Billions of Suns

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Introduction / Introducción
Julia Scher
FULL SPECTRUM
EQUINOCCIO
EL CIELO QUE CAE
CÁMARA SOLAR
And then it is night /
Y de pronto anochece
Raúl Zurita & Elisa Balmaceda
THE NATURE OF THINGS
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
VICTORY OVER THE SUN
TAYPI. 10000 SOLES
Biography / Biografía
Acknowledgments /
Agradecimientos

Billions
of Suns
Elisa Balmaceda utilizes time, architecture and physics to perform
specific episodes that are particular to the universe. The focus of
her work is finding, organizing and transposing light, energy, experience
and the poetics of the sun. These episodes involve the peculiarities
of the landscape and all of its histories within art, night, day, and the
in-between worlds that permeate the energy of their systems.
The issues that concern her are raised side by side with an attention
to gender equanimity and equivalence. She approaches them with the
tactics that are unfamiliar to a normative lens of gender, and that as
such transcend it. The circulation and variations of light and landscape
become key players in a world of degrees and metrics for bodies to be
attuned to. Luminosities become mixed, electrical discharge between
body and sun bring recombination; and invisible architectures are
formed between the two. There is a search for new questions of human
prosperity and the universe itself.
It is a work that beckons us to the fact that there are billions and
billions of suns. Within the different sections of her oeuvre, we are
presented perhaps with a new syntax for art, one that explores a world
in which all of these suns are made immediately present in our lives.
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The System
For Balmaceda, the experience of the system might be the most important
and valuable when making art. Her art signals a co-existence of
entities, a dialogue that is not just a video or projection of physicality
in the space. There is a tension, both neural and psychic, between the
networked landscape and the natural one; the man-made infrastructure
upon the land and urban space, which in turn is interfered with and determined
from natural infrastructures.
Chroma
An idea of origin and beginning, the source for building upon and identifying
surrounding environments. The body moves through color, both
manifest and invisible, and is as elemental as fire, water, air, earth. It is
also primal, and to the body is its charms, auras, from shared spiritual
histories that combine across a spectrum the identities of east / west,

north / south relationships. Chroma is the exposure of bodies to time.
Bodies become the constellation of chroma over space.
Blue – Screens and Skies
In her work she recognizes the capacity of blue to include all contradictions,
and therefore include all problems and solutions. Cyanotypes
and their peaceful images provide enough space for the desert and the
burning, bountiful sun to reflect upon each other, to learn from each
other, to gift each other. Videos demonstrate vocabularies of mixed
formats. In language, as blue as it is, a woman alone is not connected
to any male hierarchy, but is connected to light, to energy itself.
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Black
The physical worlds of math run throughout the practice. It is an energy
that is postulated between waves and frequencies, an interstitial event
space, in which elements combine and affect each other. It is a market
that allows for research to be bartered with the cosmos, allowing collaboration
between a roaming and layering of topologies, opening corridors
for a new humanitarianism. She aims towards social and psychic reform,
and battles for energy and community.
The Archive
In her research, there is an archive. Conjuring from this, we may call
it evidence production, the archive becomes the art. There is a pursuit
to make solar studies less fragmented than what is traditionally found
within academia. The viewer remains in diagram and dialogue with
her research, which is made real and substantial—removed from its
restraints of information-heavy didacticism—by close engagement
with the natural processes of the sun and its chromatic spectrum.
The archive, like light, is an invisible architecture that binds bodies
and histories together.
Power
Where else does it reside but in the sun, from origin to energy, with
the plural possibilities of phasing in and out of dreams, recorded and
transformed, reordered and reformed. Light is the guiding instance in
the work. Looking at the sky and finding a loss of control, but looking
in and finding a chromatic expansion of history that brings connection,
discovery, and revelation.

Billones
de soles
Elisa Balmaceda utiliza el tiempo, la arquitectura y la física para
representar episodios específicos que son únicos en este universo.
Su trabajo se enfoca en encontrar, organizar y transponer la luz, la
energía, la experiencia y la poética del sol. Estos episodios involucran
las particularidades del paisaje y todas sus historias dentro del arte,
como el día, la noche, y los mundos intersticiales que permean la
energía de sus sistemas.
Los temas que le interesan son presentados a la par de una atención
a la ecuanimidad y equivalencia de género. Los aborda con tácticas
que le son desconocidas a la mirada normativa de género, y como tal
consiguen trascender a esta. Los circuitos y variaciones de la luz
y el paisaje se vuelven actores clave en un mundo de gradaciones
y mediciones a los que los cuerpos se ajustan. Las luminosidades se
mezclan, la descarga eléctrica entre el cuerpo y el sol genera una recombinación;
y entre ambas se forma una arquitectura invisible. Hay una
búsqueda de nuevas preguntas sobre el porvenir de la humanidad
y el universo mismo.
Es una obra que nos invita a apreciar el hecho de que existen
billones y billones de soles. Dentro de las distintas secciones de su
trabajo nos entrega quizás una nueva sintaxis para el arte, una que
explora un mundo en el cual todos estos soles se hacen presentes en
nuestras vidas de forma inmediata.
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El sistema
Es posible que para Balmaceda la experiencia del sistema sea
la más importante y valiosa a la hora de hacer arte. Su obra apunta
a una coexistencia de entidades, un diálogo que no es tan solo un
video o una proyección de lo físico en el espacio. Hay una tensión,
tanto neural como síquica, entre el paisaje en red y el paisaje natural;
la infraestructura que el hombre ha impuesto sobre territorios y
espacios urbanos, que a su vez es determinada e interferida por las
infraestructuras naturales.
Chroma
Una idea del origen y el comienzo, la base sobre la cual construir e

identificar a los elementos circundantes. El cuerpo se mueve a través
del color, tanto del manifiesto como del invisible, y es algo tan elemental
como el fuego, el agua, el aire o la tierra. También es algo primario,
y es para el cuerpo como sus hechizos, sus auras, que vienen de
historias espirituales comunes que combinan, a través de un espectro,
las identidades y relaciones este / oeste, norte / sur. Chroma es la
exposición de los cuerpos al tiempo, y estos se vuelven la constelación
del chroma sobre el espacio.
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Azul – Pantallas y cielos
Su obra reconoce la capacidad del azul para incorporar a todas las
contradicciones, y por ende a todos los problemas y soluciones.
Los cianotipos y sus pacíficas imágenes entregan espacio suficiente
para que el desierto y el sol ardiente y abundante se reflejen entre sí,
aprendiendo el uno del otro, entregándose. Los videos demuestran
vocabularios de formatos mixtos. En el lenguaje, por azul que se vea,
una mujer sola esta conectada no a alguna jerarquía masculina, sino
que a la luz, a la energía misma.
Negro
Una arquitectura de la invisibilidad. Los mundos corpóreos de la matemática
recorren toda esta práctica. Es una energía que se postula
entre las ondas y las frecuencias, un espacio intersticial de eventos,
en donde los elementos se combinan y afectan entre sí. Es un mercado
que permite que la investigación regatee con el cosmos, permitiendo así
la colaboración entre el deambular y la estratificación de las topologías,
abriendo caminos para un nuevo humanismo. Balmaceda apunta a una
reforma síquica y social, y batalla por la energía y la comunidad.
El archivo
En su investigación hay un archivo. A partir de este podemos conjurar
una producción de evidencia, el punto en el que el archivo se vuelve
arte. Hay un afán de hacer de los estudios solares algo menos fragmentado
de lo que han sido tradicionalmente en el mundo académico. El
espectador se mantiene en el diagrama y el diálogo dentro de la investigación
de Balmaceda, pues esta se vuelve real y sustancial—liberada
de las cadenas del didacticismo saturado de información—mediante la
interacción cercana con los procesos naturales del sol y su espectro
cromático. El archivo, como la luz, es una arquitectura invisible que une
y conecta a los cuerpos y a las historias.
Poder
Dónde más reside sino en el sol, desde el origen a la energía, con una
pluralidad de posibilidades de aparición y desaparición en los sueños,
registrado y transformado, reordenado y reformado. La luz es el principio
guía de la obra. Mirar al cielo y dar con una pérdida del control, pero
mirar hacia adentro y encontrar una expansión cromática de la historia
que trae conexión, descubrimiento y revelación.

FULL SPECTRUM
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p. 15-17, 28-29, 30-31, 42
SPECTRAL CORRIDOR
Holographic plastic film, curtain tracks,
window, sunlight, plexiglass mirror
Cologne, 2014
p. 18-19
ANDROMEDA M31 (Mise-en-Abyme)
HD video, sound
09:40 minutes
Cologne / Berlin, 2015
p. 22-25
AURA PORTRAIT SERIES
Large format camera, Instant 4x5 inch
Polaroids, holographic film, light-box
Cologne, 2015
p. 26-27
PARANAL (VLT)
HD video, digital sound
09:30 minutes
Atacama / Cologne, 2014
p. 32-33
THE LIGHT BETWEEN US
Found seats, plants, self-made lamp that
simulates sunlight
Cologne, 2014
p. 34-35
SPIRIT PHOTOGRAPHY
Series of photograms where the light
emanated by everyday electronic devices
was exposed onto photographic paper
Cologne, 2014
p. 34 (bottom), 36-37
LIQUID CRYSTALS
Thermochromic film, metallic box, halogen
spotlight and flashlight 80x20x130 cm
Cologne, 2014
p. 38, 40-41
AUS DER LUFT
Risograph and digital print on paper
Cologne, 2014
p. 39
AURA PORTRAIT SERIES (Photobook)
Photographic paper, cardboard
Cologne, 2015
p. 15-17, 28-29, 30-31, 42
SPECTRAL CORRIDOR
Película plástica holográfica, rieles de
cortina, luz solar, ventana, espejo de
plexiglass
Colonia, 2014
p. 18-19
ANDROMEDA M31 (Mise-en-Abyme)
Video HD, sonido
09:40 minutos
Colonia / Berlín, 2015
p. 22-25
AURA PORTRAIT SERIES
Cámara de gran formato, Polaroids
instantáneas de 4x5 pulgadas, película
holográfica, caja de luz
Colonia, 2015
p. 26-27
PARANAL (VLT)
Video HD, sonido digital
09:30 minutos
Atacama / Colonia, 2014
p. 32-33
THE LIGHT BETWEEN US
Asientos encontrados, plantas, lámpara
de fabricación artesanal que simula la luz
del sol
Colonia, 2014
p. 34-35
SPIRIT PHOTOGRAPHY
Serie de fotogramas en los que se expuso
sobre papel fotográfico la luz que emiten
algunos aparatos electrónicos cotidianos
Colonia, 2014
p. 34 (bottom), 36-37
LIQUID CRYSTALS
Película termocrómica, caja metálica, foco
halógeno y linterna 80x20x130 cm
Colonia, 2014
p. 38, 40-41
AUS DER LUFT
Risografía e impresión digital sobre papel
Colonia, 2014
p. 39
AURA PORTRAIT SERIES (Photobook)
Papel fotográfico, carton
Colonia, 2015

Cologne, 2014 – 2015
Full Spectrum brings together a series of artworks that emerged
from an exchange project between visual artists and astronomers
in Cologne, Germany, between 2014 and 2015. During this period of
time, I visited laboratories, observatories and sites with astronomical
instrumentation both in Germany and in the north of Chile.
From this experience, using found materials, discarded
objects, video recordings, and 3D models, I created a series of
site-specific installations and objects for the exhibition space that
sought to explore the relationship between human body and light
(both natural and artificial), and the sun’s influence over our sense
of time / space both within and outside the architectural space.
In turn, the videos present in the exhibition alluded to the pictorial
tradition of landscape representation in astrophotography and
popular outer space imagery to reflect on the inexhaustible scientific
effort to visualize the invisible, capture the unknown, and that
which still remains unseen.
Curated by Georg Elben and Julia Höner, Full Spectrum took
place in a temporary gallery space within the premises of the insurance
company, Generali AG. Given this context, the show sought
to create a dialogue between the corporate, scientific and spiritual,
incorporating the company’s workers in two of the installations.
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Full Spectrum was curated by Julia Höner and Georg
Elben for EG Null: Raum für Junge Kunst in Cologne
between 2014 and 2015. The exhibition was
commissioned by EG Null: Raum für Junge Kunst
and the Academy of Media Arts Cologne.

Colonia, 2014 – 2015
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Full Spectrum reúne una serie de obras que surgen de un proyecto
de intercambio entre artistas visuales y astrónomos en Colonia,
Alemania, entre 2014 y 2015. Durante este periodo de tiempo visité
laboratorios, observatorios e instrumentación astronómica en
Alemania y también en el norte de Chile.
A partir de esta experiencia, utilizando materiales encontrados
y descartados, registros en video y modelos 3D, creé una serie de
instalaciones y objetos específicos para el espacio de exposición,
a través de los cuales me interesó explorar la relación del cuerpo
humano con la luz (tanto natural como artificial), y la influencia del
sol sobre nuestro sentido del tiempo / espacio, dentro y fuera del
espacio arquitectónico. A su vez, los videos presentes en la muestra
aludían a la tradición pictórica del paisaje y la representación
en la astrofotografía y al imaginario espacial, reflexionando sobre
el inagotable esfuerzo del desarrollo científico y su maquinaria por
visualizar lo invisible, lo oculto y desconocido.
Full Spectrum, curada por Georg Elben y Julia Höner, se llevó
a cabo en una galería temporal de exposiciones en las instalaciones
de la compañía de seguros Generali AG en Colonia, Alemania.
Considerando este particular contexto, la muestra tuvo por objetivo
generar un diálogo entre elementos corporativos, científicos
y espirituales, contemplando la interacción y el tránsito de los
trabajadores de la empresa en algunas de las instalaciones creadas
para este particular espacio de exhibición.
Full Spectrum fue curada por Julia Höner y Georg
Elben para EG Null: Raum für Junge Kunst en Colonia
entre 2014 y 2015. La exposición fue comisionada
por EG Null: Raum für Junge Kunst y la Academy
of Media Arts de Colonia.

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A video featuring the astrophysicist Dr. Volker
Ossenkopf, who scientifically analyzes the
wallpaper or desktop image of an Apple Macbook
Pro laptop; an astrophotography depicting
the Andromeda galaxy M31.

Video que registra al astrofísico Dr. Volker Ossenkopf
mientras analiza científicamente el fondo de pantalla
o imagen de escritorio de un ordenador portátil Apple
Macbook Pro, el cual muestra una astrofotografía de
la galaxia Andrómeda M31.
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AURA PORTRAIT SERIES
In collaboration with Kiril Nikolov
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The Aura Portrait Series consists in shooting portraits of people
standing and posing in front of a camera while being behind
a curtain made out of holographic or spectral film that resembles
a prism. Thus, the visitor creates a kind of interference within
this optical apparatus, projecting their silhouette surrounded
by colors or what is commonly called an aura: an atmosphere
or invisible emanation or field of energy believed to radiate from
a person or object.
Shootings:
#1 Museum Ludwig, Cologne, 2015.
#2 Art Cologne - International Art Fair, Cologne, 2015.
#3 EG Null - Raum für Junge Kunst, Cologne 2015.

AURA PORTRAIT SERIES
En colaboración con Kiril Nikolov
La serie Aura Portrait consiste en fotografiar retratos de personas
de pie y posando ante la cámara mientras están detrás de una
cortina hecha de una película plástica holográfica o espectral que
funciona como un prisma. La persona retratada crea así una especie
de interferencia dentro de este aparato óptico proyectando
su silueta rodeada de colores o lo que se llama popularmente un
aura: una atmósfera, emanación invisible o campo de energía que
se cree irradia de una persona u objeto.
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Sesiones:
#1 Museo Ludwig, Colonia, 2015.
#2 Art Cologne - International Art Fair, Colonia, 2015.
#3 EG Null - Raum für Junge Kunst, Colonia, 2015.

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The night of the exhibition opening, a simulation of
daylight was created from the outside as is done
in film sets, in this case to illuminate the installation
inside the gallery.
Durante la inauguración de la exposición (noche), la
instalación fue iluminada desde el exterior del espacio,
creando una simulación de luz diurna que toma como
referencia la técnica utilizada en sets de cine.
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In a geodesic dome, chairs and plants found in the
gallery building were re-positioned, creating an artificial
environment around a lamp designed to allow visitors
and workers to have exposure to daylight in the darker
months of the year. The lamp was built in order to reach
the closest artificial configuration to the spectrum of
the sun. This environment was set up as an exploration
of optical stimuli in human psychology to explore with
exhibition visitors.

En una cúpula geodésica, sillas y plantas del edificio de la
galería fueron re-organizadas, creando un entorno artificial
alrededor de una lámpara que simulaba luz diurna y en
donde los visitantes y trabajadores podían “exponerse”
en los meses más oscuros del año. La lámpara fue creada
con luz artificial cercana al espectro del sol, con el fin
de explorar los estímulos ópticos y físicos de la luz en
la psicología humana por medio de los visitantes. 33

34

A metal base covered with a material sensitive to
temperature reacted to the light-exposure from one
of the gallery’s spotlights. This surface could also be
touched by exhibition visitors, thus making visible their
fingerprints on the material for a while.
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Una base metálica cubierta con un material sensible
a la temperatura reaccionaba al calor de uno de los focos
de la galería, y también a la interacción de los visitantes
al tocarlo.

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Aus der Luft (which literally translates as “from the air”
yet also translates to “out of the blue” in its colloquial
usage) is a publication containing a dialogue / collage with
astronomer Michael Geffert.
Aus der Luft (“del aire” en alemán literal y también
“de la nada” en alemán coloquial) es una publicación
que contiene un diálogo / collage realizado junto
al astrónomo Michael Geffert.

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EQUINOCCIO
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p. 47-49, 54-57
EQUINOCCIO (installation)
Holographic plastic film, sunlight, paper,
mirror film, 3D renders, calendar
Santiago, 2017
p. 50-53
EQUINOCCIO
3D renders by Przemek Trznadel
Santiago, 2017
p. 58
EQUINOCCIO (calendar)
Color pencils and ink on paper
Santiago, 2017
p. 64
EQUINOCCIO
Digital collage (sun path and 3D render
of the gallery space)
Santiago, 2017
p. 47-49, 54-57
EQUINOCCIO (instalación)
Película plástica holográfica, luz solar,
papel, película espejo, reproducciones
en 3D, calendario
Santiago, 2017
p. 50-53
EQUINOCCIO
Renders 3D por Przemek Trznadel
Santiago, 2017
p. 58
EQUINOCCIO (calendario)
Lápices de colores y tinta sobre papel
Santiago, 2017
p. 64
EQUINOCCIO
Collage digital (recorrido del sol
y renderización en 3D del espacio
de la galería)
Santiago, 2017

Santiago
17:02 h, September 22, 2017
Equinoccio is an invitation to explore our daily relationship with
a larger planetary geometry.
The equinox is the moment in the year when the sun is
located directly above the equator, its light falling perpendicular
to the Earth’s axis, making the length of day and night equal across
the planet. This phenomenon occurs twice a year when transitioning
from summer to fall and in between winter and spring. Many
pre-Hispanic cultures erected buildings, observatories, and ceremonial
sites that took into account the sun’s position during the
annual solstice and equinox. In the Andean worldview, the equinox
is a celebration of harvest, the moon and female spirit, and sets in
motion a process and ritual of purification.
Inspired by this celestial phenomenon, the exhibition began
precisely at the start of the Southern Hemisphere’s vernal
equinox (September 22 at 17:02 h), and presented a minimal,
site-specific intervention based on the conditions that characterized
Galería Tajamar’s space: its geometry, transparency, and the
relationship between its interior and exterior.
For this, one of the larger windows in the gallery was partially
covered with a clear holographic plastic that, like a prism, diffracted
light entering the space making a spectrum of colors, that
constitutes sunlight, visible within the exhibition space.
From then until October 27, this glass pavilion was transformed
into an instrument of light observation that revealed
the constant and cyclical movement of the Earth. Inspired by
astronomical instrumentation present in the Atacama Desert and
bringing in ancestral notions of sun observation, the exhibition had
a laboratory feel; one seeking to develop a study of the gallery’s
coordinates to generate a calendar that, just as an astronomical
sighting event, would reveal the date and time of its appearance.
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Equinoccio was developed for Galeria Tajamar
and commissioned by Fundación Tajamar.

Santiago
17:02 h, 22 de septiembre, 2017
46
Equinoccio es una intervención que busca explorar nuestra relación
cotidiana con una geometría planetaria mayor.
El equinoccio es el momento del año en que el sol se encuentra
sobre el ecuador, formando un eje perpendicular con la tierra
y haciendo que la duración del día sea igual a la de la noche en
todo el planeta. Este fenómeno ocurre dos veces al año, marcando
el cambio de estaciones entre verano y otoño, y entre invierno
y primavera. Diversas culturas erigieron construcciones,
observatorios y centros ceremoniales que consideraban la posición
del sol durante solsticios y equinoccios. En la cosmovisión
andina, el equinoccio es una celebración de la cosecha, la luna y
el espíritu femenino, y establece un proceso y ritual de purificación.
Alineada con este fenómeno celeste, la exposición comenzó
en el preciso momento del inicio del equinoccio de primavera del
hemisferio sur (22 de septiembre de 2017 a las 17:02 h), proponiendo
una intervención mínima y específica basada en las condiciones
que caracterizan el espacio de Galería Tajamar: su geometría, su
transparencia y la relación entre su interior y su exterior. Para ello,
uno de los grandes ventanales de la galería fue cubierto parcialmente
con un plástico holográfico transparente que, a modo de
prisma, difractaba la luz que entraba en el espacio de exposición
y hacía visible el espectro de colores que constituye la luz solar.
Desde entonces, y hasta el 27 de octubre, el pabellón de vidrio
de la galería fue transformado en un instrumento de observación
lumínica, dando cuenta del movimiento constante y cíclico de la
Tierra. Tomando como referencia instrumentación astronómica
presente en el desierto de Atacama y buscando generar un cruce
con nociones ancestrales de observación del sol, la muestra tuvo
un carácter de laboratorio, desarrollando un estudio de las
coordenadas de la galería para generar un calendario que, tal como
un evento de avistamiento astronómico, iba revelando la fecha
y hora en que sería posible observar la proyección de luz al interior
del espacio.
Equinoccio fue desarrollado en Galería Tajamar
y comisionado por la Fundación Tajamar.

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Calendar that revealed the date and time in which
it would be possible to observe the light projection
inside the space.
Calendario que iba revelando la fecha y hora
en que sería posible observar la proyección de luz
al interior del espacio.

Sketch of the geographical coordinates and sun
alignment of the gallery space during the spring equinox
in Santiago (2017).
Boceto de las coordenadas geográficas y la alineación
solar del espacio de la galería durante el equinoccio
de primavera en Santiago (2017).
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Satellite view of the sun in relation to the gallery
space during the equinox in Santiago (Chile) at 17:02
on 22 September 2017.
Vista satelital del sol en relación al espacio
de la galería durante el equinoccio en Santiago (Chile)
a las 17:02 del 22 de septiembre de 2017.

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Digital collage of the sun’s path (spring equinox)
and a 3D render of the gallery space seen from above.
Collage digital de la trayectoria del sol en el equinoccio
de primavera junto a una representación en 3D del
espacio de la galería visto desde arriba.

EL CIELO QUE CAE
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p. 69-75
EL CIELO QUE CAE (video installation)
50 reflective thermal blankets
(210x160cm each), found stones documented
in digital photography and HD
video (color, sound, 04:45 minutes)
Atacama Desert / Cologne, 2015
p. 76-79, 82
EL CIELO QUE CAE
Photographs taken during a residency
in the Atacama Desert, 2015
p. 80-81 (top)
EL CIELO QUE CAE
Series of 10 cyanotype prints
and artist book
Atacama Desert, 2015
p. 69-75
EL CIELO QUE CAE (video-instalación)
50 mantas térmicas reflectantes
(210x160cm cada una), piedras encontradas
documentado en fotografía digital y
video HD (color, sonido, 04:45 minutos)
Desierto de Atacama / Colonia, 2015
p. 76-79, 82
EL CIELO QUE CAE
Fotografías tomadas durante una residencia
en el desierto de Atacama, 2015
p. 80-81 (superior)
EL CIELO QUE CAE
Serie de 10 cianotipos y libro de artista
Desierto de atacama, 2015
p. 81-86, 94-95
EL CIELO QUE CAE
Artist book that collects photographs,
sketches, texts and found images
Cologne, 2016
p. 86-87
EL CIELO QUE CAE
Digital photography
Berlin, 2016
p. 88-91
EL CIELO QUE CAE (object)
Wood, mirror, white fluorescent light,
programming interface 90x110x90cm
Cologne / Berlin, 2016
p. 92-93
EL CIELO QUE CAE (installation)
Detail of installation view at Matjö – BBK
Gallery on the occasion of the Academy
of Media Arts, Women Artist Award 2016.
Cologne, 2016
p. 81-86, 94-95
EL CIELO QUE CAE
Libro de artista que recoge fotografías,
bocetos, textos e imágenes encontradas.
Colonia, 2016
p. 86-87
EL CIELO QUE CAE
Fotografía digital
Berlín, 2016
p. 88-91
EL CIELO QUE CAE (objeto)
Madera, espejo, luz fluorescente blanca,
interfaz de programación 90x110x90cm
Colonia / Berlín, 2016
p. 92-93
EL CIELO QUE CAE (instalación)
Detalle de la instalación en la
Galería Matjö - BBK con motivo del Premio
de Mujeres Artistas de la Academia
de Artes Mediales 2016.
Colonia, 2016

Cologne / Atacama, 2015 – 2016
El cielo que cae was an exhibition of photographs, a video installation
and an artist book created following an artist residency in
Quillagua, a former oasis in the Atacama Desert. The artworks
sought to generate a dialogue between the “earthly” and the “celestial”,
bringing together scientific and popular discourses with light
and energy phenomena related to the sun and extractivism, inherently
present in this territory.
The main piece was a video installation that documented an
intervention that took place inside a large crater called the Valle de
los Meteoritos. The action partially covered the crater’s inner surface
with “emergency foil blankets”, a silver material that reflects
the blue sky, thus creating a kind of mirage or metallic pool that
changed according to the viewpoint.
The video installation was accompanied by a wooden cube
that hung from the ceiling of the room, within which visitors could
contemplate an automated programming of an infinite and distorted
sky: an illusion created by an “infinity mirror” effect and artificial
light, thus proposing a reversal of the illusion shown on the video.
The exhibition also contained a series of cyanotypes that had
been created in the desert by exposing found objects, astronomical
photographic glass plates and satellite views of the area to the
radiation of the sun on paper. The images were fixed with water extracted
from the Loa River, which runs through the Quillagua oasis
and is polluted with various minerals from the mining industry of the
region (the biggest producer of copper in the world), thus generating
variations in the result.
These images, together with photographs taken during
the residency, research material and sketches of the process,
make up a handmade artist’s book that also was included within
the exhibition.
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El cielo que cae was exhibited at MATJÖ – BBK
Gallery Cologne for the Academy of Media Arts,
Women Artist Award 2016; Gallery Mario Kreuzberg,
Berlin; and Q18 Atelierhaus Quartier am Hafen,
Cologne. The work was commissioned by the
Academy of Media Arts Cologne and the SACO
Artists in Residence program in collaboration
with FONDART (2015).

Colonia / Atacama, 2015 – 2016
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El cielo que cae surge a partir de un proyecto de residencia artística
en Quillagua, un antiguo oasis en el desierto de Atacama. La
exposición reúne una video-instalación, fotografías y un libro de
artista, y busca generar un diálogo entre lo “terrenal” y lo “celeste”,
haciendo confluir discursos científicos y populares con fenómenos
lumínicos y energéticos relacionados con el sol y la extracción,
propios del desierto.
La pieza principal de la muestra documenta una intervención
realizada dentro de un cráter en el llamado Valle de los Meteoritos.
La acción interviene parcialmente la superficie interior del cráter
con “mantas de emergencia”, un material plateado que refleja
el azul del cielo, creando así una suerte de espejismo o poza
metálica, que cambiaba de acuerdo al punto de vista. El video es
acompañado por un cubo de madera suspendido en el centro
de la sala, dentro del cual es posible contemplar la programación
automatizada de un cielo infinito y distorsionado: una ilusión
creada por un efecto inmersivo de espejos y luz artificial que
genera un contrapunto a lo observado en el video.
El proyecto incluye una serie de cianotipos creados en el
desierto, en donde objetos encontrados tales como piedras, desechos,
placas fotográficas astronómicas y vistas satelitales del
lugar han sido expuestos a la radiación del sol sobre la superficie
del desierto. Las imágenes fueron fijadas con agua extraída del
río Loa, el cual atraviesa el oasis de Quillagua y está contaminado
con diversos residuos de la industria minera de la región (la mayor
productora de cobre del mundo), generando así variaciones en el
resultado.
Estas imágenes, junto a fotografías realizadas durante la
residencia, material de investigación y bocetos realizados
en el proceso, conforman un libro de artista hecho a mano que
acompaña la muestra.
El cielo que cae fue exhibido en: MATJÖ - BBK
Gallery Cologne con motivo de la entrega del Premio
de la Academia de Artes Mediales para Mujeres
Artistas 2016; Gallery Mario Kreuzberg, Berlín;
y Q18 Atelierhaus Quartier am Hafen, Colonia.
La obra fue comisionada por la Academy of
Media Arts Cologne y el programa SACO Artists in
Residence en colaboración con FONDART (2015).

An intervention that took place inside a crater in a former
oasis, whereby the crater’s inner surface was covered
with a silver material that reflected the sky, thus creating
the illusion of water, silver, or a mirage. The action,
recorded on video, documents its “deconstruction”: the
moment when a group of people made it disappear from
the desert landscape.
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Intervención realizada en un cráter en el oasis
de Quillagua, en donde la superficie interior del cráter
fue cubierto parcialmente con un material reflectante que
al reflejar el cielo, creaba la ilusión de agua o de
un espejismo. La acción, registrada en video, muestra
el proceso de “deconstrucción”: el momento en que
un grupo de personas lo hace desaparecer
del paisaje del desierto.

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Found objects, photographic glass plates, and satellite
views of the area were exposed to the desert sun and
printed onto paper. The images were fixed with water
extracted from the Loa River, which runs through the
Quillagua oasis and is contaminated with various minerals
from the mining industry of the region (the biggest
producer of copper in the world), generating a variation in
the result.
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Objetos encontrados, placas fotográficas de vidrio y
vistas satelitales de la zona fueron expuestos sobre
papel al sol del desierto. Las imágenes capturadas con
esta técnica (cianotipia) fueron fijadas con agua extraída
del río Loa, el cual atraviesa el oasis de Quillagua y está
contaminado con diversos minerales de la industria
minera de la región (la mayor productora de cobre del
mundo), lo que generó una variación en el resultado.

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A wooden cube hung from the ceiling of the room,
which visitors could get into and contemplate the
illusion of a cloudy sky. This illusion was created
by combining warm and cold fluorescent light,
and an “infinity mirror” effect.
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Un cubo de madera suspendido desde el techo
de la sala permitía a los visitantes entrar en él y
contemplar al interior la ilusión de un cielo nublado,
creado combinando tubos de luz fluorescente junto
a un efecto de “espejo infinito”.

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Self-made artist book that brings
together photographs, sketches, texts
and found images.
Libro de artista hecho a mano
que reúne fotografías, bocetos, textos
e imágenes encontradas.

CÁMARA SOLAR
(Inversión)
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p. 101, 108-116
CÁMARA SOLAR
Wood, found stone, mirror, sunlight
Viseu, 2019
p. 102-103, 107
CÁMARA SOLAR
3D renders by Luis Balmaceda
Viseu, 2019
p. 103 (bottom), 104, 107
CÁMARA SOLAR
Digital photography
Viseu, 2019
p.111
Aymara ethnomodel of the day-night cycle
Illustration reproduced from Grebe,
M. 1990. La concepción del tiempo en
la cultura aymara: representaciones
icónicas, cognición y simbolismo.
Revista Chilena de Antropología 9:
Santiago, 63-81.
p. 101, 108-116
CÁMARA SOLAR
Madera, piedra encontrada, espejo,
luz solar
Viseu, 2019
p. 102-103, 107
CÁMARA SOLAR
Renders 3D por Luis Balmaceda
Viseu, 2019
p. 103 (inferior), 104, 107
CÁMARA SOLAR
Fotografía digital
Viseu, 2019
p.111
Etnomodelo aymara del ciclo día-noche
Ilustración tomada de Grebe, M. 1990.
La concepción del tiempo en la cultura
aymara: representaciones icónicas,
cognición y simbolismo. Revista Chilena
de Antropología 9: Santiago, 63-81.

Viseu, 2019 – 2021
In collaboration with architect Luis Balmaceda
Cámara solar (inversión) is a site-specific observatory that takes
its inspiration from the ancient archaeoastronomy sites of the
Americas. It seeks to rescue the connection between the cyclical,
cosmical and ritual aspects of the human with its surroundings, in
order to situate and reconnect the body with the local landscape
and the global sphere in times of ecological crisis and environmental
degradation.
This temporary construction was built in the woods of Fontenlo
Park (Viseu), and has an exterior platform from which to gaze upon
the immediate surroundings, whilst also looking down into the
chamber’s interior space where a stone, found in the park, has
been placed. The stone is covered by a mirror and used as a means
to reflect the sky and invert the sun; enabling a visitor to observe
down within the chamber as if one was standing in the Southern
Hemisphere, thus creating an apparent “inversion”.
The chamber is also aligned with one of the most important
astronomical events and rituals since ancient times: the June 2020
solstice. This marks the moment at which the sun reaches its highest
altitude (in the North) to then begin its return to the Southern
Hemisphere, a time in which many Andean cultures celebrate, to
this day, the beginning of a new year.
On June 21, at 12:30 h the sunlight projects fully into the space.
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Cámara solar (inversión) was created for
and commissioned by POLDRA – Public Sculpture
Project Viseu, Portugal, 2019.

Viseu, 2019 – 2021
En colaboración con el arquitecto Luis Balmaceda
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Cámara solar (inversión) es un observatorio efímero que se inspira
en construcciones de observación arqueoastronómica y busca
rescatar el vínculo de lo humano con lo cíclico y ritual del entorno,
para situar y reconectar el cuerpo con el paisaje local y global en
tiempos de crisis planetaria.
La obra propone una arquitectura temporal de observación
en el bosque de Fontelo (Viseu) y cuenta con un mirador exterior
para observar el paisaje circundante, y una apertura o cámara
hacia el interior, en donde una piedra encontrada en el parque es
utilizada como soporte para reflejar el cielo e invertir el sol, el cual
es contemplado con el cuerpo orientado hacia el norte, como si
estuviéramos mirándolo desde el hemisferio sur.
La construcción está a su vez alineada con uno de los hitos
astronómicos y rituales más importantes desde tiempos remotos,
el solsticio de junio 2020, momento en que el sol alcanza su mayor
altitud en el hemisferio norte para luego retornar al sur, en donde
muchas culturas ancestrales celebran el comienzo de un nuevo año
y ciclo solar.
El 21 de junio, a las 12:30 h se pudo observar la proyección
total del sol entrar por la apertura al interior de la cámara.
Cámara solar (inversión) fue creada y comisionada
por POLDRA - Proyecto de Escultura Pública
Viseu, Portugal, 2019.

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Sun studies and 3D renders for
the creation of the solar chamber.

Estudios solares y renders 3D
para la construcción de la cámara solar.
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Poster created in collaboration
with Luis Balmaceda for POLDRA 2019.
Afiche creado en colaboración
con Luis Balmaceda para POLDRA 2019.

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AND THEN
IT IS NIGHT
A conversation between
Raúl Zurita and Elisa Balmaceda
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SPECTRA
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RZ Something that has caught my attention about your
work is the way in which you work with measurements from
a technological and a strict contemporaneity standpoint,
with the observatories of the north, in the Atacama, that
record spectra. You put an entire conceptual and practical
array of instruments to take a look at this sort of world
that has emerged in the post-industrial landscape, in
those abandoned places that suddenly emerge, the ones
you have called…
EB
Post-natural?
RZ Yes, it’s quite mesmerizing. And you also maintain a
certain continuity with previous pursuits. For example, the
Mayas dug holes to look at the stars more effectively. They
wouldn’t climb up a tower, but when they wanted to take
these measurements, they would dig a hole and from it
gather coordinates...
EB
Holes in the ground?
RZ Yes. So, what sustains your work and makes it fascinating
is, I feel, that your exploration is done with great
nostalgia. What I would like to do—and this is how I see
it—is to ultimately return to certain types of knowledge that
have been lost to technology, which has been a triumph
of reason as signified by the expulsion of poets from the
Republic, as was Plato’s desire. There was a time in which
these human beings felt a certain closeness with the universe.
For the Mapuche, the stars are the spirits of their
forefathers. As a matter of fact, we do gaze at a defunct
sky, for we know that many of the stars we see are already
extinguished and it is only their light that reaches us. So,
suddenly I get the feeling that this almost obsessive trait of
your work, that precision and exactitude… is, in the end,
something deeply nostalgic. Why do we launch probes
into space? Why do we try to inquire into or reach the
depths? We do it in order to be able to feel the universe as
something close once again, to feel at home once more.
Because in the end, scientific knowledge aspires to make
us feel closer to things. Do you feel it? It is an unconscious
aspiration, as if we were all making a long return back.
The misnamed “primitive” peoples had a relationship with
light that seems strangely naive to us, but that explained
their world, sometimes as a menace and sometimes as a
companion, the cosmos, the light. I don’t know why we do
all these things. To feel again in intimacy with the universe.
Today our distance is infinite.

RZ
Auras.
EB I marvel at the way you put it into words. That intimacy
with the universe that you mention is something I relate to
the spectral and ghostly, which is something that is always
going through my mind.
EB Auras represent that energy and spirit dimension that
we cannot see…
RZ I very much liked when you captured the spectra
of people. I found that to be beautiful. Tell me a bit
more about that.
EB That was quite curious, because I made an installation
called Corredor espectral with two holographic “curtains”,
through which you were able to walk. But, the “aura” appeared
as a sort of accident that I was only able to witness
once I saw people interacting with the installation. It was
then that all layers of the work materialized, as if everything
had condensed in that accident. And since the gallery was
located inside an office building in which people came and
went, I decided to take portraits of the workers that passed
by each day. So, in a way, it ended up condensing the scientific
with the esoteric and the corporate. Returning to the
spectrum, it’s interesting how that word means the diffraction
of light; and spectre means ghost.
RZ It’s the image of a memory or a dream. That’s what
spectra are. These visions in holographic paper produce
a classic effect. That gaze is rather a grand painting, one
in which there are no brushstrokes, none of that; but it’s
an image that is backed up by a history of portraits. All
of history is behind them. And it’s also a photograph,
for it has thickness.
EB It’s interesting that you mention that relation to painting.
To me, the origin of that work had a lot to do with
windows. One of my concerns was to have the window
connecting with the exterior be the source of light, for it
had a very large picture window that allowed me to use the
sun and the constantly changing atmospheric aspect of the
sky—the portraits are also backlit by this sunlight. The installation
is actually inspired by an astronomical instrument,
a “spectroscope”. It’s something I found in a laboratory in
Germany during a collaborative project with astronomers.
I find this inaccessibility of science, this “black box”
aspect of it to be highly irritating. So when I saw this space,
I thought about transforming this apparatus into a spatial
installation, in order to break the instrument’s black box
and turn it into something that could be traversed, with
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people becoming interference inside of it, as an element
that interacts with this optical mechanism. When I saw
this holographic accident or “aura” I thought that there it
was this density that you speak of, these layers, yet I was
still struggling to find the words to describe it. It’s curious
that this is the only one of my works in which the human
body can be fully appreciated and in which I work with it
as an image. I think that, in general, what I do deals with
the human, but it does so indirectly through, for example,
the natural landscape or infrastructure. When working with
light and space, and particularly with the sun, you inevitably
end up making the passage of time visible or material. This
installation (and photographs) is something I also relate to
something you once said that I really like: “the monumentality
of an instant.”
RZ
Everything is an instant. Everything passes.
EB There’s something really powerful in that phrase, and I
think that these kinds of works, which are very minimalistic
and last only for an instant, since they are ephemeral and
specific to their time and place, speak of something greater
and vaster.
RZ An instant is an instant, but, at the same time, it contains
everything. Sunlight is connected to everything, to the
universe. They are instantaneous, ultra-contemporary hours
that give way to post-truths, where whether a story is true
or not doesn’t matter, but at the same time they touch upon
all human history.
ART AND RESISTANCE
EB There’s a phrase of yours that has been coming up
quite strongly as of recent: “the art of political resistance
has to be an art that acts against property structure, for this
is the nucleus upon which capitalism rests.”
RZ I believe that all societies rest upon the unquestioned
concept of property. So, if art really wants to access the
nuclei of a political art, it would have to be a type of art
that deals with it, that sets out to show it and make it
evident. But what you do is connected to that, it examines
social structures, it deals with, for example, issues such
as pollution.
EB Yes, maybe in a way that is quieter and less explicit
than that of other artists. Lately I have immersed myself
more and more into this space and I have wondered about

what it means to work from those spaces of resistance,
which is what the space of art and activism have
in common.
RZ Tell me about this project where you filmed activists in
Germany...… (Victory Over the Sun)
EB That was in a forest I started frequenting on the outskirts
of Cologne, where I was studying. It’s an area that
concentrates a number of phenomena that I was interested
in researching and connecting, which surrounds the largest
open pit coal mine of Europe. This mine ended up “devouring”
a millennial forest, of which only a tiny fraction is left,
and it is there that a group of activists has lived, as a means
of resistance, to protect it, for more than 6 years. They
have built houses on the treetops. These are trees of over
10 meters high, a setting that looks like something taken out
of a science fiction movie. All of this got me thinking both in
the future of the energetic and territorial conflict of communities,
as well as in their colonial past. Also, next to one of
the side’s of this large “black hole” are the grounds of what
would be Europe’s equivalent of NASA, where I filmed the
largest “artificial sun” or solar simulator there is. Finally, it
all became a sort of investigative and relational art process
that inquiries on the connection between the human and
the non-human, particularly in the forest, coal and the sun
(from all of which we depend for the production of heat
and energy), landmarks that I cross-referenced with
certain associations to iconographic references of the
Andean culture.
RZ There is a novel, The Baron in the Trees, by Italo
Calvino, in which a child is punished because he would not
eat his soup. The boy goes out to the garden, climbs a tree
and never comes back down. He lives his whole life up in
the trees. And it is up there that he sees a girl in a garden,
and the girl climbs up too. It’s an amazing novel, because
the universe becomes just a definition. That kid decided
that the treetops would be the universe...
EB That’s lovely. I remember that some months ago
I came across one of your texts in an exhibition with photos
of the mines in Lota where you spoke of the relationship
between coal and darkness. And lately that relationship
has resonated with my work while working on this and other
projects that deal with environmental degradation, extractivisim
and sacrifice zones.
123

PRESENT TIME
124
EB There’s something you mentioned and that I find really
interesting, and it is this relation between physics and mathematics
with poetry.
RZ I had a German teacher, he was Jewish and escaped
from Germany. He was an eminence. He once taught us
math, he came to this theorem and wrote it down. He said:
“I’m not going to waste time explaining to you the beauty of
this, its symmetry, its elegance, its synthesis. You are
too clumsy to understand this.” And what do you know,
I understood. He was very important to me. Mathematical
theory is a perfect language, round, self-sufficient. In math
the most dazzling of theories, the most incredible one,
needs but one counterexample to fall apart. Unlike art, in
which everything is a counterexample. You can’t do what
other 18 people do, there are no formulas. And if you apply
a formula, it fails. There is only one Neruda, you cannot
read three or four Nerudas. But the structure of mathematics
is similar to that of the poem, although it is more similar
to that of music, really; poetry is dirty mathematics, spent
through experience, tainted by life.
EB That’s so true! Talk to me a bit more about this
you have said of the moment of creation occuring when
life stops.
RZ When someone is ill and there is the concern of having
to buy medicine that costs millions, there is nothing you can
really do, you can’t write nor create anything. In order to
do so you have to suspend life, but once you suspend life,
death is also suspended. It is actually a limbo. And in that
limbo is everyone: Shakespeare, you; everyone in the
same instant.
EB When I heard you say that, I felt a sort of liberation,
because there is always that pressure from the outside
world, of having to pay the bills, all of that capitalist
demand for production; and then there is this creative
space in which one needs to be free from all that to be able
to create. I see it as a ritual that is becoming more complex
and precious.
RZ The moment in which you start to create a piece, everything
else is suspended. One cannot create something while
thinking of something else.
EB
You have to be one hundred percent in it.

RZ And it’s not even a matter of will: you are in it one hundred
percent. It is not a matter of intending to be in it, you
are.
EB Absolutely. That is why I admire so much the work
of Juan Downey, whom you met. He worked a lot with this
idea of consciousness and the present, something that,
to me, is also connected to that space of art and creative
endeavors.
RZ I always remember the video that he made of Las
Meninas.
RZ
EB The one in which he uses mirrors and speaks about
the dimensions of time, right?
Yes, it’s very nice.
EB I really like his work. I think he was a visionary.
His exploration of the invisible energies and forces, the connection
between technology and humanity, the spiritual and
natural, is very powerful and ahead of his time. His Trans
América project and the video he filmed with the Yanomami
in the Amazon is mind-blowing. And, in a way, he was my
starting point for this conversation, because as I was
digging through everything I could find of his work I found
by accident an interview you made of him in 1984. I took
this as a sign and inspiration for this conversation we are
having, perhaps with the fantasy of invoking him (laughs).
It was there that I found out that he filmed your writings
in the sky, right?
RZ Yes. I called for many people to come, and everybody
else failed. Only he came, carrying his camera!
EB That’s incredible! There’s a moment that I really like in
that conversation when you talk about exploring the real,
those spaces that are “between things”. He filmed, drew,
painted; and you told him that in the dialogue that is established
between the different pieces, it is where that which is
behind it all is revealed. I found that to be a revelation, and
I identified with that. Downey spoke a lot about “invisible
architectures”, of the mechanisms and energies by which
the universe binds things, which is something that truly
obsesses me.
RZ The art of video always has that. It sees the inner workings.
Of course, you didn’t get to meet him… he was very
restless, quite crazy. Incredibly smart, brilliant. One of the
most intelligent people I have met in my entire life. A quick
mind.
125

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EB Really? (laughs). I would have loved to meet him.
You spoke, regarding his work, of that which seems to be
more real than reality in that state of consciousness that
is like daydreaming. I feel like he was looking to enter that
space by means of a symbiosis between the human, the
natural and the technological, something that still seems
like utopia. There’s that famous phrase mentioned in one of
those videos, and that I find quite powerful: “I want to enter
in the blank space of my empty consciousness.” Something
to which, I believe, many of us artists aspire when connecting
to that creative space.
RZ Yes, he was brilliant, but also very crazy (laughs). But
he could function like that. He was quite the character.
EB For me he is both a great inspiration and at the same
time a kind of myth, because many of the things I research
lead me to him, but I have had few chances to actually see
his work. He’s like a spectral figure, always hovering around
me.
LANDSCAPES
RZ
EB Reading a poem in which you mention el cielo que cae
(the falling sky), I remembered this experience, an intervention
I did in a crater in the Atacama Desert…
Is it an intervention on paper?
EB It’s actually a metallic film or blanket that is used to
cover up the body in emergencies: one side is gold and
absorbs light or heat, and the other is silver and reflects it. I
used it with the intention of reflecting the sky on the ground
and creating a sort of mirage. I’m obsessed with the tension
between the earth and the sky in the Atacama Desert, a territory
that hosts a large number of the planet’s astronomical
observatories and is at the same time a place of mining
exploitation and extraction. And that was a sort of exercise
or reflection around that. I like to call these ephemeral
interventions “exercises” because they are ultimately experiences
that activate a specific time and place.
RZ And what would be the end? How do you imagine the
ending of this? And if it is an exercise, where is its limit?
EB I think that in the end, what remains is the experience
and observation, the vision and the way in which it
constructs reality. I think that many times what is fascinating
about these types of exercises or experiments is the

occurrence of fortuitous accidents that take you to see
unexpected things and make unexpected connections;
and so it was in this case. I was obsessed with reflecting
the sky on the ground, and I was also interested in the fact
that there is not a definite certainty as to how the crater
was formed. There are scientific versions and popular versions.
The popular version says that it is the product of a
meteorite fall; and the scientific narrative postulates that it
was formed by the passage of underground waters. The fortuitous
accident was that the fabric I used had this golden
film, and so in the video documentation of the intervention
(which actually, due to another fortuitous matter, ended up
registering the moment in which this “mirage” on the ground
disappears by human action) that other side appeared, the
counterpart to the mirrored blue of the sky, the gold, the
“mineral”. For me, these are all explorations, both material
and poetic, with the landscape. This is why I’m so interested
in the way in which you connect landscapes to the
human component through your material writings.
127
RZ Landscapes are a sum of all the eyes that have gazed
upon them. When one is moved by the desert, in a way one
is being moved by all those who have crossed that desert.
In order to say “mountain”, someone else had to say
“mountain” before. In other words, “mountain” is the sum
of all the eyes that have gazed upon it. That is why when
one looks at a sunrise, all past generations that have seen
that sunrise come to look back at you, and that’s how you
get caught in their gaze.
EB And when you look at a landscape you also find your
own body.
RZ To put it simply: where do you begin and where does
the landscape end? The world is that shared space. You
look, listen, but where does the other end? Where does the
thunder end? Ultimately, it ends in you. There is no universe
without witnesses.
EB It’s a beautiful thing to think of it as a meeting place,
as that shared space that only becomes real when there are
witnesses.
RZ Did you make the one pool? Or did you make
more of them?
EB I only made that one, which was actually pretty big (we
used several blankets) and it took a large number of us to
create it. What I also did during this arts residency project
is a series of cyanotypes, which are solar photographs.
I used this to expose some objects I found: rocks, trash,

astronomical photographic plates, among other things.
First, the paper is prepared by hand with a sun-sensitive
emulsion and then you set it and develop it with water.
Obviously, in the desert water is extremely scarce and we
were in a place that had once been an oasis, and where the
Loa River runs, so with a bit of that water, less than a liter, I
managed to take these photographs.
128
RZ
The Loa River is but a tiny stream. Nothing remains.
EB And besides being almost dry, the water composition
is very polluted by the mining industry, so the communities
that live there can’t use it, not even for their crops or
other uses. Using that water, with that particular composition,
also left an imprint on the pictures, something I was
interested in, which added to the use of the sun to develop
them, since that place has one of the highest indexes of
radiation in the planet. These are all atmospheric and material
elements from the environment that I seek to capture,
which are interconnected with the human trace. The other
day I thought about how in your work there’s a presence
of writings in the sky, and that you also have writings over
the ground in the desert, and then there’s also those projections
on cliffs, interstitial spaces where these two “worlds”
or landscape dimensions meet.
RZ That dream will probably linger in dreams, in the cliffs
of the North, a work of that magnitude…
EB
It would be truly monumental!
RZ In order to project something that is more or less on
that scale of things, it has to be done from the sea. It would
have to be almost from an aircraft carrier, since the sea is
very turbulent over there and it has to be done from quite a
distance. So I’m beginning to look into other locations that
have cliffs.
EB Is it a conscious gesture to have an intervention on the
ground, another one in the sky, and then a third one in this
piece of land which is in between the two?
RZ Yes, I have thought about it. Besides, the sky and the
ground are day projects, and the cliff is a night project, for
it will only be visible during the night and it will be erased
during the day. At dawn, the last phrase will be “and you
will weep”. It is a succession of verses to be projected over
that rock wall: “you will see that you see/ you will see not
see/ and you will weep”, this last verse will remain as a fixed
image at 3 a.m. After that, at dawn with the camanchaca,
the morning mist, it will begin to fade. Light upon light will

be projected, and then the only thing left will be the sea. I
see this as a metaphor for death. There is only the sea all
around, the only thing left is the sound of the sea.
EB That’s beautiful. The camanchaca is also something
that is so characteristic of that territory, and specially of
the desert. And also, the light projected over the camanchaca
will allow that for a few moments the projection and
the trajectory of light become visible in the particles of
water in the clouds (as it happens with mist, too).
RZ That’s right! This idea of projections also reminds me
of when they projected the face of Camilo Catrillanca, the
Mapuche that was murdered a few weeks ago, onto the
side of a building.
EB Yes, that was a very powerful and moving action, with
your phrase alluding precisely to the horizon.
RZ Yes, I feel close to that sensitivity of the desert and
the sky. I find that your work is also very monumental, but
not an obvious kind of monumentality. You play with the
large elements, the mega-elements: the sun, the things that
constitute reality.
129

I also thought of two poems while looking at your work:
Every one stands alone
over the heart of the earth
suspended from a ray of light
and then it is night.
It’s by Salvatore Quasimodo, “Ed é subito sera”. The other one,
is one that moves me deeply, specially its ending. It’s by Eugenio
Montale and it’s called “Xenia”:
130
By your arm I have descended at least a million flights
of stairs and now that you are gone every step
is a void.
So brief it was our long journey, mine
still goes on, yet I no longer need the transfer,
the saved seats, the entrapments, the reproach
of someone who believes that what we see is reality.
Holding your arm I descended a million flights of stairs
and not just because four eyes can see more than two
but because I knew that out of the two of us, the only true pupils,
although very fogged, were yours.
What he’s saying is that the only eyes that can see the real are those that
are clouded, veiled by tears. That which is real is real because light has
gone through the prism of tears. We can only access the world from the
brink of tears, when these diffract light into the colors of its spectrum.
The only thing that is real is that which we see through the tears. Reality
is nothing more than that layer of tears that reflects the light. Part of
what fascinates me about your work is that you show, by means of
technology, what the eye can see. At your side, a tearful humanity sees
the same things. It is reality that weeps. I feel that your work is fundamental
(and monumental) and startling. Fundamental in the old sense
of the term, since your inquiries posit once more the question that runs
throughout the whole history of art when facing the biblical “let there
be light, and there was light”: Why was light polishing the surroundings
of things instead of the invisibility of nothingness? Your work is startling
because the defeat of light is not darkness, it is death. That dead man,
that dead woman, my father, my mother, they are the true, definite and
eternal defeat of the sun. Suspended from a ray of light we float one day
above the earth, and full of anger and tears we disappear by dusk. I feel
that the limits of your work are the limits that condemn us to the human,
death does not use holographic paper, it does not project auras… Ed è
subito sera. And then it is night.

Y DE PRONTO
ANOCHECE
Conversación entre
Raúl Zurita y Elisa Balmaceda
133

ESPECTROS
134
RZ Lo que me llama la atención de tu trabajo, es que,
desde las tecnologías, desde la estricta contemporaneidad,
tu trabajas con mediciones, con los observatorios del
norte, en Atacama, que registran los espectros. Utilizas
todo un instrumental, tanto práctico como conceptual, ves
esta especie de mundo que ha emergido de esos paisajes
post-industriales, en esos paisajes abandonados que aparecen
de pronto, esos que tú llamas…
EB
¿Post-naturales?
RZ Eso, es muy alucinante. Al mismo tiempo tiene una
continuidad con las búsquedas más hacia atrás. Por
ejemplo, los mayas hacían un hoyo para mirar las estrellas
efectivamente. No subían a una torre, sino que cuando
querían hacer mediciones hacían un hoyo y este les daba
las coordenadas…
EB
¿Hoyos en la tierra?
RZ Sí. Entonces, lo que sostiene tu trabajo y lo que lo
hace fascinante es que siento que exploras en una gran
nostalgia. Lo que quisiera hacer –esto es visión mía– es, en
el fondo, volver a ciertos saberes que se han perdido con
la tecnología, que es un triunfo de la razón, es la expulsión
de los poetas de la República que deseaba Platón. Hubo
un momento en que estos seres humanos sintieron en el
universo algo más cercano. Para los mapuche las estrellas
son los espíritus de sus antepasados. De hecho, miramos
un cielo difunto, sabemos que muchas de las estrellas que
miramos están extinguidas y solo nos llega la luz. Entonces,
de pronto tengo la sensación de que esa especie de casi
obsesión que se ve en tu trabajo, esa precisión, la exactitud…
es, en el fondo, algo profundamente nostálgico. ¿Por
qué lanzamos sondas al espacio? ¿Por qué intentamos
indagar, llegar a los confines? Lo hacemos para volver a
sentir el universo cercano, para volver a sentirnos como
en nuestra casa. Porque el conocimiento científico aspira
finalmente a acercar las cosas ¿Tú la sientes? Es una aspiración
inconsciente, como si todos diéramos una tremenda
vuelta. Los pueblos mal llamados “primitivos” tenían una
relación con la luz que nos parece extrañamente ingenua,
pero que explicaba su mundo y lo hacía como algo amenazante
o como una compañía, el cosmos, la luz. No sé por
qué hacemos todas estas cosas. Para volver a sentirnos en
intimidad con el universo. Hoy la distancia es infinita.

RZ
Las auras.
EB Qué maravilla cómo lo pones tú en palabras. Esa intimidad
con el universo que mencionas la conecto también
con lo espectral y fantasmagórico, que es algo que siempre
me está rondando.
EB Las auras representan esa dimensión energética y
espiritual del cuerpo que no podemos ver…
RZ A mí me gustó mucho cuando a las personas le sacabas
el espectro. Lo encontré muy bello. Cuéntame un poco
más sobre eso.
EB Eso fue muy curioso, yo hice una instalación titulada
Corredor espectral con dos “cortinas” holográficas a
través de las cuales podías caminar. Pero el “aura” que
apareció fue una suerte de accidente que solo pude
visualizar una vez que vi a la gente interactuando con ella.
Y ahí se materializaron todas las capas de la obra, como
si todo se hubiese condensado en ese accidente. Y como
la instalación estaba en una galería dentro de un edificio
de oficinas en donde transitaba gente, decidí hacer estos
retratos de los funcionarios que pasaban por ahí a diario,
entonces de algún modo se terminó condensando allí lo
científico con lo esotérico y lo corporativo. Volviendo al
espectro, es interesante también cómo la misma palabra
tiene un doble significado: se refiere a la luz y al fenómeno
físico pero también al fantasma.
RZ Es la imagen de un recuerdo, o un sueño. Esos son los
espectros. Estas visiones en papel holográfico lo que producen
es un efecto clásico. Esa mirada es una gran pintura,
una pintura donde no hay pinceles, no hay nada de eso,
pero es una imagen que está respaldada por toda la historia
de los retratos, toda la historia del retrato está detrás de
eso. Entonces, también es una fotografía porque eso tiene
espesor.
EB Es interesante esa conexión con la pintura que mencionas.
Para mí, el origen de ese trabajo se vincula mucho
con la ventana. Me interesaba que la fuente de luz fuese
la ventana que conecta con el exterior, pues había un
ventanal que era muy grande, y entonces me permitía usar
la luz del sol y el carácter atmosférico y cambiante del cielo
– y los retratos están también retroiluminados por ella. La
instalación misma se inspira en realidad en un instrumento
astronómico, un “espectroscopio”, algo que encontré
en un laboratorio durante un proyecto en colaboración
con astrónomos en Alemania. A mí me irrita esta cosa tan
inaccesible de la instrumentación científica y tecnológica,
135

136
la llamada “caja negra”. Entonces, cuando vi este espacio,
pensé en transformar este aparataje en una instalación
espacial, para romper esa caja negra del instrumento
y transformarla en algo que se pudiera recorrer y así las
personas se tornaran una suerte de interferencia; un
cuerpo que interactúa dentro de este mecanismo óptico.
Al ver este accidente o “aura” holográfico me pareció que
ahí estaba esa densidad que tú dices, sin poder nombrarlo
muy bien. Es curioso porque es el único trabajo que
tengo en que aparece directamente el cuerpo humano
como imagen. Creo que en general lo que hago habla de
lo humano, pero lo hace en forma indirecta, a través, por
ejemplo, del paisaje y la infraestructura. Por otra parte,
al trabajar con la luz y el espacio, y en especial con el sol,
inevitablemente terminas haciendo visible o materializando
el paso del tiempo. Esa instalación (y las fotografías) la conecto
también con una frase que alguna vez tú dijiste que
me gusta mucho: la “monumentalidad de un instante”.
RZ
Todo en un instante, todo pasa.
EB Hay algo muy potente en esa frase, y creo que este
tipo de trabajos que son muy mínimos y duran solo un instante,
porque son efímeros y específicos a ese espacio
y momento, hablan de algo mucho más grande y extenso.
RZ Un instante es un instante, pero al mismo tiempo en él está contenido
todo. La luz del sol está conectada con todo, con el universo. Son
horas instantáneas, ultra contemporáneas y que dan paso a las posverdades,
donde un relato da igual que sea verdad, pero al mismo tiempo
tocan toda la historia humana.
ARTE Y RESISTENCIA
EB Hay una frase tuya que aparece con mucha fuerza
ahora último: “el arte de resistencia política tiene que
ser un arte que atente contra la estructura de la propiedad,
porque este es el núcleo sobre el cual descansa el
capitalismo”.
RZ Creo que todas las sociedades descansan en la idea
incuestionada de la propiedad. Entonces si un arte quisiera
tocar realmente los núcleos de un arte político, tendría
que ser un arte que se metiera en eso, que se proponga
mostrarlo y hacerlo evidente. Pero lo que tú haces también
tiene que ver con eso, toca las estructuras sociales, se
mete, por ejemplo, en los temas de la contaminación.

EB Sí, de manera más silenciosa y menos explícita quizás
que otros artistas. Últimamente me he metido más en este
tema y me he preguntado mucho qué significa trabajar
desde esos espacios de resistencia, que es lo que tienen
en común el espacio del arte y el activismo.
RZ Cuéntame sobre este proyecto donde filmaste a activistas
en Alemania… (Victory Over the Sun).
EB Eso fue en un bosque al que empecé a ir en Alemania,
a las afueras de Colonia, donde estaba estudiando. Es un
área que concentra varios fenómenos que me interesó
explorar, los cuales rodean a una mina de carbón a tajo
abierto, la más grande de Europa. La mina se fue devorando
un bosque milenario, del cual queda solo una pequeña
fracción, y ahí es donde activistas han vivido a modo de
resistencia para protegerlo por más de 6 años, construyendo
casas arriba de los árboles –árboles de 10 metros o
más, un escenario que parece sacado de una película de
ciencia ficción, y que de algún modo me hizo pensar tanto
en el futuro del conflicto territorial y energético con las
comunidades, como en nuestro pasado colonial–. También
a un costado de este gran “hoyo negro”, se encuentran las
instalaciones de lo que vendría siendo la NASA en Europa,
en donde filmé en el “sol artificial” o simulador solar más
grande que existe. Finalmente, se armó una suerte de
proyecto de arte investigativo y relacional que indaga el
vínculo de lo humano con lo no humano, particularmente
el bosque, el carbón y el sol (todos estos sustentos de los
cuales dependemos para la generación de energía y calor),
hitos que fui a su vez entrecruzando con ciertas asociaciones
a referencias iconográficas de la cultura andina.
RZ Hay una novela, El barón rampante, de Italo Calvino,
que se trata de un niño al que castigan porque no se quiso
comer la sopa. El niño sale al jardín, se sube a un árbol y no
baja nunca más, vive toda su vida arriba de los árboles. Y
allá arriba en los árboles ve a una niña que está en un jardín,
y la niña también sube. Es una novela increíble porque el
universo es solo una definición, ese niño decidió que la
copa del árbol era el universo...
EB Qué bonito. Me acuerdo que hace algunos meses
me encontré con un texto tuyo en una exposición de
fotografías sobre las minas de Lota en donde hablabas de
la relación del carbón y la oscuridad. Y últimamente esa
relación me ha hecho mucho eco trabajando en este y otros
proyectos vinculados a la degradación ambiental actual,
el extractivismo y las zonas de sacrificio.
137

EL TIEMPO PRESENTE
138
EB Hay algo que tú mencionabas y que me interesa
mucho, y es esta relación entre la física y la matemática
con la poesía.
RZ Yo tenía un profesor alemán, un tipo que era judío
y arrancó de Alemania. Era una eminencia. Una vez nos
hizo unas clases de matemáticas, llegó a un teorema y lo
escribió. Dijo: “No voy a perder el tiempo explicándoles
la belleza de esto, la simetría, la elegancia, la síntesis.
Ustedes son demasiado torpes para entender esto”.
Y fíjate que yo lo entendía. Ese tipo fue muy importante
para mí… La teoría matemática es un lenguaje perfecto,
redondo, autosuficiente. En matemáticas la más rutilante
de las teorías, la más increíble, necesita un solo contraejemplo
para que se derrumbe. A diferencia del arte, en
donde todo son contraejemplos. Tú no puedes hacer lo
mismo que otros 18 tipos, no hay fórmulas. Y si se aplica
una fórmula, cae. Neruda hay uno solo, uno no lee tres o
cuatro Nerudas. Pero la estructura de las matemáticas
es semejante a la estructura del poema, mucho más a la
música en realidad; la poesía son matemáticas sucias,
pasadas por la experiencia, ensuciadas por la vida.
EB ¡Qué cierto eso! Cuéntame sobre esto que decías
el otro día sobre el momento de la creación que es cuando
se detiene la vida.
RZ Cuando alguien está enfermo y hay preocupación
porque hay que comprar remedios que valen millones,
en realidad no puedes hacer nada, no puedes escribir ni
crear nada. Para hacerlo tienes que suspender la vida,
pero al suspender la vida se suspende también la muerte.
En realidad, es un limbo. En ese limbo están todos, está
Shakespeare, estás tú, todos en el mismo instante.
EB Cuando te escuché decir eso sentí algo liberador,
porque está siempre esa presión y aceleramiento del
mundo de afuera, de pagar las cuentas, de toda esa demanda
productiva y capitalista. Y luego está este espacio
en el que uno necesita liberarse de todo eso para poder
crear. Yo lo veo como un ritual que se hace cada día más
complejo y preciado.
RZ En el momento en que tú empiezas a hacer una obra
todo lo demás se suspende. Uno no puede crear una obra
y estar pensando en otra cosa.
EB
Tienes que estar cien por ciento en ella.

Y ni siquiera es un problema de voluntad: estás en cien
por ciento. No es que te lo propongas, estás.
RZ
EB Totalmente. Yo por eso soy admiradora del trabajo de
Juan Downey, a quien tú conociste. Él trabajó bastante con
esta idea de la conciencia y el tiempo presente, algo que
para mí se vincula también con ese espacio del arte y el
quehacer creativo.
RZ Yo de él recuerdo mucho el video que hizo
de Las Meninas.
RZ
EB En el que usa los espejos y habla de las dimensiones
del tiempo, ¿no?
Sí, es muy bonito eso.
EB A mí me gusta mucho su trabajo. Creo que fue un
visionario. Toda su exploración en torno a las fuerzas
y energías invisibles, al vínculo de la tecnología con lo
humano, lo espiritual y la naturaleza son muy potentes y
adelantadas a su época. Su proyecto Trans América y el
video que filmó junto a los yanomami en el Amazonas es
muy alucinante. Y de algún modo él es para mí el punto de
partida de esta conversación, ya que escarbando sobre
su trabajo encontré por accidente esa entrevista que tú
le hiciste en 1984, y lo tomé como una señal e inspiración
para este diálogo –con la fantasía, quizás, de invocarlo
(risas). Ahí me enteré de que él además fue quien registró
tus escritos en el cielo, ¿no?
RZ Sí, convoque a varias personas y todos los demás fallaron
¡Él apareció con su cámara!
EB ¡Increíble! Un momento que me gusta mucho en la
conversación es cuando ustedes hablan de explorar lo
real en esos espacios que hay “entre las cosas”. Él hacía
videos, instalaciones, dibujos, y tú dices que en el diálogo
que se genera entre las piezas aparece lo que hay detrás.
Eso me pareció muy revelador, y de algún modo me identifica.
Downey hablaba mucho también de las “arquitecturas
invisibles”, de los mecanismos y la energía del universo que
une las cosas, algo que me obsesiona mucho.
RZ El arte del video siempre tiene eso, ve los engranajes.
Tú por supuesto no lo conociste... era muy acelerado, muy
loco. Inteligentísimo, brillante. Una de las personas más
inteligentes que he conocido en mi vida. Rapidísimo.
EB ¿En serio? (risas). Me hubiese encantado conocerlo.
Ustedes hablaban, a propósito de sus obras, de eso que
parecía más real que lo real en ese estado de conciencia
139

que es como soñar despierto. Yo creo que él buscaba
mucho entrar en ese espacio por medio de la simbiosis de
lo humano, la ecología, y la tecnología, algo que aún parece
una utopía. Esa famosa frase que menciona en uno de sus
videos: “Quiero entrar en el espacio blanco de mi conciencia
vacía”, es algo a lo que creo que aspiramos muchos
artistas al momento de conectar con ese espacio creativo.
140
RZ Sí, era brillante, pero era muy loco (risas). Pero él funcionaba
así. Era un personaje.
EB Para mí es una gran referencia y al mismo tiempo una
suerte de mito, muchas cosas que investigo me llevan a él,
pero he tenido pocas oportunidades de ver su trabajo. Es
como una figura fantasmagórica que de algún modo siempre
me está rondando.
EL PAISAJE
RZ
EB Leyendo un poema en que hablas del cielo que cae,
me acordé de esta experiencia, una intervención que hice
en un cráter en el desierto de Atacama…
¿Es una intervención con papel?
EB En realidad es un film o manta metálica que se ocupa
para cubrir el cuerpo en emergencias: por una cara es
dorado y absorbe luz o calor, y por la otra es plateado y
la refleja. Lo usé con la intención de reflejar el cielo en el
suelo y crear una suerte de espejismo. Me obsesiona esa
tensión que se genera entre suelo y cielo en el desierto de
Atacama, un territorio que concentra gran parte de los observatorios
astronómicos del planeta y es al mismo tiempo
lugar de gran explotación y extracción minera. Y eso fue
una suerte de ejercicio o reflexión en torno a eso. Me gusta
llamarle ejercicios a estas intervenciones efímeras porque
finalmente son experiencias que activan un momento y
espacio en particular.
RZ ¿Cuál sería el final? ¿Cómo te imaginas que sería
el término de esto? Y si fuera un ejercicio, ¿hasta dónde
puede llegar?
EB Creo que al final lo que queda es la experiencia y la
observación, la visión y la forma en que esta construye
la realidad. Muchas veces lo fascinante es el accidente
fortuito en este tipo de ejercicios o experimentos, que te
llevan a ver y relacionar cosas inesperadas, y así fue en

este caso. Yo estaba muy obsesionada con reflejar el cielo
en el suelo, y también me interesó mucho el hecho de que
no hay certeza de cómo se formó este crater, ya que hay
versiones científicas y populares contrapuestas. La versión
popular dice que sería un meteorito y la científica postula
que se formó por el paso de aguas de napas subterráneas.
El accidente fortuito es que este material tenía por
el otro lado esa capa dorada, y entonces en el registro de
la intervención (que documenta el momento en que este
“espejismo” o construcción sobre el suelo desaparece por
acción humana) apareció ese otro lado, la contraparte del
azul del cielo espejado, el dorado, el “mineral”. Para mí
estas son exploraciones tanto poéticas como materiales
con el paisaje. Por lo mismo, me interesa mucho la forma
en que tú relacionas el paisaje y lo humano a través de los
escritos materiales que haces.
141
RZ Los paisajes son la suma de las miradas que los han
visto. Si a uno le emociona el desierto, de alguna manera
también le emocionan todos los que han cruzado ese
desierto. Para decir “montaña”, otro tuvo que haber dicho
“montaña” antes. O sea, “montaña” es la suma de las
miradas que la han visto. Por eso cuando uno mira un amanecer,
todas las generaciones que han visto un amanecer
vuelven a mirarte, y por eso uno se queda pegado
con sus miradas.
EB Y al mirar un paisaje también te encuentras con tu
propio cuerpo.
RZ En forma bien simple: ¿dónde comienzas tú y dónde
termina el paisaje? El mundo es ese espacio compartido.
Tú miras, oyes, pero ¿dónde termina el otro? ¿El trueno
dónde termina? Finalmente termina en ti. El universo sin
testigos no existe.
RZ
EB Es bonito eso de pensarlo como un espacio de encuentro,
como ese espacio compartido que se vuelve real
cuando hay testigos.
¿Y tú hiciste esa sola “poza”? ¿O hiciste varias?
EB Hice sólo esa, que en realidad era bastante grande
(usamos muchas mantas) y la armamos entre varios. Pero
hice también, durante ese proyecto de residencia artística,
una serie de cianotipos, que son fotografías solares. Ahí
expuse cosas que fui encontrando: piedras, basura, placas
fotográficas astronómicas, entre otros. El papel se prepara
en forma artesanal con una emulsión sensible al sol y luego
se fija y se revela con agua. Obviamente en el desierto el
agua es extremadamente escasa, y estábamos en un lugar

que alguna vez fue un “oasis” por donde pasa el río Loa,
entonces con un poquito de esa agua, no más de un litro,
me las ingenié para hacerlas.
142
RZ
El río Loa es un hilo de agua. No queda nada.
EB Y además de estar casi seco, la composición del agua
del río está muy contaminada por las mineras, por lo cual
ni siquiera les sirve a las comunidades que viven allí para
cultivos u otros fines. Usar esa agua con esa composición
para revelar las fotos también dejó huella en ellas, algo que
me interesaba, sumado al uso del sol del lugar para exponerlas,
que tiene uno de los índices de radiación más altos
del planeta. Son elementos atmosféricos y materiales del
entorno que me interesa rescatar y que están interconectados
con la huella humana. Me quedé justamente pensando
el otro día también como en tu trabajo está la escritura en
el cielo y luego tienes esta escritura sobre el suelo en el
desierto, y después vienen esas proyecciones en los acantilados,
que son también un espacio del medio, donde se
encuentran estos “mundos” o dimensiones del paisaje.
RZ Es probable que ese sueño quede en los sueños, en los
acantilados del norte, una obra tan grande…
EB
¡Eso sí que es monumental!
RZ Solamente para proyectar algo que esté más o menos
a la escala tiene que ser desde el mar. Y tendría que ser
casi desde un portaaviones porque el mar es súper bravo
y hay que hacerlo desde mucha distancia. Entonces estoy
empezando a indagar en otros acantilados.
EB ¿Habías pensado eso de tener una intervención
en el suelo, otra en el cielo y luego esta fracción de tierra
que está entre los dos?
RZ Sí lo he pensado. Además, el suelo y cielo son proyectos
diurnos, pero el acantilado es un proyecto nocturno,
porque solamente se va a ver de noche, y se va a borrar en
el día. Al amanecer, la última frase va a ser “y llorarás”. Son
una sucesión de versos que se proyectarán sobre ese paredón:
“Verás que verás/ verás no ver/ y llorarás”, quedando
la última fija a las 3 a.m. Después, al amanecer con la camanchaca,
comenzará a borrarse. Se proyectará luz sobre
luz, entonces finalmente lo único que queda es el mar. Eso
yo lo veo como una metáfora de la muerte, solamente hay
mar alrededor, lo único que queda es el ruido del mar.
EB Qué maravilla. La camanchaca es además algo tan
característico de este territorio y en especial del desierto.
De todos modos, la luz proyectada en la camanchaca

permitiría por algunos momentos que la proyección
y el trayecto de la luz se hagan visibles en las partículas
de agua de las nubes (lo mismo que pasa con la niebla).
RZ ¡Claro! A mí el tema de la proyección me recuerda el
momento en que hicieron visible la cara del mapuche asesinado
hace unas semanas, Camilo Catrillanca, sobre un
edificio.
EB Sí, fue muy potente y emocionante esa acción con
tu frase aludiendo precisamente al horizonte.
RZ Sí, me siento cercano a esa sensibilidad con el desierto
y con el cielo. Encuentro que tu trabajo también es súper
monumental, pero no de una monumentalidad obvia. Juegas
con los elementos grandes, los megaelementos: con el sol,
con las cosas que constituyen la realidad.
143

También me acordé de dos poemas viendo tu trabajo:
Cada uno está solo
sobre el corazón de la tierra
suspendido de un rayo de sol
y de pronto anochece.
Es de Salvatore Quasimodo, “Ed è subito sera”. El otro es uno que
también me emociona mucho, sobre todo su final. Es de Eugenio
Montale y se llama “Xenia”:
144
Del brazo tuyo he bajado por lo menos un millón
de escaleras y ahora que no estás cada escalón
es un vacío.
Así de breve fue nuestro largo viaje, el mío
todavía dura, mas ya no necesito los trasbordos,
los asientos reservados, las trampas, los oprobios
de quien cree que lo que vemos es la realidad.
Cogido de tu brazo bajé un millón de escaleras
y no porque cuatro ojos puedan ver más que dos
sino porque sabía que de ambos las únicas pupilas
verdaderas, aunque muy empañadas, eran las tuyas.
Lo que está diciendo es que los únicos ojos que pueden ver lo real
son los que están empañados, velados por las lágrimas. Lo real es real
porque la luz ha pasado por el prisma de las lágrimas. Solo podemos
acceder al mundo desde el borde del llanto, cuando las lágrimas descomponen
la luz en los colores de su espectro. Lo único real es lo que
vemos a través de las lágrimas. La realidad no es más que esa capa de
lágrimas que refleja la luz. Parte de lo que me fascina de lo que haces
es que tú muestras usando las tecnologías lo que los ojos pueden ver.
A tu lado una humanidad llorosa ve lo mismo. Es la realidad que llora.
Siento que tu obra es fundamental (y monumental) y sobrecogedora.
Fundamental en el sentido antiguo del término, porque su indagación replantea
la pregunta que frente al bíblico “hágase la luz y la luz fue hecha”
recorre toda la historia del arte: ¿Por qué fue la luz puliendo los contornos
de las cosas y no la invisibilidad de la nada? Y es sobrecogedora
porque la derrota de la luz no es la oscuridad, es la muerte. Ese hombre
muerto, esa mujer muerta, mi padre, mi madre son la verdadera, definitiva
y eterna derrota del sol. Suspendidos en un rayo de sol flotamos un
día sobre la tierra y llenos de ira y llanto desaparecemos al atardecer.
Siento entonces que el límite de tu trabajo es el límite que nos condena
a lo humano, la muerte no usa papeles holográficos, no proyecta auras…
Ed è subito sera. Y de pronto anochece.

THE NATURE
OF THINGS
145

146
p. 152-153
THE NATURE OF THINGS (fieldwork)
Digital photography
Bochum, 2013
p. 154-165
THE NATURE OF THINGS (intervention)
6 LED spotlights, electricity, man-made hill
Bochum, 2013
p. 153, 166
THE NATURE OF THINGS (collage)
Digital print on paper
Bochum, 2013
p. 152-153
THE NATURE OF THINGS (trabajo de campo)
Fotografía digital
Bochum, 2013
p. 154-165
THE NATURE OF THINGS (intervención)
6 focos LED, electricidad, monte artificial
Bochum, 2013
p. 153, 166
THE NATURE OF THINGS (collage)
Impresión digital sobre papel
Bochum, 2013

Bochum, 2013
In collaboration with Sina Seifee
At night, a hill located on a wasteland in Bochum is lit up as
an architectural landmark. The green hill is covered with trees
and bushes that at first glance appear natural, but upon closer
inspection one realizes that this landscape in fact originates from
the industrial ruins and waste material left by the Thyssen Krupp
steel mill, once located there. As time passed, the hill was wildly
“taken over” by nature, alongside a further 20 hectares of land
that citizens now use as an open park.
147
The Nature of Things was conceived as part
of the exhibition “Searching for the White Cube”,
developed at the FKT (Freies Kunst Territorium)
in Bochum and commissioned by the Academy
of Media Arts Cologne in collaboration with C60
Collaboratorium Berlin.

Bochum, 2013
En colaboración con Sina Seifee
148
Un monte ubicado sobre escombros en Bochum es iluminado
de noche como un hito arquitectónico. El monte verde, cubierto
de árboles y arbustos, parece natural a primera vista pero a medida
que uno se acerca comienza a percibir que este paisaje se origina
a partir de ruinas industriales y materiales de desecho de la fábrica
de acero Thyssen Krupp, que antiguamente operó allí. Con el paso
del tiempo, estas ruinas han sido ampliamente “tomadas” por
la vegetación, al igual que el conjunto de 20 hectáreas que
conforman este terreno y que los ciudadanos hoy ocupan como
un parque abierto.
The Nature of Things fue concebido como parte
de la exposición “Searching for the White Cube”;
se desarrolló en el FKT (Freies Kunst Territorium)
de Bochum, y fue financiado por la Academy of
Media Arts Cologne en colaboración con C60
Collaboratorium de Berlín.

149

150

151

158
When lighting the hill, the color projected on to it changed
according to a programmed set-up. Although this change
was very subtle and almost imperceptible to the human
eye, it created the sensation that when observing the hill,
it was the color of the sky that was changing.
Al iluminar el monte, la intensidad y el color de la luz
proyectada variaba según una configuración programada.
Aunque el cambio era muy sutil y casi imperceptible para
el ojo humano, creaba la sensación de que al observar el
monte, era el color del cielo el que iba cambiando.

159

160

161

164
Collage (leporello) that pictures the project findings and
sketches, which were exhibited on a table and afterwards
scanned and printed as a publication.
Collage (leporello) que recoge los hallazgos y bocetos
del proyecto, los cuales fueron exhibidos sobre
una mesa y posteriormente escaneados e impresos
en una publicación.

PAISAJISMO
ELECTROMAGNÉTICO
165

166
p. 179-183, 191
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(fieldwalks)
Digital photography
Valparaíso, 2018
p.190
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (map)
Cyanotype on paper
Valparaíso, 2019
p. 194
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(exhibition view)
Digital photography
Valparaíso, 2019
p. 196, 199 (top)
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(installation)
Paper, wood, stones, plants, minerals,
among other found objects and sketches
collected during the project
Valparaíso, 2019
p. 193, 198
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(installation)
Copper, wood, fluorescent light
and vira-vira wild medicinal herb
Valparaíso, 2018
p. 199 (bottom)
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (object)
Water, concrete, wooden frame
Valparaíso, 2019
p. 200-201
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(plant association)
Plants, artificial light
Valparaíso, 2019
p. 197
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(installation)
PVC gutters, steel, wood, fluorescent light,
water, micro-algae
Valparaíso, 2018
p. 204-212
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(workshop)
Workshop at FLORA Ars + Natura,
as part of the exhibition “Energ(ética): arte
y sustentabilidad”, curated by José Roca
and Isaac Dyner
Bogotá, 2017
p. 179-183, 191
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(caminatas de campo)
Fotografía digital
Valparaíso, 2018
p.190
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (mapa)
Cianotipo sobre papel
Valparaíso, 2019
p. 194
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(vista de la exposición)
Fotografía digital
Valparaíso, 2019
p. 196, 199 (superior)
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(instalación)
Papel, madera, piedras, plantas,
minerales, entre otros objetos encontrados
y bocetos recogidos durante el proyecto
Valparaíso, 2019
p. 193, 198
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(instalación)
Cobre, madera, luz fluorescente y hierba
medicinal silvestre vira-vira
Valparaíso, 2018
p. 199 (inferior)
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (objeto)
Agua, hormigón, marco de madera
Valparaíso, 2019
p. 200-201
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(asociación de plantas)
Plantas, luz artificial
Valparaíso, 2019
p. 197
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(instalación)
Cañerías de PVC, acero, madera, luz
fluorescente, agua, microalgas
Valparaíso, 2018
p. 204-212
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
(workshop)
Workshop en FLORA Ars + Natura,
como parte de la exposición “Energ(ética):
arte y sustentabilidad”, curada por
José Roca e Isaac Dyner
Bogotá, 2017

In collaboration with Cristian Espinoza
Bogotá, 2017 / Valparaíso, 2018
Paisajismo electromagnético is an experimental cartography,
a collection of maps, models, photographs, objects, videos and
sound recordings from a series of field trips taken within the
Valparaíso region; looking for clues in order to see and understand
its dark ecology.
“Dark ecology” is a term borrowed from the philosopher
Timothy Morton, which considers the coexistence of the human
and the non-human, a concept that we utilized as a starting point
to study the indissoluble and entagled relationship between an
industry’s energy and technological infrastructure, and a landscape
and its inhabitants. This entanglement generates conflicts that
often remain invisible – the result of a material reality that is largely
hidden and obscured. The project aimed to explore this by means
of observing, mapping, drifting, and gathering, as well as creating
an interpretative assembly of said findings.
The project was comprised of a series of guided walks and
dialogues with local individuals and communities, visiting places
such as the Laguna Verde thermoelectric plant, the La Campana
Peñuelas Biosphere Reserve, the so-called “sacrifice zone”
of Quintero and Puchuncaví, the Natural Sanctuary Acantilados
Federico Santa María, and the city of Valparaíso and its
surrounding localities.
167
Paisajismo electromagnético was exhibited
at Parque Cultural de Valparaíso (PCdV)
and supported by FONDART – Ministerio
de las Culturas, las Artes y el Patrimonio del
Gobierno de Chile (2018).

En colaboración con Cristian Espinoza
Bogotá, 2017 / Valparaíso, 2018
168
Paisajismo electromagnético es un proyecto que presenta
evidencias materiales, mapas, maquetas, fotos, videos y objetos;
una cartografía analítica resultante de un conjunto de viajes por
la región de Valparaíso en búsqueda de pistas para ver y tratar de
comprender su ecología oscura.
“Ecología oscura” es un concepto acuñado por el filósofo
Timothy Morton que aborda la compleja coexistencia planetaria
de lo humano y lo no-humano, concepto que hemos tomado como
punto de partida para estudiar el entramado indisoluble de la industria
e infraestructura energética y tecnológica con el paisaje
y sus habitantes en la región. De este entramado surgen una serie
de conflictos socio-ambientales que permanecen mayormente
invisibilizados, y que para nosotros reflejan una realidad material
en gran medida oculta e invisible que hemos decidido explorar por
medio de la observación, la deriva, el diálogo, el mapeo, la recolección
y el ensamblaje interpretativo de los hallazgos encontrados.
Paisajismo electromagnético comprendió visitas grupales
y diálogos con diversos actores y comunidades locales, por medio
de caminatas en lugares tales como la Termoeléctrica Laguna
Verde, la Reserva de la Biosfera de La Campana-Peñuelas, la llamada
“zona de sacrificio” en Quintero y Puchuncaví, el Santuario
de la Naturaleza Acantilados Federico Santa María y la ciudad de
Valparaíso.
Paisajismo electromagnético fue exhibido en
el Parque Cultural de Valparaíso (PCdV) y contó
con el apoyo de FONDART – Ministerio de las
Culturas, las Artes y el Patrimonio del Gobierno
de Chile (2018).

169

170

171

172

173

The invisibility
of evil
By Pedro Donoso
174
“Ours is indeed an age of extremity. For we live under
continual threat of two equally fearful, but seemingly
opposed, destinies: unremitting banality and inconceivable
terror.”
Susan Sontag: “The Imagination of Disaster”
The dominant distribution of the sensible allows us to perceive
an important part of the human-induced alterations to the natural
environment around us. The siege we have systematically set upon
nature for over 2000 years is a mirror for the face of humanity
imposed over the landscape: deserts of waste, islands of plastic
floating on the ocean, gases dispersing in the atmosphere, altering
the temperature and threatening the lives of millions of species.
To gaze upon the natural environment is to look to our latest work:
the rarified atmosphere of our existence. And yet we do not see
its darkest aspect, that which remains invisible.
Paralleling this disaster, the work of Elisa Balmaceda and
Cristian Espinoza eludes the visible image. The possibility of
raising, once more, an eco-critical flag is not in the service of the
repetition of a common place. Instead of insisting on the evident
environmental crisis, Paisajismo electromagnético is an exhibition
that delves into the deep mystery of the structures for the distribution
and flow of energy that are dispersed all over the land, through
which human settlement advances across the planet, over-running
natural ecosystems. Fundamentally the investigation that this
exhibition presents examines the most intimate material base of
our global sociocultural and economic system: its power sources—
electricity supply and the distribution of the energy networks that
keep this system functioning. Invisible is the darkest of powers.
Upon entering the room, darkness prevails. The setting plays
with our memories of the large oil refineries that shine in the night
with their chimneys and toxic flames; gothic cities and structures
that sustain large neon signs on interstellar highways. The shape

that the energy distribution assumes traverses countless structures
over crop fields, mountains and villages. The bucolic aspect
of the landscape turns into an electrified grill, in which the pulse
of a system of relentless energetic consumption can be felt. Every
material present in the exhibition is a reminder of this: carbon, the
soot that is present in a number of compositions in which water,
neon light, plastic and carbon are distributed as primal vestiges
of our Anthropocene era; or as the direct translation of the costs
involved in the way of life assumed by millions and millions of
users that depend on the interconnected electrical grid. We live
in this blissful disaster of a persistent exploitation of materials in
order to achieve progress, materials which threaten the extinction
of thousands of species as a preamble to our own defeat. Once in
the room, we close our eyes and the electrical buzz of the tubes
reminds us of the flow of electric light.
Paisajismo electromagnético operates as a sample of 10
pieces where some defining elements produced by the irreconcilable
contrast between industry and natural environment have
been treasured. These hybrid materials, residues, and endangered
species provide with a testimony of the overlapping systems that
are opposed to death in a “sacrifice zone” of Valparaíso 1 . The
placement of cardboard miniatures made of egg cartons creates a
series of miniature landscapes that reproduce the topographical
features and electrical connections of a particular place. These
cartons are, in everyday life, an already reused material that has
become inert: they are not even accepted for recycling. Likewise,
this simile extends to the layers of soil that the contaminating
industry turns into a barren, denaturalized material. Dead earth.
Further down the room, we are greeted by a large plant pot that
concentrates a vegetal micro-ecosystem comprised of five
interdependent wild plants: through a benign symbiosis they
secure each other’s life conditions. How can we understand,
then, the maximum stress that humanity places on natural
entropy? Are we facing a slow and inevitable disaster or are
we simply going to carry on altering life on this planet until we turn
it into an industry forged by the requirements of a market that
absorbs us all?
As explorers of a late age, digital archeologists in the postindustrial
era, Elisa and Cristian dedicate themselves to explore
the routes that connect the circulatory system that traverses the
different locations of a region. Somehow, their investigation anticipates
a future that seems so close that it feels like a chronicle
175
(1) The term “sacrifice zone” came recently into use by
Chilean civil society to designate areas that concentrate
highly polluting industries along the country and that
provoke severe health problems for local communities.

176
of an inevitable collapse. In each each location they peer into the
evidence of unsustainable energy abuse, which contrasts with the
thousands of millennia required to develop systems such as Chile’s
Sclerophyll woodlands with its dryland tree species spread through
the ravines of Parque La Campana. If in the Ventanas industrial
complex they are faced with a dark homage to the polluting industrial
development that began over 60 years ago, in the La Campana
Park they glimpse the inexorable threat of a thermoelectric plant
under construction that is capable of annihilating the balance
present in a natural forest system that is over 2,000,000 years old.
This overwhelming clash shows the contrast between the remarkable
persistence over millions of years of a series of ecosystems,
and their fragility when in the face of the pressure of high voltage
towers. The maximalism of this conflict sets a timebomb. We do
not know when it will go off: we only know who is behind it.
With appropriate subtlety, Elisa Balmaceda and Cristian
Espinoza gather a few species and materials in order to create
an archipelago of situations within the room. Instead of resorting
to data, images or veiled warnings, they simply confront us with
the residues from our own industrial survival exercises. Life in the
human sphere is not possible without high voltage towers, without
the electricity that invisibly surrounds us, without a series of waves
travelling through the air. Our electromagnetic condition is the base
of our most basic social processes – from preserving food to reading
these words in an electronic publication. The question that the
work of Elisa and Cristian raises is, then, deep and fundamental.
It reaches the roots of the industry that invisibly sustains us. The
identity sign of our species is the transformation of the material
connections that create a great accumulation of mutations,
paradoxes, anomalies and problems. A nameless piece stands
put in the middle of the Laboratorio room in the Parque Cultural de
Valparaíso: a twig with lichen embedded onto an aluminum tripod,
like a natural prothesis – an authentic prototype of the new material
forms that proliferate in these electromagnetic landscapes.

La invisibilidad
del mal
Por Pedro Donoso
[La nuestra es, sin duda, una época extrema.
Vivimos bajo la amenaza continua de dos destinos
igualmente temerosos pero aparentemente opuestos:
banalidad incesante y terror inconcebible.]
177
Susan Sontag: “The Imagination of Disaster”
La distribución dominante de lo sensible nos permite percibir
una parte importante de las alteraciones introducidas por la
acción antrópica en el medio natural que nos rodea. El asedio al
que hemos sometido a esta naturaleza que sistematizamos hace
algo más de 200 años, se muestra como un espejo en el que podemos
ver repetido nuestro rostro humano sobre el paisaje: campos
desiertos sembrados de desechos, islas de plásticos flotando en
los océanos, gases dispersos que alteran la temperatura en la que
se desarrolla la vida de miles de especies. Mirar el entorno natural
es mirar nuestra obra más cercana: el ambiente enrarecido de
nuestra existencia. Pero no vemos lo más oscuro, lo que permanece
invisibilizado.
Justamente, el trabajo de Elisa Balmaceda y de Cristian
Espinoza no recae en la imagen visible. La posibilidad de volver
a levantar una bandera ecocrítica no sirve aquí para repetir una
consigna. Antes que reiterar lo evidente, la muestra Paisajismo
electromagnético se adentra en el profundo misterio de las estructuras
repartidas en el territorio para el avance y asentamiento
de una especie que domina el planeta mediante la distribución
y flujo de cargas de energía. La radicalidad de la investigación que
plantea esta exposición sondea la más íntima base material del
sistema sociocultural y económico en el que nos desarrollamos,
en la medida que llega a sus fuentes de poder: la distribución
eléctrica y la diseminación de redes energéticas que mantienen
el funcionamiento de este sistema. Invisible es el más oscuro
de los poderes.

178
Al entrar a la sala, predomina la oscuridad. La ambientación
juega con el recuerdo de las grandes refinerías que brillan en la
noche con sus tubos y llamaradas tóxicas. Ciudades góticas y estructuras
para mantener encendidos los grandes anuncios de neón
en las carreteras interestelares. La forma que toma la distribución
energética recorre un sinnúmero de estructuras repartidas entre
campos sembrados, montañas y aldeas. Todo el aspecto bucólico
del paisaje se transforma ahora en una parrilla electrificada donde
se siente el pulso de un sistema de consumo energético inagotable.
Lo recuerdan aquí en la exposición todos los materiales presentes;
el carbón, el hollín que se reparte entre una serie de ensamblajes
donde el agua, la luz de neón, el plástico y el carbón, organizados
como restos primigenios de nuestra era antropocénica. O como
traducción directa de los costos involucrados en la forma de vida
que asumimos los millones y millones de usuarios que dependemos
del servicio interconectado. Vivimos el desastre gozoso en la persistencia
de esos materiales que explotamos para progresar y que
amenazan de muerte a numerosas especies, como preámbulo de
nuestra propia derrota. Cerramos los ojos en la sala y el zumbido
eléctrico de los tubos nos recuerdan el paso de la luz eléctrica.
Paisajismo electromagnético funciona, en realidad, como un
muestrario de 10 piezas donde se han atesorado algunos elementos
definitivos producidos por el contraste irreconciliable hasta
ahora entre industria y entorno natural. Estos materiales híbridos,
residuos y especies amenazadas, se combinan como testimonios
de dos sistemas que se contraponen a muerte en el entorno de una
“zona de sacrificio” de Valparaíso. La disposición de maquetas de
cartón hechas en bandejas para huevos, remite a una serie de paisajes
en miniatura que reproducen las distintas cotas topográficas
de un lugar y sus conexiones electrificadas. Esas bandejas son, en
la vida diaria, un material ya reutilizado que se ha vuelto inerte: ni
siquiera son aceptadas para su reciclaje. De igual forma, el símil se
extiende para las capas de tierra que la industria contaminante del
sector parece tornar en un material desnaturalizado, yermo. Tierra
muerta. Avanzando un poco por la sala nos sale al paso un gran
macetero que concentra un micro ecosistema vegetal de cinco
plantas silvestres interdependientes: entre ellas se aseguran la
vida mediante una simbiósis benéfica. ¿Cómo entender entonces
la máxima tensión que la humanidad supone a la entropía natural?
¿Nos enfrentamos a un desastre lento e inevitable o simplemente
alteraremos la vida en el planeta hasta convertirlo en una industria
labrada por la imposiciones del mercado en el que todos y todas
nos encontramos inmersos?
Como exploradores de una época tardía, arqueólogos digitales
en la era postindustrial, Elisa y Cristian se preocupan de recorrer
las rutas que conectan el sistema circulatorio que se extiende por
distintos parajes de una misma localidad. De alguna manera, sus
investigaciones leen un futuro tan próximo que parece la crónica

de un colapso inevitable. En cada lugar se asoman a las evidencias
de un abuso energético insostenible que contrasta con los milenios
de evolución que han sido necesarios para el desarrollo de
sistemas como el bosque esclerófilo, que distribuye las especies
arbóreas por las quebradas. Si en el complejo industrial de
Ventanas se encuentran con un homenaje negro al desarrollismo
industrial contaminante iniciado hace 60 años; en el Parque la
Campana, vislumbran la amenaza incorregible de una central termoeléctrica
en construcción capaz de aniquilar el equilibrio
de un sistema bioforestal datado en más de 2.000.000 de años.
El contraste entre la admirable evolución de una serie de ecosistemas
desarrollados a lo largo de milenios contrasta con su fragilidad
a la hora de verse sometidos a la presión de las torres de alta tensión.
El maximalismo de este antagonismo dibuja una bomba
de tiempo que no sabemos en qué momento explotará, cuanto
tiempo demorará: solo sabemos quién está detrás.
Con la debida sutileza, Elisa Balmaceda y Cristian Espinoza
reúnen una pequeña colección de especies y materiales para
formar un archipiélago de situaciones dentro de la sala. En lugar
de recurrir a los datos, las imágenes o las amenazas veladas, solo
nos enfrentan con los restos de nuestros ejercicios industriales
de subsistencia. La vida en el planeta humano no es posible sin
las torres de alta tensión, sin la electricidad que nos rodea, sin
una serie de ondas que viajan por el aire. Nuestra condición
electromagnética es, por otra parte, la base de nuestros procesos
sociales más básicos –desde mantener los alimentos a contar con
la corriente para poder leer este artículo alojado en una publicación
electrónica. La pregunta planteada por Elisa y Cristian en su trabajo
es, entonces, más profunda y radical y llega a las raíces de aquella
industria que nos sostiene de manera invisible. El signo de identidad
de nuestra especie es la transformación de las conexiones
materiales que crean una gran acumulación de mutaciones, paradojas,
anomalías y problemas. Una pieza sin título sobresale en mitad
de la sala Laboratorio del Parque Cultural de Valparaíso: una rama
con líquenes incrustada como una prótesis natural a un trípode
de aluminio. Todo un prototipo de las nuevas formas materiales
que proliferan en estos paisajes electromagnéticos.
179

180
Map of the human and non-human energetic
corridors overlapping in the Valparaíso region,
traced during the project.
Mapa de los corredores energéticos humanos
y no humanos superpuestos en la región de Valparaíso
según los mapeos realizados durante el proyecto.

181

182
Study of the sensitivity of a medicinal
herb to human-generated
electromagnetic fields.
Estudio de la sensibilidad a los campos
electromagnéticos generados por
el humano de una hierba medicinal.

Previous page: Exhibition view at Parque Cultural de
Valparaíso. Findings and material artifacts that explored
the relationship between vegetation and anthropogenic
pollution.
Página anterior: Vista de la exposición en el Parque
Cultural de Valparaíso. Hallazgos y artefactos materiales
que exploran la relación entre la vegetación
y la contaminación antropogénica.
186

187
Micro-algae (chlorella) cultivation extracted from a
cleaning plant that captures CO2/SO2 gases emitted
by AES Gener’s thermoelectric plant in Ventanas
(Quintero-Puchuncaví).
Cultivo de microalgas (chlorella) obtenidas en una
planta descontaminante que captura gases de CO2/
SO2 emitidos por la termoeléctrica a carbón de AES
Gener en la llamada “zona de sacrificio” de Ventanas
(Quintero-Puchuncaví).

189

190
Association of five interdependent wild and native plants:
pata de guanaco, chupalla, chamiza, colliguay and salvia
blanca (common names).
Asociación de cinco plantas silvestres y nativas
interdependientes: pata de guanaco, chupalla, chamiza,
colliguay y salvia blanca (nombres comunes).

191

WORKSHOP
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
Bogotá, 2018
192
The workshop Paisajismo electromagnético held at FLORA Ars +
Natura, consisted of a field study for which the group created some
DIY tools (electromagnetic microphones and amplifiers) to use to
observe, experience, and collectively map the electromagnetic
landscape of the neighborhood of San Felipe; a place where
multiple aerial cables and antennas coexist with trees and nonhuman
species. The experimental walk ended at an electronic
waste disposal district, where the group collected some discarded
appliances or “zombie media” (mostly antennas). The aim was
to bring these objects back to life by mounting and amplifying
electromagnetic frequencies, thus randomly capturing electromagnetic
waves as sound in front of the Los Heroes monument,
where the “Energ(ética): arte y energía sostenible” exhibition was
being shown, the context of which we were invited to conduct this
workshop.
After this action took place, the objects were left in front of the
monument, which promptly returned to their place of origin when a
scrap metal collector (an occupation widely seen in the San Felipe
area) collected them, turning this action into a “circular” event.

TALLER
PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO
Bogotá, 2018
El taller Paisajismo electromagnético realizado en FLORA ARS +
Natura, consistió en un estudio de campo para el cual el grupo
creó algunas herramientas DIY –hágalo usted mismo– (micrófonos
y amplificadores electromagnéticos) para observar, experimentar
y mapear colectivamente el electromagnetismo presente en el
paisaje del barrio de San Felipe; un lugar donde múltiples cables
aéreos y antenas coexisten con árboles y especies no humanas.
La caminata finalizó en un depósito de chatarra de desechos
electrónicos, donde recogimos aparatos en desuso o “medios
zombies” –la mayoría antenas– con el objetivo de volverlos a la
vida por medio de ensamblaje y amplificación de frecuencias
electromagnéticas para capturar con ellos, de forma aleatoria,
los sonidos errantes frente al monumento Los Héroes donde se
exhibía en forma paralela la exposición “Energ(ética): arte y
energía sostenible”, a partir de la cual fuimos invitados a realizar
este taller.
Al finalizar el taller por medio de esta acción, dejamos
los objetos frente al monumento, los cuales volvieron prontamente
a su origen, cuando un recolector de chatarra, una ocupación
muy extendida en esta zona, los recogió – convirtiendo así a esta
acción en un evento “circular”.
193

202

VICTORY OVER
THE SUN
203

204
p. 209
VICTORY OVER THE SUN
Digital photograph
Cologne, 2018
p. 210
VICTORY OVER THE SUN (intervention)
3D render by Przemek Trznadel
Cologne, 2018
p. 212
VICTORY OVER THE SUN
DIY electromagnetic field (EMF)
measuring device
Cologne, 2017
p. 214-215, 216 (top)
VICTORY OVER THE SUN (field studies)
Digital photograph
Cologne, 2018
p. 216-217 (bottom), 226
VICTORY OVER THE SUN (RWE Archive)
35 mm analog photography
Essen, 2018
p. 218-223
VICTORY OVER THE SUN (stills)
HD video
Cologne, 2020
p. 224-225
VICTORY OVER THE SUN
(field research)
Digital photography
Cologne, 2018
p. 228-231
VICTORY OVER THE SUN (artist book)
Photographs, sketches and archive
material collected during the artistic
research
Cologne, 2020
p. 232-238
ELECTRIC FIELDS (TINKU)
Photographs, sketch, HD video
Atacama, 2015
p. 209
VICTORY OVER THE SUN
Fotografía digital
Colonia, 2018
p. 210
VICTORY OVER THE SUN (intervención)
Render 3D por Przemek Trznadel
Colonia, 2018
p. 212
VICTORY OVER THE SUN
Dispositivo de medición de campos
electromagnéticos DIY
Colonia, 2017
p. 214-215, 216 (superior)
VICTORY OVER THE SUN (estudios de campo)
Fotografía digital
Colonia, 2018
p. 216-217 (inferior), 226
VICTORY OVER THE SUN (Archivo RWE)
Fotografía analógica de 35 mm
Essen, 2018
p. 218-223
VICTORY OVER THE SUN (fotograma)
Video HD
Colonia, 2020
p. 224-225
VICTORY OVER THE SUN
(estudio de campo)
Fotografía digital
Colonia, 2018
p. 228-231
VICTORY OVER THE SUN (libro de artista)
Fotografías, bocetos y material
de archivo recogido durante la investigación
artística
Colonia, 2020
p. 232-238
ELECTRIC FIELDS (TINKU)
Fotografías, bocetos, video HD
Atacama, 2015

Victory Over the Sun
Cologne / Santiago, 2016 – 2020
Victory Over the Sun is an ongoing artistic research project that explores
the relationship between the human and the various natural
and artificial energy fields; looking at both past and future understandings
of a technological coexistence with landscapes.
The project was originally conceived as an intervention for a
seemingly public space in Cologne: a neon text was to be installed
under the power lines in the outskirts of the city, that would be
powered and lit by the energy emanating from the high voltage
cables above (a phenomenon also known as “electrosmog”). The
idea was inspired by a demonstration that took place in Germany,
for which protestors held neon tubes in their hands under the
power lines. The neon tubes would glow as the invisible flowing
energy in the air was connected with the earth, making the invisible
visible to the human eye.
Proposals for the installation received a negative response from
various energy companies who refused permission for the intervention
to take place under their structures. As a result, the project
became a long-term exploration of the energy industry and landscape
near to Cologne. This location hosts both the world’s largest
artificial sun and Europe’s most infamous open-pit coal mine, which
is located right beside a forest currently occupied by eco-activists
as a means of resistance. This place has become iconic in the
struggles against the extracting and exploitation of coal in these
current times of energy transition.
The title of the project refers to Victory Over the Sun, a futurist
opera written in 1923 by Aleksei Kruchenykh. In the piece, the sun
is captured and brought from heaven to Earth to be locked in a concrete
bucket (symbolized on stage by Kazimir Malevich’s famous
‘Black Square’). The opera celebrated the dystopian independence
of humankind from the sun and its cyclical system, made possible
by the energy generated from man-made sources and technologies.
Bringing this reference to the present time, the project hoped to
create a crossover between the symbology of Russian futurism
from the 1920s, the ancient cosmology of the Andean cultures in
South America, and future visions as seen from eco-activists in the
face of the ecological crisis we are currently living.
205
Victory Over the Sun is an artistic-research project
commissioned by the VISIT – Artist in Residence
program of the Innogy Stiftung, Germany.

Victory Over the Sun
Colonia / Santiago, 2016 – 2020
206
Victory Over the Sun es un proyecto de investigación artística
que indaga la relación de lo humano con diversos campos de energía
tanto naturales como artificiales; explorando miradas pasadas,
presentes y futuras de nuestra coexistencia tecnológica con
el paisaje.
Originalmente, Victory Over the Sun fue concebido como una
intervención en el espacio público que consistía en la instalación
temporal de un texto de neón bajo las líneas de alta tensión del tendido
eléctrico en el campo a las afueras de la ciudad de Colonia,
Alemania. El texto se encendería gracias a la energía que emanan
de los cables de alta tensión y que escapa de las líneas de electricidad
(un fenómeno también conocido como “electrosmog”).
Debido a la recepción negativa de diferentes empresas
energéticas a permitir la instalación de la construcción bajo su
infraestructura, el proyecto se convirtió en una exploración a largo
plazo sobre el paisaje y la industria energética en las cercanías de
Colonia. En este lugar, las instalaciones del sol artificial más grande
del mundo conviven con la mina de carbón a cielo abierto más
grande de Europa y los restos de un bosque milenario hoy tomado
por activistas y ecologistas, el cual se ha convertido en un ícono
mundial en la lucha contra el extractivismo y la degradación ambiental
en tiempos de transición energética.
El título del proyecto hace alusión a la primera ópera futurista
escrita en 1923 por Aleksei Kruchenykh. En Victory Over the Sun,
el sol es capturado y traído del cielo a la Tierra, para ser encerrado
en un cubo de concreto (simbolizado en el escenario por el famoso
cuadrado negro del pintor Kazimir Malevitch). La obra celebraba
la distópica independencia del ser humano del sol y su sistema
cíclico, gracias a la energía generada por las fuentes creadas
por el hombre.
El proyecto busca entrelazar diversos entendimientos
del cosmos, generando un cruce entre la simbología del futurismo
ruso, la cosmovisión de las culturas andinas en Sudamérica
y las visiones futuras de activistas frente a la crisis ecológica
en que nos encontramos.
Victory Over the Sun es un proyecto de arte
investigativo comisionado por VISIT - Artist in
Residence Program de la Innogy Stiftung, Alemania.

207

Previous page: 3D render of a neon light installation
under power-lines near Cologne.
Página anterior: Render 3D que visualiza una instalación
con luces de neón bajo las líneas de alta tensión en las
cercanías de Colonia.
210
DIY electromagnetic field (EMF) measuring device
made by the artist.
Dispositivo de medición del campo electromagnético
(CEM) hecho por la artista.

211

212

Field studies and tests for a neon light installation
in a public space.
Ensayos y estudios de campo para una instalación
lumínica en el espacio público.
213

214

215

216
Video stills of Victory Over the Sun.
Fotogramas del video Victory Over the Sun.

217

218

219

220

Documentation of the visit and research carried
out by the artist at the archive for occult knowledge,
at the IGPP (Institut für Grenzgebiete der Psychologie
und Psychohygiene) in Freiburg.
Documentación de la visita e investigación realizada
por la artista en el archivo de conocimientos ocultos
del Instituto IGPP de Friburgo.
222

223

224

As part of this artistic research, the following locations were visited:
Synlight DLR – artificial sun in Jülich (Germany); the occupied forest
in Hambach and the brown coal pit mine located next to it (Germany);
an archive of Occult and Ancestral Knowledge in Freiburg (Germany); the
RWE Group Historical Archive (RWE Energy Company), amongst others.
Como parte de la investigación artística del proyecto fueron visitados los
siguientes lugares: Synlight DLR – simulador solar en Jülich (Alemania);
el bosque en toma en Hambach y la mina de lignito situada junto a él
(Alemania); el Archivo histórico del Grupo RWE (compañía energética),
el archivo de conocimientos ocultos del Instituto IGPP en Friburgo
(Alemania), entre otros.
225

Artist Book that compiles photography,
sketches, dialogues and archive material
collected during the artist’s research.
Libro de artista que compila fotografías,
bocetos, diálogos y material de archivo
recopilado durante la investigación artística.
226

HAMBACHER FORST,
AUGUST 2018:
For two, three years I have been living up on this tree for
extended periods. Right now, I have actually been here again
for just two weeks. I had not been here for six months. I have only
just returned, and then the information that this would come
to an end sooner than expected; everything feels very much like
saying goodbye.
I have a very bad feeling this year. I think that they are really
going to clear the place. Last year, it was very strange indeed
when they didn’t come in the end. Because of the clearance stop
– which was super cool. For this year, I don’t have much hope.
I hope that many more people are going to come to join the large
number of people who are already here. And that we all jointly
defend together the whole project. And that maybe a few influential
people will start thinking again after all: namely that
it is absolute nonsense to still destroy the forest–and all the countryside–everything
now. The whole world, the Fiji Islands,
for instance, are going under, everything is destroyed for a huge
hole in the forest countryside.
We could replicate this experiences in other places. For example,
there is the Treburer Forest near Frankfurt right now, where
an airport is supposed to be extended. A forest is also being occupied
there. And you can build houses on almost all the trees.
And that’s exactly what’s going to happen.
227
Transcription of a dialogue with a
woman living in a tree house in the
occupied forest one month before
the clearance.
Transcripción de un diálogo con una
mujer que vive en una casa en un árbol
en el bosque ocupado un mes antes
de su desalojo, en el que expresa
su preocupación sobre este lugar
llegando a su fin y la futura destrucción
de otros bosques como Treburer
Forest en Frankurt.

ELECTRIC FIELDS
(TINKU)
230
Electric Fields (Tinku) documents an intervention in a public space,
in which tubes of fluorescent light make visible the energy circulating
in the air, flowing from high voltage power line cables that are
spread over areas that are powered by artificial light. The light
comes on at the touch of a person holding the tube, who becomes
a “ground wire” for the system between the energy and the earth.
The video recording is accompanied by a voiceover: a
reading of the song “Tinku”, an Aymara concept that refers to
a time / space where opposite worlds and dimensions meet and
collide. The original song, written by an Aymaran composer, was
recovered by singer-songwriter Víctor Jara and later revisited by
the musical group Inti-Illimani. The song’s lyrics have become
incomprehensible due to the successive reinterpretations of artists
who did not know the original language, thus eroding its meaning
and becoming mere noise.

ELECTRIC FIELDS
(TINKU)
Electric Fields (Tinku) documenta una intervención en el espacio
público, en la que un tubo de luz fluorescente hace visible la energía
que circula por el aire y que fluye de los cables de las líneas
eléctricas de alto voltaje que se extienden por zonas iluminadas
artificialmente. La luz se enciende con el contacto de una persona
que sostiene el tubo, convirtiéndose en un “cable de tierra”
para el sistema.
El video es acompañado de una voz en off que parafrasea el
texto de una canción titulada “Tinku”, un concepto aymara que
se refiere al tiempo / espacio donde se encuentran y chocan
mundos y dimensiones opuestas. La canción original, escrita por
un compositor aymara, fue recuperada por el cantautor Víctor
Jara, y posteriormente fue reinterpretada por el grupo musical Inti-
Illimani. La letra de la canción se ha vuelto incomprensible debido
a las sucesivas reinterpretaciones de los artistas que no conocían
el idioma original, desgastando así su significado literal y convirtiéndose
en mero ruido.
231

Sketch for a walk recorded on video.
Boceto del recorrido y caminata registrada en video.

Long-exposure photograph taken during the walk.
Fotografía de larga exposición capturada durante la
caminata y recorrido.

236
Video stills from Electric Fields (Tinku).
Fotogramas del video Electric Fields (Tinku).

TAYPI.
10000 Soles
237

238
p. 243, 246-247
Colony (Quillayes)
HD video, recycled video monitor, 20
specimens of Quillaja saponaria endemic
trees
Santiago, 2019
p. 244-243, 241
TAYPI. 10000 SOLES
Debris, pieces of soil, stones and minerals
from excavations found in the deposit
of the Municipality of Santiago, mirrors,
artificial light strips, coins
Santiago, 2019
p. 245
TAYPI. 10000 SOLES
Cyanotype print on paper
Santiago, 2019
p. 240-241
TAYPI. 10000 SOLES
HD video, recycled video monitor
04:12 minutes
Santiago, 2019
p. 244-271
TAYPI. 10000 SOLES
Analog 16 mm film in a continuous loop,
and film-projector powered by an off-grid
solar power supply 01:51 minutes
Jülich/Santiago, 2019
p. 274-276
SANTIAGO INCA (walk)
Digital photography
Santiago, 2019
p. 243, 246-247
Colony (Quillayes)
Video HD, monitor de video reciclado,
20 ejemplares de árboles endémicos de
Quillaja saponaria
Santiago, 2019
p. 244-243, 241
TAYPI. 10000 SOLES
Escombros, trozos de tierra, piedras
y minerales procedentes de las
excavaciones encontradas en el
yacimiento de la Municipalidad de
Santiago, espejos, tiras de luz artificial,
monedas
Santiago, 2019
p. 245
TAYPI. 10000 SOLES
Impresión de cianotipos sobre papel
Santiago, 2019
p. 240-241
TAYPI. 10000 SOLES
Video HD, monitor de video reciclado
04:12 minutos
Santiago, 2019
p. 244-271
TAYPI. 10000 SOLES
Película analógica de 16 mm en bucle
continuo, y proyector alimentado por
energía solar sin conexión a la red
01:51 minutos
Jülich/Santiago, 2019
p. 274-276
SANTIAGO INCA (caminata)
Fotografía digital
Santiago, 2019
10.000 suns = dis/orientation
10.000 suns = 2.148.334,49 Chilean pesos
10.000 suns = 2,77 k Co2
10.000 suns = 310 Kw (310.000 watts)
10.000 soles = des/orientación
10.000 soles = 2.148.334,49 pesos cl
10.000 soles = 2,77 k Co2
10.000 soles = 310 Kw (310.000 watts)

Santiago, 2019 / Curatorial text by Catalina Valdés
Taypi. 10000 soles explores the relationship between energy,
landscape and technology; it seeks to juxtapose current environmental
degradation with a rescuing of coexistence between
different types of nature.
The project was presented at the gallery Posada del Corregidor,
an emblem of a certain colonial culture and patrimonial fiction,
which became a point of convergence between Andean culture and
Occidental extractivist culture.
Images of a laboratory in Germany, where more than a hundred
lamps form Synlight–the largest artificial sun in the world that generates
a radiation equivalent to 10,000 suns–were brought together
with the notion of taypi chi’ixi, recovered by the Bolivian sociologist
Silvia Rivera Cusicanqui from Aymara textile art patterns. This
diagram is used to invoke the ritual space of an “in-betweenness”
which unfolds in the dualities of time-space, the here-now, and
multiplies its dimensions.
Colonial dynamics are thus revealed as an order that still rules
over our social and material relationships. By folding and unfolding
this order, the exhibition paves the way for alternative histories,
for a circular time in which opposite forces and different worlds
coexist.
The pieces in this body of work are the result of a series of
walks through landscapes with various degrees of human intervention.
Walking allows for one to relate experiences, documents
and objects. To walk and connect, acknowledged as acts
of making, are strategies to decolonize history and disable the
binary logics that force distance between science, art and activism;
between the natural sciences and the human sciences; between
technologies and energy sources; between endangered habitats
and their regeneration.
239
Taypi. 10000 soles was part of “El cuarto mundo”, the 14 Biennial
of Media Arts, and was made possible by the Premio Municipal de
Arte Joven 2018 and sponsored by companies associated with
energy efficiency, such as Solinet and Signify from Philips. Each
work was made with materials that were either reused, recycled or
acquired by means of exchange: a circular economy aligned with
the exhibition’s proposition for ways of making. The electronic
devices within the exhibition were powered solely with solar energy
obtained in the gallery, thus offering a carbon footprint equal to
zero where the exhibition was only open to the public when the sun
rays hit the gallery.

Santiago, 2019 / Texto curatorial por Catalina Valdés
240
Taypi. 10000 soles explora la relación entre energía, paisaje
y tecnología, y busca contraponer la actual degradación ambiental
con el rescate de la convivencia entre naturalezas diversas.
La Posada del Corregidor, emblema de una cultura colonial
y ficción patrimonial, se convierte en un punto de cruce entre la
cultura andina y la cultura extractivista occidental. Confluyen así
las imágenes de un laboratorio en Alemania, donde más de cien
lámparas forman Synlight, el mayor sol artificial del mundo, que
genera una radiación equivalente a 10.000 soles. También la noción
de taypi ch’ixi, recuperada por la socióloga boliviana Silvia Rivera
Cusicanqui a partir de patrones del arte textil andino. Con este
diagrama se invoca al espacio ritual del entre medio, lugar de encuentro
y coexistencia que al desplegarse entre el espacio-tiempo
y el aquí-ahora, va multiplicando sus sentidos.
Las dinámicas coloniales se revelan entonces como un orden
aún vigente que rige nuestras relaciones sociales y materiales.
Desdoblando y replegando este orden, la obra de la artista Elisa
Balmaceda abre acceso a otros relatos posibles para una historia
de tiempo circular al que llegan a confluir fuerzas y mundos
opuestos.
Las piezas de esta muestra resultan de una serie de caminatas
por paisajes con distintos grados de intervención humana. Caminar
permite relacionar experiencias, documentos y objetos. Caminar
y conectar, reconocidas como un hacer, son estrategias para descolonizar
la historia y desactivar las lógicas binarias que fuerzan la
distancia entre ciencias, artes y activismo, entre ciencias naturales
y humanas, entre conocimientos ancestrales y pensamiento contemporáneo,
entre tecnologías y fuentes diversas de energía, entre
paisajes amenazados y regeneración.
Esta muestra formó parte de “El cuarto mundo“ de la 14 Bienal de
Artes Mediales, y fue realizada en el marco del Premio Municipal
Arte Joven 2018, contando con el auspicio de empresas asociadas
al uso energético eficiente como Solinet y Signify de Philips.
Los objetos e instalaciones que conformaron cada obra fueron
realizados con materiales reutilizados, reciclados, y/o adquiridos
por medio de canje, poniendo en práctica una economía circular
que complementa la reflexión en torno al hacer que se plantea
en la exposición. Los aparatos electrónicos fueron alimentados
únicamente de la energía solar obtenida en el lugar, generando así
una muestra de huella de carbono igual a cero, que funcionaba
únicamente durante las horas en que el sol iluminaba la galería.

Taypi. 10000 soles was exhibited at Galería Posada
del Corregidor in collaboration with the 14° Media
Arts Biennale of Santiago 2019 and it was shown
and commissioned for the Premio Municipal de
Arte Joven 2018 award, granted by the Santiago
Municipality.
Taypi. 10000 soles fue exhibida en la Galería
Posada del Corregidor en colaboración y dentro
del programa de la 14º Bienal de Artes Mediales
de Santiago 2019. La muestra fue realizada y
comisionada con motivo de la entrega del Premio
Municipal de Arte Joven 2018 otorgado por la Ilustre
Municipalidad de Santiago.
241

242

243

244

245
Video installation that consisted of twenty specimens
of Quillaja saponaria (endemic trees) borrowed from
the Santiago Municipality greenhouse, and a video
that recorded a hike up the La Campana hill (Biosphere
Reserve), following a route that ended at the site of the
Los Rulos thermoelectric plant.
Video-instalación que reúne veinte ejemplares de
Quillaja saponaria (quillayes) tomados en préstamo del
Invernadero Municipal de Santiago, exhibidos junto a un
video que registra la subida al Cerro La Campana (Reserva
de la Biosfera), siguiendo una ruta que concluye en el sitio
en donde se proyecta la Termoeléctrica Los Rulos a los
pies del cerro.

TAYPI (REZO CÓSMICO)
What I want to tell you is that I get a lot of inspiration from rituals,
because I believe that rituals are the only space where the
philosophical dimension of Aymara thought has been kept.
Today the pragmatic uses of words predominate and practically
all metaphorical levels have been destroyed.
246
The ritual is a place where this metaphorical dimension
is recovered.
So the first metaphor of this diagram is that it is a microcosm
that replicates the cosmos, the totality.
The totality is incorporated in an order that is based on a first
duality, which is above and below, but that duality finds an
intermediate space which is the taypi, where a moment of collision
and contradiction is created between the two spaces.
At the same time this taypi is also divided in two, the Aka
Pacha and Kä Pacha, that is, the here-now and the world of
the unknown.
Then the walk, the sarnaqawi, which is a metaphor for living,
also takes place in this here-and-now, in the space of the
now. And this space is always linked to doing and walking.
Doing and walking are the two poles of the here-now. It is a
prayer that invokes the cosmos, and it is based on the
movements that the Yatiris (shamans) make when praying
over the coca leaf.
Text transcribed from the videocollage
Taypi (Rezo cósmico), based
on a dialogue between the artist
and the sociologist Silvia Rivera
Cusicanqui, 2019.

TAYPI (REZO CÓSMICO)
Lo que quiero decirte es que yo me inspiro mucho en el ritual,
porque yo creo que el ritual es el único espacio en donde se
ha mantenido la dimensión filosófica del pensamiento Aymara.
Predominan hoy día los usos pragmáticos de las palabras y se
han destruido prácticamente todos los niveles metafóricos.
El ritual es un lugar en donde se recupera esta dimensión
metafórica.
Entonces la primera metáfora de este diagrama es que es un
microcosmos que replica el cosmos, la totalidad.
247
La totalidad está incorporada en un orden que se basa en una
primera dualidad, que es arriba y abajo, pero esa dualidad
encuentra un espacio intermedio que es el taypi, donde
se crea un momento de choque y contradicción entre los
dos espacios.
Y a su vez este taypi se desdobla también en dos, el Aka
Pacha y Kä Pacha, es decir el aquí-ahora y el mundo
de lo desconocido.
Entonces el caminar, el sarnaqawi, que es una metáfora del
vivir, también transcurre en este aquí y ahora, en el espacio
del ahora. Y este espacio esta siempre vinculado al hacer
y al caminar. Hacer y caminar son los dos polos del aquíahora.
Es un rezo que se invoca al cosmos, y está basado
en los movimientos que hacen los Yatiris (chamanes) al rezar
encima de la hoja de coca.
Texto transcrito del video-collage
Taypi (Rezo cósmico), realizado
a partir de un diálogo sostenido
por la artista con la socióloga Silvia
Rivera Cusicanqui, 2019.

Video stills from Taypi, a video-collage based on a
conversation between the artist and the sociologist Silvia
Rivera Cusicanqui. Rivera Cusicanqui describes the notion
of Taypi in the Andean worldview, an Aymara concept that
refers to a center or meeting point between the positive
and negative forces of the universe, where differences can
coexist. The video was accompanied by an installation
where debris, pieces of soil, stones and minerals that had
been found in excavations, were piled and mirrored in four
directions from one corner of the exhibition room.

Fotogramas de Taypi, un video-collage basado en una
conversación de la artista con la socióloga Silvia Rivera
Cusicanqui, quien describe la noción de Taypi en la
cosmovisión andina, un término Aymara que refiere al
centro y punto de encuentro donde fuerzas opuestas
pueden coexistir. El video es acompañado por una
instalación de espejos y escombros que se reflejan en las
cuatro direcciones desde una esquina de la sala.

252
Solar panel and mobile off-grid powering kit, created in
order to power the whole exhibition by capturing the solar
energy from outside of the gallery space in real time.
Panel solar y kit energético móvil independiente de la red,
creado para alimentar las piezas electrónicas presentes
en la exposición, captando la energía solar al exterior del
espacio de la galería en tiempo real.

253
Studies of the solar radiation present
in the exhibition’s geolocation.
Estudios de la radiación solar incidente
en la geolocalización de la galería.

254

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258

259
10.000 Suns records the light and heat projected from the
lamps of the world’s largest artificial sun, melting a small
metal plate in real time.
10.000 Suns registra la luz y el calor proyectados por
las lámparas del sol artificial más grande del mundo,
derritiendo una pequeña placa metálica en tiempo real.

260
Looped 16mm film projection that circulated
throughout the exhibition space; powered by a cable
that entered the room directly from the solar kit outside
the exhibition space.
Película de 16 mm proyectada en loop que circulaba
por el espacio de exhibición, utilizando un proyector que
era alimentado por un cable que entraba desde el panel
solar situado al exterior de la galería.

261

WALK
Santiago Inca
270
The day of the exhibition’s opening a group walk was conducted,
led by the archaeastronomist Patricio Bustamante and the artist.
A drift that rescued hidden and forgotten milestones of indigenous
territory that remain within the foundations of the city’s downtown.
The walk ended on an elevated site of the city, which allowed for
the group to adapt their gaze, and perceive the landscape as an instrument
for the recognition of all the dynamic energies of nature.

CAMINATA
Santiago Inca
El día de la apertura de la exposición se realizó una caminata
grupal guiada por el arqueoastrónomo Patricio Bustamante en
colaboración con la artista, una deriva al rescate de hitos ocultos
y olvidados del territorio indígena que permanece sumido bajo las
fundaciones del centro de la ciudad. La caminata culminó en un
punto alto de la capital que permitía adaptar la mirada y percibir
al paisaje como instrumento de reconocimiento de las energías
dinámicas de la naturaleza.
271

274

Biography
275

Elisa Balmaceda
Santiago, Chile
(*1985)
EDUCATION
2012-2015 Academy of Media Arts Cologne (KHM),
Postgraduate Studies (Diplom II)
2011-2012 KHM, Academy of Media Arts Cologne, DAAD Fellowship
2003-2007 PUC, Universidad Católica de Chile,
Bachelor of Fine Arts (BFA)
GRANTS AND RESIDENCIES
2021 TSONAMI Residency, Valparaíso, Chile
2020 MAR ADENTRO Foundation - Bosque Pehuén Residency, Araucanía, Chile
2019 POLDRA – Public Sculpture Project Viseu, Portugal
2018 Premio Municipal de Arte Joven 2018 Municipalidad de Santiago, Chile
2017 NRW Kunststiftung, Germany
2017 KHM Award for Women Artists Academy of Media Arts Cologne, Germany
2017 1st Price: Art + Architecture Contest (Team: Philipp Drebber,
Thomas Schmidt), University of Cologne, Germany
2016-2017 VISIT – Innogy Foundation for Energy and Society, Germany
2015 The Driest Place in the World, Artist in Residence Program,
Atacama, Chile
2015 St. Moritz Academy, Switzerland
2014 MICHAEL HORBACH Stiftung, Germany
2011-2012 DAAD Scholarship, Germany
2008-2009 FONDART Grant, Arts Council, Chile
2008-2009 GLOGAUAIR Artists in Residence Program Berlin, Germany

SOLO EXHIBITIONS
2019 TAYPI. 10000 SOLES, 14. Bienal de Artes Mediales
Premio Municipal de Arte Joven, Galería Posada del Corregidor,
Santiago, Chile
2018 EQUINOCCIO, Galería Tajamar, Santiago, Chile
2017 KHM- WOMEN ARTIST AWARD, Gallery Matjö Raum für Kunst (BBK),
Cologne, Germany
2016 INVISIBLE ARCHITECTURES, Q18 Kunstraum,
Atelierhaus Quartier am Hafen, Cologne, Germany
2015-2014 FULL SPECTRUM, curated by Georg Elben and Julia Honer. EG Null
Raum für Junge Kunst, Generali Deutschland AG, Cologne, Germany
2010 HUNTERS IN THE SNOW, Espacio Eduardo Vilches,
Universidad Católica, Santiago, Chile
2008 BAD ROBOT, Centro Cultural de España (CCE), Santiago, Chile
GROUP EXHIBITIONS
2019 PROYECTO ECLIPSE, Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile
2019 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO, Parque Cultural de Valparaíso, Chile
2019 BEFRIENDING HYPEROBJECTS, Navel Art Space, Los Angeles, USA
2017 ENERGÉTICA: ARTE Y ENERGÍA SOSTENIBLE, curated by
José Roca and Isaac Dyner at FLORA Ars + Natura,
Monumento Los Heroes, Bogotá, Colombia
2017 CHINESE WHISPERS, U10 Art Space, Belgrade, Serbia
2017 THERE WILL COME SOFT RAINS, curated by Merlina Rañi and Gallery MK,
Berlin, Germany
2016 DON’T LOOK NOW, Kunsthaus Rhenania, Cologne, Germany
2016 QUILLAGUA SPACE, Galería Gabriela Mistral, Santiago, Chile
2016 FALLING SKY, Q18 - Raum für Junge Künst, Cologne, Germany
2015 AURA PORTRAIT SERIES, Kunstnacht organized
by the Jungekunstfreunde, Museum Ludwig, Cologne, Germany
2015 AURA PORTRAIT SERIES, Art Cologne International Art Fair,
Stand of the Academy of Media Arts Cologne, Germany
2015 DIALOG DER STERNE, Walzwerk, Puhlheim, Germany
2014 FULL SPECTRUM, solo exhibition at EG Null: Raum für Jünge Kunst,
Generali, Cologne, Germany
2014 KARUKINKA, experimental film, 17th Environmental Filmfestival
Cineambiente, Torino, Italy
2014 EIN BUCH IST KEIN BEHÄLTER, Moltkerei Köln, Cologne, Germany
2013 KARUKINKA, experimental film, Film Festival DocLisboa 13,
Portugal
2014 RUNDGANG, Kunsthochschule für Medien Köln, Cologne, Germany
2013 THE NATURE OF THINGS at Searching for the White Cube
exhibition, Bochum, Germany
2013 RUNDGANG, Academy of Media Arts Cologne, Germany
2013 LANGUAGE IS AN INVISIBLE LANDSCAPE, A project by Marta Leite,
Altes Finanzamt, Berlin, Germany
2012 RUNDGANG, Academy of Media Arts, Cologne, Germany
2012 SECHS MINUS, Bundeskunsthalle, Bonn, Germany
2012 ACHT BRÜCKEN MÜSIK FÜR KÖLN, John Cage
Academy of Media Arts, Cologne, Germany
2011 NORDART, Kunstwerk Carlshütte, Büdelsdorf, Germany
2011 JUGARRETA, Cultural Center Palacio La Moneda, Santiago, Chile

2011 MEHR LICHT, Glogauair Artists in Residence Programme, Berlin, Germany
2010 solo HUNTERS IN THE SNOW, Eduardo Vilches Art Space,
PUC, Santiago, Chile
2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlin, Germany
2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project, Santiago, Chile
2010 CLÁSICO UNIVERSITARIO, CCU Art Gallery, Santiago, Chile
2010 NO NOS CONOCE NADIE, La Perrera Arte, Santiago, Chile
2009 SOUVENIR, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien Berlin, Germany
2009 ESPACIO COMPARTIDO, Balmaceda Arte Joven Gallery,
Santiago, Chile
2009 FOCUS CHILE, Latin American House in Brussels, Belgium
2008 OPEN STUDIO, Glogauair Artists in Residence Program
Berlin, Germany
2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlin, Germany
2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project, Santiago, Chile
2010 CLÁSICO UNIVERSITARIO, CCU Art Gallery, Santiago, Chile
2010 NO NOS CONOCE NADIE, La Perrera Arte, Santiago, Chile
2009 SOUVENIR, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlin, Germany
2009 ESPACIO COMPARTIDO, Balmaceda Arte Joven Gallery, Santiago, Chile
2009 FOCUS CHILE, Latin American House in Brussels, Belgium
2008 OPEN STUDIOS, Glogauair Artists in Residence Program Berlin, Germany
2008 CONTEMPORARY ART FESTIVAL IN BARCELONA, Centro de Cultura
Contemporánea de Barcelona (CCCB), Spain
2008 CRUCES, Museum for Contemporary Arts of Valdivia, Chile
2008 solo BAD ROBOT, Centro Cultural de España (CCE), Santiago, Chile
2007 ON/OFF, Casona Ernesto Pinto Lagarrigue 56, Santiago, Chile
2007 DUPLEX POWER, Constitución 153, Santiago, Chile
2007 BAD ROBOT (B.A degree project), Universidad Católica de Chile,
Santiago, Chile
ART IN PUBLIC SPACE
UNIVERSITY OF COLOGNE, Cologne, Germany
POLDRA - PUBLIC SCULPTURE PROJECT VISEU, Viseu, Portugal

Biografía
279

Elisa Balmaceda
Santiago de Chile
(*1985)
ESTUDIOS
2012-2015 Academy of Media Arts Cologne (KHM)
Magíster en arte y tecnología
2011-2012 Academia de Artes Mediales de Colonia (KHM)
Becaria DAAD, beca de profundización
en artes visuales
2003-2007 Universidad Católica de Chile
Licenciatura en Artes Visuales
BECAS, PREMIOS Y RESIDENCIAS
2021 Residencia: Base TSONAMI, Valparaíso, Chile
2020 Residencia: Bosque Pehuén - Fundación Mar Adentro, Araucanía, Chile
2018 Premio Especial Concurso Arte Joven 2018,
Municipalidad de Santiago, Chile
2018 Beca de creación: FONDART (Artes Visuales,
Ambito de Nuevos Medios, Proyecto en co-autoría
con Cristian Espinoza), Alemania
2017-2019 Beca de creación: NRW KunststiftungJunge Szene, Alemania
2017 Premio: Primer Lugar, Concurso de Arte Público,
Universidad de Colonia, Alemania
2016-2017 Beca de Creación y Premio: VISIT Artist in Residence Program,
RWE Foundation for Energy and Society, Alemania

2O16 Premio: KHM - AWARD FOR WOMEN ARTISTS 2016
(Academia de Artes Mediales de Colonia, Alemania)
2015 Beca de creación: FONDART + SACO 5
“EL LUGAR MÁS SECO DEL MUNDO”, Chile
2015 Beca de pasantía: ST. MORITZ ACADEMY, Suiza
2014 Beca de residencia artística: MICHAEL HORBACH Stiftung, Alemania
2011-2012 Beca de estudios de postgrado: DAAD
(Servicio de Intercambio Alemán)
2008-2009 Beca de residencias y pasantías: FONDART, Chile
2008-2009 Proyecto de Residencia: GLOGAUAIR Artists in Residence Program
Berlín, Alemania
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2019 TAYPI, 10000 SOLES, Premio Municipal de Arte
Joven / 14. Bienal de Artes Mediales, Posada del Corregidor,
Santiago, Chile
2018 EQUINOCCIO, Galería Tajamar, Santiago, Chile
2017 KHM AWARD FOR WOMEN ARTISTS 2016: ELISA BALMACEDA,
Matjö - Galería de la BBK (Asociación de Artistas Profesionales),
Colonia, Alemania
2016 FALLING SKY, Galería Q18, Colonia, Alemania
2014 FULL SPECTRUM, Curada por Georg Elben y Julia Höner,
EG - Null: Raum für Jünge Kunst, Colonia, Alemania
2010 HUNTERS IN THE SNOW, Espacio Vilches, Facultad de Artes UC,
Santiago, Chile
2008 BAD ROBOT, Centro Cultural de España (CCE), Santiago, Chile
EXPOSICIONES GRUPALES
2019 PROYECTO ECLIPSE, curada por Ximena Moreno (CL)
y Lydia Körndörfer (DE), Centro Cultural Matucana 100,
Santiago, Chile
2019 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO, Parque Cultural
de Valparaíso, Chile
2019 BEFRIENDING HYPEROBJECTS, curada por Judith Sonnicken (DE),
The Meeting Room, Los Angeles, EE.UU.
2018 PHOTONICS, curada por Martina Mongrovius (AUS), Center for the
Holographic Arts, Nueva York, EE.UU.
2017 ENERG(ÉTICA): ARTE Y ENERGÍA SOSTENIBLE, curada por José Roca e
Isaac Dyner (COL), FLORA Ars+Natura, Bogotá, Colombia
2017 CHINESE WHISPERS, curada por Ignacio Szmulewicz y Ana Rosa Ibañez,
U10 Art Space, Belgrado, Serbia
2016 QUILLAGUA SPACE: Residencia Interdisciplinaria organizada por el CNCA,
Galería Gabriela Mistral, Santiago, Chile
2015 AURA PORTRAIT SERIES (Kunstnacht XII), Museum Ludwig,
Colonia, Alemania
2015 AURA PORTRAIT SERIES, Art Cologne International Art Fair 2015,
KHM Booth, Colonia, Alemania
2015 DIALOG DER STERNE, Walzwerk, Puhlheim, Alemania
2014 KARUKINKA, 17th Environmental Filmfestival Cineambiente, Torino, Italia

2014 EIN BUCH IST KEIN BEHÄLTER, Espacio de Arte Moltkerei Köln,
Colonia, Alemania
2014 RUNDGANG, Academy of Media Arts, Colonia, Alemania
2013 KARUKINKA, Film Festival DocLisboa 13, Lisboa, Portugal
2013 THE NATURE OF THINGS, exposición “Searching for the White Cube“,
Bochum, Alemania
2013 LANGUAGE IS AN INVISIBLE LANDSCAPE, un proyecto de Marta Leite,
Altes Finanzamt, Berlín, Alemania
2012 RUNDGANG, Academy of Media Arts, Colonia, Alemania
2012 SECHS MINUS, Bundeskunsthalle, Bonn, Alemania
2012 ACHT BRÜCKEN MÜSIK FÜR KÖLN, John Cage Academy of Media Arts,
Cologne, Alemania
2011 NORDART, Kunstwerk Carlshütte, Büdelsdorf, Alemania
2011 JUGARRETA, Cultural Center Palacio La Moneda, Santiago, Chile
2011 MEHR LICHT, Glogauair Artists in Residence Programme, Berlín, Alemania
2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlín, Alemania
2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project, Santiago, Chile
2010 CLÁSICO UNIVERSITARIO, CCU Galería de Arte, Santiago, Chile
2010 NO NOS CONOCE NADIE, La Perrera Arte, Santiago, Chile
2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlín, Alemania
2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project (Canadá), Santiago, Chile
2009 SOUVENIR, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlín, Alemania
2009 ESPACIO COMPARTIDO, Galería Balmaceda Arte Joven, Santiago, Chile
2009 FOCUS CHILE, Casa del Arte Latinoamericano en Bruselas, Bélgica
2008 OPEN STUDIOS, Glogauair Artists in Residence Program Berlín, Alemania
2008 BAC 08: FESTIVAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO, Centro de Cultura
Contemporánea de Barcelona (CCCB), España
2008 CRUCES, Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Chile
2007 BAD ROBOT (Proyecto de Licenciatura), Universidad Católica de Chile,
Santiago, Chile
ARTE PÚBLICO
UNIVERSIDAD DE COLONIA, Colonia, Alemania
POLDRA - PUBLIC SCULPTURE PROJECT VISEU, Viseu, Portugal

Contributors’
Biographies
283

Raúl Zurita
Chilean poet. National Literature Prize 2000 and Queen Sofia Prize
for Ibero-American Poetry 2020. His books include Purgatorio (Ed. UDP,
2007), Anteparaíso (Ed. UDP, 2010), La vida nueva (Lumen, 2018) and
Zurita (Ed. UDP, 2011). In 1979 he creates, along with other artists, the
Colectivo de Acciones de Arte (C.A.D.A.), carrying out actions of political
resistance. In 1982 he traces over the sky of New York the poem
“La vida nueva”, and in 1993, permanently, the phrase “ni pena ni
miedo” south of Antofagasta, in the Atacama Desert, which can only
be seen from the heights. Emeritus professor of Universidad Diego
Portales, where he currently teaches. His poems have been translated
into twenty languages.
284
Julia Scher
Visual artist that grew up in Hollywood California. In the last 30 years,
her research has explored social control dynamics in the public sphere.
Scher’s work has been included in several exhibitions including: The
Venice Biennale; The Whitney Biennial; The Wexner Center for the Arts
in Columbus, Ohio; The Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota;
Tapias Museum, Barcelona, Spain; Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía, Madrid, Spain, among others. She has taught and lectured
at a number of institutions including MIT, The Academy of Media Arts
Cologne, The Cooper Union for Art and Science, Hartford University Art
School, UCLA, USC, Harvard University, Columbia University and The
Institute for Advanced Study at Princeton.
Catalina Valdés
With an interdisciplinary background in art history, literature and
cultural studies, Catalina Valdés has worked as a teacher, researcher,
curator and manager of cultural projects. Her areas of interest are the
history of art and culture in Latin America, mainly from the 19th and
20th centuries and, more recently, contemporary art and culture. In
her research, she addresses issues that link the history of art, natural
sciences and nature, with special interest in the ways in which American
cultures have constructed their landscapes, from crafts and formal
arts to cartography and virtual modeling. Her approach to these themes
seeks to contribute to a culture that is more aware of and committed
to the challenges of the ecological crisis that marks our time.
Pedro Donoso
M.Phil in Comparative Literature, University of Cambridge (1998), who
works as an editor, translator and curatorial assistant in visual arts
projects. Professor at the Faculty of Philosophy and Humanities of the
Alberto Hurtado University since 2013, he has contributed as a curator
in various exhibitions in Chile and internationally. In 2017 he organized
the exhibition “Earthworks: art and nature” at the National Museum of
Fine Arts in Santiago with artists such as Hamish Fulton, Cecilia Vicuña
and Patrick Steeger. He is currently responsible of the Visual Arts
Program at the Extension Center of the Ministry of Cultures, Arts and
Heritage in Valparaiso.

Biografías
de los autores
285

Raúl Zurita
Poeta chileno. Premio Nacional de Literatura 2000 y Premio Reina
Sofía de Poesía Iberoamericana 2020. Entre sus libros destacan
Purgatorio (Ed. UDP, 2007), Anteparaíso (Ed. UDP, 2010), La vida nueva
(Lumen, 2018) y Zurita (Ed. UDP, 2011). En 1979 crea con otros artistas
el Colectivo de Acciones de Arte (C.A.D.A.), realizando acciones de resistencia
política. En 1982 traza sobre el cielo de Nueva York el poema
“La vida nueva”, y en 1993, de forma permanente, la frase “ni pena
ni miedo” al sur de Antofagasta, en el desierto de Atacama, que
solo puede verse desde las alturas. Profesor emérito de la Universidad
Diego Portales, donde actualmente enseña. Sus poemas han sido
traducidos a una veintena de lenguas.
286
Julia Scher
Artista visual de Hollywood, California. En los últimos 30 años, su
investigación ha explorado las dinámicas de control social en la esfera
pública. La obra de Scher ha sido incluida en varias exposiciones, entre
ellas: la Bienal de Venecia; la Bienal del Whitney; Wexner Center for the
Arts en Columbus, Ohio; Walker Art Center en Minneapolis, Minnesota;
Museo Tapias en Barcelona; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
en Madrid, España, entre otros. Ha impartido clases y conferencias en
diversas instituciones, como el MIT, la Academia de Artes Mediales de
Colonia, la Cooper Union for Art and Science, la Escuela de Arte de la
Universidad de Hartford, la UCLA, la USC, la Universidad de Harvard,
la Universidad de Columbia y el Instituto de Estudios Avanzados de
Princeton.
Catalina Valdés
Con una formación interdisciplinaria en historia del arte, literatura
y estudios culturales, ha trabajado como profesora, investigadora,
curadora y gestora de proyectos culturales. Sus ámbitos de interés son
la historia del arte y de la cultura de América Latina, principalmente de
los siglos XIX, XX y, más recientemente, el arte y cultura contemporáneas.
En su investigación aborda temas que vinculan la historia del arte,
de las ciencias naturales y de la naturaleza, con especial interés en los
modos en que culturas americanas han construido sus paisajes, desde
la artesanía y las artes formales a la cartografía y el modelado virtual.
Su aproximación a estas temáticas busca contribuir a una cultura más
consciente y comprometida con los desafíos de la crisis ecológica que
marca nuestro tiempo.
Pedro Donoso
Master en Literatura Comparada en la Universidad de Cambridge (1998),
trabaja como editor, traductor y asistente curatorial en proyectos de
artes visuales. Profesor en la Facultad de Filosofía y Humanidades de
la Universidad Alberto Hurtado desde 2013, ha contribuido como curador
en diversas exposiciones en Chile e internacionalmente. En 2017
organiza la exposición “Movimientos de tierra: arte y naturaleza” en el
Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago con artistas como Hamish
Fulton, Cecilia Vicuña y Patrick Steeger. Actualmente trabaja como responsable
de Programación en Artes Visuales en el Centro de Extensión
del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio en Valparaíso.

Acknowledgements
287

288
Acknowledgments to all those who have participated and contributed
to this book and the projects published in it: NRW Kunstiftung,
FONDART (Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio),
Marco Ugolini, Objectif London, Julia Scher, Raúl Zurita,
Pedro Donoso, Catalina Valdés, Mario Gomes, Leonardo Villaroel,
Cristian Espinoza, Celeste Rojas, Luis Balmaceda, Sina Seifee,
Kiril Nikolov, Paz Balmaceda, Holly Willats y Maya Errázuriz.
And special thanks to my family.
© 2021 Elisa Balmaceda, the artists and the authors
www.elisabalmaceda.com
Texts © the authors, 2021
Artworks © the artists unless otherwise stated
Images ©
p. 82 © Celeste Rojas Mugica
p. 84 © Meteoritics, Vol. 12, Nº1, March 31, 1977
p. 92-93 © Sara Hoffman / Matjö - Raum für Kunst Kulturwerk des BBK
Köln e.V.
p.103, 112, 115 © POLDRA
p. 111 © Grebe, M. 1990. La concepción del tiempo en la cultura aymara:
representaciones icónicas, cognición y simbolismo. Revista Chilena de
Antropología 9: Santiago, 63-81.
p. 216, 217, 226 © Historisches Konzernarchiv RWE
p. 243-271 © Benjamín Matte / Corporación Chilena de Video y Artes
Electrónicas
All other images if not indicated belong to the artist.
All rights reserved. No part of this publication may be reproduced,
stored in a retrieval system or transmitted in any form or by any means,
electrical, mechanical or otherwise, without first seeking the written
permission of the copyright holders. If proper acknowledgement has
not been made, we ask copyright holders to contact the publisher.

Agradecimientos
289

290
Agradezco a todos quienes han participado y contribuido con este
libro y los proyectos publicados en él: NRW Kunstiftung, FONDART
(Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio), Marco Ugolini,
Objectif London, Julia Scher, Raúl Zurita, Pedro Donoso,
Catalina Valdés, Mario Gomes, Leonardo Villaroel, Cristian Espinoza,
Celeste Rojas, Luis Balmaceda, Sina Seifee, Kiril Nikolov,
Paz Balmaceda, Holly Willats y Maya Errázuriz.
Y en especial a mi familia.
© 2021 Elisa Balmaceda, los artistas y autores
www.elisabalmaceda.com
Textos © los autores, 2021
Obras © los artistas, salvo que se indique lo contrario
Imágenes ©
p. 82 © Celeste Rojas Mugica
p. 84 © Meteoritics, Vol. 12, Nº1, March 31, 1977
p. 92-93 © Sara Hoffman / Matjö - Raum für Kunst Kulturwerk des BBK
Köln e.V.
p.103, 112, 115 © POLDRA
p. 111 © Grebe, M. 1990. La concepción del tiempo en la cultura aymara:
representaciones icónicas, cognición y simbolismo. Revista Chilena de
Antropología 9: Santiago, 63-81.
p. 216, 217, 226 © Historisches Konzernarchiv RWE
p. 243-271 © Benjamín Matte / Corporación Chilena de Video y Artes
Electrónicas
Todas las demás imágenes si no lo indica son de propiedad del artista.
Todos los derechos reservados. Ninguna parte de esta publicación
puede ser reproducida, almacenada en un sistema de recuperación
o transmitida en cualquier forma o por cualquier medio, eléctrico,
mecánico o de otro tipo, sin solicitar previamente el permiso por
escrito de los titulares de los derechos de autor. En caso de que no se
haya obtenido la debida autorización, rogamos a los titulares de los
derechos de autor que se pongan en contacto con el editor.

BILLIONS OF SUNS
Graphic Design:
Marco Ugolini, objectif.co.uk
Text:
Julia Scher
Raúl Zurita
Pedro Donoso
Catalina Valdés
Translation:
Leonardo Villaroel, Elisa Balmaceda
Proofreading:
Maya Errázuriz
BILLONES DE SOLES
Diseño gráfico:
Marco Ugolini, objectif.co.uk
Textos:
Julia Scher
Raúl Zurita
Pedro Donoso
Catalina Valdés
Traducción:
Leonardo Villaroel, Elisa Balmaceda
Corrección de estilo:
Maya Errázuriz
Printed in London by
F.E. Burman Ltd, 2021
This publication was supported by:
Impreso en Londres por
F.E. Burman Ltd, 2021
Esta publicación fue financiada gracias a:
Proyecto Financiado por el Fondo
Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes,
Convocatoria 2021
ISBN 978-3-00-069348-9
elisabalmaceda.com

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Proyecto Financiado por el Fondo Nacional
de Desarrollo Cultural y las Artes,
Convocatoria 2021