Método_ iconológico_Bartolo_Osorio_Marcela_Karina_601 pliegos
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<strong>Método</strong><br />
<strong>iconológico</strong> Pág.
<strong>Método</strong><br />
<strong>iconológico</strong><br />
La obra de arte como idea<br />
Esta metodología en el estudio de la historia del arte se desarrolla en Alemania,<br />
durante el periodo de entreguerras, paralelamente al formalismo y<br />
de la mano de Aby Warburg (1866-1929 quien con la inquietud por<br />
estudiar la continuidad de ciertos elementos accesorios de una<br />
imagen junto a los gestos que expresan “emociones intensificadas”,<br />
se traducirá en uno de los conceptos fundamentales<br />
de Warburg para estudiar la vida de las imágenes plasmado<br />
en la tesis de su licenciatura. De ese primer trabajo<br />
emerge uno de los elementos característicos de su obra:<br />
la confrontación entre texto e imagen subrayando el<br />
valor expresivo de las formas y de la estructura compositiva<br />
de las obras figurativas, estas ideas darían el<br />
origen para tomar en serio el método <strong>iconológico</strong>).<br />
Como antecedentes de esta nueva metodología en<br />
el estudio de la historia del arte se reconocen la obra<br />
de los historiadores Emile Male (1862-1954; quien<br />
realiza la obra “La historia de la iconografía cristiana)<br />
y Jacob Burckhardt (1818-1897; Historiador<br />
de arte suizo) así como Alois Riegl (1858-1905; principal<br />
representantedel formalismo en la historia del<br />
arte) y Max Dvorackv (1874-1921; Empleó un análisis<br />
fuertemente formal de los objetos, argumentando una<br />
progresión lineal del arte basada en el análisis estilístico)<br />
Asimismo, la iconología se basa en algunos aspectos de la femonología<br />
de Husserl (1859-1938; la femonología expresa la<br />
intencionalidad de la conciencia: toda conciencia es conciencia<br />
de algo y ese algo no es la propia conciencia. Husserl establece una<br />
conexión indisoluble entre la conciencia y su objeto, la llamada correlación<br />
universal objetoconciencia) de las doctrinas de Heiddeger [1889-1976;<br />
en su obra “el ser y el tiempo que, junto con varios escritos posteriores, tendría muchísima<br />
influencia sobre la filosofía posterior, sobre todo sobre el existencialismo (ya que su ontología abría el<br />
debate sobre el nihilismo), sobre el debate del Giro<br />
Lingüístico (al reconocer la relación entre Verdad<br />
y Lenguaje) y sobre la Hermenéutica, por<br />
sus aportaciones a la lingüística y la semiótica.],<br />
y fundamentalmente, del neokantismo de<br />
Ernst Cassirer ( 1874-1945; Filósofo de alemán<br />
de origen judío investigando los conceptos<br />
de sustancia y de función, descubrió<br />
cómo el simbolismo algebraico es la base de<br />
las ciencias Así surgió la filosofía de las formas<br />
simbólicas. Según él, las diversas realizaciones<br />
en las que se concretiza la cultura<br />
humana se fundan en una actividad simbólica<br />
que, alejándose cada vez más de la inmediatez<br />
del dato natural y sensible, conduce a<br />
la formación de esquemas autónomos. De esta<br />
forma, la filosofía tiende a configurarse no sólo<br />
como crítica del conocimiento sino también como<br />
crítica de la cultura.). Esta corriente metodológica,<br />
en contraposición a la escuela de Viena, se centra en el<br />
contenido de la obra de arte, es decir, en el “qué dice”, aunque<br />
sin por ello desdeñar el cómo lo dice. Por otro lado, se<br />
aboca al estudio de la transmisión de los temas del arte antiguo<br />
a través de la Edad Media y su resignificación en el renacimiento. Su<br />
principal aporte ha consistido en el hallazgo de los indicios que permitan<br />
armar una cadena de relaciones fundadas y eslabones verificables entre textos, imá-<br />
genes<br />
ceremonias, prácticas sociales y culturales para llegar a una cabal comprensión de las obras de arte. Algunos de los<br />
principales representantes de los estudios <strong>iconológico</strong>s fueron Aby Warbug (que se ocupó fundamentalmente de<br />
la revitalización y presencia del pensamiento mágico en las culturas italianas y nórdica del renacimiento), Erwin<br />
Panofsky (quien formula el método <strong>iconológico</strong>), Fritz Saxl (dedicado a los estudios de manuscritos astrológicos y<br />
mitológicos), Ernst Gombrich (que se ocupó también de cuestiones de psicología de la percepción estética) y más<br />
recientemente, Carlo Ginzburg (que desde la microhistoria hizo suyos los planteos teórico-metodológicos de la<br />
iconología warburguiana.<br />
Ahora, haciendo un enfoque en Erwin Panofsky sostiene que la iconología es fría: no se entretetiene en la forma<br />
sino en la mente del contenido, este enfoque permitió que el método fuera aplicable a distintos campos de la investigación<br />
histórica. Panofsky concebía “las artes visuales como una parte del universo de la cultura, que también<br />
comprendía, las ciencias, el pensamiento científico y religioso...” es por ello que en los análisis que encontrarás en<br />
esta revista la obra se tomará como un mensaje compuesto por varios íconos mismos que estarán con su explicación<br />
correspondiente, y como verás cada ícono empleado en la obra de arte reflejará el contexto, o la ideología que<br />
tenía el artista y cómo influye en el momento de creación.<br />
Pág.<br />
El método<br />
<strong>iconológico</strong> de<br />
Erwin Panofsky:<br />
La interpretación<br />
integral de una<br />
obra de arte<br />
Introuducción<br />
El objetivo de la<br />
línea del tiempo<br />
junto con las cápsulas<br />
informativas<br />
es comprender las<br />
obras que sirvieron<br />
de inspiración o<br />
que influyeron en<br />
la obra de Panofsky<br />
quien desarrollaría<br />
el método <strong>iconológico</strong><br />
el cual se aplica<br />
en los análisis<br />
que aquí se presentarán.<br />
Línea del tiempo<br />
Bases conceptuales<br />
1874<br />
Giovanni Morelli publica<br />
un nuevo método<br />
para la atribución<br />
de cuadros antiguos.<br />
1892<br />
Nace Erwin Panofsky<br />
quien años más tarde<br />
se preocuparía por encontrar<br />
una fórmula<br />
que permitiese al enseñante<br />
de Historia<br />
del arte combinar la<br />
Pág.
Arquitectura<br />
Casa de Batlló, Art Nouveau<br />
La Casa Batlló fue un encargo del empresario textil Josep Batlló a Antoni Gaudí en el año<br />
1904, para remodelar totalmente un edificio y convertirlo en su nueva residencia en<br />
Barcelona. Aunque la primera idea de Josep Batlló era demoler totalmente el<br />
edificio existente para levantar uno nuevo, Antoni Gaudí le convenció<br />
para mantener la estructura original del 1875 y remodelar tanto la<br />
fachada como los interiores. Se daba la casualidad que el edificio<br />
original era obra de Emili Sala i Cortés, maestro de Gaudí en<br />
la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona.<br />
Desván<br />
Fachada<br />
El desván está construido<br />
con una serie<br />
de arcos que simulan<br />
las costillas del dragón.<br />
La parte central de la<br />
fachada, está inspirada<br />
en el Mar Mediterráneo,<br />
esa es la razón<br />
por la que está cubierta<br />
de fragmentos de<br />
cristales y cerámica<br />
policromada en tonalidades<br />
azules.<br />
Tejado<br />
Para poder mostrar y transmitir sus ideas, Antoni Gaudí<br />
muy pronto comprendió que con unos simples planos<br />
y dibujos sería imposible, y empezó a trabajar sobre<br />
maquetas de yeso que él mismo iba creando y dándoles<br />
forma hasta obtener los volúmenes y figuras<br />
deseadas. Esta metodología de trabajo, y lo novedoso<br />
de sus propuestas, hicieron que los trámites<br />
administrativos fuesen muy complejos, dándose la<br />
paradoja que la licencia de obras no se concedió<br />
hasta 1912, seis años después de haber terminado<br />
la reforma.<br />
Independientemente del trabajo exhaustivo que realizó,<br />
Gaudí puso su imaginación y talento al servicio<br />
de la fe católica. El arquitecto catalán dedicó su vida<br />
a la arquitectura llegando a crear obras donde técnica,<br />
estética y religión se unifican magistralmente evocando<br />
siempre a la Naturaleza como la máxima creación divina.<br />
Es por ello que los íconos o simbolismos por mencionar hacen<br />
referencia al tema de religión.<br />
El techo de forma ondulada,<br />
simula el lomo<br />
de un dragón, para su<br />
decoración el tejado<br />
está cubierto con cerámica<br />
de colores, haciendo<br />
alusión a sus<br />
escamas.<br />
Torre de aguja<br />
Complementando el<br />
significado de que el<br />
techo es el lomo de un<br />
dragón, Gaudí simula<br />
una espada atravesando<br />
al dragón al construir<br />
la torre de aguja,<br />
la cual en su mango<br />
tiene una cruz.<br />
Primera planta<br />
Ventanales<br />
Hay otros autores<br />
que retoman la teoría<br />
del dragón, es<br />
el caso de la Dra.<br />
en lengua española<br />
Carmen Diez Carrera<br />
quien hace<br />
una interpretación<br />
más profunda, por<br />
ejemplo la fachada<br />
sitúa la simbología<br />
En la primera planta,<br />
Gaudí no sólo recurre<br />
a las formas óseas<br />
sino también al mar<br />
mediterráneo,como<br />
se puede apreciar en<br />
la imagen, las formas<br />
onduladas de las ventanas,<br />
aludiendo a las<br />
olas del mar.<br />
Esta galería, por su aspecto<br />
puede recordar<br />
a una boca abierta,<br />
provocó que la casa<br />
fuese conocida como<br />
Casa de los Bostezos.<br />
Balcones<br />
alrededor de la lucha de San Jorge contra el<br />
dragón, que representa el mal, el espinazo<br />
del cual conforma el perfil superior de la<br />
fachada principal del edificio. La torre sería<br />
la lanza que se clava en el dragón, coronada<br />
por una cruz que simboliza el emblema<br />
de San Jorge con las iniciales de la sagrada<br />
familia inscritas, símbolo inequívoco del<br />
triunfo de la religiosidad y del bien. Las escamas<br />
azules del lomo del dragón se vuelven<br />
rojizas, manchadas por la sangre, en el lado<br />
Caracterizándose por<br />
recurrir a formas orgánicas,<br />
los balcones<br />
y los contornos de las<br />
ventanas tienen similitudes<br />
con formas<br />
óseas.<br />
Ventanas<br />
izquierdo de la torre.<br />
En esta interpretación,<br />
los balcones<br />
son fragmentos de<br />
cráneos y los pilares<br />
de las ventanas<br />
del piso principal<br />
son los huesos de las<br />
víctimas del dragón.<br />
Las interpretaciones<br />
varían, va a depender<br />
del punto de vista<br />
del lector, de lo<br />
que no hay duda es<br />
que recorriendo la<br />
casa los detalles no<br />
paran de sorprender<br />
por todas partes, el<br />
artista lo interviene<br />
todo: diseño, color,<br />
forma, función, espacio<br />
y luz.<br />
Pág.<br />
descripción y el análisis<br />
de obra de arte,<br />
dicha inquietud sería<br />
la que impulsaría la<br />
creación del método<br />
iconográfico<br />
1899<br />
Se publica el libro de<br />
H. Wolffin, “Klassische<br />
Kunst” que convierte<br />
definitivamente<br />
a la historia del arte en<br />
ciencia. Trabajos que<br />
permitieron dejar en<br />
claro conceptos como<br />
la periodización, la<br />
proveniencia, el concepto<br />
de obra maestra,<br />
el mecenazgo , estilo y<br />
contenido<br />
La iconografía<br />
como ciencia auxiliar<br />
y la historia<br />
de la cultura en el<br />
siglo XX<br />
Principios<br />
siglo XX<br />
Cuando panofsky<br />
comienza a escribir<br />
sobre el arte, la disciplina<br />
de Historia del<br />
Arte estaba dominada<br />
por el formalismo.<br />
Principios<br />
siglo XX<br />
En este siglo se ordenan<br />
las galerías de los<br />
museos por los nombres<br />
de los artistas y<br />
las fechas obviando<br />
cualquier información<br />
extrínseca.<br />
Pág.
Música<br />
Carnaval 1835 de Schumann<br />
Robert Schumann (Zwickau, actual Alemania, 1810-Endenich, id., 1856) Compositor alemán.<br />
Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los paradigmas del<br />
Romanticismo musical alemán. Para el análisis iconólgico se ha recurrido<br />
a la obra “Carnaval”. Para ello primero debemos esclarecer el concepto<br />
de “partitura” y sus elementos ¿Pero qué es una partitura?<br />
Es un texto de una composición musical ¿Qué nos dice este<br />
texto? Al igual que al leer un cuento no podemos cambiar<br />
las palabras tampoco en la partitura podemos cambiar<br />
las notas y las indicaciones que ahí se escriben, además<br />
hay otros elementos que intervienen para informarnos<br />
en el cómo interpretar las notas, por ejemplo<br />
¿A qué velocidad debe ejecutarse la música? Estos<br />
y otros elementos nos ayudarán a entender el<br />
análisis <strong>iconológico</strong> de esta pieza musical.<br />
Acento<br />
Compás<br />
El acento es una marca<br />
que indica que la<br />
nota debe ejecutarse<br />
con mayor intensidad<br />
a comparación de las<br />
demás notas.<br />
Es la división de tiempo<br />
en partes iguales,<br />
indican cuántas figuras<br />
rítmicas caben en<br />
un fragmento de la<br />
partitura que también<br />
se le denomina compás,<br />
mismas que se separan<br />
por líneas.<br />
Conjunto de notas que<br />
al tocarlas al instante<br />
forma un sonido diferente<br />
con armonía.<br />
Acordes<br />
Título de la obra<br />
Compositor<br />
Conjunto de cinco líneas<br />
horizontales que<br />
sirven de base para la<br />
escritura de la música,<br />
son paralelas y equidistantes.<br />
staccato<br />
Indicación que se coloca<br />
en forma de punto<br />
a un lado de la nota<br />
para señalar que debe<br />
ejecutarse a la mitad<br />
de su valor original.<br />
Doble barra<br />
La doble barra está<br />
compuesta con una<br />
línea delgada y una<br />
gruesa, esto es para<br />
señalar que es el final<br />
de la partitura o de<br />
la primera línea del<br />
compás.<br />
Clave de sol<br />
La<br />
clave<br />
es un<br />
signo que se escribe<br />
en el pentagrama, su<br />
fucnión es asignar el<br />
nombre de las notas<br />
de acuerdo a la posición<br />
de las notas.<br />
Tempo<br />
Pentagrama<br />
El “tempo” es la velocidad<br />
en la que ejecutará<br />
la pieza en este caso es<br />
“quasi maestoso” (casi<br />
majestuoso) indica al<br />
músico que debe ejecutar<br />
de manera “señorial”<br />
la pieza.<br />
Ligaduras<br />
Puntos de repetición<br />
Se colocan cuando un<br />
fragmento de la pieza<br />
debe ejecutarse dos<br />
veces. Se señalan en<br />
forma de puntos que<br />
van en el segundo y<br />
tercer espacio del pentagrama.<br />
Motivos<br />
Son dos notas que se<br />
repiten a lo largo de<br />
la pieza son como las<br />
“palabras” que se repiten<br />
a lo largo de un<br />
texto.<br />
Pág.<br />
Mediados del<br />
siglo XX<br />
Surge el interés en<br />
ver a las obras de arte<br />
como “un entremado<br />
de ideas” sobre el que<br />
se fundarán los estudios<br />
iconográficos.<br />
Lengua, sistema y<br />
signo<br />
1901<br />
Ferdinand Saussure<br />
establece la diferencia<br />
entre lengua y palabra.<br />
Donde llega a la conclusión<br />
de que la evolución<br />
de las palabras<br />
y de su significado debería<br />
estudiarse en relación<br />
con su contexto<br />
cultural y sociológico.<br />
Esto constituye la base<br />
de la semiología, ciencia<br />
que estudia los signos<br />
en una sociedad<br />
y las leyes que la gobiernan,<br />
y que considera<br />
que cada imagen<br />
material constituye<br />
una convención en su<br />
modo de representación,<br />
principios estudiados<br />
por Erwin Panofsky<br />
quien los supo<br />
aplicar magistralmente<br />
en su metodología.<br />
Pág.
Análisis “Carnaval” 1835<br />
Esta obra tiene su origen en un conjunto de Variaciones sobre Sehnsuchtswalzer de Franz Schubert, cuya música<br />
Schumann había descubierto en 1827. El catalizador para la escritura de las variaciones puede haber sido una obra<br />
para piano y orquesta en forma de variaciones sobre el mismo tema de Schubert, que fue escrita por un amigo<br />
cercano de Schumann, Ludwig Schuncke. Schumann sintió que el tratamiento heroico de Schuncke constituía<br />
un reflejo inadecuado de la naturaleza tierna de la pieza de Schubert, por lo que se<br />
dispuso a abordar tales variaciones de una manera más íntima. Trabajó en las<br />
variaciones en 1833 y 1834. La obra no llegó a ser terminada y Schuncke<br />
murió en diciembre de 1834. Sin embargo, Schumann reutilizó la<br />
introducción de 24 compases para la apertura de Carnaval. Desde<br />
entonces el pianista alemán Andreas Boyde ha reconstruido<br />
la serie original de Variaciones partiendo del manuscrito<br />
de Schumann.2 El pianista rumano Herbert Schuch ha<br />
grabado esta reconstrucción, con sus propios arreglos<br />
editoriales, para el sello Oehms Classics.3 Schumann<br />
dedicó la obra al violinista Karol Lipiński..<br />
El subtítulo de la obra es Scènes mignonnes sur quatre<br />
notes que en francés quiere decir Escenas bonitas<br />
con cuatro notas. Las cuatro notas constituían<br />
para Schumann un mensaje codificado y predijo<br />
que «descifrar mi obra enmascarada será un juego<br />
real para ti».6 Las 22 piezas están conectadas<br />
entre sí a través de un motivo recurrente. En cada<br />
sección del Carnaval aparecen varias de esas notas<br />
formando los siguientes criptogramas musicales:1<br />
la-mi bemol-do-si, que en notación alemana es A-S-<br />
C-H;<br />
la bemol-do-si, que en notación alemana es As-C-H;<br />
mi bemol-do-si-la, que en notación alemana es S-C-H-A.<br />
La primera combinación A-S-C-H en alemán hace referencia<br />
a la ciudad Asch (actualmente conocida como Aš en República<br />
Checa) en la que había nacido su prometida entonces, Ernestine<br />
von Fricken. La secuencia de letras también aparece en la palabra<br />
alemana «Fasching», que significa carnaval. «Asch» también quiere decir<br />
“cenizas” en alemán, queriendo hacer una alusión al miércoles de ceniza («Aschermittwoch»),<br />
que es el primer día de la cuaresma. Asimismo, aparece codificada<br />
una parte del nombre del propio compositor, Robert Alexander Schumann. La combinación S-C-H-A representa<br />
el jeroglífico del nombre del compositor en este orden Schumann.<br />
Esta obra tiene su origen en un conjunto de Variaciones sobre Sehnsuchtswalzer de Franz Schubert, cuya música<br />
Schumann había descubierto en 1827. El catalizador para la escritura de las variaciones puede haber sido una obra<br />
para piano y orquesta en forma de variaciones sobre el mismo tema de Schubert, que fue escrita por un amigo<br />
cercano de Schumann, Ludwig Schuncke. Schumann sintió que el tratamiento heroico de Schuncke constituía un<br />
reflejo inadecuado de la naturaleza tierna de la pieza de Schubert, por lo que se dispuso a abordar tales variaciones<br />
de una manera más íntima. Trabajó en las variaciones en 1833 y 1834. La obra no llegó a ser terminada y Schuncke<br />
murió en diciembre de 1834. Sin embargo, Schumann reutilizó la introducción de 24 compases para la apertura de<br />
Carnaval. Desde entonces el pianista alemán Andreas Boyde ha reconstruido la serie original de Variaciones partiendo<br />
del manuscrito de Schumann.2 El pianista rumano Herbert Schuch ha grabado esta reconstrucción, con sus<br />
propios arreglos editoriales, para el sello Oehms Classics.3 Schumann dedicó la obra al violinista Karol Lipiński..<br />
El subtítulo de la obra es Scènes mignonnes sur quatre notes que en francés quiere decir Escenas bonitas con cuatro<br />
notas. Las cuatro notas constituían para Schumann un mensaje codificado y predijo que «descifrar mi obra<br />
enmascarada será un juego real para ti».6 Las 22 piezas están conectadas entre sí a través de un motivo recurrente.<br />
En cada sección del Carnaval aparecen varias de esas notas formando los siguientes criptogramas musicales:1<br />
la-mi bemol-do-si, que en notación alemana es A-S-C-H;<br />
la bemol-do-si, que en notación alemana es As-C-H;<br />
mi bemol-do-si-la, que en notación alemana es S-C-H-A.<br />
La primera combinación A-S-C-H en alemán hace referencia a la ciudad Asch (actualmente conocida como Aš<br />
en República Checa) en la que había nacido su prometida entonces, Ernestine von Fricken. La secuencia de letras<br />
también aparece en la palabra alemana «Fasching», que significa carnaval. «Asch» también quiere decir “cenizas”<br />
en alemán, queriendo hacer una alusión al miércoles de ceniza («Aschermittwoch»), que es el primer día de la cuaresma.<br />
Asimismo, aparece codificada una parte del nombre del propio compositor, Robert Alexander Schumann.<br />
La combinación S-C-H-A representa el jeroglífico del nombre del compositor en este orden Schumann.<br />
Tonalidad<br />
Son las alteraciones<br />
que tienen las notas,<br />
en este caso son bemoles<br />
su forma es<br />
similar a la letra “b”<br />
indica que la nota se le<br />
resta medio tono.<br />
Pág.<br />
La crítica<br />
al formalismo<br />
El método fromalista<br />
alcanza su máxima<br />
sí misma, cuyo modelo<br />
de investigación profundidad, forma<br />
rico, superficie contra<br />
formulación con la<br />
publicación del libro:<br />
se basa en el análisis cerrada contra forma<br />
“Principios fundamentales<br />
del arte”. En<br />
visual de las obras. abierta, pluralidad<br />
Para ello se crean categorías<br />
descriptivas diferencían el barroco<br />
contra unidad) que<br />
el se formula una historia<br />
de las formas en<br />
1915 (de lo lineal a lo pictó- del renacimiento.<br />
1924<br />
El redescubrimiento<br />
del contenido:<br />
La obra y la<br />
biblioteca de Aby<br />
Warburg<br />
Aby Warburg realiza<br />
el álbum”Mnmosyne”<br />
este consiste en un<br />
gran atlas de imágenes<br />
que Warburg colecciona<br />
en los últimos años<br />
de su vida. Para ello<br />
emplea la técnica del<br />
collage, combina fotografías<br />
de obras artísticas<br />
con otras escenas<br />
y sucesos de la vida<br />
cotidiana.<br />
Pág.
Escultura<br />
Reloj Astronómico de Praga<br />
El reloj astronómico de Praga, el más antiguo de su estilo en Europa, el 9 de octubre<br />
cumplirá 607 años. Es un «reloj de la vida», ubicado en la torre del ayuntamiento<br />
de la Ciudad Vieja, el reloj, considerado un pródigo de la época<br />
medieval, se cree fue construido por el relojero Nicolás de Kadan,<br />
con ayuda del profesor de matemáticas y astronomía, Jan Šindel.<br />
Antes de realizar el análisis no está demás saber acerca de la<br />
leyenda que rodea esta obra. ¿Por qué someter este reloj al<br />
análisis? Es porque aparte de contar con una leyenda interesante,<br />
el reloj posee una colección de esculturas que<br />
esconden un significado.<br />
Un poco de historia...<br />
“Un día, un maestro relojero llamado Hanus se presentó<br />
a las autoridades del ayuntamiento proponiendo<br />
sus talentos para la construcción de un reloj<br />
monumental, que al tiempo de adornar el frente<br />
del edificio haría de Praga una ciudad única, puesto<br />
que sería el más bello de Europa. Aceptando su<br />
propuesta, el relojero se puso a trabajar. Así, durante<br />
un tiempo se lo vio calcular y dibujar, y más tarde<br />
contrató un aprendiz que lo ayudó en la concreción<br />
de la obra.<br />
El día de la inauguración, una multitud estupefacta contempló<br />
aquel bello mecanismo, como nunca habían visto en<br />
toda su vida, mientras Hanus, orgulloso y feliz, intentaba explicarles<br />
(en vano, claro) el sentido de toda esa extraña maquinaria.<br />
Sin duda, pensaban todos, no hay en el mundo nada igual<br />
y Praga será aún más reconocida como la más gloriosa de todas las<br />
ciudades.<br />
Pero tiempo después, alguien vio al maestro nuevamente dibujando entusiasmado en<br />
su taller y se extendió la noticia de que quizás estaba preparando una obra aún más espectacular en el extranjero,<br />
tentado acaso por una importante oferta monetaria. Las autoridades se inquietaron, celosas de que Hanus repitiera<br />
en otro país la pequeña maravilla praguense.<br />
La solución no se hizo esperar y fue muy drástica.<br />
Aprovechando la quietud de una noche muy oscura,<br />
tres personas entraron a su taller, donde<br />
se encontraba aún trabajando a la luz de las<br />
velas y el calor de la chimenea. Tomándolo<br />
por sorpresa, el maestro no pudo reaccionar,<br />
y sin ninguna piedad lo arrastraron hasta el<br />
fuego y le quemaron los ojos con un hierro<br />
caliente.<br />
Pasó el tiempo.Hanus se había enfermado<br />
y poco a poco se deterioraba físicamente, al<br />
tiempo que sus libros y planos se cubrían de<br />
polvo... pero la gente acudía como siempre para<br />
ver su pequeña maravilla en el ayuntamiento.<br />
Un día alguien llegó a conocer la verdad y no tardó<br />
en hacérselo saber a Hanus. Dolido por tanta maldad<br />
e ingratitud, tomó una triste resolución y se hizo llevar<br />
por su aprendiz hasta la torre. Una vez allí, reunió todas<br />
las fuerzas que le quedaban y metió su mano derecha en el<br />
mecanismo para destruirlo. En ese mismo momento, la Muerte<br />
tiró de la cuerda, los engranajes sonaron horriblemente y todo se detuvo;<br />
también la vida de Hanus, que cayó muerto en ese mismo momento.<br />
Se dijo que una maldición recaería sobre todo aquel que intentara reparar el reloj, volviéndolo loco o directamente<br />
provocándole la muerte. Más allá de la leyenda, lo cierto es que muchos, muchos años pasarían antes de alguien<br />
lograra reparar el complicado mecanismo del reloj de Hanus....”<br />
Bastante extraño para ser un reloj, su función original no era solamente dar la hora sino indicar también tiempos<br />
astronómicos. Por eso, a primera vista cuesta un poco saber cuál es la hora actual y comprender qué representan<br />
las marcas y dibujos en los cuadrantes, a continuación se desglosará el significado que ha detrás de cada escultura.<br />
El cuadrante astronómico<br />
tiene forma de<br />
astrolabio, instrumento<br />
usado en la astronomía<br />
medieval y en<br />
la navegación hasta<br />
la invención del sextante.<br />
Tiene pintado<br />
sobre ella representaciones<br />
de la Tierra y<br />
del cielo, así como de<br />
los elementos que lo<br />
rodean, especialmente<br />
por cuatro componentes<br />
principales: el anillo<br />
zodiacal, el anillo<br />
de rotación, el icono<br />
que representa al sol y<br />
el icono que representa<br />
a la luna.<br />
El fondo representa a<br />
la Tierra y la visión local<br />
del cielo. El círculo<br />
azul del centro representa<br />
nuestro planeta<br />
y el azul más oscuro la<br />
visión del cielo desde<br />
el horizonte. Además,<br />
la distancia entre el<br />
Sol y el centro de la esfera<br />
muestra el tiempo<br />
entre el anochecer y el<br />
amanecer.<br />
Pág.<br />
¿Sabías que...<br />
Warburg ideó un<br />
original sistema de<br />
disposicón bibliotecaria<br />
que el mismo<br />
definía como “ley<br />
de la buena vecindad”.<br />
Ésta consistía<br />
en ordenar los<br />
libros de modo que<br />
cada uno de ellos<br />
contuviese información<br />
suficiente<br />
para ayudar a<br />
comprender el<br />
contenido del<br />
anterior?<br />
Warburg estaba<br />
muy sensibilizado<br />
a la idea de que el<br />
artista o el comitente<br />
“elegía imágenes”<br />
y que estas<br />
revelaban la psicología<br />
del periodo<br />
en el que vivía, de<br />
manera que para<br />
él las obras eran<br />
documentos que<br />
podían contarnos<br />
muchas cosas sobre<br />
la psicología<br />
humana en todos<br />
sus aspectos contradictorios.<br />
Pág.
Gallo<br />
En la parte superior<br />
del reloj se encuentra<br />
una escultura de un<br />
gallo que representa la<br />
vida.<br />
Hombre con espejo<br />
Al otro lado del reloj<br />
astronómico de Praga<br />
está el hombre vanidoso<br />
como símbolo de<br />
la vanidad de la humanidad.<br />
Es por eso que<br />
a la escultura se le ha<br />
agregado un espejo.<br />
Espejo<br />
Ángel<br />
El sol dorado se mueve<br />
alrededor del círculo<br />
zodiacal, describiendo<br />
una elipse. El sol se<br />
junta con el brazo que<br />
tiene la mano dorada,<br />
y juntos nos muestran<br />
el tiempo de tres formas<br />
diferentes:<br />
La posición de la<br />
mano de oro sobre los<br />
números romanos indican<br />
la hora local de<br />
Praga.<br />
La posición del sol sobre<br />
las líneas doradas<br />
indican las horas en<br />
formato de horas desiguales.<br />
La posición de la<br />
mano dorada sobre el<br />
anillo exterior indican<br />
las horas después del<br />
amanecer según el antiguo<br />
horario checo.<br />
El hombre con bolsa,<br />
es un comerciante judío<br />
con bolsa y representa<br />
la avaricia.<br />
El cronista es representado<br />
con un libro.<br />
Hace referencia a lo<br />
divino.<br />
Hombre con bolsa<br />
Hombre con libro<br />
Libro<br />
Ángel<br />
A un lado del cronista,<br />
es representado el astrónomo,<br />
es un hombre<br />
de turbante sosteniendo<br />
un telescopio.<br />
La escultura es la representación<br />
de un<br />
príncipe turco con su<br />
mandolina que significa<br />
la lujuria.<br />
Cada hora entre las 9 de la mañana y las nueve de la noche las figuras se ponen en movimiento. El vanidoso se<br />
mira en el espejo, el avariento mueve su bolsa, el esqueleto blande su guadaña y tira de una cuerda, el lujurioso<br />
mueve la cabeza para mostrar que acecha siempre. Las dos ventanas se abren y empieza “El Paseo de los apóstoles”.<br />
Los doce apóstoles desfilan lentamente asomándose a la ventana precedidos por San Pedro, gracias a un<br />
mecanismo circular en el interior sobre el que están ubicados seis a cada lado.<br />
Hombre<br />
Mandolina<br />
El esqueleto que sostiene<br />
un reloj de arena<br />
simboliza la muerte y<br />
el tiempo que tenemos<br />
de vida.<br />
Las figuras animadas,<br />
que incluyen los doce<br />
apóstoles; y el calendario<br />
circular, con<br />
medallones representan<br />
los meses del año.<br />
Esqueleto<br />
Apóstoles<br />
Vista frontal<br />
Círculo azul<br />
Las áreas rojas y negras<br />
indican las partes<br />
del cielo que se<br />
encuentran sobre el<br />
horizonte. Durante el<br />
día el sol se sitúa en la<br />
zona azul del fondo,<br />
mientras que por la<br />
noche pasa a situarse<br />
en la zona oscura.<br />
Desde que amanece<br />
hasta que anochece, la<br />
mecánica del sol hace<br />
que esté siempre posicionado<br />
sobre la zona<br />
roja.<br />
Reloj de arena<br />
Símbolo de medición<br />
total de la vida.<br />
Pág.<br />
El trabajo de Warburg<br />
que ha tenido<br />
mayor impacto es<br />
el que presentó en<br />
1912 en el Congreso<br />
Internacional de<br />
Historia del arte,<br />
celebrado en Roma.<br />
En esa conferencia<br />
nació la iconología.<br />
Para ofrecer<br />
una buena lectura<br />
iconográfica de<br />
los frescos ferrareses<br />
del siglo XV,<br />
Warburg tuvo que<br />
estudiar la tradición<br />
ilustrativa<br />
astrológica de la<br />
edad media, en la<br />
que vio un ejemplo<br />
sorprendente de<br />
la transmisión de<br />
conceptos y motivos<br />
clásicos por medio<br />
de imágenes y su<br />
relación con determinados<br />
contextos<br />
culturales.<br />
En 1921 Panofsky<br />
trabaja junto con<br />
Warburg lo que produciría<br />
una obra<br />
tan sólida y definitoria<br />
de los métodos<br />
de la investigación<br />
iconográfica como<br />
la titulada: “Classical<br />
Mithology in<br />
Mediavel Art”<br />
Pág.
Pintura<br />
Krik Scream de Miha<br />
En este caso se trata de Krik/Scream, un cartel contra la guerra creado por los diseñadores<br />
es lovenos Miha Arnak y Ziga Aljaz, que fue votado como el mejor artista<br />
revelación de Magdalena International Festival of Creative Communication<br />
de 2004 .<br />
¿Qué es “International Festival of Creative Communication”?<br />
Es un festival con el objetivo principal de promover la autoría<br />
y la creatividad a través de la educación y la recompensa,<br />
especialmente en el campo del arte y el diseño dentro<br />
de la industria del entretenimiento y la publicidad.<br />
IFCC surgió de la necesidad percibida de ampliar y<br />
aumentar el contenido educativo involucrado con<br />
los Premios del Día del Juicio Final que concluirá<br />
el festival.<br />
Los invitados del festival se integran generalmente<br />
de estos tres grupos - altavoces, reclutadores y<br />
asistentes.<br />
Conferencias, demostraciones, fiestas, talleres, sesiones<br />
de reclutamiento y exposiciones son ingredientes<br />
estándar del programa de IFCC. A los asistentes<br />
les encanta debido a la valiosa información<br />
que reciben directamente de algunos de los mejores<br />
creativos del planeta. Los oradores, los reclutadores y los<br />
asistentes se reúnen a través de todos los días y noches del<br />
festival. Es una práctica habitual durante cada evento de la<br />
IFCC.<br />
¿Pero qué íconos componen esta obra?<br />
Esta obra es una adaptación<br />
de la pintura “el<br />
grito”, en este caso se<br />
reemplaza los ojos y<br />
nariz por la silueta de<br />
un avión.<br />
La boca se transforma<br />
en una bomba lanzada.<br />
Fuego<br />
El cielo en llamas de<br />
color rojo sangre del<br />
cuadro se ha convertidoen<br />
el cuerpo en llamas<br />
de este diseño en<br />
contra de la guerra.<br />
Ya vimos qué íconos componen el cartel de<br />
“Krik Scream” y cómo redujeron el mensaje<br />
a sólo tres componentes principales, a continuación<br />
también exploraremos el significado<br />
que hay detrás de la obra que se usó como<br />
referente: el cuadro de “El grito desesperado”<br />
de Edvard Munch, como se puede apreciar en<br />
la siguiente imagen.<br />
Cielo<br />
Paisaje<br />
En el cuadro prevalecen<br />
los colores cálidos<br />
de fondo. En el cielo<br />
fluido y arremonilado<br />
predominan los tonos<br />
naranjas<br />
El sendero y el paisaje,<br />
por su lado parecen<br />
ser iluminados por<br />
una luz semioscura,<br />
los colores cálidos y<br />
los tonos fríos buscan<br />
expresar un sentimiento<br />
de angustia y<br />
desesperación.<br />
Protagonista<br />
Refleja el gesto de tribulación<br />
y espanto.<br />
donde se rereconocer<br />
la angustia existencial<br />
del hombre moderno<br />
en la transición del<br />
siglo XIX, de grandes<br />
avances tecnológicos,<br />
al siglo XX; su sentimiento<br />
de soledad y<br />
desaliento, su desesperación.<br />
Asimismo,<br />
se ha solido ver en este<br />
cuadro la condición<br />
del artista como hombre<br />
profundamente<br />
atormentado.<br />
También hay quien considera que el grito de la obra es el grito de la naturaleza, que se encuentra personificado en<br />
la figura principal. Otros, por su parte, piensan que, independientemente de lo demás, el mayor logro de esta obra<br />
es que logró retratar un sonido. Uno de los más viejos debates en torno a este cuadro es si la figura grita u oye un<br />
grito.<br />
Referente Avión Bomba<br />
Pág.<br />
La filosofía de las<br />
formas simbólicas:<br />
Ernst Cassirer<br />
1929<br />
Ernst Cassirer afirma<br />
en su obra: “La filosofía<br />
de las formas simbólicas.<br />
I. El lenguaje.<br />
II. El pensamiento<br />
mítico. III Fenomenología<br />
del conoci-<br />
miento” que la mente<br />
determina y modela<br />
nuestra concepción de<br />
la realidad. Cassirer es<br />
por ello que estudia:<br />
el lenguaje, el arte, el<br />
mito, la religión, las<br />
ciencias, la historia ya<br />
que el hombre constituye<br />
así su lenguaje<br />
formal-simbólico<br />
a través del cual el<br />
hombre desentraña el<br />
significado e intenta<br />
imponer un orden al<br />
caos de la experiencia,<br />
esto le permite a Cassirer<br />
de sentrañar el<br />
proceso creativo de la<br />
humanidad.<br />
Los tres niveles de<br />
significación del<br />
arte<br />
Las obras que hemos<br />
visto a lo largo de esta<br />
línea del tiempo han<br />
contribuido al desarrollo<br />
de las obras<br />
que Erwin Panofsky<br />
presentaría en la etapa<br />
americana de Panofsky<br />
mismas que se<br />
explicarán a continuación.<br />
Pág.
Pintura<br />
Mona Lisa<br />
Un poco de historia...<br />
En el arte occidental, se puede decir que no hay ninguna obra más famosa<br />
que La Gioconda o La Mona Lisa, nombres con que es titulado el<br />
retrato de Mona Lisa Gherardini (Mona es una abreviatura del<br />
italiano Madonna, señora) pintada al óleo entre los años<br />
1503 y 1506 por el artista multifacético italiano Leonardo<br />
da Vinci (Vinci, Italia, 1452-Amboise, Francia,<br />
1519). ¿Pero por qué es tan famosa? Aquí uno de<br />
los puntos que respaldan dicha afirmació:<br />
1.-El realismo extremo de Leonardo da Vinci<br />
al usar métodos matemáticos para medir las<br />
proporciones humanas.<br />
2.-La técnica única del sfumato que también<br />
transmite un realismo muy avanzado<br />
para la época.<br />
Brazos<br />
Ojos<br />
hay símbolos”, explica.<br />
Vinceti mantiene<br />
que en ese ojo se disciernen<br />
las letras “B”<br />
o “S” o posiblemente<br />
las iniciales “CE”, Ésta<br />
ha sido identificada<br />
a menudo como Lisa<br />
Gherardini, la esposa<br />
de un mercader florentino.<br />
Su brazo izquierdo está<br />
cómodamente apoyado<br />
en el brazo del sillón<br />
y está cruzado por<br />
el brazo derecho. La<br />
posición de los brazos<br />
junto con el brazo del<br />
sillón transmiten una<br />
distancia entre ella y el<br />
espectador.<br />
Leonardo da Vinci<br />
esconde en su pupila<br />
izquierda la clave de<br />
la identidad de la modelo,<br />
En el ojo derecho<br />
aparecen las letras<br />
LV, que podrían ser<br />
las iniciales de Leonardo<br />
Da Vinci, y en<br />
el izquierdo también<br />
“Detrás del cuadro<br />
aparecen los números<br />
‘149’, con un cuarto<br />
número medio borrado,<br />
lo que sugiere<br />
que Da Vinci lo pintó<br />
cuando estaba en<br />
Milán en la década de<br />
1490.<br />
Postura<br />
La<br />
postura<br />
de mona Lisa representa<br />
serenidad y,<br />
junto con la mirada de<br />
soslayo, pero directa<br />
hacia el espectador,<br />
muestra el dominio<br />
de los sentimientos.<br />
3.-La revolución que generó en las dimensiones<br />
y en las formas de retratar,<br />
considerada la base de todos los retratos<br />
occidentales.<br />
4.-Por ser pintada por el ya reconocido Leonardo<br />
da Vinci.<br />
Ahora, detrás de la composición de la mona lisa<br />
hay una serie de íconos que revelan un significado<br />
más allá de un simple retrato.<br />
Velo<br />
Está cubierta por un<br />
velo que simboliza la<br />
castidad, frecuente en<br />
los retratos de esposa.<br />
Para saber más...<br />
Recordemos que en<br />
el arte renacentista<br />
era común ver a las<br />
figuras humanas con<br />
proporciones “regordetas”,<br />
existen versiones<br />
que sostienen<br />
que si se examina con<br />
atención la imagen de<br />
la Gioconda , hay detalles<br />
que respaldan la<br />
teoría que la gioconda<br />
estaba embarazada y<br />
es donde sobresaldrán<br />
los aspectos como: La<br />
cara algo abotargada ,<br />
edematosa , especialmenrte<br />
en reguiones<br />
temporales y párpados<br />
superiores , las manos<br />
también están edematosas,<br />
hinchadas ,<br />
cruzadas y como protegiendo<br />
su regazo.<br />
Sobre la boca de la Mona Lisa, J.E. Borkowski<br />
comenta que el rictus bucal es como el de las<br />
personas que han perdido sus incisivos o que<br />
padecen bruxismo, un hábito que lleva a rechinar<br />
los dientes por estrés o durante el sueño ,<br />
especialmente en niños que padecen parasitosis<br />
intestinal.<br />
Según la publicación británica New Scientist y<br />
en base a los estudios de la Universidad de Amsterdam<br />
la sonrisa de la Mona Lisa está compuesta<br />
de las siguientes emociones:<br />
* 83% se debe a la felicidad<br />
* 9% es sentimiento de disgusto<br />
* 6% de miedo<br />
* 2% de enojo.<br />
Otros detalles que han sido sujetos a análisis<br />
es el borde izquierdo de la pintura se ve la base<br />
de una columna insinuando que la mujer está<br />
sentada en una galería. Se dice que esto fue otro<br />
truco de Leonardo para enmarcar al personaje<br />
principal.<br />
El paisaje en segundo<br />
plano está pintado<br />
con una perspectiva<br />
aérea. El azul humoso<br />
y la perspectiva poco<br />
clara y difusa da a la<br />
composición una mayor<br />
profundidad y surrealismo.<br />
El paisaje<br />
de fondo muestra un<br />
cierto desequilibrio,<br />
ya que crea la ilusión<br />
de un paisaje que se<br />
divide en dos. El paisaje<br />
rocoso de la parte<br />
de arriba sería el mundo<br />
real y el paisaje de<br />
las tierras planas de la<br />
parte de abajo sería el<br />
mundo surreal, que,<br />
juntos, crean la ilusión<br />
de otro mundo.<br />
Respecto a la técnica<br />
utilizada Leonardo da<br />
Vinci usó la técnica del<br />
sfumato en Mona Lisa.<br />
Sfumato consiste en<br />
diluir el óleo e ir aplicándolo<br />
en capas muy<br />
finas, difuminando las<br />
líneas, suavizando los<br />
contornos y creando<br />
un ilusionismo atmosférico,<br />
es decir, Leonardo<br />
usa la técnica<br />
del sfumato para mostrar<br />
cómo la luz rebota<br />
de las superficies<br />
curvas, especialmente<br />
de la piel, dejándola<br />
lisa, suave y real. Esta<br />
característica sería el<br />
punto que llamaría<br />
más la atención en su<br />
época, convirtiéndola<br />
en la pintura más<br />
deseada y famosa del<br />
mundo.<br />
Pág.<br />
gía, la distinción entre<br />
forma, idea y contenido,<br />
el carácter humanista<br />
que deber asumir<br />
la Historia del arte.<br />
Estudios sobre la iconología,<br />
esta obra el<br />
autor expone las ideas<br />
generales que sirvieron<br />
de marco a sus trabajos:<br />
la diferencia entre<br />
iconografía e iconolo-<br />
1935 1951<br />
Arquitectura gótica tectura gótica (especialmente<br />
del periodo<br />
y pensamiento escolástico,<br />
en este libro clásico y tardío) y la<br />
Panofsky se propone escolástica, es decir el<br />
probar los paralelismos<br />
cronológicos y la y dialéctica de la época.<br />
pensamiento filosófico<br />
relación entre la arqui- 1953<br />
Los primitivos flamencos<br />
donde Panofsky<br />
expresa el nacimiento<br />
de la pintura flamenca<br />
durante los siglos XIV<br />
y XV.<br />
Pág.
Danza<br />
Bharatanatmayan<br />
Un poco de historia...<br />
Hace aproximadamente 2500 años fue creado el Bharatanatyam, considerado como<br />
uno de los estilos de danza clásica más antiguo de la India.<br />
Es una danza profundamente mística porque nace dentro de la filosofía<br />
y religión hindú, convirtiéndose en una bella disciplina que<br />
requiere de un arduo trabajo corporal y mental. El Bharatanatyam<br />
incluye cuatro actividades: expresión, música, ritmo,<br />
danza; que son bellamente reunidas por quienes bailan.<br />
El Bharatanatyam como vimos en párrafos previos es<br />
una de las 8 formas de danza más antigua de India,<br />
surgida en los templos y las cortes, destinado a agradar<br />
y venerar a los dioses. Teniendo en cuenta que,<br />
imaginativamente, el escenario de esta danza está<br />
situado en el cielo y su público son los dioses, las<br />
vestimentas que se utilizan, los movimientos que<br />
se emplean y los temas que se desarrollan están estrictamente<br />
relacionados con la representación de<br />
historias sagradas y épicas. Muchas de las antiguas<br />
esculturas en los templos Hindúes son basadas en<br />
posturas de la danza Bharatanatyam. Ella se origina<br />
y se concentra en los templos Hindúes, con lo cual<br />
apunta a mantener una identidad espiritual relacionada<br />
con lo eterno.<br />
Pero que significa Bharatanatyam?<br />
1.- “Bha”: significa Bhava, que es expresión.<br />
2.-“ra”: significa Raga, que es melodía.<br />
3.-“ta”: significa Tala, que es ritmo.<br />
y Natyam consiste en 3 niveles:<br />
1.-Nritta: movimiento rítmicos y corporales<br />
2.-Nritya: movimientos con Abhinaya que significa<br />
emoción.<br />
3.- Natya: danza dramática.<br />
El Bharatanatyam, es un estilo de baile dinámico<br />
y terrenal. Este es, en efecto, una<br />
tradición que exige del ejecutante una total<br />
dedicación, separación de las ataduras<br />
del mundo y una sublimación de él mismo<br />
al arte. Bharatanatyam es un nombre relativamente<br />
nuevo. Anteriormente se conocía<br />
como Sadir, Dasi attam y Thanjavur Natyam.<br />
La forma contemporánea del Bharatanatyam se<br />
desarrolló a finales del siglo XVIII y principios<br />
del siglo XIX. El Sadir, que fuera hasta entonces el<br />
dominio de las devadasis (chicas que eran dedicadas<br />
a los dioses), alcanzó su nadir durante 1910 – 1930 con<br />
la degeneración de las convenciones sociales. El Bharatanatyam<br />
se compone de tres elementos:<br />
1.- Bhana, la emoción.<br />
2.-Raga, la melodía y el espíritu de la música.<br />
3.-Tala, el ritmo.<br />
Manos en Bharatanatyam...<br />
Para la danza hindú se usan mudras que son gestos sagrados hechos con las manos y que tienen su propio nombre<br />
y significado. Es así como en cada tipo de danza se usan varios tipos de mudras que acompañan cada paso y que<br />
por lo general también son acompañados con la mirada o una expresión específica de la cara y es aquí donde comienza<br />
el análisis <strong>iconológico</strong>, donde detrás de cada movimiento hay un significado.<br />
Alapadman<br />
Como se puede observar<br />
en la imagen<br />
las bailarinas están<br />
ejecutando el mundra:<br />
“Alapdman” (alapadma)<br />
los más usados en<br />
el baile. Significa Flor<br />
de Loto. Se usa para<br />
representar torneado,<br />
pecho, anhelo del<br />
amado, luna llena, un<br />
barco hermoso, pueblo,<br />
altura, ira, lago,<br />
coche, pájaro y alabanza.<br />
Ardhapathakam<br />
(ardapataka) Significa<br />
Media Bandera. Se usa<br />
para representar lugar<br />
para escribir, brotes<br />
tiernos, orilla de un<br />
río, daga, cuchillo, torre,<br />
cuerno y para decir<br />
ambos entre otros.<br />
Kartarimukham<br />
(kartarimuka) Significa<br />
Tijeras. Se usa para<br />
representar la separación<br />
de n hombre y<br />
una mujer, robo, el rabillo<br />
del ojo, desacuerdo,<br />
rayos, dormir solo,<br />
caída y enredadera entre<br />
otros.<br />
Pág.<br />
1955<br />
El significado de las<br />
artes visuales, Panofsky<br />
en esta obra restaura<br />
los nexos que unen<br />
a la obra de arte a su<br />
entorno.<br />
Para saber más... El<br />
método <strong>iconológico</strong><br />
formulado por Panofsky<br />
propone tres<br />
categorías o niveles<br />
de significado en la<br />
imagen visual que<br />
son las siguientes:<br />
1.- Nivel preiconográfico:<br />
Es el reconocimiento<br />
de<br />
la obra en su sentido<br />
más elemental,<br />
interpretación<br />
primaria o natural<br />
de lo que se ve.<br />
2.- Nivel iconográfico:<br />
Se aborda<br />
el significado<br />
secundario de la<br />
obra.<br />
3.- Nivel <strong>iconológico</strong><br />
o iconografía<br />
en sentido<br />
profundo: Busca<br />
el significado in-<br />
Pág.
Kapitham<br />
(kapita) Significa<br />
Trompa de Elefante. Se<br />
usa para representar a<br />
Lakshmi y Sarasvati,<br />
también para representar<br />
colirio, sostener<br />
platillos, ordeñar una<br />
vaca, agarrar el extremo<br />
de la túnica, velo<br />
en la cabeza, ofrecer<br />
incienso y luces entre<br />
otros.<br />
Sandamsha<br />
(sandamsha) Significa<br />
Tenazas y realmente<br />
es un movimiento<br />
en el cual primero se<br />
cierra la mano y luego<br />
se abre. Se usa para<br />
representar generosidad,<br />
ofrendas en sacrificio,<br />
tumor, insecto,<br />
adoración y el número<br />
cinco.<br />
Padmakosam<br />
(padmakosha) Significa<br />
Capullo de Loto. Se<br />
usa para representar<br />
frutas, como la manzana<br />
de madera y Bel<br />
(Bel es un nativo de la<br />
India, se ha considerado<br />
como una hierba<br />
medicinal, es de forma<br />
redonda y se asemeja<br />
a una manzana de madera.<br />
Tiene un sabor<br />
dulce y contiene muchas<br />
semillas) comida<br />
ligera, brote, mango,<br />
lluvia de flores, ramo<br />
de flores, la forma de<br />
una campana, el agujero<br />
de una serpiente y<br />
huevo.<br />
Sarpasirsham<br />
(sarpashirsha) Significa<br />
Cabeza de Cobra.<br />
Se usa para representar<br />
la pasta de sándalo,<br />
serpiente, lentitud,<br />
acariciar, dar agua a<br />
los Dioses o los sabios,<br />
el aleteo de las orejas<br />
del elefante y el masaje<br />
de los luchadores entre<br />
otros.<br />
Pathaka<br />
(pataka)Significa:<br />
Bandera. Se usa para<br />
iniciar una danza, representar<br />
nubes, vegetación,<br />
cosas prohibidas,<br />
río, el mundo de<br />
los Dioses, caballos,<br />
viento, luz de luna, ondas,<br />
silencio, un buen<br />
rey, palmada, el mar, la<br />
forma de una espada,<br />
época de lluvias y día<br />
entre otros<br />
Tirupathakam<br />
(tripataka)Significa<br />
Tres partes de una<br />
Bandera. Se usa para<br />
representar cuervos,<br />
árbol, luz, llamas creciendo,<br />
patrones dibujados<br />
en la cara o<br />
el cuerpo, flecha y la<br />
únión del hombre y la<br />
mujer entre otros.<br />
Mayura<br />
(mayura)Significa<br />
Pavo Real. Se realiza,<br />
juntando el dedo<br />
anular con el pulgar,<br />
en forma angulosa. El<br />
resto de dedos permanecen<br />
juntos y estirados<br />
Se usa para representar<br />
un pájaro que<br />
deja algún presagio,<br />
también puede significar<br />
frente, acariciar el<br />
pelo, cejas, secarse las<br />
lágrimas y reconocer<br />
entre otros.<br />
Ardhachandran<br />
(ardachandra) Significa<br />
Media Luna. Se<br />
usa para representar<br />
una mano tomando<br />
una garganta, lanza,<br />
consagración de una<br />
imagen, plato, orígen,<br />
ansiedad, meditación,<br />
oración y para saludar<br />
a la gente común entre<br />
otros.<br />
Hamsasye<br />
Mrigasirsham<br />
(hamsasia)Significa<br />
Pico de Cisne. Se usa<br />
para representar atar<br />
el hilo en el matrimonio,<br />
iniciación,certeza,<br />
pintura, tábano, gota<br />
de agua, aumentar la<br />
mecha de una lámpara,<br />
examinar las cosas,<br />
llevar girnaldas, decir:<br />
(mrigasirsa) Significa<br />
Cabeza de Ciervo. Se<br />
usa para representar<br />
mujer, las costumbres<br />
tradicionales, mejillas,<br />
miedo, discusión,<br />
lugar de residencia,<br />
dibujar tres lineas en<br />
la frente, masaje de<br />
los pies, casa, sostener<br />
ese soy yo, la metáfora<br />
de decir no y la realización<br />
de una tarea<br />
entre otros.<br />
un paraguas, escalera<br />
y llamar a la persona<br />
amada.<br />
Hansapakshika<br />
Aralam<br />
(hansapaksika) Significa<br />
Ala de Cisne. Se<br />
usa para representar el<br />
número seis, la construcción<br />
de un puente,<br />
hacer marcas a las<br />
uñas y la organización<br />
de algo.<br />
Posición pataka, con<br />
el índice curvado. Significa<br />
Dobaldo. Se usa<br />
para representar cuando<br />
se bebe un veneno,<br />
un néctar o algo ácido<br />
y fuerte.viento violento.<br />
Kangulam<br />
Chaturam<br />
(kangula) el dedo<br />
anular en doblado<br />
mientras que los otros<br />
dedos se extienden.<br />
Significa Cola. Se usa<br />
para representar el<br />
pecho de una chica<br />
joven, lirio de agua<br />
blanco, perdiz, campana<br />
y píldoras. También<br />
(catura) Significa Perfume.<br />
Se usa para representar<br />
almizcle, un<br />
poco de oro, ojos, diferencia<br />
entre castas,<br />
juramento, juguetón,<br />
paso lento, asiento, y<br />
aceite. Para indicar<br />
menor cantidad también:<br />
puede representar:<br />
1.- La fruta de Lakuca<br />
2.-Campanas usadas<br />
por los niños<br />
3.-Árbol de nuez de<br />
betel<br />
4.-Coco<br />
5.-Pájaro de Caataka.<br />
(Alondra)<br />
Cobre<br />
Hierro<br />
Humedad<br />
Dolor<br />
Placeres estéticos<br />
Ojos<br />
Prueba<br />
Dulzura<br />
Marcha más lenta<br />
Rompiendo en pedazos<br />
Cara<br />
Alapadman<br />
Bhramara<br />
(alapadma) Otro de<br />
los mudras más usados<br />
en el baile. Significa<br />
Flor de Loto. Se<br />
usa para representar<br />
torneado, pecho, anhelo<br />
del amado, luna<br />
llena, un barco hermoso,<br />
pueblo, altura,<br />
ira, lago, coche, pájaro<br />
y alabanza.<br />
(bramara) Signifca<br />
Abeja. Se usa para representar<br />
loro, grúa y<br />
unión.<br />
Suchi<br />
(suchi) Significa Aguja.<br />
Con el índice levantadoSe<br />
usa para<br />
representar cien, sol,<br />
ciudad, mundo, preguntar<br />
porqué, ventilador,<br />
barra, cuerpo,<br />
trenza de pelo, paraguas,<br />
abajo, tocar el<br />
tambor, girar la rueda<br />
del alfarero, rueda,<br />
circulo, explicación,<br />
varilla, el cuerpo, la<br />
sorprela, consideración<br />
y el ocaso.<br />
Chandrakala<br />
(chandrakala) Significa<br />
Dedo de la Luna y<br />
se usa para indicar la<br />
luna creciente.<br />
Shikara<br />
(shikara) Significa<br />
Punta. Se usa para representar<br />
al Dios del<br />
Amor, silencio, esposo,<br />
cuestionar, cuando<br />
el cuerpo dice no,<br />
recuerdo, sugerencia,<br />
abrazo, amante, dejar<br />
volar, el sonido de<br />
una campana, golpear<br />
un arco, pilar, certeza,<br />
ofrenda, el labio superior,<br />
introducir una<br />
cosa en otra, un diente,<br />
el acto de preguntar,<br />
el símbolo fálico y<br />
abrazo.<br />
Mushti<br />
(musti)Se forma al colocar<br />
el pulgar dentro<br />
al cerrar la mano, significa<br />
puño, fortaleza.<br />
Se usa para representar<br />
firmeza, la celebración<br />
de algo, agarrar<br />
el cabello y una lucha<br />
entre otros.<br />
Pág.<br />
consciente que se<br />
esconde detrás de<br />
la intención del<br />
autor.<br />
Otro punto que<br />
cabe mencionar<br />
es que con la lectura<br />
iconográfica<br />
e iconológica, la<br />
historia del arte se<br />
convierte en una<br />
decodificación de<br />
símbolos, Panofsky<br />
distingue muy<br />
acertadamente en<br />
dos tipos de símbolos:<br />
Ordinarios y<br />
cassiarianos.<br />
1.-Símbolos ordinarios:<br />
Pueden ser<br />
descifradas a la luz<br />
del aprendizaje de<br />
una tradición visual<br />
y textual.<br />
2.- Símbolos cassirianos:<br />
Condiciones<br />
psicológicas,<br />
sociales, culturales,<br />
políticas, espirituales<br />
y filosóficas<br />
que actúan de<br />
forma inconsciente<br />
en el artista.<br />
Pág.
Simhamukham<br />
Katakamukham<br />
Trishula<br />
Las manos como vimos<br />
juegan un papel<br />
importante en<br />
la danza hindú, los<br />
“mudras” vistos anteriormente<br />
son sólo<br />
una parte de este<br />
(simhamuka) Se forma<br />
con las puntas de<br />
los dedos mayor y<br />
anular aplicados sobre<br />
el pulgar, los otros dedos<br />
extendidos. Significa<br />
Cara de León. Se<br />
usa para representar<br />
coral, perla, fragancia,<br />
acariciar el pelo,<br />
gota de agua, cuando<br />
se pone en el corazón<br />
significa salvación, liebre,<br />
elefante, girnalda<br />
de loto y probar la preparación<br />
de una medicina.<br />
(katakamuka)Se forma<br />
con el índice y el<br />
mayor colocados sobre<br />
el pulgar. Uno de<br />
los mudras más usados.<br />
Significa Abrir un<br />
Brazalete. Se usa para<br />
representar recoger<br />
flores, hablar, mirar,<br />
aplicación de esen-<br />
(trishula) En sánscrito<br />
‘Tri’ significa tres<br />
y ‘Shula’ significa una<br />
lanza. Así Trishula es<br />
una especie de lanza<br />
con tres puntos agudos<br />
en lugar de uno.<br />
Se usa para representar<br />
madera, hoja, tres<br />
juntos y la sagrada<br />
trinidad de Brahma,<br />
cias corporales, tener<br />
un collar de perlas<br />
o girnalda de flores,<br />
también significa la<br />
preparación de pasta<br />
de sándalo para una<br />
máscara (que es el maquillaje<br />
del rostro para<br />
una ceremonia)<br />
Vishnu y Mahesh. Es<br />
uno de los símbolos<br />
populares del Señor<br />
Shiva. El Señor Shiva<br />
es llamado también<br />
como “Trishula Dhara”,<br />
es decir, uno que<br />
sostiene el Trishula.<br />
arte milenario, como te habrás dado cuenta<br />
las manos son una pieza fundamental en la<br />
expresión del arte hindú, es por ello que la<br />
próxima vez que surja la oportunidad de ver<br />
o presenciar la danza hindú, sabrás el mensaje<br />
que hay detrás de la danza. Para finalizar<br />
en la siguiente página encontrarás un breve<br />
Mukula<br />
Tamrashuda<br />
Shukathundam<br />
(mukula) Significa<br />
Capullo de Flor . Se<br />
usa para representar<br />
el lirio de agua, el Dios<br />
del Amor, la celebración<br />
de una junta, ombligo<br />
y flor de plátano.<br />
(tamrashuda) Significa<br />
Cabeza de Gallo. Se<br />
usa para representar<br />
garza, grulla, cuervo,<br />
camello y ternero entre<br />
otros.<br />
(shukatunda) Significa<br />
Cabeza de Loro. Se<br />
usa para representar<br />
que se dispara una flecha<br />
o una lanza, para<br />
misterio y ferocidad<br />
entre otros.<br />
esquema que explica<br />
el significado de los<br />
dedos de las manos,<br />
aplicado en el yoga,<br />
se incluye en este<br />
análisis ya que manejan<br />
el mismo término<br />
de “mudras” y<br />
también pertenece a<br />
la cultura indú y es<br />
bueno que también<br />
conozcas estas aplicaciones.<br />
Para saber más...<br />
Dedo<br />
anular<br />
Representa al<br />
elemento tierra y su<br />
cometido es proveernos<br />
de la fuerza necesaria para<br />
defendernos y luchar por<br />
lo que es nuestro.<br />
Dedo<br />
meñique<br />
Representa al<br />
elemento agua y proporciona<br />
la posibilidad de<br />
interactuar con otros seres<br />
humanos. Es el que nos permite<br />
relacionarnos correctamente<br />
y se encarga de trabajar nuestras<br />
emociones<br />
Dedo<br />
medio<br />
Representa<br />
al elemento éter.<br />
Provee de la energía necesaria<br />
para actuar y vivir<br />
en armonía con el mundo<br />
espiritual y vivir en<br />
armonía con el mundo<br />
espiritual.<br />
Representa el<br />
elemento aire, tiene<br />
por objetivo proveer la<br />
capacidad de crear y pensar.<br />
Este dedo atrae las inspiraciones<br />
divinas y en él radican<br />
nuestros diferentes<br />
estados de ánimo.<br />
Dedo<br />
índice<br />
Dedo<br />
pulgar<br />
Representa el<br />
elemento del fuego.<br />
Su cometido energético<br />
es equilibrar las energías del<br />
cuerpo, nutre cuando debe<br />
alimentarse y destruye cuando<br />
debe eliminarse en él reside<br />
nuestra conciencia<br />
divina.<br />
MUDRAS<br />
Pág.<br />
Limitaciones y<br />
posiblidades del<br />
método<br />
Los principios<br />
correctivos<br />
Las críticas a la<br />
iconología han<br />
sido numerososas.<br />
Las más generales<br />
apuntan a decir<br />
que el iconólogo no<br />
se preocupa de la<br />
calidad artística<br />
de la obra, sino<br />
simplemente del<br />
contenido. Significa<br />
que una obra<br />
de Miguel Ángel sería<br />
tan interesante<br />
como un garabato<br />
en la que se plasmase<br />
un tema extraño.<br />
Otras de las<br />
acusaciones es la<br />
afirmación de que<br />
los iconólogos tiendan<br />
a ver una obra<br />
más simbolismo de<br />
lo que realmente<br />
quiso plasmar el<br />
artista, de ahí que<br />
el estudioso sepa<br />
discernir qué nivel<br />
psíquico determina<br />
la imagen si el<br />
consciente o el inconsciente.<br />
Limitaciones de<br />
los estudios<br />
<strong>iconológico</strong>s<br />
Pág.
Literatura<br />
El gigante egoísta<br />
El gigante egoísta es un cuento del escritor irlandés Oscar Wilde, en sus obras están<br />
presentes la fantasía, a pesar de que este elemento lo utilice,Wilde logra transmitir<br />
el dolor y el sufrimiento de los hombres que logran sentir sus personajes<br />
es donde sufren un cambio radical en sus vidas. El autor también<br />
maneja temas de decadencia moral y critica la forma de vida de la<br />
época victoriana.<br />
“Cada tarde, a la salida de la escuela, los niños se iban a<br />
jugar al jardín del Gigante. Era un jardín amplio y hermoso,<br />
con arbustos de flores y cubierto de césped verde<br />
y suave. Por aquí y por allá, entre la hierba, se abrían<br />
flores luminosas como estrellas, y había doce albaricoqueros<br />
que durante la primavera se cubrían con<br />
delicadas flores color rosa y nácar, y al llegar el<br />
otoño se cargaban de ricos frutos aterciopelados.<br />
Los pájaros se demoraban en el ramaje de los árboles,<br />
y cantaban con tanta dulzura que los niños<br />
dejaban de jugar para escuchar sus trinos. -¡Qué<br />
felices somos aquí! -se decían unos a otros.<br />
Pero un día el Gigante regresó. Había ido de visita<br />
donde su amigo el Ogro de Cornish, y se había quedado<br />
con él durante los últimos siete años. Durante<br />
ese tiempo ya se habían dicho todo lo que se tenían<br />
que decir, pues su conversación era limitada, y el Gigante<br />
sintió el deseo de volver a su mansión. Al llegar, lo<br />
primero que vio fue a los niños jugando en el jardín.<br />
-¿Qué hacen aquí? -surgió con su voz retumbante.<br />
Los niños escaparon corriendo en desbandada.<br />
-Este jardín es mío. Es mi jardín propio -dijo el Gigante-; todo el mundo debe<br />
entender eso y no dejaré que nadie se meta a jugar aquí.<br />
Y, de inmediato, alzó una pared muy alta, y en la puerta puso un cartel que decía:<br />
ENTRADA ESTRICTAMENTE PROHIBIDA<br />
BAJO LAS PENAS CONSIGUIENTES<br />
Era un Gigante egoísta…<br />
Los pobres niños se quedaron sin tener dónde<br />
jugar. Hicieron la prueba de ir a jugar<br />
en la carretera, pero estaba llena de polvo,<br />
estaba plagada de pedruscos, y no les gustó.<br />
A menudo rondaban alrededor del muro<br />
que ocultaba el jardín del Gigante y recordaban<br />
nostálgicamente lo que había detrás.<br />
-¡Qué dichosos éramos allí! -se decían unos<br />
a otros.<br />
Cuando la primavera volvió, toda la comarca se<br />
pobló de pájaros y flores. Sin embargo, en el jardín<br />
del Gigante Egoísta permanecía el invierno todavía.<br />
Como no había niños, los pájaros no cantaban<br />
y los árboles se olvidaron de florecer. Solo una vez una<br />
lindísima flor se asomó entre la hierba, pero apenas vio<br />
el cartel, se sintió tan triste por los niños que volvió a meterse<br />
bajo tierra y volvió a quedarse dormida.<br />
Los únicos que ahí se sentían a gusto eran la Nieve y la Escarcha.<br />
-La primavera se olvidó de este jardín -se dijeron-, así que nos quedaremos aquí todo el resto del año.<br />
La Nieve cubrió la tierra con su gran manto blanco y la Escarcha cubrió de plata los árboles. Y en seguida invitaron<br />
a su triste amigo el Viento del Norte para que pasara con ellos el resto de la temporada. Y llegó el Viento del<br />
Norte. Venía envuelto en pieles y anduvo rugiendo por el jardín durante todo el día, desganchando las plantas<br />
y derribando las chimeneas.<br />
-¡Qué lugar más agradable! -dijo-. Tenemos que decirle al Granizo que venga a estar con nosotros también.<br />
Y vino el Granizo también. Todos los días se pasaba tres horas tamborileando en los tejados de la mansión, hasta<br />
que rompió la mayor parte de las tejas. Después se ponía a dar vueltas alrededor, corriendo lo más rápido que<br />
podía. Se vestía de gris y su aliento era como el hielo.<br />
-No entiendo por qué la primavera se demora tanto en llegar aquí -decía el Gigante Egoísta cuando se asomaba<br />
a la ventana y veía su jardín cubierto de gris y blanco-, espero que pronto cambie el tiempo.<br />
Pero la primavera no llegó nunca, ni tampoco el verano. El otoño dio frutos dorados en todos los jardines, pero<br />
Pág.<br />
E. Gombrich<br />
E. Gombrich<br />
señala ciertas<br />
limitaciones:<br />
1.-Previene la<br />
trampa de la interpretación<br />
fácil<br />
arropada con mucha<br />
erudición.<br />
2.- En segundo lugar,<br />
una representación<br />
no puede<br />
ser separada de su<br />
finalidad y de las<br />
necesidades de la<br />
sociedad que las demanda.<br />
3.-En tercer lugar,<br />
está la dificultad<br />
de determinar el<br />
significado de la<br />
obra debido a que<br />
su comprensión es<br />
susceptible de variaciones<br />
según las<br />
épocas o las perosnas.<br />
4.- En cuarto lugar,<br />
se señala una vez<br />
más el problema del<br />
significado intencional:<br />
el saber qué pre-<br />
Pág.
al jardín del Gigante no le dio ninguno.<br />
-Es un gigante demasiado egoísta -decían los frutales.<br />
De esta manera, el jardín del Gigante quedó para siempre sumido en el invierno, y el Viento del Norte y el Granizo<br />
y la Escarcha y la Nieve bailoteaban lúgubremente entre los árboles.<br />
Una mañana, el Gigante estaba en la cama todavía cuando oyó que una música muy hermosa llegaba desde<br />
afuera. Sonaba tan dulce en sus oídos, que pensó que tenía que ser el rey de los elfos que pasaba por allí. En<br />
realidad, era solo un jilguerito que estaba cantando frente a su ventana, pero hacía tanto tiempo que el Gigante<br />
no escuchaba cantar ni un pájaro en su jardín, que le pareció escuchar la música más bella del mundo. Entonces<br />
el Granizo detuvo su danza, y el Viento del Norte dejó de rugir y un perfume delicioso penetró por entre las<br />
persianas abiertas.<br />
-¡Qué bueno! Parece que al fin llegó la primavera -dijo el Gigante, y saltó de la cama para correr a la ventana.<br />
¿Y qué es lo que vio?<br />
Ante sus ojos había un espectáculo maravilloso. A través de una brecha del muro habían entrado los niños, y se<br />
habían trepado a los árboles. En cada árbol había un niño, y los árboles estaban tan felices de tenerlos nuevamente<br />
con ellos, que se habían cubierto de flores y balanceaban suavemente sus ramas sobre sus cabecitas infantiles.<br />
Los pájaros revoloteaban cantando alrededor de ellos, y los pequeños reían. Era realmente un espectáculo<br />
muy bello. Solo en un rincón el invierno reinaba. Era el rincón más apartado del jardín y en él se encontraba un<br />
niñito. Pero era tan pequeñín que no lograba alcanzar a las ramas del árbol, y el niño daba vueltas alrededor<br />
del viejo tronco llorando amargamente. El pobre árbol estaba todavía completamente cubierto de escarcha y<br />
nieve, y el Viento del Norte soplaba y rugía sobre él, sacudiéndole las ramas que parecían a punto de quebrarse.<br />
-¡Sube a mí, niñito! -decía el árbol, inclinando sus ramas todo lo que podía. Pero el niño era demasiado pequeño.<br />
El Gigante sintió que el corazón se le derretía.<br />
-¡Cuán egoísta he sido! -exclamó-. Ahora sé por qué la primavera no quería venir hasta aquí. Subiré a ese pobre<br />
niñito al árbol y después voy a botar el muro. Desde hoy mi jardín será para siempre un lugar de juegos para los<br />
niños.<br />
Estaba de veras arrepentido por lo que había hecho.<br />
Bajó entonces la escalera, abrió cautelosamente la puerta de la casa y entró en el jardín. Pero en cuanto lo vieron<br />
los niños se aterrorizaron, salieron a escape y el jardín quedó en invierno otra vez. Solo aquel pequeñín del<br />
rincón más alejado no escapó, porque tenía los ojos tan llenos de lágrimas que no vio venir al Gigante. Entonces<br />
el Gigante se le acercó por detrás, lo tomó gentilmente entre sus manos y lo subió al árbol. Y el árbol floreció de<br />
repente, y los pájaros vinieron a cantar en sus ramas, y el niño abrazó el cuello del Gigante y lo besó. Y los otros<br />
niños, cuando vieron que el Gigante ya no era malo, volvieron corriendo alegremente. Con ellos la primavera<br />
regresó al jardín.<br />
-Desde ahora el jardín será para ustedes, hijos míos -dijo el Gigante, y tomando un hacha enorme, echó abajo<br />
el muro.<br />
Al mediodía, cuando la gente se dirigía al mercado, todos pudieron ver al Gigante jugando con los niños en el<br />
jardín más hermoso que habían visto jamás.<br />
Estuvieron allí jugando todo el día, y al llegar la noche los niños fueron a despedirse del Gigante.<br />
-Pero, ¿dónde está el más pequeñito? -preguntó el Gigante-, ¿ese niño que subí al árbol del rincón?<br />
El Gigante lo quería más que a los otros, porque el pequeño le había dado un beso.<br />
-No lo sabemos -respondieron los niños-, se marchó solito.<br />
-Díganle que vuelva mañana -dijo el Gigante.<br />
Pero los niños contestaron que no sabían dónde vivía y que nunca lo habían visto antes. Y el Gigante se quedó<br />
muy triste.<br />
Todas las tardes al salir de la escuela los niños iban a jugar con el Gigante. Pero al más chiquito, a ese que el<br />
Gigante más quería, no lo volvieron a ver nunca más. El Gigante era muy bueno con todos los niños pero echaba<br />
de menos a su primer amiguito y muy a menudo se acordaba de él.<br />
-¡Cómo me gustaría volverlo a ver! -repetía.<br />
Fueron pasando los años, y el Gigante se puso viejo y sus fuerzas se debilitaron. Ya no podía jugar; pero, sentado<br />
en un enorme sillón, miraba jugar a los niños y admiraba su jardín.<br />
-Tengo muchas flores hermosas -se decía-, pero los niños son las flores más hermosas de todas.<br />
Una mañana de invierno, miró por la ventana mientras se vestía. Ya no odiaba el invierno pues sabía que el<br />
invierno era simplemente la primavera dormida, y que las flores estaban descansando.<br />
Sin embargo, de pronto se restregó los ojos, maravillado, y miró, miró…<br />
Era realmente maravilloso lo que estaba viendo. En el rincón más lejano del jardín había un árbol cubierto por<br />
completo de flores blancas. Todas sus ramas eran doradas, y de ellas colgaban frutos de plata. Debajo del árbol<br />
estaba parado el pequeñito a quien tanto había echado de menos.<br />
Lleno de alegría el Gigante bajó corriendo las escaleras y entró en el jardín. Pero cuando llegó junto al niño su<br />
rostro enrojeció de ira y dijo:<br />
-¿Quién se ha atrevido a hacerte daño?<br />
Porque en la palma de las manos del niño había huellas de clavos, y también había huellas de clavos en sus pies.<br />
Pág.<br />
pretendió el autor<br />
que significase.<br />
A pesar de que E.<br />
Gombrich critica<br />
fuertemente al<br />
método <strong>iconológico</strong><br />
ofrece pautas o<br />
principios correctivos<br />
que deberían<br />
ser seguidos por<br />
todo investigador<br />
al enfrentarse a un<br />
estudio interpretativo.<br />
1.- La primacía de<br />
los géneros: Para<br />
todo análisis interpretativo<br />
es necesario<br />
tener muy<br />
claros los límites<br />
entre iconografía<br />
e iconología. La<br />
iconografía consiste<br />
en relacionar<br />
textos e imágenes,<br />
por el contrario la<br />
iconología es muy<br />
especulativa ya que<br />
intenta la reconstrucción<br />
de un programa<br />
más que la<br />
identificación de<br />
un texto en concreto.<br />
Pág.
-¿Pero, quién se atrevió a herirte? -gritó el Gigante-. Dímelo, para tomar la espada y matarlo.<br />
-¡No! -respondió el niño-. Estas son las heridas del Amor.<br />
-¿Quién eres tú, mi pequeño niñito? -preguntó el Gigante, y un extraño temor lo invadió, y cayó de rodillas ante<br />
el pequeño.<br />
Entonces el niño sonrió al Gigante, y le dijo:<br />
-Una vez tú me dejaste jugar en tu jardín; hoy jugarás conmigo en el jardín mío, que es el Paraíso.<br />
Y cuando los niños llegaron esa tarde encontraron al Gigante muerto debajo del árbol. Parecía dormir, y estaba<br />
entero cubierto de flores blancas.”<br />
FIN<br />
En esta página se ha incluido la novela de “El retrato<br />
de Dorian Grey” también obra de Oscar Wilde<br />
que si bien no forma parte de este análisis, es<br />
interesante todo lo que se descubre cuando se<br />
ve al arte a través del método <strong>iconológico</strong>.<br />
Recordemos que el retrato de Dorian Grey<br />
relata la historia de un joven que cegado<br />
por su narcisismo y vanidad al contemplar<br />
su retrato decide vender su alma a cambio<br />
de la eterna juevntud, deseo que se cumple<br />
y lo llevará a realizar actos de perversión y<br />
libertinaje, a lo largo de la novela describen<br />
cómo cada acto perverso afecta a su alma<br />
viéndose reflejado en el deterioro del cuadro<br />
¿Cómo?<br />
Ahora, si nos acercamos más a la obra nos damos cuenta que Oscar Wilde presenta a un personaje que huye de la<br />
compañía de los demás y su resistencia a compartir lo que es de su propiedad, postura que se ve más clara cuando<br />
se da cuenta al regresar de su viaje, encuentra a unos niños jugando en su jardín, para evitar que no ocurra de nuevo,<br />
decide levantar un muro, esta actitud es contrastada con la de los niños que sólo ven el jardín como un patio de<br />
juegos, conforme va transcurriendo la historia, el gigante se da cuenta que en el jardín no llega la primavera, como<br />
si el invierno se hubiera quedado para siempre, un día descubre que la primavera por fin llega y es porque los niños<br />
se las han arreglado abriendo un hueco en la pared para poder jugar, el gigante se percata de que un niño no puede<br />
subir al árbol y lo ayuda a subirse, desde ese entonces el gigante sigue jugando con los niños hasta envejecer, un día<br />
al asomarse al jardín ve de nuevo al niño que ayudó a subir al árbol y éste le dice que así como el gigante le había<br />
dejado jugar en su jardín así también él le iba a permitir jugar en su jardín llamado paraíso. En toda la historia se<br />
ve cómo el egoísmo del gigante se hace presente, pone un muro para que nadie se acerque, tomando esto como<br />
analogía cuando una persona se aísla, se cierra ante los demás, si mantiene esta actitud llegará un punto en donde<br />
percibirá su vida fría como si el invierno se apoderara del corazón, tal como el invierno se apodera del jardín. Otro<br />
aspecto que cabe mencionar es que en todas la mayoría de las obras de Oscar Wilde la figura de Jesús está presente,<br />
esto es porque Wilde se crió en una familia católica y desde un principio se le inculcó la religión desde pequeño,<br />
tiempo despúes el decide convertirse al catolicismo es por ello que la mayoría de sus obras están impregnadas de<br />
apariciones divinas, como en la escena donde ve al niño y se da cuenta de las cicatrices , que tiene en las manos<br />
y pies, el indicio se vuelve más claro cuando el niño dice que su jardín se llama paraíso. En otro cuento donde<br />
también presenta de manera sutil la figura divina es en el cuento de “el pescador y su alma” a lo largo del cuento<br />
se ve la disyuntiva que tiene el pescador con alma cuando decide abandonarla, para hacerlo acude por ayuda con<br />
una bruja quien le dice que le dirá el secreto de cómo separarse de su alma si baila con ella a la luz de luna porque<br />
estará su amo ahí, en esta parte del cuento el pescador se percata que entre las brujas que también se reunieron a<br />
bailar llega una sombra pálida en carruaje tirado por caballos negros como la noche y al instante el pescador se<br />
llena de terror y es donde sin saber por qué invoca el santo nombre con la señal de la cruz y ve cómo esa sombra al<br />
escucharlo se retuerce de dolor y las brujas huyen chillando, cuando él detiene a la bruja con la que había hecho el<br />
trato para que le diga el secreto, ella le dice: “... —¡Suéltame!, ¡Déjame ir, porque has nombrado lo que no debería<br />
nombrarse, y has hecho el signo que no debe verse!” tal vez sean muy breves las referencias iconológicas de las<br />
obras de Oscar Wilde pero ha logrado introducir sombolismos religiosos de forma liviana.<br />
Boca<br />
Mentón<br />
Mejilla<br />
La primera afectación<br />
en el cuadro aparece<br />
luego de enamorar a<br />
la actriz de teatro Sibyl<br />
Vane, a quien promete<br />
matrimonio, Gray se<br />
arrepiente del compromiso.<br />
La segunda afectación<br />
aparece cuando<br />
la admiración que<br />
siente Grey de Lord<br />
Henry Wotton, quien<br />
lo impulsa a adorara<br />
la belleza como único<br />
valor. Grey comienza<br />
a dejar atrás la moral.<br />
La tercera afectación<br />
se hace en la mejilla<br />
cuando antes de partir<br />
a París el pintor Basil<br />
reclama a Grey su<br />
transformación moral.<br />
Nariz<br />
Rostro<br />
La cuarta<br />
afectación ocurre en la<br />
nariz cuando ansioso<br />
por el crimen cometido,<br />
Dorian pide ayuda<br />
a su amigo químico<br />
Alan Campbell quien<br />
contra su voluntad,<br />
deshace el cuerpo con<br />
ácido.<br />
Aprisionado por su<br />
culpa, Dorian acude<br />
con Lord Henry para<br />
redimirse y abandona<br />
a su nuevo amor, con<br />
la idea de observar si<br />
su transformación se<br />
vería reflejada, al no<br />
soportar lo que ve en<br />
la pintura, decide atacar<br />
su retrato sellando<br />
así su propia muerte.<br />
Pág.<br />
2.- La ley del decoro:<br />
Decoro significa<br />
lo adecuado<br />
y esta efectiva y<br />
funcional relación<br />
de decoro entre<br />
lugares y contenido<br />
constituye el<br />
llamado principio<br />
de interacción.<br />
3.- La falacia del<br />
diccionario: Lo<br />
que sucede es que<br />
las imágenes señaladas<br />
se toman<br />
aisladamente y<br />
con independencia<br />
de su contexto,<br />
ninguna de ellas<br />
podría haberse<br />
interpretado correctamente,<br />
desvirtuando<br />
la que<br />
fuera la verdadera<br />
intención del autor.<br />
El círculo vicioso<br />
El método funciona<br />
muy bien cuando<br />
se trata de grandes<br />
programas que son<br />
resultado de la vasta<br />
erudición de un<br />
humanista, pero<br />
puede llevar a conclusiones<br />
ridículas<br />
cuando se trata de<br />
obras realizadas<br />
Pág.
Cine<br />
El viaje de Chihiro<br />
“El viaje de Chihiro” es una película de animación japonesa dirigida por Hayao Miyasaki de<br />
los estudios ghibli, trata de una niña llamada Chihiro que junto con sus padres<br />
deciden tomar un atajo para llegar a su nueva casa, en el camino encuentran<br />
un templo, al atravesarlo descubren un pueblo fantasma, en el recorrido<br />
ven que hay un buffet servido al ver que los dueños del lugar no se<br />
encuentran deciden servirse, tranquilizando a Chihiro de que si<br />
van a pagar cuando los dueños regresen, ellos la invitan a que<br />
almuerce con ellos, al no verse interesada en la comida, ella<br />
decide seguir explorando, hasta llegar a un puente donde<br />
queda sorprendida porque al fondo del acantilado<br />
que está debajo del puente se encuentra una vía de<br />
trenes, su exploración es interrumpida abruptamente<br />
cuando un niño le advierte que debe de irse antes de<br />
que anochezca, incrédula se retira ante la insistencia<br />
del niño, cuando Chihiro va en busca de sus<br />
padres queda horrorizada al ver que ellos se han<br />
convertido en cerdos, confundida corre al camino<br />
por donde había llegado lo que no esperaba era que<br />
el camino había sido cubierto por un río profundo<br />
que impedía la entrada al templo que con mucho<br />
esfuerzo apenas alcanzaba a divisar. El niño que en<br />
un principio le había advertido que se fuera, la ayuda<br />
a ocultarse de “Yubaba” una bruja que regía todo<br />
el pueblo y se había enterado que un humano había<br />
llegado a sus dominios, el niño que se presenta como<br />
“haku” le dice que tienen que atravesar el puente para<br />
poder ocultarla y para no romper el hechizo de que las demás<br />
criaturas no se percaten de la existencia de un humano,<br />
Chihiro debe contener la respiración mientras cruza el puente,<br />
intento frustrado cuando una rana salta sobre Haku y Chihiro se<br />
sorprende, en ese momento se rompe el hechizo y es cuando todas<br />
las criaturas se dan cuenta que hay un humano entre ellos, Haku oculta a<br />
Chihiro aconsejándole que vaya con “Kamaji” para que le de trabajo porque de<br />
no ser así Yubaba podría convertirla en un animal, Chihiro emprende una aventura que<br />
no sólo pondrá a prueba su fortaleza y determinación sino su identidad que a lo largo de la película la transformará<br />
por completo. Ahora ¿Qué significa “el viaje de Chihiro” bajo la lupa del análisis <strong>iconológico</strong>? A continuación<br />
se te presentará una serie de íconos que se desarrollarán<br />
dentro de la películay que dejaran ver<br />
por qué esta película es considerada una joya<br />
cinematográfica.<br />
Al inicio de la película<br />
los padres de Chihiro<br />
deciden adentrarse a<br />
un templo cuando deciden<br />
tomar un atajo.<br />
Hayao miyasaki se<br />
inspira de casa antiguas<br />
y parques abandonados<br />
en el Japón<br />
Templo de los 80´s.<br />
Cerdos<br />
Casa del baño<br />
Chihiro<br />
Cambio de nombre<br />
La escena donde los<br />
padres se convierten<br />
en cerdos, el director<br />
representa la avaricia<br />
inmediata de los japoneses,<br />
cuando llegó<br />
el comercio abierto y<br />
libre en los 80´s. La<br />
comida infinita representan<br />
los productos.<br />
Por otro lado, la protagonista<br />
sirve como un<br />
ejemplo generacional;<br />
representa a aquellas<br />
mentes nacidas posterior<br />
a los 80 que miraron<br />
las consecuencias<br />
del sistema económico,<br />
las decisiones de las<br />
Cuando Yubaba le<br />
quita el nombre a la<br />
protagonista y le añade<br />
el “sen”, su nombre<br />
cambia de significado<br />
literalmente a “mil”<br />
–la cantidad numérica–.<br />
La acción muestra<br />
la rápida madurez<br />
de la pequeña, quien<br />
En la bandera fuera de<br />
la casa de baño está escrito:<br />
“Yu”, que singifica<br />
baño. Este mismo<br />
símbolo también se<br />
encuentra en el letrero<br />
de la puerta principal,<br />
en muchos lados dentro<br />
de la casa de baño,<br />
en las lámparas y en<br />
las batas que llevan varios<br />
dioses y espíritus<br />
ahí dentro.<br />
“Yu” también se usa<br />
para “agua caliente”.<br />
El nombre de la casa<br />
de baño es “Aburaya”<br />
(casa/tienda/vendedor<br />
de aceite). “Abura”<br />
significa “aceite” y<br />
también se puede pronunciar<br />
como “yu” o<br />
renuncia a su niñez<br />
sin titubear. También<br />
revela que una vez que<br />
deja atrás los años de<br />
inocencia, se convierte<br />
en un producto con<br />
valor. Miyazaki expresa<br />
cómo, debido a los<br />
cambios sociales, a las<br />
“yuu”.<br />
Los baños<br />
usan agua caliente,<br />
por eso el hiragana<br />
“yu” llega a escribirse<br />
sobre una cortina (llamada<br />
“noren” ) en la<br />
generaciones pasadas<br />
y los errores que cometieron<br />
y que aceptan<br />
que posiblemente<br />
el daño es irreversible.<br />
La niña ha sido vista<br />
como una representación<br />
de las mujeres y<br />
su cambio de pensamiento<br />
después de los<br />
ataques nucleares en<br />
los años 40.<br />
personas se les asigna<br />
un precio y si no<br />
es alto, es como si no<br />
existieran.<br />
entrada<br />
de<br />
una casa de baño.<br />
Sen<br />
Pág.<br />
por artistas poco<br />
embuidos en las corrientes<br />
intelectuales<br />
de su tiempo.<br />
Forma y contenido,<br />
la obra<br />
de arte como<br />
organismo<br />
No cabe duda alguna<br />
de los peligros<br />
a los que está<br />
expuesto el iconólogo.<br />
Su tendencia<br />
a ver en todo un<br />
significado profundo,<br />
a creer que<br />
éstos pueden ser<br />
clasificados en<br />
clichés, y a presuponer<br />
siempre la<br />
coherencia de su interpretación<br />
circular<br />
lo ha llevado a<br />
formular hipótesis<br />
erradas o faltas de<br />
rigor intelectual<br />
que no es el caso de<br />
Panofsky debido a<br />
que hizo un impecable<br />
trabajo con<br />
la propuesta de su<br />
método a causa de<br />
su formación humanística<br />
que se basaba<br />
en un profundo<br />
conocimiento de las<br />
lenguas clásicas,<br />
que le llevó a estar<br />
más interesado en<br />
encontrar textos que<br />
explicasen el significado<br />
de los símbolos<br />
Pág.
Sin cara<br />
Chihiro y sin cara<br />
Decoración Meiji<br />
Dragón<br />
Dragón Kohaku<br />
De la abundante comida<br />
“sin cara” se<br />
transforma y no sólo<br />
comienza a devorar la<br />
comida sino también<br />
a las criaturas que le<br />
servían. Tanto en los<br />
sirvientes como en sin<br />
cara representa la boracidad<br />
de los japones<br />
Yubaba, la bruja, está<br />
rodeada de elementos<br />
de la cultura europea.<br />
El escenario en el que<br />
se presenta es distinto<br />
a cualquier otro de la<br />
cinta, los cuales evocan<br />
a la época Meiji,<br />
cuando la cultura capitalista<br />
occidental se<br />
apoderaba de Japón<br />
En la cultura japonesa<br />
los dragones cumplen<br />
su papel como enlace<br />
entre el mundo de los<br />
humanos y el mundo<br />
de los espíritus. No<br />
debe sorprendernos,<br />
por tanto, que este<br />
hecho encaje perfectamente<br />
con el aprendiz<br />
cuando tienen acceso<br />
libre en la compra de<br />
productos, referencia<br />
que se vuelve a tomar<br />
ya que el primer indicio<br />
es donde los padres<br />
de chihiro se convierten<br />
en cerdos.<br />
Chihiro enfrenta a<br />
“sin cara” a quien también<br />
intenta devorar y<br />
para purificarlo le da<br />
la mitad del regalo que<br />
le había dado el dios<br />
del río, “sin cara” vuelve<br />
a su forma original<br />
y forma una amistad<br />
con Chihiro, Miyasaki<br />
quiso representar el<br />
valor de la amistad al<br />
momento de que Chihiro<br />
lo acepta nuevamente<br />
como amigo.<br />
lentamente. La decoración<br />
Meiji es presentada<br />
en gran parte<br />
de la película como un<br />
elemento melancólico.<br />
En la película aparece<br />
Haku con la peculiaridad<br />
de que se puede<br />
transformar en un<br />
dragón esto es porque<br />
en el mundo donde se<br />
encuentra chihiro es<br />
el mundo de los espíritus<br />
y donde van los<br />
dioses a los baños termales,<br />
Haku pertenece<br />
a los Dragones terrenales<br />
que determinan<br />
y cuidan el curso de<br />
los ríos. Haku era la<br />
personificación del río<br />
Kohaku antes de que<br />
éste se secara y quedara<br />
arrasado por la<br />
acción de los hombres.<br />
de Yubaba, ya que éste,<br />
ofreciéndole alimento<br />
a Chihiro y ayudándola<br />
a traspasar su<br />
frontera hasta llegar<br />
a Kamaji, es un claro<br />
ejemplo de vínculo<br />
y apoyo entre ambos<br />
universos.<br />
Consumismo<br />
Codicia<br />
Ser<br />
Tren<br />
Yubaba y Zeniba<br />
Cuando las criaturas<br />
se dan cuenta que “sin<br />
cara” da oro a cambio<br />
de comida, todos enloquecen<br />
y comienzan<br />
a servirle abundante<br />
comida, en esta escena<br />
representa la obsesión<br />
de las personas por el<br />
dinero.<br />
En la escena donde<br />
“Sin cara” le ofrece oro<br />
a Chihiro, ella le dice<br />
que no quiere su oro,<br />
es donde el director<br />
muestra que Chihiro<br />
su espíritu es puro de<br />
toda ambición o codicia.<br />
A pesar de ser un personaje<br />
de composición<br />
sencilla el significado<br />
que hay detrás de él<br />
pareciera interminable<br />
ya que Miyasaki refleja<br />
en él al Japón contemporáneo<br />
que cree que<br />
el dinero los hará feliz.<br />
El kanji que se encuentra<br />
al frente del<br />
tren significa “medio<br />
camino” esto hace referencia<br />
a que sólo hay<br />
un tren de ida pero<br />
no el de regreso. Tal y<br />
como lo comenta Kamaji<br />
casi al término de<br />
la película.<br />
Yubaba representa la<br />
trabajadora. Zeniba<br />
es la misma persona<br />
pero en el ambiente<br />
doméstico. Miyasaki<br />
hace esto para hacer<br />
referencia a personas<br />
agresivas en el mundo<br />
profe-sional pero<br />
cuando llegan a casa<br />
son mucho más tranquilas<br />
y simpáticas.<br />
Despedida<br />
Okusare sama<br />
Sin cara<br />
Boh<br />
Nostalgia<br />
En la escena donde<br />
Chihiro se despide<br />
de Haku, él le informa<br />
que dejará de ser<br />
aprendiz de Yubaba<br />
y que él y Chihiro se<br />
volverán a encontrar,<br />
hay diversas teorías<br />
en el cómo se volverán<br />
a encontrar una<br />
Cuando Chihiro es<br />
puesta a prueba por<br />
Yubaba cuando le<br />
asigna al cliente más<br />
difícil atiende a un kusare,<br />
kusare significa<br />
“podrido” en japonés,<br />
esto hace referencia al<br />
olor que despedía este<br />
dios.<br />
En la mitología japonesa<br />
los espíritus con<br />
máscara son representantes<br />
de la muerte,<br />
tristeza y el futuro, es<br />
por ello que sin cara<br />
le da especias a Chihiro<br />
porque sabía que el<br />
dios que iba a llegar a<br />
los baños termales iba<br />
a ser el más sucio.<br />
La ropa de Boh (el<br />
bebé), está escrito su<br />
nombre que significa<br />
“niño joven” o “niño<br />
pequeño” refiriéndose<br />
a su edad.<br />
La salida de Chihiro<br />
del mundo de los espíritus<br />
es una referencia<br />
de que ha abandonado<br />
su infancia para entrar<br />
a una nueva etapa. Así<br />
como ella se despide<br />
con nostalgia de aquél<br />
lugar maravilloso, así<br />
también las personas<br />
se despiden de etapa<br />
de niñez cuando ya<br />
han crecido.<br />
de ellas es que Chihiro<br />
se volverá a encontrar<br />
con Haku cuando ella<br />
muera, porque recordemos<br />
que están en<br />
el mundo de los espíritus,<br />
miyasaki señala<br />
que Chihiro pudo entrar<br />
a ese mundo debido<br />
a su inocencia.<br />
¿Sabías que...<br />
dios del río<br />
El director Hayao Miyasaki<br />
para la realización de la película<br />
“El viaje de Chihiro” se inspiró<br />
en la Casa de Té Amei en Jiufen,<br />
Taiwán, que se puede apreciar<br />
como imagen de fondo de esta<br />
cápsula informativa. Y aún hay<br />
más, los dioses que aparecen a<br />
lo largo de la cinta son invención<br />
del mismo director ya que<br />
como afirma en una entrevista:<br />
“Desde hace miles de años en<br />
Japón creemos que los Kami<br />
(dioses) y los Rei (espíritus)<br />
están por todas partes: en los<br />
rios, en los arboles, en las casas<br />
y hasta en las cocinas. Cuando<br />
se me ocurrió la idea para<br />
El viaje de Chihiro tuve que<br />
visualizar a los Kami. La mayoría<br />
son fruto de mi imaginación.<br />
Otros se inspiraron en el<br />
folclore japonés. Por ejemplo,<br />
la máscara de papel usada en<br />
las ceremonias del templo Kasuga<br />
Taisha inspiró una divinidad.”<br />
Para dibujar a Haku, en la escena<br />
donde Chihiro le comparte<br />
la mitad del pastel de hierbas,<br />
Miyasaki llevó a un perro para<br />
que los dibujantes tuvieran una<br />
referencia real cuando un animal<br />
se resiste a comer algún<br />
alimento.<br />
Al principio es confundido<br />
por un Kusare<br />
debido a su pestilente<br />
y demacrado aspecto,<br />
cuando chihiro lo<br />
atiende, Yubaba se<br />
percata que no se trata<br />
de nada menos que<br />
el dios del río, quien<br />
despúes de ser librado<br />
de toda la basura,<br />
recupera su forma<br />
original y recompensa<br />
a Chihiro por su<br />
excelente trabajo con<br />
un pastel de hierbas,<br />
esta peculiar escena es<br />
una analogía de cómo<br />
se encuentran los ríos<br />
contaminados que si<br />
tuvieran una personificación<br />
serían seres<br />
muy enfermos.<br />
Escena del tren<br />
En una entrevista realizada<br />
a Hayao Miyazaki<br />
en París en el<br />
año 2001, el director<br />
comentó esta escena<br />
en relación con sus<br />
propios sentimientos<br />
resaltando la importancia<br />
del viaje en sí<br />
mismo. “Entonces,<br />
para expresar eso,<br />
debía haber una vista<br />
desde el tren, pero<br />
había creado las condiciones<br />
para ello en<br />
las escenas previas,<br />
cuando llueve y como<br />
resultado de ello, el<br />
paisaje está cubierto<br />
por agua. Pero lo hice<br />
sin saber la razón de<br />
ello hasta que llegué a<br />
la escena con el tren,<br />
en cuyo momento me<br />
dije a mí mismo “Que<br />
suerte que hice este<br />
océano”.<br />
Pág.<br />
y de las imágenes,<br />
que en las cualidades<br />
formales del<br />
arte.<br />
Sin embargo, esa<br />
oposición entre<br />
historia de la visión<br />
e historia de<br />
los contenidos no<br />
debería ser expresada<br />
en esos términos.<br />
Aunque es<br />
verdad que E. Panofsky<br />
primó el estudio<br />
del contenido<br />
en el arte, no es<br />
menos cierto que<br />
también supo poner<br />
el acento sobre<br />
algunas cualidades<br />
formales del<br />
proceso pictórico.<br />
De hecho en su ensayo<br />
titulado: “La<br />
historia del arte en<br />
cuanto disciplina<br />
humanística” propone<br />
al investigador<br />
un equilibrio<br />
entre el estudio<br />
de la forma (estilo)<br />
y de la idea<br />
(tema), ya que ello<br />
contribuirá a que<br />
se manifieste con<br />
mayor elocuencia<br />
el verdadero contenido<br />
de la obra. El<br />
interés potencial de<br />
Pág.
Arte Urbano<br />
C215:artista urbano<br />
Antes de iniciar este artículo, es bueno tener en claro el concepto de arte urbano, que es<br />
también llamado arte callejero (traducción de la expresión en inglés street art)<br />
y hace referencia a todo arte que se realiza en la calle, en la vía pública y<br />
que se da por iniciativa exclusiva del artista sin permiso ni encargos<br />
previos, por lo que muchas veces es considerado ilegal.<br />
Al igual que todas las expresiones artísticas, la pintura y el<br />
dibujo han evolucionado y han sufrido cambios, tanto en<br />
su concepto, estética, como en las técnicas usadas. Es así<br />
que desde mediados de los 90, el término “arte callejero”<br />
comenzó a hacerse popular, y con él el uso de otras<br />
diversas técnicas: graffitti, posters, stickers, stencils.<br />
Expo en Tokio<br />
Expo en París<br />
Expo en París<br />
Stencil en Roma<br />
Ahora con este contexto planteado encontramos a<br />
Christian Guemy es un artista francés de arte urbano,<br />
nacido en París y como alias responde por<br />
C215, trabaja principalmente con estarcido (Técnica<br />
que consiste en imprimir una imagen cualesquiera<br />
sobre una superficie, utilizando una pintura<br />
a través de una plantilla o esténcil. La superficie que<br />
utiliza el estarcido puede variar dependiendo el tipo<br />
de pintura con que se trabajará, ya que esta debe de<br />
ser la adecuada para que permita una mejor adherencia).<br />
Aunque ha sido un artista de arte urbano desde<br />
los años 90, su trabajo con estarcidos comenzó en 2006,<br />
que se caracteriza por retratos de ancianos, refugiados,<br />
inmigrantes, personas olvidadas por la sociedad, dándoles<br />
visibilidad en un lugar de la ciudad. C215 desea embellecer<br />
la ciudad, por lo tanto pinta sólo sobre superficies destrozadas,<br />
sin tener la necesidad de cubrir su cara. Durante los años, su estilo<br />
se ha desarrollado desde una base de estarcido sencillo de retratos en<br />
blanco y negro, a una combinación multicolor de estarcido y pintura a mano<br />
alzada en sus últimas obras. C215 es un artista prolífico. Su arte se puede ver en<br />
dife-<br />
rentes ciudades del mundo. Además de su trabajo en la calle, también produce obras de arte<br />
para galerías comerciales. A continuación se presentarán una serie de obras, no se desarrollarán por íconos como<br />
los trabajos anteriores ya que sus mensajes son breves y maneja elementos precisos que hace su arte un medio de<br />
expresión eficaz y eficiente.<br />
Stencil Italia<br />
Homenaje a Malala<br />
Bassano, Italia<br />
Protesta<br />
Sicilia<br />
Milano, Italia<br />
Barcelona<br />
Palermo, Italia Palermo, Italia Israel Nueva Delhi Sao Paulo, Brasil<br />
Esperamos que hayan sido de tu agrado estos datos interesantes que hemos preparado para ti, te invitamos a que veas o escuches<br />
las obras que aquí se analizaron para que así compartas tu opinión con nosotros a través de las redes sociales o puedes<br />
escribirnos al correo método<strong>iconológico</strong>@magazine.com o a tenji96@gmail.com.<br />
Pág.<br />
Panofsky hacia la<br />
forma va más allá<br />
cuando escribe que:<br />
“En una obra de<br />
arte la forma no<br />
puede separarse del<br />
contenido; la distribución<br />
del color<br />
y de la línea, de la<br />
luz y de la sombra,<br />
de los volúmenes y<br />
de los planos, por<br />
grata que pueda ser<br />
como espectáculo<br />
visual debe también<br />
entenderse como<br />
vehículo de una<br />
significación que<br />
trasciende lo meramente<br />
visual. Para<br />
Panofsky, la obra<br />
de arte constituye,<br />
pues un todo orgánico<br />
compuesto<br />
por tres elementos:<br />
la forma materializada;<br />
la<br />
idea (el tema), y<br />
el contenido . Estos<br />
elementos reflejan<br />
el esquema<br />
tripartito de los<br />
niveles de significado<br />
y son vistos<br />
como una unidad<br />
pues todos ellos<br />
concurren por<br />
igual en los que se<br />
llama el goce estético<br />
del arte. Panofsky<br />
anunciaba con<br />
ellos recientes propuestas<br />
de semióti-<br />
Pág.
Bibliografía<br />
Referencias electrónicas<br />
http://www.studioghibliforum.com/viewtopic.php?f=2&t=151&start=50<br />
http://culturacolectiva.com/el-oscuro-significado-de-el-viaje-de-chihiro/<br />
https://matadornetwork.com/es/30-artistas-urbanos-mas-impresionantes-de-la-decada/<br />
https://mott.pe/noticias/c215-artista-urbano-embellece-las-calles-con-coloridos-gatos/<br />
https://translate.google.com.mx/translate?hl=es&s-<br />
l=en&u=http%3A%2F%2Fonlinebharatanatyam.com%-<br />
2F2008%2F02%2F11%2Fchatura-hand-gesture-mudra%2F&prev=search<br />
https://vivebollywood.wordpress.com/2015/04/28/<br />
mudras-en-las-danzas-de-india-parte-ii/<br />
https://www.casabatllo.es/historia/casa-batllo/<br />
http://www.nnhotels.com/es/barcelona-20/casa-batllo/<br />
https://www.casabatllo.es/novedades/cultura-patrimonio/simbologia-y-religion-en-las-obras-degaudi/<br />
http://www.lanacion.com.ar/688922-que-representa-el-cuadro-el-grito<br />
http://www.muyhistoria.es/h-moderna/articulo/<br />
mona-lisa-esconde-un-codigo-oculto-en-sus-ojos<br />
http://www.literatura.us/idiomas/ow_pescador.html<br />
http://www.gettyimages.es/detail/fotografía-de-noticias/christian-guémy-also-known-as-c215-visits-fotografía-de-noticias/478088948#christian-gumy-alsoknown-as-c215-visits-palermo-as-part-.<br />
http://distorsionurbana.blogspot.mx/2011/05/c215-obrasmaestras-stencil-roma.html<br />
Referencias bibliográficas<br />
Metodología para el Diseño, Gavin Ambrose<br />
El método <strong>iconológico</strong> de Erwin Panofsky, la interpretación integral de la obra de arte.<br />
<strong>Método</strong> <strong>iconológico</strong><br />
@<strong>Método</strong> <strong>iconológico</strong><br />
<strong>Método</strong>_ <strong>iconológico</strong><br />
¡Visita nuestras redes sociales!<br />
www.método<strong>iconológico</strong>.com<br />
<strong>Bartolo</strong> <strong>Osorio</strong> <strong>Marcela</strong> <strong>Karina</strong><br />
Pág.<br />
ca, una disciplina<br />
con la que la iconología<br />
comparte<br />
el interés común de<br />
descubrir la estructura<br />
profunda de<br />
los productos culturales<br />
, Sin embargo,<br />
frente a la importancia<br />
semántica<br />
que adquiere en primer<br />
nivel -color,<br />
movimiento, tamaño,<br />
estructura y<br />
dirección-, la aplicación<br />
del método<br />
Panofsky ha puesto<br />
siempre el énfasis<br />
en el segundo nivel:<br />
los temas, como vimos<br />
a lo largo de<br />
los artículos de esta<br />
revista.<br />
Pág.