eBook Eine Galerie finden

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Eine
Galerie
finden
Ratgeber
für Künstler
Mit einem Vorwort
von Thomas Köhler,
Direktor Berlinische Galerie

›› 5
Vernetzung und Kommunikation 7
Ein lei tung 11
Ein abendlicher Anruf … 17
Der Kunstmarkt 23
Poleposition: Wo stehe ich als Künstler? 37
Professionelle Suche: Welche Galerie passt zu mir? 49
Fehler vermeiden –
was man unbedingt unterlassen sollte 63
Strategien der Kontakt aufnahme 69
Portfolio-Viewings,
Seminare und andere Foren nutzen 83
Das erste Treffen 93
Möglichkeiten der Selbstvermarktung 103
Der abendliche Anruf – Fortsetzung 119
Ein anderer Blick auf den Kunstmarkt –
Kunst ist nicht demokratisch 125

›

Vernetzung
und
Kommunikation
›› 7

Vernetzung und Kommunikation ›› 9
Die Partizipation der Künstler am Geschehen des Kunstmarktes
ist von ungleicher Intensität, ihr Zugang zu relevanten Informationen
limitiert und ihre Position im professionellen Kommunikationsnetzwerk
peripher. Galeristen und Künstler treffen häufig
sehr spät zusammen, die Ausbildung an den Kunsthochschulen
kommt im Wesentlichen ohne Vertreter des Kunsthandels aus.
Interaktionsformen zwischen Künstler und Galerist entstehen
nur langsam und eine genuine Partnerschaft zwischen beiden
Akteuren entwickelt sich zumeist mit Verzögerung.
Um diesen Prozess der Annäherung zu befördern, hat Cai
Wagner einen Kommunikationsleitfaden verfasst, der Hinweise
für Künstler zusammenfasst, Handlungsoptionen aufzeigt und
als klassischer Ratgeber funktionieren kann. Beide Seiten profitieren
von den Hinweisen, die Missverständnisse vermeiden
können und eine produktive Kooperationsgrundlage schaffen.
Durch ihre Annäherung werden Künstler und Galerist überdies
zu Partnern der Ausstellungsinstitutionen, deren Arbeit aufgrund
budgetärer Einschränkungen oftmals nur mit Unterstützung
der Galerien und dem Engagement der Künstler möglich
ist. Die Entwicklung einer dynamischen Kommunikationsstruktur
ist in der Folge die Voraussetzung für eine zeitgemäße, für
beide Seiten stimulierende Zusammenarbeit.
Thomas Köhler

›
Künstler
Biennalen
Auktionshaus
Institutionen
(Kunstvereine,
Museen usw.)

DER KUNSTMARKT ›› 33
Sammler
Kurator
Kunstmarktteilnehmer
bestimmen gemeinsam
den Kunstwert
Messen
Kritiker
Galerist

die im Laufe der Jahre aus reinem Bauchgefühl heraus zusammengestellt
wurde, stellt keinen nachhaltigen Wert dar. Zuletzt
wird der Kurator, der immer nur Unbekannte zeigt, die sich nie
entwickeln, irgendwann nicht mehr ernst genommen. Die Beispiele
ließen sich fortsetzen …
Für eine nachhaltige Wertentwicklung und -schätzung bedarf
es also der Übereinkunft vieler Akteure: Museen, Kuratoren,
Kritiker oder Sammler müssen ebenso vom Künstler und seiner
Kunst überzeugt sein wie die Galerien. Die Grafik auf S. 32
deutet dieses Geflecht von Beziehungen schematisch an. Der
Kunst-Wert bzw. das Kunst-Werk muss in diesem informellen
Netzwerk diskutiert und für gut befunden werden. Je präsenter
eine Galerie am Markt ist – sei es durch Messeteilnahmen
oder Vermittlungstätigkeiten – und je qualitativ hochwertiger
ihr eigenes Netzwerk ist, desto größer die Chance, dass die
Diskussion um Künstler und Kunst eine breite Öffentlichkeit erreicht.
Auf diesen Aspekt, den man bei der Galerienauswahl
berücksichtigen sollte, werde ich in späteren Kapiteln ausführlicher
eingehen. An dieser Stelle möchte ich nur bemerken, dass
sehr potente Galerien sicherlich die Fähigkeit zur self fulfilling
prophecy besitzen: Aufgrund ihrer starken Marktposition verfolgen
die anderen Kunstmarktteilnehmer die Künstlerauswahl
dieser Galerien aufmerksamer und so muss oft gut sein, was
teuer ist. Kritisch gesprochen: Man kann auch Künstler gemeinsam
hochjubeln 6 .
Ich habe in komprimierter Weise zu zeigen versucht, dass man
bei der Suche nach einer Galerievertretung immer auch das
Umfeld in Betracht ziehen muss, in dem die Galerie agiert oder
eben nicht. Wichtiger für Sie allerdings bleibt zunächst die Auswahl
der Galerien und die Kontaktherstellung im Allgemeinen.

DER KUNSTMARKT ›› 35
Am Ende der Bemühungen entsteht vielleicht ein sehr individueller
Kontakt, da Galerien in der Regel keine großen Firmen
sind, sondern stark von der Persönlichkeit und der Entwicklung
des Galeristen geprägte Unternehmen. Lohnenswert ist daher,
sich mit den Geschichten einiger führender Galerien der letzten
Jahrzehnte vertraut zu machen. Das Buch Insight/Inside
(Grosenick/Stange) ist in dieser Hinsicht sehr lesenswert, da
es konkret einzelne Galerien porträtiert.

›

Poleposition:
Wo stehe ich
als Künstler?
›› 37

SelBSTEinschätzung
Dieses Buch ist für all diejenigen geschrieben, die im weitesten
Sinne ein „Vermarktungsproblem“ haben, einen Galeriewechsel
anstreben oder die sich am Ende des Studiums befinden
und nun eine Galerie suchen. Es richtet sich nicht an jene, die
im Kunstmarkt etabliert sind, sondern an alle, die nicht hofiert
werden und sich und ihre Kunst einer Galerie andienen
müssen. Grundsätzlich besteht in dieser Situation immer die
Gefahr, dass man im wortwörtlichen Sinne mit einer Mappe
losrennt und sich vorstellt, ohne vorher genau zu schauen, was
man zu bieten hat, wo man steht und an welchen potenziellen
Geschäftspartner – sprich Galerie – man sich wendet.
Eine kritische und professionelle Betrachtung der eigenen Position
bzw. Person wird unterlassen, vielleicht auch, weil sie
vordergründig nichts mit Kunst zu tun hat. Fakt ist auch, dass
Wirtschaftsstandards wie Coaching, Entwicklungsgespräche
und andere Instrumente aus der Arbeits- und Organisationspsychologie
aus vielerlei Gründen sehr wenig Eingang in die
Kunstwelt gefunden haben. Zentral bleiben noch immer die
persönliche Begegnung und die Persönlichkeit des Künstlers.
Wie also beginnt man mit einer kritischen Selbsteinschätzung
und bringt deren Ergebnisse in eine gewisse Systematik?
In der modernen Kunst ist historisch gesehen fast alles möglich.
Es gibt den malenden Bahnwärter Henri Rousseau, einen Autodidakten,
der die Naive Kunst wesentlich geprägt hat. Dann ist
da der Meisterschüler eines Erich Heckel. Oder ein ehemaliger
Wallstreet-Banker, der weiß, wie man Geld macht und heute als
Jeff Koons bekannt ist. Alle haben ihren Platz trotz sehr unterschiedlicher
Ausbildung gefunden. Am Ende zählt allein das Ta-

POLEPOSITION: WO STEHE ICH ALS KÜNSTLER ›› 39
lent. Dennoch schauen Galerien sehr genau auf die Ausbildung
ihrer Künstler. Eine fundierte Ausbildung sichert nicht nur die
Bekanntheit der Künstler mit künstlerischen Inhalten und Techniken
ab, sie ist selbstredend auch ein Qualitätsmerkmal für sich.
Wie soll man etwa einen Autodidakten vermarkten? In welchen
Kontext soll man ihn stellen – Art Brut, wenn es hoch kommt?
Wird nicht bei einem 40-jährigen Künstler, der nach 20 Berufsjahren
in die Kunst gewechselt ist, immer die Frage aufkommen,
ob er noch ausreichende Karrierechancen hat? Oder der
gelernte Grafiker, der jetzt als Maler reüssiert? Viel einfacher ist
es, den jungen Studenten einer angesehenen Kunsthochschule
zu fördern! Und das geht noch besser, wenn er Meisterschüler
eines möglichst bekannten und einflussreichen Künstlers ist!
Abgesehen von wenigen Ausnahmen gilt, dass auch im Kunstmarkt
eine künstlerische Ausbildung an einer Hochschule die
beste Voraussetzung für Erfolg ist, am besten noch mit erfolgreich
abgeschlossenem Meisterschülerstudium. Erst danach
sollte man gezielt eine feste Zusammenarbeit mit einer Galerie
anstreben. Die Zeit davor kann man für die Teilnahme an diversen
Gruppenausstellungen nutzen, man sollte seine Kraft aber
in erster Linie für eine gute Qualifikation aufbringen. Stehen Sie
diesbezüglich also vor grundsätzlichen Entscheidungen, kann
ich nur dazu raten, die beste Ausbildung und Förderung anzustreben.
Hat man aus bestimmten Gründen andere (Lebens-)
Wege gewählt, muss man sich dies sehr nüchtern vor Augen
halten und die eigenen Stärken unbedingt noch weiter herausheben
oder gewisse Nischenbereiche ansteuern. In einigen Fällen
kann es sogar sinnvoller sein, von Anfang an den Weg der
Selbstvermarktung zu gehen und ganz auf eine Galerievertretung
zu verzichten.

›

Das erste
Treffen
›› 93

Ist es Ihnen schließlich gelungen, einen Termin mit einem Galeristen
zu vereinbaren, dann haben Sie viel erreicht. Nun sollten
Sie sich überlegen, wo Sie die Verabredung wahrnehmen.
Grundsätzlich kommen nur zwei Orte infrage: Galerie oder Atelier.
Besteht die Möglichkeit zur Wahl, sollte man stets versuchen,
ein Treffen im eigenen Atelier zu arrangieren. Fällt die Wahl
auf die Galerieräume, ist es ratsam, einen Termin außerhalb der
Öffnungszeiten zu finden, um störenden Publikumsverkehr zu
vermeiden. In beiden Fällen jedoch benötigt ein solcher Termin
gute Vorbereitung.
Treffen in der Galerie
Wurde das Treffen in der Galerie vereinbart, dann sollten Sie
nicht nur pünktlich erscheinen und Ihr Handy während des Gesprächs
ausgeschaltet lassen, sondern auch auf einige andere
Punkte achten. Kalkulieren Sie ungefähr 30 Minuten für das
Gespräch. Mehr Zeit benötigt es normalerweise nicht, eigene
Arbeiten vorzustellen; trotzdem sollte man keine weiteren Termine
im Anschluss haben, um im Bedarf flexibel zu sein. Falls
die Vereinbarung des Termins einige Tage oder gar Wochen zurückliegt,
ist es sinnvoll, einen Tag vorher nochmals per E-Mail
eine Bestätigung zu schicken. Wenn es sich nicht vermeiden
lässt oder aus künstlerischer Sicht notwendig ist, dann bringen
Sie Originale mit in die Galerie. Ich halte es allerdings für besser,
alle Informationen auf einem Laptop mitzubringen. Für Originalkunstwerke
ist das Studio weit geeigneter.
Gehen Sie die Präsentation Ihrer Kunstwerke vorher mit einem
Freund durch und lassen Sie sich von diesem kritisch befragen,
sodass Sie in der Galerie entspannt und präzise über Ihre Arbeit

Das erste Treffen ›› 95
sprechen können. Versetzen Sie sich vor allem in die Lage Ihres
Gesprächspartners. Vielleicht sieht er die Sachen zum ersten
Mal und benötigt zunächst eine kurze Einführung in Ihr Konzept.
Sie müssen in der Lage sein, Ihren künstlerischen Ansatz knapp
und bündig zu formulieren. Die Bilder oder Videos selbst sollten
Sie auf Ihrem Laptop gut organisiert haben, damit Sie sich bei
der Vorstellung nicht lange durch Dateiordner klicken müssen.
Eine Slideshow oder ein PDF sind hierfür besser geeignet. Kein
Text ist so brillant wie Sie selbst, dennoch ist es gut, ein sogenanntes
artist statement dabei zu haben. Dieses Statement,
zusammen mit einer sorgfältig beschrifteten CD mit Ihrem Präsentationsmaterial,
sollten Sie ebenfalls mitbringen, um es am
Ende des Gespräches zu überreichen. Falls Sie einen Katalog
mit Ihren Arbeiten besitzen oder eine Einladungskarte für eine
aktuelle Ausstellung, übergeben Sie Ihrem Gesprächspartner
diese Materialien spätestens zur Verabschiedung.
Im Hinblick auf den Termin mit einem Galeristen ist zweierlei zu
bedenken: Zum einen wollen und müssen Sie Ihr künstlerisches
Tun darstellen. Zum anderen aber muss der Galerist Ihre Motivation
nachvollziehen können. Warum haben Sie sich gerade bei
dieser Galerie beworben? Im Kapitel zur Recherche von Galerien
habe ich bereits einige der Aufgaben umrissen, die Sie leisten
müssen. Mit Hilfe des sorgfältig recherchierten Wissens über
die Galerie können Sie eine Brücke zu Ihrem Gegenüber bauen.
Formulieren Sie Ihren Anknüpfungspunkt; vielleicht ist es
die Vermittlungsarbeit der Galerie, die Sie bewundern. Vielleicht
ist es das Programm oder ein bestimmter Künstler. Vielleicht
meinen Sie, dass Ihre Arbeiten im Gesamtkontext gut aufgehoben
wären oder diesen gezielt ergänzen würden. Hier gibt
es mehrere Ebenen, sich in Beziehung zur Galerie zu bringen.

Für einen Galeristen reicht es nicht zu hören, dass ein Künstler
eine Galerie sucht oder dort wegen der „schönen Räume“ eine
Ausstellung machen möchte.
Wenn Sie am Ende eines Vorstellungsgespräches auch noch
versuchen, Ihre Erwartungshaltung zu umreißen, dann haben
Sie alles getan, was in einem solchen Gespräch zu tun ist. Dies
beinhaltet die Beantwortung folgender Fagen: Suchen Sie nach
einer festen Galerie? Oder wollen Sie die Galerie wechseln?
Vielleicht möchten Sie bei einer Gruppenausstellung berücksichtigt
werden? Nur Sie selbst kennen Ihre Motive. Der Galerist
kennt sie nicht. Sie sollten ihm daher mitteilen, was konkret Ihre
Ziele bezüglich seiner Galerie sind. Dies hilft dem Galeristen
wiederum bei der Überlegung, ob und bei welchem Anlass er
Ihre künstlerische Arbeit einbinden kann.
Den ATElierTErmin vorbereiten
Nicht nur Sammler und Kuratoren besuchen gerne Künstlerstudios,
auch Galeristen. Für diese ist der Studiobesuch eine gute
Gelegenheit, sich ohne Ablenkung mit Ihrer Kunst und Ihnen als
Person zu beschäftigen. Bei einem Termin in der Galerie besteht
immer die Gefahr, dass unangemeldete Besuche oder Telefonate
das Gespräch stören. Der Atelierbesuch bedeutet für Sie
jedoch ein größeres Maß an Vorbereitung. Ich möchte einige
Punkte herausgreifen, die Sie berücksichtigen sollten, um ein
Treffen stressfrei und erfolgreich zu absolvieren.
Auffindbarkeit: War ein Galerist noch nie bei Ihnen im Atelier,
so müssen Sie dafür sorgen, dass er den Weg zu Ihnen leicht
findet. Da Künstlerstudios oft in ehemaligen Fabrikhallen oder in
Hinterhöfen untergebracht sind, meist sogar in großer Anzahl,

Das erste Treffen ›› 97
sollte man die Anfahrt vorher sehr gut beschreiben, unter Umständen
sogar Hinweisschilder anbringen. Irrt Ihr Besucher erst
länger herum, schafft das keine gute Atmosphäre. Falls sich das
als schwierig erweist, können Sie auch einen Treffpunkt vereinbaren
und Ihren Gast dort abholen. In jedem Fall aber sollten
Sie über Handy für den Galeristen erreichbar sein. Er kann sich
ebenfalls verspäten.
Vorbereitung: Für Ihren Besuch sollten Sie Getränke bereithalten
(Wasser, Saft, Tee, Kaffee usw.) und auch eine Kleinigkeit
zu essen da haben. Weder zuviel noch zuwenig, aber gerade
soviel, dass sich der Gast wohl fühlt und man den Termin unter
Umständen zeitlich dehnen kann. Sie wissen nicht, woher Ihr
Besucher kommt und wohin er noch muss, daher sollte er sich
in der Zeit bei Ihnen entspannen können.
Soweit das möglich ist, sollten Sie vorher eine Auswahl der Arbeiten
getroffen haben und diese für die Präsentation vorbereiten.
Das umständliche Auspacken einer großen Leinwand mag
noch charmant sein, aber wenn es zehn werden, ist die wertvolle
Zeit mit dem Galeristen vergeudet. Je nach Medium (Malerei,
Foto, Skulptur, Video) müssen Sie spezifische Vorkehrungen
treffen.
Durchführung: Sie können davon ausgehen, dass ein Atelierbesuch
länger dauern wird als ein Treffen in der Galerie. Falls sich
nicht ein außergewöhnliches Gespräch entwickelt, kann man
mit ungefähr einer Stunde rechnen. Sie haben im Studio also die
besseren Karten. Dennoch sollte man die gemeinsame Zeit im
Atelier optimal nutzen. Zu den größten Vorteilen des Atelierbesuchs
zählt der Umstand, dass der Galerist die Originale sehen
und hierdurch viel besser beurteilen kann. Er wird Sie selbst in
Ihrem gewohnten Umfeld erleben, in dem Sie wahrscheinlich

›

Ein anderer
Blick
auf den
Kunstmarkt:
Kunst ist nicht
Demokratisch
›› 125

Im letzten Kapitel möchte ich Ihnen beispielhaft einige Fakten
und Studien zum Kunstmarkt vorstellen 32 . Während Sie in den
vorangegangenen Kapiteln Handlungsweisen für Ihre Recherche
und Selbstpositionierung bekommen haben, wird Ihnen
nun der Hintergrund vermittelt, vor dem Ihr Bemühen stattfindet.
Vieles, was nach außen glamourös wirkt, ist bei näherer Betrachtung
der Zahlen ernüchternd, bisweilen sogar alarmierend.
Die Lage der Künstler
In der Bundesrepublik Deutschland hat der Gesetzgeber mit
dem Künstlersozialversicherungsgesetz 1981 für bildende
Künstler, Musiker, Schriftsteller und darstellende Künstler die
Grundlage geschaffen, sich in der gesetzlichen Kranken- und
Rentenversicherung zu versichern. Die Idee dahinter war, dass
kreative Freiberufler den gleichen Versicherungsschutz wie Angestellte
nutzen können. 1983 nahm dann die Künstlersozialkasse
(KSK) ihre Arbeit auf 33 . Bis heute ist es so, dass die versicherten
Künstler 50 Prozent ihrer Beiträge selbst entrichten, die andere
Hälfte wird getragen durch die Abgaben der sogenannten
Verwerter (30 Prozent), also beispielsweise Galerien, und einen
Zuschuss des Bundes (20 Prozent).
Wertet man die Zahlen der KSK aus, so erhält man äußerst
aufschlussreiche Informationen über das Leben von Künstlern
jenseits des „Superstar-Prinzips“. Zunächst einmal ist zu beobachten,
dass in den letzten 20 Jahren die Anzahl der KSK-Versicherten
in allen Sparten steigt 34 . Das hat natürlich auch mit
einem Wandel der Lebensgewohnheiten und des Arbeitsmarktes
zu tun, beispielsweise können sich Web-Designer, die vor
wenigen Jahren als Berufsgruppe noch gar nicht existierten, bei

Ein anderer Blick auf den Kunstmarkt: Kunst ist nicht demokratisch ›› 127
der Künstlersozialkasse versichern. Greift man die Entwicklung
für bildende Künstler heraus, so ist ein Anstieg von gut 250 Prozent
zu verzeichnen!
›
KSK Versicherte 1992–2010
60.000
50.000
40.000
30.000
20.000
10.000
0
1992
2010
Das bedeutet für jeden Künstler in Deutschland heute, dass er
in Konkurrenz steht mit fast 60.000 offiziell versicherten sowie
weiteren, nicht gemeldeten Künstlern; hinzu kommen ausländische
Künstler, die vor allem in attraktiven Zentren wie Köln oder
Berlin zusätzlich auf den Markt drängen. Im deutschen Sprachraum
bilden ungefähr 30 Hochschulen jedes Jahr mehrere Hundert
Künstler aus. 35

Da die Bundesrepublik sich seit Jahrzehnten von einer Industriegesellschaft
zu einer postindustriellen Dienstleistungsgesellschaft
wandelt, in der auch die Kunst (man spricht inzwischen
von der „Kreativwirtschaft“) ihren Platz hat, könnte man die
oben dargestellte Entwicklung also begrüßen. Ein detaillierter
Blick auf die Zahlen bietet allerdings ein anderes Bild.
Generell verlängern sich Ausbildungszeiten. Oft müssen sich
Künstler auch mit prekären Jobs über Wasser halten, um ihrer
Kunst nachzugehen. Die aktive Schaffensphase verschiebt
sich altersmäßig nach hinten (dieser Zusammenhang wird immer
wieder diskutiert, wenn es um Altersgrenzen für Stipendien
oder Kunstpreise geht). Stellten noch vor zehn Jahren die
Künstler zwischen 30 und 40 Jahren den Hauptanteil aller KSK-
Versicherten dar, so sind es heute mit fast 40 Prozent aller Versicherten
die 40- bis 50-Jährigen, wie nachfolgende Grafik zeigt.
›
Versicherte nach Altersgruppen 2001–2011
25.000
30–40 Jährige
40–50 Jährige
20.000
15.000
10.000
5.000
0
`01
`02
`03
`04
`05
`06
`07
`08
`09
`10
`11

Ein anderer Blick auf den Kunstmarkt: Kunst ist nicht demokratisch ›› 129
Führt man solche kunstmarktfernen, gesellschaftspolitischen
Fragestellungen weiter, dann findet man ein ernüchterndes Abbild
der übrigen Verhältnisse. So geht aus den Angaben der KSK
hervor, dass zu Beginn (Altersgruppe unter 30 Jahren) der Anteil
der versicherten Künstlerinnen fast doppelt so hoch ist wie
der der Künstler. Dieses Verhältnis nähert sich in der Lebensmitte
an (Altersgruppe 40 bis 50 Jahre) und kehrt sich später
um (Altersgruppe 60 Jahre und älter). Während also am Anfang
deutlich mehr Frauen in den Kunstmarkt drängen, bleiben am
Ende die Männer übrig. Es wundert daher nicht, dass sich die
bekannten Unterschiede in den Einkommensverhältnissen auch
im Kunstbereich widerspiegeln. Während die durchschnittlichen
Einkommen von Künstlerinnen und Künstlern zu Beginn noch
annährend gleich sind, driften diese mit zunehmendem Alter
auseinander.
›
Durchschnittliches Nettoeinkommen 2000–2010
Männer
Frauen
€16.000
€14.000
€12.000
€10.000
€8.000
€6.000
€4.000
€2.000
€0

Zum Autor
Cai Wagner eröffnete seine erste Galerie 2000 in Berlin. Zuvor
hat er Germanistik und Theaterwissenschaft an der Freien Universität
Berlin studiert und einige Jahre am Theater gearbeitet.
2008 gründete er gemeinsam mit Margret Uhrmeister die Galerie
Wagner + Partner, die sich auf zeitgenössische Fotografie
und Malerei spezialisiert hat. Er ist seit vielen Jahren im Landesverband
Berliner Galerien im Vorstand tätig, zuletzt als stellvertretender
Vorsitzender und dort u.a. verantwortlich für den Bereich
Fortbildung und Qualifizierung. Regelmäßig ist Cai Wagner
auch an Kunsthochschulen Gastdozent.

Anmerkungen
1 Fesel, Bernd: Der Kunstmarkt in Europa. Ein internationaler Boom und
viele nationale Krisen. http://www.kulturmanagement.net/downloads/
fesel-kunstmarkt.pdf, 27.03.2011
Fesel korrigiert sich jedoch 2009 nach dem Finanzmarktcrash teilweise
(vgl. IKK-Branchenhearing, S. 21).
2 „Die Konsumstimmung ist nach dem Einbruch durch die Finanzkrise
wieder durchweg gut“, schreibt Susanne Schreiber über die TEFAF
2011 stellvertretend für die Branche. Der regelmäßige Crash scheint
wie der Boom zum Kunstmarkt zu gehören.
3 Mehrere Quellen sagen, dass nur gut 2 Prozent der Künstler von
ihrer Kunst leben können: „Nur zwei Prozent der Absolventen von
Kunsthochschulen partizipieren am Kunstmarkt“, so Prof. Dr. Stephan
Schmidt-Wulffen, Rektor der Kunstakademie Wien. In: Initiative Kultur-
und Kreativwirtschaft, Berlin 2009, S. 11. Im Folgenden kurz: IKK
Branchenhearing
4 Natürlich kaufen etablierte Künstler auch Kunst von anderen, manche
besitzen sogar eine stattliche Sammlung. Und nicht wenige
Galeristen waren früher einmal Künstler, wie Konrad Lueg (Galerie
Konrad).
5 Vgl. hierzu Weinhold, S. 22f
6 Ein bekanntes Beispiel sind die sog. Jungen Wilden, eine Reihe von
postexpressiven Malern im West-Berlin der 1980er Jahre, die erst exorbitant
hohe Preise erzielten, dann gnadenlos am Markt abstürzten
und heute großenteils irrelevant sind. Wahrscheinlich wird es nur Rainer
Fetting schaffen, seine Position zu behaupten.
7 Weinhold nennt hier Zahlen: „Studien zeigen Relationen von mehr
als 46 Prozent erwerbstätigen Künstlern, die in Städten mit mehr als
100.000 Einwohnern leben, wobei Berlin und Hamburg eine besonders
hohe Konzentration zeigen […] Köln und München werden Hamburg
wohl mittlerweile nicht nachstehen.“ (Weinhold, S. 24)
8 Man sollte nur im Blick haben, dass nicht registrierte Mitglieder keinen
Zugang zu den Informationen haben, die Sie dort niedergelegt
haben. Nicht jeder Galerist will bei diversen Portalen dabei sein.
9 Folgende Kunstportale bieten weitreichende Informationen kostenlos
an: artfact.nets; artnet.de; galerie.de; kunstaspekte.de; kunstmarkt.
com; photography-now.de.
10 Die Mitgliedschaft im Bundesverband Deutscher Galerien (BVDG)
oder in einem der zahlreichen Landesverbände lässt auf ein gewisses
Qualitätsniveau der Galerie schließen.
11 Bei der Vielzahl von Neben- oder Satellitenmessen vergisst man heute,
dass dies eine relativ junge Entwicklung am Messehimmel ist.
1995 eröffnete die Liste Basel unter viel Widerstand der Art Basel,
seit 2000 sind zahllose Nebenmessen entstanden; einige wie Volta,
scope oder Pulse haben sich etabliert.
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