Billboard Argentina Enero 2019

ARI ANA
G R AND E
2018
MUJER
del
AÑO
Especial
MUJERES EN
LA MÚSICA
Cyndi Lauper
Janelle Monáe
Courtney Barnett
St. Vincent
Billie Eilish
+
Las artistas más
destacadas en la
Argentina
LEONARDO
FAVIO
ISSN 2344-9276 · Año 6 · Nº 66 · Enero 2019
Argentina: $120 · Recargo interior: $5
BOB DYLAN
YSY A

Semana del 30 de diciembre de 2018
Paulo Londra
termina el año
arriba
Londra
fotografiado por
Gato Suaya.
BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
Sin demasiados cambios
en el top 10, Paulo Londra
se mantuvo en la cima del
Billboard Argentina Hot
100 de la mano de su último single,
“Adán y Eva”. Al cierre de la edición,
la canción producida por Ovy On The
Drums acumuló una cuarta semana
consecutiva en el Nº 1 y un total de
siete semanas en el chart. “Taki taki”
–de DJ Snake feat. Selena Gomez,
Cardi B & Ozuna– y “M.I.A.” –de Bad
Bunny feat. Drake– completan el podio
en el Nº 2 y Nº 3, respectivamente.
El gran salto de la semana lo dio
“Sin culpa”, el sencillo de Duki junto
al artista chileno DrefQuila. La canción
con la que el trapero argentino
pretende conquistar el verano del
hemisferio sur pasó del puesto N° 54
al N° 12. Todo indica que la próxima
semana, “El Duketo” podría hacer su
primer ingreso al top 10 del chart.
Pero también hubo otras dos grandes
escaladas: “Calma”, de Pedro
Capó feat. Farruko, saltó del puesto
Nº 38 al Nº 21, mientras que la oda
de J Balvin al género urbano latino
por excelencia, “Reggaetón”, escaló 21
lugares y se ubicó en el Nº 26.
Esta semana hubo muchos debuts
en el chart, aunque ninguno entre
los primeros 50 puestos. “Leña para
el carbón”, de DJ Alex, debutó en el
Nº 51; “Amanece”, de Anuel AA feat.
Haze, lo hizo en el puesto Nº 66. La
uruguaya Agus Padilla metió su segunda
canción en el chart con “Control”,
feat. Ecko, en el puesto Nº 67.
El reggae dijo presente de la mano
de Dread Mar I con la entrada de
“Decide tú” en el puesto Nº 82. Sobre
el final del chart, la nota la dieron
“Veneno”, de Anitta, en el Nº 96;
y “No es no”, de Axel feat. Soledad
en el puesto Nº 99.
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4 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
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Contenidos
“Después de mi primera
gira, todos los tipos de los
grandes sellos me llevaban
a comer y afirmaban: ‘Te
vamos a convertir en la
próxima Barbra Streisand’.
Yo los miraba y respondía:
‘¿Podrías buscar a otra
para ese trabajo?’”, dice
Cyndi Lauper (pág. 48)
BILLBOARD ARGENTINA HOT 100
Paulo Londra cierra el año en la cima 4
INTRO
Encuesta Billboard 2018 13
ESPECIAL MUJERES EN LA MÚSICA 2018
Las artistas más destacadas en la Argentina 40
Las diez latinas con mayor proyección 44
Janelle Monáe 46
Courtney Barnett 50
St. Vincent 52
Billie Eilish 54
ENTREVISTAS
Tweety González 16
Nicola Cruz 24
Ysy A 32
ESPECIALES
Leonardo Favio: del cine a la música 26
Lo más destacado del tango en 2018 56
Festival de Cosquín: la previa 58
Diez artistas que se acercan al mainstream 60
La excursión cristiana de Bob Dylan 62
Bodas de Oro: Led Zeppelin – Led Zeppelin 66
EN LA TAPA
Ariana Grande,
fotografiada por
Miller Mobley
en exclusiva
para Billboard.
EMERGENTES
Hiperespacio, Feli Colina, Aziz Asse y TOCH 68
CNCO en el Hipódromo de Palermo /
Tini en el Luna Park
Luciano Pereyra en Vélez
Morrissey en DirecTV Arena
Él Mató en Tecnópolis
VIVO
70
71
72
74
REVIEWS
Neil Young, The 1975, Lo’ Pibitos, Mariah Carey 76
y más
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FOTOGRAFÍA POR RUVEN AFANADOR

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ENCUESTA BILLBOARD 2018
Te mostramos los ganadores en las diversas categorías, en el plano internacional,
nacional y latino. Se recibieron más de 250.000 votos, que fueron fusionados con
métricas, charts y datos locales e internacionales.
Canción 2018 Global
“God’s Plan” - Drake
-
Canción 2018 Iberoamérica
“I Like It”, Cardi B feat. Bad
Bunny y J Balvin
-
Canción 2018 Argentina
“No te creas tan importante”,
Damas Gratis feat. Viru
Kumbieron
-
Álbum 2018 Global
Scorpion, Drake
-
Álbum 2018 Iberoamérica
Vibras, J Balvin
-
Álbum 2018 Argentina
Fiesta nacional (MTV
Unplugged), Los Auténticos
Decadentes
-
Distinción Especial a la
Trayectoria Global
Paul McCartney
-
Distinción Especial a la
Trayectoria Iberoamérica
Luis Miguel
-
Distinción Especial a la
Trayectoria Argentina
Gustavo Santaolalla
-
Artista 360º Global
Adam Levine
-
Artista 360º Iberoamérica
Maluma
-
Artista 360º Argentina
Lali
-
Banda 2018 Global
Coldplay
-
Banda 2018 Iberoamérica
CNCO
-
Banda 2018 Argentina
Airbag
L A L I S T A C O M P L E T A
Solista Femenina 2018
Global
Camila Cabello
-
Solista Femenina 2018
Iberoamérica
Becky G
-
Solista Femenina 2018
Argentina
Tini
-
Solista Masculino 2018
Global
Ed Sheeran
-
Solista Masculino 2018
Iberoamérica
Ozuna
-
Solista Masculino 2018
Argentina
Paulo Londra
-
Show 2018 Global
Radiohead – Soundhearts
Festival
-
Show 2018 Iberoamérica
Ricardo Arjona - Campo
Argentino de Polo
-
Show 2018 Argentina
Ciro y Los Persas - River
-
Video 2018 Global
This is America, Childish
Gambino
-
Video 2018 Iberoamérica
Pienso en tu mirá, Rosalía
-
Video 2018 Nacional
La pregunta, Babasónicos
-
Artista Social & Streaming
2018 Global
BTS
-
Artista Social & Streaming
2018 Iberoamérica
Anitta
Artista Social & Streaming
2018 Argentina
Duki
-
Mujeres en Crecimiento
2018 Global
BlackPink
-
Artista femenina en
crecimiento 2018
Iberoamérica
Rosalía
-
Artista femenina en
crecimiento 2018 Argentina
Cazzu
-
Artista masculino en
crecimiento 2018 Global
Post Malone
-
Artista masculino
en crecimiento 2018
Iberoamérica
Sebastián Yatra
-
Artista masculino
en crecimiento 2018
Argentina
Lit Killah
-
Contenido Audiovisual 2018
Global
Bohemian Rhapsody
-
Serie 2018 Iberamérica
Nicky Jam, El ganador (Netflix)
-
Programa de TV Argentina
La Voz (Telefé /Viacom / MTV)
-
Festival 2018 Global
Coachella
-
Festival 2018 Argentina
Lollapalooza
-
Fandom 2018 Global
BTS Army
-
Fandom 2018 Iberoamérica
CNCOwners
Intro
EL SUBE Y BAJA
El documental de Reputation de
Taylor Swift ya está en Netflix.
Fue filmado en la última noche
de su tour por los Estados
Unidos, en Arlington, Texas, y
muestra el detrás de escena de su
performance en vivo.
A los 80 años, murió Jaime
Torres, uno de los referentes de
la música popular argentina. Se
destacó principalmente como
charanguista, pero también
fue intérprete y compositor de
múltiples clásicos del folklore
nacional.
El Buenos Aires Trap reunirá a los
principales referentes del género
el 23 de febrero en el Hipódromo
de Palermo: estarán Bad Bunny,
Duki, Cazzu, Kidd Keo, Ecko,
Khea, Lit Killah, Neo Pistea, Ysy A,
Drefquila, Malajunta, FMK y más.
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14 BILLBOARD AR | ENERO, 2019
TUTE DELACROIX

FESTIVAL WATEKE
MÚSICA SOBRE RUEDAS
Del 14 al 16 de diciembre, se llevó a cabo en el Hipódromo de Palermo
un festival que mezcla música y gastronomía. Además, la nueva Ford
Ecosport Storm se presentó por primera vez al público argentino.
con miranda!, coti, lo’ pibitos y la bomba de
Tiempo como bandas centrales, del 14 al 16 de
diciembre se realizó una nueva edición de Wateke.
El festival, que tuvo lugar en el Hipódromo
de Palermo, fusionó música y gastronomía
en un ambiente para toda familia. El evento
brindó muchas opciones de actividades, desde
música de primera línea hasta un amplio abanico
de foodtrucks o espacios interactivos que
permitían jugar y crear gifs para las redes sociales,
como en el stand de Ford.
La compañía automotriz aprovechó la ocasión
para presentar en sociedad a la nueva Ford
Ecosport Storm. Los visitantes pudieron conocer
la nueva SUV de Ford Argentina. Esta es la versión
más off-road, aventurera y versátil de la Ford
Ecosport, automóvil líder en su segmento desde
su creación en 2003. Además, el espacio de Ford
también contó todos los días con la presencia de
un artista que realizó una activación con luces,
una experiencia diferente que amplió la propuesta
artística del festival. Además, Esteban Lamothe,
los chefs Santiago Giorgini y Christophe
Krywonis, y la periodista de MTV Mikki Lusardi
fueron algunas de las celebridades que disfrutaron
del festival desde el stand de Ford.
El sábado, Miranda! desplegó un show a puro
hit. Un mes después de tocar en el Luna Park
−donde repasaron sus dos primeros álbumes−,
Ale Sergi y Juliana Gattas demostraron que su arsenal
de canciones es inagotable. Al día siguiente,
Coti demostró lo amplio y conocido que es
su repertorio. Tras un gran 2018, en el que editó
un álbum en vivo grabado en el Teatro Colón,
el argentino dejó en claro que su capacidad para
crear melodías va más allá del género musical. El
festival también les dio la oportunidad a varias
bandas nuevas para mostrarse. En la grilla aparecieron
nombres como Conexionistas, Afromama
Crew, Huevo y Lucas & the Woods.
TUTE DELACROIX
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Tweety González
“ La música se ha
convertido en un
entretenimiento más”
Con más de 35 años en el mundo de la música, el reconocido
productor habló con Billboard sobre sus nuevos proyectos
y la industria actual. Además, se animó a posicionar a
una banda argentina que puede llegar a “conquistar
Latinoamérica”.
POR SANTIAGO TORRES Y BENJAMÍN GARCÍA
“me tomé el trabajo de hacer una playlist
con más de 300 de mis mejores vinilos... chusmeen”,
escribió hace algunos días el músico y
productor Tweety González en Twitter, con el
fin de promocionar Hi End, un evento que organiza
para escuchar discos en alta definición.
Que Tweety haya tuiteado puede sonar a trabalenguas,
pero no es ni más ni menos que un
acto generoso hacia sus seguidores, quienes día
a día reciben recomendaciones, encuestas y opiniones
de temáticas referidas a la música. Pero
quedarse solo con lo que el fundador del sello
digital Twitin Records hace en las redes sociales
sería una picardía. El tecladista comenzó su carrera
profesional en 1983, a los 20 años, cuando
Celeste Carballo lo convocó para grabar el disco
Mi voz renacerá. Desde ese momento trazó
un largo camino, grabando álbumes y tocando
con artistas como Soda Stereo, Fito Páez, Luis
Alberto Spinetta, Shakira, Gustavo Cerati en su
etapa solista, entre otros.
Actualmente, además de su faceta como
productor, de dirigir su propio sello discográfico
y brindar workshops, González conduce
por Nacional Rock Música en el CCK, donde
se habla de los conciertos desarrollados en el
centro cultural porteño. Desde 2018 integra
la Asociación de Sellos Independientes de Argentina
(A.S.I.Ar), donde es vicepresidente.
“Es una asociación sin fines de lucro que tiene
28 sellos. El principal objetivo es fomentar la
industria discográfica local desde el soporte
que sea”, explica. Con Twitin Records, fundado
en 2013, ha trabajado con diversos artistas
que van desde el pianista Marco Sanguinetti,
el trovador Eric Mandarina o la cantante y bajista
Lara Pedrosa, con quien en 2019 editará
un álbum.
¿Qué debe tener un artista para formar
parte del sello?
- Tiene que ser original y me tiene que gustar
su música. Pero, sobre todas las cosas, debe ser
muy laburador, no me sirven los genios que se
encierran en la casa.
¿Cómo ves la industria musical argentina
actual?
- Hoy nos encontramos en un nivel muy parejo
con el resto de Latinoamérica, aunque México
y Colombia están un escalón arriba. Son
dos países muy fuertes exportando. Nosotros
todavía no contamos con artistas tan exportables
como pasó en otra época con Soda Stereo,
por ejemplo.
¿Ves algún artista o banda que pueda
llegar a ocupar ese lugar?
- Creo que Usted Señálemelo está para
llevarse a América Latina por delante. Tienen
cierta épica y puesta en escena que me
hace acordar a Soda. Justamente ahora les
estoy produciendo un tema que grabamos
en Colombia.
Actualmente, hay artistas que sin haber
sacado un disco llenan grandes salas o
estadios. ¿Viviste algún fenómeno similar?
- Acá pasó algo parecido con Juan Carlos Baglietto.
De todas formas, Internet cambió todo,
ahora hay data. Por eso los pibes pueden jugarse
a hacer un estadio. Antes esto no existía, tampoco
existían los pibes de 18 años que iban a ver
bandas, no los dejaban entrar a los shows.
¿Cuál es el cambio más significativo que
notás en la música luego del surgimiento
de las plataformas digitales?
- Me parece muy paradójico que cuando la
música está más al alcance de la mano que nunca,
a la misma vez haya menos cultura musical.
Eso es porque hay saturación. La música se ha
convertido en un entretenimiento más. Si no
tenés el oído educado, las nuevas plataformas te
hacen escuchar lo que quieren.
16 BILLBOARD AR | ENERO, 2019
FOTOGRAFÍA POR TUTE
DELACROIX

Marko Silva
Una nueva
esperanza
Gracias a colaboraciones con
otros artistas latinos y a su impronta
de productor y cantante, Silva se
posiciona como uno de los grandes
hacedores de hits en la región.
en noviembre, marko silva presentó oficialmente
y de forma mundial su nuevo single “Tun
tun” (feat. Sophy Mell) en todas las plataformas
digitales y con gran repercusión en el mercado
latino. En menos de una semana la canción obtuvo
más de nueve millones de reproducciones
en YouTube. El tema ya se encuentra sonando en
los medios de Buenos Aires, México, Perú y Colombia.
Recientemente, Marko recibió el premio
Martín Fierro Digital por parte de las autoridades
de APTRA, ya que su exitoso tema “Tun tun”
lo llevó a colocarse como “el artista revelación
de la Argentina”, un verdadero éxito contemplando
que su música es independiente. “Siento
que este proceso en la música es complicado, soy
muy centrado y tengo claro que apenas estamos
empezando, pero siento que cada vez el público
me acoge mucho mejor”, dice Marko Silva. “Pero
sigo centrado y teniendo los pies en la tierra, el
reconocimiento de los Martín Fierro era algo
que no me esperaba, siento que es el primero de
muchos, sentí que cerré el año con broche de oro
con ese reconocimiento”.
Es cantante, compositor y productor, y nació
en Buenos Aires. El pasado 25 y 27 de octubre
se presentó como telonero de los shows de Shakira
en el estadio de Vélez y en Rosario Central,
respectivamente. Comenzó su carrera musical a
los 12 años, instruyéndose en diferentes estilos
de géneros musicales: “Siento placer al producir
e interpretar, es como un gran remedio para el
corazón y el alma, en cada momento de la vida”,
dice. “Me involucró mucho con todo lo que tiene
que ver con mi música, en todo el proceso desde
la pista, letra, mezcla y master, pero dejo trabajar
a mi equipo de trabajo y los productores por que
confío plenamente en ellos” cuenta Silva.
Gracias a esto, se destaca como un artista
versátil, pero interesado en interpretar canciones
románticas de reggaetón. Empezó con sus
primeros lanzamientos en 2018 al realizar su primera
colaboración con al trapero argentino Khea
en “Pa saber amar”. Al respecto, dice Silva: “Khea
es amigo mío, excelente persona y un joven con
mucho talento, poder trabajar con él fue algo
maravilloso, me abrió las puertas de sus fans y
poder entrar a un público argentino”.
Al poco tiempo, lanzó otra colaboración con
el puertorriqueño Darrell, llamada “Tu favorito”.
Luego publicó su primera canción como solista,
denominada “Amor cobarde”, realizada junto al
productor y cantante colombiano el Mago de Oz,
que fue un hit en la Argentina y en varios países
de Latinoamérica. Su último lanzamiento fue
una colaboración con Kevin Roldan y Ronald El
Killa titulada “Aventurera”, que marca tendencia
en países como Colombia, México, Chile, España,
Argentina, Ecuador, y logró más de 70 millones
de reproducciones en su canal de YouTube.
GENTILEZA MARKO SILVA
18 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

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19

El Polaco
“ Me volví a
enamorar de
la música”
A 13 años de su álbum debut, el
cumbiero se reinventa de la mano
de 3música con el sencillo “Ruku
mueva”, mientras disfruta de la nueva
etapa de su carrera junto a Sony
Music Argentina.
“desde marzo que estoy componiendo con
los chicos de 3música, experimentando un poco
para no aburrirse uno y tampoco aburrir a la
gente”, comentó el Polaco en las oficinas de Billboard
Argentina. El cumbiero terminó el 2018
con single nuevo (“Ruku mueva”) y abrió el show
de Nicky Jam en el Luna Park.
“Fue un desafío abrir para Nicky Jam. No sabía
que había tenido una vida tan picante y difícil.
Es impresionante que haya salido adelante, pero
eso lo hace un número uno. La música le salvó la
vida, como a mí y a tantos otros –cuenta en referencia
a la serie autobiográfica que el reggaetonero
lanzó con Netflix–. Es un ave fénix, nunca
antes mejor dicho”.
Salvando las distancias, hizo una analogía de
su vida con la de Nicky Jam: “Hubo un momento
en que vi dos caminos, tirarme al abandono
o darle mi vida a la música. Hoy tengo 31 años y
disfruto de cada recital, de cada canción. Quiero
que mi música se escuche por todos lados y voy a
intentarlo hasta el final”.
“Ruku mueva” muestra al Polaco más cerca de
los ritmos urbanos actuales que de la cumbia con
la que conquistó las discotecas argentinas en la
primera década del milenio. “Estoy haciendo temas
más bolicheros. Aunque también habrá algo
de lo romántico o testimonial que siempre me
caracterizó”, adelantó sobre la música que lanzará
en 2019.
“Estamos en un momento donde se unen todos
los estilos musicales, y a eso voy yo también.
Yo aporto mi cuota de cumbia, y los chicos de
3música traen su estilo más urbano. Se vienen
temas con bases de flamenco y otros que sacan
elementos del trap”, continuó y agregó: “Estoy
disfrutando el proceso de composición de nuevo.
Me volví a enamorar de la música”.
Luego, resaltó el gran momento que está viviendo
la música argentina de la mano del trap y
recapituló cómo fueron cambiando los géneros
bailables en el país. “Me acuerdo que primero
estuvo Comanche, después en los 90 llegaron los
pelilargos de la cumbia, como La Nueva Luna o
Ráfaga. Enseguida Rodrigo rompió todo con su
cuarteto. En el 2001 explotó la cumbia villera, y
después de eso llegamos nosotros con la cumbia
villera pero más romántica”.
El cumbiero firmó en 2018 con Sony Music
Argentina, luego de terminar una relación de
tres años con otra compañía. “Lali me presentó
a Damián [Amato] y la gente del sello. Es muy
importante para mí firmar con Sony en esta etapa
de mi carrera –contó–. Soy una agradecido de
la vida. Desde que esto comenzó, nunca dejé de
trabajar. Parece que todo hubiera sido un sueño”.
Su contrato con Sony llegó después de dar más
de 3000 shows, editar 11 álbumes y ganar dos
premios Gardel.
TUTE DELACROIX
20 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

BILLBOARD.COM.AR
21

Se acerca el
Cosquín Rock
El festival se llevará a cabo el 9 y 10 de
febrero en el Aeródromo Santa María de
Punilla, Córdoba. Los Auténticos Decadentes,
Babasónicos, Las Pastillas del Abuelo, Los
Espíritus, Lit Killah y Louta, entre otros, serán
parte del line-up.
mientras el cosquín rock crece a pasos agigantados
por el resto de Latinoamérica −por ejemplo, en México, por segundo
año consecutivo, fue sold out−, la provincia de Córdoba
se prepara para recibir en febrero la edición N° 19 del festival.
“Para la vigésima edición tendremos diez festivales al año por
toda Latinoamérica”, adelanta su productor, José Palazzo.
El 2019 será una de las versiones más heterogéneas. Entre
números que ya son clásicos como Las Pastillas del Abuelo o
Ciro y Los Persas aparecen nombres como Lit Killah, Louta
o Él Mató a un Policía Motorizado. “Yo soy un cabezaurio,
un tipo que de Black Sabbath a Led Zeppelin considera que
ya está cubierto todo el panorama de la música. Pero para
armar una grilla como la del Cosquín actual me asesoro con
diferentes especialistas”, reconoce Palazzo, y luego recuerda:
“Nunca me voy olvidar de que el año que tocó Calle 13 vi
que todos puteaban, pero cuando empezó su show vi a varios
de campera de cuero y tachas correr hacia el escenario”.
Otra de las novedades del festival, según su propio curador,
será la inclusión del show acústico que Los Auténticos
Decadentes prepararon para su MTV Unplugged. “Este año
también habrá una gran presencia de artistas femeninas en
La Casita del Blues. Se presentarán siete de las mejores cantantes
de blues de Latinoamérica”.
TUTE DELACROIX
22 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

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23

Nicola Cruz
“ Pongo mis propias reglas”
Antes de que termine el 2018, el productor ecuatoriano adelantó dos singles de su próximo álbum de estudio, Siku.
POR JOTA AYERZA
previo a regresar a buenos aires
para presentarse en Niceto Club, el
productor ecuatoriano Nicola Cruz
respondió a Billboard AR una serie
de preguntas ante la inminente salida
de su segundo álbum de estudio,
Siku. Cruz adelantó dos singles antes
de que terminara el 2018: “Arka”
y “Siete”. Ambos sencillos dan a entender
que el productor expandió su
búsqueda hacia nuevas culturas. Al
mismo tiempo, profundiza en una
dualidad con la que siempre jugó: el
choque entre lo digital y lo orgánico.
En su nuevo LP, Cruz combina
instrumentos como el sitar, el sicu
y el balafón con la música electrónica.
Va más allá de los sonidos
ancestrales andinos. Por ejemplo,
junto al cantante y poeta brasileño
Castello Branco, experimenta
con ritmos de samba y más tarde
viaja al África de la mano de Marcio
Pinto, músico portugués que
conoció en Lisboa. El productor,
que atravesó los sonidos andinos,
africanos e hindúes, tiene su mirada
en nuevos horizontes. “Japón es
una cultura tan ajena a la mía, pero
a la vez me inspira mucho”, dijo.
Siku sucederá a su EP editado en
2018, Inversions, que junto a su otro
EP Visiones sirvió de interludio entre
Siku y su álbum debut Prender el
alma. “Disfruto de hacer álbumes,
porque puedo abarcar un concepto
mayor, y luego trabajar EP porque
puedo contar historias más breves.
También se puede lanzar un sencillo
porque se para bien por sí solo”,
comentó sobre los diferentes formatos
para editar música. “Si bien hay
paradigmas en la industria de cómo
hacer las cosas, eso aplica solo para
algunos. Si soy sincero, yo he hecho
lo que he querido sin estar viciado
por normas, y me di cuenta de que
para mí funciona así. Pongo mis
propias reglas. El mainstream no es
lo mío”, concluyó.
El rol del productor ha tomado
mayor exposición e importancia
en el último tiempo en la música
mainstream, ¿creés que se ha demorado
este reconocimiento?
-Creo que el productor toma
fuerza y pasa a ser una figura con
mayor peso ahora, en el sentido de
que hoy hace más funciones que antes,
inclusive la de compositor. Todo
tiene su tiempo. Estamos viviendo
un momento de productores y también
“todólogos”.
“Arka” y “Siete” tienen una
intención más orgánica en su
sonido, con vientos y cuerdas.
¿Tus nuevos shows en vivo
incluirán músicos?
-No creo que incluyan músicos.
Por el momento me siento cómodo
tocando solo. Cuando estoy en Quito,
las cosas suelen ser distintas, allí
se dan shows más experimentales.
Tu música tiene una búsqueda
hacia la raíz de los sonidos latinoamericanos,
¿tu nuevo álbum
profundizará en esa idea?
-Pienso que el nuevo álbum profundiza
esa idea de la raíz. Sin embargo,
no necesariamente está enfocada
en Latinoamérica, más bien
en una visión un tanto más amplia
y global. Visita nuevas regiones y
explora colores e instrumentaciones
diferentes.
¿Se puede llegar al final de la raíz?
-Pensando cuánticamente, creo
que sería una tarea muy complicada
e interesante. Hawking nos lleva
la delantera.
SAÚL ENDARA/MARÍA EMILIA JARAMILLO
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Leonardo
Favio
Detrás de todos
los rostros
Hace 50 años, Fuad Jorge Jury protagonizaba uno
de los cambios de piel más rotundos de nuestra
cultura: del culto cinéfilo y existencialista a los
grandes escenarios de la balada romántica.
Una auténtica carrera meteórica.
POR MARTÍN E. GRAZIANO
FOTOS: GENTILEZA ORLANDO NETTI
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L
la palabra “piba”. si una buena
canción es una brújula con su propio
campo magnético, el norte de
“Fuiste mía un verano” está exactamente
allí: “Cada piba que pase /
con un libro en la mano / me traerá
su nombre / como en aquel verano”.
El libro puede tener muchos títulos
(Rayuela, Operación Masacre, los
veinte poemas de Neruda, etc.), el
verano no está fechado y la muchacha
no tiene nombre, pero la voz
es inconfundible: el baladista que
reventó los rankings, el chico de la
calle, el galán de Torre Nilsson, el
anfitrión que se arrojó contra el escenario
de Ezeiza con el sonido de
los disparos, el director de cine que
cortó los últimos cuadros en la cabina
de proyección. La multitud es
ilusoria. Detrás de todos los rostros
está Leonardo Favio.
“El primer impacto se da cuando
veo el cine Crystal Palace de Junín
estallado con el estreno de Nazareno
Cruz y el lobo –recuerda Manuel
Moretti–. Yo tenía nueve o diez
años, pero me acuerdo de la cola
infinita. ‘Estas son las películas de
Leonardo Favio’, me dijo mi madre.
Eso fue crucial, porque escucho la
melodía de Nazareno y me parece
tremenda. Es uno de los artistas que
más representa mi argentinidad: el
pueblo, la kermés, lo rural, el conflicto
amoroso, la devoción, el peronismo,
la gente pobre pero también
la instrucción. Mucho del universo
de Leonardo Favio es más fuerte
que el unitarismo porteño. A mí me
marcó a full. Yo me encerraba en el
living de mi casa, escuchaba a los
melódicos y me pegaba unos viajes
alucinantes. Ahí estaba muy prendido
con las canciones de Favio”.
Su origen musical no es ajeno al
devenir del mito. Favio aprendió los
rudimentos de la guitarra con algunos
trueques por trabajo y, hasta
casi sus 30 años, solo se animaba a
cantar en asados y reuniones. Sus
gustos eran una ensalada heterodoxa
que acaso solo permitían los
años 60: desde Jacques Brel hasta
Los Trovadores de Cuyo, pasando
por los Beatles, Facundo Cabral,
Carlos Gardel, Chopin y anatemas
del “buen gusto” como Leo Dan.
Allí, rodeado de amigos o familiares,
solía definirse como “un cantor
de vuelo bajito”. Sin embargo,
Vico Berti, que para 1968 ya estaba
encargado de componer la banda
sonora de El dependiente, comenzó
a meter fichas: “Vos estás para más”.
Le programó una serie de ensayos
con cuatro músicos y, antes de que
Favio pudiera tomar alguna decisión,
ya tenía armados un repertorio
y una gira.
Favio preparó sus primeras armas
como profesional navegando entre
dos mundos. Por un lado, en La
Botica del Ángel, el sofisticado reducto
de San Telmo regenteado por
Eduardo Bergara Leumann, donde
se daban cita el núcleo del Di Tella,
el tango impresionista de Horacio
Molina y los pioneros del café concert.
Simultáneamente, se fogueó
en todos esos clubes del interior
profundo que son la escenografía
de buena parte de sus películas. “Me
acuerdo de que me subí al colectivo
con los músicos y nos hundimos
en la provincia –contaba Favio–. La
verdad es que yo estaba muy nervioso.
Para mí era como un debut
en el Olympia de París, aunque la
realidad era otra. Llegamos a un
club de mala muerte, de luz mezquina.
Todo era de tierra: la calle,
el piso del club, el pelo de la gente,
todo. Ahí fue mi debut”.
A través de Berti, consiguieron
una audición en CBS con el británico
John Lear. El director artístico lo
escuchó tocar la guitarra, lo invitó a
cantar a capela y finalmente levantó
su pulgar todopoderoso. Favio ya
tenía su fecha en el calendario del
sello: 20 de agosto de 1968. Aquella
primera experiencia en el estudio,
por cierto, dejó saldos ambivalentes.
En alguno de los pasillos se
topó con cuatro jóvenes de Belgrano
que también estaban grabando
su primer simple. Si bien comenzaba
con una guitarra zumbona,
una de sus dos canciones tenía un
potencial dramático que Favio consideró
en su sintonía: la evocación
de un amigo ausente subrayada por
los arreglos de Rodolfo Alchourrón.
El cantor tomó nota para el futuro y
se encerró a registrar “Quiero la libertad”,
una composición de Martín
Andrade: el periodista y actor que
había puesto la voz para El romance
del Aniceto… y por entonces interpretaba
a uno de los personajes de
El dependiente (más tarde encarnaría
al mánager de Gatica e incluso
grabaría el off de Perón, sinfonía del
sentimiento). El single, que completaba
“Me siento libre”, vendió
menos de 500 copias: fue un fracaso
rotundo para los estándares de CBS.
“No lo compró nadie –dijo Favio–.
Uno me lo llevé yo, otro se lo quedó
Vico Berti y el otro se lo regalé a
mi mamá. Pero Vico no se resignó,
porque era muy obstinado”.
Los directivos del sello estaban
dispuestos a rescindir su contrato,
pero un providencial hueco en la
agenda propició una segunda oportunidad.
Y vaya si Favio la aprovechó.
Para el lado B escogió “Mi tristeza
es mía y nada más”, una colaboración
con Jacko Zeller de corte beat
y existencialista. El lado A era aquel
misil teledirigido al corazón de una
generación: “Fuiste mía un verano”.
Una canción escrita a cuatro manos
con Berti donde, subido al arreglo
de Marito Cosentino y la guitarra
de Cacho Tirao, Favio evocaba un
amor perdido en la costa atlántica.
El simple era a todo o nada. Y
fue todo. La primera semana de
octubre salió a la calle, las ventas se
dispararon a la estratósfera y Favio,
que estaba metido en el rodaje de
El dependiente, se puso a escribir
con un álbum en el horizonte inmediato.
Era la primavera de 1968.
“Se sentaba con su guitarra y componía
entre las escenas –decía Aníbal
Di Salvo, director de fotografía–.
Creo que las compuso todas
ahí; estaba allá atrás, en el fondo…
y fue un éxito increíble”.
El espíritu del repertorio comenzó
a girar alrededor de una mujer.
La platense Carola Leyton no solo
era la destinataria de “Así es Carolita”,
sino que incluso colaboraba
autoralmente con temas como “Alguna
vez una canción (¿Qué tal?)”.
“Las canciones de Fuiste mía un verano
nacieron en una época mágica
–cuenta Nico Favio, uno de los dos
hijos de la pareja–: el momento en
el que mi mamá y mi papá se conocieron,
y esa misma noche se fueron
a vivir juntos en un pequeño departamento.
Mi abuela Laura y mi
tía abuela Elcira Olivera Garcés los
ayudaban con la renta; mis abuelos
maternos les acercaban viandas con
empanadas, pastel de papa y todo lo
que necesitaban. En esa atmósfera
de noches y madrugadas, de mate
y amigos, nacieron estas canciones.
Nacieron todos estos sueños. Mi
papá se debatía entre un repertorio
de tema social y las canciones
de amor, pero mi mamá le insistía
en que tenía que grabar primero las
canciones románticas”.
Carola tenía buen olfato. En diciembre
de 1968, el sello puso el disco
en la calle y en cuestión de semanas
RCA y CBS tuvieron que unir
sus fuerzas para prensar la demanda
de vinilos. En la portada, un adusto
Favio miraba a cámara con encuadre
rosado y 31 años recién cumplidos.
En la contratapa, un comentario del
cantor le agradecía a los Almendra
y ponía en contexto aquella canción
de Luis Alberto Faintta (sic) y Edelmiro
Molinari. “Este tema, como
dolorosa premonición, era predilecto
de un gran amigo mío: Carlos
Raúl. Murió días antes de que yo
terminara de grabar este LP”. El mito
instalado por décadas señalaba que
la versión de Favio le había ganado
de mano a los Almendra. No es
exactamente así. El simple llevaba
casi tres meses en la calle (se editó el
20 de septiembre de 1968) cuando
Fuiste mía un verano salió a la venta.
En todo caso, el mendocino tenía
prioridad en la difusión y un alcance
más transversal que aquel ignoto
cuarteto de Belgrano.
“Cuando versiona ‘Tema de
Pototo’, Favio traza una conexión
importante –explica Pablo Dacal,
que desde su primer disco con la
Orquesta de Salón se ocupó de
recuperar su repertorio–. No solo
porque la banda no era conocida,
sino porque hace un juego lingüístico
muy importante: rompe
la rima y lo pasa al ‘vos’. Es de los
primeros que empiezan a usar el
‘vos’ con decisión, porque aún el
primer rock & roll hablaba de ‘tú’.
Favio lo porteñiza, quizás por no
ser porteño. Por adoptar todo lo
porteño con esa voz extranjera que
puede tener un provinciano. Así
como los usa en el cine, también
utiliza elementos del radioteatro en
la canción: el ruido de sirenas, su
forma interpretativa casi expresionista.
Con la despreocupación del
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intuitivo, entrega esos temas a los
orquestadores mientras liga algo
discepoleano con cultura europea,
melodrama y cierta sensibilidad del
rock que lo conmueve, pero para
la cual se siente un poco grande o
ajeno. En Favio cantor, entonces, se
reúnen una serie de elementos de
la época que no se reunían así: por
un lado, un galán de cine de corte
intelectual-popular, muy ligado estéticamente
al existencialismo francés;
por otro, un flaco del orfanato
mendocino. Un poco callejero y un
poco del Bar Moderno”.
El gran hit, de todas maneras, no
fue el tema de Almendra. Fue una
balada en la menor sobre la que
Favio edificó el crescendo dramático
que es la piedra de Rosetta de su
obra como cantante. “‘Ella ya me
olvidó’ es un resumen perfecto de
canción popular argentina –dice
Manuel Moretti–. Es extraordinaria.
La genealogía de Favio no viene de
Italia, pero toda su teatralidad me
remite a esa italianidad argentina: la
épica romántica, profunda, emocional,
del amor y de la belleza. Llorada,
dificultosa. En Favio se enuncia
como un lamento nasal y vocal, que
quizás viene de sus antepasados sirios.
En realidad, lo que diferencia a
Favio de los demás cantantes melódicos
es el corazón”.
El subidón devino en un segundo
long play titulado con su propio
nombre, una película de Eduardo
Calcagno basada en aquella primera
tanda de canciones (con las
actuaciones de Carola, Emilio Disi,
una jovencísima Susana Giménez y
su actriz fetiche: Nora Cullen) y un
halo de histeria alrededor de la flamante
estrella pop. El único rival de
fuste, en ese aspecto, era Sandro. En
el invierno de 1969, mientras Sandro
surfeaba la ola de “Rosa, rosa” y
Favio copaba las tapas de las revistas
del corazón, conformaron el yin
y el yang del ídolo nacional y popular.
Ambos construían una suerte
de personaje, pero los resultados de
sus artificios eran diferentes. Sandro
venía del rock & roll y, aunque su
apuesta estaba más apoyada en el
cuerpo, resultaba más distante. Si
bien subyacía de modo imperceptible
en el candor de sus baladas,
Favio estaba atravesado por el ethos
político de la época. Claro que no
era Serrat ni quería serlo: sus canciones
no tenían contraseña, sino
que estaban perladas por un anhelo
total. Desde allí hacia el peronismo,
un solo paso.
Ni lerdo ni perezoso, el sello
editó una antología y discos como
Hola, che y El talento de Leonardo
Favio, que, si bien escondían canciones
notables como “Juan El Botellero”,
no tenían ningún hit evidente
como punta de lanza. Para mayo de
1971, la revista Siete Días pintaba
con algunos trazos el escenario de
su casa (el mate, la compañía de
Carola, los almuerzos frugales, las
sesiones de acupuntura) y, entre los
bocetos de Juan Moreira y algunos
cachets millonarios,
se preguntaba
por la evaporación
de la efervescencia.
“Yo no necesito ser
un boom –respondía
Favio–. Ahora
soy una institución.
Si no fuera así, los
empresarios, que
conocen muy bien
el negocio, no me
cotizarían tan alto”.
Toda esa calma,
de algún modo, precedía
un huracán.
En efecto: el reingreso
en la escena
fue apoteósico. En
plena primavera
camporista, estrenó
la épica popular
de Juan Moreira y
editó un simple de
extracción folklórica
titulado “Estoy
orgulloso de mi
General”. La conducción
del célebre acto de Ezeiza
lo puso, literalmente, en el ojo de
la tormenta. “Tengo recuerdos de
la filmación de Nazareno y Soñar,
soñar –dice Nico Favio–. Me acuerdo
de acompañarlo a dos shows de
esa época, que entraran los militares
a mi casa… Después de eso, ya
nos fuimos para Las Catitas, luego
a México, después volvimos y de
nuevo partimos. Para cuando tenía
cinco años, mi papá ya estaba recontraprohibido”.
En ese punto, el hilo de su carrera
se pierde en la distancia: entre
la censura, el zeitgeist del rock
argentino y el exilio cafetero en Pereira
(Colombia). Durante su larga
temporada en el extranjero, Favio
vivió como cantor, grabó más
discos y, a medida que su nombre
crecía en el imaginario latinoamericano,
se disolvía en el mercado
juvenil de nuestro país. El hombre
seguía adelante, pero –como diría
Yupanqui– el alma tiraba para
atrás. Se enamoró del vallenato, de
grupos como el Binomio de Oro
o las cumbias de Senén Palacios,
pero apenas consiguió un ejemplar
de Pensar en nada no pasó una
mañana sin escuchar a León Gieco.
A veces parecía más lejos y a veces
más cerca, pero el regreso ya era
una línea en el horizonte.
“Sus canciones resuenan de
forma rabiosa en una generación,
pero el Favio cantor no existió para
las generaciones argentinas posteriores
–dice Dacal–. Quizás por
eso, en un momento, me tomé la
labor de embanderarme: porque
es una figura que quedó totalmente
demodé, porque era el cantor
de las amas de casa. No olvidemos
ese término que usan en Colombia
para hablar de lo que escuchaban
las señoras que limpiaban en
las casas: ‘música para planchar’ o
‘música plancha’. Durante su exilio,
entonces, es olvidado en esta zona
del mundo. Tal vez porque, pasada
la primera instancia, aflora el peronismo
como un recuerdo doloroso
en la figura de Favio: la resonancia
popular de esas figuras pasionales
y juveniles que son los protagonistas
de sus canciones”.
Ahora la ves, ahora no. El corazón
de un pueblo es como la puerta
secreta de H.G. Wells: ahí, en ese
mismo recodo de la cuadra donde
ayer estaba el pasaje, ahora hay una
pared ciega. Por un tiempo, sin embargo,
Leonardo Favio supo tener
la llave en la cintura. Durante su
última performance en el Festival
de Cosquín, bastó que Luciana Jury
dijera un pronombre para que el
público cayera rendido a sus pies:
“Ella, ella ya me olvidó”. Después,
cuando arribó a una zona misteriosa
de la canción, lanzó una serie de
dardos letales. “¡Acá está Juan Moreira,
mierda! –dijo, levantando la
mano como un puñal–. Nazareno,
Nazareno. Desecha el material: la
plata, el oro, por amor. Es un Cristo.
¿Monito? ¡Monito las pelotas! ¡Señor
Gatica!”. Quién iba a sospechar
que la Plaza Próspero Molina entregaría
una ovación de pie frente a ese
mash-up inédito de cine y canciones.
“Ah, tío –soltó la Jury y tiró un
beso hacia el cielo–. En tu nombre,
en todo tu ser”. Desde la pantalla
gigante, la mirada de Favio iluminaba
la plaza como un faro. ¿Acaso
alguien podía olvidarlo?
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Ysy A
El origen de la
especie
Creó El Quinto Escalón a los 13 años y se convirtió en precursor de una movida que hoy maneja millones en las
plataformas de streaming. Ahora, a contrapelo de sus colegas, que prefieren lanzar singles, acaba de publicar su
álbum de trap Antezana 247. “No puedo escribir canciones sobre cosas que no viví”, dice.
POR JOTA AYERZA · FOTOGRAFIADO POR TUTE DELACROIX
exactamente un año después de
que finalizara El Quinto Escalón,
se editó Antezana 247, el primer
álbum de trap argentino tras la explosión
del freestyle en el país. “Es
un relato autobiográfico”, explica
Alejo, creador de El Quinto, sobre
el trabajo que lanzó con el seudónimo
“Ysy A”. “A los 13 años empecé
con El Quinto… uh, estoy flasheando,
pasaron tantas cosas que ni
me rescato… ¿qué te iba a contar?
–pregunta antes de contestarse–.
Ah, sí… con 13 tenía que ir a buscar
a raperos de 20. Lo loco es que,
con 16, los más grandes ya venían
solos”. De Paulo Londra a Duki,
pasando por Lit Killah, Ecko, Wos
o Lucho SSJ, El Quinto dio a luz
a gran parte de los artistas urbanos
argentinos que hoy explotan el
streaming y dominan el Billboard
Argentina Hot 100.
¿Cómo nació El Quinto?
- Surgió porque mi madre no me
dejaba irme en tren a Claypole a la
única competencia de freestyle que
existía en ese momento. Un día les
dije a varios de juntarnos en Parque
Rivadavia, seríamos 15 en total.
Le pusimos el nombre y arrancamos
a reclutar gente. Gracias a que
se replica ese fenómeno en toda la
Argentina, nosotros empezamos a
viajar. Guachos de otras ciudades
empezaron a tener ganas de autogestionar
su evento y traer a los
artistas que veían en los videos de
YouTube. Yo fui de Ushuaia a Jujuy
con el freestyle antes de volver a hacerlo
con la música.
Pero el público del freestyle era
muy reducido al comienzo. Hace
siete años, los videos en YouTube
apenas alcanzaban las 5000 reproducciones.
La movida fue creciendo
de la mano de los primeros videos
virales. Entre ellos, se destacó
uno de Alejo tirando free en una
ronda cypher, es decir, una ronda
de freestyle en la que se rapea por
placer. “Pegamos un buen feel con
Iacho (beatboxer), y ese video nos
hizo viajar bastante. Después metimos
un community manager de
El Quinto y eso fue el principio del
fin”, cuenta.
¿Por qué?
- El algoritmo nos orientó a un
público muy de niños, y nuestro
sistema de trabajo incrementó eso.
Cada vez se parecía más a un producto
para nenes que una movida
de hip hop. La plaza fue la última
época gloriosa de El Quinto. Cuando
lo tuvimos que pasar a escenario,
ya no me representaba más. Pero
comprendí que el movimiento de
El Quinto era algo más grande de
lo que me pasaba a mí. No me pertenecía
más, lo había compartido
con todo el mundo. Pero lo había
creado yo y, por eso, también tenía
el derecho de destruirlo.
¿Y ahí llegan las ganas de hacer
música?
- No, eso arrancó antes. Habrá
sido en 2015, que unos amigos tenían
una banda que mezclaba rap
con rock, y yo me metí en el estudio.
No me gustaba mucho la batalla
ya. Dejé de competir y empecé
a especializarme en rapear, que es
diferente a saber competir. Profundicé
en el flow, yo ya no competía.
Terminaba el evento y ahí empezaba
a tirar free.
Al mismo tiempo que El Quinto
crecía masivamente en las redes sociales,
Ysy empezó a abrirse del freestyle.
En 2016, formó La Cofradía,
banda con la cual organizó el primer
tour de trap argentino en conjunto
con KMD, la banda de Neo Pistea.
“Once ciudades, de San Martín de
los Andes a Ushuaia. Todo autogestionado,
sin sponsors… todavía
tengo esos Excel. El tour lo produje
yo, porque los pibes no estaban
acostumbrados a hacerlo. Ahí me di
cuenta de que ya le estaba entregando
mi vida a la música”.
Tres meses antes de que El
Quinto Escalón finalizara, Alejo le
comentó a Duki su intención de
destruir el evento. “Los dos estábamos
en la misma sintonía. Ya nos
parecía muy burdo batallar contra
alguien que no conocíamos, decirle
cosas guasas y sin sentido. Ahí
nos pusimos espalda con espalda y
empezamos a ir mucho al estudio”,
cuenta. Con 19 y 20 años se mudan
juntos a “La mansión”, un departamento
en Antezana 247 –entre los
barrios porteños de Villa Crespo
y Caballito– que, como bien canta
Duki en “Rockstar”, quedaba a
cuatro cuadras de la avenida Warnes.
Paulatinamente, los raperos
se fueron aislando del mundo del
freestyle para centrarse en la música.
“Nosotros veníamos avisando que
la movida estaba por otro lado y nadie
nos escuchaba. Fue muy flashero
el fin de El Quinto, porque mucha
gente morfaba de eso, nosotros
también lo hacíamos”.
Entre críticas y elogios por destruir
El Quinto y entregarse definitivamente
a la vida de trapper, Ysy
editó su primer single producido
por MYKKA y Omar Varela, “Dame
droga”. “A muchos no les gustaba
que nosotros usáramos Auto-Tune
y cantáramos lo que estábamos viviendo.
Pero ahora ya son varios los
que lo hacen. Yo no puedo escribir
canciones sobre cosas que no viví,
es así”, explica.
Ese mismo verano se terminó de
crear #ModoDiablo, el grupo que
forma junto a Duki y Neo Pistea,
y que los comentarios de YouTube
describen como White Migos, en
referencia al trío de rap estadounidense
comandado por Quavo.
32 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

“Dimos 50 shows en 35 días entre
enero y febrero, una locura. Hacíamos
tres fechas un jueves, dos el
viernes y cuatro el sábado”, cuenta y
luego agrega: “Al mismo tiempo se
iba componiendo Antezana. ‘Tamo’
loco’ y ‘Enamorada del diablo’ surgieron
de gira”.
La cantidad de shows no bajó
hasta después de girar por un mes
con Duki en España, en el medio el
trío abrió para Bad Bunny en Chile
y hasta compartió canciones con
el boricua en el Luna Park. “Somos
conscientes de lo que hacemos,
pero cuando pasa el tiempo nos
damos cuenta de que la magnitud
era mayor de lo que pensábamos”,
confiesa. Tras editar canciones
como “Quavo” o “Hijo de la noche”,
la búsqueda de Ysy fue más allá de
un bajo 808 y buen flow. Singles que
quedaron fuera de Antezana 247
como “Pastel con Nutella”, “Casi un
G” o “Vamo’ a darle” lo muestran
más cerca de la electrónica y el trap
experimental. “Si sabés rapear, te
podés subir a cualquier sonido.
‘Muévelo’ es una cumbia”, comenta
en referencia al track del álbum en
colaboración con Marcianos Crew.
“Por suerte trabajo con productores
que comparten mi búsqueda artística
como Neuen, Oro Dembow o
0600. Nuestra búsqueda es cambiar
la historia, hacer algo que nunca se
haya hecho. Yo me tengo que meter
en el estudio o subir al escenario
para hacer algo imposible, que nadie
pueda hacer”, describe.
Pero su experimentación y búsqueda
de la vanguardia constante
no son azarosas. La ansiedad por
lanzar un single, en estos vertiginosos
tiempos de consumo, no tiene
que ganarle al artista. “No soy un
rapero al que le guste dar pasos
apresurados. Lo que digo siempre
es que para ser el mejor rapero, tenés
que saber rapear y moverte. Si
sabés hacer las dos cosas, sos Duki.
Él tomó ventaja en la escena porque
fue el primero en saber rapear y
moverse bien”.
Por último, ¿el trap es el nuevo
pop?
- Yo siento que es el nuevo rock
más que el nuevo pop. Es una
reversión. Nosotros vemos a los
rock stars en su mejor etapa y decimos
“trap”. Pero en su momento
era “rock”.
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Mujeres
en
la música
2018
.....
Mujer
34 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Golpeada por las pérdidas, Ariana hizo
la mejor y la más aclamada música
de su carrera. Como dueña de su
tristeza y de su fortaleza, ejemplifica el
espíritu inquebrantable de las artistas
de Billboard que fueron reconocidas
en la celebración anual de los talentos
femeninos más importantes.
Por NATALIE WEINER
Fotografiada por MILLER MOBLEY
“Ya no hay nada
que me atemorice”
DEL
añoBILLBOARD.COM.AR
35

Mujeres
en
la música
2018
.....
“wow, es como ‘les dije todo’”.
Ariana Grande se hamaca en su
asiento detrás de la masiva consola
en el estudio Record Plant de Los
Ángeles, y una gran sonrisa revela
su hoyuelo en la mejilla izquierda.
Su nuevo single, “Thank U, Next”, no
será oficialmente su primer N° 1 del
Billboard Hot 100 por otros tres
días, pero su éxito explosivo ya está
causando titulares. Para Grande,
el mojón es especialmente significativo.
Es la clase de música con la
que ella buscaba realizarse. “¡Es un
single de Tommy Brown!”, exclama,
golpeando el brazo de la silla
con énfasis. Brown, un productor
y cantautor, ha estado trabajando
con Grande desde su debut en 2013,
Yours Truly, y Grande está embelesada
con la perspectiva de compartir
este éxito musical. “No puedo
creerlo, pero es cierto. Es como yo
y mis mejores amigas alegres de
champagne –y yo con un corazón
roto– saliendo y divirtiéndonos.
Amo esta canción más que cualquier
otra que haya hecho”.
Tener esta clase de alegría fue
duro en los meses pasados para la
Mujer del Año de Billboard, pese
al hecho de que nunca tuvo un pico
tan grande en su carrera. Sweetener,
el cuarto álbum de Ariana, fue su
tercer N° 1 en el Billboard 200 en
agosto último, rompió récords de
streaming y ganó elogios de la crítica.
Hasta ahora ha producido dos
singles top 10 en el Hot 100, con
un tercero, “Breathin’”, ahora en el
puesto N° 13. Pero mientras estaba
sumergida en la promoción de su
proyecto, su querido amigo, colaborador
y exnovio Mac Miller murió
por una sobredosis accidental.
Justo un mes después terminaba
su compromiso con el comediante
Pete Davidson.
En esta tarde de noviembre, todavía
es temprano para hablar sobre
lo que ha pasado más que de un
modo general. “Soy muy afortunada
y muy desafortunada al mismo
tiempo”, dice la cantante de 25 años.
Pero cantar sobre esto es otra historia.
Poco después de la muerte de
Miller, Grande empezó a pasar más
tiempo con sus amigos y colaboradores
más cercanos, incluyendo a
Brown, para grabar un álbum (que,
dice, también se llamará Thank U,
Next) en un estudio cruzando la
calle de su departamento en Nueva
York. Aunque ha estado haciendo
terapia desde niña, lidiando con el
divorcio de sus padres, en este momento
su mayor curación aparece
cuando está frente a un micrófono.
“Cuando me encontraba diciendo
‘Porque su nombre es Ari’, sabía que
era una línea especial, pero una parte
de mí decía ‘Ay, Dios, eso es muy
cursi’”, dice Grande refiriéndose a
la letra de “Thank U, Next”, una declaración
de autoestima. Ella mete
sus piernas dentro de una capucha
celeste que dice “beau souci” (“hermosa
preocupación” en francés) y
las toma con sus brazos. “Pero la
otra parte de mí piensa como ‘Es
algo bello y necesito conservarlo’.
Sé que alguna vez puse algo en una
canción, entonces es real”.
De manera acorde, la sala de
control está decorada como un refugio:
un pequeño florero con flores
blancas, una vela solitaria, una
luz proyectando olas sobre el cielorraso.
Con su característico pelo
recogido en una cola, Grande bebe
un café de soja helado de Star bucks
mientras charla animadamente
sobre la música que está haciendo,
lo único que le interesa discutir, lo
único que en este momento le importa.
Tal como ocurrió, una serie
de tragedias le dieron a la estrella
dos dones inesperados: la libertad
para canalizar su dolor en la música
más cruda y temperamental de
su carrera, y la audacia para derribar
al establishment del pop –que,
como apunta Ariana más rápida
que ninguna otra, está particularmente
atrincherado cuando se trata
de mujeres–.
Ella contaba con el talento: el
rango de cuatro octavas y la agilidad
vocal que llevaron a que Gloria
Estefan le dijera, tras escucharla
a sus ocho años cantar “My Heart
Will Go On” en una noche de karaoke
en un crucero, que tenía todos
los dotes necesarios. También
contaba con el soporte: una familia
unida, hecho notorio para cualquiera
que siga a la cantante en las redes
sociales. Y tenía la ética del trabajo,
cantando regularmente en público
antes de los diez años y en Broadway
cuando cumplió 15. “A los seis
años ya había decidido qué iba a
hacer con mi vida –dice Ariana, que
creció en Boca Ratón, Florida–. Lo
manifesté, lo sabía. En mi mente
nunca hubo la menor duda”.
La cantante procedió a hacer
todo lo posible para alcanzar el estrellato
y agendó todo su tiempo en
las trincheras para adolescentes de
Nickelodeon. En 2011 fichó con Republic
Records; no mucho después
conoció a Mac Miller. Él tenía 20 y
ella 19, de modo que naturalmente
primero hablaron por Twitter. Rápidamente
los dos se hicieron amigos,
y ella lo invitó a cantar un verso del
single principal de su álbum debut,
el noventoso “The Way” (2013). En
su momento, Grande le dijo a Billboard
que Miller le dio herramientas
de Pro Tools mientras grababan.
Y añadió: “Si querés motivar a Mac
Miller, cociná galletitas”.
Ahora, ella recuerda la canción
como el primer momento en que
capturó su estilo musical, algo que
había perseguido desde muy chica,
cuando idealizaba a IndiaArie.
“Cuando hicimos ‘The Way’,
me dije ‘Guau, encontramos algo
aquí’”, cuenta Grande. Su rostro se
apaga levemente; justo antes de la
entrevista, estaba trabajando en
una nueva canción que, cuando la
tocó más tarde para mí, advirtió
que era sobre Miller. “Se siente
como ‘Haría esto por siempre’”.
“The Way” alcanzó el N° 9 del
Hot 100 y, como el resto del debut,
se mantuvo razonablemente bien.
Babyface, uno de los productores
del álbum, ayudó a legitimar las
aspiraciones de Grande. De todos
modos, cuando lanzó Yours Truly
todavía era vista como un ídolo
para adolescentes, gracias en parte
a su historial televisivo y su diminuto
tamaño (mide exactamente
un metro y medio). De modo
que en sus siguientes dos álbumes
fue haciéndose aún más grande,
empleando a Max Martin y persiguiendo
el tipo de hit pop que es
irresistible para cualquier oyente.
Ariana
36 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

“Empezamos en casa –Ariana
dice de Yours Truly–, y después
fuimos a este lugar donde jugué un
poquito y después hice los enormes
discos pop. Luego de a poco fuimos
incorporando mi alma en mi música,
y ahí es donde volvimos a aterrizar
con ‘Thank U, Next’”. Ariana
Grande puso todo el trabajo, hizo
todo lo que se le pidió –todos los
pequeños compromisos que se vinculan
con jugar el juego– y mantuvo
su nariz limpia (con la excepción
de un poco de azúcar de una
dona, que ella borró de la memoria
del público con un brillante sketch
en uno de los mejores debuts como
host en Saturday Night Live). Tiene
canciones hiteras y un alto rating
en Pitchfork, por no hablar de sus
devotos fans. Las apariciones televisivas
de Grande –rutinas promocionales
para muchas estrellas–
son eventos, gracias a su natural
instinto para el humor y su don
para impactar tanto con su canto
como cuando habla (googleala
imitando a Jennifer Coolidge). Ella
siguió todas las reglas y arribó a lo
que parece la cima.
La cantante no tiene remordimientos.
“Estoy en un lugar en
donde puedo hacer cosas como
lanzar un single sorpresa que sea
el mayor single de mi carrera”, dice
ahora. Pero en los cinco años de
su carrera no había tenido nunca
un N° 1 en el Hot 100 y no había
encontrado la ubicuidad que sabía
que merecía. Después, el 22 de
mayo de 2017, un terrorista suicida
asesinó a 23 personas e hirió a 139
en un estadio de Manchester, Inglaterra,
donde Grande acababa de
presentarse como parte de su tour
Dangerous Woman. Muchas de las
víctimas fueron niños.
En pocas semanas Grande estaba
de regreso, no solo sobre el escenario,
sino en Manchester, visitando
a sobrevivientes en el hospital
y presentando el show a beneficio
One Love Manchester, que ayudó
a recaudar 23 millones de libras
(alrededor de 29 millones de dólares)
para las víctimas. Ella hizo
una versión en vivo de “Somewhere
Over the Rainbow” durante la cual
rompió a llorar –aunque cerró la
BILLBOARD.COM.AR
37

“Estoy en un lugar
en donde puedo
hacer cosas como
lanzar un single
sorpresa que sea
el mayor single de
mi carrera”, dice
Grande.
performance– y donó las ganancias
a la Cruz Roja. “Nuestra respuesta
a la violencia debe ser juntarnos
más –escribió en el momento–,
ayudarnos, querernos más, cantar
más fuerte y vivir más generosamente
que nunca”.
Ella hizo exactamente eso con
el álbum que le siguió este verano,
Sweetener, un paseo optimista a su
propia sanación; no hay refugio en
la tragedia, solo dulzura y positividad.
El primer single fue titulado
“No Tears Left to Cry”, y el álbum
concluyó con la tierna “Get Well
Soon”, un tributo de cinco minutos
y 22 segundos a las víctimas de los
atentados en Manchester. Mientras,
fuera del estudio, encontró
una nueva contención en Davidson,
estrella de la SNL, en una relación
de la que ella alardea felizmente,
pese al frenesí que los envolvió a
ambos en los tabloides. En un tuit
de un mes atrás, Grande resumió
sus emociones en lo que le vino
pasando desde entonces: “Recuerdo
cuando no tenía más lágrimas
para llorar y el universo era como
JAAAAA, perra, vos pensaste”.
Esta tarde, Ariana está casi
sumida en llanto, un hecho que
reconoce: “Espero que no tengas
problema con que llore, porque es
algo que dudo que no vaya a pasar”,
dice, riendo mientras caen las
lágrimas, al hablar de cómo debió
lidiar con tanta tragedia en un corto
período de tiempo. “No puedo
siquiera decirle a alguien ‘Buen
día’ sin llorar”. La bendición, tanto
para la artista como para sus fans,
es la música. “Creo que ya no hay
nada a lo que le tenga miedo”, dice,
constriñendo su aterciopelada voz.
“Cuando la vida te trata con una
mierda tan seria, tus prioridades
cambian. No me importa nada.
Solo quiero ser feliz y saludable
–algún día– y hacer música”.
Donde está ahora sentada –detrás
de la consola de mezclas– es el
único lugar donde Grande siente
que tiene el control. Y ella es, en sus
propias palabras, una maniática del
control. Aunque nunca va a decir
que tiene el tono perfecto (“Me lo
dice la gente, pero yo no me voy a
sentar aquí y afirmar ‘Sí, lo tengo’”),
cuando habla de su música Ariana
trasluce una obsesión de orfebre
con los arreglos y las armonías vocales.
“Si escucho algo que suena en
una pista entre miles, le escribo un
e-mail al ingeniero de sonido”, dice.
Martin y Pharrell Williams la dejan
”llevar el volante”, y esa es una de
las razones por las que ella los convocó
repetidamente. Pero no todos
los hombres con los que trabajó le
cedieron el control tan fácilmente.
“Me he retirado elegantemente de
muchas sesiones –confiesa Grande–.
Ha ocurrido. Soy una mujer
pequeña. La gente tiende a desestimar
eso. Pero yo puedo componer
mis propias vocalizaciones y producir
mi propia sesión, y ellos responden
–aquí hace una excelente imitación
de un turulato– ‘Uy, no sabía
que podías hacerlo’. Yo les digo
‘Créanlo o no, hay un montón de
mujeres pequeñas que pueden hacer
esto”. Esta es la Grande que busca
la grandeza, versionando canciones
del ecléctico bajista Thundercat
e intercambiando DM de Instagram
con el legendario trompetista de
jazz Arturo Sandoval (el dúo hizo
un track junto a Williams).
Esta es también la Grande que se
manifestó públicamente contra el
sexismo. Su reciente single “God Is
a Woman” puede ser el más obvio
ejemplo, pero incluso en 2015, en
un manifiesto que citaba a Gloria
Steinem, ya criticaba el hábito de
los medios para definir a las mujeres
por su estatus marital. “Me
encantaría ver un top ten con tantos
38 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

VIVO: DAVE HOGAN PARA ONE LOVE MANCHESTER/GETTY IMAGES. MILLER: SPLASHNEWS
hombres como mujeres –dice–. Está
tan dominado por los varones. Es
fácil para ellos. Hay un montón de
artistas femeninas increíbles tratando
denodadamente de salir a la superficie”.
Pese a las barreras de la industria
que Grande está quebrando
–ella es la única artista que tuvo el
primer single de sus cuatro álbumes
debutando en el top 10 del Hot 100,
y la primera mujer en tres años que
contó con un single debut en el primer
puesto del Hot 100– a menudo
siente que está lidiando con una
audiencia que la quiere encasillar en
estereotipos específicos. “Son incapaces
de entender el hecho de que
las mujeres son un millón de cosas,
no solo dos –asevera–. Podés ser
adorable y brillante. Podés ser amigable
y tonta, pero aun así, fuerte e
indestructible. Podés ser profesional,
pero también sexy y divertida”.
“Mi sueño siempre ha sido ser
obviamente no una rapera, pero alguien
que haga música del modo en
que lo hace una rapera. Siento que
hay ciertos estándares que aplican
a las mujeres; y a los hombres, no.
Tenemos que realizar los adelantos
antes de cada single, después
hacer el single, esperar que haya
una preventa, y la radio tiene que
impactar antes del video, etcétera.
Yo quiero hablar con mis fans,
cantar y escribir la música del modo
que lo hacen los muchachos. ¿Por
qué ellos pueden hacer discos así y
yo no? Así que intento hacerlo, lo
hice y lo seguiré haciendo –Ariana
pausa brevemente, se pone seria–. Y
si no ocurre del modo que ocurrió
con ‘Thank U, Next’, ¡está bien también!
Es excitante ver que algo se
recibe tan bien. Es hermoso. Pero es
aún más lindo ser honesto y hacer
algo –explica y moquea, sus ojos se
humedecen–: lanzar un disco un
sábado a la noche porque lo sentís,
porque tu corazón explota si no lo
hacés, si te guardás la narrativa”.
Grande se larga a llorar y seca sus
lágrimas con cuidado de no correr
su delineador de ojos. “No quiero
hacer lo que la gente me pide, no
quiero conformar la agenda de la
estrella pop. Quiero hacerlo en mis
propios términos de ahora en más.
Si quiero sacar de gira dos álbumes
a la vez, voy a hacerlo. Si quiero lanzar
un tercer álbum mientras estoy
de gira [en 2019], lo haré también.
Social House [el dúo que produjo
‘Thank U, Next’] es mi número de
apertura, así que ¿vos pensás que no
voy a tener un estudio de grabación
en el micro? ¿Que no vamos a estar
haciendo discos en la ruta? ¡Por supuesto
que sí! Quiero ser capaz de
hacer lo que es auténtico, honesto
y natural. Es el único modo en que
soy capaz de sobrevivir”. Ariana
apoya su rostro sobre las manos,
descansando sus dedos –adornados
con uñas blancas ovaladas, perfectamente
recortadas– en su frente.
Hablar explícitamente sobre los
hombres en su vida es imposible.
Ella aún ama todas sus canciones,
incluso “Pete Davidson”. (Ella envió
“Thank U, Next” a Davidson
antes de lanzarla: “No voy a tomar
por sorpresa a nadie”, dice). La
herida que dejó la muerte de Miller
está, lógicamente, aún latente.
Ariana piensa que el Día de Acción
de Gracias será particularmente
duro, ya que pasó sus últimas
fiestas en la casa familiar de Miller,
en Pittsburgh. En este punto, esta
es la clase de detalles que sabe que
encabezarán noticias en los sitios
Arriba: Grande en el
concierto benéfico One
Love Manchester, en
Inglaterra el 4 de junio
de 2017, menos de un
mes después de que su
gira se detuviera por el
atentado. Derecha: con
Miller en 2013, el año
que lanzó su primer
hit, “The Way”, en
colaboración con él.
de chismes. Su ascenso a la fama
estuvo rodeado de una serie de
romances públicos que ella define
como efecto colateral de su adicción
al trabajo. “Es el modo en que
conozco gente. No puedo, digamos,
conocer a alguien en un bar
–explica–. Vivo rápido y a pleno, y
cometo errores, y aprendo de ellos
y lo agradezco, pase lo que pase”.
Grande no tiene planes de tomarse
un descanso, pese al hecho
de que ha estado trabajando constantemente
más o menos desde el
inicio de su carrera. Cuando nos
encontramos, a inicios de noviembre,
ella estaba finalizando la grabación
de Thank U, Next, armando el
video para el single y preparándose
para el tour Sweetener World, que
empieza en marzo de 2019. “Siento
que solo arañé la superficie de lo
que quiero ser, y deseo seguir creciendo,
practicando y siendo mejor
–afirma–. No me quiero dormir en
los laureles”. El nuevo álbum es la
terapia de Ariana Grande y su catarsis.
Ella invita a sus amigos y colaboradores
–Brown, Social House,
Victoria Monét, Tayla Parx y Doug
Middlebrook– para escucharlo en
la sala de control. Brown aparece
con una botella de Veuve Clicquot
rosado. “Creo que nunca consumí
tanto alcohol como el mes pasado
–bromea Grande, animada por la
presencia de tantos amigos–. Yo soy
de champagne. ¿Viste que la gente
dice que somos un 60 por ciento de
agua? Yo soy 60 por ciento Veuve
Clicquot rosado”.
Thank U, Next fue casi todo escrito
en una semana, con los colaboradores
de Ariana en la sala de
control, y grabado en dos semanas.
Ahora viene la etapa de pulirlo y la
adición de algunos tracks con Martin
y su equipo. Fue el producto de
un montón de “energía femenina,
champagne, música, risas y llantos.
Este álbum no es particularmente
animado –dice ella–. Algunas cosas
suenan un poco arriba, pero es realmente
un capítulo bastante triste”.
La música es desafiante –partes festivas
de bajo profundo con beats de
trap, alternando con baladas tristes,
etéreas– y estéticamente más aventurada
que todo lo que hizo hasta
la fecha. Algunas letras son directas
y personales, y aunque la cantante
estuviera dispuesta a un interrogatorio,
muchas preguntas serían
redundantes. Pero una de las canciones
más celebratorias, “7 Rings”,
tiene por detrás una historia sobre
la que Ariana está feliz de dialogar.
“Fue un... día de otoño desafiante
en Nueva York –arranca diciendo,
con una risa–. Fui junto a mis
amigos a Tiffany’s, porque necesitábamos
una terapia de rebajas.
¿Sabías que cuando estás esperando
en Tiffany’s te invitan con montones
de champagne? Nos marearon
un poco, así que compramos siete
anillos de compromiso, y cuando
volví al estudio les di a todos un
anillo de amistad”. Ariana muestra
un anillo de diamante en su mano
derecha; Monét y Parx también lo
tienen puesto. “Por eso tenemos
estos anillos, y de ahí vino la idea
de la canción”, explica. La cantante
agarra su teléfono, presiona “play” y
una versión fiestera de “My Favorite
Things” suena por los parlantes.
Grande susurra palabras a sus amigos,
que se mueven al ritmo de la
canción. Después empieza a bailar
alrededor de la habitación con los
pies descalzos, sola y sonriente.
BILLBOARD.COM.AR
39

Mujeres
en
la música
2018
.....
Lali fotografiada
por Tute Delacroix
en las oficinas de
Billboard AR.
40 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Las 10 mujeres argentinas del año
Abanderadas
Ellas tomaron la calle, la palabra, el curso de la historia y la música. Ídolas pop, divas, rockeras, traperas,
latinas; de barrio, con zapatillas, stilettos o micrófonos con glitter. Sea como sea, son sus propias musas y
hacen las cosas a su manera. Ellas son las diez mujeres argentinas del 2018.
Por FLOR NIETO
TINI: DANA GAMBINI. CAZZU: GENTILEZA CAZZU.
Lali
“Avísenle a Duki que yo también
nací con mucha hambre, por eso
llegué a donde llegué. Tampoco
busqué la fama. ¡Vino! Y yo también
le digo al presidente de Sony
Music a dónde quiero llegar”, respondió
en Billboard a las declaraciones
del trapero en Rolling Stone,
donde se distanciaba de ella y decía
que no busca reconocimiento. Desde
que Lali irrumpió con su primer
single “A bailar”, recorrió un camino
largo y frondoso. Cantó a dúo
con Ricky Martin, teloneó a Katy
Perry, ingresó en el Billboard Artist
100 y recibió la Gaviota de Oro
en el Festival de Viña del Mar. En
2018 lanzó Brava, su tercer disco,
protagonizó el thriller Acusada junto
a Leonardo Sbaraglia y participó
como jurado en Talento FOX.
“Este disco es muy verdadero,
son canciones que me gustan y me
representan. Pude trabajar finamente
en las bases y no dejar de
escucharme en cada canción. Estar
yo realmente, sin traicionarme. Mi
pregunta fue: ¿Cuál es mi propuesta?
¿Qué tengo para mostrar en el
mundo latino, pero que no se parezca
a otra persona?”, dijo. Lali encontró
las respuestas arriba y abajo
del escenario. Aunque a varios no
les guste del todo, levantó el pañuelo
verde y sus ideales como bandera.
Lo siente, lo hace y la rompe.
Cazzu.
Tini
¿Qué le quedaba por hacer a Martina
Stoessel después de llegar hasta
el último rincón del universo con
Violetta? Llegar hasta el último rincón
del universo como Tini. Uno
por uno, colocó cuatro temas en el
Billboard Argentina Hot 100, oficia
de jurado en La Voz Argentina y,
junto a Álvaro Soler y Flo Rida, se
presentó en los Latin AMA’s.
Con Violetta Live International
Tour, una de las giras más taquilleras
del 2015, y la película Tini: El
gran cambio de Violetta comenzó la
transición de a poco. Documentó
la grabación de su primer disco
en Hollywood Records y poco
a poco el personaje de Disney
quedó atrás. Con su primera gira
solista Got Me Started Tour visitó
17 ciudades y 9 países en Europa.
Quiero volver (2018) es su segundo
disco. Con colaboraciones de
Nacho, Karol G, Morat y Sebastián
Yatra, y éxitos como “Te quiero
más”, “Princesa”, “Consejo de
amor” y “Quiero volver” sonó en
todos lados. Resulta que Mauricio
Rengifo y Andrés Torres –productores
del masivo “Despacito”– se
aseguraron de fabricar hits. “En
este disco mostré todas mis facetas”,
manifestó. Entre reggaetón,
baladas, guiños al reggae y al pop,
Tini encontró su propia identidad.
Cazzu
Julieta Cazzuchelli nunca sufrió
por un novio, pero sí por la música.
Desde los 10 años tenía las cosas
bien claras. De Jujuy se mudó a
Tucumán y de ahí a Buenos Aires.
Pasó por el folklore, la cumbia, el
Tini.
rock hasta llegar al reggaetón y
romperla en el trap. Cambió el plan,
pero no la meta. En 2018, con dos
millones y medio de seguidores,
y muchas más reproducciones en
YouTube, teloneó a Bad Bunny, a
Daddy Yankee y, junto a Duki, ostenta
el trono nacional del género.
“Yo no soy nadie para darles
un estereotipo, no quiero imponer
una manera de ser mujer. Solo
quiero llevar mi idea. Me saco y
me extirpo ese peso de ser el modelo
a seguir, no permito que suceda.
Yo soy un ser humano que hace
música para aquella gente a la que
le pueda gustar esa música. Lo que
soy o lo que digo no es lo correcto,
lo tengo bien claro”, pronunció.
Cazzu invirtió en ella, en su música,
en sus videos. Se hizo sola, no
quiso depender de nadie. Les dice
“fuera” a las discográficas. Si hasta
acá llegó con sus reglas, ¿para qué
querría cambiarlas?
BILLBOARD.COM.AR
41

Mujeres
en
la música
2018
.....
Dakillah.
Bertoldi.
Peluso.
los golpes. Nunca es suficiente para
ellos, que sea suficiente para vos, yo
voy a estar apoyándolas siempre, vamos
juntas y se va a caer”.
Cinco años al frente de Connor
Questa ubicaron a Marilina Bertoldi
en el podio del under. Editó
El peso del aire suspirado (2011) y
La presencia de las personas que se
van (2014). Despegó con Sexo con
modelos (2016), nominado como
Mejor Disco de Rock en los Latin
Grammy Awards y ganador del
Premio Gardel como Mejor Álbum
Artista Femenina de Rock. En 2018
presentó su continuación, el aclamado
Prender un fuego, con excelentes
críticas, y se consolidó como
exponente del rock argentino.
Nathy Peluso
Primero agotó teatros en España y
después en la Argentina. “Este es
mi jazz latino”, proclama desde La
Sandunguera con más de 7 millones
de reproducciones en YouTube. El
eclecticismo es su sello y lo lleva
para todos lados. Rapea, pero también
se vuelve loca con una salsa,
una bossa nova, un bolero. Tiene 23
años y para ella la música es infinita.
Hizo covers y cantó en hoteles,
pero lejos quedaron los días de trabajar
de camarera hasta las 3 am y
comer pan con aceite y sal. Encuentra
inspiración en Ella Fitzgerald,
Etta James, Notorious Big, Atahualpa
Yupanqui y Amy Winehouse. Le
Dakillah
Dice que le gusta la música y que
no le tiene miedo a nada. Nadie
sabe si alguna vez lo tuvo. A los 12
años ya se escapaba de su casa para
romperla en las batallas de freestyle.
Participó en El Quinto Escalón, en
Las Vegas Freestyle, donde pudo,
hasta que llamó la atención de Sony
Music. “Me veo haciendo de todo
siempre y cuando lo sienta, sea genuino
y me guste. Puedo colaborar
en el disco de Juan Ingaramo, que
es más pop, o con MC Pedrinho
en algo más carioca. Claramente,
tiene que ser orgánico y real, más
allá del estilo”, señaló. Ella ya tiene
su lugar en la edición nacional del
Lollapalooza 2019 encabezado por
Kendrick Lamar, Arctic Monkeys,
Lenny Kravitz y Post Malone. Además
del escenario Alternativo del
Cosquín Rock, tan solo por nombrar
un par. Si bien es de los pocos
casos en los que lo tangible asemeja
a lo virtual, Dakillah es millonaria
en views. Es que tantos seguidores
y plays son difíciles de ignorar. Lo
pedís, lo tenés: escenario a la carta,
de las redes a los medios. El 2018
fue inmenso, y con 18 años, solo se
puede querer más.
Marilina Bertoldi
A Marilina le suelen pedir consejos
para mujeres. Sabe manejarse y
muy bien. La respuesta definitiva
finalmente salió a través de Twitter:
“Chicas, estén preparadas para que
las subestimen como nunca en la
vida, sepan que para quienes las rodean
y quienes opinen sobre ustedes
a medida que ganen repercusión
nunca va a ser suficiente (...) Desarrollen
la inteligencia para poder
evitar ser boludeadas lo máximo
posible, y desarrollen herramientas
emocionales para poder soportar
Lynch.
DAKILLAH: TUTE DELACROIX. BERTOLDI: ROCÍO FRIGERIO.
42 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

escribió una canción de amor a la
pizza. “Mi primer featuring lo voy
a cuidar como si fuera un diamante.
Quiero que la primera persona
con la que colabore haga que se me
caiga la bombacha. Tengo varias
opciones que son inalcanzables
para mí ahora. A mí me gustaría
colaborar con Gloria Estefan. Estoy
esperando que me llegue una propuesta
que me mueva el corazón.
Me da igual el estilo, tiene que ser
con una persona que sea una gozada
escucharla, y ojalá que sea recíproco”,
comentó.
Von Wernich.
Chule Von Wernich
Sofía tiene 20 años y cumplió el
sueño millennial de volverse famosa
desde el living de su casa.
No recuerda con exactitud, pero
cree que en el 2014 empezó a subir
videos caseros acompañada solo
de su guitarra. Ella fue su propia
community manager, directora de
arte, camarógrafa y editora. Sofía
Von Wernich se mudó de Pehuajó
a Capital para estudiar veterinaria.
Toca la guitarra desde los 9 años y
de a poco comenzó a apropiarse de
las canciones bolicheras, de los hits
del momento. Maluma, J. Álvarez,
Wisin y Sebastián Yatra, algunos
de los músicos que repostearon sus
covers y los números se dispararon
hacia millones.
Mucho sucedió desde que empezó
a girar con Connie Isla, instagramer
amiga. Hoy @chulevonwernich
canta para 320.000 personas en
su cuenta de Instagram y para un
público un poco más reducido en
sus presentaciones. En 2018 Chule
lanzó Vaivenes, su primer EP. “Solo
necesito one love”, “Lado a lao”,
“Vuelvo contigo”. Tres canciones
que mezclan el español y el inglés,
urbano soft bien latino que se abre
camino por el mundo.
Jimena Barón
“Este premio se lo dedico a todas las
mujeres a las que alguna vez alguien
les hizo sentir o les dijo que no eran
lo suficientemente lindas o buenas,
o talentosas, o inteligentes, o fuertes
y valientes como para concretar sus
sueños solas. Lo somos justamente
porque somos mujeres y eso es lo
que a veces les da un poco de miedo
a los demás. Así que no escuchen
nada, cumplan sus sueños y comparto
esto con las que todavía están
por ahí en la tormenta, para que
salgan adelante, para que sepan que
se puede. Mírenme a mí, se puede.
Y brindo por menos tontas y más
mujeres valientes”, así, Jimena Barón
recibió el Gardel 2018 a Mejor
Álbum Nuevo Artista Pop.
Desde sus inicios liderando el
rating nacional en tiras como Gasoleros,
Los Roldán, Casi ángeles y
Sos mi hombre, Jimena Barón se
reinventó varias veces. En el 2017
lanzó su disco debut, La tonta, a
pura garra y pulmón en medio de
un caos mediático. Producido por
Perra Santa Music y masterizado
en Londres, marcó el primer paso.
Si quiere decir algo, lo dice. Si
quiere mostrar el culo, lo muestra.
Irreverente, libre y fresca, hace lo
que se le canta.
Hilda Lizarazu
Hace rato que Hilda Lizarazu tiene
su lugar en el Olimpo del rock argentino.
Nació en Curuzú Cuatiá,
Corrientes, vivió en Nueva York y
volvió al país justo a tiempo para
ser protagonista y cómplice de la
historia. De Suéter a Los Twist,
Man Ray, Charly García, a una impecable
carrera como solista. En
2018, teloneó a Phil Collins, participó
de Las Elegidas Argentinas
y Españolas en el Teatro Colón y
editó su primer disco de covers. La
Lizarazu.
Barón.
génesis, un compilado de 14 canciones
que marcaron el inicio del
rock argentino, del 68 al 73. “Fue
didáctico, porque aprendí del disco.
Y hay un montón de gente que
nunca escuchó esos temas y le podría
interesar escucharlos. La elección
de canciones fue un poco una
tríada, con Lito Vitale y el productor
ejecutivo, Eduardo Tapia, que
también sumó ideas, por ejemplo
‘Violencia en el parque’, de Aquelarre.
El tema de Gabriela (‘Voy a
dejar esta casa, papá’) también fue
medio de último momento, y me
encantó”, explicó.
Hilda Lizarazu no tiene mánager,
pero sí su propio sello: Díscola Discos.
Trabaja de forma independiente
y por eso también trabaja mucho.
Siempre lo hizo.
Valeria Lynch
Aunque definir a cualquier artista
con una sola palabra parece un
periplo inviable, con Valeria Lynch
es posible. Valeria Lynch es una
diva. Recibió el premio Grammy
a la Excelencia Musical en Las Vegas;
el New York Times la nombró
como una de las cinco mejores
cantantes del mundo; vendió más
de 15.000.000 de placas y tiene más
de 35 discos de oro y platino. Harold
Prince la eligió no una sino dos veces
para protagonizar los musicales
El beso de la mujer araña y Evita.
Este año, encarnó a la icónica Norma
Desmond en Sunset Boulevard,
con música del mítico Andrew Lloyd
Webber y libreto de Don Black y
Christopher Hampton.
Lynch encarnó con excelentes
críticas el personaje basado en la
película de Billy Wilder. Una estrella
de Hollywood que se enfrenta
solitaria al derrumbe de su fama en
su mansión en Sunset Boulevard,
hasta que la esperanza vuelve con
un guionista que parece ser su gran
oportunidad para su regreso. Un
personaje complejo y distante para
una diva de carne y hueso que en
constante movimiento se mantiene
vigente. Tan así, que está a punto de
estrenar Rompecabezas, un nuevo
disco que incluye sus temas reversionados
en rock.
BILLBOARD.COM.AR
43

Mujeres
en
la música
2018
.....
Mon Laferte.
44 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Las 10 mujeres latinas del año
Poder latino
El empoderamiento femenino también tuvo su impacto en la música latina.
Quiénes fueron las mujeres protagonistas de la industria en el 2018.
Por WALTER GARRÉ
Rosalía
El año de Rosalía no podría haber
sido mejor: su segundo disco, El
mal querer, fue seleccionado como
uno de los diez álbumes favoritos
del equipo de Billboard global de
2018. Sus sencillos “Malamente” y
“Pienso en tu mirá” consolidaron
la espectacular llegada de la artista
catalana, con una mezcla adictiva
de flamenco, ritmos electrónicos y
actitud R&B. Además, “Malamente”
ganó dos Grammy Latino por Mejor
Canción Alternativa y Mejor Fusión
Urbana. “Nunca voy a dejar de pelear
hasta que vea el mismo número
de mujeres que de hombres en un
estudio de grabación”, comentó al
recibir uno de los galardones.
Becky G
Luego del éxito de Mayores a comienzos
de año (que le permitió
ingresar al selecto club de los mil
millones de reproducciones), todo
fue en ascenso: su participación en
los premios Billboard Latinos, las
colaboraciones con CNCO (“Díganle”),
Mau y Ricky (“Mal de la
cabeza”), y con el rapero madrileño
C. Tangana (“Booty”) podrían ser
logros suficientes para decir que fue
un gran año, pero Becky no se durmió
en los laureles. La canción “Sin
pijama” conquistó el Nº 1 del chart
Billboard Latin Airplay (también
llegó a los mil millones de reproducciones)
y reclutó al ascendente Paulo
Londra para grabar “Cuando te
besé” y quedar en la historia del primer
Nº 1 del Billboard Argentina
Hot 100. ¿Un año de película? Sí, el
canal Sony se encargó de retratarlo
repasando la vida de la cantante.
Mon Laferte
Laferte es una estrella ascendente
en un sistema solar totalmente
distinto. Mientras demuestra tener
habilidad para componer melodías
pegadizas, su uso de ritmos latinos,
bronces y estilos vocales la diferencia
del resto y es una todoterreno.
Capaz de grabar una canción navideña
junto a Gwen Stefani como
de rendir tributo a Marco Antonio
Solís con uno de sus singles, la
chilena residente en el DF es una
de las artistas más buscadas. También
fue la elegida para el single
del Unplugged de Los Auténticos
Decadentes, “Amor”. Entre sifones,
vitrolas y chapas de colores, la canción
fue la carta de presentación
del desenchufado.
Sofía Reyes
La cantante mexicana apostó a la
fusión de estilos con la canción
“1, 2, 3” y le salió de maravillas:
se destacaron las participaciones
de Jason Derulo y el artista urbano
De La Ghetto. “Es una mezcla
única de tres géneros y vibras muy
diferentes (latina, pop y urbana)
que aporta un nuevo estilo a mi
portafolio, pero aún mantiene mi
esencia”, dijo Sofía.
Aitana
Fue una de las figuras de Operación
Triunfo España 2017, y desde entonces
su carrera creció en proporciones
geométricas. El éxito de la
canción “Lo malo” fue el preludio
para la explosión mundial que produciría
con el remix de “Teléfono”
junto a Lele Pons. Después de que
la versión original fuera un éxito
en España, Aitana unió fuerzas
con Pons para la canción realizada
junto a los hitmakers Mauricio
Rengifo y Andrés Torres (sí, los de
“Despacito”).
Camila Gallardo
“Las mujeres nos dimos cuenta
de que nos hicieron competir por
años”, declaró una de las cantantes
chilenas con mayor proyección en
su país. Con tan solo 22 años, su
primer disco de estudio, Rosa, suma
11 discos de platino en su tierra.
“Son canciones que se escribieron
con verdad de puño”, comentó en
septiembre durante su visita a las
oficinas de Billboard AR. Además,
la artista anima a que todas se apoyen
en sus carreras: “Cada vez hay
más sororidad en la industria”.
Natty Natasha
Se convirtió en una de las líderes
femeninas del movimiento latino
urbano a nivel global. Es una de las
protagonistas del debut del Billboard
Argentina Hot 100: en la semana
de lanzamiento, Natti ocupó
el segundo y tercer puesto del podio
con “No me acuerdo” y “Sin pijama”,
respectivamente. Cerró el 2018
con el lanzamiento de la canción
“Me gusta”, que incluyó un video
futurista con referencias robóticas,
cantándole a un amor prohibido.
Leslie Grace
La artista nacida en Nueva York
y de padres dominicanos estuvo
presente en el Billboard Argentina
Hot 100 con su track “Duro y
suave” (feat. Noriel) y también con
“Díganle” (feat. Becky G y CNCO).
Uno de los últimos lanzamientos de
la oriunda del Bronx fue la canción
“Fuego” junto a los MYA. La presentación
en el Luna Park junto al
grupo Super Junior fue apenas una
entrada en calor de sus próximos
proyectos en la Argentina.
Karol G
La artista no solamente cuenta con
su talento, sino también con el timing
necesario para estar en el momento
justo y en el lugar correcto:
J Balvin y Nicky Jam se unieron a
Karol para un remix de “Mi cama”
que llegó a la cima del Billboard
Latin Airplay. “Que mi canción
llegue al Nº 1, entre tantas otras
y tanto talento, es un sentimiento
muy difícil de describir. Como mujer,
hace un par de años era imposible
tener una fecha en Medellín;
hoy estoy haciendo cuatro shows
por noche”, declaró.
Anitta
La brasilera disfruta de una carrera
que ella misma describe como una
“escalera” en la que concreta sus
objetivos de a poco, pero con resultados
satisfactorios: pasó de cantar
en iglesias y favelas a convertirse en
una artista mundialmente conocida.
Atravesó las fronteras al ser la
primera brasileña en recibir el EMA
Worldwide Act America Latina, y
luego nació una fuerte amistad con
J Balvin, con quien editó los remix
de “Ginza”, “Downtown” y “Machika”.
Este año visitó la Argentina por
primera vez e hipnotizó a su público
en el Teatro Vorterix de Buenos
Aires. La escalera de Anitta parece
no tener techo.
BILLBOARD.COM.AR
45

Mujeres
en
la música
2018
.....
Además de Dirty Computer,
el aclamado disco que
lanzó en 2018, Monáe tuvo
varios méritos para recibir el
reconocimiento de Billboard
entre las mujeres destacadas
del año: su trabajo como
actriz, productora y militante
feminista. “Ahora la gente
entiende mi visión y mi
perspectiva como artista”,
dice.
POR DEE LOCKETT
FOTOGRAFIADA POR
RAMONA ROSALES
La pura humanidad
46 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

S
“Soy un poco androide, pero
estuve incursionando bastante en mi
costado humano en estos días”, dice
Janelle Monáe. En sus primeros discos,
la compositora y cantante empleó
un álter ego, el robot sentimental
Cindy Mayweather, en reemplazo
de ella misma. Pero en Dirty Computer
–su primer Nº 1 en el Billboard
Top R&B Albums–, la mujer de 32
años reveló algo más sobre Janelle
Monáe, más humana que nunca.
La pionera elegida por Billboard
este año es plenamente inspiradora
siendo como es, simplemente una
cantante y rapera experimentada;
productora y fundadora de un sello
discográfico, Wondaland Records;
una actriz magnética en películas
nominadas para el Oscar (Moonlight,
Hidden Figures) y cuyo próximo protagónico
será la tan anticipada biopic
de Harreit Tubman (luchadora por
la libertad de los afroamericanos
esclavizados en los Estados Unidos);
y una activista, ya sea introduciendo
elocuentemente a Kesha en los
Grammy de 2018, exponiendo en la
Women’s March de 2017 o abogando
por la inclusión de la comunidad
LGTBQ y, en abril, declarándose
pansexual. “Dirty Computer nos dio
a todos un hogar que dijo ‘A pesar
de lo que el mundo diga sobre vos,
vos importás. Te veo, te escucho y te
celebro’”, afirma.
Dirty Computer se siente metido
en la realidad actual, y por
lo tanto es más personal. ¿Fue
esa tu intención?
- Empecé a escribirlo durante
la era de Obama. Después de noviembre
de 2016, tuve que procesar
a dónde estaba yendo nuestro
país. Sentí una gran responsabilidad
de crear una comunidad con
este disco, con mis conciertos y mi
película. Se sintió como si las personas
que quiero y los grupos a los
que pertenezco –por la comunidad
LGTBQ, por ser una mujer negra
y por tener padres de la clase trabajadora–
fueran empujados a los
márgenes de la sociedad. Con canciones
como “Djando Jane”, “Make
Me Feel” y “PYNK” quise ser lo más
audaz posible en dar declaraciones
sobre agencias, sobre cuerpos de
mujeres y derechos, sobre nosotras
recuperando el micrófono y haciendo
saber que nadie es nuestro dueño
ni vamos a ser controladas.
¿Qué se sintió cuando tu propia
historia –particularmente tu
sexualidad y tus relaciones– se
volvió parte de la conversación
alrededor de este álbum?
- Me dio bastante miedo dar entrevistas
después de lanzar el disco.
Dejo mis experiencias en mi música
y mis visuales. Es una terapia para
mí. Siempre hablé sobre mi experiencia
sexual en mi música: lo hice en
mi primer álbum y en Electric Lady,
desde “Q.U.E.E.N.” hasta “Mushrooms
& Roses”. Pero después de
que la gente vio las visuales de Dirty
Computer [como el video de “Make
Me Feel”, en donde Monáe coquetea
con un hombre y una mujer], me di
cuenta de que iba a empezar a querer
saber más cosas. Yo no pretendía que
las personas se preguntaran cuánto
había de mi vida personal en esto.
Pero, en general, me pone contenta
que se hayan sentido más cómodas
siendo como son después de leer sobre
mi verdad personal.
Parece que la libertad creativa
siempre ha sido una de tus
máximas prioridades…
- Incluso cuando fui una artista
independiente vendiendo CD en mi
valija y trabajando para mi primo
en temas contables, o en el Office
Depot y en Sam’s Club, seguía diciendo
que no. Hubo oportunidades
en las que incluso mis familiares
más cercanos y mis amigos
me miraban y decían: “Mujer, estás
loca. Debés involucrarte en ese video
musical, ser un extra en este
film. Tenés que hacerte famosa”.
Pero siempre tuve como prioridad
conservar el control creativo.
Una cosa es comprometerse
a nunca comprometerse; otra
distinta es realmente hacerlo.
La industria de la música puede
llegar a tener una idea muy
estrecha de lo que un artista
puede ser. ¿Cómo hiciste para
establecerte y mantener el
control de tu carrera?
- Empieza por saber cuál es la
visión. Tener una perspectiva.
Porque si no, luego otro la va a tener
por vos. Estoy contenta ahora
cuando voy a reuniones, siento que
la gente entiende mi visión y mi
perspectiva como artista. Antes era
como: “Bueno, ¿podés cambiarte
el pelo o tu look, o hacer este tipo
de canciones?”. Ahora es “Vimos
lo que hiciste en tu álbum y tus
visuales. No queremos estorbar
en tu expresión artística. ¿Cómo
podemos ayudar y trabajar juntos
orgánicamente?”.
Diddy te apoyó desde los inicios,
y vos podrías haberte moldeado
fácilmente como su protegida.
¿Tuviste que empujar para asegurarte
de que no pasara eso?
- Debo decir que tuve miedo
de asociarme a un sello grande
después de varios años de ser independiente.
Conocí a Puff en el momento
en que había decidido vivir
prudentemente. Como mucha gente,
pensé: “OK, ahora él va a conversar
conmigo sobre cómo podrá
prepararme para ser otro tipo de
artista”. Pero cuando hablé con él,
sus palabras fueron: “Amo lo que
vos y Wondaland están haciendo.
No quiero involucrarme creativamente.
Solo quiero que la gente te
conozca y conozca también lo que
están haciendo ustedes. Están acá,
en este sótano de Atlanta, y el resto
del mundo merece escucharte”. Fue
humillante y hermoso. Seguimos
estando cerca. De hecho, acabo de
verlo en una fiesta de Halloween.
Hablando de Halloween: necesito
saber todo sobre tu disfraz
de Willy Wonka.
- Oh, por dios. Estaba obsesionada
con Gene Wilder. Lloré cuando
murió. Me acuerdo de prender
un cigarrillo cada vez que veía
Willy Wonka. Ese era el mundo en
el que quería vivir. Suelo decir esto
en Wondaland: “La imaginación
inspira a naciones”. No creo que
pudiera haber hecho mi música
sin rendirme ante la imaginación
en un mundo cargado de cinismo.
El año pasado fui el Guasón, y
estaba pensando en un outfit para
representarlo. Me entusiasmo tanto
con Halloween, pero no elijo mi
vestuario hasta el mismo día. Pero
las cosas aparecen cuando están
destinadas a aparecer.
BILLBOARD.COM.AR
47

Mujeres
en
la música
2018
.....
48 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Cyndi Lauper
“Quiero seguir s i endo
una gran ar tista”
Billboard la eligió Icono del Año entre las mujeres por su trabajo en Broadway y por su larga militancia a favor
de los derechos femeninos. POR JEANNE FURY · FOTOGRAFIADA POR RUVEN AFANADOR
E
en 1983, una chica de queens
se coló en el mundo de la música
pop con un peinado naranja fluorescente,
un chillido particular y
una voz cantante, mezclando una
estirpe rockera con la de una estrella
de soul que parecía ser capaz
de alimentar a todo el downtown
de Manhattan. En su álbum debut,
She’s So Unusual, Cyndi Lauper
demostró que una artista pop podría
dominar los charts siendo
simplemente una versión extraña
de sí misma: hacia 1984, ella fue la
primera mujer en lograr que cinco
singles de un LP llegaran al top 5
del Billboard Hot 100. Durante
cuatro décadas y 11 álbumes,
Lauper nunca dejó de promover la
autoaceptación, ya sea al incentivar
la liberación de las mujeres en
“Girls Just Want to Have Fun” o al
crear la fundación True Colors para
los jóvenes LGBTQ sin hogar (la
canción homónima es un himno de
la comunidad). Es difícil no ver su
influencia entre las popstars de hoy,
desde Lady Gaga hasta Cardi B, que
felizmente dejaron extender sus alas
freaks. A los 65, este icono sigue
creciendo: ganó un premio Tony
por el musical Kinky Boots y está
adaptando para Broadway la película
de 1988 Working Girl. “En lo más
profundo de mi corazón –dice–
quiero seguir siendo una gran artista.
Quiero decir, una gran artista”.
Siempre te divertiste siendo
simplemente vos. ¿Cómo encontraste
tu lugar en la tribu de
artistas feministas?
- Cuando éramos adolescentes,
hacíamos un dueto con una amiga.
Conocimos a un mánager que nos
dijo: “La única manera en que voy a
trabajar con ustedes es que se casen
con dos chicos”. Yo pensaba: “¿Casarnos?
¿De qué mierda habla?”.
Así que eso no funcionó. Entonces
aparecieron todas mis amigas de
la tribu. Como yo era hetero, no
encajaba demasiado. Después apareció
mi hermana con ideas muy
copadas, y yo pensaba: “¡Ja! ¡No me
estás abandonando! A donde vayas,
yo estaré”. Y cuando finalmente me
uní a la banda de covers de folk, de
repente no me sentí más diferente.
Todos estaban hechos un desastre.
Yo podía teñirme el pelo de rosa y
hacerme rulos como una versión
de Isaac Newton. Cuando empecé a
venir a Manhattan, empecé a sentirme
más viva.
Después de sentirte marginada,
debe haber sido extraño que
los fans empezaran a idolatrarte.
- Cuando me hice famosa, fue
muy raro. Las chicas me gritaban, y
empecé a sentirme como un fraude,
porque pensé que a lo mejor
ellas creían que yo era gay, y yo no
quería pretender algo que no era.
Después me di cuenta: “No, simplemente
están gritando”. Siempre
quise levantar el ánimo de la gente,
especialmente de la oprimida, porque
yo estuve en ese lugar.
Siempre luchaste por los derechos
de las mujeres. Imagino
que también enfrentaste tus
propios problemas.
- Después de mi primera gira,
todos los tipos de los grandes sellos
me llevaban a comer y afirmaban:
“Te vamos a convertir en la próxima
Barbra Streisand”. Yo los miraba
y respondía: “¿Podrías buscar a otra
para ese trabajo? Porque, honestamente,
yo amo el rock and roll”.
Ellos decían: “Ohhh-kay, así que
ella va a ser difícil. Bueno, vamos
a mostrarle qué es lo difícil”. Por
supuesto, no querrás hacer eso
conmigo a menos que quieras desperdiciar
diez años. Soy siciliana.
Conozco la resistencia.
La prensa y los sellos discográficos
crearon una rivalidad
entre vos y Madonna, y las
mujeres exitosas siguen siendo
rivalizadas con otras. ¿Por qué
persiste eso?
- ¿Quién sabe? Realmente daña
mis sentimientos que la gente nos
compare. “Ey, amigo, peras y manzanas.
¿Qué, solamente una de nosotras
puede pararse y cantar? ¿Qué
carajo te pasa?”.
En los Grammy te uniste a las
mujeres en el escenario para
interpretar “Prayin” con Kesha.
¿Qué te inspiró a hacer eso?
- Hablé con ella el año anterior
[sobre la denuncia de abuso
contra Dr. Luke]. Y nadie le creyó.
Escuchá, todas tuvimos nuestras
experiencias en este negocio. Sobre
mi propia experiencia [de ataque
sexual] nadie me creyó. [Lauper ha
dicho que ocurrió en los 80]. No
me fui porque pensé que era una
cuestión de poder. Yo pensaba: “Ok,
no vas a perseguirme más, hijo de
puta”. Cuando oí su historia, pensé:
“Sí, pasó”. Después, cuando escuché
Rainbow y cómo ella se curó a través
de esa grabación –y estoy segura
de que nunca te curás del todo de
eso– sentí que era importante. Yo
me paro sobre los pies de las mujeres
que aparecieron antes que yo.
Las mujeres que vengan después de
mí van a pararse sobre los míos.
BILLBOARD.COM.AR
49

Mujeres
en
la música
2018
.....
Courtney Barnett
“Me lleva un rato
darme cuenta lo que
quiero decir”
Con el lanzamiento de su segundo LP, Tell Me How You Really Feel, la australiana vuelve a poner el grito en el cielo.
El próximo 26 de febrero se va a presentar en Niceto Club.
POR LYNDSEY HAVENS
courtney barnett se agacha al
entrar a una habitación verde al
fondo del Prospect Park Band shell
de Brooklyn. El cuarto está lleno
de espejos iluminados y decorado
con fotos de artistas como Surjan
Stevens. Toda vestida de negro y tomando
una taza de café, se acomoda
en el futón y se prepara para la
última entrevista de la jornada. Más
tarde ese día, va a encabezar una
fecha en ese mismo venue. Pasaron
tres años desde que Barnett irrumpió
como el nuevo éxito del rock alternativo
crossover. Su debut de 2015
le valió una nominación al Grammy
por Mejor Artista Nueva, ha tocado
en festivales como Lollapalooza y
Coachella, y en Saturday Night Live.
Ahora, la australiana de 30 años admite
que sufre de miedo escénico.
“Demuestra que te importa”, dice.
En el medio de la gira promocional
de su segundo LP, Tell Me How
You Really Feel, que lanzó en mayo y
alcanzó el Nº 4 del chart Billboard
Top Rock Albums, Barnett está
serena: “Doy la idea equivocada del
stoner relajado –dice–. Pero yo no
soy stoner”, aclara.
Después de que su gira del verano
boreal concluyera en el Newport
Folk Festival de Rhode Island, en julio,
y antes de que comenzara una serie
de shows por los Estados Unidos
el 29 de septiembre, volvió a Melbourne
para tomarse un respiro. “Es
hora de volver a casa”, afirma.
¿Qué es lo mejor que compraste
durante una gira?
- En una época coleccionaba globos
de nieve. Se puso muy difícil.
Un par de veces me frenaron los de
seguridad porque era mucha cantidad
de líquido.
Cuando empezaste, ¿cómo era
arreglar para tocar comparado
con ahora?
- Me mudé a Melbourne y no toqué
música durante un rato, porque
no sabía a dónde ir. No conocía a
nadie. Solo trabajé full time y empecé
a encontrarme con gente en
los pubs. Trabajé en uno que tenía
música en vivo y conocí a otros músicos,
y para mí era una locura conseguir
un gig. Empecé a llamar a todos
los venues y decirles: “Dame un
gig”. Y ellos respondían cosas como:
“¿Cuánta gente podrías traer?”. Y
yo: “Al menos quince amigos”. Y
ellos: “No, malísimo”.
Al crecer, ¿trataste conscientemente
de encontrar o escuchar
más mujeres en el rock?
- Estaba con bandas dominadas por
hombres, y creo que nunca pensé
“Puedo hacer eso”, lo cual está bien.
Ni siquiera descubrí muchas bandas
lideradas por mujeres hasta más
tarde. Vi The Punk Singer [sobre la
banda Bikini Kill, de Kathleen Hanna]
un par de años atrás, e incluso
eso fue algo nuevo para mí, porque
cuando estaba creciendo escuchaba
Nirvana y esas cosas. Nunca
supe de las cosas del Riot Grrrl:
Bikini Kill y Sleater-Kinney. Todos
descubrimos cosas a nuestro propio
ritmo. Existió desde siempre e
inspiró siempre a personas distintas
en épocas diversas, pero siempre
pienso cuán diferente pudo haber
sido mi vida si tan solo me hubiera
expuesto a otra música.
¿Por qué pensás que algunas
personas están ansiosas
por etiquetar a la música con
géneros?
- Es complicado, porque hay personas
que son despistadas y otras que
tratan de ser útiles y de magnificar
sus ideas reveladoras. Pero es difícil
salir con alguna respuesta sólida,
porque eso aliena a las personas. El
modo en que diferentes grupos de
personas son descritas o sexualizadas
es interminable, pero es definitivamente
mejor que la gente hable
de esto y esté advertida de aquello
ofensivo e innecesario.
Tu último álbum se titula Tell Me
How You Really Feel. ¿Sos buena
para decir cómo te sentís?
- Cuando crecí justo accedimos a
Internet y a programas de chat tipo
ICQ y MSN. Chateaba con mis
amigos y con mis novios. Pero de
alguna manera, siento que disminuyó
mi habilidad para comunicarme.
Creó esta barrera, esta distancia.
Ahora, odio las llamadas telefónicas
y los mensajes grabados. Me generan
ansiedad.
¿Por qué será más sencillo expresarse
a través de la música?
- Pienso que en cierto nivel no es
espontáneo. Digo, la música sigue
siendo espontánea, pero después de
trabajar en canciones durante años,
se vuelven confortables. Me lleva
un rato darme cuenta lo que quiero
decir y entenderlo. Me gustaría ser
elocuente y ser capaz de expresarme,
pero realmente lucho. Es realmente
frustrante. Incluso me fue difícil
leer un poema en el casamiento
de mi hermano [a principios del
año pasado]. Simplemente fracaso.
Y en mi cabeza pienso “No te pongas
nerviosa. Todo lo que hacés es
incomodar a otras personas. Quedate
tranquila”. Y no lo estaba.
50 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

POONEH GHANA
Una vez dijiste que sos complaciente
con las personas. ¿Cómo
hiciste para luchar contra eso
en este álbum?
- Es esa idea de no querer causar
drama. Crecí en una familia muy
tranquila. Tengo el tipo de personalidad
que, por ejemplo, la sientan
en una mesa de restaurante al lado
de una ventana donde entra frío y
dice: “Ok, está bien”. Y hay muchas
capas de eso, del resentimiento que
trae. Pienso mucho en que este álbum
estaba explorando esas cosas,
esa bronca y frustración y de dónde
vienen. Hay una frase en “I'm Not
Your Mother, I'm Not Your Bitch”
que dice: “Me pongo más a la defensiva
/ cuando sé que estoy equivocada”.
Creo que cobra sentido por toda
mi vida. Pero luego en este mundo
de odio y de personas amenazadas
y con miedo a lo desconocido, es un
mecanismo de defensa natural. Estaba
haciendo el duelo por muchas de
esas cosas.
BILLBOARD.COM.AR
51

Mujeres
en
la música
2018
.....
St. Vincent
“Lo mejor que daré es
lo próximo que haga”
La cantautora habla sobre su elaborado álbum MassEducation y sobre sus planes para 2019.
LYNDSEY HAVENS
S
st. vincent nunca está satisfecha.
Ella dice que es porque siempre
está creando de un modo u otro:
en junio empezó a pasar música e
hizo su primer set en septiembre;
en octubre reimaginó su disco de
2017 Masseduction como un despojado
álbum de piano llamado
MassEducation; empezó a producir
a otros artistas como parte
de un programa que aún no tiene
nombre; y afronta su debut como
directora de cine, donde hará una
versión femenina de El retrato de
Dorian Gray, de Oscar Wilde.
“Lo mejor que daré es lo próximo
que haga”, le dice a Billboard,
justo un par de días antes de recibir
dos nominaciones al Grammy por
MassEducation (el director de arte
del álbum, Willo Perron, también
tuvo una nominación por Mejor
Cubierta del Disco). Pero mientras
anuncia más planes para 2019
–incluyendo una performance el
14 de febrero en el Lincoln Center,
como parte de la serie American
Songbook–, lo próximo y lo mejor
que hará en materia musical tiene
un final abierto. “Vos te das cuenta
cuando lo sentís –afirma–. Cuando
un fantasma camina por tu habitación
o cuando cantás unas líneas
que te hacen llorar. Es ahí cuando
sabés que tenés algo especial”.
La artista también habla de sus
canciones en MassEducation, los
éxitos y las pérdidas del Auto-Tune,
y por qué se toma un respiro de las
redes sociales.
“Slow Disco” ahora existe en
tres formatos diferentes: el
original en Masseduction, una
versión dance llamada “Fast
Slow Disco” y una versión
despojada en MassEducation.
¿Por qué es tan importante para
vos mostrar que tus canciones
pueden tener varias vidas?
- Sentí que esa canción no había
agotado su historia en la única versión
que existía [en Masseduction].
Y para mí, eso es fundamental en
la composición. Decir “¿Puede esta
canción quedar despojada y aun así
ser poderosa?”. Pasé tanto tiempo
trabajando en la composición de
este álbum que quería vivir dentro
de ellas, totalmente desnuda. Grabar
de ese modo me hizo sentir más
liberada. La grabamos en vivo en
el transcurso de dos días y no hicimos
demasiadas tomas. Ni siquiera
hablamos de lo que íbamos a hacer
o cómo íbamos a hacerlo, así que
se nos escucha descubriendo las
canciones en tiempo real. Lo que
a veces pasa es que escribo partes
de guitarra que son complicadas, y
después vocalizaciones que pueden
ser complicadas, así que mi cerebro
hace un procesamiento complejo.
Pero es una felicidad cantar. Solo
tengo que vivir en las canciones y
en el espacio, y tomarme mi tiempo
para vivir en el silencio. Eso, para
mí, es realmente liberador y gratificante,
y me llega al alma.
Hace poco empezaste a pasar
música. ¿Qué te enseñó sobre
reinventar una canción?
- Amo hacerlo, porque despierta
mi voracidad por encontrar nuevas
músicas, volver a las cosas que
adoro y tratar de buscar conexiones
entre las canciones. A veces, las conexiones
son simples, como “Ok, los
BPM [beats por minuto] y las vibraciones
de esto están en la misma situación,
puede haber una transición
interesante”. Y a veces, lo que las
canciones tienen en común puede
ser hilarante en lo lírico. Tengo que
testear mi genealogía e ir desde Herbie
Hancock hasta A Tribe Called
Quest y Kendrick [Lamar] u otra
cosa, rastrear músicas de épocas totalmente
distintas. Eso me encanta.
Me lleva a descubrir música y escucharla
de un modo que es placentero,
disfrutable e inspirador.
También empezaste a producir a
otros artistas. ¿Qué es lo que más
te sorprendió de ese proceso?
- La producción quita el preciosismo
de hacer música, y vos podés
ver todo el bosque, porque no te
enceguecen el miedo o tu propio
ego –eso en lo que te escondés
cuando hacés algo personal, como
cantar o tocar la guitarra–. Puedo
observar lo que algo pudo haber
sido sin necesidad de interpretarlo.
Eso está bueno. Me gusta el lado
técnico de la cuestión, también,
sentarme y tratar durante horas de
encontrar los mejores sonidos; y
buscar cosas distintas, y construir y
tocar dentro del espacio. Otra cosa
que aprendí es a nunca cruzarme
de brazos. No dar nunca por sentado
qué clase de artista es alguien,
no subestimar a nadie. Siempre escuchar
y forzar los límites.
¿Qué tendencia musical te gustaría
que desapareciera en 2019?
- A veces creo que el Auto-Tune es
muy evocador, otras veces no lo encuentro
para nada estimulante. Pero
todo está en las manos del artista.
Creo que habrá menos beats de trap
en 2019. Está bueno, no quiero que
me malinterpretes, pero parece que
ya alcanzó su saturación máxima.
¿A qué artista invitarías a cenar
con tu familia?
- Esto puede parecer fanfarrón,
pero uno de los mayores halagos que
recibí de un artista es “Muchas cosas
son un sinsentido, pero vos no”. Fue
el mejor elogio que tuve. Pero no voy
a ser grosera y decir quién fue, así
que… ¿A quién invitaría a cenar? ¿Es
una de esas preguntas donde se supone
que debo decir Jesús? Me gustaría
invitar a Kerry James Marshall. Nunca
lo conocí. Adoro la exposición que
hizo el año pasado. Fue hermosa.
¿Cuál fue el mejor recital que
viste este año?
- Nine Inch Nails.
¿Cuál es la canción que no podés
sacarte de la cabeza?
- Actualmente, “Love It If We
Made It”, de The 1975. Es ambiciosa
y tiene mucho corazón. Realmente
disfruté su nuevo álbum.
¿Cuál es la mejor ciudad que
visitaste este año?
- Lo pasé muy bien en Guadalaja-
52 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

a; démosle a México algo de amor.
Yo me encontraba de gira, nunca
había estado antes. Eso fue en octubre.
Mi cuñado trabaja de chef
allí, así que vino, comimos tacos y
probamos todo tipo de comidas.
Estuvo bárbaro.
¿Cuál es la aplicación que más
usaste este año?
- La aplicación de podcasts.
Cuando terminé las giras y terminé
de responder preguntas sobre discos
y demás, me tomé un respiro
de las redes sociales. Ya no tengo
Instagram o Twitter, o cualquiera de
esas cosas en mi teléfono. Es maravilloso.
Solía usarlas, pero el mundo
no necesita mi granito de arena en
el debate de cada día. Yo pensaba
“Esto es una amargura. Es algo que
tengo porque se supone que necesito
hacer y me otorga exactamente
cero placer”. No me hacen bien al
alma esa clase de cosas.
En este momento, ¿qué es lo
más importante para vos?
- Lo más importante para mí es
mi familia, pero el arte es el lugar
donde más paso mi tiempo.
Estoy seguro de que ambos se
entrecruzan.
- Sí, totalmente. Mi corazón está
en hacer lo que amo y en estar con
la gente que amo.
Durante la presentación de
MassEducation, durante una
conferencia de prensa te burlaste
de algunos periodistas.
¿Cómo es idealmente para vos
una entrevista?
- Mi entrevista ideal sería aquella
en donde no tengo que hablar de
mí y consigo que los demás hablen
de ellos. Pero me doy cuenta de que
esa no es la estructura, ese no es el
intercambio. Estuve tratando de reconocer
el intercambio que tenemos
entre los artistas y la prensa, y traté
de pasarla bien. A alguna gente le
gustó y estoy segura de que otros se
sintieron incómodos. Es raro cuando
pensás que una entrevista es una
cosa y alguien tiene una experiencia
completamente distinta, entonces
decís “Oh, Dios, ¿tanta falta de tacto
tengo? ¿No reconozco las caras que
pone la gente? ¿Qué está pasando?”.
Pero no tengo el control, y no se supone
que lo deba tener.
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53

Mujeres
en
la música
2018
.....
Billie Eilish
“Me gusta sentirme
horrorizada”
La adolescente norteamericana habla de su nuevo álbum, la fama y las películas de horror.
POR STEVE BALTIN
B
billie eilish se está habituando
a la fama. Tras un año que la convirtió
en superfenómeno, aprendió
rápido cómo manejarse, incluyendo
el uso de cierta discreción sobre
asuntos personales y profesionales.
Pregúntenle a la estrella en ascenso,
que acaba de cumplir 17 años,
si sabe cuándo sale su debut para
Darkroom/Interscope, y sonreirá
antes de responder: “Sí lo sé, pero se
supone que no debo decirlo…”.
“Lo principal que quisimos conseguir
con este álbum, y creo que
lo hicimos bien, es salir por primera
vez de gira el año pasado, y
descubrí lo divertido que es tocar
en vivo –Eilish le dice a Billboard
después de tocar ante 18.000 fans
en el Forum de Los Ángeles–. Me
excito como loca en el escenario, y
si el público no se excita, me siento
defraudada. Necesito la energía
para elevarme hasta el cielo. Así
que para este álbum dijimos ‘Hagamos
un disco que sea potente para
tocar en vivo’. Quiero hacer una
gira con este álbum”.
Aparte de controlar a una multitud,
Billie también aprendió secretos
de la fama, lo bueno y lo malo.
Para festejar su cumpleaños alquiló
una casa, y así podrá compartir su
fiesta en paz con familiares y amigos.
“Tuve que alquilarla porque
no quiero celebrar en público. Creo
que será bueno estar presente con
mi gente, sin distraerme”, cuenta sobre
la locación no revelada. Aunque
se siente agradecida a sus celosos
fans, admite que su subrepticio ascenso
a la fama vino con imprevisibles
resultados. Recuerda una
vez que salió con una amiga y fue
acosada por la gente. “Había estado
tanto tiempo de gira, que cuando
volví una amiga me dijo ‘Salgamos’
–cuenta–. Le respondí ‘Ok’. Fue literalmente
uno de los momentos más
aterradores de mi vida. Estaba con
esta chica, no había nadie más. No
había seguridad. Fue lo peor que
me pasó. Estaba aterrada”.
Normalmente, eso es algo que
le gusta. Eilish dice que el terror le
agrada. De hecho, las películas de
horror forman buena parte de su visión
artística. Billie habló con Billboard
sobre su educación hogareña,
su admiración por Skylar Grey y
esa visión terrorífica.
¿Hay una artista a la que mires y
digas “esa quiero ser”?
- Quizás Rihanna, pero ella creció
y se transformó en lo que es en
un tiempo muy distinto al mío. No
estaba Internet tan pegado a la cabeza.
Era diferente.
¿De dónde creés que viene tu
creatividad?
- Tuve una educación casera, así
que explotaba con ideas y creatividad,
porque tenía tiempo. Me la
pasaba mirando películas en casa
y realicé las más locas y elaboradas
creaciones. Me acuerdo de haber
armado un auto completamente
de cartón. Recuerdo haber hecho
una máquina de esas que tienen
muñecos para extraer, y después
puse todos mis animales disecados
ahí dentro. Era hermosa. Tenía una
pinza pequeña y estaba garantizado
que si ponías una moneda de 25
centavos, ibas a conseguir un animal
disecado. Los regalé todos.
¿Encontrás cosas en común entre
lo que hacías y quien sos ahora?
- Es raro, porque los últimos
dos días estuve mirando películas
en casa y veo cómo todo se
conecta; recordé las cosas que me
interesaban. A veces pienso “Ah,
eso tiene sentido, por eso hago
esto ahora”. Y la escenografía de
los conciertos está hecha con mis
ideas, los videos son tratamientos
míos, excepto el de “Hostage”, que
fue la cosa más genial. Lo trabajé
con Stromae y dije “Ok, puedo
hacer eso, soy buena”. Pero todo
el merchandising está supervisado
por mí, los videos, las imágenes,
todo –el arte, las ropas, las fotos–.
No me gusta usar efectos, lo cual es
irritante, porque después la gente
dice “Guau, parece tan real”. Y sí,
claro que lo es. Tuve una tarántula
gigante caminando por mi boca.
La muy puta se despatarraba. Me
quedó baba negra en los ojos.
¿Ves cómo se manifiesta eso en
la música y tus composiciones?
- Sí, solía escuchar ciertas canciones
cuando tenía diez años,
había una de Skylar Grey llamada
“Final Warning”. Ella es fuego.
Esa y “Wear Me Out”. Por Dios,
esa canción. Cuando tenía 10 u
11 años, todo lo que quería era
escribir canciones como esas. Ella
era tan mala, tan cool, y pienso
que ahora la gente dice eso de
mí y como que exploto. “Bellyache”
está totalmente influida
por “Final Warning”. Un montón
de cosas que escuchaba de chica
influyeron subconscientemente
en mucho de lo que hago ahora.
Visualmente es otra cosa, porque
cuando pienso en mí me identifico
más como una artista visual.
Las imágenes vienen primero. Me
di cuenta de que Spirited Away
fue una de las influencias más
grandes e impactantes en mí,
desde lo creativo. Spirited Away
y esta película llamada The Babadook.
Estaba obsesionada con
The Babadook y esa cosa visual
espeluznante.
¿Existe alguna película para la
cual te hubiera gustado componer
la banda sonora?
- Vi como cinco veces Fruitvale
Station. Me encanta todo en esa
película. Así que sería Fruitvale
Station o una película de horror.
Me encantan las películas de horror,
y si les quitás la música, no
son tan escalofriantes.
54 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

¿Cuál es la película que más te
asustó?
- Si estoy mirando una película,
no hay nada que me asuste. Me asusto
más tarde. Me gusta estar asustada.
Lo cual significa que me asusto
un montón, porque disfruto ese
sentimiento. Siempre me gustó estar
lastimada y asustada, aterrorizada.
¿Pensás que sentirte vulnerable
y asustada te abre como
artista?
- Voy más allá. Me gusta ese
sentimiento. Cuando esto estaba
empezando, subconscientemente,
yo trataba de sorprender a la
gente porque eso es lo que recordás.
Recordás más lo que te asusta
que lo que te excita. Recuerdo una
cosa que realmente me inspiró. Mi
primer recital fue un show de The
Neighborhood en The Shrine, y la
intro de esta canción, que llaman
"Ferrari”, es pura droga. Todos
se pusieron blancos con
ese sonido aterrorizante,
y yo dije “Tengo que
conseguir que la gente
se ponga así”. No hubo
nada como la anticipación
y esa excitación, pero
el miedo hace que todo sea
más intrigante.
DAN DEGAN
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55

Lo mejor de 2018
P O R F A C U N D O A R R O Y O
DURANTE ESTE AÑO, EL GÉNERO REACTIVÓ TODAS SUS POSIBILIDADES COMO MOVIMIENTO UNDERGROUND. VOLVIÓ TAPE
RUBÍN, SU MÁXIMO COMPOSITOR LUEGO DE NUEVE AÑOS DE SILENCIO. SUS ARTISTAS MÁS DISRUPTIVOS, COMO DIEGO
SCHISSI Y AGUSTÍN GUERRERO, EXPANDIERON SU REPERTORIO; LAS ORQUESTAS COMO LA FERNÁNDEZ FIERRO PASARON POR EL
ESTUDIO; Y ACHO ESTOL (LA CHICANA), UNO DE LOS GRANDES POETAS DEL GÉNERO, COMPUSO SU QUINTO DISCO SOLISTA.
56 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

#1. TANGUERA (MÚSICA
DE MARIANO MORES)
#2. CAMBIANDO
CORDAJE
#3. NUEVA MÚSICA
ARGENTINA
#4. FOLKENSTEIN
#5. AHORA Y SIEMPRE
Diego Schissi Quinteto
Rubín-Lacruz-Heler-Nikitoff
Guerrero-Scalerandi
Acho Estol
Orquesta Típica Fernández
Fierro
el quinteto del músico
que está dando vuelta la
historia del tango tiene su
propia identidad. Por eso
es viable, también, que
construya un repertorio
sobre la base de un gigante
del género y se lo apropie.
En este caso, la música de
Mariano Mores renace entre
la destreza, la rítmica y
la vigorosidad del estilo de
Schissi y su quinteto. Gracias
al ojo gestor de Adrián
Iaies y al contexto de La
Usina del Arte, el grupo
grabó en vivo las ideas que
tenía sobre canciones como
“Cristal” (con Lidia Borda),
“Tanguera” o “En esta tarde
gris” (con Nadia Larcher).
Formado en el jazz y fanático
de Luis Alberto Spinetta,
Schissi continúa el plan desde
su base de operaciones
predilecta: el tango.
fueron nueve años de
silencio discográfico para
el creador del Cuarteto Almagro
y guía referencial y
compositiva del nuevo tango
argentino del siglo XXI.
La apertura del disco, que
recibe su mismo nombre,
es ya toda una tesis de las
búsquedas que el compositor
mezcla en tanto cultura
y sociedad. Tape Rubín es
un referente intelectual que,
a través de la melodía y la
letra, reflexiona sobre el
cosmos, la tierra y las luchas
de nuestras sociedades occidentales.
Sucesor de Lujo
total (2009), al mensaje de
Cambiando cordaje hay que
agarrarlo al vuelo porque
nunca se sabe hasta cuándo
el compositor se va a quedar
en la ciudad.
más allá de las complejidades
que tiene seguirle los
pasos al músico prodigio
del nuevo tango, hay
registros que sirven de
base para pensar a Agustín
Guerrero. El de este año
es el que concluyó junto
al guitarrista Juan Martín
Scalerandi. Desde un foco
ciudadano, y con el tango
como lenguaje de partida,
la música está centrada en
la llanura pampeana. Es una
perspectiva regional, con
el tacto personal e identificándose
en el sonido de su
tierra. Así es que a la nueva
música argentina le entran
la vidala, el candombe, el
malambo sureño, el vals, el
tango, la milonga, el abrazo
de Salgán y el guiño de la
tradición.
estol, compositor de la
Chicana, es un autor fundamental
y pilar de la letrística
del tango de estos tiempos.
Su imaginario refiere a la
urbanidad de una enorme
ciudad, pero reflexiona
sobre la amplitud de la
pampa, la llanura. Desarrolla
hace tiempo algo que
denomina el gótico surero,
un ambiente donde conviven
tanto Nick Cave y Tom
Waits como Gardel, Troilo
y el Indio Solari. En esta
quinta experiencia solista,
donde estalla de canciones
y ritmos e invita a los mejores
intérpretes del canto
(experiencia hermana de
su disco Buenosaurios, de
2009), no solo extiende su
estética como compositor,
sino que amplía su mesa de
herramientas.
ahora y siempre llega
para coronar los 17 años
de esta orquesta emblema,
una que partió los paradigmas
más duros del género
para fundar el nuevo tango
argentino en el siglo XXI. El
disco fue grabado y mezclado
en los Estudios ION por
Walter Chacón, masterizado
por Mario Breuer y producido
artísticamente por el
director Yuri Venturín, también
contrabajista y compositor.
La Fierro es el reflejo
del trabajador, ese al que le
ahorca la corbata y que se
quema con el café mientras
corre para subirse al tren.
Son nueve canciones donde
predomina el característico
marcato. Ese pulso zombi
que maneja las intensidades
de sus shows en el CAFF.
#6. DEPREDAMOR # 7. FIERO
#8. EDUARDO ROVIRA: #9. ESCENAS DE LA
LA OTRA VANGUARDIA NADA MIRAR
#10. SIE7E
Siniestra
Quinteto Bataraz
Sónico
Noelia Sinkunas
Altertango
el gesto tanguero más
disruptivo de este año es
el que propuso Siniestra.
Un reflejo es “Piso 47”, el
segundo track del disco
que se apoya en la base de
un sintetizador disparado
a través de las manos y la
paciencia de Lito Castro.
Así como la “6:25” de La
Fierro, esta canción expresa
el frenetismo actual de una
ciudad capital. Depredamor
es el cuarto disco del quinteto,
un grupo que se caracteriza
por el juego permanente
entre lo eléctrico
y lo acústico en sus propias
composiciones.
si bien las ocho canciones
que contiene el segundo
disco del Quinteto Bataraz
fueron grabadas en 2017,
los tiempos y las ansiedades
ciudadanas debieron
esperar a 2018 para tener en
mano el material editado en
CD y vinilo. Este trabajo es
el único que no parte desde
el tango como casi toda la
selección hecha por Billboard.
Aun así, contiene el
gen incorporado a lo que
Lisandro Baum (líder musical
de este asunto) entiende
como música popular argentina.
La canción “Batango”
(de Baum y nominada
a un Grammy Latino por
su arreglo), por ejemplo, no
deja dudas de esto.
lo que hace el quinteto
belga fundado por el contrabajista
argentino Ariel
Eberstein es rescatar la
obra de Eduardo Rovira
y ubicarla en un lugar de
privilegio. Este LP debut es
simplemente un acto de justicia,
llevado adelante con
hombría, elegancia, destreza
y buen gusto. Sónico no se
enrosca en releer el tono de
la obra de su homenajeado,
se permite retomar algunas
de sus composiciones claves
y presentarlas casi por
primera vez a un público
que desconoce la existencia
de un músico brillante en
tiempos de Piazzolla.
la joven sinkunas (1988)
tiene la presencia del sol
después de varios días de
tormenta. La pianista de
Berisso se desenvuelve en
varias formaciones del nuevo
tango y hasta recorre las
teclas de la nueva cumbia
con epicentro en La Plata.
Instrumental y profundo,
Escenas de la nada mirar es
un encuentro íntimo con
la compositora y su piano
y su debut como solista.
Quizás sean un guiño el
nombre de sus canciones;
ahí están “Milonguea”, “La
nueva vuelta” o “El errante”,
pero lo cierto es que para
escuchar a Noelia tenés
que atravesar la lluvia del
tiempo y después sentarte a
mirar la nada.
la agrupación mendocina
dejó de ser un quinteto
con cantante para ser un
cuarteto instrumental. Ante
ese panorama, la primera
decisión clave es la unión
estética con algunos integrantes
de 34 Puñaladas:
un fundamental Edgardo
González como productor y
compositor, más Alejandro
Guyot para sumar su voz
de ultratumba ciudadana.
Bajo el toque y el sonido
que Altertango ha construido
a través de los años, en
el disco hay instrumentales
y temas con cantantes invitados.
Una constelación sonora
que llega a su séptimo
capítulo.
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57

5 9 º F E S T I V A L N A C I O N A L D E F O L K L O R E
COSQUÍN EN BUSCA DE
SU DIVERSIDAD
CON PROPUESTAS TRADICIONALES, OTRAS MASIVAS Y TAQUILLERAS, Y ARTISTAS EMERGENTES E INDEPENDIENTES,
COSQUÍN OFRECERÁ UN PANORAMA DE LA MÚSICA POPULAR ARGENTINA DEL SIGLO XXI NO EXENTO DE
DEBATES. UN REPASO DE LA GRILLA 2019, CON TESTIMONIOS DEL CHANGO SPASIUK, LA BRUJA SALGUERO, POPI
SPATOCCO, JOSÉ LUIS AGUIRRE Y EL SECRETARIO DE PROGRAMACIÓN LUIS BARRERA.
POR PATRICIO FÉMINIS
la noción de folklore no alcanza.
Las creaciones y los sonidos
de raíz están en movimiento constante
en todo el país. Y esa misma
transición –estética e ideológica–
estará reflejada en Cosquín una vez
más. Del 26 de enero al 3 de febrero
de 2019, el 59º Festival Nacional de
Folklore cordobés reunirá a las distintas
visiones de la música popular
argentina del siglo XXI.
Así, las expresiones masivas, románticas
y de moda del llamado
folklore convivirán con las tendencias
de vanguardia y las más sutiles
de las músicas de raíz. En Cosquín
2019 coexistirán la taquilla y la
búsqueda. La oda a los paisajes sin
mensaje social, los ensambles renovadores
y el canto de la tierra que
habla de las realidades y los conflictos
de hombres y mujeres de hoy.
Desde ya, los artistas masivos
del folklore (aun con toques pop)
permitirán asentar boleterías. Estarán
Abel Pintos (el 29 de enero),
Soledad (el 26), Luciano Pereyra (el
27), Los Tekis (el 31), Los Manseros
Santiagueños (el 30) y el Chaqueño
Palavecino (el 3 de febrero), entre
otros. Además llegarán convocantes
más selectos como Raly Barrionuevo,
Dúo Coplanacu, Horacio Banegas,
Los Carabajal, Orellana Lucca,
y ascendentes como el cordobés
José Luis Aguirre, La Charo o Milena
Salamanca, entre otros.
El 29, el virtuoso Nahuel Pennisi
generará otra conmoción, y el 1º
de febrero tocará por primera vez
el cantautor chileno Nano Stern (la
misma noche de Barrionuevo y de
Pedro Aznar). Pero la música de
raíz conectada al futuro girará ya
desde la apertura de Cosquín, el 26,
con el Homenaje a Mercedes Sosa
“Traigo un pueblo en mi voz”, bajo
dirección de Popi Spatocco. Estarán
León Gieco, Peteco Carabajal, Liliana
Herrero, Teresa Parodi, Víctor
Heredia, Julia Zenko y Soledad, a la
par de voces emergentes: Pennisi,
el jujeño Bruno Arias, la riojana La
Bruja Salguero y la catamarqueña
Nadia Larcher.
La Primera Luna tendrá otra joya:
La Trova Rosarina. Juan Carlos Baglietto,
Silvina Garré, Jorge Fandermole,
Rubén Goldín, Adrián Abonizio
y Fabián Gallardo evocarán sin
nostalgia –con dirección de Claudio
Cardone– sus mejores obras, en una
idea de música popular en líneas
abiertas. En una visión afín, el 2 de
febrero La Bruja Salguero –Premio
Consagración 2017– invitará a Eruca
Sativa, que tiene un lazo en la raíz
folklórica de Córdoba.
En esa misma Octava Luna, el
Chango Spasiuk festejará –con su
grupo– los 30 años de su consagración
en Cosquín. Spasiuk le dice a
Billboard: “Mostraré lo retrospectivo
de mi música y mi sonido de
ahora. Y quiero pasar el video de
cuando hace 30 años me presentó
Juan Carlos Saravia, de Los Chalchaleros”.
Luego continúa y amplía:
“Posiblemente convoque al maestro
Rafael Gíntoli y a un acordeonista
muy joven. Yo condenso mi
experiencia, mi búsqueda y lo que
siento esencial de mí. Es como una
comida que cocinás, y, cuanto más
se reduce esa salsa, más se concentran
los sabores”.
Polémicas y debates
Mercedes Sosa también es un
puente a la música popular argentina
del siglo XXI. “Cosquín nos encargó
este homenaje de 50 minutos
con 12 voces para abrir el festival.
Con auspicio de la Fundación Mercedes
Sosa, reuniremos a consagrados
y emergentes que comparten la
ideología de La Negra sobre la música
popular”, dice Spatocco.
¿Qué retos vive esta 59 a edición?
Responde el secretario de programación
Luis Barrera: “La situación
económica apremia, pero lo sacamos
adelante con imaginación: programamos
a los artistas que participan
de todos los festivales, pero con
noches conceptuales, espectáculos
compartidos e invitados. Acordamos
las mejores condiciones y el
mejor horario con todos. Cosquín
siempre sabe continuar”.
Desde que el 26 de noviembre
anunció la programación, en las
redes sociales se pudo leer: “Hay
pocas mujeres programadas” y
“falta mayor igualdad de género en
Cosquín”. ¿Qué piensa Barrera? “La
polémica es tradicional en el festival,
pero disminuyó en los cuatro
años que lleva la actual comisión
organizadora”.
El secretario de programación
enarbola otros auspicios. “Los Guaraníes
celebrarán 25 años de trayectoria,
Los Manseros Santiagueños sus
60 años y Los 4 de Córdoba, sus 50
con invitados: Piti Fernández de Las
Pastillas del Abuelo, Guillermo Novelis
de La Mosca, el Indio Lucio Rojas
y Facundo Toro”, dice, en otra mirada
ecléctica, pero dentro de la línea
conservadora del folklore cordobés.
Voces de apertura
La Bruja Salguero cuenta cómo
surgió el cruce con Eruca Sativa
para la Octava Luna. “Queremos
contribuir al diálogo de las músicas
argentinas desde una estética
superadora. Ya no deberían existir
fronteras. Al rock y a los sonidos de
raíz nos une una misma pasión, una
fuerza y un pensamiento. De hecho,
los cruces de rock y folklore se
dan hace años, como Mercedes con
Charly y Gieco, o Divididos con la
obra de Atahualpa Yupanqui”.
La riojana medita unos segundos.
“Mi primera juntada con Eruca
Sativa fue cuando Lula Bertoldi me
invitó en agosto de 2018 al evento a
beneficio ‘Así suena la lucha contra
la trata’, en Palermo Groove. Va a
ser muy fuerte vibrar con Eruca en
Cosquín”. Y La Bruja amplía: “Es
GENTILEZA COSQUÍN
58 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

La Bruja Salguero.
Abel Pintos.
importante que haya más mujeres
en los festivales del folklore y del
rock. Nosotras poseemos una fuerza
ancestral, una tripa guerrera tremenda,
y quienes no nos toman en
cuenta se la pierden. Ojalá que más
productores se contagien”.
El sustancial cantautor José Luis
Aguirre tocará en la Octava Luna
(el 2 de febrero) y resuena hace
años como uno de los candidatos
para el Premio Consagración. El
cordobés de Traslasierra le dice a
Billboard: “Si alguna vez me toca
ser Consagración, estaré agradecido,
porque me siento parte de una
generación con una manera de mirar
la música popular argentina”.
Respecto de la grilla del Cosquín
y las polémicas, Aguirre confía.
“Soy partidario de que se escuchen
todas las expresiones. A los músicos
independientes nos cuesta un poco
más, pero así como en 2019 no estarán
algunas voces, tocará gente
como Flor Castro y Josho González,
de La Rioja, o Presenta Trío, de
Córdoba. Todo va mutando. Ojalá
que se cuide esa diversidad: que los
artistas emergentes siempre tengan
su lugar en Cosquín”.
BILLBOARD.COM.AR
59

LOUTA
fotografiado por
Matías Casal.
CADA VEZ MÁS CERCA
EN 2018, VARIAS PROPUESTAS ASOCIADAS A ARTISTAS JÓVENES DIERON UN SALTO GRANDE. TANTO EN CALIDAD DE TRABAJOS
COMO EN NIVEL DE CONVOCATORIA, ESTOS PROYECTOS EMERGENTES LOGRARON UN CIERTO RECONOCIMIENTO MEDIÁTICO Y
POPULAR HASTA HACE POCO IMPENSADO. A CONTINUACIÓN, DIEZ LANZAMIENTOS QUE FUNCIONARON COMO CROSSOVERS
ENTRE LA ESCENA INDIE Y LA PLANA MAYOR DE LA INDUSTRIA.
P O R J U A N M A N U E L P A I R O N E
NATHY PELUSO
La sandunguera EP
Nathy Peluso llegó
para sacudir las
bases del pop
latinoamericano.
Con una impronta
que mezcla música,
teatro y divismo al natural, la
argentina radicada en España logró
dar forma a un híbrido único en su
especie, y La sandunguera es la obra
que lo certifica. Con su voz, sus
gestos y sus intenciones, Peluso da
vida a las canciones, que tienen un
poco de hip hop, otro poco de salsa,
algo de soul y mucho, pero mucho
ritmo. No hay pose en un personaje
que se presenta vulnerable de
entrada, y es capaz de bailar hasta
que se acabe el mundo. Su gira
argentina de noviembre confirmó el
fenómeno de reproducciones y
views: Peluso agotó tres shows en
Buenos Aires (Niceto, Groove y
Konex en 15 días), lideró el festival
La Nueva Generación en Córdoba y
también se presentó a sala llena en
La Plata, Mendoza y Rosario.
JUAN INGARAMO
Best Seller
El cordobés
terminó de
postularse como
candidato a Gran
Solista Nacional
del futuro cercano.
Best Seller es un disco de quiebre
en todo sentido. Desde el sonido,
propone un acercamiento al
universo latino que refresca la
obra de un compositor que no
deja de nutrir su oficio. Desde lo
conceptual, el salto de nivel es
todavía más sorprendente, porque
la referencia es Músico, un álbum
por demás significativo para el
crecimiento de Ingaramo como
artista y showman. Hoy, el deseo,
la ambición y la búsqueda se
manifiestan en un trabajo que
sienta las bases de un nuevo pop
argentino con impronta continental.
“Lengua universal”, “Fobia”,
“Lo de adentro”, “Ladran” o
“Quererme”: cualquiera de ellas
podría ser, tranquilamente, la
canción del año.
60 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

BANDALOS CHINOS
BACH
EL KUELGUE
Fierrín (Lado A)
SALVAPANTALLAS
SMS
PERRAS ON THE BEACH
Flow de Cuyo
“Vámonos de viaje”
suena una vez más
en algún parlante y
de repente todo está
bien. Ese es el efecto
inmediato que
genera esta especie de primer álbum
definitivo de Bandalos Chinos. Luego
de un disco olvidado y dos EP que
los catapultaron a la crema del pop
emergente, el sexteto de zona norte
fue más allá en términos de inversión
y de búsqueda sonora. Junto a Adan
Jodorowsky y en los estudios Sonic
Ranch, en Texas, el grupo dio vida a
un cancionero maduro, ecléctico y
finamente ambientado. La voz de
Goyo Degano suena por primera vez
al frente, calmada, consciente de su
potencia para decir melódicamente.
Gracias a eso, canciones como
“Demasiado”, “Tu órbita” o “Tema de
Susana” tienen el brillo de los clásicos
atemporales. Con un repertorio cada
vez más contundente y festivo, la
banda se lanza a la conquista del
continente.
MARILINA BERTOLDI
Prender un fuego
No es extraño ver a
Marilina Bertoldi
enojada. En un
escenario, en una
nota, en alguna de
sus canciones. Es
parte del funcionamiento de una de
las artistas más imponentes de la
música joven argentina. Su
personalidad arrolladora y su
discurso siempre al frente se nutren
de esa energía tensionante. Sin
embargo, Prender un fuego es una
lectura en tiempo real que tiene
poco de impulsiva. Más apegada al
ritmo como recurso compositivo,
Bertoldi baja un cambio en materia
de distorsión y riega sus canciones
con nuevas capas de información.
La guitarra se corre a un segundo
plano y la voz gana en expresión y
liderazgo. La santafesina se corre de
su zona de confort y amplía su
horizonte creativo sin miedos.
“Necesitamos ser incluidas en los
espacios ‘normales’, lugares donde
no tiene que ser una excepción el
hecho de que haya una mujer”, le
dijo a Billboard AR este año.
En agosto, El
Kuelgue llegó por
primera vez al
Estadio Obras. La
excusa formal fue la
presentación de
Fierrín (Lado A), pero el motivo
central fue la celebración entre
músicos y seguidores por un
crecimiento sostenido que parece
no tener techo. Con la irreverencia
y el humor siempre como toque de
distinción, el grupo se ha convertido
en un referente de la nueva
música argentina a fuerza de
postales cotidianas siempre
ocurrentes y música que transmite
alegría y ganas de bailar. Sin
embargo, la primera parte de
Fierrín también es una apuesta por
un sonido cada vez más logrado. En
menos de 17 minutos, la banda
actualiza su repertorio con un
cóctel de ritmos y paisajes rioplatenses,
que destaca el magnetismo
de Julián Kartún como cantante y
una banda que parece tocar de
memoria entre armonías souleras y
mucho color latino.
LOUTA
Enchastre
Último momento.
LOUTA derritió
todo en dos
Vorterix repletos
como marco oficial
de la presentación
de Enchastre. Suena lógico ese
contexto para un proyecto que está
destinado a multiplicarse en
ambición y retroalimentación con
el público. De algún modo, el
segundo disco del ente creado por
Jaime James es un paso todavía más
contundente hacia un futuro
LOUTA de estadios, o cuanto
menos de arenas, domos y teatros
más grandes. Enchastre es un disco
que resume mucho de lo que sucede
en el pop actual y también dialoga
con una escena nacional en clara
ebullición (las apariciones de
Marilina Bertoldi y Zoe Gotusso
son significativas). Desde el sonido
y el abanico de estilos tiene todo
para ser la banda sonora de una
generación. Viniendo de LOUTA,
pareciera ser solo el comienzo.
El dúo de impronta
instagrammer jugó
fuerte por su
propio repertorio.
Apostó a un primer
álbum de siete
canciones propias como vuelta de
página de una breve pero intensa
trayectoria, que comenzó al calor
de las versiones y en YouTube. Con
la producción de Juan Ingaramo,
SMS confirma el perfil fresco y
relajado de Zoe Gotusso y Santiago
Celli, y entrega clásicos instantáneos
como “R.I.P.”, con aires
noventeros, o la encantadora “Me
conecto”. Allí, a la galería de
personajes públicos que elogiaron
al proyecto se suma Jorge Drexler,
que le añade otra capa de sentido
al nombre del dúo y colabora con
ellos en uno de los grandes
momentos del álbum. En noviembre,
la presentación de SMS ante
un Vorterix lleno asentó el
romance entre los cordobeses y un
público cada vez más amplio.
LO’ PIBITOS
En espiral
La tradición negra
ha dejado su marca
a fuego en las
últimas dos
generaciones de
músicos argentinos
ligados al pop. En ese sentido, Lo’
Pibitos es una punta de lanza para
otros artistas vinculados al funk, al
soul y otros géneros afines. En
Espiral lo certifica con un par de
colaboraciones a tono y hits en
potencia como “Nada que ver”
(junto a De la Rivera), la más lenta
“Pasan” (con Ale Sergi) y la
intempestiva “Anda corriendo el
rumor” (donde se suma Emme),
que tiene el espíritu disco de Earth,
Wind & Fire. El lenguaje del hip
hop sigue presente, pero pierde
protagonismo frente a una banda
que se anima a jugar cada vez más
en diferentes terrenos. Hoy, Lo’
Pibitos está cada vez más cerca de
convertirse en una big band
funkera sin dejar de lado la
picardía inconfundible de Villa
Crespo y su amor por los cien
barrios porteños.
Hacía falta que
Perras On The
Beach hiciera un
disco a su medida.
Luego del alojamiento
de los
miembros de Usted Señálemelo, el
proyecto de Simón Saeig y Bruno
Beguerie debía mostrar sus cartas
con la renovación de plantel y la
llegada de Ignacio Laspada, Fabricio
Foresto y Rodrigo Martínez. Con
participación de Juan Saieg y
Gabriel Orozco en varias canciones,
y con la mano de Lucca Beguerie
Petrich desde la grabación y la
mezcla, Flow de Cuyo es una
declaración de principios de un
grupo de amigos que se nutre
mutuamente y combate la oscuridad
con música desprejuiciada. El rock
argentino, el hip hop y la psicodelia
australiana se funden en un disco
plagado de iluminados momentos
instrumentales, frases históricas y
sentir generacional.
FRANCISCA Y LES
EXPLORADORES
Hermafrodita
En 2018, Franco
Saglietti se dio el
lujo de compartir
un track y un Gran
Rex con Fito Páez y
terminó el año
produciendo un disco en los
estudios Abbey Road. Ese es, de
algún modo, el ritmo natural de un
proyecto defendido en cuerpo y
alma por su líder. Saglietti no para
de potenciar esa virtud –que parece
azarosa, pero es fruto de la
constancia– y sigue cosechando
canciones en diferentes planes.
Hermafrodita es un llamado de
atención para toda la región y
destaca el sonido diseñado por la
banda que acompaña a Fran desde
hace tiempo. Canciones como
“Plaza Italia”, “Villa Urquiza” (con
una gloriosa aparición de Páez),
“Cuentagotas” o “El invierno”
demuestran también que Saglietti es
uno de los grandes compositores de
su generación. Hermafrodita es,
entonces, un disco amable, de
puertas abiertas: solo es cuestión de
animarse y entrar.
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El bautismo
de Bob Dylan
El 17 de noviembre de 1978, durante un concierto en San Diego, un fan arrojó una
cruz de plata al escenario. Dylan la recogió y sintió un escalofrío.
Ese evento abrió una represa: era el inesperado comienzo de su “trilogía cristiana”.
POR MARTÍN E. GRAZIANO
L
leonard cohen caminaba en
círculos por su casa y se retorcía
las manos. La música que salía de
su tocadiscos llenaba el aire de
preguntas. “¡No lo entiendo! –gritaba–.
Es que no puedo entenderlo.
¿Por qué buscar a Jesús a estas
alturas?”. El canadiense escuchaba
que Bob Dylan, su reflejo en el
hondo lago de los trovadores, cantaba
los primeros versos de “Gotta
Serve Somebody”. La canción,
paradójicamente, estaba más cerca
que nunca de su propia música:
una producción cromada, coros
femeninos y el aliento de un Dios
poderoso y cambiante esparcido
sobre todas las cosas. Eventualmente,
Leonard Cohen se postró
ante Slow Train Coming: “Pensaba
que aquellas eran unas de las canciones
góspel más hermosas que
jamás se habían oído”.
Otra paradoja. Las epifanías
son trascendentales, pero también
intransferibles. El 17 de noviembre
de 1978, mientras ofrecía un
concierto en San Diego, un asistente
del público lanzó una pequeña
cruz de plata al escenario.
Bob Dylan se inclinó a agarrarla y
sintió un escalofrío. La escena llegó
a su clímax unos días después,
cuando se encerró en la habitación
de un hotel de Tucson. “Jesús se
apareció ante mí como rey de reyes
y señor de señores –dijo–. Había
una presencia en la habitación que
no podía ser nadie salvo Jesús...
Puso su mano sobre mí. Fue algo
físico. Lo sentí. Sentí todo mi cuerpo
temblar. La gloria del Señor me
tiró al suelo y me recogió”.
Desestabilizado por su divorcio
y el terremoto del punk, el estreno
de Renaldo and Clara (la película
surrealista que dirigió y protagonizó)
y las críticas sobre Street
Legal, Dylan venía caminando
sobre aguas tempestuosas. La cruz
parecía una pista. La punta de un
ovillo. En enero de 1979, la actriz
negra Mary Alice Artes, que además
de vecina era su nueva novia,
se acercó a la iglesia evangélica y
neopentecostal Vineyard Fellowship.
No era la primera artista que
tocaba la puerta. Por esos encuentros,
celebrados en las casas de los
pastores o locales alquilados, ya
habían pasado algunos Eagles e
incluso tres miembros de la propia
banda de Bob. Artes se paró ante
Ken Gulliksen, el pastor luterano
que había fundado la iglesia, y fue
directo al grano. Quería consagrar
su vida a Jesús. Su novio, agregó,
atravesaba una crisis espiritual.
Poco después, los pastores Larry
Myers y Paul Esmond visitaron a
Dylan, quien, ese mismo día, “rezó
y recibió al Señor”.
Dylan, descubrieron en la iglesia,
no se tomaba nada a la ligera.
Durante los siguientes tres meses,
asistió cinco veces por semana a
los cursos de lectura bíblica y coronó
la transformación con su bautismo.
Luego miró a los ojos de su
novia y escribió unos versos. “Ángel
preciado bajo el sol, / ¿cómo
iba a saber que tú serías / quien revelaría
mi ceguera y mi perdición,
/ cuán frágiles eran los cimientos
que me sostenían? / Ahora hay
una guerra espiritual, / la carne y
la sangre se pudren, / o tienes fe
o no la tienes, / y no hay terreno
neutral”. No era extraño. Para Bob
Dylan todo era una canción. Incluso
el Apocalipsis.
Claro que no era la primera vez
que utilizaba la Biblia como combustible
(revisar, por ejemplo, el
material de John Wesley Harding),
pero sí era la primera vez que escribía
con un propósito devocional.
Aun cuando el objeto de su
devoción fuera un ánfora donde
cabía el Dios de los cristianos o
una chica. A medio camino entre
la imaginería de la generación beat
y las Tablas de la Ley, la imagen
de ese Tren Lento encabezaba una
tanda de canciones que –como no
definían ese sujeto– oscilaban entre
el soul o el mero góspel. Dylan,
que no daba puntada sin hilo, se
metió en el Muscle Schoals Studio
con un productor célebre por su
trabajo con artistas como Aretha
Franklin o Ray Charles. Jerry
Wexler, a su vez, trajo de la mano a
Mark Knopfler. Las cartas estaban
sobre la mesa.
El disco se publicó el 18 de agosto
de 1979 y, contra todos los pronósticos,
fue una suerte de hit. Trepó
al puesto N° 2 en los charts de Inglaterra,
alcanzó ventas de platino
en los Estados Unidos y le valió a
Dylan su primer Grammy como
cantante masculino. Durante la gira
de presentación, sin embargo, se
comportó menos como una estrella
del pop que como un pastor. “Jesús
me dio unos golpes en el hombro y
me dijo: ‘Bob, ¿por qué te resistes
a mí?’ –soltó durante un concierto
en Syracuse–. Yo dije: ‘No me estoy
resistiendo’. Entonces me preguntó:
‘¿Vas a seguirme?’. Yo respondí
‘Bueno, no lo había pensado’”.
Para febrero del año siguiente,
Dylan tenía una nueva tanda
de composiciones donde, según el
dylanólogo Paul Williams, aquel
“Dios de la justicia vengadora” giraba
hacia “un Dios de la restitución
y el amor”. Reunió al mismo
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equipo en el mismo estudio y, en
solo tres días, registró las nueve
canciones de Saved. La tapa era una
pintura ligeramente kitsch de Tony
Wright donde la mano de Jesús
condescendía a tocar la mano de
sus creyentes. Aunque tenía grandes
momentos (“Pressing On” y la
apertura con “A Satisfied Mind”), el
disco no llegó a estrechar las manos
del público. La crítica se abalanzó
sobre su radicalización barroca y el
ranking de Billboard arrojó la peor
posición de un disco de Dylan en
casi dos décadas.
El fin de año no trajo mejores
noticias. El 8 de diciembre se produjo
el asesinato de John Lennon,
y Dylan, que ya había sido víctima
de algunos fans obsesionados, comenzó
a entrar en pánico. Su comportamiento,
que siempre había
oscilado entre la extravagancia y
la mera misantropía, alcanzó cotas
más altas de paranoia. Chuck Plotkin,
el productor del tercer disco
de la trilogía cristiana, lo sufrió
en carne propia. Después de cinco
sesiones en sus estudios, Plotkin
le presentó una versión que Dylan
rechazó porque su sonido pulido le
remitía a los Doobie Brothers. Volvieron
a grabar, removieron canciones,
mezclaron todo de vuelta.
Dylan devolvía casetes de saque y
volea. Eventualmente llegaron a un
acuerdo y Shot of Love salió a las
calles en agosto de 1981.
“¿Te puedes sentar con él, charlar
sobre el partido de fútbol y tomarte
una cerveza y ver juntos el partido?
Claro –decía Plotkin–. ¿Le importan
un rábano muchas de las cosas
que a los demás también parecen
importarle un rábano? A veces, depende
de cómo se mire, hasta cierto
punto. ¿Es un tipo corriente? No.
¿Por qué quieres que lo sea?”.
A diferencia de muchos de sus
colegas, Dylan tenía algo claro.
No quería ingresar dócilmente en
la meseta de los clásicos adocenados.
No quería adult oriented rock.
Quería seguir en la discusión. De
modo que recibió a regañadientes
su inducción al Salón de la Fama
del Rock & Roll y, cuando ya nadie
lo esperaba, reapareció con un saco
arremangado en el prime time de
MTV. Con la Biblia en el cajón de
la mesa de luz: exactamente en el
medio de los 80.
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64 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

La posibilidad de manipular sonidos con máquinas fue uno de los grandes aportes de la tecnología a la música,
y, como bien anticipó Peter Gabriel, estos tuvieron una enorme influencia en el desarrollo de nuestra cultura.
POR PATRICIO CERMINARO
ruido: solo eso se necesita. la
bocina de un auto, el ladrido de un
perro o el tronar de un relámpago:
ruido, cualquiera, solo eso se
necesita. La aparición del sampler
significó una de las evoluciones más
importantes de la música moderna.
Y en la revolución de posibilidades
que la tecnología dio, una máxima:
si hace ruido, se puede samplear.
Fue en 1979: el primer sampler
propiamente dicho salió al mercado
hace 40 años. El Fairlight CMI I
tenía un teclado de 73 notas y aparentaba
ser un sintetizador normal.
Sin embargo, eran años de ciencia
que parecía ficción: un enorme monitor
táctil –manejado con un lápiz
óptico– funcionaba como central de
operaciones. De hecho, tan avanzado
era el sistema que, por primera
vez, el sonido se transformó en
imagen: fue la primera máquina en
revelar representaciones gráficas de
formas de onda. Enterrado entre su
exagerada cantidad de innovaciones,
el aparato creado y diseñado en
Australia por la empresa Fairlight
permitía grabar un sonido y manipularlo
a gusto y placer.
“El sampleo digital es un tipo de
síntesis computacional en la que el
sonido se transforma en datos, que
luego se vuelven instrucciones comprimidas
para reconstruir ese sonido
original”, explica el autor Mark
Katz en su libro Capturing Sound –
How Technology Has Changed Music.
El audio se reduce a su mínima
expresión: ceros y unos. Y a partir
de ahí, la lógica es la de un rompecabezas
que se desarma en mil
pedazos para volver a reunirse más
tarde. Entonces, la novedad: “El sonido,
una vez procesado en datos,
puede manipularse de varias maneras
hasta los detalles más pequeños.
El tempo y el tono se pueden
aumentar o disminuir en cualquier
sentido, y los dos se pueden manipular
de forma independiente”.
Pero como siempre, las tecnologías
nacientes son para los pocos
que pueden comprarlas. Y, su éxito,
para los menos que pueden aprovecharlas.
Un dato incomprobable
indica que fue Peter Gabriel el primero
en tener el Fairlight CMI I, al
menos en Gran Bretaña. Tal vez no
fue el primero, pero que lo tuvo, lo
tuvo: en una entrevista para la TV
francesa, el exlíder de Génesis invita
al equipo periodístico en cuestión
a convertirse en músicos. Que destruyan
una televisión, que golpeen
paredes: mientras, él los graba. Entre
risas y sorpresa, la magia. No, la
tecnología: esos ruidos caprichosos
y sin sentido se transforman en algo
improbable. Música.
“Esto va a abrir el juego totalmente,
todo aquel que quiera hacer
música podrá trabajar con un rango
de sonidos enorme. Creo que es
algo muy emocionante”, comentaba
Gabriel en esa misma emisión y
concluía, profético: “Estoy seguro
de que este tipo de instrumentos
van a tener una tremenda influencia
en nuestra cultura”. Y así fue. Como
toda innovación tecnológica, no
solo necesitó un tiempo de adaptación,
sino un considerable abaratamiento:
el equipo en cuestión
llegó a costar hasta 60.000 libras. En
1981, el Emulator de E-Mu Systems
se incorporó al mercado e hizo explotar
la demanda: funcionaba con
un sistema y posibilidades similares
a las de su competencia, por un precio
mucho más accesible.
La relación con los músicos, el
contacto con la búsqueda y la imaginación
hicieron crecer la disciplina.
Y algo que había sido creado
casi como un detalle simpático –la
posibilidad de grabar y manipular
un sonido ajeno a un instrumento
tradicional– se volvió norma y estética
de la música por venir. El sampler
se transformó en una máquina
de citar. Es cierto, la historia de la
música siempre referenció a tiempos
pasados o exitosas canciones de
antaño. “Consideremos la tradición
musical occidental –sugiere Mark
Katz–: cantos medievales incorporados
libremente y patrones melódicos
adaptados de cantos anteriores:
docenas de misas del Renacimiento
se basaron en la melodía
de la canción secular ‘L’homme
armé’”. Y continúa: “Siglos después,
una moda similar se desató cuando
compositores como Berlioz, Liszt,
Rachmaninoff, Saint-Saëns e Ysaÿe
samplearon el canto ‘Día de la ira’
–una conocida canción datada en
el siglo XIII–”. Sin embargo, nunca
en la historia del sonido los músicos
habían tenido tantas posibilidades
para citar el pasado. Y eso se volvió
una tentación demasiado grande.
Rápidamente, samplear pasó de
recurso a modalidad de trabajo,
sobre todo para el hip hop, la
música electrónica y el pop. Dr
Dre, Beastie Boys, Madonna, The
Notorious B.I.G., Michael Jackson:
todos –cualquier músico que venga
a la mente– samplearon y fueron
sampleados. Según explica el teórico
Simon Reynolds en su libro
Después del rock, esa obsesión por
el sampler deriva de una vocación
del rock como tal: “Desde muy temprano
en la historia de la música las
bandas de rock usaron la tecnología
de estudio para corregir errores y
sobregrabar algunas partes de instrumentos
agregados, aunque más
no fuera para hacer que los discos
sonaran tan densamente vibrantes
como la banda en vivo”, introduce,
y continúa: “El hip hop y el techno
representan la apoteosis del interés
del rock por el sonido en sí mismo
y el espacio virtual”.
Y en esa obsesión de alcanzar
el estado definitivo de la música
como tal, el sampler no fue solo un
paso más, sino, tal vez, uno de los
más importantes: logró que la música
alterara el tiempo. O al menos
así lo entiende Reynolds: “Si la fonografía
del rock usa múltiples tomas
y sobregrabaciones para crear
un cuasi evento, algo que nunca
‘ocurrió’, lo que se escucha en un
disco generalmente suena tan plausible
como un acontecimiento en
tiempo real. La sampladelia va más
allá: dispone fragmentos musicales
de diferentes épocas, géneros y lugares
en capas, y los usa para crear
un pseudoevento que altera el
tiempo; algo que nunca podría haber
ocurrido. Diferentes espacios
acústicos y ‘auras’ son forzados a
una adyacencia siniestra. Se lo podría
llamar ‘magia’, es una suerte
de viaje en el tiempo, una sesión
de espiritismo, una teleconferencia
entre fantasmas que tiene lugar en
la máquina de samplear”. Siendo
así, tal vez sea bueno revisar lo dicho:
la ciencia sigue siendo ficción.
Y la música, todavía más.
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66 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Tu tiempo llegó
Desde su génesis, Led Zeppelin eligió el blues como factor común, sin descuidar la incorporación
de sonidos laterales que definirían una nueva forma de entender el rock and roll en los 70:
folk inglés, arreglos arábigos y gestos barrocos.
POR SEBASTIÁN CHAVES
A
así como, según la renga, 2 + 2 = 3;
y según Radiohead, 2 + 2 = 5, no
caben dudas de que, en términos de
Led Zeppelin, dos más dos siempre,
pero siempre, dio cuatro. Cuatro
músicos abocados cada uno a una
tarea única y distinta a la de los
otros; cuatro ingredientes musicales
clave en su estética (el blues, el folk,
la psicodelia y el soul); ocho discos
de estudio claramente divisibles en
dos tetralogías; y la certeza de que
entre 1969 y 1980 fueron la banda
más grande de un género de cuatro
letras: el rock (con y sin el roll).
Y Led Zeppelin, el disco debut del
grupo, es la muestra de que cada
uno de esos elementos ya estaban
presentes y eran parte constitutiva
de su sonido desde el minuto cero.
“Solo hace falta escuchar los primeros
dos segundos de la primera canción
de su primer disco para entender
perfectamente qué quería hacer
Led Zeppelin –escribió Jon Dolan
en una reseña retrospectiva editada
en el bookazine de Rolling Stone–.
O, mejor dicho, qué querían hacerte
a vos”. Así de contundente y de entu-cara
es el comienzo de “Good
Times Bad Times”. Una célula rítmica
de dos notas que impactan
como una mole contra el parlante y
desatan la furia pulsional de Jimmy
Page y Robert Plant. Después de un
cierre con un fade-out inexplicable,
“Babe I’m Gonna Leave You” es el
opuesto perfecto: la prefiguración
de la power ballad con un arpegio
dulce y un estribillo desgarrador.
En más de seis minutos, el cuarteto
edifica una balada tierna de arquitectura
monumental.
Los integrantes de Led Zeppelin
apenas se conocían cuando entraron
a grabar las nueve canciones
que componen su álbum homónimo.
Sin embargo, no les llevó más
de 30 horas dar con el resultado
final. Si la estructura política de un
grupo de rock se construye a partir
de la diversidad de sus individualidades
(al contrario de, por ejemplo,
la de una orquesta, donde se define
por la unicidad de sus individuos),
el cuarteto londinense cumplía ese
precepto al pie de la letra, como
solo The Who lo había hecho hasta
entonces. Un cantante (Robert
Plant), un guitarrista (Jimmy Page),
un baterista (John Bonham) y un
bajista (John Paul Jones) puestos
a tocar de la manera más fuerte y
expansiva que sea posible. Porque
para ellos siempre fue una cuestión
de volumen, en tanto cantidad de
decibeles, pero también en cuanto
al espacio: Led Zeppelin suena voluminoso.
La virilidad del sonido es
tal que el teórico Simon Firth llamó
al estilo “cock-rock” (algo así como
“rock fálico”) y lo definió como
“una expresión magistral, explícita
y cruda de sexualidad (...). La música
es fuerte, rítmicamente insistente,
construida alrededor de técnicas
de excitación y liberación. Las letras
son asertivas y arrogantes, pero las
palabras son menos significativas
que las formas vocales involucradas,
los chillidos agudos y los gritos”.
“Dazed and Confused” (que más
adelante tuvo que incluir en los créditos
que había sido inspirada por
el cantautor Jack Holmes) con sus
alaridos orgásmicos y “Communication
Breakdown” con sus staccatos
punzantes y el solo de guitarra
lacerante son las pruebas irrefutables
de la idea de Firth manifestada
en Led Zeppelin.
Si parte del ADN de Led Zeppelin
es el blues, en su ópera prima
queda bien en claro con “You Shook
Me” y “I Can’t Quit You Baby”, dos
composiciones de Willie Dixon.
Respetando todo el ethos blusero (la
rítmica en 12/8, los turn arounds,
los punteos extendidos y el clima
de lamento amoroso), el grupo le
añade nada más (y nada menos)
que toda su voracidad amplificada.
“Para Led Zeppelin, la electrificación
y decoloración étnica del blues
siempre debe ser épica, descomunal
e intimidatoria”, definió Pablo
Schanton para Clarín en 2003 a
propósito de la salida del triple en
vivo How the West Was Won. Mucho
antes de las incursiones épicas
(“The Inmigrant Song”) y el ocultismo
místico (“Black Dog”), Zeppelin
fue una banda de ingleses blancos
que veían a Muddy Waters como
faro. Jimmy Page ya contaba con
cierto reconocimiento por haber
tocado en los Yardbirds (pudo haber
contado para este proyecto con
Keith Moon y Jeff Beck, pero decidió
ir por sangre nueva), John Paul
Jones se había establecido como
músico de sesión y Bonham y Plant
eran desconocidos que habían formado
parte de Band of Joy, de nula
trascendencia. En total control de
la situación, el guitarrista definió el
repertorio, produjo este y los discos
siguientes, y formó la identidad del
grupo a su antojo. Sus compañeros
irían ganando protagonismo en la
toma de decisiones con el correr de
los años y a medida que Zeppelin,
sus canciones y sus ambiciones se
volvieran cada vez más grandes.
Con un teclado de aires barrocos,
“Your Time Is Gonna Come” deja
entrever cómo el northern soul de
la época había hecho mella en las
inflexiones vocales de Plant, que
en su registro medio reafirma la atmósfera
de mañanas campestres del
tema. Detrás, Bonham, esa bestia
capaz de golpear su batería como
si la estuviese pisando un luchador
de sumo, prueba toda su ductilidad
con una base delicada. En el
final, un pequeño detalle de producción:
el tema se extiende tanto
que se cuela en el inicio de “Black
Mountain Side”, un instrumental (el
primero de una larga saga del grupo)
repleto de guitarras acústicas
de inspiración arábiga y ejecución
folk, reversión de un tema de Bert
Jansch. El disco cierra con todo el
arsenal zeppeliniano al servicio de
“How Many More Times”. John Paul
Jones ensaya un groove protojazzero,
Page entromete su guitarra
como un relámpago y Plant se va
cargando de tantos agudos como su
garganta le permite. Y eso es más
de lo que puede cualquier otra garganta.
Ocho minutos de rock and
roll construido por adición hasta
terminar en ebullición eléctrica. En
1975, William Burroughs entrevistó
a Jimmy Page para la revista Crawdaddy.
En la introducción, escribió
que Led Zeppelin “no inventó el
heavy metal, lo convirtió en una
forma de arte”. Desde 1969 hasta
1980, eso fue Led Zeppelin, la forma
de arte más desbocada y voraz
de la cultura rock. Y Led Zeppelin,
el disco, la prefiguración de su grandilocuencia.
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Emergentes
Hiperespacio
Desde Almafuerte, provincia de Córdoba, el grupo
electropop irrumpe con un disco de canciones
acaloradas y estimulantes, perfectas para el costado
más sensual de la pista de baile. Entre Daft Punk y
la escena emergente cordobesa, un proyecto con
ambición desde el minuto cero.
ahí está la chica rubia de rulos y piel morena, voz “pechadora” y
carisma arrollador. Se llama Anastasia Amarante y, además de nombre de
estrella de la bossa nova, cuenta con un reluciente paso por el programa
televisivo La Voz Argentina. Sin embargo, para hablar de Hiperespacio,
ese es apenas un hecho anecdótico. Un detalle que imprime color a un
currículum que recién empieza a completarse (2018 fue el año del debut
para el quinteto). Y que felizmente queda de lado frente al impacto generado
por Almafuerte. En el álbum debut del grupo, Amarante es una pieza
fundamental para el espíritu y la empatía que transmiten las canciones,
pero sus cuatro compañeros no son simples piezas de decorado: completan
una delantera digna de ser recitada de memoria, en un trabajo de ensamble
delicado y esbelto.
Esa química grupal es la base del proyecto nacido casi al centro de la
provincia de Córdoba, entre el Valle de Calamuchita y la llanura pampeana.
Allí, los hermanos Emiliano y Gastón Federici (ambos guitarristas)
empezaron a dialogar musicalmente junto al bajista Tomás Montanaro, en
paralelo a su formación como técnicos de sonido. Por esa vía llegó Cruz
Ataide, DJ cordobés que impulsó una redefinición estética y la incorporación
definitiva de una cantante, que terminaría siendo Amarante. Sin
embargo, el pueblo a orillas del dique Piedras Moras siguió funcionando
como base de operaciones artístico-emocional. “Los momentos en los
que más conectamos, entre nosotros y con la música, se dan ahí”, ilustra
Ataide sobre el lugar que nombra al disco, una suerte de refugio creativo
donde se cocinó a fuego lento el envión inicial de la banda.
Trabajado en una escuela-estudio que tienen los Federici allí, Almafuerte
es producto de un nivel importante de perfeccionismo. Eso transmite
el proyecto en otras facetas (por ejemplo, sus videoclips), pero es en la
música donde cobra más relevancia. “Entretiempo” (con Zoe Gotusso),
“En el fuego” (con Nahuel Barbero, de Hipnótica, también coach vocal del
disco) o “Nada es real” dibujan beats amables (de menos de 120 bpm) que
se deslizan como seda en el continuo temporal. Ahí también está la huella
del dúo Valdes, y la etiqueta de “house cordobés” (repetida por el cantante
en sus shows en vivo) parece cobrar aún más sentido, mientras un halo de
Random Access Memories sobrevuela el ambiente. Hacia el final, “Explotar”
y el remix de “Closer”, de Antrim, exponen el costado más clubber del proyecto
y el álbum termina en un punto de conexión con un futuro incierto,
pero auspicioso. Esos ocho minutos de música son, además, la respuesta
perfecta a la pregunta obligatoria: “¿Por qué se llama así la banda?”.
Aziz Asse
Como en una especie de radio que atraviesa
distintos paisajes musicales, Dial es un disco que
apela a la diversidad como matriz. El segundo trabajo
de Aziz Asse recorre una paleta amplia y llena de
excentricidad, y funciona como un quiebre en su
evolución como artista sonoro.
“está todo el día haciendo música ese chabón”, dice franco
Sorgio en un parate en la costanera cordobesa. El DJ marplatense, mánager
de Guli y productor emergente en la ciudad de las diagonales, conoce
bien a ese pibe que no para de crear. Primero como baterista de Bautista
Viajando, luego como parte de proyectos como AntuAntu y Violeta Castillo,
hoy también como quinto músico de Un Planeta. Y, en paralelo, con
un proyecto inclasificable que tiene como referencia principal su nombre
propio y cuenta con dos discos en su haber. En esa línea temporal, Dial
–segundo álbum publicado a fines de 2018– es un quiebre definitivo con
su obra anterior en materia de audio. Un perfeccionamiento evidente de
esa alquimia entre creación musical y producción artística.
“Barazu”, la primera canción, comienza como un track promedio de
LCD Soundsystem. Va ganando cuerpo y expresión de a poco, coquetea
con el sonido de Morbo y Mambo, pero no termina de explotar. “Zumo”,
en cambio, propone de entrada un entramado de líneas de teclados y
guitarras que distienden la atmósfera y estimulan la imaginación. Para
“Suave”, todo está listo para que la música empiece a derretirse y sea
capaz de crear una realidad virtual de sonido hecho forma, materia en
movimiento. El solo de guitarra española sirve para refrescar la atención
y entrega uno de los momentos más bellos del álbum. Por lo menos,
hasta la llegada de “Fake”, una pieza atravesada por el imaginario Radiohead,
que despliega un concierto de programaciones y arreglos finamente
orquestados. “Dedos en dos”, “Toto” y “Vivero mood” amplían
aún más el horizonte creativo. Da la sensación de que cualquier cosa
que suene se va a sentir bien en el cuerpo.
Ese es, en definitiva, el efecto que tiene la música instrumental del
artista platense. Sin una voz que protagonice y capitanee la estructura
de las composiciones, las melodías cantables se multiplican, pero
solo hacen su entrada cuando es momento de dar un volantazo. Cada
canción está diseñada al detalle, con una economía de recursos a la
altura de la vanguardia internacional del pop. Se trata de una especie
de laboratorio de sensaciones musicalizadas, al punto de que las bases
transmiten una calidez que se aprecia como cercana, casi tangible.
Dial es un disco surgido en pequeños espacios, donde la claustrofobia
parece acechar desde las sombras. Sin embargo, el corazón y la aventura
presentes en la obra convierten la atmósfera global en un pequeño
parque de diversiones sonoro, ideal para salir a caminar con auriculares
y entregarse al momento.
GENTILEZAS HIPERESPACIO Y AZIZ ASSE
68 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

POR JUAN MANUEL PAIRONE
FELI COLINA: ANTONIS. TOCH: ROCÍO YACOBONE
Feli Colina
Desde Salta, Feli Colina llegó a la ciudad de Buenos
Aires para hacerse camino cantando, incluso como parte
recurrente de la rutina de la línea B del subte porteño.
Acaba de ganar el concurso Camino a Abbey Road y el
contexto creativo que rodea a su segundo disco tiene
olor a algo importante.
en el momento en el que cobra forma este artículo, feli colina
está en Abbey Road. No es un bar bautizado en honor al estudio inglés
ni una casa de veraneo de una familia atravesada por el fanatismo hacia
los Beatles. Es el Abbey Road posta. El de la tapa con John, Paul, George
y Ringo cruzando la calle. El hogar y el caldo de cocción de algunos de
los discos más gloriosos de la historia del pop. Allí es donde, precisamente,
el segundo álbum de la cantautora salteña empieza a gestarse.
Junto a los músicos Diego Mema, Manuel Figuerero (ambos también en
Salvapantallas) y Baltazar Oliver (La Femme D’Argent), Colina tiene un
plantel de lujo para un registro que pide urgencia.
Por lo pronto, solo se puede escuchar a la banda en acción en “Cicuta”,
una sesión en el estudio El Pie que formó parte del concurso que la
llevó a Londres. Allí es posible ver la tensión entre experiencia sonora
y ambición pop que atraviesa la incipiente obra de la artista, que tiene,
además, dos simples lanzados en 2017 y un primer disco titulado
Amores gatos, de 2016. No es casual que Fran Saglietti aparezca aquí y
allá entre gestos y directrices interpretativas. Que el cordobés acompañe
el proceso creativo y ya haya sumado a Colina a su banda en vivo
es una señal contundente. También lo es la relación artística con Conociendo
Rusia y Gonzalo Aloras, dos referentes de la canción en sus
respectivas generaciones.
Más que un dato de color, es un indicio: no es para nada menor la experiencia
acumulada por la artista en los vagones de la línea B del subterráneo
de la ciudad de Buenos Aires. Allí, Colina consiguió financiar
su primer disco, pero también forjó una necesaria fortaleza escénica,
a prueba de horas pico. Que “Pensares” y “Popa”, sus últimas canciones
editadas en plataformas digitales, sean radicalmente superadoras
de aquel debut también enciende los radares de curiosos y analistas. La
expectativa en torno a Feroza, que será editado en 2019, es entendible
cuando se completa el rompecabezas que arma a Colina como artista
que ha sabido ganar su propio espacio. Alcanza con escucharla en el estribillo
de “Cicuta” para entenderlo: llegó para quedarse y viene a reclamar
un lugar en la discusión.
TOCH
No todo es pop incandescente en la escena cordobesa.
Allí también hay un circuito fuerte que entremezcla
folklore, caribe, jazz y músicas latinoamericanas. De
esa fauna artística emerge TOCH, uno de los grupos
más convocantes de la ciudad, que con su tercer disco
empieza a proyectarse nacionalmente.
juan pablo theaux puede ser un nombre virtualmente desconocido,
por ahora, para el mundillo de la industria musical. Sin embargo,
en su haber ya enlista trabajos como productor junto a Raly Barrionuevo
y los mexicanos Jenny & The Mexicats, y ha rechazado alguna que
otra oferta de esas que no abundan. Sucede que la prioridad de Theaux
es la banda surgida a partir de una deformación de su apellido: TOCH,
junto a su hermano Andrés y otro hermano de la vida, Martín Ellena.
Y es clave también el momento del proyecto: con su tercer LP, Voy a
encenderme, el trío se consagró como pilar de la escena cordobesa y llenó
un Studio Theater en la presentación del álbum. Esa misma sala fue
sinónimo de localía definitiva para grupos de alcance nacional como El
Kuelgue o Bandalos Chinos. Lo de TOCH, en efecto, ranquea alto en las
preferencias del público cordobés que conecta con el reggae, los ritmos
afro, el rock en español y la canción folklórica.
TOCH conjuga todo eso y también mucho más. Pero se trata, ante
todo, de una música de raíz popular. Porque las canciones son, en concreto,
aquello que forma el gran capital del grupo, y el trabajo sobre ellas
es profundo. Algunas, tranquilamente, podrían renovar el repertorio de
hits rockeros de las FM. “Allí estaré” tiene tanto de Andrés Calamaro –esa
potencia colectiva de sus versos– como de Los Pericos, con una lectura
sofisticada de los ritmos jamaiquinos como universo creativo. “85” remite
a Dancing Mood y genera impacto inmediato con una líneal vocal propia
de la dinastía Lennon-McCartney. “Ama al niño”, con Raly Barrionuevo,
vira hacia la trova latinoamericana pero conecta a Cerati con Juana Molina,
con lo mejor de Bersuit Vergarabat como link directo.
Buena parte de esa gama de universos tiene que ver con un detalle
fundamental en la obra del grupo. El bandoneón de Ellena no es un
color más en las preferencias del trío, que se completa con la batería y
el bajo. Ese elemento le aporta distinción, vibración, calidez y personalidad
propia. Pocos grupos pueden tocar con la solvencia y la gracia
que encuentra TOCH a partir de un ensamble no tradicional y, al mismo
tiempo, revelador. Los arreglos de vientos se llevan toda la atención,
pero la instrumentación en general tiene un equilibrio aceitado
y lleno de delicadeza. En ese mismo plan, las voces de los tres músicos
juegan un papel fundamental. Escucharlos con atención (y sin distracciones)
es lo más cercano a experimentar letra, melodía y armonía en
primera persona. Porque estas canciones tienen la capacidad de hacernos
sentir protagonistas.
BILLBOARD.COM.AR
69

Vivo
TINI
Luna Park
1 de diciembre
Crecimiento y
consolidación
La cantante, actriz y jurado de La Voz Argentina presentó el
Quiero Volver Tour en el mítico estadio de Buenos Aires, con
entradas agotadas y Cali & El Dandee, Aitana, MYA y Ruggero
Pasquarelli como invitados.
POR SANTIAGO TORRES
horas antes de dar puertas, ensayó el
concierto completo y estuvo atenta a cada detalle.
Ya con el estadio colmado de niñas y adolescentes
recorrió durante 90 minutos un repertorio
que crece con colaboraciones y singles, donde
abarcó distintos formatos, desde lo acústico y
baladas hasta temas uptempo de pop anglo que
convivieron con el rock de guitarras a cargo de
Pancho Cía –director musical de su banda– y
otros ritmos pop urbanos que coquetean con el
reggaetón. Con el resto de los músicos, coristas
y bailarines que se adaptaron en todo momento
a las pantallas gigantes que proyectaban videos,
algunos producidos puntualmente para la oca-
sión, el espectáculo se destacó por su sonido, su
despliegue y su colorido.
A “Tu princesa”, la colaboración con la colombiana
Karol G, se le sumaron “Ya no hay nadie
que nos pare”, “Confía en mí” y “Respirar” para
cerrar la primera parte de un setlist dividido en
etapas en las que fue renovando su glamoroso
vestuario. Llegó “Lo malo” con su par española
Aitana, “Si tú te vas” y luego un tridente en inglés:
“Like That”, “Waves” y “The Great Escape”.
Después de “Siempre bailarás”, aprovechó para
declarar con sorprendente madurez su visión
sobre los acontecimientos que se vivieron en la
Argentina en los últimos días: “Esta semana fue
delicada para todos. Estoy orgullosa de que alcemos
la voz y no nos callemos más”. Y aprovechó
para mandar un mensaje conciliador que algunos
interpretaron para los fandoms: “Pongamos
la energía de esta unión histórica en respetar a
los demás, en todos los ámbitos, aunque piensen
distinto”, propuso.
Llegaron luego hits que ranquean en el
Billboard Argentina Hot 100, como “Consejo
de amor”, junto a Agustín Bernasconi, Maxi
Espíndola y el italiano Ruggero Pasquarelli; y
“Por qué te vas”, acompañada de los colombianos
Cali & El Dandee, para finalmente cerrar
con “Quiero volver”, “Love Is Love”, “Flores” y
“Te quiero más”.
C N CO
Hipódromo de Palermo
7 de diciembre
En la cima del mundo
Luego de su exitosa visita al país en mayo de este año, el joven quinteto se
volvió a presentar en Buenos Aires en el marco de su World Tour.
POR BENJAMÍN GARCÍA
“hey dj”, el reggaetón que popularizaron
junto a Yandel y que hasta la fecha lleva más
de 294 millones de reproducciones en Spotify,
fue la excusa para que el quinteto integrado por
Christopher Vélez (Ecuador), Richard Camacho
(República Dominicana), Erick Colón (Cuba),
Joel Pimentel (México) y Zabdiel de Jesús (Puerto
Rico) saliera al escenario del Hipódromo de
Palermo ante 15.000 personas. “¿Cómo la están
pasando?”, preguntaron antes de seguir con “Mi
medicina” y “Estoy enamorado de ti”, dos canciones
pertenecientes a su más reciente álbum,
homónimo. Con coreografías efectivas, el grupo
surgido en 2015 en La Banda, programa de televisión
estadounidense producido por Ricky Martin,
lució un look repleto de lentejuelas doradas.
Promediando el show, Christopher, Erick,
Joel, Zabdiel y Richard salieron algunos segundos
de escena. Con los primeros acordes
de “Devuélveme mi corazón”, CNCO volvió al
frente con nuevo vestuario y con una pantalla
inundada de corazones. En poco más de dos
horas, hubo espacio para baladas como “Tu luz”
o “Cometa”, ambas de Primera cita, disco debut
lanzado en 2016.
Más allá de tener un ADN festivo, la boy band
latina tuvo otro motivo para celebrar: cumplía
tres años de formación. Karol Sevilla, la protagonista
de Soy Luna, y Riki, la nueva estrella del pop
italiano que este año colaboró con CNCO, fueron
los invitados especiales. “Estamos muy contentos
de estar una vez más acá”, dijo Erick. “Reggaetón
lento (Bailemos)”, cuyo video alcanza las 1500
millones de reproducciones en YouTube, fue la
más celebrada de la jornada. Se despidieron con
“Se vuelve loca” entre fuegos artificiales.
TINI: GENTILEZA UNIVERSAL. CNCO: MONO GÓMEZ
70 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Vivo
LUCIANO PEREYRA
Estadio Vélez
8 de diciembre
GENTILEZA UNIVERSAL
Veinte años
de folklore
El cantante nacido en Luján repasó
su carrera con Soledad, Antonio
José, Luis Jara y Camila Gallardo
como invitados.
POR GABRIEL HERNANDO
luciano pereyra acumuló dos décadas de
carrera en las que también debió superar serios
inconvenientes de salud. Pero lo trascendente
de la noche del sábado 8 de diciembre fue que
alcanzó una meta que solo logran unos pocos:
arribar a un estadio abierto como el de Vélez.
Después de agotar las localidades en el Luna
Park y en el Gran Rex, y de una exitosa gira
que lo llevó por todo el país, Latinoamérica,
Estados Unidos y España, Pereyra recorrió
en el estadio su extensa discografía y presentó
“Quédate conmigo” y “Casarme contigo”,
aunque colocó el acento en su última producción
discográfica: La vida al viento reúne un
puñado de canciones en las que el artista se
libera de cualquier estilo específico. Puede
haber cambiado y modernizado su sonido con
pinceladas electrónicas y urbanas que oxigenan
la propuesta y la vuelven más bailable. No
obstante, el pop latino, las baladas románticas
y sus raíces folklóricas permanecen firmes.
“Buenas noches, Vélez. Gracias por hacer este
viejo sueño realidad”, dijo Pereyra, delante de
su puesta: cinco pantallas led verticales, gran
variedad de luces, humo y efectos especiales. El
escenario incluyó dos escalinatas y una pasarela
en altura, una sólida banda de nueve músicos
y dos coristas que acompañaron la velada con
versatilidad y cintura pop ante los cambios de
ritmos. Sin embargo, la permanente presencia de
un sicu, un charango, una quena, un violín y un
acordeón dejó bien en claro que, más allá de los
dictados del mercado, Pereyra conserva las raíces
folklóricas. Y, en ese sentido, “Chaupi corazón” y
“Memorias de una vieja canción” (en homenaje
a Horacio Guarany, su “padrino artístico”), entre
otras, funcionaron como claros ejemplos.
Participaron como invitados especiales los
chilenos Camila Gallardo y Luis Jara en “Seré”
y “Zamba para olvidar”, respectivamente; el español
Antonio José, que ya había actuado como
número de apertura, volvió a escena para “Cuando
te enamores”; mientras que Soledad Pastorutti
se incorporó para “Enséñame a vivir sin ti” y
“Culpable o no” (que estaba fuera del programa).
También hubo obsequios de parte de Universal,
su compañía discográfica: la certificación de Doble
Platino de su último álbum, además de una
mención especial por sus 56 sold out de la gira La
vida al viento 2018.
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71

Vivo
MORRISSEY
DirecTV Arena
7 de diciembre
La provocación
como hábito
Alejado de los lugares comunes, el inglés
sació la sed de sus fanáticos en un show cuyo
espíritu se puede resumir en una de sus frases
más arrogantes y, a la vez, más encantadoras: “Si
no te gusto, no me mires”.
POR PABLO DÍAZ MARENGHI
irreverente e iconoclasta; esos son algunos
de los adjetivos que podrían describir a Steven
Patrick Morrissey, quien despertó, a lo largo
de 36 años de carrera en la música, adeptos y
detractores en partes iguales. Aquel que pidió la
cabeza de Margaret Thatcher o que promovió el
veganismo y los derechos de los animales en sus
canciones regresó a la Argentina por quinta vez
y dio su show más atípico. La gira de su último
disco, Low in High School (2017), fue tan solo
una excusa para repasar los resquicios más inexplorados
de su discografía: lados B, temas poco
tocados en vivo y algunas perlas de los Smiths
fueron los platos fuertes de un concierto que,
pese a algunas pequeñas fallas de sonido, sirvió
para revalidar la vigencia de una de las voces más
prodigiosas de la música alternativa.
Viva Hate (1988) fue el más homenajeado en
el setlist: estuvieron las poco frecuentes “Dial-a-
Cliché”, “Break Up the Family”, “Haidresser on
Fire” –uno de los puntos más altos– y el clásico
inoxidable “Everyday Is Like Sunday”, que cerró
su performance en los bises.
El público osciló de la interacción desenfrenada
en los hits de Smiths, como “How Soon Is
Now” o “Is It Really So Strange?”, a la apatía ante
ciertas canciones tan solo conocidas por los fanáticos
de la primera hora del mancuniano. Ejemplos
de estas rarezas fueron “If You Don’t Like
Me, Don’t Look at Me” y “Munich Air Disaster
1958”, incluidos en su recopilatorio de lados B
Swords (2009); el single “Sunny” (1995) o “Life Is
a Pigsty”, cuyo sonido fue demoledor.
Esta ecléctica lista de temas sirvió como evidencia,
si es que se necesitaba alguna más, de que pese
a que el artista no paró de declararle su amor al
público (gritó “I love you” en varios momentos),
siempre hizo lo que quiso y lo seguirá haciendo
sin importarle demasiado las consecuencias.
Hubo momentos, también, para la bajada de
línea típica del autor: en “The Bullfighter Dies”,
canción que denuncia la tauromaquia como
tortura, se proyectaron imágenes de toros siendo
masacrados; y en “I’m Throwing My Arms
Around Paris”, tema que no venía tocando en
esta gira, exhibió una fotografía de las manifestaciones
parisinas actuales de los “chalecos amarillos”
y modificó la letra en pos de la coyuntura:
“Nobody wants Macron”.
Tan solo dos temas de su nuevo álbum sonaron:
la inquisidora “I Wish You Lonely” y el corte
de difusión “Spent the Day in Bed”. Otro punto
alto en la escala de la emoción y el dramatismo
se vivió en “Alma Matters”, tema que pinta al músico
de cuerpo entero y cuyo estribillo fue coreado
por todo el estadio.
La banda que lo acompaña, con el histórico
Boz Boorer en guitarra líder como principal exponente,
demostró una vez más toda su potencia
en el vivo, destacando la actuación de Matt
Walker en batería y su toque explosivo. El sonido
mutó de un jangle pop cercano a la época de
Smiths pasando por pasajes postpunk o de balada
romántica, reflejando los diferentes climas
que resume su obra solista.
Su voz se escuchó, una vez más, intacta, manteniendo
su inconfundible tono barítono, produciendo
climas magnéticos y aterciopelados. Además
logró construirse casi como un crooner, un
cantor de música popular en la misma línea que
Nick Cave o Tom Waits. Se lo vio encendido y
cercano a su público, a quien le firmó vinilos y le
regaló, como suele hacer, las camisas que se fue
arrancando en diferentes momentos del show,
que rozaron el melodrama.
Su noveno concierto en la Argentina ratificó
que, más allá de las polémicas, su arte sigue vigente.
Se ha ganado un lugar en el podio de la música
alternativa compartiendo ADN con artistas como
David Bowie (homenajeado en los videoclips que
proyectó en la previa), Iggy Pop o Lou Reed, quienes
supieron darles voz a través de sus canciones
a los marginados, los freaks, los incomprendidos y
los románticos inconformistas.
TRIGO GERARDI
72 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

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73

Vivo
ÉL MATÓ A UN POLICÍA
MOTORIZADO
Tecnópolis
8 de diciembre
El consuelo
del rock
A Él Mató le costó sacarse el miedo y
dar el paso a un show consagratorio.
A pesar de ser considerados un
faro para una generación de artistas
independientes, los platenses
siempre tuvieron paciencia en sus
movimientos.
POR ILAN KAZEZ
“no tengas miedo”, repite como mantra
Santiago Motorizado en la noche del sábado sobre
el escenario cubierto de Tecnópolis. La frase pertenece
a “Terror”, de su anteúltimo álbum, La Dinastía
Scorpio (2012). La luz azul oscura les daba
un aura lúgubre a los seis músicos de Él Mató a un
Policía Motorizado. El ritmo era lento y la guitarra
espacial viajaba en pos de alcanzar la melodía. Había
algo de ternura en la forma que cantaba Santiago,
como un amigo que llega para consolar.
Recién en 2017, a más de una década de su
nacimiento, rompieron la barrera del nicho indie
con el álbum La síntesis O’konor. Hace tiempo
venían coqueteando con la idea de un recital
grande en Buenos Aires. Por todo esto, la expectativa
del show en Tecnópolis era grande. Y Él
Mató cumplió. Ante 5000 personas, ofreció un
espectáculo sólido de 30 canciones en un poco
más de dos horas en las que repasó su carrera y
adaptó su propuesta sonora y estética a un escenario
grande sin perder identidad.
“Día de los muertos”, del álbum homónimo
de 2008, y “La noche eterna”, de su último trabajo,
mostraron el contraste y la evolución de
la banda durante estos años: la primera manifestó
densidad y generó una épica apocalíptica,
mientras que la segunda, más cristalina, tuvo
más espacio y un estribillo casi pop. Apostaron
por el volumen alto, aunque esto no impidió que
sonaran nítidos y ajustados. Quedó claro en la
complejidad de los temas del último disco, como
la instrumental “La síntesis O’konor”, “Las luces”,
“Destrucción” o “El mundo extraño”.
“Cuántas noches me despierto y pienso en el
tiempo perdido”, se lamentó en “El fuego que
hemos construido”, un track de marcha lenta e
hipnótica de más de siete minutos. La pantalla
mostraba un cielo rosado y el escenario estaba
lleno de humo, como si fuera la tapa de Loveless
de My Bloody Valentine, disco clave del ADN de
Él Mató. Los platenses hicieron de la introspección
una estética, y de eso se alimenta su mística:
la mayor parte del tiempo, la contraluz formaba
siluetas más que personas, mientras que las canciones
hacían énfasis en los silencios. Santiago,
con su look desaliñado y robusto, es el antifrontman
del rock: retraído, de movimientos tímidos
y pocas palabras, apenas algunos “gracias” o un
“prosigan” cuando el público cantó contra el presidente
Mauricio Macri.
Junto a “Madre” cargaron de dramatismo el
set. Ambas fueron el comienzo de los bises, lleno
de pequeños himnos: “El tesoro”, “Yony B”, “Chica
de oro”, “Ahora imagino cosas”, “Más o menos
bien”, “Chica rutera” y “Mi próximo movimiento”.
Cerraron con “Prenderte fuego”, de su primer
disco, de 2004. Los últimos minutos fueron dedicados
al cuelgue instrumental distorsionado,
demostrando que la búsqueda por su esencia alternativa
se mantiene intacta, sin importar el tamaño
del escenario ni la cantidad de público.
MATÍAS CASAL
74 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

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Reviews
EN PROCESO
Después de un 2018
en el que rompió
numerosos récords,
Cardi B todavía no
está lista para bajar la
guardia y descansar.
La rapera confirmó
a través de un vivo
de Instagram que
está en sus planes
sacar un álbum este
año. “Por supuesto
que habrá un disco
en 2019”, aseguró.
Además, dijo que lo
quiere lanzar más o
menos por la misma
época del año que
estrenó Invasion of
Privacy el año pasado;
es decir, en abril.
NEIL YOUNG
Songs for Judy
Reprise
en 1976, neil young pasó buena
parte del año en la ruta con Crazy
Horse o Stephen Stills. A los Crazy
Horse volvería a reunirlos, pero a
Stills lo plantó: “Es curioso cómo algunas
cosas que comienzan espontáneamente
terminan de esa manera.
Come un durazno, Neil”, le
escribió luego. La intempestiva salida
de aquel muchacho de 30 años
–que ya contaba con joyas como After
the Gold Rush, Harvest u On the
Beach– parece flotar en estas actuaciones
en vivo de su gira de noviembre.
Young está liviano de equipaje,
armado solo de su voz y su guitarra
(ocasionalmente del piano o el banyo),
pasando algunos clásicos y sumergiéndose
en Give Me Strenght o
Too Far Gone, picos de su inalcanzable
status como artista de escenarios.
También revive a Buffalo
Springfield (“Mr. Soul”) y estrena
“Campaigner” (publicada al año siguiente)
y “No One Seems to Know”
(hasta ahora inédita). Un disco nocturno
y emotivo que funciona como
complemento ideal de Hitchhiker, el
disco acústico que Young había grabado
tres meses antes y que se publicó
en 2017.
LO’ PIBITOS
En espiral
Pelo Music
el combo de villa crespo afronta
el desafío del tercer disco con
groove y un abanico de feats de
peso propio. El Dog Guido Ruggiero,
Tomás Bacigaluppi y los
hermanos Arbe fortalecen su unidad
(Ruggiero y Juan Arbe son los
productores artísticos del trabajo)
y ofrecen la plataforma expandida
del universo pibito a Juan Ingaramo
(en el trap “Hay un lugar”) y
Rubén Rada (en el aire de salsa de
“Empuja”), entre varios más. El color
caribeño de la voz de Amanda
Querales es el pie al candombe que
abre el disco y que prepara el terreno
para un flow que se desliza por
paisajes latinos y funky. “Pasan”,
con Ale Sergi, es pura rima de la
Costa Oeste antes del funky-disco
de “Anda corriendo el rumor”, con
Emme. Pero también hay raíces
porteñas: en el electro-pop “Nada
que ver” samplean a Charly García
(cerrando el círculo de aquel primer
sampleo argentino de 1983),
en “Dar” toman la posta del último
Illya Kuryaki & The Valderramas y
más tarde versionan con desparpajo
y ánimo bailable “La rubia tarada”,
de Sumo.
MUMFORD &
SONS
Delta
Island
de los grupos que convirtieron
al folk en un género interesante para
los centennials, el cuarteto londinense
ha sido el más exitoso y a la
vez estático. La afectación de Marcus
Mumford y la épica devocional
de canciones disparadas por banyos
pero diseñadas para llenar estadios
crearon un estilo que más que profundizarse
ha estado en loop desde
aquel sorprendente Sigh No More
(2009). Para esta cuarta entrega, el
grupo se asoció con el productor
Paul Epworth (premiado por su trabajo
con Florence and The Machine
y 21, de Adele) en su nueva adquisición:
The Church Studios, construidos
en una iglesia del siglo XIX
al norte de Londres. Fueron 35 canciones
que decantaron en 14 tracks
marcados por la fragilidad y la intemperie;
en la cocción del disco se
mezclaron la reflexión sobre las causales
de la depresión humana con la
grandiosidad silenciosa de los documentales
de Nat Geo. El resultado es
un arrullo desesperado que intenta
salvar la insatisfacción de Wilder
Mind (2015), pero choca con la carencia
de buenas canciones.
MICHAEL BUBLÉ
Love
Warner Music Argentina
después de sopesar un retiro
prematuro a causa de la enfermedad
de su hijo Noah, el cantante
canadiense retoma el sendero de la
revisión de standards románticos
con su habitual destreza. “When
I Fall in Love”, la canción de Victor
Young y Edward Heyman escrita
para One Minute to Zero (Tay
Garnett, 1952) y revitalizada por el
dúo post mortem de Natalie y Nat
King Cole en 1996, fue el primer
single de este trabajo que Bublé
se tomó con la soltura de quien se
sabe ganador. ¿Cómo afrontar, si
no, nuevas versiones de “My Funny
Valentine” o “Unforgettable”? Bublé,
de 43 años, avanza con dulzura
dosificada por estrofas muchas
veces transitadas, pero la cercanía
de su voz y la ternura de su aura de
estrella pop convierten el trayecto
del disco en un paseo amable más
que en una prueba de aptitud lírica.
Además del original “Forever
Now” y la colaboración “Love You
Anymore” con Charlie Puth, Bublé
incluyó el clásico “La Vie en Rose”
a dúo con la joven Cécile McLorin
Salvant y se la dedicó a su esposa
argentina Luisana Lopilato.
MARIAH CAREY
Caution
Epic
cinco años y medio puede ser
una eternidad. Es el tiempo que
transcurrió desde la última aparición
de Mariah Carey en el Top 20
hasta la edición de este nuevo álbum.
Sin embargo, la cantante neoyorkina
se toma las cosas con tranquilidad:
Caution es un disco nada
efectista, sino apacible, suave, sedoso.
El ojo está puesto en el sentimiento
íntimo de cada canción y en
76 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

POR LUCIANO LAHITEAU
AUSTIN HARGRAVE
las frecuencias de la voz privilegiada
de Carey, que aparece multiplicada
y a veces disuelta entre los beats. El
nuevo enfoque, mucho más reservado,
es atribuible al recambio de colaboradores
que implementó la cantante
en su regreso a Epic: Bibi Bourelly
(Rihanna, Usher), Lido (Ariana
Grande, Halsey) y Luca Polizzi (Roy
Woods, Yo Gotti) son músicos jóvenes
que sencillamente desconocieron
el plafón desde el que Carey solía
partir. También Skrillex y Blood
Orange figuran entre los que colaboran
en este regreso, que se grabó
en medio de la revolución del #Me-
Too y al que la reina del R&B aporta
con la declamativa “A No No” (con
Lil Kim).
ZERO KILL
Unisex
Sony Music Argentina
cuando benito cerati lanzó el
adelanto de su nuevo disco, una
canción relajada llamada “Siglos”,
un diario porteño equivocó el nombre
y publicó “Signos”. El fallido, que
habla más del inconsciente de quien
tecleó que del músico, es otra broma
amarga del destino de alguien que
tendrá que convivir con la sombra
de su padre por largos años. “Cuidado
con la cabeza”, advierte el primer
track, un rock trepidante que
merodea el hardcore metropolitano
de los primeros Babasónicos y donde
Cerati remarca la frase “No sabés
quién soy”. La indefinición estilística
de Zero Kill es la premisa del disco,
que discurre entre el ánimo celebratorio
de “Narciso” (que recuerda
a “Zoom”, sí, de Soda Stereo) y el
power pop gótico de “I Am Still a
Man”, e intercala líricas en inglés y
castellano. “Jesús...” es una confesión
laica que refracta con el deseo de
“Sebastian”, un soul sónico influido
por el sonido de Brighton. “#AttentionWhore”,
con Leo García, es un
upbeat liberado que proyecta a Benito
sobre la pista de baile y lo saca
de sus disquisiciones privadas al grito
de “déjanos en paz”.
de parias a capaces de crear
“una respuesta millennial a Ok
Computer”, el cuarteto de Manchester
vive en una montaña rusa de
exposición que avizora varios capítulos
con su tercera gira mundial.
Es que, como Thom Yorke o Bono,
Matt Healy y sus coequipers no le
temen a teñir su obra con su postura
sobre temas de actualidad. Por el
contrario, A Brief… habla de envejecer,
de suicidio, de brutalidad poen
este cancionero de baladas
clásicas, el tucumano repite el ejercicio
de recuperación histórica que
resultó en Rock & Roll (2017). Impulsado
por su regreso a los escenarios
y el éxito de El ángel (Luis Ortega,
2018), donde versiona “La casa
del sol naciente”, Palito va aún más
atrás y busca en su arcón de recuerdos
previos a su desembarco en Buenos
Aires. Son canciones de fines de
los 50 e inicios de los 60 que Ortega
tenía a flor de piel para mostrar en
las audiciones que se le negaban sistemáticamente,
hasta que dieron la
vuelta de campana que lo convirtió
en superestrella juvenil. Las semillas
de los éxitos propios que más tarde
cosecharía. La ingravidez de Paul
Anka, la inocencia de Enrique Guzmán,
la pulcritud de Neil Sedaka y
la genialidad de Del Shannon son
homenajeadas con una reanimación
holográmica de las producciones de
aquella época, con las que Ortega
activa la nostalgia, pero no siempre
emociona. Se destacan la versión de
“Oh Carol” y la festiva “Por los recuerdos”,
que condensa el espíritu
del álbum.
LIBROS
PALITO ORTEGA
Románticos 60´s
Sony Music Argentina
la proverbial desmesura del fanatismo ricotero
se encauza aquí en algo valioso. Movidos por
su admiración por la obra de Patricio Rey, pero
con especial énfasis en el imaginario visual pergeñado
por Rocambole, Meroni y Rimancus encabezan
un libro colectivo sobre la experiencia de
ser un ricotero. Aquí no hay sesudas indagaciones
sobre el carácter de Solari ni la evanescencia
de Beilinson, tampoco lecturas sociológicas del
fenómeno: se trata, en cambio, de reconstruir la
memoria de discos y shows, mensurados por el
THE 1975
A Brief Inquiry into
Online Relationships
Interscope
DANIEL MERONI Y GERMÁN RIMANCUS
Solos y de noche. Crónicas de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
Editorial independiente
The 1975.
licíaca, de Trump y Kanye West, de
Cambridge Analytica y de la guerra
con el mismo compromiso y afán
comunitario: parte del disco está
inspirado en las interacciones que
Healy tiene en Twitter. En una multiplicidad
de pestañas estilísticas
(bubblegum pop, soul, electrónica,
balada, neo-jazz y hasta spokenword
interpretado por Siri, el asistente
de Apple), el grupo construye
un atractivo y emocionante acercamiento
a la, a menudo, traumática
y excesiva experiencia de la vida
hiperconectada. El postulado tiene
una segunda parte, Notes on a Conditional
Form, que el grupo grabó y
produjo simultáneamente, pero que
se conocerá en 2019.
impacto que produjeron en los que estaban entre
el público. Así, en este primer volumen (que
va en retrospectiva, comenzando por el último
show de la banda en Córdoba), las crónicas de
los periodistas Bruno Larocca, Oscar Jalil y Pedro
Irigoyen, entre otros, repasan shows como los de
Huracán, Racing o River, y complementan el riguroso
registro técnico de los conciertos y el notable
trabajo de archivo y memorabilia con afiches,
entradas y bocetos del arte visual (siempre
revelador) de la discografía del grupo.
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77

78 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Con “Thank U, Next”,
Ariana consigue otro
récord en streaming
“Thank U, Next”, de
Ariana, regresa al
N° 1 del Hot 100 y llega
a su cuarta semana.
MILLER MOBLEY
Después de ser homenajeada
como Mujer del
Año por Billboard,
Ariana Grande festejó
por doble gracias a que “Thank U,
Next” regresó a la cima del Billboard
Hot 100, con la semana de
streaming más grande para una
canción de una artista femenina. La
semana siguiente al estreno del video
oficial, el 30 de noviembre –una
oda a las películas de los tempranos
2000 como Triunfos robados, Chicas
pesadas y Legalmente rubia (con un
cameo de la actriz Jennifer Coolidge)–,
la canción logró su cuarta
semana en el N° 1 del Hot 100 con
93,8 millones de streams en los Estados
Unidos (un crecimiento del
121 por ciento, según Nielsen Music).
La suma es la séptima más alta
para cualquier canción y la máxima
entre todas las mujeres, sobrepasando
los 84,5 millones que Taylor
Swift consiguió con “Look What
You Made Me Do” en 2017. “In My
Feelings”, de Drake, conserva el registro
más alto: 116,1 millones (en
julio de 2018).
El primer N° 1 de Grande en el
Hot 100 también saltó del 5 al 2 en
el chart de ventas digitales, con un
crecimiento del 146 por ciento y
43.000 descargas vendidas. En el listado
de Canciones en Radio, subió
del 23 al 11 (57 millones en audiencia).
En cuatro semanas, “Next” es
el N° 1 más extenso para una mujer
sin ningún colaborador desde “Hello”
de Adele, que lideró durante
diez semanas a fines de 2015.
—GARY TRUST
BILLBOARD.COM.AR
79

“Talk to Me” fue grabada originalmente
para tu próximo álbum en español, El
agua. ¿Por qué terminó en Love Me Now?
Tory Lanez: Antes de ser “Talk to Me”, se
llamaba “Háblame”, pero no me gustaba
demasiado. Algo en la melodía sonaba a
que debía ser en inglés. Así que después
puse a Rich the Kid. Él es muy vigoroso, y
supe que cualquier cosa que él hiciera iba a
ser memorable.
¿Por qué creés que a este tema le está
yendo tan bien?
Puse mucho de mí en esta grabación: fui
a las radios, hice que los programadores
confiaran en él, realicé el trabajo previo…
cuanto más trabajo puse, más veces se escuchó
el tema y más se instaló en la mente
de las personas.
¿Cuál es la idea con la marioneta imaginaria
que aparece en la tapa del disco
Love Me Now?
Tengo una versión mía en marioneta llamada
“Lil Tory”. Cuando ingresé a la industria
de la música, la gente quería que siguiera
cierta línea, pero yo fui siempre libre. Las
personas que se mantienen firmes en sus
opiniones son las que crean cosas espectaculares
en la vida. Cualquier cosa que
quiera hacer, la voy a hacer.
—TATIANA CIRISANO
Con 36 millones de streams
en EE.UU., Mill tiene su
primer Hot 100 top 10. Drake
cuenta con 33, extendiendo
su marca y acercándose a
la de Madonna (38) y The
Beatles (34).
LANEZ: JOSH “MIDJORDAN” FARIAS. MILL: THEO WARGO/GETTY IMAGES.
80 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

La leyenda Dean Martin regresó
al Billboard Hot 100 gracias a
que “Let it Snow, Let it Snow, Let
it Snow” debutó en el N° 41. Así,
obtiene su primera entrada en 49
años, tres meses y dos semanas.
Martin apareció por última vez
en el chart el 30 de agosto de
1969, con “It Take a Lot of Pride in
What I Am”. Pero aún no quebró
el récord de mayor cantidad de
tiempo entre ambos ingresos: la
marca la ostenta la estrella de jazz
Louis Prima con 57 años, cuatro
semanas y una semana entre
“Wonderland by Night” en 1961
y su regreso con un featuring en
el track “4th Dimension”, de Kids
See Ghosts. –XANDER ZELLNER
MARTIN: SILVER SCREEN COLLECTION/GETTY IMAGES. CAREY: SAMIR HUSSEIN/WIREIMAGE. RONSON: JOHN PHILLIPS/GETTY IMAGES.
La canción de Carey de 1994
alcanza un nuevo registro con
28,5 millones de streams nuevos
en los Estados Unidos. Pero
no es el único hit navideño que
alcanza nuevas marcas: “Last
Christmas”, de Wham! (1984),
llegó al top 40 (del 43 al 34).
Ronson obtiene su marca más alta
en el Hot 100 desde que “Uptown
Funk!” (feat. Bruno Mars) pasó
14 semanas en el N° 1 en 2015.
Su nueva colaboración empezó
con 9,3 millones en audiencia de
radio, 7,5 millones de streams y
17.000 descargas vendidas.
BILLBOARD.COM.AR
81

CODA
20 años atrás
TITANIC ERA EL REY
DE LOS CHARTS
El álbum hipertaquillero, apoyado en el megahit de Céline Dion, logró
ser uno de los apenas seis soundtracks que lideraron el listado anual del
Billboard 200.
los récords que logró james cameron
con Titanic no se limitaron al cine. Lanzada
el 19 de diciembre de 1997, la película
que protagonizaron Kate Winslet
y Leonardo DiCaprio se convirtió en el
primer film de los Estados Unidos en
facturar más de mil millones de dólares
en todo el mundo. El soundtrack de la
película logró un éxito similar. El LP lideró
el Billboard 200 el 24 de enero de
1998 y permaneció allí durante 16 sema-
nas, y, en consecuencia, quedó primero
en el ranking anual de ese año. Solo cinco
soundtracks lograron lo mismo. Los
primeros cuatro fueron West Side Story
(1963), Mary Poppins (1965), Saturday
Night Fever (1978) y El guardaespaldas
(1993). Solamente Frozen lideró el listado
de fin de año, en 2014.
Titanic se benefició del éxito de Céline
Dion, “My Heart Will Go On”, que
lideró el Billboard Hot 100 durante dos
semanas y dominó el chart Radio Songs
durante diez. El tema también fue lanzado
en el LP de Dion Let’s Talk About
Love, que encabezó el Billboard 200 el
17 de enero y terminó N° 2 en 1998, debajo
del soundtrack de Titanic.
Dion interpretó la canción en los
Bill board Music Awards de 2017, donde
contó que Cameron inicialmente no
pensaba que la película fuera a necesitar
una canción. Ella también se mostraba
reacia a grabar otra balada. Hoy,
Dion dice que atesora el legado de la
canción. “En los conciertos pienso ‘No
voy a cantarla otra vez’. Y después se
abre la cortina, sale el humo y la gente
se pone a llorar”.
El soundtrack vendió 10,2 millones de
copias, según Nielsen Music, e inspiró
varios tributos. Recientemente, Charli
XCX y Troye Sivan reinterpretaron la
clásica escena de DiCaprio y Winslet en
el video musical de 1999. —GARY TRUST
REBOBINANDO
LOS CHARTS
DiCaprio (izquierda)
y Winslet fuera de
cámara, en el set de
Titanic en 1997.
TCH/PROD.DB/20TH CENTURY FOX/ALAMY
82 BILLBOARD AR | ENERO, 2019

Tiempo de festivales,
de Cosquín al LollaPalooza
Dentro del gran primer cuarto del 2019
El 2019 comienza bien y las perspectivas, pese
a que será un año eleccionario, son positivas
con un primer cuarto muy fuerte donde lo ya
anunciado por las productoras líderes,
se entremezcla con los tradicionales
festivales folklóricos y rockeros,
estos últimos más aggiornados a los
nuevos tiempos.
Será el tiempo del Festival de
Cosquín, que tendrá a Abel Pintos,
Luciano Pereyra y Los Nocheros;
Jesús María y Villa María, el más innovador
con espacio para figuras
latinas como Sebastián Yatra.
Luego será el turno de los
más consolidados rockeros
que ya llevan muchos
años, como el Cosquín
Rock de José Palazzo
el 9 y 10 de febrero —
con Las Pelotas, Ciro,
y Ska-P—, con Fernet
Branca, mientras ya es una
plataforma de promoción del
rock nacional por Latinoamérica.
Y el Rock en Baradero, el único con
tres días el 2, 3 y 4 de marzo —con
La Beriso, Babasónicos y La
25— y en franco crecimiento como
su productora Gonna Go de José
Luis Cameron, que tiene también
a Museum Live y La Plata como
plaza fuerte, donde hace además el
8 de febrero a Ska-P en el Punto Unico
del Estadio Ciudad de La Plata.
Ed Sheeran
Gran primer cuarto de las
Productoras líderes
Se intercalarán desde febrero con el armado de
las productoras líderes. Move Concerts anunció
a Ed Sheeran pero para el 23 de febrero en el
Campo de Polo con el BBVA Francés.
Fernando Moya en Ozono/T4f para el Cono
Sur, tiene a Stone Temple Pilots el 19 de febrero
en el Malvinas Argentinas y a Paul McCartney
para el 23 de marzo en el Campo de Polo, venue
que está empezando a reemplazar al Unico de La
Plata con el Banco Patagonia.
PopArt junto a Lauría hacen a Luis Miguel
para el Campo de Polo con el BBVA
Francés el 1 y 2 de marzo. Esta segunda
productora, ya metida entre los
líderes, hacen antes en el Campo de
Polo el festival Buenos Aires Trap
con Brahma el mismo 23 de febrero,
el 22 tiene a Carlos Rivera en el Luna
Park y para el 13 de abril anuncia ese
mismo venue para Pablo Alborán.
En marzo, DF Entertainment destaca
el LollaPalooza con Kendrick Lamar,
Arctic Monkeys, Twenty One Pilots y Lenny
Kravitz con el Banco Santander. Empieza su
nueva etapa con Live Nation que compró el
51% de su compañía.
Fénix Entertainment Group de Marcelo
Fígoli adelantó a a Il Divo el 24 de mayo en l
Luna Park, con el Banco Santander.
Paul McCartney
Ciro
Segunda línea de calidad
En otro escalón de productoras más importantes,
se destaca Ake Music con la gira
de Slash que hace el Gran Rivadavia
en febrero y María Callas en el Gran
Rex el 20 de marzo; 6 Pazos —es
socio minoritario de la futura Arena
de La Nación en Atlanta— tiene
a Tribalistas en el Luna el 23 de
marzo y Preludio tiene a Sebastián
Yatra el 6 de abril en el Luna Park.
Además, Alberto Miguel/Arenas
—hace a Cristine D’Clario el 13 de
abril en el Luna Park— y el Blueteam —abrió
su división de servicios D57—anuncian la gira
de Serrat-Sabina que tendrá un único show en
Buenos Aires, y MTS inauguró su estadio Hípico
para posicionarse entre los venues más imporantes
de Capital.
Entre los festivales, EB Producciones hace su
Power Festival en el Luna Park el 8 de marzo, Día
de la Mujer, con Sofía Reyes y Angela Torres
como una plataforma nueva que el mercado no
tenía.
Ranking
SPONSORS DESTACADOS
Enero - Marzo 2019
Banco Santander Río
Lollapalooza 2019 - DF
Banco Patagonia
Paul McCartney – Stone
Temple PIlots – T4f
BBVA Francés
Luis Miguel- PopArt-Lauría
Ed Sheeran – Move Concerts
Fernet Branca
Cosquín Rock – En Vivo
Producciones
Brahma
Buenos Aires Trap – Lauría
Claro
Lollapalooza – DF
Motorola
Lollapalooza - DF
Coca-Cola
Plataforma Coca-Cola for Me
Fantoche
Actitud FreeStyle 2
BILLBOARD.COM.AR 83
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