revista 6l

A LA CARTa!
C a r t a d e l e d i t o r
CONTENIDO a! 88
Hace más de 17 años comenzamos este esfuerzo editorial, queríamos ser la primera y
la mejor revista de diseño de México. Es un trabajo del día a día, encaminado a ofrecer
temas, entrevistas y artículos de interés para nuestros lectores. Pero siempre es mejor
crecer de la mano de ustedes, es por ello que quiero compartir este espacio, les invito
nuevamente a enviarnos sus cartas con sugerencias, quejas, comentarios en general
sobre los contenidos de ediciones anteriores o con los temas que aun no hemos publicado,
o para decirnos simplemente qué y cuánto nos falta para lograr el objetivo de ser
la mejor revista de diseño.
Estamos esperando sus comentarios, pues sabemos que sólo con su participación
podemos ser mejores cada vez, pues a! Diseño es de y para ustedes. El correo es: revista@a.com.mx•
A n t o n i o P é r e z I r a g o r r i • C o m e n t a r i o s : a n t o n i o @ a . c o m . m x
CARTA DEL EDITOR 2
GALERÍa! DISEÑO 12
GADGETS 14
FOTOGRAFÍA. JORGE ALCAIDE 16
CALAVERAS INVADEN REFORMA 18
BRAUNPRIZE INTERNATIONAL 22
30
MASA. EL DISEÑO NO ES TRENDY 30
DISEÑO DOS ASOCIADOS 38
100 AÑOS DE FRIDA 44
TIPOGRAFÍA PARA INTERACTIVOS 52
EL VALOR ESTRATÉGICO
DEL DISEÑO EN LOS NEGOCIOS 58
M A S A . E L D I S E Ñ O N O E S T R E N D Y
DIRECTORIO
DIRECTOR EDITORIAL
Antonio Pérez Iragorri
COORDINADOR EDITORIAL
Francisco Santiago
PROYECTOS ESPECIALES
Aletsy Meyer
IMPRESIÓN
Artes Gráficas Panorama
PAPEL
Forros: DOMTAR SANDPIPER
Mist Smooth 216 grs.
Interiores: MULTIART Semimate 135 grs.
MARKETING DESIGN 60
NOTICIAS 78
DISEÑADORES DESAPROVECHAN
BENEFICIOS DEL ACERO 64
44
DISEÑO GRÁFICO
Gabriela Milo
PORTADA
Paco Reyes
FOTOGRAFÍA
Santiago Tassier
Antonio Sereno
REDACCIÓN
Esmeralda Montes de Oca
www.panorama.com.mx
www.cyber-print.com.mx
PRUEBAS DE COLOR
Canon plotter W7200
ORIS COLOR TURNER
SOFTWARE DE DISEÑO
CS3 de ADOBE
DISTRIBUCIÓN NACIONAL
Publicaciones Citem, S.A. de C.V.
a! DISEÑO FUNDADA POR
ANTONIO PÉREZ IRAGORRI
Y RAFAEL PÉREZ IRAGORRI
QUÉ TANTO SE PUEDE
ESTIRAR UNA MARCA 68
FÉLIX BELTRÁN 72
DIRECTORIO a! DISEÑO 74
SOLUCIONES MAC 78
ACCESO A LA AUTOMATIZACIÓN 78
1 0 0 A Ñ O S D E F R I D A
EN ESTE NÚMERO DE a! 79
A! DISEÑO, revista bimestral diciembre 2007-enero 2008 • Editor responsable: Antonio Pérez Iragorri • Número de Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo, Dirección de Reservas,
Instituto Nacional de Derechos de Autor, Secretaría de Educación Pública Reserva No. 04-2003-012413343900-102 • Número de Certificado de Licitud de Título, Comisión Calificadora de
Publicaciones y Revistas ilustradas, Secretaría de Gobernación. No. 6157 • Número de Certificado de Licitud de Contenido, Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas ilustradas, Secretaría
de Gobernación. No. 4730 • Escuela Nacional de Artes Visuales, domicilio de la publicación: Hacienda de la Escalera No. 22, Colonia Prado Coapa, Delegación Tlalpan, C.P. 14350 México,
D.F. Tel. 5679 3040 • Impresión: Artes Gráficas Panorama, Avena No. 629, Granjas México, C.P. 08400, México, D.F., Tel. 5649 7080 • Distribuidor: Publicaciones Citem, S.A. de C.V., Avenida del
Cristo No. 101, Colonia Xocoyohualco, C.P. 54080, Tlalnepantla Edo. de México, Tel. 5238 0200, Fax 5238 0248 • El contenido de los artículos firmados no refleja necesariamente la opinión del
editor. Los artículos contenidos en esta publicación, con excepción de las imágenes, podrán ser reproducidos siempre y cuando se cite la fuente, solicitándolo previamente por escrito al
editor • ISSN 9770188773010 • Impreso en México.
EN LA PRÓXIMA 79
DE LA PLUMA DE…
ROBERTO CARLOS “RöC” 80

GALERÍa! DISEÑO
“Ahora con un paquete,
Desarrollo de una personalidad para cada cerveza
desde el punto de vista de los consumidores, se realizaron
cinco carteles diferentes para los productos con
mayor reconocimiento del cliente: honey, light, oscura,
trigueña y clásica. Cada cartel se diseñó conforme el
nombre y percepción del cliente de cada producto.
Fotografías de las botellas y elementos gráficos, se
fundieron para lograr carteles con impacto visual.
Proyecto: diseño de carteles promocionales
Despacho: Flow Media & Graphics
Director de arte: Raúl Vargas
Fotógrafo: Alejandra Urzúa
e-mail: contacto@flowmg.com.mx
Site: www.flowmg.com.mx
Cliente: Cucapá Brewing
Fecha: 2007
Desarrollo de nombre, logotipo y empaque para una
nueva línea de helados para toda la familia, en donde
el nombre comunica positivamente las bondades del
producto y con el diseño se genera una imagen sana
para toda la familia, alejada de la idea artificial de los
helados light que maneja la competencia.
Proyecto: Helados Nestlé Ligero
Despacho: Top Design
Diseñadores: Virgilio Comadurán e Iñaki Ulacia
Ilustrador: Bruno Maldonado
e-mail: info@topdesign.com.mx
Cliente: Nestlé de México
Fecha: 2007
Desarrollo de una imagen diferenciadora para el
hotel Marival Resort & Suites; se elaboró una imagen
que destacara las ventajas de este hotel sin necesitar
el idioma. Se definió que el mensaje sería: “Porque
Marival tiene lo que otros no”. Se lanzó el anuncio
en varias publicaciones especializadas y como resultado
se incrementó el poder de venta.
Proyecto: imagen para revista
Despacho: Graphic Illusion
Diseñador: Alonso Reyes
Fotografía: Eduardo Solórzano e Image Bank
e-mail: graphicillusion@mac.com
Site: www.gicds.com
Cliente: Marival Resort & Suites
Fecha: 2007
puede diseñar, desarrollar,
gestionar y conservar
experiencias interactivas
excepcionales para que
millones de personas
puedan disfrutar de ellas
fácilmente a través de la Web,
de dispositivos móviles
y de documentos impresos”
Para Inmobiliaria Antiqua se eligió un nombre que
se asociara con el mar, pues sus oficinas centrales
están en Acapulco. El nombre se basó en dos islas
ubicadas en el Caribe: Antigua y Barbuda. Se desarrolló
una imagen que englobara los tres rubros a
los que se dedica: construcción de casas, renta de
departamentos y renta y venta de yates; el logo
representa estos tres rubros, así como la ubicación
de la inmobiliaria. La imagen es reconocida y ha
contribuido a lograr los objetivos comerciales.
Proyecto: nombre y diseño de logotipo
Despacho: Demos Publicidad
Diseñador: Emmanuel Mauro Castillo
e-mail: demospublicidad@hotmail.com
Cliente: Inmobiliaria Antiqua
Fecha: junio 2007
La solicitud era exponer la obra de la artista Marina
Láscaris mediante un diseño claro y sobrio que
acompañara a la obra sin competir con ella, para
poder llegar a la óptima representación de la misma.
Se desarrolló sobre un trazo áurico que permitía
una variedad de posiciones de imágenes que dialogaban
con el texto en dos idiomas con la obra de
la artista.
Proyecto: Marina Láscaris
Despacho: Frontespizio
Diseñador: Ricardo Salas
Fotografía: Laura Coheny Paola Gori
e-mail: ricardo@frontespizio.com.mx
Site: www.frontespizio.com.mx
Cliente: Marina Láscaris
Fecha: marzo 2007
En coordinación con el departamento de mercadotecnia
de Dynasol, en Houston, se creó el diseño
de los impresos que se produjeron para el stand
de Dynasol en la feria ChinaPlas que se celebró en
Shangai, China; como un esfuerzo más para la introducción
de la empresa productora de elastómeros
en el mercado asiático.
Proyecto: Stand ChinaPlas
Despacho: Estudio Nomono Publicidad
Diseñador: Roberto Sánchez
Fotografía: Roberto Sánchez y Luis Miguel Fernández
de Lara Peralta
e-mail: informes@nomono.com.mx
Site: www.nomono.com.mx
Cliente: Dynasol Elastomers
Fecha: abril 2007
Para mayor información visita:
www.adobe.com/la/products/bundles
o llama al Tel: 5283-2403
vgarcia@adobe.com

Un libro de alta calidad para mostrar lo mejor de las
instalaciones golfísticas de México. Es un recorrido
fotográfico que abarca campos espectaculares desde
Baja California hasta el Caribe. Se diseñó en formato 31
x 34 centímetros para lograr una presentación espléndida
de fotografías. En interiores se usaron 4 x 4 tintas
con barniz a registro sobre papel semimate. Se controló
la pre-prensa en México y se imprimió en China.
Proyecto: diseño de libro “Golf Insignia en México”
Despacho: Printt Diseñadores
Diseñadores: Eduardo Zapata y Emilio Bretón
Fotógrafo: Michael Calderwood
e-mail: ezapata@printt.com.mx
web site: www.printt.com.mx
Cliente: Visionair / Editorial Airevisión
Fecha: agosto 2007
Super Salads solicitó nuevos diseños para manteletas
infantiles. Sus personajes normalmente aparecían
estáticos y de forma individual, y en esta ocasión
pretendían hacer un cambio para que los personajes
aparecieran más dinámicos, utilizarlos a todos como
“pandilla” y que estuvieran en diferentes ambientes de
manera que cada manteleta fuera una aventura. Los
antecedentes y el diseño de la manteleta en forma
de revista (portada, contraportada e interior) facilitó
mucho el trabajo para darle un aspecto de cómic.
Proyecto: manteletas infantiles
Despacho: dianamartinez.com.mx
Ilustración y diseño: Diana Martínez
e-mail: contact@dianamartinez.com.mx
Cliente: Super Salads
Fecha: marzo-noviembre 2007
Desarrollo de una nueva marca de aceite de canola
para el mercado nacional con un nombre que reforzara
su origen. La identidad de Canoil se basa en cuatro
elementos clave: una botella cuadrada tipo aceite
de oliva; color negro como elemento de actualidad y
diferenciación ante la competencia; flores de canola
que remiten directamente al origen del producto, y
un sello y el uso de papel con barnices mate y brillante
para reflejar mayor calidad y naturalidad.
Proyecto: diseño de identidad de Canoil
Despacho: Sol Consultores
Diseñadores: Ana Carpinteyro, Pedro Campo,
Rodrigo Romero, Alejandra Galindo y Daniel Coca
e-mail: contacto@solconsultores.com.mx
Cliente: Agydsa
Fecha: 2007
JCB es una empresa mexicana dedicada al diseño y
fabricación de materiales publicitarios como anuncios
luminosos, stands y exhibidores. Entre sus clientes
se encuentran Coca-Cola, Adidas, Nestlé y Domecq,
empresas que buscan soluciones creativas e innovadoras
para sobresalir entre el mundo de marcas que
luchan por la atención del público. El concepto de JCB
gira alrededor de su marca, un símbolo que representa
el futuro y el servicio; una empresa que busca diferenciarse
ante la competencia al crear soluciones adaptadas
a las necesidades de cada proyecto.
Proyecto: diseño de identidad de JCB
Despacho: El Ring
e-mail: elring@att.net.mx
Cliente: Grupo JCB
Fecha: 2007
Arte en Repujado es una empresa dedicada al diseño
y fabricación de artesanías en repujado. Se desarrolló
un site que proyectara innovación al mostrar todos sus
productos y el diseño de un logotipo que remitiera al
material que trabajan. Se diseñó un logotipo con rasgos
marcados con una combinación en tonos cálidos
y con apariencia en aluminio. El site muestra todos los
productos que maneja la empresa y facilita al máximo
el accesos a todos los contenidos del site.
Proyecto: diseño de logotipo y site
Despacho: Design 233C
Diseñador: Karla Juárez Negrete
e-mail: design233c@prodigy.net.mx
Cliente: Arte en Repujado
Fecha: febrero 2007
Rediseño de toda la línea Peñaranda, que contempla el
uso de fotografía con “taste appeal”, ligada en una composición
gráfica que gira en torno al nuevo logotipo y
que le confiere un estilo contemporáneo, fino y de calidad,
orientado a reflejar una tradición europea en carnes
frías y alejado del estilo comercial “mainstream” de
otras marcas. El objetivo es conservar su base de consumidores
y ampliar su participación en el mercado.
Proyecto: etiquetas y empaques de Peñaranda
Despacho: Top Design
Diseñador: Tania Rivera, Fabián Aldave
y Miguel Delgado
e-mail: info@topdesign.com.mx
web site: www.brannartwork.com
Cliente: Empacadora Campo Frío
Fecha: 2007

GADGETS
La fotografía digital puede ser
una experiencia sencilla y práctica,
pero al mismo tiempo con
tecnología de vanguardia con
las cámaras digitales Cybershot
DSC-T70 y DSC-T200 de Sony.
www.sony.com.mx
Rendimiento, flexibilidad y
capacidad de expansión para
usuarios que requieren máximo
poder en sus equipos de
cómputo, ésta es la promesa
de las nuevas estaciones de
trabajo HP Workstations xw.
www.hp.com.mx
21
Con Expression Studio, Microsoft
busca revolucionar el diseño web
con tecnología de vanguardia
y herramientas de uso fácil e
intuitivo para crear sites e interfaces
que ofrezcan mejores experiencias
de usuario.
www.microsoft.com/expression/
Para los gustos más sofisticados, Black Pearl
Collection de LG integra un televisor Full
HD de LCD y el Home Theater Champagne,
ambos representan una nueva categoría en
equipos de entretenimiento para el hogar
por su diseño. www.lg.com.mx
Lady Blue Camelia forma
parte de la primera
colección de “pluses”
diseñada por Bern
Baños, la cual forma
parte de Toloache,
juguetera mexicana
especializada en urban
art toys. Se pueden
adquirir en Kong.
www.kong.com.mx
sábados
rumbo
al éxito
Este sofisticado zapato está inspirado en el
estilo de vida de las grandes ciudades,
donde las personas corren, caminan o
utilizan bicicleta. El Shox V Street combina
la tecnología de absorción Shox.
www.nike.com
participando
conviviendo
platicando
cuestionando
aprendiendo
escuchando
dialogando
Para los amantes de la
tecnología y el cine, Nokia
cuenta con una versión
revisada y más potente del
N95, ahora con 8 GB, una
pantalla de 2.8 pulgadas y
la película Spiderman 3.
www.nokia.com.mx
Diplomado en Comunicación Visual
14
Las nuevas tabletas Bamboo Fun, de Wacom, cuentan con
cuatro teclas programables para hacer uso de los comandos
más usados y con un anillo de tacto sensible que permite el
rápido zooming y scrolling. www.wacom.com
Iniciamos en febrero 2008
Informes www.a.com.mx
(55) 5679-3040 • 01800 401 7366

FOTOGRAFÍA • PRESENTADA POR FOTO REGIS
JORGE
ALCAIDE
Jorge Alcaide inició su carrera como fotógrafo
a mediados de la década de los
años 70. Nació en México, pero después
del fallecimiento de su padre, su madre
lo llevó a él y a sus hermanos a estudiar a
Inglaterra, donde cursó el último año de
primaria y la secundaria. De regreso en
México estudió la preparatoria en el Liceo
Franco Mexicano. Después de estudiar
dos años de ingeniería y un año de diseño
industrial decidió empezar a trabajar.
Como gerente de control de producción
de una fábrica de válvulas de alta
presión, descubrió su amor por la fotografía,
la cual había ya practicado en la escuela
en Inglaterra. Pero debido a la falta de
escuelas de esta disciplina en México,
Jorge fue autodidacta, leyó cuanto libro
del tema encontraba. En 1974, ya casado,
decidió independizarse para vivir de la
fotografía. Durante los años 80 y 90 asistió
a diversos cursos y talleres en Estados
Unidos con reconocidos fotógrafos como:
Charles Purvis, Chris Callis, John Goodman,
Hans Neleman y otros.
Entre sus principales clientes se
encuentran las agencias de publicidad:
McCann Ericsson, Ogilvy & Mather, Grey,
Walter Thompson y Young & Rubicam.
Pero también ha trabajado para despachos
de diseño: Design Center, Estudio
Graphik, Firma Corporativa, Frontespizio,
Printt diseñadores, Mu diseño, Pablo
Meyer y Asociados y Signi, entre otros.
A Jorge le gusta aprender, actualizarse,
y estos últimos años ha cambiado su forma
de trabajar al utilizar únicamente la fotografía
digital. Siempre le ha gustado el reto
del cambio y en su vida como fotógrafo
reconoce que éste ha sido constante, por
ello, le fascina estudiar las novedades que
le depara su profesión y con optimismo,
abraza el futuro que ésta le proporcionará•
16 17

CALAVERAS
INVADEN
REFORMA
“Después de las vacas de Cow Parade y las bancas monumentales, 50 calaveras de gran
formato se adueñaron de Reforma para celebrar a los muertos”
Cada vez más, la histórica avenida de
Paseo de la Reforma en la Ciudad de
México, se confirma como escenario de
destacadas exposiciones escultóricas, las
cuales difícilmente podrían tener cabida
en los espacios tradicionales del arte,
como museos o galerías.
Por sus amplias banquetas se han instalado
campanas escultóricas, vacas multicolores
y bancas que invitaban al diálogo.
Recientemente se presentaron calaveras
monumentales que hicieron alarde de la
tradición mexicana con motivo de la celebración
del 2 de noviembre.
El día de muertos, la celebración de
convivir nuevamente con los familiares
y amigos ya fallecidos, se convirtió en el
motivo central de la muestra colectiva de
arte público, “Las calaveras en Reforma”,
exposición integrada por 50 esculturas
monumentales, intervenidas y expuestas
a lo largo de Paseo de la Reforma.
La exposición está conformada por 50
calaveras de fibra de vidrio –material que se
suma a los ya tradicionales, como el azúcar
o el chocolate- que fueron intervenidas cada
una por un artista de manera diferente, original
y novedosa. La exposición recupera
el icono distintivo de estas celebraciones
y lo ofrece a los transeúntes modificado de
manera lúdica. Los 50 artistas participantes
fueron convocados de manera abierta y proceden
de diversas disciplinas y de distintas
entidades de la República; se trata de jóvenes
actores emergentes de las artes plásticas.
Otras piezas son el resultado del talento
de artistas maduros y abarcan desde la propuesta
más tradicional, como una calavera
intervenida con semillas, o calaveras muy
urbanas y juguetonas, como una transformada
en pesero con todo y pasajeros, hasta
una transformada en esfera disco.
Elena Cepeda, secretaria de Cultura
del Distrito Federal, comentó que
“Las Calaveras de Reforma” le confiere al
espacio público la posibilidad de ser un
espacio recreativo, mediante propuestas
artísticas que no solamente le ofrecen la
sensación de ser un espacio habitable y
vivo, un espacio lúdico además. Este es
uno de los objetivos del gobierno de la
ciudad: “hacer del espacio público un
motivo del arte y de la expresión”.
Las calaveras monumentales se instalaron
a lo largo de dos kilómetros sobre
ambos lados de Paseo de la Reforma,
desde la Glorieta del Ángel de la Independencia
hasta la Puerta de los Leones y
permanecieron del 1 de noviembre al 15
de diciembre de 2007•
Siguiente página:“Reflejos” (vanitas pirata)
por Francisco Santiago
de Luis Hampshire y Pablo Cotamjo
18 19

“Remembranza”, de Teresa García
“Balero”, de María Claudia de la Torre
“Calaverita barroca”, de Jenny Silva
“La espera”, de Margarita Sada
“Pienso de todos”, de Ricardo Meza
“Flujo”, de Omar Soto
“Ahí vamos”, de Casandra de Santiago
“Noche de muertos”, de Daniel Domínguez
“Tzompantli en Reforma”, de Héctor de Anda
“Ven acá Gladys”, de Rocío Torres
“Calavera Xólotl”, de Christian Becerra
“Amor y rosas” (old school tatto), de Michael H. White
20 21

BRAUNPRIZE
INTERNATIONAL
DESIGN AWARD
VERDADERO ESTÍMULO
AL DISEÑO DE TODO
EL MUNDO
PARA VER EL VIDEO
DE LA CEREMONIA
DE PREMIACIÓN VISITA
LA PÁGINA:
www.a.com.mx/braun/braun.html
El jurado seleccionó a cuatro finalistas, aquellos que tuvieron un diseño integral con proporciones
balanceadas y formas armónicas, que satisfacían correctamente las necesidades del usuario
y representaban experiencias innovadoras en el uso que proponían
JURADO
PETER SCHNEIDER
Director corporativo de diseño de
Braun, y presidente del jurado
MONI WOLF
Director de diseño de Motorola
BENJAMIN HOLCH
Ganador del Premio Braun
en 2003
MARK BREITENBERG
Decano de pregrado en la
educación del Art Center College
of Design en Pasadena, California
UDO MILUTZKI
Vicepresidente de ingeniería
de Gillette
por Antonio Pérez Iragorri
22 23

GANADOR DEL BRAUN PRIZE 2207
“LeapFrog”,
de Donn Koh (Singapore)
Para el PremioBraun
el diseño se entiende como un valor
y no como decoración
Como respuesta a su preocupación por
la falta de un debate público en torno al
tema del diseño, Erwin Braun, hijo de Max
Braun –fundador de la empresa que lleva
su apellido– en 1968 estableció el Premio­
Braun, primer certamen internacional para
el fomento del diseño en Alemania. Su
objetivo fundamental es estimular el desarrollo
de nuevos productos que representan
innovaciones en diseño y tecnología
que ayuden a las personas en su vida
diaria. Además, difunde el desempeño y
la creatividad de diseñadores industriales
principiantes y los vincula con empresas
interesadas y clientes potenciales.
Para el PremioBraun el diseño se
entiende como un valor y no como decoración,
por ello, tiene como objetivo fundamental
marcar los puntos contra la trivialización
de los valores de los productos y del
diseño. En el concurso pueden participar
estudiantes o profesionales de reciente
incorporación al mundo profesional. Desde
el inicio del concurso han participado diseñadores
de todo el mundo y cada año se
suman competidores de más países. Es el
líder mundial en competencias de diseño.
Para medir el desempeño de los competidores,
desde 1968 muchos diseñadores
de renombre internacional han sido miembros
del jurado, los cuales valoran principalmente
el diseño, la técnica y la calidad
de uso en cada proyecto participante.
BRAUNPRIZE 2007
La revista a! Diseño fue invitada a formar
parte de la décimo sexta edición del PremioBraun
Internacional, realizada en septiembre
de 2007 en Kronberg, Alemania. a!
Diseño fue testigo del excelente desempeño
de jóvenes diseñadores industriales
de todo el mundo.
En esta ocasión, el Premio registró un
número récord de proyectos inscritos, un
total de 903 trabajos provenientes de 54 países,
de los cuales el jurado seleccionó a cuatro
finalistas, aquellos que tuvieron un diseño
integral con proporciones balanceadas y
formas armónicas, que satisfacían correctamente
las necesidades del usuario y representaban
experiencias innovadoras en el
uso que proponían. Previo a la ceremonia de
premiación, los cuatro finalistas presentaron
sus proyectos ante el jurado internacional y
personalidades del diseño, la cultura, el sector
empresarial y medios de comunicación.
Los cuatro proyectos finalistas fueron:
“Triops”, de Franziska Faoro (Alemania),
cámara digital robusta que permite al usuario
experimentar nuevas perspectivas y percepciones,
de modo que eleva el potencial
de la fotografía digital; “Mengin”, de Bruno
Peral Bey (España), contenedor de alimentos
y a la vez un utensilio de cocción que posibilita
la preparación y disfrute de alimentos
de diferentes ámbitos culturales dando
énfasis a la experiencia social de preparar
alimentos conjuntamente; “Vision Energy”,
de Lena Billmeier y David Baur, (Alemania)
pequeños objetos para los espacios privados
y domésticos, así como esculturas para
los espacios públicos que reflejan, a través
de variaciones estructurales y formales, el
índice del ahorro de recursos, de acuerdo
a las normas de la Organización Internacional
de Recursos, y el cuarto proyecto y
ganador de la contienda fue “LeapFrog”,
de Donn Koh (Singapore), una andadera
para niños con parálisis cerebral o espina
bífida. “LeapFrog” apoya a estos niños para
pararse, les ayuda a entrenar su balance
y el caminar, también les posibilita hacer
pausas cada que es necesario, se pueden
sentar y descansar; el cambio y ajuste de las
diferentes posiciones para sentarse, pararse
y caminar, se realiza automática e intuitivamente,
de modo que sigue la intención y el
movimiento del niño. De la misma mane­
“Triops”,
de Franziska Faoro,
FINALISTA (Alemania)
ra, se detiene automáticamente cuando el
niño se sienta impidiendo que se resbale o
se golpee. El mecanismo de apoyo, mientras
el niño está de pie, permite ajustarse
de acuerdo al peso del niño, adaptándose
a su propio desarrollo. Además de contribuir
al desarrollo físico del niño con esta
enfermedad, le permite tener mayor independencia,
lo que le da mayor valoración
de sí mismo. “LeapFrog” traslada la clásica
estética de productos médicos, técnica y
dolorosa, en un producto con apariencia
lúdica y más social. Don Koh recibió 12 mil
euros como premio de Primer Lugar.
Cabe mencionar que entre los 19 proyectos
seleccionados por el jurado internacional
-de donde se eligieron los cuatro
finalistas–, uno de los equipos era mexi­
cano. Diego Alatorre Guzmán, Anthoni
Fabrice Espinosa de Candido y Alan Eber
Armenta Vega, egresados del Centro de
Investigaciones de Diseño Industrial de la
Universidad Nacional Autónoma de México,
participaron con el proyecto “ILiNX”,
estructura modular transparente para
escalar en pareja. Funciona con módulos
de electroimanes que se colocan en las
manos y los pies que permiten la escalada
y el ascenso por medio de la activación de
los imanes. “ILiNX” incita la actividad interpersonal,
alienta deliberada interacción
con la pareja y crea un sentido compartido
de progreso. “ILiNX” participó en la
exposición internacional de Premio Braun
Internacional, que se presentó en varias
ciudades del mundo.
Su objetivo fundamental
es estimular el desarrollo de nuevos
productos que representan innovaciones
en diseño y tecnología que
ayuden a las personas en su vida diaria
24 25

El Premio Braun tiene
como objetivo fundamental marcar
los puntos contra la trivialización
de los valores de los productos y del diseño
“Vision Energy”,
de Lena Billmeier y David Baur,
FINALISTA (Alemania)
En esta ocasión, el jurado estuvo integrado
por diseñadores con amplia experiencia
y gran variedad de conocimientos
como Peter Schneider, director corporativo
de diseño de Braun, quien además fungió
como presidente del jurado; Mark Breitenberg,
decano de pregrado en la educación
del Art Center College of Design en Pasadena,
California; Moni Wolf, director de diseño
de Motorola; Udo Milutzki, vicepresidente
de ingeniería de Gillette y Benjamin Holch,
ganador del Premio Braun en 2003.
PREMIOBRAUN MÉXICO 2007
Desde el año 2005 existe un sistema de
franquicia del PremioBraun, el cual funciona
únicamente en México y China, países
donde se organizó el PremioBraun nacional.
Para ello, todas las actividades se realizan
en estrecha colaboración con el diseño
corporativo de Braun y con la directiva
de proyectos internacionales del Premio­
Braun. Todos los trabajos participantes
son presentados ante un jurado nacional,
quien elige los mejores conceptos de producto
y los presenta al PremioBraun Internacional.
Braun premia a los realizadores
de los mejores proyectos con un viaje al
evento del PremioBraun Internacional.
En el verano del 2006 se lanzó la convocatoria
al PremioBraun México en con
el interés de acercar más este prestigiado
concurso a los jóvenes diseñadores mexicanos.
En total se evaluaron 111 proyectos
de cinco estados del País, de los cuales se
eligieron 19 proyectos, mismos que representaron
a México en la edición internacional.
De los finalistas se seleccionaron tres
primeros lugares, quienes ganaron un viaje
a Alemania, para asistir al Foro Internacional
PremioBraun. El Premio Braun México tiene
como base objetivos alineados a los del
PremioBraun Internacional, entre los que
destacan: promocionar a los jóvenes diseñadores
industriales, mostrar el trabajo de
los centros de enseñanza de diseño y profundizar
en el entendimiento de aspectos y
criterios de la creación de productos.
Miroslava Rodríguez, Benjamín Dueñas,
Juan Luis Figueroa y Alfredo Dueñas
obtuvieron el primer lugar con su proyecto
“Anemo”, el cual busca dar una solución
inteligente al uso de la basura orgánica
generada en el hogar, reciclándola como
combustible para la producción de energía
eléctrica y calorífica a nivel doméstico.
René Mata Coronel alcanzó el segundo
lugar con “Kalan”, servicio público que promueve
la detección a tiempo de anomalías
en la presión sanguínea, temperatura del
cuerpo y niveles de grasa corporal. Las
acreedoras al tercer lugar fueron Adriana
Gómez y Cecilia Arredondo con “Qulp”,
dispensador de bebidas que alarma en el
momento exacto para ingerir la cantidad y
el tipo de bebida necesaria para evitar la
deshidratación en el deportista.
En la ceremonia de premiación de
la edición internacional, estuvo presente
el equipo ganador del primer lugar en el
PremioBraun México 2007, quienes fueron
llamados galardonados con un premio
sorpresa de 3 mil euros, además de la copa
nacional de diseño y el viaje a Alemania•
GANADOR DEL PREMIOBRAUN MÉXICO 2007
“Anemo”, de Benjamín Dueñas, Miroslava Rodríguez,
Juan Luis Figueroa y Alfredo Dueñas
Con el diseño de “Anemo” se busca dar una
solución inteligente al uso de la basura orgánica
generada en el hogar, reciclándola como
combustible para la producción de energía eléctrica
y calorífica a nivel doméstico. Esto permite reducir
el consumo de energías tradicionales en el hogar
y por consiguiente, a nivel general
“Mengin”,
de Bruno Peral Bey,
FINALISTA (España)
26 27

Museo Braun
UNA MARCA LIGADA
AL DISEÑO
Braun es una compañía alemana mundialmente
reconocida por sus productos de diseño
racional y limpio. Fundada en 1821 por Max
Braun, comenzó con la fabricación de productos
para el hogar con diseños funcionalistas,
como radios, proyectores de diapositivas y
equipos de audio, que son iconos de la producción
industrial moderna de siglo XX y hoy
son considerados artículos para coleccionistas.
Braun tiene el compromiso de satisfacer
verdaderas necesidades con productos que
se distinguen por beneficios y características
innovadoras y significativas, con altos estándares
de calidad en desempeño y duración así
como diseño ergonómico, distintivo y estético.
LA MARCA
Wolfgang Schmittel y Otl Aicher crearon una
única imagen pública para Braun, la cual se
caracteriza por: singularidad, reconocible en
todos los contextos, presencia mundial de
una sola firma, actitud de convicción y representación
de calidad y diseño moderno.
El logotipo de Braun, de tendencia a la austeridad,
donde predomina el concepto minimalista,
fue diseñado en 1952 por Wolfgang
Schmittel. El primer registro de la marca Braun
fue patentado en 1929 y desde 1933 se implementó
la utilización del nombre de la marca
como logotipo, con la letra “A” un poco más
alzada. En 1935 el nombre de la empresa adquirió
su imagen representativa como logotipo, con
la letra “A” claramente más elevada. En 1940 se
utilizó el primer logo en forma modificada y en
1952 Wolfgang Schmittel diseñó el segundo
logotipo publicitario de Braun, siguiendo el
prediseño de 1934. En 1998 se modernizó con
la presentación solamente del nombre, reafinado
el contorno de las letras por círculos de flujo
que casi no se perciben, pero que le brindan
continuidad y armonía formal.
MUSEO BRAUN
Junto al edificio sede del corporativo Braun en
Kronberg, Alemania, se ubica el Museo Braun,
donde además de las exposiciones temporales,
se encuentra la exhibición permanente que
muestra productos actuales y antiguos elaborados
por Braun así como prototipos, bocetos
e información documental sobre la historia del
diseño, desarrollo tecnológico e innovaciones.
Edificio corporativo
28 29

EL DISEÑO
NO ES
TRENDY
“Muchos de los estilos gráficos actuales sufren de una temporalidad pasajera o revival, que cambia y
obliga a renovarse de tanto en tanto debido al uso indiscriminado por parte de clientes o agencias”
por Francisco Santiago
30 31

El diseño nunca pasará de moda,
los estilos sí. Quienes se preocupan
por seguir un trend,
se quedarán atrás inevitablemente
Miguel Vásquez, mejor conocido como
MASA, ha consolidado un estilo personal
en su trabajo como diseñador, marca que
le ha valido reconocimiento en Venezuela,
su país natal, y en el resto del mundo.
Relacionado principalmente con el
marcado de la música, el entretenimiento
y la moda juvenil, MASA logra en su diseño
una fusión de muy distintas expresiones
del folklore y el diseño urbano o cultura
de la calle, mezcla que da como resultado
ideas frescas e identidades fuertes.
Miguel Vásquez fundó MASA en 1997,
primero en individual y aunque de 2001
a 2004 funcionó como un colectivo de
diseñadores, desde hace tres años MASA
es solamente Miguel Vásquez, y eso le ha
permitido también elegir los proyectos en
los cuales funciona su estilo.
Desde Venezuela, vía mail, MASA habla
en entrevista acerca de su trabajo, sus principales
influencias y el diseño.
¿Cómo se puede definir el estilo de MASA?
Quizás sería más fácil que otra persona lo
definiera.
¿Cuáles son las principales influencias que
nutren tu trabajo?
La música es lo más importante, todos los
recuerdos personales de mi niñez, lo bueno
y lo malo de mis amigos y la gente que
conozco; ya que al final eso es lo que hace
a uno ser uno y no otro. Y el constante
deseo por tratar de ser diferente.
¿Es posible unir el diseño con el arte y con
estilos personales?
El estilo siempre ante todo. La mejor vía es
desarrollar un estilo personal y aplicarlo a
todo al diseño y/o al arte. Unir el diseño y
el arte es mucho más difícil. A mí siempre
me ha interesado únicamente “el hacer
gráfica”, y aplicarla en medios diferentes
para atacar problemas diferentes.
Desde hace casi más de tres años he
decidido sólo aceptar y dedicarme a clientes
y proyectos que me permitan abordar
mi estilo y no dedicarme al trabajo corporativo.
Finalmente he tenido éxito por
desarrollar un trabajo de estilo, de autor.
Es lo que los clientes buscan en mí.
A pesar de haber estudiado y haber
dado clases dentro del marco académico
de una escuela de diseño, decidí dejar atrás
muchas cosas implícitas en el diseño y estoy
cada día más concentrado en la evolución
formal y conceptual de mi estilo personal
como autor. Trato de mantener fundamentos
y metodologías teóricas del diseño pero
mezcladas con aproximaciones menos
racionales y más subjetivas; intento vencer
lo muy racional que puede ser el diseño.
Esto básicamente se debe a mi acercamiento
desde muy niño con piezas de
diseño cómo pósters de películas, camisetas
de bandas y discos de vinyl, en los cuales
siempre era necesario diferenciar a la
banda y/o al autor. Además crecí rodeado
de imágenes y libros de arte y diseño, mi
padre era autodidacta en ambas áreas y
me influenció a dibujar y, posteriormente,
a querer ser diseñador.
¿Puede el diseño ser de temporalidad,
como la moda?
El diseño nunca pasará de moda, los estilos
sí. Quienes se preocupan por seguir un trend,
se quedarán atrás inevitablemente. Muchos
de los estilos gráficos actuales sufren de una
temporalidad pasajera o revival,
que cambia y obliga a renovarse
de tanto en tanto debido al
uso indiscriminado por parte
de clientes o agencias. Si está
muy visto ya no sirve, no impresiona.
O quieren algo parecido a...
Además desde hace unos años
se ha vendido al diseño como la profesión
del futuro, algo
lucrativo, “in”, “trendy” y
al igual que pasó con
los D’js, ahora todos
quieren ser diseñadores.
Finalmente el diseño
tendrá más y más
demanda cada día
, debido a la creación
de nuevas
Masa fue seleccionado entre varios artistas
de todo el mundo para intervenir las
habitaciones del Hotel Fox en Dinamarca
32
(www.hotelfox.dk)
33

CASO DE ESTUDIO:
3DUEÑos
Proyecto: rediseño de imagen banda 3Dueños,
diseño CD “Materia prima” y piezas promocionales
para el lanzamiento.
Género: hip-hop
Cliente: Subterráneo Records, Venezuela (editado
en México por Sony BMG)
Fecha: septiembre 2007
Objetivo: desarrollar un concepto integral y
rediseñar la imagen de la principal banda de
hip-hop en Venezuela: 3Dueños; hacerla más
accesible para un público que no escucha
mayormente hip-hop.
Do´s & Don´ts: la disquera me dio libertad
absoluta, el álbum apuntaría a la internacionalización
de la banda, debía mostrar sus raíces
latinas, pero evitar referencias locales (por
ejemplo, fotografías de ciudad que anclaran
a la banda únicamente a Caracas, Venezuela).
Para ello evité el uso de grafitti, letras góticas,
bling-bling, chorreados, stencils y cualquier
cliché obligado de cultura de calle o hip-hop;
además de no hacer uso de ilustraciones de la
banda, ni fotos intervenidas.
Estrategia: localizar referencias y maneras
alternativas de vender esta banda al hablar de
hip-hop sin usar clichés. Usar una metodología
y técnicas diferentes a discos anteriores que he
realizado. Experimentar y hacer un trabajo que
no sólo refleje la actitud del grupo sino proyectar
mi estilo gráfico en todo el disco; tener una
pieza final para exhibir en mi website.
Proceso: me reuní una sola vez con la banda,
me dieron el demo y un cd con fotos promocionales.
Escuché el disco un par de veces e
identifiqué los tracks más importantes y el ritmo
general del disco por su orden y la posible
relación entre ellos. Después hice una lista de
referencias que quería incluir: discos de vinyl
(Fania/Willie Colón), pósters de obras de teatro
(de diseñadores polacos y cubanos), portadas
de libros como “Crónica de una muerte anunciada”,
de Gabriel García Márquez, material de los
años 60 por su vínculo con la salsa, género que
la banda mezcla constantemente y otras cosas
distantes al hip-hop como Art Decó, masonería
y patrones. Tipográficamente usé un catálogo
de Letraset de 1980, que era de mi padre.
Primero desarrollé seis propuestas diferentes
de logo y símbolo del disco en portada; seleccioné
dos y se aprobó la versión final. Ilustré 19
logos diferentes, uno para cada track del disco.
Los dibujé con marcador, escaneé, compuse
cada letra a mano y luego las convertí a bitmaps
o vectores.
Meses antes Dj Trece, integrante de
3Dueños, me encargó una serie de tatuajes
tipográficos, tanto él como los otros dos miembros
de la banda tenían a su disposición un
tatuador a domicilio y se tatuaban cada vez
más el cuerpo con frases, palabras y números;
así desarrollé el concepto de patrón “All over”,
algo que cubre todo, esto justificó aún más la
idea de hacer logos diferentes para cada track.
Introduje además imaginería del juego de la
Lotería (vida/muerte versus. azar/mal de ojo).
El estilo tipográfico de los logos debía referir
a tatuajes, stickers, anuncios de talleres mecánicos,
salones de belleza y telenovelas; diseñados
mayormente por personas autodidactas o
diseñadores informales con el uso de los pocos
recursos y las letras que tienen a la mano.
Diagramación: booklet de 12 páginas a
caballo. Sistema gráfico y diagramación con
páginas de texto a una sola columna y espacio
para gráfica adicional basado en varias
opciones en Helvética. Una página para cada
miembro de la banda; enfrentada a otra de textos,
intercaladas para dar pausas y una doble
página central con la foto del grupo. Modulé el
patrón compuesto por todos los logos e imágenes
desarrollados y los adapté al formato del
espacio libre de cada página de texto.
Ilustraciones: a mano alzada de línea continua
con lápiz, de cada miembro de la banda, para
destacar aún más el trazo, expresión y rasgos
de cada uno; que ilustran a manera de wire
frame la estructura tridimensional de cada uno.
Junto a una versión de logo del nombre de cada
uno: Trece, Budu y Nigga. La textura utilizada
remite al muro de piedra que veía enfrente de
mi apartamento y a la textura de “piel de elefante”
de los tenis Nike Air Jordan III. No utilicé
negro o colores oscuros para fondos (tendencia
de los discos de hip-hop), sino colores primarios,
que hacen referencia a la luz, el calor cromático
latinoamericano y los años 80.
Portada: es lo primero que trabajo, pues se
trata de la imagen que vende a la banda y lo
que debe ser visto puntualmente al entrar en
la tienda de discos, pero no fue así esta vez.
Pensé en colocar a la banda en portada, pero
las fotos no funcionaban (fondo negro y dos
de los miembros son ligeramente robustos,
ocupan más espacio y no fueron tomadas para
formato cuadrado de portada de 12x12 centímetros).
Decidí entonces una portada gráfica,
que destacara el logo, visualmente fuerte sobre
fondo amarillo; que no fuera lo que todos esperaban
y que conceptualmente hablara de todo
lo que el disco contiene. Obliga al comprador a
acercarse, tomarlo y descifrar lo que se muestra.
La contraportada tiene una foto de grupo
para equilibrar la ausencia de ellos en portada
y los tracks de cada canción en los espacios
negativos que los rodean. El resto del material
promocional salió naturalmente del uso de la
gráfica realizada y aplicada a stickers, singles,
camisetas y pósters de la banda.
34 35

Ser muchas veces
más “local” que
“global” visualmente
MASA
Miguel Vásquez nació en Caracas, Venezuela,
en 1975. De madre argentina y padre venezolano.
Es diseñador gráfico, egresado de Pro
Diseño Escuela de Comunicación Visual. En
1997 fundó MASA y de 2001 hasta 2004 funcionó
como un colectivo de diseñadores; a finales del
2004 decidió desarrollar su trabajo en solitario.
Se enfoca en diferentes proyectos, medios y
clientes relacionados con el entretenimiento,
la música y la moda del mercado juvenil; principalmente
como director de arte, diseñador,
ilustrador y especialista en motion graphics.
compañías, nuevos contenidos y el surgimiento
de nuevas tecnologías y medios.
¿Cuál es la importancia de la tan mencionada
globalización en el desarrollo de tu trabajo?
Para mí lo más importante es siempre lograr
más y más diferenciar mi trabajo; no sólo de
lo que se hace en Latinoamérica sino en
el resto del mundo. Ser muchas veces más
“local” que “global” visualmente. En ello baso
mi interés por rescatar e investigar aún ciertas
referencias puntuales del entorno personal,
histórico y de la cultura pop
contemporánea, de manera
que estas referencias
conjugadas con las mias
obliguen a generar un
resultado diferente.
¿Cómo ha sido la
aceptación de tu
trabajo en Venezuela
y en el
extranjero?
Siempre ha sido muy buena a pesar de no
haber tenido ningún website sino hasta
marzo del 2007 (www.masa.com.ve). La
aceptación en Venezuela fue demasiado
fácil, tal vez debido a la poca existencia,
perseverancia o bajo nivel de otros
diseñadores, estudios o autores. Cuando
MASA comenzó en 1997, prácticamente
no había ni competencia siquiera.
Me di a conocer de boca en boca y
gracias a medios y periódicos juveniles
como “Urbe” y posteriormente por mi
relación con bandas de rock, hip-hop y la
movida nocturna de Caracas, esto permitió
que se me conociera inicialmente en el
underground por elaborar sólo stickers en
1997 y no en los círculos de diseño formal.
La aceptación en el extranjero ha
crecido cada vez más. Gracias a internet
y a los blogs ha cambiado rápidamente.
Un día, en el año 2002 cansado de que no
pasaba nada, decidí mostrar mi trabajo e
inicié el proyecto de hacer un libro, el cual
terminó capitalizado en “Latino”, la primera
compilación de diseñadores latinoamericanos,
publicado y distribuido por DVG lo
que dio inicio inmediato a la divulgación
de MASA en Europa y Asia, y de allí al resto
del mundo.
Gracias a la publicación de mi trabajo
en editoriales y revistas internacionales
cada vez tengo más clientes en el exterior.
Luego de la puesta online del site de
MASA he tenido una respuesta más directa
e inmediata. Recientemente mi trabajo
fue mostrado con muy buen feedback por
parte de agencias, clientes y representantes
en Le Book Connections en Londres
y el simple hecho de mostrar mi trabajo
online me permitió ser comisionado para
realizar varios proyectos que se exhibieron
en el Tokyo Designers Week 2007 y en
el Design Tide en octubre y noviembre de
2007 en Tokyo, Japón.
¿Cómo calificas tu presencia y aceptación
en México?
Han sido increíbles hasta el momento.
Una muy buena acogida, ya que hay un
gran público que tiene interés en conocer
más sobre autores latinoamericanos
y el diseño que se produce en Venezuela.
Muchas personas no sólo conocen a MASA
a través de los libros y revistas publicados
en el exterior, sino principalmente por las
portadas para bandas como Los Amigos
Invisibles y más recientemente la banda
de hip-hop 3 Dueños.
Agradezco mucho la ayuda de amigos
muy cercanos como Hula+Hula y Dr. Alderete,
quienes directamente me han permitido
no sólo exhibir mi trabajo en la Ciudad
de México (“Kicks fxor life” en la galería
Kong, en mayo de 2007), sino visitar nuevamente
su País. Mi amor incondicional para
con México y su gente, espero regresar
muy pronto para organizar otra exposición•
Entre los clientes para quienes ha trabajado
se encuentran Nike Football (Holanda),
Volkswagen (Alemania), Mini Cooper (Estados
Unidos), Absolut Vodka (América Latina), Sony
Entertainment Television (América Latina), AXN
Channel (América Latina), Excite Japan (Japón),
3Malandros Films y Miramax Films (Estados
Unidos), Gozadera Records (Estados Unidos),
Die Gestalten Verlag (Alemania), revista “Tokion”
(Estados Unidos), revista “Pound” (Canadá),
revista “Etecé” (España y “Unjust” (Italia).
El trabajo de MASA tiene un fuerte énfasis en
la investigación, uso de imágenes y referencias
de la cultura popular y urbana contemporánea
latinoamericana y en especial la de Venezuela.
MASA busca reinterpretar y divulgar la cultura
Latinoamericana a nivel internacional; pero sin
hacer uso de los típicos clichés que siempre se
asocian a Latinoamérica.
Entre sus proyectos más recientes se
encuentran una edición limitada de camisetas
para Nike Football (Holanda) de Ronaldinho y
Robinho, dirección de arte y animación de “La
zona” para AXN Latin America, y dirección de
arte y animación de “BrandNew” para Sony
Entertainment Television Latin America. MASA
es el único artista latinoamericano que participó
en el “Project Fox” de Volkswagen, en
Copenhague, fue seleccionado de entre 3 mil
artistas de todo el mundo para intervenir las
habitaciones de un nuevo hotel en Dinamarca.
Ha publicado su trabajo en más de 54 libros
y revistas internacionales. Ha recibido diferentes
reconocimientos y premios entre los que
destacan los obtenidos en diferentes ediciones
de Promax BDA. Ha expuesto en museos,
galerías y espacios alternativos en Barcelona,
Tokyo, Nueva York, Puerto Rico, Madrid, Chile,
Copenhague, Caracas y México.
36 37

CRECER DE
LA MANO
DE LAS PYMES
DISEÑO DOS
ASOCIADOS
Sala de juntas
Oficinas de directivos
Recepción
“Al principio, las pequeñas y medianas empresas no sabían para qué servía lo que
hacíamos, pero 11 años después la historia es otra”
Diseño Dos Asociados se fundó en Puebla
en agosto de 1996 por Juan Carlos García
y Carlos Rivera. El objetivo era dar inicio a
un despacho de diseño que ofreciera el
mismo nivel de calidad y servicio de las
grandes firmas nacionales, aquellas que
se ubicaban en la Ciudad de México. En
1997, apenas un año después, el despacho
obtuvo tres reconocimientos en el Premio
Quórum: un primer lugar y dos menciones
honoríficas. A la fecha suma más de
100 premios por la calidad de su diseño.
Asimismo, su trabajo se ha publicado
en diferentes medios, tanto locales como
nacionales e internacionales; la más reciente
fue el libro “Business Graphics” (editorial
Rockport, 2007). Actualmente, Diseño Dos
Asociados tiene sus oficinas en las torres
corporativas más modernas de Puebla.
Diez personas conforman el equipo, entre
diseñadores y personal administrativo. Los
resultados de los proyectos realizados le
ha permitido construir una sólida reputación,
la cual ha traspasado las fronteras de
Puebla y del País y continuamente atrae
a nuevos clientes. Diseño Dos Asociados
se especializa en estrategia y persuasión
visual y ofrece los siguientes servicios: identidad
visual, identidad de marca, creación
de nombre, branding, packaging, diseño
de folletos y catálogos, interiorismo comercial
y consultoría.
A continuación presentamos una entrevista
con Juan Carlos García, socio/director
de planeación comercial de Diseño Dos
Asociados, quien hace una breve semblanza
de los primeros 11 años de este despacho
poblano signado por diseño de calidad.
¿Cómo describirías los primeros 11 años de
Diseño Dos Asociados?
Han estado salpicados de diferentes matices,
desde momentos de ilusión, alegría
y euforia, hasta incertidumbre y tragos
amargos. En los primeros años todo era
nuevo y día con día nos veíamos sorprendidos
porque descubríamos que éramos
capaces de hacer cosas con las que
soñábamos, pero que jamás imaginamos
que llegarían a convertirse en realidad. El
inicio de Diseño Dos Asociados fue en
condiciones muy austeras, pero detrás de
ellas habían dos corazones férreos, ávidos
de aprender y demostrar que desde aquí,
el interior del País, también se podían realizar
proyectos de gran envergadura y con
la misma calidad de los grandes que en
esa época dominaban el mercado y que
se encontraban centralizados en la Ciudad
de México. También tuvimos tropiezos, de
los que aprendimos y sacamos provecho.
Fuimos víctimas de la inexperiencia como
empresarios y en varias ocasiones hasta
defraudados, pero jamás decaímos. Estos
primeros 11 años marcaron y definieron
las vidas no sólo de quienes fundamos el
despacho, sino también de los que han
sido parte de nuestro equipo y de una
gran cantidad de clientes, que hasta la
fecha se muestran agradecidos.
¿Cuáles son las experiencias que fortalecen
a un despacho y lo hacen perdurar?
Creo, sin temor a equivocarme, que las
situaciones difíciles y de crisis. Muchos
piensan que todo ha sido miel sobre
hojuelas, pero nada más alejado de la rea-
Socios: Carlos Rivera, Paola Aja, Toño Peniche
y Juan Carlos García
Equipo Diseño Dos
Torres JV
Entrada principal a las oficinas
por Francisco Santiago
38 39

lidad. Hemos enfrentado y atravesado por
experiencias duras, tanto a nivel personal
como profesional. Pero también debemos
admitir que gracias a ellas apreciamos los
momentos de recompensa, cuando vemos
que nuestros proyectos dan resultados,
cuando los empresarios voltean a vernos
y reconocen que en el diseño hay algo
más que estética; que éste, apoyado en un
proceso y una metodología, ayuda a lograr
objetivos claramente definidos; entre ellos,
vender más y en mejores condiciones.
Radicar en Puebla, en una provincia de
México, ¿es un factor determinante en la
forma de crecer para un despacho
de diseño?
Así es. Aun cuando nos encontramos muy
cerca de la capital del País, el mercado es
otro. Siempre nos quedó claro, pero ahora
sabemos cómo atenderlo y cómo resolver
sus necesidades. Cuando comenzamos, la
gente nos decía “¿qué hacen en provincia?,
podrían estar en el Distrito Federal y tendrían
más oportunidades de negocio”. Es
cierto. Pero estábamos seguros que desde
aquí podíamos hacer más; claro, nos
llevaría tiempo. Además, queríamos una
mejor calidad de vida para nuestras familias,
pero sobre todo para nuestros hijos.
Las PYMES, mismas que abundan en la
provincia, han sido un sector muy descuidado,
que a muy pocos despachos les interesa
atender; sin embargo, requieren de servicios
de calidad y están dispuestas a pagar
por ellos. A este mercado le apostamos y
afortunadamente no nos equivocamos.
En 11 años la realidad del diseño es distinta,
igualmente, los clientes y hasta la forma de
comunicar. Desde la perspectiva de Diseño
Dos Asociados, ¿cómo ha cambiado el diseño
y la forma de diseñar?
El cliente en provincia es más receptivo,
noble y está dispuesto a ser asesorado; las
grandes marcas, en su mayoría, se encuentran
llenas de procesos burocráticos, creen
saberlo todo y tratan de manipular al diseñador,
incluso algunas hasta pretenden
ponerle precio a su trabajo. Al principio, las
pequeñas y medianas empresas no sabían
para que servía lo que hacíamos, pero 11
años después la historia es otra; hoy ya no
nos buscan para que hagamos un logo
bonito, recurren a nosotros para que los
ayudemos a mejorar la comercialización de
CASO DE ESTUDIO:
SANITY
El desarrollo de la línea de empaques de
Sanity implicó una serie de retos importantes.
El primero de ellos era que el cliente no había
tenido contacto con una empresa de diseño, al
menos no dentro del contexto profesional. El
segundo era que la empresa ya tenía en el mercado
algunos productos, pero con unos empaques
que lejos de reflejar confianza, lucían
pobres e improvisados. Y el tercero era que el
proyecto debía resolverse en un tiempo récord:
aproximadamente un mes.
Sanity es una marca alemana especializada en
productos hospitalarios de indiscutible calidad y
que son fabricados bajo estrictas normas, mismas
que están certificadas en la Unión Europea.
alta tecnología, calidad y lucir como una marca
poderosa en el punto de venta. La primera propuesta
que se realizó seguía los valores de la
categoría (lineamientos gráficos y visuales de
empaques de productos similares). A pesar de
que contaba con una estructura gráfica innovadora,
lucía demasiado fría y no reflejaba la
esencia de la marca y del producto. Así que se
tuvo que replantear por completo la idea y presentar
un camino distinto. La solución que fue
seleccionada, aun cuando la gama cromática
se construyó en tonos fríos, transmite calidez,
calidad y mucha confianza. Además, el consumidor
tiene la posibilidad de tocar los productos
y olerlos (algunos vienen con aromas), detalle
La línea de productos apenas va a ser lanzada
al mercado, pero ha sido bien aceptada
por las cadenas y tiendas que se encargarán de
venderla. La nueva identidad de los empaques
logró abrir muchas puertas y facilitar los procesos
de negociación.
Diseño anterior
En México, la empresa Promeín tiene su repre-
que les confiere valor agregado.
sentación y se ha enfocado en dar a los productos
una imagen congruente con su calidad.
Se llevaron a cabo varias sesiones de trabajo
con el cliente, así como con el equipo de diseño.
El objetivo era lograr que el producto reflejara
40 41

CASO DE ESTUDIO:
ANROD SCHOOL
En marzo de 2007, Diseño Dos Asociados fue
invitado a diseñar la identidad visual de un
nuevo colegio, cuyo concepto diferiría del
resto en la ciudad de Puebla. Debido a que el
cliente tardó en tomar la decisión, tenía que
solucionarse y terminarse en menos de cuatro
semanas. El proyecto era muy interesante
e innovador, sería la primera escuela con un
edificio autosustentable (genera gran parte de
su propia energía y recicla el agua), contaría
con un sistema académico de primer mundo,
con programas antibullying y con enseñanza de
tres idiomas: Español, Inglés y Chino Mandarín.
Las aulas tendrían pizarrones interactivos que
estarían conectados a internet y el equipo de
docentes sería altamente especializado, entre
otras cosas. Sin embargo, todo esto era solamente
una promesa, pues ni siquiera se había
dado inicio a la construcción del edificio.
El despacho tuvo que buscar la forma de
resolver este problema y se llegó a la determinación
de que la estrategia radicaría en convertir
a este colegio en algo deseable para el exigente
y aspiracional mercado poblano. Como no existían
instalaciones que mostrar ni una historia
(antecedentes) que contar, todo debía solucionarse
a través de la percepción y la persuasión
visual. La identidad corporativa sería el pilar en
el que se apoyaría toda la campaña.
Se presentaron diferentes opciones de logo,
donde se exploraron distintas formas de expresar
el concepto Anrod School. Al final, el elegido
fue un logosímbolo, cuyo imago es un Grifo,
ser mitológico que posee un significado interesante
que mucho tiene que ver con la filosofía
del colegio. Además, este elemento recuerda a
las grandes y prestigiadas instituciones académicas
de todo el mundo. Después se diseñaron
algunas herramientas de comunicación (folleto
institucional, folleto comercial y billboards) y
un módulo informativo ubicado en un importante
centro comercial, tales herramientas y el
módulo fueron los que se encargaron de hacer
todo el trabajo, junto con un adecuado plan de
relaciones públicas.
El colegio terminó su construcción a mediados
del mes de agosto, unos cuantos días antes
de iniciar operaciones. El número de alumnos
inscritos antes de la fecha superó las expectativas
y todavía continúa en incremento. En el
mercado poblano, Anrod School provocó una
revolución y hasta las escuelas de mayor tradición
y abolengo, aquellas que nunca habían
hecho ninguna campaña ni invertido en estrategias
de comunicación, se vieron en la necesidad
de responder, con anuncios y billboards por
toda la ciudad. Asimismo, dada la estructura
que se le dio a la marca, la gente pensaba que
el colegio era una franquicia extranjera de prestigio
que había llegado a México.
sus productos o servicios, para volverse más
competitivos y para destacar en el mercado
local, nacional e internacional. Somos parte
de su engranaje estratégico de negocio.
Los clientes ya entienden y hablan
de marketing, branding, posicionamiento,
identidad y de otros conceptos que antes
les parecían abstractos y ambiguos. Asimismo,
el radio de acción del despacho
se ha expandido, nos llaman de México,
de otros estados de la República Mexicana
e incluso de otros países.
Desde el punto de vista tecnológico,
el diseñador ya no puede prescindir de la
computadora, mas el proceso sigue siendo
el mismo: la cabeza y el lápiz son las
herramientas más poderosas y básicas de
todo proceso creativo.
¿Cómo responde Diseño Dos Asociados
a estos cambios, cómo ha evolucionado
como empresa de diseño?
De muchas maneras. Una de ellas es la conformación
de un equipo verdaderamente
profesional y comprometido. Otra es la
actualización y preparación, así como leer
y escuchar experiencias de los colegas y de
los maestros del mundo del diseño. De igual
forma, las instalaciones juegan un papel
esencial, detalle que los clientes perciben
como valor agregado, al igual que la gente
que trabaja con nosotros, ya que cuentan
con un espacio confortable, donde cada rincón
transpira diseño. Tenemos una adecuada
estructura organizacional, con diferentes
áreas y con distintas responsabilidades: desde
una coordinación administrativa, hasta
una dirección de proyectos, una dirección
de arte, una dirección de planeación comercial
y un departamento de diseño del que
nos sentimos orgullosos. Aunado a esto, dos
nuevos socios se han integrado: Paola Aja,
directora de proyectos, y Antonio Peniche,
quien funge como consultor.
¿Cuáles han sido los principales logros y
éxitos de Diseño Dos Asociados en 11 años
de trayectoria?
Primero, el reconocimiento del mercado.
Mediante el diseño que hacemos, las
empresas (marcas) han crecido y mejorado
sus sistemas de comunicación y
comercialización. Segundo, el respeto de
nuestros colegas, Diseño Dos Asociados
ha recibido más de 100 reconocimientos
nacionales e internacionales en prestigiados
eventos. Recientemente, Rockport,
una importante editorial norteamericana,
publicó el libro Business Graphics, donde
sólo Diseño Dos Asociados y otro despacho
del D.F. son de México, el resto son de
Europa, Asia y Estados Unidos; este libro
seleccionó seis proyectos desarrollados
por nosotros. Otro logro fue contar con
funcionales y modernas oficinas en las
torres de negocios más importantes de
Puebla, así como llegar a estos primeros 11
años, lo cual es tal vez lo más significativo•
42 43

100 AÑOS
DE FRIDA
ENTRE
EL ARTE
Y EL
MARKETING
“Es sólo mercadotecnia, una forma de ganar dinero, que únicamente
daña y banaliza la imagen de la pintora”, Teresa del Conde
por Francisco Santiago y Esmeralda Montes de Oca
Ilustración de Paco Reyes
44 45

Después de casi 70 años de su primera
exposición individual –que por cierto fue
en el extranjero, en la Julien Levy Gallery
en Nueva York– este año se celebró, de
una forma histórica y hasta desbordada, el
aniversario número cien del natalicio de Frida
Kahlo (1907-1954), a quien hoy se califica
como la máxima representante de la pintura
mexicana. Cabe mencionar que su primera
exposición individual en México fue
en 1953 en la Galería de Arte Contemporáneo,
tan sólo un año antes de su muerte.
La autora de “Las dos Fridas” tuvo una
vida llena de tragedias personales y una
castigada salud, lo cual está presente en su
obra. Y aunque la artista fue calificada como
surrealista por André Breton, ella misma
aclaró en su momento: “pensaron que yo
era surrealista, pero no lo fui. Nunca pinté
mis sueños, sólo pinté mi propia realidad”.
Hoy, la vida y obra de Frida Kahlo se
han convertido en un fenómeno desconcertante.
Aunque para muchos es una artista
excepcional, para otros es innegable que su
personalidad y obra han recibido un esfuerzo
mercadológico sin precedentes en el arte
mexicano. 2007, el año de Frida, ha sido marcado
por innumerables exposiciones, representaciones
teatrales, novedades editoriales,
souvenirs y un público ansioso por sumarse
al festejo del natalicio de la artista.
“Su fuerza no está en la mercadotecnia,
sino en sus imágenes, las cuales se han
adentrado en la gente. La popularidad de
la dos veces esposa del pintor Diego Rivera
no es producto de la mercadotecnia,
sino de la genuina inventiva popular”, afirmó
Carlos Monsiváis, durante su participación
en las Jornadas Fridianas que se llevaron
a cabo en el Palacio de Bellas Artes a
mediados de este año, en el marco de la
exposición que rompió todos los récords
de asistencia a un museo en nuestro País:
“Frida Kahlo 1907-2007. Homenaje Nacional”.
Para el escritor y cronista de la Ciudad
de México, y autor de “Frida Kahlo,
una vida, una obra” (Editorial Debate, 1992),
es la primera vez que un artista se incorpora
a la vida cotidiana de un pueblo, lo
que viene a ser una referencia de orgullo
nacional y no nacionalista. “La vida y arte
de Frida Kahlo van a persistir, porque los
múltiples personajes que son Frida, son
una de las grandes contribuciones al
espejo colectivo de México”.
Empero, la figura y obra de la pintora,
nacida hace 100 años en el barrio de
Coyoacán en la Ciudad de México, se
comercializa como la de una “rockstar”
conocida por multitudes dentro y fuera
del País. Incluso, la hija, la nieta y la bisnieta
de Cristina Kahlo – hermana menor de la
artista– formaron la empresa Frida Kahlo
Corporation, la cual tiene como objetivo
difundir la imagen de la artista, en México
y el extranjero, a través de licenciar el nombre
de Frida Kahlo.
Sobre el interés casi desmedido hacia
la figura de Kahlo, fenómeno llamado “fridomanía”,
Teresa del Conde, reconocida
crítica de arte autora del libro “Frida Kahlo.
Una mirada crítica” (Editorial Planeta, 2007),
lamentó que se anteponga el personaje a la
artista; todo el mundo la conoce, aunque no
su trabajo artístico. “Es sólo mercadotecnia,
una forma de ganar dinero, que únicamente
daña y banaliza la imagen de la pintora”.
Sin embargo, el valor artístico de Frida
Kahlo no está en duda, pues más allá de la
fridomanía, este año hubo una vasta cantidad
de productos relacionados con el arte,
como obras de teatro o nuevos libros y, por
supuesto, exposiciones. A continuación
presentamos una lista de 100 actividades
que se realizaron dentro y fuera de México,
relacionados con la imagen y la obra de Frida
Kahlo, aunque hubo muchas más•
EXPOSICIONES
“Frida Kahlo 1907-2007. Homenaje
1
Nacional”, en el Museo del Palacio
de Bellas Artes. De junio a agosto
de 2007.
“Tesoros de la Casa Azul, Frida y
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Diego” en el Museo Frida Kahlo. De
julio a diciembre de 2007.
3
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“Frida Kahlo”, exposición itinerante
en Estados Unidos: Walker Art Center
de Minneapolis. De octubre de
2007 a enero de 2008; MOMA de San
Francisco. De febrero a mayo de
2008, y Philadelphia Museum of Art.
De junio a septiembre de 2008.
“Frida Kahlo: public image, private
life. A selection of photographs
and letters”, en el National Museum
of Women in the Arts (Washington).
De julio a octubre de 2007 (Estados
Unidos).
“Frida”, muestra de óleos, cartas y
fotografías en el Museo de Arte
Contemporáneo de Monterrey.
Septiembre de 2007.
“Frida en páginas impresas”, exposición
de publicaciones en el Museo
Estudio Diego Rivera. De julio a
septiembre de 2007.
“Expo-homenaje a Frida”, muestra
colectiva en el Museo de Arte Regional
de la delegación Azcapotzalco,
en el marco del IV Festival Cultural
Internacional. Junio de 2007.
“Homenaje a Frida”, de Marina Pospekhova
en el Museo de Bellas Artes de
Yoshkar-Ola. Julio de 2007 (Rusia).
“Viva la vida: Frida”, exposición colectiva
en la Galería Latinoamericana
de Casa de las Américas, en La
Habana. De septiembre a octubre
de 2007 (Cuba).
“Tod@s somos Frida” en el Colegio
Oficial de Arquitectos de Córdoba.
Marzo de 2007 (España).
“Pesadilla de guerra, sueño de paz
de 1952”, homenaje a Frida Kahlo
y Diego Rivera, en el Palacio de la
Autonomía, en el XXXIII Festival de
México en el Centro Histórico. Marzo
de 2007.
“Azul Frida”, exhibición de vestimenta
semejante a la que utilizaba Frida
Kahlo, en la Universidad del Claustro
de Sor Juana. De marzo a julio
de 2007.
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“Diálogo con Frida” muestra de 10
litografías de Lucía Maya, en el Metro,
estación Pino Suárez. Abril de 2007.
“Frida. El encanto enigmático”, fotografías
de Leo Matiz en el Museo Universitario
del Chopo. Abril de 2007.
“Los años de Diego y Frida”, notas de
prensa sobre la vida y obra de Frida
Kahlo y Diego Rivera en la Biblioteca
Miguel Lerdo de Tejada. De marzo a
mayo de 2007.
“Viva la vida: Frida”, en el Museo de la
Caricatura. De marzo a abril de 2007.
“Viva la vida: Frida” exposición colectiva
en el Salón de la Plástica Mexicana.
De marzo a julio de 2007.
“Viva la vida: Frida”, en el Museo Nacional
de Bratislava. Octubre de 2007
(Eslovaquia). La muestra se presentó
también en Munich (Alemania).
“Frida te invita a su casa”, exposición
interactiva para niños en Museo
Casa Estudio Diego Rivera y Frida
Kahlo, Museo de Historia Mexicana,
Museo de Arte de Tlaxcala, Biblioteca
de México y Centro de las Artes
de Salamanca, Guanajuato, 2007.
“El amor amoroso de una pareja dispar”,
en el Museo del Estanquillo. De
julio a noviembre de 2007.
“Los exvotos de Frida”, en el Café 22.
De septiembre a noviembre de 2007.
“Nunca te olvidaré”, fotografías de
Nicolás Murria en el Museo de la Ciudad
de México. Septiembre de 2007.
“Homenaje a Diego y Frida”, muestra
fotográfica en las rejas del Bosque
de Chapultepec. Diciembre de 2007.
Fotografía de 100 mujeres desnudas
por Spencer Tunick en la Casa Azul
como homenaje a Frida Kahlo. Mayo
de 2007.
“La gran ocultadora”, exposición fotográfica
en Alicante. Marzo de 2007
(España).
“Diego y Frida. Una sonrisa a mitad
del camino”, en la Librería Educal
de Buenavista. Abril de 2007.
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28
“Complicidades. Diego y Frida”, en el
Museo del Canal Interoceánico de
Panamá. Agosto de 2007 (Panamá).
Exposición “Cada quien su Frida”, en
la Casa de la Cultura de Durango. De
octubre a noviembre de 2007.
LIBROS
“El ropero de Frida”, de Dense Rosenzweig.
Conaculta, 2007.
29
“Frida Kahlo”, de Luis Martín Lozano.
30
Océano, 2007.
“Frida Kahlo 1907-2007”, de Carlos
31
Fuentes. RM, 2007.
Ilustración de Víctor Martínez
32
33
34
“Querido doctorcito”, correspondencia
entre Frida Kahlo y Leo Eloesser.
DGE, 2007.
“Frida Kahlo: una mirada crítica”, de
Teresa del Conde. Planeta Mexicana,
2007.
“Una visita al mundo de Frida Kahlo”,
de Sol Levin Rojo. Porrúa, 2007.
CINE, TELEVISIÓN Y VIDEO
Proyección del cortometraje “Diego
y Frida, una apasionada travesía”
35
de Gabriel Figueroa y Diego López.
Septiembre de 2007.
“Yo soy Frida” de Héctor Tajonar,
36
protagonizado por Gabriela Roel.
37
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39
Transmitido por canal 22. Julio de
2007.
Función de gala de “Frida, naturaleza
viva” en el marco del festival
“Desde Chile un abrazo para Frida y
Diego” organizado por las autoridades
culturales de Chile, la Universidad
Mayor y la embajada mexicana.
Julio de 2007 (Chile).
Documental “Frida Kahlo… a cien
años de su nacimiento”, de Jesús
Muñoz Delgado. Enero de 2007.
Tres programas especiales en canal
México 22 de Alterna TV. Julio de
Ilustración de Angélica Portillo
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44
2007 (Estados Unidos).
Proyección del documental “Las
dos Fridas”, de Rodrigo Castaño, en
la Sala de Arte Antonio Ocampo
Ramírez. Julio de 2007.
Videocollage “Frida”, de Mercedes
García Bravo. Junio de 2007.
Video performance “La nieta apócrifa
de Frida Kahlo”, de Violeta
Luna.
Video performance “Él es Frida
Kahlo”, de Maya Escobar.
Documental “¿Sucedió en San
Ildefonso?” en el Museo de San
Ildefonso. De marzo a septiembre
de 2007.
“La vida y arte de Frida Kahlo van a persistir,
porque los múltiples personajes
que son Frida, son una de las
grandes contribuciones al espejo
colectivo de México”.
Carlos Monsiváis
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46
Video “Frida Kahlo”, de Lila Calderón,
con una selección de obras de
la artista y música de Lila Downs.
Proyección de “La cinta que envuelve
una bomba” y “Frida, naturaleza
viva”, en la biblioteca principal de
Riverside. Mayo de 2007 (Estados
Unidos).
TEATRO, DANZA Y PERFORMANCE
“Cada quien su Frida” protagonizada
por Ofelia Medina, en el Teatro
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de la Ciudad de México. Julio de
2007. También se presentó en 10
plazas públicas de las delegaciones:
Álvaro Obregón, Azcapotzalco,
Coyoacán, Cuajimalpa, Gustavo A.
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52
53
sentó en 2007 en varios países: en el
Festival LGTB Visible de Madrid; en
el teatro El Tinglado, en Uruguay;
en Curitiba, Brasil; en Chicago, Estados
Unidos y se estrenará en 2008
en Gran Bretaña y en Venezuela.
Ópera “Frida” de Robert Xavier
Rodríguez en el Teatro Degollado
de Guadalajara. Mayo de 2007.
“Frida y yo”, de Emilia Mazer, en el
Centro Cultural de la Cooperación.
Mayo de 2007 (Argentina).
“Unos cuantos piquetitos”, performance
en el Festival Mundial de
Teatro y Música de Ámsterdam, de
Mauricio García Lozano. Junio de
2007 (Holanda).
aparecía en el Metrobús. Julio de
2007.
MÚSICA Y RADIO
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61
62
Musical “Frida, un canto a la vida”
producido y escrito por Marcos
Lifshitz, en el Pabellón de Alta Tecnología.
Octubre de 2007.
Canción “Frida y sus flores” de Marta
Sánchez, en el álbum “Miss Sánchez”.
2007.
Canción “Frida Kahlo”, del grupo
francés Lola BÄI. 2007.
Concurso de trovadores “Una canción
para Frida y Diego”, organizado
por el Centro Cultural “Pablo de la
Torriente Brau”, de La Habana, y la
66
VARIOS
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dos y presentados en vivo, creados
a partir de varias obras de la pintora,
entre ellas: “La columna rota”,
“Las dos Fridas”, “El abrazo de amor
del Universo”, “La tierra”, “Diego y
yo” y “El señor Xólotl”. Julio de 2007.
Control remoto de Radio Educación
desde la sede de la exposición “Frida
Kahlo 1907-2007”, en el Palacio de
Bellas Artes. Julio de 2007.
Jornadas Fridianas en el Palacio de
Bellas Artes. Julio de 2007.
Decoración de dos turibuses con
imágenes de Frida Kahlo. Junio de
2007.
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76
comida basura Slowfood. Noviembre
2007.
Cena temática “Sabor y aroma: Diego
y Frida”, con la colaboración de
la Asociación Gastronómica Mexicana
Tlacualli, en el Teatro Degollado.
Mayo de 2007.
Presentación de dos aviones
Boeing 777 de Aeroméxico bautizados
con los nombres de Frida Kahlo
y Diego Rivera. Febrero de 2007.
El Banco de México anunció que
pondrá en circulación los nuevos
billetes de 500 pesos con la imagen
de Frida Kahlo y Diego Rivera.
Imágenes de Frida Kahlo y su obra
se aplicaron a una edición especial
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Concurso-Homenaje a Frida Kahlo,
organizado por el municipio de
Ixtapaluca, Estado de México. Julio
y agosto de 2007.
“Desde Chile un abrazo para Frida y
Diego” organizado por las autoridades
culturales de Chile, la Universidad
Mayor y la Embajada Mexicana.
Junio de 2007 (Chile).
Cena homenaje “El cumpleaños de
Frida”. Recreación de una fiesta de
cumpleaños para Frida en el Claustro
de Sor Juana. Marzo de 2007.
Homenaje a la artista Fanny Rabel,
única mujer discípula de Frida Kahlo
en la Casa de la Primera Imprenta de
América. Marzo de 2007.
Ilustración de Víctor Martínez Ilustración de Cruz Martínez
Ilustración de Paco Reyes Ilustración de Leticia Barradas Ilustración de Harry Aemebe Ilustración de Angélica Portillo
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50
Madero, Iztapalapa, Miguel Hidalgo,
Milpa Alta, Tlalpan y Xochimilco.
De junio a julio de 2007.
“Frida Kahlo. Una mujer de piedra
da a luz por la noche”, de Maura
Baiocchi. Junio de 2007 (Brasil).
“Su-Frida, viva la vida”, presentación
que mezcla danza y teatro. Agosto
de 2007 (Argentina).
Monólogo “Kahlo, viva la vida”,
interpretado por Gabriela Roel en el
Café 22. De agosto a noviembre de
2007. Esta puesta en escena se pre-
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58
Performance “Las dos Fridas”, de
Humberto Spíndola, en el Hemiciclo
a Juárez. Marzo de 2007.
Ciclo de danza y cine “Queremos
tanto a Frida”. Julio 2007 (Filipinas).
“Pies pa volar”, de Analía González y
Andrés Cárdenas, en Zelaya. Agosto
de 2007 (Argentina).
“Niña Frida”, en el Centro Municipal
Integrado de Pumarín. Octubre de
2007 (España).
Performance en el cual una actriz
personificada como Frida Kahlo
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65
embajada de México en Cuba. Junio
y julio de 2007 (Cuba).
Disco “Frida, la música que acompañó
sus pasiones”, de Luna Itzel.
Septiembre de 2007.
Transmisión de siete monólogos
del dramaturgo Tomás Urtusástegui,
parte de la obra “Soy Frida,
soy libre”, interpretados por Martha
Aura en Radio Educación. Julio
de 2007.
Transmisión por Radio Educación
de tres retratos sonoros, produci-
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72
Inauguración de una unidad de
Metrobús decorada con imágenes
de Frida Kahlo, llamado “Fridabus”, en
el parque La Bombilla. Julio de 2007.
Festival “Frida y Diego, voces de
la tierra”. De julio a noviembre de
2007 (Cuba).
Programa de menús y película llamado
“Las fiestas de Frida” realizado
por Air France durante los vuelos
de México a Francia. Julio 2007.
Homenaje a Frida Kahlo en el Movimiento
Internacional contra la
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79
de tenis Converse.
Lanzamiento del per fume “El
carácter de su esencia”, de Godven
International, decorados con imágenes
de pinturas de Frida Kahlo y
Diego Rivera. Septiembre de 2007.
Coloquio “Una cinta que envuelve
una bomba”, en la Casa de las Américas.
Septiembre de 2007 (Cuba).
Homenaje a Frida Kahlo en las
Jornadas Culturales de México en
Cuba. De septiembre a octubre de
2007 (Cuba).
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87
Colección primavera-verano 2007
inspirada en Frida Kahlo, de la diseñadora
colombiana Silvia Tcherassi.
“El Kahloismo” homenaje a Frida
Kahlo por las bibliotecas de Barcelona
2007 (España).
Taller “Frida y las fiestas de septiembre”
impartido por Pedro Ortega en
el Museo de Culturas Populares. Marzo
de 2007.
Ofrenda dedicada a Frida Kahlo y
Diego Rivera en el Festival Internacional
Cervantino. Octubre de 2007.
48 49

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“Día de la ayuda” en la Casa Hogar
para madres solteras, entrega de
despensa que retoma la tradición
de Frida Kahlo, organizado por Frida
Kahlo Corporation. Octubre de 2007.
Ofrenda-homenaje a Frida Kahlo
en el Seattle Center y en el Center
House. Octubre de 2007 (Estados
Unidos).
Ofrenda de “Día de muertos” en
el Consulado de México en Miami.
Noviembre de 2007 (Estados
Unidos).
Festival de Día de Muertos con
homenajes a Frida Kahlo y Diego
Rivera, en el Centro Histórico. De
octubre a noviembre de 2007.
EN LA WEB
92
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94
Frida Kahlo Corporation: www.
fkahlo.com.
Frida Revolutionary Fashions: www.
fridafashions.com
Sitio especial en BBC Mundo: http://
news.bbc.co.uk /hi/spanish/specials/2007/frida/
CURIOSIDADES
443 mil 938 personas visitaron la muestra
“Frida Kahlo. Homenaje nacional”,
95
en el Palacio de Bellas Artes.
La consulta sobre la artista plástica
96 en el buscador de internet Google,
originó 2 millones 2 mil 130 registros
virtuales.
En internet, más 17 mil 500 personas
97
han visto el video “Frida Kahlo” de
Lila Calderón.
Ilustración de Víctor Martínez
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99
100
La obra “Raíces”, vendida en mayo
de 2006 en Sotheby’s de Nueva
York por 5 millones 616 mil dólares,
batió el récord del mayor precio
pagado por una obra de arte hispanoamericana.
La exposición sobre la pintora
mexicana Frida Kahlo en el Museo
de Arte Contemporáneo de Monterrey,
en el marco del “Fórum
Universal de las Culturas” fue visitada
por 111 mil 114 personas, cifra
récord para los museos del norte
de México.
La admiración hacia Frida Kahlo
es tal que Madonna, la reina del
pop, posee una colección privada
de 15 obras de la artista que
en ocasiones presta para algunas
exposiciones•
FK CORP.
Frida Kahlo Corporation es la empresa que cuenta
con los derechos de la marca-nombre Frida
Kahlo a nivel mundial. La empresa surgió por el
interés de Isolda P. Kahlo, sobrina de la pintora,
por conservar y difundir la imagen de la artista.
Busca transmitir la determinación y pasión características
de Frida Kahlo en productos, a través
de licenciar el uso de su nombre a grandes corporativos
a nivel nacional e internacional.
Actualmente, a través de Frida Kahlo Corporation
(www.fkahlo.com) se pueden adquirir
el libro “Frida íntima”, de Isolda P. Kahlo; la
muñeca Frida, réplica de la imagen de la artista
hecha a mano y vestida con trajes típicos
indígenas, y el tequila Frida Kahlo, de la firma
Dorado, Pizzorni & Sons.
Mara Romeo Kahlo, hija de Isolda P. Kahlo en
breve entrevista comenta la labor de la empresa
que emprendió su madre para transmitir el
legado de su tía abuela.
¿Cuál es el origen y la motivación principal
para la creación de la empresa Frida Kahlo
Corporation?
Ante el creciente número de admiradores y
seguidores de Frida Kahlo, surgió por parte de
nosotros, los familiares más cercanos, el esfuerzo
por conservar y difundir su imagen y legado,
creando así Frida Kahlo Corporation.
apegada a su cultura y enriquecida de todos
los elementos de su entorno; fomentar la proyección
de la cultura mexicana al mundo, exaltando
los elementos autóctonos y tradicionales
de México, e impulsar el desarrollo de diversos
grupos sociales, destinando una parte de los
ingresos de la compañía a causas sociales.
¿Qué actividades en particular realizó
Frida Kahlo Corporation para la
celebración de este aniversario del
natalicio de la artista?
En octubre mis hijos, Mara, Diego, Frida y yo
celebramos el centenario de Frida al retomar
una tradición de las hermanas Kahlo, Frida y
Cristina: “el día de ayuda”.
El evento se realizó en las instalaciones de
la Casa Hogar para Madres Solteras, donde
las madres solteras compartieron sus historias
y recibieron una canasta básica con productos
como frijoles, café, agua embotellada, atún enlatado
y diversos artículos para ellas y sus hijos.
¿Cuál es el alcance de la empresa?
Solamente el derecho del nombre y la imagen
de Frida Kahlo.
¿La existencia de una empresa tan ligada
al nombre de la artista puede contribuir
a pensar que el furor hacia Frida Kahlo es
¿Cuáles son sus principales funciones y
producto de la mercadotecnia?
actividades en México y el extranjero?
Fomentar la difusión de la imagen y el nombre
de Frida Kahlo como una mujer multifacética,
No lo creo, mi tía abuela es y ha sido siempre
una valiosa y exitosa artista. Creo que hasta
ahora realmente es cuando se le ha valorado.
Fotos: cortesía de Frida Kahlo Corporation
50 51

TIPOGRAFÍA
PARA MEDIOS
INTERACTIVOS
“La pobre disponibilidad del material tipográfico no es una excusa para un pobre diseño
tipográfico en pantalla”
“Apple Macintosh (1984) marcó
el inicio de la era del DTP
UNA NECESARIA INTRODUCCIÓN
Es mitad de la década de los años 80 y el
mundo está por dar un paso mágico hacia
un nuevo paradigma en artes gráficas y
comunicación: la introducción simultánea
de una manera visual de usar computadoras
personales, de ofrecer herramientas
DTP (el venerable Page Maker) y de poder
conectar una impresora láser capaz de
imprimir gráficos en alta resolución. Esta
triada ha sido siempre recordada como
la santa trinidad del diseño gráfico digital
moderno. Con tanto spotlight es fácil olvidar
un par de personajes secundarios de
esta escena: las fuentes digitales y el lenguaje
de paginación PostScript.
Vale la pena destacar, para nuestros
lectores más jóvenes, que antes de 1984 para
imprimir cualquier archivo (en una impresora
de puntos) se empleaban métodos muy
esotéricos comparados con los estándares
de hoy (mapeo de datos ASCII a caracteres
mecánicos o el uso de tablas de fuentes dentro
de las impresoras, dot matrix). Claro que
la introducción de una nueva manera de
emplear información tipográfica de calidad
cambió radicalmente la manera en la cual
hemos conceptualizado, trabajado con y
usado tipos en estas últimas dos décadas.
Para los puristas en las artes tipográficas,
las virtualización de los tipos de metal
en fuentes digitales destruyó mucho del
legado de 500 años de tradición tipográfica.
Para los nuevos adeptos, la tipografía digital
vino a ahorrar tiempo, recursos y optimizar
procesos. Para los empresarios significó la
adopción masiva de Arial como tipografía
favorita en sus presentaciones PowerPoint.
Y para las amas de casa y los adictos al MSN
la inclusión de Comic Sans marcó el nuevo
standard en tipografía informal. Para
empeorar las cosas, en la década de los
años 90, la perfilación de un nuevo medio
de comunicación, internet, puso sus propias
reglas sobre el campo tipográfico digital:
la restricción de usar un set limitado de
tipografías ampliamente distribuidas, resoluciones
de pantalla muy pobres y un control
limitado sobre la presentación de textos
en pantalla. Hasta cierto punto, no es
sorprendente entonces que hoy en día se
produzca tanto diseño tipográfico mediocre.
Al final de cuentas, estas son excusas
para una falla un poco más fundamental:
demasiados diseñadores (y pseudo-diseñadores,
por supuesto) no emplean algunas
de las reglas más básicas del arte tipográfico,
mucho menos reglas específicas relacionadas
a medios digitales/pantallas. Este
artículo es meramente un recuerdo y/o una
invitación a explorar las reglas, los límites y
las posibilidades del manejo tipográfico en
los medios interactivos actuales.
ENTENDAMOS LAS BASES
TIPOS DE FUENTES
Hoy usamos principalmente tres tipos de
fuentes. Por más de 10 años las fuentes
PostScript Type 1 (PS1) y las fuentes True-
Type (TT) disputaron su supremacía en las
computadoras de todo el mundo, sólo
para estar eclipsadas últimamente por las
fuentes OpenType (OTF), el nuevo Santo
Grial de la tipografía digital. Las diferencias
entre estos formatos residen principalmente
en aspectos técnicos y muy técnicos
(métodos de descripción matemática
de las curvas Bézier en los caracteres y el
sistema de hinting). El formato OpenType
reúne las cualidades de PS1 y TT, más un
mejor soporte para idiomas (vía Unicode)
y elementos de tipografía avanzada (fuentes
Pro). Se estima que más de 10 mil fuentes
están disponibles en el mercado en el
formato OTF y este número crece cada día.
KERNING / HINTING
El verdadero arte del espaciado de letras,
el kerning, no ha pasado sin turbulencias
al mundo digital, para poder desplegar de
manera legible y elegante las tipografías,
las fuentes digitales emplean una tabla de
kerning. En teoría, su correcta aplicación
ahorra enormes cantidades de tiempo
en el uso de estos tipos, pero a la vez ha
ayudado indirectamente a homogeneizar
la tipografía actual a un estado de mediocridad.
Más y más trabajos de alto perfil
salen de despachos con un inter-letrado
defectuoso, el problema es agudo especialmente
en HTML, donde la única propiedad
CSS para el control del inter-letrado
(tracking) es letter-spacing, la cual no
ofrece un control muy exacto.
Otro aspecto inicialmente ignorado
por algunos fabricantes de tipos digitales es
el hinting. Cuando desplegamos una fuente
en tamaños chicos necesitamos “ayudar”
a la computadora a decidir como mantener
los trazos de cada letra, de lo contrario, las
letras empiezan a uniformarse. El hinting
es un proceso muy laborioso que sólo las
fuentes comerciales de más alta calidad lo
toman en consideración (softwares recientes
tienen una función de hinting automático,
pero no ofrece resultados óptimos). Por
esto, es importante elegir aquellas tipografías
profesionales que mantienen su personalidad
en tamaños chicos.
ENCODING
Otro aspecto olvidado por muchos diseñadores
es la codificación de los caracteres y el
soporte para mostrar varios idiomas con la
misma coherencia visual. Hoy, especialmente
en países como México, usar una fuente
sin acentos no es admisible. La internacionalización
que la web ha provocado en los
últimos 10 años, ha forzado una migración
hacia el uso extenso de Unicode UTF-8,
Durante la década de los años 80 y 90, el soporte
tipográfico en pantalla era muy limitado: software
por Mircea Turcan
como Wordpress usaba fuentes bitmap monospaced
52 53

Sin kerning
Andale Mono
Arial
Sin hiting 400%
Tracking negativo CSS letter-spacing: -0.06em)
Comic Sans
Courier New
Con hiting 400%
Tracking negativo CSS letter-spacing: -3px)
Correcto
El soporte para kerning/tracking en HTML es muy
primitivo: aquí vemos ejemplos de una tipografía
sin ningún ajuste (en gris tenue podemos apreciar
la manera correcta de espaciar las letras); más
abajo vemos como, utilizando la propiedad CSS letter-spacing,
podemos simular un tracking negativo,
expresado en ems o pixeles
Georgia
Impact
Ejemplo de hinting: para mantener sus particularidades a tamaños chicos, las
tipografías necesitan información adicional sobre como desplegar sus trazos
formato actualmente recomendado para
poder renderear contenido multi-idomas
en una variedad de aplicaciones, lenguajes
y protocolos. Pero esto no viene sin sus problemas:
no todas las fuentes tienen soporte
Unicode extenso (por ejemplo, el omnipresente
Arial carece del soporte Unicode
que su hermano mayor, denominado Arial
Unicode MS, tiene en su arsenal, pero a un
costo: pesa 21 MB), y no todos los browsers
soportan Unicode correctamente. Mientras
que Firefox, Safari y Opera pueden desplegar
contenido multi-idioma en una sola
página, el IE6 tiene problemas al hacerlo.
ALIASING
Para desplegar una tipografía en la pantalla,
cualquier computadora emplea un
Anti-aliasing: Quartz Mac OS X (subpixel rendering)
Anti-aliasing: Smooth
Anti-aliasing: Strong
Anti-aliasing: Crisp
Anti-aliasing: Sharp
sistema de rasterización de la información
tipográfica en pixeles. La dificultad aparece
cuando queremos mostrar curvas
finas y remates (que muchas veces son
los rasgos esenciales en el diseño de ciertos
tipos). Este problema se resuelve por
un algoritmo que realiza una transición
entre los pixeles de la tipografía y los del
fondo, mientras que apoyado por el hinting–
intenta mantener la misma cualidad
visual. Estos algoritmos han evolucionado
en el tiempo, desde el empleo de simples
escalas de grises (como los tres algoritmos
empleados actualmente por Photoshop
presentes en las herramientas Crisp, Sharp
y Smooth) hacia una nueva tecnología
llamada subpixel rendering (empleada a
nivel sistema operativo). Variantes de esta
nueva tecnología se encuentran incorporadas
en todos los sistemas operativos
actuales: ClearType para Windows, Quartz
para Mac OS X y FreeType para Linux. La
gran ventaja de emplear pasterización a
nivel subpixel es que crece la resolución
aparente del LCD, lo que permite una
mayor legibilidad del texto en la pantalla,
especialmente a tamaños superiores a 9-10
pixeles. Del otro lado, el mal uso de aliasing
hace que tengamos artefactos visuales
alrededor de nuestra tipografía, que
sea borrosa o insuficientemente visible.
Una excepción notoria en el capítulo
aliasing lo constituyen las fuentes bitmap
(las que solamente contienen la información
de los pixeles que estarán desplegados en
la pantalla). Están diseñadas para ser usadas
Times New Roman
Verdana
en tamaños específicos y como regla general,
no emplean aliasing. Piensen en los tipos
presentes en la mayoría de sus celulares, en
los OSD (On-Screen-Displays) de muchos
electrónicos, en dispositivos con baja resolución
de pantalla (incluyendo los cajeros
electrónicos) o bien en algunos sitios web,
donde su uso correcto ayuda a mantener
el diseño limpio y legible. Para ayudarnos,
algunos fabricantes de tipos bitmap especifican
el tamaño correcto en el nombre de
la fuente: 8 pixeles, 9 pixeles o 10 pixeles son
tamaños muy comunes para estas tipos. Es
de máxima importancia emplear los tipos
bitmap en el tamaño especificado, o bien
en múltiples directos de éstos: es decir una
fuente diseñada para ser usada en 9 pixeles
debe ser empleada como tal o a 18 pixeles,
27 pixeles, 36 pixeles, etcétera.
Otro error común en el uso de tipografías
bitmap aparece cuando se usa
Flash, para gozar de trazos muy definidos
de estas tipografías, ellas deben estar
ubicadas en un pixel entero (es decir, los
valores X y Y de la ubicación de la caja de
texto no pueden tener decimales). Esta
regla se debe respetar no sólo para la
caja de texto, sino para cada movie-clip
o instancia que la contenga. Además, si el
texto está animado, se debe usar el preset
“anti-alias for animation”. No por último, es
esencial que la fuente usada esté incluida
(embedded) cuando exportamos el archivo
.swf; de lo contrario será sustituida por
una tipografía genérica (Times o Arial).
RESOLUCIÓN
Trebuchet MS
Webdings
El paquete Core Fonts For Web contiene 10 tipografías presentes en casi todas las computadoras del mundo
A diferencia del reproductor de música
digital, el concepto del libro electrónico
aún no ha permeado en la sociedad
actual, y aunque existen intentos serios
para cambiar esta situación (por ejemplo
Sony Librié y su sucesor, el Reader), una
solución efectiva está todavía lejos. Una
importante razón detrás de esto ha sido
la relativamente pobre resolución en pantallas
en comparación con la calidad del
material impreso. Por más de una década,
la resolución standard dio vueltas alrededor
de un mágico numero de 72 pixeles
por pulgada, pero la mayoría de las pantallas
LCD actuales ya son capaces de alcanzar
una resolución de 90 a 130; incluso existen
pantallas experimentales que llegan
a 300, arriba de este límite los estudios
muestran que el ojo humano no distingue
diferencias notorias. La pobre resolución
combinada al hecho que la pantalla es un
elemento que emite luz (a diferencia del
papel que lo refleja) cansa el ojo humano
al leer textos largos y si a esto le añadimos
la falta de una implementación tecnológica
elegante, el fracaso de los libros electrónicos
no es difícil de entender.
Sin embargo esta no es una excusa para
una pobre tipografía, manejadas profesionalmente
y contextualizadas correctamente,
muchas de las tipografías para pantalla
son muy legibles y tienen la ventaja de ser
accesibles. En un controversial artículo dedicado
a la tipografía en línea, O. Reichenstein
comenta: “el diseño de información no trata
del uso de buenas tipografías, sino del buen
uso de tipografías. Noten la gran diferencia.
Cualquier persona puede usar tipos, algunos
pueden elegir buenos tipos, pero pocos
son los que pueden dominar efectivamente
el campo de la tipografía”.
Anti-aliasing: None/Aliased (bitmap fonts)
Este artículo es meramente un recuerdo
y/o una invitación a explorar
las reglas, los límites y las posibilidades
del manejo tipográfico en los medios
Diferencias entre varios tipos de aliasing tipográfico: subpixel rendering en Mac OS X, y los cinco tipos standard de aliasing en Adobe Photoshop. Para mejorar la legibilidad,
cada tipografía y tamaño de texto requiere de ajustes específicos
interactivos actuales
54 55

The elements of typographic style applied to the web
www.webtypography.net
USANDO TIPOGRAFÍA EN MEDIOS
DIGITALES
DISPONIBILIDAD
Si quieres hoy diseñar un sitio HTML para un
público amplio, entenderás rápidamente
que la elección tipográfica es limitada y triste.
Con el paso de los años, la ubicuidad del
sistema operativo Windows (y no la calidad
de los tipos) ha dictado cuales son las tipografías
con una base instalada que supera el
80% de las computadoras y los dispositivos
electrónicos en el mercado. En 1996 Microsoft
empezó un proyecto llamado Core
Fonts for Web para distribuir 10 fuentes
standard para el uso en línea. Esto, añadido
a otros dos sets básicos –un grupo instalado
con el sistema operativo y otro instalado
con el paquete Office– apoyó que un grupo
de no más de 30 tipografías tengan una
penetración casi universal. Las fuentes con
una ubicuidad máxima son: Andale Mono,
Arial, Comic Sans, Courier New, Georgia,
Impact, Times New Roman, Trebuchet MS,
Verdana y Webdings. Otras fuentes con una
amplia penetración son Tahoma y Lucida
(Sans y Grande). Cualquier elección de esta
lista les garantizará que el 80% de las computadoras
del mundo podrán desplegar el
contenido correctamente.
Pero de nuevo, la pobre disponibilidad
del material tipográfico no es una
excusa para un pobre diseño tipográfico
CSS Type: web safe typography on screen
www.csstype.com
en pantalla. Los casos en los cuales buenos
tipógrafos han hecho milagros usando
tipos comunes ya han pasado de anécdotas
a ser clásicas referencias. Algunos
argumentan que en un medio que es eminentemente
textual, el arte de disponer el
texto es lo que hace la diferencia entre un
diseño usable y uno no usable, no la cantidad
de fuentes o su calidad. Personalmente
creo que hay lugar para buen diseño
tipográfico utilizando de manera creativa
los recursos disponibles, que muchas
veces significan usar una combinación
de tipografías universalmente disponibles
(como Lucida) en conjunto con otros elementos
gráficos donde la elección tipográfica
puede variar con más libertad.
LEGIBILIDAD
Años de estudios tipográficos nos han
mostrado que tipografías que tienen una
altura de la x (o x-height) son generalmente
más legibles en pantalla, ver el caso de
Verdana, Calibri, Segoe o Lucida, que tienen
ascendientes y descendientes más
chicos en comparación con el cuerpo de
letra. Del otro lado, el uso de remates ha
perdido mucho terreno en los medios
interactivos, en parte por el tamaño tipográfico
limitado que no deja apreciar los
detalles, y parte por una errónea tendencia
cultural de utilizar tipos de palo seco
para cualquier contexto. Esto nos deja con
la impresión que si hoy en día el texto no
es suficientemente legible en pantalla, no
lo es por que: a) el tamaño es muy chico,
b) las fuentes usadas carecen de remates,
y c) que el cuerpo de la tipografía es muy
pequeño, lo que dificulta la distinción de
los ojales. Las tres son razones obvias, pero
si a esto le añadimos: d) el hecho que las
columnas de texto se expanden a tamaños
considerables (ver Wikipedia), mucho más
que el recomendado “30 veces el tamaño
del texto”, haciendo difícil de seguir
una línea de texto; e) acoplado a esto, el
interlíneado (leading) es insuficiente; f) en
muchos casos se usa erróneamente texto
justificado que, por falta de herramientas
tipográficas más avanzadas, fragmenta
visualmente las columnas de texto, o bien
g) que al contrario, las columnas de texto
están demasiado angostas, lo que sofoca
y rompe las palabras. Todos son aspectos
que dañan radicalmente la legibilidad.
Las reglas tipográficas aprendidas
en los últimos 500 años siguen de pie (en
su gran mayoría) en el trabajo enfocado
a medios electrónicos: las recomendaciones
clásicas de usar un ritmo vertical y
uno horizontal (ver Bringhurst), de alinear
correctamente los textos y el contenido
en las tablas, de usar inteligentemente el
espacio a través de retículas correctamente
diseñadas, de usar más paginas y menos
contenido por pagina, etcétera. Todas son
reglas de oro en el mundo digital.
USO EN HTML / CSS
El método más usado para transponer
información textual en medios interactivos
es hacerlo a través de (X)HTML, la
principal ventaja es la indexabilidad del
contenido por buscadores, la legibilidad
a través de dispositivos para personas con
capacidades diferentes, la universalidad
en el despliegue (que no deja de tener
sus pequeños errores debido a los navegadores
actuales), etcétera. Desafortunadamente,
el HTML como metalenguaje,
tiene un paquete muy limitado para el
manejo tipográfico de calidad: los títulos
o headings ( a ), el párrafo ,
la etiqueta y sus atributos, así
como etiquetas como , , ,
etcétera, describen de manera muy
limitada la información tipográfica, y se
refieren a aspectos muy básicos del texto:
su tamaño, color, si es en negritas o itálicas,
entre otras características.
Cualquier buen diseño tipográfico en
HTML parte y acaba en el manejo de las hojas
de estilo, o CSS (Cascading Style Sheets), su
uso permite un arreglo más fino de márgenes,
espacios, alineamientos, orientación,
color, borduras, decoraciones tipográficas,
etcétera. Con CSS podemos componer una
página con ritmo vertical, mantener un control
estricto sobre nuestras columnas de texto,
transponer retículas sin la necesidad de
usar tablas complejas y todo esto con una
simplicidad del código y una (muy necesaria)
coherencia visual.
USO COMO BITMAP
Subtraction, de Khoi Vinh, un blog con atención en los detalles tipográficos
www.subtraction.com
El uso de tipografías pre-rasterizadas dentro
de imágenes es común cuando queremos
utilizar ciertos elementos gráficos
como botones en un menú interactivo
o títulos en una tipografía corporativa;
generalmente se aplica con pequenos
archivos .GIF o .JPG. En caso de hacerlo,
vale la pena mencionar la buena práctica
de usar el atributo descriptivo alt dentro
de la etiqueta HTML para proveer
a los buscadores y lectores con capacidades
especiales de una manera de poder
leer, indexear y usar los sitios. En el caso
de utilizar tipografías que usan aliasing
en los GIFs con transparencia, también
es importante tomar en cuenta el color
sobre cual éstas serán insertadas; para
esto, a la hora de exportar el GIF, usen
como mate el mismo color que el fondo
sobre cual se desplegará el archivo. Esto
se puede evitar al exportar archivos .PNG a
24 bits con transparencia, pero su soporte
es problemático en IE6.
USO EN FLASH
Con el tiempo, la ubicua herramienta de
Macromedia/Adobe ha ganado cada vez
más detalle en el campo tipográfico, sin
embargo sigue lejos de las cualidades que
encontramos en herramientas tipográficas
para medios impresos. La gran ventaja
de utilizar Flash es que podemos (si la
licencia de la tipografía lo permite) incluir
una parte o la totalidad de los caracteres
de una fuente en el archivo .swf que
estará publicado en la web. Esto abre la
puerta tanto para el buen uso, como para
el abuso tipográfico; la diferencia reside
en la elección de tipos y el empleo de
reglas tipográficas básicas. La desventaja
es un crecimiento del tamaño del archivo,
pero en muchos casos es algo de mínimo
impacto. Otro detalle inherente en el uso
Type for you, de Pedro Serrao. otro blog dedicado a la tipografía
www.typeforyou.org
de textos en Flash es la indexabilidad de
estos contenidos por buscadores. Flash
es un formato encapsulado cuyo contenido
no puede ser leído totalmente por los
programas automáticos (bots o crawlers)
que Google, Yahoo o MSN emplean, por
ende se deben usar varios trucos para
facilitar la búsqueda en estos sitios•
Bibliografía:
Robert Bringhurst, “The elements of typographic
style”
Elam Kimberly, “Grid systems: principles of
organizing type”
Josef Müller-Brockman, “Grid systems for
graphic design”
Andy Budd, ”CSS Mastery: advanced web
standards solutions”
Carola Zwick, ”Designing for small screens”
Timothy Samara, “Making and breaking the
grid: a graphic design layout workshop
Jeffrey Zeldman, “Designing with web standards”
Sitios relacionados:
www.alistapart.com
www.webtypography.net
www.unostiposduros.com
www.informationarchitects.jp
www.subtraction.com/
www.thinkingwithtype.com
www.tipographica.org
www.typophile.com
www.tiypo.com
www.swisslegacy.com
www.tipografia.cl/blog
www.typeforyou.org
www.typographer.org
www.letraslatinas.com
Sitio de la fundición Ourtype, desarrollado por Group 94
www.ourtype.com
FFF: Fonts for flash-tipografías aliased (bitmap) para flash
www.fontsforflash.com
Unos tipos duros, teoría y práctica de la tipografía (en español)
www.unostiposduros.com
Typophile, la más importante comunidad tipográfica en línea
www.typophile.com
56 57

EL VALOR ESTRATÉGICO DEL DISEÑO EN LOS NEGOCIOS
LA REVISTA
LLEGA A 2 MIL
EMPLEADOS
EN TODA LA
REPÚBLICA
MEXICANA
Y DEL
EXTRANJERO
Hoy en día las revistas internas son una
herramienta de comunicación estratégica
para los empleados de las compañías. La
generación de revistas internas (llamadas
antes boletines) es la forma más efectiva
de llegar a los empleados y darles a conocer
información útil y de primera mano;
asimismo, ayudan a generar un sentido
de pertenencia y unidad con la empresa.
Las revistas internas actualmente deben
verse como una área donde invertir, sin
embargo tienen su complejidad y poseen
factores de gran importancia que deben
tomarse en cuenta para que no se conviertan
éstos en un gasto sin valor para la
empresa. Estos factores van desde una
buena estructura editorial, manejo de
contenidos atractivos e inteligentes, buen
diseño y estructura gráfica, manejo de
recursos gráfico-informativos de alto valor,
hasta buena impresión y continuidad.
ANTECEDENTES
Desde 1998, José Cuervo dio inicio a una
revista interna llamada “NotiCuervo”, misma
que desde sus inicios mostró diversas áreas
de oportunidad, como: establecimiento de
una línea editorial, planeación de la publicación,
impacto en su presentación, sustento
en el contenido, etcétera. Por lo anterior,
perdió el interés de los lectores (empleados),
y al poco tiempo era considerada como una
publicación sin efectividad, trascendencia y
sentido de pertenencia.
En febrero de 2006, expertos en comunicación
del área de Planeación y Desarrollo
de Recursos Humanos de José Cuervo
detectaron la necesidad de un cambio, a
partir de un diagnóstico con el personal
de la empresa. Fue entonces cuando nos
invitaron a participar en este cambio dada
nuestra experiencia en el ramo editorial,
asesoría gráfica e infografía. Entusiasmados
en el proyecto iniciamos la fase de reuniones
y análisis de la información obtenida.
PROCESO DE DISEÑO
Después de revisar el análisis elaborado y
la historia de la publicación anterior, sugerimos
uno de los cambios más importantes:
modificar el nombre de la revista a “Somos
Cuervo”, con lo cual generamos un verdadero
sentido de pertenencia y liga a la
empresa. Dicha propuesta era sencilla pero
daba sentido de pertenencia a la empresa
y se le otorgaba voz a la gente.
La fase de diseño inició por idear
una nueva estructura editorial basada en
temas y sugerencias que nos había dado
el equipo de José Cuervo. Uno de los puntos
importantes a desarrollar era el poder
incrementar el contenido, ya que la revista
anterior tenía muy poco y no reflejaba la
voz de las distintas áreas de la compañía.
En conjunto se generaron una serie de
secciones que servían para brindar información
ágil y breve, secciones de las plantas,
de gente, del desarrollo de la marca, etcétera.
De esta forma la estructura editorial
mostraba fuerza e incluía a todas las zonas
a las que les llegaba la publicación.
Basados en su imagen comenzamos
a generar una gama de color, una serie de
colores rojos, amarillos cobrizos, terracotas y
algunos azules. Se buscó una tipografía partiendo
de que tuviera una referencia con los
carteles mexicanos de hace ya varios años,
para dar fuerza a lo nacional. La tipografía
tenía que permitirnos tener impacto y legibilidad
en una variedad de tamaños para
generar una mejor estructura tipográfica.
Como parte de los dummies se planteó
el manejo de medios informativos
novedosos como la infografía, que permite
generar una lectura más rápida y ágil
para medios visuales. Realizada esta etapa
se pasó al proceso de bocetaje y elaboración
de dummies conforme a lo que
considerábamos que debería ser la nueva
publicación. Dichos dummies fueron
presentados y, con base en los comentarios
y sugerencias del equipo, se definió
la versión final, que serviría de guía para
el equipo de Planeación y Desarrollo de
Recursos Humanos de José Cuervo, ya
que iniciábamos una nueva publicación
con una periodicidad bimestral.
RESULTADOS
“Somos Cuervo” surgió como un medio de
comunicación de mayor penetración e
impacto en su contenido y diseño y, sobre
todo, como un medio estratégico y de
trascendencia para el negocio. Esta nueva
revista tiene una penetración total, ya que
llega a los 2 mil empleados de la compañía
ubicados en toda la República Mexicana y
algunos lugares del extranjero como: Nueva
York, Miami, California y Brasil, entre otros.
Desde que se dio el cambio, los
empleados, sobre todo del interior de
la República, piden más ejemplares y su
participación es mayor. De esta manera
hemos constatado que audiencias que no
se habían contemplado en un principio
del proyecto valoran el medio y lo buscan
cada bimestre.
La publicación ha recibido el premio
Internacional a! Diseño en la categoría de
mejor revista interna y ha sido premiada
también por AMCO (Asociación Mexicana
de Comunicadores Organizacionales)•
SOMOS CUERVO
Proyecto: revista interna de comunicación
Benz, Cinemex y muchos más.
por Daniel Esqueda
58 59
“Somos Cuervo”
Despacho: Daniel Esqueda Diseño y
Consultoría Gráfica
Site: www.danielesqueda.com
e-mail: info@danielesqueda.com
Teléfono: 01 (777) 316 6193
Cliente: José Cuervo
Fecha: febrero 2006
DANIEL ESQUEDA
Egresado de la Universidad Anáhuac del
Sur en diseño gráfico; Daniel Esqueda inició
su carrera profesional como fundador
del periódico “Reforma”, como coordinador
gráfico de las secciones Ciudad, Estado de
México y proyectos especiales de fotografía.
Aproximadamente dos años después diseñó
el periódico “Metro” para la misma empresa.
Con estudios en el Instituto Poynter en
dirección de arte y edición fotográfica por
la Universidad de Milwauke, tomó una gran
oportunidad y se incorporó a la revista “Time”,
en Nueva York, como director de arte asociado.
Dos años después fue invitado como director
general creativo de Editorial Televisa, donde
hizo equipo con Danilo Black para la salida de
proyectos como “Cambio” y “Soccermanía” y
rediseñó las revistas “Automóvil Panamericano”
y “Deporte Internacional”.
En el año 2002 tomó el puesto de director de
arte del diario “El Universal” para su rediseño,
lanzamiento de nuevas publicaciones y generación
de equipos creativos. Así, en 2003 fundó
Daniel Esqueda Diseño y Consultoría Gráfica,
donde desarrolló productos para “El Universal”,
Grupo Editorial Expansión y Grupo Medios.
Actualmente Daniel Esqueda desarrolla productos
de comunicación para grandes clientes
en México y el extranjero como PepsiCo, Nissan
Mexicana, Sabritas, José Cuervo, Souther
Copper Corporation, Scotiabank, Mercedes

MARKETING DESIGN
¿QUÉ VES
CUANDO
VAS AL CINE?
PRODUCT
PLACEMENT
“Podemos decir que el product placement llega a ser más efectivo que un anuncio
de 30 segundos, los cuales en la actualidad se encuentran en la cuerda floja”
En el cine y la televisión las crisis económicas
y falta de financiamiento eran un grave
problema para los productores. Pero
desde hace algún tiempo han encontrado
una verdadera mina de oro en el patrocinio
de empresas privadas a través del product
placement, que no es otra cosa sino
mostrar abiertamente en algún momento
de la serie de televisión o película un producto
y la marca con la máxima exposición
posible dentro de la historia, algunas
veces se llega a mencionar o hacer algún
comentario sobre el mismo.
El product placement ha demostrado
con creces su efectividad y los anunciantes
están dispuestos a pagar grandes cantidades
porque saben que es una forma muy
efectiva de vender sin mucho esfuerzo.
Su éxito radica en que es particularmente
efectivo para incrementar la conciencia de
un producto, especialmente gracias a la
segmentación ya realizada por la industria
cinematográfica.
Los sicólogos afirman que el product
placement influye en los consumidores sinque
éstos lo perciban. Explican que cuando
ment, hay algunas películas en donde la
historia gira en torno a ella y la más notoria,
importante y buena es “El náufrago”, con
el multipremiado actor Tom Hanks, quien
interpreta el papel de un empleado de esta
compañía, con protagonismo de la valija, su
contenido, un balón de voleibol descubierto
en ella –otro product placement– y un
sobre considerado muy importante.
Pero también, ¿quién puede olvidar a
la competencia de esta empresa de mensajería,
UPS, en el final de “Volver al futuro”,
con un mensaje muy claro de eficiencia y
confiabilidad de esa compañía? También es
muy divertido ver la competencia entre las
compañías de refrescos, en particular Coca-
Cola y Pepsi, en la misma “Volver al futuro”,
Coca-Cola es una de las protagonistas y no
hace mucho hasta en una película de la
China actual pudimos ver un anuncio de
Pepsi, la industria cinematográfica de este
país también está entrando en el juego.
Otros que compiten por un lugar
en las películas son las cervezas, siempre
estamos atentos a ver qué cerveza toman
los protagonistas, la mexicana Corona
es casi siempre la ganadora pero no se
queda atrás XX. Los cereales, los jugos, los
videojuegos, los dulces. En una película el
protagonista –una estrella del rock– pedía
específicamente que le retiraran todos los
M&M de un determinado color porque no
le gustaban. Y las computadoras no se quedan
atrás, ahora parece que todos prefieren
Apple y la iMac, aunque por ahí se cuela
algunas veces Dell.
Es otra manera de ver el cine, quizá
le quite su romanticismo, pero es un buen
ejercicio para siempre estar alerta, tomen
en cuenta que nada está ahí por casualidad,
alguien de producción lo puso y dio
instrucciones específicas para que el producto
tuviera una buena exposición, para
justificar el patrocinio.
Uno de mis favoritos y quizá uno de
los más antiguos es James Bond, el agente
007, en estas películas los artículos más
importantes son sus relojes Omega y los
automóviles Aston Martin y BMW.
REVERSE PRODUCT PLACEMENT
Y con James Bond también se ha dado un
nuevo fenómeno o tendencia, si lo prefieren,
denominado reverse product placement.
Sí, se trata de una autopista de dos
vías. Los anunciantes llevan a la gran pantalla
sus productos, pero hay productos
que han salido de la gran pantalla. Omega
tiene un modelo de reloj llamado “James
Bond” y toda su publicidad gira alrededor
de la estrella del cine de acción. También
la publicidad del último maravilloso Aston
Martin está relacionada con la última película
de este personaje, “Casino Royale”.
Pero el reverse product placement no
se limita en sacar un producto
ya existente de la pantalla y
ponerle el nombre o la marca
de la película. Falsos productos
se han movido de la pantalla a
la vida real. Un ejemplo reciente
son los frijolitos de dulce “Bertie
Bott’s every flavor beans” que
salieron al mercado de la película
y los libros de Harry Potter. También
los restaurantes Bubba Gump
Shrimp Co. que se crearon por la
película “Forrest Gump”, ahora son
una cadena que opera por todo el
territorio de Estados Unidos.
Y finalmente el más reciente y
publicitado “reverse product placement”
se dio con la película “Los Simpsons”.
A unos días del lanzamiento de
la película y a través de un convenio
entre la 20th Century Fox Film Corp. y la
cadena de supermercados 7-Eleven Inc.
en Estados Unidos, ésta última convirtió
una docena de sus tiendas en el famoso
“Kwik-E-Marts” de la serie animada.
Estas tiendas y la mayoría de los 6 mil
establecimientos de esta cadena en Estados
Unidos también vendieron artículos
que hasta la fecha no existían en el mercado,
sólo en televisión como: Buzz Cola, el
cereal KrustyO’s elaborado por Malt-O-
Meal, y la bebida Slurpee que tendría su
Squishee del mes con el sabor “WooHoo!
Blue Vanilla”. Lo único que no hicieron fue
vemos televisión o una película en el cine
nuestras defensas están bajas y, por lo tanto,
nos volvemos más receptivos a los mensajes
y es así que salimos del cine con algo más
que la trama y emoción de la película. Otra
razón por la que el product placement es
tan efectivo es que los consumidores cuando
ven televisión tienden a ignorar o tomar
un respiro durante los comerciales y de esta
forma estamos seguros de que el consumidor
verá nuestros productos sin la amenaza
del control remoto. Por lo tanto podemos
decir que el product placement llega a ser
más efectivo que un anuncio de 30 segundos,
los cuales en la actualidad se encuentran
en la cuerda floja.
Parte de nuestra deformación profesional
nos hace revisar qué productos pagaron
por estar en la pequeña o gran pantalla.
Hagan el ejercicio, es divertido. Uno de
los más exitosos en este sentido, desde
mi punto de vista, es Federal Express. En
la mayoría de las películas entre el tráfico
de automóviles, aparece por lo menos un
camión de Fed-Ex. Pero esta empresa no
se ha quedado en el simple product placepor
Rita Sobrino y Fernando Mercado
60 61

sacar la cerveza Duff, la marca preferida de
Homero Simpson, debido a que la película
está dirigida a todo público y no lo creyeron
conveniente. Todo esto con la finalidad
de llamar la atención hacia el estreno de la
cinta el pasado mes de julio.
De esta forma los exteriores de 11 tiendas
en Estados Unidos y uno en Canadá
fueron cubiertos de espuma industrial y
nuevamente señalizados para hacer una
réplica de la fachada animada de Kwik-E-
Marts, un secreto que no pudo ser guardado
por mucho tiempo debido a la cantidad
de gente involucrada en el proyecto, sin
embargo creó gran expectativa.
En fin, si lo que nos importa es hacer
llegar nuestro mensaje al consumidor, tenemos
que ver fuera de la caja, ya que cada
vez es más difícil llegar a él a través de los
medios masivos debido a la saturación y el
product placement es una buena opción,
por supuesto bien hecho. No como hacen
aquí en México en los programas matutinos
que utilizan el estilo de Madaleno –espero
que sepan a lo que me refiero, si no véanlos
un día y me entenderán–. Se debe
hacer con buen gusto, casualmente y casi
de manera imperceptible. Claro, no faltará
algún detractor que se rasgue las vestiduras
por la violación de la pureza del séptimo
arte. Pero, desde nuestro punto de vista, es
una situación de ganar-ganar para el anunciante
y para la industria cinematográfica.
Por otro lado, también creemos que
es una manera más agradable de recibir
un mensaje sin necesidad de que nos
estén gritando como desquiciados desde
la pantalla de la televisión a tal grado que
nos obligan a cambiar de canal o quitar el
volumen. Esperamos que a partir de hoy
ustedes también sean capaces de detectar
los product placement de las películas
o sus series de televisión preferidas. Insistimos,
es también divertido•
NOTICIAS
AUTOS APILABLES PARA
SMART CITIES
El equipo de investigación
denominado Smart Cities del
Instituto Tecnológico de Massachusetts
(MIT, por sus siglas en
inglés), integrado por arquitectos,
urbanistas, informáticos y
científicos, centra su labor en
desarrollar edificios sustentables,
sistemas de movilidad y ciudades
inteligentes. Actualmente,
investiga la aplicación de nuevas
tecnologías que brinden
a las zonas urbanas eficiencia
energética y sustentabilidad,
aumento de oportunidades y
de equidad, así como creatividad
cultural.
Según William Mitchell,
profesor del Instituto y principal
investigador del proyecto
Smart Cities, “los edificios y ciudades
pueden compararse con
los organismos vivos, ya que
tienen esqueleto, piel, sistemas
que proporcionan refugio y
protección a sus habitantes y
un nuevo sistema nervioso artificial,
formado por sensores y redes incrustadas en la capacidad computacional”.
Un total de 20 proyectos dividen los esfuerzos de este equipo de investigación,
con ellos se busca que en éstas urbes los automóviles sean apilables,
los edificios cuenten con sensores y el tráfico sea fluido gracias a inteligentes
sistemas de comunicación que brinden información precisa en cualquier
lugar. Uno de los proyectos es CityCar, vehículos para dos personas impulsados
por cuatro motores eléctricos de baterías de ión-litio, colocado un motor
en cada neumático. Estos motores le permiten al vehículo girar 360 grados,
ésta característica hace que sean apilables, lo cual es muy útil para ocupar
un menor espacio al estacionarlos. Los vehículos fueron ideados para ser utilizados
en un sistema de renta de autos y no para uso particular; el principal
objetivo del proyecto es fomentar la utilización del transporte público para
reducir la contaminación y aprovechar mejor los recursos, de este modo los
usuarios pueden utilizar la infraestructura existente en líneas subterráneas y
autobuses y, al bajar en la estación o parada más cercana a su destino, rentar
uno de los autos que se encontrarán apilados en los paraderos, conducirlo
hasta su lugar de trabajo y colocarlo en otro paradero para que el vehículo
vuelva a cargar su batería y otro usuario pueda utilizarlo. Un sistema similar a
los carritos del supermercado.
Se planea que el prototipo CityCar sea lanzado por el MIT para el siguiente
año. Entre otros proyectos se encuentran Atlete Car Concept, un automóvil
que se conduce sólo con el movimiento del cuerpo humano; e*Lens, una lente
electrónica que proporciona información, en tiempo real, de los edificios de
una ciudad que el usuario enfoque y Smart mobility, proyecto para el gobierno
francés, cuyo objetivo es rediseñar las paradas del sistema de transporte colectivo,
para que éstas sean móviles. De esta manera, los usuarios podrán saber -a
través de un teléfono celular u otro dispositivo electrónico- por dónde circula
el transporte colectivo. A su vez, el vehículo sabrá dónde están sus viajeros y
evitaría así las paradas vacías• (http://cities.media.mit.edu)
62

DISEÑO INDUSTRIAL
DISEÑADORES
DESAPROVECHAN
LOS BENEFICIOS
DEL ACERO
¿Cómo se relaciona el CENDI con los diseñadores
profesionales de México?
Principalmente de dos maneras: participación
en el programa de capacitación técnico
especializado en acero inoxidable y las asesorías
técnicas que solicitan y son atendidas.
Por otro lado, nos relacionamos con el
sector académico y estudiantil del diseño
industrial mexicano al impartir el Seminario
de Acero Inoxidable para Diseño Industrial
en diversas universidades del País: UNAM,
UAM Azcapotzalco, Ibero, Tecnológico de
Monterrey en sus campus Monterrey, Ciudad
de México, Querétaro y Guadalajara,
Centro de Estudios Superiores de Diseño
de Monterrey (CEDIM), UAG, UVM Lomas Ver-
“Uno de los factores que limita un uso más intensivo del acero inoxidable en México es
el desconocimiento de sus atributos y las ventajas que éstos pueden aportar al diseño”
El acero inoxidable ha demostrado ser
un material excelente en muy distintas
áreas de la industria. Sin embargo, en
México su utilización es muy limitada y
menos aún por los diseñadores industriales,
quienes podrían encontrar en este
metal una excelente materia para concebir
nuevos proyectos.
En entrevista, el ingeniero Fernando
Correa Carrillo, director del Centro Nacional
para el Desarrollo del Acero Inoxidable
(CENDI), apunta hacia el valor que el acero
inoxidable puede aportar al diseño.
¿Qué es el acero inoxidable?
Acero inoxidable es el nombre común
para todos los grados de acero que contengan
por lo menos 10.5% de cromo y
su propiedad más importante es la resistencia
a la corrosión proporcionada por la
capa de óxido de cromo que se forma en
su superficie.
¿Cuáles fueron los motivos que llevaron a
la creación del CENDI?
El CENDI fue creado en el año 2000 por la
iniciativa de 11 empresas que producen,
distribuyen o transforman el acero inoxidable
en nuestro País. La iniciativa se fundamentó
en la percepción de que el uso
del acero inoxidable es aún incipiente en
México. Sólo cinco sectores son los que
aglutinan el 80% del uso que se da a este
material en la República Mexicana: autopartes,
tarjas, electrodomésticos, monedas
y equipo de cocina.
Existe una gran diversidad de aplicaciones
que en otros países se observa, tales
como mobiliario y arte urbano, aplicaciones
arquitectónicas, maquinaria de uso industrial,
implementos para uso doméstico y
de oficina, plantas de tratamiento de aguas,
tanques de gas, varilla, colectores solares,
tinacos para agua, etcétera.
En el CENDI pensamos que uno de los
factores que limita un uso más intensivo
del acero inoxidable en México es el desconocimiento
de sus atributos y las ventajas
que éstos pueden aportar al diseño y
funcionalidad en diversas aplicaciones. De
ahí surgió la inquietud de fundar el CENDI,
con el objetivo de difundir las ventajas
competitivas del acero inoxidable respecto
a materiales alternativos.
¿Cuáles son sus principales objetivos y
actividades?
El Centro Nacional para el Desarrollo del
Acero Inoxidable es una asociación civil
sin fines de lucro que tiene como objetivo
promover el consumo del acero inoxidable
en nuestro País, a través de la integración
de esfuerzos de productores, distribuidores,
transformadores y usuarios finales.
Para cumplir con su objetivo, el CENDI
instrumenta cinco líneas de acción:
• Capacitación
• Asesoría técnica
• Vinculación universitaria
• Publicaciones
• Proyectos para el desarrollo de nuevas
aplicaciones
des, Anáhuac México Norte y la Universidad
Autónoma de San Luis Potosí.
¿Cuál es el mensaje del CENDI a los profesionales
del diseño?
Recomendamos la ultilización del acero
inoxidable y que aprovechen los atributos
que puede aportar en el desarrollo de sus
proyectos. Dentro de los atributos podemos
mencionar:
• Elevada resistencia a la corrosión.
• Dureza.
• Estructuras más ligeras con una misma
resistencia mecánica.
• Resistencia superior a impactos y a cambios
bruscos de temperatura y presión.
• Ductilidad que facilita el diseño y fabricación
en formas diferentes sin que el
material se rompa.
• Disponibilidad de acabados. La gama
de superficies abarca desde los grises
apagados hasta acabados brillantes de
tipo espejo. Además, existe una gama
de colores y grabados que enaltecen
la apariencia del material y todos ellos
cambian de aspecto puesto que reflejan
los más sutiles cambios de las condiciones
de luz del entorno.
• Permite realizar aplicaciones en combinación
con otros materiales como vidrio
y madera.
• Durable, para productos con una vida útil
mayor que la de los materiales sustitutos.
por Francisco Santiago
64 65

• Higiénico para aplicaciones en la preparación
y almacenamiento de alimentos,
conducción de agua potable, industria
farmacéutica, tratamientos médicos.
• Fácil de limpiar, en aplicaciones exteriores,
el material se lava con el agua de lluvia y en
aplicaciones interiores basta una limpieza
con agua y jabón y secado. La facilidad de
limpieza y conservación que ofrece difícilmente
puede lograrse en otros materiales,
ya que un programa de limpieza regular
da como resultado un buen desempeño y
una apariencia espectacular.
• Con los cuidados adecuados se eliminan
costos de mantenimiento, repintado y
sustitución.
• Su relación costo-beneficio a largo plazo
es favorable y garantiza la rentabilidad
de los proyectos.
Para los diseñadores, ¿cuáles son los
principales usos y aplicaciones que pueden
dar al acero en su ejercicio profesional?
La diversidad es prácticamente ilimitada
debido al trabajo creativo de los profesionales
del diseño industrial que se combina con
las posibilidades que ofrece el acero inoxidable
como material. A pesar de lo anterior,
podemos mencionar algunos ejemplos.
En mobiliario urbano:
• Puestos para voceadores
• Puestos ambulantes
• Carritos para comida
• Estructuras para puentes peatonales
• Baños públicos
• Puestos para flores
• Módulos urbanos para información
• Barras de contención para autos
• Juegos infantiles
• Elementos de arte urbano
En arquitectura:
• Pasamanos
• Escaleras
• Fachadas
• Puertas
• Portones
• Ventanas (perfiles)
• Elevadores
• Baños
• Lámparas para exteriores
• Esculturas
En el hogar:
• Lavadoras
• Refrigeradores
• Estufas
• Tarjas
• Campanas
• Cuchillería
• Baterías de cocina
• Cubiertas para cocinas
• Sillas
• Mesas
• Lavavajillas
• Parrillas
• Cajoneras
• Lámparas
• Camastros para alberca
• Accesorios para alberca
• Mobiliario para el hogar
En la industria alimenticia:
• Autotanques
• Autoclaves
• Rosticeros
• Despachadores de bebidas
• Barriles de cerveza
• Bebederos agrícolas y ganaderos
En el área médica:
• Equipo quirúrgico
• Mobiliario para hospitales
• Prótesis e implantes
En varios:
• Cámaras fotográficas
• Mobiliario para oficinas
• Cubiertas para celulares
• Carritos de autoservicio
• Herramientas para el campo
• Herramientas para la construcción
• Portarretratos
• Plumas
• Exhibidores
• Stands
• Puntos de venta (POP)
Como conclusión, ¿cómo se funda y cuáles
son los objetivos y logros del Premio Nacional
de Diseño Acero Inoxidable CENDI-UNAM?
ño industrial y arquitectónico así como
el diseño de productos manufacturados
con acero inoxidable.
2. Contribuir con la vinculación del sector
académico del diseño industrial y la
arquitectura con los actores económicos
del País.
3. Promover al Centro Nacional para el
Desarrollo del Acero Inoxidable y sus
asociados, como empresas promotoras
del bienestar social y del desarrollo económico
de México.
En el inicio de la organización nos
fijamos una meta de 80 propuestas, meta
que fue rebasada al recibir un total de 124.
Más que el número de propuestas,
fue satisfactorio recibir propuestas de
El Premio surgió como una idea a partir
del trabajo de difusión que hacemos con
las diversas escuelas de diseño industrial
con las que interactuamos. De la sinergia
con éstas, es que empezamos a planear la
organización del premio con la perspectiva
de que se consolidara como un elemento
adicional de difusión del material
en la comunidad académica y estudiantil
del diseño. Iniciamos la conversación de
nuestra inquietud con el Centro de Investigaciones
en Diseño Industrial (CIDI) de la
UNAM y dicha conversación se convirtió
en una realidad: Premio Nacional de Diseño
en Acero Inoxidable CENDI-UNAM.
Son tres los objetivos que junto con
el CIDI definimos para el premio:
1. Promover en México la cultura del disecuyo
concepto se puede predecir un
desarrollo de proyectos exitosos en términos
de su producción y comercialización,
en otras palabras, se observan más de 20
propuestas, incluidas las ganadoras, que
con un seguimiento y perfeccionamiento
adecuado pueden verse en el mercado,
lo que constituiría un logro relevante del
Premio como aporte al diseño industrial y
al acero inoxidable en México•
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MARCA
¿QUÉ
TANTO
SE PUEDE
ESTIRAR UNA
MARCA?
¿Lanzar un nuevo producto o servicio bajo una marca conocida es suficiente para
asegurar el éxito? No necesariamente
En la medida en que hay más competidores
y tenemos mercados más saturados,
el valor de una marca cobra mayor relevancia.
¿Por qué? Pues porque una marca
fuerte puede ayudarte a lograr la preferencia
del consumidor en una categoría o
mercado muy competido.
Los mercadólogos constantemente
tratan de posicionar sus productos como
la opción preferida por los consumidores.
Pero, antes de lograr esa preferencia,
lo primero que se debe hacer es generar
conocimiento de la marca y muchos piensan
que basta apalancarse en una marca
conocida para llevar gran parte del camino
recorrido y vender un producto exitosamente.
Sin embargo, el mercado está
lleno de productos que fracasaron a pesar
de haber sido lanzados bajo una marca
conocida y respetada.
Experiencia de marca Apple en diferentes puntos de contacto
¿Qué es una marca?
La gente en general tiende a asociar una
marca con un logo o un empaque. Pero
una marca es mucho más que eso. Las
marcas están basadas en ideas. Walter
Landor, fundador de Landor, decía: “los
productos se hacen en las fábricas pero
las marcas se crean en la mente”. La idea
o la promesa de una marca se comunica a
través de varios puntos de contacto. Por lo
tanto, “el archivo mental” que formamos
de una marca puede estar compuesto por
una imagen, aroma, color, sonido, sensaciones,
etcétera. Por ejemplo, si hablamos
de un vaquero, en un ambiente relajado,
con el atardecer de fondo, menciono el
color rojo y trato de tararear la música que
asocio con esta marca, ustedes sabrán
inmediatamente de qué marca estoy
hablando. Correcto, me refiero a Marlboro,
una marca que ha sido muy exitosa en
lograr la percepción de brindar un determinado
estilo de vida a sus consumidores.
La promesa de marca va más allá
de computadoras
Las marcas más exitosas son aquellas
que logran crear una percepción deseada
en el consumidor para lograr una liga
emocional. De esa manera el consumidor
pasa de “necesitar” cierto producto o servicio
a “querer” ese producto o servicio en
particular. Así, el reto más grande, en lo
que a marcas se refiere es encontrar aquella
idea que le permita a una marca lograr
diferenciación relevante para posicionarse
más allá de sólo brindar un beneficio
funcional en una determinada categoría.
También es importante mencionar que la
idea sobre la que se construye una marca
deberá estar sustentada en datos. En
la medida que una marca se construye
basada en una promesa y no sólo en un
beneficio funcional tendrá mayores posibilidades
de éxito en categorías fuera del
espectro original bajo el cual nació.
Tomemos como ejemplo, Apple, que
originalmente nació como una marca de
computadoras. Pasó por momentos difíciles
hasta que regresó Steve Jobs –uno de
sus fundadores– y se dedicó a posicionar
la marca Apple donde se encuentra hoy.
Cuando preguntamos a cualquier persona
en qué piensa cuando oye la marca
Apple, se utilizan las siguientes palabras
para describirla: diseño limpio, minimalista,
innovación, funcionalidad intuitiva. Pero
en ningún momento escuchamos directamente
la palabra computadoras. Este posicionamiento
lo ha logrado Apple a través
de sus productos (principalmente el iPod),
las tiendas, las barras para genios en tiendas
y su publicidad entre otros puntos de
contacto. Y le ha permitido estirar la marca
de ser sólo para computadoras e incorporar
otro tipo de productos y servicios.
Al lanzar un producto o servicio nuevo,
bajo el nombre de una marca existente
es común cometer el error de pensar
que el hecho de tratarse de una marca
conocida será suficiente para asegurar el
éxito del producto/servicio. Que sea una
marca conocida no necesariamente quiere
decir que ayudará. De acuerdo a Al Ries
en su libro “El origen de las marcas”, esto
es exactamente lo que le pasó a Polaroid.
Justo después de la caída de la fotografía
instantánea, Polaroid comenzó a vender
película/rollos convencionales con la
marca Polaroid. Pero no funcionó, fue un
fracaso. La razón es que la promesa de la
marca Polaroid no es fotografía, sino “fotografía
instantánea”. Y el espacio mental no
te permite ir más allá de eso pues la marca
se enfocó en construir sobre ese beneficio
que después limitó su crecimiento.
¿Qué tan apropiado es que una marca
ocupe diferentes espacios mentales?
Depende, sobretodo, de la promesa de
la marca, aunque también deben considerarse
el nombre, diseño, competencia y
otras variables globales de mercado como
son geografía o canales de venta.
ELASTICIDAD DE MARCA
La capacidad de una marca para extenderse
o estirarse a otros espacios se llama
“elasticidad de marca”. Definir qué tanto
puede estirarse una marca es una tarea
muy difícil y no existe una regla escrita
para decidirlo. Sin embargo, hay algunos
aspectos que se deben considerar antes
de tomar una decisión.
Veamos algunos ejemplos basados
en una promesa de marca.
El nuevo nombre e idenidad de BP están más
cerca de energía
Galletas Emperador
Por Mónica Magaña y Héctor Ascencio
68 69

Si la promesa de la marca es “divertido
y en contra de lo establecido”, como lo es
Virgin, entonces la marca se puede llevar a
una aerolínea, discos y a cualquier categoría
donde exista un líder tradicional y establecido.
Si la promesa es “manejo placentero”,
la marca se puede llevar a todo vehículo
que se maneje, auto, motocicleta e inclusive
bicicleta. Pero será difícil extenderla.
Hablemos de Evian, que tiene como
promesa de marca “una fuente diaria de
rejuvenecimiento”. Se posiciona más allá
que sólo agua. Es por eso que la marca
ha podido extenderse a categorías donde
la promesa de rejuvenecer es importante,
como lo es la categoría de cosméticos.
EL NOMBRE PUEDE AYUDAR…
O LIMITAR
Muchas veces la identidad verbal puede
limitarnos en los planes de extensión a
otras categorías. Si contamos con nombres
muy descriptivos será muy difícil ocupar
otro espacio en la mente de los consumidores.
Un ejemplo de esto es “BP”, antes
conocida como “British Petroleum”, esta
compañía británica se preocupa por buscar
fuentes de energía alternas al petróleo
pero su nombre lo limitaba a concentrarse
sólo en este recurso. Al momento de
cambiar el nombre se hace mucho más
fácil para el consumidor creer que “BP” no
es petróleo sino energía.
Evian extiende la marca bajo la misma promesa
Empaque Publicidad Nuevos productos
MIRANDO HACIA ARRIBA
O HACIA ABAJO
Existen otros casos donde las marcas
desean extenderse a un mercado de productos
de lujo o viceversa. Muchas veces
es más complicado que marcas que no son
de lujo quieran introducir un producto en
esta categoría, sin embargo todo depende
de cuál sea la promesa de la marca. Por
ejemplo, Gamesa lanzó al mercado Emperador
Magno, un producto de mayor status
que el Emperador tradicional, la promesa
de la marca no cambia, lo que cambia es la
galleta y la identidad visual donde se presenta
un empaque de categoría “premium”.
Como la idea central se mantiene, la marca
puede existir en este segmento de lujo.
LA MARCA AVAL PUEDE FACILITAR
CONTAR CON EXTENSIONES,
PERO NO ES SUFICIENTE
Es cierto que la marca aval puede ayudar,
pero eso no significa que sólo pongamos
una marca con un descriptivo diferente,
tenemos que evaluar si al introducir el nuevo
producto bajo el paraguas de una marca
el consumidor está dispuesto a incluirlo en
el correspondiente espacio mental. Al utilizar
una marca aval transferimos los valores
de una marca a otra. Un ejemplo de esto
es “Superslims” de Philip Morris; esta nueva
marca está destinada para mujeres jóvenes
pero el hecho de tener el aval de “Benson
and Hedges” permite posicionarla como
un producto “premium” dada la promesa
de esta marca aval.
CONCLUSIÓN
Antes de lanzar un nuevo producto o servicio,
es importante dedicar el tiempo suficiente
para analizar el mercado. Asímismo,
se debe evaluar si el nuevo producto/servicio
se ajusta a la promesa actual de la
marca y entender qué tan elástica es.
Una vez realizado este análisis, el
siguiente paso es decidir qué relación va a
tener esta nueva oferta de producto o servicio
con nuestro portafolio actual de marca•
Mónica Magaña es director general de la oficina
de Landor México y Héctor Ascencio es analista
de marca de Landor México
Superslims con aval de
Benson and Hedges
70 71

FÉLIX BELTRÁN
SOBRE LA
EDUCACIÓN
EN EL DISEÑO
GRÁFICO
ENTREVISTA A
MANUEL JIMÉNEZ
“Los planes de estudio son muy rígidos, nada flexibles; cuando el diseño es una
profesión en permanente evolución y que debe estar atenta a los cambios que se
producen en el mercado laboral y la industria”
Manuel Jiménez pertenece al Istituto
Europeo di Design (IED) y a la Mesa de la
Enseñanza de la Comunidad de Madrid, de
la Asociación de Diseñadores de Madrid,
posiciones desde las cuales observa y participa
en la formación de los nuevos diseñadores
en España.
En esta entrevista habla sobre el
diseño gráfico, su enseñanza y vislumbra
brevemente el futuro en la formación de
diseñadores. Pero antes inicia con una
breve reflexión del enfoque desde el cual
deben cimentarse sus respuestas:
“A la hora de responder esta entrevista
se me ha planteado la siguiente disyuntiva:
¿responderla desde el punto de vista de
una persona implicada en la dirección de
la escuela del Istituto Europeo di Design? o
¿Enfocarlo como representante del IED en la
Mesa de la Enseñanza de la Comunidad de
Madrid, de la Asociación de Diseñadores
de Madrid?
“Creo y no me equivoco, que plantearlo
desde el primer punto, tendría un valor
relativo, ya que muchas de las cuestiones
y dilemas que se escenifican han sido, más
o menos, resueltas debido a que al ser el
IED una entidad formativa privada, podemos
cambiar los planes de estudio sin dificultad,
acomodándolos a las circunstancias
de los mercados actuales, el 90% de
nuestros docentes son profesionales en
activo, en nuestro sistema didáctico prevalecen
las materias teóricas de base cultural
y sobre todo, nuestro lema es: pensar,
reflexionar y resolver de un modo profesional.
También tenemos un extenso plan
de acuerdos con instituciones y empresas,
y un departamento de intercambios
y bolsa de empleo a pleno rendimiento,
que asegura más de 85% de oportunidades
y puestos de trabajo. Sin embargo, y
encarando este cuestionario desde el
segundo punto de vista, considero que es
el más apropiado, pues se cuenta no sólo
con la experiencia en el IED, sino con las
experiencias ajenas y conociendo además
sus planes didácticos actuales”.
LA ENTREVISTA
¿Cómo definiría el diseño gráfico?
El diseño gráfico es el arte de observar y
plasmar. Hacer que lo que tú miras pueda
transformarse en algo visual, que pueda
comunicar, y que este resultado convierta
en novedad las cosas. El especialista, por
tanto, es un observador más que un pensador
y tiene que percibir, sentir y expresar
a la hora de llevar a cabo su obra.
¿Cuándo apareció en la historia la educación
del diseño gráfico?
Para mí, y sin duda en Tebas, dónde
había dos escuelas importantes para
escribas: una en el templo de Mut y otra
en Rammeseum. Allí se les enseñaba los
tres tipos de escritura: jeroglífica, demótica
y hierática.
Se cree que la escritura jeroglífica se
comenzó a utilizar hacia el 3 mil 300 a. C.,
aproximadamente en la misma época en
la que apareció la escritura cuneiforme
en Mesopotamia. Los jeroglíficos egipcios
fueron un sistema de escritura en el que
se mezclaban ideogramas, signos consonánticos
y determinantes.
¿Cuáles son las principales deficiencias que
tiene la educación del diseño gráfico?
a) La base histórica y cultural de esta ocupación
que son absolutamente claves
y que en muchos casos son materias
casi optativas.
b) La falta de conocimiento y la integración
en proyectos transversales con
otras especialidades como son: la moda,
arquitectura, producto, video, etcétera.
c) La poca participación de notables profesionales
en la didáctica y en los proyectos
de diseño de los alumnos, que
aumentarían el interés y elevarían el
resultado final de los trabajos de los
estudiantes.
d) Lo poco motivadores que son los planes
de estudio a la hora de programar
conferencias, encuentros, exposiciones
y otras actividades que fomenten una
actitud proactiva en los alumnos, en
la cultura en general y en la del diseño
en particular.
¿Considera un exceso la frecuente preocupación
sobre los planes de estudio, frente
a su práctica?
Sin duda los planes de estudio plantean
preocupación, ya que en muchos de
los casos, son el resultado del trabajo de
burócratas –a veces diseñadores– muy
alejados de la realidad profesional, lo cual
genera casi siempre frustración y fiasco.
Además, dichos planes son muy rígidos,
nada flexibles cuando el diseño es una
profesión en permanente evolución y que
debe estar atenta a los cambios que se producen
en el mercado laboral y la industria.
¿Considera que a veces la teoría se aplica
poco en la práctica?
No siempre. Mi estimación es que toda
práctica, es decir los proyectos que se llevan
a cabo, deben llevar anidada una parte
teórica importante que sirva al alumno
para conocer en todo momento el motivo
y el por qué de las acciones del diseño
gráfico, a la hora de desarrollar su proceso
de trabajo. Ésta es al menos nuestra forma
de trabajar en el Istituto Europeo di
Design de Madrid.
¿Cuál de los medios del diseño gráfico es más
representativo en los planes de estudio?
Depende de lo que se entiendan por
medios, si hablamos de materias, la tipografía,
la semiótica, las técnicas creativas, la
comunicación visual, los diferentes modos
de ver… Si lo que hablamos son de proyectos,
pues indudablemente la creación
de marcas, la identidad visual y de comunicación,
el diseño editorial, la señalización
de espacios...
¿Considera que el ordenador tiene demasiada
presencia en los planes de estudio?
Yo creo que el ordenador y los programas
de diseño son herramientas importantes
para realizar los proyectos, pero nada más.
No son el sustituto de la reflexión, el análisis
y el saber diseñar. Otra cosa es que
dichas herramientas, con sus aplicaciones,
cada vez más sencillas, ayudan a los alumnos
a presentar mejor sus trabajos.
Además, actualmente los ordenadores
tienen soportes básicos de comunicación
y producción a nivel global y son
utilizados por todo el sector, por tanto,
los alumnos deben aprender de la mejor
manera posible su inter-actuación, pero
mi estimación es que no deberían ocupar
más allá de un 20% de la enseñanza en las
carreras del diseño.
¿Qué les sobra a los planes de estudio?
Anquilosamiento y falta de análisis a la
hora de elaborarlos. Profesorado “funcionarial”
sin estímulos.
Rutina. Perdurabilidad y política,
sobre todo en los planes de estudio de
centros públicos.
¿Qué les falta a los planes de estudio?
Flexibilidad y anticipación a las demandas
futuras del mercado. Integración de profesionales
de primer nivel en la enseñanza.
Pasión, alma y entrega en la didáctica.
Trabajar en común con los sectores
empresariales y profesionales. Elevar el
nivel de resultados de los trabajos de los
alumnos. Transversalidad con otras áreas
del diseño. Conocimiento de la cultura
del diseño.
¿Qué propondría para elevar los resultados
en la educación del diseño gráfico?
Imaginación, rigor profesional y compromiso
con los alumnos. Implicación de los profesionales
del diseño a la hora de elaborar
los planes y los proyectos a desarrollar.
Acuerdos y formación para las instituciones
empresariales. Acuerdos para bolsas
de empleo de los alumnos. Acuerdos
para intercambio de proyectos con otras
escuelas extranjeras. Acuerdos de intercambio
de alumnos con otras instituciones
docentes. Formación y actualización
para los docentes. Formación en idiomas
para poder trabajar en “network”.
¿Qué futuro tiene la educación del diseño
gráfico?
Pues un futuro interesante, siempre que se
adecue a las nuevas demandas del mercado.
Actualmente y ante los cambios que
se han sucedido, tanto a nivel conceptual
como tecnológico, con la aparición
de nuevos soportes de comunicación, el
diseñador gráfico, además de saber ordenar
y resolver con criterio las aplicaciones
inherentes a esta especialidad, debe responder
a los nuevos encargos gráficos
que se le piden, desde el mundo de la red
internet al diseño audiovisual, interfaces
para telefonía móvil, arquitectura de interiores,
gestión del proyecto, trabajar en
equipo con otros profesionales, el mundo
publicitario, entre otros. Esto supone un
esfuerzo en formarse permanentemente y
estar al tanto de lo que sucede alrededor
de nuestra andadura profesional•
“Yo creo que el ordenador
y los programas de diseño son
herramientas importantes para realizar
los proyectos, pero nada más”
por Félix Beltrán. Universidad Autónoma Metropolitana Azcapotzalco / Ciudad de México
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SOLUCIONES MAC
.TIF vs .EPS
Salvar un archivo de Photoshop como formato .eps es una práctica cuyo fundamento
hacen algunas versiones de QuarkXpress, o mientras existió Page-
Maker, era preservar información vectorial que permitiera hacer recortes de
imágenes manteniendo transparencia en los fondos. La mejora en el despliegue
de archivos por parte de las versiones recientes de los programas y la sustitución
de PageMaker por InDesign, han permitido que este tipo de efectos
se logre incluso con formatos nativos como el .psd y la necesidad del uso de
un .eps se ha limitado a una situación muy particular: impedir que una imagen
sea afectada en su calibración de color original por la administración de
color establecida en el programa de salida.
Como los perfiles de color incluidos en un .eps no son afectados por un programa
en el cual se vincule este archivo, algunos equipos de trabajo seguros de
que la calibración original de un archivo Photoshop es la correcta para su salida,
prefieren manejar este formato para impedir que se vea afectada en un proceso
de salida e impresión. Fuera de este caso, la conveniencia de utilizar un formato .tif,
.eps o .psd es idéntica, pues incluso los RIPs modernos tienen la misma capacidad
de procesamiento para cualquiera de ellos. La excepción son los formatos .jpg, .gif,
o cualquier otro que comprima la información de color, pues degradan la calidad
de la imagen. También es recomendable utilizar en una formación de salida un
mismo formato de archivo para todos los photoshops vinculados.
PARA QUIENES SIGUEN CON FREEHAND
Para quienes han preferido como herramienta de dibujo vectorial FreeHand,
es aconsejable que inicien un proceso de cambio hacia Illustrator, Corel o
ACCESO A LA AUTOMATIZACIÓN
PRESENTADO POR SOFTROBOT AUTOMATED WORKFLOWS
INICIANDO LA DISCIPLINA PARA UN DAM
Es momento de retomar las ideas alrededor de las cuales debemos construir
nuestro catálogo de recursos digitales. Hagamos uso de herramientas más
dedicadas: “los metadatos”.
METADATOS Y OTRAS BESTIAS
Podemos definir los metadatos como la información sobre nuestros archivos,
que es diferente a la información que contienen éstos. Ejemplo de ellos son
la fecha y hora de creación, tipo de archivo, formato y otros más que consideramos
metadatos automáticos, pues son anexados a nuestros archivos sin
nuestra intervención, pero también hay metadatos que deben ser introducidos
y que dependen de nosotros; ejemplo de estos son: autor y sus datos particulares
como teléfono, mail, etcétera, si dicha obra está registrada o no (©), y
de vital importancia será la información que nos ayuda a realizar las tareas de:
catalogar, clasificar y calificar nuestros archivos. Esa información formará parte
de los metadatos de nuestra colección de recursos.
¿Y DÓNDE ESTÁN LAS BESTIAS?
La pregunta tiene más de una respuesta, dependiendo del tipo de metadatos,
pero por ahora digamos que esta información reside junto a nuestro archivo
o está contenida en el mismo documento haciendo uso de un lenguaje especializado
llamado XMP o Extensible Metadata Platform que para nuestra fortuna
la gran mayoría de desarrolladores de software han decidido dar soporte.
Como seguramente la mayoría serán usuarios de la suite creativa de Adobe,
veamos en donde acceder a dicha información utilizando estos programas,
ya que Illustrator, Photoshop, InDesign y Bridge comparten exactamente la
misma información e incluso bajo el mismo menú. Abre un documento en
cualquiera de ellas y en el menú File, selecciona File Info. Verás que existen
por Marcos Rodríguez
Xara debido a la postura que ha adquirido Adobe al respecto. En el caso de
la mayoría de los usuarios Mac, hay preferencia hacia el uso de Illustrator, por
lo que algunas recomendaciones para el manejo simultáneo de archivos en
estos dos programas, considerando un proceso de cambio, son:
• FreeHand en su última versión (MX o 9) no abrirá archivos de Illustrator en formatos
en versiones superiores a la CS en formato nativo, .pdf, o .eps. En caso
de que así lo requieras, deberás salvar o exportar el documento con formato
Illustrator 10 o anterior.
• Si tienes imágenes vinculadas es recomendable que las ubiques todas en un
layer independiente al del resto de la información, pues FreeHand no las leerá y
esto puede afectar el acomodo de algún elemento. En FreeHand quedan indicadas
sus posiciones con espacios en blanco y tendrás que vincularlas de nuevo.
• Los colores no se verán iguales, aunque tengas calibrado tu monitor; esto es
normal pues FreeHand carece de las herramientas de administración de color
avanzadas con que cuenta Adobe. Sólo revisa que los valores de las fichas de
color se respeten.
• Para abrir un documento de FreeHand en Illustrator, la mejor manera es
exportarlo desde FreeHand. En este caso los bloques de texto se fragmentarán
y será muy difícil hacer ediciones complejas de los mismos, por lo que
es recomendable que antes de hacer un cambio, verifiques que no vayas a
hacer más correcciones y de preferencia conviertas todo texto a curvas.
• Los documentos multipáginas no podrán ser abiertos como tal. Lo recomendable
es salvar cada página de FreeHand como archivo individual o marcar el
área de cada página con un recuadro e incrementar el tamaño de una sola
página para que abarque toda la información•
por Carlos Ysunza
campos predeterminados para alguna información e incluso algunos que no
podrás modificar como los hallados bajo el rubro “Camera Data”, datos automáticamente
capturados por una cámara digital.
Una práctica que debes integrar en tus rutinas de salvado de tus documentos
es abrir esta caja de diálogo y agregar los datos relevantes que sean pertinentes
a documento. Dedicarle unos cuantos segundos, te ahorrará horas de trabajo.
TRABAJA SÓLO UNA VEZ Y REUTILIZA
Es evidente que parte de los datos es igual o muy semejante en todos los
documentos que salen de tu oficina, por ejemplo el nombre del despacho,
posiblemente el autor, los datos del URL entre otros; y seguramente varios
documentos comparten cliente, tema, proyecto y por lo tanto palabras clave
o Keywords. Por lo cual, el tiempo dedicado a estas labores de ingresar metadatos,
será cada vez menor e incluso automatizable.
Lo primero que deberás hacer es salvar uno de estos formatos con los
datos básicos, utilizando el menú desplegable bajo el pequeño triángulo de la
parte superior derecha y darle un nombre adecuado, en mi caso “CYB_Básico”,
a partir del mismo podrás crear tantos como los necesites, como en mi caso
que utilizo para clientes específicos, uno de estos formatos que incluso llevan
ya un conjunto de palabras clave.
Asigna uno de estos formatos a uno de tus documentos desde, por ejemplo
InDesign, y ahora intenta buscar este documento o palabra clave utilizando
Adobe Bridge o incluso ve más allá y abre un catálogo nuevo en iView
MediaPro y arroja dicho documento en él, encontrarás que este programa
como muchos otros pueden acceder a la información allí contenida.
Te felicito, has dado los primero y muy importantes pasos para darle valor
a tu colección de recursos digitales y haz colocado así mismo la primera piedra
para la robotización de tu despacho•
Ilustración: Christopher Cisneros T 66 7716 6855
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