revista-prueba

francoq

A LA CARTa!

C a r t a d e l e d i t o r

CONTENIDO a! 88

Hace más de 17 años comenzamos este esfuerzo editorial, queríamos ser la primera y

la mejor revista de diseño de México. Es un trabajo del día a día, encaminado a ofrecer

temas, entrevistas y artículos de interés para nuestros lectores. Pero siempre es mejor

crecer de la mano de ustedes, es por ello que quiero compartir este espacio, les invito

nuevamente a enviarnos sus cartas con sugerencias, quejas, comentarios en general

sobre los contenidos de ediciones anteriores o con los temas que aun no hemos publicado,

o para decirnos simplemente qué y cuánto nos falta para lograr el objetivo de ser

la mejor revista de diseño.

Estamos esperando sus comentarios, pues sabemos que sólo con su participación

podemos ser mejores cada vez, pues a! Diseño es de y para ustedes. El correo es: revista@a.com.mx•

A n t o n i o P é r e z I r a g o r r i • C o m e n t a r i o s : a n t o n i o @ a . c o m . m x

CARTA DEL EDITOR 2

GALERÍa! DISEÑO 12

GADGETS 14

FOTOGRAFÍA. JORGE ALCAIDE 16

CALAVERAS INVADEN REFORMA 18

BRAUNPRIZE INTERNATIONAL 22

30

MASA. EL DISEÑO NO ES TRENDY 30

DISEÑO DOS ASOCIADOS 38

100 AÑOS DE FRIDA 44

TIPOGRAFÍA PARA INTERACTIVOS 52

EL VALOR ESTRATÉGICO

DEL DISEÑO EN LOS NEGOCIOS 58

M A S A . E L D I S E Ñ O N O E S T R E N D Y

DIRECTORIO

DIRECTOR EDITORIAL

Antonio Pérez Iragorri

COORDINADOR EDITORIAL

Francisco Santiago

PROYECTOS ESPECIALES

Aletsy Meyer

IMPRESIÓN

Artes Gráficas Panorama

PAPEL

Forros: DOMTAR SANDPIPER

Mist Smooth 216 grs.

Interiores: MULTIART Semimate 135 grs.

MARKETING DESIGN 60

NOTICIAS 78

DISEÑADORES DESAPROVECHAN

BENEFICIOS DEL ACERO 64

44

DISEÑO GRÁFICO

Gabriela Milo

PORTADA

Paco Reyes

FOTOGRAFÍA

Santiago Tassier

Antonio Sereno

REDACCIÓN

Esmeralda Montes de Oca

www.panorama.com.mx

www.cyber-print.com.mx

PRUEBAS DE COLOR

Canon plotter W7200

ORIS COLOR TURNER

SOFTWARE DE DISEÑO

CS3 de ADOBE

DISTRIBUCIÓN NACIONAL

Publicaciones Citem, S.A. de C.V.

a! DISEÑO FUNDADA POR

ANTONIO PÉREZ IRAGORRI

Y RAFAEL PÉREZ IRAGORRI

QUÉ TANTO SE PUEDE

ESTIRAR UNA MARCA 68

FÉLIX BELTRÁN 72

DIRECTORIO a! DISEÑO 74

SOLUCIONES MAC 78

ACCESO A LA AUTOMATIZACIÓN 78

1 0 0 A Ñ O S D E F R I D A

EN ESTE NÚMERO DE a! 79

A! DISEÑO, revista bimestral diciembre 2007-enero 2008 • Editor responsable: Antonio Pérez Iragorri • Número de Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo, Dirección de Reservas,

Instituto Nacional de Derechos de Autor, Secretaría de Educación Pública Reserva No. 04-2003-012413343900-102 • Número de Certificado de Licitud de Título, Comisión Calificadora de

Publicaciones y Revistas ilustradas, Secretaría de Gobernación. No. 6157 • Número de Certificado de Licitud de Contenido, Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas ilustradas, Secretaría

de Gobernación. No. 4730 • Escuela Nacional de Artes Visuales, domicilio de la publicación: Hacienda de la Escalera No. 22, Colonia Prado Coapa, Delegación Tlalpan, C.P. 14350 México,

D.F. Tel. 5679 3040 • Impresión: Artes Gráficas Panorama, Avena No. 629, Granjas México, C.P. 08400, México, D.F., Tel. 5649 7080 • Distribuidor: Publicaciones Citem, S.A. de C.V., Avenida del

Cristo No. 101, Colonia Xocoyohualco, C.P. 54080, Tlalnepantla Edo. de México, Tel. 5238 0200, Fax 5238 0248 • El contenido de los artículos firmados no refleja necesariamente la opinión del

editor. Los artículos contenidos en esta publicación, con excepción de las imágenes, podrán ser reproducidos siempre y cuando se cite la fuente, solicitándolo previamente por escrito al

editor • ISSN 9770188773010 • Impreso en México.

EN LA PRÓXIMA 79

DE LA PLUMA DE…

ROBERTO CARLOS “RöC” 80


GALERÍa! DISEÑO

“Ahora con un paquete,

Desarrollo de una personalidad para cada cerveza

desde el punto de vista de los consumidores, se realizaron

cinco carteles diferentes para los productos con

mayor reconocimiento del cliente: honey, light, oscura,

trigueña y clásica. Cada cartel se diseñó conforme el

nombre y percepción del cliente de cada producto.

Fotografías de las botellas y elementos gráficos, se

fundieron para lograr carteles con impacto visual.

Proyecto: diseño de carteles promocionales

Despacho: Flow Media & Graphics

Director de arte: Raúl Vargas

Fotógrafo: Alejandra Urzúa

e-mail: contacto@flowmg.com.mx

Site: www.flowmg.com.mx

Cliente: Cucapá Brewing

Fecha: 2007

Desarrollo de nombre, logotipo y empaque para una

nueva línea de helados para toda la familia, en donde

el nombre comunica positivamente las bondades del

producto y con el diseño se genera una imagen sana

para toda la familia, alejada de la idea artificial de los

helados light que maneja la competencia.

Proyecto: Helados Nestlé Ligero

Despacho: Top Design

Diseñadores: Virgilio Comadurán e Iñaki Ulacia

Ilustrador: Bruno Maldonado

e-mail: info@topdesign.com.mx

Cliente: Nestlé de México

Fecha: 2007

Desarrollo de una imagen diferenciadora para el

hotel Marival Resort & Suites; se elaboró una imagen

que destacara las ventajas de este hotel sin necesitar

el idioma. Se definió que el mensaje sería: “Porque

Marival tiene lo que otros no”. Se lanzó el anuncio

en varias publicaciones especializadas y como resultado

se incrementó el poder de venta.

Proyecto: imagen para revista

Despacho: Graphic Illusion

Diseñador: Alonso Reyes

Fotografía: Eduardo Solórzano e Image Bank

e-mail: graphicillusion@mac.com

Site: www.gicds.com

Cliente: Marival Resort & Suites

Fecha: 2007

puede diseñar, desarrollar,

gestionar y conservar

experiencias interactivas

excepcionales para que

millones de personas

puedan disfrutar de ellas

fácilmente a través de la Web,

de dispositivos móviles

y de documentos impresos”

Para Inmobiliaria Antiqua se eligió un nombre que

se asociara con el mar, pues sus oficinas centrales

están en Acapulco. El nombre se basó en dos islas

ubicadas en el Caribe: Antigua y Barbuda. Se desarrolló

una imagen que englobara los tres rubros a

los que se dedica: construcción de casas, renta de

departamentos y renta y venta de yates; el logo

representa estos tres rubros, así como la ubicación

de la inmobiliaria. La imagen es reconocida y ha

contribuido a lograr los objetivos comerciales.

Proyecto: nombre y diseño de logotipo

Despacho: Demos Publicidad

Diseñador: Emmanuel Mauro Castillo

e-mail: demospublicidad@hotmail.com

Cliente: Inmobiliaria Antiqua

Fecha: junio 2007

La solicitud era exponer la obra de la artista Marina

Láscaris mediante un diseño claro y sobrio que

acompañara a la obra sin competir con ella, para

poder llegar a la óptima representación de la misma.

Se desarrolló sobre un trazo áurico que permitía

una variedad de posiciones de imágenes que dialogaban

con el texto en dos idiomas con la obra de

la artista.

Proyecto: Marina Láscaris

Despacho: Frontespizio

Diseñador: Ricardo Salas

Fotografía: Laura Coheny Paola Gori

e-mail: ricardo@frontespizio.com.mx

Site: www.frontespizio.com.mx

Cliente: Marina Láscaris

Fecha: marzo 2007

En coordinación con el departamento de mercadotecnia

de Dynasol, en Houston, se creó el diseño

de los impresos que se produjeron para el stand

de Dynasol en la feria ChinaPlas que se celebró en

Shangai, China; como un esfuerzo más para la introducción

de la empresa productora de elastómeros

en el mercado asiático.

Proyecto: Stand ChinaPlas

Despacho: Estudio Nomono Publicidad

Diseñador: Roberto Sánchez

Fotografía: Roberto Sánchez y Luis Miguel Fernández

de Lara Peralta

e-mail: informes@nomono.com.mx

Site: www.nomono.com.mx

Cliente: Dynasol Elastomers

Fecha: abril 2007

Para mayor información visita:

www.adobe.com/la/products/bundles

o llama al Tel: 5283-2403

vgarcia@adobe.com


Un libro de alta calidad para mostrar lo mejor de las

instalaciones golfísticas de México. Es un recorrido

fotográfico que abarca campos espectaculares desde

Baja California hasta el Caribe. Se diseñó en formato 31

x 34 centímetros para lograr una presentación espléndida

de fotografías. En interiores se usaron 4 x 4 tintas

con barniz a registro sobre papel semimate. Se controló

la pre-prensa en México y se imprimió en China.

Proyecto: diseño de libro “Golf Insignia en México”

Despacho: Printt Diseñadores

Diseñadores: Eduardo Zapata y Emilio Bretón

Fotógrafo: Michael Calderwood

e-mail: ezapata@printt.com.mx

web site: www.printt.com.mx

Cliente: Visionair / Editorial Airevisión

Fecha: agosto 2007

Super Salads solicitó nuevos diseños para manteletas

infantiles. Sus personajes normalmente aparecían

estáticos y de forma individual, y en esta ocasión

pretendían hacer un cambio para que los personajes

aparecieran más dinámicos, utilizarlos a todos como

“pandilla” y que estuvieran en diferentes ambientes de

manera que cada manteleta fuera una aventura. Los

antecedentes y el diseño de la manteleta en forma

de revista (portada, contraportada e interior) facilitó

mucho el trabajo para darle un aspecto de cómic.

Proyecto: manteletas infantiles

Despacho: dianamartinez.com.mx

Ilustración y diseño: Diana Martínez

e-mail: contact@dianamartinez.com.mx

Cliente: Super Salads

Fecha: marzo-noviembre 2007

Desarrollo de una nueva marca de aceite de canola

para el mercado nacional con un nombre que reforzara

su origen. La identidad de Canoil se basa en cuatro

elementos clave: una botella cuadrada tipo aceite

de oliva; color negro como elemento de actualidad y

diferenciación ante la competencia; flores de canola

que remiten directamente al origen del producto, y

un sello y el uso de papel con barnices mate y brillante

para reflejar mayor calidad y naturalidad.

Proyecto: diseño de identidad de Canoil

Despacho: Sol Consultores

Diseñadores: Ana Carpinteyro, Pedro Campo,

Rodrigo Romero, Alejandra Galindo y Daniel Coca

e-mail: contacto@solconsultores.com.mx

Cliente: Agydsa

Fecha: 2007

JCB es una empresa mexicana dedicada al diseño y

fabricación de materiales publicitarios como anuncios

luminosos, stands y exhibidores. Entre sus clientes

se encuentran Coca-Cola, Adidas, Nestlé y Domecq,

empresas que buscan soluciones creativas e innovadoras

para sobresalir entre el mundo de marcas que

luchan por la atención del público. El concepto de JCB

gira alrededor de su marca, un símbolo que representa

el futuro y el servicio; una empresa que busca diferenciarse

ante la competencia al crear soluciones adaptadas

a las necesidades de cada proyecto.

Proyecto: diseño de identidad de JCB

Despacho: El Ring

e-mail: elring@att.net.mx

Cliente: Grupo JCB

Fecha: 2007

Arte en Repujado es una empresa dedicada al diseño

y fabricación de artesanías en repujado. Se desarrolló

un site que proyectara innovación al mostrar todos sus

productos y el diseño de un logotipo que remitiera al

material que trabajan. Se diseñó un logotipo con rasgos

marcados con una combinación en tonos cálidos

y con apariencia en aluminio. El site muestra todos los

productos que maneja la empresa y facilita al máximo

el accesos a todos los contenidos del site.

Proyecto: diseño de logotipo y site

Despacho: Design 233C

Diseñador: Karla Juárez Negrete

e-mail: design233c@prodigy.net.mx

Cliente: Arte en Repujado

Fecha: febrero 2007

Rediseño de toda la línea Peñaranda, que contempla el

uso de fotografía con “taste appeal”, ligada en una composición

gráfica que gira en torno al nuevo logotipo y

que le confiere un estilo contemporáneo, fino y de calidad,

orientado a reflejar una tradición europea en carnes

frías y alejado del estilo comercial “mainstream” de

otras marcas. El objetivo es conservar su base de consumidores

y ampliar su participación en el mercado.

Proyecto: etiquetas y empaques de Peñaranda

Despacho: Top Design

Diseñador: Tania Rivera, Fabián Aldave

y Miguel Delgado

e-mail: info@topdesign.com.mx

web site: www.brannartwork.com

Cliente: Empacadora Campo Frío

Fecha: 2007


GADGETS

La fotografía digital puede ser

una experiencia sencilla y práctica,

pero al mismo tiempo con

tecnología de vanguardia con

las cámaras digitales Cybershot

DSC-T70 y DSC-T200 de Sony.

www.sony.com.mx

Rendimiento, flexibilidad y

capacidad de expansión para

usuarios que requieren máximo

poder en sus equipos de

cómputo, ésta es la promesa

de las nuevas estaciones de

trabajo HP Workstations xw.

www.hp.com.mx

21

Con Expression Studio, Microsoft

busca revolucionar el diseño web

con tecnología de vanguardia

y herramientas de uso fácil e

intuitivo para crear sites e interfaces

que ofrezcan mejores experiencias

de usuario.

www.microsoft.com/expression/

Para los gustos más sofisticados, Black Pearl

Collection de LG integra un televisor Full

HD de LCD y el Home Theater Champagne,

ambos representan una nueva categoría en

equipos de entretenimiento para el hogar

por su diseño. www.lg.com.mx

Lady Blue Camelia forma

parte de la primera

colección de “pluses”

diseñada por Bern

Baños, la cual forma

parte de Toloache,

juguetera mexicana

especializada en urban

art toys. Se pueden

adquirir en Kong.

www.kong.com.mx

sábados

rumbo

al éxito

Este sofisticado zapato está inspirado en el

estilo de vida de las grandes ciudades,

donde las personas corren, caminan o

utilizan bicicleta. El Shox V Street combina

la tecnología de absorción Shox.

www.nike.com

participando

conviviendo

platicando

cuestionando

aprendiendo

escuchando

dialogando

Para los amantes de la

tecnología y el cine, Nokia

cuenta con una versión

revisada y más potente del

N95, ahora con 8 GB, una

pantalla de 2.8 pulgadas y

la película Spiderman 3.

www.nokia.com.mx

Diplomado en Comunicación Visual

14

Las nuevas tabletas Bamboo Fun, de Wacom, cuentan con

cuatro teclas programables para hacer uso de los comandos

más usados y con un anillo de tacto sensible que permite el

rápido zooming y scrolling. www.wacom.com

Iniciamos en febrero 2008

Informes www.a.com.mx

(55) 5679-3040 • 01800 401 7366


FOTOGRAFÍA • PRESENTADA POR FOTO REGIS

JORGE

ALCAIDE

Jorge Alcaide inició su carrera como fotógrafo

a mediados de la década de los

años 70. Nació en México, pero después

del fallecimiento de su padre, su madre

lo llevó a él y a sus hermanos a estudiar a

Inglaterra, donde cursó el último año de

primaria y la secundaria. De regreso en

México estudió la preparatoria en el Liceo

Franco Mexicano. Después de estudiar

dos años de ingeniería y un año de diseño

industrial decidió empezar a trabajar.

Como gerente de control de producción

de una fábrica de válvulas de alta

presión, descubrió su amor por la fotografía,

la cual había ya practicado en la escuela

en Inglaterra. Pero debido a la falta de

escuelas de esta disciplina en México,

Jorge fue autodidacta, leyó cuanto libro

del tema encontraba. En 1974, ya casado,

decidió independizarse para vivir de la

fotografía. Durante los años 80 y 90 asistió

a diversos cursos y talleres en Estados

Unidos con reconocidos fotógrafos como:

Charles Purvis, Chris Callis, John Goodman,

Hans Neleman y otros.

Entre sus principales clientes se

encuentran las agencias de publicidad:

McCann Ericsson, Ogilvy & Mather, Grey,

Walter Thompson y Young & Rubicam.

Pero también ha trabajado para despachos

de diseño: Design Center, Estudio

Graphik, Firma Corporativa, Frontespizio,

Printt diseñadores, Mu diseño, Pablo

Meyer y Asociados y Signi, entre otros.

A Jorge le gusta aprender, actualizarse,

y estos últimos años ha cambiado su forma

de trabajar al utilizar únicamente la fotografía

digital. Siempre le ha gustado el reto

del cambio y en su vida como fotógrafo

reconoce que éste ha sido constante, por

ello, le fascina estudiar las novedades que

le depara su profesión y con optimismo,

abraza el futuro que ésta le proporcionará•

16 17


CALAVERAS

INVADEN

REFORMA

“Después de las vacas de Cow Parade y las bancas monumentales, 50 calaveras de gran

formato se adueñaron de Reforma para celebrar a los muertos”

Cada vez más, la histórica avenida de

Paseo de la Reforma en la Ciudad de

México, se confirma como escenario de

destacadas exposiciones escultóricas, las

cuales difícilmente podrían tener cabida

en los espacios tradicionales del arte,

como museos o galerías.

Por sus amplias banquetas se han instalado

campanas escultóricas, vacas multicolores

y bancas que invitaban al diálogo.

Recientemente se presentaron calaveras

monumentales que hicieron alarde de la

tradición mexicana con motivo de la celebración

del 2 de noviembre.

El día de muertos, la celebración de

convivir nuevamente con los familiares

y amigos ya fallecidos, se convirtió en el

motivo central de la muestra colectiva de

arte público, “Las calaveras en Reforma”,

exposición integrada por 50 esculturas

monumentales, intervenidas y expuestas

a lo largo de Paseo de la Reforma.

La exposición está conformada por 50

calaveras de fibra de vidrio –material que se

suma a los ya tradicionales, como el azúcar

o el chocolate- que fueron intervenidas cada

una por un artista de manera diferente, original

y novedosa. La exposición recupera

el icono distintivo de estas celebraciones

y lo ofrece a los transeúntes modificado de

manera lúdica. Los 50 artistas participantes

fueron convocados de manera abierta y proceden

de diversas disciplinas y de distintas

entidades de la República; se trata de jóvenes

actores emergentes de las artes plásticas.

Otras piezas son el resultado del talento

de artistas maduros y abarcan desde la propuesta

más tradicional, como una calavera

intervenida con semillas, o calaveras muy

urbanas y juguetonas, como una transformada

en pesero con todo y pasajeros, hasta

una transformada en esfera disco.

Elena Cepeda, secretaria de Cultura

del Distrito Federal, comentó que

“Las Calaveras de Reforma” le confiere al

espacio público la posibilidad de ser un

espacio recreativo, mediante propuestas

artísticas que no solamente le ofrecen la

sensación de ser un espacio habitable y

vivo, un espacio lúdico además. Este es

uno de los objetivos del gobierno de la

ciudad: “hacer del espacio público un

motivo del arte y de la expresión”.

Las calaveras monumentales se instalaron

a lo largo de dos kilómetros sobre

ambos lados de Paseo de la Reforma,

desde la Glorieta del Ángel de la Independencia

hasta la Puerta de los Leones y

permanecieron del 1 de noviembre al 15

de diciembre de 2007•

Siguiente página:“Reflejos” (vanitas pirata)

por Francisco Santiago

de Luis Hampshire y Pablo Cotamjo

18 19


“Remembranza”, de Teresa García

“Balero”, de María Claudia de la Torre

“Calaverita barroca”, de Jenny Silva

“La espera”, de Margarita Sada

“Pienso de todos”, de Ricardo Meza

“Flujo”, de Omar Soto

“Ahí vamos”, de Casandra de Santiago

“Noche de muertos”, de Daniel Domínguez

“Tzompantli en Reforma”, de Héctor de Anda

“Ven acá Gladys”, de Rocío Torres

“Calavera Xólotl”, de Christian Becerra

“Amor y rosas” (old school tatto), de Michael H. White

20 21


BRAUNPRIZE

INTERNATIONAL

DESIGN AWARD

VERDADERO ESTÍMULO

AL DISEÑO DE TODO

EL MUNDO

PARA VER EL VIDEO

DE LA CEREMONIA

DE PREMIACIÓN VISITA

LA PÁGINA:

www.a.com.mx/braun/braun.html

El jurado seleccionó a cuatro finalistas, aquellos que tuvieron un diseño integral con proporciones

balanceadas y formas armónicas, que satisfacían correctamente las necesidades del usuario

y representaban experiencias innovadoras en el uso que proponían

JURADO

PETER SCHNEIDER

Director corporativo de diseño de

Braun, y presidente del jurado

MONI WOLF

Director de diseño de Motorola

BENJAMIN HOLCH

Ganador del Premio Braun

en 2003

MARK BREITENBERG

Decano de pregrado en la

educación del Art Center College

of Design en Pasadena, California

UDO MILUTZKI

Vicepresidente de ingeniería

de Gillette

por Antonio Pérez Iragorri

22 23


GANADOR DEL BRAUN PRIZE 2207

“LeapFrog”,

de Donn Koh (Singapore)

Para el PremioBraun

el diseño se entiende como un valor

y no como decoración

Como respuesta a su preocupación por

la falta de un debate público en torno al

tema del diseño, Erwin Braun, hijo de Max

Braun –fundador de la empresa que lleva

su apellido– en 1968 estableció el Premio­

Braun, primer certamen internacional para

el fomento del diseño en Alemania. Su

objetivo fundamental es estimular el desarrollo

de nuevos productos que representan

innovaciones en diseño y tecnología

que ayuden a las personas en su vida

diaria. Además, difunde el desempeño y

la creatividad de diseñadores industriales

principiantes y los vincula con empresas

interesadas y clientes potenciales.

Para el PremioBraun el diseño se

entiende como un valor y no como decoración,

por ello, tiene como objetivo fundamental

marcar los puntos contra la trivialización

de los valores de los productos y del

diseño. En el concurso pueden participar

estudiantes o profesionales de reciente

incorporación al mundo profesional. Desde

el inicio del concurso han participado diseñadores

de todo el mundo y cada año se

suman competidores de más países. Es el

líder mundial en competencias de diseño.

Para medir el desempeño de los competidores,

desde 1968 muchos diseñadores

de renombre internacional han sido miembros

del jurado, los cuales valoran principalmente

el diseño, la técnica y la calidad

de uso en cada proyecto participante.

BRAUNPRIZE 2007

La revista a! Diseño fue invitada a formar

parte de la décimo sexta edición del PremioBraun

Internacional, realizada en septiembre

de 2007 en Kronberg, Alemania. a!

Diseño fue testigo del excelente desempeño

de jóvenes diseñadores industriales

de todo el mundo.

En esta ocasión, el Premio registró un

número récord de proyectos inscritos, un

total de 903 trabajos provenientes de 54 países,

de los cuales el jurado seleccionó a cuatro

finalistas, aquellos que tuvieron un diseño

integral con proporciones balanceadas y

formas armónicas, que satisfacían correctamente

las necesidades del usuario y representaban

experiencias innovadoras en el

uso que proponían. Previo a la ceremonia de

premiación, los cuatro finalistas presentaron

sus proyectos ante el jurado internacional y

personalidades del diseño, la cultura, el sector

empresarial y medios de comunicación.

Los cuatro proyectos finalistas fueron:

“Triops”, de Franziska Faoro (Alemania),

cámara digital robusta que permite al usuario

experimentar nuevas perspectivas y percepciones,

de modo que eleva el potencial

de la fotografía digital; “Mengin”, de Bruno

Peral Bey (España), contenedor de alimentos

y a la vez un utensilio de cocción que posibilita

la preparación y disfrute de alimentos

de diferentes ámbitos culturales dando

énfasis a la experiencia social de preparar

alimentos conjuntamente; “Vision Energy”,

de Lena Billmeier y David Baur, (Alemania)

pequeños objetos para los espacios privados

y domésticos, así como esculturas para

los espacios públicos que reflejan, a través

de variaciones estructurales y formales, el

índice del ahorro de recursos, de acuerdo

a las normas de la Organización Internacional

de Recursos, y el cuarto proyecto y

ganador de la contienda fue “LeapFrog”,

de Donn Koh (Singapore), una andadera

para niños con parálisis cerebral o espina

bífida. “LeapFrog” apoya a estos niños para

pararse, les ayuda a entrenar su balance

y el caminar, también les posibilita hacer

pausas cada que es necesario, se pueden

sentar y descansar; el cambio y ajuste de las

diferentes posiciones para sentarse, pararse

y caminar, se realiza automática e intuitivamente,

de modo que sigue la intención y el

movimiento del niño. De la misma mane­

“Triops”,

de Franziska Faoro,

FINALISTA (Alemania)

ra, se detiene automáticamente cuando el

niño se sienta impidiendo que se resbale o

se golpee. El mecanismo de apoyo, mientras

el niño está de pie, permite ajustarse

de acuerdo al peso del niño, adaptándose

a su propio desarrollo. Además de contribuir

al desarrollo físico del niño con esta

enfermedad, le permite tener mayor independencia,

lo que le da mayor valoración

de sí mismo. “LeapFrog” traslada la clásica

estética de productos médicos, técnica y

dolorosa, en un producto con apariencia

lúdica y más social. Don Koh recibió 12 mil

euros como premio de Primer Lugar.

Cabe mencionar que entre los 19 proyectos

seleccionados por el jurado internacional

-de donde se eligieron los cuatro

finalistas–, uno de los equipos era mexi­

cano. Diego Alatorre Guzmán, Anthoni

Fabrice Espinosa de Candido y Alan Eber

Armenta Vega, egresados del Centro de

Investigaciones de Diseño Industrial de la

Universidad Nacional Autónoma de México,

participaron con el proyecto “ILiNX”,

estructura modular transparente para

escalar en pareja. Funciona con módulos

de electroimanes que se colocan en las

manos y los pies que permiten la escalada

y el ascenso por medio de la activación de

los imanes. “ILiNX” incita la actividad interpersonal,

alienta deliberada interacción

con la pareja y crea un sentido compartido

de progreso. “ILiNX” participó en la

exposición internacional de Premio Braun

Internacional, que se presentó en varias

ciudades del mundo.

Su objetivo fundamental

es estimular el desarrollo de nuevos

productos que representan innovaciones

en diseño y tecnología que

ayuden a las personas en su vida diaria

24 25


El Premio Braun tiene

como objetivo fundamental marcar

los puntos contra la trivialización

de los valores de los productos y del diseño

“Vision Energy”,

de Lena Billmeier y David Baur,

FINALISTA (Alemania)

En esta ocasión, el jurado estuvo integrado

por diseñadores con amplia experiencia

y gran variedad de conocimientos

como Peter Schneider, director corporativo

de diseño de Braun, quien además fungió

como presidente del jurado; Mark Breitenberg,

decano de pregrado en la educación

del Art Center College of Design en Pasadena,

California; Moni Wolf, director de diseño

de Motorola; Udo Milutzki, vicepresidente

de ingeniería de Gillette y Benjamin Holch,

ganador del Premio Braun en 2003.

PREMIOBRAUN MÉXICO 2007

Desde el año 2005 existe un sistema de

franquicia del PremioBraun, el cual funciona

únicamente en México y China, países

donde se organizó el PremioBraun nacional.

Para ello, todas las actividades se realizan

en estrecha colaboración con el diseño

corporativo de Braun y con la directiva

de proyectos internacionales del Premio­

Braun. Todos los trabajos participantes

son presentados ante un jurado nacional,

quien elige los mejores conceptos de producto

y los presenta al PremioBraun Internacional.

Braun premia a los realizadores

de los mejores proyectos con un viaje al

evento del PremioBraun Internacional.

En el verano del 2006 se lanzó la convocatoria

al PremioBraun México en con

el interés de acercar más este prestigiado

concurso a los jóvenes diseñadores mexicanos.

En total se evaluaron 111 proyectos

de cinco estados del País, de los cuales se

eligieron 19 proyectos, mismos que representaron

a México en la edición internacional.

De los finalistas se seleccionaron tres

primeros lugares, quienes ganaron un viaje

a Alemania, para asistir al Foro Internacional

PremioBraun. El Premio Braun México tiene

como base objetivos alineados a los del

PremioBraun Internacional, entre los que

destacan: promocionar a los jóvenes diseñadores

industriales, mostrar el trabajo de

los centros de enseñanza de diseño y profundizar

en el entendimiento de aspectos y

criterios de la creación de productos.

Miroslava Rodríguez, Benjamín Dueñas,

Juan Luis Figueroa y Alfredo Dueñas

obtuvieron el primer lugar con su proyecto

“Anemo”, el cual busca dar una solución

inteligente al uso de la basura orgánica

generada en el hogar, reciclándola como

combustible para la producción de energía

eléctrica y calorífica a nivel doméstico.

René Mata Coronel alcanzó el segundo

lugar con “Kalan”, servicio público que promueve

la detección a tiempo de anomalías

en la presión sanguínea, temperatura del

cuerpo y niveles de grasa corporal. Las

acreedoras al tercer lugar fueron Adriana

Gómez y Cecilia Arredondo con “Qulp”,

dispensador de bebidas que alarma en el

momento exacto para ingerir la cantidad y

el tipo de bebida necesaria para evitar la

deshidratación en el deportista.

En la ceremonia de premiación de

la edición internacional, estuvo presente

el equipo ganador del primer lugar en el

PremioBraun México 2007, quienes fueron

llamados galardonados con un premio

sorpresa de 3 mil euros, además de la copa

nacional de diseño y el viaje a Alemania•

GANADOR DEL PREMIOBRAUN MÉXICO 2007

“Anemo”, de Benjamín Dueñas, Miroslava Rodríguez,

Juan Luis Figueroa y Alfredo Dueñas

Con el diseño de “Anemo” se busca dar una

solución inteligente al uso de la basura orgánica

generada en el hogar, reciclándola como

combustible para la producción de energía eléctrica

y calorífica a nivel doméstico. Esto permite reducir

el consumo de energías tradicionales en el hogar

y por consiguiente, a nivel general

“Mengin”,

de Bruno Peral Bey,

FINALISTA (España)

26 27


Museo Braun

UNA MARCA LIGADA

AL DISEÑO

Braun es una compañía alemana mundialmente

reconocida por sus productos de diseño

racional y limpio. Fundada en 1821 por Max

Braun, comenzó con la fabricación de productos

para el hogar con diseños funcionalistas,

como radios, proyectores de diapositivas y

equipos de audio, que son iconos de la producción

industrial moderna de siglo XX y hoy

son considerados artículos para coleccionistas.

Braun tiene el compromiso de satisfacer

verdaderas necesidades con productos que

se distinguen por beneficios y características

innovadoras y significativas, con altos estándares

de calidad en desempeño y duración así

como diseño ergonómico, distintivo y estético.

LA MARCA

Wolfgang Schmittel y Otl Aicher crearon una

única imagen pública para Braun, la cual se

caracteriza por: singularidad, reconocible en

todos los contextos, presencia mundial de

una sola firma, actitud de convicción y representación

de calidad y diseño moderno.

El logotipo de Braun, de tendencia a la austeridad,

donde predomina el concepto minimalista,

fue diseñado en 1952 por Wolfgang

Schmittel. El primer registro de la marca Braun

fue patentado en 1929 y desde 1933 se implementó

la utilización del nombre de la marca

como logotipo, con la letra “A” un poco más

alzada. En 1935 el nombre de la empresa adquirió

su imagen representativa como logotipo, con

la letra “A” claramente más elevada. En 1940 se

utilizó el primer logo en forma modificada y en

1952 Wolfgang Schmittel diseñó el segundo

logotipo publicitario de Braun, siguiendo el

prediseño de 1934. En 1998 se modernizó con

la presentación solamente del nombre, reafinado

el contorno de las letras por círculos de flujo

que casi no se perciben, pero que le brindan

continuidad y armonía formal.

MUSEO BRAUN

Junto al edificio sede del corporativo Braun en

Kronberg, Alemania, se ubica el Museo Braun,

donde además de las exposiciones temporales,

se encuentra la exhibición permanente que

muestra productos actuales y antiguos elaborados

por Braun así como prototipos, bocetos

e información documental sobre la historia del

diseño, desarrollo tecnológico e innovaciones.

Edificio corporativo

28 29


EL DISEÑO

NO ES

TRENDY

“Muchos de los estilos gráficos actuales sufren de una temporalidad pasajera o revival, que cambia y

obliga a renovarse de tanto en tanto debido al uso indiscriminado por parte de clientes o agencias”

por Francisco Santiago

30 31


El diseño nunca pasará de moda,

los estilos sí. Quienes se preocupan

por seguir un trend,

se quedarán atrás inevitablemente

Miguel Vásquez, mejor conocido como

MASA, ha consolidado un estilo personal

en su trabajo como diseñador, marca que

le ha valido reconocimiento en Venezuela,

su país natal, y en el resto del mundo.

Relacionado principalmente con el

marcado de la música, el entretenimiento

y la moda juvenil, MASA logra en su diseño

una fusión de muy distintas expresiones

del folklore y el diseño urbano o cultura

de la calle, mezcla que da como resultado

ideas frescas e identidades fuertes.

Miguel Vásquez fundó MASA en 1997,

primero en individual y aunque de 2001

a 2004 funcionó como un colectivo de

diseñadores, desde hace tres años MASA

es solamente Miguel Vásquez, y eso le ha

permitido también elegir los proyectos en

los cuales funciona su estilo.

Desde Venezuela, vía mail, MASA habla

en entrevista acerca de su trabajo, sus principales

influencias y el diseño.

¿Cómo se puede definir el estilo de MASA?

Quizás sería más fácil que otra persona lo

definiera.

¿Cuáles son las principales influencias que

nutren tu trabajo?

La música es lo más importante, todos los

recuerdos personales de mi niñez, lo bueno

y lo malo de mis amigos y la gente que

conozco; ya que al final eso es lo que hace

a uno ser uno y no otro. Y el constante

deseo por tratar de ser diferente.

¿Es posible unir el diseño con el arte y con

estilos personales?

El estilo siempre ante todo. La mejor vía es

desarrollar un estilo personal y aplicarlo a

todo al diseño y/o al arte. Unir el diseño y

el arte es mucho más difícil. A mí siempre

me ha interesado únicamente “el hacer

gráfica”, y aplicarla en medios diferentes

para atacar problemas diferentes.

Desde hace casi más de tres años he

decidido sólo aceptar y dedicarme a clientes

y proyectos que me permitan abordar

mi estilo y no dedicarme al trabajo corporativo.

Finalmente he tenido éxito por

desarrollar un trabajo de estilo, de autor.

Es lo que los clientes buscan en mí.

A pesar de haber estudiado y haber

dado clases dentro del marco académico

de una escuela de diseño, decidí dejar atrás

muchas cosas implícitas en el diseño y estoy

cada día más concentrado en la evolución

formal y conceptual de mi estilo personal

como autor. Trato de mantener fundamentos

y metodologías teóricas del diseño pero

mezcladas con aproximaciones menos

racionales y más subjetivas; intento vencer

lo muy racional que puede ser el diseño.

Esto básicamente se debe a mi acercamiento

desde muy niño con piezas de

diseño cómo pósters de películas, camisetas

de bandas y discos de vinyl, en los cuales

siempre era necesario diferenciar a la

banda y/o al autor. Además crecí rodeado

de imágenes y libros de arte y diseño, mi

padre era autodidacta en ambas áreas y

me influenció a dibujar y, posteriormente,

a querer ser diseñador.

¿Puede el diseño ser de temporalidad,

como la moda?

El diseño nunca pasará de moda, los estilos

sí. Quienes se preocupan por seguir un trend,

se quedarán atrás inevitablemente. Muchos

de los estilos gráficos actuales sufren de una

temporalidad pasajera o revival,

que cambia y obliga a renovarse

de tanto en tanto debido al

uso indiscriminado por parte

de clientes o agencias. Si está

muy visto ya no sirve, no impresiona.

O quieren algo parecido a...

Además desde hace unos años

se ha vendido al diseño como la profesión

del futuro, algo

lucrativo, “in”, “trendy” y

al igual que pasó con

los D’js, ahora todos

quieren ser diseñadores.

Finalmente el diseño

tendrá más y más

demanda cada día

, debido a la creación

de nuevas

Masa fue seleccionado entre varios artistas

de todo el mundo para intervenir las

habitaciones del Hotel Fox en Dinamarca

32

(www.hotelfox.dk)

33


CASO DE ESTUDIO:

3DUEÑos

Proyecto: rediseño de imagen banda 3Dueños,

diseño CD “Materia prima” y piezas promocionales

para el lanzamiento.

Género: hip-hop

Cliente: Subterráneo Records, Venezuela (editado

en México por Sony BMG)

Fecha: septiembre 2007

Objetivo: desarrollar un concepto integral y

rediseñar la imagen de la principal banda de

hip-hop en Venezuela: 3Dueños; hacerla más

accesible para un público que no escucha

mayormente hip-hop.

Do´s & Don´ts: la disquera me dio libertad

absoluta, el álbum apuntaría a la internacionalización

de la banda, debía mostrar sus raíces

latinas, pero evitar referencias locales (por

ejemplo, fotografías de ciudad que anclaran

a la banda únicamente a Caracas, Venezuela).

Para ello evité el uso de grafitti, letras góticas,

bling-bling, chorreados, stencils y cualquier

cliché obligado de cultura de calle o hip-hop;

además de no hacer uso de ilustraciones de la

banda, ni fotos intervenidas.

Estrategia: localizar referencias y maneras

alternativas de vender esta banda al hablar de

hip-hop sin usar clichés. Usar una metodología

y técnicas diferentes a discos anteriores que he

realizado. Experimentar y hacer un trabajo que

no sólo refleje la actitud del grupo sino proyectar

mi estilo gráfico en todo el disco; tener una

pieza final para exhibir en mi website.

Proceso: me reuní una sola vez con la banda,

me dieron el demo y un cd con fotos promocionales.

Escuché el disco un par de veces e

identifiqué los tracks más importantes y el ritmo

general del disco por su orden y la posible

relación entre ellos. Después hice una lista de

referencias que quería incluir: discos de vinyl

(Fania/Willie Colón), pósters de obras de teatro

(de diseñadores polacos y cubanos), portadas

de libros como “Crónica de una muerte anunciada”,

de Gabriel García Márquez, material de los

años 60 por su vínculo con la salsa, género que

la banda mezcla constantemente y otras cosas

distantes al hip-hop como Art Decó, masonería

y patrones. Tipográficamente usé un catálogo

de Letraset de 1980, que era de mi padre.

Primero desarrollé seis propuestas diferentes

de logo y símbolo del disco en portada; seleccioné

dos y se aprobó la versión final. Ilustré 19

logos diferentes, uno para cada track del disco.

Los dibujé con marcador, escaneé, compuse

cada letra a mano y luego las convertí a bitmaps

o vectores.

Meses antes Dj Trece, integrante de

3Dueños, me encargó una serie de tatuajes

tipográficos, tanto él como los otros dos miembros

de la banda tenían a su disposición un

tatuador a domicilio y se tatuaban cada vez

más el cuerpo con frases, palabras y números;

así desarrollé el concepto de patrón “All over”,

algo que cubre todo, esto justificó aún más la

idea de hacer logos diferentes para cada track.

Introduje además imaginería del juego de la

Lotería (vida/muerte versus. azar/mal de ojo).

El estilo tipográfico de los logos debía referir

a tatuajes, stickers, anuncios de talleres mecánicos,

salones de belleza y telenovelas; diseñados

mayormente por personas autodidactas o

diseñadores informales con el uso de los pocos

recursos y las letras que tienen a la mano.

Diagramación: booklet de 12 páginas a

caballo. Sistema gráfico y diagramación con

páginas de texto a una sola columna y espacio

para gráfica adicional basado en varias

opciones en Helvética. Una página para cada

miembro de la banda; enfrentada a otra de textos,

intercaladas para dar pausas y una doble

página central con la foto del grupo. Modulé el

patrón compuesto por todos los logos e imágenes

desarrollados y los adapté al formato del

espacio libre de cada página de texto.

Ilustraciones: a mano alzada de línea continua

con lápiz, de cada miembro de la banda, para

destacar aún más el trazo, expresión y rasgos

de cada uno; que ilustran a manera de wire

frame la estructura tridimensional de cada uno.

Junto a una versión de logo del nombre de cada

uno: Trece, Budu y Nigga. La textura utilizada

remite al muro de piedra que veía enfrente de

mi apartamento y a la textura de “piel de elefante”

de los tenis Nike Air Jordan III. No utilicé

negro o colores oscuros para fondos (tendencia

de los discos de hip-hop), sino colores primarios,

que hacen referencia a la luz, el calor cromático

latinoamericano y los años 80.

Portada: es lo primero que trabajo, pues se

trata de la imagen que vende a la banda y lo

que debe ser visto puntualmente al entrar en

la tienda de discos, pero no fue así esta vez.

Pensé en colocar a la banda en portada, pero

las fotos no funcionaban (fondo negro y dos

de los miembros son ligeramente robustos,

ocupan más espacio y no fueron tomadas para

formato cuadrado de portada de 12x12 centímetros).

Decidí entonces una portada gráfica,

que destacara el logo, visualmente fuerte sobre

fondo amarillo; que no fuera lo que todos esperaban

y que conceptualmente hablara de todo

lo que el disco contiene. Obliga al comprador a

acercarse, tomarlo y descifrar lo que se muestra.

La contraportada tiene una foto de grupo

para equilibrar la ausencia de ellos en portada

y los tracks de cada canción en los espacios

negativos que los rodean. El resto del material

promocional salió naturalmente del uso de la

gráfica realizada y aplicada a stickers, singles,

camisetas y pósters de la banda.

34 35


Ser muchas veces

más “local” que

“global” visualmente

MASA

Miguel Vásquez nació en Caracas, Venezuela,

en 1975. De madre argentina y padre venezolano.

Es diseñador gráfico, egresado de Pro

Diseño Escuela de Comunicación Visual. En

1997 fundó MASA y de 2001 hasta 2004 funcionó

como un colectivo de diseñadores; a finales del

2004 decidió desarrollar su trabajo en solitario.

Se enfoca en diferentes proyectos, medios y

clientes relacionados con el entretenimiento,

la música y la moda del mercado juvenil; principalmente

como director de arte, diseñador,

ilustrador y especialista en motion graphics.

compañías, nuevos contenidos y el surgimiento

de nuevas tecnologías y medios.

¿Cuál es la importancia de la tan mencionada

globalización en el desarrollo de tu trabajo?

Para mí lo más importante es siempre lograr

más y más diferenciar mi trabajo; no sólo de

lo que se hace en Latinoamérica sino en

el resto del mundo. Ser muchas veces más

“local” que “global” visualmente. En ello baso

mi interés por rescatar e investigar aún ciertas

referencias puntuales del entorno personal,

histórico y de la cultura pop

contemporánea, de manera

que estas referencias

conjugadas con las mias

obliguen a generar un

resultado diferente.

¿Cómo ha sido la

aceptación de tu

trabajo en Venezuela

y en el

extranjero?

Siempre ha sido muy buena a pesar de no

haber tenido ningún website sino hasta

marzo del 2007 (www.masa.com.ve). La

aceptación en Venezuela fue demasiado

fácil, tal vez debido a la poca existencia,

perseverancia o bajo nivel de otros

diseñadores, estudios o autores. Cuando

MASA comenzó en 1997, prácticamente

no había ni competencia siquiera.

Me di a conocer de boca en boca y

gracias a medios y periódicos juveniles

como “Urbe” y posteriormente por mi

relación con bandas de rock, hip-hop y la

movida nocturna de Caracas, esto permitió

que se me conociera inicialmente en el

underground por elaborar sólo stickers en

1997 y no en los círculos de diseño formal.

La aceptación en el extranjero ha

crecido cada vez más. Gracias a internet

y a los blogs ha cambiado rápidamente.

Un día, en el año 2002 cansado de que no

pasaba nada, decidí mostrar mi trabajo e

inicié el proyecto de hacer un libro, el cual

terminó capitalizado en “Latino”, la primera

compilación de diseñadores latinoamericanos,

publicado y distribuido por DVG lo

que dio inicio inmediato a la divulgación

de MASA en Europa y Asia, y de allí al resto

del mundo.

Gracias a la publicación de mi trabajo

en editoriales y revistas internacionales

cada vez tengo más clientes en el exterior.

Luego de la puesta online del site de

MASA he tenido una respuesta más directa

e inmediata. Recientemente mi trabajo

fue mostrado con muy buen feedback por

parte de agencias, clientes y representantes

en Le Book Connections en Londres

y el simple hecho de mostrar mi trabajo

online me permitió ser comisionado para

realizar varios proyectos que se exhibieron

en el Tokyo Designers Week 2007 y en

el Design Tide en octubre y noviembre de

2007 en Tokyo, Japón.

¿Cómo calificas tu presencia y aceptación

en México?

Han sido increíbles hasta el momento.

Una muy buena acogida, ya que hay un

gran público que tiene interés en conocer

más sobre autores latinoamericanos

y el diseño que se produce en Venezuela.

Muchas personas no sólo conocen a MASA

a través de los libros y revistas publicados

en el exterior, sino principalmente por las

portadas para bandas como Los Amigos

Invisibles y más recientemente la banda

de hip-hop 3 Dueños.

Agradezco mucho la ayuda de amigos

muy cercanos como Hula+Hula y Dr. Alderete,

quienes directamente me han permitido

no sólo exhibir mi trabajo en la Ciudad

de México (“Kicks fxor life” en la galería

Kong, en mayo de 2007), sino visitar nuevamente

su País. Mi amor incondicional para

con México y su gente, espero regresar

muy pronto para organizar otra exposición•

Entre los clientes para quienes ha trabajado

se encuentran Nike Football (Holanda),

Volkswagen (Alemania), Mini Cooper (Estados

Unidos), Absolut Vodka (América Latina), Sony

Entertainment Television (América Latina), AXN

Channel (América Latina), Excite Japan (Japón),

3Malandros Films y Miramax Films (Estados

Unidos), Gozadera Records (Estados Unidos),

Die Gestalten Verlag (Alemania), revista “Tokion”

(Estados Unidos), revista “Pound” (Canadá),

revista “Etecé” (España y “Unjust” (Italia).

El trabajo de MASA tiene un fuerte énfasis en

la investigación, uso de imágenes y referencias

de la cultura popular y urbana contemporánea

latinoamericana y en especial la de Venezuela.

MASA busca reinterpretar y divulgar la cultura

Latinoamericana a nivel internacional; pero sin

hacer uso de los típicos clichés que siempre se

asocian a Latinoamérica.

Entre sus proyectos más recientes se

encuentran una edición limitada de camisetas

para Nike Football (Holanda) de Ronaldinho y

Robinho, dirección de arte y animación de “La

zona” para AXN Latin America, y dirección de

arte y animación de “BrandNew” para Sony

Entertainment Television Latin America. MASA

es el único artista latinoamericano que participó

en el “Project Fox” de Volkswagen, en

Copenhague, fue seleccionado de entre 3 mil

artistas de todo el mundo para intervenir las

habitaciones de un nuevo hotel en Dinamarca.

Ha publicado su trabajo en más de 54 libros

y revistas internacionales. Ha recibido diferentes

reconocimientos y premios entre los que

destacan los obtenidos en diferentes ediciones

de Promax BDA. Ha expuesto en museos,

galerías y espacios alternativos en Barcelona,

Tokyo, Nueva York, Puerto Rico, Madrid, Chile,

Copenhague, Caracas y México.

36 37


CRECER DE

LA MANO

DE LAS PYMES

DISEÑO DOS

ASOCIADOS

Sala de juntas

Oficinas de directivos

Recepción

“Al principio, las pequeñas y medianas empresas no sabían para qué servía lo que

hacíamos, pero 11 años después la historia es otra”

Diseño Dos Asociados se fundó en Puebla

en agosto de 1996 por Juan Carlos García

y Carlos Rivera. El objetivo era dar inicio a

un despacho de diseño que ofreciera el

mismo nivel de calidad y servicio de las

grandes firmas nacionales, aquellas que

se ubicaban en la Ciudad de México. En

1997, apenas un año después, el despacho

obtuvo tres reconocimientos en el Premio

Quórum: un primer lugar y dos menciones

honoríficas. A la fecha suma más de

100 premios por la calidad de su diseño.

Asimismo, su trabajo se ha publicado

en diferentes medios, tanto locales como

nacionales e internacionales; la más reciente

fue el libro “Business Graphics” (editorial

Rockport, 2007). Actualmente, Diseño Dos

Asociados tiene sus oficinas en las torres

corporativas más modernas de Puebla.

Diez personas conforman el equipo, entre

diseñadores y personal administrativo. Los

resultados de los proyectos realizados le

ha permitido construir una sólida reputación,

la cual ha traspasado las fronteras de

Puebla y del País y continuamente atrae

a nuevos clientes. Diseño Dos Asociados

se especializa en estrategia y persuasión

visual y ofrece los siguientes servicios: identidad

visual, identidad de marca, creación

de nombre, branding, packaging, diseño

de folletos y catálogos, interiorismo comercial

y consultoría.

A continuación presentamos una entrevista

con Juan Carlos García, socio/director

de planeación comercial de Diseño Dos

Asociados, quien hace una breve semblanza

de los primeros 11 años de este despacho

poblano signado por diseño de calidad.

¿Cómo describirías los primeros 11 años de

Diseño Dos Asociados?

Han estado salpicados de diferentes matices,

desde momentos de ilusión, alegría

y euforia, hasta incertidumbre y tragos

amargos. En los primeros años todo era

nuevo y día con día nos veíamos sorprendidos

porque descubríamos que éramos

capaces de hacer cosas con las que

soñábamos, pero que jamás imaginamos

que llegarían a convertirse en realidad. El

inicio de Diseño Dos Asociados fue en

condiciones muy austeras, pero detrás de

ellas habían dos corazones férreos, ávidos

de aprender y demostrar que desde aquí,

el interior del País, también se podían realizar

proyectos de gran envergadura y con

la misma calidad de los grandes que en

esa época dominaban el mercado y que

se encontraban centralizados en la Ciudad

de México. También tuvimos tropiezos, de

los que aprendimos y sacamos provecho.

Fuimos víctimas de la inexperiencia como

empresarios y en varias ocasiones hasta

defraudados, pero jamás decaímos. Estos

primeros 11 años marcaron y definieron

las vidas no sólo de quienes fundamos el

despacho, sino también de los que han

sido parte de nuestro equipo y de una

gran cantidad de clientes, que hasta la

fecha se muestran agradecidos.

¿Cuáles son las experiencias que fortalecen

a un despacho y lo hacen perdurar?

Creo, sin temor a equivocarme, que las

situaciones difíciles y de crisis. Muchos

piensan que todo ha sido miel sobre

hojuelas, pero nada más alejado de la rea-

Socios: Carlos Rivera, Paola Aja, Toño Peniche

y Juan Carlos García

Equipo Diseño Dos

Torres JV

Entrada principal a las oficinas

por Francisco Santiago

38 39


lidad. Hemos enfrentado y atravesado por

experiencias duras, tanto a nivel personal

como profesional. Pero también debemos

admitir que gracias a ellas apreciamos los

momentos de recompensa, cuando vemos

que nuestros proyectos dan resultados,

cuando los empresarios voltean a vernos

y reconocen que en el diseño hay algo

más que estética; que éste, apoyado en un

proceso y una metodología, ayuda a lograr

objetivos claramente definidos; entre ellos,

vender más y en mejores condiciones.

Radicar en Puebla, en una provincia de

México, ¿es un factor determinante en la

forma de crecer para un despacho

de diseño?

Así es. Aun cuando nos encontramos muy

cerca de la capital del País, el mercado es

otro. Siempre nos quedó claro, pero ahora

sabemos cómo atenderlo y cómo resolver

sus necesidades. Cuando comenzamos, la

gente nos decía “¿qué hacen en provincia?,

podrían estar en el Distrito Federal y tendrían

más oportunidades de negocio”. Es

cierto. Pero estábamos seguros que desde

aquí podíamos hacer más; claro, nos

llevaría tiempo. Además, queríamos una

mejor calidad de vida para nuestras familias,

pero sobre todo para nuestros hijos.

Las PYMES, mismas que abundan en la

provincia, han sido un sector muy descuidado,

que a muy pocos despachos les interesa

atender; sin embargo, requieren de servicios

de calidad y están dispuestas a pagar

por ellos. A este mercado le apostamos y

afortunadamente no nos equivocamos.

En 11 años la realidad del diseño es distinta,

igualmente, los clientes y hasta la forma de

comunicar. Desde la perspectiva de Diseño

Dos Asociados, ¿cómo ha cambiado el diseño

y la forma de diseñar?

El cliente en provincia es más receptivo,

noble y está dispuesto a ser asesorado; las

grandes marcas, en su mayoría, se encuentran

llenas de procesos burocráticos, creen

saberlo todo y tratan de manipular al diseñador,

incluso algunas hasta pretenden

ponerle precio a su trabajo. Al principio, las

pequeñas y medianas empresas no sabían

para que servía lo que hacíamos, pero 11

años después la historia es otra; hoy ya no

nos buscan para que hagamos un logo

bonito, recurren a nosotros para que los

ayudemos a mejorar la comercialización de

CASO DE ESTUDIO:

SANITY

El desarrollo de la línea de empaques de

Sanity implicó una serie de retos importantes.

El primero de ellos era que el cliente no había

tenido contacto con una empresa de diseño, al

menos no dentro del contexto profesional. El

segundo era que la empresa ya tenía en el mercado

algunos productos, pero con unos empaques

que lejos de reflejar confianza, lucían

pobres e improvisados. Y el tercero era que el

proyecto debía resolverse en un tiempo récord:

aproximadamente un mes.

Sanity es una marca alemana especializada en

productos hospitalarios de indiscutible calidad y

que son fabricados bajo estrictas normas, mismas

que están certificadas en la Unión Europea.

alta tecnología, calidad y lucir como una marca

poderosa en el punto de venta. La primera propuesta

que se realizó seguía los valores de la

categoría (lineamientos gráficos y visuales de

empaques de productos similares). A pesar de

que contaba con una estructura gráfica innovadora,

lucía demasiado fría y no reflejaba la

esencia de la marca y del producto. Así que se

tuvo que replantear por completo la idea y presentar

un camino distinto. La solución que fue

seleccionada, aun cuando la gama cromática

se construyó en tonos fríos, transmite calidez,

calidad y mucha confianza. Además, el consumidor

tiene la posibilidad de tocar los productos

y olerlos (algunos vienen con aromas), detalle

La línea de productos apenas va a ser lanzada

al mercado, pero ha sido bien aceptada

por las cadenas y tiendas que se encargarán de

venderla. La nueva identidad de los empaques

logró abrir muchas puertas y facilitar los procesos

de negociación.

Diseño anterior

En México, la empresa Promeín tiene su repre-

que les confiere valor agregado.

sentación y se ha enfocado en dar a los productos

una imagen congruente con su calidad.

Se llevaron a cabo varias sesiones de trabajo

con el cliente, así como con el equipo de diseño.

El objetivo era lograr que el producto reflejara

40 41


CASO DE ESTUDIO:

ANROD SCHOOL

En marzo de 2007, Diseño Dos Asociados fue

invitado a diseñar la identidad visual de un

nuevo colegio, cuyo concepto diferiría del

resto en la ciudad de Puebla. Debido a que el

cliente tardó en tomar la decisión, tenía que

solucionarse y terminarse en menos de cuatro

semanas. El proyecto era muy interesante

e innovador, sería la primera escuela con un

edificio autosustentable (genera gran parte de

su propia energía y recicla el agua), contaría

con un sistema académico de primer mundo,

con programas antibullying y con enseñanza de

tres idiomas: Español, Inglés y Chino Mandarín.

Las aulas tendrían pizarrones interactivos que

estarían conectados a internet y el equipo de

docentes sería altamente especializado, entre

otras cosas. Sin embargo, todo esto era solamente

una promesa, pues ni siquiera se había

dado inicio a la construcción del edificio.

El despacho tuvo que buscar la forma de

resolver este problema y se llegó a la determinación

de que la estrategia radicaría en convertir

a este colegio en algo deseable para el exigente

y aspiracional mercado poblano. Como no existían

instalaciones que mostrar ni una historia

(antecedentes) que contar, todo debía solucionarse

a través de la percepción y la persuasión

visual. La identidad corporativa sería el pilar en

el que se apoyaría toda la campaña.

Se presentaron diferentes opciones de logo,

donde se exploraron distintas formas de expresar

el concepto Anrod School. Al final, el elegido

fue un logosímbolo, cuyo imago es un Grifo,

ser mitológico que posee un significado interesante

que mucho tiene que ver con la filosofía

del colegio. Además, este elemento recuerda a

las grandes y prestigiadas instituciones académicas

de todo el mundo. Después se diseñaron

algunas herramientas de comunicación (folleto

institucional, folleto comercial y billboards) y

un módulo informativo ubicado en un importante

centro comercial, tales herramientas y el

módulo fueron los que se encargaron de hacer

todo el trabajo, junto con un adecuado plan de

relaciones públicas.

El colegio terminó su construcción a mediados

del mes de agosto, unos cuantos días antes

de iniciar operaciones. El número de alumnos

inscritos antes de la fecha superó las expectativas

y todavía continúa en incremento. En el

mercado poblano, Anrod School provocó una

revolución y hasta las escuelas de mayor tradición

y abolengo, aquellas que nunca habían

hecho ninguna campaña ni invertido en estrategias

de comunicación, se vieron en la necesidad

de responder, con anuncios y billboards por

toda la ciudad. Asimismo, dada la estructura

que se le dio a la marca, la gente pensaba que

el colegio era una franquicia extranjera de prestigio

que había llegado a México.

sus productos o servicios, para volverse más

competitivos y para destacar en el mercado

local, nacional e internacional. Somos parte

de su engranaje estratégico de negocio.

Los clientes ya entienden y hablan

de marketing, branding, posicionamiento,

identidad y de otros conceptos que antes

les parecían abstractos y ambiguos. Asimismo,

el radio de acción del despacho

se ha expandido, nos llaman de México,

de otros estados de la República Mexicana

e incluso de otros países.

Desde el punto de vista tecnológico,

el diseñador ya no puede prescindir de la

computadora, mas el proceso sigue siendo

el mismo: la cabeza y el lápiz son las

herramientas más poderosas y básicas de

todo proceso creativo.

¿Cómo responde Diseño Dos Asociados

a estos cambios, cómo ha evolucionado

como empresa de diseño?

De muchas maneras. Una de ellas es la conformación

de un equipo verdaderamente

profesional y comprometido. Otra es la

actualización y preparación, así como leer

y escuchar experiencias de los colegas y de

los maestros del mundo del diseño. De igual

forma, las instalaciones juegan un papel

esencial, detalle que los clientes perciben

como valor agregado, al igual que la gente

que trabaja con nosotros, ya que cuentan

con un espacio confortable, donde cada rincón

transpira diseño. Tenemos una adecuada

estructura organizacional, con diferentes

áreas y con distintas responsabilidades: desde

una coordinación administrativa, hasta

una dirección de proyectos, una dirección

de arte, una dirección de planeación comercial

y un departamento de diseño del que

nos sentimos orgullosos. Aunado a esto, dos

nuevos socios se han integrado: Paola Aja,

directora de proyectos, y Antonio Peniche,

quien funge como consultor.

¿Cuáles han sido los principales logros y

éxitos de Diseño Dos Asociados en 11 años

de trayectoria?

Primero, el reconocimiento del mercado.

Mediante el diseño que hacemos, las

empresas (marcas) han crecido y mejorado

sus sistemas de comunicación y

comercialización. Segundo, el respeto de

nuestros colegas, Diseño Dos Asociados

ha recibido más de 100 reconocimientos

nacionales e internacionales en prestigiados

eventos. Recientemente, Rockport,

una importante editorial norteamericana,

publicó el libro Business Graphics, donde

sólo Diseño Dos Asociados y otro despacho

del D.F. son de México, el resto son de

Europa, Asia y Estados Unidos; este libro

seleccionó seis proyectos desarrollados

por nosotros. Otro logro fue contar con

funcionales y modernas oficinas en las

torres de negocios más importantes de

Puebla, así como llegar a estos primeros 11

años, lo cual es tal vez lo más significativo•

42 43


100 AÑOS

DE FRIDA

ENTRE

EL ARTE

Y EL

MARKETING

“Es sólo mercadotecnia, una forma de ganar dinero, que únicamente

daña y banaliza la imagen de la pintora”, Teresa del Conde

por Francisco Santiago y Esmeralda Montes de Oca

Ilustración de Paco Reyes

44 45


Después de casi 70 años de su primera

exposición individual –que por cierto fue

en el extranjero, en la Julien Levy Gallery

en Nueva York– este año se celebró, de

una forma histórica y hasta desbordada, el

aniversario número cien del natalicio de Frida

Kahlo (1907-1954), a quien hoy se califica

como la máxima representante de la pintura

mexicana. Cabe mencionar que su primera

exposición individual en México fue

en 1953 en la Galería de Arte Contemporáneo,

tan sólo un año antes de su muerte.

La autora de “Las dos Fridas” tuvo una

vida llena de tragedias personales y una

castigada salud, lo cual está presente en su

obra. Y aunque la artista fue calificada como

surrealista por André Breton, ella misma

aclaró en su momento: “pensaron que yo

era surrealista, pero no lo fui. Nunca pinté

mis sueños, sólo pinté mi propia realidad”.

Hoy, la vida y obra de Frida Kahlo se

han convertido en un fenómeno desconcertante.

Aunque para muchos es una artista

excepcional, para otros es innegable que su

personalidad y obra han recibido un esfuerzo

mercadológico sin precedentes en el arte

mexicano. 2007, el año de Frida, ha sido marcado

por innumerables exposiciones, representaciones

teatrales, novedades editoriales,

souvenirs y un público ansioso por sumarse

al festejo del natalicio de la artista.

“Su fuerza no está en la mercadotecnia,

sino en sus imágenes, las cuales se han

adentrado en la gente. La popularidad de

la dos veces esposa del pintor Diego Rivera

no es producto de la mercadotecnia,

sino de la genuina inventiva popular”, afirmó

Carlos Monsiváis, durante su participación

en las Jornadas Fridianas que se llevaron

a cabo en el Palacio de Bellas Artes a

mediados de este año, en el marco de la

exposición que rompió todos los récords

de asistencia a un museo en nuestro País:

“Frida Kahlo 1907-2007. Homenaje Nacional”.

Para el escritor y cronista de la Ciudad

de México, y autor de “Frida Kahlo,

una vida, una obra” (Editorial Debate, 1992),

es la primera vez que un artista se incorpora

a la vida cotidiana de un pueblo, lo

que viene a ser una referencia de orgullo

nacional y no nacionalista. “La vida y arte

de Frida Kahlo van a persistir, porque los

múltiples personajes que son Frida, son

una de las grandes contribuciones al

espejo colectivo de México”.

Empero, la figura y obra de la pintora,

nacida hace 100 años en el barrio de

Coyoacán en la Ciudad de México, se

comercializa como la de una “rockstar”

conocida por multitudes dentro y fuera

del País. Incluso, la hija, la nieta y la bisnieta

de Cristina Kahlo – hermana menor de la

artista– formaron la empresa Frida Kahlo

Corporation, la cual tiene como objetivo

difundir la imagen de la artista, en México

y el extranjero, a través de licenciar el nombre

de Frida Kahlo.

Sobre el interés casi desmedido hacia

la figura de Kahlo, fenómeno llamado “fridomanía”,

Teresa del Conde, reconocida

crítica de arte autora del libro “Frida Kahlo.

Una mirada crítica” (Editorial Planeta, 2007),

lamentó que se anteponga el personaje a la

artista; todo el mundo la conoce, aunque no

su trabajo artístico. “Es sólo mercadotecnia,

una forma de ganar dinero, que únicamente

daña y banaliza la imagen de la pintora”.

Sin embargo, el valor artístico de Frida

Kahlo no está en duda, pues más allá de la

fridomanía, este año hubo una vasta cantidad

de productos relacionados con el arte,

como obras de teatro o nuevos libros y, por

supuesto, exposiciones. A continuación

presentamos una lista de 100 actividades

que se realizaron dentro y fuera de México,

relacionados con la imagen y la obra de Frida

Kahlo, aunque hubo muchas más•

EXPOSICIONES

“Frida Kahlo 1907-2007. Homenaje

1

Nacional”, en el Museo del Palacio

de Bellas Artes. De junio a agosto

de 2007.

“Tesoros de la Casa Azul, Frida y

2

Diego” en el Museo Frida Kahlo. De

julio a diciembre de 2007.

3

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11

12

“Frida Kahlo”, exposición itinerante

en Estados Unidos: Walker Art Center

de Minneapolis. De octubre de

2007 a enero de 2008; MOMA de San

Francisco. De febrero a mayo de

2008, y Philadelphia Museum of Art.

De junio a septiembre de 2008.

“Frida Kahlo: public image, private

life. A selection of photographs

and letters”, en el National Museum

of Women in the Arts (Washington).

De julio a octubre de 2007 (Estados

Unidos).

“Frida”, muestra de óleos, cartas y

fotografías en el Museo de Arte

Contemporáneo de Monterrey.

Septiembre de 2007.

“Frida en páginas impresas”, exposición

de publicaciones en el Museo

Estudio Diego Rivera. De julio a

septiembre de 2007.

“Expo-homenaje a Frida”, muestra

colectiva en el Museo de Arte Regional

de la delegación Azcapotzalco,

en el marco del IV Festival Cultural

Internacional. Junio de 2007.

“Homenaje a Frida”, de Marina Pospekhova

en el Museo de Bellas Artes de

Yoshkar-Ola. Julio de 2007 (Rusia).

“Viva la vida: Frida”, exposición colectiva

en la Galería Latinoamericana

de Casa de las Américas, en La

Habana. De septiembre a octubre

de 2007 (Cuba).

“Tod@s somos Frida” en el Colegio

Oficial de Arquitectos de Córdoba.

Marzo de 2007 (España).

“Pesadilla de guerra, sueño de paz

de 1952”, homenaje a Frida Kahlo

y Diego Rivera, en el Palacio de la

Autonomía, en el XXXIII Festival de

México en el Centro Histórico. Marzo

de 2007.

“Azul Frida”, exhibición de vestimenta

semejante a la que utilizaba Frida

Kahlo, en la Universidad del Claustro

de Sor Juana. De marzo a julio

de 2007.

13

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21

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23

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25

26

“Diálogo con Frida” muestra de 10

litografías de Lucía Maya, en el Metro,

estación Pino Suárez. Abril de 2007.

“Frida. El encanto enigmático”, fotografías

de Leo Matiz en el Museo Universitario

del Chopo. Abril de 2007.

“Los años de Diego y Frida”, notas de

prensa sobre la vida y obra de Frida

Kahlo y Diego Rivera en la Biblioteca

Miguel Lerdo de Tejada. De marzo a

mayo de 2007.

“Viva la vida: Frida”, en el Museo de la

Caricatura. De marzo a abril de 2007.

“Viva la vida: Frida” exposición colectiva

en el Salón de la Plástica Mexicana.

De marzo a julio de 2007.

“Viva la vida: Frida”, en el Museo Nacional

de Bratislava. Octubre de 2007

(Eslovaquia). La muestra se presentó

también en Munich (Alemania).

“Frida te invita a su casa”, exposición

interactiva para niños en Museo

Casa Estudio Diego Rivera y Frida

Kahlo, Museo de Historia Mexicana,

Museo de Arte de Tlaxcala, Biblioteca

de México y Centro de las Artes

de Salamanca, Guanajuato, 2007.

“El amor amoroso de una pareja dispar”,

en el Museo del Estanquillo. De

julio a noviembre de 2007.

“Los exvotos de Frida”, en el Café 22.

De septiembre a noviembre de 2007.

“Nunca te olvidaré”, fotografías de

Nicolás Murria en el Museo de la Ciudad

de México. Septiembre de 2007.

“Homenaje a Diego y Frida”, muestra

fotográfica en las rejas del Bosque

de Chapultepec. Diciembre de 2007.

Fotografía de 100 mujeres desnudas

por Spencer Tunick en la Casa Azul

como homenaje a Frida Kahlo. Mayo

de 2007.

“La gran ocultadora”, exposición fotográfica

en Alicante. Marzo de 2007

(España).

“Diego y Frida. Una sonrisa a mitad

del camino”, en la Librería Educal

de Buenavista. Abril de 2007.

27

28

“Complicidades. Diego y Frida”, en el

Museo del Canal Interoceánico de

Panamá. Agosto de 2007 (Panamá).

Exposición “Cada quien su Frida”, en

la Casa de la Cultura de Durango. De

octubre a noviembre de 2007.

LIBROS

“El ropero de Frida”, de Dense Rosenzweig.

Conaculta, 2007.

29

“Frida Kahlo”, de Luis Martín Lozano.

30

Océano, 2007.

“Frida Kahlo 1907-2007”, de Carlos

31

Fuentes. RM, 2007.

Ilustración de Víctor Martínez

32

33

34

“Querido doctorcito”, correspondencia

entre Frida Kahlo y Leo Eloesser.

DGE, 2007.

“Frida Kahlo: una mirada crítica”, de

Teresa del Conde. Planeta Mexicana,

2007.

“Una visita al mundo de Frida Kahlo”,

de Sol Levin Rojo. Porrúa, 2007.

CINE, TELEVISIÓN Y VIDEO

Proyección del cortometraje “Diego

y Frida, una apasionada travesía”

35

de Gabriel Figueroa y Diego López.

Septiembre de 2007.

“Yo soy Frida” de Héctor Tajonar,

36

protagonizado por Gabriela Roel.

37

38

39

Transmitido por canal 22. Julio de

2007.

Función de gala de “Frida, naturaleza

viva” en el marco del festival

“Desde Chile un abrazo para Frida y

Diego” organizado por las autoridades

culturales de Chile, la Universidad

Mayor y la embajada mexicana.

Julio de 2007 (Chile).

Documental “Frida Kahlo… a cien

años de su nacimiento”, de Jesús

Muñoz Delgado. Enero de 2007.

Tres programas especiales en canal

México 22 de Alterna TV. Julio de

Ilustración de Angélica Portillo

40

41

42

43

44

2007 (Estados Unidos).

Proyección del documental “Las

dos Fridas”, de Rodrigo Castaño, en

la Sala de Arte Antonio Ocampo

Ramírez. Julio de 2007.

Videocollage “Frida”, de Mercedes

García Bravo. Junio de 2007.

Video performance “La nieta apócrifa

de Frida Kahlo”, de Violeta

Luna.

Video performance “Él es Frida

Kahlo”, de Maya Escobar.

Documental “¿Sucedió en San

Ildefonso?” en el Museo de San

Ildefonso. De marzo a septiembre

de 2007.

“La vida y arte de Frida Kahlo van a persistir,

porque los múltiples personajes

que son Frida, son una de las

grandes contribuciones al espejo

colectivo de México”.

Carlos Monsiváis

46 47


45

46

Video “Frida Kahlo”, de Lila Calderón,

con una selección de obras de

la artista y música de Lila Downs.

Proyección de “La cinta que envuelve

una bomba” y “Frida, naturaleza

viva”, en la biblioteca principal de

Riverside. Mayo de 2007 (Estados

Unidos).

TEATRO, DANZA Y PERFORMANCE

“Cada quien su Frida” protagonizada

por Ofelia Medina, en el Teatro

47

de la Ciudad de México. Julio de

2007. También se presentó en 10

plazas públicas de las delegaciones:

Álvaro Obregón, Azcapotzalco,

Coyoacán, Cuajimalpa, Gustavo A.

51

52

53

sentó en 2007 en varios países: en el

Festival LGTB Visible de Madrid; en

el teatro El Tinglado, en Uruguay;

en Curitiba, Brasil; en Chicago, Estados

Unidos y se estrenará en 2008

en Gran Bretaña y en Venezuela.

Ópera “Frida” de Robert Xavier

Rodríguez en el Teatro Degollado

de Guadalajara. Mayo de 2007.

“Frida y yo”, de Emilia Mazer, en el

Centro Cultural de la Cooperación.

Mayo de 2007 (Argentina).

“Unos cuantos piquetitos”, performance

en el Festival Mundial de

Teatro y Música de Ámsterdam, de

Mauricio García Lozano. Junio de

2007 (Holanda).

aparecía en el Metrobús. Julio de

2007.

MÚSICA Y RADIO

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61

62

Musical “Frida, un canto a la vida”

producido y escrito por Marcos

Lifshitz, en el Pabellón de Alta Tecnología.

Octubre de 2007.

Canción “Frida y sus flores” de Marta

Sánchez, en el álbum “Miss Sánchez”.

2007.

Canción “Frida Kahlo”, del grupo

francés Lola BÄI. 2007.

Concurso de trovadores “Una canción

para Frida y Diego”, organizado

por el Centro Cultural “Pablo de la

Torriente Brau”, de La Habana, y la

66

VARIOS

67

68

dos y presentados en vivo, creados

a partir de varias obras de la pintora,

entre ellas: “La columna rota”,

“Las dos Fridas”, “El abrazo de amor

del Universo”, “La tierra”, “Diego y

yo” y “El señor Xólotl”. Julio de 2007.

Control remoto de Radio Educación

desde la sede de la exposición “Frida

Kahlo 1907-2007”, en el Palacio de

Bellas Artes. Julio de 2007.

Jornadas Fridianas en el Palacio de

Bellas Artes. Julio de 2007.

Decoración de dos turibuses con

imágenes de Frida Kahlo. Junio de

2007.

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75

76

comida basura Slowfood. Noviembre

2007.

Cena temática “Sabor y aroma: Diego

y Frida”, con la colaboración de

la Asociación Gastronómica Mexicana

Tlacualli, en el Teatro Degollado.

Mayo de 2007.

Presentación de dos aviones

Boeing 777 de Aeroméxico bautizados

con los nombres de Frida Kahlo

y Diego Rivera. Febrero de 2007.

El Banco de México anunció que

pondrá en circulación los nuevos

billetes de 500 pesos con la imagen

de Frida Kahlo y Diego Rivera.

Imágenes de Frida Kahlo y su obra

se aplicaron a una edición especial

80

81

82

83

Concurso-Homenaje a Frida Kahlo,

organizado por el municipio de

Ixtapaluca, Estado de México. Julio

y agosto de 2007.

“Desde Chile un abrazo para Frida y

Diego” organizado por las autoridades

culturales de Chile, la Universidad

Mayor y la Embajada Mexicana.

Junio de 2007 (Chile).

Cena homenaje “El cumpleaños de

Frida”. Recreación de una fiesta de

cumpleaños para Frida en el Claustro

de Sor Juana. Marzo de 2007.

Homenaje a la artista Fanny Rabel,

única mujer discípula de Frida Kahlo

en la Casa de la Primera Imprenta de

América. Marzo de 2007.

Ilustración de Víctor Martínez Ilustración de Cruz Martínez

Ilustración de Paco Reyes Ilustración de Leticia Barradas Ilustración de Harry Aemebe Ilustración de Angélica Portillo

48

49

50

Madero, Iztapalapa, Miguel Hidalgo,

Milpa Alta, Tlalpan y Xochimilco.

De junio a julio de 2007.

“Frida Kahlo. Una mujer de piedra

da a luz por la noche”, de Maura

Baiocchi. Junio de 2007 (Brasil).

“Su-Frida, viva la vida”, presentación

que mezcla danza y teatro. Agosto

de 2007 (Argentina).

Monólogo “Kahlo, viva la vida”,

interpretado por Gabriela Roel en el

Café 22. De agosto a noviembre de

2007. Esta puesta en escena se pre-

54

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58

Performance “Las dos Fridas”, de

Humberto Spíndola, en el Hemiciclo

a Juárez. Marzo de 2007.

Ciclo de danza y cine “Queremos

tanto a Frida”. Julio 2007 (Filipinas).

“Pies pa volar”, de Analía González y

Andrés Cárdenas, en Zelaya. Agosto

de 2007 (Argentina).

“Niña Frida”, en el Centro Municipal

Integrado de Pumarín. Octubre de

2007 (España).

Performance en el cual una actriz

personificada como Frida Kahlo

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64

65

embajada de México en Cuba. Junio

y julio de 2007 (Cuba).

Disco “Frida, la música que acompañó

sus pasiones”, de Luna Itzel.

Septiembre de 2007.

Transmisión de siete monólogos

del dramaturgo Tomás Urtusástegui,

parte de la obra “Soy Frida,

soy libre”, interpretados por Martha

Aura en Radio Educación. Julio

de 2007.

Transmisión por Radio Educación

de tres retratos sonoros, produci-

69

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72

Inauguración de una unidad de

Metrobús decorada con imágenes

de Frida Kahlo, llamado “Fridabus”, en

el parque La Bombilla. Julio de 2007.

Festival “Frida y Diego, voces de

la tierra”. De julio a noviembre de

2007 (Cuba).

Programa de menús y película llamado

“Las fiestas de Frida” realizado

por Air France durante los vuelos

de México a Francia. Julio 2007.

Homenaje a Frida Kahlo en el Movimiento

Internacional contra la

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78

79

de tenis Converse.

Lanzamiento del per fume “El

carácter de su esencia”, de Godven

International, decorados con imágenes

de pinturas de Frida Kahlo y

Diego Rivera. Septiembre de 2007.

Coloquio “Una cinta que envuelve

una bomba”, en la Casa de las Américas.

Septiembre de 2007 (Cuba).

Homenaje a Frida Kahlo en las

Jornadas Culturales de México en

Cuba. De septiembre a octubre de

2007 (Cuba).

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86

87

Colección primavera-verano 2007

inspirada en Frida Kahlo, de la diseñadora

colombiana Silvia Tcherassi.

“El Kahloismo” homenaje a Frida

Kahlo por las bibliotecas de Barcelona

2007 (España).

Taller “Frida y las fiestas de septiembre”

impartido por Pedro Ortega en

el Museo de Culturas Populares. Marzo

de 2007.

Ofrenda dedicada a Frida Kahlo y

Diego Rivera en el Festival Internacional

Cervantino. Octubre de 2007.

48 49


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89

90

91

“Día de la ayuda” en la Casa Hogar

para madres solteras, entrega de

despensa que retoma la tradición

de Frida Kahlo, organizado por Frida

Kahlo Corporation. Octubre de 2007.

Ofrenda-homenaje a Frida Kahlo

en el Seattle Center y en el Center

House. Octubre de 2007 (Estados

Unidos).

Ofrenda de “Día de muertos” en

el Consulado de México en Miami.

Noviembre de 2007 (Estados

Unidos).

Festival de Día de Muertos con

homenajes a Frida Kahlo y Diego

Rivera, en el Centro Histórico. De

octubre a noviembre de 2007.

EN LA WEB

92

93

94

Frida Kahlo Corporation: www.

fkahlo.com.

Frida Revolutionary Fashions: www.

fridafashions.com

Sitio especial en BBC Mundo: http://

news.bbc.co.uk /hi/spanish/specials/2007/frida/

CURIOSIDADES

443 mil 938 personas visitaron la muestra

“Frida Kahlo. Homenaje nacional”,

95

en el Palacio de Bellas Artes.

La consulta sobre la artista plástica

96 en el buscador de internet Google,

originó 2 millones 2 mil 130 registros

virtuales.

En internet, más 17 mil 500 personas

97

han visto el video “Frida Kahlo” de

Lila Calderón.

Ilustración de Víctor Martínez

98

99

100

La obra “Raíces”, vendida en mayo

de 2006 en Sotheby’s de Nueva

York por 5 millones 616 mil dólares,

batió el récord del mayor precio

pagado por una obra de arte hispanoamericana.

La exposición sobre la pintora

mexicana Frida Kahlo en el Museo

de Arte Contemporáneo de Monterrey,

en el marco del “Fórum

Universal de las Culturas” fue visitada

por 111 mil 114 personas, cifra

récord para los museos del norte

de México.

La admiración hacia Frida Kahlo

es tal que Madonna, la reina del

pop, posee una colección privada

de 15 obras de la artista que

en ocasiones presta para algunas

exposiciones•

FK CORP.

Frida Kahlo Corporation es la empresa que cuenta

con los derechos de la marca-nombre Frida

Kahlo a nivel mundial. La empresa surgió por el

interés de Isolda P. Kahlo, sobrina de la pintora,

por conservar y difundir la imagen de la artista.

Busca transmitir la determinación y pasión características

de Frida Kahlo en productos, a través

de licenciar el uso de su nombre a grandes corporativos

a nivel nacional e internacional.

Actualmente, a través de Frida Kahlo Corporation

(www.fkahlo.com) se pueden adquirir

el libro “Frida íntima”, de Isolda P. Kahlo; la

muñeca Frida, réplica de la imagen de la artista

hecha a mano y vestida con trajes típicos

indígenas, y el tequila Frida Kahlo, de la firma

Dorado, Pizzorni & Sons.

Mara Romeo Kahlo, hija de Isolda P. Kahlo en

breve entrevista comenta la labor de la empresa

que emprendió su madre para transmitir el

legado de su tía abuela.

¿Cuál es el origen y la motivación principal

para la creación de la empresa Frida Kahlo

Corporation?

Ante el creciente número de admiradores y

seguidores de Frida Kahlo, surgió por parte de

nosotros, los familiares más cercanos, el esfuerzo

por conservar y difundir su imagen y legado,

creando así Frida Kahlo Corporation.

apegada a su cultura y enriquecida de todos

los elementos de su entorno; fomentar la proyección

de la cultura mexicana al mundo, exaltando

los elementos autóctonos y tradicionales

de México, e impulsar el desarrollo de diversos

grupos sociales, destinando una parte de los

ingresos de la compañía a causas sociales.

¿Qué actividades en particular realizó

Frida Kahlo Corporation para la

celebración de este aniversario del

natalicio de la artista?

En octubre mis hijos, Mara, Diego, Frida y yo

celebramos el centenario de Frida al retomar

una tradición de las hermanas Kahlo, Frida y

Cristina: “el día de ayuda”.

El evento se realizó en las instalaciones de

la Casa Hogar para Madres Solteras, donde

las madres solteras compartieron sus historias

y recibieron una canasta básica con productos

como frijoles, café, agua embotellada, atún enlatado

y diversos artículos para ellas y sus hijos.

¿Cuál es el alcance de la empresa?

Solamente el derecho del nombre y la imagen

de Frida Kahlo.

¿La existencia de una empresa tan ligada

al nombre de la artista puede contribuir

a pensar que el furor hacia Frida Kahlo es

¿Cuáles son sus principales funciones y

producto de la mercadotecnia?

actividades en México y el extranjero?

Fomentar la difusión de la imagen y el nombre

de Frida Kahlo como una mujer multifacética,

No lo creo, mi tía abuela es y ha sido siempre

una valiosa y exitosa artista. Creo que hasta

ahora realmente es cuando se le ha valorado.

Fotos: cortesía de Frida Kahlo Corporation

50 51


TIPOGRAFÍA

PARA MEDIOS

INTERACTIVOS

“La pobre disponibilidad del material tipográfico no es una excusa para un pobre diseño

tipográfico en pantalla”

“Apple Macintosh (1984) marcó

el inicio de la era del DTP

UNA NECESARIA INTRODUCCIÓN

Es mitad de la década de los años 80 y el

mundo está por dar un paso mágico hacia

un nuevo paradigma en artes gráficas y

comunicación: la introducción simultánea

de una manera visual de usar computadoras

personales, de ofrecer herramientas

DTP (el venerable Page Maker) y de poder

conectar una impresora láser capaz de

imprimir gráficos en alta resolución. Esta

triada ha sido siempre recordada como

la santa trinidad del diseño gráfico digital

moderno. Con tanto spotlight es fácil olvidar

un par de personajes secundarios de

esta escena: las fuentes digitales y el lenguaje

de paginación PostScript.

Vale la pena destacar, para nuestros

lectores más jóvenes, que antes de 1984 para

imprimir cualquier archivo (en una impresora

de puntos) se empleaban métodos muy

esotéricos comparados con los estándares

de hoy (mapeo de datos ASCII a caracteres

mecánicos o el uso de tablas de fuentes dentro

de las impresoras, dot matrix). Claro que

la introducción de una nueva manera de

emplear información tipográfica de calidad

cambió radicalmente la manera en la cual

hemos conceptualizado, trabajado con y

usado tipos en estas últimas dos décadas.

Para los puristas en las artes tipográficas,

las virtualización de los tipos de metal

en fuentes digitales destruyó mucho del

legado de 500 años de tradición tipográfica.

Para los nuevos adeptos, la tipografía digital

vino a ahorrar tiempo, recursos y optimizar

procesos. Para los empresarios significó la

adopción masiva de Arial como tipografía

favorita en sus presentaciones PowerPoint.

Y para las amas de casa y los adictos al MSN

la inclusión de Comic Sans marcó el nuevo

standard en tipografía informal. Para

empeorar las cosas, en la década de los

años 90, la perfilación de un nuevo medio

de comunicación, internet, puso sus propias

reglas sobre el campo tipográfico digital:

la restricción de usar un set limitado de

tipografías ampliamente distribuidas, resoluciones

de pantalla muy pobres y un control

limitado sobre la presentación de textos

en pantalla. Hasta cierto punto, no es

sorprendente entonces que hoy en día se

produzca tanto diseño tipográfico mediocre.

Al final de cuentas, estas son excusas

para una falla un poco más fundamental:

demasiados diseñadores (y pseudo-diseñadores,

por supuesto) no emplean algunas

de las reglas más básicas del arte tipográfico,

mucho menos reglas específicas relacionadas

a medios digitales/pantallas. Este

artículo es meramente un recuerdo y/o una

invitación a explorar las reglas, los límites y

las posibilidades del manejo tipográfico en

los medios interactivos actuales.

ENTENDAMOS LAS BASES

TIPOS DE FUENTES

Hoy usamos principalmente tres tipos de

fuentes. Por más de 10 años las fuentes

PostScript Type 1 (PS1) y las fuentes True-

Type (TT) disputaron su supremacía en las

computadoras de todo el mundo, sólo

para estar eclipsadas últimamente por las

fuentes OpenType (OTF), el nuevo Santo

Grial de la tipografía digital. Las diferencias

entre estos formatos residen principalmente

en aspectos técnicos y muy técnicos

(métodos de descripción matemática

de las curvas Bézier en los caracteres y el

sistema de hinting). El formato OpenType

reúne las cualidades de PS1 y TT, más un

mejor soporte para idiomas (vía Unicode)

y elementos de tipografía avanzada (fuentes

Pro). Se estima que más de 10 mil fuentes

están disponibles en el mercado en el

formato OTF y este número crece cada día.

KERNING / HINTING

El verdadero arte del espaciado de letras,

el kerning, no ha pasado sin turbulencias

al mundo digital, para poder desplegar de

manera legible y elegante las tipografías,

las fuentes digitales emplean una tabla de

kerning. En teoría, su correcta aplicación

ahorra enormes cantidades de tiempo

en el uso de estos tipos, pero a la vez ha

ayudado indirectamente a homogeneizar

la tipografía actual a un estado de mediocridad.

Más y más trabajos de alto perfil

salen de despachos con un inter-letrado

defectuoso, el problema es agudo especialmente

en HTML, donde la única propiedad

CSS para el control del inter-letrado

(tracking) es letter-spacing, la cual no

ofrece un control muy exacto.

Otro aspecto inicialmente ignorado

por algunos fabricantes de tipos digitales es

el hinting. Cuando desplegamos una fuente

en tamaños chicos necesitamos “ayudar”

a la computadora a decidir como mantener

los trazos de cada letra, de lo contrario, las

letras empiezan a uniformarse. El hinting

es un proceso muy laborioso que sólo las

fuentes comerciales de más alta calidad lo

toman en consideración (softwares recientes

tienen una función de hinting automático,

pero no ofrece resultados óptimos). Por

esto, es importante elegir aquellas tipografías

profesionales que mantienen su personalidad

en tamaños chicos.

ENCODING

Otro aspecto olvidado por muchos diseñadores

es la codificación de los caracteres y el

soporte para mostrar varios idiomas con la

misma coherencia visual. Hoy, especialmente

en países como México, usar una fuente

sin acentos no es admisible. La internacionalización

que la web ha provocado en los

últimos 10 años, ha forzado una migración

hacia el uso extenso de Unicode UTF-8,

Durante la década de los años 80 y 90, el soporte

tipográfico en pantalla era muy limitado: software

por Mircea Turcan

como Wordpress usaba fuentes bitmap monospaced

52 53


Sin kerning

Andale Mono

Arial

Sin hiting 400%

Tracking negativo CSS letter-spacing: -0.06em)

Comic Sans

Courier New

Con hiting 400%

Tracking negativo CSS letter-spacing: -3px)

Correcto

El soporte para kerning/tracking en HTML es muy

primitivo: aquí vemos ejemplos de una tipografía

sin ningún ajuste (en gris tenue podemos apreciar

la manera correcta de espaciar las letras); más

abajo vemos como, utilizando la propiedad CSS letter-spacing,

podemos simular un tracking negativo,

expresado en ems o pixeles

Georgia

Impact

Ejemplo de hinting: para mantener sus particularidades a tamaños chicos, las

tipografías necesitan información adicional sobre como desplegar sus trazos

formato actualmente recomendado para

poder renderear contenido multi-idomas

en una variedad de aplicaciones, lenguajes

y protocolos. Pero esto no viene sin sus problemas:

no todas las fuentes tienen soporte

Unicode extenso (por ejemplo, el omnipresente

Arial carece del soporte Unicode

que su hermano mayor, denominado Arial

Unicode MS, tiene en su arsenal, pero a un

costo: pesa 21 MB), y no todos los browsers

soportan Unicode correctamente. Mientras

que Firefox, Safari y Opera pueden desplegar

contenido multi-idioma en una sola

página, el IE6 tiene problemas al hacerlo.

ALIASING

Para desplegar una tipografía en la pantalla,

cualquier computadora emplea un

Anti-aliasing: Quartz Mac OS X (subpixel rendering)

Anti-aliasing: Smooth

Anti-aliasing: Strong

Anti-aliasing: Crisp

Anti-aliasing: Sharp

sistema de rasterización de la información

tipográfica en pixeles. La dificultad aparece

cuando queremos mostrar curvas

finas y remates (que muchas veces son

los rasgos esenciales en el diseño de ciertos

tipos). Este problema se resuelve por

un algoritmo que realiza una transición

entre los pixeles de la tipografía y los del

fondo, mientras que apoyado por el hinting–

intenta mantener la misma cualidad

visual. Estos algoritmos han evolucionado

en el tiempo, desde el empleo de simples

escalas de grises (como los tres algoritmos

empleados actualmente por Photoshop

presentes en las herramientas Crisp, Sharp

y Smooth) hacia una nueva tecnología

llamada subpixel rendering (empleada a

nivel sistema operativo). Variantes de esta

nueva tecnología se encuentran incorporadas

en todos los sistemas operativos

actuales: ClearType para Windows, Quartz

para Mac OS X y FreeType para Linux. La

gran ventaja de emplear pasterización a

nivel subpixel es que crece la resolución

aparente del LCD, lo que permite una

mayor legibilidad del texto en la pantalla,

especialmente a tamaños superiores a 9-10

pixeles. Del otro lado, el mal uso de aliasing

hace que tengamos artefactos visuales

alrededor de nuestra tipografía, que

sea borrosa o insuficientemente visible.

Una excepción notoria en el capítulo

aliasing lo constituyen las fuentes bitmap

(las que solamente contienen la información

de los pixeles que estarán desplegados en

la pantalla). Están diseñadas para ser usadas

Times New Roman

Verdana

en tamaños específicos y como regla general,

no emplean aliasing. Piensen en los tipos

presentes en la mayoría de sus celulares, en

los OSD (On-Screen-Displays) de muchos

electrónicos, en dispositivos con baja resolución

de pantalla (incluyendo los cajeros

electrónicos) o bien en algunos sitios web,

donde su uso correcto ayuda a mantener

el diseño limpio y legible. Para ayudarnos,

algunos fabricantes de tipos bitmap especifican

el tamaño correcto en el nombre de

la fuente: 8 pixeles, 9 pixeles o 10 pixeles son

tamaños muy comunes para estas tipos. Es

de máxima importancia emplear los tipos

bitmap en el tamaño especificado, o bien

en múltiples directos de éstos: es decir una

fuente diseñada para ser usada en 9 pixeles

debe ser empleada como tal o a 18 pixeles,

27 pixeles, 36 pixeles, etcétera.

Otro error común en el uso de tipografías

bitmap aparece cuando se usa

Flash, para gozar de trazos muy definidos

de estas tipografías, ellas deben estar

ubicadas en un pixel entero (es decir, los

valores X y Y de la ubicación de la caja de

texto no pueden tener decimales). Esta

regla se debe respetar no sólo para la

caja de texto, sino para cada movie-clip

o instancia que la contenga. Además, si el

texto está animado, se debe usar el preset

“anti-alias for animation”. No por último, es

esencial que la fuente usada esté incluida

(embedded) cuando exportamos el archivo

.swf; de lo contrario será sustituida por

una tipografía genérica (Times o Arial).

RESOLUCIÓN

Trebuchet MS

Webdings

El paquete Core Fonts For Web contiene 10 tipografías presentes en casi todas las computadoras del mundo

A diferencia del reproductor de música

digital, el concepto del libro electrónico

aún no ha permeado en la sociedad

actual, y aunque existen intentos serios

para cambiar esta situación (por ejemplo

Sony Librié y su sucesor, el Reader), una

solución efectiva está todavía lejos. Una

importante razón detrás de esto ha sido

la relativamente pobre resolución en pantallas

en comparación con la calidad del

material impreso. Por más de una década,

la resolución standard dio vueltas alrededor

de un mágico numero de 72 pixeles

por pulgada, pero la mayoría de las pantallas

LCD actuales ya son capaces de alcanzar

una resolución de 90 a 130; incluso existen

pantallas experimentales que llegan

a 300, arriba de este límite los estudios

muestran que el ojo humano no distingue

diferencias notorias. La pobre resolución

combinada al hecho que la pantalla es un

elemento que emite luz (a diferencia del

papel que lo refleja) cansa el ojo humano

al leer textos largos y si a esto le añadimos

la falta de una implementación tecnológica

elegante, el fracaso de los libros electrónicos

no es difícil de entender.

Sin embargo esta no es una excusa para

una pobre tipografía, manejadas profesionalmente

y contextualizadas correctamente,

muchas de las tipografías para pantalla

son muy legibles y tienen la ventaja de ser

accesibles. En un controversial artículo dedicado

a la tipografía en línea, O. Reichenstein

comenta: “el diseño de información no trata

del uso de buenas tipografías, sino del buen

uso de tipografías. Noten la gran diferencia.

Cualquier persona puede usar tipos, algunos

pueden elegir buenos tipos, pero pocos

son los que pueden dominar efectivamente

el campo de la tipografía”.

Anti-aliasing: None/Aliased (bitmap fonts)

Este artículo es meramente un recuerdo

y/o una invitación a explorar

las reglas, los límites y las posibilidades

del manejo tipográfico en los medios

Diferencias entre varios tipos de aliasing tipográfico: subpixel rendering en Mac OS X, y los cinco tipos standard de aliasing en Adobe Photoshop. Para mejorar la legibilidad,

cada tipografía y tamaño de texto requiere de ajustes específicos

interactivos actuales

54 55


The elements of typographic style applied to the web

www.webtypography.net

USANDO TIPOGRAFÍA EN MEDIOS

DIGITALES

DISPONIBILIDAD

Si quieres hoy diseñar un sitio HTML para un

público amplio, entenderás rápidamente

que la elección tipográfica es limitada y triste.

Con el paso de los años, la ubicuidad del

sistema operativo Windows (y no la calidad

de los tipos) ha dictado cuales son las tipografías

con una base instalada que supera el

80% de las computadoras y los dispositivos

electrónicos en el mercado. En 1996 Microsoft

empezó un proyecto llamado Core

Fonts for Web para distribuir 10 fuentes

standard para el uso en línea. Esto, añadido

a otros dos sets básicos –un grupo instalado

con el sistema operativo y otro instalado

con el paquete Office– apoyó que un grupo

de no más de 30 tipografías tengan una

penetración casi universal. Las fuentes con

una ubicuidad máxima son: Andale Mono,

Arial, Comic Sans, Courier New, Georgia,

Impact, Times New Roman, Trebuchet MS,

Verdana y Webdings. Otras fuentes con una

amplia penetración son Tahoma y Lucida

(Sans y Grande). Cualquier elección de esta

lista les garantizará que el 80% de las computadoras

del mundo podrán desplegar el

contenido correctamente.

Pero de nuevo, la pobre disponibilidad

del material tipográfico no es una

excusa para un pobre diseño tipográfico

CSS Type: web safe typography on screen

www.csstype.com

en pantalla. Los casos en los cuales buenos

tipógrafos han hecho milagros usando

tipos comunes ya han pasado de anécdotas

a ser clásicas referencias. Algunos

argumentan que en un medio que es eminentemente

textual, el arte de disponer el

texto es lo que hace la diferencia entre un

diseño usable y uno no usable, no la cantidad

de fuentes o su calidad. Personalmente

creo que hay lugar para buen diseño

tipográfico utilizando de manera creativa

los recursos disponibles, que muchas

veces significan usar una combinación

de tipografías universalmente disponibles

(como Lucida) en conjunto con otros elementos

gráficos donde la elección tipográfica

puede variar con más libertad.

LEGIBILIDAD

Años de estudios tipográficos nos han

mostrado que tipografías que tienen una

altura de la x (o x-height) son generalmente

más legibles en pantalla, ver el caso de

Verdana, Calibri, Segoe o Lucida, que tienen

ascendientes y descendientes más

chicos en comparación con el cuerpo de

letra. Del otro lado, el uso de remates ha

perdido mucho terreno en los medios

interactivos, en parte por el tamaño tipográfico

limitado que no deja apreciar los

detalles, y parte por una errónea tendencia

cultural de utilizar tipos de palo seco

para cualquier contexto. Esto nos deja con

la impresión que si hoy en día el texto no

es suficientemente legible en pantalla, no

lo es por que: a) el tamaño es muy chico,

b) las fuentes usadas carecen de remates,

y c) que el cuerpo de la tipografía es muy

pequeño, lo que dificulta la distinción de

los ojales. Las tres son razones obvias, pero

si a esto le añadimos: d) el hecho que las

columnas de texto se expanden a tamaños

considerables (ver Wikipedia), mucho más

que el recomendado “30 veces el tamaño

del texto”, haciendo difícil de seguir

una línea de texto; e) acoplado a esto, el

interlíneado (leading) es insuficiente; f) en

muchos casos se usa erróneamente texto

justificado que, por falta de herramientas

tipográficas más avanzadas, fragmenta

visualmente las columnas de texto, o bien

g) que al contrario, las columnas de texto

están demasiado angostas, lo que sofoca

y rompe las palabras. Todos son aspectos

que dañan radicalmente la legibilidad.

Las reglas tipográficas aprendidas

en los últimos 500 años siguen de pie (en

su gran mayoría) en el trabajo enfocado

a medios electrónicos: las recomendaciones

clásicas de usar un ritmo vertical y

uno horizontal (ver Bringhurst), de alinear

correctamente los textos y el contenido

en las tablas, de usar inteligentemente el

espacio a través de retículas correctamente

diseñadas, de usar más paginas y menos

contenido por pagina, etcétera. Todas son

reglas de oro en el mundo digital.

USO EN HTML / CSS

El método más usado para transponer

información textual en medios interactivos

es hacerlo a través de (X)HTML, la

principal ventaja es la indexabilidad del

contenido por buscadores, la legibilidad

a través de dispositivos para personas con

capacidades diferentes, la universalidad

en el despliegue (que no deja de tener

sus pequeños errores debido a los navegadores

actuales), etcétera. Desafortunadamente,

el HTML como metalenguaje,

tiene un paquete muy limitado para el

manejo tipográfico de calidad: los títulos

o headings ( a ), el párrafo ,

la etiqueta y sus atributos, así

como etiquetas como , , ,

etcétera, describen de manera muy

limitada la información tipográfica, y se

refieren a aspectos muy básicos del texto:

su tamaño, color, si es en negritas o itálicas,

entre otras características.

Cualquier buen diseño tipográfico en

HTML parte y acaba en el manejo de las hojas

de estilo, o CSS (Cascading Style Sheets), su

uso permite un arreglo más fino de márgenes,

espacios, alineamientos, orientación,

color, borduras, decoraciones tipográficas,

etcétera. Con CSS podemos componer una

página con ritmo vertical, mantener un control

estricto sobre nuestras columnas de texto,

transponer retículas sin la necesidad de

usar tablas complejas y todo esto con una

simplicidad del código y una (muy necesaria)

coherencia visual.

USO COMO BITMAP

Subtraction, de Khoi Vinh, un blog con atención en los detalles tipográficos

www.subtraction.com

El uso de tipografías pre-rasterizadas dentro

de imágenes es común cuando queremos

utilizar ciertos elementos gráficos

como botones en un menú interactivo

o títulos en una tipografía corporativa;

generalmente se aplica con pequenos

archivos .GIF o .JPG. En caso de hacerlo,

vale la pena mencionar la buena práctica

de usar el atributo descriptivo alt dentro

de la etiqueta HTML para proveer

a los buscadores y lectores con capacidades

especiales de una manera de poder

leer, indexear y usar los sitios. En el caso

de utilizar tipografías que usan aliasing

en los GIFs con transparencia, también

es importante tomar en cuenta el color

sobre cual éstas serán insertadas; para

esto, a la hora de exportar el GIF, usen

como mate el mismo color que el fondo

sobre cual se desplegará el archivo. Esto

se puede evitar al exportar archivos .PNG a

24 bits con transparencia, pero su soporte

es problemático en IE6.

USO EN FLASH

Con el tiempo, la ubicua herramienta de

Macromedia/Adobe ha ganado cada vez

más detalle en el campo tipográfico, sin

embargo sigue lejos de las cualidades que

encontramos en herramientas tipográficas

para medios impresos. La gran ventaja

de utilizar Flash es que podemos (si la

licencia de la tipografía lo permite) incluir

una parte o la totalidad de los caracteres

de una fuente en el archivo .swf que

estará publicado en la web. Esto abre la

puerta tanto para el buen uso, como para

el abuso tipográfico; la diferencia reside

en la elección de tipos y el empleo de

reglas tipográficas básicas. La desventaja

es un crecimiento del tamaño del archivo,

pero en muchos casos es algo de mínimo

impacto. Otro detalle inherente en el uso

Type for you, de Pedro Serrao. otro blog dedicado a la tipografía

www.typeforyou.org

de textos en Flash es la indexabilidad de

estos contenidos por buscadores. Flash

es un formato encapsulado cuyo contenido

no puede ser leído totalmente por los

programas automáticos (bots o crawlers)

que Google, Yahoo o MSN emplean, por

ende se deben usar varios trucos para

facilitar la búsqueda en estos sitios•

Bibliografía:

Robert Bringhurst, “The elements of typographic

style”

Elam Kimberly, “Grid systems: principles of

organizing type”

Josef Müller-Brockman, “Grid systems for

graphic design”

Andy Budd, ”CSS Mastery: advanced web

standards solutions”

Carola Zwick, ”Designing for small screens”

Timothy Samara, “Making and breaking the

grid: a graphic design layout workshop

Jeffrey Zeldman, “Designing with web standards”

Sitios relacionados:

www.alistapart.com

www.webtypography.net

www.unostiposduros.com

www.informationarchitects.jp

www.subtraction.com/

www.thinkingwithtype.com

www.tipographica.org

www.typophile.com

www.tiypo.com

www.swisslegacy.com

www.tipografia.cl/blog

www.typeforyou.org

www.typographer.org

www.letraslatinas.com

Sitio de la fundición Ourtype, desarrollado por Group 94

www.ourtype.com

FFF: Fonts for flash-tipografías aliased (bitmap) para flash

www.fontsforflash.com

Unos tipos duros, teoría y práctica de la tipografía (en español)

www.unostiposduros.com

Typophile, la más importante comunidad tipográfica en línea

www.typophile.com

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EL VALOR ESTRATÉGICO DEL DISEÑO EN LOS NEGOCIOS

LA REVISTA

LLEGA A 2 MIL

EMPLEADOS

EN TODA LA

REPÚBLICA

MEXICANA

Y DEL

EXTRANJERO

Hoy en día las revistas internas son una

herramienta de comunicación estratégica

para los empleados de las compañías. La

generación de revistas internas (llamadas

antes boletines) es la forma más efectiva

de llegar a los empleados y darles a conocer

información útil y de primera mano;

asimismo, ayudan a generar un sentido

de pertenencia y unidad con la empresa.

Las revistas internas actualmente deben

verse como una área donde invertir, sin

embargo tienen su complejidad y poseen

factores de gran importancia que deben

tomarse en cuenta para que no se conviertan

éstos en un gasto sin valor para la

empresa. Estos factores van desde una

buena estructura editorial, manejo de

contenidos atractivos e inteligentes, buen

diseño y estructura gráfica, manejo de

recursos gráfico-informativos de alto valor,

hasta buena impresión y continuidad.

ANTECEDENTES

Desde 1998, José Cuervo dio inicio a una

revista interna llamada “NotiCuervo”, misma

que desde sus inicios mostró diversas áreas

de oportunidad, como: establecimiento de

una línea editorial, planeación de la publicación,

impacto en su presentación, sustento

en el contenido, etcétera. Por lo anterior,

perdió el interés de los lectores (empleados),

y al poco tiempo era considerada como una

publicación sin efectividad, trascendencia y

sentido de pertenencia.

En febrero de 2006, expertos en comunicación

del área de Planeación y Desarrollo

de Recursos Humanos de José Cuervo

detectaron la necesidad de un cambio, a

partir de un diagnóstico con el personal

de la empresa. Fue entonces cuando nos

invitaron a participar en este cambio dada

nuestra experiencia en el ramo editorial,

asesoría gráfica e infografía. Entusiasmados

en el proyecto iniciamos la fase de reuniones

y análisis de la información obtenida.

PROCESO DE DISEÑO

Después de revisar el análisis elaborado y

la historia de la publicación anterior, sugerimos

uno de los cambios más importantes:

modificar el nombre de la revista a “Somos

Cuervo”, con lo cual generamos un verdadero

sentido de pertenencia y liga a la

empresa. Dicha propuesta era sencilla pero

daba sentido de pertenencia a la empresa

y se le otorgaba voz a la gente.

La fase de diseño inició por idear

una nueva estructura editorial basada en

temas y sugerencias que nos había dado

el equipo de José Cuervo. Uno de los puntos

importantes a desarrollar era el poder

incrementar el contenido, ya que la revista

anterior tenía muy poco y no reflejaba la

voz de las distintas áreas de la compañía.

En conjunto se generaron una serie de

secciones que servían para brindar información

ágil y breve, secciones de las plantas,

de gente, del desarrollo de la marca, etcétera.

De esta forma la estructura editorial

mostraba fuerza e incluía a todas las zonas

a las que les llegaba la publicación.

Basados en su imagen comenzamos

a generar una gama de color, una serie de

colores rojos, amarillos cobrizos, terracotas y

algunos azules. Se buscó una tipografía partiendo

de que tuviera una referencia con los

carteles mexicanos de hace ya varios años,

para dar fuerza a lo nacional. La tipografía

tenía que permitirnos tener impacto y legibilidad

en una variedad de tamaños para

generar una mejor estructura tipográfica.

Como parte de los dummies se planteó

el manejo de medios informativos

novedosos como la infografía, que permite

generar una lectura más rápida y ágil

para medios visuales. Realizada esta etapa

se pasó al proceso de bocetaje y elaboración

de dummies conforme a lo que

considerábamos que debería ser la nueva

publicación. Dichos dummies fueron

presentados y, con base en los comentarios

y sugerencias del equipo, se definió

la versión final, que serviría de guía para

el equipo de Planeación y Desarrollo de

Recursos Humanos de José Cuervo, ya

que iniciábamos una nueva publicación

con una periodicidad bimestral.

RESULTADOS

“Somos Cuervo” surgió como un medio de

comunicación de mayor penetración e

impacto en su contenido y diseño y, sobre

todo, como un medio estratégico y de

trascendencia para el negocio. Esta nueva

revista tiene una penetración total, ya que

llega a los 2 mil empleados de la compañía

ubicados en toda la República Mexicana y

algunos lugares del extranjero como: Nueva

York, Miami, California y Brasil, entre otros.

Desde que se dio el cambio, los

empleados, sobre todo del interior de

la República, piden más ejemplares y su

participación es mayor. De esta manera

hemos constatado que audiencias que no

se habían contemplado en un principio

del proyecto valoran el medio y lo buscan

cada bimestre.

La publicación ha recibido el premio

Internacional a! Diseño en la categoría de

mejor revista interna y ha sido premiada

también por AMCO (Asociación Mexicana

de Comunicadores Organizacionales)•

SOMOS CUERVO

Proyecto: revista interna de comunicación

Benz, Cinemex y muchos más.

por Daniel Esqueda

58 59

“Somos Cuervo”

Despacho: Daniel Esqueda Diseño y

Consultoría Gráfica

Site: www.danielesqueda.com

e-mail: info@danielesqueda.com

Teléfono: 01 (777) 316 6193

Cliente: José Cuervo

Fecha: febrero 2006

DANIEL ESQUEDA

Egresado de la Universidad Anáhuac del

Sur en diseño gráfico; Daniel Esqueda inició

su carrera profesional como fundador

del periódico “Reforma”, como coordinador

gráfico de las secciones Ciudad, Estado de

México y proyectos especiales de fotografía.

Aproximadamente dos años después diseñó

el periódico “Metro” para la misma empresa.

Con estudios en el Instituto Poynter en

dirección de arte y edición fotográfica por

la Universidad de Milwauke, tomó una gran

oportunidad y se incorporó a la revista “Time”,

en Nueva York, como director de arte asociado.

Dos años después fue invitado como director

general creativo de Editorial Televisa, donde

hizo equipo con Danilo Black para la salida de

proyectos como “Cambio” y “Soccermanía” y

rediseñó las revistas “Automóvil Panamericano”

y “Deporte Internacional”.

En el año 2002 tomó el puesto de director de

arte del diario “El Universal” para su rediseño,

lanzamiento de nuevas publicaciones y generación

de equipos creativos. Así, en 2003 fundó

Daniel Esqueda Diseño y Consultoría Gráfica,

donde desarrolló productos para “El Universal”,

Grupo Editorial Expansión y Grupo Medios.

Actualmente Daniel Esqueda desarrolla productos

de comunicación para grandes clientes

en México y el extranjero como PepsiCo, Nissan

Mexicana, Sabritas, José Cuervo, Souther

Copper Corporation, Scotiabank, Mercedes


MARKETING DESIGN

¿QUÉ VES

CUANDO

VAS AL CINE?

PRODUCT

PLACEMENT

“Podemos decir que el product placement llega a ser más efectivo que un anuncio

de 30 segundos, los cuales en la actualidad se encuentran en la cuerda floja”

En el cine y la televisión las crisis económicas

y falta de financiamiento eran un grave

problema para los productores. Pero

desde hace algún tiempo han encontrado

una verdadera mina de oro en el patrocinio

de empresas privadas a través del product

placement, que no es otra cosa sino

mostrar abiertamente en algún momento

de la serie de televisión o película un producto

y la marca con la máxima exposición

posible dentro de la historia, algunas

veces se llega a mencionar o hacer algún

comentario sobre el mismo.

El product placement ha demostrado

con creces su efectividad y los anunciantes

están dispuestos a pagar grandes cantidades

porque saben que es una forma muy

efectiva de vender sin mucho esfuerzo.

Su éxito radica en que es particularmente

efectivo para incrementar la conciencia de

un producto, especialmente gracias a la

segmentación ya realizada por la industria

cinematográfica.

Los sicólogos afirman que el product

placement influye en los consumidores sinque

éstos lo perciban. Explican que cuando

ment, hay algunas películas en donde la

historia gira en torno a ella y la más notoria,

importante y buena es “El náufrago”, con

el multipremiado actor Tom Hanks, quien

interpreta el papel de un empleado de esta

compañía, con protagonismo de la valija, su

contenido, un balón de voleibol descubierto

en ella –otro product placement– y un

sobre considerado muy importante.

Pero también, ¿quién puede olvidar a

la competencia de esta empresa de mensajería,

UPS, en el final de “Volver al futuro”,

con un mensaje muy claro de eficiencia y

confiabilidad de esa compañía? También es

muy divertido ver la competencia entre las

compañías de refrescos, en particular Coca-

Cola y Pepsi, en la misma “Volver al futuro”,

Coca-Cola es una de las protagonistas y no

hace mucho hasta en una película de la

China actual pudimos ver un anuncio de

Pepsi, la industria cinematográfica de este

país también está entrando en el juego.

Otros que compiten por un lugar

en las películas son las cervezas, siempre

estamos atentos a ver qué cerveza toman

los protagonistas, la mexicana Corona

es casi siempre la ganadora pero no se

queda atrás XX. Los cereales, los jugos, los

videojuegos, los dulces. En una película el

protagonista –una estrella del rock– pedía

específicamente que le retiraran todos los

M&M de un determinado color porque no

le gustaban. Y las computadoras no se quedan

atrás, ahora parece que todos prefieren

Apple y la iMac, aunque por ahí se cuela

algunas veces Dell.

Es otra manera de ver el cine, quizá

le quite su romanticismo, pero es un buen

ejercicio para siempre estar alerta, tomen

en cuenta que nada está ahí por casualidad,

alguien de producción lo puso y dio

instrucciones específicas para que el producto

tuviera una buena exposición, para

justificar el patrocinio.

Uno de mis favoritos y quizá uno de

los más antiguos es James Bond, el agente

007, en estas películas los artículos más

importantes son sus relojes Omega y los

automóviles Aston Martin y BMW.

REVERSE PRODUCT PLACEMENT

Y con James Bond también se ha dado un

nuevo fenómeno o tendencia, si lo prefieren,

denominado reverse product placement.

Sí, se trata de una autopista de dos

vías. Los anunciantes llevan a la gran pantalla

sus productos, pero hay productos

que han salido de la gran pantalla. Omega

tiene un modelo de reloj llamado “James

Bond” y toda su publicidad gira alrededor

de la estrella del cine de acción. También

la publicidad del último maravilloso Aston

Martin está relacionada con la última película

de este personaje, “Casino Royale”.

Pero el reverse product placement no

se limita en sacar un producto

ya existente de la pantalla y

ponerle el nombre o la marca

de la película. Falsos productos

se han movido de la pantalla a

la vida real. Un ejemplo reciente

son los frijolitos de dulce “Bertie

Bott’s every flavor beans” que

salieron al mercado de la película

y los libros de Harry Potter. También

los restaurantes Bubba Gump

Shrimp Co. que se crearon por la

película “Forrest Gump”, ahora son

una cadena que opera por todo el

territorio de Estados Unidos.

Y finalmente el más reciente y

publicitado “reverse product placement”

se dio con la película “Los Simpsons”.

A unos días del lanzamiento de

la película y a través de un convenio

entre la 20th Century Fox Film Corp. y la

cadena de supermercados 7-Eleven Inc.

en Estados Unidos, ésta última convirtió

una docena de sus tiendas en el famoso

“Kwik-E-Marts” de la serie animada.

Estas tiendas y la mayoría de los 6 mil

establecimientos de esta cadena en Estados

Unidos también vendieron artículos

que hasta la fecha no existían en el mercado,

sólo en televisión como: Buzz Cola, el

cereal KrustyO’s elaborado por Malt-O-

Meal, y la bebida Slurpee que tendría su

Squishee del mes con el sabor “WooHoo!

Blue Vanilla”. Lo único que no hicieron fue

vemos televisión o una película en el cine

nuestras defensas están bajas y, por lo tanto,

nos volvemos más receptivos a los mensajes

y es así que salimos del cine con algo más

que la trama y emoción de la película. Otra

razón por la que el product placement es

tan efectivo es que los consumidores cuando

ven televisión tienden a ignorar o tomar

un respiro durante los comerciales y de esta

forma estamos seguros de que el consumidor

verá nuestros productos sin la amenaza

del control remoto. Por lo tanto podemos

decir que el product placement llega a ser

más efectivo que un anuncio de 30 segundos,

los cuales en la actualidad se encuentran

en la cuerda floja.

Parte de nuestra deformación profesional

nos hace revisar qué productos pagaron

por estar en la pequeña o gran pantalla.

Hagan el ejercicio, es divertido. Uno de

los más exitosos en este sentido, desde

mi punto de vista, es Federal Express. En

la mayoría de las películas entre el tráfico

de automóviles, aparece por lo menos un

camión de Fed-Ex. Pero esta empresa no

se ha quedado en el simple product placepor

Rita Sobrino y Fernando Mercado

60 61


sacar la cerveza Duff, la marca preferida de

Homero Simpson, debido a que la película

está dirigida a todo público y no lo creyeron

conveniente. Todo esto con la finalidad

de llamar la atención hacia el estreno de la

cinta el pasado mes de julio.

De esta forma los exteriores de 11 tiendas

en Estados Unidos y uno en Canadá

fueron cubiertos de espuma industrial y

nuevamente señalizados para hacer una

réplica de la fachada animada de Kwik-E-

Marts, un secreto que no pudo ser guardado

por mucho tiempo debido a la cantidad

de gente involucrada en el proyecto, sin

embargo creó gran expectativa.

En fin, si lo que nos importa es hacer

llegar nuestro mensaje al consumidor, tenemos

que ver fuera de la caja, ya que cada

vez es más difícil llegar a él a través de los

medios masivos debido a la saturación y el

product placement es una buena opción,

por supuesto bien hecho. No como hacen

aquí en México en los programas matutinos

que utilizan el estilo de Madaleno –espero

que sepan a lo que me refiero, si no véanlos

un día y me entenderán–. Se debe

hacer con buen gusto, casualmente y casi

de manera imperceptible. Claro, no faltará

algún detractor que se rasgue las vestiduras

por la violación de la pureza del séptimo

arte. Pero, desde nuestro punto de vista, es

una situación de ganar-ganar para el anunciante

y para la industria cinematográfica.

Por otro lado, también creemos que

es una manera más agradable de recibir

un mensaje sin necesidad de que nos

estén gritando como desquiciados desde

la pantalla de la televisión a tal grado que

nos obligan a cambiar de canal o quitar el

volumen. Esperamos que a partir de hoy

ustedes también sean capaces de detectar

los product placement de las películas

o sus series de televisión preferidas. Insistimos,

es también divertido•

NOTICIAS

AUTOS APILABLES PARA

SMART CITIES

El equipo de investigación

denominado Smart Cities del

Instituto Tecnológico de Massachusetts

(MIT, por sus siglas en

inglés), integrado por arquitectos,

urbanistas, informáticos y

científicos, centra su labor en

desarrollar edificios sustentables,

sistemas de movilidad y ciudades

inteligentes. Actualmente,

investiga la aplicación de nuevas

tecnologías que brinden

a las zonas urbanas eficiencia

energética y sustentabilidad,

aumento de oportunidades y

de equidad, así como creatividad

cultural.

Según William Mitchell,

profesor del Instituto y principal

investigador del proyecto

Smart Cities, “los edificios y ciudades

pueden compararse con

los organismos vivos, ya que

tienen esqueleto, piel, sistemas

que proporcionan refugio y

protección a sus habitantes y

un nuevo sistema nervioso artificial,

formado por sensores y redes incrustadas en la capacidad computacional”.

Un total de 20 proyectos dividen los esfuerzos de este equipo de investigación,

con ellos se busca que en éstas urbes los automóviles sean apilables,

los edificios cuenten con sensores y el tráfico sea fluido gracias a inteligentes

sistemas de comunicación que brinden información precisa en cualquier

lugar. Uno de los proyectos es CityCar, vehículos para dos personas impulsados

por cuatro motores eléctricos de baterías de ión-litio, colocado un motor

en cada neumático. Estos motores le permiten al vehículo girar 360 grados,

ésta característica hace que sean apilables, lo cual es muy útil para ocupar

un menor espacio al estacionarlos. Los vehículos fueron ideados para ser utilizados

en un sistema de renta de autos y no para uso particular; el principal

objetivo del proyecto es fomentar la utilización del transporte público para

reducir la contaminación y aprovechar mejor los recursos, de este modo los

usuarios pueden utilizar la infraestructura existente en líneas subterráneas y

autobuses y, al bajar en la estación o parada más cercana a su destino, rentar

uno de los autos que se encontrarán apilados en los paraderos, conducirlo

hasta su lugar de trabajo y colocarlo en otro paradero para que el vehículo

vuelva a cargar su batería y otro usuario pueda utilizarlo. Un sistema similar a

los carritos del supermercado.

Se planea que el prototipo CityCar sea lanzado por el MIT para el siguiente

año. Entre otros proyectos se encuentran Atlete Car Concept, un automóvil

que se conduce sólo con el movimiento del cuerpo humano; e*Lens, una lente

electrónica que proporciona información, en tiempo real, de los edificios de

una ciudad que el usuario enfoque y Smart mobility, proyecto para el gobierno

francés, cuyo objetivo es rediseñar las paradas del sistema de transporte colectivo,

para que éstas sean móviles. De esta manera, los usuarios podrán saber -a

través de un teléfono celular u otro dispositivo electrónico- por dónde circula

el transporte colectivo. A su vez, el vehículo sabrá dónde están sus viajeros y

evitaría así las paradas vacías• (http://cities.media.mit.edu)

62


DISEÑO INDUSTRIAL

DISEÑADORES

DESAPROVECHAN

LOS BENEFICIOS

DEL ACERO

¿Cómo se relaciona el CENDI con los diseñadores

profesionales de México?

Principalmente de dos maneras: participación

en el programa de capacitación técnico

especializado en acero inoxidable y las asesorías

técnicas que solicitan y son atendidas.

Por otro lado, nos relacionamos con el

sector académico y estudiantil del diseño

industrial mexicano al impartir el Seminario

de Acero Inoxidable para Diseño Industrial

en diversas universidades del País: UNAM,

UAM Azcapotzalco, Ibero, Tecnológico de

Monterrey en sus campus Monterrey, Ciudad

de México, Querétaro y Guadalajara,

Centro de Estudios Superiores de Diseño

de Monterrey (CEDIM), UAG, UVM Lomas Ver-

“Uno de los factores que limita un uso más intensivo del acero inoxidable en México es

el desconocimiento de sus atributos y las ventajas que éstos pueden aportar al diseño”

El acero inoxidable ha demostrado ser

un material excelente en muy distintas

áreas de la industria. Sin embargo, en

México su utilización es muy limitada y

menos aún por los diseñadores industriales,

quienes podrían encontrar en este

metal una excelente materia para concebir

nuevos proyectos.

En entrevista, el ingeniero Fernando

Correa Carrillo, director del Centro Nacional

para el Desarrollo del Acero Inoxidable

(CENDI), apunta hacia el valor que el acero

inoxidable puede aportar al diseño.

¿Qué es el acero inoxidable?

Acero inoxidable es el nombre común

para todos los grados de acero que contengan

por lo menos 10.5% de cromo y

su propiedad más importante es la resistencia

a la corrosión proporcionada por la

capa de óxido de cromo que se forma en

su superficie.

¿Cuáles fueron los motivos que llevaron a

la creación del CENDI?

El CENDI fue creado en el año 2000 por la

iniciativa de 11 empresas que producen,

distribuyen o transforman el acero inoxidable

en nuestro País. La iniciativa se fundamentó

en la percepción de que el uso

del acero inoxidable es aún incipiente en

México. Sólo cinco sectores son los que

aglutinan el 80% del uso que se da a este

material en la República Mexicana: autopartes,

tarjas, electrodomésticos, monedas

y equipo de cocina.

Existe una gran diversidad de aplicaciones

que en otros países se observa, tales

como mobiliario y arte urbano, aplicaciones

arquitectónicas, maquinaria de uso industrial,

implementos para uso doméstico y

de oficina, plantas de tratamiento de aguas,

tanques de gas, varilla, colectores solares,

tinacos para agua, etcétera.

En el CENDI pensamos que uno de los

factores que limita un uso más intensivo

del acero inoxidable en México es el desconocimiento

de sus atributos y las ventajas

que éstos pueden aportar al diseño y

funcionalidad en diversas aplicaciones. De

ahí surgió la inquietud de fundar el CENDI,

con el objetivo de difundir las ventajas

competitivas del acero inoxidable respecto

a materiales alternativos.

¿Cuáles son sus principales objetivos y

actividades?

El Centro Nacional para el Desarrollo del

Acero Inoxidable es una asociación civil

sin fines de lucro que tiene como objetivo

promover el consumo del acero inoxidable

en nuestro País, a través de la integración

de esfuerzos de productores, distribuidores,

transformadores y usuarios finales.

Para cumplir con su objetivo, el CENDI

instrumenta cinco líneas de acción:

• Capacitación

• Asesoría técnica

• Vinculación universitaria

• Publicaciones

• Proyectos para el desarrollo de nuevas

aplicaciones

des, Anáhuac México Norte y la Universidad

Autónoma de San Luis Potosí.

¿Cuál es el mensaje del CENDI a los profesionales

del diseño?

Recomendamos la ultilización del acero

inoxidable y que aprovechen los atributos

que puede aportar en el desarrollo de sus

proyectos. Dentro de los atributos podemos

mencionar:

• Elevada resistencia a la corrosión.

• Dureza.

• Estructuras más ligeras con una misma

resistencia mecánica.

• Resistencia superior a impactos y a cambios

bruscos de temperatura y presión.

• Ductilidad que facilita el diseño y fabricación

en formas diferentes sin que el

material se rompa.

• Disponibilidad de acabados. La gama

de superficies abarca desde los grises

apagados hasta acabados brillantes de

tipo espejo. Además, existe una gama

de colores y grabados que enaltecen

la apariencia del material y todos ellos

cambian de aspecto puesto que reflejan

los más sutiles cambios de las condiciones

de luz del entorno.

• Permite realizar aplicaciones en combinación

con otros materiales como vidrio

y madera.

• Durable, para productos con una vida útil

mayor que la de los materiales sustitutos.

por Francisco Santiago

64 65


• Higiénico para aplicaciones en la preparación

y almacenamiento de alimentos,

conducción de agua potable, industria

farmacéutica, tratamientos médicos.

• Fácil de limpiar, en aplicaciones exteriores,

el material se lava con el agua de lluvia y en

aplicaciones interiores basta una limpieza

con agua y jabón y secado. La facilidad de

limpieza y conservación que ofrece difícilmente

puede lograrse en otros materiales,

ya que un programa de limpieza regular

da como resultado un buen desempeño y

una apariencia espectacular.

• Con los cuidados adecuados se eliminan

costos de mantenimiento, repintado y

sustitución.

• Su relación costo-beneficio a largo plazo

es favorable y garantiza la rentabilidad

de los proyectos.

Para los diseñadores, ¿cuáles son los

principales usos y aplicaciones que pueden

dar al acero en su ejercicio profesional?

La diversidad es prácticamente ilimitada

debido al trabajo creativo de los profesionales

del diseño industrial que se combina con

las posibilidades que ofrece el acero inoxidable

como material. A pesar de lo anterior,

podemos mencionar algunos ejemplos.

En mobiliario urbano:

• Puestos para voceadores

• Puestos ambulantes

• Carritos para comida

• Estructuras para puentes peatonales

• Baños públicos

• Puestos para flores

• Módulos urbanos para información

• Barras de contención para autos

• Juegos infantiles

• Elementos de arte urbano

En arquitectura:

• Pasamanos

• Escaleras

• Fachadas

• Puertas

• Portones

• Ventanas (perfiles)

• Elevadores

• Baños

• Lámparas para exteriores

• Esculturas

En el hogar:

• Lavadoras

• Refrigeradores

• Estufas

• Tarjas

• Campanas

• Cuchillería

• Baterías de cocina

• Cubiertas para cocinas

• Sillas

• Mesas

• Lavavajillas

• Parrillas

• Cajoneras

• Lámparas

• Camastros para alberca

• Accesorios para alberca

• Mobiliario para el hogar

En la industria alimenticia:

• Autotanques

• Autoclaves

• Rosticeros

• Despachadores de bebidas

• Barriles de cerveza

• Bebederos agrícolas y ganaderos

En el área médica:

• Equipo quirúrgico

• Mobiliario para hospitales

• Prótesis e implantes

En varios:

• Cámaras fotográficas

• Mobiliario para oficinas

• Cubiertas para celulares

• Carritos de autoservicio

• Herramientas para el campo

• Herramientas para la construcción

• Portarretratos

• Plumas

• Exhibidores

• Stands

• Puntos de venta (POP)

Como conclusión, ¿cómo se funda y cuáles

son los objetivos y logros del Premio Nacional

de Diseño Acero Inoxidable CENDI-UNAM?

ño industrial y arquitectónico así como

el diseño de productos manufacturados

con acero inoxidable.

2. Contribuir con la vinculación del sector

académico del diseño industrial y la

arquitectura con los actores económicos

del País.

3. Promover al Centro Nacional para el

Desarrollo del Acero Inoxidable y sus

asociados, como empresas promotoras

del bienestar social y del desarrollo económico

de México.

En el inicio de la organización nos

fijamos una meta de 80 propuestas, meta

que fue rebasada al recibir un total de 124.

Más que el número de propuestas,

fue satisfactorio recibir propuestas de

El Premio surgió como una idea a partir

del trabajo de difusión que hacemos con

las diversas escuelas de diseño industrial

con las que interactuamos. De la sinergia

con éstas, es que empezamos a planear la

organización del premio con la perspectiva

de que se consolidara como un elemento

adicional de difusión del material

en la comunidad académica y estudiantil

del diseño. Iniciamos la conversación de

nuestra inquietud con el Centro de Investigaciones

en Diseño Industrial (CIDI) de la

UNAM y dicha conversación se convirtió

en una realidad: Premio Nacional de Diseño

en Acero Inoxidable CENDI-UNAM.

Son tres los objetivos que junto con

el CIDI definimos para el premio:

1. Promover en México la cultura del disecuyo

concepto se puede predecir un

desarrollo de proyectos exitosos en términos

de su producción y comercialización,

en otras palabras, se observan más de 20

propuestas, incluidas las ganadoras, que

con un seguimiento y perfeccionamiento

adecuado pueden verse en el mercado,

lo que constituiría un logro relevante del

Premio como aporte al diseño industrial y

al acero inoxidable en México•

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MARCA

¿QUÉ

TANTO

SE PUEDE

ESTIRAR UNA

MARCA?

¿Lanzar un nuevo producto o servicio bajo una marca conocida es suficiente para

asegurar el éxito? No necesariamente

En la medida en que hay más competidores

y tenemos mercados más saturados,

el valor de una marca cobra mayor relevancia.

¿Por qué? Pues porque una marca

fuerte puede ayudarte a lograr la preferencia

del consumidor en una categoría o

mercado muy competido.

Los mercadólogos constantemente

tratan de posicionar sus productos como

la opción preferida por los consumidores.

Pero, antes de lograr esa preferencia,

lo primero que se debe hacer es generar

conocimiento de la marca y muchos piensan

que basta apalancarse en una marca

conocida para llevar gran parte del camino

recorrido y vender un producto exitosamente.

Sin embargo, el mercado está

lleno de productos que fracasaron a pesar

de haber sido lanzados bajo una marca

conocida y respetada.

Experiencia de marca Apple en diferentes puntos de contacto

¿Qué es una marca?

La gente en general tiende a asociar una

marca con un logo o un empaque. Pero

una marca es mucho más que eso. Las

marcas están basadas en ideas. Walter

Landor, fundador de Landor, decía: “los

productos se hacen en las fábricas pero

las marcas se crean en la mente”. La idea

o la promesa de una marca se comunica a

través de varios puntos de contacto. Por lo

tanto, “el archivo mental” que formamos

de una marca puede estar compuesto por

una imagen, aroma, color, sonido, sensaciones,

etcétera. Por ejemplo, si hablamos

de un vaquero, en un ambiente relajado,

con el atardecer de fondo, menciono el

color rojo y trato de tararear la música que

asocio con esta marca, ustedes sabrán

inmediatamente de qué marca estoy

hablando. Correcto, me refiero a Marlboro,

una marca que ha sido muy exitosa en

lograr la percepción de brindar un determinado

estilo de vida a sus consumidores.

La promesa de marca va más allá

de computadoras

Las marcas más exitosas son aquellas

que logran crear una percepción deseada

en el consumidor para lograr una liga

emocional. De esa manera el consumidor

pasa de “necesitar” cierto producto o servicio

a “querer” ese producto o servicio en

particular. Así, el reto más grande, en lo

que a marcas se refiere es encontrar aquella

idea que le permita a una marca lograr

diferenciación relevante para posicionarse

más allá de sólo brindar un beneficio

funcional en una determinada categoría.

También es importante mencionar que la

idea sobre la que se construye una marca

deberá estar sustentada en datos. En

la medida que una marca se construye

basada en una promesa y no sólo en un

beneficio funcional tendrá mayores posibilidades

de éxito en categorías fuera del

espectro original bajo el cual nació.

Tomemos como ejemplo, Apple, que

originalmente nació como una marca de

computadoras. Pasó por momentos difíciles

hasta que regresó Steve Jobs –uno de

sus fundadores– y se dedicó a posicionar

la marca Apple donde se encuentra hoy.

Cuando preguntamos a cualquier persona

en qué piensa cuando oye la marca

Apple, se utilizan las siguientes palabras

para describirla: diseño limpio, minimalista,

innovación, funcionalidad intuitiva. Pero

en ningún momento escuchamos directamente

la palabra computadoras. Este posicionamiento

lo ha logrado Apple a través

de sus productos (principalmente el iPod),

las tiendas, las barras para genios en tiendas

y su publicidad entre otros puntos de

contacto. Y le ha permitido estirar la marca

de ser sólo para computadoras e incorporar

otro tipo de productos y servicios.

Al lanzar un producto o servicio nuevo,

bajo el nombre de una marca existente

es común cometer el error de pensar

que el hecho de tratarse de una marca

conocida será suficiente para asegurar el

éxito del producto/servicio. Que sea una

marca conocida no necesariamente quiere

decir que ayudará. De acuerdo a Al Ries

en su libro “El origen de las marcas”, esto

es exactamente lo que le pasó a Polaroid.

Justo después de la caída de la fotografía

instantánea, Polaroid comenzó a vender

película/rollos convencionales con la

marca Polaroid. Pero no funcionó, fue un

fracaso. La razón es que la promesa de la

marca Polaroid no es fotografía, sino “fotografía

instantánea”. Y el espacio mental no

te permite ir más allá de eso pues la marca

se enfocó en construir sobre ese beneficio

que después limitó su crecimiento.

¿Qué tan apropiado es que una marca

ocupe diferentes espacios mentales?

Depende, sobretodo, de la promesa de

la marca, aunque también deben considerarse

el nombre, diseño, competencia y

otras variables globales de mercado como

son geografía o canales de venta.

ELASTICIDAD DE MARCA

La capacidad de una marca para extenderse

o estirarse a otros espacios se llama

“elasticidad de marca”. Definir qué tanto

puede estirarse una marca es una tarea

muy difícil y no existe una regla escrita

para decidirlo. Sin embargo, hay algunos

aspectos que se deben considerar antes

de tomar una decisión.

Veamos algunos ejemplos basados

en una promesa de marca.

El nuevo nombre e idenidad de BP están más

cerca de energía

Galletas Emperador

Por Mónica Magaña y Héctor Ascencio

68 69


Si la promesa de la marca es “divertido

y en contra de lo establecido”, como lo es

Virgin, entonces la marca se puede llevar a

una aerolínea, discos y a cualquier categoría

donde exista un líder tradicional y establecido.

Si la promesa es “manejo placentero”,

la marca se puede llevar a todo vehículo

que se maneje, auto, motocicleta e inclusive

bicicleta. Pero será difícil extenderla.

Hablemos de Evian, que tiene como

promesa de marca “una fuente diaria de

rejuvenecimiento”. Se posiciona más allá

que sólo agua. Es por eso que la marca

ha podido extenderse a categorías donde

la promesa de rejuvenecer es importante,

como lo es la categoría de cosméticos.

EL NOMBRE PUEDE AYUDAR…

O LIMITAR

Muchas veces la identidad verbal puede

limitarnos en los planes de extensión a

otras categorías. Si contamos con nombres

muy descriptivos será muy difícil ocupar

otro espacio en la mente de los consumidores.

Un ejemplo de esto es “BP”, antes

conocida como “British Petroleum”, esta

compañía británica se preocupa por buscar

fuentes de energía alternas al petróleo

pero su nombre lo limitaba a concentrarse

sólo en este recurso. Al momento de

cambiar el nombre se hace mucho más

fácil para el consumidor creer que “BP” no

es petróleo sino energía.

Evian extiende la marca bajo la misma promesa

Empaque Publicidad Nuevos productos

MIRANDO HACIA ARRIBA

O HACIA ABAJO

Existen otros casos donde las marcas

desean extenderse a un mercado de productos

de lujo o viceversa. Muchas veces

es más complicado que marcas que no son

de lujo quieran introducir un producto en

esta categoría, sin embargo todo depende

de cuál sea la promesa de la marca. Por

ejemplo, Gamesa lanzó al mercado Emperador

Magno, un producto de mayor status

que el Emperador tradicional, la promesa

de la marca no cambia, lo que cambia es la

galleta y la identidad visual donde se presenta

un empaque de categoría “premium”.

Como la idea central se mantiene, la marca

puede existir en este segmento de lujo.

LA MARCA AVAL PUEDE FACILITAR

CONTAR CON EXTENSIONES,

PERO NO ES SUFICIENTE

Es cierto que la marca aval puede ayudar,

pero eso no significa que sólo pongamos

una marca con un descriptivo diferente,

tenemos que evaluar si al introducir el nuevo

producto bajo el paraguas de una marca

el consumidor está dispuesto a incluirlo en

el correspondiente espacio mental. Al utilizar

una marca aval transferimos los valores

de una marca a otra. Un ejemplo de esto

es “Superslims” de Philip Morris; esta nueva

marca está destinada para mujeres jóvenes

pero el hecho de tener el aval de “Benson

and Hedges” permite posicionarla como

un producto “premium” dada la promesa

de esta marca aval.

CONCLUSIÓN

Antes de lanzar un nuevo producto o servicio,

es importante dedicar el tiempo suficiente

para analizar el mercado. Asímismo,

se debe evaluar si el nuevo producto/servicio

se ajusta a la promesa actual de la

marca y entender qué tan elástica es.

Una vez realizado este análisis, el

siguiente paso es decidir qué relación va a

tener esta nueva oferta de producto o servicio

con nuestro portafolio actual de marca•

Mónica Magaña es director general de la oficina

de Landor México y Héctor Ascencio es analista

de marca de Landor México

Superslims con aval de

Benson and Hedges

70 71


FÉLIX BELTRÁN

SOBRE LA

EDUCACIÓN

EN EL DISEÑO

GRÁFICO

ENTREVISTA A

MANUEL JIMÉNEZ

“Los planes de estudio son muy rígidos, nada flexibles; cuando el diseño es una

profesión en permanente evolución y que debe estar atenta a los cambios que se

producen en el mercado laboral y la industria”

Manuel Jiménez pertenece al Istituto

Europeo di Design (IED) y a la Mesa de la

Enseñanza de la Comunidad de Madrid, de

la Asociación de Diseñadores de Madrid,

posiciones desde las cuales observa y participa

en la formación de los nuevos diseñadores

en España.

En esta entrevista habla sobre el

diseño gráfico, su enseñanza y vislumbra

brevemente el futuro en la formación de

diseñadores. Pero antes inicia con una

breve reflexión del enfoque desde el cual

deben cimentarse sus respuestas:

“A la hora de responder esta entrevista

se me ha planteado la siguiente disyuntiva:

¿responderla desde el punto de vista de

una persona implicada en la dirección de

la escuela del Istituto Europeo di Design? o

¿Enfocarlo como representante del IED en la

Mesa de la Enseñanza de la Comunidad de

Madrid, de la Asociación de Diseñadores

de Madrid?

“Creo y no me equivoco, que plantearlo

desde el primer punto, tendría un valor

relativo, ya que muchas de las cuestiones

y dilemas que se escenifican han sido, más

o menos, resueltas debido a que al ser el

IED una entidad formativa privada, podemos

cambiar los planes de estudio sin dificultad,

acomodándolos a las circunstancias

de los mercados actuales, el 90% de

nuestros docentes son profesionales en

activo, en nuestro sistema didáctico prevalecen

las materias teóricas de base cultural

y sobre todo, nuestro lema es: pensar,

reflexionar y resolver de un modo profesional.

También tenemos un extenso plan

de acuerdos con instituciones y empresas,

y un departamento de intercambios

y bolsa de empleo a pleno rendimiento,

que asegura más de 85% de oportunidades

y puestos de trabajo. Sin embargo, y

encarando este cuestionario desde el

segundo punto de vista, considero que es

el más apropiado, pues se cuenta no sólo

con la experiencia en el IED, sino con las

experiencias ajenas y conociendo además

sus planes didácticos actuales”.

LA ENTREVISTA

¿Cómo definiría el diseño gráfico?

El diseño gráfico es el arte de observar y

plasmar. Hacer que lo que tú miras pueda

transformarse en algo visual, que pueda

comunicar, y que este resultado convierta

en novedad las cosas. El especialista, por

tanto, es un observador más que un pensador

y tiene que percibir, sentir y expresar

a la hora de llevar a cabo su obra.

¿Cuándo apareció en la historia la educación

del diseño gráfico?

Para mí, y sin duda en Tebas, dónde

había dos escuelas importantes para

escribas: una en el templo de Mut y otra

en Rammeseum. Allí se les enseñaba los

tres tipos de escritura: jeroglífica, demótica

y hierática.

Se cree que la escritura jeroglífica se

comenzó a utilizar hacia el 3 mil 300 a. C.,

aproximadamente en la misma época en

la que apareció la escritura cuneiforme

en Mesopotamia. Los jeroglíficos egipcios

fueron un sistema de escritura en el que

se mezclaban ideogramas, signos consonánticos

y determinantes.

¿Cuáles son las principales deficiencias que

tiene la educación del diseño gráfico?

a) La base histórica y cultural de esta ocupación

que son absolutamente claves

y que en muchos casos son materias

casi optativas.

b) La falta de conocimiento y la integración

en proyectos transversales con

otras especialidades como son: la moda,

arquitectura, producto, video, etcétera.

c) La poca participación de notables profesionales

en la didáctica y en los proyectos

de diseño de los alumnos, que

aumentarían el interés y elevarían el

resultado final de los trabajos de los

estudiantes.

d) Lo poco motivadores que son los planes

de estudio a la hora de programar

conferencias, encuentros, exposiciones

y otras actividades que fomenten una

actitud proactiva en los alumnos, en

la cultura en general y en la del diseño

en particular.

¿Considera un exceso la frecuente preocupación

sobre los planes de estudio, frente

a su práctica?

Sin duda los planes de estudio plantean

preocupación, ya que en muchos de

los casos, son el resultado del trabajo de

burócratas –a veces diseñadores– muy

alejados de la realidad profesional, lo cual

genera casi siempre frustración y fiasco.

Además, dichos planes son muy rígidos,

nada flexibles cuando el diseño es una

profesión en permanente evolución y que

debe estar atenta a los cambios que se producen

en el mercado laboral y la industria.

¿Considera que a veces la teoría se aplica

poco en la práctica?

No siempre. Mi estimación es que toda

práctica, es decir los proyectos que se llevan

a cabo, deben llevar anidada una parte

teórica importante que sirva al alumno

para conocer en todo momento el motivo

y el por qué de las acciones del diseño

gráfico, a la hora de desarrollar su proceso

de trabajo. Ésta es al menos nuestra forma

de trabajar en el Istituto Europeo di

Design de Madrid.

¿Cuál de los medios del diseño gráfico es más

representativo en los planes de estudio?

Depende de lo que se entiendan por

medios, si hablamos de materias, la tipografía,

la semiótica, las técnicas creativas, la

comunicación visual, los diferentes modos

de ver… Si lo que hablamos son de proyectos,

pues indudablemente la creación

de marcas, la identidad visual y de comunicación,

el diseño editorial, la señalización

de espacios...

¿Considera que el ordenador tiene demasiada

presencia en los planes de estudio?

Yo creo que el ordenador y los programas

de diseño son herramientas importantes

para realizar los proyectos, pero nada más.

No son el sustituto de la reflexión, el análisis

y el saber diseñar. Otra cosa es que

dichas herramientas, con sus aplicaciones,

cada vez más sencillas, ayudan a los alumnos

a presentar mejor sus trabajos.

Además, actualmente los ordenadores

tienen soportes básicos de comunicación

y producción a nivel global y son

utilizados por todo el sector, por tanto,

los alumnos deben aprender de la mejor

manera posible su inter-actuación, pero

mi estimación es que no deberían ocupar

más allá de un 20% de la enseñanza en las

carreras del diseño.

¿Qué les sobra a los planes de estudio?

Anquilosamiento y falta de análisis a la

hora de elaborarlos. Profesorado “funcionarial”

sin estímulos.

Rutina. Perdurabilidad y política,

sobre todo en los planes de estudio de

centros públicos.

¿Qué les falta a los planes de estudio?

Flexibilidad y anticipación a las demandas

futuras del mercado. Integración de profesionales

de primer nivel en la enseñanza.

Pasión, alma y entrega en la didáctica.

Trabajar en común con los sectores

empresariales y profesionales. Elevar el

nivel de resultados de los trabajos de los

alumnos. Transversalidad con otras áreas

del diseño. Conocimiento de la cultura

del diseño.

¿Qué propondría para elevar los resultados

en la educación del diseño gráfico?

Imaginación, rigor profesional y compromiso

con los alumnos. Implicación de los profesionales

del diseño a la hora de elaborar

los planes y los proyectos a desarrollar.

Acuerdos y formación para las instituciones

empresariales. Acuerdos para bolsas

de empleo de los alumnos. Acuerdos

para intercambio de proyectos con otras

escuelas extranjeras. Acuerdos de intercambio

de alumnos con otras instituciones

docentes. Formación y actualización

para los docentes. Formación en idiomas

para poder trabajar en “network”.

¿Qué futuro tiene la educación del diseño

gráfico?

Pues un futuro interesante, siempre que se

adecue a las nuevas demandas del mercado.

Actualmente y ante los cambios que

se han sucedido, tanto a nivel conceptual

como tecnológico, con la aparición

de nuevos soportes de comunicación, el

diseñador gráfico, además de saber ordenar

y resolver con criterio las aplicaciones

inherentes a esta especialidad, debe responder

a los nuevos encargos gráficos

que se le piden, desde el mundo de la red

internet al diseño audiovisual, interfaces

para telefonía móvil, arquitectura de interiores,

gestión del proyecto, trabajar en

equipo con otros profesionales, el mundo

publicitario, entre otros. Esto supone un

esfuerzo en formarse permanentemente y

estar al tanto de lo que sucede alrededor

de nuestra andadura profesional•

“Yo creo que el ordenador

y los programas de diseño son

herramientas importantes para realizar

los proyectos, pero nada más”

por Félix Beltrán. Universidad Autónoma Metropolitana Azcapotzalco / Ciudad de México

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.TIF vs .EPS

Salvar un archivo de Photoshop como formato .eps es una práctica cuyo fundamento

hacen algunas versiones de QuarkXpress, o mientras existió Page-

Maker, era preservar información vectorial que permitiera hacer recortes de

imágenes manteniendo transparencia en los fondos. La mejora en el despliegue

de archivos por parte de las versiones recientes de los programas y la sustitución

de PageMaker por InDesign, han permitido que este tipo de efectos

se logre incluso con formatos nativos como el .psd y la necesidad del uso de

un .eps se ha limitado a una situación muy particular: impedir que una imagen

sea afectada en su calibración de color original por la administración de

color establecida en el programa de salida.

Como los perfiles de color incluidos en un .eps no son afectados por un programa

en el cual se vincule este archivo, algunos equipos de trabajo seguros de

que la calibración original de un archivo Photoshop es la correcta para su salida,

prefieren manejar este formato para impedir que se vea afectada en un proceso

de salida e impresión. Fuera de este caso, la conveniencia de utilizar un formato .tif,

.eps o .psd es idéntica, pues incluso los RIPs modernos tienen la misma capacidad

de procesamiento para cualquiera de ellos. La excepción son los formatos .jpg, .gif,

o cualquier otro que comprima la información de color, pues degradan la calidad

de la imagen. También es recomendable utilizar en una formación de salida un

mismo formato de archivo para todos los photoshops vinculados.

PARA QUIENES SIGUEN CON FREEHAND

Para quienes han preferido como herramienta de dibujo vectorial FreeHand,

es aconsejable que inicien un proceso de cambio hacia Illustrator, Corel o

ACCESO A LA AUTOMATIZACIÓN

PRESENTADO POR SOFTROBOT AUTOMATED WORKFLOWS

INICIANDO LA DISCIPLINA PARA UN DAM

Es momento de retomar las ideas alrededor de las cuales debemos construir

nuestro catálogo de recursos digitales. Hagamos uso de herramientas más

dedicadas: “los metadatos”.

METADATOS Y OTRAS BESTIAS

Podemos definir los metadatos como la información sobre nuestros archivos,

que es diferente a la información que contienen éstos. Ejemplo de ellos son

la fecha y hora de creación, tipo de archivo, formato y otros más que consideramos

metadatos automáticos, pues son anexados a nuestros archivos sin

nuestra intervención, pero también hay metadatos que deben ser introducidos

y que dependen de nosotros; ejemplo de estos son: autor y sus datos particulares

como teléfono, mail, etcétera, si dicha obra está registrada o no (©), y

de vital importancia será la información que nos ayuda a realizar las tareas de:

catalogar, clasificar y calificar nuestros archivos. Esa información formará parte

de los metadatos de nuestra colección de recursos.

¿Y DÓNDE ESTÁN LAS BESTIAS?

La pregunta tiene más de una respuesta, dependiendo del tipo de metadatos,

pero por ahora digamos que esta información reside junto a nuestro archivo

o está contenida en el mismo documento haciendo uso de un lenguaje especializado

llamado XMP o Extensible Metadata Platform que para nuestra fortuna

la gran mayoría de desarrolladores de software han decidido dar soporte.

Como seguramente la mayoría serán usuarios de la suite creativa de Adobe,

veamos en donde acceder a dicha información utilizando estos programas,

ya que Illustrator, Photoshop, InDesign y Bridge comparten exactamente la

misma información e incluso bajo el mismo menú. Abre un documento en

cualquiera de ellas y en el menú File, selecciona File Info. Verás que existen

por Marcos Rodríguez

Xara debido a la postura que ha adquirido Adobe al respecto. En el caso de

la mayoría de los usuarios Mac, hay preferencia hacia el uso de Illustrator, por

lo que algunas recomendaciones para el manejo simultáneo de archivos en

estos dos programas, considerando un proceso de cambio, son:

• FreeHand en su última versión (MX o 9) no abrirá archivos de Illustrator en formatos

en versiones superiores a la CS en formato nativo, .pdf, o .eps. En caso

de que así lo requieras, deberás salvar o exportar el documento con formato

Illustrator 10 o anterior.

• Si tienes imágenes vinculadas es recomendable que las ubiques todas en un

layer independiente al del resto de la información, pues FreeHand no las leerá y

esto puede afectar el acomodo de algún elemento. En FreeHand quedan indicadas

sus posiciones con espacios en blanco y tendrás que vincularlas de nuevo.

• Los colores no se verán iguales, aunque tengas calibrado tu monitor; esto es

normal pues FreeHand carece de las herramientas de administración de color

avanzadas con que cuenta Adobe. Sólo revisa que los valores de las fichas de

color se respeten.

• Para abrir un documento de FreeHand en Illustrator, la mejor manera es

exportarlo desde FreeHand. En este caso los bloques de texto se fragmentarán

y será muy difícil hacer ediciones complejas de los mismos, por lo que

es recomendable que antes de hacer un cambio, verifiques que no vayas a

hacer más correcciones y de preferencia conviertas todo texto a curvas.

• Los documentos multipáginas no podrán ser abiertos como tal. Lo recomendable

es salvar cada página de FreeHand como archivo individual o marcar el

área de cada página con un recuadro e incrementar el tamaño de una sola

página para que abarque toda la información•

por Carlos Ysunza

campos predeterminados para alguna información e incluso algunos que no

podrás modificar como los hallados bajo el rubro “Camera Data”, datos automáticamente

capturados por una cámara digital.

Una práctica que debes integrar en tus rutinas de salvado de tus documentos

es abrir esta caja de diálogo y agregar los datos relevantes que sean pertinentes

a documento. Dedicarle unos cuantos segundos, te ahorrará horas de trabajo.

TRABAJA SÓLO UNA VEZ Y REUTILIZA

Es evidente que parte de los datos es igual o muy semejante en todos los

documentos que salen de tu oficina, por ejemplo el nombre del despacho,

posiblemente el autor, los datos del URL entre otros; y seguramente varios

documentos comparten cliente, tema, proyecto y por lo tanto palabras clave

o Keywords. Por lo cual, el tiempo dedicado a estas labores de ingresar metadatos,

será cada vez menor e incluso automatizable.

Lo primero que deberás hacer es salvar uno de estos formatos con los

datos básicos, utilizando el menú desplegable bajo el pequeño triángulo de la

parte superior derecha y darle un nombre adecuado, en mi caso “CYB_Básico”,

a partir del mismo podrás crear tantos como los necesites, como en mi caso

que utilizo para clientes específicos, uno de estos formatos que incluso llevan

ya un conjunto de palabras clave.

Asigna uno de estos formatos a uno de tus documentos desde, por ejemplo

InDesign, y ahora intenta buscar este documento o palabra clave utilizando

Adobe Bridge o incluso ve más allá y abre un catálogo nuevo en iView

MediaPro y arroja dicho documento en él, encontrarás que este programa

como muchos otros pueden acceder a la información allí contenida.

Te felicito, has dado los primero y muy importantes pasos para darle valor

a tu colección de recursos digitales y haz colocado así mismo la primera piedra

para la robotización de tu despacho•

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