Método_ iconológico_Bartolo_Osorio_Marcela_Karina_601 pliegos

tenji96

Método

iconológico Pág.


Método

iconológico

La obra de arte como idea

Esta metodología en el estudio de la historia del arte se desarrolla en Alemania,

durante el periodo de entreguerras, paralelamente al formalismo y

de la mano de Aby Warburg (1866-1929 quien con la inquietud por

estudiar la continuidad de ciertos elementos accesorios de una

imagen junto a los gestos que expresan “emociones intensificadas”,

se traducirá en uno de los conceptos fundamentales

de Warburg para estudiar la vida de las imágenes plasmado

en la tesis de su licenciatura. De ese primer trabajo

emerge uno de los elementos característicos de su obra:

la confrontación entre texto e imagen subrayando el

valor expresivo de las formas y de la estructura compositiva

de las obras figurativas, estas ideas darían el

origen para tomar en serio el método iconológico).

Como antecedentes de esta nueva metodología en

el estudio de la historia del arte se reconocen la obra

de los historiadores Emile Male (1862-1954; quien

realiza la obra “La historia de la iconografía cristiana)

y Jacob Burckhardt (1818-1897; Historiador

de arte suizo) así como Alois Riegl (1858-1905; principal

representantedel formalismo en la historia del

arte) y Max Dvorackv (1874-1921; Empleó un análisis

fuertemente formal de los objetos, argumentando una

progresión lineal del arte basada en el análisis estilístico)

Asimismo, la iconología se basa en algunos aspectos de la femonología

de Husserl (1859-1938; la femonología expresa la

intencionalidad de la conciencia: toda conciencia es conciencia

de algo y ese algo no es la propia conciencia. Husserl establece una

conexión indisoluble entre la conciencia y su objeto, la llamada correlación

universal objetoconciencia) de las doctrinas de Heiddeger [1889-1976;

en su obra “el ser y el tiempo que, junto con varios escritos posteriores, tendría muchísima

influencia sobre la filosofía posterior, sobre todo sobre el existencialismo (ya que su ontología abría el

debate sobre el nihilismo), sobre el debate del Giro

Lingüístico (al reconocer la relación entre Verdad

y Lenguaje) y sobre la Hermenéutica, por

sus aportaciones a la lingüística y la semiótica.],

y fundamentalmente, del neokantismo de

Ernst Cassirer ( 1874-1945; Filósofo de alemán

de origen judío investigando los conceptos

de sustancia y de función, descubrió

cómo el simbolismo algebraico es la base de

las ciencias Así surgió la filosofía de las formas

simbólicas. Según él, las diversas realizaciones

en las que se concretiza la cultura

humana se fundan en una actividad simbólica

que, alejándose cada vez más de la inmediatez

del dato natural y sensible, conduce a

la formación de esquemas autónomos. De esta

forma, la filosofía tiende a configurarse no sólo

como crítica del conocimiento sino también como

crítica de la cultura.). Esta corriente metodológica,

en contraposición a la escuela de Viena, se centra en el

contenido de la obra de arte, es decir, en el “qué dice”, aunque

sin por ello desdeñar el cómo lo dice. Por otro lado, se

aboca al estudio de la transmisión de los temas del arte antiguo

a través de la Edad Media y su resignificación en el renacimiento. Su

principal aporte ha consistido en el hallazgo de los indicios que permitan

armar una cadena de relaciones fundadas y eslabones verificables entre textos, imá-

genes

ceremonias, prácticas sociales y culturales para llegar a una cabal comprensión de las obras de arte. Algunos de los

principales representantes de los estudios iconológicos fueron Aby Warbug (que se ocupó fundamentalmente de

la revitalización y presencia del pensamiento mágico en las culturas italianas y nórdica del renacimiento), Erwin

Panofsky (quien formula el método iconológico), Fritz Saxl (dedicado a los estudios de manuscritos astrológicos y

mitológicos), Ernst Gombrich (que se ocupó también de cuestiones de psicología de la percepción estética) y más

recientemente, Carlo Ginzburg (que desde la microhistoria hizo suyos los planteos teórico-metodológicos de la

iconología warburguiana.

Ahora, haciendo un enfoque en Erwin Panofsky sostiene que la iconología es fría: no se entretetiene en la forma

sino en la mente del contenido, este enfoque permitió que el método fuera aplicable a distintos campos de la investigación

histórica. Panofsky concebía “las artes visuales como una parte del universo de la cultura, que también

comprendía, las ciencias, el pensamiento científico y religioso...” es por ello que en los análisis que encontrarás en

esta revista la obra se tomará como un mensaje compuesto por varios íconos mismos que estarán con su explicación

correspondiente, y como verás cada ícono empleado en la obra de arte reflejará el contexto, o la ideología que

tenía el artista y cómo influye en el momento de creación.

Pág.

El método

iconológico de

Erwin Panofsky:

La interpretación

integral de una

obra de arte

Introuducción

El objetivo de la

línea del tiempo

junto con las cápsulas

informativas

es comprender las

obras que sirvieron

de inspiración o

que influyeron en

la obra de Panofsky

quien desarrollaría

el método iconológico

el cual se aplica

en los análisis

que aquí se presentarán.

Línea del tiempo

Bases conceptuales

1874

Giovanni Morelli publica

un nuevo método

para la atribución

de cuadros antiguos.

1892

Nace Erwin Panofsky

quien años más tarde

se preocuparía por encontrar

una fórmula

que permitiese al enseñante

de Historia

del arte combinar la

Pág.


Arquitectura

Casa de Batlló, Art Nouveau

La Casa Batlló fue un encargo del empresario textil Josep Batlló a Antoni Gaudí en el año

1904, para remodelar totalmente un edificio y convertirlo en su nueva residencia en

Barcelona. Aunque la primera idea de Josep Batlló era demoler totalmente el

edificio existente para levantar uno nuevo, Antoni Gaudí le convenció

para mantener la estructura original del 1875 y remodelar tanto la

fachada como los interiores. Se daba la casualidad que el edificio

original era obra de Emili Sala i Cortés, maestro de Gaudí en

la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona.

Desván

Fachada

El desván está construido

con una serie

de arcos que simulan

las costillas del dragón.

La parte central de la

fachada, está inspirada

en el Mar Mediterráneo,

esa es la razón

por la que está cubierta

de fragmentos de

cristales y cerámica

policromada en tonalidades

azules.

Tejado

Para poder mostrar y transmitir sus ideas, Antoni Gaudí

muy pronto comprendió que con unos simples planos

y dibujos sería imposible, y empezó a trabajar sobre

maquetas de yeso que él mismo iba creando y dándoles

forma hasta obtener los volúmenes y figuras

deseadas. Esta metodología de trabajo, y lo novedoso

de sus propuestas, hicieron que los trámites

administrativos fuesen muy complejos, dándose la

paradoja que la licencia de obras no se concedió

hasta 1912, seis años después de haber terminado

la reforma.

Independientemente del trabajo exhaustivo que realizó,

Gaudí puso su imaginación y talento al servicio

de la fe católica. El arquitecto catalán dedicó su vida

a la arquitectura llegando a crear obras donde técnica,

estética y religión se unifican magistralmente evocando

siempre a la Naturaleza como la máxima creación divina.

Es por ello que los íconos o simbolismos por mencionar hacen

referencia al tema de religión.

El techo de forma ondulada,

simula el lomo

de un dragón, para su

decoración el tejado

está cubierto con cerámica

de colores, haciendo

alusión a sus

escamas.

Torre de aguja

Complementando el

significado de que el

techo es el lomo de un

dragón, Gaudí simula

una espada atravesando

al dragón al construir

la torre de aguja,

la cual en su mango

tiene una cruz.

Primera planta

Ventanales

Hay otros autores

que retoman la teoría

del dragón, es

el caso de la Dra.

en lengua española

Carmen Diez Carrera

quien hace

una interpretación

más profunda, por

ejemplo la fachada

sitúa la simbología

En la primera planta,

Gaudí no sólo recurre

a las formas óseas

sino también al mar

mediterráneo,como

se puede apreciar en

la imagen, las formas

onduladas de las ventanas,

aludiendo a las

olas del mar.

Esta galería, por su aspecto

puede recordar

a una boca abierta,

provocó que la casa

fuese conocida como

Casa de los Bostezos.

Balcones

alrededor de la lucha de San Jorge contra el

dragón, que representa el mal, el espinazo

del cual conforma el perfil superior de la

fachada principal del edificio. La torre sería

la lanza que se clava en el dragón, coronada

por una cruz que simboliza el emblema

de San Jorge con las iniciales de la sagrada

familia inscritas, símbolo inequívoco del

triunfo de la religiosidad y del bien. Las escamas

azules del lomo del dragón se vuelven

rojizas, manchadas por la sangre, en el lado

Caracterizándose por

recurrir a formas orgánicas,

los balcones

y los contornos de las

ventanas tienen similitudes

con formas

óseas.

Ventanas

izquierdo de la torre.

En esta interpretación,

los balcones

son fragmentos de

cráneos y los pilares

de las ventanas

del piso principal

son los huesos de las

víctimas del dragón.

Las interpretaciones

varían, va a depender

del punto de vista

del lector, de lo

que no hay duda es

que recorriendo la

casa los detalles no

paran de sorprender

por todas partes, el

artista lo interviene

todo: diseño, color,

forma, función, espacio

y luz.

Pág.

descripción y el análisis

de obra de arte,

dicha inquietud sería

la que impulsaría la

creación del método

iconográfico

1899

Se publica el libro de

H. Wolffin, “Klassische

Kunst” que convierte

definitivamente

a la historia del arte en

ciencia. Trabajos que

permitieron dejar en

claro conceptos como

la periodización, la

proveniencia, el concepto

de obra maestra,

el mecenazgo , estilo y

contenido

La iconografía

como ciencia auxiliar

y la historia

de la cultura en el

siglo XX

Principios

siglo XX

Cuando panofsky

comienza a escribir

sobre el arte, la disciplina

de Historia del

Arte estaba dominada

por el formalismo.

Principios

siglo XX

En este siglo se ordenan

las galerías de los

museos por los nombres

de los artistas y

las fechas obviando

cualquier información

extrínseca.

Pág.


Música

Carnaval 1835 de Schumann

Robert Schumann (Zwickau, actual Alemania, 1810-Endenich, id., 1856) Compositor alemán.

Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los paradigmas del

Romanticismo musical alemán. Para el análisis iconólgico se ha recurrido

a la obra “Carnaval”. Para ello primero debemos esclarecer el concepto

de “partitura” y sus elementos ¿Pero qué es una partitura?

Es un texto de una composición musical ¿Qué nos dice este

texto? Al igual que al leer un cuento no podemos cambiar

las palabras tampoco en la partitura podemos cambiar

las notas y las indicaciones que ahí se escriben, además

hay otros elementos que intervienen para informarnos

en el cómo interpretar las notas, por ejemplo

¿A qué velocidad debe ejecutarse la música? Estos

y otros elementos nos ayudarán a entender el

análisis iconológico de esta pieza musical.

Acento

Compás

El acento es una marca

que indica que la

nota debe ejecutarse

con mayor intensidad

a comparación de las

demás notas.

Es la división de tiempo

en partes iguales,

indican cuántas figuras

rítmicas caben en

un fragmento de la

partitura que también

se le denomina compás,

mismas que se separan

por líneas.

Conjunto de notas que

al tocarlas al instante

forma un sonido diferente

con armonía.

Acordes

Título de la obra

Compositor

Conjunto de cinco líneas

horizontales que

sirven de base para la

escritura de la música,

son paralelas y equidistantes.

staccato

Indicación que se coloca

en forma de punto

a un lado de la nota

para señalar que debe

ejecutarse a la mitad

de su valor original.

Doble barra

La doble barra está

compuesta con una

línea delgada y una

gruesa, esto es para

señalar que es el final

de la partitura o de

la primera línea del

compás.

Clave de sol

La

clave

es un

signo que se escribe

en el pentagrama, su

fucnión es asignar el

nombre de las notas

de acuerdo a la posición

de las notas.

Tempo

Pentagrama

El “tempo” es la velocidad

en la que ejecutará

la pieza en este caso es

“quasi maestoso” (casi

majestuoso) indica al

músico que debe ejecutar

de manera “señorial”

la pieza.

Ligaduras

Puntos de repetición

Se colocan cuando un

fragmento de la pieza

debe ejecutarse dos

veces. Se señalan en

forma de puntos que

van en el segundo y

tercer espacio del pentagrama.

Motivos

Son dos notas que se

repiten a lo largo de

la pieza son como las

“palabras” que se repiten

a lo largo de un

texto.

Pág.

Mediados del

siglo XX

Surge el interés en

ver a las obras de arte

como “un entremado

de ideas” sobre el que

se fundarán los estudios

iconográficos.

Lengua, sistema y

signo

1901

Ferdinand Saussure

establece la diferencia

entre lengua y palabra.

Donde llega a la conclusión

de que la evolución

de las palabras

y de su significado debería

estudiarse en relación

con su contexto

cultural y sociológico.

Esto constituye la base

de la semiología, ciencia

que estudia los signos

en una sociedad

y las leyes que la gobiernan,

y que considera

que cada imagen

material constituye

una convención en su

modo de representación,

principios estudiados

por Erwin Panofsky

quien los supo

aplicar magistralmente

en su metodología.

Pág.


Análisis “Carnaval” 1835

Esta obra tiene su origen en un conjunto de Variaciones sobre Sehnsuchtswalzer de Franz Schubert, cuya música

Schumann había descubierto en 1827. El catalizador para la escritura de las variaciones puede haber sido una obra

para piano y orquesta en forma de variaciones sobre el mismo tema de Schubert, que fue escrita por un amigo

cercano de Schumann, Ludwig Schuncke. Schumann sintió que el tratamiento heroico de Schuncke constituía

un reflejo inadecuado de la naturaleza tierna de la pieza de Schubert, por lo que se

dispuso a abordar tales variaciones de una manera más íntima. Trabajó en las

variaciones en 1833 y 1834. La obra no llegó a ser terminada y Schuncke

murió en diciembre de 1834. Sin embargo, Schumann reutilizó la

introducción de 24 compases para la apertura de Carnaval. Desde

entonces el pianista alemán Andreas Boyde ha reconstruido

la serie original de Variaciones partiendo del manuscrito

de Schumann.2 El pianista rumano Herbert Schuch ha

grabado esta reconstrucción, con sus propios arreglos

editoriales, para el sello Oehms Classics.3 Schumann

dedicó la obra al violinista Karol Lipiński..

El subtítulo de la obra es Scènes mignonnes sur quatre

notes que en francés quiere decir Escenas bonitas

con cuatro notas. Las cuatro notas constituían

para Schumann un mensaje codificado y predijo

que «descifrar mi obra enmascarada será un juego

real para ti».6 Las 22 piezas están conectadas

entre sí a través de un motivo recurrente. En cada

sección del Carnaval aparecen varias de esas notas

formando los siguientes criptogramas musicales:1

la-mi bemol-do-si, que en notación alemana es A-S-

C-H;

la bemol-do-si, que en notación alemana es As-C-H;

mi bemol-do-si-la, que en notación alemana es S-C-H-A.

La primera combinación A-S-C-H en alemán hace referencia

a la ciudad Asch (actualmente conocida como Aš en República

Checa) en la que había nacido su prometida entonces, Ernestine

von Fricken. La secuencia de letras también aparece en la palabra

alemana «Fasching», que significa carnaval. «Asch» también quiere decir

“cenizas” en alemán, queriendo hacer una alusión al miércoles de ceniza («Aschermittwoch»),

que es el primer día de la cuaresma. Asimismo, aparece codificada

una parte del nombre del propio compositor, Robert Alexander Schumann. La combinación S-C-H-A representa

el jeroglífico del nombre del compositor en este orden Schumann.

Esta obra tiene su origen en un conjunto de Variaciones sobre Sehnsuchtswalzer de Franz Schubert, cuya música

Schumann había descubierto en 1827. El catalizador para la escritura de las variaciones puede haber sido una obra

para piano y orquesta en forma de variaciones sobre el mismo tema de Schubert, que fue escrita por un amigo

cercano de Schumann, Ludwig Schuncke. Schumann sintió que el tratamiento heroico de Schuncke constituía un

reflejo inadecuado de la naturaleza tierna de la pieza de Schubert, por lo que se dispuso a abordar tales variaciones

de una manera más íntima. Trabajó en las variaciones en 1833 y 1834. La obra no llegó a ser terminada y Schuncke

murió en diciembre de 1834. Sin embargo, Schumann reutilizó la introducción de 24 compases para la apertura de

Carnaval. Desde entonces el pianista alemán Andreas Boyde ha reconstruido la serie original de Variaciones partiendo

del manuscrito de Schumann.2 El pianista rumano Herbert Schuch ha grabado esta reconstrucción, con sus

propios arreglos editoriales, para el sello Oehms Classics.3 Schumann dedicó la obra al violinista Karol Lipiński..

El subtítulo de la obra es Scènes mignonnes sur quatre notes que en francés quiere decir Escenas bonitas con cuatro

notas. Las cuatro notas constituían para Schumann un mensaje codificado y predijo que «descifrar mi obra

enmascarada será un juego real para ti».6 Las 22 piezas están conectadas entre sí a través de un motivo recurrente.

En cada sección del Carnaval aparecen varias de esas notas formando los siguientes criptogramas musicales:1

la-mi bemol-do-si, que en notación alemana es A-S-C-H;

la bemol-do-si, que en notación alemana es As-C-H;

mi bemol-do-si-la, que en notación alemana es S-C-H-A.

La primera combinación A-S-C-H en alemán hace referencia a la ciudad Asch (actualmente conocida como Aš

en República Checa) en la que había nacido su prometida entonces, Ernestine von Fricken. La secuencia de letras

también aparece en la palabra alemana «Fasching», que significa carnaval. «Asch» también quiere decir “cenizas”

en alemán, queriendo hacer una alusión al miércoles de ceniza («Aschermittwoch»), que es el primer día de la cuaresma.

Asimismo, aparece codificada una parte del nombre del propio compositor, Robert Alexander Schumann.

La combinación S-C-H-A representa el jeroglífico del nombre del compositor en este orden Schumann.

Tonalidad

Son las alteraciones

que tienen las notas,

en este caso son bemoles

su forma es

similar a la letra “b”

indica que la nota se le

resta medio tono.

Pág.

La crítica

al formalismo

El método fromalista

alcanza su máxima

sí misma, cuyo modelo

de investigación profundidad, forma

rico, superficie contra

formulación con la

publicación del libro:

se basa en el análisis cerrada contra forma

“Principios fundamentales

del arte”. En

visual de las obras. abierta, pluralidad

Para ello se crean categorías

descriptivas diferencían el barroco

contra unidad) que

el se formula una historia

de las formas en

1915 (de lo lineal a lo pictó- del renacimiento.

1924

El redescubrimiento

del contenido:

La obra y la

biblioteca de Aby

Warburg

Aby Warburg realiza

el álbum”Mnmosyne”

este consiste en un

gran atlas de imágenes

que Warburg colecciona

en los últimos años

de su vida. Para ello

emplea la técnica del

collage, combina fotografías

de obras artísticas

con otras escenas

y sucesos de la vida

cotidiana.

Pág.


Escultura

Reloj Astronómico de Praga

El reloj astronómico de Praga, el más antiguo de su estilo en Europa, el 9 de octubre

cumplirá 607 años. Es un «reloj de la vida», ubicado en la torre del ayuntamiento

de la Ciudad Vieja, el reloj, considerado un pródigo de la época

medieval, se cree fue construido por el relojero Nicolás de Kadan,

con ayuda del profesor de matemáticas y astronomía, Jan Šindel.

Antes de realizar el análisis no está demás saber acerca de la

leyenda que rodea esta obra. ¿Por qué someter este reloj al

análisis? Es porque aparte de contar con una leyenda interesante,

el reloj posee una colección de esculturas que

esconden un significado.

Un poco de historia...

“Un día, un maestro relojero llamado Hanus se presentó

a las autoridades del ayuntamiento proponiendo

sus talentos para la construcción de un reloj

monumental, que al tiempo de adornar el frente

del edificio haría de Praga una ciudad única, puesto

que sería el más bello de Europa. Aceptando su

propuesta, el relojero se puso a trabajar. Así, durante

un tiempo se lo vio calcular y dibujar, y más tarde

contrató un aprendiz que lo ayudó en la concreción

de la obra.

El día de la inauguración, una multitud estupefacta contempló

aquel bello mecanismo, como nunca habían visto en

toda su vida, mientras Hanus, orgulloso y feliz, intentaba explicarles

(en vano, claro) el sentido de toda esa extraña maquinaria.

Sin duda, pensaban todos, no hay en el mundo nada igual

y Praga será aún más reconocida como la más gloriosa de todas las

ciudades.

Pero tiempo después, alguien vio al maestro nuevamente dibujando entusiasmado en

su taller y se extendió la noticia de que quizás estaba preparando una obra aún más espectacular en el extranjero,

tentado acaso por una importante oferta monetaria. Las autoridades se inquietaron, celosas de que Hanus repitiera

en otro país la pequeña maravilla praguense.

La solución no se hizo esperar y fue muy drástica.

Aprovechando la quietud de una noche muy oscura,

tres personas entraron a su taller, donde

se encontraba aún trabajando a la luz de las

velas y el calor de la chimenea. Tomándolo

por sorpresa, el maestro no pudo reaccionar,

y sin ninguna piedad lo arrastraron hasta el

fuego y le quemaron los ojos con un hierro

caliente.

Pasó el tiempo.Hanus se había enfermado

y poco a poco se deterioraba físicamente, al

tiempo que sus libros y planos se cubrían de

polvo... pero la gente acudía como siempre para

ver su pequeña maravilla en el ayuntamiento.

Un día alguien llegó a conocer la verdad y no tardó

en hacérselo saber a Hanus. Dolido por tanta maldad

e ingratitud, tomó una triste resolución y se hizo llevar

por su aprendiz hasta la torre. Una vez allí, reunió todas

las fuerzas que le quedaban y metió su mano derecha en el

mecanismo para destruirlo. En ese mismo momento, la Muerte

tiró de la cuerda, los engranajes sonaron horriblemente y todo se detuvo;

también la vida de Hanus, que cayó muerto en ese mismo momento.

Se dijo que una maldición recaería sobre todo aquel que intentara reparar el reloj, volviéndolo loco o directamente

provocándole la muerte. Más allá de la leyenda, lo cierto es que muchos, muchos años pasarían antes de alguien

lograra reparar el complicado mecanismo del reloj de Hanus....”

Bastante extraño para ser un reloj, su función original no era solamente dar la hora sino indicar también tiempos

astronómicos. Por eso, a primera vista cuesta un poco saber cuál es la hora actual y comprender qué representan

las marcas y dibujos en los cuadrantes, a continuación se desglosará el significado que ha detrás de cada escultura.

El cuadrante astronómico

tiene forma de

astrolabio, instrumento

usado en la astronomía

medieval y en

la navegación hasta

la invención del sextante.

Tiene pintado

sobre ella representaciones

de la Tierra y

del cielo, así como de

los elementos que lo

rodean, especialmente

por cuatro componentes

principales: el anillo

zodiacal, el anillo

de rotación, el icono

que representa al sol y

el icono que representa

a la luna.

El fondo representa a

la Tierra y la visión local

del cielo. El círculo

azul del centro representa

nuestro planeta

y el azul más oscuro la

visión del cielo desde

el horizonte. Además,

la distancia entre el

Sol y el centro de la esfera

muestra el tiempo

entre el anochecer y el

amanecer.

Pág.

¿Sabías que...

Warburg ideó un

original sistema de

disposicón bibliotecaria

que el mismo

definía como “ley

de la buena vecindad”.

Ésta consistía

en ordenar los

libros de modo que

cada uno de ellos

contuviese información

suficiente

para ayudar a

comprender el

contenido del

anterior?

Warburg estaba

muy sensibilizado

a la idea de que el

artista o el comitente

“elegía imágenes”

y que estas

revelaban la psicología

del periodo

en el que vivía, de

manera que para

él las obras eran

documentos que

podían contarnos

muchas cosas sobre

la psicología

humana en todos

sus aspectos contradictorios.

Pág.


Gallo

En la parte superior

del reloj se encuentra

una escultura de un

gallo que representa la

vida.

Hombre con espejo

Al otro lado del reloj

astronómico de Praga

está el hombre vanidoso

como símbolo de

la vanidad de la humanidad.

Es por eso que

a la escultura se le ha

agregado un espejo.

Espejo

Ángel

El sol dorado se mueve

alrededor del círculo

zodiacal, describiendo

una elipse. El sol se

junta con el brazo que

tiene la mano dorada,

y juntos nos muestran

el tiempo de tres formas

diferentes:

La posición de la

mano de oro sobre los

números romanos indican

la hora local de

Praga.

La posición del sol sobre

las líneas doradas

indican las horas en

formato de horas desiguales.

La posición de la

mano dorada sobre el

anillo exterior indican

las horas después del

amanecer según el antiguo

horario checo.

El hombre con bolsa,

es un comerciante judío

con bolsa y representa

la avaricia.

El cronista es representado

con un libro.

Hace referencia a lo

divino.

Hombre con bolsa

Hombre con libro

Libro

Ángel

A un lado del cronista,

es representado el astrónomo,

es un hombre

de turbante sosteniendo

un telescopio.

La escultura es la representación

de un

príncipe turco con su

mandolina que significa

la lujuria.

Cada hora entre las 9 de la mañana y las nueve de la noche las figuras se ponen en movimiento. El vanidoso se

mira en el espejo, el avariento mueve su bolsa, el esqueleto blande su guadaña y tira de una cuerda, el lujurioso

mueve la cabeza para mostrar que acecha siempre. Las dos ventanas se abren y empieza “El Paseo de los apóstoles”.

Los doce apóstoles desfilan lentamente asomándose a la ventana precedidos por San Pedro, gracias a un

mecanismo circular en el interior sobre el que están ubicados seis a cada lado.

Hombre

Mandolina

El esqueleto que sostiene

un reloj de arena

simboliza la muerte y

el tiempo que tenemos

de vida.

Las figuras animadas,

que incluyen los doce

apóstoles; y el calendario

circular, con

medallones representan

los meses del año.

Esqueleto

Apóstoles

Vista frontal

Círculo azul

Las áreas rojas y negras

indican las partes

del cielo que se

encuentran sobre el

horizonte. Durante el

día el sol se sitúa en la

zona azul del fondo,

mientras que por la

noche pasa a situarse

en la zona oscura.

Desde que amanece

hasta que anochece, la

mecánica del sol hace

que esté siempre posicionado

sobre la zona

roja.

Reloj de arena

Símbolo de medición

total de la vida.

Pág.

El trabajo de Warburg

que ha tenido

mayor impacto es

el que presentó en

1912 en el Congreso

Internacional de

Historia del arte,

celebrado en Roma.

En esa conferencia

nació la iconología.

Para ofrecer

una buena lectura

iconográfica de

los frescos ferrareses

del siglo XV,

Warburg tuvo que

estudiar la tradición

ilustrativa

astrológica de la

edad media, en la

que vio un ejemplo

sorprendente de

la transmisión de

conceptos y motivos

clásicos por medio

de imágenes y su

relación con determinados

contextos

culturales.

En 1921 Panofsky

trabaja junto con

Warburg lo que produciría

una obra

tan sólida y definitoria

de los métodos

de la investigación

iconográfica como

la titulada: “Classical

Mithology in

Mediavel Art”

Pág.


Pintura

Krik Scream de Miha

En este caso se trata de Krik/Scream, un cartel contra la guerra creado por los diseñadores

es lovenos Miha Arnak y Ziga Aljaz, que fue votado como el mejor artista

revelación de Magdalena International Festival of Creative Communication

de 2004 .

¿Qué es “International Festival of Creative Communication”?

Es un festival con el objetivo principal de promover la autoría

y la creatividad a través de la educación y la recompensa,

especialmente en el campo del arte y el diseño dentro

de la industria del entretenimiento y la publicidad.

IFCC surgió de la necesidad percibida de ampliar y

aumentar el contenido educativo involucrado con

los Premios del Día del Juicio Final que concluirá

el festival.

Los invitados del festival se integran generalmente

de estos tres grupos - altavoces, reclutadores y

asistentes.

Conferencias, demostraciones, fiestas, talleres, sesiones

de reclutamiento y exposiciones son ingredientes

estándar del programa de IFCC. A los asistentes

les encanta debido a la valiosa información

que reciben directamente de algunos de los mejores

creativos del planeta. Los oradores, los reclutadores y los

asistentes se reúnen a través de todos los días y noches del

festival. Es una práctica habitual durante cada evento de la

IFCC.

¿Pero qué íconos componen esta obra?

Esta obra es una adaptación

de la pintura “el

grito”, en este caso se

reemplaza los ojos y

nariz por la silueta de

un avión.

La boca se transforma

en una bomba lanzada.

Fuego

El cielo en llamas de

color rojo sangre del

cuadro se ha convertidoen

el cuerpo en llamas

de este diseño en

contra de la guerra.

Ya vimos qué íconos componen el cartel de

“Krik Scream” y cómo redujeron el mensaje

a sólo tres componentes principales, a continuación

también exploraremos el significado

que hay detrás de la obra que se usó como

referente: el cuadro de “El grito desesperado”

de Edvard Munch, como se puede apreciar en

la siguiente imagen.

Cielo

Paisaje

En el cuadro prevalecen

los colores cálidos

de fondo. En el cielo

fluido y arremonilado

predominan los tonos

naranjas

El sendero y el paisaje,

por su lado parecen

ser iluminados por

una luz semioscura,

los colores cálidos y

los tonos fríos buscan

expresar un sentimiento

de angustia y

desesperación.

Protagonista

Refleja el gesto de tribulación

y espanto.

donde se rereconocer

la angustia existencial

del hombre moderno

en la transición del

siglo XIX, de grandes

avances tecnológicos,

al siglo XX; su sentimiento

de soledad y

desaliento, su desesperación.

Asimismo,

se ha solido ver en este

cuadro la condición

del artista como hombre

profundamente

atormentado.

También hay quien considera que el grito de la obra es el grito de la naturaleza, que se encuentra personificado en

la figura principal. Otros, por su parte, piensan que, independientemente de lo demás, el mayor logro de esta obra

es que logró retratar un sonido. Uno de los más viejos debates en torno a este cuadro es si la figura grita u oye un

grito.

Referente Avión Bomba

Pág.

La filosofía de las

formas simbólicas:

Ernst Cassirer

1929

Ernst Cassirer afirma

en su obra: “La filosofía

de las formas simbólicas.

I. El lenguaje.

II. El pensamiento

mítico. III Fenomenología

del conoci-

miento” que la mente

determina y modela

nuestra concepción de

la realidad. Cassirer es

por ello que estudia:

el lenguaje, el arte, el

mito, la religión, las

ciencias, la historia ya

que el hombre constituye

así su lenguaje

formal-simbólico

a través del cual el

hombre desentraña el

significado e intenta

imponer un orden al

caos de la experiencia,

esto le permite a Cassirer

de sentrañar el

proceso creativo de la

humanidad.

Los tres niveles de

significación del

arte

Las obras que hemos

visto a lo largo de esta

línea del tiempo han

contribuido al desarrollo

de las obras

que Erwin Panofsky

presentaría en la etapa

americana de Panofsky

mismas que se

explicarán a continuación.

Pág.


Pintura

Mona Lisa

Un poco de historia...

En el arte occidental, se puede decir que no hay ninguna obra más famosa

que La Gioconda o La Mona Lisa, nombres con que es titulado el

retrato de Mona Lisa Gherardini (Mona es una abreviatura del

italiano Madonna, señora) pintada al óleo entre los años

1503 y 1506 por el artista multifacético italiano Leonardo

da Vinci (Vinci, Italia, 1452-Amboise, Francia,

1519). ¿Pero por qué es tan famosa? Aquí uno de

los puntos que respaldan dicha afirmació:

1.-El realismo extremo de Leonardo da Vinci

al usar métodos matemáticos para medir las

proporciones humanas.

2.-La técnica única del sfumato que también

transmite un realismo muy avanzado

para la época.

Brazos

Ojos

hay símbolos”, explica.

Vinceti mantiene

que en ese ojo se disciernen

las letras “B”

o “S” o posiblemente

las iniciales “CE”, Ésta

ha sido identificada

a menudo como Lisa

Gherardini, la esposa

de un mercader florentino.

Su brazo izquierdo está

cómodamente apoyado

en el brazo del sillón

y está cruzado por

el brazo derecho. La

posición de los brazos

junto con el brazo del

sillón transmiten una

distancia entre ella y el

espectador.

Leonardo da Vinci

esconde en su pupila

izquierda la clave de

la identidad de la modelo,

En el ojo derecho

aparecen las letras

LV, que podrían ser

las iniciales de Leonardo

Da Vinci, y en

el izquierdo también

“Detrás del cuadro

aparecen los números

‘149’, con un cuarto

número medio borrado,

lo que sugiere

que Da Vinci lo pintó

cuando estaba en

Milán en la década de

1490.

Postura

La

postura

de mona Lisa representa

serenidad y,

junto con la mirada de

soslayo, pero directa

hacia el espectador,

muestra el dominio

de los sentimientos.

3.-La revolución que generó en las dimensiones

y en las formas de retratar,

considerada la base de todos los retratos

occidentales.

4.-Por ser pintada por el ya reconocido Leonardo

da Vinci.

Ahora, detrás de la composición de la mona lisa

hay una serie de íconos que revelan un significado

más allá de un simple retrato.

Velo

Está cubierta por un

velo que simboliza la

castidad, frecuente en

los retratos de esposa.

Para saber más...

Recordemos que en

el arte renacentista

era común ver a las

figuras humanas con

proporciones “regordetas”,

existen versiones

que sostienen

que si se examina con

atención la imagen de

la Gioconda , hay detalles

que respaldan la

teoría que la gioconda

estaba embarazada y

es donde sobresaldrán

los aspectos como: La

cara algo abotargada ,

edematosa , especialmenrte

en reguiones

temporales y párpados

superiores , las manos

también están edematosas,

hinchadas ,

cruzadas y como protegiendo

su regazo.

Sobre la boca de la Mona Lisa, J.E. Borkowski

comenta que el rictus bucal es como el de las

personas que han perdido sus incisivos o que

padecen bruxismo, un hábito que lleva a rechinar

los dientes por estrés o durante el sueño ,

especialmente en niños que padecen parasitosis

intestinal.

Según la publicación británica New Scientist y

en base a los estudios de la Universidad de Amsterdam

la sonrisa de la Mona Lisa está compuesta

de las siguientes emociones:

* 83% se debe a la felicidad

* 9% es sentimiento de disgusto

* 6% de miedo

* 2% de enojo.

Otros detalles que han sido sujetos a análisis

es el borde izquierdo de la pintura se ve la base

de una columna insinuando que la mujer está

sentada en una galería. Se dice que esto fue otro

truco de Leonardo para enmarcar al personaje

principal.

El paisaje en segundo

plano está pintado

con una perspectiva

aérea. El azul humoso

y la perspectiva poco

clara y difusa da a la

composición una mayor

profundidad y surrealismo.

El paisaje

de fondo muestra un

cierto desequilibrio,

ya que crea la ilusión

de un paisaje que se

divide en dos. El paisaje

rocoso de la parte

de arriba sería el mundo

real y el paisaje de

las tierras planas de la

parte de abajo sería el

mundo surreal, que,

juntos, crean la ilusión

de otro mundo.

Respecto a la técnica

utilizada Leonardo da

Vinci usó la técnica del

sfumato en Mona Lisa.

Sfumato consiste en

diluir el óleo e ir aplicándolo

en capas muy

finas, difuminando las

líneas, suavizando los

contornos y creando

un ilusionismo atmosférico,

es decir, Leonardo

usa la técnica

del sfumato para mostrar

cómo la luz rebota

de las superficies

curvas, especialmente

de la piel, dejándola

lisa, suave y real. Esta

característica sería el

punto que llamaría

más la atención en su

época, convirtiéndola

en la pintura más

deseada y famosa del

mundo.

Pág.

gía, la distinción entre

forma, idea y contenido,

el carácter humanista

que deber asumir

la Historia del arte.

Estudios sobre la iconología,

esta obra el

autor expone las ideas

generales que sirvieron

de marco a sus trabajos:

la diferencia entre

iconografía e iconolo-

1935 1951

Arquitectura gótica tectura gótica (especialmente

del periodo

y pensamiento escolástico,

en este libro clásico y tardío) y la

Panofsky se propone escolástica, es decir el

probar los paralelismos

cronológicos y la y dialéctica de la época.

pensamiento filosófico

relación entre la arqui- 1953

Los primitivos flamencos

donde Panofsky

expresa el nacimiento

de la pintura flamenca

durante los siglos XIV

y XV.

Pág.


Danza

Bharatanatmayan

Un poco de historia...

Hace aproximadamente 2500 años fue creado el Bharatanatyam, considerado como

uno de los estilos de danza clásica más antiguo de la India.

Es una danza profundamente mística porque nace dentro de la filosofía

y religión hindú, convirtiéndose en una bella disciplina que

requiere de un arduo trabajo corporal y mental. El Bharatanatyam

incluye cuatro actividades: expresión, música, ritmo,

danza; que son bellamente reunidas por quienes bailan.

El Bharatanatyam como vimos en párrafos previos es

una de las 8 formas de danza más antigua de India,

surgida en los templos y las cortes, destinado a agradar

y venerar a los dioses. Teniendo en cuenta que,

imaginativamente, el escenario de esta danza está

situado en el cielo y su público son los dioses, las

vestimentas que se utilizan, los movimientos que

se emplean y los temas que se desarrollan están estrictamente

relacionados con la representación de

historias sagradas y épicas. Muchas de las antiguas

esculturas en los templos Hindúes son basadas en

posturas de la danza Bharatanatyam. Ella se origina

y se concentra en los templos Hindúes, con lo cual

apunta a mantener una identidad espiritual relacionada

con lo eterno.

Pero que significa Bharatanatyam?

1.- “Bha”: significa Bhava, que es expresión.

2.-“ra”: significa Raga, que es melodía.

3.-“ta”: significa Tala, que es ritmo.

y Natyam consiste en 3 niveles:

1.-Nritta: movimiento rítmicos y corporales

2.-Nritya: movimientos con Abhinaya que significa

emoción.

3.- Natya: danza dramática.

El Bharatanatyam, es un estilo de baile dinámico

y terrenal. Este es, en efecto, una

tradición que exige del ejecutante una total

dedicación, separación de las ataduras

del mundo y una sublimación de él mismo

al arte. Bharatanatyam es un nombre relativamente

nuevo. Anteriormente se conocía

como Sadir, Dasi attam y Thanjavur Natyam.

La forma contemporánea del Bharatanatyam se

desarrolló a finales del siglo XVIII y principios

del siglo XIX. El Sadir, que fuera hasta entonces el

dominio de las devadasis (chicas que eran dedicadas

a los dioses), alcanzó su nadir durante 1910 – 1930 con

la degeneración de las convenciones sociales. El Bharatanatyam

se compone de tres elementos:

1.- Bhana, la emoción.

2.-Raga, la melodía y el espíritu de la música.

3.-Tala, el ritmo.

Manos en Bharatanatyam...

Para la danza hindú se usan mudras que son gestos sagrados hechos con las manos y que tienen su propio nombre

y significado. Es así como en cada tipo de danza se usan varios tipos de mudras que acompañan cada paso y que

por lo general también son acompañados con la mirada o una expresión específica de la cara y es aquí donde comienza

el análisis iconológico, donde detrás de cada movimiento hay un significado.

Alapadman

Como se puede observar

en la imagen

las bailarinas están

ejecutando el mundra:

“Alapdman” (alapadma)

los más usados en

el baile. Significa Flor

de Loto. Se usa para

representar torneado,

pecho, anhelo del

amado, luna llena, un

barco hermoso, pueblo,

altura, ira, lago,

coche, pájaro y alabanza.

Ardhapathakam

(ardapataka) Significa

Media Bandera. Se usa

para representar lugar

para escribir, brotes

tiernos, orilla de un

río, daga, cuchillo, torre,

cuerno y para decir

ambos entre otros.

Kartarimukham

(kartarimuka) Significa

Tijeras. Se usa para

representar la separación

de n hombre y

una mujer, robo, el rabillo

del ojo, desacuerdo,

rayos, dormir solo,

caída y enredadera entre

otros.

Pág.

1955

El significado de las

artes visuales, Panofsky

en esta obra restaura

los nexos que unen

a la obra de arte a su

entorno.

Para saber más... El

método iconológico

formulado por Panofsky

propone tres

categorías o niveles

de significado en la

imagen visual que

son las siguientes:

1.- Nivel preiconográfico:

Es el reconocimiento

de

la obra en su sentido

más elemental,

interpretación

primaria o natural

de lo que se ve.

2.- Nivel iconográfico:

Se aborda

el significado

secundario de la

obra.

3.- Nivel iconológico

o iconografía

en sentido

profundo: Busca

el significado in-

Pág.


Kapitham

(kapita) Significa

Trompa de Elefante. Se

usa para representar a

Lakshmi y Sarasvati,

también para representar

colirio, sostener

platillos, ordeñar una

vaca, agarrar el extremo

de la túnica, velo

en la cabeza, ofrecer

incienso y luces entre

otros.

Sandamsha

(sandamsha) Significa

Tenazas y realmente

es un movimiento

en el cual primero se

cierra la mano y luego

se abre. Se usa para

representar generosidad,

ofrendas en sacrificio,

tumor, insecto,

adoración y el número

cinco.

Padmakosam

(padmakosha) Significa

Capullo de Loto. Se

usa para representar

frutas, como la manzana

de madera y Bel

(Bel es un nativo de la

India, se ha considerado

como una hierba

medicinal, es de forma

redonda y se asemeja

a una manzana de madera.

Tiene un sabor

dulce y contiene muchas

semillas) comida

ligera, brote, mango,

lluvia de flores, ramo

de flores, la forma de

una campana, el agujero

de una serpiente y

huevo.

Sarpasirsham

(sarpashirsha) Significa

Cabeza de Cobra.

Se usa para representar

la pasta de sándalo,

serpiente, lentitud,

acariciar, dar agua a

los Dioses o los sabios,

el aleteo de las orejas

del elefante y el masaje

de los luchadores entre

otros.

Pathaka

(pataka)Significa:

Bandera. Se usa para

iniciar una danza, representar

nubes, vegetación,

cosas prohibidas,

río, el mundo de

los Dioses, caballos,

viento, luz de luna, ondas,

silencio, un buen

rey, palmada, el mar, la

forma de una espada,

época de lluvias y día

entre otros

Tirupathakam

(tripataka)Significa

Tres partes de una

Bandera. Se usa para

representar cuervos,

árbol, luz, llamas creciendo,

patrones dibujados

en la cara o

el cuerpo, flecha y la

únión del hombre y la

mujer entre otros.

Mayura

(mayura)Significa

Pavo Real. Se realiza,

juntando el dedo

anular con el pulgar,

en forma angulosa. El

resto de dedos permanecen

juntos y estirados

Se usa para representar

un pájaro que

deja algún presagio,

también puede significar

frente, acariciar el

pelo, cejas, secarse las

lágrimas y reconocer

entre otros.

Ardhachandran

(ardachandra) Significa

Media Luna. Se

usa para representar

una mano tomando

una garganta, lanza,

consagración de una

imagen, plato, orígen,

ansiedad, meditación,

oración y para saludar

a la gente común entre

otros.

Hamsasye

Mrigasirsham

(hamsasia)Significa

Pico de Cisne. Se usa

para representar atar

el hilo en el matrimonio,

iniciación,certeza,

pintura, tábano, gota

de agua, aumentar la

mecha de una lámpara,

examinar las cosas,

llevar girnaldas, decir:

(mrigasirsa) Significa

Cabeza de Ciervo. Se

usa para representar

mujer, las costumbres

tradicionales, mejillas,

miedo, discusión,

lugar de residencia,

dibujar tres lineas en

la frente, masaje de

los pies, casa, sostener

ese soy yo, la metáfora

de decir no y la realización

de una tarea

entre otros.

un paraguas, escalera

y llamar a la persona

amada.

Hansapakshika

Aralam

(hansapaksika) Significa

Ala de Cisne. Se

usa para representar el

número seis, la construcción

de un puente,

hacer marcas a las

uñas y la organización

de algo.

Posición pataka, con

el índice curvado. Significa

Dobaldo. Se usa

para representar cuando

se bebe un veneno,

un néctar o algo ácido

y fuerte.viento violento.

Kangulam

Chaturam

(kangula) el dedo

anular en doblado

mientras que los otros

dedos se extienden.

Significa Cola. Se usa

para representar el

pecho de una chica

joven, lirio de agua

blanco, perdiz, campana

y píldoras. También

(catura) Significa Perfume.

Se usa para representar

almizcle, un

poco de oro, ojos, diferencia

entre castas,

juramento, juguetón,

paso lento, asiento, y

aceite. Para indicar

menor cantidad también:

puede representar:

1.- La fruta de Lakuca

2.-Campanas usadas

por los niños

3.-Árbol de nuez de

betel

4.-Coco

5.-Pájaro de Caataka.

(Alondra)

Cobre

Hierro

Humedad

Dolor

Placeres estéticos

Ojos

Prueba

Dulzura

Marcha más lenta

Rompiendo en pedazos

Cara

Alapadman

Bhramara

(alapadma) Otro de

los mudras más usados

en el baile. Significa

Flor de Loto. Se

usa para representar

torneado, pecho, anhelo

del amado, luna

llena, un barco hermoso,

pueblo, altura,

ira, lago, coche, pájaro

y alabanza.

(bramara) Signifca

Abeja. Se usa para representar

loro, grúa y

unión.

Suchi

(suchi) Significa Aguja.

Con el índice levantadoSe

usa para

representar cien, sol,

ciudad, mundo, preguntar

porqué, ventilador,

barra, cuerpo,

trenza de pelo, paraguas,

abajo, tocar el

tambor, girar la rueda

del alfarero, rueda,

circulo, explicación,

varilla, el cuerpo, la

sorprela, consideración

y el ocaso.

Chandrakala

(chandrakala) Significa

Dedo de la Luna y

se usa para indicar la

luna creciente.

Shikara

(shikara) Significa

Punta. Se usa para representar

al Dios del

Amor, silencio, esposo,

cuestionar, cuando

el cuerpo dice no,

recuerdo, sugerencia,

abrazo, amante, dejar

volar, el sonido de

una campana, golpear

un arco, pilar, certeza,

ofrenda, el labio superior,

introducir una

cosa en otra, un diente,

el acto de preguntar,

el símbolo fálico y

abrazo.

Mushti

(musti)Se forma al colocar

el pulgar dentro

al cerrar la mano, significa

puño, fortaleza.

Se usa para representar

firmeza, la celebración

de algo, agarrar

el cabello y una lucha

entre otros.

Pág.

consciente que se

esconde detrás de

la intención del

autor.

Otro punto que

cabe mencionar

es que con la lectura

iconográfica

e iconológica, la

historia del arte se

convierte en una

decodificación de

símbolos, Panofsky

distingue muy

acertadamente en

dos tipos de símbolos:

Ordinarios y

cassiarianos.

1.-Símbolos ordinarios:

Pueden ser

descifradas a la luz

del aprendizaje de

una tradición visual

y textual.

2.- Símbolos cassirianos:

Condiciones

psicológicas,

sociales, culturales,

políticas, espirituales

y filosóficas

que actúan de

forma inconsciente

en el artista.

Pág.


Simhamukham

Katakamukham

Trishula

Las manos como vimos

juegan un papel

importante en

la danza hindú, los

“mudras” vistos anteriormente

son sólo

una parte de este

(simhamuka) Se forma

con las puntas de

los dedos mayor y

anular aplicados sobre

el pulgar, los otros dedos

extendidos. Significa

Cara de León. Se

usa para representar

coral, perla, fragancia,

acariciar el pelo,

gota de agua, cuando

se pone en el corazón

significa salvación, liebre,

elefante, girnalda

de loto y probar la preparación

de una medicina.

(katakamuka)Se forma

con el índice y el

mayor colocados sobre

el pulgar. Uno de

los mudras más usados.

Significa Abrir un

Brazalete. Se usa para

representar recoger

flores, hablar, mirar,

aplicación de esen-

(trishula) En sánscrito

‘Tri’ significa tres

y ‘Shula’ significa una

lanza. Así Trishula es

una especie de lanza

con tres puntos agudos

en lugar de uno.

Se usa para representar

madera, hoja, tres

juntos y la sagrada

trinidad de Brahma,

cias corporales, tener

un collar de perlas

o girnalda de flores,

también significa la

preparación de pasta

de sándalo para una

máscara (que es el maquillaje

del rostro para

una ceremonia)

Vishnu y Mahesh. Es

uno de los símbolos

populares del Señor

Shiva. El Señor Shiva

es llamado también

como “Trishula Dhara”,

es decir, uno que

sostiene el Trishula.

arte milenario, como te habrás dado cuenta

las manos son una pieza fundamental en la

expresión del arte hindú, es por ello que la

próxima vez que surja la oportunidad de ver

o presenciar la danza hindú, sabrás el mensaje

que hay detrás de la danza. Para finalizar

en la siguiente página encontrarás un breve

Mukula

Tamrashuda

Shukathundam

(mukula) Significa

Capullo de Flor . Se

usa para representar

el lirio de agua, el Dios

del Amor, la celebración

de una junta, ombligo

y flor de plátano.

(tamrashuda) Significa

Cabeza de Gallo. Se

usa para representar

garza, grulla, cuervo,

camello y ternero entre

otros.

(shukatunda) Significa

Cabeza de Loro. Se

usa para representar

que se dispara una flecha

o una lanza, para

misterio y ferocidad

entre otros.

esquema que explica

el significado de los

dedos de las manos,

aplicado en el yoga,

se incluye en este

análisis ya que manejan

el mismo término

de “mudras” y

también pertenece a

la cultura indú y es

bueno que también

conozcas estas aplicaciones.

Para saber más...

Dedo

anular

Representa al

elemento tierra y su

cometido es proveernos

de la fuerza necesaria para

defendernos y luchar por

lo que es nuestro.

Dedo

meñique

Representa al

elemento agua y proporciona

la posibilidad de

interactuar con otros seres

humanos. Es el que nos permite

relacionarnos correctamente

y se encarga de trabajar nuestras

emociones

Dedo

medio

Representa

al elemento éter.

Provee de la energía necesaria

para actuar y vivir

en armonía con el mundo

espiritual y vivir en

armonía con el mundo

espiritual.

Representa el

elemento aire, tiene

por objetivo proveer la

capacidad de crear y pensar.

Este dedo atrae las inspiraciones

divinas y en él radican

nuestros diferentes

estados de ánimo.

Dedo

índice

Dedo

pulgar

Representa el

elemento del fuego.

Su cometido energético

es equilibrar las energías del

cuerpo, nutre cuando debe

alimentarse y destruye cuando

debe eliminarse en él reside

nuestra conciencia

divina.

MUDRAS

Pág.

Limitaciones y

posiblidades del

método

Los principios

correctivos

Las críticas a la

iconología han

sido numerososas.

Las más generales

apuntan a decir

que el iconólogo no

se preocupa de la

calidad artística

de la obra, sino

simplemente del

contenido. Significa

que una obra

de Miguel Ángel sería

tan interesante

como un garabato

en la que se plasmase

un tema extraño.

Otras de las

acusaciones es la

afirmación de que

los iconólogos tiendan

a ver una obra

más simbolismo de

lo que realmente

quiso plasmar el

artista, de ahí que

el estudioso sepa

discernir qué nivel

psíquico determina

la imagen si el

consciente o el inconsciente.

Limitaciones de

los estudios

iconológicos

Pág.


Literatura

El gigante egoísta

El gigante egoísta es un cuento del escritor irlandés Oscar Wilde, en sus obras están

presentes la fantasía, a pesar de que este elemento lo utilice,Wilde logra transmitir

el dolor y el sufrimiento de los hombres que logran sentir sus personajes

es donde sufren un cambio radical en sus vidas. El autor también

maneja temas de decadencia moral y critica la forma de vida de la

época victoriana.

“Cada tarde, a la salida de la escuela, los niños se iban a

jugar al jardín del Gigante. Era un jardín amplio y hermoso,

con arbustos de flores y cubierto de césped verde

y suave. Por aquí y por allá, entre la hierba, se abrían

flores luminosas como estrellas, y había doce albaricoqueros

que durante la primavera se cubrían con

delicadas flores color rosa y nácar, y al llegar el

otoño se cargaban de ricos frutos aterciopelados.

Los pájaros se demoraban en el ramaje de los árboles,

y cantaban con tanta dulzura que los niños

dejaban de jugar para escuchar sus trinos. -¡Qué

felices somos aquí! -se decían unos a otros.

Pero un día el Gigante regresó. Había ido de visita

donde su amigo el Ogro de Cornish, y se había quedado

con él durante los últimos siete años. Durante

ese tiempo ya se habían dicho todo lo que se tenían

que decir, pues su conversación era limitada, y el Gigante

sintió el deseo de volver a su mansión. Al llegar, lo

primero que vio fue a los niños jugando en el jardín.

-¿Qué hacen aquí? -surgió con su voz retumbante.

Los niños escaparon corriendo en desbandada.

-Este jardín es mío. Es mi jardín propio -dijo el Gigante-; todo el mundo debe

entender eso y no dejaré que nadie se meta a jugar aquí.

Y, de inmediato, alzó una pared muy alta, y en la puerta puso un cartel que decía:

ENTRADA ESTRICTAMENTE PROHIBIDA

BAJO LAS PENAS CONSIGUIENTES

Era un Gigante egoísta…

Los pobres niños se quedaron sin tener dónde

jugar. Hicieron la prueba de ir a jugar

en la carretera, pero estaba llena de polvo,

estaba plagada de pedruscos, y no les gustó.

A menudo rondaban alrededor del muro

que ocultaba el jardín del Gigante y recordaban

nostálgicamente lo que había detrás.

-¡Qué dichosos éramos allí! -se decían unos

a otros.

Cuando la primavera volvió, toda la comarca se

pobló de pájaros y flores. Sin embargo, en el jardín

del Gigante Egoísta permanecía el invierno todavía.

Como no había niños, los pájaros no cantaban

y los árboles se olvidaron de florecer. Solo una vez una

lindísima flor se asomó entre la hierba, pero apenas vio

el cartel, se sintió tan triste por los niños que volvió a meterse

bajo tierra y volvió a quedarse dormida.

Los únicos que ahí se sentían a gusto eran la Nieve y la Escarcha.

-La primavera se olvidó de este jardín -se dijeron-, así que nos quedaremos aquí todo el resto del año.

La Nieve cubrió la tierra con su gran manto blanco y la Escarcha cubrió de plata los árboles. Y en seguida invitaron

a su triste amigo el Viento del Norte para que pasara con ellos el resto de la temporada. Y llegó el Viento del

Norte. Venía envuelto en pieles y anduvo rugiendo por el jardín durante todo el día, desganchando las plantas

y derribando las chimeneas.

-¡Qué lugar más agradable! -dijo-. Tenemos que decirle al Granizo que venga a estar con nosotros también.

Y vino el Granizo también. Todos los días se pasaba tres horas tamborileando en los tejados de la mansión, hasta

que rompió la mayor parte de las tejas. Después se ponía a dar vueltas alrededor, corriendo lo más rápido que

podía. Se vestía de gris y su aliento era como el hielo.

-No entiendo por qué la primavera se demora tanto en llegar aquí -decía el Gigante Egoísta cuando se asomaba

a la ventana y veía su jardín cubierto de gris y blanco-, espero que pronto cambie el tiempo.

Pero la primavera no llegó nunca, ni tampoco el verano. El otoño dio frutos dorados en todos los jardines, pero

Pág.

E. Gombrich

E. Gombrich

señala ciertas

limitaciones:

1.-Previene la

trampa de la interpretación

fácil

arropada con mucha

erudición.

2.- En segundo lugar,

una representación

no puede

ser separada de su

finalidad y de las

necesidades de la

sociedad que las demanda.

3.-En tercer lugar,

está la dificultad

de determinar el

significado de la

obra debido a que

su comprensión es

susceptible de variaciones

según las

épocas o las perosnas.

4.- En cuarto lugar,

se señala una vez

más el problema del

significado intencional:

el saber qué pre-

Pág.


al jardín del Gigante no le dio ninguno.

-Es un gigante demasiado egoísta -decían los frutales.

De esta manera, el jardín del Gigante quedó para siempre sumido en el invierno, y el Viento del Norte y el Granizo

y la Escarcha y la Nieve bailoteaban lúgubremente entre los árboles.

Una mañana, el Gigante estaba en la cama todavía cuando oyó que una música muy hermosa llegaba desde

afuera. Sonaba tan dulce en sus oídos, que pensó que tenía que ser el rey de los elfos que pasaba por allí. En

realidad, era solo un jilguerito que estaba cantando frente a su ventana, pero hacía tanto tiempo que el Gigante

no escuchaba cantar ni un pájaro en su jardín, que le pareció escuchar la música más bella del mundo. Entonces

el Granizo detuvo su danza, y el Viento del Norte dejó de rugir y un perfume delicioso penetró por entre las

persianas abiertas.

-¡Qué bueno! Parece que al fin llegó la primavera -dijo el Gigante, y saltó de la cama para correr a la ventana.

¿Y qué es lo que vio?

Ante sus ojos había un espectáculo maravilloso. A través de una brecha del muro habían entrado los niños, y se

habían trepado a los árboles. En cada árbol había un niño, y los árboles estaban tan felices de tenerlos nuevamente

con ellos, que se habían cubierto de flores y balanceaban suavemente sus ramas sobre sus cabecitas infantiles.

Los pájaros revoloteaban cantando alrededor de ellos, y los pequeños reían. Era realmente un espectáculo

muy bello. Solo en un rincón el invierno reinaba. Era el rincón más apartado del jardín y en él se encontraba un

niñito. Pero era tan pequeñín que no lograba alcanzar a las ramas del árbol, y el niño daba vueltas alrededor

del viejo tronco llorando amargamente. El pobre árbol estaba todavía completamente cubierto de escarcha y

nieve, y el Viento del Norte soplaba y rugía sobre él, sacudiéndole las ramas que parecían a punto de quebrarse.

-¡Sube a mí, niñito! -decía el árbol, inclinando sus ramas todo lo que podía. Pero el niño era demasiado pequeño.

El Gigante sintió que el corazón se le derretía.

-¡Cuán egoísta he sido! -exclamó-. Ahora sé por qué la primavera no quería venir hasta aquí. Subiré a ese pobre

niñito al árbol y después voy a botar el muro. Desde hoy mi jardín será para siempre un lugar de juegos para los

niños.

Estaba de veras arrepentido por lo que había hecho.

Bajó entonces la escalera, abrió cautelosamente la puerta de la casa y entró en el jardín. Pero en cuanto lo vieron

los niños se aterrorizaron, salieron a escape y el jardín quedó en invierno otra vez. Solo aquel pequeñín del

rincón más alejado no escapó, porque tenía los ojos tan llenos de lágrimas que no vio venir al Gigante. Entonces

el Gigante se le acercó por detrás, lo tomó gentilmente entre sus manos y lo subió al árbol. Y el árbol floreció de

repente, y los pájaros vinieron a cantar en sus ramas, y el niño abrazó el cuello del Gigante y lo besó. Y los otros

niños, cuando vieron que el Gigante ya no era malo, volvieron corriendo alegremente. Con ellos la primavera

regresó al jardín.

-Desde ahora el jardín será para ustedes, hijos míos -dijo el Gigante, y tomando un hacha enorme, echó abajo

el muro.

Al mediodía, cuando la gente se dirigía al mercado, todos pudieron ver al Gigante jugando con los niños en el

jardín más hermoso que habían visto jamás.

Estuvieron allí jugando todo el día, y al llegar la noche los niños fueron a despedirse del Gigante.

-Pero, ¿dónde está el más pequeñito? -preguntó el Gigante-, ¿ese niño que subí al árbol del rincón?

El Gigante lo quería más que a los otros, porque el pequeño le había dado un beso.

-No lo sabemos -respondieron los niños-, se marchó solito.

-Díganle que vuelva mañana -dijo el Gigante.

Pero los niños contestaron que no sabían dónde vivía y que nunca lo habían visto antes. Y el Gigante se quedó

muy triste.

Todas las tardes al salir de la escuela los niños iban a jugar con el Gigante. Pero al más chiquito, a ese que el

Gigante más quería, no lo volvieron a ver nunca más. El Gigante era muy bueno con todos los niños pero echaba

de menos a su primer amiguito y muy a menudo se acordaba de él.

-¡Cómo me gustaría volverlo a ver! -repetía.

Fueron pasando los años, y el Gigante se puso viejo y sus fuerzas se debilitaron. Ya no podía jugar; pero, sentado

en un enorme sillón, miraba jugar a los niños y admiraba su jardín.

-Tengo muchas flores hermosas -se decía-, pero los niños son las flores más hermosas de todas.

Una mañana de invierno, miró por la ventana mientras se vestía. Ya no odiaba el invierno pues sabía que el

invierno era simplemente la primavera dormida, y que las flores estaban descansando.

Sin embargo, de pronto se restregó los ojos, maravillado, y miró, miró…

Era realmente maravilloso lo que estaba viendo. En el rincón más lejano del jardín había un árbol cubierto por

completo de flores blancas. Todas sus ramas eran doradas, y de ellas colgaban frutos de plata. Debajo del árbol

estaba parado el pequeñito a quien tanto había echado de menos.

Lleno de alegría el Gigante bajó corriendo las escaleras y entró en el jardín. Pero cuando llegó junto al niño su

rostro enrojeció de ira y dijo:

-¿Quién se ha atrevido a hacerte daño?

Porque en la palma de las manos del niño había huellas de clavos, y también había huellas de clavos en sus pies.

Pág.

pretendió el autor

que significase.

A pesar de que E.

Gombrich critica

fuertemente al

método iconológico

ofrece pautas o

principios correctivos

que deberían

ser seguidos por

todo investigador

al enfrentarse a un

estudio interpretativo.

1.- La primacía de

los géneros: Para

todo análisis interpretativo

es necesario

tener muy

claros los límites

entre iconografía

e iconología. La

iconografía consiste

en relacionar

textos e imágenes,

por el contrario la

iconología es muy

especulativa ya que

intenta la reconstrucción

de un programa

más que la

identificación de

un texto en concreto.

Pág.


-¿Pero, quién se atrevió a herirte? -gritó el Gigante-. Dímelo, para tomar la espada y matarlo.

-¡No! -respondió el niño-. Estas son las heridas del Amor.

-¿Quién eres tú, mi pequeño niñito? -preguntó el Gigante, y un extraño temor lo invadió, y cayó de rodillas ante

el pequeño.

Entonces el niño sonrió al Gigante, y le dijo:

-Una vez tú me dejaste jugar en tu jardín; hoy jugarás conmigo en el jardín mío, que es el Paraíso.

Y cuando los niños llegaron esa tarde encontraron al Gigante muerto debajo del árbol. Parecía dormir, y estaba

entero cubierto de flores blancas.”

FIN

En esta página se ha incluido la novela de “El retrato

de Dorian Grey” también obra de Oscar Wilde

que si bien no forma parte de este análisis, es

interesante todo lo que se descubre cuando se

ve al arte a través del método iconológico.

Recordemos que el retrato de Dorian Grey

relata la historia de un joven que cegado

por su narcisismo y vanidad al contemplar

su retrato decide vender su alma a cambio

de la eterna juevntud, deseo que se cumple

y lo llevará a realizar actos de perversión y

libertinaje, a lo largo de la novela describen

cómo cada acto perverso afecta a su alma

viéndose reflejado en el deterioro del cuadro

¿Cómo?

Ahora, si nos acercamos más a la obra nos damos cuenta que Oscar Wilde presenta a un personaje que huye de la

compañía de los demás y su resistencia a compartir lo que es de su propiedad, postura que se ve más clara cuando

se da cuenta al regresar de su viaje, encuentra a unos niños jugando en su jardín, para evitar que no ocurra de nuevo,

decide levantar un muro, esta actitud es contrastada con la de los niños que sólo ven el jardín como un patio de

juegos, conforme va transcurriendo la historia, el gigante se da cuenta que en el jardín no llega la primavera, como

si el invierno se hubiera quedado para siempre, un día descubre que la primavera por fin llega y es porque los niños

se las han arreglado abriendo un hueco en la pared para poder jugar, el gigante se percata de que un niño no puede

subir al árbol y lo ayuda a subirse, desde ese entonces el gigante sigue jugando con los niños hasta envejecer, un día

al asomarse al jardín ve de nuevo al niño que ayudó a subir al árbol y éste le dice que así como el gigante le había

dejado jugar en su jardín así también él le iba a permitir jugar en su jardín llamado paraíso. En toda la historia se

ve cómo el egoísmo del gigante se hace presente, pone un muro para que nadie se acerque, tomando esto como

analogía cuando una persona se aísla, se cierra ante los demás, si mantiene esta actitud llegará un punto en donde

percibirá su vida fría como si el invierno se apoderara del corazón, tal como el invierno se apodera del jardín. Otro

aspecto que cabe mencionar es que en todas la mayoría de las obras de Oscar Wilde la figura de Jesús está presente,

esto es porque Wilde se crió en una familia católica y desde un principio se le inculcó la religión desde pequeño,

tiempo despúes el decide convertirse al catolicismo es por ello que la mayoría de sus obras están impregnadas de

apariciones divinas, como en la escena donde ve al niño y se da cuenta de las cicatrices , que tiene en las manos

y pies, el indicio se vuelve más claro cuando el niño dice que su jardín se llama paraíso. En otro cuento donde

también presenta de manera sutil la figura divina es en el cuento de “el pescador y su alma” a lo largo del cuento

se ve la disyuntiva que tiene el pescador con alma cuando decide abandonarla, para hacerlo acude por ayuda con

una bruja quien le dice que le dirá el secreto de cómo separarse de su alma si baila con ella a la luz de luna porque

estará su amo ahí, en esta parte del cuento el pescador se percata que entre las brujas que también se reunieron a

bailar llega una sombra pálida en carruaje tirado por caballos negros como la noche y al instante el pescador se

llena de terror y es donde sin saber por qué invoca el santo nombre con la señal de la cruz y ve cómo esa sombra al

escucharlo se retuerce de dolor y las brujas huyen chillando, cuando él detiene a la bruja con la que había hecho el

trato para que le diga el secreto, ella le dice: “... —¡Suéltame!, ¡Déjame ir, porque has nombrado lo que no debería

nombrarse, y has hecho el signo que no debe verse!” tal vez sean muy breves las referencias iconológicas de las

obras de Oscar Wilde pero ha logrado introducir sombolismos religiosos de forma liviana.

Boca

Mentón

Mejilla

La primera afectación

en el cuadro aparece

luego de enamorar a

la actriz de teatro Sibyl

Vane, a quien promete

matrimonio, Gray se

arrepiente del compromiso.

La segunda afectación

aparece cuando

la admiración que

siente Grey de Lord

Henry Wotton, quien

lo impulsa a adorara

la belleza como único

valor. Grey comienza

a dejar atrás la moral.

La tercera afectación

se hace en la mejilla

cuando antes de partir

a París el pintor Basil

reclama a Grey su

transformación moral.

Nariz

Rostro

La cuarta

afectación ocurre en la

nariz cuando ansioso

por el crimen cometido,

Dorian pide ayuda

a su amigo químico

Alan Campbell quien

contra su voluntad,

deshace el cuerpo con

ácido.

Aprisionado por su

culpa, Dorian acude

con Lord Henry para

redimirse y abandona

a su nuevo amor, con

la idea de observar si

su transformación se

vería reflejada, al no

soportar lo que ve en

la pintura, decide atacar

su retrato sellando

así su propia muerte.

Pág.

2.- La ley del decoro:

Decoro significa

lo adecuado

y esta efectiva y

funcional relación

de decoro entre

lugares y contenido

constituye el

llamado principio

de interacción.

3.- La falacia del

diccionario: Lo

que sucede es que

las imágenes señaladas

se toman

aisladamente y

con independencia

de su contexto,

ninguna de ellas

podría haberse

interpretado correctamente,

desvirtuando

la que

fuera la verdadera

intención del autor.

El círculo vicioso

El método funciona

muy bien cuando

se trata de grandes

programas que son

resultado de la vasta

erudición de un

humanista, pero

puede llevar a conclusiones

ridículas

cuando se trata de

obras realizadas

Pág.


Cine

El viaje de Chihiro

“El viaje de Chihiro” es una película de animación japonesa dirigida por Hayao Miyasaki de

los estudios ghibli, trata de una niña llamada Chihiro que junto con sus padres

deciden tomar un atajo para llegar a su nueva casa, en el camino encuentran

un templo, al atravesarlo descubren un pueblo fantasma, en el recorrido

ven que hay un buffet servido al ver que los dueños del lugar no se

encuentran deciden servirse, tranquilizando a Chihiro de que si

van a pagar cuando los dueños regresen, ellos la invitan a que

almuerce con ellos, al no verse interesada en la comida, ella

decide seguir explorando, hasta llegar a un puente donde

queda sorprendida porque al fondo del acantilado

que está debajo del puente se encuentra una vía de

trenes, su exploración es interrumpida abruptamente

cuando un niño le advierte que debe de irse antes de

que anochezca, incrédula se retira ante la insistencia

del niño, cuando Chihiro va en busca de sus

padres queda horrorizada al ver que ellos se han

convertido en cerdos, confundida corre al camino

por donde había llegado lo que no esperaba era que

el camino había sido cubierto por un río profundo

que impedía la entrada al templo que con mucho

esfuerzo apenas alcanzaba a divisar. El niño que en

un principio le había advertido que se fuera, la ayuda

a ocultarse de “Yubaba” una bruja que regía todo

el pueblo y se había enterado que un humano había

llegado a sus dominios, el niño que se presenta como

“haku” le dice que tienen que atravesar el puente para

poder ocultarla y para no romper el hechizo de que las demás

criaturas no se percaten de la existencia de un humano,

Chihiro debe contener la respiración mientras cruza el puente,

intento frustrado cuando una rana salta sobre Haku y Chihiro se

sorprende, en ese momento se rompe el hechizo y es cuando todas

las criaturas se dan cuenta que hay un humano entre ellos, Haku oculta a

Chihiro aconsejándole que vaya con “Kamaji” para que le de trabajo porque de

no ser así Yubaba podría convertirla en un animal, Chihiro emprende una aventura que

no sólo pondrá a prueba su fortaleza y determinación sino su identidad que a lo largo de la película la transformará

por completo. Ahora ¿Qué significa “el viaje de Chihiro” bajo la lupa del análisis iconológico? A continuación

se te presentará una serie de íconos que se desarrollarán

dentro de la películay que dejaran ver

por qué esta película es considerada una joya

cinematográfica.

Al inicio de la película

los padres de Chihiro

deciden adentrarse a

un templo cuando deciden

tomar un atajo.

Hayao miyasaki se

inspira de casa antiguas

y parques abandonados

en el Japón

Templo de los 80´s.

Cerdos

Casa del baño

Chihiro

Cambio de nombre

La escena donde los

padres se convierten

en cerdos, el director

representa la avaricia

inmediata de los japoneses,

cuando llegó

el comercio abierto y

libre en los 80´s. La

comida infinita representan

los productos.

Por otro lado, la protagonista

sirve como un

ejemplo generacional;

representa a aquellas

mentes nacidas posterior

a los 80 que miraron

las consecuencias

del sistema económico,

las decisiones de las

Cuando Yubaba le

quita el nombre a la

protagonista y le añade

el “sen”, su nombre

cambia de significado

literalmente a “mil”

–la cantidad numérica–.

La acción muestra

la rápida madurez

de la pequeña, quien

En la bandera fuera de

la casa de baño está escrito:

“Yu”, que singifica

baño. Este mismo

símbolo también se

encuentra en el letrero

de la puerta principal,

en muchos lados dentro

de la casa de baño,

en las lámparas y en

las batas que llevan varios

dioses y espíritus

ahí dentro.

“Yu” también se usa

para “agua caliente”.

El nombre de la casa

de baño es “Aburaya”

(casa/tienda/vendedor

de aceite). “Abura”

significa “aceite” y

también se puede pronunciar

como “yu” o

renuncia a su niñez

sin titubear. También

revela que una vez que

deja atrás los años de

inocencia, se convierte

en un producto con

valor. Miyazaki expresa

cómo, debido a los

cambios sociales, a las

“yuu”.

Los baños

usan agua caliente,

por eso el hiragana

“yu” llega a escribirse

sobre una cortina (llamada

“noren” ) en la

generaciones pasadas

y los errores que cometieron

y que aceptan

que posiblemente

el daño es irreversible.

La niña ha sido vista

como una representación

de las mujeres y

su cambio de pensamiento

después de los

ataques nucleares en

los años 40.

personas se les asigna

un precio y si no

es alto, es como si no

existieran.

entrada

de

una casa de baño.

Sen

Pág.

por artistas poco

embuidos en las corrientes

intelectuales

de su tiempo.

Forma y contenido,

la obra

de arte como

organismo

No cabe duda alguna

de los peligros

a los que está

expuesto el iconólogo.

Su tendencia

a ver en todo un

significado profundo,

a creer que

éstos pueden ser

clasificados en

clichés, y a presuponer

siempre la

coherencia de su interpretación

circular

lo ha llevado a

formular hipótesis

erradas o faltas de

rigor intelectual

que no es el caso de

Panofsky debido a

que hizo un impecable

trabajo con

la propuesta de su

método a causa de

su formación humanística

que se basaba

en un profundo

conocimiento de las

lenguas clásicas,

que le llevó a estar

más interesado en

encontrar textos que

explicasen el significado

de los símbolos

Pág.


Sin cara

Chihiro y sin cara

Decoración Meiji

Dragón

Dragón Kohaku

De la abundante comida

“sin cara” se

transforma y no sólo

comienza a devorar la

comida sino también

a las criaturas que le

servían. Tanto en los

sirvientes como en sin

cara representa la boracidad

de los japones

Yubaba, la bruja, está

rodeada de elementos

de la cultura europea.

El escenario en el que

se presenta es distinto

a cualquier otro de la

cinta, los cuales evocan

a la época Meiji,

cuando la cultura capitalista

occidental se

apoderaba de Japón

En la cultura japonesa

los dragones cumplen

su papel como enlace

entre el mundo de los

humanos y el mundo

de los espíritus. No

debe sorprendernos,

por tanto, que este

hecho encaje perfectamente

con el aprendiz

cuando tienen acceso

libre en la compra de

productos, referencia

que se vuelve a tomar

ya que el primer indicio

es donde los padres

de chihiro se convierten

en cerdos.

Chihiro enfrenta a

“sin cara” a quien también

intenta devorar y

para purificarlo le da

la mitad del regalo que

le había dado el dios

del río, “sin cara” vuelve

a su forma original

y forma una amistad

con Chihiro, Miyasaki

quiso representar el

valor de la amistad al

momento de que Chihiro

lo acepta nuevamente

como amigo.

lentamente. La decoración

Meiji es presentada

en gran parte

de la película como un

elemento melancólico.

En la película aparece

Haku con la peculiaridad

de que se puede

transformar en un

dragón esto es porque

en el mundo donde se

encuentra chihiro es

el mundo de los espíritus

y donde van los

dioses a los baños termales,

Haku pertenece

a los Dragones terrenales

que determinan

y cuidan el curso de

los ríos. Haku era la

personificación del río

Kohaku antes de que

éste se secara y quedara

arrasado por la

acción de los hombres.

de Yubaba, ya que éste,

ofreciéndole alimento

a Chihiro y ayudándola

a traspasar su

frontera hasta llegar

a Kamaji, es un claro

ejemplo de vínculo

y apoyo entre ambos

universos.

Consumismo

Codicia

Ser

Tren

Yubaba y Zeniba

Cuando las criaturas

se dan cuenta que “sin

cara” da oro a cambio

de comida, todos enloquecen

y comienzan

a servirle abundante

comida, en esta escena

representa la obsesión

de las personas por el

dinero.

En la escena donde

“Sin cara” le ofrece oro

a Chihiro, ella le dice

que no quiere su oro,

es donde el director

muestra que Chihiro

su espíritu es puro de

toda ambición o codicia.

A pesar de ser un personaje

de composición

sencilla el significado

que hay detrás de él

pareciera interminable

ya que Miyasaki refleja

en él al Japón contemporáneo

que cree que

el dinero los hará feliz.

El kanji que se encuentra

al frente del

tren significa “medio

camino” esto hace referencia

a que sólo hay

un tren de ida pero

no el de regreso. Tal y

como lo comenta Kamaji

casi al término de

la película.

Yubaba representa la

trabajadora. Zeniba

es la misma persona

pero en el ambiente

doméstico. Miyasaki

hace esto para hacer

referencia a personas

agresivas en el mundo

profe-sional pero

cuando llegan a casa

son mucho más tranquilas

y simpáticas.

Despedida

Okusare sama

Sin cara

Boh

Nostalgia

En la escena donde

Chihiro se despide

de Haku, él le informa

que dejará de ser

aprendiz de Yubaba

y que él y Chihiro se

volverán a encontrar,

hay diversas teorías

en el cómo se volverán

a encontrar una

Cuando Chihiro es

puesta a prueba por

Yubaba cuando le

asigna al cliente más

difícil atiende a un kusare,

kusare significa

“podrido” en japonés,

esto hace referencia al

olor que despedía este

dios.

En la mitología japonesa

los espíritus con

máscara son representantes

de la muerte,

tristeza y el futuro, es

por ello que sin cara

le da especias a Chihiro

porque sabía que el

dios que iba a llegar a

los baños termales iba

a ser el más sucio.

La ropa de Boh (el

bebé), está escrito su

nombre que significa

“niño joven” o “niño

pequeño” refiriéndose

a su edad.

La salida de Chihiro

del mundo de los espíritus

es una referencia

de que ha abandonado

su infancia para entrar

a una nueva etapa. Así

como ella se despide

con nostalgia de aquél

lugar maravilloso, así

también las personas

se despiden de etapa

de niñez cuando ya

han crecido.

de ellas es que Chihiro

se volverá a encontrar

con Haku cuando ella

muera, porque recordemos

que están en

el mundo de los espíritus,

miyasaki señala

que Chihiro pudo entrar

a ese mundo debido

a su inocencia.

¿Sabías que...

dios del río

El director Hayao Miyasaki

para la realización de la película

“El viaje de Chihiro” se inspiró

en la Casa de Té Amei en Jiufen,

Taiwán, que se puede apreciar

como imagen de fondo de esta

cápsula informativa. Y aún hay

más, los dioses que aparecen a

lo largo de la cinta son invención

del mismo director ya que

como afirma en una entrevista:

“Desde hace miles de años en

Japón creemos que los Kami

(dioses) y los Rei (espíritus)

están por todas partes: en los

rios, en los arboles, en las casas

y hasta en las cocinas. Cuando

se me ocurrió la idea para

El viaje de Chihiro tuve que

visualizar a los Kami. La mayoría

son fruto de mi imaginación.

Otros se inspiraron en el

folclore japonés. Por ejemplo,

la máscara de papel usada en

las ceremonias del templo Kasuga

Taisha inspiró una divinidad.”

Para dibujar a Haku, en la escena

donde Chihiro le comparte

la mitad del pastel de hierbas,

Miyasaki llevó a un perro para

que los dibujantes tuvieran una

referencia real cuando un animal

se resiste a comer algún

alimento.

Al principio es confundido

por un Kusare

debido a su pestilente

y demacrado aspecto,

cuando chihiro lo

atiende, Yubaba se

percata que no se trata

de nada menos que

el dios del río, quien

despúes de ser librado

de toda la basura,

recupera su forma

original y recompensa

a Chihiro por su

excelente trabajo con

un pastel de hierbas,

esta peculiar escena es

una analogía de cómo

se encuentran los ríos

contaminados que si

tuvieran una personificación

serían seres

muy enfermos.

Escena del tren

En una entrevista realizada

a Hayao Miyazaki

en París en el

año 2001, el director

comentó esta escena

en relación con sus

propios sentimientos

resaltando la importancia

del viaje en sí

mismo. “Entonces,

para expresar eso,

debía haber una vista

desde el tren, pero

había creado las condiciones

para ello en

las escenas previas,

cuando llueve y como

resultado de ello, el

paisaje está cubierto

por agua. Pero lo hice

sin saber la razón de

ello hasta que llegué a

la escena con el tren,

en cuyo momento me

dije a mí mismo “Que

suerte que hice este

océano”.

Pág.

y de las imágenes,

que en las cualidades

formales del

arte.

Sin embargo, esa

oposición entre

historia de la visión

e historia de

los contenidos no

debería ser expresada

en esos términos.

Aunque es

verdad que E. Panofsky

primó el estudio

del contenido

en el arte, no es

menos cierto que

también supo poner

el acento sobre

algunas cualidades

formales del

proceso pictórico.

De hecho en su ensayo

titulado: “La

historia del arte en

cuanto disciplina

humanística” propone

al investigador

un equilibrio

entre el estudio

de la forma (estilo)

y de la idea

(tema), ya que ello

contribuirá a que

se manifieste con

mayor elocuencia

el verdadero contenido

de la obra. El

interés potencial de

Pág.


Arte Urbano

C215:artista urbano

Antes de iniciar este artículo, es bueno tener en claro el concepto de arte urbano, que es

también llamado arte callejero (traducción de la expresión en inglés street art)

y hace referencia a todo arte que se realiza en la calle, en la vía pública y

que se da por iniciativa exclusiva del artista sin permiso ni encargos

previos, por lo que muchas veces es considerado ilegal.

Al igual que todas las expresiones artísticas, la pintura y el

dibujo han evolucionado y han sufrido cambios, tanto en

su concepto, estética, como en las técnicas usadas. Es así

que desde mediados de los 90, el término “arte callejero”

comenzó a hacerse popular, y con él el uso de otras

diversas técnicas: graffitti, posters, stickers, stencils.

Expo en Tokio

Expo en París

Expo en París

Stencil en Roma

Ahora con este contexto planteado encontramos a

Christian Guemy es un artista francés de arte urbano,

nacido en París y como alias responde por

C215, trabaja principalmente con estarcido (Técnica

que consiste en imprimir una imagen cualesquiera

sobre una superficie, utilizando una pintura

a través de una plantilla o esténcil. La superficie que

utiliza el estarcido puede variar dependiendo el tipo

de pintura con que se trabajará, ya que esta debe de

ser la adecuada para que permita una mejor adherencia).

Aunque ha sido un artista de arte urbano desde

los años 90, su trabajo con estarcidos comenzó en 2006,

que se caracteriza por retratos de ancianos, refugiados,

inmigrantes, personas olvidadas por la sociedad, dándoles

visibilidad en un lugar de la ciudad. C215 desea embellecer

la ciudad, por lo tanto pinta sólo sobre superficies destrozadas,

sin tener la necesidad de cubrir su cara. Durante los años, su estilo

se ha desarrollado desde una base de estarcido sencillo de retratos en

blanco y negro, a una combinación multicolor de estarcido y pintura a mano

alzada en sus últimas obras. C215 es un artista prolífico. Su arte se puede ver en

dife-

rentes ciudades del mundo. Además de su trabajo en la calle, también produce obras de arte

para galerías comerciales. A continuación se presentarán una serie de obras, no se desarrollarán por íconos como

los trabajos anteriores ya que sus mensajes son breves y maneja elementos precisos que hace su arte un medio de

expresión eficaz y eficiente.

Stencil Italia

Homenaje a Malala

Bassano, Italia

Protesta

Sicilia

Milano, Italia

Barcelona

Palermo, Italia Palermo, Italia Israel Nueva Delhi Sao Paulo, Brasil

Esperamos que hayan sido de tu agrado estos datos interesantes que hemos preparado para ti, te invitamos a que veas o escuches

las obras que aquí se analizaron para que así compartas tu opinión con nosotros a través de las redes sociales o puedes

escribirnos al correo métodoiconológico@magazine.com o a tenji96@gmail.com.

Pág.

Panofsky hacia la

forma va más allá

cuando escribe que:

“En una obra de

arte la forma no

puede separarse del

contenido; la distribución

del color

y de la línea, de la

luz y de la sombra,

de los volúmenes y

de los planos, por

grata que pueda ser

como espectáculo

visual debe también

entenderse como

vehículo de una

significación que

trasciende lo meramente

visual. Para

Panofsky, la obra

de arte constituye,

pues un todo orgánico

compuesto

por tres elementos:

la forma materializada;

la

idea (el tema), y

el contenido . Estos

elementos reflejan

el esquema

tripartito de los

niveles de significado

y son vistos

como una unidad

pues todos ellos

concurren por

igual en los que se

llama el goce estético

del arte. Panofsky

anunciaba con

ellos recientes propuestas

de semióti-

Pág.


Bibliografía

Referencias electrónicas

http://www.studioghibliforum.com/viewtopic.php?f=2&t=151&start=50

http://culturacolectiva.com/el-oscuro-significado-de-el-viaje-de-chihiro/

https://matadornetwork.com/es/30-artistas-urbanos-mas-impresionantes-de-la-decada/

https://mott.pe/noticias/c215-artista-urbano-embellece-las-calles-con-coloridos-gatos/

https://translate.google.com.mx/translate?hl=es&s-

l=en&u=http%3A%2F%2Fonlinebharatanatyam.com%-

2F2008%2F02%2F11%2Fchatura-hand-gesture-mudra%2F&prev=search

https://vivebollywood.wordpress.com/2015/04/28/

mudras-en-las-danzas-de-india-parte-ii/

https://www.casabatllo.es/historia/casa-batllo/

http://www.nnhotels.com/es/barcelona-20/casa-batllo/

https://www.casabatllo.es/novedades/cultura-patrimonio/simbologia-y-religion-en-las-obras-degaudi/

http://www.lanacion.com.ar/688922-que-representa-el-cuadro-el-grito

http://www.muyhistoria.es/h-moderna/articulo/

mona-lisa-esconde-un-codigo-oculto-en-sus-ojos

http://www.literatura.us/idiomas/ow_pescador.html

http://www.gettyimages.es/detail/fotografía-de-noticias/christian-guémy-also-known-as-c215-visits-fotografía-de-noticias/478088948#christian-gumy-alsoknown-as-c215-visits-palermo-as-part-.

http://distorsionurbana.blogspot.mx/2011/05/c215-obrasmaestras-stencil-roma.html

Referencias bibliográficas

Metodología para el Diseño, Gavin Ambrose

El método iconológico de Erwin Panofsky, la interpretación integral de la obra de arte.

Método iconológico

@Método iconológico

Método_ iconológico

¡Visita nuestras redes sociales!

www.métodoiconológico.com

Bartolo Osorio Marcela Karina

Pág.

ca, una disciplina

con la que la iconología

comparte

el interés común de

descubrir la estructura

profunda de

los productos culturales

, Sin embargo,

frente a la importancia

semántica

que adquiere en primer

nivel -color,

movimiento, tamaño,

estructura y

dirección-, la aplicación

del método

Panofsky ha puesto

siempre el énfasis

en el segundo nivel:

los temas, como vimos

a lo largo de

los artículos de esta

revista.

Pág.

Similar magazines