TRAKS MAGAZINE 021

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MAGAZINE
Numero 21 - febbraio 2019
BABIL ON SUITE
un disco senza obblighi
LEDI
MARSALA
BUCKWISE
JACK JASELLI

sommario
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Babil on Suite
Ledi
Marsala
Buckwise
Jesus Franco & The Drogas
Jack Jaselli
Mambo Melon
Matteo Toscano
Light in the Sky
Glue’s Avenue
Alessandro Sipolo
Baustelle
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senza alcuna periodicità. Non può pertanto
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BABIL ON SUITE
un disco senza
obblighi
La band che ha già collaborato con
musicisti del calibro di Lucio Dalla,
Mario Venuti, Max Gazzè, Samuele
Bersani propone un disco che riconcilia
molti tasselli del caleidoscopio
musicale
Fritz Lang, Andrea Pazienza,
“pace” in portoghese… Avete
riunito molti concetti dentro la
copertina e il titolo del disco. Da
quali premesse nasce questo disco?
Alla base c’era l’idea e il desiderio
di fare un disco senza obblighi di
struttura, stile o necessità di mer-

cato, forse per questo consideriamo
PAZ un disco naturalmente
Pop e di natura corale, che canta
più lingue. Per chi fa musica è un
istinto quasi fisiologico, se non terapeutico,
avevamo parecchi brani
scritti subito dopo “Safari Now”,
che grazie alla produzione di Puntoeacapo
sono diventati un disco.
Viste le molteplici influenze
e la scarsa attenzione al concetto
di “genere”, vorrei saperne
qualcosa di più del vostro
metodo di composizione delle
canzoni.
I nostri brani nascono sempre
dalla musica o da una suggestione,
come ad esempio una frase
in loop, vengono poi registrate in
un primo momento e in maniera
quasi schizofrenica… cambia
il mood, accordi e groove, spesso
ritornano al punto di partenza ma
arricchiti dal percorso, siamo una
band che si lascia contaminare anche
dall’aria che respira.
Ed è proprio la contaminazione
che ha generato il cambiamento,
frutto anche dell’ingresso dei
nuovi componenti e un nuovo approccio
alla scrittura.
Vorrei sapere come nasce “You
can be free”
È un brano a cui teniamo molto,
scritto a quattro mani con Totò
Sultano dei “Music from Eleven
Instruments” nel 2012, c’è anche
un suo cammeo nel finale. È
il pensiero di un ragazzo vissuto
ai bordi di un polo petrolchimico,
gli occhi puri di un bambino
ignari del denaro e del business
vedono quello che in realtà è, una
privazione dell’aria che respiri. C’è
emozione e delicatezza, resa perfettamente
dai piccoli cantori del
Coro Interscolastico “Vincenzo
Bellini” di Catania.
Le vostre collaborazioni sono già
un numero molto consistente.
Come nasce l’incontro con Mario
Venuti per Boa Babil On?
Mario Venuti è un artista che abbiamo
sempre stimato e seguito
dai tempi de Denovo, ricordando
il Venuti di “Fortuna” che suona
molto brasiliano abbiamo pensato
che “Boa Babil On” fosse un brano
nelle sue corde e che magari ci
porti, perché’ no… “Fortuna” :-)
Il concerto più bello che avete
visto di recente?
Il concerto del gruppo belga
Soulwax.
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LEDI
“Stanze” è il secondo lavoro di inediti di Ledi, cantautore di origini
italo-albanesi che ha conquistato una bella fetta di critica italiana con
il suo esordio “Cose da difendere”
Ci vuoi raccontare qualcosa della
tua storia?
A casa mia si è stati ricchi, poi poveri,
poi ricchi, poi poveri... e
così via. Diciamo che il padre
di mio nonno era una specie di
muezzin di un piccolo villaggio
greco, ucciso dalla guerra. Mio
nonno è scappato in Albania dove
si è rifatto una vita passando dalla
condizione di “principe” a quella
di sottomesso al regime. Poi, come
tutti, mio padre un giorno ha preso
un barcone e si è ritrovato nel
porto di Brindisi con una moneta
da 200 lire in tasca. Io ero un
bambino. Da lì si comincia. Genova
perché il mio vecchio lavorava
nel porto di Durazzo e faceva contrabbando
con i finanzieri italiani.
A uno aveva dato il denaro per
comprargli una Vespa bianca, che
il finanziere si era giocato perché
aveva il vizio del gioco. Ma quando
ha bussato alla sua porta per
reclamarla è stato gentile con lui.
Ci sono dei particolari veramente
da romanzo, nei dischi futuri ne
parlerò.
Ho letto che avresti potuto includere
venti canzoni in questo
disco. Avevi quello che si dice un’
“urgenza” da trasmettere in questo
disco? Come sei arrivato alla
selezione finale?
In realtà non la definirei proprio
urgenza, nella misura in cui scrivo
sempre, perché mi fa bene, per cui
quando poi i brani di un periodo
raccontano proprio quei passaggi
di tempo, viene come naturale
considerarli nel disco. Tuttavia
produrre 20 pezzi costa troppo,
già 14 è stato un discreto salasso.
Alla fine si scelgono quelli a cui
sei più affezionato, si vuole un po’
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ene alle canzoni, le proprie e
quelle degli altri, ti fanno compagnia.
Il disco si chiama Stanze, ma
personalmente lo vedo poco “al
chiuso”: mi sembra anzi che le
atmosfere siano urbane ma aperte,
come se avessi scritto le canzoni
vagando per una città straniera…
In effetti è così. Quei quattro soldi
che guadagno alla fine li spendo
in musica e in viaggi, perché è bello.
Kreuzberg, i borghesi di oggi e
le loro contraddizioni. Tirana ancora
di più, con le sue connotazioni
affettive, che mi lasciato un
cuore arabo e una mente europea.
E poi Genova, la mia casetta con
una finestra tra le montagne e il
mare. Stanze perché in ogni canzone
compare la parola o il concetto
di stanza, ma è vero, è un disco
di visioni esterne. Il prossimo
lavoro dichiaratamente sarà sulle
città.
Ho trovato sorprendente la cover
de “I giardini di marzo”: come
nasce l’idea?
Lo ritengo uno dei brani più belli
che le mie orecchie abbiano
ascoltato e la sera, quando sono
solo, lo suono spesso. Una preghiera
alla vita. Volevo renderle
onore senza presunzioni o virtuosismi
inutili, una specie di litania,
una carezza. Non so se sono stato
in grado di rendere ciò che mi fa
provare.
Vorrei sapere come nasce “Kreuzberg”,
nella quale sento forti
influenze della new wave italiana,
che forse vanno anche al di là
della tua età anagrafica
Kreuzberg nasce dopo un viaggio
a Berlino, dove vive mia sorella.
Volevo rappresentare le emozioni
che stava/stavamo vivendo così ho
diviso il brano in tre parti distinte,
anche nel metronomo affinché si
potessero percepire tre differenti
emotività. In effetti sia nelle
tematiche generazionali che
nell’arrangiamento ci sono forti
spunti a quella new wave, ma è
capitato inconsapevolmente.
Vorrei che ci raccontassi qualcosa
anche del tuo lavoro presso
la onlus alla quale presti la tua
opera.
La mission dell’Istituto è legata
alle persone non vedenti, delle
quali ancora si occupa. Offre tuttavia
servizi alla persona ormai a
360 gradi. Io lavoro sia con le
persone non vedenti, con le quali
ho un laboratorio musicale, di
coro e con malati psichiatrici.
Fare l’educatore è faticoso, ma
estremamente arricchente. Mi
considero molto fortunato perché,
pur nelle sue enormi difficoltà,
è un lavoro di significati,
di parola. Certo la trincea dell’anima
a volte lascia sgomenti,
stanchi, impauriti ma ne vale la
pena.
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MARSALA
Al debutto solista l’ex voce e chitarra dei The Rambo.
Coordinate di riferimento di massima: psichedelia,
industrial, ambient, folk, blues e noise
Qual è la tua storia fin qui e
come nasce il progetto “Marsala”?
Come parecchi del circuito underground,
sono approdato al mondo
elettroacustico dopo diverse esperienze
musicali in ambito rock,
per me, nello specifico attraverso
il punk nelle sue varie forme: Lifeinacage
(hardcore), Yokotobigeri
(prog/noise-rock), Nazareno (impro-noise)
e attualmente suono
coi The Rambo, trio noise/punk
doppia chitarra/voce/batteria con
all’attivo tre dischi e un nuovissimo
Nagant Fun, duo psych/noise/
dub. Marsala nasce dalla voglia di
mettersi in gioco autonomamente
sia sul piano musicale che personale;
mi verrebbe da dire “necessità
di libertà” ma se suona troppo
intellettualoide da strapazzo allora
risponderei con “irrefrenabile bisogno
di farmi i cazzi miei senza
nessuno a cui rendere conto o mediare
musicalmente” eheheheh.
Come nascono le composizioni
del disco? Frutto di lavoro stratificato
nel tempo oppure impronta
rapida del periodo?
Ho iniziato nel 2014/2015 giocando
con una drum machine, una
tastiera e una loop station di un
amico chiudendomi nel box sotto
casa e improvvisando per ore.
Negli anni successivi non è cambiato
molto in termini di approccio,
solo che ho rimpiazzato la
tastiera con un sintetizzatore più
piccolo e pratico e anziché nel
box, suono in casa. Lunghe improvvisazioni
da cui ho estrapolato
canovacci/pattern/melodie/
rumori per poi riprodurli nella
dimensione live in maniera libera.
La stessa cosa è avvenuta durante
la registrazione, con alcuni accorgimenti,
sfumature e arrangia-
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menti in più; Paolo Cantù (regia e
arrangiamenti) ha contribuito ad
aggiungere colore al disco.
Nella presentazione si affianca
la tua musica a quella di gruppi
come Tangerine Dream, Dead
Can Dance, Goblin. Altri tuoi
punti
di riferimento?
Onestamente
ascolto,
come
tanti,
quintali
di
musica
e decifrare
le
mie influenze
non mi
risulta
proprio
semplice.
Sicuramente
dentro quello che faccio c’è tanta
psichedelia ossessiva, musica industrial
e musica da “finta” colonna
sonora; poi ognuno sente i riferimenti
che vuole eheheheh.
Per tipo di vocazione si direbbe
che il target della tua musica sia
più internazionale che italiano.
Che idea ti sei fatto del possibile
pubblico del tuo disco?
Penso che all’estero, l’underground
sia più o meno come in Italia: poche
persone ai live ma tanto desiderio
di condividere situazioni
piacevoli con chi bypassa la logica
del grande mercato. Nei live c’è
spesso, fortunatamente, gente dai
gusti musicali eterogenei e questo
permette di crescere e magari,
spero senza presunzione, far crescere
qualcun’altro con la logica
della reciproca contaminazione.
Ci si nutre degli altri e gli altri si
nutrono di te.
Tre nomi della scena italiana
contemporanea che ti piacciono
particolarmente?
BlackPoint 45, Makhno e Father
Murphy.
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BUCKWISE
Dopo anni di collaborazione musicale in varie band, è nata una band
che mescola elementi folk ed elettronica: “Turning Point” è il risultato
Come nasce e come si sviluppa il
progetto Buckwise?
Il progetto è nato da Nicola, Lorenzo
e Gnappo, che collaboravano
già da tempo in altri progetti
musicali. La necessità di includere
nel progetto qualcuno che scrivesse
(e cantasse) le parti vocali li ha
portati ad aggiungere me (Roberto)
alla band.
Il vostro sound è caratterizzato
dall’accostamento di elementi
molto distanti, come le radici
folk e il banjo da una parte e l’elettronica
“europea” dall’altra.
Vorrei sapere come vi è arrivata
l’illuminazione che ha portato
all’accostamento
È nato in maniera abbastanza
naturale, in particolare l’avvicinamento
di Gnappo all’elettronica
(originariamente bassista) e
di Nicola al banjo e al bluegrass
(lui ha cominciato con la tromba)
hanno sicuramente dato una spinta
importante a questo processo.
L’ingresso nel gruppo di Roberto,
producer con alle spalle vari progetti
musicali, ha contribuito a
rafforzare la parte elettronica del
progetto. In realtà non
è stato troppo difficile
trovare elementi simbiotici
nei due generi,
la famosa cassa dritta
dell’elettronica non è altro
che la cassa battente
utilizzata nel folk e nel
country, i roll del banjo
sono assimilabili agli
arpeggiatori dei synth
usati molto nell’elettronica,
eccetera. Anche il
tipo di cantato usato da
noi prende molto dal
folk tradizionale americano,
ma ha spiccati
rimandi alle voci usate nell’elettronica
più indie di matrice inglese e
tedesca.
Perché questo rappresenta un
“Turning Point” per voi?
Veniamo da un periodo in cui ci
sono stati molti cambiamenti nelle
vite di noi quattro, ognuno per
motivi diversi. Una volta finito il
disco abbiamo notato che il cambiamento
era il filo conduttore di
tutti i brani, quindi è stato naturale
prendere Turning Point, il titolo
della della seconda canzone, come
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elemento fondativo di tutto il lavoro.
È diventato un po’ un simbolo.
Trovo “Due” la canzone più interessante
del disco: come nasce?
È nata principalmente da Gnappo,
dalla sua passione per una certa
scena elettronica downtempo
tedesca e inglese,
poi la mia propensione
naturale a trovare melodie
su quelle sonorità e
la vena indie di Lorenzo
e Nicola hanno fatto il
resto.
Benché la vostra musica
potrebbe suggerire anche
qualche fuga dalla
realtà, siete ben ancorati
a ciò che vi accade intorno.
Di che cosa raccontano
i vostri testi?
Come abbiamo detto
prima, il cambiamento è la tematica
che più accomuna le canzoni,
e quindi i testi, del disco. Sia esso
personale o sociale, positivo o negativo,
frutto di una scelta o di un
processo inevitabile. I vari brani
declinano questa tematica nelle
maniere più diverse. Nessuno dei
testi è però diretto, lascia all’ascoltatore
la possibilità di interpretarlo,
un po’ per nostra scelta. Forse
scrivere in una lingua straniera
aiuta questo tipo di attitudine.
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JACK JASELLI
Prodotto da Max Casacci, cantato per la prima volta tutto in italiano,
“Torno a casa” è il nuovo disco del cantante e chitarrista milanese
Mi sembra che il titolo del disco,
Torno a casa, abbia significati,
anche sonori, piuttosto chiari:
vuoi parlarne?
Ho scelto il titolo Torno A Casa
per varie ragioni, senza dubbio
quella geografica è fra le più evidenti.
Il precedente disco è stato
scritto e registrato interamente
negli Stati Uniti, questo è stato
composto, prodotto ripreso e
mixato in Italia. Ho cambiato lingua,
dopo tre album cantati in inglese
ho deciso di usare l’italiano.
Anche se da un lato questo rende
Torno A Casa una sorta di punto
di partenza più che un ritorno,
rappresenta in realtà un cominciare
nuovamente a guardare più
vicino, al nostro Paese, porlo al
centro della mia attenzione dopo
aver a lungo rivolto lo sguardo
verso orizzonti più distanti e spesso
sconfinati.

Scrivere e cantare italiano ha
cambiato in qualche modo il tuo
metodo di lavoro?
Per scrivere e cantare in italiano
brani che fossero miei e non destinati
a qualche collega ho dovuto
per prima cosa rieducarmi a
sentire e pensare la mia musica in
italiano. Le regole della metrica,
della fonetica e perfino della poetica
cambiano radicalmente, e la
traslazione o trasposizione di un
sound non è una strada praticabile,
o almeno non lo è stata per me.
Per questo ho scritto alcuni brani
insieme ad alcuni musicisti che
stimo particolarmente e che ho la
fortuna si poter chiamare amici,
come Chris Lavoro e Max Elli.
Si è trattato di reinvenzione, bellissima,
appassionante e appena
iniziata.
Che cosa ha rappresentato la
produzione di Max Casacci, produttore
esimio e “mente” dei
Subsonica, per questo disco?
La fortuna e l’importanza di poter
lavorare insieme a Max Casacci
sono andate oltre il lavoro di
studio. Max è un vero maestro, e
come sapete oltre a essere un musicista
e un produttore sopraffino
è un intellettuale. Ho fatto tesoro
delle sue parole sia nel tempo
trascorso in studio che durante le
nostre lunghe chiacchierate tori-
nesi. Credo che abbia da subito
capito quale fosse la strada migliore
per i provini chitarra e voce
chi ha ascoltato. Abbiamo fatto un
disco pop in un’accezione molto
ampia e musicalmente la sua inclinazione
“elettronica” ha spinto
senza mai forzare le canzoni oltre
il margine delle mie abitudini, il
che è sempre un bene.
Abbiamo sempre lavorato col sorriso,
il che non capita sempre.
Non avrei potuto avere un mentore
migliore per il mio primo disco
in italiano e credo allo stesso tempo
aver trovato un vero amico.
Come nasce Balla, che hai anche
scelto come singolo?
Balla è una canzone nata nell’inverno
milanese a casa di Andrea
Mazzantini in arte Mazay, noto
producer e dj. Collaboriamo da
tempo e per una volta abbiamo
deciso di fare le cose in modo
diverso e ho provato a cantare
e scrivere in italiano su una sua
base dalla forte spinta dance.
Ne è nata questa sorta di tragedia
d’amore che si consuma su una
pista da ballo. Quando Max ci ha
prodotto il brano, le chitarre alla
Nile Rodgers ci sono sembrate
d’obbligo e in qualche modo questa
canzone si trova a far coesistere
una componente ddm, una
dance-funk e una cantautore.
Mi incuriosisce molto anche
Quando saremo robot, teoricamente
sottoposta a incubi da Intelligenza
Artificiale ma in realtà
molto dolce e anche piuttosto
“acustica”…
Sono affezionato a Quando Saremo
Robot. E’ una delle primissime
canzoni che io abbia scritto in
italiano. E’ una riflessione leggera
su quanto sia importante la nostra
componente umana. Su quanto
i nostri limiti, i nostri spigoli e il
nostro essere “altro da” sia in realtà
ciò che ci permette di vivere,
e se siamo fortunati abbastanza,
di costruire un amore. Se fossimo
lisci, senza attriti e parti ruvide le
cose e le persone ci scivolerebbero
addosso in silenzio. Con le nostre
umane, universali e inevitabili
ammaccature siamo come pezzi di
un puzzle che con un po’ di lavoro
e di ricerca possono trovare i loro
incastri e perché no, intravedere
un disegno più grande.
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JESUS FRANCO
& THE DROGAS
Tre anni dopo, ecco il ritorno di una band che fa un “rock’n’roll transgender”,
con evidenti tracce noise: il nuovo disco è “No(w) future”
“No(w) Future” è sia un richiamo
ai Sex Pistols sia un aggiornamento
contemporaneo del discorso:
da che tipo di ispirazioni,
e di incazzature, nasce il vostro
nuovo disco?
Le nostre principali ispirazioni
nascono da ciò che leggiamo,
ascoltiamo e viviamo in prima
persona. Visti i repentini muta-
menti della società e dell’ essere
umano che stiamo vivendo
in questi tempi, abbiamo notato
come certe “profezie” (vedi 1984
di G.Orwell) si stiano avverando e
stiano portando noi esseri umani
ad una totale “disumanizzazione”
a favore di un “turbo consumismo”
che distrugge irrimediabilmente
la nostra umanità e la nostra
natura. Concetti espressi dalla
controcultura punk/Hardcore e
D.I.Y già dal 1977, ma anticipata
anche da gente tipo Stooges,
Doors e Velvet Underground. Per
quello che riguarda il richiamo
ai Sex Pistols, diciamo che preferiamo
un richiamo direttamente
a Johnny “Rotten” Lydon, sicuramente
la personalità più affine
al nostro modo di vedere le cose
all’interno dei Pistols, che secondo
noi, ha dato il meglio di se nei
mitologici P.I.L. Le “incazzature”
che hanno portato al nostro nuovo
disco vengono dalla politica e
da come ormai la musica sia solo
esclusivamente un prodotto da
condire con griffe e messaggi stupidi
per adolescenti lasciati soli
da un sistema che punta ad avere
solo consumatori e non cittadini
“pensanti”. Probabilmente è sempre
stato così, ma periodicamente
nelle decadi passate, alle grandi
major il giocattolo della musica è
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sfuggito di mano più di una volta;
managers coraggiosi hanno
puntato su gruppi “diversi” dal
sound mainstream (basta pensare
cosa ha generato l’arrivo su major
dei Sonic Youth... Ha sintetizzato
molto bene questo concetto il
grande Frank Zappa su un celebre
video, ora su youtube: “ci mancano
i tempi dei produttori col sigaro
che non capivano un cazzo di
musica”.
Mi ha sorpreso del vostro disco il
fatto che, benché palesemente se
ne fotta delle mode, riesca a suonare
comunque molto “contemporaneo”:
come e quanto avete
lavorato al sound?
Sì, siamo lontani dagli stereotipi,
odiamo i cliché di genere. Il
nostro sound nasce sotto un impeto
punk rock’n’roll e noisy che
ci siamo iniettati nel corso degli
anni aggiungendo altri combi modernizzati
di psychedelia acida,
avanguardia rockabilly cercando
di non rimanere troppo scontati
e omaggiamo tutto e tutti in un
ibrido “franchiano”.
Nonostante tutto, avete messo
una canzone di “speranza” a fondo
disco: come nasce Wake Up?
Qualcuno dirà speranza, altri tristezza.
Abbiamo voluto concederci
un angolo di meditazione e di
visione, cercando di emozionare e
far sognare più pacatamente possibile.
Insomma volevamo ipnotizzare...
in fondo questo pezzo è
la reale stima che abbiamo tra di
noi, trasmessa al mondo intero.
Leggendo le vostre note ho un
po’ paura di farvi questa domanda.
Ma cazzo, tanto rispondete
per mail, non mi potete mica
prendere a sberle da lontano:
che cosa ne pensate della musica
contemporanea?
Certo è che la produzione di musica
odierna è sterminata ed è difficile
dare un giudizio valido, ma
secondo noi la musica contemporanea
non esiste, se non come
revivalismo, più forte che nei decenni
passati. Proprio per questo
è diventato tutto più settoriale e,
in generale, ognuno si muove in
un ambito di ascolti ben definito.
Per quanto ci riguarda cerchiamo
di ascoltare e ci piacciono band di
vario genere, ma purtroppo ben
poche di quelle contemporanee.
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MAMBO MELON
Sono in tre e vengono da Cuneo: basso, batteria e flauto racchiusi in un
nuovo disco “Il Bestiario” che si muove tra post rock, mashup, bigbeat,
elettronica, synthwave, funk, retrowave, prog
Vorrei sapere su quali impulsi e
motivazioni nasce Il Bestiario, il
vostro terzo album.
La motivazione principale è sempre
quella di fare musica propria,
evolvendosi come musicisti. Nel
disco precedente, Metro Jungle, il
lavoro compositivo era stato fatto
in due. Avevamo in seguito aggiunto
il flauto, ma solo in fase di
registrazione quando i pezzi erano
già arrangiati. L’inserimento di un
nuovo musicista e l’aggiornamento
della line-up hanno stimolato
il processo creativo ma lo hanno
reso anche più complesso sebbene
avessimo ben in mente da dove
dovevamo partire e dove voleva-

mo arrivare. Tuttavia la musica
ci sorprende sempre e il risultato
è stato un evoluzione del sound.
Questo disco suona più dark e
cela meglio dietro di sé i riferimenti
da cui eravamo partiti.
Di quali animali e di quali “mostri”
è composto il vostro Bestiario?
Il nostro Bestiario non è popolato
da animali ma da persone realmente
esistenti. Entrare nel Bestiario
è come entrare in un bar
di montagna dove gli avventori
abituali si azzittiscono e si girano
tutti insieme quando entri, parlano
una lingua quasi incomprensibile,
ridono forte e bevono. E ogni
volta ci si stupisce quanto sembri
esserci una selezione naturale per
consentire l’accesso a questo luogo:
soltanto i mostri sembrano
essere i bene accetti. I personaggi
del nostro Bestiario ci affascinano
perché sono genuini, sinceri
e ci fanno sorridere. Il Bestiario è
un luogo che noi frequentiamo e
amiamo ed è stato facile utilizzarlo
come metafora per il titolo del
nostro disco.
Vorrei sapere come nasce “Lollypop”
e quanto Edoardo Vianello
nasconde nelle sue viscere.
Bella domanda. Ci dai la possibilità
di spiegare un po’ quale sia il
nostro processo creativo. L’idea di
base era quella di giocare attorno
a un riff ripetitivo ma che girasse
una volta in battere e una volta in
levare. Abbiamo quindi ricampionato
un riff a caso di chitarra
elettrica che ha creato l’ossatura.
Volevamo inoltre utilizzare un
campione vocale di Lollipop delle
Chordettes che però abbiamo
scartato, seppur abbia dato il titolo
al pezzo. Abbiamo poi incastrato
le nostre improvvisazioni strumentali
con i campioni scelti in
precedenza. La scelta dei samples
in questo caso è stata abbastanza
facile (altre volte lo è stata meno):
volevamo assolutamente utilizzare
dei campioni di fiati perchè risuonavano
nella nostra testa come
adatti al pezzo. Cercavamo però
qualcosa di particolare che sapesse
di canzoni pop anni 60 e/o Jazz.
Ed ecco che Edoardo Vianello, ma
soprattutto Sonny Rollins sono
venuti in nostro aiuto. In questo
caso i campioni li abbiamo adattati
al pezzo, altre volte
cambiamo la tonalità. In
fine abbiamo sgrossato il
tutto con l’arrangiamento.
Di solito dopo una trentina
di revisioni il pezzo
funziona per noi e lo consideriamo
finito.
Dopo Metro Jungle avete
fatto un lungo tour che vi
ha portati anche all’estero.
Pianificate qualcosa
di simile anche questa
volta?
Ci piace riprendere quanto
detto da Bob Corn
durante un suo recente
concerto qui a Cuneo. Secondo
lui il tour è uno stato mentale in
cui il musicista perde i riferimenti
della sua vita quotidiana. L’unica
preoccupazione diventa dove si
suonerà il giorno dopo, quanto
dista il locale e a che ora si dovrà
essere lì. E’ fortunato chi ha
provato questo stato. Noi siamo
completamente d’accordo, ci piace
essere in tour. Per l’uscita del disco
abbiamo pianificato una serie
di concerti spot in giro per l’Italia
magari combinando un paio di
date. Questa modalità è quella che
al momento pare funzionare meglio
anche perché i locali in Italia
organizzano prevalentemente il
venerdì e il sabato e bisogna anche
far quadrare la vita di ognuno di
noi al di fuori dei Mambo. Per un
vero e proprio tour si vedrà in futuro.
Tre nomi che vi piacciono particolarmente
nella musica italiana
di oggi.
Dunk (perché racchiude le anime
dei Verdena e di Giuradei), Calibro
35, Massimo Volume.
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MATTEO TOSCANO
“Cambiare vista” è il primo singolo del cantautore ligure, con la collaborazione
di Emanuele Dabbono e con un lavoro più esteso in arrivo
Che cosa ti va di raccontare della
tua carriera fin qui?
Più che carriera preferisco chiamarla
strada. Di carriera possono
parlare i grandi e la strada è lunga.
Chissà. Della mia strada fino a
ora posso raccontare che è partita
come un’esigenza, e lo continua a
essere. Quando ero piccolo chiuso
in cameretta ho cominciato a
usare il pettine come microfono e
i miei genitori hanno capito ben
presto che ero leggermente malato
di musica e allora sono iniziate
le esibizioni, lo studio e poi la
scrittura. Dopo anni di concorsi
e esperienze nel 2010 ho registrato
il mio primo brano La nostra
favola e da lì ho cominciato a
scrivere. Nel 2016 l’incontro con
Emanuele Dabbono mi ha portato
alla scrittura di molti testi e finalmente
quest’anno i tempi erano
maturi e si parte con Cambiare
vista.
Come nasce “Cambiare vista”?
Cambiare vista nasce
dall’esigenza di cambiare
prospettiva dopo determinate
situazioni. Senza
stravolgere tutto ma semplicemente
cambiando
angolo di visuale. Vedi in
modo diverso e affronti
tutto in un altro modo. È
stata una canzone anche
terapeutica.
Che cosa ti ha regalato
lavorare con Emanuele
Dabbono?
Emanuele Dabbono è un
amico ed è una persona stupenda,
con lui non è lavoro, è puro
divertimento. Si parla, si leggono
testi, nasce l’idea, si suona, si arrangia,
si canta e si ride, tanto.
Hai in preparazione un nuovo
disco: ci vuoi raccontare qualcosa?
Ci sto lavorando ora. È ancora
tutto work in progress. Sicuramente
ci tengo a essere vero e
sarà un lavoro che curerò molto.
Sto pensando se fare uscire
prima altri brani singoli oppure
un prodotto intero. Insomma, lo
scopriremo solo scrivendo.
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33

LIGHT IN THE SKY
La band ligure pubblica “Revolution”, compendio di dieci anni di carriera
e spinta verso un futuro brillante e molto rock
Qual è la storia dei Light in the
Sky?
La storia dei LiTS inizia alcuni
anni fa dall’incontro tra Lorenzo
Vassallo, Teodoro Chighine e
Tony Randello, e dà il via ad un
percorso di amicizia e collaborazione
musicale, che sebbene in
un primo momento sia improntata
su una dimensione per lo più
live dove si dà ovviamente ampio
spazio anche alle cover, ha fin
da subito l’obiettivo di arrivare a
comporre dei brani inediti, fino
ad arrivare circa due anni fa alla
decisione di concretizzare il materiale
accumulato in questi anni
dando vita a Revolution.
“Revolution” è un titolo importante.
Da cosa nasce?
Abbiamo scelto questo titolo perché
incarna il grande desiderio di
cambiamento interiore che è alla
base del nostro percorso, musicale
e non solo. Revolution è un
viaggio attraverso 13 tracce/storie,
nelle quali raccontiamo dal nostro
punto di vista quello che è stato il
viaggio di tutti questi anni alla ricerca
di sé stessi, affrontando quel
muro di paure, schemi e preconcetti
che spesso impediscono di
poter realizzare ed esprimere liberamente
sé stessi, per poter attuare
un profondo cambiamento, ovvero
una piccola ma grande rivoluzione
interiore.
Ci potete raccontare come sono
andate le lavorazioni del disco?
La lavorazione del disco è stata
un percorso lungo e difficile, ma
dall’altro lato
anche estremamente
affascinante
ed
interessante,
in quanto ci
ha permesso
di confrontarci
con quanto
effettivamente
stia dietro alla
lavorazione di
un album, e allo stesso tempo ci
ha dato l’opportunità di collaborare
con professionisti del mestiere
quali il Maestro Gianni Serino
in fase di produzione o il Drum
Code Studio per il mixing e il mastering
finali.
Il disco racchiude brani scritti
nel corso del tempo oppure è la
fotografia di questo momento?
Beh, quasi tutti i brani sono di
composizione recente, ma in un
certo senso potremmo dire che
questo disco è la fotografia del
percorso di crescita personale ed
artistica di questi anni ma guardata
con gli occhi di “oggi”.
Come nasce “Taxi Driver”? Ci
sono riferimenti a Bob De Niro?
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Taxi Driver ha fin da subito avuto
una sonorità che richiama atmosfere
molto “urban”, e siccome
Revolution è stato concepito come
una sorta di viaggio, abbiamo ritenuto
che la figura che meglio
potesse condurci lungo appunto
questo viaggio, fosse quella del
tassista. Il Taxi Driver, soggetto in
un certo senso un po’ criptico ed
oscuro, incarna infatti molto bene
l’immagine di “Caronte”, colui che
traghetta, in un certo senso, le
anime, creando una sorta di legame
con il proprio passeggero, percorrendo
insieme a lui un tratto di
strada, e di vita. In questo, a nostro
vedere, richiama decisamente
il personaggio di De Niro e le atmosfere
del film.
Che cosa si può aspettare chi viene
a vedervi dal vivo?
A noi piace vivere i live come momenti
di condivisione, in cui il
pubblico non sia distante ma in
un certo senso sul palco insieme a
noi. Per questo mettiamo sempre
tanta energia nei nostri concerti
per cercare di coinvolgere il più
possibile chi viene a sentirci.
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GLUE’S AVENUE
Si chiama “Glues” il disco d’esordio della band ligure nata nel gennaio
2018. Il nuovo disco mette in rilievo l’eclettismo del trio e la
sintonia già raggiunta
Soltanto un anno di vita e siete
già all’album d’esordio. Come
avete fatto a ottenere già l’amalgama
giusto per arrivare al debutto
con “Glues”?
Andrea: Un anno di vita insieme,
ma un trio consolidato da esperienze
ben distinte. Nessuno di
noi si è mai seduto a riflettere o
si è sforzato di cercare qualcosa:
probabilmente dovevamo solamente
incontrarci, e così è stato.
La nostra forza è la stima e il rispetto
reciproco, il resto o in questo
caso “l’amalgama”, è il nostro
esprimerci in modo naturale e
spontaneo.
Che cosa vuol dire e a cosa fa riferimento
il nome “Glue’s Avenue”?
Roberto: E’ semplicemente ispirato
alla strada in cui siamo cresciuti
io e Lorenzo, Strada alla Colla,
“colla” sarebbe un modo ligure di
definire la collina, ma la parola
Glue’s suona un po’ come Blues e
l’abbiamo preferita alla traduzione
letterale “Hill”. Strada alla colla è
una strada della periferia sanremese,
apparentemente tranquilla,
ma piena di personaggi molto pittoreschi
del passato e del presente
che sono citati, alcuni di loro, in
qualche canzone dell’album.
Citate i cantautori italiani ma
anche gli Eagles fra i vostri
“numi tutelari”. Qualche altro
nome da aggiungere alla lista?
Lorenzo: Oltre al suonare e scrivere
mi piace molto dedicarmi
all’ascolto; ho avuto la fortuna
di crescere in un ambiente
dove la musica è un importante
elemento di educazione
e cultura, perciò ho conosciuto,
ammirato e studiato
musicalmente e storicamente
parecchi gruppi e artisti di
cui sono appassionato ancora
oggi. Chitarristicamente,
ma non solo, aggiungo alla
lista Eric Clapton assieme ai
Cream il gruppo con cui si è
affermato; la sua musica suona da
sempre nella mia vita così tanto
che mi innamorai della chitarra
elettrica cominciando a studiarla,
lui è stato il primo di tanti altri
come Jimi Hendrix, i Dire Straits,
Beatles, Queen, Led Zeppelin, fino
a spaziare in altro genere come
Stevie Wonder e i Tower of Power.
Molto spesso con Roberto e Andrea
ci dedichiamo agli ascolti
facendo uno scambio delle nostre
influenze musicali attraverso i dischi
più significativi fino a fare
ricerche in rete ascoltando altri
lavori meno conosciuti e guardando
diverse interviste di backstage
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o altro. Tutto questo senza dubbio
ha creato un sound nei Glue’s
Avenue dall’esecuzione delle cover
fino alla realizzazione del disco
“GLUES”.
Nel disco è presente un elemento
swing ma si capisce anche lo
sforzo di far sì che le canzoni
suonino tutte diverse una dall’altra.
E’ stato complicato o vi è venuto
spontaneo?
Roberto: Ci fa piacere che si percepisca
un’influenza swing nel disco,
pur non essendoci una vera e
propria canzone swing. Ci fa piacere
perché in realtà il trio è nato
proprio con questa impronta, anche
se in pochi mesi ci siamo trovati
ad arricchire il repertorio con
cover di ogni genere in maniera
molto spontanea così come
il nostro disco. Possiamo
dire che ogni canzone di
“GLUES” è a sé, non abbiamo
mai pensato di prefissarci
dei limiti con un solo
genere, nulla è stato pensato
a tavolino, è venuto, ci è
piaciuto e l’abbiamo fatto.
Vorrei sapere come nasce
Gally e perché l’avete scelta
come singolo?
Andrea: Penso che non ci sia rifugio
più intimo e angosciante
come la notte e i propri pensieri
spiattellati al muro.
Un momento per noi stessi, un
momento dove non si può barare
e dove la verità può scatenare
emozioni capaci di destabilizzare
o di arricchire ciò che non si conosce.
Gally è uno sfogo, un confronto,
un urlare contro ciò che
fa paura, contro verità che non
possiamo né vogliamo cambiare.
Tutti possiamo ritrovarci in questa
canzone bellica di sentimenti,
allora perché non far emergere
come status quo Gally e presentarci
con un equilibrio di emozioni?
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ALESSANDRO SIPOLO
Arrivato al suo terzo album, “Un altro equilibrio”, il cantautore propone
atmosfere personalissime e lontane da quanto ci si aspetta da un artista
“indie”, sa regalare le sensazioni di un viaggio in terre lontane o di un
buon libro letto tutto d’un fiato. Gli abbiamo fatto qualche domanda per
sapere cosa muove un animo così raffinato
Un altro equilibrio è un titolo
azzeccato per descrivere la tua
arte, non solo l’ultimo album.
Mescoli parole, suoni e atmosfere
creando un equilibrio magico
e distante dalle mode del momento.
Questa armonia è frutto
di un lungo processo creativo?
Be’, innanzitutto grazie per questa
considerazione generosa. Le
mode effettivamente non mi hanno
mai appassionato. “Moda”, del
resto, è un concetto matematico.
E’ semplicemente “il valore più
frequente”. Non necessariamente
il migliore. Il mio modo di scrivere
e comporre è effettivamente
piuttosto distante dalla musica
che oggi va per la maggiore. Non
per questo mi ritengo inferiore o
superiore a qualcun altro. Credo
semplicemente di aver sviluppato
uno stile e un gusto personale.
Dietro ogni tuo testo ci sono
persone, luoghi, sensazioni. Ho
avuto la fortuna di assistere a
un tuo concerto qualche anno
fa, e sentir raccontare i retroscena
dei tuoi brani è sicuramente
stato fondamentale per poterli
apprezzare fino in fondo. Sicuramente
incuriosisce sapere
qualcosa in più sullo Sciamano
bianco, uno dei protagonisti che
sembra di poter toccare, come
era stato per Arnaldo, Denoda e
Gagiò Romanò...
Lo sciamano bianco racconta il
rapporto di fiducia e cura tra due
persone a me care, uno psicologo
italiano (scherzosamente definito
nel brano “lo sciamano bianco”)
e un ragazzo africano, rifugiato
in Italia. Quello psicologo, Federico,
era mio collega, nel progetto
SPRAR della città di Brescia, ed è
mancato improvvisamente, all’età
di 29 anni. Volevo scrivere un
brano che lo ricordasse. Che ricordasse
la sua intelligenza, la sua
apertura verso le persone di origine
straniera, la sua competenza
etno-clinica. E che ricordasse il
prezioso aiuto prestato a quel ragazzo
maliano.
I riferimenti culturali non mancano:
dal mito di Sisifo a Calvino
e alle sue città invisibili, alla ricerca
di un equilibrio e di risposte,
si muovono in un contesto
particolarmente impegnativo e
arido di risposte. La musica intesa
come impegno appartiene forse
a un momento storico lontano,
non hai timore di precluderti
la possibilità di sfondare definitivamente,
di fare il salto?
Guarda, come avrai dedotto ascoltando
Mostar, l’unico “salto” che
credo di poter fare è quello dal
ponte… A parte gli scherzi, sono
pienamente consapevole che il
tipo di musica che compongo e
canto non è attualmente il più
ambito dal mercato discografico.
Detto questo, non mi interessa
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apparire diversamente da quel
che sono, né francamente sarei in
grado di farlo. Non per questo mi
ritengo più “impegnato” di altri
autori. Credo che ciascuno racconti
le cose che più gli premono.
Evidentemente, ho interessi diversi
dalla maggior parte degli artisti
miei coetanei. Tutto qui. Negli ultimi
mesi mi sono sentito oppresso
da un paese inaridito, spesso
frustrante, da un punto di vista
culturale e politico. Ho cercato di
non cedere allo sconforto, inseguendo
un equilibrio differente,
appunto. Come ci insegna Camus,
nel suo Il mito di Sisifo, il peso
delle conseguenze delle nostre
scelte a volte pare schiacciarci, ma
può regalare la meraviglia quotidiana
della libertà…
Il viaggio è un po’ il centro di
questo lavoro, che sia nel mondo
o dentro di sé. Quali sono i
luoghi a cui sei maggiormente
legato? Quali i viaggi che hanno
saputo toccarti al punto da farti
cambiare punti di vista, da sradicare
convinzioni, da allargare
orizzonti?
Per questo disco, i due viaggi fondamentali
sono stati quelli in Vietnam
e in Senegal. Certamente
non sono stati abbastanza lunghi
da consentirmi di approfondire la
realtà sociale di quei paesi, com’era
stato invece per il Perù, dove
ho vissuto un anno. Però mi hanno
permesso di vivere momenti
indimenticabili, come per esempio
una lunga cavalcata in moto,
a nord, vicino al confine cinese.
Oppure di conoscere e rispolverare
storie dimenticate, come quella
dei “tirailleurs”, giovani africani
razziati dai villaggi per ingrossare
le fila dell’esercito francese. Quei
militari hanno combattuto anche
in Europa. Anche a difesa dei
nostri confini. Riportare alla luce
una storia come quella, cantarla
insieme a un grande artista senegalese
come Dudu Kouaté, mi è
sembrato un doveroso gesto artistico
e politico, in risposta agli
egoismi europei che oggi sembrano
prevalere.
Di solito chiudiamo le nostre
interviste con la playlist. Oltre
a regalarci qualche brano a cui
sei particolarmente legato, ti
va di consigliare qualche lettura,
film o quello che ti viene in
mente per spingersi ancora un
po’ nel tuo mondo?
Volentieri.
Dunque, per quanto riguarda
questo disco, oltre ai testi già citati
(Le città invisibili e Il mito di
Sisifo), direi I dannati della terra
di Fanon e Diario di un bevitore
di London.
Qualche brano?
Hold on di Tom Waits, Yamore di
Salif Keita e Cesaria Evora, Road
di Nick Drake.
Chiara Orsetti
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BAUSTELLE
“GOMMA”
#quellochesentivo
Quasi vent’anni fa i Baustelle pubblicavano il disco d’esordio, “Sussidiario
illustrato della giovinezza”(2000). Nel disco trova posto “Gomma”, canzone
nella quale è già possibile scorgere tutto lo stile di Bianconi e compagni,
ripubblicata nel 2010 come singolo estratto da “Cofanetto illustrato della
giovinezza”, riedit del primo, ormai introvabile, album
Era settembre, e ogni volta che
l’estate finisce niente è come sembra.
Perché lo so che sembravo
sicura, con le sigarette a coprirmi
di fumo e quella sete mai placata.
Invece non avere molto da vivere
sembrava la sola consolazione.
Settembre spesso ad aspettarti
e giorni scarni tutti uguali
fumavo venti sigarette
e groppi in gola e secca sete di te
tue cartoline-condoglianze
“hello bastardo ci vediamo”
l’adolescenza che spedivi
sulle mie tenebre incestuose-osé
ed il futuro stava fuori
dalla new wave da liceale
così speravo di ammalarmi
o perlomeno che si infettassero i bar
Era novembre. La voglia continuava
a non placarsi, nemmeno
cercando distrazione tra vertigini
sintetiche e patinate, potenzialmente
consolatorie, evidentemente
inutili.
Novembre mio facevi freddo
la fronte frigo il polso a zero
sporcare specchi era narcosi
“potrei scambiare i miei ‘Le Ore’
con te?”
Tremavo un po’ di doglie blu
e di esistenza inutile
vibravo di vertigine
di lecca-lecca e zuccheri
Era agosto. Il freddo aveva smesso
di essere reale, passava solamente
dal cuore, come residui di
una primavera che aveva tardato
troppo ad arrivare.
Vespe d’agosto in caldo sciame
per provinciali bagni al fiume
mi pettinavo un po’ all’indietro
superficiali ricreative pietà
Sabato sera dentro un buco
e disco-gomma-americana
leccavo caramelle amare
e primavere già sfiorite con te
Non sapevi passare, come le
mode che vedi addosso a tutti e
su di te fanno schifo, ma non riesci
a fare a meno di indossare. E
addosso avrei voluto averti, tra le
vertigini.
E già ti odiavo dal profondo
avevo piombo da sparare
se stereofonico posavo
d’imbarazzante giovinezza lamé
E fantascienza ed erezioni
che mi sfioravano le dita
tasche sfondate e pugni chiusi
“avrei bisogno di scopare con te”
Chiara Orsetti
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