MondoSonoro Febrero 2020

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MARÍA JOSÉ LLERGO, GREEN DAY, FOYONE, FUEL FANDANGO, GREG DULLI, LAS BAJAS PASIONES, ARCO

TOUNDRA, RODRIGO CUEVAS, CAMELLOS, NADA SURF, ELYELLA, DIGITALISM, MILKY CHANCE

El Columpio Asesino

Nº 280 Febrero 2020 www.mondosonoro.com

Viaje al fin de la noche

FOTO: GUSTAFF CHOOS


5/Mondo

freako

La cantautora consagra

su universo, el apego a la

tierra y la autoexploración

en la juventud, con un doce

pulgadas producido por

Lost Twin, Sanación (Sony,

20). Siete temas editados en

vinilo en los que el flamenco

con calidades electrónicas

funciona como mantra curador

en tiempos de fast food.

FOTO: PALOMA WOOL

Son pocos los que viven

–y sufren– la hipertimesia,

una rara condición que

permite recordar hasta la

última minucia de la biografía

propia. La mayoría

nos conformarnos con almacenar imágenes,

ideas y algún olor de nuestra historia

de vida. Y con esas mínimas partículas

construímos un relato. Por tanto,

los detalles son parte indispensable de la

identidad: la práctica totalidad de stories

serán olvidados mañana y los selfies se

perderán en la enésima actualización

de iOS. Pero los objetos de infancia, las

riñas de nuestros padres o el sabor de

los bocadillos de Nutella, perdurarán en

María José Llergo

la memoria. Los profanos nos contentamos

con avivar dichos detalles en nuestras

tertulias con amigos; artistas como

María José Llergo (Pozoblanco, 1994)

pueden dejarlos marcados de por vida

en los surcos de un vinilo. Sanación,

un EP de siete temas con poso de disco

largo, es una colección de las señas que

han acompañado este tiempo a la cordobesa.

La azada que se clava en la tierra,

Cante sanador

el estallido de los nudillos contra una

antigua puerta de chapa en Pozoblanco,

la voz de su abuelo –de quien aprendió a

cantar– al recibirla en casa. Sonidos que

parecen azarosos en el inicio de De qué

me sirve llorar, pero que explican todo

lo que la cantautora ha demostrado en

estos dos años de carrera: apego a las

raíces y compromisos varios. Una forma

de resiliencia en medio de multitud de

debates de la contemporaneidad. “La

primera letra dice: ‘Mientras araba mi

tierra, alzaron cuatro columnas, cuando

tú aras la tuya, no se alza más que

una’. Las cuatro columnas son las que

se alzaron en mí mientras mi abuelo

labraba. Lo que pienso, lo que canto, lo

que siento y lo que hago”, justifica María

José Llergo por teléfono desde Madrid,

donde estableció su residencia el año

pasado. Entre el paisaje sonoro costumbrista

del principio del EP también

se percibe un sonoro “om”, uno de los

mantras sagrados de las religiones dhármicas.

En su caso agudo y dulce, apoyado

en un compás incipiente. Sanación

3

es un debut de flamenco con calidades

electrónicas, pero sobre todo es un gran

mantra curador en tiempos de fast food.

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MONDO

FREAKO

LA MÍA

Algo se muere

en el alma...

3

Las canciones parten de turbulencias personales

pero caminan hacia preocupaciones

más universales. Los enunciados, cortos pero

contundentes, reflexionan sobre la gestión

del dolor y la limpieza del yo y, por ende, del

mundo que los provoca. “Tenía la necesidad de

sanarme y por eso compuse los temas. Me di

cuenta de que tenía demasiado dolor dentro y

me hacía peor persona no sacarlo de una forma

bella”, explica.

Estamos ante un álbum de conceptos

(orígen, identidad, equilibrio, mística y arte),

donde María José Llergo no rehuye posicionamientos

políticos: Nana del mediterráneo,

sobre el drama migratorio, o la reivindicación

de clase de la tonada tradicional flamenca

Soy como el oro. “Soy como el oro me recuerda

mucho a la actitud que tiene la gente del campo...

De saber que la jerarquía de los humanos

es una construcción banal, que un amanecer

y un atardecer son superiores a eso”, dice

Llergo, alimentando las palabras con pausa

y precisión. En lo musical, el disco transmite

sensación de suspensión, de habitación amplia

y enmoquetada, gracias a unas bases de

electrónica fina a cargo del sevillano Lost Twin

y la masterización del reputado Max Miglin.

El proceso ha sido respetuoso con la voz, que

manda sobre el conjunto. “Es un disco contextual,

por lo que la música tiene que sonar en su

contexto, el de sanar. Para eso la utilicé yo. Hay

un curro de sonido y de texturas detrás de eso.

Hay un trabajo magistral de producción de

Lost Twin para conseguir esa atmósfera, esa

burbuja para pensar en lo que molesta o duele.

En el tiempo para uno”. Las canciones de Sanación

son en su mayoría temas que ya había

ido lanzando y quehabían sido probados antes

en directo, de donde no se bajó prácticamente

el pasado año. Sin material físico en las estanterías,

ya había actuado en el festival Primavera

Sound, en la Mercè Música y también en

las fiestas demoscópicas de esta publicación.

En momentos en que la vida pasa a golpe de

like, la joven elige componer a escala humana,

dotando de significado a todo lo que edita e

“Tenía la necesidad

de sanarme y por eso

compuse los temas”

EL APUNTE

Meditación

Cuentan que la sensación de conexión que

procura la respiración en la meditación es

parecida a la de cantar sobre un escenario. Y

que la reparación personal de una y otra cosa

también va a la par. María José Llergo sabe a

ciencia cierta que así es. Desde hace un par de

años, los mismos desde su estreno artístico, la

meditación forma parte de su rutina nocturna

y ha sido un elemento salvador, sin el cual Sanación

no existiría. “Cuando cantas tranquilo

y no piensas en nada, cuando dejas que la música

fluya a través de ti, es como meditar; como

cantar con el tercer ojo”, comenta. La cordobesa

descubrió la meditación en una clase de formación

corporal en ESMUC, la escuela en Barcelona

en la que estudió música gracias a una beca, y

se empapó a posteriori de todos los mantras posibles

en Youtube, hasta entender que flamenco

y meditación casaban a las mil maravillas.

“Para mí el flamenco es un mantra. Todo lo que

se repite y tiene una intención detrás lo puede

ser. Me miras pero no me ves, con ese compás por

seguiriyas... Entro en trance”. —y. s. i.

intentando vivir un camino “propio y libre”

dentro de la industria musical. Dicen que lleva

toda una vida conocerse a uno mismo. El tiempo

aproximado que hace falta también para

pasar esa vida a obra artística. Maria José Llergo

quiere tener ese tiempo para sí, para luego

compartirlo en forma de canciones. “Los temas

llevan un proceso muy largo. Como decía un

pianista muy famoso, una obra nunca se acaba,

se abandona”. —yeray s. iborra |

r

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FOTO: PALOMA WOOL

El pasado lunes 20 de enero de

2020 fallecía, a los 59 años de

edad y víctima de un cáncer,

un grande de la escena mestiza

barcelonesa como fue, es y será el percusionista

Xavi Turull. Triste no, muy triste.

Un ‘blue monday’ que quedará grabado a

fuego en la memoria de los muchos que,

no solo admirábamos la destreza de Xavi

dándole a los parches, sino que recordaremos

su entrañable franqueza, su sonrisa

cósmica, su entereza. Quiso el destino

que la última entrevista que realizó Xavi

Turull en vida la hiciera con un servidor

y para este medio. Quiso el destino que la

última entrevista reuniera en el barrio

del Carmel de Barcelona a los tres magos

que nos conquistaron con su arte durante

el cambio de siglo. Una distendida charla

entre los tres motores de Ojos de Brujo:

Marina (cantante), Ramón Giménez (guitarra)

y Xavi, con motivo de un libro de fotos

y entrevistas que estamos preparando y

que ya sabemos a quién dedicar. Y lo cierto

es que hubo mucha complicidad durante

el encuentro de esa tarde en la que

¡por fin! pudieron hablar de todo, incluso

de la posibilidad de volver a reflotar la

nave bruja en el futuro. Un anhelo que más

tarde quedaría frustrado, pero que planeó

como algo más que posible en el ambiente.

Sin embargo, lo más importante, lo que me

quedará grabado a fuego para siempre,

fue ser testigo de primera mano de como

algunas heridas abiertas, por y tras la

separación del grupo, podían cicatrizarse.

Solo había que ver con qué pasión rememoraban

sus inicios, la complicidad que

había logrado con su música o cómo habían

creado esa fusión imposible que luego

determinó lo que se dio a conocer como

el ‘sonido Barcelona”. El mismo sonido que

ha marcado la senda de otros artistas que

han llegado después como la mismísima

Rosalía. No olvidemos que, la hoy estrella

internacional, formó parte de Kejaleo,

proyecto tejido en 2011 por el propio Xavi

Turull junto a Diego Cortés, Cristo Fontecilla

y el también fallecido Roger Blàvia.

Pero más allá de los méritos profesionales

de Xavi, que son muchos, más allá de su

sabia aportación a la música de primeras

espadas como Ketama, Rosario Flores o Estopa,

más allá de todo eso nos queda, y por

encima de todo, la persona. Ahí es donde

Xavi Turull era imbatible. La misma pasión

con la que golpeaba cualquier cosa

que se le ponía a tiro, la puso para dotar

de sentido a su vida. Un sabio camino que

lo llevó a vivir en la montaña, alejado del

mundanal ruido, en contacto directo con

esa naturaleza que tanto amaba. La misma

que ahora le acoge. Descansa en paz amigo

Xavi que ya no encargaremos nosotros de

mantener imborrable tu recuerdo.

—sergi ‘don disturbios’ marqués

#6 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Nos reunimos con Esteban

Girón de Toundra en las

oficinas de Holy Cuervo en

Malasaña. Su banda anda

presentando Das Cabinet

des Dr. Caligari (Inside Out,

20), edición física de la banda

sonora que le han puesto al

clásico del cine. El guitarrista

es todo un profesional de las

relaciones públicas y sabe

perfectamente cómo hacer

para que el otro se sienta a

gusto. Se tiene bien aprendido

el discurso y sabe qué ideas

remarcar.

Queda claro que el grupo no

entiende este proyecto sin las

imágenes de la película de Robert

Wiene, pero puede abrirles

un camino con el que llevan soñando

desde sus inicios, tener una carrera

paralela como compositores de bandas

sonoras. “Pensábamos que algún día

nos iban a proponer hacer una banda

sonora de una película nueva, pero nos

han propuesto hacer una que tiene cien

años, con lo que supongo que lo que

quiere decir es que estamos ya viejos”,

bromea Girón, sobre el hecho de que la

película a la que han puesto música vaya

a celebrar su centenario este 2020. Eso

no quita para que esta obra maestra del

cine expresionista alemán no siga estando

vigente. “La gran motivación que tuvimos

es que es una película estrenada

en 1920, en el periodo de entreguerras,

con el surgimiento de los fascismos.

Cien años después nosotros estábamos

poniendo música a esa película con el

resurgimiento del fascismo”. Es un tema

que les toca de lleno, en especial a un

Girón que ve claros los paralelismos con

la época actual en muchos lugares del

mundo, España sin ir más lejos, con un

escenario político donde “la mentira no

es castigada y la apropiación de los símbolos

de todos es impune”.

A pesar de no tener una inspiración

clara los nombres de gente como

Mogwai y Max Richter salen varias

veces durante la entrevista. Aun así

Girón reconoce que intentaron dar un

giro para este proyecto, abordándolo sin

fijarse en nada en particular sino utlilizando

la perspectiva que les daba tener

en concierto

l Valencia 22 febrero, Rock City

l Madrid 28 febrero, Teatros del Canal

(Das Cabinet des Dr. Caligari)

l Zaragoza 6 marzo, Las Armas

(Das Cabinet des Dr. Caligari)

l Barcelona 7 marzo, Cines Aribau

(Das Cabinet des Dr. Caligari)

l Badalona 13 marzo, Teatro Círcol

l Granollers 14 marzo, Nau B1

EL APUNTE

Otras músicas,

otros Caligaris

A lo largo de los últimos años, han

sido muchos los artistas que se han

enfrentado al reto de crear una banda

sonora para la película que nos atañe. Vayamos

con algunos ejemplos. Conocido

por ser fundador de Be Bop Deluxe, Bill

Nelson ha firmado bandas sonoras para

El gabinete del doctor Caligari y para

La bella y la bestia (1913) de Jean Cocteau.

La primera se creó en 1981 para la

representación teatral a cargo de la Yorkshire

Actors Company. Una de las más

inquietantes bandas sonoras creadas

para el clásico de Wiene la firmaron The

Clubfoot Orchestra en 1988, formación

especializada en dotar de banda sonora

propia a diversos clásicos del cine mudo

(Nosferatu (22), Metropolis (27), El

acorazado Potemkin (25), etcétera). En

1994, el reconocido contrabajista de free

jazz Mark Dresser publicó una banda

sonora completa para el filme. Clásicos

del sonido Sheffield de los ochenta, In

The Nursery son un dúo de electrónica

oscura cuya música ha aparecido en infinidad

de filmes y que también ha creado

y grabado sus propios soundtracks para

ésta y otras películas silentes como

Man With a Movie Camera (29) o La

pasión de Juana de Arco (28) o sonoras

como La caída de la casa Usher (60).

Una de las experiencias más curiosas

al respecto fue Caligari. An Exquisite

Corpse en 2007. Casi una docena de

artistas experimentales se unieron a

modo de cadáver exquisito para crear

dos bandas sonoras completas para la

película con la música de artistas como

Steve Burnett, Fastus, Mank, Rob Switzer

o Mike Fazio. Y acabamos con un proyecto

más cercano. En 2016, el sello catalán

Marbre Records publicó un soundtrack

denso y asfixiante firmado por Alozeau,

(Josué Coloma). —joan s. luna

una “cultura audiovisual mayor” que la

de los músicos originales, afrontando la

composición tomando notas e improvisando

con la guitarra mientras veían

innumerables veces la obra de Wiene,

tantas que el guitarrista reconoce entre

risas estar “hasta los cojones de ver la

puta película. La he visto más veces que

Sólo en casa (90)”. Eso no quita con que

la banda esté muy motivada para presentar

este proyecto en directo con las

imágenes de Cesare y el doctor Caligari

de fondo. Unos conciertos de alto riesgo

en los que cualquier fallo o descoordinación

pueden llevar a la ruina al espectáculo,

no en vano me reconoce que antes

de presentarlo por primera vez, en el

cine Capitol de Madrid, vomitó antes de

salir al escenario. Y es que sabe que esta

música está tan asociada a la imagen

que si hubiera un fallo en la proyección,

“se acaba el concierto y se devuelve el

dinero a la gente”. Sobre sus fechas en

el país natal de la película, Alemania, donde

son especialmente bien recibidos, dice no

sentir especial presión ya que “la gente está

tan gilipollas con Netflix que la mayoría de

los que nos vayan a ver ni siquiera habrán

visto la película”. Eso sí, bromea con lo que

le gustaría que la canciller Merkel se pasase

a verlos para poder enseñarle cómo “el fascismo

lleva en su país más de cien años”.

Ante tanta insistencia sobre por

qué no considera a este proyecto un disco

propiamente de Toundra (“hay que editarlo

porque la gente es fan y va querer tenerlo

y nos lo va a pedir, además de que es una

remuneración, no hay que ser hipócrita,

que vivimos en el siglo XXI”), le pregunto

si es posible un nuevo disco de la banda

para este año. Primero me dice que lo más

seguro es que graben uno y lo editen el año

que viene, pero luego rectifica y, a pesar de

ser un madridista confeso, cita al ‘Cholo’

Simeone para asegurarme que hay que ir

"partido a partido" y toca disfrutar de este

proyecto. Un proyecto que puede abrirles

una carrera paralela musicando imágenes,

puede que incluso de algunas que no tengan

cien años de edad. —sergio ariza

r

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Toundra

Sin

palabras

"Esto no es un

disco de Toundra,

es una banda

sonora creada

por Toundra"

FOTO: ARCHIVO

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febrero 2020 #7


El malagueño Foyone publica

Presidente (Autoeditado,

20), con el que presenta su

candidatura a liderar el rap en

este año que acaba de arrancar.

Un disco cargado de verdades,

no de promesas

Esa muletilla que teníamos

de ‘Pal año 2020 Foyone Presidente’

surge en el Rapsincorte

28, en 2016. Desde entonces

se hizo famosa en todos nuestros

conciertos. Y dadas las circunstancias

actuales lo vimos claro, este disco

debía llamarse Presidente. Creo que

ha sido la campaña de promoción

de una disco más larga de la historia”.

Y si no la más larga, una de las

más oportunas sin duda. Porque en

plena época de convulsión política,

de pactos, acuerdos, fraudes, manifestaciones

y, en resumidas cuentas,

crisis y cambios, Foyone presenta el

disco con mayor carga política de su

carrera. “Aunque no es algo que haya

buscado conscientemente, ha sido una

evolución natural. Es cierto que cada

vez soy más viejo y gruñón, pero estoy

harto del mundo en el que vivimos

desde chico”, reconoce el malagueño.

Cansado de la situación económica de

un país que le ofrece incontables argumentos

para que aumente su hartazgo.

“Estamos atrasados en todo lo que

está relacionado con el trabajo y el

dinero. Cualquier persona que destaque

al final acaba saliendo de España

y sólo vuelve por Navidad o verano, si

en concierto

l Málaga 15 febrero, Sala París 15

l Granada 21 febrero, Sala El Tren

l Almería 22 febrero Sala Ferrera

l Almería 27 febrero, Teatro Cervantes

l Sevilla 29 febrero, Sala Custom

l Madrid 6 marzo, Sala But

l Barcelona 14 marzo, Apolo

l Murcia 18 marzo, Sala REM

l San Sebastian 3 abril, Sala Dabadaba

l Bilbao 4 abril, Santana 27

l Zaragoza 17 abril, Sala Lopez

l Pamplona 18 abril, Zentral

l Córdoba 24 abril Sala m100

l Cáceres 25 abril, Sala Barroco

Foyone

Candidato

a todo

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“La misión de un

artista es expresarse,

no educar”

puede. Hay bases del sistema en el que

vivimos que son por naturaleza injustas

pero que todos aceptamos, y creo

que habría que cambiarlas”.

Pero no todo es política y

mala leche en el nuevo disco de Foyone.

El cantante alterna letras de

protesta con otras autobiográficas y

cargadas de sinceridad. Como es el

caso de Papá y mamá, donde narra

con extrema crudeza la relación con

su padre “y mi madre me pidió que no

la sacase, pero al final entendió que no

era algo malo compartir esa realidad”.

O Amor tóxico, en la que da su propia

visión del amor “evitando que suene

muy cursi. Todos somos tóxicos como

persona, por eso hay que saber aceptar

el lado tóxico de la otra”. El resultado

de todo ello es el mejor álbum que

ha publicado Foyone hasta la fecha no

sólo en cuanto a sonido, también en

líricas. Aunque siendo consciente de

que su repercusión es cada vez mayor,

siente “responsabilidad, pero solo de

que el mensaje que transmito sea fiel

con mi manera de pensar. Por supuesto

creo que el mensaje de un cantante

influye en el oyente, pero pienso que

la misión de un artista es expresarse,

no educar, por lo que la responsabilidad

más allá de con el oyente debe ser

con uno mismo”. Una visión con la que

el MC ha sabido dar forma a un álbum

que, fiel a su sonido gracias a la labor

de Sceno, supone un nuevo escalón en

su trayectoria. Y para el que además,

fruto de su ingenio, supo sacar partido

de la repetición de las Elecciones

Generales. “La magia del destino hizo

EL APUNTE

Sagradas escrituras

Mucho ha cambiado Foyone desde que

comenzó en 2011. ¿O quizá no tanto? El

malagueño es de esos artistas que, sin

perder sus señas de identidad o sus

raíces, ha sabido actualizarse y mimetizarse

con la escena. Su primer disco Mi

Zoológico (11) ya nos daba las primeras

pistas: a Foyone le pone el rap clasicón,

ese de bombos gordos y un toque oscuro.

Y en esa dirección ha seguido hasta este

último, Presidente, donde el cantante se

mantiene fiel a su estilo aunque con un

sonido más elaborado y potente. Entre

que se repitiesen, pero íbamos a sacar

el disco para el 31 de enero igual. Para

los músicos que nos autoeditamos es

importante hacer una buena promo,

pero mucho más es hacer un buen

disco. Ya lo decían Hablando en Plata:

hacerlo bien es la mejor de las promos”.

—alfonso gil royo

r

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ambos, media docena de discos con los

que ha ido desarrollándose y a los que

además hay que añadir Lacura (18) y sus

exitosos #rapsincorte. El primero es un

videojuego narrado en primera persona

en el que él mismo pone la banda sonora

y el segundo una serie de vídeos en los

que rapea a cámara, sin cortes ni arreglos.

Ya lleva cuarenta publicados y no

tiene intención de dejarlo: “El límite nos

lo pusimos hace tiempo en 20.000”. Una

prueba más de la inagotable creatividad

de nuestro candidato. —a.g.r.

febrero 2020 #9

FOTO: ARCHIVO


MONDO

FREAKO

FOTO: DARÍO VÁQUEZ

EN LA MALETA

Fuel

Fandango

Diez años

de camino

propip

Han cumplido una década

creando una música que

los medios nunca hemos

sabido bien como etiquetar

y eso es algo que no va a

cambiar con su nuevo trabajo,

Origen (Warner, 20), en el

que continúan explorando

caminos distintos.

Sr. Melles

Carlos Mellado es un

joven periodista amante

de la música de baile y del

vinilo que se hace llamar

Sr. Melles cuando se pone

el traje de DJ en diversos

clubes de la capital, casi

siempre acompañado

por sus compañeros del

colectivo Chineurs de

Madrid.

“Somos músicos desde que

nos parió nuestra madre”

Si tuviéramos que intentar

definir a Fuel Fandango

con una única etiqueta quizás

la más adecuada respecto a lo

que hacen sea “música de fusión”, porque

si al principio se decía que fusionaban

flamenco con funk, poco a poco la

Hay alguna canción en concreto

que haya estado en

todas tus sesiones?

Hay discos que son titulares

en mi maleta desde el primer día,

pero hay un tema en concreto, un remix

de Four Tet del Leave A Trace de Chvrches,

que lo he pinchado mil veces y

me sigue flipando como el primer día.

—¿Hay alguna situación particular

(para bien o para mal) que recuerdes

de tu carrera hasta ahora?

Recuerdo hacer un warm up a Young

Marco, uno de mis artistas predilectos,

con mi colega Savino y que al terminar

se acercase a decirnos que había

flipado con la selección que habíamos

hecho. Me quedé a cuadros y me volví a

casa como si hubiese ganado la Champions

League.

—¿Vinilo, CD, archivos digitales…?

Aunque últimamente estoy pinchando

más con archivos digitales que antes,

para mí siempre va a ser más especial

un vinilo. Por todo lo que hay detrás.

Creo que podría decir dónde, cuándo

y por qué me he comprado cada uno

de los discos que tengo. Sin embargo,

la música en formato digital no suele

tener ese componente emocional. Pero

al final es cuestión de gustos y no seré

yo quien critique a quien prefiera los

archivos digitales.

—¿Qué canción de las que eres muy

fan nunca te has atrevido a pinchar y

por qué motivo?

Traumprinz 2Bad (DJ Metatron ‘What

If Madness Is The Only Relief’ rework).

Es mi tema favorito, de mi disco favorito,

de mi artista favorito y nunca he

encontrado el momento perfecto para

pincharlo en un club. Creo que me da

miedo ponerme a llorar en público.

—¿Qué opinas de la popularidad de

los DJ’s frente a los músicos? ¿Le das

más valor a los músicos de pop o de

rock que a los DJ’s?

Para mí el valor de un artista está en

conseguir emocionar y hacer disfrutar

a la gente. La forma de hacerlo es lo de

menos.

—¿Podrías decirme cuáles son tus

Dj’s favoritos y por qué motivos?

Aquí sí que lo tengo muy claro: Ben

UFO y Dj Dustin. El primero por ser una

fuente inagotable de musicón y por

mezclar como muy poca gente es capaz

de hacerlo. El segundo por la manera

de hilar una sesión y conseguir que

pierdas la noción del tiempo. Dos auténticos

genios.

—¿Qué festivales y clubes recomendarías,

tanto a nivel nacional como

internacional?

En cuanto a festivales me quedo con

Waking Life en Portugal y L.E.V. en

Gijón. A nivel clubes, Café Berlín en

Madrid, por ser mi segunda casa, y De

School en Ámsterdam.

—raúl linares

cosa se ha ido ampliando cada vez más

hasta que ya resulta imposible describir

el cóctel sin dejarte algo. Para Origen

han querido “aunar ese rollo tan añejo

de la guitarra flamenca con lo novedoso

de la electrónica, y sobre todo fusionarlo

con ritmos más africanos y percusivos,

hacer un sonido más del mundo”.

Y, en cuanto al flamenco, cuentan con

las colaboraciones de Rycardo Moreno,

Dani de Morón y, ojo, Vicente Amigo.

“Nosotros hemos escuchado sus discos

hasta la saciedad, y de repente surgió

un puente para contactar con él”, me

cuenta Ale. Y no se lo pensaron. “Fuimos

a Córdoba a verle y al día siguiente

ya estaba preparando el tema”. Rápido y

además intenso, porque siguen en contacto,

según me comenta Nita: “Todavía

me llama para decirme que le encanta

lo que hemos hecho. Es una persona

maravillosa, aparte de un grandísimo

genio”. El hilo conductor de su primer

álbum tras el décimo aniversario no es

otro que “intentar volver al origen de

las cosas, mantener el contacto con la

naturaleza, los pies en la tierra. El origen

de todo viene de África, el origen de la

vida”. La naturaleza y la espiritualidad

son también piezas claves en esto, y

Nita y Ale apuestan por ambas y por la

mirada positiva, tan necesaria en un

sistema en que “lo único que hacemos

es producir y consumir. Hay gente que

se muere de hambre y está en la miseria

y, mientras, hay otra que no sabe

qué hacer con tanto dinero”, lamenta

Nita. Al hilo de esto, me cuentan cómo

hablaban con el encargado de hacer el

making-of del disco, el director chileno

Michel Gajardo, sobre la situación en su

tierra, y lo estupendo que sería “que eso

se pueda expandir al resto del mundo, y

que la gente sea capaz de salir a la calle a

quejarse y a expresarse, que no sea solo

salir a la calle a ver las luces de Navidad”.

#10 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


TAN.

CERCA

RREl festival Planeta Sound, que

tendrá lugar los días 17, 18 y 19

de junio en Ponferrada, presenta

nuevos nombres para su cartel.

Se trata de Novedades Carminha,

La Bien Querida, Astropálido y

Brewsters. Todos ellos se suman

a los anunciados previamente,

como Amaral o La Casa Azul.

RREn su edición más ambiciosa

y con más presupuesto, el Guitar

BCN 2020 traerá a Peter Frampton

el 18 de junio al Sant Jordi

Club, con su gira de despedida.

Joe Bonamassa visitará también

el Guitar BCN el 23 de agosto en

el Espai Port de Sant Feliu de

Guíxols en su único concierto en

el Estado español.

Hablamos también sobre cómo la

música juega un papel muy interesante

al respecto, cómo puede ayudarte a cambiar

el estado de ánimo, y cómo a ellos

mismos les ayuda. Cuenta Nita que si

quiere sacar su rabia se pone a Extremoduro;

si quiere venirse arriba, a Moderat,

y, si la cosa va de relajarse, a Debussy. La

música es tan poderosa que, cuando les

hago la pregunta inevitable (sí, imaginando

que empezasen ahora y tras todo

lo que han conocido de la industria en

estos diez años, volverían a dedicarse

a la música), lo tienen claro. “Este mismo

proyecto no lo sé, pero sí haríamos

música. Es que es lo que vamos a hacer

hasta que nos muramos. Somos músicos

desde que nos parió nuestra madre. Es lo

que mejor sabemos hacer y es así como

somos felices”. —pablo tocino

r

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en concierto

l Madrid 1 y 2 febrero, Teatro Circo

Price l Palma de Mallorca 8 febrero,

Es Gremi l Málaga 21 febrero, Paris 15

l Granada 22 febrero, Industrial

Copera l Santander 6 marzo, Escenario

Santander l Santiago de Compostela

7 marzo, Capitol l San Sebastian

27 marzo, C.C. San Agustin l Pamplona

28 marzo, Zentral l Vitoria-Gasteiz

17 abril, Jimmy Jazz l Bilbao 18 abril,

Kafe Antzokia

RREl pasado 20 de enero falleció

a causa de un cáncer de estómago

el percusionista Xavi Turull a la

edad de cincuenta y nueve años.

Músico muy querido y apreciado

en la escena mestiza , Turull

había sido, entre otros múltiples

proyectos, miembro fundador y

pieza clave de Ojos de Brujo.

RRLa barcelonesa Aiala, autora

del apreciado Nothing Less

Than Art (New Beats, 19), presentó

su disco en Cruïlla de Tardor y

el Mercat de Música Viva de Vic,

pero ahora inicia una nueva gira

que la acercará hasta L’Hospitalet

(8 febrero, Let’s Festival), Madrid

(22 febrero, La Boite), Barcelona

(4 marzo, La [2] de Apolo), Girona

(3 marzo, Black Music Festival) y

Reus (15 marzo, también dentro

del Black Music Festival).

RREl barcelonés Sónar ha dado

a conocer su cartel completo (del

18 al 20 de junio). Así, podrás ver a

The Chemical Brothers, Arca , The

Blaze, Carl Cox, Richie Hawtin,

Laurent Garnier o propuestas

nacionales como Niño de Elche,

Morad, el debut en la electrónica

de Maria Arnal i Marcel Bagés, el

estreno en Barcelona de Califato

3/4, Egosex, Kaydy Cain con orquesta

de salsa por citar algunos.

RREl festival valenciano 4Ever

Fest, que se celebrará los días 26

y 27 de junio en la Plaza de Toros

de Valencia, ha dado a conocer

los nombres internacionales que

darán forma a su cartel. Serán

Wilco, Madness, OMD, The Stranglers

y Marc Almond. A ellos se

sumará Quique González y dos

nombres valencianos todavía

por confirmar. —MS

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febrero 2020 #11


Gianluca

De Chile para

el mundo

Gianluca es un joven artista de

Santiago de Chile que después de

dos mixtapes en la calle, acaba de

lanzar su primer álbum de estudio,

Yin Yang (Quemasucabeza, 19), en

el que da un salto de calidad en

todos los sentidos.

La primera parada en su asalto

al mundo ha sido España, y no es

por casualidad. Gianluca reconoce

su admiración por la escena urbana

de nuestro país, “Escucho un montón lo

de España desde hace muchos años: Yung

Beef, Pxxr Gvng, Dellafuente, Bad Gyal, Ms

Nina, C. Tangana también… Y pienso que

es una escena super variada y que tiene un

código que también es cierto que me llega”.

Como muchos de los artistas españoles que

toma como referencia, ha querido desmarcarse

de la etiqueta del trap, un género que

vive un éxito mundial absoluto pero que

muchos de los artífices de dicho éxito evitan

citar. “Hago música con batería de trap

como también hago música con batería de

reggaeton, también r’n’b, una canción de

pop con Javiera Mena o canciones que pueden

ser indie como Serenata. Hay unos matices

que son muy amplios, y a mí lo que me

gusta de la música es experimentar, hacer

cosas distintas y salir de la zona de confort.

Lo que más me entretiene es hacer cosas

nuevas siempre porque no me gusta repetirme.

Los artistas que más me gustan son

los que hacen eso, los que mezclan, los que

no son predecibles ni aburridos”. A diferencia

de otros muchos artistas jóvenes, la

versatilidad de Gianluca sí ha tenido reflejo

en Yin Yang, un álbum en el que ha ampliado

sus referencias y que le sirve como

una carta de presentación, en el que se ve

(y se escucha) todo lo que puede hacer en la

música. Gianluca forma parte de una nueva

generación de artistas chilenos que han

conseguido trascender el mercado nacional

y que cada vez suenan con más fuerza en

todo el mundo. “Yo creo que este año próximo

ya se va a dar la internacionalización

más grande, lo que ha conseguido Pablo

Chill-E, por ejemplo, que va adelantado. Yo

creo que van a empezar a darse giras fuera

del país, colaboraciones…”. —luis m. maínez

r

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FOTO: ESTEBAN VARGAS


El décimo disco de la banda de Austin,

X: The Godless Void And Other Stories

(Superball/InsideOut Music, 20), retoma

la atrevida propuesta del grupo, cuya

conciliación de la energía punk con

laberintos progresivos les convirtió

en únicos durante los primeros dos

mil. Hablamos con Jason Reece (batería,

guitarra, voz).

Necesitábamos dar un paso atrás y

repensar lo que íbamos a hacer. Averiguar

cómo podíamos seguir de una forma que

no fuera aburrida”, explica por teléfono

Jason Reece (batería, guitarra y voz). Que Conrad

Keely, su socio creativo, cambiara durante una larga

temporada Austin por Camboya y sacara un disco

en solitario, también sumó. “Habíamos despedido

a nuestro manager…hubo bastante caos hasta que

pudimos empezar de nuevo”, insiste. Su décimo

disco, X: The Godless Void and Other Stories, retoma

la audaz propuesta del grupo con un sonido

único durante los primeros dos mil. Con los años, su

visión se ha hecho aún más expansiva. “Queríamos

ser creativos y desarrollar un disco que fuera más

diverso. Madonna (99) o Source Tags & Codes (02) siguen

siendo para nosotros relevantes, pero estaban

más influidos por el punk y eran más crudos y ruidosos.

Me parece que este tiene muchas más capas

y texturas. Supongo que cuando haces música no

quieres permanecer en el mismo sitio”. Y pone una

analogía: “Nunca hemos querido ser como Ramones.

Me encantan, son increíbles, pero no somos ese

tipo de banda. Somos más bien de las que quieren

“No tenemos un estilo

definido y nuestras

influencias son una

locura”

… And You Will Know

Us By The Trail Of

Dead Caos y orden

innovar”. Por si fuera poco, “este álbum ha sido un gran

reto porque estábamos como volviendo a empezar y no

teníamos una foto panorámica o una idea general de lo

que queríamos. Acabamos inspirándonos en sonidos

más oscuros de los ochenta, no necesariamente música

gótica”.

El oscuro título (“El vacío sin Dios…”) tiene toda

una historia detrás. “Me inspiró el título de un reportaje

sobre los amigos de Dylann Roof, un joven tirador

asesino que mató a un montón de gente en una iglesia.

El artículo se titulaba The American Void. Era un reportaje

en profundidad sobre la cultura americana y los

chavales. Los videojuegos, 4chan, la basura que comen,

el consumismo… Le sugerí a Conrad que el título fuera

The American Void, porque refleja el momento que

vivimos en Estados Unidos, pero nos dimos cuenta de

que aunque el disco tocaba un poco el tema de la sociedad,

al final es más existencial y abstracto”. Curioso que

un suceso así inspirara a un grupo con una estética tan

extravagante. Jason lo admite. “Somos un grupo peculiar

porque las canciones tienen elementos personales.

En las letras hay elementos metafísicos, fantasía, porque

siempre nos han inspirado los libros y cosas así. A

veces hay elementos de ciencia ficción. Y creo que todo

esto es lo que nos hace ser una banda tan rara. No tenemos

un estilo definido y nuestras influencias son una

locura”. Explica que estar en una banda no es para todo

el mundo –una de las causas de la inestabilidad en la

formación– y espera volver pronto a mostrar sus vigorosas

armas en España, pasando página de aquel último

concierto en Madrid al que, por varias circunstancias

desafortunadas, no fue casi nadie. —jc peña

r

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FOTO: VIKTOR SCOTT

#12 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


MONDO

FREAKO

Greg Dulli

Por raro que suene, Random

Desire (BMG, 20) es el

primer trabajo en solitario

propiamente dicho del alma

de The Afghan Whigs y The

Twilight Singers en más de

tres décadas. Él alega que

Amber Headlights (One Little

Indian, 05), era “un proyecto y

no un disco en solitario”.

La ley del

deseo

Pocas sensaciones más reconfortantes

que comprobar

cómo un héroe de tu juventud

resulta ser encantador. El de

Ohio está de promoción en Madrid

y se toma la entrevista con tanta pasión

como la que pone en su música.

“Éste es el primer álbum que saco

en solitario. Amber Headlights (05)

eran descartes. La razón principal es

que al terminar la gira de In Spades

(17) de The Afghan Whigs sabía que

todo el grupo iba a estar ocupado.

Me di algo que hacer”. Dulli tiene la

impresión de que vive en un momento

creativo dulce desde que los Whigs se

reactivaron más allá del directo con

Do To The Beast (14). “Yo no puedo

salir cada noche a tocar canciones de

hace veinte años. Incluso si te pagan

un pastón, qué más da. Puedes ganar

dinero de otros modos. Las últimas

treinta canciones que he sacado creo

que están al nivel de cualquiera de las

que he hecho”.

El tono elegíaco de estas últimas

composiciones no es casual. “Me

acuerdo de que cuanto tenía treinta

y tantos años oí una historia: hay dos

épocas en las que pierdes gente a tu alrededor,

cuando eres un niño y cuando

tienes mediana edad. Ahí es cuando

la muerte te visita. Somos criaturas

finitas, pero con veinticinco años no

piensas en ello”. Sus progresos vocales

tampoco son fortuitos. “Hace unos

diez años que dejé de fumar, y un

amigo que enseñó un par de ejercicios

para calentar la voz. Simplemente,

me tomo lo de cantar un poco más

en serio que lo que quizá solía hacer

antaño, cuando la forzaba sin calentar

ni nada. Cuando oigo grabaciones en

directo de los noventa, me parece que

sueno a mierda. Pero bueno, en direc-

“Cuando empecé no había

dinero, luego hubo mucho

y ahora no hay nada (risas).

Pero yo nunca hice un disco

que lo petara, ni siquiera

estando en Sub Pop”

EL APUNTE

Treinta años de magia negra

La carrera de Greg Dulli ha sido tan

poco propensa a patinazos que avistar

cumbres es delicado, aunque será

complicado que nos regale ya algo a

la altura de Gentlemen (1993), Black

Love (1996) y 1965 (1998), la mágica

trilogía –aunque el segundo fuera algo

denostado en su momento– de Afghan

Whigs: explosión, implosión y jubilosa

despedida (respectivamente) de un

trayecto que, naciendo del grunge y

Sub Pop, fue muchísimo más allá en su

destilación de rock con corazón soul.

Un libro de estilo propio e inimitable.

Cerca se queda, sin embargo, el reciente

Random Desire (2020), uno de sus mejores

trabajos (quién lo diría a estas alturas),

que no tiene mucho que envidiar

al notable Blackberry Belle (2003) de

The Twilight Singers, su mejor proyecto

paralelo (por encima de su alianza

con Mark Lanegan en The Gutter Twins),

o a aquel más que estimable retorno de

los Whigs que fue Do The The Beast

(2014), un álbum que fue presentado en

conciertos tan memorables como el que

ofrecieron en la Apolo de Barcelona en

febrero de 2015. —carlos pérez de ziriza

FOTO: MACIEK JASIK

to puedes ser un poco descuidado. No

hay nada malo en ello”.

Además de doblar y triplicar

voces como Brian Wilson e inspirarse

en el estilo vocal de Dylan en su disco

country Nashville Skyline (69), Dulli

toca muchos de los instrumentos del

álbum (baterías incluidas), aunque

participan músicos amigos como John

Skirbik, Rick Nelson o John Theodore.

Todos bajo la atenta mirada del técnico

Christopher Thorn, guitarra en

Blind Melon. “No hay nada mejor que

trabajar con gente con la que te llevas

bien”, sentencia. En este sentido, el

balance que hace de su carrera no

puede ser mejor. “Me lo he pasado de

miedo. Eso es lo más importante. En

el momento en que me di cuenta de

que la felicidad es el éxito, me liberé.

Tengo amigos estupendos, hago lo

que quiero hacer con quien quiero y

cuando quiero: he ganado. Antes de

cumplir diez años ya sabía que quería

dedicarme a esto”. Y eso que los tiempos

de abundancia quedan muy atrás.

“Cuando empecé no había dinero, luego

hubo mucho, y ahora no hay nada

(risas). Pero yo nunca hice un disco

que lo petara, ni siquiera estando en

Sub Pop. Siempre he sido un forastero

y siempre lo he disfrutado. Porque

para bien y para mal, estás solo. Nunca

he tenido un público masivo, pero

tengo uno pequeño que me quiere y es

fiel. Me tomo eso muy en serio y trato

de no decepcionarle”. —jc peña

r

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febrero 2020 #13


MONDO

FREAKO

Agitando el árbol de las

tradiciones, así es como se

presenta Rodrigo Cuevas

en Manual de cortejo

(Aris Música/Altafonte,

19), un prodigio en el que

investigación y vanguardia

han regado las raíces a golpe

de autodescubrimiento. Y, de

paso, nos ha regalado una obra

de un gran valor. Sobre todo

ello y mucho más nos habla

un Rodrigo Cuevas, sabedor

de haber parido una criatura

de resistencia en tiempos

globalizados.

Rodrigo

Cuevas

Asturies

siglo XXI

“agitador folclórico”. Definición que

amplia su margen de maniobra a la

hora de enfocar el pasado y remozarlo

en el siglo XXI. O como él mismo lo ve:

“Se trata de una etiqueta que me pongo,

que suena bien para definir todo,

que al final me deja mucha libertad.

Dentro de lo folclórico, puedo hacer

casi cualquier estilo musical. Intento

generar algún tipo de agitación en

la conciencia de la gente, intentando

hablar siempre desde el punto de

vista de lo tradicional, de lo humano,

de plantear qué consecuencias puede

tener el abandono del mundo tradicional,

que es lo que más me conmueve

y lo que más me mueve a mí”. Los

diferentes prismas utilizados para que

Rodrigo Cuevas cortejara a Refree han

desembocado en una investigación en

la que ambos se han encontrado con

un cancionero repleto de grabaciones

de campo y un surtido de clásicos

populares que intentan eludir esos

“greatest hits del folclore que la gente

versiona y reversiona. Hay que estar

ahí, buscando una joya para utilizarla”.

Misión cumplida en un trabajo

dotado con el aura especial que únicamente

desprenden los discos-guía.

—marcos gendre

r

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“Los que vivimos en el

pueblo no somos los que no

tenemos otra opción; somos

la resistencia, realmente”

El otro día el periodista

Luis Lles me comentaba

que hace mucho tiempo que piensa

que de la intersección de raíces y

cables está desarrollándose la mejor música

de ahora mismo. Manual de cortejo –

producido junto a Raül Refree– entra

de lleno dentro de esta definición. La

misma por la cual Rodrigo entiende

que “lo mejor que se hace en Estados

Unidos es del resultado de todo eso.

Como Beyoncé, que vende mogollón

de discos y hace una música muy comercial

pero de calidad, tanto en lo

vocal como en lo musical. Se trata de

alguien que está siempre investigando,

a la vanguardia, absorbiéndolo

todo. Ella es un ejemplo de que todo lo

que triunfa tiene que tener algo tuyo.

Si haces una imitación todo el rato de

lo estadounidense, lo anglosajón, al

final va a ser una fotocopia barata”.

en concierto

l Sevilla 1 febrero, Centro Andaluz

de Arte Contemporáneo

l Valladolid 22 febrero, LAVA

l Avilés 14 marzo, Centro Niemeyer

l Alicante 4 abril, Teatro Arniches

l Vigo 8 mayo, Sala Rebullón

l Santander 23 mayo, Sala Summum

l Vilafranca del Penedés 7 junio,

Festival EVA, Auditori

l Palencia 14 junio,

Palencia Sonora, TBT

Dentro de esta intersección

entre raíces y cables, Rodrigo imprime

un fuerte peso narrativo en el disco,

con voces del rural asturiano como

en Fíjate si era rojo o en varios trozos

de Rambalín. Preservar esas voces del

pasado es el profundo hilo contextual

que teje un discurso lírico que, en el

disco, comienza con unos fandangos y

un texto que, tal como explica él: “Habla

de la decadencia de la muerte del

mundo rural, de la muerte de una era.

Y me gusta hablar desde ahí. Asistimos

a la muerte de una era, es el fin de

lo comunitario, entramos en lo individual.

Pero todavía podemos utilizar

todas estas cosas que aprendimos de

esa época, que es la época humanista

por necesidad, de hacer las cosas en

colaboración con los demás porque

no había otra”.

Para llegar a un resultado

final como Manual de cortejo, la labor

de investigación ha sido tan relevante

como la composición en sí misma. De

hecho, en su web se le describe como

CRÍTICA

Rodrigo Cuevas

Manuel de cortejo

Aris MúsicaAltafonte

FOLK / Con una mochila y diez días por

delante en que las prisas no tomaron

partido, Rodrigo Cuevas y Raül Refree

viajaron al norte del que procede Cuevas,

Asturias y Galicia. Con la filosofía

de Los Hermanos Cubero y la actitud

excéntrica de Niño de Elche, el dúo cuaja

una gran coalición que ha dado como

resultado este Manual de cortejo. No

es un disco fácil, y menos de una sola

escucha o en modo random. Se entiende

mejor como pieza compacta, como

unidad ajena al escrúpulo. Que los

8

sonidos tradicionales mezclen con la

electrónica, que en sus versos se hable

de libertad, de WhatsApp o del vivo de

las castañuelas, se fragua en el encanto

de Ronda de robledo de Sanabria, en la

recuperación coplera de El día que nací

yo, el caos de Xiringüelu, la emoción de

Rambalín (con coro minero) incluso el

spoken-word de A galán tiene que ser el

baile o el rito mágico de Muñeira para a

filla da bruixa. Y para acabar, homenaje

a Angelita Caneiro.

—toni castarnado

FOTO: ARCHIVO

#14 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Green

Day

Envueltos en el lujo de un exclusivo

hotel en un barrio caro de Madrid, nos

sentamos con Billie Joe Armstrong, Tré

Cool y Mike Dirnt para desentrañar qué

esconde Father Of All Motherfuckers

(Warner, 20), el nuevo capítulo de esa

carrera que, visto lo visto, no vislumbra

de momento señales de agotamiento.

El nuevo trabajo de los californianos

nos muestra a una banda en forma,

apasionada e inspirada como nunca. Tres

tipos divirtiéndose con lo que hacen.

Tres amigos

—texto Ricky Lavado

Mucho ha llovido desde que Green Day

aparecieron con sus pelos decolorados y sus

bermudas gigantes en sótanos y conciertos

en casas ocupadas de la escena punk rock

californiana, inaugurando la década de los

noventa del siglo pasado con su no especialmente

original pero sobradamente efectiva manera de generar

auténticos himnos de espíritu canalla adolescente, actitud punk y

redondez pop. A base de guitarrazos certeros, golazos comerciales

y un éxito masivo que los convirtió desde muy pronto en un fenómeno

mundial con su tercer disco Dookie (94), el trío ha sabido

construir una carrera sólida y respetable que supera ya las tres

décadas sobre los escenarios. (Billy Joe) “Creo que una parte muy

importante de esto que comentas es que siempre estamos preparados

para probar y hacer cosas nuevas. Es importante intentar

hacer las cosas de forma diferente y mantenerte en movimiento,

alerta. Siempre es importante estar inspirado, buscar continuamente

la inspiración en diferentes cosas y sitios, al margen de las

expectativas de éxito que puedas tener en cada momento. Supongo

que la base de todo es que siempre estás creciendo y aprendiendo

y evolucionando y moviéndote de un sitio a otro. El proceso

de composición nos ha llevado a pasarlo bien, simplemente, y a

estar felices. No a sonar como si lo estuviéramos pasando bien, no

a sonar divertidos, sino a estar pasándolo bien de verdad. En esta

grabación ha habido un montón de sonrisas en el estudio, y un

montón de carcajadas también”.

Cargado de rock de raíces, sonido sucio y una producción

llena de arreglos que nos transportan al rock primigenio de

los años cincuenta y sesenta, Father Of All Motherfuckers es, con

diferencia, el disco más “clásico” de la banda, en el que abogan por

el sonido añejo de un tipo de rock’n’roll que hasta la fecha no había

aparecido en el ADN de Green Day. Por momentos, el trabajo

de Butch Walker como productor lleva a buscar tanto la crudeza

de las míticas producciones de Phil Spector, como la inmediatez

y energía del soul más clásico. (Billy Joe) “Todas esas influencias

forman parte de nuestro bagaje musical, es música que siempre

hemos adorado pero que hasta ahora no habíamos incorporado

al sonido de Green Day. Está bien centrarte de repente en escuchar

de nuevo y con nuevos oídos todos esos discos antiguos de

Motown, por ejemplo, mucha música soul y mucho glam rock

también. Música que siempre hemos amado y que ahora por primera

vez sale a la superficie y aparece en las nuevas canciones”.

(Mike Dirnt) “El espíritu de muchas canciones se encuentra en

mucha música de los cincuenta y los sesenta, sí, así que tenía todo

el sentido del mundo probar todas esas cosas e incorporarlas a la

grabación. Siempre hemos escuchado ese tipo de música, de forma

individual o en grupo, pero nunca nos habíamos aventurado a

escribir canciones en esa dirección. Cuando empezamos a escribir

investigando y profundizando en la historia del rock’n’roll, a todos

nos pareció natural y coherente, y por lo tanto también tenía sentido

orientar la producción y el sonido del disco en esa dirección”.

Todo ese empeño por sumergirse en los orígenes del

rock’n’roll da como resultado un disco en el que la energía de las

canciones (no busquen baladas aquí), se ve acompañada por una

luminosidad que, paradójicamente, nos recuerda inevitablemente

a los primeros discos de la banda. Algo conecta el espíritu festivo

de Father Of All Motherfuckers con el de Kerplunk (91) e incluso

Dookie. (Billy Joe) “Creo que Revolution Radio (16), por ejemplo,

#16 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


MONDO

FREAKO

EL APUNTE

Butch Walker

“Motown, soul,

glam rock...

Es música

que siempre

hemos amado

y que ahora

por primera

vez sale a la

superficie”

se convirtió en un

reflejo de unos

tiempos complicados,

canciones

como Troubled

Times estaban ancladas

a una época

difícil. Todo tendía

a volverse muy serio

en ese periodo,

y creo que llegó un

momento en el que

nos sentamos a

reflexionar que nosotros

nunca pensamos

en mostrarnos como gente seria cuando empezamos. No

nos tomábamos demasiado en serio a nosotros mismos, y cuando

empiezas a escribir canciones más ‘políticas’, vamos a decirlo así,

de repente te enfrentas al riesgo de que lo que escribas no parezca

que te salga del corazón, y que poco a poco empieces a dejar de

disfrutar de lo que haces, porque pasas a intelectualizar demasiado

las cosas, empiezas a darle demasiadas vueltas a todo. Una buena

canción tiene que salirte de la cabeza, del corazón y de entre

las piernas también. Es una de las cosas más interesantes del hip

hop, por ejemplo, algunas letras pueden llegar a ser muy serias,

pero aún así tú sigues bailando mientras las escuchas. En algunas

de nuestras letras yo puedo llegar a ponerme muy serio, pero tiene

que haber algo ahí que te haga bailar. Piensa en gente como Little

Richard, por ejemplo: todo va sobre fuego, llamas, sexualidad, ser

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homosexual en esa época... y todo habla

también de pasarlo realmente bien.

Al final es lo que te queda: cuando el

mundo se venga abajo, mejor que te

pille de fiesta”.

Da la impresión de que, en estos

tiempos complicados que estamos viviendo,

Green Day hacen un esfuerzo

consciente por alejarse de la negatividad

reinante a base de melodías infecciosas,

trallazos de pop desenfadado

y mensajes directos y bienintencionados.

A veces, centrarse en la diversión

y alejarse de las ansias de profundidad y trascendencia puede

resultar revolucionario también. No todo van a ser malas caras,

¿no? (Mike Dirnt) “Ese equilibrio es raro... obviamente hay una

responsabilidad detrás de todo lo que haces, no puedes abstraerte

del mundo. American Idiot (04) salió de una forma muy natural, y

pasa lo mismo con el disco nuevo. En este disco hay mucho contenido

social, hay muchos comentarios sociopolíticos, pero nosotros

somos músicos, no políticos: nos dedicamos a tocar instrumentos

y también tenemos esa parte de responsabilidad respecto a lo que

tocamos, esa obligación de explorar nuevos terrenos, de buscar

ese algo nuevo y fresco. Cuando ambas cosas coinciden de forma

natural y ambos intereses funcionan a la vez, salen cosas de las

que sentirte orgulloso, cosas que valen la pena”. —r.l.

r

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Nombre habitual detrás de algunos de

los aciertos comerciales del rock más

mainstream norteamericano de la última

década, Butch Walker ha sido el elegido

para encargarse de la producción

de Father Of All Motherfuckers. Veterano

de los noventa como guitarrista de

glam rock en SouthGang, o cosechando

un relativo éxito comercial en los años

de esplendor grunge con Marvelous

3, Walker tiene en su haber varios discos

en solitario (a destacar Afraid Of

Ghosts, hecho mano a mano con Ryan

Adams en 2015) y un extenso curriculum

como compositor y colaborador

de nombres tan dispares como Pink,

Katy Perry o Panic! At The Disco. Con su

nuevo trabajo, Green Day se suman a la

larga lista de producciones firmadas

por Butch Walker, junto a Avril Lavigne,

The Donnas, Weezer o Taylor Swift

entre muchísimos otros. (Billy Joe) “En

parte nunca sabemos exactamente qué

estamos haciendo o qué vamos a hacer,

lo cual hace que todo sea excitante e

inspirador. Eso es algo importante para

nosotros, y da miedo también. Butch

Walker tuvo bastante que ver con esto,

lo pasamos muy bien con él en el estudio,

nos divertimos trabajando con él,

escribiendo canciones que a lo mejor

te soltaba ‘tío, esto es horrible’, y a lo

mejor la siguiente canción de repente

te hacía decir ‘ahora sí, esto es exactamente

lo que queremos’”. —r.l.

febrero 2020 #17


MONDO

FREAKO

LANA DEL REY FOTO: ARCHIVO

Los Discos

de mi Vida

KRAFTWERK FOTO: archivo

Primavera Sound

Por si no hubo suficiente con la metida de

pata de Idles que, en su momento, obligó al

festival a desvelar su cartel antes de tiempo,

una nueva filtración –esta vez se trata

de los primeros confirmados para esta edición,

es decir, de los estadounidenses Pavement–

ha generado que el Primavera Sound

2020 (a celebrar en Barcelona del 3 al 7 de

junio) tuviera que adelantar el anuncio de

su cartel. Pero ya lo tenemos aquí y con una

larga lista de artistas para todos los públicos.

A los ya anunciados previamente como

los propios Pavement, Bikini Kill, Jawbox o

Chromatics, se suman Lana del Rey, Massive

Attack, Tyler The Creator, Beck, The Strokes,

The National, Bad Bunny, Bauhaus, Black

Midi, Caribou, Disclosure, Kim Gordon, C.

Tangana, Bad Gyal, Iggy Pop, Abbath, Weyes

Blood, Cigarettes After Sex, Einstürzende

Neubauten y muchos más. —MS

Miss Caffeína/Varry Brava

Los madrileños Miss Caffeina y los murcianos Varry Brava

comparten gustos y gira. Dancetería, les llevará a A

Coruña (8 febrero), Madrid (14), Barcelona (22), Murcia

(7 marzo) y Benicàssim (9-11 abril, Sansan Festival).

Miss Caffeína

Phoenix

Wolfgang Amadeus

Phoenix (2009)

Bon Iver

Bon Iver (2011)

Madonna

Ray Of Light (1998)

Warm Up Estrella

de Levante

El festival murciano Warm Up Estrella

de Levante –que se celebrará los días 1 y

2 de mayo en La Fica (Murcia)– vuelve a

desvelar nombres de carácter nacional e

internacional para su cartel de esta edición.

La última tanda de confirmaciones

incluye a Digitalism y Moon Duo, por la

parte internacional, y Ojete Calor, Blanco

Palamera, Kuve y Confeti de Odio. La anterior,

incluyó a Los Enemigos, Triángulo de

Amor Bizarro, La Bien Querida, Cala Vento,

Niños Mutantes y Fangoria. Todos ellos se

suman a Kraftwerk (con su espectáculo

3D), Hot Chip, Modeselektor, Mando Diao,

Johnny Marr, León Benavente, Carlos Sadness,

Georgia, Nunatak, Rutus T Firefly y un

largo etcétera. —MS

www.warmupfestival.es

MANEL FOTO: ARCHIVO

Lisztomania rompió

todos los esquemas

poniendo de nuevo a

Francia en el punto

de mira musical. Reinventaron

su sonido

abriendo un nuevo

camino para el pop

con un disco lleno de

temazos.

Varry Brava

Personalmente este disco

me dio la mano en uno de

los momentos más difíciles.

Me ayudó a desahogar, a

comprender y empezar de

nuevo. Nunca olvidaré mi

relación con él y todo lo que

significa para mí. Todos los

discos de Bon Iver me atrapan

porque están vivos.

Después de haber

hecho discos de pop

redondos, de haber

arriesgado dando giros

de ciento ochenta

grados, Ray Of Light

es la Madonna más

experimental, creativa

y profunda que

podemos escuchar.

VETUSTA MORLA FOTO: ARCHIVO

Cranc Illa de Menorca

De momento son ya doce los artistas

que el Cranc Illa de Menorca Festival ha

anunciado hasta el momento. Este evento

balear, que se celebrará entre el 28 y el 30

de mayo en la Cala Figuera de Maó y en el

Museo de Menorca, contará con un cartel

bien nutrido de nombres nacionales. Los

cuatro últimos artistas que se han sumado

son Manel, Novedades Carminha, Joe Crepúsculo

y Ortiga. Ahora bien, previamente

ya se había dado a conocer que estarán

presentes artistas como Maika Makovski

y Bronquio. Otros participantes serán Yana

Zafiro, Maria Jaume, Ombra, Holly Miranda,

Enjoy & Division y Palmers. —MS

www.crancfestival.com

Alejandro Sanz

Viviendo deprisa (1991)

(Óscar Ferrer) Es el disco

con el que más profunda

y místicamente

me emociono. Las

letras, las melodías, la

producción, el paisaje,

el recuerdo de cuando

era niño. Se respiran

felices noventa en

cada segundo.

Radio Futura

Tierra para bailar (1992)

(aarönsáez) Porque no se

puede acabar mejor una

carrera, porque la tierra es

para bailar, y las salas para

entrar en mística comunión

con los sonidos, las

personas, los flujos y los

licores, y en este disco hay

de todo eso. Hay ritmo, hay

fuerza, hay clase.

The Beatles

White Album (1968)

(Vicente Illescas) Estaban

los cuatro, pero

a la vez no estaban. Es

tan fuera de su tiempo

y tan innovador que

no te puedes creer

que cuatro años atrás

compusieran canciones

como Eight Days A

Week. —MS

Dcode,

Nada mejor para celebrar el décimo aniversario

del madrileño Dcode que regresar

al formato de dos jornadas con las que el

festival nació en su momento. Ubicado

como de costumbre en la Universidad

Complutense de Madrid, el evento ya ha

dado a conocer buena parte del cartel que

se desplegará sobre sus escenarios a lo

largo de los días 11 y 12 de septiembre. Los

principales cabezas de cartel serán Leiva

y Vetusta Morla. Pero habrá muchos más

shows, entre ellos los protagonizados por

artistas nacionales como Coque Malla,

Sidonie, Fuel Fandango o Belako, e internacionales

como Crystal Fighters, Mando

Diao o Maxïmo Park. —MS

www.dcodefest.com

#18 febrero 2020

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FOTO: ROBERT BONET

Las Bajas Pasiones

Lo raro es lo bello

Los cabarets Fúria Queer se han

convertido en un espacio de fiesta y

cuidados LGTBIQ indispensable. Del seno

de esos encuentros nacieron Las Bajas

Pasiones, que presentan segundo disco:

Bichx rarx (Kasba Music, 20), mensajes

inclusivos y muchísimo ritmo. Bailar lo

político para fortalecer la comunidad.

En la pista me he querido deshacer de mi ego”.

Y no sólo. En la pista todos nos igualamos y,

todavía mejor, nos liberamos. Así lo creen Las

Bajas Pasiones, así lo cantan en Desaparecer, el

segundo tema de su disco Bichx rarx, un nuevo alegato

LGTBIQ que aúna mil y un debates y que se suma con

galones a una escena trans local concienciada sobre

la diversidad de género y sexual formada por artistas

como Tremenda Jauría (colaboran en el largo) o Putochinomaricón.

Bichx rarx son doce temas en los que

lo político no distrae al baile, ni al revés. Los mensajes

cabalgan con naturalidad sobre los beats. No están

engañando a nadie, trabajan sobre discriminaciones

en carne propia. “Estamos bastante cercanos en las

vivencias y nos salen cosas que estamos viviendo todos”,

comenta Edu Libra, mientras a su lado asienten Dani

Vera (Trusty) y Toni Bello (Taboo). Dichos debates conviven

con bases de rap, electrónica

y guitarras con cadera. Un viaje

por aquello que ellos mismos saben

que funciona en directo. Al fin

y al cabo, Las Bajas Pasiones nacieron

de los encuentros Fúria Queer,

un espacio de fiesta y cuidados

LGTBIQ indispensable en Barcelona

y Madrid. “Las fiestas, haber

ido sintetizando referencias, lo ha

hecho todo más sencillo a la hora

de componer. Yo estoy en Girona,

"Hablamos de vivencias

y emociones y eso

cualquiera lo tiene"

en concierto

l Madrid 26 febrero, El Sol

l Córdoba 3 marzo, Sala Glam

l Sevilla 7 marzo, Tavora Teatro

l Barcelona 13 marzo, Razzmatazz 3

l Murcia 27 marzo, Sala Yakka

l Valencia 28 marzo, La Peligro

l Oviedo 25 abril, Lata de Zinc

por eso, y voy haciendo. A veces también me gustaría

estar con ellos”, ríe Bello. “Por suerte, hemos estado un

año tocando todos los meses en la sala Sidecar, lo que

no dejaba de ser un ensayo con público”, añade Libra.

Confiesan que si bien Fúria Queer eran fiestas con

público más politizado, los asistentes a sus conciertos

como banda son más variados. Las Bajas Pasiones se

abren a seguir ampliando la base. “Al final hablamos

de vivencias y emociones y eso cualquiera lo tiene. ¿Por

qué yo he escuchado toda la vida música hecha por

heteros y he conectado? Porque se puede. Hay una parte

que sí que nos interesa construir desde la comunidad

LGTBIQ, pero la música es música”, dictan. Motivos en

lo musical para esa expansión, hay de sobras; en primera

instancia, las colaboraciones difuminan espectros,

están –entre otros– los valencianos Zoo. Pero también

en los mensajes se azuzan otras contiendas políticas.

Bichx rarx habla sobre cadáveres emocionales o la reivindicación

de lo raro, muy a lo Putochinomaricón. Precisamente

esa exhortación de lo diferente como nueva

normalidad tendrá una fuerte presencia en sus shows.

Para empezar, formarán parte del cierre del festival de

danza y performance Sälmon. “La actuación se llamará

‘Lo bello en lo siniestro’ [también participarán Alfred

Martínez, Norma Mor o Rubén de Flamenco Queer].

Vamos a reivindicar las monstruosidades de cada una,

de cuando te empoderas y de ahí sale lo bello”, explican.

Parte de ese espíritu estará en sus otras presentaciones.

Argumentos para llegar a más

público, no les faltan. —yeray s. iborra

r

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febrero 2020 #19


WALA.

WALA.

“Cuando

estás tan

lejos de todo sientes

que, en realidad, a nadie

le importa un pimiento

si haces una canción nueva...

lo cual es totalmente

cierto”

Lidia Damunt

en Ruta66

“Estoy

fascinado

con TikTok,

porque un meme de

15 segundos te lo

puede decir todo”

Putochinomaricón

en Revistaderiva.

com

“El

trap es interesante

porque juega

mucho con la mentira, el

‘fake it until you make it’, por

eso representa tanto el momento

presente, de apariencias, de

mentiras y de ficciones”

Pablo Und Destruktion

en Jenesaispop.com

“El

año pasado en

Pitchfork me acusaron

de racista... ¿De verdad

un tío blanquito de clase

media alta desde un ordenador

en su oficina de Nueva York me

va a decir a mí sobre qué puedo

opinar?”

Lias Saoudi, de Fat White

Family

en Rockdelux

Camellos ¿Que si quiero

o que si tengo?

Con la personalidad que les otorgan

las distintas influencias de cada

uno de sus miembros y unas letras

sin filtro que te hablan directamente

a ti, jovencito confuso, Camellos

han ido llamando la atención

progresivamente hasta llegar a su

mejor momento, que coincide con la

publicación de Calle para siempre

(Limbo Starr, 19). Un segundo álbum

más compacto y atrevido que su

debut con el que escapan del sonido

maquetero, y que viene a demostrar

que el nivel de inspiración no fue un

caso aislado.

El grupo formado por Frankie Ríos, Fernando

Naval, Tommy Dewolfe y Jorge

Betrán da un paso hacia adelante impulsado

por la buena acogida en directo durante

el pasado año, fruto del entendimiento con un

público cada vez más numeroso. El reflejo en

el nuevo álbum es evidente. “Sí que hay una

diferencia que noto mentalmente con respecto

al anterior disco, incluso con el EP”, confiesa

Frankie. “Nos ha dado mucha confianza ver

cómo reacciona la gente, y nos hemos atrevido

a hacer otro tipo de cosas. Está el sarcasmo

de antes, alguna barbaridad en las letras pero

también hay más seriedad. Cosa que, igual,

si nos hubiera dado un poco más de miedo la

reacción hubiésemos podido ser más conservadores,

continuando con lo que funcionaba”.

Parece que el esfuerzo ha valido la pena, pues

recientemente agotaban entradas en sus presentaciones

en Madrid y en Barcelona. ¿Las

razones del éxito? Complejo cuantificarlo, pero

Frankie se aventura con algunas teorías. “Hemos

sufrido los mismos males que mil bandas

y, no sé por qué, también ventajas que otras

no. Lo de adivinar por qué le gusta a la gente

una cosa es como metafísica. Creo que dar una

imagen muy desenfadada pero luego ir muy en

serio en directo, lo más potente y mejor posible,

ha acabado gustando. A veces me ha dado

la sensación de que la gente esperaba un show

cómico, pero esto es en serio, una hora o lo que

dure y a saco. Eso ha podido jugar a nuestro

favor”.

Llegamos así al tema que sobrevuela irremediablemente

la trayectoria de Camellos, su

particular sentido del humor. ¿Resta puntos en

el mundo del rock? Sus canciones, plagadas de

sarcasmo, jerga generacional y bromas semiprivadas

son parte de su esencia, y el grupo

tiene presente el posible hándicap. “Yo, a título

personal, creo que sí”, asegura Jorge, batería.

“Por ejemplo, Mamá Ladilla musicalmente son

impecables y quizás canciones suyas con otra

letra podrían haber llegado a ser otra cosa,

nunca lo sabremos, pero es algo que te penaliza.

Nosotros nos dimos cuenta de que teníamos

el peligro de caer en ser una banda de coña,

y me gusta cómo lo hicimos porque en lugar

de cambiar hemos seguido más por ahí pero

dejando claro que no lo somos. Y la gente lo ha

acabado entendiendo”. —bruno corrales

r

Más en www.mondosonoro.com

“A

veces, en

Berri hacíamos la

coña de que éramos

como Kofi Annan, porque

hemos atravesado por

encima de ideologías,

lenguas y de todo”

Gorka Urbizu, de Berri

Txarrak

en Rockzone.com

"Teníamos el peligro de caer

en ser una banda de coña"

FOTO: LAURA BERMEJO

#20 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Los discos importantes acostumbran

EL COLUMPIO

“" Cada vez

hay menos

tiempo para la

contemplación,

para la

melancolía,

para la tristeza...

¡Joder! es que

sentirse mal

forma parte de

la vida.

¡Siéntete mal! ¡Ya

te sentirás bien!"

a tener una historia detrás digna de ser

contada. Si, además, el grupo responsable

del álbum en cuestión ha sido referente

dentro de la escena indie española, ha

tardado la friolera de casi seis años en

darle vida y encima entrega una obra

que introduce cambios evidentes en su

sonido, esa misma historia contiene entonces unas cuantas

incógnitas que debemos despejar. La más evidente es saber

si la propia banda estuvo en peligro de desaparecer como tal,

durante el largo impasse entre discos. Albaro Arizaleta (voz,

batería) “A ver, hubo un momento en que la continuidad de

El Columpio estuvo en el aire ¡eh! Recuerdo un fin de semana

en que mi hermano y yo tuvimos una charla en la que se dijo:

Bueno ¿qué? Esto está acabado ¿no?”. Dani Ulecia (bajo) “Es que

eso forma parte de la evolución natural de las bandas. No se

puede mantener un proyecto con toda la vehemencia e ilusión

del principio para siempre. No. Tienes que buscar recursos a los

que engancharte para seguir haciendo rodar el tren, y a veces

esos recursos se encuentran y a veces no”. En cualquier caso lo

que resulta evidente es que, tras editar un disco tan complicado

y en cierta medida absorbente como Ballenas muertas en San

Sebastián (Mushroom Pillow, 14) y embarcarse en su posterior

gira, la banda precisaba de al menos un año de desconexión en

el que sus miembros, pese a seguir en contacto y verse, se auto

impusieron un silencio que les obligaba a no hablar de nada

relacionado con el grupo. Fue así como llegaron a 2017. (Albaro)

“Nos vimos las caras y fue ¿qué hacemos? ¿grabamos otro disco?

Pues venga. Y nos pusimos a ello con un horario de trabajo.

Yo de ese año sabático tenía como varios proyectos de canción

que fueron puntos de partida, pero a la vez teníamos claro que

con Ballenas habíamos acabado una etapa. De hecho fue Dani

el que propuso que, como siempre se nos había asociado con

el sonido oscuro, podía resultar más transgresor y arriesgado

volver siendo nosotros mismos, pero dándole un giro a nuestra

música”. ¡Y menudo giro!

Ataque Celeste sorprende de entrada por su brevedad

–apenas treinta y un minutos repartidos a lo largo de ocho

canciones–, después lo hace por su búsqueda desenfadada de la

melodía, luego por su desprejuiciado envoltorio electrónico, al

que hay que sumar el protagonismo al micro de Cristina Martínez,

y por último por mantener, gracias a las letras y las historias

que narra, la esencia de El Columpio Asesino. De hecho

Raúl Arizaleta (guitarra) me apunta durante la entrevista que

han buscado hacer “Perlas sofisticadas”, en el sentido de que

han ido tras un sonido más abierto y con más brillo, sumado a

una intencionalidad mucho más pop. Y eso es algo que resulta

evidente en los singles de adelanto como la pistera Preparada o

el balanceo electrónico de Huir, pero también en el fantástico

crescendo de temas que están por venir como Siempre está tú o

la más sinuosa Mi general. Un cambio de piel en el que la figura

de Dani Ulecia ha sido clave a la hora de darle una barniz al

sonido del álbum que, pese a la disparidad de lo temas entre sí,

le diera unidad al conjunto. Y todo grabado en el mismo local de

ensayo de la banda, montando y desmontando de forma continua

las canciones, con un nivel de exigencia que por momentos

podía rayar lo obsesivo. (Albaro) “En este disco hemos perdido

mucho la deriva y, sino llega a ser por Dani que lo recondujo

todo y se ha pegado un gran curro, este disco no lo sacamos. Ha

sido un álbum en el que lo hemos pasado muy mal. Por ejemplo

la canción Tu último relato la grabamos prácticamente in extremis

porque ya habíamos firmado contrato con Oso Polita sin

estar el disco acabado, y además íbamos cerrando fechas de la

gira también sin estar el disco acabado. Estamos hablando que

este pasado diciembre todavía no lo teníamos”.

Cuesta creer que, tras seis años de silencio, hace apenas

seis semanas Ataque Celeste no estaba del todo cerrado. (Albaro)

“Si canciones sí que sacábamos, pero también hay que decir

que no cerramos cualquier cosa. Además es verdad que nosotros

desde Diamantes (Mushroom Pillow, 10) estamos atravesando

un periodo difícil y por eso vienen todas esa mierdas de

si lo dejas o no lo dejas, porque somos muy conscientes de que

nos cuesta mucho componer y, sobre todo, como tenemos una

manera de entender la música en la que con cada disco hemos

de hacer algo diferente, pues cada vez nos cuesta más. Y no te

creas, que incluso hemos estado tomando pastillas porque hemos

tenido momentos muy jodidos. Al final, cuando habíamos

Ataque Celeste (Oso Polita, 20) es el

regreso a lo grande de El Columpio

Asesino tras casi seis años de silencio

discográfico. Pero el disco también

representa un salto sin red hacia la

búsqueda desenfadada de la melodía,

aupada en un envoltorio todavía más

electrónico que dará que hablar. Un

giro radical que les ha dado más de

un quebradero de cabeza y en el que

reivindican el derecho a sentirse mal.

—texto Don Disturbios

—fotos Gustaff Choos

#22 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


EN PORTADA

firmado contrato porque pensábamos que teníamos el disco, va y se nos cae

una canción fue... Ten en cuenta que para nosotros que se nos caiga una canción

es como si a otro grupo se le caen cinco (risas)”.

Lo que resulta meridiano es que este Ataque Celeste no va a dejar a

nadie indiferente. Y también que debe servir para volver a colocar a los navarros

al frente del cartel de un buen número de festivales, incorporando

a un público nuevo, aunque corran el riesgo de que alguno de sus fans más

veteranos se pierda por el camino. (Albaro) “No tenemos ni puta idea de lo

que van a decir de este disco. ¡Hombre! está claro que mucha gente se va a

quedar noqueada porque van a decir ¡qué cojones! Pero también creo que la

gente que realmente nos conoce lo va a respetar, porque yo siempre digo que

El Columpio tiene ese espíritu escorpión que es: si quieres cruzar el río con

nosotros lo cruzas, pero que sepas que corres el riesgo de que te vayamos a

picar... Además tengo la sensación de que los seguidores que vayamos a perder,

porque este disco no les gusta, lo van a respetar igual porque nos conocen.

Y creo, además, que nuestra impronta sigue estando en este disco que,

como mínimo, me parece tan arriesgado como el anterior”. Esa identidad se

refleja sobre todo en unas letras muy de la casa, que giran alrededor del vacío

existencial y hablan sobre la imposibilidad que tiene el ser humano de divorciarse

de si mismo. (Albaro) “Exacto. Gira entorno a eso, que es un problema

universal que tiene todo el mundo. Unos en un grado, otros en otro grado, ese

mito de Mr. Hyde y todo eso. Pero yo quería enmarcar esos problemas personales

en un contexto de ahora, que es el “ataque celeste”. Porque hay una

ASESINO

Perlas

sofisticadas

obsesión, ya no solo con aprovechar el tiempo, sino por explotarlo, por sacarle

rendimiento, por la felicidad obligada. Y ese exceso de positivismo al final

nos lleva a un colapso emocional, y a la vez también nos lleva a lo que es una

histeria y a una enfermedad social ¿sabes? Una huída hacia delante continua...

Cada vez hay menos tiempo para la contemplación, para la melancolía,

para la tristeza... ¡Joder! es que sentirse mal forma parte de la vida. ¡Siéntete

mal! ¡Ya te sentirás bien!. Eso y no otra cosa es el disco”. —d.d.

r

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DISCOGRAFÍA ASESINA

El Columpio

Asesino

(Astro Discos, 03)

7/10

Muy lejos queda

este debut de los

hermanos Arizaleta, en el que mostraban

a cascoporro y sin cuartel

todas esos referentes de los que se

nutrían. Tan ecléctico como sólido,

van sin complejos del after-punk

al noise, pasando por el indie-rock

más yanqui (versión de Pixies incluida).

De mi sangre

a tus cuchillas

(Astro Discos, 06)

8/10

Tras su debut y dos

peligrosos y excelentes

Ep’s, El Columpio Asesino se

gradúa en el indie-rock patrio con

este segundo trabajo que resulta

más cohesionado, pero igual de

lascivo y descarnado. Ecos, como no,

a Pixies, pero también a The Velvet

Underground.

La gallina

(Astro Discos, 08) 9/10

Su propuesta se afianza con rotundidad.

Cristina ya es una realidad en la banda y

su aportación vocal empieza a darle una

nueva dimensión a un sonido que, ahora

sí, se aleja de referentes externos para encontrar un mayor

lirismo, juego de contrastes y profundidad.

Diamantes

(Mushroom Pillow, 11) 10/10

Poco que añadir a lo que no se haya dicho

ya sobre este disco. Su consagración

definitiva y un single del que van a ser

esclavos de por vida, pero con cadenas de

oro. Combinan todas sus múltiples caras que son muchas y

lo hacen con una maestría que les hace únicos.

Ballenas muertas en San Sebastián

(Mushroom Pillow, 14) 8/10

Tras la sombra alargada del anterior todo

podría conducir al fracaso, pero no. Juegan

fuerte y se deshacen de la influencia

de Iñaki de Lucas, productor de todos los

discos anteriores, para ahondar en su vertiente más oscura,

perturbadora y de electrónica insana.

—d.d.

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febrero 2020 #23


C

M

Y

CM

MY

CY

CMY

K

logo_nuevo_trazado.pdf 22/2/16 14:48:12

FEBRERO - MARZO 2020

ASTURIAS, EUSKADI, GALICIA,

LA RIOJA Y NAVARRA

ASTURIAS

LA LATA DE ZINC, OVIEDO

28/02/2020 FÔNAL

08/03/2020 MARIA RODÉS

EUSKADI

SALA CÚPULA

TEATRO CAMPOS, BILBAO

13/03/2020 MARIA RODES

20/03/2020 LORENA

ÁLVAREZ

SANTANA 27, BILBAO

07/02/2020 MACHETE

EN BOCA

GALICIA

KARMA, PONTEVEDRA

28/03/2020 BRONQUIO

CAFÉ AURIENSE, OURENSE

20/03/2020 MISSISSIPPI QUEEN

& THE WET DOGS

LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO

25/02/2020 LORENA ÁLVAREZ

LA RIOJA

BIRIBAY, LOGROÑO

13/03/2020 MARIA RODÉS

NAVARRA

KAFÉ ZENTRAL, PAMPLONA

08/02/2020 MACHETE EN BOCA

28/03/2020 HAKIMA FLISSI

CASTILLA LEÓN,

CASTILLA LA MANCHA Y MADRID

CASTILLA LA MANCHA

PÍCARO, TOLEDO

13/02/2020 FINO OYONARTE

14/02/2020 MOURN

CASTILLA LEÓN

AVALON CAFÉ, ZAMORA

13/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA

C.T. AVALON GREEN, SORIA

07/02/2020 MISSISSIPPI QUEEN

& THE WET DOGS

CATALUÑA, ARAGÓN Y COMUNIDAD VALENCIANA

12/03/2020 LOS SAXOS

DEL AVERNO

MADRID

MAGOKORO, EL ESCORIAL

01/03/2020 JAVIER ALCÁNTARA

CLAMORES, MADRID

29/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA

EL SOL, MADRID

20/02/2020 BRONQUIO

05/03/2020 JOSÉ DOMINGO

MOBY DICK, MADRID

07/03/2020 MACHETE EN BOCA

ANDALUCÍA

CATALUÑA

APOLO, BARCELONA

12/02/2020 BRONQUIO

SIDECAR, BARCELONA

27/02/2020 JOSÉ DOMINGO

30/02/2020 ZULU ZULU

FABRA I COATS, BARCELONA

27/03/2020 NANJAZZ

SALAMANDRA, L’HOSPITALET

21/02/2020 MACHETE ENBOCA

CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA

08/03/2020 NANJAZZ

ARAGÓN

CREEDENCE, ZARAGOZA

28/02/2020 JOSÉ DOMINGO

LÓPEZ, ZARAGOZA

08/02/2020 MARUJA LIMÓN

GENIUS, HUESCA

07/02/2020 MARUJA LIMÓN

COMUNIDAD VALENCIANA

TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA

15/02/2020 FINO OYONARTE

WAH WAH, VALENCIA

06/03/2020 MARUJA LIMÓN

EL LOCO CLUB, VALENCIA

07/03/2020 MISSISSIPPI QUEEN

& THE WET DOGS

ANDALUCÍA

SALA X, SEVILLA

06/03/2020 JOSÉ DOMINGO

LA CALLE, SEVILLA

21/03/2020 MARUJA LIMÓN

EL PELÍCANO, CÁDIZ

28/03/2020 FÔNAL

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

MONDOSONORO_Ene20_234x144,5.indd 1 17/1/20 13:53


PUBLIRREPORTAJE

Alice Wonder

El Kanka Viva Suecia

Triángulo de Amor Bizarro Morgan

GPS, diez años apoyando el talento

emergente y la música en directo

Girando Por Salas se encuentra en plena celebración de su décimo aniversario,

con una gira conformada por veintiséis bandas y más de un centenar de salas

implicadas. Con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la

Música (INAEM) el objetivo de GPS es apoyar a artistas emergentes, potenciando la

música en directo, el reconocimiento de la profesión y al mismo tiempo facilitando

un circuito de conciertos que favorece la movilidad de los artistas por distintas

zonas geográficas dentro del territorio español. Además, la organización ofrece

ayudas a las bandas seleccionadas tanto para la producción discográfica como para

las acciones promocionales.

En esta décima edición se inscribieron un total de

699 grupos que se sometieron al voto del jurado

y también al del público a través de una votación

en la web propia de GPS. De las veintiséis bandas

seleccionadas, seis lo fueron gracias al apoyo del voto

popular. Una vez elegidos, los grupos pasaron a formar

parte de la gira de conciertos: 59 actuaciones en directo

que empezaron el pasado 18 de enero y terminarán el 9

de mayo. En total, cuatro meses en los que los artistas

tendrán la oportunidad de conectar con el público de diferentes

salas repartidas por todo el territorio nacional.

De las diez ediciones de GPS han formado parte muchos

artistas como Mujeres, Los Punsetes, Novedades Carminha,

Varry Brava, Mucho, Rufus T. Firefly, Izal… Grupos

que en su momento eran emergentes y que ahora es

raro que no ocupen un sitio en el line-up de festivales

nacionales. Triángulo De Amor Bizarro fueron una de

las bandas que formó parte de la primera edición: “Nos

ayudó a poder desarrollar un poco más el grupo y fue

un empujón extra para poder vivir de esto. Como estar

subiendo una montaña y encontrar una cuerda puesta”.

Para ellos la iniciativa de Girando Por Salas es fundamental

“para ayudar al desarrollo de una industria sólida”.

Lo mismo opinan Viva Suecia, uno de los grupos seleccionados

en la séptima edición, junto con otros como

Cala Vento, Los Nastys, Biznaga o Rubén Pozo. “La gente

que va a ver a estas bandas sale de los conciertos con un

nuevo grupo al que van a seguir y se crea una simbiosis

positiva para la música en el país”. Además, el grupo

confiesa que la oportunidad que tuvieron con GPS fue la

“primera experiencia más profesionalizada para cuatro

tíos de Murcia dispuestos a todo por enseñar sus canciones”.

Morgan fue otro de los grupos que gracias a esta iniciativa

pudo afrontar el vértigo de la primera gira de

una forma diferente. “Pudimos viajar a ciudades en

las que pensábamos que teníamos muy poco público,

sin ayuda hubiese sido prácticamente imposible hacer

esos conciertos en una primera gira”. Y El Kanka, que

fue seleccionado en la sexta edición junto con Carmen

Boza y Club del Río entre muchos otros, reconoce que

lo que se facilita a través de GPS saca a muchos artistas

del bucle de: “No puedo girar por miedo a arruinarme,

pero si no giro no me doy a conocer”.

En la última edición participaron grupos como La Plata,

Los Vinagres, Ladilla Rusa y Alice Wonder que asegura

recordar esa primera gira con un cariño especial e incluso

va un poco más allá. “Salir a tocar es ridículamente

caro nada más pisar la carretera y la ayuda económica

de GPS me permitió estar más relajada en el escenario

sin pensar en el dinero que iba a perder al volver el fin

de semana”. Su favorito en la edición de este año es

Sweet Barrio: “La gente va a flipar cuando les vea en

dirwecto”, confiesa la cantante.

Aunque todos los artistas coinciden en que es difícil

decantarse porque hay mucha variedad y talento entre

los veintiséis seleccionados, al final todos se acaban

mojando. Para Triángulo de Amor Bizarro hay grupos

muy interesantes como El lado Oscuro de la Broca,

Mourn y Aaron Rux. Los chicos de Viva Suecia coinciden

con Alice Wonder, y se declaran fans de Sweet

Barrio junto con Uniforms y The Levitants, grupo al que

atribuyen unos directos súper cañeros. “Es genial que

puedan girar por muchas salas y que la gente les vea en

acción”. •

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febrero 2020 #25


MONDO

FREAKO

FOTO: ARCHIVO

Arco

Sonido a sur

Arco no se separa del escenario

mientras da las últimas

pinceladas a su tercer álbum de

estudio, que se publicará después

del verano. Ya ha lanzado el primer

single, Debo, y pronto podremos

escuchar el segundo, Las ideas.

Entretanto arranca una gira en

febrero a nivel nacional a la

que seguirán varias fechas por

Latinoamérica.

“Hay que ser ejemplo de

cambio si quieres que algo

cambie a tu alrededor”

en concierto

l Córdoba 1 febrero, El Hangar

l Málaga 8 febrero, Cochera Cabaret

l Granada 15 febrero, Aliatar

l Murcia 29 febrero, REM

l Valencia 6 marzo, Loco Club

l Barcelona 7 marzo, Apolo

l Sevilla 14 marzo, Sala X

l Almería 20 marzo, Sala Madchester

l Madrid 21 marzo, Mon Live

l Benicàssim 10 abril, SanSan Festival

TAN.LEJOS

RRDesde ya, los seguidores de Radiohead

pueden acceder a una colección online

de archivo oficial del grupo con material

gráfico detallado, videoclips, directos en

alta definición sin publicidad, caras B y

canciones aparecidas en recopilatorios.

Además, podrán escuchar las listas de

reproducción de las sesiones de grabación

de In Rainbows, The King Of Limbs

y A Moon Shaped Pool o conseguir merchandising

agotado que se fabricará a

medida y bajo demanda.

RREl famoso guitarrista Carlos Santana,

de setenta y dos años, comercializará su

propia línea de productos de marihuana

a partir del próximo verano. El músico se

suma así a otros artistas que ya lanzaron

sus cepas previamente como Willie

Nelson (Willie’s Reserve) y Snoop Dogg

(Leafs).

RRSteve Martin Caro, miembro fundador

de The Left Banke, falleció el pasado

mes a causa de una enfermedad cardíaca

a los setenta y un años. Hijo de la guitarrista

y cantaora flamenca Sarita Heredia,

Steve Martin Caro saltó a la fama en 1966

como vocalista y miembro fundador del

grupo de pop barroco The Left Banke.

RREl cantante y compositor norteameri-

ELYELLA

La bella y la

bestia

Son los amos de la pista y

acaban de publicar su primer

álbum Dreamers (Vanana

Records, 19) en el que, además

de descubrirnos temas propios,

trabajan junto a artistas del

indie nacional de la variedad y

calidad musical de Jero Romero,

Viva Suecia, Zahara o Neuman.

Ellos lo tienen claro. “Con Dreamers

queríamos ofrecer un

viaje musical por los diferentes

estilos que puedes escuchar

cuando vienes a vernos en directo”.

Y la razón por la cual se han metido

en las lides de la producción, así en

largo formato, retrotrae de nuevo a su

labor como DJ’s. “En la actualidad dos

tercios de nuestra sesión tiene nuestro

ADN y a nadie le extraña que suenen

siempre estos temas; es más, tiene

sentido y quieren escucharlos”. Ahora

mismo están en la cumbre del diyeismo

indie-dance, pero ¿qué es lo que

los hace diferentes del resto gente que

pincha indie y que han encontrado un

filón en la electrónica mainstream?

“Intentamos siempre interactuar con

nuestros fans en nuestros tan criticados

shows”, contestan.

Sobre cómo consiguieron que

destacados artistas del indie –como

Jero Romero o Paco Neuman– a priori

“Intentamos siempre

interactuar con

nuestros fans”

#26 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Antonio Arco está a punto

de rematar el que será su tercer

disco en solitario. “Prácticamente

lo tenemos terminado,

a falta de algunas voces y mezclas.

Es cuestión de semanas que todo esté

listo”, asegura el otrora cantante de El

Puchero del Hortelano. Está producido

por Tato Latorre, con quien ya había

trabajado en su anterior álbum. “En

esta ocasión hemos contado con más

tiempo para trabajar con calma la preproducción

y para elegir y revisar las

canciones que al final forman parte de

él”. Contará con las colaboraciones de

Rayden, Diana Navarro e Iván de Efecto

Pasillo. El músico granadino admite

que “todos ellos han sumado mucho

a cada canción de las que cantan,

también incluso aportando letra en

algunas ocasiones y siendo partícipes

de la etapa creativa. He quedado muy

contento con el resultado”.

Mientras tanto no se ha bajado

del escenario. “Intento cuadrar

agendas y dedicar cada día un ratito

a la creación, de cualquier tipo, a

cano David Olney fallecía el pasado

sábado en pleno concierto,

a los setenta y un años, en el 30ª

Songwriters Festival de San Rosa

Beach (Florida).

RRBjörk ha creado una partitura

generativa asistida por inteligencia

artificial para el hotel Sister

City de Manhattan. La pieza se

titula Kórsafn. La cantante y compositora

islandesa ha utilizado

tecnología de Microsoft para extraer

una selección de fragmentos

de sus arreglos vocales favoritos

pertenecientes a su archivo.

tan poco cercanos a los bombos y los

sintetizadores, trabajasen con ellos,

Ella y MØNØ dicen que nos sorprendería

el buen gusto que tienen ambos

para la electrónica. “Fue más sencillo

de lo que pueda parecer. A ambos les

sedujo la idea de salir de sus registros

habituales, nos dieron confianza para

proponerles cosas y después fluyo

todo muy rápido. Casi todos los que

hemos llamado les ha seducido la idea

de trabajar con nosotros”. Cuando se

les pregunta por qué características

concretas y especiales debe de poseer

un tema para convertirse en un himno-bomba

en los festivales en los que

pinchan, nos confirman que tiene que

ir directo al sistema límbico, “ese que

no entiende de palabras, solo de emociones”.

Sobre la presunta utilización

de productores fantasmas que venden

sus temas a Dj’s del indie-dance, ellos

lo tienen claro: “Lo más importante de

quien trabaje con otros productores

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RRTras siete años inactivos, My Chemical

Romance volvían a subirse a un escenario

en diciembre en el Shrine Expo Hall de

Los Ángeles, sellando una reunión que se

había rumoreado varias veces. Ahora, con

el lanzamiento de An Offering…, parece que

o compositores es que no se engañen

a sí mismos e intenten ocultar a su

equipo de trabajo. En nuestro proceso

de creación, y en nuestras canciones,

nada de lo que hemos hecho se podría

haber hecho sin nosotros”. Finalmente

les preguntamos si en un futuro

próximo dejarán de ser solo dos para

dar paso a una banda que pueda tocar

en directo, en recintos más grandes,

en horarios de headliners y cobrando

ya cachés de grupo. Y aquí se muestran

contundentes. “La realidad es que

el FIB el BBK o MadCool entre otros

ya son recintos grandes y en algunos

de ellos hemos actuado en los mismos

horarios que headliners de la talla de

Chemical, Vitalic, Digitalism…. y referente

a la pasta, preferimos cobrar en

salario emocional”. —fernando fuentes

r

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la práctica vocal e instrumental. Y

semanalmente seguimos revisando

y mejorando nuestro concierto. En

cuanto al estudio, el nuevo álbum se

está gestando entre Madrid y Barcelona

y solemos plantear quedadas de

varios días para avanzar”. Arranca

una gira con banda a nivel nacional el

1 de febrero en El Hangar de Córdoba.

“Llevamos un concierto renovado en

todos los aspectos (repertorio, iluminación,

dinámica…) y estamos muy

ilusionados por cómo suena esto, los

ensayos son un disfrute y esperamos

llevar esa energía a cada uno de los

escenarios que nos esperan”. Después

seguirá Latinoamérica. “Estamos

esperando a la fecha definitiva de

presentación del documental Octavas

en el festival In-Edit de Santiago de

Chile, ya que estaremos en este evento

a finales de mayo. También aprovecharemos

y queremos visitar por primera

vez Bogotá, volver a mi querida

Lima, donde tanto cariño nos dieron

en nuestro debut. Y quizás haya otras

ciudades, pero depende de cómo finalmente

se logre cuadrar la agenda”.

El primer adelanto ha sido

Debo, donde el andaluz vuelve a sus

raíces. “Aunque no deja de ser un álbum

muy diverso y cada canción tiene

identidad propia, son unas canciones

que suenan a Sur. Con Tato Latorre

incidimos en la búsqueda natural de

mis raíces, de la herencia recibida, del

origen…”. Después seguirá Las ideas,

una canción “muy positiva y alegre.

Verso sobre la necesidad de empatizar

y comprender a todo el mundo dentro

de su diversidad, evitando conflictos

gratuitos e intentando ser ejemplo de

cambio si quieres que algo cambie a tu

alrededor”, sentencia. —jesús casañas

r

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su regreso es oficial y hay nueva música en

camino. Al final del videoclip aparece anunciada

la fecha de un concierto en el Milton

Keynes, en Reino Unido, para el próximo 20

de junio.—MS

en concierto

l Zaragoza 8 febrero, Las Armas

l Valencia 15 febrero, Moon

l Murcia 22 febrero, REM

l A Coruña 14 marzo, Inn Club

l Granada 25 abril, Industrial Copera

l Benicàssim 18 julio, FIB

l BEnidorm 31 julio - 2 agosto, Low

Glas Aquello

en lo que creen

Los murcianos Glas

despidieron el año con un

primer larga duración que

deja claro que van muy en

serio: Todo ha cambiado

tanto (Autoeditado, 19).

Explican su nombre diciendo

que significa “cristal” en alemán,

y que éste simboliza la

pureza y el reflejo (“tenemos

tendencia a ser bastante positivos en

nuestras letras”). Los Glas surgieron

en Murcia como la unión de miembros

de varias bandas: Paco Ganga

(The Leadings, Lofelive), Fede Gas

(Varry Brava), Tommy Roch y Álvaro

Carbonell (Adiós Nicole) son sus cuatro

integrantes. Y tienen claro que,

como sucedía con Derby Motoreta

Burrito’s Kachimba, esto les ha echado

un cable a la hora de enfocar este

nuevo proyecto. “Por supuesto que la

experiencia con nuestras bandas precedentes

nos ha ayudado a entender

cómo funciona esto de la música a un

nivel más profesional. También nos

han aportado el bagaje cultural y musical

que nos define y el cual también

reflejamos. Sin duda The Leadings

tiene mucho que ver en Glas porque la

base de los temas las compone el mismo”.

El nuevo proyecto de estos murcianos

llegaba a la escena con New

Order, The Cure, Depeche Mode o Cut

Copy como sus grandes pilares, y una

idea muy clara sobre lo que querían

aportar. “No somos una banda de electropop

al uso, nosotros mezclamos la

electrónica con la música analógica

sin encasillarnos en nada en concreto.

Es difícil saber qué nos diferencia de

otras bandas e incluso sonaría feo

compararnos, pero la potencia, los

estribillos directos sin rodeos, la actitud

en el directo, tal vez sea el conjunto

de todos esos factores lo que nos

marca”. En el disco continúan con su

apuesta por el pop electrónico a modo

de sesión única, al estilo de lo que

hizo Stuart Price para Confessions

(05) de Madonna “Teníamos ganas de

hacerlo así para que la gente viajase a

otro mundo y se metiese de lleno en

la movida que queríamos transmitir

sin desconectar ni un solo segundo del

disco”). —pablo tocino

r

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febrero 2020 #27

FOTO: ARCHIVO


Nada Surf

FOTO: ARCHIVO

Siempre

juntos

La banda estrena su octavo

trabajo de canciones originales

con las melodías intactas pero

la madurez propia de quienes

superan ya el cuarto de siglo

al pie del cañón. Hablamos con

Matthew Caws sobre Never Not

Together (City Slang, 20).

Nos citamos en Madrid

con Matthew Caws para

hablar de las particularidades

de este nuevo Never

Not Together. “Mi mujer y yo tuvimos

un bebé, yo tenía menos tiempo para

componer, y la banda vino a Cambridge

para ensayar, cosa que nunca

habíamos hecho antes”. De ahí que el

disco se haya grabado en el histórico

estudio galés Rockfield por su técnico

de directo Ian Laughton y masterizado

en Abbey Road. Por ello estamos ante

el disco más británico de la banda,

aunque Matthew, que vive en Inglaterra

desde hace años, no sepa muy bien

qué significa ese adjetivo. También

es el más colectivo. “En el pasado, un

poco para ahorrar, grabábamos todos

y luego me quedaba yo solo para terminar

los detalles. En esta ocasión nos

quedamos todos hasta el final. En ese

sentido, es un disco más grupal que

otros. Cuesta más hacerlo así, pero

creo que es mucho mejor”.

Con una menor participación

del guitarrista Doug Gillard y una mayor

del teclista Louie Lino, el álbum

no se resiente del inevitable toque de

madurez que aporta la experiencia

acumulada. “Venía pensando en esa

cita de Joe Strummer que decía ‘quiero

envejecer con mi público. No quiero

ser un tío de cincuenta años cantando

a críos de dieciocho’. Bueno, si a un

EL APUNTE

Europa en el

corazón

Desde hace años, Matthew Caws, Daniel

Lorca e Ira Elliot mantienen un idilio

especial con España y Francia. El cariño

es recíproco. Caws y Lorca se hicieron

amigos en el Liceo Francés de Nueva

York. La conexión española viene de

parte del bajista madrileño, cuyo carisma

siempre ha caído bien por aquí. La

cosa viene de lejos: Elektra ni siquiera

publicó en Estados Unidos su segundo

álbum The Proximity Effect (98) y

rompió con ellos mientras estaban de

promo por Europa. Lejos de venirse

abajo, despegarían con el memorable

Let Go (02) y una presencia constante en

escenarios y festivales europeos. Desde

entonces, han continuado desplegando

sus encantos con discos que nunca han

bajado del notable y han recibido mayor

atención en nuestro continente: The

Weight Is A Gift (05), Lucky (08), The

Stars Are Indifferent To Astronomy

(12) y You Know Who You Are (16). En

2010 publicaron el álbum de versiones

If I Had A Hi-Fi, en el que se atrevían

con una estupenda versión de Mercromina

(Evolution) en su idioma original.

Para conmemorar el quince aniversario

de Let Go (02), artistas españoles como

La Habitación Roja, Lagartija Nick o

Viva Suecia reinterpretaron sus canciones

en Tu aura brilla más (18). —j.c.p.

montón de chavales de dieciocho años

le gusta este disco, genial, pero creo

que es así. Quiero ser maduro porque

me siento un poco menos dramático.

Me alegro de ser mayor”. Eso no le

impide embarcarse en alguna aventura,

como la parrafada de Something I

Should Do, donde le da una vuelta de

tuerca al espíritu de su temprano hit

noventero Popular. “Daniel (Lorca,

bajista) me mandó un mail diciéndome

que alguien en Francia escribió

en Twitter que deberíamos hacer una

nueva versión de Popular sobre los

medios sociales y los memes. Pensé

que era una idea terrible, pero me

quedé con ella. Un día fui a visitar a mi

amiga Autumn De Wilde a Londres y

escribí en el tren toda la parrafada en

diez minutos. Y bueno, lo que sucede

es que ¡algunas preguntas son tan

grandes que no sabes qué decir! Creo

que el mundo moderno es una locura.

La canción migró a una conversación.

Paso muchísimo tiempo online o en

Twitter. No creo que sea una buena

idea, pero es así”.

Es inquietante pensarlo, sí,

pero aunque ha sido testigo privilegiado

del Brexit, que define como “una

auténtica tragedia”, el cálido humanismo

marca de la casa permea el álbum

desde el mismo título, inspirado por

una canción de Bon Iver. “Nunca he

querido celebrar la oscuridad. No hay

nada romántico en ello”. Si echa la

vista atrás, el compositor califica de

“bastante milagroso” haber llegado

hasta aquí. “Que cada uno vivamos

en una ciudad distinta es una locura,

pero si nos hubiéramos forzado a

estar en un mismo lugar los discos

no habrían sido tan buenos… o quizá

habrían sido mejores y nos habríamos

separado. A estas alturas tenemos un

contrato social con nuestro público:

somos muy afortunados”. —jc peña

r

“No quiero ser un

tío de cincuenta

años cantando a

críos de dieciocho”

“Quiero ser maduro

porque me siento

un poco menos

dramático. Me

alegro de ser mayor

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en concierto

l Valencia 4 mar zo, Moon

l Murcia 5 marzo, Sala REM

l Madrid 6 marzo, La Riviera

l Bilbao 7 marzo, Kafe Antzokia

l Pamplona 8 marzo, Zentral

#28 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


MONDO

FREAKO

r

AgeNda.

febrero

Más en www.mondosonoro.com

#mondosonoro/agenda

FOTO: ARCHIVO

Little Pepe

Málaga (1 febrero, La Trinchera)

Murcia (21 febrero, Sala Spectrum)

Mislata (22 febrero, Sala Repvblicca)

Sevilla (6 marzo, Sala Fanatic)

Barcelona (20 marzo, Sala Bóveda)

Madrid (27 marzo, Independance)

Little Pepe publicó recientemente El

Real One Love (Boa Música, 19), un álbum

grabado junto a Acción Sánchez de

SFDK en el que ha recogido lo mejor de

su amplio conocimiento del reggae y lo

ha pasado por un filtro que en esta ocasión

lleva los colores de su tierra, Málaga,

y muchos años de experiencia.

Little Pepe ha construido un álbum

largo, de hasta quince canciones, en el

que pone el foco sobre el amor, Dios, la

familia, pero también sobre las injusticias

sociales y la disparatada carrera capitalista

en la que todos participamos. Dice el malagueño

que El Real One Love es “El apodo que me he ganado

a lo largo de estos años por estar haciendo

música por todos lados”. También es el nombre

de su álbum, un proyecto interesantísimo en el

que ha trabajado muchas horas codo con codo

con Óscar ‘Acción’ Sánchez de SFDK en La Factoría

Creativa, el nuevo proyecto de producción de

SFDK. Un Acción Sánchez que ha llevado la batuta

musical del trabajo. “Desde el principio ha

tenido en su mano dinero para comprar bases,

tenía un presupuesto para eso y ha indagado,

ha buscado pero al final me gustaba más lo que

me ponía él. Hay muchos más productores en el

disco. Está Niggaswing, hay gente de Alemania…

mucha gente implicada, pero al final tiene el toque

de Óscar porque, incluso cuando las producciones

eran de otros, Óscar estaba metido ahí”.

Con Sevilla como centro de operaciones

y la brutal influencia, fruto de su amor por

Málaga, que Andalucía tiene en Little Pepe, El

Real One Love quizá sea su disco más personal,

en el que la esencia de la actual música popular

andaluza más se mezcla con el reggae, la pasión

de Little Pepe desde que era un niño. “Yo me

acuerdo de ir del brazo de mi mamá con seis,

siete, ocho, nueve años y ver ahí a la gente con

las rastas tocando los timbales y yo decía ‚yo

quiero ser como ellos’ y tuve la suerte de que

Ángel, un amigo del barrio (el único que tenía

Internet), me fue a regalar los discos que se

bajaba de Napster, con las carátulas, y yo me

los estudiaba, como diez discos a la semana y

eso que no entendía un carajo. Me dio hasta un

dossier de expresiones de diez o doce páginas

para poder entender las palabras, para que yo

tradujera”. Colaboraciones con Green Valley o

el propio Zatu de SFDK se mezclan con las de

Pinnacle Rockers o Fyahbwoy para conseguir

que este trabajo suene profesional y auténtico.

—luis m. maínez

Milky Chance

“Cuando escribes tienes que evitar

copiar ese hit que tuviste en el pasado”

Barcelona (17 febrero, Razzmatazz) Madrid (18 febrero, La Riviera)

Milky Chance se presentaron al

mundo en 2012 con Stolen Dance,

un hit inmediato que les llevó a

coronar las listas de reproducciones.

Siete años después, el

trío alemán acumula en su haber

una extensa lista de conciertos

por todo el mundo y tres discos,

de los cuales el más reciente,

Mind The Moon (Universal Music,

19) vio la luz el pasado mes

de noviembre.

La grabación del nuevo

trabajo de Milky Chance, Mind

The Moon, vino precedida de

una extensa gira de conciertos.

Si para otros grupos lo más natural

hubiera sido tomarse un respiro entre

el fin de gira y la entrada al estudio,

para los alemanes “fue el momento

perfecto. Durante los viajes se nos iban

ocurriendo nuevas ideas y canciones,

y ya estábamos ansiosos por volver al

estudio”, cuenta Clemens Rehbein, vocalista

de la banda. Una vez inmersos en la

creación del disco, decidieron grabarlo

en cuatro lugares distintos (Kassel, Berlín,

Italia y Noruega). “El primer álbum

lo grabamos en casa de mis padres.

El segundo lo hicimos en un estudio

cerca de donde vivo. Y con el tercero

queríamos algo completamente distinto.

Queríamos buscar la inspiración a

través de las vibraciones que nos podían

transmitir diferentes lugares”, explica.

Algo que también tenían claro a la hora

de ponerse a trabajar en el nuevo disco

era el punto de partida de su sonido.

Tomando como referencia el minimalismo

de su primer trabajo, a la hora

de grabar Mind The Moon –en el que

colaboran Tash Sultana o Ladysmith

Black Mambazo– partieron de “la idea

de volver a ese minimalismo, pero con

los conocimientos adquiridos diez años

después. Todo ello con el fin de darle

pureza a este nuevo trabajo”. Un disco

en el que también volvemos a encontrar

unas de las señas de identidad de los

de Kassel: la mezcla de letras melancólicas

con melodías bailables. “Esa es

nuestra forma de escribir canciones.

De alguna manera esta mezcla es algo

natural, ya que cuando estás pasando

por algo malo y triste, resulta pesado en

nuestro interior y tienes necesidad de

soltarlo, y la mejor forma para lograrlo

es moviéndote, dejándote llevar por

melodías que nos hagan bailar”, explica

Rehbein. No obstante, pese a insistir en

esa forma de hacer canciones a lo largo

de su trayectoria, tienen claro que sería

un error intentar repetir un hit como

Stolen Dance ya que “cuando escribes

canciones tienes que evitar copiar ese

hit que tuviste en el pasado. Simplemente

tienes que sentirte bien cuando estés

componiendo las nuevas canciones. Una

canción excelente y de tal repercusión

mundial como fue Stolen Dance no volverá

a suceder, hay que ser realistas”.

Otro de los puntos fuertes de la

banda son sus conciertos. Es en directo

donde sus canciones ganan más fuerza,

algo que han podido comprobar en cada

una de sus visitas a España: “siempre

que hemos tocado allí ha sido hermoso

y disfrutamos mucho. La gente se volvía

loca en los conciertos. Los españoles

tienen mucha energía”, comenta entre

risas el cantante.

—guillermo chaparro terleira

FOTO: ARCHIVO

#30 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


FOTO: WILL ZHANG

Digitalism

“Por alguna razón, seguimos

sorprendiendo a algunas personas”

Madrid (14 febrero, Sala But; Inverfest) Barcelona (15 febrero, Razzmatazz) Murcia (1-2 mayo, Warm Up Festival)

Palencia (13 junio, Palencia Sonora) Benicàssim (19 julio, FIB Benicàssim)

El dúo alemán Digitalism va y viene

de la actualidad, pero lo que es

evidente es que siempre mantienen

viva la capacidad de publicar

buenas canciones. No hay más que

escuchar su último disco, JPEG

(Magnetism, 19), para encontrar

unas cuantas.

Cuando el dúo de productores alemanes

Digitalism comenzó su carrera

a mediados de los dos mil, otro dúo

llamado Justice había sacado un poco antes

ese hitazo que fue Never Be Alone en el sello

de Ed Banger. Ellos comenzaron a publicar

sus primeros trabajos a través de otro sello

francés, Kitsuné, que también se especializó

en esa mezcla de electrónica y pop que surgió

en aquella época y que con el tiempo se

volvería algo más agresiva, cruzaría el Canal

de la Mancha, y acabaría por derivar en otro

estilo de mucho éxito: el famoso new rave

que popularizaron Klaxons y compañía. “Fue

una época muy loca. La gente hacía muchas

cosas juntos: había menos separación entre

géneros musicales que la que hay ahora;

todo era fluido de alguna manera. El techno

se inspiró en la música de guitarras. Las

bandas independientes comenzaron a usar

sintetizadores y cajas de ritmos techno. Todo

estaba al revés”. Unos cuantos años después

quedan pocos grupos de esa época que hayan

aguantado, y más aún que todavía tengan algo

interesante que decir. Por eso no podemos

más que sorprendernos ante la calidad de este

nuevo disco en el que siguen sonando frescos

y con cosas que decir. “El nuevo álbum ha sido

muy bien recibido por los fans y por la prensa.

Prometimos a nuestros seguidores que lanzaríamos

un nuevo disco en 2019 y cumplimos

nuestra promesa. Por alguna razón, seguimos

sorprendiendo a algunas personas”. Un trabajo

llamado JPEG en el que se han volcado

para volvernos hacer bailar y emocionarnos

con su música. “JPEG representa la forma en

que vemos nuestra música. Las canciones son

como pinturas o instantáneas de emociones

y experiencias, y estamos tratando de recrear

ese sentimiento con música”. A lo largo de

doce temas, que varían bastante de duración

y de estilos, tocan algunos palos como ese

french-house de los inicios con un toque más

gamberro; toda una delicia de principio a fin

que muestra su buen estado de forma y lleva a

preguntarnos de dónde sacan su inspiración

para seguir publicando temas tan buenos

después de todo este tiempo. “La inspiración

surge a menudo inesperadamente de la nada

cuando estamos en el estudio. Las grandes

influencias para nuestro trabajo siempre

han sido la música de los videojuegos de los

ochenta y las bandas sonoras en general. Y el

concepto musical de la ‘coda’: ese bucle interminable

al final de una canción, el final de una

película que sigue y sigue”. También tiene algo

que ver su profesionalidad a la hora de afrontar

la composición de los temas, destacando

su intenso trabajo en el estudio de grabación,

un estudio que les inspira mucho para componer,

pero del que se mudarán en breve.

“Nuestro estudio ha estado en un búnker de

la Segunda Guerra Mundial durante años, y

acabamos de comenzar uno nuevo que se encuentra

en un antiguo almacén de té del siglo

XIX. Son edificios realmente inspiradores, y el

búnker con su crudeza ha condicionado mucho

nuestro sonido. No tiene ventanas y está

completamente oscuro cuando apagas las

luces, así que tienes que inventar cosas, imaginar

cosas, crear algo”. —raúl linares

Él Mató a un

Policía Motorizado

Murcia (13 febrero, REM) Valencia (14

febrero, Moon) Barcelona (15 febrero,

Festival CaraB) Madrid (20 febrero,

Ochoymedio) Zaragoza (21 febrero,

Las Armas) Granada (22 febrero, El

Tren) Córdoba (23 febrero, Hangar)

Sevilla (24 febrero, Sala X) Oviedo (26

febrero, La Salvaje) Bilbao (27 febrero,

Kafe Antzokia) Donostia (28 febrero,

Dabadaba) Vigo (29 febrero, La Iguana)

Ourense (1 marzo, Cafe Torgal)

El futuro luce con esplendor

para los argentinos.

No ha dejado de crecer

desde La dinastía Scorpio

(13), sobre todo con La

síntesis O’konor (17). Ahora

Santiago Barrionuevo

y los suyos entregan La

otra dimensión (Primavera

Labels, 19), un reverso

de canciones que no pudieron

tener cabida en su

anterior trabajo.

Hubo un cambio fuerte

con La dinastía Scorpio,

que fue el primer

trabajo que editamos

en España, en Estados Unidos…

empezamos a hacer giras largas

por todas partes y tuvimos que

acomodarnos un poco a eso. Pero

bueno, no es una queja (risas),

te acomodas porque surgen

un montón de oportunidades

para mostrar nuestra música y

creo que eso se duplicó con La

síntesis O’konor. Empezamos a

viajar a más lugares por nuestro

continente que están fuera del

circuito, lugares que nos son algo

ajenos pero con gente cantando

las canciones, que es algo que nos

emociona mucho”, me comenta

Barrionuevo telefónicamente.

Con este nuevo tratamiento el

muro de guitarras marca de la

casa ha dejado lugar a nuevas

ideas.“Ahora pasa todo por otro

lado, por otras estructuras, por

otros climas que se generan

gracias a estas estructuras y estos

detalles de texturas que tienen

otro protagonismo, con otra

función digamos, y que antes

dejábamos más de lado”.

En su último trabajo, La otra

dimensión, canciones ya publicadas

disfrutan de una nueva

vida en un nuevo recorrido más

intimista y sin tanta urgencia.

“El disco, no por algo planeado,

sí que fue quedando como una

versión más relajada de La síntesis

O’konor, más climático, con

otras pausas, con esas versiones

acústicas que le bajan el pulso

pero que ganan en otro lado, así

como más emocional”. El ritmo

de la banda resulta frenético en

cuanto a conciertos, lo que no les

impide seguir componiendo y

ahondando en el camino iniciado

en La síntesis O’konor. “Tenemos

canciones como para empezar a

hacer el trabajo de darle forma

definitiva. A algunas les faltan

letras, algún detalle, partes…

pero en su base más fundamental

tenemos bastantes canciones. Un

poco sí que vamos a seguir esa

línea, es algo que nos entusiasma,

que también tardamos en desarrollar

y en el momento en el que

llegamos a ese lugar nos encantó

y lo queremos seguir recorriendo”.

Entre tanta actividad, hay

proyectos que han tenido que

esperar, como el split con Los

Planetas. “Me han invitado a

cantar un montón de cosas y me

entusiasma que lo hagan, pero

después quedo mal (risas). Pero

bueno, la canción con Los Planetas

la pudimos grabar, lo hicimos

en Barcelona en medio de una

gira”. También el esperado estreno

en solitario de Santi ha ido sufriendo

contratiempos. “Empecé

el disco hace ya dos años y grabé

las bases en un estudio acá en

Buenos Aires. Lo que pasa ahora

es que volví a escuchar las viejas

bases y ya no me gustan (risas),

pero no las quiero abandonar,

son canciones que las quiero

mucho y espero encontrar alguna

vez el lugar para grabarlas de

una”. —manuel novo

FOTO: ARCHIVO

febrero 2020 #31


33/Mondo

VINILOS

Underworld

Drift Series

1. Sampler

Edition

Caroline/

Music As

Usual

Fat Joe & Dre

Family Ties

RNG/Empire

La sanación de María José Llergo

María José Llergo

Sanación

Sony

FLAMENCO / Un cante libre, pasional y trascendente,

sin ataduras ni cuentas pendientes,

pero comprometido socialmente con su ahora

y con la tradición que sustenta cada uno de

sus quejíos. Así nos llega la joven cantaora

cordobesa (Pozoblanco, 1994) María José

Llergo, como un rayo de luz auténtico que

emana calor propio y escapa del frío de las

modas, mutando en brisa fresca y juguetona,

provocando quemaduras y sanando al mismo

tiempo. Aire nuevo y combativo a su manera,

palpitante de honestidad que esquiva el

omnipresente eco rosaliano y toda etiqueta

castradora de libertad creativa. Un dejar fluir

por sus propias venas la sangre de los pueblos

oprimidos, reavivando su memoria con

el fuego de una poética curativa que mira al

mundo a los ojos y da voz al dolor de los silenciados.

Tocados y hundidos quedamos rápidamente

con la modernidad descarnada de

ese canto clásico y profundamente cristalino

de Nana del Mediterráneo, single que meció

entre lágrimas a la luna y que ahora abre la

cara B de este flamante Sanación, narrando

e interpretando a corazón abierto las vidas

que injustamente se traga y duerme el mar

para siempre. La reivindicación continúa con

fuerza genuina en Me miras, pero no me ves,

9

donde las raíces se empapan bajo una fina

capa de electrónica, percusiones tribales y

el soul de una garganta hipnótica, enfocando

las heridas que suelen estar fuera de plano:

De la desigualdad de género y raza, a la falta

de expectativas de la juventud, lastrada por

la desesperanza. En medio, El péndulo, ese

vaivén de cambios y sentimientos que marcan

el rumbo del sin sentido de vivir. Quizás la

pieza más ambiciosa, urbana y ecléctica del

lote, que bambolea el aire con regusto lynchiano,

a base de R & B, compás flamenco y una

elegante y envolvente sesión de cuerdas. Con

Lost Twin dejando, como en los cortes anteriores,

su sello en la producción. Pero es en

el primer parpadeo, cuando la aguja se abre

paso entre los surcos iniciales, donde encontramos

el motor sentimental de María José

Llergo: La voz de su abuelo Pepe, la persona

que le enseñó a amar el cante sin imposturas,

al son del escardillo, el olor a tierra mojada y

La niña de fuego de Caracol. Memoria, recuerdos

y cariño que nos hacen ser lo que somos.

Una ¿De qué me sirve llorar? en la que Llergo

rezuma sensibilidad flamenca y arte. Pureza

desencadenada que se extiende por esta cara

A en la iniciática Niña de las dunas, para volver

a darle alas a la tradición y volar en otro

de los temas más futuristas de Sanación,

los cantos de sirena de Soy como el oro. Cierra

cara con El hombre de las mil lunas, en la que

vuelve a abrir las aguas del pasado y del

futuro, fundiéndolo en un presente magnético

que la encumbra desde ya como una de las

artistas más imprescindibles y singulares

del momento. —david pérez

ELECTRÓNICA / El veterano

8

proyecto Underworld

vuelve a la carga con un nuevo

trabajo en el que demuestran

que la edad no va unida con una

falta de inspiración ni de ganas

de currar. A lo largo de cincuenta

y dos semanas Rick Smith y Karl

Hyde no han parado de producir

música y de colaborar con varios

músicos y artistas audiovisuales

para dar como resultado Drifter,

un trabajo en forma de cinco epés

y un DVD de cortos. El disco que

nos ocupa es Drift Series 1. Sampler

Edition, diez de los mejores

temas de esos trabajos en los que

cuentan con colaboradores tan

interesantes como el productor

de techno inglés Ø-Phase (Border

Country) o Lewis Evans y Georgia

Ellery del grupo Black Country,

New Road (Appleshine y Schiphol

Test). Aún les quedan ganas para

hacernos bailar y emocionarnos

al mismo tiempo. —raúl linares

White

Reaper

You Deserve

Love

Elektra

POWER POP / Recomendados

por Billie Joe

7

Armstrong, White Reaper llegan

con este You Deserve Love a

su tercer disco. Un álbum, en

mi opinión, más abierto que

los anteriores. Y me refiero al

estilo. El grupo de Louisville ha

ampliado su gama de sonidos y

al habitual punk-rock y power

pop han añadido detalles más

clásicos que los acercan a la

new wave o al AOR. Y no lo digo

como algo negativo, sino como

aviso a navegantes. Y es que

tienen entre ceja y ceja convertirse

en algo grande y piensan

que esa es la forma. Puede que

tengan razón, pero lo que es

seguro es que, curiosamente,

eso hará radicalizar a los que

escuchen su música. De golpe se

han convertido en una propuesta

de esas que no dejan a nadie

indiferente. De las que amas u

odias. —eduardo izquierdo

RAP / Fat Joe, una leyenda

6

del rap norteamericano que

ha decidido retirarse y lo hace de

la mano del músico y productor

Dre. Aunque, desgraciadamente,

con un trabajo que no pasará a la

historia del género. Aunque es de

agradecer el intento del artista

por despedirse intentando modernizar

su discurso. En este caso, Fat

Joe intenta juntar sus rimas old

school con sonidos más actuales

y la cosa le queda algo descafeinada.

Es más, en los cortes que intenta

no sonar tan moderno, sobre

todo al inicio del disco, la cosa

funciona más que dignamente. En

cuanto Dre toma el control y juega

a ser Drake u otros productores de

sonoridades más actuales y/o latinas

que dirigen el cotarro, la cosa

se tuerce. Hay pelotazos, momentos

de puro edulcorante artificial

y colaboraciones de altura, pero

al final te deja un sabor agridulce.

—marcos molinero

The Flaming

Lips

The Soft

Bulletin

Recorded

Live...

Warner

POP

8

/ Celebrando el vigésimo

aniversario de The Soft

Bulletin (99), The Flaming Lips

reclutaron a la Orquesta Sinfónica

de Colorado para ofrecer una

épica y espectacular relectura

del álbum en cuestión. El resultado

de juntar sobre el escenario

la elegancia instrumental propia

de una orquesta sinfónica y a una

banda tan imaginativa, con la

intención de perpetrar un conjunto

de canciones inspirado y probadamente

atemporal, propiciaba

forzosamente unas expectativas

de lo más jugosas. Unas perspectivas

a la postre satisfechas, con

la orquesta añadiendo un sinfín

de texturas sonoras adicionales

con respecto al original y elevando

los temas hasta niveles

inéditos. La psicodelia del grupo

se entrevera en armonía con

arreglos clásicos consiguiendo

una experiencia emocionante e

implicante. —raúl julián

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

febrero 2020 #33


MONDOVINILOS

Yann

Tiersen

Portrait

Mute

La madurez de Núria Graham

Núria Graham

Marjorie

Primavera Labels

8

POP / Puede sonar osado, precipitado y,

hasta cierto punto imprudente afirmar

algo así con tanta rotundidad. Pero Núria

Graham ha grabado el disco de madurez

que nadie esperaba a estas alturas. A

sus veintitrés años, sin pedir permiso,

derribando barreras y mirando de tú a

tú a quien pretenda retarla. Que nadie

confunda su mirada y sonrisa inocentes

como signos de fragilidad, porque son la

demostración de que Graham se enfrenta

a cada movimiento con naturalidad y sin

complejos, algo que consigue gracias

a una cabeza muy bien amueblada y un

entorno que la mima y mantiene con los

pies en el suelo. A su edad medita y razona

cada uno de los pasos de su carrera,

algo que la lleva a no dar jamás ninguno

en falso. La catalana se muestra siempre

emocionalmente equilibradísima y conocedora

de las herramientas con las que

trabaja. Aunque, como siempre ocurre con

los grandes artistas, todo depende de la

combinación entre el talento y el grado

de compromiso. Precisamente de eso no

adolece Núria Graham. Para su tercer disco,

con viajes a esa Irlanda que la nutre

de ideas, la de Vic canta con un tono grave

y profundo, interpreta con más serenidad

y aplomo. Sirva como primer ejemplo

Connemara, canción en la que nos cuenta

cómo alguien que no esperas desaparece.

En Do You Wanna Wake Up For A While

Everyday ríe de inicio, haciéndole por

el camino un guiño a la euforia controlada

de Florence Welch, mientras que en

Hazel parece invocar a la lluvia de ranas

de Magnolia como hacía Aimee Mann. Y

podríamos seguir canción por canción,

destacando piezas como Shirley –en la

que recupera el estilo de Does It Ring A

Bell?–, Heat Death –en la que se cuestiona

si es necesario seguir buscando respuestas–

o No Returning, una demostración

más de que la madurez no está reñida

con la juventud. Que se lo pregunten a la

Graham. —toni castarnado

8

CONTEMPORÁNEA/ El día

que se evalúe el grueso de

la trayectoria de Yann Tiersen,

2019 será un año que brille de

forma especial. No en vano, si a

principios del mismo, se sacaba

de la manga All (18), uno de sus

pináculos discográficos, ahora

le toca a Portrait, una especie de

examen interior abocado hacia

la oscuridad. Tanta luz y afrancesamiento

achampañado nunca

fueron del gusto de Tiersen, que a

través de estas veintidós reinterpretaciones

de su repertorio, más

tres temas de nueva cosecha, le

dedica una transfiguración muy

especial a la su espectro luminoso.

En este sentido, su reinvención

siniestra de La Dispute, una

de las piezas más reconocidas de

Amelie, no podría ser más significativa.

Por otro lado, Stephen

O’Malley, de Sunn O))), es pieza

básica en Prad, uno de los temas

nuevos de tan abrumador repaso

a un cancionero que, tal como

indica el mismo título del álbum,

es el verdadero retrato de Dorian

Gray de un músico en estado de

gracia. —marcos gendre

Travis Scott

& Jackboys

Jackboys

Cactus Jack/

Epic

Sun Of The

Dying

The Earth

Is Silent

Art Of

Propaganda

Roddy Ricch

Please Excuse

Me For Being

Antisocial

Atlantic/

Warner

Soto Asa

La Cruz

La Vendición

Pinegrove

Marigold

Rough Trade/

Popstock!

TRAP / Travis Scott es uno

7

de los artistas más importantes

del panorama musical. Su

anterior trabajo, Astroworld, (18)

fue aclamado por unanimidad

como uno de los mejores del 2018.

Por desgracia, no ha conseguido

repetir el éxito en este Jackboys,

su primer proyecto junto a varios

artistas de su compañía, Cactus

Jack. En Jackboys encontramos

una sorprendente colaboración

con Rosalía, así como otras –más

esperadas– con grandes nombres

de la escena norteamericana como

Lil Baby o Young Thug. El proyecto

es desigual. Mientras que

un tema como Gatti se encuentra

entre lo peor que ha lanzado

Travis Scott en los últimos años,

otros como Gang Gang –con Sheck

Wes– funcionan perfectamente.

Si bien es cierto que, tras una

primera escucha, el álbum puede

caer perfectamente en el olvido

(no esperéis aquí nada revelador

de Rosalía), con las escuchas

sucesivas gana enteros gracias al

inimitable estilo de Travis Scott y

a unas muy buenas producciones

que lo respaldan. —luis m. maínez

7

DOOM / Con su segundo

RAP / Roddy Ricch es uno de

URBAN / Haber nacido en

8

6

álbum, la banda madrileña

los jóvenes talentos de la

Ceuta, residir actualmente

pulveriza los registros de

un disco interesante, aunque

irregular, como fue The Roar

Of The Furious Sea (17). El

sexteto, en el que se halla algún

que otro componente de los

desaparecidos –y reivindicables–

As Light Dies, regresa con

un disco mucho más robusto

y, sobre todo, ambicioso: no en

vano, su edición corre a cargo

de Art Of Propaganda, hogar de

los austriacos Harakiri For The

Sky. Tres cuartos de hora de una

gran carga emocional en los que

consiguen revertir su principal

defecto –la fuerte influencia de

My Dying Bride o los primeros

Anathema– mediante una capacidad

compositiva incuestionable,

además de resolver de forma

solvente los complejos arreglos

–por ejemplo, los de Monolith,

punto álgido del disco– que la

excelente producción de The

Earth Is Silent no hace más que

realzar. Sombrío, emocionante y,

a todas luces, convincente.

—tomeu canyelles

escena trap norteamericana y lo

que ya venía apuntando ha terminado

de explotar en 2020 con

este Please Excuse Me For Being

Antisocial, que se ha aupado (en

dos ocasiones) al Nº 1 de Billboard.

Lo ha conseguido porque este

álbum es el ejemplo perfecto de

cómo el sonido trap ha alcanzado

la perfección formal como música

mainstream y, también, porque

Roddy Ricch es uno de los mejores

de su generación. Ricch ha conseguido

armar un trabajo en el que

sobresale la calidad de las producciones

(Mustard, Fabio…), la

buena elección de los featurings

(suman y el artista no se difumina)

y la incontestable versatilidad

de la que hace gala a lo largo

del trabajo, que le permite acercarse

al sonido Atlanta a pesar

de que es un artista de Compton,

una de las cunas del sonido West

Coast. The Box, High Fashion o Prayers

To The Trap God dan buena

prueba de que Ricch es uno de los

nombres más prometedores del

momento. —luis m. maínez

en Granada y tener veintiséis

años son, cuando menos, ingredientes

interesantes a la hora de

ofrecer una propuesta musical.

Es el caso de Soto Asa, que acaba

de lanzar La Cruz, mixtape en la

cual se atreve a experimentar con

el trap para acercarlo al reggaetón

sin ningún tipo de prejuicio.

Las letras son duras y oscuras,

pero el ritmo digno de ser pinchado

en la pista de baile. Y esa

es una combinación peligrosa si

lo que buscas es permanecer en

el underground y no caer en la radiofórmula.

Sin embargo, él sabe

con quiénes rodearse para no

desviar su visión y sonido: Yung

Beef, La Zowi y DJ Florentino,

entre otros, colaboran en el proyecto.

La Cruz tiene joyitas como

Iahla o La Nesesito, pero algo nos

dice que no pasará a la historia

del trap nacional y que Soto Asa

podría haberlo hecho mejor. No

obstante, pensar eso sobre un artista

que acaba de despegar hace

relativamente poco no está nada

mal, ¿no? —álvaro tejada

POP / Les estábamos esperando

y os explicaré por

8

qué, pero antes dejadme apuntar

algo sobre el pasado reciente de

la banda. Pinegrove empezaron

a despuntar en el 2016 con Cardinal,

su segundo trabajo, y se

convirtieron en la banda de indie

folk y americana de los emos

modernos. Solo un año después,

cuando la banda atravesaba su

mejor momento, el cantante y

compositor de la banda, Evan

Stephens Hall, decidió aparcar el

proyecto y cancelar numerosas

fechas. Los problemas personales

y legales con los que estaba

lidiando Hall, en los que tampoco

toca entrar ahora, forzaron el

hiato indefinido de la banda, que

perdió el apoyo de su sello. Ya

tenían un nuevo disco grabado,

Skylight (18), que finalmente

lanzaron ellos mismos como

pudieron y pasó bastante desapercibido.

Si la banda de New

Jersey ya destacaba por sus letras

personales e introspectivas,

en el presente Marigold, Hall se

desnuda como nunca y airea sus

heridas. —luis benavides

#34 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Pet Shop

Boys

Hotspot

x2/Popstock!

Syberia

Seeds Of

Change

Metal Blade

Black

Marble

Bigger

Than Life

Sacred Bones/

Popstock!

POP ELECTRÓNICO

8

/ Pet Shop

Boys publican el decimocuarto

álbum de su carrera, en un

momento en el que ese synth-pop

que Neil Tennant y Chris Lowe

vienen facturando desde hace

décadas se encuentra en evidente

auge. Un tirón que los londinenses

aprovechan para realzar estatus,

tras sonar descaradamente

vigentes y encantadores, además

de sugerir esa seguridad del que

se sabe experto en la materia.

Diez piezas que no incluyen grandes

sorpresas, con el esperable

indie-pop electrónico –elegante y

cuidado– protagonizando el hilo

argumental al tiempo de concretar

un notable nivel compositivo.

Hotspot incluye canciones imponentes

y pegadizas, pero también

cortes preciosos recreados en su

carácter introspectivo y prueba,

en definitiva, que Tennant y Lowe

se mantienen irónicos e inteligentemente

cáusticos. Además

de tremendamente influyentes e

inquietos a la hora de retocar sonidos

pretéritos para que luzcan

tan vanguardistas y actualizados

como ellos mismos. —raúl julián

POST-ROCK / Escuchar postrock

exige pensar de un

7

modo distinto al habitual, pues

se abre un debate mental sobre

los significados de la música, el

ritmo, la vibración, sin ser esta

una actitud que forzada, y acabando

siempre como una adictiva

pero insignificante divagación.

Los barceloneses se enfrentan

de nuevo a eso, con una continuidad

de calidad creciente, desde

el anterior Resiliency (15) o su

debut discográfico, Drawing A

Future (12). De nuevo, nos abruma

una especie de relato sonoro en el

que parece predominar un espíritu

de lucha contra lo sistémico

y lo preestablecido como eje que

vincula, figuradamente, sensaciones

con temáticas; una especie

de sinestesia sonoro-política.

Mensajes que, aun así, se disipan

en la oscuridad de lo intangible.

Beirut aspira a sonar como el

aliento de una ciudad que se

reconstruye tras la guerra. Y de

eso habla quizá, en suma, este

álbum: de la regeneración. Un

álbum meditativo, de conciencia

y energía. —rubén g. herrera

7 POP / Algo ha cambiado en

el sonido de Black Marble.

Desde los primeros instantes

percibimos una atmósfera con

mayor luz y vitalidad que en sus

anteriores discos. Chris Stewart

achaca este cambio a la edad: “se

trata menos de cómo veo las cosas

y más de cómo son las cosas”.

Si bien es cierto que su esencia

coldwave aún está presente,

Bigger Than Life nos presenta

a un Black Marble más cercano a

un synthpop con ganas de baile

y nostálgico gracias al protagonismo

de unas melodías a base de

sintetizadores que nos evocan

esa adolescencia ochentera que,

sin haberla vivido, todos tenemos

en el imaginario colectivo

gracias al cine y la constante

retromanía en la que vivimos. Una

sensación que alcanza sus cotas

más altas con los bonitos temas

instrumentales que esconde el

disco. Es posible que con este nuevo

trabajo, Black Marble pierda

autenticidad, pero su incitación

para seguir bailando (y soñando)

en la oscuridad sigue intacta.

—guillermo chaparro terleira

top 10.

DD LJM DC JSL Med

1 María José Llergo 8 8 9 8 8,25

Sanación

2 Georgia 8 8 8 8 8

Seeking Thrills

3 Biznaga 8 8 8 8 8

Gran pantalla

4 El Columpio

Asesino 9 7 7 8 7,75

Ataque celeste

5 Taifa Yallah 7 7 7 7 7

Ep.01. Causa

5 Fuel Fandango 7 7 7 7 7

Origen

6 Toundra 7 7 7 7 7

Das Cabinet

Des Dr. Caligari

7 Núria Graham 8 6 6 7 6,75

Marjorie

9 Grimes 7 6 7 7 6,75

Miss Anthropecene

10 Real Estate 6 7 7 6 6,5

The Main Thing

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

La banda sonora de Toundra

Toundra

Das Cabinet Des

Dr. Caligari

Inside Out

Megansito

el Guapo

MEG

Autoeditado/

Ground

Control

ROCK / Toundra ha dejado bien claro, por

activa y por pasiva, que esta banda sonora

no es un disco propiamente dicho del

grupo y que no tiene mucho sentido sin

las imágenes de una de las obras maestras

del cine expresionista alemán. Pero aun

así esta obra tiene suficientes ideas y motivos

musicales para poder disfrutarse por

cuenta propia. Es cierto que como disco sus

temas y motivos se repiten varias veces, un

truco que sirve para identificar a ciertos

personajes cuando aparecen en la película

de Wiene, y que puede hacer que ciertos

momentos, sin las imágenes, suenen repetitivos.

Además es, con mucho, el disco menos

directo de su carrera, el más progresivo si

se prefiere. Si tenemos en cuenta sus dos influencias

más claras dentro del rock clásico,

Led Zeppelin y Pink Floyd, la balanza cae

mucho más del lado de los de Roger Waters

que de los de Jimmy Page. Es su obra más

introspectiva y calmada, algo normal si se

tiene en cuenta que están poniendo banda

sonora a una pesadilla, al surgimiento del

fascismo (o a su resurgimiento, cien años

7

después). El disco se divide en seis movimientos

de más de diez minutos de duración cada

uno y una pequeña introducción a los títulos

de crédito. Esta última marca el carácter del

disco, íntima y lírica, alejada de los momentos

más fieros de la banda. En muchos momentos

Álex Pérez deja la batería para tocar el piano,

dando un giro a la música de Toundra. La

atmósfera general es oscura y claustrofóbica,

como la propia película, jugando con melodía

y armonía en modo pausado, y creciendo en

intensidad a medida que se acerca el final de

los actos. Esta estructura se repite en varias

de las piezas, acentuando una ligera sensación

de monotonía. Muchos de los motivos del

movimiento vuelven a aparecer en el movimiento

final, el VI. Como ocurre en la película,

la vuelta de tuerca en la que descubrimos

que la historia que nos han contado, nos la ha

contado un loco desde un manicomio dirigido

por el Doctor Caligari o ¿nos han engañado

y vivimos en una pesadilla dirigida por un

psicópata? Parece que Toundra se decantan

por esto último. —sergio ariza

URBAN / Después de casi

7

cuatro prometedores adelantos

lanzados en el último año,

Megansito el Guapo, un proyecto

formado por dos jóvenes madrileños

desde una habitación, lanza

a la calle MEG, su primer larga

duración. En él podemos encontrar

las que, de momento –porque

sí que se nota la agitación de los

primeros pasos– son sus señas

de identidad: letras originales

y desprejuiciadas, en las que se

fluctúa rápidamente de lo alegre

a lo triste; beats que remiten a

una electrónica happy en babuchas

de andar por casa y una

característica actitud DIY sin

la habitual reivindicación de lo

cutre que suele acompañarla. Las

canciones más destacables son

Perdona, Mentiroso o QQH, que ya

habían visto la luz, sin embargo,

la atmósfera construida alrededor

de ellas en este trabajo les

proporciona mayor calado. Nueve

temas que auguran un buen

futuro al proyecto.

—luis m. maínez

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febrero 2020 #35


MONDOVINILOS

The Black Lips evolucionan mirando al pasado

The Black Lips

In A World That’s

Falling Apart

Fire

ROCK / Lo de The Black Lips va a traer cola

y va a descolocar a unos cuantos de sus

fans. De hecho, no me extrañaría que algunos

se bajaran del barco. Aunque a mí me

han ganado por la base. No solo porque su

sonido se haya acercado tremendamente a

los parámetros en los que habitualmente se

mueve un servidor (country, rock americano…),

sino porque admiro ese movimiento

arriesgado que supone este trabajo y, sobre

todo, que ese riesgo se asuma con coherencia.

Si hubieran ido a lo fácil, habrían

metido cuatro sintetizadores detrás de sus

melodías, como tantos otros, y lo hubieran

llamado evolución. Ellos no. Los labios negros,

notoriamente remozados últimamente,

han optado por investigar nuevos sonidos,

evolucionar mirando al pasado. Hacerse

clásicos, y a partir de ahí dar una vuelta de

tuerca a su propuesta. Haciendo que instrumentos

como la pedal-steel, que ni siquiera

9

había asomado la cabeza en discos anteriores,

aquí se convierta en esencial. Desde que esa

voz de cowboy pasado de vueltas o hijo bastardo

del Bob Dylan de Highway 61 Revisited

(65) arranca con la histriónica Hooker Jon

sabemos que aquí nada va a ser lo que parecía.

Aunque no solo es una cuestión de sonido. Me

da la sensación de que este hecho, además, ha

coincidido con la mejor colección de canciones

que los de Atlanta han conseguido reunir

nunca en un disco. Incluso nos dan algo del

pasado con Odelia, un temazo tremendamente

adictivo, que sirve para que recordemos que

estamos hablando del mismo grupo que grabó

los garajeros Good Bad Not Evil (07) o Satan’s

Graffiti Or God’s Art? (17), por citar algunos.

En ellos, y en el resto de su discografía, ya nos

daban muestras de su inquietud, pero nunca

imaginamos que escuchando uno de sus discos

nos vendrían a la mente Violent Femmes o

los Stones de Exile On Main Street (72). Una

genialidad. —eduardo izquierdo

Ozuna

Nibiru

Aura Music/

Sony Music

8

REGGAETON / Ozuna ha

lanzado uno de los mejores

trabajos del año. Nibiru es un

álbum completo en el que el puertorriqueño

da su mejor nivel a lo

largo de dieciocho canciones que

son reflejo del hegemónico momento

del reggaeton en la música

mundial y del relevante papel

de Ozuna en este movimiento. En

Nibiru, las colaboraciones encajan

perfectamente al elevar un

trabajo que combina el potencial

comercial con la calidad musical;

está lleno de canciones perfectamente

compuestas, con producciones

a cargo de algunos de

los mejores de siempre (Mambo

Kingz, Eliel, High Flow) y letras

en las que explota los temas típicos

del reggaeton sin sonar aburrido

ni repetitivo, algo que está

en la mano de muy pocos. Qué

pena, Patek, Reggaeton en París o

Yo tengo una gata son algunos de

los grandes temas de Nibiru, un

álbum imprescindible tanto para

los fans del género como para

quienes todavía tienen sospechas

acerca del reggaeton.

—luis m. maínez

Lindemann

F & M

Universal

Music

Él Mató a un

Policía

Motorizado

La otra

dimensión

El Segell

Destroyer

Have We Met

Merge/

Popstock!

Magalí Saré

& Sebastià

Gris

A Boy & A Girl

Microscopi

La Zowi

Élite

La Vendición

Records

METAL / El proyecto suecogermano

Lindemann re-

8

gresa al mercado con su segundo

trabajo F&M, sonidos metal industriales

que beben del influjo

directo de Rammstein, no en vano

Till Lindemann es el líder de este

dúo que se completa con Peter

Tägtgren de Hypocrisy o Lock Up.

En F&M vamos a descubrir trece

cortes que rescatan la dinámica

de su debut, Skills In Pills (15);

sin embargo ahora el sabor a

Rammstein se encuentra mucho

más marcado en su estilo que antes.

En esta ocasión No se coquetea

tanto con otros estilos, centrándose

en desarrollar un disco

que hereda el peso y la potencia

del conjunto seminal de Till

Lindemann. No duda en jugar con

paisajes sonoros épicos en Schlaf

Ein, para pasar a los baños de metal

ardiente que contiene Gummi

u ofrecernos tonadas infalibles

que enganchan de forma inmediata

gracias a sus estribillos y

a las medidas fluctuaciones de

potencia, como Steh Auf, Ich Weiss

Es Nicht o Frau & Mann.

—fernando o. paíno

7

POP / La banda platense

POP / Los seguidores de Dan

POP / Del montón de lenguas

incomprensibles

8

7

presenta La otra dimensión,

Bejar están de enhorabuena,

un disco con dos nuevas

canciones, “El perro” y “Buscando

más allá”, junto a caras

B de los singles de su anterior

trabajo y versiones de temas ya

conocidos. Bajo una óptica general,

estamos antes un trabajo que

continúa la línea discordante

dibujada en La síntesis O’Konor

(17), en donde el muro de sonido

habitual de la banda dejó paso

a otro tipo de estructuras, con

especial énfasis en los sintetizadores

y las percusiones. Un nuevo

lenguaje que encontramos

aún más acentuado en La otra

dimensión. La versión de Las

luces, junto a Anabella Cartolano

de Las Ligas Menores, lo ejemplifica

a la perfección, bajando

las revoluciones de la original

para conseguir un clima más

pausado y etéreo. Sin necesidad

de grandes pretensiones, este

disco parece funcionar bastante

bien como transición hacia una

nueva etapa sin desviarse en

exceso de La síntesis O’Konor.

—manuel novo

Have We Met, su nuevo disco

bajo el nombre de Destroyer, es el

acompañante perfecto para ken

(17) y Kaputt (11), nuevamente influido

por los sonidos más ochenteros,

del Synth Pop al Sophistipop,

pero con ese giro irónico en

sus letras y su voz tan propio del

colaborador de The New Pornographers.

No era su plan inicial, y es

que este disco comenzó con Bejar

buscando un sonido más fuerte y

abrasivo, antes de terminar convirtiéndose

en una obra construida

en capas, en la que lo primero

es su voz y luego es arropado por

la producción sintética de John

Collins, con Nic Bragg actuando

como su Phil Manzanera particular,

poniendo los adornos con la

guitarra. Al final una cacofonía

de sonidos recuerda al oyente que

esto no debería ser un disco pop,

a pesar de contener esas maravillosas

melodías que le salen con

tanta facilidad. Pero Bejar disfruta

dejando al personal desconcertado

y con ganas de más. Prueba

conseguida. —sergio ariza

que suponen la música clásica y

contemporánea para los profanos,

Magalí Saré (voz) y Sebastià Gris

(guitarra) han hecho un sólo idioma

de fonemas pop. A Boy & A Girl

es un disco de raíces de conservatorio,

pero de vocación emocional,

fruto del pasado trotamundos del

dúo. Ambos han cursado estudios

en el Liceu; Saré ha formado parte

del Quartet Mèlt; y, no menos

importante, ha participado de

Estòmac (19) de Clara Peya. Las

similitudes entre las catalanas se

palpan: sus canciones se llenan

y se vacían como lo hace la tripa

de una gaita. El uso de la instrumentación,

de furioso a sensible,

no se entendería en el debut sin

los anclajes electrónicos de David

Soler y Santi Careta. Los productores

se han vuelto a probar con

en un largo que lleva la música

popular –mallorquina, en este

caso– a la vanguardia. Como con

Maria Arnal y Marcel Bagés: músicas

de antes que adquieren nueva

relevancia en base a saturaciones.

—yeray s. iborra

TRAP / La Zowi ha vivido

7

en dos años una irrupción

a la altura de lo más petón de La

Vendición Records. Gracias, sobre

todo, a “Ama de casa” (18). Y, claro,

no ha escapado de las polémicas,

que poco o nada tenían que ver

con ella, sino con cómo se entendía

–o se malinterpretaba– su

obra. Pero, como pasa muchas

veces, el problema lo tiene más

el que escucha que el que habla.

Porque La Zowi no para de explicarse.

Hasta el punto que “Élite”,

su segunda mixtape, es un recorrido

por su ascenso en el sector,

traducido a lenguaje trap (de

fulana a boss) y con un fondo de

alto empoderamiento femenino.

En lo musical, sigue fiel a aquello

que le ha hecho llamar la atención

del público: reggaeton de

bajos gordos y electrónica oscura

y asfixiante. Aunque la base trap

convive con caramelitos que

empiezan a destilar suavidad y

gusto por lo melódico: Full time,

junto a Based Kash (808 Mafia),

puede abrir nuevos horizontes.

En el trap game lo tiene casi todo

ganado. —yeray s. iborra

#36 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Tras el

Francés

Tras el

Francés

Madmua

Gomad! &

Monster

The Inner

Encouraged

Desire

Maldito

Records

MONDOVINILOS

POP / La estela dejada por

METAL INDUSTRIAL / Gomad!

& Monster es un trío

7 6

Sergio Algora parece reavivarse

cada vez más, en lo que madrileño enfundado en cuero

es un espontáneo acto de justicia negro y escondido tras máscaras

de cráneo que ha irrumpido

con una de las mentes creativas

más originales que han dado con mucha fuerza en el panorama

alternativo tanto nacional

estas latitudes. Ahora ve la luz

música de Tras el Francés, otro de como internacional. The Inner

los grupos en los que el vocalista Encouraged Desire es un decálogo

de temas incendiarios en

militó. La referencia muestra

unas preferencias creativas alejadas

de aquellos logros populares dad del metal con el ritmo elec-

los que se combina la agresivi-

concretados en El Niño Gusano y trónico cercano al drum’n’bass.

La Costa Brava, a través de nueve Es como meter la esencia de The

piezas claramente deudoras de Prodigy en una coctelera y mezclarla

con la potencia de com-

su tiempo (finales de los ochenta

y primeros noventa). La generosa bos como Rammstein, Slipknot

presencia de teclados comparte o Marilyn Manson. The Inner

así protagonismo con la lírica Encouraged Desire destaca

imaginativa y retorcida del autor, por ser un trabajo ambicioso e

dejando en evidencia la influencia

de grupos diversos como

participación de nombres pun-

intenso que ha contado con la

New Order, Sigue Sigue Sputnik, teros como Jon Howard (guitarra

Golpes Bajos, Pixies o Happy

de directo de Paramore) o Matt

Mondays. Un disco que también Rose, entre un nutrido elenco de

alberga una extraña belleza y artistas, aspecto que aporta una

deja entrever valiosísimas cualidades,

posteriormente poten-

Hablamos de una suerte de me-

heterogeneidad muy acertada.

ciadas hasta derivar en legado tal industrial apto para todos

incorruptible de la música pop los paladares.

de este país. —raúl julián —fernando o. paíno

Brighton 64

Como debe ser

B-Core

Maruja

Limón

Ante mí

Kasba Music

Greg Dulli continúa en forma

POWER POP / Valientes y

7

honestos, los Brighton ya

apuntaron por donde iban a ir los

tiros con el adelanto que fue, a

principios del verano, el tema Juez

y parte. Lo que desconocíamos

es que todo su nuevo disco iba a

girar sobre ese mismo eje político,

con temas tan directos e impactantes

como La cara infame del

poder o El estado de la nación. Eso

sí, no se quedan solo en el día a

día que azota su tierra y el procés

catalán, y tienen suficiente pólvora

como para apuntar a la línea

de flotación de los que se niegan

a resolver el problema de los inmigrantes

que mueren en las playas

(Playas del Mediterráneo) o los

que defienden la evidente pérdida

de libertad de expresión (Este es

un país libre). Solo se alejan algo

de la denuncia en La balada de

los pérfidos hermanos Gil, dando

al oyente un merecido descanso.

Coproducido junto a Paco Loco,

Brighton 64 muestran signos de

permanencia en la escena tras un

regreso del que ya ni nos acordamos.

Como si nunca se hubieran

ido. —eduardo izquierdo

MESTIZAJE / Este quinteto

8

femenino debutó en 2018 y

desde entonces casi no han parado

de actuar. Este segundo trabajo

mantiene esas bases flamencas

aderezadas con ritmos latinos,

pero ha ganado en coherencia

sonora y rítmica. Eso gracias a la

producción de Carlos Manzanares

y a la incorporación del bajo

a su insólita formación. Su sello

distintivo es el contrapunto de

sus dos voces junto a la percusión,

guitarra española y trompeta.

Sin olvidar esas interesantes

y personales letras. Aquí además

nos regalan agradables sorpresas

como la colaboración a la voz de

Pedro Pastor en Mira a tu lado, o

de las Balkan Paradise Orchestra

en Rosario Dinamitera, que les da

vigor y sabor. Esta última con letra

de Miguel Hernández, al igual

que Tres heridas, que trazan en

clave de bulería. A destacar Fuerza,

con esa letra de empoderamiento

femenino, la rumbera Vinc

amb tu en catalán o Sombras con

un camine contagioso. Esto es dar

un paso al frente.

—miguel amorós

Greg Dulli

Random Desire

Royal Cream/BMG

ROCK / Dice Greg Dulli que este es en realidad

su primer disco en solitario, aunque

ya editó a su nombre Amber Headlights

(05) hace quince años. Ocurre que aquel

álbum llegó prácticamente por la puerta

de atrás, interrumpido en su gestación

por Blackberry Belle (03) de Twilight

Singers, un disco mucho más consistente

–sea dicho de paso– al que dio prioridad

por aquello de escenificar el súbito duelo

por su amigo el cineasta Ted Demme, director

de (entre otras) aquella Beautiful

Girls (96). Curiosamente (o no), esta nueva

colección de canciones llega también

marcada por el luto, en este caso por David

Rossner, guitarrista de los Whigs que

también había acompañado a Dulli en su

última gira por nuestro país, en febrero

de 2016, al que un cáncer de colon se llevó

en solo unos meses. En cualquier caso,

Random Desire prolonga su excepcional

estado de forma, su acreditada segunda

juventud, ratificando un modus operandi

8

que no cambia en esencia respecto al de

las dos últimas soberbias entregas de

Afghan Whigs, más allá de que el piano

sea aquí quien cobra primacía en detrimento

de las dentelladas guitarreras, de

que algunos cortes exhiban un colchón

más sintético de lo acostumbrado o de que

su voz suene algo cascada ya, ajada por el

tiempo. Hay singles de efecto fulminante

como Pantomima, serpenteantes medios

tiempos que, como Sempre o The Tide, entran

en ebullición de esa forma que sólo

él sabe activar, con la pasión desbordada

del soul y del rock flamígero, sigilosas

baladas del averno que magnetizan como

Marry Me y emocionantes crescendos

pianísticos como Scorpio o Black Moon. Y

aunque hay presencia puntual de algunos

secuaces habituales, Greg Dulli se lo guisa

y se lo come prácticamente todo él solito

para evocar a su manera, salvando cualquier

distancia posible, a grandes genios

del estudio como Prince o Todd Rundgren

y regalarnos así una obra tan completa

que es como su cosmovisión particular

del rock, un álbum que podemos colocar

en el mismo estante que las cumbres de

los Whigs sin sentir que es un desvaído

apéndice. Su tintero no se agota, su pulso

tampoco titubea. —carlos pérez de ziriza

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febrero 2020 #37


MONDOVINILOS

Algiers contra el conformismo

Algiers

There Is No Year

Matador/Popstock!

ROCK / El mundo se está yendo al garete. Eso

solo te puede sorprender si llevas más de

cinco años sin ver un telediario o leer un

periódico, Trump, el Brexit, Bolsonaro, Boris

Johnson, etcétera etcétera y eso sin meternos

en el cambio climático, con Australia actualmente

en llamas, o Estados Unidos e Irán

amenazándose mutuamente. El futuro no

pinta nada bien y ante esto se pueden hacer

dos cosas, mirar hacia otro lado o declarar lo

evidente. Algiers se encuentran entre estos

últimos y su nuevo disco, There Is No Year

es la banda sonora del apocalipsis que nos

espera como no espabilemos. Se trata de una

obra mucho más compacta que su anterior

disco, el notable The Underside Of Power

(17), unida por las letras de su cantante,

Franklin James Fisher, que ha usado su extenso

poema Misophonia como base de las

mismas. Musicalmente siguen mezclando el

post-punk de sus orígenes con el góspel de

7

su devoción, sonando todavía más oscuros si

cabe que en anteriores entregas. Como suele

ser habitual no se andan con rodeos, lanzándose

a la yugular del oyente desde el principio.

Sirvan como ejemplos la canción titular que

abre el disco con una hipnótica base sobre la

que Fischer se desgañita sin dejar prisioneros.

A mitad unos coros nos recuerdan porque es

tan fácil, más allá de su color de piel, comparar

su papel en la banda con el del predicador

sudoroso al frente del púlpito. O Dispossession,

una de las mejores canciones del disco,

una demostración sonora de esa mezcla entre

post-punk y góspel que les define. Desde luego

Algiers no son optimistas con respecto al

futuro y lo demuestran con ese lúgubre final

que da paso al tema extra Void, una bofetada

en la cara, la canción más punk de su carrera,

en la que tratan de buscar soluciones, dejando

claro que por muy negro que pinte el futuro

la rendición o el conformismo no entran en su

vocabulario. —sergio ariza

... And You

Will Know

Us By The

Trail Of Dead

X: The Godless

Void And

Other Stories

InsideOut Music

7

ROCK / Surgidos en las catacumbas

del post-hardcore

con el cambio de milenio, los de

Texas irrumpieron conciliando

de forma muy personal la energía

primaria del punk con devaneos

abiertamente progresivos. Sin

embargo, constantes cambios de

formación, un sonido cada vez

más ampuloso que intentaba

conciliar demasiadas ideas y una

producción discográfica sin filtros

condujeron a un declive del

que se recuperan parcialmente

con su décimo trabajo. El espléndido

single Don’t Look Down –de

lo mejor que han hecho en mucho

tiempo–, que combina una acertada

ligereza melódica casi pop

con la épica instrumental a que

son tan aficionados, se me antoja

el centro de gravedad de un

disco que, sin alcanzar el nivel

global de sus primeros trabajos,

presenta más argumentos que

sus dispersos y mayormente prescindibles

álbumes anteriores:

la energía siniestra de All Who

Wander, Who Haunts The Haunter

o Into The Godless Void evoca su

mejor época. —jc peña

Georgia

Seeking

Thrills

Domino/Music

As Usual

Harry

Styles

Fine Line

Erskine/Sony

Lina_Raül

Refree

Lina_Raül

Refree

Glitterbeat

Records

Queralt

Lahoz

1917

Say It Loud

Records

Bill Fay

Countless

Branches

Dead Oceans/

Popstock!,

POP / Grabado en el estudio

8

de su jardín, este segundo

larga duración continúa la filosofía

del DIY y exhala vitalidad,

frescura, nocturnidad, humanidad.

Como ocurre en la sesión DJ

de cualquier gran fiesta, Georgia

inicia su nuevo proyecto a lo

grande. Started Out es la perfecta

entrada a la pista de baile con

una predisposición a desmelarse

por completo. Un corte ochentero

que sitúa el álbum en las alturas

y le obliga a ir descendiendo

poco a poco. About Work The

Dancefloor se presenta dispuesta

a continuar con la fiesta con

unos pegadizos beats houseros

para todos los públicos. Honey

Dripping Sky es una fantástica

electro-balada en la que la británica

abre su corazón y luce su

voz. Y En Till I Own It se sincera

para explicar su amor-odio hacia

el Londres actual y su aburguesamiento.

Junto a Georgia, Mark Ralph

(Clean Bandit, Friendly Fires,

Years And Years) y Sean Oakley

(Kanye West, Frank Ocean) firman

la producción de este acertado

regreso. —álex jerez

8

POP / Con la ayuda de

FADO / Las producciones

URBAN / Llega como puñalada,

con una precisión y

7

8

productores como Greg

de Refree son tan minimalistas,

Kurstin, Jeff Bhasker o Kid Harpoon,

Harry Styles ha tratado

de darle forma a un disco “sobre

tener sexo y sentirse triste”,

algo que se ve de forma explícita

(“spreading you open is the only

way of knowing you”, llega a

decir) y también de forma más

velada, reflejada en temas sobre

su reciente ruptura o sobre sus

inseguridades y su tentación por

dejarse llevar y liberarse (probablemente

el mayor leit-motiv del

disco). Despachar sus tres hits

justo al empezar no le pesa a un

álbum que guarda joyas como

Cherry (atentos fans de Sufjan),

Canyon Moon, She o el tema que

da título a este trabajo. Sin inventar

la pólvora, Fine Line es un

notable trabajo que desprende

tanto delicadeza en sus guiños

y referencias como honestidad

y que, ahora sí, nos confirma a

Harry Styles no como a alguien

a quien “seguir la pista” por si

más tarde hace un discazo, sino

como a alguien que ya es capaz

de hacerlo. —pablo tocino

tienen tanta pericia para

reforzar lo esencial y desechar

lo superfluo, que no extraña que

en los últimos tiempos se haya

especializado en remozar géneros

tan venerables y poco dados

a la hojarasca como el flamenco o

la copla (Sílvia Pérez Cruz, Niño

de Elche, la primera Rosalía) o

el folk astur (Rodrigo Cuevas).

En ellos permite que la esencia

de todos estos estilos perviva,

que respiren con naturalidad

pese al lifting que les imprime.

Aquí, desestimando la guitarra

– elemento clave del fado– para

primar el piano clásico y unos

sintetizadores analógicos que

proyectan texturas tan tenues,

casi espectrales, que recuerdan a

lo que Warren Ellis hace últimamente

en los discos de Nick Cave

& The Bad Seeds, su alianza con la

joven vocalista portuguesa preserva

intactas las melodías y las

letras del repertorio de Amália

Rodrigues, de quien Lina es fiel

devota, y sobre el que se sostiene

el álbum. —carlos pérez de ziriza

una agilidad que entran a matar.

1917 es el primer EP de Queralt

Lahoz: cinco temas que dejan con

ganas de más. En Como puñalá, el

primer adelanto que publicó, ya

evidenció su facilidad para combinar

estilos y géneros, sin caer

en lo abigarrado. En estos fugaces

dieciocho minutos, conjuga

con éxito el sonido urbano con la

tradición flamenca más arraigada

y sentida que encarna Queralt,

estableciendo un sugerente

diálogo entre el pasado y el presente.

La producción, de la mano

de Fede Jahzzmvn, Viktor Pizza y

Pau García, está en consonancia

con la escena urbana actual, pero

consigue sorprender con giros en

las melodías, que beben de otros

estilos que van desde los fandangos

(Valor), a la guajira (Línea

18) pasando por el afrobeat (Me

gusta). Las mujeres de su vida y

el orgullo de clase han inspirado

las letras de 1917, un logradísimo

EP que saca a relucir el potencial

destinada a crecer y crecer.

—carme garau

FOLK / Bill Fay –figura

9

imprescindible del folk

británico en los setenta– completa

su particular trilogía de resurrección

con un obra mayúscula cargada

de espiritualidad, además

de empapada en un emocionante

y acogedor halo orgánico. Countless

Branches alberga delicados

lienzos sonoros que el londinense

remata con detalles preciosos

(violín o chelo entre otros recursos),

igualmente minimalistas

pero capaces de realzar aún más

ese tipo de elegancia inherente a

las composiciones. El londinense

completa así un trabajo dotado

de ese tipo de belleza clásica y

pastoral atribuida habitualmente

a nombres sagrados como los de

Nick Drake, George Harrison o

Donovan. Un alegato a favor del

orden natural en la tierra madre, y

el triunfo de una aparente sencillez

que deriva en la mayor de las

profundidades: esa que alcanzan

unas canciones dispuestas a

acoger el oyente en su cálido seno,

a través de un abrazo que tendría

idéntica intensidad ahora que

dentro de un lustro. —raúl juián

#38 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Mueveloreina

Carne

Helsinki

GLAS

Todo ha

cambiado

tanto

Glas Music

MONDOVINILOS

URBAN / Mueveloreina repasan

en tres actos –ham-

murcianos Glas llamaron

POP ELETRÓNICO / Los

7 7

bre, regocijo y reposo– el proceso la atención el año pasado con el

de comer física y mentalmente en EP Ya estamos salvados. Ahora

Carne, su primer disco. Tras cuatro

años de Cheapqueen, Karma con una reflexión sobre “cómo

se atreven a dar el salto al largo

Cereza y Joaco J Fox viajan por el vemos y apreciamos los cambios

sistema digestivo con ritmos latinos,

pop, electrónica y trap. Ham-

rodea, para bien o para mal”. Pero

constantes en el mundo que nos

bre, en colaboración con Ortiga, no dejan de bailar mientras hacen

esa reflexión, entregando un

inaugura el álbum con sonidos

salsero-cumbieros y una onda trabajo más disfrutable aún, y al

muy fiestera, que también se repite

en Tiburona o YIPIKYEY. Y si planteamiento como sesión úni-

que beneficia enormemente su

hablamos de las letras, tienden a ca, que une todos los temas bajo

la oscuridad algo lógico para un un manto electrónico. La banda

disco difícil de parir. La segunda formada por Paco Ganga, Fede Gas,

parte cuenta con Gohzala o Llorando

en Spook, que mezclan trap ha elegido como primer single

Tommy Roch y Álvaro Carbonell

y pop de manera sublime. Y no reparan

en hablar sin tapujos como con potencial para haberlo sido:

Misterio, pero no es el único tema

en Napalm, de la tercera parte. El el disco ya empieza dándolo todo

clímax termina con Imparable, un con Aquello en lo que creo, y está

halo de luz dance que sacia del muy bien atado al cuidar también

todo el hambre. Producido por el su final con la estupenda En mis

mismo Joaco, han conseguido que sueños. Pero Glas se guardan otros

cada tema funcione por sí solo, temas que harán las delicias de

pero enmarcados todos en una los fans de Dorian o de los últimos

obra conceptual increíble con un Miss Caffeina, como Estrella, Lo

sonido diferente a sus anteriores que me cuesta mirarte o Hay tanto

sencillos. —karen montero

en juego. —pablo tocino

Israel B

Who Is

Israel B.?

Lowlight/

Sony Music

URBAN / Israel B se confirma

7

como uno de los nombres

más sólidos del panorama urbano

español con Who Is Israel B.?, su

segundo larga duración desde

que dejó de ser Markés. En este

álbum, el madrileño vuelve a

condensar su vocación callejera

en siete canciones entre las que

se encuentra el éxito YYANOSÉ, con

la que consiguió el Disco de Oro.

Cuenta con colaboraciones habituales

como las de Kaydy Cain o

Lowlight, así como la del argentino

0-600 o $kyhook, uno de los más

talentosos de la nueva hornada

de productores patrios. Who Is

Israel B.? puede llegar a pecar de

falta de variedad en los beats y su

delivery, pero, a cambio, le sirve al

madrileño para asentar su nueva

imagen y su nuevo sonido, más

cuidados. Un trabajo que da la

impresión de ser un puente hacia

nuevas metas musicales y más

profesionalización –Sony Music

se ha hecho con la distribución de

este álbum– por parte de uno de

los pioneros del nuevo urbano en

España que cuenta con el respeto

de toda la escena. —luis m. maínez

Free

Nationals

Free

Nationals

Obe.LLC/

Empire

SOUL FUNK / Si Anderson

7

.Paak nos conquistó no fue

únicamente por su talento, sino

también por el respaldo de Free

Nationals, esos tipos molones

que le han acompañado durante

estos años y que dan forma a una

banda que todo músico quisiera

tener. Ahora es su turno, el de

los eternos olvidados, de probar

suerte sin su estrella y líder. En

este primer disco homónimo,

Free Nationals transmiten una

cálida sensación de banda de jam

session, apostando mayoritariamente

por un soul funk suave,

pero dejando que su abundante

lista de colaboraciones acabe por

definir el álbum: Daniel Caesar,

UMO, Kali Uchis, Syd, Chronix,

T.I o los versos póstumos de Mac

Miller. Diversa, pero no dispar,

esta obra no transmite un ambiente

o sensación muy homogénea,

pero acaba siendo una muy

buena playlist que homenajea a

buena parte de la música negra

del siglo XX; funk, r&b, soul, hip

hop, g-funk, reggae, y también a

un nombre propio, el gran Stevie

Wonder. —ignasi estivill

Dellafuente hace crecer el rock

andaluz con Taifa Yallah

Taifa Yallah

Ep.01-Causa

Santa Catalina

ROCK / Salir de la rueda no es fácil. El

barbecho es tabú en una escena donde el

Stories diario es ley y el silencio equivale

al olvido. Pero Dellafuente, hace dos años,

fue capaz, y abrió una etapa en la que

algunos vieron sequía y otros descanso;

la merecida recolección de la cosecha. Lo

que no sabíamos era que, a la vez, estaba

sembrando en otros terrenos más fértiles,

y que estos dos años han sido de experimentación

a puerta cerrada. Los frutos los

estamos empezando a ver: en diciembre

se sacaba de la manga Salomon Sessions

Vol. 1, un single doble de UK garage, y

ahora presenta el que probablemente

sea su proyecto más ambicioso a nivel

conceptual: Taifa Yallah. Una banda con

la que expande sus horizontes artísticos

y estira el concepto de “música folklórica

atemporal” con el que definió su música

hace un lustro, entendiendo la herencia

granadina no como una serie de patrones

7

a replicar, sino como una reivindicación

de la pureza de la mezcla y la riqueza de

la búsqueda. Ep.01-Causa es un disco de

rock andaluz, pero no es un disco revivalista

de rock andaluz. Parece, si acaso,

dar peso a ese componente atemporal

y existir en un agujero de gusano en el

que se cruzan imaginarios separados

por décadas (en lo musical) y siglos (en

lo lírico). Es fácil encontrar referencias,

pero no tanto enmarcarlo en una tradición

concreta. En sus momentos más épicos y

atmosféricos puede incluso recordar a

exquirla, el efímero proyecto de Toundra

y Niño de Elche. Y épica hay de sobra: es

el ingrediente principal de temas como

La verdad o 400 demonios, que pasan de

la calma a la tormenta en segundos con

una combustión de guitarras y voces que

realza la dimensión mística de algunas

de las letras del proyecto, especialmente

las que se alejan de los códigos del rap

para alcanzar –de nuevo– lo atemporal.

Puede que Taifa Yallah, pese a su solidez

conceptual y estética, tenga más valor

como canal de búsqueda que como producto

acabado, pero lo cierto es que crece

con cada escucha. El tiempo dirá si es más

fruto que semilla.—darío garcía coto

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febrero 2020 #39


40/Mondo

Media

CINE

Mark Korven El sonido del infierno

LIBROS

Había una

vez... Sr.

Chinarro

Manuel Pinazo

& Chema

Domínguez

Muzikalia

Un volumen que no hará sino

reafirmar (e incluso radicalizar)

la postura de partidarios y detractores

de Antonio Luque, después

de asimilar las incontables anécdotas,

recuerdos y opiniones que

copan doscientas cuarenta páginas.

Y es que el mayor logro del libro

radica en esa ardorosa franqueza

que bombea sin parar, hasta convertirse

en auténtico hilo conductor

y denominador común de

generosas conversaciones, consecuencia

de diferentes encuentros

con los autores. —raúl julián

8

Beautiful

Ones

Prince

Reservoir

Books

A finales del siglo XIX,

dos hombres en precaria

convivencia mantienen

un pequeño faro dentro de

una remota isla de Nueva

Inglaterra. El frío, la soledad

y la implacable inmensidad

del Océano comienzan a

erosionarles poco a poco. El

faro (20) es la nueva película

de Robert Eggers, director de

La bruja (15). Hablamos con

Mark Korven, compositor de

su lóbrega banda sonora.

Empezamos hablando de

la importancia en su trayectoria

de la banda sonora de

La bruja. “Para mí lo cambió

todo. Antes nunca me había considerado

un compositor de música de

terror, pero tras su éxito acabé en ese

nicho, lo cual realmente no me importa,

porque me encanta experimentar

con los sonidos [...] y realmente puedes

hacer de todo dentro de ese género”.

La música de Mark Korven siempre

deja una indeleble huella de su fuerte

personalidad. Es fácil de encontrar:

basta con recordar los tonos electroindustriales

de la película de culto

Cube (97) o el reciente estreno de

Netflix, In The Tall Grass (19), también

dirigida por Vincenzo Natali. “Intento

no pensar las cosas demasiado, francamente.

Cuando hago piezas relacionadas

con el terror siempre trabajo

con un encaje más experimental,

buscando las sorpresas o accidentes

[sonoros] que mi oído encuentre”. Es

imposible desligar el éxito de las películas

de Robert Eggers de la figura de

su artífice sonoro, cuya música produce

siempre una inmersión similar a la

más intensa de las pesadillas. “Eggers

suele tener un montón de reglas. Para

La bruja, una de ellas era la de conseguir

una banda sonora muy disonante

durante toda la película. No quería dar

a la audiencia ni una oportunidad de

relajarse. Creo que llegó a decir que

quería que la música fuera como un

monstruo que se sienta sobre tu pecho

durante dos horas”.

Para su siguiente trabajo

con Eggers, la recién estrenada El

faro, Korven ha utilizado The Apprehension

Engine, instrumento fabricado

por él mismo y bautizado por

Brian Eno como “el más terrorífico de

todos los tiempos”. “Los sonidos son

un guiño a la época, como el de la nyckelharpa

[especie de violín medieval

sueco] y el waterphone [instrumento

experimental]. Ninguno pertenece a

la época de La bruja, pero tienen un

sonido arcaico y místico. En El faro

utilizamos bastantes instrumentos

metálicos de viento, que son el corazón

de la banda sonora. Robert quería

algo muy primario, había que expresar

musicalmente los sonidos del viento,

las olas chocando, las gaviotas...

todo lo relacionado con el mar. Tiene

una visión artística muy fuerte y sabe

siempre lo que quiere. Trabajar con él

es muy distinto de trabajar con otros

directores de cine, es como ayudarle

simplemente a completar la idea que

tiene en su cabeza”. Lo único tan terrorífico

como El faro es, probablemente,

su propio rodaje en las gélidas Provincias

Marítimas de Canadá. “Cuando

hablé con miembros del rodaje me

dijeron directamente que había sido

como ir a la guerra. Robert Pattinson,

por ejemplo, estuvo de noche metido

en el helado mar canadiense con el

agua hasta la barbilla. ¡Fue salvaje!”.

—pelayo de las heras

r

Más en www.mondosonoro.com

El faro

Robert Eggers

New Regency

Pictures /

RT Features

8/10

Se supone que estamos ante un

libro de memorias. Prince decidió

contar con Dan Piepenbrig

(The Paris Review) para que le

ayudara, pero solo pudo finiquitar

treinta páginas debido

a su muerte. Dejó, eso sí, el resto

del libro encarado, y tras tres

años de trabajo, Piepenbrig nos

trae las palabras del genio de

Minneapolis y la visión de su

propia carrera.

—eduardo izquierdo

8

“Quería que la música

fuera como un monstruo

que se sienta sobre tu pecho

durante dos horas”

FOTO: ARCHIVO

#40 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


CÓMICS

El cineasta

Julien Frey/

Nadar

Astiberri

7

LIBROS

Richard Lloyd

Honestidad brutal

“No sé por qué, pero el

alcohol y las drogas

nunca le han pasado

factura a mi memoria”

El cineasta es uno de esos cómics

que atrapa no únicamente por la

frescura narrativa conseguida

por el francés Julien Frey y el

nada excesivo dibujo del español

Nadar, sino por descubrirnos una

historia realmente curiosa: la del

cineasta galo Édouard Luntz y sus

problemas con Hollywood. Planteada

casi como un caso detectivesco,

uno no puede desengancharse

hasta que Frey consigue

dar con una película casi secuestrada

de Luntz. —joan s. luna

El Buscón en

Las Indias

Alain Ayroles,

Juanjo

Guarnido

Norma

Aventurarse a dar continuación

a una de las cimas de la novela

picaresca es un hazaña al alcance

de muy pocos. Allá por el siglo

XVII, Francisco de Quevedo concluyó

La vida del Buscón prometiendo

una secuela en la que

don Pablos viajaría a Las Indias.

Cuatrocientos años después

Alain Ayroles y Juanjo Guarnido

emprenden ese viaje incierto,

desbordando ingenio sobre las

viñetas. —albert fernández

8

Rompepistas

Rosa Codina

La Cúpula

7

Que Rosa Codina, una artista

nacida a finales de los ochenta

fuese capaz de conectar con una

novela generacional como Rompepistas

de Kiko Amat –cuya acción

se desarrolla precisamente

en 1987– como lo ha hecho es toda

una sorpresa. El espíritu original

se mantiene y es un placer ver a

Rompepistas, Clareana, Carnaval

y todo el resto de la cuadrilla del

libro convertidos en personajes

de cómic. —joan s. luna

Richard Lloyd se abre

totalmente en Material

inflamable (Contra, 19), una

autobiografía en la que no se

esconden ni los momentos más

complicados, ni tampoco los

más surrealistas, de su vida.

Enhebró junto a Tom Verlaine

algunos de los más hermosos

diálogos de guitarras de

la historia del rock, como los

del Marquee Moon (77) de Television,

especialmente en su glorioso tema titular.

Formó parte de Rocket From The

Tombs y del espléndido elenco de instrumentistas

que acompañó a Matthew

Sweet en el primer tramo de los noventa.

También se alió con John Doe

o emprendió carrera en solitario con

discos tan estimables como Alchemy

(79), Field Of Fire (85) o The Radiant

Monkey (07). El año pasado le pudimos

ver por aquí junto a Marc Johnson y

Víctor Ramírez. Pero Richard Lloyd

(Pittsburgh, Pensilvania, 1951) también

estuvo a punto de morir por sobredosis

un par de veces, recibió un bofetón de

Jimi Hendrix una noche de farra, fue

invitado por John Lee Hooker a compartir

escenario con él cuando apenas

era un músico anónimo, pasó un par de

temporadas en centros psiquiátricos

por síndromes maníacos (sus padres

no permitieron que se le aplicaran los

electroshocks que sí le propinaron a

su amigo Lou Reed), bebió como un

cosaco, copuló lo que no está escrito e

incluso se ganó unos chavos haciendo

de chapero en el famoso cruce de las

calles 53 y 3, y descubrió a los Ramones

antes de que estos pisaran su querido

CBGB.

Una vida rebosante de excesos,

pero también de una determinación

casi lunática en sus propias posibilidades

como músico: el destino le dictaba

que acabaría siendo un legendario guitarrista.

Todo eso lo cuenta con pelos

y señales en Material inflamable, sus

memorias recientemente publicadas

en castellano, que bien valen una charla

de veinte minutos. Nos atiende por

Skype desde su casa en Tennessee, y

tras contarnos que no necesitó teclear

en un PC (“utilicé un transcriptor que

convierte mi voz en texto”), nos explica

por qué aprendió la técnica de Jimi

Hendrix y de Jeff Beck sin necesidad de

conocerles, de segunda mano. “Cuando

eres muy joven, una diferencia de edad,

aunque sea solo de un par de años,

es enorme, así que tenía claro que no

iba a convertirme en el mejor amigo

de ninguno de ellos, solo quería saber

qué era lo que hacían, aprender sobre

cómo manejaban la guitarra”. Asombra

su capacidad para recordar aspectos de

su vida cuando era un crío, después de

tantos años de excesos: “La verdad es

que no sé por qué, pero el alcohol y las

drogas nunca le han pasado factura a

mi memoria”.

El libro reserva una inevitable

cuota de acritud para Tom Verlaine,

alguien que, según Lloyd, siempre trató

de imponer una visión muy dictatorial

dentro de Television. “Ojalá hubiéramos

sido como una banda de verdad”,

dice, “pero él no lo permitía, porque

siempre pensaba en sí mismo, y es una

pena”. Opinión que contrasta con la fe

que tuvo en él desde el primer momento

en que le vio sobre un escenario y

supo que era el complemento perfecto

para formar una banda. El músico neoyorquino

expone en sus memorias sin

ningún pudor su crecimiento en público

–que diría Lou Reed–, como cuando

recuerda que una crítica de Mick Jagger

a su atormentada forma de tocar

la guitarra le enseñó a mejorar. “Cuando

alguien a quien admiras dice algo

así acerca de ti, te sienta como un tiro.

Pero era verdad, me ayudó el saberlo

y aprendí”. Y sobre su influencia sobre

otros guitarristas mucho más jóvenes

(Johnny Marr, Jeff Tweedy, Nels Cline,

Peter Buck, The Edge, Thurston Moore

o Ivan Julian), aunque esgrime que no

es su trabajo evaluar la obra ajena, sí

que asume que “debe haber toneladas

de guitarristas que conozcan los discos

de Television y los míos en solitario,

y supongo que les habrán influido de

alguna manera”. —carlos pérez de ziriza

r

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Material

inflamable

Richard Lloyd

Contra, 19

10/10

FOTO: ARCHIVO

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febrero 2020 #41


MONDO

MEDIA

A24 La distribuidora y

productora indie de cine

de moda

No te habrás dado cuenta, pero desde

principios de la década pasada llevas viendo

su logo antes del inicio de algunas de tus

películas favoritas. A24 es la distribuidora

y productora independiente que más buen

ojo tiene a la hora de elegir filmes que luego

pasan por los cines o por las plataformas

de Internet, además de participar en la

producción de algunas de ellas.

La mayoría de las películas producidas por A24 tienen guiones e historias originales, están dirigidas

por directores y directoras jóvenes y se atreven con multitud de géneros: terror, ciencia

ficción, comedia dramática o western. La lista de títulos apadrinada por este sello neoyorquino es

excepcional. Aquí van solo unos cuantos: Spring Breakers de Harmony Korine, The Bling Ring

de Sofia Coppola, Enemy de Denis Villeneuve, Ex Machina de Alex Garland, The Witch de Robert Eggers,

Good Time de los hermanos Safdie, The Florida Project de Sean Baker, Lady Bird de Greta Gerwig, The

Disaster Artist de James Franco y High Life de Claire Denis. Aprovechando el estreno reciente de El faro,

lo nuevo de Robert Eggers, y la llegada el 31 de enero a Netflix de la extraordinaria Uncut Gems, la última

proeza de los hermanos Safdie con Adam Sandler de protagonista en un papel dramático, repasamos seis

perlas producidas por A24 que reflejan el ADN de la distribuidora y productora.

De arriba a abajo El sacrificio

de un ciervo sagrado, Lo que

esconde Silver Lake, Hereditary

y Moonlight.

Moonlight

Barry Jenkins 2016

La segunda película de Barry Jenkins y uno de

los coming of age más atípicos y emocionantes de

la pasada década, dividido en tres episodios que

destilan sensibilidad y buenas ideas de puesta

en escena (su tercer tramo, que retrata una historia

de amor entre dos hombres, es magistral).

Se convirtió en el primer filme de la historia en

ganar el Oscar a la Mejor Película con un reparto

completo de actores afroamericanos y con una

temática LGTBI.

El sacrificio de un ciervo sagrado

Yorgos Lanthimos 2017

Tras hacerse cargo de la distribución americana

de Langosta (15), A24 se animó a coproducir una de

las películas más inquietantes y locas de Yorgos

Lanthimos, el Lars Von Trier griego. El sacrificio

de un ciervo sagrado es una historia de venganza

sobrenatural, esa maldición gitana que parece

caer sobre la familia burguesa de Colin Farrell

y Nicole Kidman, llena de un humor negrísimo

y de escenas memorables e inesperadamente

desasosegantes y retorcidas como la del plato de

espaguetis.

Hereditary

Ari Aster 2018

El debut de Ari Aster y obra que en solo dos años

se ha convertido en un clásico del género de terror

y del cine moderno. Altamente influenciado por

películas como La semilla del diablo (68) y Amenaza

en la sombra (73), Hereditary (19) propone

un descenso a los infiernos de la esquizofrenia

que consigue reinventar el terror psicológico con

una imaginería macabra y unas hechuras de cine

indie. Además de producir Hereditary, A24 también

se ha encargado de distribuir Midsommar

(19), la segunda salvajada de terror de Aster.

Mid90s

Jonah Hill 2018

Notable y prometedor debut tras las cámaras del

actor Jonah Hill (Súpersalidos, Todo sobre mi

desmadre (10), Cyrus (10), El lobo de Wall Street

(13)), que aquí realiza un retrato duro pero a la

vez conmovedor de un adolescente californiano

alienado de trece años y de clase obrera que encontrará

una vía de escape en la cultura del skate.

Mid90s está llena de detalles autobiográficos de

Hill y de guiños al cine de Harmony Korine (aparece

en una cameo en la película) y de Larry Clark.

Lo que esconde Silver Lake

David Robert Mitchell 2018

La obra maestra incomprendida y maldita (su paso

por cines ha sido casi testimonial) de David Robert

Mitchell tras el bombazo que supuso It Follows

(14), una de las obras clave del terror millennial. Lo

que esconde Silver Lake es un fascinante e hipnótico

laberinto de enigmas, imágenes y símbolos

que a veces toma la forma de una aventura gráfica

con regusto indie. Rematadamente pop y meta, y

con referencias directas a la serie negra de autor de

Robert Altman, se convertirá en una obra de culto.

Eighth Grade

Bo Burnham 2018

A la espera de su estreno comercial en nuestro

país, Eighth Grade es otro de los fantásticos

debuts que A24 atesora en su catálogo. Dirigida

por Bo Burnham y estrenada en una de las secciones

oficiales del festival de Sundance de 2018, la

película plantea un coming of age naturalista y

una radiografía de la generación Z a través de los

ojos de una adolescente videoblogger que está a

punto de acabar la educación primaria y de iniciar

el instituto. Su actriz protagonista, Isla Fisher, es

un feliz descubrimiento.

—xavi sánchez pons

#42 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


44/Mondo

Conexiones

C. Tangana

Yeloseason

Ed is Dead Desigual

El artista Okuda San Miguel y Desigual se unieron el pasado mes

de diciembre para diseñar la nueva fachada de la tienda Desigual

situada en Herald Square, Nueva York. La fachada diseñada por Okuda

se llama “Statue of all cultures” y está protagonizada por una

nueva imagen de la Estatua de la Libertad. La acción fue presentada

gracias al documental A story of diversity and urban art,

pieza en la que Ed is Dead colabora en la banda sonora. A la hora de

componer la canción, Ed is Dead se inspiró en las obras de Okuda y

las calles de Nueva York generando así un track que respira urban

y arte callejero. La banda sonora ya está disponible en todas las

plataformas digitales con el nombre NYC Graffiti.

Yelo es el nuevo track

de C.Tangana y Alizzz

que trata el comienzo de

esta nueva temporada.

Sin embargo, este nuevo

tema no solo se ve y se

escucha, también se viste.

Además de la nueva línea

de merchandising creada

para la ocasión - disponible

en www.yeloseason.

com-, el propio título de la

canción hace referencia

al slang norteamericano

(“ice” se utiliza para referirse

a los diamantes). Se

trata de un guiño a la especial

relación del mundo

del rap y las joyas que ya

adelantó en la playlist

conjunta del madrileño

con la famosa joyería

Popular Jewlery Inc.

Absolut Absolut Manifesto

Absolut Manifesto vuelve para celebrar su tercera edición. Esta

cita regresa para crear y vivir un mundo más abierto e inclusivo.

Los asistentes vivirán durante las noches del 31 de enero y el 1 de

febrero en un lugar que no pertenece a nadie y en el que no importa

dónde hayan nacido llamado We are from Internet. Este concepto

resume que la única nación de las personas es Internet y la única

identidad existente es la digital. El line up de este evento cuenta

con nombres de la electrónica como HVOB, DJ Tennis, LSDXOXO y

JASSS. Por su parte, la música urbana estará a cargo de Yves Tumor,

Mykki Blanco, Chico Blanco, Inés y Toppanga Kiddo. Además de música,

también habrá espacio para propuestas creativas de artistas

digitales como Natalia Stuyk entre muchos otros. Más información

y entradas en www.absolutmanifesto.es

Pioneer Controladora DDJ-200

Entre sus diversas novedades, Pioneer DJ ha lanzado recientemente

al mercado su controladora DDJ-200, una mesa de dos canales enfocada

a principiantes y especialmente indicada para trabajar con

archivos digitales (permite trabajar con Rekordbox en ordenadores

o con el móvil/tablets gracias a WeDJ; además de permitir trabajar

con Bluetooth). Aunque la marca la ha enfocado a principiantes, lo

cierto es que se trata de una controladora muy versátil gracias a

contar con los elementos imprescindibles para pinchar y mezclar:

volúmenes, equalizador y previos por canal, botones Beat Sync

para el tempo, ocho performance pads para loops y cue, además de

un botón de FX (con once posibilidades de efecto distintas). Si a eso

le sumamos su peso ligero y su precio (159 euros), pocas excusas se

nos ocurren para que no empieces a dedicarle tiempo ya mismo.

Bad Religion

Vans Music Tour

El Vans Music Tour vuelve

a España para ser el altavoz

de la música en directo

de las bandas más icónicas

del panorama punk rock

internacional. Esta vuelta

viene de la mano de Bad

Religion, los padres del

hardcore melódico que

este año celebran sus 40

años en activo. Esta gira

aniversario cuenta con

siete fechas en España y

Portugal concentradas

durante el mes de mayo.

Remate Néboa

Gonzalo López-Gallego estrenó el pasado mes de enero una nueva

serie producida por Televisión Española y titulada Néboa. La serie

se ambienta en el carnaval gallego, el entroido, donde se empiezan

a producir una serie de asesinatos. Una agente de la UCO intentará

entonces resolver dichos crímenes que la gente del lugar relaciona

con la leyenda del Urco, un monstruo marino que roba el alma

a cinco incautos. La banda sonora de esta serie está formado por

veintiocho temas compuestos e interpretados por el multiinstrumentalista

Remate- autor de álbumes como Ballads Don’t Change

Things (04) o Safe and Sound. (08). Además, Carlos Tornado ha sido

el encargado de la mezcla de la banda sonora. Se puede escuchar en

todas las plataformas digitales y en formato de doble vinilo.

#44 febrero 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Mondosonoro-2020-febrero-v3.pdf 1 21/1/20 12:36

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Diseño : Errea Comunicación

Big Black

Evanston, Illinois, Estados Unidos. 1981-1987 y 2006 (reunión)

El pasado 24 de diciembre de 2019,

Dave Riley falleció a causa de un

cáncer de laringe. Fue en los años

ochenta cuando, junto a Santiago

Durango, Steve Albini y una Roland

Tr-606, formó parte de Big Black: una

apisonadora de frenopático.

Nada mejor para empezar que

las contundentes declaraciones

de Riley a Melody Maker en 1987.

“Cuando escucho la palabra ‘violencia’,

pienso en ‘victima’. Cuando pienso en

‘agresión’, pienso en ‘intensidad’. Big Black

es intensidad”. Enmascarado bajo pintas

redneck de instituto y recurrentes inclinaciones

a empinar el codo, Riley fundió su

bajo en la trepanación sísmica de la Roland

que acompasaba los volantazos eléctricos

ejecutados por Durango y Albini, verdugos

de unas guitarras que sonaban como mordiscos

a degüello. Post-hardcore caníbal al que

Riley dotó de funk atómico, imposible de bailar

sino era desde la enajenación del pogo. No

es ninguna casualidad que, entre versiones

a sus admirados Wire o Krafwerk, el trío de

Chicago también reinterpretara canciones

de James Brown (impagable su versión de

The Big Payback), Cheap Trick (He’s A Whore) y

las Mary Jane Girls (In My House). Pero hasta

llegar a esta fórmula, Big Black tuvieron que

evolucionar rápidamente desde su quilómetro

cero, con el EP Lungs (82), donde un

solitario Albini dispuso las líneas maestras

de un sonido, aún esquelético, al que en sus

siguientes pasos Durango y Riley aportaron

el músculo que hizo de epés como Bulldozer

(83) y Racer X (84) un díptico esencial de su

cuaderno de bitácora. A través del mismo,

refuerza características básicas de su estilo,

tal que uno de los odios más evidentes de

Albini. “Odio la voz humana. Nuestra idea es

alterar mi voz todo lo posible y luego sepultarla

al final de la mezcla”, llegaría a declarar

el propio Albini en 1987.

A pesar de las virtudes vislumbradas

en cada nuevo paso discográfico del grupo

y en temas suicidas como The Ugly American,

nadie podía esperarse un salto cualitativo

tan vigoréxico como Atomizer (86). Sin embargo,

la contraportada de Racer X (84) ya lo

advertía por medio de un mensaje profético,

que cumplieron con creces. “The next one’s

gonna makes you shit on your pants” (con

el próximo te cagarás por los pantalones).

Literal. Solo por Kerosene, su primer álbum

debería ser considerado piedra filosofal

de las teorías post-hardcore, seis minutos

de agresión constante que suenan a continuación

exasperada del Something To Do de

Depeche Mode. Las arremetidas nucleares

del bajo de Riley en esta canción son el

punto álgido de la cosmología Big Black. Sin

embargo, el resto del álbum no le iba a la

zaga. Atrocidades como Passing Complexion

o Jordan, Minnesotta hacen que adalides del

post-hardcore siglo XXI, como Idles O Fucked

Up, suenen a hermanitas de la caridad.

La agresión interina de cada inflexión

vocal, rítmica o eléctrica del disco viene

dictaminada por la misma esencia cancerígena

de los mensajes encriptados en

canciones donde se pasean seres sádicos,

alcóholicos, psicópatas y asesinos a sueldo.

Como el propio Albini llegaría a reconocer

para Nuestro grupo podría ser tu vida, de

Michael Azerrad: “Son estudios elípticos de

tipos espeluznantes como adictos al crack,

abusadores de niños e, incluso, un individuo

que vive en un agujero” [como en Live In A

Hole, perteneciente a Lungs].

—marcos gendre

IMPRESCINDIBLE

Songs

About

Fucking

(Touch And

Go, 1987)

9/10

SU predisposición hacia el lado

oscuro del sueño americano floreció

en Songs About Fucking,

un trabajo en el que subrayan de

forma evidente su inclinación

hacia la aceleración desbocada,

en sprints esquizofrénicos como

Pavement Saw, Fish Fry o la brutal

L Dopa. L Dopa no es más que

uno de las inmersiones hacia

las profundidades del horror,

en unas letras en las que H.P.

Lovecraft ha sido apresado en la

demencia de enfermedades incurables

y toda inclinación hacia

la visión de la vida desde los

ojos de un perturbado mental. No

hay escapatoria en un conjunto

de arremetidas que atenazan desde

sus articulaciones y se cuelan

en el subconsciente en forma

de pesadillas escabrosamente

reales. Las cogorzas de Riley en

pleno directo y la propia devastación

emocional generada por

su sonido fueron razones básicas

en el cierre a una experiencia al

límite de la que surgió la rama

más virulenta de la escena posthardcore.

—m.g.

Depósito legal B. 11 809-2013

Impresión Rotimpres

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Redacción: Arturo García Publicidad:

Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245

Colaboradores

Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso

Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza,

David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo

Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas,

Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio

Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos,

Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas,

Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos

Molinero, María Fuster, Marta Terrasa,

Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián,

Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio

Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado,

Yeray S. Iborra

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset,

Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando

Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano

Regidor, Montse Galeano,

Nacho Ballesteros

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#46 febrero 2020

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