54

U2
NOEL
GALLAGHER
GRAMMY
2018
EMMANUEL
HORVILLEUR
DANIEL
MELERO
BANDALOS
CHINOS
DUA LIPA
ISSN 2344-9276 · Año 5 · Nº 54 · Enero 2018
Argentina: $80 · Recargo interior: $3.5
Vivo
FESTIVAL BUE
JAMIROQUAI
LOS ESPÍRITUS
NTVG
MALUMA
CNCO
Selena
Gomez

LIAM GALLAGHER
Sideshows
TEATRO VORTERIX
14 MARZO DE EN
EL
ANDERSON .PAAK
& THE FREE NATIONALS
METRONOMY
ZARA LARSSON OH WONDER
OH WONDER
14 MARZO DE EN NICETO CLUB
EN NICETO CLUB
15 MARZO TEATRO VORTERIX
DE EN
EL
EN NICETO CLUB
15 MARZO DE EN NICETO CLUB
DAVID BYRNE
LCD SOUNDSYSTEM
VOLBEAT
19 MARZO TEATRO GRAN REX
DE EN
EL
20 MARZO TEATRO VORTERIX
DE EN
EL
TEATRO VORTERIX
21 MARZO DE EN
EL
BILLBOARD | ENERO, 2018

“ El punk nos hizo
ver que las cosas
podían ser de
otra manera, que
podías pelearla”,
dice Bono de U2
(pág. 18)
Desde la izquierda:
Adam Clayton, Bono,
The Edge y Larry
Mullen Jr.
Contenidos
INTRO
7 ¿Qué lanzamientos habrá en
2018?
NOTAS
24 Grammy 2018, la previa
38 Un pleno a Camila Cabello
62 Bodas de Oro: Jimi Hendrix –
Axis: Bold as Love
ENTREVISTAS
40 Noel Gallagher
47 Sparks
48 Bandalos Chinos
50 Emmanuel Horvilleur
52 Daniel Melero
54 Bicicletas
EMERGENTES
58 Fonso, Rinco, Río Pardo y Dat
García
VIVO
66
68
70
71
72
No Te Va Gustar y Café
Tacvba
Festival BUE
CNCO y Maluma
Jamiroquai
Los Espíritus
REVIEWS
74 Vetusta Morla, Fabiana
Cantilo, Neil Young, Tom
Chaplin y más
CHARTS
77 Ed Sheeran y Beyoncé,
tomados de la mano
EN LA TAPA
Selena Gomez,
fotografiada por
Ruven Afanador
en exclusiva para
Billboard
FOTOGRAFÍA POR JOE PUGLIESE
BILLBOARD.COM.AR
3

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4 BILLBOARD | ENERO, 2018

Intro
Camila Cabello,
fotografiada en
Los Ángeles por
Miley Morbey.
EL SUBE Y BAJA
PROMESAS DE AÑO NUEVO
ARRANCÓ EL 2018 Y, A PESAR DE HABER UN MUNDIAL, NADA OPACARÁ EL LANZAMIENTO DE
NUEVOS ÁLBUMES. A CONTINUACIÓN, DIEZ PROYECTOS ESPERADOS PARA ESTA TEMPORADA.
1 Camila Cabello
La ex Fifth Harmony tendrá su
bautismo de fuego como solista
con la entrega de su primer trabajo
de estudio, Camila, que saldrá el
12 de enero. La cantante armará
equipo con Charli XCX para la
canción Scar Tissue y con Ed Sheeran
para The Boy.
2 Jack White
El guitarrista adelantó hace poco
que su nuevo álbum será bizarro.
El trabajo que sucederá a Lazaretto
(2014) sería editado durante el
primer semestre de este año.
3 Arctic Monkeys
El bajista de los Arctic Monkeys ,
Nick O’Malley, confirmó que el
grupo de Sheffield, Inglaterra, empezó
a grabar en septiembre. Con
este álbum, el sexto del grupo, cortarían
una racha de cinco años sin
nuevas canciones.
4 Selena Gomez
“Este año [por 2017], entregué mi
corazón a la música. No se trató
de números ni de charts, sino de
lo que podía innovar con mi música”,
dijo Selena Gomez a Nick
Grimshaw en entrevista con BBC
Radio 1. “No es un quizás, habrá
un álbum”, confirmó luego al periodista
cuando le preguntó sobre
su 2018.
5 Ariana Grande
La intérprete de Side to Side reveló
en sus historias de Instagram que
está trabajando duro en su cuarto
álbum de estudio. Será el primer
set de música nueva desde el atentado
en Manchester, que ocurrió
durante su concierto.
6 Lali
Durante el 2017 entregó dos singles
y videos (Una na y Tu novia). Además,
agotó dos shows en el Luna
Park, terminó en el puesto N° 21
del ranking anual en el Billboard
Social 50 y ganó dos premios en
los MTV EMAs 2017. El 2018 será
el año en el que abrirá para Katy
Perry en la Argentina y entregará su
tercer álbum de estudio.
7 The 1975
Music for Cars será su nuevo álbum,
y si podemos confiar en la cuenta
de Instagram de su frontman, Matt
Healy, el trabajo incluirá una canción
llamada Jesus Christ 2005 God
Bless America.
8 Gorillaz
Jamie Hewlett reveló que en 2018
saldrá el sucesor de Humanz. “Generalmente,
tenemos un recreo de
cinco años entre cada disco, pero
esta vez dijimos: ‘¿Saben qué? Seguiremos
en marcha porque hay
muchas ideas para más álbumes’”.
9 Tini
En noviembre de 2017, la cantante
viajó a Los Ángeles para terminar
de grabar su segundo trabajo discográfico
que saldrá este año. Aunque
todavía no tiene fecha de lanzamiento,
sabemos que incluirá Te
quiero más, su último single, junto
al cantante venezolano Nacho.
10 Maluma
El colombiano entregará en el
primer trimestre de 2018 su nuevo
álbum F.A.M.E., que incluirá
las canciones Corazón, Vitamina
(Ft. Arcángel) y su último single,
GPS, con French Montana.
Jimmy Page confirmó que se
lanzará “material inédito”
de Led Zeppelin el año que
viene. Será por los festejos
del 50° aniversario de la
formación de la banda.
Adelantó que habrá “más
sorpresas”.
A los 27 años, murió
Jonghyun, cantante de la
banda de K-pop SHINee.
Fue encontrado inconsciente
en su departamento de Seúl,
luego de que la hermana
alertara a la policía; ella
había recibido un mensaje
de despedida del músico.
Chano apuesta fuerte
a su carrera solista: se
presentará en el Luna Park
el próximo 3 de mayo. Las
entradas están disponibles
a través de TicketPortal.
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7

Ser
“ Ya se rompieron esos prejuicios
sobre las compañías”
Mientras apuesta por un sonido
que dialoga con lo internacional,
el cuarteto dejó la independencia
y firmó contrato con Sony Music
Argentina. Su nuevo single, Sola, le
sienta bien al verano y adelanta su
tercer álbum de estudio.
POR JOTA AYERZA
cuando una canción es lanzada a comienzos
de la primavera, se anota enseguida en la
carrera por ser el tema del verano. Arranca a la
delantera si tiene una melodía pegadiza y repite
mucho una palabra. Si le sumamos un videoclip
con un viaje en ruta hacia alguna playa donde la
gente baila felizmente, se empieza a ver la meta
de llegada. Aunque su resultado estará condicionado
por la rotación en las radios, la cantidad
de streams en Spotify y las reproducciones
del video en YouTube.
Sola, el nuevo single de Ser, cumple en gran
parte con esta fórmula. La letra rápidamente se te
sube a la cabeza e incluye un video –con la actriz
Cumelén Sanz como protagonista– en las playas
del Parador Eco Beach en Santa Clara del Mar.
La canción es el primer adelanto de su tercer
álbum de estudio, que saldrá en 2018. “Estamos
muy contentos con el primer feedback que tuvimos,
nos sorprendimos. Nos ayuda para cuando
salga el álbum completo”, contó Fede Berdullas a
Billboard. Criaturas sucederá a Aterrizar, su trabajo
del 2012 producido por Tweety González.
En esta ocasión fue Diego Blanco, de Los
Pericos, quien tomó los controles dentro del
estudio. “Veníamos de un disco muy del palo
del rock nacional. Diego le dio frescura a nuestro
sonido. Estamos más modernos, estas canciones
dialogan más con lo que está pasando
afuera”, explicó el frontman. Los bronces hacen
a la canción propia de un verano en la playa,
detalle que Berdullas confiesa como obra de su
flamante productor. “Es una canción tracción a
sangre y los vientos la alivianan. Fue una idea
genial”, concluyó.
La música latina tuvo su mejor temporada y
se la relaciona con el verano, ¿hubo alguna
tentación de jugar con los ritmos del reggaetón
o el trap?
- No, no nos pasó. Pero el verano pasado,
estando de gira, se me pegó Reggaetón lento y
dije: “Esa canción está muy bien hecha”. Tiene
un gran estribillo, bien producido. No estoy en
contra del género; si me gusta una canción, me
gusta y listo. Me interesa todo el costado de la
producción, saber desde dónde están bajando
los sonidos, cómo forman el audio. Después, la
canción es de cada uno.
Ustedes vivieron la etapa anterior a las plataformas
de streaming, ¿están encariñados
con los nuevos formatos?
- Antes había casi un solo lugar para toda la
música, hoy el juego se abrió. Lo más interesante
es que estas nuevas plataformas te atrapan. Spotify
me encanta, puedo estar horas escuchando
música, descubrí muchas cosas.
¿Habrá colaboraciones en este nuevo álbum?
- Hay, pero más que nada de instrumentistas.
Colaboran percusionistas de Los Pericos y Los
Cafres, muy copado. Después tenemos un feat
con Zeta T, que aporta una cuota urbana al disco
y está muy bueno. Me hubiese gustado hacer algo
con Dante o los IKV, pero bueno, ahora están
con sus proyectos solistas.
Fueron independientes por un tiempo
largo, ahora son parte de Sony Music Argentina,
¿qué cambios notás?
- Más que nada tenemos un alivio en muchas
cuestiones que te sacan tiempo. Además del
acompañamiento, que es muy importante. Damián
[Amato, presidente de Sony Music Cono
Sur] es un tipo muy humano, es gente muy piola.
Se puede hablar de música. Ya se rompieron esos
prejuicios sobre las compañías.
GENTILEZA SONY MUSIC
8 BILLBOARD | ENERO, 2018

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9

Chano 2018:
disco nuevo y
Luna Park
La cita con el excantante de Tan Biónica será
el próximo 3 de mayo.
Durante una presentación para fans y prensa el 19
de diciembre pasado en un galpón de Chacarita –donde interpretó
los temas Naistumichiu, Carnavalintro y Claramente–,
Chano anunció un nuevo show para este año. El excantante
de Tan Biónica presentará su nuevo material en el Luna
Park el 3 de mayo.
Desde que se lanzó como solista, Chano entregó cuatro
singles: los previamente mencionados y Para vos (Naistumichiu
y Claramente fueron lanzados en 2017, y Carnavalintro
es de 2016). Además, durante el evento anunció el lanzamiento
de un tema nuevo para el 19 de enero, llamado La
noche. “Antes, lo mío en Tan Biónica era puramente creativo,
nunca me ocupé de otra cosa –le dijo después a Clarín–. Así
que esto me ayudó a ponerme las pilas, a rescatarme, porque
tengo que estar muy concentrado para encararlo”.
Será la primera vez que Chano vuelva al Luna Park desde
los cuatro shows de Tan Biónica en 2015. Esta vez lo hará
acompañado de su nueva banda, conformada por Martín
Pomares (guitarra y dirección artística), Mariano Campoliete
(guitarra y ukelele), Manu Pineda (teclados), Cristian Borneo
(batería), Pablo Ielasi (bajo) y Juan Bruno (guitarra). Las
entradas están disponibles a través de TicketPortal.
GUIDO ADLER
10 BILLBOARD | ENERO, 2018

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11

James Blunt
“ Ed Sheeran
me ayudó un
montón”
El británico cerró el 2017 con álbum
nuevo, una gira con el autor de
Shape of You y hasta una canción
para Donald Trump. Ahora se
prepara para su nueva gira mundial,
The Afterlove Tour, que lo traerá el
24 de febrero al Luna Park.
POR JOTA AYERZA
los artistas también se cansan, se les pueden
agotar las ideas y se aburren. Quizá sea
por eso que James Blunt modifica a menudo su
información de Wikipedia. “Cambio mi edad o
pongo que toqué el órgano en la boda real del
duque y la duquesa de Cambridge. Lo mejor es
cuando me preguntan al respecto”, comentó al
teléfono el británico. Además de para despistar
a fans y periodistas, le sirve para distenderse y
que aparezcan de nuevo las ideas.
A principios de 2017, condensó dos años de
giras y escritura en su sexto álbum de estudio,
The Afterlove, con el que llegará en febrero de
2018 a la Argentina. Pero antes de desembarcar
en Latinoamérica, usó su tour como telonero de
Ed Sheeran por Inglaterra como globo de ensayo
para sus nuevas canciones.
“Gran parte del álbum lo grabé en la ruta,
hasta en habitaciones de hoteles. Para mí fue
muy divertido, no sé si lo fue para el del cuarto
de al lado”, contó con alguna risa. Ante cada
pregunta, Blunt no puede evitar un comentario
ocurrente o humorístico. “No hay que tomarse
todo tan en serio. Cuando algo es real para vos,
lo sabés y listo”, reflexionó.
Al grabar durante la gira, Blunt se reencontró
con el sentimiento de sinceridad y espontaneidad
que tiene un artista cuando escribe sus primeras
canciones. “Eso, sumado a la experiencia
de todo lo recorrido… por eso salió un gran
álbum”, terminó de explicar.
Estuviste de gira con Ed Sheeran mucho tiempo,
¿qué tipo de relación desarrollaron?
- Es un gran amigo, una persona muy talentosa.
Hemos hechos canciones juntos y hasta
nos hemos ido de vacaciones. Girar con Ed es
un gran honor, porque hoy en día es el artis-
ta masculino más importante del mundo, así
que aprovecho cada minuto con él. Al mismo
tiempo, fue muy útil estrenar mis canciones
con su audiencia. Me ayudó un montón para
saber cuáles tocar cuando vaya a Buenos Aires
o cualquier otra ciudad de mi gira internacional.
Llamaremos a esta gira The Afterlove Tour,
pero realmente debería ser llamada Greatest
Hits Tour. Tocaré solo un par de mis canciones
nuevas, porque sé que cuando la gente paga un
ticket para mis conciertos quiere escuchar todos
los temas que conoció por la radio: You’re
Beautiful, Goodbye My Lover y1973 estarán en
mis conciertos.
Entonces, ¿no te cansás de cantar tus hits?
- Por supuesto que no, es un placer. Me encanta,
son las canciones que la gente más disfruta.
Por ejemplo, cuando hago Goodbye My
Lover, todo el público empieza a cantarla y se
vuelve algo único. El concierto no sería lo mismo
sin eso.
Sos conocido por apoyar causas sociales
y ambientales, ¿qué rol juega un artista
cuando se suma?
- Creo que no toma ningún rol en particu-
lar, es decir, que seas un artista no significa que
sepas algo más que cualquier otra persona. Por
ejemplo, en este nuevo álbum tengo una canción
inspirada en Donald Trump [Someone Singing
Alone]. Habla de cuando los políticos tratan
de generarle miedo a la gente para separarla.
No debe ser así. Yo viajé por todo el mundo,
y la gente se une en sus diferencias. No importa
que sea negra, blanca, mujer, varón, gay o heterosexual.
Cuando toco en un concierto, todos
estamos en el mismo lugar, conectados a través
de la música, compartiendo nuestras emociones,
y eso me inspira con solo pensarlo. Todavía
no escribí nada sobre el medioambiente, se me
hace más difícil bajar ese sentimiento.
Además de tus hits, ¿qué habrá en el Luna
Park en febrero?
- No seré solo yo con mi guitarra cantando
canciones tristes. Estaré con mi banda completa.
Así que habrá una producción más roquera
en el show. Ya tengo las canciones nuevas aceitadas,
porque giré durante seis meses con ellas,
y se les sumarán todos mis hits. El Luna Park
de Buenos Aires es uno de mis lugares favoritos
para tocar en el mundo, recuerdo muy bien mi
último show allí.
JIMMI FONTAINE
12 BILLBOARD | ENERO, 2018

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Una buena
lección
A través de Chordana Play, Casio
ofrece una aplicación gratuita
para aprender a tocar teclados de
manera simple y divertida.
gracias a la aplicación chordana play
desarrollada por Casio, el mundo tendrá muchos
más tecladistas. La app se destaca por
desplegar notas en tiempo real en la ventana
del teclado. La novedad es que se puede practicar
en cualquier momento y lugar solo con un
smartphone. También se puede usar un cable de
audio para conectar un teclado compatible a tu
smartphone o tablet, y practicar mediante las teclas
iluminadas y las lecciones progresivas.
Chordana Play incluye 50 canciones, pero
también tiene la opción de añadir archivos
MIDI; de esta manera, la aplicación genera
partituras y detecta los acordes, lo que hace
más fácil aprender a tocar el piano con las dos
manos. Cada usuario puede buscar archivos
MIDI mediante el navegador de su dispositivo y
después importarlos a Chordana Play. Además,
se pueden importar archivos MIDI desde un ordenador
personal a través de iTunes.
Con los archivos MIDI permite seleccionar las
pistas a reproducir con ambas manos, o bien se
puede asignar la melodía a la mano derecha y los
acordes generados por la aplicación a la mano izquierda.
Otras opciones disponibles son ralentizar
el tempo, transponer la partitura a una clave que sea
más fácil de reproducir y, gracias a la función de repetición
A-B, practicar al ritmo que cada uno tenga.
Además, un sistema de puntuación permite
realizar un seguimiento de la mejora en las
habilidades. El teclado virtual que aparece en el
dispositivo inteligente da la posibilidad de realizar
una lección en tres pasos mientras se sigue
la partitura y el rodillo de piano. La función de
puntuación hace que tocar una canción a la perfección
sea incluso más divertido.
GENTILEZA TODOMUSICA
14 BILLBOARD | ENERO, 2018

DESAFÍA LAS EXPECTATIVAS.
Palillos Premium que marcan la diferencia.
©2018 Avedis Zildjian Company
Distribuidor Autorizado ZILDJIAN en Argentina: TODOMUSICA S.A. | Av. Warnes 2280, Capital Federal | www.todomusica.com.ar
BILLBOARD.COM.AR
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Industria
Federico Lauría
CEO · LAURÍA DALE PLAY
“ La combinación
de detalles hace
al éxito”
Desde el management desarrolló
la carrera de Axel. Hoy, como
promotor y empresario, impulsa el
crecimiento de Lauría, la compañía
que durante 2017 produjo el Pop Up
Festival y los shows agotados de
Maluma, Residente, Carlos Vives, J
Balvin, Miguel Bosé, CNCO o Bad
Bunny, entre otros. “Me emociona ver
el crecimiento de un artista, ahí está
nuestro trabajo”.
“Quedate, podés opinar”, le sugiere
Fede al fotógrafo que acaba de retratarlo.
Esa invitación resume su estilo
y su método de trabajo. Acostumbrado
a estar del otro lado del escenario, hoy, a sus
36 años, los flashes lo ponen incómodo, aunque
ya no les puede escapar. Razones hay. Lauría Producciones
acaba de cerrar un año inolvidable. Durante
2017, realizó una serie de recitales agotados
que fortalecieron un presente que lo entusiasma.
“Pienso como mánager, no como promotor. Me
imagino cómo me gustaría que traten a mi artista.
Creo que por eso somos muy distintos a los otros
jugadores del mercado”. A los conciertos de música
latina y urbana hay que sumarles una camada
de artistas españoles y mexicanos como Pablo Alborán,
Vanesa Martín, Melendi, Ha*ash o Carlos
Rivera, que construyeron su carrera en el país de
la mano de él. Ahora, la apuesta se redobla. “En
2018 tenemos grandes planes con otros tipos de
contenidos, como la Feria de Lego, Elvis Sinfónico,
obras de teatro e infantiles”, anticipa y agrega
con orgullo.
16 BILLBOARD | ENERO, 2018

TUTE DELACROIX
¿Cuál fue la clave para crecer esta temporada?
- Lo mejor que tengo es mi equipo. Es la razón
de nuestro crecimiento. Cuento con dos
pilares fundamentales, como son mi socio Tito
[Leconte] y Marian [Mariana Badino]. Me soportan
a mí y llevan mi filosofía de trabajo al
resto del equipo, que por suerte la tomó como
propia. Creo que la combinación de los detalles
hace al éxito. El detalle del detalle es fundamental.
Estar pendientes de lo que sea dentro de un
concierto, de la interacción con el medio, hasta
de la carrera del artista. ¡Lo único que cambiaría
es el nombre de la empresa, pero no me
dejan! [Risas]. Sí, lo sufro, encima es una doble
responsabilidad, porque si falla cualquier cosa,
está mi apellido ahí.
¿Cómo seleccionás los proyectos?
- El foco fue siempre desarrollar una nueva
camada de artistas y que se expandan. Fuimos
tomando diferentes géneros, elegimos y construimos
desde ese lugar. Apostar a la nueva generación,
como también a los infantiles, tiene
que ver con la idea de llevar al off-line las cosas
que funcionan bien de manera on-line. Los Pica
Pica, por ejemplo, son una locura. Son como los
Rolling Stones para los chicos. Nuestro trabajo
está en identificar contenidos de alta penetración
digital, como pueden ser Las canciones de
la granja, y traducirlos en venta de tickets reales.
Las decisiones que se toman entre el mánager,
el promotor y el artista son fundamentales para
sus carreras. No hay que sobreexigirse ni saltar
etapas. Todos los artistas con los que trabajamos
fueron creciendo paso a paso. Está en nosotros
elegir los precios y los lugares adecuados. Detrás
de cada paso hay un motivo y a su vez un plan
para el siguiente paso.
¿Cómo es tu relación con los medios?
- Respetamos muchísimo a todos los medios,
tanto digitales como tradicionales. Una radio
tiene tanta importancia como un medio on-line.
Es una combinación de todo. Cada canal tiene su
peso y su relevancia. Para construir una carrera
a largo plazo no alcanza con la comunicación
propia del artista, aunque tenga millones de seguidores.
Buscamos trabajar en equipo con los
medios y que se generen beneficios para todos.
Hoy el público quiere más contenido y nosotros
podemos ofrecer a los medios ese contenido:
accesos a una prueba de sonido, un backstage
o un meet & greet. Exigimos mucho porque los
cuidamos y no cambiamos ni una coma de lo
acordado. Para nosotros es fundamental nuestra
relación con los aliados, tanto con los medios
como con los sponsors, que nos han acompañado
este año en nuestra plataforma y nos volvieron
a elegir para el año próximo. Somos la cara y el
alma de los artistas en el territorio en el que trabajamos,
y no podemos hacerlos quedar mal. Los
cuidamos como si fueran nuestros.
Las productoras ahora también publican
contenido.
- Todos somos un medio y vamos creciendo
como generadores de contenido. Nosotros somos
parte del todo y como productora tenemos acceso
a contenido diferencial de cada show y de cada
artista. El artista en sí mismo lo es. Su apoyo en la
comunicación de los conciertos es fundamental,
porque hoy el público busca y espera ese contacto
directo con ellos. Por eso producimos material y
contenido audiovisual para que compartan apenas
bajan del escenario, y nosotros lo replicamos.
Estamos aprendiendo y asumiendo también
nuestro rol como comunicadores.
¿Cuál de todos los shows que produjeron
este año te sorprendió más?
- Nos encantó la experiencia y el resultado
del Festival Pop Up. Lo queríamos medir en
un lugar controlable y cómodo como el Luna
Park. Buscamos diferenciarnos de otros festivales
no solo a través del contenido, sino también
con el dinamismo y la estética que usamos.
La dinámica del festival funcionó a través
de hosts y activaciones como hilos conductores
para que el público disfrute de un evento
sin baches, entretenido y tan enérgico como
es este target en particular. Por otra parte, lo
de Bad Bunny fue el caso de un artista que
muy pocos habían visto. La velocidad con la
que se propaga todo ahora, combinada con la
aparición en escena de un género y un artista,
hizo que un nicho como el trap se expandiera
de una manera que cruza a todos los niveles
sociales. Cuando lo escuchás en la calle, en un
colegio, una fiesta privada de un country o el
boliche de moda es porque algo grande va a
pasar. Lo mismo nos ocurrió con Maluma.
¿Cómo está el mercado y la competencia con
otras productoras? ¿Hay lugar para todos?
- El mercado de a poco se va ordenando. El
tiempo va poniendo todo en su lugar y creo que
hay lugar para todos siempre. Además, es bueno
que haya competencia cuando es sana. Para
el año que viene tenemos proyectos con otras
productoras con las que nos llevamos muy bien.
Con Move y Preludio, por ejemplo, la relación
es estupenda y nos potenciamos a la hora de
hacer cosas juntos. Para cambiar la dinámica de
cómo viene funcionando la industria, es fundamental
que se sinceren los costos y lo que se
paga por los artistas.
Hubo casos de giras mal planteadas y eso
afecta sobre todo al propio artista. Pero no es
solo una cuestión de dinero. El que lo evalúa así,
ya lo ha sufrido. Los artistas, las agencias y los
managers están entendiendo que hay que elegir
bien a sus socios estratégicos a largo plazo. Jamás
vamos a trabajar un artista por pagar muy por
encima de los demás y, sobre todo, de lo que sea
justo para todas las partes. Nuestra manera de
trabajar es presentar una propuesta racional y
mostrar un plan de acción completo. Llegamos
a un acuerdo y avanzamos. Ponemos todo sobre
la mesa. Los números son números. Si alguien
ofrece mucho más, entonces va a achicar los
costos de producción, o va a aumentar el precio
de los tickets o no te va a poder cumplir con estas
condiciones. No hay muchas más variables.
Ahora hay una nueva generación de empresarios,
managers e incluso artistas que entienden y valoran
tener socios que sean sus ojos y sus oídos en
un país y un mercado sobre todo tan importante
como el nuestro. Me entiendo mucho en ese lenguaje
porque estuve de ese lado y probablemente
vuelva a estar en algún momento.
Los artistas hoy tienen más control en sus
carreras, información y, por ende, poder
de decisión. ¿Cambiaron los roles?
- Cada artista es diferente. Siguen estando
aquellos que les dan el poder y la decisión de sus
negocios a sus managers. Soy de la idea de que el
artista manda arriba del escenario y el mánager
abajo, siempre consensuando todo. Para eso se
necesita confianza. Yo creo que las tres patas son
fundamentales: mánager, artista, discográfica.
Defiendo y respeto a las compañías. Es una pata
que puede potenciar una carrera, y los equipos
te dan soporte en cada país que se presentan.
Detrás de un gran éxito, siempre hay una buena
canción y siempre hay también una buena estrategia
y trabajo detrás.
¿Cómo ves el fenómeno del boom latino
en el mundo?
- El crecimiento de la música latina, con el
trap y el urbano, fue muy rápido y exponencial, y
trascendió las clases sociales, además de las fronteras.
La música latina tiene que aprovechar las
puertas y los espacios que se abrieron. Este año
temas como: Despacito, Felices los 4, La bicicleta,
Mi gente y Reggaetón lento protagonizaron la escena
musical internacional.
¿Qué espectáculo te hubiese gustado
hacer?
- Hubiese soñado hacer Queen o producir una
gira de Sandro por toda América ¡y cerrar en el
estadio de Banfield, nuestro barrio! [Risas].
BILLBOARD.COM.AR 17

“ESTOS SON TIEMPOS
PARA DEFENDER
LO QUE CREÉS”
18 BILLBOARD | ENERO, 2018

Desde la izquierda:
Adam Clayton,
The Edge, Bono
y Larry Mullen Jr.
fotografiados el 1°
de diciembre en
Nueva York.
U2 no se contenta con una gira masiva y un álbum en el N° 1: la banda aún quiere cambiar el mundo.
POR JASON LIPSHUTZ · FOTOGRAFIADOS POR JOE PUGLIESE
BILLBOARD.COM.AR
19

mientras un operador de saturday night
Live avisa que es casi hora de salir a escena,
Bono golpea metódicamente un megáfono con
la bandera norteamericana pintada. Al subir al
escenario, avista un tímido pedido de silencio al
público; ahora está a la izquierda, esperando en
las sombras el final del comercial. Saoirse Ronan,
la estrella irlandesa americana del reciente film
Lady Bird, oficia por primera vez como anfitriona
del SNL y levanta los pulgares a la banda. The
Edge sonríe y devuelve el gesto, pero Bono parece
no haberse dado cuenta. Sigue golpeando el
megáfono. “Damas y caballeros, U2”. La audiencia
ruge, la canción empieza y se escucha la voz
de Kendrick Lamar: “Benditos sean los sucios
ricos –sermonea mientras las letras animadas se
leen en la pantalla–, porque suyo es lo que donan…
como su dolor”.
Así es como arranca la nueva canción de U2,
American Soul, con un monólogo del rapero
más importante de esta generación. Bono se
queda quieto hasta la última palabra, después
lleva el megáfono a sus labios y duplica la palabra:
“Doloooor”. Se mueve entre las sombras un
par de beats más antes de ocupar el centro del
escenario, y no mucho después grita el estribillo:
“You! Are! Rock’n’roll! Came here looking
for American soul!”.
La primera aparición de U2 en ocho años en
Saturday Night Live es el debut en vivo de American
Soul, un mensaje de unidad del reciente álbum
número 14 de la banda, Songs of Experience.
La performance se armó con la típica meticulosidad
del grupo. Según The Edge, los cuatro músicos
hicieron múltiples visitas a la sala de control
de SNL para perfeccionar el balance de sonido y
ensayaron sus riffs en el vestuario momentos antes
de salir a tocar. Es una gran performance de
U2, y los músicos quieren que sea significativa.
Están encaminados a otro N° 1 y ya acumularon
300 millones de dólares con la gira de uno de los
más grandes álbumes de rock, The Joshua Tree;
pero como siempre, van por más. “Poné las manos
en el aire, sostené el cielo. / Puede ser tarde,
pero aún hay que intentarlo”, canta Bono.
Hacer dinero es bueno y hace bien, pero U2
preferiría cambiar el curso de los acontecimientos
mundiales. Y la banda cree poder hacerlo.
“No solo en los Estados Unidos, sino en Europa
y en todo el mundo, hay un giro al extremismo
–afirma Bono en una de varias conversaciones
telefónicas entre Billboard y los miembros de
U2–. Siento que así es el tiempo en que vivimos,
y somos la banda indicada para [decir] eso”. No
hay duda en su voz. El grupo sintió que debía
reconstruir Songs of Experience luego del Brexit
y las elecciones presidenciales estadounidenses:
curar el mundo es parte de su misión.
Bono blandió su megáfono rojo, blanco y azul
durante el reciente tour, en el cual U2 interpretó
completo su clásico álbum de 1987, The Joshua
Tree. El artefacto “lleva las vocalizaciones a un
plano completamente distinto –nota The Edge–,
con connotaciones de protesta social y activismo,
en una canción que pone el foco en los Estados
Unidos y nuestra visión del país”. Aquel tour les
recordó a sus fans cuán jodidamente político era
el álbum. Canciones como Bullet the Blue Sky y
Mothers of the Disappeared encontraban a Bono,
una ascendente estrella de rock en sus veintipico,
usando sus letras para vituperar a Ronald Reagan
y las luchas centroamericanas patrocinadas por
los Estados Unidos. “A veces, la arrogancia de la
juventud es un componente esencial para ir adelante
–dice The Edge–. La claridad de tener 22
años y opiniones firmes es ahora más rara, porque
quien te echa atrás sos vos mismo. Vos sos tu
propio enemigo”.
U2 nació de los conflictos que rodearon a sus
integrantes. Cuando el grupo se formó, en 1976,
Irlanda estaba en el medio de una intensa disputa
nacionalista, tratando de recuperarse del período
más violento en su historia. “Nuestra banda
nació durante el punk rock de los 70, en una
Dublín destrozada –relata Bono–. Mucha gente
debía abandonar la ciudad para encontrar trabajo.
El Dublín donde crecí era una ciudad enojada.
El punk nos hizo ver que las cosas podían ser
de otra manera, que podías pelearla”.
Los miembros de U2 –Bono, The Edge, el bajista
Adam Clayton y el baterista Larry Mullen
Jr., que viajaron por primera vez a los Estados
Unidos cuando apenas tenían 19 y 20 años, con
el tour Boy, de 1980– definieron y redefinieron a
la banda sobre el trasfondo de eventos mundiales
durante los últimos 40 años. Este es el grupo
que gritó contra la violencia sectaria en Irlanda
en Sunday Bloody Sunday, de 1983; el que usó
One, de 1992, para meditar sobre la reunificación
alemana y contribuir a la lucha contra el sida con
las regalías en las ventas; el que vio al single de
2000 Walk On convertirse en el himno no oficial
del post 11 de septiembre.
Los Estados Unidos continúan siendo extremadamente
amables con los nativos de Dublín,
cuyo Songs of Experience movió el equivalente
a 186.000 unidades discográficas en su semana
debut, según Nielsen Music, un impresionante
arranque en 2017. Las estadísticas cuentan la historia
de su longevidad: la banda es solo la cuarta
en colocar números uno en los 80, 90, 2000 y en
la presente década, y es la tercera en grupos detrás
de los Beatles y los Rolling Stones. “Les dan
esperanza a otras bandas que están empezando
–dice Ryan Tedder, el líder de One Republic, que
coprodujo nueve canciones de Experience–. Si
escribís el tipo de canción que refleja los mecanismos
de la humanidad y la vida, podés durar
cuanto quieras”.
Treinta años después de The Joshua Tree, los
miembros de la banda son estadistas adultos que
reflexionan sobre cómo relacionarse con un país
presidido por Donald Trump. “Extrañamente,
no creo que Experience hubiera sido el mismo
álbum sin Trump amenazando con volar el mundo
en un tuit”, dice Bono. Cuando el grupo habla
sobre el presidente y la nueva política, hay una
suerte de lucha para responder lo inexplicable.
Las letras de Bono no tienen la furia contenida
con que Lamar se lanza sobre la injusticia social
en DAMN., ahora nominado para Álbum del
Año en los Grammy. Meses antes del lanzamiento
de American Soul, Lamar usó un sample de la
colaboración en su propia canción XXX, que forcejea
con el costo de la violencia y la hipocresía
norteamericana (“Pero es Norteamérica honesta
o se revuelve en el pecado”, rapea).
U2 exploró temas similares durante décadas,
más específicamente en The Joshua Tree. En una
cultura donde las bandas de rock ya no provocan
debates profundos, la banda sabe que no es el
mensajero adecuado para el tipo de crítica social
que propone Lamar; en vez de eso, está alentando
a los estadounidenses a que miren por encima
de su hombro. “En nuestra visión global, algo ha
cambiado desde The Joshua Tree, y es el tema de
nuestro reciente trabajo: no existe más un ‘ellos’,
hay un ‘nosotros’ –dice Bono–. Es muy fácil dividir
en partidos políticos y demonizar a la otra
parte. Estos son tiempos para defender lo que
creés, seguro. También puede ser un buen tiempo
para escuchar y tratar de entender aquello
que piensa quien está a tu lado, en vez de denostarlo
porque te resulta ofensivo”.
Durante su descanso, a los músicos les gusta
debatir: sobre política, sobre música y sobre
cómo Irlanda estuvo participando para ser anfitriona
de la Copa Mundial de Rugby en 2023
(“Ese es un tópico caliente en nuestra banda”, ríe
Bono). El cuarteto también debate el futuro de su
industria. U2 giró intensivamente para promocionar
cada uno de los álbumes que editó en este
siglo, y Bono admite que el grupo sacó su mayor
provecho de los shows. La banda lanzó Songs of
Experience en plataformas digitales –incluso en
sociedad con Spotify para un minidocumental,
U2 in America, que se estrenó en sincronía con el
disco– de un modo mucho más tradicional que el
empleado en 2014 para Songs of Innocence. Este
último álbum será recordado por las estrategias
promocionales que utilizó la banda: cayó por sorpresa,
y de manera gratuita, en las playlists de los
usuarios de iTunes. El CEO de Apple, Tim Cook,
lo llamó “el lanzamiento más grande de todos los
tiempos”, pero fue criticado como un error colosal.
El alboroto que causó el lanzamiento opacó la
crítica de las canciones, un grandioso y vulnerable
pastiche de recuerdos infantiles de los integrantes
del grupo. Durante los últimos tres años,
20 BILLBOARD | ENERO, 2018

“Este puede ser un buen
tiempo para escuchar y
tratar de entender aquello
que piensa quien está a tu
lado, en vez de denostarlo
porque te resulta
ofensivo”, dice Bono.
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22 BILLBOARD | ENERO, 2018
“La claridad de tener 22
años y opiniones firmes
es ahora más rara,
porque quien te echa
atrás sos vos mismo”,
dice The Edge. Arriba,
desde la izquierda:
Clayton y Mullen.

los músicos hablaron bastante sobre el fiasco
iTunes, y ahora miran hacia atrás con una mezcla
de lamento, perplejidad y vulnerabilidad. Bono
recuerda que el grupo tenía un plan tradicional
de lanzamiento para Innocence, pero a último
momento optaron por la aventurada estrategia de
Apple. “De todos los grandes abusos a los derechos
humanos en 2014, no sé dónde situar a este”,
dice. The Edge usa un tono más mesurado: “Pese
a las críticas que recibimos por cruzar la raya con
las cuentas de los usuarios de iTunes, hemos tenido
(y esto no fue muy publicitado) un montón de
agradecimientos por organizar este regalo”.
Según The Edge, en la gira de 2015 por Songs of
Innocence, Mullen descubrió a más de un fan entre
la multitud que era ajeno al catálogo de clásicos,
pero sabía de memoria las nuevas canciones.
Y The Edge nota que algunas reseñas han reevaluado
el disco bajo una luz más positiva. Quizás
la peor pérdida que sufrió el grupo con Songs of
Innocence fue en la radio: el single principal, The
Miracle (of Joey Ramone), fue presentado en un
comercial de Apple TV, al estilo del hit de 2004
Vertigo, en consonancia con el lanzamiento del
disco, pero la animada canción de pop rock acabó
siendo el primer single de U2 que en 20 años ni
siquiera arañó el Billboard Hot 100. El delicado
balance entre la radio y el género fascina a Bono.
En 2017, las canciones de rock que cruzaron al
top 40 incorporaron hip hop (Believer, de Imagine
Dragons) y funk pop (Feel It Still, de The Man).
¿En qué clase de radio comercial encaja un
nuevo álbum de U2? Colaboraciones recientes
con Lamar y Kygo, la estrella de EDM que remixó
You’re the Best Thing About Me, de la banda,
insinúan un interés por los nuevos sonidos
–Bono reconoce que el hip hop es un espacio
creativamente interesante y dice que artistas
como Lamar y Chance the Rapper son “sorprendentes
e inspiradores”–. Pero no hay nada en
Experience que llegue tan lejos como Something
Just Like This, el hit electro pop de Coldplay con
The Chainsmokers. En lugar de eso, U2 apostó
a un regreso a las raíces: el canto en la gloria de
Get Out of Your Own Way recuerda el hit de 2000
Beautiful Day, mientras Best Thing es un arrollador
corte de dance rock que alcanzó el N° 5 en
el chart Hot Rock Songs. “No importa cuánta
innovación o experimentación haya, queremos
escribir canciones que suenen bien en la radio
–explica Bono–. Hay un poco de punk rock en
nosotros que nos recuerda cómo empezamos:
‘No aburras, andá al estribillo’”.
Los miembros de U2 adorarían que los fans
memoricen algunos de los nuevos estribillos
para cuando arranque el tour Experience + Innocence
en Tulsa, Oklahoma, en mayo próximo.
(El debut en ventas de Songs of Experience fue
impulsado por una promoción de álbum más
tickets para la gira 2018). Con un balance de hits
clásicos y nuevas canciones en su set, el tour tiene
la nada envidiable tarea de seguir un retorno
al álbum más amado de la banda. Originalmente,
Desde arriba, en sentido horario: La pantalla gigante utilizada para la gira The Joshua Tree, en San Diego el 22 de
septiembre; Jared Leto (derecha) presenta el Global Icon Award a U2 durante los MTV Europe Music Awards en
Londres, en noviembre; U2 tocando el 2 de diciembre en Saturday Night Live.
se suponía que U2 iba a dar dos o tres shows en
2017 para conmemorar el 30° aniversario de The
Joshua Tree: terminó haciendo 51 presentaciones
para 2,7 millones de personas, según Billboard
Boxscore. El cuarteto apreció la oportunidad de
revisitar el álbum en la gira, con cuidado de que
su primer tour retrospectivo no los convirtiera
en un “número nostálgico”. Los shows de The
Joshua Tree se incluyeron en el primer festival
moderno norteamericano con participación del
grupo, el Bonnaroo, en junio último –U2 disfrutó
la experiencia y abrió la puerta a más festivales
en el futuro–, con una impresionante pantalla de
video de 60 metros, con visuales de su antiguo
colaborador, el fotógrafo Anton Corbijn. “No recuerdo
bien el momento cuando salió The Joshua
Tree –cuenta Clayton–, porque fue un año maravilloso,
[nosotros] simplemente pasábamos los
días y los shows tocando al máximo de nuestras
habilidades. Siento que me perdí lo importante
que fueron esas canciones para la audiencia”.
El día posterior a Saturday Night Live, The
Edge está tranquilo porque American Soul sonó
(y se vio) impactante. Basados en las respuestas
positivas del show y el efecto que busca causar el
grupo, los gráficos usados durante la performance
bien podrían incorporarse al próximo tour.
“Es parte de lo que sentimos sobre las canciones:
son experiencias audiovisuales”, dice. Cuando
la gira Songs of Experience se cierre a finales de
2018, el grupo tendrá la agenda en blanco. “Creo
que nos alejaremos por un tiempo de los escenarios”,
afirma Clayton. Tarde o temprano, la banda
volverá a los estudios; The Edge dice que ya está
“trabajando en nuevas ideas y composiciones”,
aunque no es seguro dónde esas canciones acabarán,
eventualmente.
Quizás U2 redondea el año 2020 sacando a la
ruta All That You Can’t Leave Behind, al cumplirse
sus 20 años. Quizás la banda saque otro proyecto
durante la era Trump, o quizás no. Treinta
años después del álbum que define al grupo para
muchos fans, U2 trata de grabar música que se
conecte intuitivamente con la gente al tiempo
que hable de eventos mundiales. Quizás así sea
siempre la banda. “Para el lugar y la época en que
salió, The Joshua Tree anduvo mucho mejor de lo
que cualquiera hubiera anticipado en 1987 –dice
Mullen–. Me gustaría creer que las estrellas volverán
a alinearse algún día, quién sabe”.
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23

Desde la izquierda:
Khalid, SZA y Michaels
fotografiados el 23
de septiembre en El
Cortez Hotel & Casino
en Las Vegas.
LA
PREVIA de
LOS GRAMMY
24 BILLBOARD | ENERO, 2018

La 60ª entrega anual de
los premios Grammy
se realizará este 28 de
enero. Los nominados
a Mejor Artista Nuevo
Khalid, SZA y Julia
Michaels avizoran los
mejores momentos (y
los más incómodos)
que les esperan.
Por
BROOKE MAZUREK
Fotografiados por
ERIC RAY DAVIDSON
BILLBOARD.COM.AR
25

¿qué estás haciendo aquí? vení
a la cama con nosotros”, dice una
pícara Julia Michaels. Mientras
Khalid y Michaels intercambian
historias dentro de una suite de
penthouse situada en el centro de
Las Vegas, SZA se plantó en un
banco en la mitad de la habitación.
“Me detengo un momento –explica
la artista de R&B nacida como Solána
Imani Rowe–. Me voy a quedar
aquí para que la energía no se
disperse”. Los tres artistas llegaron
esta tarde de septiembre para hablar
sobre la edición número 60 de los
premios Grammy, donde son serios
candidatos en múltiples categorías,
incluyendo Mejor Artista Nuevo.
Y aunque es una oportunidad para
disfrutar al máximo de los logros
del último año, también tienen que
calcular las presiones del éxito, la
celebridad y el reconocimiento.
Esto vale especialmente para
SZA, cuya abuela de 90 años está en
su mente esta noche. De joven, a la
abuela de SZA (que narra el segundo
álbum de su nieta, el laureado
Ctrl) le prometieron una campaña
promocional que finalmente le
fue entregada a una compañera.
“Nunca volvió a ser la misma tras
eso”, dirá por la noche SZA, después
de que Khalid y Michaels salgan a
promocionar su trabajo en la radio,
en coincidencia con sus apariciones
en el festival musical iHeartRadio
ese fin de semana. “Desearía ganar
un Grammy antes de que se muera
–confiesa–. Quiero sobresalir en
algo, no tener miedo. Ahora que estoy
aquí, pienso que su importancia
me atemoriza un poco”.
El peso de esa importancia se
vuelve obvio cuando el grupo discute
la entrega de premios de febrero
último y cómo terminó: con
Adele en el escenario sosteniendo
otro Grammy a Disco del Año y
concediendo que para muchos fans
el trofeo le pertenecía a cierta visionaria
del R&B. “¿Qué mierda tendrá
que hacer Beyoncé para ganar el
premio a Disco del Año?”, se preguntó
la superestrella británica más
tarde en el salón de prensa. Khalid,
Michaels y SZA coinciden, como
dice Khalid, en que “la representatividad
en la música está cambiando”
–y que, como agrega Michaels,
cada vez tiene menos que ver con el
género–. Y que sus ascensos, en varios
sentidos, son representativos de
los caminos que se abren a artistas
que están remodelando la cultura y,
también, los Grammy.
Criado como hijo único de una
madre cuya carrera militar lo obligó
a un estilo de vida nómade, Khalid,
de 19 años, se estableció como la
Revelación del Año del American
Teen, una mezcla de folk, R&B, pop
y teclados ochentosos que captura
la soledad y el amor en la era
digital. Dentro de unos días estará
cantando Location, que alcanzó el
puesto Nº 16 en el Billboard Hot
100, en el show apertura de Lorde
en Manchester, Inglaterra. “Cuando
estaba en segunda línea, recuerdo
haber tuiteado: ‘Quiero ir a
los Grammy’. Así que de ganar un
Grammy, el quinceañero que llevo
adentro estará feliz”, dice.
Para Michaels, de 23, que creció
en California y pasó años coescribiendo
hits pop como Sorry de Justin
Bieber y Hands to Myself de Selena
Gomez, la decisión de ponerse
en el foco, con el lanzamiento de
su EP Nervous System, solidificó su
estatus como una fuerza influyente
del mainstream pop en una vena
más instrospectiva. “Estuve en álbumes
que fueron nominados, estuve
en Grammy los últimos tres años,
pero competir por tu propia cuenta
es mucho más surrealista”, dice.
SZA, de 26, nacida en Missouri
y criada como musulmana en
Nueva Jersey, extendió la noción de
lo que constituye el R&B en Ctrl,
una reflexión personal sobre el autodescubrimiento
donde asevera,
de un modo directo y espontáneo,
el control de su sexualidad. Y aún
así, la posibilidad de ser reconocida
con un premio parece tan frágil
que admite con un susurro: “Es una
bendición”.
¿Qué habría pensado tu padre
del camino que abriste en tu
carrera?
- Khalid: Justamente hoy pensaba
que estaría muy orgulloso de lo que
soy. Creo que no tuvo la oportunidad
de ver mi lado creativo, y estoy
seguro de que le habría encantado.
A medida que crezco, a medida que
dejo de ser un adolescente para ser
más un hombre, más veo la cara de
mi padre reflejada en mi rostro.
DAMN., de Kendrick Lamar,
y Divide, de Ed Sheeran, son
los favoritos para Álbum del
Año. ¿A cuál elegirían si resulta
nominado?
- Michaels: No creo poder elegir.
Trabajé con Ed en ese disco y su
punto de vista es muy claro. Básicamente,
me senté a escribir un par
de melodías y él las llenó con lo que
estaba sintiendo sobre su novia y
sus vínculos. Él siempre ha hecho
cosas sinceras, y lo mismo Kendrick.
Ambos son únicos; cada uno
es innovador a su modo.
- SZA: No conozco personalmente
a Ed, pero me encantan él y
su música. En cuanto a Kendrick
(compañero del sello Top Dawg),
he visto su modo de trabajar y es
un genio. Dot no toca ningún instrumento,
pero diseñó y produjo
su propio álbum. Desde el inicio,
es decir… eso es mucho. Es muy
increíble. No he visto a nadie que
haga eso excepto quizás Frank
[Ocean]. Es la persona más inspiradora
que conocí en mi vida.
- K: El álbum de Kendrick fue
necesario, especialmente en 2017,
con el mundo y los Estados Unidos
puestos en un lugar donde no deberían
estar. Y es alguien parecido
a mí, un afroamericano, con mucha
integridad, entereza, conciencia. Me
gusta que utilice su espacio privilegiado
para ayudar a otra gente.
“El álbum de Kendrick fue necesario,
especialmente en 2017, con el mundo y los Estados
Unidos en un lugar donde no deberían estar”.
–khalid
- SZA: Y aún así, su sonido vuela.
Eso es lo loco. Es un material caliente.
Él consigue ser un activista
con un Disco de Platino, es muy
raro. Nina Simone hablaba sobre
esto, sobre la responsabilidad que
tenemos como artistas de reflejar el
momento, y siempre sentí que no
sabía cómo mierda hacerlo. Pero
Kendrick, no sé qué piensa de lo
que hace. Creo que simplemente le
brota de los poros.
Cuestiones raciales y de género
han sido temas de discusión
en las últimas entregas de
premios Grammy. ¿Creen que
las mujeres y la gente de color
no están debidamente representados
en la industria?
- S: No lo creo, hay toneladas de
mujeres y artistas negros. La cuestión
es: ¿llaman la atención una vez
que están en la superficie? Hoy, el
hip hop vende más que la música
pop. Sabemos dónde se origina, no
es un secreto. El tema es que cuando
alguien que hace hip hop no se
parece a mí, de golpe es innovador.
Y no, no lo es. Ha habido música así
en los últimos cien años.
- K: Para mí, la representatividad
en la música está cambiando. Siento
que ahora el hip hop y el R&B,
como dice SZA, están tan vivos, tan
dominantes, al punto de que influencian
a otros. Y está bueno.
- S: Es una gran paradoja para mí.
Tenés un pie en el lugar donde Issa
Rae dijo: “¡Estoy en esto para toda
la gente negra!” [en los premios
Emmy]. Pero también es como si
dijera: “Estoy en esto para toda la
gente copada”. A veces me siento
culpable, porque no quiero hacer
las cosas solo para la gente negra.
Pero hay algo así, onda: “Puede ser
que esta noche mis amigos no se
sientan representados”, y tenés que
agitar por ellos.
- K: Creo que como oyentes estamos
aceptando el hecho de que la
música ya no tiene una imagen.
- M: Sí, se está desgenerizando.
- S: ¡Sí! Esa es la palabra: “desgenerizando”.
Es como que todo
está convergiendo del modo más
hermoso.
- K: Es como mirarme al espejo:
un chico negro pequeño, gordito,
cantando lo que le viene en gana.
Para la gente que está entre mis influencias,
pero también para usar el
26 BILLBOARD | ENERO, 2018

“ Cuando otras personas
hacen hip hop pero lucen
distinto a mí, de pronto
son innovadoras. No, no
lo son. Han pasado cosas
similares en los últimos
cien años”. –SZA
R&B y el soul como influencias. Yo
adoro el pop de los 80 y 90. Percibo
que la música está cambiando, y eso
nos engloba a todos. Nosotros somos
el cambio. Nosotros tenemos el
poder de cambiar las cosas.
¿Cuál es el mejor consejo que
recibieron de otros artistas?
- M: Trabajé con Linkin Park no
hace mucho. Tiendo a tomar las
cosas muy seriamente y a ser un
tanto controlador. Cuando Chester
[Bennington], Mike [Shinoda] y
Brad [Delson] estaban en el estudio,
la pasaban bárbaro. Bromeaban.
Hicieron eso toda la vida, pero
entraron al estudio y fue como si
entraran por primera vez. Estar allí
fue revelador. Antes de subir al escenario
me da una especie de pánico.
Pero estuve pensando acerca de
cuánta diversión se puede tener.
- K: Recientemente tuve una conversación
con Mac Miller y él me
dijo que no puedo hacer feliz a todo
el mundo, y que a veces necesito
tiempo para mí. Necesito tiempo
para ser humano y no permitir que
las distracciones y lo que está fuera
de mí me obstruyan para dejar de
hacer lo que normalmente hago.
¿Qué hay de Lorde? ¿Qué
aprendiste de ella?
- K: Encontrarte con tus influencias
es definitivamente lo más duro,
porque pueden ser las personas más
divinas o todo lo que no esperabas.
Pero ella fue todo lo que esperaba
y más aún. Tiempo atrás, antes de
lanzarme, ella me dijo que yo estaba
en la misma posición que ella un
par de años atrás. Fue fiel a sí misma
y la rompió. No tuvo miedo de
salir y ponerse a bailar. Amo eso.
Khalid.
¿Creen haberse habituado a ser
figuras reconocidas?
- K: Yo hago lo mismo de siem-
BILLBOARD.COM.AR
27

SZA.
pre. No me gusta salir. Prefiero juntarme
con amigos, ver Netflix, escuchar
música. Quiero seguir siendo el
que soy y rodearme de la gente que
quiero. Nunca busqué eso de “Ya
que está toda esa gente observándome,
ahora tengo que ser cool”.
- M: No sé si alguna vez te terminás
habituando a las sesiones de
fotos y las promociones. Pero voy
a decirte que no hay nada como
el amor incondicional que recibís
de un fan. Yo estaba en Francia un
par de días atrás posteando cosas
en Instagram cuando me encontró
una chica y se puso a llorar. Ahí es
cuando descubrís que esa chica, que
por ahí vive del otro lado del mundo,
está muy afectada por lo que
hacés. Ella siente que me conoce.
Escribiste cosas que son muy cercanas
a sus sentimientos, y creo que a
eso aspiramos: a hacer que la gente
sienta a un nivel más profundo.
- K: Es algo maravilloso.
- M: Yo soy supersensible, así que
siempre que alguien quiere venir a
darme un abrazo, digo onda “¡Vení
aquí!”. Y siempre termino con algún
resfrío, pero no me importa.
- S: Mi sistema inmunológico no
aguanta nada, pero es peor perderse
un buen recibimiento que contagiarse
algo.
¿Lo sentís como un peso?
- S: Estuve durmiendo en un
futón con una persona que apenas
conocía hace dos años, así que esto
es una situación completamente
distinta. Es interesante que de golpe
seas considerado alguien valioso.
- K: Es un buen sentimiento.
- S: Pero me confunde un poco.
¿Cómo no era valioso antes de
todo esto? ¿Y ahora soy valioso?
Entonces pensás “Ok, estoy bien.
Todavía voy a seguir comiendo del
piso, no me voy a poner loción y
haré las mismas cosas que antes”.
Y todas esas cosas siguen pasando.
Pero nunca hubiera pensado que
iban a considerarme alguien valioso.
No era popular en la secundaria;
no tenía amigos.
- M: Yo tampoco. Recibí enseñanza
en mi casa.
- K: Yo salía y entraba de las instituciones;
todo era temporario. Perdí
amistades. Y siempre estaba presente
el tema del valor. Mientras creaba
el álbum tuve que dar un paso atrás
y decir “Debo amarme a mí mismo”.
Sigo en la lucha, buscando la autoaceptación.
Tengo 19 años y aún
aprendo cosas sobre mí y sobre la
energía que no quiero alrededor.
- M: Creo que todos estamos en
lo mismo.
28 BILLBOARD | ENERO, 2018

GRAMMY 2018:
LOS CANDIDATOS
En otro año dominado por el choque de titanes (un sabio del pop británico, un genio
rapero de Compton), aún hay espacio para sorpresas en las máximas categorías del
Grammy, ya sean íconos que se volvieron confesionales (Jay-Z, Lady Gaga), exestrellas
adolescentes que maduraron (hola, Harry), raperos ascendentes o, claro, Taylor Swift.
se está volviendo un escenario
familiar: la batalla mayor de los
premios Grammy enfrenta a una
reverenciada estrella británica con
la realeza del hip hop. En 2016,
esos puestos los ocuparon Adele y
Beyoncé, con un final favorable a
la primera, que se llevó el Grammy
a Mejor Álbum y dio un discurso
lacrimoso y apologético en el que
reconoció lo que la mayoría pensaba:
que el políticamente recargado
Lemonade de Queen Bey –un testimonio
“monumental”, “poderoso” y
“al desnudo”– merecía el triunfo.
Este año, una contienda similar
parece haberse instalado para Mejor
Álbum, Mejor Canción y Mejor
Artista Nuevo. En una esquina está
Ed Sheeran, un firme favorito de los
Grammy que en 2017 devino en el
primer artista en tener dos singles
simultáneamente en el top 10 del
Billboard Hot 100. En la otra punta
se encuentra Kendrick Lamar, cuyo
DAMN. es el álbum más aclamado
de 2017 y quien es considerado la
voz cantante en el contencioso clima
sociopolítico actual.
La batalla Sheeran-Lamar puede
dominar la edición número 60 de
los Grammy, pero no será la única.
Este año, Harry Styles, Miley Cyrus
y Kesha dejaron atrás su imagen de
ídolos adolescentes con álbumes
maduros que fueron bien recibidos
por la crítica. Jay-Z y Lady Gaga
Por ALAIN LIGHT
abordaron temas personales, y una
nueva generación de raperos (Migos,
Rae Sremmurd y Lil Uzi Vert,
entre otros) señaló la siguiente fase
en la evolución del hip hop. Una mirada
a través de las cuatro grandes
categorías en los premios de 2017
revela un año lleno de sorpresas,
desilusiones y nuevos comienzos.
ÁLBUM DEL AÑO
Sheeran acumuló nominaciones
que rondan los dos dígitos (y en
2016 ganó por Canción del Año con
Thinking Out Loud). Lamar tiene
más trofeos a su nombre (siete contra
dos de Sheeran), pero ninguno
en las categorías generales.
Más allá de eso, Divide, de Sheeran,
y DAMN., de Lamar, deberían
trenzarse en las nominaciones.
Uniéndose a esos favoritos, Melodrama,
de Lorde, es otra apuesta fuerte:
aunque no anduvo bien comercialmente,
está considerado un arriesgado
y ganador paso adelante respecto
de su exitoso debut (Pure Heroine,
2013). 4:44, de Jay-Z (un cuidado
álbum confesional de un verdadero
ícono), podría darle el tardío reconocimiento
en una categoría para la
que nunca estuvo nominado (esto
mientras el exclusivo lanzamiento
en el canal de streaming TIDAL no
limite su audiencia).
No se descarta la influencia de dos
de los más poderosos artistas narrativos
del año. El intimista Joanne, de
Gaga, tuvo tibias reseñas, pero posee
la impronta de Mark Ronson y cerró
un año en que la cantante ganó un
montón de corazones con su triunfal
performance en el Super Bowl,
la revelación de su batalla contra la
fibromialgia y el lanzamiento de su
aclamado documental de Netflix,
Gaga: Five Foot Two. Y con We Got
It from Here...Thank You 4 Your Service,
A Tribe Called Quest ofreció un
regreso inesperado y contundente,
grabado con Phife Dawg antes de
su muerte en 2016 –regreso que es,
como Q-Tip y compañía anunciaron,
su proyecto final–.
Por otro lado, Harry Styles, inspirado
por el rock clásico de Bowie
a Badfinger, tuvo una destacable
transformación desde sus años con
One Direction. La parafernalia de
Bruno Mars pudo roquear con 24K
Magic, lo mismo que The Weeknd
con Starboy. Miranda Lambert, con
su poderoso álbum doble The Weight
of These Wings, fue la apuesta
más fuerte del año en Nashville.
Aunque Metallica nunca fue nominado
en una categoría general,
Hardwired… to Self-Destruct fue
ampliamente considerado como un
sólido retorno a las raíces. Entre los
contendientes de rap, Everybody,
de Logic, y I Decided, de Big Sean,
fueron grandes hits con buena recepción
crítica. Y en cuanto a quién
puede ocupar el puesto alternativo
que Sturgill Simpson ocupó en
2017, los favoritos son The Nashville
Sound, de Jason Isbell (el raro lanzamiento
indie que ocupó el primer
puesto en el chart de álbums country),
y Pure Comedy, de Father John
Misty, ambos con respaldo para ser
grandes contendientes.
CANCIÓN DEL AÑO
Con casi cinco mil millones de
escuchas en streaming y cuatro millones
de visitas en video, Despacito,
de Luis Fonsi (con Daddy Yankee
y, en el remix, Justin Bieber), fue
la sensación del año. Honrar a la
primera canción en español que alcanzó
el Hot 100 desde Macarena (y
que empató por más semanas a One
Sweet Day de Mariah Carey y Boyz
II Men en el N° 1) sería la oportunidad
para que la Academia de
Música reconozca el impacto cada
vez mayor de la música latina en el
mainstream. Otros que picaron en
punta a lo largo del año fueron Shape
of You, de Sheeran, y Humble, de
Lamar. Al menos uno de los dos hits
de Mars, That’s What I Like y 24K
Magic, merece la corona. La avasallante
Sign of the Times, de Styles,
podría ser reconocida como un
fuerte single debut. Y entre los votos
para Nashville, Body Like a Back
Road, de Sam Hunt –que alcanzó la
cima del Hot Country por ni más ni
menos que 34 semanas (y cruzó al
top 10 del Hot 100)–, tendría el mayor
empujón en esta categoría.
Desde ahí, los mayores singles
del año cubrieron un amplio rango
de estilos. El suceso masivo de
Rae Sremmurd con Black Beatles y
Migos con Bad and Boujee hacen
imposible de ignorar el nuevo gen
del rap hecho en Atlanta. Malibu,
de Miley Cyrus, epitomizó el renacimiento
del rock setentoso del sur
californiano, y The Weeknd entregó
dos grandes tracks, Starboy y I Feel
It Coming. La improbable (pero
altamente exitosa) combinación de
The Chainsmokers y Coldplay en
Something Just Like This alienta a un
montón de votantes; mientras Believer,
de Imagine Dragons, podría ser
la representante del rock moderno.
Y aunque Look What You Made Me
Do polarizó opiniones, no hay que
subestimar el poder de Taylor Swift
(¿alguna otra canción generó más
debate este año?).
COMPOSICIÓN DEL AÑO
Sheeran con Shape of You (escrita
con un equipo que incluyó al
productor Steve Mac) y Lamar con
Humble (acreditada a Lamar y Mike
WiLL Made-It) pueden también enfrentarse
por el honor en composición,
y muchos otros competidores
a Canción del Año pueden unírseles:
Styles y un equipo liderado por
el productor Jeff Bhasker por Sign
of the Times, Mars y su combo (incluyendo
a los equipos de produc-
BILLBOARD.COM.AR
29

ción Shampoo Press & Curl y The
Stereotypes) por That’s What I Like
o 24K Magic, Cyrus y su colaborador
Oren Yoel por Malibu, y Hunt
junto a Zach Crowell, Shane McAnally
y Josh Osborne por Body Like
a Back Road.
La competencia más dura puede
provenir de canciones con mensajes
oportunos (o atemporales). La vulnerabilidad
de Gaga en Million Reasons
(coescrita por Hillary Lindsey
y Ronson, y considerada la apuesta
más fuerte en Joanne) es su mayor
chance a una nominación importante.
1-800-273-8255, de Logic,
escrita por Arjun Ivatury y con los
vocalistas Alessia Cara y Khalid, fue
un ambicioso comentario sobre la
prevención del suicido que alcanzó
el N° 3 del Hot 100.
Otros nuevos artistas con chances:
James Arthur, cuyo Say You
Won’t Let Go (de Arthur, Neil
Ormandy y Steve Solomon) fue
la balada suave del año; y Julia
Michaels, cuyo Issues, escrito por
Justin Tranter y los productores
Benny Blanco y Stargate, la posicionó
como una nueva gran voz.
Y nuevamente, no descuidemos a
Swift, esta vez por Better Man, una
canción que escribió para sus amigos
de Little Big Town.
MEJOR NUEVO ARTISTA
Sin un indiscutible artista renovador
(como Chance the Rapper el
año pasado), esta es la categoría
más difícil, pero varios casos interesantes
merecen nominación. Michaels
parece una apuesta segura: su
historial como escritora de hits para
Bieber, Selena Gomez y Gwen Stefani,
antes de su propio lanzamiento,
solidifica su reputación como
“verdadera” artista. Khalid, que
ganó como Mejor Artista Nuevo en
los Video Music Awards de MTV,
puede ser un favorito también: su
American Teen sobresalió entre los
álbumes de R&B del año junto a
Ctrl, de SZA, otra posible nominación.
El género que concentró a más
artistas jóvenes fue el hip hop, desde
estrellas del “mumble rap” como
Lil Yachty y Lil Uzi Vert hasta fuertes
contendientes del chart como
Logic y MC Post Malone. El guiño
hacia alguno de ellos señalaría el
reconocimiento de la academia a lo
que verdaderamente fue “nuevo” en
el año que pasó.
Julia Michaels,
candidata a
Mejor Nuevo
Artista.
30 BILLBOARD | ENERO, 2018

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EN 2017 METIÓ CUATRO
SINGLES EN EL HOT 100, LANZÓ
UN SHOW DE NETFLIX Y TUVO
UN TRASPLANTE DE HÍGADO.
¿CÓMO ES ENTONCES QUE LA
ESTRELLA, QUE HA BATALLADO
LA ANSIEDAD, DE GOLPE PARECE
TAN ZEN? (AYUDA: NO ES SOLO
SU NUEVO CACHORRITO).
Por BROOKE MAZUREK
Fotografiada por RUVEN AFANADOR
Selena G

Gomez, fotografiada
el 30 de octubre en el
Paramour Estate, en
Los Ángeles. Peinado
de Kate Young. Gomez
tiene un vestido The
Row y joyas Jennifer
Fisher.
omez
BILLBOARD.COM.AR 33

Hay un osito Teddy de un
metro y medio despatarrado
en la cocina del hogar de Selena
Gomez, al norte de Hollywood.
“Ya sé, ya sé –dice
Gomez revoleando los ojos,
como reconociendo que el
animalito de peluche no hace
juego con el trío de sillones
en el bello rincón marmolado–. Fue un regalo,
y al principio pensé ‘Esto es tan ridículo, ni bien
pueda se lo encajo a otra persona’”.
Pero Gomez, de 25 años, no se lo encajó a nadie;
todavía. Durante los últimos años, cuando la
estrella pop nacida en Texas reveló la ansiedad y
la depresión que vinieron de la mano del lupus
–la enfermedad autoinmune que le diagnosticaron
en 2013–,empezó a aplicar el método Kondo
a su propia vida: borrar todo exceso superficial
para que solo queden las personas y las cosas
que, en sus palabras, “importan realmente”.
En ese tiempo, Gomez se separó de amigos
y parejas (su relación de diez meses con The
Weeknd acabó en noviembre). Incluso esta casa
de estilo campestre, sin las escaleras remolino ni
las vistas palaciegas de su anterior morada en Calabasas,
forma parte de la ecuación. Totalmente
oculta de la calle por una gruesa pared de setos,
está envuelta en la clase de silencio que va a tono
con Gomez, que proyecta calma y confianza pacífica.
“No necesito demasiadas cosas –dice en este
viernes nublado–. Me gusta estar aislada, y quería
un lugar en donde pudiera sentirme a solas”.
La soledad ha sido una constante para Gomez
desde su primera actuación a los siete años, en
un show de Barney y sus amigos, y se intensificó
en los cinco años que duró su participación
en Wizards of Waverly Place, la sitcom de Disney
que catalizó su ascenso a superestrella del teen
pop (Gomez vendió 3,4 millones de discos y obtuvo
2,8 miles de millones de escuchas on-demand,
según Nielsen Music).
Por estos días, sin embargo, ella cambió la soledad
por una suerte de liberación. Sin maquillaje
tras una sesión de pilates, esta mañana Gomez
brilla mientras intenta articular lo que siente:
“No encuentro otro modo de expresar mi ánimo
más que decir que me siento plena”.
Un sentimiento de confort similar puede oírse
en las cuatro nuevas canciones que lanzó en
2017. La dispersa Bad Liar, estilo Talking Heads,
que alcanzó el número 20 en el Billboard Hot
100 en julio, fue efusivamente recibida por la crítica;
y Wolves, su single con Marsh mello –el DJ
del momento– debe ser el track bailable más sutil
y emotivo de la actualidad. Incluso el video de
Fetish, inspirado en films de horror, que tuvo 119
millones de vistas en YouTube, refleja el completo
desinterés de Gomez sobre cómo es percibida
por la gente.
Solo he estado apenas 15 minutos con Gomez
cuando empieza a hablar sobre decisiones de
ella que la mayoría nunca tendrá que tomar –sus
internaciones en instituciones de rehabilitación
en 2014 y 2015, y el trasplante de riñón al que
debió someterse este verano, debido a complicaciones
derivadas del lupus (la intérprete aportó
más de 500.000 dólares para encontrar una
cura)–. No hay vueltas, no hay dudas ni búsqueda
de miradas cuando habla –solo una apertura
mental que hace fácil olvidar que Gomez apenas
cruza la veintena–.
Incluso el presidente del sello de Gomez,
John Janick, CEO del conglomerado Interscope
Geffen A&M, se maravilla de que “ha sido muy
equilibrada en su vida, no está absorbida por una
sola cosa”. La artista Petra Collins, una amiga de
Gomez que dirigió el video de Fetish y su performance
en los American Music Awards de noviembre,
dice que la importancia que Gomez “les
da a las cosas y a la gente es tan profunda que
asusta, en el buen sentido”.
El resto del día de Gomez será exhaustivamente
documentado por los diarios: cena en un
restaurante con Justin Bieber, con quien se ha
reencontrado recientemente, y una parada con
él en la conferencia anual de la Hillsong Church.
Horas después de mi visita a Gomez, Jennifer
Lawrence, ocupando el lugar de anfitriona en el
Jimmy Kimmel Live, le preguntará a Kim Kardashian
qué piensa de Gomez y Bieber “volviendo
a salir juntos”. “Me encanta”, responderá Kardashian.
(Cuando le pregunto a Gomez sobre Bieber,
simplemente dice “Yo quiero a la gente que
tuvo un impacto en mi vida”).
Es la clase de atención que hace que Gomez
escape de vez en cuando, “yendo a Alaska para
volver solo cuando hay trabajo”. Pero ella explica
que quiere “una vida digna de ser vivida”, elegir a
aquellos que mejor se ajustan a su estilo, sin importar
lo que opinen los de afuera. Incluso si eso
toma la forma de un gigante osito de peluche, al
que hasta su perro Charlie salta para jugarle.
¿Cómo elegiste a Charlie?
- Es realmente divertido, fue obra de mi exnovio
[The Weeknd]. Íbamos caminando por la
calle en Nueva York, cuando vio a un precioso
cachorrito en la esquina de un negocio. Tenía
la cabecita gacha, parecía realmente triste, y me
enamoré. Tengo ese tipo de situaciones en mi
vida. Encuentro a una persona, o a un perro, y
soy como: “Sííí, quiero eso”.
¿El lugar donde creciste tenía algún parecido
con esta casa de campo?
- No sé si “casa de campo” es la expresión
apropiada. En la casa de Texas había un montón
de paneles de madera y alfombras en todos lados,
excepto en la cocina. Puedo recordarlo todo,
incluso los olores. La extraño un montón. La
canción de Miranda Lambert –The House That
Built Me– describe lo que siento respecto a aquel
hogar. Mi mamá tenía 16 años cuando nací, así
que mi cuarto estaba al lado del de ella y de mis
abuelos. Era muy singular, dar la vuelta alrededor
de la casa no tomaba más de cinco segundos.
Cada vez que viajo a Texas paso por ahí, pero no
me animo a golpear la puerta.
Dijiste que no querías a la gente triste por
tu lucha contra el lupus y el trasplante de
riñón, que esas experiencias abrieron un
nuevo camino en tu vida. ¿Cuál fue la revelación
más sorprendente de todo esto?
- Me hizo reflexionar acerca de cuánto es mío
mi cuerpo. Desde los siete años siempre pensé
que se lo estaba dando a otros. Me sentí siempre
sola, aun cuando estaba muy rodeada de gente.
Pero cuando tomaba decisiones, ¿lo hacía para
mí? Después de la cirugía sentí una enorme
gratitud por mí misma. Creo que nunca me detuve
a pensar y decir “Estoy realmente agradecida
por lo que soy”.
¿No te molesta la cicatriz?
- No. Antes sí, pero ahora no. Fue duro al comienzo.
Recuerdo que me paraba desnuda frente
al espejo y pensaba en todas las cosas que solía
hacer y preguntaba “¿Por qué?”. Hubo alguien
en mi vida que solía señalarme todas las cosas
por las que me quejaba. Cuando miro mi cuerpo
ahora, veo vida. Puedo hacer un montón de
cosas con la cicatriz, desde aplicar cremas hasta
cirugía láser, pero estoy bien así. Y a propósito,
no tengo nada contra la cirugía plástica. Últimamente,
Cardi B ha sido mi inspiración. Se mata
con eso y está orgullosa de todo lo que hizo. Así
que, de mi parte, cero juicio. Podría hacerlo con
mis ojos, mi cara redonda, mis orejas, mis piernas,
mi cicatriz. No tengo abdominales perfectos,
pero siento que estoy muy bien constituida.
Suena como que vas a llevar tus arrugas
con dignidad algún día.
- Ah, sí, pero todavía tengo que cruzar ese
puente. Quizá diga “¿Sabés qué? Es tiempo de hacer
un retoque”. Pero quisiera estar segura de que
lo hago porque estoy bien conmigo misma.
Sin escuchar lo que dicen alrededor.
- Hay que tener cuidado con las opiniones
ajenas. La sociedad te enseña a honrar y respetar
a los otros, pero la lealtad y la honestidad significan
cosas distintas. Y yo creo que toda la vida
estuve actuando para satisfacer a los demás. Tengo
que aceptar mi lugar. Me llevó cinco años y
momentos en los que necesité aislarme para estar
a solas con mis conflictos. Ese tiempo fue para
mí muy doloroso, duro y muy solitario. Pero creo
que eso fue necesario para encontrarme adonde
estoy, satisfecha conmigo misma.
Leí que hiciste equinoterapia. ¿En qué
consiste?
- La primera vez que la hice fue en una clínica
de rehabilitación en Tennessee, y resultó muy
divertida. Recuerdo que me sentí como Winona
Ryder en Girl, Interrupted. Estaba toda vestida de
34 BILLBOARD | ENERO, 2018

“Amo a la gente.
Incluso cuando no
se trata de alguien
destacado”.
BILLBOARD.COM.AR
35

36 BILLBOARD | ENERO, 2018
Gomez viste
pantalones y
top The Row,
joyas Jennifer
Fisher y calzado
Gianvito Rossi.

MICHAEL TRAN/GETTY IMAGES
negro, tipo emo, muy dramática. Había que elegir
un caballo y yo naturalmente elegí el que más
me emocionó.
Como Charlie en el negocio de mascotas.
- Exactamente [risas]. Así que estaba enojada,
tenía un montón de estrés en el cuerpo y el caballo
se alejó, completamente. Y eso me hizo sentir
aún más frustrada y enojada. Los caballos realmente
pueden percibir tu energía. Después de
múltiples intentos, el terapista me miró y me dijo
“¿Sabés qué? Necesito que tomes al más dulce
de los caballos disponibles. Quiero que aceptes
lo que tenés enfrente”. Respiré profundo varias
veces, di una vuelta al establo y al volver me sentí
relajada, tipo “Ya pasó”. Soy la clase de persona
que al llegar a casa piensa “Tal vez no hice lo suficiente”,
y esas son las cosas que no te permiten
focalizarte. Todo se relaciona con vivir el presente.
Y eso pasó hace cuatro años. Cambiaron un
montón de cosas. Me siento más centrada, acepto
lo que me pasa.
¿Pensás que con todas las exigencias que
tenés y lo que puede producir el estrés en
tu salud quedarte en Los Ángeles es viable?
- No, no voy a estar aquí mucho tiempo. Y no
tengo nada contra este lugar que me recibió y me
hizo consciente de todas las decisiones que estoy
tomando. Este año pasé bastante tiempo filmando
[la próxima película de Woody Allen] en Nueva
York. Pienso que estar en esa película y en Nueva
York (la cultura de la ciudad, pasear y relacionarte
con gente, que no es muy común aquí) me hizo
sentirme presente, cada día un poco más.
¿Cómo fue tu audición con Woody Allen?
- Hice cinco audiciones. En muchas ocasiones
no me tuve confianza, pero ellos no encontraban
a nadie, así que audicioné una vez más y lo
di todo. Sentí que había ganado el puesto. Y fue
una gran experiencia para mí. Actuando, y en un
film, tenés alrededor a una comunidad mucho
más estable. Lo digo delicadamente, porque todos
tenemos nuestras cosas, pero la gente conmigo
fue muy contenedora. Fue algo que realmente
me abrió, y yo necesitaba eso después de la cirugía.
Puede haber mucho ruido y caos alrededor
de nuestras vidas, pero una vez que entrás al set,
es liberador. Quiero dar un paso en esa dirección
[con la actuación]. También estuve un tiempo
con los hermanos Safdie [cineastas independientes],
que son increíbles.
¿Pensaste en el pasado de Woody antes de
firmar para la película?
- Honestamente, no sé cómo responderte, no
porque prefiera ignorar los hechos. Los alegatos
[contra Harvey Weinstein] empezaron justo
cuando me sumé al rodaje. Aparecieron en el
medio de todo. Y es algo, claro, que hay que encarar
y discutir. Recuerdo que pensé “Guau, el
universo funciona de un modo muy loco”.
Gomez en el escenario durante la entrega de los
American Music Awards, en noviembre último, para su
primera presentación en un año.
Las voces de muchas mujeres finalmente se
están oyendo y sujetos abusadores están
siendo señalados. ¿Cómo reaccionás a
todo esto? ¿Te descorazona, te hace sentir
esperanzada?
- Siento todas esas cosas. He llorado, pero me
siento definitivamente esperanzada. Mientras la
gente habla, eso las empodera, y merecen sentirse
así. Tengo la suerte de no haber atravesado
ninguno de los traumas que pasaron esas
mujeres. Conozco gente en mi familia que sufrió
cosas así. Trato de que la gente venga a mí y se
abra, que sienta que está en un lugar seguro para
contarme sus cosas.
¿Estás haciendo nuevas canciones?
- Sí, y lo digo de un modo muy amoroso, porque
tuve a mi sello siempre atrás para las últimas
cosas que hice y se siente cierto poder en decir
“no”. Me gusta cómo se presentó la nueva música
este año, porque no se hizo de un modo agresivo;
fue algo genuino. Cancelé los últimos dos
conciertos, y esa es otra cosa para considerar.
¿Cómo voy a pisar un escenario y dominarlo con
orgullo? Antes solo me preocupaba una cosa:
“La ropa no es suficientemente brillante, ¿cómo
vamos a volverla atractiva? Todos se la pasan mirándome
y yo soy tan solo una pendeja”.
¿Te imaginás viendo tu nombre en la prensa
distinto a como lo hacías cinco años atrás?
- Definitivamente. Por un tiempo, a lo único
que aspiraba era a defenderme. Quería gritar y
decir “¡No tenés idea! ¡A mí solo me permiten
hacer esto, y tengo estas opciones!”. Amaba ser
parte de un proyecto, amaba lo que hacía y siento
que la atención se fue desvaneciendo. Recuerdo
que sentía que no me definía por mi trabajo, sino
por quién era. Creo que hubo un cambio cuando
saqué The Heart Wants What It Wants (en 2014),
cuando compartí un montón de cosas de mi vida
privada. ¿Me debería importar que la gente se interese
por las cosas del mundo? ¿Cosas que deberían
discutirse más? Sí, pero no puedo controlar
eso. Ni tampoco quiero.
Con 129 millones de followers, sos la persona
más seguida en Instagram, pero al mismo
tiempo manifestaste que era necesario
sacarles tiempo a las aplicaciones.
- Amo a Kevin [Systrom], el creador de Instagram,
y él se enojó conmigo cuando dije que
iba a tomarme un respiro. Pero aislarme un poco
me permitió pasar tiempo con las cosas que
realmente importan. Estuve viéndome con un
viejo amigo y fuimos muy cuidadosos con cada
conversación. Las charlas profundas te recuerdan
cuáles son las cosas verdaderamente importantes.
No se trata de hablar sobre los demás.
¿Qué fue lo mejor de estar soltera?
- ¿Lo mejor? Es realmente… ¿sabés qué? Algo
de lo que me enorgullezco es de la bella amistad
que tengo [con The Weeknd]. Nunca había experimentado
algo así en mi vida. Terminamos
como los mejores amigos y hay algo genuino
acerca de animar y cuidar al otro. Eso fue muy
importante para mí.
¿Qué trajo a Justin de vuelta a tu vida?
- Tengo 25 años, no 18, 19 ni 20. Yo adoro a
la gente que tuvo un impacto en mi vida. Antes,
quizá, hubiera forzado algo que no era correcto.
Pero eso no significa que el amor por alguien desaparezca.
Y eso va para la gente en general. O sea,
yo crecí con Demi [Lovato], Nick y Joe [Jonas], y
Miley [Cyrus]; pasamos por muchas cosas en la
vida. No es algo tan serio como piensa la gente la
mitad de las veces. Es solo mi vida, yo crecí con
ellos, y está buenísimo saber dónde está cada uno.
Es algo que se conecta con esta idea de sentirme
plena. Pienso que una buena representación del
amor va más allá de vos. Está en ir a la cafetería
como me sucedió esta mañana y hablar con una
mujer que celebraba su cumpleaños y estaba a
punto de ir a Disneylandia por primera vez. Yo le
hablé de mis cosas favoritas y ella se entusiasmó,
y yo luego me entusiasmé por verla entusiasmada.
Las cosas más pequeñas tienen su impacto.
¿Hoy qué es lo que más te enorgullece?
- Estoy orgullosa del lugar que ocupo. Hago
las cosas de un modo sano. Puedo disfrutar de
donde estoy. Amo ser capaz de decir que no. Me
gusta ser parte del mundo. La gente tiene terror
de la gente, lo veo en mi generación un montón.
Hay mucha angustia y ansiedad, y la presión para
que las cosas no empeoren. Pero me alegra no
sentirme hastiada. Tengo todas las razones para
decir “A la mierda con todo”. Y no lo hago. Voy
a tener días malos en los que no quiera dejar la
cama, pero estoy lista para eso.
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Camila Cabello
El año de la ruptura
Al abrirse camino como solista, encontró la conexión más fuerte
con sus fans y escaló hasta los lugares más altos del Hot 100
gracias a canciones y sonidos más cercanos a su corazón.
38 BILLBOARD | ENERO, 2018

La mayor parte del tiempo, la gente quiere
que te quedes en el lugar donde las cosas
ya funcionaron antes”, dice Camila Cabello.
Ella sabe lo difícil que puede significar romper
con algo: el año pasado, luchó para encontrar su
identidad musical después de dejar el supergrupo
de pop femenino Fifth Harmony.
Pero Havana, el single que
según ella es una “canción de
pop no convencional”, estableció
a Camila como
una estrella por sus
propios medios.
Su corte más
exitoso
hasta la
fecha –llegó recientemente al Nº 2 del Billboard
Hot 100, convirtiéndose en su sexta entrada en
el chart como solista– es la representación más
fiel de su estética, con raíces en su herencia latina
(fue criada en México y, claro, también en
La Habana, antes de mudarse a Miami a los siete
años) y en su amor al hip hop (Havana tiene a
Young Thug como colaborador).
Su álbum debut, The Hurting. The Healing. The
Loving, será lanzado en 2018. “Los mejores momentos
de este año [por 2017] fueron cuando
me encerré, improvisé una melodía en freestyle
y se convirtió en canción –dice Cabello–. Los
temas de mi álbum van a representar este momento
de mi vida. Hacer algo de la nada y saber
que va a durar por siempre es muy copado”.
LA MÚSICA QUE LA MOVILIZA
“Havana es una mezcla de la música que sonaba
en mi casa cuando crecí y la que escucho ahora.
En Cuba hacíamos unas fiestas en vacaciones
donde tocábamos todo, desde Celia Cruz hasta
Alejandro Sanz, pasando por Miguel [Bosé],
Maná o Alejandro Fernández”.
INFLUENCIAS: RIHANNA, TAYLOR SWIFT… Y
ED SHEERAN
“Rihanna siempre se renueva y está diez pasos delante
del resto. Taylor Swift y Ed Sheeran me inspiran
a empezar a componer y aprender guitarra”.
SU ROL COMO MUJER
“Ser respetada [como mujer joven] es algo por
lo que luché. Siempre vamos a tener que trabajar
más y ser más inteligentes para pelear contra los
prejuicios, y no solamente en la industria de
la música. Pero ver a las mujeres de pie,
solidarizándose entre ellas, me da
esperanza”. –NATALIE WEINER
“El viaje no fue perfecto,
pero siempre supe quién
soy como artista y qué
quise”, dice Cabello,
fotografiada por Miller
Mobley el 21 de enero en
Los Ángeles.
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40 BILLBOARD | ENERO, 2018

Noel Gallagher
“ NO ESTOY
ATADO A
NINGUNA
MÚSICA”
El ex-Oasis encaró nuevos
rumbos con Who Built the
Moon?, su nuevo álbum junto a
los High Flying Birds. El rol de
su productor, la coincidencia
con el lanzamiento de Liam y el
recuerdo de los 90.
POR COLIN STUTZ
FOTOGRAFIADO POR LAWRENCE WATSON
BILLBOARD.COM.AR
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a esta altura de la carrera de noel
Gallagher –nueve álbumes a cuestas, entre
Oasis y los High Flying Birds–, podríamos
esperar más de lo mismo. Es decir, más canciones
a base de guitarras que levantan el
ánimo, que fueron el fundamento de su trayectoria
y le valieron una posición de ícono
en el rock británico (en parte, también,
gracias a su actitud arrogante, su contención
familiar y su franqueza). Pero más de
lo mismo, en definitiva.
Sin embargo, Gallagher preparó su álbum
más interesante desde la composición,
y el más experimental hasta la fecha,
con 11 temas de pop-rock psicodélico en
Who Built the Moon?
El álbum le debe mucho a su productor,
David Holmes, que empujó a Gallagher a
tomar nuevos caminos. El artista ha sido
un fan del trabajo de Holmes como músico
solista, y después de cruzarse con Primal
Scream en un festival, se acercó a él en 2014
con un puñado de canciones que terminarían
siendo su segundo disco con los High
Flying Birds: Chasing Yesterday. Pero Holmes
rechazó el proyecto, argumentando que
se iba a sentir un estafador si trabajaba en
un material que ya estaba casi terminado
y al que lo único que le faltaba era apretar
“rec”. Pero le dijo a Gallagher que si quería
trabajar en algo nuevo, él estaba adentro,
que llevara lo que quisiera y podrían empezar
desde el principio.
Esas sesiones dieron a luz a Who Built
the Moon? en el curso de tres años, mientras
ambos se reunían cuando Gallagher
no estaba de gira. Intercambiaron ideas, armando
y desarmando canciones sobre riffs
y puliendo vibraciones desde influencias
musicales a menudo oscuras. Con eso crearon
lo que se convertiría en una colección
pesada de pop-rock psicodélico maximalista
que ahora aparece como una verdadera
evolución en el impulso de Gallagher,
sin sentir que haya perdido su identidad y
conservando el tono de optimismo soñador
que tiene el compositor.
“Fue fascinante la forma de trabajar, porque
nunca sabías bien qué carajo estaba pasando
–le dice Gallagher a Billboard–. Vas
a componer la mitad de una canción, un
año después volvés a revisarla y decís: ‘¿Qué
está pasando acá?’. ‘Ah, claro, claro, claro.
Hizo este pequeño cambio acá… Increíble’.
Porque vengo de una escuela de composición
orgánica, que es sentarse, tocar y
trabajar sobre eso. Su idea era del estilo del
arte pop. ‘Probemos esto. Después aquello.
No está funcionando’. Fue una manera interesante
de trabajar”.
Billboard habló con Gallagher sobre
esas sesiones de grabación de Who Built the
Moon?, sobre la conversión a himno sanador
de Don’t Look Back in Anger –el clásico
de Oasis–, los conflictos públicos en su carrera
y más.
Tres años es mucho tiempo para
trabajar en un álbum. Sé que no fueron
continuos, ¿pero cuál era la relación
de trabajo entre vos y David durante
ese tiempo?
- Si pienso en la cantidad de tiempo que
pasamos en el estudio –los dos juntos–, no
fue negocio en absoluto, porque después
de la chispa inicial de la idea, que habrá
sido como un minuto de música, él volvió a
Belfast a hacer lo que fuera y yo salí de gira.
Me puse a jugar con esas ideas, a escribir…
y después él vino al estudio y me preguntó
“¿Qué hiciste?”, y yo le dije: “Bueno, hice
esto”. Y él respondió: “Me gusta un poco…
pero no estoy seguro de ese poco”. Y después
construimos desde ahí.
Como músico solista y considerando
tu carrera, ¿sentís que es la experiencia
más colaborativa que tuviste?
- Es la primera vez que hago algo así.
Nunca antes. Estuve en situaciones donde
los productores me decían: “Probá hacerlo
en otra dirección”. Pero realmente, una vez
que la canción está escrita y la trabajaste
durante un año, no suele cambiar demasiado.
No hay modificaciones radicales, del
tipo “Agarremos la estrofa de esa canción
y la estrofa de esta otra, y juntémoslas para
ver qué pasa”. No hay nada de eso. A lo
mejor, puede ser que surja un “Hacelo más
veloz o más lento, o probá hacerlo en otra
vibración en las baterías”, pero no ideas
demasiado radicales. La única razón por la
que funciona es porque si escribí canciones
durante un año y quedé unido a ellas, sé
cómo quiero que suenen. Si es algo que sale
“Encuentro mucha
música donde las voces
están demasiado altas.
Demasiado. Quizás es
porque soy guitarrista”,
dice Gallagher.
42 BILLBOARD | ENERO, 2018

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43

de la nada, son por lo general ideas de David.
Soy un tipo que escribe canciones, él es
un tipo que las empuja en una dirección, así
que no estoy atado a ninguna música.
¿Es algo que volverías a hacer?
- Estuve pensando en eso la otra noche.
Nunca lo hablamos. Tenemos mucho material
que sobró. Con algo más de trabajo
podrían salir grandes canciones. Pero
bueno, que sea tan bueno justifica el hecho
de ir y hacerlo de nuevo. Si lo logramos o
no, es irrelevante. Solo hay que darle una
oportunidad y ver qué pasa. Pienso que
el deseo está. Es un caso de timing ahora.
Creo que lo haré mejor la segunda vez,
porque ahora sé cómo trabaja él y el lenguaje
que usa; y él sabe lo que voy a ser capaz
de hacer y viceversa. En teoría, debería
salir mejor.
Dijiste que Power, de Kanye West, influyó
en el tema Fort Knox. ¿Qué otros
artistas inspiraron este trabajo?
- David tiene la colección de discos más
increíble que conozco. Una vez por mes,
durante una semana, él se va de expedición
por Europa para comprar discos. Tiene
dealers de discos. Vino y me trajo varios
CD con muchos temas. Es material oscuro
de los 60 y los 70, e incluso de los 50. Y
pienso ¿de dónde viene toda esta música?
¿Por qué nunca la había escuchado? Digo,
tengo un montón de música. Escuché un
montón de discos y coleccioné mucho, y él
sigue mostrándome cosas. “¿Qué mierda es
eso?”, me pregunto.
Las cosas más obvias son Can, que influyó
directamente en It’s a Beautiful World;
Blondie y New Order inspiraron a She
Taught Me How to Fly. Las cosas de Ennio
Morricone, del pop psicodélico francés…
no podría nombrarte alguno. Escucho eso
y digo: “Esto está buenísimo, ¿qué mierda
es?”. Ni idea. No podría decirte. Ni siquiera
podés encontrarlo en Shazam.
Por la forma en que está mezclado
este álbum hay muchas cosas que suceden,
pero tus voces están un poco
más bajas que en tus otros trabajos.
¿Por qué?
- Sí, bueno, eso es algo estético. En todos
los discos que me gustan pasa eso; en los
Stones, por ejemplo, no podés escuchar qué
carajo está diciendo Mick Jagger. Así que
tenés que prestar atención, y enseguida estás
enganchado. Siempre fue motivo de pelea
en Oasis. Liam constantemente pedía que
subieran las voces. Y yo decía: “No quiero
que se escuchen las putas letras. Quiero que
se escuche toda la cosa entera”. Suele ser una
batalla constante entre el cantante y el compositor.
Encuentro mucha música donde las
voces están demasiado altas. Demasiado.
Quizás es porque soy guitarrista.
No quiero hacérsela fácil a las personas.
No incluí las letras en el disco por primera
vez en mi carrera. Quiero que se sienten,
escuchen y piensen: “¿Qué mierda está diciendo?”.
Por otro lado, sé que me caliento
cuando la gente canta mal las letras en los
shows. La forma en que se hace la música
en estos días es muy fácil de escuchar. Ya no
hay desafíos. Incluso la música rock, incluso
los gritos de Dave Grohl.
¿Pensás en cómo las personas van
a escuchar tu música? Estamos en la
cultura del single, pero obviamente
vos armaste algo que tiene todas las
características de un álbum.
- Bueno, creo que hay que tener en cuenta
el panorama, pero principalmente uno
tiene que darse el gusto. Hay que decir:
“Esto es lo que hago”, y es por eso que me
gusta usar el crossfade en los tracks, porque
si algún salame va a ir a comprar solo un
tema, entonces voy a arruinar el final por
culpa de él, porque me costó un montón de
plata y de tiempo secuenciar este álbum,
¿y vas a elegir solo dos temas? Bueno, voy
a joder la intro y el final para vos. Y que se
vaya a la mierda.
En It’s a Beautiful World hay una mujer
hablando en francés al final. ¿Qué está
diciendo?
- La última frase que dice es: “Besa a tus
amigos, adiós, es solo el fin del mundo”.
Algo así. Si pudiera cambiar una cosa, le
diría que dijera “No es el fin del mundo”. O
le pondría algo de esperanza al final. No me
di cuenta hasta que era muy tarde. No soy
de esos que hablan del fin del mundo. No
creo en el apocalipsis. Pienso que el mundo
es muy grande como para que un norcoreano
idiota, un mero mortal, lo destruya,
o Donald Trump o alguno de esos. No
vendo esa de que el planeta se va a destruir.
Desafortunadamente, esta mujer francesa,
Charlotte, sí.
¿Te molesta que esté ahí?
- No.
Es interesante en tu música que vos
raramente –si es que nunca– escribís
canciones tristes. Mientras tanto, está
el cliché del cantante y compositor que
hace lo contrario, como algunos que
solo pueden componer cuando están
deprimidos. ¿Por qué sucede eso?
- Porque es fácil. Es sencillo escribir canciones
tristes. Es muy difícil pulir el truco
mágico de la alegría. Y, vos sabés, Oasis lo
tenía. Cuando ibas a un show de Oasis, te
sentías bien con vos mismo. U2 logró eso
de que si vas a uno de sus shows, no solo
te sentís bien con vos mismo, sino también
con la persona que tenés al lado. Es difícil
de conseguir, y por eso muchas personas
no intentan hacerlo, porque puede volverse
muy berreta. Me doy cuenta de que me va
mejor cuando surge accidentalmente que
si estoy tratando de hacerlo. Vos sabés… si
mañana me siento y digo: “Hay demasiado
sufrimiento en el planeta, voy a escribir una
canción sobre la belleza de la vida”. Sería
berreta como la mierda, pero accidentalmente,
de alguna forma, se filtró.
Me estuve preguntando acerca del
show We Are Manchester que hiciste
el verano pasado, reinaugurando el
estadio después del ataque terrorista
de mayo. Esa es tu ciudad natal, y tu
canción de Oasis Don’t Look Back in
Anger se volvió un himno para la ciudad
después del ataque. ¿Cómo fue la
experiencia para vos?
- Estaba esperando que fuera de esa manera,
así que me preparé para eso. Don’t
Look Back in Anger siempre fue una canción
colosal. Pero esa canción, para mí, siempre
fue y será sobre Sally, esta mujer de cierta
edad que vivió su vida a la deriva, pero
brinda por eso. No se arrepiente de nada. Y
ahora en Manchester estará siempre relacionada
a desafiar abiertamente y a mirar hacia
adelante, al futuro. Pero soy un tipo que
valora lo que sucede arriba del escenario;
como creador de canciones, vivo para esos
momentos donde toda la sala está subida a
las letras de una canción, y tienen tanto significado
que uno no puede creerlo. Por otro
lado, uno espera que no esté sucediendo eso.
Así que es una especie de guerra con uno
mismo. Pero bueno, a partir de ahora en
Manchester va a tener esa connotación, y es
increíble que las personas se embarquen en
esa canción y tomen algo de ella.
Uno vuelve a recordar la rivalidad entre
Blur y Oasis al ver la relación que mantienen
vos y Liam, que lanzaron discos
con un par de meses de diferencia en
2017 [Liam lanzó As You Were el 6 de
octubre]. Él estuvo hablando sobre
vos con la prensa y tuiteando sobre
vos más de lo normal. ¿Pensás en todo
lo que eso puede haber afectado a tu
carrera o a tu vida personal?
PÁGINA SIGUIENTE: CHRISTIAN BERTRAND / SHUTTERSTOCK.COM
44 BILLBOARD | ENERO, 2018

Gallagher
tocando en
Benicasim,
España.​
- Eso fue una parte significativa, siempre.
Puedo decir que nada de eso fue instigado
por mí. Nosotros no le dimos manija a eso
del britpop.
¿Fue todo creado por los medios?
- No, los de Blur estaban determinados a
aparecer en los charts y nosotros estabámos
cansados de tener que reacomodar nuestras
cosas por eso. Así que dijimos “A la mierda,
si va a pasar, que pase”. Con Liam ahora,
sí, es como que… digo, si él está cómodo
haciendo lo que hace, ¿qué podemos hacer?
Porque yo estoy más en la mía, sentado y
haciendo mis putas cosas. La ironía es que
él está allá haciendo mis cosas también.
¿Entendés lo que digo?
Dio la casualidad de que estos dos
álbumes salieron a la venta al mismo
tiempo. Va a ser todo un tema otra vez.
- Sí, para la gente. No para mí, debo decir.
Solo escuché Wall of Glass de su disco,
y pienso que lo que yo hice en una hora de
estudio va a ser mejor que cualquier cosa
que haga él en dos años. Así que, si hay algo
en su disco que remotamente supere los
primeros 30 segundos del mío, me voy a
sacar el sombrero. No pienso que ninguno
esté acomodando sus cosas, pero las mías
estaban listas, las de él también, y así se dio.
Y ahora supongo que va a ser interesante
para la gente de NME, que parece estar manejándolo.
A mí me importa un carajo. Sé
que el disco que saqué está bueno, y es todo
lo que me interesa.
Volviendo sobre Blur, recientemente
te juntaste con Damon Albarn para
hacer la canción de Gorillaz We Got
the Power. Por supuesto que trabajaste
con Paul Weller y con Johnny
Marr anteriormente y en Who Built the
Moon? ¿Hay algún otro artista con el
que te gustaría colaborar en el futuro?
¿Quizás un supergrupo?
- Estoy completamente abierto a las ofertas.
Me encantaría armar un supergrupo.
Lo gracioso es que cuando Pharrell hizo Get
Lucky y Happy, estábamos en una ceremonia
de premios. Yo estaba con mi esposa y
él con la suya, y él dijo algo así como “Sabés,
cuando estés listo, llamame. Tenemos
que hacer algo”. Y yo medio que me reí. “Sí,
dale, dale”… Y cuando estábamos saliendo,
mi esposa me preguntó: “¿Lo vas a dejar
pasar así nomás?”. Y yo le contesté: “No
quiso decir eso”. Y me dijo: “Sos un idiota”.
Me encantaría trabajar con él. Así como Get
Lucky y Happy están buenas, esa canción,
Freedom, es todo. Él es el rey.
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TAG Heuer celebró la invasión de Art
Basel con Alec Monopoly
El artista callejero pintó en directo en la boutique de TAG Heuer, en una performance para su edición limitada del
Connected Watch. Miley Cyrus, Snoop Dogg e Iggy Azalea, entre otros, coleccionan sus obras.
tag heuer celebró la miami art week con
el artista y embajador de la marca, Alec Monopoly.
El 6 de diciembre, la marca de relojes
suizos arrancó la semana con un cóctel en la
boutique TAG Heuer, situada en el corazón del
Distrito del Diseño de Miami. Durante la velada,
Alec develó su nueva obra de arte, que decora
la fachada del edificio.
El famoso artista callejero mantiene el anonimato
al portar siempre un sombrero y llevar
la cara oculta tras una bandana. “Cuando comencé
en este mundo, pintaba grafitis en Nueva
York. La ciudad era una increíble fuente de
inspiración”, le contó Alec a Billboard. Tras la
crisis del 2008, se vio obligado a mudarse a Los
Ángeles, donde continuó desarrollando su arte.
“Les gusta, piensan que es especial. Quizás ven
todas mis obras en Los Ángeles y quieren un
pedazo de eso en su casa”, contó sobre los músicos
y actores que adquieren sus trabajos. Miley
Cyrus, Snoop Dogg, Benicio del Toro, Seth Rogen,
Robert De Niro e Iggy Azalea son algunos
de ellos. Además, en 2013 pintó un mural en
vivo para la película de Justin Bieber.
El jueves 7 de diciembre, Alec Monopoly representó
una invasión artística del hotel Fontainebleau,
escalando una pared de 12 metros en la
parte delantera del edificio para crear una instalación
única con el logotipo de TAG Heuer y Mr.
Monopoly, el personaje de quien el artista tomó
su pseudónimo.
“Estoy encantado de haber vuelto al Art Basel
Miami y conmemorar el primer aniversario
de mi nombramiento como Provocador del
Arte para TAG Heuer”, declaró Alec. Christian
Weissbach, presidente de TAG Heuer Latinoamérica,
añadió: “En orden de captar mayor
público y más joven, necesitábamos ser más
amplios y disruptivos. ¿Y quién más disruptivo
que Alec? La manera en que hace su trabajo es
realmente inspiradora”.
En la actualidad, J Balvin, David Guetta
y Martin Garrix son los embajadores de la
marca de relojes suizos en la industria de la
música. “Representan los valores de la marca y
es una manera en la que podemos acercarnos al
público millennial”, dijo Weissbach.
EUGENE GOLOGURSKY
46 BILLBOARD | ENERO, 2018

Sparks
“ Somos capaces de poner nuestra
música en cualquier contexto”
Desde los 70 hasta hoy, los hermanos Russel y Ron Mael piensan en la reinvención como
principal estímulo compositivo. Lanzaron Hippopotamus en septiembre y no descartan
volver a trabajar con Franz Ferdinand.
POR MATÍAS AYERZA
GENTILEZA ULTRAPOP
definir el sonido de sparks sería, más que
arriesgado, pretencioso. En cada nuevo álbum
que publican, los hermanos Russel y Ron Mael se
ocupan de romper con cualquier atisbo del lugar
común que surja de su propio –y extenso– pasado.
Sin embargo, hay pistas que nos podrían
orientar, sobre todo a los jóvenes que quizás
nunca los oyeron nombrar, a pesar de que el dúo
está a la vanguardia de todo lo referente al new
wave, el synth pop y el glam.
Con un puñado de discos rupturistas como A
Woofer in Tweeter’s Clothing (1972) o Kimono My
House (1974), Sparks tiene motivos para despertar
interés en cada cosa nueva que hace. En 2015,
encontraron nueva audiencia gracias al trabajo
en colaboración con Franz Ferdinand que llevó
el título de FFS. Y en 2017 volvieron a publicar
un LP por su cuenta después de ocho años. El
resultado fue Hippopotamus, su 23º disco de estudio.
“A esta altura de nuestras carreras –dice el
cantante Russel Mael por teléfono– sentimos la
obligación de hacer música moderna, vibrante,
provocativa y que mire hacia adelante”.
Ustedes siempre se preocuparon por renovarse
desde lo artístico. ¿Qué aspectos
cambiaron en el proceso creativo después
de tantos años?
- La sensibilidad siempre estuvo cerca de Sparks.
Eso no cambió nunca. Pero creo que ahora tratamos
de buscar nuevos ángulos para seguir estando
frescos en lo que hacemos. Las letras de Ron y mi
voz siempre están dadas, pero después tenemos
que buscar formas renovadas de presentar esos
elementos. Hacer eso lleva mucho tiempo, pero
estamos realmente motivados. Vemos que muchas
bandas de gran pasado se ponen un poco vagas y
desprolijas, y tienden a reciclarse, a perder la pasión.
Nosotros estamos siempre batallando para
que nos escuchen, y nos sentimos bendecidos por
eso, porque nos obliga a seguir tomando desafíos.
¿El álbum que hicieron junto a Franz Ferdinand
les permitió llegar a nueva audiencia?
- Nos dimos cuenta de que el público de ambas
bandas era compatible, aunque ese no fue el motivo
por el cual hicimos el proyecto. Nos sirvió para
acceder a personas que de otra forma no hubieran
escuchado a Sparks. Así que sí, fue de mucha
ayuda en ese sentido, y al mismo tiempo para nosotros
fue muy exitos en términos musicales. Salimos
de gira con ellos por todo el mundo, aunque
desafortunadamente no pudimos ir a Sudamérica.
¿Podremos esperar otro álbum con ellos?
- Es difícil decirlo, porque la novedad de la
idea fue tan fuerte que ahora no sabemos el impacto
que podría tener si lo repetimos. Obviamente
es algo que está en la mente de ambas
bandas, y veremos qué dice el tiempo. Pero por
ahora ambos estamos haciendo nuestros propios
proyectos, así que nosotros nos encontramos enfocados
solo en Sparks.
Durante su carrera han trabajado con grandes
productores como Todd Rundgren,
Tony Visconti o Giorgio Moroder. ¿Por
qué Hippopotamus decidieron hacerlo
ustedes mismos?
- Por suerte pudimos aprender de todos ellos;
con el tiempo adoptamos sus técnicas y su conocimiento,
así que nos centramos en lo que queremos
realmente desde lo musical, y ahora tenemos
nuestro propio estudio en Los Ángeles.
En la actualidad es muy común que los
grupos que hacen pop mezclen distintos
estilos. ¿Considerás a Sparks pionera en
ese sentido?
- Creo que sí. Lo que nos permitió explorar
en tantos estilos es que nunca estuvimos atados
a nada. Somos capaces de poner nuestra música
en cualquier contexto. Si tuvimos que tocar con
una orquesta, lo hicimos. O explorar con la electrónica,
también. O incluso ir con un formato
de rock más típico. Esa flexibilidad tiene que ver
con nuestra predisposición a involucrarnos en
cualquier tipo de proyecto. Eso nos dio fortaleza
y terminó siendo el núcleo de la banda. No hay
reglas ni límites.
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BANDALOS
CHINOS POP SIN
CONVENCIONES
Un sexteto viene empujando hacia arriba desde hace ocho años con una fórmula
pop que remite a los 80, pero se aleja de los lugares comunes
POR PAULINA RICCI
Q
—¡¿qué es eso!?
La vestuarista de Bandalos Chinos
interrumpe la charla entre el
cantante Goyo Degano y esta periodista.
No mira a ninguno de los dos.
Sus ojos se clavan en un detalle: las
medias amarillas y rojas se asoman,
cobardes, por debajo del pantalón
de Goyo para después volver a esconderse
en las zapatillas.
—Te dejé unas botitas divinas
preparadas —le dice al vocalista, y
da media vuelta para retirarse.
Días después, la situación no causará
más que risas. “Parecía Ronald
McDonald. Caos, muerte, miseria.
Encima no combinaban con la remera”,
recordará la estilista. No es
una mera anécdota. Las medias son
la metáfora que explica la rebeldía
y los deslices voluntarios que ahora
se permiten los Chinos. “En otro
momento, nos enroscábamos muchísimo
en la armonía. Buscábamos
la manera de que no sonara cheesy,
trillado, ni tan pop. Hoy, si nos salen
tres acordes que son los típicos, nos
animamos a usarlos. Los incorporamos
desde otro lado”, sostiene Goyo.
Algunas horas más tarde, tras
haber presentado el videoclip
de Dije tu nombre en los estudios de
Tastemade Argentina de Palermo,
el frontman –con botas de cuero
marrón– se para junto a Iñaki Colombo,
Tomás Verduga (ambos en
las guitarras), Nicolás Rodríguez del
Pozo (bajo), Salvador Colombo (sintetizadores
y teclados) y Matías Verduga
(batería) para ametrallar al público
con su pop ochentoso. Mientras
tanto, un pibe que camina por la
vereda que bordea el edificio se saca
sus auriculares, se detiene frente a la
puerta y agudiza el oído. “¿Quiénes
son?”, pregunta. Alguien le responde,
y entonces el joven se desvía de
su camino y entra en el alborozo
de “la chinada” –como se hacen llamar
los seguidores más fieles–.
“Si bien hay dos pares de hermanos,
el resto no tenemos vínculos
directos de sangre. Aun así, es una
familia, nuestra relación es de hermanos.
Aprendimos a correr el ego
y a laburar en equipo. Confiamos
en que la decisión del otro es la mejor.
Todos apuestan al proyecto desinteresadamente”,
explica Goyo. Y
no se refiere solamente al trabajo de
la vestuarista; Bandalos Chinos dispone
una cancha sin réferi para jugar:
Tomás Terzano en la dirección
artística, los Colombo en la producción
y Matías en la técnica de shows
y el montaje de escenarios.
Peter Lanzani también es un leal
colaborador. Comenzó ayudándolos
como plomo –de hecho, todavía
lo hace– y terminó actuando en el
más reciente corto. “Mientras hicimos
el video, yo estaba ensayando
para una obra de teatro, El emperador
Gynt. Ahí encarno a 14 personajes,
y como es un unipersonal, no
tuve muchas imágenes u otros actores
en los que apoyarme. Así que
recurrí a la memoria emotiva. Y la
música de los Chinos me ayudó
mucho, me despierta la creatividad.
Ponía sus canciones cuando repasaba
el texto”, dice Peter.
Los estrechos y lóbregos pasillos
del Polo Cultural Saldías tercamente
se bifurcan en otros, que tercamente
se bifurcan en otros. El espacio es el
mismo donde el Flaco Spinetta ensayó
el concierto de las Bandas Eternas
para Vélez, en 2009. Allí, en la sala
43, Bandalos Chinos está gestando
su sonido: en su último EP, En el
aire (2016), los sintetizadores punzantes
y las guitarras impalpables tejen
los ecos de Phoenix, Genesis,
Gustavo Cerati, Charly García y
Virus en clave pop deforme, bailable
y acicalado. Las letras, en apariencia
sencillas, conviven con los arreglos
obsesivamente prolijos de la orquestación,
a la vez que la voz tersa pinta
paisajes quiméricos. ¿Su jaque mate
predilecto? Puentes musicales que
desafían la duración, la ubicación y
los matices de lo que el oyente está
preparado para atajar. Esas son las
cartas que el grupo mostró en las
seis fechas que hizo por mes desde
julio hasta octubre, y que fueron 41
al terminar en 2017.
“Estamos renacionaleros. En los
temas nuevos del vivo, metimos un
saxo [de la mano de Pablo Vidal,
de El Kuelgue], que es algo muy
arraigado a nuestra cultura. Hace un
tiempo, éramos repuristas, ni a palos
poníamos un viento. De a poco nos
vamos soltando de esas cadenas. Me
encanta la cara de la gente cuando el
chabón está con el saxo y ¡pum!, se
lo clava en el corazón”, agrega Goyo.
Sin embargo, desconocen qué
dirección tomarán con el próximo
álbum. “Estamos entregados. Los
seis vamos a entrar a un estudio y
ver qué pasa –asegura Tomás–. Somos
muy inquietos, por eso creo que
no somos conceptuales. Nos cuesta
aferrarnos a cualquier cosa y dejar
nuestra música estática. Buscamos
que no se nos imponga nada a la
hora de crear”.
¿Y su relación con la industria?
- Goyo Degano: Creemos que
de alguna manera podemos seguir
laburando como venimos, independientes.
Nos encontramos un poco
distantes de la industria, porque no
nos llegan buenas propuestas.
- Tomás Verduga: Estamos abiertos
a escuchar diferentes opciones,
no siempre la misma propuesta que
viene haciéndose en el rock desde
hace 20 años. Si es lo que nos dicen
a nosotros, no entiendo cómo alguien
la agarra.
Una tarde de 2009, chicos que
rondan los 18 años coinciden en
una casa de Santa Bárbara, en Tigre.
Es el primer ensayo oficial, y lo inauguran
con un tema inspirado en
el libro chino taoísta El secreto de
la flor de oro; suenan los primeros
acordes de Durazno sangrando, y
los pibes vaticinan lo que vendrá:
el fruto sí estaba prematuro, pero
había alma, y el pacto chino estaba
sellado con sangre.
Ese encuentro derivó en un álbum
homónimo (2012), y después
de algunos cambios en la formación
–en 2013 Nicolás sustituyó al
anterior bajista y entró Salvador−,
en dos EP: Nunca estuve acá (2014)
y En el aire (2016). En un repaso
con atajos, también derivó en una
participación en el Lollapalooza del
año pasado, un Niceto Club sold
out autogestionado, un festival propio
en ese mismo lugar de Palermo,
la inclusión de su nombre en la mayoría
de los festivales nacionales, un
millón de reproducciones de Isla en
Spotify, giras por Buenos Aires,
Santa Fe, Córdoba, Mendoza y Misiones,
y ponderaciones varias,
como los buenos gestos de figuras
como Juliana Gattas o Abel Pintos,
quien compartió en su Instagram la
canción El verano.
EN LA OTRA PÁGINA: LEANDRO FRUTOS
48 BILLBOARD | ENERO, 2018

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E M M A N U E L
HORVILLEUR
“Quiero mezclarme con
distintas generaciones”
50 BILLBOARD | ENERO, 2018

En el marco del Mustang Experience, un roadtrip que llevó a los autos insignia de Ford desde Buenos
Aires hasta Punta del este en Uruguay, el integrante de IKV presentó por primera vez su nuevo single
El hit y anticipó un 2018 donde se dedicará a retomar su carrera solista, lanzar nuevas canciones y curar
un festival de artistas emergentes. “Estoy buscando bandas y artistas nuevos para armar el lineup
de un festival que por ahora se llama Calorama”, aseguró mientras se prepara para presentarse en
Lollapalooza junto a Mariano Domínguez en bajo y Matías Rada en guitarra. “Tocar con ellos hace un
poco más difícil que extrañe a los Kuryaki”.
POR JOTA AYERZA Y SANTIAGO TORRES
CLAUDIO ARENA
los métodos para componer hits
son misteriosos y diversos. Es difícil
imaginarse a Charly García
y Max Martins (Backstreet Boys,
Britney Spears, NSYNC, Taylor
Swift) coincidiendo en la forma de
escribir una canción. Emmanuel
Horvilleur también tiene su fórmula,
que tanto con IKV o de manera
solista le ha funcionado para
sonar en radios, boliches y celulares.
“Cuando hice mis canciones
más hiteras, estaba jugando”, admite
el músico de 42 años. “Mismo
la frase ‘Yo nunca perseguí
el hit’ me salió jodiendo”, explica
refiriéndose a su último single,
justamente titulado El Hit. La frase
nació mientras Emmanuel estaba
de gira en Europa, cuando coincidió
una noche con Didi Gutman
y Rafa Arcaute en Madrid. “Didi
puso un loop de fondo, y buscando
una melodía me salió la frase.
Nos reímos, pero al principio
quedó ahí”, recuerda. Unos meses
después, el integrante de Brazilian
Girls viajó a Buenos Aires y los
tres retomaron el trabajo en el estudio.
“Estábamos grabando otro
tema, cuando terminamos, Didi le
dio play al loop madrileño, yo recordé
la frase y tres horas después
teníamos la canción”.
¿Hay una persecución inconsciente
del hit en los artistas?
– No, es consciente. Hay fórmulas,
y no se puede salir mucho de
ahí. En algún punto, uno siem-
pre busca el hit personal, es decir,
la canción que más lo represente.
Que sea lo más redonda posible en
cuanto a concepto, idea y música.
Esta canción apareció mientras jugábamos.
En definitiva, uno quiere
que lo quieran, es un poco lo que
les pasa a todos. Parte de la violencia
o de las cosas malas de lo que
pasa, aunque suene naif, es la falta
de amor. Entonces sí, cobra sentido
la frase “yo solamente buscaba gustarte
a ti”. En la música hay de todo,
pero uno realmente disfruta cuando
logra una conexión con el otro,
yo busco esa complicidad.
Horvilleur tocó por primera vez
su nuevo single de manera íntima
y acústica y además se reencontró
con su repertorio individual. No
como, Radios, Tu hermana o Llamame
formaron parte de un set
que fue disfrutado en el exclusivo
resort Casa Suaya de José Ignacio
por unos pocos privilegiados
como Fernando Ruíz Díaz -quién
también tocó covers y temas propios-,
Sebastián Wainraich -Metro-,
Bebe Contepomi -La Viola-,
Tuti Gianakis -Revista Remix-, la
actriz Male Sánchez, Mikki Lusardi
-MTV- y otros líderes de opinión
en un homenaje al auto que
se convirtió en leyenda gracias al
cine y la música. “Estoy contento
con esta experiencia, el Mustang
es una gloria y lo disfrutamos mucho.
Yo tuve uno azul como el de
Morrison, pero lo vendí y ahora
quiero uno de los nuevos”, compartió
con cierta nostalgia.
Es la primera vez que el autor de
Amor en polvo entrega un sencillo
sin tener terminado el álbum que
lo contendrá. “Es divertido, me habían
advertido que funciona como
un allanador de caminos, algo así.
No es que ahora intente hacer todas
las canciones iguales, pero sí,
naturalmente uno empieza a descartar
cosas”, comentó. El trabajo
se espera para el segundo trimestre
de 2018 y tendrá once canciones.
“Antes hacíamos los discos ocupando
la cantidad máxima de minutos
disponibles”, recordó sobre
sus primeros años rapeando con
Dante Spinetta. Y pone de ejemplo
a Horno para calentar mares, que
contiene 17 canciones.
Este año habrá poco Illya Kuryaki
& The Valderramas. Aunque no se
separaron, tanto él como Dante se
concentrarán en sus propias carreras.
Su hermano postizo acaba de
lanzar Puñal, un álbum tan personal
que ni siquiera Horvilleur se puede
visualizar dentro de él. Ya durante
el 2017 y de gira en formato banda,
cada uno comenzó a trabajar en sus
nuevos álbumes. “Estuvimos todo el
año grabando, pero sin apuro; decidí
hacerlo con calma para disfrutar
cada minuto con mayor intensidad.
No estuvimos más de cuatro días seguidos
en el estudio. Lo que se viene
está muy bueno”, adelantó.
¿Cómo hacés para llevar adelante
estas dos vidas paralelas?
- Esta nueva etapa sirve para
concentrarse más en lo de uno.
En los primeros diez años que fui
solista tuve un hijo, ¿entendés?
Soy tu nena empezó con esa cosa
dualista de alguien queriendo
conquistar una chica y terminó en
un niño, para mí el chiste es muy
serio. Uno puede tener una visión
irónica y no por eso carece de
peso. Para mí, todas mis canciones
tienen peso porque las hice con
mucha cabeza y les brindé todo
de mí. En ese tramo solista dejé
de tocar de manera internacional
pero me subí a micros y recorrí
toda la Argentina. Volver a eso es
emocionante, recibí muchos mensajes
con buena onda en las redes.
Hay muchas colaboraciones
que eran impensadas dando
vueltas. ¿Tenés alguna intención
de trabajar con algún
artista internacional?
- Yo creo que esas puertas se
abren cuando lo tienen que hacer…
el momento llega. Si me preguntás
ahora si quiero hacer una
canción con Pharrell, me encantaría,
obvio [risas]. Pero estos años
con IKV hemos hecho colaboraciones;
por ejemplo, con Miguel, a
quien con Dante también hemos
ayudado a traducir sus canciones.
En este disco seguro habrá alguna
participación. Yo tengo ganas de
mezclarme con las nuevas generaciones,
de habla hispana o de
donde sea, y si se da con las generaciones
de más arriba, también.
Me encantaría hacer algo con León
Gieco, que es amigo de la familia,
además de una persona brillante.
El futuro mío tiene que ver un
poco más con eso, con lo tropical,
donde podemos disfrutarnos unos
con los otros en el plano musical.
Se nota que disfrutás de la
vida. ¿A quién le agradecés
todo lo que te pasa?
- Soy un agradecido de muchas
cosas. Vivo pensando en lo que
me pasa y agradezco a muchas
personas. No solo a Dios. No es
que tenga miedo a decirlo, pero
no es desde un lado religioso. Dios
viene más a mí desde el lado de las
energías. Pero hay un montón de
gente que está ahí sumando, todo
lo que uno hace es compartido.
Todos los años de Kuryaki fueron
muy disfrutables, con la banda entera
y las giras… Quiero esa vida y
creo en esa vida. Disfruto mucho
el hecho de hacer música y que le
llegue a la gente. Esta oportunidad
solista va a potenciar todo eso y
está buenísimo.
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Realidad
aumentada
Con su nuevo álbum, Cristales de tiempo, el compositor y productor discográfico
indaga en la posverdad mientras se encamina hacia las seis décadas de vida. “El
valor está en el gasto del cuerpo, que se ve en el vivo”.
POR SERGIO MARCHI
para daniel melero, los discos
tienen que ser vehículos. “Un disco
no debe tener un recorrido como
un tren que tiene un destino –teoriza–;
muchos discos son así, tienen
un solo grado de lectura. Pero a
mí me agrada que, más allá de mis
intenciones, un álbum sirva para
tener la posibilidad de un viaje
diferente en cada persona que lo
escucha. Mi idea es que con este
disco puedas ir a donde quieras”.
Con ese permiso, Cristales de tiempo
le abre el camino a cualquier
oyente que lo aborde para diseñar
el recorrido que la escucha le sugiera.
Se lo puede ver como una obra
conceptual o como un compendio
de canciones extrañas, que van
de lo estrictamente “cientificista”
(Guante perdido, Viaje peligroso) a
recortes personalizados de personajes
tan mundanos que se vuelven
viñetas pop (Así asá, Disfrutar).
La producción de Daniel Melero
se ha incrementado en los últimos
años con discos propios, como Atlas
(editado en 2016, casi una colección
de simples), o en colaboración,
como Cutaia Melero (2014),
que quizás tenga una secuela. Sin
embargo, más que a la producción
en serie, Melero le ha abierto las
puertas a su propio eclecticismo, y
Cristales de tiempo es un buen reflejo
de todo lo que puede abarcar sin
perder coherencia. “En este disco
–continúa el artista–, todo está más
diluido, y eso me atrae, porque a
esta altura, salvo que sea una melodía
irresistible, no me atraen las
canciones donde estoy adivinando
lo que va a suceder. Es algo que
también le exijo a la música que
escucho; me atrae ese tipo de artista
que, más allá de decirte algo,
cambia. O aquel que se desdice de
lo que dijo anteriormente, eso es
mucho mejor en el campo del arte.
La coherencia debería ser algo para
los políticos”.
Con pasión didáctica, Daniel explica
que los “cristales de tiempo”
son “nuevos estados de la materia”
y que el juego de este álbum es meterse
con “cosas que damos como
ciertas, pero que en verdad son
creencias”. Viaje peligroso, la primera
canción del disco, aborda la expedición
de Ernest Shackleton en la
que se propuso cruzar la Antártida
a través del polo sur. Sin embargo,
terminó quedando aislado durante
dos años. Milagrosamente, la tripulación
logró el regreso sin lamentar
muertes (salvo los perros, que tuvieron
que ser devorados), pero no
sin atravesar peripecias de un dramatismo
infernal. Melero aborda
esa historia por el lado de la fisura
informativa. “En primer lugar, me
nutro de Internet, que es una fuente
de información falaz. La historia
arranca con una serie de mentiras
que se van transformando en reales.
Shackleton declaró en serio que lo
perseguían gaviotas fluorescentes
–mencionadas en la letra de Viaje
peligroso–, y después se comprobó
que cuando hay fuegos de San
Telmo (fenómeno óptico provocado
por la súbita ionización del aire), las
gaviotas adquieren esa luminosidad.
Lo más interesante es que, con
los años, todo lo que parece un delirio
puede tornarse cierto”.
Para corroborar la teoría de
Melero, solo hay que conectar sus
palabras con un hecho trágico de
la realidad reciente: la desaparición
del submarino ARA San Juan. Escuchar
Viaje peligroso con ese otro
drama en la cabeza puede despertar
algunos fantasmas. “Sí, creo que
hay una conexión, pero el tema yo
lo compuse un año antes y además
siempre hay una canción que encaja
con algo. Por ejemplo, cuando sonaba
en las radios No dejes que llueva
[si Melero tuvo un hit, fue esta
canción de 1988], se produjo una
enorme sequía en la llanura pampeana.
Lo cómico es que cuando
presenté mi disco Conga en la calle
Corrientes, se desató un temporal
que no permitía siquiera cruzar la
calle para entrar al teatro”.
Otros temas que determinan las
características oceánicas de este
flamante trabajo de Melero son
Guante perdido y MK Ultra, ambos
RODRIGO OTTAVIANO
52 BILLBOARD | ENERO, 2018

basados en hechos reales. “El guante
perdido existe y orbita la tierra;
en la primera caminata lunar, a un
astronauta le molestó un guante y
lo arrojó al espacio. Entonces yo lo
tergiverso cayendo a la Tierra, lleno
de bacterias espaciales. MK Ultra
fue un proyecto de lavado de cerebro
que implicó secuestrar gente y
mandar a fabricar 37.000 dosis de
ácido lisérgico para hacer experimentos.
Lo que tiene Internet es
que hay tantos estudios de todas las
cosas que nadie puede hacer un
relevamiento veraz; entonces podés
encontrar que algo es sanísimo
y a su vez pésimo para la salud,
en estudios científicos, pagos por
alguna empresa, que coinciden en
fecha. Ahí te das cuenta de lo que
es la batalla de la información para
controlarnos. Y yo disfruto mucho
de ver eso”.
La información tergiversada, núcleo
discursivo de Cristales de tiempo,
también se le aplicó al propio
Melero, que en años recientes pudo
viajar con su música y su banda al
exterior y al interior de la Argentina.
Confiesa que en Latinoamérica
lo ven “sobredimensionado”.
“Ven algo que no se corresponde
con mis intenciones, pero también
uno comprende que la distancia
imprime su misterio sobre las cosas.
Sorprendentemente, en Colombia
y en México por momentos parece
que fuese más conocido que acá.
No de fama, sino de conocimiento,
con la misma avidez con la que nosotros
conocemos la música inglesa,
por decirte algo. Con los años he
ido también mucho al interior. Me
transformé sin querer en un frontman
y evolucioné también dentro y
fuera de lo joven. No intento ser jovial
en ningún momento; hay cierto
patetismo en ciertos artistas de mi
edad que intentan ser joviales. Creo
que el valor está en el gasto del
cuerpo, que se ve en el vivo”.
En este flamante 2018, el 12
de enero, Daniel Melero cruza el
equinoccio de sus 60 años. ¿Qué le
provoca el número? “No me hace
ruido, yo siento que había cumplido
60 años mucho tiempo atrás. Los
40 me preocuparon, porque noté
un cambio de metabolismo; antes
te hacías un raspón y a los cinco
días no había nada. Ahora no es así.
Todo es más lento. Pero me parece
que… ¡llegué!”.
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53

La fantasía
según Bicicletas
El quinteto grabó su nuevo álbum, Dos lunas, inspirado por la novela La invención de
Morel, de Adolfo Bioy Casares. “La banda tiene un monstruo que se despierta de vez
en cuando”.
POR ILÁN KAZEZ
en 2014, bicicletas fue convocado
a participar de Literatura que
suena, un compilado que transformaba
a grandes clásicos de la
literatura argentina en canciones
roqueras. Su encargo fue La
invención de Morel, emblemática
novela de Adolfo Bioy Casares, y
produjo algo en el quinteto. “Nos
dio una plataforma para reinventarnos.
Toda la cosa de realismo
mágico que la banda siempre tuvo,
por algún motivo surreal, se manifestó
más evidente con esa canción
–explica el baterista Mariano
Repe tto–. Es como que la banda
tiene un monstruo que se despierta
de vez en cuando. Tenemos una
voluntad y una necesidad de que
cada disco sea distinto al otro. Para
que eso pase, deben pasar miles de
cosas en el medio. Esa canción nos
permitió lanzarnos al futuro”.
Con el monstruo despierto, Bicicletas
encaró lo que sería su cuarto
disco. Pero no fue fácil: debieron
enfrentar embrollos internos y permitir
que las canciones encuentren
su cauce. Tres años después llegó el
resultado: Dos lunas, publicado en
noviembre pasado. Sus canciones
se encuentran atravesadas por varios
rasgos en común: desde el lado
lírico, están marcadas por fábulas y
ambigüedades inspiradas en la obra
de Bioy Casares. “La canción Dos lunas
habla de eso. No usé las mismas
palabras que Bioy Casares, pero sí lo
leí y después la escribí –explica Julio
César Crivelli, voz de la banda–. La
canción habla sobre La invención de
Morel en el sentido de lo proyectado,
de lo virtual, de lo que creés que
es real, pero no lo es, de la dualidad
falso/verdadero, hipocresía/
verdad, donde A y B son correctas.
En el resto de las canciones también
se habla de eso. Hay algunas que lo
hacen de forma más evidente, como
Miente. En Buey, el primer tema, ya
se habla de una fiesta en la que supuestamente
está todo bien, donde
la gente sonríe solo para la cámara.
Todas las canciones tienen como
una pequeña contradicción que
hace que uno piense ‘¿será que A y B
son correctas?’”.
A nivel sonoro, el álbum mantiene
la esencia psicodélica y de space
rock que siempre caracterizó a la
banda, pero esta vez tamizada por
texturas electrónicas y el protagonismo
de los sintetizadores. “Es un
disco de laboratorio”, define Crivelli.
“El disco se armó en algunos ensayos,
se grabó la batería, y después
entramos en un lugar más experimental.
Ahí empezamos a jugar en
el estudio. El desafío pasaba por ahí:
cómo reinventar esto”, añade el guitarrista,
Federico Wiske.
Sin embargo, el plan no fue siempre
el mismo. Después de juguetear
con el pop radial en su antecesor,
Magia amor locura animal (2013),
la banda apuntaba a un retorno
a las raíces. “Yo tenía una meta
con este disco, que fue cambiando
–confiesa Crivelli–. Andaba
con ganas de hacer un disco bien
bicicletero, de volver a la esencia
psicodélica y roquera. Con el pasar,
se fue incorporando un elemento
de música electrónica que siempre
estuvo, pero era un pequeño condimento.
Al final terminó pasando
algo que es superador de lo que yo
venía pensando. Se nota que es un
disco de Bicicletas, pero incorpora
algo más, una instrumentación que
funciona como si estuvieras en una
nave espacial”.
A pesar de que esté centralizado
en los teclados lumínicos, la banda
tiene reparos en definirse como
pop. “El hecho de que haya sintetizadores
no hace pop al disco. De
hecho, tiene una energía bastante
oscura”, indica el guitarrista. “¿Bicicletas
es una banda rock o es una
banda pop? No sé, si nos ponen en
un festival con bandas pop, quedamos
fuera de eje. Medio que estamos
en Corea del Centro”, agrega
entre risas el baterista.
Esa falta de etiquetas le presenta
a la banda al mismo tiempo el
desafío y la oportunidad de encarar
algo renovador. “Si vos hacés blues,
reggae o algo muy particular, hay
un camino desde donde arrancar.
Como nosotros somos la ancha
avenida del medio, no tenemos algo
previo. Cada tema te lleva a un lugar
loco y único”, señala el tecladista,
Ignacio Valdez. “Es parte de
nuestra idiosincrasia como artistas.
Si decís que sos de un color pleno,
a veces creés que va a venir todo de
ese color. Siempre creímos que eso
nos iba a frenar y no nos iba a permitir
ser universales”, añade el bajista,
Agustín Pardo.
Bajo este afán de escaparles a las
etiquetas y jugar con su estilo muy
particular, Bicicletas ya lleva más de
15 años de carrera. ¿Cuál es su lugar
en la escena roquera? “Hace poco
veía una nota de 2009 que nos ponía
como ‘los hijos del rock alternativo’,
como los hijos de Babasónicos.
Nos veíamos como que estábamos
haciendo una línea de vida hacia
ahí, más hacia los 90. Después, en
un momento tiramos una línea más
a los 60 y 70, como Manal, con esa
cosa de blues. Ahora, hay una onda
de bandas que quieren riffear con
sintetizadores y violas, y creo que
todos deberíamos comer en la misma
mesa”, apunta Repetto.
Con la búsqueda de un rock de
corte más global, durante la primera
década del siglo XXI se posicionaron
en un lugar destacado de la
escena independiente. “A nosotros
nos pasó de todo”, dispara entusiasmado
el baterista. “Tocar con Roger
Waters o los Arctic Monkeys...y no
sabés si es la vida o es una proyección.
En San Juan hay un lugar que
se llama Madera, que es como la roquería
de ahí, y tiene pintada en la
pared un arte de un disco nuestro, y
ni siquiera habíamos ido. Después,
un chabón que tocaba en L.A. Guns
hace el cover de Araña negra, un
tema nuestro, y nos enteramos por
mail. O ir a tocar al Parque Centenario
y ver a una banda de percusión
en la que todos sus miembros
tenían en su remera el arte de nuestro
disco. Hay capítulos judiciales
también. Nos pasaron miles de cosas
muy extrañas. Son las mil vidas
de Bicicletas”.
“Hay como una profecía. No sé
bien qué es. Algo que todavía no
está pasando, pero va a pasar”, dice
Repetto, medio en chiste, medio
en serio. “Por eso, en La invención
de Morel, el tipo veía dos soles o
dos lunas. Uno era el que estaba y
el otro era el proyectado”, agrega el
cantante, y concluye riéndose: “A
nosotros tal vez nos pasa eso. Nos
encontramos acá los cinco y siempre
estamos viendo la proyección,
donde nos imaginamos todas nuestras
fantasías roqueras. Algunas ya
se cumplieron”.
EUGENIO MAZZINGHINI
54 BILLBOARD | ENERO, 2018

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Emergentes
Río Pardo
El proyecto marplatense publicó su primer disco y
confirmó el legado nostálgico del rock y el pop de Mar
del Plata. En paralelo, Vuelta al sol (Desde El Mar Discos,
2017) exhibe un vínculo directo con la psicodelia 2.0
propia de referentes como MGMT o Tame Impala.
hay algo ahí, sobre la costa,
con la inmensidad del Atlántico
como resguardo. Una suerte de espíritu
comunitario, de inconsciente
colectivo, que trasciende –incluso–
fronteras generacionales. Con Altocamet
como símbolo máximo, la
música marplatense ligada al rock
y al pop ha tenido en los últimos
años una multiplicación de agentes
que todavía hoy sostienen a “La
Feliz” como uno de los polos productivos
más vastos y heterogéneos
del mapa emergente nacional.
Con el sello Desde El Mar como
colectivo de identificación y producción,
muchos proyectos se
lanzaron a hacer y a publicar su
propia música sabiendo que no
estaban solos. Los Tantra, Luzparís,
Zoot o SLNT son, cada una con
sus particularidades, grandes referencias
de lo que puede suceder
cuando se alinean los planetas y la
gente se encuentra entre sí. Pero
también cada uno de esos casos
muestra cómo la música independiente
(sobre todo en la Argentina)
tiene sus tiempos, muchas veces
incompatibles con las prioridades
de la vida moderna e hipervincular.
Pese a todo, la idea de un
sonido propio, algo efectivamente
marplatense (con pulso británico y
nostalgia alternativa post-grunge),
encuentra su eco en una última
generación de músicos conectados
con el espíritu de renovación del
rock argentino contemporáneo.
En ese contexto surge Río Pardo,
un proyecto formado por músicos
que ya habían sido miembros de
otros grupos con cierta presencia
en el circuito de la ciudad. Un rejunte
de experiencias y golpes acumulados
que devino en una obra
consciente, pensada en cada detalle
desde lo sonoro y también desde
lo visual. La música de Río Pardo
es madura en su sentido más rico:
añeja, por herramientas acumuladas
en el tiempo; y espontánea,
por ser, más allá de todo, un flujo
experimental atravesado por la lógica
del pop.
Vuelta al sol, su primer álbum,
es un recorrido sinuoso a través
de una aventura de guitarras y sintetizadores
construida por Lionel
Quiroga y Nacho Bellusci. La base
formada por Maru Valdez Estrada
y Juan Francisco Macri refuerza el
pulso curvilíneo de las canciones
espectrales de este bólido retrofuturista.
Neopsicodelia y beats con
esencia pistera se dan la mano en
una música que transmite contemplación
y juega con la curiosidad
como premisa. La inclusión de un
remix del dúo electrónico Total Fatal
es, de hecho, una de las grandes
decisiones estéticas que confirman
el peso propio del disco. Un puente
hacia lo desconocido, pero con la
certeza de tener todas las herramientas
para enfrentar lo que sea.
Dat García
Como Charo Bogarin, de Tonolec, y también como Juana
Molina, la cantante de Monte Grande dibuja una silueta
maleable que reúne folklore, música electrónica, hip
hop y pop experimental. Su primer disco es sinónimo
de mestizaje entre lo local y lo global.
“una prueba fehaciente de que
la escena del folklore digital argentino
no baja el ritmo”, advierte el
material de prensa de Dat García,
artista perteneciente al catálogo
del frondoso sello ZZK Records.
Todavía hoy suena extraño definir
a una música con dos palabras tan
alejadas entre sí. “Folklore” y “digital”
parecen conceptos de mundos
diferentes, pedazos de universos
contrapuestos. Y, sin embargo, Dat
García los hace convivir de modo
natural y espontáneo, con la fluidez
de dos torrentes de información (y
herramientas) que se convierten en
un mismo río musical.
“No es necesario hacer música
en una casa de adobe en el medio
de La Pampa para sentir que es
folklore. Hay un montón de cosas
que hacemos con una carga de
tradición que no la vemos. Y son
muchas de la vida cotidiana, la
emoción, el sentir del pueblo”, explica
García, quien gusta por igual
del hip hop y de la copla, y lo deja
evidenciado en su música. En ella,
ambos (y muchos otros) lenguajes
se cruzan en los diferentes ritmos
disparados desde la computadora.
El beat programado y la mezcla de
registros le imprimen una mirada
urbana a la tradición argentina,
que en esta versión se nutre de
ritmo y color. Por encima de todo
ese entramado, la voz emerge con
su protagonismo variable y sus diferentes
intenciones.
Maleducada es el debut de Dat
García, una carta de presentación
con garantía del sello ZZK. Camino
sobre piedras, el primer sencillo,
plantea un vínculo imaginario entre
Massive Attack y Mariana Baraj.
A nivel sonoro, una línea vocal,
una melódica, un bombo o un charango
son recursos equivalentes en
el planeta que habita la música de
la artista bonaerense. El certificado
de calidad Chancha Vía Circuito,
definido por García como un “guía
amoroso”, confirma las credenciales.
Feliz cumpleaños muestra
varias caras de una artista con vocación
exploratoria. Miss Bolivia
y Thalía conviven en un horizonte
de referencias que mezcla pop, sabor
latino, cultura urbana y trance
folklórico. ¿Acaso la música no se
trata de jugar a lo imposible, aunque
sea en la elección de tal o cual
sonido? García parece experimentarlo
de esa forma, con la liviandad
de quien ha puesto todo al servicio
de la inspiración.
RP: SOFÍA MARCO SUBLANT. GENTILEZA FONSO. GENTILEZA DAT GARCÍA. RINCO: JULIETA REDONDO.
58 BILLBOARD | ENERO, 2018

POR JUAN MANUEL PAIRONE
Fonso
Desde Castelar, un gurú del sampler da forma
a un universo urbano, negro, nostálgico y
psicodélico. Todo eso en un disco de más de
90 minutos de música en forma de enciclopedia
digital e interactiva.
internet. la herramienta de
herramientas que ha venido a modificar
la vida humana de los últimos
20 años también ha cambiado
para siempre la percepción que
tenemos sobre la música, convertida
hoy en un contenido al que se
accede prácticamente sin limitaciones
de tiempo y espacio. La
historia es conocida y una de sus
consecuencias más románticas ya
ha sido multiplicada en artículos y
casos testigo: algún alma entregada
al arte crea, desde su habitación,
una música capaz de conectar
con miles y miles a partir de una
ingeniosa interpretación de toda
esa metadata disponible para ser
devorada desde YouTube o Spotify.
Fonso es, ni más ni menos, otro de
estos pequeños genios digitales con
sensibilidad atemporal.
Su segundo álbum se llama
Some Plays y fue editado por Yolanda
Discos en octubre. Aunque
el formato álbum no sea, quizás, el
más ajustado para describir a esta
atrapante amalgama de samplers,
mezclas e intervenciones en forma
de playlist. En el medio, canciones
que tienen funk, soul, electrónica
garage, pop, espíritu vaporwave
y mucha pero mucha inventiva
puesta en cada esquina. Influencias:
Primal Scream, INXS, Red
Hot Chili Peppers, Marvin Gaye,
Michael Jackson y más, ¡quién sabe
cuánto más! Fonso es un adicto a
cortar y pegar músicas de aquí y de
allá, técnica que aparece en cada
una de las 27 canciones del disco.
Con una hora y media de duración,
Some Plays se asemeja a
un recorrido aleatorio por buena
parte de las corrientes que dan
forma a la idea de rock y pop,
y su portada es una confirmación
de esa idea. Con referencias
musicales sampleadas gráficamente
para generar un diseño
inspirado en Sgt. Pepper’s, de The
Beatles, y también en Anderson
Paak, Fonso exhibe ahí mismo su
banco de sonidos y su universo
creativo. La imagen sostiene lo
que la música sugiere. Haciendo
foco en los pequeños detalles para
sostener la fluidez, Fonso utiliza
la línea de piano de Los dinosaurios,
de Charly García, pasa a una
intervención sobre la hinchada de
Boca y luego remata con un anuncio
tipo Sprayette marcando la
llegada a la mitad del disco. Pese a
la variedad de fuentes, nada parece
fuera de lugar. El flujo musical
resulta ser ese famoso “todo superior
a la suma de las partes”.
Rinco
El pop de Córdoba tiene en este joven grupo a una de
sus mayores promesas. Su primer disco sorprendió por
su madurez y sus canciones. El sonido y la frescura de
Adolescente elevan la vara de una escena marcada por
la ambición y la exigencia.
detrás de hipnótica, telescopios,
Juan Ingaramo, Francisca y
Los Exploradores o Valdes, una
nueva camada de músicos dice
presente en una escena cordobesa
que mantiene su peso propio y no
deja de recibir influjos de modernización
gracias a un circuito de
conciertos variado y cada vez más
permanente. Una segunda avanzada
artística que creció como
público junto al desarrollo de
grupos más afianzados y también
tiene un vínculo más cercano con
la música que hacen sus contemporáneos.
Rinco, por caso, es una
de esas bandas cuyos integrantes
dicen presente cuando Bandalos
Chinos vuelve a la ciudad y han
sido impactados por la locura escénica
de Louta.
Además, el grupo acaba de editar
uno de los discos más importantes
de 2017 de la mano del sello
independiente cordobés So High
Records. Adolescente, su primer
larga duración, muestra de entrada
un magnetismo tan fuerte como
indescriptible. Las canciones hacen
su camino y se suceden con gran
fluidez. Los estribillos, los arreglos
de guitarra y la preciosa base rítmica
flechan como Cupido. El amor
es, de hecho, uno de los temas
fundamentales de un disco que
muestra una personalidad artística
en pleno desarrollo, pero da cuenta
de una inquietud innata. Un dejo
al pop mexicano tan bien asimilado
por Indios y el reflejo mayor de
artistas como Babasónicos o Café
Tacvba manifiestan una vocación
por contar buenas historias en forma
de canciones provocativas. Rinco
lo consigue y sienta las bases de
una carrera ambiciosa.
Buena parte de esto tiene que
ver con Bernardo Ferrón, guitarrista
de Telescopios, que se encargó
de producir artísticamente el disco
y puso al servicio su vocación experimental
en términos de audio.
Cada instrumento (voz, guitarra,
bajo, batería y programaciones)
está pulido como un diamante en
bruto que consigue su máximo
brillo. El registro y la presencia del
cantante Marcos Saavedra-Bascary
irrumpen como una de esas
buenas noticias que son capaces
de cambiar el panorama de un día
funesto. Su parsimonia transmite
una tranquilidad que refuerza el
lenguaje sonoro planteado desde
la interpretación instrumental y
desde la mezcla. En definitiva, las
canciones parecen diseñadas a la
medida de una voz que tiene algo
nuevo para decir. Por lo pronto, es
un primer disco que invita a esperar
sin prisa la llegada de una nueva
aventura musical.
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Dua Lipa:
“ Las buenas
canciones
salen a la luz”
En su paso por la Argentina, la
británica habló con Billboard
sobre la importancia de trabajar
en confianza y sobre cómo eso
repercute en la creación.
el 2017 fue un gran año para dua lipa.
En 2016, con gemas pop como Hotter Than
Hell y Blow Your Mind (Mwah) tuvo un gran
impacto en Europa y, más tarde, en los Estados
Unidos. Pero en 2017, el impulso que logró su
primer álbum –homónimo– la catapultó a muchos
otros rincones del mundo… y hasta abrió
los shows de Bruno Mars en muchas de las fechas
de su 24K Magic Tour y los de Coldplay en
la Argentina. “Son artistas que realmente admiro.
Veo sus shows, sus técnicas, cómo le hablan al
público, cómo van de tema en tema… aprendo
mucho. Cada show es tan diferente…”, expresó
en referencia a Chris Martin y Bruno Mars.
Respecto a sus propios recitales, en septiembre
le dijo a Billboard: “Es lindo cuando vienen
a verte no solo por un single. Me gusta cuando
vienen por todo el álbum, por toda la experiencia”.
Cuando visitó el país en noviembre pasado
–además de los conciertos con Coldplay, dio uno
propio en Vorterix–, hablamos con ella: “En tus
propios shows existe cierta familiaridad con el
público; hay una interacción que no tendrías en
un estadio. Los recitales que abrís para otros son
un reto, porque tenés que subirle el ánimo al público
y ganarte su atención cuando no te conocen.
Estás saliendo a mostrarles con qué canciones
contás, y tenés que dejar tu marca”.
Esas huellas no se dan solo en la música. Dua
Lipa dejó marcada su postura respecto al feminismo.
Su apoyo al empoderamiento de la mujer
es vox populi. Incluso, con el video de New Rules
–su primera canción en el top 40 del Hot 100−
exhibió esa faceta con un grupo de mujeres que se
cuidaban entre ellas. “Hay muchas chicas dominando
la escena, y eso es genial. Es como si todo
lo que pasó en los 90, con la aparición de tantas
artistas pop, estuviera pasando de nuevo”, dijo.
New Rules logró escalar hasta el puesto N° 15,
y actualmente se encuentra en el N° 17. “El impacto
de las redes sociales, a veces, puede influir
en los charts, pero creo que la buena música es
la que termina en la cima. Las buenas canciones
salen a la luz”.
Hace unos meses le confesó a Billboard: “No
quiero ser olvidada”. Ahora, reveló a qué aspira:
“Cada vez que cumplís un objetivo, querés
llegar al próximo. Me gustaría ver crecer mis
propios shows y algún día ser headliner, llenar
estadios… Eso sería loco, lo tiro al aire a ver qué
pasa. Tenés que trabajar mucho para llegar a
donde querés estar”. De hecho, es muy inquieta:
recientemente, lanzó en las plataformas de streaming
un EP en vivo y acústico, que incluye, entre
otra interpretación de New Rules, sus versiones
de Golden Sumblers, de The Beatles; Tears Dry on
Their Own, de Amy Winehouse; y I’d Rather Go
Blind, de Etta James.
También contó un pequeño secreto: “No puedo
bailar. Si lo intento, solo me tropezaré en el
escenario”. Por eso, para ella “la música es lo más
importante”. Dijo: “Hacer los videos es una extensión
de tu personalidad, de tu música, porque
cuenta otra parte de la historia. Las redes sociales,
por su parte, son importantes, pero no las
siento parte del trabajo… eso viene naturalmente,
y las generaciones más chicas son aún mejores
en las redes. Crecer con las redes sociales fue una
gran ventaja, y realmente lo disfruto; no siento
que sea una tarea. Me gusta contarles a mis fans
lo que estoy haciendo, o a mis amigos y familia,
porque uso la misma cuenta”.
¿Cómo elegís con quién trabajar?
- Especialmente para este álbum, que trabajé
con tanta gente, dependió en cada caso. Hay personas
con quien de entrada estás cómoda, y sentís
que podés abrirte con ellas. Estás entrando a un
cuarto con un desconocido, hablando de tu vida
personal. Si ellas son más abiertas conmigo, me da
menos miedo abrirme con ellas. Pero si siento que
una persona me está ocultando algo y solo quiere
saber cosas, no me voy a abrir. La única forma de
sacar una buena canción es si me siento en confianza.
Si uso canciones que no escribí, tengo que
sentirme relacionada con ellas, que trasmitan lo
que he vivido... que aunque no las haya escrito
yo, me hagan desear haberlas escrito.
GENTILEZA WARNER
60 BILLBOARD | ENERO, 2018

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62 BILLBOARD | ENERO, 2018

Jimi Hendrix
Axis: Bold as Love
El segundo álbum de Jimi Hendrix Experience encontró al guitarrista traspasando las
fronteras del virtuosismo y alcanzando el estatus de músico telepático.
POR WILLIAM GOODMAN
P
para lograr una mirada profunda
dentro del alma Axis: Bold
as Love hay que darle play a la
versión instrumental del tema homónimo,
que dura siete minutos
y es una de las 27 tomas del tema
grabado en los estudios Olympic
de Londres en octubre de 1967.
Al minuto 3:15 sucede algo genuinamente
mágico, quizás único
en todo su catálogo (si no en toda
la historia del rock): la Fender Stratocaster
de Hendrix desafía la gravedad.
En esos momentos fugaces,
el tiempo no cuenta; un acorde intergaláctico
penetra bien profundo
en el oído de quien escucha. Es una
corriente de conciencia de parte de
Hendrix –el tipo se vuelve uno solo
con su instrumento, revolviendo los
colores psicodélicos que aparecen
en su mente y se convierten en sonido,
electrificados y confundidos–.
Es el sonido que para Hendrix significa
el amor, lo que une a todas las
criaturas vivientes.
Esta interpretación en vivo de
Bold as Love sería lanzada años
después, incluida en una colección
de rarezas en vivo y lados B. Pero
quizás contiene el testimonio más
preciso del virtuosismo y la experimentación
musical de Hendrix y
su banda, el baterista Mitch Mitchell
y el bajista Noel Redding, a finales
de 1967. Esta versión en vivo
sólida y dorada fue considerada un
descarte. El master original de Bold
as Love, tal como aparece en el álbum,
sería una combinación de las
tomas 21 y 27. Tuvo una duración
de solo cuatro minutos, no siete, y
recibió el toque hábil del productor
Eddie Kramer en la consola. Las letras
de Hendrix intentarían explicar
lo que su guitarra no podía. Todos
los epítetos poéticos que abundan
en las estrofas encajan con el estribillo:
“But they’re bold as love. /
Yeah, they’re all bold as love” [Pero
ellos son audaces como el amor. /
Sí, son audaces como el amor]. La
versión publicada de Bold as Love
sigue siendo la gran proeza del álbum
y una de las mejores canciones
del catálogo de Hendrix.
Hendrix nació en Seattle y empezó
a tocar con grupos como los
Isley Brothers y Little Richard.
Después de un fallido intento como
músico solista en Nueva York, fue
reclutado por su nuevo mánager
y exbajista de The Animals, Chas
Chandler, y se mudó a la Swinging
London. Allí convocó a Redding
y a Mitchell, y lanzaron su álbum
debut, Are You Experience, en la
primavera boreal de 1967. Estaba
cargado de maravillosas canciones
psicodélicas, como The Wind Cries
Mary y Hey Joe, y temas más rifferos
como Foxey Lady y Purple Haze.
Hendrix logró tres hits instantáneamente.
Su combo de R&B y psych
rock fue evolucionando.
Pero durante el verano y llegando
al otoño, el nuevo trío tocó
y tocó y tocó, unificando las influencias
en su sonido. En lugar de
escribir canciones con piezas de
R&B, psych rock y hard rock, Hendrix
empezó a transmitir estados
de ánimo, a convertirse en un pintor
eléctrico que acariciaba riffs en
rojo, naranja, amarillo, verde, azul,
índigo y violeta.
Axis: Bold as Love, lanzado en
1968 para evitar el cruce en ventas
con Experienced, arranca con aceleración,
luego la cinta se ralentiza y
se deforma, con Hendrix –también
conocido como Sr. Paul Caruso–
discutiendo la existencia de aliens.
En el disco suena como si estuviera
tratando de hablar un lenguaje universal
que ellos pudieran entender:
colores, estados, amor. Little Wing,
uno de los temas más queridos,
combina el fuego emocional de Hey
Joe y The Wind Cries Mary con un
universo de hadas con “mariposas
y cebras”, donde podés montar el
viento y una mujer mágica cura todas
las tristezas.
Castles Made of Sand, otro tema
clásico de Hendrix, trae lo mejor
de su composición, su experimentación
y su abstracción. Junto con
Bold as Love es el punto más alto
del álbum. Es una canción personal
sobre la naturaleza finita de la
vida, los “castillos hechos de arena
se derriten en el mar” nos recuerda
que tenemos que abrazar todo lo
que amamos antes de que finalice.
Porque el tiempo terminará con
todos al final.
Hay más momentos explosivos.
Spanish Castle Magic encuentra a
Hendrix exprimiendo resoplidos
de fuego con su guitarra, pintando
otra imagen de castillos altos, en
cielos hechos con algodón de azúcar
y solo accesible para las libélulas.
“Pero está todo en tu mente”,
canta. Y en If 6 Was 9, un Hendrix
convencido toca un riff para imitar
su voz, hasta que la banda explota
y Hendrix conjura otra imagen al
estilo Picasso. “Si el sol se niega a
salir, no me importa. / Si la montaña
se cae al mar, / déjenla ser”.
Después compara a los hippies
con los conservadores de collar
blanco, sin importarle ninguno de
los dos, diciendo: “Voy a flamear
mi bandera de freak bien alto”,
porque “tengo mi propio mundo al
que mirar, / y no voy a copiarte a
vos”. Esta es probablemente la lección
de Axis: Bold as Love.
Experienced fue el descubrimiento
y la lucha de Hendrix con
su genio, tratando de entenderlo
y de dominarlo. En Axis: Bold as
Love, lo logra. Y antes de que las
drogas, la fama y todos los adornos
pudieran meterse en su camino,
Axis: Bold as Love encuentra tanto
el poder de Hendrix como su mente
exploradora a la altura, trabajando
al unísono, creando algo verdaderamente
original y trascendente,
en un lenguaje propio. Un lenguaje
de preocupación, de abstracción
y de imágenes de otro mundo, y
el tipo de epifanías emocionales
descubiertas en el pico de su viaje
psicodélico: todas hablando en colores,
con amor y riffs espumosos
de guitarra.
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63

Shows
lunes
jueves
viernes
sábado
domingo
jueves
sábado
lunes
01
04
05
06
07
11
13
15
LA BOMBA DE TIEMPO CIUDAD CULTURAL KONEX
FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE PUNTA DEL ESTE EL SOSIEGO, PUNTA DEL ESTE, URUGUAY
LES LUTHIERS GRAN REX
SOLOMUN MUTE, MAR DEL PLATA
También el 6, 12, 13, 19, 20, 26 y 27
XXL IRIONE + MALAJUNTA CIUDAD CULTURAL KONEX
EL CARIBEFUNK DÚO BEATFLOW
LOUTA + MORBO Y MAMBO CIUDAD CULTURAL KONEX
RHAPSODY GROOVE
FESTIVAL INSURGENTE CIUDAD CULTURAL KONEX
JOHN DIGWEED + GUY J MUTE, MAR DEL PLATA
TINI STOESSEL PARQUE CAMET, MAR DEL PLATA
Repite el 8, 15 y 22
Apertura Parador Konex 2018
Karamelo Santo, Edu Schmidt,
Caracol A Contramano, Alma
Bouquet, Arde Roma y más.
También habrá humoristas,
charlas y pintura en vivo
Se extiende
hasta el 7
ENERO
martes
16
DREAD MAR I PARQUE CAMET, MAR DEL PLATA
miércoles
17
SWINGIN’ PARTY NICETO CLUB
viernes
19
SIN LEY TEATRO FLORES
sábado
lunes
20
22
PEDRO AZNAR CIUDAD CULTURAL KONEX
En caso de lluvia se reprograma
para el jueves 1° de febrero
LOS CABALLEROS DE LA QUEMA PARQUE CAMET, MAR DEL PLATA
TODOS TUS MUERTOS CIRCUS ROCK BAR, SAN JUSTO
¡Están de vuelta!
martes
23
CHANO PARQUE CAMET, MAR DEL PLATA
Calienta motores para el Luna Park de mayo
jueves
viernes
sábado
25
26
27
FUERZA BRUTA CENTRO CULTURAL ESTACIÓN TERMINAL SUR DEL PASEO ALDREY, MAR DEL PLATA
NO TE VA GUSTAR + CUARTETO DE NOS + PITI FERNÁNDEZ + LAS PASTILLAS DEL ABUELO +
EL PLAN DE LA MARIPOSA MUTE, MAR DEL PLATA
STEVEN WILSON GROOVE
TOE NICETO CLUB
EL KUELGUE CIUDAD CULTURAL KONEX
CUARTETO DE NOS CIUDAD CULTURAL KONEX
PIER LA TRASTIENDA
RICHIE HAWTIN Y LOCO DICE MUTE, MAR DEL PLATA
Apertura del ciclo
Balneario Cacharrito
Todos los días
menos los martes
lunes
martes
29
30
CHAQUEÑO PALAVECINO PARQUE CAMET, MAR DEL PLATA
LAS PELOTAS LA TRASTIENDA
MIRANDA PARQUE CAMET, MAR DEL PLATA
Repite el 30
64 BILLBOARD | ENERO, 2018

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Vivo
NTVG
Estadio Único de La Plata
17 de diciembre
Suspensión
y revancha
POR TOMÁS SAN JUAN
Los uruguayos cerraron el año con un show
reprogramado por el mal clima, en el que repasaron
sus nueve discos de estudio en 43 canciones.
“Hola, La Plata. Estamos muy contentos de
volver a esta ciudad tan hermosa, gracias por
entender la reprogramación del show de ayer,
¡preferimos cuidarnos entre todos!”, saludó
Emiliano Brancciari después de tocar Destierro,
Al vacío y A las nueve, y agregó: “Hoy vamos
a hacer el show más largo del año, así que
avisen que llegan tarde a casa”.
Llegó el turno de Pegame más fuerte, y el cantante
y guitarrista anunció que en ese momento
se comenzaba a filmar el videoclip de esta canción
que recorre una historia de desamor y señala
el momento introspectivo de las composiciones
del grupo. Siguieron Ya entendí, Arde, Viento
a favor y el primer mix de la noche, que unió
fragmentos de Por lo menos hoy (2010) y El calor
del pleno invierno (2012).
“Aprovechamos que estamos en La Plata e
invitamos a uno de los mejores compositores
y músicos que dio el rock argentino, ¡Facundo
Soto!”, anunció Brancciari. La interpretación del
líder de Guasones en Tan lejos fue, sin dudas,
uno de los puntos más altos del recital. Con el
viento, Fuera de control, Memorias del olvido
y Clara continuaron la primera parte de la
lista, que resumió la obra de NTVG.
El segundo enganchado de canciones incluyó
fracciones de Solo de noche (1999), Este fuerte
viento que sopla (2002), Aunque cueste ver el
sol (2004) y Todo es tan inflamable (2006). El
clima familiar fue una de las piezas fundamentales
del No Te Va Gustar versión 2017. Padres,
adolescentes y niños fueron parte del espectáculo
más extenso que brindaron en sus 23 años
de existencia.
El recuerdo de Marcel Curuchet estuvo presente
en No deja de sonar, cinco años después del
trágico accidente que le quitó la vida al tecladista
durante la gira por los Estados Unidos en conjunto
con Los Auténticos Decadentes. Los aplausos
estallaron y el cántico de “Curucha” sonó a lo
largo de las diagonales platenses. Llegando al final,
El camino, Cielo de un solo color y Nada para
ver marcaron a fuego la química entre la gente y
los músicos, antes de cerrar con Mucho más feliz
y No era cierto.
CAFÉ TACVBA
Teatro Gran Rex
7 de diciembre
Conexión latina
POR ALEJANDRO PANFIL
rubén albarrán, emmanuel del real y los
hermanos Joselo y Quique Rangel Arroyo volvieron
para presentar los temas de su nuevo
disco, Jei beibi (2017), y demostrar que
conservan la misma consistencia artística y
escénica de siempre. Abrieron el show con Futuro.
De Jei beibi siguieron por Disolviéndonos
y Matando, y así la noche se fue encendiendo
progresivamente. “Quédense tranquilos
que también vamos a hacer unas rolitas
de las viejas”, avisó Rubén. Y así, dio paso al
clásico Volver a comenzar (Sino, 2007).
La lista, de 24 canciones, incluyó Eres, los covers
Cómo te extraño y Chilanga banda de Leo
Dan y Jaime López, respectivamente, y éxitos
como Puntos cardinales, Las flores, Eo y La chica
banda. Mientras tanto, y entre cada uno de los
temas, un Rex lleno coreó, pidió y anticipó El
baile y el salón. El primer bis estuvo a cargo de
Emmanuel, que emocionó a todos con El mundo
en que nací.
Antes del cierre, Rubén se tomó unos minutos
para dialogar con el público y enviar “buenos pensamientos”
a los estudiantes –recordando a los 43
asesinados de Ayotzinapa en 2014–, a las mujeres,
a la comunidad LGBTIQ, a los animales y a la Madre
Tierra. Se fueron con Enamorada y su reversión
de Déjate caer, el clásico de Los tres.
NTVG: MARCOS MEZZOTTONI. CT: TUTE DELACROIX
66 BILLBOARD | ENERO, 2018

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Vivo
FESTIVAL BUE
Tecnópolis
14 y 15 de diciembre
Arcade Fire.
Él Mató A Un
Policía Motorizado.
Día 1: al calor de las bandas
Stone Giant, Parquet Courts, Él Mató, Cigarettes After Sex, Arcade Fire y
Mark Ronson vs. Kevin Parker animaron una jornada de calor sofocante.
POR JOTA AYERZA
a pesar del intenso calor, el cielo despejado
a la noche fue un atractivo más para los
shows finales de Arcade Fire y Mark Ronson vs.
Kevin Parker. A su favor, el Ford Stage contó con
sistema de ventilación, un alivio frente a los 31
grados de temperatura que hicieron hasta pasadas
las 19 horas.
Incluso con el aire acondicionado a su favor,
durante la mitad del show el baterista de Stone
Giant, Pepe Hidalgo, secó su transpiración con
una toalla como si el sol le diera en la frente.
Fue la tercera visita del grupo cosmopolita a la
Argentina. El cuarteto que se conoció estudiando
en Berklee repasó su álbum debut y presentó
un puñado de canciones nuevas, entre ellas, We
Don’t Talk About It.
“A mí me gusta cuando bailan, me gusta
cuando cantan y me gusta cuando aman”, comentó
vestida de amarillo la cantante de Brazilian
Girls (Sabina Sciuba) antes de hacer Me
gusta cuando callas. La banda que formó Didi
Gutman aportó la cuota de electro pop al escenario
principal, que se estrenó con la psicodelia
barroca de Silvestre y La Naranja. El
quinteto argentino reapareció a mitad del 2017
con nueva formación para continuar presentando
Laguna.
“Hola, Buenos Aires, somos Parquet Courts y
venimos de Nueva York”, comentó al micrófono
en un torpe pero simpático castellano el
guitarrista y cantante Andrew Savage. En su
primera presentación en la Argentina, los nacidos
en lo profundo de Brooklyn trajeron lo que
desde 2010 los mantiene en escena. Es decir, su
dosis de postpunk rabioso y revival. Enseguida
comenzó en el Heineken Main Stage el recital
de Thievery Corporation. A 20 años de su disco
debut, Sounds from the Thievery Hi-Fi, llegaron
por primera a vez a Buenos Aires con su álbum
nuevo, The Temple of I & I.
A pesar de los rumores, el 2017 no pudo ser
el año para que Él Mató A Un Policía Motorizado
llegue a un estadio más grande. Sin embargo,
los platenses cerraron su gran temporada con
una nueva presentación en el BUE. La síntesis
O’Konnor abrió el show. Nuevos discos, nuevas
drogas, La noche eterna, Ahora imagino cosas, El
fuego que hemos construido, El mundo extraño
y hasta Chica de oro estuvieron en el setlist que
contó con un Ford Stage repleto.
Sobre el final, algunos plateístas se apuraron
para retirarse y llegar a tiempo al headliner
del primer día, Arcade Fire. Los liderados
por Win Butler regresaron al país con un
álbum nuevo donde los bombos en negra y los
estribillos pegadizos predominan. Everything
Now es la prueba viviente. Pero el pop oscuro
de su nuevo repertorio no se adueñó completamente
de su vivo, que incluye violín y bandoneón.
“Por favor, prendé las luces de tu celular”,
pidieron las pantallas antes de Neon Bible, de su
segundo álbum de estudio. The Suburbs fue la
parada previa y obligada antes de la recta final
que trajo canciones como The Reflection, After
Life y Creature Comfort.
Cigarettes After Sex fue otra de las bandas que
debutó en el país con su presencia en el festival
BUE. Los liderados por Greg González mezclaron
parte de su álbum debut y homónimo con su
EP Affection, casi sin moverse sobre el escenario.
El cierre lo comandó el duelo en las bandejas
de Mark Ronson vs. Kevin Parker. Al igual que
en Coachella o Glastonbury, entregaron un popurrí
de hits para bailar. Kanye West, Rihanna,
Amy Winehouse, The Strokes y hasta la voz de
un pequeño Michael Jackson fueron algunos de
los invitados al setlist.
TOMMY CORREA ARCE
68 BILLBOARD | ENERO, 2018

Vivo
Vincent
Staples.
TOMMY CORREA ARCE
Gorillaz.
Día 2: la corona para
Gorillaz, el barro para
Major Lazer
Los músicos de la banda animada de Damon Albarn y Jamie Hewlett fueron
ninjas: durante el show, ellos no fueron lo importante; estaban, pero no se
veían. Lo importante eran la música y las pantallas. Después, el grupo de
Diplo no pudo tocar por la fuerte tormenta.
POR PATRICIO CERMINARO
la apertura de puertas del segundo día del
festival BUE estaba anunciada para las 16 horas.
Sin embargo, el partido se empezó a jugar desde
mucho más temprano: el pronóstico anunciaba
lluvia –¡tormenta con vientos huracanados!– y en
las redes sociales el rumor de los cambios de horario
para los números centrales era cada vez más
fuerte. Se comprimieron algunos puntos muertos,
para acelerar el trámite, pero fundamentalmente
hubo un enroque: Gorillaz tocaría antes que Major
Lazer y tendría su turno tres horas antes de lo
estipulado. Spoiler alert: uno de los dos números
centrales ni siquiera pudo empezar su show.
En el clima ciclotímico de la primavera argentina,
la reestructuración horaria se anunció en
medio de un chubasco, y las puertas se abrieron
con el sol pegando fuerte. Allí, en el escenario
principal, ambientado con tamaño extra para
decenas de músicos, un solitario Vince Staples
hacía lo suyo. Era su música o nada: no había
show, solo sus canciones y él, tímido y estático.
En el microestadio refrigerado no solo había un
contrapunto térmico con el afuera, sino también
estético: porque si Vince Staples era la música
por la música misma, entonces Baxter Dury
era el concepto por sobre la canción. Desde el
look hasta la forma de enfrentar al público, todo
estaba pensado en pos de dar un espectáculo. Y,
encima, con una propuesta musical que sintetiza
el sonido del britpop, el desparpajo punk con intensidad
y oscuridad postpunk.
Casi media hora después de lo estipulado
–atención al dato, será importante más tarde– se
apagaron las luces del escenario principal, mas no
las del cielo: el show de Gorillaz arrancó de día. Y
ya, desde el vamos, desde la aparición de los músicos,
se insinuó lo que ya se sabía: ellos no eran
lo importante. Lo que valía era la música, lo que
había que mirar eran las pantallas. Ellos se limitaron
a ser, simplemente, un medio para contar la
historia. Entonces, con la lógica del teatro de marionetas,
todos ellos estaban vestidos íntegramente
de negro. Eran una docena de ninjas: estaban
ahí, pero no los veías. Porque lo que había que
ver se encontraba detrás: tan ancha como el escenario
y tan alta como se podía, una proyección
gigante imantaba la atención. E iba contando su
historia: la dupla de On Melancholy Hill y El mañana
fue bella musicalmente, pero conmovedora
audiovisualmente: sonaron fuerte los lamentos de
Damon Albarn mientras unos aviones militares
bombardearon a los dibujitos animados, a los
Gorillaz, hasta destruir su hogar. Y cuando sonó
Stylo, un Bruce Willis enorme se tiroteó con los
cartoons en una carretera infinita.
Albarn pasó una noche visiblemente feliz: al terminar
19-2000, se sacó su campera y la revoleó sobre
su cabeza al mejor estilo Soledad Pastorutti y al
ritmo de la gente. Es que en el campo había fiesta
y en el escenario también: los invitados desfilaban
como en una competencia de canto en la que todos
eran ganadores. Y la dupla Feel Good Inc. –con los
De La Soul encendidos como pocas veces– y Clint
Eastwood cerró la noche con sonidos de consagración:
“Fue un año increíble para nosotros y esta es
la frutilla del postre”, se despidió Albarn.
Y lo que tanto había aguantado no pudo
esperar más: apenas terminado el show de Gorillaz,
el temporal golpeó, y lo hizo fuerte. Allí,
frente a los rumores de la suspensión, en el
microestadio techado se sucedieron los shows
de bandas nacionales que habían quedado en
el limbo de la reestructuración horaria, pero
Major Lazer nunca apareció. Y Diplo, furioso:
“Gorillaz tocó tarde y nos cagó, así que pueden
agarrársela con ellos”, tuiteó.
Como se dijo: el cambio de horarios de la mañana
había funcionado como un enroque. Allí, en
el ajedrez, el rey gana una posición más segura en
pos de mandar a la torre al barro. Gorillaz quedó
bien protegido. Y dio un show digno de un rey.
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69

Vivo
CNCO
Hipódromo de Palermo
16 de diciembre
Cita con el éxito adolescente
El quinteto formado por Simon Cowell y Ricky Martin cerró el año frente a
más de 15.000 personas.
POR SANTIAGO MÁSCOLO
dueños de un presente vertiginoso, los
nominados en la categoría Mejor Nuevo Artista
en los premios Latin Grammy volvieron a pisar
suelo argentino para devolverles a sus fans
–los CNCOwners– un poco de todo ese fervor. La
amenaza de lluvia no desalentó a los miles que,
desde temprano, se acercaron desde diferentes
partes del país. Las productoras del evento –Lau-
ría Dale Play y 6 Pasos– decidieron adelantar el
comienzo para resguardar al público.
Pasadas las 20:30, aparecieron en el escenario
las siluetas del grupo; de izquierda a derecha,
los cinco actores protagónicos de la noche: Joel
Pimentel, Erick Brian Colón, Richard Camacho,
Zabdiel de Jesús y Christopher Vélez. La apertura
fue con tres temas sin escalas: Mas allá, Tan fácil
y Para enamorarte.
Con una sincronía coreográfica que recuerda
a NSYNC y un afinado ensamble vocal, la
banda desdobló todos los temas que integran
Primera cita, hasta el momento el único
álbum de su carrera. También destinaron una
sección del show a los solos de reversiones. A
puro cañonazo de humo y tras varios cambios
de vestuario, se despidieron sobre un colchón
ensordecedor de gritos con los éxitos Hey Dj! y
Reggaetón lento.
En 2018, el Más Allá Tour hará escalas en las
provincias argentinas, España, Italia, República
Dominicana y Perú, mientras la banda prepara
el lanzamiento de su próximo trabajo, todavía
sin nombre. Las cifras la acompañan. En
abril de 2017, CNCO cosechó tres premios Billboard
de la Música Latina. En agosto, recibió
otros tres galardones en los premios Tu Mundo.
A esto se les suman las tres mil millones de visualizaciones
en YouTube.
MALUMA
Hipódromo de Palermo
3 de diciembre
Sensualidad
y carisma
El colombiano dio dos fechas
ante 20.000 personas cada noche,
mientras prepara el lanzamiento de
F.A.M.E., su tercer álbum.
POR SANTIAGO TORRES
se notó una evolución de maluma con
respecto a la tanda de conciertos que ofreció en
la Argentina hace un año y que culminó en el
DirecTV Arena de Tortuguitas. Las colaboraciones
que lo posicionaron –como Vente pa’cá, con
Ricky Martin; el remix de La bicicleta, con Carlos
Vives; o Chantaje, una vez más con Shakira–
fueron los puntos altos de un setlist que incluyó
varias de las canciones que lo ubicaron durante
2017 en el Billboard Hot Latin Songs y en las listas
de Spotify (Felices los 4, Sin contrato, El perdedor,
Carnaval, Desde esa noche o Borró cassette).
Además, aprovechó para presentar el cortometraje
X, the Film y los singles que funcionan
como adelantos del álbum F.A.M.E., que se
lanzará el año que viene. Corazón, con Nego Do
Borel; Vitamina, junto con Arcangel; 23 y GPS, a
dúo con French Montana, tienen una carga
abundante de líricas confesionales con elementos
del trap y el reggaetón que lo vio crecer.
MONO GÓMEZ
70 BILLBOARD | ENERO, 2018

Vivo
JAMIROQUAI
Hipódromo de Palermo
14 de diciembre
GUIDO ADLER
Pasos
automáticos
Con la presentación de su último
trabajo, Automaton, los británicos
comandados por el carismático Jay
Kay desplegaron su característico
groove para 15.000 personas.
POR SANTIAGO TORRES
la brisa y el calor prominente del próximo
verano se sentían cuando el foco de atención era
el hitmaker argentino Maxi Trusso. Mientras, se
esperaba el reencuentro con una de las bandas
que, además de marcar un estilo propio, es de
las más precisas de los últimos 25 años. Ver a Jay
Kay con 47 años, más maduro y consolidado
como uno de los frontmen más relevantes de las
últimas décadas, intentando emular esos movimientos
corporales que irrumpieron las pantallas
de MTV desde la época de Emergency on Planet
Earth (1993) fue fuente de inspiración. El cantante
y notable bailarín, luego de haber superado
problemas en su voz y una operación en su columna,
irradiaba buena energía y ganas de bailar.
Musicalmente, no faltaron las combinaciones
de funk, R&B, soul, rock, pop y las actitudes
jazzeras que registraron en sus siete álbumes de
estudio –casi 30 millones de unidades vendidas–.
Con el correr de su obra, los ingleses alentaron
un groove que los maximizó en prestigio en distintas
audiencias. Por esa razón, se pudo ver en
el predio –que estaba dividido en dos sectores
con tickets de $1400 y $2700– tanto a músicos
eximios como a personas de distintas edades que
coreaban sus canciones más radiales, como Cosmic
Girl o Seven Days in Sunny June. En casi dos
horas, se escuchó Shake It On –de su último
trabajo– en la apertura, éxitos como Little L,
Alright o Space Cowboy, y Virtual Insanity en el
cierre de los bises.
En contraste con su habitual “uniforme” Adidas
negro, se apreció la evolución en sus sombreros,
gorras, plumas caciques, vinchas y cascos,
que son marca registrada del cantante. En esta
oportunidad, lució un diseño inédito de Moritz
Waldemeyer, que gracias a las aletas y los leds
que se movían y cambiaban de color, lograba que
el único miembro original del grupo se transformara
en un ser robotizado que recordó a Daft
Punk, Transformers o Mazinger Z. “Son uno de
los mejores públicos del mundo. Cada vez que
vengo, me sorprendo más. Que pasen una muy
linda Navidad, estuvieron increíbles”, se despidió
emocionado por la respuesta, los cánticos y los
bailes de un país que le abrió sus brazos por primera
vez en Ferro, dos décadas atrás. Representando
esas letras que siguen funcionando como
mapas futuristas, Jamiroquai se renueva, y sus
letras permanecen vigentes.
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71

Vivo
LOS ESPÍRITUS
Estadio Cubierto Malvinas Argentinas
2 de diciembre
Un brindis ardiente
La banda de Maxi Prietto y Santiago Moraes cerró su año de mayor
crecimiento con un show en La Paternal.
POR MATÍAS AYERZA
podemos ponernos pesimistas. decir que
faltan ideas; que la música en términos de commodity
se está llevando todo por delante. O podemos
ponernos optimistas y ver un show de Los
Espíritus. Casi 5000 personas eligieron ser parte
de uno de los puntos fuertes del rock argentino en
2017, el sábado en el estadio Malvinas Argentinas.
Apenas pasadas las 22, los seis componentes de
esta receta blusera, latina y tribal sumaron calor
humano a un espacio con poco aire y sobrada
expectativa. Lo hicieron Huracanes mediante. Y
si Maxi Prietto y Santiago Moraes proponen caminar
hasta el sur colgados de un riff congruente, es
porque confían en la abnegación de su público.
Los capítulos de este segmento de naturaleza
derrotista se sucedieron con cantos alegóricos
como La crecida, El viento y La mirada. Después
llegaron cuatro motivos para pensar a Agua ardiente
como el mejor trabajo discográfico del año
2017 en la Argentina. Perdida en el fuego, Jugo, Esa
luz y Mapa vacío están cargadas con un aura que
enlaza a Los Espíritus con la mejor narrativa latinoamericana,
como si vinieran a ponerle sonidos
a un rico historial de literatura circular.
El ascenso del grupo es tan vertiginoso como la
cadencia irregular en la voz de Maxi Prietto. Aquel
muchacho que surcó los mares del under con discos
solistas y su proyecto posterior –Prietto Viaja
al Cosmos con Mariano– parece haber encontrado
una coalición ideal al lado de Moraes, Felipe
Correa (batería), Miguel Mactas (guitarra), Fer
Barrey (percusión) y Martín Febrat (bajo).
Pasaron nueve canciones hasta que llegó el turno
de honrar el disco debut de Los Espíritus. La
mina de huesos contó con Saúl Correa –padre de
Felipe– como invitado en percusión y le dio al
Malvinas las pautas para un ritual atávico. “Las
armas las carga el diablo y las descarga un gendarme”,
cantó luego Prietto en una reversión adaptada
a estos tiempos oscuros. La referencia al asesinato
del joven mapuche Rafael Nahuel recibió
largos aplausos. Enseguida, ofrecieron Mares, una
de sus composiciones más bellas, y Ruso blanco, el
track que vio la luz hace pocos días, cuando lanzaron
el EP Guayabo de agua ardiente, un paquete
de bonus tracks del citado LP.
La cuestión se fue poniendo upbeat con el correr
de Jesús rima con cruz, El gato y Perro viejo.
Y tras una breve calma ofrecida al calor de Luna
llena, subieron al escenario Walter Broide (Posediótica),
Tomás Vilche (Los Bluyines) y Tulio
Simeoni (La Patrulla Espacial), que arremetieron
con un trip psicodélico con percusiones y
pasajes de improvisación; una tríada que marcó
el punto más alto del show: El palacio, Alto valle
y Vamos a la luna.
El tramo final, entre sudores y ovaciones, trajo
Negro chico y Las sirenas. Y para los bises, dos
imprescindibles como Noches de verano y La
rueda. “Este año tocamos en muchos lados; y en
todos ellos, la gente se preguntó ‘¿Dónde está Santiago
Maldonado?’. Ahora sabemos qué pasó. El
Estado es responsable. Chau, gracias”, dijo Maxi
Prietto para darle cierre al show más importante
en la carrera de Los Espíritus.
MATHIAS MAGRITTE
72 BILLBOARD | ENERO, 2018

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Reviews
EN PROCESO
Cardi B
La rapera confirmó
que tiene entre
seis y siete sólidas
canciones hasta
ahora para su
próximo álbum de
estudio. También
adelantó que el
trabajo incluirá
reggae, trap y letras
en castellano. El 22
de diciembre lanzó
una colaboración
junto al artista
latino Ozuna.
HA*ASH
30 de febrero
Sony Music Argentina
a tres años de primera fila - hecho
realidad (2014), el dúo de las hermanas
Pérez Mosa regresa recargado
de comprimidos pop para enfrentar
desde la enfermedad hasta las relaciones
tóxicas. Hay menos baladas
sobre amor idílico y desamor trágico,
y más realidad y rencores, pero sin
dramatizar. En 30 de febrero Hanna
y Ashley parecen haberse permitido
atravesar el muro de cristal para
dejar que sus frustraciones y desilusiones
invadan sus canciones, pero
sin afectar su humor. Aunque sin
sorpresas, el álbum se acerca a ritmos
urbanos hasta ahora extraños a
Ha*Ash, como el reggaetón. La madurez
del dúo (ambas llegaron a los
30) se hace comprobable en canciones
que buscan sin distracciones los
mensajes positivos, la salubridad del
humor y la energía femenina, con
mínimas dosis de provocación. En
30 de febrero dejan de suplicar por el
hombre que no lo merece y juegan al
reencuentro imposible, una ocurrencia
salida de las evasivas de Ashley
para casarse. La carta de presentación
del disco, grabado en Miami, es
100 años, una colaboración con el bachatero
Prince Royce: “Él salió de su
zona de confort, nosotras también, y
logramos un tema que saca una sonrisa,
que pone a bailar un poquito”.
VETUSTA MORLA
Mismo sitio, distinto
lugar
Sony Music Argentina
“Es una propuesta hacia la empatía,
la comunicación; el tú y el yo están
presentes en todas las canciones”. Las
palabras del guitarrista Guille Galván
resuenan a cada escucha del cuarto
álbum de la banda madrileña, que
se editó simultáneamente en España,
Colombia, Argentina y México como
preámbulo a la gira que el sexteto emprende
por Latinoamérica. Envuelto
en promesas de reinicio, el trabajo
combina continuidad y ruptura con
el pasado de VM. Mismo sitio, distinto
lugar arrulla en texturas novedosas
y contiene mayor variedad rítmica,
aunque las estructuras se conservan;
su lírica, ahora hilvanada con
una narrativa más áspera y agresiva,
mantiene su juego metafórico con la
voz de Pucho Martí siempre como
núcleo. Para esta nueva aventura, Vetusta
Morla convocó al productor catalán
Campi Campón (ganador de
tres Grammy por su trabajo con Jorge
Drexler en Bailar en la cueva y con
Natalia Lafourcade en Mujer divina)
y pasó una temporada en los estudios
Hansa de Berlín (mítica cuna de discos
de David Bowie, Depeche Mode,
U2 y Nick Cave), para luego confiar
la mezcla a Dave Fridmann (MGMT,
Café Tacvba, The Flaming Lips).
U2
Songs of Experience
Universal Music
Argentina
La idea seminal era que Songs
of Experience fuera el opuesto complementario
de Songs of Innocence,
el disco de U2 que pasó casi inadvertido
en 2014. Pero en el medio
ocurrieron los triunfos de Donald
Trump y el Brexit, la avanzada del
neofascismo en las democracias occidentales
por las que Bono ha desfilado
con su militancia humanitaria.
Ese factor alteró el devenir de lo
que había sido planeado como un
ensayo compositivo sobre la base
del poemario Songs of Innocence
and Experience, del místico inglés
William Blake. Tenerlo presente es
útil para dar play a Love Is All We
Have Left, la sónica elegía que inicia
el disco y marca su tono general; es
también una vara alta que Bono se
impondrá a sí mismo a lo largo de
las 12 canciones. El álbum, producido
junto a Ryan Tedder (hacedor
de 21, de Adele) y Jacknife Lee (que
intervino en discos de One Direction,
Taylor Swift, Jake Bugg y The
Killers), trata de evadir la pomposa
épica pop que el grupo dublinés
explotó tal vez en demasía, aunque
no siempre lo logra. Aun así, Bono
suena rejuvenecido y fresco, mien-
tras que a su lado The Edge cincela
una vez más su estatua de escultor
minimalista.
FABIANA CANTILO
Proyecto 33
Pelo Music
Que una intérprete como
Fabiana Cantilo no tuviera aún un
disco en vivo no deja de llamar la
atención. Proyecto 33, el álbum doble
que viene a saldar la deuda, la encuentra
en buena forma –la misma
que mostró en su aparición en el último
B.A. Rock– y la proyecta a un futuro
posible para su rol en el canon
de la música argentina. El quiebre de
Inconsciente colectivo (2005), donde
Fabi hizo propia la historia del rock
argentino (apropiándosela al punto
de que hay un par de generaciones
que solo conocen su versión de
Eiti Leda o Amanece en la ruta) encuentra
aquí su continuidad perfecta.
La grabación pone la colorida voz
de Cantilo en el centro de la mezcla,
mientras en torno de ella orbita una
banda correcta y una selección de invitados
que incluye a Lisandro Aristimuño,
Fito Páez, Gabriel Carámbula,
Hilda Lizarazu y sus excompañeros
de Los Twist Daniel Melingo y Pipo
Cipolatti, con quienes revive en clave
disco El primero te lo regalan. Treinta
y tres son los años que pasaron desde
Detectives (1985), el primer disco solista
de Cantilo, por eso Proyecto 33
incluye canciones de toda su discografía
y revisita clásicos del repertorio
reciente, como El anillo del capitán
Beto (Spinetta), Balada para un
loco (Ferrer/Piazzolla) y gemas poco
iluminadas de Charly García como
Amo lo extraño y Tu arma en el sur.
BJÖRK
Utopia
One Little Indian
Records
la música de björk parece provenir
de una tierra mágica, un lugar
que solo ella conoce y de donde
74 BILLBOARD | ENERO, 2018

POR LUCIANO LAHITEAU
surgen su incomparable voz, sus
atuendos, sonidos y canciones. Este
mito estético se consolida en Utopia,
su décimo álbum, que se suspende
en el aire y parece fluir entre
el follaje de esa tierra inhallable. En
la línea del minimalismo de su antecesor
(Vulnicura, de 2015, donde
solo la arropaba un acompañamiento
de cuerdas), Björk armó un disco
donde su interpretación apasionada
y elegante es el centro de una escena
donde vuelan rasantes aves reales y
electrónicas, flautas, arpas y otros
instrumentos de cuerda y viento.
Según reveló la artista islandesa, las
canciones surgieron en contraposición
a las de Vulnicura, su “disco de
ruptura”, y comenzaron con ensayos
en los que solo participaban ella y
una sección de vientos típica islandesa
de 12 integrantes. Utopia contó
desde el inicio con la participación
del productor venezolano Alejandro
Ghersi (aka Arca), quien intervino
en el diseño de los arreglos y la
arquitectura de este medioambiente
musical que se extiende por más
de una hora (lo más largo de Björk
hasta la fecha) e incluye un ensamble
de flautas, voces del Icelandic
Hamrahlid Choir y hasta una colección
de piares de pájaros. Distantes
de la temática del desamor y la soledad,
las nuevas canciones tienen un
ánimo más liviano y liberado, envueltas
en una energía positiva ante
la oscuridad y la violencia. “Si sentís
que este mundo no está yendo en el
camino correcto, tenés que ir por el
do it yourself y armar una pequeña
fortaleza”, dijo Björk sobre el impulso
emocional del disco.
NEIL YOUNG &
PROMISE OF THE REAL
The Visitor
Warner Music
neil young convocó a promise
of the Real en 2015 para trabajar
en un disco urgente, el manifiesto
de rock combativo The Monsanto
Years, con el que el viejo Neil volvió
a embanderarse con la causa de los
pequeños granjeros de Norteamérica
que se oponen al monocultivo.
Aquello, que parecía nada más
que un punto de fuga entre tantos
en la extensa carrera del héroe del
folk rock, tuvo una secuela en Earth
(2016), que intentó alertar sobre
los peligros ecológicos del saqueo
ambiental que había descripto en
su disco anterior. Entretanto, Young
continuó revisitando su archivo
(del que desempolvó el hermoso
Hitchhiker, grabado en 1976), se
sumó a otros veteranos del rock en
el Desert Trip y continuó su cruzada
contra los dispositivos de reproducción
de baja calidad. Y siempre
parece tener más energía. La tercera
entrega de su alianza con Promise of
the Real (grupo que integran Lukas
y Micah Nelson, hijos de la leyenda
country Willie Nelson) tiene más
puntos de acuerdo con aquel inicio
de 2015 en la rusticidad campestre
de la mayoría de las canciones y
las largas zapadas al estilo de Crazy
Horse. Hay baladas inconfundibles
como Almost Always, coqueteo latino
en Carnival y un final de notable
épica acústica con Forever.
TOM CHAPLIN
Twelve Tales of Christmas
Universal Music
Argentina
un intento por dar esperanza y
luz a un mundo turbulento. Así elige
presentar Tom Chaplin su segundo
álbum solista (el anterior, The Wave,
salió en 2016), un compendio de 12
canciones impregnadas por el espíritu
navideño, con su alegre melancolía.
El resultado es el esperable para una
voz magnífica como la de Chaplin,
uno de los vocalistas más dotados de
su generación. Ocho de las canciones
pertenecen al ex-Keane, mientras
que el resto son composiciones de
Howard Blake, East 17 y The Pretenders,
más una hermosa y evocativa
versión de River, de Joni Mitchell.
Según Chaplin, la sensación agridulce
de esta época del año lo motivó a explorar
“temas de amor y el recuerdo
de aquellos que hemos perdido”. Sin
embargo, el trabajo no es nostálgico,
sino que también busca climas de calma
alegría y contemplación nocturna,
en todos los cuales Chaplin despliega
su admirable voz sin caer en la
sensiblería o la voluptuosidad operística
de algunos antecedentes del
subgénero de los álbumes navideños.
También hay baladas de amor para
estadios, como Stay Another Day, y
frescas canciones de esencia beatle
como Another Lonely Christmas para
que Chaplin demuestre que es un intérprete
que sabe cuándo profundizar
en la emoción y cuándo sobrevolar la
canción como un ángel.
RATONES
PARANOICOS
Caballos de noche-Vivos
en el Hipódromo
Sony Music Argentina
No hay otra banda como Ratones
Paranoicos en el rock argentino. Y su
regreso a los escenarios en septiembre
pasado ante una multitud en
el Hipódromo de Palermo fue una
demostración de que el swing y el
ensamble perfecto de guitarras, bajo
y batería a la orden del rocanrol fueron
cetros vacantes durante su ausencia.
Caballos de noche-Vivos en el
Hipódromo es un sobrio registro (en
CD y DVD) de esa noche de regreso
y reivindicación, donde la banda de
Juanse Gutiérrez, Pablo Memi, Sarcófago
Cano y Roy Quiroga desató
una estampida de hits y rocanroles,
mostrándose plenamente recuperada
y ajustada. Sin efectismos ni
divagues, los Ratones emprendieron
de entrada con Ceremonia en el hall
y Sucia estrella, para luego abarcar
grandes momentos de toda su
discografía, como Vicio (Hecho en
Memphis, 1993), El centauro (Planeta
paranoico, 1996), Rock del pedazo
(Furtivos, 1989) o Sigue girando
(Girando, 2004). Además de los 18
tracks en vivo, en varios de los cuales
se suma Fabián Von Quintiero en
teclados, el CD trae como bonus Los
verdaderos, una canción nueva en la
que los Ratones celebran su regreso
triunfal. El DVD incluye dos tracks
más que no se encuentran en el CD
ni en las plataformas digitales: Boogie
y Yo te amo.
GENTILEZA SANTAOLALLA
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76 BILLBOARD | ENERO, 2018

La sorpresiva
colaboración del
dúo destrona del
Nº 1 a Rockstar, de
Post Malone.
Ed Sheeran y Beyoncé:
un dúo perfecto
SHEERAN: ISABEL INFANTES/GETTY IMAGES. BEYONCÉ: LARRY BUSACCA/GETTY IMAGES.
Ed sheeran concluyó el
2017 de la misma forma que
lo comenzó: en el Nº 1 del
Billboard Hot 100. Esta
vez, el responsable fue Perfect, el
dueto con Beyoncé que escaló del
tercer al primer puesto. La balada fue
lanzada primero como canción solista
de Sheeran en su álbum Divide,
que debutó en la cima del Billboard
200 el 25 de marzo pasado. Después
de su primera semana completa
desde la nueva versión a dueto (lanzada
el 30 de noviembre), la canción
aumentó un 202 por ciento gracias
a las 180.000 descargas vendidas,
según Nielsen Music. Además, logró
34,9 millones de streams solo en los
Estados Unidos y 102 millones en
audiencia de radio.
Sheeran logró su segundo Nº
1 en el Hot 100, después de que
el single Shape of You liderara
por 12 semanas a partir del 28 de
enero. Beyoncé, por su parte, se
ganó su sexto Nº 1 como solista (y
podríamos sumar cuatro más como
miembro de Destiny’s Child), y es
su primero desde Single Ladies (Put
a Ring on It), que reinó durante
cuatro semanas comenzando el
13 de diciembre de 2008. Perfect
también representa el primer Nº 1
del Hot 100 en esta década que está
firmado por un artista masculino
y una femenina. “Los álbumes
suben y bajan [de los charts] muy
rápidamente, es muy difícil hacer
campañas ahora –le contó Sheeran
a Billboard–. “Tener todavía un
single como hit de un álbum que
fue lanzado en marzo me hace
pensar que tuve un año muy loco,
debo admitirlo”. —GARY TRUST
BILLBOARD.COM.AR
77

La canción
del nativo de
Milwaukee
también
encabezó el
chart Adult
R&B durante
seis semanas.
When We es tu primera entrada en el Hot
100 como artista solista en la década.
¿Cómo se siente?
Es muy loco. Cuando pienso acerca del
tiempo que lleva hacer algo… Para mí,
estar en este lugar después de 17 años,
sintiendo como si recién hubiera llegado,
es increíble. Me siento joven. Voy a seguir
metiéndole a esto, eso es seguro.
Tu pareja, Zena Foster, es protagonista
del video de tu canción. ¿Cómo fue
trabajar con ella?
Es siempre interesante trabajar con
alguien que te importa, porque ellos
saben romper las reglas. Normalmente,
si hubiera sido alguien que contraté, podría
decir: “Es lo que es. Arreglate como
puedas”. Pero si es alguien que puede
quitarte las cosas en casa, tenés que ser
un poco más indulgente.
Los créditos de composición de tus
canciones incluyen a Aaliyah, Beyoncé y
Pitbull. ¿Quién sigue?
La motivación ahora tiene que ver con
mi sello, R&B Money. Estoy buscando
escribir para mis artistas y ponerlos en
un lugar que puedan recordar dentro
de 17 años. Quiero regalarles el tipo de
carrera que yo tuve.
–BIANCA ALYSSE
Cabello gana su primer
Nº 1 en el chart Radio
Songs, y su primer Nº 1
del 2017 para una artista
femenina, ya que Havana
subió del 2 al 1 (122 millones
en audiencia).
TANK: PRINCE WILLIAMS/FILMMAGIC. CABELLO: KEVIN MAZUR/GETTY IMAGES.
78 BILLBOARD | ENERO, 2018

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Halsey logra su primer top 10
en el Hot 100 como artista
principal, ya que Bad at Love
sube del 11 al 8. La canción
escaló al octavo lugar en
el chart Radio Songs (78
millones en audiencia, según
Nielsen Music). Previamente,
la cantante había logrado
figurar en esos puestos con
su colaboración en Closer, de
los Chainsmokers, que reinó
durante 12 semanas en 2016. Al
mismo tiempo, G-Eazy y Halsey
debutaron en el Nº 21 en el
Hot 100 con Him & I, que llegó
al Nº 3 en el chart de ventas
digitales. –G.T.
El tema alcanza el puesto
Nº 10 del chart Radio Songs,
igualando el puesto que
logró Humble, otro single del
álbum DAMN.
El clásico de 1963 –el 40º
hit de Williams en el Hot
100, desde su primer ingreso
en 1958, año inaugural del
chart– aparece en el Nº 4 del
Holiday 100, gracias a los 15
millones de streams en los
Estados Unidos.
HALSEY: CHRISTOPHER POLK/GETTY IMAGES. LAMAR: KEVIN WINTER/GETTY IMAGES. WILLIAMS: NEIL H KITSON/GETTY IMAGE
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CODA
Hace 32 años
HEART ENTRABA EN LA
ERA MTV Y TREPABA
HASTA EL N° 1
Las hermanas Wilson, estrellas de los 70, encontraron más éxito en los 80 al
recurrir a los videos musicales y a los compositores externos.
Después de lograr un puñado de hits
a mediados de los 70, incluyendo las piezas
de rock clásico Crazy on You, Magic
Man y Barracuda, Heart –liderada por las
hermanas Ann y Nancy Wilson– encontró
el éxito comercial a comienzos de los
80. El último álbum del grupo para Epic
Records, Passionworks (1983), se convirtió
en el LP de más bajo rendimiento en
el Billboard 200, con un pico en el puesto
N° 39. Ninguno de sus singles entró en
el top 40 del Billboard Hot 100.
Para su siguiente álbum, las Wilson
firmaron con Capitol Records y, según le
contó Ann a Rolling Stone en 2016, accedieron
“de mala gana” a que el sonido y la
estética visual del grupo fueran más compatibles
con MTV, que estaba teniendo
una influencia masiva en la industria por
entonces, y también a incorporar compositores
de afuera.
La apuesta dio su ganancia: el siguiente
álbum, Heart, se convirtió en el primer
y único N° 1 de la banda en el Billboard
200 el 21 de diciembre de 1985, y le dio
al grupo cuatro hits en el top 10 del Billboard
Hot 100, incluyendo el primer
N° 1: la balada These Dreams (escrita por
Martin Page y el letrista histórico de Elton
John, Bernie Taupin).
Los siguientes dos álbumes continuaron
por la senda victoriosa: Bad Animals
(1987) y Brigade (1990) alcanzaron el
N° 2 y N° 3, respectivamente. El primero
de ellos incluso aportó el segundo single
N° 1, un cover de la poco conocida banda
i-Ten –Alone–, escrito por Billy Steinberg
y Tom Kelly (Like a Virgin, de Madonna).
La última visita de Heart al Hot 100 fue
en 1994, pero las hermanas Wilson siguieron
lanzando nuevos álbumes, incluyendo
dos en 2016: Beautiful Broken y el
concierto en vivo en el Royal Albert Hall.
El futuro del grupo es una incógnita,
sin embargo, después de que el marido
de Ann, Dean Wetter, fuera encontrado
culpable de atacar a los hijos adolescentes
de Nancy en el backstage de un show
de 2016, las hermanas se embarcaron
en proyectos paralelos. Ann le dijo a
Billboard este año que no sabe si Heart
regresará. En otra entrevista, Nancy dijo:
“El tiempo lo cura todo. Simplemente deseo
y espero lo mejor”. –KEITH CAULFIELD
REBOBINANDO
LOS CHARTS
Ann (izquierda) y
Nancy Wilson de Heart
en el backstage del
Coliseo de Oakland, en
California (1985).
PAT JOHNSON/MEDIAPUNCH
82 BILLBOARD | ENERO, 2018