nuevos valores del diseño new design values - IED Madrid

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nuevos valores del diseño new design values - IED Madrid

NUEVOS VALORES DEL DISEÑO

NEW DESIGN VALUES


zona de emergencia

NUEVOS VALORES DEL DISEÑO

NEW DESIGN VALUES


ISTITUTO EUROPEO DI DESIGN

Presidencia: Francesco Morelli

Istituto Europeo di Design Madrid

Dirección: Riccardo Marzullo

Dirección científica: Francisco Jarauta

Subdirección: José Piquero

Dirección IED Master: Dario Assante

Responsable de Comunicación: Marisa Santamaría

IED Design Madrid

Dirección: Victoria de Pereda

Departamento didáctico: Mónica Brusa, Maika Carné, Carlos

López, Marina Martínez e Iván Vidal

IED Artes Visuales Madrid

Dirección: Manuel Jiménez Malo

Departamento didáctico: Eugenia Alcorta, Carlos Brenes,

Alfonso Gallardo, Héctor Moratilla, Irene Orozco, Álvaro

Ramis y Jesús Santos

IED Moda Lab Madrid

Dirección: Isabel Berz

Departamento didáctico: Paula Ampuero, Mariam Campoy,

Tamara Morera, Raquel Sánchez, Gema Sanz y Sonia Úbeda

IED Comunicación Madrid

Dirección: Juana Farfán

Departamento didáctico: Marirosa Tenore

IED Master Madrid

Dirección académica: Raquel Pelta

Dirección European Design Labs: Gala Fernández

Departamento didáctico: Luca Baldi, Roberto Bernad, Pedro

Luis Carretero, Ana Echegoyen, Cristina Gálvez, Alí Ganjavian,

Hada Martínez, Jorge Moita, Marta Morilla, Laura Muñoz,

Flavia Onega, David Vásquez y Pablo Vázquez

EXPOSICIÓN

Organiza

Istituto Europeo di Design de Madrid

Comisariado

Francisco Jarauta, Riccardo Marzullo,

Pedro Medina y Leyre Bozal

Diseño expositivo

Leyre Bozal, Pedro Medina y Francisco Winberg

Montaje

Fernando Cenitagoya, Luis Sastre y Jaime Yaguana

Producción

Istituto Europeo di Design de Madrid

Asistente

Luis R. Castilla

Gráfica

Creatividad IED Madrid

Dirección: Javier Maseda

Diseño: Thiago Esquivel, Josina Llera y

Miguel Sánchez-Lindo

MATERIALES COMPLETOS DEL PROCESO DE

CREACIÓN DE LOS PROYECTOS:

zonadeemergencia.com

CATÁLOGO

Traducción

Joanna Porter

Coordinación editorial: Leyre Bozal, Susana García y

Pedro Medina

Créditos fotográficos

Fotos de sala: Rafael Suárez

Fotos Fernando Soriano: Rafa Gallar

Fotos Marta Ferrari: Ezequiel Romairone

Fotos Agnieszka Hernández: Terrazastudio.com

Fotos Leticia Horvath, Isabel Picaza y Marta Pía Piris:

Mariam Campoy

Creatividad IED Madrid

Dirección: Javier Maseda

Diseño: Thiago Esquivel

Maquetación: Thiago Esquivel, Josina Llera y

Miguel Sánchez-Lindo

Imprime

Hermanos Gómez

Publica

Istituto Europeo di Design

Palacio de Altamira. C/ Flor Alta, 8. 28004 Madrid

IED Master. C/ Larra, 14. 28004 Madrid

www.iedmadrid.com

© de los textos: sus autores e Istituto Europeo di Design

© de las imágenes: sus autores e Istituto Europeo di Design

ISBN: 84-931195-5-5

Depósito legal:

2 3


AGRADECIMIENTOS

Ángel Aguado, Silvia Aguado, Ricardo Andrade, Ruth Arilla, Juan Astasio, Maiko Arrieta, Victoria Barrera, Ignacio Barrero (Ecoralia),

Liliana Cabrel, Sánchez Cáceres (Mecanización), Baltasar Cornejo, Fernando Cuevas, Silvana Cuselli, Brenda Chávez, José M. de

Alonso, Alessandra di Bartolome, Txaro Cano, Fernando Cembellín, Esther Campoy, Oller Corazón, Daniel Doñate, Usúa Echegoyen,

Cristina Fernández, Luis Fernández, David Fonseca, Daniel Fraile, Rafael Gálvez, Carmen García, Claudia García, Dimas García,

Maurix, Fernando García, M. García (Fotosíntesis), Delfín Germano, Juanjo Gómez, Manuel González, Paco Haro, Gonzalo Jaque

(Gedemasa), Virginia Jiménez, María León, Patrizia Lipari, Reyes Llorens, Carles López, Celia Marco, Nacho Martín, Raúl Martín Pérez

de la Osa, Miguel Matorras, Federica Miazzi, Juana Muñoz, Roberto Navazo, Javier Olivares, Miguel Olivera, Hernán Ortega, Raúl

Ortega, Lili Pavlinova, Héctor Pérez, Laura Pedroso, Floriana Petrosino, Clarette Pontier, Kiko Reparaz, Charo Rodríguez, Christian

Ruiz, Eva Sacido, Ana Santonja, Óscar Scopa, Pep Sempere, María Serret, Pablo Serret, Debbie Smith, Ivan Soldo, Martin van Eeckhout,

Elena Velasco, Aitor Villar, Departamento de Limpieza del IED Madrid.

4


ÍNDICE

INDEX

ÍNDICE

INDEX

08 Introducción IED Madrid

09 Introduction IED Madrid

72 Carmen Hernández

72 Carmen Hernández

11 Zona de Emergencia

Nuevos valores del diseño

14 Ecodiseño

17 Learning forever

20 Moda y nuevas sensibilidades

24 Imaginar el futuro

32 Tamara Acosta

36 David Angulo

40 Gerardo del Hierro

44 Guillermo de Torres

48 Isaac Fabregat

52 Marta Ferrari

56 Margarita García y Pål Jacobsen

60 Mina Glisic

64 Esther Gómez

68 Agnieszka Hernández

12 Emergency Zone

New design values

15 Eco-design

18 Learning forever

21 Fashion and new sensibilities

27 Imagining the Future

32 Tamara Acosta

36 David Angulo

40 Gerardo del Hierro

44 Guillermo de Torres

48 Isaac Fabregat

52 Marta Ferrari

56 Margarita García y Pål Jacobsen

60 Mina Glisic

64 Esther Gómez

68 Agnieszka Hernández

76 Leticia Horvath

80 Cristina Martínez

84 Rafael Mesa

88 Rosa Moreno

92 Gonzalo Osés

96 Almudena Otero e Ivonne Puebla

100 Fran Pérez y David Zafra

104 Isabel Picaza

108 Marta Pía Piris

112 Roi Prada

116 Alba Remeseiro

120 Juliana Restrepo

124 Karel Rodríguez

128 Zaida Rodríguez

132 Fernando Soriano

136 Índice por área

76 Leticia Horvath

80 Cristina Martínez

84 Rafael Mesa

88 Rosa Moreno

92 Gonzalo Osés

96 Almudena Otero e Ivonne Puebla

100 Fran Pérez y David Zafra

104 Isabel Picaza

108 Marta Pía Piris

112 Roi Prada

116 Alba Remeseiro

120 Juliana Restrepo

124 Karel Rodríguez

128 Zaida Rodríguez

132 Fernando Soriano

136 Area Index

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El diseño cumple, hoy más que nunca, un papel fundamental

en el desarrollo de la sociedad. En nuestra época los objetos

se han convertido en ejes de la vida diaria, en instrumentos

que determinan nuestra forma de experimentar la cotidianidad.

En esta forma de vida condicionada por los objetos, tanto

por su consumo como por su uso, buscamos además de la

funcionalidad de éstos un valor añadido, unas características

que hagan de estos objetos propios y personales, prolongaciones

de nuestras propias carencias personales.

En el IED hemos comprendido que para formar al diseñador

del futuro en todos sus aspectos es necesario atender las múltiples

funciones de las que se ocupa el diseño en la sociedad

postindustrial, un contexto que ya no se basa únicamente en

el consumo del producto, sino que pasa a ser una sociedad del

conocimiento, donde dicho producto desea ser algo más. No

consumimos ya un coche, una casa, un vestido o una película,

o al menos no solamente eso, sino que nos preocupamos por

la seguridad, el bienestar, el medio ambiente, la comodidad, la

solidaridad o el respeto.

En este marco, el IED potencia un discurso que va más allá

de la especialización y de la técnica, adopta como base la interdisciplinaridad,

cuida especialmente la formación cultural

y las nuevas tendencias en todos los sectores y ámbitos del

arte, la moda, el diseño, la multiculturalidad y los problemas

que se plantean en la sociedad contemporánea emergente,

poniendo especial atención en la construcción de una ética

profesional.

Teniendo en cuenta las realidades cambiantes de un mundo

cada vez más complejo, el diseñador es no solo un decodificador

de unas necesidades funcionales, sino que también se ha

convertido en una figura capaz de plasmar en los objetos una

personalidad propia, un sentimiento acorde con las nuevas

exigencias de nuestro entorno.

Conseguir diseñadores con una formación creativa, con autonomía

y capacidad para defender ideas que afectan a cualquier

sociedad, es el objetivo de cada una de las Escuelas que

componen el IED: Design, Artes Visuales, Moda y Comunicación.

El IED Madrid se presenta como un centro de investigación

integrado, un observatorio donde se piensa y proyecta

el futuro, un espacio donde las ideas creativas cobran vida y

se convierten en elemento de conexión entre las disciplinas

artísticas, científicas y sociales, un contenedor dinámico de

pensamiento que sitúa las ideas del estudiante en el centro

de la actividad formativa, encaminado a crear una verdadera

cultura del proyecto.

Con este objetivo surge Zona de emergencia, una exposición

itinerante concebida como propuesta de todo el IED Madrid,

que confirma el compromiso adquirido con nuestros estudiantes,

haciendo visible su trabajo y su capacidad para diseñar

el mundo que nos rodea. Es, en definitiva, un justo homenaje

a los que han estudiado en el IED, porque sabemos que

están llamados a ser protagonistas del inmediato futuro.

Riccardo Marzullo

Director del IED Madrid

Today, more than ever, design fulfils a crucial role in the development

of society. Objects have become the focus of daily

life, instruments which define our way of experiencing routine.

In the context of this way of life, conditioned by objects,

in terms of both consumption and use, we seek, in addition to

their functionality, an added value, a series of characteristics

which make these objects our own, an extension of our own

personal lacks.

At the IED we have come to realise that, in order to train

future designers in every aspect, it is necessary to address the

multiple functions of design in post-industrial society, a context

which is no longer based on product consumption, but

has become a knowledge society, where the product wishes

to become something more. We are no longer consumers,

whether it is of a car, a house, a dress or a film, or at least we

are more than this, we think about safety, about wellbeing,

about the environment, about comfort, about solidarity and

about respect.

In this context, the IED encourages a discourse which goes

beyond specialisation and technique, taking interdisciplinary

elements as its basis and paying special attention to providing

a good cultural background and information relating to all

the new trends in every field and sector of art, fashion, design,

multiculturalism, and the problems faced by this emerging

contemporary society, with particular emphasis on the building

of a sense of professional ethics.

Keeping in mind the changing realities of an increasingly

complex world, designers fulfil not only the role of decoder of

a series of functional needs, but also become capable of furnishing

objects with their own personality, a feeling which satisfies

the new requirements of our environment.

The aim of each of the Schools which form the IED (Design,

Visual Arts, Fashion and Communication), is to produce designers

with creative training, independence and the ability to

defend ideas which can affect any society. The IED in Madrid

is presented as an integrated research centre, an observatory

from which to think and project the future, a space where

creative ideas come alive and become a connection between

different artistic, scientific and social disciplines, a dynamic

container of thoughts which places students’ ideas at the centre

of teaching activities, with the aim of creating a genuine

projectual culture.

This is the purpose of Zona de emergencia, a travelling exhibition

conceived by the entire IED Madrid, confirming our

commitment to our students, lending visibility to their work

and to their ability to design the world around us. Ultimately,

it is the well-deserved tribute to those who have studied at the

IED, whom we know are destined to become the protagonists

of the immediate future.

Riccardo Marzullo

IED Madrid Chief Director

8 9


Zona de Emergencia

Nuevos valores del diseño

El cambio incesante, la creciente complejidad y la multiculturalidad

conllevan la redefinición de valores y la aparición

de nuevas necesidades. En pleno siglo XXI nos encontramos

diariamente con numerosos problemas: cuestiones de género,

accesibilidad, sostenibilidad. Tenemos la sensación de que

se ha quebrado el orden antiguo y que, en el perfil del nuevo,

se configura una imagen original, dinámica. Parece que todo

está a nuestra disposición, pero solamente lo está si sabemos

hacerlo, construirlo, trabajarlo. No existe un camino dado de

antemano, hay un tramado de direcciones y caminos que recorremos

a medida que los hacemos. Realizarlos es trabajo

encomendado a los diseñadores, el horizonte ante el que se

encuentran los estudiantes del Istituto Europeo di Design y

cuyos resultados quieren presentarse en esta exposición que

hoy ofrecemos.

la naturaleza, la pervivencia de la artesanía, la versatilidad, la

identidad, pero también la soledad y la muerte. El diálogo se

establece en varios niveles y es éste el que proporciona a las

obras expuestas su peculiar fisonomía y también su extraordinaria

brillantez.

Los derechos humanos se hacen visibles en carteles publicitarios,

campañas de emergencia, en el tratamiento del espacio

y de su habitabilidad. Ésta, a su vez, no está ausente del tratamiento

de los materiales en las formas del ecodiseño. El lugar

de la vida cotidiana, los objetos, los vestidos, los productos, no

son meras cosas, mercancías que están a nuestra disposición.

Hablan de nuestra identidad al exhibir su capacidad de transformación,

su versatilidad, resultado de nuestra intervención y

de esa capacidad de autorreflexión que ponen de manifiesto.

La pluralidad capaz de abarcar sectores diferentes y sensibilidades

diversas ha inspirado las tesis de final de carrera de

este año, con las que el IED Madrid organiza una gran exposición,

selección de estas tesis. La muestra exhibe aquellos trabajos

que ofrecen un desarrollo y una conclusión de acuerdo

con los objetivos principales del IED, fundados sobre los criterios

de creatividad, funcionalidad y efectividad, el respeto por

el medio ambiente y la profesionalidad, entre otros.

En ocasiones nos encontramos con una mirada irónica, nos

detenemos para pensar en ella, en sus posibilidades, en sus

referencias. Otras, es la asociación a primera vista, la reutilización

de materiales, también la exigencia formal y la afirmación

del valor y del rigor, de los que no están exentas; por otra

parte, las narrativas audiovisuales nos aportan nuevos modos

de narrar en un mundo que percibimos todos los días principalmente

a través de imágenes.

Las Escuelas del IED, Design (Interiores e Industrial), Artes

Visuales (Gráfico, Digital y Virtual) y Moda Lab (Textil, Accesorios

y Moda), han conseguido crear, a través de proyectos

procedentes de países como México, Colombia, Hungría, Rusia,

Noruega o España, un debate plural con piezas que hablan

entre sí, en un diálogo que responde a las preocupaciones actuales

de nuestro entorno.

Los temas habitualmente considerados sociales, como los

derechos humanos, la sostenibilidad, la accesibilidad, junto

con un desarrollo científico y técnico, son también problemas

personales en los que están involucrados la transformación de

La exposición presenta así el diálogo entre obras diferentes,

una realidad que también es, a la vez, testimonio de la

complejidad y del diálogo que son propios de nuestra existencia

cotidiana, de la sociedad en la que nos hallamos y

que, con nuestra capacidad creativa y nuestra habilidad,

construimos.

Leyre Bozal

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Emergency Zone

New design values

Relentless change, increasing complexity and multiculturalism

lead to the redefinition of valuvhe emergence of new

needs. In the midst of the 21st century, we face, on a daily

basis, a multitude of problems: issues of genre, accessibility,

sustainability. We have the feeling that the old order has broken

down, and that the new order is taking on an original and

dynamic image. Everything seems to be available to us, but

only if we know how to make it, how to build it, how to work it.

There is no pre-existing path, only a maze of directions and avenues

which we open up as we walk. This is the task embarked

upon by designers, the horizon which unfolds to the students

of the Istituto Europeo di Design, whose work is presented in

the exhibition we open today.

The end of year theses, which the IED in Madrid has selected

for a large exhibition, have been inspired by a plurality which

is capable of encompassing different sectors and sensibilities.

The show displays works which offer a development and conclusion

in accordance with the main aims of the IED, which

are founded on the criteria of creativity, functionality and effectiveness,

respect for the environment and professionalism,

among others.

The Schools of the IED, Design (Interior and Industrial), Visual

Arts (Graphic, Digital and Virtual) and Moda Lab (Textile,

Accessories and Fashion), have managed to create, by means

of projects from countries like Mexico, Colombia, Hungary,

Russia, Norway and Spain, a plural debate with pieces which

establish a dialogue with one another, a dialogue which addresses

the current concerns of our environment.

works on display their unique appearance and their extraordinary

brilliance.

Human rights are made visible on publicity billboards,

in emergency campaigns, in the treatment of space and its

abitability. This, in turn, is not absent from the treatment of

materials in eco-design forms. The space for daily life, where

objects, items of clothing and products are not merely things,

merchandise available to us, but speak of our identity by displaying

their capacity for transformation, their versatility, the

result of our intervention and our capacity for self-reflection.

We are sometimes faced with an ironic gaze, which we pause

to think about, about its possibilities, its frame of reference.

Other times, it is a case of association at first sight, the recycling

of materials, in addition to formal demands and the affirmation

of value and rigour, which these works demonstrate;

on the other hand, the audiovisual narratives provide us with

new ways of describing a world which we perceive every day,

mainly by means of images.

Thus, the exhibition displays the dialogue between different

works, a reality which, at the same time, bears witness to

the complexity and dialogues which define our daily existence

and the society we live in, and which, thanks to our creative

ability and skills, we ourselves can build.

Leyre Bozal

The subjects which are usually regarded as social, such as

human rights, sustainability and accessibility, along with scientific

and technical development, are also personal problems

which involve the transformation of nature, the survival of

craftsmanship, versatility and identity, but also loneliness and

death. The dialogue takes place on several levels, and lends the

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Ecodiseño

Eco-design

A día de hoy son muchos los factores que hacen frágil nuestro

modo de vida. Uno de ellos es la vulnerabilidad del medio

ambiente ante el agresivo crecimiento demográfico mundial y

la erosión que éste provoca sobre los diferentes escenarios del

planeta. Los gobiernos, las comunidades, la industria y, en definitiva,

la sociedad, trabajan para impedir que la contaminación

y el consumo deterioren aún más la Tierra y sus recursos,

demandando urgentemente nuevos procesos industriales que

proporcionen productos menos contaminantes y sostenibles.

El uso indiscriminado de materiales no renovables y la dependencia

del petróleo como fuente principal de energía resulta

insostenible a medio-largo plazo. Por tanto, un cambio

hacia unas bases más biológicas de producción, sistemas más

respetuosos con la energía y los materiales y, finalmente, una

reutilización de bioproductos, resulta fundamental para el desarrollo

y progreso de generaciones futuras.

Por otro lado, los usuarios reclaman cada vez más que se

tengan en cuenta los aspectos medioambientales en el diseño

de los productos y los espacios.

Esta nueva demanda es consecuencia de una mayor y creciente

concienciación, competencia y presión empresarial,

nuevas oportunidades de negocio, nuevos estándares como

la ISO 14001, además de una nueva y exigente legislación al

respecto, que se ocupa de los materiales y la energía.

Como parte de las alternativas que han surgido para ralentizar

y controlar este peligroso crecimiento, está el ecodiseño.

Una fusión entre la actividad creadora, propia de la naturaleza

humana, y una conciencia nueva, capaz de redefinir ciertos

procesos y aplicaciones erróneos a la hora de proyectar y explotar

un producto, en donde intervienen las tres partes que

definen la vida de éste: diseñadores, productores y usuarios.

Sin embargo, en términos medioambientales la consideración

del ecodiseño como nueva disciplina está aún en una etapa

muy preliminar.

El ecodiseño puede definirse como las “93 acciones orientadas

a la mejora ambiental del producto en la etapa inicial

de diseño, mediante la mejora de la función, selección de

materiales menos impactantes, aplicación de procesos alternativos,

mejora en el transporte y en el uso, y minimización

de los impactos en la etapa final de tratamiento” (Dr. Joan

Rieradevall).

El nuevo enfoque de la política ambiental europea (Política

Integrada de Productos IPP), requiere que aquellos profesionales

de los campos del diseño, la ingeniería y el medio

ambiente que deben tomar decisiones sobre productos y

procesos, incorporen criterios ambientales. La carencia de

profesionales expertos en la prevención y mejora ambiental

en el proceso de elaboración de nuevos productos, junto con

la creciente demanda de los consumidores de productos más

respetuosos con el medio ambiente, y el incremento de la

sostenibilidad por parte de las administraciones públicas, así

como la presión de las empresas hacia sus proveedores para

que desarrollen mejoras ambientales asociadas a sus productos,

son algunos de los elementos que hemos tenido en cuenta

a la hora de plantear este proyecto de tesis.

Serán objetivos del mismo la concienciación y asimilación

de una nueva visión más global de los problemas ambientales

asociados a los productos y a su fabricación, facilitando herramientas

de prevención y mejora ambiental.

Victoria de Pereda

Directora de Design IED Madrid

At the moment, there are many factors which contribute

to the precariousness of our way of life. One of them is the

vulnerability of the environment to the aggressive increase

in global population, and the subsequent erosion that this

causes in different parts of the world. Governments, communities,

industry and, in short, society, are working to prevent

pollution and consumerism from causing further damage to

the Earth and its resources, by urgently demanding new industrial

processes which provide more sustainable, and less

polluting, products.

The indiscriminate use of non-renewable materials and our

dependence on oil as our main energy source is untenable in

the medium-long term. Therefore, it is essential for the development

and progress of future generations that we adopt

more biological bases of production, as well as systems which

are more energy-efficient and respectful in their use of materials,

and, lastly, the reutilization of bio-products.

On the other hand, users are increasingly demanding that

environmental issues are taken into account in the design of

products and spaces.

This new demand is the result of increasing awareness,

competition and pressure in the business sector, new business

opportunities, new standards, such as ISO 14001, as well as a

new and exacting legislation in this area, which is concerned

with materials and energy.

Eco-design forms part of the alternatives which have

emerged to control and slow down this dangerous growth. It

is a combination of creative activity, typical of human nature,

and a new awareness, which is able to redefine certain erroneous

processes and applications in the design and marketing of

a product, where the three elements which define its life are

involved: designers, producers and users. However, in environmental

terms, our awareness of eco-design as a new discipline

is still at a very early stage.

Eco-design can be described as “93 actions aimed at the

environmental improvement of a product at the early design

stage, through the improvement of its function, the selection

of materials which have less environmental impact, the application

of alternative processes, improvements in transport

and use, and the minimisation of environmental impact at the

final treatment stage” (Dr Joan Rieradevall).

The new approach of European environmental policy (Integrated

Product Policy, or IPP), requires that professionals working

in the fields of design, engineering and the environment who

must make decisions regarding products and processes, incorporate

environmental criteria. The lack of professionals specialising

in damage prevention and environmental improvements in

the process of producing new products, together with the growing

demand on the part of consumers for products which are

more respectful of the environment, and increased sustainability

on the part of the public administrations, as well as the pressure

exerted by companies on their suppliers to develop environmental

improvements associated with their products, are some of

the elements we have taken into account in our approach to the

planning of this thesis.

This thesis will have as its objectives the increase in awareness

and assimilation of a new, more global, view of the environmental

problems linked to products and their manufacturing,

and will provide tools for the prevention of environmental

damage and for environmental improvements.

Victoria de Pereda

Design Director, IED Madrid

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Learning forever

El avance, la transformación y la omnipresencia de los new

media en nuestra vida, sobre todo entre las personas más jóvenes,

han supuesto que nuestras conductas, ocio, entorno

laboral y básicamente la manera de comunicarnos a través de

soportes tecnológicos realmente sorprendentes hayan variado

el modo de percibir la realidad del homo digitalis de hoy.

Por tanto, vivimos una época de profundas transformaciones

tecnológicas, económicas y sociales, que han supuesto

un ritmo acelerado, que han soportado diversas generaciones

desde la mitad del siglo XX de una forma que posiblemente no

ha experimentado ninguna generación anterior.

Esta exaltación de la imagen y lo audiovisual nos acompaña

permanentemente en la mayoría de las acciones cotidianas,

desde que iniciamos nuestra actividad diaria hasta que la finalizamos.

Nunca ha tenido el ser humano del primer mundo

ni tanta información, ni una paleta de posibilidades tan

asombrosa para organizarse y realizar tareas, comunicarse de

un lado a otro del planeta, transmitir ideas y conceptos y “visualizar”

un verdadero arsenal de cultura, ocio y actividades

sin parangón.

Lógicamente, esta metamorfosis ha alcanzado las diferentes

disciplinas del diseño, pero en especial a Artes Visuales, desde

la formación actual y futura del diseñador hasta su modo de

trabajar y abarcar proyectos y encargos.

Actualmente los procesos en red, es decir, colaborar con

otros profesionales y empresas de un modo multidisciplinar

y transversal, son necesarios además de enriquecedores, teniendo

muy presente que una de las características esenciales

de este nuevo profesional, el DISEÑADOR VISUAL, es estar capacitado,

implicado y preparado para la intervención global

en todos los procesos de diseño, desde la dirección y la gestión

del proyecto al desarrollo, realización y producción del mismo,

sin olvidar el marketing y la comunicación final del producto.

Además de conocer el lenguaje audiovisual, debe ser un

experto en el tratamiento de la tecnología de este contexto,

elaborar desarrollos interactivos y web 2.0, tener un gran

conocimiento de la cultura de su entorno profesional, tanto

en el ámbito del diseño en general como en aquellos sectores

del arte visual y sus convivencias con el medio televisivo,

cine, publicidad, música, arte plástico, fotografía, videoarte,

net.art, exposiciones, ferias… y conocer las tendencias de esta

profesión, tanto en sus aspectos conceptuales, empresariales

y proyectuales, como en los del manejo de herramientas tecnológicas

y el conocimiento de los soportes futuros que facilitan

y amplifican sustancialmente nuestras posibilidades de

negocio.

Toda esta efervescencia y su modus operandi, basado en

muchos casos en la inmediatez que requiere un mercado cada

vez más competitivo, versátil y flexible, determinan que la

puesta al día formativa del diseñador visual sea constante y

permanente. Para ello, los centros de enseñanza de esta especialidad,

como lo es el Istituto Europeo di Design, deben saber

analizar, ser conscientes y estar atentos a estas transmutaciones

para dotar a sus alumnos de un programa didáctico acorde

a las exigencias que demandan los sectores profesionales,

las empresas, las entidades y los usuarios que encargan estas

prestaciones.

Para finalizar, una sociedad basada en el conocimiento necesita

una formación y preparación muy avanzada encaminada

a capacitar futuros diseñadores polivalentes, que puedan

trabajar en múltiples disciplinas y trayectorias. Hoy, han comenzado

a diluirse las fronteras concretas del diseño. Bienvenido

sea el renovado y fortalecido diseñador visual.

Manuel Jiménez

Director de Artes Visuales IED Madrid

16 17


Learning forever

The progress, transformation and omnipresence of new

media in our lives, particularly in the case of younger people,

have meant that our behaviour, leisure activities, professional

environment and, essentially, our ways of communicating by

means of truly surprising technological channels, have altered

the manner in which today’s homo digitalis perceives reality.

Thus, we are living in a time of profound technological,

economic and social transformations, which have brought

about a much faster pace, which several generations have had

to bear, since the mid-twentieth century, in a way which may

never have been experienced by any previous generation.

In addition to understanding audiovisual language, the designer

must be an expert in the handling of technology in this

context, to carry out interactive and web 2.0 developments,

have extensive knowledge of the culture of his/her profession,

both in the area of design in general and in that of visual art

and its coexistence with television, film, advertising, music,

the plastic arts, photography, video-art, net.art, exhibitions,

fairs, etc., and know about the latest trends in this profession,

as much in conceptual, projectual and managerial terms, as in

the use of technological tools, as well as knowledge of future

media which will significantly facilitate and widen our business

opportunities.

This exaltation of the image and the audiovisual accompanies

us in most of our everyday activities, from the time we get

up to the time we go to bed. The human being from the first

world has never before had so much information and such an

astounding range of possibilities at his disposal to organise and

carry out tasks, communicate from one end of the planet to the

other, convey ideas and concepts, and “visualise” a genuine

and unprecedented mine of culture, leisure and activity.

As was to be expected, this metamorphosis has affected the

various disciplines within the field of design, particularly the

visual arts, where it influences the current and future training

of designers and their way of working and undertaking

projects and commissions.

Currently, network processes, that is, multidisciplinary

and transverse collaborations with other professionals and

companies, are not only enriching but necessary, keeping in

mind that one of the essential characteristics of this new professional,

the VISUAL DESIGNER, is to be qualified, involved

and prepared to intervene totally in every stage of the design,

from project management to the development, carrying out

and manufacturing of the product, as well as its marketing and

final communication.

All of this effervescence and its modus operandi, often based

on the immediacy required by an increasingly competitive,

versatile and flexible market, means that the training updating

of a visual designer is constant and permanent. Therefore,

the institutions which provide training in this field, such as the

Istituto Europeo di Design, must be able to analyse, be aware

of and be on the alert for these changes, in order to provide

their students with a syllabus which fulfils the demands of the

professional sectors, companies, institutions and those who

commission these services.

Lastly, an information-based society requires a very advanced

training and education, aimed at producing future

multi-faceted designers who must be able to work in many

different fields and disciplines. Nowadays, the specific borders

of design have begun to blur. Welcome to the renewed and

strengthened Visual Designer.

Manuel Jiménez

Visual Arts Director, IED Madrid

18


Moda y nuevas sensibilidades

V

Fashion and new sensibilities

Moda es comunicación. Utilizar la moda es desear comunicarse.

La forma de vestirnos es el principal factor diferenciador

e integrador a la hora de socializarnos con los demás.

Ahora también queremos estar rodeados de otros objetos que

llevan el mismo sello estético que nuestra vestimenta. Aumenta

la variedad de productos que ofrecen las marcas de moda.

La diversificación crea imperios. La moda es un mercado sin

límites de crecimiento.

Lejos de ser renovado en su principal estructura operativa, el

concepto “temporada” no hace más que acelerarse al máximo,

inundando el ya saturado mercado casi semanalmente con

nuevos productos. La globalización y la democratización de la

moda a través de las grandes cadenas de tiendas ha deslocalizado

una inmensa parte de la producción a China y la India.

Gracias a las producciones masivas, ahora ya se puede comprar

moda de calidad a precio de confección, las mismas colecciones

desde Nueva York hasta Tokyo. El producto de precio

medio y producción local casi desaparece, y la cúpula del lujo

se ha reorientado con nuevos excesos hacia consumidores que

vienen de las nuevas economías de Rusia y la misma China.

El consumidor en Europa y Norteamérica, en cambio, ¡tiene

el armario lleno! El actual sistema de la moda no satisface

una demanda real del consumidor, sino que provoca una demanda

artificial. Lo que sí satisface es la necesidad de vender

y cumplir los objetivos económicos y de crecimiento de todas

las empresas involucradas en la red, desde el productor de hilaturas

y fibras, el fabricante textil, las propias marcas y, por

último, las tiendas y la prensa especializada. La innovación

se centra en generar cambios estéticos, las llamadas “tendencias”,

ante la falta de una redefinición de nuevos procesos de

producción, distribución y comunicación, que estimulen nuevas

formas de consumo.

Pero el mundo está cambiando, y la sociedad reacciona:

nacen nuevos valores y deseos en los consumidores y surgen

nuevas formas de vivir. Se transforman los estímulos del consumo

y los códigos estéticos.

Antes que la anunciada revolución tecnológica en el sector

textil, que preveía tejidos inteligentes, prendas multifuncionales

y ultracómodas, que no se manchan, ni se arrugan, y además

curan, cobra forma una contrarrevolución: la moda ética,

sostenible o solidaria. GREEN IS THE NEW BLACK. El gran

movimiento de solidaridad y concienciación medioambiental

surgido dentro de los circuitos alternativos de la sociedad está

entrando con fuerza al espacio de la moda. Surgen productores,

proveedores y firmas nuevas, ferias especializadas y salones

de moda ética en París, Londres y Nueva York, las capitales

principales de la moda. Un mercado nuevo, que ha evolucionado

dejando de tener una imagen poco atractiva o seductora,

aparece ahora hasta en las portadas de las revistas más fashion

del planeta, piensen en los Green Edition del Vogue americano

y Vanity Fair esta última primavera.

Como contrarrespuesta a la gran amenaza china como productor

principal de todo objeto que nos rodea a un precio más

que competitivo, se crean colecciones de series limitadas, hechas

por artesanas, se conoce el origen, productos con alma,

con identidad. Un producto que nos da confianza, que nos

provoca emoción, porque comprarlo incluso ayuda… a la otra

parte del mundo, lejos e invisible ante nuestros ojos, pero difícil

de eliminar de nuestra mente.

Lo natural, lo local, lo exclusivo, lo auténtico, lo hecho a

mano parece aportar valores y experiencias únicas que satisfacen

los nuevos deseos de los consumidores más elitistas.

Nace un nuevo lujo. Productos no disponibles en y para todo

el mundo, hasta difíciles de conseguir, cuyo precio está justificado:

productos que justifican el acto de la compra.

Lo que define el producto no es el aspecto o la función del

mismo, sino su simbología e identidad. Una identidad no solo

está basada en una imagen, sino también en el concepto de

marca: quién está detrás, dónde y cómo está realizado. Un

producto que comunica lo que queremos ser, pero con códigos

que solo pueden identificar otros pocos que piensen como

nosotros.

Las industrias locales de muchos países europeos y latinoamericanos

tienen que reaccionar y desarrollar soluciones para

poder sobrevivir. No pueden competir en precio, pero sí en el

producto en sí y ofrecer innovadoras formas de producir, distribuir

y comunicar la moda dentro del contexto internacional.

Fusionar la utilización de materiales y artesanías locales

con la tecnología punta para cumplir con objetivos de sostenibilidad

en todos los procesos. ¿Qué más

El futuro demanda la creatividad en la construcción de nuevos

conceptos. Se necesitan diseñadores de moda con estímulos

distintos.

El conocimiento teórico y técnico del presente y pasado es

importante, pero la intuición para percibir y ver más allá de los

límites del actual sistema de la moda también. Eso permitirá

la concepción de ideas proyectuales en moda que satisfarán

los deseos de nuevas sociedades y las necesidades ambientales

y sociales del mundo que habitamos.

En IED Moda Lab de Madrid queremos dar lugar a conocer,

pero también a pensar y desarrollar la intuición como máxima

herramienta para la creación de nuevas visiones. Visiones

que puedan aportar algo positivo para mejorar nuestro futuro,

aunque sea solo en nuestro entorno más inmediato.

Isabel Berz

Directora de IED Moda Lab Madrid

Fashion is communication. To use fashion is to want to communicate.

The way we dress is the main distinguishing and integrating

factor when it comes to socializing with others. Now,

we also want to be surrounded by other objects that carry the

same aesthetic stamp as our clothing. The variety of products

offered by fashion labels is increasing. Diversification creates

empires. Fashion is a market with no growth limits.

Far from being renewed in its principal operative structure,

the concept of “season” just speeds up to the maximum, flooding

the already saturated market with new products almost

weekly. The globalization and democratization of fashion

through large chains of shops has relocated an immense part

of production to China and India. Thanks to mass production,

one can now buy quality fashion at ready-to-wear prices, the

same collections from New York to Tokyo. The average-price

product and local production has almost disappeared, and the

leaders of luxury have changed direction with new excesses

aimed at consumers who come from the new economies of

Russia and China.

The consumer in Europe and the United States however has

a full wardrobe! The current fashion system does not satisfy a

real demand on the part of the consumer, but, rather, causes

an artificial demand. What is satisfied is the need to sell and

fulfil growth and economic objectives of all the companies

involved in the network, from the producer of yarns and fibres,

the textile manufacturer, own-brand goods, and finally,

shops and the specialised press. Innovation is centred on

generating aesthetic changes, the so-called “trends”, in face

of the lack of a redefinition of new production, distribution

and communication processes, that would stimulate new

forms of consumption.

But world is changing, and society is reacting; new values and

desires awaken in the consumers and new ways of living emerge.

Consumption incentives and aesthetic codes have changed.

20 21


V

Before the announced technological revolution in the textile

sector, which predicted intelligent fabrics, multifunctional ultra

comfortable clothing that does not get dirty, or crease, and,

on top of that, cures, and there is more place for a counterrevolution,

of ethical, sustainable and caring fashion. GREEN

IS THE NEW BLACK. The great solidarity and environmental

awareness movement which has emerged in the alternative

circuits of society is entering strongly in the field of fashion.

Producers, suppliers and new companies, specialised fairs

and ethical fashion houses are emerging in Paris, London and

New York, the main fashion capitals. A new market has developed,

leaving behind an image which is not very attractive or

tempting, even appearing now on the covers of the most fashionable

magazines. Think about the Green Issue of American

Vogue and Vanity Fair last Spring.

As a response to the great Chinese threat as main producer

of every object that surrounds us at a more than competitive

prices, collections of limited series are being created, made by

craftsmen, of known origin, products with soul, with an identity.

A product which we trust, which arouses emotion because buying

it even helps … that other part of the world, far away and

invisible to our eyes, but difficult to erase from our minds.

The natural, the locally produced, the exclusive, the authentic

and the handmade seem to contribute values and unique

experiences that satisfy the new desires of the most elitist consumers

A new luxury is born. Products that are not available

worldwide and are not for everyone, even difficult to obtain,

whose price is justified. Products that justify the act of buying.

Local industries in many European and Latin American

countries must react and develop solutions in order to survive.

They cannot compete in price, but they can with the product

itself and by offering innovative ways of producing, distributing

and communicating fashion in an international context.

Merging the use of local materials and craftsmanship with the

latest technology to achieve sustainable objectives in every

process. What more

Future demands creativity in the construction of new concepts.

Fashion designers with different incentives are needed.

Technical and theoretical knowledge from the present and

the past is important, but so is intuition to observe and see

beyond the limits of the current fashion system. This will allow

the conception of fashion projectual ideas that will satisfy

the desires of new societies and the environmental and social

needs of the world we inhabit.

At IED Fashion Lab Madrid we want to give rise to knowledge

but also to thinking and developing intuition as the

greatest tool for the creation of new views. Views that can contribute

something positive to improve our future, even though

it might only be in our closest environment.

Isabel Berz

IED Fashion Lab Director, IED Madrid

What defines the product is not its appearance or function,

but its symbol and identity. An identity not only based on

an image, but also on the concept of label: who is behind it,

where and how it is made. A product that communicates what

we want to be. But with codes which only the few others who

think like us can identify.

22


Imaginar el futuro

V

El design nunca ha tenido una historia autónoma. Ha sido

siempre considerado como parte de la cultura industrial o

como ornamento social o como un aspecto curioso de la historia

de las costumbres. Norbert Elias recuerda la fascinación

que acompaña la visita y descubrimiento de todas aquellas

colecciones de objetos que nacen en la segunda parte del siglo

XIX, y que pasan a configurar el mundo de la metrópoli y sus

estilos de vida, tal como fueron descritos en las páginas de los

grandes relatos del naturalismo. Una fascinación que crece si

la mirada o la curiosidad recorren los espacios industriales,

las nuevas máquinas, los nuevos objetos, aquellos materiales

que, como en el caso de los aceros alemanes de los años

veinte, atrapan con sus brillos la retina de los fotógrafos que

trabajaban para Fritz Lang.

En una secuencia perfectamente articulada y que la sociología

de la cultura puede reconstruir hállanse los diferentes

momentos de un proceso que, partiendo del impulso que la

Revolución Industrial inaugura, pasa a definirse en las formas

concretas de los objetos de la vida doméstica o pública con la

coherencia que el estilo de una época da a las cosas. De esta

idea vivió el Movimiento Moderno al hacer suyo el proyecto

de la construcción de un nuevo sistema cultural en el que la

relación entre design, arquitectura y urbanismo se encuentran

constituyendo una lógica o una idea que muchos de sus

representantes consideraron ética. Pienso en Walter Gropius

y la Bauhaus para probar este talante y forma de pensar a la

hora de enfrentarse a los presupuestos de la cultura del proyecto.

Bien es cierto que la unidad propuesta por el Movimiento

Moderno, basada en una jerarquía rígida de decisiones, estalló

hace ya tiempo dejando un espacio abierto a un conflicto entre

las tres disciplinas que hoy en día, tras un período apasionante

de encuentros y desencuentros, vuelve a plantearse en contextos

diferentes como son los derivados de las sociedades postindustriales,

construidas sobre la base de una creciente complejidad

y al mismo tiempo con capacidades tecnológicas nuevas

que hacen posible un tipo de innovación inédito hasta la fecha.

Sobre la base de esta complejidad puede observarse cómo

a lo largo de los últimos años se ha producido una dilatación

progresiva del campo teórico y operativo del design. Sus programas

han venido a definirse desde una relación permeable

con las grandes transformaciones de los sistemas de vida de

la sociedad postindustrial, marcados principalmente por la

homologación cultural y la internacionalización de la producción.

Es fundamental tener en cuenta a este respecto cómo

las fases de la creciente globalización no deben solamente

entenderse bajo enfoques económicos o políticos, sino que

también al final son los aspectos culturales los que terminan

por definir el verdadero campo de efectos. Tras la comunicación

y el mercado –los dos verdaderos agentes del proceso de

mundialización– deben individuarse la generalización de los

cultural patterns que terminan por definir los nuevos modelos

de referencia simbólica sobre los que se articulan los procesos

de identidad y diferencia del mundo contemporáneo.

En efecto, son éstos los contextos problemáticos sobre los

que la actual cultura del proyecto se debate. A la hora de responder

a la demanda de las nuevas formas de habitar vuelven

a encontrarse las dos principales tradiciones del siglo XX:

un universalismo que el Movimiento Moderno postuló como

estrategia para el logro de una nueva forma de cultura válida

para todos; y una posición que encontró en los experimentos

de la cultura postmoderna la libertad de juegos y propuestas,

legitimadas por una cultura dominada por el privilegio del individualismo

y una estetización difusa de la vida. Ciertamente,

hoy, aquellos experimentos nos parecen tan lejanos como

lejanos nos resultan los ochenta. No así todo aquello que tuvo

lugar con el llamado “movimiento radical” de los setenta que

sacudió frontalmente las convenciones teóricas y morales de

la época, dando lugar a un debate cuya eficacia principal fue

abrir nuevas perspectivas críticas que todavía interpelan los

problemas básicos de la cultura del proyecto.

Posiblemente tengamos hoy que volver a plantearnos estas

ideas para dialogar con sus límites e insuficiencias. Se trata de

reconocer una complejidad inicial en la que se dan la mano

todas las variantes que subyacen al proyecto. Lo reconocía Roberto

Venturi al referirse a estas mismas dificultades: “Los arquitectos

modernos –anotaba– simplificaron esta complejidad.

Aclamaron la novedad de las funciones modernas, ignorando

sus complicaciones. En su papel de reformadores, abogaron

puritanamente por la separación y exclusión de los elementos,

en lugar de la inclusión de requisitos diferentes y de yuxtaposiciones”.

Como precursor del Movimiento Moderno, Frank

Lloyd Wright se atrevía a defender su lema: “La verdad contra el

Mundo”, dando lugar a posiciones extremas que hallarían su expresión

en la mejor tradición moderna. Pero ahora nuestra posición

es diferente. La creciente complejidad del mundo actual,

entendida tanto en sus aspectos económicos, sociales y culturales,

cuanto en lo que se refiere a la dimensión reflexiva sobre

las condiciones del individuo, su identidad y sus derivaciones

cada vez más complejas en uno y otro sentido, su inscripción

social y los modelos de pertenencia políticos y culturales, hace

que aparezca un espacio diferente, mucho más complejo y con

el que el design debe dialogar.

En efecto, un proyecto puede definirse como una invención

para responder a un problema habitacional sea cual sea su dimensión

y tipología. Y es a la hora de establecer la propuesta

de un proyecto concreto cuando entran en conflicto las diferentes

variantes en juego. Para unos, la arquitectura como el

design debe producir nuevos espacios o nuevos objetos, debe

entenderse como un ejercicio utópico, un fragmento del futuro

que acontece sin respetar la ruta del tiempo. Para otros, el

proyecto debe mediar entre las diferentes circunstancias, debe

ser quien articule los distintos contextos en los que el espacio

se inscribe, respondiendo a las condiciones de uso e incluso al

sistema de funciones previstas. Se trata de un equilibrio mesurado,

inteligente, en el que se encuentran la pasión cívica,

junto al juego creativo y la idea.

Se construye con ideas, pero éstas deben cruzarse con el

mapa de aquel espacio sobre el que se edifican. Esta dificultad

ha sido interpretada de maneras bien distintas a lo largo de la

historia. De ahí la necesidad de una relación crítica con la tradición,

con la historia, con la teoría de la arquitectura, con la

cultura del proyecto. Relación crítica que, por otra parte, debe

ayudar a interpretar desde las condiciones actuales la complejidad

que acompaña a las formas del habitar. Hoy el edificio

no es ya más un cuerpo, como imaginaba Leon Battista Alberti,

sino que, después de haber sido una máquina, tal como lo

había pensado el Movimiento Moderno, ha pasado a ser un

corps immateriel, inmerso en el universo de flujos sígnicos, del

que habla Paul Virilio. De la misma forma que la ciudad ya no

es ni responde a los modelos heredados de la historia ni a los

sueños utópicos representados por la città ideale, sino que se

presenta hoy como la ville générique configurada como lugar

de coexistencia de grupos sociales, culturas, géneros, lenguas,

religiones, etc. diferentes. La ville générique pasa a ser el nuevo

laboratorio de relaciones, miradas, reconocimientos, tolerancias

que confrontan directamente el modelo heredado de la

antigua ciudad, dominada por la memoria de un tiempo sobre

el que se construía la historia de una identidad. El nuevo cuerpo

social, como escribiera Foucault, se presenta ahora desde las

marcas y signos de diferencias múltiples, reunidas apenas en

el provisional y frágil modelo de las nuevas relaciones sociales,

dando lugar a una representación práctica de la complejidad

latente de lo social.

Creo que es en el contexto de este nuevo marco de problemas

que el design debe establecer su reflexión y práctica. Es

acertadísima la opinión de Jeffrey Kipnis al insistir en la pertinencia

de considerar el valor social y cultural de la libertad

como una de las metas de lo individual y lo colectivo. Una

frontera que resulta, políticamente hablando, cada vez más

problemática. Ideas como las propuestas por Rem Koolhaas,

Stefano Boeri y Sanford Kwinter, entre otros, hace ya unos

años en Mutations, o la más reciente propuesta de Bruno

24 25


V

Imagining the Future

Latour y Peter Weibel en Making Things Public, hace apenas

un año en el ZKM, podrían ser los referentes problemáticos

para una discusión abierta sobre estas cuestiones.

Lo importante es construir una nueva forma de pensar,

acorde con las condiciones de la nueva complejidad. Hoy, por

ejemplo, la ecología nos obliga a pensar la ciencia y la política

al mismo tiempo. Es la debilidad de ciertos discursos sobre la

sostenibilidad, que terminan siendo un inútil pliego de buenas

intenciones. Si nos situamos en esa perspectiva, todo lo

que tiene que ver con la cultura del proyecto debe ser repensado.

John Berger lo recordaba recientemente. La primera tarea

de cualquier cultura es proponer una comprensión del tiempo,

de las relaciones del pasado con el futuro, entendidas en su

tensión, en la dirección en la que convergen contradicciones

y esperanzas, sueños y proyectos. Comme le rêve le dessin! Sí,

como el sueño, el proyecto, en esa extraña relación en la que se

encuentran las ideas y los hechos, la tensión de un afuera que

la historia transforma y el lugar.

El design entra así como uno de los instrumentos más significativos

a la hora de definir las formas nuevas de la cultura. En

su intención pertenece por derecho propio a la llamada cultura

del proyecto; en sus aplicaciones es el momento en el que

se deciden todos aquellos elementos que modernizan y transforman

no solo los usos, sino también los gustos, las formas

de percepción y hasta las necesidades. Toda reflexión sobre el

design termina siendo una reflexión sobre las tendencias de la

cultura y sus proyectos. A nadie escapa que estas observaciones

adquieren una mayor fuerza si el contexto que las define

es el de una cultura como la nuestra, sometida a procesos de

aceleración e innovación profundos, cuyo alcance atraviesa

todos los dominios de la ciencia y la vida, la producción y la

sociedad. Intervenir en estos procesos es una de las responsabilidades

de quienes hacen suya la tarea de la construcción

de las sociedades futuras, como pueden ser los proyectos de

tesis realizados con indiscutible entusiasmo por los alumnos

del IED de Madrid.

Francisco Jarauta

Director del Comité Científico del IED Madrid

Design has never had an autonomous history. It has always

been considered as part of industrial culture or as a social ornament

or an odd aspect of the history of customs. Norbert

Elias recalls the fascination aroused by visiting and discovering

all those collections of objects made during the second half

of the 19th century, which eventually configured the world of

the metropolis and its lifestyles, as described on the pages of

the great realist novels. This fascination grows if the viewer’s

gaze or curiosity takes him through industrial spaces, new machines

and objects, and materials whose shine, in the case of

German steel in the 1920s, trapped the retinas of the photographers

employed by Fritz Lang.

In a perfectly articulated sequence, which cultural sociology

can reconstruct, lie the different stages of a process which,

driven by the impulse set in motion by the Industrial Revolution,

went on to be defined in the specific forms of objects

from domestic and public life, with a coherence in consonance

with the style of a historical period. The Modern Movement

lived off this idea by claiming as its own the building project

for a new cultural system in which the relationship between

design, architecture and urban planning combined to form a

logic or an idea which many of the movement’s representatives

believed to be ethical. I am thinking of Walter Gropius and

Bauhaus, to test this attitude and way of thinking when faced

with the cost of projectual culture. Although it is true that the

only proposal by the Modern Movement, based on a rigid hierarchy

of decision making, imploded quite a while ago, leaving

an open space for conflict between the three disciplines

which, as of today, after a thrilling period of agreements and

disagreements, is again taking place in different contexts, such

as those derived from post-industrial societies, built on the

foundations of a growing complexity, which simultaneously

enjoys new technological possibilities which allow for hitherto

unheard-of innovation.

On the basis of this complexity, it can be observed that, over

the last few years, a progressive expansion of the theoretical

and operative field of design has taken place. Its programmes

have come to be defined from the perspective of a permeable

relationship with the great transformations in the life systems

of post-industrial society, which are mainly defined by cultural

standardisation and production internationalisation. It is essential

to keep in mind that the stages of increasing globalisation

must not be viewed only from economic and political

perspectives, but that, finally, cultural aspects also define the

true field of effects. After communications and the market

–the two true agents in the globalisation process– it is necessary

to mention the generalisation of cultural patterns which

eventually define new models of symbolic frames of reference,

around which are articulated the processes of identity and difference

of the contemporary world.

Indeed, these problematic contexts are the focus of debate

in the current projectual culture. When it comes to responding

to the demand for new ways of living, we again come up

against the two main traditions of the 20th century: a universalism

which the Modern Movement postulated as a strategy

to achieve a new form of culture which would be valid for all;

and a position which found the freedom of games and proposals

in the experiments of post-modern culture, and was legitimised

by a culture dominated by the privilege of individualism

and a vague aesthetization of life. Certainly, nowadays those

experiments seem to us as distant as the 1980s. But this was

not the case with all that took place during the so-called “radical

movement” of the 1970s, which directly shook the theoretical

and moral conventions of the time, giving rise to a debate

whose main achievement was to open the way to new critical

perspectives which still address the basic problems of the projectual

culture.

We may have to go back to these ideas in order to establish

a dialogue with its limitations and lacks. It is a question of recognising

an initial complexity in which all the variables underlying

the project come together. Robert Venturi admitted it

when he spoke of these difficulties. According to him, “Mod-

26 27


V

Imagining the Future

ern architects simplified this complexity. They applauded the

novelty of modern functions, ignoring its complications. In

their role as reformers, they puritanically called for the separation

and exclusion of elements, instead of the inclusion of

different requirements and juxtapositions”. As a precursor of

the Modern Movement, Frank Lloyd Wright was bold enough

to defend his motto: “Truth against the World”, giving rise to

extreme positions which would be expressed in the best modern

tradition. But now our position is another. The increasing

complexity of today’s world, in economic, social and cultural

terms, regarding reflection on the conditions of the individual,

his identity and his growingly complex derivations in

one sense or another, his social enrolment and the models of

political and cultural belonging, give rise to a different space,

one which is far more complex and with which design must

establish a dialogue.

Indeed, a project can be defined as an invention with

which to respond to a housing problem, regardless of its dimensions

or typology. And the time has come to establish the

proposal for a specific project in which the different relevant

variables come into conflict. For some, architecture, like design,

should produce new spaces and objects, and must be

understood as a Utopian exercise, a fragment of the future

which takes place without following the path of time. For

others, the project must mediate between the different circumstances,

and must articulate the different contexts of

which space forms part, responding to the conditions of use

and even to the system of expected functions. This is a measured,

intelligent balance, in which civic passion and the creative

game merge with the idea.

It is built with ideas, but these must be checked against the

map of the space on which they are erected. This difficulty has

been interpreted in many different ways throughout history,

hence the need for a critical relationship with tradition, with

history, with the theory of architecture, with the projectual

culture. This critical relationship, on the other hand, must help

interpret, from the perspective of current conditions, the complexity

which is intrinsic to ways of living. Today, the building

is no longer a body, as imagined by Leon Battista Alberti, and,

after being a machine, as envisioned by the Modern Movement,

it has become a corps immateriel, immersed in the universe

of signal flows described by Paul Virilio. In the same way

that the city is no longer, nor does it respond to, an inherited

model of history or Utopian dreams represented by the città

ideale, and is now presented as a ville générique, configured as

a place for the co-existence of different social groups, cultures,

genders, languages, religions, etc. The ville générique has become

the new laboratory of relationships, gazes, recognitions

and tolerances, all of which challenge the inherited model of

old cities, dominated by a time in which the history of an identity

was built. The new social body, as Foucault wrote, is now

presented from the signs and marks of multiple differences,

which are precariously held together by the provisional and

fragile model of the new social relationships, giving rise to a

practical representation of the latent social complexity.

I believe that it is in the context of this new set of problems

that design should establish its reflections and practices. The

opinion of Jeffrey Kipnis is completely accurate, with his insistence

on the relevance of considering the social and cultural

value of freedom as an individual and collective goal. A

frontier which, politically speaking, is becoming increasingly

problematic. Ideas such as those put forward by Rem Koolhaas,

Stefano Boeri and Sanford Kwinter, among others, a few

years ago, in Mutations, or the more recent proposal by Bruno

Latour and Peter Weibel in Making Things Public, only a year

ago, at the ZKM, could establish the frame of reference for an

open discussion on these issues.

The important thing is to build a new way of thinking, in

accordance with the conditions of this new complexity. Nowadays,

for example, environmentalism forces us to think about

science and politics at the same time. This is the weakness of

some sustainability discourses, which end up becoming a useless

bunch of good intentions. If we position ourselves from

this perspective, everything relating to the projectual culture

must be re-thought. John Berger reminded us of this recently.

The first task of any culture is to propose an understanding

of time, of the relationship between the past and the future,

examined in the context of their tension, of the direction in

which contradictions and hopes, dreams and projects, come

together. Comme le rêve le dessin!. Yes, like a dream, the project,

in that strange relationship between ideas and facts, that tension

of an outside transformed by history and the place.

Thus, design arrives as one of the most significant instruments

used to define new forms of culture. In its interaction, it

belongs by its own right to the so-called projectual culture; its

application is the moment when the choice is made regarding

the elements which modernise and transform not only uses,

but also tastes, forms of perception and even needs. Any reflection

on design ends up being a reflection on the trends of

culture and its projects. No one is unaware that these observations

acquire greater intensity if the context which defines

them is that of a culture like ours, subject to profound processes

of acceleration and innovation, which encompasses the domains

of science and life, production and society. Intervening

in these processes is one of the responsibilities of those who

wish to take on the task of building future societies, expressed

in the thesis projects produced with undeniable enthusiasm

by the students of the IED in Madrid.

Francisco Jarauta

Director of the Scientific Committee, IED Madrid

28 29


JACK AND THE MAGIC BEANS

Tamara Acosta Simon

México D.F., 1983

tamara.acosta@gmail.com

www.adeshoras.com

Jack and the Magic Beans son títulos de crédito para

la película del mismo nombre, realizados como una

animación tradicional. El efecto artesanal del lápiz y

la acuarela sobre papel se traslada a la pantalla del

ordenador. La animación tradicional se relaciona con

los dibujos para niños, que se acompañan con música

de Schubert.

Jack and the Magic Beans are the credits for the film

of the same name, and have been produced using traditional

animation. The craft-like effect of the pencil

and watercolours on paper is transferred to the computer.

Traditional animation is associated with children’s

cartoons, which are accompanied by music by

Schubert.

Tamara Acosta Simon. Diplomada en Diseño Digital por el

IED de Madrid en 2007. Estudió en el Instituto de Diseño Metrópolis

durante los años 2005 y 2006. Asimismo, ha realizado

diversos cursos de lenguaje audiovisual.

Tamara Acosta Simon. Degree in Digital Design at the

IED, in Madrid, in 2007. She studied at the Instituto de Diseño

Metrópolis between 2005 and 2006. She has also taken several

courses on audiovisual languages.

32 33


Fotogramas de Jack and the Magic Beans. 0’45’’

34 35


SUPERMERCADO UNIVERSAL

David Angulo

Toledo, 1986

dedavian@hotmail.com

www.dedavian.com

En la sociedad actual ya no adquirimos productos tangibles,

sino sensaciones, conceptos o ideales. A menudo

los productos nos sirven para obtener un beneficio

emocional. Supermercado Universal surge con la idea

de mostrar esos conceptos empaquetados y puestos a

la venta; reinterpretar los productos existentes, cambiar

su naturaleza y asignarles una nueva función; intervenir

en el propio producto y en la compra del día a

día para lanzar mensajes y concienciar al consumidor

de hoy. ¿Qué pasaría si existiera un producto llamado

autoestima ¿Qué ocurriría si comercializáramos un

producto que nos hiciera sentir más atractivos sin necesidad

de intervenir sobre nuestro cuerpo

In today’s society, we no longer acquire tangible products,

but sensations, concepts and ideals. Products

often allow us to obtain emotional benefits. Supermercado

Universal emerged with the premise of showing

these concepts, packaged and on sale. It reinterprets

existing products, changes their nature and assigns

them a new function, intervening in the product itself

and in daily shopping in order to send messages and

raise the awareness of today’s customers. What would

happen if there were a product called “self-esteem”

What would happen if we sold a product which made

us feel more attractive without having to intervene on

our body

David Angulo. Diplomado en Diseño Gráfico por el IED de

Madrid en 2007. Ha trabajado en la Agencia de Publicidad

Grupo Sim. Actualmente forma parte del grupo creativo de

FutureBrand diseñando para empresas como Acciona, Eroski

o Realia, entre otros.

David Angulo. Degree in Graphic Design at the IED, in Madrid

in 2007. He has worked for the Grupo Sim advertising agency.

He currently forms part of the creative team FutureBrand,

which carries out design work for businesses like Acciona,

Eroski and Realia, among others.

36 37


Piezas de la campaña Supermercado universal

38 39


PROMSITE / 50 YEARS OF POP ART

Gerardo del Hierro

Santander, 1985

grrddh@grrddh.com

www.grrddh.com

Pensada originalmente para el Foro de Promsite en

Domestika, Promsite intenta reflejar nuestro inmediato

entorno, repleto de tecnología y sumido en un universo

de comunicación.

Originally conceived for the Promsite Forum in Domestika,

Promsite pretends to represent our nearest

enviroment, full of technology and enbodied in a comunications

world.

50 Years of Pop Art realiza un homenaje a los cincuenta

años del nacimiento de este estilo que marcó

toda una época y que actualmente mantiene su vigencia,

frescura y simplicidad.

50 years of Pop Art pays tribute to the fifty years

since the birth of this style, which defined an era and

still maintains its relevance, freshness and simplicity.

Gerardo del Hierro. Diplomado en Diseño Digital por el IED

de Madrid en 2007. Ha trabajado como freelance motion graphics

para sony, planilandia y promsite, entre otros. Ha producido

el Spot TV para el grupo wandu y entre sus colaboraciones

se encuentran trabajos con okuda (www.okudart.com) y

espaun (www.espaun.com).

Gerardo del Hierro. Degree in Digital Design at the IED, in

Madrid, in 2007. He has worked as a freelance motion graphic

designer for sony, planilandia and promsite, among others. He

produced the TV Spot for the group wandu, and he has worked

with okuda (www.okudart.com) and espaun (www.espaun.com),

among other collaborations.

Fotograma de Promsite. 0’35’’. Fotograma de 50 years of Pop Art. 0’42’’

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Fotogramas de Promsite. 0’35’’

Fotogramas de 50 years of Pop Art. 0’42’’

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LEÓN EL PROFESIONAL

Guillermo de Torres

Madrid, 1981

guillermo@imaginaimagen.es

www.imaginaimagen.es

La pieza León el profesional ofrece una innovadora

visión de los títulos de crédito de esta película. Con

un colorido que va del rojo al gris pasando por el negro,

los rostros de los protagonistas recorren nuestra

mirada, a veces tachada con un brochazo, a un ritmo

trepidante de novela policíaca.

The piece Leon the Professional offers an innovative

vision on this film’s credit sequence. With a range

of colours going from red to black to grey, the faces of

the protagonists pass across our gaze, which is sometimes

crossed out with a single brushstroke, at the frenetic

rhythm of a detective story.

Guillermo de Torres. Licenciado en Comunicación Audiovisual

y diplomado en Diseño Digital por el IED de Madrid en

2007. Obtuvo el primer premio de creatividad publicitaria en

la Universidad de San Pablo CEU. Realizó la maquetación de

la revista Azotea, galardonada con el premio de los participantes

en el concurso de diarios universitarios organizado por

El País Universia. Ha trabajado como diseñador gráfico para

el estudio de arquitectura ATMC y como diseñador web en la

empresa X-Novo.

Guillermo de Torres. Degree in Audiovisual Communication

and Diploma in Digital Design at the IED, in Madrid, in 2007. He

was awarded the first prize for advertising creativity at the Universidad

de San Pablo Ceu. He designed for Azotea magazine,

which was awarded the participants’ award in the university

journals competition organised by El País Universia. He has

worked as graphic designer for the ATMC architecture studio

and as web designer for the company X-Novo.

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Fotogramas de León el profesional. 1’15’’

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SER, HUMANO

Isaac Fabregat

Cádiz, 1979

isaacfabregat@hotmail.com

El ser humano es una manifestación de energía de

fondo, de donde todo proviene (vacío cuántico), un ser

cósmico, parte de un universo, entre otros paralelos,

articulado en nueve dimensiones (teoría de la cuerda),

formado por todos los elementos fisioquímicos y por

las mismas energías que componen todos los seres.

Es habitante de una galaxia, una entre 200 mil millones,

que depende del Sol. Somos un eslabón de una

corriente de vida, un animal de la rama de los vertebrados,

sexuado, de la clase de los mamíferos, del

orden de los primates, de la familia de los homínidos,

del género homo, de la especie sapiens, dotado con un

cuerpo de 30 mil millones de células, continuamente

renovado por un sistema genético formado a lo largo

de 3.800 millones de años, portador de 3 niveles de cerebro

con de 10 a 100 mil millones de neuronas, con el

cual organizamos conceptualmente el mundo.

The human being is a manifestation of background

energy, from which everything stems (quantum vacuum),

a cosmic being, part of a universe among other

parallel universes articulated in nine dimensions

(string theory), formed by all the physiochemical elements

and by the same energies that make up all

beings. It inhabits a galaxy, one among 200 thousand

million that depends on the sun. We are a link of a current

of life, an animal of the branch of vertebrates, of

different sexes, of the class of mammals, of the order

of primates, of the family of the hominids, of the genus

homo, of the species sapiens, provided with a body

with 30 thousand million cells, continuously renewed

by a genetic system formed over 3,800 million years,

carrier of three brain levels with 10 to 100 thousand

million neurons, with which we conceptually organize

the world.

Isaac Fabregat. Diplomado por el IED de Madrid en 2007 en

Diseño de Moda, ha combinado estos estudios con otros de

escaparatismo. En 2005 colaboró como diseñador para la firma

davidelfín en la colección Los Mortales, Cibeles primavera/

verano 2006. En este año trabajó como estilista para la colección

pater, también de davidelfín, Cibeles otoño/invierno 2007.

Trabajó como asistente para la estilista Paloma Tovar, desfile

de euphorialab en noviembre de 2006 y entre otras actividades

ha realizado escaparates para el negocio multimarca Ekseption

de Madrid.

Isaac Fabregat. Degree in Fashion Design at the IED, in Madrid,

in 2007. He has combined these studies with a course in

window-dressing. In 2005 he worked as designer for the daviddelfín

firm, on the Los Mortales collection, presented at Cibeles

Spring/Summer 2006, and this year he is working as stylist on

the Pater collection, also by daviddelfín, for the Cibeles Fall/

Winter 2007. He worked as assistant to the stylist Paloma Tovar

on the euphorialab fashion show, in November, 2006, and,

among other activities, he has also designed shop windows for

the multi-brand firm Ekseption, in Madrid.

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Instalación con modelos y vestidos que exteriorizan la fisonomía del cuerpo humano

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VESTIDO JOYA

Marta Ferrari

Padua, Italia, 1986

martafris@hotmail.com

“Estoy por un arte que crece sin saber que es arte,

un arte que tiene la oportunidad de arrancar de cero.

Estoy por un arte que imita a la persona, es decir, un

arte cósmico, incluso violento o cualquier otra cosa

que toma forma de las propias líneas de la vida, que

se retuerce, se estira y se amontona y asoma y gotea,

y es pesado y áspero y dulce y estúpido como la vida

misma” (Claes Oldenburg). Propongo un nuevo concepto

de moda donde las prendas alcancen un valor

único y perenne, semejante a las obras de arte. El arte

consigue capturar lo que a la moda se le escapa, ya

que por definición la moda es una tentativa de fijar un

gusto personal y colectivo, presente pero en continuo

cambio. La intención de esta colección es crear, sin

embargo, vestidos que reflejen una moda atemporal:

prendas joya.

“I am all for an art which grows without realising

it is art, an art which has the chance to start from

scratch. I am all for an art which imitates people, that

is to say, a cosmic art, even violent, or any other thing

which takes shape from the lines of life itself, which

squirms, stretches, piles up, comes out, drips, and

is heavy and rough and sweet and stupid, like life itself”

(Claes Oldenburg). I propose a new concept of

fashion, in which the garments take on a unique and

perennial value, similar to that of works of art. Art is

able to capture what slips through the fingers of fashion,

which by definition is a tentative attempt to set a

personal and collective taste, which is both current

and in constant evolution. The aim of this collection

is, however, to create dresses which reflect a timeless

fashion: jewellery garments.

Marta Ferrari. Desde hace siete años reside en Madrid. Diplomada

en Diseño de Moda por el IED de Madrid en 2007. Ha realizado

cursos de Fashion Design & Marketing y de Fashion Styling

en la Saint Martin’s de Londres. Ha recibido una beca para el

curso Luxury Design en el IED de Venecia este mismo año.

Marta Ferrari. She has lived in Madrid for the last seven years.

Degree in Fashion Design at the IED, in Madrid, in 2007. She has

taken Fashion Design & Marketing and Fashion Styling courses

at London’s Saint Martin’s. She has been awarded a grant for

the Luxury Design course at the IED in Venice this year.

Vestido Joya

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Colección Joya

Vestido Joya

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CELLTILE

María Margarita García Münzer y Pål Jacob Jacobsen

Bogotá, Colombia, 1981

mmdance@hotmail.com

Gjøvik, Noruega, 1982

pjacobjacob@gmail.com

Celltile es un nuevo sistema para dividir espacios

que nace como respuesta a cuestiones de tipo ecológico

y social. Por naturaleza estamos siempre en

constante evolución. Cada vez es más evidente la necesidad

de que los espacios que habitamos respondan

y se adapten a nuestras necesidades. Se trata de una

solución modular para tabiquería y recubrimiento de

paredes, de instalación intuitiva y rápida, multifuncional.

Realizado con materiales reciclados y reciclables,

nuestra sociedad los reivindica para asimilarlos como

aplicables y útiles en muchos campos, no despreciando

por ello consideraciones de tipo estético. Siguiendo

esta línea de pensamiento, Celltile permite la inclusión

de módulos aptos para el crecimiento de vegetación,

con la intención de acercar la naturaleza al ámbito cotidiano,

anulando el exilio al que ha sido relegada tanto

de nuestras ciudades como de nuestras casas. Celltile

ofrece una gran versatilidad, tanto en el ámbito privado

como en el público, ya que también puede servir

para dividir espacios de amplias dimensiones debido

a que la disposición de los módulos permite crear formas

geométricas rectas y orgánicas.

Celltile is a new system for the division of spaces,

which emerged as a response to environmental and

social issues. By nature, we are always undergoing a

constant evolution, and it is becoming increasingly obvious

that there is a need for the spaces we occupy to

respond and adapt to our needs. This piece is a modular

solution for punnets and wall covering, which can

be intuitively and quickly installed, and is multifunctional.

It is made from recycled and recyclable materials,

which are claimed to be useful and applicable in

many fields, whilst still taking into account aesthetic

considerations. Celltile permits the inclusion of units

suitable for the growing of plants, with the aim of

bringing nature to our day to day sphere, and preventing

its exile from our cities and homes. Celltile offers

the necessary flexibility demanded by emerging lifestyles,

although it can also function in public spaces,

where it can be used as divisions in pavilions, in window-dressing,

and even in the workplace. The units’

are produced in such a way that it is possible to create

straight geometric and organic shapes.

María Margarita García Münzer. Diplomada en Diseño de

Escenografía y Arquitectura Efímera en 2003. Maestría en Artes

Visuales en 2004 por la Universidad Pontificia Javeriana de

Bogotá y diplomada en Diseño Industrial por el IED de Madrid

en 2007. En 1997 fue premiada en el Salón de Jóvenes Artistas

de la Universidad Nacional de Colombia y en 2001 ganó el premio

de escultura del Concurso El Carácter de Pablo VI (2001).

Expuso en el I y II Salón Javeriano de Artes Visuales (2001/02).

En 2004 realizó la exposición individual Símbolo Patrio en la

galería Imanarte de Bogotá. Ha sido ilustradora de la revista

Claves, diseñadora de la lámpara Evolution y finalista del

Concurso Internacional de Bio-design Herman Miller (2007).

Ha realizado exposiciones e instalaciones en Nusfjord AS–

patrimonio nacional de Noruega. Actualmente trabaja como

delineante y técnica digital para Prosjektkopi AS en Grecia.

Pål Jacob Jacobsen. Bachiller en Música en Gjøvik, Noruega.

En 2001 obtuvo una beca de la Georgia Rotary Scholarship

Program para realizar un año de estudios universitarios en

Georgia, Estados Unidos. Diplomado en 2007 en Diseño Industrial

por el IED de Madrid. Finalista del Concurso Internacional

de Nuevas Aplicaciones de Cerámica IED–ACIMAC celebrado

en Italia (2005) y del Concurso Internacional de Bio-design Herman

Miller (2007). Ha diseñado y producido la lámpara Tårn

y ha realizado exposiciones e instalaciones en Nusfjord AS–

Patrimonio nacional de Noruega. Actualmente trabaja como

representante regional de Grecia para en Prosjektkopi AS.

María Margarita García Münzer. Degree in Stage Design and

Ephemeral Architecture, 2003; Master in Visual Arts, 2004, at the

Universidad Pontificia Javeriana in Bogotá, and Diploma in Industrial

Design at the IED, in Madrid, in 2007. She received an

award at the Salón de Jóvenes Artistas of the Universidad Nacional

de Colombia (1997), won the sculpture award at the Concurso

El Carácter de Pablo VI (2001), and exhibited her work at the

1st and 2nd Salón Javeriano de Artes Visuales (2001/02), and at

the individual exhibition Símbolo Patrio, at the Imanarte Gallery,

in Bogotá (2004). She has worked as an illustrator for the Claves

magazine, designed the Evolution lamp, and was a finalist at the

international competition Bio-Design Herman Miller (2007). She

has had exhibitions and installations at the Nusfjord AS–National

Norwegian Heritage. She currently works as a draughtswoman

and digital technician at Prosjektkopi AS, in Greece.

Pål Jacob Jacobsen. Music Baccalaureate in Gjøvik, Norway,

in 2001. Scholarship granted by the Georgia Rotary Scholarship

Program to undertake university studies for a year in Georgia,

U.S.A, in 2002-2003, and Degree in Industrial Design at the IED,

in Madrid. Finalist in the International Competition for New

Ceramic Applications organised by the IED–ACIMAC and held

in Italy (2005) and in the international competition Bio-Design

Herman Miller (2007). He designed and produced the Tårn lamp

and has had exhibitions and installations at the Nusfjord AS–

National Norwegian Heritage. He currently works as regional

representative for Prosjektkopi AS in Greece.

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Módulo Celltile

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¿QUÉ TE INSPIRA

Mina Glisic

Belgrado, Confederación de Serbia y Montenegro, 1987

minica@hotmail.com

¿Qué te inspira es una pieza que recoge la naturaleza

como inspiración para la obra de arte. La obra se

transforma y finalmente se destruye. Es una metáfora

de la destrucción de la naturaleza por el hombre.

¿Qué te inspira Is a piece in which natures inspires

the work of art. The work is transformed and finally

destroyed. A metaphor of the way man destroys the

environment.

Mina Glisic. Hasta 2003 cursó estudios en la Escuela Superior

Politécnica de Belgrado en la especialidad de Diseño

Industrial. Diplomada en Diseño Virtual por el IED de Madrid

en 2007. Ha trabajado como diseñadora gráfica y virtual

(realizando maquetas y modelos 3d en diversas empresas de

Belgrado: Radionica, Ebart documentación de medios…) y ha

participado en diversas exposiciones, como la de los mejores

proyectos de la Escuela Superior Politécnica de Pivredna Komora

Srbije, Belgrado, o en Am Svet nam veruje, a vi, proyectos

del grupo Formart Galerija Progres, Belgrado.

Mina Glisic. Until 2003 she studied at the Higher Polytechnic

School of Belgrade, specialising in industrial design. Degree in

Virtual Design at the IED, in Madrid, in 2007. She has worked as

graphic and virtual designer (producing 3D models for various

businesses in Belgrade,: Radionica, Ebart Media Documentation,

etc.) and has taken part in different exhibitions, such as

the one displaying the best projects from the Higher Polytechnic

School of Pivredna Komora Srbije, Belgrade, and Am Svet

nam veruje, a vi, projects by the group Formart Galerija Progres,

in Belgrade.

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Fotogramas de ¿Qué te inspira. 2’33’’

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EDUCACIÓN Y DERECHOS HUMANOS

Esther Gómez

Madrid, 1980

esthergomezmadrid@gmail.com

Educación y Derechos Humanos es un proyecto global

que abarca campos muy diversos: talleres de actividades

infantiles, libros de juegos sobre los derechos

humanos… pero ante todo está enfocado a los niños y

a los que no son tan niños pero quieren recuperar la

ilusión y creer que un mundo mejor es posible. Esta mirada

positiva genera una forma de entender los valores

que se desprenden de la Declaración, como el medio

para construir una realidad diferente. Esto es lo que

muestra la cartelería: un esfuerzo para dar la vuelta a

la realidad que nos rodea, para verla como un paso más

hacia la esperanza, donde cualquier acción cotidiana

por pequeña que sea puede suponer un gran cambio.

Educación y Derechos Humanos is a global project

which encompasses very diverse fields, such as children’s

activity workshops, game books about human

rights, etc. but, above all, it is aimed at children and

adults who wish to regain their hope and belief that a

better world is possible. This positive approach gives

rise to an understanding of the values laid out in the

Declaration as a way to build a different reality. This is

what the series of posters reveals: an attempt to turn

around the reality we are surrounded by, seeing it as

another step toward hope, where any day to day action,

however small, may bring about a great change.

Esther Gómez. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad

Complutense de Madrid en 2004 y diplomada en Diseño

Gráfico por el IED de Madrid en 2007. Recibió dos becas en el

año 2004, una de pintura de la Fundación Rodríguez Acosta y

otra de pintura/restauración de la Facultad de Bellas Artes.

Ha participado en la exposición colectiva Arte en una Moleskine

junto con el Museo de Obra Gráfica de San Clemente de la

Fundación Antonio Pérez de Cuenca, para la feria ESTAMPA.

Actualmente trabaja creando ilustraciones para libros educativos

de la Editorial Santillana.

Esther Gómez. Degree in Fine Arts at the Universidad Complutense,

in Madrid, in 2004, Degree in Graphic Design at the

IED, in Madrid, in 2007. She was awarded two scholarships in

2004, one for painting from the Fundación Rodríguez Acosta

and one for painting /restoration from the Fine Arts Department.

She took part in the collective exhibition Arte en una

Moleskine, in partnership with the Museo de Obra Gráfica de

San Clemente and the Fundación Antonio Pérez, in Cuenca, for

the ESTAMPA fair. She currently works for Editorial Santillana

as an illustrator of educational books.

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Carteles de la campaña Educación y Derechos Humanos

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EL ÚLTIMO VESTIDO

Agnieszka Hernández

Warka, Polonia, 1970

dreamsoldersister@yahoo.es

Es necesario pensar que lo último que te van a poner

el día de tu muerte es algo especial, algo que recuerde

momentos de lo que fue tu vida. La ropa de los difuntos

no solo narra quienes han sido en vida (como los

militares –enterrados con su uniforme– o los monjes),

sino también en qué momento la existencia ha sido interrumpida.

Desde la época del Barroco a las mujeres

que morían jóvenes se les ponía su vestido de fiesta –se

decía que eran como las flores cortadas por la mano de

la muerte–. Se trata de hacer una colección de trajes

para hombre y mujer que tendría las características de

la ropa para las personas muertas: tristeza, solemnidad,

seriedad… pero con algo personal, que mantenga

la memoria de los muertos.

One has to think that the last thing they will do when

you die is to dress you in something special, something

that represents what your life was. The clothing of the

deceased does not just tell who they were in life (like

the military –buried in their uniforms–, or monks), but

also the moment when their life was cut short. Since

Baroque times women who died young were dressed

in their party dress –it was said that they were like

flowers cut by the hand of death. This is about making

a collection of suits for men and women that will

resemble clothes for dead people: sorrow, solemnity,

seriousness, but with something personal, that keeps

alive the memory of the deceased.

Agnieszka Hernández. Es técnico en Bellas Artes, licenciada

en Técnicas Teatrales (Escuela de Técnicas Teatrales

de Varsovia). Diplomada en Diseño de Moda por el IED de

Madrid en 2007.

Agnieszka Hernández. A Fine Arts expert and graduate in

Theatre Techniques (Warsaw School of Theatre Techniques).

Degree in Fashion Design from the IED, in Madrid, in 2007.

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Piezas de la colección El último vestido

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KLIMT

Carmen Hernández

Valladolid, 1983

re-creativa@hotmail.com

www.re-creativa.com

La obra Serpientes de Agua I de Klimt ha servido para

los títulos de crédito de la película. La deconstrucción

y posterior construcción de los elementos del trabajo

del artista sirven para esta nueva propuesta, que trata

de acompañar en ritmo, caos y nuevo orden a la vida

del propio Klimt.

The piece Water Serpents I, by Klimt, has been used

for the film’s credit sequence. The deconstruction and

subsequent construction of the elements of the artist’s

work plays a role in this new proposal, which attempts

to follow the rhythm, chaos and new order of

the life of Klimt himself.

Carmen Hernández. Diplomada en Diseño Digital y Multimedia

por el IED de Madrid en 2007. Ha realizado prácticas en

el portal inmobiliario Globaliza. Su pieza Promsite in motion

ha sido seleccionada para el OFFF 07, Barcelona.

Carmen Hernández. Degree in Digital Design and Multimedia

at the IED, in Madrid, in 2007. She did her work experience at

the Globaliza real estate portal. Her piece Promsite in Motion

has been selected for OFFF 07, in Barcelona.

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Fotogramas de Klimt. 1’10’’

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ANCIANA Y ROPA PARA SIAMESES

Leticia Horvath Rita

Kazincbarcika, Hungría, 1985

lhr2lhr@gmail.com

Esta obra está dedicada a Samuel y Michael, quienes

nacieron unidos por los hombros. Muy pronto, tras su

nacimiento, fueron separados. Desfigurados, incluso

su familia los marginaba, crecieron sin olvidar nunca

su otra parte, odiando al mundo que los había separado.

La única persona que era capaz de entender a los

gemelos era su abuela. Afectada ya por la edad, ocupó

la mayor parte de su tiempo, cuando su lucidez se lo

permitía, en hacer cosas para los gemelos, tejiendo y

cosiendo ropa cuando podía. Nunca paraba de tejer.

No paró de tejer incluso cuando, en un intento fallido

de volverse a unir, intentaron coserse y murieron desangrados,

debido a su propia locura. Todos nos hemos

sentido alguna vez de esta manera, incompletos, como

si una parte de nuestro cuerpo nos hubiera sido extrañamente

arrebatada.

This work is dedicated to Samuel and Michael, who

were born joined by their shoulders. They were separated

soon after their birth, but were disfigured, and

even their family rejected them. They grew up never

forgetting about their other side, and hating the world

for separating them. The only person who was able

to understand the twins was their grandmother. Although

she was already suffering the ailments of old

age, she spent most of her time, when she was lucid

enough, making things for the twins, knitting, sewing

when she could. She never stopped knitting. She did

not stop even when, in their failed attempt to rejoin,

the twins tried to sew themselves together and bled

to death, because of their own madness. At one time

or another, we have all felt this way, incomplete, as if a

part of our body had been strangely taken from us.

Leticia Horvath Rita. De nacionalidad húngara, a edad muy

temprana se trasladó a Rusia, donde ingresó en la Escuela Internacional

de Moscú. Abandonó Moscú tras su graduación

para estudiar Diseño de Moda en Madrid. Pensé que esto es lo

que debía hacer mientras pensaba realmente en lo que quería

hacer con mi vida. Esto fue antes de que descubriera mi fascinación

por las posibilidades que la ropa y el vestido podían

ofrecer. Me di cuenta de la gran versatilidad de una simple pieza

de hilo o lana.

Leticia Horvath Rita. Hungarian by nationality, I moved to

Russia at a very early age. Being trilingual was inevitable especially

after attending an International School in Moscow. After

graduating I left Moscow to study fashion design in Madrid.

This I always considered as a something to do while I figure out

what I want to do with myself. That is of course until I discovered

my fascination in the possibilities of cloth and clothing.

The simplicity of a piece of thread or wool caught my attention

because something so simple can have so many outcomes.

Ropa para siameses

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Ropa para siameses y Anciana

Anciana

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ARAC

Cristina Martínez

Madrid, 1985

crismarcarra@hotmail.com

El proyecto Arac está concebido como pabellón de

recreo para el Parque Lineal del Manzanares. Toma

como punto de partida las telas de araña: “famosas

por su perfección, las arañas, construyen su tela con

un centro, radios, marco y espiral viscoso”. Tras realizar

un estudio completo sobre la construcción y estructura

de éstas, surge la idea de realizar un pabellón

cambiando el concepto de edificio formal; eliminando

cubiertas, paredes, suelos, y dejando una estructura

que se integra totalmente en el entorno como una

gran tela de araña. El pabellón se compone de 4 pilares

(árboles), un entramado de cuerdas ancladas a la superficie

y unas lonas, que colocadas estratégicamente

sobre el entramado generan sombras, proporcionando

un espacio de estancia y disfrute para los usuarios.

The Arac project is conceived as a leisure pavilion

for the Parque Lineal del Manzanares. It takes spider

webs as its starting point: “known for their perfection,

spiders weave their web with a viscous centre, radia,

frame and spiral.” After carrying out comprehensive

research into the weaving and structure of spider

webs, the artist came up with the idea of building a pavilion

which changed the concept of formal buildings,

by eliminating the roof, walls and floors and leaving a

structure which is entirely integrated in its surroundings,

like a huge spider web. The pavilion is formed

bt 4 pillars (trees), a network of ropes anchored to

the surface and some canvas, which is strategically

placed on the structure in order to create shady areas

and provide a resting and leisure space for users.

Cristina Martínez. Diplomada en Diseño de Interiores por

el IED de Madrid en 2007. Ha realizado cursos de gráfica y

comunicación en el Instituto Europeo de Comunicación y Marketing

y ha colaborado en el diseño y montaje de la exposición

On/Off de diseño de lámparas de cerámica.

Cristina Martínez. Degree in Interior Design at the IED, in

Madrid, in 2007. She has taken graphics and communication

courses at the Instituto Europeo de Comunicación y Marketing,

and took part in the design and setting up of the On/Off exhibition

of ceramic lamp design.

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Proyecto Arac para un parque en la ribera del Manzanares

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CAMPAÑA DE EMERGENCIA

Rafael Mesa

Puerto de la Cruz, Santa Cruz de Tenerife, 1983

zaida101@hotmail.com

Campaña de emergencia tiene como tema central la

guerra (Irak, Afganistán…). En la primera parte (publicación),

se denuncia la violación de los 30 artículos de

la Declaración de los Derechos Humanos mediante

distintos soportes y materiales; todos ellos agrupados

en una caja de madera que es mandada desde un territorio

en guerra (Afganistán) hasta Madrid. En la segunda

parte se trata de simular un estado de conflicto

en Madrid, España, a través de una intervención en el

espacio público: acordonamiento, refugio de emergencia,

kit de emergencia, etc.

The central theme of Campaña de emergencia is

war (Iraq, Afghanistan, etc.). The first part (publication)

denounces the violation of the 30 articles of the

Declaration of the Human Rights through the use of

several different media and materials, all of which

are put into a wooden box sent from a war zone (Afghanistan)

to Madrid. The second part attempts

to recreate a state of conflict in Madrid, Spain, by

means of an intervention in the public space: cordoning

off, emergency shelter, emergency kit, etc.

Rafael Mesa. Diplomado en Diseño Gráfico en 2007 por el

IED de Madrid. Ha realizado la imagen corporativa de la artista

Nieves Acosta. Actualmente trabaja como diseñador para la

Exposición Universal de Zaragoza 2008.

Rafael Mesa. Degree in Graphic Design at the IED, in Madrid,

2007. He worked in the artist’s corporate image Nieves Acosta.

Currently he works as designer in the International Exhibition

Zaragoza 2008.

Instalación para Campaña de emergencia

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Contenido de la caja de Campaña de emergencia

Contenido de la caja de Campaña de emergencia

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VESTIDO ESCULTURA

Rosa Moreno

Madrid, 1983

salitabonitadinamita@hotmail.com

“Nada se debe poner en representación que no esté

verdaderamente en función” (Lodoli). Esta colección

consiste en el desarrollo en forma de prendas de una

serie de piezas ideadas para una exposición. Partiendo

de objetos realizados con técnicas manuales asociadas

a un lenguaje femenino, se desarrolla una crítica

hacia el papel que la moda otorga a la mujer. Las piezas

realizadas son de carácter procesual y expresan

la idea del absurdo y la inutilidad. También expresan la

inexistencia del espacio de reflexión en torno a la moda

y ponen de manifiesto conflictos como la sobrevaloración

de los procesos industriales y la legitimación del

producto “moda” a través de la economía de tiempos.

“Nothing should be put on show that is not in function”

(Lodoli). This collection consists of the development,

in the shape of garments, of a series of pieces

devised for an exhibition. Starting from handmade objects

associated with a feminine language, a criticism

of the role that fashion assigns to women is presented.

The pieces produced are of a processual nature and

express the idea of the absurd and useless, they also

speak on the non-existence of a space for reflection

around fashion and reveal conflicts, like the overvaluation

of industrial processes and the recognition of the

“fashion” product through the economy of times.

Rosa Moreno. Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense

de Madrid hasta el año 2003. Diplomada en Diseño de

Moda por el IED de Madrid en 2007. Ha sido seleccionada en

el concurso de pintura Fundación Valparaíso, exposición colectiva

en la galería Kreisler, Madrid, y en el concurso Pintura y

Deporte, exposición colectiva en el Centro Cultural Conde Duque.

Ha obtenido el primer premio del concurso de pintura de

la UCM y ha sido asistente del artista mexicano Gabriel Orozco

durante la realización de un proyecto expositivo para la galería

White Cube, Londres. Ha realizado prácticas en el show-room

de Tommy Hilfiger y ha sido finalista de la primera edición del

concurso Créalo de Loewe.

Rosa Moreno. She studied Fine Arts at the Universidad Complutense,

in Madrid, until 2003. Degree in Fashion Design from

the IED of Madrid in 2007. She was selected in the Valparaiso

Foundation painting competition, for the collective exhibition in

the Kreisler Gallery, Madrid, and in the Painting and Sport competition,

for a collective exhibition in the Conde Duque Cultural

Centre. She won first prize in the UCM painting competition

and was assistant to the Mexican artist Gabriel Orozco when

he was carrying out an exhibition project for the White Cube

Gallery in London. She gained work experience at the Tommy

Hilfiger showroom and was a finalist in the first edition of

Loewe’s Créalo competition.

Vestido escultura

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Vestido escultura

Instalación del Vestido escultura

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HYDRA

Gonzalo Osés

Madrid, 1975

gonzalo_oses@yahoo.es

El asiento urbano Hydra se ha ecodiseñado en colaboración

con la empresa Ecoralia, teniendo en cuenta

su ciclo de vida y utilizando materiales de bajo impacto

ambiental, de mínimo mantenimiento y una correcta

gestión de los residuos. La forma permite apilar varios

bancos tumbados, ahorrando espacio de almacenaje y

transporte, con el consiguiente ahorro de recursos. La

línea ondulada alegra la vista, frente a las rectas líneas

de las plazas duras, a la vez que mejora el apoyo lumbar

del usuario. Los listones del respaldo y del asiento son

de Syntal, material reciclado de envases procedentes

del contenedor amarillo. 100% reciclable.

The urban seat Hydra has been eco-designed in

partnership with the Ecoralia firm, keeping in mind its

life cycle and using materials with a low environmental

impact and minimum maintenance, as well as ensuring

appropriate waste management. The seat’s shape

allows for several benches to be piled up, saving on

storage space and transport, and therefore also on resources.

The wavy line is cheerful in comparison with

the straight lines of hard seats, and also contributes

to providing back support for users. The slats of the

back-rest and the seat are made from Syntal, a material

made from recycled containers from yellow rubbish

bins. 100% recyclable.

Gonzalo Osés. Licenciado en junio de 2000 en Administración

y Dirección de Empresas por la Universidad San Pablo

CEU de Madrid. Diplomado en Diseño Industrial por el IED Madrid

en 2007. Entre otros, ha asistido a un taller de reciclaje con

Marre Moerel y a otro dirigido por Javier de la Peña Galiano.

Ha trabajado en Acción Pasarela Promotores y colabora como

diseñador para la empresa Ecoralia.

Gonzalo Osés. He took his degree in Business Management

in June 2000, at the Universidad San Pablo CEU, in Madrid.

Degree in Industrial Design at the IED Madrid, in 2007. Among

other activities, he attended a recycling workshop with Marre

Moerel and one led by Javier de la Peña Galiano. He has worked

at Acción Pasarela Promotores and now works with the Ecoralia

firm as designer.

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Banco proyecto Hydra

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SACASI

Almudena Otero e Yvonne Puebla

Madrid, 1986

aoterov@gmail.com

Madrid, 1985

parayph@gmail.com

Todos, alguna vez, hemos tenido una experiencia

creadora en casa, porque ¿quién no se hizo un teléfono

con yogures Sacasi enseña que no todo se acaba

cuando creemos, y que los objetos pueden tener un

ciclo de vida más largo del que conocemos. Consiste

en un puf hecho con tejidos reciclados. Gracias a

los desechos que generamos en casa a diario, ha sido

posible la fabricación de este nuevo producto: Sacasi.

El proyecto pretende transmitir el concepto de ecodiseño

y hacer partícipes a todos de la creación de un

producto ecodiseñado.

At one time or another, we have all had some kind of

creative experience at home, who has not built a telephone

out of yogurt pots Sacasi proves that not everything

finishes when we think it does, and that objects

can have longer life cycles than we are aware of. The

piece is a beanbag made out of recycled fabric. By using

our daily household waste, it is possible to manufacture

this new product: Sacasi. This project aims to

convey the concept of eco-design and share with everyone

the creation of an eco-designed product.

Almudena Otero. Diplomada en Diseño Industrial por el IED

de Madrid en 2007. Durante 2006 y 2007 ha realizado distintos

cursos y seminarios en sostenibilidad y diseño con Alicia Oliver,

ecodiseño urbano con Elena Prieto y Michael Moradiellos, y

ecoeficiencia con Blanca Bonilla.

Almudena Otero. Degree in Industrial Design at the IED, in

Madrid in 2007. During the last two years she has taken courses

and seminars on sustainability and design, with Alicia Oliver, urban

eco-design, with Elena Prieto and Michael Moradiellos, and

eco-efficiency, with Blanca Bonilla.

Yvonne Puebla. Diplomada en Diseño Industrial por el IED de

Madrid en 2007. Ha participado en diversas exposiciones desde

el año 2002, como Démete, en el Salón internacional de las

Tecnologías y los Materiales para la Industria de la Cerámica y

el Ladrillo, o en On/Off, la exposición de luminarias en la Feria

Internacional del Mueble de Valencia, en 2004. Vende y expone la

luminaria de On/Off en la galería de arte Mad is Mad de Madrid.

Yvonne Puebla. Degree in Industrial Design at the IED, in

Madrid in 2007. She has participated in several exhibitions

since 2002, such as Démete, at the Salón Internacional de las

Tecnologías y los Materiales para la Industria de la Cerámica y

el Ladrillo and On/Off, the lighting exhibition at the Feria Internacional

del Mueble de Valencia, in 2004. She sells and exhibits

lighting from On/Off at the Mad is Mad Art Gallery, in Madrid.

96 97


Proyecto Sacasi

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WE ARE DESIGN / 50 YEARS OF POP ART

Fran Pérez Fernández y David Zafra

Madrid, 1983

fran@disfuncion.net

www.disfuncion.net

Madrid, 1986

davidzafra@gmail.com

www.davidzafra.com

Con el vídeo de presentación de We are… hemos intentado

enfatizar el término multidisciplinar que nos

caracteriza, de una manera muy directa y sencilla, ayudando

a la fácil comprensión del mensaje. Hemos querido

hacer del eslogan por sí solo el logotipo, enseñando

la idea básica con dos sencillas palabras: WE ARE.

With the presentation video for We are… we have

tried to emphasise the multidisciplinary style we are

known for, in a very direct and simple way which contributes

to making the message easily understandable. We

have tried to turn the slogan into a logo, which is able to

convey the basic idea in two simple words: WE ARE.

Para conmemorar los 50 años del Pop Art hemos querido

jugar con la transformación de una estética clásica

o vintage hacia otra de carácter más pop. La idea es enseñar

que cualquier cosa puede transformarse, saltar

de una estética a otra a través del tiempo y el espacio.

In order to pay tribute to Pop Art’s 50 years, we would

like to play with the evolution from a classic or vintage

aesthetics to the Pop Art properly. It’s the idea to show

that everything can be transformated from an aesthetic

to another beyond time and space.

Fran Pérez Fernández. Diplomado en Diseño Digital por el

IED de Madrid en 2007. Ha realizado también trabajos de gráfico,

como el diseño de la identidad gráfica de la comunidad musical

on line Herzio, o la de la tienda de productos ecológicos Mercabio.

Su gráfica ha sido seleccionada para el concurso Sony BMG

para Miles Davis.

Fran Pérez Fernández. Degree in Digital Design at the IED,

in Madrid, in 2007. He also produces graphic works, such as

the design of the graphic identity of the Herzio online music

community and that of the organic produce store Mercabio. His

graphic work has been selected for the Sony BMG Miles Davis

competition.

David Zafra. Es diseñador freelance especializado en diseño

gráfico, web, identidad, fotografía y vídeo motion graphics.

Diplomado en Diseño Digital por el IED de Madrid en 2007.

Realiza un master en animación web en la escuela Creactiva,

mientras amplía su experiencia en el desarrollo de diseños

limpios adaptados a los más actuales estándares, en donde

la gráfica y lo práctico forman la mezcla perfecta del diseño

funcional y estético.

David Zafra. This freelance designer specialises in graphic,

web and identity design, photography and video motion graphics.

Degree in Digital Design at the IED, in Madrid, in 2007. He

is studying for an MA in web animation at the Creactiva school

while he expands his experience in the development of clean

designs adapted to the most cutting-edge standards, where

graphics and practical elements combine to form the perfect

combination of functional and attractive design.

Fotograma de We are design. 0’59’’. Fotograma de 50 Years of Pop Art. 0’25’’

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Fotogramas de We are design. 0’59’’

Fotogramas de 50 Years of Pop Art. 0’25’’

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VESTIDO VERSÁTIL

Isabel Picaza

Madrid, 1985

motcharela@hotmail.com

“Aquí tienes el trozo de tela y sabes qué hacer con

él, lo único que necesitas es un poco de arte para que

empiece a vestir tu cuerpo. Lo puedes manipular como

tú quieras”. El resultado es una prenda que no lo es

hasta que alguien comienza a interactuar con ella, con

una pauta diferente a la que sigue habitualmente cuando

desea vestirse. Debe buscar la manera de envolverse

sin la ayuda de botones, sisas, cuellos; abstrayéndose

de las formas establecidas que marcan un estilo,

moda, lugar, posición social o pertenencia. Finalmente

obtiene algo puro, concienciado de que en el proceso

han intervenido “arteinsanos” y que el patrón perdurará

en alguna de sus trece formas.

“Here is the piece of cloth and you know what to

do with it, all you need is a little art for it to begin to

dress your body. You can fiddle with it how and when

you want.” The result is a garment that isn’t a garment

until someone begins to interact with it, with a different

guideline from that which is normally followed when

one wants to get dressed. One must find the way to

wrap oneself up without the help of buttons, armholes

and collars, detaching oneself from the established

forms that mark a style, fashion, place, social position

or possessions. Finally one will obtain something

pure, aware that “art&craftsmen” have taken part in the

process and that the pattern will last in one of its thirteen

forms.

Isabel Picaza. Diplomada en Diseño de Moda en el IED de

Madrid en el año 2007. Durante este año ha diseñado las camisetas

del equipo esponsorizado por la empresa náutica Tracker

Marine (U.S.A.) y ha realizado el diseño del logotipo del cajón

flamenco Niña Alba (Madrid). Ha combinado estas actividades

junto a la de voluntariado en Tindouf, campamento de refugiados

saharauis en Argelia.

Isabel Picaza. Degree in Fashion Design at the IED (Madrid)

in 2007. This year she has designed the t-shirts for the team

sponsored by the nautical company Tracker Marine (U.S.A.), as

well as the logo for the Niña Alba flamenco box (Madrid). She

has combined these activities with her work as a volunteer at

Tindouf, a Saharan refugee camp in Algeria.

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Vestido versátil

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BOLSO ORIGAMI

Marta Pía Piris

Madrid, 1984

comoesmarta@hotmail.com

La colección de bolsos Origami está inspirada en el

concepto de la carpa Koi, un pez resultado de la mutación

de la carpa común que se encuentra sobre todo

en el Mar Caspio y en toda la zona asiática. El pez Koi,

que puede ser de diversos colores, tiene mucha importancia

en la mitología china, que narra cómo, tras

pasar muchos obstáculos y nadar a contracorriente, el

Koi consiguió atravesar el Puente del Dragón, transformándose

así en este animal. El dragón en China es

símbolo de protección y buena suerte. Para trasladar

esta idea de transformación al bolso se ha utilizado la

técnica del origami.

The collection of Origami bags is inspired by the

concept of Koi carp, a fish which resulted from the

transformation of the common carp which is mainly

found in the Caspian Sea and throughout Asia. The

Koi fish, which can be of several different colours, has

an important place in Chinese mythology, which narrates

how the Koi, after overcoming many obstacles

and swimming up stream, succeeded in reaching the

Bridge of the Dragon, and was turned into this animal.

In China the dragon is a symbol of protection and good

luck. The Origami technique was used to transfer this

idea of transformation to the bag.

Marta Pía Piris. Diplomada en 2007 en el IED de Madrid en Diseño

de Moda. En el año 2006 fue asistente para Javier Larraínzar

en Cibeles primavera/verano 2007. Ha colaborado con la estilista

Irma Pueyo en la redacción de diversos artículos de moda y tendencias

para El Semanal y Woman. Actualmente sus creaciones

se encuentran en la pasarela de Milán.

Marta Pía Piris. Degree in Fashion Design at the IED, in Madrid,

in 2007. In 2006 she was assistant to Javier Larraínzar in

Cibeles Spring/Summer 2007. She collaborated with the stylist

Irma Pueyo in the writing of several articles about fashion and

fashion trends for El Semanal and Woman. Her creations can

currently be seen on the Milan catwalk.

Bolso Origami

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Distintas formas del bolso Origami

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PULP FICTION / 16 HORSEPOWER

Roi Prada Álvarez

O Carballiño, Ourense, 1983

roiprada@gmail.com

La reinterpretación de los títulos de crédito del film

Pulp Fiction se basa en una sobria y rápida secuencia

de ilustraciones vintage que se acompañan de un tema

musical muy potente. Esta combinación de un aspecto

gráfico austero con una música enérgica resulta fiel a

la atmósfera de la película.

The reinterpretation of the credits for the film Pulp

Fiction is based on a sober and swift sequence of vintage

illustrations, which are accompanied by a very

powerful piece of music. The combination of the austerity

of the graphics and the energetic music is faithful

to the atmosphere of the film.

16 Horsepower fue concebida como la cabecera de un

DVD musical, por ser un formato que da pie a realizar

una obra muy libre desde el punto de vista narrativo.

Consiste en intentar plasmar en imágenes las impresiones

motivadas por la música, dentro de la vertiente

más oscura de la estética western.

16 Horsepower was conceived as the title-page for a

musical DVD, as this is a format which is open to very

free work from the narrative point of view. It consists of

using images to convey the impressions transmitted by

the music, as part of the darkest western movie sense

of aesthetics.

Roi Prada Álvarez. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad

de Vigo. Diplomado en Diseño Digital por el IED de Madrid

en 2007. Ha expuesto varias piezas en el Museo de Pontevedra,

en la galería de arte Ensambla de Pontevedra, en el Centro Galego

de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela y en La

Casa Encendida de Madrid.

Roi Prada Álvarez. Degree in Fine Arts at the Universidad de

Vigo. Degree in Digital Design at the IED, in Madrid, in 2007. He

has exhibited several pieces at the Museo de Pontevedra, the

Ensambla Art Gallery in Pontevedra, the Centro Galego de Arte

Contemporáneo in Santiago de Compostela and the La Casa

Encendida art gallery in Madrid.

Fotogramas de Pulp Fiction. 1’18’’. Fotogramas de 16 Horsepower. 0’52’’

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Fotogramas de Pulp Fiction. 1’18’’

Fotogramas de 16 Horsepower. 0’52’’

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EL DÍA DESPUÉS

Alba Remeseiro

Pontevedra, 1984

albaremeseiro@gmail.com

www.iqons.com/alba

El caos global al que nos enfrentamos en nuestra sociedad

nos obliga a plantearnos la necesidad de crear

nuevas formas de vida, tratando de conseguir un equilibrio

con el mundo que nos rodea. El uso de tejidos

sintéticos, de pesticidas altamente tóxicos sobre los

cultivos o de tintes químicos sobre las prendas, tiene

drásticas consecuencias. No solo sobre el medioambiente,

también en nuestras vidas. Recuperando los

cultivos ecológicos, la forma de tejer tradicional, los

tintes naturales…, no solo contribuimos a mantener el

equilibrio con el medioambiente, sino que también podremos

definirnos a nosotros mismos. La forma de cultivar

y tejer tradicional prácticamente ha desaparecido,

por eso, en este proyecto se ha desarrollado el cultivo

del lino de forma artesanal y ecológica. Respeta los

pasos y los tiempos necesarios desde el cultivo de la

planta hasta la obtención final del tejido, consiguiendo

así una prenda respetuosa con el medioambiente.

The global chaos our society is facing is forcing us

to think about the need to create new ways of life, in

an attempt to find a balance between us and the surrounding

world. The use of synthetic fabrics, highly toxic

pesticides on crops and chemical dyes on garments

has drastic consequences, not only on the environment

but on our lives. By restoring organic crops, traditional

weaving techniques, the use of natural dyes, etc. we

not only contribute to preserving the balance of the

environment, but can also define ourselves. Traditional

farming and weaving method have practically died out,

which is why, for this project, linen is grown following

traditional and environmentally friendly methods. By

respecting each stage, from growing the plant to the

final fabric, we arrive at a garment which does not harm

the environment.

Alba Remeseiro. Estudia un ciclo formativo de grado superior

en Artes Plásticas y Diseño en Estilismo de Indumentaria en la

Escuela de Diseño y Moda Felicidad Duce de Allariz, Ourense.

Diplomada en Diseño de Moda por el IED de Madrid en 2007.

Alba Remeseiro. She took two years of second cycle studies

in Visual Arts and Design in Garment Styling at the Escuela Superior

de Diseño y Moda Felicidad Duce de Allariz (Ourense).

Degree in Fashion Design at the IED, in Madrid, in 2007.

Muestras de lino artesanal tejido

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Proceso de fabricación de lino de modo artesanal

Muestras de lino artesanal

118

119


PERDIDO

Juliana Restrepo

Medellín, Colombia, 1986

julianita00@gmail.com

Perdido narra la historia de Shiro, un chico que, tras

haber perdido a un ser querido, encuentra en un trozo

de papel las siguientes palabras: “Sé libre”. Llega a la

ciudad y se da cuenta de que no puede salir de ella, el

lugar se ha convertido en un laberinto y vuelve siempre

al mismo punto, se tropieza con las mismas calles, los

mismos muros infranqueables. Finalmente encuentra a

Nina, una chica también “perdida”, juntos encontrarán

el camino de salida de la ciudad, y podrán entender lo

que verdaderamente significa “ser libre”.

Perdido tells the story of Shiro, a boy who, after the

loss of a loved one, finds a piece a paper on which the

words “Be free” are written. He arrives at the city and

realises he cannot escape from it; the place has become

a maze and he always returns to the same place,

bumps into the same streets and the same impassable

walls. He finally meets Nina, a girl who is also “lost”,

and together they find the way out of the city, and get to

understand the true meaning of “being free”.

Juliana Restrepo. Diplomada en Diseño Virtual por el IED de

Madrid en 2007. Ha trabajado como ilustradora para UNICEF

(Colombia Joven) en el año 2003 y como diseñadora gráfica

para Copix en 2006. Ha participado en la exposición Transfigurat

y actualmente trabaja en el campo de las artes visuales para

yummy & fher fhares.

Juliana Restrepo. Degree in Virtual Design at the IED in Madrid

in 2007. In 2003, she worked as an illustrator for UNICEF

(Colombia Joven), and as graphic designer for Copix in 2006.

She took part in the exhibition Transfigurat, and is currently

working in the field of the visual arts, for yummy & fher fhares.

120 121


Fotogramas de Perdido. 3’40’’

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YO NO SOY UN CERO

Karel Rodríguez

La Habana, Cuba, 1975

contact@karelrodriguez.com

Tomando la firma de la Declaración Universal de los

Derechos Humanos como eje central del proyecto, proponemos

un paseo por la historia, donde se induce a la

reflexión sobre el antes y el después de este acontecimiento,

para poder analizar lo que en ocasiones hemos

hecho o deshecho con respecto a los derechos de los

hombres y las mujeres. Son la historia y su realidad

las que sirven como elementos clave para la concienciación

del receptor. A través de los pictogramas, se

recrean situaciones similares a las que se dieron y se

dan, tanto antes como después de la Declaración de

1948. Una publicación completa una serie de carteles y

una página web sirve de campaña publicitaria.

Taking the signing of the Universal Declaration of

Human Rights as the central point of the project, the

artist proposes a journey through history, reflecting

on the before and after of this event, on what we have

done, and sometimes undone, for the rights of men and

women. History and its realities serve as key elements

for raising the viewer’s awareness. Thus, by means

of pictograms, the artist recreates similar situations

which took place, or continue to take place, both before

and after the Declaration, in 1948. A publication will be

accompanied by a series of posters and a website as

advertising campaign.

Karel Rodríguez. Graduado técnico en Diseño Industrial y

diplomado en Diseño Gráfico por el IED de Madrid en 2007. Ha

trabajado durante los últimos años como freelance.

Karel Rodríguez. Degree in Industrial Design and diploma in

Graphic Design at the IED, in Madrid, in 2007. He has worked

freelance for the last few years.

124 125


Carteles de la campaña Yo no soy un cero

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KAMÉLEON

Zaida Rodríguez Abrante

Puerto de la Cruz, Santa Cruz de Tenerife, 1983

zaida101@hotmail.com

La biología como punto de partida, porque el entorno

es un mundo en el que conviven muchas especies,

un ecosistema en el que todo funciona a la perfección.

Como un organismo más de ese ecosistema,

Kaméleon intenta adaptarse al terreno, al espacio,

mutando en todo su recorrido y reptando en busca de

esa adaptación. Kaméleon se integra con el entorno

exteriormente y juega en su mundo interior, un mundo

diferente, lleno de vida. Kaméleon está destinado

a facilitar un ocio sostenible, tratando de ofrecer al

visitante las herramientas necesarias para el disfrute

de las instalaciones deportivas que ofrece el parque.

El alquiler de bicicletas es el aporte dinámico por el

que Kaméleon apuesta.

This piece takes biology as its starting point, given

that the environment is a world in which thousands

of species coexist, an ecosystem in which everything

works perfectly. As if it were another organism in this

ecosystem, Kaméleon attempts to adapt to the terrain,

to the space, mutating throughout its journey and

creeping after its adaptation. Kaméleon is externally

integrated into the environment whilst it plays with

an interior world, a different world which is full of life.

Kaméleon is aimed at facilitating sustainable leisure,

by offering visitors the necessary tools to enjoy the

sports facilities in the park. Kaméleon’s dynamic contribution

is the bicycle hire service.

Zaida Rodríguez Abrante. Ingresó en 2001 en la Escuela Técnica

Superior de Arquitectura de la Universidad de las Palmas

de Gran Canaria, donde estudió con el escultor Juan Correa. Entre

2003 y 2004 estudió en la Escuela de Arte Fernando Estévez

un ciclo formativo de grado superior en Proyecto y Dirección

de Obras de Interiorismo. Obtuvo la diplomatura en Diseño de

Interiores por el IED de Madrid en 2007. Fue seleccionada para

la exposición On/Off y ha participado en el IV Concurso AHEC

de diseño para estudiantes de muebles de madera, con preselección

del proyecto presentado y expuesto en mayo de 2007,

en la Escuela Superior de Diseño de Valencia (EASD). También

ha colaborado con los arquitectos Paloma Campo y Juan Queipo

en la reforma de interiorismo de Arroyo del Fresno, Madrid,

y ha realizado prácticas en el estudio de arquitectura e interiorismo

Farini – Bresnick en su sede de Madrid.

Zaida Rodríguez Abrante. In 2001, she entered the Escuela

Técnica Superior de Arquitectura of the Universidad de las Palmas

de Gran Canaria, where she studied for two years, and took

art lessons with the sculptor Juan Correa. During the 2003/04

academic year she studied at the Escuela de Arte Fernando

Estévez, where she took second cycle studies in Interior Design

Planning and Management. Degree in Interior Design at

the IED, in Madrid, in 2007. She was selected to take part in

the exhibition On/Off and participated in the 4th AHEC Design

Competition for students, to design wooden furniture, where

her project was pre-selected and exhibited in May, 2007, at

the Escuela Superior de Diseño de Valencia (EASD). She also

worked with the architects Paloma Campo and Juan Queipo on

the interior renovation of Arroyo del Fresno, Madrid, and had

work experience in Madrid, at the Farini – Bresnick architecture

and interior design studio.

128 129


Proyecto Kaméleon para un parque en la ribera del Manzanares

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DRESS “U” UP FAST. COLLECTION P/V 08

Fernando Soriano Iglesias

Madrid, 1983

f.sorianoiglesias@hotmail.com

www.iqons.com/Fernando Soriano

Dress “U” Up Fast propone la filosofía: identifíca-t

(identify-u). El proyecto consiste en “hacer la prenda

a medida”, por lo que es la pieza la que ofrece la posibilidad

al usuario de transformarse en función de

su cuerpo y personalidad, permitiendo que cada uno

se exprese libremente. Para tal fin, se ha elegido una

reducida gama de colores, voluntariamente alejados

de las tendencias generales, para potenciar la identidad

de quien porta el vestido, en absoluta correspondencia

con el mensaje principal. De ahí también

la elección del tejido de sastre, que realza esa idea de

“a medida”, consiguiendo en su conjunto una pieza

cercana a quien la lleva y singular para quien la contempla,

precisamente porque cambia en función de

las necesidades de cada perfil.

Dress “U” Up Fast puts forward the philosophy:

identifíca-t (identify-u). The project consists of “making

the garment to measure”, so it is the garment itself

which gives the user the possibility of transforming it

according to one’s body size and personality, permitting

everyone to express themselves freely. To this end,

a limited range of colours have been chosen, voluntarily

removed from general trends, in order to favour the

identity of whoever wears the dress, corresponding absolutely

with the main message. That is also the reason

for the choice of material, which heightens that idea of

“made to measure”, achieving in its entirety a garment

which is linked to its wearer and singular for whoever

is looking at it, precisely because it changes according

to the needs of each wearer profile.

Fernando Soriano Iglesias. Tras dos años en Diseño Industrial

en el IED, cambió de especialidad y se diplomó en Diseño

de Moda por el IED de Madrid en 2007. Ha sido seleccionado

para el concurso My Own Show, organizado por Franca Sozzani,

directora de Vogue Italia y ha ganado el concurso organizado

por el IED para Mónica García, Las Bailarinas, consistente en la

realización y producción de calzado.

Fernando Soriano Iglesias. After two years in Industrial Design

at the IED, he changed careers and he took his degree in

Fashion Design from the IED, in Madrid, in 2007. He was selected

for the My Own Show competition organized by Franca

Sozzani, director of Vogue Italia, and he won the competition

organized by the IED for Mónica García, Las Bailarinas, consisting

of the making and production of footwear.

132 133


Dress “U” up fast. Collection p/v 08

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ÍNDICE POR ÁREA

AREA INDEX

ÍNDICE POR ÁREA

AREA INDEX

DISEÑO INDUSTRIAL

INDUSTRIAL DESIGN

DISEÑO VIRTUAL

VIRTUAL DESIGN

56 Margarita García y Pål Jacobsen

56 Margarita García y Pål Jacobsen

60 Mina Glisic

60 Mina Glisic

92 Gonzalo Osés

92 Gonzalo Osés

120 Juliana Restrepo

120 Juliana Restrepo

96 Almudena Otero e Ivonne Puebla

96 Almudena Otero e Ivonne Puebla

DISEÑO DE MODA

FASHION DESIGN

DISEÑO DE INTERIORES

INTERIOR DESIGN

48 Isaac Fabregat

48 Isaac Fabregat

80 Cristina Martínez

80 Cristina Martínez

52 Marta Ferrari

52 Marta Ferrari

128 Zaida Rodríguez

128 Zaida Rodríguez

68 Agnieszka Hernández

68 Agnieszka Hernández

76 Leticia Horvath

76 Leticia Horvath

DISEÑO DIGITAL

DIGITAL DESIGN

88 Rosa Moreno

88 Rosa Moreno

32 Tamara Acosta

32 Tamara Acosta

104 Isabel Picaza

104 Isabel Picaza

40 Gerardo del Hierro

40 Gerardo del Hierro

108 Marta Pía Piris

108 Marta Pía Piris

44 Guillermo de Torres

44 Guillermo de Torres

116 Alba Remeseiro

116 Alba Remeseiro

72 Carmen Hernández

72 Carmen Hernández

132 Fernando Soriano

132 Fernando Soriano

100 Fran Pérez y David Zafra

100 Fran Pérez y David Zafra

112 Roi Prada

112 Roi Prada

DISEÑO GRÁFICO

GRAPHIC DESIGN

36 David Angulo

36 David Angulo

64 Esther Gómez

64 Esther Gómez

84 Rafael Mesa

84 Rafael Mesa

124 Karel Rodríguez

124 Karel Rodríguez

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El Network internacional de formación en Moda, Design, Artes Visuales y Comunicación

Milano, Roma, Torino, Venezia, Madrid, Barcelona, São Paulo

IED Madrid Palacio de Altamira. Calle Flor Alta 8, 28004 Madrid · Telf. +34 91 448 04 44

IED Master. Calle Larra, 14 · 28004 Madrid · Telf. +34 91 448 04 44

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