La presencia de lo ausente - Gredos - Universidad de Salamanca

Lo que más debió seducir a Scully de Ryman – ese “guardián funerario de la pintura moderna”,
como le llamó Yves-Alain Bois- fue su descomposición analítica del gesto pictórico,
la explicitación de funciones y naturaleza de los soportes y sujeciones del cuadro, de los materiales
y herramientas, la separación entre carácter e impulso. En Ryman no se trata tanto de
confirmar la unicidad del acto pictórico frente a la moda consumista como de deconstruir la
actividad artística. En el ámbito de la pintura, y con sus propios medios, Ryman reflexionó
sobre la condición de la pintura y al hacerlo logró delimitar con más claridad el discurso crítico
sobre su obra y su propio proceder artístico. En otras palabras, pone cerco al punto cero de
la pintura, repiensa literalmente su fin y logra, pese a ello, una obra asombrosamente variada e
inequívocamente suya.
Decía Scully: “El poder de la pintura abstracta radica en el cambio constante y en la incesante
transformación de un estado físico en un estado visual, emocional y espiritual y viceversa.
Y esto sólo es referible directamente a situaciones humanas.” Scully menciona así algo
que en sus cuadros apenas puede apreciarse: lo físico, lo emocional, lo humano. Son conceptos
abstractos, que sin embargo parecen señalar una carencia de la que el pintor no pudo ser
consciente mientras su quehacer gravitaba en torno a nombres como los de Ad Reinhardt y
Brice Marden, Agnes Martin y Robert Ryman o Barnett Newman y Kasimir Malévich. Lo que
aquí se anuncia verbalmente no es otra cosa, en última instancia, que la refutación de una
estética demasiado rígida que renuncia a la composición, a la relación, a los valores humanos
y al sentimiento; una estética basada exclusivamente en la experiencia de fenómenos ópticos y
plásticos y limitada con ello a la repetición de estructuras.
La arrogancia del minimalismo neoyorquino, su refinamiento y falta de fuerza empezaron
a irritar a Scully y terminaron por hastiarle. Su orientación le parecía del todo elitista y su
obra dirigida a una minoría privilegiada. “Yo, en cambio, quería devolver a la pintura su
capacidad de comunicación”. El pintor seguirá cultivando la abstracción pero rechazará el
estiramiento y la falta de definición de una actitud que, en su opinión, había llevado, bajo el
influjo del minimalismo, a la producción en serie y a la simple permutación.
Judd y André, Lewitt y Morris tampoco escapaban a sus críticas. Sus reflexiones teóricas y
sus obras suscitaron opiniones adversas y un decidido rechazo. Pero una condena como la que
hizo Barbara Rose no la habría suscrito Scully ni en los años setenta ni más tarde. Ya en 1965
había escrito sobre el “ABC Art”, que es como ella llamaba despectivamente al minimalismo,
que los artistas pertenecientes a él, como los místicos, negaban el yo y la personalidad individual
para instaurar en su lugar el estado semi-hipnótico del vacío de conciencia, de la quietud
no significante y del pleno anonimato que ya habían buscado los monjes y yoguis orientales y
místicos occidentales como el Maestro Eckhart y Miguel de Molinos. Vale la pena recordar a
339