CATALOGO QUINTAPATA

PascalMeccariello RaquelPaiewonsky JorgePineda BelkisRamírez

Calendario/Exposición
INVENTARIO QUINTAPATA:
Septiembre-Octubre 2014:
Capilla de Los Remedios,
Santo Domingo. República Dominicano
®INVENTARIO QUINTAPATA
Primera edición 2014
Editado por QUINTAPATA
Textos:
Aranda Alvarado, Rocío
Acero, Carlos
Ditrén, María Elena
Tolentino, Marianne
Garrido Castellano, Carlos
Traducción:
Español/Inglés: Nicholas Bryant
Inglés/Español: Margarita Paiewonsky
Santo Domingo
República Dominicana
2014
Todos los derechos reservados. Ninguna
parte de esta obra podrá ser reproducida o
transmitida en forma alguna y por ningún
medio electrónico o mecánico, incluyendo
fotocopiado, grabación, o por cualquier otro
sistema de almacenamiento de información,
sin el permiso escrito del autor

ÍNDICE
QUINTAPATA: LA PRODUCCIÓN VISUAL Y EL IMAGINARIO SOCIAL 19
Rocio Aranda- Alvarado
OPERACIÓN ESPEJOS: QUINTAPATA...¡SOMOS TODOS! 39
Marianne de Tolentino
QUINTAPATA, ESTRATEGIAS DE VISIBILIDAD Y AUTOGESTIÓN 45
EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO DOMINICANO
Carlos Acero Ruiz
ADN, BIENAL DE LA HABANA 62
Carlos Garrido Castellano
ADN, BIENAL DE VENECIA 62
Paz Guevara
EL PENSAMIENTO DE USHUAIA 69
María Elena Ditrén
CV QUINTAPATA 77
BIOGRAFÍA MIEMBROS QUINTAPATA 78
CRÉDITOS 86
TEXTOS EN INGLÉS 89

QUINTAPATA:
LA PRODUCCIÓN VISUAL Y EL IMAGINARIO SOCIAL
Rocío Aranda-Alvarado
Vivimos convencidos de ser primordialmente
artistas. Pero verdaderamente esta conviccion no
es mas que un mito alienante. Somos, en primera
instancia, personas cuyo compás ético implica la
necesidad de distinguir entre lo bueno y malo,
lo justo e injusto, no solamente en términos
personales sino también a nivel comunitario y
regional. Nuestra sobrevivencia ética depende de
una conciencia política que nos permita un
entendimiento de nuestro medio y el desarrollo de
una estrategia que guie nuestras acciones.
Nuestro arte es precisamente el instrumento que
elegimos para implementar esta estrategia. . 1
Luis Camnitzer
La obra de Quintapata cuestiona no solo los temas tratados por el arte y su metodología,
sino también la naturaleza misma del arte; cuestiona su función simbólica, su valor, su
creación. Al involucrar al público en aspectos claves de su producción artística, Quintapata
aborda el proceso creativo de manera que incluya el inconsciente colectivo del cual depende
en cierta medida. Otro aspecto importante del trabajo de este grupo, se relaciona al
cuestionamiento mismo del impulso artístico y la necesidad de incluir una multiplicidad de
voces: ¿qué es el arte
Esto nos conduce a tantas otras interrogantes: ¿Qué es la expresión artística, ¿Quién tiene
la capacidad para expresarse artísticamente, ¿Qué sucede cuando los artistas le ofrecen al
público la oportunidad de expresión artística O, si no de expresión propia, ¿de cierto grado
1 Luis Camnitzer, “The Idea of the Moral Imperative in Contemporary Art,”
[http://www.lehman.cuny.edu/vpadvance/artgallery/gallery/luis_camnitzer/idea.htm] accessed Aug. 26, 2014
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de participación en el proceso creativo Quintapata se interesa de manera particular en el
concepto de pensamiento colectivo y en como convertirlo en instrumento de cambio. Esto es
evidenciado en su proyecto más reciente, Operación Espejos, que contempla la fragilidad del
patrimonio cultural y de su significado. Centrado en la calle El Conde, el proyecto procura la
participación del público a fin de destacar de manera literal, y luego de manera simbólica, la
importancia de los edificios de esta calle histórica y el cuidado requerido, a fin de restaurar
y mantener estas estructuras como símbolos de modernidad en la ciudad capital. En la calle
El Conde es donde se construyeron las primeras estructuras modernistas de Santo
Domingo, incluyendo las primeras construcciones de concreto, edificios en estilo Art Deco y
los primeros ascensores.
De hecho, la arquitectura modernista de República Dominicana confirma la participación
del país en grandes movimientos globales, de manera particular el modernismo, como
importante símbolo de sofisticación. El espíritu minimalista del modernismo parecería estar
en oposición a los “excesos” del paisaje tropical, cuando, por contrario, representaba una
nueva visión del futuro: sobrio, nítido, eficiente y caracterizado por los ideales estéticos
europeos sobre estas cualidades.
El centro histórico de la ciudad de Santo Domingo ha sido declarado patrimonio cultural por
la UNESCO, debido principalmente a los edificios coloniales que adornan sus estrechas calles.
El principal interés de los artistas de Quintapata, por el contrario, son los edificios
modernistas, emblemas de modernidad intercalados con las grandes obras arquitectonicas
coloniales. Otros edificios en Santo Domingo del mismo período comparten similares
características: el Palacio de Justicia, el Edificio Copello, el Hotel Jaragua. Probablemente la
figura mas notoria de este periodo es el arquitecto Guillermo González, a quien se ha
llamado padre de la arquitectura moderna en República Dominicana. Para Gonzalez era de
primera importancia la claridad de los planos arquitectónicos y la sencillez y pureza de la
forma y la comodidad, características todas que se evidencian en sus obras, incluyendo el
edificio Copello en la calle El Conde. Fue González también quien diseño los edificios de la Feria
Mundial de 1955 en República Dominicana, tema, además, de la participación reciente del país
en la bienal de Venecia. Este conjunto de edificios llego a ser, indudablemente, el de más
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influencia en el país en su época, y actualmente mantiene su vigencia, ya que continúa alojando
oficinas gubernamentales tales como el Ayuntamiento y el Palacio del Congreso Nacional.
Tal como observó Omar Rancier, González nació en una época en que el modernismo se
desarrollaba como movimiento avant-garde en Estados Unidos, aunque en ese país
prevalecían cánones académicos. Tomaría tiempo para que los estilos arquitectónicos de los
EEUU fueran moldeados por la influencia de arquitectos tales como Walter Gropius, Louis
Kahn y Mies Van Der Rohe. Sus elogios para la obra de González se basan en parte en su
análisis de las contradicciones aparentes entre el estilo modernista y las influencias más
tempranas sobre la obra de González:
Guillermo González fue quien diseñó la Feria de la Paz y Fraternidad del
Mundo Libre [una serie de estructuras] cargadas de monumentalismo,
simbolismo y la centralidad del [estilo] neoclásico, fascista, racional,
evidente en su obra maestra, el Ayuntamiento, en la cual se detectan
algunas de las premisas del neoclásico. 2
González, en su rol central como innovador, y sus edificios, como el Edificio Copello en la calle
El Conde, son, precisamente, temas de interés de Quintapata. Posteriormente, resulta
importante explorar el objetivo fundamental de este proyecto y su reflexión sobre la
post-modernidad. La expresión del espejo es tomada de una acción política radical en 1965
durante la cual el público utilizó espejos para protegerse de pilotos que le lanzaban bombas y
más significativamente, como símbolo de resistencia. Este acto se reescribe en Operación
espejos, donde se invita al público a usar espejos para atraer la atención hacia esos mismos
edificios modernistas de la calle El Conde. La intención es utilizar espejos de manera tal que la
luz del sol se refleje en las partes de los edificios más necesitados de reparación y llamando la
atención del mayor número posible de transeúntes.
2
Omar Rancier, “Guillermo González: Versatilidad Estilística,” El Siglo (Viernes, 23 febrero, 1990) [http://rancierpenelope.blogspot.com/2008/11/guillermo-gonzález-versatilidad.html,
accesado 8/26/2014] La Feria de la Paz y Fraternidad del Mundo
Libre (The Fair of Peace and Brotherhood of the Free World) fue el nombre dado a la Feria Mundial de 1955, llevada a cabo en la
República Dominicana en honor del notorio dictador Rafael Trujillo.
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El sistema de consumo en que los seres humanos participan constituye, segun Baudrillard,
“un lenguaje auténtico, una nueva cultura, donde el lenguaje puro y simple se transforma en
un medio para la expresión individual y colectiva.” 3 Además, argumenta, así podemos crear
el sentido de una práctica colectiva de consumo, lo que él llama el universo del consumo. A
pesar de la existencia de una modalidad colectiva en que los objetos, al azar, están llenos de
valor o están desprovistos de éste, esta forma de práctica artística colectiva sirve para
cuestionar el valor y el rol de la participación, respecto al valor simbólico y hasta real que se
atribuye a una obra. Esencialmente, ADN como objeto de arte es una forma de expresión
colectiva que contiene además la identificación del propio ser, definido por su material
genético. Algunas referencias adicionales pueden resultar de utilidad para comprender el
contexto cultural más amplio de esta obra, tanto en términos de historia estética como de
cultura popular.
Consideremos otra de las ideas de Baudrillard que podría resultar relevante aquí. El
observó, en un ensayo de 1998 que:
Algo ha cambiado, y el período faustiano, prometeano (tal vez edípico)
de producción y consumo da lugar a la era “proteínica” de redes, a la
era narcisista y proteica de conexiones, contacto, contigüidad,
retro-alimentación y el interfaz generalizado que forman parte del
universo de la comunicación. Con la imagen de la televisión, objeto
epítome de esta nueva era, nuestros cuerpos y todo el universo a
nuestro alrededor se convierte en una pantalla de control. 4
La noción de “pantalla de control”, así como el concepto de redes en que el contacto
constante con otros se constituye en el marco de la existencia, está profundamente
arraigada en los diversos sentidos de la obra ADN de Quintapata. Esta obra consiste en
cuatro proyecciones a gran escala y goma de mascar. El público se invita a participar
3 Jean Baudrillard, “The System of Objects (El Sistema de Objetos).”
4 Jean Baudrillard, “The Ecstacy of Communication (El Éxtasis de la Comunicación, en Hal Foster, ed, The Anti Aesthetic: Essays on
Postmodern Culture (Lo Anti-Estético: Ensayos sobre la Cultura Post-Moderna) (New York: The New Press, 1998):146.
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masticando la goma de mascar a pesar de las advertencias en su contra expresadas a
través de las pantallas. El público, además, es invitado a pegar la goma de mascar ya
masticada a la superficie de la proyección de manera que forme un grumo. Este pasa a ser
otra intervención sobre la superficie de la obra y su rol como “la voz de la autoridad”.
Frédéric Jameson, en sus predicciones sobre el arte post-moderno, hace una observación
importante sobre la producción de televisión, similar al uso que hace Quintapata de la
enorme imágen proyectada. Según Jameson: “...el arte contemporáneo o post-moderno
tratará sobre el arte en sí de manera distinta; más aún, uno de sus mensajes primordiales
tendrá que ver con el inevitable fracaso del arte y la estética, la falla de lo nuevo, el
atrapamiento en el pasado.”
Se refiere a este tipo de “atrapamiento” en el pasado como a una especie de nostalgia en
el rol de la producción estética contemporánea. La enorme imagen proyectada en una
pantalla gigantesca en la instalación ADN nos remonta a la plataforma de mando de la nave
espacial Starship Enterprise de la serie de televisión Star Trek de los años 60 (1966-1969).
En cada episodio, una enorme imagen se proyectaba en una gran pantalla con exigencias o
instrucciones, e invariablemente, se trataba de alguien con autoridad. Esto se corresponde
a la instalación de ADN ya que las imágenes que se proyectan ocupan toda una pared
y hablan con autoridad, llenando el espacio con sus voces que advierten al publico sobre
todas las formas inaceptables de masticar goma de mascar. Podríamos también hacer la
comparación con los mensajes proyectados en grande que Ray Bradbury describe en el
mundo futuro de su libro Farenheit 451 (1953). Esta asociación cognitiva que hacemos con
otra obra puede compaginarse con otras experiencias de una obra de arte que incluye tanto
los recuerdos personales como las respuestas emotivas.
Según los filósofos, una experiencia estética completa consiste en un análisis formal, en
asociaciones (con recuerdos, emociones, o a nivel cognoscitivo), en contextos (sociales,
morales y evaluaciones de “gusto”) y en factores externos (factores que informan sobre la
creación de la obra y factores subjetivos). De todos estos factores, el más importante es la
asociación cognoscitiva que le permite al observador entender con mayor profundidad las
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implicaciones de la obra de arte. Al interpretar ADN podemos hacer una asociación adicional,
esta vez, con la historia de la goma de mascar. El ingrediente principal de la goma de mascar
es el chicle, ingrediente que conocieron los europeos en un contexto mesoamericano.
Tanto los Aztecas como los Mayas conocían la goma de mascar de la que los colonizadores
europeos inmediatamente se enamoraron debido a su sabor y consistencia. Hasta la palabra,
chicle, probablemente tiene su origen en la palabra en Nahuatl tziktli que significa “algo
pegajoso,” o tal vez en la palabra maya, tsicte. De este modo, los orígenes de la goma de
mascar están profundamente arraigados en la historia del hemisferio americano e
íntimamente relacionados a los intereses de los colonizadores de esta region. Aunque sería
fácil atribuir a una sociedad colonial élite la “censura” del chicle, los Aztecas ya tenían reglas
estrictas sobre el protocolo en cuanto al uso de la goma de mascar. Uno de los primeros
cronistas de la vida en las Américas fue el Fray Bernardino de Sahagun, quien observó sobre
las restricciones relacionadas al consumo de la goma de mascar en público:
Masticar chicle [es] preferido por, es el privilegio de, niñitas, niñitas
pequeñas, mujercitas. También las mujeres maduras, las mujeres
solteras lo usan; y todas las mujeres que no [están] casadas mastican
chicle en público. Nuestras esposas también lo mastican, pero no en
público. Tampoco en público lo hacen las viudas y las mayores… Por
esta razón las mujeres mastican chicle: porque así pueden hacer que la
saliva fluya haciendo que sus bocas huelan bien, y se le da a la boca un
sabor agradable. Con él, combaten el mal aliento. Por eso comen goma
de mascar, para no ser detestadas. 5
Escuchar las voces de actores profesionales proclamando un sinfín de reglas, que van
desde lo extremadamente poético y original hasta lo absurdo, adquiere de este modo un
significado aun mayor.
Un proyecto final que debe mencionarse, es la obra creada por Quintapata para la Bienal del
Fin del Mundo, Pensamiento de Ushuaia. Esta obra aborda ideas de valor e intercambio,
5 Bernardino de Sahagun, Historia general de las cosas de la Nueva España, (1544-1550) citado en Jennifer Matthews, The Birth of the
Chewing Gum Tree (El Nacimiento del Árbol de Goma de Mascar) [extractos http://www.mexicolore.co.uk/aztecs/artefacts/chewinggum-tree,
accedido 27 Agosto 2014]
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moneda y expresión simbólica. En esta obra, objetos simbólicos (billetes de un dólar estadounidense)
se encuentran cubiertos por símbolos adicionales (dibujos o montajes), añadiendo
significado y complejidad. Hay símbolos sobre símbolos a medida que estos comienzan a
funcionar al unísono o aisladamente. Los artistas crearon el proyecto pensando en el uso
histórico del trueque en la región y con la ilusión de crear un nuevo sistema de intercambio que
tomara en cuenta la importancia del medio ambiente y la fragilidad de la atmósfera terrestre.
Este concepto tuvo su origen en el tema general de la bienal, que exploraba los diferentes s
ignificados del término antropoceno, el cual se refiere a las marcas que ha ido dejando la
humanidad sobre la faz de la Tierra. La moneda, entonces, funciona como una especie de
recordatorio constante de la definición humana de objetos, tierra y otros productos de
acuerdo a su valor. El valor de un objeto, o de un objeto de arte, ha sido tema de debate
perenne en diversos círculos artísticos. El artista Luis Camnitzer ha invertido mucho tiempo en
crear una obra sobre el valor y en escribir sobre el valor o la falta de valor del arte. Según él:
No creo en valores eternos y absolutos. Creo en este diálogo interpretativo
que cambia con el tiempo. La obra en sí tiene relativamente poca importancia,
independientemente de la hipérbole en cuanto a su lugar en la historia y las
relaciones públicas. Su autor también carece de importancia, y solo tiene
interés biográfico. La relevancia del diálogo, y cómo este puede afectar el
presente y no como ha afectado el pasado, eso es lo que importa. Las preguntas
cambian y requieren de nuevas respuestas. 6
Expresándose por medio del uso de trueque, el sistema más antiguo de intercambio de valor,
Quintapata deja al descubierto su interés en la transferencia simbólica del valor de un objeto
a un pedazo de papel. La moneda de papel histórica ha sido diseñada por una persona en
particular o por una administración gubernamental y está prenada de símbolos de
importancia histórica que, a fin de cuentas, podrían tener menos sentido ante ojos
contemporáneos. La transacción se torna metafórica, cargada de valor pero sin precio.
6 Luis Camnitzer, “Artists in Conversation, Luis Camnitzer by Alejandro Cesarco,” BOMB 115, Spring 2011
[http://bombmagazine.org/article/4913/, accessed Aug. 27, 2014]
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OPERACIÓN ESPEJOS
Asistencia técnica:
Dirección fotografía: Ricardo Briones
Dirección video: Gibran Abrales
Edición video: Gibran Abrales y Ricky Glusky
Producción y Dirección General
QUINTAPATA
2014

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OPERACIÓN ESPEJOS
Edificio Baquero
Fotografía
Impresión digital sobre sintra
70 x 44 pulgadas
Edición 1/5
Producción y dirección general: QUINTAPATA
Asistencia Técnica: Ricardo Briones
2014

32
OPERACIÓN ESPEJOS
Edificio Cerame
Fotografía
Impresión digital sobre sintra
70 x 44 pulgadas
Edición 1/5
Producción y dirección general: QUINTAPATA
Asistencia Técnica: Ricardo Briones
2014

36
OPERACIÓN ESPEJOS
Edificio Saviñón
Fotografía
Impresión digital sobre sintra
70 x 44 pulgadas
Edición 1/5
Producción y dirección general: QUINTAPATA
Asistencia Técnica: Ricardo Briones
2014

OPERACIÓN ESPEJOS: QUINTAPATA… ¡SOMOS TODOS!
Marianne de Tolentino
ADCA /AICA
¡Cuánta alegría observar que, en nuestra realidad artística, existan proyectos grupales
como Quintapata, con una producción a la vez colectiva e individual, con una constancia y un
rigor admirables! Ellos –ahora cuatro artistas formidables- promueven la riqueza de la
verdadera contemporaneidad, el arte que se está haciendo, deshaciendo y rehaciendo,
jamás detenido en su avance y sus propuestas.
Pascal Meccariello, Raquel Paiewonsky, Jorge Pineda y Belkis Ramírez han demostrado en
el marco de Quintapata, una y otras veces, nacional e internacionalmente, sus capacidades,
poniendo por delante una preocupación de diálogo, de reflexión, de cuestionamiento en sus
compromisos respectivos. Las exploraciones de fuentes y objetivos -que les conocemos
desde hace años-, lejos de haberse agotado, han intensificado su vitalidad creadora y su
alcance público. El paso del tiempo ha favorecido entonces una madurez creciente y, más
aún, un enriquecimiento conceptual. Operación Espejos lo demuestra, mediante una
particular resonancia en nuestra sensibilidad, hasta causando un impacto, físico, intelectual
y emocional.
Operación Espejos significa, además de un cambio en el proceso creativo y el mecanismo de
exposiciones, un avance en el itinerario de Quintapata, una ampliación de sus metas hacia la
colectividad. Es una propuesta mucho más compleja de lo que aparenta, aun apartándonos
de sus orígenes dominicanos en la historia patria.
Incluiríamos tres enfoques fundamentales: El primero concierne a la ciudad de Santo
Domingo y al descuido de su conservación y/o mantenimiento de su centro, cuando no se
trata de una casa colonial. Quintapata ha querido llamar la atención respecto al deterioro
–en peligro o en marcha- de construcciones patrimoniales altas situadas en la calle El Conde,
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como signos y símbolos de una situación. Los edificios necesitan mantenimiento por su
envejecimiento prematuro, y tienen una particular importancia porque siguen siendo
habitables y son testimonios, cuasi monumentos, de la arquitectura moderna dominicana.
Su eventual restauración incumbe a más de un organismo gubernamental, no solamente a
las autoridades de turismo. Quintapata ha advertido a tiempo todavía…
Luego, para alcanzar ese propósito, el colectivo ha elegido –era de suponer- una actividad
(impre)visible y manifestación pacífica, mucho más sutil que una protesta o un reclamo
formal… Ha utilizado algo intangible, un fenómeno de refracción y reflexión, a partir de la luz
solar, proyectada, a cierta distancia, mediante espejos sobre la fachada del inmueble.
El objeto reenviaba el rayo luminoso en el frente del edificio… convertido en el centelleo de
incontables lucecitas, a merced de las nubes y la sombra repentina. Pero pronto el sol
reaparecía, el fulgor “repicaba”, acompañado por las risas y exclamaciones de una
verdadera muchedumbre.
Este tercer componente es, en nuestra opinión, el que mayor entusiasmo suscita:
¡cómo motivar y congregar a centenares de personas, señalándoles una vía y un punto de
encuentro, pidiéndoles que traigan cada una un espejo! Y se hizo, más allá de lo que se
esperaba. Del mismo modo que había espejos de todos tamaños y estilos, acudieron gentes
de todas clases y edades, curiosos, transeúntes, turistas, no solamente artistas de oficio y
de corazón –¡por cierto cuántos había!-. Caminaban y se detenían, riendo, charlando,
observando, con brazos y espejos en alto. Miraban y se miraban, alborozados. ¡Y lo
que causaba una alegría especial, era ver a los niños, de chiquitines a adolescentes,
participando y gozando!
De espectadores, los asistentes se convirtieron en actores… En una escenografía natural y
callejera, se entabló un diálogo de muchas voces, a la vez libre, abierto y bien dirigido
simultáneamente, con la plena consciencia para cada uno de estar en su lugar y de
contribuir a una meta ciudadana. Tal vez Quintapata no pensó que iba a ofrecer tanto al
público, cautivando su interés… y que se le iba a responder con una propiedad y un entusiasmo
inusuales.
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Quintapata sobrepasó la función artística que le conocíamos -ésta ya admirable-, de
creación individual y colectiva. Se confirmó como ente conceptuosa, interpelante, llegando a
un número insólito de gentes, inventándoles un juego útil, dando un sentido especial y social
a una convocatoria consensual. Aquí, los cuatro se convirtieron en una multitud, la obra
también se multiplicó vuelta un bien común, la iniciativa culminó en un singular éxito. Queda
por ver si la Operación Espejos no se quedará a nivel de un espejismo, desvanecido por la
indiferencia administrativa y municipal, o finalmente materializado por esos mismos
jerarcas, responsables del mejor acondicionamiento urbano.
Que nos perdone por la paráfrasis, Freddy Ginebra, el amigo y duende de Casa de Teatro,
pero la Operación Espejos ha logrado que ¡“Quintapata somos todos”!
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QUINTAPATA, ESTRATEGIAS DE VISIBILIDAD Y
AUTOGESTIÓN EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO
DOMINICANO
Carlos Acero Ruiz
Director Artístico de Photoimagen
Presidente de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte (ADCA/AICA)
Vicepresidente de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
La crisis económica que vive gran parte del mundo, así como también las nuevas tecnologías
de la información está cambiando sustancialmente la forma en que los artistas gestionan sus
proyectos. Propuestas que se hacen visibles para las distintas comunidades de la red,
Facebook, Twitter, Instagram, Tumbler, Pinterest, entre otras, han abierto todo un abanico
de oportunidades para los creadores visuales, a los cuales se les dificulta encontrar galerías
de arte y espacios físicos para exhibir y comercializar su arte. Hasta que el sistema artístico
logre sanearse de la crisis, muchos afirman que el futuro del arte está en manos de las redes
sociales y la autogestión. El internet se ha convertido en la plataforma que sirve de vitrina
para galerías virtuales. Ciertamente las nuevas tecnologías de la era digital han producido
cambios significativos a la hora de ver y consumir arte.
La oferta de espacios dedicados al arte en la Rep. Dominicana ha disminuido
significativamente, sobre todo si pasamos revista a la última década, a pesar de que
el número de galerías que abren es mayor de las que cierran. Esto por supuesto que ha
dificultado la visibilidad de nuestros artistas, ya sean emergentes o establecidos. No todos
logran acceder a estos espacios mencionados. Es importante señalar que en nuestro país la
producción de las obras de arte recae casi exclusivamente en los hombros de nuestros
artistas, porque prácticamente ninguna galería de arte provee fondos para proyectos
expositivos, salvo casos excepcionales.
En el 2009 irrumpe en el medio artístico dominicano Quintapata, una asociación de
destacados artistas contemporáneos, con la presentación de la muestra Mover la Roca, un
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proyecto que constituye una iniciativa del Centro Cultural de España en Santo Domingo, bajo
la dirección de Fernando Rueda y la curaduría de Fernando Castro Flórez. En esta muestra
inicial se trabajan y presentan obras de manera independiente y cinco artistas participan de
este proyecto debut: Belkis Ramírez, Jorge Pineda, Raquel Paiewonsky, Pascal Meccariello
y Tony Capellán. Creadores con muchas sintonías y afinidades artísticas. Todos con exitosas
carreras profesionales y que si hacemos una sumatoria han acaparado los principales
galardones de las bienales y concursos nacionales de arte de los últimos veinte
años. Precisamente el nombre de esta muestra sugiere fusión de fuerzas para consolidar
intereses hacia una misma dirección. Esta colectiva posteriormente viaja a Buenos Aires,
Lima, México (Distrito Federal) y Miami gracias a la red de Centros Culturales de España.
Luego de este exitoso periplo, Capellán deja Quintapata.
Luego surge el proyecto Reflejos, una intervención urbana en plazoletas de la Ciudad
Colonial durante el festival Photoimagen 2009, en su Rally Fotocultura, con auspicios del
Centro Cultural de España. Varios artistas emergentes fueron integrados a este proyecto.
En el 2011 llega la invitación de Consuelo Ciscar, curadora de la Bienal del Fin del Mundo
-y para ese tiempo también Directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM)-
en Ushuaia, Argentina. El tema: “Bienvenidos al Antropoceno ”, 7 con un eje en torno al
impacto de la acción humana sobre el planeta. Se presentan entonces dos nuevos retos:
crear arte de manera conjunta y gestionar fondos para poder presentar el proyecto
performático titulado El pensamiento de Ushuaia, en la distante Patagonia argentina. Es
en ese momento que se dan cuenta que el respaldo conseguido anteriormente no se va
a concretar para esta nueva oportunidad, lo que obliga a iniciar la autogestión de fondos
para el viaje, y la posterior puesta en escena de la acción. Se inicia el proceso con una
intervención directa sobre alrededor de 350 papeletas de un dólar. Organizan una actividad
para recaudar fondos en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo y lanzan una edición
limitada de carpetas, titulada Reservas Oro, las cuales contienen un políptico de cuatro
billetes, intervenido cada uno por los cuatro artistas del gremio. Estos mismos billetes son
7 Término acuñado por Paul Jozef Crutzen, Premio Nobel de Química en1995, que describe al humano actual como factor determinante
en el surgimiento de una nueva era; que ha derivado en una transformación del comportamiento climático en detrimento del entorno
ecológico global.
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los que posteriormente usan los miembros de Quintapata, durante la performance
en Argentina, para “comprar” el pensamiento del pueblo, que en este caso son personas
entrevistadas en esta acción, las cuales si ofrecen soluciones viables para mejorar la
problemática que deja la huella humana en el planeta, serán recompensadas con esta nueva
moneda. En la declaración de artistas de Quintapata, ahora convertido en colectivo,
expresan lo siguiente: “Este proyecto plantea un nuevo sistema de valores donde
manipulamos este símbolo del poder (dólar), apropiándonos de su significado, invirtiéndolo
en la reivindicación de esas voces de la conciencia nunca escuchadas y sumándonos a este
reclamo universal.”.
Para el año siguiente, el 2012, Quintapata es seleccionado para participar en la XI Bienal de
La Habana por el curador José Manuel Noceda con la obra ADN. La pieza está compuesta
por cuatro proyecciones simultáneas, en las que el colectivo se apoya en el trabajo de
profesionales de la actuación para cuestionar códigos de conducta impuestos en las
distintas sociedades. Estos códigos éticos y morales para el colectivo generan intolerancia,
y a través del uso de goma de mascar ironizan con normas inventadas que enuncian los
actores, para subvertir lo que todos conocemos como bueno y válido que nos impone el
sistema para el disfrute de esta esta golosina. Antes de ingresar al cubículo al público se le
ofrece una goma de mascar, la cual por instrucciones escritas se indica que la disposición
final del chicle se podrá realizar sobre las pantallas de proyección, lo cual permite crear
nuevas texturas sobre la imagen, y de paso contener el ADN de los visitantes, que se queda
como huella identitaria de todos ellos.
En el 2013 se presenta nuevamente ADN, esta vez en la 55 edición de la Bienal de Venecia.
Este video-instalación se exhibe en el Pabellón Latinoamericano, que se coordina por
el Instituto Italo-Latinomericano IILA de Roma, y en esta ocasión como comisario el alemán
Alfons Hug. Varias estrategias de autogestión y colaboración se activaron desde que
el colectivo fue seleccionado para representar a la República Dominicana ante este
importante encuentro artístico internacional. Las presentaciones en estos grandes eventos
son siempre costosas y requieren de un esfuerzo extraordinario para cristalizarlas por
parte de los artistas que tienen que salir a buscar esos fondos, muchas veces no disponibles
en instituciones públicas y privadas.
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En el mes de febrero de 2014 Quintapata convoca a un nuevo proyecto: Operación Espejos.
Usando como inspiración el hecho histórico de los espejos manipulados en los techos de las
casas durante la Guerra de Abril, de 1965. Esos reflejos que en su momento valieron
para dificultar la visión de los aviones que sitiaban la zona constitucionalista son usados
simbólicamente por el colectivo para alertar sobre emblemáticos edificios modernistas de
la calle El Conde, que presentan un avanzado estado de deterioro y/o abandono.
Esta jornada participativa, seguida por una considerable cantidad de personas hizo
perceptible una conexión con espacios cotidianos de nuestra vetusta ciudad, para que les
proporcionemos una nueva mirada, para despertar niveles de conciencia en problemáticas
que afectan a nuestra comunidad.
Con la puesta en escena de Inventario en la Capilla de los Remedios, Quintapata presenta al
público dominicano las obras que con anterioridad ha exhibido en el exterior, y que ahora lo
hace en suelo patrio. Inventario recoge esas importantes participaciones en la Bienal de La
Habana y del Fin del Mundo, pero además incluye significativos registros de Operación
Espejos. Todas estas propuestas artísticas de Quintapata evidencian el compromiso de
estos artistas con su tiempo y sus propias convicciones. Este colectivo sabe encauzar las
acciones y canalizar sus fuerzas para llevar a buen término sus proyectos, en momentos en
que el sistema artístico atraviesa una profunda crisis económica, y se percibe una falta de
madurez del sector institucional para proyectar las artes visuales fuera de nuestras
fronteras.
ADN
Bienal de La Habana
Video instalación
2012
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ADN
Edición: 1 / 5
FICHA TÉCNICA:
Actores por orden alfabético:
María Castillo
Paula Disla
Josué Guerrero
Henry Mercedes
Dirección Fotografía: Francisco Valdez
Dirección técnica y edición: Fernando Rivas
Asistente de Producción: Eumir Sánchez
Guión: QUINTAPATA
Subtítulos: Xavier Geraldes
Traducción: Horacio Alvarez
Agradecimientos: Centro Cultural de España
Producción y Dirección general
QUINTAPATA

REGLAMENTO DE ETIQUETA Y PROTOCOLO PARA MASCAR CHICLES
REGLAMENTO DE ETIQUETA Y PROTOCOLO PARA MASCAR CHICLES
...
Regla #7-No mascar chicle si usted es una Miss.
Rule #7-No gum chewing Do not chew gum if you are a beauty pageant contestant. Miss.
Regla #8-Si es usted un señor, puede mascar chicles.
Rule #8-If you are a gentleman, you may chew gum.
Regla #9-Si es usted un consorte presidencial puede mascar chicles.
Rule #9-If you are a presidential spouse consort, you may chew gum.
Regla #10-Si es usted un emperador puede mascar chicles.
Rule #10-If you are an emperor, you may chew gum.
Regla #11-Si es usted un rey no puede mascar chicles.
Rule #11-If you are a king, you may not chew gum.
Regla #12-Si es usted un príncipe podría mascar chicles.
Rule #12-If you are a prince, you may chew gum.
Regla #13-No discutir, ni insultar sin mascar chicle.
Rule #13-No argueing or insulting without chewing gum.
Regla #14-No besar sin mascar chicle.
Rule #14-No kissing without chewing gum.
Regla #15-No desear la mujer de tu prójimo sin mascar chicle.
Rule #15-No coveting of your neighbor’s wife without chewing gum.
Regla #16-No matarás sin mascar chicle.
Rule #16-Thou shalt not kill without chewing gum.
Regla #17-Los miércoles santos no intente mascar chicles.
Rule #17-Do not try to chew gum on Good Wednesday.
Regla #18-Los jueves santos prohíbase mascar chicles.
Rule #18-On Good Thursday, it is forbidden forbid yourself from to chewing gum.
Regla #19-Los viernes santos evite mascar chicles.
Rule #19-Avoid gum on Good Fridays.
Regla #20-Los sábados santos cuídese de mascar chicles.
Rule #20-Good Saturdays, be cautious of chewing gum.
Regla #21-En misas de muertos puede mascar chicles, salvo que sea el afectado.
Rule #22-You may chew gum at funeral masses, unless you are the deceased.
Regla #22-Los domingos de gloria masque chicle.
Rule #22-Chew gum on Easter Sunday.
Regla #23-En Alemania, no se debe mascar chicle.
Rule #23-In Germany, one should not chew gum
...
53

...
Regla #17- Nunca utilizar el chicle para depilación.
Rule #17-Never use gum for hair removal.
Regla #18-Jamás comer chicle azul antes de una cita importante.
Rule #18-Never chew blue gum before an important date.
Regla #19-Nunca compartir el chicle con otras personas aunque le quede juguito.
Rule #19-Never share gum with other people even if it has a bit of some juice left in it.
Regla #20-No masticar chicles usando lentes de sol.
Rule #20-Do not chew gum while wearing sun glasses.
Regla #21-Sólo pegar chicle debajo de mesas de lugares públicos, jamás en casas privadas.
Rule #21-Only stick gum under tables in public places, never in private homes.
Regla #22-Nunca orinar encima de un chicle, evite la mala suerte que esto conlleva.
Rule #22-Never pee on gum, avoid the bad luck this brings.
Regla #23-No consuma chicles expuestos al calor por largos periodos de tiempo, es preferible que los brinde a
otras personas.
Rule #23-Never consume gum that has been exposed to heat for long periods of time, it is preferable that you
offer these to other people.
Regla #24-Nunca comer chicles después de un orgasmo, es más chic fumar un cigarrillo.
Rule #24-Never chew gum after an orgasm, is it’s chic-er more chic to smoke a cigarette.
Regla #25-Jamás comer chicles manufacturados en el tercer mundo para evitar la transmisión de enfermedades
mortales.
Rule #25-Never chew gum manufactured in the Third World to avoid the transmission of deadly diseases.
Regla #26-No utilizar bombas de chicles en lugar de globos en el cumpleaños de su hijo.
Regla #26-Never use chewing gum bubbles instead of balloons at your son’s birthday party.
Regla #27-Nunca comer chicles hechos en china.
Rule #27-Never chew gum made in China.
Regla #28-Nunca comer chicles y galletas al mismo tiempo.
Rule #28-Never chew gum and eat crackers at the same time.
Regla #29-No guardar un chicle mascado en las axilas.
Rule #29-Do not store used chewed gum in your armpits.
Regla #30-Jamás masque chicle después de comer ajo.
Rule #30-Never chew gum after eating garlic.
Regla #31-Nunca masque chicle al manejar un avión.
Rule #31-Never chew gum while piloting an airplane.
Regla #32- Antes de mascar chicle asegúrese de obtener permiso del vaticano.
Rule #32- Before chewing gum, make sure to obtain permission from the Vatican.
Regla #33-Sólo mascar chicle si tiene pasaporte europeo.
...
55

...
Regla #3-No debemos abusar de los chicles de nicotina.
Rule #3-We should not abuse nicotine gum.
Regla #4-Mascar chicle no tiene ninguna ventaja.
Rule #4-Chewing gum has no advantages.
Regla #5-Mascar chicle en exceso pone la cara cuadrada.
Rule #5-Chewing gum in excess makes your face square shaped.
Regla #6-No se debe usar el chicle como válvula de escape.
Rule #6-One should not use gum as an escape valve.
Regla #7-Nunca llore si está mascando chicle.
Rule #7-Never cry if you are chewing gum.
Regla #8-El chicle no debe consumirse antes, ni durante, ni inmediatamente después de una comida.
Rule #8-Chewing gum should not be consumed before, during, or immediately after a meal.
Regla #9-No es aconsejable mascar chicle si tiene una fuerte migraña.
Rule #9-It is not advisable to chew gum if you have a bad migraine.
Regla #10-Nunca use chicle como tapón para los oídos.
Rule #10-Never use gum as an earplug.
Regla #11-Si va a la playa procure no empezar a comer chicle una vez dentro del agua ¿Dónde botará el papel
Rule #11-If you go to the beach, try not to begin to eat gum once you’re in the water, where will you throw away
the wrapper
Regla #12-No mastique, ni se trague el papel.
Rule #12- Do not chew nor swallow the wrapper.
Regla #13-Nunca compre chicles de bolita, éstos son los más dañinos para sus dientes.
Rule #13-Never buy chewing gum balls, these are the most harmful to your teeth.
Regla #14-Si va a reír a carcajadas, procure haberse tragado el chicle antes.
Rule #14-If you are going to laugh loudly, make sure you swallow the gum beforehand.
Regla #15-Tragarse el chicle por accidente puede ser peligroso; mortal.
Rule #15-Swallowing your gum by accident may be dangerous; deadly.
Regla #16-Al botar su chicle no lo escupa, no lo saque de su boca con sus manos; busque algo, una servilleta y
envuélvalo y no sé, averigüesela.
Rule #16-When you throw out dispose of your gum, do not spit it out, do not remove it from your mouth by with
your hand; look for something, a napkin and wrap it up or I don’t know, figure it out.
Regla #17-Si masca chicle con azúcar, escupa las dos primeras secreciones de su saliva; esto equivale a dos
cucharaditas de dañino edulcorante.
Rule #17-If you chew gum with added sugar, spit out the first two salivary secretions salivations; this is equivalent
to two teaspoons of harmful sweetener.
Regla #18-No se debe dar chicle a las mascotas, sobretodo a las chivas.
Rule #18-You should not give gum to pets, especially goats.
...
57

...
Rule #32-If you are of legal age, do not chew gum.
Regla #33-Si hace bombas, deben ser menor de 2 pulgadas de diámetro.
Rule #33-If you blow bubbles, they should be less than 2 inches in diameter.
Regla #34-Saludar mientras mastica chicle, es de mal gusto.
Rule #34-To greet someone while chewing gum is in bad taste.
Regla #35-Si es soltero o soltera, no mastique chicle.
Rule #35-If you are single, do not chew gum.
Regla #36-Chicles en eventos públicos y de fiestas, se ve fatal.
Rule #36-Chewing gum at public events and parties, looks horrible.
Regla #37-No pegue el chicle, en la silla del cardenal.
Rule #37-Do not stick a piece of gum on the Cardinal’s chair.
Regla #38-No pegue el chicle, en la silla presidencial.
Rule #38-Do not stick gum to the President’s chair.
Regla #39-No mastique chicle, por más de tres minutos.
Rule #39-Do not chew gum for more than three minutes.
Regla #40-No es permitido exhibir la caja de chicle.
Rule #40-It is not permitted to show the gum box. It is fordidden to display the box of gum.
Regla #41-No es permitido, usar las cajitas de chicles, para decorar árboles de navidad.
Rule #41-It is not permitted forbidden to use gum boxes to decorate Christmas trees.
Regla #42-Es de pésimo gusto masticar chicle usando esmoquin.
Rule #42- It’s in very bad taste to chew gum while wearing a tuxedo.
Regla #43-En un reinado de miss, no mastique chicle.
Rule #43-At a beauty pageant, do not chew gum.
Regla #44-En presencia de un policía, no mastique chicle.
Rule #44-In front the presence of the police, do not chew gum.
Regla #45-No debe masticar chicle si tiene tatuajes.
Rule #45-You should not chew gum if you have tattoos.
Regla #46-No debe masticar chicle si tiene el pelo fino.
Rule #46-You should not chew gum if you have thin hair.
Regla #47-No debe masticar chicle si tiene botox.
Rule #47-You should not chew gum if you have Botox.
Regla #48-No debe masticar chicle, si usa minifalda y escote.
Rule #48- You should not chew gum if you wear miniskirts and show cleavage.
Regla #49-No orinar, mientras mastica chicle.
Rule #49-Do not urinate while chewing gum.
Regla #50-Un chicle al año hace daño.
Rule #50-One piece of gum a year is harmful.
59

ADN - BIENAL DE LA HABANA
Carlos Garrido Castellano
Curador, historiador de Arte
ADN es el segundo proyecto en colectivo de QUINTAPATA, se plantea como una revisión de las
reglas que determinan la práctica de lo cotidiano, al tiempo que como una reflexión acerca de
las posibilidades del arte en un entorno mediado por la multiplicación de discursos.
Trasladando la experiencia artística al público, el colectivo problematiza la relación entre lo que
nos constituye, nuestra trayectoria personal y social, y el comportamiento que mostramos
ante los múltiples estímulos que a diario nos asedian. De este modo, QUINTAPATA logra
ubicar una práctica cotidiana como es el mascar chicle en el ámbito de la responsabilidad
colectiva, al tiempo que convierte esa misma actividad en un rastreo de las huellas que en
tanto comunidad vamos dejando en el camino.
ADN - Bienal de Venecia
Paz Guevara
Curadora , historiadora de Arte
Como una ironía del método científico, el colectivo Quintapata (República Dominicana)
identifica en un elemento tan cotidiano como el chicle la posibilidad de rastrear el adn de la
persona, quien tras mascar la golosina deja inevitablemente sus huellas identitarias. Debajo
de una mesa u ocultas en la rendijas de algún mueble, estas gomas se suelen encontrar
escondidas expresando una discreta falta social. En el video cuatro personas relatan al
unísono reglas inventadas para el uso protocolar del chicle, en un delirio dadaísta sobre las
buenas maneras y un sarcasmo sobre las pautas que determinan la práctica social. El
público está invitado a tomar un chicle, masticarlo y a pegarlo sobre la pantalla del video,
dejando de esta forma su rastro identitario y participación transgresora.
62

ADN
Bienal de Venezia
Video instalación
2013

EL PENSAMIENTO DE USHUAIA
María Elena Ditrén
Historiadora de Arte
Directora del Museo de Arte Moderno de R.D.
El calentamiento global y la crisis climática que vive nuestro planeta se plantea como una
urgencia de orden mundial que representa no sólo un desafío moral, sino también espiritual;
que se suma a otros imperativos morales y que atañe a todos los sectores y ciudadanos. (…)
Informes recientes de las organizaciones mundiales y los ambientalistas nos hablan de cifras
escalofriantes de desaparición de especies de la fauna y la flora, aumento de la temperatura
planetaria provocando el deshielo de los polos terrestres; entre otros efectos de los llamados
gases de efecto invernadero. Una situación que presenta grandes retos y desafíos para la
humanidad del tercer milenio. 8
Una lucha impostergable que incluye cambios profundos en las políticas gubernamentales en
lo concerniente al cuidado y protección del medio ambiente, al cumplimiento de los diversos
acuerdos internacionales, por parte de todos los países signatarios, y en el plano social una
relación armoniosa entre el ser humano y el hábitat. En este sentido, la Bienal del Fin
del Mundo, con el concepto discursivo “El Antropoceno”, se nos plantea, desde la esfera
artística, como un espacio de reflexión sobre el cambio climático, proponiendo, desde la
multidisciplinariedad, un diálogo entre creación artística, ciencia, deporte y gastronomía;
una concepción muy novedosa que relaciona ámbitos de la cultura tradicionalmente
desvinculados. Un nexo que arrojará propuestas tan disímiles e interesantes como la
planteada por el colectivo de artistas Quintapata, invitado como representación de la
República Dominicana a esta edición de la Bienal.
8 Ditrén Flórez, María Elena, Texto introductorio del Catálogo-libro de la I Trienal Internacional del Caribe, Santo Domingo 2010, Edit.
Amigo del Hogar, Santo Domingo, 2011.
69

Pascal Meccariello, Raquel Paiewonsky, Jorge Pineda y Belkis Ramírez, cuatro artistas
dominicanos representantes y representativos del panorama artístico dominicano. Todos,
artistas contemporáneos cuyas propuestas y trabajos comparten el hecho de plantear e
interrogarse intensamente sobre los múltiples elementos que configuran nuestra compleja
identidad contemporánea, primando igualmente en ellos una preocupación ineludible por el
ser humano, la naturaleza y el medio ambiente.
Si el antropoceno, tal como lo define el Premio Nóbel Paul Crutzen, es una nueva era
geológica determinada por los efectos del comportamiento del hombre sobre la tierra en los
últimos siglos, la obra de Quintapata, en El Pensamiento de Ushuaia, su primer proyecto
colectivo, nos invita a pensar sobre esta relación y la vida y el futuro de nuestro planeta.
¿Hacia dónde puede conducirnos la actitud irresponsable de los gobiernos y ciudadanos del
mundo frente a la actual crisis climática, ¿qué podemos hacer ante un problema de escala
planetaria son preguntas que nos asaltan ante un tema tan acuciante; pero más allá de
nuestras inquietudes están las respuestas, esas que habrán de dar los habitantes de
Ushuaia a los cuestionamientos de Pascal, Raquel, Jorge y Belkis. Respuestas que serán
literalmente compradas con billetes de dólares intervenidos por los artistas. Moneda de
curso legal, billetes reales convertidos ahora en obras de arte.
Trescientos cincuenta obras que serán intercambiadas por pensamientos. Un número
cargado de intencionalidad y simbología, porque 350 parte por millón (ppm) de dióxido de
carbono es el límite máximo seguro para evitar el cambio climático imparable, según el
científico de la NASA James Hansen. Actualmente la concentración de CO2 en la atmósfera
fluctúa en los últimos años entre 380 y 387 ppm. Una cifra sensible que puede variar, a favor
o en contra, por lo que cada vez son más las voces que se alzan en el mundo abogando por
la estabilización a largo plazo, dentro de los límites establecidos, de las concentraciones de
los gases de efecto invernadero si queremos evitar un cambio climático peligroso e
irreparable.
En este contexto se ha gestado un movimiento global, que pretende influir en los gobiernos
para incitarlos a comprometerse a reducir las emisiones de CO2 y prevenir el cambio climá-
70

tico, en el que se enmarca la acción de Quintapata; que a través de un proceso de compra y
venta, que responde a las leyes del mercado, realiza un trueque justo que tiene como
objetivo inducir al pensamiento y provocar reacciones fruto del entendimiento de que somos
parte del problema, pero también de la solución.
Una obra en colectivo que permite apreciar las individualidades formales y estilísticas de
cada uno de sus integrantes, con claras implicaciones políticas y ecológicas, que parte de la
premisa de la importancia de la educación ciudadana y la voluntad y la acción políticas como
puntos claves para la salida de la crisis. Factores fundamentales en relación a las conductas
que siguen poniendo en riesgo la vida del planeta.
La clara conciencia de que, fuera de los factores naturales, la actividad humana es
co-responsable del calentamiento global, y que de hecho, las causas antropogénicas han
sufrido un fuerte incremento en los últimos años, es lo que debe movernos a asumir la
necesidad de un cambio profundo en nuestros hábitos y, sobre todo, en nuestro modo de
pensar; por tanto, es alentador, al tiempo que aterrador, saber que ante el reto del cambio
climático, las soluciones están en nuestras manos.
Por tanto una Bienal y una obra que, desde el ámbito de la creación artística, nos invitan a
pensar y a repensar sobre nuestro entorno y el futuro de la madre tierra. A partir de la
reflexión crítica y comprometida, Quintapata nos propone un diálogo abierto entre ética y
estética; entre arte, sociedad y medio ambiente, con algunos imperativos de orden moral
que deben llevarnos a un trato más respetuoso de la biosfera, a una relación más armónica
entre el ser humano y el medio ambiente, entre el ser humano y la naturaleza.
71

EL PENSAMIENTO DE USHUAIA
Bienal del Fin del Mundo,
Ushuaia, Argentina
Performance
2012

CV QUINTAPATA
2014
- Operación Espejos. Performance, Calle el Conde,
Santo Domingo, República Dominicana.
- INVENTARIO QUINTAPATA, Exposición proyectos
de Quintapata, Capilla de los Remedios, Santo
Domingo República Dominicana.
2013
- ADN , curada por Alfons Hug y Paz Guevara. 55ª
Bienal de Venecia, Pabellón Latinoamericano.
2012
- ADN , Curada por José Manuel Noceda. 11ª Bienal
de la Habana. La Habana, Cuba.
2011
- Mover la roca, curada por Fernando Castro
Flórez, Centro Cultural de España México.
- Reservas Oro, curada por Quintapata, Museo de
Arte Moderno de Santo Domingo, República
Dominicana.
- El Pensamiento de Ushuaia, curada por Consuelo
Ciscar. Bienal del Fin del mundo. Ushuaia , Argentina
2010
- Mover la roca, curada por Fernando Castro Flórez,
Centro Cultural de España, Buenos Aires, Argentina.
- Mover la roca, Move the Boulder, curada por
Fernando Castro Flórez, The Moore Space, Art
Basel, Centro Cultural Español Miami.
2009
- Mover la roca, curada por Fernando Castro Flórez,
Centro Cultural de España Santo Domingo,
República Dominicana.
- Reflejos, proyecto público, con artistas dominicanos,
curado por Quintapata, producido por el Centro
Cultural de España de Santo Domingo, Plazoleta
Padre Billini, Zona Colonial, Santo Domingo.
- Mover la roca, curada por Fernando Castro Flórez,
Centro Cultural de España Santo Domingo, Lima
Perú.
77

Biografía Miembros de
QUINTAPATA
Pascal Meccariello, Nace en Santo Domingo. Es artista
visual multidisciplinario y actor de teatro. Se expresa en
video, instalación, fotografía, dibujo, cerámica y performance
entre otras técnicas artísticas. Entre sus exposiciones
individuales más relevantes citaremos ¨Invisible¨
proyecto realizado en el 2013 el Centro Cultural de España
de Santo Domingo, dirigido principalmente a personas no
videntes, en ese mismo año expuso en Mattactuck
Museum, Connecticut y en 2011 realizó la muestra
¨Macromeme¨ Acuarios Urbanos en la galería District &
Co. Ha participado en numerosas colectivas, tanto nacional,
como internacionalmente, cabe mencionar entre ellas;
55ma Bienal de Venecia en el 2013 y 11na Bienal de La
Habana 2012, ambas con el colectivo Quintapata del cual es
miembro fundador.En el 2008 y el 2007 participó consecutivamente
en la feria Arteamericas en Miami y en el 2004
fue seleccionado como parte de Island Nations, exposición
en el RISD Museum de Rodhe Island, sobre el arte de las
Antillas Mayores. Su trabajo le ha merecido importantes
premios y distinciones tales como, Gran Premio en la 25
Bienal Nacional de Artes Visuales 2009 y Gran Premio del
Concurso de Arte E. León Jimenes en el 2002. Le han sido
otorgadas varias becas de residencia internacionales,
entre ellas; en el 2014 la Davidoff Art Initiative con residencia
en Red Gate China, durante 2012-2013 Fulbright
Scholar in Residence, Connecticut, Estados Unidos y en
1994 la Unesco-Aschberg con residencia en EKWC
Holanda. Durante su estancia en Estados Unidos con la
beca Fulbright, le fue otorgada la distinción como Profesor
de Arte Asociado (Honoris Causa) en Naugatuck Valley
Community College, Connecticut, donde impatio docencia.
Sus obras forman parte de colecciones como JP Morgan
Chase, New York, Museo de Arte Moderno de Santo
Domingo, EKWC Holanda y Centro León, Santiago,
República Dominicana. Vive y trabaja en Santo Domingo.
Raquel Paiewonsky, nace en Puerto Plata, República
Dominicana. Entre 1991-2001 vive en New York donde
hace sus estudios de arte y comienza a trabajar la pintura,
escultura, instalación y fotografía, en muchos casos
combinando más de uno de estos medios. Actualmente
vive y trabaja en Santo Domingo. Su obra ha sido exhibida
recientemente en El atlas del imperio, 55 edición de la
Bienal de Venecia 2013 junto al colectivo Quintapata; im
propia, exposición individual organizada por el Centro
Cultural de España Santo Domingo CCESD, 2012;
Crissis…America Latina Arte y Confrontación 1910 – 2010.
Museo del Palacio de Bellas Artes. Mexico DF. Curada por
Gerardo Mosquera, 2010; Mundus Novus, 53 edición de la
Bienal de Venezia 2009; Mover la Roca, Exposición con el
Grupo de Artistas Contemporáneos Quintapata, Curada
por Fernando Castro. CCE Santo Domingo, Lima, Miami,
Buenos Aires y Ciudad México, 2009; Global Caraibes,
Miami, Paris y San Juan, Martinique 2009 -2012; Vibrations
Caraïbes, Museo de Montparnasse, Paris, 2010; Face to
Face. The Daros Collection. Daros-Latinoamérica
Collection, Zurich, Suiza, 2007 ; Puntos de Vista – Daros-
Latinoamérica Collection, Museum Bochum, Alemania,
2007; Infinite Island, Brooklyn Museum, Brooklyn, New
York, 2007. Ha participado en las VIII, IX y XXI Bienales de
La Habana, Cuba y en la X Bienal de Cuenca, Ecuador y la
III Bienal del fin del mundo en Ushuaia, Argentina. Ha obtenido
el Gran Premio Eduardo León en el 2006, 2008 y 2012
y recibido premios en las ediciones XX y XXII de la Bienal
Nacional de Artes Visuales de Santo Domingo. Su obra es
parte de la colección Daros-Latinoamérica, Zürich, Suiza;
The RISD Museum, Rhode Island; Museo de Arte Moderno,
Santo Domingo, República Dominicana; Museo de Arte
Latino Americano, Long Beach, California; Centro León,
Santiago, República Dominicana; Centro Cultural de
España Santo Domingo CCESD; Dirección General de
Aduanas, RD; y varias colecciones privadas.
78

Jorge Pineda, Nace en Barahona, República Dominicana.
En febrero del 2013, el Instituto de Arte Moderno de
Valencia (IVAM) le dedicó una exposición sobre los últimos
diez años de su carrera y en julio del mismo año junto
al grupo Quintapata, del cual forma parte, estuvo en la 55ª
Bienal de Venecia; donde ya había sido invitado en el 2009.
En septiembre del 2012 expuso “Shadows and Other Fairy
Tale” curada por Mariluz Hoyos, en la Galería Hunter
College de New York. Obtuvo la Residencia Davidoff Art
Iniciative 2014, en el Kuntlerhaus Bethanien en Berlín. El
21 febrero de este mismo año , realiza una exposición
individual en La Fondation Clement en Martinica y el 3 de
abril en el MAM, Museo de Ate Moderno de Santo
Domingo, presenta parte de la exposición After All, tomorrow
is another day, título del proyecto presentado en el
IVAM. Su trabajo ha sido mostrado en Madrid, Paris y
New York, en el Brooklyn en el Museum la exposición
“Infinite Island” curada por Tumelo Mosaka. El Expuso en
la 52 Bienal de Venecia. Y en XXIII Bienal de Artes Visuales
de Santo Domingo donde obtuvo el primer premio por
instalación. Ha expuesto también en la Bienal de
Pontevedra , en Pontevedra, España y en la exposición
Modelos para Armar curada por María Inés Rodriguez,
Octavio Zaya y Agustín Pérez Rubio en el MUSAC en
León, España. Recientemente estuvo en la exposición
Crisis, América Latina, arte y confrontación, en Méjico
curada por Gerardo Mosquera. Who more sci-fi than us,
contemporary art from the Caribbean. Curada por Nancy
Hoffman. Amersfoort, The Netherlands. Una oportunidad
de escape, MUSAC. Castellón, España. Formó parte de los
artistas invitados a celebrar los 30 años e la Bienal e la
Habana. Sus obras forman parte delas siguientes colecciones:
MUSAC (Museo de arte contemporáneo de Castilla
y León), IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno),
Colección Patricia Phells de Cisneros, DA2 (Museo de arte
Contemporáneo de Salamanca) Museo de Arte Moderno
de Santo Domingo. Centro León en Santiago.
Belkis Ramírez, vive y trabaja en Santo Domingo y New
York. Se graduó de Arquitectura y Diseño Gráfico, ambas
en la Universidad Autónoma de Santo Domingo, estudió
grabado en Chavón, República Dominicana y en la
Universidad San José de Costa Rica. Su obra ha sido
expuesta en eventos nacionales e internacionales entre
ellos: “Hasta que me guste” Centro Cultural de España de
Santo Domingo, RD “Caribbean: Crossroads of the World”
Queens Museum, New York y Pérez Art Museum PAMM,
Miami, “Mover la Roca” (Colectivo Quintapata) Santo
Domingo-Lima-Buenos Aires-Miami-México, “55 Bienal
de Venecia”(con el Colectivo Quintapata) Venecia, Italia “11
Bienal de la Habana” (Colectivo Quintapata) Habana ,
Cuba, “I Trienal Internacional del Caribe”, Santo Domingo,
RD, “Horizontes Insulares” Gran Canaria-Tenerife -
República Dominicana- Martinica-Cuba , "Mitos del
Caribe" Casa de Las América, La Habana Cuba “I Trienal
Poligráfica de San Juan América Latina y El Caribe”
Puerto Rico, “Kreyol Factory” Paris, Francia, “Arte
Contemporáneo, África, Caribe, Pacifico” Santo
Domingo,“XIX Concurso de Arte E. León Jiménes”
República Dominicana, “ ARCO '02”Madrid, “ettercolumbus.com”
Noruega, “Belkis Ramírez , Caribe Inexplorado”
Valencia, España-Miami, “Retratos:2000 years of Latin
American Portraits” New York, “Mitos del Caribe”
Habana, “VI Bienal de La Habana”, "Al Alba del Siglo 21:
Artes Plásticas de América Latina y el Caribe" UNESCO,
Paris, Francia “Caribe Insular, Exclusión, Fragmentación y
Paraíso” Badajoz, "Inside" Kassel. Alemania. "XII Bienal de
San Juan del Grabado Latinoamericano” San Juan P.R.,
“Africus, I Bienal de Artes de Johannesburgo” Sudáfrica,
“Arte Moderno y Contemporáneo de la República
Dominicana” New York, entre otros. Ha recibido el premio
de Instalación de la Bienal Nacional de Artes Visuales de
Santo Domingo en diferentes ediciones , también el de
grabado, así como diversas Becas y Residencias.
79

MOVER LA ROCA
Tony Capellán
Mar invadido (Después de Tony Cragg)
Plásticos diversos recogidos en las playas de
Santo Domingo
6.30 m x 1.83 m x 0.1 m
2009
Jorge Pineda
Niña con máscara de piel de muñecas
madera tallada, pintura, pedazo de muñecas
plásticas .
Dimensiones variables
2009

MOVER LA ROCA
Pascal Meccariello
Urnas para pequeños superhéroes
Materiales diversos
Dimensiones variables
2009
Raquel Paiewonsky
Muro
Senos de tela bordados a mano
5m x 3m x 0.30cm.
2009

MOVER LA ROCA
Belkis Ramírez
Metamorfosis
Madera tallada, soga,
malla metálica y cables
Dimensiones variables
2009
Raquel Paiewonsky
Simbiosis para salvarnos
Impresión fotográfica sobre acrílico
2009

Para mover la roca se requerirán muchas manos, siempre que la
acción de estas manos juntas responda a un acuerdo previo acerca de
la dirección, la intensidad, la simultaneidad, etc. del esfuerzo.
Pedro Mir
Apertura a la Estética.

INVENTARIO
QUINTAPATA,
Capilla de Los Remedios
Zona Colonial, Santo Domingo
República Dominicana
18 de Septiembre el 2014
EXPOSICIÓN:
Curaduría/Museografía :
QUINTAPATA
Coordinación:
QUINTAPATA
Ministerio de Turismo
FICHA TÉCNICA:
ADN:
Actores por orden alfabético:
María Castillo,
Paula Disla,
Josué Guerrero
Henry Mercedes,
Dirección Fotografía:
Francisco Valdez
Dirección técnica y edición:
Fernando Rivas
Asistente de Producción:
Eumir Sánchez
Guión: QUINTAPATA
Subtítulos: Xavier Geraldes
Traducción: Horacio Alvarez
Producción y Dirección general:
QUINTAPATA
Colaboración Especial:
Centro Cultural de España
OPERACIÓN ESPEJOS:
Ficha ténica:
Registro fotográfico:
Ricardo Briones
Registro de video:
Gibran Abrales
Edición video:
Gibran Abrales y Ricky Glusky
Producción y Dirección general:
QUINTAPATA
CATÁLOGO:
Textos:
Aranda Alvarado, Rocío
Acero, Carlos
Ditrén, María Elena
Tolentino, Marianne
Garrido Castellano, Carlos
Traducción:
Español/Inglés:
Nicholas Bryant
Inglés/Español:
Margarita Paiewonsky
Fotografías:
Ricardo Briones
Mariano Hernández
Adán Vallecillo
QUINTAPATA
Diseño:
Orlando Isaac
Impresión:
E-Graf
NUESTRA GRATITUD A LAS
SIGUIENTES INSTITUCIONES Y
PERSONAS:
Programa de Fomento al
Turismo – Ciudad Colonial de
Santo Domingo, MINISTERIO DE
TURISMO
Patrimonio Cultural
Ministerio de Cultura de la
República Dominicana
Centro Cultural de España Santo
Domingo
Centro Cultural de España Lima
Centro Cultural de España
Buenos Aires
Centro Cultural de España Miami
Centro Cultural de España
México
Museo de Arte Moderno de
Santo Domingo
Centro Wifredo Lam , La
Habana, Cuba
Fundación Patagonia Arte y
Desafío, Tierra de Fuego,
Argentina
kraftfoods Dominicana,
Chiclets Adams.
Freddy Alberto Almonte
AAVA Dominicana-
Celeste Seligman
Instituto Italo-Latinoamericano
IILA
Consulado Dominicano de Milán,
Italia
Secretaría Administrativa de la
Presidencia
Daros Latinoamérica
Hans Herzog
Centro de la Imagen
Marianne de Tolentino
María Elena Ditrén
Sara Herman
Myrna Rodríguez
Carlos Acero
Carlos Garrido
Consuelo Ciscar
Pepón Osorio
Roberta Forlini
Henry Mercedes
María Castillo
Josué Guerrero
Paula Disla
Pedro Ureña Rib
Moisés Gheiler
Alejandra Peláez
Tania Pineda
Orlando Isaac
María Isabel Bosch
Jochy Tapia
Ricardo Ramón Jarne
Fernando Rueda
Ian Victor
Amelia Calventi
Leandro Sánchez
Horacio Álvarez
Lorena Espinoza
Tania Hernández
Miguel Peralta
86

www.quintapata.do
quintapatacontemporaneo5@gmail.com
87

QUINTAPATA:
VISUAL PRODUCTION AND THE SOCIAL IMAGINARY
Rocío Aranda-Alvarado
We live the alienating myth of primarily being
artists. We are not. We are primarily ethical
beings sifting right from wrong and just from
unjust, not only in the realm of the individual, but in
communal and regional contexts. In order to survive
ethically we need a political awareness that
helps us understand our environment and develop
strategies for our actions. Art becomes the instrument
of our choice to implement these strategies. 1
Luis Camnitzer
The work of Quintapata represents a questioning not only about the subject of art and its
methodologies, but also about the very nature of art itself. The symbolic function of art, its
value, its creation, these are all, in the end, the subject of the group’s work. By involving the
public in a few key aspects of their production, they approach the creative process that
relies, in part, on the collective unconscious. This offers up another important aspect of the
work, which relates to the very questioning of the creative urge and the need for the
inclusion of multiple voices: what is art
This leads to a host of related questions: what is an artistic gesture Who is empowered to
make these gestures What happens when artists offer empowerment to the public Or,
if not empowerment, at least a way to have a voice in the creative process They are most
interested in the notion of collective thinking and how this can become a tool for change.
This may be perhaps most evident in their newest project, Operación espejos, which
considers the fragility of cultural patrimony and its significance. Focused on Calle El Conde,
the project seeks the public’s help in literally (and later symbolically) highlighting the
1 Luis Camnitzer, “The Idea of the Moral Imperative in Contemporary Art,”
[http://www.lehman.cuny.edu/vpadvance/artgallery/gallery/luis_camnitzer/idea.htm] accessed Aug. 26, 2014
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significance buildings of this historic street and the care that is needed to restore and
maintain these structures as symbols of modernity in the capital city. Calle El Conde is where
Santo Domingo’s first modernist structures are built, including the first concrete constructions,
buildings that exhibit the Art Deco style, and that feature the earliest elevators.
In effect, modernist architecture in the Dominican Republic is important proof of the
country’s participation in larger global movements, particularly modernism, as an important
symbol of sophistication. The minimalist ethos of modernism would be seemingly opposed to
the “excesses” of the tropical landscape. Instead, it represented a new vision for a future
that was spare, clean, efficient, and marked by European aesthetic ideals of these qualities.
Although the historic city center of Santo Domingo has been named a UNESCO World
Heritage Site, this is primarily due to the colonial buildings that that line its narrow streets.
However, the artists of Quintapata are most interested in the modernist buildings that line
this street, emblems of modernity interspersed among the grand old architectural works of
the colonial period. From this same period, other buildings such as the Palacio de la Justicia,
Edificio Copello, Hotel Jaragua, in Santo Domingo that also exhibit these characteristics.
Perhaps the most salient figure of the period in question is the architect Guillermo Gonzalez
who is described as the father of modern architecture in the Dominican Republic. Among his
most important goals were the clarity of a building’s floorplan, simplicity and purity of form
and comfort, all of which are evident in his works, including Edificio Copello on Calle El Conde.
Gonzalez was also responsible for the design of the buildings of the 1956 World’s Fair in the
Dominican Republic, also the subject of the country’s recent participation in the Venice
Biennale. Without a doubt, this grouping became the most influential set of buildings in the
country during this time. The buildings remain vital today, as they continue to house city
government offices, such as City Hall building/El Ayuntamiento and the National Congress
building.
As Omar Rancier has noted, Gonzalez was born during a time in which modernism was
developing as an avant-garde movement but in a United States that remained laden with
academic canons. Only later, the architectural styles of the U.S. would be molded by the
influence of architects like Walter Gropius, Louis Kahn and Mies Van Der Rohe. His praise of
Gonzalez’s work is partly due to his exploration of seeming contradictions between the
modernist style and earlier influences in Gonzalez’s works:
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Guillermo Gonzalez was the designer of the Fair of Peace and
Brotherhood of the Free World, [a series of structures] laden with
monumentality, the symbolism, and the centrality of the neo-classic,
fascist, rational [style], where one sees his master work, the City Hall,
in which one can detect some premises of the neo-classic. 2
Gonzalez, then, his central role as an innovator and his buildings such as the Edificio Copello
on Calle el Conde, are precisely the concerns of Quintapata. Subsequently, It becomes
important to explore the fundamental goal of this project and its reflection on postmodernity.
The gesture of the mirror is taken from a radical political action from 1965 in which the
public used mirrors not only as protection from the pilots who were attempting to launch
bombs over them, but more importantly as a symbol of resistance. This act is reinscribed in
Operación Espejos, in which the public is invited to use the mirrors as a way to call attention
to the very surfaces of the modernist buildings of Calle El Conde. The idea is to manipulate
the mirror so that the light from the sun strikes the parts of the buildings that are in need
of repair, calling attention to the larger audience of people occupying the street.
The system of consumption in which humans participate constitutes, for Baudrillard, “an
authentic language, a new culture, where pure and simple language is transformed into a
means of individual and collective expression.” 3 Further, he argues that we are able to
create meaning from a collective practice of consumption, what he calls the universe of
consumption. Despite this existence in a collective mode where objects are randomly either
full or devoid of value, this form of collective art practice serves to challenge notions of value
and the role of participation in relation to symbolic and even real value that is ascribed to a
work. In its essence, DNA as an art object is a form of collective expression that also carries
the added signifier of self-hood as marked by one’s genetic material. Some additional
references may also be useful for understanding the larger cultural context of this work,
both in terms of aesthetic history and popular culture.
Let’s consider another of Baudrillard’s ideas and how it might be relevant here. He noted, in
an essay from 1998 that:
2
Omar Rancier, “Guillermo Gonzalez: Versatilidad Estilistica,” El Siglo (Viernes, 23 febrero, 1990) [http://rancierpenelope.blogspot.com/2008/11/guillermo-gonzlez-versatilidad.html,
accessed 8/26/2014] The Fair of Peace and Brotherhood of the
Free World was the name given to the 1956 World’s Fair, held in the Dominican Republic in honor of the notorious dictator Rafael Trujillo.
3 Jean Baudrillard, “The System of Objects,”
91

Something has changed, and the Fuastian, Promethean (perhaps Oedipal)
period of production and consumption fives way to the “proteinic” era of
networks, to the narcissistic and protean era of connections, contact,
contiguity, feedback and generalized interface that goes with the
universe of communication. With the television image--the television
being the ultimate and perfect object for this new era--our own body and
the whole surrounding universe become a control screen. 4
This idea of the “control screen” as well as the concept of networks in which constant contact
with others constitutes a framework of existence, is deeply embedded in the varied meanings
of Quintapata’s work DNA. Consisting of a set of four large-scale projections and sticks of
gum, the audience is invited to participate by chewing the gum, in a flagrant disregard for the
rules against chewing gum that are being voiced by the giant talking heads. Further, the
audience is invited to stick the pieces of chewed gum onto the surface of the projection, so
that a lumpy, uneven, surface results from the public’s participation, acting as another
intervention onto the surface of the work and into the reading of it as a “voice of authority.”
In his predictions about the art of the post modern, Frédéric Jameson makes an important
observation about television production, that closely relates to Quintapata’s use of the
enlarged and projected image. He stated: “...contemporary or post modernist art is going to
be about art itself in a new kind of way; Even more, it means that one of its essential messages
will involve the necessary failure of art and the aesthetic, the failure of the new, the
imprisonment in the past.” This kind of “imprisonment” in the past he refers to as a kind of
nostalgia in the role of contemporary aesthetic production. The gigantic talking head viewed
on a monumental video screen in the DNA installation is reminiscent of the main deck of the
spaceship, the Starship Enterprise, in the 1960s television series Star Trek (1966-1969). In
each episode, an oversized image of a head would typically make an appearance on the
enlarged video screen, often either to make a demand or to give instructions. Inevitably, the
enlarged head was speaking with some authority to give a directive, whether imposed or
authorized. This corresponds to the DNA installation in the sense that the talking heads are
enlarged to fill an entire wall. Speaking with the voice of authority, they fill the space with
4 Jean Baudrillard, “The Ecstacy of Communication,” in Hal Foster, ed, The Anti Aesthetic: Essays on Postmodern Culture (New York:
The New Press, 1998): 146.
92

their voices, each directive about the unacceptable ways in which to chew gum. We might
also make a comparison to the oversized projected messages that Ray Bradbury described
in the future world of his Farenheit 451 (1953). These associations that we make with the
work is known as a cognitive association and can be paired with other experiences of a work
of art that include both personal recollections and emotional responses.
A complete aesthetic experience, according to philosophers, consists of formal analysis,
associations (recollective, emotional, cognitive), contexts (social, moral, and evaluations of
“taste”) and external factors (informational factors about the creation of the work and
subjective factors). The most significant of these is the cognitive association which helps
viewers to understand the implications of the work of art in a broader scope. An additional
association we can make through interpretation of DNA is with the history of chewing gum
itself. The principle ingredient of chewing gum, and bubble gum in the case of teens, is chicle,
an ingredient first encountered by Europeans in a Mexoamerican context. The Aztec and
Maya both knew of chicle and it was immediately loved by the European colonists for its
taste and consistency. Even the word, chicle, is probably original from the Nahuatl word for
“sticky stuff,” tziktli or perhaps from the Mayan word, tsicte. As a result, the origins of
chewing gum are deeply embedded in the history of the American hemisphere and closely
tied to colonial interests in this region of the world. Though it may be tempting to think of its
“censorship” by elite society as a product of colonialism, the Aztec already had strict rules
of protocol about the use of chicle. One of the earliest chroniclers of life in the Americas was
Fray Bernardino de Sahagun, who noted many of the restrictions on chewing in public:
And the chewing of chicle [is] the preference, the privilege of little girls,
the small girls, the young women. Also the mature women, the unmarried
women use it; and all the women who [are] unmarried chew chicle in
public. One’s wife also chews chicle, but not in public. Also the widowed
and the old women do not, in public. . . . For this reason the women chew
chicle: because thereby they cause their saliva to flow and thereby the
mouths are scented; the mouth is given a pleasing taste. With it they
dispel the bad odor of their mouths, or the bad smell of their teeth. Thus
they chew chicle in order not to be detested.. 5
5 Bernardino de Sahagun, Historia general de las cosas de la Nueva España, (1544-1550) cited in Jennifer Matthews, The Birth of the
Chewing Gum Tree, [excerpted http://www.mexicolore.co.uk/aztecs/artefacts/chewing-gum-tree, accessed Aug. 27, 2014]
93

It becomes even more significant, then, to hear these voices of professional actors and their
proclamation of an endless listing of rules, which range from the extremely poetic and
inventive to the ludicrous.
One final project which should be addressed is the work created by Quintapata for the
Bienal del Fin del Mundo, Pensamiento de Ushuaia. This work addresses ideas of value and
exchange, currency and symbolic gesture. In this work, symbolic objects (one dollar bills in the
currency of the United States) are covered with additional symbols (drawings or collages)
adding layers of additional meaning and complexity. Symbols cover other symbols as they
begin to function both in conjunction and alone. The artists created the project thinking about
the historic use of barter in the region and hoped to create a new system of exchange that
would also take into account the significance of the environment and the fragility of the
earth’s atmosphere. This theme came from the larger theme of the biennial, which explored
the varied meanings of the term anthropocene, which refers to the marks of humanity on the
face of the Earth. The currency, then, functioned as a kind of constant reminder of
humankind’s delineation of objects, land, and other commodities according to value. The value
of an object, or an art object, has been the constant subject of debate in various artistic
circles. Artist Luis Camnitzer has spent a great deal of time making work about value and
writing about the value or non-value of art. He states:
I don’t believe in absolute and eternal values. I believe in this interpretative
dialogue that keeps changing over time. The work in itself is relatively
unimportant, regardless of the hype around its place in history and public
relations. Who its maker was is also unimportant and only of biographical
interest. The relevance of the dialogue, and how it may affect the present
rather than how it has affected the past, is what matters. Questions change
and require new answers. 6
By using the gesture of the barter, the most ancient system of an exchange of value,
Quintapata reveals its interest in the symbolic transfer of value from an object to a piece of
paper. The historic paper currency is designed by a particular person or administration, and is
burdened with symbols of historic import which may, in the end, have less meaning to contemporary
eyes. The transaction becomes a metaphorical one, laden with value yet lacking a price.
6 Luis Camnitzer, “Artists in Conversation, Luis Camnitzer by Alejandro Cesarco,” BOMB 115, Spring 2011
[http://bombmagazine.org/article/4913/, accessed Aug. 27, 2014]
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OPERATION MIRRORS: QUINTAPATA …WE ARE ALL !!
Marianne de Tolentino
ADCA /AICA
What a joy to see that, in our artistic reality, there exist group projects such as that of
Quintapata, with a production that is at the same time both collective and individual,
possessing admirable perseverance and vigor. They –four impressive artists– are promoting
the richness of the true contemporaneity, doing, undoing and redoing their art, and never
halting their advance and their proposals.
Pascal Meccariello, Raquel Paiewonsky, Jorge Pineda and Belkis Ramírez have demonstrated
in the framework of Quintapata, again and again, both nationally and internationally, their
abilities, putting to the forefront a concern for dialogue, for reflection and for a questioning
of their respective commitments. The exploration of sources and objectives –which we have
known for some years– far from tiring, have intensified their creative vitality and their
reaching out to the public. The passage of time has favored a growing maturity and, more
than ever, a conceptual enrichment.
Operation Mirrors shows that, through a particular echo in our sensitivity, it is having a
physical, intellectual and emotional impact. Operation Mirrors indicates that, in addition to a
change in the creative process and the mechanism of exhibitions, an advance in the itinerary
of Quintapata has been made, and a broadening of its collective goals. It is a proposal much
more complex than would originally appear, even setting aside its Dominican origins in the
history of our country. We will include three fundamental perspectives.
The first concerns Santo Domingo and the lack of conservation and / or maintenance of its
center, when not dealing with a colonial home. The group Quintapata dearly loves to
call attention to the deterioration –both dangerous, or on the way to being so– of tall
hereditary buildings located in the Conde Street (El Conde), which are signs or signals of the
situation. These buildings need maintenance as a result of their premature aging, and they
have a particular importance because they continue to be habitable and are witnesses, quasi
monumental, of modern Dominican architecture. Their eventual restoration is incumbent on
a government organization, and not only on the tourist authorities. Quintapata has issued a
warning in good time …
95

To achieve this purpose, the group has chosen –it was to be supposed– an unexpected
activity and a peaceful rally, much more subtle than a protest or a formal claim … It has
used something intangible, a phenomenon of refraction and reflection, from the sunlight,
projected from a certain distance using mirrors onto the facades of buildings. The object
resends the luminous rays to the front of the building … converted into the sparkling of
countless little lights, at the mercy of the clouds and sudden darkness. Soon the sun
reappears, its brightness “ringing”, accompanied by the laughter and exclamations of a
great crowd.
The third component is, in our opinion, the one that creates most enthusiasm: how to
encourage hundreds of people to meet, showing them the way and the meeting point, and
asking them to bring a mirror with them. And they did it, with more success than one would
have expected. In the same way that there were mirrors of all shapes, styles and sizes, so
too gathered people from all classes and of all ages, the curious, the transients and the
tourists. They were not just office artists or people of good heart – certainly there were
many of those, too. They walked and they stopped, laughing, chatting and looking, with
arms and mirrors raised high. They looked and they looked, overjoyed. What created a very
special pleasure was to see the children, from the very little ones to the adolescents, taking
part and enjoying the occasion.
The assistants converted the spectators to actors … it was a natural street scenario, a
dialog of many voices, free, open and, at the same time, well directed with everyone in place
and contributing to a citizenship goal. Perhaps Quintapata hadn’t thought that they would
be able to offer so much to the public, capturing their interest … or that the public would
respond with so much unusual enthusiasm.
Quintapata exceeded the artistic function that we know – which is admirable – of individual
and collective creation. It confirmed the group as being a questioning conceptual entity,
inventing a useful game, giving a special, sociable feeling to a consensual assembly. Here the
four were converted to a multitude, the work multiplied for the common good … the initiative
culminated as a marked success. It remains to be seen whether Operation Mirrors stays
at the level a mirage, or whether it dispels administrative and municipal indifference, and that
finally a hierarchy will materialize as being responsible for a major urban upgrading.
Forgive us the paraphrase, Freddy Ginebra, the friend and elf of the Casa de Teatro, but
Operation Mirrors has achieved that “Quintapata … we are all”
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QUINTAPATA: STRATEGIES OF VISIBILITY AND
SELF-MANAGEMENT IN CONTEMPORARY DOMINICAN ART.
Carlos Acero Ruiz
Artistic Director of Photoimagen
President of the Dominican Association of Art Critics (ADCA/AICA)
Vicepresident of the International Association of Art Critics (AICA)
The economic crisis in which a great part of the world is living, as well as the new information
technologies, are significantly changing the way in which artists are managing their projects.
Proposals that are now visible through communities of the Internet, Facebook, Twitter,
Instagram, Tumblr, Pinterest, among others, have opened a window of opportunities for the
creators of the visual arts, who may find it difficult to find art galleries or physical spaces in
which to exhibit and market their art.
Until the art system can overcome this crisis, many believe that the future of art is in the
hands of the social networks and of self-management. The internet has been converted to a
platform which will serve as a showcase for virtual galleries. It is certain that the new
technologies of the digital era have produced significant changes at the time of seeing and
obtaining works of art.
The availability of space dedicated to art in the Dominican Republic has reduced considerably.
In particular, if we review the past decade, we note that although many galleries were opened,
there are more that have been closed. This, of course, means that our artists, whether
emerging or established, have had difficulty in obtaining visibility. Not all of them can obtain
access to the spaces mentioned above. It is important to indicate that, in our country, the
production of works of art falls back on the shoulders of our artists, because practically no art
gallery can provide the funds for exhibition projects, other than in exceptional cases.
In 2009, Quintapata, a group of outstanding contemporary artists, burst onto the Dominican
art scene with the presentation of the exhibition “Mover la Roca” (Move the Boulder), a
project resulting from the initiative of the Spanish Cultural Center here in Santo Domingo
under the direction of Fernando Rueda and the curatorship of Fernando Castro Flórez. In this
initial exhibition, five artists worked on, and presented, works of art independently. The artists
participating in this debut project were Belkis Ramírez, Jorge Pineda, Raquel Paiewonsky,
Pascal Meccariello y Tony Capellán, creators with much harmony and artistic affinity. They all
have successful professional careers and, if we wish to summarize their achievements, they
have gained many of the principal awards at the biennials and national competitions over the
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last twenty years. The name of this exhibition suggested a fusion of efforts to consolidate
interests that were moving in the same direction. This group later traveled to Buenos Aires,
Lima, Mexico (Federal District) and Miami, thanks to the network of Spanish Cultural
Centers. After this successful journey, Capellan left Quintapata.
Later arose the project Reflections, an urban commentary on the small plazas of the Colonial
Zone during the festival Photoimagen 2009, in its Rally Fotocultura (Photocultural Rally),
under the auspices of the Spanish Cultural Center. Various emerging artists were integrated
into this project.
In 2011, an invitation arrived from Consuelo Ciscar, curator of the biennial “The End of the
World” in Ushuaia, Argentina, who, at this time was also director of the Valencian Institute
of Modern Art (IVAM). The basis of the theme “Welcome to the Anthropocene Era” 7 was the
impact of human behavior and actions on our planet. Two new challenges were presented:
create art in a collective manner and manage funds to be able to present the project,
entitled “The Thoughts of Ushuaia”, in far-off Patagonia in Argentina.
At this time it was not possible to count on the backing received previously for this new
opportunity. Self-management of the funds for the journey and for the activity thereafter
was required. The process was started with 350 one-dollar bills. A fund-raising activity was
held at the Museum of Modern Art in Santo Domingo, and a limited edition of folders called
“Gold Reserves” were launched, which contained a clip of four bills, between each of which
were the four artists of the group. These same bills were later used by members of
Quintapata during the performance in Argentina to “buy” the thoughts of the public, who, in
this case, were people who were being interviewed during the performance. If these people
were able to offer viable solutions to the problem of the human footprint on the planet, they
would be rewarded with this money.
The statement of the artists of Quintapata, now converted to a group, expressed the
following “This project proposes a new system of values in which we manipulate this symbol
of power (the dollar), taking over its significance and investing it in a vindication of the
voices of conscience not previously listened to, and adding them to this universal protest”.
In the following year, 2012, Quintapata was chosen to take part in the 11th Biennial of Havana
by the curator Jose Manuel Noceda, with the work DNA. This piece comprises four simultaneous
projections, in which the group support the work of professionals acting to question
the codes of conduct imposed on distinct sectors of society. For the group, these moral and
7 Término acuñado por Paul Jozef Crutzen, Premio Nobel de Química en1995, que describe al humano actual como factor determinante
en el surgimiento de una nueva era; que ha derivado en una transformación del comportamiento climático en detrimento del entorno
ecológico global.
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ethical codes create intolerance, and with the use of chewing gum, they ridicule and subvert,
through invented norms enunciated by the actors, all that we know as good and valid imposed
on us by the system to enjoy these candies. Before entering the cubicle, the public are
offered a piece of chewing gum, with written instructions as to how to dispose of the gum
by putting it on the projection screens, thus creating new textures on the image and which,
in turn, contains the DNA of the visitors, remaining as an identifying footprint of all of them.
DNA was presented again in 2013, this time at the 55th Biennial of Venice. The video installation
was exhibited in the Latin-American Pavilion under the coordination of the Latin-
American Institute (IILA) of Rome and on this occasion the German, Alfons Hug, acted as
the official. Various strategies of self-management and cooperation were put into practice
from which the group was selected to represent the Dominican Republic at this important
International meeting. Presentations at these large events are always expensive and
required an enormous effort on the part of the artists, who had to go out in search of funds
which many times were just not available either from public or private institutions.
In February 2014, Quintapata announced a new project “Operation Mirrors”. They took as
an inspiration the historic use of mirrors manipulated on the roofs of houses during the April
War in 1965. The reflections from these mirrors impaired the vision of the pilots, who were
located in the Constitutional zone, and are used symbolically by the group as a warning
about the modernistic emblematic buildings in the Conde Street (El Conde), which are now
in an advanced state of deterioration, or which have been abandoned. This participative
journey, made by a considerable number of people, makes a perceptible daily connection
with the spaces in our ancient city, creates a new look, and awakens levels of awareness
about the problems that are affecting our community.
With the placing of the scene of “Inventory” in the Capilla de los Remedios, Quintapata is
presenting to the Dominican public works that had previously only been exhibited overseas
but which now may be seen in our own country. “Inventory” not only takes in the important
participations in the Havana Biennial and the “End of the World”, but in addition includes
significant recordings from “Operation Mirrors”. All these artistic suggestions from
Quintapata are evidence of the commitment of these artists through the dedication of
their time, and through the strength of their convictions. This group knows how to direct
their activities and to channel their efforts to bring their projects to a successful conclusion,
during times when the art system is going through a profound economic crisis, and when
there is a lack of maturity on the part of the institutional sector to project the visual arts
beyond our borders.
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THE THOUGHTS OF USHUAIA
María Elena Ditrén
Art Historian
Director of the Museum of Modern Art, Dominican Republic
The global warming and the climate crisis in which our planet finds itself suggests as a matter
of urgency to world leaders that this situation represents not only a moral challenge, but
a spiritual one as well, which should be added to other moral imperatives and which concern
all sectors and all citizens. Recent reports from world organizations and environmentalists
give us frightening figures about the disappearance of species of fauna and flora, and about
the temperature increase in the planet that is leading to the melting of polar ice. Other
effects are the emission of the so-called greenhouse gases. This is a situation that presents
great challenges for humanity in the third millennium. 8
This is a fight that cannot be put off, and involves profound changes in government policies
regarding the concern for the care and protection of the environment, and for the fulfilling of
various international agreements on the part of all signatory countries, leading at the social
level to a harmonious relationship between the human race and its habitat. With this in mind,
the “End of the World” Biennial, with the concept “The Anthropocene”, suggested the concept,
from the artistic sphere, as a space for reflection on climate change, proposing a multidisciplinary
dialog between artistic creativity, science, sport and gastronomy, a very novel
concept relating to disassociated aspects of traditional culture. This connection between
proposals, both dissimilar and interesting, was suggested by the group of artists, Quintapata,
who were invited to represent the Dominican Republic at this Biennial.
Pascal Meccariello, Raquel Paiewonsky, Jorge Pineda and Belkis Ramírez, the four Dominican
artists, represent an artistic Dominican panorama. They are all contemporary artists whose
proposals and work share the suggesting about, and intense questioning of, the multiple
elements that make up our complex modern identity, showing an inescapable concern for the
human race, for nature and for the environment.
8 Ditrén Flórez, María Elena : Introductory text for the book catalog for the 1st International Triennial of the Caribbean, Santo Domingo
2010, Edit. Amigo del Hogar, Santo Domingo, 2011.
100

If the anthropocene, as defined by Nobel Prize winner, Paul Crutzen, is a new geological era
determined by the effects on the earth of human behavior in recent centuries, the work of
Quintapata in “The Thoughts of Ushuaia”, their first collective project, invites us to think
about this relationship , and the life and future of our planet. Where will the irresponsible
attitude of governments and citizens of the world lead us in the face of the actual climate
crisis What can we do regarding such a problem on a planetary scale
These are the questions that assault us regarding such a pressing topic but, further from
our questions, are the answers given by the inhabitants of Ushuaia to the questions posed
by Pascal, Raquel, Jorge and Belkis. These answers would literally be bought with dollar bills
provided by the artists … legal tender, bank notes now converted into works of art.
Three hundred and fifty works of art would be exchanged for thoughts. This is a number
charged with intention and symbolism, because 350 parts per million (ppm) of carbon
dioxide in the atmosphere is the maximum safe limit to avoid irreversible climate change,
according to the NASA scientist, James Hansen. The actual concentration of CO2 has
fluctuated in recent years between 380 and 387 ppm. This is a sensitive figure which could
vary up or down, because each time more voices must be raised in the world pleading for
the long-term stabilization, within established limits, of the emission of greenhouse gases,
if we wish to avoid dangerous and irreparable climate change.
In this context, a global movement has emerged which hopes to influence governments
by inciting them to make a commitment to reduce CO2 emissions and to prevent climate
change. This marks the action of Quintapata which, through a process of buying and selling,
in accordance with market laws, made a fair trade the objective of which was to induce
thinking and provoke reactions as fruit of the understanding that not only are we a part of
the problem, but also a part of the solution.
This is a collective work which allows the appreciation of the individual form and style of
each of the members, with clear political and ecological implications based on the premise
of the importance of the education of citizens, and of the political goodwill and actions as key
points to emerge from this crisis. These are fundamental factors relating to the behavior
through which the life of the planet is being put at risk.
101

The clear awareness that, apart from natural factors, human activity is jointly responsible
for global warming and for the anthropogenic causes that have sharply increased in recent
years, must move us to accept the necessity of a profound change in our habits and, above
all, in our way of thinking. It is encouraging to know that, at a frightening time, we have the
solution in our hands to meet the challenge of climate change.
It is, therefore, a Biennial and a work which, in the ambit of artistic creation, invites us to
think, and to rethink, about our environment and the future of mother earth. From their
critical and committed reflection, Quintapata proposes an open dialog between ethics and
aesthetics and between art, society and the environment, with some moral imperatives
that should lead us to a more respectful treatment of the biosphere, and to a more
harmonious relationship between the human race and the environment, and between the
human race and nature.
QUINTAPATA
2014
- OPERATION MIRRORS performed in the Conde
Street (El Conde) in Santo Domingo, D. R.
- INVENTORY, an exhibition of the projects of
Quintapata held in the Capilla de los Remedios,
Santo Domingo, Dominican Republic
2013
- DNA, under the curatorship of Alfons Hug y Paz
Guevara, at the 55th Venice Biennial, Latin-
American Pavilion, Venice, Italy
2012
- DNA, under the curatorship of José Manuel
Noceda at the 11th Havana Biennial, Havana, Cuba.
2011
- “Move The Boulder”, under the curatorship of
Fernando Castro Flórez, Spanish Cultural Center,
México, México DF.
“Gold Reserves”, under the curatorship of
Quintapata, Museum of Modern Art, Santo
Domingo, Dominican Republic.
“The Thoughts of Ushuaia”, under the curatorship
Consuelo Ciscar at the “End of the World” Biennial,
Ushuaia , Argentina.
2010
- “Move the Boulder”, under the curatorship of
Fernando Castro Flórez, Spanish Cultural Center,
Buenos Aires, Argentina.
“Move the Boulder”, under the curatorship of
Fernando Castro Flórez, The Moore Space, Art
Basel, Spanish Cultural Center, Miami, USA
2009
- “Move the Boulder”, under the curatorship of
Fernando Castro Flórez, Spanish Cultural Center.
Santo Domingo, Dominican Republic.
- “Reflections”, a public project with Dominican
artists, under the curatorship of Quintapata, produced
by The Spanish Cultural Center of Santo
Domingo, in Plaza Padre Billini, Zona Colonial, Santo
Domingo.
- “Move the Boulder”, under the curatorship of
Fernando Castro Flórez, Spanish Cultural Center,
Lima, Perú
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QUINTAPATA
Pascal Meccariello, born in Santo Domingo, is a multidicipline
visual artist, and theater actor. He has worked in
video, installation, photography, drawing, ceramics and
acting performances, among other artistic techniques.
Among his most relevant individual exhibitions are
“Invisible”, a project held in the Spanish Cultural Center in
Santo Domingo in 2013, and in the same year at the
Mattactuck Museum, Connecticut, USA. These exhibitions
were directed at people with limited vision. In 2011 he presented
¨Macromeme¨ Urban Aquariums at the District &
Co. gallery. He has taken part in numerous group activities,
both national and international, among which are the
55th Venice Biennial in 2013 and the 11th Biennial in
Havana, 2012, together with the group, Quintapata (The
Fifth Wheel), of which he is a founder member. In 2007
and 2008, he took part in the Arteamericas Fair in Miami,
and in 2004 was selected as a part of Island Nations, an
exhibition about the art from the greater antilles, held in
the RISD Museum of Rhode Island.
His work has won important prizes and awards such as
First Prize at the 25th National Biennial of the Visual Arts
in 2009, and First Prize at the E. Leon Jimenes Art
Competition in 2002.
He has been awarded various overseas scholarships,
among them being the Davidoff Art Initiative in Red Gate,
China, in 2014, and during 2012 and 2013 as a Fulbright
Scholar in Residence, in Connecticut, USA. In 1994 he was
awarded a UNESCO-Aschberg scholarship with residence
in EKWC in Holland. During his stay in the United States
with the Fulbright Scholarship, he was awarded the distintion
of Honorary Associate in Arts Degree (Honoris
Causa) at the Naugatuck Valley Community College,
Connecticut, where he was teaching.
His works have formed part of collections at JP Morgan
Chase, New York, the Museum of Modern Art of Santo
Domingo, EKWC in Holland and the Leon Center in
Santiago, Dominican Republic. Lives and work in Santo
Domingo, Dominican Republic.
Raquel Paiewonsky, Raquel Paiewonsky was born in
Puerto Plata, in the Dominican Republic. Between 1991
and 2001 she lived in New York, where she studied and
started working on painting, sculpture, installations and
photography, in many cases using more than one of these
media. She now lives and works in Santo Domingo. Her
work has recently been exhibited in The Atlas of the
Empire at the 55th Venice Biennial in 2013 together with
the group Quintapata, in im propria, an individual exhibition
organized by the Spanish Cultural Center in Santo
Domingo CCESD, 2012, Crisis … Latin-American Art and
Confrontation 1910 – 2010 at the Museum of Fine Arts in
Mexico DF under the curatorship of Gerardo Mosquera,
2010; New World at the 53rd Venice Biennial in 2009;
Move the Boulder, an exhibition with the contemporary
group of artists, Quintapata under the curatorship of
Fernando Castro in CCE Santo Domingo, Lima, Miami,
Buenos Aires and Mexico City in 2009; Global Caribbean
(“Global Caraibes”), Miami, Paris, San Juan and Martinique
2009 -2012; Caribbean Vibrations, the Museum of
Montparnasse, Paris, 2010; Face to Face, The Daros –
LatinAmerican Collection, Zurich, Switzerland, 2007;
Points of View – Daros-LatinAmerican Collection,
Bochum Museum, Germany, 2007 and Infinite Island,
Brooklyn Museum, Brooklyn, New York, 2007. She has
taken part in the 8th, 9th and 11th Havana Biennials in
Cuba, in the 10th Biennial in Cuenca, Ecuador and in the 3rd
End of the World Biennial in Ushuaia, Argentina.She won
the Eduardo León Great Prize in 2006, 2008 and 2012, and
also received prizes at the 20th and 22nd National Visual
Arts Biennials in Santo Domingo. Her work is a part of the
Daros-Latin-American, Zürich, Switzerland; The RISD
Museum, Rhode Island; The Museum of Modern Art, Santo
Domingo, Dominican Republic; the Museum of Latin-
American Art, Long Beach, California; Centro León,
Santiago, Dominican Republic; The Spanish Cultural
Center, Santo Domingo CCESD; The Office of the Director
of Customs, Dominican Republic, and in various private
collections.
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Jorge Pineda, Born in Barahona, Dominican Republic. In
February, 2013, The Institute of Modern Art of Valencia
(IVAM) dedicated an exhibition to the last ten years of his
career, and in July of the same year he joined the group,
Quintapata, of which he was a member at the 55th Venice
Biennial, to which he had been invited in 2009. In
September 2012 he put on an exhibition “Shadows and
Other Fairy Tales” under the curatorship of Mariluz
Hoyos, in the Hunter College Gallery of New York. He was
awarded the Davidoff Art Initiative Residence in 2014, at
the Kuntlerhaus Bethanien in Berlín. On February 21st of
the same year, he put on an individual exhibition at the
Clement Foundation in Martinique, and on April 3rd at the
Museum of Modern Art in Santo Domingo, he exhibited as
a part of the exhibition “After all , tomorrow is another
day”, the title of the project presented at the IVAM.He
was invited to the Juan Gris chair of the Complutense
University of Madrid. His work has been shown Madrid,
Paris and in New York. At the Brooklyn Museum his exhibition
“Infinite Island” was on show under the curatorship
of Tumelo Mosaka. He exhibited at the 52nd Venice
Biennial and at the 23rd Visual Arts Biennial in Santo
Domingo, at which he won first prize for installation. He
has also exhibited at the Pontevedra Biennial, in
Pontevedra, Spain and at the exhibition Modelos para
Armar under the curatorship of María Inés Ramírez,
Octavio Zayas and Agustín Pérez Rubio at the MUSAC in
León, Spain. He was recently at the exhibition “Crisis,
Latin-America, Art and Confrontation” in Mexico under
the curatorship of Gerardo Mosquera, “Who more sci-fi
than us, contemporary art from the Caribbean”, under
the curatorship of Nancy Hoffman. Amersfoort, The
Netherlands, “An Opportunity To Escape” at MUSAC,
Castellón, Spain and he was among the artists invited to
celebrate the 30 years of the Havana Biennial. His works
have formed a part of the following collections : MUSAC
(Museum of Contemporary Art of Castilla and Leon),
IVAM (The Valencian Institute of Modern Art), the
Patricia Phells de Cisneros Collection, DA2 (Museum of
Contemporary Art of Salamanca), the Museum of Modern
Art in Santo Domingo, the Leon Center in Santiago and in
various other private and public collections.
Belkis Ramírez, Belkis Ramírez has lived and worked in
Santo Domingo and in New York. She graduated in
Architecture and Graphic Design, both degrees obtained
at UASD, and studied recording in Chavon, in the
Dominican Republic, and at the San Jose University in
Costa Rica.Her work has been exhibited at various national
and international events, among them being “Hasta
que me guste” at the Spanish Cultural Center, Santo
Domingo, DR, “The Caribbean: Crossroads of the World”
at the Queens Museum, New York and the Pérez Art
Museum (PAMM), Miami, “Move the Boulder” with the
group Quintapata in Santo Domingo, Lima, Buenos Aires,
Miami and México, “The 55th Veni “The 11th Havana
Biennial” (with the group Quintapata) Havana , Cuba,
“The 1st International Triennial of the Caribbean”, Santo
Domingo, DR, “Horizontes Insulares” in Gran Canaria,
Tenerife, the Dominican Republic, Martinique and Cuba,
“Myths of the Caribbean”, Casa de Las Américas, Havana,
Cuba, “The 1st Triennial of Polygraphy of San Juan, Latin-
America and the Caribbean”, Puerto Rico, “Kreyol
Factory”, Paris, France, “African, Caribbean and Pacific
Contemporary Art”, Santo Domingo, “The 19th E. León
“ARCO '02”, Madrid, “ettercolumbus.com”, Norway,
“Belkis Ramírez, The Unexplored Caribbean”, Valencia,
Spain, and Miami, “Portraits: 2000 years of Latin
American Portraits”, New York, “Myths of the Caribbean”
Havana, Cuba, “The 6th Biennial of Havana”, "At the
Dawn of the 21st Century : Plastic Art of Latin-America
and the Caribbean”, UNESCO, Paris, France, “Island
Caribbean: Exclusion, Fragmentation and Paradise”,
Badajoz, "Inside", Kassel, Germany, "The 12th Latin-
American Recording Biennial of San Juan”, San Juan, P.R.,
“Africus, 1st Art Biennial of Johannesburg”, Johannesburg,
South Africa, and “Modern and Contemporary Art of the
Dominican Republic”, New York, among others She has
received prizes for Installation at the National Biennial of
Visual Arts of Santo Domingo on different occasions, and
also for recording. She has also received various
Scholarships and Residences. Her work may be found in
important publications and collections, both national and
international.
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www.quintapata.do
quintapatacontemporaneo5@gmail.com

Santo Domingo,
Dominican Repúblic
2014
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