Música Clásica 3.0 Nº4

musicaclasicaba

Música Clásica 3.0 es un publicación mensual digital de MusicaClasicaBA. Un enfoque más actual y desestructurado del mundo de la música clásica. Además del énfasis en el diseño, realizamos un aprovechamiento de las nuevas tecnologías y las redes sociales, por eso a nuestra revista impresa y página web le hemos sumado esta nueva publicación. En Música Clásica 3.0 encontrarán información de agenda, notas y entrevistas a artistas destacados.

MÚSICA CLÁSICA 3.0

UNA PUBLICACIÓN MENSUAL DE MCBA

HORACIO

LAVANDERA

ERNESTO

ACHER

20 AÑOS

JUVENTUS

LYRICA

LAURA

RIZZO

#CONVOCATORIAS #VIDEOS #AGENDA

#4

#RESEÑAS #MÚSICAYLIBROS

ABRIL 2019


SUMARIO

3.

EDITORIAL

04

HORACIO

LAVANDERA

16.

22.

26.

36.

LEANDRO DONOZO

ENTREVISTA A LAURA RIZZO

20 AÑOS: JUVENTUS LYRICA

CANCIONES DE CUNA EN LA

MÚSICA CLÁSICA

38.

CICLOS Y CONCIERTOS

10

ERNESTO

ACHER

42.

44.

CONVOCATORIAS

AGENDA: ABRIL 2019

STAFF MCBA

DIRECTORES PROPIETARIOS MCBA

Gabriela Levite | Maximiliano Luna

DIRECTORA EDITORIAL

Gabriela Levite

DISEÑO EDITORIAL

María Luz Guillén | guillen.marialuz@gmail.com

ESCRIBEN EN ESTA EDICIÓN

Maxi Luna, Gabriela Levite, Sabrina Abalo, Lucila

Bruno, Virginia Chacon Dorr, Iván Gordin.

DISEÑO IMAGEN DE TAPA

María Luz Guillén | MusicaClásicaBA

FOTOGRAFÍA DE TAPA

Juan Hitters

AGENDA

Carlos Romero

agenda.musicaclasicaba@gmail.com

COMUNICACIÓN INSTITUCIONAL

Alicia Gubitsch

prensa.aliciagubitsch@gmail.com

SUSCRIPCIONES

musicaclasicaba@gmail.com

CONTACTO COMERCIAL

musicaclasicaba@gmail.com

(+54 11) 4733 9048

ABRIL 2019 | EDICIÓN N°4 - AÑO 0

Revista digital

Registro DNA en trámite


EDITORIAL

El 23 de abril se celebra el Día Internacional del Libro

y es también una tradición anual comenzar la Feria

del Libro de Buenos Aires durante esa misma semana.

En el marco de este importante evento cultural,

compartimos la entrevista que Lucila Bruno le realizó

al editor de libros musicales, Leandro Donozo, uno

de los pocos, o el único, dedicado especialmente a

publicaciones relacionadas con este arte en todas sus

formas y vertientes.

Sabrina Abalo entrevistó a la soprano lírica Laura

Rizzo, quien encarnó recientemente a Gilda, la hija

de Rigoletto, en la apertura de la temporada de

ópera 2019 en el Teatro Colón. Además, una extensa

entrevista de Virginia Chacón Dorr a María Jaunarena,

directora ejecutiva (entre otras múltiples facetas), en

conmemoración de los 20 años de Juventus Lyrica, bastión del circuito de ópera Off-Colón.

Nosotros nos hemos dado el gusto de tener una simpática charla con Ernesto Acher, con quien hablamos

de toda su extensa carrera y sobre la función despedida de “Gershwin, el hombre que amamos”... y

también, una pequeña pero grata entrevista, con el pianista Horacio Lavandera.

Y si tienen problemas para dormir, no dejen de leer la nota de Iván Gordin: “Canciones de cuna en

la música clásica”. Y como siempre encontrarán videos, convocatorias, ciclos y conciertos y toda la

agenda de abril para no perderse nada de lo que sucede.

¡Pasen y lean el #4 de Música Clásica 3.0!

Gabriela Levite y Maximiliano Luna.

http://musicaclasicaba.com.ar | musicaclasicaba@gmail.com

MCBA ha sido declarada de interés Cultural por la Ciudad Autónoma

de Buenos Aires, por el Ministerio de Cultura de la Presidencia de la Nación

y por el Teatro Colón.

Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista sin previa autorización por escrito de sus autores.

Los anuncios, artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de MusicaClasicaBA.

Imágenes de páginas 40 y 41 basadas en el sitio web Freepik | https://www.freepik.es

Fondos de las paginas 54, 55 y 56 basadas en el sitio web Freepik | https://www.freepik.es


ENTREVISTA A HORACIO LAVANDERA ///

4

| Música Revista Música Clásica Clásica 3.0 | Abril 3.02019 | Abril | 2019 | musicaclasicaba.com.ar


“LA OBRA

DE CHOPIN

PONE

AL PIANISTA

EN SITUACIONES

LÍMITES”

Por Maxi Luna

Como ya se ha vuelto una grata costumbre,

este año vuelve a Ciudad Cultural Konex el

Festival de Música Clásica que organiza la

Fundación en conjunto con Fundecua, bajo

la dirección artística de Andrea Merenzon. No

se trata de una edición más, sino a de la N°5,

aunque por la magnitud e importancia que

ha adquirido en todo este tiempo, en nuestro

imaginario son muchos años más.

El ciclo, que contará con 6 fechas -del 23 al

28 de abril- estará dedicado a la música del

Romanticismo, y principalmente a la obra de

Frédéric Chopin, de quien se conmemora el

170° aniversario de su fallecimiento, y como

no podía ser de otra manera, el piano será

el principal protagonista. Además se escucharán

obras de Beethoven, Robert Schumann,

Johannes Brahms, Niccolò Paganini,

Felix Mendelssohn, Franz Liszt y Franz Schubert,

entre otros.

Uno de los pianistas que estará participando

de esta edición será Horacio Lavandera, a

quien pudimos realizarle algunas preguntas

sobre el gran compositor polaco y el programa

que estará realizando en esta oportunidad.

¿Qué significa Chopin para los pianistas?

PH.

Ximena Martínez

Chopin es uno de los compositores más ge-

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 5


ENTREVISTA A HORACIO LAVANDERA ///

“(Chopin) fue un

autodidacta del

instrumento. Aprendió

y buscó un nuevo estilo

por sí solo”.

niales de la historia. Toda su innovación, sus

esquemas melódicos y armónicos, sus ritmos

lo posicionan dentro de un lugar único. Aún

aprendiendo de Bach, Mozart o Hummel, él

busca su propio camino con la música de sus

raíces. Muchos concuerdan en que él le dio

una voz y una altura a los músicos y música

de su tierra como nunca antes nadie pudo siquiera

imaginar.

Desde el piano, sus composiciones son técnicamente

una más difícil que la otra. Ponen

al pianista en situaciones límite. Sus hallazgos

de la mecánica pianística son visibles

desde sus obras más tempranas. Cabe aclarar

que fue un autodidacta del instrumento.

Aprendió y buscó un nuevo estilo por sí solo.

No quería imitar ni copiar a ningún pianista

de los de su época.

¿Qué obras estarás interpretando y qué

nos podés contar acerca de las mismas?

Sobre el Nocturno en mi bemol mayor, op. 9

n° 2 se sabe a través del libro Chopin: Pianist

and Teacher editado por Jean-Jacques Eigeldinger,

que ocupaba muchas de sus clases a

diferentes alumnos. Es interesante notar sobre

el cantabile de la mano derecha como Chopin

improvisaba numerosas ornamentaciones en

cada una de las variaciones del tema. La mano

izquierda debe sonar como un “coro de guitarras”

señaló Chopin. Es una obra muy delicada.

Tanto el Gran Vals Brillante, en mi bemol mayor,

op. 18 como el Gran Vals Brillante en la bemol

mayor, op. 34 n° 1 son obras basadas en la

música de moda y más popular de la época,

el vals vienés, el que Chopin tuvo ocasión de

escuchar en Viena interpretado directamente al

violín por Johann Strauss padre y Josef Lanner.

La Polonesa n° 6 en la bemol mayor, op. 53

“Heroica” es una obra “nacionalista” por excelencia.

Chopin deseaba representar una

esperanza de gloria para el tan sufrido momento

político polaco contemporáneo. El

territorio había perdido su soberanía nacional

y estaba repartido entre los intereses de

Prusia y Rusia, los cuales a su vez estaban

en conflicto. Chopin muere sin haber visto

su país y su pueblo en libertad y esta música

representa este anhelo.

6 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


PH

Rafa Martin

Según Robert Schumann tanto la Balada n° 1

en sol menor, op. 23 como el ciclo de baladas

estarían basados en textos de Adam Mickiewicz,

escritor polaco y amigo de Chopin.

Algunos historiadores refieren esta balada al

poema épico “Konrad Wallenrod”, quien fuera

Hochmaister de la Orden Teutónica del siglo

catorce. En un acto de venganza, conduce

a las fuerzas teutónicas a una derrota con

Lituania, al darse cuenta de sus verdaderos

orígenes, los cuales eran lituanos.

Sobre el Scherzo n° 2 en si bemol menor, op.

31 se conoce una historia en la cual Chopin

hacía referencia al drama “Hamlet” de Shakespeare.

La Sonata n° 2 en si bemol menor, op. 35 es

una de las obras más excéntricas, oscuras y

enigmáticas de Chopin. Robert Schumann

señaló entre otras cosas que en esta obra el

autor había reunido sus cuatro “hijos más locos”.

Su marcha fúnebre es la fuente de todo

el material de la obra.

El festival ya parece estar bastante esta-

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 7


ENTREVISTA A HORACIO LAVANDERA ///

Hace click

F. Chopin - Ballade no.1 op.23 - Horacio Lavandera

blecido ¿cómo creés que se logró eso, sobre

todo en un espacio no convencional?

Es un motivo para celebrar que la música

clásica pueda estar presente en diversos escenarios.

El público en todas las ediciones

ha respondido muy bien y con mucho entu-

ENTREVISTA EN LA

EDICIÓN ANUARIO DE

MUSICACLASICABA #1

Reviví la entrevista que le

hemos realizado para el N°1 de

MusicaClasicaBA Revista, donde habla

de sus comienzos e infancia, su rol

como compositor, director y músico

contemporáneo, y mucho más.

“Creo profundamente que la música

puede cambiar la vida de las

personas”

Link a la nota AQUÍ

siasmo. Esta iniciativa con el gran apoyo del

Dr. Luis Ovsejevich le da un gran impulso a la

actividad cultural de Buenos Aires, poniéndola

en el mismo nivel de las más avanzadas

ciudades del mundo como París, Berlín,

Londres o Nueva York, lugares a los que voy

frecuencia.

HORACIO LAVANDERA

EN EL TEATRO COLÓN

El jueves 9 de mayo a las 20 hs. el

pianista argentino se presentará en la

5 ta función de abono de la Orquesta

Filarmónica de Buenos Aires en el

Teatro Colón.

Lavandera interpretará el Concierto

N°1 en Mi bemol mayor de Franz

Liszt. El programa se completará con

la Sinfonía Dante S.109, todo bajo la

dirección de Roberto Minczuk.

Conseguir Entradas.

8 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


PODÉS APOYAR ESTE

PROYECTO CULTURAL

A TRAVÉS DE

INGRESOS BRUTOS.

FÁCIL, RÁPIDO Y SEGURO.

LEY DE MECENAZGO

El proyecto “MusicaClasicaBA, el mundo de la música clásica en

un solo lugar” N° 7457/RTC/2018 ha sido aprobado en el marco

del Régimen de Promoción Cultural del Ministerio de Cultura del

Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires de la Ley de Mecenazgo.

Esta ley ofrece la oportunidad a todos los contribuyentes de la

Ciudad de Buenos Aires inscriptos en el Impuesto Sobre los Ingresos

Brutos (IIBB), a aportar directamente a proyectos culturales a través

del Régimen de Promoción Cultural - Mecenazgo.

Los contribuyentes adheridos al Régimen Simplificado podrán

aportar el 100% del monto de las cuotas que restan pagar hasta

el fin del año calendario en el que se realiza el aporte. El resto

de los contribuyentes puede aportar hasta el 10% del Impuesto

Sobre los Ingresos Brutos (IIBB) determinado el año anterior. Los

montos son calculados automáticamente al momento de realizar

la donación a través del subportal web de Rentas (AGIP).

Cualquier persona o empresa interesada inscripta en Ingresos

Brutos, puede colaborar y ser parte de este proyecto cultural.

TU AYUDA ES MUY IMPORTANTE.

Más información en:

www.buenosaires.gob.ar/cultura/mecenazgo

musicaclasicaba@gmail.com

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ENTREVISTA A ERNESTO ACHER ///

Entrevista a

Ernesto Acher

Por Gabriela Levite y Maxi Luna

10 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Queremos saber sobre tus comienzos

musicales, tus inicios...

Yo no me acuerdo, pero me cuentan que,

como en muchas casas, había un piano que

mi mamá lo tocaba y que a los tres años yo

ya estaba en el taburete. Mi tía fue mi primera

maestra. Estudié piano desde los 4 años hasta

los 13, 14, pero nunca fui muy bueno (risas).

¿Y seguías porque te insistían o

igualmente te gustaba?

Me gustaba, pero llegó un momento en que

dejó de gustarme. Creo que se debió a que

empecé a escuchar otra música: la variante

jazzística de la música comercial de ese

entonces que eran las grandes orquestas, las

big bands. Y quise estudiar clarinete.

¿A qué edad fue el cambio?

Tiene que haber sido a los 14, y entonces

dejé de estudiar piano. Me equivoqué,

pero bueno...(risas). Creo que mi maestra,

que ya no era mi tía, tenía la mejor buena

voluntad, pero una visión muy estrecha de la

música. Conocía a Beethoven​y a Bach por

lo que estudiaba en piano, pero no conocía

realmente su música. Recién a los 17, 18

años empecé a escuchar música clásica,

pero desde otro lado.. ¡Bach, qué maravilla!

También me pasó una cosa muy graciosa:

era parte de un grupo de amigos que nos

juntábamos a escuchar jazz con cierta

regularidad en distintas casas. Estaba en

primer año de la facultad y un día llego tarde a la

reunión y cuando entro estaban escuchando

música y digo: “Qué es esto”. Me volví loco,

era una maravilla. Era el Octeto Buenos Aires

de Piazzolla, lo empecé a escuchar y me

sorprendí porque me resultaba tan familiar.

Era un género al que jamás le había dado ni

la hora y de pronto empecé a escucharlo y

conocía los temas, reconocía las orquestas,

los cantantes, y ahí me doy cuenta de que

el conocimiento venía de mi casa porque la

radio estaba prendida todo el día.

¿Se escuchaba tango en tu casa?

En la radio se escuchaba... una tercera parte de

la programación o más, era tango y pasaban

todas las orquestas y cantantes. Entonces me

conecté también con el tango y con Piazzolla.

Ahí ya había empezado a tocar clarinete,

tocaba jazz, aunque nunca fui especialmente

bueno pero me divertía mucho con esa

música y hubo dos cosas que me marcaron: la

improvisación y tocar en grupo, eso de estar

muy atento a lo que hace el otro. Creo que es

una experiencia musical que todos los que se

interesan por este arte deberían vivir.

Compartir...

Claro, y no digo que la enseñanza académica

sea mala porque también sirve. Está bien

porque da disciplina y profundidad, pero

esto de tocar en grupo e improvisar debería

ser parte de la enseñanza. Además, la

improvisación es algo que en la música

clásica se perdió desafortunadamente. Así

que circulé por varios lugares al mismo

tiempo, pero nunca llegué a tocar tango,

no tenía los suficientes conocimientos, me

gustaba, pero no sabía. También sucedió que

al entrar en la facultad, no me era fácil seguir.

¿Cómo fue la elección de seguir

arquitectura en la universidad?

Había que elegir una profesión...

¿Digna?

Claro, claro (risas). Si decía que quería

ser músico, no se entendía, no existía. Me

contaron, creo que tendría siete u ocho años,

que me llevaron a ver un maestro de violín

que me tomó unas pruebas y dijo: “Este salió

para concertista, pero tiene que estudiar

solamente música, dejar el colegio, estudiar

en su casa”. Y mi papá dijo que no. Algo que

le agradezco mucho.

La carrera de arquitectura la terminaste e

incluso ejerciste ¿no?

Sí, ejercí seis años hasta que me di cuenta

que no era lo mío.

¿Te gustaba?

Con los años me di cuenta que era mi segunda

opción, pero como con la primera no había

lugar y además no tenía la suficiente formación,

tampoco era sobresaliente en el jazz, era uno

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 11


ENTREVISTA A ERNESTO ACHER ///

“Hubo dos cosas

que me marcaron: la

improvisación y tocar en

grupo, eso de estar muy

atento a lo que hace el

otro. Creo que es una

experiencia musical

que todos los que se

interesan por este arte

deberían vivir.“

del montón. Además, mis tíos maternos estaban

en la construcción.

Tenías trabajo...

Y no me arrepiento porque siempre digo que la

formación académica que tuve fue excelente.

Entré en el ’58 y terminé a fines del ’64, los años

dorados de la Universidad de Buenos Aires. En

arquitectura aprendías y tenías que saber de

todo, los docentes te paseaban por historia,

geografía, por todos lados, y tenías que saber.

¿Sentís que esa formación te sirvió como

músico también?

No, no sé si específicamente, pero aprendí a

trabajar en equipo, ya tenía la experiencia del

jazz que es una experiencia colectiva, pero

en arquitectura también aprendí a trabajar

en equipo. Determinar funciones y alternar

funciones...

¿Y al componer influyó en algo, forma,

estructura, algún tipo de organización?

Tal vez. Una querida amiga, pianista, hermana

de un compañero de la facultad, me dijo que

le mostrara lo que hacía, entonces le llevé unas

obras y me dijo: “Me gustaron, usted tiene un muy

buen sentido de la forma” y me preguntó dónde

había estudiado eso, y le dije: “¡En arquitectura!”

(risas). Claro, porque curiosamente o no, hay

un parentesco del lenguaje, el cromatismo,

la volumetría y son términos que se terminan

manejando en música. La idea es la misma.

Creo que si hubiera seguido la carrera de música,

no hubiera tenido la formación académica que

tuve. Fue de 180 grados, tenías que saber y

aprender de todo para relacionarlo.

¿Cómo fue el paso para empezar a vivir

de la música.

Tiene su lado gracioso, porque cuando

decidí que no quería más la profesión de

arquitectura me fui a Mar del Plata, no tenía

nada que hacer, era enero y ahí de casualidad

conocí a Les Luthiers.

¿Estando en Mar del Plata?

Estando en Mar del Plata a través de una muy

querida amiga que cantaba en el coro de

López Puccio. Me hice muy amigo de Marcos

(Mundstock). Y, entonces cuando volví a

Buenos Aires, Marcos pidió licencia y me

propuso como suplente.

Estuviste al borde de la muerte, volvías en

la ruta para Buenos Aires después de una

noche larga...

Sí, sí. Me dormí y cuando me desperté me

salvé de milagro por esos cosas inentendibles.

Y me volví a Mar del Plata, ahí se dio todo.

Siempre cuento que cuando estás dando

trompos, no sabés dónde queda qué, y

encima apenas estaba amaneciendo, no había

nadie en la ruta, que fue lo que me salvó, y

entonces un tipo que justo pasaba paró y bajó

la ventanilla y le digo: “me puede decir para

qué lado queda Mar del Plata” (risas).

¿Ellos sabían que eras músico y también

qué te dedicabas al humor?

Claro, charlamos mucho y ni siquiera me

enteré por él, sino porque me llamaron por

teléfono y me dijeron: “Marcos te propuso”.

Me tomaron una prueba para ver si hablaba

bien, no tenía la voz de Marcos ni por lejos,

por supuesto, pero podía tocar también,

entonces leía los textos y tocaba. Eso fue en

el ’71, y estaba Puccio también, pero éramos

contratados y a mitad de año más o menos se

12 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


formalizó la cosa. Y ese fue el principio.

¿Y qué recuerdos tenés de esa etapa en

general?

Lindos, me divertía mucho, me gustaba mucho

joder con la música. Ya los había visto en

“Blancanieves y los siete pecados capitales” y

tenía mucha admiración por lo que hacían. Era

lo que me gustaba: hacer música en serio y en

broma al mismo tiempo. Estuve 16 años.

Sabemos que no se puede preguntar los

motivos de tu salida...

Siempre digo: “a un caballero, no se le

preguntan las razones de su divorcio”.

Aceptando que soy un caballero (risas).

Lo aceptamos. ¿Y el humor cuándo

empezó?

Yo hacía humor desde chico, era una veta mía,

me gustaban las historias, contar cuentos,

hacer personajes.

¿Eras el payaso de la familia?

Claro, era una especie de payaso.

Pero, ¿hasta que no llegó Les Luthiers no

habías hecho cosas laboralmente con el

humor?

No, esa fue la primera ocasión. Una vez había

hecho un concierto en mi casa, era una fiesta

muy dislocada donde cada grupo tenía que

traer un engendro y hacer algo musical. Fue

desopilante (risas). Me acuerdo que había

armado un grupo que hacíamos una versión en

joda de la Rapsodia húngara, el material debe

de estar por ahí en alguna parte.

Hay que buscarlo.

Hacía esas cosas pero era inorgánico y Les

Luthiers tenía una forma para fabricar un marco

donde se podían hacer con apariencia de

seriedad y al mismo tiempo ser un disparate.

Fue muy poco tiempo desde que dejaste

arquitectura y que empezaste con la

música.

Dos meses, fue de suerte. He sido un tipo

muy afortunado y esas cosas no son de

merecimiento, se toman.

Pero después hay que hacer méritos para

demostrar que eso que te tocó lo podés

hacer...

Está bien, pero también es cierto que lo que

se hace también tiene que ver con dónde

se hace y el contexto. Y eso también uno lo

recibe. En ese momento, pude desarrollarme

en el contexto de Les Luthiers. Yo lo ligué, no

lo fabriqué, aunque después aporté, claro.

¿Después de Les Luthiers formaste una

banda de jazz?

Eso también fue cosa de suerte.

¿Por qué?

Porque un día me reencontré con Jorge Navarro,

con quien nos conocíamos del ambiente del

jazz. Aún me acuerdo el día que apareció en el

Hot Club, no te digo en pantalones cortos, pero

casi, casi (risas). En la misma noche aparecieron

Navarro y Manolo Juárez. Eran dos marcianos.

Después, Jorge estuvo muchos años en Estados

Unidos, y al reencontramos nos preguntamos:

“¿Por qué no formamos una banda?”. Luego

llamé a los demás y empezamos a ensayar pero

no le encontrábamos la vuelta y se iban borrando

por distintos motivos. Entonces, Pierre pasó

a clarinete y traje a Enrique Varela como saxo

tenor, un músico mayor que nosotros, también

propuse al “zurdo” Enrique Roizner como

baterista, que nos conocíamos del ambiente, y

si bien no era un baterista de jazz, podía tocar

de todo y entonces digo: “por qué no tocar

de todo. Toquemos todo lo que nos gusta”.

Un día fui al Cervantes a ver una obra y tuve un

encuentro casual con Alfredo Zemma, amigo del

ambiente teatral y en ese entonces director del

Teatro Nacional Cervantes, que se me acercó

y me preguntó qué estaba haciendo y le

conté. A los pocos días me llama y me dice:

“mirá, estoy planeando un ciclo que se llamará

‘Trasnoche de jazz en el Cervantes’”. Y se lo

comento a los chicos y empezamos a pensarlo,

pero después dijimos: “pero, un ciclo de jazz...

nos van a encasillar y no queríamos”. No pasó

una semana que me vuelve a llamar y me dice:

“mirá, tengo una fecha libre, el sábado 18 de

junio, horario central”. “¿Cómo?”, (risas). Esto

era mayo.

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 13


ENTREVISTA A ERNESTO ACHER ///

Faltaba muy poco...

¡Sí! Estábamos a poco más de un mes y no

teníamos ni nombre (risas). Nos pusimos el

nombre y empezamos a ensayar como locos.

El jefe de la sección espectáculos de Clarín,

Armando Rapallo, nos hizo una nota y entonces

dijimos: “con la prensa y los invitados, 400 vamos

a meter”, y un día nos llaman y nos dicen: “No

inviten mas, no hay más entradas”. Y estrenamos

con el Cervantes repleto con gente sentada en

el suelo en el pasillo. A partir de ahí fue increíble.

Fueron unos años de mucha diversión fruto de

la música. Tengo muchos recuerdos y siempre

digo que la banda nació tarde y le tocó la mala.

¿En qué año fue ésto?

De 1988 hasta 1992, pero quizás si hubiera

nacido diez años antes todavía estaba vigente,

no sé… Cuando empezó la banda, todavía con

el valor de una platea podías comprar cuatro

centímetros de publicidad en los medios y

cuando terminó necesitabas cuatro plateas para

un centímetro. Al principio con la recaudación

te alcanzaba pero luego no había manera sino

tenias sponsors. El disfrute en el escenario era

total y todas las noche era una fiesta. Pero las

cosas tienen su ciclo.

¿Algún recuerdo puntual de esa época?

Siempre saludábamos a la gente cuando

terminaba el concierto, uno por uno. Era una

cosa que había visto que hacía el Tricicle, grupo

de mimos catalanes, y me pareció maravilloso.

Me acuerdo que una vez había unos chicos,

de 20 y tantos años, y uno de ellos me dice:

“Grande maestro, y tocar así a esta edad” (risas).

Le salió mal el halago.

Entendí que lo decía como una cosa buena,

pero le dije: “no te ofendas, pero tocar así, solo

se toca a esta edad”. (risas).

Te destacaste también por producir muchos

espectáculos distintos y novedosos, ¿cómo

fue esa faceta de productor y creador?

Hice bromas, juegos, parentescos musicales,

no me acuerdo cronológicamente, pero sí. Por

ejemplo, con mi amigo Jorge de la Vega (solista

de flauta de la Orquesta Estable del Teatro

Colón) hicimos Los animales de la música, con

una orquesta de 40 integrantes, él como solista

y yo en arreglos y dirección. Nos habíamos

hecho amigos y se nos ocurrió la idea de tocar

música que tuviera que ver con animales, estaba

la tortuga Manuelita, a la que le cambiamos la

historia, porque en nuestra versión se había

perdido y daba toda una vuelta y se encontraba

con Vivaldi, Beethoven, Johann Strauss y

terminaba con el Bolero de Ravel en París.

¿Y lo de Gershwin, puntualmente?

Surgió de un proyecto frustrado, pensando en

cómo terminar un evento se me ocurrió hacer

una versión jazzeada de la Rapsodia en azul.

Se lo cuento a Navarro y empieza a gritar y me

dice: “hace seis meses que estamos dando

vueltas con Baby con eso, pero el problema

era quién escribe” y le digo: “Escribo yo”. Ahí él

me contrapone hacer solo Gershwin y surgió el

título “Gershwin, el hombre que amamos”. Nos

pusimos a trabajar, a buscar sponsors y como

ellos tocaban en dúo de piano los sábados a la

noche, les escribí una versión a dos pianos para

que entrenen. Y la cuestión es que conseguimos

sponsors y teníamos que conseguir el lugar, fui

al Teatro Avenida, que hacía poco había sido

reinaugurado, un lugar maravilloso, y me dieron

fecha para dos martes porque estaba llena la

programación. Esto fue en 1997, lo volvimos a

hacer en el ’98, ’99 y principios del 2000 y nos

presentamos además en Córdoba, Santa Fe,

Mar del Plata y Sao Paulo (Brasil). Empezaron

a surgir nuevas propuestas pero Baby se

murió. Fue un mazazo tremendo y cancelamos

todo. En mi vida musical fue el golpe más

grande. Y tardamos seis años, en Semana

Santa de 2006, en el Festival del Vino de la

provincia de Mendoza, readapté los arreglos

y volvimos a presentar ”Gershwin, el hombre

que amamos” con el trío de Jorge Navarro y

orquesta. El éxito de esta nueva versión hizo

que las presentaciones se repitieran en el Teatro

Colón de Buenos Aires, el Teatro San Martín

de Tucumán, el Festival de Jazz de Campana

y los teatros Coliseo y Ópera de Buenos Aires.

Fue una buena manera de recordarlo a Baby

porque la mayoría de los arreglos eran suyos.

Y ahora llegó el momento de la despedida…

14 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


¿Será la última vez que la van a hacer?

Sí, es la despedida porque además hay que darle

lugar a un nuevo proyecto. Será con el mismo

formato de trío-jazz, pero esta vez será un tributo

a Antonio Carlos Jobim, que tiene la misma dificultad

que con Gershwin: ¡qué sacás, no qué

ponés! (risas). Jobim compuso muchísimo, más

que Gershwin. Es tremenda su obra, ¡tremenda!

Última oportunidad para ver ”Gershwin, el

hombre que amamos”...

Sí. La otra vez en una entrevista muy amablemente

decían: “no se pierdan el 27 de abril el

último show…”, y me quedé pensando que tendría

que haberlo dicho que no es un show, es un

concierto. Y creo que esto desnuda uno de los

problemas culturales que tenemos: la música se

convirtió en un show, y no es así. Nosotros hacemos

un concierto y no es lo mismo, ni saltamos

desde el escenario, ni nos vestimos con lentejuelas,

no tenemos luces estrafalarias, no tiramos

humo, no rompemos instrumentos. Tocamos.

Teatro Avenida, Buenos Aires, 1997.

FUNCIÓN DESPEDIDA:

“Gershwin, el hombre que amamos”

Con Ernesto Acher y Jorge Navarro

Sábado 27 de Abril, a las 21:30 hs

Teatro Coliseo,

Marcelo T. de Alvear 1125.

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 15


ENTREVISTA AL CREADOR DE LA EDITORIAL GOURMET MUSICAL ///

Leandro Donoz

la música y sus

a todas partes

Por Lucila Bruno

16 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


o con

libros

PH.

Pahone

Gourmet musical es una editorial

dedicada exclusivamente a

la producción de libros de música.

Desde 2005, su creador,

Leandro Donozo mantiene un

objetivo: publicar los más diversos

títulos. En su catálogos encontramos

desde trabajos sobre

Rimsky- Korsakov, hasta un análisis

de la obra de Sandro, pasando

por análisis de la música

del siglo XX en Argentina pero

incluyendo también libros dedicados

al rock local. En Gourmet

musical hay libros sobre todos

los géneros musicales que pueden

llegar a un gran público con

un fin tanto académico como

entretenedor.

¿Cómo es la historia de la editorial

y cómo se te ocurrió la

idea de armarla?

Es consecuencia de mi trabajo

en investigación. Fue una

combinación entre el campo

musicológico y el campo periodístico.

Empezó en el 2005 y

luego en el 2006 publiqué un

libro en el que yo venía trabajando

hacía 10 años, el Diccionario

Bibliográfico de música Argentina,

que es un relevamiento

de toda la música de nuestro

país. Eso me dio conocimiento

sobre qué temas había libros y

de qué temas no había nada.

También entré en contacto con

gente que estaba trabajando en

temáticas muy interesantes pero

que no podía publicar porque

no existía ese hábito. Los libros

que había eran muy didácticos

o de periodismo, casi de marketing.

Investigación más rigurosa

en el campo de la musicología,

no existía prácticamente. Había

docentes que trabajaban hace

30 años en un tema y no habían

publicado nada.

¿A qué tipo de libro apuntabas?

Buscaba libros bien fundamentados,

de investigación pero que

aportarán algo nuevo, que no

fueran refritos pero tampoco una

tesis. Los pocos libros que había

publicados eran demasiado

académicos, prácticamente para

que los lean los tres del jurado y

nada más. Una tesis es un formulario

largo, no es un libro para que

alguien lo lea. (La editorial) empezó

con mi libro y pensando un

catálogo, en esos libros que eran

interesantes pero que no tenían

mucha entidad, ni posibilidad de

circular en formato de libro.

Dedicarte a la música desde

los libros puede ser un

enfoque novedoso para alguien

que no esté interiorizado

en el tema.

Siempre estuve obligado a hacer

cosas diferentes. Antes tenía

mi página web en la que vendíamos

publicaciones pero que,

además, tenía una base de datos

muy completa sobre música

y musicología de latinoamérica.

Desde que empecé a trabajar

en la facultad también me relacioné

con el periodismo. Nunca

hice un recorrido muy ortodoxo

y esto de alguna manera combinaba

muchas de las cosas

que había hecho. Siempre fui

lector de libros de música pero

con mucha insatisfacción de

los libros que se hacían.

Los anaqueles de las librerías

ahora tienen una mayor

oferta de libros de música.

¿Cómo era antes?

Antes en una librería cuando preguntabas

por libros de música te

decían “no, de música no hay”.

Cuando preguntabas: “Y estos

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ENTREVISTA AL CREADOR DE LA EDITORIAL GOURMET MUSICAL ///

¿Que éstas producciones se

conviertan en libros tiene un

fin determinado?

En esta editorial yo dependo del

mercado, de vender los libros,

no tengo financiamiento. Para mí

que los libros están en las librerías

tiene un sentido ético. Una investigación

que alguien se pasó

años haciendo tiene sentido si

alguien la lee, si no te diría que

es algo masturbatorio, pero eso

aunque sea placentero es como

la nada, es cerrado. Para mí tiene

sentido cuando circula en el

público, cuando alguien lo lee,

cuando tiene 1000 ejemplares

y llega a 200 librerías en todo el

país. Y que en otros países lo lee

mucha gente que no te imagique

son?”, te decían: “Estas son

biografías, estos son de tango y

estos de rock”. Ahora vas a cualquier

librería y hay un sector de

música con clásica, rock y tango.

Cada vez la oferta es más variada.

En la página web donde presentas

la editorial hay un

apartado que se llama Arenga

editorial que es una propuesta

de trabajo para los

futuros escritores. Principalmente

los invitas a que piensen

en el lector. ¿Por qué?

Gourmet mezcla varias disciplinas.

Permite la circulación de trabajos

de una extensión diferente

a la de los otros medios y es es lo

que más me interesa. Es una editorial

que está con un pie afuera

y un pie adentro del mercado. ¡Es

un milagro que esté en el mercado,

es un error del sistema! (risas).

Si bien alguna vez tenemos algún

apoyo puntual para un libro,

en general, hay que venderlos.

Tenés que hacer libros que estén

buenos, que tengan bibliografía,

notas, que estén bien trabajados

pero que se defiendan

en una librería. Entonces esto te

obliga a pensar en quién lo va a

leer, tiene que ver con la elección

de tema y con la forma de escribir.

En muchos ambientes, en la

academia sobre todo, no tienen

ningún interés en que los lean,

es la producción por la producción

misma. Una cosa totalmente

endogámica Yo estoy en contra

de esa postura. Para la mayoría

de los temas hay un público allá

afuera de la “Torre de Marfil” (hay

temas) que son interesantes y

que la gente los puede leer. Creo

que hay un gran porcentaje de

cosas que se pueden decir de

manera humana, comprensible.

Los pocos temas que son para

diez especialistas no tienen sentido

usarlos para sacar un libro.

Haces un Word y lo mandas a

los 10 especialistas, que además

se conocen (risas). Mucho de lo

que se puede hablar en música

es posible hacerlo de una manera

que haya gente que lo pueda

entender y le pueda interesar.

Siempre tuve una idea medio

herética de que la musicología

tiene que servir para algo, no solamente

para que uno lo ponga

en el currículum. (Una musicología)

que le sirva a un músico, a

otro musicólogo, a los alumnos,

a un melómano, a la industria

discográfica, a los medios. Que

al menos sirva como formación o

entretenimiento, que me parece

una función totalmente noble.

Lo puede leer por gusto o por

conocer la obra del artista.

Los libros de música eran “no

libros”. Por ejemplo los de rock,

con el póster para adolescentes.

Por lo cual, la gente que leía

libros no leía libros de música,

salvo excepciones, y la gente

que escuchaba música tampoco

los leía. Yo trato de hacer

libros que sean libros, que circulen

como libros, que sean

legibles para personas mas o

menos cultas y también estimular

a que la gente que escucha

música o hace música entienda

qué cosas le puede aportar.

Una escritura clara no necesariamente

implica que sea

más sencilla.

Hay cosas muy difíciles que se

pueden decir de manera clara.

Siempre en la Academia hubo

cierto desdén de salirse de las

paredes de la universidad, por

eso cuando no es para la Academia

se llama divulgación. Que

es una cosa considerada menor,

siempre muy ninguneada. Está

muy mal visto, si vos escribís una

entrada para un diccionario es

como escribir para un cartón de

leche, es la cosa más baja del

mundo. El periodismo siempre

estaba mal visto, considerado

una cosa menor. Yo creo que es

todo lo contrario, es mucho más

difícil y se va mucho más trabajo,

tenés que tener las cosas mucho

más claras. Tengo libros publicados

de periodistas que tienen

muchas entrevistas pero que

no tienen marco teórico. Eso

no importa, el marco teórico es

una herramienta. Creo que se

puede hacer un libro que sirva

en un seminario de doctorado

y también para leer en la playa

en las vacaciones. Yo aspiro eso.

Tengo libros reseñados en revistas

de musicología y también en

revistas para adolescentes, gente

que se los lleva vacaciones y

otros que están en la bibliografía

de una cátedra. Entonces algo

interesante hay.

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nas, eso es enriquecedor. Todos

los autores tienen historias de

gente que apareció aportando

material que no tenían o que les

dijeron algo interesante o que

viajaron y se encontraron con

su libro en lugares que ni sospechaban.

Eso hace que la investigación

esté viva, que sea relevante.

Lo mismo con la prensa

digamos. Cuando tenés que salir

a defender, a comentar con un

periodista, poder contar lo que

uno está haciendo o lo que uno

aprendió, lo que uno produjo en

un ambiente diferente fuera del

pequeño mundito propio, te obliga

a tener las cosas claras, a tratar

de explicar y entender cuáles de

las cosas que hiciste le pueden

interesar a diferentes públicos.

Nosotros hacemos mucha prensa,

cosa que antes no existía.

Habría que hacer un muestreo

de los últimos 30 años cuántas

veces aparece la palabra musicólogo

en la prensa. Y tanto eso

como la circulación en librerías

tiene un doble fin: un circuito de

supervivencia para que pueda

existir la editorial, y porque esos

trabajos guardados en cajones

no tienen ningún sentido.

Además hay algo que tiene

que ver con la preservación

que te interesa.

No tanto por el lado de la preservación

sino por el lado de las herramientas.

Siempre me pareció

muy ridículo cómo trabajamos

en musicología: el tipo de fuente

que usamos, las formas de acceso

a las fuentes, lo limitado de

los archivos y los catálogos. Mis

libros como autor que son el Diccionario

bibliográfico y la Guía

de revistas de música argentina

“Siempre fui lector de libros

de música pero con mucha

insatisfacción de los libros que

se hacían.”

(1829-2007) tienen que ver con

desarrollar herramientas para trabajar

un poquito mejor. Hubiese

querido que existieran y no existían

y por tonto me los puse a hacer

yo. Por ejemplo, La Guía de

revistas surgió porque siempre

fui lector de revistas, estudiaba

música y tocaba la guitarra y me

gustaban. Después empecé a

trabajar como periodista, que

fue justo cuando entré en la facultad,

y en un momento me

llegó la invitación para actualizar

la entrada de revistas de música

del Grove 1 y ahí me terminé de

dar cuenta de la importancia de

las mismas. En los libros de música

se usan muy pocas revistas

de música, un poco porque no

se guardaban en ningún lado

y también porque la gente es

vaga. Hay doscientas que no

están citadas en ningún libro y

no porque estuvieran abajo de

una pirámide escondida sino,

porque nadie las fue a buscar.

Ese trabajo de relevamiento de

revistas fue para mí una fuente

de investigación. No había

colecciones completas en ningún

lado y entonces empecé a

armar una colección sin darme

cuenta, con las cosas que yo

me compraba cuando era pibe,

en las que trabajé, con las que

después compré, me regalaron

o me dieron cuando estaba haciendo

ese artículo. Doy un seminario

de música en el UNA sobre

revistas de música y usamos

este archivo. Hay investigadores

que lo usan todo el tiempo porque

no está en otro lado.

¿Este archivo de revistas

cuenta con material relacionado

a la música académica

exclusivamente?

Para mí no existen esas divisiones.

Me parece que la música

tiene más en común que diferencias.

Esos límites sirven para

algunos pequeños usos pero

yo no escucho así. Si alguien me

dice que escucha sólo música

clásica, desconfío. Alguien que

te dice que sólo escucha ópera

no le gusta la música, le gusta la

ópera. No puede ser que te guste

la ópera y no te gustan otros

cantantes que usan la voz impostada,

“¿es fan solamente de una

cosa?”. A esos no les gusta la música.

Sí hay cosas que son para

un momento o para otro.

En los libros que edito tomo a

la música argentina en un sentido

amplio, desde los compositores

académicos hasta la

bailanta, del tango al rock, de

la música indígena colonial a la

música electroacústica. Es una

editorial de música en su sentido

más amplio, hay de todos los

géneros e incluso de cosas que

no sé cómo llamarlas.

1 The Grove Dictionary of Music and Musicians (Diccionario Grove de la Música y los Músicos) es un diccionario enciclopédico

de música y músicos, considerado por muchos estudiosos como la mejor fuente referencial en su tema en inglés.

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ENTREVISTA AL CREADOR DE LA EDITORIAL GOURMET MUSICAL ///

Justamente eso te iba a preguntar

si contas con algún

tipo de clasificación o colecciones

dentro de la editorial...

No, cuanto más se mezcle mejor.

Yo necesito que se mezclen,

a veces es mi rol. Cuando un

autor está trabajando en un género

y piensa que todo es nuevo,

ahí yo le digo que no, que ya

se inventó, que ya aparece en el

tango o que viene de la música

barroca, por ejemplo. Salir un

poco del ámbito pequeño y ver

la música desde una perspectiva

un poco más amplia a mí me

enriquece bastante. Entender

de dónde vienen las cosas y ver

que todo está mezclado. Hay un

punto en el cual si queres el tango,

el folklore, el rock y la música

clásica trabajan con los mismos

instrumentos, con la misma

escala, con el mismo sistema

musical, estudian con los mismos

métodos, en los mismos

conservatorios, con los mismos

profesores. A veces tocan en los

mismos lugares. Digo, mira todo

lo que tienen en común.

¿Para vos es una decisión?

Sí, y no siempre es fácil de sostener,

hay géneros que son más

fáciles de vender que otros pero

yo no quiero ser una editorial

sólo de rock o sólo de tango.

Quiero ser un editorial en la que

se aplica el criterio y que muestre

lo más posible de sus cruces.

Todo lo que hago quiero que

vaya por un camino más abierto.

Actualmente Gourmet musical

tiene 52 títulos publicados.

Son todos diferentes

por eso quisiera saber cómo

seleccionas los proyectos.

Yo empecé insistiendole a la

gente, tratando de publicar libros.

Después fui proponiendo

y ahora llegan todo el tiempo.

Sea un proyecto periodístico,

tesis, gente que tiene una idea.

Es una marea. Yo decido, no

tengo un criterio matemático.

Es una mezcla de temas que me

interesan, que estén tratados

de esta manera que venimos

hablando y que me parezca

que aporten algo. Que no esté

hecho en otro libro, que no

sea un refrito y con una visión

íntegramente pragmática. Que

sean temas interesantes, bien

tratados y que podamos establecer

la hipótesis de que tiene,

potencialmente, 1000 lectores,

que es lo que económicamente

permite que funcione. A veces

pasa que hay temas bien

tratados pero que son para 12

especialistas. Es una mezcla de

libros que me interesan, que me

entusiasman, que están lo mejor

escritos posibles, que están

lo mejor investigados posible y

que piense que pueden llegar

a la mayor cantidad de gente

posible.

Los libros cuentan con un trabajo

de gráfica particular en

sus tapas. ¿Eso es una búsqueda

particular? ¿Siempre trabajas

con el mismo artista?

Trato de generar cierto efecto.

Son tapas muy sobrecargadas,

muy coloridas que llaman la

atención también pensando en

cómo vive un libro: se tiene que

defender en una librería frente

a un montón de otras tapas, al

igual que en una web. Ahora es

más fácil pero antes tenía discusiones

por las tapas, me decían

que eran poco serias. Para mí,

así como el libro es una declaración

fuerte, una intervención,

la tapa también lo es. Entonces

me interesa pensar las tapas

casi como si fueran una obra en

sí mismas, por eso trabajo con

diseñadores que son artistas

con cierto peso. Me interesan

las tapas con mucho criterio de

edición. Si viste un libro que te

gustó, reconozcas que es de la

misma editorial y te animes a leer

otro que no conocías. El corazón

de la editorial es el trabajo del

editor. Es un trabajo de curaduría

se diría ahora. Para mí es central

y ese criterio me parece que está

a lo largo de todos los libros y le

da cierta línea editorial. Y entonces

me gusta que eso se refleje

en las tapas, se puede notar fácilmente

que hay un lenguaje

común. Yo lo que quiero es que

lo veas y que lo identifiques con

Gourmet Musical.

Entre tus últimos proyectos

están: “Una historia de la música

colonial hispanoamericana”

de Leonardo Waisman, “Estudios

sobre la obra musical de

Graciela Paraskevaídis” cuyo

compilador es Omar Corrado

y “Una intelligentsia musical”

de Martín Baña. ¿Cómo trabajaste

estos títulos?

Yo no sé por qué no está en la

tapa de MusicaClasicaBA (N.

de la E.: estuvo destacado en

el N°6 de MusicaClasicaBA). Es

una investigación sobre cómo

estos compositores Mussorgsky

y Rimsky-Korsakov trabajan

los problemas de Rusia con la

modernidad. Lo analiza a través

de la relación texto-música

en las óperas. Es un trabajo

que se basa en las cartas de los

compositores, manuscritos. Es

un libro que es un delirio que

se haya producido en la Argentina,

pero el ambiente de la música

clásica no le da bola.

20 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Por ejemplo, en el caso del libro

de Graciela Paraskevaídis:

¿Qué te llamó la atención para

editar este proyecto?

Me encanta la música de Graciela

fui de alguna manera amigo

suyo, estaba muy al tanto de su

obra. Me interesa mucho la música

contemporánea, conozco el

trabajo. Con Omar Corrado -que

publiqué su otro libro (Música

y modernidad en Buenos Aires

(1920-1940), que es uno de los

libros más importantes-, veíamos

que había varios artículos sobre

Graciela Paraskevaídis y venía

de editar una serie de estudios

sobre la obra de astor Piazzolla

y Carlos Vega y se dieron las circunstancias

de que pudiéramos

hacer un compilado sobre la

música de Graciela, que no era

tan conocida pero que a mí me

parece super interesante.

El libro que editaste de la banda

platense “El mató a un policía

motorizado” me pareció

que tuvo mucho rebote mediático.

¿Fue así?

Generalmente tienen impacto o

por un lado o por el otro. El libro

de Cemento tuvo mucha prensa.

El libro sobre Charly García,

el de Calamaro...

El de Sandro lo sacaste

cuándo salió la serie…

No, no. La serie llegó un año después,

siempre estamos adelantados.

Es un libro de 350 páginas

sobre la música de Sandro con

todos los músicos entrevistados,

cómo tocaba, los arreglos. No

es un libro para fans, es un libro

más serio. Hay géneros que son

más fácil de difundir que otros.

Los libros de música clásica son

imposibles, hay muy pocos medios

y no les prestan atención.

Es muy difícil tener reseñas,

tener comentarios, hay excepciones

igual pero se hace difícil

encontrar los temas de los que

hablamos de música académica

argentina. Es una cosa que no

existe, que no le importa a nadie.

Muchas veces los libros se

plantean desde un lugar críptico

y por eso para la mayoría

del público acercarse a un

libro de música es complicado.

Pero según lo que nos

contás, son libros escritos

para todo el mundo, ¿ no?

Yo pienso que leer sobre música

y aprender sobre música me

hace disfrutarla más, así de simple.

Me da más ganas de escuchar

música, escucho mejor y escucho

más. También hay mucho

prejuicio con la música, hay una

visión muy romántica del siglo

XIX o XVIII, la idea de que la música

no es para pensar, que es solo

para sentir. Pero se puede sentir

y pensar. Hay un libro que habla

sobre esto que se llama “En contra

de la música” que todos lo

tendrían que leer.

Nos vendieron lo contrario...

Cómo que hablar de música no

tiene sentido y es todo lo contrario.

Uno se la pasa hablando

de música. Entonces la idea de

que la única forma de aproximarse

a la música es la pasión

ciega, muda y muchas veces

sorda también es un intelectualismo

ridículo. También está la

percepción social de que para

hablar de música la autoridad

es el músico, y es falso porque

la mayoría no sabe hablar de

música y sabe muy poco sobre

historia de la música, porque el

tipo que se pasó toda su vida tocando

el piano, haciendo escalas,

no se dedicó a investigar. La

opinión de los músicos siempre

es interesante, pero una cosa es

formarse para tocar o componer

música y otra es formarse para

pensar estudiar, analizar y hablar

sobre música. Son oficios

totalmente diferentes. Podes ser

un músico genial y no haberte

puesto nunca a pensar en

cómo comunicar eso con palabras

y es lógico porque lo estás

haciendo con sonido. Pero

hay otra gente que se dedicó a

transmitirlo sólo con palabras y

es un complemento que tiene

que ser muy útil. Hay casos de

músicos que pueden hacer las

dos cosas, pero Barenboim hay

pocos, Boulez hay pocos.

Hace algunos años dijiste

que dedicarse a la musicología

era una locura ¿seguis

pensando lo mismo?

Sí, lo vuelvo a decir. Yo tengo

una visión un poco herética y

amplia de la musicología, no sé

si alguien la comparte. Para mí

esto que hago es musicología

pero si lo digo en un congreso

me van a tirar con algo. Yo hoy

no me dedico a la musicología

en un sentido estricto, no estoy

en el Conicet, no estoy haciendo

trabajo de investigación en

el sentido más formal universitario.

Esto me entusiasma mucho

más. Yo hago un libro pensando

en que se use. Como soy

poco ortodoxo hice una síntesis

de cosas que a mí me interesaban,

con un criterio un poco

más amplio de esa forma de

musicología que está muy bien.

Pero es muy difícil vivir de eso y

yo no me llevo con la docencia

que es la otra forma. Entonces,

sí, es una locura y no se le recomendaria

a nadie (risas).

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 21


ENTREVISTA A LAURA RIZZO ///

“Estoy eternamente

agradecida por el

elogio del público”

22 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar

PH.

Máximo

Parpagnoli


Nacida en aires cordobeses, esta mujer

con una presencia escénica inversamente

proporcional a su físico ha cautivado públicos

de casi todas partes del planeta, soprano

lírica de coloratura encarnó a Gilda, la hija de

Rigoletto, el bufón del Duque de Mantua, uno

de los dramas verdianos más representados

en el mundo, que abrió la temporada de ópera

2019 en el Teatro Colón de Buenos Aires.

Por Sabrina Ábalo

Debutaste en La Plata con este mismo

rol y te acompañó a lo largo de tu carrera,

se puede decir que Gilda ¿es tu caballito

de batalla?

Sí… lo que pasa además con la Ópera Rigoletto

es que siempre estuvo en momentos especiales

de mi vida personal. No sé si será porque la

canté muchas veces también y eso hace que

coincida con cuestiones personales, pero sí,

es uno de mis caballitos de batalla.

Tu maestra, la persona que te enseñó a cantar,

¿también hizo una carrera solista?

No, ella nunca cantó, se dedicó solamente

a la docencia.

Te lo pregunto porque sos dueña de una

técnica irreprochable, me atrevo a decir

casi perfecta… pero es muy difícil describir

un modo, una manera de hacer que los sonidos

fluyan, de sentir, de percibir la forma

correcta en el cuerpo para luego poder sacarlos.

¿Cómo lo lograste?

Con mucho estudio, hay que trabajar duro

para que después uno cante y el que te escuche

piense que es fácil cantar. Uno tiene que

darle tranquilidad al público, eso se logra con

una técnica sólida. Yo he estudiado muchísimo

con mi maestra, he pasado los roles enteros

con ella, nota por nota, frase por frase hasta

que todo estuviera en el mismo lugar. Si bien

sabemos que hay que partir con un material

de base, hay que trabajar mucho, hay que estudiar

porque la voz es como nosotros, a medida

que vamos creciendo, madurando, envejeciendo,

la voz nos acompaña en ese proceso

entonces el estudio del canto es algo que no

se puede abandonar nunca porque siempre

hay cambios mínimos que se van produciendo,

aunque son imperceptibles existen.

Es como un niño que crece, si vivimos con

él no nos damos cuenta que está creciendo,

pero si hace tiempo que no lo vemos, sí. En

la voz es lo mismo, hay pequeñas diferencias

que se van produciendo a lo largo del tiempo

que son imperceptibles para quien canta todos

los días pero hay que ir acomodando la

técnica, entonces el estudio de la técnica no

hay que abandonarlo jamás.

Viviste un tiempo fuera del país, ¿te perfeccionaste

con otros maestros?

No.

Seguramente tuviste oportunidades de

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 23


ENTREVISTA A LAURA RIZZO ///

“Los cantantes a veces

tendemos a perder la

objetividad sobre nosotros

mismos, queremos

seguir cantando,

cantando y cantando y

llega un momento que

ya no podemos seguir

haciéndolo.”

permanecer afuera… ¿Qué te trajo a Buenos

Aires nuevamente?

Temas familiares básicamente. En principio

empezamos a volver con quien era mi marido,

hubo problemas de salud con la familia

de él, nosotros estábamos en España y él

quiso que nos instalemos en Buenos Aires,

pero viajábamos mucho para seguir cantando

en Europa. Íbamos y veníamos todo el

tiempo. Luego, el hecho de estar de nuevo

en Bs. As. hizo que comenzara el trabajo local

así que finalmente nos establecimos acá.

La Olympia de los Cuentos de Hoffman que

interpretaste en el Teatro Colón, en 2001,

fue una soberbia producción con una puesta

muy atractiva visualmente del francés

Jeromê Savary, allí se podía observar desde

cualquier punto de la sala a una persona

de contextura pequeña llenando mágicamente

todos los espacios del teatro, ¿cómo

te sentiste en ese rol y con esa puesta?

Maravillosamente, sólo que en el ensayo general

tuve un desgarro muscular en el gemelo, no

podía pisar y pensé que no iba a poder hacer

las funciones… finalmente, caminando medio a

lo “Chaplin” la pude hacer… Tres años más tarde

me contrataron para cantar la misma ópera con

la misma puesta en el Palais Omnisport de Bercy

en París, fue una mega producción, increíble!

Lucía di Lammermoor es una ópera muy

exigida vocalmente, el rol protagónico está

presente casi todo el tiempo en escena y

expuesto a importantes coloraturas. En la

famosa escena de la locura donde se puede

escuchar un gran desafío vocal junto con

una gran entrega actoral, da la sensación

que la locura se hace presente realmente

¿Cómo vivís tu entrega en ese momento?

Hay que meterse mucho en el rol, pero tiene

que haber un porcentaje equilibrado de concentración

entre lo que estáscantando -porque

vocalmente es muy difícil- y un porcentaje

importante de entrega. Tienen que estar

las dos cosas: tienen que convivir la entrega,

lo técnico. Digamos que es un 50 y un 50, entregarse

pero pensar… hay sonidos que hay

que pensarlos antes de emitirlos, entonces la

concentración es muy importante.

¿En qué momento de tu carrera pasaste a

formar parte del Coro Estable del Teatro?

¿Cómo te has llevado conviviendo con la

vida coral y los roles solistas que parecen

no ser compatibles?

Hasta el año 2004 tuve una vida muy intensa,

trabajaba mucho, viajaba muchísimo, por

momentos era llegar un día a la mañana de

un país, cambiar la valija poner ropa de verano

o de invierno e irme de nuevo. Terminé

muy estresada y justo se dio la oportunidad

de concursar para el Coro Estable del Teatro

y ahí me planteé hacer una vida más calma,

elegir qué quiero hacer y qué no . Cambiar…

vivir más tranquila.

Comencé a trabajar en el coro en el 2005, por

supuesto que la demanda solista bajó, pero

me siento bien, me gusta mucho la vida coral,

tengo compañeros muy amorosos, se disfruta

de otra manera la ópera, desde otro lugar, no

hay tanto compromiso como ser solista, se disfruta

de la música sin ningún tipo de estrés.

Existen arias que parecen ser incantables

como La reina de Noche por nombrar solo

una ¿tenés alguna preparación previa antes

de abordarlas?

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No hay obras incantables, todo depende de

si es adecuado para la voz de uno y si contás

con las herramientas técnicas para hacerlo.

Por ejemplo, si yo quisiera cantar un

rol que no es para mi voz, como Turandot

sería incantable pero no para una soprano

que tiene la voz para ese rol.

No hay roles incantables, simplemente hay que

adecuarse al repertorio que se corresponde

con tu voz y tener los medios adecuados.

De las grandes divas que existieron a lo

largo de la historia ¿hay alguna que sea tu

favorita?

María Callas siempre fue la ídola en los tiempos

que yo estudiaba. La voz de ella tiene

como un “ángel”, algo que te conmueve, a veces

no pasa por tener la voz mas bella, hubo

voces más bellas que la de ella, pero la forma

de interpretar junto al color de esa voz tan

particular, el sonido que lograba, le daba un

“plus” que llega al alma, te transporta, te conmueve.

Así que sí, ¡es mi favorita!

¿Tenés discos de ella?

Sí, pero no suelo escuchar mucha ópera. Y

no suelo tampoco, si estoy haciendo un rol,

escuchar otros cantantes haciendo el mismo

rol. Uno siempre tiende a copiar o imitar

cosas pero prefiero hacer mi versión.

Encarnás a Gilda, La reina de la Noche,

Olympia, Lucía, Elvira, ¿hay algún compositor

preferido?

Puccini es mi preferido.

En el mundo de la lírica, el público puede

variar en sus gustos, suele ser pasional,

ama, odia, en definitiva puede ser muy hostil

con el artista. ¿Sos consciente de la gran

aceptación que tuviste desde un principio?

Sí, soy consciente. Me parece como “milagroso”

porque a veces pienso: ¿Soy realmente

merecedora de tanto elogio? Me

conmueve profundamente y estoy eternamente

agradecida por eso.

Volviendo al personaje que te abrió las

puertas de esta maravillosa carrera ¿Por

qué decidiste despedirte de este papel

en la última función de Rigoletto el pasado

22 de marzo?

Porque para todo hay un tiempo, para todo

hay un momento. Hay ciclos que hay que

cerrarlos y está bueno que uno los cierre.

Me parece que ya está bien, es un rol que

hice muchísimo y además Gilda es una chica

quinceañera, entonces me parece que

ya está. Me gustó mucho poder hacerlo en

el Teatro Colón y de esta manera, los cantantes

a veces tendemos a perder la objetividad

sobre nosotros mismos, queremos

seguir cantando, cantando y cantando y

llega un momento que ya no podemos seguir

haciéndolo, hay que ser conscientes

también de eso, entonces mejor es dejar el

rol cuando todavía estoy bien y no que el rol

me deje a mi. (risas).

Alguna vez te escuché decir: “No he dejado

nada por seguir con mi carrera” esta

afirmación ¿sigue vigente...?

Sí! La vida no tiene que girar en torno a una actividad.

A veces confundimos el ser con el hacer

uno dice: “yo soy cantante”, ¡no! Yo soy una

persona que canta, que se dedica a esto, este

es mi trabajo, yo no soy cantante solamente,

soy eso y un montón de otras cosas. Por ejemplo

yo también soy “plantadora de árboles”

por decirlo de alguna manera (risas). Prefiero

decir “soy esta persona y me dedico a cantar”.

Si uno se pone a pensar, somos eso y mil cosas

mas… Además de la música hay muchas

otras cosas que me interesan en la vida, muchísimas,

formarme espiritualmente por ejemplo

que es lo que estoy haciendo ahora.

¿Vas a seguir cantando roles solistas?

Sí, seguramente. Siento que con lo que hice estoy

hecha, pero todo lo que pueda venir, lo dejo

simplemente a que puede venir o no…

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 25


20 AÑOS DE JUVENTUS LYRICA ///

26 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


20 años de

Juventus

Lyrica

Juventus Lyrica hoy es el bastión del

circuito Off-Colón. Con sus múltiples

propuestas, tanto desde el escenario

como desde la gestión de proyectos de

integración, JL lleva 20 años trabajando

en la cultura lírica de la Ciudad de Buenos

Aires (y cuando se da la oportunidad, del

resto del país).

Para este gran aniversario entrevistamos a

María Jaunarena, directora ejecutiva (entre

otras múltiples posiciones), con quien

hacemos un repaso de la historia de la

organización, su presente y su futuro.

Por Virginia Chacon Dorr

Este año festejan el 20

aniversario de JL. ¿Cómo

empezó todo?

Cuando empezamos jamás

nos imaginamos que íbamos

a terminar haciendo

20 temporadas. Cuando a

mi mamá (Ana D’Anna) se le

ocurre armar una organización

que trabajara con quienes

estaban estudiando en

el Instituto Superior de Arte

del Teatro Colón, eran pocas

las oportunidades por fuera

del Colón que existían para

hacer ópera. Lo que se crece

en el escenario es impresionante,

la experiencia escénica

para el artista lírico importantísima,

como la residencia

para los médicos. Entonces

surgió la idea de buscar Antonio,

que respondió que el

proyecto de su vida era trabajar

con jóvenes ¡Y así empezó

a JL! La respuesta del

público fue muy por encima

de las expectativas.

¿Cómo es la relación actual

con el Teatro Colón?

La idea al principio era que la

organización formara parte

del propio Teatro Colón, que

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 27


20 AÑOS DE JUVENTUS LYRICA ///

en el propio teatro los alumnos

del instituto tuvieran su

fogueo. Una idea parecida a

lo que hace la Scala de Milán

con la Scala fa scuola.

Finalmente el proyecto de

JL se transformó de a poco

en lo que es ahora, y nuestra

relación con el Colón mutó.

En nuestra primera temporada

contamos con la colaboración

del Colón, con

el vestuario y otras cosas, y

este año nos ceden la sala

para hacer el gran festejo de

los 20 años.

Con las actividades de

Buenos Aires Lírica suspendidas,

hoy JL es una

especie de bastión del circuito

off Colón.

¡Somos el bastión off Colón!

El circuito Off Colón en el

Teatro Avenida lo fundó JL,

si bien el teatro había realizado

antes algunos experimentos.

Buenos Aires Lírica

comenzó a trabajar en el

2003, y entre las dos organizaciones

se hacían 8 títulos

al año, como una temporada

entera del Colón. Había otras

organizaciones que hacían

cosas aisladas, y el Avenida

se empezó a perfilar como

un teatro lírico. Claro que tiene

todas las posibilidades de

serlo, porque tiene una acústica

maravillosa y un tamaño

muy parecido de la Scala de

Milán. Empezamos con esa

idea media rara de ópera

con gente joven para todo el

mundo, que en su momento

sonaba un poco extraño.

En el pequeño manifiesto

que Ana D’Anna hace cuando

se funda JL se transluce

el interés de la institución

en los procesos artísticos.

Por lo que contás, JL vive

en un proceso de mutación

desde el principio.

Tal cual, JL siempre está en

proceso. Mi mamá tuvo una

formación actoral importante,

y JL siempre apuesta al

proceso de la construcción

de los personajes y crecimiento

de los artistas. A veces

es difícil, la ópera tiene

un modo de trabajar muy

complejo que compite con

la posibilidad de abordar

en profundidad determinados

personajes porque, o se

juntan demasiado cerca del

estreno, o ensayan por separado...

hace falta un poco

más de tiempo. El tiempo y

los procesos se valoran mucho

en este espacio, ya que

podemos abordar las producciones

con anticipación.

Hay veces que las cosas tienen

que madurar en el cuerpo

del cantante, y en general

los jóvenes necesitan cierto

tiempo. Este desarrollo actoral

siempre fue una impronta.

Siempre estuvo muy

claro que JL surgió para dar

oportunidades a cantantes

jóvenes y para mostrar el valor

que tenía la Argentina en

términos de artistas.

Lo bueno es que no te corren

con agendas, temporales

ni de intereses, desde

ninguna agencia de

talentos...

Nosotros no trabajamos con

agentes, nos han llamado,

pero no aceptamos… ¡Zafamos!

(risas). La misión de la

organización pasa por otro

28 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


lado. Aunque nunca tuve

que trabajar con agentes,

tuve que trabajar con algunos

egos. Ojo, me pongo

del lado del cantante y tenés

que tener una personalidad

determinada para pararte

y cantar ante mil personas.

Igual, en general, trabajamos

en un ambiente de mucha

camaradería porque todos

somos conscientes de que la

ópera es un hecho artístico

colectivo. La puesta que voy

a hacer sí o sí va a ser materializada

por otros, luego de

que la obra estrenó no tengo

nada más que hacer ahí.

JL no sólo trabajó para desarrollar

artistas, sino también

para desarrollar público.

¿Cómo comenzaron a

trabajar en ese sentido?

Desde el principio empezaron

a aparecer las distintas

aristas que se relacionan

con el potencial que tiene

la música clásica y la ópera,

en particular, para llegar a

otros objetivos. Ideamos el

programa de Desarrollo de

Audiencias, que lo hacemos

hace 10 años con colegios

secundarios ¡Ya pasaron

12,000 chicos!. Los pre-estrenos

los hacemos para

ellos, trabajamos con colegios

públicos y privados de

la ciudad, y como preparación

antes de que asistan al

teatro, ofrecemos material

didáctico a los profesores.

El programa es muy importante

porque ayuda a que

los chicos pierdan el miedo

a la música clásica, que está

asociada con los abuelos

para ellos. El adolescente

está lleno de prejuicios.

Y el adulto tambien…

Definitivamente. Creo que

esos miedos son una de las

principales barreras a la entrada

de la ópera, mucho

más que el precio. El propio

público de ópera se ha encargado

de mirar mal al que

aplaude en el momento que

no es correcto. Recuerdo

que una vez fuimos a un teatro

en el que no se representaba

ópera regularmente, y

el público aplaudía cuando

se le cantaba. Y eso es fantástico.

¡Los chicos siempre

aplauden cuando los protagonistas

se besan! (risas).

La espontaneidad es importante,

porque sino el género

pierde autenticidad y se

convierte en algo rígido que

infunde miedo. Ya el arte

en sí es problemático: uno

sale de una obra de teatro, o

de ver una película, y a ver

quién opina primero, “a ver

si digo que me encantó y

está mal”. En ese sentido me

parece que el programa de

formación está buenísimo,

y también los adultos deberían

darse una oportunidad

de conocer la ópera por primera

vez.

El programa de formación

para adolescentes no es

la única apuesta de JL,

¿cómo es el trabajo que hacen

en hospitales?

Surgió la posibilidad de hacer

conciertos de navidad

para aquellos pacientes internados

que no pueden

volver a su casa a pasar las

fiestas, y lo que genera en

los pacientes es increíble. El

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 29


20 AÑOS DE JUVENTUS LYRICA ///

personal del hospital baja a

los pacientes de las habitaciones,

incluso aquellos que

tienen movilidad reducida

asisten en camas o sillas de

ruedas. La música tiene un

poder enorme para cambiar

la percepción del ambiente,

la percepción que alguien

puede tener de una situación

que está atravesando.

Por otro lado, en el año 2013

apareció la posibilidad de

formar los coros de niños

con chicos provenientes de

barrios en situación de vulnerabilidad.

A partir de ese

momento trabajamos con

chicos que por primera vez

se subían a un escenario, o

pisaban por primera vez un

teatro. Y de repente cantaban

Puccini. Son experiencias

hermosas y a la vez complejisimas:

nosotros libramos

nuestras propias batallas

como una organización chica

del tercer sector, muchos chicos

están indocumentados o

son hijos de inmigrantes que

no tienen los documentos en

regla. Ahí entramos en cruce

con el Ministerio de Trabajo…

ahí pienso “¿Por que nos metemos

en esto?”. Pero siempre,

absolutamente siempre,

vale la pena el trabajo.

¿Y como es adaptar obras

para chicos? Porque eso

también es formación de

público...

colo. Entonces si se aburre,

se va a poner a hablar arriba

la soprano, y no le importa si

están haciendo el sobreagudo

de la Reina de la Noche.

Me pareció un desafío enorme,

con un público distinto

al tradicional de ópera, que

también tiene su costado

complejo porque ha visto las

puestas muchas veces.

¿Trabajas de manera diferenciada

sobre una ópera

adaptada para chicos que

sobre una ópera en formato

original?

La gran diferencia cuando

trabajo para chicos es que

lo hago con cronómetro.

Todos los ensayos están

cronometrados, para asegurarme

de que el espectáculo

no pase de una hora 10,

porque sino los perdés. Si

la obra por algún motivo se

pasa de ese tiempo es porque

algo muy importante

tiene que ocurrir, un beso o

un duelo, sino no se puede

retener su atención.

Te ves obligada a trabajar

con la dramaturgia de un

modo no convencional.

Es complejo, no hay que traicionar

la intención de la obra

y a la vez hay que tomar decisiones

para que funcione

con los chicos. Por ejemplo,

en La flauta mágica que yo

adapté, el aria de Pamina no

funcionaba, y a mí me parece

uno de los mejores momentos

de la ópera. La cantaba

Jaquelina Livieri, era un lujo.

Y el día anterior al estreno la

llamé y le dije “Esto no funciona”

y ella me dijo “No, a

mí tampoco me parece que

funciona”. Ella no tuvo ningún

problema, y me pareció

Es uno de los trabajos que

a mí me tocó más de cerca,

porque todas las adaptaciones

las hice yo. Los últimos

tres años empezamos, en

conjunto con la Fundación

Konex, a hacer adaptaciones

para chicos. El público de

chicos me resulta muy exigente

porque no tiene protomaravilloso.

Es el aria previa

al intento de suicidio, evidentemente

era una temática

que los chicos no podían

abordar.

Era una decisión difícil,

pero que estaba al servicio

de un concepto estético

mayor ¿Cuál es el límite

de las decisiones que

tomás para “meter mano”

en las obras?

Esa me parece que es la clave

y el límite. Es el gran trabajo

de aprendizaje que tienen

que tener todos en la ópera,

incluso los propios directores:

la conciencia de estar

siempre al servicio de algo

superior. Hay veces que uno

se emperra con ciertas cosas

que tiene que sacrificar. Uno

se imaginó la escena de una

forma determinada, y no funciona

porque a lo mejor tal

cantante no es para hacer

eso, o es fantástico pero no

funciona con todo el resto de

la puesta. Soltar es difícil.

En ese sentido pienso que

una gran puesta que dirigiste

fue la de Orfeo en

2016. A veces hay que sacrificar,

pero también te

das la libertad de cambiar

o agregar. ¿Cómo fue el trabajo

en esa obra?

Esa es una de las obras que

más me interesó hacer, porque

pude meterme en la dramaturgia.

Me parecía que no

tenía sentido contar la fábula

pastoral, a mí no me representaba

nada… ojo, no porque

no tenga sentido hacer

las óperas de manera clásica,

el director hace lo que

puede y lo que tiene a mano.

Me pareció que había espacio

para contar este Orfeo de

30 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


una manera que todos lo pudieran

entender. Con eso en

mente me pregunté “¿Quién

es un Orfeo hoy?”. Pensé en

Barenboim, un tipo que logra

fascinar cuando ejerce su

oficio. Me inspiré en alguien

que logra con su maestría

poner a los demás a sus pies,

y así lo pude comprender.

Todo ese viaje que hace Orfeo,

que en ningún momento

queda claro si es un viaje real

o es un viaje psicológico, se

me hizo una eterna noche

de insomnio en su casa después

de un accidente, en el

infierno de la culpa. El paraíso

era sus recuerdos con ella,

y la redención de Eurídice,

su vuelta, siempre quedó en

el recuerdo. Por eso la ópera

tenía ese desfasaje: cuando

terminaba la música seguía

la escena. Fue un laburo bastante

fuerte de investigación

de textos clásicos, Orfeo fue

un personaje importante en

los griegos, es el aquel que

volvió de la muerte. Toda

esta cuestión que tenemos

los humanos con la muerte,

que siglos no pudimos digerir,

lo vi traducido en la guardia

del hospital. Ahí es donde

nosotros podemos asistir

al fenómeno de la muerte,

tan intubado y tan frío, conviviendo

con la maravillosa

música de Gluck.

¡Se te ilumina la cara cuando

hablás de tu trabajo

como directora! Pero en JL

no sólo trabajás en desde

el sector artístico, sino también

desde el administrativo.

Sos economista, ¿no?

Sí, soy economista porque

mi viejo me dijo que tenía

que seguir alguna carrera

universitaria (risas).

Seguramente te sirvió

enormemente para trabajar

en los proyectos de JL...

Sí, me abrió muchísimas

puertas tanto para entender

PH.

Gisela

Peláez

ciertas cosas esenciales para

sustentar la actividad artística,

como posibilidades para

irme a estudiar gestión cultural

a Londres. En realidad

a mí me hubiese encantado

seguir filosofía… Igualmente

siento que en JL la voy

abordando de alguna manera,

porque estudio mucho

material griego para

hacer algunas obras, como

Medea y Orfeo.

La parte de la gestión no me

interesa tanto, la hago porque

si no la hiciera no podría

hacer lo otro. Pero es dura la

búsqueda de fondos, no es

necesariamente un trabajo

grato, tenés que tener el cuero

para que te digan que no.

A los argentinos la incertidumbre

económica nos

atraviesa, no importa si somos

directores de orquesta

o almaceneros. ¿Cómo

ocurre que una institución

privada que se dedica a un

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 31


20 AÑOS DE JUVENTUS LYRICA ///

área deficitaria cumpla 20

años en un contexto tan

complejo?

¡No tengo ni la más remota

idea! (risas). Hablando en serio,

creo que Argentina es un

país muy difícil a la hora de la

planificación. Recuerdo que

en el año 2002 habíamos

lanzado una temporada y tuvimos

que reformularla toda.

Fue un año post helicóptero,

muy complicado. A veces

pienso que si pasamos eso,

tenemos estirpe para pasar

cualquier cosa. Hemos tenido

que adaptarnos y cambiar

muchas veces, de acuerdo a

un entorno muy volátil. El

arte es una área deficitaria

acá y en el resto del mundo.

La ópera no puede incorporar

un avance técnico para

ser un negocio, no se puede

poner, por ejemplo, una pista

en vez de una orquesta porque

eso sería traicionar a el

producto. Creo que nuestra

PH.

Gisela

Peláez

clave es estar atentos todo el

tiempo para generar estrategias,

no hay nada con lo que

uno se pueda casar.

¿Cómo incidió la Ley de

Mecenazgo de la Ciudad

de Buenos Aires en este

proceso?

La ley de mecenazgo tardó

un tiempo considerable en

gestarse. Nosotros presentamos

el primer proyecto de

mecenazgo en el 2009. Al

principio las empresas no

confiaban en el mecanismo,

no confiaban en el estado

como socio. Después la ley

empezó a funcionar y empezó

a ocupar el espacio que

antes ocupaba el sector privado.

El cambio que generó la Ley

de Mecenazgo es una cuestión

que hay que estudiar en

profundidad. Muchas nuevas

empresas se acercaron

a la cultura y empezaron a

conocer formas artísticas

que antes no habían pensado

ni en fijarse, pero otras

empresas que donaban sin

el mecanismo empezaron

a adaptar sus estrategias a

Mecenazgo. Empresas que

antes eran fuertes inversores,

dejaron de hacerlo sino

era a través de Mecenazgo,

entonces hoy por hoy si una

organización artística no tiene

aprobado un proyecto

por este medio, está en un

problema. Ahora no conciben

aportar sin desgravación

impositiva. La pregunta

que cabe hacerse es “¿De

qué manera se asume esta

circunstancia a nivel política

pública?” Mecenazgo provocó

muchas consecuencias

a nivel interno, positivas en

términos de cantidad de producciones

que se pudieron

financiar, pero también modificó

las reglas del juego anteriores

sobre la financiación.

Este verano nos sorprendió

a todos la decisión de no

declarar el proyecto de JL

de interés cultural...

Nosotros apelamos y por

suerte nos aprobaron un

50% el proyecto que habíamos

propuesto. Pero si se retira

el apoyo al sector de manera

drástica, la situación va

a estar complicada, porque

la propia idiosincrasia del

género hace que se necesite

ciertos recursos. Una ópera

necesita más de 50 personas,

no podemos hacer una

ópera entera con un décimo

del dinero. La gestión pública

puede tomar la decisión

de que este sector no está

privilegiado... bueno, son decisiones

que se toman, pero

tienen consecuencias.

32 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Nosotros estamos pensando

en propuestas alternativas

para sostener lo que creemos

que es un espacio genuino.

Desde nuestro lugar

consideramos que también

hacemos de alguna manera

política cultural, con el trabajo

con los colegios, el coro

de niños, con la audiencia.

“La espontaneidad (del público) es

importante, porque sino el género

pierde autenticidad y se convierte

en algo rígido que infunde miedo”.

El año pasado escribiste

un artículo para La Nación,

con un título muy interesante:

¿La ópera sirve hoy

para algo?. Ahí hablás un

poco de la escena internacional,

y de la articulación

de JL con las políticas de

gestión cultural. ¿Cómo

describirías las diferencias

entre los modelos?

Por ejemplo, Estados Unidos

tiene un modelo asociativo

con un potencial enorme.

No hay nadie de clase media

en EE.UU. que no aporte

a alguna causa privada.

El estado en Europa siempre

se encargó de hacer la

política cultural. América

Latina viene de una suerte

de injerto: tiene un modelo

de estado francés o español,

un estado fuerte, pero

sin los mismos recursos. Es

muy difícil importar modelos,

lo que funciona allá no

necesariamente funciona

acá. Además la pobreza en

nuestra región cada vez es

más grande. Recuerdo que

en un encuentro internacional

había una gestora

de Brasil que, mientras se

discutía que “el estado sí o

que el estado no”, levantó la

mano y dijo “Yo tengo gente

que duerme en las escalinatas

del teatro”. Entonces, de

pronto, todo adquirió una

dimensión completamente

distinta.

¿Cómo creés se conecta

esta situación que contás

con el prejuicio de que la

ópera es un arte para la élite?

Para mí es injustamente catalogada

como un arte de élite,

porque tiene un potencial

gigante, y porque forma parte

de nuestro propio hacer

cultural. Es importante que

la gente conozca a los compositores

que forman parte

del acervo cultural occidental.

Todos formamos parte

en una sociedad en la que

hay determinados nombres:

Shakespeare, Platón, Mozart.

Son nombres que hacen a

nuestra constitución como

individuo dentro de esa cultura

y todos tienen el derecho

a conocerlos.

Claramente hay que tener

muchos puntos a considerar

para armar una temporada,

no sólo parte del

interés estético sino de la

realidad material. ¿Cómo

plantean los programas?

Pensamos esta temporada,

en primer lugar, como una

celebración de los 20 años

de JL. Los dos títulos escogidos

fueron obras que en

su momento tuvieron un

enorme alcance. Recuerdo

que una de las puestas de La

Traviata que subimos, tuvo

9 funciones ¡Un delirio! La

flauta mágica también atrae

mucho al público.

Es una temporada pensada

también por los costos

de financiamiento: nosotros

creemos que son títulos clásicos

que los fanáticos siempre

disfrutan de volver a ver.

También estamos conscientes

de que todavía mucha

más gente podría animarse

a la ópera y no lo está haciendo.

Queremos fortalecer

la comunidad lírica en un

momento en que más que

nunca lo necesita, porque

ante la crisis económica los

recursos, ya sean públicos

o privados, se dirigen hacia

otro lado.

Años anteriores no hicimos

programas tan taquilleros,

siempre tratamos de meter algún

“tractor” para podernos

solventar, y a la vez incorporar

algún título que la gente

no esté acostumbrada a ver.

Como fue Hamlet, de Thomas,

la temporada pasada.

Para todo el público fue

una novedad, al menos no

creo que ningún espectador

haya estado presente

en el 37’ en el Teatro Colón.

¿Cómo fue trabajar sobre

la dramaturgia de una historia

tan trascendental?

Hamlet es una ópera que tiene

momentos maravillosos

y otros no tanto. Fue todo

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 33


20 AÑOS DE JUVENTUS LYRICA ///

un proceso, la distancia que

tomó el compositor en el final

de la obra hubiese sido

posible en el siglo XVIII o

XIX, pero en el siglo XXI es

imposible. Es inadmisible

que Hamlet sobreviva, esa

decisión le hizo perder vigencia

a la obra. Entonces

de nuevo me metí con el texto,

cambié el final y lo traté de

acercar a la obra original de

Shakespeare.

Creo que vale mucho la

pena, la música de Thomas

le da por momentos una

contundencia enorme. Además

me gusta hacer ese trabajo,

meterme con la partitura.

Me parece que a veces

es necesario hacerlo, por

más que parezca que uno

estuviera metiéndose con

un muerto. Si lo pensás parece

sacrílego (risas).

Luego de tanto trabajo

de preparación, desde la

lectura hasta los ensayos,

¿Cómo vivís el momento en

el que ocurre la obra?

Ese momento de conexión

es lo maravilloso. Las artes

del tiempo tienen la característica

de que por más que se

reponga la obra, con los mismos

actores y todo, nunca se

va a repetir igual.

Es el presente total, y a veces

ese momento puede ser intimidante.

Lo digo pensando

en que vivimos distraídos,

con el celular, la tele, la compu…

el “ahora” genera un

poco de ansiedad.

Es uno de los grandes problemas

que tenemos, por

lo menos los occidentales.

Creo que los orientales, con

el del taoísmo y el budismo,

lo entendieron mejor. Es muy

difícil estar en el presente,

siempre estamos deseando

algo en el futuro o anhelando

algo que perdimos. El

presente es difícil de digerir,

simplemente estar y dejar las

cosas ocurran, sin meterle

significados ni ansiedad.

¿Vos logras disfrutar de ese

presente cuando está ocurriendo

una puesta tuya?

No, yo soy muy obsesiva con

el trabajo. Siempre voy con

cuadernos de notas, veo todas

las funciones. Pero hay

determinados momentos

en los ensayos, e incluso en

las funciones, que suelto y

me emociono. Es difícil de

aprender, uno tiene la necesidad

de que todo sea como

uno lo imaginó. Después ese

deseo es anecdótico, lo que

ocurre es así y no podría haber

sido de otra manera. Una

imagen ideal, sobre todo si

es deseada todo el tiempo,

es una construcción mental

que nos pone en una situación

incómoda.

¿Cómo estás preparándote

para dirigir La flauta

mágica?

Ya he investigado mucho La

flauta, como todas las obras

que abordo. Es una ópera

de Mozart enigmática, tiene

una impronta iniciática, en

el sentido de que puede ser

una puerta de entrada para

el género. Está escrita como

un cuento de hadas: está el

príncipe perdido, la princesa

secuestrada, Papageno

como antihéroe, la Reina

que aparenta ser una cosa

distinta de lo que es. Al mismo

tiempo es una obra que

refleja la necesidad de los

opuestos complementarios:

la luz necesita de la oscuridad,

la hija de la oscuridad

es la que permita al príncipe

consagrarse.

Hay algo que tiene que ver

con un mensaje cuasi alquímico.

Mozart estaba muy cerca

de las logias masónicas,

la mayoría de los masones

tenían sus propios laboratorios

alquímicos. La ópera es

en sí misma una obra alquímica.

Hay un fragmento de

la obra dice: las rosas están

donde hay espinas. La belleza

va acompañada del dolor,

la luz de la oscuridad. No es

una ópera donde hay buenos

y malos, sino que todos

se complementan.

Por otro lado Mozart tiene la

capacidad de dirigirse a un

adulto y a un nene de 3 años

y puede provocar la misma

atención. Hay algo sobrehumano

en él, que para mí que

es alucinante.

¿De qué se va a tratar la

Gala Aniversario en el Teatro

Colón?

Va a ser una especie de recorrido

por muchos de los

fragmentos más lindos que

hemos hecho de las obras

que abordamos en estos

20 años, con cantantes que

trabajaron con nosotros y

forman parte de nuestra historia.

Para nosotros es un

festejo poder hacerlo en el

Colón, que es el escenario al

que quieren llegar muchos

de los que comienzan con

nosotros.

Muchos de los artistas que

estarán en la gala hicieron

sus primeras armas con JL

y hoy se suben a los esce-

34 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


narios más importantes del

mundo.

JL es esa instancia intermedia

donde se entrena el oficio

con excelencia. Verlos

abrir las alas es una enorme

satisfacción. A pesar de que

ya hace 20 años que estamos,

no veo que se hayan

generado nuevos espacios

como el nuestro. Creo que la

Argentina es un semillero de

cantantes y está buenísimo

que un país pueda hacerse

famoso también por eso.

Argentina: semillero de

cantantes y de futbolistas.

¡Claro! Malbec, tango, Maradona

y cantantes de ópera

(risas).

¿En la dirección de La traviata

está trabajando Ana

D’Anna?

Si, ya arrancaron algunos ensayos.

El el coro ya empezó a

trabajar.

¿Encontrás muchas diferencias

entre la dirección

de Ana y la tuya?

Me formé con ella, su manera

de trabajar la parte actoral

con los cantantes es para mí

una referencia ineludible.

Ella logra que actúen hasta

las paredes si es necesario.

Después me parece que tenemos

estilos distintos de

abordaje. Yo empecé haciendo

vestuario para una Traviata

que ella dirigió, así que JL

es para mí también un proceso

constante de aprendizaje.

Vamos a hacer un ejercicio

de imaginación: de acá a

20 años más, ¿Qué vamos a

ver de JL?

“Creo que la Argentina es un

semillero de cantantes y está

buenísimo que un país pueda

hacerse famoso también por eso”.

El interior es una asignatura

pendiente, poder llegar

a más espacios, poder escuchar

a más gente. A nivel

personal me gustaría, si bien

nosotros trabajamos con las

escuelas hace ya diez años,

poder conquistar dentro de

la currícula escolar para que

la música clásica contacte

con chicos y chicas en nuevos

espacios. La música clásica

tiene un potencial enorme

en términos de inclusión

social.

También poder trabajar para

sectores por los que no se

trabaja regularmente, como

la tercera edad. Parte de ese

público, que no tiene posibilidad

de ir al teatro ya sea por

salud u otras cuestiones, se

encuentra aislado. Tampoco

es considerado por el marketing

como un sector “cool”

del mercado, ni son sus futuros

grandes consumidores.

Por eso lamentablemente

no se dirigen acciones hacia

ellos.

Todavía hay espacio para

tejer cohesión y construcción.

Uno de los temas más

importantes que creo que

tenemos los argentinos,

es eso de estar siempre al

borde de no sentirnos ciudadanos.

Hay espacio para

la construcción ciudadanía,

de individuos, y de ciudadanos

portadores de derechos.

El arte y la cultura podrían

estar cumpliendo un

rol enorme, me encantaría

poder desde la institución

ampliarnos aún más en este

sentido.

¿Y a nivel estético?

Me interesa mucho la investigación

en cruce con otras

disciplinas. La ópera a veces

se aísla, creo que no hay

que tener miedo a meternos

con ciertas cosas. Siempre

las discusiones son las que

enfrentan puestas mordernas

versus clásicas. Me parece

que el género puede

recibir otro tipo de rupturas

de dónde pueden surgir

nuevos brotes.

¿Se te ocurre por dónde

empezar a explorar esos

quiebres?

Con Orfeo empecé a explorar

esas grietas que tienen

que ver con la dramaturgia,

con la incorporación de

actores de teatro. El cruce

entre el teatro recitado de

la vieja escuela, con la voz

educada de distinta manera,

y el cantante lírico produce

cosas muy interesantes.

También quiero pensar en la

danza, de manera casi simbólica,

al igual que el lenguaje

escrito. Quiero poder

apelar a una multiplicidad

de formas de arte.

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 35


CANCIONES DE CUNA EN LA MÚSICA CLÁSICA ///

La cura al insomnio:

canciones de cuna en

la música clásica

¿Stress? ¿Problemas para dormir? No se diga más,

a continuación te dejamos algunas obras clásicas

con melodías perfectas para escuchar antes de

aplastar tu cabeza en la almohada.

Por Iván Gordin

Por lo general, tratamos de permanecer

despiertos en la sala de conciertos, pero

cuando llega la hora de acostarnos nos

cuesta obtener ese descanso que tanto anhelamos.

Obviamente, la industria musical

no es ajena a este problema y ha diseñado

varios productos específicos para calmar

-o incluso hipnotizar- a los oyentes. La última

moda es adaptar algún compositor

clásico y prestigioso en un formato “infantilizado”

(es decir, versiones bastantes

más precarias) para que niños/as o incluso

adultos puedan conciliar el sueño. Así es

que tenemos productos como “Beethoven/

Mozart/Chopin for babies”, una excusa más

para grabar partituras de dominio público

y comercializarlas ante un público ávido

por una solución rápida a un disgusto recurrente.

Esto no es nada nuevo: los lullabies,

los nocturnos, los berceuses y otros

géneros similares se han utilizado durante

siglos para calmar la mente, endulzar los

sueños y enviar a los seres queridos a la

cama. Desde hace cientos de años compositores

de renombre han concebido y versionado

canciones de cuna populares; incluso

canonizándolas para la posteridad.

Aquí están cinco de nuestras favoritas:

CANCIÓN DE CUNA EN RE BEMOL

(BERCEUSE) OP. 57 - FREDERIC CHOPIN

(1843-1844)

Hace click

Chopin nos regala una de las canciones de

cuna más tiernas y delicadas de esta lista.

36 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Se cree que fue inspirada por su destacada

colega, Louise Héritte Viardot.

NOCTURNE OP.60 - BENJAMIN BRITTEN

(1943)

CANCIÓN DE CUNA (WIEGENLID) -

JOHANNES BRAHMS (1868)

Hace click

Hace click

La famosa melodía de Brahms, con letras

tomadas de las canciones populares

alemanas, Des Knaben Wunderhorn, es a

menudo la primera canción de cuna que

nos viene a la cabeza y se ha utilizado

desde entonces para serenar a los más

inquietos bebés.

EL PÁJARO DE FUEGO (L’OISEAU DE FEU) -

IGOR STRAVINSKY (1919)

Para esta obra, Benjamin Britten seleccionó

textos literarios con temática onírica,

de autores tales como Wadsworth, Shakespeare,

Keats y Shelley. De esta manera,

el compositor inglés desarrolló un hermoso

ciclo de canciones para solista tenor.

CANCIÓN DE CUNA ELEGÍACA (BERCEUSE

ÉLÉGIAQUE) - FERRUCIO BUSONI (1909)

Hace click

Hace click

La melodía, cortesía de un fagot en solitario,

arrulla al malvado Katschei para

que duerma en el Diaghilev Ballet. Mientras

el villano duerme, el héroe, Iván,

puede destruir un huevo mágico que contiene

el alma de su enemigo.

Ferruccio Busoni escribió esta misteriosa

canción de cuna en memoria de su madre, y

la subtituló: “La canción de la cuna del hombre

en el ataúd de su madre”. Gustav Mahler

estrenó la obra en su último concierto dirigiendo

la Filarmónica de Nueva York.

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 37


CICLOS Y CONCIERTOS ///

EL CAMINO DEL SANTO

Cinco días para disfrutar de la música clásica en lugares emblemáticos de San

Isidro y de la mano de excelentes intérpretes.

sapo que fue elegida por la prensa y el

público como el Mejor Espectáculo del

Festival Internacional de Teatro Infantil de

El Salvador. ¿La música?, de Bizet, Debussy

y otros. En caso de lluvia pasará al Salón

Papa Francisco del Colegio San Juan El

Precursor, Gaboto 879, San Isidro.

El Camino del Santo. Música clásica en San

Isidro, cuya XII edición tendrá en su velada

de apertura al Coro Polifónico Nacional.

Del miércoles 17 al domingo 21 de abril,

con entrada gratuita.

El Coro Polifónico Nacional abrirá la

actividad el miércoles 17, a las 21, en la

Iglesia San José (Diego Palma 215), con

la batuta del maestro José María Sciutto,

de reconocido prestigio internacional,

y un programa que irá de la Misa en Mi

bemol op 109, de Rheinberger y Mirjam’s

Siegesgesang, D.942, de Schubert, a la

Missa Brevis, de Bernstein.

Además, siguiendo la exitosa experiencia

iniciada en 2018, vinculada con el espíritu

formador del ciclo, con dirección artística

del maestro Francisco Varela, todos

los conciertos serán presentados por

destacados periodistas y críticos que

ayudarán a profundizar y comprender aún

más los distintos hechos musicales. Una

tarea que en la noche inaugural realizará

Margarita Zelarrayán.

Al día siguiente, a las 16, los jardines del

Pueyrredón (Rivera Indarte 48, Acassuso)

recibirán al espectáculo infantil El Sapo y

La Princesa, Ballet para 3 bailarines sobre

esta fábula, con la dirección y coreografía

de Yamil Ostrovsky. Una obra con una

hechicera/rey, una princesa y un príncipe/

El viernes, a las 21, la escena se trasladará

al auditorio de ese colegio (Anchorena 419,

San Isidro) con el Trío Ginastera, formado

por Xavier Inchausti (violín), José Araujo

(violoncello) y Marcelo Balat (piano). El

programa transitará por Rachmaninov,

Shostakovich y Ravel, quienes serán

presentados por el periodista y director de

escenas de ópera Boris Laures.

La catedral neogótica de San Isidro

(Libertador 16.200), en pleno casco histórico

de esta ciudad, será el sábado 20, a las 12.30,

un plan ideal para adentrarse en la música

barroca y renacentista con La Sambuca, bajo

la dirección de Hernán Vives. Flautas, laúd,

órgano, arpa, sacabuche, viela, una soprano

y un tenor animarán ese mediodía dominado

por música de los siglos XIV y XV (Dufay,

Ciconia, Frye y otros), con presentación a

cargo de la crítica Margarita Pollini.

Para el cierre, los acordes volverán al inicio,

a la Iglesia San José. Será el domingo, a las

21, con Estación Buenos Aires, dirigida

por Rafael Gíntoli e integrada por dos

violines, viola, violoncelllo, contrabajo, laúd y

clavecín. El concierto, Las ocho estaciones,

será presentado por Mauro Apicella,

periodista del diario La Nación, y reflejará el

encuentro en tiempo y espacio entre Antonio

Vivaldi y Astor Piazzolla. De las Cuatro

estaciones del cura barroco veneciano a

las Cuatro estaciones porteñas para violín y

cuerdas del bandoneonista marplatense.

Más info y programación:

http://sanisidrocultura.org/

38 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


CICLOS Y CONCIERTOS ///

CICLO DE GRANDES CONCIERTOS

Desde 1949 la Facultad de Derecho

dedica a la música sinfónica un ciclo que

originalmente se realizaba los días jueves.

Desde el año 1995 retoma su frecuencia

semanal pero los días sábados y, desde

1999, reincorpora la presencia de las

grandes orquestas nacionales junto a

orquestas juveniles, del conurbano, del

interior del país e internacionales. Agrega

además el ciclo de música de cámara,

también de frecuencia semanal. Promedia

alrededor de 90 conciertos al año,

Consolidando de esta manera la idea de la

Extensión Universitaria hacia la comunidad.

El inicio del Ciclo de Grandes Conciertos de

la Facultad de Derecho será el 13 de abril

con tres conciertos:

A las 16hs. Cuarteto Tsunami en el Salón

Auditorio

A las 18hs. Banda Sinfónica de la Ciudad

de Buenos Aires en el Salón de Actos.

A las 20hs. Orquesta Sinfónica de la

Universidad de Lanús junto al Coro Vocal

del Sur y el Coro de Nuestra Señora de la

Piedad de Temperley, también en el Salón

de Actos.

EN LA ACTUALIDAD, TODOS LOS

SÁBADOS DE MARZO A DICIEMBRE

BRINDAN DOS CONCIERTOS:

A las 16 horas: música de Cámara, en el

Salón Auditorio.

A las 18 horas: música Sinfónico o

Sinfónico Coral, en el Salón de Actos.

Entrada libre y gratuita. Durante los

conciertos se invita a colaborar con

alimentos no perecederos, los cuales

serán donados al hogar M.A.M.A. (Mis

Alumnos Más Amigos)

Coordinación general: Juan Carlos

Figueiras.

Ver programación anual aquí: http://www.

derecho.uba.ar/extension/conciertos.php

PROGRAMAS DE RADIO:

• Concierto Derecho: con la conducción

de Juan Carlos Figueiras, con

entrevistas a compositores, interpretés.

Los domingos a las 13 hs., con

repetición a las 18 hs .

• Obras Completas: los domingos de

0 a 24 hs., donde pueden disfrutar de

fragmentos de nuestros conciertos.

Por Radio UBA FM 87.9 o www.uba.ar/

radiouba/

ENTREVISTA A JUAN CARLOS

FIGUEIRAS

Es compositor, intérprete y docente.

Dirige hace años el “Ciclo de Grandes

Conciertos de la Facultad de Derecho”

uno de los más importantes del país.

MCBA estuvo conversando con él para

el primer número de MusicaClasicaBA

Revista y aquí podés revivir la

entrevista: link AQUÍ

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 39


CICLOS Y CONCIERTOS ///

5° FESTIVAL KONEX DE MÚSICA CLÁSICA

Chopin y el Romanticismo

Por Maxi Luna

En abril vuelve a

presentarse el Festival

Konex de Música Clásica,

organizado por la

Fundación Konex junto

con Fundecua, con la

dirección artística de

Andrea Merenzon. La

quinta edición del ciclo,

que contará con seis

galas, estará dedicada a la

música del Romanticismo,

y principalmente, a la

obra de Frederic Chopin,

de quien se conmemora

el 170° aniversario de su

fallecimiento. Y como no

podía ser de otra manera,

el piano será el principal

protagonista. Además,

se escucharán obras

de Beethoven, Robert

Schumann, Johannes

Brahms, Niccolò Paganini,

Felix Mendelssohn, Franz

Liszt y Franz Schubert,

entre otros.

Un hecho destacado

con el que contará la

entrega de este año, será

la presentación de Bruno

Gelber en el concierto

de apertura. Además

de la jerarquía que

imprime la presencia del

pianista argentino, será

la primera vez que Gelber

se presente en el Konex.

El Maestro expresó que

le atrajo la propuesta de

participar en un espacio

no convencional, ya que

“la música clásica nunca

hizo muchos esfuerzos

para llegar al público

general, sino que ha

vivido apañada por los

adoradores del género”. Y

agregó “Por eso, creo que

hay que saber acercarse

a un público distinto y

este tipo de festivales lo

permiten. A mí me gusta

eso y gozo, gracias a Dios,

de una mayor llegada

a la gente de lo que es

normal para este tipo de

música, y hay que saber

aprovechar eso”.

El programa elegido

para el concierto estará

integrado por las

sonatas Claro de luna

y La aurora, dos obras

muy conocidas que

pertenecen al período

central de Beethoven;

el Carnaval de Robert

Schuman, una pieza muy

característica, llamativa

y llena de inspiración del

compositor alemán; y

para terminar, el Andante

spianato y la Gran

polonesa brillante de

Frederic Chopin.

El Festival contará,

además, con dos visitas

internacionales: Pawel

Kowalski, uno de los

pianistas más versátiles

de Polonia –quien se

presentará junto al

Cuarteto Petrus–, y la

surcoreana Hyo Joo Lee,

ganadora, entre otros

galardones, del primer

premio del Concurso

Internacional Chopin

para jóvenes pianistas,

40 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


CICLOS Y CONCIERTOS ///

realizado en Moscú en

2010.

El pianista Horacio

Lavandera tendrá su

lugar el 27 de abril y el

cierre del Festival será

el jueves 28 de abril

con una particular gala

de ballet que tendrá

un acompañamiento

en piano por parte de

Fernando Pérez y cinta

magnetofónica.

Desde su inicio, este

Festival permitió que

pudiera disfrutarse de

los más destacados

intérpretes de la escena

nacional en un espacio

no convencional y a

precios accesibles. Esto

consiguió, además,

atraer a un público

diverso y entusiasta,

y que se posicionara

como uno de los eventos

más esperados de la

temporada de música

clásica, que también

transcurre por fuera de los

circuitos oficiales.

Para terminar, en palabras de

Gelber la música de Chopin

“expresa la pasión y el amor

de una manera maravillosa

y con una riqueza de

inspiración impresionante.

Es un idioma melódico que

es fácilmente entendible

y llega al oído de todo el

mundo”. Es decir, este es un

festival para acercarse a la

música clásica y enamorarse

de ella”.

FECHAS

• Martes 23/4 Bruno

Gelber (pianista

argentino)

• Miércoles 24/4 Pawel

Kowalski (pianista

polaco) + Cuarteto Petrus

(cuerdas)

• Jueves 25/4 Xavier

Inchausti + José Araujo

+ Marcelo Balat (Trío

Ginastera)

• Viernes 26/4 Hyo Joo

Lee (pianista coreana)

• Sábado 27/4 Horacio

Lavandera (pianista

argentino)

• Domingo 28/4 Gala de

ballet (cuerpo de baile

ad-hoc) con Fernando

Pérez (pianista argentino)

y cinta magnetofónica.

MÁS INFORMACIÓN:

http://festivalkonex.org/

programacion/

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 41


CONVOCATORIAS ///

BAMúsica 2019

Hasta el 24 de abril estará abierta la inscripción para solicitar

financiamiento.

Los interesados deberán contar con Clave

Ciudad y presentar su solicitud exclusivamente

a través del sistema Tramitación a

Distancia (TAD).

Para solicitar subsidios es requisito estar

inscrito en el Registro BAMÚSICA. Se podrá

realizar la inscripción en forma simultánea

con la presentación de solicitud de

subsidio durante la convocatoria correspondiente

y a través de la plataforma de

trámite a distancia (TAD). En caso de optar

por esta vía, no es necesario presentar los

formularios de manera presencial.

BAMúsica, es el Régimen de Concertación

para la Promoción de la Actividad Musical

No dependiente del Ámbito Oficial de la

Ciudad Autónoma de Buenos Aires, con

el objeto de proteger, propiciar y fomentar

la actividad musical en vivo en todos sus

géneros.

En el Reglamento General de la convocatoria,

y sólo cuando ésta se encuentre

abierta, podrá encontrarse información

detallada sobre destinatarios, documentación

requerida y demás aspectos técnicos

de la misma.

Desde el 13 de marzo estará abierta la inscripción

a BAMúsica para solicitar financiamiento.

Esta convocatoria está dirigida

a clubes de música en vivo y/o establecimientos,

músicos solistas y grupos de músicos

estables que realicen shows en vivo.

Se podrá solicitar asesoramiento vía correo

electrónico a bamusica@buenosaires.gob.ar

o por teléfono al 4323-9400

Int. 7933 / 7930 / 7901, o acercarse personalmente

a Av. de Mayo 575 piso: 4 (of.

408). El horario de atención al público es

de lunes a viernes de 10 h a 15 h.

42 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 43


AGENDA/// ABRIL 2019

Jueves 11

18 hs. Casa de la Cultura - Salón Dorado

(Av. de Mayo 575, 1 piso, CABA).

Ciclo “Conservatorios en Concierto”

- Ensambles destacados del Conservatorio

Superior de Música Manuel de

Falla: Dúo Circunflejo/ Laura Fainstein

Sestopal (tiorba) y Aníbal Domínguez

(traverso), con obras de François Couperin,

Pierre Danican Philidor, Robert

de Visée y Jean-Marie Leclair; y el Dúo

FauxBourdon/ Ariadna Duarte Mell

(flauta dulce) y José Pachón Cárdenas

(laúd), con obras de John Dowland,

Henry Purcell y Luis Milán.

20 hs. Teatro Colón. Ballet - “Don

Quijote”, de Ludwig Minkus. Ballet en

dos actos, basado en “Don Quijote de

la Mancha”, de Miguel de Cervantes;

Libreto de Marius Petipa y coreografía

de Vladimir Vasiliev. Ballet Estable del

Teatro Colón (Directora: Paloma Herrera),

junto a la Orquesta Filarmónica de

Buenos Aires (Director Musical Invitado:

Carlos Vieu). Localidades en http://

www.teatrocolon.org.ar

30 | 21 hs. Al Escenario (Lamadrid

1001, CABA). Unísonas Dúo: Cynthia

Ingani (flauta traversa) y Cecilia Majlis

(piano). Obras de Saint Saens, Poulenc,

Enescu y Goldstein. $150 con taquilla

inversa. Capacidad limitada. Recomendamos

reservar con anticipación por

mail: alescenarioreserva@gmail.com

Viernes 12

19 hs. Legislatura de la Ciudad

- Salón San Martín (Perú 160, CABA).

Cuarteto Gianneo. Luis Roggero y

Sebastián Masci en violines, Julio Domínguez

en viola y Matías Villafañe en

violoncello. Entrada libre y gratuita.

20 hs. Centro Cultural Kirchner

(CCK) – Sala Sinfónica. Orquesta

Nacional de Música Argentina Juan de

Dios Filiberto, director invitado: Eduardo

Alonso-Crespo. Obras de Eduardo

Alonso-Crespo: Sinfonietta para cuerdas,

op. 1 y Sinfonía n° 5, op. 31; y de

Javier Weintraub / Pablo Motta: Fantasía

tanguera (Solista: Javier Weintraub - violín).

Entrada gratuita. Reservas a través

de www.cck.gob.ar/reservas

20 hs. Teatro Colón. Ballet - “Don

Quijote”, de Ludwig Minkus. Ballet en

dos actos, basado en “Don Quijote de

la Mancha”, de Miguel de Cervantes;

Libreto de Marius Petipa y coreografía

de Vladimir Vasiliev. Ballet Estable

del Teatro Colón (Directora: Paloma

Herrera), junto a la Orquesta Filarmónica

de Buenos Aires (Director Musical

Invitado: Carlos Vieu). Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

Sábado 13

11 hs. Teatro Colón. Ballet - “Don

Quijote” (versión para niños), de

Ludwig Minkus. Basado en “Don

Quijote de la Mancha”, de Miguel de

Cervantes; Libreto de Marius Petipa y

coreografía de Vladimir Vasiliev. Ballet

Estable del Teatro Colón (Directora:

Paloma Herrera). Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

16 hs. Museo de la Casa Rosada

(H. Yrigoyen s/n, CABA). Coro de Cámara

Bella Vista - Dir. Rodolfo Diorio.

Música académica argentina - Obras

de Carlos Gustavino. Y Coro Capilla

Secular – Dir. Oscar Mesías. Obras Polifónicas

Sacras y Profanas del Siglo

XVI. Entrada libre y gratuita.

16 hs. Facultad de Derecho

(UBA) – Salón Auditorio (Av. Figueroa

Alcorta 2263, CABA). Ciclo de Grandes

Conciertos: Cuarteto Tsunami,

integrado por Alejandro Soraires (saxofón

soprano), Mauricio Berg (saxofón

contralto), Martín Proscia (saxofón

tenor) y Mariana Brondino (saxofón

barítono). Entrada libre y gratuita.

17 hs. Teatro Colón. Intérpretes

Argentinos / Salón Dorado – Dúo

Bercellini / Formaro: “Evocaciones para

Violonchelo y Piano”. Pablo Bercellini

(Violonchelo) y Antonio Formaro (Piano).

Programa con obras de Robert Schumann:

Adagio und Allegro Opus 70;

Frederic Chopin: Sonata en Sol menor

Opus 65; Angel Lasala: “Leyenda”;

Juan Jose Castro: “Serenata”; y Pablo

Escande: “Dos Milongas”. Para más información

sobre obtención de entradas,

ingresar a http://www.teatrocolon.org.ar

18 hs. Biblioteca Argentina para

Ciegos (Pasaje Lezica 3909, 1° piso,

CABA). Recital de canto: Micaela Fariña-

soprano; Virginia Scavino- mezzosoprano;

Franco Sabino- tenor y Mauro

Espósito- barítono. Piano y dirección

musical: Maestro Dante Ranieri. Obras

de Donizzetti, Puccini, Cilea y Giordano.

Entrada libre y gratuita.

18 hs. Departamento de Artes Musicales

y Sonoras de la UNA - Sala

Roberto García Morillo (Av Córdoba

2445. 1er piso, CABA). Orquesta de

Tango de la UNA – presentación del

disco “Impresiones Porteñas”. Dirección

y arreglos: Ariel Pirotti. Cantante invitado:

Lautaro Mazza. Evento gratuito.

16 hs. Facultad de Derecho (UBA)

– Salón de Actos (Av. Figueroa Alcorta

2263, CABA). Ciclo de Grandes Conciertos:

Banda Sinfónica de la Ciudad

de Buenos Aires. Entrada libre y gratuita.

20 hs. Centro Cultural Kirchner

(CCK) – Sala Sinfónica. Juan Esteban

Cuacci: presentación del disco

“Pianologías del sur”, composiciones a

dúo con José Colángelo, Luis Ascot,

Miguel Ángel Barcos, Lito Vitale, Leo

Sujatovich, Lilian Saba, Fernanda Morello,

Gabriel Luna, Alvaro Torres y Martín

Roig. Entrada gratuita. Reservas a través

de www.cck.gob.ar/reservas

20 hs. Museo de la Fundación

Rómulo Raggio (Gaspar Campos

861, Vicente López, Buenos Aires).

Ciclo de Música de Cámara 2019:

Dora de Marinis y Anaïs Crestin, Piano

a cuatro manos. Obras de Wolfgang

Amadeus Mozart - Sonata en Re Mayor

K 381; Antón Dvorak - Dos danzas

eslavas; Claude Debussy - Andante

Cantabile; Francis Poulenc – Sonate;

y Gabriel Fauré - Suite Dolly Op. 56.

Bono contribución $350.-

20 hs. Teatro Colón. Ballet - “Don

Quijote”, de Ludwig Minkus. Ballet en

dos actos, basado en “Don Quijote de

la Mancha”, de Miguel de Cervantes;

Libreto de Marius Petipa y coreografía

de Vladimir Vasiliev. Ballet Estable del

44| Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Ver agenda actualizada y completa en http://www.musicaclasicaba.com.ar/agenda

Teatro Colón (Directora: Paloma Herrera),

junto a la Orquesta Filarmónica de

Buenos Aires (Director Musical Invitado:

Carlos Vieu). Localidades en http://

www.teatrocolon.org.ar

20 hs. Facultad de Derecho

(UBA) – Salón de Actos (Av. Figueroa

Alcorta 2263, CABA). Ciclo de Grandes

Conciertos: Orquesta Sinfónica

de la Universidad de Lanús, junto al

Coro Vocal del Sur y el Coro de Nuestra

Señora de la Piedad de Temperley.

Entrada libre y gratuita.

Domingo 14

11 hs. Teatro Colón. Intérpretes

Argentinos – Coro Polifónico Delfino

Quirici. Dirección: Juan Manuel Brarda.

Programa integrado por obras de

Edward C. Bairstow: Let All Mortal Flesh

Keep Silence (Texto: Himno adaptado

de la liturgia de Santiago en 1864); de

Z. Randall Stroope: We Beheld Once

Again the Stars (Texto en referencia al

canto XXXIV de La Divina Comedia, de

Dante Alighieri); de Runestad, “Alleluia”;

de Brahms, Drei Quartette Op. 64; y

Mahler, Rückert Lieder (Arreglo de

Carlo Marenco. Texto: Friedich Rückert).

Para más información sobre obtención

de entradas, ingresar a http://www.

teatrocolon.org.ar

11:30 hs. Usina del Arte – Sala de

Cámara. Marcelo Massun & Igor Herzog:

Recital de violonchelo y laúd con

obras de compositores Bologneses del

siglo XVII. Entrada gratuita. Las entradas

se reservan online en www.buenosaires.gob.ar/usinadelarte/entradas

17 hs. Teatro Colón. Ballet - “Don

Quijote”, de Ludwig Minkus. Ballet en

dos actos, basado en “Don Quijote de

la Mancha”, de Miguel de Cervantes;

Libreto de Marius Petipa y coreografía

de Vladimir Vasiliev. Ballet Estable del

Teatro Colón (Directora: Paloma Herrera),

junto a la Orquesta Filarmónica

de Buenos Aires (Director Musical

Invitado: Carlos Vieu). Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

17 hs. Parroquia Santa Julia (Juan

B. Alberdi 1195, CABA). Asociación co-

ral Lagun Onak, junto al Coro y Orquesta

Municipal 3 de Febrero; dirección de

Miguel Ángel Pesce. Obras de Mozart:

Sinfonía N° 25 – Rondó - Misericordias

Domini – Te Deum - Venite Populi - Ave

Verum Corpus. Entrada libre y gratuita.

19 hs. Museo Fernández Blanco -

Palacio Noel (Suipacha 1422, CABA).

Luis Slabý (clarinete) y Martín Cadaviz

(guitarra). Música de cámara de compositores

checos. Obras de Truhlar,

Rák, Feld, Janácek, Piazzolla, Dvorák.

Acceso a la sala con la entrada general

del Museo ($50). Bono contribución

$20.Por orden de llegada hasta

completar la capacidad de la sala

limitada a 120 espectadores.

Lunes 15

20 hs. Templo Libertad (Libertad

785 CABA). Ensamble Camerus:

Ensayo abierto “Johannespassion”, J.

S. Bach. Entrada gratuita y sin reserva

previa. Es necesario presentar documento

de identidad.

Martes 16

20 hs. Teatro Colón. Centro de

Experimentación - “Begehren” (Deseo).

Composición: Beat Furrer; Dirección

Musical: Juan Miceli; Dirección

Escénica: Emilio Basaldúa. Principales

Intérpretes: Sabrina Pedreira, Ivan García.

Coro Cantando Admont (Dirección:

Cordula Bürgi). Para más información,

ingresar a http://www.teatrocolon.org.ar

Miércoles 17

13 hs. Templo Libertad (Libertad

785 CABA). Ciclo de Conciertos de

Profesores del DAMus. Pablo Pollitzer

y Pablo Cernik. Canciones Suizas

de Schoeck y Dalcroze. Poemas de

Goethe y Birbaum. Evento gratuito.

19 hs. Legislatura de la Ciudad

- Salón Alfonsín (Perú 160, CABA).

Concierto de tango de Malamado Trío:

Lucio Claros en guitarrón, Ushi Cerviño

en guitarra y Julieta Fernández en voz.

Obras de Aníbal Troilo, Rosita Quiroga,

Charlo, Francisco Lomuto y Humberto

Canaro. Entrada libre y gratuita.

19 hs. Teatro Colón. Centro de

Experimentación - “Begehren” (Deseo).

Composición: Beat Furrer; Dirección

Musical: Juan Miceli; Dirección

Escénica: Emilio Basaldúa. Principales

Intérpretes: Sabrina Pedreira, Ivan García.

Coro Cantando Admont (Dirección:

Cordula Bürgi). Para más información,

ingresar a http://www.teatrocolon.org.ar

20 hs. Centro Cultural Kirchner

(CCK) – Sala Sinfónica. Orquesta

Sinfónica Nacional. Director invitado:

Rodolfo Saglimbeni (Venezuela).

Programa integrado por obras de

Eduardo Alonso Crespo: El valle de

los menhires, op. 10, para orquesta

sinfónica; Antonin Dvorák: Concierto

para piano y orquesta en sol menor,

op. 33 (Solista: Emilio Peroni, piano); y

Piotr Ilich. Entrada gratuita. Reservas a

través de www.cck.gob.ar/reservas

22 hs. Teatro Colón. Centro de

Experimentación - “Begehren” (Deseo).

Composición: Beat Furrer; Dirección

Musical: Juan Miceli; Dirección

Escénica: Emilio Basaldúa. Principales

Intérpretes: Sabrina Pedreira, Ivan García.

Coro Cantando Admont (Dirección:

Cordula Bürgi). Para más información,

ingresar a http://www.teatrocolon.org.ar

Jueves 18

21 hs. Usina del Arte – Auditorio.

Conjunto Opus Cuatro: “Misa Criolla”,

de Ariel Ramírez, y repertorio latinoamericano

junto a Rolando Goldman

(charango), Pablo Zartmann (piano y

dirección coral) y el Ensamble Vocal

Nubia. Entrada gratuita. Las entradas se

reservan online en www.buenosaires.

gob.ar/usinadelarte/entradas

Viernes 19

20 hs. Centro Cultural Kirchner

(CCK) – Sala Sinfónica. Ensamble

Camerus: La “Pasión según San Juan”

BWV 245, de J. S. Bach. Dirección de

Alejandro Nuss. Solistas: Elías Ongay

(Evangelista), Víctor Torres (Jesús -

arias), Alejandro Cerone (Pilatos - aria),

Marisú Pavón (soprano), Carolina

Gauna (alto), Esteban Manzano (tenor),

Marcos Devoto (Pedro), Marina

musicaclasicaba.com.ar | Abril 2019 | Revista Música Clásica 3.0 | 45


AGENDA: ABRIL 2019///

Mayo (Sierva), Ramiro Cony (Siervo

I) y Nicolás Pintos (Siervo II). Entrada

gratuita. Reservas a través de www.

cck.gob.ar/reservas

Sábado 20

16 hs. Museo de la Casa Rosada

(H. Yrigoyen s/n, CABA). Barroco

Sacro de la escuela napolitana -

Stabat Mater (Pergolesi) y Magnificat

(Durante). Coro Femenino, Ensamble

Vocal Femenino, Coro Polifónico y

Ensamble Instrumental de la UNLaM;

Dirección: Hugo Alberto Schwab.

Entrada libre y gratuita.

20 hs. Teatro Colón. Sinfónico

Coral – Abono 1: Misa de Réquiem

en Re menor, K. 626 (1791), de

Wolfgang A. Mozart. Orquesta

Estable del Teatro Colón (Director

Musical Invitado: Evelino Pidò) y

el Coro Estable del Teatro Colón

(Director: Miguel Martínez). Solistas:

Soprano - Oriana Favaro, Mezzosoprano

- Guadalupe Barrientos, Tenor

- Santiago Ballerini, Bajo - Lucas

Debevec Mayer. Localidades en

http://www.teatrocolon.org.ar

Domingo 21

11:30 hs. Usina del Arte – Auditorio.

Concierto de Pascuas: Coro

Carlos López Buchardo/Damus

- UNA- y la Orquesta de Cámara

Amadeus FM 91.1. Dirección:

Alfredo Corral. Solistas: Graciela

Oddone (soprano), Cecilia Aguirre

Paz (mezzosoprano), Pablo Pollitzer

(tenor) y Víctor Torres (barítono).

Entrada gratuita. Las entradas se reservan

online en www.buenosaires.

gob.ar/usinadelarte/entradas

19 hs. Museo Fernández Blanco

- Palacio Noel (Suipacha 1422,

CABA). Karl Prybyloski (Polonia) - recital

de piano. Improvisaciones sobre

Debussy y Rachmaninoff, y presentación

de Inner Oceans, álbum de su

autoría. Auspicia la Embajada de Polonia

en Argentina. Acceso a la sala

con la entrada general del Museo

($50). Bono contribución $20. Por

orden de llegada hasta completar la

capacidad de la sala limitada a 120

espectadores.

Lunes 22

20 hs. Teatro Colón – Mozarteum

Argentino. Primer Ciclo: Venice

Baroque Orchestra, con Giuliano

Carmignola en violín. Programa integrado

por obras Antonio Vivaldi: Sinfonía

en Do mayor de “L’Olimpiade”

RV 725, Concierto para violín en Fa

mayor “Per la solennità di San Lorenzo”

RV 286, Concierto para violín en

Mi menor RV 281 y los Conciertos

para violín, cuerdas y bajo continuo

Op.8 “Las cuatro estaciones”.

También obras Baldassare Galuppi:

Concierto a cuatro n.3 en Re mayor,

y Benedetto Marcello: Sinfonía en

Sol mayor C 779. Localidades en

www.mozarteumargentino.org/

Martes 23

17 hs. Teatro Colón. Salón Dorado

– Recital de piano: Alexandra Sostmann

(Alemania). Programa integrado

por obras de Arvo Pärt, “For Alina”;

Johann Sebastian Bach, Preludio

y Fuga Re menor WTP I, BWV 851;

Dmitri Shostakóvich, Preludio y Fuga

op.87 Nr.24 Re menor; Aleksander

Skriabin (Una selección de algunos

de los 24 Preludios op.11) y Serguéi

Prokófiev, Sonata No.7 en Si bemol

mayor op.83. Para más información

sobre obtención de entradas, ingresar

a http://www.teatrocolon.org.ar

20 hs. Ciudad Cultural Konex –

Gran Sala. (Sarmiento 3131, CABA).

5° Festival Konex de Música Clásica

2019: Bruno Gelber. Programa

integrado por obras de Ludwig van

Beethoven - Sonata para piano N° 14

en Do sostenido menor, Op. 27, n° 2.

“Claro de Luna” y Sonata para piano

N° 21 en Do mayor, Op. 53. “Waldstein”;

Robert Schumann - Carnaval,

Op. 9. y Frédéric Chopin - Andante

Spianato y Gran Polonesa Brillante,

Op. 22. Localidades e información a

través de festivalkonex.org/

20 hs. Teatro Colón – Mozarteum

Argentino: Venice Baroque

Orchestra, con Giuliano Carmignola

en violín. Programa integrado por

obras Antonio Vivaldi: Sinfonía en

Do mayor de “L’Olimpiade” RV 725,

Concierto para violín en Fa mayor

“Per la solennità di San Lorenzo”

RV 286, Concierto para violín en Mi

menor RV 281 y los Conciertos para

violín, cuerdas y bajo continuo Op.8

“Las cuatro estaciones”. También

obras Baldassare Galuppi: Concierto

a cuatro n.3 en Re mayor, y

Benedetto Marcello: Sinfonía en Sol

mayor C 779. Localidades en www.

mozarteumargentino.org/

Miércoles 24

13 hs. Centro Cultural Kirchner

(CCK) – Sala Sinfónica. Conciertos

del Mediodía del Mozarteum Argentino:

Cuarteto Petrus (Pablo Saraví y

Hernán Briático en violines, Adrián

Felizia en viola y Gloria Pankáeva en

cello). Programa integrado por obras

de Wolfgang Amadeus Mozart:

Adagio y Fuga en Do menor, K. 546;

y de Franz Schubert: Cuarteto para

cuerdas en Re menor n° 14, D. 810,

“La Muerte y la Doncella”. Gratuito

y no requiere reserva previa. Se

ingresa por orden de llegada, hasta

agotar la capacidad de la sala.

19 hs. Biblioteca Nacional (Agüero

2502, CABA). Ciclo de Conciertos

de Profesores del DAMus. Marta

Blanco(mezzosoprano) y Santiago

Torricelli (Piano). Obras de Edvar

Grieg, Richard Strauss, Henri Duparc,

Maurice Ravel. Entrada gratuita.

20 hs. Ciudad Cultural Konex –

Gran Sala. (Sarmiento 3131, CABA).

5° Festival Konex de Música Clásica

2019: Pawel Kowalski (Polonia) +

Cuarteto Petrus. Programa integrado

por obras de Ignacy Jan Paderewski

- Nocturno en Si bemol mayor, Op.

16 n° 4; Johannes Brahms - Quinteto

para Piano y Cuerdas en Fa menor,

Op. 34; y una selección de obras

para piano solo de Frédéric Chopin.

Localidades e información a través

de festivalkonex.org/

20 hs. Centro Cultural Kirchner

46 | Revista Música Clásica 3.0 | Abril 2019 | musicaclasicaba.com.ar


Ver agenda actualizada y completa en http://www.musicaclasicaba.com.ar/agenda

(CCK) – Sala Sinfónica. Orquesta

Nacional de Música Argentina Juan

de Dios Filiberto, director invitado:

Gustavo Fontana, Valentín Garvié

como solista en trompeta. Programa:

Concertango, de Juan María

Solare; el Concierto para trompeta

y orquesta, de Valentín Garvié; y la

Serenata para orquesta, de Guillermo

Zalcman. Entradas gratuita. Reservas

a través de www.cck.gob.ar/reservas

Jueves 25

20 hs. Teatro Colón. Orquesta

Filarmónica de Buenos Aires -

Abono 04. Director: Enrique Arturo

Diemecke – Mezzosoprano: Adriana

Mastrángelo. Junto al Coro Estable

y el Coro de Niños del Teatro Colón.

Sinfonía N°3 en Re Menor, de Gustav

Mahler. Localidades en http://

www.teatrocolon.org.ar

20 hs. Ciudad Cultural Konex –

Gran Sala. (Sarmiento 3131, CABA).

5° Festival Konex de Música Clásica

2019: Xavier Inchausti + José Araujo

+ Marcelo Balat (Trio Ginastera). Programa

integrado por obras de Niccolò

Paganini, Camille Saint-Saëns, Felix

Mendelssohn, Frédéric Chopin, entre

otros. Localidades e información a

través de festivalkonex.org/.

“Wanderer Fantasie”; y Frédéric

Chopin - 24 Preludios, Op. 28.

Localidades e información a través

de festivalkonex.org/.

16 hs. Museo de la Casa Rosada

(H. Yrigoyen s/n, CABA). Barroco

Latinoamericano: Música de los

Virreinatos de Latinoamérica. Grupo

Vocal Instrumental de Cámara de

la UNLaM; Dirección: Hugo Alberto

Schwab. Entrada libre y gratuita.

18 hs. Sociedad de Socorros

Mutuos de Ramos Mejía. Avenida

San Martín 327. Prov. de Bs. As. Dúo

Isas-Kwiek: Cecilia Isas (violín), Alan

Kwiek (piano) Entrada gratuita.

19 hs. Usina del Arte – Sala de

Cámara. Édua Zádory (Austria -

Hungría) & Ricardo Donati: Recital de

violín y piano, con obras de Daniel

Doura, Cinco Escenas Urbanas

(2015) – estreno mundial; Ezequiel

Diz, Sonata (2017/2018); Sergio Parotti,

Sonata No 7, op. 31, No 8 (2015)

– estreno mundial; y Gilardo Gilardi,

Sonata Popular Argentina (1927).

Entrada gratuita. Las entradas se reservan

online en www.buenosaires.

gob.ar/usinadelarte/entradas

dirección musical). Relato: Germán

Serain. Producción de GALALIRICA

Show. Informes: info@galalirica.com

Compra anticipada de entradas $350.

Sábado 27 Domingo 28

11:30 hs. Usina del Arte – Sala de

Cámara. Ensamble de guitarras del

Conservatorio Superior de Música

Manuel De Falla, junto a Nuntempe

Ensamble y el Cuarteto de laúdes de

la Carrera de Música Antigua del CS-

MMF. Dirección de Sebastián Tellado.

Con obras de Gilardo Gilardi, Evocación

Quichua (1929) para cuarteto

de laúdes; de Gyan Riley, Landloper

(2017) para septeto de guitarras; de

Cecilia Pereyra, Atolón (2016) – Estreno

mundial (Solistas: Nuntempe Ensamble);

de Juan José Castro, Tangos

(1942/ 2013, transcripción de Gabriel

Evaraldo); y de Alberto Ginastera, Suite

de danzas criollas, op. 15 (1934/2016,

transcripción de Ramiro de Marino).

Entrada gratuita. Las entradas se reservan

online en www.buenosaires.gob.

ar/usinadelarte/entradas

18 hs. Iglesia Nórdica (Azopardo

1428, CABA). Dúo Souto - Fainstein

(viola y piano). Obras de Lili

Boulanger, Rebecca Clarke y Nadia

Boulanger. Entrada libre y gratuita.

Viernes 26

19 hs. Legislatura de la Ciudad

- Salón Alfonsín (Perú 160, CABA).

Concierto Orquesta Escuela y

Quinteto de Guitarras de la UNPAZ

(Universidad Nacional de J. C. Paz).

Obras de Henry Purcell, Tomás

Albinoni, J. S. Bach, Antonio Vivaldi,

Astor Piazzolla, Sebastián Piana, Enrique

Cadicamo y Osvaldo Pugliese.

Entrada libre y gratuita.

20 hs. Ciudad Cultural Konex –

Gran Sala. (Sarmiento 3131, CABA).

5° Festival Konex de Música Clásica

2019: Hyo-Joo Lee (Corea del

Sur). Programa: Franz Liszt - Años

de peregrinaje, Primer año: Suiza,

S. 160, n° 6. “Valle de Obermann”;

Franz Schubert - Fantasía en Do

mayor para piano, D. 760, Op. 15.

20 hs. Ciudad Cultural Konex –

Gran Sala. (Sarmiento 3131, CABA).

5° Festival Konex de Música Clásica

2019: Horacio Lavandera. Obras de

Frédéric Chopin: Nocturno en Mi

bemol mayor Op. 9 n° 2 - Gran Vals

brillante, en Mi bemol mayor, Op.

18 - Gran Vals brillante en La bemol

mayor, Op. 34 n° 1 - Polonesa N° 6 en

La bemol mayor, Op. 53. “Heroica”

- Balada N° 1 en Sol menor, Op. 23 -

Scherzo N° 2 en Si bemol menor, Op.

31 - Sonata N° 2 en Si bemol menor,

Op. 35. Localidades e información a

través de festivalkonex.org/.

21 hs. Teatro Núcleo (Av. Maipú

3143, Olivos). Escenas de la ópera

“Carmen”, de Georges Bizet. Rocío Arbizu

(mezzosoprano), Marcelo Gómez

(tenor), Sebastián Angulegui (barítono)

y María José Maito (piano, relatos y

20 hs. Ciudad Cultural Konex – Gran

Sala. (Sarmiento 3131, CABA). 5° Festival

Konex de Música Clásica 2019:

Gala de Ballet. Programa: de Adolphe

Adam, Suite de Giselle – II Acto; de

Frédéric Chopin, Cuentos de Chopin

(Coreografía: Iñaki Urlezaga) y selección

de valses y mazurcas; de Camille

Saint-Saëns, La muerte del cisne; y

de Léo Delibes, Suite de Coppelia – III

Acto. Localidades e información a

través de festivalkonex.org/

Martes 30

20 hs. Teatro Colón. Centro de

Experimentación – Residencia 1:

Dúo Garvie/Filipelli. Valentín Garvie

(Trompeta) y Juan Filipelli (Guitarra).

Dirección General: Valentín Garvie.

Para más información, ingresar a

http://www.teatrocolon.org.ar

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• Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125. Martes a sábado de 12 a 20 hs.).

• Fundación Telefónica (Arenales 1540. Lunes a sábados de 14 a 20.30).

• I Violini (Perú 1076. Lunes a Viernes 9 a 19 hs. Sábados 9 a 14 hs).

• Pianos Baldwin (Paraná 913. Lunes a Viernes 10 a 19.30 hs Sábados de 10 a 12.30 hs).

• Fundación Beethoven (Av. Santa Fe 1452. Lunes a viernes 10 a 22 hs).

• Fundación Julio Bocca (Viamonte 555).

• Asociación Arte y Cultura (Guardia Vieja 3783).

• Instituto Superior de Música José Hernández

(Juan B. Alberdi 1294 Olivos. De 14:00 A 20:30 hs.)

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