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Christoph sChlingensief Margot KässMann luC Bondy & andré Müller 

diana daMrau terenCe Kohler david ClaerBout Mats eK

001 — Editorial 

Wider den Abgrund des 

unerfüllten 

text — Nikolaus Bachler 

Vielleicht ist es ein Trick des Musiktheaters, den Augenblick der 

Erfüllung aufzuzeigen in all seiner Flüchtigkeit. Bewusst und verloren 

zugleich. Real wie nirgends sonst in der Welt und doch nur 

Simulation und Stimulation. Das Zeigen und Tun des Theaters als 

Placebo für eine entzauberte Welt. Und so ist es in der Oper die 

Leichtigkeit des musikalischen Genies Mozart — als Verkörperung 

von Inspiration und göttlicher Vollkommenheit —, an dem sich 

sämtliche Erfüllungsfantasien entzünden. 

Aber wäre nicht eigentlich die Religion der Ort der Erfüllung? 

Doch schon längst scheint es so, dass die Kunst für viele Menschen 

die Idee der Erfüllung weit greifbarer zeigt, als dies etwa die Religion 

heute noch kann. Die Oper — emotionale Vergewisserung von 

Erfüllung? 

Die Sommermonate werden europaweit genutzt für Festivals, 

die sich dieser Idee verschrieben haben. Und die Münchner Opernfestspiele 

sind ein Kaleidoskop unterschiedlichster Ideen und Formen. 

Die Werke, die 2010 im Zentrum stehen, zeichnen ein eigenwilliges 

Bild von Erfüllung. Denn selbstverständlich braucht Tosca die Illusion 

einer Zukunft mit Cavaradossi, den Moment, in dem sie nach 

ihrem grausamen Mord am römischen Polizeichef noch einen unbestimmten 

Ausweg erkennt: Erfüllung kurz vor der Exekution, eine 

zynische Abrechnung mit aller Utopie und doch Manifestation der 

Sehnsucht nach Erfüllung. Und der alte Morosus in Strauss’ »Die 

schweigsame Frau« glaubt, fern von all dem Lärm der Welt im Alter 

in Ruhe und Ausgeglichenheit, jenseits von Ehrgeiz und Ruhmsucht, 

einen Hauch von Vollkommenheit zu erleben. Das hieße zugleich: 

Der Alltag taugt nicht für Erfüllung. 

Die Oper formuliert und feiert jedoch den erfüllten Augenblick 

— während der sommerlichen Opernfestspiele allemal. Im 

neu erbauten Pavillon 21 auf dem Marstallplatz, Ort und Raum für 

Formen jenseits des Guckkastens mit Orchestergraben, spielt sich in 

diesem Sommer noch mehr ab: Toscapiraten, Spionage nach Mozart, 

Narrenschiffe, Jugendenergie! Und Christoph Schlingensief zeigt 

seine Auseinandersetzung mit der utopischen Idee, die Kultur Mitteleuropas 

mit der Afrikas zu versöhnen — Erfüllung? 

Wie weit aber unsere Gedanken reichen, zeigt auch der Aufriss 

in unserer jetzigen Ausgabe von MAx JOSEPH, in der Künstler genauso 

über ihre Vorstellungen sprechen wie Theologen und Reisende. 

Doch am Ende auch unseres Festspielmonats bleibt, selbst wenn sich 

die Macht der Oper wider den Abgrund des Unerfüllten gestellt hat: 

Der erfüllte Augenblick verschwindet, geht vorbei und das Suchen 

geht weiter. Oder aber: Ein Schlussstein der Erfüllung kann gesetzt 

sein, die Prophezeiung auf der Bühne bestätigt werden — und 

dennoch: Die Geschichten verschwinden, enden, die Sehnsucht beginnt 

von Neuem. 

Ob die Fülle des Programms nicht auch schon Ausdruck der 

Sehnsucht nach Erfüllung ist?

LEIDENSCHAFT 

VERBINDET. 

Als eines der weltweit führenden Gase- und Engineeringunternehmen wissen 

wir: Technik, Erfahrung und Präzision sind die Voraussetzung für höchste 

Qualität. So auch in der Musik. Wir freuen uns, die Bayerische Staatsoper 

als Spielzeitpartner zu begleiten. Wir teilen den Anspruch, kontinuierlich 

neue Maßstäbe zu setzen. Ob musikalisch oder technologisch – hinter jeder 

hervorragenden Leistung stehen Menschen mit Ambition.

004 — Inhalt 

StandardS 

1 

Editorial 

5 

i m p r E s s u m 

6 

Contributors 

Die Künstler dieser Augabe: 

Fotografen und Illustratoren, die MAx JosEPh 

gestaltet haben 

auftakt 

9 

artwork 

Atsushi Kaga: Erleuchtet von Büchern 

10 

mEinE Erfüllung 

Am Anfang: sieben junge Künstler aus 

München sagen, wovon die Realisierung ihrer 

Träume abhängt 

22 88 52 

72 

full Service 

14 

»iCH füHlE miCH immEr allEin« 

Luc Bondy: Interviewer André Müller horcht 

hinein in den gefeierten »schauspieler-Regisseur«, 

der seine »Tosca« nach München bringt 

22 

wEr Hat niCHt sCHon mal von 

EinEr rEvolution gEträumt? 

Christoph schlingensief über den hintergrund 

seines Festspielbeitrags »Via Intolleranza II« und 

warum man Afrika nicht helfen darf 

26 

im namEn dEr liEbE 

»Giselle« revisited: Mats Eks bahnbrechende 

Inszenierung eines Tanzklassikers kehrt zurück 

32 

»JEtZt ist mEin lEbEn EbEn andErs« 

Erfüllung im Glauben: Warum Margot Käßmann, 

ehemalige Ratsvorsitzende der Evangelischen 

Kirche, das nicht erstrebenswert findet 

36 

n a C H t s t ü C k 

Die Faszination der Zwischenwelten. 

Ein Fotoessay von Bill henson 

48 

das glüCk dEr waHrHEit 

starsopranistin Diana Damrau über erfüllende 

Charakterrollen und hoch virtuose Töne in 

»Die schweigsame Frau« 

52 

don't bE a danCEr, bE an artist! 

hommage an William Forsythe: Das Bayerische 

staatsballett tanzt »Artifact« 

56 

gangstEr dEr büHnE 

Terence Kohler und Johannes Müller: 

Der Choreograf und der opernregisseur lassen sich 

von Agentenfilmen und der TV-serie »Lost« 

inspirieren 

60 

r i v E r s i dE 

Das lautlose Versprechen: David Claerbout spielt 

mit den Erwartungen des Betrachters 

72 

im anfang war das wort 

»Gelobtes Land«: Die Gründung Israels ist die 

Erfüllung eines Traumes — und der Beginn 

eines Dilemmas 

78 

»wir sind ZEitrEisEndE« 

Wie hendrik Kerstens mit Bildern seiner Tochter 

Paula ganz München verzaubert 

82 

mit dEm Zufall tanZEn 

Reisen vs. Tourismus: Der schriftsteller Ilija 

Trojanow erkundet die Metaphysik des Fernwehs 

88 

dEr opErn-ComiC: 

robErto dEvErEuX 

Erzählt von Barbara Yelin 

agenda 

102 

kulturtipps 

Lion Feuchtwanger, Johannes vom Kreuz, ein 

portugiesischer Palast: Was Mitarbeiter der oper 

empfehlen 

108 

kiss tHE sky 

Wie der Pavillon 21 MINI opera space auf dem 

Marstallplatz entstand 

115 

s p i E l p l a n 

120 

EndlosEs EndE 

Künstler Daniel Blaufuks fotografiert Filmenden 

titElbild 

Richard Wathen: »Adair«, 

Öl auf Leinwand und Aluminium 

Impressum 

MaX JOSePH 

Magazin der Bayerischen Staatsoper 

www.staatsoper.de/maxjoseph 

— 

Max-Joseph-Platz 2 / 80539 München 

telefon 089 – 21 85 10 25 / fax 089 – 21 85 10 33 

www.staatsoper.de / maxjoseph@st-oper.bayern.de 

— 

HerauSgeBer 

Staatsintendant nikolaus Bachler (v.i.S.d.P.) 

— 

cHefredaktiOn 

anne urbauer 

— 

redaktiOn 

Miron Hakenbeck, rainer karlitschek, Olaf a. Schmitt, 

andrea Schönhofer, Bettina Wagner-Bergelt 

— 

BildredaktiOn 

Yvonne gebauer, Julia Schmitt 

— 

redaktiOnelle MitarBeit 

dr. Simone Herrmann, lucas koch, till Schröder 

— 

autOren 

Michael althen, emma Barrowman, Jörg Böckem, angela Brower, 

david claerbout, katja dietzel, katharina eyssen, alexej gerassimez, 

florian Heurich, Silke Holzach, frl. Jablonski, ivan liška, 

andré Müller, Thomas rott, alex Schiller, christoph Schlingensief, 

roland Schwab, Milen till, ilija trojanow, dorion Weickmann, 

Johanna Wehner, rakefet Zalashik 

— 

ÜBerSetZung / SPielPlan 

laura Schieferle 

— 

fOtOgrafen & illuStratOren 

daniel Blaufuks, david claerbout (mit dank an galerie Schöttle, 

München), Bill Henson (mit dank an roslyn Oxley9 gallery, Sydney), 

gregor Hohenberg, Wilfried Hösl, daniel Josefsohn, atsushi kaga, 

kahn & Selesnick, Jitish kallat, Hendrik kerstens, Monika Saulich, 

kuba Świetlik, Jonas unger, richard Wathen, Barbara Yelin 

— 

Marketing & kOOrdinatiOn 

detlef eberhard, Barbara kämpf 

telefon 089 – 21 85 10 25 /fax 089 – 21 85 10 33 

marketing@st-oper.bayern.de 

— 

ScHluSSredaktiOn 

dr. edith konradt 

— 

Art direktiOn & deSign 

fons Hickmann m23, Berlin: 

gesine grotrian-Steinweg, fons Hickmann, lisa Schweizer 

www.fonshickmann.com 

— 

verlag 

Hoffmann und campe corporate Publishing 

ein unternehmen der ganske verlagsgruppe 

Harvestehuder Weg 42 / 20149 Hamburg 

telefon 040 – 441 88-0 / fax 040 – 44 18 82 36 

cp@hoca.de / www.hocacp.de 

— 

anZeigenleitung 

Bayerische Staatsoper: dr. imogen lenhart 

telefon 089 – 21 85 10 06 / anzeigen@st-oper.bayern.de 

verlag: doris Bielstein 

telefon 040 – 27 17 20 95 / doris.bielstein@jalag.de 

— 

vertrieB ZeitScHriftenHandel 

Premium Sales germany gmbH 

Poßmoorweg 2–6 / 22301 Hamburg 

— 

litHOgrafie 

robert Strack, europrint-medien gmbH, Berlin 

— 

druck 

gotteswinter, München 

— 

iSSn 

1867-3260 

— 

nachdruck nur nach vorheriger einwilligung. 

alle rechte vorbehalten 

—

006 — Contributors 

in dieser AusgAbe 

1 

David Claerbout ist eigentlich Maler. Je mehr dem 

Belgier jedoch beim Studium an der Nationalen 

Hochschule der Schönen Künste Antwerpen und der 

Reichsakademie für Bildende Künste Amsterdam 

eingeredet wurde, nur die Malerei sei wahre Kunst, 

umso mehr rebellierte er. Er entdeckte die Fotografie 

und den Film für sich. Die kaum wahrnehmbaren 

Bewegungen interessieren ihn. Seine Bilder 

ge winnen ihre Kraft dort, wo sich Fotografie und Film 

treffen, wie die Stills aus einer seiner Videoinstallationen 

in MAX JOSEPH ab Seite 60 zeigen. 

Claerbout lebt und arbeitet in Antwerpen und Berlin. 

Er stellte unter anderem im Centre Pompidou Paris, 

am MIT Boston und im Chiado Museum Lissabon 

aus. Derzeit bereitet er eine große Einzelausstellung 

im Oktober für die Pinakothek der Moderne in 

München vor. (Foto: Peter Cox, courtesy of De Pont 

museum of contemporary art, Tilburg) 

2 

Bill henson ist ein Mann der Zwischenwelten. Den 

australischen Fotokünstler interessieren Übergänge: 

Licht / Dunkelheit, Kindheit / Erwachsenen dasein, 

Mann / Frau, Natur / Zivilisation. Vor allem sein von der 

Malerei geprägter Blick auf die Zeit der Adoleszenz 

(in MAX JOSEPH ab Seite 36 zu sehen) machte 

Henson bekannt, der sein Land bereits 1995 bei der 

Biennale in Venedig vertrat. Sein Werk wird weltweit 

gesammelt, unter anderem im New Yorker Guggenheim 

Museum, im Wiener Museum für Moderne 

Kunst und im Madrider Nationalmuseum Reina Sofí a. 

(Foto: Jessica Hromas) 

3 

Barbara Yelin schafft, was deutschen Comic 

zeichnern selten zuteil wird: Die gebürtige Münchnerin 

hat Erfolg im Ausland. Ihre ersten Bände mit den 

typisch vielschichtigen Bleistiftzeichnungen erschienen 

zuerst in Frankreich, dem Land der bandes 

dessinées und langer Comictradition. In Deutschland 

wurde soeben ihre erste Graphic Novel 

veröffentlicht: »Gift«, ein historischer Kriminalfall. 

Für MAX JOSEPH zeichnete die Absolventin 

der Hochschule für Angewandte Wissenschaften 

Hamburg die tragische Geschichte des Opernhelden 

Roberto Devereux. Zu sehen ab Seite 88. 

4 

Richard Wathen inszeniert wie Cranach und denkt 

wie Braque. Der englische Maler zitiert in seinen 

verstörenden Porträts den Stil der alten Meister, 

während er gleichzeitig die Mehrdimensionalität 

der Perspektive einfordert, wie es die Kubisten taten. 

Vor allem die Dimension der Zeit. Bei ihm hat, 

wie das Coverbild von MAX JOSEPH zeigt, ein Knabe 

eben schon graue Haare und die Hände eines 

Erwachsenen. Nur so zeige sich in einem Porträt 

etwas Neues, das vorher unsichtbar war. Die 

Erfüllung eines ganzen Lebens sozusagen. Wathen 

ist derzeit im Salon 94 in New York zu sehen. 

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Die Steigerung von Chronometer: 

Zeitmeister. 

Einzigartig unter dem Sternenhimmel: die WEMPE ZEITMEISTER. Die ersten Armbandchronometer, 

die das aufwendige deutsche Prüfverfahren der Sternwarte Glashütte durchlaufen haben. 

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abc-Job#: 514351 · Kunde: Wempe · Motiv: Zeitmeister – Mai 2010 · Adresse: München · Format: 230 x 296 + 3 mm · Farbe: CMYB 

abc-opix#: 1005-008 · Titel: Magazin der Bayrischen Staatsoper · Farbe: CMYK · Das Dokument ist ohne Überfüllung/Trapping angelegt, vor weiterer Verarbeitung diese anlegen! 

Der Künstler Atsushi Kaga stammt aus Tokio und lebt in Dublin. sein Alter Ego ist der hase Usacchi. Kaga liebt Bücher 

—

010 — Auftakt 

meine erfüllung 

sie sind am Anfang ihrer Karriere und arbeiten hart. sieben junge Künstler in München sagen, 

wovon es abhängt, ob ihr Traum sich erfüllen kann 

Alex schiller, 26, Isenseven 

Seit wir Snowboard-Filme drehen — gerade 

arbeiten wir an unserem neunten —, haben 

wir begriffen, dass alles davon abhängt, wie 

viel Herzblut und Arbeit man in die Projekte 

investiert. Aber das Schönste dabei ist, dass 

sich die Szene zu einer großen Familie entwickelt 

hat und wir unsere Leidenschaft mit 

allen Boardern, die wir vor der Kamera haben, 

teilen können. 

Alex schiller gründete 1999 zusammen 

mit Freunden die Gruppe Isenseven, die snowboard-Filme 

und Musikvideos dreht und im 

herbst eine eigene Modelinie lanciert. (Foto: 

Dominic Zimmermann) 

Angela Brower, 26, sängerin 

Frederick Delius schrieb, Musik sei ein Ausbruch 

der Seele. Wenn alles stimmt, können 

bei einer Opernaufführung viele Menschen 

gleichzeitig diesen »Ausbruch der Seele« erleben, 

inspiriert, beflügelt werden. Ich träume 

davon, so zu singen, dass ich dazu beitragen 

und die Menschen berühren kann. 

Musik ist meine Leidenschaft und mein 

Traum. 

Angela Brower aus Phoenix, Arizona, 

ist Mitglied des opernstudios der Bayerischen 

staatsoper. 

Milen Till, 25, Träumer 

Wenn sich für mich ein Traum erfüllt, ist er 

auch automatisch geplatzt. Ich versuche, 

Träume nicht mit Zielen gleichzusetzen, da 

sie sonst zu solchen mutieren und ich immer 

schon ziellos war und hoffentlich noch lange 

bleiben werde. Vielleicht ist mein Verständnis 

vom Traum auch gestört und deshalb 

nicht erfüllbar, weil ich oft dafür verurteilt 

wurde, ein Träumer zu sein, und deshalb 

nicht fähig war, meinen Zielen nachzugehen. 

Mittlerweile habe ich mich angepasst 

und vertrete die Meinung, dass ein Traum 

einen erfüllen kann, aber nicht umgekehrt. 

Milen Till veranstaltet mit seinem Bruder 

unter dem Label »Kill The Tills« Club- 

Abende. (Foto: hadley hudson) 

Johanna Wehner, 28, Regisseurin 

Ich finde Träume ganz schön tückisch, sie 

scheinen keine echten Ziellinien zu haben, 

was zur Folge hat, dass man nie so richtig 

»ankommt« — kaum ist einer fast erreicht, 

steckt man im nächsten. Traumerfüllung ist 

also so eine Sache. Klar, am Ende des Regiestudiums 

hoffe ich akut auf lauter inspirierende 

Projekte, wunderbare Menschen, tolle 

Orte, wilde Überraschungen. Der große 

Traum, dessen Grenze stetig mitwächst, ist, 

glaube ich, nie dem Ende der eigenen Vision 

zu begegnen. 

Johanna Wehner wurde 2009 bei den 

michael schmidt 

grau als farbe 

fotografien bis 2009 

21/05/10 

22/08/10 

ausstellung unterstützt von 

bayerische hausbau gmbh 

haus der kunst 

prinzregentenstrasse 1 

d 80538 münchen 

www.hausderkunst.de 

michael schmidt, 

o. t., (detail) 

aus waffenruhe, 1985–87 

© michael schmidt

012 — Auftakt 

Bayerischen Theatertagen mit dem Jugendpreis 

für beste Regie ausgezeichnet. Für »Biennale 

Plus« inszenierte sie 2010 den opernabend 

»Warum weiß ich nicht«. (Foto: Johi Reaktor) 

Alexej Gerassimez, 22, schlagzeuger 

Mein Ziel ist es, neue Türen unerforschter 

klanglicher Welten zu öffnen. Ich möchte 

noch tiefer in die unterschiedlichen Ebenen 

der Musik und ihre physikalischen, psychologischen 

und gesellschaftlichen Bezüge vordringen, 

aber dabei nicht den Spaß an der 

Sache selbst, den man nur hat, wenn man 

ihn mit anderen Künstlern und dem Konzertpublikum 

teilen kann, aus den Augen 

verlieren. Außerdem würde ich gerne meine 

kompositorischen Tätigkeiten weiter ausbauen, 

um etwas zu erschaffen, das Bestand hat. 

Alexej Gerassimez, Pauken und schlagzeug, 

ist student an der hochschule für Musik. 

Er hat 2010 den Deutschen Musikwettbewerb 

gewonnen. 

Katharina Eyssen, 27, Autorin 

Seit ich lesen und schreiben kann, schreibe 

ich Geschichten auf. Mein Traum also ist 

immer schon gewesen, dass ich schreiben 

darf, so viel ich will, und dass man mir vielleicht 

auch noch Geld dafür gibt. Manchmal 

wollte ich, dass er verschwindet, der Traum, 

und habe so getan, als sei er nicht mehr da. 

Weil es mir zu schwer erschien, ihn zu verwirklichen. 

Aber es stellte sich heraus, das 

ist noch härtere Arbeit: den Traum zu vergessen, 

den Traum nicht zu träumen, der geträumt 

werden will. Der Traum träumt mich 

und ich kann ihm nur folgen. Und ob er 

sich dann erfüllt, hängt davon ab, ob die 

Leute lesen wollen, was ich geschrieben 

habe. Und nicht gähnen, wenn sie die ersten 

Seiten meines Romans gelesen haben. Das 

ist mein Albtraum. 

Katharina Eyssen arbeitet als Drehbuchautorin, 

ihr erster Roman »Alles Verbrecher« 

erscheint demnächst bei btb / Random house. 

(Foto: Mitterwallner) 

Frl. Jablonski, sekretärin der Band »Damenkapelle«, 

fasst den kollektiven Traum der sieben 

DKP-Damen zusammen: 

Die Kapelle träumt von den großen Bühnen 

dieser Welt: im tobenden Bierzelt von 

Höllriegelskreuth, zwischen den Löwen am 

Odeonsplatz, im Hinterhof einer malawischen 

Schule, im Palast der Eiskönigin, im 

Parkhaus unter dem Opernplatz. Und zu jedem 

Song träumt sie eine neue Inszenierung: 

wilde Araberpferde, brennende Reifen, fliegende 

Schlagzeuge, Stroboblitze, platzende 

Discokugeln, tausend rollschuhfahrende 

Senioren, die mit Hingabe Achter drehen, 

schwankende Riesenkronleuchter, die alle 

7 Damen in den Showhimmel schaukeln und 

damit direkt in die Herzen des Publikums. 

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**0,14 €/Min. aus dem dt. Festnetz, max. 0,42 €/Min. aus dem Mobilfunk. 

Monopol ist eine Publikation der Juno Kunstverlag GmbH, Lennéstraße 1, 10785 Berlin, Geschäftsführer Martin Paff.

Luc Bondy wuchs in einer Familie von Literaten auf. Der Schweizer hat an vielen Theatern und Opernhäusern inszeniert, 

zuletzt an der Met in New York, und leitete unter anderem die Berliner Schaubühne. Seit 2001 ist er Intendant der Wiener Festwochen 

— 

015 — Erfüllung 

»ICh FühLE MICh IMMER 

ALLEIN« 

In New York hätte man ihn am liebsten erschossen. Wie wird das Münchner opernpublikum ab Ende 

Juni auf seine »Tosca«-Inszenierung reagieren? André Müller im Gespräch mit Regisseur Luc Bondy über den 

Umgang mit Klassikern, Krankheit als strafe und den Wunsch, auch noch schriftsteller zu werden 

interview — André Müller 

Fotos — Jonas Unger, Monika saulich (seite 18) 

André Müller: Ich beginne mit einer Ihnen unerträglichen Frage. 

Luc Bondy: Das habe ich erwartet. 

Wenn Ihnen die jemand stellt, schießen sie, sagten sie in einem 

früheren Interview, durch den Plafond. 

Das glaube ich nicht. 

Warum sind sie zum Theater gegangen? 

Das ist die Frage? 

Ja, und ich schlage Ihnen gleich eine Antwort vor: weil sie das 

Denken fliehen. 

Stimmt! Das Theater ist eine Therapie gegen ... Wie sagt man? 

Gegen die Einsamkeit. 

Ja, und gegen die Todesangst, weil das Denken bei den Proben, 

das aus der Kommunikation mit den Schauspielern entsteht, 

von Natur ein flacheres Denken ist. 

sie haben es das »horizontale« Denken genannt. 

Ja, man geht nicht so in die Tiefe wie zum Beispiel beim 

Schrei ben. Man muss Kompromisse machen. 

Das tiefe Denken, das sie das »vertikale« nennen, ertragen sie 

nicht. 

Vielleicht, ja, weil es ins Nichts führt. 

Glücklich sind sie nur auf der Bühne, umgeben von anderen. 

Was heißt glücklich? Ich kann bei der Arbeit mit den Schauspielern 

oder, wenn ich Oper inszeniere, mit den Sängern die Zeit 

vergessen. Ich vergesse mich selbst. 

Die selbstvergessenheit ist das Glück. 

Ja, die Selbstvergessenheit ist das Glück. Deshalb bin ich so 

gepeinigt von Schlaflosigkeit, denn wenn ich einschlafen will, 

kommen die Gedanken. 

Welche? 

Das ist so ein Kaleidoskop unvollständiger Gedanken. Die 

sind vollkommen zersplittert und unfruchtbar. 

Was machen sie dann? 

Ich nehme Schlaftabletten. Es ist blöd, das zu sagen, aber 

wüssten wir mehr über den Tod, gäbe es nicht diese Angst. Wir sind 

dazu verdammt, nichts über den Tod zu wissen, und wir haben 

Angst vor diesem Ungewissen. Wir haben keine Angst vor einem 

bestimmten Zustand und auch nicht davor, dass wir das Leben verpassen. 

Ich war sehr oft krank, und als ich vor eineinhalb Jahren 

vier Monate im Krankenhaus lag und mich nicht bewegen durfte, 

weil mein Arzt sagte, dass, wenn ich mich bewege, mein Rücken 

bricht, hat mich der Peter Handke besucht. Da habe ich zu ihm gesagt: 

Es ist vollkommen wurscht, ob man liegt oder geht oder steht, 

es ist kein Unterschied, die Zeit vergeht so oder so. 

Eine gute Ablenkung vom Denken ist auch die Liebe. Denn Liebe 

macht dumm. 

Ja. 

Je dümmer man ist, desto glücklicher ist man. 

Ja, aber die Blödheit entsteht ja dadurch, dass man bewusst 

etwas nicht wissen will, dass man etwas ausschaltet, dass man sich 

stumpf macht, um das Wissen zu reduzieren, die Aufmerksamkeit 

und das Fühlen. 

Ist sexualität die Rettung? 

Kann sein, aber die dauert ja nur sehr kurz. Die Selbstvergessenheit 

im Sex wird immer kürzer, je älter man wird. Es gibt wahrscheinlich 

nichts Schwierigeres, als sich gehen zu lassen. Ich nehme 

die Tabletten nicht nur zum Schlafen, sondern auch zur Beruhigung. 

Ich bin ein durch und durch zerrissener Mensch. Aber als ich 

vor drei Jahren einmal mit Jane Birkin zusammensaß, erzählte sie 

mir, sie schlucke noch mehr als ich. Da war ich ganz froh. 

Was quält sie? 

Ich quäle mich selbst. Ich bin ein sehr genussfreudiger Mensch, 

aber ich quäle mich. Ich bin Hedonist und zugleich Masochist. Das 

liegt nah beieinander. Ich bekam mit fünfundzwanzig Jahren die 

erste Krebsdiagnose. Die Form des Tumors, den ich habe, nennt 

man Teratom. Das ist eine angeborene Geschwulst, die entsteht, 

wenn man eigentlich Zwilling ist. Der zweite Fötus wird aber, statt 

sich zu entwickeln, vom anderen absorbiert. Diese Spaltung ist nun 

in mir immer da. Ich bin vollkommen widersprüchlich. 

sie wollen genießen und zugleich leiden. 

Leiden ist nicht das richtige Wort. Ich bin einerseits jemand,



— 

»Ich bin hedonist und zugleich Masochist. 

Das liegt nah beieinander« 

der an sich selbst sehr hohe Ansprüche stellt, andererseits will ich 

das gar nicht. Ich verabrede mich gern, esse und trinke gern, ich liebe 

den Luxus und möchte die Zeit vergeuden. 

Aber das gestatten sie sich nicht. 

Ich wäre heilfroh, wenn ich mir das gestatten könnte. Ich habe 

schon viele Anläufe zu einer Psychoanalyse gemacht, in Paris, in 

Wien, überall, aber ich habe das immer wieder abgebrochen. Ich bin 

vor bestimmten unangenehmen Erkenntnissen dann immer schleunigst 

geflohen. 

sie fühlen sich schuldig, wenn sie genießen. 

Ich bin mit mir nie zufrieden. Ich denke immer, ich hätte 

mehr aus mir machen können, ich hätte weitergehen können, im 

Schreiben, im Denken. Ich bewundere Leute, die die Fähigkeit haben, 

in die Tiefe zu gehen. Ich habe auch meinen Vater bewundert, 

der Schriftsteller war und jeden Morgen um sieben an seinem 

Schreibtisch saß. Wenn ich sehe, was er alles publiziert hat, wenn 

ich die Hunderten Seiten von Notizen sehe, die er hinterlassen hat, 

dann fühle ich mich etwas zurückgeblieben. Ich habe ein schlechtes 

Gewissen. Das ist mein Abgrund. 

haben sie Ihre Krankheit als eine strafe für Ihre Genusssucht 

empfunden? 

Absolut, ja, als Strafe für mein Dasein. Ich hatte mit zwanzig 

Jahren eine Schlüsselerfahrung, als ich einmal einen LSD-Trip erlebte. 

Ich erinnere mich noch ganz genau. Ich hatte die Wahnvorstellung, 

dass meine Körperlichkeit eine Ausrede ist und dass man 

eine körperlose Substanz sein müsste. 

Immateriell? 

Ja, immateriell. Ich dachte, dass das die Wahrheit wäre und 

dass einen der Körper dazu verleitet, sich zu verstellen. Als ich zum 

ersten Mal Krebs bekam, habe ich mich gefragt, was ich falsch gemacht 

habe, wen ich verletzt oder betrogen habe. Aber das ist natürlich 

Quatsch. Der Krebs ist ja wie die Tuberkulose eine Krankheit, 

die man leicht mystifizieren kann. Krebs bekommen Leute, sagt 

man, die viel verdrängen. Aber daran glaube ich nicht so ganz. Denn 

dann müsste ich ja Magenkrebs haben. 

Welchen Krebs haben sie? 

Es ist Hodenkrebs und in diesem Bereich habe ich in meiner 

Jugend eigentlich nicht viel verdrängt. Ein Onkologe bekommt, 

wenn man den Krebs psychologisiert, einen Lachanfall, weil er weiß, 

dass in der Natur alles Zufall ist. 

hadern sie mit Ihrem schicksal? 

Früher habe ich sehr gehadert. Aber als mir mein Chirurg vor 

zwei Jahren — nach der schweren Rückenoperation wegen meiner 

Arthrose — sagte, ich würde mein Leben lang Schmerzen haben, 

habe ich beschlossen, mich mit meinem Weh zu versöhnen. Ich 

wehre mich nicht mehr. 

Wie lange wollen sie leben? 

Diese Frage stelle ich mir nicht. Man will natürlich ewig leben. 

Aber man will trotzdem seine Illusionen behalten. Man will sich 

auch täuschen lassen. Das passt nicht zusammen. 

haben sie je mit dem Gedanken gespielt, sich das Leben zu 

nehmen? 

Das nicht, aber es gab eine Zeit, da war ich sehr nahe daran, es 

zu tun, weil ich gegen meine Schmerzen Morphium bekam und 

dann damit nicht mehr aufhören konnte. Ich freute mich auf das 

Morphium. Ein Toxikologe hat mir erklärt, dass man die Schmerzen, 

wenn man süchtig ist, obwohl sie eigentlich nicht mehr da sind, im 

Hirn produziert, um das Morphium zu bekommen und den Zustand, 

in den man dadurch gerät, diese Art Schwerelosigkeit und 

Sorglosigkeit, dieses Genießen des Augenblicks, zu verlängern. Darin 

besteht die Gefahr, denn das kann tödlich enden. 

sie sind Jude. 

Ja, aber kein gläubiger Jude. 

halten sie die schöpfung mit all den Gräueln, die täglich geschehen, 

für misslungen? 

Nein, denn ich halte es für absurd zu denken, dass Gott bei 

der Schöpfung ein Fehler passiert ist. Gott muss keine Erwartung 

er füllen. Spinoza sagt: Wir lieben Gott, aber Gott liebt uns nicht. 

Sonst müsste doch für jeden religiösen Juden die Tatsache, dass es 

Auschwitz gab, ein Beweis dafür sein, dass Gott nicht existiert. Kein 

Luc Bondy ist bekannt als »Schauspieler-Regisseur«, der besonderen Wert auf Zwischentöne und leise Gesten legt. 2009 erschien sein erster 

Roman »Am Fenster«, ein Buch über das Altern und Erinnern 

—

Luc Bondy und André Müller führten ihr Gespräch 

im »Café Prückel«, dem unter Künstlern 

populären Wiener Ringstraßen-Kaffeehaus 

— 


orthodoxer Jude würde es wagen, das zu behaupten. Der Holocaust 

ist mittlerweile ein Teil unseres Daseins geworden. Ich würde, wenn 

ich es salopp ausdrücke, sagen: We are used to it. 

Können sie weinen? 

Das kommt schon vor. 

Bei welcher Gelegenheit? 

Ich weine manchmal ganz grundlos. Ich wache am Morgen auf 

und peng! — schon fließen die Tränen. 

Voriges Jahr hatten sie mit Puccinis »Tosca« Ihr Regiedebüt an 

der Metropolitan opera in New York und wurden ausgebuht. 

Mehr als das. Es fehlten nur noch die Gewehre, sonst hätte 

man mich erschossen. Aber da habe ich nicht geweint. 

Franco Zeffirelli, dessen »Tosca« dort fünfundzwanzig Jahre auf 

dem spielplan stand, hat sie einen drittklassigen Regisseur genannt. 

Ja, und zwar noch bevor er die Aufführung gesehen hatte. 

Zeffirelli ist die Inkarnation eines Regisseurs, der sein Leben lang 

nur dekoriert hat. Ich kenne nichts von ihm, das mir gefiel. Seine 

Filme finde ich blöd. Er hat immer nur Klischees bedient, bis sich 

die Leute daran gewöhnten, und nun ärgern sie sich, wenn die Sänger 

miteinander agieren, anstatt nur herumzustehen. 

Die Inszenierung wird jetzt in München gezeigt. Was erwarten 

sie? 

Ich bin zuversichtlich. Denn hier ist das Publikum viel weniger 

konservativ als in Amerika. Ich fand es an früheren Inszenierungen 

immer so idiotisch, dass man den Scarpia, der ein Despot, aber auch 

ein ganz gewöhnlicher Lüstling ist, als einen so feinen, eleganten 

Herrn dargestellt hat. Diese Oper ist doch eine ganz dicke Schweinerei, 

in der gehurt und gefoltert wird. Da geht es nicht vornehm 

zu. In der Biografie von Montefiore über Stalin gibt es eine Beschreibung 

von Stalins Geheimdienstchef Beria. Der hat sich, wenn er 

Lust hatte, Frauen kommen lassen, hat sie gevögelt und weggeschmissen. 

Das hat mich dazu inspiriert, den Scarpia mit drei Nutten 

zu zeigen. 

In einem Gespräch mit dem französischen Theaterwissenschaftler 

Georges Banu haben sie die oper mit einer Mätresse verglichen und 

— 

»Ich weine manchmal ganz grundlos. 

Ich wache am Morgen auf und peng! — schon fließen die Tränen« 

den Regisseur mit einem Liebhaber, der ihr im Grunde gleichgültig ist. 

Das stimmt, denn wenn man die Augen schließt, ist da immer 

noch die Musik. Nur ist es heute meistens so, dass es, wenn man die 

Augen aufmacht, ganz schrecklich ist, weil die Regisseure, um die 

Kritiker zu beeindrucken, dauernd interpretieren und irgendwelche 

Ideen haben, was ich grauenvoll finde. Die Oper hat von vornherein 

schon alle Ingredienzien, um einen fliegen zu lassen. Man sollte als 

Regisseur nur dieses Fliegen befördern. 

Können sie Noten lesen? 

Auf diese Frage antworte ich immer: John Lennon konnte 

auch keine Noten lesen. 

Nächstes Jahr inszenieren sie Verdis »Rigoletto« in Wien. Im 

sprechtheater, sagen sie, finden sie nur noch Trostlosigkeit. 

Ja, und wissen Sie, was ich am langweiligsten finde: dass sich 

die jungen Regisseure heute so als Erfinder aufspielen. Die schreiben 

ihre eigenen schlechten Texte in die Stücke hinein. Das ist so blöde 

und eigentlich eine Frechheit. Wir sind, jedenfalls im Theater, in 

einem kulturellen Tief, aber das wird wie die Vulkanwolke aus Island 

vorübergehen. Es gibt Blütezeiten und es gibt meteorologische Tiefs. 

Man kann es nicht erklären, aber es ist so. 

sie sind nicht nur Regisseur, sondern seit 2001 auch Intendant der 

Wiener Festwochen. haben sie diese Machtposition angestrebt? 

Ich habe das nicht bewusst angestrebt, aber ich will nicht in 

Intendantenzimmern herumsitzen und antichambrieren. Das finde 

ich entwürdigend. Ich war als Kind in verschiedenen Internaten und 

da war ich immer der Nachzügler, die anderen waren die Stärkeren. 

Ich wurde auch oft verprügelt, bis ich mir gesagt habe: Es reicht, ich 

lasse mir das nicht mehr gefallen. 

Wer Macht hat, muss damit rechnen, dass er hass auf sich zieht. 

Richtig! Wer Macht hat, wer bekannt ist und Umgang hat mit 

bekannten Leuten, erzeugt Neid, und Neid erzeugt Hass. Das war 

immer so. Damit muss man leben. Aber 2013 höre ich in Wien auf, 

und was danach kommt, weiß ich nicht. Ich habe voriges Jahr 

meinen ersten Roman veröffentlicht: »Am Fenster«. Seither wird das 

Inszenieren für mich immer schwieriger, weil ich eine andere Form,


— 

»Man denkt immer, man käme, wenn man Familie hat, 

in ein Gleichgewicht, aber das stimmt nicht. Es ist ein Trost. 

Doch es erlöst nicht von der Einsamkeit« 

mich auszudrücken, gefunden habe. Ich fühle mich, wenn ich inszeniere, 

zunehmend blockiert. Ich empfinde es oft als schrecklich, 

wenn ich mich auf der Probe laut reden höre. Dann frage ich mich: 

Wozu machst du das? Man kann sich als Regisseur immer verstecken. 

Man verbirgt sich hinter einer Figur oder dem Autor. Wenn 

man schreibt, muss man wahrhaftig sein. Vielleicht werde ich noch 

ein richtiger Schriftsteller. Fontane hat mit sechzig angefangen. Ich 

bin jetzt einundsechzig. 

sie wollen unsterblich werden. 

Nicht unbedingt. Mir gefällt auch das Flüchtige. Ich will mich 

nur ein bisschen mehr selbst anschauen. Aber es ist immer ein Unterschied 

zwischen dem, was man will, und dem, was man kann. 

Darf ich Ihnen eine stelle aus Prousts »Auf der suche nach der 

verlorenen Zeit« vorlesen? 

Sehr gern. 

Proust beschreibt den Tod des schriftstellers Bergotte. Dann heißt 

es: »Er wurde begraben, aber während der ganzen Trauernacht wachten 

in den beleuchteten schaufenstern seine jeweils zu dreien angeordneten 

Bücher wie Engel mit entfalteten Flügeln und schienen ein symbol der 

Auferstehung dessen, der nicht mehr war.« 

Mein Gott, ist das schön! 

schreiben sie an einem neuen Buch? 

Ich schreibe immer. Es muss kein Buch daraus werden. Ich 

schreibe so, wie man Klavier spielt. Es ist ein Bedürfnis. Manchmal 

notiere ich nur irgendwelche Beobachtungen. Oder ich bringe mein 

inneres Chaos in eine Form, meine Not. Ich habe eine Frau und ich 

habe zwei Kinder, ich habe Freunde, ich bin im Kulturleben verankert, 

aber ich fühle mich trotzdem immer allein. Ich fühle mich 

fremd unter den Menschen. Man denkt immer, man käme, wenn 

man Familie hat, in ein Gleichgewicht, aber das stimmt nicht. Es ist 

wichtig. Es ist nicht nichts. Es ist ein Trost. Doch es erlöst nicht von 

der Einsamkeit. Ich wünsche mir Licht. Ich wünsche mir Leichtigkeit 

und manchmal gelingt sie mir. Ich gehe auf der Straße und bin 

plötzlich froh, ohne zu wissen warum. Doch im nächsten Augenblick 

ist es schon wieder vorbei. 

André Müller gilt als Grandseigneur des Feuilleton-Interviews. Der 

Österreicher arbeitete für Zeitungen und Zeitschriften wie »Der 

Spiegel«, »Stern«, »Die Zeit«, »Der Tagesspiegel« oder »Die Weltwoche«. 

Sein Interview mit Claus Peymann, in dem der Regisseur 

mit der Kulturszene abrechnete, löste 1988 einen Skandal in Österreich 

aus. Seit einigen Jahren konzentriert er sich weitgehend auf 

seine Prosa, die unter anderem mit dem Ben-Witter-Preis ausgezeichnet 

wurde. 

— 

TosCA 

Musik: Giacomo Puccini. Libretto: Giuseppe Giacosa und Luigi Illica. 

Inszenierung: Luc Bondy. 

Sie sind ein Künstlerpaar: Mario Cavaradossi malt für den römischen 

Klerus, sympathisiert aber mit der »repubblica romana« und 

versteckt einen geflohenen Republikaner. Floria Tosca glänzt als 

Sängerin auf den Festen der Gegner der Republik. Über alles stellt 

sie ihre Liebe zu Mario. Der gerät in die brutale Gewalt des Staates. 

Sein Vollstrecker, Baron Scarpia, mag von politischem Eifer getrieben 

sein. Im Fall von Tosca und Mario handelt er aus eifersüchtiger 

Geilheit. Um Mario zu retten, lässt sich Tosca auf ein erpresserisches 

Geschäft mit Scarpia ein. 

Das französische Sensationsdrama von Victorien Sardou hatte der 

Legende nach schon Verdi vertonen wollen, hätte er sich dafür nicht 

als zu alt empfunden. Es war Puccini, der »La Tosca« zum Opernstoff 

machte. Er schuf ein Musikdrama all’italiana, das die inneren 

Bewegungen und Handlungen der Protagonisten, ihre ausweglosen 

Verstrickungen in die Maschinerie der Unterwerfung in krassen 

Kontrast setzt zum musikalischen Naturalismus des sie umgebenden 

banalen Alltags. Über allem steht jedoch die Schönheit und 

Macht der Stimme. Toscas Stimme. 

Premiere am 28. Juni 2010 um 19 Uhr, Nationaltheater. 

Weitere Termine im spielplan ab seite 115. 

VGBild-Kunst 

© Baur Christian Foto: / Basel Tinguely, Museum Phalle. Saint 

klassik inspiriert * 

de Niki Schenkung cm. 700 x 1700 x 730 1987. 

* Jean Tinguely: „Grosse Méta Maxi-Maxi Utopia“. www.br-klassik.de Méta-Harmonie,


Wer Hat nicHt ScHOn Mal vOn 

einer revOlutiOn geträuMt? 

Was hat »Via Intolleranza II« mit Luigi Nonos »Intolleranza 1960« zu tun, warum soll Europa Afrika in 

Ruhe lassen und wie viel Zutrauen hat der Regisseur momentan zu seiner Mission, die oper wieder in der 

Mitte der Gesellschaft zu verankern? Antworten von Christoph schlingensief 

Fotos — Jitish Kallat 

nono hat sich ca. 1978 von seiner azione scenica verabschiedet. so 

nannte er auch seine arbeit: INTOLLERANZA. mich hat mehr interessiert, 

wie jemand denkt und handelt, der mit seiner musik mal 

eine musikalische, aber auch gesellschaftliche revolution versuchen 

wollte. wie kommt es, dass sich solche ideen mit der zeit auflösen. 

»intolleranza« von 1961 hatte zwar noch eine art rahmenhandlung, 

die jedoch für den eigentlichen, stark politisch gefärbten inhalt 

praktisch keine rolle spielte. das hat mich am meisten interessiert. 

die musik klingt nur entfernt mit und zitiert teile von ligeti, 

boulez, aber auch wagners »götterdämmerung« und filmmusik wie 

»taxi driver«. 

wer hat nicht schon mal von einer revolution geträumt? einem 

moment, an dem man etwas ganz radikal ändern will. und womöglich 

sogar mit vielen zusammen. und nono geht mit dieser illusion 

sehr extrem um. er benutzt keine handlung mehr. das sind wild 

springende splitter, unter dem mantel einer politischen aufladung 

um 1960 ... aber mehr auch nicht ... oder immerhin? 

das ist eine frage, die ich mir auch stelle. eine revolution anzuzetteln, 

erscheint mir verkrampft. wenn es so weit ist, dann wird das 

schon automatisch geschehen. die geschichte hat immer wieder bewiesen, 

dass sie aus einer auf- und entladung besteht und nicht aus 

einer person, die plötzlich allen die revolution befiehlt. rhizome ... 

die interessieren mich mehr. 

und da sehe ich auch eine verwandtschaft zu nono oder auch 

schönberg. auf der einen seite lebe ich mein leben, aber andererseits 

nehme ich es nur noch als splitterung war. und das passiert auch 

an diesem abend. das ist kein stück, keine handlung, der stoff ist 

aber bekannt: mein stoff — und in diesem falle bin ich der stoffbezeichnende 

künstler und sonst niemand — ist die zusammenarbeit 

von weiß und schwarz und der daraus entstehende krampf. also 

diese sentimentale gutmenschentuerei. 

davor schaudert es mir. und ich mixe banale, lustige, bittere, 

sehr trockene, aber auch sehr üppige momente aus meiner sicht. ich 

versuche gerade, das operndorf zu schützen. zu schützen? ja, ich 

habe angst, dass da so viele leute schon ihre eigenen pläne realisiert 

sehen wollen. die kulturförderung genauso wie der nette student, 

der dort mal helfen will. schon beim begriff des helfens bekomme 

ich angst. 

ich will afrika auf gar keine fälle helfen, weil die sich viel besser 

selber helfen. nicht alle länder afrikas, aber doch immer mehr. die 

sind viel selbstständiger als ich oder wir hier in europa. auch das 

kommt an diesem abend zur sprache. ich sehne mich doch als europäer 

nur danach, mich möglichst schnell wieder raus aus der hitze 

und rein in die angenehm warme wanne zu flüchten. 

und dann rufe ich meine lebens-gesundheits-ehe-kinder-familien-versicherungen 

an und frage, ob auch noch alles beim alten ist. 

und wenn die sagen: herr schlingensief, sie sind auch weiterhin optimal 

abgesichert, dann gehe ich wieder ohne angstgefühle aus dem 

haus und kaufe mir ein biobrot. mehr ist doch für uns nicht mehr 

zu holen ... 

all das sehe ich auch in nonos angst ... 1978 ist ihm seine überzeugung 

entlaufen. er glaubt nicht mehr an diese einfachen wege 

von revolution und weltenveränderung ... und tief drin ist nono sowieso 

ein clown. jemand, der sich auch freuen kann über das leben, 

aber im innersten große ängste hat, dass ihm das genommen wird ... 

»ihre schreie bleiben eingebrannt in unsere sinne« ... heißt es an 

einer stelle ... 

ich glaube, nono hatte auch angst, dass ihm da töne eingebrannt 

werden, die er nicht mehr loswird. so würde ich das mal benennen 

... ich habe auch angst, dass ich nur noch bilder benutzen 

darf, die alle schon kennen, weil es dann auch publikumswirksam 

wird. im kern verstehe ich aber nicht die zusammenhänge ... ich bin 

kein durchtrainierter zuschauer ... oder besser gesagt: abgebrühter 

kritiker ... 

ich habe noch gewaltige angst vor den dingen. und meine 

angst vor den menschen ist seit zwei jahren gigantisch gewachsen. 

Aufgezeichnet von sophie Diesselhorst, mit freundlicher Genehmigung 

von kultiversum.de


Luigi Nono (1924–1990) über »Intolleranza 1960« 

»Intolleranza 1960 ist das Erwachen des menschlichen 

Bewusstseins eines Namens, der — als ausländischer 

Bergarbeiter — sich gegen den Zwang der Bedürfnisse 

erhebt und einen sinn, eine ›menschliche‹ Grundlage 

des Lebens sucht. Nachdem er einige Erfahrungen der 

Intoleranz und der Angst durchlitten hat, ist er dabei, 

eine menschliche Beziehung zwischen sich und den 

anderen wiederzufinden, und wird mit den anderen 

durch eine überschwemmung fortgerissen. Es bleibt die 

Gewissheit, dass der ›Mensch jetzt dem Menschen ein 

helfer ist‹. 

symbol? Tagesereignis? Phantasie? 

Alles zusammen in einer Geschichte unserer Zeit — « 

(Textnachweis: Luigi Nono. Texte. studien zu seiner Musik, herausgegeben 

von Jürg stenzl, Zürich 1975) 

— 

Jitish Kallat ist ein sozialkritischer Künstler aus Mumbai. Er gilt 

als einer der Wegbereiter der zeitgenössischen indischen Kunst, die 

mittlerweile auch im Westen hoch geschätzt wird. Kallat hat unter 

anderem in Deutschland, Großbritannien, Australien, Japan und 

China ausgestellt und ist in den Sammlungen der Deutschen Bank 

und der Saatchi Gallery vertreten. Seine Arbeiten umkreisen Themen 

wie Migration, Wirtschaftswachstum, Gewalt und Religion. 

MAx JOSEPH zeigt auf diesen Seiten seine Fotoinstallation 

»Conditions Apply«. Auf den ersten Blick scheint sie die Mondphasen 

abzubilden, bei näherem Hinsehen entpuppen sich die 

Motive als Fladenbrotreste. 

— 

VIA INToLLERANZA II 

Konzept und künstlerische Leitung: Christoph schlingensief 

In Burkina Faso wird nahe der Hauptstadt Ouagadougou gerade 

das Operndorf REMDOOGO gebaut. Christoph Schlingensief hat 

zudem ein Team aus afrikanischen Künstlern für das Afrika-Projekt 

»Via Intolleranza II« zusammengestellt. So entsteht, ausgehend von 

Luigi Nonos szenischer Aktion »Intolleranza 1960«, das erste Stück 

materialisierte afrikanische Operndorf-Utopie, das nach Europa 

kommen wird. Es ist keine Produktion des Operndorfes, sondern 

eine begleitende Forschungsarbeit. Sie unternimmt den Versuch, allmählich 

zu begreifen, warum Europäer dem afrikanischen Kontinent 

helfen wollen, obwohl sie sich selbst schon lange nicht mehr 

helfen können. Ist die fehlende Toleranz mit uns selbst vielleicht der 

Ursprung unseres Fehlverhaltens und können wir von Afrika lernen, 

wenn wir Teile unseres aufgeklärten europäischen Kulturguts dorthin 

verfrachten? Wer wird wen mehr beklauen? Wird eine neue 

Dimension in der Beschäftigung mit Afrikas Kultur möglich? 

Premiere am 24. Juni 2010 um 20 Uhr, 

Pavillon 21 MINI opera space. 

Weitere Termine im spielplan ab seite 115. 

Diesen Text gibt es auch als Hörversion unter: 

www.staatsoper.de/maxjoseph


IM NAMEN DER LIEBE 

Mats Ek revisited: »Giselle« begründete den Weltruhm des schwedischen Choreografen. 

Jetzt kehrt seine bahnbrechende Inszenierung von 1982 nach München zurück. 

Die Botschaft der romantischen Utopie: Die Liebe, die wir verschenken, verwandelt uns selbst 

text — Dorion Weickmann 

Fotos — Wilfried hösl 

In Wahrheit war es eine große Liebesgeschichte 

und das Schlachtfeld, auf dem ihr 

Ende besiegelt wurde, verließ niemand als 

Sieger. Der König der Psychoanalyse und 

sein Kronprinz hatten sich bis aufs Blut 

zerstritten. »Er will mir Liebe geben, ich 

wünsche Verständnis«, klagte der Jüngere 

über den Älteren, der im Gegenzug symbolischen 

»Vatermord« witterte. Das Zerwürfnis 

forderte seinen Tribut. Sigmund Freud entwickelte 

neurotische Symptome, fiel immer 

wieder in Ohnmacht wie seine hysterischen 

Patientinnen. Und sein entthronter Erbe, 

Carl Gustav Jung, balancierte am Abgrund 

des Wahnsinns entlang und empfand es als 

bittere Ironie, dass er bei sich selbst »demjenigen 

psychischen Material« begegnete, »das 

man auch im Irrenhaus findet«. 

Die wissenschaftliche Scheidung von 

Sigmund Freud war nicht zuletzt ein persönliches 

Desaster. Hier zerbrach eine Bindung, 

deren homoerotische Unterströmung 

in wechselseitige Seelenbefragungen umgelenkt 

worden war. Nicht von ungefähr überwarfen 

sich die beiden Forscher über den 

Nukleus der Freud’schen Lehre: über die 

Libido, die Jung nicht im Prokrustesbett der 

Sexualität gefangen sehen wollte. Diese unüberwindbare 

Spaltung, die bald die ganze 

psychoanalytische Bewegung erfasste, hatte 

sich schon 1910 abzuzeichnen begonnen — 

im gleichen Jahr, in dem die Ballets Russes 

das 1841 uraufgeführte romantische Schlüsselwerk 

des Tanzes, »Giselle«, an seinen Geburtsort 

Paris zurückbrachten. 

Siebzig Jahre später wagte ein schwedischer 

Choreograf, die Geschichte vom 

(unglücklich begehrenden) Winzermädchen 

Giselle neu zu erzählen. Und er tat es, genau 

besehen, an Freud vorbei mit Carl Gustav 

Jung und dessen Archetypen, den unvergänglichen 

Seelenbildern von »Animus« und 

»Anima«, den ausgelagerten Ich-Schatten, 

die der Tiefenpsychologe seinen eigenen 

wahnhaften Erfahrungen abgerungen hatte. 

1982 holt Mats Ek »Giselle« in die Gegenwart 

und läutert das Werk, das er von 

allem romantischen Dekorum befreit. Im 

gleichen Jahr macht allenthalben die Postmoderne 

von sich reden, die das Dasein nur 

noch als zeichenhaften Widerschein sprachlicher 

Konstruktionen begreifen will. Dem 

modischen Reigen der Signifikate und Signifikanten 

setzt Ek eine radikal expressive, 

antiklassische Bewegungsstruktur entgegen. 

Er trägt die glänzende Patina der Danse 

d’école ab und präpariert Schicht um Schicht 

die zeitlose Essenz der Romantik heraus: die 

Erfüllung im Ritual der Grenzüberschreitung. 

Zugleich legt er mit Jung das psychologische 

Wurzelwerk frei, aus dem wiederum 

die Buchstaben und Silben, also die Gebärden 

seiner Tanzsprache keimen. 

Am Ende eines katastrophischen Jahrhunderts 

setzt diese befreite »Giselle« einen 

beinahe verstörend humanistischen Akzent, 

denn sie zeugt vom unerschütterlichen Vertrauen 

in die Liebe, die jedermann ans »Tor 

zur Unendlichkeit«, so Sven Hillenkamp, 

bringt: zu sich selbst. 

Wenn das Bayerische Staatsballett 

Mats Eks Inszenierung wieder aufnimmt, 

schickt es den Zuschauer auf eine Zeitreise 

ins 19. und 20. Jahrhundert, zu den Quellen 

der Romantik wie zu ihren entlegenen Ausläufern: 

ins tiefe Tal des »Unbewussten«, das 

der Arzt Carl Gustav Carus in den 1840er- 

Jahren als Erster erkundete; unter die spukhaften 

Schatten, die sein Namensvetter Jung 

in allen Märchen und Mythen entdeckt hat; 

zu den Naturidyllen, die der Soziologin Eva 

Illouz zufolge die »Kommerzialisierung des 

romantischen Ideals« im Kapitalismus abbilden; 

und schließlich in die profanen Niederungen 

der Facebook-Ära, die dem Prinzip 

der sexuellen Serialität gehorcht und Paarungswillige 

in wahnhafter Selbsttäuschung 

vernetzt. »Sie halten sich für Romantiker, 

sind aber Rationalisten«, schreibt der Historiker 

Sven Hillenkamp über die Herzblattsucher 

im Internet — Vernunft-Junkies, die 

sich zwischen widersprüchlichen Wünschen 

nach »Kontrolle und Ekstase, Erfolg und 

Seelenruhe« aufreiben und dabei der Liebe 

fast den Garaus gemacht haben. 

So weit muss es nicht kommen. Mats 

Eks »Giselle« beschreibt jene symbiotische 

Erfahrung, die den Kern der romantischen 

Utopie ausmacht — eine Verschmelzungsfantasie 

wider die Einsamkeit, die freilich 

neue Einsamkeit gebiert und den Menschen 

gleichwohl erlöst. Wie aber verhält es sich 

mit der Erlöserin? 

In der Urfassung Théophile Gautiers, 

die Jean Coralli und Jules Perrot 1841 auf die 

Mats Eks neue Giselle: die junge Tänzerin Gözde Özgür aus Istanbul, seit zwei Jahren Mitglied des Bayerischen Staatsballetts 

—


Bühne der Pariser Oper brachten, ist Giselle 

ein tanzversessenes junges Ding, das die 

Avancen des Herzogs Albrecht, der sich inkognito 

im Dorf aufhält, erwidert. Das 

Mädchen zerbricht, allen beschützenden 

Vorkehrungen der Mutter zum Trotz, an der 

Untreue des Geliebten und muss deshalb als 

weiße Braut, als gespenstische Wili, ins Reich 

der Toten eingehen. Dabei verleiht Gautier 

seiner Giselle eine unübersehbar christliche 

Prägung, weiht er sie doch zur engelhaften 

Märtyrerin, die Albrecht verzeiht und davor 

bewahrt, dem Vernichtungsfuror der übrigen 

Wilis anheimzufallen. Gautiers Giselle 

opfert sich selbst — im Namen der Liebe. 

Mats Eks Giselle dagegen muss sich 

erst einmal selbst befreien, und zwar von der 

Last der Herkunft, den Fesseln der Nabelschnur, 

die sie zunächst noch einschnürt. 

Dann steht das Mädchen mutterseelenallein 

im sattgrünen, fast tropischen Landschaftsdickicht, 

das zwei archetypisch weibliche 

Brusthügel überwölben. Im Urschoß von 

Mutter Natur, den Marie-Louise Ekmans 

Bühnenbild sinnfällig macht, hausen schwerfällige 

Ackerbürger, die Giselle allenfalls als 

Außenseiterin dulden. Allzu rebellisch und 

wunderlich verhält sich dieses Mädchen, 

dessen Gemüt zwischen Manie und Depression, 

vorwitziger Kindlichkeit und trübsinniger 

Melancholie hin und her schwankt. 

Schon der Aufzug verrät das ganze Ausmaß 

ihrer Andersartigkeit: Die schwarze Baskenmütze 

über der magentafarbenen Joppe passt 

weder ins bäuerliche noch ins aristokratische 

— 

Mats Ek trägt die glänzende Patina der Danse d’école ab 

und präpariert schicht um schicht die zeitlose Essenz der Romantik heraus 

Milieu. Doch dort, in der Adelskaste, lauert 

die gefährliche Obsession, die ihr Dasein 

für immer verändern wird — der Fremdling, 

der schicksalhafte »Animus« namens 

Albrecht. 

Der Geist, der nach Carl Gustav Jung 

durch die weiblichen Träume spukt, ist häufig 

von edlem Geblüt, ein Liebhaber, der die 

Frau mit den männlichen Seiten ihres Wesens 

in Berührung bringt. Das aus dem 

Nichts auftauchende Gegenüber weckt in 

Giselle mehr als Neugier, nämlich den Drang 

zur Eroberung: Nicht der Herzog, sondern 

sie selbst reckt sich breitbeinig balzend auf, 

bespringt rücklings das Objekt ihrer Begierde 

und erbeutet seinen Frack wie einen 

Fetisch. Von Scheu, von Keuschheit keine 

Spur — in dieser Kindfrau erwacht das Begehren 

selbst, das nach Erfüllung lechzt. 

Eben deshalb zieht ihr ergebener Verehrer, 

der Wildhüter Hilarion, den Kürzeren: Er 

ist kein Phantom, kein Traum-Mann, sondern 

der harmlose Junge von nebenan. 

Albrecht dagegen reizt als geschichtsloser 

Eindringling, als unbeschriebenes Blatt, 

dem das Mädchen sich wie von Sinnen an 

den Hals wirft. Obwohl so viel weibliche 

Passion eher Abwehr denn Anziehung nährt, 

erliegt Albrecht schließlich doch der verführerischen 

»Anima« — dem Rausch der 

Gefühle, den Giselles leidenschaftliche Annäherung 

in ihm entfacht. Dennoch wahrt 

er eine stille Reserve, wirkt seine Hingabe 

fahrig, zögerlich und sonderbar zwiespältig. 

Dieser Mann handelt nicht frei, ist er doch 

in der grauen Wirklichkeit längst einer anderen, 

einer Ebenbürtigen versprochen, und 

jenseits aller dynastischen Erwägungen ist 

auch sein Herz dabei im Spiel. Denn seine 

Verlobte Bathilde, die mit ihrem Jagdgefolge 

zufällig ins Dorf gelangt, ist — bei Mats 

Ek — keine Partie contre-cœur, sondern 

eine echte Favoritin. 

Ausgerechnet aus der Hand ihrer Rivalin 

empfängt Giselle das romantische Symbol 

schlechthin: die blaue Blume, die für 

das Unerreichbare und dennoch sehnsüchtig 

Erhoffte steht — die Einheit von Ich- und 

Welterkenntnis. Bathilde ist das Werkzeug 

der Vorsehung, der Jung’sche »Schatten«, 

der die Verbindung zwischen Giselle und 

Albrecht verdunkelt und das Unglück dieser 

Mesalliance ans Tageslicht bringt. Dass Giselle 

darüber den Kopf verliert und in den 

Wahnsinn flieht, weist auf die diabolischen 

Machenschaften des »Animus«, der Eros 

und Thanatos — Liebestaumel und Todesnähe 

— gleichermaßen hervorrufen kann. 

Wo Gautier seine Heldin ins Reich der 

Wiedergänger verbannt, landet sie bei Mats 

Ek unter ihresgleichen, im Irrenasyl, dessen 

Wandmalereien den seelischen Zerfall schon 

vorwegzunehmen scheinen. Finger, Nase, 

Ohr, geschlossenes Auge — das Szenenbild 

spiegelt die völlige Verwüstung und Aus- 

löschung der Sinne, indem es ihre Organe 

isoliert wie anatomische Schaustücke. Kein 

Weg führt aus dieser geschlossenen Anstalt 

heraus und die prominent platzierte Tür, 

die vermuten lässt, dass vielleicht doch ein


— 

Am Ende eines katastrophischen Jahrhunderts setzt Mats Eks »Giselle« 

einen beinahe verstörend humanistischen Akzent, denn sie zeugt vom 

unerschütterlichen Vertrauen in die Liebe 

Sonnenstrahl die Finsternis erhellen könnte, 

wird sich niemals öffnen. 

In diesem abgeschiedenen Paralleluniversum 

führt Oberschwester Myrtha ein 

strenges Regiment. Die rachedurstige Lüsternheit, 

die Gautiers Wili-Königin verströmt, 

übersetzt Mats Ek ins archetypische 

Porträt einer uniformiert-unterkühlten 

Mutter, die jede Nähe unterbindet. Statt auf 

Männerjagd zu gehen, wenden die Wilis ihre 

Zerstörungswut gegen sich selbst, winden 

und wälzen sich in hospitalisierten Zuständen. 

Was Freud und Jung in ihren Ambulatorien 

zu sehen bekamen — Scheingebärende, 

Zuckende, erotische Provokationen aller 

Art —, das wiederholen Eks Internierte bis 

zum Exzess und Myrtha obliegt es, in ihrer 

hysterischen Runde für patriarchale Zucht 

und Ordnung zu sorgen. 

Wiederum wird Albrecht zum Eindringling, 

der die verlorene Geliebte scheinbar 

zwanghaft bis in den Bannkreis der 

Psychose verfolgt. Im Angesicht der Geisteskranken, 

die — wortwörtlich genommen — 

der »Animus« verlassen hat, geschieht ihm 

ein Wunder: Die gefühlvollen Erinnerungen 

und der Anblick der versehrten Giselle 

lösen seine Blockaden und helfen ihm über 

jede Hemmschwelle hinweg an jenes »Tor 

zur Unendlichkeit«, hinter dem er sich 

selbst verliert. Die Liebe, die das Mädchen 

ihm einst geschenkt hat, kann er nun erwidern 

— ja, sie sprudelt aus seinem Inneren 

förmlich hervor wie Wasser aus einer Quelle. 

Wenn er Giselle jetzt hebt, sieht er ihr in die 

Augen; sobald er sie trägt, geschieht es behutsam 

und zärtlich; und wo er sie umfängt, 

geht er in ihrem Körper auf. 

Denn das ist das Geheimnis, das Mats 

Eks »Giselle« offenbart: Die Liebe, die wir 

empfangen, beseelt uns; aber die Liebe, die 

wir verschenken, verwandelt uns selbst. Wer 

beides erlebt, wird ganz Mensch. Wer beides 

geschehen lässt, blickt in Abgründe und 

weiß um die immerwährende Gefährdung 

der eigenen Existenz. 

Verletzlich, schutzlos und nackt, so 

steht Albrecht am Ende in der Welt. Und 

doch beginnt in diesem Augenblick sein 

wahres Leben. Eine tröstliche Geste holt ihn 

ins Hier und Heute zurück: Kein anderer als 

Hilarion bedeckt brüderlich seine Blöße. 

Der Feind, scheint Mats Ek zu sagen, kann 

dir jederzeit zum Freund werden — vorausgesetzt, 

du lässt dich auf die Liebe ein. Sigmund 

Freud und Carl Gustav Jung gingen 

den umgekehrten Weg: von der Zweisamkeit 

in die Entzweiung. Sie haben beide ein 

Leben lang schwer daran getragen. 

Dr. Dorion Weickmann promovierte über die 

Kulturgeschichte des Balletts zwischen 1580 

und 1870. Sie schreibt unter anderem für die 

Feuilletons von »Süddeutsche Zeitung« und 

»Die Zeit« und lebt mit ihrer Familie in 

Berlin. 

— 

GIsELLE 

Choreografie: Mats Ek. 

Musik: Adolphe Adam. 

Der schwedische Choreograf Mats Ek gilt 

weltweit als Spezialist, der alte Ballettgeschichten 

neu erzählt. »Giselle« handelt von 

der betrogenen Liebe des Winzermädchens 

Giselle. Herzog Albrecht, als Bauer verkleidet, 

erschleicht sich ihre Zuneigung, bis sie 

erkennen muss, dass er in Wahrheit mit 

Bathilde verlobt ist. Giselle wird wahnsinnig 

und stirbt an gebrochenem Herzen. Als 

Geisterwesen entsteigt sie dem Grab und 

tanzt im Kreise der Wilis, der rachedurstigen 

Geister betrogener Bräute, die jeden Mann, 

der ihnen begegnet, zu Tode tanzen. Giselles 

Liebe aber reicht über den Tod hinaus und 

sie rettet Albrecht das Leben. 

Mats Ek schuf eine völlig neue Choreografie 

in seinem eigenen, modernen Idiom. 

Er verlegte die Handlung in die Gegenwart. 

Aber auch in dieser radikal zeitgenössischen 

Fassung bleibt die Essenz des Werkes erhalten 

und der Zuschauer wird zum Zeugen 

des erschütternden Läuterungsprozesses, den 

Albrecht durchlebt. 

Wiederaufnahme am 19. Juni 2010 

um 19.30 Uhr, Prinzregententheater. 

Weitere Vorstellungen am 20., 24. und 

26. Juni 2010. 

Diesen Text gibt es auch als Hörversion 

unter: www.staatsoper.de/maxjoseph 

Willkommen zuhause im VitraHaus. 

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VitraHaus, Architekten: Herzog & de Meuron, www.vitra.com/vitrahaus 

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»JETZT IsT MEIN 

LEBEN EBEN ANDERs« 

Ein Gespräch vor dem Rücktritt: Margot Käßmann definiert den sinn ihres Lebens und fordert Mut zur Veränderung. 

heute klingen ihre Antworten fast prophetisch 

interview — Jörg Böckem 

Fotos — Gregor hohenberg 

»Meine Mutter findet das Foto furchtbar«, 

sagt sie zu Beginn des Gesprächs. »Sie meint, 

ich sähe aus wie in Leichenstarre. Am Anfang 

gefiel es mir auch nicht, mittlerweile 

finde ich es ganz schön.« 

Es ist der 22. Januar 2010. Margot 

Käßmann sitzt im Büro der Landesbischöfin 

von Hannover, noch ist es ihr Büro. Sie ist 

voller Energie und bester Laune. Seit sie vor 

drei Monaten zur Vorsitzenden des Rates der 

Evangelischen Kirche in Deutschland (EKD) 

gewählt wurde, ist ihr Terminkalender sehr, 

sehr voll. Bis zu dem Abend, der ihr Leben 

erschüttern wird, werden noch rund vier 

Wochen vergehen. Jetzt und hier wäre das 

alles undenkbar — die Fahrt unter Alkoholeinfluss, 

der Rücktritt von allen Ämtern. 

Andererseits: Im Rückblick bekommt vieles 

von dem, was sie heute sagen wird, einen besonderen 

Klang. 

Das Foto, von dem sie spricht, ist einige 

Wochen zuvor entstanden, bei unserem letzten 

Gespräch. Damals hat Margot Käßmann 

für das »Zeit Magazin« Auskunft gegeben 

über ihre Träume. Das Foto zeigt sie im 

Porträt, mit geschlossenen Augen. Ein sehr 

stilles Bild, außergewöhnlich still für diese 

lebendige und tatkräftige Frau. Ein Foto, 

das sie in den Wochen, die kommen, heimsuchen 

wird — kaum eine Zeitung, die ihre 

Berichterstattung über Käßmanns Rücktritt 

nicht mit diesem Foto illustrieren wird. 

»Die nächsten sechs Jahre bin ich 

Ratsvorsitzende, wenn ich gesund bleibe«, 

hat sie damals gesagt. Und von einem Leben 

nach den Ämtern geträumt: »Beruflich habe 

ich alles erreicht, was eine Theologin in 

diesem Land erreichen kann. Auch wenn die 

Arbeit als Ratsvorsitzende nicht unbedingt 

ein Traumjob ist. Er bringt ein heftiges Maß 

an Öffentlichkeit und Verantwortung mit 

sich, mein privates Leben wird dadurch sehr 

eingeschränkt.« Sie träumte von einer Lebensphase 

ohne Berufsdruck, davon, sich 

irgendwann wieder mehr ins Private zurückziehen 

und in Ruhe lesen, schreiben, reisen, 

schwimmen oder joggen zu können. 

Natürlich wurde sie für diese Äußerung 

heftig kritisiert: Kaum im Amt und 

schon amtsmüde, hieß es. »Aber ich stehe 

dazu«, sagt sie. Wie auch zu ihrer umstrittenen 

Afghanistan-Äußerung — selbstbewusst, 

ein wenig trotzig, erfüllt von ihren 

Überzeugungen. 

Frau Käßmann, sie sind in einfachen Verhältnissen 

aufgewachsen. Ihr Vater betrieb eine 

Tankstelle und eine Autowerkstatt. War das 

eine schwierige Ausgangsposition in das Leben, 

das sie sich wünschten? 

Nein, im Gegenteil. Meine Kindheit 

war glücklich und behütet. Ich denke, Kinder 

finden Zufriedenheit und Erfüllung in 

der Befriedung der eigenen Lebenswelt. Zumindest 

habe ich das so erlebt — es gab 

keine Ängste, keine Grenzen, die ich überwinden 

musste. Hinter der Autowerkstatt 

meines Vaters war ein kleines Gärtchen mit 

einem Hundezwinger, einem Sandkasten, 

Akazien und alten Autoreifen. Das war 

meine eigene, geschützte Welt, dort konnte 

ich mit meinen Puppen spielen und meinen 

Fantasien und Träumen nachhängen. Damals 

gab es nichts, das diese Sehnsucht nach 

Anderem, Größerem, Besserem angefacht 

hat, die es uns später so schwer macht, Erfüllung 

zu finden. 

Für viele Menschen sind diese sehnsüchte 

vor allem in der Jugend von elementarer Bedeutung. 

Gab es Jugendträume? 

Später ja. Mich haben zwei Dinge angetrieben. 

Das eine ist sehr privat: Ich wollte 

immer Familie haben. Ich habe früh Erfüllung 

in der Familie gesucht, in der Geborgenheit, 

dem Füreinander-da-Sein. Mutter 

zu werden war für mich die Erfüllung eines 

Lebenstraums. Das zweite ist eher eine Utopie: 

das Ringen um Gerechtigkeit, Frieden. 

Politisches Engagement war schon als Jugendliche 

ganz wichtig für mich. Als 

16-Jährige habe ich mich mit Martin Luther 

King beschäftigt. Seine Persönlichkeit, sein 

Mut zum gesellschaftlichen Engagement, 

auch gegen größte Widerstände, haben mich 

sehr beeindruckt. 

Wann begannen sie, Erfüllung im Glauben 

zu suchen? 

Eigentlich gar nicht. Ich bin in den 

Glauben hereingewachsen, ich denke, Glaube 

ist eine Haltung im Leben, eine Beheimatung, 

wenn man nach dem Sinn des Lebens 

fragt. Von Erfüllung im Glauben würde ich 

so nicht sprechen wollen. 

Aus dem Mund einer Bischöfin klingt 

das überraschend.



— 

»Erfüllung im Glauben? 

Eigentlich nicht« 

Finden Sie? Sicher, der Glaube als Lebenshaltung 

erfüllt mich und aus Glaube 

kann Erfüllung erwachsen. Aber ich denke, 

Glaube sollte nicht Selbstzweck werden — 

nach dem Motto: Nur weil ich fromm bin, 

ist mein Leben gut. Der Satz »Erfüllung im 

Glauben finden« klingt für mich zu sehr 

nach Rückzug aus der Welt, nach »mein 

Glaube ist mir genug«. Der Glaube verleiht 

mir viel eher innere Ruhe und den Mut 

hinauszugehen, im Leben und in der Welt 

etwas zu bewegen, er drängt mich geradezu 

dazu. Dieses Handeln bringt mir Erfüllung. 

Nennen sie ein Beispiel? 

Meine Arbeit. Ich bin sehr dankbar 

dafür, einen Beruf zu haben, der nicht nur 

ein Job ist, mit dem ich Geld verdiene. Ich 

finde Erfüllung darin, mich mit meinem 

ganzen Sein, meiner ganzen Person sieben 

Tage die Woche für etwas einsetzen zu können, 

für das ich voll einstehe: den Menschen 

in ihren existenziellen Fragen und Nöten 

ganz nah zu sein. Durchaus auch wenn ich 

provoziere, weil ich mich gegen den Krieg in 

Afghanistan ausspreche. Weil ich zutiefst 

davon überzeugt bin, dass es eine gute Sache 

ist, gegen den Krieg einzutreten. 

Die Kirchen verlieren Mitglieder, skandale 

belasten das Bild vor allem der katholischen 

Kirche in der Öffentlichkeit. Was haben 

uns der Glaube, die Religion noch zu bieten? 

Viele Menschen fühlen sich heute entwurzelt 

und orientierungslos, die Sehnsucht 

nach einem Gemeinschaftsgefühl, nach Zugehörigkeit, 

nach Heimat, nach Verwurze- 

lung — auch im christlichen Glauben — ist 

in der Gesellschaft groß. Das erlebe ich zum 

Beispiel bei Kirchentagen. Oder nehmen wir 

die Trauerandacht für Robert Enke: Damals 

haben mich einige Väter angesprochen. Sie 

sagten: »Mein Sohn ist ein großer Fan und 

völlig verstört, ich weiß nicht, was ich ihm 

antworten soll. Bitte sagen Sie etwas.« In der 

Kirche waren dann rund 800 Menschen, 

draußen rund 6000 Fans, alle sehr aufgewühlt. 

Es war für mich sehr, sehr berührend, 

als dann alle still wurden und gemeinsam 

das Vaterunser gebetet haben. Die 

Kirche konnte diesen Menschen einen Ort 

für ihre Trauer bieten, Texte und Rituale, 

die Halt und Trost geben. Ein Problem ist, 

dass viele Menschen die Kirche heute eher 

als Institution sehen, und Institutionen haben 

es in der individualisierten Gesellschaft 

schwer. Aber der christliche Glaube hat 

Worte, die älter und tiefer sind als alle moderne 

Betroffenheitslyrik, Rituale, die seit 

sehr langer Zeit Menschen halten und tragen 

und ihrem Leben Struktur verleihen. 

Was bietet Ihnen der Glaube? 

Vor allem dass ich die Sinnfrage nicht 

stellen muss. Ich stehe nicht vor der Aufgabe, 

meinem Leben Sinn geben zu müssen, 

indem ich Geld, Macht oder Ansehen erringe, 

schön bin oder erfolgreich. Sinn wird 

mir zugesprochen, Gott hat sich bei meinem 

Leben was gedacht, jedes Leben hat Sinn. 

Ich bin etwas wert, weil ich für Gott Wert 

habe. Das gibt mir große innere Freiheit, 

große Gelassenheit, auch gegenüber dem 

ständigen Beurteiltwerden durch andere. 

Luther hat gesagt: Ein Christenmensch ist 

ein freier Herr aller Dinge und niemandem 

untertan. Und: Ein Christenmensch ist ein 

dienstbarer Knecht aller Dinge und jedem 

untertan. Das empfinde ich sehr stark: Ich 

bin frei, muss mich nicht vor Kaiser und 

Papst fürchten — und andererseits stelle ich 

mein Leben in den Dienst der Gemeinschaft. 

In dieser Spannung bewege ich mich. 

Ich muss mich nicht bücken, gleichzeitig 

werde ich immer versuchen zu dienen. 

hätten sie auch in anderen Berufen Erfüllung 

finden können? 

Das kann ich mir gut vorstellen. Ich 

hätte vielleicht zu Amnesty International 

gehen können, zu Greenpeace oder in die 

Entwicklungshilfe. Eine Zeit lang habe ich 

sogar darüber nachgedacht. 

In Ihrem Buch schreiben sie, dass in der 

Bibel auch die schönheit und Liebe gefeiert 

werden. Gehört zu einem erfüllten Leben auch 

sinnenfreude? 

Natürlich. Schon in der Bibel steht, 

dass wir unser Leben in ganzer Fülle genießen 

sollen. Eine Liebesbeziehung zum Beispiel 

ist mit das Schönste, was ein Mensch 

erleben kann. Wer wird mehr Erfüllung finden 

im Leben als ein Mensch, der liebt und 

geliebt wird? Ich würde jedem Mut machen, 

sich auf dieses Wagnis einzulassen. Ohne 

das ständige Abwägen und Reflektieren. 

Der Zölibat — das komplette Verneinen 

der körperlichen Dimension der Liebe — 

scheint jedenfalls nicht besonders alltagstaug- 

lich, wie die jüngsten Missbrauchsfälle zeigen. 

Ich werde das katholische Konzept des 

Zölibats nicht kritisieren, das ist eine Entscheidung 

der katholischen Kirche. Es gibt 

auch evangelische Pastore und Pastorinnen, 

die zölibatär leben. Aber so wie ich die Bibel 

lese, ist sie der Körperlichkeit nicht abgeneigt. 

Keine Lebensweise ist per se die bessere. 

Wir sollten die gelebte Sexualität nicht 

gering schätzen. 

sie haben Karriere gemacht — wie 

wichtig sind Ihnen siege und Erfolge? 

Siege müssen nicht sein, aber ein Eintreten 

für eine Sache, die ich für die richtige 

erachte. Das ist ganz entscheidend. Ich habe 

das Leben nie an mir vorbeiziehen lassen, 

gleichgültige Menschen ohne Leidenschaft 

tun mir leid. Sich für etwas engagieren, einsetzen, 

das macht ein erfülltes Leben aus — 

sagen zu können: Ich habe alles getan, was 

in meiner Kraft lag. Es geht auch ohne Siege. 

Aber nicht ohne Ziele! 

sie haben in Ihrem Leben schwere Krisen 

erlebt — eine Krebserkrankung und die scheidung. 

Wurde Ihr Glaube erschüttert? 

Nein. Meine Krankheit habe ich gar 

nicht so sehr als Bruch erlebt, Krankheit ist 

Teil des Lebens. Ich empfinde eher eine gewisse 

Dankbarkeit, denn das Leben gewinnt 

an Tiefe, wenn die allgemeine Nachricht, 

dass wir sterben müssen, zur persönlichen 

Botschaft wird. Die Krankheit hat mich 

fröhlicher und demütiger gemacht. 

Ihre scheidung haben sie als »Wüstenerfahrung« 

bezeichnet. 

Margot Käßmann ist die Tochter eines Kfz- 

Mechanikers und einer Krankenschwester aus 

Marburg. Sie gilt als besonders glaubwürdig, 

thematisierte sie doch gleichermaßen ihre 

Brustkrebserkrankung wie auch ihre Scheidung. 

Ein Novum für eine Bischöfin. Folgerichtig 

wurde ihr Rücktritt vom Ratsvorsitz 

der Evangelischen Kirche in Deutschland 

aufgrund einer Alkoholfahrt mit dem Auto 

weithin als Beispiel konsequenter Gerad- 

linigkeit gelobt 

— 

Die Scheidung war natürlich ein 

schwerer Bruch, damit umzugehen ist mir 

schwergefallen. Das Konzept lebenslange 

Ehe, Kinder, irgendwann Enkelkinder, in 

Harmonie miteinander alt werden, halte ich 

nach wie vor für ein wunderbares Lebensmodell. 

Nach der Scheidung ein neues, eigenes 

Lebenskonzept zu finden, war sehr 

schwierig. Bis dahin stand die Familie im 

Zentrum meines Lebens. Nach der Scheidung 

lebte mein Mann nicht mehr hier, 

meine Töchter wurden erwachsen. Auf einmal 

stand ich selbst im Mittelpunkt, die 

Frage: Wer bin ich ganz für mich? Nach 

26 Jahren Ehe eine gewaltige Umstellung. 

Es war sehr wichtig für mich zu erfahren, 

dass ich trotz aller Brüche ein gutes, erfülltes 

Leben haben kann. Wir dürfen uns nicht 

zu sehr an ein Bild, eine bestimmte Vorstellung 

von uns und unserem Leben hängen, 

wir müssen Veränderung zulassen. Jetzt ist 

mein Leben eben anders. 

Mutter Teresa soll gesagt haben: »Es werden 

mehr Tränen vergossen über erhörte Gebete 

als über nicht erhörte.« Ist es überhaupt sinnvoll, 

seinen Träumen nachzustreben? 

Natürlich! Wenn ein Mensch keine 

Ideale, Wünsche, Träume und Visionen mehr 

hat, mögen sie noch so naiv erscheinen — 

mir wurden ja in der letzten Zeit Naivität, 

Gutmenschentum und Blauäugigkeit vorgeworfen 

—, wäre es eine traurige Welt. So 

möchte ich nicht leben. Dann lieber ab und 

zu Niederlagen erleben und wenigstens wissen, 

wofür ich eingetreten bin. 

Samstag, den 20. Februar, kurz vor 

23 Uhr wird Margot Käßmann am Steuer 

ihres Dienstwagens in Hannover angehalten, 

nachdem sie bei Rot über eine Ampelkreuzung 

gefahren ist. Der spätere Blutalkoholtest 

ergibt 1,54 Promille. Die Boulevardpresse 

reagiert mit Spott und Häme, Gegner und 

Kritiker mit Genugtuung. »Ich habe mich 

immer wieder gefragt: Wie konnte mir das 

nur passieren? Aber was nützt jetzt das Jammern, 

das ›hätte‹, ›könnte‹, ›sollte‹ — es ist 

passiert und nun muss ich die Konsequenzen 

tragen«, gibt sie zu Protokoll. 

Wenige Tage später tritt sie von allen 

kirchlichen Ämtern zurück. Sie könne und 

wolle »nicht darüber hinwegsehen, dass das 

Amt und meine Autorität als Landesbischöfin 

sowie als Ratsvorsitzende beschädigt 

sind. Die Freiheit, ethische und politische 

Herausforderungen zu benennen und zu beurteilen, 

hätte ich in Zukunft nicht mehr 

so, wie ich sie hatte. Aber mir geht es nach 

dem Amt auch um Respekt und Achtung 

vor mir selbst und um meine Geradlinigkeit.« 

Mit ihrem Rücktritt setzt sie in den 

Augen vieler Maßstäbe. Von August bis Dezember 

wird sie die neu gewonnene Freizeit 

für einen Studienaufenthalt in Atlanta nutzen. 

Margot Käßmann, so viel scheint sicher, 

weiß auch ihre neue Lebensphase erfüllt zu 

gestalten. 

Jörg Böckem arbeitet als freier Journalist, 

unter anderem für »Die Zeit« in Hamburg.


NAChTsTüCK 

Zwischen jung und erwachsen, Mann und Frau, Natur und Zivilisation, Tag und Traum 

Fotos — Bill henson, courtesy of the artist & Roslyn oxley9 Gallery, sydney 

Untitled, 2007 / 2008 (type C photograph, 127 x 180 cm) 

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Die entspannte Diva stammt aus dem schwäbischen Günzburg. Mit zwölf Jahren sah sie Plácido Domingo in Franco 

Zeffirellis »La Traviata«-Verfilmung und wusste, dass sie Opernsängerin werden will. 2006 erfüllt sich ein 

Kindheitstraum: Sie singt mit ihrem Idol Domingo beim Auftaktkonzert zur Fußballweltmeisterschaft in München 

— 

daS glÜck der WaHrHeit 

Als Zerbinetta hat sie das Münchner Publikum mit komödiantischen Qualitäten begeistert. 

Jetzt kehrt Diana Damrau als Aminta in Richard strauss’ »Die schweigsame Frau« an die staatsoper zurück, 

freut sich auf einen Liederabend zur harfe — und auf ihr erstes Kind 

interview — Florian heurich 

Das Murmeln der Rambla und das Läuten 

der gegenüberliegenden Iglesia de Belén sind 

zu hören, als Diana Damrau das Telefon abnimmt. 

Die Sängerin arbeitet in Barcelona, 

als dieses Interview geführt wird. Sie wirkt 

sonntäglich entspannt — und das, obwohl 

am nächsten Tag die Premiere von Mozarts 

»Entführung aus dem Serail« im Gran Teatre 

del Liceu ansteht. Ein mit Spannung erwartetes 

und in der spanischen Presse hoch gehandeltes 

Hausdebüt. Diesen Tag davor 

werde sie ganz ruhig verbringen, sagt die 

38-Jährige, in der Stadt spazieren gehen, 

vielleicht in den Botanischen Garten auf 

dem Montjuïc, um ein bisschen Erholung in 

der Natur zu finden. Sie habe während der 

vergangenen Probenwochen noch gar keine 

Zeit gefunden, die katalanische Metropole zu 

erkunden, allerdings sei Spanien, vor allem 

der Süden, sowieso ihre große Leidenschaft: 

Flamenco tanzen, andalusische Pferde, maurische 

Architektur. 

In München wird Diana Damrau während 

der diesjährigen Opernfestspiele zum 

ersten Mal die Aminta in Richard Strauss’ 

»Die schweigsame Frau« singen — ebenfalls 

ein mit Spannung erwartetes Debüt. 

Blicken wir einmal zehn Jahre zurück auf die 

Zeit, in der sie sich als sängerin einen Namen 

gemacht haben. Ist aus heutiger sicht das in 

Erfüllung gegangen, was sie sich damals erhofft 

haben? 

Sogar mehr als das! Den Erfolg habe 

ich in diesem Maße gar nicht erwartet. 

Allerdings bedeutet Erfüllung für mich 

nicht, eine weltberühmte Sängerin zu sein, 

sondern inspirierende Arbeit auf höchstem 

Niveau zu leisten und damit dem Publikum 

etwas von der Magie der Oper vermitteln zu 

können. Oper ist die größte Erfüllung für 

mich, weil diese Kunst alles beinhaltet, was 

Menschen schaffen können. Sie hat diese 

immense seelische Komponente durch die 

Musik, die uns in andere Dimensionen 

führt, uns aus dem Alltag hebt und etwas 

Göttliches hat. Oper ist natürlich die Verbindung 

aller Künste: Architektur, Tanz, 

Schauspiel, Dichtung, Musik. Für mich ist 

es ein großes Glück, mich tagtäglich damit 

beschäftigen zu dürfen. So bleibe ich immer 

mit mir selbst in Verbindung, höre in mich 

hinein und kann an diesem Beruf wachsen. 

Gab es in Ihrer Karriere konkrete Momente, 

bestimmte Aufführungen, die sie als 

besonders beglückend empfunden haben? 

Die komplette Erfüllung erreicht man 

ja so gut wie nie. Es ist Teil unseres Menschseins, 

dass wir immer noch mehr wollen, 

immer auf der Suche sind nach einer Perfektion, 

die es eigentlich nicht gibt. Man muss 

einfach einmal innehalten und den Moment 

genießen. Auf der Bühne gibt es natürlich 

unglaubliche Momente. Ich erinnere mich 

etwa an eine »Rigoletto«-Vorstellung an der 

Wiener Staatsoper. Das war zu einer persönlich 

schwierigen Zeit und auch bei Weitem 

keine perfekte Aufführung, aber trotzdem 

war es eine extrem intensive Situation und 

eine Sternstunde für mich, ein Abend, an 

den ich mein Leben lang denken werde. 

Aber wirkliche Erfüllung bringen für mich 

nur — darüber habe ich mir oft Gedanken 

gemacht — die wahre Liebe ohne Erwartungen 

und Zweifel sowie die Natur, weil sie 

rein und perfekt ist. Natur ist für mich etwas 

ganz Essenzielles, dahin ziehe ich mich 

so oft wie möglich zurück. Außerdem erwarte 

ich gerade ein Baby, was als Frau natürlich 

absolut erfüllend ist. Ich bin mal gespannt, 

wie wir meinen dicken Bauch in die Inszenierung 

einbauen können. 

Gerade in Ihrem Repertoire als Koloratursopranistin 

mit Rollen wie Zerbinetta, 

Lucia, Königin der Nacht oder den aberwitzigen 

Bravour-Arien von Antonio salieri, die 

sie auf CD eingespielt haben, erreichen sie 

die stratosphären des Gesangs, stoßen an die 

Grenzen dessen, was mit der menschlichen 

stimme überhaupt möglich ist. Erleben sie 

dabei auch besondere hochgefühle? 

Ja, schon, aber ich hänge nicht nur an 

hohen Tönen. Die ganze Situation, die Atmosphäre, 

die Wahrheit dessen, was wir auf 

der Bühne erzählen, muss stimmen, damit 

es beglückend ist. 

Wenn sie in eine Rolle schlüpfen und 

damit eine andere Identität annehmen, ist das 

für sie auch eine Möglichkeit, Charakterzüge 

und situationen auszutesten, die Ihnen im 

realen Leben fern sind? 

Als Schauspieler muss man sich in das 

Seelenleben anderer Menschen versetzen und 

es umsetzen, lebendig werden lassen. Das 

macht großen Spaß. Etwa bei der Königin


— 

»Die ganze situation, die Wahrheit dessen, was wir auf der Bühne erzählen, 

muss stimmen, damit es beglückend ist« 

der Nacht: eine Mutter, die ihre Tochter 

zum Mord auffordert und alle bösen Kräfte 

mobilisiert. Man setzt sich dabei auch automatisch 

mit seinem eigenen Charakter auseinander, 

muss auch manchmal über seinen 

Schatten springen, aber es ist immer spannend, 

Charaktere zu spielen, die einem ganz 

fern sind. 

In München singen sie die Aminta in 

»Die schweigsame Frau«. Welche Gemeinsamkeiten 

stellen sie zwischen sich und dieser 

Figur her? 

Immerhin ist Aminta auch eine Sängerin 

in einer Operntruppe. Allerdings vermischt 

sie ihren Beruf mit der Realität, 

wenn sie Sir Morosus quasi ein Theaterstück 

vorspielt. Doch er merkt es nicht und 

hält es für die Wirklichkeit. Das ist eigentlich 

eine ziemlich gemeine Sache und letztlich 

bekommt Aminta auch Skrupel. Sie 

rettet sich dann ins Schauspielern und betrügt 

sich damit selbst — also genau das, 

was einem auf der Bühne nie passieren 

dürfte. 

Wie sehen sie die Beziehung Amintas 

zu Morosus? Verkörpert sie die Erfüllung der 

Wünsche und Fantasien eines alternden 

Mannes? 

Ganz sicher, aber auch Morosus hat 

Skrupel. Er realisiert, dass die Verbindung 

mit einer so jungen Frau eigentlich nicht das 

Richtige für ihn ist. Sie gibt sich jedoch ganz 

bescheiden und unterwürfig und zerstreut 

damit seine Bedenken. Wenn sie sich allerdings 

danach als Furie entpuppt, ist sie letzt- 

lich die Enttäuschung und nicht die Erfüllung 

seiner Wünsche. 

Was reizt Morosus an Aminta? Nur ihr 

stiller, unterwürfiger Charakter oder gibt es da 

auch eine sexuelle Komponente? 

Bestimmt ist es beides. Zunächst will 

er zwar nur Ruhe und Frieden haben, aber 

wenn er dann so was Süßes, Nettes bei sich 

hat, sagt er natürlich nicht Nein. Doch er 

behandelt dieses scheue Mädchen immer 

respektvoll, und das berührt wiederum 

Aminta, denn sie zeigt bei aller Komödie, 

die sie ihm vorspielt, doch auch ernsthafte 

Gefühle. 

Bei Ihrer Münchner Zerbinetta haben 

sie unglaubliche Entertainerqualitäten an den 

Tag gelegt. Können sie dieses komödiantische 

Talent auch jetzt wieder ausspielen? 

Gerade bei »Die schweigsame Frau« 

muss man vorsichtig sein, denn dieses Stück 

ist bei aller Turbulenz nicht uneingeschränkt 

lustig. Jede Komödie hat ja zwei Seiten und 

das Spiel, das mit Morosus getrieben wird, 

ist zum Teil auch ganz schön grausam. Die 

Rolle ist ungemein schwierig zu singen, zumal 

Strauss die Stimme mit einem extrem 

lauten Orchester fast zudeckt. Im dritten 

Akt ist das im wahrsten Sinne des Wortes als 

Krach komponiert und über diesem Orchesterkrach 

muss Aminta hoch virtuose Sachen 

singen, hat aber keine wirklichen Soloszenen, 

nach denen die Leute Bravo schreien — jedenfalls 

nicht in der Qualität einer Arie wie 

bei Zerbinetta. 

Neben einem Weibsteufel wie Aminta 

singen und spielen sie auch die eher fragilen, 

ätherischen Damen wie Gilda, ophélie oder 

Lucia. Welche seite entspricht mehr Ihrer 

Persönlichkeit? 

Ich bin ein aktiver Mensch, rede gern, 

brauche Bewegung und Kommunikation, 

aber wie jeder Mensch habe auch ich meine 

stillen Seiten. Übrigens: Mit etwas mehr 

Courage, weniger Passivität wäre es sicher 

Lucia oder Gilda ebenfalls besser gegan - 

gen und sie hätten sich anders entwickeln 

können. 

Während der Münchner opernfestspiele 

werden sie auch einen Liederabend gestalten, 

allerdings nicht mit Klavier-, sondern mit 

harfenbegleitung. Was reizt sie an solch einem 

eher ungewöhnlichen Projekt? 

Die Harfe hat ganz andere klangliche 

und dynamische Ausdrucksmöglichkeiten als 

das Klavier, kann viel nuancierter sein, viel 

leiser spielen. Mit der Stimme kann man sich 

da wunderbar anpassen und noch viel feinere 

Farben in den Gesang mischen. Trotzdem 

ist es auch möglich, richtig loszulegen, genau 

wie mit dem Klavier. Ein spannendes und 

künstlerisch erfüllendes Projekt. 

Florian heurich ist Autor und Musikjournalist. 

Er arbeitet für diverse Kulturpublikationen, 

schreibt und produziert unter anderem 

Hörfunkfeatures für BR-Klassik und 

Bayern 2. Sein nächstes Großprojekt ist eine 

sechsstündige Musiknacht auf BR-Klassik 

im November zum Thema Argentinien. 

MODE KOSMETIK LIFESTYLE MUSIK 

Ausgezeichnet. Mit dem ECHO Jazz 2010 und dem ECHO Klassik 2008. Die Musikabteilung im Kaufhaus der Sinne 

in der 5. Etage. Über 100.000 Titel aus Klassik, Jazz, Weltmusik und Hörbüchern. Erleben Sie preisgekrönte Vielfalt 

und erstklassige Beratung. Exklusiv von unserem Musikexpertenteam, das seine Leidenschaft gern mit Ihnen teilt. 

Marienplatz München – ludwigbeck.de


DoN’T BE A DANCER, 

BE AN ARTIsT! 

Fotos — Wilfrid hösl 

»Artifact« ist ein stück über Ballett. seit seiner Uraufführung 1984 in Frankfurt am Main hat 

es sich zum Klassiker entwickelt. Mit der Premiere von »Artifact« im April 2010 setzte das 

Bayerische staatsballett die Auseinandersetzung mit dem Werk von William Forsythe fort. Die 

Bilder auf diesen seiten entstanden bei den Proben. Die Tänzer testen aus, wie weit sie die 

klassischen Bewegungen ins Extrem treiben, ins Unendliche verlängern können — das Faszinosum 

an Forsythes system. Eine hommage an den großen Choreografen und Erneuerer des Balletts 

Musikalischer sein als die Musik ... 

— 

Im Bild von links: Emma Barrowman, Karen Azatyan, 

Emma Barrowman, Stephanie Hancox, Leonard Engel, 

Vittorio Alberton, Elena Karpuhina 

— 

Forsythes Werke sind als Aufführungstext, als eine 

Art »lebender Organismus« zu betrachten, in dem 

sich sinnlicher Charakter und intellektuelle Durchdringung 

vereinigen 

—

Für die Tänzer und Tänzerinnen des Staatsballetts ist es keine neue Begegnung mit 

einer Arbeit William Forsythes. Dennoch: Sich ein Stück wie »Artifact« anzueignen und zu 

verinnerlichen, ist jedes Mal eine Herausforderung 

— 

Im Bild von links: Zoltan Mano Beke, 

Mai Kono, Matej Urban, Mia Cooper, 

Marie-Astrid Casinelli, Ilia Sarkisov, 

Gregory Mislin, Marcella Zambon 

— 

Forsythe tanzen heißt vor allem, Verantwortung übernehmen für das Stück. Mit Forsythes Worten: Don’t be a dancer, be an artist! 

—


gangSter der BÜHne 

Kinomythen statt Götterwelten: Choreograf Terence Kohler und Regisseur Johannes Müller 

über den Einfluss des Films auf ihre Inszenierungen »série Noire« und »Intrigo internazionale (KV 492)« 

interview — Michael Althen 

Fotos — Kuba Świetlik 

herr Kohler, herr Müller, sie beide inszenieren bei den opernfestspielen. 

Der eine ein Ballett namens »série Noire«, der andere verwandelt 

Mozarts »Le nozze di Figaro« unter dem italienischen Titel von 

hitchcocks »Der unsichtbare Dritte«: »Intrigo internazionale«. Warum 

sind die klassischen Künste plötzlich vom Kino infiziert? 

Terence Kohler: Früher sind die Leute ins Theater gegangen, 

wenn sie sich unterhalten wollten. Diese Funktion hat das Kino 

übernommen. Wir werden heute mit so vielen Bildern bombardiert, 

die wir gar nicht alle verdauen können, aber Kino und Fernsehserien 

sind eben das, worüber sich Menschen heute verständigen. Über 

eine Serie wie »Lost« reden wir auch im Ballettsaal. Das führt natürlich 

auch dazu, dass Opern heute nicht mehr fünf, sechs Stunden 

lang sind, weil die Aufmerksamkeitsspanne schrumpft. Das gilt natürlich 

nicht für die Kenner, aber unsere Aufgabe ist ja auch, ein 

neues Publikum ins Theater zu bringen und Zugang zu ihm zu 

finden. Das heißt auch, dass zum Beispiel die Exposition nicht mehr 

fünf, sondern nur noch zwei Minuten dauern darf, aber in dieser 

Zeit zum Punkt kommen muss. Solche Erkenntnisse sind vermutlich 

der größte Einfluss, den das Kino auf mich hat. 

Johannes Müller: Ich finde es gerade bei Musiktheater interessant, 

mit Filmen zu arbeiten, weil das die neuen Mythen sind. Früher 

wussten die Leute in der Oper, worum es ging, denn das ganze griechische 

Götterpersonal hatten sie aus dem Effeff drauf. Mit diesen 

Kenntnissen arbeitete die Oper jahrhundertelang, aber darauf kann 

sie sich heute nicht mehr verlassen. Und Filme sind da ein Ersatz, an 

den man andocken kann, weil das Publikum mit ihnen vertraut ist. 

Entsteht so etwas Ähnliches wie ein kinematografisches Ballett? 

Kohler: Nein, schließlich ist Ballett eine eigene Kunstform, 

aber unter Umständen gewinnt es dadurch, dass es sich auf dem 

Umweg übers Kino auf bestimmte Qualitäten besinnt. Und auch da 

hilft der Blick auf die Klassiker. Denn wenn man Filme wie »2012« 

oder »Avatar« sieht, dann enttäuscht mich der Mangel an Interesse 

für die Geschichten. Es gibt dort tolle Effekte, aber wenn man das 

mal mit Hitchcock vergleicht, wie der sie einsetzte, um Emotionen 

zu erzeugen, dann erkennt man, wie sehr er die Zuschauer durch 

seine Inszenierung lenkt. Und das kann das Ballett auch: Es kann 

Zuschauer dazu bringen, sich total unwohl zu fühlen oder aber sich 

zurückzulehnen und die Szenerie zu genießen. Auch die Bühne hat 

diese Kraft, Leute zu bewegen, und zwar nicht nur emotional, sondern 

sie auch geistig auf eine Reise zu schicken. 

Müller: Stimmt. Man muss sich der Unterschiede immer bewusst 

bleiben und sich auf die eigenen Mittel besinnen. Ich gehe 

eigentlich viel öfter ins Kino als ins Theater, aber das hat eben auch 

damit zu tun, dass Filme so eine Mischung aus Sog und Distanz 

bieten, für die man als Zuschauer weniger tun muss als im Theater. 

Kino ist mitreißend und doch kann man sich gleichzeitig zurücklehnen. 

Dass Theater abstrakter ist und mehr fordert, ist gar nicht 

negativ gemeint. Im Theater muss man sich hineindenken, das Kino 

fliegt einem ohne Vorankündigung ins Gesicht. 

Und wie muss man sich den Einfluss des Kinos auf Ihre Arbeiten 

konkret vorstellen? haben sie sich für »série Noire« tatsächlich alte 

Gangsterfilme aus hollywood angesehen, herr Kohler? 

Kohler: »Série Noire« ist eigentlich nur eine Verlegenheitslösung. 

Eigentlich sollte das Stück »Secret Agents« heißen, aber die 

Rechte am Titel waren vergeben. Und »Série Noire« klang dunkel 

und provokativ, was dem nahekam, was wir machen wollten. 

Und haben sie für »Intrigo internazionale« hitchcocks »Unsichtbaren 

Dritten« analysiert, herr Müller? 

Müller: »Intrigo internazionale« ist eigentlich auch nur ein 

Titel, auf den ich zufällig gestoßen bin. Mit Hitchcock hat das gar 

nicht so viel zu tun, sondern eher ganz wörtlich mit den Intrigen, 

denn um nichts anderes geht es ja im »Figaro«. Was bei Spionagefilmen 

des Kalten Kriegs auf Staaten und Ideologien ausgeweitet ist, 

das ist im »Figaro« quasi private Geheimdienstarbeit. Verkleiden, 

Briefchen zuspielen, das ist im Kleinen, was das Kino im Großen 

durchspielt. Dort geht es darum: Was denkt der Feind, wenn ich 

ihm eine Information zuspiele? Bei Mozart ist es ähnlich: Wenn wir 

dem Grafen einen Brief schreiben, wird er dann kommen? Wird er 

denken, ich liebe ihn? So stellen wir eine Verbindung her zwischen 

den Geheimdiensten im Kino und den Privatmenschen bei Mozart. 

Diese Seite: Choreograf Terence Kohler. Nächste Seite: Regisseur Johannes Müller 

—


Das ist heute umso aktueller, als das, was früher nur den spionen 

zur Verfügung stand, heute fast schon Allgemeingut geworden ist: 

handyortung, Richtmikrofone, Vaterschaftstests. 

Müller: Ja, das ist ja das Absurde, wie sich die Geheimdienstarbeit 

ins Private fortpflanzt. Da eignen sich Filme als Quelle ganz 

gut für die große Weltintrige. Von Hitchcock stammt nur die Dramaturgie, 

dass sechs Personen einem Koffer nachjagen, dessen Inhalt 

nicht wirklich wichtig ist, weil es eher darum geht, wie sich ihre 

Loyalitäten und ihre amourösen Verbindungen dauernd verschieben. 

Aber das ist ja auch Hollywood: dass sich alle drei Minuten eine 

verblüffende Wendung ergibt und keiner ist, wer er zu sein scheint. 

Kohler: Bei mir waren es eher die Fernsehserien, die den Knoten 

zum Platzen gebracht haben. Seit zwei Jahren spukt mir das 

Stück nun schon im Kopf herum, in dem eine Ballett-Company ein 

Stück aufführt, das erst zweimal gezeigt wurde, weil jedes Mal bei 

der Premiere die Primaballerina gestorben ist, einmal im 19. Jahrhundert 

in Sankt Petersburg, einmal Mitte des 20. Jahrhunderts in Paris. 

Welche Fernsehserie war das? 

Kohler: Ich sah eine Folge von »Mord ist ihr Hobby« mit 

Angela Lansbury. Sie wies mir den Weg, wie ich aus diesem Cluedo- 

Spiel etwas machen könnte, bei dem den Zuschauern erst nach und 

nach enthüllt wird, was das Geheimnis ist. Denn ich wollte nicht, 

dass die Geschichte, wie beim Ballett üblich, von A nach Z erzählt 

wird, sondern endlich mal weniger linear. Man muss sich doch nur 

mal eine Serie wie »Lost« ansehen, die ihre Fans die letzten fünf, 

sechs Jahre mit der Frage in Atem hielt, was zuerst da war: das Huhn 

oder das Ei. Das kann man im Ballett natürlich nicht machen, aber 

ich wollte eine Struktur finden, die das Publikum herausfordert, indem 

es erst am Ende herausfindet, was die drei Zeitebenen verbindet. 

Und welche Kinofilme haben sie inspiriert? 

Kohler: Vor allem die Comic-Verfilmung »Sin City«, in der 

fast alles Schwarz-Weiß war, mit nur wenigen Akzenten in Rot. 

Müller: Ich hätte als Quellen noch »Duplicity« mit Julia Roberts 

und Clive Owen zu bieten. Und »Die drei Tage des Condor« 

mit Robert Redford. Oder Hitchcocks »Eine Dame verschwindet«, 

— 

»Kino und Fernsehserien sind das, worüber sich Menschen 

heute verständigen. über eine serie wie ›Lost‹ reden wir auch im 

Ballettsaal. Unsere Aufgabe ist ja auch, ein neues 

Publikum ins Theater zu bringen und Zugang zu ihm zu finden« 

Terence Kohler, Choreograf 

wo eine Geheimdienstnachricht in einer Arie versteckt ist. Das ist 

fürs Musiktheater natürlich ein gefundenes Fressen. Wir beziehen 

uns aufs echte Leben unter Zuhilfenahme filmischer Erzählmuster. 

haben sie nicht die Befürchtung, dass all die mannigfaltigen 

Bezüge aufs Kino am klassischen opernpublikum vorbeigehen? 

Kohler: Kann sein, aber wir gewinnen neue Zuschauer, denn 

wir können uns nicht immer aufs Abonnement verlassen. Die respektieren 

wir natürlich sehr, besonders hier an der Staatsoper. Aber 

das klassische Ballett hat sich auch immer dadurch entwickelt, dass 

es mit den Konventionen brach. 

Müller: Wichtig ist nur, dass man erkennt, dass unsere Arbeit 

eine Collage aus verschiedenen Quellen ist. Was das im Einzelnen 

ist, spielt gar keine so große Rolle. Da kann durchaus ein Chart-Hit 

neben einer Mozart-Arie stehen. Ich finde es in der Oper immer ein 

bisschen öde, wenn etwa der ganze »Figaro« auf Biegen und Brechen 

in ein Genlabor versetzt wird, dann aber genauso gespielt wird, wie 

man es immer schon gesehen hat. Deswegen versuchen wir, aus 

Kino, Broadway und Oper einen neuen Kontext zu bauen. 

Michael Althen ist Filmkritiker der »Frankfurter Allgemeinen Zeitung« 

in Berlin. 

— 

séRIE NoIRE — EIN ChoREoGRAPhIsChER KRIMI 

Choreografie: Terence Kohler. Musik: Philip Glass. 

Premiere am 22. Juni, weitere Vorstellungen am 23. und 25. Juni 2010 

um 19.30 Uhr, Prinzregententheater. 

— 

INTRIGo INTERNAZIoNALE (KV 492) 

Text und Inszenierung: Johannes Müller. Ausstattung: Philine Rinnert. 

Premiere am 7. Juli 2010 um 20 Uhr, Pavillon 21 MINI opera space. 

Weitere Termine im spielplan ab seite 115.

060 — Erfüllung 061 — Erfüllung 

dAvid clAerbout: 

riverside 

Ein Film gibt ein Versprechen, das — falls es nicht eingehalten wird — die Zuschauer rebellieren lässt. 

Wo der belgische Videokünstler Erfüllung sucht 

übersetzung — Laura schieferle 

stills — Courtesy of David Claerbout und den Galerien: Rüdiger schöttle, hauser & Wirth, Yvon Lambert, Micheline szwajcer, Jörg Johnen 

Filmstills einer Zwei-Kanal-Videoinstallation, in Farbe und stereoton 

über Kopfhörer, jeweils 25 Minuten und 20 sekunden. 

Die linken Seiten stellen die Geschichte einer Frau dar, die rechten 

Seiten die eines Mannes. 

In einem Tal, durch das ein kleiner Fluss strömt, bewegen sich 

beide Personen unbewusst aufeinander zu, vollkommen eingenommen 

von ihrer eigenen Geschichte. 

Sie bleiben getrennt, sowohl geografisch als auch zeitlich — 

genau wie die beiden Projektionsflächen, auf denen sie zu sehen sind 

und ihre Reise zu beobachten ist. 

Er bewegt sich von Ost nach West entlang des Flusses, ihre 

Reise geht in die entgegengesetzte Richtung. 

Zu gegebenem Zeitpunkt queren der Mann und die Frau den 

Fluss an der gleichen Stelle, wo ein Baumstamm ihn überbrückt. 

Genau in dem Moment, in dem die Landschaft die beiden 

Personen geografisch zusammenbringen würde, werden wir gewahr, 

dass sich der Mann und die Frau zwar im selben Tal befinden, am 

selben Ort, aber nicht zur gleichen Zeit. Die einzige Verbindung ist 

das Rauschen des Flusses, das uns zum subtilen Protagonisten der 

Arbeit geleitet. 

Während des 25-minütigen Trips ist bei beiden Filmen je ein 

Audiokanal »kaputt«. Bei ihrem Film funktioniert der rechte Audiokanal 

nicht, bei ihm fehlt der Ton auf dem linken Audiokanal. Hier, 

im gedruckten Medium, ist dieses »Problem« durch die Verwendung 

von Farbe dargestellt. Der linke und der rechte Audiokanal werden 

in Blau beziehungsweise Rot wiedergegeben. 

Sobald sich beide Personen langsam auf dieselbe Stelle zu bewegen, 

einen Stamm, der über dem Fluss liegt, verwandelt sich ihr 

jeweiliger Ein-Kanal-Ton kurzfristig in Stereofonie. Das Geräusch 

des Wassers, das bis zu diesem Zeitpunkt nur auf einer Seite zu hören 

war, entfaltet sich für einen Augenblick zu einem »open space« in 

unserem Gehirn, das Rauschen fließt von einer Seite auf die andere. 

»Riverside« verlagert unsere Vorstellung von Epiphanie, die 

etwas Wesentliches plötzlich begreifbar macht, vom Erzählerischen 

(Psychologischen) zum Phänomenologischen (Akustischen). Und 

zwar genau in dem Moment, in dem wir erwarten, dass Ersteres 

»bedient« wird. 

Erfüllung — auf so coole Art serviert — empfinden viele Zuschauer 

als nicht ausreichend. Vielleicht weil die Geschichte nicht 

zu Ende erzählt wird oder weil wir Stereoton grundsätzlich voraussetzen. 

Doch ich hatte immer schon eine Vorliebe für ungewöhnliche 

Protagonisten wie Wind, Licht — und jetzt eben das Fehlen akustischer 

Vollkommenheit. 

dAvid clAerbout: 

riverside 

A film makes a promise which — if not fulfilled — will have the audience up in arms. 

A Belgian video artist explores the notion of completion 

text — David Claerbout 

stills — Courtesy of David Claerbout and galleries: Rüdiger schöttle, hauser & Wirth, Yvon Lambert, Micheline szwajcer, Jörg Johnen 

stills from a two-channel video installation, in colour and stereo over 

headphones, 25 minutes and 20 seconds each. 

The left pages depict the story of a woman, the right pages that of 

a man. 

Set in a valley with a small river down below, both characters 

unconsciously move towards each other, engulfed in their individual 

stories. 

They remain separated both geographically and in time, just 

like the projection screens on which they appear and make their 

journey. 

He is moving from the east to the west along the river, whereas 

her journey starts from the opposite direction. 

At one point the woman and the man cross the river at the 

same location, marked by a tree trunk across the river. 

Precisely at the point where the landscape would geographically 

bring the two characters together, we realize with certainty that the 

man and the woman are in the same valley, in the same place, but at 

different moments in time. There is no reconciliation but for the sound 

of the river, which brings us to the subtle protagonist of the work. 

During the 25-minute journey, each film has a ‘broken’ audio 

channel. Her film lacks the right audio channel, while his lacks 

the left audio channel. Here, in print, this ‘handicap’ is conveyed 

through colour: the left and right audio channels are coloured blue 

and red respectively. 

As both characters slowly move towards the same location — a 

branch above the river — their individual mono-channel sound is 

briefly transformed into stereophony. The sound of the river, which 

until then was confined to one side of our hearing, briefly unfolds 

like an open space in our brain, effectively flowing from one side to 

the other. 

“Riverside” shifts the notion of epiphany (a sudden comprehension 

of an essence) from the narrative (the psychological) into 

the phenomenological (the aural) precisely at the moment when the 

former is expected to ‘deliver’. 

Fulfilment — served so cool — strikes many a viewer as not 

enough, perhaps because of the lack of narrative resolution, or because 

we take stereophony for granted. But then, in my work, I always 

had a preference for unlikely protagonists such as wind, light, and 

now the absence of aural completion.


iM anfang War daS WOrt 

Die Geschichte Israels liest sich wie ein Epos aus Verzweiflung, hoffnung, hass und hingabe. Ist der Judenstaat 

das verheißene »Gelobte Land« oder ein frevelhafter Eingriff in Gottes Plan? Ein Traktat über Menschen, die 

ihr schicksal selbst in die hand nehmen, und warum mit der Erfüllung eines Traums die Probleme erst anfangen 

text — Rakefet Zalashik 

Fotos — Daniel Josefsohn 

Seit vielen Jahrhunderten beten Juden auf der ganzen Welt am 

Seder abend, dem Auftakt des jüdischen Pessach-Festes, die Worte: 

»Nächstes Jahr in Jerusalem« (be’Shana ha’Ba’a be’Jerushala’im 

ha’Bnuya). Dieses Gebet drückt die Sehnsucht nach dem Land Israel 

aus, laut biblischer Überlieferung das »Gelobte Land«, das Gott 

dem jüdischen Volk schenkt. 

Und so warten die Juden auf die Ankunft des Messias und 

den Bau eines dritten Tempels, um nach 2000 Jahren Exil in ihre 

Heimat zurückkehren zu können. 

Es war jedoch keine religiös motivierte Kraft, die schließlich 

zur Errichtung des Judenstaates führte, sondern der in Budapest geborene 

Journalist Theodor Herzl, dessen 150. Geburtstag in diesem 

Jahr gefeiert wird. 1896 veröffentlichte Herzl das Buch »Der Judenstaat« 

und darin den Satz: «Wenn ihr wollt, ist es kein Märchen.« 

Damit wurde er zur treibenden Kraft, die zur Einwanderung der 

Juden nach Palästina und letztendlich zur Gründung des Staates 

Israel im Mai 1948 führte. 

Zwischen den beiden Sätzen »Nächstes Jahr in Jerusalem« und 

»Wenn ihr wollt, ist es kein Märchen« liegen Welten. Der erste beschreibt 

eine religiös motivierte, passive Hoffnung, die nicht an eine 

konkrete Handlungsaufforderung geknüpft, sondern in Gottes 

Hand gelegt wurde. Irgendwann, so Gott will ... 

Der zweite ist eine politische Parole mit dem Ziel, die Massen 

zu mobilisieren, ein Aufruf an das jüdische Volk, nicht erst irgendwann, 

sondern »jetzt!« in seine historische Heimat zurückzukehren. 

Sie gab dem modernen politischen Zionismus eine Mission. 

Die orthodoxen Juden jedoch sahen in der erfolgreichen Gründung 

eines jüdischen Heimatlandes eine ketzerische, von Menschen 

gemachte Beschleunigung der Geschichte, quasi einen Eingriff in 

den göttlichen Heilsplan. Das daraus resultierende theologische Dilemma 

wirkt bis heute fort. 

Der Zionismus hatte eine laizistische Gesinnung, er wollte 

mit der Religion und dem Leben in der Diaspora brechen. Doch der 

Ursprung der Bewegung war eben doch religiös. Diese Wurzeln treten 

noch immer auf viele Arten in Erscheinung. Angefangen damit, 

dass die Bewegung den Begriff »Zion« wählte — religiös-poetische 

Umschreibung für Jerusalem und zugleich Ort der kommenden 

Offenbarung des Gottes Israels — und auch den Ausdruck »Alija« 

(Aufstieg) verwendete, der neben seiner religiösen Bedeutung auch 

den Immigrationsakt der Zionisten nach Palästina bezeichnet, bis 

hin zur Einführung jüdischer Symbole wie Davidstern und Menora 

als den beiden wichtigsten offiziellen Symbolen des Staates Israel. 

Von Anfang an betonten zionistische Vordenker die lineare 

Kontinuität zwischen den biblischen Zeiten und der Gegenwart — 

mit dem Ziel, den politischen Anspruch des jüdischen Volkes auf 

das Land Israel im 20. Jahrhundert geschichtlich zu legitimieren. 

Als am 14. Mai 1948, an einem Freitag, noch vor Beginn des 

Sabbats, der Jüdische Nationalrat im Stadtmuseum von Tel Aviv 

(dem einstigen Wohnhaus des Zionisten Meir Dizengoff) zusammenkam, 

um die Gründung Israels zu proklamieren, verlas David 

Ben Gurion die Unabhängigkeitserklärung unter einem Porträt 

Theodor Herzls. Die Errichtung des Staates Israel, so Ben Gurion, 

erfolge kraft des »natürlichen und historischen Rechts des jüdischen 

Volkes und aufgrund des Beschlusses der UNO-Vollversammlung«. 

Die Vision der Zionisten war Wirklichkeit geworden, das jüdische 

Volk und die Überlebenden der Shoah hatten ihre Heimstatt bekommen. 

Wie nun hat die Erfüllung jener wichtigsten religiösen Verheißung, 

nämlich die Rückkehr ins »Gelobte Land«, nach Zion, die 

israelische Gesellschaft und Politik in den 62 Jahren seit der Staatsgründung 

beeinflusst? 

Die Kernidee, jüdische Einwanderer nach Israel als »Rückkehrer 

in ihre Heimat« anzusehen, wurde in einem Gesetz verankert, 

mit dem die Knesset die Einwanderung 1950 regelte. Das 

Rückkehrgesetz (Chok ha’Shvut) ermöglicht jedem Juden, nach 

Israel einzuwandern. 

Dieses Gesetz propagierte nicht nur den Staat Israel als jüdisches 

Heimatland, sondern zielte auch darauf ab, ihn zu einem 

Zufluchtsort der Juden in Gefahr und Verzweiflung zu machen — 

die Erfüllung einer zentralen zionistischen Vision. Dazu wurde die



religiöse Prämisse von Zion als dem »Gelobten Land« im Sinne der 

Heimat für alle Juden ausgelegt. 

Dass die Einwanderer zu »Rückkehrern« erklärt wurden, erwies 

sich als identitätsstiftendes Element, vor allem während der Massenimmigration 

in den 50er-Jahren. Damals kamen über 600 000 Juden 

aus Europa, Asien und Nordafrika nach Israel, was das demografische 

Profil der zuvor relativ homogenen jüdischen Gesellschaft 

veränderte. 

Während also einige Immigranten durch die zionistische 

Ideologie motiviert waren, an die nationale Heimstätte des jüdischen 

Volkes zu kommen, gab es auch viele, vornehmlich aus arabischen 

Ländern, die auf die religiöse Verheißung bauten. Für sie galt 

das Gebet »Nächstes Jahr in Jerusalem« und nicht das vom Laizismus 

bestimmte nationale Streben, dem das Einwanderungsgesetz 

dienen sollte. 

Der Staat Israel in seinen Grenzen von 1948 entsprach jedoch 

nicht den Grenzen des biblischen Landes Israel. Viele heilige Stätten 

des Judentums, einschließlich Jerusalem, lagen außerhalb der Landesgrenzen 

und standen unter jordanischer Herrschaft. Juden war es 

nicht erlaubt, das alte jüdische Viertel in Jerusalem zu betreten, um 

an der Klagemauer zu beten. 

Das änderte sich 1967, als die israelische Regierung beschloss, 

die während des Sechstagekriegs besetzten Gebiete zu behalten 

(Milchemet Sheshet ha’Yamin). Israel hatte die Golanhöhen, das 

Westufer des Jordans, die sogenannte Westbank, den Gazastreifen 

und die Halbinsel Sinai beschlagnahmt und damit sein Staatsgebiet 

verdreifacht. 

Direkt nach Kriegsende forderten einige Kreise gemäß der 

messianischen Erwartung die Inbesitznahme der heiligen Stätten 

des Judentums; darunter sogar Mitte links orientierte Politiker — 

auch sie im Rausch des wundersamen Sieges der israelischen Verteidigungskräfte. 

In seiner Siegesrede vom 12. Juni 1967 fand der damalige Ministerpräsident 

Levi Eshkol für die ewige, unlösbare Verbindung 

zwischen dem jüdischen Volk und dem Land Israel die Worte: 

»Die Wurzeln des Volkes von Israel in diesem Land sind so tief, wie 

die Erde alt ist. Über Generationen hinweg hat Israel in all seiner 

Zersplitterung die Verbindung zu diesem Land gehalten und gleichzeitig 

hat das Land den Glauben an uns bewahrt, an uns, nicht an 

irgendein anderes Volk. Unser historisches und spirituelles Recht 

wurde in internationales Recht gegossen und auf dem Amboss der 

Realität geschmiedet. Heutzutage weiß die gesamte Welt, dass keine 

Macht unsere Wurzeln aus diesem Land herausreißen kann. Dieser 

besondere Charakter unseres Volkes und die besondere Verbindung 

zwischen uns und dem Land sind einmalig in der Geschichte der 

Menschheit. Vielleicht wird die Art und Weise, wie wir den drei uns 

aufgezwungenen Kriegen (Unabhängigkeitskrieg 1948, suezkrieg 1956 

und sechstagekrieg 1967, Anm. d. Red.) standgehalten haben, endlich 

auch diejenigen überzeugen, die sich immer geweigert haben, diese 

fundamentale Wahrheit anzuerkennen: Unsere Verbindung zu dem 

Land ist tiefer als der Ozean. Ohne das Land haben wir kein Leben.« 

Der israelische Sieg galt Eshkol als Beweis gegenüber der internationalen 

Gemeinschaft und den arabischen Nachbarn, dass die 

Juden ein Anrecht auf dieses Land hätten. Und dass dieses Recht 

auf der uralten und tiefen Verbindung zum Land selbst und auf dem 

jüdischen Glauben beruhe. 

Doch Israel umfasste auch nach dem Sieg im Sechstagekrieg 

immer noch nicht das ganze »Gelobte Land«, wie es im »Bund Abrahams« 

(Genesis 15) geschrieben steht. Die im Krieg erbeuteten Territorien 

und im Besonderen die Frage des Zugangs zu den heiligen 

Stätten des Judentums schufen in der Folge die Bedingungen für die 

Entstehung des messianischen, radikal rechten »Gush Emunim«. 

Der »Block der Getreuen«, gegründet 1974, wurde zum Vorreiter 

der ideologischen Siedlerbewegung. »Gush Emunim« forderte das 

»vollständige Land Israel« (Eretz Israel ha’Shlema), außerdem sollte 

das von Gott gegebene jüdische Recht, die Halacha, und nicht das 

Gesetz der demokratisch gewählten Regierung im Land Israel gelten. 

Premierminister Yitzhak Rabin wurde 1995 von einem jungen 

rechtsradikalen Juden ermordet, weil er im Zuge seiner Friedenspolitik 

Teile des »Gelobten Landes« (Teile der Westbank, Anm. d. Red.) 

— 

Theodor herzl, der Begründer des Zionismus, 

hatte mit Religion nichts im sinn 

Daniel Josefsohn lebt in Berlin. Ihn zieht es immer wieder in das Land seiner Eltern, wo er junge Israelis zwischen Militärdienst und 

Lebensgier fotografiert. Die Bilder stammen aus seiner Serie »Jewing Gun« 

—


— 

selbst wenn sie nicht religiös sind, setzen auch heute viele 

Israelis die Rückgabe besetzter Gebiete mit der Aufgabe des 

Landes Israel als Ganzes gleich 

»weggab« — des Landes, das den Juden von Gott versprochen war. 

In den Augen der Radikalen verriet er das Volk. 

Selbst wenn sie nicht religiös oder politisch rechts orientiert 

sind, setzen auch heute viele Israelis die Rückgabe besetzter Gebiete 

und dem Judentum heiliger Stätten mit der Aufgabe des Landes Israel 

als Ganzes gleich. Obwohl sie nur selten — wenn überhaupt — die 

heiligen Stätten des Judentums besuchen, so ist doch deren symbolische 

Bedeutung tief in ihrer Identität als Juden verankert. 

Im April 2010 hat Elie Wiesel, Überlebender des Holocaust 

und Nobelpreisträger, in den wichtigsten amerikanischen Tageszeitungen 

einen offenen Brief an Präsident Barack Obama veröffentlicht. 

Eine Reaktion auf den wachsenden Druck des Weißen 

Hauses auf Israel, die Errichtung jüdischer Bauten in Ostjerusalem 

einzustellen. 

Wiesel erklärt »als der Jude, der ich bin«, Jerusalem stehe »über 

der Politik. Jerusalem gehört dem jüdischen Volk und ist viel mehr 

als eine Stadt: Jerusalem ist das, was alle Juden in einer Weise aneinander 

bindet, die nach wie vor schwer zu erklären bleibt. Wenn 

ein Jude zum ersten Mal nach Jerusalem kommt, ist es nicht das 

erste Mal — er kommt nach Hause. Jerusalem ist das Herz unserer 

Herzen, ist die Seele unserer Seelen.« 

Auch für Wiesel, der weder orthodoxer Jude ist noch je in Israel 

gelebt hat, besitzt also die Erfüllung der Weissagung von der 

Rückkehr nach Zion eine mächtige Bedeutung. Eine Bedeutung, 

die weit über den Zionismus hinausgreift und in der Verwurzelung 

jedes einzelnen Juden in dem Land, in der Erde Israels verortet wird. 

Dass sich hier die Grenzen zwischen Religion und Politik 

verwischen, besonders seit sich nach 1967 die Verheißung vom 

»Gelobten Land« zu erfüllen schien, übt einen wachsenden Einfluss 

auf den israelisch-palästinensischen Konflikt aus. Die Fronten verhärten 

sich. Heute mehr denn je. Politische Erfordernisse und Überzeugungen 

werden mit religiösen Erwartungen vermischt, um den 

Anspruch des jüdischen Volkes auf das Land Israel zu untermauern. 

Indem gar der Besitz bestimmter Landesteile mit einer religiösen 

Weissagung und nicht mit politischen, rechtlichen oder ökonomi- 

schen Gesichtspunkten begründet wird, ist der Spielraum für Kompromisse 

eng geworden und eine tragfähige politische Lösung in 

weite Ferne gerückt. 

So kristallisiert sich in der Existenz des Staates Israel seit 

nunmehr 62 Jahren der Satz Herzls: »Wenn ihr wollt, ist es kein 

Märchen.« Und dennoch spricht jeder Jude, ob in Israel oder in der 

Diaspora, am Sederabend bis heute die Worte des Gebets: »Nächstes 

Jahr in Jerusalem«. Nicht aus Tradition, sondern weil nach dem 

Verständnis des Judentums das jüdische Volk sich erst dann in Jerusalem 

versammeln und wahrhaft vereinen kann, wenn der Tempel 

wieder aufgebaut ist. Erst dann, mit dem Bau des dritten Tempels 

und der Ankunft des Messias, wird sich die göttliche Verheißung 

erfüllen. Irgendwann, so Gott will ... 

Rakefet Zalashik ist Gastprofessorin am Ben Gurion Lehrstuhl für 

Israel- und Nahost-Studien an der Hochschule für Jüdische Studien 

und dem Historischen Seminar der Universität Heidelberg. 

Design/Konzeption: www.gute-botschafter.de 

�� 

Sessel 

Central-Theater, 

Esslingen 

Eines von mehr als 

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Denkmalen. 

Wir bauen auf Kultur. 

Spendenkonto 305 555 500 · BLZ 380 400 07 · www.denkmalschutz.de


»WIR sIND ZEITREIsENDE« 

Ganz München kennt die 22-Jährige und ihre vielen Gesichter. In dieser spielzeit hingen die Plakate der 

Bayerischen staatsoper mit Motiven des Amsterdamer Fotografen hendrik Kerstens in der ganzen stadt. 

Die Frau, die von den Plakaten blickt, ist immer dieselbe: Paula Kerstens, seine Tochter. Wir sprachen mit dem 

Fotokünstler und Paula, die per Telefon aus London zugeschaltet war 

interview — Yvonne Gebauer, Anne Urbauer 

Foto — hendrik Kerstens, Plakate: hendrik Kerstens, courtesy of Witzenhausen Gallery 

seit wann porträtieren sie Ihre Tochter? 

Hendrik Kerstens: Als sie fünf Jahre 

alt war, entstand das erste Foto von Paula, 

das einen künstlerischen Rang hat. Damals 

war es ein Spiel. Heute arbeitet Paula entscheidend 

an den Bildern mit. 

Paula, wie ist es, Tochter zu sein und als 

Tochter zugleich ein Kunstwerk? 

Paula Kerstens: Ich will nicht so tun, 

als wäre das alles völlig normal, aber es war 

nie merkwürdig oder unangenehm. Mein 

Vater macht Porträts von mir und ich mag 

das. Diese Arbeit ist ein Teil von mir. 

Hendrik Kerstens: Natürlich ist der 

Familie bewusst, welchen Rang die Bilder 

inzwischen in der Kunstwelt einnehmen. 

Das bedeutet aber nicht, dass wir im Zentrum 

der Aufmerksamkeit stehen wollen. 

Wir leben ziemlich normal und an erster 

Stelle steht unser Familienleben. Wir achten 

darauf, dass wir es nicht an die Öffentlichkeit 

verlieren. Wie die Welt auf die Bilder 

reagiert, verändert unser Leben nicht. Paula 

ist damit immer sehr nüchtern umgegangen. 

In Ihrer Zeit als kommerzieller Fotograf 

haben sie sich immer mit den Auftraggebern 

überworfen. Nun haben sie doch wieder einen 

Auftrag übernommen und alle Plakate für 

diese spielzeit fotografiert. Wie war’s? 

Hendrik Kerstens: Es war auch für 

mich eine Premiere. Mit der Oper zu arbeiten, 

ist zwar etwas anderes als die freie 

Kunst, aber ich dachte: Warum machst du 

es nicht einfach? Mich interessiert der Austausch 

mit anderen Menschen und anderen 

Kunstgattungen. Ich glaube an das Neue, 

an die Zukunft. Das hole ich mir sonst aus 

Zeitschriften. Heute würde ich sagen: Jeder 

Künstler sollte hin und wieder eine Auftragsarbeit 

machen. Dieser Auftrag war auch 

eine große Ermutigung für mich. 

Wie sind die Bilder entstanden? 

Paula Kerstens: Am Anfang steht die 

Idee für das Bild. Hendrik macht erste Fotos, 

dann fällt mir etwas dazu ein. Es ist ein 

Dialog, der deswegen so gut funktioniert, 

weil wir Vater und Tochter sind, also ganz 

genau wissen, was der andere meint. 

Wie haben sie die Personen erarbeitet, 

die sie auf den Plakaten verkörpern? 

Paula Kerstens: Ich recherchiere die 

Geschichte des Stückes. Manchmal weiß ich 

auch, wie das Bühnenbild aussehen wird. 

Das alles lasse ich mir durch den Kopf gehen. 

Ich schaue in die Kamera, als würde 

ich die Aufführung sehen. Manchmal ist 

der Ansatz auch, mich ganz in eine Person 

zu versetzen: Wie würde ich aussehen, wenn 

ich die handelnde Person wäre oder wenn 

ich eine ganz bestimmte historische Situation 

erleben würde? 

Hendrik Kerstens: Als wir das Plakat 

für »Dialogues des Carmélites« fotografieren 

sollten, hatten wir uns schon seit Längerem 

mit Religion befasst. Wir saßen in einem 

Restaurant in New York und spielten mit 

Ideen. Ich nahm die große weiße Serviette 

und setzte sie Paula ins Haar. Sie sah mit 

einem Mal aus wie eine Nonne aus dem 

Stück. Die Idee für das Plakat war geboren. 

Paula Kerstens: Dabei spielt natürlich 

eine Rolle, dass wir über Aussehen und 

Schönheit ganz anders denken, als es in 

Modeheften oder anderen Magazinen geschieht. 

Denn die Schönheit liegt im Unperfekten, 

nicht wahr? 

sie versuchen also nicht, Ihre Tochter 

aussehen zu lassen wie scarlett Johansson in 

dem Vermeer-Film »Das Mädchen mit dem 

Perlenohrring«? 

Hendrik Kerstens (lacht): Nein. Aber 

es wird Sie nicht verwundern, dass sie meine 

Lieblingsschauspielerin ist. 

Paula, was machen sie beruflich? 

Paula Kerstens: Ich studiere Kulturwissenschaften 

und will als Nächstes ein 

Praktikum in einer Galerie machen, vielleicht 

in Berlin. Später will ich in einem 

Museum arbeiten und mit 40 meine eigene 

Galerie eröffnen. Aber das kann sich auch 

wieder ändern. 

Die Fotos, die sie machen, gehören inzwischen 

auch zu großen sammlungen. Gibt 

es eine direkte Verbindung zwischen Ihrem 

studium und der Arbeit mit Ihrem Vater? 

Paula Kerstens: In einer Gender-Vorlesung 

gab es eine Diskussion über Sally 

Mann, die ihre Kinder fotografiert — auch 

nackt. Als Kind eines Fotografen denke ich, 

wenn die Kinder einverstanden sind und 

nicht manipuliert werden, ist es okay. Es ist 

ein Unterschied, ob die Mutter fotografiert 

oder jemand, der nicht Teil der Familie ist. 

Ich habe aber nichts über meine Arbeit mit 

meinem Vater erzählt, weil ich nicht die 

Diese Seite: Wer unangepasst lebt, kann sich leichter in andere Zeitalter versetzen — Hendrik Kerstens 

hat die Plakate aller Opernpremieren dieser Spielzeit fotografiert. Nächste Seite: Dreimal Paula Kerstens, 

fotografiert von ihrem Vater Hendrik 

—

ganze Aufregung auf mich lenken wollte. 

Man weiß nie, wie Leute reagieren. 

Hendrik Kerstens: Viele Kinder werden 

nun mal für Fotos ausgebeutet und missbraucht, 

aber das ist nicht die Regel. Ich 

wehre mich dagegen, dass gesagt wird, man 

könne nicht mit seinen Kindern arbeiten, 

weil andere ihre Kinder ausbeuten. 

Paula Kerstens: Ich bin jetzt erwachsen. 

Kleine Kinder können die Situation nicht 

einschätzen, sie brauchen den Schutz der 

Eltern. Den hatte ich. Wir haben immer 

über alle Fotos geredet. Wenn mir irgendetwas 

nicht passte, wurde es nicht gemacht. 

Paula, sind sie Muse oder Ko-Artist? 

Paula Kerstens: Ich bin eher Muse als 

Künstler. 

sie stellen zeitgenössische Frauen ebenso 

glaubwürdig dar wie Figuren, die an Vermeer 

erinnern. Wie machen sie das? 

Hendrik Kerstens: Wir sind als Familie 

sehr unangepasst. Wir richten uns nach 

keiner Mode. Ich habe zwar noch nie einen 

Strafzettel bekommen, aber wir geben gesellschaftlichem 

Druck nicht nach. Ich fand 

es immer dumm, wenn Leute kommentieren, 

ob ein Kind in einem gewissen Alter ausreichend 

reden oder laufen kann. Alles fügt 

sich, wenn der richtige Moment da ist. Nonkonformismus 

erleichtert diese Zeitsprünge. 

Natürlich gehen wir ins Museum und betrachten 

Bilder. Aber wir sind Zeitreisende. 

Wie man Vergangenheit und Gegenwart 

verbindet, ist auch in der oper ein Thema. 

Hendrik Kerstens: Ich will nicht alt- 

modische Bilder machen. Auch keine Imitate. 

Was passiert, ist in meinem Kopf. Der 

Rest ist Wunder, Zauber. Das ist sehr wichtig 

in der Kunst. Für mich ist Kunst Intuition, 

eine Art Gefühl. Man kann sich dem intellektuell 

annähern, einverstanden. Aber am 

Anfang steht nun einmal die Empfindung. 

Ein guter Künstler legt das auf den Tisch, 

was in ihm ist. 

hatten sie früher Angst davor, auf den 

Tisch zu legen, was in Ihnen ist? 

Hendrik Kerstens: Sehr große Angst. 

Aber man muss einfach den Versuch wagen 

und die Reaktion akzeptieren. Ich habe 

mich nicht so sehr vor den anderen gefürchtet, 

ich habe mir selbst nicht vertraut. Jetzt 

habe ich das Publikum, die Aufmerksamkeit, 

die Anerkennung. Dabei mache ich 

nichts anderes als früher. Verrückt. 

Also nicht nachgeben? 

Hendrik Kerstens: Ich arbeite viel an 

Details und mir wird immer wieder gesagt: 

Das sieht doch keiner. Aber ich weiß, dass 

es da ist. Und ich kann ohne das nicht leben. 

Weil ich an Details glaube — ganz 

ohne Grund. Denn es gibt für nichts einen 

Grund. Oder vielleicht doch ... 

Welche Details sind Ihnen wichtig? 

Hendrik Kerstens: Es ist die Komposition 

der Fotos und das Gefühl, das ein Bild 

vermittelt. Die Sängerin Elisabeth Schwarzkopf 

sagte: Es geht nicht nur darum, schön 

zu singen, es geht um den Ausdruck. Um 

die Menschen um dich herum. Man macht 

nichts ganz für sich. Man ist immer Expo- 

nent der Situation, in der man ist. Nur der 

eigene Geist gehört einem allein, die eigenen 

Ideen — und dafür trägt man die Verantwortung. 

haben sie je darüber nachgedacht, wann 

sie die serie beenden? 

Hendrik Kerstens: Ich dachte, dass das 

enden würde, wenn Paula einen Freund hat, 

weil es ihn vielleicht überfordern würde. 

Den hat sie jetzt, seit zwei Jahren ... 

Paula Kerstens: ... zweieinhalb, Papa. 

Hendrik Kerstens: Gut, zweieinhalb. 

Aber Jeroen kommt damit sehr gut klar. Das 

ist gar nicht selbstverständlich, nicht jeder 

junge Mann findet es gut, dass Bilder seiner 

Freundin an der Wand hängen, wenn er in 

New York in eine Galerie geht. 

Wer macht bei Ihnen die ganz normalen 

Familienfotos — an Geburtstagen, Weihnachten 

oder im Urlaub? 

Paula Kerstens: Die Erinnerungsfotos 

bei Familienfeiern machen ich, meine Mutter 

oder unsere Freunde. 

Yvonne Gebauer ist Bilddramaturgin an der 

Bayerischen Staatsoper. 

Anne Urbauer ist Chefredakteurin von MAx 

JOSEPH. 

Die Plakate von hendrik Kerstens sind im shop 

der staatsoper und auf der Website erhältlich: 

www.staatsoper.de 

Seit 1841 

Möbel aus eigener Werkstatt und von ausgesuchten Herstellern, 

Stoffe, gewebte Teppiche, Glas, Geschirr 

und besondere Mode… 

F. Radspieler & Comp. Nachf. 

Hackenstraße 7 · 80331 München 

Telefon 089/235098-0 · Fax 089/264217 

mail@radspieler-muenchen.de



MIT DEM ZUFALL TANZEN 

Tourismus reduziert Bewegung auf ein Ziel. Wahres Reisen dagegen folgt niemals vorgegebenen Wegen. 

Im Nicht-Ankommen liegt die eigentliche Erfüllung 

text — Ilija Trojanow 

bilder — Kahn & selesnick, courtesy of AERoPLAsTICs contemporary, Brüssel 

»Wer sein heimatland liebt, ist noch ein zarter Anfänger; derjenige, 

dem jeder Fleck Erde so viel gilt wie der, auf dem er selbst geboren 

wurde, hat es schon weit gebracht; reif ist aber erst der, dem die ganze 

Welt zu einem fremden ort geworden ist.« 

hugo von st. Viktor, christlicher Theologe (um 1097 – 1141) 

Ein jeder von uns ist unterwegs. Wir suchen das Unbekannte und 

landen oft im schmerzlich Vertrauten: Blechlawinen auf Autobahnen 

und Ringstraßen; Parkplätze, dichter besetzt als je ein Friedhof; kilometerlange 

Warteschlangen vor Seilbahnen und Museen. Kaum 

ein Fleck der Erde ist vor unserer Mobilität sicher. Wo die Sonne 

hinscheint, steht schon eine Liege bereit. Wie die Heuschrecken 

schwärmen wir über jeden paradiesischen Garten aus. Wenn es uns 

abenteuert, tauchen wir zu Schiffswracks hinab, schweben in Heißluftballons 

über die Savanne oder brechen uns einen Weg durch das 

nicht mehr ganz so ewige Eis. Wir sind viel unterwegs, aber reisen 

wir überhaupt noch? Begnügen wir uns beim Reisen mit einer Veränderung 

der Lokalität oder streben wir nach metaphysischer Erkenntnis, 

als gelte auch für uns das alte maurische Sprichwort, nur 

wer reise, kenne den wahren Wert des Menschen? Sind wir unterwegs 

als Getriebene oder suchen wir den Schatz von Eldorado — so 

vergeblich wie vor uns unzählige andere? 

Einst beinhaltete die Reise — als Metapher wie auch als Realität 

— ein hohes Maß an Läuterung und Wandlung. In den meisten 

Religionen galt das Reisen als rechte Lebensführung, als Instrument 

der Katharsis, als Mittel zur Erleuchtung. In dem hinduistischen 

Lehrbuch »Aitareya Brahmana« steht etwa geschrieben: »Es gibt 

kein Glück für den Menschen, der nicht reist. In Gesellschaft von 

Menschen wird auch der Beste zum Sünder ... also brich auf. Des 

Wanderers Füße sind wie eine Blume: seine Seele wächst, erntet 

Früchte; seine Mühen verbrennen seine Sünden. Also brich auf! 

Wenn du rastest, rasten auch deine Segnungen; sie stehen auf, wenn 

du aufstehst, sie schlafen, wenn du schläfst, sie regen sich, wenn du 

dich regst. Gott ist der Freund der Reisenden. Also brich auf.« Ähnlich 

den christlichen Wandermönchen von einst ziehen noch heute 

die indischen Asketen, Sadhus genannt, durch das Land. Die orthodoxeren 

unter ihnen verbringen keine zwei Nächte am selben Lagerplatz. 

Denn die Sesshaftigkeit birgt alle Sünden in sich, ob Gier, 

Egoismus oder Gewalt. Wer aber in die Sesshaftigkeit hineingeboren 

ist, kann das Reisen nur als einen seltenen Ausstieg erleben, als Auszeit 

von seinem All- und Eintag. 

So betrachtet, bleiben dem Menschen zwei Alternativen: Er 

kann ins unentwegte Reisen und somit zugleich aus dem, was landläufig 

als »geordnetes Leben« gilt, aussteigen, was religiös konnotiert 

heutzutage respektiert, darüber hinaus aber meist müde belächelt 

wird (der sich dahintreiben lassende Weltenbummler ist gewiss kein 

Vorbild); oder er kann einmal im Jahr die Rolle des Pilgers einnehmen, 

um zu erfahren, dass alle Ziele, die er das restliche Jahr über 

verfolgt, sinnlos sind. Das führt keineswegs zur Schizophrenie, 

sondern vielmehr zu der Erkenntnis, dass der Mensch verschiedene 

Realitäten leben kann. Oft hat man Pilger als Suchende missverstanden, 

dabei verdankt sich die enorme, ungebrochene Popularität 

der Pilgerreise gerade jenem Urlaub von der Zielorientierung, der 

ihr innewohnt — zwar wartet am Ausgang Santiago de Compostela, 

doch selbst ein flüchtiger Leser von Hape Kerkeling weiß, dass es 

keineswegs darum geht, dort anzukommen. Das wäre mit Germanwings 

billiger und bequemer zu haben. 

Das höchste Ideal des Reisens ist wohl die profunde Veränderung 

des Reisenden. Reisen, die solchen Ansprüchen genügen, sind 

aufwendig und anstrengend, sie erfordern Zeit und Mühsal, sie 

fordern den Einzelnen heraus — und haben wenig gemein mit Tourismus. 

Was die touristische Branche als pauschale oder individuelle 

Reise verkauft, ist oft die Vermeidung von wahrem Reisen. So wie 

das Monatsgehalt meist wenig zum Lebensinhalt beiträgt. Der Sinn 

des Reisens ist auf den Kopf gestellt: Anstatt sich der Fremde auszusetzen 

und somit Umwege auf sich zu nehmen, zahlt man Geld, um 

ihr zu entgehen. Der Tourismus reduziert Bewegung auf ein Ziel. 

Bevor man aufbricht, weiß man schon, wie es heißt und welche 

Ausfahrt zu ihm führt. Derart gewappnet, können wir uns niemals 

verirren, und das ist keine schöne Vorstellung. 

Reisen bedeutet immer auch Aufbruch in die Welt der eigenen Vorstellung. So wie auf den hier gezeigten Bildern. Das Künstlerduo 

Kahn & Selesnick ist dafür bekannt, unsere Fantasie mit fiktiven Expeditionen anzuregen 

—



Diese Seite: Currency Balloon (from series »Eisbergfreistadt«, 2008, archival pigmented print, 25 x 183 cm, limited edition). 

Nächste Seite: The Lake of Dreams (from series »The City of Salt«, 2001, archival pigmented print, 46 x 183 cm, limited edition) 

— 

— 

Wir sind viel unterwegs, aber reisen wir überhaupt noch? 

Die Fehler, die wir beim Reisen begehen, hängen mit solchen 

Wägbarkeiten zusammen. Wir nehmen Gepäck mit, viel zu viel Gepäck. 

Für viele bedeutet unterwegs sein, das eigene Gepäck — 

Sinnbild des kurzfristig verlassenen Alltags und Schutzwall vor der 

Fremde zugleich — gegen allgegenwärtige Gefahr zu verteidigen. 

Aber wenn die Bewegung dem Reisenden nach dem Gepäck trachtet, 

liegt es da nicht nahe, sich des Gepäcks zu entledigen? Und 

schleppen wir nicht allein deswegen so viel Gepäck mit uns, weil wir 

davon ausgehen, es irgendwo abstellen und einschließen zu können? 

Selbst die Kleidungsstücke, die wir tragen, stören in der Fremde. Sie 

stellen alle möglichen Behauptungen auf, gegen die man sich nicht 

wehren kann, da man selten die Gelegenheit hat, der allgemeinen 

oberflächlichen Einordnung etwas Persönlicheres, Differenzierteres 

entgegenzuhalten, kleiden uns in die Vorurteile der anderen, schotten 

uns wiederum ab vor der Fremde, den Fremden. Man bekommt 

fast überall auf der Welt all das, was man — zumindest für 

das jeweilige Land — zum Überleben braucht. Wer mit leichtem 

Gepäck reist, der verringert das Maß der Sorgen, der Vorurteile, der 

Enttäuschungen. 

Ähnlich schwer, wie ohne Gepäck zu reisen, fällt es uns Beschleunigten, 

langsamer zu treten. Wer kennt nicht Brechts Gedicht 

»Der Radwechsel«: »Ich sitze am Straßenhang. / Der Fahrer wechselt 

das Rad. / Ich bin nicht gern, wo ich herkomme. / Ich bin nicht gern, 

wo ich hinfahre. / Warum sehe ich den Radwechsel / Mit Ungeduld?« 

Weil wir einer Sehenswürdigkeit entgegeneilen. Das fatale Diktat 

dieses Begriffs treibt uns zu immer dichteren Reiserouten. Es gilt 

geradezu als verschroben, wer sich in seinem Urlaub nur mit einem 

Fleck, einer Altstadt oder einem See etwa, beschäftigt. Oder wer es 

genießt, irgendwo stecken zu bleiben, innehalten zu müssen, macht 

sich des Müßiggangs verdächtig. Unterwegs sein bedeutet, mit dem 

Zufall zu tanzen, und nicht, ihn mit hohem technischem Aufwand 

möglichst auszuschalten, nur um festzustellen, dass ein läppischer 

Vulkan einem schon einen Strich durch alle derartigen Flugberechnungen 

machen kann. Geradezu als völlig verrückt muss jener gelten, 

der zu Fuß aufbricht.



Dabei fördert die Fußreise eine Wachheit, die den Reisenden 

wie eine Bogensehne spannt. Er ist einer Wirklichkeit ausgesetzt, 

die sich mit kleinen, spitzen Steinen durch die Sohlen drückt, die 

schwer an den Riemen des Rucksacks hängt, die sich durch schmerzende 

Glieder, Schweiß und Dreck bei jedem Schritt aufdrängt. Wer 

mit dem Auto, dem Bus, dem Zug oder dem Motorrad durch die 

Landschaft fährt, sieht mit den Augen — mehr oder weniger. Wer 

sie aber zu Fuß durchstreift, der sieht mit dem ganzen Körper. Und 

er ist den Einheimischen gleichgestellt, er fällt in die tradierte Kategorie 

des müden Wanderers, dem Menschen weltweit mit den Mitteln 

der vertrauten Gastfreundschaft begegnen. Durch die Windschutzscheibe 

betrachtet, schaut die Fremde aus, als sei sie schlecht in die 

eigene Sprache übersetzt. 

Natürlich kann sich keiner von uns bei jeder Reise völlig nackt 

machen und es ist nicht vorstellbar, dass Milliarden von Menschen 

Eigenwege nehmen. Aber es lohnt sich, seine Aufbrüche zu hinterfragen, 

um das Lohnenswerte am Reisen wiederzuentdecken. Dazu 

muss man nur das Risiko eingehen, die eigenen Wahrnehmungen 

und Prägungen über den Haufen zu werfen. Denn wahre Reisen 

führen nicht von der Heimat in die Fremde und wieder zurück, sondern 

verwandeln Fremde in Heimat. »Unternimm eine Reise, mein 

Freund«, sang einst der Sufi-Dichter Rumi, »vom Ich zum Selbst.« 

So eine Reise verwandelt die Welt in eine Goldmine. So eine Reise 

folgt niemals vorgegebenen Wegen, sondern unserem jeweils eigenen 

Weg. Und sie kennt kein Ziel. 

Ilija Trojanow, 44, stammt aus einer Opernfamilie: Sein Großvater 

war Chefregisseur an der Oper in Sofia. Trojanow selbst schrieb 

2005 das Libretto für die afrikanische Oper »Masque« mit Musik 

von Hans Huyssen. Der vielfach ausgezeichnete Autor lebt zurzeit 

als Schriftsteller in Wien. Vor allem aber ist er auf Reisen für Bücher 

wie »Der Weltensammler« (2006) und »Der entfesselte Globus« 

(2008). Im November dieses Jahres kuratiert er das neue Münchner 

Literaturfestival. 

— 

Die sesshaftigkeit birgt alle sünden in sich, 

ob Gier, Egoismus oder Gewalt

102 — Agenda 

kulturtipps 

Was die Mitarbeiter der Oper machen, wenn sie nicht bei der Oper mitarbeiten 

— 

Kunst 

Magdalena Jetelová 

Von Ivan Liška, Ballettdirektor 

Ein Kulturtipp ist mir fremd, aber einen Kunsttipp 

gebe ich gern ab: Magdalena Jetelová. Sie hat es 

länger in Prag ausgehalten als ich — fast 20 Jahre. 

Schon als junge Kunststudentin arbeitete sie an 

diesen riesigen Baumstämmen. Ich kann mich an 

ein frühes Foto erinnern, ich glaube, es war in 

der Zeitschrift »Art«. Es zeigte Magdalena neben 

einem dieser gigantischen, rauen, behauenen 

Baumstämme, die aussahen wie verletzte Riesen. 

Aus ihnen schlug Magdalena Formen heraus, 

mit Beil und Axt. Unwirtliche, ungemütliche, riesengroße 

und ungefüge Sitzmöbel entstanden, nicht 

zum Sitzen geeignet, nicht gedacht, damit zu leben. 

Massiv und wie ein Stück Natur, das sich in die 

Zivilisation verirrt hatte, standen sie dann in den 

artifiziellen, rechtwinkligen, aseptischen Ausstellungshallen. 

Fremdkörper, über die man stolperte, 

die einen einschüchterten. Ähnlich wie Rückriems 

gigantische Granitstelen, gewaltsam aus der Landschaft 

herausgerissen und von Menschen mühsam 

bearbeitet. Mich haben diese Arbeiten damals tief 

verstört und seitdem habe ich Magdalena Jetelová 

und ihre Arbeit nicht mehr aus den Augen gelassen. 

1985 erhielt sie ein Stipendium in München und 

blieb mit ihren Kindern im Westen. Heute lebt sie 

in Düsseldorf und Prag. Sie ist Professorin an 

der Münchner und der Prager Kunstakademie. Ihre 

Werke stehen in den großen Museen der Welt, 

im New Yorker MoMA, in der Tate Gallery oder im 

Centre Georges Pompidou. 

Walter Storms, WahlMünchner wie Magdalena und 

ich, entdeckte die junge Tschechin einst in Prag in 

der Akademie und blieb ihr seitdem auf den Fersen. 

In seiner Galerie kann man ihre neuesten Arbeiten 

regelmäßig sehen. Heute arbeitet sie sehr fein mit 

Licht, zaubert Installationen in die Natur, zeichnet 

fernen isländischen Landschaften geheimnisvolle 

Wege und Linien ein, magische Leuchtpfade, die 

ins Nichts führen. Viele ihrer Arbeiten sind politische 

Statements einer Künstlerin, die sich ihre Freiheit 

hart erkämpft hat und deshalb weiß, was sie wert 

ist. Wer Lust hat, fährt in die Kunsthalle nach 

Mannheim. Exklusiv entwickelt Jetelová dort auf fast 

1000 Quadratmetern eine interaktive LichtGroßinstallation 

zum Thema Menschenrechte und Selbstwahrnehmung. 

Kunsthalle Mannheim, Friedrichsplatz 4, Mannheim, 

17. 7. bis 10. 10. 2010, Dienstag bis sonntag 11 – 18 Uhr, 

Mittwoch bis 20 Uhr, www.kunsthalle-mannheim.de 

— 

architeKtur 

Quinta da regaleira in sintra, Portugal 

Von silke holzach, Leitung der Videoabteilung 

Wer hat Lust, sich verzaubern zu lassen? Eine Reise 

zu unternehmen, bei der man nicht ganz sicher 

ist, ob hinter der nächsten Ecke ein Rankgewächs 

freundlich die Hand reicht oder geflügelte Zwerge 

kichernd davonhüpfen? Man fühlt sich wie ein 

neugieriges Kind auf Entdeckertour durch opulente, 

verwunschene Gärten und verblüffende Bauwerke. 

Unzählige Pfade schlängeln sich von einem prachtvollen 

Türmchen zur nächsten romantischen Kapelle. 

Über winzige Stufen, gerade groß genug für Puppenfüße, 

führt der Weg zu einem Brunnen, Wasserfall 

oder einer giftgrünen Grotte. Der dichte Bewuchs 

lässt kaum ahnen, was man als Nächstes entdecken 

wird. Wer den Mut hat, in die rätselhaften, düsteren, 

unterirdischen Tunnel vorzudringen, kann aus dem 

dunklen Schoß der Erde die Stufen des atemberaubenden, 

27 Meter tiefen »Initiationsbrunnens« zum 

Licht erklimmen. Jeder Schritt wird von dem weichen 

Moos gedämpft, das sich im Laufe der vielen Jahre 

über jeden Stein gelegt hat. 

Mich hat Quinta da Regaleira förmlich aufgesogen. 

Anfangs war es nur ein Spaziergang durch einen 

hübschen Park, doch die Faszination wuchs mit 

jeder Entdeckung und jedem Blick, der sich einem 

bietet. An der Wende zum 20. Jahrhundert konnte 

nur ein Bühnenbildner wie der Italiener Luigi Manini 

diese grandiose Mischung aus symbolbeladener 

Zuckerbäckerarchitektur und Fantasielandschaften 

erschaffen — für den brasilianischen Kaffeemogul 

António Augusto Carvalho Monteiro. Heute ist es 

UNESCOWeltkulturerbe. Ich würde liebend gerne 

dort verloren gehen ... 

Rua Barbosa du Bocage 5 – 9, sintra, Portugal, 

www.whc.unesco.org/en/list/723 

Illustration Cicero-Titel 5/2010: Michele Costi 

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— 

roMan 

lion Feuchtwanger: »erFolg« 

Von Roland schwab, Geschäftsführender Direktor 

Eigentlich ist er eine klassische Pflichtlektüre: Lion 

Feuchtwangers Roman »Erfolg. Drei Jahre Geschichte 

einer Provinz«, entstanden zwischen 1927 und 1930. 

Pflichtlektüre für jeden Bayern zur kritischen Introspektion 

unerklärlicher Befindlichkeiten, für jeden 

der nach Bayern zieht und sich auf die Spezies 

vorbereiten muss — und vor allem auch für jene, die 

in der bayerischen Verwaltung ihren Dienst tun 

oder tun wollen. Nicht nur die noch immer existenten 

Örtlichkeiten, die Firmen und Menschen, deren 

Nachfolger und Nachkommen in Bayern immer noch 

eine Rolle spielen, sind wie ein Stadt und Personenführer 

zu lesen — auch die bedrückende Beobachtung 

der Umstände, die zu der Massenbegeisterung 

für Adolf Hitler in der Hauptstadt der Bewe 

gung führten, sind so präzise eingefangen, dass 

einem noch 80 Jahre später das Lachen im Hals 

stecken bleibt. Und wer hätte Ludwig Thoma besser 

geschildert als Feuchtwanger in der Figur des 

Dr. Lorenz Matthäi: »War der Lorenz nicht einmal ein 

Rebell gewesen? […] Es waren tapfere Verse gewesen, 

den Gegner mit photographischer Akribie 

treffend. Jetzt war er fett geworden, wir wurden 

wohl alle fett, sein Witz war verstumpft, seine Zähne 

fielen aus.« 

Zudem gibt es ein wunderbares Hörbuch mit dem 

unvergessenen, großartigen Jörg Hube und der 

Biermösl Blosn, die kongenial musikalischsatirisch 

Feuchtwangers Untersuchungen im heutigen Bayern 

fortführen. Seit meinem Studium, für das ich mir 

als Statist und Kleindarsteller an den Münchner 

Kammerspielen etwas dazuverdiente, habe ich ihn 

bewundert — und dass er in den vergangenen Jahren 

zusammen mit der Biermösl Blosn in unserer 

»Fledermaus«Produktion als Frosch auf der Bühne 

stand, das war genauso spannend wie die Tatsache, 

dass er mit seiner eigenen knorrigen Art Feuchtwangers 

Roman in unsere Gegenwart geholt hat. 

Lion Feuchtwanger: »Erfolg. Drei Jahre Geschichte einer 

Provinz«, 878 seiten, Aufbau Taschenbuch Verlag, 12,95 €; 

Audiobook: »Erfolg«, sprecher: Jörg hube, 

Musik: Biermösl Blosn, 2 CDs, 130 Minuten, Der Audio 

Verlag, 19,99 € 

— 

ausFlug 

Fraueninsel 

Von Emma Barrowman, Tänzerin, Bayerisches 

staatsballett 

Ich komme aus Kanada. Dieses Land hat großzügige, 

weite Landschaften. Manchmal suche ich sie hier in 

Bayern. 

Ein Wochenende reicht nicht, um die wunderbaren 

Landschaften und Berge des Chiemgaus kennenzulernen. 

Aber ein kleines Stück davon kann ich sogar 

bei einem Sonntagsausflug erobern. Man fährt, am 

besten mit einem frühen Regionalzug, eine Stunde 

bis Prien am Chiemsee und mit dem historischen, 

mit Kohle betriebenen Kleinzug – die Einheimischen 

nennen ihn »Bockerl« – noch zehn weitere Minuten 

bis zum Hafen in Stock. Dort erwarten einen die 

Passagierschiffe der ChiemseeSchifffahrt Fessler, 

eines ist sogar einem MississippiSchaufelrad 

dampfer nachempfunden! Ich kaufe eine Fahrkarte 

zur Frauen insel, mit etwas mehr als 200 Einwohnern 

die kleinste Gemeinde Bayerns, die eigentlich 

Frauen chiemsee heißt. Vom Schiff aus hat man freie 

Sicht auf Hochfelln, Hochgern und Kampenwand, 

manchmal gar bis zu den steilen Zacken des 

Zahmen und des Wilden Kaisers. Man passiert die 

berühmte Herreninsel mit dem Schloss König 

Ludwigs II.; die Krautinsel, die unbewohnt ist und 

auf der angeblich auch heute noch jeden Sommer 

Schafe grasen, lässt man rechts liegen und legt 

nach 15 Minuten am Hauptsteg der Fraueninsel an. 

Autos gibt es hier keine. Zu Fuß mache ich mich 

auf den Uferweg, um die Insel in 20 Minuten zu 

umrunden. Ich schlendere von einem Fischer zum 

anderen, jedes Haus hat seinen eigenen kleinen 

Anleger; überall duftet es nach frisch geräucherten 

ChiemseeRenken oder dem noch feineren Saibling. 

Oder ich gehe die kleinen Spazierwege kreuz und 

quer und von einem privaten Garten zum anderen, 

denn die wenigen Häuser stehen nicht in Reih und 

Glied, sondern verstreut über die Insel, die dominiert 

wird vom Kloster und Klostergarten der Benediktinerinnen. 

Besonders schön ist das im Frühjahr 

und Sommer, denn die wilden, bunten Bauerngärten 

sind legendär. Dank eines milden Mikroklimas 

gedeihen hier Blumen besser als anderswo, eine 

üppige Blüten und Düftemischung, die einen 

alle paar Meter verzaubert stehen bleiben lässt. Die 

kleine mittelalterliche Kirche und der Friedhof des 

Klosters Frauenwörth mit seinen schmiedeeisernen 

Grabkreuzen bieten Gelegenheit zum stillen Innehalten 

und Nachdenken über Anfang und Ende, 

über unsere Reise auf diesem Planeten ... Wenn 

einen dann die Melancholie gehörig gepackt hat, 

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www.unitelclassica.com


geht man vielleicht hinüber in die »Linde«, im Sommer 

in den herrlichen Garten, im Winter in die Stubn, 

und isst dort, gut gewärmt vom Kachelofen, die 

berühmte Fraueninsler Fischsuppe oder – eine 

ganz besondere Spezialität – köstliche Schratzenfilets. 

Schratzen, das sind kleine Barsche, im 

baye rischen Volksmund meint das Wort aber auch 

die kleinen Kinder. 

In meiner Heimat Kanada ist die Natur überall groß 

und weit, auch dort gibt es diese Landschaften mit 

Wasser und Bergen – Bayern erinnert mich daran, 

es ist wie eine Miniaturausgabe davon. Auch deshalb 

habe ich mich hier schnell eingelebt. 

www.frauenwoerth.de, Tel. 0 80 54 – 90 70 

www.linde-frauenchiemsee.de, Tel. 0 80 54 – 9 03 66 

www.chiemsee-schifffahrt.de, Tel. 0 80 51 – 60 90 

— 

FrühsPort 

der englische garten, Johnny* und ich 

Von Katja Dietzel, orchesterdisponentin 

Weckerklingeln kurz vor sechs. Nein, noch mal 

rumdrehen geht nicht. Johnny wartet. Wir haben 

eine Verabredung. Also: runter von der Matratze, 

rein in die Laufschuhe. Die Stöpsel in die Ohren, 

auf dem Weg durchs Treppenhaus noch die 

Ent scheidung, ob Johnnys »American« Vol. IVI oder 

doch wieder der selbst kreierte »Johnny Forever« 

Mix. Die Straße runter, rechts den kleinen Weg 

hinab, über die Brücke ... und da sind wir schon: 

Johnny und ich im Englischen Garten. Wir laufen 

Richtung Kleinhesseloher See. Am See haus immer 

dasselbe Bild: Biertische schräg auf Bierbänken 

harren nach abendlichen Gelagen des neuen 

Tages. Hier biegen wir am Wochenende immer in 

den Nordteil des Parks ab, haben dann endlos Zeit. 

In der Woche pressiert’s. Deshalb nehmen wir 

mit den Wiesen diesseits des Seehauses vorlieb. 

Danach geht’s unbedingt am Chinesischen Turm 

vorbei, der nie schöner ist als an einem frühen 

Sommermorgen, wenn es noch nach vielen Maß 

unterm Sommernachtssternenhimmel riecht ... 

Weiter dann zum Monopteros ... bis ganz rauf. Oben 

drehen wir sehr langsam eine Runde durch 

den Tempel und beim Blick auf die Silhouette des 

großen Dorfs München — Achtung, kitschig! — 

hüpft unser Herz ... jedes Mal ... und wenn wir von 

hier sehen, dass ein dicker Nebelstreifen über 

dem Eisbach liegt, bekommen wir immer Lust, auf 

dem Rückweg mittendurch zu laufen ... Johnny 

hat für alle Eindrücke die passenden Songs parat. 

Und wenn ich dann doch manchmal fremdgehe, 

weil ich denke: »Es kann doch nicht immer Johnny 

sein«, dann fühlt es sich nicht so gut an. Und am 

nächsten Morgen ist dann wieder alles beim Alten: 

der Englische Garten, Johnny und ich. 

Anmerkung: Johnny Cash war einer der einflussreichsten 

Us-amerikanischen sänger und songschreiber. 

— 

literatur 

Johannes voM Kreuz: »die dunKle nacht« 

Von Thomas Rott, Leitung Elektroakustik / Video 

Nein, dem immensen Kultur und Freizeitangebot in 

und um München habe ich hier nichts hinzuzufügen. 

Aber nachdem ich selbst immer dankbar bin für eine 

Literaturempfehlung aus dem unüberschaubaren 

Buchangebot, möchte ich »Die dunkle Nacht« von 

Johannes vom Kreuz vorstellen. 

Johannes vom Kreuz lebte von 1542 bis 1591 in 

Spanien. Er war Theologe und Ordenspriester im 

Umkreis von Teresa von Avila. Aufgrund von 

Richtungsstreitigkeiten innerhalb des Ordens wurde 

er in den 1580erJahren gefangen genommen, 

gefoltert und eingekerkert. In dieser Zeit entwickelte 

er die Grundlagen seiner christlichen Lebensanschauung 

und Philosophie. 

Das Buch besteht aus drei Teilen, die anhand von 

acht Gedichtstrophen abgehandelt werden: Der 

erste Teil behandelt die Loslösung des Geistes von 

sinnlichen Zwängen und Unzulänglichkeiten. Der 

zweite Teil beschreibt den Weg des Geistes aus 

dem Dunklen hin zum transzendentalen Ich, zu einer 

persönlichen Gotteserfahrung. Der dritte Teil ist 

ein Gedichtzyklus, der zweifelsohne zum Schönsten 

gehört, was die spanische Literatur hervorgebracht 

hat. Wie er mit ganz einfachen Worten und wunderbarer 

Poesie in die Tiefe menschlichen Seins vorstößt, 

ist atemberaubend. 

Obwohl Johannes vom Kreuz den Mystikern zugerechnet 

wird, habe ich mehr den Bezug auf die 

Scholastiker wie Thomas von Aquin und den Bezug 

zu buddhistischen Ganzheitserfahrungen herausgelesen. 

Für uns heute zeigt dieses Buch einen 

möglichen Weg zu einer neuen gesellschaftlichen 

Unabhängigkeit und geistigen Freiheit. Ab vierzig. 

Johannes vom Kreuz: »Die dunkle Nacht«, 255 seiten, 

Johannes Verlag Einsiedeln, 14,50 € 

EXKLUSIVE 

IDEEN FÜR GENIESSER 

DER FEINSCHMECKER GOURMET-SHOP bietet besondere Angebote 

für Küche, Genuss und Gastlichkeit – ausgewählt durch die Redaktion 

des internationalen Gourmet-Journals DER FEINSCHMECKER. 

Coffret Brut Rosé 

Die Besonderheit des Brut Rosé liegt in den 50 Prozent Chardonnay-Trauben, 

ein außergewöhnlich hoher Anteil für einen Rosé. Er gibt der Cuvée eine angenehm 

geradlinige Struktur und Biss, gleichzeitig eine bemerkenswerte Eleganz, 

welche die komplexen Fruchtaromen des Pinot Noir in ein beschwingtes Mundgefühl 

verwandelt. Coffret Brut Rosé-Paket 1: Eine Flasche Brut Rosé (0,75 l) 

mit 2 Rosé-Gläsern à 16 cl für 62 Euro. Art.-Nr.: 6004 

Coffret Brut Rosé-Paket 2: Drei Flaschen 

Brut Rosé (à 0,75 l, ohne Gläser) 

für 118 Euro (1 Liter = 

52,44 Euro). Art.-Nr.: 6005 

Die Geschmacks- 

(ver)führung 

Schokolade und Wein haben viel 

gemeinsam: Für das Aroma beider 

sind Terroir, Anbau und Lage entscheidend. 

Der Experte Eberhard Schell 

zeigt in seinem Buch die Parallelen von 

Schokolade und Wein auf, schult den 

Geschmackssinn und sorgt dafür, dass Sie 

beides mit Verstand und allen Sinnen genießen 

lernen – ausführliche Warenkunde und Verkostungshinweise inklusive. Genusspaket: 

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zum Wein und einer kleinen Pralinenmischung. Preis: 64 Euro. Art.-Nr.: 5615 

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Kochgenuss, Reise und Lifestyle, Weine und Lebensart zusammen. 

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29,95 Euro. 

Art.-Nr.: 5658


kiss the sky 

Der Bau auf dem Marstallplatz ist nicht nur ein spektakel fürs Auge: Die Architekten von Coop himmelb(l)au 

bauten für die Bayerische staatsoper und mit Unterstützung von MINI ein kleines Wunder der Akustik: 3-D-Musik 

Fotos — Wilfried hösl 

Während der Festspiele wird der Marstallplatz zum Schauplatz künstlerischer Experimente: Christoph Schlingensiefs »Via Intolleranza II« 

kommt hier auf die Bühne, ebenso Johannes Müllers »Intrigo internazionale (KV 492)«. Das Foto zeigt den Beginn der Bauarbeiten 

— 


Die Westfassade ist nach innen geneigt, 

reflektiert Umgebungsgeräusche nach oben und 

verneigt sich auch vor Olafur Eliassons 

Spiegelinstallation 

—


Klanglandschaft: Form und Außenhaut des Pavillons 21 MINI Opera Space wurden so entwickelt, dass sich der Geräuschpegel der Großstadt 

in der Umgebung des Pavillons merklich reduziert. Der Kristallbau schluckt Lärm. So entsteht ein akustisches »schwarzes Loch«, das die 

Sinneswahrnehmung rund um den Bau spürbar verändert 

— 


Im Inneren des Pavillons 21 MINI Opera 

Space haben bei den Aufführungen rund 

300 Zuschauer Platz 

— 

Der Pavillon 21 MINI Opera Space wurde 

in wenigen Wochen erbaut. Großen 

Dank an alle, die das Projekt möglich 

machten, nicht zuletzt die Bauarbeiter! 

—

112 — 

Agenda 

Im August wird der Bau wieder 

verschwunden sein — er lässt 

sich in Seecontainer verpacken 

und an anderen Orten wieder 

aufbauen. Er passt perfekt zu 

Musiktheater, Performances, 

Videokunst und — Festen. 

Vielleicht begegnen Sie ihm 

bald: in Paris, Tokio, 

London ... 

— 

Die genaue Form der Zacken, der »Spikes« auf der Außenhaut, wurde mit einem komplexen 3-D-Verfahren errechnet und soll Musik als Raum 

darstellen. Architekt Wolf Prix nennt sie »gefrorene Musik«. Sie bilden eine Sequenz aus Jimi Hendrix’ »Purple Haze« ab: 

...’Scuse me while I kiss the sky ... 

—

Production photo © Karin Cooper 

DER 

DES NIBELUNGEN 

Conductor Donald Runnicles, “clearly 

among the most insightful, potent Wagnerians of 

our day” (Sunday Times, London), leads a stellar cast in 

Francesca Zambello’s critically acclaimed production. 

Francesca Zambello Mark Delavan Nina Stemme Ian Storey 

DAVID GOCKLEY 

General Director 

NICOLA LUISOTTI 

Music Director 

Ring Festival: Summer 2011 

CYCLE 1 June 14, 15, 17 & 19 

CYCLE 2 June 21, 22, 24 & 26 

CYCLE 3 June 28 & 29, July 1 & 3 

Cast 

Nina Stemme 

Brünnhilde 

Mark Delavan 

Wotan 

Ian Storey 

Siegfried 

Gordon Hawkins 

Alberich 

Anja Kampe 

Sieglinde 

Heidi Melton 

Sieglinde (6/29) 

Brandon Jovanovich 

Siegmund, Froh 

Larissa Diadkova 

Fricka 

David Cangelosi 

Mime 

Stefan Margita 

Loge 

Gerd Grochowski 

Gunther 

Andrea Silvestrelli 

Hagen, Fasolt 

Daniel Sumegi 

Fafner, Hunding 

Production 

Conductor 

Donald Runnicles 

Director 

Francesca Zambello 

Set Designer 

Michael Yeargan 

Costume Designer 

Catherine Zuber 

Lighting Designer 

Mark McCullough 

Projection Designer 

Jan Hartley 

Dramaturg 

Cori Ellison 

Choreographer 

Lawrence Pech 

Complete Cycles On Sale Now! 

sfopera.com • +1 415 864 3330 


sPiElPlan 

24. Juni bis 31. Juli 2010 

BMW München 

OPER 

TOsca 

Giacomo Puccini 

Musikalische Leitung Fabio Luisi (28.6. / 2. / 7. / 10.7.); 

Marco Armiliato (15. / 19.7.) 

Inszenierung Luc Bondy 

Karita Mattila, Jonas Kaufmann, Juha Uusitalo, 

Christian Van Horn, Enrico Fissore, Kevin Conners, 

Rüdiger Trebes, Christian Rieger, Tölzer Knabenchor 

28. Juni: Festspiel-Premiere – 19 Uhr 

2. / 7. / 15. / 19. Juli – 19 Uhr 

10. Juli – 20 Uhr 

Einführungsmatinee zur Neuinszenierung 

20. Juni – 11 Uhr, Moderation: Nikolaus Bachler 

gefördert durch den 

BMW München 

MEdEa in cORinTO 

Giovanni Simone Mayr 

Musikalische Leitung Ivor Bolton 

Inszenierung Hans Neuenfels 

Alastair Miles, Alek Shrader, Nadja Michael, 

Ramón Vargas, Elena Tsallagova, Kenneth Roberson, 

Francesco Petrozzi, Laura Nicorescu 

29. Juni – 19 Uhr 

sponsored by 

dOn GiOvanni 

Wolfgang Amadeus Mozart 

Musikalische Leitung Kent Nagano 

Inszenierung Stephan Kimmig 

Mariusz Kwiecien, Phillip Ens, Anja Harteros, 

Pavol Breslik, Maija Kovalevska, Alex Esposito, 

Laura Tatulescu, Levente Molnár 

3. / 6. / 8. Juli – 19 Uhr 

RObERTO dEvEREux 

Gaetano Donizetti 

Musikalische Leitung Friedrich Haider 

Inszenierung Christof Loy 

Edita Gruberova, Paolo Gavanelli, Sonia Ganassi, 

José Bros, Francesco Petrozzi, Steven Humes, John Chest 

30. Juni / 4. Juli – 19 Uhr 

dialOGuEs dEs 

caRMéliTEs 

Francis Poulenc 


Inszenierung Dmitri Tcherniakov 

Alain Vernhes, Susan Gritton, Bernard Richter, 

Felicity Palmer, Soile Isokoski, Susanne Resmark, 

Hélène Guilmette, Heike Grötzinger, Anaïk Morel, 

Kevin Conners, Ulrich Reß, John Chest, Christian Rieger, 

Levente Molnár, Rüdiger Trebes 

9. / 13. Juli – 19 Uhr 

diE TRaGödiE 

dEs TEufEls 

Peter Eötvös (Musik) / Albert Ostermaier (Text) 

Musikalische Leitung Peter Eötvös; Christopher Ward 

Inszenierung Balázs Kovalik 

Cora Burggraaf, Ursula Hesse von den Steinen, 

Topi Lehtipuu, Georg Nigl, Julie Kaufmann, 

Elena Tsallagova, Heike Grötzinger, Annamária Kovács, 

Kevin Conners, Christoph Pohl, Nikolay Borchev, 

Christian Rieger, Wolfgang Bankl 

12. Juli – 19 Uhr 

Mit freundlicher Unterstützung der 

lE nOzzE di fiGaRO 


Musikalische Leitung Juraj Valcuha 

Inszenierung Dieter Dorn 

Mariusz Kwiecien, Barbara Frittoli, Anna Bonitatibus, 

Ildebrando D’Arcangelo, Camilla Tilling, Donato Di Stefano, 

Heike Grötzinger, Ulrich Reß, Kevin Conners, Alfred Kuhn, 

Evgeniya Sotnikova 

14. / 17. Juli – 19 Uhr 

dOn caRlO 

Giuseppe Verdi 

Musikalische Leitung Marco Armiliato 

Inszenierung Jürgen Rose 

René Pape, Ramón Vargas, Simon Keenlyside, 

Paata Burchuladze, Christian Van Horn, Olga Guryakova, 

Nadia Krasteva, Lana Kos, Francesco Petrozzi, 

Kenneth Roberson, Elena Tsallagova, Todd Boyce, 

John Chest, Levente Molnár, Christian Rieger, 

Christoph Stephinger, Rüdiger Trebes 

18. / 22. Juli – 18 Uhr 

diE schwEiGsaME 

fRau 

Richard Strauss 


Inszenierung Barrie Kosky 

Franz Hawlata, Catherine Wyn-Rogers, Nikolay Borchev, 

Toby Spence, Diana Damrau, Elena Tsallagova, 

Christian Rieger, Christoph Stephinger, Steven Humes 

20. Juli: Festspiel-Premiere – 19 Uhr 

23. / 26. / 30. Juli – 19 Uhr 

Prinzregententheater 

gefördert durch

l’ElisiR d’aMORE 

Gaetano Donizetti 

Musikalische Leitung Juraj Valcuha 

Inszenierung David Bösch 

Nino Machaidze, Rolando Villazón, 

Fabio Maria Capitanucci, Ambrogio Maestri, 

Angela Brower 

21. / 24. Juli – 19 Uhr 

27. Juli – 19.30 Uhr 

sponsored by 

cOsì fan TuTTE 


Musikalische Leitung Ivor Bolton 

Inszenierung Dieter Dorn 

Sally Matthews, Christine Rice, Levente Molnár, 

Shawn Mathey, Laura Tatulescu, Thomas Allen 

23. / 26. Juli – 19 Uhr 

lOhEnGRin 

Richard Wagner 


Inszenierung Richard Jones 

Günther Groissböck, Robert Dean Smith, Anja Harteros, 

Wolfgang Koch, Waltraud Meier, Evgeny Nikitin, 

Francesco Petrozzi, Kenneth Roberson, Todd Boyce, 

Il Hong, Tölzer Knabenchor 

25. / 29. Juli – 18 Uhr 

gefördert durch den 

BMW München 

TannhäusER 

Richard Wagner 


Inszenierung David Alden 

Hans-Peter König, Peter Seiffert, Christian Gerhaher, 

Ulrich Reß, Christian Van Horn, Kenneth Roberson, 

Christoph Stephinger, Petra-Maria Schnitzer, Petra Lang, 

Tölzer Knabenchor 

28. Juli – 18 Uhr 

31. Juli – 16 Uhr 

PavillOn 21 

Mini OPERa 

sPacE 

REMdOOGO – 

via inTOllERanza ii 

Konzept und Regie Christoph Schlingensief 

Brigitte Cuvelier, »Kandy« Mamounata Guira, 

Kerstin Grassmann, Claudia Sgarbi, Olivia Stahn, 

Isabelle Tassembedo; Jean Marie Gomzoubou Boucoungou, 

Jean Chaize, Issoufou Kienou, Stefan Kolosko, 

Amado Komi, Johannes Lauer, Ahmed Soura, 

Nicolas Ulrich Severin Tounga, Abdoul Kader Traore, 

Wilfried Zoungrana 

24. Juni: Festspiel-Premiere – 20 Uhr 

26. / 27. Juni – 20 Uhr 

naRREnschiffE 

Konzept und Komposition Lucia Ronchetti 

Vier musikalische Umzüge für Schauspieler, 

Soloinstrumente, Brass Band, Herrenchor und Passanten 

29. Juni / 6. / 13. / 20. Juli 

Umzüge: Beginn jeweils 18.45 Uhr 

Treffpunkt: Max-Joseph-Platz 

Festspielvorträge im Anschluss an die Umzüge: 

Beginn ca. 20 Uhr 

29. Juni Verfluchte Körper I: Zorn 

Rednerin Jutta Limbach 

6. Juli Verfluchte Körper II: Ermüdung 

Rednerin Shirin Ebadi 

13. Juli Gerettete Seelen I: Gleichmut 

Redner Bazon Brock 

20. Juli Gerettete Seelen II: Entzücken 

Redner wird noch bekannt gegeben 

inTRiGO inTERnaziOnalE 

(Kv 492) 

Johannes Müller / Philine Rinnert 

Komposition Tobias Schwencke 

Inszenierung Johannes Müller 

Laura Nicorescu, Jill Emerson, Hauke Heumann, 

Todd Boyce, Il Hong, Kirsten Burger, Eun Hye Jung 


8. / 9. / 11. Juli – 20 Uhr 

fOOTwashinG 

fOR ThE sOlE 

Performance Adrian Howells 

13. bis 18. Juli und 20. bis 24. Juli – jeweils 15 Uhr, 

16 Uhr, 17 Uhr, 18 Uhr, 19 Uhr und 20 Uhr 

25. Juli – 10 Uhr, 11 Uhr, 12 Uhr, 13 Uhr, 14 Uhr & 15 Uhr 

GOlGOTha 

Performance Steven Cohen 

17. / 18. Juli – 20 Uhr 

abOuT us! 

Konzept, Komposition, Regie Elliott Sharp 


23. / 24. Juli – 19 Uhr 

25. Juli – 15 Uhr 

sTuMMfilM: ThE 

PhanTOM caRRiaGE 

Musik Peter Rehberg und Stephen O’Malley 

2. Juli – 20 Uhr 

TOscaPiRaTEn 

10. Juli 

Videocontest: Screening der zehn besten Filme 

und Preisverleihung – 18 Uhr 

VJs präsentieren ihr Material zur Live-Übertragung der 

»Tosca« aus dem Nationaltheater – 19 Uhr 

in aRT dREaMs cOME 

TRuE 

Videozyklus Katarzyna Kozyra 

14. Juli – ab 20 Uhr 

Pavillon 21 

MINI Opera Space presented by 

Co-Sponsoren 

Kuratorium 

Nachmann Rechtsanwälte 

gefördert von 

Medienpartner 

Gesellschaft zur Förderung 

der Münchner Opernfestspiele 

ballETT 

Dr. h.c. Irène Lejeune 

Botschafterin des Bayerischen Staatsballetts 

aRTifacT 

William Forsythe 

Musik Eva Crossman-Hecht, Ferruccio Busoni / 

Johann Sebastian Bach, William Forsythe 

Solisten und Ensemble des Bayerischen Staatsballetts 

Kate Strong, Nicholas Champion, Margot Kazimirska 

16. Juli – 19.30 Uhr 

100 JahRE ballETs 

RussEs 

Mikhail Fokine / Bronislawa Nijinska / Terence Kohler 

Shéhérazade 

Mikhail Fokine 

Musik Nikolai Rimski-Korsakow 

Les Biches 

Bronislawa Nijinska 

Musik Francis Poulenc 

Once Upon An Ever After 

Terence Kohler 

Musik Peter I. Tschaikowsky 

Musikalische Leitung Valery Ovsianikov 

Solisten und Ensemble des Bayerischen Staatsballetts 

1. Juli – 19.30 Uhr 

anna TanzT v 

Bei mir oder bei dir? 

Künstlerische Leitung Ruth Geiersberger 

Idee Bettina Wagner-Bergelt 

Lenka Flory 

Ein choreografisches Generationenprojekt des Bayerischen 

Staatsballett mit 90 Schülern der 8. Jahrgangsstufe 

des Münchner Städtischen St. Anna Gymnasiums, des 

München Kollegs und Damen und Herren über 65 

28. Juli – 11 und 19 Uhr 

29. Juli – 15 und 19 Uhr 

Muffathalle 

Leidenschaft 

für unsere Kunden 

Oliver Wyman ist eine internationale Managementberatung 

mit weltweit 2.900 Mitarbeitern in mehr als 40 Büros. 

Gemeinsam mit unseren Kunden entwickeln und realisieren 

wir nachhaltige Strategien für profitables Wachstum. 

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K O n z E R T 

d u O R E c i T a l 

Claude Debussy, Richard Strauss, Leoš Janáček, 

Ludwig van Beethoven 


Allerheiligen Hofkirche 

Violoncello Peter Wöpke; Klavier Oliver Triendl 

KaMMERKOnzERT i 

Richard Strauss und andere 

11. Juli – 20 Uhr 

Cuvilliés-Theater 

Bläsersolisten des Bayerischen Staatsorchesters 

KaMMERKOnzERT ii 

Richard Strauss, Ludwig van Beethoven, Antonín Dvoˇrák 

12. Juli – 20 Uhr 


Münchner Klaviertrio: 

Violine Michael Arlt; Violoncello Gerhard Zank 

Klavier Donald Sulzen 

KaMMERKOnzERT iii 

Richard Strauss, Hans Pfitzner 

16. Juli – 20 Uhr 


Violine Markus Wolf, So-Young Kim 

Viola Stephan Finkentey; Violoncello Allan Bergius 

Klavier Julian Riem 

KaMMERKOnzERT iv 

Richard Strauss, Johannes Brahms, Arnold Schönberg 

18. Juli – 11 Uhr 

21. Juli – 20 Uhr 

Allerheiligen Hofkirche 

Sopran Annegeer Stumphius; Flöte / Piccolo Andrea Ikker 

Klarinette / Bassklarinette Jürgen Key 

Violine / Viola Arben Spahiu; Violoncello Peter Wöpke 

Klavier Sophie Raynaud; Leitung Kent Nagano 

KaMMERKOnzERT v 

Richard Strauss, Anton Webern, Josef Suk, 


23. Juli – 20 Uhr 


Violine So-Young Kim, Guido Gärtner 

Viola Tilo Widenmeyer 

Violoncello Benedikt Don Strohmeier; Klavier So-Jin Kim 

KaMMERKOnzERT vi 

Richard Strauss, Gustav Mahler 

24. Juli – 20 Uhr 


Violine Susanne Gargerle, Isolde Lehrmann 

Viola Stephan Finkentey 

Violoncello Dietrich von Kaltenborn 

Kontrabass Stefan Rauh; Flöte Paolo Taballione 

Oboe Heike Steinbrecher; Klarinette Andreas Schablas 

Fagott Moritz Winker; Horn Johannes Dengler 

Schlagzeug Thomas März, Pieter Roijen 

Celesta / Harmonium Nicolai Krügel; Klavier Roberta Ropa 

KOnzERT anGEla 

dEnOKE & band 

Kurt Weill, Friedrich Holländer, Peter Kreuder, 

Theo Mackeben, Birger Heymann und Bronislaw Kaper 

25. Juli – 20 Uhr 


Sopran Angela Denoke; Klavier Tal Balshai; Bass Jan Roder 

Saxofon Robert Nagel; Schlagzeug Michael Griener 

KOnzERT dER 

ORchEsTERaKadEMiE 

Anton Webern, Ernest Bloch, Gustav Mahler / 

Arnold Schönberg, Franz Schreker 

22. Juli – 20 Uhr 


Die Orchesterakademie des Bayerischen Staatsorchesters 

Violoncello Nicolas Defranoux; Bariton John Chest 

Leitung Kent Nagano 

Hauptsponsor 

der Orchesterakademie 

KOnzERT dEs 

OP E R n sTudiOs 

Gaetano Donizetti, Georges Bizet, Jules Massenet, 

Ruggero Leoncavallo 

28. Juli – 20 Uhr 


Das Opernstudio der Bayerischen Staatsoper 

liEdERabEndE: 

diana daMRau 

Lieder mit Harfenbegleitung 



Harfe Xavier de Maistre 

anJa haRTEROs 

Franz Schubert, Hugo Wolf, Johannes Brahms, 

Richard Strauss 

11. Juli – 20 Uhr 

Pianist Wolfram Rieger 

KRassiMiRa 

sTOyanOva/ 

vEssElina KasaROva 

Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Charles Gounod, 

Giacomo Puccini, Antonín Dvoˇrák, Peter I. Tschaikowsky 

und Sergej Rachmaninow 

20. Juli – 20 Uhr 

Pianist Jendrik Springer 

aGnEs balTsa 

Griechische Lieder von Mikis Theodorakis, 

Stavros Xarhakos, Manos Hadzidakis, Vassilis Tsitsanis 

und Spiros Peristeris 

24. Juli – 20 Uhr 


Pianist Achilleas Wastor 

JOnas KaufMann 

Robert Schumann und Gustav Mahler 

30. Juli – 20 Uhr 

Pianist Helmut Deutsch 

OPER fÜR allE 

Eintritt frei dank des 

BMW München 

fEsTsPiElKOnzERT 

Claude Debussy, Richard Strauss 

26. Juni – 20 Uhr 

Max-Joseph-Platz 

Bayerisches Staatsorchester 

ATTACCA – Jugendorchester des Bayerischen 

Staats orchesters 

Leitung Kent Nagano 

TOsca 

Giacomo Puccini 

10. Juli – 20 Uhr 

Max-Joseph-Platz 

Audiovisuelle Live-Übertragung auf Groß-Videowand aus 

dem Nationaltheater 

unicREdiT 

fEsTsPiElnachT 

Fünf Höfe, HVB Forum, Pavillon 21, 

Filiale Altstadt der HypoVereinsbank, 

Kardinal-Faulhaber-Straße 

27. Juni – 20 Uhr 

Eintritt kostenlos 

www.unicredit-festspiel-nacht.de 

fEsTsPiEl 

GOTTEsdiEnsT 


27. Juni – 10 Uhr 

St. Michael, Neuhauser Straße 

Mitglieder und Solisten der Bayerischen Staatsoper und 

des Bayerischen Staatsorchesters 


In Zusammenarbeit mit der Erzdiözese München und 

Freising 

Soweit nichts anders angege ben, finden alle 

Veranstaltungen im Nationaltheater statt. 

KaRTEn 

Tageskasse der Bayerischen Staatsoper 

Marstallplatz 5 

80539 München 

T 089 – 21 85 19 20 

tickets@st-oper.bayern.de 

www.staatsoper.de 

tammen.de 

Apartments & Hotel 

MAXIMILIAN 

MUNICH 

Rosenkavaliere gesucht! 

Hochbrückenstraße 18 

80331 München 

T +49.89.242580 

mail@maximilian-munich.com 

www.maximilian-munich.com 

Das Maximilian Munich – eine Oase der Ruhe im Herzen von 

München. Schlafen wie in Romeos Armen in unmittelbarer Nähe 

zu Schauspielhaus und Staatsoper – 54 stilvoll eingerichtete 

Studios und Suiten sowie das italienische Restaurant „D´Aversa“ 

mit gemütlichem Winter- und Biergarten warten auf Sie. 

Herzlich Willkommen!

120 — Adieu 

Endloses Ende: Der Künstler Daniel Blaufuks hat unzählige Filmenden abfotografiert. 

Für ihn sind sie »keine Enden, sondern Anfänge«. 

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