Tomates-Podridos

PJerry

Tomates podridos

#1

Jared Leto y sus

e s c e n a s

eliminadas del

Joker

Spider Man:

Homecoming

Jorge Jimenez– Investigación

Juan Pablo Altamirano– Investigación

Juan Manuel– Investigación

Alberto Vargas– Diseño

¿Posible Spin-off

de Black Widow?

Gerardo Castillón– Organización


¿Qué significa cine?

Se llama cine o cinematografía a la tecnología que reproduce fotogramas de forma rápida y sucesiva creando

la llamada “ilusión de movimiento”, es decir, la percepción visual de que se asiste a imágenes que se

mueven. También se le dice cine al edificio o sala donde se proyectan las películas. El término tiene la misma

raíz griega que otras palabras como cinética, kinesiología y otras que se relacionan con el movimiento.

Historia

La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron

públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del

Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores

y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. El desarrollo

de las nuevas técnicas cinematográficas, de una mayor narrativa, y la elaboración de los primeros guiones

de ficción, provocó que los hermanos Lumière quedaran en segundo plano en el crecimiento de su cinematógrafo.

El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez antes de la aparición de las películas con sonido. Dado

que el cine mudo no podía servirse de audio sincronizado con la imagen para presentar los diálogos, se

añadían títulos para aclarar la situación a la audiencia o para mostrar conversaciones importantes.

En los años veinte del siglo XX surge una nueva tecnología que permite a los cineastas agregar una banda

sonora a los films, ya sea de diálogos, música o efectos sonoros, que aparecerán sincronizados con la imagen

en movimiento.

Mientras que la incorporación del sonido fue rápida y determinó la desaparición del relator y los músicos

en vivo, el color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía

en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir

los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.

Algunos denominan al cine actual postmoderno, tanto por su lugar en sucesión al cine clásico como por su

proximidad al postmodernismo.


Épocas del cine

Según a pasado el tiempo, las personas han podido dividir la historia del cine en partes o épocas:






Precine

Época Muda

Época sonora

Cine en la actualidad

Cine en 3D

La película mas importante en la historia del cine

Según algunas páginas que se enfocan a realizar criticas sobe películas, rankings, reseñas, críticas y demás

cosas, en varias de ellas se coincide en que la mejor película que se a filmado es “La Vida es Bella” (1997)

La vida es bella (La vita è bella en italiano) es una película de 1997, escrita, dirigida y protagonizada

por Roberto Benigni. Benigni interpreta a Guido Orefice, un judío italiano dueño de una librería, que debe

emplear su fértil imaginación para proteger a su pequeño hijo de los horrores de un campo de concentración

nazi. La historia está parcialmente basada en la experiencia real del padre de Benigni, que logró sobrevivir

a tres años de internamiento en Bergen-Belsen.

La importancia del cine en la cultura

El cine representa una forma muy importante de transmisión de la cultura universal en los tiempos actuales.

Nuestra sociedad se va formando e informando a través del cine y la televisión, películas de ficción, reportajes

o documentales, que permiten otro tipo de acercamiento al complejo mundo del ser humano. Una

película intenta documentar, dar testimonio de una realidad, en algún caso retratar y relatar una historia

para transmitir a través de ella un mensaje. Emplea con este motivo espacio y tiempo, imagen y palabra,

realidad y ficción, conocimientos y sentimientos con los que trata de influir sobre la vista, el oído y otros

sentidos generando empatía en los observadores sobre la situación que viven los actores.


Nuevo tráiler de

Star Wars: Rogue One

En este tráiler,

El Imperio esta en su

apogeo, pero

aun así debe eliminar lo que queda de

la Alianza Rebelde. En Star Wars:

Rogue One, un científico es arrastrado

al lado oscuro para ayudar a

construir el arma

definitiva.


¿Spin-off de

Black Widow?

Quizá Black Widow no tenga el heroísmo de Capitán

América, el genio tecnológico de Iron Man o los impresionantes

poderes de Thor, sin embargo la espía ocupa un

puesto de honor entre los Vengadores gracias al ingenio,

coraje y valor expuestos en cada misión. Si a esto agregamos

una estupenda interpretación de Scarlett Johansson,

no nos sorprende que el personaje haya ascendido entre

los grandes favoritos del Marvel Cinematic Universe.

¿Entonces cuándo veremos una película individual de

Black Widow? Los rumores iniciaron con el estreno de Iron Man 2

"Me gustaría que pasara bajo las circunstancias adecuadas. Creo que hay muchas oportunidades para esa

historia. Tiene una historia de origen realmente rica. Hay muchos sitios donde puede ir, puedes llevarla de

vuelta a Rusia. Puedes explorar el programa Widow. Hay muchas cosas que puedes hacer. En realidad

puedes develar la identidad de la persona, de dónde viene y de qué formó parte".

Sería interesante conocer el pasado de Black Widow, "Hay mucha historia de fondo. O no. Podría ser algo

más. ¿A dónde van los Vengadores? Están ocultos, ¿qué pasa con ellos? Hay muchos caminos por explorar.

Sólo creo que debería ser algo muy específico. Su vibra específica. Tendría que ser totalmente diferente de

otros filmes individuales. Creo que si los fans la pidieran lo suficiente, probablemente sería una realidad".

Finalmente, la actriz reveló haber tenido pláticas con Marvel sobre una pelicula individual, pero insiste en

que el estudio deberá decidir pronto el destino cinematográfico de su personaje:

"He hablado muy seguido con ellos. Tendría que encajar con la idea sobre dónde quieren ir. Estoy involucrada

con el personaje. Marvel está muy involucrado con el personaje. Si lo hiciera, tendrá que ser mientras

aún quiera usar un traje ajustado. No sé cuánto tiempo más será de eso".


El placer de la repetición

Por Jorge Morales

La mejor y más graciosa anécdota del Oscar fue obra y gracia de Luis Buñuel. Cuándo le fueron a preguntar

si creía que su película El discreto encanto de la burguesía (1972), nominada por Francia, obtendría el

Oscar a mejor película extranjera, soltó una "infidencia": "Sí, estoy convencido, ya he pagado los 25 mil

dólares que me pidieron. Los americanos tienen sus defectos, pero son hombres de palabra". Aunque era

obvio que era una broma, hubo cierto escándalo, y el productor de la película tuvo que pedir disculpas.

En el Oscar, más allá de la celebración al cine y sus estrellas, lo que más huele es a dinero. Todo lo que se

suele decir es cierto: que en los Oscar no siempre recompensan la calidad, que las campañas de promoción

son fundamentales, que la Academia muchas veces castiga o premia por razones externas al cine, que sus

votantes son caprichosos, etc. Pero sigue siendo muy importante el dinero. Lo que se invirtió, lo que se ganó

y lo que se perdió en el año. En el fondo, es una gran reunión de accionistas, donde se evalúa el desempeño

de la empresa y se premia al "empleado del mes". Eso no quiere decir que no les importe el cine. Les

importa, y mucho, porque mal que mal es su negocio. Pero por ejemplo, la Academia va a premiar una cinta

que sea de talento e innovación cinematográfica pero haya sido un completo fracaso en taquilla.

El Oscar es tan impredecible como una reñida elección política. Se dijo que No hizo una gran campaña,

pero que Amour tenía el premio cocinado desde hace rato. Igual tesis se manejó en 2011 con el mismo Michael

Haneke con La cinta blanca frente a El secreto de sus ojos, pero terminó ganando la argentina.


Suicide Squad: Entrevista con

Jared Leto, el Joker

De Georgina Izuzquiza ▪ sábado, 06 de agosto de 2016 - 12h17

La nueva película del Universo Cinemático de DC llegó ayer (6 de

agosto) a las salas de cine en España.

La película de DC, Escuadrón suicida, fue estrenada anoche (5 de

agosto) en la mayoría de salas de cine de todo el mundo. Las primeras

críticas de la película han situado a Harley Quinn como la

estrella de la nueva cinta de David Ayer y han revelado que El

Joker no tiene la presencia esperada durante la historia. ¿Qué

piensa Jared Leto de todo esto?

¡Cuidado! Esta noticia contiene 'SPOILERS' de Escuadrón suicida

Durante una entrevista con IGN, Leto ha bromeado sobre qué le ocurre a su personaje cuando el helicóptero donde

viaja se estrella: "No tengo ni idea. Seguro que se va a tomarse una copa o algo así. Se estira, porque cuando viajas

en helicóptero los músculos se agarrotan". Como puedes ver en este vídeo, el tono de la conversación cambia por

completo cuando el actor es preguntado por las escenas eliminadas de la película. "¿Existe alguna que no haya sido

cortada? Te pregunto, ¿Has visto alguna que no haya sido cortada?", responde Leto claramente molesto.

A pesar de que la mayoría del material que ha sido grabado del Joker no ha sido utilizado, parece que existe una razón

para ello: "Existen muchas escenas que fueron cortadas de la película, no sabría por dónde empezar. Creo que 'El

Joker'... experimentamos muchísimo en el 'set', exploramos mucho". Por sus palabras, parece que hizo muchas escenas

junto a Ayer para comprobar cómo se vería su personaje

en pantalla.

Leto también ha "bromeado" sobre el momento en el que

todo ese material sea publicado: "Si me muero pronto,

probablemente todo eso salga a la superficie. Esa es la

buena noticia sobre la muerte de un actor, que todo el

material nunca visto sale a la luz".


UP –La magia de Pixar

Por Ángelus

06/10/2016

Up es una fantástica película de animación que fue publicada en

2009. Carl es un viudo vendedor de globos que quiere cumplir el

sueño de su mujer: Ir a América del sur a descubrir un precioso

lugar. Pero le acompañará un niño explorador…

Argumento de Up

Un viejo vendedor de globos, despues vivir toda la vida con su mujer,

ésta muere sin cumplir su sueño: viajar a América del Sur para

descubrir un paisaje precioso. Sin embargo, ya a su avanzada edad,

emprenderá el viaje de su vida para descubrir ese lugar… volando

con su casa y la mirada de su mujer en un retrato colgado en la pared.

Mi opinión sobre Up

Sin palabras. Realmente nada de lo que pudiera decir podría trasmitir

lo que me ha trasmitido esta obra. Sin ir más lejos el protagonista

es un amor de persona, pero cuando se pone en modo guerra

parece el mejor Harrison Forden Indiana Jones. Y el antagonista también me ha recordado a un villano, pero no

recuerdo a cual exactamente. La aventura es emocionante, divertida y espectacular. Hay fotografías bellísimas. En

fin, todo son virtudes.

La crítica de Up

El primer cuarto de hora de cine mudo es una maravilla. Con algunas imágenes descubres la vida del protagonista,

tanto sus momentos felices como los trágicos, para identificarte completamente. Una obra maestra de principio a

fin. Lo mejor son las emociones que Up transmite, tanto alegría como tristeza. Y otra cosa a destacar es que a pesar

de ser una película de dibujos para niños, es muy posible que los adultos la disfruten más por los valores que transmite,

pero al mismo tiempo puede llegar a ser educativa para

niños. Una obra de arte que nadie debe perderse.


Scarlett Johansson es la mejor opción

para “Ghost in the Shell”

La película de Ghost in the shell me parece uno de los grandes animes que existen de todos los tiempos, probablemente

sólo rebasado por el clásico de clásicos Akira y La tumba de las luciérnagas. Su director Mamoru Oshii creó

para la película un gran mundo visual y auditivo que llegó a inspirar a los las Wachowski a hacer The Matrix. Ahora

Hollywood está haciendo su versión con Scarlett Johansson y...

El hecho de que Scarlett Johansson sea la protagonista de Ghost in the shell no es ningún error ni habría que atacarla

o al estudio (Paramount) o al director; es perfectamente normal y es un acierto. Ghost in the Shell es una de las

grandes apuestas de Paramount Pictures para el siguiente año y tanto Paramount como cualquier otro estudio y

distribuidor en Hollywood son modelos de negocios, no son modelos artísticos, ellos quieren su dinero de regreso con

ganancias al doble -como mínimo-.

Cada vez hay menos y menos estrellas en Hollywood, y por estrellas me refiero a aquellos actores que 1) que a la

gente les guste 2) que sus películas vendan 3) eso les de contratos para ser la imagen de perfumes, bebidas alcohólicas,

etcétera.

Que Ghost in the Shell sea protagonizada por Johansson es lo mejor que le pudo pasar a la película porque eso hará

que llegue a la pantalla grande, eso hará que más gente, ajena a la idea de una cyborg con temas filosóficos, compre

un boleto para ver un concepto arriesgado, sólo por estar protagonizada por una actriz reconocida de Hollywood.


El filme “César Chávez” reivindica la

vigencia del “Sí, se puede”

Austin.– La primera vez que pusieron “César Chávez”, en Austin,

Texas, se oyeron a la entrada gritos de “Sí, se puede”,

“Cuando trabajábamos en la película, estaba constantemente buscando

cómo conectarla con hoy, pero me di cuenta de que sale de

manera natural e inevitable”, explicó el mexicano Luna, que estrenará

a finales de mes en los cines su segundo largometraje de ficción

como director.

El filme “César Chávez” te recuerdo a la historia del líder campesino

estadounidense que luchó por los derechos civiles de los indocumentados

y lideró varias protestas en contra de los abusos de las

grandes corporaciones.

“Cuando recibí el guión y me dijeron que tenía el papel de César

Chávez, estaba bien nervioso y con miedo. Llamé a mi papá y me

dijo ‘hazlo”, confiesa el actor Michael Peña, de padres nacidos en

México y que en la película interpreta al líder sindical.

Diego Luna dirige esa producción estadounidense, que se estrenará en cines el próximo 28 de marzo, justo

en un momento en el que la promesa de una reforma del sistema migratorio de EE.UU. parece más encallada

que nunca en Washington.

“La película puede ayudar a convencer a algunos que son indiferentes a una presión que está sucediendo en

todo el país, que es incuestionable y que el cine puede poner sobre la mesa”, pronostica el director mexicano

sobre la reforma migratoria.

Y cita el presidente de los estados unidos Barack Obama, respecto a millones de hispanos: “Hay un miedo

constante a que todo ese sueño se caiga en un día, un miedo constante a la deportación”.

En especial, se refiere a la situación actual de los trabajadores del campo, cincuenta años después de la lucha

de César Chávez, y al desconocimiento del resto de la población de las condiciones en las que trabajan

quienes recolectan sus alimentos.


Para Diego Luna, “no puede ser que a alguien que alimente

a su país le cueste tanto alimentar a su familia, no puede ser

que en el campo siga habiendo niños trabajando en vez de

estudiando”.

Michael Peña interpreta a un César Chávez contenido, reflexivo

y serio, , que escucha más de lo que habla, que dice poco

pero cuenta mucho.

“Era alguien a quien le disgustaban las injusticias; los campesinos

de la época trabajaban 16 horas al día, no más trabajaban,

no podían comer ni ir al baño”, cuenta Peña, conocido

por filmes como “Crash” y “End of Watch”.

Aunque el centro de atención de la pelicula es César Chávez,

las dos actrices protagonistas también destacan por su magnetismo:

América Ferrera interpreta a la esposa, una discreta

Helen Chávez de la que emergerá una activista combativa, y Rosario Dawson hace de la líder hispana Dolores

Huerta, dura, luchadora e idealista.

la lucha iniciada por el círculo privado de los Chávez crece a escala local, sectorial y nacional, lo que genera secuencias

de tensión y violencia propias de las superproducciones estadounidenses.

El director cree que lo que convirtió en líder a César Chávez (1927-1993) fue que sabía escuchar: “Es un hombre que

entendió lo que esta comunidad necesitaba, que era justo eso, ser escuchado”.

“Les decía a los campesinos que sus historias importaban a una comunidad que llevaba décadas ignorada en este

país”, subraya Luna.

Por eso, critica la poca atención en la actualidad al colectivo campesino: “EE.UU. es un país para el que trabajan, al

que alimentan, que están construyendo, pero que les recuerda todos los días que no pertenecen a él”.

Según Luna, el largometraje consigue ser fiel al contexto lingüístico de César Chávez y, mientras el personaje habla

en inglés con sus parientes, usa el español para acercarse al resto de campesinos.

“El idioma con el que más incómodo se sentía Chávez era el español porque él fue a la escuela en una época en que

no te permitían hablar este idioma”, justifica el director mexicano.

La película se estrena con una gran expectación entre la población de origen hispano en EE.UU. y, justamente, Luna

cree que “el cine, la literatura, la televisión y el entretenimiento general tienen que contar más sus historias y alimentar

a ese público”.

Pero subraya: “En el estreno en Austin, me quedó claro que

la película funciona sin importar la comunidad a la que pertenezcas,

porque habla de cómo un problema del campesino se

volvió un problema nacional, internacional, y de posturas.

De con quién estás”.


Una comedia de otro tiempo

Lío en Broadway, (Peter Bogdanovich, 2014)

Peter Bogdanovich, el realizador de “Lío en Broadway”, ha tenido,

una carrera tambaleada. Al lado de buenas películas como:

“La última película” (1971), “Qué me pasa doctor? (1972) o ¿Qué

ruina de función? (1992), ha dirigido otras mucho menos interesantes.

Excelente guionista, historiador, actor, crítico de cine y cinéfilo de pro, ha escrito excelentes

monografías sobre John Ford, Fritz Lang y Welles, además de dos volúmenes que, con

el título de “El director es la estrella”, recogen una serie de entrevistas con los realizadores

más importantes del Hollywood clásico, un libro imprescindible para cualquier amante del

cine.

Bogdanovich llevaba veinte años sin estrenar una película en España, en las últimas décadas ha dirigido poco cine…,

algo para televisión, breves apariciones como actor en algunas series y poco más.

Ahora nos presenta una comedia clásica, una mezcla de vodevil teatral y comedia loca (screwball comedy). Puertas

que se abren y se cierran, un elenco amplio de personajes que entran y salen por esas puertas, se esconden, aparecen,

y vuelven a desaparecer. La película tiene un considerable número de gags al estilo del Hollywood clásico de las décadas

de los años 30, 40 y 50. La cinta está plagada de referencias y homenajes empezando con la frase que se presenta

como leitmotiv que está sacada de una película de Lubitsch.

Los actores y actrices están, todos, enormes, pero hay que destacar a Imogen Potts y a Jennifer Aniston. Esta última

nos regala la mejor interpretación de toda su carrera.

El guion es estupendo y el ritmo que el director imprime a la película es el que necesita, diálogos rápidos, réplicas

ingeniosas y una sucesión de situaciones con errores, sobreentendidos y segundas lecturas que consiguen que la película

nos genere un estado de ánimo para gozar de lo que vemos en pantalla, algo que se echa en falta en la mayor

parte del cine actual, donde prima la sangre, el sobresalto y la espectacularidad de las secuencias de acción y de los

efectos especiales. Esta película es una comedia que, además de ser completamente distinta a la mayor parte del cine

que se hace ahora es, también, completamente distinta a la mayor parte de las comedias que se hacen ahora, y se

agradece.

La comedia es, sin duda, el género cinematográfico más complicado de hacer bien. Todo debe funcionar a la perfección,

el guion, por supuesto, los personajes y los actores que los interpretan deben estar a gran altura y el ritmo se

debe ajustar con mucho cuidado. Bogdanovich firma una excelente película, de una sencillez excelente, con planos

fijos, trípode y movimientos de la cámara ligeros y elegantes, con diálogos rápidos y un ritmo endemoniado que es el

que necesita este tipo de comedia.


Como era de esperar, la película ha sido masacrada por la crítica e ignorada

por el público. A mí me parece una maravilla y no creo que los críticos hayan

sido justos al utilizar adjetivos como “desfasada, caduca, congelada, o

anacrónica”. Tampoco es justo que el público no le haya dado una oportunidad,

un público que, como ya he citado alguna vez, “prefiere ser asaltado y

no seducido”, (Roger Ebert).

Bogdanovich, en una entrevista reciente, decía que la mayoría de la gente

que va al cine, no ha visto nada anterior a “La guerra de las Galaxias”,

(1977). Seguramente tiene razón.

En algún momento, allá por los años 70, empezó a caer en el olvido el amor

al cine clasico. Hasta entonces los nuevos movimientos, las nuevas técnicas

audiovisuales, incluso los conceptos más rompedores, eran asimilados ¿Uno

podía estar entusiasmado con la Nouvelle Vague pero defender a muerte a

John Ford, Nicholas Ray, Howard Hawks, Ophüls, Dreyer, Preminger, Hitchcock, Ozu, Kurosawa, Delmer

Daves…, y tantos otros. Esto ya no ocurre. Hoy en día, incluso entre aquéllos que estudian cine, o

colaboran en páginas y blogs en los que se escribe de películas y se ejerce la crítica, existe un desconocimiento

absoluto del cine anterior a los años 70. Esto es una auténtica desgracia y no ocurre en ninguna

otra disciplina artística.

Así pues, nuestro buen amigo Bogdanovich estaba condenado al fracaso al concebir una comedia clásica...,

una comedia de otro tiempo.


“Spider-Man: Homecoming”: Tom Holland habla sobre si El

Hombre Araña aparecerá en las futuras películas de Los

Vengadores

Tom Holland realizó su debut en el Universo Cinemático de

Marvel como Spider-Man en Capitán América: Civil War, la

película que inició la Fase 3 de La Casa de las Ideas y que

enfrentó a los bandos liderados por Capitán América (Chris

Evans) e Iron Man (Robert Downey Jr.). Su aparición en la

cinta del hermano Russo pudo llevarse a cabo gracias a un

acuerdo entre el estudio y Sony y el superhéroe regresará

el 7 de julio de 2017 a la gran pantalla con su película en

solitario titulada Homecoming y dirigida por Jon Watss. Pero, ¿Volveremos a verle rodeado de los Vengadores

en el futuro?

Holland ha sido uno de los asistentes al New York Film Festival con motivo de la premiere de su última

película The Lost City of Z y el actor ha hablado sobre si El Hombre Araña peleará junto al resto de superhéroes

del Universo Cinemático de Marvel. "Está todo en el aire", cuenta en Variety. "Creo que algún tipo

de trato está incluido, pero no está claro qué trato es", añade.

La aparición más lógica de Spider-Man tras su película en solitario sería Vengadores: Infinity War o Vengadores

4. Por el momento, están confirmadas las apariciones de los Guardianes de la Galaxia, Doctor

Strange y otros personajes de Marvel. ¿Te gustaría ver al Trepa muros enfrentándose a Thanos?


"Un árbol es un árbol"

King Vidor

Editorial: Paidós Ibérica, 2003

Seguramente se trata de un director desconocido para la mayoría del público

aunque dirigió muchisimas grandes películas. Entre sus obras más

conocidas figuran: “El gran desfile”, 1925; “Y el mundo marcha”, 1928;

“Aleluya”, 1929; “El pan nuestro de cada día”, 1934; “Duelo al sol”,

1946; “El manantial”, 1949; “Pasión bajo la niebla”, 1952; “La pradera

sin ley”, 1955 y “Guerra y paz”, 1956:

«La primera película que vi fue “Viaje a la Luna” (Le voyage dans la lune,

1902). La proyectaron en la Grand Opera House de Galveston cuando yo tenía

unos quince años. No sabía que George Méliés la había filmado en París

hacía siete u ocho años. Me senté con un par de amigos y empezamos a hablar

acerca de cómo se hacía una película.»

Este libro que recoge sus memorias se publicó por primera vez en 1953 y se amplió en 1981 y ya desde su primera

edición ha sido considerado como uno de los mejores libros de cine que se han escrito jamás.

Mediante el relato de su vida y de su carrera cinematográfica, Vidor, nos presenta de en primera persona el mundo

del cine en Hollywood desde su nacimiento y conocemos, a través él, personajes míticos del cine mudo y del cine sonoro

como: Irvin Thalberg, John Gilbert, Greta Garbo, Lillian Gish, Audrey Hepburn o Gregory Peck.

Pero lo mejor de este libro, y a lo que debe su éxito, es que se trata de una obra escrita desde el amor que su autor

profesa al mundo del cine desde su juventud cuando empezó trabajando de acomodador y sustituto del proyeccionista

de un cine de su ciudad natal.

Realizó sus primeras películas con una cámara que él mismo había fabricado y acabó dirigiendo a estrellas en superproducciones

para los Grandes Estudios. Fue un pionero en la lucha por conseguir reconocimiento artístico y control

sobre sus productos en una época de dominio absoluto y absolutista de los Grandes Estudios de Hollywood.

El libro se lee como si de una novela se tratara y sus páginas transmiten la pasión por las películas y la ilusión de

contar historias desde la pantalla, la misma pantalla que miraba, cautivando tus sentimientos, cuando tenía 15 años

y veía cómo el cohete fabricado por seis extraños científicos era “disparado” por un cañón e impactaba en el ojo de la

luna.

“Me gusta hacer películas, ése ha sido mi gran amor…”


Batman v Superman: El amanecer de la Justicia

Por Ángelus :

Batman v Superman: El amanecer de la Justicia

es la película más esperada de 2016. Y lo

cierto es que tras valorar esta obra podemos

decir que ha decepcionado. No porque sea

mala, sino porque no es tan buena como esperábamos.

¡La analizamos!

Superman aparece para salvar a la gente de

peligros inminentes, pero lejos de proclamarse

ídolo nacional se debate si realmente se necesita

su ayuda y si sigue las leyes. Esto provoca una cierta inestabilidad. Entonces surge Batman para poner

a raya a Superman y ambos entran en conflicto para marcar territorio. Ante este caos aparece una nueva

amenaza con destruir a la humanidad.

Me ha parecido una película muy espectacular. El guión es un tanto confuso y eso impide disfrutarla del

todo. Pero lo peor de todo son los superhéroes, no están bien representados. Superman aun parece el clásico,

aun con esos ojos iluminados de rojo, pero Batman no. Otra cosa es que no hay equilibrio entre ellos:

Superman es aparentemente mucho más fuerte que Batman. Pero aun así ambos necesitan de un tercer

superhéroe. ¿No son bastantes dos de los más famosos? Lo que sí me ha gustado ha sido ese debate en el

que se dan razones por la que los superhéroes son buenos o malos.

Con mala publicidad -cargada de spoilers e imágenes vacías-, tenemos una película

que cumple sin más con su objetivo. Se trata de un escaparate para que los

superhéroes se luzcan. Lo mejor sin duda es el prólogo. Después las secuencias

suceden con más o menos interés, pero sobretodo mal encajadas en un argumento

demasiado confuso. Con dos partes bien diferenciadas: una sombría y

otra espectacular. Tal vez el mayor fallo de Batman v Superman: El amanecer

de la justicia es que trata de ser una película profunda, cuando sólo es épica. Lo

mejor el villano, inspirado en el Joker. aunque no se le ha dado la importancia

que necesitaba. Además hay numerosos guiños a los cómics, cosa que se agradece.

Con todo tenemos una obra entretenida, no es excelente pero sí aceptable.

Defrauda porque se esperaba mucho más, y porque no está a la altura de los

superhéroes de Marvel.


Sergio Mazurek: "Durante mucho tiempo intentar

hacer cine de género en Argentina consistía en una

empresa casi imposible"

Sergio Mazurek regresa al cine con Ecuación, los malditos de Dios (2016), un trágico

thriller fantástico que retoma el mito bíblico de la maldición divina que condenó la

descendencia de Caín tras el asesinato de su hermano, Abel, por toda la eternidad, en

donde Hermes (Carlos Echevarría), un médico de mediana edad atormentado por

flashbacks y visiones, deberá desvelar el misterio que asola en el hospital en donde trabaja,

y descubrir la verdad sobre la vida y la muerte. "El miedo nos posibilita adentrarnos

en los extraños universos que nos generan nuestras fantasías, espectros y pesadillas",

sostiene en una charla con EscribiendoCine.

¿Cómo surgió la idea de Ecuación, los malditos de Dios?

La historia nace a partir de un mito urbano internacional: Mothman, el hombre polilla,

una criatura humanoide cuyas apariciones se relacionan con hechos extraños ocurridos

en 1966 en Point Pleasant, Estados Unidos. Un "heraldo de desgracias y muerte",

dicen. De las investigaciones realizadas por los escritores Guillermo Barrantesy Víctor Coviello para los libros de la

saga Buenos Aires es Leyenda, rescatamos la versión nacional de esta leyenda: la del Ángel de la Muerte del Hospital

Rivadavia, una estatua que representa a un ángel con alas desplegadas, a la que le atribuyen una serie de muertes

debidas a su influencia.

Otro de los temas centrales de la película es la muerte, difícil de aceptar sin objeciones ni miedos, trae consigo los

misterios de la misma y principalmente los temores. El miedo nos posibilita adentrarnos en los extraños universos

que nos generan nuestras fantasías, espectros y pesadillas. Es por eso que el tema de la muerte está presente en la

gran mayoría de las leyendas urbanas.

¿Hicieron una investigación previa sobre la descendencia de Caín y el contexto bíblico?

Si, Guillermo, que es el guionista, hizo una investigación sobre esa parte de los Evangelios en los que se refiere a los

hijos de Adán y Eva, y más precisamente del asesinato de Caín a su hermano Abel, y la venganza de Dios sobre Caín

colocando sobre él una marca como advertencia. Utilizando esto como punto de partida se armo la mitología que

aparece en el guión de la película.

¿ T u v i e r o n a l g u n a i n f l u e n c i a p a r a r e a l i z a r l a ?

Uno está atravesado por un sinnúmero de películas, series y libros que hacen que sea muy difícil conocer a ciencia

cierta cuales son las influencias certeras de la obra. Seguramente existirán algunas cosas son aportadas de un lado y

otras de otro. Con Guille nos une la pasión por peliculas y autores del género fantástico como Brad Anderson, John

Carpenter y muchos mas. Principalmente por películas comoSession 9 (2001), La Cosa

(1982), Moon (2009), Identidad (2003). Guille y Víctor venían realizando en la saga exitosa de libros Buenos Aires

es leyenda.


¿Cómo fue la elección del elenco? ¿Hubo casting o ya estaban preseleccionados los actores?

No hubo casting, sino que elegí actores que conocía bien, como Carlos Echevarría por alguna razón me imaginaba

siempre al protagonista, Hermes, con su rostro. y Paula Siero, con los que tuve la suerte de trabajar en mi película

anterior Lo siniestro (2011).

Con Roberto Carnaghi no tenía ninguna duda, quería que estuviera en el proyecto por su experiencia, calidad actoral

y su bondad. También hubo otros actores, como Marta Lubos, Jorge Booth, María Laura Calí y Eduardo Ruderman

a los que ya había visto trabajar, por lo tanto los convoqué porque tenía muchas ganas que se plegaran al proyecto.

En otros casos como Diego Alfonso y Verónica Intile, llegaron a formar parte del elenco por recomendaciones.

En cuanto a la originalidad de los planos ¿Cómo decidieron realizar la estética de la imagen del film?

La estética de la imagen nace de un buen trabajo realizado a base de largas charlas en la preproducción, con el director

de fotografía, la dirección de arte y el cámara. Con Daniel de la Vega, que hizo la cámara, nos conocemos desde

que éramos estudiantes de cine, así que se nos hace muy fácil comunicarnos, ya que conocemos perfectamente las

búsquedas y gustos de cada uno.

Leonel Pazos Scioli, es el director de fotografía y la verdad fue espectacular lo que hizo. Con pocos recursos logró

crear atmósferas muy adecuadas para la historia .A partir de conocer al Brujo Conti que trabajó en mi película anterior

Lo siniestro me presentó a quien fue su socia en la dirección de arte, Cecila Castro que verdaderamente hicieron

magia, generando los espacios que necesitaba, de lugares que eran en principio totalmente inapropiados.

Otro elemento importante en la estética de la imagen de Ecuación, los malditos de Dios fue la búsqueda de locaciones

adecuadas que desde el guión ya pretendían una impronta específica, que generaran un efecto de corrimiento

temporal, entre un Buenos Aires actual, moderno y un espacio de antigüedad gótico.

¿Cómo ves el cine de género nacional?

Durante mucho tiempo intentar hacer cine de género en Argentina consistía en una empresa casi imposible. Era

muy difícil obtener los subsidios del INCAA. Pero surgieron de a poco, realizadores y productores interesados en hacer

este tipo cine y a fuerza de insistencia comenzaron a salir subsidios para películas de este género.

Incluso hoy tenemos la Liga de Cine de Género Argentino que agrupa a profesionales audiovisuales y gestores culturales

del cine de terror, ciencia ficción, fantástico y thriller nacional. También hay un espacio en Ventana Sur , Mercado

de Cine Latinoamericano respaldado por el INCAA, que es el Blood Window, una plataforma de promoción de

talentos Latinoamericanos especializados en cine de género fantástico.

También fue muy importante la existencia del BARS, Buenos Aires Rojo Sangre, el festival de cine de terror, fantástico

y bizarro, como pilar y emblema de este crecimiento. Si bien sigue siendo bastante complejo hacer un cine de

este género en Argentina, ya que los subsidios son bastantes reducidos con respecto a los presupuestos necesarios

como para desarrollar acabadamente estas películas, actualmente tenemos importantes mejoras que estamos seguros

seguirán avanzando.


Marte – Una de las mejores películas de 2015

Por Ángelus

Marte es una de las mejores películas de 2015 y una de las mejores del espacio. Ridley Scott (Blade Runner, Prometheus,

Gladiator…) es el director y Matt Damon el protagonista. Un astronauta en una misión a Marte sufre un accidente

y es dado por muerto por sus compañeros, que regresan a la Tierra sin él. Sin embargo ha sobrevivido y luchará

por vivir.

Considero que a las personas que les gusten las películas del espacio les gustará ésta. Tiene las características del género:

ritmo lento, algunos argumentos, héroes… Tal vez se haga algo pesada, ya que son más de 2 horas con escenas

que podrían haberse recortado. Otra cosa que me ha gustado ha sido los diarios personales grabados, tipoAvatar. No

se parece en nada más, pero esta semejanza me ha gustado. Y por último destacar que el argumento es interesante,

aunque reflexionando después podemos decir que es mucha ciencia ficción.

Marte tiene el honor de traer de vuelta a uno de los mejores directores de cine: Ridley Scott. Y lo que hace grande

esta obra son los momentos de humor y la buena música. Por supuesto la recreación del espacio es excelente. La elegancia

visual es indiscutible. Otra cosa es lo bueno o lo malo que sea el guión y la emocion con el que esté contado el

relato. Y lo cierto es que estos dos puntos, sin ser malos, es lo que hace que Marte no sea una película de 10. Y esto es

lo que devalua la obra para que la larga duración pese más que los aciertos que tiene. De esta forma tenemos una

genial película, excepcional en lo visual, pero que no se hace de 10 porque le falta emocion.


Rachel Adams no será “Night Nurse” en “Doctor Srange”

Rachel McAdams se ha convertido en objeto de especulación

tras aparecer en los trailers de la próxima película

de Marvel,Doctor Strange, que se estrenará el próximo

28 de octubre en Estados Unidos. Y este asunto se

ha desencadenado debido a la incógnita del papel que

representará la actriz londinense en dicho largometraje.

Todo apuntaba a que Rachel interpretaría al personaje

de Night Nurse, pero no hará de esta enfermera, sino

de Christine Palmer, una de las tres enfermeras de la

noche en los cómics de Marvel. Así lo confirmó

el presidente de de Marvel Studios, Kevin Feige, quien

declaró que McAdams no se convertirá en el personaje de Nightb Nurse en esta película.

En esta pelicula, Benedict Cumberchart, se convertirá en Stephen Vincent Strange, cirujano de profesión,

que sufrirá un duro accidente de coche tras el cual sus manos quedaran terriblemente dañadas.Tilda Swinton,

que actuará comoAnciano Sanador del Himalaya, le descubrirá unas realidades increíbles para él.


El triunfo de Netflix y la TV: las series le ganan al

cine

Por: ALBERTO PIERNAS

A diferencia de lo que ocurría hace varios años, el

mundo del entretenimiento experimenta una reinvención

la forma de ver series y películas en los hogares de

todo el mundo. En un año en el que la taquilla se hunde

y las series de televisión rompen récords audiencia,

analizar los índices de consumo y esa batalla en la que

la televisión gana al cine se convierte en algo más necesario

que nunca.

Con un descenso en beneficios del 22 % en comparación al año anterior, 2016 está siendo un fracaso en taquilla,

así de claro. O, al menos, durante un verano en que pesos pesados como Alice Through the Looking

Glass, la nueva Ghostbusters o la secuela de Independence Day se han convertido en algunas de las grandes

bombas en taquilla de la temporada.

Si exceptuamos el éxito de cintas durante los primeros meses del año (véase Deadpool, The Jungle Book,

Batman v Superman o Zootopia), los medios confirman la necesidad de nuevas ideas en una industria cuyos

cines podrían correr la misma suerte que los antiguos locales de recreativos tras la llegada de la Playstation.

Un ejemplo que podría volver a sucederse cuando en los hogares de todo el mundo series como Game of

Thrones acumulan hasta 8.9 millones de espectadores en su último capítulo y la

cuarta temporada de Orange is the New Black es vista

por 6.7 millones de espectadores en su primer fin de semana.

Datos que confirman la manera en que gigantes

como Netflix o Amazon han cambiado el mundo del entretenimiento

gracias al Video On Demand y el poder de

un streaming que permite elegir programas a la carta in

situ, sin necesidad de movernos de casa.


Sin embargo, números y comodidades aparte, el problema podría ir más allá y deberse a un problema de

calidad en lo que al cine se refiere. Mientras la pequeña pantalla crea nuevos iconos de la cultura pop como

Walter White, Khaleesi o Michonne, el cine continúa arañando viejas franquicias que no interesan tanto

como se esperaba. El giro se produjo, y la televisión que adolecía de mayor gancho en los 90 se ha impuesto

como una industria que puede presumir de mismos recursos visuales, actorales y narrativos, mientras la

industria del cine peca de falta de nuevas y frescas ideas.

La única productora que se salva es Disney, pues sólo con Zootopia, The Jungle Book, Captain America:

Civil War y Finding Dory ha acumulado más de 4 mil millones de dólares a nivel mundial.

Alguien hizo los deberes.

Los índices de consumo cambian y las series de televisión le ganan al cine en un 2016 en el que la falta de

ideas en Hollywood pasan factura a la peor taquilla de los últimos años.

¿Eres parte de este cambio?


'Beetlejuice': Tim Burton

aclara que no va a haber

secuela pronto

¿Habrá segunda parte de Bitelchús o no? Es un proyecto del

que se lleva hablando años, especialmente después del rumor

que publicó Bloody Disgusting el pasado mes de marzo, pero

parece que todavía no está entre los planes de Tim Burton.

Durante la promoción de su última película, El hogar de Miss

Peregrine para niños peculiares, el cineasta confirmó que seguían

"siendo rumores".

Sin embargo, tiene claro que, de llevar a cabo un proyecto, no sería una secuela: "Continuar la historia no,

me gustan los personajes, pero no hay nada en desarrollo, no hay nada que esté ocurriendo de nuevo".

¿Estaría pensando en un 'spin-off'? Anteriormente, Burton había declarado que "es algo que me gustaría

hacer en cuando las circunstancias sean las propicias, porque es una de esas cintas donde tiene que ser el

momento adecuado, no es una película que pida una secuela".

Los rumores sobre Beetlejuice 2 rodean al director desde 2012, cuando declaró lo siguiente en una entrevista

con Shock Till You Drop: "Seth Grahame-Smith está escribiendo el borrador del guión. Solo le he dado algunas

ideas sobre el personaje, creo que es mejor que él trabaje solo en el proyecto, sin demasiada presión

por mi parte". Sin embargo, tras estas palabras, siempre ha negado estar trabajando en el proyecto.

Algunos de los actores protagonistas de la película original ya se han mostrado dispuestos a participar en la

película si llegara a realizarse algún día. Geena Davis aseguró en abril de 2015 que le encantaría trabajar

en ella, ya que es una de sus películas favoritas. Por otro lado, Winona Ryder afirmó que habría secuela:

"Me he escrito varios correos electrónicos con Tim, y he hablado con el guionista un par de veces, pero en

verdad todo lo que hay son bocetos".


La Cabina 2015: Futuro del

mediometraje

La 8ª edición de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes

de Valencia ha vuelto a demostrar que su apuesta es ganadora, que su

potencial es enorme y que va camino de convertirse en algo grande. El

futuro del mediometraje pasa por este indispensable certamen.

El secreto está en los detalles.

Dijo una vez Buster Keaton, a propósito de esa maravillosa e inolvidable

obra maestra del cine titulada “Candilejas” (1952), que por encima

incluso de su arte cómico, lo más importante en las películas de Charles

Chaplin eran los detalles. No podía estar más en lo cierto.

A orillas del Mediterráneo, bajo la luna de Valencia, se celebra La Cabina,

un festival de cine realmente fantástico y único en el mundo, dedicado

en exclusiva a los mediometrajes, es decir, películas con una duración

de 30 a 60 minutos. No es un formato habitual, cierto, pero no nos

equivoquemos, porque un mediometraje es una obra completa, no es la mitad de una película, del mismo

modo que el mar no es la mitad de un océano, ni el pony es la mitad de un caballo, como muestra el sutil,

elegante y muy significativo cartel de esta edición, firmado por el reconocido artista urbano Escif. Y es que

los detalles son de muchísima importancia en las caracteristicas y la organización de este nuevo referente

en la agenda festivalera del mundo del cine; es precisamente gracias a ellos que ha conseguido crecer

incluso en tiempos de crisis, en medio del caos del sector audiovisual y del abandono institucional al

que han sido sometidas la cultura y las artes en este país.

Y por supuesto, está su propuesta, cuyo notable éxito abre necesariamente el debate sobre la posible conveniencia

de diversificar la oferta actual de cadenas de televisión y salas cinematográficas para dar espacio

a un formato cuyas ventajas son obvias. Sin ir más lejos, una de las razones clave del auge de las series televisivas

es la corta duración de cada uno de sus capítulos, convirtiéndose así en accesibles píldoras de entretenimiento

rápido. La idea de emitir películas de duración similar a la de las series, o lo que es lo mismo,

mediometrajes de entre 30 y 60 minutos, no podría ser más acertada. Y por lo que respecta a las salas de cine,

que cada vez hay mayor afluencia de espectadores a las sesiones dobles de La Cabina demuestra que la

fórmula funciona, pues el público asimila con entusiasmo la experiencia positiva de ir al cine a ver dos películas

por el precio de una, sobre todo cuando gran parte de la oferta que llega habitualmente a las carteleras

comerciales se nutre de estrenos cuya duración está inflada para encajar dentro de los que mandan en

el mercado. ¿Dos películas con una duración ajustada en lugar de una única película alargada hasta el aburrimiento?

Parece una buena opción. Y lo es.


¿Pero hay películas de esa categoría? Pues sí, damas y caballeros. Tras su espectacular edición anterior, La

Cabina 2015, celebrada del 5 al 15 de noviembre en la Filmoteca y el C.C. La Nau de Valencia, ha vuelto a

demostrar que hay un cine realmente fabuloso que el gran público se está perdiendo y que tanto las salas

como las cadenas de televisión harían muy bien en comenzar a tener en cuenta para su programación. El

cada vez mayor número de asistentes a este atractivo certamen ha disfrutado durante diez estupendas

jornadas —más la clausura— de tardes y noches dignas de recordar gracias a una asombrosa selección

de títulos de gran calidad.

¿Pero quiénes hacen películas de esta duración? ¿Autores sin importancia? Pues no precisamente. Para los

ya mencionados Charles Chaplin y Buster Keaton, el ritmo cinematográfico era casi una ciencia, daba

igual que rodaran un cortometraje, un mediometraje o un largometraje. De hecho, ambos filmaron

geniales mediometrajes, como “El chico” (1921) o “¡Armas al hombro!” (1918) en el caso de Chaplin, y

“Siete ocasiones” (1925), “El navegante” (1924) o “El moderno Sherlock Holmes” (1924) en el caso de

Keaton. Pues bien, quienes aprecien la magia de estas películas, comprenderán entonces el espíritu que

mueve a La Cabina, el de la búsqueda de un cine entendido no sólo como entretenimiento, sino también como

una experiencia vital que nos transforma por dentro.

Pero no sólo en los clásicos, porque prácticamente desde siempre se han rodado mediometrajes aunque su

popularidad no haya sido la merecida debido a los cánones de los circuitos comerciales. Tanto es así, que en

la Sección Inédits de La Cabina 2015 se han podido ver trabajos en este formato de autores reconocidos como

Federico Fellini, Aleksandr Sokurov, Gaspar Noé, Carlos Sorín, Chantal Akerman y Ermanno Olmi,

que se suman a los mediometrajes de otros grandes directores como Orson Welles, Woody Allen, Francis

Ford Coppola, Martin Scorsese, Andrej Wajda o Éric Rohmer que se han programado en ediciones anteriores

del festival. Casi nadie, ¿verdad? Y actualmente sigue haciéndose gran cine de entre 30 y 60 minutos, a

continuación repasamos la estupenda oferta que pudimos disfrutar en La Cabina 2015, síganle la pista

a estas joyas.

La cinta que abrió el certamen fue la francesa “Superman no es judío (y yo, un poco)”, una entrañable y

divertida fábula sobre la libre elección de las creencias personales contada a través de la historia del pequeño

Benjamín, un niño judío que trata de ocultar a los demás su identidad religiosa sin importar la insistencia

de su padre en inculcarle la responsabilidad que significa preservar y continuar el legado de miles de

años de tradición de un pueblo perseguido. Hay que ir apuntando

el nombre del jovencito actor Kolia Abiteboul, porque

el protagonista apunta a futura estrella y se encuentra entre lo

mejor de esta muy recomendable película autobiográfica del

director Jimmy Bemon que nos recuerda el maravilloso valor

artistico, el cine y la comedia para cicatrizar nuestros dramas

del pasado.


El Premio del Público de La Cabina 2015

fue para “Terremere”, de Aliou Sow, una admirable

coproducción entre Senegal y Francia que nos hizo rememorar

el espíritu de la emotiva película ganadora del

año pasado —“Desconocido”— al hablarnos del profundo

desinterés que pueden padecer las personas por culpa de los

prejuicios religiosos, en este caso alimentado especialmente

en quien se ve obligado a emigrar para buscar una vida mejor

en otro lugar aun a riesgo de acabar siendo considerado

extranjero en ambas tierras. Desestimado injustamente por

los otros, sin el sentimiento de pertenencia, perdido en

el desierto, Aliou Sow concluye que es mejor estar «en el

centro de la nada que a las afueras de los demás». Nosotros estamos con él.

En una edición con gran presencia de historias sobre la adolescencia, el jurado de este año le dio el Premio

al Mejor Mediometraje precisamente a la cinta danesa “Teenland”, de Marie Grahtø Sørensen, una irreverente

propuesta de ciencia-ficción alrededor de dos adolescentes rebeldes que pretenden huir del centro psiquiátrico

en el que viven recluidas junto a otras jóvenes con poderes sobrenaturales. Sørensen nos muestra

que todos somos especiales y que en esa etapa de la vida debemos desprendernos de los cordones umbilicales

que nos unen —y nos atan— a una mentalidad preestablecida que hasta entonces nos encierra, para así

poder renacer y ser libres por voluntad propia. Unos efectos especiales en ocasiones dignos de una producción

de gran presupuesto y una música salvaje que destaca como uno de los elementos más llamativos de

“Teenland”, hacen de esta tierra de adolescentes una película aún más sugerente y especialmente capaz de

despertar ánimos y conciencias entre el público joven.

Por otra parte, una Mención Especial del Jurado recibió “Interior. Leather bar”, el transgresor y polémico

mediometraje dirigido por James Franco y Travis Mathews que, sin duda, ha sido la gran sensación de esta

edición del festival por las altas expectativas creadas y por la elevada afluencia de espectadores llenando

cada uno de sus pases en la Filmoteca de Valencia. “Interior. Leather bar” es un ejercicio de cine dentro

del cine, un falso documental que contiene escenas de sexo gay explícito y pretende llamar la atención sobre

los límites impuestos en lo que se debe y no se debe mostrar en las películas. La trama toma como pretexto

una reconstrucción de los 40 minutos censurados y perdidos de la película “A la caza” —el turbador

clásico moderno que en 1980 protagonizó Al Pacino a las órdenes de William Friedkin— para exhibir

aquello que el público no puede o no quiere ver en el cine de Hollywood y de este modo preguntarse cómo

es posible que, tres décadas después y en plena sociedad moderna del siglo XXI, el sexo entre hombres siga

tratándose de un tema tabú.


El resto de premios del muy repartido palmarés de la Sección Oficial de La Cabina 2015 fueron a la Mejor

Dirección para Jean-Guillaume Sonnier, por“Petit homme”; Mejor Guion para Lander Camarero, Nizar

Rawi y Mohammed Rohaima, por “A serious comedy”; Mejor Actor para Simon Schwartz, por “Todo irá

bien”; Mejor Actriz para Malin Crépin, por “Lulu”; Mejor Fotografía para Jan-Marcello Kahl,

por “Nocebo”; y Mejor Música ex aequo para Philippe Langlois, por “Lobos solitarios en modo pasivo”, y

G.J. Echternkamp, Morgan Kibby y Eben Smith, por “Para los que siempre es complicado”. Por su parte,

el jurado de la Sección Amalgama concedió su principal galardón a “El gran vuelo”, de Carolina Astudillo,

y una mención especial a “Dime quién era Sanchicorrota”, de Jorge Tur Moltó.

Billy Wilder reconocía que hacía comedias en las épocas en las que estaba deprimido. Para él, lentitud y

solemnidad no eran sinónimos de profundidad; la percepción contraria es la que ha llevado tradicionalmente

a pensar en la comedia como un género menor para tratar las cuestiones que nos afectan en la vida, pero

esta es una gran falacia. Precisamente, una de las grandes perlas de este año en La Cabina ha sido la genuina

producción hispano-iraquí “A serious comedy”, de Lander Camarero, una hilarante mezcla de ficción y

documental que viene a hacer aún más grande el valor del cine como instrumento de compromiso social. La

trama nos presenta a Nizar Rawi, el director del Festival de Cortometrajes de Bagdad, que se interpreta a

sí mismo en esta surrealista aventura metacinematográfica para rodar la primera película cómica en los

últimos 30 años en Irak —un país sumido en el drama y el caos— con el más loable de los propósitos: devolver

la sonrisa a un pueblo al que se le ha arrebatado, entre otras muchas cosas, el derecho a reír. Si el

mediometraje “Superman no es judío (y yo, un poco)” devenía una catarsis individual a través del cine y la

comedia, lo que “A serious comedy” propone es una catarsis social.

Por cierto, entre su colección de momentos delirantes destaca la aparición de Clowns Without Limits, fabulosa

idea inspirada en Payasos Sin Fronteras (Clowns Without Borders International), una ONG internacional

fundada precisamente en España en el año 1993 y cuyo lema es “Ningún niño del mundo sin una

sonrisa”. Maravilloso.

Aparte de la Mejor Dirección para “Petit homme”, de Jean-Guillaume Sonnier, una sensible y delicada fábula

sobre la superación personal a toda costa de quienes en principio no dan la talla en esa frustrante y

tortuosa competición deportiva que puede llegar a ser la vida, otro de los grandes aciertos del palmarés fue

el premio al Mejor Actor para un descomunal Simon Schwartz, principal protagonista de la alemana “Todo

irá bien”, de Patrick Vollrath, una intensa y emotiva película

sobre un tema realmente duro —el drama familiar acerca

de la custodia de los hijos tras un divorcio—, que nos muestra

hasta qué punto podemos llegar a perder la cabeza por

aferrarnos a lo que más queremos. Arrebatadoramente impresionante

también el papel de Julia Pointner, la niña protagonista.


Y como viene siendo habitual en este festival, había

tanta calidad en su Sección Oficial, que se han quedado

fuera del palmarés títulos absolutamente brillantes, como

por ejemplo el mediometraje británico“Keeping up

with the joneses”, de Michael Pearce, una verdadera

maravilla de thriller con tres personajes inmejorablemente

escritos en un guion redondo que ha sido llevado

a la pantalla con una cadencia y una elegancia que

dejan en evidencia a la mayoría de thrillers que se estrenan

habitualmente en las salas de cine comerciales.

Cine y literatura se dieron la mano en el espléndido

mediometraje francés“La isla a mediodía”, de Philippe

Prouff, una muy lograda adaptación del cuento

homónimo de Julio Cortázar incluido en su libro “Todos los fuegos el fuego”, que nos relata la sugerente y

obsesiva historia de un hombre que se dirige hacia su propia muerte, invitándonos a escapar de la razón y

a mirar, como el protagonista, hacia un espacio perdido en el mar entre la realidad y el sueño. “La isla a

mediodía” es una de esas películas capaces de fascinar a todo tipo de público y de empujarle a hacerse preguntas

sobre lo etéreo, fugaz y enigmático de la existencia. «Supo sin la menor duda que no se iría de la isla,

que de alguna manera iba a quedarse para siempre», escribía Cortázar sobre su isla, que es también la nuestra,

la de quienes vivimos en las nubes y tocamos tierra sólo para desvanecernos.

Y menuda preciosidad de película nos encontramos con la alemana “¿En tu casa?”, de Sylvia Borges, una

deliciosa, divertida y poco convencional comedia romántica que nos cuenta la historia de dos desconocidos

cuya relación comienza casi sin hablar, pero de una forma genuinamente sincera, porque nuestras casas —

y los objetos de los que nos rodeamos— pueden decir más de nosotros mismos que nuestras palabras. “¿En

tu casa?” es dejar entrar a esa persona en nuestro lugar en el mundo y que sea nuestro pequeño universo

personal quien hable por nosotros. Dice la canción que las personas se enamoran de formas misteriosas.

Quizá, la mejor forma de enamorar sea entreabriendo puertas hacia nuestros misterios.

Pero aún hubo más, como “A running jump”, un anecdótico mediometraje cómico del prestigioso director

Mike Leigh; la película noruega “Sólo me deseas a mí”, de Dag Johan Haugerud, con la actriz Andrea

Braein Hovig enfrentándose completamente sola a la cámara para relatar paso a paso su inconfesable historia

de amor; las francesas “Cocoons”, de Joasia Goldyn, una delicia cuya historia gira alrededor de una

niña, una perra y dos familias desestructuradas, y “El último franchute”, de Pierre-Emmanuel Urcun, una

amena comedia urbana que ayuda a normalizar la convivencia de una generación de jóvenes musulmanes

nacidos en el seno de la sociedad gala; la británica “Wasted”, de Cathy Brady, un drama sobre la adolescencia

tan real como la vida misma; y la danesa “Hot nasty teen”, de Jens Assur, un durísimo drama sobre

la terrible lacra de la pedofilia durante el cual somos testigos de la descorazonadora experiencia de una

adolescente de 15 años abusada sexualmente por adultos que en apariencia son personas normales e incluso

exitosas en sus entornos familiares y sociales.


Completaron la Sección Oficial la alemana “Intermezzo”, de

Igor Novic, un atípico drama romántico lleno de silencios y

vacíos que acaban uniendo a una pareja de desconocidos; la

chilena “Hambre”, de Carlos Leiva y Carlo Sánchez, un drama

familiar y deportivo en torno a un partido de fútbol; la

catalana “H”, de Lluís Galter, una políglota cinta de género

histórico en la que oimos hablar con total naturalidad a

sus protagonistas en catalán, español y francés a comienzos

del siglo XXVIII; la española “Uranes”, de Chema García

Ibarra, una comedia negra de ciencia-ficción absolutamente

bizarra cuyo entrañable tema musical aún resuena en nuestras

cabezas; y la sueca “Kung fury”, de David Sandberg,

una absoluta obra maestra del cine de acción más absurdo, desenfrenado y descacharrante que se pueda

imaginar y que garantiza carcajadas de principio a fin, todo un fenómeno viral de ambiente retrofuturista

que enamoraría al mismísimo Ed Wood y que ya supera la cifra de 22 millones de reproducciones en

YouTube.

La Cabina 2015 ha contado además con secciones paralelas (Amalgama, Inédits, Díptico Rock, Panorama

Francés), aparte de otras proyecciones, numerosos coloquios y desenfadados shows como CinemaScupe que

han convertido esta cita en una gran fiesta del cine. Parafraseando a Alfred Hitchcock cuando le dijo a

François Truffaut que «El drama es una vida de la que se han eliminado los momentos aburridos», podemos

decir sin ningún rubor que La Cabina es un festival del que se han eliminado las películas aburridas. Siempre

fiel a su esencia: donde sobran minutos…

Es una verdadera lástima que películas tan interesantes como estas no estén llegando al gran público por la

simple razón de que su duración no encaja en los estándares del actual circuito comercial. Quizá sea ya hora

de replantear estrategias y, del mismo modo que surgen cineastas valientes que apuestan por el formato

del mediometraje, sería una gran noticia que surgieran también canales de distribución que apuesten por

ofrecer esta fórmula de cine breve y de calidad a sus espectadores. Con toda probabilidad no se arrepentirían.

Mientras tanto, este refugio para amantes del cine que es La Cabina sigue creciendo año tras año y

nos continúa regalando la vista y la imaginación a quienes ya nos hemos convertido sin remedio en parte

de su público incondicional.

Insistíamos al comienzo de este artículo en que el secreto del éxito de La Cabina estaba en los detalles, pero

no mencionábamos cuáles eran. Pues bien, tienen nombres y apellidos, la clave son ellos: Carlos Madrid,

Sara Mansanet, Olga Palomares, Alicia Garrido, Ana Alborch, Lucía Carel, Joan Timoneda, Isthar Saldaña,

María José Palacios y una veintena más de compañeros de un ejemplar equipo de gente bonita, llena de

talento y entregada a un cautivador proyecto cinematográfico. Este formidable grupo consigue que merezcan

la pena su esfuerzo y su sacrificio. El cine necesita a gente como ellos, así que, en nombre del séptimo

arte y de todos los que disfrutamos con él, gracias por vuestro trabajo, el futuro del mediometraje pasa por

vosotros. Hasta la próxima edición, amigos, sois muy grandes.


Reseña de Stewart Little

Un día la familia Little adopta a Stuart, un pequeño ratón al que tratan como si fuera un hijo. Los Little

están encantados con la manera de ser de Stuart, pero George, su hijo mayor, no sabe qué hacer con su

"nuevo hermano". Por su parte, Snowbell, el gato de la familia, urde un plan para echar a Stuart de casa

para siempre.

La historia nos presenta unas circunstancias

bastante excéntricas, donde hasta las leyes de la

naturaleza son puestas en jaque cuando un gato

debe ser la mascota de un ratón o inclusive cuando

una familia de seres humanos adoptan a un

ratoncillo huérfano y dulce. Vale el absurdo si el

mensaje es ratificar que la familia es amor sin

importat los prejuicios de los demás. La película

nos brinda un claro mensaje antidiscriminatorio

en lo que a adopción se refiere.

La cinta nos muestra un bonito argumento que

nos pasea por la aceptación del otro por su condición

natural, por la traición más cruel debido a

celos, por la redención debido a la toma de conciencia

y por el mensaje sumamente aleccionador

que nos habla sobre las bondades de tener

detrás a una verdadera familia comprometida a

jugarse por cualquiera de sus miembros que precise

ayuda.


Editorial:

Nosotros decidimos elegir la temática de la revista sobre el cine, ya que pensamos que el cine, como medio

de comunicación masiva, es capaz de enviar grandes mensajes a un grupo masivo de personas. El cine,

también puede actuar como un medio de difusión cultural, en el que por medio de las películas, se muestren

las diferentes culturas que existen alrededor el mundo.

Pensamos que el cine tiene una gran trascendencia en la sociedad, porque como mencionas anteriormente,

este pueda hacer llegar mensajes con un significado muy profundo a las personas, también puede servir para

transmitir la cultura de una parte del mundo a otra que esta completamente lejos.

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