Recursos Tema 15. CD Historia del Arte 2º - Algaida

TEMA 15: ARTE DEL SIGLO XX
1) Presentación
2) Estructura del tema
3) Estado de la cuestión en la historiografía actual
4) Planteamiento didáctico
5) Actividades del CD del libro del alumnado
6) Programación didáctica
7) Actividades de comprensión o evaluación
8) Mapa conceptual
9) Bibliografía comentada
10) Repertorio de obras complementarias básicas
11) Otros recursos
12) Relación de páginas web con información útil para el tema
13) Selección de textos sobre arte del siglo XX
14) Listado de términos específicos del tema
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1) PRESENTACIÓN
El arte occidental del siglo XX se desenvuelve en un ambiente histórico muy complejo, caracterizado
por el cambio acelerado y permanente de muchos de los factores de la civilización en que se produce,
especialmente cambios de orden tecnológico, cultural y político.
El proceso de cambio con ritmo rápido que se había iniciado con la industrialización de Europa y
América del Norte, culmina ahora, se difunde a otros rincones del Planeta, y se acelera con la
aparición de nuevos elementos científico-técnicos —muy especialmente para el arte en el terreno de
los medios de comunicación—, nuevos modelos de pensamiento, revoluciones y contrarrevoluciones
sociales, económicas y políticas y nuevas formas de relación entre los artistas y la sociedad.
Vistos desde la perspectiva que más puede interesar a la Historia del Arte, dichos cambios se pueden
sintetizar de la siguiente manera:
Socioeconómicos y políticos:
–La revolución tecnológica resultante de la segunda revolución industrial, con los consiguientes y
decisivos avances en el campo de las comunicaciones.
–La nueva tecnología es a la vez un camino y un reto: ofrece nuevos materiales y nuevas técnicas,
pero también plantea nuevos problemas sociales y personales.
–En la vida política asistimos a dos fenómenos de signo contrario que tienen importantes
repercusiones en la vida cultural y artística:
-El avance de regímenes totalitarios, de uno u otro signo, que establecen un férreo control sobre
la producción artística, y la utilizan como elemento propagandístico.
-El auge y posterior triunfo del liberalismo democrático en cuyo seno, el arte multiplica sus
funciones, adquiere un importante papel económico dentro de un sistema de organización
mercantil, y los artistas gozan de un amplio margen de libertad de expresión.
–Es en este contexto donde se producen las más importantes novedades arquitectónicas y plásticas de
nuestro siglo, pero algunos aspectos importantes de estas sociedades actuaron negativamente en el
terreno de la cultura:
-La excesiva consideración de los valores culturales propios, en detrimento de la correcta
valoración de los de culturas distintas.
-La falta de plena libertad de creación, con diversos pretextos morales y políticos, ha hecho que,
incluso en sociedades con larga tradición democrática y de tolerancia, se establecieran la
censura y la persecución de artistas, cercenando el proceso de creación artística y
reconduciéndolo hacia límites menos críticos, más dóciles.
-La repetición de “fórmulas” estéticas que habían llegado a ser comercialmente rentables, para
lo cual no se duda en integrar a la cultura “oficial” incluso las imágenes o posturas más
críticas con ella, convirtiéndolas en elementos con mero valor decorativo.
Cambios culturales:
–Aparición en la escena artística de las vanguardias.
–Las repercusiones de los descubrimientos científico-técnicos en la vida artística son un factor de
evidente relevancia en el terreno de la arquitectura, y alcanza también una destacada importancia en
las artes plásticas. Desde finales del siglo XIX, existe una especial preocupación de algunos artistas o
grupos de vanguardia por aprovechar estéticamente descubrimientos científicos.
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–En el mismo sentido, los avances de la tecnología permiten la utilización de nuevos materiales en
todas las artes y de nuevas técnicas para tratarlos: el hormigón armado, el aluminio, los pigmentos
acrílicos, el hierro recortado y soldado con soldadura autógena o eléctrica, o el uso de materiales
plásticos en escultura, son algunas de las más importantes novedades.
–Desde el campo de las ciencias humanas hay importantes novedades que repercuten en las artes:
-La Etnología permite conocer y valorar mejor la cultura y el arte de los pueblos primitivos,
estilos de los que algunos artistas (Gauguin, Picasso, los expresionistas...) incorporan rasgos
destacados en sus obras.
-Las teorías del Psicoanálisis tuvieron especial interés para los surrealistas, quienes en sus obras
trataron temas, imágenes y formas de relación propias del mundo de los sueños y del
subconsciente.
Nueva relación arte-sociedad:
–El ritmo de avance de las vanguardias artísticas ha sido mayor de lo que el gran público podía ir
asimilando e incorporando a su acervo cultural, por lo que se ha producido un distanciamiento entre
los productos artísticos y la mayoría de la sociedad. El gran público muestra una actitud de rechazo
hacia obras de arte de los últimos ochenta años por la dificultad que encierra su lectura.
–La producción artística se encuadra definitivamente en el “sistema mercantil” y es regulada por la ley
de la oferta y la demanda. Ya no son los gremios de artistas ni las academias de bellas artes las que
rigen los destinos del Arte. Es ese mundo de galerías, marchantes, críticos, exposiciones,
coleccionistas y museos el que mueve el arte de nuestro tiempo, tanto en su dimensión comercial
como cultural. La sociedad capitalista impone sus leyes.
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2) ESTRUCTURA DEL TEMA
Si resulta difícil resumir la historia del arte de cualquier período a sus elementos esenciales, la del siglo
XX lo es aún más por la riqueza de tendencias y planteamientos personales que presenta, y el enorme
cúmulo de conocimientos que tenemos sobre una etapa tan próxima. Para hacer asequible esta
complejidad al alumnado de Bachillerato ha habido que seleccionar los contenidos con criterios muy
restrictivos, que permitan presentar los conceptos y hechos artísticos de la unidad con la claridad que
requiere un alumnado de esas características, y sin perder de vista el hilo conductor de la evolución de
los planteamientos artísticos, a través de las aportaciones de los artistas que más contribuyeron a
cambiar el panorama del arte occidental, al romper definitivamente con los modelos históricos.
En consonancia con ese propósito, la unidad ha sido dividida en los siguientes apartados:
1. “La arquitectura del movimiento moderno”, en el que, después de una breve introducción, se
analizan las dos tendencias predominantes en la primera mitad del siglo: el racionalismo, a
través de las innovaciones de la Bauhaus y Le Corbusier, y el organicismo en la obra de F. L.
Wright.
2. “La escultura: innovaciones conceptuales y técnicas” resume el complejo panorama de la
escultura a la incorporación estética del hueco y el movimiento real, las dos aportaciones que
constituyen la mayor novedad, y que, con el cubismo, forman el núcleo central del lenguaje
escultórico cultivado por la mayoría de los escultores de vanguardia del siglo.
3. “Los «ismos» pictóricos de las vanguardias”. Es el apartado más extenso de la unidad, por la
mayor variedad de planteamientos y tendencias que se presentan en ella. La pintura, por su
mayor facilidad para el cambio, se sitúa como el motor de las novedades que se van
produciendo en el arte occidental, y está presente en todos los movimientos de vanguardia
con el mayor número de artistas, el mayor dinamismo y la mayor radicalidad en los
planteamientos. Se han recogido solo los movimientos más destacados de la primera mitad
del siglo, desde el Fauvismo a la pintura abstracta.
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3) ESTADO DE LA CUESTIÓN EN LA HISTORIOGRAFÍA ACTUAL
El arte del siglo XX en general, y los movimientos artísticos de vanguardia en particular, han venido
suscitando desde sus inicios pasiones encontradas en el mundo de la crítica y de la historiografía del
arte, pues junto a los más furibundos detractores procedentes del campo de la cultura “oficial”,
aparecían apasionados defensores entre la intelectualidad de primera línea. Esta situación ha
contribuido en gran medida a un incremento en la aportación de los conocimientos que tenemos sobre
el arte del siglo.
Por otra parte, las vanguardias históricas han sido fenómenos muy complejos en el mundo de la
cultura, que integraban artistas de especialidades muy distintas, e intelectuales que practicaban la
crítica artística o la investigación histórica. Al mismo tiempo, el auge de los medios de comunicación
ha permitido conocer las ideas e intenciones que había detrás de cada grupo de vanguardia, de cada
artista e incluso de cada obra destacada.
Todo ello ha contribuido a que tengamos un conocimiento muy profundo y extenso de la producción
artística del siglo XX, conocimiento que ha sido sistematizado por distintas corrientes de
investigación, basadas en las metodologías clásicas: formalismo, sociologismo, historicismo,
culturalismo... y, para este siglo, especialmente el estructuralismo y la psicología del arte, tanto la
basada en la psicología freudiana como en la filosofía de la Gestalt. Pero las obras más completas y
actuales han apostado por sistemas metodológicos eclécticos, al abordar los distintos aspectos de la
compleja situación que plantea el arte del siglo desde perspectivas múltiples y complementarias.
En el apartado de bibliografía, se encuentran reseñadas las obras más destacadas al respecto que han
sido traducidas al castellano.
No obstante todo lo anterior, estamos viviendo una etapa de crisis de la metodología en la Historia del
Arte, que está llevando a replantearse todos los principios metodológicos y hasta la propia existencia
de la disciplina como ciencia.
Como afirma Delfín Rodríguez (La arquitectura del siglo XX, Madrid, 1993, p. 6), desde que M.
Tafuri reconociera que “la historia verdadera no es la que se arropa con pruebas filológicas
indiscutibles, sino la que recoge su propia arbitrariedad”, y “se reconoce como edificio inseguro”, una
parte de la historiografía más reciente relacionada con el arte contemporáneo, “reconoce en la
arbitrariedad la salvación de su propia inseguridad, negando la pertinencia de la historia como
disciplina”. Situación que ha llevado, en los últimos años, a un proceso por el que el historiador
incorpora a su disciplina los procedimientos e instrumentos de la memoria y de la historia de los
artistas, mientras que sus formas tradicionales de hacer historia van siendo asumidas por el
periodismo.
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4) PLANTEAMIENTO DIDÁCTICO
Lo dicho al respecto en la unidad anterior tiene, si cabe, mayor vigencia en ésta, pues, más que nunca,
nos encontramos en una época en la que los cambios son constantes y rápidos. Por ello, el principio
didáctico básico consiste en subrayar los elementos de cambio frente a los de permanencia, para que
aparezca como una época de transición constante, en la que las corrientes artísticas se suceden y se
solapan, y las novedades se relevan más como reacción ante lo precedente que como su herencia.
Tampoco se puede desviar la atención del análisis de aquellos elementos contextuales que, de forma
más directa, inciden en la renovación del panorama artístico de cada momento. Se trata de dar el
máximo relieve a los hechos e ideas en que se sustentan las distintas vanguardias, y contribuyen a
explicar las motivaciones de los artistas y sus obras, y los contenidos esenciales de éstas. Sin esta
tarea, el alumnado de Bachillerato seguirá tan distante de la apreciación del arte contemporáneo
como, desgraciadamente, lo está un importante sector del gran público que no ha tenido ocasión de
conectar con él y educarse en su valoración.
Es necesario, además, trabajar una visión de conjunto en la que se valoren los elementos de cambio y
permanencia, al objeto de poder apreciar que, aunque unas vanguardias surgen como reacción frente a
las precedentes, dicha reacción no debe entenderse de forma negativa, sino como un estímulo a seguir
avanzando en el descubrimiento de nuevos lenguajes, en los que muchas veces permanecen
planteamientos teóricos y rasgos técnicos y plásticos de lo anterior. En resumen, ninguna vanguardia
parte de cero, sino que recoge enseñanzas del arte anterior, más o menos distante, e incluso de
culturas ajenas a la tradición europea.
Dificultades previsibles en el aprendizaje y sugerencias metodológicas
Las dificultades que suelen presentarse en esta unidad, la última del programa y generalmente con
poco tiempo para su estudio, se relacionan sobre todo con el procedimiento de análisis de obras. El
modelo de análisis morfológico que se puede practicar en la pintura y la escultura hasta el
impresionismo inclusive, no tienen apenas validez en el siglo XX, y menos cuando se trata de obras
con un alto grado de abstracción.
Hay, por tanto, que buscar otros referentes y otras pautas, que están más en las motivaciones
subyacentes del movimiento de vanguardia al que corresponda la obra, o en planteamientos personales
de su autor que en la compleja gramática visual, susceptible de análisis en otros niveles superiores al
del alumnado de Bachillerato.
Esto no quiere decir que haya que renunciar a realizar análisis morfológicos de las obras. Se pueden
seguir usando los parámetros aplicados al análisis de obras de épocas anteriores, mediante una
selección de los que resulten más pertinentes, pero hay que priorizar la observación de elementos
conceptuales y contextuales que son los que mejor explican el cómo y el por qué de cualquier obra o
autor.
En ese sentido, es recomendable revisar las “recetas” que se han venido aplicando a lo largo del curso
al comentario de obras –por otra parte absolutamente necesarias para que el alumnado no se pierda– a
fin de adecuarlas a las nuevas realidades artísticas.
También son muy convenientes los ejercicios de síntesis: esquemas, sinopsis, mapas conceptuales, que
resuman y aclaren los conceptos y los hechos recogidos en la unidad y en el entramado de relaciones
que se establecen entre ellos.
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Estrategias de motivación
Una de las mejores formas de motivación para el arte del siglo XX suele estar en la visita a una
exposición de obras actuales en la que poder entrevistarse con el autor, tarea que suelen aceptar de
buen grado los artistas jóvenes.
Si no existe esa posibilidad, un buen sucedáneo es la visita a una exposición antológica, sala o museo
monográfico de algún autor muy conocido.
En definitiva, se trata de situar al alumnado ante el reto de interpretar y valorar obras a las que no está
normalmente habituado.
Hay también muy buenos documentales en vídeo que pueden servir a este propósito.
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5) ACTIVIDADES DEL CD DEL LIBRO DEL ALUMNADO
Planta de oficinas de la Compañía Johnson Wax. Frank Lloyd Wright. Calle Howe, nº 1525.
Racine, Wisconsin, Estados Unidos.
Después de oír con atención el comentario de esta obra, responde a las siguientes cuestiones.
1. ¿Qué es el organicismo?
2. Define las principales características de la Casa de la Cascada.
3. ¿Qué prestaciones ofrece una estructura de hormigón?
4. ¿Por qué la luz de estas oficinas es cenital?
5. ¿Qué edificio culmina los ensayos de Wright con la línea curva iniciados en estas oficinas de la
Compañía Johnson Wax?
Mercado de esclavos con aparición del busto invisible de Voltaire. Salvador Dalí. Museo
Salvador Dalí. San Pertersburgo, Florida, Estados Unidos.
Después de oír con atención el comentario de esta obra, responde a las siguientes cuestiones.
1. ¿Quién fue el fundador del movimiento surrealista? ¿En qué se basó?
2. ¿Cuándo se adhiere Dalí al grupo surrealista?
3. ¿Quién fue Gala? ¿Cómo influyó en la vida y obra de Dalí?
4. ¿Por qué se afirma que el lienzo está “académicamente dibujado”?
5. Cita y comenta algún otro ejemplo del método paranoico-crítico.
Le Corbusier. Monasterio dominico de Santa María de la Tourette. En la actualidad, Centro
Cultural de la Orden de Predicadores (1957-1960). Hormigón armado y cristal. Evreux-sur-
Arbresie, Francia.
Después de leer con atención el comentario de esta obra, responde a las siguientes cuestiones.
1. ¿Qué es el racionalismo?
2. ¿Cuándo se inicia?
3. Compara la estructura de este monasterio del siglo XX con la de los monasterios medievales.
4. ¿Qué son los pilotes?
5. Cita y comenta alguna otra religiosa de Le Corbusier.
Pablo Gargallo. Gran Bailarina (1929). Chapa de hierro. 120 cm. Colección particular, Madrid.
Después de leer con atención el comentario de esta obra, responde a las siguientes cuestiones.
1. ¿Qué conceptos revolucionan la escultura del siglo XX?
2. ¿Quién fue el precursor del uso del hueco en la escultura?
3. ¿Qué nuevos materiales y técnicas se emplearon en la escultura del siglo XX?
4. ¿Quién es el máximo representante del movimiento mecánico?
5. ¿Qué artista había utilizado ya la temática de las bailarinas en su obra?
Henri Matisse. El postre o Armonía en rojo (1908). Óleo sobre lienzo. 180 x 200 cm. Museo del
Ermitage. San Pertersburgo, Rusia.
Después de leer con atención el comentario de esta obra, responde a las siguientes cuestiones.
1. ¿Qué significa el término “vanguardia artística”?
2. ¿Qué eran las Exposiciones de Otoño?
3. ¿A qué corriente pictórica pertenece este cuadro? Razona tu respuesta.
4. ¿Incluye algún compromiso moral esta pintura?
5. ¿Qué tipo de obras realizó Matisse en sus últimos años de vida
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6) PROGRAMACIÓN DIDÁCTICA
OBJETIVOS DIDÁCTICOS
1. Explicar el significado de los términos y nombres propios específicos de la unidad.
2. Conocer los rasgos esenciales de la historia y la cultura, que actúan como marco de
referencia de la producción artística del período.
3. Identificar los rasgos morfológicos elementales del arte del siglo XX en sus diversas
manifestaciones y períodos, su evolución, y las relaciones con movimientos artísticos del
siglo anterior y de las distintas vanguardias entre sí.
4. Explicar los rasgos estilísticos esenciales de los artistas más destacados del siglo XX, e
identificarlos en sus obras.
5. Indagar y obtener información de fuentes diversas sobre aspectos significativos del arte del
siglo XX.
CRITERIOS DE EVALUACIÓN
1.1. Definir, con un léxico adecuado a su nivel, conceptos y nombres propios específicos de la
unidad.
2.1. Redactar escritos sobre temas artísticos, incluyendo en ellos contenidos de carácter histórico
y cultural, sin apoyatura o apoyándose en imágenes y/o textos relacionados con el tema, y
relacionar los rasgos estilísticos de la imagen, y/o las ideas principales del texto, con el
contexto histórico y cultural.
3.1. Analizar los rasgos formales de las distintas tendencias del arte del siglo XX en imágenes o en
obras de arquitectura, escultura y pintura, relacionarlos con el contexto histórico del período,
y reconocer la función y el significado de las obras y las relaciones con modelos del siglo
anterior y con otras tendencias del mismo siglo.
3.2. Observar directamente y analizar monumentos y obras de arte en museos y exposiciones,
previa preparación con información pertinente. Apreciar la calidad estética de las obras y
expresar, oralmente o por escrito, una opinión fundamentada de las mismas.
3.3. Analizar, sintetizar y comentar las ideas contenidas en textos de fuentes primarias o
secundarias, relacionadas con los conceptos y hechos artísticos de la unidad.
3.4. Identificar en esquemas y dibujos los elementos y las características destacadas de la
arquitectura, los tipos de edificios y su función.
4.1. Reconocer los rasgos estilísticos esenciales de un autor dado y relacionarlos con la tendencia
correspondiente.
5.1. Procesar y asimilar la información obtenida en fuentes diversas: bibliográficas, audiovisuales,
Internet.
CONTENIDOS
1. La arquitectura del movimiento moderno.
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–El racionalismo: Le Corbusier.
–El organicismo: Frank Lloyd Wright.
2. La escultura: innovaciones conceptuales y técnicas.
3. Los “ismos” pictóricos de las vanguardias.
–El fauvismo y Matisse.
–El expresionismo alemán y Kandinsky.
–El cubismo y Picasso.
–El dadaísmo y Marcel Duchamp.
–El surrealismo y Dalí.
–La abstracción y Pollock.
Arqueólogos, historiadores, coleccionistas y artistas.
–Solomon y Peggy Guggenheim, coleccionistas y fundadores de museos de arte
contemporáneo.
El patrimonio artístico.
–Las vanguardias: Matisse, Bodegón español: naturaleza muerta, Sevilla I. Ermitage, San
Petersburgo.
MÉTODOS PEDAGÓGICOS
• Realizar un cuadro cronológico comparativo con los principales artistas del siglo y las
tendencias o vanguardias a las que se adscribieron.
• Realizar un listado de térmicos específicos de la unidad, anotando su significado.
• Definir los conceptos incluidos en la página de actividades del libro del alumno.
• Analizar y comentar textos de fuentes primarias y/o secundarias.
• Analizar las imágenes de obras de arte propuestas en las actividades del libro.
• Elaborar cuadros sinópticos sobre los rasgos identificativos de las distintas tendencias y
artistas estudiados en la unidad.
• Confeccionar síntesis y esquemas de los elementos de la cultura que más inciden en la
producción artística.
• Realizar mapas conceptuales en los que se establezcan las relaciones entre los distintos
elementos del contexto, y de éstos con la producción artística en sus distintas fases y
vanguardias.
• Realizar las cuestiones propuestas en la página de actividades del libro, sobre contenidos
contextuales de la unidad.
• Buscar imágenes de arte del siglo XX en Internet o en revistas y folletos turísticos para ampliar
la colección.
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• Analizar y comentar esquemas y dibujos arquitectónicos de edificios mencionados en el libro
del alumno.
• Realizar un pequeño trabajo de indagación sobre una obra de arte próxima, relacionada con la
unidad.
• Preparar itinerarios de visita a edificios destacados y a museos relacionados con el arte del
siglo XX, en los que se recoja la visita a lugares y edificios relacionados con unidades
anteriores.
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7) ACTIVIDADES DE COMPRENSIÓN O EVALUACIÓN
1. Define brevemente los siguientes términos, en el contexto del arte del siglo XX.
a. Estilo arquitectónico internacional.
b. Planta libre.
c. Cubismo.
d. Método paranoico-crítico.
2. Define brevemente los siguientes términos, en el contexto del arte del siglo XX.
a. Organicismo.
b. Máquina para vivir.
c. Mobile.
d. Expresionismo abstracto
3. Define brevemente los siguientes términos, en el contexto del arte del siglo XX.
a. Racionalismo.
b. Modulor.
c. Die Brücke.
d. Dripping.
4. Define brevemente los siguientes términos, en el contexto del arte del siglo XX.
a. Bauhaus.
B. Pilotes de un edificio.
c. Der Blaue Reiter.
d. Action painting.
5. Define brevemente los siguientes términos, en el contexto del arte del siglo XX.
a. De Stijl.
b. Hormigón armado.
c. Expresionismo.
d. Collage.
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6. Realiza una redacción sobre el tema “La escultura del siglo XX: innovaciones conceptuales y
técnicas” (marco cronológico, contexto histórico-cultural, aportaciones más destacadas a la
renovación de la escultura y principales representantes), integrando en ella la información que te
proporcionan el texto y la imagen.
Juego y oficio en la escultura de Calder
“En el escultor americano Calder se combinan el faber y el ludens. Toma la materia tal y como la
proporciona la industria: laminados, perfiles, varillas. Si quiere que tengan color, utiliza pinturas
de esmalte comunes.
Trata estos materiales industriales con una técnica inteligente aunque elemental, de mecánico de
barrio.
No tiene la mínima intención de resolver complicados problemas de geometría, como hacía Pevsner;
ni de comunicar a la humanidad mensajes importantes, como Moore.
Se divierte fabricando aparatos que tienen por único fin divertir: y, precisamente, divertir o
desplazar el pensamiento del espectador respecto del uso normal de esos materiales industriales.
Se comporta como un obrero que en la fábrica tomara las piezas que le trae la cadena de montaje y
se pusiera a construir alegremente juguetes para sus niños.
En una sociedad industrial seria, Calder sería un obrero que habría que despedir inmediatamente;
pero precisamente es eso lo que le gusta: ser el último obrero libre, ingenioso e inventivo en una
sociedad para la cual el obrero serio es un robot.
Los montajes que construye, bien sean grandes o pequeños, son generalmente móviles: y ese
movimiento es el resultado de un perfecto, complicado aunque evidente sistema de brazos de
balanzas, de suspensiones, de contrapesos.
El más leve toque, incluso solo una corriente de aire, son suficientes para suscitar un movimiento
rítmico que poco a poco se extiende hasta los elementos más lejanos...”
Argan, G. C.: El arte moderno, Madrid, Akal, 1991, p. 447
El gran profeta. Pablo Gargallo
(M. N. Centro de Arte Reina Sofía, Madrid)
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7. Desarrolla el tema: “El cubismo y Picasso”.
–Sitúa en su contexto histórico-cultural y artístico el desarrollo de esta vanguardia.
–Explica los elementos básicos del lenguaje cubista.
–Comenta la obra de Picasso a través de sus distintas etapas.
8. Realiza una redacción sobre el tema “La arquitectura del movimiento moderno: racionalismo y
organicismo” (marco cronológico, contexto histórico, social y cultural en el que se gesta y
desarrolla; elementos esenciales de las distintas tendencias y arquitectos más destacados, con
especial atención a Le Corbusier y Wright), integrando en ella la información que te proporcionan
el texto y la imagen.
Le Corbusier y la difusión internacional de la arquitectura moderna
“Le Corbusier, partiendo de las experiencias más vivas de la vanguardia de los primeros años de
posguerra, comienza su paciente tarea de definir los standards de la arquitectura y de la urbanística
moderna y dedica su incomparable talento —uno de los mayores de toda la historia— no a realizar
una visión artística suya e irrepetible, sino para idear soluciones razonables, que se puedan repetir
y transmitir a otros. Él supo continuar por esta línea sin incertidumbres, en el transcurso de una
larga y productiva vida; a él se debe, en gran parte, la resonancia mundial de la nueva arquitectura,
y la capacidad de acoplarse a cualquier tradición local.
Seleccionando racionalmente los elementos de la herencia artística europea, el movimiento moderno
ha suavizado los exclusivismos y de las limitaciones tradicionales, y virtualmente ha cancelado los
confines geográficos de esta herencia aceptando y confirmando, innecesario es decirlo, las
diferencias locales, pero sin vincular el método general a ninguna de éstas. Así, el movimiento
europeo pudo abrirse en un movimiento internacional, y los aportes de los maestros europeos se
adaptaron a las preexistencias culturales de todos los países, poniendo en juego, en cada país, las
mejores energías locales. De esta manera, la arquitectura «internacional», que hace treinta años
era un programa teórico, es hoy, en gran medida, una realidad, como se ha demostrado con la
vitalidad de las experiencias en curso en Europa, Estados Unidos, América latina y Japón.”
Benevolo, L.: Introducción a la arquitectura, Madrid, Celeste, 1992, p. 262.
9. Desarrolla el tema “Pintura del siglo XX: el surrealismo y la obra de Dalí. La abstracción en la obra
de J. Pollock”.
– Sitúa en su contexto histórico-cultural el origen y desarrollo de las dos vanguardias.
– Explica las características esenciales de ambas.
– Analiza la obra de Dalí y Pollock en el marco de su contexto histórico y artístico.
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10. Realiza una redacción sobre el tema “Las primeras vanguardias de la pintura del siglo XX:
fauvismo y expresionismo” (marco cronológico, contexto histórico-cultural, rasgos generales de
estas tendencias y principales artistas), integrando en ella la información que te proporcionan el
texto y la imagen.
El color y la expresión según Matisse
“La tendencia dominante del color debe ser la de servir de la mejor manera posible a la expresión.
Coloco mis colores sin cálculo previo. Si desde el primer momento, y casi sin que yo tenga
conciencia de ello, un tono me ha seducido o detenido, me apercibiré en seguida, una vez haya
terminado el cuadro, de que he respetado este tono, mientras que progresivamente he modificado y
transformado los otros.
El lado expresivo de los colores se me impone de una manera instintiva. (...) La elección de mis
colores no se basa sobre ninguna teoría científica, sino en la observación, sobre el sentimiento,
sobre la experiencia de mi sensibilidad. Inspirándose en ciertas páginas de Delacroix, un artista
como Signac se preocupa de los complementarios, y su conocimiento teórico le llevará a emplear
aquí o allá tal o cual tono. Yo intento simplemente colocar los colores que proporcionen mi
sensación. Hay una proporción necesaria de tonos que pueden conducirme a modificar la forma de
una figura o a transformar mi composición. (...) Lo que sueño, es un arte de equilibrio, de pureza,
de tranquilidad, sin asunto inquietante o preocupante, que sea para todo trabajador o intelectual,
sea hombre de negocios o de letras, un lenitivo, un calmante cerebral, algo análogo a un buen sillón
en que descanse de sus fatigas físicas.”
Matisse, H.: La Grande Revue, 25 de diciembre de 1908. Cit. en Cassou, J.: Panorama de las artes
plásticas contemporáneas, Madrid, Guadarrama, 1961, pp. 157-158.
Calle con buscona de rojo (escena callejera berlinesa). Kirchner
(Museo Thyssen–Bornemisza, Madrid)
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11. Análisis y comentario de una obra de arquitectura.
Cuestiones:
Iglesia de Notre Dâme du Haut. Le Corbusier
(Ronchamp, Francia)
a. Clasifica la obra: tendencia, época, autor y función del edificio.
b. Analiza los materiales, elementos sustentantes, elementos sostenidos y decorativos.
c. Describe los principios esenciales de la arquitectura del siglo XX.
d. Explica las aportaciones básicas y las principales obras de Le Corbusier y de Frank Lloyd
Wright.
e. Comenta los elementos básicos del contexto histórico-cultural en que se enmarca la
arquitectura de ese siglo.
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12. Análisis y comentario de una obra de pintura.
Cuestiones:
a. Clasifica la obra: estilo, época y autor.
Las señoritas de Avignon. Picasso
(Museo de Arte Moderno, Nueva York)
b. Señala sus rasgos característicos: proporciones de las figuras y tratamiento de la anatomía;
tratamiento de las superficies (calidades y texturas), grado de realismo o de esquematización;
peso, movimiento, composición; forma de articular el conjunto; relación línea/color; valores
cromáticos y relación luz/color, y recursos usados para representar el espacio.
c. Describe los elementos esenciales del lenguaje plástico cubista.
d. Explica la relación de esta obra —por el tratamiento del volumen y el espacio— con
tendencias y estilos artísticos anteriores.
e. Comenta la evolución de la obra de este pintor y los elementos del contexto histórico y
artístico en que se ve enmarcada.
13. Analiza y comenta la obra vista exterior del Museo Guggenheim, de F. L. Wright.
14. Analiza y comenta la obra Sueño provocado por el vuelo de una abeja, de Dalí.
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15. Análisis de texto.
Archipenko y la valoración del hueco en escultura
“Archipenko, poco después de su llegada a París en 1908, empezó a realizar esculturas con
materiales transparentes, e incorporando también concavidades y «agujeros». Tras meditar mucho
sobre estas cuestiones, llegó a la conclusión de que las funciones tradicionales de sólido y vacío
debían invertirse: «Tradicionalmente siempre se creía que la escultura empieza allí donde la
materia toca el espacio. Así se entendía que el espacio era una especie de marco que rodeaba a la
masa... Yo he llegado a la conclusión de que la escultura puede empezar cuando el espacio se halla
rodeado por la materia. Boccioni sustituyó esta idea de la inversión de sólido y vacío por el
concepto de interpretación: «No puede creerse por más tiempo que un objeto acaba donde otro
empieza» y continuaba diciendo que debía haber «una absoluta y completa abolición de las líneas
definidas y de la escultura cerrada. Rompemos la figura, la abrimos, y encerramos el entorno en su
interior... Así los objetos nunca poseen finales finitos, sino que se cruzan con infinitas
combinaciones de armonías simpáticas y aversiones encontradas». Podríamos concluir que con ello
alborea la edad del espacio: a partir de este momento muchos escultores se interesan por la relación
que existe entre el espacio y la masa y por el significado del espacio.”
Cuestiones:
Wittcower, R.: La escultura: procesos y principios, Madrid, Alianza, 1980, p. 309.
a. Señala las ideas principales del texto y sintetízalas.
b. Describe las principales innovaciones de la escultura del siglo XX.
c. Explica las aportaciones de los escultores más destacados.
d. Comenta el contexto histórico y cultural en el que desarrollaron su obra.
16. Análisis de texto. Clasifica, analiza y comenta el siguiente texto.
El expresionismo, una constante histórica
“«Expresionismo»... es un término fundamentalmente necesario, como «idealismo» y «realismo», y
no una palabra llena de significados secundarios, como «impresionismo». Expresa uno de los
modos básicos de percibir y representar el mundo que nos rodea. En efecto, solo existen estos tres
modos básicos: el realismo, el idealismo y el expresionismo, si bien, como veremos inmediatamente,
existe un cuarto modo que pretende reemplazar al realismo. El modo realista no necesita
explicación; constituye, en las artes plásticas, el esfuerzo para representar el mundo exactamente
como se nos ofrece a nuestros sentidos, sin ningún tipo de atenuación, omisión ni falsedad. Este
esfuerzo no es tan simple como parece, y esto lo demuestra un movimiento como el impresionismo,
el cual puso en duda las bases científicas de la visión normal o convencional, e intentó incluso ser
más riguroso en su modo de mostrar la Naturaleza.
El idealismo parte de las bases de una concepción realista, pero hace deliberadamente una
selección entre el exceso de percepciones, y desecha algunas de ellas por no interesantes. Según la
definición clásica de Reynolds, «existen unos modelos Superiores en el arte de la pintura más allá
de lo que generalmente se llama la imitación de la Naturaleza... Todas las artes reciben su
perfección de una belleza ideal, superior a todo lo que puede hallarse en la naturaleza individual».
18

«El ojo del artista –dice en este mismo Tercer Discurso-,- por ser capaz de distinguir las
deficiencias accidentales, las excrecencias y deformidades de las cosas, de sus figuras generales,
elabora una idea abstracta de sus formas más perfecta que ninguna forma original.»
El idealismo, como veremos, tiene una base intelectual; solo esta dignidad intelectual, como
Reynolds intuyó, diferencia el artista del simple mecánico.
Podemos decir que el realismo se basa en los sentidos, registra, lo más fielmente posible, todo lo
que perciben los sentidos. Pero aún existe otra división del Yo consciente del hombre que llamamos
las emociones, y es precisamente a las emociones que corresponde el tercer tipo fundamental de
arte. El expresionismo es el tercer tipo de arte que se esfuerza en describir, no los hechos objetivos
de la Naturaleza, ni una noción basada en esos hechos, sino los sentimientos subjetivos del artista.
Es, por definición, individualista, y de ningún modo es un fenómeno artístico específicamente
moderno.”
17. Análisis de texto.
Read, H.: Arte y sociedad, Barcelona, Península, 1973, pp. 176-177.
La esencia de la arquitectura contemporánea
“El espacio moderno se funda en la planta libre. La exigencia social que ya no plantea a la
arquitectura temas áulicos y monumentales, sino el problema concreto de la casa para familia
media, o la vivienda obrera y campesina hasta ahora fraccionada en sofocantes cubitos
yuxtapuestos, así como la nueva técnica constructiva del acero y del hormigón armado que nos
brinda la posibilidad de concentrar los elementos de resistencia estática en un delgado esqueleto
estructural, concretan las condiciones efectivas para la formulación de la teoría de la «planta
libre».
Habréis visto seguramente una casa en hormigón armado en construcción; pilotes y suelos se elevan
desde los cimientos hasta la azotea, antes que sea colocado cualquier elemento de pared exterior o
interior.
La arquitectura ecléctica había recubierto temerosamente esta estructura cristalina con la envoltura
mural antigua, a fin de imitar la solidez y la consistencia plástica, que habían sido tan caras a la
cultura del Renacimiento.
La arquitectura moderna vuelve a proyectar el sueño gótico en el espacio y, explotando con acierto
la nueva técnica para realizar sus intuiciones artísticas con extrema adhesión y audacia, establece
mediante los amplios ventanales, verdaderas paredes de vidrio, el contacto absoluto entre el espacio
interno y el externo.”
Cuestiones:
Zevi, B.: Saber ver la arquitectura, Barcelona, Apóstrofe, 1998, p. 101.
a. Señala las ideas principales del texto y sintetízalas.
b. Define y explica los subrayados.
c. Describe los rasgos generales de la arquitectura del movimiento moderno: racionalismo y
organicismo.
d. Comenta el contexto histórico y cultural en el que se enmarca.
e. Analiza la obra de Le Corbusier.
19

18. Análisis de texto. Clasifica, analiza y comenta el siguiente texto.
El ideario expresionista
“Gran trastorno. Desplazamiento del centro de gravedad del arte, la literatura y la música....
Necesidad de volverse con intensidad hacia la naturaleza interior, renunciando, por consiguiente, a
todo embellecimiento de las formas exteriores de la naturaleza... tales son, en conjunto, los signos
del renacimiento interior. Mostrar los caracteres y las manifestaciones de esta transformación,
resaltar la continuidad de esta tendencia con relación a épocas pasadas.
Ostentar los impulsos interiores en todas las formas que provocan una reacción íntima en el
espectador. Tal es el fin que el Blaue Reiter, se esforzará en alcanzar.Hoy buscamos nosotros,
detrás del velo de las apariencias exteriores, cosas ocultas que nos parecen más importantes que los
descubrimientos de los impresionistas... Buscamos y cuidamos este lado espiritual de nosotros
mismos con respecto a la naturaleza, no por capricho o por el placer de ser diferentes, sino porque
lo vemos, exactamente como antes se pudieron ver de un golpe las sombras violetas y la atmósfera,
antes que otra cosa...Hay quien cree seriamente que nosotros, los pintores nuevos, no obtenemos
nuestras formas de la naturaleza, que no las arrancamos de ellas como lo han hecho siempre los
artistas de todas las edades. La naturaleza brilla en nuestras pinturas como en todas las formas de
arte. La naturaleza está en todas partes, en nosotros y fuera de nosotros, solo hay una cosa que no
es completamente la naturaleza sino la interpretación de ella: el arte. El arte es y ha sido siempre,
en su pura esencia, la separación más audaz entre la naturaleza y la naturalidad. Es el puente con
el mundo del espíritu.”
Prospecto añadido al catálogo de la primera exposición del Blaue Reiter. Publicado en un artículo de
G. Marc aparecido en Pan, el 7 de marzo de 1912.
19. Análisis de texto.
Guillaume Apollinaire analiza la obra de Picasso
“Severamente, Picasso ha interrogado al universo. Se ha habituado a la inmensa luz de los abismos.
Y, a veces, ha querido devolver a la luz los objetos auténticos, un pliego de cordel, un auténtico sello
de correos, un recorte de periódico o un trozo de linóleum en el que está marcada la huella del
asiento de una silla. El arte del pintor no añadía ningún elemento pintoresco a la verdad de estos
objetos. La sorpresa ríe salvajemente en la pureza de la luz y aparecen, insistentemente, cifras y
letras impresas como elementos pintorescos, nuevos en el arte y cargados de tiempo de humanidad.
No es posible adivinar todas las posibilidades ni todas las tendencias de un arte tan profundo y
minucioso. (...) Dibujando los planos para representar los volúmenes, Picasso proporciona una
enumeración tan completa y aguda de los diversos elementos que componen los objetos, que éstos se
convierten en tales objetos no gracias al esfuerzo del que mira y no puede aprehender la
simultaneidad, sino gracias a su disposición.
(...) Es como un recién nacido que pusiese en orden el universo para su exclusivo uso y consumo, y
para hacer más fáciles las relaciones con sus semejantes. Su enumeración tiene la grandeza de la
epopeya, y con el orden estallará el drama. Se puede rechazar un sistema, una idea, una calidad o
una semejanza, pero no veo cómo podría ser rechazada la simple acción de quien enumera.”
Apollinaire, G.: Picasso y los papiers collés. Publicado en Cahiers d’Art, París, 1970.
20

Cuestiones:
a. Señala las ideas principales del texto y sintetízalas.
b. Explica los rasgos generales de la pintura cubista en sus dos fases.
c. Comenta el contexto histórico y cultural en el que se enmarca este movimiento artístico.
d. Comenta las aportaciones de Picasso a la pintura del siglo XX y las etapas más importantes en
que suele dividirse su vida artística.
20. Análisis y comentario de un esquema arquitectónico.
Cuestiones:
a. Clasifica este edificio por su sección: corriente arquitectónica, época y función.
b. Identifica el material en que está construido y los elementos sustentantes y sustentados que se
aprecian en el dibujo.
c. Explica las características generales de esta corriente arquitectónica y cita a sus principales
representantes.
21

21. Análisis y comentario de un esquema arquitectónico.
Cuestiones:
a. ¿Qué edificio representa el dibujo? Sitúalo en una corriente arquitectónica y una época del
siglo XX y determina su función.
b. Comenta las peculiaridades de la planta e identifica los elementos sustentantes que se
aprecian en el dibujo.
c. Explica las características generales de esta corriente arquitectónica y cita a sus principales
representantes.
22. Análisis y comentario de un esquema arquitectónico.
22

Cuestiones:
a. ¿Qué edificio representa el dibujo? Sitúalo en una corriente arquitectónica y una época del
siglo XX y determina su función.
b. Comenta las peculiaridades del edificio que se aprecian en su sección: elementos
constructivos y características del espacio interno.
c. Explica las características generales de esa corriente arquitectónica, cita a su principal
representante y otros edificios que conozcas de él.
23. Análisis y comentario de un esquema arquitectónico.
Cuestiones:
a. Analiza esta estructura arquitectónica: materiales, elementos sustentantes y sostenidos, y
corriente arquitectónica que más uso ha hecho de ella.
b. Explica las características generales de esta corriente arquitectónica e indica cuáles de ellas se
aprecian en el dibujo.
c. Cita y comenta los arquitectos y las obras más representativas de esta corriente.
24. Define los rasgos característicos de la obra de Picasso; explica su contribución a la renovación de
la pintura europea, y cita sus obras más destacadas.
25. Define los rasgos característicos de la escultura de Calder, señala sus aportaciones a la escultura
contemporánea y cita sus obras más destacadas.
26. Define los rasgos característicos de la obra de Pollock y señala sus aportaciones a la pintura
contemporánea.
27. Define los rasgos característicos de la obra de Le Corbusier, señala sus aportaciones a la
arquitectura contemporánea y cita sus obras más destacadas.
28. Define los rasgos característicos de la obra de Matisse, explica su contribución a la pintura de las
vanguardias del siglo XX y cita sus obras más destacadas.
23

8) MAPA CONCEPTUAL
A) PINTURA
CAMBIO/PERMANENCIA EN
LAS IDEAS Y EN LAS FORMAS
ARTÍSTICAS
RECEPCIÓN DE
ELEMENTOS DEL
POSTIMPRESIONISMO
Y DE LA PINTURA
ANTERIOR
LÍNEA SUBJETIVA Y
EXPRESIVA:
- Art Nouveau.
- Grünewald, El Greco,
Goya.
- Gauguin y Van Gogh.
LÍNEA RACIONAL Y
GEOMÉTRICA:
- Arte egipcio.
- Cézanne.
- Geometrización de la
escultura africana e
ibérica.
LÍNEA FANTÁSTICA
Y ONÍRICA:
- El Bosco.
FACTORES BÁSICOS DEL CONTEXTO
SOCIAL Y CULTURAL
ECONOMÍA:
- Segunda revolución
industrial y
revolución
tecnológica.
- Internacionalización
de los procesos
económicos.
FAUVISMO
EXPRESIONISMO
CUBISMO
SURREALISMO
POLÍTICA:
- Revolución
rusa.
- Fascismos.
- Consolidación
de las
democracias.
- Compromiso
político de
muchos artistas.
PINTURA DEL
SIGLO XX
EXPRESIONISMO
ABSTRACTO
SOCIEDAD:
- Enfrentamientos
burguesía y
proletariado que se
saldan con
resultados
distintos.
- Distanciamiento
entre el arte y la
sociedad.
CULTURA:
- Las novedades
culturales se suceden
a un ritmo
desconocido.
- Renovación y auge
de los medios de
comunicación: la
“cultura de masas”.
- El expresionismo es una
constante histórica en la
cultura alemana.
- Coincidencia con el cine y
la teoría de la relatividad en
la captación del
espacio/tiempo.
- Influencia de la teoría del
psicoanálisis de S. Freud.
- Influencia de la filosofía del
existencialismo.
24

B) ESCULTURA
VALORACIÓN DEL HUECO CUBISMO
TÉCNICA CONSTRUCTIVISTA
ARCHIPENKO
INCORPORACIÓN
DEL MOVIMIENTO
GARGALLO JULIO GONZÁLEZ
CALDER
ABSTRACCIÓN
SURREALISMO:
- Sentido lúdico de
la obra de Miró.
25

C) ARQUITECTURA
RECEPCIÓN DE
PLANTEAMIENTOS
MODERNISTAS:
- Distanciamiento del
historicismo.
- Incorporación de los
nuevos materiales.
PRIMACÍA DE LA IDEA
DE FUNCIONALISMO
RACIONALISMO
- Aunque no usa elementos de la
arquitectura histórica, incorpora
principios del clasicismo:
proporción humana y pureza
geométrica.
- Se plantea problemas de orden
social.
- Construcción sobre pilotes.
- Terrazas jardín.
- Planta libre.
- Ventanas apaisadas.
- Fachada libre de carga.
REVOLUCIÓN
TECNOLÓGICA:
- Sigue aportando mejoras en
materiales y técnicas.
ARQUITECTURA
DEL SIGLO XX
PRINCIPIOS
BÁSICOS
PLANTEAMIENTOS
TÉCNICOS
NUEVOS PLANTEAMIENTOS Y
NECESIDADES SOCIALES:
- Viviendas lujosas “de campo”, para
la clase social más pudiente.
- Viviendas colectivas dignas.
- Planificación y construcción de
ciudades enteras o remodelación de
las antiguas.
INTERNACIONALIZACIÓN DE
SISTEMAS Y MODELOS
ORGANICISMO
- Se plantea problemas de orden
individual.
- Concibe los edificios como
organismos adaptados al medio
natural.
- Eliminación de la caja espacial.
- El volumen neto es sustituido por
el cruce de planos horizontales y
verticales.
- Articulación libre de la planta.
- Concentración de soportes en el
núcleo central.
- Anulación de separaciones netas
entre el exterior y el interior,
facilitando la relación con el
entorno.
26

9) BIBLIOGRAFÍA COMENTADA
PARA LOS ESTUDIANTES:
Obras idóneas para apoyo y ampliación de contenidos por el estudiante de Bachillerato y con
un enfoque didáctico adecuado, son:
Bernárdez, C.: Historia del Arte. Primeras vanguardias, col. Las claves del arte, Barcelona, Planeta,
1994.
Cirlot, L.: Historia del Arte. Últimas tendencias, col. Las claves del arte, Barcelona, Planeta, 1994.
Ramírez, J. A.: El arte de las vanguardias, en Biblioteca Básica de Arte, Madrid, Anaya, 1992.
Otras obras que siguen criterios de sencillez —no de simplicidad— por su carácter divulgativo,
y resultan adecuadas para el alumnado de este nivel, como obras de ampliación y consulta:
Arnaldo, J.: Las vanguardias históricas (I), en Historia del Arte, vol. 45, Madrid, Historia 16, 1989.
Bozal, V.: Los orígenes del arte del siglo XX, en Historia del Arte, vol. 43, Madrid, Historia 16,
1989.
García Felguera, M. S.: Las vanguardias históricas (II), en Historia del Arte, vol. 46, Madrid,
Historia 16, 1989.
Rodríguez, D: La arquitectura del siglo XX, en Historia del Arte, vol. 47, Madrid, Historia 16, 1989.
Obras de gran interés por la actualidad de sus planteamientos y su mayor nivel, pero que
presentan una visión general y sintética, lo que las hace aptas para el estudiante de
Bachillerato:
De Diego, E: Arte contemporáneo II, Madrid, Historia 16, 1996.
Ramírez, J. A.: El mundo contemporáneo, en Historia del Arte, vol. 4, Madrid, Alianza, 1997.
PARA EL PROFESORADO:
De entre las obras de carácter general sobre el arte del período, y sobre algunos de sus aspectos,
son recomendables:
Argan, G. C.: El arte moderno, Madrid, Akal, 1991. Magnífica obra de referencia para el arte
europeo desde mediados del siglo XVIII hasta nuestros días.
Bozal, V: El arte del siglo XX. La construcción de la vanguardia, Madrid, Edicusa, 1978. Buena
obra de referencia, con plena validez pese a los años transcurridos desde su publicación.
Hamilton, G. H.: Pintura y escultura en Europa. 1880-1940, Madrid, Cátedra, 1983. Obra de
conjunto sobre un período muy complejo del arte europeo, en la que se analizan con rigor, amenidad y
claridad las distintas corrientes artísticas de la época y su contexto.
Para la arquitectura se recomienda:
De Fusco, R.: Historia de la arquitectura contemporánea, Barcelona, Blume, 1981. Análisis
completo y actualizado de uno de los mejores especialistas mundiales en la materia.
27

GosseL, P. y Leuthauser, G: Arquitectura del siglo XX, Colonia, Taschen, 1991. Indispensable para la
arquitectura del siglo XX, como visión de conjunto, por su actualización y por la calidad de los textos
y de las ilustraciones.
Frampton, K: Historia crítica de la arquitectura moderna, Barcelona, Gustavo Gili, 1981. Es un libro
de lectura obligada para quienes pretendan tener una visión clara de quién es quién en la arquitectura
del último siglo.
Obras muy selectas que tratan aspectos parciales del arte del siglo XX:
Block, C: Historia del arte abstracto (1900-1960), Madrid, Cátedra, 1982.
Cirlot, L.: Las primeras vanguardias artísticas. Textos y documentos, Barcelona, Labor, 1993.
Cooper, D: La época cubista, Madrid, Alianza, 1984.
Elderfield, J: El fauvismo, Madrid, Alianza, 1983.
Golding, J: El cubismo, Madrid, Alianza, 1993.
González, A. y otros: Escritos de arte de vanguardia, 1900-1945, Madrid, Turner, 1979.
Micheli, M. DE: Las vanguardias artísticas del siglo XX, Madrid, Alianza, 1979.
Nadeau, M: Historia del surrealismo, Barcelona, Ariel, 1972.
Selz, P: La pintura expresionista alemana, Madrid, Alianza, 1989.
Para el arte español de la época, las obras más recomendables por su calidad y actualidad son:
Bassegoda Nonell, J. y otros: Arquitectura del siglo XIX, del modernismo a 1936 y de 1940 a 1980,
en Historia de la Arquitectura Española, vol. 5, Barcelona, Planeta, 1987. Es la obra más amplia y
actualizada de la bibliografía española sobre el tema.
Bozal, V: Pintura y escultura española del siglo XX (1939-1990), en Summa Artis, vol. XXX-VII,
Madrid, Espasa-Calpe, 1994. Obra fundamental para conocer con profundidad y rigor las artes
plásticas del siglo XX en España.
Guasch, A.M. y otros: El siglo de los creadores. Vanguardia y tradición en el alba de un milenio, en
Historia del Arte Español, vol. X, Barcelona, Planeta, 1997. Es también una obra de lectura necesaria
para el conocimiento del período.
Sambricio, C. y otros: El siglo XX, en Historia del Arte Hispánico, vol. VI, Madrid, Alhambra, 1980.
Interesante visión de conjunto, en la que se aprecian los veinte años transcurridos desde su
publicación, en comparación con las anteriores.
28

10) REPERTORIO DE OBRAS COMPLEMENTARIAS BÁSICAS
El aprendizaje significativo de los conceptos y hechos programados en cada unidad didáctica requiere
una apoyatura en imágenes que normalmente se incluyen en el libro del alumno, pero los límites de un
libro de estas características no permiten abarcar más que una muestra de las imágenes que debería
observar el alumnado para el correcto aprendizaje de los conceptos y hechos recogidos en el texto.
En esta página se relacionan imágenes, no incluidas en el libro del alumnado, que ayudarán a
comprender los rasgos característicos del arte y los artistas del siglo XX:
• Para una visión más completa de la arquitectura del siglo XX el alumnado debería observar y
analizar algunas de las siguientes obras:
-Una vista exterior de la fábrica Fagus de Gropius, en la que poder apreciar las importantes
consecuencias de la desaparición del muro como elemento de sustentación y su sustitución
por pilotes, que permiten el uso del vidrio como pantalla de cierre.
-Imagen de la planta de la Bauhaus, en la que poder observar la distribución general del
edificio y sus bases de sustentación.
-De la obra de Le Corbusier faltan también algunos dibujos de la planta y/o sección de los
edificios representados en el libro del alumnado, sobre todo con el propósito de poder
observar cómo se materializa el concepto de “planta libre”, y cómo se distribuyen los
soportes en una vivienda unifamiliar y en un bloque de viviendas (Villa Savoye y Unité
d’Habitatión), y su aproximación a los planteamientos del organicismo (iglesia de
Ronchamp).
-De Wright se debería ver alguna de las viviendas de su primera época (“casas de la
pradera”), alguna vista exterior del Museo Guggenheim, y dibujos de planta y sección de
ambos.
• En cuanto a la escultura, se debe ampliar el repertorio de obras de los cuatro escultores
tratados, con cualquiera de sus obras que redunde en las características estudiadas.
• Del apartado de la pintura se puede afirmar lo mismo como norma general: más obras para
redundar en lo estudiado.
• Además sería conveniente analizar obras del Picasso joven, o de su época clásica, para que el
alumnado pueda comprobar el enorme poder del dibujo del pintor para captar la realidad y
hacer patente esa frase del artista en la que venía a decir que “cuando era niño pintaba como
Rafael, ahora he aprendido a pintar como un niño”, porque se trata de un elemento clave para
la comprensión del cataclismo que Picasso produjo en el arte occidental.
29

11) OTROS RECURSOS
LECTURAS COMPLEMENTARIAS
Como en la unidad anterior, las lecturas más provechosas para facilitar la comprensión del arte de una
época tan compleja se pueden orientar al terreno de la literatura, al menos en el caso del surrealismo,
y, sobre todo, a las monografías sobre alguna de las vanguardias y de los autores. En ese sentido son
aconsejables:
–Brihuega, J.: Miró y Dalí: los grandes surrealistas, en Biblioteca Básica de Arte, Madrid,
Anaya, 1992.
–Sanchez Vidal, A.: Dalí, Madrid, Alianza, 1994.
–Ramírez, J. A.: Picasso, Madrid, Alianza, 1994.
También se recomienda la lectura de textos relacionados con los manifiestos de las vanguardias y con
las explicaciones —no muchas por desgracia— que los artistas daban de su obra:
–Bretón, A.: Manifiestos del surrealismo, Madrid, Guadarrama, 1969.
–Cirlot, L.: Las primeras vanguardias artísticas. Textos y documentos, Barcelona, Labor, 1993.
–González, A. y otros: Escritos de arte de vanguardia, 1900-1945, Madrid, Turner, 1979.
VISITAS RECOMENDADAS
Edificios del siglo XX, útiles para observar los planteamientos generales de la arquitectura moderna
racionalista o del “estilo internacional” los hay en todas las ciudades españolas. Y siempre es útil
observar cómo se concretan las características arquitectónicas estudiadas en el aula, en la realidad de
algún edificio de cualquier tipo y función.
También es frecuente encontrar esculturas del siglo XX ante la fachada de grandes edificios, o en sus
vestíbulos o en plazas, parques y nudos de carreteras. No hay que desperdiciar la ocasión que nos
brinden.
Otras visitas del máximo interés en relación con esta unidad son los centros de arte contemporáneo:
Reina Sofía, IVAM, Museo Guggenheim de Bilbao, Centro Gallego de Arte Contemporáneo... Todos
ellos tienen página web que se encuentra con facilidad con cualquier buscador.
Un interés muy especial tienen los museos monográficos que recogen la obra de los más destacados
artistas españoles del siglo XX:
Museo Picasso de Málaga:
Palacio de Buenavista. C/ San Agustín, 8. 29015 Málaga. Información general: 902443377.
info@museopicassomalaga.org. Horario: de martes a jueves, de 10:00 a 20:00; de viernes a sábado,
de 10:00 a 21:00; domingos y festivos, de 10:00 a 20:00. 24 y 31 de diciembre, de 10:00 a 15:00.
Cerrado lunes, el 25 de diciembre y el 1 de enero. Visitas de grupos: Todas las visitas, tanto sin guía
como con guía, deberán siempre reservarse mediante cita previa y deberán confirmarse con 10 días de
antelación (Se considera grupo a partir de 10 personas). Para visitas con guía es indispensable ponerse
en contacto con el Departamento de Educación. Página web:
http://www.museopicassomalaga.org/.
30

Museo Picasso de Barcelona:
C/ Montcada, 15-23. 08003 Barcelona. Teléfono: 932563000. Fax: 933150102. Reservas:
932563022. Horario: de martes a domingo y festivos, de 10:00 a 20:00. Página web:
http://www.museupicasso.bcn.es/.
Fundación Joan Miró de Barcelona:
Parc de Montjuïc, s/n. 08038. Barcelona. Información general: 934439470. Fax:
933298609/933299007. Horario: de martes a sábado, de 10:00 a 19:00 (de octubre a junio), de 10:00
a 20:00 (de julio a septiembre); jueves, de 10:00 a 21:30; domingos y festivos, de 10:00 a 14:30.
Lunes no festivos, cerrado. Reservas para grupos: para los centros educativos nacionales, rellenar el
formulario en el Área Educativa de la página web: http://fundaciomiro-bcn.org/. Área educativa y
reservas de grupos: 934439479.
Museos dedicados a la obra de Dalí en Figueres, Púbol y Portlligat:
Se puede obtener información en la página web de la Fundación Gala-Salvador Dalí:
http://www.salvador-dali.org/es_index.html.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Santa Isabel, 52. 28012 Madrid. Teléfono: 917741000. Fax: 917741056. Horario: de lunes a sábado,
de 10:00 a 21:00; domingo, de 10:00 a 14:30. Martes cerrado. Cerrado 1 y 6 de enero, 1 y 15 de
mayo, 9 de noviembre, 24, 25 y 31 de diciembre. Reservas para grupos: 917741004, fax 917741011 y
reservas.grupos.mnca@mcu.es. Mínimo 15, máximo 30 personas por grupo, o 25 si son menores de
10 años. Los grupos deben ir acompañados por un responsable del mismo. Página web:
http://www.museoreinasofia.es/index.html.
FILMOGRAFÍA
Películas
• Montparnase 19. Dir. J. Becker, Francia, 1957. Es una obra basada en la biografía de Amadeo
Modigliani, cuyo máximo interés reside en la apreciación del ambiente bohemio que
normalmente rodeaba a los artistas de las vanguardias históricas. Se ve también algo del
choque del estilo del artista con los gustos más comunes de la sociedad, y del sistema de
aprendizaje y comercialización de las obras mediante el perverso marchante que espera la
muerte del artista para que sus obras se coticen más.
• El sol del membrillo. Dir. V. Erice, España, 1993. Es una de las mejores películas realizadas
sobre un tema relacionado con la producción artística. Aunque aparentemente se basa en la
realización de un cuadro hiperrealista, no es más que un pretexto para reflexionar sobre la
técnica pictórica, sobre la forma de entender y vivir el arte por uno de los grandes maestros
vivos, y sobre la esencia misma de la pintura y la imposibilidad de captar con métodos
objetivos la cambiante realidad que nos rodea. Todo ello en el marco de la vida cotidiana del
artista y con la muerte como trasfondo.
31

• Pollock. Dir. Ed Harris, EE. UU., 2000. Es una película sobre la vida del malogrado artista
neoyorquino, muy bien ambientada, dirigida e interpretada por el citado Ed Harris, lo cual
fue motivo para su nominación al premio Oscar 2001.
• Un perro andaluz. Dir. L. Buñuel, Francia, 1929. Es el mejor documento cinematográfico del
surrealismo, y ópera prima (salvo documentales) del genial cineasta aragonés, en la que,
junto a Dalí, pone en funcionamiento su poderosa imaginación para llenar la pantalla de
imágenes absurdas de carácter onírico, que alcanzan un tono desgarrador y de pesadilla
cuando se centran en aspectos relacionados con la existencia.
DOCUMENTALES EN VÍDEO
• El siglo XX, Grandes épocas del Arte, Madrid, Metrovídeo, 1993.
• Arquitectura y escultura del siglo XX, Historia del Arte, vol. 18, Madrid, Hiares, 1986.
• Pintura del siglo XX, Historia del Arte, vol. 19, Madrid, Hiares, 1986.
• Picasso y las escuelas modernas de pintura, Historia del Arte Español, vol. 22, Madrid,
Hiares, 1989.
• Tendencias actuales de la pintura, Historia del Arte Español, vol. 23, Madrid, Hiares, 1989.
• Arquitectura y escultura contemporáneas, Historia del Arte Español, vol. 24, Madrid, Hiares,
1989.
• Picasso, Madrid, Servicio de publicaciones del Ministerio de Educación y Cultura, 1983.
CD-ROM EDUCATIVOS
• El siglo XX, Historia del arte Salvat, Barcelona, 1997.
• Expresionismo, Cubismo, Futurismo y Dadaísmo, Madrid, AlphaBetum, 1996.
• Surrealismo, abstracto y Pop, Madrid, AlphaBetum, 1996.
• Vanguardias y postmodernidad. Arte del siglo XX, Colección Grandes Momentos del Arte,
Madrid, Dolmen, 2001.
• El siglo de los creadores: vanguardia y tradición en el alba de un milenio, Historia del Arte
Español, vol. X, Barcelona, Planeta/Lunwerg, 1997.
La colección Genios de la pintura, de EDI GROUP 2000, ha publicado desde 1999 varios trabajos
monográficos dedicados a pintores de todas las épocas, desde la Baja Edad Media. Para esta unidad
es especialmente interesante el CD dedicado a la obra de Dalí.
32

12) RELACIÓN DE PÁGINAS WEB CON INFORMACIÓN ÚTIL PARA EL TEMA
ARQUITECTURA:
http://www.greatbuildings.com/buildings.html#E. Es la página más completa para obtener
información sobre arquitectura. Se puede obtener en fichas, organizadas por arquitectos, edificios y
lugares. No siempre tiene imágenes pero, cuando las tiene, son excelentes. En inglés.
PICASSO:
http://www.tamu.edu/mocl/picasso/. Esta página ofrece la información más completa de la red sobre
la vida y obra de Picasso. Contiene textos sobre las distintas etapas de producción y fotos de sus
obras, a centenares, clasificado todo por años. Además, hay bibliografía y direcciones de todos los
museos en que se encuentran obras del pintor. Las fotos no son grandes pero tienen la suficiente
resolución para poder apreciar cualquiera de las obras. En inglés.
MUSEOS:
Museos Picasso. Las direcciones de los sitios de Internet de todos los museos monográficos
dedicados al pintor se pueden encontrar en la página anteriormente reseñada:
http://www.tamu.edu/mocl/picasso/.
Fundación Miró, Barcelona: http://fundaciomiro-bcn.org/. Es una página de gran calidad por su
información y presentación técnica. En inglés, castellano y catalán.
Museos Dalí: http://www.salvador-dali.org/es_index.html. La página de la Fundación Gala-Salvador
Dalí ofrece información sobre los tres museos gerundenses dedicados al pintor. En varios idiomas,
incluidos castellano y catalán.
Museo de Arte Moderno, Nueva York: http://www.moma.org/. Es la página de museo más
interesante para el estudio del arte del siglo XX. Ofrece buena información, bien clasificada y con
facilidad para encontrarla. En inglés.
National Gallery, Washington: http://www.nga.gov. En la misma línea de la anterior pero con menos
obras de arte del siglo XX. En inglés.
Centre Pompidou, París: http://www.cnac-gp.fr/. Ofrece un panorama muy completo del arte
occidental del siglo XX. En francés, inglés y español.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid: http://www.museoreinasofia.es/index.html.
Aunque no tenga colecciones monográficas muy extensas, presenta el panorama general más
completo del arte español del siglo XX, cuyos fondos van incrementándose poco a poco. La página
está muy bien diseñada para facilitar su uso.
Museo Guggenheim, Nueva York: http://www.guggenheim.org/. Con enlaces a los centros en Viena,
Bilbao, Berlín y Abu Dhabi. En varios idiomas, incluido el español.
MUSEOS VIRTUALES:
CGFA: http://sunsite.dk/cgfa/fineart.htm. La más extensa colección de imágenes en Internet (más de
500 Mb) y con gran calidad; principalmente pintura y algunas esculturas. Esta dirección conduce
directamente al índice de autores, pero también se pueden buscar por nacionalidades o por fechas. En
inglés.
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Webmuseum: http://www.navigo.com/wm/paint/auth/. En “General Exibition: Famous Paintings,
Theme Index” se encuentra información sobre algunos de los pintores del siglo XX tratados en la
unidad. En inglés.
Museo Virtual del Surrealismo: http://www.geocities.com/SoHo/Museum/2042/inicio/museo.htm.
Página especializada en esta vanguardia, con abundante e interesante información escrita y en
imágenes. En español.
PÁGINAS CON ENLACES:
En estas páginas se puede ampliar la información existente en la red sobre cualquiera de los artistas
estudiados en la unidad:
http://www.artcyclopedia.com/. Es, quizá, la página más útil de la red para el estudioso del arte pues
contiene un índice alfabético de artistas de todas las épocas —pocos escultores y ningún arquitecto—
que, una vez localizado en su buscador, ofrece multitud de sitios de la red en los que obtener
información sobre él. También permite buscar obras y museos. En inglés.
http://www.all-art.org/. Magnífica página en la que se recogen estilos y artistas desde el Paleolítico
hasta la contemporaneidad con textos de gran interés e imágenes de calidad. Recoge las obras de los
arquitectos, escultores y pintores estudiados en la unidad. En inglés.
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13) SELECCIÓN DE TEXTOS SOBRE ARTE DEL SIGLO XX
1. El arte negro y el origen del cubismo
“Cenábamos un jueves en el quai Saint-Michel, Salmon, Apollinaire, Picasso y yo. Me parece que
era con ocasión de una comida semanal, pero no lo juraría. Entonces Matisse tomó una estatuilla de
madera negra que había sobre un mueble y la mostró a Picasso. Era la primera talla negra. Picasso
la tuvo toda la noche en la mano. A la mañana siguiente, cuando llegué al taller, el suelo estaba
alfombrado de hojas de papel Ingres, y sobre cada hoja un gran dibujo, casi el mismo; una cara de
mujer con un ojo solo, una nariz demasiado larga que se confundía con la boca y un mechón de
cabellos sobre el hombro. Había nacido el cubismo.
Esta misma mujer reapareció sobre telas. En lugar de una mujer hubo dos o tres. Después fueron
Las señoritas de Avignon, cuadro grande como una pared.”
Jacob, M.: Naissance du Cubisme. Les Nouvelles Littéraires, 1928. Cit. en Cassou, J.: Panorama de
las artes plásticas contemporáneas, Madrid, Guadarrama, 1961, p. 228.
2. El cubismo y la geometría
“Se ha reprochado vivamente a los nuevos artistas pintores sus preocupaciones geométricas. Sin
embargo, las figuras geométricas constituyen la esencia del dibujo. La geometría, ciencia que tiene
por objeto la extensión, sus medidas y sus relaciones, ha sido siempre la regla misma de la pintura.
Ahora bien, en la actualidad los sabios ya no se atienen a las tres dimensiones de la geometría
euclidiana. Los pintores se han dejado llevar de manera completamente natural y, por así decirlo,
intuitivamente, por la preocupación de las nuevas medidas posibles de la extensión que en el
lenguaje de los talleres modernos se conoce conjunta y brevemente por cuarta dimensión.
Tal y como se ofrece al espíritu, desde el punto de vista plástico la cuarta dimensión estaría
engendrada por las cuatro medidas conocidas: figura la inmensidad del espacio eternizándose en
todas las direcciones en un momento determinado. Es el espacio mismo, la dimensión del infinito, lo
que dota de plasticidad a los objetos.”
3. El arte como expresión del espíritu
Apollinaire, G.: Los pintores cubistas, 1913.
“La verdadera obra de arte nace misteriosamente del artista por vía mística. Separada de él,
adquiere vida propia, se convierte en una personalidad, un sujeto independiente que respira
individualmente y que tiene una vida material real. No es pues un fenómeno indiferente y casual que
permanece indiferente en el mundo espiritual, sino que posee como todo ente fuerzas activas y
creativas. La obra de arte vive y actúa, colabora en la creación de la atmósfera espiritual. Desde
este punto de vista interior, únicamente puede discutirse si la obra es buena o mala. Cuando su
forma es ‘mala’ o demasiado débil, es que la forma es ‘mala’ o débil para producir vibraciones
anímicas puras. Por otro lado, un cuadro no es ‘bueno’ porque sea exacto en sus valores (los
valeurs inevitables de los franceses) o porque esté casi científicamente dividido en frío y calor, sino
porque tiene una vida interior total. El ‘buen’ dibujo es aquel que no puede alterarse en absoluto sin
que se destruya su vida interior, independientemente de que el dibujo contradiga a la anatomía, a la
botánica o a cualquier otra ciencia.”
Kandinsky, V.: De lo espiritual en el arte, Barcelona, Barral, 1973, p. 113.
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4. El arte como ciencia racional
“Por plano básico se entiende la superficie material llamada a recibir el contenido de la obra. Será
denominado con las letras PB. El PB esquemático está limitado por 2 líneas horizontales y 2
verticales y adquiere así, en relación al ambiente que lo rodea, una entidad independiente.
Una vez descritas las características de las horizontales y de las verticales, el sonido básico del PB
surge por sí mismo: dos elementos de frío reposo y dos elementos de cálido reposo son dos sonidos
dobles del reposo que determinan el quieto = objetivo sonido del PB.La preponderancia de una u
otra de estas parejas, es decir, el ancho exagerado o el alto exagerado del PB, determina en cada
caso la preponderancia del frío o del calor en el sonido objetivo. De tal modo los elementos aislados
se sitúan de antemano en una atmósfera más o menos fría, y este estado no podrá ser jamás
totalmente neutralizado por un cierto número de elementos contrarios; éste es un hecho que no debe
olvidarse. Este hecho pone a nuestra disposición, por cierto, muchas posibilidades de composición:
una agrupación, por ejemplo, de tensiones activas hacia lo alto sobre un PB frío (formato ancho),
dramatizará más o menos la composición, puesto que la inhibición ejerce una contrafuerza especial.
Es más, si llevamos tales inhibiciones más allá de ciertos límites, pueden llegar a producir
sensaciones penosas y hasta intolerables.”
5. El surrealismo y la pintura
Kandinsky, V.: Punto y línea sobre el plano, Barcelona, Barral, 1974, pp. 127-128.
“Un concepto muy limitado de la imitación, finalidad concedida al arte, es el origen del grave
malentendido que vemos perpetuarse en nuestros días. Dado por cierto que el hombre no es capaz
de reproducir con mayor o menor fortuna la imagen de lo que le emociona, los pintores se han
mostrado demasiado conciliadores en la elección de sus modelos. El error cometido fue pensar que
el modelo no podía ser extraído más que del mundo exterior, e incluso que solamente podía ser
tomado de él.Cierto que la sensibilidad humana puede conferir al objeto de apariencia más vulgar
una distinción completamente imprevista; no es menos cierto que es hacer uso mezquino del mágico
poder de figuración que algunos poseen, emplearlo en la conservación y el fortalecimiento de lo que
ya existía sin ellos. Hay en todo eso una abdicación inexcusable. En todo caso, es imposible que en
el estado actual del pensamiento aún se consienta en semejante sacrificio, sobre todo cuando el
mundo exterior padece de necesidad de revisión absoluta de los valores reales sobre los que hoy
concuerdan todos los espíritus, se referirá a un modelo puramente interior o no será nada.”
Breton, A.: Le Surréalisme et la Peinture, París, Gallimard, 1928.
6. Entidad autónoma de la pintura del expresionismo abstracto, según Jackson Pollock
“Mi pintura no nace en el caballete. Casi nunca, antes de comenzar a pintar, se me ocurre extender
la tela sobre el bastidor. Prefiero colgarla de la pared o dejarla sobre el suelo, porque necesito la
resistencia de una superficie dura. Sobre el suelo me siento más a gusto, más cerca, más parte del
cuadro; puedo caminar en torno suyo, trabajar por cuatro lados distintos, estar literalmente dentro
del cuadro. En un poco el método usado por ciertos indios del Oeste que pintan con la arena.
Cuando estoy dentro de mi cuadro no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Solo después de
cierto período, empeñado, digámoslo así, en "trabar conocimiento", ni siquiera de destruir la
imagen, porque sé que el cuadro tiene una vida propia y no trato de sacarla afuera. Solamente
cuando pierdo contacto con la tela el resultado es un desastre. De otro modo se establece un estado
de pura armonía, de espontánea reciprocidad, y la obra sale bien (1947).”
The New American Painting.
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7. El funcionalismo integral como principio de la Bauhaus según Walter Gropius
“La Bauhaus quiere servir al desarrollo actual de la vivienda, desde las simples aplicaciones
domésticas al alojamiento completo y terminado. En la convicción de que los elementos domésticos
y el mobiliario deben ser relacionados racionalmente unos con otros, la Bauhaus está buscando —
mediante la investigación sistemática, práctica y teórica en los campos técnico, económico y
formal— el modo de obtener el diseño de un objeto a partir de sus funciones y condicionamientos
naturales. El hombre moderno ya no utiliza vestimentas históricas, sino modernas ropas y necesita
también un hogar moderno, adecuado para él y su tiempo y equipado con todos los aparatos
actuales de uso cotidiano. Un objeto es definido por su naturaleza. Con el fin de diseñarlo para
funcionar correctamente —sea un recipiente, una silla o una casa— debemos, ante todo, estudiar su
naturaleza; porque debe servir a su fin perfectamente, es decir, debe cumplir útilmente su función,
ser duradero, económico y «bello». Esta investigación sobre la naturaleza de los objetos nos lleva
hacia la conclusión de que mediante una actividad de ponderación resuelta de los métodos
modernos productivos, de las construcciones y los materiales, se originan formas con frecuencia
inusuales y sorprendentes, puesto que se desvían de las convencionales (considérense, por ejemplo,
los cambios en las formas de las instalaciones de calefacción o de alumbrado). Solo a través del
contacto permanente con las evoluciones más recientes de la técnica, con los descubrimientos de
nuevos materiales y de construcciones, es posible al creador individual aprender a dar a los diseños
de objetos una relación viva con la tradición y, a partir de este punto, desarrollar una nueva actitud
hacia el diseño.”
Gropius, W.: Bauhaus Dessau-Grunsätze der Bauhausproduktion, 1926.
8. Bases técnicas y estéticas de la arquitectura contemporánea
“Las consideraciones teóricas que se exponen seguidamente se basan en experiencias prácticas de
largos años sobre el terreno mismo de la construcción.
La teoría pide sobriedad de expresión. No se trata aquí, en modo alguno, de fantasías estéticas o de
enfoque según efectos a la moda, sino de verdades arquitectónicas, que significan un modo
absolutamente nuevo de construir desde la vivienda hasta el palacio.
1. Los soportes. Resolver un problema por vías científicas quiere decir, en primer lugar, distinguir
sus elementos. Por esto, en un edificio se pueden separar, desde luego, las partes que llevan el peso
de aquellas otras que no soportan nada. En vez de los cimientos antiguos, en que descansaba la
obra sin previo cálculo, entran en función fundamentos aislados y, en vez de muros, soportes
independientes. Lo mismo los soportes que sus bases, se calcularán con exactitud según la carga que
van a llevar. Estos soportes se ordenan según distancias iguales y determinadas, sin tener en cuenta
para ello la disposición interna de la casa. Se levantan directamente del suelo hasta tres, cuatro,
seis o los metros que sean, elevando así la planta baja. Con esto se libran las habitaciones de la
humedad de la tierra; tienen luz y aire; el terreno de edificación queda para jardín, el cual, por
consiguiente, se desliza por debajo de la casa. Otra superficie igual se gana también en la
techumbre plana.
2. Azoteas-jardines. El tejado plano exige en seguida que se le utilice en beneficio de la vivienda:
tejado-terraza, tejado-jardín. De otra parte, el hormigón armado pide una defensa contra la
variabilidad de temperaturas del exterior. El trabajo excesivo del hormigón armado, se disminuirá
manteniendo la humedad latente en el techo de hormigón. El tejado-terraza atiende a las dos
exigencias (capa de arena, ligeramente humedecida, cubierta con placas de cemento, con césped
entre las juntas; la tierra de los lechos de flores en contacto directo con la capa de arena).
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La azotea-jardín llega a ser así uno de los sitios preferidos de toda la casa. Y es de gran
importancia, en general, para las ciudades que quieran resarcirse de la superficie empleada en la
construcción.
3. La libre estructura de la planta. El sistema de apoyos, soporta los pisos y sube hasta el tejado.
Los tabiques se colocarán según la necesidad, con lo cual ningún piso se corresponderá con el otro.
Se acabaron las paredes maestras, quedando solo membranas de un espesor voluntario.
Consecuencia de esto es la absoluta libertad en la estructuración de la planta, es decir, utilización
libérrima de los medios existentes, lo cual permite equilibrar el presupuesto de la algo cara
construcción de cemento.
4. La ventana apaisada y corrida. Los apoyos y los planos de cada piso forman rectángulos en la
fachada, por los cuales penetran abundantes la luz y el aire. La ventana corre de un apoyo a otro,
con lo cual se logra una ventana apaisada (...). De este modo quedan iluminadas las habitaciones
por igual, de pared a pared. Los ensayos experimentales han demostrado que un interior iluminado
de este modo goza de una intensidad lumínica ocho veces mayor que el mismo interior con ventanas
altas, aunque los metros de abertura sean iguales (...).
5. La estructura libre de la fachada. Como el suelo de los pisos avanza sobre los puntos de apoyo,
como los balcones, en todo el edificio, la fachada toda sobresale del esqueleto que soporta. Pierde,
por consiguiente, su cualidad de soporte y las ventanas pueden distribuirse a voluntad, sin tener en
cuenta el reparto interior. Lo mismo puede tener diez metros de anchura de ventana la ventana de
una vivienda, que doscientos la de un palacio (nuestro proyecto para el de la Sociedad de Naciones
en Ginebra). De este modo, alcanza la fachada una construcción libre.
Los cinco puntos presentados significan una estética fundamentalmente nueva. Ya no nos queda
nada de la arquitectura de otras épocas...”
Le Corbusier: Cinco puntos sobre una nueva arquitectura.
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14) LISTADO DE TÉRMINOS ESPECÍFICOS DEL TEMA
Para la correcta comprensión de los contenidos de este tema, el alumnado debe conocer el significado
de los siguientes conceptos, términos y nombres propios dentro del contexto del arte del siglo XX:
Racionalismo
Organicismo
Estilo internacional
Bauhaus
De Stijl.
Funcionalismo
Hormigón armado
Pilotes
Modulor
Máquina para vivir
Terraza-jardín
Planta libre
Voladizo de hormigón
Mobile
Xilografía
Die Brücke
Der Blaue Reiter
Expresionismo
Cubismo
Cubismo analítico
Cubismo sintético
Collage
Surrealismo
Método paranoico-crítico
Expresionismo abstracto
Action painting
Dripping
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