delphiatorte. Herrentorte. Sachertorte. Zitronenrolle. Frank-
furter Kranz. Kann ich alles. So geht das. Keine große Sache,
das macht man so: 125 Gramm weiche Butter mit zehn,
neun, acht, sieben, sechs, fünf, nein, vier Eiern und hundert-
fünfundzwanzig Gramm Zucker verrühren, hundertfünfund-
zwanzig Gramm Mehl und fünfundsiebzig Gramm Kartoffel-
mehl sowie einen Beutel klassisches Backpulver hineinar-
beiten, in eine ausgefettete hohe Rundform geben und im
Backofen backen. Anschließend den Kranz waagerecht in
zehn, neun, acht, sieben, sechs, fünf, vier Teile schneiden,
die Teile mit Buttercreme wieder zu einem Ganzen zusammensetzen.
Die Buttercreme zuvor mit Vanille, Rum, Obstwasser
oder dergleichen versetzen. Den Kranz mit Buttercreme be-
streichen, mit Krokant bestreuen, mit kandierten Kirschen
und oder Pistazien garnieren.
Song 3:
«Remember»
Darsteller:
Einhunderttausend bis einhundertfünfzigtausend Haare, ein-
hundertfünfzigtausend Kilometer Blutgefäße, zweihundert-
acht bis zweihundertfünfzehn Knochen, circa sechshundert
Muskeln – bei einem Mann ungefähr dreizehn Prozent mehr –,
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je nach individuellem Körpergewicht, circa zehn bis einhun-
dert Billionen Zellen, ungefähr einhundert Milliarden Neuronen
und einhundert Billionen Synapsen, Lungenmasse und drei-
hundert Millionen Lungenbläschen und ein paar andere Zu-
taten werden bei sechsunddreißig bis siebenunddreißig Grad
zu einem Menschen. Untersucht man diesen Menschen in
seiner Gesamtheit, so besteht er zu siebenundsechzig Kom-
ma acht fünf Prozent aus Wasser. Siebenundsechzig Komma
acht fünf Prozent. Wasser. Ist das menschlich? Ist das leben-
dig, diese Zehnneunachtsiebensechsfünfvierdreizweieinsnull-
nummer, dieser Körper, zu groß, zu klein, gleichzeitig maß-
geschneidert, oder habe ich schon immer einen Kadaver ge-
tragen, war ich von Anfang an ein Madengrab, ein Krankheitszeugnis,
eine verblichene Erinnerung an mich? Ziele, Pläne,
Vorhaben lagen vielleicht schon immer hinter mir, in Form
einer Biographie, die meine ist. Alles schon gewesen. War
das Leben? Ist das Leben. Oder ist das Kunst.
Zwischenmusik 2:
Georg Friedrich Händel: «Dove sei amato» (Rodelinda,
regina de’ Longobardi) (1725)
Song 4:
«I like to be free»
Darsteller:
Kunst. Kunst. Kunst bin ich. I am newer than new, youer than
you, nower than now and wower than wow. Außerirdisch.
Sex. Aktiv, passiv, leidenschaftlich, akrobatisch, mechanisch,
notwendig, hormonell bedürftig und atavistisch getrieben.
Song 5:
«Last dance»
Darsteller:
Einzug der Karzinome statt kometenhaftem Aufstieg. Leben
als Überleben, Überleben um jeden sterbenslangweiligen
Preis, obwohl der Countdown läuft. Der eigene Tod ist die
Diva der Angst.

30
Zwischenmusik 3:
Antonio Lotti: «Quantus tremor» (Requiem en fa majeur)
(1717–1719?)
Darsteller:
Warum ist das Unbekannte immer furchterregend, weshalb
verkommt jede Aufregung zur Panik, am Ende steht so oder
so der Tod.
Olga Neuwirth: No more secrets, no more lies (2004)
Darsteller:
Schlaganfälle, Flugzeugabstürze, Herzinfarkte, Verkehrsun-
fälle: all die glamourösen Tode, aber der eigene Tod erschreckt.
Song 6:
«Awake from winter»
Zwischenmusik 4:
Johann Sebastian Bach: Largo ma non tanto (Konzert für
zwei Violinen d-moll [ré mineur] BWV 1043) (vor 1730)
Darsteller:
Manchmal birgt Zerstörung Schönheit. Ein mitreißender
Rhythmus, eine zupackende Melodie, der ängstliche Schrei
eines Menschen hinauf bis zum fünf-, vier-, drei-, zweifach
gestrichenen C. Sphärenmusik?
Song 7:
«Can’t help it»
Darsteller:
Sobald ich zu singen anfing, sagten alle, ich müsse von
einem anderen Planeten sein. Countertenor, Männersoprane,
Kastrat.
Zwischenmusik 5:
Antonio Vivaldi: «Cum dederit delectis» (Nisi Dominus
en sol mineur RV 608)

Darsteller:
Der kleine Klaus, der ich gewesen bin. Der im Garten gespielt
hat. Er war unverändert da: der Garten. Linden, Oleander,
Kirschbäume, Sträucher mit roten und gelben Johannis-
beeren, Blumenbeete mit Rosen und Vergissmeinnicht, grüner
Rasen mit scharf geschnittenen Kanten, auch eine Schaukel,
Kindheitstraum und Kosmos.
Edward Lear: «The Yonghy Bonghy Bò» (1876)
Darsteller:
Wochenendliche Sommersonne, Aufgehobenheit und Zuge-
hörigkeit. Und dann: irgendeine kranke, fünfte Jahreszeit,
blitzschnell, ohne jede Vorankündigung. Der Garten weicht
zurück, als sei mein bloßer Anblick ansteckend, als müsse
ich mitsamt Wurzel ausgerissen werden, nichts ist auf ein-
mal übrig, zehn, neun, acht, sieben …
Zwischenmusik 6:
Georg Philipp Telemann: Adagio (Oboenkonzert d-moll
[ré mineur] TWV 51:d1)
Darsteller:
Es gibt nichts mehr zu sagen. Bleibt das Singen.
Song 8:
«My time»
Darsteller:
Der schönste Augenblick meines Lebens: die Langspielplatte
in meinen manikürten Händen, großformatige Auftritte, ap-
plaudierende Publikumsmassen, das fremde Tierchen amüsiert.
Man klatscht und gafft: ich bin die Schlange im Terrarium, der
Arsch des Pavians hinter dem Käfiggitter: ich bin am Ziel.
Der Tod macht alles leichter. Erwarten Sie bloß nicht, dass
ich Ihnen die Wahrheit sage.
31

Zwischenmusik 7:
Jan Pieterszoon Sweelinck: Variationen 1–3 über «Mein
junges Leben hat ein End» SwWV 324
Darsteller:
Gleich ist es vorbei. Nur eins noch: wie es nach dem Tod
weitergeht? Nach zwei Stunden circa tritt die Leichenstarre
ein. Die inneren Organe bleiben noch kurzzeitig warm, trotz-
dem zeigen sich schnell erste Vertrocknungserscheinungen.
Haare hören auf zu wachsen und die Selbstauflösung setzt
sein: der Magen verdaut sich selbst, das Gehirn wird weich,
der Körper bläht sich und Fäulnis tritt ein. Nach circa zehn
Stunden schlüpft die erste Madengeneration. Der Countdown
läuft. Zehn. Neun. Hören Sie? Acht. Sieben. Wo ist bloß die
Zeit geblieben. Sechs. Fünf. Vier. Er ist jeden Moment hier.
Drei. Zwei. Eins. Vorbei.
Song 9:
«The witch»
33

34
Hommage à Klaus Nomi –
a songplay in nine fits
Songtexte
Song 1: «So simple»
Titel bei Nomi: «Simple Man» (1982;
Musik und Text: Kristian Hoffman,
1982)
I’m just a simple man.
I have to do the simple things
that a simple man can.
You are holding out your hand.
You want to know the simple things
in my simple plan,
and: I know there’s so much to share,
so what else can I do?
Yes, I’m a simple man,
come now and take my hand.
Now and forever never to be lonely.
Yes, I’m a simple man,
I do the best I can.
Now we’re together,
just remember hold me.
But I’m a simple man.
Love is just a simple thought
a little bit the worse
for we are like a thief who got caught.
Oh! It’s just a thing you bought.
It’s just another thin white lie
that everybody got taught.
I can see you look at me,
so what else can I do?
Yes, I’m a simple man,
Come now and take my hand.
Now and forever never to be lonely.
Yes, I’m a simple man,
I do the best I can.
Now we’re together,
just remember hold me.
But I’m a simple man.
I do the best I can,
I got a simple, simple plan,
I hope you understand.
I’m just a simple man,
I’m holding out my hand.
It’s such a simple, simple plan,
I hope you understand
Yes, I’m a simple man,
I do the best I can.
Now we’re together,
just remember hold me.
It’s so simple!
—
Song 2: «Wünsch dir nichts»
Titel bei Nomi: «Wenn ich mir was
wünschen darf» (Musik und Text:
Friedrich Hollaender, 1931)
Wenn ich mir was wünschen dürfte,
käm ich in Verlegenheit,

was ich mir denn wünschen sollte,
eine schlimme oder gute Zeit.
Wenn ich mir was wünschen dürfte,
möcht ich etwas glücklich sein,
denn sobald ich gar zu glücklich wär,
hätt ich Heimweh
nach dem Traurigsein.
Menschenskind, warum glaubst du
bloß,
gerade dein Leid, dein Schmerz
wäre riesengroß?
Wünsch dir nichts, dummes
Menschenkind,
Wünsche sind nur schön, solang sie
unerfüllbar sind.
Wenn ich mir was wünschen dürfte,
käm ich in Verlegenheit,
was ich mir denn wünschen sollte,
eine schlimme oder gute Zeit.
Wenn ich mir was wünschen dürfte,
möcht ich etwas glücklich sein,
denn sobald ich gar zu glücklich wär,
hätt ich Heimweh
nach dem Traurigsein.
—
Song 3: «Remember»
Titel bei Nomi: «Death» (1982;
Musik: Henry Purcell, «Thy hand,
Belinda» aus Dido and Aeneas /
Text: Natum Tate[?], vor 1689)
Thy hand, Belinda, darkness shades
me,
On thy bosom let me rest,
More I would, but Death invades me;
Death is now a welcome guest.
When I am laid in earth, May my
wrongs create
No trouble in thy breast;
Remember me, but ah! forget my
fate.
—
Song 4: «I like to be free»
Titel bei Nomi: «You Don’t Own Me»
(1981; Musik: David White /
Text: John Medora, 1963)
You don’t own me,
I’m not just one of your pretty toys.
You don’t own me,
don’t say I can’t go with other boys.
And don’t tell me what to do,
don’t tell me what to say,
and please, when I go out with you
don’t put me on display, ’cause…
You don’t own me,
don’t try to change me in any way.
You don’t own me,
don’t tie me down ’cause I’d never
stay.
Oh, I don’t tell you what to say,
I don’t tell you what to do,
so just let me be myself,
that’s all I ask of you.
I’m young and I love to be young,
I’m free and I love to be free,
to live my life the way I want,
to say and do whatever I please.
—
Song 5: «Last dance»
Titel bei Nomi: «Total Eclipse» (1981
und 1983; Musik und Text: Kristian
Hoffman, 1981)
Big shots argue about what they’ve got
making the planet so hot, hot as a
holocaust.
Blow up, everything’s going to go up
even if you don’t show up in your
chemise Lacoste.
Total eclipse, it’s a total eclipse,
it’s a total eclipse of the sun.
35

36
Can’t come to grips with the total
eclipse
just a slip of your lips and you’re done.
Fallout, nobody left to crawl out
if someone calls, we’re all out,
turning into French fries
Last dance, let the entire cast dance,
do the dismembered blast dance
as we get atomized!
Total eclipse, it’s a total eclipse,
it’s a total eclipse of the sun.
Can’t come to grips with the total
eclipse
just a slip of your lips and you’re done.
—
Song 6: «Awake from winter»
Musik: Henry Purcell («What power
art thou» aus King Arthur or The British
worthy / Text: John Dryden, 1691)
What power art thou, who from below
Hast made me rise unwillingly and
slow
From beds of everlasting snow?
See’st thou not how stiff and
wondrous old,
Far unfit to bear the bitter cold,
I can scarcely move or draw my
breath?
Let me, let me freeze again to death.
—
Song 7: «Can’t help it»
Titel bei Nomi: «Falling in Love
Again» (1982; Musik und deutscher
Text [«Ich bin von Kopf bis Fuß
auf Liebe eingestellt»]: Friedrich
Hollaender, 1930; englischer Text:
Sammy Lerner, 1930)
Falling in love again,
never wanted to,
what am I to do,
can’t help it.
Love’s always been my game,
play it as I may,
I was made that way,
can’t help it.
They cluster me,
like moths around the flame,
and if their wings burn
I’m not to blame.
Falling in love again,
never wanted to,
what am I to do,
can’t help it.
—
«The Yonghy Bonghy Bò»
(Musik und Text: Edward Lear, 1876,
arr. Olga Neuwirth)
Though you’ve such a tiny body,
And your head so large to grow,
Though your hat may blow away,
Mister Nomi, Nomi, oh!
Though you’re such a Hoddy-Doddy,
Yet I wish that I could modify
The words I needs must say!
Will you please to go away?
That is all I have to say –
Mister Nomi, Nomi, oh,
Mister Nomi, Nomi, oh!
Through the silent-roaring ocean
Did the Turtle swiftly go,
Holding fast upon his shell
Rode our Mister Nomi, oh!
With a sad primeval motion
Toward the sunset isles of Boshen
Still the Turtle bore him well.
Holding fast upon his shell,
Dear crazy world, farewell,
Sang our Nomi, Nomi, oh,
Sang our Nomi, Nomi, oh!
—

Song 8: «My time»
Titel bei Nomi: «Wasting My Time»
(1981; Musik: Scott Woody /
Text: Klaus Nomi, 1981)
I’m wasting my time,
my time,
on you.
—
Song 9: «The witch»
Titel bei Nomi: «Ding-Dong! The
Witch Is Dead!» (1982; Musik:
Harold Arlen / Text: Edgar Yipsel
Harburg, 1939)
Ding-Dong! The witch is dead!
The wicked witch.
Ding-Dong! The wicked witch is
dead!
She’s gone where the goblins go
below,
below, below yo ho,
so let’s all up and sing,
and ring the bells, heigh-ho,
the merry O,
sing it high, sing it low,
let them know wicked witch is dead.
Ding-Dong! The witch is dead!
Ding-Dong! The witch is dead!
The wicked witch.
Ding-Dong, the wicked witch is
dead!
Wake up, you sleepy heads,
rub your eyes, get out of bed.
Ding-Dong, the wicked witch is
dead…
Let them know the witch is dead.
Ah! nä, nä, nä, nä,…
She’s gone to…
It really was no miracle,
what happened was just this: I’m
melting!
37

Artistes
Biographies
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Olga Neuwirth idée, composition, arrangement
Olga Neuwirth est née en 1968 à Graz (Autriche); elle a étudié la
composition au Conservatoire de San Francisco et suivi aussi des
cours à l’Art College de cette ville (peinture et cinéma). En 1987,
elle étudie la composition et l’électroacoustique à la Hochschule
für Musik und darstellende Kunst de Vienne. Parmi ses sources
essentielles d’inspiration: les rencontres avec Adriana Hölszky,
Tristan Murail, Luigi Nono ainsi que l’écrivain Elfriede Jelinek.
En 1996, Olga Neuwirth est l’invitée du Berliner Künstlerpro-
gramms du DAAD. En 1998, les Salzburger Festspielen présentent
des concerts portraits d’elle. La création du spectacle musical
Bählamms Fest (sur un livret d’Elfriede Jelinek) a lieu en 1999
avec grand succès aux Wiener Festwochen. L’œuvre Clinamen/
Nodus composée pour Pierre Boulez et le London Symphony
Orchestra tourne à travers le monde. 2003 voit la création du
spectacle musical Lost Highway d’après le film éponyme de
David Lynch. De 2002 à 2005 se succèdent performances, musiques
de scène et de film. En 2006 aux Salzburger Festspielen,
a lieu la création du concerto pour trompette …miramondo
multiplo pour les Wiener Philharmoniker et Pierre Boulez, avec
en soliste Håkan Hardenberger. En 2007, Olga Neuwirth prend
part à Kassel à documenta12. La même année a lieu la première
américaine de Lost Highway. Depuis 2006, Olga Neuwirth est
membre de l’Akademie der Künste Berlin. www.olganeuwirth.com
39

40
© Priska Ketterer
Olga Neuwirth
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Olga Neuwirth Idee, Komposition, Arrangement
Olga Neuwirth, geboren 1968 in Graz (Österreich), studierte 1986/
1987 am Conservatory of Music San Francisco Komposition und
besuchte das dortige Art College (Malerei und Film). 1987 Kompositionsstudium
und Studien zur Elektroakustik an der Hochschule
für Musik und darstellende Kunst Wien. Wesentliche Anregungen
erfuhr sie durch die Begegnungen mit Adriana Hölszky, Tristan
Murail, Luigi Nono sowie der Schriftstellerin Elfriede Jelinek.
1996 war Olga Neuwirth Gast des Berliner Künstlerprogramms
des DAAD. Porträtkonzerte bei den Salzburger Festspielen 1998.
Erfolgreiche Uraufführung des Musiktheaters Bählamms Fest
(Libretto: Elfriede Jelinek) bei den Wiener Festwochen 1999.
Weltweite Tournee des für Pierre Boulez und das London Sym-
phony Orchestra geschriebenen Werkes Clinamen/Nodus. 2003
Uraufführung des Musiktheaters Lost Highway nach dem gleichnamigen
Film von David Lynch. 2002–2005 Performances, The-
ater- und Filmmusiken. Uraufführung des Trompetenkonzerts …

miramondo multiplo… für die Wiener Philharmoniker und Pierre
Boulez mit dem Solisten Håkan Hardenberger bei den Salzburger
Festspielen 2006. 2007 Teilnahme an der documenta12 in Kassel
und US-Premiere von Lost Highway. Olga Neuwirth ist seit 2006
Mitglied der Akademie der Künste Berlin. www.olganeuwirth.com
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Thomas Jonigk texte
Né en1966 à Eckernförde, Thomas Jonigk a étudié la littérature
médiévale, les lettres et l’histoire du théâtre. Avec Stefan Bach-
mann il a fondé le groupe théâtral «Theater Affekt». Comme dra-
maturge, il a travaillé entre autres à Berlin, Bonn, Zurich, Vienne
et Lyon et comme régisseur, à la Volksbühne de Berlin et au
Schauspielhaus de Vienne. Depuis1991, il écrit des pièces de
théâtre, des hörspiele, des livrets et des romans. Ses pièces
ont reçu de multiples distinctions et ont été traduites en plusieurs
langues. Depuis la saison 2006/07, Thomas Jonigk est l’auteur-
maison et le dramaturge du Schauspielhaus de Düsseldorf, où
il s’occupe entre autres du laboratoire des auteurs. À l’automne
2007, sa pièce Diesseits, écrite dans le cadre de ses fonctions
au Schauspielhaus de Düsseldorf, a été créée par Stephan Rott-
kamp.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Thomas Jonigk Text
Thomas Jonigk, geboren 1966 in Eckernförde, studierte Mediä-
vistik, Literaturwissenschaft und Theaterwissenschaft. Gemein-
sam mit Stefan Bachmann gründete er die Theatergruppe «Theater
Affekt», war als Dramaturg u.a. in Berlin, Bonn, Zürich, Wien und
Lyon tätig und arbeitete als Regisseur an der Volksbühne Berlin
und am Schauspielhaus Wien. Seit 1991 schreibt er Theaterstücke,
Hörspiele, Libretti und Romane. Seine Stücke erhielten vielfach
Auszeichnungen und wurden in mehrere Sprachen übersetzt.
Seit der Spielzeit 2006/07 ist Thomas Jonigk Hausautor und
Dramaturg am Düsseldorfer Schauspielhaus, wo er u.a. das
Autorenlabor betreut. Im Herbst 2007 wurde sein Stück Diesseits,
das als Auftragswerk für das Düsseldorfer Schauspielhaus ent-
stand, von Stephan Rottkamp uraufgeführt.
41

IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Raaf Hekkema instrumentation des intermèdes baroques
Le saxophoniste hollandais Raaf Hekkema est né en 1968. Il joue
le répertoire classique pour son instrument et des œuvres nou-
velles ainsi que ses propres compositions et arrangements. Il
a fait sensation avec l’interprétation de sa transcription des 24
Caprices de Paganini. Il est co-fondateur du Calefax Reed Quintet,
pour lequel il a également écrit de nombreux arrangements.
Pendant quelques années il a pris des cours de composition
auprès de Tristan Keuris. Il se produit régulièrement en soliste
entre autres avec le Nieuw Ensemble Amsterdam, le Noord
Nederlands Orkest, la Beethoven Academie (Belgique) et l’Or-
chestre de Chambre de la Gironde.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Raaf Hekkema Instrumentation der barocken Zwischenmusiken
Der niederländische Saxophonist Raaf Hekkema wurde 1968
geboren. Er spielt das klassische Repertoire für sein Instrument
und neue Werke sowie eigene Kompositionen und Arrangements.
Aufsehen erregte er mit der Einspielung seiner Transkription der
24 Capricen von Paganini. Er ist Mitbegründer des Calefax Reed
Quintet, für das er ebenfalls zahlreiche Arrangements schrieb.
Einige Jahre lang nahm er Kompositionsunterricht bei Tristan
Keuris. Als Solist konzertierte er u.a. mit dem Nieuw Ensemble
Amsterdam, dem Noord Nederlands Orkest, der Beethoven
Academie (Belgien) und dem Orchestre de Chambre de la
Gironde.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Andrew Watts contre-ténor
Le contreténor anglais Andrew Watts a étudié à la Royal Academy
of Music de Londres auprès de Geoffrey Mitchell. À côté du large
répertoire pour sa voix des 17 e et 18 e siècles, il s’adonne aussi
intensivement à la musique contemporaine et quelques compo-
siteurs ont écrit des œuvres spécialement pour lui. Il a été l’invité
d’opéras et de festivals dans le monde entier, dont le Royal Opera
Covent Garden, Glyndebourne Festival, Teatro La Fenice de
Venise, Montepulciano Festival, Staatsoper Unter den Linden et
43

44
Komische Oper de Berlin; il a chanté aussi à Anvers, Gand, Sydney
et Mexico. Il a été l’interprète de la création de Unsuk Chin
Cantatrix Sopranica à Londres en 2005 et a interprété différentes
œuvres d’Olga Neuwirth, entre autres aux Salzburger Festspielen.
Pour le festival MaerzMusik 2005 il a réuni en un même pro-
gramme des pièces de Michael Tippett, Morton Feldman et
Raymond Yiu et des ‹classiques› de Dowland et Purcell.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Andrew Watts Countertenor
Der englische Countertenor Andrew Watts studierte an der Royal
Academy of Music in London bei Geoffrey Mitchell. Neben dem
breiten Repertoire für sein Stimmfach aus dem 17. und 18. Jahr-
hundert pflegt er auch intensiv die zeitgenössische Musik, einige
Komponisten haben Werke speziell für ihn geschrieben. Er gas-
tierte an Opernhäusern und bei Festivals in aller Welt, z.B. an
der Royal Opera Covent Garden, beim Glyndebourne Festival,
am Teatro La Fenice Venedig, beim Montepulciano Festival, an
der Staatsoper Unter den Linden und der Komischen Oper Berlin,
in Antwerpen, Gent, Graz, Sydney und Mexiko. Er sang in der
Uraufführung von Unsuk Chins Cantatrix Sopranica in London
2005 und interpretierte verschiedene Werke von Olga Neuwirth,
u.a. bei den Salzburger Festspielen. Bei MaerzMusik 2005 kom-
binierte er in einem Programm Stücke von Michael Tippett, Morton
Feldman und Raymond Yiu mit «Klassikern» von Dowland und
Purcell.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Marc Bischoff Schauspieler
Marc Bischoff est né à Berlin en 1969 et a grandi àBochum. Il a
fait ses études à la Hochschule für Musik de Detmold et a reçu
sa formation de comédien au studio du Theater im Palais de
Berlin (ancienne Meisterklasse der AKD de la RDA). Après quel-
ques années d’engagements permanents dans les théâtres de
Celle, Zittau, Dresde et Berlin, il travaille maintenant en indépendant,
principalement pour des productions de radio, de cinéma
et de télévision. Il a travaillé avec des réalisateurs tels que Tom
Tykwer, Wolfgang Becker, Dani Levy, Jean-Jacques Annaud, les

46
musikFabrik
Quay-Brothers et György Palfi pour des productions cinémato-
graphiques allemandes et internationales couronnées de prix.
Pour son jeu dans le film de György Palfi Taxidermia il a reçu en
2007 le prix du meilleur comédien de film hongrois décerné par
les critiques de cinéma et de télévision.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Marc Bischoff Schauspieler
Der 1969 in Berlin geborene und in Bochum aufgewachsene
Marc Bischoff studierte Musik an der Hochschule für Musik
Detmold und erhielt seine Schauspielausbildung sowie im Studio
des Theater im Palais Berlin (ehem. Meisterklasse der AKD der
DDR). Nach einigen Jahren in festen Engagements an Theatern
in Celle, Zittau, Dresden und Berlin arbeitet er nun freischaffend,
überwiegend für Rundfunk, Film- und Fernsehproduktionen.
Er hat mit Regisseuren wie Tom Tykwer, Wolfgang Becker, Dani
Levy, Jean-Jacques Annaud, den Quay-Brothers und György
Palfi in preisgekrönten deutschen und internationalen Filmpro-
duktionen gearbeitet. Für sein Spiel im Film Taxidermia von

György Palfi wurde er u.a. 2007 mit dem Schauspielerpreis der
ungarischen Film- und Fernsehkritiker ausgezeichnet.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
musikFabrik
musikFabrik est l’un des ensembles de musique contemporaine
les plus renommés en Allemagne. Depuis sa fondation en 1990,
il est soutenu par le Land Nordrhein-Westfalen. Cet ensemble
d’environ 15 musiciens joue en formation variable des œuvres
anciennes et de musique contemporaine, et très souvent des
œuvres de commande. L’ensemble travaille avec de jeunes chefs
et compositeurs et aussi en étroite collaboration avec des artistes
aussi renommés que Mauricio Kagel, Peter Eötvös, Helmut
Lachenmann, Louis Andriessen, Rebecca Saunders, Hans Zender,
Stefan Asbury, Franck Ollu, Dominique My, James Wood, Peter
Rundel, Zsolt Nagy ou Diego Masson. Un lien permanent avec
un chef d’orchestre particulier n’existe pas. L’axe central de leur
travail est la réflexion sur les formes modernes de communica-
tion et la recherche de nouvelles possibilités expressives dans
le domaine de la musique et de la performance.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
musikFabrik
Die musikFabrik ist eines der renommiertesten Ensembles für
Neue Musik in Deutschland. Seit ihrer Gründung im Jahr 1990
wird sie vom Land Nordrhein-Westfalen unterstützt. Die rund 15
Musiker spielen in verschiedenen Besetzungen ältere und zeit-
genössische Werke, immer wieder auch Auftragswerke. Das
Ensemble arbeitet mit jungen Dirigenten und Komponisten
ebenso eng zusammen wie mit bereits renommierten Künstlern
wie Mauricio Kagel, Peter Eötvös, Helmut Lachenmann, Louis
Andriessen, Rebecca Saunders, Hans Zender, Stefan Asbury,
Franck Ollu, Dominique My, James Wood, Peter Rundel, Zsolt
Nagy oder Diego Masson. Eine feste Bindung an einen Dirigenten
besteht nicht. Ein thematischer Schwerpunkt liegt in der Auseinandersetzung
mit modernen Kommunikationsformen und in
der Suche nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten im Musik- und
Performance-Bereich.
47

IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII ON THE BORDER
Prochain concert dans le cycle «On the border»
Nächstes Konzert im Zyklus «On the border»
Next concert in the cycle «On the border»
Vendredi / Freitag / Friday 18.12.2009 21:00
Philharmonie, Espace Découverte
Paul Schumacher aka Melting Pol concept, direction, video
Christophe Unkelhäusser aka Unki concept, CD
Sandy Lorente video, direction
3GGER aka ren schroeder video performance
Véronique Kolber video, photographie
Emmanuelle Seiwerath cello
& Daniel Balthasar experimental song writing
Cell 2 Cell
Lisa Berg cello
& Michel Van Tune electronics
André Mergenthaler cello loops
& Sonic Attack electrodub, drum’n bass
Judith Lecuit cello
& Bob Morhard vibraphone
& Johannes Schaedlich bass
Lisa Berg cello
& Sermeq ambient electronics
& Liquid bass bass
United Instruments of Lucilin
Clémentine Meyer cello
& Roby Steinmetzer electronics, composition
Yikez! aka Gilli electronics
vs. Mylène cello
Special guests:
Jacques Wenner aka Dr. Monto text
Pol Feltes folk-song
49

50
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII LUXEMBOURG FESTIVAL
Prochain concert «Luxembourg Festival» à la Philharmonie
Nächstes Konzert «Luxembourg Festival» in der Philharmonie
Next «Luxembourg Festival» concert at the Philharmonie
Lundi / Montag / Monday 09.11.2009 20:00
Grand Auditorium
«Dido 1700»
New London Consort
Philip Pickett direction
Julia Gooding soprano (Dido)
Michael George baryton-basse (Aeneas)
Dana Marbach soprano (Belinda, Peace)
Faye Newton, Juliet Schiemann,
Revital Raviv soprano
Christopher Robson contre-ténor
Mark Chambers contre-ténor
Andrew King, Joseph Cornwell ténor
Simon Grant, Mark Rowlinson baryton-basse
Jonathan Miller mise en scène
eskandar décor, costumes
Henry Purcell: Dido and Aeneas
(musical reconstruction by Peter Holman)

IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII LUXEMBOURG FESTIVAL
Prochain événement «Luxembourg Festival» au Grand Théâtre
Nächste Veranstaltung «Luxembourg Festival» im Grand Théâtre
Next «Luxembourg Festival» event at the Grand Théâtre
Samedi / Samstag / Saturday 31.10.2009 20:00
Grand Théâtre de Luxembourg
The Göteborg Ballet
«3xBoléro»
Choreographien von Kenneth Kvarnström, Alexander Ekman &
Johan Inger
Walking Mad
Johan Inger Choreographie
Maurice Ravel: Boléro
Einspielung mit dem Orchestre de Montréal, Dirigent: Charles
Dutoit (1980)
Johan Inger Bühne und Kostüme
Erik Berglund Lichtdesign
Mit 9 Tänzerinnen
OreloB
Kenneth Kvarnström Choreographie
Originalmusik komponiert von Jukka Rintamäki, basierend auf
dem Boléro von Maurice Ravel
Jens Sethzman Bühne und Lichtdesign
Helena Hörstedt Kostüme
Mit 5 Tänzerinnen
Episode 17
Alexander Ekman Choreographie
Maurice Ravel: Boléro, arrangiert von Bernard Matracki, gespielt
von Dieter Schöning (Violine) und Emil Jonasson (Viola).
Teile aus den CD-Einspielungen des Boléro gesungen von Vic
Damone, Komposition Nat Simon, Text Jimmy Kennedy
Bernard Matracki Musikarrangement
Joakim Brink Lichtdesign
Alexander Ekman Bühne und Kostüme
Mit 19 Tänzerinnen
Produktion The Göteborg Ballet
51

52
La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont dis-
ponibles en ligne, version PDF, sur le site www.philharmonie.lu
avant chaque concert.
Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden Sie
als Web-PDF auch online unter www.philharmonie.lu beim
jeweiligen Konzert.
Impressum
© Philharmonie Luxembourg 2009
Damien Wigny, Président
Matthias Naske, Directeur Général
Responsable de la publication: Matthias Naske
Photo Philharmonie: Jörg Hejkal
Design: Pentagram Design Limited
Imprimé à Luxembourg par l’imprimerie Faber
Tous droits réservés.