Hatje Cantz Verlag Neuerscheinungen Herbst 2007 Herbst 2007 ...

Hatje Cantz Verlag Neuerscheinungen Herbst 2007

Sehr geehrte Damen und Herren, 

liebe Kolleginnen und Kollegen 

im Buchhandel, 

einer der Preise für Bücher aus dem 

Hatje Cantz Verlag in diesem Jahr 

hat uns ganz besonders gefreut. 

Der viennaartbookaward 2007 

ging an den Band Biedermeier. 

Die Erfindung der Einfachheit 

(Seite 26), der in Zusammenarbeit 

mit der Albertina, Wien, dem 

Deutschen Historischen Museum 

in Berlin und dem Milwaukee 

Art Museum zur gleichnamigen 

Ausstellung entstanden ist. 

»In dem Buch wenden sich Fachleute 

gezielt an ein breites Publikum, 

es erfüllt höchste wissenschaftliche 

Standards. Eine Vielzahl an großflächigen 

Abbildungen und Detailansichten 

bieten ein opulentes 

Bilderlebnis«, begründet die Jury 

ihre Entscheidung und würdigt 

darüber hinaus die Kooperation 

internationaler Museen, deren 

Ergebnis eine Publikation von so 

herausragender Qualität ist. 

In den Worten der Jury spiegelt sich 

geradezu exemplarisch unsere tägliche 

Verlagsarbeit. Unsere jahrelange, 

vertrauensvolle Zusammenarbeit 

mit den weltweit führenden 

Museen, außergewöhnlich engagierte, 

qualifizierte Mitarbeiter 

und eine hervorragende Druckerei 

garantieren wissenschaftlich fundierte, 

künstlerisch anspruchsvolle 

und technisch auf höchstem Niveau 

produzierte Bücher. Der bewusst 

zeitgemäße, aber nicht modernistische 

Umgang mit der Kunst liefert 

den gestalterischen Rahmen, durch 

den ein wissenschaftliches Standardwerk 

zu einem prachtvollen 

Bildband werden kann. 

Made in Germany ist aber nicht 

nur zu einem Gütesiegel für Kunstbücher 

geworden, sondern auch der 

Titel einer groß angelegten Show 

in Hannover, deren informativen 

Katalog Sie ebenfalls bei Hatje 

Cantz finden (Seite 9). Deutschland 

wird als enorm produktiver Kunststandort 

vorgestellt, der inzwischen 

für viele der renommiertesten internationalen 

Künstler eine neue 

Heimat ist. Was in den 1920er- 

Jahren Paris und nach 1945 die USA 

waren, ist Deutschland für die aktuelle 

Kunstszene. Ein Standortvorteil, 

dem wir als Kunstbuchverlag mit 

weltweiter Präsenz bei unserer 

Programmgestaltung Rechnung 

tragen, wie Ihnen auch die folgenden 

Seiten zeigen werden. 

Wir wünschen Ihnen viele neue 

Erkenntnisse und Entdeckungen 

Annette Kulenkampff 

und das Hatje-Cantz-Verlagsteam

2 

Venus, 1532 

Lucas Cranach www.hatjecantz.de

www.hatjecantz.de Alte Kunst 

3 

Der attraktive Band versammelt 

über 100 Meisterwerke von Lucas 

Cranach d. Ä. (1472–1553), dem 

großen Maler der Reformation, 

aus wichtigen internationalen 

und nationalen Museen und 

Sammlungen. Populärer und wirtschaftlich 

noch erfolgreicher als 

sein Zeitgenosse Albrecht Dürer 

hat Lucas Cranach die Bildwelt der 

Deutschen wohl am nachhaltigsten 

geprägt. Religiösen Themen 

hauchte er völlig neues Leben ein. 

Maßstäbe setzende, attraktiv gestaltete 

Monografie zum überragenden Gesamtwerk 

von Lucas Cranach d. Ä. 

Ausstellungen: Städel Museum, 

Frankfurt/Main 23.11.2007– 

17.2.2008 | Royal Academy, London 

12.3.–8.6.2008 

Seine Spezialität waren jedoch 

perfekt gemalte erotische Darstellungen. 

In diesen schuf er ein 

zeitloses Ideal weiblicher Schönheit, 

das noch im 20. Jahrhundert 

die Künstler von Picasso bis 

Giacometti angesprochen hat. 

Neben der Darstellung eines hochkarätigen 

Querschnitts durch 

Cranachs gewaltiges Œuvre 

versucht das Buch auch, dem 

Geheimnis seines Erfolges näherzukommen. 

Lucas Cranach 

Ruhe auf der Flucht nach Ägypten, 1504 

Hrsg. Bodo Brinkmann, 

Texte von Bodo Brinkmann, 

Mark Evans, Dieter Koepplin, 

Joseph Koerner, Werner Schade, 

Andreas Tacke u. a. 

Deutsch 

Ca. 320 S., ca. 155 farbige Abb., 

24 x 31,5 cm, gebunden mit 

Schutzumschlag 

Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2007-6 

November 2007

4 

Amor und Psyche, 1792 

Angelika Kauffmann www.hatjecantz.de 

| Zum 200. Todestag der Ausnahmekünstlerin: eine aktuelle, umfassende Monografie zu Leben, 

Werk und Zeit Angelika Kauffmanns 

| Die Spitzenwerke ihrer Kunst werden erstmals konsequent mit ihrem schillernden Werdegang 

zwischen London, Rom, Florenz und Venedig in Beziehung gesetzt


5 

»... die vielleicht cultivierteste Frau der Welt ...« Johann Gottfried Herder 

Angelika Kauffmann (1741–1807) 

war zu ihrer Zeit eine in ganz 

Europa gefeierte Künstlerin. Wer 

sein Bild verewigt haben wollte, 

seien es gekrönte Häupter oder 

berühmte Dichter und Denker, ließ 

sich von ihr porträtieren. Johann 

Wolfgang von Goethe nannte 

sie ein »Weib von ungeheurem 

Talent«; die Bezeichnung Genie 

aber behielt er Männern vor – eine 

Einstellung, gegen die die Künstlerin 

ein Leben lang kämpfte. 

Selbstbewusst setzte sie sich 

dennoch erfolgreich in der Männerwelt 

durch und schuf ihre eigene 

Marke. 

Rund 150 Schlüsselwerke ihrer 

Kunst – Selbstbildnisse, Porträts, 

Allegorien, Historienbilder und 

religiöse Darstellungen – sind in 

dieser Monografie zu einer beeindruckenden 

Hommage an das 

Leben und Werk Angelika Kauffmanns 

zusammengestellt. 

Dabei wird erstmals konsequent 

das künstlerische Œuvre mit dem 

persönlichen Werdegang und den 

Amors Rache, vor 1777 

äußeren Stationen ihres kosmopolitischen 

Lebens in Verbindung 

gesetzt. Mit diesem sowohl kunstals 

auch kulturhistorischen Ansatz 

kann auch eine Antwort auf die 

Frage nach der Aktualität der 

Ausnahmekünstlerin gefunden 

werden. 

Weitere Informationen auf der 

Website zum Gedenkjahr: 

www.angelika-kauffmann.com 

Angelika Kauffmann 

Ein Weib von ungeheurem Talent 

Hrsg. Tobias G. Natter für das 

Vorarlberger Landesmuseum, 

Texte von Michael Krapf, Waltraud 

Maierhofer, Angela Rosenthal, 

Oscar Sandner, Helmut Swozilek, 

Wendy Wassyng Roworth u. a. 


25 x 30 cm, gebunden mit 


€ 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-1983-4 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-1984-1 (Englisch) 

Juni 2007 

Ausstellungen: Vorarlberger 

Landesmuseum, Bregenz, und 

Angelika Kauffmann Museum, 

Schwarzenberg 15.6.–5.11.2007

6 

Daniel Spoerri, Ça crève les yeux que ça crève les yeux, 1966 

Nouveau Réalisme www.hatjecantz.de 

Ausstellungen: Galeries nationales 

du Grand Palais, Paris 

28.3.–2.7.2007 | Sprengel Museum 

Hannover 9.9.2007–27.1.2008

www.hatjecantz.de Kunst nach 1945 

7 

Als sich im Jahr 1960 um den 

französischen Kunstkritiker Pierre 

Restany die Nouveaux Réalistes als 

Gruppe zusammenschlossen – mit 

Künstlern wie Arman, Yves Klein, 

Daniel Spoerri, Jean Tinguely und 

später auch Niki de Saint Phalle –, 

begann ein überaus spannendes 

Jahrzehnt. Die Mitglieder hatten 

sich in Abkehr vom vorherrschenden 

Abstrakten Expressionismus 

und der informellen Malerei zum 

Ziel gesetzt, mit neuen Materialien 

und Techniken die Realität des täglichen 

Lebens in die Kunst zu integrieren. 

Durch die Einbeziehung 

von trivialen Fundgegenständen 

erweiterte sich der Spielraum der 

Kunst um ungeahnte Möglichkeiten. 

Die Publikation bietet einen ungemein 

umfangreichen Überblick 

über die künstlerische Bewegung: 

So werden die Protagonisten der 

Künstlergruppe, ihre bevorzugten 

| Nouveau Réalisme: das Standardwerk zu dem 

großen Thema der französischen Kunst der 1960er- 

Jahre und einer der interessantesten späten 

Avantgardebewegungen des 20. Jahrhunderts 

| Mit Werken von Arman, Christo, Yves Klein, Daniel 

Spoerri, Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle und 

vielen anderen 

künstlerischen Verfahren, der 

Rückbezug auf dadaistische 

Strategien und das Vorbild 

Marcel Duchamp oder auch der 

Dialog zwischen Paris und New 

York breit vorgestellt. Eine mit 

historischen Fotos reich bebilderte 

Geschichte der vielfältigen 

Aktionen, eine umfangreiche 

Chronologie und eine ausführliche 

Biblio- und Filmografie 

ergänzen das Standardwerk. 

Nouveau Réalisme 

Revolution des Alltäglichen 

Texte von Kaira Cabañas, 

Jill Carrick, Catherine Francblin, 

Ulrich Krempel, Nathalie Leleu, 

Meredith Malone, Camille 

Morineau, Susanne Neuberger, 

Andres Pardey, Didier Semin, 

Dominique Stella u. a. 

Deutsch 

Ca. 352 S., ca. 424 Abb., 

davon ca. 252 farbig, 



Ca. € 45,– [D], CHF 71,– 

ISBN 978-3-7757-2058-8 

September 2007 

François Dufrêne, Le Petit Jeu de la lettre »I«, énigme, 1963

8 

Slawomir Elsner, Panorama 8 (Ausländisches Geld), 2006 

Made in Germany www.hatjecantz.de 

| Konkurrenzlos umfassender Überblick über die aktuelle Gegenwartskunst 

aus Deutschland – in ihrer ganzen Vielfalt und quer durch alle Medien 

| Mit Biografien aller 52 vorgestellten Künstler, die zu den viel versprechendsten 

Vertretern der internationalen Kunstszene zählen 

Die vorgestellten Künstler 

(Auswahl): 

Candice Breitz, Elmgreen & 

Dragset, Marcel van Eeden, 

Andreas Gefeller, Sabine Hornig, 

Bjørn Melhus, Jonathan Monk, 

Julian Rosefeldt, Michael 

Sailstorfer, Florian Slotawa, 

Simon Starling, Amelie von 

Wulffen, Thomas Zipp

www.hatjecantz.de Zeitgenössische Kunst 

9 

»Junge Kunst aus Deutschland ist derzeit ein gefragter Exportartikel.« art 

Made in Germany bietet einen 

umfassenden Überblick über die 

aktuelle Gegenwartskunst aus 

Deutschland. Im Mittelpunkt steht 

eine jüngere Künstlergeneration, 

die in Deutschland lebt und arbeitet: 

Die 52 vorgestellten Künstler, 

die zu den viel versprechendsten 

Newcomern der internationalen 

Kunstszene zählen, sind dabei 

jeweils zur Hälfte deutscher und 

Julian Rosefeldt, Stunned Man (Trilogy of Failure/Part II), 2004 

ausländischer Herkunft. Made in 

Germany betrachtet Fragen der 

künstlerischen Identität damit 

nicht mehr nur ausschließlich im 

Zusammenhang mit dem Geburtsort 

und der Biografie der Künstler, 

sondern auch im Kontext des 

Produktionsstandorts ihrer Werke. 

Erstmals in diesem Umfang wird 

die zeitgenössische Kunst in 

Deutschland als ein Geflecht aus 

nationalen Spezifika und kulturellem 

Austausch sichtbar gemacht. 

Der Band ermöglicht konzise 

Einblicke in das Gesamtwerk aller 

Künstler und schafft in der 

Gegenüberstellung aufschlussreiche 

Vergleichsmöglichkeiten zwischen 

den einzelnen künstlerischen 

Positionen und ihren jeweils 

unterschiedlichen regionalen und 

biografischen Voraussetzungen. 

Made in Germany 

Aktuelle Kunst aus Deutschland 

Hrsg. kestnergesellschaft, Kunstverein 

Hannover, Sprengel Museum 

Hannover, Texte von Antje von 

Graevenitz, Ulrike Groos, Christoph 

Grunenberg, Jörg Heiser, Georg 

Imdahl, Rainer Metzger, Stephan 

Schmidt-Wulffen, Rudolf Schmitz, 

Birgit Sonna, Christoph Tannert, 

Katrin Wittneven u. a. 

Deutsch/Englisch 

344 S., 278 farbige Abb., 

23 x 27 cm, Broschur 

Zum Museumspreis von 

€ 38,– [D], CHF 60,– 

ISBN 978-3-7757-1985-8 


Ausstellungen: kestnergesellschaft, 

Kunstverein Hannover, Sprengel 

Museum Hannover 25.5.–26.8.2007 

Ein Beitrag der Kulturstiftung 

des Bundes im Rahmen 

der EU-Ratspräsidentschaft 

Deutschlands 2007.

10 

Zur Fotografin: 

Herlinde Koelbl ist eine der 

bekanntesten deutschen Fotografinnen 

und Dokumentarfilmerinnen. 

Sie arbeitete unter 

anderem für den Stern und Die 

Zeit. Großer Erfolg mit Bildbänden 

wie Das deutsche Wohnzimmer 

(1980), Männer (1984) und Starke 

Frauen (1996). Jüdische Porträts 

(1989) wurde preisgekrönt; einem 

großen Publikum bekannt ist 

Spuren der Macht (1999), in dem 

sie unter anderem Joschka 

Fischer, Gerhard Schröder und 

Angela Merkel porträtierte. 

Herlinde Koelbl www.hatjecantz.de

www.hatjecantz.de Fotografie 

11 

Haare und der intime Kontakt mit 

Haaren begleiten den Menschen 

von der Geburt bis in den Tod, sie 

sind immer auch Teil unserer ganz 

persönlichen sinnlichen Welt. 

Herlinde Koelbl gelingt in ihrem 

jüngsten Werk Haare eine assoziative 

Studie über dieses essenzielle 

Identitätsmerkmal. In dem wun- 

Ausstellungen: Museum für Kunst 

und Gewerbe, Hamburg 31.8.2007– 

18.11.2007 | Und weitere Stationen 

derbaren, subjektiven Fotoessay 

hebt sie die Äußerlichkeit dieses 

Körperausdrucks auf: Haare 

werden zu Schutzschildern und 

Schamgrenzen, sie sind Verlockung, 

Verführung und Bedrohung oder 

sie werden zu toter Materie in 

Seifenlauge. Mit ihrer präzisen 

Beobachtungsgabe für gesell- 

schaftliche Prozesse – wie schon in 

den Bestsellern Spuren der Macht, 

Das deutsche Wohnzimmer und 

Jüdische Porträts – schickt sie uns 

auch mit diesem neuen Projekt, an 

dem sie über sechs Jahre lang auf 

vier Kontinenten gearbeitet hat, 

auf eine provokative Innenschau 

menschlicher Befindlichkeiten. 

Herlinde Koelbl 

Haare 

Texte von Gabriele Betancourt- 

Núñez, Silke Andrea Schuemmer 

Ca. 176 S., ca. 170 Abb., 


ca. 50 in Duplex, 

24,5 x 30 cm, gebunden mit 


Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2028-1 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2029-8 (Englisch) 


Collector’s Edition 

mit einer Originalarbeit 

der Fotografin 


Ohne Titel, 2007 

Barytabzug 

in Mappe, mit Buch 

Blattformat: ca. 40 x 30 cm 

Auflage: 25 + 5 e. a. 

Signiert, nummeriert 

Ca. € 480,– 

Oktober 2007

12 

F1 Boxenstopp IV, 2007 

Andreas Gursky www.hatjecantz.de 

| Vier neue Werkgruppen von Andreas Gursky: ein aktueller Blick auf die grandiosen Panoramen 

des »Megastars der internationalen Kunstszene« Die Welt 

Pyongyang III, 2007


13 

»Fotos dürfen lügen.« Andreas Gursky 

Andreas Gursky (*1955 in Leipzig) 

gilt als einer der weltweit wichtigsten 

Künstler, die das fotografische 

Großformat als Ausdrucksmittel 

verwenden. Ein Hauptaugenmerk 

des in Düsseldorf 

lebenden Fotografen liegt auf 

der Ansammlung von Menschen 

und den Stätten ihrer Zusammenkunft 

– sei es die Handelsbörse 

von Tokio oder ein Massen-Rave. 

Bei aller realistischen Präsenz 

erlauben die am Computer virtuos 

nachbearbeiteten Totalen von 

Andreas Gursky durch Reduktion 

und Strukturierung der Bild- 

Ausstellung: Kunstmuseum Basel 

20.10.2007–24.2.2008 

elemente auch eine abstrakte 

Lesart, sie beruhen stets auf einer 

Wechselwirkung von Abbildhaftigkeit 

und Abstraktion. 

Die großzügig gestaltete Publikation 

konzentriert sich auf die 

jüngste Schaffensperiode des 

Künstlers, die im Kunstmuseum 

Basel zu sehen sein wird. Es werden 

insbesondere zwei neue Werkgruppen 

gezeigt, die neben Landschaften 

auch Formel-1-Rennen 

sowie das berühmte Arirang-Festival, 

ein präzise choreografiertes 

Massenspektakel im nordkoreanischen 

Pjöngjang, reflektieren. 

James Bond Island III, 2007 

Andreas Gursky 

Hrsg. Kunstmuseum Basel, 

Vorwort von Bernhard Mendes 

Bürgi, Texte von Beate Söntgen, 

Nina Zimmer 


Ca. 112 S., ca. 50 Abb., 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2019-9 


14 

Transition, 2003 

| Das neueste Projekt von Peter Bialobrzeski – endlich ein Nachfolgeband 

für alle Fans seiner viel beachteten Fotoserien Neon Tigers und Heimat 


Peter Bialobrzeski www.hatjecantz.de


15 

In seinem zuletzt bei Hatje Cantz 

erschienenen Fotoband Heimat 

hat uns Peter Bialobrzeski (*1961 in 

Wolfsburg) Bilder von Deutschland 

präsentiert, wie wir meinen, sie 

noch nie gesehen zu haben. »Eines 

der schönsten, wichtigsten Fotobücher 

dieses Jahres«, schrieb etwa 

PHOTO International. Schon zuvor 

hatte Bialobrzeski mit der vielfach 

ausgezeichneten Erkundung der 

asiatischen Megacitys Neon Tigers 

in der internationalen Fotoszene 

von sich reden gemacht. 

In seinem neuen Projekt untersucht 

der Fotograf den Wandel 

urbaner Un-Orte, die oft an der 

Peripherie der Städte angesiedelt 

sind. Die Bilder, aufgenommen in 

mehr als 25 Städten und zwölf 

Ländern – unter ihnen Hamburg, 

Dubai, New York, Singapur, 

Neu-Delhi und Kuala Lumpur –, 

beschreiben die Erscheinung des 

Übergangs vom Alten zum Neuen, 

vom Vertrautem zum Abstrakten. 

Sie sind so verführerisch wie Gemälde 

der Romantik des 19. Jahrhunderts, 

doch ist ihre oberflächliche 

Schönheit trügerisch. Wie in 

seinen früheren Arbeiten lotet 

Bialobrzeski meisterhaft die Grenzen 

des Dokumentarischen aus. 

Peter Bialobrzeski 

Lost in Transition 

Text von Michael Glasmeier 





Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2049-6 




des Fotografen 



C-Print in Mappe, mit Buch 

Blattformat: 30 x 40 cm 



Ca. € 780,– 


16 

Illulisat Icefjord, 07/2003, 69°11’59’’ N, 51°08’08’’ W 

Olaf Otto Becker www.hatjecantz.de 

| Faszinierende Fotos der bedrohten Eiswelt entlang der grönländischen Küste 

| Becker plant, in einigen Jahren an denselben GPS-Positionen die Auswirkungen 

des Klimawandels zu dokumentieren


17 

Atemberaubende Ansichten unberührter 

Landschaft eines entlegenen 

Teils unserer Erde, im Licht 

der Nacht fotografiert, ohne 

Schatten: Olaf Otto Becker (*1959 

in Travemünde) bringt von abenteuerlichen 

Fahrten im Schlauchboot 

über die Eismeere Grönlands 

Bilder überwältigender Schönheit 

mit. Wie sein erster Zyklus aus 

Island Under the Nordic Light 

haben sie in ihrer Ikonografie der 

Melancholie und Stille etwas von 

der Erhabenheit romantischer 

Landschaftsmalerei. Und zugleich 

sind sie durch den unbestechlichen 

Blick des Forschers und ihre 

exakte geografische Lokalisierung 

Zeugnis einer Zeit, in der Gletscher 

im erwärmten Klima verschwinden. 

So bewahren diese Fotografien das 

Erstaunen des Künstlers über die 

Schönheit der Schöpfung – und 

dokumentieren zugleich ihre 

Gefährdung. 

Olaf Otto Becker 

Broken Line 

Texte von Gerry Badger, 

Christoph Schaden 



34,5 x 28,5 cm, Leinen 

Ca. € 58,– [D], CHF 92,– 

ISBN 978-3-7757-1972-8 

Juli 2007 

Collector’s Editions 

mit Originalarbeiten 



Illulisat Icefjord, 07/2003, 

69°11’50’’ N, 51°12’54’’ W 

und 

Tasiussaq 3, 07/2006, 

73°22’09’’ N, 56°03’11’’ W 

Digitaldruck in Mappe, 

mit Buch 


Auflage: je Motiv 25 + 5 e. a. 


Je ca. € 580,– 

Juli 2007

18 

Untitled (Cowboy), 1999 

Richard Prince www.hatjecantz.de 

| Der bis heute umfangreichste Überblick über 

das provokante Gesamtwerk von Richard Prince 

auf dem Buchmarkt 

Nurse of Greenmeadow, 2002


19 

»Mit seinen Bildern . . . zerstört er die spießigen Sehnsüchte 

und klebrigen Konventionen des ›American Dream‹.« Monopol 

Mit seinem kühnen Blick auf die 

Mythen der Konsumgesellschaft 

gehört Richard Prince (*1949) seit 

30 Jahren in die vorderste Riege 

der US-amerikanischen Gegenwartskünstler. 

1977 begann Prince, 

Anzeigenmotive aus dem New York 

Times Magazine abzufotografieren 

und eröffnete mit dieser künstlerischen 

Strategie der Aneignung 

fremder Bildwelten den spannen- 

den Diskurs über die Frage nach 

Autorschaft und Originalität des 

Kunstwerks. 

In dieser bis heute umfangreichsten 

Darstellung des Gesamtwerkes 

von Richard Prince sind die Highlights 

aus seinen zahlreichen Werkgruppen 

versammelt, darunter die 

frühe Appropriation Photography 

und Fotoserien wie Cowboys, 

Girlfriends oder Upstates, Gemälde 

wie die Jokes, White Paintings, 

Check Paintings und Nurses oder 

auch die Hood-Skulpturen. 

Zusammen mit sachkundigen 

Textbeiträgen und einer Reihe von 

Interviews mit prominenten 

Persönlichkeiten der Kulturszene 

zeichnet die Publikation damit ein 

besonders facettenreiches, profundes 

Porträt der Prince’schen Kunst. 

Richard Prince 

Hrsg. Solomon R. Guggenheim 

Museum, New York, Texte von 

Jack Bankowsky, Nancy Spector, 

Interviews von Glenn O’Brien 

mit Phyllis Diller, Kim Gordon, 

Robert Mankoff, Michael Ovitz, 

Annie Proulx u. a. 

Englisch 


20,3 x 28 cm, gebunden 

Ca. € 49,80 [D], CHF 79,– 

ISBN 978-3-7757-2055-7 

Oktober 2007 

Vertrieb nicht in den USA 

Ausstellungen: Solomon R. 

Guggenheim Museum, 

New York 28.9.2007–9.1.2008 | 

Walker Art Center, Minneapolis 

23.3.–15.6.2008 | Serpentine 

Gallery, London Herbst 2008

20 

Hard Rain, Fotoserie, 2005 

Robin Rhode www.hatjecantz.de 

| Erste, mit rund 550 Farbabbildungen üppig bebilderte Monografie zu Robin Rhode, der in den 

letzten Jahren durch seine unkonventionelle Kunstpraxis international Aufsehen erregt hat


21 

Ein echter Geheimtipp in Deutschland: die ebenso humorvollen 

wie scharfen Kommentare Robin Rhodes zu brisanten 

Themen der südafrikanischen Gesellschaft. 

Die Faszination für das unkonventionelle 

Werk des südafrikanischen 

Perfomancekünstlers Robin Rhode 

(*1976 in Kapstadt) nimmt nach 

Ausstellungsbeteiligungen in 

Europa, den USA und Afrika weiter 

zu. Auf einzigartige Weise versteht 

er es, Themen des Alltags-, Kulturund 

Großstadtlebens in Johannesburg 

aufzugreifen. Durch die 

Verbindung von Zeichnung und 

Performance ergibt sich dabei ein 

mitunter grotesker Effekt: zum 

Beispiel, wenn Rhode ein Auto auf 

eine Wand zeichnet und anschließend 

versucht, sich mit einer 

Brechstange Zugang zu verschaffen. 

Der zeichnerische Raum wird 

Ausstellung: Haus der Kunst, 

München 7.9.2007–6.1.2008 

Wirklichkeit, weil der Künstler 

ihn zur Wirklichkeit erhebt. 

2005 war Robin Rhode bei der 

Biennale Venedig oder auch im 

New Yorker MoMA zu sehen – 

nun ist der Künstler endlich in 

Deutschland zu entdecken. Der 

opulent bebilderte Band bietet 

einen ersten repräsentativen 

Querschnitt durch sein Schaffen, 

darunter eine eigens für das Haus 

der Kunst in München realisierte 

Werkserie; der Schwerpunkt liegt 

auf raumgreifenden Zeichnungen 

sowie neuen skulpturalen Werken, 

begleitet von Foto-, Film- und 

Videoarbeiten. 

Microphone, Filmstill, 2005 

Robin Rhode 

Walk Off 

Hrsg. Stephanie Rosenthal für 

das Haus der Kunst, München, 

Texte von Thomas Boutoux, André 

Lepecki, Stephanie Rosenthal 


30 x 22,5 cm, Halbleinen 


ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2005-2 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2069-4 (Englisch) 


Eine Collector’s Edition 

ist in Vorbereitung.

22 

Galerie Giovanni und Marella Agnelli, Turin, 2002 

Renzo Piano www.hatjecantz.de 

Centre Pompidou, Paris; Moca – Musée d'Art Contemporain, Lyon; The Menil Collection, 

Houston, Texas; Cy Twombly Gallery, Houston, Texas; Fondation Beyeler, Riehen, Basel; 

Zentrum Paul Klee, Bern; Nasher Scuplture Center, Dallas, Texas; Erweiterung der Pierpoint 

Morgan Library and Museum, New York; Erweiterung des Art Institute of Chicago, Illinois 

und andere Projekte. 

Erweiterung der Pierpoint Morgan Library, New York, 2000–2006

www.hatjecantz.de Architektur 

23 

Pritzker-Preisträger Renzo Piano 

(*1937 in Genua) gilt als der führende 

Architekt für Museumsbauten, 

herausragende Kunstinstutionen 

weltweit haben ihm ihre Sammlungen 

anvertraut. 18 seiner 

Museumsentwürfe aus den letzten 

35 Jahren stellt der großformatige 

Band anhand von atmosphärisch 

dichten Fotos und präzisen Architekturzeichnungen 

und Grundrissen 

vor. 

Der Bogen spannt sich vom 

damals revolutionären Centre 

Pompidou (1977), bis hin zu noch 

nicht fertig gestellten Projekten, 

etwa dem Los Angeles County 

Museum of Art, dem Art Institute 

of Chicago (Eröffnung 2009) oder 

dem geplanten Museum für zeitgenössische 

Kunst in Sarajevo. 

Meilensteine der Museumsarchitektur 

werden ausführlich präsentiert: 

die Menil Collection in 

Houston, die Fondation Beyeler 

in Riehen bei Basel, das Zentrum 

Paul Klee in Bern, das Nasher 

Sculpture Center in Dallas und 

die Erweiterung der Pierpoint 

Morgan Library in New York. Ein 

Essay von Victoria Newhouse 

diskutiert zentrale Elemente von 

Pianos Ästhetik – natürliches 

Licht, Transparenz und die Piazza 

als öffentlicher Treffpunkt. 

Renzo Piano 

Museumsarchitektur 

Von Victoria Newhouse, 

Projekttexte von Renzo Piano 

Deutsch 




Ca. € 49,80 [D], CHF 79,– 

ISBN 978-3-7757-2040-3 


Rekonstruktion des Ateliers von Brancusi, Paris, 1992–1996

24 

Parmigianino 

und sein Kreis 

Druckgraphik aus 

der Sammlung Baselitz 

Hrsg. Staatliche Graphische 

Sammlung, München, 

Vorwort von Michael Semff, 

Texte von Achim Gnann, 

Konrad Oberhuber, Kurt Zeitler 

Unter dem Titel Parmigianino und 

sein Kreis ist in diesem feinen 

Band das komplette radierte 

Œuvre Parmigianinos (1503–1540) 

versammelt, ergänzt um Blätter 

von Stechern und Formschneidern, 

die zu Lebzeiten des Meisters 

dessen Entwürfe in Kupferstichen 

und Clair-obscur-Holzschnitten 

reproduziert haben. Es waren in 

entscheidendem Maße diese 

Radierungen Parmigianinos 

sowie die Kupferstiche von Gian 

Giacomo Caraglio und die Farbholzschnitte 

von Ugo da Carpi, 

Antonio da Trento und Niccolò 

Vicentino, die den graziösen und 

Parmigianino, Die Beweinung 

Christi, zweite Fassung, o. J. 

Ausstellung: Alte Pinakothek, 

München ab Mitte November 2007 

Deutsch 

Ca. 160 S., 

ca. 120 Abb. in Farbe und Duplex, 




ca. € 25,– [D], CHF 42,– 

ISBN 978-3-7757-2034-2 

November 2007 

eleganten Stil Parmigianinos in 

alle Welt verbreitet haben – ein 

Stil, der die Kunst bis hin zum 

französischen Rokoko geprägt 

und bis heute nichts von seiner 

Faszinationskraft eingebüßt hat. 

Sämtliche eigenhändige Radierungen 

Parmigianinos, die zum 

größten Teil aus der exquisiten 

Sammlung des renommierten 

Künstlers Georg Baselitz sowie aus 

den Beständen der Albertina in 

Wien und dem British Museum in 

London stammen, werden in allen 

bekannten Zuständen prägnant 

beschrieben. 

Alte Kunst 

Parmigianino 

Die Madonna in 

der Alten Pinakothek 

Hrsg. Bayerische Staatsgemäldesammlungen, 

München, Texte 

von Achim Gnann, Andreas 

Schumacher, Heike Stege/Veronika 

Poll-Frommel, Cornelia Syre 

Die Zeitgenossen rühmten 

Parmigianino (1503–1540), einen 

der herausragenden Künstler der 

Hochrenaissance, als neuen 

Raffael. Seine mit technischer 

Raffinesse ausgeführten Kompositionen 

präsentieren graziöse 

Figuren von entrückter Schönheit 

in kühl leuchtender Farbigkeit. 

Immer wieder widmete sich der in 

Parma, Rom und Bologna tätige 

Meister dem Thema der Maria mit 

Kind. Gut die Hälfte seiner uns 

erhaltenen Gemälde sind Madonnenbilder 

– private Andachtsbilder 

ebenso wie große Altartafeln. Die 

Alte Pinakothek bewahrt ein kost- 

Maria mit dem Kinde und dem 

hl. Bruno (?), um 1534/35 

Ausstellung: Alte Pinakothek, 

München 14.11.2007–10.2.2008 

www.hatjecantz.de 

Deutsch 

Ca. 144 S., ca. 60 Abb. in Duplex, 




ca. € 25,– [D], CHF 42,– 

ISBN 978-3-7757-2032-8 


bares, kleines Madonnenbild, das 

zum ältesten Bestand der Wittelsbachischen 

Sammlungen zählt 

und stets als Werk Parmigianinos 

galt. Im 19. Jahrhundert wurde es 

seinem Schüler, Girolamo Mazzola 

Bedoli, zugewiesen. Neue, hier 

erstmals publizierte Forschungen 

belegen jedoch, dass die Zuschreibung 

an den Meister berechtigt 

ist. Fachautoren diskutieren ausführlich 

die Frage der Autorenschaft, 

die Herkunft und die 

Maltechnik des Münchner Bildes 

und erörtern dessen Stellung im 

Gesamtwerk Parmigianinos.


25 

Die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen 

besitzen einen der 

international umfangreichsten 

Bestände italienischer Malerei, 

deren Hauptwerke in der Alten 

Pinakothek präsentiert werden. 

Meisterwerke von Giotto, dem 

Begründer der neuzeitlichen 

Malerei, von Fra Angelico, Sandro 

Botticelli, Leonardo da Vinci und 

Raphael, wie auch von Tizian, 

Tintoretto, Guido Reni und 

Giovanni Battista Tiepolo bieten 

dem Betrachter ein wohl einzigartiges 

Panorama dieser Kunst vom 

Mittelalter bis hin zum Spätbarock. 

Die Sammlung ist vor allem dem 

Engagement der verschiedenen 

Zweige des Hauses Wittelsbach zu 

verdanken, deren Kunstschätze 

zwischen 1799 und 1806 in 

München vereinigt wurden. König 

Ludwig I. prägte am Beginn des 

19. Jahrhunderts mit seiner pro- 

Lorenzo di Pietro detto il Vecchietta, Das Eselswunder des Hl. Antonius, um 1475–1480 

grammatischen Erwerbungspolitik 

und seinem Enthusiasmus für die 

italienische Malerei durch zahlreiche 

Ankäufe früher Werke das 

Profil der Sammlung in entscheidender 

Weise. Gemälde wie 

Raphaels Madonna Tempi, Sandro 

Botticellis Beweinung Christi oder 

Filippo Lippis Verkündigung Mariae 

gehören bis heute zu den Höhepunkten 

der europäischen Kunst. 

Italienische Malerei 

Alte Pinakothek 


München, 

Texte von Cornelia Syre 

Deutsch 




€ 29,80 [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-1840-0 


Die weiteren Sammlungsbände 

der Alten Pinakothek: 

Altdeutsche und 

altniederländische Malerei 

ISBN 978-3-7757-1842-4 

Lieferbar 

Holländische und deutsche 

Malerei des 17. Jahrhunderts 

ISBN 978-3-7757-1844-8 

Lieferbar 

Französische und 

spanische Malerei 

ISBN 978-3-7757-1839-4 


Flämische Malerei 

ISBN 978-3-7757-1841-7 

März 2008

26 

Blicke auf Europa 

Europa und die deutsche Malerei 

des 19. Jahrhunderts 

Hrsg. Staatliche Museen zu Berlin, 

Staatliche Kunstsammlungen 

Dresden, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, 

München, 

Texte von Ulrich Bischoff/Anna 

Greve, Wolfgang Cortjaens, Joachim 

Kaak, Bernhard Maaz, Herbert W. 

Rott, Gerd Spitzer, Birgit Verwiebe, 

Angelika Wesenberg u. a. 

| Entdecken Sie Europa mit den 

Augen der bedeutendsten 

Künstler des 19. Jahrhunderts. 

»... eine Überfülle an großartigen 

Werken.« Die Welt 

»... die Schau mit 150 Meisterwerken 

ist zweifellos furios.« 

Der Tagesspiegel 

Adolph Menzel, Das Balkonzimmer, 

1845 

Ausstellung: Nach erfolgreicher 

Station in Brüssel wird die Schau 

vom 22.6.–6.9.2007 in der 

Pinakothek der Moderne, 

München, gezeigt. 

416 S., 395 Abb., davon 382 farbig, 



€ 49,80 [D], CHF 79,– 

ISBN 978-3-7757-1940-7 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-1941-4 (Englisch) 

ISBN 978-37757-1982-7 (Französisch) 

Bereits angekündigt, 

weiterhin lieferbar 

Alte Kunst 

Biedermeier 

Die Erfindung der Einfachheit 

Hrsg. Hans Ottomeyer, Klaus 

Albrecht Schröder, Laurie Winters, 

Texte von Hans Ottomeyer, Laurie 

A. Stein, Christian Witt-Dörring, 

Laurie Winters u. a. 

| In Milwaukee und Wien hymnisch 

gefeiert und nun auch in 

Berlin und bald in Paris zu sehen: 

die epochale Ausstellung zum 

Biedermeier – begleitet von 

einem Maßstäbe setzenden 

Prachtband! 

Ausgezeichnet mit dem renommierten 

viennaartbookaward 2007. 

Ausstellungen: Deutsches 

Historisches Museum, Berlin 

8.6.–2.9.2007 | Musée du Louvre, 

Paris 15.10.2007–15.1.2008 



26,5 x 33,4 cm, Leinen mit 


€ 49,80 [D], CHF 83,– 

ISBN 978-3-7757-1795-3 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-1796-0 (Englisch) 

Bereits angekündigt, 

weiterhin lieferbar 

»... opulente Publikation, vermutlich 

bald ein Standardwerk 

und im übrigen ein wunderschönes 

Präsent und coffeetable 

book.« WELTKUNST 

»... der schönste, betörendste 

und beglückendste Bildband des 

letzten und dieses Jahres sowie 

vieler kommender.« Frankfurter 

Allgemeine Sonntagszeitung


27 

In Frankreich und Belgien, der 

Wiege des literarischen Symbolismus, 

wurde auch die symbolistische 

Malerei geboren. Ihre Protagonisten 

waren nicht nur durch 

einen künstlerischen Stil verbunden, 

sondern vor allem durch eine 

von der Vorstellungskraft geprägte 

Geisteshaltung. Der Symbolismus 

ist charakterisiert durch die konstante 

Auseinandersetzung mit 

den Grenzen zwischen Realität, 

Traum und Zweifel, Erlösung und 

Untergang. Kostbare Materialien, 

eine elegante, lineare Formensprache 

und eine melancholische 

Grundstimmung kennzeichnen die 

dem Jugendstil verwandte Kunstrichtung, 

die Malerei, Arbeiten auf 

Papier, Schmuck, Kunstgewerbe 

und Möbel umfasst. 

Im Zentrum des reich illustrierten 

Bandes stehen die Werke des 

bekanntesten Vertreters des belgi- 

Der Symbolismus in Belgien, die überaus elegante 

und extravagante Kunst, die sich um 1900 wie ein 

Lauffeuer über die Welt verbreitete, wird in dieser 

Publikation anhand seiner wichtigsten Vertreter 

umfassend gewürdigt. 

Ausstellung: BA-CA Kunstforum 

Wien 14.10.2007–3.2.2008 

schen Symbolismus, Fernand 

Khnopff. Arbeiten von Odilon 

Redon, Felicién Rops, Constantin 

Meunier, William Degouve de 

Nuncques, Léon Frédéric und Jean 

Delville ergänzen die Auswahl zu 

einer umfassenden Präsentation 

dieser bis heute unterschätzten 

und nicht ausreichend gewürdigten 

Kunstrichtung. 

Der Kuss der Sphinx 

Symbolismus in Belgien 

Hrsg. BA-CA Kunstforum Wien, 

Texte von Michel Draguet, 

Dominique Maréchal, Sabine 

Plakolm-Forsthuber 

Deutsch 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2067-0 


Léon Frédéric, Fragrance, 1894

28 

Paul Klee 

Überall Theater 

Hrsg. Christine Hopfengart für 

das Zentrum Paul Klee, Texte von 

Christine Hopfengart, Alexandra 

von Arx, Michael Baumgartner, 

Till Briegleb, Fabienne Eggelhöfer, 

Dirk Heisserer, Armin Kerber, 

Osamu Okuda, Beate Schlichenmaier, 

Reto Sorg 

Deutsch 

Ca. 280 S., ca. 370 Abb., 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-1928-5 


(Jugendlicher) Schauspieler = Maske, 1924 

Klassische Moderne 

Das Werk Paul Klees (1879–1940) 

ist von seiner Leidenschaft zum 

Theater tiefgreifend geprägt. Zeit 

seines Lebens war der Künstler 

ein passionierter Besucher von 

Theateraufführungen – von der 

Oper bis zum Puppenspiel. Figuren 

aus dem Musik- oder Sprechtheater, 

etwa Hamlet, Falstaff oder 

Don Giovanni, bevölkern seine hintergründige 

Bildwelt; Figurentypen 

oder Elemente des Theaters, wie 

der Clown oder die Maske, wurden 

feste Größen seines bildnerischen 

Repertoires. Vor allem aber schlug 

Klee Verbindungen zwischen 

Theater und Leben und nahm 


»Dies steht fest, dass wir . . . ausgesprochene Theaternarren 

sind. Alles, was an Brettern und Kulissen mahnt, das greift 

tief in unsere Seele ...« Paul Klee 

Ausstellung: Zentrum Paul Klee, 

Bern 28.6.–14.10.2007 

damit den alten Topos von der 

Welt als Bühne auf: Menschen 

werden zu Schauspielern oder 

Marionetten, Theaterereignisse 

berühren sich mit Alltagsszenen. 

Die Publikation beleuchtet Paul 

Klees Faszination für das Theater 

in all diesen Aspekten. Eine Chronologie 

rekonstruiert ein Panorama 

seiner vielfältigen Theatererfahrungen. 

Ausgewählte Werke 

zeitgenössischer Künstler verdeutlichen, 

dass die scharfsichtige 

Wahrnehmung theatralischer 

Situationen nicht nur Klee faszinierte, 

sondern die Künstler auch 

heute beschäftigt.

www.hatjecantz.de Klassische Moderne 

29 

»Am 2. April 1891, um 9.45 Uhr, hatte Max Ernst seinen ersten 

Kontakt mit der fühlbaren Welt, als er aus einem Ei schlüpfte, 

das seine Mutter in eines Adlers Nest gelegt hatte, und welches 

der Vogel dort sieben Jahre lang ausgebrütet hatte.« Max Ernst 

Mit seinem experimentellen 

Umgang mit Materialien und 

Techniken und den antiformalistischen 

Bildfindungen überraschte 

und provozierte der Maler und 

Bildhauer Max Ernst (1891–1976) 

die Kunstwelt immer wieder. Die 

Publikation konzentriert sich auf 

ausgesuchte Aspekte, die einen 

geschärften Blick auf das facettenreiche 

Werk von Max Ernst erlauben. 

Im Zentrum steht das Wandbild 

Pétales et Jardin de la Nymphe 

Ancolie (1934). Gemälde, Collagen 

und Plastiken rund um das Thema 

der Garten- und Pflanzenwelt, der 

Ausstellung: Museum Tinguely, 

Basel 12.9.2007–27.1.2008 

Transformation von Natur zu 

anthropomorphen oder menschlichen 

Figuren visualisieren den 

weiten ikonografischen Umkreis 

dieses Bildes. Dazu gehören etwa 

die Jardins gobe-avions und Arbeiten 

rund um das Thema von 

Loplop, dem Alter Ego des Künstlers. 

Davon ausgehend berührt die 

Publikation auch weitere zentrale 

Themen im Schaffen des Künstlers 

wie die der Mechanik und Erotik 

in seinen dadaistischen Collagen 

sowie seinen bewussten Einsatz 

von Automatismus und Zufall in 

den Frottagen. 

Leçons obscures, 1929 

Max Ernst 

Im Garten der Nymphe Ancolie 

Hrsg. Museum Tinguely, Basel, 

Texte von Julia Drost, Jürgen Pech, 

Werner Spies, Ralph Ubl u. a. 

Deutsch 

Ca. 264 S., ca. 140 Abb., 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2037-3 

September 2007

30 Klassische Moderne 

Sonderausgabe € 14,95 

Egon Schiele 

Liebe und Tod 

Hrsg. Van Gogh Museum, 

Amsterdam, Vorwort von 

John Leighton, Klaus Albrecht 

Schröder, Text von Jane Kallir 


22,8 x 28,7 cm, gebunden mit 


Sonderausgabe 

€ 14,95 [D], CHF 26,– 

(Früher € 29,80) 

ISBN 978-3-7757-1527-0 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-1528-7 (Englisch) 


Selbstbildnis mit Hand an der Wange, 1910 

Eine glänzende Studie zu Leben und Werk Egon Schieles, 

Star und Enfant terrible der Wiener Avantgardeszene. 

Als Egon Schiele 1918 im Alter von 

nur 28 Jahren an der Spanischen 

Grippe verstarb, hatte der bedeutendste 

österreichische Expressionist 

ein großes, gleichwohl heftig 

diskutiertes Werk hinterlassen. 

Zunächst beeinflusst von Gustav 

Klimt, entwickelte Schiele bald 

seinen persönlichen Stil und gab 

die dekorative Ornamentik zugunsten 

einer starken Expressivität auf: 

Seine Werke zu zentralen Bereichen 

unseres Lebens, zu Erotik, Sexualität 

und Tod, waren im Wien des 

beginnenden 20. Jahrhunderts ein 

Skandal, die dem Künstler An- 


prangerungen von Kritikern und 

der Justiz einbrachten. Doch schuf 

Schiele neben seinen ungeschönten 

Aktdarstellungen auch psychologisch 

einfühlsame Bildnisse, in 

denen er das innerste Wesen der 

Porträtierten ergründete. 

Jane Kallir, die bereits zahlreiche 

Bücher und das Werkverzeichnis 

zu Egon Schiele verfasste, bietet 

in dieser preisgünstigen Sonderausgabe 

anhand von Gemälden, 

farbigen Zeichnungen und 

Fotografien einen prägnanten 

Überblick über Leben und Werk 

des Künstlers.


31 

Ein ebenso faszinierendes wie reizvolles Kapitel der Moderne 

mit selten gesehenen Meisterwerken von Cézanne, Degas, 

Toulouse-Lautrec und Picasso. 

Im pulsierenden Paris des ausgehenden 

19. Jahrhunderts suchten 

Künstler und Bohemiens in bewusstem 

Bruch mit Bürgertum 

und Konventionen in den Etablissements 

der Demimonde Inspiration, 

Rausch und Grenzerfahrungen. 

Paul Cézanne, Edgar Degas, Henri 

de Toulouse-Lautrec und Pablo 

Picasso schufen freimütige, ihre 

Zeitgenossen schockierende 

Bordell- und Boudoirszenen, wie 

diese preisreduzierte Sonderausgabe 

anhand einer Fülle von 

eindrucksvollen Hauptwerken 

sowie selten präsentierten 

Arbeiten zum Thema zeigt. 

Bereits um 1870 entstehen 

Cézannes sexuell aufgeladene 

Figurenbilder. Wenige Jahre später 

fängt Degas treffende Skizzen in 

den Pariser Freudenhäusern ein. 

Toulouse-Lautrec fertigt dort bis 

zur Jahrhundertwende einfühlsame 

Charakterstudien an, und 

Picassos Bordellbeschwörungen 

erstrecken sich von den 1907 

in großer Zahl entstehenden 

Vorstudien zu Les Demoiselles 

d’Avignon bis hin zu späten 

Inszenierungen von 1971. 

Bordell und Boudoir 

Schauplätze der Moderne 

Cézanne, Degas, 

Toulouse-Lautrec, Picasso 

Von Götz Adriani 

Henri de Toulouse-Lautrec, Im Bett, 1892 


Deutsch 


26 x 32 cm, gebunden 

Sonderausgabe 

€ 24,95 [D], CHF 42,– 

(Früher € 49,80) 

ISBN 978-3-7757-1503-4 

Juni 2007

32 

Max Beckmann 

Pinakothek der Moderne 

Bestandskatalog 


München, Einführung 

von Carla Schulz-Hoffmann, 

bearbeitet von Felix Billeter, Texte 

von Felix Billeter, Bruno Heimberg, 

Florian Schwemer, Heike Stege 

Deutsch 

Ca. 440 S., ca. 400 Abb., 



Ca. € 128,– [D], CHF 202,– 

ISBN 978-3-7757-2036-6 


Die Pinakothek der Moderne 

besitzt gemeinsam mit dem Saint 

Louis Art Museum, USA, die weltweit 

größte, in ihrem Rang einzigartige 

Max-Beckmann-Sammlung. 

Sie vermittelt einen eindrucksvollen 

Überblick über das gesamte 

Schaffen dieses bedeutendsten 

deutschen Malers des 20. Jahrhunderts. 

Unter den 37 Gemälden 

und zwei Plastiken befinden sich 

epochale Bilder wie Vor dem 

Versuchung, 1936/37 

Klassische Moderne 

»---!!??!!??---« Max Beckmann 

Maskenball (1922), Stillleben mit 

Fernrohr (1927), Fastnacht Paris 

(1930) und Selbstbildnis in Schwarz 

(1944). Das Hauptwerk der 

Kollektion, die Versuchung (1937), 

zeigt die Summe der vielschichtigen 

Weltanschauung des Künstlers 

und die sinnliche Intensität seines 

malerischen Stils. 

Im vorliegenden Band werden die 

Bedeutung dieser herausragenden 

Sammlung sowie ihre Geschichte 


beschrieben und erstmals alle 

Werke in ausführlichen Kommentaren 

gewürdigt. Entstehungsgeschichte 

und Provenienzen 

konnten anhand neuer Quellen 

und naturwissenschaftlicher 

Analysen präzisiert werden, 

profunde maltechnische Untersuchungen 

runden diese 

Ergebnisse ab.


33 

Für Max Pechstein, Ernst-Ludwig 

Kirchner, Erich Heckel oder Emil 

Nolde wurde die Erfahrung des 

Fremden zum Schlüsselerlebnis: 

Ob auf Reisen in der Südsee, in 

Afrika, in Europa oder in Deutschland, 

die Wahl »exotischer« 

Bildthemen erlaubte den Malern 

der Brücke die Trennung der Farbe 

vom Bildgegenstand und damit 

deren spektakuläre Nutzung zum 

Ausdruck ihrer Empfindungen. 

Die »Südsee« wurde ihnen zur 

Metapher für diese freiere künstlerische 

Auffassung und besonders 

während des Ersten Weltkriegs 

auch zur Gegenwelt. 

Der umfassende Band, den wir 

Ihnen nun als preiswerte Sonderausgabe 

anbieten können, präsentiert 

bahnbrechende Gemälde der 

eigentlichen Brücke-Zeit, exzeptionelle, 

unmittelbar unter dem Einfluss 

exotischer Welten entstande- 

»Zauberwelt, wie Menschen sonst sie wohl nicht kennen.« 

Emil Nolde 

ne Arbeiten sowie eine Gruppe 

von Spätwerken zum Thema. Sie 

unternimmt eine Neubewertung 

der Bedeutung sogenannter 

primitiver Kulturen für die beginnende 

Moderne – über den 

bekannten Einfluss von Skulpturen 

auf Expressionismus und Kubismus 

hinaus – für den zentralen 

Bereich der Farbe. 


Die Brücke 

in der Südsee 

Exotik der Farbe 

Hrsg. Ralph Melcher, Texte 

von Lorenz Dittmann, 

Eva Leistenschneider, Ralph 

Melcher, Aya Soika 

Deutsch 




Sonderausgabe 

€ 19,95 [D], CHF 34,– 

(Früher € 35,–) 

ISBN 978-3-7757-1680-2 


Max Pechstein, Lupinenstillleben mit afrikanischer Figur, 1917

34 

Anni und Josef Albers 

Begegnung mit Lateinamerika 

Hrsg. Brenda Danilowitz, Heinz 

Liesbrock, Vorwort von Heinz 

Liesbrock, Texte von Anni und 

Josef Albers, Jenny Anger, 

Brenda Danilowitz, Kiki Gilderhus, 

Hugo Palmarola Sagredo u. a. 

Josef Albers (1888–1976) war ein 

überaus einflussreicher Maler, 

Farbtheoretiker und Kunstpädagoge, 

Anni Albers (1899–1994) 

eine bedeutende Schöpferin textiler 

Kunstwerke, deren künstlerische 

Wurzeln in ihre gemeinsame 

Zeit am Bauhaus zurückreichen. 

Das Paar reiste nach seiner 

Emigration in die USA im Jahr 1933 

regelmäßig nach Mexiko und 

Südamerika und studierte Kunst, 

Architektur und die textilen 

Entwürfe der präkolumbischen 

Kulturen. 

Der Band mit Briefen und Manuskripten 

von Anni und Josef Albers 

Marching X’s, 1949 

Ausstellung: Josef Albers Museum 

Quadrat Bottrop 8.3.–3.6.2007 




€ 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-1988-9 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2057-1 

(Englisch: Juli 2007) 

Lieferbar 

dokumentiert zum ersten Mal den 

Einfluss des spanischen Amerika 

auf das Werk des Künstlerpaares 

und belegt, dass ihre Kunst, wie 

wir sie heute kennen, ohne die 

Begegnung mit dem südlichen 

Kontinent nicht denkbar ist. Anni 

Albers’ Webereien, Zeichnungen 

und gemalte Studien verdeutlichen 

ihr tiefes Verständnis präkolumbischer 

Textilien. Die malerischen 

Arbeiten und Fotografien 

von Josef Albers zeugen von der 

Entwicklung seines besonderen 

Farbsinns in Mexiko und der 

Ausbildung eines eigenständigen 

fotografischen Konzepts. 

Klassische Moderne www.hatjecantz.de 

Die andere Sammlung 

Hommage an Hildy und 

Ernst Beyeler 

Hrsg. Fondation Beyeler, 

Texte von Christian Klemm, 

Annemarie Monteil, 

Werner Schmalenbach 

Der Erfolg der Galerie Beyeler, aus 

der heraus Hildy und Ernst Beyeler 

die Fondation Beyeler gegründet 

haben, nahm seinen Anfang vor 

nunmehr 60 Jahren. An die 16 000 

Gemälde, Skulpturen und Arbeiten 

auf Papier – Druckgrafiken und 

Editionen ausgenommen – wurden 

seither an der Bäumleingasse 9 in 

Basel gehandelt. 

Aus diesem überwältigenden 

Bestand kann hier eine hochkarätige 

Auswahl an Meisterwerken, 

die längst Eingang in die großen 

öffentlichen und privaten 

Sammlungen der Welt gefunden 

Pablo Picasso, Portrait de femme, 1942 

Ausstellung: Fondation Beyeler, 

Riehen/Basel 19.8.2007–6.1.2008 

Ca. 240 S., ca. 180 Abb., 

davon ca. 150 Abb., 



Ca. € 45,– [D], CHF 71,– 

ISBN 978-3-7757-2022-9 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2023-6 (Englisch) 

ISBN 978-3-7757-2024-3 (Französisch) 

August 2007 

haben, noch einmal vereint 

betrachtet werden – der persönliche 

Blick und die besonderen 

Vorlieben des Sammlerehepaars 

werden erfahrbar. Zu den Höhepunkten 

zählen Glanzlichter 

von Bonnard, Braque, Cézanne, 

Dubuffet, Gauguin, Giacometti, 

van Gogh, Gris, Kandinsky, Klee, 

Léger, Miró, Mondrian, Monet und 

Picasso. So fügt sich der Band zu 

einer Hommage an ein Lebenswerk, 

zu einem Porträt in Bildern 

eines genialen Kunsthändlers, dem 

wir einen Ort der lebendigen Begegnung 

mit der Kunst verdanken.


35 

Wenige isoliert und nachdenklich 

wirkende Figuren beleben Edward 

Hoppers (1882–1967) schlaglichtartig 

beleuchteten Tankstellen, 

Motelzimmer und Büros. Niemals 

direkt narrativ, besitzen die zurückhaltenden, 

sorgfältig ausgeführten 

Ölbilder und Aquarelle eine zeitlose, 

universelle Qualität, die ein 

riesiges Publikum weltweit berührt 

hat. 

Die vorliegende, definitive Studie 

zum »amerikanischsten« aller 

Künstler, die wir nun als preisgünstige 

Sonderausgabe anbieten, 

stellt sein Werk in den Kontext 

amerikanischer und europäischer 

Kunst der Epoche – beginnend 

mit seinen frühen Gemälden 

über die zu Ikonen gewordenen 

Manhattan-Bilder bis hin zu seinen 

späten, zunehmend minimalis- 

Alle Hauptwerke Hoppers in einer umfangreichen 

Monografie zum Sonderpreis. 

tischen Arbeiten, die mehr als 

60 Jahre später entstanden. Sie 

untersucht zudem erstmals den 

Einfluss des Film noir auf seine 

Arbeit sowie im Gegenzug 

Hoppers nicht zu unterschätzende 

Wirkung auf andere bedeutende 

Kreative aus der Welt des Films. 

Edward Hopper 

New Yorker Bürgersteig, 1924 oder 1925 


Hrsg. Sheena Wagstaff, Texte von 

David Anfam, Margaret Iversen, 

Brian O’Doherty, Sheena Wagstaff, 

Peter Wollen 

Deutsch 


24,5 x 29,7 cm, Broschur 

Sonderausgabe 

€ 14,95 [D], CHF 25,– 

(Früher € 34,–) 

ISBN 978-3-7757-1500-3 


36 

Joseph Beuys, 

Düsseldorf 

Hrsg. Susanne Anna, Texte 

von Susanne Anna, Antje 

Krause-Wahl, Friederike Schuler, 

Ralf Zimmer-Hegmann 

Diese Dokumentation stellt bisher 

unveröffentlichte Materialien über 

das Wirken von Joseph Beuys in 

Düsseldorf vor. Joseph Beuys lebte, 

arbeitete und lehrte in Düsseldorf. 

Hier entwickelte er sein gesamtes, 

in der Kunstgeschichte bahnbrechendes, 

theoretisches Œuvre 

zum sogenannten »erweiterten 

Kunstbegriff«. 1969 beschrieb er 

seine Lehrtätigkeit an der Staatlichen 

Kunstakademie Düsseldorf: 

»To be a teacher is my greatest 

work of art.« 

Ausstellung: STADTMUSEUM, 

Düsseldorf 29.9.–30.12.2007 

Deutsch 


16,5 x 24 cm, Broschur 

Ca. € 24,80 [D], CHF 42,– 

ISBN 978-3-7757-1992-6 


Mit Texten von Susanne Anna, 

Friederike Schuler, Franz-Joachim 

Verspohl, Ralf Zimmer-Hegmann 

sowie mehr als 100 Farbabbildungen. 

Kunst nach 1945 www.hatjecantz.de 

Hermann Nitsch 

Hrsg. MZM Museumszentrum 

Mistelbach für das Hermann 

Nitsch Museum, Texte von Carl 

Aigner, Heinz Cibulka, Wolfgang 

Denk, Hermann Nitsch, Wieland 

Schmied, Romana Schuler 

Inspiriert durch den Tachismus 

und den Abstrakten Expressionismus 

beschäftigt sich Hermann 

Nitsch in den späten 1950er- und 

frühen 1960er-Jahren mit Malerei 

und veranstaltet »theatralische 

Malaktionen«, in denen die sogenannten 

Schüttbilder entstehen. 

Hat der Künstler 1961 noch rote 

Farbe über große Leinwände laufen 

lassen, ersetzt er diese nach 

und nach durch Blut, die auf den 

Rahmen gespannte Leinwand 

durch Betttücher und agiert mit 

Erscheint anlässlich der Eröffnung 

des Hermann Nitsch Museums 

im Museumszentrum Mistelbach, 

Niederösterreich am 23.5.2007 




€ 38,– [D], CHF 60,– 

ISBN 978-3-7757-2012-0 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2013-7 (Englisch) 


Innereien, Tierkadavern und 

menschlichen Körpern. Mit seinem 

Orgien-Mysterien-Theater verwirklicht 

Nitsch (*1938 in Wien) seine 

Vorstellung eines Gesamtkunstwerkes. 

Der Katalog begleitet 

die bisher größte Werkschau 

des Künstlers im neu eröffneten, 

allein seinem Werk gewidmeten 

Museum und versammelt zentrale 

Werkblöcke und Einzelarbeiten 

aus 50 Jahren künstlerischen 

Wirkens. 



des Künstlers 


Ohne Titel, 2003 

Handbeschüttete 

Originalradierung, 

eingelegt in Buch (nummeriert) 


Bildformat: 28 x 23 cm 

Auflage: 100 

Datiert, signiert 

€ 350,–


37 

Der Österreicher Fritz Wotruba 

(1907–1975) zählt zu den bedeutendsten 

europäischen Bildhauern 

des 20. Jahrhunderts. Sein Schaffen 

war wie kaum ein zweites auf die 

Figur des Menschen zentriert. 

Ausgehend von den frühen Torsi 

gegen Ende der 1920er-Jahre bis 

hin zur Kirche in Wien-Mauer, die 

ein Jahr nach Wotrubas Tod 

geweiht wurde, spannt sich sein 

Lebenswerk, dessen Konsequenz 

bereits in eindrucksvollen Werken 

aus der Vorkriegszeit zu spüren ist 

und das sich nach 1945 in einer 

lakonisch gegen jeden modischen 

Zeitgeist gerichteten Kompromisslosigkeit 

verdichtet hat. 

Die vorliegende Publikation erscheint 

anlässlich des 100. Geburtstags 

Wotrubas und ist die einzige 

derzeit lieferbare Monografie 

zu seinem Werk. Sie stellt durch 

die Zusammenführung einiger 

zentraler Steinskulpturen mit einer 

Auswahl von Zeichnungen den 

Künstler in seinen elementarsten 

Medien dar – der nackten Zeichnung 

und dem nackten Stein: »Zur 

Realisierung meiner Vorstellungen 

brauche ich ein Material, das mir 

Widerstand entgegensetzt . . . 

Deswegen kehre ich immer wieder 

zum Stein zurück ...« 

Ausstellung: Pinakothek 

der Moderne, München 

27.9.–25.11.2007 Sitzende Figur (der Denker), 1948 

Fritz Wotruba 

Zeichnungen und Steine 

Hrsg. Michael Semff, 

Texte von Werner Hofmann, 

Michael Semff 

Deutsch 

Ca. 208 S., ca. 160 Abb., 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2014-4 


38 

Sammlung Rolf Ricke 

Hrsg. Kunstmuseum Liechtenstein, 

Kunstmuseum St. Gallen, 

Museum für Moderne Kunst, 

Frankfurt/Main 

Der Kölner Galerist Rolf Ricke zählt 

zu den Pionieren der Vermittlung 

zeitgenössischer Kunst. Als einer 

der Ersten stellte er in den 1960er- 

Jahren in Europa die amerikanische 

Minimal und Postminimal 

Art vor und begleitete das Schaffen 

von wegweisenden Künstlern wie 

Jo Baer, Bill Bollinger, Donald Judd, 

Garry Kuehn und Lee Lozano. 

Rickes Sammlung, die auch jüngere 

Künstler wie Jessica Stockholder, 

Steven Parrino oder Ingrid Calame 

umfasst, dokumentiert mit bedeutenden 

Einzelwerken und umfangreichen 

Werkgruppen eine sehr 

persönliche Sicht auf die Kunst. Im 

Dan Christensen, Adrian’s Diary, 1969 

Ausstellungen: MMK Museum für 

Moderne Kunst, Frankfurt/Main, 

»Blue Chips and Masterpieces« 

21.4.–26.8.2007 | Kunstmuseum 

Liechtenstein, Vaduz 21.9.2007– 

13.1.2008 


Ca. 352 S., ca. 180 Abb., 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2035-9 


Herbst 2006 erwarben das Kunstmuseum 

St. Gallen, das Kunstmuseum 

Liechtenstein und das 

Museum für Moderne Kunst 

(MMK) Frankfurt gemeinsam die 

Sammlung Rolf Ricke, die so integral 

erhalten bleibt. Die Publikation 

präsentiert die 150 Arbeiten 

umfassende Sammlung, stellt 

Künstlerstimmen und eine reich 

bebilderte Chronologie der 

Galeriegeschichte von Rolf Ricke 

den wesentlichen Ereignissen in 

der Kunst gegenüber und dokumentiert 

damit nicht zuletzt 

40 Jahre Kunstgeschichte. 

Kunst nach 1945 www.hatjecantz.de 

Traum & Trauma 

Werke aus der Sammlung 

Dakis Joannou, Athen 

Hrsg. Kunsthalle Wien, Gerald 

Matt, Angela Stief, MUMOK, 

Edelbert Köb, Texte von Elisabeth 

Bronfen, Hilary Hatch Rubinstein, 

Edelbert Köb, Gerald Matt, 

Angela Stief 

Sigmund Freud definierte das 

Trauma als »ein Erlebnis, welches 

dem Seelenleben innerhalb kurzer 

Zeit einen so starken Reizzuwachs 

bringt, dass die Erledigung oder 

Aufarbeitung desselben in normalgewohnter 

Weise missglückt«. Das 

Subjekt verdrängt das traumatische 

Erlebnis; nur in Träumen und 

Albträumen dringt es immer wieder 

ins Bewusstsein. Der Schmerz 

äußert sich in surrealistischen, 

traumähnlichen und absurd 

anmutenden Bildern. 

Als »Ästhetik des Traumas« kann 

man eine Kunst bezeichnen, die 

Cindy Sherman, Ohne Titel, 1995 

Ausstellung: Kunsthalle Wien 

und MUMOK, Museum Moderner 

Kunst Stiftung Ludwig Wien 

29.6.–4.10.2007 




Ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2064-9 


Verdrängtes und Verworfenes 

visualisiert und damit auch 

schmerzhaft besetzte Wünsche, 

Begierden und Träume freilegt. 

Arbeiten von Cindy Sherman, 

Gregory Crewdson, Paul McCarthy 

oder Pawel Althamer stehen 

beispielhaft für diese Tendenz. 

Traum & Trauma präsentiert eine 

Vielzahl eindrücklicher Werke dieser 

und anderer Künstler aus der 

Sammlung Dakis Joannou, dem 

Gründer der Deste-Foundation für 

zeitgenössische Kunst in Athen.


39 

Die deutsche Künstlerin Anna 

Oppermann (1940–1993) schuf ab 

Ende der 1960er-Jahre raumgreifende 

Installationen mit Bezügen 

zur Pop-Art, Arte povera und 

Konzeptkunst, die sie »Ensembles« 

nannte. Die aus Fundstücken, 

Fotos, Skizzen, persönlichen 

Texten, Zitaten und kolorierten 

Fotoleinwänden zusammengestellten 

Installationen wurden 

damals häufig als rein biografische 

Äußerungen missverstanden. 

Dagegen intendierte die 

Künstlerin, Denkprozesse beim 

Betrachter ihrer sich immer wieder 

neu und anders erschließenden, 

hochkomplexen Werke anzustoßen, 

wenn sie in ihren 

Ensembles die ästhetischen und 

theoretischen Entscheidungsprozesse 

nachvollziehbar werden 

ließ. Gerade in ihrer postmodernen 

Uneindeutigkeit und Performativität 

sieht die heutige 

Kunstkritik den besonderen Wert 

»Anna Oppermann – sieht ein bißchen aus wie 

die Hexe Kau-Kau-Kau . . . Beschützte mich vor 

unpassenden Bemerkungen in der Villa Romana.« 

Martin Kippenberger 

dieser offenen, über Jahre gewachsenen 

Arbeiten. 

Der Band mit vollständigem 

Ensembleverzeichnis, übrigens 

die einzige lieferbare Publikation 

zur Künstlerin, aktualisiert den 

Blick auf Oppermanns Œuvre. Sie 

dokumentiert die Stuttgarter 

Ausstellung inklusive Aufbauphase 

ausführlich und wird die Werke 

aus verschiedenen theoretischen 

Perspektiven mit Blick auf die 

aktuelle Kunst betrachten. 

Ausstellung: Württembergischer 

Kunstverein, Stuttgart 

17.5.–12.8.2007 Spiegelensemble, Detail, 1969–1989 

Anna Oppermann 

Ensembles 1968–1992 

Hrsg. Ute Vorkoeper für den 

Württembergischen Kunstverein 

Stuttgart, Texte von Elke Bippus, 

Hans D. Christ, Felix Ensslin, Kai- 

Uwe Hemken, Herbert Hossmann, 

Hanne Loreck, Anna Oppermann, 

Ute Vorkoeper 


Ca. 264 S., ca. 140 Abb., 


20,5 x 26,5 cm, Broschur mit 



ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-1995-7 


40 

Fit für den Kunstmarkt 

Komplett überarbeitete Neuauflage 

Von Claudia Herstatt 

Deutsch 

Ca. 216 S., 


Ca. € 14,80 [D], CHF 25,– 

ISBN 978-3-7757-1973-5 


Auf der Art Basel – 

»die weltbeste Kunstmesse« (Focus) 

Welche Galerien, Kunstmessen 

und Auktionshäuser handeln mit 

welchen Spezialgebieten? Für 

vergleichsweise wenig Geld sind 

grafische Arbeiten, Multiples, 

Vorzugsausgaben und Editionen 

zu haben, aber woher bekommt 

man sie? Welche Organisationen 

bieten ihren Mitgliedern die 

Möglichkeit, preiswerte Jahresgaben 

zu erstehen? Was ist von 

Zeitgenössische Kunst 

»Appetitanregend werden Konzepte bedeutender 

Sammlungen vorgestellt, wichtige Messen und 

Auktionen charakterisiert und aktuelle künstlerische 

Strategien aufgelistet.« Der Tagesspiegel zur ersten Auflage des Bandes 

Kunstrankings zu halten? Welche 

Besonderheiten gilt es beim Kauf 

über das Internet zu beachten? 

Diese und eine Vielzahl weiterer 

grundsätzlicher Fragen zum 

Thema Kunstsammeln beantwortet 

diese neu gestaltete, erweiterte 

und überarbeitete Neuausgabe 

von Fit für den Kunstmarkt, dem 

praktischen Führer im handlichen 

Taschenformat. 

Zur Autorin: 

»Der seltene Fall eines Leitfadens, der mehr 

hält als sein (zu) bescheidener Titel verspricht.« 

art zur ersten Auflage des Bandes 


Claudia Herstatt ist seit 1989 freie 

Kunstjournalistin in Hamburg für 

Die Zeit, Handelsblatt, Kunstforum, 

Welt am Sonntag, davor art – 

Korrespondentin in Brüssel und 

Zürich, 1991/92 Sprecherin der 

documenta IX in Kassel, von 

2000 bis 2006 wöchentliche 

»Kunstmarkt«-Kolumne in Die Zeit.


41 

Dieser kompetente Ratgeber, sicherlich bald das 

Standardwerk zum Thema, darf im Bücherregal 

keines Kunstinteressierten fehlen! 

Ausstellungsbesucher fragen sich 

manchmal: Wieso hängt dieses 

Kunstwerk im Museum? Täglich 

entscheiden Museen und Sammler 

über Kunstankäufe. Turnusmäßig 

tagen Jurys und Gremien und 

urteilen über die Vergabe von 

Stipendien und Preisen. Nach 

welchen Kriterien werden diese 

Entscheidungen getroffen? 

Ausgewiesene Fachautoren gehen 

in dem als Leitfaden konzipierten 

Textband dieser brisanten Frage 

nach. In sechs Kapiteln beschrei- 

ben sie kompetent und unterhaltsam, 

nach welchen Kriterien in den 

verschiedenen Disziplinen der zeitgenössischen 

Kunst – in Malerei, 

Zeichnung, Grafik, Videokunst, 

Fotografie und Skulptur – Qualität 

bewertet und erkannt werden 

kann. Das Buch macht damit 

eine längst überfällige Debatte 

publik und wird sich durch die 

Mischung herausragender Expertenmeinungen 

wohl bald zu 

einem Standardwerk entwickeln. 

Tomma Abts, Ehme, 2002 

Was ist gute Kunst? 

Hrsg. Wolfram Völcker, Vorwort 

von Gérard A. Goodrow, Texte von 

Katja Albers/Kathrin Becker, 

Klaus Bußmann, Alexander Dückers, 

Matthias Harder, Christoph 

Heinrich, Wulff Herzogenrath, 

Gudrun Inboden, Jeremy Lewison, 

Friedrich Meschede, Andreas 

Schalhorn, Michael Semff, 

Urs Stahel 

Deutsch 


16,9 x 24,5 cm, Leinen 

€ 24,80 [D], CHF 42,– 

ISBN 978-3-7757-1976-6 

Lieferbar

42 

Into Me / Out of Me 

Hrsg. Klaus Biesenbach, Texte von 

Georges Bataille, Klaus Biesenbach, 

Susan Sontag u. a. 


Ca. 600 S., ca. 450 Abb., 



€ 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2041-0 


Carolee Schneemann, Interior Scroll, 1975 


»Manche Bilder verfolgen einen 

noch Stunden oder gar Tage lang«, 

schrieb Der Stern über die Ausstellung 

Into Me / Out of Me, die 

bisher mit großer öffentlicher 

Resonanz in New York und Berlin 

präsentiert wurde. Jetzt erscheint 

zur viel diskutierten Schau die 

schwergewichtige, üppig bebilderte 

Publikation. 

Into Me / Out of Me nimmt das 

Körperliche – in seiner persönlichen 

und gesellschaftlichen 

Dimension – als zentrales Thema 

in der zeitgenössischen Kunst der 

vergangenen vier Jahrzehnte in 

den Blick. Mit Werken von über 130 

internationalen Künstlern werden 


Mit Werken von Janine Antoni, Matthew Barney, Joseph 

Beuys, Chris Burden, Patty Chang, Robert Gober, Douglas 

Gordon, Robert Mapplethorpe, Paul McCarthy, Pipilotti Rist, 

Rirkrit Tiravanija, Andy Warhol und vielen anderen. 

Prozesse anschaulich gemacht, die 

das Eindringen in den Körper, das 

Durchdringen und Durchwandern 

und das Austreten aus dem 

menschlichen Körper beschreiben: 

Stoffwechsel (Essen, Trinken, 

Ausscheiden), Fortpflanzung 

(Geschlechtsverkehr, Empfängnis, 

Geburt) sowie Gewalt und Krankheit 

(Verletzungen, Chirurgie). 

Dieser tagtägliche Austausch 

zwischen dem Inneren und dem 

Äußeren wird anhand mythologischer 

Bezüge, religiöser und profaner 

Rituale, wissenschaftlicher 

Praktiken und experimenteller 

Selbstuntersuchungen umfassend 

vorgestellt. 

Ausstellung: MACRO Museo 

d’Arte Contemporanea, Rom 

21.4.–30.9.2007


43 

»Unsere Idealfigur für die Besetzung des obersten 

Amtes der katholischen Kirche wäre eine lesbische 

schwarze Päpstin.« Gilbert & George 

Die Times nannte Gilbert & George 

die »Prügelknaben der britischen 

Kunst« – was die Briten nicht 

daran hinderte, das Künstlerduo 

2005 den englischen Pavillon auf 

der Biennale in Venedig gestalten 

zu lassen. »We are delighted to 

accept this kind invitation and 

promise to do our very worst!«, 

lautete der Kommentar von 

Gilbert & George, die mit ihren 

performanceartigen Inszenierungen 

als Living Sculptures zu Popstars 

wurden. 

Seit fast 40 Jahren sind Gilbert 

Proesch (*1943) und George 

Ausstellungen: Haus der Kunst, 

München 11.6.–9.9.2007 | Im 

Anschluss Castello di Rivoli, Turin; 

De Young Memorial Museum, San 

Francisco; Milwaukee Art Museum; 

Brooklyn Museum of Art 

Passmore (*1942) ein Paar – in der 

Kunst wie im Leben – und bringen 

Werke zu tabuisierten Themen wie 

Sexualität und Rassendiskriminierung 

hervor, die zu den einflussreichsten 

künstlerischen Aussagen 

unserer Zeit zählen. 

Der Band zeichnet das provokative 

Œuvre mit seinem radikalen Idealismus 

vom Ende der 1960er-Jahre 

bis heute anhand der wichtigsten 

Werkserien nach – darunter auch 

neueste, bisher unveröffentlichte 

Arbeiten. 

Are You Angry Or Are You Boring, 1977 

Gilbert & George 

Hrsg. Tate, Texte von Ben Borthwick, 

Michael Bracewell, Jan Debbaut, 

Marco Livingstone 

Deutsch 


30 x 24,5 cm, Broschur 


€ 24,80 [D], CHF 42,– 

ISBN 978-3-7757-1971-1 


44 Zeitgenössische Kunst 

Date Line 

Zeitgenössische Kunst des Pazifik 

Hrsg. Neuer Berliner Kunstverein/ 

Alexander Tolnay, Texte von 

Anton Carter, Rhana Devenport, 

Jonathan Mane-Wheoke, 

Caroline Viercoe u. a. 





Ca. € 29,80 [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-2043-4 


Ausstellungen: Neuer Berliner 

Kunstverein 7.9.–21.10.2007 | 

Stadtgalerie Kiel 26.1.–24.3.2008 | 

Galerie der Stadt Sindelfingen 

20.4.–22.6.2008 

Eine echte Entdeckung: Erstmals 

kann in Deutschland zeitgenössische 

Kunst des Pazifikraums mit 

seinen wichtigsten Vertretern 

kennen gelernt werden. Mit Textbeiträgen 

neuseeländischer Fachautoren 

bietet die Publikation 

einen Überblick über aktuelle 

Entwicklungstendenzen in der 

Gegenwartskunst der Region. 

Ausführlich wird in Wort und Bild 

beleuchtet, wie eine neue Künstler- 

generation auf die Widersprüche 

zwischen Tradition und Moderne 

reagiert, wie mit der Wiederbelebung 

und Erneuerung einheimischer 

Traditionen und in der Auseinandersetzung 

mit westlichen 

Vorbildern ein eigener »Pazifischer 

Stil« entwickelt wird. 

Das spirituelle Erbe der Region, der 

durch den Kolonialismus verursachte 

Traditionsbruch, die Folgen 

von Zwangsmigration, Vertreibung 


Erste Publikation über die in der westlichen Welt noch nahezu 

unbekannte Gegenwartskunst des Pazifiks, die die Traditionen 

der Vorfahren mit der modernen Realität zu verbinden versucht. 

Rachel Rakena, Videostill aus Pacific Washup, 2003/04 

und Verschleppung sowie die 

Zerstörung der natürlichen Lebensgrundlagen: 

Die 14 vorgestellten 

Künstler, die sich in ihrem Schaffen 

zeitgenössischer Medien und 

Bildsprachen bedienen, stehen im 

Brennpunkt zwischen den unverrückbaren 

Traditionen der »Ahnen« 

und der urbanen Realität der 

Globalisierung.


45 

Kunstwerke aus Indien, von 1980 bis heute: mit Kurzbiografien 

aller vorgestellten Künstler und rund 200 Abbildungen. 

Seit in Indien im 16. Jahrhundert 

über Persien die Miniaturmalerei 

eingeführt wurde, zieht sich durch 

die bildende Kunst des Landes 

eine starke narrative Tradition. Im 

Lande der Mythen, Legenden und 

Göttergeschichten, der mündlich 

überlieferten Literaturtradition 

und der »Bollywood«-Unterhaltungsindustrie 

nimmt die Erzählung 

einen wichtigen Platz ein. 

Zeitgenössische Künstler und 

besonders auch viele Künstlerinnen 

nehmen es als ihre Aufgabe 

wahr, den sozial Benachteiligten 

oder den ethnischen/religiösen 

Minoritäten eine Stimme zu verleihen, 

deren Geschichte mit den 

Mitteln der Malerei, Fotografie, 

Video, Installation oder Performance 

zu erzählen. Ihre Arbeiten 

reflektieren die gewaltigen wirt- 

Sunil Gupta, Queens, New York/Lambeth, London, aus Homelands, 2001–2003 

schaftlichen, politischen und 

gesellschaftlichen Veränderungen 

in diesem Land über die letzten 

drei Jahrzehnte. Die Publikation 

präsentiert spannende und singuläre 

Werke, die das Potenzial besitzen, 

den Betrachter sehr direkt 

zu berühren und kritische Gesellschaftsfragen 

aufzuwerfen. 

Horn Please 

Erzählen in der zeitgenössischen 

indischen Kunst 

Hrsg. Bernhard Fibicher, 

Suman Gopinath 

Ca. 240 S., ca. 200 Abb., 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2016-8 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2017-5 (Englisch) 


Ausstellung: Kunstmuseum Bern 

21.9.2007–6.1.2008

46 

Josephine Meckseper 

Hrsg. Kunstmuseum Stuttgart, 

Texte von Marion Ackermann, 

Okwui Enwezor, Christian Höller, 

Interview mit der Künstlerin von 

Simone Schimpf 





Ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-1986-5 


Pyromaniac 2, 2003 

Ausstellung: Kunstmuseum 

Stuttgart 14.7.–28.10.2007 


Im Zentrum von Josephine Mecksepers 

künstlerischer Arbeit stehen 

konsumkritische Betrachtungen 

sowie die Ästhetisierung von 

Politik. Fasziniert von der gleichberechtigten 

Gegenüberstellung von 

Werbung und politischem Bericht 

in den Zeitschriften stellt sie in 

ihren Arbeiten ebenfalls die klassischen 

Kategorien High und Low 

radikal in Frage. Die in New York 

lebende deutsche Künstlerin 

(*1964) verarbeitet ihre Beobachtungen 

zur politischen Volkskultur 

in Filmen zu amerikanischen Anti- 

Bush-Demonstrationen und 


»Die offensive Konfrontation gesellschaftlicher Haltungen 

ist fester Bestandteil der Arbeit von Josephine Meckseper ...« 

Monopol 

Protestmärschen in Berlin. In ihren 

Schaufensterinstallationen oder in 

genähten Stoffarbeiten, in denen 

sie beispielsweise Palästinensertücher 

und andere Insignien der 

linken Szene mit Modeaccessiores 

kombiniert, befragt sie die Dinge 

nach ihrer Bedeutung: Konsumartikel 

oder politisches Symbol? 

Die Publikation präsentiert mit 

Filmen, Collagen, Gemälden, 

Skulpturen und Installationen 

einen konzisen Überblick über die 

unterschiedlichen Bilderwelten 

der Künstlerin.


47 

»Kunst ist scheinbar unnötig, in Wahrheit aber lebenswichtig.« 

Pipilotti Rist 

Innerhalb kürzester Zeit avancierte 

Pipilotti Rist (*1962) mit ihren aufregenden, 

hintersinnigen Videos 

zu einem Star der internationalen 

Kunstszene. Für ihre Arbeiten – 

suggestive Mixturen aus visuellen 

und musikalischen Elementen, 

Bildüberblendungen, -verlangsamungen 

und -beschleunigungen 

sowie oft psychedelisch erscheinenden 

Farbeffekten – ist die 

Schweizer Künstlerin bereits mehrfach 

ausgezeichnet worden, so 

etwa mit dem Premio 2000 der 

Biennale Venedig. 

Die Monografie bietet einen repräsentativen 

Rückblick auf das 

gesamte Werk Pipilotti Rists von 

1986 bis heute. Aus ihrer über 

20-jährigen künstlerischen Karriere 

werden dabei auch Arbeiten präsentiert, 

die in früheren Veröffentlichungen 

nicht berücksichtigt 

wurden. Aufschlussreiche Essays 

beleuchten zentrale Aspekte ihres 

Schaffens, beispielsweise ihr 

(Körper-)Bild der Frau oder Musik 

und Poesie als wesentliche 

Elemente ihrer Videos. In einem 

ausführlichen Interview kommt 

die Künstlerin selbst zu Wort. 

Pickelporno, 1992 

Pipilotti Rist 

Wishing for Synchronicity 

Hrsg. Contemporary Arts Museum 

Houston, Texte von Paola Morsiani, 

Rachel Teagle u. a., Interview mit der 

Künstlerin von Linda Yablonsky 

Englisch 



Ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2006-9 


Ausstellungen: MAM – Miami Art 

Museum Herbst 2007 | Museum 

of Contemporary Art San Diego 

Juli 2008 – Januar 2009

48 

Johan Grimonprez 

Looking for Alfred 

The Hitchcock Castings 

Hrsg. Film and Video Umbrella, 

Zapomatik, Texte von Patricia 

Allmer, Jorge Luis Borges, 

Thomas Elsaesser, Tom McCarthy, 

Slavoj Zˇizˇek u. a. 

Englisch 




ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2008-3 


Kein Vertrieb in Großbritannien 

Ron Burrage, Hitchcock Look-alike, aus: Johan Grimonprez, Looking for Alfred, 2004 

Ausstellungen: Pinakothek der 

Moderne, München 10.5.–19.8.2007 | 

Im Anschluss S.M.A.K. Stedelijk 

Museum voor Actuele Kunst, 

Gent | Weitere Stationen in 

Vorbereitung 


»... ein technisch brillant gemachter Film ...« 

Aus der Jury-Begründung zur Verleihung des Internationalen 

Medienpreises für Wissenschaft und Kunst 2005 an Johan Grimonprez 

Alfred Hitchcocks legendäre 

Gastauftritte in seinen eigenen 

Filmen bilden den Ausgangspunkt 

für das mehrfach ausgezeichnete 

Projekt des belgischen Künstlers 

Johan Grimonprez (*1962): Looking 

for Alfred, eine Hommage an den 

»Master of Suspense«, die gleichermaßen 

ihre Reverenz an die Bildwelten 

des surrealistischen Malers 

René Magritte erweist. 

Das Buch mit rund 300 Farbabbildungen 

dokumentiert die 

Filminstallation, die von einem 


Komplex von Handzeichnungen 

und Collagen begleitet wird, und 

deren verzweigte Ideen- und 

Entstehungsgeschichte. Wie schon 

Grimonprez’ berühmt gewordene 

Mediencollage Dial History von 

1997 ist auch Looking for Alfred ein 

Spiel mit unterschiedlichen Realitätsebenen, 

mit Simulationen und 

Täuschungen. Mit einer verwirrenden 

Schar von Hitchcock-Doppelgängern 

dekonstruiert der Künstler 

auf raffinierte Weise unsere gängigen 

Vorstellungen von Wirklichkeit.


49 

Kein anderer Künstler vermag es, 

wie Stan Douglas (*1960 in 

Vancouver) auf gleichermaßen 

sinnliche wie intellektuelle Weise 

die Erfahrungsräume des Kinos 

und Museums zu erweitern. Hinter 

fast allen seinen Arbeiten steht die 

Auseinandersetzung mit einem 

bestimmten Ort, dessen Geschichten 

entlang literarischer, filmischer 

Standbild aus der Filminstallation Win, Place or Show, 1998 

oder musikalischer Vorlagen reflektiert 

werden. 

Stan Douglas nahm jeweils bereits 

dreimal an der Documenta und 

der Biennale von Venedig teil und 

hatte weltweit Einzelausstellungen. 

Erstmals werden jedoch in Stuttgart 

seine zentralen Werke der 

letzten 20 Jahre in einer groß 

angelegten Schau erfahrbar. Die 

von den Herausgebern im engen 

Dialog mit Douglas entwickelte 

Begleitpublikation setzt an verschiedenen 

potenziellen Lesarten 

des vielschichtigen Werks des 

Künstlers und dessen Interpretationen 

von Historie, Film, Literatur 

und Musik an. 

Stan Douglas 

Past Imperfect 

Werke 1986–2007 

Hrsg. Hans D. Christ, Iris Dressler 

für den Württembergischen 

Kunstverein Stuttgart und die 

Staatsgalerie Stuttgart, Texte von 

Christa Blümlinger, Reinhard Braun, 

Hans D. Christ, Iris Dressler, Anne- 

Marie Duguet, Gudrun Inboden, 

George E. Lewis, Ivone Margulies, 

Ivan de La Nuez, Sean Rainbird 

u. a. 

Ca. 192 S., ca. 180 Abb., 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2020-5 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2021-2 (Englisch) 


Ausstellung: Württembergischer 

Kunstverein und Staatsgalerie 

Stuttgart, Stuttgart 15.9.2007– 

6.1.2008

50 

Lars Ø. Ramberg 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2038-0 


Eine Collector’s Edition 

ist in Vorbereitung. 

Seit 1992 beschäftigt sich Lars Ø. 

Ramberg (*1964 in Oslo) kritisch 

mit Themen wie nationaler 

Identität, Symbolarchitektur und 

Sprache als kollektivem Referenzrahmen, 

indem er in seinen Arbeiten 

eine vorhandene Geschichte 

bearbeitet und manipuliert oder 

die vorherrschenden Geschichtsschreibung 

hinterfragt. Diese kon- 


»Monumentale Minimal Art in Berlins Mitte!« die tageszeitung 

zeptuelle und theoretische, aber 

dennoch subjektive und emotionale 

Bearbeitungen präsentiert er der 

Öffentlichkeit im gleichen Kontext, 

in dem sie entstanden sind, und 

bezieht den Betrachter in den 

Diskurs mit ein. 

Werke wie Palast des Zweifels in 

Berlin und sein Entwurf eines 

Nationaldenkmals, Liberté, zum 


100-jährigen Jubiläum der Unabhängigkeit 

Norwegens haben zu 

Einladungen zu den Biennalen von 

São Paulo und Venedig geführt. 

Der Band präsentiert erstmals 

wichtige Werke Rambergs zusammen 

mit ihren Hintergründen, 

dem Prozess ihrer Entstehung und 

den oft kontroversen Reaktionen 

in der Öffentlichkeit. 

Palast des Zweifels, Detail, 2005 We Intended to Sing the Love of Danger, the Habit of Energy and Fearlessness, 

São Paulo Biennale, 2006


51 

Michael Elmgreen (*1961 in Kopenhagen) 

und Ingar Dragset (*1969 

in Trondheim) haben seit ihrer 

ersten Zusammenarbeit im Jahr 

1995 ein viel beachtetes Werk und 

eine ganz eigene Welt geschaffen. 

Ihre verblüffenden architektonischen 

Skulpturen und Installationen 

haben sie international 

bekannt gemacht – etwa die facettenreiche 

Werkserie Powerless 

Structures mit mittlerweile über 

100 Arbeiten, ihre witzige permanente 

Installation Prada Marfa 

mitten in der texanischen Wüste 

oder die sozialkritische Wanderausstellung 

The Welfare Show. 

This Is the First Day of My Life 

stellt die wichtigsten Werke des 

Künstlerduos vor sowie Arbeiten, 

die bisher noch nie publiziert 

worden sind. Drei fiktionale Texte 

ausgewählter Schriftsteller erweitern 

das Elmgreen-Dragset- 

Universum in neue, verwandte 

Bereiche hinein. Ein vollständiges 

Werkverzeichnis ist angehängt. 

»Wir versuchen ganz einfach, die blöden Fragen zu thematisieren, 

die uns jeden Morgen in den Kopf kommen.« Elmgreen & Dragset 

Ausstellungen: Malmö Konsthall 

10.3.–6.5.2007 | Teilnehmer an 

Skulptur Projekte Münster 2007, 

Eröffnung am 16.6.2007 | Denkmal 

für die im Nationalsozialismus 

verfolgten Homosexuellen, Berlin, 

Fertigstellung Herbst 2007 

Prada Marfa, 2005 

Elmgreen & Dragset 

This Is the First Day of My Life 

Englisch 




Ca. € 45,– [D], CHF 71,– 

ISBN 978-3-7757-2050-2 


52 

Herbert Brandl 

La Biennale di Venezia 2007 

Hrsg. Robert Fleck, Texte von 

Robert Fleck, Philipp Kaiser 



26,5 x 29,5 cm, Leinen 

Ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-1997-1 




Herbert Brandl (*1959), der durch 

Einzelausstellungen in großen 

Häusern und Beteiligungen an 

wichtigen Gruppenausstellungen 

wie der documenta IX in Kassel 

weltweites Renommee genießt, 

vertritt Österreich bei der 52. Biennale 

in Venedig. 

Brandl schafft seit über 20 Jahren 

ein malerisches Werk von internationaler 

Dimension, das in besonderem 

Maße die Möglichkeiten der 

Farbe auslotet. Seine Malerei stellt 

dabei eine der wenigen Positionen 

aktueller Malerei dar, die sowohl 


»Gerade zum Zeitpunkt einer breiten Wiederentdeckung der 

Malerei . . . scheint es überfällig, diese herausragende Position 

heutiger Malerei im besonderen Rahmen der Biennale von 

Venedig vorzustellen.« Robert Fleck 

im figurativen Bereich wie auch in 

der Abstraktion bedeutende Beiträge 

zur gegenwärtigen Malereidiskussion 

leistet. 

Die Publikation dokumentiert 

Herbert Brandls Beitrag für den 

österreichischen Pavillon mit 

instruktiven Textbeiträgen vom 

diesjährigen Biennale-Kommissär 

Robert Fleck und von Philipp Kaiser 

sowie Abbildungen aller ausgestellten 

Werke. Darüber hinaus 

bietet sie einen Überblick über die 

jüngste Schaffensphase Brandls 

der Jahre 2005 bis 2007. 

Ausstellung: Biennale Venedig, 

Österreichischer Pavillon 

10.6.–21.11.2007


53 

»Matthias Weischer ist nicht nur der beste, sondern auch einer 

der teuersten unter den jungen Künstlern des Ostens.« FAZ 

Die Gemälde, mit denen Matthias 

Weischer (*1973 in Elte) internationale 

Anerkennung fand, zeigen 

Interieurs – karge Innenräume. 

Dekorative Elemente und verschobene 

Perspektiven konstituieren 

darin eine verwirrende Raumwirkung, 

welche die Wahrnehmung 

des Betrachters auf die Probe 

stellt. Das skizzenhaft und spontan 

wirkende zeichnerische Werk von 

Matthias Weischer stellt daneben 

einen zweiten, formal sehr eigenständigen 

Werkstrang dar. Dennoch 

durchdringen sich beide 

Ausstellung: NBK Neuer Berliner 

Kunstverein 9.11.–23.12.2007 

Gattungen bisweilen. So greifen 

seine Zeichnungen Ideen auf, die 

in der Malerei bereits umgesetzt 

wurden, oder es tauchen Andeutungen 

von Bildelementen auf, 

die später Eingang in die Malerei 

finden. 

Die erste Publikation zu Weischers 

Zeichnungen erscheint im großzügigen 

Foliantenformat, lehnt 

zudem seine Bilddramaturgie an 

eine lose Skizzensammlung an 

und trägt somit den besonderen 

Charakter eines Künstlerbuchs. 

Matthias Weischer 

Zeichnungen 

Hrsg. Galerie EIGEN+ART, 

Text von Wolfgang Holler 



33 x 46 cm, Halbleinen 

Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2042-7 


54 

Katarzyna Kozyra 

In Art Dreams Come True 

Hrsg. BWA Wroclaw – Galerie Sztuki 

Wspólczesnej, Breslau, Texte von 

Harald Ficke, Dorothea Olkowski, 

Marek Puchala, Hanna Wróblewska 

Englisch/Polnisch 




ca. € 30,– [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-2011-3 


Il Castrato, 2006 

Katarzyna Kozyra (*1963 in Warschau) 

wurde dem internationalen 

Kunstpublikum mit ihrem Video 

Men’s Bathhouse bekannt, das 

unter anderem ihr Eindringen 

in eine Männerumkleidekabine 

dokumentierte. Diese Intervention 

brachte ihr 1999 eine lobende 

Erwähnung der Preisjury der 

Biennale von Venedig ein. Seit 

2003 arbeitet Kozyra am Projekt 


In Art Dreams Come True, einer 

Reihe von Performances, theaterhaften 

Produktionen, Happenings 

mit Publikumsbeteiligung und 

Filmen. Kozyra fungiert dabei als 

Regisseurin, Hauptdarstellerin 

und »Rohmaterial« für die beiden 

Meister, die ihr dabei helfen, in 

diverse Rollen zu schlüpfen: Gloria 

Viagra, ein Berliner Transvestit und 

für die Künstlerin die Verkörperung 


»Ich bin wahrscheinlich einer dieser Menschen, die sich fast 

nicht erreichbare Ziele setzen müssen.« Katarzyna Kozyra 

»wahrer Weiblichkeit«, und der 

Stimmtrainer Grzegorz Pitulej, 

genannt Maestro, entführen 

Kozyra in von Künstlichkeit, 

Konventionen und Posen erfüllte 

Welten: zentrale Züge aller künstlerischer 

Verkörperungen von 

Kozyra als Operndiva, Tunte, 

Cheerleader, Offenbachs Olympia, 

Schneewittchen und viele andere 

mehr. 

Ausstellungen: Galéria Jána 

Koniarka, Trnava 10.5.–20.6.2007 | 

Ludwig Múzeum Budapest – 

Kortárs Mûvészeti Múzeum, 

Budapest 21.9.–28.10.2007 | Und 

weitere Stationen


55 

»Sie wissen, was zu tun ist. Danke.« Titel einer Ausstellung Tokarskis 

Die Arbeiten von Wawrzyniec 

Tokarski (*1968 in Danzig) entziehen 

sich einer einfachen Deutung. 

Sie enthalten konsumkritische und 

kulturskeptische Tendenzen, 

beschäftigen sich mit der zunehmenden 

Umweltzerstörung. 

Neben zeichenhafte Bildformeln 

wie Wappentiere, Werbemotive 

oder Firmenlogos setzt Tokarski 

gleichberechtigt Textelemente. 

In seinen Gemälden zeichnet er 

mit großer Strenge und Unnachgiebigkeit 

auf, was uns umgibt, 

und kritisiert die Oberflächlichkeit 

der medialen Welt. Der Hirsch auf 

der Müllhalde in seinem emblematischen 

Bild The Most Dangerous of 

Worlds von 2005 steht schweigend 

für Verlorenes und für die Suche 

nach den Resten einer essenziellen 

Ursprünglichkeit. Der sarkastischskeptische 

Grundton von Tokarskis 

politischen Bildbotschaften verweist 

darauf, dass er gegen alle 

Vernunft, fast trotzig versucht, 

dem abgebrühten, durch Medienbilder 

abgestumpften Betrachter 

eine Reaktion zu entlocken, ihn 

vielleicht zum Widerstand zu 

bewegen. 

Ausstellung: Saarlandmuseum 

Saarbrücken, Moderne Galerie 

19.5.–15.7.2007 Too Big to Handle, 2004 

Wawrzyniec Tokarski 

Hrsg. Ralph Melcher, Texte von 

Christoph Blase, Ralph Melcher, 

Cay Sophie Rebinowitz, 

Christian Rattemeyer 

Deutsch/Englisch/Französisch 




ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2000-7 


56 

Mark Manders 

Hrsg. Kunstverein Hannover, 

Texte von Stephan Berg u. a. 

Deutsch/Englisch/Niederländisch 

Ca. 336 S., ca. 300 Abb., 




ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2031-1 


Silent Factory, 2000 


»Mein Werk ist eine Hymne auf das fiktionale Denken, 

das So-tun-als-ob.« Mark Manders 

Seit Ende der 1980er-Jahre entwickelt 

der holländische Künstler 

Mark Manders (*1968 in Volkel) 

installativ-skulpturale Arbeiten, die 

als Fragmente eines Selbstporträts 

in Form imaginärer Räume angelegt 

sind und mit denen er eine 

der profiliertesten und eigenständigsten 

Positionen innerhalb der 

internationalen Skulptur erarbeitet 

hat. Ausgehend von der bereits 

1986 entstandenen, modellhaftparadigmatischen 

Arbeit Self- 

Portrait as a Building, ist sein gesamtes 

Werk als groß angelegter 

Versuch zu begreifen, die eigene 

Ausstellungen: Kunstverein 

Hannover 13.10.2007–25.11.2007 | 

Im Anschluss Kunsthaus Zürich 

und S.M.A.K. Stedelijk Museum 

voor Actuele Kunst, Gent 

Existenz in wortlose, assoziative 

Erinnerungsräume zu übersetzen. 

Der Entwurf des Ichs als Architektur 

führt zu einer künstlerischen 

Praxis, die Skulptur als räumliche 

Materialisierung abstrakter und 

ganz persönlicher Gedanken, 

Empfindungen und Emotionen 

begreift. Wie surreale dreidimensionale 

Bilder gruppieren sich 

Schornsteine, gemauerte Wände, 

übergroße modellierte Ratten, 

Tische, Stühle, Zeitungen und eine 

Fülle kleiner persönlicher Gegenstände 

zu zeitenthobenen »Stillleben 

mit gebrochenen Momenten«. 

www.hatjecantz.de


57 

»Bei meiner Arbeit steht das Bild im Mittelpunkt. Ich verweile bei der 

zweidimensionalen Fläche und ihrer deutlichen Fiktion.« Sophie Tottie 

Die verschlüsselt erscheinenden, 

letztlich gegenstandslosen 

Arbeiten von Sophie Tottie (*1964 

in Stockholm) entziehen sich einer 

klaren Deutung. Die Künstlerin 

arbeitet in verschiedenen Medien – 

Malerei, Fotografie, Installation, 

Video – und präsentiert ihre 

Arbeiten in jedem Ausstellungskonzept 

in anderen Kombinationen 

oder Varianten. Tottie verarbeitet 

Flaggen, Schrift, Symbole und 

andere abstrakten Zeichen und 

versieht ihre Werke mit vielschichtigen 

Titeln, die ein weites Feld an 

kulturhistorischen Konnotationen 

Ausstellung: Liljevalchs konsthall, 

Stockholm 14.4.–27.5.2007 

eröffnen, eine eindeutige Lesart 

jedoch verunmöglichen. So hält 

sie den Betrachter bewusst auf 

der materiellen und malerischen 

Oberfläche, betont den Farbauftrag 

oder grafische Muster 

und versucht, die Interpretation, 

also die linguistische Verschiebung 

weg von der Malerei, aus 

der spontanen Rezeption ihrer 

Kunst herauszuhalten. L’art pour 

l’art im besten Sinne, führt Tottie 

ihr Werk als eine Art Bühnenstück 

vor, dessen Präsenz und 

Momenthaftigkeit mit allen 

Sinnen erlebt werden will. 

Sophie Tottie 

Fiction Is No Joke 

Hrsg. Niclas Östlind, Louise 

Fogelström, Vorwort von Bo Nilsson, 

Texte von Stefan Jonsson, Jessica 

Morgan, Niclas Östlind/Sophie 

Tottie, Margaretha Rossholm 

Lagerlöf, Sophie Tottie 




€ 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-1999-5 

Lieferbar 



der Künstlerin 

Sophie Tottie 

Single Needle, 2007 

Nähgarn und Pigmenttinte 

auf Papier, 





€ 600,– 


58 

Fides Becker 

Die Sehnsucht nach anderswo 

Hrsg. Nils Ohlsen im Auftrag der 

Stiftung Henri und Eske Nannen 

und Schenkung Otto van de Loo, 

Vorwort von Nils Ohlsen, 

Text von Sabine Schlenker 

Fides Becker (*1962 in Worms) 

entführt uns in ihren neuesten 

Bildern in eine Traumwelt, in der 

Prinzessinnen in Lustschlössern 

und lichten Parkauen zu wandeln 

scheinen. Mit kunsthistorischer 

Kennerschaft und meisterhafter 

Technik versteht es die Künstlerin, 

ihre Scheinrealitäten zu konstruieren. 

Doch bleibt es nicht beim 

Illusionismus einer vordergründigen 

Zauberwelt. Die wie zufällig 

entstandenen Szenerien erweisen 

sich bei genauem Hinsehen als 

Robe 1, 2005 

Ausstellung: Kunsthalle in Emden 

21.4.–29.7.2007 





€ 29,80 [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-1968-1 

Lieferbar 

sorgfältig komponierte Arrangements, 

und formal bricht Fides 

Becker den bestechenden Realismus 

ihrer Werke, indem sie 

bedruckte Stoffe an bemalte Leinwand 

stoßen und Nähmaschinennähte 

den Raum durchlaufen 

lässt. 

Das vorliegende Buch gibt einen 

prägnanten Überblick über ihre 

neue Schaffensphase – ein 

Großteil der Arbeiten wird erstmals 

veröffentlicht und kommt 

direkt aus dem Atelier. 

Zeitgenössische Kunst www.hatjecantz.de 

Jan Peter Tripp 

Lappland 

Text von Jan Peter Tripp, 

mit Briefen von Elger Esser, 

Isabelle Freyburger, Johannes 

Grützke, Anton Hunger, 

Sibylle Lewitscharoff, Andreas 

J. Meyer 

Der deutsche Künstler Jan Peter 

Tripp ist bisher vor allem mit seinen 

fotorealistischen Gemälden 

und Buchillustrationen hervorgetreten, 

so wurde W. G. Sebalds 

letzte, posthume Veröffentlichung, 

die Prosa-Miniaturen Unerzählt, 

von Radierungen seines langjährigen 

Künstlerfreundes Tripp 

begleitet. 

Der vorliegende Band stellt einen 

weiteren Aspekt von Jan Peter 

Tripps künstlerischem Werk vor: 

Während des Entstehungsprozesses 

seiner realistischen Bilder 

benutzt Tripp ständig einen 

Leinenlappen zum Abwischen der 

Osterspaziergang, o. J. 

Deutsch 


21 x 29,7 cm, gebunden 

€ 24,80 [D], CHF 42,– 

ISBN 978-3-7757-2027-4 

Lieferbar 

Pinsel. Dabei setzt er unkontrolliert 

und in einer Art malerischer 

»écriture automatique« Spuren 

auf das Leinwandstück. Am Ende 

zeigen diese Lappen All-over- 

Strukturen und lassen sich durch 

ihre spezifische Farbigkeit meist 

auch der Arbeit zuordnen, bei der 

sie eingesetzt wurden. In dem 

Band Lappland kombiniert Tripp 

diese »Malerlappen« mit den 

dazugehörigen Gemälden: Das 

Ergebnis ist eine charmante und 

dynamische Bilderfolge, in der sich 

Chaos und Präzision auf spannende 

Weise ergänzen.


59 

Obwohl Susanne Kühn (*1969 in 

Leipzig) zeitgleich mit den heute 

gefeierten Protagonisten der 

Neuen Leipziger Schule an der 

Hochschule für Grafik und Buchkunst 

studiert hat, ist ihr Werk bisher 

weniger bekannt. Dies mag 

auch darin begründet liegen, dass 

die Künstlerin unmittelbar nach 

ihrem Studienabschluss sieben 

Jahre lang in den USA gelebt und 

gearbeitet hat. 

Kühns Arbeiten beziehen sich 

sichtbar auf die deutsche Romantik, 

etwa auf die symbolisch aufgeladenen 

Naturvisionen von Joseph 

Anton Koch oder Caspar David 

Friedrich. Die auf den ersten Blick 

altmeisterlich-naturalistisch wirkenden 

Gebirge, Wälder, Schluchten 

und vom Mond beleuchteten 

Schauerlandschaften werden 

jedoch so virtuos mit Elementen 

aus anderen geschichtlichen und 

kulturellen Zusammenhängen – 

aus Comic und Fantasy, japanischen 

Holzschnitten oder DDR- 

Grafikdesign – kombiniert, dass die 

Bilder völlig zeitgenössisch wirken. 

Diese erste umfangreiche Publikation 

mit einem Interview mit 

der Künstlerin bietet eine Tour 

d’Horizon durch das dichte, fantastische 

Werk Susanne Kühns von 

2000 bis heute. 

Erste Publikation zu einer noch weniger bekannten Vertreterin der Neuen 

Leipziger Schule – ein Muss für alle Fans der weltweit erfolgreichen, jungen 

Malerei aus Deutschland. 

Ausstellungen: Kunstverein Freiburg 

14.9.–11.11.2007 | Museum of 

Contemporary Art, Denver Sommer 

2008 | Weitere Stationen in Planung 

Bamboo Garden, 2006 

Susanne Kühn 

Hrsg. Kunstverein Freiburg, 

Interview mit der Künstlerin 

von Felicity Lunn 






ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2018-2 


60 

Christine Hill 

Minutes 

Hrsg. Galerie EIGEN+ART, 

Texte von Christine Hill, 

Shelley Jackson, Rick Moody 

Die amerikanische Künstlerin 

Christine Hill (*1968 in Binghampton) 

lebt und arbeitet seit 1992 

abwechselnd in New York und 

Berlin. Für 2007 ist Christine Hill 

zur Teilnahme an der Venedig 

Biennale eingeladen worden. Sie 

präsentiert im Arsenale ihre für 

die Biennale konzipierte Installation 

Minutes, die mit Ideen zum 

Verlauf und der Ansammlung von 

Zeit spielt. 

Das gleichnamige, ungewöhnlich 

gestaltete Künstlerbuch ist ganz 

Ausstellung: Biennale Venedig 

10.6.–21.11.2007 



13 x 21 cm, Kunstleder 

mit Lesebändchen 

Ca. € 20,– [D], CHF 34,– 

ISBN 978-3-7757-2044-1 


maßgeblicher Bestandteil der 

Arbeit. Er erinnert formal an den 

Moleskine-Terminkalender der 

Künstlerin, dabei dokumentiert er 

den zeitlichen Verlauf und Aktivitäten 

der Künstlerin seit der offiziellen 

Einladung zur Teilnahme 

an der Biennale. Neben Texten von 

Rick Moody, Shelley Jackson und 

Christine Hill selbst berücksichtigt 

das Layout Deadlines, Verabredungen 

zu Arbeitstreffen bis hin 

zu privaten Friseurterminen. 


Carlos Amorales 

Dark Mirror 

Hrsg. Daros-Latinamerica 

Collection, Hans-Michael Herzog, 

Katrin Steffen, Gespräch mit 

dem Künstler von Hans-Michael 

Herzog 

Carlos Amorales (*1970) ist einer 

der bedeutendsten mexikanischen 

Künstler der Gegenwart, der seine 

Werke bereits in zahlreichen internationalen 

Ausstellungen namhafter 

Institutionen und auf den 

Biennalen von Venedig und Berlin 

gezeigt hat. 

Zentral in Amorales’ künstlerischer 

Arbeit ist Liquid Archive: Hunderte 

verschiedener Formen – von 

Tieren, Menschen, Hybriden und 

vielem mehr – bilden den Fundus 

dieses elektronischen Archivs, das 

dem Künstler als unerschöpfliche 

Bildquelle dient. In immer neuen 

Variationen kombiniert Amorales 

From the Bad Sleep Well #06, 2004 

Ausstellung: Daros Exhibitions, 

Zürich 5.5.–2.9.2007 

Englisch/Spanisch 


21 x 26 cm, Leinen 

Ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2046-5 


die Elemente seines reichen ikonografischen 

Repertoires in so unterschiedlichen 

Medien wie Animationen, 

Papierarbeiten und 

Gemälden. Er schafft dabei mit 

zeitgenössischen Mitteln archetypische 

Bilder, die sich – voll 

bedrohlicher Schönheit – dem 

Gedächtnis des Betrachters tief 

einprägen. 

Dark Mirror ist eine umfassende 

Publikation zum aktuellen Werkkomplex 

des Künstlers, die ein ausführliches 

Gespräch, geführt von 

Hans-Michael Herzog, dem Leiter 

der Daros-Latinamerica Collection, 

enthält.


61 

Felix Gonzalez-Torres 

Hrsg. The Solomon R. Guggenheim 

Foundation, New York, Text von 

Nancy Spector, gestaltet von 

Takaaki Matsumoto/Matsumoto 

Incorporated NY 

Liebe und Erinnerung, Zeit und 

Veränderung, Tod und Verlust – 

wie kaum ein zweiter Künstler seiner 

Generation verknüpfte Felix 

Gonzalez-Torres, der bereits mit 

38 Jahren verstarb, privateste 

Erfahrungen mit gesellschaftlichen, 

politischen Inhalten und 

übersetzte sie mit den reduzierten 

Formen von Minimal Art und 

Konzeptkunst in eine elementare 

Bildsprache. Der amerikanische 

Künstler (1957–1996) verweigerte 

in seinen Arbeiten den traditionellen 

Charakter von Kunst als Werk: 

Bei seinen berühmten candy spills 

etwa dürfen die aufgeschütteten 

Bonbons vom Betrachter konsu- 

Untitled (Portrait of Ross in L.A.), 1991 

Englisch 


16 x 23,6 cm, Leinen 

€ 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-1998-8 

Lieferbar 

Vertrieb nicht in den 

USA und Kanada 

miert werden – die Arbeit, letztlich 

eine Metapher für die menschliche 

Vergänglichkeit, löst sich 

allmählich auf. 

Wir freuen uns, Ihnen die vielgesuchte 

Begleitpublikation zur 

großen Einzelausstellung des 

Künstlers im New Yorker Guggenheim 

Museum 1995 in unveränderter 

Nachauflage wieder anbieten 

zu können. Nancy Spector 

skizziert die künstlerische Karriere 

von Felix Gonzalez-Torres, betrachtet 

sein Werk im Kontext der 

Kunstproduktion der 1980er-Jahre 

und widmet sich in Einzelkapiteln 

den zentralen Themen seines 

Schaffens. 

Felix Gonzalez-Torres 

America 

Hrsg. Nancy Spector, Solomon R. 

Guggenheim Museum, New York, 

Text von Nancy Spector, Gespräch 

zwischen Amada Cruz, Susanne 

Ghez, Ann Goldstein 

Der US-amerikanische Pavillon auf 

der diesjährigen Biennale Venedig 

ist Felix Gonzalez-Torres (1957– 

1996) gewidmet. Das vorliegende 

Begleitbuch dokumentiert die für 

die 52. Kunstbiennale ausgewählten 

Werke des amerikanischen 

Künstlers kubanischer Herkunft – 

darunter auch eine Arbeit, die 

bisher nicht realisiert wurde. 

Biennale-Kommissärin Nancy 

Untitled (America), 1994, Installationsansicht Girlfriend 

in a Coma, Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 1996 

Ausstellung: Biennale Venedig, 

US-amerikanischer Pavillon 

10.6.–21.11.2007 

Englisch 



Ca. € 19,80 [D], CHF 33,– 

ISBN 978-3-7757-2060-1 


Vertrieb nicht in den 

USA und Kanada 

Spector, Chefkuratorin am Solomon 

R. Guggenheim Museum in New 

York, gibt in einem einführenden 

Essay einen Überblick über das 

Werk von Felix Gonzalez-Torres. 

Die Kuratorinnen Amada Cruz, 

Susanne Ghez und Ann Goldstein 

diskutieren rückblickend in einem 

Gespräch über ihren Vorschlag, 

den Künstler für die Biennale di 

Venezia 1995 zu nominieren.

62 

Bernhard Leitner 

.P.U.L.S.E. 

Hrsg. ZKM, Karlsruhe, 

Texte von Boris Groys, 

Bernhard Leitner 

»Ton-Räume sind nicht einfach 

Räume, in denen Töne oder Klänge 

zu hören sind, vielmehr erzeugen 

Töne und Klänge erst den Raum 

und schaffen dessen besondere 

Eigenschaften. Hörerlebnisse 

können nicht nur eine besondere 

Erfahrung des äußeren, umgebenden 

Raumes ermöglichen, sie 

können auch den Körperraum 

als ›inneren‹ Raum erfahrbar 

machen. Bernhard Leitners Werk 

führt zu Qualitäten des Klanges 

(von Raum), die im Strom der 

Reize verborgen bleiben und es 

zeigt Möglichkeiten sinnlicher 

Kaskade, 2006 

Ausstellung: Hamburger Bahnhof – 

Museum für Gegenwart, Berlin 

Frühjahr 2008 


Ca. 256 S., ca. 170 Abb., 


29 x 26 cm, gebunden, mit DVD 

Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2047-2 


Erfahrung, die kaum bewusst sind, 

weil sie verloren wurden oder weil 

sie schon als Möglichkeiten unbekannt 

geblieben sind.« (Cathrin 

Pichler) 

Bernhard Leitner (*1938) gilt als 

Pionier und zählt heute zu den 

international profiliertesten 

Künstlern auf diesem neuen 

Gebiet der zeitbasierten bildenden 

Kunst. .P.U.L.S.E. dokumentiert 

seine Skulpturen, Architekturen 

und Installationen der letzten 

zehn Jahre. Eine beigelegte DVD 

umspannt den Zeitraum von 

1972 bis heute. 


Phoebe Washburn 

Regulated Fool’s Milk Meadow 

Hrsg. Deutsche Guggenheim, 

Berlin, Texte von Jan Avgikos, 

Ben Hamper, Interview mit der 

Künstlerin von Joan Young 

Phoebe Washburn (*1973) hat 

sich mit ihren ins Gigantische 

wuchernden Skulpturen aus 

scheinbar wertlosen Materialien 

ihren ganz eigenen Platz in der 

Kunstszene erobert. Die in New 

York lebende Künstlerin fügt 

unzählige Pappkartons oder 

Tausende von Holzstücken und 

Spanplatten zu riesigen Installationen, 

in die sie mitunter lebende 

Pflanzen und ein sie ernährendes 

System aus Erde, Planen und 

Röhrchen einfügt. Angesichts der 

Verwendung von Abfallmaterialien 

wird Washburns Werk oft 

als politisches Statement, als 

Phoebe Washburns Atelier, Brooklyn, New York, während 

der Entwicklung von Regulated Fool’s Milk Meadow, 2007 

Ausstellung: Deutsche Guggenheim, 

Berlin 14.7.–7.10.2007 

Deutsch 




€ 28,50 [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-2059-5 


Reflexion unserer Überflussgesellschaft 

interpretiert, doch ist sie 

vielmehr an der Gestaltung vitaler, 

dynamischer Strukturen interessiert. 

Der Band dokumentiert eine 

Auftragsarbeit für das Deutsche 

Guggenheim in Berlin – eine Art 

»Pflanzenfabrik«, so die Künstlerin 

selbst, in die sie mit einem Förderband 

erstmals auch Mechanik 

integrierte. Der künstlerische 

Werdegang Phoebe Washburns 

und der Entwurfsprozess der 

Berliner Installation werden ausführlich 

beleuchtet.


63 

Ulrike Flaig 

Von Zeitentzerrzonen 

und Nacht-U-Boten 

Hrsg. Andreas Baur, Villa Merkel, 

Galerien der Stadt Esslingen a. N., 

Texte von Andreas Baur, Anja 

Osswald, Renate Puvogel u. a., 

Interview mit der Künstlerin von 

Cornelia und Holger Lund 

Die in Berlin lebende Künstlerin 

Ulrike Flaig (*1962) stellt in ihrer 

Publikation neueste Arbeiten in 

einen spannungsreichen Dialog 

mit älteren Werken unterschiedlichster 

Medien, die alle Aspekte 

von Zeit, Rhythmus und Identität 

thematisieren. So stehen sich 

»schnelle« und »langsame« Skulpturen, 

Video-Live-Produktionen mit 

Musikern, Fotografien, Notationen, 

kleine Objekte und raumgreifende 

Installationen gegenüber. Lustvoll 

und ironisch durchdringen sich in 

ihnen alltägliche Erfahrungen und 

hoch artifizielle Symbolwelten, 

Erinnerung, 2001 





Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2061-8 


Spiegelungen werden gegen reale 

Bilder ausgespielt. Es geht um 

schillernde Erscheinungsformen 

spannungsgeladener Übergänge, 

die – »Boten des Unterbewusstseins« 

gleich – zwischen polaren 

Dingen und Zuständen kreisen. 

Diese nächtlichen Boten verwandeln 

alles, durchdringen alles, 

wie Assoziationsmaschinen, und 

entzerren die Zeit in ihrer Wahrnehmung. 

Das Buch enthält 

eigens hierfür entwickelte Werke 

und wird so selbst ein Teil der 

künstlerischen Aussage. 

Between Two Deaths 

Hrsg. Ellen Blumenstein, Felix 

Ensslin, ZKM, Texte von Sonia 

Arribas/Howard Rouse, Ellen 

Blumenstein, Alain Ehrenberg, 

Felix Ensslin, Dan Graham/Robin 

Hurst, Mika Hannula, Eva Illouz, 

Doreet LeVitte Harten, John Miller, 

Laurence Rickels, André Rottmann, 

Slavoy Zˇizˇek 

Between Two Deaths zeigt künstlerisch-kritische 

Reflexionen des 

politischen, gesellschaftlichen, 

sozialen und kulturellen Trends zur 

Melancholie und Angst. Seine Auswirkungen 

sind allerorts zu spüren: 

konservative Kulturdebatten, 

Unsicherheit oder Lethargie greifen 

um sich. In der aktuellen Kunst 

ist dieser Trend hinter Schlagworten 

wie Neue Romantik, Angst, 

das Gespenstische oder Neo-Goth 

ablesbar. 

Die Publikation mit Essays von 

Philosophen, Psychoanalytikern, 

Doppelseite aus dem Buch 

Ausstellung: ZKM, Karlsruhe 

12.5.–19.8.2007 

Englisch 

Ca. 328 S., ca. 120 farbige Tafeln, 

21,3 x 26,9 cm, gebunden 

Ca. € 29,80 [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-2003-8 


Kuratoren und Soziologen – etwa 

zur Frage der Melancholie oder 

des Melodramatischen in der zeitgenössischen 

Kunst – verneint 

diese Diagnose nicht, aber sie 

zeigt Positionen, die nicht in einer 

affirmativen Haltung gegenüber 

der Situation verharren. Ein 

Appendix mit Texten zu den vorgestellten 

Arbeiten, Kurzbiografien 

und Bibliografien der Künstler 

ergänzen den Band.

64 

Ars Electronica 2007 

Goodbye Privacy 

Hrsg. Gerfried Stocker, 

Christine Schöpf 

Zu jeder Zeit und an jedem Ort 

können wir in telematische Aktion 

treten. Mithilfe unserer Avatare, 

Blogs und Tags nehmen wir digitale 

Gestalt an. Doch nicht bloß 

Technologie, Information und 

Kommunikation sind omnipräsent 

geworden, auch wir selbst sind 

allgegenwärtig, zu jeder Zeit an 

jedem beliebigen Ort aufspürbar, 

auf wenige Meter genau lokalisierbar 

durch die digitale Signatur 

unserer Handys, klassifizierbar 

durch die umfassenden Persönlichkeitsprofile, 

die wir nichts 

ahnend auf unseren digitalen 

Ausflügen hinterlassen. 

Ars Electronica Festival, 

Linz 5.–11.9.2007 


Ca. 376 S., ca. 430 Abb., 



Ca. € 28,– [D], CHF 47,– 

ISBN 978-3-7757-2025-0 


Unter diesen Vorzeichen vollzieht 

sich eine weit reichende Neupositionierung 

und Neubewertung 

der politischen, kulturellen und 

wirtschaftlichen Bedeutung von 

Öffentlichkeit und Privatheit. 

Künstler, Theoretiker und erfahrene 

Netzwerk-Nomaden erörtern 

im Begleitband zum Ars Electronica 

Festival 2007 diese aktuellen 

Phänomene unserer Alltagskultur, 

die von den Angstszenarien vor 

einer perfekten Überwachung 

bis zur lustvollen Begeisterung 

an medialer Selbstdarstellung 

reichen. 


CyberArts 2007 

International Compendium 

Prix Ars Electronica 

Hrsg. Hannes Leopoldseder, 

Christine Schöpf, 

Gerfried Stocker 

Die Dokumentation des Prix Ars 

Electronica 2007: Das Buch stellt 

in reich bebilderter Form die 

ausgezeichneten Arbeiten in Beschreibungen 

und Texten der 

KünstlerInnen sowie Statements 

der Jurys vor. Die DVD präsentiert 

eine Auswahl preisgekrönter 

Beiträge, die CD bietet Hörproben 

zu den aktuellsten Trends der 

Digital-Musics-Szene. 

Seit seinem Gründungsjahr 1987 

stellt der Prix Ars Electronica als 

der weltweit höchst dotierte Preis 

für Cyberarts ein jährliches Trendbarometer 

der digitalen Künste 


Ca. 304 S., ca. 356 Abb., 


16,5 x 24,1 cm, Broschur, 

mit beigelegter DVD und CD 

Ca. € 48,50 [D], CHF 77,– 

ISBN 978-3-7757-2026-7 


dar und nimmt auch immer 

wieder eine Vorreiterrolle im 

Entdecken künstlerischer Innovationen 

ein. 40 internationale 

Experten bewerten tausende 

eingereichte Arbeiten in den 

Kategorien »Computer Animation/ 

Film/VFX«, »Digital Musics«, 

»Interactive Art«, »Hybrid Art«, 

»Digital Communities« und dem 

Jugendwettbewerb »u19 – freestyle 

computing«. Darüber hinaus 

werden der Media.Art.Research 

Award sowie das Kunst- und Technologiestipendium 

»[the next 

idea]« vergeben. 

Prix Ars Electronica und Ars Electronica 

Festival in Linz: die Trendbarometer der 

Medienkunst.


65 

ART&IDEA 

10 Years ART&IDEA 

Hrsg. Robert Punkenhofer, Texte von 

Ruben Gallo, Robert Punkenhofer, 

Francisco Reyes Palma, Santiago 

Sierra, Heidi Zuckerman u. a. 

ART&IDEA – der Name steht für 

innovative, grenzüberschreitende 

Kunstprojekte. Die Non-Profit- 

Organisation mit Büros in Wien, 

Mexiko-Stadt und New York wurde 

1995 von Robert Punkenhofer 

gegründet, 1997 stieß Haydée 

Rovirosa hinzu. Seither haben sie 

exklusive Ausstellungen von über 

140 Künstlern initiiert. Kooperationen 

mit renommierten Kunstinstitutionen 

und Publikationen 

gehören ebenso zum Programm 

wie Kunstprojekte im öffentlichen 

Raum. So entstand 2003 nach 

einer Idee von ART&IDEA die spektakuläre 

Murinsel von Vito Acconci 

Vito Acconci, Mur Island, Graz, 2003 

Englisch 



Ca. € 30,– [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-2001-4 


für die Kulturhauptstadt Graz, 

2005 konnte nicht nur der österreichische 

Auftritt bei der Expo in 

Aichi, Japan, sondern erstmals 

auch die Vienna Art Week organisiert 

werden. 

Mit einer geradezu enzyklopädischen 

Collage von Beiträgen – 

darunter eine Rückschau des 

Kunstkritikers Francisco Reyes 

Palma, Statements von Künstlern 

und Kuratoren, eine Dokumentation 

der Ausstellungen und 

Projekte – bietet der Band einen 

Überblick über die Aktivitäten von 

ART&IDEA in den vergangenen 

zehn Jahren. 

Ökomedien 

Hrsg. Sabine Himmelsbach, 

Texte von Sabine Himmelsbach, 

Karin Ohlenschläger, Yvonne 

Volkart u. a. 

Das Projekt Ökomedien stellt 

grundlegende Überlegungen zu 

Ökosystemen, Nachhaltigkeit, 

erneuerbaren Energien, Zukunftsvisionen 

und der Frage an, welche 

Rolle Kunst und neue Medien in 

diesem Zusammenhang spielen 

können, den Wissenschaft, Technik 

und Ökoaktivismus nicht leisten 

können. 

Seit die Zerstörung der Natur als 

Problem wahrgenommen wird, 

hat sich die Kunst eingemischt. 

In den letzten Jahren hat die Vorstellung 

von Ökologie als einem 

Kommunikationssystem an 




Ca. € 24,80 [D], CHF 42,– 

ISBN 978-3-7757-2048-9 


Gewicht gewonnen, in welchem 

Tiere, Menschen und Materie in 

einem unhierarchischen Austauschverhältnis 

stehen: Zu wessen 

Vor- und Nachteil wird nun 

dieses System zerstört? Was 

bedeutet das für die Involvierten? 

Wie kann den Interessen der 

Schwachen Nachdruck verliehen 

werden? Wie könnten Alternativen 

aussehen? Die Publikation Ökomedien 

stellt Projekte vor, die auf 

progressiven Vorstellungen von 

Ökologie und Nachhaltigkeit 

beruhen und dabei auch utopische 

Horizonte entwerfen. 

Siegrun Appelt, Ricardo Dominguez/ 

Diane Ludin, Peter Fend, Futurefarmers/ 

Free Soil, Christina Hemauer/Roman 

Keller, Infossil/supreme particles, Natalie 

Jeremijenko, Franz John, Christoph Keller, 

MVRDV, Dan Peterman, Andrea Polli, 

Transnational Temps und andere. 

Ausstellung: Edith-Ruß-Haus für 

Medienkunst, Oldenburg 

13.10.2007 – Januar 2008

66 

Freiraum und 

Funktionsraum 

Der Kunst- und Bau-Wettbewerb 

auf dem Areal des Inselspitals Bern 

Hrsg. Peter J. Schneemann, 

Andreas Fiedler, Texte von Wolfgang 

Brückle, Andreas Fiedler, Judith 

Hangartner, Thomas Huber, Rachel 

Mader, Peter J. Schneemann 

Renommierte internationale 

Künstlerinnen und Künstler nahmen 

2004 an dem mit 1,2 Millionen 

Schweizer Franken hoch 

dotierten Wettbewerb für die 

Gestaltung des Inselspital-Areals 

der Stadt Bern teil. Welche künstlerischen 

Positionen zwischen 

Freiraum und Funktionsraum werden 

heute in einem zeitgenössischen 

Kunst- und Bau-Projekt 

bezogen? 

Dieser spannenden Frage geht die 

vorliegende Dokumentation nach. 

Sie legt das Auswahlverfahren 

Modelle der Jurten, aufgenommen im Atelier von 

Thomas Huber, 2004 

Deutsch 



Ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-1977-3 


offen und beschreibt zehn ausgewählte 

Beiträge. Hierzu gehören 

das Siegerprojekt Jurten von 

Thomas Huber sowie unter anderem 

die Entwürfe von Alfredo Jaar, 

Harald Klingelhöller, Jorge Pardo, 

Karin Sander, Erik Steinbrecher 

oder George Steinmann. Thomas 

Huber stellt das künstlerische 

Konzept seines Projektes selbst 

vor. Die exemplarische Analyse der 

Rahmenbedingungen und 

Stationen des Wettbewerbs bieten 

Künstlern und Entscheidungsträgern 

wertvolle Einblicke. 


Art Basel Miami Beach 

6–9 Dec 2007 

Hrsg. Art Basel Englisch 

Ca. 652 S., ca. 520 Abb., 



Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-1915-5 

Dezember 2007 

Die Art Basel Miami Beach findet 

in diesem Jahr vom 6. bis 9. 

Dezember statt. Die Kunstmesse 

in Miami Beach, Florida, stellt das 

amerikanische Pendant zur weltweit 

bedeutendsten Kunstmesse 

dar, der Art Basel. 195 ausgewählte, 

führende Galerien aus Nordamerika, 

Lateinamerika, Europa, 

Südafrika und Asien zeigen Arbeiten 

von mehr als 2 000 Künstlern 

des 20. und 21. Jahrhunderts. 

Zusätzliche Sonderausstellungen 

Miami Beach Convention Center 

Art Basel Miami Beach 

6.–9.12.2007 

widmen sich jungen Talenten, 

neuen Galerien, Skulpturen im 

Außenraum, Video- und digitaler 

Kunst. 

Der Katalog der Art Basel Miami 

Beach 2007 ist mit mehr als 500 

Abbildungen ein Nachschlagewerk 

von bleibendem Wert und 

gewährt wertvollen Einblick in 

Kunstströmungen sowie den 

internationalen Kunstmarkt zu 

Beginn des 21. Jahrhunderts.


67 

10 Kunstpostkarten für nur € 7,95. 

Unvergleichlich und bestechend – 

eine vielgestaltige Auswahl an 

Landschaftsporträts aus unseren 

Publikationen der letzten Jahre. 

Das Set mit zehn Hochglanz- 

postkarten präsentiert meisterhafte 

Fotografien und Gemälde 

aus unterschiedlichsten Epochen 

und bietet für jeden Anlass das 

passende Motiv. 

Mit Arbeiten von: 



Vincent van Gogh 

Naoya Hatakeyama 

Walter Niedermayr 

Dennis Orel / Benjamin Tafel 

Michael Reisch 

Gerhard Richter 

Carl Rottmann 

David Schnell 

Landschaften 

10 Postkarten im Setumschlag 


14,8 x 10,5 cm 

€ 7,95 [D], CHF 13,– 

ISBN 978-3-7757-2009-0 


68 


Stripped Bare 

Der entblößte Körper 

in der zeitgenössischen Kunst 

und Fotografie 

Hrsg. Marianne Karabelnik, 

Texte von Marianne Karabelnik, 

Thomas Koerfer, Juri Steiner, 

Victor Tupitsyn 

Deutsch 




Sonderausgabe 

€ 29,95 [D], CHF 48,– 

(Früher € 49,80) 

ISBN 978-3-7757-1499-0 


Bettina Rheims, 15 septembre, Paris, aus der Serie 

Chambre close, vor 1992 


»Ein Bilderbuch, das alles versammelt, was in Kunst und 

Fotografie Rang und Namen hat.« Photonews 

Der nackte Körper ist eines der 

ältesten und faszinierendsten 

Motive in der bildenden Kunst. 

Während Künstler früherer 

Jahrhunderte bei der Darstellung 

des unbekleideten Körpers den 

Konventionen des Idealschönen 

verpflichtet waren, sprengten 

sie im 20. Jahrhundert mehr und 

mehr die traditionellen akademischen 

Posen. Aus klassischen 

Akten werden Nackte. Der lebensechte 

Körper wird in der zeitgenössischen 

Kunst zur Projektionsfläche 

der künstlerischen Gedanken: Mit 

seinen Bedürfnissen und Trieben 

rückt er schonungslos offen, bisweilen 

drastisch ins Bild, wird zur 

Chiffre für das Menschsein an sich. 


Mit einer breiten Auswahl von 

Werken herausragender Künstler 

und Fotografen widmet sich die 

preisreduzierte Sonderausgabe der 

Darstellung des nackten Körpers in 

der zeitgenössischen Kunst und 

Fotografie. Ein Rückblick auf das 

frühe 20. Jahrhundert zeigt, dass 

sich bereits Vertreter der Klassischen 

Moderne aus der Umklammerung 

durch ikonografische und 

akademische Traditionen befreiten. 

Aufschlussreiche Essays beleuchten 

die vielfältigen Aspekte des 

Themas im Spannungsfeld von 

Kunst und Voyeurismus. 

Ausstellung: C/O Berlin, 

Postfuhramt 28.9.–2.12.2007


69 

»Der exzellente Band zeigt 200 zu Ikonen gewordene Porträts.« Focus 

Sir Cecil Beaton (1904–1980) gilt 

als einer der bedeutendsten Gesellschaftsfotografen 

des 20. Jahrhunderts. 

Eleganz, Glamour, 

Charme und Noblesse kennzeichnen 

seine brillanten Porträts von 

weltbekannten Persönlichkeiten 

aus Kunst, Politik, Bühne und Film. 

Die faszinierende Sonderausgabe 

präsentiert eine grandiose Auswahl 

von über 200 Fotoarbeiten 

aus dem Lebenswerk des vielseitig 

begabten Hoffotografen, Designers 

und Schriftstellers. Im Laufe seiner 

einzigartigen, über ein halbes 

Jahrhundert umfassenden Karriere 

gelangen dem Briten mittlerweile 

zu Ikonen gewordene Aufnahmen 

von Marilyn Monroe, Marlene 

Dietrich, Coco Chanel, Marlon 

Brando, Greta Garbo, Audrey 

Hepburn, Maria Callas, Elizabeth 

Taylor, Grace Kelly, Ingrid Bergman, 

Sir Winston Churchill, Frank 

Sinatra, Pablo Picasso, David 

Hockney, Rudolf Nurejew, Mick 

Jagger, Twiggy und vielen anderen 

Stars. 

Mick Jagger, Marrakesch, 1967 


Cecil Beaton 

Porträts 

Hrsg. Terence Pepper, Vorwort 

von Sandy Nairne, Texte von 

Peter Conrad, Terence Pepper, 

Roy Strong 

Deutsch 


150 in Duplex, 



Sonderausgabe 

€ 19,95 [D], CHF 34,– 

(Früher € 39,80) 

ISBN 978-3-7757-1582-9 


70 

Czech Vision 

Avantgarde Photography in 

Czechoslovakia 

Hrsg. Howard Greenberg, 

Annette und Rudolf Kicken, 

Vorwort von Suzanne Pastor 

Englisch 




Ca. € 49,80 [D], CHF 79,– 

ISBN 978-3-7757-2030-4 


Kaum einem Bereich der Fotogeschichte 

ist bis heute so wenig 

Aufmerksamkeit gewidmet worden 

wie der tschechischen Fotografie 

zwischen dem Ende des Ersten 

Weltkrieges und dem Beginn der 

kommunistischen Herrschaft 1948. 

Dies ist umso erstaunlicher, da das 

Land eine Vielzahl fotografischer 

Gruppen und Künstler hervorbrachte, 

die die modernistische 

Fotografie 

Vision dieser Zeit in eine einzigartige 

Bildsprache umsetzten. 

Die großformatige Publikation versammelt 

rund 180 Hauptwerke 

von über 40 Fotografen der tschechischen 

Avantgarde. Neben 

großen Namen wie Frantisˇek 

Drtikol, Jaromír Funke, Jaroslav 

Rössler, Josef Sudek oder Anton 

Josef Trčka sind auch weniger 

bekannte Vertreter zu entdecken. 


Ein großzügig bebilderter Streifzug durch die Geschichte der 

tschechischen Avantgardefotografie – ein Leckerbissen für alle 

Liebhaber der Fotografie des frühen 20. Jahrhunderts. 

Ausstellungen: Howard 

Greenberg Gallery, New York | 

Galerie Kicken Berlin Eugen Wiskovsky, Lunar Landscape I 

(Collars I), 1929 

Rudolf Koppitz, Bewegungsstudie, 1925 

Zusammen mit Kurzbiografien 

aller vertretenen Fotografen ist 

Czech Vision nicht nur ein exklusives 

Bilderbuch, sondern auch ein 

informatives Überblicks- und 

Nachschlagewerk zur Geschichte 

der tschechischen Avantgardefotografie 

zwischen den Weltkriegen. 

Josef Sudek, Negative, 1950–1954


71 

»Solange der Auslöser klickt, ist alles, was man 

später machen kann, ohne jede Bedeutung.« 

Edward Steichen 

Edward Steichen (1879–1973) ist 

einer der einflussreichsten Namen 

der Fotografiegeschichte, seine 

künstlerischen Fotografien gehören 

zu den Klassikern des Mediums. 

Steichens Vielseitigkeit ist unerreicht, 

dennoch vermag sein Name 

bis heute Diskussionen auszulösen, 

weil Kritikern manche seine Bilder 

zu stilisiert oder zu kommerziell 

Ausstellungen: Jeu de Paume, Paris 

9.10.–30.12.2007 | Musée de l’Elysée, 

Lausanne 18.1.–30.3.2008 | Museo 

Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 

Madrid 24.6.–22.9.2008 

erscheinen. Die Genres der Porträt-, 

Akt-, Mode-, Landschafts-, Stadt-, 

Kriegs-, Werbe oder Stilllebenfotografie 

hätten sich jedoch ohne 

Steichens Experimentierfreude 

und das dramatische Flair seiner 

Bilder anders entwickelt. Selbst in 

seiner Jugend als Maler erfolgreich, 

machte Steichen zudem als 

Kurator einflussreicher Ausstel- 

lungen Picasso, Matisse oder Rodin 

in den USA bekannt, stellte 

Meisterwerke anderer Fotografen 

aus und erwies sich als begabter 

Typograf und Werbegrafiker. Die 

umfangreiche Publikation stellt 

mit Hunderten von Arbeiten alle 

Facetten seines unglaublich produktiven 

Schaffens vor. 

Gloria Swanson, 1924 

Edward Steichen 

Ein Leben für die Fotografie 

Hrsg. FEP Editions LLC, Einleitung 

von William A. Ewing, Texte von 

A. D. Coleman, Catherine Coleman, 

Ronald J. Gedrim, Patricia Johnston, 

Olivier Lugon, Pamela Roberts, 

Joanna T. Steichen 

Deutsch 




Ca. € 75,– [D], CHF 119,– 

ISBN 978-3-7757-2065-6 


72 

Arno Fischer 

Der Garten 

Hrsg. Leonhardi-Museum Dresden, 

Stiftung Moritzburg, Halle, 

Text von Thomas Martin, Gedicht 

von T. S. Eliot 



2 Klapptafeln, 

33,8 x 23,1 cm, Leinen 


€ 50,– [D], CHF 79,– 

ISBN 978-3-7757-2010-6 

Lieferbar 

Ausstellungen: Leonhardi-Museum 

Dresden 30.3.-17.6.2007 | Stiftung 

Moritzburg, Halle 20.7.–5.10.2008 

1978 erwarben die beiden Fotografen 

Arno Fischer (*1927 in 

Berlin) und Sibylle Bergemann ein 

Neubauernhaus in Margaretenhof, 

richteten es als Lebens- und 

Arbeitsort ein, legten Garten und 

Teich an und bauten Volieren für 

allerlei Vögel. Seither fotografiert 

Arno Fischer mit einer Polaroid- 

Fotografie 

kamera lakonisch Details und Stillleben 

in seinem Refugium. Dabei 

interessiert ihn der Verfremdungseffekt 

durch die Eigenartigkeit der 

Polaroids ebenso wie das sofortige 

Vorliegen eines unikaten Ergebnisses 

ohne weiteren Arbeitsprozess. 

Die Polaroids werden vom Künstler 

zu Triptychen arrangiert und 


gewinnen in dieser Anordnung 

eine Evidenz, die an Paul Klees 

Wort von der »Verwesentlichung 

des Zufälligen« denken lässt. Eine 

Auswahl dieser nun 30 Jahre 

währenden Arbeit wird hier erstmals 

in Buchform vorgelegt.


73 

Mit Kameras, die er sich aus Konservendosen, Brillengläsern, 

WC-Rollen und Zigarrenkisten bastelte, schoss Miroslav Tichy´ 

tagtäglich unbemerkt über 100 Bilder der Frauen seiner 

Heimatstadt – ein absolut originelles, unverfälschtes Œuvre. 

Was trieb Miroslav Tichy´ (*1926) 

an, Tag für Tag mit einfachen, 

meist selbst gebauten Kameras 

dem weiblichen Teil der Bevölkerung 

seiner tschechischen 

Heimatstadt nachzustellen? 

Warum gab er eine viel versprechende 

Karriere als Maler und 

Zeichner auf, um sich im frei 

gewählten sozialen und kulturellen 

Exil über drei Jahrzehnte 

immer wieder dem gleichen 

Thema zu widmen? Ist es der 

Versuch, den niederdrückenden 

Lebensverhältnissen etwas 

Stimulierendes entgegenzusetzen? 

Warum dann aber all die groben 

Abzüge der meist unscharfen, fehlbelichteten 

Aufnahmen? Warum 

bearbeitete der Fotograf einzelne 

Bilder aufwendig oder hob sie 

durch rahmenähnliche Konstruk- 

tionen aus der Masse heraus? 

Hat er in einigen Fotografien 

Hinweise auf eine Tiefe, auf einen 

Sinn in der Sinnlichkeit entdeckt? 

Es scheint, als ließe sich die wohltuende 

Ambivalenz der Fotografien 

nicht auflösen. Die Bilder geben 

das Geheimnis ihrer Attraktion 

nicht preis. 

Miroslav Tichy´ 

Hrsg. Andreas Bee, Udo Kittelmann, 

Texte von Andreas Bee, Udo 

Kittelmann 





Ca. € 29,80 [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-2015-1 


Ausstellung: MMK Museum für 

Moderne Kunst, Frankfurt/Main 

Herbst 2007

74 

Beatrice Minda 

Innenwelt 

Fotografien aus Rumänien 

und aus dem Exil 

Text von Ulrich Pohlmann, 

Essay von Richard Wagner 



27 x 24,5 cm, Leinen 


ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-1969-8 






Bucures¸ti, 2004 


Blattformat: 30,5 x 30,5 cm 




Ca. € 300,– 


Ausstellungen: Grassi, Museum 

für Völkerkunde, Leipzig 28.6. – 

September 2007 | Galerie Nei Liicht, 

Dudelange September – Oktober 

2007 | Fotomuseum im Münchner 

Stadtmuseum Oktober – Dezember 

2007 | VHS Galerie, Stuttgart 

Anfang 2008 

Fotografie 

Beatrice Minda (*1968 in München), 

ehemals Meisterschülerin bei 

Katharina Sieverding an der 

Berliner Hochschule der Künste, 

arbeitet seit 2003 an einer fotografischen 

Serie, die sich behutsam 

Fragen nach dem Verhältnis von 

Heimat, Exil und (kollektiver) 

Identität, von persönlicher und 

politischer Geschichte eines 

Landes widmet. Die Aufnahmen 

von Interieurs entstanden zunächst 

in Rumänien und spiegeln – 

so die Künstlerin selbst – die 

»Atmosphäre der Räume meiner 

Kindheit« wider. Weitere Fotografien 


»Räume sind immer an die Personen gebunden, die darin 

leben . . . Die Biografie ist stark mit den politischen 

Gegebenheiten im jeweiligen Land verknüpft. Die persönliche 

Geschichte spiegelt also die Geschichte des Landes wider.« 


stammen aus Paris, München und 

Berlin, die im 20. Jahrhundert 

bevorzugte Ziele rumänischer 

Migranten waren. In einem dritten 

Teil fotografierte Beatrice Minda 

Hütten rumänischer Wanderarbeiter 

in den Vororten von Paris, um 

auch hier auf ein liebevoll inszeniertes 

Stück Heimat zu stoßen. 

Der Band präsentiert erstmals die 

wundervolle Serie, begleitet von 

einem Text von Ulrich Pohlmann 

und einem literarischen Essay des 

deutsch-rumänischen Schriftstellers 

Richard Wagner.


75 

»... ein dickes Dankeschön nach Finnland.« DE:BUG 

Die Flugversuche des finnischen 

Fotografen Janne Lehtinen (*1970) 

mit den absonderlichsten, selbst 

gebauten Apparaturen ließen 

Menschen in aller Welt sich freuen 

und schmunzeln. Lehtinens ironische 

Anspielungen auf den alten 

Traum vom Fliegen erschienen 

2005 bei Hatje Cantz in Buchform 

und wurden prompt mit dem 

Deutschen Fotobuchpreis ausgezeichnet. 

In seinem neuen, autobiografischen 

Projekt führt uns Lehtinen 

nach Lehtiskylä – sein Heimatdorf 

im Süden Finnlands, in dem der 

Volksglaube besagt, dass allen 

Bewohnern ein trauriges Schicksal, 

ja etwas finster Unabwendbares 

vorherbestimmt ist. Die Pillenfläschchen 

des kranken Onkels, 

der Tote aus dem Fluss, das letzte 

Mahl des alten Pferdes Veikko, 

die verunglückten Schulkameraden 

...: Die Fotos und die beigefügten 

Erinnerungen Lehtinens 

versprechen – so der Künstler – 

keine bessere Zukunft, dennoch 

blitzt hinter dem »Fluch« von 

Lehtiskylä auch dessen Schönheit 

auf. Ein sehr persönliches, melancholisches 

Fotoalbum, das in 

stillen Bildern die Reise Lehtinens 

und seines Cousins in das Haus 

und zu den Stätten ihrer Kindheit 

zeigt. 

Janne Lehtinen 

The Descendants 

Vorwort von Jan Kaila, 

mit Texten der Familie Lehtinen 

Englisch 


29 x 23 cm, Kunstleder 

Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2052-6 






Revenge, 2004 





Ca. € 400,– 


76 

Kaveh Golestan 

Recording the Truth in Iran 

Hrsg. Hengameh Golestan, 

Malu Halasa, Texte von Masoud 

Behnoud, Jim Muir, Hojat 

Sepahvand 

Der iranische Fotograf Kaveh 

Golestan (*1950 in Abadan) war 

2003 im Auftrag der BBC im nördlichen 

Irak unterwegs, als er auf 

eine Landmine trat und getötet 

wurde. 

Golestan, der bereits vor der 

Islamischen Revolution im Iran im 

Jahr 1979 als Fotojournalist arbeitete, 

hat die Geschichte seines 

Landes so lange wie kein anderer 

mit der Kamera begleitet. Seine 

drastisch realistischen, sozialkritischen 

Bilder lösten im In- und 

Englisch 

Ca. 128 S., ca. 130 Abb., 



Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2045-8 


Ausland größte Aufmerksamkeit, 

häufig aber auch Irritationen aus. 

Für das Time Magazine berichtete 

er über den Krieg, die Revolution 

und die Besitzlosen im Iran – 

Arbeiter, Prostituierte oder psychisch 

Kranke. 

1979 erhielt Golestan den Pulitzer- 

Preis für seine Berichterstattung 

über die Islamische Revolution. 

Wegen des politischen Klimas 

im Land dauerte es jedoch noch 

13 Jahre, bis er ihn schließlich entgegennehmen 

konnte. 

Fotografie www.hatjecantz.de 

Cold Storage, Vancouver, 2007 

Jeff Wall 

Exposure 

Texte von Jennifer Blessing, 

Katrin Blum 

Jeff Wall (*1946) gilt als einer der 

angesehensten Künstler seiner 

Generation, viele seiner Bilder sind 

zu Ikonen der zeitgenössischen 

Fotografie geworden. 

Der Band dokumentiert eine 

Ausstellung Walls im Deutschen 

Guggenheim in Berlin: Mit den 

großformatigen Schwarzweißfotografien 

von trostlosen Gegenden 

und Menschen in schwierigen 

sozialen Verhältnissen bezieht sich 

der Künstler inhaltlich und formal 

auf die klassische Dokumentarfotografie 

und deren traditionelles 

Engagement für unterprivilegierte 

Schichten sowie auf den neorealis- 

Ausstellung: Deutsche Guggenheim, 

Berlin 20.10.2007–13.1.2008 

Deutsch 

Ca. 80 S., ca. 25 Abb., 


Ca. € 28,50 [D], CHF 48,– 

ISBN 978-3-7757-2068-7 


tischen Film. Die erstmals publizierte 

Gruppe von Silbergelatineabzügen 

wird ergänzt von thematisch 

verwandten, früheren 

Arbeiten. Sie alle belegen Jeff 

Walls Einsatz für brisante, der 

Kunst bis zu Beginn der Moderne 

unwürdig erscheinende Themen 

der Gegenwart wie Armut, Ausgrenzung, 

Gewalt und ökologische 

Belange – und verorten das Werk 

des Kanadiers in der Tradition des 

Realismus des 19. Jahrhunderts, 

den er durch zeitgenössische 

Ingredienzien meisterhaft weiterentwickelt. 

»Seine Bilder vereinen, was sich sonst 

auszuschließen scheint: Sie sind schön 

und klug, realistisch und verträumt, 

einfach und hochkomplex.« Die Zeit


77 

»Jeder sollte sich bewusst sein, 

dass es das in 20 Jahren nicht 

mehr gibt, dann kommen die Filme 

von der Festplatte«, prognostiziert 

der Filmvorführer Marc Knoll vom 

Odeon in Köln. »Die Multiplexe 

sind die Kaufhäuser, wir sind das 

Delikatessengeschäft«, erklärt 

Margarete Papenhoff vom Weltspiegel 

Kino Center in Mettmann, 

die bereits in dritter Generation 

Ausstellung: FotoMuseum, 

Antwerpen 17.5–24.6.2007 

ein Familienunternehmen führt 

und noch die goldene Zeit der 

Filmtheater erlebt hat. 

Diese und viele weitere Stimmen 

von Kinobeschäftigten begleiten in 

dem vorliegenden Buch Jean-Paul 

Deridders fotografische Dokumentation 

unserer fast schon vergangenen 

Kinokultur. Zwischen 

2002 und 2006 hat der belgische 

Fotokünstler (*1963) im Rheinland 

und in Belgien Kinos besucht und 

dabei Filmvorführer an ihren 

Projektoren und die oft traditionsreichen 

Kinosäle mit der Großbildkamera 

festgehalten. Ein stilles, 

nachdenkliches Fotobuch zur 

Geschichte des Kinos – von der 

Hoch-Zeit bis zum großen »Kinosterben«, 

das mit der Verbreitung 

des Fernsehens begann und bis 

heute andauert. 

Jean-Paul Deridder 

Cinema 

Hrsg. Thomas Zander, 

Texte von Martina Bicher, 


Deutsch/Englisch/Französisch 

Ca. 128 S., ca. 90 Abb., 

23 x 28 cm, Leinen mit 


Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2051-9 



mit Originalarbeiten 



Odeon, Köln, 2005 


Bildformat: 23,2 x 18,2 cm 

und 

Metropol, Bonn, 2005 



Barytabzug in Mappe, mit Buch 

Auflage: je Motiv 15, davon sind 

je 10 Exemplare bei Hatje Cantz 

erhältlich 


Je ca. € 380,– 


78 

Konzept: Fotografie 

Dialogues & Attitudes 

Hrsg. Luminita Sabau, Texte von 

Veronika Baksa-Soós, Hubert Beck, 

Wulf Herzogenrath, Luminita 

Sabau, József A. Tillmann 




Schutzumschlag (als Plakat im 

Format 95 x 57 cm konzipiert) 

€ 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-1987-2 

Lieferbar 

David Hockney, Roses for Mother, 4 Dec 1995, 1995 

Dialogues & Attitudes bildet den 

Auftakt der Reihe Konzept: Fotografie. 

In loser Reihe werden in 

Zusammenarbeit mit führenden 

internationalen Museen thematische 

Schwerpunkte herausgearbeitet, 

die den aktuellen Diskurs 

begleiten und immer neue Einblicke 

in die Weiterentwicklung 

der Kunstsammlung der DZ Bank 

Fotografie 

ermöglichen. Der Band Dialogues 

& Attitudes konzentriert sich auf 

Themen der Medienreflexion, 

Handlungskonzepte, Porträt und 

Selbstinszenierung. Mit Arbeiten 

von Matthew Barney, Christian 

Boltanski, Hanne Darboven, Tacita 

Dean, Robert Rauschenberg, Klaus 

Rinke, Cindy Sherman, Taryn Simon, 

William Wegman und vielen ande- 


ren sowie Essays von Luminita 

Sabau, Wulf Herzogenrath, Hubert 

Beck, Veronika Baksa-Soós, József A. 

Tillmann wird eine repräsentative 

Bandbreite aktueller Positionen 

untersucht. Ein Appendix mit 

Auswahlbio- und Bibliografien 

der Künstler und einer Liste der 

ausgestellten Arbeiten ergänzen 

den Textteil. 

»Rückblickend lässt sich vielleicht sagen, dass 

der langsame Übergang vom malerischen 

zum fotografischen Bild das eigentliche 

Kunstereignis dieses [20.] Jahrhunderts war.« 

Boris Groys 

Ausstellung: Museum Ludwig, 

Budapest 26.4.–10.6.2007 | 

Und weitere Stationen


79 

Die Deutsche Börse Group in 

Frankfurt konnte ihre Fotosammlung 

Art Collection Deutsche Börse 

an den Hauptsitzen in Deutschland 

und Luxemburg in den letzten 

Jahren um eine Vielzahl von großformatigen 

Werken vorwiegend 

jüngerer Künstler erweitern. 

Fotokünstler nutzen eine nie gekannte 

Vielfalt an Gestaltungs- 

Oben: Simon Roberts, Tiger Bedspread, 2005 

und Ausdrucksmöglichkeiten. Über 

einen reinen Sammlungsband 

hinausgehend, präsentiert so der 

repräsentativ und aufwendig ausgestattete, 

großformatige dritte 

Bildband der erfolgreichen Reihe, 

XL Photography 3, alle wesentlichen 

Positionen der Fotokunst der 

letzten zehn Jahre: Paul Almasy, 

Jessica Backhaus, Sibylle Berge- 

Rechts: Boris Mikhailov, Untitled 332 (streetcar 27), 1997/98–2000 

mann, Pietro Donzelli, Alberto 

Garcia-Alix, Seydou Keïta, Yoon 

Jean Lee, Boris Mikhailov, Simon 

Norfolk, Martin Parr, Simon 

Roberts, Ricarda Roggan, Wilhelm 

Schürmann, Alfred Seiland, Malick 

Sidibé, Alec Soth, Joel Sternfeld 

und viele andere. 

XL Photography 3 

Art Collection Deutsche Börse 

Hrsg. Deutsche Börse Group, Texte 

von Anne-Marie Beckmann u. a. 


Ca. 132 S., ca. 180 Abb., 


32 x 32 cm, Leinen mit 


Ca. € 49,80 [D], CHF 79,– 

ISBN 978-3-7757-1970-4 


80 

Friederike von Rauch 

Hrsg. Andres Lepik, Texte von 

Dorian Van der Brempt, Esther 

Gallodoro, Andres Lepik 




Ca. € 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-2039-7 






Berlin 7, 2002 

C-Print in Mappe, 

mit Buch 





€ 650,– 


Die in Berlin lebende Fotografin 

Friederike von Rauch (*1967) hat 

sich auf Architektur spezialisiert. 

Sie spürt besondere Orte und 

Bauten auf, die in ihren Aufnahmen 

fremd und vertraut zugleich wirken. 

Mit einer analogen Kamera 

und möglichst diffusem, natürlichem 

Licht schafft sie Bilder von 

geheimnisvoller Abstraktion. In 

Fotografie 

ihrer intensiven fotografischen 

Auseinandersetzung mit Architektur 

hat sie eine persönliche Bildsprache 

entwickelt, die auf jeden 

neuen Ort neu reagiert und doch 

zugleich immer ihre Sichtweise als 

das unverwechselbare Element 

beibehält. Das Vlaams-Nederlands 

Huis deBuren verlieh Friederike von 

Rauch in den Jahren 2006 und 


2007 ein Stipendium als »artist in 

residence« für die beiden Städte 

Brüssel und Rotterdam und entwickelte 

daraus ein Fotoprojekt, 

das als dritte Stadt auch Berlin 

einbezieht und an allen drei Orten 

ausgestellt wird. 

Ausstellung: Vlaams-Nederlands 

Huis deBuren, Brüssel 16.11.2007– 

11.1.2008 | Und weitere Stationen

www.hatjecantz.de Fotografie/Architektur 

81 

Seit 1997 fotografiert Hiroshi 

Sugimoto (*1948 in Tokio), bekannt 

für seine faszinierenden, mit 

extrem langen Belichtungszeiten 

aufgenommenen Fotografien von 

Wachsfiguren und leeren Kinosälen, 

auch Ikonen der Architektur 

des 20. Jahrhunderts. In diesen 

unscharfen und zeitlich nicht einzuordnenden 

Arbeiten erfasst er 

so verschiedene Gebäude wie das 

Empire State Building oder Le 

Corbusiers Nôtre Dame du Haut. 

Aus ungewöhnlichen Perspektiven 

aufgenommen, wollen seine Bilder 

nicht dokumentieren, sondern 

Atmosphäre evozieren. Sie entheben 

die berühmten Strukturen 

ihrem Umfeld und ermöglichen 

ihnen so eine entrückte neue Exis- 

Neuauflage des lange vergriffenen, gesuchten 

Bildbandes von Sugimoto mit den wichtigsten 

Architekturikonen des 20. Jahrhunderts. 

Ausstellungen: K 20, Düsseldorf 

4.7.2007–6.1.2008 | Museum der 

Moderne, Salzburg März – Juni 

2008 | Kunstmuseum Luzern 

Oktober 2008 – Januar 2009 

tenz als traumhafte, unbewohnte 

Ideale. Sugimoto hielt auf diese 

unnachahmliche Weise unter anderem 

Mies van der Rohes Seagram 

Building, Antonio Gaudís Casa 

Batlló II, das Chrysler Building, das 

World Trade Center sowie Häuser 

von Frank Gehry, Frank Lloyd 

Wright oder Philippe Starck in 

Euopa, den USA und Asien fest. 

Einstein Tower, 2000 

Hiroshi Sugimoto 

Architektur/Architecture 

Hrsg. Museum of Contemporary 

Art, Chicago, Vorwort von Robert 

Fitzpatrick, Texte von Francesco 

Bonami, Marco De Michelis, 

John Yau 


Ca. 168 S., ca. 68 Abb. in Triplex, 



Ca. € 58,– [D], CHF 92,– 

ISBN 978-3-7757-2056-4 


82 Design 

Ludovica + Roberto 

Palomba 

Bathrooms 

From Inspiration to Lifestyle 

Texte von Nasir Kassamali, 

Frank A. Reinhardt, Anna Yudina, 

Francesco Zurlo u. a. 


240 S., 347 Abb., 


€ 39,80 [D], CHF 63,– 

ISBN 978-3-7757-1996-4 

Lieferbar 

»Jedes Bad ist eine leibliche Wiedergeburt.« Demokrit 

Das mit zahlreichen Preisen ausgezeichnete 

Architekten- und 

Designerteam Ludovica + Roberto 

Palomba ist in der internationalen 

Szene für innovative, in der 

Recherche verwurzelte Produkte 

im Baddesign bekannt. Ihr origineller 

und persönlicher Ansatz basiert 

auf einer ganzheitlichen Designidee. 

Ludovica + Roberto Palomba 

gründeten 1994 Palomba Serafini 

Associati und sind in den Bereichen 

Architektur, Industriedesign, 

Ausstellungsdesign, Kommunika- 


tion und Marketingberatung tätig. 

Sie kümmern sich um die künstlerische 

Beratung verschiedener 

Unternehmen und entwickeln 

Design-Management-Projekte. Die 

vorliegende Publikation erzählt, wie 

Ludovica + Roberto Palomba ihre 

Projekte entwickeln, wie sie leben 

und wie sie mit den Unternehmen 

zusammenarbeiten. Auf eine 

intime und persönliche Art wird 

hier ihre Arbeit präsentiert: von der 

Inspiration bis hin zum Lifestyle.

www.hatjecantz.de Architektur 

83 

Erster Überblick über die australische Architektur 

der 1950er-Jahre bis heute. 

In Australien hat sich seit den 

1950er-Jahren eine eigenständige 

Form der Architektur der Moderne 

weiterentwickelt, eine facettenreiche 

Tradition und Transformation 

einer »fortschreitenden Moderne«. 

Der Band Australische Architektur. 

Wohnraum Moderne präsentiert 

diese kulturelle, orts- und klimaspezifische 

Architektur anhand 

ihrer Wohnbauten. 

Gebäude seit den 1950er-Jahren 

werden zunächst in einem Über- 

blick als Panorama dargestellt und 

beispielhaft beleuchtet. Der Fokus 

der Publikation richtet sich auf 

25 renommierte australische 

Architekten, die in den letzten 

15 Jahren Aspekte der Moderne 

angenommen, angewandt, transformiert, 

interpretiert oder überformt 

haben und deren herausragenden 

und frischen Bauten in 

Europa bisher weitgehend unbekannt 

sind. 

Charles Ryan McBride, Dome House, Hawthorn, Victoria, 2004 

Australische Architektur 

Wohnraum Moderne 

Hrsg. Claudia Perren, Kristien Ring, 

Texte von Richard Blythe, Philip 

Drew, Philip Goad, Gevorks 

Hartoonian, Tom Heneghan, 

Hannah Lewi, Claudia Perren, 

Kristien Ring, Peter Wilson u. a. 




Ca. € 35,– [D], CHF 55,– 

ISBN 978-3-7757-2004-5 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-2033-5 (Englisch) 


Ausstellung: Deutsches Architektur 

Zentrum, Berlin 12.9.–11.11.2007 | 

Und weitere Stationen

84 sonderausgaben 

Maria Sibylla Merian 

Künstlerin und Naturforscherin 

1647–1717 

Hrsg. Kurt Wettengl 

Deutsch 

276 S., 196 Abb., 

davon 79 farbig, 


€ 24,80 [D], CHF 45,– 

(Früher Leinen, € 68,–) 

ISBN 978-3-7757-1226-2 

Die Brücke in der Südsee 

Exotik der Farbe 

Hrsg. Ralph Melcher 

Deutsch 




€ 19,95 [D], CHF 34,– 

(Früher € 35,–) 

ISBN 978-3-7757-1680-2 

Auguste Rodin 

Aquarelle aus der Sammlung 

des Musée Rodin, Paris 

Hrsg. Thomas Knubben, 

Tilman Osterwold 

Deutsch 



€ 9,95 [D], CHF 17,– 

(Früher € 19,–) 

ISBN 978-3-7757-1458-7 

Marc Chagall 

Mein Leben 

Deutsch 

200 S., 20 Abb., 


€ 9,80 [D], CHF 18,– 

(Früher € 15,24) 

ISBN 978-3-7757-0054-2 

Bordell und Boudoir 

Schauplätze der Moderne 

Cézanne, Degas, 

Toulouse-Lautrec, Picasso 

Von Götz Adriani 

Deutsch 



€ 24,95 [D], CHF 42,– 

(Früher € 49,80) 

ISBN 978-3-7757-1503-4 

Tamara de Lempicka 

Femme fatale des Art déco 

Hrsg. Kunstforum Wien, 

Royal Academy of Arts 

Deutsch 



€ 24,95 [D], CHF 42,– 


ISBN 978-3-7757-1798-4 

Monets Garten 

Hrsg. Kunsthaus Zürich 

Franz Marc 

Pferde 





€ 19,95 [D], CHF 34,– 

(Früher € 39,80) 

ISBN 978-3-7757-1438-9 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-1439-6 (Englisch) 

Hrsg. Staatsgalerie Stuttgart, 

Christian von Holst 

Deutsch 

284 S., 231 Abb., 



€ 19,95 [D], CHF 34,– 


ISBN 978-3-7757-1338-2

www.hatjecantz.de sonderausgaben 

85 

Egon Schiele 

Liebe und Tod 

Hrsg. Van Gogh Museum, 

Amsterdam 




€ 14,95 [D], CHF 26,– 

(Früher € 29,80) 

ISBN 978-3-7757-1527-0 (Deutsch) 

ISBN 978-3-7757-1528-7 (Englisch) 

Stripped Bare 

Der entblößte Körper 

in der zeitgenössischen Kunst 

und Fotografie 

Hrsg. Marianne Karabelnik 

Deutsch 




€ 29,95 [D], CHF 48,– 

(Früher € 49,80) 

ISBN 978-3-7757-1499-0 

Ernst Ludwig Kirchner 

Der Maler als Bildhauer 

Hrsg. Staatsgalerie Stuttgart 

Deutsch 



€ 9,95 [D], CHF 18,– 

(Früher € 16,90) 

ISBN 978-3-7757-1309-2 

Cecil Beaton 

Porträts 

Hrsg. Terence Pepper 

Deutsch 


150 in Duplex, 



€ 19,95 [D], CHF 34,– 

(Früher € 39,80) 

ISBN 978-3-7757-1582-9 

Edward Hopper 

Hrsg. Sheena Wagstaff 

Deutsch 



€ 14,95 [D], CHF 25,– 

(Früher € 34,–) 

ISBN 978-3-7757-1500-3 

Gaudí 

Interieurs, Möbel, Gartenkunst 

Hrsg. Maria Antonietta Crippa 

Deutsch 




€ 29,95 [D], CHF 48,– 

(Früher € 58,–) 

ISBN 978-3-7757-1079-4 

Niki de Saint Phalle 

Hrsg. Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik Deutschland 

GmbH, Bonn 

Deutsch 

312 S., 490 Abb., 



€ 25,– [D], CHF 45,– 

(Früher Leinen, € 50,11) 

ISBN 978-3-7757-0576-9 

Kunsttheorie im 20. Jahrhundert 

Künstlerschriften, Kunstkritik, 

Kunstphilosophie, Manifeste, 

Statements, Interviews 

Hrsg. Charles Harrison, 

Paul Wood 

Deutsch 

2 Bände mit insgesamt 1 500 S., 


€ 49,95 [D], CHF 83,– 

(Leinenausgabe € 98,–) 

ISBN 978-3-7757-1325-2

86 collector’s editions 

collector’s editions 

Für Kunstsammler und alle, 

die es werden wollen! 

Neben unserem klassischen 

Buchprogramm verlegen wir 

in enger Zusammenarbeit mit 

international renommierten 

Künstlerinnen und Künstlern 

auch Vorzugsausgaben. 

In streng limitierter Auflage 

erscheint eine signierte und 

nummerierte Originalarbeit 

des Künstlers zum Buch. 

Willi Baumeister 

Scheinrelief WVZ SP/B 151, 1955/1964 

Fünffarbige Lithografie auf 

Bütten in Mappe, mit Buch 

Blattformat: 64 x 76,5 cm 


Auflage: 80 

Signiert unten links von Margarete 

Baumeister; bezeichnet hinten 

rechts: Letzte Lithografie von Willi 

Baumeister, auf Stein gearbeitet 

im August 1955; nach einem von 

ihm angelegten Probeabzug im 

April 1964 gedruckt von Erich 

Mönch, Lithograf (mit Signatur) 

Nummeriert 

€ 800,– 


Illulisat Icefjord, 07/2003, 

69°11’50’’ N, 51°12’54’’ W 

und 

Tasiussaq 3, 07/2006, 

73°22’09’’ N, 56°03’11’’ W 

Digitaldruck in Mappe, 

mit Buch 


Auflage: je Motiv 25 + 5 e. a. 


Je ca. € 580,– 


Henry Bond 


Schwarz-Weiß-Fotografie 



Auflage: 100 


€ 240,– 

www.hatjecantz.de

www.hatjecantz.de collector’s editions 

87 







Ca. € 780,– 


Philippe Bradshaw 

Ball and Chain, 2004 

Halskette aus farbig anodisierten 

Aluminiumkettengliedern mit 

einer Klangkugel als Anhänger, 

auf der Kugel Laserdruck einer 

Fliege, in Schachtel, mit Buch 

Format: Länge ca. 67 cm, 

variabel gestaltbar 


Jede Kette ist ein Unikat und 

vom Künstler in jeweils unterschiedlicher 

Farbigkeit gestaltet 

Ein signiertes Zertifikat mit 

Nummerierung liegt jeder 

Kette bei 

€ 300,– 

Christian Boltanski 

Portrait chinois de C.B., 

Diptychon, 2006 

Zwei Digitalpigmentdrucke 


Blattformat: 47,1 x 35 cm 


Auflage: 50 + 3 e. a., 

davon sind 25 Exemplare 

bei Hatje Cantz erhältlich 

Diptychon nummeriert, 

Buch signiert 

€ 1 200,– 

Claudia Fährenkemper 

Natriumchlorid, 300:1, 2002, 

aus der Serie Habitus 

Silbergelatineabzug in 

leinengebundenem Buch 


Bildformat: 19 x 24,5 cm 



€ 350,– 

Magne Furuholmen 

Payne’s Gray, 2004 

Buch (signiert) mit Sonderpressung 

der CD 

Past Perfect Future Tense, 

mit Beilageblatt, 

in Schmuckkarton 

Auflage: 500, 



€ 150,–


Sabine Dehnel 

Carolina, 2006 


mit Buch 





€ 350,– 

Andreas Feininger 

Dearborne Station, Chicago, 1941 

Silbergelatineabzug vom Negativ, 



Bildformat: ca. 40 x 30 cm 

Auflage: 50 

Nummeriert, autorisiert vom 

Andreas Feininger Archive 

€ 400,– 



Odeon, Köln, 2005 



und 

Metropol, Bonn, 2005 



Andreas Feininger 

Lower Manhattan, von Brooklyn 

aus gesehen, New York, 1940 

und 

Schilfrohr, 1934 

Silbergelatineabzüge 

vom Negativ, 


Barytabzug in Mappe, 

mit Buch 

Auflage: je Motiv 15, 

davon sind je 10 Exemplare 



Je ca. € 380,– 



Bildformat: 

36,4 x 28,2 cm (Manhattan), 

35,9 x 25,5 cm (Schilfrohr) 

Auflage: je Motiv 50 

Nummeriert, autorisiert vom 

Andreas Feininger Archive 

Einzelmotiv € 300,– 

Beide Motive € 500,– 

www.hatjecantz.de


89 

Christine de la Garenne/Via Lewandowsky 







€ 450,– 

Peter Granser 

Recruiting Station, 2003 






€ 400,– 

Franz Gertsch 

Teichrosenblatt, 2005 

Einfarbiger Holzschnitt 


Handabzug auf Kumohadamashi-Japanpapier 


Bildformat: 35,5 x 48 cm 

Auflage: 30 + 5 e. a., 




€ 1 800,– 

Matthias Hoch 

Rom # 19, 2004 

C-Print mit Passepartout 






€ 650,–


Hannah Höch 

Album 

Limitierte De-Luxe-Edition 

des Albums im Originalformat 

Auflage: 200 

Nummeriert 

132 S. mit vollständiger, durchgehend 

farbiger Reproduktion 

des 114-seitigen Albums, 

im Schuber mit 

16-seitigem Beiheft, 


€ 250,– 

Ola Kolehmainen 

Untitled (No. 27), 2005–2007 

und 

See, What You See (Composition 

in a Garden), 2006/07 




Auflage: je Motiv 25 


Je € 650,– 

Veronika Kellndorfer 

Eames, 2005 

Siebdruck auf Glas, gesintert, 

in Karton mit Prägestempel, 

mit Buch 

Format: ca. 23,5 x 29,5 cm 

Auflage: 18 + 10 e. a., 

davon sind 9 signierte Siebdrucke 


Jede Scheibe ist ein Unikat und 

daher nicht nummeriert 

€ 620,– 

Wir schicken Ihnen gerne 

ein PDF zur Bildauswahl. 


Ohne Titel, 2007 

Barytabzug 


Blattformat: ca. 40 x 30 cm 



Ca. € 480,– 


Ingar Krauss 

Ohne Titel 

Sarah, Mailand, 2004 



Baryt-Print in Mappe, mit Buch 





€ 380,– 

White Wings, 

aus der Serie Sacred Bird, 2004 

C-Print, mit Buch 





€ 380,–


91 


Revenge, 2004 





Ca. € 400,– 


Walter Niedermayr / Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa (SANAA) 

Bildraum S 5, 2004/2006 

(21st Century Museum of 

Contemporary Art, Kanazawa, 

2004 by SANAA) 

Diptychon, zwei C-Prints 

in Mappe 

Blattformat je Bild: 41 x 50,7 cm 

Bildformat je Bild: 35,3 x 47 cm 


Ville Lenkkeri 

Glacier, 2003 




Auflage: 30 


€ 380,– 


Bucures¸ti, 2004 






Ca. € 300,– 


Gebäudegrundriss des 21st 

Century Museums of 

Contemporary Art, Kanazawa 

(Vergleichsabbildung) 


Mit Sonderedition des Buches 


€ 1 800,–




Handbeschüttete 

Originalradierung, 

eingelegt in Buch 

(nummeriert) 




Berlin 7, 2002 


mit Buch 





€ 650,– 


Auflage: 100 

Datiert, signiert 

€ 350,– 



John Pilson 

Interregna/Origami, 1998–2000 

Silbergelatineabzug, vom 

Künstler handgefertigt, 






€ 400,– 

Michael Reisch 

Landschaft 1/015.1, Studie, 2006 

Lambda-Print in Mappe, 

mit Buch 





€ 450,– 

www.hatjecantz.de


93 

Regina Relang 

Gitta Schilling mit Hut 

von Laroche, 1958 

Modern Print 

Barytabzug vom Originalnegativ, 





Nummeriert mit Nachlassstempel 

€ 280,– 

Peter Schlör 

Sinai-V, Diptychon, 2001 

Zwei Piezo-Pigment-Prints 





Datiert, signiert, nummeriert 

€ 500,– 

Hans-Christian Schink 

A 14, Götschetalbrücke, 2001 




Auflage: 25 


€ 500,– 

Ralf Schmerberg 

Dirty Dishes, 2001 

Zwei Ditone Prints in Mappe, 

mit Buch 





€ 280,–


Andreas Schmidt 

Ohne Titel, 

1 800 774 1500 / C (1+2), 2004 

Zwei C-Prints in Mappe, 

mit Buch 



Auflage: 30 


€ 400,– 

Beat Streuli 

New York, New York, 2000/2002 

Zwei C-Prints in Mappe, 

mit Buch (signiert) 

Format: 30 x 40,5 cm 

Auflage: 40 


€ 900,– 

Sophie Tottie 

Single Needle, 2007 

Hiroshi Sugimoto 

Nähgarn und Pigmenttinte 

auf Papier, 





€ 600,– 



Mechanical Form, Material 

Testing Machine 0046, 2004 

Silbergelatineabzug in 

Passepartout in Aluminiumbox, 

mit Sonderedition des Buches 





€ 6 000,–


95 

Günther Uecker 

Reihung.05, 2005 

Aquarell auf Bütten, 

eingelegt in Band 

Günther Uecker. Zwanzig Kapitel 

Format: 27 x 23,5 cm 

Auflage: 30 Unikate, 

daher nicht nummeriert 

Signiert 

€ 1 800,– 



Robert Weingarten 

# 77, 2003 

Digital Pigment Print 






€ 400,– 

Peter Zimmermann 

Primary Structures, 2007 

Epoxidharz auf Leinwand, 

mit Buch 

Format: 50 x 42 cm 


Signiert, datiert, nummeriert 

€ 1950,– 

Nikolaus Walter 

Dublin, 1969 

Silbergelatineabzug 






€ 380,– 


in Vorbereitung: 

Janet Cardiff & George Bures Miller 

Julie Mehretu 

Mariko Mori 

Lars Ø. Ramberg 

Robin Rhode 

Erwin Wurm

www.hatjecantz.de # 89032

Hatje Cantz Verlag Neuerscheinungen Herbst 2007 Herbst 2007 ...

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