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Portada: Ángel Ricardo Ricardo Ríos<br />
<strong>Arte</strong> <strong>al</strong> <strong>Día</strong><br />
MÉXICO<br />
•Ferias de arte<br />
Houston Art Fair<br />
Art San Diego<br />
<strong>Arte</strong> moderno<br />
y contemporáneo<br />
•Artistas invitados<br />
Hugo Lugo<br />
Amor Muñoz<br />
Enrique Hernández Isaac Torres<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Daniel Ruanova<br />
año 9 / septiembre-octubre / 2011<br />
MN $40 / USD $5<br />
edición<br />
5.2<br />
Cultur<strong>al</strong> and indepenpendent journ<strong>al</strong>ism 10,000 ejemplares<br />
Periodismo cultur<strong>al</strong> e independiente<br />
<strong>arte<strong>al</strong>díamexico</strong>.<strong>com</strong><br />
•Reseña internacion<strong>al</strong><br />
Pacific Standard Time<br />
•Crítica y Opinión<br />
1<br />
¿Modelos o estrategias?
2 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong>
E d i t o r i a l<br />
5.2<br />
Por / by<br />
José Costa-Peuser<br />
Esta edición convirtió un planteamiento teórico editori<strong>al</strong> en un<br />
discurso orgánico y gutur<strong>al</strong> el cu<strong>al</strong> quisimos reflejar en nuestra<br />
portada; una invitación <strong>al</strong> artista Ángel Ricardo Ricardo Ríos<br />
porque nos identificamos íntimamente con su obra presentada en el<br />
Museo de Hacienda y Crédito Público.<br />
Con este número celebramos el reconocimiento que por primera vez<br />
nos otorga el Programa Edmundo V<strong>al</strong>adez de Apoyo para la Publicación<br />
de Revistas Independientes, una distinción del FONCA (Fondo Nacion<strong>al</strong><br />
para la Cultura y las <strong>Arte</strong>s) de la cu<strong>al</strong> queremos aprovechar sus re<strong>com</strong>endaciones,<br />
los asesoramientos y observaciones a un medio especi<strong>al</strong>izado<br />
<strong>com</strong>o ARTE AL DÍA <strong>México</strong>. Nos interesa también ser críticos<br />
objetivos de los beneficios que esta selección representa para una<br />
publicación independiente, porque entendemos que pertenecer a un<br />
programa ofici<strong>al</strong> representa una oportunidad institucion<strong>al</strong> <strong>al</strong> mismo<br />
tiempo que una responsabilidad editori<strong>al</strong> de pensamiento.<br />
Como siempre, hay diferentes formas de medir el universo, no podemos<br />
quedarnos en elogios y buenos augurios, seguimos consolidando<br />
y construyendo nuestro territorio glo-c<strong>al</strong>: Entender, generar y fort<strong>al</strong>ecer<br />
las ventajas de mercados inmediatos. En este contexto y oportuno<br />
a nuestra visión editori<strong>al</strong>, Pacific Standard Time es un proyecto de colaboración<br />
interinstitucion<strong>al</strong> sin precedentes cuyo objetivo es contar<br />
la historia de la escena artística de Los Ángeles (EUA) y la forma en<br />
que ésta se convirtió en una nueva fuerza en el arte mundi<strong>al</strong>. A nivel<br />
region<strong>al</strong> esta iniciativa convocó a más de 60 socios cultur<strong>al</strong>es de todo<br />
el sur de C<strong>al</strong>ifornia quienes permitirán, a partir de octubre y hasta abril<br />
del 2012, disfrutar de más de sesenta muestras y once días de performance.<br />
Cada institución hará su propia contribución a esta historia a<br />
gran esc<strong>al</strong>a de la innovación artística y el cambio soci<strong>al</strong> a través de una<br />
multitud de exposiciones y programas simultáneos.<br />
Esta colaboración, la más grande jamás emprendida por las instituciones<br />
cultur<strong>al</strong>es de la región, dio inicio a través de la Fundación Paul<br />
Getty; y en esta edición queremos ofrecer un panorama de las exposiciones<br />
más relevantes que tienen una esencia e identidad <strong>com</strong>ún con<br />
nuestra cultura, una intención de convocar lazos en<strong>com</strong>iados, precisando<br />
relaciones históricas que son referentes de investigación, documentación<br />
y exhibición. Una perspectiva que surge de una región a la<br />
cu<strong>al</strong> consideramos <strong>com</strong>o uno de los vértices de nuestra visión editori<strong>al</strong><br />
y <strong>com</strong>o es de esperarse debemos interactuar y presentar a los artistas<br />
y g<strong>al</strong>erías que construyen el mercado.<br />
A nuestro entender SAN DIEGO ART FAIR, representa una oportunidad<br />
única para consolidar un intercambio cultur<strong>al</strong> y <strong>com</strong>erci<strong>al</strong>. Con la presencia<br />
de varias g<strong>al</strong>erías mexicanas y el antecedente de una participación<br />
similar en su edición anterior, se convierte en un referente obligado<br />
para revisión, invitamos <strong>al</strong>gunos de los artistas que participan,<br />
<strong>al</strong>gunos son parte del programa Spotlight Artist Art San Diego 2011,<br />
curada por Marcela Quiróz, que convoca una selección de artistas independientes<br />
o integrantes de un staff de g<strong>al</strong>erías que conmocionan o<br />
generan expectativa por la producción artística que desarrollan.<br />
Estas motivaciones las vemos reflejadas no sólo en el contexto region<strong>al</strong>,<br />
sino también en aquellos programas loc<strong>al</strong>es que promueven<br />
<strong>Arte</strong> <strong>al</strong> <strong>Día</strong> MÉXICO<br />
Actu<strong>al</strong>izando el pensamiento<br />
Av. Álvaro Obregón 189 - Mezzanine, Col. Roma,<br />
CP. 06400, <strong>México</strong>, D.F. · Tel. (55) 2875 2854<br />
IMPRESIÓN: Servicios editori<strong>al</strong>es ESTAMPA <strong>Arte</strong>s gráficas<br />
Priv. de Dr. Márquez 53, Col Doctores. <strong>México</strong>, D.F.<br />
Tel. 5530 9239 estrampa@prodigy.net.mx<br />
Pág. 3 EDITORIAL por / by José Costa-Peuser<br />
Pág. 4 IMPERDIBLES D.F.<br />
Pág. 6 SUGERENCIAS D.F.<br />
Pág. 8/ 9 SUGERENCIAS ESTADOS<br />
Pág. 10 CORREDOR NORTE<br />
Pág. 12 / 14 PACIFIC STANDART TIME,<br />
Art in L. A. 1945-1980 por / by ARTE AL DÍA <strong>México</strong>.<br />
Pág. 16 / 17 ÁNGEL RICARDO R. RIOS<br />
¿Objetos bi-dimension<strong>al</strong>es, dibujos en tres dimensiones?<br />
por / by Santiago Espinosa de los Monteros.<br />
Pág. 18/19 HUGO LUGO<br />
Demasiado tarde, demasiado lejos por / by<br />
Alfredo Ginocchio.<br />
y fort<strong>al</strong>ecen el discurso teórico que<br />
a<strong>com</strong>paña a la obra de arte sin imponerse<br />
por sobre el v<strong>al</strong>or estético<br />
de la producción artística.<br />
Por esto, en nuestra sección de<br />
Gestión en el <strong>Arte</strong>, entrevistamos a<br />
Nuria Armengol, Directora del Museo<br />
de <strong>Arte</strong> Contemporáneo (MAC)<br />
de San Luis Potosí, un estado que<br />
quiere expresar el interés y el v<strong>al</strong>or<br />
que significa el arte a través de la<br />
inversión en la cultura, no sólo con<br />
espacios de exhibición, sino con una<br />
iniciativas que revelen el <strong>com</strong>promi-<br />
arte<strong>al</strong>día • mexico<br />
so de sus gobernantes por crear referentes históricos y cultur<strong>al</strong>es, en brindar cimientos<br />
sólidos a la identidad de una <strong>com</strong>unidad. Estos hechos y determinaciones posiblemente<br />
sean consideradas aisladas dentro de un contexto gener<strong>al</strong>, pero los frutos de esta<br />
inversión con seguridad se traducirán en beneficio de generaciones futuras, de oportunidades<br />
labor<strong>al</strong>es y profesion<strong>al</strong>es en el arte, de nuevas ofertas turísticas que revit<strong>al</strong>icen<br />
la economía region<strong>al</strong>. Este es un enclave estratégico dentro de los corredores cultur<strong>al</strong>es<br />
que nuestra publicación quiere <strong>com</strong>partir, una oportunidad que está muy cerca, sólo es<br />
cuestión de cómo lo visu<strong>al</strong>izamos, de cómo lo aprovechamos y que le aportamos.<br />
en esta edición nos encontramos con varios artistas que <strong>com</strong>arten estas instancias,<br />
Enrique Hernández <strong>com</strong>o becario del FONCA, Isaac Torres integrante de los becarios<br />
2011 por parte de la Fundación Ban<strong>com</strong>er, los artistas que participan en el programa<br />
Spotlight de San Diego Art Fair o integrantes de un staff de una g<strong>al</strong>ería, ellos también<br />
pueden considerarse becarios, están y son parte de un mercado de arte. Que se les<br />
exige, ¿cómo se los ev<strong>al</strong>úa?.<br />
De ahí que sentimos que esta edición es tan intensa, <strong>com</strong>partimos la sensación del<br />
artista en ser permanentemente disecados, dentro de criterios representativos y por<br />
v<strong>al</strong>ores institucion<strong>al</strong>es. ¿Cómo se sienten?, quizás nuestro colaborador Eduardo Egea,<br />
refleja nuestro sentimiento más profundo, un espejo de lo que el artista siente <strong>al</strong> estar<br />
produciendo. Crear, desarrollar diálogos estéticos significa <strong>com</strong>promiso, construir una<br />
identidad artística que desde la formación autodidacta o instruida debe <strong>al</strong>imentarse de<br />
v<strong>al</strong>ores y recursos <strong>com</strong>unes que imperan en la sociedad, para conversar con el espíritu<br />
de quién aprecia la obra, llegando a la esencia del <strong>al</strong>ma sin dejar de lado la argumentación<br />
que exige la contemporaneidad.<br />
Para cerrar esta edición entrevistamos a Guillermo Santamarina, quisimos jugar con<br />
sus sentimientos encontrados, el artista y el instructor, el rebelde y el docente, el portavoz<br />
y el aprendiz. Profesor de La Esmer<strong>al</strong>da nos muestra el otro lado de la moneda, el<br />
conflicto y el <strong>com</strong>promiso que asume <strong>al</strong> educar, una actitud que se vuelve permanente<br />
<strong>al</strong> tener la convicción que: arte = vida, es un estilo y evidencia de una descisión de vida<br />
acertada.<br />
Hemos re<strong>al</strong>izado una nueva edición, que <strong>al</strong> re<strong>al</strong>izarla nos ha dejado satisfechos y reconfortados,<br />
con la sensación de que seguimos aprendiendo, que no imponemos un<br />
discurso editori<strong>al</strong>, <strong>com</strong>partimos el pensamiento creativo, el aprendizaje permanente, el<br />
gusto de estar vivos y por sobre todo, de llevarlo con ustedes.<br />
Pág. 20 ENRIQUE HERNÁNDEZ<br />
La poética del vacio por / by Javier Ramírez.<br />
Pág. 21 DANIEL RUANOVA<br />
La escultura, un lugar de resguardo y s<strong>al</strong>vamento<br />
por / by Sofía Marisc<strong>al</strong>.<br />
Pág. 22 AMOR MUÑOZ<br />
Las posibilidades del dibujo por / by Iván Sanchezblas.<br />
Pág. 23 ISAAC TORRES<br />
Asociaciones inconexas por / by Iván Sanchezblas.<br />
Pág. 24 BECAS, prestigios y la disidencia condicionada<br />
del arte emergente por / by Eduardo Egea<br />
Pág. 26 MUSEO DE ARTE CONT. (MAC)<br />
en SAN LUIS POTOSÍ, re<strong>al</strong>idad actu<strong>al</strong> y objetivos<br />
<strong>Arte</strong> <strong>al</strong> día <strong>México</strong> publicación bimestr<strong>al</strong>. Editor responsable: Iván Gregory Antony Sanchezblas Sánchez. No. Certificado de Reserva otorgado por el Instituto nacion<strong>al</strong> del Derecho de Autor:<br />
04-2010-040710354000-101. No. Certificado de licitud y contenido: 14810, expedido por la Comisión C<strong>al</strong>ificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas el 11 de mayo de 2010.<br />
“Esta revista es producida gracias <strong>al</strong> Programa “Edmundo V<strong>al</strong>adés” de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes 2011 del Consejo Nacion<strong>al</strong> para la Cultura y las <strong>Arte</strong>s”<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
entrevista a Nuria Armengol por / by Iván Sanchezblas.<br />
Pág. 24/25 CRÍTICA, OPIÑIÓN Y ENSAYO,<br />
¿Modelos o estrategias?. Conversación con Guillermo<br />
Santamarina por / by Iván Sanchezblas.<br />
Directorio • Ciudad de MéxiCo<br />
Director: José Costa-Peuser<br />
director@arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Editor asociado: Iván Sanchezblas<br />
editor@arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Dto. Comerci<strong>al</strong>: Alejandro Carb<strong>al</strong>lo<br />
<strong>com</strong>erci<strong>al</strong>@arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Editori<strong>al</strong> 5.2<br />
This is an issue result of a theoretic<strong>al</strong> editori<strong>al</strong><br />
aim that transformed into an organic and guttur<strong>al</strong><br />
speech reflected in our cover. With it we<br />
celebrate the award given to our magazine by<br />
the Edmundo V<strong>al</strong>adez Program for the publication<br />
of independent magazines, a distinction<br />
and financi<strong>al</strong> aid supported by FONCA (Nation<strong>al</strong><br />
Fund for Culture and the Arts).<br />
In this edition we continue consolidating our<br />
glo-c<strong>al</strong> territory in order to visu<strong>al</strong>ize and understand<br />
the advantages of linking immediate<br />
cultur<strong>al</strong> markets like the Mexican American; an<br />
initiative exemplified by the Pacific Standard<br />
Time, a project of unprecedented inter-agency<br />
collaboration which aims to tell the story of the<br />
art scene in Los Angeles and how it became a<br />
new force in world art . We invited as well some<br />
of the artists involved in the Spotlight Artist<br />
program, curated by Marcela Quiroz for the Art<br />
San Diego 2011; an art fair which has summoned<br />
a selection of independent artists and g<strong>al</strong>leries<br />
<strong>al</strong>l over the world in an specific bi-nation<strong>al</strong> art<br />
market.<br />
To get a nation<strong>al</strong> pulse of the artistic production<br />
in Mexico we interviewed Nuria Armengol,<br />
Director of the Museum of Contemporary Art<br />
(MAC) of San Luis Potosi, who shared with us<br />
the interest of this institution for express the interest<br />
and v<strong>al</strong>ue that the city gives to art. For her<br />
a museum must not be just an space for display,<br />
but a place that speaks about the <strong>com</strong>mitment<br />
of their governments to create historic<strong>al</strong> and<br />
cultur<strong>al</strong> references, to provide a solid foundation<br />
for the identity of a <strong>com</strong>munity through its artistic<br />
producers. In the work of our guest artists<br />
(Angel Ricardo Ricardo Ríos, Hugo Lugo, Enrique<br />
Hernandez, Daniel Ruanova, Amor Muñoz,<br />
Isaac Torres) we detect this genuine v<strong>al</strong>ue worth<br />
to be considered by any art market.<br />
Either fellows of any scholarship (Ban<strong>com</strong>er<br />
Foundation, FONCA), spotlighted artists in<br />
an art fair (Art San Diego 2011) or members of<br />
g<strong>al</strong>lery staff, their work and impact require to be<br />
ev<strong>al</strong>uated through a representative criteria that<br />
an<strong>al</strong>yzes institution<strong>al</strong> v<strong>al</strong>ues including aspects<br />
like the artistic education about which we have<br />
an approach in our section Critics, essay and<br />
opinion.<br />
We hope our readers use this content to expand<br />
their artistic horizon and share the creative<br />
thinking involved in this edition.<br />
Jefa de información: Ileana Muñoz<br />
info@arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Dto. Distribución: Roberto Romero<br />
distribucion@arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Diseño Martín Sanchez Álvarez<br />
Obra de Portada:<br />
Angel Ricardo Ricardo Rios<br />
Sin título, óleo y carbón sobre tela,<br />
178 x 178 cm., 2010.<br />
REPRESENTANTES<br />
Monterrey · Nuevo León<br />
Domitila Castañeda Eguia<br />
mty@arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Oaxaca · Oaxaca<br />
Gabriel Mendoza<br />
oax@arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
3
I M P E R D I B L ES D. F.<br />
Museo de <strong>Arte</strong> Moderno<br />
Felix Candela<br />
Desde 22 septiembre<br />
El Museo de <strong>Arte</strong> Moderno re<strong>al</strong>iza la exposición “Félix Candela” (1910-<br />
1997) dedicada <strong>al</strong> famoso arquitecto español quien trabajaría por varios<br />
años en <strong>México</strong> y cuyo trabajo influenciaría de forma importante la arquitectura<br />
del país en los años siguientes. La muestra se <strong>com</strong>pone de<br />
planos, maquetas, fotografías y videos los cu<strong>al</strong>es establecen vínculos<br />
entre España, país nat<strong>al</strong> de Candela; <strong>México</strong>, <strong>com</strong>o el país que lo recibe<br />
en el exilio, y fin<strong>al</strong>mente Estados Unidos, en donde se dedica a la actividad<br />
académica hacia el fin<strong>al</strong> de su vida.<br />
Obras <strong>com</strong>o el P<strong>al</strong>acio de los Deportes, el pabellón de Rayos Cósmicos<br />
en la Ciudad Universitaria y la Iglesia de la Med<strong>al</strong>la Milagrosa, entre<br />
otras, son los proyectos arquitectónicos a exponerse <strong>com</strong>o retrospectiva<br />
a la construcción de una arquitectura nacion<strong>al</strong> mexicana.<br />
Cabe destacar que la muestra ha sido ya exhibida anteriormente en V<strong>al</strong>encia<br />
y Badajoz y después de su presentación en el MAM, itinerará a la<br />
W<strong>al</strong>lache Art G<strong>al</strong>lery de la Universidad de Columbia en NY.<br />
Curaduría: Juan Ignacio del Cueto Ruiz-Funes<br />
Paseo de la reforma, Bosque de Chapultepec I, Miguel Hid<strong>al</strong>go, Ciudad<br />
de <strong>México</strong>. www.mam.org.mx<br />
Foto cortesía del Museo de <strong>Arte</strong> Moderno<br />
Laboratorio de <strong>Arte</strong> Alameda<br />
Amor Muñoz<br />
Esquemáticos: Gráficas expandidas funcion<strong>al</strong>es<br />
Hasta 25 de septiembre<br />
Laboratorio de <strong>Arte</strong> Alameda presenta la exposición “Esquemáticos:<br />
Gráficas expandidas funcion<strong>al</strong>es” de la artista mexicana Amor Muñoz.<br />
Las obras que <strong>com</strong>ponen esta muestra <strong>com</strong>binan arte, diseño e ilustración<br />
mediante la yuxtaposición de textiles y elementos electrónicos.<br />
Mediante el bordado, los diagramas técnicos de cinco artefactos (un<br />
órgano electrónico, un <strong>al</strong>coholímetro, un sensor de audio, un sensor de<br />
pulso y una “máquina del tiempo”) utilizan el dibujo <strong>com</strong>o el medio para<br />
ser funcion<strong>al</strong>es. El resultado son una serie de dibujos en gran formato<br />
de circuitos bordados en la tela, cuya función y diseño se activa por el<br />
público <strong>al</strong> interactuar con estos artefactos.<br />
Curaduría: Karla Jasso<br />
Dr. Mora 7, Centro Histórico<br />
www.arte<strong>al</strong>ameda.bellasartes.gob.mx<br />
Fotos, cortesía<br />
del Laboratorio<br />
de <strong>Arte</strong> Alameda<br />
Museo Universitario de <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
Colectiva<br />
Antes de la resaca…<br />
Una fracción de los noventa<br />
en la colección del MUAC<br />
Hasta diciembre<br />
A<strong>com</strong>o institución pionera en el coleccionismo dentro del sector público,<br />
se ha dado a la tarea de reunir obras que reflejen la memoria visu<strong>al</strong> de<br />
<strong>México</strong> desde los años sesenta.<br />
Foto cortesía del Museo Universitario de <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
Durante los últimos quince años han surgido proyectos y obras de gran<br />
importancia que han contribuido a la configuración de un terreno de posibilidad<br />
artística. Respondiendo a este fenómeno el MUAC organizó la<br />
exposición “Antes de la resaca… Una fracción de los noventa en la colección<br />
del MUAC” en colaboración con la colección Charpenel-Guad<strong>al</strong>ajara<br />
y Grupo Corpus.<br />
Foto cortesía del Museo Universitario de <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
La muestra reúne obra de 25 artistas, la mayoría presentes en la Colección<br />
del MUAC, entre los que se incluyen Eduardo Abaroa, Minerva Cuevas,<br />
Damián Ortega, Yoshua Okón, Melanie Smith, Rubén Ortiz-Torres,<br />
Pablo Vargas Lugo y el colectivo SEMEFO.<br />
Curaduría: Sol Henaro<br />
Insurgentes sur 3000,<br />
Centro Cultur<strong>al</strong><br />
Universitario.<br />
Del. Coyoacán.<br />
Ciudad de <strong>México</strong><br />
www.muac.unam.mx<br />
Foto cortesía del Museo<br />
Universitario de <strong>Arte</strong><br />
Contemporáneo<br />
4 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Centro Cultur<strong>al</strong> Universitario Tlatelolco<br />
Museo Colección Blaisten<br />
Colectiva<br />
Denuncia Gráfica. Re<strong>al</strong>idades<br />
contrastantes en el <strong>México</strong> de<br />
principiosdel siglo XX<br />
Hasta octubre<br />
Con el fin de reivindicar a la<br />
producción artística mexicana<br />
más <strong>al</strong>lá del mur<strong>al</strong>ismo, el CCU<br />
Tlatelolco presenta la exposición<br />
“Denuncia Gráfica. Re<strong>al</strong>idades<br />
contrastantes en el <strong>México</strong> de<br />
principios del siglo XX”. La muestra,<br />
<strong>com</strong>o el nombre lo indica, reúne<br />
obra de artistas de principios<br />
del siglo XX los cu<strong>al</strong>es a través de<br />
la gráfica, expresan la contrastante<br />
re<strong>al</strong>idad del <strong>México</strong> de este<br />
periodo.<br />
Destaca que las obras coinciden en una importante mirada crítica y<br />
postura política ante la re<strong>al</strong>idad del momento y es en este sentido que<br />
la exposición plantea preguntas en torno a las denuncias soci<strong>al</strong>es y el<br />
arte mexicano. Si bien, parte de los artistas expuestos son conocidos<br />
más por su etapa mur<strong>al</strong>ista (<strong>com</strong>o<br />
David Alfaro Siqueiros o José Clemente<br />
Orozco, también se cuenta<br />
en la muestra con una importante<br />
producción gráfica la cu<strong>al</strong> se busca<br />
rescatar.<br />
La exposición presenta 170<br />
obras pertenecientes a la colección<br />
Blaisten de artistas gráficos<br />
<strong>com</strong>o Francisco <strong>Día</strong>z de León,<br />
José Guad<strong>al</strong>upe Posada, Leopoldo<br />
Méndez, Isidoro Ocampo y Pablo<br />
O’Higgins, entre otros.<br />
Av. Ricardo Flores Magón No. 1,<br />
Col. Nono<strong>al</strong>co-Tlatelolco.<br />
www.tlatelolco.unam.mx<br />
Centro Cultur<strong>al</strong> de España en <strong>México</strong><br />
Colectiva<br />
Intersticios urbanos. Muestra internacion<strong>al</strong> de arte urbano<br />
Hasta 16 de octubre<br />
Luego de casi cinco décadas en que el graffiti ha tomado un papel de<br />
gran importancia en las urbes del mundo, el arte urbano se ha llegado a<br />
constituir hoy en día no sólo <strong>com</strong>o una expresión de la juventud citadina;<br />
sino que además ha dado pie a toda clase de prácticas del arte contemporáneo<br />
v<strong>al</strong>idadas incluso por museos y g<strong>al</strong>erías.<br />
“Intersticios urbanos” se constituye justamente <strong>com</strong>o una muestra del<br />
arte urbano en tanto forma de expresión libre y actu<strong>al</strong>. Archivos, obra<br />
gráfica, bitácoras person<strong>al</strong>es, fotografías y demás registros muestran<br />
las expresiones de artistas urbanos <strong>com</strong>o Chaz Bojórquez, Inti, Alexandre<br />
Orion, Susso 33, Satter y Bastardilla, entre otros; cuyo trabajo se<br />
apropia este verano de los muros del CCEMX y <strong>al</strong>gunos otros espacios<br />
públicos en la Ciudad de <strong>México</strong>.<br />
Guatem<strong>al</strong>a No. 18.<br />
Centro Histórico, <strong>México</strong> DF<br />
www.ccemx.org<br />
Foto cortesía del Centro Cultur<strong>al</strong><br />
de España en <strong>México</strong><br />
Foto cortesía del Centro Cultur<strong>al</strong><br />
Universitario Tlatelolco<br />
Alberto Beltrán. El camión. Grabado. Foto<br />
cortesía del Centro Cultur<strong>al</strong> Universitario<br />
Tlatelolco.
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
5
SUGERENCIAS D. F.<br />
Museo de la Ciudad de <strong>México</strong><br />
Ricardo Martínez<br />
Hasta 30 de octubre<br />
El Museo de la Ciudad de <strong>México</strong> presenta la primera exposición retrospectiva<br />
de esta magnitud para el pintor Ricardo Martínez. La muestra<br />
cuenta con más de 110 obras origin<strong>al</strong>es y fue posible gracias a la colaboración<br />
de instituciones públicas y privadas <strong>com</strong>o la UNAM, la Fundación<br />
Ban<strong>com</strong>er, la Fundación Ricardo Martínez, la G<strong>al</strong>ería de <strong>Arte</strong> Mexicano y<br />
diversas colecciones privadas.<br />
Gran desnudo I, 1983. Óleo sobre tela. 200 x 300 cm.<br />
Colección Particular.<br />
La exposición muestra la obra de Ricardo Martínez (1918-2009), quien a<br />
pesar de no contar con una formación académica form<strong>al</strong>, se vincula con<br />
los grandes pintores de su tiempo y forma parte de un movimiento cultur<strong>al</strong><br />
que es evidente en su trabajo artístico. En su obra es posible notar<br />
una mirada desde la cultura nacion<strong>al</strong> del momento aunada a un punto de<br />
vista muy person<strong>al</strong> en busca de la estatización e la figura humana.<br />
Pino Suárez No. 30. Centro Histórico<br />
www.cultura.df.gob.mx<br />
MUCA Roma<br />
Colectiva<br />
Mitos de Fundación<br />
Hasta 30 de octubre<br />
El Museo Universitario de Ciencias<br />
y <strong>Arte</strong> Roma (MUCA Roma),<br />
presenta la exposición “Mitos de<br />
Fundación” <strong>com</strong>o parte de un intercambio<br />
con la Fundación TEOR/<br />
éTica, dedicada a promover la<br />
reflexión en torno <strong>al</strong> trabajo de<br />
creadores centroamericanos.<br />
La muestra exhibe obra de los cuatro<br />
artistas costarricenses Partici-<br />
pan Priscilla Monge, Karla Solano, Joaquín Rodríguez del Paso y José Alberto<br />
Hernández Campos. A través de técnicas y temáticas particulares,<br />
los artistas exploran la relación y retro<strong>al</strong>imentación entre el mito <strong>com</strong>o<br />
representación de inquietudes humanas, y el arte contemporáneo.<br />
Curaduría: Jurgen Ureña<br />
Ton<strong>al</strong>á 51, esquina Colima, colonia Roma, delegación Cuauhtémoc<br />
http://www.muca.unam.mx/mucaroma/<br />
Figura con fondo azul, 1985. Óleo sobre tela.<br />
200 x 175 cm. Colección Pérez Simón A ciegas. Foto cortesía del Museo<br />
Universitario de <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
G<strong>al</strong>ería Nina Menoc<strong>al</strong><br />
Colectiva<br />
No existen soluciones fáciles… 10 mujeres mexicanas<br />
Hasta fin<strong>al</strong>es de septiembre<br />
G<strong>al</strong>ería Nina Menoc<strong>al</strong> presenta en esta ocasión, la obra de 10 artistas<br />
mexicanas: <strong>al</strong>gunas de gran trayectoria y renombre y otras cuya obra<br />
está siendo presentada recientemente. La muestra reúne en un mismo<br />
espacio conceptos, materi<strong>al</strong>es e interpretaciones tan diversas <strong>com</strong>o las<br />
propias artistas, sin embargo, <strong>al</strong>ude a historias femeninas de la contemporaneidad.<br />
Historias de mujeres todas diversas pero cuyo pensamiento<br />
y discurso son poderosos, a veces poderoso desde lo invisible y es por<br />
eso que a través de esta muestra, se pone en evidencia.<br />
Las 10 artistas cuya obra es expuesta son Marcela Armas, Tania Candiani,<br />
Livia Corona, Maria José de la Macorra, Ale de la Puente, G<strong>al</strong>ia Eibenschutz,<br />
Gabriela Gutiérrez Ov<strong>al</strong>le, Gimena Kichán, Betsabé Romero<br />
y Teresa Serrano.<br />
Zacatecas 93. Col. Roma. <strong>México</strong> DF<br />
www.ninamenoc<strong>al</strong>.<strong>com</strong><br />
Betsabé Romero<br />
Foto cortesía de la<br />
g<strong>al</strong>ería Nina Menoc<strong>al</strong><br />
S<strong>al</strong>a de <strong>Arte</strong> Público Siqueiros<br />
Joaquín Segura<br />
Poéticas del deshonor<br />
Hasta 16 de octubre<br />
La S<strong>al</strong>a de <strong>Arte</strong> Público Siqueiros en su misión por presentar distintas<br />
posturas políticas en el arte que respondan a necesidades soci<strong>al</strong>es específicas,<br />
presenta en esta ocasión la muestra “Poéticas del deshonor”<br />
del artista mexicano Joaquín Segura.<br />
La muestra plantea cuestionamientos en torno a temas <strong>com</strong>o la dinámica<br />
económica glob<strong>al</strong> y el consumismo que permean <strong>al</strong> mundo contemporáneo.<br />
Seguro logra esto a a partir de piezas que oscilan entre la ironía<br />
y la crítica cruda <strong>al</strong> jugar con símbolos e imágenes características de<br />
instituciones y empresas. La exposición busca deconstruir histórica e<br />
ideológicamente los íconos del capit<strong>al</strong>ismo que hoy determinan el modo<br />
de vida contemporáneo.<br />
Curaduría: María Elena Ortiz<br />
Tres Picos 29. Colonia Polanco. <strong>México</strong> DF<br />
www.saps-lat<strong>al</strong>lera.org<br />
En la mira. Foto cortesía del Museo<br />
Universitario de <strong>Arte</strong><br />
Contemporáneo<br />
6 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Joaquín Segura. Nap<strong>al</strong>m<br />
Museo Nacion<strong>al</strong> de San Carlos<br />
Colectiva<br />
<strong>México</strong> en los pabellones y las exposiciones internacion<strong>al</strong>es (1889-<br />
1929)<br />
Hasta 3 de octubre<br />
Durante los siglos XIX y XX, <strong>México</strong> formó parte de numerosas exposiciones<br />
internacion<strong>al</strong>es. La presentación de estos pabellones mexicanos<br />
responden a importantes acontecimientos históricos y a ciertas políticas<br />
nacion<strong>al</strong>es que determinaron la forma en que el país se concebía a sí<br />
mismo y se mostraba ante el extranjero.<br />
Anuncio de la Cigarrera Noriega, 1889<br />
La muestra cuenta con libros, fotografías, dibujos y pinturas, las cu<strong>al</strong>es<br />
pretenden fungir <strong>com</strong>o análisis y reflexión a la construcción de <strong>México</strong><br />
<strong>com</strong>o nación a través de la arquitectura de dichos pabellones y la <strong>al</strong>usión<br />
a vinculaciones ideológicas con el pasado prehispánico, coloni<strong>al</strong> y<br />
fin<strong>al</strong>mente, el moderno.<br />
Puente de Alvarado No. 50, Col. Tabac<strong>al</strong>era _Del. Cuauhtémoc,<br />
www.mnsancarlos.<strong>com</strong><br />
Interior del t<strong>al</strong>ler que se <strong>al</strong>quilo para la ejecución de<br />
los modelos de la decoración del Pabellón de <strong>México</strong><br />
en la Exp. Univers<strong>al</strong> de París.<br />
Museo José Luis Cuevas<br />
Jazzamoart<br />
Retrato de La Pintura<br />
Desde 6 de octubre hasta 16 de noviembre<br />
En un mundo donde todo fluye<br />
rápido, la información, las modas,<br />
los acontecimientos políticos, las<br />
catástrofes ecológicas; el arte se<br />
consolida <strong>com</strong>o uno de los princip<strong>al</strong>es<br />
v<strong>al</strong>ores que nos rescata,<br />
s<strong>al</strong>vándonos del caos y la desgracia<br />
existenci<strong>al</strong>. El arte siempre ha estado<br />
envuelto en la polémica, la discusión,<br />
las revoluciones, las apor-<br />
taciones, los conceptu<strong>al</strong>ismos, las<br />
Cabeza de La Pintura, 2011 óleo<br />
sobre tela 90 x 120 cms..tif<br />
propuestas innovadoras, las vanguardias y demás, todo un espectro de<br />
posibilidades y diversos caminos para la aventura. En medio de toda esta<br />
lluvia de ideas, conceptos y reinvenciones, sigo pensando y creyendo en<br />
La Pintura; porque el arte de pintar, a través de la historia y sus vaivenes,<br />
seguirá moviendo <strong>al</strong> mundo.<br />
La pintura <strong>com</strong>o una manifestación del arte de todos los tiempos, la pintura<br />
<strong>com</strong>o una forma de vida, la pintura <strong>com</strong>o un hecho concreto de trabajo<br />
sin tiempo, sin moda, sólo pintura. La pintura, <strong>com</strong>o el amor, nunca morirá.<br />
Pintar es embarrar, untar, t<strong>al</strong>lar, sobar, s<strong>al</strong>picar, chorrear, dejar caer la<br />
materia, la pasta, a<strong>com</strong>odar los bodoques de óleo sobre la tela, a veces<br />
de una manera violenta, otras sutil pero <strong>al</strong> fin<strong>al</strong> siempre en ese juego de<br />
equilibrio, armonía y misterio que significa el acto creativo, el momento<br />
de inventar y reinventar la pintura.<br />
Puente de Alvarado No. 50, Col. Tabac<strong>al</strong>era<br />
www.mnsancarlos.<strong>com</strong>
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
7
S U G E R E N C I A S<br />
Puebla<br />
Museo Amparo<br />
Colectiva<br />
Historias de A. Obras de la Colección Júmex<br />
Hasta 26 de septiembre<br />
La eterna interrogante sobre qué distingue <strong>al</strong> hombre del anim<strong>al</strong>, se pone<br />
en evidencia en esta exposición presentada en el Museo Amparo. Once<br />
artistas cuentan diez historias a modo de fábula que reflexionan en torno<br />
a la condición humana, aparentemente racion<strong>al</strong>. La muestra está <strong>com</strong>puesta<br />
por videos, inst<strong>al</strong>aciones, esculturas, dibujos y fotografías <strong>com</strong>o<br />
recursos para la construcción de estas historias.<br />
Foto cortesía del Museo Amparo<br />
En esta exposición podemos encontrar obra de los artistas Marcos Castro,<br />
Peter Fischli & David Weiss, Michel François, Rodney Graham, Carlos<br />
Huffman, Marine Hugonnier, Mike Kelley, Abigail Lane, Ugo Rondinone y<br />
Emilio V<strong>al</strong>dés.<br />
Foto cortesía del Museo Amparo<br />
Curaduría: Michel Blancsubé<br />
2 Sur 708, Centro Histórico, Puebla.<br />
www.museoamparo.<strong>com</strong><br />
Foto cortesía<br />
del Museo Amparo<br />
Oaxaca<br />
Museo de <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
de Oaxaca (MACO)<br />
Colectiva<br />
La imagen es antes deseo<br />
A modo de revisión <strong>al</strong> trabajo<br />
re<strong>al</strong>izado durante las distintas<br />
ediciones de la Bien<strong>al</strong> de Pintura<br />
Rufino Tamayo, el MACO presenta<br />
la exposición “La imagen es antes<br />
deseo”. La muestra consiste en<br />
obra de cinco artistas ganadores<br />
de esta Bien<strong>al</strong>: Víctor Rodríguez,<br />
Jesús Lugo, Armando Romero,<br />
Francisco Larios y Boris Viskin de<br />
quienes no sólo nos es presentada<br />
la obra ganadora sino una revisión<br />
de su trabajo.<br />
Aunado a esto, la exposición pretende mostrar cómo la pintura no es<br />
simplemente expresión sino que encierra deseo e implica una pasión<br />
cotidiana para quien logra plasmarla<br />
Macedonio Alc<strong>al</strong>á 202.<br />
Col. Centro, Oaxaca<br />
www.museomaco.<strong>com</strong><br />
Víctor Rodríguez. Orange. Acrílico<br />
sobre tela, 198.1 x 213.4 cm, 2005<br />
San Miguel de Allende, Guanajuanto<br />
G<strong>al</strong>ería <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
Colectiva<br />
Hasta octubre<br />
Colectiva <strong>Arte</strong> Contemporáneo es una muestra que reúne la obra de<br />
destacados maestros g<strong>al</strong>ardonados y <strong>al</strong>tamente reconocidos: Beverley<br />
Ashe, Eduardo Beristaín, Jordi Boldó, Alberto Castro Leñero, Vladimir<br />
Cora, José García Ocejo, Manuela Gener<strong>al</strong>i, Luis Granda, Joaquín Piñeiro,<br />
Esmer<strong>al</strong>da Torres, Gabriel Vergara.<br />
Esta es una exposición que consolida el trabajo de esta g<strong>al</strong>ería y confirma<br />
el nivel y c<strong>al</strong>idad de la propuesta con la que trabaja este espacio en<br />
la actui<strong>al</strong>idad.<br />
Casa A-3<br />
Sollano 13, Centro<br />
www.arte-contemporaneo.<strong>com</strong>.mx<br />
Francisco Larios. Limbos 004.<br />
3DCG Image, 150 x 180 cm, 2004<br />
8 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Veracruz, X<strong>al</strong>apa<br />
Pinacoteca Diego Rivera<br />
Colectiva<br />
interconexiones: <strong>Arte</strong> contemporáneo<br />
en la colección FEMSA. 2000-2009<br />
Hasta 18 de septiembre<br />
Cuando una obra artística es presentada, hay una serie de conexiones<br />
y relaciones tanto <strong>al</strong> interior de la pieza en su producción, <strong>com</strong>o hacia<br />
el exterior en relación <strong>al</strong> público y <strong>al</strong> espacio. Todas estas relaciones son<br />
conexiones de diversas índoles que permiten establecer puentes entre<br />
el artista y el espectador.<br />
Carlos Amor<strong>al</strong>es, De la serie Spider G<strong>al</strong>axy (Guardians),<br />
La colección FEMSA en esta exposición busca precisamente evidenciar<br />
estas conexiones <strong>al</strong> tiempo que permiten apreciar la variedad de técnicas<br />
y mensajes involucrados en la obra de arte. Algunos de los artistas que<br />
se encuentran en esta exposición son Carlos Amor<strong>al</strong>es, Adela Goldbard,<br />
Gabriel Orozco, Mónica Castillo y Rafael Lozano-Hemmer, entre otros.<br />
J.J. Herrera No. 5, Centro Histórico, X<strong>al</strong>apa, Veracruz<br />
Foto cortesía de la Colección FEMSA<br />
Joaquín Segura No. 5, Centro.<br />
www.coleccionfemsa.<strong>com</strong><br />
Foto cortesía de la Colección FEMSA
E D O S .<br />
X<strong>al</strong>apa, Veracruz<br />
Museo de Antropología de X<strong>al</strong>apa<br />
Gloria Carrasco<br />
La tierra no es plana<br />
Hasta 2 de septiembre<br />
En el marco del Tercer Coloquio Internacion<strong>al</strong> de Escultura<br />
en Cerámica, el Museo de Antropología de X<strong>al</strong>apa,<br />
perteneciente a la Universidad Veracruzana, presenta<br />
la exposición “La tierra no es plana” de la escultora en<br />
cerámica, Gloria Carrasco.<br />
De los cauces. Diámetro 112 cms.<br />
Av. X<strong>al</strong>apa s/n, X<strong>al</strong>apa, Veracruz<br />
http://www.uv.mx/max/<br />
Guad<strong>al</strong>ajara, J<strong>al</strong>isco<br />
Museo de las <strong>Arte</strong>s (MUSA)<br />
Universidad de Guad<strong>al</strong>ajara<br />
Samuel Meléndrez Bayardo<br />
La ciudad y la memoria, 20 años<br />
Hasta 25 de septiembre<br />
El Museo de las <strong>Arte</strong>s de la Universidad de Guad<strong>al</strong>ajara<br />
presenta esta muestra retrospectiva de los 20 años<br />
de producción artística del pintor tapatío Samuel Meléndrez<br />
Bayardo. La muestra está <strong>com</strong>puesta en su<br />
mayoría por óleos sobre tela provenientes de distintas<br />
colecciones tanto privadas <strong>com</strong>o institucion<strong>al</strong>es.<br />
Foto cortesía del Museo de las <strong>Arte</strong>s de la<br />
Universidad de Guad<strong>al</strong>ajara<br />
Los senderos del agua. 134 x 70 x 34 cm.<br />
La muestra cuenta con una serie de esculturas e<br />
inst<strong>al</strong>aciones inspiradas en las formaciones de la<br />
tierra: los ríos, las montañas y los cauces las cu<strong>al</strong>es<br />
son abordadas a partir de las sensaciones provocadas<br />
por las distintas luminosidades y la fugacidad en<br />
lo terrestre. Elementos <strong>com</strong>o el espacio –no en vano,<br />
Carrasco cuenta con una de formación de arquitecta-,<br />
la abstracción y el movimiento resultan claves<br />
en esta exposición y en el trabajo de Carrasco.<br />
Las firmas del río. 94 x 234 cms.<br />
Foto cortesía del Museo de las <strong>Arte</strong>s de la<br />
Universidad de Guad<strong>al</strong>ajara<br />
Mediante un recorrido pictórico que abarca desde<br />
los espacios más íntimos hasta un paisaje nocturno<br />
de la ciudad, la obra de Meléndrez Bayardo nos invita<br />
a reflexionar en torno a nuestra propia cotidianidad<br />
y su desarrollo dentro de las urbes.<br />
López Cotilla 930 Guad<strong>al</strong>ajara, J<strong>al</strong>.<br />
www.museodelasartes.udg.mx<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
9
CORREDOR NORT E<br />
San Antonio, Texas<br />
Blue Star Contemporary Art Center<br />
Chuck Ramírez<br />
Minim<strong>al</strong>ly Baroque<br />
Hasta 6 de noviembre<br />
Chuck Ramírez (1962-2010) fue un<br />
artista y diseñador gráfico quien vivió<br />
y trabajó en San Antonio, Texas.<br />
El Blue Star Contemporary Art<br />
Center, en colaboración con Ruiz-<br />
He<strong>al</strong>y Art, representante de Ramírez,<br />
presentan la muestra “Chuck<br />
Ramírez: Minim<strong>al</strong>ly Baroque”.<br />
La muestra recorre piezas <strong>com</strong>o<br />
inst<strong>al</strong>aciones y fotografías a gran<br />
esc<strong>al</strong>a de la trayectoria de este<br />
artista, y muestra a su vez el carácter<br />
crítico hacia el consumismo<br />
Whatacup, 2002. Pigment ink print.<br />
72x48 in<br />
Tijuana<br />
Entijuanarte 2011. Frontera creativa<br />
Sedes <strong>al</strong>ternas 3 <strong>al</strong> 6 de octubre<br />
Explanada del CECUT 7 <strong>al</strong> 9 de octubre<br />
En el mes de octubre, Tijuana dará paso a la séptima edición del festiv<strong>al</strong><br />
cultur<strong>al</strong> Entijuanarte. El festiv<strong>al</strong> contará con la presencia de J<strong>al</strong>isco <strong>com</strong>o<br />
invitado especi<strong>al</strong> y rendirá un homenaje <strong>al</strong> pintor José Clemente Orozco<br />
a través de una charla impartida por el importante promotor cultur<strong>al</strong>,<br />
Gregorio Luke.<br />
Entijuanarte 2011 es el festiv<strong>al</strong> cultur<strong>al</strong> más importante de la zona noroeste<br />
del país y cuenta con un importante reconocimiento a nivel internacion<strong>al</strong>.<br />
La edición de este año reunirá cerca de un centenar de booths<br />
de artistas nacion<strong>al</strong>es e internacion<strong>al</strong>es, colectivos e instancias gubernament<strong>al</strong>es,<br />
privadas y educativas, <strong>al</strong> tiempo que promoverá la venta de<br />
obra y la reflexión en torno a la producción artística contemporánea.<br />
C<strong>al</strong>le Centr<strong>al</strong> #12871,<br />
Hipódromo II, Tijuana,<br />
Baja C<strong>al</strong>ifornia<br />
www.entijuanarte.<strong>com</strong><br />
Foto. Alex Bertheau<br />
Broom Series, 2007. Pigment<br />
ink print. 60x48 in<br />
y la fragilidad de la vida, característicos<br />
en la obra de Ramírez. La<br />
condición humana, la identidad y<br />
la mor<strong>al</strong> son tomados <strong>com</strong>o temas<br />
de reflexión a través de piezas que<br />
utilizan recursos tecnológicos y<br />
conceptu<strong>al</strong>es<br />
Curaduría: Victor Zamudio-Taylor<br />
116, Blue Star. San Antonio, TX<br />
bluestarart.org<br />
Trash black series. Black sack 1, 2001.<br />
Pigment ink print ed of 10. 60x48 in<br />
El Paso, Texas<br />
El Paso Museum of Art<br />
Margarita Cabrera<br />
Agosto 2011- agosto 2013<br />
Durante el transcurso de dos años,<br />
El Paso Museum of Art presentará<br />
periódicamente un tot<strong>al</strong> de once<br />
obras de la artista regiomontana<br />
radicada en El Paso, Margarita<br />
Cabrera. La obra de Cabrera se<br />
caracteriza por contar con una visión de ambos lados de la frontera en<br />
la que su princip<strong>al</strong> preocupación radica en la problemática de la mano<br />
de obra mexicana que se utiliza para la fabricación de productos estadounidenses.<br />
Las piezas de Cabrera <strong>com</strong>binan aspectos políticos, cultur<strong>al</strong>es, económicos<br />
y soci<strong>al</strong>es en esculturas e inst<strong>al</strong>aciones que evocan a la labor de los<br />
migrantes o de los trabajadores en las maquilas fronterizas. La primera<br />
de estas obras a exponer se titula “Árbol de la vida. John Deere Model<br />
790” y constituye una representación de un tractor el cu<strong>al</strong> para tantos<br />
trabajadores mexicanos, implica sin duda un auténtico árbol de la vida.<br />
One Arts Festiv<strong>al</strong> Plaza_El Paso, Texas<br />
http://www.elpasoartmuseum.org/<br />
Monterrey, Nuevo León<br />
Museo de <strong>Arte</strong> Contemporáneo de Monterrey<br />
(MARCO)<br />
Colectiva<br />
Blockbuster. Cine para exhibiciones<br />
Hasta 25 de septiembre<br />
El MARCO presenta la exposición “Blockbuster. Cine para exhibiciones”<br />
la cu<strong>al</strong> cuenta con obra de veintiún artistas quienes han logrado insertarse<br />
y se reconocidos tanto en el ámbito cinematográfico <strong>com</strong>o en el<br />
artístico. Cada pieza se encuentra vinculada a una pieza cinematográfica<br />
que ha servido <strong>com</strong>o inspiración o punto de partida para una investigación<br />
a cada uno de los artistas.<br />
La exposición, producida por la Fundación CIAC, cuenta con obra de<br />
artistas <strong>com</strong>o Abraham Cruzvillegas, Karen Cytter, Douglas Gordon y<br />
Tacita Dean, entre muchos otros.<br />
Curaduría: Jens Hoffmann<br />
Zuazua y Jardón S/N, Centro.<br />
Monterrey, Nuevo León<br />
www.marco.org.mx<br />
Margarita Cabrera.<br />
Foto cortesía de<br />
El Paso Museum of Art<br />
10 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
John Deere Model 790,<br />
2007. Ceramic, slip paint<br />
and steel hardware.<br />
Courtesy of the artist<br />
Steve McQueen. Running Thunder, 2007.<br />
Filme de 16 milímetros / 16mm film projection. Color, muda, circuito cerrado. Cortesía de<br />
Marian Goodman G<strong>al</strong>lery, Nueva York / París y de Thomas Dane G<strong>al</strong>lery, Londres<br />
San Diego, C<strong>al</strong>ifornia<br />
Arts Month San Diego / September 2011<br />
Durante todo el mes de septiembre<br />
Durante el mes de septiembre museos, g<strong>al</strong>erías, ferias, festiv<strong>al</strong>es e instituciones<br />
de San Diego, sincronizan eventos y unen esfuerzos para dar<br />
paso <strong>al</strong> Arts Month San Diego. Un mes dedicado a las artes con el fin<br />
de reforzar la actividad cultur<strong>al</strong>, promover la actividad artística y atraer<br />
visitantes de distintas partes del país y del mundo.<br />
Douglas Wheeler, Untitled, 1965<br />
Acrylic on canvas with neon tubing<br />
La edición de este año, dirigida por Anne Berchtold, dio inicio junto con la<br />
Feria de <strong>Arte</strong> de San Diego (Art San Diego) y cuenta con grandes eventos<br />
<strong>com</strong>o el Art W<strong>al</strong>k en la bahía, el Art Photography Show, el San Diego Film<br />
Festiv<strong>al</strong> y la exposición princip<strong>al</strong> organizada por el Museo de <strong>Arte</strong> de San<br />
Diego.<br />
artsmonthsd.<strong>com</strong><br />
Torreón, Coahuila<br />
Museo Arocena<br />
Colectiva<br />
Double exposure/Doble exposición.<br />
Rostros de la Ruptura.<br />
Colección FEMSA<br />
Hasta 6 de noviembre<br />
Rogelio Cuéllar, Rufino Tamayo, 1987.<br />
Colección FEMSA<br />
Como parte de una reflexión en torno <strong>al</strong> retrato <strong>com</strong>o la doble exposición<br />
que déjà en evidencia no solo <strong>al</strong> retratado, sino también a aquel que re<strong>al</strong>iza<br />
el retrato, el Museo Arocena presenta la exposición “Double exposure/Doble<br />
exposición. Rostros de la Ruptura. Colección FEMSA”.<br />
La muestra reúne 39 fotografías de 11 autores y 5 obras de artistas plásticos<br />
mexicanos pertenecientes <strong>al</strong> movimiento de la Ruptura. La exposición<br />
no solo pone de manifiesto el carácter doble del retrato sino que a<br />
su vez funge <strong>com</strong>o un testigo de instantes y personajes que determinaron<br />
un periodo tanto intelectu<strong>al</strong> <strong>com</strong>o históricamente.<br />
Curaduría: Emma Cecilia García Krinsky<br />
Cepeda #354 Sur, Centro Histórico<br />
Torreón, Coahuila<br />
www.museoarocena.<strong>com</strong><br />
Philipp Scholz Rittermann, “Unloading<br />
Sand, Yuejin Port, Grand Can<strong>al</strong>” Jining,<br />
Shandong Province, China (PRC), 2010<br />
Helen Escobedo, Elegía negra, 1979.<br />
Colección FEMSA
Reseña Internacion<strong>al</strong> Houston, Texas / San Diego, C<strong>al</strong>ifornia<br />
I N T E R N A C I O N A L<br />
Houston, texas<br />
Houston Fine<br />
art Fair<br />
Septiembre 15 <strong>al</strong> 18 de 2011<br />
L uego<br />
de colocarse <strong>com</strong>o el tercer lugar en mercado artístico en Estados Unidos, la ciudad de<br />
Houston remata su elevada actividad g<strong>al</strong>erística, con su primera feria de arte internacion<strong>al</strong>: la<br />
Houston Fine Art Fair. El Centro de Convenciones George R. Brown, sede del evento, <strong>al</strong>bergará<br />
en esta occasion a cerca de 80 g<strong>al</strong>erías internacion<strong>al</strong>es y mostrará obra de <strong>al</strong>rededor de 500 artistas<br />
tanto emergentes <strong>com</strong>o de larga trayectoria.<br />
Bajo la dirección de Fran Kaufman, importante curadora, g<strong>al</strong>erista y consultora de arte con 20 años de experiencia,<br />
la Houston Fine Art Fair implica no solamente una oportunidad para mostrar lo más relevante del<br />
arte moderno y contemporáneo en Latinoamérica, <strong>México</strong> y EEUU, sino que también surge bajo la premisa de<br />
consolidar a Houston <strong>com</strong>o capit<strong>al</strong> cultur<strong>al</strong> estadounidense. En p<strong>al</strong>abras de Annise Parker, <strong>al</strong>c<strong>al</strong>de de Houston:<br />
“Esperamos establecer a Houston <strong>com</strong>o una parada obligatoria y respetada dentro del circuito del arte<br />
internacion<strong>al</strong>.”<br />
En respuesta a la creciente demanda en el mercado del arte por obra de artistas latinoamericanos, la feria<br />
dedica buena parte de su espacio de exhibición a obras de dicha región. G<strong>al</strong>erías de Brasil, Colombia, Cuba,<br />
Argentina, Bolivia, Venezuela y EEUU (Miami, San Diego, LA, Chicago, Nueva York y por supuesto, Houston)<br />
muestran obra de artistas latinoaméricanos cuya influencia trasciende <strong>al</strong> contexto internacion<strong>al</strong>. La participación<br />
de g<strong>al</strong>erías mexicanas sera por parte de la g<strong>al</strong>ería Ginnochio (Ciudad de <strong>México</strong>) y YAM G<strong>al</strong>lery (San<br />
Miguel de Allende).<br />
Cabe destacar que la organización de esta feria, fue posible gracias a la cooperación y el entusiasmo de las g<strong>al</strong>erías<br />
loc<strong>al</strong>es, los coleccionistas y las instituciones ofici<strong>al</strong>es. La directora, Fran Kaufman menciona: “Estamos<br />
colaborando con The Museum of Fine Arts, Houston, y la inauguración de la feria el 15 de septiembre, sera en<br />
beneficio de su tan respetado programa de residencias para artistas y críticos, Glassel School Core.” Además<br />
de los espacios de exhibición para las g<strong>al</strong>erías, la Houston Fine Art Fair presentará un programa par<strong>al</strong>elo tanto<br />
para especi<strong>al</strong>istas <strong>com</strong>o para aficionados, el cu<strong>al</strong> incluirá conferencias, mesas redondas y diálogos con los<br />
más importantes curadores, críticos y g<strong>al</strong>eristas participantes.<br />
A RT<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
san Diego C<strong>al</strong>iFornia<br />
art<br />
san Diego<br />
Septiembre 1 <strong>al</strong> 4 de 2011<br />
SAN DIEGO se ha convertido en un mercado estratégico para las princip<strong>al</strong>es g<strong>al</strong>erías de arte contemporáneo<br />
del mundo y un espacio creativo para exposiciones artísticas. Durante los dos últimos<br />
años de esta feria, los coleccionistas han mostrado un fuerte apetito por las obras de artistas latinoamericanos<br />
aspecto que refuerza la visión origin<strong>al</strong> para convertirse en el princip<strong>al</strong> evento bi-nacion<strong>al</strong> de esta<br />
región. T<strong>al</strong> <strong>com</strong>o menciona Hugo Lugo (Artist Spotlight 2011): “La decisión de ART SAN DIEGO de suceder<br />
<strong>com</strong>o un evento sobre-la-frontera es una v<strong>al</strong>iosa oportunidad para ambas ciudades (Tijuana y San Diego). Les<br />
permite reconocer y legitimarla una a la otra a través de sus artistas de una manera positiva. Creo que esto<br />
es un factor determinante en el futuro cercano que distinguirá a esta feria en la escena internacion<strong>al</strong> del arte<br />
contemporáneo.”<br />
La tercera edición de la feria en el Hilton San Diego Bayfront incluye una mezcla de g<strong>al</strong>erías internacion<strong>al</strong>es<br />
líderes y emergentes con obra de artistas y diseñadores contemporáneos; enmarcadas por tres princip<strong>al</strong>es<br />
líneas de acción: “Spotlight Artists”, “Art Labs” y “Conversations”.<br />
Este año, los artistas seleccionados dentro “Spotlight Artists” tendrán una exposición individu<strong>al</strong> en un sitio<br />
específico dentro la feria de septiembre. Estos artistas fueron seleccionados por Marcela Quiroz Luna, Directora<br />
Curatori<strong>al</strong> quien <strong>com</strong>enta: “Este año se han seleccionado de todos los latinoamericanos un conjunto de<br />
artistas de Brasil y <strong>México</strong>, incluyendo -por primera vez- el programa “Launchpad” con dos jóvenes y prometedores<br />
artistas de Tijuana. Todos los artistas (con no más de 40 años de edad) trabajan en diversos medios. Sus<br />
obras transmiten <strong>com</strong>parten una inherente delicadeza estética que invita a reflexionar sobre las <strong>com</strong>plejas<br />
relaciones y las condiciones de fragilidad que construyen nuestra vida cotidiana.” SAN DIEGO ART también<br />
proporciona un fuerte enfoque en la ciudad y la cultura de San Diego a través de los “Art Labs”; laboratorios<br />
de arte con exposiciones una variedad de actividades que van desde el arte del performance, inst<strong>al</strong>aciones<br />
multimedia sobre la base del Hilton, conversaciones con especi<strong>al</strong>istas, hasta inauguraciones en cooperación<br />
de varias g<strong>al</strong>erías además de actuaciones music<strong>al</strong>es en diversos lugares. Con “Conversations” la feria brinda<br />
numerosos encuentros directos con artistas y líderes en el mundo del arte dando tanto a los aficionados y<br />
coleccionistas una experiencia de primera mano sobre los aspectos que involucran <strong>al</strong> arte actu<strong>al</strong>.<br />
11
Reseña internacion<strong>al</strong> Los Angeles / EUA<br />
P acific<br />
PACIFIC STANDARD TIME<br />
Art in L.A. 1945-1980<br />
Standard Time es un proyecto de colaboración interinstitucion<strong>al</strong><br />
sin precedentes cuyo objetivo es contar la historia<br />
de la escena artística de Los Angeles y la forma en que<br />
ésta se convirtió en una nueva fuerza en el arte mundi<strong>al</strong>. A nivel<br />
region<strong>al</strong> esta iniciativa convocó a más de 60 socios cultur<strong>al</strong>es de<br />
todo el sur de C<strong>al</strong>ifornia quienes permitirán, a partir de octubre y<br />
hasta abril del 2012, disfrutar de más de sesenta muestras y once<br />
días de performance. Cada institución hará su propia contribución<br />
a esta historia a gran esc<strong>al</strong>a de la innovación artística y el cambio<br />
soci<strong>al</strong> a través de una multitud de exposiciones y programas simultáneos.<br />
Esta colaboración, la más grande jamás emprendida por las instituciones<br />
cultur<strong>al</strong>es de la región, dio inicio a través de la Fundación Getty con donaciones<br />
por US $ 10 millones. El proyecto en su conjunto explora y celebra<br />
la importancia de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundi<strong>al</strong>. Al<br />
transitar por el tumultuoso periodo de la década de 1960 y 70, Pacific<br />
Standard Time articula en una misma iniciativa el desarrollo y evolución<br />
de corrientes artísticas que van desde el Pop hasta el post-minim<strong>al</strong>ismo,<br />
de la arquitectura y diseño modernista hasta las inst<strong>al</strong>aciones multimedia,<br />
de las películas sobre la rebelión de los afro-americanos en Los<br />
Angeles hasta las actividades feministas del Woman’s Building, desde<br />
la cerámica hasta el arte chicano y desde el diseño japonés-americano<br />
hasta el trabajo pionero de colectivos de artistas.<br />
En p<strong>al</strong>abras de Deborah Marrow, Presidenta interina y CEO del Fidei<strong>com</strong>iso<br />
J. Paul Getty:<br />
“Lo que <strong>com</strong>enzó <strong>com</strong>o un esfuerzo por documentar los hitos en la historia<br />
artística de esta región se ha expandido hasta convertirse en un referente<br />
creativo tan grande que necesita la colaboración de toda la región<br />
para ser contarla.” La evolución artística de Los Angeles se presenta así<br />
mediante una amplia gama de exposiciones y programas simultáneos<br />
en los que participan instituciones de todos perfiles: desde Los Angeles<br />
County Museum of Art (LACMA), Museo de <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
(MOCA), el Hammer Museum y el Museo Getty, hasta la Biblioteca de<br />
Huntington, colecciones de arte, un Jardín Botánico, el C<strong>al</strong>ifornia Institute<br />
of the Arts (C<strong>al</strong>Arts ); el Centro de Estudios Chicanos de la UCLA, el<br />
Museo Nacion<strong>al</strong> Japonés Americano; el Watts Towers Arts Center, entre<br />
muchos otros.<br />
A partir de octubre 2011<br />
Las instituciones participantes se concentran en el área metropolitana<br />
de Los Angeles, aunque se extienden hasta San Diego, Condado de Orange,<br />
Santa Bárbara y P<strong>al</strong>m Springs. Con una programación propia, además<br />
de los socios ofici<strong>al</strong>es de esta iniciativa, muchas g<strong>al</strong>erías de Los Angeles<br />
participaron debido <strong>al</strong> papel fundament<strong>al</strong> que desempeñaron en la conformación<br />
de la escena artística angelina entre 1945 y 1980. Mark Siegel,<br />
presidente de la Junta Directiva del Fidei<strong>com</strong>iso J. Paul Getty, <strong>com</strong>entó:<br />
“Sabemos que esta época ha tenido un millón de momentos de impacto<br />
en el arte y la cultura en los Estados Unidos y más <strong>al</strong>lá. Compartir la<br />
historia de esta época se ha logrado gracias <strong>al</strong> apoyo de nuestros líderes<br />
<strong>com</strong>unitarios, fundaciones y nuestro princip<strong>al</strong> patrocinador, el Banco de<br />
América (Bank of America).”<br />
“Estamos orgullosos patrocinar este proyecto el cu<strong>al</strong> reúne a personas<br />
de todos los barrios y perfiles involucrando a casi todas las instituciones<br />
artísticas de la región. Creemos que el apoyo a las artes y la cultura contribuye<br />
a un clima en el que florece la innovación, las economías crecen,<br />
y crecen las personas, empresas y <strong>com</strong>unidades. Esperamos que nuestros<br />
centros bancarios se conviertan en nodos de información que difundan<br />
este proyecto con sus clientes de manera que el mismo se pueda<br />
<strong>com</strong>partir a tantas personas <strong>com</strong>o sea posible”; declaró Janet Lamkin,<br />
Presidente del Banco de América en el Estado de C<strong>al</strong>ifornia.<br />
Como parte del marketing cultur<strong>al</strong> desarrollado para este proyecto, las<br />
instituciones participantes implementarán un grupo de estrategias específicas<br />
entre las que destacan:<br />
1) Un centro virtu<strong>al</strong> (www.pacificstandardtime.org) en el que se ofrece<br />
información actu<strong>al</strong>izada sobre los socios participantes y las exposiciones<br />
previstas. De igu<strong>al</strong> modo el port<strong>al</strong> sitio ofrecerá herramientas que<br />
permitan <strong>al</strong> visitante diseñar sus propios recorridos así <strong>com</strong>o descargar<br />
a sus dispositivos portátiles, la información necesaria a lo largo de su<br />
recorrido.<br />
2) En el espíritu de colaboración del Pacific Standard Time, las instituciones<br />
participantes también han desarrollando un programa de promociones<br />
cruzadas en toda la región el cu<strong>al</strong> se ofrece a los visitantes<br />
animándoles a ir de un museo a otro a lo largo del circuito de eventos y<br />
exposiciones. Esta estrategia se centró especi<strong>al</strong>mente en los programas<br />
de fin de semana con la intención de atraer <strong>al</strong> público a múltiples exposiciones;<br />
de manera que puedan dar una mirada en profundidad a los<br />
12 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Por / by <strong>Arte</strong> <strong>al</strong> día <strong>México</strong><br />
Ed Ruscha, American, born 1937. Standard Station, Amarillo, Texas, 1963. Oil on canvas. Unframed: 163.8 x 309.2 cm (64 1/2 x 121 3/4 in). Hood Museum of Art, Dartmouth College,<br />
Hanover, New Hampshire; gift of James Meeker, Class of 1958, in memory of Lee English, Class of 1958, scholar, poet, athlete and friend to <strong>al</strong>l © Ed Ruscha<br />
El proyecto en su conjunto explora y<br />
celebra la importancia de los años<br />
posteriores a la Segunda Guerra Mundi<strong>al</strong>.<br />
John Mason, American, born 1927<br />
Vertic<strong>al</strong> Sculpture, Spear Form, 1957. Glazed stoneware<br />
Object: H: 171.8 x W: 71.1 x D: 30.5 cm (67 5/16 x 28 x 12 in.)<br />
Aichi Prefectur<strong>al</strong> Ceramic Museum © John Mason<br />
temas abordados. Durante octubre, los residentes del sur de C<strong>al</strong>ifornia,<br />
los turistas y el público en gener<strong>al</strong> tendrán la oportunidad de tomar los<br />
autobuses de transporte gratuito entre las instituciones participantes.<br />
3) Otra de las características de las promociones cruzadas será el programa<br />
de voluntariado destinado a proporcionar información a los visitantes<br />
de manera person<strong>al</strong>izada. Este programa desplegará en todos los<br />
sitios participantes, voluntarios fácilmente identificables quienes responderán<br />
preguntas, darán instrucciones y sugerirán otras exposiciones<br />
y programas que el visitante puede disfrutar.<br />
4) A través de su campaña de marketing y sitio web, el Pacific Standard<br />
Time reforzará las promociones cruzadas en toda la región en coordinación<br />
con instituciones de la industria turística de manera que apoyen a<br />
los visitantes que viajan <strong>al</strong> sur de C<strong>al</strong>ifornia para ser parte de este experiencia.<br />
Sobre el nacimiento de la escena artística en Los Ángeles<br />
La escena del <strong>Arte</strong> Moderno en Los<br />
Angeles tiene una historia emocionante<br />
y única que la distingue de<br />
Nueva York y otros centros del modernismo,<br />
aunque su contribución<br />
particular nunca ha sido apreciada<br />
en su tot<strong>al</strong>idad.<br />
Su origen da inicio antes de la<br />
Segunda Guerra Mundi<strong>al</strong> cuando<br />
W<strong>al</strong>ter y Louise Arensberg inst<strong>al</strong>an<br />
su in<strong>com</strong>parable colección de<br />
arte dada y surre<strong>al</strong>ista en la casa<br />
de su propiedad en Hollywood;<br />
donde tuvo un enorme impacto en<br />
la escena artística loc<strong>al</strong>. Al mismo<br />
tiempo G<strong>al</strong>ka Scheyer (art de<strong>al</strong>er<br />
de origen <strong>al</strong>emán que había emigrado<br />
a C<strong>al</strong>ifornia) trajo a la ciudad<br />
su colección definitiva del expresionismo<br />
<strong>al</strong>emán, la cu<strong>al</strong> fue donada<br />
<strong>al</strong> Museo de <strong>Arte</strong> de Pasadena<br />
(ahora el Norton Simon Museum).<br />
Diane di Prima (American, born 1934),<br />
poet George Herms (American, born 1935),<br />
cover designer LA Odyssey Poets Press, San<br />
Francisco, 1969.<br />
Offset lithograph Gift of George Herms, The<br />
Getty Research Institute, Los<br />
Angeles Cover image © George Herms<br />
2009.M.20.2<br />
La presencia de estas colecciones sugirió entonces un camino diferente<br />
para el arte moderno en Los Angeles, <strong>al</strong>ejado del post-impresionismo y el<br />
cubismo que fueron las corrientes artísticas dominantes en Nueva York<br />
y París. Una tercera indicación de los hechos por venir fue el surgimiento<br />
de estilos region<strong>al</strong>es en la arquitectura. El clima templado del sur de C<strong>al</strong>ifornia,<br />
junto con la sensibilidad modernista importada por los arquitectos<br />
austriacos y <strong>al</strong>emanes que habían emigrado, además de la tradición<br />
de las haciendas loc<strong>al</strong>es, se <strong>com</strong>binaron para producir una arquitectura<br />
destinada a tener un gran impacto en el resto de la nación.
Reseña internacion<strong>al</strong> Los Angeles / EUA<br />
Henry Takemoto, American, born 1930<br />
Untitled, 1959. Stoneware with iron and cob<strong>al</strong>t brushwork<br />
Object: H: 67.9 x Diam.: 70.5 cm (26 3/4 x 27 3/4 in.)<br />
Collection of Pier Voulkos Photo by Joe Schopplein © Henry Takemot<br />
Durante la década de 1950, Los Angeles desarrolló sus propias formas<br />
de arte <strong>com</strong>o el ensamblaje escultórico y la pintura de borde duro (hardedge<br />
painting). Este arte de vanguardia confluiría en la década de 1960<br />
en torno a dos instituciones: la G<strong>al</strong>ería Ferus (fundada por W<strong>al</strong>ter Hopps<br />
y Ed Kienholz <strong>com</strong>o el primer espacio dedicado princip<strong>al</strong>mente <strong>al</strong> nuevo<br />
arte del sur de C<strong>al</strong>ifornia) y el Museo de <strong>Arte</strong> de Pasadena. Para mediados<br />
de 1960, Los Angeles se había convertido en un centro del Pop art<br />
a la par de Nueva York y Londres a través del trabajo de artistas <strong>com</strong>o<br />
Ed Ruscha y David Hockney (los grandes cronistas de Los Ángeles), y <strong>al</strong><br />
fin<strong>al</strong> de la década una serie de artistas de Los Ángeles se había desarrollado<br />
una reputación internacion<strong>al</strong>, llegando a ser conocido en Europa<br />
antes de ser reconocidos en los Estados Unidos. Entre ellos se encontraban<br />
John B<strong>al</strong>dessari (uno de los fundadores del arte conceptu<strong>al</strong>) y Bruce<br />
Nauman (el Postminim<strong>al</strong>ista más radic<strong>al</strong> en la costa oeste).<br />
Muchos artistas en Los Ángeles también exploraron la intersección del<br />
arte y la ciencia, que culminó en el arte LACMA y el proyecto de Tecnología<br />
de 1968-1971: una serie de colaboraciones entre artistas, científicos<br />
e ingenieros. Esta conexión del arte y la ciencia también llevó a la luz de<br />
C<strong>al</strong>ifornia y el movimiento espaci<strong>al</strong>, que incluye artistas <strong>com</strong>o Robert<br />
Irwin, James Turrell y Maria Nordman. Cuando se <strong>com</strong>bina con la escena<br />
del arte de performance vibrante, este interés en la tecnología también<br />
dio lugar a una de las primeras <strong>com</strong>unidades de los Estados Unidos de<br />
los artistas de vídeo, especi<strong>al</strong>mente en Long Beach. Tan importante<br />
<strong>com</strong>o la innovación form<strong>al</strong> fue el nacimiento de la escena artística de<br />
Los Angeles, el surgimiento de artistas de las <strong>com</strong>unidades antes marginadas,<br />
junto con sus anteriores puntos de vista y sin representación en<br />
la materia, fue igu<strong>al</strong>mente cruci<strong>al</strong>.<br />
Durante la década de 1950, Los Angeles<br />
desarrolló sus propias formas de arte<br />
El período de la Generación del mexicano-americano en Los Ángeles,<br />
1945-1965, marcó el surgimiento de los primeros reconocidos artistas<br />
mexicanos de América, <strong>com</strong>o Manuel Rivera Reg<strong>al</strong>ado y Eduardo Carrillo.<br />
Estos artistas sentaron las bases para un segundo florecimiento<br />
artístico, 1965-1980, asociado con el movimiento chicano de derechos<br />
civiles. Artistas <strong>com</strong>o Gronk, Judy Baca y Patssi V<strong>al</strong>dez creó arte e instituciones<br />
que reflejan su <strong>com</strong>promiso con la protesta soci<strong>al</strong>, identidad<br />
cultur<strong>al</strong> y la conciencia histórica. A principios de la década de 1960, los<br />
artistas afroamericanos <strong>com</strong>enzaron a luchar por las oportunidades de<br />
exposición y para la contratación de curadores africanos americanos.<br />
Una exposición semin<strong>al</strong> 1966 en la UCLA titulado The negro in American<br />
Art mostró artistas de Los Ángeles y cómo, avanzada la década, los artistas<br />
de color <strong>com</strong>enzaron a tener una mayor presencia en las escuelas<br />
de arte loc<strong>al</strong>. La exclusión de su trabajo en las g<strong>al</strong>erías princip<strong>al</strong>es condujo<br />
a la creación de espacios <strong>al</strong>ternativos <strong>com</strong>o la G<strong>al</strong>ería de Brockman<br />
y G<strong>al</strong>ería 32. Estos espacios <strong>al</strong>entó un resurgimiento de las formas de<br />
expresión, de las piezas de ensamblaje de Betye Sarre y Noah Purfoy a<br />
las prácticas más abstractas y conceptu<strong>al</strong>es así <strong>com</strong>o el performace de<br />
Senga Nengudi, Hassinger Maren y David Hammons. Judy Chicago y Miriam<br />
Schapiro iniciaron el Programa de <strong>Arte</strong> Feminista en C<strong>al</strong>Arts en 1971<br />
con la emblemática exposición Womanhouse a principios de 1972. Al año<br />
siguiente, Chicago, Raven y Arlene Sheila Levrant de Bretteville fundaron<br />
el Woman’s Building en el centro de Los Angeles, que presentó cientos<br />
de exposiciones y se convirtió en un centro de arte de performance en<br />
los años setenta y ochenta. El registro de esta explosión de creatividad<br />
durante demasiado tiempo estuvo disperso en cajas y archivos de todo<br />
el sur de C<strong>al</strong>ifornia, de difícil acceso y en <strong>al</strong>gunos casos en peligro de ser<br />
perdidos o destruidos. A través de la iniciativa Pacific Standard Time, los<br />
registros se han conservado, la historia ha sido re-examinada y la historia<br />
del nacimiento de la escena artística de Los Angeles ha sido preparada<br />
para su presentación pública en las exposiciones en el sur de C<strong>al</strong>ifornia.<br />
Los Angeles, CA<br />
Autry Nation<strong>al</strong> Center / UCLA Chicano Studies Research Center<br />
Art <strong>al</strong>ong the hyphen: The Mexican - American generation<br />
10/14/2011 hasta 01/08/2012<br />
Centrándose en el periodo 1945-1965, esta exposición presenta la obra<br />
de artistas mexicanos americanos que han contribuido a la emergente<br />
iconografía de C<strong>al</strong>ifornia y sus conexiones con la imaginación colectiva<br />
de la nación, ya sea <strong>com</strong>o parte del “oeste americano”, “español de<br />
C<strong>al</strong>ifornia”, o ‘Hollywood’. Con un énfasis en la pintura y la escultura la<br />
exposición contará con el trabajo de Hernando Villa (1881-1952), Alberto<br />
V<strong>al</strong>dés (1918-1998), Domingo Ulloa (1919-97), Roberto Chávez ( 1932<br />
-), Dora de Larios (1933 -) y Eduardo Carrillo (1937-1997); explorando el<br />
diálogo de cada artista con los diversos movimientos artísticos del siglo<br />
XX refractados <strong>com</strong>o herencia cultur<strong>al</strong> construida desde la observación<br />
loc<strong>al</strong> y el <strong>com</strong>entario soci<strong>al</strong>. La muestra es también un documento que<br />
sitúa a estos artistas <strong>com</strong>o parte del movimiento de arte chicano-activo<br />
en la década de 1970.<br />
Inst<strong>al</strong>lation of The Artists' Tower of Protest], 1966.<br />
Charles Brittin (American, 1928 – 2011).<br />
Silver dye bleach print. Charles Brittin papers,<br />
The Getty Research Institute, Los<br />
Los Angeles, CA<br />
J. Paul Getty Museum<br />
Pacific Standard Time:<br />
Crosscurrents in L.A. painting and sculpture 1950-1970<br />
10/01/2011 hasta 02/05/2012<br />
Esta exposición es la culminación de una investigación de nueve años<br />
organizada por el Instituto de Investigación Getty que presenta un examen<br />
centrado de la pintura y la escultura producida en el sur de C<strong>al</strong>ifornia<br />
desde la década de 1940 hasta principios de 1970. Partiendo de<br />
archivos en las colecciones del Getty y otras fuentes de nuevo acceso<br />
<strong>com</strong>o resultado de la iniciativa, la muestra ofrecerá una re ev<strong>al</strong>uación y<br />
re interpretación del arte de Los Ángeles en la posguerra.<br />
Participan cerca de 50 artistas y se incluyen varias obras de cada uno<br />
en préstamo por eminentes colecciones nacion<strong>al</strong>es e internacion<strong>al</strong>es,<br />
permitiendo a los visitantes tener una idea de la especificidad de las<br />
prácticas individu<strong>al</strong>es, así <strong>com</strong>o el lugar de los artistas del sur de C<strong>al</strong>ifornia<br />
dentro movimientos históricos más amplios. La exposición está<br />
organizada conjuntamente por el Instituto de Investigación Getty y el<br />
Museo J. Paul Getty y viajará a la Martin-Gropius-Bau de Berlín en la<br />
primavera de 2012.<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Feminist Art Program, C<strong>al</strong>Arts.<br />
Womanhouse, 1972. Staple-bound cat<strong>al</strong>ogue<br />
The Getty Research Institute, Los Angeles. Courtesy of C<strong>al</strong>Arts Archives<br />
Getty Research Institute<br />
Greetings from L.A.: Artists and publics 1945-1980<br />
10/01/2011 hasta 02/05/2012<br />
Extraídas de los archivos del Instituto de Investigación Getty de Los<br />
Angeles; esta exposición presenta fotografías, objetos efímeros, correspondencia<br />
y obras que, <strong>al</strong> paso del tiempo, revelan cómo estos artistas<br />
difundieron su obra a un público más amplio mediante estrategias no<br />
convencion<strong>al</strong>es. A partir de la década de 1950 el sur de C<strong>al</strong>ifornia fue<br />
testigo del surgimiento de nuevas y diversas audiencias para el arte. Los<br />
movimientos soci<strong>al</strong>es y políticos que defendían la paz y el feminismo<br />
movilizaron a los artistas a llevar su mensaje a las c<strong>al</strong>les. Al tiempo que<br />
los g<strong>al</strong>eristas formaban coleccionistas, artistas <strong>com</strong>o W<strong>al</strong>lace Berman y<br />
George Herms distribuían trabajos artesan<strong>al</strong>es entre amigos, mientras<br />
que otros, incluyendo a Chris Burden, explotaban los medios de <strong>com</strong>unicación<br />
para hacer circular su obra y las escuelas de arte se convertían en<br />
foros para artistas <strong>com</strong>o Judy Chicago y John B<strong>al</strong>dessari.<br />
Plaza de Cultura y <strong>Arte</strong>s<br />
Miradas: Ancient roots in Modern Mexican art<br />
(<strong>Arte</strong> Mexicano de la colección del Bank of America)<br />
10/15/2011 hasta 01/15/2012<br />
“Miradas” es un estudio único de más de 100 obras mediante las cu<strong>al</strong>es<br />
se examina y celebra el trabajo de artistas de ambos lados de la frontera<br />
estadounidense y mexicana para así revelar las ideas soci<strong>al</strong>es y las teorías<br />
educativas adoptadas por los artistas <strong>al</strong> fin<strong>al</strong> de la Revolución Mexicana;<br />
quienes entendieron y reaccionaron ante el clima socio-político en<br />
los EE.UU. y el arte mundi<strong>al</strong> así <strong>com</strong>o a las teorías de la segunda mitad<br />
del siglo XX incorporando la política contemporánea region<strong>al</strong> <strong>al</strong> amplio<br />
conocimiento de su herencia.<br />
Participan en la exposición obras de <strong>al</strong>gunos de los artistas más conocidos<br />
de <strong>México</strong> - Diego Rivera, Rufino Tamayo, Gabriel Orozco, Manuel Alvarez<br />
Bravo, David Alfaro Siqueiros y Gunther Gerzso -, así <strong>com</strong>o <strong>México</strong><br />
Americanos <strong>com</strong>o Judith Hernández, Roberto Juárez y Robert Graham.<br />
La muestra presenta obras de artistas que han sido atraídos por las antiguas<br />
civilizaciones de <strong>México</strong> y las modernas teorías artísticas por igu<strong>al</strong>;<br />
y estudiará el impacto de estas ideas en la escena artística del sur de<br />
C<strong>al</strong>ifornia.<br />
Los Angeles County Museum of Art (LACMA)<br />
ASCO: Elite of the obscure. A retrospective 1972-1987<br />
09/04/2011 hasta 12/04/2011<br />
Esta exposición será la primera retrospectiva en presentar el extenso<br />
<strong>al</strong>cance del trabajo de performance y arte conceptu<strong>al</strong> del grupo Asco<br />
(1971-1987), que <strong>com</strong>enzó <strong>com</strong>o un grupo muy unido de los artistas<br />
del Este de Los Angeles <strong>com</strong>puesto por Gronk, Harry Gamboa Jr., Willie<br />
Herron y Patssi V<strong>al</strong>dez. Tomando una p<strong>al</strong>abra sinónimo de repugnancia<br />
y náusea, Asco difundió a través del arte público y el desempeño multimedia<br />
a las turbulencias socio-políticas desarrolladas en los Angeles y<br />
ambientes internacion<strong>al</strong>es más amplios.<br />
Instant Mur<strong>al</strong>, 1974, Asco. Performance<br />
documentation, color photograph (left to<br />
right: Gronk and Patssi V<strong>al</strong>dez ). Courtesy of<br />
Harry Gamboa, Jr.<br />
Photo: © 1974 Harry Gamboa, Jr.<br />
13
Internation<strong>al</strong> review Los Angeles / USA<br />
La Jolla y el centro de San Diego, CA<br />
Museo de <strong>Arte</strong> Contemporáneo en San Diego (MCASD)<br />
Phenomen<strong>al</strong>: C<strong>al</strong>ifornia light, space, surface<br />
09/25/2011 hasta 01/22/2012<br />
Presentada en las dos sedes del MCASD, esta muestra se centra en las<br />
investigaciones sobre la percepción re<strong>al</strong>izada en la década de 1960 por<br />
<strong>al</strong>gunos artistas en Los Angeles y el sur de C<strong>al</strong>ifornia, aspectos reconocibles<br />
hoy en muchas de las prácticas más vanguardistas. Peter Alexander,<br />
Larry Bell, Ron Cooper, Mary Corse, Robert Irwin, Craig Kauffman, Bruce<br />
Nauman, Eric Orr, Helen Pashgian, James Turrell, De Wain V<strong>al</strong>entin y Douglas<br />
Wheeler están entre un grupo de artistas que fue pionero en desarrollar<br />
enfoques distintivos centrados en la percepción visu<strong>al</strong> en lugar de<br />
los objetos. La exposición incluye pinturas, dibujos y esculturas de resina<br />
y acrílico, así <strong>com</strong>o inst<strong>al</strong>aciones en las que el medio predominante es<br />
la luz.<br />
www.pacificstandardtime.org<br />
- un centro virtu<strong>al</strong> -<br />
en el que se ofrece información actu<strong>al</strong>izada<br />
To begin in October 2011 in museums throughout Southern<br />
C<strong>al</strong>ifornia<br />
Pacific Standard Time is a collaboration of more than sixty cultur<strong>al</strong><br />
institutions across Southern C<strong>al</strong>ifornia, <strong>com</strong>ing together<br />
for six months beginning in October 2011 to tell the story of the<br />
birth of the Los Angeles art scene and how it became a major<br />
new force in the art world. Each institution will make its own<br />
contribution to this grand-sc<strong>al</strong>e story of artistic innovation and<br />
soci<strong>al</strong> change, told through a multitude of simultaneous exhibitions<br />
and programs.<br />
Exploring and celebrating the significance of the cruci<strong>al</strong> years<br />
after World War II through the tumultuous period of the 1960s<br />
and 70s, Pacific Standard Time en<strong>com</strong>passes developments<br />
from L.A. Pop to post-minim<strong>al</strong>ism; from modernist architecture<br />
and design to multi-media inst<strong>al</strong>lations; from the films of the<br />
African-American L.A. Rebellion to the feminist activities of the<br />
Woman’s Building; from ceramics to Chicano performance art;<br />
and from Japanese-American design to the pioneering work of<br />
artists’ collectives.<br />
Initiated through $10 million in grants from the Getty Foundation,<br />
Pacific Standard Time involves cultur<strong>al</strong> institutions of every<br />
size and character across Southern C<strong>al</strong>ifornia, from Greater Los<br />
Angeles to San Diego and Santa Barbara to P<strong>al</strong>m Springs. Pacific<br />
Standard Time is an initiative of the Getty. The presenting<br />
sponsor is Bank of America.<br />
Long Beach, CA<br />
Museo de <strong>Arte</strong> Contemporáneo (MOCA)<br />
The Geffen Contemporary<br />
Under the big black sun: C<strong>al</strong>ifornia art 1974-1981<br />
10/02/2011 hasta 02/13/2012<br />
Esta exposición constituye la más <strong>com</strong>pleta revisión hecha hasta la fecha<br />
de la diversa y excepcion<strong>al</strong> práctica artística en C<strong>al</strong>ifornia a mediados de<br />
la década de 1970, un período enmarcado por la ignominiosa renuncia<br />
de Richard Nixon y su retiro <strong>al</strong> sur de C<strong>al</strong>ifornia en 1974 a raíz de la guerra<br />
de Vietnam, par<strong>al</strong>elo <strong>al</strong> aplastante triunfo del gobernador de C<strong>al</strong>ifornia,<br />
Ron<strong>al</strong>d Reagan y su ascenso a la presidencia estadounidense en 1981.<br />
Organizado por Paul Schimmel, jefe de curadores del MOCA; la exposición<br />
contará con obras de unos 125 artistas que trabajan en una amplia<br />
gama de medios y estilos para demostrar cómo la pérdida colectiva de<br />
la fe en el gobierno y otras formas institucion<strong>al</strong>izadas de autoridad ha<br />
dado <strong>com</strong>o resultado un espíritu plur<strong>al</strong>ista de libertad y experimentación<br />
que <strong>al</strong>canzó su cúspide artística en C<strong>al</strong>ifornia, un terreno fértil para la<br />
creatividad y la f<strong>al</strong>ta de conformidad.<br />
PACIFIC STANDARD TIME Art in L.A. 1945-1980<br />
About the Birth of the Los Angeles Art Scene<br />
Modern art in Los Angeles has an exciting and vibrant history.<br />
Its unique artistic trajectory sets it apart from New York and<br />
other centers of modernism, but its distinctive contributions<br />
have never been fully appreciated. Before the Second World War,<br />
W<strong>al</strong>ter and Louise Arensberg inst<strong>al</strong>led their in<strong>com</strong>parable collection<br />
of Dada and Surre<strong>al</strong>ist art in their home in Hollywood,<br />
where it had an enormous impact on the loc<strong>al</strong> art scene. At the<br />
same time, the German émigré de<strong>al</strong>er G<strong>al</strong>ka Scheyer brought<br />
her definitive collection of German Expressionism to Los Angeles,<br />
where it was eventu<strong>al</strong>ly donated to the Pasadena Art Museum<br />
(now the Norton Simon Museum). The presence of these<br />
collections <strong>al</strong>ready suggested a different path for modern art<br />
in Los Angeles, one not based on the Post-Impressionism and<br />
Cubism that were so dominant in the New York and Parisian art<br />
worlds. A third indication of the developments to <strong>com</strong>e was the<br />
emergence of region<strong>al</strong> styles in architecture. The mild climate<br />
of Southern C<strong>al</strong>ifornia, together with the modernist sensibilities<br />
imported by Austrian and German émigré architects and the indigenous<br />
hacienda tradition, <strong>com</strong>bined to produce structures by<br />
architects including Richard Neutra and John Lautner that were<br />
destined to have a great impact on the rest of the nation.<br />
Betye Saar, American, born 1926. The Phrenologer’s Window, 1966. Assemblage of two panel wood frame with print and collage. Object: H: 47 x W: 74.6 x D: 3.8 cm (18 1/2 x 29<br />
3/8 x 1 in.). Private collection; courtesy of Michael Rosenfeld G<strong>al</strong>lery, LLC, New York, NY © Betye Saar<br />
By the 1950s, Los Angeles was developing its own art forms,<br />
such as assemblage sculpture and hard-edge painting. This<br />
avant-garde art co<strong>al</strong>esced in the early 1960s around two institutions:<br />
the Ferus G<strong>al</strong>lery (founded by W<strong>al</strong>ter Hopps and Ed<br />
Kienholz as the first exhibition space devoted princip<strong>al</strong>ly to<br />
new Southern C<strong>al</strong>ifornia art) and the Pasadena Art Museum.<br />
By the mid-1960s, Los Angeles had be<strong>com</strong>e a center of Pop art<br />
on par with New York and London through the work of artists<br />
such as Ed Ruscha and David Hockney (the great chroniclers<br />
of Los Angeles), and by the end of the decade a number of Los<br />
14 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Vija Celmins, American, born Latvia, 1938 Freeway, 1966. Oil on canvas.<br />
Unframed: 44.5 x 67 cm (17 1/2 x 26 3/8 in.) Collection of Harold Cook, Ph.D<br />
Image courtesy McKee G<strong>al</strong>lery, New York © Vija Celmin<br />
Angeles artists had developed internation<strong>al</strong> reputations, be<strong>com</strong>ing<br />
well-known in Europe before they were recognized in the<br />
United States. Among them were John B<strong>al</strong>dessari (one of the<br />
founders of Conceptu<strong>al</strong> art) and Bruce Nauman (the most radic<strong>al</strong><br />
Postminim<strong>al</strong>ist on the West Coast). Many artists in Los Angeles<br />
<strong>al</strong>so explored the intersection of art and science, culminating<br />
in LACMA’s Art and Technology project of 1968-1971: a series<br />
of collaborations among artists, scientists and engineers. This<br />
art-and-science connection <strong>al</strong>so led to the C<strong>al</strong>ifornia Light and<br />
Space movement, which included artists such as Robert Irwin,<br />
James Turrell and Maria Nordman. When <strong>com</strong>bined with the<br />
vibrant performance art scene, this keen interest in technology<br />
<strong>al</strong>so gave rise to one of America’s earliest <strong>com</strong>munities of video<br />
artists, particularly in Long Beach.<br />
As important as form<strong>al</strong> innovation was to the birth of the Los<br />
Angeles art scene, the emergence of artists from previously<br />
margin<strong>al</strong>ized <strong>com</strong>munities, <strong>al</strong>ong with their previously unrepresented<br />
viewpoints and subject matter, was equ<strong>al</strong>ly cruci<strong>al</strong>.<br />
The period of the Mexican American Generation in Los Angeles,<br />
1945–1965, marked the emergence of the first widely recognized<br />
Mexican American artists, such as Manuel Rivera Reg<strong>al</strong>ado and<br />
Eduardo Carrillo. These artists laid the groundwork for a second<br />
artistic flowering, 1965–1980, associated with the Chicano civil<br />
rights movement. Artists such as Gronk, Judy Baca and Patssi<br />
V<strong>al</strong>dez created art and institutions that reflected their <strong>com</strong>mitment<br />
to soci<strong>al</strong> protest, cultur<strong>al</strong> identity and historic<strong>al</strong> awareness.<br />
At the beginning of the 1960s, African American artists began<br />
to fight for exhibition opportunities and for the hiring of African<br />
American curators. A semin<strong>al</strong> 1966 exhibition at UCLA entitled<br />
The Negro in American Art showcased Los Angeles artists, and<br />
as the decade progressed, artists of color began to have a greater<br />
presence in loc<strong>al</strong> art schools. The exclusion of their work from<br />
mainstream g<strong>al</strong>leries led to the establishment of <strong>al</strong>ternative venues<br />
such as the Brockman G<strong>al</strong>lery and G<strong>al</strong>lery 32. These spaces<br />
encouraged a burgeoning of modes of expression, from the<br />
assemblage pieces of Betye Saar and Noah Purifoy to the more<br />
abstract and conceptu<strong>al</strong> practices and performance of Senga<br />
Nengudi, Maren Hassinger and David Hammons.<br />
Judy Chicago and Miriam Schapiro started the Feminist Art<br />
Program at C<strong>al</strong>Arts in 1971, producing the landmark exhibition<br />
Womanhouse in early 1972. The next year Chicago, Arlene Raven<br />
and Sheila Levrant de Bretteville founded the Woman’s Building<br />
in downtown Los Angeles, which presented hundreds of exhibitions<br />
and became a center for performance art in the seventies<br />
and eighties. The record of this prolonged outburst of creativity<br />
was for too long scattered in cartons and files <strong>al</strong>l over Southern<br />
C<strong>al</strong>ifornia, difficult to access and in some cases in danger of being<br />
lost or destroyed.<br />
Through the Pacific Standard<br />
Time initiative, the records<br />
have been preserved, the history<br />
has been re-examined,<br />
and the full story of the birth<br />
of the Los Angeles art scene<br />
has been readied for public<br />
presentation at exhibitions<br />
throughout Southern C<strong>al</strong>ifornia.<br />
It Terrifies Me..., 1980, Raymond Pettibon.<br />
Print on paper. 11 x 8 1/2 in. Collection<br />
of The Museum of Contemporary Art, Los<br />
Angeles, gift of Barry Sloane. Courtesy Regen<br />
Projects, Los Angeles, CA
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
15
Artista invitado / Portada Ciudad de <strong>México</strong> / <strong>México</strong><br />
Ángel Ricardo Ricardo Ríos<br />
Cuando Ángel Ricardo Ríos (ARRR) se encuentra en frente<br />
de un lienzo o cartón, da inicio a una especie de expedición<br />
con equipaje ligero. De vuelta de sus correrías lo<br />
vemos llevando contenedores llenos de formas, colores y sombras.<br />
Aunque el tema relacionado con los objetos es distintivo en el<br />
trabajo desarrollado anteriormente, éste lleva una vida par<strong>al</strong>ela y<br />
autónoma a otras expresiones de su producción artística.<br />
¿Será su obra un arte-objeto presentado en forma bi-dimension<strong>al</strong>? ¿Serán<br />
sus lienzos y cartulinas con dibujos tri-dimension<strong>al</strong>es? Está claro que<br />
el trabajo artístico de ARRR se ha movido y ha evolucionado con facilidad<br />
en estas dos direcciones; aunque simultáneas en el tiempo y tot<strong>al</strong>mente<br />
indivisibles en su desarrollo, autónomas en cuanto a expresividad.<br />
El punto de partida de ARRR es la eliminación del contexto en el que los<br />
objetos están colocados mediante la ruptura de sus cu<strong>al</strong>idades útiles.<br />
Además de esto (sea en pinturas o esculturas), las obras van provistas<br />
con un carácter que pide ser <strong>com</strong>pletado, entre el objeto escultórico o un<br />
dibujo. Pero en todos los casos, son más que eso. Las piezas en tres dimensiones<br />
son objetos perfectamente y claramente definidos, con una<br />
notoria vocación escultórica (a veces útil) y lo mismo sucede con obras<br />
bidimension<strong>al</strong>es que son autónomas a aquello que representan. T<strong>al</strong> vez<br />
esta asepsia engañosa presente en sus objetos es la que se convierte en<br />
el lienzo en rápido movimiento y en trabajo aparentemente sin terminar.<br />
Gran parte de su pintura sostiene fuertes lazos con sus objetos escultóri-<br />
Sin título, óleo y carbón sobre tela, 200 x 280 cm.<br />
¿Objetos bi-dimesion<strong>al</strong>es o dibujos en tres dimensiones?<br />
cos y viceversa; sin embargo, esa relación íntima entre volumen y lo que<br />
aparece en un lienzo va más <strong>al</strong>lá del acto de pintar con cierta sustancia o<br />
esculpir una figura de dos dimensiones.<br />
Esta aparente y simple relación entre disciplinas tiene un desarrollo<br />
par<strong>al</strong>elo; coexisten <strong>com</strong>plementándose <strong>al</strong> mismo tiempo que niegan su<br />
vínculo. Una pintura que representa posibles objetos es exactamente<br />
eso, una representación, no los objetos mismos. Por otro lado, los objetos<br />
creados que llenan el espacio de una g<strong>al</strong>ería de arte, un museo o una<br />
casa, no significan solo aquello que estaba pintado, sino aquello pero con<br />
volumen y, a veces, con la posibilidad de ser útiles para su propietario.<br />
La pantera rosa, plástico y MDF laqueado, 110 x 110 x 100 cm., 2008<br />
16 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Por / By Santiago Espinosa de los Monteros<br />
T<strong>al</strong>ler del artista<br />
El punto de partida de ARRR es la eliminación del contexto en<br />
el que los objetos están colocados mediante la ruptura de sus<br />
cu<strong>al</strong>idades útiles<br />
Frente a los objetos, el espectador es un usuario potenci<strong>al</strong>. Cuando se enfrenta a los dibujos que se convierte<br />
en un ser que disfruta del juego íntimo de <strong>com</strong>pletar las partes que <strong>al</strong> parecer f<strong>al</strong>tan <strong>al</strong> echar un vistazo. Esta<br />
meticulosa f<strong>al</strong>ta de cuidado que resulta en una aparente huella sin terminar, viene de las largas meditaciones<br />
que el artista sostiene delante de sus cuadros; la forma obsesiva en la que pone un punto aquí, sombra <strong>al</strong>lá, nos<br />
revela a un artista con una mirada profunda y un riguroso proceso. T<strong>al</strong> es el caso de las evocaciones hechas con<br />
carbón donde el volumen, la profundidad y la sombra muestran la natur<strong>al</strong>eza excepcion<strong>al</strong> de los dibujos.<br />
Algunas de sus obras transitan por pasajes de lujuria. Encuentros, participaciones, intentos de escape que<br />
envuelve los cuerpos en una sensu<strong>al</strong>idad en la que se encuentran y fusionan. Un haz de luz se convierte en un<br />
triángulo enorme y representa formas suaves en las cu<strong>al</strong>es nuestros ojos viajan cómodamente de una curva a<br />
otra, de un pliegue a otro, de un encuentro a otro.
Guest artist / Cover Mexico City / Mexico<br />
Bidimension<strong>al</strong> objects or<br />
drawings in three<br />
dimensions<br />
When Angel Ricardo Ríos (hereafter ARRR) sets in<br />
front of a canvas or a cardboard, he starts with a<br />
sort of a light-baggage expedition. Back from his raids, we<br />
see him carrying <strong>al</strong>ong containers packed with forms, colors,<br />
shadows and drippings. Though theme-related with<br />
objects he himself has previously developed, they lead a<br />
par<strong>al</strong>lel and autonomous life, not subject to other expressions<br />
of his artistic production. Is sculptured art-object<br />
presented in a double-dimension<strong>al</strong> form? Were painted<br />
canvas and cardboards with drawings three-dimension<strong>al</strong>?<br />
Acceptable answers aside, it is clear that ARRR’s artistic<br />
work has moved and evolved easily in these two directions.<br />
Although simultaneous in time and tot<strong>al</strong>ly indivis-<br />
Obras de la serie “Objetos de placer”, carbón y acuarela sobre papel, 101 x 72 cm., 2011.<br />
Mur<strong>al</strong>, óleo y carbón sobre tela, 260 x 1080 cm., 2010-2011.<br />
ible in their development, they are however autonomous<br />
concerning expressiveness. Both objects and paintings<br />
produced by the artist have proposed a new reading for<br />
those themes considered to be “used up” not long ago or<br />
exclusive domains for architects and designers.<br />
ARRR’s starting point, searching as he is for an origin<strong>al</strong><br />
glance, is to eliminate the context objects are placed<br />
in by breaking off their useful qu<strong>al</strong>ities. In addition to<br />
this (either in paintings or sculptures) he furnishes the<br />
objects with a distinctive and peculiar nature that make<br />
them look in front of our eyes like works standing h<strong>al</strong>f<br />
their way to be <strong>com</strong>pleted, between the sculptured object<br />
or a rough drawing closer to the sketch or the draft.<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
But in every case, they are more than that. The three-dimension<strong>al</strong><br />
pieces are objects perfectly and clearly defined<br />
with a notorious sculptur<strong>al</strong> vocation (sometimes useful),<br />
and the same happens with two-dimension<strong>al</strong> works,<br />
which are autonomous (concerning discipline terms)<br />
from what they represent.<br />
Perhaps this misleading asepsis present in his objects<br />
be<strong>com</strong>es fast stroke and seemingly unfinished labor in<br />
his canvas. We <strong>al</strong>l know that much of his painting has<br />
manifest moorages with sculptur<strong>al</strong> objects (and these<br />
with his painting). However, that intimate relation between<br />
what it bears some volume and what it appears<br />
on a canvas, goes beyond the act of painting that with<br />
certain substance or sculpting a two-dimension<strong>al</strong> shape.<br />
This apparent and simple disciplinary relation has a par<strong>al</strong>lel<br />
development. They coexist by <strong>com</strong>plementing themselves<br />
and while denying each other they get support as<br />
well. A painting by ARRR representing possible objects is<br />
exactly that, a representation, not the objects themselves.<br />
On the other hand, those objects created and filling a<br />
three-dimension<strong>al</strong> space in an art g<strong>al</strong>lery, a museum or a<br />
house, mean not what was painted but that with volume;<br />
sometimes with the generous possibility of being useful<br />
for the owner.<br />
In front of the objects, the spectator is a potenti<strong>al</strong> user.<br />
When he faces the drawings he be<strong>com</strong>es an excited being<br />
that enjoys that intimate and person<strong>al</strong> game of <strong>com</strong>pleting<br />
the apparently missing parts by taking a glance. This<br />
meticulous carelessness resulting in a unfinished imprint<br />
appearance, <strong>com</strong>es from ARRR’s long meditations in<br />
front of his paintings, while the obsessive way in which<br />
he places a spot here, a shadow there, reve<strong>al</strong>s to us an<br />
artist with a thorough look and rigorous process. Such is<br />
the case of the evocations to cushions made with charco<strong>al</strong>,<br />
where volume, depth, ground and shadow show us<br />
the outstanding nature of the drawings. Again and again,<br />
we found the painted issue thrown into itself. No doubts<br />
the eyes are on the canvas or cardboards, but it is <strong>al</strong>so<br />
true that memories are connected with the object. Here<br />
lies, perhaps, one of the main attractions of these works:<br />
cushions placed over floating funnels, a hodgepodge of<br />
enlighten pillows on a table or overflowing a cone, <strong>al</strong>l of<br />
them evoking what was represented and now shown in its<br />
poetic form.<br />
Some of his works transport us to passages of lust. Encounters,<br />
involvements, attempts to escape. Those would<br />
be some of the exploits ac<strong>com</strong>plished by ARRR when an<br />
armchair (or something similar to) wraps with its body<br />
a huge pile of cushions or when two enormous shapes<br />
sensu<strong>al</strong>ly meet and merge each other, while the existence<br />
and separating nature of their bases is left in an absurd<br />
position. These spacious groups of cushions are restless.<br />
The feeling <strong>com</strong>es may be from inside or from the <strong>com</strong>ics,<br />
where the drawing plays the main character and expressiveness<br />
is the most distinctive tool. Therefore a beam of<br />
light be<strong>com</strong>es an enormous triangle and represented soft<br />
forms make our eyes travel <strong>com</strong>fortably from one curve to<br />
another; from one pleat to another; from one encounter<br />
to another.<br />
Artista perteneciente a la Colección Pago en especie<br />
presentado en el Museo de la SHCP (Ciudad de <strong>México</strong>)<br />
www.angelricardoricardoris.<strong>com</strong><br />
17
Artista invitado Tijuana / <strong>México</strong><br />
Lugo<br />
Hugo Lugo Demasiado tarde, demasiado lejos<br />
S in<br />
duda Hugo Lugo (Los Mochis, Sin<strong>al</strong>oa, 1974) es uno de los artistas más importantes en la escena del arte contemporáneo en <strong>México</strong>. Desde 1996 ha trabajado y expuesto en diferentes espacios en<br />
el país y el extranjero. Siendo representado por Ginocchio G<strong>al</strong>ería en la ciudad de <strong>México</strong> desde hace ya nueve años, es importante mencionar su participación en el Centro Cultur<strong>al</strong> de Tijuana (CECUT,<br />
(2007) en donde presentó la pieza efímera titulada El límite de la memoria, la cu<strong>al</strong> consistió en la creación de una intervención pictórica en los muros de la s<strong>al</strong>a del centro a<strong>com</strong>pañándola con efectos<br />
sonoros y elementos tridimension<strong>al</strong>es. En una manera muy gener<strong>al</strong>, la pieza versaba sobre la relación del hombre con la natur<strong>al</strong>eza y a partir de entonces, para Hugo Lugo representó una forma de experimentar<br />
la pintura de un modo diferente.<br />
“Ensayo para elaborar un desastre – paisaje expandido”<br />
Pintura acrílica sobre paneles de madera, 240x120 c/u, 2009.<br />
Poco después desarrollaría la serie de “bocetos” que resultan <strong>com</strong>o hojas<br />
de cuaderno en gran formato; piezas caracterizadas por una aparente<br />
simplicidad pero que en re<strong>al</strong>idad son obras llenas de significado. Con<br />
esta serie obtuvo el Premio Adquisición de la XIV Bien<strong>al</strong> de Pintura Rufino<br />
Tamayo en 2008. Su lenguaje pictórico era característico hasta el año<br />
pasado; en que por primera vez presentó su primera exposición multidisciplinaria<br />
en el Centro de las <strong>Arte</strong>s de Monterrey titulada La superficie del<br />
precipicio, la cu<strong>al</strong> después de haber concluido, itineró en el Museo de <strong>Arte</strong><br />
de Sonora (MUSAS) fin<strong>al</strong>izando en febrero de este año. Recientemente<br />
presentó su exposición multidisciplinaria Demasiado tarde, demasiado<br />
lejos en el Museo de <strong>Arte</strong> de Sin<strong>al</strong>oa (MASIN) en la ciudad de Culiacán. En<br />
ella se presentaron más de 25 obras que van desde pinturas, fotografías,<br />
videos e intervenciones objetu<strong>al</strong>es hasta dibujos con un marcado tono<br />
conceptu<strong>al</strong> referido a la memoria; resultado de una serie de estancias y<br />
recorridos por parajes del entorno geográfico del norte de este estado de<br />
la República Mexicana.<br />
“Estudio para recrear un acto”<br />
Tinta y goauche s/papel arches c<strong>al</strong>ado, 75 x 55 cm. 2011<br />
Spotlight Artist Art San Diego 2011<br />
Esta exposición es un claro ejemplo de las<br />
convergencias que pueden existir entre lo<br />
tradicion<strong>al</strong> y el arte contemporáneo<br />
“Apuntes para entenderse” Óleo y acrílico s/tela 122 x 184 cm. 2010.<br />
Entre charlas Hugo Lugo me explicó que el título de este proyecto surgió<br />
del h<strong>al</strong>lazgo de un pasaje en el libro “Anatomía del miedo” del filósofo Español<br />
José Antonio Marina; en donde relata la anécdota de un sujeto que<br />
presencia un suceso dramático desde una distancia y en un momento que<br />
le hacen sentir el pesar de estar ahí: “demasiado tarde, demasiado lejos”.<br />
Cita Hugo Lugo: “Rescato esta frase pues me remite acertadamente a un<br />
fenómeno inevitable y sobrecogedor, a aspectos perceptibles que han tenido<br />
y siguen teniendo un papel relevante en mi trabajo: la distancia y el<br />
tiempo/espacio ex<strong>al</strong>tados”.<br />
Esta exposición es un claro ejemplo de las convergencias que pueden<br />
existir entre lo tradicion<strong>al</strong> y el arte contemporáneo. Destaca por mucho<br />
el énfasis que en esta ocasión recibe la construcción de piezas a partir<br />
de una investigación de los procesos asociadas <strong>al</strong> dibujo característico<br />
del artista <strong>com</strong>o elemento centr<strong>al</strong> del discurso. Representa, además,<br />
una exploración del carácter primario del dibujo <strong>com</strong>o representación y<br />
su relación con materi<strong>al</strong>es <strong>com</strong>o la madera, el carbón, el grafito e incluso<br />
con cosas menos tangibles <strong>com</strong>o la idea de origen y natur<strong>al</strong>eza; las cu<strong>al</strong>es<br />
siguen siendo elementos y factores indispensables de inspiración en el<br />
discurso del artista desde sus inicios hasta la actu<strong>al</strong>idad.<br />
18 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Por / by Alfredo Ginocchio<br />
Recientemente la g<strong>al</strong>ería Patricia Ready en Santiago de Chile (a través de<br />
Ginocchio G<strong>al</strong>ería) ha <strong>al</strong>bergado la exposición individu<strong>al</strong> de Hugo Lugo titulada<br />
Nuevos poemas para la cu<strong>al</strong> el artista elaboró una serie de obras en<br />
papel y <strong>al</strong>gunas otras en tela las cu<strong>al</strong>es son una continuación del proyecto<br />
previamente descrito <strong>com</strong>o “bocetos” y “estudios”, que le ha ocupado los<br />
últimos años y que <strong>com</strong>o dato importante, sería esta la primera ocasión<br />
en que el artista presenta un conjunto tan amplio de esta serie para una<br />
muestra individu<strong>al</strong>.<br />
A lo largo de su trayectoria este artista ha participado en importantes ferias<br />
de arte en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa con lo cu<strong>al</strong> ha colocado<br />
lo “sublime” de su obra en numerosas colecciones privadas a nivel<br />
internacion<strong>al</strong> mediante un Romanticismo pictórico en el cu<strong>al</strong> los sujetos<br />
pasan a segundo plano otorgando el protagonismo <strong>al</strong> resto de la escena y<br />
a la situación que se les presenta.<br />
“Estudio para descubrir el origen”<br />
Tinta, goauche e hilo s/papel artches c<strong>al</strong>ado, 75 x 55 cm. 2011.
Guest artist Tijuana / Mexico<br />
Hugo Lugo<br />
Too late, too far away<br />
Spotlight Artist<br />
Art San Diego 2011<br />
Without a doubt Hugo Lugo (Los Mochis, Sin<strong>al</strong>oa, 1974) is<br />
one of the most important artists in the Mexican contemporary<br />
art scene. Since 1996 his work has been exhibited<br />
in different spaces in the country and abroad. Represented<br />
by Ginocchio g<strong>al</strong>lery in Mexico City for the past nine years,<br />
it is important to mention his participation in the Tijuana<br />
Cultur<strong>al</strong> Center (CECUT, 2007) where he presented the piece<br />
entitled El límite de la memoria (The limit of memory),<br />
which consisted in a pictori<strong>al</strong> intervention on the w<strong>al</strong>ls of the<br />
cultur<strong>al</strong> center ac<strong>com</strong>panied with sound effects and threedimension<strong>al</strong><br />
elements. In a very gener<strong>al</strong> way the piece was<br />
about the relationship between man and nature, but the<br />
experience represented way to Hugo Lugo a different way to<br />
understand the painting.<br />
Shortly after he developed the series of “sketches” that are<br />
like sheets of large format book, pieces characterized by an<br />
apparent simplicity but which are actu<strong>al</strong>ly a meaningful work.<br />
This series won the Acquisition Prize of the XIV Bien<strong>al</strong> Rufino<br />
Tamayo Painting in 2008; and are part of a pictori<strong>al</strong> language<br />
characteristic since in his first exhibition to the last at the<br />
Center for Multidisciplinary Arts in Monterrey (2010) entitled<br />
La superficie del precipicio (The surface of the cliff), which<br />
travelled to the Sonora Museum of Art (MUSAS) ending in<br />
February this year. Recently he showed a multidisciplinary<br />
show, Demasiado tarde, demasiado lejos (Too late, too far<br />
away) at the Museo de <strong>Arte</strong> de Sin<strong>al</strong>oa (MASIN) in the city<br />
of Culiacan. In it were included more than 25 works ranging<br />
from paintings, photographs, videos and objectu<strong>al</strong> interventions<br />
to drawings with a strong conceptu<strong>al</strong> tone referred to<br />
the memory; <strong>al</strong>l of them as the result of a series tours made<br />
in the geographic<strong>al</strong> environment of this state in the north of<br />
Mexico.<br />
Among chatters Hugo Lugo explained to me that the title of<br />
this project came from the discovery of a passage in the book<br />
“Anatomy of Fear” of the Spanish philosopher José Antonio<br />
Marina, where he tells the story of a person who witnesses a<br />
dramatic event from a distance and at a time that makes him<br />
regret being there: “too late, too far away.” Hugo Lugo <strong>com</strong>ments:<br />
“I rescued this phrase because it makes think about<br />
an overwhelming and inevitable phenomenon; disturbing noticeable<br />
aspects that have been and still have an important<br />
role in my work: the distance and the ex<strong>al</strong>ted time / space.”<br />
“Memori<strong>al</strong>” Óleo y acrílico s/MDF, 100 x 150 cm. 2010.<br />
“Boceto para perder <strong>al</strong> enemigo” Óleo y acrílico s/tela142 x 11 cm. 2001.<br />
This exhibition is a clear example of the convergences that exist between tradition<strong>al</strong> and contemporary art. With this show<br />
is highlighted the construction of the artwork as part of an investigation about the processes in drawing associated with this<br />
artist discourse. It <strong>al</strong>so represents an exploration of drawing as a primary basis of representation and its relationship to materi<strong>al</strong>s<br />
such as wood, charco<strong>al</strong>, graphite and even less tangible things like the idea of __an origin and nature, which remain<br />
indispensable elements and factors of inspiration in the artist’s speech from its beginnings to the present.<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Throughout his career Hugo Lugo has participated in major<br />
art fairs in Latin America, USA and Europe placing the “sublime”<br />
of his work in numerous private collections worldwide<br />
through a pictori<strong>al</strong> Romanticism in which subjects give the<br />
main role to the rest of the scene.<br />
His work is about<br />
the relationship<br />
between man<br />
and nature<br />
represented in<br />
a different way<br />
to understand<br />
painting.<br />
“Sin título (Le Fígaro)”<br />
Acrílico, óleo y oro f<strong>al</strong>so s/tela<br />
200 x 150 cm.<br />
2010.<br />
Artista representado por G<strong>al</strong>ería Alfredo Ginocchio<br />
Ciudad de <strong>México</strong> • www.gicocchiog<strong>al</strong>eria.<strong>com</strong><br />
19
Artista invitado / Guest artist Guad<strong>al</strong>ajara / <strong>México</strong><br />
C on<br />
Enrique Hernández<br />
La poética del vacío virtu<strong>al</strong><br />
el surgimiento de la fotografía se creyó que la pintura estaba a punto de desaparecer; sin embargo –y por el contrario-, la<br />
pintura se liberó y tomó nuevos rumbos <strong>com</strong>o forma de expresión estética. Más aún, casi de inmediato <strong>al</strong>gunos pintores encontraron<br />
en el invento de Daguerre un v<strong>al</strong>ioso <strong>al</strong>iado que les permitiría crear obras –retratos sobre todo- con menos <strong>com</strong>plicaciones<br />
y atender más a la pintura <strong>com</strong>o t<strong>al</strong> que a la “re<strong>al</strong>idad” <strong>com</strong>o hasta entonces se concebía. Un ejemplo es Edgar Degas, quien además de<br />
v<strong>al</strong>erse de placas fotográficas para hacer <strong>al</strong>gunos cuadros, fue un entusiasta practicante y promotor de la fotografía. Desde entonces<br />
la fotografía y la pintura han colaborado mutuamente en la creación de imágenes sin que por ello hayan perdido sus características<br />
particulares que las singularizan.<br />
En la obra pictórica de Enrique Hernández hay cierto par<strong>al</strong>elismo con aquellos artistas. En su obra utiliza a fotografía digit<strong>al</strong> y la <strong>com</strong>putadora <strong>com</strong>o<br />
base para re<strong>al</strong>izar sus creaciones; no es la suya, sin embargo, una pintura de imitación que se sustente y regodee solamente en el trampantojo, sino<br />
un estudio de los principios físicos y tecnológicos de la cibernética que crean la gama cromática en las imágenes de los monitores, así <strong>com</strong>o las<br />
posibilidades de <strong>al</strong>teración y modificación que ofrecen diversos programas. Con estas bases el pintor traslada las imágenes elegidas a sus lienzos<br />
y con una p<strong>al</strong>eta ceñida a los propósitos previamente establecidos da forma a la escena materi<strong>al</strong>izando lo que antes era sólo un espectro virtu<strong>al</strong>. Es<br />
durante este proceso en que el pintor decide someterse a los dictados de la pintura para no quedar en la mera traslación ilustrativa de una fotografía<br />
manipulada y <strong>al</strong>terada, logrando así la c<strong>al</strong>idez de un cuadro que establece un diálogo con el espectador.<br />
Enrique Hernández se ha propuesto capturar –<strong>com</strong>o los impresionistas- la <strong>com</strong>posición cromática que ofrecen las herramientas tecnológicas bajo<br />
un postulado conceptu<strong>al</strong> contemporáneo. De ahí que se sienta identificado con el pintor <strong>al</strong>emán Gerhard Richter quien basa su obra en modelos<br />
fotográficos. Los propósitos de Richter y de Hernández son, desde luego, diferentes; el <strong>al</strong>emán se basa en fotografías de álbumes de familia para representar<br />
“la reproducción fotográfica <strong>com</strong>o un fragmento de la re<strong>al</strong>idad objetiva”, según el historiador Klaus Honnef; mientras que el pintor tapatío<br />
trabaja de acuerdo con lo que él mismo señ<strong>al</strong>a <strong>com</strong>o “los remanentes del deterioro de las imágenes y otras formas, [así] me acerco a una revelación<br />
de lo univers<strong>al</strong>, mientras se retienen las resonancias metafóricas y poéticas” de la pintura.<br />
El paisaje urbano es una de sus preocupaciones temáticas no sólo por las posibilidades estéticas que ofrece cada escenario por él elegido. Sus<br />
escenas no son espectaculares ni tienen la grandilocuencia que suele manejar la visión romántica de cierta pintura con tema urbano. Árboles cercenados,<br />
banquetas y bodegas deterioradas, vías del tren en desuso, postes de <strong>al</strong>umbrado público y avenidas arboladas, nos hablan de un entorno<br />
citadino que nos es familiar pero que no se identifica o reconoce con un sitio específico; es decir, puede pertenecer a cu<strong>al</strong>quier lugar donde la injuria<br />
y la agresión humana hacia la natur<strong>al</strong>eza son práctica <strong>com</strong>ún. La de Hernández no es, sin embargo, una pintura testimoni<strong>al</strong> porque ante todo él<br />
asume la disciplina pictórica <strong>com</strong>o una profesión que demanda oficio, estudio, seriedad y concentración, no sólo <strong>com</strong>o un ejercicio de ilustración de<br />
un tema con tintes de denuncia soci<strong>al</strong> (que en todo caso ésta estará implícita en la obra). Así pues, el artista plantea en cada pieza una caus<strong>al</strong>idad<br />
accident<strong>al</strong> llamada por Roland Barthes el punctum, que podría definirse <strong>com</strong>o un elemento “que s<strong>al</strong>e de la escena, se dispara <strong>com</strong>o una flecha y me<br />
atraviesa”, según lo escribió el propio Barthes.<br />
Paisaje reflejado, 2010. 180 X 135cm<br />
20 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Por / by Javier Ramírez<br />
Tren. c. 100 x 70 cm.<br />
¿Cuál sería el (o los) punctum en los cuadros de Enrique Hernández?: ¿El<br />
tinte rojo en los muñones de “Árbol cercenado”?, ¿los barridos en el follaje<br />
de “Bajo el puente”?, ¿los desenfoques en diversos rectángulos de la<br />
parte superior de “Separación”?, ¿en los efectos “pixelados” de <strong>al</strong>gunas<br />
zonas en “Paisaje con vías” o los chorretes de pintura en “Bodegas”?<br />
Tengo para mí que en esta última los escurrimientos accident<strong>al</strong>es dejados<br />
por el artist, rompen con el desenfoque gener<strong>al</strong> del cuadro y lo<br />
vuelven a lo que es: una pintura. Cada espectador h<strong>al</strong>lará el punctum<br />
que sea capaz de percibir ya que <strong>com</strong>o lo estipuló Barthes, se trata de un<br />
efecto person<strong>al</strong>. En suma, la obra de Enrique Hernández es una propuesta<br />
sólida de pintura contemporánea que apuesta a una poética del vacío<br />
y <strong>al</strong> orden en el caos de la imaginería virtu<strong>al</strong>.<br />
Artista representado por G<strong>al</strong>ería No Name, Guad<strong>al</strong>ajara<br />
www.nonameg<strong>al</strong>lery.<strong>com</strong><br />
Enrique Hernández<br />
Poetics of the virtu<strong>al</strong> void<br />
In Enrique Hernandez´s paintings there is a use of digit<strong>al</strong> photography and the <strong>com</strong>puter as a<br />
base for his creations, however, not as imitations that rely solely on the illusion but as studies<br />
of physic<strong>al</strong> and technologic<strong>al</strong> principles of cybernetics that create the color range in the images<br />
of the monitors, as well as their possibilities of <strong>al</strong>teration and modification offered by sever<strong>al</strong><br />
software. On this basis this artist moves the selected images to his canvas through a p<strong>al</strong>ette<br />
limited only by the previously established purposes of materi<strong>al</strong>izing shapes that were only in a<br />
virtu<strong>al</strong> spectrum. It is during this process that the artist decides to submit to the laws of painting<br />
avoiding the mere translation of a photograph and establishing a pictori<strong>al</strong> di<strong>al</strong>ogue with the<br />
spectator.<br />
The urban landscape is one of his concerns not only for its aesthetic possibilities. His scenes<br />
are not spectacular or have a romantic vision. Severed trees, dilapidated sidew<strong>al</strong>ks and warehouses,<br />
disused railways, street lighting and tree lined avenues speak of a familiar environment<br />
without identifying a specific site but where the negligence and human aggression toward nature<br />
are <strong>com</strong>mon practice. However, Hernandez’s painting is not testimoni<strong>al</strong> because first of <strong>al</strong>l, it<br />
takes this artistic discipline as a profession that demands craft, seriousness and concentration<br />
not only as an exercise that illustrate themes with hints of soci<strong>al</strong> criticism (which in any case is<br />
implicit in his work). Thus, the artist propose in each piece an accident<strong>al</strong> causation by Roland<br />
Barthes c<strong>al</strong>led the punctum, which could be described as element that “leaves the scene shot<br />
like an arrow through me”.<br />
What would be the punctum in Erique Hernandez’s work? In his painting the artist accidents left<br />
in the canvas break the frame and blur it returning it to what it is: a painting. Each viewer will find<br />
the punctum that is capable of perceive. As Barthes stipulated, this is a person<strong>al</strong> effect; meanwhile<br />
we are sure that the work of Enrique Hernandez is a solid propos<strong>al</strong> in contemporary painting<br />
that is <strong>com</strong>mitted to the poetics of emptiness and the order in the chaos of virtu<strong>al</strong> imagery.
Artista invitado / Guest artist<br />
Daniel Ruanova<br />
D aniel<br />
Ruanova se ha enfrentado toda su vida a la du<strong>al</strong>idad cultur<strong>al</strong> que se vive en las zonas<br />
fronterizas del norte del país. De madre norteamericana y padre mexicano, el artista creció en<br />
una cultura entremezclada que fue determinante en su desarrollo artístico. Probablemente la<br />
tot<strong>al</strong>idad de su obra asume el tema de la violencia. Desde sus primeros trabajos pictóricos hasta las<br />
últimas inst<strong>al</strong>aciones escultóricas, podemos denotar en la obra de Ruanova ese sentido y v<strong>al</strong>oración<br />
contextu<strong>al</strong>. Desde sus primeras exhibiciones -a fin<strong>al</strong>es de la década de los noventa- su obra atrapó la<br />
atención de curadores y coleccionistas en ambos lados de la frontera y para el 2001 es invitado por el<br />
MUCA Roma a exponer en la Ciudad de <strong>México</strong>. En este periodo su obra se exhibió en varias ciudades<br />
del norte <strong>com</strong>o Tijuana, Mexic<strong>al</strong>i, Ensenada y Monterrey, así <strong>com</strong>o en distintas ciudades de Estados<br />
Unidos <strong>com</strong>o Los Ángeles, San Diego y Miami.<br />
Por supuesto que el suyo no ha sido un proceso ascendente y line<strong>al</strong>; <strong>com</strong>o en la carrera de todo artista son<br />
muchos los factores que influyen en las zonas geográficas donde cuya obra adquiere mayor relevancia. T<strong>al</strong><br />
vez dada la atención que -de forma simultánea- se da a su trabajo en ambos lados de la frontera, es la razón<br />
por la cu<strong>al</strong> lo invitan a participar con exhibiciones en otros países <strong>com</strong>o España, Alemania, Polonia y Rusia.<br />
Recientemente su obra ha <strong>al</strong>canzado mucho reconocimiento en Asia, sobre todo en Beijing, donde ha residido<br />
y trabajado por largos e intermitentes periodos desde el año pasado.<br />
Ruanova juega con los espacios, las formas y los materi<strong>al</strong>es para lograr un diálogo en su obra en torno <strong>al</strong><br />
significado de la seguridad, la protección y la violencia. Para Art San Diego 2011 presenta seis piezas que resumen<br />
su trayectoria, sobre todo su Fuck Off Project, mismo que se reconstruye a partir del contexto donde<br />
se exhibe: invade, sitúa y defiende el espacio para impactar <strong>al</strong> tiempo que motiva <strong>al</strong> espectador a desarrollar<br />
una fascinación por la pieza. Be<strong>com</strong>ing Browser (2008) escultura de acero g<strong>al</strong>vanizado, recuerda a un tanque<br />
militar o un robot súper-sofisticado y preparado para actuar en zonas de guerra que, <strong>al</strong> igu<strong>al</strong> que su dibujo<br />
Zonas de seguridad (2008), habla estructuras generadas para protegernos. En p<strong>al</strong>abras de Marcela Quiróz, la<br />
curadora de la feria: “con determinada inteligencia la pieza escultórica de Daniel Ruanova recibe tanto <strong>com</strong>o<br />
atiza el cuerpo (...) Constituida a partir de un solo materi<strong>al</strong> —can<strong>al</strong> metálico— las esculturas de Ruanova van<br />
creciendo poco a poco entre dobleces, uniones y recortes. Siguiendo un orden de crecimiento no premeditado<br />
sino en el sentido de la necesidad y urgencia orgánica que va dictando el sitio y el cuerpo del artista (...) buscando<br />
construirse por dentro, veladamente, en una especie de capullo protector.”<br />
Otra de las piezas que se presentan es el dibujo Protect Ete (2008), el cu<strong>al</strong> recuerda que, fin<strong>al</strong>mente, el princip<strong>al</strong><br />
peligro que enfrentamos en la vida es a nosotros mismos. Como señ<strong>al</strong>a Quiróz: “(...) aun cuando el único<br />
espacio que resulta ‘habitable’ detrás de los muchos brazos amenazantes <strong>com</strong>o largas espinas [en la escultura<br />
de Ruanova] semeja ser un lugar de resguardo y s<strong>al</strong>vamento. Es la sola dimensión que ocupa el área ‘segura’<br />
de la escultura respecto <strong>al</strong> entorno ‘inseguro’ que genera, lo que revela la intención de la pieza con efectiva<br />
economía. Muchas veces es tan expansivo y dañino el radio exponenci<strong>al</strong> del gesto protector en el entorno soci<strong>al</strong><br />
que las condiciones de rechazo, inseguridad y desajuste que emanan de ello resultan tanto más insidiosas<br />
e irreversibles que la proporción de seguridad / inseguridad conseguida <strong>al</strong> fin<strong>al</strong> de la ecuación, deviniendo en<br />
el absurdo. La b<strong>al</strong>anza termina por reventarse y la intención —por <strong>com</strong>pleto revertida— de aquél que buscaba<br />
solamente protegerse, culmina por convertir su resguardo en un ataque abierto e irrefrenable cuya violencia<br />
exponenci<strong>al</strong> supone continuidad.”<br />
Este mismo fenómeno es representado en Formas Inmaduras echadas a perder (2006) escultura hecha a<br />
partir de pistolas de juguete haciendo la forma de un árbol, que invitan <strong>al</strong> análisis del proceso mediante el cu<strong>al</strong><br />
vamos aprendiendo y acostumbrándonos a la violencia en la contemporaneidad. Las pinturas de gran formato<br />
Security y Terror (2009) presentan una textura generada a partir de degradados y patrones geométricos que<br />
asemejan <strong>al</strong>guna fuerte estructura metálica protectora y entre los ‘dobleces’ hacen visible las p<strong>al</strong>abras que<br />
dan título a las obras, haciendo implícita la pregunta sobre si estas estructuras de protección generan seguridad<br />
o simplemente invitan a vivir bajo el terror.<br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Spotlight Artist<br />
Art San Diego 2011<br />
La escultura, un lugar de resguardo y s<strong>al</strong>vamento<br />
*Imágenes cortesía de<br />
ECOH- Emilia Cohen G<strong>al</strong>eria.<br />
invade, sitúa y defiende el espacio para impactar <strong>al</strong> tiempo<br />
Por / by Sofía Marisc<strong>al</strong><br />
Tijuana / <strong>México</strong><br />
Ruanova explica que a través de su obra busca generar un diálogo entre los espectadores. Mucho de su trabajo<br />
se deriva de lo que <strong>com</strong>o joven vivió formando parte de dos culturas en donde las armas y la violencia son dos<br />
factores <strong>com</strong>unes en lo cotidiano. Tijuana y San Diego siempre han sido clave en los refuerzos de seguridad<br />
que ambos países generan; <strong>com</strong>o <strong>com</strong>enta Quiróz: “la obra de Daniel Ruanova es una permanente increpación<br />
sobre estos y otros tenores engendrados de la violencia. Prudente y devastadora <strong>al</strong>egoría del tiempo contemporáneo<br />
en una zona de guerra no-declarada <strong>com</strong>o suele ser la que habita toda frontera física o ideológica”. En<br />
coincidencia con esta presentación se cumplen 10 años del terrible incidente que hizo desaparecer a las Torres<br />
Gemelas del skyline neoyorkino, desatando en el mundo –y especi<strong>al</strong>mente en territorios de frontera– una<br />
paranoia gener<strong>al</strong>izada, así <strong>com</strong>o una obsesión por la seguridad internacion<strong>al</strong> que no se veía desde la época<br />
de la Guerra Fría.<br />
Si a lo anterior sumamos la situación imperante hoy día en <strong>México</strong> y no obstante los ríos de tinta que se han<br />
dejado correr y las incontables exposiciones a propósito del tema, parece ser aún vigente. Es posible que <strong>al</strong>gunos<br />
lo consideren ya ‘lugar <strong>com</strong>ún’, sin embargo, las piezas de Ruanova siguen invitando a reflexionar sobre el<br />
asunto desde perspectivas inesperadas.<br />
Artista representado por ECOH G<strong>al</strong>ería, Ciudad de <strong>México</strong><br />
www.ecohg<strong>al</strong>eria.<strong>com</strong><br />
Daniel Ruanova<br />
Sculpture, a place of shelter<br />
Daniel Ruanova has faced his entire life to the cultur<strong>al</strong> du<strong>al</strong>ity that exists in the northern border<br />
areas of Mexico. Son of an American mother and a Mexican father, this artist grew up in<br />
a intertwined culture that was determining in his artistic development. Probably <strong>al</strong>l of his work<br />
explores the theme of violence; from his beginnings to his ultimate pictori<strong>al</strong> sculptur<strong>al</strong> inst<strong>al</strong>lations<br />
it is recognized this meaning and contextu<strong>al</strong> assessment.<br />
Playing with spaces, shapes and materi<strong>al</strong>s, Ruanova achieves a di<strong>al</strong>ogue in his work about the<br />
meaning of security, safety and violence. As an spotlighted artist in the San Diego Art Fair 2011<br />
he presents six pieces that summarize his career, especi<strong>al</strong>ly his “Fuck Off Project”, a piece reconstructed<br />
from the context where it is displayed: it invades, places and advocates the space to impact<br />
and motivate the viewer to develop a fascination with the piece. “Be<strong>com</strong>ing Browser” (2008),<br />
a g<strong>al</strong>vanized steel sculpture, reminds a military tank or a super-sophisticated robot prepared to<br />
act in war zones to t<strong>al</strong>k about protective structures like the drawing “Security Zones” (2008).<br />
In words of Marcela Quiroz, curator of the art fair: “with certain intelligence the sculpture of Daniel<br />
Ruanova receive as much as stirs the body (...) Formed from a single materi<strong>al</strong> his sculptures gradu<strong>al</strong>ly<br />
grow between folds, seams and cuts, following an order of growth in the sense of an organic<br />
necessity and urgency dictated by the site and the artist’s body (...) veiled in a sort of cocoon.<br />
Ruanova explains his work seeks to create a di<strong>al</strong>ogue among viewers; as it stems from what he<br />
lived in between two cultures where guns and violence are <strong>com</strong>mon factors in everyday life. Tijuana<br />
and San Diego have <strong>al</strong>ways been instrument<strong>al</strong> cities in the reinforcement of security for the<br />
two countries, and as Quiroz says: “Daniel’s work is a standing rebuke on these and other tenors<br />
born of violence. Prudent and devastating <strong>al</strong>legory of contemporary time found in <strong>al</strong>l physic<strong>al</strong> or<br />
ideologic<strong>al</strong> borders undeclared as war zones.”<br />
21
Artista invitado / Guest artist<br />
Amor Muñoz<br />
Las posibilidades del dibujo<br />
Por/by Iván Sanchezblas<br />
Amor Muñoz es una artista visu<strong>al</strong> y gestora cultur<strong>al</strong> cuyo trabajo articula arte, diseño, ilustración<br />
y procesos manu<strong>al</strong>es. Su particular interés especi<strong>al</strong> en la gráfica y las posibilidades<br />
del dibujo hacen de su obra un nodo en el cu<strong>al</strong> confluyen formatos, medios y procesos tan<br />
diversos <strong>com</strong>o la gráfica tradicion<strong>al</strong>, la gráfica tridimension<strong>al</strong>, la animación, gráfica acción y el arte<br />
electrónico o cinético.<br />
Mediante estas disciplinas su actividad se inserta en el ámbito de lo soci<strong>al</strong> generando experiencias y representaciones<br />
colectivas que utilizan <strong>al</strong> arte <strong>com</strong>o una plataforma reflexiva. En p<strong>al</strong>abras de Karla Jasso, curadora:<br />
“La obra de Amor Muñoz está siempre en constante fruición con figuras metafóricas, meta textu<strong>al</strong>es, cronotópicas”;<br />
aspecto que se hace evidente en su actu<strong>al</strong> serie “Esquemáticos: gráficas expandidas funcion<strong>al</strong>es”,<br />
conjunto de obras en donde lo textil y lo electrónico son elementos representativos de dibujos bordados en<br />
gran formato, que utilizan y yuxtaponen el trabajo hecho a mano del bordado en contraposición a la electrónica<br />
y su seri<strong>al</strong>ización. El resultado es una obra que se coloca en el umbr<strong>al</strong> de dos sistemas de producción;<br />
dos estadios del capit<strong>al</strong> que puestos <strong>al</strong> mismo nivel recuerdan que el arte puede funcionar <strong>com</strong>o una poderosa<br />
metáfora soci<strong>al</strong>.<br />
Respecto a la producción contemporánea<br />
hecha a mano en un<br />
contexto tecnológico amor Muñoz<br />
<strong>com</strong>enta: “Es un hecho que los<br />
artistas están adaptando sus procesos<br />
a los actu<strong>al</strong>es sistemas de<br />
producción industri<strong>al</strong>. Cada vez<br />
que vamos a una feria de arte, vemos<br />
piezas que ya no son hechas<br />
por la mano del artista sino por<br />
una máquina. El arte electrónico<br />
está tomando un papel más importante<br />
en las bien<strong>al</strong>es de arte, los<br />
discursos en torno a la tecnología<br />
y la ciencia son más frecuentes. A<br />
pesar de todo esto es fantástico<br />
encontrar en cu<strong>al</strong>quier parte del<br />
mundo que los artistas están retomando<br />
el medio artesan<strong>al</strong>, la mano<br />
haciendo la producción. Los artistas<br />
que amplían su discurso form<strong>al</strong><br />
y conceptu<strong>al</strong> a partir de estos procesos<br />
no deben buscar la inmediatez<br />
o la eficiencia tempor<strong>al</strong>, sino la<br />
eficacia y el resultado táctil, íntimo<br />
y artesan<strong>al</strong>.” 1<br />
Su identidad artística se ha desarrollado<br />
en representaciones estéticas<br />
que constantemente cues-<br />
Esquematicos<br />
tionan mecanismos de condicionamiento<br />
soci<strong>al</strong> <strong>al</strong> usar y mezclar<br />
imaginarios sacros, tecnológicos, sexu<strong>al</strong>es y mor<strong>al</strong>es. Su trabajo teje una sutil secuencia de relaciones entre<br />
temas <strong>com</strong>o la intimidad, el ocio, el tedio, la terapia ocupacion<strong>al</strong>, el cuerpo, etc., con los discursos soci<strong>al</strong>es, el<br />
espacio público hasta llegar a un punto en el que la electrónica se vuelve parte del gesto en su obra.<br />
Zapatos de prostituta, 2005<br />
1 http://www.thecitrusreport.<strong>com</strong>/2010/features/amor-munoz<br />
Esquematicos<br />
Esquematicos<br />
22 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Ciudad de <strong>México</strong> / <strong>México</strong><br />
Amor Muñoz<br />
The possibilities of drawing<br />
Cartel darfur<br />
Amor Muñoz is a visu<strong>al</strong> artist and cultur<strong>al</strong> manager whose<br />
work articulates art, design, illustration and manu<strong>al</strong> processes.<br />
Her interest in the possibilities of the graphic and drawing<br />
makes of her work a node on which diverse media and processes<br />
merge as tradition<strong>al</strong> graphics, three-dimension<strong>al</strong> graphics,<br />
animation, graphic action and electronic or kinetic art.<br />
Her artistic identity has developed aesthetic representations<br />
that constantly question the mechanisms of soci<strong>al</strong> conditioning<br />
by using and mixing sacred, technologic<strong>al</strong>, mor<strong>al</strong> and sexu<strong>al</strong><br />
imaginaries. Through this she weaves a subtle sequence of<br />
relationships between issues such as privacy, leisure, boredom,<br />
occupation<strong>al</strong> therapy, body with the soci<strong>al</strong> discourse and the<br />
public space up to a point where the electronics be<strong>com</strong>e part of<br />
her work.<br />
Artista re<strong>com</strong>endación de <strong>Arte</strong> <strong>al</strong> día <strong>México</strong><br />
www.amormunoz.net
Artista invitado / Guest artist<br />
E l<br />
Isaac Torres<br />
Asociaciones inconexas<br />
Por/by Iván Sanchezblas<br />
arte es una evolución del lenguaje y la práctica artística una ruta <strong>al</strong>terna para enunciar intereses<br />
y tópicos que se reflejan en <strong>com</strong>entarios críticos sobre la cotidianeidad en la que funcionan.<br />
En el caso de Isaac Torres, artista de formación especi<strong>al</strong>izada en tópicos soci<strong>al</strong>es, su trabajo<br />
incorpora elementos de investigación etnográfica, prácticas document<strong>al</strong>es y medios audiovisu<strong>al</strong>es<br />
para generar una obra que integra elementos soci<strong>al</strong>es, históricos y estéticos con el interés de puntu<strong>al</strong>izar<br />
en <strong>al</strong>gún aspecto de trascendencia soci<strong>al</strong>. Sus princip<strong>al</strong>es temas son los entornos urbanos, la<br />
economía y las relaciones entre historia, sociedad y v<strong>al</strong>or de cambio.<br />
A partir de un modo interdisciplinario la investigación, el periodismo, la etnografía, la antropología y diversas<br />
técnicas de observación y documentación se vuelven el vehículo para un trabajo que tiene mucho de crítica<br />
soci<strong>al</strong> y política; la cu<strong>al</strong> se revela en los diversos tópicos históricos e incluso su propia biografía representados<br />
en asociaciones aparentemente inconexas. Estos vínculos suceden en parábolas que toman a la ciudad <strong>com</strong>o<br />
un espacio definido en grandes bloques de significado (bloques burocráticos, de vivienda, de <strong>com</strong>ercio, de<br />
distribución) desde los cu<strong>al</strong>es el artista se enuncia <strong>com</strong>o un ente político, incapaz de desligarse de su contexto<br />
pues este afecta su vida cotidiana y condiciona su desarrollo.<br />
Como menciona Amanda de la Garza 1 respecto a la exposición “La peste de los 3 años” (2009). [Aquí se] “habla<br />
de la memoria, la historia, el proceso en el que un artista pone en escena los recuerdos de su ciudad y de<br />
la “época que lo vio nacer”. Se hace un recuento de 3 años fatídicos, 1984, 1985 y 1986 en los que ocurrieron<br />
diversos acontecimientos nombrados una y otra vez por cada una de las generaciones que han habitado desde<br />
entonces esta ciudad.” Esta es una participación activa y directa sobre la memoria, no solamente de lo vivido<br />
sino también de lo que pertenece a una época, a la memoria colectiva de una ciudad, de un país. “La historia<br />
la construyen aquellos que actúan en ella, que le dan sentido a los cruces entre la biografía individu<strong>al</strong> y lo<br />
colectivo; aquellos que interpelan <strong>al</strong> olvido trayendo de vuelta los recuerdos del pasado, los que <strong>com</strong>prenden<br />
que la memoria es plástica, sujeta a la reconstrucción” nos recuerda de la Garza.<br />
Aquí no hay un arte entregado <strong>al</strong> beneplácito estético, más bien es una herramienta política en tanto lenguaje;<br />
de ahí que el discurso de este artista sea <strong>al</strong>tamente estratégico en el contexto internacion<strong>al</strong>, es una oportunidad<br />
para reconocer la interrelación entre distintos temas políticos, económicos y soci<strong>al</strong>es sin por ello asumir<br />
una condición loc<strong>al</strong> o periférica. La potencia de su trabajo radica en la toma de conciencia individu<strong>al</strong> desde<br />
la que hace señ<strong>al</strong>amientos que relacionan en el contexto glob<strong>al</strong> la <strong>com</strong>pleja trama de asuntos políticos, de<br />
mercado, visibilidad y legitimación.<br />
Desde 2004 ha producido una serie de trabajos basados en el tema del dinero, la determinación del v<strong>al</strong>or,<br />
las implicaciones del trabajo y las estrategias emergentes relacionadas con la producción de dinero dentro<br />
de contextos urbanos que incluyen a Berlín y a la Ciudad de <strong>México</strong>. Durante su residencia en Alemania ha<br />
desarrollado “Mitfahren a la mexicana” (2010), proyecto que establece equiv<strong>al</strong>encias e ironiza acerca de las<br />
ganancias y el v<strong>al</strong>or de la movilidad de acuerdo a dos contextos <strong>com</strong>pletamente distintos.<br />
HSBC (2010). Video (5 min)<br />
El Mitfahren es un método de transporte empleado <strong>com</strong>únmente para trasladarse entre ciudades ya que es<br />
más económico que los viajes en tren y es bastante seguro y cómodo. Una persona en Alemania puede obtener<br />
ganancias re<strong>al</strong>izando este servicio utilizando su propio automóvil. Dicha práctica es leg<strong>al</strong> pero no está regulada,<br />
llegando a generar hasta €1400 Euros de ganancia aproximadamente por un viaje con ocho pasajeros a<br />
través de las princip<strong>al</strong>es ciudades de Alemania. La ganancia puede incrementarse si los viajes se re<strong>al</strong>izan con<br />
mayor frecuencia y si el carro tiene más asientos. En <strong>México</strong> no existe sistema similar e incluso es imposible<br />
imaginarlo. El único sistema similar es el de los polleros que venden plazas en camionetas para cruzar las<br />
fronteras. Un viaje para cruzar la frontera sur hacia <strong>México</strong> y posteriormente viajar por todo el territorio mexicano<br />
y llegar a la frontera norte hasta cruzar hacia los Estados Unidos cuesta entre $3500 USD y $5000 USD.<br />
Por transportar a 8 personas la cantidad de dinero que puede ganar un pollero seria entre $ 28,000 USD y $<br />
50.000 USD en un viaje que tomaría aproximadamente tres días.<br />
De inmediato surgen preguntas en torno a ¿cuál es el v<strong>al</strong>or del dinero?, ¿qué representa?, ¿cómo se determina<br />
su v<strong>al</strong>or de <strong>al</strong>go en relación a una misma actividad? La relación entre dinero, v<strong>al</strong>or y trabajo indirectamente<br />
plantea una nueva interrogante: ¿Qué es aquello que se activa cuando este proceso económico es introducido<br />
en la esfera del arte?<br />
Artista re<strong>com</strong>endación de <strong>Arte</strong> <strong>al</strong> día <strong>México</strong><br />
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
GMT/CEST, 2009. Videoinst<strong>al</strong>ación, Medidas variables<br />
Ciudad de <strong>México</strong> / <strong>México</strong><br />
El dinero habla un lenguaje que todas las naciones entienden, pero cada cultura siempre mantiene distinciones,<br />
singularidades, lo que los economistas llaman distorsiones y f<strong>al</strong>las. El trabajo de Isaac Torres se <strong>com</strong>pone<br />
de gestos que revelan su acercamiento a esta glob<strong>al</strong>idad a través de la exposición de los procesos económicos<br />
construidos a partir de lo cotidiano. Así, fin<strong>al</strong>mente Torres nos habla sobre lo visible y lo invisible de la economía;<br />
trasladándose entre plataformas y medios de expresión en piezas <strong>com</strong>o GMT / CEST (2009), video<br />
re<strong>al</strong>izado en el Río de los Remedios en la Ciudad de <strong>México</strong> y la Topografía del Terror en Berlín, el cu<strong>al</strong> trata<br />
sobre la migración, las fronteras y la movilidad mediante la yuxtaposición de imágenes de ambos territorios<br />
mezclados con una canción clásica mexicana acerca de la inmigración; o HSBC (2010), entrevista re<strong>al</strong>izada <strong>al</strong><br />
cajero de un banco a quien se le pregunta acerca de las condiciones de su trabajo, los efectos del dinero sobre<br />
sus manos y los flujos de billetes que observa en su cotidianeidad.<br />
1 Un <strong>com</strong>entario más <strong>com</strong>pleto respecto a esta obra puede consultarse en: arteyexpectacion.wordpress. <strong>com</strong>/2010/01/30.<br />
Texto de s<strong>al</strong>a de la exposición “3 años de la peste” del artista Isaac Torres, febrero 2009.<br />
Unconnected<br />
associations<br />
Money speaks a language understood in <strong>al</strong>l nations, but in every<br />
culture there are <strong>al</strong>ways peculiarities which economists c<strong>al</strong>l<br />
distortions and failures. Isaac Torres's work consists of gestures<br />
that reve<strong>al</strong> this approach to economic processes built from<br />
the everyday glob<strong>al</strong> exposure. As an artist speci<strong>al</strong>ized in soci<strong>al</strong> topics, his art incorporates elements<br />
of ethnographic research, documentary practices and other media to create a work that<br />
integrates soci<strong>al</strong> elements, historic<strong>al</strong> and aesthetic interest to point out aspects of soci<strong>al</strong> transcendence.<br />
His main themes are urban environments, economics and the relationship between<br />
history, society and exchange v<strong>al</strong>ue.<br />
From an interdisciplinary researchand various techniques of observation and documentation,<br />
various historic<strong>al</strong> topics and biographic<strong>al</strong> experiences relate associations represented in<br />
parables of the city as a space defined in large blocks bureaucratic, housing, <strong>com</strong>merci<strong>al</strong> and<br />
distribution<strong>al</strong> blocks) from which the artist expresses a politic<strong>al</strong> body, unable to disengage from<br />
its context since it affects the daily life and its development.<br />
Mitfahren a la mexicana (2010). Inst<strong>al</strong>ación (Esculturas, mapas, dibujos y documentos)<br />
23
Gestión en las artes Ciudad de <strong>México</strong> / <strong>México</strong><br />
Becas, prestigios y la disidencia<br />
condicionada del arte<br />
emergente<br />
L as<br />
becas, <strong>com</strong>o cu<strong>al</strong>quier estímulo económico suelen tener<br />
un doble trasfondo, por un lado son mecanismos que además<br />
de favorecer la creación del arte, lo legitiman y lo difunden,<br />
pero por otro lado, responden a los ambiv<strong>al</strong>entes intereses<br />
de las instituciones o los particulares que las financian, o <strong>com</strong>o se<br />
suele decir, “Los premios se dan a la gente correcta por las razones<br />
incorrectas”; este aplastante condicionamiento político, en ecosistemas<br />
cultur<strong>al</strong>es en perenne construcción <strong>com</strong>o el del arte en<br />
<strong>México</strong>, y donde las oportunidades escasean, se revela <strong>com</strong>o una<br />
función determinante e inevitable en la carrera de cu<strong>al</strong>quier artista<br />
emergente.<br />
A partir de 1995, a manera de reflejo tardío del auge que tuvo el mercado<br />
del arte en <strong>México</strong> unos cuantos años antes, se creó el S<strong>al</strong>ón de <strong>Arte</strong><br />
Ban<strong>com</strong>er, el cu<strong>al</strong> fungió <strong>com</strong>o un híbrido entre la tradicion<strong>al</strong> convocatoria<br />
de la bien<strong>al</strong> por invitación, y una feria de arte sin g<strong>al</strong>erías donde anu<strong>al</strong>mente<br />
los artistas seleccionados podían ofrecer su trabajo en venta, <strong>al</strong><br />
mismo tiempo, que entraban en consideración de una indeterminada elite<br />
de pudientes coleccionistas. Después de diez ediciones y ante la obsolescencia<br />
de su formato, ello debido a la segmentación del mercado del<br />
arte gracias a la emergencia de Zona Maco y la regular presencia de las<br />
g<strong>al</strong>erías mexicanas en ferias internacion<strong>al</strong>es, este s<strong>al</strong>ón llegó en el 2004<br />
a su término, transformándose en las becas del programa Ban<strong>com</strong>er/<br />
MACG <strong>Arte</strong> Actu<strong>al</strong> 1 , que desde el 2008 y en conjunción con el Museo de<br />
<strong>Arte</strong> Carrillo Gil han creado un archivo de artistas emergentes, y desde el<br />
cu<strong>al</strong> se selecciona y sigue desde sus primeros bocetos, su posterior producción<br />
y hasta su exhibición, aquellas propuestas a las que se considera<br />
merecedoras de un apoyo.<br />
El ecosistema del mundo del arte contemporáneo en <strong>México</strong>, si bien ya<br />
tiene un gran avance en su configuración, opera todavía <strong>com</strong>o un lento<br />
e insuficiente mecanismo de incorporación de sus artistas emergentes:<br />
El mercado es muy raquítico, las instituciones no generan proyectos curatori<strong>al</strong>es<br />
que sean resp<strong>al</strong>dados por un sólido discurso y que se a<strong>com</strong>pañen<br />
de su respectivo catálogo en edición bilingüe, además de que tanto<br />
museos <strong>com</strong>o escuelas no han logrado <strong>al</strong> momento de introducir programas,<br />
conocimientos, artistas o proyectos relevantes del primer mundo,<br />
igu<strong>al</strong>mente, legitimar y exportar arte mexicano a los centros neurálgicos<br />
del arte glob<strong>al</strong>.<br />
A partir de la expansión del arte contemporáneo hacia cu<strong>al</strong>quier cosa o<br />
disciplina, los artistas emergentes se enfrentan a la <strong>com</strong>pleja necesidad<br />
de dar unidad a sus discursos, no sólo para materi<strong>al</strong>izar una sólida práctica<br />
generadora de conocimientos específicos, sino incluso para concentrarse<br />
en lograr una element<strong>al</strong> y <strong>com</strong>petitiva diferenciación respecto<br />
a otros artistas, circunstancia que trae consigo el buscar procurarse<br />
recursos, legitimación y visibilidad, t<strong>al</strong> y <strong>com</strong>o los que proporcionan las<br />
becas y premios; de t<strong>al</strong> modo, que esfuerzos de gestión, apoyo y difusión<br />
cultur<strong>al</strong> <strong>com</strong>o los que implican Ars-tesauro 2 , las becas Ban<strong>com</strong>er-MACG<br />
o programas <strong>com</strong>o <strong>Arte</strong> Shock, se constituyen ambiv<strong>al</strong>entemente tanto<br />
<strong>com</strong>o v<strong>al</strong>iosas herramientas de apoyo <strong>al</strong> arte emergente, y que contribuyen<br />
en parte a consolidar el ecosistema del arte contemporáneo en<br />
<strong>México</strong>, <strong>com</strong>o mecanismos restrictivos que establecen jerarquías de<br />
unos artistas sobre otros, lo cu<strong>al</strong> funge <strong>com</strong>o un condicionamiento curricular<br />
por medio del cu<strong>al</strong> se pasa a segundo término las cu<strong>al</strong>idades y méritos<br />
creativos de los artistas; una evidencia de esta ecuación de poder<br />
entre apoyos, becas y premios, es el que Ars-tesauro, un diccionario en<br />
línea de artistas emergentes (62 de ellos hasta la fecha), solo proporciona<br />
visibilidad a los artistas elegidos, mientras que las becas Ban<strong>com</strong>er-<br />
MACG, requieren un mayor nivel curricular (visibilidad previa), así <strong>com</strong>o<br />
someterse <strong>al</strong> rígido cumplimiento que se exige a los becados seleccionados<br />
de los tiempos y las formas en el rendimiento de cuentas, situación<br />
que obliga <strong>al</strong> artista a dividirse entre concentrarse en su propio proceso<br />
creativo, y cumplir a su vez con los desgastantes lineamientos de la beca,<br />
para poder así continuar recibiendo el apoyo financiero.<br />
1 http://www.museodeartecarrillogil.<strong>com</strong>/j_creadores/indexac.html<br />
2 http://www.ars-tesauro.<strong>com</strong>.mx<br />
Por / by<br />
Por Eduardo Egea<br />
Investigador en arte y editor de www.<br />
artgenetic.blogspot.<strong>com</strong><br />
Zonas evasivas: La ampliación del arte y las vicisitudes de su promoción.<br />
El arte que busca regresar <strong>al</strong> flujo de lo cotidiano soci<strong>al</strong> a través de la<br />
participación simbólica o activa de la <strong>com</strong>unidad, es uno de los caminos<br />
que con mayor fuerza ha cooperado a diversificar los <strong>com</strong>portamientos<br />
y recursos del arte actu<strong>al</strong>, pero a su vez, es uno de sus recursos más huidizos,<br />
y aun cuando se encuentra en paradójico proceso de institucion<strong>al</strong>ización,<br />
es de los que más dificultades experimentan en su clasificación<br />
y consecuente promoción y legitimación: Dos de los becarios del último<br />
programa Ban<strong>com</strong>er/MACG consecuentes con este perfil, son Fritzia<br />
Irizar (1977) e Idaid Rodríguez Romero (1975), este último artista, ha venido<br />
desarrollando desde el 2003 el proyecto, La Fama Perdida, en el que<br />
busca reconstruir la memoria de la fábrica de Hilados y Tejidos, La Fama<br />
Montañesa, lugar en el que trabajaron sus abuelos y que fue cerrado en<br />
1998; así, Rodríguez ha implementado el uso de relatos, dibujos, fotografías<br />
y documentos <strong>com</strong>unitarios, además de vídeos de ex-obreros de<br />
este sitio de trabajo.<br />
El proyecto de Fritzia Irizar para esta beca, tiende a ser ambiguo e inmateri<strong>al</strong>,<br />
es <strong>al</strong>go así <strong>com</strong>o un ejercicio de “conceptu<strong>al</strong>ismo popular” ya que<br />
consiste en la creación de un sistema de asistencia soci<strong>al</strong>, sin fines de<br />
lucro, que a la postre ponga a circular un bien intangible <strong>com</strong>o la buena<br />
suerte, “Voy a <strong>com</strong>prar <strong>al</strong> público amuletos para la buena suerte, después<br />
estos amuletos serán an<strong>al</strong>izados científicamente, y fin<strong>al</strong>mente volverán a<br />
ser depositados de nuevo en el público, con la condición que las personas<br />
interesadas demuestren que está pasando por una m<strong>al</strong>a racha”. 3<br />
Edgardo Aragón, Tinieblas, 2009, 13 channel video color, sound<br />
La acción llevada a cabo por trece músicos en trece puntos que demarcan los límites de<br />
un pueblo en conflicto constante con respecto a sus fronteras en el sur de <strong>México</strong>. Los<br />
músicos interpretan una melodía para cortejo fúnebre conocido <strong>com</strong>o Tinieblas.<br />
3 http://www.conaculta.gob.mx/s<strong>al</strong>a_prensa_det<strong>al</strong>le.php?id=7152<br />
24 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Edgardo Aragón, Matamoros, 2009<br />
single channel video, color, sound, 23’’<br />
En esta obra Aragón recrea el viaje de Pedro Vásquez Reyes por<br />
una ruta usada durante los años ochenta para el tráfico de marihuana<br />
de Oaxaca en el sur de <strong>México</strong>, a Matamoros, Tamaulipas<br />
en la frontera norte del país.<br />
Sin embargo, un artista <strong>com</strong>o Edgardo Aragón (1985), quien fue becario<br />
de la primera convocatoria de Ban<strong>com</strong>er, muestra diversos retos para su<br />
promoción ofici<strong>al</strong> 4 , ya que entrelaza en su obra circunstancias sociopolíticas<br />
con referencias person<strong>al</strong>es, mezclando conflictos soci<strong>al</strong>es <strong>com</strong>o<br />
corrupción, violencia, ileg<strong>al</strong>idad, crimen organizado, con recuerdos y<br />
reliquias familiares: En su serie, Efectos de Familia, Edgardo recoge un<br />
fragmento de su historia familiar a partir de la recreación de hechos violentos;<br />
en el vídeo, Matamoros, el artista vuelve a recorrer una ruta entre<br />
Oaxaca y Tamaulipas, trayecto por el cu<strong>al</strong> su padre solía traficar drogas<br />
hacia los Estados Unidos.<br />
Fritzia Irizar, Sin Título (Fuerza Bruta), 2010<br />
La obra consiste en una caja fuerte que tiene inscrita en su superficie externa un cálculo<br />
matemático sin resolver cuya solución equiv<strong>al</strong>e a la <strong>com</strong>binación que abre la caja fuerte y<br />
en su interior un v<strong>al</strong>or por descubrir. La caja fue emplazada en un área pública de la ciudad<br />
de <strong>México</strong> y monitoreada las 24 horas por cámaras ocultas de video, cuya transmisión fue<br />
presentada en tiempo re<strong>al</strong> en el espacio de exposición, en un monitor <strong>al</strong> medio de una s<strong>al</strong>a<br />
toda cubierta en sus paredes del cálculo que se encuentra sobre la caja fuerte hecho en<br />
pintura blanca sobre fondo gris.<br />
Estas condiciones y características, evidencian el contradictorio, pero<br />
vivo momento del arte actu<strong>al</strong> y en particular el del emergente, para el<br />
cu<strong>al</strong> su plena aceptación y éxito <strong>com</strong>erci<strong>al</strong> son todavía una incierta y remota<br />
posibilidad, circunstancia que se contrapone a la zona de confort<br />
que representa la inserción meramente técnica y tempor<strong>al</strong> de artistas<br />
jóvenes en la economía par<strong>al</strong>ela 5 que representan las iniciativas institucion<strong>al</strong>es<br />
o de gestión cultur<strong>al</strong>, cuyos ineludibles procesos entran en<br />
un irresoluto conflicto con la extensa e inaprensible natur<strong>al</strong>eza del arte<br />
contemporáneo del último medio siglo. Este limbo que es la visibilidad y<br />
legitimación a medias del arte emergente, es consecuente con un ecosistema<br />
en permanente construcción <strong>com</strong>o el del arte en <strong>México</strong>, ejemplo<br />
que sirve en el presente ensayo para revelar la encrucijada que tarde<br />
o temprano tiene que encarar todo artista: Hasta qué punto los <strong>al</strong>cances<br />
de sus logros y carrera se determinan por la solidez de su arte, o por el<br />
ilusorio estatus que le proporciona el recibir premios o becas.<br />
4 Aragón <strong>al</strong> haber sido becario de Ban<strong>com</strong>er y a su vez ser seleccionado en Ars-tesauro,<br />
tanto por su edad <strong>com</strong>o por el perfil de su obra puede verse <strong>com</strong>o un creador que sirve<br />
de puente entre ambas iniciativas y la natur<strong>al</strong>eza expansiva y a veces in<strong>com</strong>oda del arte<br />
actu<strong>al</strong>, t<strong>al</strong> y <strong>com</strong>o sucede más radic<strong>al</strong>mente con dos artistas incluidos solo en Ars-tesauro:<br />
Juan C<strong>al</strong>oca (1985), quien en su serie, Vísceras de Nación, cuestiona los símbolos y la identidad<br />
nacion<strong>al</strong>, ya que en su vídeo acción 3, utiliza una fúnebre bandera mexicana con los<br />
colores rojo y verde cancelados a negro, y la cu<strong>al</strong> ondea afuera de dependencias <strong>com</strong>o la<br />
ALDF, el P<strong>al</strong>acio de Bellas <strong>Arte</strong>s, en el techo de la SEP, e incluso, desde una ventana de la<br />
Suprema Corte de Justicia de la Nación; a su vez, Yollotl Manuel Gómez Alvarado (1989),<br />
propone en su Proyecto X, hackear las páginas web de g<strong>al</strong>erías o instituciones para insertar<br />
el currículo f<strong>al</strong>so de una inventada generación de artistas.<br />
5 El mercado o economía par<strong>al</strong>ela opera de manera <strong>al</strong>terna <strong>al</strong> mercado del arte, se regula<br />
desde las instituciones, y es regido sobre todo por curadores y funcionarios, quienes adjudican<br />
a los artistas de su elección, premios, becas, <strong>com</strong>isiones, exposiciones, residencias,<br />
t<strong>al</strong>leres, etc., para una mejor puesta en contexto, consultar <strong>Arte</strong> <strong>al</strong> día <strong>México</strong> No. 50, abril<br />
– mayo del 2011, ensayo, Repensando <strong>al</strong> artista <strong>com</strong>o creador de conocimiento. Replica<br />
<strong>al</strong> simposio “Between Theory and Practice: Rethinking Latinamerican Art in the 21st Century”.<br />
Págs. 38 y 39.
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
25
Gestión en las artes San Luis Potosí / San Luis Potosí<br />
Museo de <strong>Arte</strong><br />
Contemporáneo (MAC)<br />
en San Luis Potosí<br />
Re<strong>al</strong>idad actu<strong>al</strong> y objetivos<br />
A rte<br />
<strong>al</strong> día <strong>México</strong> se ha caracterizado por visu<strong>al</strong>izar la oferta<br />
artística que sucede <strong>al</strong> interior del país. En nuestro recorrido<br />
hemos sido testigos de la riqueza de lenguajes en torno <strong>al</strong><br />
arte moderno y contemporáneo desde cada una de las loc<strong>al</strong>idades<br />
que visitamos. De t<strong>al</strong> modo hemos visu<strong>al</strong>izado una <strong>com</strong>pleja red de<br />
relaciones estilísticas y discursivas entre obras y autores, posible<br />
solamente a través del trabajo de instituciones museísticas capaces<br />
de generar exposiciones que responden a esta situación.<br />
En nuestra visita a la ciudad de San Luis Potosí estas observaciones se<br />
confirmaron nuevamente y de dicha experiencia <strong>com</strong>partimos la entrevista<br />
re<strong>al</strong>izada a Nuria Armengol, actu<strong>al</strong> Directora del Museo de <strong>Arte</strong><br />
Contemporáneo.<br />
¿Cómo te involucraste con el Museo de <strong>Arte</strong> Contemporáneo<br />
(MAC)?<br />
Después de vivir 22 años en la Ciudad de <strong>México</strong> regresé a San Luis Potosí<br />
por motivos familiares. El primer año de mi llegada (llevo tres) me veía<br />
más bien de paso, <strong>com</strong>o “extrajera en tierra extraña” aunque soy de aquí.<br />
Mi intención era regresarme a <strong>México</strong>; sin embargo, sin proponérmelo,<br />
poco a poco me fui adaptando y agarrando de nuevo el gusto a los tiempos<br />
de esta ciudad. Su quietud, los cielos tan azules e intensos; “tonos<br />
que sólo se ven en los desiertos” dice Roger von Gunten, y a las cortas<br />
distancias, todo aquí queda a menos de diez minutos. Dejar el DF fue un<br />
arduo trabajo de desapego; sin embargo me fui reencontrando con gente<br />
querida e involucrando de nuevo en la <strong>com</strong>unidad cultur<strong>al</strong>.<br />
Cuando fin<strong>al</strong>mente tomé la decisión de quedarme en San Luis Potosí<br />
me planteé en qué forma podía colaborar de nuevo en la cultura y sin<br />
ninguna expectativa fui a ver <strong>al</strong> Ing. Fernando Carrillo, gestor y promotor<br />
cultur<strong>al</strong> de toda la vida con una sólida formación music<strong>al</strong>, designado<br />
<strong>com</strong>o Secretario de Cultura después de celebrados los últimos <strong>com</strong>icios<br />
elector<strong>al</strong>es. Me invitó a colaborar y hacerme cargo del Museo de <strong>Arte</strong><br />
Contemporáneo en la ciudad debido a que mi perfil labor<strong>al</strong> siempre ha<br />
girado en torno <strong>al</strong> arte; mi último trabajo fue <strong>com</strong>o Directora del Patrimonio<br />
Artístico de la Secretaría de Relaciones Exteriores y antes de eso<br />
fui asesora de Asuntos Cultur<strong>al</strong>es de la Ofici<strong>al</strong>ía Mayor en la Secretaría<br />
de Economía.<br />
¿Cómo era el MAC a tu llegada y cómo es ahora?<br />
Asumí el cargo de Directora en octubre de 2009 y encontré un espacio<br />
cerrado a su <strong>com</strong>unidad artística, un espacio elitista en el cu<strong>al</strong> nadie<br />
tenía cabida. Recibí un museo sin proyecto, sin programación y con un<br />
person<strong>al</strong> limitado a seis personas que re<strong>al</strong>izaban funciones duplicadas,<br />
diversas e indefinidas. En cuanto a la atención <strong>al</strong> público había solo visitas<br />
guiadas y un t<strong>al</strong>ler de pintura infantil en una de las bodegas sin uso.<br />
Lo primero fue re<strong>al</strong>izar un minucioso análisis para adecuar el presupuesto<br />
del museo a las necesidades cultur<strong>al</strong>es del nuevo gobierno. Después<br />
de eso; diseñar un proyecto integr<strong>al</strong> que abarcara una estrategia de<br />
<strong>com</strong>unicación, definición de funciones y la división de actividades por<br />
áreas de trabajo: Administración. Exposiciones (Curaduría, Museografía).<br />
Registro e investigación. Atención <strong>al</strong> Público (visitas guiadas) y Servicios<br />
Educativos. Relaciones Públicas. T<strong>al</strong>leres del Programa de acercamiento<br />
y sensibilización <strong>al</strong> arte.<br />
Una vez hecha la c<strong>al</strong>endarización de exposiciones se reorganizaron las<br />
visitas guiadas y junto <strong>al</strong> poeta y maestro Refugio de la Torre definimos<br />
los t<strong>al</strong>leres creativos: “Crear, ¡También se v<strong>al</strong>e!” para niños y adolescentes;<br />
“<strong>Arte</strong> vivo, vivo el arte” para adultos mayores; “Visita el museo” para<br />
trabajadores de gobierno estat<strong>al</strong> y municip<strong>al</strong>. En la actu<strong>al</strong>idad atendemos<br />
también el Programa “Transformarte” de la Secretaría de Cultura,<br />
el cu<strong>al</strong> consta de visitas guiadas a grupos de niños de tercer año de<br />
primaria y se está dando especi<strong>al</strong> atención a los grupos vulnerables de<br />
todas las edades. En este tiempo se han concluido proyectos <strong>com</strong>o el<br />
port<strong>al</strong> web del museo así <strong>com</strong>o se ha dado inicio a su presencia en las<br />
redes soci<strong>al</strong>es.<br />
Entrevista a<br />
Nuria Armengol<br />
Directora del MAC<br />
Por/by Iván Sanchezblas<br />
En cuanto <strong>al</strong> espacio físico existía una bodega sin uso en el primer piso<br />
la cu<strong>al</strong> convertí en lo que a mediano plazo será el Centro de Documentación<br />
especi<strong>al</strong>izado en las Bellas <strong>Arte</strong>s. La idea es contar con información<br />
bibliográfica y por Internet para que los jóvenes puedan re<strong>al</strong>izar sus<br />
investigaciones. En la actu<strong>al</strong>idad este espacio funciona <strong>com</strong>o una s<strong>al</strong>a<br />
multiusos donde se re<strong>al</strong>izan presentaciones, conferencias, t<strong>al</strong>leres y<br />
juntas. A la par de todo esto, y <strong>com</strong>o una primera acción que me pareció<br />
prioritaria, abrí las puertas del MAC a los artistas potosinos y residentes<br />
en el Estado a través de una primera reunión inform<strong>al</strong> con la fin<strong>al</strong>idad de<br />
poner el Museo a sus órdenes e iniciar el registro de artistas y obras. Elaboré<br />
un video promocion<strong>al</strong> y organicé un desayuno con todos los medios<br />
de <strong>com</strong>unicación para invitarlos a colaborar en el MAC y solicitarles su<br />
apoyo, ya que son ellos los que transmiten la información y su inclusión<br />
me parece fundament<strong>al</strong>.<br />
¿Cuáles han sido los retos en el desarrollo de su identidad museística?<br />
Continuidad. Este Museo es un proyecto en construcción, por lo tanto,<br />
el reto ha sido grande. Como en todos los inicios el primer año fue muy<br />
difícil, de mucho trabajo y aprendizaje. Este trabajo es apasionadamente<br />
creativo y hoy el MAC es un museo mucho más sólido que ha tomado<br />
su curso.<br />
El espacio inició <strong>com</strong>o un proyecto muy ambicioso con una magna exposición<br />
a punto de concluir, “De Picasso a Rothko, una mirada a la colección<br />
Olga y Rufino Tamayo” del Museo Tamayo, sin una programación<br />
que la sucediera y en medio de un cambio administrativo en donde todo<br />
estaba detenido. Mi preocupación inmediata fue continuar con el nivel<br />
y la c<strong>al</strong>idad de lo expuesto; y para ello entré en contacto con Roger von<br />
Gunten a quien siempre he admirado y consideré que podía estar <strong>al</strong> nivel<br />
de la muestra anterior. Como buen suizo toda su obra estaba perfectamente<br />
clasificada y lista para ser exhibida, así que me fui a Tepoztlán y<br />
juntos re<strong>al</strong>izamos la curaduría de “Mitos Mares Mil”, que el mismo autor<br />
llamó exposición antológica. Este fue el primer reto a resolver y la primera<br />
exposición de mi gestión.<br />
Un objetivo a mediano plazo es la creación<br />
de AMIGOS DEL ARTE, un plan de<br />
membresías que generen financiamiento<br />
Después de eso entré en una seria reflexión acerca del rumbo e identidad<br />
del museo; pues si bien la exposición fue un éxito, muchos esperaban<br />
que se siguiera la línea sobre lo que hoy en día consideran “arte<br />
contemporáneo”, que nos orientáramos hacía las nuevas tecnologías,<br />
hacía lo conceptu<strong>al</strong>, visu<strong>al</strong> y sonoro. El arte contemporáneo es todo trabajo<br />
artístico que presente una nueva propuesta y me parece un error<br />
hacer la plástica a un lado. Hoy en día lo que tenemos es una gran variedad<br />
para poder admirar y eso es lo que quiero hacer en el MAC, mostrar<br />
un poco de todo lo que se crea actu<strong>al</strong>mente, todo lo que sea una nueva<br />
propuesta, todo lo que aporte <strong>al</strong> intelecto, estimule la creatividad y eleve<br />
el espíritu. Por eso después de von Gunten presentamos “La simulación<br />
del caos. <strong>Arte</strong> contemporáneo it<strong>al</strong>iano”, curada por Alberto Torres, actu<strong>al</strong><br />
director del MASIN. Esta muestra es importante porque tuvimos obras<br />
de artistas <strong>com</strong>o Aligherio-e-Boetti, Maurizio Cattelan, Tatiana Trouvé,<br />
Luisa Lambri y Vanesa Beecroft, entre otros. Después presentamos<br />
“Crossover. Videoarte internacion<strong>al</strong>”, la cu<strong>al</strong> incluyó obra de cuatro<br />
grandes videoastas contemporáneos: Dough Aitken, Pipilotti Rist, Shirin<br />
Neshat y Yang Fudong. En 2010 terminamos con “Umbr<strong>al</strong>es y Fotoperiodismo”<br />
en coordinación con el Centro de la Imagen y para inicios de<br />
2011 presentamos “Esculturas desmontadas”, obra plástica de la artista<br />
finlandesa Totte Manes.<br />
¿Producen exposiciones propias?<br />
Sí, por ejemplo en septiembre se presentará por primera vez en el MAC<br />
a un pintor loc<strong>al</strong>: Armando Belmontes Ruíz. La exposición “Horizontes<br />
26 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
de papel” será una muestra que abarque obra de distintas etapas de su<br />
vida además de su producción reciente. Él es un pintor con oficio y su<br />
propuesta plástica, rebelde e irónica. Igu<strong>al</strong>mente en el primer piso se<br />
presentará “Conexiones invisibles” una muestra de arte interdisciplinario<br />
a cargo del colectivo llamado Laboratorio Mercurio, en coordinación<br />
con el Centro de las <strong>Arte</strong>s. Este grupo de jóvenes creadores es dirigido<br />
por el diseñador escénico Alain Kerriou, creador cuya propuesta es consolidar<br />
la obra de arte a partir de un trabajo colectivo en donde el ego<br />
quede a un lado; no hay autores, hay un grupo y una propuesta, actitud<br />
que concuerda perfectamente con los nuevos paradigmas de esta nueva<br />
humanidad en gestación.<br />
En esta primera etapa, una de las metas que me he trazado es el impulso<br />
del arte de los jóvenes creadores. Todo este año se trabajó en re<strong>al</strong>izar la<br />
curaduría de tres exposiciones de artistas jóvenes potosinos y residentes:<br />
PERSPECTIVAS 2012. La curaduría fue re<strong>al</strong>izada por el joven pintor<br />
Antonio García. Estas muestras se presentarán el año que entra en la<br />
planta <strong>al</strong>ta del MAC, la cu<strong>al</strong> he destinado para que funja <strong>com</strong>o plataforma<br />
de impulso <strong>al</strong> arte joven y de esa forma los muchachos puedan ir haciendo<br />
currículo. Estas mismas muestras se itinerarán por otros museos, esa<br />
es la idea, que nuestros artistas s<strong>al</strong>gan a otros Estados y vayan creciendo.<br />
Proyectarlos a nivel nacion<strong>al</strong>.<br />
¿Cuál es el impacto cultur<strong>al</strong> / soci<strong>al</strong> del MAC en la ciudad de San<br />
Luis Potosí, en su región inmediata y en el país?<br />
En el Estado no hay un museo igu<strong>al</strong>, lo cu<strong>al</strong> es una ventana abierta de<br />
posibilidades tanto a nivel region<strong>al</strong>, nacion<strong>al</strong> e internacion<strong>al</strong>. Estamos<br />
en el centro de la República, otro elemento clave para la interacción con<br />
otras instituciones en el desarrollo de proyectos interestat<strong>al</strong>es.<br />
¿Cuál es la relación del museo con otras instituciones en materia<br />
de itineracia de obras y exposiciones?<br />
El año pasado iniciamos el proyecto ENTRE MUSEOS con la exposición<br />
“Explosión e Implosión espaci<strong>al</strong>” de artistas sin<strong>al</strong>oenses, la cu<strong>al</strong> presentamos<br />
en el primer piso del MAC. Esto se conecta con PERPECTIVAS<br />
2012, que es nuestra oferta cultur<strong>al</strong> para otros Estados. ENTRE MUSEOS<br />
es un proyecto re<strong>al</strong>izado con el curador y director del MASIM, Alberto<br />
Torres. En estos tiempos es necesario re<strong>al</strong>izar colaboración entre todos,<br />
apoyarnos para llevar a cabo determinadas acciones pues estemos en<br />
crisis económica o no, la cultura siempre s<strong>al</strong>e perdiendo. A partir de<br />
entonces, empezamos a establecer contactos con otros museos de la<br />
República Mexicana.<br />
¿Cuál es el plan de trabajo de esta institución en el corto, mediano<br />
y largo plazo?<br />
Me parece importante fort<strong>al</strong>ecer los proyectos que ya tenemos y concluir<br />
los que aún no hemos terminado <strong>com</strong>o el Centro de Documentación.<br />
Espero que el año que entra, podamos re<strong>al</strong>izar el proyecto “<strong>Arte</strong> en<br />
la c<strong>al</strong>le”, inspirado en Entijuanarte Revoluciona, una intervención de 22<br />
propuestas artísticas en la emblemática Av. Revolución de la ciudad de<br />
Tijuana bajo la curaduría de Olga Margarita Dávila. Nuestro proyecto ya<br />
se inició y está siendo coordinado por el maestro Refugio de la Torre y el<br />
pintor Jesús Ramos quien participó en Tijuana.<br />
Un objetivo a mediano plazo es la creación de AMIGOS DEL ARTE, un<br />
plan de membresías que generen financiamiento. Para esto es necesaria<br />
una labor de acercamiento y sensibilización hacia el sector empresari<strong>al</strong><br />
para incorporarlo a la industria cultur<strong>al</strong> de esta ciudad. Es necesario<br />
acercar a la iniciativa privada tanto para el MAC <strong>com</strong>o para ir formando<br />
un mercado del arte que no existe aquí. También a mediano plazo está la<br />
creación de una colección propia; por un lado a través de donaciones de<br />
los propios artistas, por otro, a través de la adquisición de las mismas. A<br />
largo plazo la meta es consolidar los proyectos actu<strong>al</strong>es, aumentar <strong>al</strong>gunos<br />
y dejar un museo con una estructura óptima que logre un impacto<br />
cultur<strong>al</strong> / soci<strong>al</strong> sólido y re<strong>al</strong>.
www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
27
Crítica, opinión y ensayo<br />
Escuelas de arte<br />
¿Modelos o estrategias?<br />
Conversación con Guillermo Santamarina<br />
L a<br />
escena artística mexicana cambia constantemente y exige<br />
una formación educativa que responda a esta situación. El<br />
papel del docente dentro de una estructura educativa vertic<strong>al</strong><br />
resulta cada vez más insuficiente ante un contexto de diversidad<br />
en soportes artísticos y de fronteras disipadas entre disciplinas,<br />
por mencionar <strong>al</strong>gunos aspectos. Ante los cambios de un<br />
contexto <strong>com</strong>o el del arte en <strong>México</strong>, ¿cuáles son las estrategias y<br />
modelos de aprendizaje que deben seguir las escuelas de arte para<br />
no limitar su función a únicamente brindar conocimientos; sino<br />
que a su vez, fomenten la plur<strong>al</strong>idad de pensamientos y la diversidad<br />
en aproximaciones <strong>al</strong> hecho artístico?<br />
Partiendo de esta inquietud y abordando de forma más amplia el papel<br />
de la educación en las escuelas de arte, Guillermo Santamarina, curador,<br />
artista y docente de La Esmer<strong>al</strong>da, <strong>com</strong>parte desde su experiencia<br />
una visión del tema abordando ciertos puntos críticos expuestos en el<br />
siguiente texto:<br />
Vida = arte<br />
Cada vez más y de manera mucho más aguda, los artistas mexicanos no<br />
tienen posibilidad de producir en su país si no s<strong>al</strong>en del contexto nacion<strong>al</strong>;<br />
aspecto que sucede desde hace veinte años. Es una re<strong>al</strong>idad que en<br />
<strong>México</strong> los artistas son reconocidos primero internacion<strong>al</strong>mente y luego<br />
<strong>al</strong> interior; sea porque han sido invitados a residencias en el extranjero<br />
o bien por las g<strong>al</strong>erías que los llevan a ferias de arte en todo el mundo;<br />
en las cu<strong>al</strong>es os curadores extranjeros se encuentran y solicitan su obra<br />
para muestras nunca presentadas en su lugar de origen. Estamos viviendo<br />
y dependiendo muchísimo de la legitimación desde fuera para poder<br />
operar en este país; y aquí otra vez que la labor del docente deba reflejarse<br />
en un a<strong>com</strong>pañamiento necesario fuera de la escuela, traducido en<br />
experiencias originadas desde la escuela. La paradoja simultánea en la<br />
que se involucra un docente exige abordar situaciones que van desde la<br />
transmisión de una técnica hasta consejos para presentar un carpeta o<br />
proyecto.<br />
En <strong>México</strong> el grueso de las escuelas de arte funciona con modelos pedagógicos<br />
de carácter muy positivista; y me parece que esto ya no está<br />
funcionando. Es por esto que resulta tan <strong>com</strong>plicado diseñar programas<br />
de estudios. Pero otra vez, paradójicamente los artistas necesitan conocer<br />
esta información académica de manera muy profunda para que<br />
a partir de ello puedan aplicarla. Es necesario conocer los cánones para<br />
después apropiárselos. Olvidar lo inmediato de la información recibida<br />
para entrar así en un proceso mucho más pausado mediante el cu<strong>al</strong> se<br />
definirá una identidad artística.<br />
Si bien el artista decanta una identidad a lo largo de su carrera; en su<br />
periodo de formación la actividad del docente es la que conduce sus<br />
experiencias hacia resultados que se transformarán en conocimiento<br />
aplicado en su obra. Durante este periodo el docente no dirige ni controla<br />
la carrera de un artista, más bien brinda las posibilidades para que<br />
el proceso de pensamiento de un artista en formación se desarrolle en<br />
sus diferentes etapas; metodología de enseñanza que se contrapone<br />
<strong>al</strong> modelo de entregar resultados mediante tareas. En la actu<strong>al</strong>idad el<br />
maestro que se queda en un conocimiento cerrado tiene muy pocas<br />
probabilidades de trascender en su enseñanza; porque estamos en un<br />
momento en el cu<strong>al</strong> los artistas necesitan traspasar los límites de un<br />
conocimiento ortodoxo para poder enfrentar la fuerte <strong>com</strong>petencia en<br />
el mercado. Cuando un artista plástico toma clases con un especi<strong>al</strong>ista<br />
en otra disciplina <strong>com</strong>o la arquitectura, la música o el teatro, se generan<br />
otras dinámicas de conocimiento que no todas las generaciones de<br />
artistas en formación logran resolver. En un promedio gener<strong>al</strong>, <strong>al</strong> año<br />
se pueden s<strong>al</strong>var <strong>al</strong>rededor de diez egresados cuya obra está lista para<br />
ingresar, de una manera muy <strong>com</strong>petitiva, en la especulación de un mercado<br />
tan <strong>com</strong>petitivo y volátil <strong>com</strong>o lo es el mercado del arte. En todo<br />
caso el traslado de una técnica a otra, de una tecnología a otra no es un<br />
problema para ellos; porque se h<strong>al</strong>lan inmersos en un constante ejercicio<br />
de la transdisciplina.<br />
28 www. arte<strong>al</strong>diamexico.<strong>com</strong><br />
Por/by Iván Sanchezblas<br />
La crisis a la que se enfrentan las escuelas<br />
de arte está en la actividad docente<br />
Ciudad de <strong>México</strong> / <strong>México</strong><br />
Cuando en las escuelas de arte los parámetros para la enseñanza son tan<br />
abiertos, cu<strong>al</strong>quier paradigma o modelo educativo resulta insostenible<br />
incluso en las escuelas que han asumido esta <strong>com</strong>plejidad en términos<br />
teóricos y técnicos a través de programas de estudio abiertos. Esta <strong>com</strong>plejidad<br />
hace de la escuela de arte un lugar mucho más atractivo que<br />
pasa de un espacio académico a ser un objeto de estudio igu<strong>al</strong> de atractivo<br />
a otras áreas desprendidas del fenómeno artístico (técnica artística,<br />
historia, crítica, teoría y <strong>com</strong>erci<strong>al</strong>ización de la producción artística, museología,<br />
etc.). Sin embargo, este encuentro de disciplinas específicas<br />
dentro del arte crea t<strong>al</strong> cantidad de información que olvida enseñar a los<br />
<strong>al</strong>umnos cómo ejercer estos conocimientos.<br />
Curiosamente es entonces cuando <strong>al</strong> cuerpo docente y a la misma escuela<br />
les cuesta trabajo asimilar esta condición. A lo que se enfrenta<br />
un docente en estos tiempos es a dos condiciones: una, a resolver su<br />
método de enseñanza para con los <strong>al</strong>umnos y dos, resolver desde esta<br />
condición el formato de enseñanza planteado por la institución educativa<br />
a la que pertenece. Por lo tanto la crisis a la que se enfrentan las<br />
escuelas de arte está en la actividad docente; pues en ella sucede esta<br />
encrucijada. Más que una crisis de aprendizaje por parte de los <strong>al</strong>umnos<br />
hay una crisis en la labor docente desde los modelos escolares en sus<br />
parámetros de c<strong>al</strong>ificación y las dinámicas para formular sus programas.<br />
Los puntos clave a resolver en las instituciones educativas del arte deben<br />
concentrarse en un plan de actu<strong>al</strong>ización de largo <strong>al</strong>cance que ofrezca<br />
resultados no de manera inmediata con número de egresados; sino en<br />
el transcurso de varios años con identidades artísticas sólidas y consistentes<br />
en el mercado.<br />
Simultaneidad e inmediatez en la educación artística<br />
Hace diez años uno de mis maestros me señ<strong>al</strong>ó la enorme crisis en la que<br />
viven las escuelas de arte. En aquel entonces mencionó que lo único que<br />
se podía enseñar en la escuela era cómo ser artista después de pasar<br />
por ella; es decir enseñar <strong>com</strong>o una actitud de vida. La mejor escuela no<br />
es necesariamente la que tiene todo tipo de recursos (t<strong>al</strong>leres, asignaturas,<br />
programas académicos y tecnología actu<strong>al</strong>izada); sino aquella que
Crítica opinión y ensayo Ciudad de <strong>México</strong> / <strong>México</strong><br />
puede aprovecharlos <strong>al</strong> máximo. Más que transmitir una técnica o una<br />
historia asumida <strong>com</strong>o canon, la función que un maestro debe asumir es<br />
la de <strong>com</strong>partir su experiencia en la aplicación de estos conocimientos.<br />
Se debe transmitir la experiencia del hacer; de trabajar, de mantenerse<br />
consciente y <strong>al</strong>erta, con una definición constante de su relación con el<br />
arte en la vida diaria.<br />
No me considero un profesor riguroso ni considero que mi trabajo esté<br />
ceñido a una disciplina académica; más bien la docencia ha sido una actividad<br />
recíproca en cu<strong>al</strong> se va descubriendo, conociendo, aprendiendo,<br />
experimentando a la par del “otro”. El maestro aprende del <strong>al</strong>umno y el<br />
<strong>al</strong>umno también tiene la capacidad de <strong>com</strong>partir sus investigaciones. En<br />
este sentido el proceso no es line<strong>al</strong> ni tampoco vertic<strong>al</strong>; es una circunstancia<br />
mucho más orgánica. Mi regreso a la docencia en la Esmer<strong>al</strong>da ha<br />
sido difícil tanto de un lado <strong>com</strong>o del otro; las generaciones actu<strong>al</strong>es son<br />
muy <strong>com</strong>plejas y han sufrido de cerca lo que significa ser un profesion<strong>al</strong><br />
del arte en un contexto donde este trabajo está muy dev<strong>al</strong>uado <strong>al</strong> tiempo<br />
que su perfil no requiere de una estructura de formación académica;<br />
sino más bien de otros elementos <strong>com</strong>o las relaciones públicas u otros<br />
aspectos que no se adquieren en una escuela de arte. Estas son generaciones<br />
que viven de cerca la conquista de otros elementos para la expresión;<br />
tecnologías que han avanzado en una velocidad impresionante<br />
rebasando los conocimientos de generaciones anteriores y que vivimos<br />
<strong>com</strong>o una turbulencia por lo menos desde hace 20 años. El resultado<br />
son conocimientos que han modificado por <strong>com</strong>pleto el panorama de la<br />
creación artística.<br />
Obviamente para estas generaciones la expresión artística responde a<br />
sus inquietudes con los medios de una manera mucho más veloz; sin<br />
por ello corresponder a un discurso propio. Por otro lado también han<br />
sufrido una crisis en la asimilación de conocimientos artísticos correspondientes<br />
a una formación ortodoxa con tecnologías y técnicas de representación<br />
visu<strong>al</strong> basadas en la experiencia plástica; una experiencia<br />
producto de un “oficio” cuyo conocimiento de los materi<strong>al</strong>es y técnicas<br />
corresponde a parámetros cuya carga histórica termina por sistematizarlos<br />
en una técnica.<br />
Hoy día la situación es mucho más <strong>com</strong>pleja. Por ejemplo, mis estudios<br />
profesion<strong>al</strong>es son en <strong>com</strong>unicación; sin embargo, todo ese conocimiento<br />
lo he asumido <strong>com</strong>o elementos a considerar en mi ejercicio artístico y<br />
curatori<strong>al</strong>. Mi formación <strong>com</strong>o curador a través de las diferentes exposiciones<br />
en las que me he involucrado me ha permitido articular la obra<br />
de otros en discurso que sucede a través de una multidisciplinariedad<br />
que permite relacionarme con los fenómenos que están sucediendo<br />
actu<strong>al</strong>mente en el arte. Hoy día es posible e incluso permitido cambiar<br />
de disciplinas y trabajar desde varios puntos. En la dinámica del curador<br />
<strong>com</strong>o un <strong>com</strong>unicador que articula y genera proyectos de enlace e<br />
incluso de <strong>com</strong>erci<strong>al</strong>ización; se puede sumar el trabajo de la museología.<br />
Todo esto nos ubica en un momento donde las fronteras entre disciplinas<br />
están muy difusas <strong>al</strong> punto que los artistas en formación no tienen<br />
problemas de ir de un bando a otro cambiando la definición del ejercicio<br />
artístico. Es un modo de hacer que permite el desplazamiento entre técnicas<br />
y formatos antes organizados de una manera jerárquica. Frente a<br />
este fenómeno de fronteras oblicuas las escuelas de arte se encuentran<br />
en una situación crítica y <strong>al</strong> mismo tiempo con un enorme potenci<strong>al</strong> para<br />
reflexionar sobre sus formas de operar. Esta situación es sumamente<br />
tensa y <strong>com</strong>plicada <strong>com</strong>o para permitir una definición precisa de lo que<br />
debiera ser hoy el programa de estudios, la constitución académica y el<br />
conocimiento que un maestro debe y puede proyectar hacia estos artistas<br />
en potencia.<br />
Como docente es muy difícil conciliar esta paradoja, porque en un grupo<br />
hay muchas diferencias y encontrar un discurso único que les permita<br />
resolver esto acaba siendo una labor dispersa aún en la intención de encontrar<br />
un objetivo <strong>com</strong>ún. Cada individuo está inmerso en un proceso<br />
muy disímil a otros incluso teniendo un origen <strong>com</strong>ún. El resultado termina<br />
siendo disperso y aun así, con una coherencia adquirida desde esta<br />
dispersión. Si antes hubo tendencias a unificar movimientos o elementos<br />
estéticos dentro de un grupo en específico o corriente; con el paso<br />
del tiempo la simultaneidad e inmediatez tanto de información teórica<br />
<strong>com</strong>o de técnica se ha perfilado la encrucijada que hace del aprendizaje<br />
artístico una actividad de doble natur<strong>al</strong>eza; pues el artista en formación<br />
recibe información para posteriormente deberá traducirse en una identidad<br />
discursiva. Justo aquí es donde la docencia puede resolver o dirigir<br />
esta situación.<br />
Modelos y estrategias<br />
La condición ide<strong>al</strong> para un docente no existe; y si acaso, lo ide<strong>al</strong> sea<br />
ejercer su labor con <strong>al</strong>umnos honestos y <strong>com</strong>prometidos con su trabajo.<br />
Quienes cumplen estas condiciones son los artistas que pueden destacar;<br />
porque el ejercicio del arte es una decisión de vida que da inicio<br />
una vez que has s<strong>al</strong>ido de la escuela. Aunque una clase se imparte en<br />
dos horas, un modelo de trabajo sobrepasa este tiempo haciendo del<br />
aprendizaje en la escuela sólo una etapa dentro de un gran proceso que<br />
continúa fuera de ella.<br />
<strong>Arte</strong> igu<strong>al</strong> a vida es una postura que incorpora muchos procesos. A veces,<br />
éstos arrojan obras cuya vigencia es muy volátil y fácil de tirar cuando<br />
simplemente demuestran los conocimientos adquiridos en la escuela<br />
sin por ello asimilarlos en un ejercicio diario. Demostrar la capacidad<br />
de asimilar datos arroja obras muy débiles que, aunque necesarias en la<br />
formación de quienes están estudiando arte, son resultado inmediato de<br />
una información adquirida mediante estrategias sin por ello resp<strong>al</strong>darse<br />
en modelos de pensamiento. Las estrategias en el arte son muy rápidas<br />
en su vigencia pues resuelven condiciones inmediatas para demostrar<br />
y <strong>al</strong>canzar un objetivo desde una imagen efectiva que impacta (en el<br />
sentido de la <strong>com</strong>unicación efectiva ejercida, por ejemplo, en la publicidad).<br />
Este no es el lugar del arte; el lugar del arte es de modelos no de<br />
estrategias.<br />
En el aprendizaje del arte reconocer modelos de pensamiento es un aspecto<br />
primordi<strong>al</strong> a considerar; pues significa, tanto para maestro <strong>com</strong>o<br />
para <strong>al</strong>umno, un constante estudio de si mismo. Los modelos son individu<strong>al</strong>es;<br />
las estrategias, colectivas o <strong>com</strong>unes y <strong>com</strong>pletamente contextu<strong>al</strong>izadas<br />
en el presente. Los modelos son a-históricos y de un impacto<br />
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no inmediato <strong>al</strong> contexto, lo que no significa que no tengan la capacidad<br />
de representarlo.<br />
El reto es ejecutar un modelo educativo en el cu<strong>al</strong> los estudiantes, además<br />
de aprender las estrategias inmediatas, desarrollen la capacidad de<br />
construir modelos que los cuestionen a si mismos y sistematicen su manera<br />
de hacer y vivir el arte en un proceso definido a partir de su relación<br />
con ese modelo. Es muy difícil distinguir los modelos de las estrategias<br />
pues es difícil decir cuando un proceso de aprendizaje está guiado por<br />
uno u otro. En la escuela se pueden detectar en los <strong>al</strong>umnos quienes se<br />
rigen por uno u otro; quien usa la estrategia inmediata y quién va desarrollando<br />
y construyendo su modelo propio de un modo más pausado. Y<br />
eso es lo que debe ser la escuela, un espacio que permita a los <strong>al</strong>umnos<br />
reconocer en su aprendizaje las bases que dan cimiento <strong>al</strong> modelo creativo<br />
con el que después trabajarán su obra. Pero los modelos no están<br />
predefinidos; son procesos person<strong>al</strong>es que van decantándose hasta llegar<br />
a un modelo propio. Es por esto que en las escuelas de arte sea tan<br />
importante asimilar las estrategias implementadas por otros artistas a<br />
lo largo de la historia; <strong>com</strong>o igu<strong>al</strong> de importante es que desde todo este<br />
conocimiento se generen modelo únicos. Maestro y <strong>al</strong>umno se enfrascan<br />
así en un circuito de conocimiento que no impone estrategias sino explora<br />
y resuelve a través de modelos individu<strong>al</strong>es.<br />
La estrategia impone y demuestra; el modelo es un sistema dinámico<br />
que explora y <strong>com</strong>parte un conocimiento sistematizándolo de acuerdo a<br />
un interés de vida. Ambos tienen que ir a la par. Cuando un artista sólo se<br />
concentra en la estrategia satisface una necesidad de impacto inmediato<br />
que con el tiempo se desgasta y <strong>al</strong> fin<strong>al</strong> solo demuestra la capacidad<br />
de asimilar información sin por ello confirmar un proceso de aprendizaje.<br />
Un modelo es aquel espíritu centr<strong>al</strong> que puede arrojar estrategias para<br />
cumplir objetivos a corto mediano y largo plazo. Como ejemplo se puede<br />
mencionar el modelo educativo de relación soci<strong>al</strong> generado por Ricardo<br />
Basbaun; el cu<strong>al</strong> responde a una microhistoria particular y no a un<br />
planteamiento institucion<strong>al</strong> demostrando que los modelos no son univers<strong>al</strong>es<br />
y más bien son resultado de una microhistorias, micro políticas<br />
o micro contexto. Este establecimiento de lo micro a lo macro permite<br />
reconocer la importancia de la labor docente en su ejercicio y en su reflexión;<br />
para arriba la crítica de los modelos institucion<strong>al</strong>es y para abajo<br />
en la aplicación de esos modelos en el formato de planes de estudio.<br />
En el caso de La esmer<strong>al</strong>da puedo reconocer que esta escuela de arte<br />
se rige por estrategias; de ahí su crisis, porque mientras una escuela no<br />
genere modelos que resuelvan su diversidad, <strong>com</strong>plejidad, contradicciones,<br />
paradojas y vulnerabilidades, ésta no será efectiva ni trascendente.<br />
Cuando una escuela o cu<strong>al</strong>quier otra institución trabaja con estrategias,<br />
no puede proyectar o dar un estado de resultados re<strong>al</strong>. Como docente la<br />
visión crítica va hacia arriba y hacia abajo; tanto es importante revisar la<br />
institución y actu<strong>al</strong>izarla con modelos <strong>com</strong>o importante es trabajar con<br />
los <strong>al</strong>umnos para que adquieran conciencia de la necesidad de generar<br />
modelos propios. Es tan <strong>com</strong>plicada la situación de un docente que<br />
discutir el papel que juega esta actividad dentro del fenómeno del arte<br />
actu<strong>al</strong> es fundament<strong>al</strong>. De no hacerlo jamás se podrá distinguir entre<br />
modelos y estrategias educativas.<br />
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