Contrastes Chile ED-D1

contrastes

SUMARIO
Febrero
Marzo 2016
8 AGENDA, NOVEDADES, LIBROS
10 DETRÁS DE ESCENA A Fotografía de paisaje
astronómico
Eduardo Schaberger Poupeau habla de la
técnica y el equipo que se necesitan para esta
especialidad.
18 EMPRENDEDORES A A la velocidad de la luz
Pepo Fernández hizo una carrera meteórica.
Cuenta cómo.
24 ENTREVISTA A Gianni Berengo Gardin
Es uno de los padres del fotorreportaje. Lo
llaman el Cartier-Bresson italiano. Sus fotos y
una charla exclusiva con Contrastes.
40 ESTUDIO A Zoom Spot
Un tipo de iluminación muy utilizado en el teatro.
Se logra con un flash y les mostramos cómo.
44 HISTORIAS A El pasado golpea en 14
estaciones
Una serie de 14 ambrotipos del artista chileno
Mauricio Toro Goya.
50 ILUMINACIÓN A El tamaño relativo de la
fuente
Un ejemplo de cómo “fabricar” una fuente a la
medida del sujeto.
54 MAESTROS A Alberto De Agostini (1883-1960)
Cura y fotógrafo. Fue cautivado por la soledad de
la Patagonia y la ilusión de sus paisajes.
62 FORMATO RAW A Cinco entregas sobre este
tema que empiezan en la próxima edición papel
(Abril-Mayo 2016).
66 RESEÑAS A Nikon D5 / Nikon D500 / Nikon
KeyMission 360º

FEBRERO / MARZO 2016 EDICIÓN PROMOCIONAL • GIANNI BERENGO GARDIN • ZOOM SPOT • ALBERTO DE AGOSTINI • FORMATO RAW • FOTO ASTRONÓMICA

LA REVISTA DEL MUNDO FOTOGRÁFICO

ESTUDIO

ZOOM SPOT

MAESTROS

ALBERTO

DE AGOSTINI

SU PATAGONIA

EN SEPIA

DETRÁS

DE ESCENA

EL PAISAJE

ASTRONÓMICO

ENTREVISTA

EXCLUSIVA

GIANNI

BERENGO

GARDIN

LEYENDA DEL

FOTORREPORTAJE

Febrero/Marzo 2016

Ed Digital 03

Edición Anual Gratuita

HISTORIAS

LOS 14

AMBROTIPOS DE

MAURICIO

TORO GOYA

ILUMINACIÓN

EL TAMAÑO

RELATIVO DE LA

FUENTE

EMPRENDEDORES

PEPO FERNÁNDEZ

EN TIEMPO RÉCORD

RESEÑAS

NIKON D5

NIKON D500

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© Michael Mueller

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SUMARIO

Febrero

Marzo 2016

C Eduardo Schaberger Poupeau, Nota Detrás de escena,

Fotografía del paisaje astronómico

8 AGENDA, NOVEDADES, LIBROS

10 DETRÁS DE ESCENA A Fotografía de paisaje

astronómico

Eduardo Schaberger Poupeau habla de la

técnica y el equipo que se necesitan para esta

especialidad.

18 EMPRENDEDORES A A la velocidad de la luz

Pepo Fernández hizo una carrera meteórica.

Cuenta cómo.

24 ENTREVISTA A Gianni Berengo Gardin

Es uno de los padres del fotorreportaje. Lo

llaman el Cartier-Bresson italiano. Sus fotos y

una charla exclusiva con Contrastes.

40 ESTUDIO A Zoom Spot

Un tipo de iluminación muy utilizado en el teatro.

Se logra con un flash y les mostramos cómo.

44 HISTORIAS A El pasado golpea en 14

estaciones

Una serie de 14 ambrotipos del artista chileno

Mauricio Toro Goya.

50 ILUMINACIÓN A El tamaño relativo de la

fuente

Un ejemplo de cómo “fabricar” una fuente a la

medida del sujeto.

54 MAESTROS A Alberto De Agostini (1883-1960)

Cura y fotógrafo. Fue cautivado por la soledad de

la Patagonia y la ilusión de sus paisajes.

62 FORMATO RAW A Cinco entregas sobre este

tema que empiezan en la próxima edición papel

(Abril-Mayo 2016).

66 RESEÑAS A Nikon D5 / Nikon D500 / Nikon

KeyMission 360º

director

Nicolás J. Silberay Pérez

editores responsables

Nicolás J. Silberay Pérez

Guillermo Cantón

Dora Becher

editora de contenidos

Dora Becher

editor fotográfico

Guillermo Cantón

dirección de arte

Hernán Salas

foto de tapa

Cézaro de Luca

corrección

Julia Padin

colaboradores

María Ignacia Pentz, Cézaro de Luca,

Eduardo Schaberger Poupeau, Alejandro

Calderone, Manuel Castrillón y Fernanda

Soulé.

impresión

QuadGraphics

correo de lectores

lectores@contrastesmag.cl

distribución comercial

Meta

responsable comercial

publicidad@contrastesmag.cl

SILBERAY BECHER CANTON LATAM SPA

Apoquindo 5583, Oficina 91, Las Condes, Santiago.

lectores@contrastesmag.cl

FE DE ERRATAS:

La fotografía de tapa en la ediición Agosto/

Septiembre 2015 Contrastes Chile fue

realizada por el Sr. Antoño Pafundi.


AGENDA, NOVEDADES, LIBROS

EXPOSICIONES

LIBROS

C RETROSPECTIVA - SERGIO LARRAÍN

Interrumpió su carrera para potenciar su faceta más espiritual.

Antes de eso, Sergio Larraín, un maestro de la fotografía en Chile

y el mundo, construyó una carrera y una obra brillante. Es por eso

que, como parte de una itinerancia mundial que se inició en Francia

en 2013 –y que en 2014 arribó al Museo Nacional de Bellas Artes–,

llega a Valparaíso Sergio Larraín, Retrospectiva. Son 120 fotografías

en las que se repasa su carrera, desde sus años de aprendizaje hasta

sus trabajos en Magnum Photos, incluyendo sus dibujos y satori.

Hasta el 30 de marzo en el Museo de Bellas Artes de Valparaíso,

Palacio Baburizza.

C LA PLAYA – SAMUEL ROJAS GARRAU

A fines de la década del sesenta, Samuel Rojas Garrau (1917-2003)

comenzó a fotografiar la vida nocturna de Santiago, que en ese momento

tenía como centro de actividades el mítico Bim Bam Bum. A

diferencia de otros fotógrafos de la época, Rojas Garrau se lanzó al

color. Fue así como en una búsqueda más personal encontró en los

balnearios de la zona central de Chile, como Las Cruces, Algarrobo

y Cartagena, un espacio para hacer un trabajo más ocasional, curioso

e inquieto. La playa es, finalmente, una primera aproximación

a la obra casi desconocida de este fotógrafo. Desde el 22 de febrero

hasta el 6 de marzo, en el Centro Cultural Estación Mapocho.

a EL CALENDARIO

PIRELLI: 50 AÑOS Y

MUCHO MÁS

Luego de su primera

publicación en 1964 se

transformó en una leyenda.

El calendario Pirelli cumplió

50 años y para celebrar el

medio siglo se editó una

retrospectiva con todos los

calendarios que muestran a

las modelos tomadas por fotógrafos de la talla de Richard Avedon,

Peter Beard, Patrick Demarchelier, Nick Knight, Karl Lagerfeld,

Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Sarah Moon, Helmut Newton, Uwe

Ommer, Mario Testino y más. También incluye imágenes inéditas de

los rodajes, otras que fueron censuradas, y hasta el calendario de

1963 que nunca vio la luz. Ed. Taschen.

a 2 TIEMPOS - CARLOS RIVERA Y

PABLO ORTIZ

El chileno Carlos Rivera Segovia y el

mexicano Pablo Ortiz Monasterio se conocieron

en un taller sobre foto-libros

en el Festival Internacional de Fotografía

Valparaíso 2013. Se pasaron días enteros

en la antigua cárcel del puerto, analizando

libros fotográficos. Terminado el evento,

formaron un pequeño colectivo para desarrollar

un libro a partir de las fotografías que tomaron en el puerto

chileno. El trabajo en blanco y negro, y parte de un proyecto que

comenzó en los setenta, fue el aporte de Rivera. El color, en cambio,

es el resultado de dos viajes fugaces que Ortiz realizó a Valparaíso.

Ed. Lom.

a MÚSICA SIN FLASH – RODRIGO

FERRARI

Lo que comenzó en 2007 como una

excusa para entrar gratis a los conciertos,

se transformó para el fotógrafo y

abogado Rodrigo Ferrari, en la única

forma de vivirlos: con cámara en mano

y un bolso lleno de lentes. Así es como

nace Música sin flash, con más de 80

fotografías de conciertos y festivales realizados en Chile entre 2010

y 2014. Escenas captadas a pocos centímetros de artistas y bandas

como Kanye West, Morrissey, Pulp, Hot Chip y más. Con fotografías

impresas tal cual se tomaron, sin reencuadres ni flash.

8 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


DETRÁS DE ESCENA

Fotografía del

paisaje astronómico

Retratar el cielo pero incluyendo referencias cercanas como árboles, edificios o montañas es

una rama de la astrofotografía que apasiona a Eduardo Schaberger Poupeau. Este fotógrafo

habla aquí de la técnica, los conocimientos y el equipo que se necesitan para sumarse a esta

especialidad.

Texto y fotos EDUARDO SCHABERGER POUPEAU

C Molino y Vía Láctea. Fuji X-T1, ISO 3200, f/2 y 20 segundos de exposición

con un lente Rokinon 12mm f/2.

10 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


La vida moderna nos alejó de una práctica que era muy

común cuando no había televisión u otros entretenimientos

“dentro de casa”, la de observar el cielo y sus estrellas.

Pero las estrellas siguen ahí, sólo falta alejarse un poco de las

ciudades y su contaminación lumínica para poder volver a

disfrutarlas.

La fotografía de paisaje astronómico es una rama de la astrofotografía,

que consiste en retratar el cielo, pero dándole un marco

de referencia al incluir objetos más cercanos (árboles, molinos,

edificios, montañas, etc.) Nos permite recordar la inmensidad que

nos rodea, y nos pone en perspectiva frente al universo.

EQUIPO NECESARIO

Para realizar este tipo de fotografías, generalmente, se usan

cámaras réflex o mirrorless con lentes angulares. De esta manera

podemos realizar exposiciones prolongadas con la cámara fija

sobre un trípode, sin que se note el movimiento de las estrellas

ocasionado por la rotación terrestre.

Existe una regla conocida como la de los “quinientos” que

nos ayuda a determinar cuál debe ser nuestro tiempo máximo

de exposición para que las estrellas sigan siendo más o menos

puntuales. La fórmula que debemos utilizar es la siguiente: 500/

distancia focal/factor de recorte de nuestro sensor (cuando no

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 11


DETRÁS DE ESCENA

c Capilla rural y la Vía Láctea. Toma única de 25 segundos

de exposición a f/2.8 e ISO 3200.

“Lo mejor es realizar nuestras sesiones en noches sin luna

para poder obtener los mejores resultados, ya que de otra

manera su intensa luz logrará ocultar el brillo de las estrellas

más débiles”.

usemos una cámara full frame). Como ejemplo, si tenemos una

Canon T5i con el lente 18-55 (usándolo en 18mm), el cálculo sería

500/18/1.6=17,3. Nuestro tiempo máximo de exposición entonces

será de unos 17 segundos.

Lo ideal es usar cámaras con sensores full frame y lentes muy

luminosos para obtener los mejores resultados. Pero con cualquier

réflex y el lente de “kit” 18-55mm se puede empezar a disfrutar

de esta apasionante especialidad fotográfica que nos permite

registrar el maravilloso cielo estrellado y poder contemplar cosas

invisibles a nuestro ojo a simple vista.

TÉCNICA GENERAL

Para planear nuestra sesión fotográfica tenemos que tener en

cuenta varios aspectos. En primer lugar, el cielo va variando al

cabo de los meses y la posición de la Vía Láctea también. Para

prever esto nos es de mucha ayuda el uso de softwares como

“Stellarium” (http://www.stellarium.org/es/). Este planetario nos

permite ver en tiempo real cómo se ve el cielo desde el lugar que

elijamos. También podemos disponer de una hora y fecha determinada,

entre otras muchas funciones. Es un software gratuito

para nuestra PC y también existe la versión para dispositivos

Android (no es gratuito pero es bastante económico).

Un tema importante a tener en cuenta es elegir el lugar desde

donde vamos a hacer nuestra foto y tratar de encontrar un paisaje

que tenga algo interesante para contraponer con el cielo.

Siempre es conveniente visitar previamente el lugar que utilizaremos

para asegurarnos de que no haya peligros difíciles de

detectar en la oscuridad de la noche.

12 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c Cometa Mc Naught. Exposición de 15 segundos, ISO 800

y f/4. Canon Xti con lente Sigma 70-300mm.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 13


DETRÁS DE ESCENA

“Siempre es conveniente visitar

previamente el lugar que

utilizaremos. Así nos vamos

a asegurar de que no haya

peligros difíciles de detectar en

la oscuridad de la noche”.

C (arriba) El arco de la Vía Láctea sobre una capilla rural. Panorámica

compuesta por 13 fotos de 20 segundos de exposición cada una a f/3.5 e

ISO 3200. Canon 6D, lente Tamron 15-30mm f/2.8.

C (abajo) Panorámica de la Vía Láctea compuesta por 14 fotos verticales.

Cada toma está hecha a ISO 3200, f/3.2 y 20 segundos de exposición con

una cámara Canon 6D y un lente Tamron 15-30mm f/2.8.

Lo mejor es realizar nuestras sesiones en noches sin luna para

poder obtener los mejores resultados, ya que de otra manera su

intensa luz ocultará el brillo de las estrellas más débiles.

Una vez elegido el lugar, la hora que más nos conviene y el

encuadre, comenzaremos con la captura de nuestra imagen. La

cámara debe estar sujeta a un trípode lo suficientemente firme

para soportar el peso de nuestro equipo. Aplicando la regla de los

“quinientos”, determinaremos cuál es el tiempo máximo de exposición

recomendado (cuanto menor la distancia focal de nuestro,

lente mayor va a ser el tiempo que podremos exponer).

En este tipo de fotografía debemos tratar de acumular la

mayor cantidad de luz posible, por lo que usaremos diafragmas

bien abiertos y valores de ISO altos. Este último parámetro va a

depender un poco del equipo utilizado: algunos nos permitirán

usar valores ISO muy altos para obtener muy buena calidad de

imágenes. Como punto de partida recomiendo un ISO 1600, aunque

también utilizo valores de 3200 y hasta 4000. Es muy importante

realizar nuestra captura en formato RAW, ya que nos va a

permitir tener una mayor flexibilidad en la edición.

14 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c (arriba) Conjunción de los planetas Venus y Júpiter (doble lucero) sobre

una formación ferroviaria en movimiento. ISO 1000, f/4, 8 segundos de

exposición. Canon 6D con lente Canon 16-35mm f/4 L IS.

c (abajo) Paso de la ISS (Estación Espacial Internacional). Composición de

6 fotos e ISO 1000, f/3.5 y 20 segundos de exposición. Canon 6D con lente

Tamron 15-30mm f/2.8.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 15


DETRÁS DE ESCENA

16 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


C Yo con la Cruz del Sur a mi espalda y con mi cámara montada sobre un

astro tracker Sky Watcher.

A Mi equipo para fotografía de cielo profundo, fotografiando la Gran

Nebulosa de Orión.

a Paisaje rural con la Vía Láctea. ISO 4000, f/4 y 30 segundos de

exposición. Canon 6D con lente Canon 16-34mm f/4 L IS.

También es muy aconsejable activar la reducción de ruido por

larga exposición. Entonces, la cámara inmediatamente después

de tomada nuestra fotografía, hará otra de la misma duración sin

abrir el obturador, para poder disminuir el ruido que se produce

por el calentamiento del sensor. La reducción de ruido por altos

ISO es mejor desactivarlo y aplicarlo en el momento de la postproducción,

en la medida que nos sea más conveniente para no

perder detalles. Además, es muy aconsejable utilizar el bloqueo de

espejo y un disparador remoto para reducir al mínimo las vibraciones

que se producen al momento del disparo.

Otro tema importante es el enfoque. El autofoco de ninguna

cámara nos va a servir en estas condiciones, por lo que deberemos

usar el foco manual. Como punto de partida pondremos el

anillo de enfoque en la marca de infinito, buscamos una estrella

muy brillante, y ayudados por el live view de nuestra cámara y

utilizando la máxima magnificación que nos permite (generalmente

10x), moveremos el enfoque hasta que nuestra estrella se

vea lo más pequeña y puntual posible.

TÉCNICAS ESPECIALES

Cuando queramos fotografiar todo el arco de la Vía Láctea deberemos

generar una foto panorámica, ya que ningún lente nos

va a permitir fotografiarla en su totalidad. La metodología es

similar a cuando hacemos una panorámica de día, sólo que cada

uno de los disparos va a ser de larga exposición. Consejo: hacer

las fotos en modo vertical para poder captar la mayor cantidad

de cielo posible. Si bien hay programas dedicados a unir las fotos

que tomemos, Photoshop y Lightroom también pueden hacerlo

bastante bien.

Muchas veces la silueta de un árbol recortado frente a un cielo

estrellado puede funcionar muy bien, pero también este tipo

de fotografía se presta para combinarla con la técnica del “light

painting” o pintado con luz. Podemos dar rienda suelta a nuestra

creatividad e iluminar con flashes o linternas las cosas que más

nos interesen del paisaje. Un vehículo abandonado correctamente

iluminado o una vieja casa de campo pintada con los colores

de un flash pueden realzar una imagen del cielo estrellado.

PROCESO DE LA IMAGEN

La edición de los archivos RAW es muy flexible y nos permitirá

corregir muy bien los dominantes rojizos que tienen los cielos en

este tipo de fotografía, producidos por la contaminación lumínica.

Deberemos tener cuidado al realizar esa corrección, para no

virar los colores del paisaje terrestre.

En muchos casos un ajuste global no va a ser del todo correcto

y tendremos que procesar la imagen por partes. En este sentido,

Lightroom es muy poderoso con su filtro radial, filtro de degradado,

etc.

De todos modos, como en todo proceso creativo, no hay fórmulas

para la edición de estas fotografías. Sí vamos a encontrar,

buscando en la web, muchos filtros o plugins que sirven para

darle aspectos diferentes a nuestras fotos; pero seremos nosotros

y nuestro gusto los que decidiremos el aspecto final de cada imagen.

Á

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 17


EMPRENDEDORES

A Pepo Fernández

A la velocidad

de la luz

Pepo Fernández descubrió su talento como fotógrafo a los 14 años y desde entonces no paró: a los

16 ya publicaba en reconocidas revistas nacionales y a los 17 hizo su primera campaña de retail.

Haber triunfado de adolescente no le impide ahora, con 21 años, replantear su trabajo y buscar

nuevos objetivos dentro de la fotografía.

Texto MARÍA IGNACIA PENTZ

-¿Pepo está atrasado o qué?

-Pepo soy yo.

Quien respondía desde el otro lado de la mesa, ante más de

una expresión de sorpresa, era Pepo Fernández de 17 años,

y vestido con uniforme de colegio. Ya habían pasado diez

minutos desde la hora acordada y esperaban. Hasta ahí nadie se

había dado cuenta de que el fotógrafo estaba sentado junto a las

modelos, listo para empezar la reunión. Fernández había ido a

una presentación con Ripley. Era su primera campaña, pero no su

primer trabajo. Ni tampoco la primera vez que lidiaba (y lidiaría)

con esas caras de sorpresa.

Pepo Fernández tiene ahora 21 años y es, ante todo, un autodidacta.

Hizo su primera editorial de moda, sin saber qué era una

editorial de moda, a los 15. Luego debutó con una portada en The

Newspaper, un fanzine, y a los 16 empezó a publicar en medios

establecidos como revista Ya, Cosas, Paula, Caras y Vanidades.

De ahí en más: producciones, editoriales, books, campañas, viajes,

exposiciones, test y más publicaciones. Hoy ya no vive en Chile;

hace un año y medio se fue a estudiar Fotografía al London

College of Comunnication, mientras acá lo representa la agencia

y productora Republik. Aun estando lejos, su nombre no deja de

sonar y su trabajo no deja de verse, ni acá ni en otros países: está

preparando publicaciones para Chile, México, Estados Unidos,

Inglaterra y más.

“Cualquier representación

tradicional de lo que es

masculino y lo que es

femenino me aburren.

Prefiero rechazar algo a

sacrificar todo lo que yo creo.

Hay que ser coherente”.

OBJETIVOS CLAROS

Quería ser doctor, como sus papás, sin embargo, de la nada, a los

14, tomó una point and shoot que había en su casa y comenzó a

fotografiar sin propósito, sin un objetivo. Sus amigas modelaban

para él y luego esas fotos las subía a Facebook. Sin esperarlo, a la

gente le gustó lo que hacía. “De repente, me empezaron a llamar

18 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 19


EMPRENDEDORES

20 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


a Selección de su portfolio personal 2016.

c Selección de su portfolio personal 2016.

c Selección de su portfolio personal 2015.

“Causé mucho ruido porque nunca se ve a un pendejo de

16 teniendo publicaciones en revistas establecidas, es una

cuestión demasiado rara”.

amigas de mis amigas preguntándome cuánto cobraba por hacerles

un book. Ahí pensé: ‘Ah, puedo sacarle plata a esto’. Entonces

empecé a hacer books, los seguí subiendo a Facebook y me creé una

página web, que era más un blog en verdad”.

Poco a poco, gracias al boca a boca y a los diferentes trabajos

que iban saliendo, entró al ambiente de la moda. Trabajaba en

Si te he visto no me acuerdo, un sitio de fotos sociales por el que

constantemente asistía a eventos. Se hizo amigos, construyó

contactos y redes que no tenía; Fernández era totalmente ajeno a

ese mundo. “Causé mucho ruido porque nunca se ve a un pendejo

de 16 teniendo publicaciones en revistas establecidas, es una cuestión

demasiado rara. Me hicieron muchas entrevistas y más gente

me conoció, se corrió la voz y ahí ya estaba dentro”. Eso sí, no sin

antes tener que romper una barrera obvia: la edad. “Siempre tenía

que estar probando que era bueno. Había clientes que no conocían

tanto mi trabajo y les decían: ‘Trabaja con el Pepo’, y conocían al

Pepo y era como ‘pero este huevón está en segundo medio, ¡cómo va

a sacar fotos para mi marca!’”.

Fue a los 15 años cuando decidió que sería fotógrafo de moda,

y no fue fácil: “Yo estaba en el colegio. Humildemente hablando,

yo soy súper mateo, súper inteligente, pero me empezó a ir pésimo

porque ya no tenía interés, lo único que hacía era trabajar. Me

exploté mucho. Para mí era la única manera de que la gente me

tomara en serio. Entre retocar, hacer fotos y los trabajos del colegio,

era demasiado. Yo en tercero y cuarto medio prácticamente dormía

tres horas al día. Era terrible”. Y aunque fuera del colegio, hoy

sigue a ese ritmo: “Creo que tuve una presión que no mucha gente

tuvo. Además siempre he sido súper autoexigente. Me levanto y

me acuesto hablando y pensando en la pega. Y si no estoy frente al

computador, estoy detrás de la cámara. Es parte de mí. Yo soy fotógrafo

no porque tengo una cámara, soy fotógrafo porque es una

manera de pensar más que una cosa mecánica”.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 21


EMPRENDEDORES

b Campaña Subito SS16.

c Selección de su portfolio personal 2016.

“Era demasiado hacer fotos, retocarlas y cumplir con los

trabajos del colegio. Yo en tercero y cuarto medio dormía,

prácticamente, tres horas al día. Era terrible”.

SU NUEVA PRODUCCIÓN

Pepo Fernández comenta que se lanzó a la fotografía de moda

porque encontró allí un espacio para retratar, que era lo que finalmente

le interesaba. Pero, en 2014, antes de irse de Chile, se sintió

agobiado: “Sí, soy fotógrafo de moda, pero creo que la moda va

mucho más allá de la ropa. Por eso ahora logro decir ‘soy fotógrafo

de moda’ sin sentirme avergonzado. Antes lo decía, pero sentía que

no estaba haciendo absolutamente nada con mi fotografía. Sobre

todo porque yo soy súper político, trabajo mucho con el tema de

género. Y que tu práctica artística no tenga contenido político es

súper frustrante”. También confiesa que necesitaba encontrar

otro espacio para desarrollar su creatividad y por eso viajó a

Londres. Allí soltó los cánones y estéticas establecidas, y comenzó

a trabajar en análogo, a revelar, a tocar sus imágenes, a tener

consciencia de la materialidad; a valorar el grano, la textura, y

dejar de buscar que todo se vea digital. A manipular los negativos,

romperlos, echarles cloro. También a preferir colores desaturados

y una estética más cruda. “Más punk”, como él la describe. Y

al mismo tiempo salir de la estética mujer-sexy-glamour: “La

manera en que fotografío a una mujer o a un hombre es súper delicada,

pero, al mismo tiempo, súper agénero. Y les doy las mismas

indicaciones a la hora de posar frente a la cámara”.

Andróginos, transexuales, hombres muy afeminados, mujeres

muy masculinas, rostros con ojos separados, cabezas rapadas,

rasgos extraños. Eso es lo que busca Pepo Fernández para fotografiar.

Todo eso que, en general, no se ve en las revistas de moda:

“Cualquier representación tradicional de lo que es masculino y lo

que es femenino me aburren. A mí no me interesa fotografiar a una

mujer con un pelo voluminoso, con ondas, labios rojos, un vestido

apretado y unos tacos. Me muero de aburrimiento, prefiero no

hacerlo. Lo mismo que cuando me piden ‘que el hombre se vea masculino’

o ese tipo de cosas… Altiro les paro los carros. A mí me da lo

mismo perder una pega por anteponer mi estética. Prefiero rechazar

algo a sacrificar todo lo que yo creo. Hay que ser coherente”. Á

22 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 23


ENTREVISTA EXCLUSIVA

A Barco en el río Sena. París, 1954.

Gianni

Berengo

Gardin

“Hasta mis sueños

son en blanco y negro”

Es uno de los pioneros del fotorreportaje. Trabajó con Cartier-Bresson y aún hoy sigue haciendo

fotos, reflexionando sobre el oficio y sobre cómo posicionarse frente a la tecnología. El colega

Cézaro De Luca lo entrevistó para Contrastes en su casa-estudio de Milán. Aquí la nota y algunos

trabajos de este célebre fotógrafo italiano.

Texto y foto de tapa CÉZARO DE LUCA

En Italia lo consideran el que mejor ha retratado la vida

cotidiana de su país en los últimos 50 años. Gianni Berengo

Gardin tiene hoy 85 años y el mismo fervor de siempre por

la fotografía. Admirador de Cartier-Bresson, éste lo eligió junto a

otros 79 fotógrafos en 2003, un año antes de su muerte, para participar

de la exposición “Les choix d’Henri Cartier-Bresson”. “En

1958 hicimos juntos un libro para Olivetti sobre un establecimiento

que tenían en Pozzuoli, Nápoles. La experiencia fue excepcional.

Luego nos encontramos varias veces. Una fue durante el Festival

Internacional de Fotografía de Arlès, donde me regaló un libro con

una dedicatoria extraordinaria: ´A Berengo, con la amistad y la

admiración de Cartier-Bresson´, decía. Para un fotógrafo contar

con su admiración es todo”, dice el fotógrafo italiano.

Berengo comenzó su carrera de reportero gráfico en 1965

para El Mundo y en los años siguientes colaboró con los principales

periódicos nacionales e internacionales como Le Figaro,

L´Espresso y Tiempo. Su ojo agudo para reconocer las diferentes

realidades lo han llevado a destacarse también en otras disciplinas

como la documentación arquitectónica, la de paisajes y

en la fotografía publicitaria, con trabajos hechos para Procter &

Gamble, entre otros. Además, cuenta con otro récord: ha publicado

254 libros de fotos. “Trabajé más con las editoriales que con

los diarios. La mayoría de las veces me buscaba un sponsor y luego

ofrecía el proyecto a un editor”, dice este fotógrafo que se describe

a sí mismo como autodidacta y agrega: “Hice algunos cursos específicos

en Leica, Linhof, Agfa y Kodak, pero después me dediqué a

estudiar de los libros. Con los libros se aprende todo”.

–¿Hubo otros factores que lo hicieron evolucionar y progresar

como fotógrafo?

–Mi fotografía fue siempre similar. El salto de calidad y de interés

lo hice en mis inicios. Resulta que tenía un tío que vivía en

24 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 25


C Hospital psiquiátrico. Parma, 1968.

26 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 27


C En un barco a vapor. Venecia, 1960.

“À Berengo, con la amistad

y la admiración de Cartier-

Bresson´, decía la dedicatoria

de un libro suyo que me

regaló. Para un fotógrafo

contar con su admiración es

todo”.

Estados Unidos y era amigo de Cornell Capa, director de ICP

(International Center of Photography) en Nueva York. Así que

le pidió sus consejos, sabiendo que me interesaba la fotografía.

Capa le sugirió que debía ver unos libros de fotógrafos de

reportajes como los de Dorothea Lange, Eugene Smith, William

Klein, Cartier-Bresson. Una categoría de fotógrafos que hoy,

prácticamente, no existe más. Cuando los vi dejé el amateurismo.

Comprendí que la fotografía podía ser un trabajo, una profesión

con compromiso social para contar las cosas que me interesaban.

Luego, no cambié casi nada más.

–¿Y ha aprendido de sus colegas?

–El bar Jamaica, en Milán, era el lugar donde se juntaban todos

los grandes artistas, pintores y fotógrafos de los años 50, como

Ugo Mulas, Mario Dondero y Uliano Lucas. Yo estaba haciendo

mis primeras armas. Así que iba allí y me quedaba en un rincón,

calladito, escuchándolos. Aprendí mucho, especialmente, de Ugo

Mulas. Siempre le decía: ´Qué linda esta foto´. Hasta que una vez

me encaró: ´Me ofendés diciéndome que mis fotos son lindas´.

´¿Qué debo decir entonces, si para mí linda es buena?´, le pregunté.

´Eso, decí buena´, me contestó.

28 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


C Celebraciones de Semana Santa. Sevilla, 1960.

–¿Usted también se ofende si a sus fotos las describen como

lindas?

–Una fotografía bella puede tener una linda composición, ser técnicamente

correcta… Pero no expresar nada. En cambio, una foto

buena puede estar un poco desenfocada o movida, pero dice algo.

Desde la conversación con Ugo he intentado hacer sólo fotos buenas,

aunque por trabajo también las debo hacer bellas. La gente

además de valorar las fotos buenas aprecia las que son lindas.

–Cuando los alemanes entraron en Italia, le quitaron a la gente

las cámaras. ¿Cree que la foto sigue siendo una herramienta de

concientización social?

–Sí. Cartier-Bresson decía que las fotos no se hacían con la

cámara fotográfica sino poniendo en el mismo eje la cabeza, el

ojo y el corazón. Y eso no cambió. Tampoco el rol del fotógrafo

como testigo. Además, una buena foto se puede hacer tanto con

una cámara digital como con la analógica. Yo hace más de 20 años

que no hago fotos color. El color distrae. Crecí con la televisión

en blanco y negro, y todos mis maestros de fotografía, desde los

estadounidenses que veía en los libros hasta los franceses que

frecuenté, como Robert Doisneau y Philippe Dubois, hacían fotos

en blanco y negro. Por otro parte, el blanco y negro es el dúo más

eficaz para mis reportajes, más crudo, más gráfico, más interesante.

Igual, no tengo opción. Hasta sueño en blanco y negro…

–¿Cuál es su relación con el cine?

–Me gusta el neorrealismo italiano, ese movimiento cinematográfico

que surgió durante la primera mitad del siglo XX como

una reacción a la Posguerra y para mostrar condiciones sociales

más auténticas y humanas. Y siento que ha tomado elementos de

la fotografía –nunca al revés–, porque la fotografía es en sí misma

neorrealista. Las personas que van por la calle son actores que

improvisan para la lente del fotógrafo.

–¿La fotografía callejera es una buena escuela para ejercitarse

en este oficio?

–Para hacer fotografía callejera hay que tener una idea. Me

parece insólito que los fotógrafos amateurs digan: ´hoy salgo con

la cámara, quizá encuentro algo interesante´. No se puede partir

de una casualidad, sino de una idea clara, de un proyecto fotográfico,

e ir a la búsqueda del sujeto. La composición y la técnica son

importantes, pero a mí me interesa el sujeto y el tema que elegí.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 29


C Mujer en su habitación. India, 1977.

30 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 31


ENTREVISTA EXCLUSIVA

A Plaza San Marco. Venecia 1959.

“A mí no me interesa utilizar la fotografía para hacer ´obras

de arte´, ni pasar por artista, como es la tendencia hoy. La

verdadera fotografía sólo debe contar historias y comunicar”.

–Usted pertenece a una generación de fotógrafos famosos, ¿qué

obras admira de sus contemporáneos?

–El trabajo sobre los gitanos de Josef Koudelka, sin dudas.

Sebastiâo Salgado es demasiado “grandioso”, hace demasiadas

cosas. Para nosotros, los fotógrafos italianos, es inalcanzable. Hay

que tener mucho presupuesto para hacer lo que él hace.

PROFESIONALES VS. AMATEURS

Berengo, como familiarmente lo llaman todos en Italia, recibió

grandes premios como el World Press Photo, en 1963; el Premio

Brassaï, en París, en 1990; el Leica Oskard Barnack, en Arlès, en

1995; el Premio Lucie a la Trayectoria, en los Estados Unidos, en

2008; entre otros. Sus obras fueron presentadas en más de 200

exposiciones individuales en Italia y el mundo y son parte de las

colecciones de varios museos y fundaciones culturales como el

Centro Nacional de Grabado de Roma, el Museo de Arte Moderno

de Nueva York, la Maison Europea de la Fotografía y la colección

de fotos FNAC de París.

A fines de agosto de 2015, su muestra “Mostri di Venezia”

(Monstruos de Venecia) dio qué hablar. Trataba sobre las grandes

embarcaciones y cruceros repletos de turistas que llegan a esa

ciudad. El alcalde la prohibió argumentando que daba una imagen

negativa de ese rincón geográfico tan particular. “Me quedé

mal con esa exclusión –cuenta Berengo–. Pero luego, cuando todos

los diarios del mundo como El País, Le Monde, The Guardian y The

New York Times hablaron del tema, me hicieron un favor. Ni bien

la exhibieron en otro centro, la FAI (Fondo Ambiente Italiano) en

Plaza San Marco, más de 1.200 personas la visitaron en los tres

primeros días”.

–En más de una ocasión usted señaló que descree de la fotografía

como arte, ¿sigue defendiendo esa idea?

–Con la fotografía se puede hacer arte y se puede comunicar. A

mí no me interesa utilizar la fotografía para hacer “obras de arte”,

ni pasar por artista, como es la tendencia hoy. La verdadera fotografía

sólo debe contar historias y comunicar cosas.

–Como testigo y partícipe de la fotografía de los últimos 70

años, ¿cree que viene un nuevo futuro para la fotografía?

–Un nuevo futuro no lo sé. A mí me basta con éste. Hoy con el

Photoshop se hacen cosas absurdas. Se anulan las sombras de

las fotografías nocturnas, y en las de paisajes siempre se fabrican

cielos tempestuosos. Una foto tratada con Photoshop no es más

una foto sino que es una imagen, como podría ser un dibujo. El

Photoshop debería ser abolido por ley porque es un instrumento

inadmisible en la fotografía.

–Aprovechando su experiencia, ¿qué le aconsejaría a las nuevas

camadas de fotógrafos?

–No sabría qué. No sirve más aprender la técnica porque las

cámaras modernas lo hacen todo. En cuanto a la preparación

32 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 33


34 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c Auto pequeño estacionado frente al mar.

Reino Unido, 1977.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 35


36 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c Campamento nómada. Florencia, 1993.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 37


C Plaza San Marco. Venecia 1960.

cultural –que considero lo más importante–, recomendaría que

vayan a los libros de los grandes fotógrafos para entender por qué

han hecho esas fotos. Eso es un gran aprendizaje.

–Con tanta catarata de información a través de imágenes, favorecidas

por la popularización de las cámaras digitales y teléfonos

celulares que encuentran difusión amplia e instantánea

en internet, ¿cómo hace un fotógrafo profesional para diferenciarse

de uno amateur?

–Me parece que no hay nada qué hacer. Prácticamente el oficio

de fotógrafo profesional de reportaje no existe más. Existe el de

moda, de still life, de arquitectura… Pero reportaje hace todo el

mundo. Deberían contar algo interesante y no las estupideces

que toman con los celulares. A mis alumnos siempre les decía:

“Primero piensen, luego disparen”. Ahora, hay una publicidad de

una marca de cámaras de fotos en Milán, que dice: “No pienses,

dispara”. Se “ametralla” de un modo casi irracional. Y otra de las

manías increíbles es la de mirar inmediatamente la foto sacada.

Un buen fotógrafo no tiene necesidad de verla enseguida por

miedo a que no le haya salido, sabe qué sacó. Es otra concepción

de la fotografía, y también estoy contra eso. Á

CUESTIÓN DE TÉCNICA

–¿Con qué cámara fotográfica le gusta trabajar?

–La M7, que tiene pocas diferencias con la M6, pero en ciertos

casos me interesa porque es capaz de medir la luz de manera

automática. Especialmente, para escenas con luz cambiante.

Sé que cuando Sebastiâo Salgado viaja lleva las digitales, pero

también una M6 porque dice: “La M6 no me ha traicionado

jamás”.

–¿Cuándo es el momento de cambiar de cámara?

–Nunca. Tengo una Leica M3, por ejemplo, que compré en el

54 y todavía la uso. En cambio la digital, luego de cinco a diez

años, ya no sirve: las fotos vienen con puntitos, detalles, y eso

es una complicación. La M3 la llevo con 2 M7. En lentes, sólo

gran angulares y alguna vez el 90mm. Mis lentes son el 28mm

y el 35mm, raramente el 21mm. Tengo un 24mm, pero del

28mm prefiero saltar al 21mm. El 35mm lo uso como el normal,

y cuando preciso más amplitud uso el 28mm, que además

me da más profundidad de campo. No uso casi nunca teleobjetivos

porque me dedico a los retratos ambientados. El 90mm

sólo lo uso cuando tengo que hacer propiamente retratos.

38 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


ESTUDIO

40 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


a La cantautora Bárbara Barale en un

escenario de ficción recreado en estudio.

Zoom Spot

Hay escenas que tienen luces tradicionales como la frontal sobre el ceño fruncido de un

interrogado o la contrapicada en un rostro de terror. El teatro también tiene las suyas. La luz

redonda que se enciende y luego aparece el personaje es un clásico en muchos espectáculos.

En realidad la produce un flash, y aquí mostramos cómo usarlo.

Texto y fotos ROBERT KINCAID • Asistente NICO FERRARI

En el teatro es habitual el uso de una

fuente de luz bien concentrada, en el

mejor de los casos concentrada con

elementos ópticos similares al objetivo

de un proyector, y con la posibilidad de

mover las lentes en frente de la lámpara

para reducir o agrandar el diámetro del

haz y a la vez hacer más o menos definido

el borde del propio haz. Eso es a lo que se

denomina un “seguidor”: una fuente que

se puede mover fácilmente y seguir los

desplazamientos en escena del artista.

Todos hemos vivido la emoción del rayo

de luz que se enciende y luego aparece

el personaje, una manera de concentrar

la atención bien probada y efectiva. El

Zoom Spot tiene esas cualidades, pero es

un flash, un poderoso flash de 4.800Ws.

Como es posible enfocar el haz, en este

caso mediante el uso de un diafragma iris

manual, también se puede utilizar como

proyector de fondos utilizando gobos,

que no son más que plantillas o stencils

que modifican la forma del haz de luz al

restringirlo y entonces dibujan figuras

sobre la superficie alcanzada. En este caso

lo utilizamos para generar esa luz clásica

de escena sobre una artista, una artista de

verdad, la cantautora Bárbara Barale.

El planteo de luces fue muy simple: el

Zoom Spot a 45 grados arriba y a la derecha

de la artista, un ángulo habitual en los

teatros. La elevamos lo suficiente como

para proyectar la sombra del personaje en

el piso. Dos luces más de contra, como si

vinieran de bambalinas, un tercer flash en

el piso detrás de la cantante iluminando el

fondo con color y un cuarto flash dirigido

al rostro desde el lateral izquierdo.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 41


ESTUDIO

C Toda la puesta. Podemos armar un teatro imaginario alrededor de esta puesta.

C Primera aproximación con el Zoom Spot

buscando el haz en el piso.

C La toma sin el fondo coloreado.

42 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


C Gobos: filtros que se colocan frente al haz de

A luz para emitir figuras en lugar de áreas

circulares de iluminación, muy bien definidas.

a Como si fuese el diafragma de una cámara,

que regula la entrada de luz, éste permite

aumentar o disminuir el diámetro del haz de

luz emitido por el flash.

Tarea sencilla para el Zoom Spot, este

“aparato” está diseñado y construido para

grandes exigencias: tiene luz de modelaje,

ventilador incorporado y el haz de

luz se puede variar de 15 a 35 grados. Por

supuesto tiene soportes para filtros, gobos

y máscaras. Gran versatilidad para generar

efectos de luces de escenario. Eso sí,

tiene su peso: 14kg. Necesita un buen pie.

Nuestra intención era que en la imagen

apareciera el clásico círculo del haz de luz

en el piso, por lo que hicimos la toma un

poco picada, como si viéramos el espectáculo

desde la parte alta de un anfiteatro. El

sombrero del personaje nos obligó a poner

una luz a la altura de los ojos para borrar la

sombra que produce el Zoom Spot iluminando

desde arriba. Este tipo de flash no

es de esos elementos que vamos a utilizar

todos los días pero es de los que hacen su

tarea de forma irremplazable. Á

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 43


HISTORIAS

El pasado

golpea en 14

estaciones

En una serie de 14 ambrotipos, el artista chileno Mauricio Toro

Goya, hace un paralelismo entre la vida de Jesús y la de una pareja

de detenidos desaparecidos durante la dictadura de Pinochet.

Texto DORA BECHER

El trabajo del fotógrafo Mauricio Toro Goya titulado Gólgota, Caravana de la

muerte, se basa en un paralelo entre la vida de Jesús y una pareja de detenidos

desaparecidos en Chile, víctimas de la Caravana de la Muerte, que se llevó a cabo

al mes del golpe de Estado encabezado por Augusto Pinochet y que significó la ejecución

y posterior desaparición de 96 personas. Catorce estaciones tuvo el calvario de Jesús y

catorce son las fotografías del relato de Toro Goya. Todas fueron realizadas con la técnica

de impresión fotográfica llamada ambrotipo, que data de mediados del siglo XIX

y que crea una imagen positiva en una placa de vidrio, mediante el proceso de colodión

húmedo.

Para la curadora de este proyecto Soledad Aguirre: “Quien llegue a aventurarse en la

obra Gólgota, Caravana de la muerte, debe estar dispuesto a impregnarse de una atmósfera

sombría y punzante, que de manera directa y frontal nos adentra en una narración

acerca de la memoria y los diálogos entre la historia y el pasado reciente. A partir de ello, el

autor cavila en torno a los complejos subtextos de cada composición, creando un corpus

alegórico en base a símbolos y elementos de la cultura popular, tales como animales u objetos

varios. Piezas, que a su vez son desplazadas en un escenario religioso impregnado de

demandas políticas”.

44 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c Estación 4, El juicio. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 45


HISTORIAS

c Estación 2, Luego de la cena. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

c Estación 1, La felación. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

46 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c Estación 6, Tortura. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

c Estación 7, Violación. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 47


HISTORIAS

C Estación 8, Fusilamiento. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

C Estación 9, Recogida de televisores. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

C Estación 10, Empaquetado. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

48 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


C Estación 13, Bolsa de basura. (Ambrotipo 8x10 pulgadas)

En cuanto al autor, cuando presentó esta serie (está también en

formato libro) en Oaxaca, México, habló del proceso de construcción

de estas imágenes y dijo: “la investigación y las referencias

documentadas sobre personas que sufrieron tortura y la muerte

por los agentes de la DINA, son impactantes, muchas veces tuve

pesadillas durante el tiempo que duró el trabajo, esas mismas se

reflejan en algunas fotografías de este trabajo. He tratado de ser

lo más explícito posible, busco hacer visible algo que sólo está en

relatos y de esta forma provocar un cuestionamiento interno en el

espectador”.

Para conocer más sobre la obra del artista: www.torogoya.cl Á

EL AUTOR

Mauricio Toro-Goya nació en 1970. Vive actualmente en

Coquimbo. Tiene estudios en arte, diseño y fotografía.

Su obra reflexiona sobre la sociedad usando recursos

técnicos antiguos como base de su propuesta estética.

Desde 1990 trabaja en fotografía, con más de cuarenta

exhibiciones colectivas e individuales. Publicó 16 libros

con trabajos fotográficos en el área documental, autoral

y de investigación patrimonial, que son parte de los catálogos

de bibliotecas nacionales e internacionales. Es

ganador del Premio Fondart a nivel regional y nacional.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 49


ILUMINACIÓN

El tamaño

relativo de la

fuente

En diferentes números de Contrastes hemos dicho que el tamaño de la fuente se mide en función

del área que ocupa en el campo visual del sujeto/objeto fotografiado. En este ejemplo veremos

cómo “fabricar” una fuente a la medida del sujeto y de nuestras posibilidades.

Texto y fotos GUILLERMO CANTÓN

50 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


a Baquet de Angel Lovalvo, Campeón 1937-39. Colección

del Museo del TC, Autódromo Mouras, La Plata.

c Tercera pared construida con un banner recubierto por tela blanca (friselina). Como

se aprecia, el área iluminada por los flashes es similar al tamaño del vehículo.

a mayoría de los

modificadores de luz

y ejemplos de iluminación

se refieren a

personas, y a cómo

iluminar retratos en

general. Tenemos a la figura humana

como referente para casi todas estas

cuestiones, somos antropocéntricos. Más

aún, en fotografía casi siempre el modelo

es “la” modelo. Digamos que la práctica

fotográfica es más vale feminicéntrica…

Este criterio también es válido para los

planos. Primer Plano, Plano Medio, Plano

Americano, todo es en referencia a la

figura humana.

Bien, ¿y qué pasa cuando fotografiamos

elementos con otras dimensiones

y formas? Este es un caso. Tenemos que

fotografiar un antiguo vehículo de competición

y dada la situación hay que iluminarlo.

El auto está en un clásico galpón

y podemos disponer para la toma de una

esquina, un ángulo interior con dos paredes

blancas. Buen comienzo. Nos falta una

tercera pared. Desde arriba no podemos

hacer nada, una pena. No tenemos elementos

ni tiempo para inventarlos. La tercera

pared la fabricamos con un gran banner,

que la providencia nos dejó en el lugar,

cubierto por una tela blanca (Foto 01).

En general, a los automóviles les viene

bien una iluminación con fuentes relativamente

grandes. El clásico recurso es

fotografiarlos en exteriores, cuando el sol

se puso y la luz proviene de toda la bóveda

celeste. ¿Por qué? Porque de esa forma no

vamos a tener reflejos especulares, ni puntos

de luz sobre las superficies. Pero en

este caso no era posible: la foto se hizo una

mañana de lluvia torrencial.

Por suerte, en el lugar disponemos de

dos paredes blancas que iluminadas con

sendos flashes nos van a proveer de una

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 51


ILUMINACIÓN

C Desde este ángulo vemos los flashes que iluminan el banner, y el que

está detrás del auto hacia la pared.

c Los dos flashes directos al auto, sombras y brillos molestos.

52 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


C (arriba) Motor iluminado con flash directo.

Atención a las sombras de los cables

proyectadas.

C (abajo) La misma toma con el paraguas,

desaparecen las sombras duras y los

volúmenes se aprecian mejor.

a Un paraguas de generosas proporciones es

muy efectivo a la hora de fotografiar

volúmenes complejos.

luz bien envolvente. Con la ayuda del

banner y la tela blanca nos hacemos de

una tercera pared blanca que también

transformamos en una gran fuente, en

relación al vehículo. La tela la podemos

usar para reflejar o refractar la luz. En este

caso sería imposible hacer pasar la luz de

los flashes por la tela como si fuese una

gran caja de luz, no hay espacio para eso.

Es más sencillo y práctico hacerlos reflejar

o rebotar.

Entonces, ponemos los flashes en el piso

apuntado hacia la tela de manera que el

área que iluminen ocupe una distancia

similar al largo del auto (Foto 02). Si apuntamos

los flashes directos hacia el auto

vemos como se producen sombras marcadas,

reflejos especulares y brillos molestos

(Foto 03). Por esta razón, si queremos tener

una luz envolvente, sin reflejos y sombras

marcadas, tenemos que generar una

fuente grande.

Recordemos que el tamaño relativo está

dado por el espacio que ocupa la fuente

en el campo visual del sujeto. Cómo ve

la fuente al sujeto fotografiado. En este

caso generamos tres fuentes grandes, las

paredes y el banner; y le agregamos una

cuarta fuente, un paraguas traslúcido de

1.20m de diámetro enfrente del automóvil.

Aunque el paraguas es considerablemente

más pequeño que las paredes, la forma

del vehículo –la trompa, especialmente–

permite que lo utilicemos sin riesgos de

reflejos puntuales.

El resto es la relación de intensidades

entre las cuatro fuentes que iluminan el

móvil. En este caso sobreexpusimos el

fondo para borrar detalles de la construcción

y marcar un contraluz.

EN SÍNTESIS:

1. El tamaño de la fuente es decisivo

en cuanto al resultado buscado.

2. El tamaño de la fuente es relativo.

Depende de cómo el sujeto ve la

fuente, y su construcción puede

ser tan simple como desplegar

una tela/papel blanco donde reflejar

un rayo de luz.

¡A no achicarse! La luz es muy generosa

y con un poco de ingenio podemos crear

fuentes de cualquier tamaño. Á

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 53


c Alberto De Agostini con su cámara.

54 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


MAESTROS

Alberto De Agostini (1883-1960)

Su Patagonia

en sepia

Cura y fotógrafo. Fue cautivado por la soledad de la Patagonia y la ilusión de sus paisajes. Se

encomendó a iluminar a los aborígenes del sur, con su fe y con su cámara. Aquí, su historia.

Texto FERNANDA SOULÉ

La primera vez que Alberto De Agostini nació, fue en el

Piamonte italiano, un 2 de noviembre de 1883. La segunda

vez que abrió los ojos, los suyos y los de su cámara, fue en

Tierra del Fuego.

Sólo un puñado del vasto pueblo que habían sido los Onas

y Yámanas, quedaba en aquellos primeros años del 1900. La

Conquista al Desierto los había diezmado, también había modificado

su entorno y sus hábitos con la introducción del ganado. Se

estaban muriendo sin remedio y en silencio. Gracias a la misión

de protegerlos y evangelizarlos que le encargaron los salesianos,

el padre Alberto María De Agostini llegó a Tierra del Fuego en

1910. Tenía 27 años y estaba recién ordenado.

Era un hombre curioso e inquieto. La sensación de aventura le

daba la vida. No era el típico cura de pueblo, abocado a las responsabilidades

y los ritos religiosos. Era un sacerdote de profunda

vocación, pero también un joven amante de la fotografía, los viajes

y la aviación. Para la época era, sin dudas, un excéntrico.

LA MISIÓN

Los salesianos se esforzaban por preservar la cultura de los aborígenes,

agrupándolos en misiones, pero tenían gran oposición de

las familias más poderosas de la zona que los demandaban como

mano de obra barata. De Agostini trabajaba intensamente como

religioso, pero dedicaba todo su tiempo libre a explorar el territorio

fueguino y a documentar sus viajes.

“El lugar es de los más salvajes y grandiosos. Selvas, lagos,

ríos, cascadas, constituyen el pedestal de este fantástico castillo

torreado, con murallones gigantescos, acorazado de hielos, sobrepasado

por agujas de terrible aspecto que tanta seducción ofrecen

al denuedo de los montañistas”, describía en su diario, maravillado

por la Cordillera. De aquellas expediciones quedaban palabras,

pero también imágenes.

El Padre era un fotógrafo aficionado que jamás salía sin su

cámara. Para él, funcionaba como una gran herramienta de

documentación. En sus travesías, siempre buscaba los puntos

más altos del paisaje, para poder obtener las mejores vistas panorámicas

y aportar así a la cartografía de la zona que, en aquellos

años, era aún precaria y equívoca.

A principios de la década del treinta, De Agostini se aventuró a

la región de los glaciares. Ya en Santa Cruz escribía entusiasmado:

“Un panorama estupendo, indescriptible por la profunda vastedad

del horizonte y por la sublime grandiosidad de los centenares de

cumbres… Son las primeras miradas humanas que contemplan

estas soledades de hielo, entre arrebatos de alegría y atónito recogimiento…

La mirada se dirige ávida a través de aquella inmensa

extensión de nieves, de hielo y de cumbres, que la cristalina transparencia

de la atmósfera y la fulgurante luz del sol tornan aún

más nítida, y procuro escrutar sus secretos”.

A esas alturas, De Agostini ya era un hombre al que costaba

definir en unas pocas palabras: antropólogo, fotógrafo, geólogo,

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 55


MAESTROS

56 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


En sus travesías siempre

buscaba los puntos más

altos del paisaje para poder

obtener las mejores vistas

panorámicas y aportar así a la

cartografía de la zona.

a Mujer Selknam.

C Tierra del Fuego, familia Selknam en su toldo. Isla Grande.

etnólogo, alpinista… todo combinado con la profunda espiritualidad

de quien se ha consagrado a la fe. Sus ojos (y su lente) eran

capaces de mirar a la vez la inmensidad del paisaje y la pequeñez

de los ojos turbados de un aborigen quebrado ante la extinción de

su vida y de su pueblo.

LA CIMA Y EL LLANO

“La atracción más imponente la constituye el Monte Fitz Roy… Es

el señor de toda esta vasta región montañosa, es otro Cervino (el

monte más famoso de los Alpes), algo más modesto en cuanto a

elevación pero no menos terrible por la verticalidad de sus paredes

y la majestuosidad de su cúspide. El Fitz Roy es sin duda una de las

montañas más bellas e imponentes de la Cordillera Patagónica…”,

escribió en su diario con vehemencia. Los gauchos que lo acompañaban

contaban –entre asombrados y risueños– que De Agostini

siempre escalaba en sotana y cargado de pesados equipos de

fotografía.

En el otro extremo de la experiencia en sepia, el acercamiento

llano y fraternal a aquellos hombres apenas cubiertos por pieles

aunque las temperaturas fueran crueles, aquellos que moraban

en cuevas y vivían de la caza. Al final del día, el padre Alberto, que

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 57


MAESTROS

C Grupo Alacaluf en su canoa.

A Tapa del Libro Andes Patagónicos, segunda edición, 1945.

Los gauchos que lo

acompañaban contaban,

entre asombrados y risueños,

que siempre escalaba en

sotana y cargado de pesados

equipos de fotografía.

58 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c Mujer Selknam, Tierra del Fuego.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 59


MAESTROS

A Cazador Selknam, Isla Grande, Tierra del Fuego.

c Glaciar Piedras Blancas y Macizo del Fitz Roy. Comparativa de toma de

De Agostini 1945/Eric Guth 2013.

EL LIBRO

El periodista Germán

Sopeña, falleció el 28 de

abril de 2001 al caer el

avión en que se dirigía

a Punta Bandera. Justo

estaba escribiendo la

biografía de Alberto De

Agostini, con quien tenía

pasiones en común, a

pesar de no ser coetáneos.

Desde el amor a la

Patagonia hasta las fotos,

que el periodista también

acostumbraba a tomar en

sus coberturas. “Monseñor Patagonia”, es un libro atractivo

que cuenta la vida y los viajes del gran explorador salesiano,

Maestro de este número de Contrastes.

60 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


C Alberto De Agostini y el piloto Franco Bianco, Puerto Bories, 1937.

Sus ojos y su lente eran

capaces de mirar la

inmensidad del paisaje y la

pequeñez de los ojos turbados

de un aborigen quebrado

ante la extinción de su

pueblo.

había venido desde Europa a enseñar la fe y la vida casta, terminaba

siendo un humilde alumno frente a aquella vida envuelta

en naturaleza. En cada imagen tomada a los aborígenes se percibe

el vínculo fraternal, la confianza de aquella gente vulnerable

hacia el hombre detrás de la lente. Aquel que no fue con armas,

aquel que no fue a robarles, aquel que llegó para quedarse.

A medida que se volvía mayor, De Agostini necesitaba refugiarse

en Italia durante los meses más duros del invierno austral.

Allí, en la Casa Matriz de los Salesianos en Turín, murió el 25 de

diciembre de 1960. La paradoja de la vida, quiso que el hombre que

nació dos veces, se fuera un día de Navidad.

En el macizo Torres del Paine, en la Patagonia Chilena, se

levanta un inmenso monte de 2.850 metros, el más alto del

entorno. Lleva el nombre de un padre salesiano: Alberto María

De Agostini. Tiene las mejores panorámicas, las que él hubiera

elegido para grabar en su cámara. Á

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 61


FORMATO RAW

Formato

Raw

Desde la próxima edición en papel, cinco entregas sobre el formato Raw, por el fotógrafo

Alejandro Calderone. Aquí, explica la importancia de ese formato y lo que vamos a encontrar en

cada una de las entregas.

Texto ALEJANDRO CALDERONE

El formato de archivos más común

en fotografía es sin lugar a dudas

el JPG. Éste es legible en todos los

programas que puedan mostrar imágenes

y viene por defecto activado en todas las

cámaras fotográficas existentes. Esto

es muy versátil y práctico; ocupa muy

poco espacio en las tarjetas de memoria

y cuando vemos las fotos, están buenísimas

y nos damos por satisfechos

inmediatamente.

¡Uy! ¡Si supieran…! Las diferencias

entre un JPG y un RAW de cámara son

¡enoooooormes! Deberíamos conocerlas,

sobre todo, si nos dedicamos a la fotografía

profesional. No hay excusa.

En la vieja escuela, el proceso de una

imagen comenzaba en nuestra cabeza,

pasaba por la cámara y terminaba en

el laboratorio. Hoy en día, con las nuevas

tecnologías, debería ser lo mismo

pero con muchos y mejores resultados.

Sin embargo, vaya uno a saber por qué

extraña razón, la mayoría usa JPG, se

conforma con los ajustes de cámara, algún

toque en Photoshop o Lightroom y da por

terminado el trabajo… Lo siento, pero esto

es tan espantoso como ser cirujano sin

haber estudiado medicina.

C Con una exposición promedio podremos

obtener una cantidad de tonos y detalles que

en el formato JPG sería casi imposible.

62 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


c Veremos cómo equilibrar luces y sombras,

extraer detalles y, por qué no, convertir a

blanco y negro con la mejor escala de grises

posible.

FEBRERO / MARZO 2016 CONTRASTES 63


FORMATO RAW

C En JPG capturamos 256 tonos por color y los

comprimimos haciendo que muchos

desaparezcan. En RAW tenemos 65.000 tonos

por color que se mantienen intactos por

siempre.

En los próximos cinco números de

CONTRASTES veremos por qué el RAW

de cámara es el mejor de todos los formatos

y las enormes diferencias que hay con

el resto de los archivos. Cómo sacarle provecho

a sus cámaras y, sobre todo, cómo

procesar sus imágenes.

En el primer capítulo encontrarán una

buena base teórica para saber por qué

éste, realmente, es el formato profesional

indiscutible y se darán cuenta de por qué

la mayoría de los fotógrafos profesionales

lo usan sin discusión. Trataremos las

diferencias entre los populares programas

Photoshop y Lightroom, cómo actualizar

el plugin en Photoshop, y qué es y para qué

sirve el DNG Converter de Adobe.

En el segundo veremos la enorme

cantidad de herramientas de ajuste y

retoque que este plugin ofrece antes de

abrir la foto en Photoshop, trabajando por

defecto en la mayor cantidad de bits que

tu cámara ofrezca.

En los tres capítulos restantes vamos a

procesar las fotografías para sacarles el

mejor provecho, tocando tres temas fundamentales:

retratos, naturaleza muerta

y paisajes.

Usaremos las herramientas básicas

y también entraremos en el inagotable

mundo de los pinceles de ajuste, máscaras

y degradados de tono. Trabajaremos el

foco y el ruido. Recuperaremos detalles

en las luces y las sombras sin demasiado

esfuerzo…

Bueno, espero haberlos entusiasmado,

que me sigan en los próximos números de

la revista y se embarquen en la hermosa

tarea de procesar imágenes para darles un

acabado profesional. Á

64 CONTRASTES FEBRERO / MARZO 2016


Batería

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RESEÑAS

Texto MANUEL H. CASTRILLÓN

manuel.castrillon@gmail.com

NIKON D5

LA CES 2016, la feria de tecnología más importante del

mundo, que se realiza anualmente en los primeros días

de enero, no fue sólo un lugar para mostrar nuevos

drones, dispositivos de realidad virtual y pantallas HDR.

También fue el sitio elegido por Nikon para presentar su

modelo D5, un equipo que sobresale por varias características

a los modelos previos de la marca.

Estamos ante una cámara que tiene 20,8 millones

de píxeles efectivos, con un sensor de imagen CMOS

FX de 35,9 x 25,9 mm. El display táctil de cristal líquido

de 3,2 pulgadas, con resolución XGA, posee un ángulo

de visión de 170°, aproximadamente.

La velocidad que obtiene a resolución máxima es de

12 disparos continuos por segundo y llega a 14, si se

mantiene levantado el espejo. En esto no es la más rápida

del mercado, pero esta réflex de Nikon puede grabar

video en resolución 4K UHD, 3840 x 2160 píxeles a

30 fps, en formato MOV.

La D5 pesa 1,4 kg con la batería (EN-EL 18a de ión

de litio) y sus tarjetas de memoria colocadas, que pueden

ser dos XQD o dos Compact Flash. Si nos fijamos

en las interfaces que posee este modelo, vemos que

presenta salida HDMI, USB 3.0, Ethernet, conector de

auriculares y entrada de micrófono auxiliar, además

del que tiene incorporado. Para Wi-Fi recurre a una

unidad externa WT-5A/WT-6A. Usa de GPS el GP-1A de

Nikon.

Posee un máximo de 153 puntos de autofoco. El rango

de la sensibilidad ISO va desde 100 hasta 102.400.

Esto último vuelve a confirmar la fama de estos equipos

de Nikon para trabajar a muy baja luz natural.

Permite guardar las fotos en TIFF, JPEG y NEF, a 12 o

14 bits.

Si vemos el precio anticipado de la D5 en tiendas

digitales como Amazon, que es de unos US$ 6.400, notamos

que no ha subido mucho con relación a la D4S,

que está a 6.000 dólares. Muy poca diferencia pese a

ciertas mejoras notables, como pasar de 16,2 a 20,8

millones de píxeles efectivos.

Grabación de video 4K UHD.

No posee Wi-Fi incorporado.

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NIKON D500

ENTRE los distintos equipos presentados en la CES 2016

de Las Vegas estuvo la Nikon D500, una réflex con formato

del sensor de imagen DX que vendría a reemplazar

al modelo D300S. ¿Cuáles son las principales características

de este producto?

Para empezar, alcanza una resolución máxima de

20,9 millones de píxeles efectivos, con un sensor CMOS

de 23,5 x 15,7 mm. Permite tomar imágenes en formato

NEF, TIFF y JPEG. Captura videos en 4K UHD, que

serán almacenados como archivos MOV, a 24, 25 y 30 f.

Su pantalla de cristal líquido táctil es de 3,2 pulgadas,

con 2.359.000 puntos. Posee como máximo 153

puntos AF, de los cuales 55 o 15 están disponibles para

selección. Su rango de sensibilidad ISO va de 100 a

51.200.

Tiene conectividad Bluetooth 4 y posibilidad de

conectarse con dispositivos compatibles por medio

de NFC (con un toque o acercamiento muy cerrado

permite fácilmente enviar imágenes a un smartphone,

por ejemplo). Puede entonces transmitir las imágenes

utilizando el WI-FI de los móviles o el propio. La velocidad

de disparos continuos por segundo es de 10 fps.

El almacenamiento del equipo es por medio de tarjetas

de memoria SD, SDHC, SDXC y XQD.

El cuerpo de la D500 pesa, con batería (una EN-

EL15 de ión litio recargable) y tarjeta de memoria XQD

incluidas, unos 760 g.

Según fuentes oficiales de Nikon Japón, reproducidas

por medios especializados, el lanzamiento de la

D500 se retrasó un mes de la fecha inicial prevista, por

lo que estará en los comercios a fines de abril. Su precio

rondará los 2.000 dólares en el exterior.

Tiene Wi-Fi incorporado.

El LCD no tiene control automático de brillo.

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RESEÑAS

NIKON KEYMISSION 360

UNA cámara nacida para competir y ganar en el movido

mercado de las destinadas a los deportes extremos,

el de las action cam, como las que hacen GoPro, Sony

y otros fabricantes. Este parece ser el objetivo de la

recientemente presentada a la prensa por Nikon, la

KeyMission 360, la primera en su tipo que construye esta

compañía.

Aunque se dice que faltan pocos meses para su

lanzamiento en el mercado, es muy poco lo que se

sabe de la KeyMission 360. Su precio también es un

misterio. En principio, revelaron que posee dos sensores

y lentes a cada lado que permiten filmar videos en

resolución 4K UHD a 360°. También, capturar imágenes

fijas, como las del Street View de Google, que en

ciertos puntos del mapa podemos ver todo alrededor,

incluidos el cielo y la tierra. Esta función del gigante

informático constituye una herramienta colaborativa,

ya que cualquiera puede alojar sus propias tomas en el

Google Maps, logradas con equipos que lo permitan.

Otro de los datos revelados por la empresa es que

será sumergible hasta una profundidad de 30 m (aunque

no se sabe durante cuánto tiempo) y es a prueba

de golpes desde una altura de 2 m. También tendrá

una resistencia especial a las bajas temperaturas y a

los rayones producidos por el polvo.

A pesar de que no lo dice el comunicado de

Nikon, por las imágenes oficiales se puede inferir

que contará con tecnología de conectividad Wi-Fi y

Bluetooth, así como también NFC (siglas de Near Field

Communication), que sirve para enlazarla a un celular

u otro dispositivo.

No se indica si contará con giróscopo y GPS propio.

Lo que sí se informó es que saldrá a la venta con toda

una línea de accesorios para poder sujetarla, por

ejemplo, a los cascos de los paracaidistas, las bicicletas

o incluso a drones.

¿Logrará la KeyMission 360 de Nikon pisar fuerte

en este mercado? Tiene a su favor el prestigio de la

marca. Veremos si el precio no le juega en contra.

Cuenta con 2 sensores y 2 lentes que permiten

capturar imágenes y video en 360º.

Aún no hay datos suficientes para realizar este

tipo de comentarios.

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