Dibujantes 1.0

JORDI LONGARÓN
Barcelona, 1933
Como era habitual en la época, este artista autodidacta empezó
dibujando a una edad muy temprana y consiguió entrar
como aprendiz en una agencia de ilustradores de Barcelona. Su
entusiasmo y su destreza con los lápices se vieron recompensados
con varios encargos para historietas juveniles, además
de una colaboración regular en los extras del famoso cómic
Hazañas bélicas. “Entonces se hacían muchas películas de
guerra porque la Segunda Guerra Mundial y la de Corea justo
habían terminado”, nos comenta Longarón. “Todo estaba relacionado,
pero a mí siempre me ha gustado más hacer portadas
de novelas del oeste”. Fue en este género tan popular donde
se consagró gracias a unas ilustraciones a todo color que fascinaron
a miles de lectores en varios países de Europa, aunque
el éxito repentino también le obligó a aumentar su producción
sin apenas tener vacaciones o fines de semana libres. “Había
trabajado muchos años a partir de la imaginación, hasta que
descubrí la fotografía y empecé a montar escenas del Oeste
y de guerra para inspirarme”, explica con una sonrisa. “Reunía
a familiares y amigos, nos disfrazábamos e incluso alquilamos
ese poblado de Esplugues donde rodaban westerns”. Esta creatividad
desbordante lo convirtió en el primer dibujante español
en debutar en el mercado norteamericano con el cómic Friday
Foster, en 1970. Sin embargo, la rutina de las viñetas se volvió
insoportable y en los años 90 se refugió en sus portadas y en
los cuadros, que exponía en una galería de California. Hasta
que llegó la hora de retirarse. “El que ha trabajado toda la vida
con pinceles, difícilmente los abandonará”, afirma el artista.
“No obstante, la pintura con caballete ha terminado”.
Antes de empezar a leer este reportaje, os propongo que cerréis los ojos y dejéis
volar la imaginación mientras viajamos en el tiempo. En la España de los años 50,
mucho antes de que llegara el rock n’ roll y de que las suecas invadieran las
playas, los dibujantes de cómic que trabajaban para las agencias de ilustradores
ya demostraron que un cambio de mentalidad era necesario para sobreponerse a la
Dictadura y lograron hacer soñar a los jóvenes de aquella época con sus viñetas
en blanco y negro. Lamentablemente, la mayoría de sus obras se publicaban en el
extranjero, donde los consideraban estrellas, mientras dentro de nuestras fronteras
eran unos artistas anónimos que vivían como bohemios. Sin embargo, su destino estaba
a punto de cambiar gracias al éxito de las novelas baratas que se vendían en
quioscos y cuyas portadas pusieron color a la revolución pop de nuestro país.
Por david moreu fotoS Xavier Torres-Bacchetta
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Salvador Fabà
Sabadell, 1936
De niño pasaba las horas de clase garabateando
en los libros y sus primeros
encargos profesionales fueron en el
mundo del cómic. Con el paso de los
años se enamoró del color y se dejó
arrastrar por la magia de las portadas
de novelas, aunque la incertidumbre de
este trabajo bohemio lo llevó a aceptar
un puesto de comercial y el dibujo pasó
a ser un hobby. “Hasta que en 1970 hubo
problemas en la empresa y le dije a mi
mujer que era el momento de intentar
dedicarme a lo que me gustaba”, explica
con voz seria. “Decidí profesionalizarme,
hacer portadas y ya no quise saber nada
más de los cómics”. Desde su estudio en
Sabadell, el artista vivía ajeno al frenesí
de la gran ciudad y se concentraba
en sus obras pobladas por detectives,
paisajes terroríficos y escenas del Oeste
con una gran fuerza visual. Después iba
a la agencia para la entrega semanal y
allí se encontraba con sus compañeros
de andanzas. “Los ilustradores tenemos
nuestras propias manías”, afirma Salvador
Fabà. “Recuerdo que iba al cine y me
fijaba más en el caballo o en la pistola
del cowboy que en el argumento de la
película, y lo memorizaba para dibujarlo”.
Cuando el trabajo para las editoriales
empezó a decaer en los años 80, este
artista todoterreno logró resituarse en la
industria del video doméstico, haciendo
carátulas para cintas de VHS destinadas
a los videoclubs. “Cada semana llegaba
un filme de guerra, una de chinos, una
comedia o un musical”, rememora el
dibujante. “Cambiabas continuamente
de tema y era un ejercicio fantástico,
además de bien pagado”. Recientemente
retirado, sigue pintando por placer y
dando clases particulares a amigos.
omo se acostumbra a decir
en estos casos, lo mejor es
empezar por el principio. En
aquellas dos décadas mágicas
que van desde el primer single
de Elvis Presley en 1954 hasta la
muerte de Franco en 1975, tanto Madrid
como Barcelona se debatían entre
el conservadurismo oficial del régimen
y las novedades que llegaban
esporádicamente del exterior en forma
de películas y discos de vinilo,
mientras una imagen inconfundible
se repetía cada día en las agencias de
ilustradores: un grupo de jóvenes dibujantes
enamorados de los cómics
norteamericanos hacía cola para
mostrar sus bocetos y conseguir un
encargo que impulsara su carrera.
La mayoría eran artistas autodidactas
que justo habían dejado atrás
la adolescencia y hacían gala de un
talento innato con los pinceles, pero
entonces era necesario entrar en
la rueda empresarial para conseguir
trabajo, puesto que las agencias eran
las únicas que tenían contacto con
las editoriales, recibían semanalmente
los encargos, traducían los
guiones cuando estos venían del extranjero
y los repartían entre sus colaboradores
con una fecha de entrega
muy ajustada para llegar sin
problemas al cierre de las revistas.
Durante aquellos años se vivió la
época de esplendor del cómic nacional
y los dibujantes trabajaron incansablemente
para dar vida a los
personajes que poblaban las revistas
de moda. Sin embargo, esta situación
dio un giro inesperado cuando
ilustres pioneros como Josep Toutain
(fundador de Selecciones Ilustradas)
y Jordi Macabich (impulsor
de Bardon Art) empezaron a llamar
a las puertas del mercado internacional
y consiguieron encargos para
las mayores publicaciones de Reino
Unido, Suecia, Francia, Alemania
e incluso Noruega. Lo que inicialcuando
empezaron a
llamar al mercado
internacional
consiguieron
encargos de
las mejores
publicaciones
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SEBASTIÀ BOADA
Barcelona, 1935
A diferencia de sus compañeros, Sebastià Boada se crió en un ambiente artístico de
aire burgués y estudió pintura en La Llotja, mientras trabajaba de botones en la Cámara
de la Industria de Barcelona. Sus padres lo animaron a cursar la carrera de Bellas Artes
y, en lugar de dedicarse a la enseñanza, optó por ser dibujante. Los primeros encargos
coincidieron con sus ansias de viajar y entonces pasó una temporada en Ginebra experimentando
con su talento. “Me llevé papel, pinceles y lápiz para dibujar historietas cada
mañana”, nos cuenta Boada. “Después las mandaba al cliente escocés, pero la agencia
me pagaba estando yo en Suiza y así podía seguir viviendo allí”. Cuando regresó a
España, empezó a colaborar con diversas editoriales y se consolidó como uno de los
profesionales más versátiles dentro de la escena del cómic nacional, haciendo viñetas
románticas para revistas extranjeras. “Todos teníamos un archivo enorme y yo todavía lo
conservo”, explica orgulloso. “Guardaba carpetas con imágenes de Inglaterra para hacer
con detalle los edificios, los coches e incluso los trajes de los policías”. Cansado de las
limitaciones creativas de los cómics, tomó el camino de las portadas de novelas y se especializó
en la ilustración al oleo, destacando en géneros como el terror, las aventuras y
el fantástico, aunque el público adoraba sus escenas de western sexy y acabó realizando
más de 1.000 cubiertas. Sin embargo, esta época dorada se vio eclipsada por el auge
de la informática y él optó por centrarse en la pintura. “Siempre he vivido de esto, pero
las portadas ilustradas pasaron de moda”, lamenta el dibujante. “Trabajé hasta el último
momento y nunca pasé más de una semana sin un encargo”.
mente parecía una idea descabellada
por culpa de la situación política
que se vivía en nuestro país, pronto
se convirtió en una mina de oro y las
obras para el extranjero eclipsaron
a los trabajos de la escena española.
Una paradoja fascinante que potenció
esta industria más allá de nuestras
fronteras.
Mientras revistas inglesas como
Roxy, Marilyn y Valentine publicaban
historietas románticas basadas
en canciones de éxito, la prestigiosa
editorial Fleetway se centraba en cómics
bélicos sobre la Segunda Guerra
Mundial, pero en ambos casos
quedó demostrado que los ilustradores
de aquí podían codearse con los
mejores profesionales del mundo.
Además, estos trabajos estaban mejor
pagados en comparación con los
salarios habituales de la época, y
aquellos chicos con ganas de comerse
el mundo se convirtieron en unos
privilegiados. Y con todo, lo mejor de
sus carreras aún estaba por llegar.
las editoriales
sabían que esas
novelas eran un
negocio redondo,
y decidieron
institucionalizar
una imagen
Con el paso de los años, los cómics
en blanco y negro se convirtieron en
una rutina para todos aquellos dibujantes
con ansias de hacer cosas nuevas,
puesto que las opciones de experimentar
eran mínimas y las
revistas querían permanecer fieles
a sus lectores. Por este motivo, la mayoría
de ellos vieron una salida profesional
más estimulante en las portadas
de las novelas que se vendían
por dos pesetas en los quioscos (el
equivalente europeo a la pulp norteamericana).
El éxito repentino de
este formato literario hizo que las
editoriales extranjeras encargaran
sus cubiertas a las mismas agencias
de ilustradores españolas con las que
hacía tiempo que colaboraban. Fue
entonces cuando se vivió un auténtico
estallido de colores, de trazos
sugerentes y de recursos pictóricos,
que cogieron por sorpresa al mercado
internacional. Por primera vez,
el dibujo académico se mezclaba con
la incipiente contracultura.
¿Pero en qué se basaba el éxito de
esas hermosas portadas? Visto en
perspectiva, resultaban tan atractivas
por el hecho de ser piezas únicas
y los artistas dejaban volar libremente
su imaginación porque sólo estaban
sujetos a unas breves indicaciones
basadas en el argumento de la
novela. De este modo podían imprimir
su huella personal en cada pincelada
y transportar a los lectores a
mundos lejanos, incluso antes de que
leyeran la primera página.
Por su parte, las editoriales sabían
que esas novelas semanales eran un
negocio redondo, y decidieron institucionalizar
una imagen reconocible
para cada género. El rey absoluto
de estos best sellers de segunda
fila era el western, con sus paisajes
del viejo Oeste, las manadas de búfalos
salvajes, el cowboy montado a
caballo y el inevitable duelo frente a
una taberna. Igualmente populares
entre el público femenino eran las
historias románticas, con sus dosis
de amor prohibido, celos e infidelidades
que ponían a prueba la lealtad
de los protagonistas. Otro clásico
eran los relatos policíacos con reminiscencias
al cine negro. El tema bélico
tampoco había pasado de moda
y eran habituales las hazañas de soldados
en diversas batallas. Por último,
también había otras variantes
más exóticas que se convirtieron en
obras culto en los países nórdicos,
como el denominado western sexy,
las peleas de kung-fu en barrios marginales,
el terror escalofriante con
escenas de cementerio e incluso las
pesadillas góticas pobladas por
monstruos que invadían la Tierra.
El fenómeno de estas portadas dio
trabajo a las agencias hasta bien entrada
la transición democrática. Sin
embargo, este mercado no permaneció
ajeno a la crisis económica de
aquellos años inciertos, y el volumen
de encargos disminuyó de manera
considerable porque entonces salía
más rentable decorar las cubiertas
con fotografías antes que utilizar
ilustraciones originales. Además, la
época dorada del cómic español ya
era un recuerdo del pasado y muchas
empresas del sector no pudie-
JOSEP MARIA MIRALLES
Barcelona, 1937
A pesar de que el dibujo era su vocación, Josep María Miralles estudió contabilidad y
encontró trabajo en una oficina a mediados de los años 50. Pero el destino le brindó
una segunda oportunidad cuando conoció al jefe de una agencia de ilustradores que
admiraba sus bocetos y le propuso unirse a ellos para dar rienda suelta a su imaginación.
“Entonces mi padre me preguntó por qué tomaba esa decisión si ya tenía
un trabajo seguro”, nos cuenta el artista. “Resulta que en la oficina me pagaban una
miseria y haciendo historietas para Francia ganaba mucho más dinero”. Aquel acto
de rebeldía marcó el inicio de una carrera meteórica que lo consagró en la escena del
cómic nacional durante su época de máximo esplendor, cuando sorprendentemente
recibía más encargos para Europa que para el mercado español. “Sin embargo, he
tenido otras inquietudes artísticas y llegó un momento en el que me di cuenta de que
sólo dibujaba viñetas en blanco y negro”, nos explica Miralles. “Así que decidí pasar
a las portadas en color y eso me llevó un par de años de aprendizaje”. Ese esfuerzo
como artista autodidacta se vio recompensado con el aplauso del público, que quedó
prendado por sus cubiertas para novelas románticas y de detectives, donde siempre
destacaba una bella protagonista o una intrigante femme fatale de la que era imposible
apartar la mirada. En la década de los 90 disminuyeron los encargos de las editoriales
y él optó por retirarse, aunque hoy continúa interesado por el arte. “Reconozco que
miro los videoclips de Katy Perry y de otros cantantes”, afirma en tono divertido. “Realmente
están muy bien hechos y me gusta estar al día”.
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MANUEL PRIETO MURIANA
Almería, 1931
Como sucedió con la mayoría de niños nacidos en aquella época tan incierta, Manuel
Prieto logró alejarse de las adversidades con un lápiz y un papel que se convirtieron en
su particular ventana a los sueños. “Yo soy un niño de la guerra y, sobre todo, de la posguerra”,
nos cuenta con voz seria. “Quizá, para alguien de mi generación, evadirse de
la realidad fuera una necesidad”. Sus primeros pasos profesionales se enmarcaron en
el ámbito de las historietas, hasta que descubrió su pasión por los colores estridentes y
empezó a ilustrar portadas de libros con gran éxito. Entonces se vivía el fenómeno del
western en Europa, pero este artista polifacético también realizó durante diez años las
cubiertas semanales del Giallo Mondadori, la colección de novela policiaca más famosa
de Italia. “He hecho todo tipo de géneros y siempre he conocido la censura”, nos explica
desde su estudio. “Un dibujante profesional tiene que estar preparado para cualquier
encargo y la inspiración le viene de un archivo gráfico lo más extenso posible”. El hecho
de vivir en Madrid no impidió que colaborara con las grandes agencias de Barcelona y,
además, mantuvo una estrecha relación con sus compañeros de profesión catalanes.
Para todos ellos el mercado nacional era algo anecdótico y compartían las mismas ansias
de triunfar en el extranjero. A pesar de que los tiempos han cambiado, su obra sigue
despertando pasiones y él atribuye este éxito a que el trabajo ha sido su estilo de vida.
“Siempre habrá muchachos a los que les interese este oficio, que es ingrato y solitario”,
afirma el dibujante. “Aunque la era digital les abre las puertas a un mundo nuevo”.
ron hacer frente a los nuevos tiempos.
Una vez más, se trataba de
renovarse o morir.
En 1977 surgió un rayo de esperanza
cuando un joven apasionado por
el dibujo, que respondía al nombre
de Rafael Martínez, decidió fundar
la Agencia Norma y representar a los
mejores ilustradores de la vieja guardia
en un negocio que aún deparaba
muchas sorpresas. Esta empresa
aprendió de los aciertos de sus predecesores
y tuvo muy claro que debía
centrarse en el mercado internacional,
donde las novelas pulp aún se
vendían con éxito. De este modo, se
retomaron los encargos para Alemania,
Inglaterra y Escandinavia, países
en los que el western mantenía la
popularidad de antaño. Otra gesta
de Norma fue consolidar la presencia
de dibujantes españoles en EE
UU, a pesar de que allí contaban con
las mayores estrellas del cómic gracias
al universo de los superhéroes.
La década de los 80 trajo consigo
un mercado desconocido hasta la fecha.
Con la proliferación del video
doméstico surgió la necesidad de hacer
carátulas de películas en español
que llamaran la atención del público
en los videoclubs. Los artistas
no hacían distinciones entre la calidad
de las cintas, por este motivo era
habitual que en sus mesas de trabajo
se cruzaran las estrellas más famosas
de Hollywood y los actores
de serie-b, además de los monstruos
de la factoría Hammer y las explosiones
de Cannon Films. Aunque esta
etapa acabaría representando el
momento de calma que precede a la
gran tormenta.
Con la llegada del nuevo milenio
y la expansión del diseño digital, terminó
una época irrepetible para los
pioneros de la ilustración que habían
convertido su profesión en un estilo
de vida único durante cinco décadas.
A pesar de que los tiempos han cambiado
y de que actualmente no hay
un relevo generacional, aquellas portadas
siguen despertando pasiones.
Seguramente todos ellos continuarán
siendo artistas anónimos para el
público español, pero sus obras ya
son inmortales. Un privilegio sólo al
alcance de las leyendas.
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