Música Clásica 3.0 Nº2

musicaclasicaba

Música Clásica 3.0 es un publicación mensual digital de MusicaClasicaBA. Un enfoque más actual y desestructurado del mundo de la música clásica. Además del énfasis en el diseño, realizamos un aprovechamiento de las nuevas tecnologías y las redes sociales, por eso a nuestra revista impresa y página web le hemos sumado esta nueva publicación. En Música Clásica 3.0 encontrarán información de agenda, notas y entrevistas a artistas destacados.

MÚSICA CLÁSICA 3.0

UNA PUBLICACIÓN MENSUAL DE MCBA

MIGUEL

GALPERÍN

LUDMILA

PAGLIERO

TANGO Y

MÚSICA CLÁSICA

#CONVOCATORIAS #VIDEOS

#AGENDA #RESEÑAS #NOTICIAS

#2

FEBRERO 2019


SUMARIO

3.

EDITORIAL

MIGUEL05

GALPERÍN

18.

24.

28.

LA CALLE DE LOS PIANISTAS

LA TURANDOT DE WILSON

EN EL TEATRO REAL

LA RELACIÓN DEL TANGO

CON LA MÚSICA CLÁSICA

32.

CONVOCATORIAS

14

LUDMILA

PAGLIERO

36.

41.

42.

CICLOS Y CONCIERTOS

STREAMING MCBA

AGENDA FEBRERO 2019

STAFF MCBA

DIRECTORES PROPIETARIOS MCBA

Gabriela Levite

Maximiliano Luna

DIRECTORA EDITORIAL

Gabriela Levite

DISEÑO EDITORIAL

María Luz Guillén | guillen.marialuz@gmail.com

ESCRIBEN EN ESTA EDICIÓN

Alicia Perris

Virginia Chacon Dorr

Iván Gordin

Lucila Bruno

Sandra de la Fuente

Gabriela Levite

FOTOGRAFÍA DE TAPA

Gisela Pelaez

DISEÑO IMAGEN DE TAPA

MusicaClasicaBA y María Luz Guillén

AGENDA

Carlos Romero

agenda.musicaclasicaba@gmail.com

COMUNICACIÓN INSTITUCIONAL

Alicia Gubitsch

prensa.aliciagubitsch@gmail.com

SUSCRIPCIONES

musicaclasicaba@gmail.com

CONTACTO COMERCIAL

musicaclasicaba@gmail.com | (+54 11) 4733 9048

FEBRERO 2019 | EDICIÓN N°2 - AÑO 0

Revista digital

Registro DNA en trámite


EDITORIAL

¡Ya pasamos la prueba piloto y luego de una gran

bienvenida del ambiente, aquí estamos con el

N°2 de Música Clásica 3.0!

Para la tapa, en esta ocasión hemos elegido

a Miguel Galperín, director del Centro de

Experimentación del Teatro Colón, quien nos

cuenta todos los detalles de la temporada 2019

de este indispensable espacio y también sobre

el rol de la nueva ópera, en una nota escrita por

Virginia Chacon Dorr.

Además una nota de Lucila Bruno sobre la

multipremiada “La Calle de los Pianistas”

aprovechando su reciente proyección en

Cine.ar * , canal de televisión del Instituto

Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.

Sandra de la Fuente nos cuenta sobre el exceso de protagonismo de algunos regisseurs.

Además una nota sobre la relación entre el Tango y la Música Clásica escrita por Iván Gordin y

mucha información de agenda y convocatorias.

Pueden seguirnos en las redes sociales, enterarse de más novedades a través de la página web y leer

y releer cuantas veces quieran las revistas semestrales en su versión online o bien suscribirse para

recibirlas en sus casas o pasar a buscar el último ejemplar por los puntos de distribución gratuitos.

Gracias por estar siempre presentes ¡Cada mes brindaremos por los casi 6 años de MusicaClasicaBA!

Gabriela Levite y Maximiliano Luna.

http://musicaclasicaba.com.ar | musicaclasicaba@gmail.com

*

ProyectaEl canal se puede ver en forma gratuita por el canal 22.4 de la plataforma Televisión Digital Abierta (TDA). También

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MCBA ha sido declarada de interés Cultural por la Ciudad Autónoma

de Buenos Aires, por el Ministerio de Cultura de la Presidencia de la Nación

y por el Teatro Colón.

Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin previa autorización por escrito de sus autores.

Los anuncios, artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente

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4 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar

PH :

Liana Brazil


“En la creación tiene

que haber una pulsión

narrativa ficcional,

dramatúrgica, eso es

ópera en su raíz más

profunda”

Por Virginia Chacon Dorr

El Centro de Experimentación

del Teatro Colón cumple el año

que viene su 30 aniversario de

creación. Durante su historia, y

por supuesto en la actualidad,

el CETC fue un nodo de producción

de nuevas obras y estéticas,

con el beneficio lógico

de acercar al público a las ideas

actuales de los compositores

y artistas que delinean las expresiones

de nuestra época. A

esto se suma la capacidad material

de poner a disposición de

oídos y demás sentidos obras

que difícilmente serían presentadas

en otros espacios.

Estrenos y encargos también

forman parte de las actividades

del CETC, ensanchando los horizontes

posibles de creación e

interpretación. La programación

de 2019 articula varios

ejes de su misión como institución,

entre los que se encuentran

residencias de ensambles

locales (Valensamble, Tropi,

Ars Magna, Tambor fantasma,

Música inaudita) y la invitación

del ensamble francés 2e2m. A

esto se suma la invitación de

los compositores Gavin Bryars

y Beat Furrer, y obras de radioteatro

experimental.

Hablamos con Miguel Galperín,

director del CETC, sobre la programación

de este año, que articula

cuestiones fundamentales

de la actualidad musical como

la creación, la situación de la

ópera, y el papel de la institución

en el entramado cultural de

la Ciudad de Buenos Aires.

En la nota editorial del primer

número de Música Clásica

3.0, los editores se plantean

una pregunta muy concreta

“¿Qué es la música contemporánea?”.

Me gustaría saber

qué pensás sobre el término

“contemporáneo” en

relación a la música.

Lo primero que se me ocurre

es que es limitante pensarse

como músico contemporáneo,

y lo es más pensarse como

compositor contemporáneo.

Creo que alguien que se limita

a considerarse “contemporáneo”

se remite a un set muy

limitado de habilidades. Pero

estos términos tienen que ver,

sobre todo, con una cuestión

institucional; son resultado de

fuerzas institucionales y tradiciones.

Lo “contemporáneo”

creo que deja afuera básicamente

la tonalidad. Hilando

más fino tiene que ver con

entender el fenómeno de la

cadencia, y entender algunas

cuestiones básicas del sonido,

como por ejemplo la octava, si

se quiere el registro. Por ejemplo

en el comienzo de esta obra

(señala la partitura del Preludio

en si bemol mayor de J. S. Bach

sobre la mesa) es sencillamente

un viaje entre un si bemol 4 y

un si bemol 3, en 15 o 16 compases.

Y esto es un fenómeno

que lo contemporáneo simplificó

al punto de hacerlo inválido.

Y si algo que me molesta de “lo

contemporáneo” es como limita

la comprensión del fenómeno

de la tonalidad.

Hoy no se encuentran muchos

compositores que se

definan como contemporáneos,

o al menos ya no tie-

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 5


ENTREVISTA A MIGUEL GALPERÍN, DIRECTOR DEL CETC///

6 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


nen problemas en volver a

la tonalidad.

No hay porqué volver a la tonalidad.

Quizás ahora hay más diversidad:

como se puede volver

a la tonalidad, se puede volver

el minimalismo, o se puede volver

a la pre-tonalidad. Eso forma

parte también de un voraz apetito

por formación. Si lo pensamos

seriamente, la diversidad

en sí es amorfa (excepto en

casos particulares, como el de

John Zorn). Pero eso también se

agotó rápido. Siempre hay que

pensar la temporalidad que tiene

relación directa con la forma.

No es volver a ningún lado, sino

es tomar el material que tenemos

a disposición, más allá de

la tradición a la que responda.

Sin desatender el material,

parece que la forma sigue

siendo una enorme preocupación

de los creadores

actuales.

La gran pregunta sigue siendo

la forma en sí misma, la pregunta

que se hacía Schönberg. Creo

que es una pregunta moderna,

en el sentido de que el compositor

del siglo XX y XXI tiene más

tiempo. Parece algo muy sutil,

pero me da la sensación de que

nosotros compartimos algo que

no estaba tan disponible, que es

la disponibilidad de hacer una

obra de 10 minutos otra obra de

50 minutos… Esta disponibilidad

de recursos se ancla en una

cuestión histórica, relacionada

a no tener que depender de las

tradiciones y las convenciones,

por ejemplo, de la reunión de

la corte. Me parece que se nos

abrió más la disponibilidad del

tiempo y el compositor tiene

que trabajar muy cuidadosamente.

Tiene muchos más desafíos

en cuanto a la forma, si

solucionas la forma, tenés justificado

volver la tonalidad, o salir

de la tonalidad, o ser diverso.

Para hacer forma tenés todo el

fenómeno musical a tu disposición

y en contra tuyo.

Vos hablás de disponibilidad

de tiempo, pero por lo

común los compositores no

tienen posibilidad de crear

grandes formas, o para grandes

conjuntos...

No, pero por concepción sigue

siendo la norma que el

compositor apunte a crear

una obra para un dispositivo

grande. Para lo que sea que

compongan, la intención del

creador es mostrar su obra. Y

en este punto entran a jugar las

instituciones, como facilitadoras

de condiciones también.

¿Cómo se articula el papel

del CETC con estas preocupaciones

estéticas y materiales?

Sí, ahí empieza a haber una

relación entre una institución,

su misión, responsabilidad,

alcance e impacto. Si puedo

simplificar, nosotros en el CETC

manejamos fondos públicos,

y desde ahí hay un nodo muy

concreto desde dónde pensarlo.

Tenemos que lograr leer

a qué comunidades afectan

esos fondos, hay que entrenar

una lectura completa. Y con

esa lectura, tratar de sostener y

aumentar su impacto, siempre

de acuerdo a los fondos: más

obras nuevas de compositoras

y compositores nuevos, más

nuevos formatos, más oportunidades

para ensambles. Me

parece que mirándolo desde la

responsabilidad, uno tiene que

lograr que esas comunidades

dialoguen, crezcan, se pregunten,

sean críticas.

Actualmente hay una preocupación

que ronda las

PH :

Gisela Pelaez

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 7


ENTREVISTA A MIGUEL GALPERÍN, DIRECTOR DEL CETC///

instituciones culturales,

centralmente las dedicadas

a la música, que es la famosa

“creación de públicos”. A

esto se suma el auge de “vender

experiencias”, ya sea una

agencia de viajes, un restorán

o un teatro, todos venden

“experiencias”. ¿Cómo impactan

estas cuestiones en

la gestión del CETC?

Yo creo que mucha de la responsabilidad

de crear el nuevo

público está de parte de los

creadores. No es tan fácil para

un administrador generar una

experiencia. Sí es responsabilidad

de distintos agentes generar

una experiencia, y efectivamente

existen estrategias de

creación, de composición, y

puesta en escena, e incluso programación

que abren o cierran.

Eso es así, si uno traduce una

obra del checo al español, con

todas las pérdidas del caso, está

generando más cercanía con el

público. Lo mismo se puede decir

de la elección formal de una

composición: si uno atiende a la

forma, por ejemplo, está generando

una experiencia.

Por otro lado, ¿cuáles son los

límites de la experiencia? ¿cuál

es su valor?. No es tan difícil

pasarla bien, cuando vas a un

restorán también, en muchos

casos, la pasas bien. Y por ahí

es una experiencia que no

tuvo tanto valor. Hay que ser

honestos respecto a dónde

está la creación de público, y

cuáles son las múltiples maneras

en las que se consigue.

Sino, para ser, claro es populismo.

Es populismo si nos enfocamos

en el “éxito”, y abrimos

a 600 personas por noche sólo

porque es gratis.

¿Te preocupa la comunicabilidad

a la hora de armar la

programación?

PH:

Gisela Pelaez

8 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


No es la principal preocupación,

porque la programación

del CETC está hecha desde

una evaluación muy cuidadosa,

que se relaciona con las condiciones

materiales de la sala. El

impacto CETC evidentemente

no está en la cantidad por

ejemplo, por más cuidadosos y

eficientes que seamos, es una

sala para 120 personas. Cuando

estás pensando en la apertura al

público para el CETC tenés que

pensar en su historia, de hecho

en el 2020 cumple 30 años.

Eso es algo que el programador

tiene que evaluar: cuáles han

sido los impactos positivos, qué

ha funcionado. Y ahí uno se da

cuenta que el gran impacto en

el público estuvo relacionado

con crear carreras, apoyar creadores,

darle entidad a nuevas

estéticas a partir de la inversión

sostenida en el trabajo de artistas.

Lejos de invertir aisladamente

en una obra, los artistas vinieron,

volvieron y crearon público.

Otro plano tiene que ver con el

impacto del CETC en la circulación

de ideas, que se refleja

en el “Che, no sabés lo increíble

que fue la obra”, y después

el “¡Uy, no! Me lo perdí porque

no había más entradas”. Eso

me hace pensar que hay una

avidez por escuchar, conocer,

y crear espacios. El valor de

eso no deja de ser alto, eso

refiere a que el CETC es un

espacio en la Ciudad de Buenos

Aires que plantea cosas

extraordinarias en cuanto a la

programación, que impactan

en las ideas y su circulación.

Esta temporada tiene una

variedad de estrenos entrelazados

con visitas muy

interesantes...

Hay dos compositores que, por

motivos diferentes, en Argentina

no les hemos dado el espacio

que se merece. Uno es Beat Furrer,

que sin dudas, junto con un

grupo muy pequeño de compositores,

es el gran renovador

de la ópera. Y el hecho de que

no esté circulando en Argentina

tiene que ver con que requiere

un inversión y muchos años de

trabajo. Por suerte desde esta

plataforma lo podemos hacer,

y esta es la responsabilidad de

la que hablo, y la que tenemos

que llevar a cabo: servir de

puente cuando ninguna otra

institución lo puede hacer. Beat

Furrer ganó el premio Ernst von

Siemens de composición 2018,

acaba de estrenar en la Unter

den Linden una gran ópera. Es

un compositor que fuerza las

concepciones que tenemos en

la Argentina de qué es la ópera,

entonces deja un impacto que

ensancha las fronteras estéticas.

El otro es Gavin Bryars que es

un compositor inglés más experimental,

relacionado a algunas

tradiciones que acá en Argentina

que no se le han dado tanta

importancia, como el minimalismo.

La invitación a estos dos

compositores responde a una

búsqueda de ampliar las escuchas,

las concepciones del

sonido, de qué es ser compositor.

Por otro lado también se

pone en eje la exploración de

la ópera en un sentido contemporáneo,

del teatro contemporáneo.

En estos compositores

que invitamos hay una concepción

del teatro muy contemporánea,

y eso está buenísimo

porque impacta en los

compositores, en los dramaturgos,

en los directores.

También hay otros invitados,

que son los ensambles nacionales

e internacionales.

Ese es otro eje que responde a

la lectura de las comunidades

en las que el CETC impacta.

Desde hace unos 10 ó 15 años

se generaron nuevos ensambles

contemporáneos, con nuevos

músicos muy buenos. Estos

ensambles trabajan con compositores

de su generación, son

músicos en general jóvenes. El

trabajo del CETC en este sentido

es dar entidad y visibilidad,

por eso se convocó a seis ensambles,

cinco de ellos argentinos

y uno francés, que vienen

a mostrar el trabajo interesante

que hacen con nuevos compositores,

cómo se relacionan con

sus instrumentos, cómo es la relación

del músico argentino con

la música contemporánea.

La dinámica de las residencias

está repleta de

actividades, a parte de los

conciertos. ¿Cómo están estructuradas

estas acciones?

Ahí la clave estuvo pensar en

que nosotros podemos tener

todas las buenas voluntades,

podemos decir “¡Qué bien toca

el ensamble tal, y lo vamos a

demostrar!” Entonces vienen,

hacen un concierto lindo, la

gente viene, y ahí se termina.

En cambio creo que parte de

la plataforma es que el ensamble

se apropie del espacio, que

ellos vengan a proponer proyectos

que tengan que ver con

sus prácticas, con sus propias

comunidades. Hay buenos

programas de concierto, por

supuesto, pero alrededor de las

residencias hay actividades satélite

que tienen que ver incluir

a las instituciones a las que pertenecen

los músicos, que en

muchos casos los músicos son

docentes en orquestas escuela,

en conservatorios, o pertenecen

a colectivos de compositores.

El valor de la residencia

está en que cada ensamble se

apropia del lugar, así el CETC al

mismo tiempo se abre a las distintas

comunidades.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 9


ENTREVISTA A MIGUEL GALPERÍN, DIRECTOR DEL CETC///

En el marco de la residencia

hay un encargo al compositor

Fernando Manassero.

¿Cuál es la concepción del

encargo dentro de la programación?

El encargo efectivamente este

año es a Fernando Manassero,

que trabajará con el ensamble

Tropi. En principio creo que

ante un encargo hay que crear

excelentes condiciones, y este

es el caso: el trabajo del compositor

va a tener una gran vitrina

con músicos soberbios. Yo

soy bastante crítico del encargo,

si lo vamos a pensar de con

cierta seriedad, me parece un

instrumento que al que hay que

mirarlo con cuidado. Si lo pienso

como director del CETC obviamente

deseo encargar todo

el tiempo. Si lo pienso fuera de

este rol, creo que la Ciudad

de Buenos Aires, en particular,

tiene mucha actividad artística

y creativa. Es una ciudad muy

vital en el mundo teatral, hay

conservatorios, hay universidades

que también hacen

festivales, muchos estudiantes

de composición. Entonces

me parece que hay que ser un

poco más inteligente respecto

a qué lugar puede ocupar un

encargo: si uno pone una mirada

crítica, el encargo es un

instrumento para que la institución,

dicho mal y pronto, se luzca.

Encargamos una obra, nos

vamos a sentir bárbaro, pero

el impacto en este entramado

tan activo de la ciudad de

Buenos Aires no es crucial. Por

supuesto esto no invalida los

encargos, pero sí resalto que

se deben realizar en condiciones

impecables para el público

también. Muchas veces ocurre

que el compositor no está entrenado

en escribir para el público,

ahí sí se puede hablar de falta

de institucionalidad, porque no

ha tenido a disposición las herramientas

para el ejercicio de

pensar en el público.

¿Considerás que hay un déficit

de encargos de parte de

las instituciones?

En el CETC hicimos infinidad

encargos y estrenos. Me parece

que no hay un gran problema

con la creación, los compositores

componen todo el tiempo. Si

después lo pensamos desde lo

formal, entiendo que no tienen

la oportunidad para componer

para orquesta, o componer ópera,

o las condiciones materiales

para llevar adelante ciertos proyectos.

Pero la verdad es que

veo muchísima actividad en las

universidades, en las que se

crea, se toca, se graba. Lo ideal

es que la obra parta del creador,

que se cree a partir de las

condiciones internas del compositor,

y que no sea responda

a las imposiciones de un programador

que dice “Che, para

tal fecha vas a escribir para tales

instrumentos”. Ojalá los artistas

estén creando en condiciones

muchos más íntimas.

¿Cómo se entretejen los radioteatros

“La guerra de los

mundos” y “Un hombre en

una habitación, apostando”

en el programa de este año?

La inclusión del radioteatro tiene

que ver con una programación

que impacte en las comunidades

teatrales, en la mayor

cantidad de artistas posibles. El

radioteatro tuvo su auge pre-televisión,

en condiciones que

difieren de la estética y consumo

actual, con la intención de

generar ficción desde el sonido.

Hoy eso se perdió un poco, nos

gusta más generar ficción con

imagen porque es lo “nuevo”.

Es tan accesible y es tan atractivo

ver gente linda en lugares

lindos, entonces nos fuimos

por ese lado. Pero siempre fue

interesantísimo crear mundos

ficcionales desde el sonido, y

esta idea del radioteatro propone

ampliar los horizontes para el

público y para los creadores.

Si uno piensa en creación musical,

hay una producción para

radio importantísima, de hecho

el año pasado el CETC hizo

“La tradición oral”, de Mauricio

Kagel, que originalmente fue

para radioteatro. La ficción sonora

te permite condiciones

de creación más abiertas, un

cast puede ser el mismo actor

cambiando de voz un poco,

entonces da posibilidades de

dramaturgia muy interesantes.

Por supuesto si uno mira profundamente

la propuesta, se pone

en eje la importancia de la imaginación.

Hay una relación entre

la ficción y la imaginación diferente,

tal vez es un lugar diferente

para el sonido en sí mismo. La

propuesta que a mí me interesa

acercarle al director, al compositor

y dramaturgo se centra en

una revisión de qué significa

hacer teatro musical. Es una

pregunta sobre la ópera, esa

gran pregunta sobre si la ópera

sobrevive o cuál es el lugar del

repertorio operístico hoy.

El Festival Nueva Ópera Buenos

Aires propuso una serie

de reflexiones para pensar

en la ópera hoy ¿Cómo se articulan

con la experiencia del

radioteatro?

Muchos compositores creen

que hacer una ópera es acordar

un argumento con un libretista,

esperar que venga el libreto y

ahí poner la música. Eso básicamente

condena la música

a una posición hiper limitada.

Yo estoy convencido que en la

creación tiene que haber una

pulsión narrativa ficcional, dramatúrgica,

eso es ópera en su

raíz más profunda. Monteverdi

tenía era la pulsión de contar de

10 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


una manera determinada y solucionar

los problemas que le

significaba esa pulsión. Me parece

que ir al radioteatro es un

poco remover en el compositor

esa relación con una narrativa

ficcional dramatúrgica.

Hay otras maneras también,

cuando tengo la posibilidad

enseño (sin que yo sea directamente

el profesor) sobre nuevas

relaciones entre texto y la

música. Cuando trabajamos en

la Escuela de Invierno del Festival

Nueva Ópera Buenos Aires,

por ejemplo, trajimos a Heiner

Goebbels, él pone en relación

al compositor con la escena

musical en un sentido muy actual.

Lo mismo va a ocurrir con

la visita de Beat Furrer.

¿Por qué creés que se reflexiona

con tanto vigor sobre

la ópera hoy?

Yo creo que, si me pongo un

poco hardcore, la ópera no

funciona. Lo digo sin escandalizarme

por eso, pero frente

a narraciones como las series

o algunas películas que, sin

duda son arte mayor, la ópera

tiene claras dificultades. La

ópera siempre fue un género

problemático, incluso desde

Monteverdi cuando hace su

Orfeo y tiene que incluir al personaje

de La Música para estabilizar

un poco la situación a la

que se enfrenta el público. Pero

como todo buen problema, genera

un camino aspiracional,

y eso es muy bueno porque

ensancha horizontes. Yo estoy

tratando de diagnosticar la situación,

y considero que para

trascender problemas muy serios

que presenta la ópera, tenés

que hacer un recorrido de

educarte y de preguntarte, de

resolver ciertas cuestiones. En

la ópera hay algo que le exige

al público pasar por esas dificultades

y preguntas, que valen

mucho la pena, pero carecen

de toda fórmula.

La anteúltima ópera de la

temporada en la sala principal

del Teatro Colón es Orfeo

y Eurídice, de Gluck. En

esa historia sabemos que

la felicidad está asegurada,

al menos en términos argumentales.

¿Qué Orfeo nos

propone Furrer?

A nivel libreto “Èl” es Orfeo y

“Ella” es Eurídice, pero elaborados

desde un punto de vista

más abstracto. Todos somos

Orfeo y todos somos Eurídice

en algún sentido. En la obra hay

una mirada de gran optimismo,

en el sentido de que esa obra

es fruto de reflexionar sobre un

mito desde una mirada moderna.

La obra tiene un gran centro,

que es ese momento de la

historia tan dramático en el cual

Orfeo se da vuelta, que en la

obra está expuesto como la caí-

PH :

Gisela Pelaez

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 11


ENTREVISTA A MIGUEL GALPERÍN, DIRECTOR DEL CETC///

da, la pérdida, la desviación del

mandato. La libertad que tiene

un compositor de volver a la historia

y leerla haciendo foco en

ese momento me parece muy

optimista, hermosamente optimista.

Refleja la posibilidad de

volver a aprender desde la tradición

y a la vez actualizarla, es

una obra muy compleja, muy

extrema. Toma una tradición

más amplia que la de la ópera,

toma una tradición que mezcla

diferentes géneros, uno

de los géneros es el ensayo

filosófico. Hay mucha libertad

en la posibilidad de generar

sentido, es una concepción

del compositor muy moderna

y muy optimista, donde puede

sentirse filósofo y pensador.

Otra relación que propone la

obra es la de la voz con el texto,

o con el sonido y los sentidos.

El personaje de ella es cantado,

pero sin texto prácticamente,

con lenguaje un inventado por

momentos. El personaje de él

es un narrador, es como una

voz puesta en otro plano es el

que reflexiona sobre el mito.

Todo esto está puesto en un

contexto muy actual en el que

ya no hay drama en escena,

sino que el drama es el impacto

directo del texto y el sonido.

En el programa hay propuestas

relacionadas con

el mundo de lo visual, una

tiene de protagonista Julio

Le Parc y otra al colectivo

Mondongo.

La obra de Le Parc se realizará

en el marco del homenaje por

sus 90 años. Es una instalación

específica, incorporando sus

obras existentes. En cuanto a

su disposición espacial y la relación

y el sonido va a ser una

creación del artista.

Mondongo son artistas jóvenes

muy creativos, esperamos

que la relación que ellos tengan

con el espacio sea similar

al que proponemos con los ensambles:

la idea de la apropiación

y el diálogo abierto con

otras artes, con otras comunidades

y sus especificidades.

Para volver y cerrar, te interpelo

como gestor en la escena

cultural de Buenos Aires

¿Cómo ves el panorama de la

ópera en el futuro cercano?

Una de las cosas que estoy

tratando de hacer el año que

viene es intentar que la ópera

llegue al teatro independiente,

que tiene ahora una infraestructura

que antes no existía.

Ahí sí veo una posibilidad de

impacto sin duda positivo,

porque hay mucho teatro independiente,

hay compañías

de ópera, artistas. Lo que se

requiere es un cierto grupo de

herramientas que tienen que

ver, por ejemplo, con que el director

de ópera no pretenda cerrar

el teatro durante el proceso

ensayo. El teatro independiente

tiene esa lógica de presentar

muchas funciones, tener un bar

abierto, y demás cuestiones.

Entonces, para llevar adelante

el proyecto, es necesario diseñar

un proceso de ensayos y

puestas que permita articular

las obras con las actividades

del teatro. Y ahí tenés un impacto

sostenido con la llegada de

la ópera a una infraestructura

que antes no existía.

Suena muy prometedor

explorar nuevos espacios,

pero también puede ser un

riesgo según la ópera que

se programe.

A todos nos ha pasado de padecer

mamarrachos infernales

porque la gente a veces no tiene

criterio. Si uno se descuida

termina en un living de 3 por

3 con cinco artistas que están

cantando como si estuvieran

en el Colón (risas). Antes de

llevar al público cualquier propuesta

en este contexto, hay

una serie de instancias sobre

las que debemos reflexionar

para evitar problemas cuya

solución no es tan compleja.

Y después por supuesto, hacer

circular las obras por otros

espacios.

///SOBRE BEAT FURRER///

Es un prolífico compositor y director suizo

muy activo en la escena europea. Fundador

del ensamble Klangforum Wien, uno de los

más importantes de la actualidad, también

forma parte activa de Impuls (academia internacional

de ensambles y compositores

de música contemporánea). Creador de la

obra Deseo (Begehren) con la que el CETC

abre la temporada, Galperín reflexiona sobre

Furrer: “Por un lado encuentro un artista

con mucha agencia como filósofo, director,

y compositor. Por otro lado, el resultado

de su trabajo es casi nihilista. Su estética,

bastante detenida, es como una suerte de

final, como si hubiera encontrado el final

de alguna lógica. Cuando pienso en la música

de él, me impacta su tremenda sutileza.

Propone un clima final, como si estuviera

explorando lo que queda del sonido, lo

que queda del compositor.”

12 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Fernando Manassero, Compositor

parte un poco de la ironía, del

sentido del humor. Quiero trabajar

la obra con una distancia

irónica, y exponer de manera de

crudas ciertos sonidos, un poco

como efecto sonoro para acentuar

esta fetichización. La pieza

después es una crítica más profunda,

que la de la simple exposición

de estos materiales.

Fernando Manassero (1984) es

un joven compositor argentino,

ganador de la Beca Fullbright, a

través de la cual accedió a estudiar

en la Universidad de Harvard

con la compositora Chaya Czernowin

y el compositor Steven

Takasugi. Fue seleccionado para

asistir al IRCAM cursus 2019/20

en Francia. Su trabajo fue presentado

por ensambles nacionales

e internacionales, y sus últimas

obras se centran en la percepción

del tiempo y de la memoria.

En cuanto a su estética, Manassero

considera que su “ideal sería

componer una música que excite

la imaginación de los oyentes.

para recortar sus propias secuencias

de relaciones. En un sentido

más amplio, mis piezas evocan

la doble agencia de la construcción

del tiempo y la erosión de la

memoria, tanto como fenómenos

individuales como colectivos.”.

Charlamos con él brevemente sobre

su obra, el encargo del CETC

y el trabajo con el ensamble Tropi.

¿Cómo nació el encargo del

CETC?

Este es un proyecto que se viene

gestando desde hace ya un año,

algo que surgió como una idea

un interés mutuo con Tropi por

P H :

Gentileza Fernando Manassero

trabajar en una pieza y después

fue tomando forma. Yo ya había

empezado a trabajar en ideas y

conceptos alrededor de la pieza,

después surgió el encargo

del CETC. Estoy muy entusiasmado

por trabajar con ellos la

gente del CETC y con el ensamble,

por poder mostrar el trabajo

en un espacio tan importante.

¿Cómo es el trabajo con el

ensamble?

Es la primera vez que trabajo con

Tropi, es un desafío muy importante.

La actividad con músicos

es fluida, estamos trabajando

continuamente con materiales e

ideas de articulación.

¿Se puede adelantar algo

de la pieza?

Mi intención con esta pieza concreta,

que todavía está en proceso,

es criticar el lenguaje de la

música contemporánea y sus tendencias.

Quiero trabajar un poco

irónicamente con la fetichización

del sonido, acorde a eso la pieza

se llama “The ultimate distraction”.

El nombre es en inglés para acentuar

la idea del fetiche por el sonido,

que es una moda de la cual

no estoy exento. Así que la obra

¿Y en el plano técnico cómo

trabajás en la pieza?

Hay cuestiones técnicas que tienen

que ver con los espacios de

la técnica. En principio la obra es

para octeto de flauta, clarinete,

violín, cello, piano, guitarra eléctrica,

percusión. También hay trabajo

de electrónica con samplers,

y un sintetizador que lo va a tocar

la pianista. Así que vamos a tener

una impresión de un ensamble

híbrido, con una electrónica envolvente

que responde un poco

a la idea de que el público esté

inmerso en este viaje. Este viaje,

de nuevo, es crítico con esa

música que muchas veces se

queda como en una especie de

gran superficie. Y para que esto

funcione tengo que reconocer

el trabajo con el ensamble Tropi,

en esta obra que empezó como

una colaboración en la que estamos

muy enganchados.

Como compositor, ¿cuál es

tu concepto del encargo

de obra?

Me parece que es necesario

fomentar la creación Argentina,

y los encargos lo hacen directamente:

ayudan a la profesionalización

de la práctica compositiva

y de la práctica creativa, que muchas

veces no tiene el espacio ni

la continuidad necesaria y suficiente

por cuestiones materiales.

Pero más allá del encargo, los

compositores siempre estamos

activos gracias a que lo hacemos

desde la necesidad personal,

como decía Gandini, en un

medio que por ahí es hostil.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 13


ENTREVISTA A LUDMILA PAGLIERO///

LA BAILARINA

ESTRELLA DE

L´OPERA NATIONAL

DE PARÍS

Por Alicia Perris

Las estrellas del Ballet de l’Opéra National

de Paris ofrecieron en el Teatro

Real de Madrid un espectacular programa

en cuatro partes que viajó musicalmente

a través del tiempo y la geografía

y propuso un amplio abanico

emocional, abarcando desde el universo

más introvertido hasta la expresión

más vitalista.

Más de 300 años de historia avalan a

una de las grandes compañías de ballet

de repertorio que, hoy también,

permanece fiel a su doble vocación de

transmisión y de apertura a la nueva

creación. Efectivamente, se cumplen

350 años de la creación de la Opéra de

París y 30 de la Opéra Bastille.

Ludmila Pagliero, la bailarina argentina

que triunfó en la Ópera de París con

status de estrella, muy premiada en el

apartado de danza y con distinciones

tan clamorosas como Caballero de

las Damas y las Letras de la República

Francesa, nos recibiói en su camerino

del Teatro Real de Madrid, menos de

una hora antes de su actuación en el

coliseo de la capital española.

Su humildad, du disposición a escuchar

y contestar, ese punto nostálgico

y reflexivo entre la realidad y lo abandónico,

caracterizan, a vuelo de pájaro,

una personalidad cuyo trasunto parece

ser la fortaleza, la constancia y el

trabajo continuado.

14 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Hace click

Ludmila Pagliero and Josua Hoffalt - Other Dances

///ESCUCHÁ LA ENTREVISTA ACÁ///

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 15


ENTREVISTA A LUDMILA PAGLIERO///


Esta fue su participación en el Teatro Real

y a continuación, lo que nos contestó a las

preguntas que le hicimos. Con toda naturalidad

pero muy sincera y toda delicadeza,

como es ella.

PH .

Jack

Devant


LA CALLE DE LOS PIANISTAS, CUANDO LA MÚSICA MARCA EL CAMINO///

18 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


LA CALLE DE

LOS PIANISTAS

CUANDO

LA MÚSICA

MARCA

EL CAMINO

“LA CALLE DE LOS PIANISTAS”

DEL DIRECTOR MARIANO NANTE,

ES UN DOCUMENTAL DONDE SE

CONJUGAN LA MÚSICA Y LAS

HISTORIAS INTERPERSONALES DE LA

FAMILIA TIEMPO- LECHNER EN UN

CONTRAPUNTO EXQUISITO. POR TAL

MOTIVO CELEBRAMOS LA PROYECCIÓN

DEL MISMO EN EL CANAL CINE.AR,

ESTE ES EL CANAL DE TELEVISIÓN

DEL INSTITUTO NACIONAL DE CINE Y

ARTES AUDIOVISUALES Y CUENTA EN

SU PROGRAMACIÓN CON PELÍCULAS,

CORTOMETRAJES, DOCUMENTALES

Y LAS ÚLTIMAS NOVEDADES DE LA

PRODUCCIÓN NACIONAL.

Por Lucila Bruno

PH :

Gentileza

Película

La Calle de los Pianistas

Al estrenarse el film entrevistamos

a su director Mariano

Nante para indagar

cuáles fueron los disparadores

para adentrarse en la

familia de los Tiempo-Lechner

virtuosos pianistas

argentinos que actualmente

residen en Bruselas.

Es así como este documental

novelado tiene como

protagonista a la joven pianista

Natasha Binder de

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 19


LA CALLE DE LOS PIANISTAS, CUANDO LA MÚSICA MARCA EL CAMINO///

Hace click

14 años, quien tiene esa

profesión como legado familiar.

La película transcurre

dentro del proceso de

identificación y diferenciación

entre ella y su madre

Karin Lechner.

Nante destaca que “Al principio

había una idea muy

general, abierta, de retratar

la vida privada de los

grandes pianistas. Luego

fuimos a buscar la película

a Bruselas, porque yo no

conocía personalmente a

ninguno de ellos. La idea

de concentrarnos en la relación

madre-hija de Karin

y Natasha fue surgiendo a

medida que filmábamos y

nos adentrábamos en su

mundo.”

En “La Calle de los pianistas”

todo es música, en la

rue Bosquet de Bruselas

todos parecen estar signados

por el piano. Del otro

lado del muro de la casa

de los Tiempo se encuentra

la gran Martha Argerich

quien, como un oráculo

que todo lo ve y lo sabe,

adivina si es la joven Natasha

la que está tocando.

Este es el juego que

acontece en ambas casas:

adivinar qué obra se está

tocando y quién lo hace a

ambos lados de la pared.

SER ADOLESCENTE

Y PIANISTA

Natasha, como toda adolescente,

se encuentra

inmersa en un mar de preguntas

pero a su realidad

se le suma el peso de su carrera

como pianista. Cuando

sus pares le preguntan

qué va a ser cuando sea

adulta, ella no responde.

No quiere traicionar y decir

algo de lo que luego se

pueda arrepentir . Por lo

tanto es una pregunta cuya

respuesta busca en todos

los miembros de la familia:

¿Ser pianista es una vocación

o un fluir de la propia

identidad familiar?

A lo largo del documental

vemos como “Natasha emprende

una búsqueda interior

y exterior: quiere saber

qué es ser pianista, pero

también quién es ella misma.

Para eso también tiene

que investigar acerca de

su familia, ese sorprendente

linaje de célebres pianistas”

enuncia el director.

Es así como su tío, Sergio

Tiempo, en un almuerzo

relata que él ya era pianista

pero que, en su etapa escolar,

no sabía que esa sería,

además, su profesión.

El ser pianista en esta familia

pareciera trascender a

sus propios individuos.

Como en una historia llena

de magia y fantasía encon-

20 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


tramos un hada madrina:

Lyl Tiempo también llamada

“Babasha”, es la abuela

del clan. Es ella quien

acompañó a su hijos y a

sus nietas en sus primeros

pasos con el instrumento

y quien los convirtió en

inmensos pequeños intérpretes.

Su magia se refleja

en las escenas con Mila, la

más pequeña de la familia

y sobrina de Natasha, a

quien vemos mientras juega

con el piano y pide que

la dejen tocar sola porque

ella ya puede hacerlo. Al

parecer ella también tendrá

el camino marcado por

dicho instrumento.

Al respecto Mariano Nante

resalta que la búsqueda

de la propia identidad es

un momento de crisis para

todos los jóvenes pero en

el caso de Natasha tiene

un tinte particular. “Si bien

todos debemos tomar una

decisión acerca de nuestra

vocación, en la vida

de Natasha ese punto de

inflexión aparece demasiado

temprano: a los catorce

años, ya tiene una carrera

armada y un talento sobrenatural”

Tal vez, el momento más

reflexivo del film es la lectura

de los viejos diarios de

Karin Lechner. Ella los entrega

a su hija en un acto

de profunda identificación

entre ambas. Aquí se nos

revela una Karin también

adolescente lidiando con

su propio conflicto frente

a su vocación y, además,

con sus discusiones con

su madre Lyl. Las historias

de ambas se repiten pero

se diferencian a la vez. Se

cuestionan la vocación,

la maternidad, los propios

deseos y la vocación heredada.

Karin buscando ayudar a

su hija se busca a ella misma

en sus rasgos y no se

encuentra. Ellas no se parecen

en sus rasgos físicos

y tampoco en su manera

de tocar. En el film ambas

discuten lo diferente que

suenan sus interpretaciones

de las “Escenas infantiles”

de Schumann. En Natasha,

Karin encuentra lo

que tanto enunció en sus

cuadernos: diferenciarse

de su madre para tomar su

propio camino.

En otros trabajos del director

encontramos que

trabaja con temáticas vinculadas

a la música. En su

cortometraje “Exposición”

de 2012 el guión gira en

torno a las partituras y grabaciones

de un compositor

recientemente fallecido. Al

preguntarle a Nante qué lo

atrapaba de la idea de retratar

la vida de estos célebres

pianistas demostró que su

vida también estaba marcada

por dicho instrumento.

“Creo que me lancé a hacer

esta película sencillamente

porque sentía que tenía

una relación íntima con el

piano. Y creo que uno termina

eligiendo los temas

que conoce o que lo obsesionan;

en mi caso, el piano

siempre aparecía de alguna

u otra manera en mis cortos

y otros trabajos.”

En este documental todos

los personajes son pianistas

pero…¿Son todas sus

historias iguales? Todos viven

en la misma calle pero

han llegado allí desde caminos

diferentes. Porque

como dice Babasha en el

film “la vida es un constante

fluir, ninguna historia se

repite”

///FICHA TÉCNICA///

Nombre original: La calle de los pianistas

Director: Mariano Nante

País de origen: Argentina

Clasificación: Apta todo público

Fecha de estreno:11/06/2015

Distribuidora: Independiente

Duración: 85 min

Reparto:

Natasha Binder, Karin Lechner,

Alan Kwiek, Sergio Tiempo,

Martha Argerich.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 21


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22 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


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LA TURANDOT DE WILSON EN EL TEATRO REAL///

La Turandot

de Wilson en

el Teatro Real

Por Sandra de la Fuente

24 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


PH .

Javier del Real

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 25


LA TURANDOT DE WILSON EN EL TEATRO REAL///

“A veces, lo irreal sobre un escenario es lo

más adecuado; observar a un actor intentar

parecer natural en escena es lo más artificial

del mundo”, escribió Robert Wilson. El régisseur

americano es tal vez quien más rápidamente

sea asociado con el movimiento minimalista

y con las puestas de óperas de final

del siglo XX y comienzos del XXI.

Con la abolición del naturalismo como bandera, Wilson

presentó, en el otoño pasado del Real madrileño,

una Turandot cantada por marionetas chinas. No, no

es que la escena hubiera sido tomada por un grupo

de titiriteros; fueron los mismos actores cantantes

los que intentaron simular el tipo de movimiento

de esos muñecos, habitualmente articulados con

hilos y habilidad por especialistas en el rubro.

A estas marionetas de carne y hueso, además de

cantantes de líneas exigentes, les tocaba copiar el

extraño movimiento, alzando hombros, codos o

rodillas, manteniendo las manos en posición semiabierta

pero nunca humanamente caídas. El trabajo

dramático que exigió Wilson es de tal destreza corporal,

que muchos actores lo eligen como una especialización

(en Argentina existió el grupo Marionetas

Humanas, que ganó varios premios paseando su

impactante presición articulada por el mundo).

Pero el tiempo que ofrece un teatro de ópera es

normalmente escaso, especialmente si, como el

Real, no solo es mixto en materia de producciones,

alterna nuevos títulos (o nuevas ideas sobre

viejos títulos) con reposiciones, sino que además

dedica gran parte de su grilla a la difusión de la

música en general, y de la lírica, en particular.

Suele suceder que el encuentro del elenco completo

no supere las dos semanas, y esto no depende

solo de que la programación esté bien organizada

26 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


sino de las agendas de cada uno de los cantantes.

Era previsible que a la puesta exigente de Wilson,

de mínimo despliegue escenográfico (más japonés

que chino, con sus telas y transparencias en

finísima geometría), le faltara tiempo de horneado.

El resultado dejó al desnudo el padecimiento y las

deficiencias técnicas de los obedientes y aplicados

-pero no necesariamente superdotados- cantantes.

Y hay que decir que se hacía difícil prestar atención

al canto entre tantas asimetrías coreográficas.

La Turandot de Wilson fue una apuesta sin posibilidad

de puntos medios: o asombra por su perfecta

y mecánica irrealidad o decepciona por su

humana imperfección.

Cerrar los ojos, dejarme arrasar por la impetuosa

y última partitura de Puccini, fue la solución

que encontré, rendida ante la evidencia de que

el experimento se veía más irreal e incómodo

que cualquier intento naturalista.

Una orquesta bien empastada, bajo la dirección

de Nicolás Luisotti, sostuvo la narración.

Miren Urbieta-Vega, compuso una magnética Liù,

impecable vocalmente y más que obediente gestualmente,

realmente entregada a la marcación de

Wilson como ningún otro personaje de la escena.

La voz de Oksana Dyka (la princesa Turandot) sonó

con un exceso de metal y algo destimbrada en los

agudos. La de Roberto Aronica (Calaf, príncipe

desconocido), en cambio, es rica en armónicos

aunque extenuante en materia de volumen. El resto

del elenco fue tan bueno como parejo vocalmente.

Aunque me resulta imprescindible destacar las participaciones

del tenor argentino Raúl Giménez, que

entrega una elegantísima línea para su emperador

Altoum, y de Joan Martín Royo, inmejorable Ping.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 27


LA RELACIÓN DEL TANGO Y LA MÚSICA CLÁSICA///

LA RELACIÓN

DEL TANGO

Y LA

MÚSICA

CLÁSICA

Por Iván Gordin

28 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar

PH .

Tango de Batuta


DESDE LOS ARRABALES PORTEÑOS A

LAS PRESTIGIOSAS GALAS SINFÓNICAS,

EN POCO MÁS DE CIEN AÑOS EL

TANGO SE HA CONVERTIDO EN UNO

DE LOS GÉNEROS MUSICALES MÁS

ESCUCHADOS, INTERPRETADOS Y

BAILADOS ALREDEDOR DEL MUNDO.

LA MÚSICA QUE ALGUNA VEZ FUERA

PATRIMONIO EXCLUSIVO DEL RÍO

DE LA PLATA HA TENIDO MÁS DE

UN ENCUENTRO CON EL MUNDO

DE LAS ÓPERAS Y LOS CONCIERTOS

SINFÓNICOS. A CONTINUACIÓN, LES

PRESENTAMOS UNA LISTA DE ALGUNOS

COMPOSITORES QUE SE INSPIRARON E

INCORPORARON -MUCHO MÁS- QUE EL

2X4 A SUS OBRAS.

A pesar de que nuestro chauvinismo diga lo contrario, el tango

no es la creación unívoca de una nación. Es, al igual que los

primeros intérpretes y bailarines que afloraron en las aguafuertes

porteñas, el resultado de una mezcla de etnias y culturas.

El tango es el mestizaje entre los ritmos de los esclavos africanos,

la instrumentación europea y el lenguaje coloquial de los

inmigrantes analfabetos. Por esta razón, tal vez, es que podemos

encontrar en una misma canción a un instrumento alemán

ejecutando una síncopa africana mientras acompaña un llanto

sobre el barrio de Pompeya.

Con el pasar de las décadas, esa música que al principio era

considerada un producto menor destinado a las clases populares,

cumplió su propio círculo y volvió a ser apreciada por esa

comunidad sinfónica que la había excluído. El ejemplo más

conocido de ello fue la reivindicación de Astor Piazzolla en el

Teatro Colón, luego de haber sido despreciado y prácticamente

exiliado por la “Vieja Guardia”. Hoy en día, este prejuicio parece

haberse extinguido. y es común que compositores e intérpretes

“académicos” ejecuten o agreguen este estilo a sus obras. Basta

con asistir al concierto de algún director de renombre y quedarse

hasta el bis para escuchar “Por una cabeza” o “La cumparsita”.

A continuación rememoramos algunas composiciones donde

se puede ver claramente esta relación que hace cien años

parecía irreconciliable.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 29


LA RELACIÓN DEL TANGO Y LA MÚSICA CLÁSICA///

TANGO - IGOR STRAVINSKY (1940)

Parte del espíritu rupturista del compositor ruso residía en

su reformulación y sublimación de géneros populares. En

1940, ya lejos del reticencia del público conservador, Stravinsky

presenta esta breve pieza para tango, quizás sin menos

complejidades temporales pero con su característica

paleta armónica. No fue la primera inmersión de Igor en el

tango (Historia de un soldado) pero quizás es la más explícita

y completa de todas sus iteraciones.

TANGO BALLAD (LA ÓPERA DE LOS TRES CENTAVOS)

KURT WEILL (1934)

Otro ejemplo conocido es la inclusión del tango en la obra

de Kurt Weill y Bertold Brecht. Estamos hablando aquí de una

ópera con un fundamento ideológico marxista y cercano a los

clases populares; por lo tanto, si bien pertenece a una forma

anclada en el clasicismo, Weill presenta al tango en una orquestación

más cercana a la que se podía escuchar en las calles de

Hamburgo, un tanto jazzera y eso, sí, bailable. La primera gran

ola de popularidad del género fue en el período marcado por

el intersticio entre las dos grandes guerras. Francia, primero, y

luego toda europa, escuchaba estas nostálgicas melodías en la

calle. El compositor alemán prestó atención a ello y le otorgó su

propia relectura en uno de sus mayores opus.

30 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


MARÍA DE BUENOS AIRES - ASTOR PIAZZOLLA (1968)

Si bien Piazzolla tuvo una formación clásica y luego coqueteó

con el jazz, su impronta siempre estuvo anclada en el corazón de

las orquestas típicas que a mediados de siglo XX proliferaban en

Buenos Aires. Es decir, ya sea con sinfónica, saxo o guitarra electrica,

Piazzolla nunca dejó de componer y tocar tango. María de

Buenos Aires es un estandarte que nos demuestra la influencia

y la afición de Astor por las formas clásicas, pero siempre como

vehículo de la música rioplatense. María de… no solo contiene

grandes piezas instrumentales como Fuga y misterio, sino que

también su lírica pinta uno de los mejores óleos de Buenos Aires.

POSTANGOS - GERARDO GANDINI

Una de las críticas más comunes al “nuevo tango” de Piazzolla era

que “no se podía bailar”. Bueno, qué dirían esos mismo detractores

si escucharan el ejercicio de Gandini sobre la forma y estructura

del tango. Gandini llevó a cabo una reforma dodecafónica con

la pericia justa para notar que todavía estamos ante esa música

que solía cantar Goyeneche. Una aproximación compleja desde

lo auditivo, heredera de Schoenberg y Webern, pero tremendamente

valiosa cuando se escucha con mayor profundidad.

Como verán, el tango no es una categoría rígida, ha estado allí para inspirar

las obras más eclécticas, ya sean tradicionales o vanguardistas. Puede

ser bailable, puede ser marxista o puede ser una ópera. Quizás el tango,

paradójicamente, nos está pidiendo que dejemos la nostalgia y

abramos la cabeza a ideas nuevas y diferentes. ¡Chan chan!.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 31


CONVOCATORIAS///

AUDICIONES PARA LA ORQUESTA SINFÓNICA

NACIONAL

La Orquesta Sinfónica Nacional convoca a audiciones para la cobertura de vacantes

temporarias y eventuales suplencias de varios instrumentos. La inscripción

estará abierta desde el viernes 1 de febrero hasta el viernes 22 de febrero de 2019.

Llamado a audiciones para cubrir vacantes

temporarias (hasta el llamado a concurso

de planta permanente) y eventuales

suplencias en los cargos de Primer Oboe,

Segundo Trombón, y suplente de Trombón

Bajo, Violín, Viola, Violoncello y Contrabajo

en la Orquesta Sinfónica Nacional.

¿Quiénes pueden participar?

Intérpretes y músicos argentinos, nativos o

naturalizados, mayores de edad.

¿Cuándo es la inscripción?

Desde el viernes 1 hasta el viernes 22 de

febrero de 2019

¿Cómo inscribirse?

La inscripción será vía correo electrónico a

archivo.osn@gmail.com debiendo adjuntarse

datos personales (Nombre completo,

DNI, teléfonos y correo electrónico) y CV.

¿Cuándo y dónde es la audición?

Entre el lunes 25 de febrero y el viernes 1

de marzo de 9 a 13 y el jueves 7 de marzo

desde las 12.30 en la sala de ensayo de la

Orquesta Sinfónica Nacional, ubicada en el

CCK (Sarmiento 151, 3° Subsuelo, Ciudad

de Buenos Aires)

25/2: Primer Oboe

26/2: Violín

27/2: Violoncello

28/2: Contrabajo

1/3: Segundo Trombón

7/3:Viola

¿Qué obras deberán interpretar?

En principio una/s obra/s impuesta/s.

En el caso que se requiera un pianista los

instrumentistas deberán presentarse con

su acompañante de piano. Posteriormente

una obra a elección y fragmentos orquestales

que se solicitará al correo electrónico

archivo.osn@gmail.com. Por último una

breve lectura a primera vista.

Click aquí para ver la información completa

32 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


CONVOCATORIAS///

CONVOCATORIA PARA MÚSICA CLÁSICA

POR LOS CAMINOS DEL VINO 2019

La Secretaría de Cultura, llama a la presentación de propuestas artísticas para el

XIX Festival Música Clásica por los Caminos del Vino.

Como todos los años, desde la Dirección

de Actividades Artísticas, se abre la convocatoria

para la presentación de propuestas

para la selección de números artísticos, que

formarán parte de la edición 2019 de este

clásico del calendario cultural de la provincia.

Este año, se realizará en diferentes

locaciones del territorio provincial, entre el

13 y el 21 de abril.

Las Bases podrán ser descargadas haciendo

click aquí

Las consultas podrán efectuarse, antes

del plazo de entrega de propuestas, a la

dirección de correo electrónico del Festival:

musicacaminosdelvino@gmail.com y

las propuestas se podrán presentar sólo a

través del formulario de inscripción online:

https://goo.gl/forms/S3oG5FU1a6YlgXdk2,

teniendo en cuenta las bases mencionadas.

La presentación formal de las propuestas

deberá realizarse desde el lunes 28 de

enero hasta el lunes 18 de febrero.

No se aceptarán propuestas por otras vías

o en otra fecha diferente a la que se indicada

en el reglamento.

Cita impostergable

Durante el otoño, Mendoza se viste de ocres

y excelentes propuestas artísticas. Además

de cine, teatro, artes plásticas y literatura, la

Música Clásica ocupa un espacio de lujo.

Entre el 13 y 21 de abril se desarrollará la

décimo novena edición de uno de los ciclos

más convocantes de la región.

Música clásica por los Caminos del Vino se

ha convertido en el festival más grande del

país, con más de 60 conciertos en bodegas,

sitios patrimoniales y espacios naturales

de los cinco Distritos Culturales y más

de 1800 kilómetros recorridos, de norte a

sur y de este a oeste de nuestra provincia.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 33


CONVOCATORIAS///

LA ORQUESTA SINFÓNICA DE VILLA MARÍA

LLAMA A AUDICIONES PÚBLICAS PARA

CUBRIR PUESTOS DE MÚSICOS BECARIOS

La Universidad Nacional de Villa María junto a la Municipalidad de Villa María a

través de la Comisión de Implementación y Seguimiento de la Orquesta Sinfónica

de Villa María convoca a audiciones para cubrir 26 puestos vacantes como músico

becario en la OSVM dirigida por el Prof. Luis C. Nani.

Vacantes

26 becas de un total de

64

A saber: 4 becas guía,

18 becas fila y 4 becas

incentivo

Cuerdas:

• 11 Violines de fila y/o

incentivo

• 3 Violas de fila y/o

incentivo

• 4 Violonchelos de fila

y/o incentivo

• 1 Violonchelo Guía

• 1 Contrabajo de fila y

/o incentivo

Vientos:

La inscripción se realizara vía e-mail escribiendo

a orquestasinfonicavm@gmail.

com Aclarando en el asunto: Inscripción

Audiciones OSVM (aclarar instrumento),

a partir del Lunes 24 de diciembre de 2018

hasta el Lunes 25 de Febrero de 2019.

Las audiciones tendrán lugar los días jueves

28 de febrero y viernes 01 de Marzo

de 9 a 13hs y de 16 a 18hs, en el Auditorio

del Campus de la UNVM (Av. Arturo Jauretche

1555 – Villa María).

• 1 Oboe Guía

• 1 Corno Francés Guía

• 1 Corno Francés de fila y/o incentivo

• 1 Fagot Guía

• 1 Flauta II de fila y/o incentivo

Percusión:

• 1 Percusión de fila y/o incentivo

Informes y links de descarga en el Facebook

Orquesta Sinfónica Villa María /

orquestasinfonicavm@gmail.com

34 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


CICLOS Y CONCIERTOS///

“Mostrar lo que el

Colón no muestra”

ENTREVISTA A JORGE AGOTE, DIRECTOR GENERAL FESTIVAL PLAZA VATICANO

La quinta edición del Festival Plaza Vaticano proyectará espectáculos

provenientes de los teatros y festivales de música más importantes

del mundo, a partir de la instalación de una pantalla gigante en la

Plaza Vaticano.

Por Gabriela Levite

¿Cómo surge la Asociación y cómo llegas a

ella?

Surge de una charla con el Gobierno de la Ciudad

donde plantearon que harían una reforma

en el entorno del Teatro Colón y querían que los

vecinos se involucraran con el espacio público.

Así fue que formamos la Asociación Civil Cultural

Centro Histórico Teatro Colón. Y apenas iniciamos

propusimos hacer un Festival de Música, se

me ocurrió a mí y lo digo con orgullo porque el

Festival da grandes satisfacciones. Uno puede

ver y tener acceso a programación de los espectáculos

más lindos del mundo en una pantalla.

En Viena se realiza todos los años el Rathausplatz

Film Festival. Son 65 funciones. Un poco la idea

se basa en ellos y la gratuidad es la base y el objetivo

fundamental del Festival para que la gente

pueda tener acceso a lo mejor del mundo. Además

hacerlo en la plaza es un espectáculo, ya

que tenés otros agregados como el entorno: un

atardecer divino. Tiene una magia muy especial.

Más distendido. No es la seriedad de una

sala de concierto, hasta la gente, se lleva el

termo y el banquito...

Exactamente. Está pensado para que la gente lo

pase bien y que si se quiere traer una manta o lo

que sea, lo haga.

Claro, porque la capacidad de las sillas no alcanza

para todo el público que asiste. ¿Con

cuántas sillas cuentan?

Tenemos entre 800 y 1000 sillas. En principio lo

hacíamos en enero, donde hay poca gente, pero

llegamos a tener un promedio de mil personas

por día. Si es ópera un poco menos, si es ballet

un poco más.

Este año cambió con respecto a los otros.

Ahora serán seis días seguidos, del 4 al 10, antes

duraba más tiempo...

Lamentablemente este año el Gobierno de la Ciudad

dijo: “Tenés estos días”, y tuvimos que adaptarnos.

Así que haremos un intensivo. Además

queremos aprovechar que cumplimos cinco años

y pondremos cosas marketineras para que la gente

conozca y traccione público. Por ejemplo he

pasado una versión de El Lago de los Cisnes de

Alexander Ekman, coreógrafo sueco. Es un delirio

total y la mitad de la gente aplaudió, así que

estaba muy contento porque pensé que se iban

a levantar todos. Estoy mostrando lo mejor que

hay en el mundo hoy. El Festival tiene varios objetivos:

Uno, es mostrar lo que el Colón no muestra.

¿Toda la programación es con producciones

del exterior?

Siempre ponemos una producción del Colón

al principio y al final. Pero la idea es sumar. El

que quiere ir al Colón va, ya sea más arriba, más

abajo…pero llegar a la Ópera de Dinamarca, por

ejemplo, no es fácil. Entonces prefiero mostrar

cosas a las que no hay acceso para que la gente

pueda ver. Acá gusta lo clásico, pero me interesa

una programación más alternativa, eso lo

36 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


pude hacer otros años, con más funciones.

Los que piden renovación y puestas más

modernas salían felices...

Claro. Ese es otro de los objetivos que tenemos.

Este año tengo poco tiempo, pocas funciones,

entonces no puedo.

Para este año la selección fue más acotada,

¿cómo fue el criterio?

Primero hay que preguntarse qué cosas tenés

para disponer y luego viene la elección. Vamos a

las embajadas y ellos se contactan con el Teatro

y preguntan si la producción que a mí me interesa

está filmada, si tienen los derechos pagos para

transmitirlo en Latinoamérica o en espectáculos

públicos, etc. Hay veces que me dicen que sí y

otras que no pero me ofrecen otras. Y una vez

que veo qué es lo que tengo, elijo un poco de ballet,

ópera, concierto sinfónico, y algunas cosas

más alternativas que siempre me encantan.

La idea en el futuro es ampliar el Festival, me es

muy gratificante hacer algo por la cultura y nivelar

para arriba. Tenemos que ver si vamos a poder seguir

porque hacer algo en Argentina por quinto año

consecutivo, es casi un milagro. Hemos pasado por

distintos directivos del Teatro Colón, tres ministros

distintos de Cultura… este año el ministerio aporta

las sillas, baños, hace su aporte, pero es todo muy

difícil, todo surge a último momento.

Siempre en música clásica es menor la cantidad

de propuestas y la actividad cultural. Ampliar

el público es algo que se necesita y que

no sea solo el público del Teatro Colón…

Exactamente. Que la gente no le tenga miedo a la

ópera, que hay versiones que le pueden gustar a

personas jóvenes. Y la idea es ganar nuevos públicos,

tener mucho baile contemporáneo, también.

La gente llega tempranísimo, primero paso un

documental del país, después un documental

del Teatro y finalmente el espectáculo.

Es como un viaje virtual…

Este año pasaremos el concierto de Fireworks

de Handel filmado en el Castillo de Chambord,

Francia, y lo lindo es que la cámara sube y toma

todo el paisaje. Yo, además de la música, quiero

mostrar cosas lindas, sobre todo en el momento

que estamos viviendo tan complicado y difícil.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 37


CICLOS Y CONCIERTOS///

Además, justamente, para atraer otros públicos,

suma todo ese plus más visual.

El público es complicado, siempre hay uno que

protesta, se pelea por la silla, pero mucha gente

viene con su silla, otros sacan las que damos y las

ponen a un costado o donde se les da la gana.

Mientra no moleste al de al lado. Tuve que poner

un cartel para que no fumen.

¿Durante el año hacen otros proyectos o lo

fuerte de la Asociación es el Festival?

No, el fuerte es el Festival que se hace todos los

años.

¿Cómo será esta edición?

A las 20 horas comienza, no hay atraso. Hay tres

días con doble programación: los conciertos que

realizó Martha Argerich de Chopin en Polonia

con la Orquesta Sinfónica de Varsovia y dura 40

minutos, entonces lo pude mechar para que la

gente vea un poco más; y Barenboim tocando la

quinta de Beethoven con la Orquesta de la Staatskapelle

de Berlín, en Alemania.

¿Siempre pasan producciones más bien actuales?

Tratamos. Lo nuevo está disponible casi enseguida.

Y este año, por ejemplo, hay cosas muy lindas

como “Sueño de una Noche de Verano” del Ballet

de la Ópera Nacional de París con vestuario

y escenografía de Christian Lacroix. Lindísimo. Y

es algo reciente, en 2017. Trato de buscar cosas

más o menos actuales.

Realizar un festival al aire libre es todo un desafío,

con muchas circunstancias no previsibles

como el clima…

El verano pasado fue una gloria, fueron 18 funciones

y nunca llovió. Las funciones no las podemos

pasar, no tenemos otra opción de fechas. El

que vive lejos no va a hacer un programa al aire

libre si está por llover, pero nos ha pasado que

había 30 personas y nos quedamos igual. Después

se largó a llover y la gente abrió el paraguas

y se quedaba ahí estoica.

V FESTIVAL DE MÚSICA EN LA

PLAZA VATICANO DEL 4 AL 10/2

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Viamonte y Libertad.

Detalles de programación

en Agenda

38 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


CICLOS Y CONCIERTOS///

Una década

de danza

contemporánea

nacional

El 26 de febrero la Compañía Nacional de Danza Contemporánea

celebra los primeros 10 años de vida desde su creación en febrero

de 2009. Por tal motivo, invita al público a disfrutar al aire libre de sus

obras: “8Pies” de Ramiro Soñez (nueva versión) y Tensión Espacial

de Jae Duk Kim. Con entrada libre y gratuita.

Ocho pies abstractos entre palabras y diálogos

no escuchados. Ocho pies en parejas

dispuestos a dialogar... un lenguaje que no

conduce a nada. El cuerpo responde a las miradas

que acorralan, una respuesta incomoda

que supera la presión.

Reseña

Obra coreográfica realizada para un cuarteto,

logrando la presencia de ocho pies en el escenario,

los intérpretes que se suceden unos

tras otros. Hay momentos de soledad, y una

búsqueda de un espacio especial en donde

se desarrollen las situaciones, el encuentro

de escenas donde los interpretes van dejando

preguntas y respuestas entre el movimiento, la

imposibilidad de mirar a los ojos genera incomodidad

en la fluidez del relato.

“8pies” se logra después de improvisaciones,

pruebas y el sinceramiento interno en el lenguaje

corporal de cada integrante.

Interpretes: Victoria Hidalgo- Magalí del

Hoyo- Yésica Alonso- Yamila Guillermo- María

del Mar Codazzi- Candela Rodríguez- Inés

Maas- Pablo Fermani—Juan Salvador Giménez

Farfán - Leo Gatto- Rafael Peralta- Liber

Franco- Mauro Podesta.

Coreografía y Dirección: Ramiro Soñez

Música: Madredeus Electrónico

Edición Musical: David Romano

Iluminación idea: Ramiro Soñez – Adaptación:

Martín Rebello

Tensión Espacial

La relación cuerpo y espacio se funda en la

presencia y el movimiento. En esa fundación

se da la reversibilidad de la tensión, donde

el cuerpo fuerza el campo a su alrededor,

y el espacio impone medidas al cuerpo. El

movimiento se despliega en el avance y el

regreso, dando forma a una continuidad inacabada,

que nace del reverso de cada gesto

para develar lo oculto. La velocidad impuesta

al andar se da con brusca ternura, para no

dañar las fibras más esenciales. Y el cuerpo

exhala su tracción interna, su consciencia se

enfoca en la relación espacial, se estremece

y reverbera a su alrededor para desatar el

quiebre con la regularidad. Inspirada en reflejos

del tango argentino y el pansori coreano.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 39


CICLOS Y CONCIERTOS///

La sonoridad sincopada sirve de montura a

cada paso de la danza y toca los resquicios

íntimos del sujeto andante.

Música y Coreografía: Jae Duk Kim

ACERCA DE LA DIRECCIÓN NACIONAL

DE ORGANISMOS ESTABLES

La misma se encuentra bajo la dirección de la

Sra. Mariela Florencia Bolatti, dependiente de

la Secretaría de Cultura de la Nación, instrumenta

las políticas públicas para el desarrollo,

fomento, difusión y divulgación de las expresiones

artísticas y culturales.

A través de su creación, se jerarquizó a los

nueve elencos de música y danza: la Orquesta

Nacional de Música Argentina Juan de Dios

Filiberto, la Orquesta Sinfónica Nacional, la

Banda Sinfónica Nacional de Ciegos Pascual

Grisolía, el Coro Polifónico Nacional, el Coro

Polifónico Nacional de Ciegos Carlos Roberto

Larrimbe, el Coro Nacional de Jóvenes, el

Coro Nacional de Niños, el Ballet Folklórico

Nacional y la Compañía Nacional de Danza

Contemporánea; la cuál fue re categorizada

en carácter de dirección nacional el 11 de

agosto de 2017.

La DNOE tiene como responsabilidad programar,

conducir y difundir las actividades

de los nueve cuerpos artísticos, los cuáles

promueven la creación de obras de autores

nacionales es internacionales; interpretan la

música y la danza en todas sus manifestaciones,

y apoyan las actividades a nivel federal,

también fomentan la cooperación y el intercambio

cultural y artístico con otras entidades

nacionales e internacionales.

En el corriente año, tres elencos celebran sus

aniversarios: la Orquesta Nacional de Música

Argentina “Juan de Dios Filiberto” y la Orquesta

Sinfónica Nacional, cumplen 70 años,

y el Coro Polifónico Nacional, 50 años. Estos

llevan a cabo una intensa, reconocida y extensa

trayectoria artística.

Para más información ingresar a

http://hbinternet.com.ar/oe/

COMPAÑÍA NACIONAL

DE DANZA CONTEMPORÁNEA

22 DE FEBRERO, a las 19:30

Anfiteatro Eva Perón

del Parque Centenario

Leopoldo Marechal 832, CABA.

40 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


STREAMING DE MUSICACLASICABA///

Streaming de MCBA

Selección de nuestras playlist más visitadas, todas

ellas interpretadas por músicos argentinos.

Compositores argentinos:

https://soundcloud.com/musicaclasicaba/

sets/compositores-argentinos-siglo

Nacidos entre la segunda mitad del Siglo XIX y

la primer mitad del Siglo XX.

Alberto Williams (Buenos Aires el 23 de noviembre

de 1862 - 17 de junio de 1952).

Julián Aguirre (Buenos Aires, 28 de enero de

1868 - Buenos Aires, 13 de agosto de 1924).

Carlos López Buchardo (Buenos Aires, 12 de octubre

de 1881 - Buenos Aires, 21 de abril de 1948).

Juan José Castro (Avellaneda, 7 de marzo de

1895 - Buenos Aires, 3 de septiembre de 1968).

Luis Gianneo (Buenos Aires, 9 de enero de

1897- Buenos Aires, 15 de agosto de 1968).

Gilardo Gilardi (San Fernando, 25 de mayo de

1899 - 16 de enero de 1963)

Juan Carlos Paz (Buenos Aires, 5 de agosto de

1901 – Buenos Aires, 25 de agosto de 1972).

Washington Castro Buenos Aire, 13 de julio de

1909 - 29 de octubre de 2004).

Carlos Guastavino (Santa Fe, 5 de abril de

1912- 29 de octubre de 2000)

Alberto Evaristo Ginastera (Buenos Aires, 11 de

abril de 1916 – Ginebra, 25 de junio de 1983).

Gerardo Gandini (Buenos Aires, 1936 - Buenos

Aires, 22 de marzo de 2013).

Música Contemporánea:

https://soundcloud.com/musicaclasicaba/

sets/compositores

Compositores y Compositoras Contemporáneos

Argentinos

Piano:

https://soundcloud.com/musicaclasicaba/

sets/piano

Para escuchar más de nuestras playlists, hace

clik aquí.

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 41


AGENDA///

FEBRERO 2019

Lunes 4

20 hs. Teatro Colón – Plaza

Vaticano (Cerrito y Viamonte,

CABA). V Festival de Música en Plaza

Vaticano: Proyección de la ópera

“Norma”, de Vincenzo Bellini. Dirección

Musical, Renato Palumbo. Vestuario,

Aníbal Lápiz. Escenografía, Enrique

Dartiguepeyrou y Claudia Bottazzini.

Iluminación, Rubén Conde. Teatro

Colón 2018. Con el auspicio del Teatro

Colón. Dur: 2:45 hs. Entrada libre y

gratuita. Se suspende por lluvia.

Martes 5

20 hs. Teatro Colón – Plaza Vaticano

(Cerrito y Viamonte, CABA). V

Festival de Música en Plaza Vaticano:

Proyección del ballet “La Cenicienta”,

de Sergej Prokovief. Coreografía,

Giuseppe Picone. Dirección Musical,

Nicola Giuliani. Vestuario, Giusi

Giustino. Ballet y Orquesta del Teatro di

San Carlo. 2017. Con el auspicio de la

Embajada de Italia y el Instituto Italiano

de Cultura. Dur: 2:00 hs. Entrada libre y

gratuita. Se suspende por lluvia.

Jueves 7

20 hs. Teatro Colón – Plaza Vaticano

(Cerrito y Viamonte, CABA). V Festival

de Música en Plaza Vaticano: Proyección

de la ópera “CircOpera”, producción

del elenco de la Ópera Nacional de

Finlandia 2016 junto al Coro y Orquesta

de la Ópera Nacional de Finlandia. Dirección,

Alberto Hold-Garrido. Coreografía

Circense, Sanna Silvennoinen. Ballet de

Finlandia. Con el auspicio de la Embajada

de Finlandia. Dur: 1:35 hs. Entrada

libre y gratuita. Se suspende por lluvia.

21:45 hs. Teatro Colón – Plaza

Vaticano (Cerrito y Viamonte,

CABA). V Festival de Música en Plaza

Vaticano: Proyección del Concierto

para piano N° 1 Op.11 en Mi menor,

de Frédéric Chopin. Martha Argerich,

piano. Orquesta Sinfónica de Varsovia.

Encores: Mazurka, Op 24 N° 2, de

Chopin, y Traumeswirren Op. 12 N° 7,

de Schumann. Dirección, J. Kaspszyk.

Philarmonic Concert Hall, Varsovia,

Polonia. Con el auspicio de SELECTA.

Dur: 46 min. Entrada libre y gratuita.

Se suspende por lluvia.

21:45 hs. Teatro Colón – Plaza

Vaticano (Cerrito y Viamonte, CABA).

V Festival de Música en Plaza Vaticano:

Proyección del Concierto para piano

N°5 en Mi bemol Mayor Op.73, de L. V.

Beethoven. Dirección y piano, Daniel

Barenboim. Orquesta de la Staatskapelle

de Berlín. Klavier-Festival Ruhr,

Essen, Alemania. Con el auspicio de

SELECTA. Dur: 40 min. Entrada libre y

gratuita. Se suspende por lluvia.

Sábado 9

20 hs. Teatro Colón – Plaza Vaticano

(Cerrito y Viamonte, CABA). V

Festival de Música en Plaza Vaticano:

Proyección del ballet “El Lago de los

Cisnes”, de P.I. Tchaikovsky. Coreografía,

Silja Schandorff y Nicolai Hübbe.

Diseño de luces, Mikki Kunttu; vestuario

Mia Stensgaard. Royal Danish Ballet.

Teatro Real de Dinamarca – 2018. Con

el auspicio de la Embajada de Dinamarca.

Dur: 2:30 hs. Entrada libre y gratuita.

Se suspende por lluvia.

Miércoles 6

20 hs. Teatro Colón – Plaza Vaticano

(Cerrito y Viamonte, CABA). V Festival

de Música en Plaza Vaticano: Proyección

del ballet “Sueño de una Noche de Verano”,

de Felix Mendelssohn. Coreografía,

George Balanchine. Vestuario y escenografía,

Christian Lacroix. Orquesta, Coro

y Ballet de la Ópera Nacional de París.

Ópera de París 2017. Con el auspicio

de la Embajada de Francia y la Alianza

Francesa. Dur: 2:05 hs. Entrada libre y

gratuita. Se suspende por lluvia.

Viernes 8

20 hs. Teatro Colón – Plaza Vaticano

(Cerrito y Viamonte, CABA).

V Festival de Música en Plaza

Vaticano - Proyección de concierto:

Royal Fireworks (Música para los

Reales fuegos de artificio), de Georg

F. Handel. Dirección, Herve Niquet.

Orquesta Le Concert Spirituel.

Jardines del Castillo de Chambord.

Francia. Con el auspicio de SELEC-

TA. Dur: 01:22 hs. Entrada libre y

gratuita. Se suspende por lluvia.

Domingo 10

20 hs. Teatro Colón – Plaza Vaticano

(Cerrito y Viamonte, CABA). V

Festival de Música en Plaza Vaticano

- Proyección de concierto: Sinfonía

Nro 9, de L. V. Beethoven. Orquesta

Filarmónica de Israel. Dirección

Musical. Zubin Metha. Coreografía,

Maurice Bejart. Ballet de Tokio y Bejart

Ballet Lausanne. NHK Hall Tokio.

Con el auspicio de SELECTA. Dur:

01:27 hs. Entrada libre y gratuita. Se

suspende por lluvia.

42 | Revista Música Clásica 3.0 | Enero 2019 | musicaclasicaba.com.ar


21:30 hs. Teatro Colón – Plaza

Vaticano (Cerrito y Viamonte, CABA).

V Festival de Música en Plaza Vaticano

- Proyección de concierto: ARGEN-

TUM – Producción Teatro Colón 2018.

Espectáculo musical presentado con

motivo de la reunión de mandatarios

extranjeros del G20. Con el auspicio de

SELECTA. Dur: 45 min. Entrada libre y

gratuita. Se suspende por lluvia.

Jueves 14

21 hs. Al Escenario (Plaza Matheu

- Gral A. de Lamadrid 1001 / esq

Irala, La Boca, CABA). Concierto de

piano - Ciro Alejandro Rolón. Programa

- - Franz Schubert: Impromptu Op.

90. Nro 4. D.899; Claude Debussy:

Preludios – Libro I (Nro. 1, Nro. 2, Nro.

5), “Estampes” (Nro. 2), “Clair de Lune”;

Frédéric Chopin: Scherzo Op. 31. No 2

en si bemol menor, Preludio op 28. No

4 y Ballade Op. 23 en sol menor. Convocatoria

del público y barra abierta a

partir: 21hs. Concierto: 22hs. Reserva

por mail: alescenarioreserva@gmail.

com. Entradas: Taquilla Inversa a partir

de $150. Capacidad limitada.

Viernes 22

11 hs. Teatro Colón. Orquesta

Filarmónica de Buenos Aires - Disney

en concierto: Sinfonía de Películas.

Coproducción realizada entre el Teatro

Colón y Disney. Dirección musical:

Enrique Arturo Diemecke. Música de

películas: Aladdín, La Bella y La Bestia,

Frozen, El Rey León, entre otras, con la

participación especial de los personajes

de Disney en vivo. Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

19:30 Centro Naval (Florida 801,

CABA). Escenas de la ópera “ROMEO

Y JULIETA”, de Charles Gounod. Con

Laura Polverini (soprano), Cristian Karim

Taleb (tenor) y María José Maito (piano

y dirección musical). Es una producción

de GALALIRICA Show. Informes y reservas:

15 4044-5247 info@galalirica.com

20 hs. Teatro Colón. Orquesta Filarmónica

de Buenos Aires - Disney

en concierto: Sinfonía de Películas.

Coproducción realizada entre el

Teatro Colón y Disney. Dirección

musical: Enrique Arturo Diemecke.

Música de películas: Aladdín, La Bella

y La Bestia, Frozen, El Rey León,

entre otras, con la participación especial

de los personajes de Disney

en vivo. Localidades en http://www.

teatrocolon.org.ar

Sábado 23

11 hs. Teatro Colón. Orquesta Filarmónica

de Buenos Aires - Disney

en concierto: Sinfonía de Películas.

Coproducción realizada entre el

Teatro Colón y Disney. Dirección

musical: Enrique Arturo Diemecke.

Música de películas: Aladdín, La Bella

y La Bestia, Frozen, El Rey León,

entre otras, con la participación especial

de los personajes de Disney

en vivo. Localidades en http://www.

teatrocolon.org.ar

19 hs. Fundación Beethoven –

Auditorio (Av. Santa Fe 1452, CABA).

Concierto de piano y violín - Ignacio

Cecchini y Rafael Marrero. Sonata N°

31, Op. 110 para piano solo y Sonata 5

para violín y piano, ambas de Ludwig

van Beethoven; y “Segundo Nacimiento”,

para piano solo, de Ignacio

Cecchini. Entrada libre y gratuita. Reservas:

ignaciocecchini@gmail.com

20 hs. Teatro Colón. Orquesta

Filarmónica de Buenos Aires - Disney

en concierto: Sinfonía de Películas.

Coproducción realizada entre el Teatro

Colón y Disney. Dirección musical:

Enrique Arturo Diemecke. Música de

películas: Aladdín, La Bella y La Bestia,

Frozen, El Rey León, entre otras, con la

participación especial de los personajes

de Disney en vivo. Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

20:30 hs. Teatro Núcleo (Av.

Maipú 3143, Olivos). Escenas de la

ópera “ROMEO Y JULIETA”, de Charles

Gounod. Con Laura Polverini (soprano),

Cristian Karim Taleb (tenor) y

María José Maito (piano y dirección

musical). Es una producción de GA-

LALIRICA Show. Informes y reservas:

15 4044-5247 info@galalirica.com

Domingo 24

11 hs. Teatro Colón. Orquesta Filarmónica

de Buenos Aires - Disney

en concierto: Sinfonía de Películas.

Coproducción realizada entre el

Teatro Colón y Disney. Dirección

musical: Enrique Arturo Diemecke.

Música de películas: Aladdín, La

Bella y La Bestia, Frozen, El Rey

León, entre otras, con la participación

especial de los personajes

de Disney en vivo. Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

17 hs. Teatro Colón. Orquesta

Filarmónica de Buenos Aires - Disney

en concierto: Sinfonía de Películas.

Coproducción realizada entre el Teatro

Colón y Disney. Dirección musical:

Enrique Arturo Diemecke. Música de

películas: Aladdín, La Bella y La Bestia,

Frozen, El Rey León, entre otras, con la

participación especial de los personajes

de Disney en vivo. Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

Jueves 28

20 hs. Teatro Colón. Orquesta Filarmónica

de Buenos Aires – Abono

01, Director musical: Enrique Arturo

Diemecke. -- Solista: Alexander Romanovsky

(Piano) y el Coro Estable

del Teatro Colón. Programa integrado

por el Concierto para piano N°1

en Si bemol menor, Op. 23, de Tchaikovsky;

y la Suite de El Príncipe Igor,

de Alexander Borodin. Localidades

en http://www.teatrocolon.org.ar

musicaclasicaba.com.ar | Enero 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 43


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• Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125. Martes a sábado de 12 a 20 hs.).

• Fundación Telefónica (Arenales 1540. Lunes a sábados de 14 a 20.30).

• I Violini (Perú 1076. Lunes a Viernes 9 a 19 hs. Sábados 9 a 14 hs).

• Pianos Baldwin (Paraná 913. Lunes a Viernes 10 a 19.30 hs Sábados de 10 a 12.30 hs).

• Fundación Beethoven (Av. Santa Fe 1452. Lunes a viernes 10 a 22 hs).

• Fundación Julio Bocca (Viamonte 555).

• Asociación Arte y Cultura (Guardia Vieja 3783).

• Instituto Superior de Música José Hernández

(Juan B. Alberdi 1294 Olivos. De 14:00 A 20:30 hs.)

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Febrero 2019 | Música Clásica 3.0

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