Música clásica

Música clásica
Joseph Haydn.
La música clásica es la corriente musical que comprende
principalmente la música producida o basada en las
tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente,
principalmente Europa Occidental. Abarca un periodo de
tiempo que va aproximadamente del siglo XI a la actualidad,
aunque esta definición no es aplicable a la música
realizada en nuestro siglo a pesar de presentar las mismas
características, [1] si bien las principales características del
género fueron codificadas principalmente entre 1550 y
1900, que es habitualmente considerado como el período
característico de producción de la música clásica. En
un sentido historiográfico, la música clásica se divide en
varios períodos: música antigua o medieval, que abarca
el período comprendido por la Baja Edad Media en Europa
(1000-1400); la música renacentista (1400-1600);
la música barroca, que coincide con desarrollo del arte
barroco (1600-1750); el clasicismo (1750-1800), que en
la Historia de la música y la musicología, es a veces llamado
«música clásica»; [2] el Romanticismo (1800-1910);
y la música contemporánea, que comprende las distintas
corrientes de música clásica del siglo XX, que adopta la
composición atonal y disonante y otras tendencias opuestas
a corrientes anteriores.
Debido tanto a sus características técnicas, a la creciente
profesionalización de la profesión de músico y compo-
Wolfgang Amadeus Mozart.
sitor, y al contexto socio-cultural en el que se desarrolla
(bajo el patronazgo de aristocracia, iglesia y burguesía),
la música clásica es habitualmente definida como la música
de tradición culta. [3]
En ese sentido, la música clásica se distingue de la música
popular y de otras formas musicales no Europeas por
su característica notación musical simbólica, en uso desde
aproximadamente el siglo XVI. [4] Dicha notación permite
a los compositores prescribir de forma detallada el
tempo, la métrica, el ritmo, la altura y la ejecución precisa
de cada pieza musical. Esto limita el espacio para
la improvisación o la ornamentación ad libitum, que son
frecuentes en la música artística no-Europea y en la música
popular. [5][6][7] Otra característica es que mientras la
mayoría de los estilos «populares» tienden a desarrollarse
alrededor del género de la canción, la música clásica
se ha caracterizado por el desarrollo de formas y géneros
musicales altamente sofisticados, y por el empleo de
una muy variada y compleja instrumentación. [8] Por ello,
la música clásica suele requerir de tanto los músicos co-
1

2 2 INTERPRETACIÓN
Ludwig van Beethoven.
mo los compositores un alto grado de profesionalización
y especialización.
El término música clásica aparece por primera vez a principios
del siglo XIX, en un intento para destacar el período
como una edad dorada de la música. [9][1][10] En la
actualidad está asociado a la tradición de música culta y
académica descrita arriba, y es a veces sustituido por música
culta o música académica para incidir en la existencia
de música de corte «clásico» (en oposición a contemporánea),
en otros géneros como por ejemplo la música rock
(véase Rock clásico). Sin embargo, de forma popular, el
término música clásica suele reservarse casi en exclusiva
para referirse al contenido de este artículo (ver [11] ).
1 Formalización y contenido
La música clásica está hecha exclusivamente para ser oída,
a diferencia de otras músicas adjuntas a otras formas
de entretenimiento (la música de cine a veces se ejecuta
en salas de concierto). Los conciertos de música clásica
suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el
público esté en silencio para evitar distraer al músico y
los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera
formal, una práctica vista como un gesto de respeto
para la música y el público; y tampoco interactúan directamente
o bromean con el público. Lecturas privadas de
música de cámara pueden tener lugar en ocasiones domésticas
más informales.
Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar
una cualidad trascendental de la emoción, que
expresa algo universal acerca de la condición humana. Si
bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva
de la música clásica, esta honda exploración en la
emoción permite que la mejor música clásica alcance lo
que ha sido denominado lo «sublime» en el arte. Muchos
ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo,
la musicalización del poema de Friedrich Schiller
«Oda a la Alegría» en la Novena sinfonía de Beethoven,
que suele interpretarse en actos de independencia nacional
o de celebración, como aquella famosa ocasión en que
la dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del
Muro de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para
celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores,
como Iannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional
de la música en los oyentes es arbitrario y que, por lo
tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información
de la pieza es lo supremo.
A lo largo de la historia, los padres se aseguraron de que
sus hijos fuesen instruidos en la música culta desde muy
temprana edad. Una experiencia musical temprana daba
las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos
que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es
prácticamente imposible de aprender a nivel profesional
si, o al menos un instrumento similar, no eran aprendidos
desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza
musical por razones sociales o en un esfuerzo por impartirles
un útil sentido de la autodisciplina; las lecciones
parecen mostrar también un incremento en el desempeño
académico. Se considera además, que el conocimiento
de las obras de la música clásica es parte de una buena
cultura general.
2 Interpretación
Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música de
una relación muy profunda entre su contenido afectivo
(emocional), y los medios con los que lo logra. Muchas
de las obras clásicas más elogiadas hacen uso del desarrollo
musical, el proceso por el que un germen, idea o
motivo musical es repetido en distintos contextos, o alterados
de tal manera que la mente del oyente, conscientemente
o no, compara las diferentes versiones. Los géneros
clásicos de la forma sonata y la fuga emplean rigurosamente
formas de desarrollo musical. Generalmente,
las obras de música clásica muestran una gran complejidad
musical gracias al uso que hace el compositor del
desarrollo, modulación (cambios de tonalidad), variación
antes que la exacta repetición, frases musicales que no
siempre tienen la misma longitud, contrapunto, polifonía
y una armonía sofisticada. Además, muchas obras clásicas
bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son construidas
a partir de jerarquías de unidades más pequeñas:
las frases, los períodos, las secciones y los movimientos.
El análisis schenkeriano es una rama de la música que intenta
distinguir estos niveles estructurales.
Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a
ciertas obras clásicas, ha llevado a la expectativa de que

3
el ejecutante tocará la obra de tal modo que realizará en
detalle las intenciones originales del compositor. Por lo
tanto, las desviaciones de las instrucciones del compositor
a veces son condenadas como fallas completas éticas.
Durante el siglo XIX, los detalles que los compositores
colocaban en sus partituras fueron incrementándose. Así
vemos un opuesto rechazo-admiración por los ejecutantes
que ofrecen nuevas «interpretaciones» de la obra de
un compositor, y no es desconocido que un compositor
le pida al intérprete una mejor realización de sus intenciones
originales que la que él mismo pudo lograr. De
este modo, los ejecutantes de música clásica alcanzan a
menudo reputaciones muy altas por su musicalidad, aunque
ellos mismos no compongan. Otra consecuencia de
la primacía de la partitura escrita del compositor es que
la improvisación juega una menor presencia, en marcado
contraste con otras tradiciones como el jazz, en donde
la improvisación es básica. La improvisación en la música
clásica era mucho más frecuente en el Barroco que
en el siglo XIX y siglo XX, y recientemente la interpretación
de aquella música por músicos clásicos modernos ha
sido enriquecida por el resurgimiento de antiguas prácticas
improvisatorias. Durante el periodo clásico, Mozart
y Beethoven improvisaban a veces las cadencias de sus
conciertos para piano (y animaban a otros a hacer lo mismo),
pero también tendían a dar cadencias escritas para
que otros solistas pudiesen usarlas.
La música académica siempre ha sido influida por, o ha
tomado material, de la música popular. Los ejemplos incluyen
música ocasional, como el uso por Brahms de canciones
estudiantiles para la bebida en su Obertura para un
festival académico, géneros ejemplificados por la Ópera
de los tres centavos de Kurt Weill y la influencia del jazz
en la música de compositores de inicios y mediados del
siglo XX, como Maurice Ravel. Ciertos compositores clásicos
posmodernos y postminimalistas reconocen su deuda
con la música popular. También hay muchos ejemplos
de influencia en el otro sentido, incluyendo canciones
populares basadas en música clásica, el uso que se
hizo del Canon de Pachelbel desde los años setenta, el
fenómeno del musical crossover, en el que los músicos
clásicos adquieren gran éxito en el terreno de la música
popular (un notable ejemplo es la serie de grabaciones
Hooked on Classics hechas por la Orquesta Filarmónica
Real a inicios de los años ochenta). De hecho, puede argumentarse
que el género completo de la música de cine
puede ser considerada parte de esta influencia, dado
que brinda la música orquestal a vastos públicos de cine
meros que de otra manera no escucharían semejante
música (no obstante, la mayoría la escuchan inconscientemente).
Compositores de música clásica han hecho uso
de la música folclórica (música creado por músicos autodidactas,
la mayoría de una pura tradición oral). Algunos
lo han hecho con una ideología nacionalista explícita,
otros simplemente la han explotado como parte de su
material temático. Algunos fragmentos de música clásica
son frecuentemente usados comercialmente (es decir, en
la publicidad o como parte de las bandas sonoras de películas
de entretenimiento). En la publicidad televisiva,
algunos pasajes orquestales poderosos o rítmicos se han
convertido en clichés, pudiendo mencionar el inicio «O
Fortuna» de Cármina Burana de Carl Orff por la fuerte
presencia de la percusión y el coro brindando un pasaje
de carácter épico. Se puede mencionar también el «Dies
Irae» del Réquiem de Verdi y selecciones Rodeo de Aaron
Copland. Similarmente, en las películas a menudo se recurre
a pasajes clichés de música clásica para representar
el refinamiento o la opulencia: probablemente la obra más
escuchada en esta categoría es Eine Kleine Nachtmusik de
Mozart.
4 Notación musical
3 Influencias de la música popular
La música académica occidental ha desarrollado un método de
escritura basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso
del tiempo, y el vertical la altura del sonido; la duración de cada
sonido está dada por la forma de las figuras musicales.
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental)
existen formas de notación musical. Sin embargo,
es a partir de la música de la Edad Media (principalmente
canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema
de notación musical que evolucionaría al actual. En el
Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos
con que lo conocemos hoy, aunque ―como todo
lenguaje― ha ido variando según las necesidades expresivas
de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa
gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical
que representa gráficamente la altura del sonido. Las
alturas se leen en relación a un pentagrama (un conjunto
de cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una
«clave» que tiene la función de atribuir a una de las líneas
del pentagrama una determinada nota musical. En
un pentagrama encabezado por la clave de sol en segunda
línea nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe
en la segunda línea (contando desde abajo), como la el
sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la
tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc.
Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben
líneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do

4 6 HISTORIA DE LA MÚSICA DOCTA
en tercera línea (clave que toma como referencia al Do de
261,63 Hz, el do central del piano), la de Sol en segunda
(que se refiere al Sol que está una quinta por encima del
do central), y la de fa en cuarta (referida al fa que está
una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de
tiempo llamadas compases: cada línea vertical que atraviesa
el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo
del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá
una fracción con dos números; el número de arriba indica
la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número
de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de
figuras musicales: la redonda (representada como un
círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito
vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero
con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero
con un palito horizontal que comienza en la punta de la
plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos
palitos horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su
antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el
doble que una negra, etc.
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura
es la unidad de tiempo en determinada partitura, debemos
fijarnos en el número inferior de la indicación del
compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo;
si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es
4, cada tiempo será representado por una negra, etc. Así,
una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en
compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o
una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8 tendrá
cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por
una corchea, etc.
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos
que representan un silencio de redonda, de blanca,
etc.
Como se ve, las duraciones están establecidas según una
relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la subdivisión
por tres, que será indicada con «tresillos». Cuando
se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de
su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo).
Cuando se desea que la nota dure, además de su valor,
otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une
por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas
apelando a palabras escritas más o menos convencionales,
generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las
intensidades se indican mediante el uso de una f (forte,
fuerte) o una p (piano, suave), o varias efes y pes juntas.
La velocidad de los pulsos o tempo se indica con palabras
al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad:
largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro,
presto.
5 Instrumentación
La música clásica y la música popular también se distinguen
por los instrumentos que utilizan. Los instrumentos
usados en la práctica común de la música clásica fueron
inventados antes de la mitad del siglo XIX (la mayoría
mucho antes), y codificados en los siglos XVIII y
XIX. Consisten en los instrumentos que encontramos en
la orquesta sinfónica, junto a otros pocos instrumentos
solistas (como el piano, el clavicémbalo y el órgano). Los
instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica y el
violín eléctrico, juegan un papel predominante en la música
popular, pero de hecho no tienen ninguno en la música
clásica antes del siglo XX, y sólo aparecen ocasionalmente
en la música clásica del siglo XX y siglo XXI.
Tanto los músicos populares como los clásicos han experimentado
en las últimas décadas con instrumentos eléctricos,
como el sintetizador, con técnicas electrónicas y
digitales, como el uso de sonidos sampleados o generados
por computador, y el sonido de instrumentos otras culturas,
como el gamelan. Es importante notar que todos los
instrumentos bajos no existían antes del Renacimiento.
En la música medieval, los instrumentos estaban divididos
en dos categorías: instrumentos fuertes para usar
en exteriores o en la Iglesia, y instrumentos más suaves
para uso en interiores. Muchos de los instrumentos que
son asociados hoy con la música popular tuvieron un papel
importante en la música clásica antigua, tales como
la gaita, la vihuela, la zanfona y otros instrumentos de
viento. Por otro lado, la guitarra acústica, asociada a la
música popular, ha empezado a ganar preponderancia en
la música clásica a lo largo de los siglos XIX y XX. La
voz humana es también un instrumento musical privilegiado
de la música clásica, aunque también es usado en la
música popular. Diversos géneros utilizan las voces, solas
o bien con acompañamiento instrumental: la ópera, la
música coral y el lied.
Mientras que el temperamento igual fue gradualmente
aceptado como el sistema de afinación en el siglo XVIII,
otros tipos de temperamento, de origen histórico, se emplean
a menudo en la música de períodos anteriores al
Barroco tardío; El clave bien temperado de Johann Sebastian
Bach es utilizado como referencia temporal para
indicar el comienzo de ese cambio de temperamento. Por
ejemplo, la música del Renacimiento inglés se acostumbra
a ejecutar con el temperamento medio.
6 Historia de la música docta
6.1 Orígenes
Los siglos XVII y XVIII fueron el periodo formativo de
la música clásica y vieron nacer la opera y el oratorio, la
sonata, el concierto y la sinfonía. Los italianos fueron los
primeros en desarrollar estos géneros, pero les siguieron
pronto los alemanes, austriacos e ingleses. La música clá-

6.2 Períodos históricos 5
sica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales
occidentales, tanto litúrgicas como seculares, por
caso la música de la Antigua Grecia o la Música de la Antigua
Roma (sobre todo por sus contribuciones teóricas),
o la música de la Iglesia católica (principalmente el canto
gregoriano).
Los hitos que definieron su rumbo, fue el descubrimiento
y posterior desarrollo de la polifonía, así como el posterior
desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida
como el Ars nova y la evolución de la notación
musical, además del estudio de la estética musical. Con
la era de los descubrimientos que comenzó en el siglo
XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó
a otros continentes y sufrió una síntesis con las tradiciones
musicales de los nuevos territorios. Encontramos
expresiones de la música clásica en Brasil (por ejemplo,
Heitor Villa-Lobos), Estados Unidos (por ejemplo,
Charles Ives), Hispanoamérica (por ejemplo, Alberto Ginastera,
José Ángel Montero), Asia (por ejemplo, Tōru
Takemitsu, Tan Dun), África y Oceanía, pero que están
conectadas a la música clásica de tradición europea.
6.2 Períodos históricos
Existe un sistema de división de la historia de la composición
de la música clásica en distintos períodos que es
ampliamente aceptado. Las fechas son generalizaciones,
ya que los períodos se sobreponen unos a otros. Algunas
voces autorizadas subdividen los periodos, la fecha o el
género. Sin embargo, debe notarse que estas categorías
son arbitrarias; por ejemplo, el uso del contrapunto y la
fuga, que es considerada una característica del Barroco,
fue continuado por Mozart, a quien se considera un compositor
clásico, y por Beethoven, a quien normalmente se
le describe como en medio del periodo clásico y romántico;
y también por Brahms, quien es clasificado como
romántico. De acuerdo a este sistema, las principales divisiones
son:
• Música renacentista: El concepto de Renacimiento
fue empleado por el pintor Vasari en el año de
1500 y se le emplea habitualmente para referirse
al arte de los siglos XV y XVI en Italia. Este término
significa un renacimiento del hombre a partir
de un encuentro deliberado con la Antigüedad.
La nueva imagen del hombre lleva asimismo hacia
un nuevo tipo de artista (con precursores en el siglo
XVI): el genio, quien se siente una fuerza creadora
en un orden divino. Así mismo, la nueva conciencia
de sí mismo del hombre se refleja en los disturbios
eclesiásticos y en las guerras religiosas, en los
numerosos concilios celebrados en el siglo XV, en
la obra reformadora sobre todo de Martín Lutero
y en la Contrarreforma con el Concilio de Trento.
Las características estilísticas que definen la música
renacentista son su textura polifónica, que sigue
las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema
modal heredado del canto gregoriano. Entre sus
formas musicales más difundidas se encuentran la
misa y el motete en el género religioso, el madrigal,
el villancico y la chanson en el género profano, y las
danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental.
Entre los compositores más destacados de
este periodo se hallan Josquin Desprez, Palestrina,
Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.
• Música barroca: Entre 1600 y 1750. Surge el
uso de tonalidades más complejas, en lugar de
la modalidad y el contrapunto. Se popularizan
los instrumentos de teclado (el clavicémbalo y el
órgano).
• Música clásica: Entre 1730 y 1820, fue una era importante
que estableció varias de las normas de composición
y estructura. El período clásico también está
marcado por la desaparición del clavicémbalo y
el clavicordio en favor del nuevo piano, que a partir
de ese momento se convirtió en el instrumento
predominante para la interpretación en teclado y la
composición.
• Música romántica: Entre 1815 y 1910. Período en
que se codificó la práctica, se extendió el papel de la
música en la vida cultural y se crearon instituciones
para la enseñanza, ejecución y conservación de las
obras musicales.
• Música moderna: Entre 1905 y 1985. Representó
una crisis en los valores de la música clásica y su
rol dentro de la vida intelectual, y la extensión de la
teoría y la técnica. Algunos teóricos, como Arnold
Schoenberg en su ensayo Brahms, el progresivo, insisten
en que el Modernismo representa una progresión
lógica de las tendencias en la composición del
siglo XIX. Otros sostienen un punto de vista opuesto,
que indica que el modernismo representa el rechazo
o la negación del método de composición clásica.
• Música del siglo XX: Usado normalmente para
describir la amplia variedad de subgéneros posteriores
al Romanticismo empleados hasta el año 2000,
incluyendo a los posromántico, moderno y posmoderno
• Música clásica contemporánea: El término es utilizado
a veces para describir la música compuesta
en los últimos años del siglo XX hasta el presente.
• El prefijo neo suele emplearse para describir a una
composición del siglo XX o contemporánea escrita
en un género perteneciente a un periodo anterior,
como el clásico, romántico o moderno, pero con un
lenguaje moderno. Por ejemplo, la Sinfonía clásica
de Prokofiev ―que acude a los modelos de la

6 10 ENLACES EXTERNOS
sinfonía del clasicismo de Haydn― es considerada
una composición neoclásica.
El siguiente gráfico muestra una selección resumida de los
más famosos compositores de música clásica:
7 Véase también
• Portal:Música clásica. Contenido relacionado
con Música clásica.
• Terminología musical
• Películas sobre música y músicos clásicos (en inglés)
8 Referencias
[1] “Classical”, The Oxford Concise Dictionary of Music, ed.
Michael Kennedy, (Oxford, 2007), Oxford Reference Online.
Retrieved July 23, 2007.
9 Bibliografía
• Sorce Keller, Marcello: «Declassicizziamo la musica
“classica”: alcune riflessioni sul giardino botanico
dell’arte musicale», artículo en la revista Musica/Realtà,
LXXIX, no. 1, pp. 23-34.
10 Enlaces externos
• MusicaAntigua.com, sitio web de música antigua, en
español.
• Radio Clásica de Radio Nacional de España.
• Radio Clásica 970 AM, en el sitio web de la Universidad
Tecnológica de El Salvador.
• Doce Notas, revista de música y danza.
• Emisoras de música clásica por Internet.
[2] Kennedy, Michael (2006). The Oxford Dictionary of Music,
985 págs, en inglés, ISBN 0-19-861459-4.
[3] «Música clásica», sexta acepción de la palabra «clásico»,
en el Diccionario de la lengua española de la Real Academia
Española. La define como la ‘música de tradición
culta’.
[4] Chew, Geffrey & Rastall, Richard. Notation, §III, 1(vi):
Plainchant: Pitch-specific notations, 13th–16th centuries,
Grove Music Online, ed. L. Macy (consultado el July 23
de 2007), grovemusic.com (acceso con suscripcion).
[5] Malm, W.P./Hughes, David W.. Japan, §III, 1: Notation
systems: Introduction, Grove Music Online, ed. L. Macy
(consultado el July 23 de 2007), grovemusic.com (acceso
con suscripcion).
[6] IAN D. BENT, DAVID W. HUGHES, ROBERT C.
PROVINE, RICHARD RASTALL, ANNE KILMER.
Notation, §I: General, Grove Music Online, ed. L. Macy
(consultado el July 23 de 2007), grovemusic.com (acceso
con suscripcion).
[7] Middleton, Richard. Popular music, §I, 4: Europe & North
America: Genre, form, style, Grove Music Online, ed. L.
Macy (consultado el July 23 de 2007), grovemusic.com
(acceso con suscripcion).
[8] Julian Johnson (2002) Who Needs Classical Music?: Cultural
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[9] Rushton, Julian, Classical Music, (London, 1994), 10
[10] The Oxford English Dictionary (2007). «classical, a.».
The OED Online. Consultado el 10 de mayo de 2007.
[11] «Música clásica», sexta acepción de la palabra «clásico»,
en el Diccionario de la lengua española de la Real Academia
Española. La define como la ‘música de tradición
culta’.

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11 Origen del texto y las imágenes, colaboradores y licencias
11.1 Texto
• Música clásica Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_cl%C3%A1sica?oldid=97355737 Colaboradores: Oblongo, Sabbut,
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11.2 Imágenes
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Karl Stieler
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%28Beethoven%2C_Ludwig_van%29) Artista original: Roberto 11:50, 18 June 2007 (UTC)
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