1·Música

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1·Música y Tecnología
ESTRUCTURA
DE CONTENIDOS
Historia de la grabación
y reproducción del sonido
• 1ª etapa: reproducción
mecánica del sonido
• 2ª etapa: grabación
y reproducción mecánica
del sonido
• 3ª etapa: grabación
y reproducción eléctrica
del sonido
• 4ª etapa: grabación
y reproducción digital
del sonido
Funcionamiento básico de los
principales sistemas de sonido
• Sistemas de sonido analógicos
• Sistemas de sonido digitales
Instrumentos electrónicos
• Instrumentos pioneros
• Instrumentos actuales
Música electrónica
• Corrientes de la música
electrónica
Informática musical
• Funcionamiento
y componentes del ordenador
• Aplicaciones
de la informática musical
• La música en Internet
ACTIVIDADES INICIALES
1. Reflexiona sobre la incidencia de las nuevas tecnologías aplicadas a la música y escribe un
¿QUÉ SABES DE ESTO?
breve texto haciendo repaso de los distintos medios que utilizamos en la actualidad
relacionados con el sonido.

El uso de las tecnologías ha ido unido a la evolución del ser humano
desde sus orígenes, facilitando su desarrollo económico y científico, y
provocando los principales cambios sociales.
Desde el siglo XX la tecnología se ha introducido de lleno en la creación
artística hasta convertirse en una herramienta de trabajo fundamental
que ha ido transformado gradualmente la forma y el contenido de las
obras.
En la actualidad, asistimos a una de las grandes revoluciones tecnológicas
que tiene como principales protagonistas el uso de los medios
electrónicos e informáticos. Esta revolución tecnológica ha logrado en
los últimos años una enorme difusión gracias a la progresiva simplificación
de su uso y al abaratamiento de sus costes.
Las nuevas tecnologías, presentes en todos los ámbitos sociales, han
encontrado uno de los principales campos de desarrollo en el terreno
de la música, convirtiéndose en protagonistas indiscutibles de las nuevas
tendencias de la música contemporánea y facilitando su creación
y difusión.
Desde la invención de los primeros sistemas de grabación y reproducción
del sonido hasta los modernos medios informáticos que permiten
tener en el ordenador un completo laboratorio de sonido, el mundo de
la música ha experimentado en apenas un siglo los cambios más acelerados
y significativos.

8 Música Y
a El Hydraulos (siglo III a. C.) era una especie
de órgano de agua que reproducía sonidos
fuertes y penetrantes.
Composiciones para
instrumentos mecánicos
Haydn compuso varias obras para
relojes-flautas y Mozart para órgano
mecánico.
En 1813 Beethoven compuso La victoria
de Wellington para el «Panarmonicón»
inventado por Maelzel, una máquina
capaz de simular una orquesta completa
mediante la utilización de tubos
de órgano e instrumentos de percusión
automáticos.
a Fotografía de un fragmento del «Panarmonicón»
de Maelzel, en el Museo de los
Instrumentos de Stuttgart.
1. Historia de la grabación y reproducción
del sonido
La posibilidad de grabar y reproducir los sonidos ha sido uno de los sueños
más ansiados por el ser humano desde la antigüedad.
Numerosos testimonios en cuentos o relatos más o menos fantásticos
hablan de palabras congeladas en el hielo que al calentarse con las manos
se convertían en sonidos, de esponjas mágicas que grababan todo lo que se
hablaba delante de ellas y lo reproducían al ser apretadas, de libros que
dando cuerda a una máquina y colocando una aguja en el capítulo deseado,
lo leían en voz alta.
El sueño de la grabación del sonido no se hará realidad hasta finales del
s. XIX. Sin embargo, la posibilidad de reproducir sonidos sin intervención
directa del ser humano se remonta a varios siglos atrás con la fabricación
de distintos instrumentos mecánicos o automáticos.
Hacemos ahora un breve recorrido por la historia de la grabación y reproducción
del sonido en la que podemos distinguir cuatro etapas.
1.1. 1ª etapa: reproducción mecánica del sonido
Desde la Antigüedad conservamos testimonios de la existencia de instrumentos
mecánicos o automáticos capaces de reproducir sonidos por sí
solos mediante diferentes dispositivos como sistemas de pesos y poleas o
por efecto de la presión del agua.
Algunos documentos mencionan la existencia de una orquesta mecánica
construida en el s. III a. C. para el emperador chino Han Gaozu.
En el s. IV, el emperador bizantino Teófilo disponía de un trono de oro
flanqueado por unos leones mecánicos que rugían al ser activados.
En el s. XIII se atribuye la invención de una «cabeza parlante» al filósofo
y científico inglés Roger Bacon.
Carillones automáticos
Desde finales de la Edad Media, los relojes de campanario se equiparon
frecuentemente con carillones automáticos que sonaban al dar las horas.
Funcionaban mediante la acción de un cilindro de púas que empujaba los
martillos para que golpearan las campanas en un determinado orden.
Cajas de música
El desarrollo en las técnicas de relojería y en el mecanismo del cilindro de
púas, permitirá la construcción de cajas de música que alcanzarán su máximo
esplendor durante los siglos XVIII y XIX. El cilindro de púas (colocadas según
las notas de la música) se hace girar sobre un peine metálico enganchando
los diferentes dientes para provocar que vibren y produzcan sonido.
Las cajas de música se instalaban en relojes de pared, estuches o joyeros y,
con frecuencia, incluían autómatas (figuras de bailarinas o pájaros cantores)
que se movían al ritmo de la música.

Piano mecánico
El mecanismo del cilindro de púas se aplicó también a la construcción de
pianos mecánicos dando lugar a la «pianola», una de las marcas comerciales
más populares patentada en 1887. En la pianola, el rodillo movido por
una manivela accionaba una hilera de martillos que golpeaban las cuerdas.
A finales del siglo XIX el cilindro de púas se sustituyó por rollos de papel
perforado que podían intercambiarse con mayor facilidad y permitían
registrar más marcas para producir más sonidos. El cilindro de papel se va
desenrollando sobre una barra cuyos agujeros se corresponden con las distintas
teclas del piano. Cuando una perforación del papel coincide con un
agujero de la barra, la presión de aire generada por un mecanismo de
pedal, acciona el martillo correspondiente.
La grabación de música en el rodillo de papel era obra de artesanos especializados
capaces de transcribir las partituras, con todos sus detalles, a papel
perforado. También se utilizaba la grabación directa mediante la interpretación
en un piano especial con lápices de plomo unidos al mecanismo del
teclado y al pedal, que iban registrando marcas de distinta longitud y a diferentes
distancias según la acción del pianista. Cualquier nota falsa podía rectificarse
borrando la marca del lápiz y sustituyéndola por la correcta.
Después, el papel se taladraba y se colocaba en el rodillo.
La grabación en el rodillo de papel permitirá la conservación fiel de la
interpretación de las obras y competirá con los primeros sistemas de grabación
del sonido cayendo en desuso a partir de 1920.
a Detalle del cilintro de púas.
a Detalle del rodillo de papel.
1.2. 2ª etapa: grabación y reproducción mecánica del sonido
A finales del s. XIX comienzan los primeros experimentos para conseguir
la grabación del sonido y su posterior reproducción.
Son aparatos basados en la grabación mecánica del sonido, es decir, las
ondas sonoras son grabadas por su propio impulso en un material de registro
(papel de estaño, cera o cinc) que permite después, invirtiendo el proceso,
su reproducción.
En 1877 el poeta e inventor francés Charles Cros formula el principio de
su paleófono: «si una membrana provista de un punzón traza un surco
sobre la acción de un sonido, ese surco hará vibrar la membrana cuando
el punzón vuelva a pasar por el surco, y se recuperará el sonido inicial».
Lamentablemente, Cros no tenía dinero ni apoyo para construir su paleófono,
pero su idea abrió las puertas a la historia de la grabación.
1 · Música y Tecnología 9
Obras para piano
mecánico
Muchos compositores como Grieg,
Debussy, Ravel, Gershwin, Prokofiev o
Falla, grabaron rollos de piano interpretando
sus propias obras. Algunos como
Hindemith o Stravinsky, escribieron música
destinada al piano mecánico.
a Pianola.
a Charles Cros (1842-1888).
Y

10 Música Y
Una grabación histórica
En 1889 el compositor Johannes
Brahms realizó una grabación en cilindro
de cera interpretando al piano su
Danza húngara nº 1.
El cilindro fue encontrado en 1935 y
pudo ser identificado porque recoge
como introducción la propia voz del
compositor presentándose a sí mismo.
Fonógrafo
En 1878 el inventor norteamericano Thomas Alva Edison, sin conocer la
invención de Cros, presentó el fonógrafo en la Academia Francesa de las
Ciencias reproduciendo la primera grabación de la historia: la frase de la
canción Mary had a little lamb.
Curiosamente, Edison presentó su invento como una «máquina parlante»
que podía emplearse en clases de idiomas, libros para invidentes o como
sustitución de la taquigrafía. Nunca pensó en la utilidad del fonógrafo para
la música, sino en su aplicación al registro de voz.
a Fonógrafo.
a El fonógrafo utilizó como soportes cilindros de
estaño y cera.
El fonógrafo de Edison se basó en el mismo principio de Cros. Consistía
en un cilindro acanalado cubierto por una hoja de estaño que se hacía
girar mediante una manivela. Las vibraciones del sonido se recogían
mediante un gran tubo resonador unido a una aguja o punta metálica que,
en contacto con la superficie del cilindro, iba grabando las ondas sonoras.
En 1888 Edison perfeccionó el fonógrafo sustituyendo el cilindro de
estaño por el de cera y añadiendo un pequeño motor alimentado por pilas.
ACTIVIDADES
1. Comenta el siguiente texto en el que se describe el invento del fonógrafo. Es un fragmento extraído de la Enciclopedia de los
grandes inventos, publicada en España en el año 1888.
«... Pero todavía parece más maravilloso de lo que es el teléfono mismo, un descubrimiento que no sólo hace posible la transmisión
de la palabra hablada a través de los espacios más dilatados, sino que la conserva también a lo largo del tiempo con todas sus particularidades,
de suerte que después de una serie cualquiera de años, puede resucitar la misma voz y entonar la misma canción, con
expresión idéntica a aquella con que fue cantada en el momento en que la recibió el aparato.
El fonógrafo se funda en que las impresiones grabadas sobre una hoja de papel de estaño por un estilete ante el cual pasa la hoja
con un movimiento uniforme, y cuyo estilete va unido a una membrana elástica puesta en vibración por resonancia, corresponden
exactamente por su forma, a la de las ondas sonoras que pusieron en vibración la membrana.
Ahora bien; estas hojas de papel de estaño pueden ser utilizadas para reproducir el mismo sonido en un aparato completamente
idéntico al en que fueron impresionadas por aquél, sin más que hacerle funcionar de un modo inverso.
Puesto el estilete que va unido a la membrana sobre las impresiones de la hoja de papel de estaño, y avanzando ésta por debajo de él,
le obliga a repetir todos los movimientos vibratorios en virtud de los cuales produjo en un principio aquellas huellas.
La membrana misma recibirá todas las mismas vibraciones que antes le había comunicado nuestra voz, o las notas de un instrumento
musical y, por consiguiente, sonará cual lo hace la placa de un teléfono.
Por más que parezca esto muy raro, es, sin embargo, un hecho real y positivo. El fonógrafo habla, canta y silba todo cuanto se
hable, cante o silbe ante él, y cuantas veces se quiera. Siempre que se hagan pasar por delante de la punta algo toma del estilete
las impresiones grabadas en la hoja de papel de estaño, se oirá de nuevo la misma serie de sonidos; únicamente que la sucesión
será más o menos rápida según la velocidad con que se haga girar el manubrio.
Pero a pesar de este poder maravilloso, no se ha sabido todavía hacer práctico el uso del fonógrafo, que actualmente pertenece
al grupo de aparatos de interés principalmente científico».

Gramófono
En 1896 Emile Berliner registra la patente del gramófono, una máquina
basada en los mismos principios de Edison pero que sustituye el cilindro
por un disco liso que al girar permite el trazado de la aguja en forma de
surcos en espiral sobre la superficie del plato.
a Gramófono.
La calidad del sonido en el gramófono era muy superior a la del fonógrafo y no
necesitaba un diafragma o pabellón tan grande para su reproducción. Además,
los discos eran más fácilmente manejables y transportables que los cilindros.
Pero, sin duda, de todas las ventajas del gramófono, será una la que marque un
avance decisivo en la difusión de la música: los discos podían duplicarse sencillamente
y en grandes cantidades a través de discos «maestros».
La grabación original se realizaba en un disco de cinc que después era tratado
por procedimientos químicos para servir de molde a un disco «maestro»
metálico.
A partir del disco «maestro», y mediante un sistema de prensado, se realizaban
las copias en discos de 17 cm de diámetro fabricados en ebonita (preparación
de goma elástica, azufre y aceite de linaza). Los discos utilizaban una
sola cara que alcanzaba una duración de dos minutos, contenían entre 96
y 125 surcos por pulgada (de 4 a 5 surcos por milímetro) y giraban a 70
revoluciones por minuto (r.p.m.).
Hacia 1898 la dificultad para el prensado de los discos de ebonita (un material
demasiado duro) hizo que se sustituyeran por discos fabricados mediante
un compuesto de baquelita (utilizando baquelita, pizarra y caliza).
Gracias a las aportaciones de Berliner, comenzará a partir del año 1900 la
difusión comercial de grabaciones y el negocio de las primeras empresas
discográficas como Columbia, Odeón o Deutsche Grammophon, que
competirán por los grandes artistas y las orquestas del momento.
ACTIVIDADES
1 · Música y Tecnología 11
a El gramófono introdujo como soporte el disco
liso fabricado en ebonita y baquelita.
1. Elabora un esquema explicando el proceso de la grabación y reproducción mecánica
del sonido.
2. Enumera las principales ventajas introducidas por el gramófono de Berliner frente al
fonógrafo de Edison.
3. Explica el proceso de elaboración de copias a partir de un disco «maestro».
4. Cita las principales características técnicas del soporte del disco introducido por
Berliner.
Primeras grabaciones
comerciales
En 1903 se comercializaron dos grandes
grabaciones históricas:
• La ópera Ernani de Verdi, que se
registró de forma completa en 40
discos.
• El aria Vesti la giubba de Leoncavallo,
interpretada por Enrico Caruso,
que consiguió vender un millón de
copias convirtiéndose en el primer
disco «superventas» de la historia.
Y

12 Música Y
Ventajas del micrófono
El micrófono mejoró notablemente la
calidad del registro permitiendo grabar
un mayor número de voces con una
mayor amplitud de frecuencias y una
mayor capacidad dinámica. Al mismo
tiempo, el equipo de grabación podía
separarse de los músicos para trabajar
en un lugar más aislado.
El single
Por su reducido tamaño y su bajo coste,
el Single se convertirá en el medio
ideal para difundir las canciones de
moda de la música popular.
En la actualidad, el término Single sigue
utilizándose para hacer referencia al
lanzamiento comercial de una canción,
aunque ya no se realiza en soporte de
vinilo.
1.3. 3ª etapa: grabación y reproducción eléctrica del sonido
Entre 1920 y 1925 se introduce el uso de la electricidad para grabar y
reproducir los sonidos, que reemplazará por completo al registro mecánico
incorporando los tres componentes básicos del sistema moderno:
• El micrófono: recoge la señal sonora y la convierte en impulsos eléctricos.
• El amplificador: aumenta la potencia de la señal eléctrica procedente
del micrófono.
• El altavoz: recibe la señal eléctrica del amplificador y la transforma de
nuevo en ondas sonoras.
Micrófono
La grabación y reproducción eléctrica del sonido se desarrollará de forma
paralela en dos inventos fundamentales: el tocadiscos y el magnetófono.
Tocadiscos
Es un sistema de grabación y reproducción electromecánica, resultado de
la electrificación del gramófono. Se compone de un giradiscos o plato
(incluye el soporte del disco, el motor, y el brazo con la aguja), un amplificador
y un altavoz.
Plato
Amplificador
Amplificador
Altavoz
Altavoz
El soporte del disco fue perfeccionándose para aumentar su duración. Se
hicieron discos más grandes (de 24 a 30 cm de diámetro), que se grababan
por las dos caras y giraban a menos revoluciones.
En 1948, el disco de baquelita (que se rayaba fácilmente y producía ruidos)
fue sustituido por el disco de vinilo, un material plástico más ligero,
elástico y resistente. El vinilo permitió grabar surcos más finos dando lugar
a la aparición del «microsurco», capaz de contener entre 250 y 400 surcos
por pulgada (de 10 a 16 surcos por milímetro) y, por tanto, capaz de almacenar
mucho más tiempo de música y con una extraordinaria calidad.
El microsurco facilitará la comercialización de dos tipos de discos que
alcanzarán una gran popularidad hasta la década de 1980:
• El long play (LP): un disco de vinilo de 30 cm de diámetro que gira a
una velocidad de 33,33 r.p.m. y permite una duración de 30 minutos
por cada cara.
• El single: un disco de vinilo de 18 cm de diámetro que gira a una velocidad
de 45 r.p.m. y permite una duración de 5 minutos por cada cara.

Magnetófono
De forma simultánea a la evolución del disco, se desarrollará un nuevo sistema
de grabación y reproducción basado en un soporte diferente: la cinta
magnética. Es una cinta de plástico revestida de polvo ferromagnético
fino en la que se imprimen por polarización magnética las señales eléctricas
de las ondas sonoras. La cinta tiene un espesor de 50 micras, de las cuales
15 son de soporte magnético.
El magnetófono contiene el soporte para la cinta, los distintos controles
(encendido, paro, avance, retroceso, grabación) y las cabezas de borrado,
grabación y reproducción constituidas por electroimanes. Como todos los
sistemas de grabación y reproducción eléctrica, necesita también de un
amplificador y un altavoz.
Magnetófono
Amplificador
El desarrollo de la grabación en cinta magnética dará lugar a un gran
avance en la grabación del sonido, ya que la cinta aportaba una mayor
calidad de registro y un tiempo mayor de reproducción. Pero, sobre todo,
la ventaja fundamental será la fácil manipulación de la cinta, que permite
registrar cuidadosamente varias «tomas» que después se empalman o juntan
para presentar una interpretación perfecta.
En 1960 la compañía Philips lanza el nuevo formato de la casete, un
pequeño estuche de plástico con una cinta magnética de 3,81 mm de
ancho, enrollada en dos bobinas de arrastre.
Desde entonces, el soporte cerrado de la casete se convertirá en el medio
ideal para la difusión masiva de música, mientras que el carrete abierto de
cintas más anchas (con mayor número de pistas para el registro) se destinará
a aplicaciones profesionales con mayores exigencias de calidad.
Así, entre los años 1950 y 1990, el magnetófono se convertirá en el principal
medio de grabación del que saldrá, después de su montaje en estudio, la copia
máster que luego se transferirá a discos de vinilo y cintas de casete en serie.
La grabación en cinta magnética desarrollará avances importantes como:
• La aparición de la grabación estereofónica en 1957 separando la distribución
del sonido en dos o más canales diferenciados para conseguir un
efecto más real con sensación de direccionalidad o espacio. A partir de
1960 la estereofonía reemplazará por completo al primitivo sistema
monofónico de una sola fuente de sonido.
• Los sistemas de reducción del ruido introducidos por el norteamericano
Ray Dolby a partir del año 1975. El sistema Dolby permite reducir el ruido
de fondo al acentuar frecuencias altas de escasa intensidad en el momento
de registrar la señal y desacentuarlas en el momento de su reproducción.
1 · Música y Tecnología 13
Altavoz
Cronología
del Magnetófono
La primera grabación magnética fue
realizada en 1898 por el ingeniero danés
Valdemar Poulsen utilizando como
soporte un hilo de acero.
En 1935 la compañía alemana AEG
construyó el primer magnetófono utilizando
una cinta plástica revestida de
óxido de hierro.
El popular «walkman» para casete fue
diseñado en 1979 por el ingeniero japonés
Akio Morita para la compañía
Sony.
Sistema Dolby
El sistema Dolby B amplifica unos 10
dB las frecuencias superiores a 400 Hz.
El sistema Dolby C amplifica unos 20
dB las frecuencias superiores a 100 Hz.
Y

14 Música Y
Nacimiento del CD
El Compact Disc fue desarrollado por la
compañía Philips y empezó a comercializarse
en 1983.
La capacidad de almacenamiento de
los primeros CDs se estableció en 74
minutos como homenaje a la 9ª Sinfonía
de Beethoven, cuya interpretación completa
alcanza dicha duración.
1.4. 4ª etapa: grabación y reproducción digital del sonido
A finales de la década de 1970 nace el sistema de grabación y reproducción
digital que irá sustituyendo paulatinamente a los anteriores sistemas
analógicos hasta alcanzar un protagonismo casi absoluto en nuestros días.
El sonido digital se consigue mediante un conversor analógico/digital
(ADC) que se encarga de codificar numéricamente la señal sonora analógica
mediante una serie de muestras que toman la medida de la onda en
instantes sucesivos. Los distintos valores de estas muestras se traducen a
códigos binarios (combinaciones de unos y ceros) que se graban en el
soporte y se leen mediante un procedimiento óptico. Para la reproducción
del sonido, el conversor analógico/digital realiza el proceso inverso.
Los principales soportes de grabación y reproducción digital son el disco
compacto (CD) y la cinta DAT.
CD (Compact Disc)
El CD es un disco compuesto de material plástico (policarbonato), que mide
12 cm de diámetro con un orificio central de 1,5 cm y un grosor de 1,2 mm.
La grabación se realiza en una sola cara en forma de puntos microscópicos de
código binario que son leídos por un rayo láser infrarrojo.
Alcanza una duración de 80 minutos, proporciona un sonido de gran calidad
sin ruido de fondo, facilita el acceso a la información de manera instantánea
y permite la copia y reproducción sin ningún tipo de deterioro o desgaste.
En la carátula de los discos compactos aparecen indicados con letras los
métodos (analógico o digital) que se han utilizado en sus tres fases de
producción: grabación, mezcla y masterizado o copia maestra:
• A A D: grabación Analógica, mezcla Analógica, masterizado Digital.
• A D D: grabación Analógica, mezcla Digital, masterizado Digital.
• D D D: grabación Digital, mezcla Digital, masterizado Digital.
DAT (Digital Audio Tape)
La cinta DAT es una cinta magnética contenida en un pequeño cartucho
de plástico de la mitad del tamaño que una cinta de casete. La información
digital se imprime en forma de cargas positivas y negativas en el
soporte metálico de la cinta y se lee mediante una cabeza magneto-óptica.
Ofrece una calidad de registro superior a la del CD y una mayor capacidad
de almacenamiento (hasta tres horas de duración), por lo que se ha convertido
en uno de los sistemas más válidos para aplicaciones profesionales
de gran exigencia.
ACTIVIDADES
1. Escucha las dos versiones que te presentamos de la misma audición y
comenta sus principales características atendiendo a los datos que te
facilitamos sobre la grabación.
• Versión 1: grabación realizada en 1903, interpretada por Enrico Caruso.
• Versión 2: grabación realizada en 1980, interpretada por José Carreras.
CD 1

2. Funcionamiento básico de los principales
sistemas de sonido
Como hemos visto, existen dos métodos para la grabación y reproducción
del sonido: el sistema analógico y el sistema digital. Ahora vamos a explicar
de manera resumida algunos aspectos básicos sobre su funcionamiento.
Sistema analógico
El sonido es por su naturaleza una magnitud analógica, es decir, varía
siempre de forma progresiva y constante.
Como ocurre con otros fenómenos de la naturaleza, el sonido puede
medirse cuantitativamente y su señal analógica, sus variaciones en el
tiempo, pueden visualizarse en forma de curva utilizando un osciloscopio.
En los sistemas de grabación y reproducción analógicos la señal de registro
varía continuamente de modo similar o análogo a la señal de la onda sonora.
Sistema digital
El sistema digital se caracteriza por tomar únicamente dos valores o estados,
convirtiendo la señal analógica del sonido en combinaciones de
código binario (unos y ceros) registradas como una secuencia rápida de
medidas separadas.
Para realizar esta tarea, el convertidor analógico/digital tiene que ir tomando
muestras de la señal analógica con una frecuencia determinada que se denomina
frecuencia de muestreo y se mide en kilohertzios (khz). La calidad del
registro será mayor cuanto más alta sea la frecuencia de muestreo.
Los valores tomados en el muestreo se redondean para poder trabajar con
un único valor y se traducen a un código binario o digital mediante el proceso
de codificación. Cada uno de los dos valores (cero o uno) se denomina
bit y se corresponde con dos niveles de tensión (0V y 5V).
La precisión del muestreo también depende del número de bits con los
que se trabaje. Un código de 3 bits, permite distinguir 8 combinaciones
posibles (2 3 ). El CD trabaja con códigos de 16 bits, lo que posibilita
65.536 combinaciones distintas (2 16 ).
La sucesión de códigos de cada muestra genera la información digital del
sonido. Observa la siguiente gráfica:
7
6
5
4
3
2
1
voltios
0
0 1
Conversión digital de una señal analógica
con 3 bits y fm = 1 Khz (1.000 muestras por segundo)
2 3 4 5 6
7 8 9 10
milisegundos
1 · Música y Tecnología 15
Tiempo
0 ms
1 ms
2 ms
3 ms
4 ms
5 ms
6 ms
7 ms
8 ms
9 ms
10 ms
Osciloscopio
El osciloscopio transforma las vibraciones
de las ondas sonoras en impulsos
eléctricos para mostrarlos de forma
gráfica en la pantalla.
Frecuencia de muestreo
El CD permite una frecuencia de muestreo
de 44,1 kHz (44.100 muestras por
segundo).
La cinta DAT alcanza una frecuencia de
muestreo de 96 kHz (96.000 muestras
por segundo).
Muestra
0 vol
2 vol
4 vol
6 vol
7 vol
5 vol
3 vol
2 vol
4 vol
3 vol
1 vol
Codificación
000
010
100
110
111
101
011
010
100
011
001
Y

16 Música Y
a Edison y su fonógrafo.
2.1. Sistemas de sonido analógicos
a. Grabación y reproducción mecánica
El tratamiento analógico del sonido permitirá la aparición de los primeros sistemas
de grabación y reproducción mecánica que utilizarán el propio impulso
de la onda sonora para grabar su vibración en un material de registro.
Necesitaban de un gran pabellón o diafragma para potenciar la vibración
del sonido, tanto en su proceso de grabación como en el de reproducción.
El diafragma iba unido a un pequeño punzón o estilete que imprimía las
vibraciones sobre el soporte durante el proceso de grabación o recorría las
oscilaciones del surco para leerlas en el proceso de reproducción.
Como hemos visto, la grabación y reproducción mecánica del sonido fue
utilizada por los primeros sistemas, pioneros en la historia de la fonografía:
el fonógrafo y el gramófono.
a Berliner y su gramófono.
b. Grabación y reproducción eléctrica
La introducción del uso de la electricidad aplicado a la grabación y reproducción
del sonido facilitará el gran desarrollo de los sistemas de audio
hasta llegar a las técnicas actuales.
En los sistemas analógicos de grabación y reproducción eléctrica, las
ondas sonoras se registran de manera análoga en forma de oscilaciones de
tensión eléctrica.
Entre los principales componentes del sistema eléctrico de audio destacan
los llamados transductores, unos dispositivos capaces de transformar las
ondas sonoras en señales eléctricas (micrófonos) o viceversa (altavoces),
y los amplificadores.

c. Funcionamiento de los componentes del sistema eléctrico
El micrófono es un transductor que recoge los sonidos de su entorno y los
convierte en señales eléctricas.
Ondas
sonoras
a La presión de la onda sonora actúa sobre el diafragma del micrófono provocando un movimiento
vibratorio que se transforma en variaciones de corriente en un circuito eléctrico.
El altavoz es un transductor que recibe las señales eléctricas y las convierte
en ondas sonoras.
Señal
eléctrica
a La señal acústica se produce en un material ligero (un cono delgado y rígido o un diafragma) que vibra
al ritmo de la señal de entrada, transmitiendo ese movimiento al aire que lo rodea.
El amplificador se encarga de amplificar o potenciar las señales eléctricas
que recibe de una fuente de sonido para que puedan ser audibles a través
de un altavoz o de unos auriculares.
Los amplificadores se componen de dos partes principales, unidas en un
solo aparato, que realizan dos funciones distintas:
• El preamplificador: selecciona la fuente de entrada (micrófono, plato,
casete, etc.), realiza el control de ecualización (nivel de graves y agudos),
el control de balance (canal derecho e izquierdo) y el nivel de
volumen que determinará la potencia final en el altavoz.
• El amplificador de potencia: recibe la entrada del preamplificador y la
aumenta hasta el nivel necesario para excitar el altavoz.
Fuentes de entrada
Selección
y controles
Micrófono
Señal
eléctrica
Amplificador
Altavoz
Potencia
En los principales sistemas analógicos de grabación y reproducción eléctrica
destacan el tocadiscos, utilizado especialmente para la reproducción del
sonido, y la cinta magnética, con el magnetófono de uso profesional y la
casete, de gran difusión en grabaciones y reproducciones de uso doméstico.
1 · Música y Tecnología 17
Señal eléctrica
Señal eléctrica
amplificada
Ondas
sonoras
Ondas
sonoras
Altavoz
Y

18 Música Y
Agujas de lujo
La aguja lectora de un tocadiscos se
construye en materiales de máxima
dureza como el diamante o el zafiro
para evitar el desgaste del rozamiento
durante el recorrido del surco.
a Detalle de una aguja de tocadiscos.
Cabezas magnéticas
La mayoría de los equipos utiliza dos
cabezas magnéticas. Una para grabar y
reproducir, y otra para borrar. La cabeza
de borrado graba un sonido de alta
frecuencia (inaudible), dejando las partículas
magnéticas de la cinta ordenadas
y dispuestas para la grabación real.
Magnetófono
El tocadiscos o giradiscos es un sistema analógico de registro electromecánico
que utiliza como soporte un disco liso fabricado en vinilo, en el que se
imprime el sonido en forma de oscilaciones a lo largo de los distintos surcos.
Está compuesto por un plato giratorio sobre el que descansa el disco y un
brazo articulado en cuyo extremo se sitúa el cabezal de lectura. Un
pequeño motor eléctrico permite el movimiento giratorio del plato a una
velocidad constante de 33 ó 45 r.p.m.
El brazo articulado se encarga de colocar la aguja lectora en los surcos del
disco. La cápsula fonocaptora recoge las vibraciones de la aguja y las traduce
en señales eléctricas que serán enviadas al amplificador y después a
la salida de los altavoces o auriculares.
La cápsula fonocaptora está provista de un
imán adherido a la aguja.
El imán está rodeado por dos bobinas fijas
(una para cada canal).
Cuando las paredes del surco hacen vibrar
la aguja, el imán también vibra y produce
las señales eléctricas en las bobinas.
El magnetófono, y su versión popular de casete, es un sistema analógico
de registro electromagnético que utiliza como soporte una cinta de plástico
revestida de polvo ferromagnético.
Está compuesto por dos bobinas o carretes sobre los que se enrolla la cinta,
desplazándose de una bobina a otra gracias a la acción de un pequeño motor.
En medio de las dos bobinas o carretes, la cinta pasa por unas cabezas magnéticas
constituidas por electroimanes que convierten la señal eléctrica en
una serie de partículas magnéticas ordenadas sobre la cinta durante el proceso
de grabación o transforman el campo magnético de la cinta en una
señal eléctrica durante el proceso de reproducción.
La cinta se enrolla en un carrete grande
y abierto que permite duraciones más largas.
Se utilizan anchos de cinta de 2,5 cm
con capacidad para 8 pistas y de 5 cm
para 16, 24 ó 32 pistas.
La velocidad de desplazamiento de la cinta
es de 19 ó 38 cm/s, lo que proporciona una
gran calidad de registro
Durante la grabación, las señales eléctricas recogidas por el cabezal
de grabación crean campos magnéticos que imantan las partículas
de la cinta.
Durante la reproducción, las partículas magnéticas de la cinta
producen una señal eléctrica en el cabezal de reproducción que será
enviada al amplificador y después a los altavoces
PP P OWER OWER OW E R
Stereo Stereo Stereo Cassette Cassette Cassette
Izquierdo A
Derecho A
Izquierdo B
Derecho B
99
00
22
OO
11
33
11
22
44
PP P LL L AY AY AY
REC RREC E C ORD OORD R D
PAUS PAU PAUSS EE
E SS S TT T OO O PP
P RR R EE E WW
W FF F FF
F
Casete
LEF LLEF E F TT
T
RR R II I GG G HH H TT
T
11
00 11
11
00 11
22
22
22
22
33
33
44
44
-5 -5 - 5
-5 -5 - 5
Cinta
Guía
RECORD RECORD RECORD LEVEL LEVEL LEVEL L L L RR
R
TAPE TA TAPE P E SSELECT SELECT E L E C T
NN N OO O RR R MM M AA A LL
L
C C C OO
O
r r r 22
2
MM M EE E TA TA TA LL
L
Cabezal
Cabezal borrado
Detalle de la cápsula
fonocaptora y aguja
La cinta se enrolla en un carrete
pequeño protegido por una
carcasa de plástico. Tiene un
ancho de 3,8 mm con capacidad
para 4 pistas estéreo (dos para
cada cara) y se desplaza a una
velocidad de 4,75 cm/s
Sentido
de arrastre
Sentido
cara A
Sentido
cara B
Cabezal de reproducción
y grabación

2.2. Sistemas de sonido digitales
En la grabación digital, la señal analógica de entrada se amplifica y se
convierte en códigos binarios de unos y ceros que se registran como
impulsos eléctricos de todo o nada.
En la reproducción digital, la información digital se convierte en analógica
para enviarla al amplificador y después a los altavoces.
Señal analógica
Lector
digital
Datos digitales
0100110
Como ya hemos visto, los principales sistemas de audio digital son el
disco compacto (CD) y la cinta digital (DAT).
El disco compacto o CD registra la información digital en forma de
huecos microscópicos grabados sobre su superficie en forma de espiral.
Sobre estos huecos o la ausencia de ellos, se enfoca un rayo láser cuya
reflexión decodifica la información en combinaciones de unos y ceros.
Los huecos se denominan «pits» (pozo) y su lectura se traduce en ceros,
ya que cuando el láser entra en un pit, apenas puede ser reflejado y no
produce señal. Las zonas lisas se denominan «lands» (superficie) y su
lectura se traduce en unos, ya que la reflexión del rayo sobre la superficie
provoca una señal eléctrica.
La cinta DAT almacena la señal sonora como una secuencia de pequeñas
zonas de alto y bajo magnetismo que representan los unos y los ceros de
los códigos binarios.
La grabación y reproducción se realiza mediante un mecanismo magnético
similar al de una cinta de casete.
Para la grabación, el electroimán del cabezal orienta las partículas magnéticas
de la cinta de modo que quedan distribuidas en dos posiciones
distintas correspondientes a los dos valores binarios de unos y ceros.
Para la lectura, el cabezal magnético interpreta las distintas orientaciones
de las partículas reconstruyendo la señal binaria original de unos y ceros.
Grabación de una cinta DAT
Amplificador
Señal amplificada
Convertidor
analógico/digital
Cabeza Campo
magnético
1 · Música y Tecnología 19
Grabación digital de audio
Señal analógica
Convertidor
analógico/digital
Reproducción digital de audio
Amplificador
Datos digitales
0100110
Señal amplificada
Reproducción de una cinta DAT
Cabeza
Grabador
digital
Altavoz
Medidas minúsculas
Los puntos microscópicos de un CD
tienen un ancho de 0,5 µm y la distancia
entre cada espiral del disco es de
1,6 µm. Con estos tamaños, la longitud
lineal de toda la espiral de un CD
llega a alcanzar los 5 km, mucho más
que la espiral de un disco de vinilo que
sólo llega a medir 700 m y con un diámetro
tres veces mayor.
Lectura cero (pit)
Lente
Lectura uno (land)
a Lectura cero y Lectura uno.
Orientación inicial
Orientación final
Lente
Y

20 Música Y
ACTIVIDADES
1. Explica las diferencias entre el sonido analógico y el digital.
2. Rellena el siguiente cuadro indicando las principales características de los sistemas de grabación y reproducción del sonido estudiados.
Fonógrafo
Gramófono
Tocadiscos
Magnetófono
CD
DAT
Tratamiento del sonido Sistema de registro Soporte
3. Enumera y explica los componentes básicos del sistema eléctrico de sonido.
4. Indica verdadero (V) o falso (F) en los siguientes enunciados:
Los instrumentos mecánicos o automáticos son capaces de grabar y reproducir sonidos
por sí solos.
Edison inventó el fonógrafo como una «máquina cantante» para su empleo en la grabación
y reproducción de arias de ópera.
Los sistemas de grabación y reproducción mecánica del sonido emplean el propio impulso
de la onda para registrar su señal.
El gramófono de Berliner introdujo como soporte de sonido el disco liso fabricado
en materiales de ebonita y baquelita.
Las primeras empresas discográficas comenzaron la difusión comercial de sus grabaciones
a mediados del siglo XX.
La introducción de la electricidad para grabar y reproducir sonidos reemplazará
por completo al registro mecánico a partir de 1925.
El tocadiscos es un sistema de grabación y reproducción electromecánica que surge
de la electrificación del gramófono.
La introducción del vinilo para la fabricación del soporte del disco permitirá la aparición
del «multisurco» multiplicando las grabaciones.
El magnetófono es un sistema analógico de registro electromagnético que utiliza como
soporte una cinta de plástico.
La grabación estereofónica surgió en 1977 juntando el sonido en un único canal para
conseguir una sonoridad más potente.
El sistema Dolby reduce el ruido de fondo acentuando las frecuencias altas en la grabación
y reduciéndolas en la reproducción.
La grabación y reproducción digital del sonido nace en la década de 1990 y se realiza
mediante un conversador analógico-digital.
V F

3. Instrumentos electrónicos
Cada época de la historia se ha servido de unos determinados instrumentos
musicales que le han sido característicos y que, con el paso del tiempo, han
ido evolucionando para perfeccionarse o para dejar espacio a otros nuevos.
En nuestros días se conservan y se siguen utilizando la mayoría de esos instrumentos
convencionales, incluso se trabaja en la reproducción de antiguos
instrumentos desaparecidos de la práctica habitual pero, sin duda,
son los instrumentos electrónicos los que definen y protagonizan buena
parte del panorama musical actual.
Consideramos instrumentos electrónicos aquellos en los que el modo de
producción sonora es enteramente electrónico, sin que existan vibraciones
mecánicas previas. El sonido se produce por medio de osciladores que
generan corrientes eléctricas periódicas, y se elabora y amplifica mediante
diferentes dispositivos, también electrónicos.
3.1. Instrumentos pioneros
Los primeros instrumentos electrónicos nacieron en la década de 1920
con la aplicación de los primeros osciladores eléctricos en la producción y
elaboración del sonido. Entre estos instrumentos pioneros cabe destacar el
Theremin, las Ondas Martenot y el Trautonio.
Theremin
Fue inventado en 1920 por el físico soviético Leon Theremin. Produce un
solo sonido cuya altura se controla en función de la proximidad de las
manos del intérprete respecto de una antena recta. Cuando la mano se
acerca a la antena el sonido se hace más agudo, y cuando se aleja, más
grave, abarcando así una extensión de hasta cinco octavas. También ha
recibido el nombre de «Eterófono» porque su particular timbre produce
una música etérea, similar al sonido de una sierra musical.
El Theremin se comercializó en Estados Unidos y alcanzó un notable
éxito al utilizarse en salas de conciertos con acompañamiento orquestal y
en las bandas sonoras de películas para efectos de sonido.
Ondas Martenot
Fueron presentadas en 1928 por el francés Maurice Martenot. Generan un
solo sonido cuya altura se controla desde un teclado y una cinta deslizante
que se maneja con el dedo índice de la mano derecha gracias a un anillo.
El desplazamiento de la cinta permite todas las posibilidades de glissando
en una extensión de siete octavas. También disponen de circuitos adicionales
para obtener cambios de timbre y un control de volumen enormemente
sensible, desde el sonido más imperceptible al fortísimo.
Trautonio
Fue presentado al público en 1930 por el alemán Friedrich Trautwein.
Mediante un generador eléctrico y la utilización de distintos filtros, consigue
una enorme variedad de timbres, algunos similares a la sonoridad de
la voz humana. La altura se controla variando el punto de presión de un
alambre contra una barra metálica.
1 · Música y Tecnología 21
Electrófonos
Dentro de los instrumentos electrófonos
(que utilizan la electricidad) tenemos
que diferenciar los instrumentos
electrónicos de los llamados instrumentos
eléctricos o electromecánicos,
que son instrumentos convencionales
a los que se añaden micrófonos y controles
de sonido que transforman la vibración
mecánica previa en oscilaciones
eléctricas.
a Leon Theremin (1896-1993).
a Maurice Martenot (1898-1980).
Y

22 Música Y
Bach «enchufado»
El éxito del sintetizador se debió en
gran medida al lanzamiento en 1969
del disco de Wendy Carlos titulado
Switched-on-Bach, con la versión electrónica
de algunas de las obras instrumentales
más conocidas de J. S. Bach.
La crítica aceptó el sintetizador como
un instrumento «serio» ya que era capaz
de interpretar a Bach.
a Estudio de Wendy Carlos, 1968.
3.2. Instrumentos actuales
El camino abierto por los pioneros en la investigación de nuevos sonidos
y nuevos instrumentos mediante el uso de la electrónica, facilitó pocos
años más tarde la invención de otros instrumentos ampliamente difundidos
en la actualidad.
Órgano electrónico
Fue inventado por el norteamericano Laurens Hammond en 1934 intentando
emular la variedad de timbres y la amplitud de registro del órgano
convencional. Como en todos los instrumentos electrónicos, el sonido se
genera y modifica mediante la utilización de osciladores, circuitos y filtros.
Después de amplifica y se transmite por medio de altavoces.
Su aspecto exterior es muy similar al de una consola de órgano con uno o
dos teclados manuales y un pedalero de registro grave que, en los modelos
portátiles, se sustituye por las teclas situadas a la izquierda. Posee también un
pedal de volumen que regula el funcionamiento de los altavoces y distintos
botones de control que facilitan la selección de registros y accionan diferentes
efectos sonoros de reverberación, «wah-wah», vibrato o glissando.
Sintetizador
Es el más complejo y completo de los instrumentos electrónicos cuya
denominación responde a su capacidad de realizar «síntesis» de sonidos,
es decir, crear ondas complejas correspondientes a sonidos ya existentes o
nuevos mediante la superposición o adición de ondas simples. En realidad,
no se puede considerar como un instrumento propiamente dicho sino
como un conjunto de elementos electrónicos que permiten la elaboración,
manipulación y proyección del sonido.
Reúne en una misma consola los distintos componentes electrónicos
(osciladores, amplificadores, generadores, filtros, efectos, etc.) de forma
que pueden combinarse y controlarse mediante un único control de voltaje,
normalmente en forma de teclado. Esta unidad integrada se convierte
así en un auténtico laboratorio musical capaz de generar y trabajar
artificialmente sonidos puramente electrónicos.
El primer sintetizador fue el llamado RCA, desarrollado en 1955 por Obsen
y Belar en la Radio Corporation of America de Princenton y destinado a la
investigación de las propiedades del sonido. Era un sintetizador muy grande
y pesado que requería de la participación de varias personas para su manejo
y fue utilizado en principio por compositores experimentales.
El primer sintetizador comercial, por su reducido tamaño y su sencillez de
manejo, apareció en 1965 gracias a las aportaciones del ingeniero y músico
norteamericano Robert Moog. El conocido como sintetizador Moog es un
aparato integrado por varios módulos independientes controlados por tensión
que permiten combinar de forma libre diversos instrumentos.
Gracias a las aportaciones de Moog y al lanzamiento comercial en 1970 del
Minimoog como el primer sintetizador portátil, este instrumento se introdujo
en el mundo del pop, convirtiéndose desde entonces en el protagonista de
buena parte de la música popular actual y dando lugar al nacimiento de nuevos
estilos musicales basados en la utilización de instrumentos electrónicos.

Batería electrónica
Es una variante del sintetizador que produce el sonido al golpear con una
baqueta determinados sensores. Está constituida por piezas planas, de escaso
grosor y con diversas formas, que producen una gran variedad de sonidos.
Frente a las tradicionales y voluminosas baterías acústicas, integradas por
multitud de elementos que requieren de una gran número de micrófonos
para su amplificación, la batería electrónica posee un reducido tamaño,
con pocos elementos, y no necesita micrófonos para su amplificación. Estas
ventajas han hecho que la batería electrónica haya sustituido a la tradicional
batería acústica en gran parte de los grupos pop y rock actuales.
Caja de ritmos
Puede considerarse como una evolución de la batería electrónica. Apareció
inicialmente como un complemento de los órganos electrónicos que
facilitaba, accionando distintos controles, diversos tipos de ritmos a modo
de acompañamiento.
En la actualidad, las cajas de ritmos, en forma de caja de reducidas dimensiones
y capaces de reproducir sin necesidad de intérprete todo tipo de ritmos,
se utilizan como un elemento imprescindible en muchos grupos de
pop y, especialmente, en la música disco.
Secuenciador
Es un aparato que permite almacenar y después reproducir una determinada
secuencia de datos. De esta forma es capaz de controlar diversos instrumentos
electrónicos para hacerles tocar de forma simultánea, según las
instrucciones que se hayan registrado.
El secuenciador realiza las funciones de una especie de «hombre
orquesta», facilitando la grabación y mezcla de varias pistas para elaborar
un producto final perfecto.
La excesiva perfección del secuenciador, interpretando de forma exacta
las instrucciones programadas para hacer sonar distintos instrumentos, ha
llevado a la introducción de factores aleatorios de error que puedan producir
interpretaciones más «reales» y menos monótonas.
Sampler
También llamado Emulador, es capaz de imitar cualquier sonido preexistente.
Se basa en la técnica de muestreo (sampling) digital del sonido para grabar
cualquier sonido de la naturaleza y, una vez convertido en una serie de códigos
binarios, hacerlo sonar modificando cualquiera de sus características.
Se puede modificar la altura del sonido mediante el desplazamiento de
tono (pitch shifting) que reproduce con mayor o menor rapidez las muestras,
se puede modificar la velocidad, la intensidad, y se puede modificar
el timbre haciendo que el sonido inicial se convierta en otro distinto.
Aunque en un primer momento, la cualidad más apreciable de los nuevos
instrumentos electrónicos fue su capacidad para imitar todo tipo de sonidos
sustituyendo a los instrumentos acústicos convencionales, su principal
contribución se desarrollará en el terreno de la composición musical.
1 · Música y Tecnología 23
a El efecto de palmadas que oímos acompañando
la grabación de muchos temas comerciales,
se realiza mediante una caja de ritmos.
a Los efectos de sonidos de animales perfectamente
afinados entonando una canción, se
realizan con un sampler.
Y

24 Música Y
INSTRUMENTOS UTILIZADOS EN EL DVD
THEREMIN: MOOG ETHERWAVE THEREMIN
Inventado por Leon Theremin en 1920 y posteriormente
fabricado por muchos otros. Este modelo en concreto fue
diseñado por Bob Moog. Fue el primer instrumento musical
electrónico.
Es un instrumento generador de tonos que vienen dados
por la proximidad de una mano (derecha)
con respecto a una antena recta
(afinación) y controlando con la
izquierda el volumen. Tiene
controles rotatorios para el
pitch (afinación), el volumen,
las formas de onda y el
brillo. Puede llegar a un
rango acústico de 5 octavas.
TECLADO CONTROLADOR: ROLAND AX 7
Este teclado de Roland es un controlador midi. No dispone de sonidos
por lo que se utiliza acompañado de un módulo. Es un Keytar (tecladoguitarra),
se usa con bandolera y es ideal para utilizarse en directo. Consta
de 45 teclas, tiene D-Beam (sensor óptico), puede funcionar con pilas,
incluye controles para la manipulación del tono, barra de expresión y un
control de sustain (Hold).
SINTETIZADORES
YAMAHA S90 ES
El Yamaha S90 ES está considerado sintetizador y piano de escenario a la vez, ya que tiene 88
teclas contrapesadas, con la misma pulsación del piano. Ofrece magníficos sonidos, sobre todo
convencionales, entre los que destacan los pianos acústicos y sus efectos. Tiene una polifonía
de 128 voces, un poderoso motor de síntesis y un potente arpegiador. Contiene más de 500
sonidos, 65 kits de batería y 250 memorias para que el usuario pueda guardar sus parámetros.
Se puede conectar a través de puerto USB y se puede ampliar con tarjetas opcionales.
ROLAND V SYNTH
Es un sintetizador futurista, contando con versiones en teclado y en rack.
Los sonidos suelen ser muy vanguardistas, ya que están diseñados por músicos y productores
de prestigio. La pantalla es táctil y se puede programar todo de una forma bastante
intuitiva. Además dispone de entradas de audio que permiten procesar señales de audio
externas. Puede ser ampliado mediante tarjetas como la VC-1 que nos permite tener instrumentos
totalmente diferentes y la VC-2 que es una unidad espectacular de procesado vocal
y uso del vocoder o robotizado de voz. Contiene arpegiadores y efectos muy innovadores,
la posibilidad de manejar efectos en tiempo real y el D-Beam que permite controlar por
infrarrojos el aparato mediante el movimiento de la mano o del cuerpo.
DVD
1
TECHNICS EX 50:
Tras la invención del órgano Hammond por Laurens
Hammond para intentar emular la variedad de timbres del
órgano convencional surgieron multitud de fabricantes
como Viscount, Farfisa o Technics. En concreto este modelo
es de mediados de los 80, tiene dos teclados y pedalera
de bajo con registros de flautas, piano, guitarra y varios
instrumentos convencionales (algunos muy poco logrados).
Lleva incorporado Midi y caja de ritmos.
MÓDULO DE SONIDOS: KORG TRITÓN
El Kork Tritón es un sintetizador-sampler, que vamos a utilizar en este caso en formato rack.
Tiene 62 voces de polifonía, reproduce midi-files, arpegiador polifónico, secuenciador de
patrones a tiempo real, 8 efectos simultáneos, 32 formas de onda, memoria de 16 megas
de sampler ampliable a 96, ranuras para expansión de tarjetas y disquetera de 3,5’. Se
puede instalar también un dispositivo externo SCSI (conector) para poder cargar sonidos de
CDs, archivos Wav, etc.

SAMPLERS
CAJA DE RITMOS
ROLAND MC - 303 GROOVEBOX
Caja de ritmos que combina sonidos, acordes, bajos, baterías, arpegiadores,
patrones. Tiene un mini-teclado, pero puede conectarse a
un teclado más amplio vía midi.
Girando los potenciómetros (botones) puedes cambiar totalmente el
sonido original modificando filtros, resonancias y envolventes.
BATERÍA ELECTRÓNICA
YAMAHA DTX PRESS 4
Produce los sonidos al golpear con una baqueta determinados sensores
(estos son piezas de goma planas y estrechas que pueden adoptar
formas muy diversas) y que conectadas a un módulo midi logran gran
variedad de sonidos, no limitándose a los sonidos clásicos de batería
y percusión, sino renovando timbres con la incorporación de instrumentos
étnicos, o de cualquier otro tipo. Su gran ventaja es que no
necesita micrófonos para su amplificación, ya que todo va por línea
hacia la mesa de mezclas o hacia unas cajas acústicas.
1 · Música y Tecnología 25
ENSONIQ ASR - 10
El Ensoniq ASR 10 es un sampler fabricado a comienzos de los 90. Samplea a
16 bit y fue presentado al mercado en rack y en teclado. Es un equipo de
producción musical digital completo que consta de sonidos (que vas cargando
mediante disketera o un dispositivo SCSI), una placa de efectos muy potente y
un secuenciador de 16 pistas. Estaba preparado para grabar dos pistas de audio
susceptibles de ser integradas en el secuenciador.
KURZWEIL K - 2600 XS
Sintetizador y sampler a la vez, está considerado uno de los instrumentos más
prestigiosos de la actualidad. Construido por el ingeniero alemán del mismo
apellido. Consta de 88 teclas contrapesadas, potentísimos algoritmos de efectos,
48 notas de polifonía con 192 osciladores, V.A.S.T (síntesis de arquitectura
variable), sampler, cientos de programas de sonidos, secuenciador de 32 pistas,
16 canales midi, modo KB - 3 Drawbar (que imita un órgano Hammond con sus
correspondientes tiradores), barra de glissando (parecido musicalmente a la
cinta deslizante de las ondas Martenot), etc. Para cargar sonidos en el sampler
lo hace por medio de un disco duro interno y también, mediante conexión SCSI,
a través de un disco duro externo o de una unidad de CD externa.
CAJA DE RITMOS
ROLAND MC - 303 GROOVEBOX
Es un pad o conjunto de instrumentos de percusión con 8 sensores de
goma sensibles a la fuerza del golpe y que consta de más de 700 sonidos.
Se incluyen tanto sonidos de baterías acústicas y analógicas, como
sonidos étnicos japoneses, australianos, orientales, indios, sudamericanos
y africanos. Lleva midi y contiene efectos incorporados.
Y

26 Música Y
a «El medio electrónico, antes tildado de
degradación mecánica de la música, posibilita
una improvisación compositiva controlada con
mucha más facilidad que el medio del sonido
real, puesto que el compositor puede moldear
el material sonoro al mismo tiempo que lo está
creando».
Ernst Krenek (1900-1991).
a Pierre Schaeffer (1910-1995).
4. Música electrónica
La aplicación de la electrónica al terreno musical ha motivado a muchos
compositores a investigar y crear nuevos sonidos con los nuevos recursos
a su alcance, desde los diferentes sistemas de grabación y reproducción del
sonido a los instrumentos electrónicos más modernos.
La introducción de la electrónica no sólo ha influido en la composición
musical, en un nuevo concepto de creación, sino que ha modificado por
completo el hecho de la interpretación.
La música ya no se recrea en un escenario con decenas de músicos
interpretando una partitura sino que se presenta al público como una
composición cerrada, elaborada total o parcialmente en un laboratorio,
sin necesidad de intérpretes.
De esta forma, el escenario musical se traslada de las salas de conciertos
a los laboratorios de sonido, integrados por todo tipo de aparatos
para la creación, manipulación y grabación del sonido.
Dentro de lo que podemos entender en general como música electrónica
porque implica la utilización de medios electrónicos, tenemos que
distinguir diferentes géneros nacidos en distintas etapas de desarrollo,
que se definen por los diversos grados de uso que se hacen de los medios
electrónicos.
4.1. Música concreta
Es la corriente pionera en la introducción de los medios electrónicos en la
música. Utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad, y por tanto,
producido por objetos «concretos». Estos sonidos recogidos del mundo
real se graban en cintas magnetofónicas para después reelaborarlos en un
laboratorio.
Los sonidos «concretos» grabados se reelaboran mediante dos procedimientos
básicos: la manipulación de la cinta magnetofónica y la modificación
electrónica, de manera que el sonido original llega a hacerse
irreconocible para constituir así un nuevo material sonoro.
La manipulación de la cinta puede realizarse cambiando la velocidad de la
reproducción, invirtiendo la dirección para que se oiga del final al principio,
cortando el ataque de los sonidos, mezclando cintas o muestras distintas,
etc.
La modificación electrónica se realiza filtrando las frecuencias para modificar
la altura o los timbres y aplicando diversos efectos de reverberación.
En la música concreta ya no hay partituras y el papel del intérprete es sustituido
por la cinta magnetofónica, en la que el compositor presenta su
trabajo de forma definitiva y objetiva.
Los principales representantes de la música concreta son Pierre Schaeffer
(1910-1995) que expuso sus teorías en el Tratado de los objetos musicales, y
Pierre Henry (1927) con sus obras Sinfonía para un hombre solo y Variaciones
para una puerta y un suspiro.

4.2. Música electrónica
Es la producida completamente en laboratorio. Los sonidos se crean, procesan
y graban electrónicamente.
Hasta la aparición del sintetizador, la creación del sonido se realizaba por
medio de generadores eléctricos que producían todo tipo de ondas cuya
combinación daba lugar a una gran variedad de sonidos. El proceso de grabación
era tan laborioso, que la composición de unos pocos minutos de
música podía llevar semanas de trabajo. Cada sonido tenía que ser grabado
de forma separada en la cinta, cortado en función de su duración y colocado
en el tiempo preciso. Las diferentes piezas se empalmaban después
para formar la secuencia deseada.
El proceso de manipulación del sonido se realizaba por procedimientos
similares a los utilizados en la música concreta: magnetófonos de velocidad
variable, filtros de sonido, supresores dinámicos para eliminar determinadas
señales, etc.
La aparición del sintetizador permitió la composición en tiempo real, ya
que desde el control del teclado podía producirse la secuencia de alturas y
duraciones deseadas de la misma manera que cuando se toca un piano.
Uno de los compositores más representativos de esta corriente es Karlheinz
Stockhausen (1928-2007), que realizó las primeras grabaciones de música
electrónica en la radio de Colonia con sus obras Estudio I y Estudio II.
4.3. Música electroacústica
Es la unión de la música concreta con la música electrónica combinando en
una sola obra ambos procedimientos: los sonidos naturales grabados y manipulados
de la música concreta, con los sonidos puramente electrónicos.
La primera obra que empleó los dos procedimientos a la vez fue El canto
de los adolescentes (1956) de Stockhausen, en la que se combinan materiales
generados por osciladores eléctricos y voces humanas grabadas y
manipuladas en cinta de diversas formas.
La música electroacústica se ha convertido en uno de los procedimientos
más empleados por casi todos los compositores contemporáneos. Entre
ellos destacan, además de Stockhausen, Bruno Maderna (1920-1973) con
Continue, Luciano Berio (1925) con Momenti, y también compositores
españoles como Luis de Pablo (1930) con Mitología.
4.4. Electrónica en vivo
La música electrónica en vivo (Live electronic music) nace de la necesidad
de recuperar el espacio de la interpretación musical en directo, perdido
con la composición electrónica. Son obras que reúnen la interpretación
en vivo de voces o instrumentos convencionales con la música grabada
compuesta en laboratorio.
Entre los principales representantes destacan Edgard Varèse (1883-1965)
con Déserts para viento, percusión y cinta, Luciano Berio con Differences
para grupo de cámara y cinta, Stockhausen con Kontakte para piano, percusión
y cinta, y Milton Babbitt (1916) con Philomel para soprano y cinta.
1 · Música y Tecnología 27
a Fotografía de uno de los estudios del
CPEMC. El CPEMC (Columbia-Princeton Electronic
Music Center) patrocinó el primer
concierto público de música electrónica en
1961. Disponía de un equipadísimo estudio
de grabación en cinta para la composición
electrónica.
Music for tapes
La denominación «music for tapes»
(música para cintas) se aplica en general
a todas las composiciones de música
electroacústica, ya que están ligadas
al empleo de cintas magnetofónicas.
a Luciano Berio (1925-2003).
Y

28 Música Y
d
d
Edgard Varèse
(1883-1965). Compositor francés,
emigró a Nueva York en 1915 y se nacionalizó
estadounidense. Interesado
por los radicales cambios de la música
moderna y ayudado por su formación
científica como ingeniero, se convertirá
en uno de los pioneros de la música
contemporánea.
Introdujo los nuevos instrumentos
electrónicos en la orquesta y la utilización
de cintas magnetofónicas junto
con intérpretes en directo.
Karlheinz Stockhausen
(1928-2007). Compositor alemán y uno
de los músicos más influyentes en las
vanguardias de la segunda mitad del siglo
XX. Su vocación experimental le ha
hecho protagonista de las principales corrientes
contemporáneas destacando su
aportación en la música electrónica.
En 1953 fundó el Estudio de música
electrónica de la Radio de Colonia e
inició sus clases en Darmstadt, ejerciendo
una gran influencia sobre numerosos
compositores, también en el
ámbito de la música popular.
1. Escucha los tres fragmentos musicales que te proponemos:
• Edgard Varèse. Ecuatorial
ACTIVIDADES
Es una obra compuesta en 1934 para una agrupación integrada por instrumentos
de viento metal, piano, órgano, dos ondas martenot, percusión y voz
de bajo.
– ¿Cuáles son los instrumentos que distingues?
– Enuméralos según su orden de intervención.
• Karlheinz Stockhausen. El canto de los adolescentes
Es una obra compuesta en 1956 combinando los sonidos concretos de la
grabación del canto de un niño con sonidos puramente electrónicos donde
aparecen distintos tipos de ondas, ruidos filtrados, efectos de reverberación,
etc. Además de estos efectos electrónicos, la audición original de la obra está
concebida para cinco altavoces de manera que la rotación del sonido provoque
una sensación de movimiento espacial.
– Describe los sonidos que escuchas diferenciando sus diversos grados de
manipulación.
– ¿Qué pasajes resultan más «artificiales»?
• Wendy Carlos. Concierto de Brandemburgo nº 4 en Sol M. de J. S. Bach
Es una de las adaptaciones para sintetizador realizadas por Wendy Carlos en
1969 sobre la música instrumental de Johann Sebastian Bach.
– ¿Qué instrumentos crees que está «imitando» el sintetizador?
– ¿Qué contrastes tímbricos aprecias?
CD 2
2. Realiza una valoración personal de cada uno de los tres fragmentos escuchados
argumentando tu opinión.
3. Comenta el siguiente texto del compositor norteamericano John Cage sobre el
futuro de la música:
Donde quiera que estemos, lo que escuchamos es, en su mayor parte, ruido.
Cuando lo ignoramos, nos perturba. Cuando lo escuchamos, lo encontramos
fascinante. Queremos capturar y controlar esos sonidos para usarlos no como
efectos de sonidos, sino como instrumentos musicales (...)
La mayoría de los inventores de instrumentos musicales eléctricos intentaron
imitar a los instrumentos de los siglos XVIII y XIX, de la misma manera que los diseñadores
de automóviles copiaron el carruaje.
El Theremin se intenta hacer sonar como un instrumento viejo, dándole un vibrato
enfermante y ejecutando con él, con dificultad, obras maestras del pasado.
Aunque el instrumento es capaz de generar una amplia variedad de cualidades
sonoras, los thereministas actúan como censores, dándole al público el sonido
que ellos piensan que les va a gustar. Estamos «resguardados» de las nuevas
experiencias sonoras posibles.
La propiedad particular de los instrumentos electrónicos será permitir un control
completo de la estructura de sobretonos y permitir producir estas estructuras en
cualquier frecuencia, amplitud y duración.
Los instrumentos electrónicos harán disponibles, para propósitos musicales, todos
los sonidos que puedan ser escuchados.
John Cage (1912-1992)

5. Informática musical
En la actualidad, los ordenadores se han convertido en la herramienta más
importante para la composición de música electrónica, ya que permiten
reunir en un solo elemento, cada vez más sencillo y asequible, la utilización
de todas las aplicaciones e instrumentos de la electrónica, haciendo del
ordenador un completo laboratorio de sonido.
Pero los ordenadores no sólo facilitan la generación, grabación y manipulación
digital del sonido, sino que permiten almacenar todo la información
relativa a sus estructuras y modos de producción.
Realizan la síntesis del sonido, proporcionan la especificación de sus parámetros
de forma digital, convierten la señal digital en sonido electrónico
mediante un convertidor digital/analógico, crean sus propios sonidos digitales
y transforman sonidos naturales pregrabados, sirven como elementos
de control de diversos equipos, pueden programarse para calcular combinaciones
de sonidos e incluso piezas enteras, etc. Las posibilidades que
brinda la informática musical parecen infinitas.
5.1. Funcionamiento y componentes del ordenador
El ordenador es una máquina capaz de realizar con una extraordinaria
velocidad todo tipo de operaciones aritméticas y lógicas. Los datos con los
que trabaja un ordenador son códigos binarios, lo que le otorga sus dos
principales ventajas: permite almacenar mucha información ocupando
muy poco espacio y facilita acceder a ella de forma inmediata.
Los soportes de información más habituales son:
• El disco duro (hard disc): almacena casi toda la información que maneja el
ordenador pero, al estar alojado en la carcasa, no es transportable. Su capacidad
de almacenamiento aumenta constantemente alcanzando cientos de
gigabytes (Gb). Existen también discos duros externos que se conectan a un
puerto USB y permiten intercambiar la información entre distintos equipos.
• Los discos flexibles o disquetes (floppy disc) de 3,5 pulgadas: son disquetes
magnéticos que permiten una capacidad de 1,44 megabytes (Mb).
• Los discos ópticos (tipo CD): que permiten almacenar desde 700 Mb
(CD-ROM) hasta 17 Gb (DVD-ROM).
• La memoria flash: es un dispositivo pequeño de memoria externa que se
conecta al puerto USB y permite capacidades de almacenamiento cada
vez mayores, desde cientos de Mb hasta varios Gb.
El tratamiento automático de la información precisa de:
• Dispositivos de entrada que recojan la información.
• Líneas de transmisión para emitir esas informaciones.
• Almacenamiento de la información en memorias.
• Tratamiento de esa información.
• Dispositivos de salida para devolver esa información al usuario.
Estas funciones se realizan a través de los dos componentes esenciales del
ordenador: el hardware y el software.
1 · Música y Tecnología 29
Inicios
de la Informática
La difusión de la informática comenzó
en 1980 con la llegada al mercado del
primer ordenador personal, introducido
por la compañía estadounidense IBM.
Unidades
de información
La unidad mínima de información digital
(1 ó 0) se llama bit.
La unidad básica de almacenamiento es
el byte, formado por 8 bits.
Los distintos múltiplos del byte establecen
las distintas capacidades de almacenamiento
de la información:
• 8 bits = 1 byte
• 1.024 bytes = 1 kilobyte
• 1.024 kilobytes = 1 megabyte
• 1.024 megabytes = 1 gigabyte
Y

30 Música Y
PERIFÉRICOS
DE ENTRADA
Ratón
Micrófono
Escáner
Teclado
Discos
Tipos de memoria
Los ordenadores utilizan dos tipos de
memoria:
a) ROM (Read Only Memory) para almacenar
programas o datos fijos,
no modificables, como el encendido
o la configuración. Es la memoria
de lectura, no volátil.
b)RAM (Random Acess Memory)
que permite introducir o borrar
datos para ejecutar las distintas
aplicaciones. Es la memoria de acceso
aleatorio, de tipo volátil.
PERIFÉRICOS
DE ENTRADA / SALIDA
Llave
USB
Hardware
Son los elementos físicos («duros»), visibles u ocultos, que forman parte
material del sistema. El hardware más habitual se compone de:
a) La CPU (Unidad Central de Proceso): es el centro neurálgico que controla
todo el ordenador. Almacena y transmite los datos, y ejecuta las
instrucciones de los programas. Comprende:
• la Memoria Central
• la Unidad de Control
• la Unidad Aritmético-Lógica
b)Los periféricos: conectan la CPU con el usuario y con otros equipos.
Dependiendo de su función, distinguimos:
Pantalla
táctil
CPU
• Periféricos de entrada (teclado,
ratón, escáner, micrófono), que
proporcionan los datos al ordenador.
• Periféricos de salida (pantalla,
impresora, altavoces), que suministran
la información al usuario.
• Periféricos de entrada/salida (unidades
de disco, memorias externas,
módem, pantalla táctil) que,
dependiendo de su uso, introducen
datos en el ordenador o se los facilitan
al usuario.
Todos los elementos físicos del hardware están compuestos por la agrupación
de otros elementos no visibles como las tarjetas, con los circuitos
electrónicos y los microchips, que permiten interconectar millones de
diminutos componentes.
El enlace de la CPU con los distintos periféricos se realiza mediante la
conexión o el «interfaz» de entradas y salidas.
Software
PERIFÉRICOS
DE SALIDA
Impresora
Monitor
Altavoces
Son los elementos lógicos («blandos») constituidos por el conjunto de
programas o instrucciones que necesita el ordenador para poder realizar y
coordinar sus operaciones.
Existen dos tipos fundamentales de software
a) El software de base: comprende el conjunto de lenguajes y programas
que constituyen el sistema operativo del ordenador.
b)El software de aplicación: programas destinados a la realización de
determinadas tareas permitiendo al usuario el control y manipulación
de la información. Los programas más habituales son los de tratamiento
de textos, dibujo, cálculo, comunicaciones, bases de datos,
sonido, etc.

5.2. Aplicaciones de la informática musical
La aplicación de la informática al terreno musical ha propiciado la creación
de diferentes dispositivos capaces de controlar, transmitir e interpretar
la información digital del sonido.
El MIDI
Es un sistema universal de comunicación digital que surgió de la aplicación
de la informática al control de instrumentos electrónicos.
Antes de la llegada del MIDI, cada fabricante utilizaba un microprocesador
diferente para cada instrumento, lo que hacía imposible que esos instrumentos
pudieran conectarse y comunicarse entre sí.
En 1983 diversos fabricantes de sintetizadores se pusieron de acuerdo en
la creación de un Interfaz Digital para Instrumentos Musicales, el MIDI
(Musical Instrument Digital Interface), que permitiera la comunicación
entre todo tipo de instrumentos electrónicos.
El MIDI es un interfaz digital que transmite los mensajes en forma de unos
y ceros a través de los llamados cables MIDI o conectores DIN. Permite la
comunicación entre distintos instrumentos electrónicos (sintetizadores,
secuenciadores, cajas de ritmos, etc.) y posibilita el intercambio de información
entre estos y un ordenador.
La comunicación MIDI se realiza a través de sistemas «maestros», que
generan o controlan los códigos MIDI, y sistemas «esclavos», capaces de
recibir e interpretar las instrucciones MIDI.
Cualquier instrumento puede convertirse en un «controlador MIDI»
transformando sus sonidos en mensajes MIDI mediante un convertidor.
Cable
y conector
MIDI
MIDI in (entrada)
MIDI out (salida)
El sistema habitual MIDI proporciona 16 canales distintos que pueden
transmitir la información de manera simultánea con una polifonía de 24
voces para cada canal. A través de estos canales se transmite toda la información
relativa a las características de la ejecución musical.
La gran ventaja del lenguaje MIDI consiste en la expresión numérica de
los parámetros musicales, lo que permite la definición exacta de las características
del sonido. Esta definición numérica facilita el control preciso
de una variedad enorme de información en un protocolo universal que
abarca, en una escala de 0 a 127, las distintas posibilidades de altura,
intensidad y timbre, con el ataque y la duración más detallada.
1 · Música y Tecnología 31
Sistema esclavo
Sistema
maestro
Mensajes MIDI
El cable MIDI utiliza un conector DIN
de 5 pines (patillas metálicas) que sirve
tanto para enviar como para recibir la
información.
Los mensajes se codifican en bytes de
10 bits que incluyen 1 bit de inicio,
8 bits de datos y 1 bit de parada.
c Esquema MIDI básico.
Y

32 Música Y
a Tarjeta de sonido.
Las tarjetas de sonido
Son dispositivos hardware que, integrados en un ordenador con el software
correspondiente, emulan el funcionamiento de instrumentos y dispositivos
electrónicos.
La tarjeta de sonido es una tarjeta de expansión que se conecta al ordenador
y permite la digitalización de la señal de audio para grabar y
reproducir música, voz o cualquier otra señal de sonido. Puede conectarse
con altavoces, auriculares, micrófonos, con una cadena de música,
un teclado MIDI, etc.
La calidad del sonido depende, lógicamente, de la frecuencia de muestreo
para la conversión digital de audio. El único problema es que un sonido de
alta calidad ocupa demasiada memoria, por lo que en las aplicaciones más
usuales se suelen utilizar formatos comprimidos como el popular MP3.
El formato MP3
Para igualar la calidad de sonido de un CD, con una frecuencia de muestreo de 44,1 kHz y 16 bits de resolución
en estéreo, un fragmento de 20 segundos de música ocuparía una memoria de 3,44 megabytes.
El formato MP3 permite reducir un archivo de sonido en un factor variable, normalmente de 12 a 1. Para ello,
utiliza una compresión digital basada en la forma de escuchar que tiene el oído humano, eliminando muestreos
que difícilmente serían percibidos. Suprime las frecuencias superiores a 20.000 Hz e inferiores a 20 Hz (el ámbito
de audición que capta nuestro oído) y los muestreos de información casi irrelevante en la reconstrucción de la onda.
El resultado es un archivo mucho más pequeño sin una pérdida muy apreciable de calidad.
La utilización del formato MP3 ha permitido el ágil intercambio de música por Internet (descargando archivos reducidos)
y el desarrollo de dispositivos portátiles MP3 capaces de almacenar y reproducir cientos de canciones.
En la actualidad se utilizan formatos de compresión variable que intentan adaptarse a las características del sonido para
ahorrar todos los datos posibles, por ejemplo, espacios en silencio, frecuencias homogéneas, etc.
a Ejemplo de software musical.
Además de la capacidad para grabar y reproducir sonidos, todas las tarjetas
incorporan la posibilidad de mezclar y regular las diferentes fuentes de
entrada de sonido para conseguir una única señal de salida.
En los últimos años, la mayoría de las tarjetas de sonido han integrado
también programas de síntesis de sonidos por medio de tablas de ondas.
Software musical
El mundo de los ordenadores ha generado una enorme variedad de aplicaciones
informáticas destinadas a la realización de tareas específicas relacionadas
con la música.
A través del ordenador y gracias a la comunicación MIDI con otros dispositivos
y a la calidad, cada vez mayor, de las tarjetas de sonido, podemos disfrutar
de todo tipo de instrumentos electrónicos, eso sí, virtuales, y recrear las
aplicaciones más habituales de los estudios de grabación profesional.
El software musical más frecuente está destinado a cuatro aplicaciones
fundamentales: la educación musical, la composición, la edición de partituras
y el tratamiento del sonido.

Programas de educación musical: incluyen aspectos teóricos y prácticos
de la música e incluso permiten el manejo de instrumentos virtuales.
Los más habituales son los programas de aprendizaje de lenguaje musical con
preguntas teóricas y ejercicios prácticos de discriminación auditiva. En los últimos
años han salido al mercado numerosas aplicaciones multimedia en formato
CD-ROM que incorporan información textual, gráfica y sonora sobre la
historia de la música y sus compositores, audiciones interactivas, conocimiento
de los instrumentos, etc. Muchas de estas aplicaciones contienen además actividades
de juegos en los que se ponen a prueba los conocimientos adquiridos.
Programas de creación musical: utilizan la composición algorítmica para
generar de forma automática todos los detalles de la obra a partir de unas
determinadas instrucciones.
La creación musical por ordenador ha dado lugar a la conocida como
música estocástica, que podemos considerar como una fase más en la evolución
de la música electrónica. Algunos compositores han utilizado programas
informáticos para imitar de forma automática determinados estilos
de composición. Otros han aprovechado los recursos informáticos para
explorar nuevas vías de composición.
El pionero de la música estocástica es el compositor de origen griego Iannis
Xenakis (1922-2001) que utilizó el ordenador para generar cálculos
matemáticos que determinaran la distribución y combinación de los
hechos musicales a lo largo de la composición. En 1970, Xenakis ideó el
programa ST con el compuso algunas de sus obras más significativas.
Programas de edición de partituras: permiten introducir la música para
trabajarla y corregirla cómodamente e imprimirla en el formato deseado.
Los programas de edición de partituras han simplificado y abaratado notablemente
el proceso de escritura de la música. La música puede trabajarse
de la misma manera que en un programa de texto, cortando, copiando,
pegando o corrigiendo cualquier fragmento. Se puede configurar el formato
y el tamaño, y se pueden editar e imprimir por separado las distintas
particellas o voces individuales de una partitura orquestal.
Además de estas ventajas en la escritura, los programas de edición de partituras
también permiten escuchar la música que se escribe y manipular
algunos parámetros de forma automática como cambiar de tonalidad o
modificar la unidad de compás.
Programas de edición de audio: permiten el tratamiento del sonido con
multitud de efectos y combinaciones. Los programas de edición más habituales
vienen incluidos con la tarjeta de sonido del ordenador.
El tratamiento del sonido se realiza a través de la manipulación de las
ondas que se muestran en la pantalla. Podemos seleccionar el fragmento
deseado para escucharlo por separado, insertar o suprimir silencios, añadir
efectos de reverberación o de eco, aumentar o disminuir el volumen,
modificar las ondas, etc.
Una vez manipulado, podemos editar el sonido utilizando las herramientas
básicas de cortar, copiar y pegar, y podemos grabarlo y reproducirlo.
1 · Música y Tecnología 33
Música y arquitectura
Iannis Xenakis, interesado por la estructura
matemática común a la arquitectura
y la música, ayudó al famoso
arquitecto Le Corbusier a diseñar el pabellón
Philips para la Exposición Universal
de Bruselas de 1958.
Y

34 Música Y
1. Enumera los soportes de información más habituales del ordenador.
2. Organiza de menor a mayor las siguientes unidades de almacenamiento informático:
gigabyte
kilobyte
3. Identifica en el dibujo los principales componentes del hardware informático y describe brevemente sus funciones:
1
3
2
4. Explica la diferencia entre el software de base y el software de aplicación.
5. Explica el sistema de comunicación MIDI.
6. Comenta las principales aplicaciones del software musical.
7. Indica verdadero (V) o falso (F) en los siguientes enunciados:
5
bit
megabyte
El ordenador es una máquina capaz de realizar con una extraordinaria velocidad todo tipo
de operaciones geométricas y físicas.
Los datos con los que trabaja un ordenador son códigos binarios, es decir, compuestos
de parejas.
La unidad básica de almacenamiento de la información es el byte, formado por 8 bits.
Los ordenadores utilizan dos tipos de memorias: ROM (la memoria de acceso aleatorio,
volátil) y RAM (memoria de lectura, no volátil).
Dependiendo de su función, los periféricos que conectan la CPU con el usuario pueden ser
de entrada, de salida y de entrada/salida.
El MIDI es un sistema universal de comunicación digital entre distintos instrumentos electrónicos.
La expresión numérica de los mensajes MIDI permite la definición exacta de las características
del sonido.
Las tarjetas de sonido son aplicaciones de software que permiten la conversión analógica
del sonido.
El formato MP3 permite reducir el tamaño de los archivos de sonido eliminando los datos
difícilmente perceptibles por el oído humano.
Las aplicaciones más frecuentes del software musical son los programas de educación,
de interpretación y de traducción del sonido.
La creación musical por ordenador ha dado lugar a la conocida como música cárstica,
considerada una erosión de la electrónica.
4
6
7
byte
9
8
11
ACTIVIDADES
10
V F

5.3. Internet
Hace apenas unos años, Internet era un campo conocido sólo por especialistas.
Hoy en día, esta red de comunicación informática se ha convertido en una
«superautopista de la información», un medio de comunicación mundial y de
gran rapidez al alcance de una gran variedad de usuarios.
El proyecto Internet comenzó en 1969, creado por los investigadores de defensa
del ejército norteamericano para enviarse mensajes de forma segura. A partir de
1982 comienza a difundirse en otros medios, principalmente Universidades, y
desde 1990, con la aparición de las páginas web, se convierte en un servicio de
comunicación global disponible para todos los públicos.
Internet es una «metared», una inmensa red de redes que conecta millones
de ordenadores repartidos por todo el planeta mediante un conjunto de normas
o protocolos que permiten el intercambio de recursos y servicios. La
evolución técnica de los equipos informáticos ha hecho posible la circulación
por la red de todo tipo de informaciones: texto, gráficos, fotografías,
música, voz, sonidos, videos y, al mismo tiempo, ha facilitado su uso con programas
cada vez más sencillos y potentes.
Entre los distintos servicios que ofrece Internet, destacan:
• La World Wide Web (WWW) o las llamadas páginas web: son documentos
que combinan texto, imágenes, sonido, video o animaciones, y que
permiten el enlace a otros documentos.
• El servicio de transferencia de ficheros (FTP): permite copiar en nuestro
ordenador ficheros y programas de Internet (download) o enviar nuestros
archivos a un servidor (upload).
• El correo electrónico (e-mail): permite que los usuarios de Internet puedan
enviar y recibir correo adjuntando además archivos de texto y gráficos.
• Los grupos de noticias (news): recogen artículos enviados por los usuarios
de la red y permiten la suscripción para participar en los temas elegidos
enviando artículos o debatiendo con otros usuarios.
• El chat o Internet Relay Chat (IRC): permite conversar con un grupo de
personas en tiempo real.
• La mensajería instantánea: permite enviar mensajes y mantener conversaciones
con otros usuarios conectados a la red en el mismo momento.
1 · Música y Tecnología 35
Web o WWW
La telaraña mundial de documentos
(World Wide Web) se ha convertido en
el servicio más popular de Internet.
Es un formato hipertexto, es decir, texto
que contiene enlaces a otros documentos
que permiten acceder a distintas
informaciones relacionadas.
También es una aplicación hipermedia
porque además del texto, puede contener
sonido, música, imágenes, video
o animación.
Las direcciones en Internet
Los distintos servicios de Internet utilizan diferentes formatos de dirección.
Las direcciones de Internet, llamadas direcciones IP, están formadas por cuatro números (de 0 a 255) separados
por puntos. Como es más fácil recordar nombres que números, estas direcciones IP se traducen a nombres que se
denominan dominios y que permiten asignar una dirección de acceso a una determinada entidad. Por ejemplo:
http://www.editex.es
La parte final del nombre del dominio hace referencia al tipo de institución o al país en el que está ubicado el
servidor. Por ejemplo: puede pertenecer a una empresa comercial (.com), a una institución educativa (.edu),
una organización gubernamental (.gov), una organización no gubernamental (.org), una institución de recursos
en Internet (.net) y puede estar situado en Estados Unidos (.us), España (.es), Francia (.fr), Alemania (.de)
o Reino Unido (.uk).
Y

36 Música Y
a http://www.emisiondigital.com.
a http://www.teoria.com.
a http://www.kenbrashear.com.
a http://www.mundobso.com.
ACTIVIDADES
1. Busca en Internet las direcciones que te presentamos y realiza una clasificación
anotando sus principales contenidos y valorando, según tu criterio, la calidad de
los mismos.
• http://www.cdnow.com
• http://www.laorejadigital.com
• http://www.abcmusicos.com
• http://www.emisiondigital.com
• http://www.musicasdelmundo.org
• http://www.aulaactual.com
• http://www.sonymusic.com
• http://www.mundobso.com
• http://www.melomanos.com
• http://www.planetadeletras.com
• http://pro.spotstv.com
• http://www.cinebso.com
• http://www.teoria.com
• http://www.mididb.com
• http://www.filomusica.com
• http://lacuerda.net
• http://www.partituras.com
• http://www.musicalia.com
• http://www.weblaopera.com
• http://www.musicamidigratis.com
• http://www.quedeletras.com
• http://www.softonic.com
• http://www.guitarra.net
• http://www.musicstore.com
• http://www.musicagratisonline.com
• http://www.kenbrashear.com
• http://www.kantamania.com
• http://www.vanbasco.com
• http://www.amazon.com
• http://www.vitaminic.com
• http://www.mp3.com
• http://www.guiamusical.com
• http://www.serenna.net
• http://www.musicpictures.com

La música en Internet
La aplicación de Internet en el mundo de la música presenta una inmensa
variedad de opciones. Podemos encontrar una gran cantidad de páginas,
oficiales y no oficiales, sobre todos los ámbitos y con todo tipo de informaciones
y presentaciones. Entre ellas, podemos destacar las dedicadas a:
• Acústica y tecnología musical.
• Productos de hardware y software: descripción, manuales, compra.
• Teoría, historia y pedagogía de la música.
• Instrumentos e intérpretes.
• Músicos: biografías y obras.
• Información de conciertos, ciclos, festivales, programaciones.
• Partituras y librerías especializadas.
• Foros sobre temas relacionados con la música.
La mayoría de las compañías discográficas y de las cadenas de radio musical han
lanzado en los últimos años sus páginas web para promocionarse. En ellas ofrecen
un servicio complementario de información multimedia que permite consultar
datos, escuchar canciones o participar en encuestas y ruedas de prensa.
En la actualidad, los conciertos a través de Internet se están convirtiendo
en una seria alternativa a la radio, la televisión, e incluso, a los espectáculos
en directo.
La importante presencia de la música en Internet ha sido posible gracias
al desarrollo de los formatos comprimidos que han facilitado su difusión.
La música se transmite a gran velocidad mediante la utilización de editores
de partituras, sonido digital comprimido y secuencias MIDI.
La llegada del formato comprimido MP3 ha revolucionado el mundo de la
música en Internet y algunas compañías discográficas se han lanzado a la
distribución por la red de discos «a la carta» ofreciendo al internauta la posibilidad
de escuchar y grabar las canciones deseadas bajo el formato MP3. De
esta manera, podemos tener en el ordenador, y en los modernos reproductores
de bolsillo, música de alta calidad ocupando muy poco espacio.
Pero las mismas ventajas que han hecho de Internet el espacio más abierto
y democrático de la actualidad, lleno de usuarios activos y anónimos que
comparten su trabajo o sus ideas con los demás, también están generando
en los últimos años graves problemas por la ausencia de control de las
informaciones que se ofrecen y por la indefensión de los autores ante la
vulneración de sus derechos de propiedad intelectual.
En el mundo de la música estamos asistiendo a un creciente y polémico debate
sobre la llamada «piratería» o copia no autorizada. Organismos como la Asociación
General de Autores (SGAE) o la Asociación Fonográfica y Videográfica
Española (AFYVE) vienen denunciando los perjuicios de la copia ilegal,
no sólo para las compañías discográficas sino también para los artistas y la cultura
en general, ya que la disminución de las ventas reduce la capacidad de la
industria musical para promocionar o potenciar nuevas propuestas.
1 · Música y Tecnología 37
Incidencia
de las tecnologías
en la música
Las nuevas tecnologías aplicadas a la
música no sólo han facilitado el acceso
a su conocimiento sino que han
modificado profundamente el campo
de la composición y la interpretación.
Los medios de grabación y reproducción
del sonido han «democratizado» el
consumo de la música y han permitido
la coexistencia de estilos del pasado y
del presente rompiendo con la tradición
lineal histórica.
La música electrónica ha puesto a
disposición del compositor nuevos
materiales sonoros y nuevas formas
de organización musical.
La rapidez de las comunicaciones y la
información ha propiciado la extraordinaria
pluralidad de la música actual
con multitud de estilos y tendencias
que conviven y se enriquecen mutuamente
y que abarcan una gran diversidad
de públicos.
c
d
Y

38 Música Y
1
1
2 5
AUTOEVALUACIÓN
3 4
8 9
3
1. Resuelve el crucigrama contestando a las definiciones que se indican a continuación:
5 6
14 4
15 16
17 18
19 20
21
Horizontales
6 8
7
7
11
12 13
1. Nombre popular del piano mecánico.
2. Sistema de tratamiento del sonido que registra la señal de
forma continua y análoga a la señal de la onda sonora.
3. También se llama así al instrumento mecánico capaz de
reproducir sonidos por sí mismo.
4. Elementos físicos que forman la parte material de un
ordenador.
5. Aparato de grabación y reproducción mecánica del sonido
que utilizó como soporte cilindros de estaño y cera.
6. Inventó el fonógrafo.
22
9
2
10 11
Verticales
12
13
1. Elementos lógicos que constituyen el conjunto de programas
de un ordenador.
2. «Superficie» en la que la lectura del láser se traduce en
unos porque se refleja y produce señal.
3. Dispositivo que se conecta a la CPU para introducir o
suministrar información.
4. Instrumento pionero de la electrónica inventado en 1920
por Leon Theremine.
5. El MP3 es un formato de ese tipo porque reduce el tamaño
del archivo de sonido suprimiendo información irrelevante.
14
15
10
16
17
18
19

7. El más complejo y completo de los instrumentos electrónicos
capaz de realizar «síntesis» de sonidos.
8. Componente del sistema eléctrico de sonido que sirve
para potenciar la señal.
9. Recoge los sonidos de su entorno y los convierte en
señales eléctricas.
10. Cinta digital de sonido.
11. Combinación en una obra de los procedimientos de la
música concreta y la electrónica.
12. Música creada por ordenador.
13. Instrumento electrónico presentado en 1930 por Friedrich
Trautwein.
14. Soporte utilizado por el magnetófono.
15. Sistema analógico que graba y reproduce el sonido de
forma electromagnética.
16. Telaraña mundial de documentos.
17. Música producida completamente en laboratorio.
18. Lo hace el sistema digital para tomar pequeñas medidas
de la señal analógica y convertirlas en valores de código
binario.
19. Disco digital lleno de puntos diminutos.
20. El vinilo permitió su aparición conteniendo entre 250 y
400 surcos por pulgada.
21. «Metared» que conecta millones de ordenadores en
todo el mundo.
22. Sistema que trabaja con combinaciones de código binario,
y no con dedos.
6. Recibe las señales eléctricas y las convierte en ondas
sonoras.
7. Instrumento electrónico que almacena y después reproduce
la secuencia de datos programada.
8. Interfaz digital para instrumentos electrónicos.
9. «Pozo» en el que la lectura del láser se traduce en ceros.
10. Puede ser de visita, pero la de sonido permite que el
ordenador pueda grabar y reproducir música.
11. Aunque no es de alta costura se fabrica en diamante y
zafiro para evitar su desgaste con la superficie del disco.
12. Aparato de grabación y reproducción mecánica que utiliza
como soporte un disco.
13. Dispositivo que transforma las ondas sonoras en señales
eléctricas, o al revés.
14. Instrumento electrónico o virtual capaz de imitar cualquier
sonido preexistente.
15. Soporte utilizado por el fonógrafo.
16. Inventó el gramófono.
2. Observa los datos que te presentamos en la siguiente tabla y responde a las preguntas:
1 · Música y Tecnología 39
17. Aunque también es una modalidad deportiva de lanzamiento,
este soporte facilitó la realización de copias permitiendo
la difusión de la música.
18. Ondas musicales que llevan el apellido de su inventor.
19. Corriente pionera de la electrónica que graba sonidos
naturales en cinta para manipularlos después en un
laboratorio.
Sonidos naturales Sonidos humanos Sonidos tecnológicos
Cultura primitiva 69% 26% 5%
Cultura pre-industrial 34% 52% 14%
Cultura post-industrial 9% 25% 66%
Cultura actual 6% 26% 68%
(Tomado de Murray Schafer. El nuevo paisaje sonoro)
• Sitúa cronológicamente cada uno de los niveles de evolución tecnológica que se indican.
• Explica los tres tipos de sonidos que aparecen poniendo varios ejemplos de cada caso.
• Compara las distintas etapas y los distintos tipos de sonidos analizando los porcentajes de los cuadros.
• Elabora un pequeño texto describiendo los diferentes «paisajes sonoros» representados en la tabla.
• Comenta la incidencia de las nuevas tecnologías en el mundo actual en general, y en la música en particular, exponiendo
sus ventajas e inconvenientes.
Y

40 Música Y
Permite pasar un CD de audio al PC, bien un CD completo o bien una canción determinada, y también la conversión
de archivos de un formato a otro, convirtiéndose directamente a WAV o a MP3.
La calidad de sonido resultante se puede mejorar mediante la normalización de la señal de audio y también usando
la corrección Jitter, que permite el cambio o variación de la cantidad de latencia entre paquetes de datos que se
reciben. Por ejemplo, el jittering son los saltos que pueden dar los CDs al ser leídos.
CDex también nos permite crear listas de reproducción y es capaz de utilizar otros codificadores así como obtener
e importar información de CDDB (CD DataBase).
1. Elijo Softonic y descargo el archivo pulsando una vez sobre el icono de descarga o sobre la palabra descargar.
2. La segunda opción prevista nos indica descargar CDex gratis. Pulsamos una vez sobre el botón Descargar.
a Paso 1.
a Paso 3.
SOFTWARE MUSICAL
CDex
CDex es un programa freeware (de uso gratuito). Su utilidad principal es ripear
archivos de audio (proceso que consiste en copiar los datos de audio o vídeo de
un dispositivo multimedia –como un DVD, HD-DVD o CD– a un disco duro).
Para su descarga podemos utilizar dos opciones:
→ La página de Sourceforge: http://cdexos.sourceforge.net
→ La de Softonic en castellano: http://cdex.softonic.com
a Paso 2.
3. Directamente nos tiene que aparecer la opción ¿Desea
ejecutar o guardar este archivo?, excepto si tenemos
activada algún tipo de protección. En este último caso
aparecerá un mensaje en la parte superior de la página
que nos indicará que Internet Explorer no ha permitido
que el sitio descargue archivos en nuestro equipo.
Pulsamos con el botón izquierdo sobre la misma y nos
aparecerán tres opciones:
• Descargar archivo • ¿Qué riesgo existe?
• Más información
Hacemos clic sobre Descargar archivo.

4. A continuación aparecerán tres opciones: Ejecutar, Guardar o Cancelar.
Elegiremos la opción de Guardar, ya que si posteriormente apareciera algún problema de instalación, tendríamos
opción de reinstalar de nuevo el programa.
a Paso 4.
5. En esta pantalla, el programa nos pedirá una ubicación donde guardar el archivo. Podemos hacerlo directamente
en el Escritorio o bien crear una carpeta llamada Programas en el Escritorio o en la carpeta de Mis documentos.
En este caso la hemos guardarlo en el Escritorio. El programa ha creado una ubicación llamada
cdex_170b2_enu.
6. Dependiendo de cómo sea la conexión a Internet, el tiempo de descarga será mayor o menor. Una vez descargado
aparecerán tres opciones: Ejecutar, Abrir carpeta y Cerrar. Hacemos clic en Ejecutar y comenzamos el proceso
de instalación pulsando sucesivamente sobre la opción Next. Decidimos el directorio donde vamos a
instalarlo (normalmente en C y en Archivos de programa), pulsamos la opción Install y el programa nos felicitará
por haber finalizado la instalación. En este punto nos preguntará si queremos leer un documento con especificaciones
acerca del programa y automáticamente nos habrá creado un Acceso directo en el Escritorio, al lado
del icono del programa, con el que vamos a comenzar a trabajar.
7. Hacemos doble clic sobre el Acceso directo y abrimos el programa que tendrá este aspecto:
a Paso 7.
8. Introduciremos en nuestro ordenador un CD en la unidad de CD.
1 · Música y Tecnología 41
a Paso 5.
a Paso 8.
Inmediatamente, la pantalla abierta comenzará a llenarse con los datos de las canciones contenidas en el CD
tales como número de pista, duración, en que minuto empieza, etc. Y

42 Música Y
9. En este momento, podemos elegir entre convertir a WAV o a MP3 todo el disco o sólo una canción. Por defecto
el programa ha seleccionado el disco entero.
Vamos a pasar el CD de audio a MP3, con lo que mantendremos seleccionado todo.
Abrimos la pestaña Convert y escogemos la segunda opción: Extraer las pistas de audio a ficheros MP3.
Nos aparecerá esta ventana en la pantalla, que permanecerá abierta hasta haber completado el proceso de conversión
de ficheros. Si durante la operación se produce algún error nos lo señalará en la barra de Jitter.
a Paso 9.
a Paso 12.
10. Para escuchar el resultado final vamos a la carpeta
Mis documentos y en la carpeta My Music o Mi
Música encontraremos los archivos en MP3. Si antes
del proceso de conversión ponemos el nombre del
artista, el género y el nombre de las canciones, estas
salen ya ordenadas y con su nomenclatura correspondiente.
11. Si queremos convertir el contenido del CD a WAV sin
perder calidad, lo haremos también pulsando en la
pestaña Convert y escogiendo la primera opción (Convertir
las pistas de CD a un fichero WAV).
Un ejercicio muy útil es convertir el mismo disco a WAV y a MP3, ver lo que ocupa cada canción y organizar una
audición para ver la diferencia entre un fichero de audio no comprimido y otro comprimido.
La pérdida de datos de frecuencias graves en los MP3 es notable ya que el MP3 se deshace de datos redundantes
y ello deriva en una pérdida de armónicos. Lo notaremos, sobre todo, en las frecuencias más bajas con una
evidente pérdida de pegada (algunas músicas como el Heavy Metal o el Dance se caracterizan por un uso destacado
de graves y es aquí donde se notará más que los archivos están comprimidos). A pesar de todo, los resultados
en la compresión de audio son más que satisfactorios.
12. Si queremos grabar nuestra voz o cualquier otro sonido con un micrófono, la opción Tools nos ofrece la posibilidad
de grabar una fuente de sonido analógica. Sólo tenemos que elegir la fuente de entrada (el micrófono
con el que vamos a grabar) y elegir un directorio de salida para obtener nuestro resultado.
a Paso 13.
13. Por último, si queremos trabajar con bases de datos de librerías de CDs trabajaremos con las opciones que nos
ofrece la pestaña CDDB.

vanBasco
El vanBasco es un reproductor de Karaoke y de Midis Freeware (gratuito). Reproduce archivos MIDI (mid, midi y rmi)
para Karaoke.
La letra puede mostrarse en pantalla completa o en una ventana más reducida. Es posible editar y recuperar tempo,
volumen y tonalidad de una canción, además de silenciar o reproducir sólo determinados instrumentos.
1. Para descargar vanBasco sólo tenemos que situarnos en la página de vanBasco (http://www.vanbasco.com) y
elegir entre descargar la última versión con la opción Descárguelo o una versión del historial de versiones.
a Paso 1.
Tanto el sitio Web (http://www.vanbasco.com) como el programa están en castellano.
2. Hacemos clic en la opción de Descargar. Nos aparecerá un pantalla
con información sobre la versión del programa que nos vamos
a descargar y su validez para los distintos sistemas operativos. En
esta pantalla tenemos también la posibilidad de escribir nuestra
dirección de correo electrónico para recibir información sobre
otros productos de vanBasco. Hacemos clic sobre Descargar.
3. Accedemos a la página de descargas. Si tenemos activada
algún tipo de protección, nos aparecerá en la parte inferior
de la barra de herramientas un mensaje de error indicando:
«Para ayudar a proteger su seguridad, Internet Explorer no
permitió que este sitio descargara archivos en su equipo.
Haga clic aquí para ver las opciones».
Si nuestro ordenador no está protegido, comenzará la descarga
del programa. Pulsamos sobre la misma y nos aparecen tres
opciones. De estas escogemos Descargar archivo.
4. Nos aparecerá la opción de Ejecutar o Guardar archivo. Escogeremos
la de Guardar, ya que de esta forma tendremos el programa
a mano si lo necesitamos para una reinstalación.
Escogeremos la ubicación, en este caso Escritorio, y lo guardamos.
Cuando la descarga esté concluida, escogeremos entre Ejecutar,
Abrir carpeta o Cerrar. En los dos casos primeros comenzará
el proceso de instalación.
1 · Música y Tecnología 43
a Paso 2.
a Paso 3.
a Paso 4.

44 Música Y
5. En el caso de optar por cerrar, en el escritorio nos encontraremos con el archivo ejecutable (vkaraoke con el símbolo
de vanBasco y que pone SETUP).
a Paso 5.
6. Hacemos doble clic sobre el mismo y nos aparecerá la siguiente pantalla: elegimos la opción Ejecutar.
7. En la siguiente pantalla escogemos el lenguaje de instalación, en este caso español. Hacemos clic en
Siguiente, aceptamos el acuerdo de licencia, seleccionamos la carpeta de destino creando accesos directos
tanto en el escritorio como en la barra de tareas, activamos, en la siguiente pantalla, todas las casillas (predeterminación
como reproductor, ficheros que puede leer, y ejecución automática cuando se encuentre un
archivo MIDI en el Explorer). Le damos a Siguiente y mostramos nuestra conformidad con todo el proceso
en Finalizar.
8. El vanBasco estará correctamente instalado y nos aparecerán todas las pantallas que componen el programa.
a Paso 8.
a Paso 6.
a Paso 9.
9. Comenzamos entonces a trabajar con vanBasco. La pantalla que hace referencia a Sugerencia de la sesión nos
da una serie de pautas y de atajos para trabajar con el programa y resulta francamente útil. Si la cierro, todavía
me siguen quedando 6 pantallas abiertas. Las puedo cerrar pulsando sobre el icono del aspa (o x) situado en la
parte superior derecha o mediante los botones de control de la principal (vanBasco´s Karaoke Player).
Dejo abiertas dos ventanas: la de PlayList y la de Karaoke y cierro el resto.
10. Para cargar un archivo MIDI en el reproductor, tendremos que utilizar la pantalla «lista de reproducción». Esta pantalla
consta de dos divisiones. En la de la derecha hay una pestaña desplegable en la que se nos muestran diferentes
ubicaciones. Escogemos una carpeta en la que hayamos guardado los archivos MIDI y seleccionamos el que queramos.
En el ejemplo que aparece en estas pantallas, veo que la carpeta contiene dos temas de Dream Theather. Si
quiero seleccionar uno de ellos y reproducirlo, bastará con un doble clic para que empiece a sonar. Si no lo hace,

deberemos agregarlos directamente a la lista de reproducción seleccionándolo con el botón izquierdo del ratón
y pulsando el botón Agregar. Si queremos agregar todos pulsaremos Agregar todo.
Para reproducirlo haremos doble clic con el ratón izquierdo y comenzará la reproducción automáticamente. En
esta pantalla también podemos crear listas de reproducción, ordenarlas, borrar archivos de esta lista, renombrarlas,
o vaciar toda la lista.
La pantalla principal: «vanBasco Karaoke,s Player» nos presentará informaciones fundamentales como el nombre
de la canción que está sonando, su número de orden, el tiempo de reproducción, la duración del tema y la indicación
metronómica del tema.
En la misma pantalla encontramos también la posibilidad de guardar el archivo renombrándolo y la de buscar
archivos en Internet.
Debajo de estas opciones nos aparecen otras como la de reproducción automática, la activación del orden aleatorio
en la reproducción, la repetición de toda la lista de reproducción o sólo de una canción determinada y la
opción de no repetición. En la parte inferior de la pantalla nos aparece el estado del avance de la reproducción
y la activación de las diferentes pantallas haciendo clic sobre los interruptores de Playlist, Control, Karaoke, Output
y Piano.
a Paso 10.
1 · Música y Tecnología 45
11. Para que la pantalla Karaoke aparezca en modo pantalla completa, basta con hacer doble clic sobre la misma
con el botón izquierdo del ratón. Para reducirla otra vez, nuevamente haremos doble clic. Si queremos otro
tamaño podemos ajustarlo a lo ancho y a lo largo.
12. En la pantalla Control, podemos acceder a controlar el volumen de la mezcla; en Tempo podremos cambiar la
velocidad de la pieza y en Key modificaremos la afinación de la pieza hasta un máximo de 12 semitonos ascendentes
o descendentes.
a Paso 12.
a Paso 11.
Y

46 Música Y
13. La pantalla Output ofrece una opción muy interesante. Los sonidos MIDI aparecen en pistas separadas lo que
nos permite destacar una pista del resto (el color pasa a azul turquesa), dejándola incluso sonar en solitario o
silenciarla (el color se torna rojo). Esto es especialmente útil para la trascripción y el análisis de un instrumento
determinado. En el ejemplo que aparece en la pantalla, se ha silenciado la batería (Standard).
a Paso 13.
14. En la ventana Piano, aparecen las notas tocadas en un piano virtual. Es muy útil si se combina con la pantalla
«control» bajándose la velocidad y en «output» se selecciona una pista, sobre todo para transcribir un tema y
para analizar una determinada pista. En el ejemplo, se ha seleccionado el piano de la canción.
15. Haciendo clic con el botón derecho del ratón sobre la ventana principal (vanBasco´s karaoke player) se presentará
el menú de Configuración. Aparecerán entonces tres pestañas: la primera (MIDI) nos muestra las opciones
de salida, que pueden ser múltiples: la tarjeta del ordenador, la de Microsoft, una tarjeta de sonido externa o
un módulo de sonidos MIDI.100
a Paso 15.
a Paso 14.
a Paso 16.
16. La segunda pestaña, Karaoke es muy útil. Permite elegir entre cambiar los tipos de letra, el tamaño de la fuente,
las líneas que deben aparecer en la página, la posición horizontal o vertical, la imagen de fondo, etc.
17. En la última pestaña Misc destaca la elección de archivos MIDI asociados a vanBasco (si no están en la lista el
Karaoke no los reconocerá), el idioma que se va a utilizar y otras características.

PROFESIONES MUSICALES
Hablamos en exclusiva con... un compositor
Adolfo Núñez
Adolfo Núñez (Madrid, 1954) posee los Títulos superiores de Composición, Guitarra e
Ingeniería Industrial. Estudió con los compositores Guerrero, Bernaola, G. Abril, Alís,
Ferneyhough y de Pablo, así como Música por Ordenador en el CCRMA (Center for
Computer Research in Music and Acoustics, traducido: Centro para la investigación
por ordenador en música y en acústica), situado en Stanford (EE. UU.) con J.
Chowning y L. Smith, y también fue becado por el Comité Conjunto (programa
Fulbright).
En la actualidad, dirige el laboratorio LIEM-CDMC (Madrid). Su obra, que abarca la
música instrumental, electroacústica, para la imagen y la radio, es interpretada internacionalmente
y ha sido premiada en numerosos concursos internacionales. Ha recibido
numerosos encargos compositivos por parte de diversas entidades muy prestigiosas
tanto públicas como privadas de todo el mundo. Entre sus discos cabe destacar
el de Ana Vega Toscano (Tecnosaga) con su obra para piano y Anira (Hyades Arts)
con su música por ordenador. Es profesor asociado en la Universidad Autónoma de
Madrid, imparte regularmente cursos y escribe en diversas publicaciones sobre temas
de Ciencia y Nuevas Tecnologías para la música. Es autor del libro Informática y
Electrónica Musical (Ed. Paraninfo).
1. Básicamente, ¿en qué consiste su
trabajo?
Mi actividad se reparte entre el LIEM
(Laboratorio de Informática y Electrónica
Musical), la composición de música
de todo tipo, incluyendo especialmente
la electroacústica y otros trabajos relacionados
con la enseñanza en la Universidad
Autónoma de Madrid, los cursillos,
las conferencias y los artículos sobre
ciencia y tecnologías actuales aplicadas a
la composición musical.
2. ¿Cuáles son las actividades fundamentales
del LIEM?
Son varias:
1. Apoyar y proporcionar un espacio de
trabajo, con equipamiento y personal
técnico, para los músicos que necesiten
utilizar las nuevas tecnologías
para componer.
2. Producir y realizar los conciertos del
CDMC (Centro para la Difusión de la
1 · Música y Tecnología 47
Música Contemporánea) que necesiten
tecnología electroacústica o nuevas
tecnologías en general.
3. Programar y ofrecer cursos sobre creación
musical con nuevas tecnologías,
que no estén ofertados por otras instituciones,
con un total de unas 100
horas lectivas anuales.
4. Difundir y, si fuera posible, estrenar
las obras que se componen en sus instalaciones.
5. Y muchos otros relacionados con la
difusión sobre este tipo de música y
su conocimiento.
3. ¿Cree que la música concreta, electroacústica
y electrónica están suficientemente
valoradas en España?
No lo están. La música concreta es un
término histórico ligado a un lugar
(Radio France-París) y a un período histórico
(aproximadamente los años 40 y
50 del siglo XX); tanto en España como
Y

48 Música Y
en el resto del mundo se habla más
bien de música electroacústica y electrónica,
como conceptos que engloban
el tipo de música que necesita de
estas tecnologías y se encuadra dentro
de la llamada música contemporánea.
Aunque para complicar todo aún
más, también en las últimas décadas,
se llama electrónica a la música popular
tipo «tecno». Pues bien, como
parte que es de la música contemporánea,
la música electroacústica tiene
los mismos problemas que esta de
falta de apreciación por el gran
público. Hay un caso todavía más difícil
de impopularidad, que es el de la
música electroacústica grabada, la
que no tiene intérpretes siendo los
altavoces la única presencia en el
escenario. Este tipo de música es la
menos apreciada por el público de los
conciertos porque frustra sus esperanzas
de ver algo en el escenario. Esto es
un error de apreciación que tratamos
de corregir, en esta música lo importante
es que los asistentes al concierto
cierren los ojos y disfruten de una
experiencia acústica y artística insustituible,
la de encontrarse inmersos en
un espacio de sonidos que evolucionan
en el tiempo, en definitiva, de la
música en su estado más puro.
4. ¿Qué es lo verdaderamente importante
en la música concreta, electroacústica
y electrónica; el talento
musical, la tecnología, o ambas?
Como en cualquier arte, lo primero
es el talento. Pero hay que desarrollarlo
y para ello es necesario «dominar
tu instrumento», es decir, cuanto
más se domine la tecnología mejor
podremos plasmar nuestras ideas en
música y comunicar emoción a otras
personas. Pero no hay que dejarse
llevar por el fetichismo de la tecnología
ni dispersarse queriendo estar
siempre a la última. Lo más eficaz es
primero saber lo que queremos
expresar y después lanzarse a buscar
y dominar las herramientas adecuadas.
Esto nos puede llevar mucho
tiempo y puede ser frustrante al
principio, pero si no cedemos y no
nos conformamos con el primer
«preset» (ya programado de fábrica)
que encontremos, y seguimos buscando,
aunque lo tengamos que
fabricar nosotros mismos, al final la
recompensa será grande. La de conseguir
expresarnos con nuestra propia
voz.
5. ¿Hace falta mucho nivel técnico
para componer o interpretar música
concreta, electroacústica o electrónica?
Sí, si queremos aportar algo nuevo e
interesante. Además de los conocimientos
sobre música y tecnología
es fundamental saber acústica. Se
han compuesto muchas y muy buenas
obras en los últimos 50 años y el
listón de calidad técnica está muy
alto. Pero cada vez es más fácil
adquirir un buen nivel en poco
tiempo ya que la enseñanza ha
mejorado, hay más ofertas de cursos
y, lo que es más importante,
mediante el disco o Internet se dispone
de un acceso más fácil a las
obras maestras para aprender
rápido y quemar etapas. En realidad
no hace falta más esfuerzo que el
que se requiere para dominar un
instrumento o para estudiar cualquier
carrera profesional.
6. ¿Estos tipos de música utilizan la
grafía convencional del lenguaje
musical para expresarse o, por el contrario,
utiliza nuevas formas de grafía?
Depende del tipo de música. Si se
trata de música mixta con intérpretes
junto con medios electroacústicos,
las máquinas necesitan su
propia y completamente precisa
«partitura», que puede ser, por
ejemplo, una secuencia de datos
MIDI, un programa informático o
una simple grabación digital. La grafía
es necesaria para los intérpretes
humanos, por un lado, ha de expresar
lo que tienen que tocar con sus
instrumentos y, por otro, los músicos
necesitan tener una guía suficientemente
detallada de lo que están
tocando las máquinas para no «perderse»
en el concierto. Dependiendo
del tipo de música y la estética del
compositor, la grafía será convencional
o con nuevos signos, por ejemplo,
si la parte electrónica es una
textura compleja con percusiones
ruidosas, la notación ideal será
mediante dibujos intuitivos, siendo
imposible la notación tradicional.
Por otra parte, en la música electroacústica
grabada se ha estado investigando
desde hace cincuenta años
para encontrar una notación gráfica
sencilla que sirva para el análisis de
la obra o como guión para la interpretación
de la difusión en el concierto.
El programa de notación
«Acusmógrafo» del INA-GRM, en
francés: Institut National de l´audiovisuel
(Instituto Nacional de Audiovisuales)
y Groupe de Recherches
Musicales (Grupo de Investigaciones
Musicales), recoge toda esta tradición
que incorpora muchos símbolos
que se vienen utilizando por gran
parte de los compositores.
7. ¿Cuál es el motivo de que apenas
lleguen al público ni prácticamente
se promocionen
El mismo que el de la música contemporánea
en general: es el fenómeno
del conflicto del público con
la música llamada culta a partir del
primer tercio del siglo XX. El autor,
cada vez más, ha buscado realizar la
música que ha querido sin tener en
cuenta si va a agradar o no al
público; también con cada nueva

obra se ha buscado la novedad y
romper moldes, lo que ha hecho que
la mayor parte del público se haya
quedado atrás y se haya refugiado
en la música clásica más tradicional
o en la música popular de consumo
masivo. La música electroacústica
grabada es la que lo tiene más difícil,
ya que estamos en la sociedad de
la imagen y como dije, el público
espera ver algo en el escenario más
que altavoces; su desventaja respecto
a la música con intérpretes es
la misma que la de la radio con respecto
a la televisión, sin embargo, la
radio sigue existiendo y cumple su
función.
En España sí se promociona la
música contemporánea aunque evidentemente
no tanto como la
música popular porque no es tan
rentable. El Ministerio de Cultura
español ha creado y mantiene el
CDMC precisamente para promocionar
y programar la música contemporánea,
y dentro de este, el LIEM
para apoyar la creación y difusión de
la electroacústica. Claro, nuestro
presupuesto no nos permite poner
anuncios en TV pero sí en revistas y
medios especializados y mantener la
Web, por lo que hacemos todo lo
que podemos. Si hubiera más dinero
destinado a la promoción evidentemente
llegaría más a la sociedad,
pero los poderes públicos tienen la
tendencia a gastar el dinero en lo
cómodo y fácil de promocionar,
como el repertorio más trillado de la
música clásica y la ópera. También es
un problema de formación de los
responsables políticos, que reflejan
la media de la sociedad española,
mucho más culta en literatura o en
artes plásticas que en música.
8. La música concreta, la electroacústica
y la electrónica de carácter
culto están consideradas en cierto
1 · Música y Tecnología 49
modo como cuasi - experimentales,
¿cree que podrían llegar a ser
comerciales o estos resultados ni
siquiera se buscan?
Los compositores que realizamos
música electrónica o electroacústica
lo hacemos, no para agradar a un
público lo más grande posible, ni
para lograr vender millones de
copias de nuestras composiciones. Se
supone que las realizamos para
comunicarnos con un hipotético
número de personas (quizás miles o
más) que sabemos nos pueden
entender, pero a la vez no renunciamos
a expresar lo que queremos
decir y cómo decirlo. Si después la
obra es comercial o no lo decidirá el
mercado, pero esto no se busca en
principio.
9. ¿Tienen muchas limitaciones para
desarrollar en directo las composiciones
de los compositores integrados
en el LIEM?
No hay compositores «integrados en
el LIEM»; este centro está abierto a
todos los compositores españoles o
extranjeros que propongan un proyecto
de composición de obra que
requiera electroacústica. Los compositores
que vienen a trabajar al LIEM
conocen nuestras limitaciones técnicas
para difundir las obras en concierto
y se suelen adaptar. No
obstante, en este momento nuestras
limitaciones no están nada mal, disponemos
de equipo en el Auditorio
400 del Centro Reina Sofía para
difundir piezas electroacústicas en
16 canales independientes rodeando
al público. Es realmente un
sonido espectacular que atrae a los
compositores para explorar en nuevas
piezas.
10. ¿Por qué hay, en todo el mundo,
muchos ingenieros que están dedicados
a la música?, ¿hay algún tipo
de nexo?
Supongo que es porque el ingeniero
lleva a la realidad los sueños más
descabellados. Está acostumbrado a
dar forma concreta y física a las
ideas. Un músico es un artista bastante
disciplinado, sobre todo el que
tiene que dominar un instrumento y,
por lo tanto, está más cerca de un
ingeniero que del cliché de artista
bohemio que deambula de bar en
bar buscando inspiración. El ingeniero
también ha de ser minucioso,
detallista, preciso (puede morir
gente si se cae un puente o un
avión). Una compleja partitura musical
de orquesta y, no hablemos de
una pieza electroacústica por ordenador,
tienen mucho en común con
los planos de un proyecto de ingeniería.
11. ¿Cómo acercaría, a nuestros
jóvenes, la audición de una obra
suya como Jurel?
En primer lugar, les invitaría a que
trataran de adivinar la fuente
sonora de la que se deriva cada
sonido de la obra.
Después, han de olvidarse de esto y
practicar la escucha reducida, es
decir, centrarse en percibir las cualidades
de los sonidos de una forma
abstracta, ¿cómo es cada sonido?,
¿percusivo, ruidoso, rugoso, áspero,
resonante, granuloso?, ¿cómo van
apareciendo, en el tiempo, para
generar un sentido musical?
Por último, hay que tratar de
reconstruir libremente la obra completa
o los fragmentos, con materiales
sonoros que imiten los de
Jurel, realizarlos con lo que se
tenga más a mano: la propia voz,
caja de madera con piedras, golpes
en la mesa con diversos objetos,
arrugar papeles de diversos grosores
y tipos, golpear metales, etc. En
definitiva, disfrutar del sonido en
el tiempo.
Y

50 Música Y
Hablamos en exclusiva con... un diseñador acústico
Philip R. Newell
Philip R. Newell es consultor de ingeniería acústica. Es miembro de número del
Instituto Acústico del Reino Unido (FIOA) y ha trabajado durante más de 40 años en
la industria de la música como técnico de sonido y como productor.
Destacan sus trabajos para estrellas de la música como Mike Oldfield, Tom Newman,
Queen, Crosby Stills and Nash, Led Zeppelin… etc.
Fue uno de los directivos de los estudios de grabación de Virgin Records durante los
años 70 y 80, donde trabajó como técnico de sonido y productor de grabaciones.
En el Caribe, fue piloto y, más tarde, instructor de hidroaviones y montó una empresa
de aviación que compaginaba con sus responsabilidades en Virgin.
Comenzó a realizar sus operaciones acústicas en Iberia en 1991 y en 2004 diseñó uno
de los laboratorios acústicos en el nuevo edificio de Telecomunicaciones de Vigo.
Tiene publicados seis manuales sobre acústica y electroacústica que son referencia en
todo el mundo.
1. En esencia, ¿en qué consiste tu trabajo
actual?
Fundamentalmente me dedico al
diseño de estudios de grabación, salas
de ensayo, estudios de cine, estudios
de televisión, salas de concierto, auditorios,
acústica en edificios civiles y
fábricas. Son trabajos diferentes y es
muy interesante ya que casi nunca
haces dos veces la misma cosa y trabajas
diariamente cara a cara con músicos,
arquitectos, ingenieros, técnicos,
constructores, dentro de un mismo
tema.
2. ¿Has realizado algún estudio sobre
el tema de la acústica?
Además de los 6 libros sobre acústica y
electroacústica, he redactado más de
100 artículos y 40 ponencias para congresos.
Siempre estamos aprendiendo.
Es un trabajo muy artístico y, a la vez,
muy técnico y muy científico. Es muy
difícil aburrirte con todo ello.
3. ¿Qué formación has tenido?
Primero estudié electrónica en Inglaterra,
pero para mí, la electrónica es muy
fría.
Fui técnico de sonido; al principio de
música en directo y, posteriormente, en
estudios de grabación. Los grandes
estudios de grabación de Londres fueron
como universidades en un mundo
fascinante, y muy diferente al de hoy
en día, en el que se aprendía muchísimo.
Hoy en día, no es un mundo tan
profesionalizado, no hay tanta gente
trabajando, ha bajado el precio del
equipo y se ha reducido muchísimo el
presupuesto porque se intenta ganar el
máximo dinero posible con la mínima
inversión.
En los 70 trabajé en los estudios de grabación
Pye Records de Londres y había
dos estudios de grabación, dos salas de
mezcla, tres salas para cortar discos de
acetato (patrones) y dos para copiar
cintas. Teníamos una plantilla de 32
personas. Gané como ingeniero, en
una semana, el mismo dinero que

necesitaría para alquilar una hora
de uno de esos mismos estudios de
grabación (y estaba ganando bastante
dinero).
Hoy en día esto resulta inimaginable
ya que las proporciones han cambiado.
Pero resulta impagable el
grado de conocimientos que alcanzas
en los estudios grandes y que
recibes de los ingenieros que tenían
mucha más experiencia que yo.
En los años 80 comencé a trabajar
con la Universidad de Southampton
para buscar soluciones a problemas
acústicos y tuvimos una relación
muy productiva: yo aportaba mi
experiencia práctica y los profesores
la experiencia académica. Fue
una relación muy positiva para
ambas partes que todavía dura en
la actualidad.
4. ¿Qué le falta actualmente a la
música, que antes tenía?
Ha cambiado mucho, pero hay
muchas cosas que no dependen de
la moda. Hace muchos años era
necesario cantar bien, tocar bien.
Hoy en día mucha gente cree que
no es necesario cantar tan bien porque
ahora hay nuevas posibilidades
para arreglar los problemas (Auto-
Tune y Auto-Timing). Sin embargo,
no pueden sustituir a los buenos
músicos y a las buenas actuaciones.
En los años 60 y 70, había gente
especializada en mundos tan distintos
como escritores de canciones,
músicos, arreglistas, compositores.
Actualmente hay gente que intenta
hacer todo solo y creo que esta falta
de separación entre profesiones
afecta a la calidad; no pueden hacer
todo en solitario al 100%. En mi opinión
falta trabajo en equipo, hace
falta más especialización y más ins-
1 · Música y Tecnología 51
piración, o no hay química. No obstante,
es más barato emplear a una
persona que a tres.
Todo esto provoca, actualmente, un
problema en los estudios. Pasamos
por muchos ciclos, hemos pasado de
estudios muy grandes a muy pequeños
porque ha bajado mucho el precio
del equipo, pero no ha bajado el
de determinados materiales. Por
ejemplo, lo relacionado con las
voces no ha bajado; micrófonos de
calidad, buenos procesadores y previos.
La gente demanda también
salas donde los músicos puedan trabajar
con otros músicos y enriquecerse
y hay que pasar por todas las
fases. Esto necesita de salas grandes,
pero hay mucha gente que quiere
todo barato: están pidiendo muchas
cosas incompatibles.
5. Fuiste durante 10 años director
técnico de Virgin, además de directivo
de la misma. ¿Qué recuerdas de
aquélla época?
Ha cambiado el mundo, la burocracia,
la manera de vivir. Hace 30 años
era posible tomar decisiones por ti
mismo (con tu responsabilidad),
pero, actualmente, nadie quiere
tomar decisiones para nada. Como
ocurre en las investigaciones de las
universidades, en muchos casos es
necesario tener resultados antes,
para poder justificar el experimento
después. Pero si es posible justificar
el experimento con los resultados,
entonces no es necesario hacer el
experimento. Todo esto está al revés.
Con Virgin trabajábamos con la
espada de Damocles sobre nosotros y
tomamos decisiones arriesgadas para
hacer cosas desconocidas, pero para
mí era más emocionante tener buenas
ideas y dejarlas correr antes que
perder la inspiración. En esa época
hacíamos cosas muy vanguardistas y
hoy en día todo es más restrictivo.
En los años 60 y 70 en Inglaterra
tuvo lugar una época de mucha alegría
y optimismo; supongo que yo
sigo trabajando de esta forma todavía,
no quiero perder la energía,
pero me siento un poco raro de vez
en cuando.
Yo fui uno de los diseñadores de los
estudios Townhouse y Richard Branson
pidió el mejor estudio del país y
me dio la responsabilidad, sin presupuesto:
«Do It» (házlo). Hoy en día
es inimaginable.
Como la gira de Mike Oldfield del
79, sin presupuesto fijado y con 45
músicos, y todos los miembros del
stage (40 personas más), estábamos
alojados en hoteles de 5 estrellas
durante la gira. Esto es casi imposible
hoy en día.
Estábamos trabajando a tope con
un objetivo unitario, hacer la mejor
actuación posible en cada ciudad.
Obviamente aprendes muchísimo y
actualmente utilizo las experiencias
de entonces. Fue fundamental para
mi formación. Aunque hablar de
estas cosas hoy en día es como
hablar de cómo hacen las cosas en
Marte o Júpiter.
6. ¿Qué es lo que ha cambiado en el
mundo musical actual respecto a la
escena londinense de los años 60 y
70?
En los años 60 estábamos muy
influenciados por el concepto de los
hippies de buscar la libertad, la libertad
de expresión; un concepto muy
optimista. Entonces tuvimos más
recursos y menos restricciones. Había
más individualismo y excentricismo,
sin miedo a nada; los estudiantes de
Y

52 Música Y
las universidades fueron fuente de
ideas nuevas. Hoy es horrible, entras a
la universidad en Inglaterra y hay
guardias que te dicen: no puedes
hacer esto, aquello…, no puedes
hacer nada, salvo ser obediente.
Por eso vivo en España, aquí tengo
mucha más liberta. Siempre pensaba
que mi país era donde había más
libertad en los años 70. En España
no había libertad y la reacción contra
el franquismo ha sido «Libertad»,
que ya la disfrutó Inglaterra
después de dos guerras mundiales.
Estamos, quizás, hablando de ciclos
pero actualmente hay más libertad y
optimismo en España que en el
Reino Unido.
Actualmente siento el mismo optimismo
en España que el que sentía en
Inglaterra en los 70. Me considero
parte de la sociedad española y
entiendo mi sitio en la sociedad, a
pesar de mi acento. En el Reino Unido
me siento extraño. Los españoles han
sufrido muchos más ataques de terrorismo
que los británicos, pero estos
están comportándose con más miedo.
Los españoles tienen más coraje que
los británicos. Para mí es muy raro.
7. ¿Cómo llegaste a España?
En Londres, en 1990, hubo más de
60 estudios en venta a consecuencia
de la crisis de la economía, y por
supuesto, poco trabajo para los
diseñadores de estudios, pero tenía
contactos con unos empresarios
portugueses y comenzamos a montar
estudios. Unos meses después llegué
a España, incapaz de amoldarme a la
cultura portuguesa.
He trabajado en 34 países diferentes y
trabajo en la actualidad en estudios
de Rusia, Portugal, Ucrania, Irlanda,
Suiza, Holanda, aparte del trabajo en
España. España es, actualmente,
como mi base de operaciones.
8. ¿Cuántos estudios has diseñado?
En términos de salas, quizá 600,
pero hay que matizar. No es lo
mismo una sala de 15 metros cuadrados
que una sala de 500 metros
cuadrados.
9. ¿Conservas la relación con los
músicos de los 80, como Mike Oldfield
o Led Zeppelin?
Estamos en contacto de vez en
cuando, pero pienso más en el futuro
que en el ayer. El pasado forma parte
de mi diversidad y de mi formación.
Aún aprendo mucho todos los días.
Mi trabajo depende de mi habilidad
y tengo que continuar aprendiendo.
Me gusta trabajar con la gente que
quiere continuar y que aporta
muchas cosas positivas. Mira la cantidad
de ingenieros, arquitectos, médicos,
que continúan trabajando hasta
que no pueden más; quizás depende
de la cultura local.
En Gran Bretaña ser músico es una
profesión y es una carrera como la
de arquitecto, ingeniero, abogado.
Pero hay diferencias.
En Gran Bretaña, la industria musical
ganó 8.000 millones de euros en
2005, es la 4º industria de exportación
del país y necesita profesionalización,
es muy importante para el
país, paga los hospitales y todo. Por
eso hay más formación.
El mundo está cambiando totalmente,
hablando con un productor
en Madrid, hace una semana, me
comentaba que sus hijas no estaban
comprando nada de música, solamente
descargas hacia su Ipod u
otros dispositivos MP3; están destruyendo
la profesión de su padre; si
nadie paga a los autores, a los compositores,
a los escritores… ¿de que
van a vivir?
También ha bajado la calidad de las
grabaciones, casi nadie tiene en su
casa un sistema de alta fidelidad, es
como una generación perdida,
habrá que encontrar otra generación
que demande más calidad o
toda la industria musical va a sufrir y
la música también.
El MP3 no sólo disminuye la calidad,
aparte de comprimir los datos también
pierde las dinámicas, la capacidad
para impresionar…
Hemos perdido el concepto de calidad,
actualmente sólo importa la
cantidad. En muchas industrias, se
aumenta la cantidad y se baja el precio;
siempre están buscando un mercado
más grande. No se habla de la
calidad.
10. ¿Cuáles son las funciones de un
músico, de un ingeniero de grabación
y de un productor en un estudio
de grabación?
El productor escucha de una forma
global, es el jefe de todo, el técnico
de sonido está pensando en pormenores,
que no haya ruidos ni distorsiones,
cambiando ecualizaciones,
organizando las pistas, controlando
la parte técnica de la grabación, etc.
El productor es como el director en
el cine, puede que haya actores
famosos y geniales en la interpretación,
pero es el que decide que toma
vale o no y si hay conflicto entre dos
guitarristas acerca del volumen, es el
que tiene la última palabra. Normalmente
son caros porque utilizan una
experiencia global del proceso. También
pueden indicar aspectos técnicos
al ingeniero de sonido.

Entienden, de una forma excelente,
lo que es necesario en un entorno
cargado de emoción y de personalidades
fuertes. Es imprescindible
tener una persona como árbitro
para controlar todo. Ese es el trabajo
del productor.
Los músicos tocan, los ingenieros
graban y los productores son los
árbitros.
11. ¿Cuáles han sido tus producciones
más conocidas?
Supongo que Mike Oldfield, pero he
trabajado con muchísimos músicos
buenos. Es impresionante trabajar
con gente así. Tenían mucha experiencia,
sus propios timbres, sabían
exactamente lo que querían. Además,
es fácil grabar a los mejores.
12. ¿Tiene mucha influencia el marketing
en nuestra sociedad moderna?
Muchísima. En la realidad, entre dos
micros muy buenos hay solamente
diferencias muy sutiles, pero una voz
buenísima es una voz buenísima y es
lo verdaderamente importante. Los
micros no importan tanto como la
calidad de la voz. Actualmente lo
que más influye es el marketing.
Están como insinuando que, sin este
equipo, no se puede conseguir este
sonido, pero ese es el trabajo de las
marcas y la sociedad moderna está
influyendo en el proceso de grabación.
Si los técnicos no han pasado
por un proceso de formación serán
fácilmente impresionables ante toda
esta avalancha de marketing.
Muchos creen que sin un micro especial
no es posible hacer una buena
grabación de una voz, pero en realidad
la voz es todo, no el micro.
Cuando trabajaba como técnico de
sonido, a principios de los 70, Led
1 · Música y Tecnología 53
Zeppelin tuvo muchos grupos seguidores
que intentaban imitar su
sonido en los locales de grabación. Sin
embargo, trabajando como técnico
de sonido, yo no conseguí obtener el
sonido de la guitarra a los grupos imitadores
y resultaba frustrante. Más
tarde, me tocó montar la mesa de
mezclas en el estudio de grabación
que Jimmy Page (líder de Lez Zeppelin)
tenía en su casa, y me pidió hacer
una grabación de prueba. Yo estaba
preocupado por conseguir el sonido
adecuado, ya que pensaba que no
podría hacerlo, pero en cuanto Jimmy
comenzó a tocar la guitarra, exclamé
¡Wow: Led Zeppelin! ¡He conseguido
el sonido de Led Zeppelin sin hacer
nada!
Lo mismo me pasó, posteriormente,
con el batería John Bonham. Llegué
a la conclusión de que «puedo grabar
el sonido de Led Zeppelin si vosotros
sois Led Zeppelin o si tú
puedes tocar como Led Zeppelin».
Esta formación y esta experiencia no
tiene precio pero el marketing funciona
muchas veces con la inseguridad.
Los estudiantes, al recibir
información de Internet y leer las
revistas de los fabricantes son muy
influenciables y creen que es el
mundo real. Y no lo es. Hace falta
una base real que sustente todo.
Todo son presiones por parte de las
grandes marcas y se busca lo económico
y lo barato. Se ahorra en material
y en personal y eso afecta
duramente a la calidad.
13. ¿Cómo se diseña un estudio?
Hay que estudiarlo todo y hay que
partir desde cero. Se debe ser muy
minucioso y elegir correctamente
todos los materiales. No se puede
cambiar la acústica sin cambiar la
decoración. Se debe diseñar con las
cosas realmente importantes para
que funcione bien… sin marketing.
Se construye con paredes que pueden
ser de casi un metro de grosor
compuestas de paneles de madera,
materiales elásticos, fibras, membranas,
espacios de aire y pladur pero
utilizamos multitud de materiales
distintos. Para la decoración utilizamos
telas especiales. Deben ser totalmente
(o casi) transparentes al
sonido e ignífugas. Necesitamos
absorber todas las frecuencias, y más
o menos en cantidades iguales. No
hay ningún material absolutamente
adecuado para trabajar con todas las
frecuencias. Trabajamos con leyes de
la física, son leyes universales. Cada
elemento de la estructura tiene su
función. Hay que evitar resonancias
en las puertas, en los cristales. Utilizamos
transformadores (en vez de dimmers
electrónicos) para evitar ruidos.
Los ordenadores, los situamos fuera
de la sala de control, dan calor y producen
ruido. Así no necesitamos ni a
uno ni a otro en el estudio.
14. ¿En que se basa el proceso de
mezcla y de masterización?
El proceso de mezcla va encaminado
hacia cómo equilibrar niveles entre
instrumentos, reverberaciones, efectos,
cómo está la voz y hacia cómo
sonaría en un equipo doméstico.
Los estudios que trabajan la masterización
prueban cómo sonaría ese
disco en sistemas de alta fidelidad o
en equipos profesionales. Prueban el
rango dinámico y el rango de frecuencias.
Hay veces que la grabación
ha sido tan perfecta que no es necesario
retocarla.
Y

54 Música Y
Hablamos en exclusiva con…
una empresaria musical
María Dafonte Blanco
María Dafonte Blanco es la gerente de los Estudios Metrópolis, situados en Vigo. Es
diplomada en Relaciones Laborales por la Universidad de Santiago (Vigo). Los Estudios
Metrópolis llevan abiertos desde el 2006 a toda clase de público.
1. ¿En qué consiste tu trabajo?
Soy la directora gerente de una
empresa que ofrece servicios a músicos
y a futuros músicos. En concreto, la
empresa abarca un estudio de grabación,
una escuela de música moderna y
seis salas de ensayo.
Mi trabajo consiste en organizar y gestionar
el funcionamiento del local: horarios
del estudio, grabación de maquetas
en las salas de ensayo, horarios de profesores
y alumnos, coordinación de las
respectivas salas de ensayo de los grupos
(en estos momentos hay más de 100 grupos
ensayando semanalmente), etc.
2. ¿Cuesta mucho montarlo?
Un estudio de grabación no es una
inversión pequeña. Son más de 500
metros cuadrados de local y los gastos
ascendieron a más de 360.000 euros,
solamente entre insonorizaciones, instrumentos
musicales, mesas de mezclas…
Aparte de la tecnología, está el
tema de las licencias de software y los
permisos municipales y autonómicos. El
estudio se llevó una parte muy importante
ya que requiere más inversión
que el resto. Es como una estructura
dentro de otra estructura exterior.
Lleva madera, pladur, láminas de
goma, de fieltro, trampas acústicas de
unos 80 cm de grosor introducidos en
la pared para que atenúe determinadas
frecuencias. Las cajas acústicas
están encastradas en piedra (monitores
de campo lejano), las puertas y los cristales
son especiales…

a Clase de bajo en la escuela de música moderna.
Se trata de conseguir el sonido más
puro y natural dentro de la cabina
del estudio y de que no se transmita
el sonido hacia el exterior ni tampoco
que entre ningún sonido
externo hacia el mismo.
Además, al haber 6 salas de ensayo,
tenemos picos dentro de las salas de
128 decibelios y, al encontrarnos en
una zona residencial de Vigo, la
legislación es muy rigurosa al respecto
y todo debe estar conforme a
la misma.
Las salas tienen que estar sonorizadas
de tal forma que el oído de los
músicos siempre esté protegido.
a Imagen de una de las salas de ensayo con el grupo Aquelarre.
1 · Música y Tecnología 55
a Sala insonorizada.
3. ¿Cuentas con algún tipo de subvención
o se costea absolutamente
con lo que pagan los usuarios?
Cuento con una subvención, pero
que cubre lo mínimo. Se exigen
demasiadas condiciones.
4. En la escuela de música moderna
¿que tipos de instrumentos pueden
estudiar los alumnos?
Al ser un centro educativo de música
moderna, los métodos difieren de
los tradicionales y a veces los complementan.
Se trata sobre todo de una cuestión
de preferencias del alumnado, tanto
en instrumentos como en estilos.
a Sala de control y de grabación.
Los alumnos estudian canto, batería,
bajo eléctrico, guitarra eléctrica,
teclados e informática musical.
5. ¿Qué edades tienen los usuarios
del estudio de grabación, de las
salas de ensayo y de la escuela de
música moderna?
Hay gente de todas las edades en el
estudio de grabación, en las salas de
salas de ensayo predomina la gente
joven y en la escuela de música
moderna hay gente también de todas
las edades.
6. Los estudios de grabación en los
90 sufrieron un ajuste brutal y
muchos tuvieron que cerrar. ¿Crees
Y

56 Música Y
que ampliando los servicios y reorganizando
el espacio (salas de ensayo y
escuela de música moderna), es
donde está su futuro?
Sí, por supuesto, aún haría falta un
complemento ideal que sería la sala
de conciertos. Hay potenciales usuarios
que demandan este tipo de servicios.
Hasta los finales de los 90
estuvo todo el negocio musical
estancado. Cuando comienzas a
crear una oferta que no existe, la
demanda se reajusta.
Probablemente, las salas de concierto
grandes han sufrido una recesión
brutal porque necesitan de
mucho mantenimiento, pero una
a Sala de control y de grabación.
sala pequeña o mediana puede subsistir
perfectamente.
7. ¿Se percibe la ilusión en los chicos
jóvenes que montan un grupo, o
crees que, por el contrario, pasan de
todo como dan a entender muchos
medios de comunicación?
Se ve una ilusión tremenda. Ensayan
con un interés increíble, quieren
crear su propia música, su propio
estilo; aquí hay gente que toca
desde el pop–rock de los 60 hasta el
más duro Hardcore. Resulta llamativo
ver como comienzan a tocar
temas sencillos por quintas, casi
todos en un estilo Metal y posteriormente
perfeccionan su técnica.
8. Por pedir, ¿le harías alguna petición
a los políticos o a las autoridades?
Hace falta un compromiso real de las
administraciones con la juventud
actual. No basta con una simple subvención,
también hacen falta políticas
de apoyo a los jóvenes mediante el
uso de instalaciones públicas, muchas
de ellas cerradas por falta de gestión
y un apoyo efectivo hacia los grupos y
solistas (conciertos públicos, financiación
de actividades…). Administrativamente;
menos trabas impositivas a
las empresas vinculadas al mundo de
la cultura y más apoyo global a las
mismas.

1
La aplicación de las nuevas tecnologías en
la música ha provocado los cambios más
sustanciales en su creación, difusión e
interpretación, dando lugar a un nuevo
concepto de obra y a una nueva relación con
el oyente.
3
La introducción de la electricidad en las
técnicas de grabación y reproducción del sonido
dará lugar al desarrollo de los modernos
sistemas que incorporan los tres componentes
básicos: micrófono, amplificador y altavoz.
5
El tratamiento digital del sonido consiste
en muestrear la señal analógica de la onda
para convertir sus distintos valores en códigos
binarios de unos y ceros. Permite un sonido de
alta calidad y mayor durabilidad ocupando
menos espacio. Los principales sistemas de
sonido digital son el CD y la cinta DAT.
7
Los instrumentos electrónicos pioneros
fueron el Theremin, las Ondas Martenot y el
Trautonio. Entre los instrumentos actuales
destacan el Órgano electrónico, el
Sintetizador, la Batería electrónica, la Caja de
ritmos, el Secuenciador y el Sampler.
9
La informática aplicada a la música permite
hacer del ordenador un completo laboratorio
de sonido. El software musical más habitual
está destinado a la educación, la composición,
la edición de partituras y el tratamiento del
sonido.
Internet ofrece la más amplia y actualizada
información sobre todos los ámbitos
relacionados con la música, desde los estudios
más especializados a la posibilidad de
escuchar y grabar canciones.
1 · Música y Tecnología 57
EN RESUMEN
2
La posibilidad de grabar y reproducir los
sonidos se hizo realidad a finales del s. XIX con
los primeros sistemas mecánicos que
utilizaban un gran pabellón para potenciar la
señal del sonido y poder imprimirla en el
soporte. El fonógrafo de Edison utilizó como
soporte el cilindro. El gramófono de Berliner
implantó el disco liso.
4
El tocadiscos es un sistema analógico de
registro electromecánico que utiliza el disco como
soporte de sonido. El magnetófono, con su
versión popular de casete, es un sistema de
grabación electromagnética que utiliza como
soporte una cinta de plástico revestida de polvo
ferromagnético.
6
Los instrumentos electrónicos producen y
amplifican el sonido de forma completamente
electrónica sin necesidad de vibraciones
mecánicas previas. Surgieron en la década de
1920 con la aplicación de los primeros
osciladores eléctricos capaces de crear
corrientes eléctricas periódicas.
8
La composición musical se sirve de los medios
electrónicos de diversas formas. La música
concreta trabaja sobre sonidos naturales
grabados. La música electrónica realiza todo
el proceso en laboratorio. La electroacústica
combina los procedimientos de la concreta y la
electrónica. La electrónica en vivo une a la
composición electrónica la interpretación
musical en directo.