maC Portraits 2025

PORTRAITS

2025___maC

MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE

HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN

CHOREOGRAPHIEREN HEISST,

DIE ANWESENDEN ZU BEWEGEN.

TO CHOREOGRAPH MEANS

TO MOVE THOSE WHO BEAR WITNESS.

Zeitgenössische Choreographie bewegt Fragen

nach Teilhabe, nach Zusammenarbeit und gesellschaftlicher

Verantwortung.

In diesem Sinne eröffnet der Masterstudiengang

Choreographie (maC) den Studierenden einen

Raum zur Entwicklung und Vertiefung der eigenen

künstlerischen Praxis. Es ist ein Ort der Reflexion,

der konstruktiven Kritik und der Konfrontation

mit einer künstlerischen, methodischen und kulturellen

Pluralität und Diversität.

Da der Studiengang künstlerisch-praktisch

orientiert ist, nehmen choreographische Projekte

einen großen Raum ein. Dazu gehört, dass

die Studierenden ihre eigene Praxis kritisch

reflektieren, einen eigenen künstlerischen

Standpunkt entwickeln und ihren ästhetischen

Ansatz vermitteln können.

Um Ihnen einen Einblick in diesen Prozess zu

geben, erscheinen diese Portraithefte der Studierenden.

Mit ihren individuell gestaltete Eindrücken,

Gedanken, Materialien aus Proben- und

Arbeitsprozessen veröffentlichen die Studierenden

anlässlich ihrer abschließenden Masterprojekte

eine Reflexion ihrer Studienzeit. Auf der Seite,

die in jedem Heft auf das Portraitfoto folgt, finden

Sie Texte, in denen die Studierenden sich drei

Fragen widmen: Wo bist du künstlerisch gerade?

Welche Bedeutung hat(te) das maC-Studium für

deine künstlerische Entwicklung? Wo möchtest du

gerne in ein paar Jahren sein?

Wir freuen uns, Ihnen unsere Absolvent*innen

vorzustellen – mit ihren persönlichen Gedanken

dazu, was Choreographie sein kann.

Contemporary choreography brings up questions of

participation, collaboration and social responsibility.

In this sense, the Master of Choreography (maC)

provides students the space to develop and deepen

their own artistic practice. It is a place of reflection,

constructive criticism and confrontation with

an artistic, methodical and cultural pluralism

and diversity.

Within the artistic practice-led programme choreographic

projects take up a lot of space. This involves

the students critically reflecting on their own practice,

further developing their artistic point of view

and being able to convey their aesthetic approach.

These portrait booklets of the students are published

to give you an insight into this process. Using

their unique impressions, thoughts, materials

from rehearsal and research, the students publish

a reflection on their time at university on the occasion

of their final Master‘s projects. On the page

that follows the portrait photo in each booklet,

you will find texts in which the students address

three questions: Where are you artistically right

now? What significance does the maC course have

for your artistic development? Where would

you like to be in a few years?

We are pleased to introduce

our graduates to you –

with their personal

thoughts on what

choreography

can be.

DIANA NABER lotet das Spannungsfeld

zwischen Intimität, Verletzlichkeit

und politischem Widerstand aus.

POOYESH FROZANDEH glaubt an die

radikale Freiheit der Kunst.

FELIPE FIZKAL möchte über Choreographie

Menschen untereinander

und mit ihrem Umfeld verbinden.

TIM WINTER interessiert sich

für An- und Abwesenheiten

individueller und kollektiver

Körper.

JOHANNA JÖRNS sucht nach einer

Bewegungssprache zwischen Verletzlichkeit,

Kraft und feinem Humor.

VERA SHCHELKINA interessiert

sich für das Rebellionspotential

des Körpers.

ONUR ÖZYURT analysiert kleinste

Details im Aufeinandertreffen

von Objekten und Körpern.

ZSOMBOR SZABÓ möchte innere

Konflikte und emotionale

Zustände physisch erfahrbar

werden lassen.

FELIPE FIZKAL

© Maximillian Grosser

DE Heute strebe ich danach, meine Berufung

in eine nachhaltige Praxis zu definieren, die

Bewegung, Tanz, Dekolonisierung, Stimme, das

geschriebene Wort und die Begegnung mit

anderen umfasst. Ich bin daran interessiert, die

Diskussion über Choreografie als eine Möglichkeit,

die Welt zu verstehen und mit ihr in Dialog zu

treten, weiter zu bereichern.

Während meines Studiums habe ich meine Art zu

betrachten, inszenieren, rauszufinden und zu

choreografieren erweitert. Ich habe mich selbst

herausgefordert, ehrlichere Worte zu finden,

um meine Praxis zu beschreiben und das Schreiben

von Texten als choreografische Komposi -

tion betrachten. Ich habe mit Künstlern aus anderen

Disziplinen zusammengearbeitet. Indem ich

das Globales Süden in meine Adern und Praktiken

einbeziehe, bringe ich es in einen Dialog mit

dem Kontext des Studiums. Dies hat mir die

Möglichkeit gegeben, zur lokalen Multikulturalität

beizutragen. Heute projiziere ich meine künstlerische

Entwicklung, indem ich meine choreografische

Arbeit in institutionellen Räumen, aber

auch in der freien Szene und in ortsspezifischen

Formaten inszeniere. Ich verstehe mich als

akademischer Forscher und Ausbilder von Fachleuten

in Institutionen und gleichzeitig als

politischer Aktivist in migrantischen und professionellen

Räumen auf lokaler und internationaler

Ebene.

Kollaboration und Gegenseitigkeit sind für mich

ein mittel- und langfristiges Prinzip. Ich suche

nach Wegen, um nachhaltige künstlerische

Kooperationen zu entwickeln. In diesem Studium

habe ich meine Stärke, meine Persönlichkeit,

meine Lust und mein Feuer bestätigt, ebenso wie

meine Fähigkeit zu handeln, zu schaffen, zu

erfinden und mich gehen zu lassen.

EN Today I strive to define my vocation into a

sustainable practice that encompasses movement,

dance, decolonisation, voice, the written word and

encounters with others. I am interested in further

enriching the discussion of choreography as a way

to understand and dialogue with the world.

During my studies I have expanded my way of

looking at, staging, discovering and choreographing.

I have challenged myself to find more honest

words to describe my practice and to consider

writing texts as choreographic composition. I have

collaborated with artists from other disciplines.

By incorporating the Global South into my veins

and practices, I bring it into dialogue with the

context of study and independent scene of Berlin.

This has given me the opportunity to contribute

to local multiculturalism. Today, I project my artistic

development by staging my choreographic

work in institutional spaces, but also in the independent

scene and in site-specific formats. I see

myself as an academic researcher and educator of

professionals in institutions and at the same time

as a political activist in migrant and professional

spaces on a local and international level.

Collaboration and reciprocity are a medium and

long-term principle for me. I am looking for ways

to develop sustainable artistic collaborations.

In these studies I have confirmed my strength, my

personality, my desire and my fire, as well as

my ability to act, create, invent and let myself go.

„Ich werde immer aus dem Machen heraus auf meinen

Kontext antworten.“

Landschaft

Photos_ Aaron M_ Dance Remaining_Hanna Merl

Fuerte la piel, inquebrantable el deseo, mi fuerza será mi voluntad y mi voluntad

el deseo.

Ninguna decisión será tomada desde el miedo y ante cualquier problema o dificultad estaré

allí para mí, para resolverlo en dialogo conmigo y con mi entorno más próximo.

Mi lucha es de clases, inmigración y género, , con la conciencia de los privilegios que

poseo por el sexo con el que nací, el lugar y los que he conquistado durante mi vida y

resistencia.

Mi visión pertenece al sur global, , a la clase media y trabajadora de Chile. Lo que hace a mi

trabajo siempre político, independientemente en el contexto o el entorno donde se presente

no sea percibido de esa forma.

En mi trabajo se priorizan a les profesionales que tienen una manera saludable, respetuosa y

responsable de comunicarse y relacionarse, donde la energía esta enfocada en mantenernos

productivos. Los problemas se pueden resolver de forma individual y colectiva.

En mi práctica/trabajo resueno al entorno y mis necesidades desde el hacer.

Liberar las dramaturgias como un paisaje natural donde sus elementos coexisten y se

desarrollan individualmente para relacionarse y cooperar.

Mi trabajo busca descubrir/crear la danza, lo que sea que ella signifique para mi en ese

momento, época

Mi trabajo coreográfico es diverso y se transforma, , todo formato es válido y todo escenario

también lo es.

Probar, imaginar, , repetir, soltar, retomar, , repetir, practicar, practicar, repetir, dejar,

retomar, repetir, ganar, perder, retomar, repetir, practicar, imaginar, soltar, tomar, alcanzar,

traer, empujar, dejar, soltar, repetir, practicar, practicar, , practicar, repetir, insistir, resistir,

repetir, imaginar, conversar, recuperar, parar, seguir, repetir.

QUEER - CUIR

MANIFESTO

Stark die Haut, unzerbrechlich der Wunsch, meine Stärke wird mein Wille

sein und mein Wille wird mein Wunsch sein.

Keine Entscheidung wird aus Angst getroffen, und angesichts jedes Problems

oder jeder Schwierigkeit werde ich für mich da sein, um es im Dialog mit mir

selbst und meiner nächsten Umgebung zu lösen.

Mein Kampf ist ein Kampf der Klasse, der Immigration und des Geschlechts, im

Bewusstsein der Privilegien, die ich aufgrund meines Geschlechts, des Ortes

und derer, die ich im Laufe meines Lebens und meines Widerstands erobert

habe, besitze.

Meine Vision gehört zum globalen Süden, , zur Mittel- und Arbeiterklasse Chiles.

Das macht meine Arbeit immer politisch, unabhängig vom Kontext oder der

Umgebung, in der sie präsentiert wird, auch wenn sie nicht so wahrgenommen

wird.

In meiner Arbeit stehen Profis im Vordergrund, die eine gesunde, respektvolle

und verantwortungsvolle Art der Kommunikation und Beziehung pflegen, bei

der die Energie darauf gerichtet ist, uns produktiv zu halten. Probleme können

individuell und kollektiv gelöst werden.

In meiner Praxis/Arbeit gehe ich durch mein Tun in Resonanz mit der Umwelt

und meinen Bedürfnissen.

Ich befreie Dramaturgien von Erzählungen, die das Assoziationsvermögen des

Publikums beherrschen, und ich sehe sie als eine natürliche Landschaft, in der

die Elemente koexistieren und sich individuell entwickeln, , um in Beziehung zu

treten und zu kooperieren.

Meine Arbeit besteht darin, den Tanz als Kunstform weiterzuentwickeln, indem

ich das, was Tanz für mich bedeutet, durch meinen Dialog mit der Umwelt

transformieren lasse.

Meine choreografische Arbeit ist vielfältig und wandelbar, jedes Format ist

möglich und jedes Stadium ist wertvoll.

Versuchen, sich vorstellen,

wiederholen, , loslassen, wieder aufnehmen,

wiederholen, üben, üben, wiederholen, verlassen, wieder aufnehmen,

wiederholen, gewinnen, verlieren, wieder aufnehmen, wiederholen, üben, sich

vorstellen, loslassen, nehmen, erreichen, bringen, schieben, verlassen,

loslassen, wiederholen, üben, üben, üben, wiederholen, beharren, widerstehen,

wiederholen, sich vorstellen, reden, sich erholen, aufhören, weitergehen,

,,

wiederholen.

BIN LANDSCHAFT

Tanz & Kreation: Liam Wustrack

Musik: Cristobal Ruffo

Dramaturgie: Franca Burandt

Kostümdesigner: Lego Sky

Technische Leitung: Andreas

Harder

Mentor*innen: Wanda Golonka

Ingo Reulecke

Photos _ Maurice Cannon

PRÄSENZ

SUR

“To make presence is an act of high value in the

cultural development of our globalized society, to

bring my body belonging to the low and working

social class, from a family led by a single mother

in the south of the world, is an echo of resistance,

is a call to dialogue, is the tenderness of the south

reminding us that spaces can be shared and not

conquered.”

Tanz und Kreation: Amara T. Saavedra Liam Wustrack Po-nien Wang Victor González Pablo von

Sternenfels Musik: Cristobal Ruffo Szenographie: Pitt Kunath Dramaturgie: Stefanie Alf

Mentor*innen: Lina Gómez, Matteo Marziano Graziano

The sound of the stormy rain hitting the zinc of the roof of your house, while the humidity

dialogues with the heat of the fire. The fire that quietly and slowly burns the larch wood illuminates

and warms the place where we are. The smell of the wet earth in the morning, the cold, the sound

of the television reminding us what to fear. The loving greeting of mothers, their voices in bedtime

songs, which are cumbias singing to broken hearts.

Felipe Fizkal (Puerto Montt, Chile 1990). Sohn

einer prekären und ländlichen Mittelschicht

im Süden Südamerikas. Die CUIR-Perspektive,

das Klassenbewusstsein und soziale Gerechtigkeit

aus einer intersektionalen Sichtweise

bilden das politische Fundament seiner künst -

lerischen Entwicklung. Seine choreografische

Praxis begann im Jahr 2010 mit zahlreichen

interdisziplinären Eigenproduktionen, in denen

biopolitische-Themen behandeltet. Heute

liegt sein Fokus auf Dekolonisierung und dem

Globalen Süden.

versteht die Zeitgenossisches Choreographie

als ein nachhaltiges Medium das uns zur

Gegenseitigkeit mit unserem sozialen und natürlichen

Umfeld einlädt.

Abschluss in Kunst und Tanz an der Universitát

von Chile. Seit 2018 wohnt in Berlin, wo als

Tänzer, produzent, Dozent, Forscher und Choreograpf

weiterentwikelt hat – in Zusammenarbeit

mit zahlreichen Künstler*innen der lokales

Szene und durch langfristige Kooperationen.

Mitbegründer von Tanzdenwiderstand und

bottom-up productions.

Für sein Masterstudium wurde Stipendium von

FONDART-Chile und STIBET gefördert.

EN Felipe Fizkal (Puerto Montt, Chile 1990).

Son of a precarious and rural middle class in the

south of South America. The CUIR perspective,

class consciousness and social justice from an

intersectional perspective form the political

foundation of his artistic development. His choreographic

practice began in 2010 with numerous

interdisciplinary productions in which he dealt

with topics such as HIV, gender-based violence,

extractivism, human rights violations and sexual

abuse. Today, his focus is on decolonization and

the Global South.

understands contemporary choreography as

a sustainable medium that is in dialog with the

independent and institutional scene as well as

with the audience, inviting us to reciprocity with

our social and natural environment.

Graduated in Art and Dance at the University of

Chile, he has lived in Berlin since 2018, where he

has developed as a dancer, producer, teacher,

researcher and choreographer, collaborating with

numerous artists from the local scene and

through long-term collaborations. Co-founder of

Tanzdenwiderstand and bottom-up Productions.

For his master’s degree he received a scholarship

from FONDART becas Chile Crea and STIBET.

www.felipefizkal.com

instagram/Felipefizkal

Instagram/bottom_up_production

Portraitvideo

2025___SUR_Echos aus dem Südem

2025___Präsenz_ ein Echo aus dem Südem

den Welt

2024___BIN LANDSCHAFT

2018___The hunger Warrior´s

2016___AIRUYAI

2013___For the Bitches to bark

2025___maC



Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der Künste Berlin und der Hochschule

für Schauspielkunst Ernst Busch in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

POOYESH FROZANDEH

© Yero Adugna Eticha

DE Ich versuche, unterschiedliche Elemente

aus verschiedenen Disziplinen zu nehmen und

miteinander zu verbinden, um ihre bisherigen Definitionen

und Wahrnehmungen neu zu hinterfragen.

Ich sehe die Welt als eine Art Collage voller

Widersprüche – und genau diese Collage, wie

ich sie wahrnehme, möchte ich durch meine künstlerische

Praxis sichtbar machen.

Das maC-Studium hat mir dabei geholfen, meine

künstlerischen Ansätze besser zu verstehen, zu

reflektieren und klarer zu formulieren.

Mein Ziel ist es, in ein paar Jahren Werke zu schaffen,

die sowohl formal als auch inhaltlich neue

Perspektiven eröffnen und gängige Kategorisierungen

in Frage stellen.

EN I try to take different elements from various

disciplines and connect them in order to question

their previous definitions and perceptions. I see the

world as a kind of collage full of contradictions –

and it is precisely this collage, as I perceive it, that

I want to make visible through my artistic practice.

The maC program has helped me to better

understand, reflect on, and articulate my artistic

approaches.

My goal is to create works in the coming years

that open up new perspectives both formally and

conceptually, and that challenge conventional

categories.

Skizze No. 1

Eine kurze Skizze, in der ich versuchte, die Thematik der Anpassung

durch Bewegung und Choreografie zu verkörpern. Das

zentrale Element der Choreografie war in dieser Skizze der statische

Körper. Statische Körper im leeren Raum, bei gleichzeitiger

Reduktion der Aufmerksamkeit auf ihre bloße physische Präsenz

– schlicht, aber kraftvoll. Die Statik konzentrierte sich auf zwei einfache

körperliche Zustände: Stehen und Gehen im Raum. Zwei

Körper, die eine gewisse Stabilität und das aufrechte Dasein im

Raum verkörpern – Sinnbilder für Macht und Sicherheit des Seins.

Doch allmählich beginnt einer der beiden Körper zu scheitern. Die

klare, aufrechte und stabile Präsenz wird zunehmend brüchig, sie

erscheint mühsam und erschöpft.

Das Scheitern an der Anpassung zeigt sich darin, dass –

während der eine Körper unbeirrt die aufrechte Haltung und klare

Linien im Raum aufrechterhält – der andere allmählich zusammenbricht.

So findet schließlich das Fallen statt – als Ausdruck des Unvermögens,

sich weiterhin der statischen Anforderung anzupassen.

4

© Pooyesh Frozandeh

5

Skizze No. Skizze 2

No. 22

Kooperation mit DanceWorks

Kooperation mit mit DanceWorks


Ausgehend Ausgehend vom Text vom „Herakles Text „Herakles 2 oder 2 die oder Hydra“ die Hydra“ von Heiner von Heiner Müller

Müller

Ausgehend vom Text „Herakles 2 oder die Hydra“ von Heiner Müller

habe ich habe in dieser ich in Skizze dieser Skizze die Verflechtung die Verflechtung von Natur von und Natur und

habe ich in dieser Skizze die Verflechtung von Natur und

menschlichem menschlichem Körper Körper als zentralen als zentralen Ansatz Ansatz meiner meiner Arbeit Arbeit gewählt.

gewählt.

menschlichem Körper als zentralen Ansatz meiner Arbeit gewählt.

Wo beginnt Wo beginnt der Körper der Körper der Natur der – Natur und wo – und beginnt wo beginnt der Körper der Körper des

des

Wo beginnt der Körper der Natur – und wo beginnt der Körper Menschen?

des Menschen?

Menschen?

Das Spüren Das Spüren des Lebens des Lebens – sei es – in sei kleinen es kleinen oder großen oder großen

Das Spüren des Lebens – sei es in kleinen oder großen

Bewegungen, Bewegungen, die im menschlichen die im menschlichen Körper Körper wahrnehmbar wahrnehmbar sind – sind –

Bewegungen, die im menschlichen Körper wahrnehmbar sind wird –

als wird Zeichen als Zeichen des Lebendigseins des Lebendigseins verstanden. verstanden. Dieses Dieses Gefühl Gefühl des

des

wird als Zeichen des Lebendigseins verstanden. Dieses Gefühl Le-bendigseins, des Le-bendigseins, das der das Mensch der Mensch in sich in selbst sich spürt, selbst findet spürt, seine findet seine

Le-bendigseins, das der Mensch in sich selbst spürt, findet seine

Entsprechung Entsprechung in der Natur. in der Natur.

Entsprechung in der Natur.

Wie im Wie Text im von Text Heiner von Heiner Müller habe Müller ich habe über ich zwei über unterschiedliche

zwei unterschiedliche

Wie im Text von Heiner Müller habe ich über zwei unterschiedliche

Metaphern Metaphern nachgedacht, nachgedacht, die den die menschlichen den menschlichen Körper Körper und den und den

Metaphern nachgedacht, die den menschlichen Körper und den

Körper Körper der Natur der betreffen: Natur betreffen: der menschliche der menschliche Körper Körper und der und der

Körper der Natur betreffen: der menschliche Körper und der

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Naturkörper werden als zwei eigenständige Körper verstanden, jedoch die jedoch zusammen zusammen einen einzigen, einen einzigen, untrennbaren untrennbaren Körper Körper bilden – bilden die – die

jedoch zusammen einen einzigen, untrennbaren Körper bilden „Natur“. – die „Natur“. In diesem In diesem Verständnis Verständnis existiert existiert keine Grenze keine Grenze zwischen zwischen

„Natur“. In diesem Verständnis existiert keine Grenze zwischen

beiden; beiden; sie funktionieren sie funktionieren gemeinsam gemeinsam und ineinander und ineinander verwoben, verwoben,

beiden; sie funktionieren gemeinsam und ineinander verwoben,

sodass sodass man gar man nicht gar mehr nicht über mehr eine über Relation eine Relation zwischen zwischen ihnen ihnen

sodass man gar nicht mehr über eine Relation zwischen ihnen

nachdenken nachdenken muss. In muss. einer In anderen einer anderen Perspektive Perspektive hingegen hingegen sind der sind der

nachdenken muss. In einer anderen Perspektive hingegen sind menschliche der menschliche Körper Körper und der und Naturkörper der Naturkörper voneinander voneinander abgrenzbar. abgrenzbar.

menschliche Körper und der Naturkörper voneinander abgrenzbar.

Sie können Sie können getrennt getrennt voneinander voneinander betrachtet betrachtet werden werden – als zwei – als zwei

Sie können getrennt voneinander betrachtet werden – als zwei

eigenständige eigenständige Einheiten. Einheiten. Dadurch Dadurch entsteht entsteht automatisch automatisch die Frage die Frage

eigenständige Einheiten. Dadurch entsteht automatisch die nach Frage

dem nach Verhältnis dem Verhältnis der beiden der beiden Körper Körper zueinander. zueinander.

nach dem Verhältnis der beiden Körper zueinander.

Die Choreografie Die Choreografie dieser dieser Skizze Skizze basiert basiert auf beiden auf beiden

Die Choreografie dieser Skizze basiert auf beiden

Gedankenmodellen.

Gedankenmodellen.

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7

7


M6

Kooperation mit Klangzeitort

Die Zeit dehnt sich aus und der Körper weilt fast taub in

diesem Zwischenraum. Ihm wurde gesagt, dass er warten muss.

Er wartet, weil etwas von ihm erwartet wird. Und zwar: geduldig

zu sein. Er ist sowohl der Körper inmitten des Raumes als auch der

Zeuge seiner mühsamen Anwesenheit. Es wurde noch nicht entschieden,

wofür dieser Körper überhaupt steht und wie der Raum

durch ihn dekoriert werden soll. Er weiß nicht, wie lange er noch in

diesem wartenden Zustand bleiben muss.

Diese Arbeit setzt sich mittels Text, Klang und Bewegung

mit dem Phänomen des wartenden Körpers in der modernen Gesellschaft

auseinander.

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Skizze No. 3

Kooperation mit Tanzfabrik

In dieser Skizze habe ich versucht, mit vier Tänzerinnen

herauszufinden, wie es möglich ist, ein bewegtes Relief zu erschaffen.

Gleichzeitig wollte ich beobachten, wie sich dieses Relief

wieder auflösen lässt, sodass die individuelle Bewegung jedes

einzelnen Körpers sichtbar wird. Der Ansatz bestand darin, immer

wieder unterschiedliche bewegte Reliefs im Raum zu gestalten und

diese anschließend aufzulösen, um so die persönlichen Tänze der

jeweiligen Tänzerinnen erlebbar zu machen. Zum ersten Mal habe

ich versucht, diese Choreografie synchron zur Musik zu entwickeln

– konkret zum „Tanz der sieben Schleier“ aus der Oper Salome von

Richard Strauss.

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© Pooyesh Frozandeh11

Pooyesh Frozandeh (1992 Teheran, Iran) ist

ein interdisziplinärer Künstler. Er studierte

Theaterregie an der Soore University in Teheran

und absolvierte anschließend einen Bachelor

in Theaterwissenschaft und Kunstgeschichte

an der Ruhr-Universität Bochum. Mit seinem

Stück „Stone Rite“ gewann er 2017 den polnischen

Grand Prix des It-Self Festivals in Warschau

und den Jan-Bocza-Szabowski-Kritikerpreis.

Er versteht die Welt als eine Art Collage: ein

komplexes Gefüge aus Widersprüchen, Fragmenten

und überlappenden Wirklichkeiten. Er

glaubt an die radikale Freiheit der Kunst – eine

Freiheit, die es ihm erlaubt, sich keiner bestimmten

Disziplin, Technik oder künstlerischen Welt

exklusiv zu verschreiben. Die „Collage“ ist für

ihn nicht nur ein ästhetisches Prinzip, sondern

ein grundlegender metho discher Ansatz: In

seinen Arbeiten bringt er unterschiedlichste

Disziplinen, Techniken und Denkweisen zusammen

– stets mit dem Ziel, neue Perspektiven

zu eröffnen und konventionelle Grenzen zu

überschreiten.

instagram.com/pooyesh.in

Portraitvideo

EN Pooyesh Frozandeh (born 1992 in Tehran,

Iran) is an interdisciplinary artist. He studied

theatre directing at Soore University in Tehran

and went on to complete a Bachelor’s degree

in Theatre Studies and Art History at Ruhr University

Bochum. With his play Stone Rite, he

won the Polish Grand Prix at the It-Self Festival

in Warsaw in 2017, as well as the Jan-Bocza-

Szabowski Critics’ Award.

He views the world as a kind of collage: a complex

structure of contradictions, fragments, and

overlapping realities. He believes in the radical

freedom of art – a freedom that allows him not

to commit exclusively to any one discipline,

technique, or artistic world. For him, the “collage”

is not only an aesthetic principle but a fundamental

methodological approach: in his work,

he brings together a wide range of disciplines,

techniques, and ways of thinking – always

with the aim of opening up new perspectives

and transcending conventional boundaries.

2025___SAVING FLOWERS Premiere: 10.05.25,

HfS Bühne Unten, Berlin

2023___I sit in the backyard waiting for my

laundry to dry Premiere: 10.11.23, HfM,

Berlin

2022___Circling Premiere: 07.03.22, Molavi

Hall, Teheran

2019___Redundanz Premiere: 05.10.19

Tanzhaus NRW, Düsseldorf

2016___Stone Rite Premiere: 17.07.16

Arghanoon Theater, Teheran

2025___maC





JOHANNA JÖRNS

© Johannes Schuchardt

DE Ich suche nach Wegen, wie Choreographie

und Tanz zu Werkzeugen kultureller Bildung,

sozialer Bewegung und im Umgang mit globalen

Herausforderungen werden können.

Ich erzähle in meiner Arbeit von emotionalen,

affektiven und physischen Zuständen, die uns als

Menschen ausmachen, und verknüpfe diese mit

gesellschaftlich-politischen Themenfeldern. Es

ist mir ein zentrales Anliegen, zeitgenössischen

Tanz auch für Menschen zugänglich zu machen,

die wenig Berührungspunkte mit Kunst und

Theater haben.

Derzeit fasziniert mich die Dringlichkeit, die ent -

steht, wenn Menschen nicht lockerlassen und

immer wieder aufs Neue versuchen weiterzumachen.

Hierzu fokussiere ich mich momentan auf die

Themen Trotzen, Beharrlichkeit und Überwinden.

Vor dem maC habe ich viel in kollektiven Strukturen,

selbstverwalteten und punkig-experimentellen

Räumen gearbeitet. Gemeinschaftliches

Schaffen, das Infragestellen von Hierarchien und

das Entwickeln von Strategien der Zusammenar -

beit durch die gemeinsame Praxis – häufig abseits

institutioneller Kontexte – haben meine künstlerische

Haltung stark geprägt.

Das Studium war meine erste akademische

Er fahrung. Sie hat mich auf mich selbst zurückgeworfen

und mir ermöglicht, meinen künstlerischen

Standpunkt zu schärfen und Zusammenhänge

zu erkennen: zwischen meiner Biografie

und meinem Schaffen, zwischen sozialen Gefügen

und künstlerischen Themen, zwischen dem

Wunsch, mich in verschiedenen Kontexten artiku -

lieren zu können, und dabei trotzdem authen -

tisch zu bleiben.

Zukünftig möchte ich mich wieder vermehrt –

allerdings mit neuem Standing – dem Entwickeln

und Kultivieren unabhängiger Strukturen und Netzwerke

widmen und transdisziplinäre Projekte mit

Schaffenden anderer Sparten entwickeln, die über

das hinausgehen, was ich alleine denken kann.

EN I am exploring how choreography and

dance can serve as tools for cultural education,

social engagement, and for addressing global

challenges.

My work investigates emotional, affective, and

physical states that shape our human experience,

and I intertwine them with socio-political ques -

tions. A core concern of mine is to make contemporary

dance accessible to people who may have

little or no connection to art and theater.

What currently fascinates me is the urgency that

emerges when people refuse to give up, when

they insist on trying again and again to move forward.

This has led me to focus on the themes

of defiance, persistence, and resilience.

Before joining the MaC, I worked mainly within

collective, self-organized, and experimental

spaces. Practices of shared creation, questioning

hierarchies, and developing strategies of collaboration—often

outside of institutional contexts—

have deeply shaped my artistic ethos.

The program has been my first academic experi -

ence. It has challenged me to confront myself and,

in doing so, has sharpened my artistic position.

It has also enabled me to draw new connections:

between my biography and artistic practice, be -

tween social dynamics and artistic concerns, and

between the wish to articulate myself in differ -

ent contexts and the need to remain authentic

throughout.

Looking ahead, I aim to dedicate myself more

strongly—now with a clearer artistic standing—to

the development and cultivation of independent

structures and networks. I seek to create transdisciplinary

projects with makers from other fields,

in order to generate ideas and practices that

extend beyond what I could imagine on my own.

W h a t d o e s i t n e e d s t o g e t c l o s e ?

W h a t d o y o u t h i n k ?

w h a t m a d e y o u t h i n k

t h e w a y y o u t h i n k ?

L e t s d o i t t o g e t h e r,

l e t s b e t o g e t h e r

l e t s f a c e i t t o g e t h e r.

L e t ' s b e r a w.

image by Marina Sekacheva

"

" A

p e r s o n

[ i s ] s e e n ,

s e e n a t a c e r t a i n

d i s t a n c e ,

u s u a l l y i n a l a n d s c a p e ,

T h e p l a c e i s t h e r e , t h e

p e r s o n i s t h e r e .

I d i d n ' t i n v e n t h i m , I d i d n ' t m a k e h e r

u p :

H e r o r s h e [ o r t h e y ] i s t h e r e .

A n d m y

b u s i n e s s i s t o

g e t t h e r e t o o . "

U r s u l a K . L e G u i n

Image left side by Marina Sekacheva

Images right side by Johannes Schuchardt

" A U S D E M A U G E , I N D E N S I N N"

Dance | Creation: Christina Wüstenhagen, Emma Lusena Ash

Sounddesign | Composition: Wiebke Köplin

Technical Director: Andreas Harder

Performed at Potsdamer Tanztage

In Collaboration with Rechenzentrum Potsdam

Against what – and above all, for what – do we defy, do you defy, do I defy ?

Steadfast. There is no way forward, no way back. Or maybe there is? Let' push

it.

It is a struggle, a breakthrough, a necessity, a game.

Defiance is more than an act of disobedience. It is a expression of individuality

in a world of conformity, a choice for selfdetermination and the autonomy of the

individual.

In every decision, there is also a farewell – something is experienced,

something else is not.

The Defiant are the architects of their r e a l i t y.

Images center left side

Johannes Schuchardt

"EVEN STRONG WINDS CAN'T DESTROY MY HAIR"

Dance | Creation: Melodi Yüce, Sophie Prins, Valentina Menz Nash

Sounddesign | Composition: Wiebke Köplin

Lightdesign: Andreas Harder

Outside Eye: Christina Wüstenhagen

Roboter Construction: Fakie

Text: Fabienne Brozio

Mentor: Kysy Fischer

Technical Director: Robert Dahlke

Despite exhaustion. Despite doubts. Despite everything.

What makes us start again and again?

Hope? Stubbornness? Or just habit?

There is effort

There is struggle

There is laughter

Between physical strain and fragile comedy,

between repetition and changing strategies,

between exhaustion and determination.

They chose to stick with it.

images by Johannes Schuchardt

JOHANNA JÖRNS (1991, Berlin) ist freischaffende

Choreographin, Tänzerin und Tanzvermittlerin.

Als Vorstandsmitglied von SuBkultur e.V. initiiert

sie transdisziplinäre Projekte mit Künstler:innen

aus Musik, Bildender Kunst und Handwerk. Ihre

Praxis ist geprägt von kollektiven, selbstverwalteten

Strukturen. Sie inszenierte u.a. an der

Tisch lerei der Deutschen Oper. Ihr kollaboratives

Stück through walls mit Camilla Przystawski

und der Tanztangente wurde zum Tanztreffen

der Jugend der Berliner Festspiele eingeladen.

Ihr Arbeit verbindet konzeptuelle Präzision mit

physischer Ausdruckskraft und bewegen sich

zwischen Tanz, Performance und sozialer

Intervention – oft ortsspezifisch, auch außerhalb

klassischer Kunstkontexte (z. B. in Justizvollzugsanstalten).

Tanz versteht sie als Möglichkeit

zur Begegnung. Ihre Bewegungssprache changiert

zwischen Verletzlichkeit und Kraft, Trotzen

und feinem Humor.

EN (1991, Berlin) is a freelance choreographer,

dancer, and dance educator.

As a board member of SuBkultur e.V., she ini -

ti ates transdisciplinary projects with artists from

music, visual arts, and craft. Her practice is

rooted in collective and self-organized structures.

She has staged works at venues such as the

Tischlerei of the Deutsche Oper Berlin. Her collaborative

piece through walls with Camilla

Przystawski and Tanztangente was selected for

the Tanztreffen der Jugend of the Berliner

Festspiele.

Her work combines conceptual precision with

physical intensity, moving between dance,

performance, and social intervention—often

site-specific and extending beyond conventional

art spaces (e.g. in prisions). She approaches

dance as a space of encounter. Her movement

language oscillates between vulnerability and

strength, defiance and subtle humor.

2025___Even Strong Winds Can‘t Destroy

My Hair

2024___Aus dem Auge, in den Sinn im Rahmen

der Potsdamer Tanztage in Kooperation mit

dem Rechenzentrum Potsdam

instagram.com/johanna.joerns

PORTRAITVIDEO

2025___maC





DIANA NABER

© Sarah Berger

DE Momentan widme ich mich dem choreogra -

fischen Dialog zwischen Körper und Material –

begleitet von Fragen nach Körpergrenzen und

Porosität, Tranformation und Erschöpfung. Besonders

interessiert mich dabei, wie Choreografie

als ein Ort relationaler, körperlich-affektiver Begegnung

erfahrbar werden kann – zum Beispiel

durch partizipative und immersive Formate, die die

Zuschauer*innen aktiv einbinden.

Das Studium hat mir die Möglichkeit geboten,

mich ganz meiner choreografisch-künstlerischen

Auseinandersetzung zu widmen. Ich habe gelernt,

mir zu vertrauen: meiner ästhetischen Sprache

und meiner Erfahrung.

In ein paar Jahren sehe ich mich weiterhin an der

Schnittstelle von Kunst, Vermittlung und Aktivismus.

Ich möchte aus verschiedenen Perspektiven mit

Tanz arbeiten: choreografierend, unterrichtend

und als Performerin in Projekten anderer Choreograf*innen.

Ob in Performances, im Unterricht

oder in kollaborativen Prozessen – mein Ziel ist es,

Räume mitzugestalten, in denen Tanz als verbindendes,

und fragendes - kritisches Element wirkt.

Ich möchte mit Menschen arbeiten, die unterschiedliche

– teils ähnliche, teils gegensätzliche

– Erfahrungen mitbringen und gemeinsam tänzerische

Ausdrucksformen für Konflikte, Differenzen

und geteilte Momente der Ermächtigung

entwickeln.

EN At the moment, I am dedicating myself to

the choreographic dialogue between body and

material – accompanied by questions of bodily

boundaries, porosity, transformation and exhaustion.

I am particularly interested in how choreo -

graphy can be experienced as a site of relational,

affective, and embodied encounter – including

through participatory and immersive formats that

actively engage the audience.

The program has given me the opportunity to fully

dedicate myself to my choreographic and artistic

practice. I have learned to trust in my own aesthe -

tic language – and in my personal experience.

In a few years, I see myself continuing to work at

the intersection of art, education, and activism.

I want to engage with dance from multiple perspectives:

as a choreographer, teacher, and performer

in the projects of other choreographers. Whether

in performances, in teaching settings, or in

collaborative processes – my aim is to create

spaces in which dance acts as a connecting and

questioning element. I aim to work with people

who bring diverse – sometimes similar, sometimes

contrasting – experiences, and together

develop embodied expressions for conflict, difference,

and shared moments of empowerment and

agency.

unfolding research

What do I use my body for?

When does it become permeable?

fragility

porosity

speculative inquiry

Where does a bodily boundary begin and end?

GRABEN

GRABEN

The pavilion in Potsdam became a greenhouse. The pavilion in Potsdam became a greenhouse.

It all began with the idea of unearthing hidden It all began stories with together the idea with of the unearthing hidden stories together with the

dancers. But first, the soil had to be carried, dancers. dragged, But first, thrown, the soil cut open, had to be carried, dragged, thrown, cut open,

and pierced with holes. The way we experience and pierced ourselves with holes. and our The way we experience ourselves and our

surroundings became a central part of this surroundings greenhouse. became In the a end, central part of this greenhouse. In the end,

questions of mutual care emerged, and questions we discovered of mutual ways care of relating emerged, and we discovered ways of relating

to one another.

to one another.

What traces will we leave behind? What traces will we leave behind?

Konzept & Choreografie: Diana Naber

Konzept & Choreografie: Diana Naber

Tänzerinnen/Performerinnen: Chelsea Reichert, Kata Tänzerinnen/Performerinnen: Kovács

Chelsea Reichert, Kata Kovács

Sound: Kata Kovács

Sound: Kata Kovács

Szenografie: Xuetong Cecilia Feng

Szenografie: Xuetong Cecilia Feng

Dramaturgie: Alisa Tretau

Dramaturgie: Alisa Tretau

Potsdamer Tanztage 2024, in Kooperation mit Fabrik Potsdamer & Tanztage Hzt/Hfs Berlin 2024, in Kooperation mit Fabrik Potsdam & Hzt/Hfs Berlin

pic: Xuetong Cecilia Feng

How can scores provide a framework for improvisation?

What agreements do we need to step into the unknown?

How do we move into what has yet to be seen?

Opening, holding and creating spaces.

How do we think space?

How can I inhabit the space differently?

exploratory practice

MANNA

Concept & choreography: Diana Naber

Dance/performance: Chelsea Reichert, Naama Ityel

Sound: Mariana Carvalho

Costume and set design: Cecilia Xuetong Feng

Light: Andreas Harder

Dramaturgical advice: Alisa Tretau

Mentors: Maya Weinberg & Siegmar Zacharias

pics by: Xuetong Cecilia Feng

MANNA moves between glacial melt and birth

chamber, between laboratory and ritual. At its

core are materials whose mutability from

solid to liquid, from transparent to porous

serves as a starting point for choreographic

research into transformation, bodily

boundaries, dependency, and empathy.

Between tender care and threatening

closeness, the performers negotiate their

relationship to the materials and to one

another. Their bodies merge temporarily, only

to separate again. They become mother

animals, reptiles, aliens.

Diana Naber (geb. Thielen) arbeitet an der

Schnittstelle von Tanz-(vermittlung), Choreografie,

Performance und Körperpolitik. Ihre

Praxis ist forschend, kollaborativ und transdisziplinär

– geprägt von einer queer-feministischen

Haltung, der Lust am Improvisieren und

einem tiefen Vertrauen in körperbasiertes

Wissen. Choreografie wird dabei als sozialer

Raum verstanden, in dem affektive Erfahrungen

sichtbar und spürbar werden. In immersiven

Settings wird das Spannungsfeld zwischen Intimität,

Verletzlichkeit und politischem Widerstand

ausgelotet. Die Frage: „Wie und wann

erhält ein Körper Gewicht?“ (J. Butler) leitet

ihre künstlerische und pädagogische Praxis

im Umgang mit Körpern in Beziehung – zu sich

selbst, zu anderen, zu gesellschaftlichen

Strukturen und zu ihrer Umgebung.

Sie absolvierte ihre Ausbildung an der Salzburg

Experimental Academy of Dance (SEAD) und

hat einen akademischen Hintergrund in Gender

Studies und Erziehungswissenschaften von

der Humboldt-Universität zu Berlin. Diana

unterrichtete u. a. am HZT Berlin, an der UdK

Berlin, der Universität zu Köln, beim Tanztreffen

und Theatertreffen der Jugend sowie bei der

Biennale Tanzausbildung.

Diana hat zudem mit Künstler*innen wie Alisa

Tretau, Claudia Garbe, Zwoisy Mears-Clarke,

Makisig Akin, Okwui Okpokwasili und Sara

Shelton Mann zusammengearbeitet oder für sie

performt.

www.diananaber.com

instagram/movement_activism

EN Diana Naber (formerly Thielen) is a Berlinbased

dance maker whose artistic work

emerges from the interrelations between dance

(-teaching), choreography, performance, and

body politics. Their work is research-driven,

collaborative, and transdisciplinary—shaped by

a queer-feminist perspective, a joy in improvi

sation, and a deep trust in embodied knowledge.

Diana approaches choreography as a social

space of relationality, where affective experi

ences are made visible and the interplay of

intimacy, vulnerability, and political resistance is

explored through immersive settings. The question:

“How and when does a body matter?”

(J. Butler) guides my artistic and pedagogical

practice in exploring how bodies relate – to

themselves, to others, to social/political structures,

and to their environment.

They graduated at the Salzburg Experimental

Academy of Dance (SEAD) and hold an academic

background in Gender Studies and Educational

Science from Humboldt University of Berlin.

Diana has taught at HZT Berlin, UdK Berlin, the

University of Cologne, Tanztreffen and Theater

treffen der Jugend and the Biennale Tanzaus

bildung. They have also performed and collaborated

with artists such as Alisa Tretau, Claudia

Garbe, Zwoisy Mears-Clarke, Makisig Akin,

Okwui Okpokwasili, and Sara Shelton Mann.

2025___Manna Uferstudios Berlin

2024___What if… a Dance for Deborah Hay

BAT Berlin

2024___Graben Potsdamer Tanztage

Portraitvideo

2025___maC





ONUR OEZYURT

© Maximillian Grosser

DE Derzeit erforsche ich die Beziehung

zwischen Körper und Objekten, wobei ich mich

darauf konzentriere, wie sie interagieren und

wie der Energiefluss zwischen ihnen sowohl den

Körper selbst als auch unsere Körperwahrnehmung

formt. Ich denke, dass die Arbeit mit Objekten

und Körpern der Choreografie eine zusätz -

liche künstlerische Ebene hinzufügt und einen

Raum für tiefe künstlerische Reflexion eröffnet.

In den Räumen, in denen ich arbeite, beeinflussen

und formen Objekte den Körper choreografisch

und bewegungsmäßig. Dieses Wechselspiel be -

wusst wahrzunehmen – es zu manipulieren und

sich zugleich davon manipulieren zu lassen – ist

für mich ein choreografisches Werkzeug und

zugleich ein zentrales Forschungsfeld. Darüber

hinaus erforsche ich den urbanen Körper und

integriere die Interaktion des Körpers mit der

städtischen Umgebung in meine choreografischen

Prozesse.

Das Masterstudium hat mir hier die Möglichkeit

gegeben, über meinen Körper als Tänzer hinaus -

zugehen und mich mit allen möglichen choreografischen

Elementen zu beschäftigen. Ich konnte

erleben, wie sich eine Idee, ein Ausdruck, eine

Stimme oder ein Bild durch den Körper verkörpert

– wie solche Impulse über Bewegung, Rhythmus

und räumliche Beziehungen in eine physische,

choreografische Form übersetzt werden. Auf diese

Weise konnte ich meine eigene unverwechselbare

choreografische Sprache entwickeln.

Ich möchte in meinem künstlerischen Schaffensprozess

weiterhin anderen Körpern und Objekten

begegnen und nach Möglichkeiten suchen, sie

miteinander zu verbinden. Indem ich untersuche,

wie mein einzigartiger künstlerischer Ausdruck

eine kollektive Wirkung erzielen kann, kann ich

mein eigenes Erfahrungs- und Kunstfeld erweitern

und sowohl meine Arbeit als auch die Verbindungen,

die ich mit anderen knüpfe, bereichern.

EN I am currently exploring the relationship

between the body and objects, focusing on how

they interact and how the flow of energy between

them shapes both the body itself and our perception

of it. I believe that working with objects

and bodies adds an additional artistic layer to

choreography and opens up a space for deep artistic

reflection.

In the spaces where I work, objects choreographically

and physically influence and shape the body.

Becoming aware of this interplay – manipulating it

and at the same time allowing oneself to be manipulated

by it – is, for me, both a choreographic tool

and a central field of research. In addition, I explore

the urban body and integrate the interaction between

the body and the urban environment into my

choreographic processes.

The Master’s program has given me the opportunity

to move beyond my body as a dancer and engage

with all possible choreographic elements. I was

able to experience how an idea, an expression, a

voice, or an image becomes embodied through

the body – how such impulses are translated into

physical, choreographic form through movement,

rhythm, and spatial relationships. In this way, I was

able to develop my own distinctive choreographic

language.

In my artistic practice, I want to continue encountering

other bodies and objects, and search for

ways to connect them. By exploring how my unique

artistic expression can generate a collective impact,

I aim to expand my own field of experience and

artistic practice, enriching both my work and the

connections I build with others.

© Elvan Tekin

The body moves through the dust and lines around the edges and back again.

merged; the project dives deep into our relationships, exploring what drives us and what holds us back. Moving through

emotional and social codes of relationships, the dancers explore how human relationships and communication are formed and

how to build strong bonds. What does it mean to have a strong connection with someone, and how do I know I have a

connection with someone? Through somatic dance practices, the dancers will embody the ability to listen and communicate with

each

other.

© M.Pomarico

ARTICULATED BODY

THE SAME BODY

AS IN YOUR

DREAM LAST

NIGHT

THE BODY HAS NEVER BEEN

SILENT

BENDED BODY

*Inspired by Cunnginham's principles of

movement.

© Onur Özyurt

© Derin Onur Çankaya Özyurt

‘

’Controlled Accident” is a performance project that focuses on the fragility of the body and its transformative potential. A traffic accident

an event of shock and destruction becomes a metaphor for the fragility of the body and its ability to reshape itself. In a controlled

environment, encounters between bodies and objects are choreographed to show how new energies and forms emerge from

destructive acts. These deliberate collisions are understood as creative acts that redefine the body and its relationship to the

environment. What accidentally formed shapes do arise from the collision of bodies and material, sound and space? Is there a way to

think productively about the energy of shock?

Onur Özyurt Ein in der Türkei geborener Tänzer

und Choreograf, der seine künstlerischen Aktivitäten

in Berlin fortsetzt. Nach dem Abschluss

seines Chemiestudiums im Jahr 2018 begann er

eine Ausbildung in zeitgenössischem Tanz am

Berlin Dance Institute. Derzeit macht er seinen

Master in Choreografie am HZT, in dem er die

Möglichkeit hat, seine choreografische Forschung

zu vertiefen.

Er erforscht und entwickelt choreografische und

performative Praktiken, indem er wissenschaftliche

Methoden in seine Gedanken, Kreationen

und Arbeitsweisen einbindet. Angeregt von der

präzisen Analyse kleinster Details in der Chemie

untersucht er, wie sich Details gegenseitig

beeinflussen, die Qualität der Bewegung formen

und wie sich diese Methode auf die Wahrnehmung

sowie die choreografische Praxis übertragen

lässt. Die Anwendung dieser Methoden

bei der Kombination von Objekten und Körpern

fasziniert ihn besonders und bildet den Schwerpunkt

seiner choreografischen Recherche.

instagram.com/onurzyurt

PORTRAITVIDEO

EN A Turkish-born dancer and choreographer,

who continues his artistic activities in Berlin.

In 2018, after completing his studies in chemistry,

he moved to Berlin to pursue dance training

in contemporary dance at the Berlin Dance Institute.

He is currently doing his Master in Choreography

at HZT, where he has the opportunity to

deepen his choreographic research.

He explores and develops choreographic and

performative practices by incorporating scientific

methods into his thoughts, creations and

working methods. Inspired by the precise analysis

of the smallest details in chemistry, he

investigates how these details influence each

other, shape the quality of movement and can

be transferred to perception and choreographic

practice. The combination of objects and bodies

with these methods particularly fascinates

him and forms the focus of his choreographic

work, which he continues to deepen in this area.

2025___CONTROLLED ACCIDENT

Premiere: 14.02.2025, Heizhaus Uferstudios

2024___WIRE

Research- und Kollaborationsprojekt

mit der Tanzfabrik Berlin

2023___merged

Premiere: 10.11.2023, HfS, Berlin

2023___UNTITLED

Recherche zu Linien

2025___maC





VERA SHCHELKINA

© Olivia Kwok

DE Ich bin im Umbruch, Transition, Transfusion.

Alles, was ich bisher war, lässt sich auflösen

und neu zusammenstellen - in sich ganz anders

bewegenden Formen. Heute ist der Moment nach

dem Moment: nach der Aktivierung aller möglichen

Ressourcen. Jetzt kann sich alles wieder setzen,

auf neue Plätze fallen, in eine neue, unerwartete

Ordnung.

Das maC-Studium hat mich verändert. Einige

dieser Veränderungen sehe ich in meinen

Projekten – in dem, wie ich vermittle oder choreographiere.

Einige Veränderungen sind mir noch

nicht bewusst. Eins ist klar: Unvorhersehbare

Veränderungen sind ein Teil dieses Berufs, und in

dem Studium habe ich viel damit zu tun gehabt.

In ein Paar Jahren möchte ich in einem Studio, im

Tanz, in Trainings-Klamotten, auf der Bühne, in

einem Ort, der als Bühne benutzt wird, in einem

Score, in den Augen der bezeugenden Person,

im Fokus, in Gedanken-Labyrinthen, in fließender

Materie, draußen und drinnen gleichzeitig sein.

EN I am in upheaval, transition, transfusion.

Everything I have been up to now can be dissolved

and reassembled - in entirely different moving

forms. Today is the moment after the moment: after

the activation of all possible resources. Now

everything can sit down again, fall into new places,

into a new, unexpected order.

Studying at maC have changed me. I see some

changes in my projects - in the way I facilitate

or choreograph. Some changes I am not yet aware

of. One thing is clear: unpredictable changes are

part of this profession, and I‘ve had a lot to do with

them during my studies.

In a couple of years I want to be in a studio, in dance,

in training clothes, on stage, in a place that is not

meant to be a stage but used as such, in a score, in

the eyes of the person witnessing, in focus, in

thought labyrinths, in flowing matter, outside and

inside at the same time.

Vera Shchelkina ist Choreograph:in, Tanzkünstler:in,

somatische Bewegungspädagog:in

(Absolvent:in der Somatischen Akademie

Berlin), Vermittler:in und Organisator:in für

professionelle und nicht-professionelle Tanzund

Performance-Workshops und -Programme.

Derzeit schließt sie den MA Choreographie

am HZT Berlin ab..

Die künstlerischen Hauptinteressen von Vera

sind: Der Mensch als Gesamtheit von Räumen,

Zeiten und Zuständen, Berührung als Tor zur

Vielfalt des Körpers, Wahrnehmung als Instrument

der Bewegung, Form als Atempause

der Bewegung, Körper als transpersönliche

Erfahrung, das Politische des Privaten, das

Rebellionspotential des Körpers. In den letzten

Jahren lag der Schwerpunkt von Veras künstlerischer

Forschung auf Embryo und Tod (und

ihrer Verbindung) im Kontext von Tanz und

Performance. Vera stellt sich die Frage: Wie

kann man choreographische Formen erreichen,

indem man Prozesse hervorhebt, die bereits

passieren?

movingtouch.site

linktr.ee/moving.touch

instagram.com/moving_touch

Portraitvideo

EN Vera Shchelkina is a choreographer, dance

artist, somatic movement educator (graduate of

Somatic Acamedy Berlin), facilitator and organizer

for professional and non-professional dance

and performance workshops and programs.

Currently she is in the final stage of her MA

Choreographie program at HZT (“Hochschule für

Schauspielkunst Ernst Busch”).

Vera’s main artistic interests are: The human

being as a totality of spaces, times and states,

touch as a gateway to the diversity of the body,

perception as an instrument of movement, form

as a breathing space for movement, the body

as a transpersonal experience, the political of

the private, the body’s potential for rebellion.

In recent years, Vera’s research has focused on

the embryo and death (and their connection) in

the context of dance and performance. Vera asks

herself the question: how to achieve choreographic

forms by emphasizing processes that are

already happening.

2025___Everyone here is a bit of a horse

2025___Lieder der Hoffnung und Verzweiflung

Choreographie für Film-Musical

2024___Skin to dust als Teil der performativen

Installation “Stardust” von Ming Poon

2024___Ich bezeuge das alles zum letzten Mal,

Kollaboration mit den Potsdamer Tanztagen

2025___maC





ZSOMBOR SZABÓ

© Zsombor Szabó

DE Ich weiß nicht, was mich an den Dingen,

die passiert sind, so fasziniert, aber ich habe das

Gefühl, dass alles, was ich künstlerisch tue, die

Verarbeitung dessen ist, was ich in meiner Kind -

heit und Jugend in Budapest erlebt habe. Die

ungarische Kultur hat geprägt, wie ich die Welt

sehe. Mit „Kultur“ meine ich nicht das kultu -

relle Erbe meines Landes, sondern vielmehr, wie

sich die Menschen dort bewegen, sprechen

und miteinander umgehen. Das ist es, was mich

interessiert und wovon ich ausgehen kann.

Ich bin direkt von meiner Arbeit als Tänzer im

staatlichen ungarischen Volksensemble zum

Studium gekommen. Das MA-Programm gab mir

das Handwerkszeug und die Freiheit, meine

ersten Schritte auf diesem Weg zu machen. Es

ermöglichte mir, diese zwei Jahre meines Lebens

nicht nur der Entwicklung von Methoden als

Choreograf für Bühne, Film und andere Bereiche

zu widmen, sondern auch zu erforschen, was

Choreografie noch sein könnte.

Mein Ziel für die kommenden Jahre ist es, meine

Sprache und Praxis des ungarischen Volkstan -

zes weiterzuentwickeln und in professionellen

ungarischen Volkstanzkompanien zu arbeiten.

Ich möchte mit der Bewegungssprache des ungarischen

Volkstanzes für größere Bühnen und

Ensembles arbeiten und auch an meinen kleineren

choreografischen Ideen für Film und Bühne

weiterarbeiten.

EN I don’t quite know what fascinates me with

the things that happened, but I feel that everything

I do artistically is a way of processing what I expe -

rienced during my childhood and while growing up

in Budapest. Hungarian culture has shaped the

way I see the world. But by “culture”, I don’t mean

the traditional heritage of my country—rather,

I mean how people move, speak and interact with

each other in everyday life. That’s what interests

me and what I draw inspiration from.

I came here directly from my work as a dancer at

the Hungarian State Folk Ensemble. The maC

program gave me the tools and the freedom to take

my frist steps on this journey. It allowed me to

dedicate these two years not only to developing

choreographic methods for stage, film, and other

contexts, but also to explore what choreography

itself could be.

My goal for the coming years is to continue developing

my own language and practice rooted in

Hungarian folf dance and to work with professional

Hungarian folk dance companies. I want to en -

gage with the movement language of Hungarian

folk dance on larger satges and in bigger ensembles,

while also continuing to pursue my smaller

choreographic ideas for film and stage.

Foto: Martina Thalhofer

Rhinoceros

is a solo about a person who is out of context.

I am always interested in something internal,

a feeling or experience.

The solo deals with the idea of a being that is misplaced,

but tryies to act as if it belonged.

A conflict between a rhinoceros

trapped inside a human body,

always trying to adapt and blend in.

Premiere am 25.05.2024 während

der Potsdamer Tanztage 2025.

Choreographie: Zsombor Szabó

Tänzer: Niels Weijer

Koreográfia 2

Film von: Áron Tamaskó

Márton Opiczer

Zsombor Szabó

Foto: Dajana Lothert

Gulyás

Tänzer*innen: Hyun Soo Yun, Stefanie Alf, Niels Weijer

Klange: Wieland Möller

Bühne, Licht und Kostüm: Zsombor Szabó

Mein Ziel mit diesem Stück war es, Selbstmitleid als

kulturellen Bezugspunkt zu nehmen, um zu verstehen,

wie ein Mangel an Empathie zu einem endlosen

Kreislauf der Frustration führen kann.

Frühe Präsentation im Rahmen des Programms

der Potsdamer Tanztage 2025.

Tänzer*innen: Stefanie Alf, Zsombor Szabó

Foto: Óscar Barbosa

Foto von der der Premiere von Gulyás im im BAT

Studiotheater im BAT Studiotheater am am 04.07.2025.

am 04.07.2025.

Tänzer*innen: Hyun Soo Yun, Niels Weijer,

Stefanie Tänzer*innen: Alf. Alf. Hyun Soo Yun, Niels Weijer,

Stefanie Alf.

Zsombor Szabó ist Choreograf und Tänzer

und schließt derzeit den Masterstudiengang

Choreografie am HZT ab.

Zsombors künstlerische Hauptinteressen sind:

– Die Vergangenheit.

– Die Übersetzung all jener Informationen,

die seine Art zu sehen und zu denken geprägt

haben.

– Ironie.

– Kontraste.

– Anzüge.

Während des Studiums konzentrierte sich seine

Forschung darauf, aus individuellen Eigenschaften

Charaktere und Körperlichkeiten zu schaffen

– als Mittel, um innere Konflikte und emotionale

Zustände physisch erfahrbar zu machen.

Zsombor stellt sich dabei immer wieder die Frage:

Wie viel von mir selbst steckt in jeder Figur,

die ich erschaffe?

EN Zsombor Szabó is a choreographer and

dancer who is currently completing the Master’s

program in Choreography at HZT.

Zsombor’s main artistic interests are:

– The past.

– The translation of all those pieces of information

that have shaped his way of seeing and

thinking.

– Irony.

– Contrasts.

– Suits.

During his studies, his research focused on

creating characters and physicalities from

individual traits – as a means of making inner

conflicts and emotional states physically

tangible.

Zsombor keeps asking himself the question:

How much of myself is in each character

I create?

2025___Gulyás

2024___Koreográfia 2 Filmprojekt für

individuelle Forschung

2024___Rhinoceros Potsdamer Tanztage

Portraitvideo

2025___maC





TIM WINTER

© Mirjana Vrbaski

PORTRAIT PICTURE

DE Meine Arbeiten verbinden konzeptuelle

und künstlerisch-forschende Ansätze, häufig ver -

bunden mit Fragen zur Selbst- und Raumwahrnehmung

und Möglichkeiten, die eigene Wirksamkeit

und Handlungsfähigkeit zu aktivieren. Ich

arbeite mit eigenen Stückentwicklung wie auch

kollaborativ, mit Künstler*innen anderer Kunstsparten

und Wissenschaftler*innen aus natur- und

sozialwissenschaftlichen Themenfeldern. In Kollaborationen

steht für mich die explorative Entwicklung

von neuen Inhalten, der Austausch von

Methoden und die transdisziplinäre Weiterentwicklung

von performativen Ansätzen im Zentrum.

Choreographisches Arbeiten als sparten- und

medienübergreifender Prozess kann neben

Bewegungs- und Körperarbeit auch Texte, Zeichnungen,

Sound und Videokunst hervorbringen.

Das maC-Studium und das Austausch-Jahr nach

Norwegen (Oslo National Academy of the Arts

KHiO) haben mir geholfen, meinen eigenen künstlerischen

Ansätzen und Inhalten stärker zu

vertrauen und Konzepte und Praxis zu verbinden.

Das Studium hat meine eigene künstlerische

Sprache erweitert und konkretisiert.

In den kommenden Jahren sehe ich meine Arbeit

in eigenen Produktionen für die Bühne und als

spartenübergreifende Formate in Museen, Gale -

rien und im öffentlichen Raum. Dabei möchte ich

größere und kleinere Produktionen, etwa für

Festivals und ortsspezifische Arbeiten, abwechseln.

Choreographisch zu arbeiten ist für mich eng

verknüpft mit kollaborativem Arbeiten – mit

Künstler*innen anderer Sparten und in Themenfeldern,

die außerhalb des Kunstbetriebes

wahrgenommen werden. Dabei möchte ich auch

über Text-, Sound- und Videoarbeiten an Dis -

kur sen in den performativen Künsten teilnehmen.

In der Verbindung choreographischer Produktionen

und eigener Workshopformate sind für

mich auch künstlerische Forschung und Lehre

spannende Optionen.

EN My work combines conceptual and artisticresearch

approaches, often linked to questions

of self-perception and spatial perception and ways

of activating one‘s own effectiveness and ability

to act. I work with my own piece development as

well as collaboratively, with artists from other art

disciplines and scientists from natural and social

science fields. In collaborations, I focus on the

explorative development of new content, the ex -

change of methods and the transdisciplinary

further development of performative approaches.

Choreographic work as a cross-disciplinary and

cross-media process can also produce texts, draw -

ings, sound and video art in addition to movement

and body work.

The maC programme and the exchange year to

Norway (Oslo National Academy of the Arts KHiO)

helped me to trust my own artistic approaches

and content more strongly and to combine concepts

and practice. My studies have expanded and

concretised my own artistic and aesthetic language.

In the coming years, I see my work in my own

productions for the stage and as interdisciplinary

formats in museums, galleries and public spaces.

I would like to alternate between larger and

smaller productions, for example for festivals and

site-specific works. For me, working choreographically

is closely linked to collaborative work —

with artists from other disciplines and in subject

areas that are perceived outside the art world—

and I would also like to participate in discourses in

the performative arts through text, sound and

video works.

left: on rhythm and space, with the

Dance Intensive Program

Under what conditions do geometric and social

architecture form a living environment?

How can performance and installation collaborate?

How to play back and forth between concept and

practice?

Movement and space seem to have a lot in common:

they are poetic, rhythmic and often subjective. As a

process, they are a negotiation between presence and

absence, between listening and speaking, between flowing

onwards and lingering.

As bodies, feelings and thoughts

stretch out,

movement and space become

porous and echo inside of us.

Space

as an

emerging

Artistic Research on

ways of decoding and recoding space

a notation for sound

situation

"WormHoles_jigsaw falling into place"

Collaboration of choreography and musical composition

maC HZT Berlin & Hanns Eisler Hochschule für Musik / KlangZeitOrt

Images: Madison Pomarico

A process and performance on

the interaction of

the artwork,

the spectator and

the moment of selfperception.

Credits:

Choreography & Composition:

Tim Winter & Jaqueline Butzinger

Movement: Andrea D‘Arsiè, Emma Bruun

Harp: Cara Dawson

Video & Light: Janic Bebi

Costume: Sara Nägele

Technical Support: Sabrina Münzberg, Gabriel von Seidlein

Collaboration

as a shared exploration

an exchange of methods

a joint development across disciplines

"A feeling of longing that freezes and thaws"

A bodily experience in the perception of permafrost thaw

Artistic research and intervention in Taylor Alaina Liebenstein Smith's exhibition

Atelier Nord Oslo

Images: Taylor Smith

Images:

Michelle Mantel

Maintaining Clouds or how do we walk on the Stratosphere?

Human adaption and the loss of control in climate change dynamics

Choreographic and sound collaboration within the installation of Clemens Winkler

Dragoner.0x Super Contemporary Art Fest Berlin

OUTSIDE

INSIDE

OUTSIDE

OUTSIDE INSIDE

Master Project

HfS Berlin

A hybrid, sitespecific and

staged exploration,

of spatial and

human encounter.

Recallibrating the geometrical and

social architecture,

the interweaving of built and lived

spatial categories.

because we have a body,

we have a shadow,

and emerge into space

INSIDE

:Credits

:Movement

Johanna Ackva, Crispin Lord, Aya Toraiwa

:Sound

Wieland Möller, Edith Steyer

:Mentoring

Jan Burghardt, Sigal Zouk

Lina Gómez, Christiane Berger

:Dramaturgical support

Pauline Michel

:Technical head

Sabrina Münzberg

:Concept and choreography

Tim Winter

Tim Winter arbeitet als Performer und Choreograf

und lebt in Berlin. Er interessiert sich für

individuelle und kollektive Körper im Grenzbereich,

zwischen Wahrnehmen, Reflektieren,

Handeln und Verändern. Seine Arbeiten umfassen

Performances und Installationen und verbinden

Bewegung, Sound und Videokunst. Vor seinem

Hintergrund in Performance und Tanz einerseits

und Umwelt- bzw. Wirtschaftswissenschaften

andererseits untersucht er, besonders auch in

interdisziplinären Kollaborationen, die Kluft

zwischen Wissensproduktion und deren gesellschaftlicher,

künstlerischer und körperlicher

Vermittlung. In choreographischen Interventionen

arbeitete er zuletzt mit der bildenden

Künstlerin Taylor Smith (Oslo/Paris), zum Tauen

von Permafrostböden und dem Künstler und

Wissenschaftler Clemens Winkler (Berlin) zum

Kontrollverlust in Prozessen des globalen

(Klima-)Wandels.

In seiner Masterproduktion ‚Outside Inside‘ untersucht

Tim in einer hybriden, sich fortbewegenden

Performance an drei Orten Raum als Prozess:

als lebendige Struktur geometrischer und

sozialer Räume und als fortwährende Verhandlung

von An- und Abwesenheiten.

instagram.com/zimthiems

Portraitvideo

EN Tim Winter works as a performer and choreographer

and is based in Berlin. He is interested

in individual and collective bodies in the border

area between perceiving, reflecting, acting and

changing. His works include performances and

installations, linking movement, sound and video

art. With a background in performance and

dance on the one hand and environmental and

economic sciences on the other, he examines

the gap between knowledge production and its

social, artistic and physical mediation, particularly

in interdisciplinary collaborations. In choreographic

interventions, he recently worked with

the visual artist Taylor Smith (Oslo/Paris) on the

thawing of permafrost soils and the artist and

scientist Clemens Winkler (Berlin) on the loss of

control in processes of global (climate) change.

In his master production “Outside Inside”, Tim

examines space as a process in a hybrid, moving

performance at three locations - as a living

structure of geometric and social spaces and the

ongoing negotiation of presences and absences.

2025___OUTSIDE INSIDE: Das, was verbindet,

wirkt subtil. Master work, Berlin.

2025___A FEELING OF LONGING THAT

FREEZES AND THAWS: Collaboration with

Taylor Alaina Liebenstein Smith, Oslo.

2024___MAINTAINING CLOUDS. Collaboration

with Clemens Winkler, Berlin.

2023___WORMHOLES_jigsaw falling into

place. Collaboration with Jaqueline

Butzinger, Berlin.

2025___maC





IMPRESSUM

Herausgeber Hochschulübergreifendes Zentrum

Tanz (HZT) Berlin

Redaktion/Lektorat Christiane Berger

Konzept Jascha Viehstädt, Wanda Golonka

Satz Franziska Bauer

Grafik Felipe Fizkal

Team maC Prof. Wanda Golonka

(Studiengangsleitung), Prof. Susanne Vincenz,

Prof. Ingo Reulecke, Dr. Christiane Berger,

Isabel Robson

Diese Publikation erscheint zu den Abschlussarbeiten

des Masterstudiengangs Choreographie

des HZT Berlin.

www.hzt-berlin.de | mac@hzt-berlin.de

© HZT Berlin 2025



FELIPE FIZKaL

POOYESH FROZaNDEH

JOHaNNa JÖRNS

DIaNa NaBER

ONUR OEZYURT

VERa SHCHELKINa

ZSOmBOR SZaBÓ

TIM WINTER

maC Portraits 2025

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