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Billboard Argentina Enero 2019

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ARI ANA<br />

G R AND E<br />

2018<br />

MUJER<br />

del<br />

AÑO<br />

Especial<br />

MUJERES EN<br />

LA MÚSICA<br />

Cyndi Lauper<br />

Janelle Monáe<br />

Courtney Barnett<br />

St. Vincent<br />

Billie Eilish<br />

+<br />

Las artistas más<br />

destacadas en la<br />

<strong>Argentina</strong><br />

LEONARDO<br />

FAVIO<br />

ISSN 2344-9276 · Año 6 · Nº 66 · <strong>Enero</strong> <strong>2019</strong><br />

<strong>Argentina</strong>: $120 · Recargo interior: $5<br />

BOB DYLAN<br />

YSY A


Semana del 30 de diciembre de 2018<br />

Paulo Londra<br />

termina el año<br />

arriba<br />

Londra<br />

fotografiado por<br />

Gato Suaya.<br />

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,<br />

RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE<br />

RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.<br />

Sin demasiados cambios<br />

en el top 10, Paulo Londra<br />

se mantuvo en la cima del<br />

<strong>Billboard</strong> <strong>Argentina</strong> Hot<br />

100 de la mano de su último single,<br />

“Adán y Eva”. Al cierre de la edición,<br />

la canción producida por Ovy On The<br />

Drums acumuló una cuarta semana<br />

consecutiva en el Nº 1 y un total de<br />

siete semanas en el chart. “Taki taki”<br />

–de DJ Snake feat. Selena Gomez,<br />

Cardi B & Ozuna– y “M.I.A.” –de Bad<br />

Bunny feat. Drake– completan el podio<br />

en el Nº 2 y Nº 3, respectivamente.<br />

El gran salto de la semana lo dio<br />

“Sin culpa”, el sencillo de Duki junto<br />

al artista chileno DrefQuila. La canción<br />

con la que el trapero argentino<br />

pretende conquistar el verano del<br />

hemisferio sur pasó del puesto N° 54<br />

al N° 12. Todo indica que la próxima<br />

semana, “El Duketo” podría hacer su<br />

primer ingreso al top 10 del chart.<br />

Pero también hubo otras dos grandes<br />

escaladas: “Calma”, de Pedro<br />

Capó feat. Farruko, saltó del puesto<br />

Nº 38 al Nº 21, mientras que la oda<br />

de J Balvin al género urbano latino<br />

por excelencia, “Reggaetón”, escaló 21<br />

lugares y se ubicó en el Nº 26.<br />

Esta semana hubo muchos debuts<br />

en el chart, aunque ninguno entre<br />

los primeros 50 puestos. “Leña para<br />

el carbón”, de DJ Alex, debutó en el<br />

Nº 51; “Amanece”, de Anuel AA feat.<br />

Haze, lo hizo en el puesto Nº 66. La<br />

uruguaya Agus Padilla metió su segunda<br />

canción en el chart con “Control”,<br />

feat. Ecko, en el puesto Nº 67.<br />

El reggae dijo presente de la mano<br />

de Dread Mar I con la entrada de<br />

“Decide tú” en el puesto Nº 82. Sobre<br />

el final del chart, la nota la dieron<br />

“Veneno”, de Anitta, en el Nº 96;<br />

y “No es no”, de Axel feat. Soledad<br />

en el puesto Nº 99.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

3


4 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,<br />

RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE<br />

RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.<br />

6 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


BILLBOARD.COM.AR<br />

7


Redes<br />

CEO<br />

Jorge R. Arias<br />

STAFF EJECUTIVO<br />

Ana Belén Arias Juan Pedro Dondo Santiago Torres<br />

EDITORIAL<br />

DIRECTORA DE ARTE/PRODUCCIÓN<br />

Ana Belén Arias<br />

COORDINADOR GENERAL<br />

Santiago Torres<br />

EDITOR<br />

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DISEÑO & MULTIMEDIA<br />

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DISEÑO Juan Angel Maldonado · Mariana Baca Urquiza<br />

CORRECCIÓN María Luz Merani<br />

TRADUCCIONES Jorge Luis Fernández<br />

COLABORAN EN ESTA EDICIÓN Benjamín García, Facundo Arroyo, Flor<br />

Nieto, Ilan Kazez, Juan Manuel Pairone, Luciano Lahiteau, Martín<br />

E. Graziano, Pablo Díaz Marenghi, Patricio Cerminaro, Patricio<br />

Féminis, Sebastián Chaves, Walter Garré<br />

DISTRIBUCIÓN Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH)<br />

011 4301 3601 (líneas rotativas)<br />

DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR D.G. P. (Distribuidora General de<br />

Publicaciones S.A.) Alvarado 2118 / C.A.B.A.<br />

IMPRESIÓN FP Compañía Impresora. Antonio Beruti 1560, B1604BNP<br />

Florida Oeste, Buenos Aires, Tel.: 011- 4760-2300<br />

<strong>Billboard</strong> <strong>Argentina</strong> es una licencia de ABC1 Sociedad<br />

de Editores. Dardo Rocha 2188, Martínez<br />

Tel: 0810 444 ABC1 (2221) · comercial@seditores.com ·<br />

info@billboard.com.ar · www.billboard.com.ar<br />

VP, CONTENT Ross Scarano<br />

VP CHARTS & DATA DEVELOPMENT Silvio Pietroluongo<br />

CREATIVE DIRECTOR Shanti Marlar<br />

VP BUSINESS DEVELOPMENT & LICENSING Andrew Min<br />

EXECUTIVE DIRECTOR OF CONTENT AND PROGRAMMING FOR LATIN MUSIC AND<br />

ENTERTAINMENT Leila Cobo<br />

<strong>Billboard</strong> <strong>Argentina</strong> <strong>2019</strong>. Prohibida la reproducción total o parcial de los<br />

artículos sin la previa autorización del director. El material periodístico es de<br />

absoluta responsabilidad de sus autores. RNPI: 5349798<br />

8 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


BILLBOARD.COM.AR<br />

9


Contenidos<br />

“Después de mi primera<br />

gira, todos los tipos de los<br />

grandes sellos me llevaban<br />

a comer y afirmaban: ‘Te<br />

vamos a convertir en la<br />

próxima Barbra Streisand’.<br />

Yo los miraba y respondía:<br />

‘¿Podrías buscar a otra<br />

para ese trabajo?’”, dice<br />

Cyndi Lauper (pág. 48)<br />

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100<br />

Paulo Londra cierra el año en la cima 4<br />

INTRO<br />

Encuesta <strong>Billboard</strong> 2018 13<br />

ESPECIAL MUJERES EN LA MÚSICA 2018<br />

Las artistas más destacadas en la <strong>Argentina</strong> 40<br />

Las diez latinas con mayor proyección 44<br />

Janelle Monáe 46<br />

Courtney Barnett 50<br />

St. Vincent 52<br />

Billie Eilish 54<br />

ENTREVISTAS<br />

Tweety González 16<br />

Nicola Cruz 24<br />

Ysy A 32<br />

ESPECIALES<br />

Leonardo Favio: del cine a la música 26<br />

Lo más destacado del tango en 2018 56<br />

Festival de Cosquín: la previa 58<br />

Diez artistas que se acercan al mainstream 60<br />

La excursión cristiana de Bob Dylan 62<br />

Bodas de Oro: Led Zeppelin – Led Zeppelin 66<br />

EN LA TAPA<br />

Ariana Grande,<br />

fotografiada por<br />

Miller Mobley<br />

en exclusiva<br />

para <strong>Billboard</strong>.<br />

EMERGENTES<br />

Hiperespacio, Feli Colina, Aziz Asse y TOCH 68<br />

CNCO en el Hipódromo de Palermo /<br />

Tini en el Luna Park<br />

Luciano Pereyra en Vélez<br />

Morrissey en DirecTV Arena<br />

Él Mató en Tecnópolis<br />

VIVO<br />

70<br />

71<br />

72<br />

74<br />

REVIEWS<br />

Neil Young, The 1975, Lo’ Pibitos, Mariah Carey 76<br />

y más<br />

10 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong><br />

FOTOGRAFÍA POR RUVEN AFANADOR


BILLBOARD.COM.AR<br />

11


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ENCUESTA BILLBOARD 2018<br />

Te mostramos los ganadores en las diversas categorías, en el plano internacional,<br />

nacional y latino. Se recibieron más de 250.000 votos, que fueron fusionados con<br />

métricas, charts y datos locales e internacionales.<br />

Canción 2018 Global<br />

“God’s Plan” - Drake<br />

-<br />

Canción 2018 Iberoamérica<br />

“I Like It”, Cardi B feat. Bad<br />

Bunny y J Balvin<br />

-<br />

Canción 2018 <strong>Argentina</strong><br />

“No te creas tan importante”,<br />

Damas Gratis feat. Viru<br />

Kumbieron<br />

-<br />

Álbum 2018 Global<br />

Scorpion, Drake<br />

-<br />

Álbum 2018 Iberoamérica<br />

Vibras, J Balvin<br />

-<br />

Álbum 2018 <strong>Argentina</strong><br />

Fiesta nacional (MTV<br />

Unplugged), Los Auténticos<br />

Decadentes<br />

-<br />

Distinción Especial a la<br />

Trayectoria Global<br />

Paul McCartney<br />

-<br />

Distinción Especial a la<br />

Trayectoria Iberoamérica<br />

Luis Miguel<br />

-<br />

Distinción Especial a la<br />

Trayectoria <strong>Argentina</strong><br />

Gustavo Santaolalla<br />

-<br />

Artista 360º Global<br />

Adam Levine<br />

-<br />

Artista 360º Iberoamérica<br />

Maluma<br />

-<br />

Artista 360º <strong>Argentina</strong><br />

Lali<br />

-<br />

Banda 2018 Global<br />

Coldplay<br />

-<br />

Banda 2018 Iberoamérica<br />

CNCO<br />

-<br />

Banda 2018 <strong>Argentina</strong><br />

Airbag<br />

L A L I S T A C O M P L E T A<br />

Solista Femenina 2018<br />

Global<br />

Camila Cabello<br />

-<br />

Solista Femenina 2018<br />

Iberoamérica<br />

Becky G<br />

-<br />

Solista Femenina 2018<br />

<strong>Argentina</strong><br />

Tini<br />

-<br />

Solista Masculino 2018<br />

Global<br />

Ed Sheeran<br />

-<br />

Solista Masculino 2018<br />

Iberoamérica<br />

Ozuna<br />

-<br />

Solista Masculino 2018<br />

<strong>Argentina</strong><br />

Paulo Londra<br />

-<br />

Show 2018 Global<br />

Radiohead – Soundhearts<br />

Festival<br />

-<br />

Show 2018 Iberoamérica<br />

Ricardo Arjona - Campo<br />

Argentino de Polo<br />

-<br />

Show 2018 <strong>Argentina</strong><br />

Ciro y Los Persas - River<br />

-<br />

Video 2018 Global<br />

This is America, Childish<br />

Gambino<br />

-<br />

Video 2018 Iberoamérica<br />

Pienso en tu mirá, Rosalía<br />

-<br />

Video 2018 Nacional<br />

La pregunta, Babasónicos<br />

-<br />

Artista Social & Streaming<br />

2018 Global<br />

BTS<br />

-<br />

Artista Social & Streaming<br />

2018 Iberoamérica<br />

Anitta<br />

Artista Social & Streaming<br />

2018 <strong>Argentina</strong><br />

Duki<br />

-<br />

Mujeres en Crecimiento<br />

2018 Global<br />

BlackPink<br />

-<br />

Artista femenina en<br />

crecimiento 2018<br />

Iberoamérica<br />

Rosalía<br />

-<br />

Artista femenina en<br />

crecimiento 2018 <strong>Argentina</strong><br />

Cazzu<br />

-<br />

Artista masculino en<br />

crecimiento 2018 Global<br />

Post Malone<br />

-<br />

Artista masculino<br />

en crecimiento 2018<br />

Iberoamérica<br />

Sebastián Yatra<br />

-<br />

Artista masculino<br />

en crecimiento 2018<br />

<strong>Argentina</strong><br />

Lit Killah<br />

-<br />

Contenido Audiovisual 2018<br />

Global<br />

Bohemian Rhapsody<br />

-<br />

Serie 2018 Iberamérica<br />

Nicky Jam, El ganador (Netflix)<br />

-<br />

Programa de TV <strong>Argentina</strong><br />

La Voz (Telefé /Viacom / MTV)<br />

-<br />

Festival 2018 Global<br />

Coachella<br />

-<br />

Festival 2018 <strong>Argentina</strong><br />

Lollapalooza<br />

-<br />

Fandom 2018 Global<br />

BTS Army<br />

-<br />

Fandom 2018 Iberoamérica<br />

CNCOwners<br />

Intro<br />

EL SUBE Y BAJA<br />

El documental de Reputation de<br />

Taylor Swift ya está en Netflix.<br />

Fue filmado en la última noche<br />

de su tour por los Estados<br />

Unidos, en Arlington, Texas, y<br />

muestra el detrás de escena de su<br />

performance en vivo.<br />

A los 80 años, murió Jaime<br />

Torres, uno de los referentes de<br />

la música popular argentina. Se<br />

destacó principalmente como<br />

charanguista, pero también<br />

fue intérprete y compositor de<br />

múltiples clásicos del folklore<br />

nacional.<br />

El Buenos Aires Trap reunirá a los<br />

principales referentes del género<br />

el 23 de febrero en el Hipódromo<br />

de Palermo: estarán Bad Bunny,<br />

Duki, Cazzu, Kidd Keo, Ecko,<br />

Khea, Lit Killah, Neo Pistea, Ysy A,<br />

Drefquila, Malajunta, FMK y más.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

13


14 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong><br />

TUTE DELACROIX


FESTIVAL WATEKE<br />

MÚSICA SOBRE RUEDAS<br />

Del 14 al 16 de diciembre, se llevó a cabo en el Hipódromo de Palermo<br />

un festival que mezcla música y gastronomía. Además, la nueva Ford<br />

Ecosport Storm se presentó por primera vez al público argentino.<br />

con miranda!, coti, lo’ pibitos y la bomba de<br />

Tiempo como bandas centrales, del 14 al 16 de<br />

diciembre se realizó una nueva edición de Wateke.<br />

El festival, que tuvo lugar en el Hipódromo<br />

de Palermo, fusionó música y gastronomía<br />

en un ambiente para toda familia. El evento<br />

brindó muchas opciones de actividades, desde<br />

música de primera línea hasta un amplio abanico<br />

de foodtrucks o espacios interactivos que<br />

permitían jugar y crear gifs para las redes sociales,<br />

como en el stand de Ford.<br />

La compañía automotriz aprovechó la ocasión<br />

para presentar en sociedad a la nueva Ford<br />

Ecosport Storm. Los visitantes pudieron conocer<br />

la nueva SUV de Ford <strong>Argentina</strong>. Esta es la versión<br />

más off-road, aventurera y versátil de la Ford<br />

Ecosport, automóvil líder en su segmento desde<br />

su creación en 2003. Además, el espacio de Ford<br />

también contó todos los días con la presencia de<br />

un artista que realizó una activación con luces,<br />

una experiencia diferente que amplió la propuesta<br />

artística del festival. Además, Esteban Lamothe,<br />

los chefs Santiago Giorgini y Christophe<br />

Krywonis, y la periodista de MTV Mikki Lusardi<br />

fueron algunas de las celebridades que disfrutaron<br />

del festival desde el stand de Ford.<br />

El sábado, Miranda! desplegó un show a puro<br />

hit. Un mes después de tocar en el Luna Park<br />

−donde repasaron sus dos primeros álbumes−,<br />

Ale Sergi y Juliana Gattas demostraron que su arsenal<br />

de canciones es inagotable. Al día siguiente,<br />

Coti demostró lo amplio y conocido que es<br />

su repertorio. Tras un gran 2018, en el que editó<br />

un álbum en vivo grabado en el Teatro Colón,<br />

el argentino dejó en claro que su capacidad para<br />

crear melodías va más allá del género musical. El<br />

festival también les dio la oportunidad a varias<br />

bandas nuevas para mostrarse. En la grilla aparecieron<br />

nombres como Conexionistas, Afromama<br />

Crew, Huevo y Lucas & the Woods.<br />

TUTE DELACROIX<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

15


Tweety González<br />

“ La música se ha<br />

convertido en un<br />

entretenimiento más”<br />

Con más de 35 años en el mundo de la música, el reconocido<br />

productor habló con <strong>Billboard</strong> sobre sus nuevos proyectos<br />

y la industria actual. Además, se animó a posicionar a<br />

una banda argentina que puede llegar a “conquistar<br />

Latinoamérica”.<br />

POR SANTIAGO TORRES Y BENJAMÍN GARCÍA<br />

“me tomé el trabajo de hacer una playlist<br />

con más de 300 de mis mejores vinilos... chusmeen”,<br />

escribió hace algunos días el músico y<br />

productor Tweety González en Twitter, con el<br />

fin de promocionar Hi End, un evento que organiza<br />

para escuchar discos en alta definición.<br />

Que Tweety haya tuiteado puede sonar a trabalenguas,<br />

pero no es ni más ni menos que un<br />

acto generoso hacia sus seguidores, quienes día<br />

a día reciben recomendaciones, encuestas y opiniones<br />

de temáticas referidas a la música. Pero<br />

quedarse solo con lo que el fundador del sello<br />

digital Twitin Records hace en las redes sociales<br />

sería una picardía. El tecladista comenzó su carrera<br />

profesional en 1983, a los 20 años, cuando<br />

Celeste Carballo lo convocó para grabar el disco<br />

Mi voz renacerá. Desde ese momento trazó<br />

un largo camino, grabando álbumes y tocando<br />

con artistas como Soda Stereo, Fito Páez, Luis<br />

Alberto Spinetta, Shakira, Gustavo Cerati en su<br />

etapa solista, entre otros.<br />

Actualmente, además de su faceta como<br />

productor, de dirigir su propio sello discográfico<br />

y brindar workshops, González conduce<br />

por Nacional Rock Música en el CCK, donde<br />

se habla de los conciertos desarrollados en el<br />

centro cultural porteño. Desde 2018 integra<br />

la Asociación de Sellos Independientes de <strong>Argentina</strong><br />

(A.S.I.Ar), donde es vicepresidente.<br />

“Es una asociación sin fines de lucro que tiene<br />

28 sellos. El principal objetivo es fomentar la<br />

industria discográfica local desde el soporte<br />

que sea”, explica. Con Twitin Records, fundado<br />

en 2013, ha trabajado con diversos artistas<br />

que van desde el pianista Marco Sanguinetti,<br />

el trovador Eric Mandarina o la cantante y bajista<br />

Lara Pedrosa, con quien en <strong>2019</strong> editará<br />

un álbum.<br />

¿Qué debe tener un artista para formar<br />

parte del sello?<br />

- Tiene que ser original y me tiene que gustar<br />

su música. Pero, sobre todas las cosas, debe ser<br />

muy laburador, no me sirven los genios que se<br />

encierran en la casa.<br />

¿Cómo ves la industria musical argentina<br />

actual?<br />

- Hoy nos encontramos en un nivel muy parejo<br />

con el resto de Latinoamérica, aunque México<br />

y Colombia están un escalón arriba. Son<br />

dos países muy fuertes exportando. Nosotros<br />

todavía no contamos con artistas tan exportables<br />

como pasó en otra época con Soda Stereo,<br />

por ejemplo.<br />

¿Ves algún artista o banda que pueda<br />

llegar a ocupar ese lugar?<br />

- Creo que Usted Señálemelo está para<br />

llevarse a América Latina por delante. Tienen<br />

cierta épica y puesta en escena que me<br />

hace acordar a Soda. Justamente ahora les<br />

estoy produciendo un tema que grabamos<br />

en Colombia.<br />

Actualmente, hay artistas que sin haber<br />

sacado un disco llenan grandes salas o<br />

estadios. ¿Viviste algún fenómeno similar?<br />

- Acá pasó algo parecido con Juan Carlos Baglietto.<br />

De todas formas, Internet cambió todo,<br />

ahora hay data. Por eso los pibes pueden jugarse<br />

a hacer un estadio. Antes esto no existía, tampoco<br />

existían los pibes de 18 años que iban a ver<br />

bandas, no los dejaban entrar a los shows.<br />

¿Cuál es el cambio más significativo que<br />

notás en la música luego del surgimiento<br />

de las plataformas digitales?<br />

- Me parece muy paradójico que cuando la<br />

música está más al alcance de la mano que nunca,<br />

a la misma vez haya menos cultura musical.<br />

Eso es porque hay saturación. La música se ha<br />

convertido en un entretenimiento más. Si no<br />

tenés el oído educado, las nuevas plataformas te<br />

hacen escuchar lo que quieren.<br />

16 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong><br />

FOTOGRAFÍA POR TUTE<br />

DELACROIX


Marko Silva<br />

Una nueva<br />

esperanza<br />

Gracias a colaboraciones con<br />

otros artistas latinos y a su impronta<br />

de productor y cantante, Silva se<br />

posiciona como uno de los grandes<br />

hacedores de hits en la región.<br />

en noviembre, marko silva presentó oficialmente<br />

y de forma mundial su nuevo single “Tun<br />

tun” (feat. Sophy Mell) en todas las plataformas<br />

digitales y con gran repercusión en el mercado<br />

latino. En menos de una semana la canción obtuvo<br />

más de nueve millones de reproducciones<br />

en YouTube. El tema ya se encuentra sonando en<br />

los medios de Buenos Aires, México, Perú y Colombia.<br />

Recientemente, Marko recibió el premio<br />

Martín Fierro Digital por parte de las autoridades<br />

de APTRA, ya que su exitoso tema “Tun tun”<br />

lo llevó a colocarse como “el artista revelación<br />

de la <strong>Argentina</strong>”, un verdadero éxito contemplando<br />

que su música es independiente. “Siento<br />

que este proceso en la música es complicado, soy<br />

muy centrado y tengo claro que apenas estamos<br />

empezando, pero siento que cada vez el público<br />

me acoge mucho mejor”, dice Marko Silva. “Pero<br />

sigo centrado y teniendo los pies en la tierra, el<br />

reconocimiento de los Martín Fierro era algo<br />

que no me esperaba, siento que es el primero de<br />

muchos, sentí que cerré el año con broche de oro<br />

con ese reconocimiento”.<br />

Es cantante, compositor y productor, y nació<br />

en Buenos Aires. El pasado 25 y 27 de octubre<br />

se presentó como telonero de los shows de Shakira<br />

en el estadio de Vélez y en Rosario Central,<br />

respectivamente. Comenzó su carrera musical a<br />

los 12 años, instruyéndose en diferentes estilos<br />

de géneros musicales: “Siento placer al producir<br />

e interpretar, es como un gran remedio para el<br />

corazón y el alma, en cada momento de la vida”,<br />

dice. “Me involucró mucho con todo lo que tiene<br />

que ver con mi música, en todo el proceso desde<br />

la pista, letra, mezcla y master, pero dejo trabajar<br />

a mi equipo de trabajo y los productores por que<br />

confío plenamente en ellos” cuenta Silva.<br />

Gracias a esto, se destaca como un artista<br />

versátil, pero interesado en interpretar canciones<br />

románticas de reggaetón. Empezó con sus<br />

primeros lanzamientos en 2018 al realizar su primera<br />

colaboración con al trapero argentino Khea<br />

en “Pa saber amar”. Al respecto, dice Silva: “Khea<br />

es amigo mío, excelente persona y un joven con<br />

mucho talento, poder trabajar con él fue algo<br />

maravilloso, me abrió las puertas de sus fans y<br />

poder entrar a un público argentino”.<br />

Al poco tiempo, lanzó otra colaboración con<br />

el puertorriqueño Darrell, llamada “Tu favorito”.<br />

Luego publicó su primera canción como solista,<br />

denominada “Amor cobarde”, realizada junto al<br />

productor y cantante colombiano el Mago de Oz,<br />

que fue un hit en la <strong>Argentina</strong> y en varios países<br />

de Latinoamérica. Su último lanzamiento fue<br />

una colaboración con Kevin Roldan y Ronald El<br />

Killa titulada “Aventurera”, que marca tendencia<br />

en países como Colombia, México, Chile, España,<br />

<strong>Argentina</strong>, Ecuador, y logró más de 70 millones<br />

de reproducciones en su canal de YouTube.<br />

GENTILEZA MARKO SILVA<br />

18 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


BILLBOARD.COM.AR<br />

19


El Polaco<br />

“ Me volví a<br />

enamorar de<br />

la música”<br />

A 13 años de su álbum debut, el<br />

cumbiero se reinventa de la mano<br />

de 3música con el sencillo “Ruku<br />

mueva”, mientras disfruta de la nueva<br />

etapa de su carrera junto a Sony<br />

Music <strong>Argentina</strong>.<br />

“desde marzo que estoy componiendo con<br />

los chicos de 3música, experimentando un poco<br />

para no aburrirse uno y tampoco aburrir a la<br />

gente”, comentó el Polaco en las oficinas de <strong>Billboard</strong><br />

<strong>Argentina</strong>. El cumbiero terminó el 2018<br />

con single nuevo (“Ruku mueva”) y abrió el show<br />

de Nicky Jam en el Luna Park.<br />

“Fue un desafío abrir para Nicky Jam. No sabía<br />

que había tenido una vida tan picante y difícil.<br />

Es impresionante que haya salido adelante, pero<br />

eso lo hace un número uno. La música le salvó la<br />

vida, como a mí y a tantos otros –cuenta en referencia<br />

a la serie autobiográfica que el reggaetonero<br />

lanzó con Netflix–. Es un ave fénix, nunca<br />

antes mejor dicho”.<br />

Salvando las distancias, hizo una analogía de<br />

su vida con la de Nicky Jam: “Hubo un momento<br />

en que vi dos caminos, tirarme al abandono<br />

o darle mi vida a la música. Hoy tengo 31 años y<br />

disfruto de cada recital, de cada canción. Quiero<br />

que mi música se escuche por todos lados y voy a<br />

intentarlo hasta el final”.<br />

“Ruku mueva” muestra al Polaco más cerca de<br />

los ritmos urbanos actuales que de la cumbia con<br />

la que conquistó las discotecas argentinas en la<br />

primera década del milenio. “Estoy haciendo temas<br />

más bolicheros. Aunque también habrá algo<br />

de lo romántico o testimonial que siempre me<br />

caracterizó”, adelantó sobre la música que lanzará<br />

en <strong>2019</strong>.<br />

“Estamos en un momento donde se unen todos<br />

los estilos musicales, y a eso voy yo también.<br />

Yo aporto mi cuota de cumbia, y los chicos de<br />

3música traen su estilo más urbano. Se vienen<br />

temas con bases de flamenco y otros que sacan<br />

elementos del trap”, continuó y agregó: “Estoy<br />

disfrutando el proceso de composición de nuevo.<br />

Me volví a enamorar de la música”.<br />

Luego, resaltó el gran momento que está viviendo<br />

la música argentina de la mano del trap y<br />

recapituló cómo fueron cambiando los géneros<br />

bailables en el país. “Me acuerdo que primero<br />

estuvo Comanche, después en los 90 llegaron los<br />

pelilargos de la cumbia, como La Nueva Luna o<br />

Ráfaga. Enseguida Rodrigo rompió todo con su<br />

cuarteto. En el 2001 explotó la cumbia villera, y<br />

después de eso llegamos nosotros con la cumbia<br />

villera pero más romántica”.<br />

El cumbiero firmó en 2018 con Sony Music<br />

<strong>Argentina</strong>, luego de terminar una relación de<br />

tres años con otra compañía. “Lali me presentó<br />

a Damián [Amato] y la gente del sello. Es muy<br />

importante para mí firmar con Sony en esta etapa<br />

de mi carrera –contó–. Soy una agradecido de<br />

la vida. Desde que esto comenzó, nunca dejé de<br />

trabajar. Parece que todo hubiera sido un sueño”.<br />

Su contrato con Sony llegó después de dar más<br />

de 3000 shows, editar 11 álbumes y ganar dos<br />

premios Gardel.<br />

TUTE DELACROIX<br />

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21


Se acerca el<br />

Cosquín Rock<br />

El festival se llevará a cabo el 9 y 10 de<br />

febrero en el Aeródromo Santa María de<br />

Punilla, Córdoba. Los Auténticos Decadentes,<br />

Babasónicos, Las Pastillas del Abuelo, Los<br />

Espíritus, Lit Killah y Louta, entre otros, serán<br />

parte del line-up.<br />

mientras el cosquín rock crece a pasos agigantados<br />

por el resto de Latinoamérica −por ejemplo, en México, por segundo<br />

año consecutivo, fue sold out−, la provincia de Córdoba<br />

se prepara para recibir en febrero la edición N° 19 del festival.<br />

“Para la vigésima edición tendremos diez festivales al año por<br />

toda Latinoamérica”, adelanta su productor, José Palazzo.<br />

El <strong>2019</strong> será una de las versiones más heterogéneas. Entre<br />

números que ya son clásicos como Las Pastillas del Abuelo o<br />

Ciro y Los Persas aparecen nombres como Lit Killah, Louta<br />

o Él Mató a un Policía Motorizado. “Yo soy un cabezaurio,<br />

un tipo que de Black Sabbath a Led Zeppelin considera que<br />

ya está cubierto todo el panorama de la música. Pero para<br />

armar una grilla como la del Cosquín actual me asesoro con<br />

diferentes especialistas”, reconoce Palazzo, y luego recuerda:<br />

“Nunca me voy olvidar de que el año que tocó Calle 13 vi<br />

que todos puteaban, pero cuando empezó su show vi a varios<br />

de campera de cuero y tachas correr hacia el escenario”.<br />

Otra de las novedades del festival, según su propio curador,<br />

será la inclusión del show acústico que Los Auténticos<br />

Decadentes prepararon para su MTV Unplugged. “Este año<br />

también habrá una gran presencia de artistas femeninas en<br />

La Casita del Blues. Se presentarán siete de las mejores cantantes<br />

de blues de Latinoamérica”.<br />

TUTE DELACROIX<br />

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Nicola Cruz<br />

“ Pongo mis propias reglas”<br />

Antes de que termine el 2018, el productor ecuatoriano adelantó dos singles de su próximo álbum de estudio, Siku.<br />

POR JOTA AYERZA<br />

previo a regresar a buenos aires<br />

para presentarse en Niceto Club, el<br />

productor ecuatoriano Nicola Cruz<br />

respondió a <strong>Billboard</strong> AR una serie<br />

de preguntas ante la inminente salida<br />

de su segundo álbum de estudio,<br />

Siku. Cruz adelantó dos singles antes<br />

de que terminara el 2018: “Arka”<br />

y “Siete”. Ambos sencillos dan a entender<br />

que el productor expandió su<br />

búsqueda hacia nuevas culturas. Al<br />

mismo tiempo, profundiza en una<br />

dualidad con la que siempre jugó: el<br />

choque entre lo digital y lo orgánico.<br />

En su nuevo LP, Cruz combina<br />

instrumentos como el sitar, el sicu<br />

y el balafón con la música electrónica.<br />

Va más allá de los sonidos<br />

ancestrales andinos. Por ejemplo,<br />

junto al cantante y poeta brasileño<br />

Castello Branco, experimenta<br />

con ritmos de samba y más tarde<br />

viaja al África de la mano de Marcio<br />

Pinto, músico portugués que<br />

conoció en Lisboa. El productor,<br />

que atravesó los sonidos andinos,<br />

africanos e hindúes, tiene su mirada<br />

en nuevos horizontes. “Japón es<br />

una cultura tan ajena a la mía, pero<br />

a la vez me inspira mucho”, dijo.<br />

Siku sucederá a su EP editado en<br />

2018, Inversions, que junto a su otro<br />

EP Visiones sirvió de interludio entre<br />

Siku y su álbum debut Prender el<br />

alma. “Disfruto de hacer álbumes,<br />

porque puedo abarcar un concepto<br />

mayor, y luego trabajar EP porque<br />

puedo contar historias más breves.<br />

También se puede lanzar un sencillo<br />

porque se para bien por sí solo”,<br />

comentó sobre los diferentes formatos<br />

para editar música. “Si bien hay<br />

paradigmas en la industria de cómo<br />

hacer las cosas, eso aplica solo para<br />

algunos. Si soy sincero, yo he hecho<br />

lo que he querido sin estar viciado<br />

por normas, y me di cuenta de que<br />

para mí funciona así. Pongo mis<br />

propias reglas. El mainstream no es<br />

lo mío”, concluyó.<br />

El rol del productor ha tomado<br />

mayor exposición e importancia<br />

en el último tiempo en la música<br />

mainstream, ¿creés que se ha demorado<br />

este reconocimiento?<br />

-Creo que el productor toma<br />

fuerza y pasa a ser una figura con<br />

mayor peso ahora, en el sentido de<br />

que hoy hace más funciones que antes,<br />

inclusive la de compositor. Todo<br />

tiene su tiempo. Estamos viviendo<br />

un momento de productores y también<br />

“todólogos”.<br />

“Arka” y “Siete” tienen una<br />

intención más orgánica en su<br />

sonido, con vientos y cuerdas.<br />

¿Tus nuevos shows en vivo<br />

incluirán músicos?<br />

-No creo que incluyan músicos.<br />

Por el momento me siento cómodo<br />

tocando solo. Cuando estoy en Quito,<br />

las cosas suelen ser distintas, allí<br />

se dan shows más experimentales.<br />

Tu música tiene una búsqueda<br />

hacia la raíz de los sonidos latinoamericanos,<br />

¿tu nuevo álbum<br />

profundizará en esa idea?<br />

-Pienso que el nuevo álbum profundiza<br />

esa idea de la raíz. Sin embargo,<br />

no necesariamente está enfocada<br />

en Latinoamérica, más bien<br />

en una visión un tanto más amplia<br />

y global. Visita nuevas regiones y<br />

explora colores e instrumentaciones<br />

diferentes.<br />

¿Se puede llegar al final de la raíz?<br />

-Pensando cuánticamente, creo<br />

que sería una tarea muy complicada<br />

e interesante. Hawking nos lleva<br />

la delantera.<br />

SAÚL ENDARA/MARÍA EMILIA JARAMILLO<br />

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25


Leonardo<br />

Favio<br />

Detrás de todos<br />

los rostros<br />

Hace 50 años, Fuad Jorge Jury protagonizaba uno<br />

de los cambios de piel más rotundos de nuestra<br />

cultura: del culto cinéfilo y existencialista a los<br />

grandes escenarios de la balada romántica.<br />

Una auténtica carrera meteórica.<br />

POR MARTÍN E. GRAZIANO<br />

FOTOS: GENTILEZA ORLANDO NETTI<br />

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L<br />

la palabra “piba”. si una buena<br />

canción es una brújula con su propio<br />

campo magnético, el norte de<br />

“Fuiste mía un verano” está exactamente<br />

allí: “Cada piba que pase /<br />

con un libro en la mano / me traerá<br />

su nombre / como en aquel verano”.<br />

El libro puede tener muchos títulos<br />

(Rayuela, Operación Masacre, los<br />

veinte poemas de Neruda, etc.), el<br />

verano no está fechado y la muchacha<br />

no tiene nombre, pero la voz<br />

es inconfundible: el baladista que<br />

reventó los rankings, el chico de la<br />

calle, el galán de Torre Nilsson, el<br />

anfitrión que se arrojó contra el escenario<br />

de Ezeiza con el sonido de<br />

los disparos, el director de cine que<br />

cortó los últimos cuadros en la cabina<br />

de proyección. La multitud es<br />

ilusoria. Detrás de todos los rostros<br />

está Leonardo Favio.<br />

“El primer impacto se da cuando<br />

veo el cine Crystal Palace de Junín<br />

estallado con el estreno de Nazareno<br />

Cruz y el lobo –recuerda Manuel<br />

Moretti–. Yo tenía nueve o diez<br />

años, pero me acuerdo de la cola<br />

infinita. ‘Estas son las películas de<br />

Leonardo Favio’, me dijo mi madre.<br />

Eso fue crucial, porque escucho la<br />

melodía de Nazareno y me parece<br />

tremenda. Es uno de los artistas que<br />

más representa mi argentinidad: el<br />

pueblo, la kermés, lo rural, el conflicto<br />

amoroso, la devoción, el peronismo,<br />

la gente pobre pero también<br />

la instrucción. Mucho del universo<br />

de Leonardo Favio es más fuerte<br />

que el unitarismo porteño. A mí me<br />

marcó a full. Yo me encerraba en el<br />

living de mi casa, escuchaba a los<br />

melódicos y me pegaba unos viajes<br />

alucinantes. Ahí estaba muy prendido<br />

con las canciones de Favio”.<br />

Su origen musical no es ajeno al<br />

devenir del mito. Favio aprendió los<br />

rudimentos de la guitarra con algunos<br />

trueques por trabajo y, hasta<br />

casi sus 30 años, solo se animaba a<br />

cantar en asados y reuniones. Sus<br />

gustos eran una ensalada heterodoxa<br />

que acaso solo permitían los<br />

años 60: desde Jacques Brel hasta<br />

Los Trovadores de Cuyo, pasando<br />

por los Beatles, Facundo Cabral,<br />

Carlos Gardel, Chopin y anatemas<br />

del “buen gusto” como Leo Dan.<br />

Allí, rodeado de amigos o familiares,<br />

solía definirse como “un cantor<br />

de vuelo bajito”. Sin embargo,<br />

Vico Berti, que para 1968 ya estaba<br />

encargado de componer la banda<br />

sonora de El dependiente, comenzó<br />

a meter fichas: “Vos estás para más”.<br />

Le programó una serie de ensayos<br />

con cuatro músicos y, antes de que<br />

Favio pudiera tomar alguna decisión,<br />

ya tenía armados un repertorio<br />

y una gira.<br />

Favio preparó sus primeras armas<br />

como profesional navegando entre<br />

dos mundos. Por un lado, en La<br />

Botica del Ángel, el sofisticado reducto<br />

de San Telmo regenteado por<br />

Eduardo Bergara Leumann, donde<br />

se daban cita el núcleo del Di Tella,<br />

el tango impresionista de Horacio<br />

Molina y los pioneros del café concert.<br />

Simultáneamente, se fogueó<br />

en todos esos clubes del interior<br />

profundo que son la escenografía<br />

de buena parte de sus películas. “Me<br />

acuerdo de que me subí al colectivo<br />

con los músicos y nos hundimos<br />

en la provincia –contaba Favio–. La<br />

verdad es que yo estaba muy nervioso.<br />

Para mí era como un debut<br />

en el Olympia de París, aunque la<br />

realidad era otra. Llegamos a un<br />

club de mala muerte, de luz mezquina.<br />

Todo era de tierra: la calle,<br />

el piso del club, el pelo de la gente,<br />

todo. Ahí fue mi debut”.<br />

A través de Berti, consiguieron<br />

una audición en CBS con el británico<br />

John Lear. El director artístico lo<br />

escuchó tocar la guitarra, lo invitó a<br />

cantar a capela y finalmente levantó<br />

su pulgar todopoderoso. Favio ya<br />

tenía su fecha en el calendario del<br />

sello: 20 de agosto de 1968. Aquella<br />

primera experiencia en el estudio,<br />

por cierto, dejó saldos ambivalentes.<br />

En alguno de los pasillos se<br />

topó con cuatro jóvenes de Belgrano<br />

que también estaban grabando<br />

su primer simple. Si bien comenzaba<br />

con una guitarra zumbona,<br />

una de sus dos canciones tenía un<br />

potencial dramático que Favio consideró<br />

en su sintonía: la evocación<br />

de un amigo ausente subrayada por<br />

los arreglos de Rodolfo Alchourrón.<br />

El cantor tomó nota para el futuro y<br />

se encerró a registrar “Quiero la libertad”,<br />

una composición de Martín<br />

Andrade: el periodista y actor que<br />

había puesto la voz para El romance<br />

del Aniceto… y por entonces interpretaba<br />

a uno de los personajes de<br />

El dependiente (más tarde encarnaría<br />

al mánager de Gatica e incluso<br />

grabaría el off de Perón, sinfonía del<br />

sentimiento). El single, que completaba<br />

“Me siento libre”, vendió<br />

menos de 500 copias: fue un fracaso<br />

rotundo para los estándares de CBS.<br />

“No lo compró nadie –dijo Favio–.<br />

Uno me lo llevé yo, otro se lo quedó<br />

Vico Berti y el otro se lo regalé a<br />

mi mamá. Pero Vico no se resignó,<br />

porque era muy obstinado”.<br />

Los directivos del sello estaban<br />

dispuestos a rescindir su contrato,<br />

pero un providencial hueco en la<br />

agenda propició una segunda oportunidad.<br />

Y vaya si Favio la aprovechó.<br />

Para el lado B escogió “Mi tristeza<br />

es mía y nada más”, una colaboración<br />

con Jacko Zeller de corte beat<br />

y existencialista. El lado A era aquel<br />

misil teledirigido al corazón de una<br />

generación: “Fuiste mía un verano”.<br />

Una canción escrita a cuatro manos<br />

con Berti donde, subido al arreglo<br />

de Marito Cosentino y la guitarra<br />

de Cacho Tirao, Favio evocaba un<br />

amor perdido en la costa atlántica.<br />

El simple era a todo o nada. Y<br />

fue todo. La primera semana de<br />

octubre salió a la calle, las ventas se<br />

dispararon a la estratósfera y Favio,<br />

que estaba metido en el rodaje de<br />

El dependiente, se puso a escribir<br />

con un álbum en el horizonte inmediato.<br />

Era la primavera de 1968.<br />

“Se sentaba con su guitarra y componía<br />

entre las escenas –decía Aníbal<br />

Di Salvo, director de fotografía–.<br />

Creo que las compuso todas<br />

ahí; estaba allá atrás, en el fondo…<br />

y fue un éxito increíble”.<br />

El espíritu del repertorio comenzó<br />

a girar alrededor de una mujer.<br />

La platense Carola Leyton no solo<br />

era la destinataria de “Así es Carolita”,<br />

sino que incluso colaboraba<br />

autoralmente con temas como “Alguna<br />

vez una canción (¿Qué tal?)”.<br />

“Las canciones de Fuiste mía un verano<br />

nacieron en una época mágica<br />

–cuenta Nico Favio, uno de los dos<br />

hijos de la pareja–: el momento en<br />

el que mi mamá y mi papá se conocieron,<br />

y esa misma noche se fueron<br />

a vivir juntos en un pequeño departamento.<br />

Mi abuela Laura y mi<br />

tía abuela Elcira Olivera Garcés los<br />

ayudaban con la renta; mis abuelos<br />

maternos les acercaban viandas con<br />

empanadas, pastel de papa y todo lo<br />

que necesitaban. En esa atmósfera<br />

de noches y madrugadas, de mate<br />

y amigos, nacieron estas canciones.<br />

Nacieron todos estos sueños. Mi<br />

papá se debatía entre un repertorio<br />

de tema social y las canciones<br />

de amor, pero mi mamá le insistía<br />

en que tenía que grabar primero las<br />

canciones románticas”.<br />

Carola tenía buen olfato. En diciembre<br />

de 1968, el sello puso el disco<br />

en la calle y en cuestión de semanas<br />

RCA y CBS tuvieron que unir<br />

sus fuerzas para prensar la demanda<br />

de vinilos. En la portada, un adusto<br />

Favio miraba a cámara con encuadre<br />

rosado y 31 años recién cumplidos.<br />

En la contratapa, un comentario del<br />

cantor le agradecía a los Almendra<br />

y ponía en contexto aquella canción<br />

de Luis Alberto Faintta (sic) y Edelmiro<br />

Molinari. “Este tema, como<br />

dolorosa premonición, era predilecto<br />

de un gran amigo mío: Carlos<br />

Raúl. Murió días antes de que yo<br />

terminara de grabar este LP”. El mito<br />

instalado por décadas señalaba que<br />

la versión de Favio le había ganado<br />

de mano a los Almendra. No es<br />

exactamente así. El simple llevaba<br />

casi tres meses en la calle (se editó el<br />

20 de septiembre de 1968) cuando<br />

Fuiste mía un verano salió a la venta.<br />

En todo caso, el mendocino tenía<br />

prioridad en la difusión y un alcance<br />

más transversal que aquel ignoto<br />

cuarteto de Belgrano.<br />

“Cuando versiona ‘Tema de<br />

Pototo’, Favio traza una conexión<br />

importante –explica Pablo Dacal,<br />

que desde su primer disco con la<br />

Orquesta de Salón se ocupó de<br />

recuperar su repertorio–. No solo<br />

porque la banda no era conocida,<br />

sino porque hace un juego lingüístico<br />

muy importante: rompe<br />

la rima y lo pasa al ‘vos’. Es de los<br />

primeros que empiezan a usar el<br />

‘vos’ con decisión, porque aún el<br />

primer rock & roll hablaba de ‘tú’.<br />

Favio lo porteñiza, quizás por no<br />

ser porteño. Por adoptar todo lo<br />

porteño con esa voz extranjera que<br />

puede tener un provinciano. Así<br />

como los usa en el cine, también<br />

utiliza elementos del radioteatro en<br />

la canción: el ruido de sirenas, su<br />

forma interpretativa casi expresionista.<br />

Con la despreocupación del<br />

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30 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


intuitivo, entrega esos temas a los<br />

orquestadores mientras liga algo<br />

discepoleano con cultura europea,<br />

melodrama y cierta sensibilidad del<br />

rock que lo conmueve, pero para<br />

la cual se siente un poco grande o<br />

ajeno. En Favio cantor, entonces, se<br />

reúnen una serie de elementos de<br />

la época que no se reunían así: por<br />

un lado, un galán de cine de corte<br />

intelectual-popular, muy ligado estéticamente<br />

al existencialismo francés;<br />

por otro, un flaco del orfanato<br />

mendocino. Un poco callejero y un<br />

poco del Bar Moderno”.<br />

El gran hit, de todas maneras, no<br />

fue el tema de Almendra. Fue una<br />

balada en la menor sobre la que<br />

Favio edificó el crescendo dramático<br />

que es la piedra de Rosetta de su<br />

obra como cantante. “‘Ella ya me<br />

olvidó’ es un resumen perfecto de<br />

canción popular argentina –dice<br />

Manuel Moretti–. Es extraordinaria.<br />

La genealogía de Favio no viene de<br />

Italia, pero toda su teatralidad me<br />

remite a esa italianidad argentina: la<br />

épica romántica, profunda, emocional,<br />

del amor y de la belleza. Llorada,<br />

dificultosa. En Favio se enuncia<br />

como un lamento nasal y vocal, que<br />

quizás viene de sus antepasados sirios.<br />

En realidad, lo que diferencia a<br />

Favio de los demás cantantes melódicos<br />

es el corazón”.<br />

El subidón devino en un segundo<br />

long play titulado con su propio<br />

nombre, una película de Eduardo<br />

Calcagno basada en aquella primera<br />

tanda de canciones (con las<br />

actuaciones de Carola, Emilio Disi,<br />

una jovencísima Susana Giménez y<br />

su actriz fetiche: Nora Cullen) y un<br />

halo de histeria alrededor de la flamante<br />

estrella pop. El único rival de<br />

fuste, en ese aspecto, era Sandro. En<br />

el invierno de 1969, mientras Sandro<br />

surfeaba la ola de “Rosa, rosa” y<br />

Favio copaba las tapas de las revistas<br />

del corazón, conformaron el yin<br />

y el yang del ídolo nacional y popular.<br />

Ambos construían una suerte<br />

de personaje, pero los resultados de<br />

sus artificios eran diferentes. Sandro<br />

venía del rock & roll y, aunque su<br />

apuesta estaba más apoyada en el<br />

cuerpo, resultaba más distante. Si<br />

bien subyacía de modo imperceptible<br />

en el candor de sus baladas,<br />

Favio estaba atravesado por el ethos<br />

político de la época. Claro que no<br />

era Serrat ni quería serlo: sus canciones<br />

no tenían contraseña, sino<br />

que estaban perladas por un anhelo<br />

total. Desde allí hacia el peronismo,<br />

un solo paso.<br />

Ni lerdo ni perezoso, el sello<br />

editó una antología y discos como<br />

Hola, che y El talento de Leonardo<br />

Favio, que, si bien escondían canciones<br />

notables como “Juan El Botellero”,<br />

no tenían ningún hit evidente<br />

como punta de lanza. Para mayo de<br />

1971, la revista Siete Días pintaba<br />

con algunos trazos el escenario de<br />

su casa (el mate, la compañía de<br />

Carola, los almuerzos frugales, las<br />

sesiones de acupuntura) y, entre los<br />

bocetos de Juan Moreira y algunos<br />

cachets millonarios,<br />

se preguntaba<br />

por la evaporación<br />

de la efervescencia.<br />

“Yo no necesito ser<br />

un boom –respondía<br />

Favio–. Ahora<br />

soy una institución.<br />

Si no fuera así, los<br />

empresarios, que<br />

conocen muy bien<br />

el negocio, no me<br />

cotizarían tan alto”.<br />

Toda esa calma,<br />

de algún modo, precedía<br />

un huracán.<br />

En efecto: el reingreso<br />

en la escena<br />

fue apoteósico. En<br />

plena primavera<br />

camporista, estrenó<br />

la épica popular<br />

de Juan Moreira y<br />

editó un simple de<br />

extracción folklórica<br />

titulado “Estoy<br />

orgulloso de mi<br />

General”. La conducción<br />

del célebre acto de Ezeiza<br />

lo puso, literalmente, en el ojo de<br />

la tormenta. “Tengo recuerdos de<br />

la filmación de Nazareno y Soñar,<br />

soñar –dice Nico Favio–. Me acuerdo<br />

de acompañarlo a dos shows de<br />

esa época, que entraran los militares<br />

a mi casa… Después de eso, ya<br />

nos fuimos para Las Catitas, luego<br />

a México, después volvimos y de<br />

nuevo partimos. Para cuando tenía<br />

cinco años, mi papá ya estaba recontraprohibido”.<br />

En ese punto, el hilo de su carrera<br />

se pierde en la distancia: entre<br />

la censura, el zeitgeist del rock<br />

argentino y el exilio cafetero en Pereira<br />

(Colombia). Durante su larga<br />

temporada en el extranjero, Favio<br />

vivió como cantor, grabó más<br />

discos y, a medida que su nombre<br />

crecía en el imaginario latinoamericano,<br />

se disolvía en el mercado<br />

juvenil de nuestro país. El hombre<br />

seguía adelante, pero –como diría<br />

Yupanqui– el alma tiraba para<br />

atrás. Se enamoró del vallenato, de<br />

grupos como el Binomio de Oro<br />

o las cumbias de Senén Palacios,<br />

pero apenas consiguió un ejemplar<br />

de Pensar en nada no pasó una<br />

mañana sin escuchar a León Gieco.<br />

A veces parecía más lejos y a veces<br />

más cerca, pero el regreso ya era<br />

una línea en el horizonte.<br />

“Sus canciones resuenan de<br />

forma rabiosa en una generación,<br />

pero el Favio cantor no existió para<br />

las generaciones argentinas posteriores<br />

–dice Dacal–. Quizás por<br />

eso, en un momento, me tomé la<br />

labor de embanderarme: porque<br />

es una figura que quedó totalmente<br />

demodé, porque era el cantor<br />

de las amas de casa. No olvidemos<br />

ese término que usan en Colombia<br />

para hablar de lo que escuchaban<br />

las señoras que limpiaban en<br />

las casas: ‘música para planchar’ o<br />

‘música plancha’. Durante su exilio,<br />

entonces, es olvidado en esta zona<br />

del mundo. Tal vez porque, pasada<br />

la primera instancia, aflora el peronismo<br />

como un recuerdo doloroso<br />

en la figura de Favio: la resonancia<br />

popular de esas figuras pasionales<br />

y juveniles que son los protagonistas<br />

de sus canciones”.<br />

Ahora la ves, ahora no. El corazón<br />

de un pueblo es como la puerta<br />

secreta de H.G. Wells: ahí, en ese<br />

mismo recodo de la cuadra donde<br />

ayer estaba el pasaje, ahora hay una<br />

pared ciega. Por un tiempo, sin embargo,<br />

Leonardo Favio supo tener<br />

la llave en la cintura. Durante su<br />

última performance en el Festival<br />

de Cosquín, bastó que Luciana Jury<br />

dijera un pronombre para que el<br />

público cayera rendido a sus pies:<br />

“Ella, ella ya me olvidó”. Después,<br />

cuando arribó a una zona misteriosa<br />

de la canción, lanzó una serie de<br />

dardos letales. “¡Acá está Juan Moreira,<br />

mierda! –dijo, levantando la<br />

mano como un puñal–. Nazareno,<br />

Nazareno. Desecha el material: la<br />

plata, el oro, por amor. Es un Cristo.<br />

¿Monito? ¡Monito las pelotas! ¡Señor<br />

Gatica!”. Quién iba a sospechar<br />

que la Plaza Próspero Molina entregaría<br />

una ovación de pie frente a ese<br />

mash-up inédito de cine y canciones.<br />

“Ah, tío –soltó la Jury y tiró un<br />

beso hacia el cielo–. En tu nombre,<br />

en todo tu ser”. Desde la pantalla<br />

gigante, la mirada de Favio iluminaba<br />

la plaza como un faro. ¿Acaso<br />

alguien podía olvidarlo?<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

31


Ysy A<br />

El origen de la<br />

especie<br />

Creó El Quinto Escalón a los 13 años y se convirtió en precursor de una movida que hoy maneja millones en las<br />

plataformas de streaming. Ahora, a contrapelo de sus colegas, que prefieren lanzar singles, acaba de publicar su<br />

álbum de trap Antezana 247. “No puedo escribir canciones sobre cosas que no viví”, dice.<br />

POR JOTA AYERZA · FOTOGRAFIADO POR TUTE DELACROIX<br />

exactamente un año después de<br />

que finalizara El Quinto Escalón,<br />

se editó Antezana 247, el primer<br />

álbum de trap argentino tras la explosión<br />

del freestyle en el país. “Es<br />

un relato autobiográfico”, explica<br />

Alejo, creador de El Quinto, sobre<br />

el trabajo que lanzó con el seudónimo<br />

“Ysy A”. “A los 13 años empecé<br />

con El Quinto… uh, estoy flasheando,<br />

pasaron tantas cosas que ni<br />

me rescato… ¿qué te iba a contar?<br />

–pregunta antes de contestarse–.<br />

Ah, sí… con 13 tenía que ir a buscar<br />

a raperos de 20. Lo loco es que,<br />

con 16, los más grandes ya venían<br />

solos”. De Paulo Londra a Duki,<br />

pasando por Lit Killah, Ecko, Wos<br />

o Lucho SSJ, El Quinto dio a luz<br />

a gran parte de los artistas urbanos<br />

argentinos que hoy explotan el<br />

streaming y dominan el <strong>Billboard</strong><br />

<strong>Argentina</strong> Hot 100.<br />

¿Cómo nació El Quinto?<br />

- Surgió porque mi madre no me<br />

dejaba irme en tren a Claypole a la<br />

única competencia de freestyle que<br />

existía en ese momento. Un día les<br />

dije a varios de juntarnos en Parque<br />

Rivadavia, seríamos 15 en total.<br />

Le pusimos el nombre y arrancamos<br />

a reclutar gente. Gracias a que<br />

se replica ese fenómeno en toda la<br />

<strong>Argentina</strong>, nosotros empezamos a<br />

viajar. Guachos de otras ciudades<br />

empezaron a tener ganas de autogestionar<br />

su evento y traer a los<br />

artistas que veían en los videos de<br />

YouTube. Yo fui de Ushuaia a Jujuy<br />

con el freestyle antes de volver a hacerlo<br />

con la música.<br />

Pero el público del freestyle era<br />

muy reducido al comienzo. Hace<br />

siete años, los videos en YouTube<br />

apenas alcanzaban las 5000 reproducciones.<br />

La movida fue creciendo<br />

de la mano de los primeros videos<br />

virales. Entre ellos, se destacó<br />

uno de Alejo tirando free en una<br />

ronda cypher, es decir, una ronda<br />

de freestyle en la que se rapea por<br />

placer. “Pegamos un buen feel con<br />

Iacho (beatboxer), y ese video nos<br />

hizo viajar bastante. Después metimos<br />

un community manager de<br />

El Quinto y eso fue el principio del<br />

fin”, cuenta.<br />

¿Por qué?<br />

- El algoritmo nos orientó a un<br />

público muy de niños, y nuestro<br />

sistema de trabajo incrementó eso.<br />

Cada vez se parecía más a un producto<br />

para nenes que una movida<br />

de hip hop. La plaza fue la última<br />

época gloriosa de El Quinto. Cuando<br />

lo tuvimos que pasar a escenario,<br />

ya no me representaba más. Pero<br />

comprendí que el movimiento de<br />

El Quinto era algo más grande de<br />

lo que me pasaba a mí. No me pertenecía<br />

más, lo había compartido<br />

con todo el mundo. Pero lo había<br />

creado yo y, por eso, también tenía<br />

el derecho de destruirlo.<br />

¿Y ahí llegan las ganas de hacer<br />

música?<br />

- No, eso arrancó antes. Habrá<br />

sido en 2015, que unos amigos tenían<br />

una banda que mezclaba rap<br />

con rock, y yo me metí en el estudio.<br />

No me gustaba mucho la batalla<br />

ya. Dejé de competir y empecé<br />

a especializarme en rapear, que es<br />

diferente a saber competir. Profundicé<br />

en el flow, yo ya no competía.<br />

Terminaba el evento y ahí empezaba<br />

a tirar free.<br />

Al mismo tiempo que El Quinto<br />

crecía masivamente en las redes sociales,<br />

Ysy empezó a abrirse del freestyle.<br />

En 2016, formó La Cofradía,<br />

banda con la cual organizó el primer<br />

tour de trap argentino en conjunto<br />

con KMD, la banda de Neo Pistea.<br />

“Once ciudades, de San Martín de<br />

los Andes a Ushuaia. Todo autogestionado,<br />

sin sponsors… todavía<br />

tengo esos Excel. El tour lo produje<br />

yo, porque los pibes no estaban<br />

acostumbrados a hacerlo. Ahí me di<br />

cuenta de que ya le estaba entregando<br />

mi vida a la música”.<br />

Tres meses antes de que El<br />

Quinto Escalón finalizara, Alejo le<br />

comentó a Duki su intención de<br />

destruir el evento. “Los dos estábamos<br />

en la misma sintonía. Ya nos<br />

parecía muy burdo batallar contra<br />

alguien que no conocíamos, decirle<br />

cosas guasas y sin sentido. Ahí<br />

nos pusimos espalda con espalda y<br />

empezamos a ir mucho al estudio”,<br />

cuenta. Con 19 y 20 años se mudan<br />

juntos a “La mansión”, un departamento<br />

en Antezana 247 –entre los<br />

barrios porteños de Villa Crespo<br />

y Caballito– que, como bien canta<br />

Duki en “Rockstar”, quedaba a<br />

cuatro cuadras de la avenida Warnes.<br />

Paulatinamente, los raperos<br />

se fueron aislando del mundo del<br />

freestyle para centrarse en la música.<br />

“Nosotros veníamos avisando que<br />

la movida estaba por otro lado y nadie<br />

nos escuchaba. Fue muy flashero<br />

el fin de El Quinto, porque mucha<br />

gente morfaba de eso, nosotros<br />

también lo hacíamos”.<br />

Entre críticas y elogios por destruir<br />

El Quinto y entregarse definitivamente<br />

a la vida de trapper, Ysy<br />

editó su primer single producido<br />

por MYKKA y Omar Varela, “Dame<br />

droga”. “A muchos no les gustaba<br />

que nosotros usáramos Auto-Tune<br />

y cantáramos lo que estábamos viviendo.<br />

Pero ahora ya son varios los<br />

que lo hacen. Yo no puedo escribir<br />

canciones sobre cosas que no viví,<br />

es así”, explica.<br />

Ese mismo verano se terminó de<br />

crear #ModoDiablo, el grupo que<br />

forma junto a Duki y Neo Pistea,<br />

y que los comentarios de YouTube<br />

describen como White Migos, en<br />

referencia al trío de rap estadounidense<br />

comandado por Quavo.<br />

32 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


“Dimos 50 shows en 35 días entre<br />

enero y febrero, una locura. Hacíamos<br />

tres fechas un jueves, dos el<br />

viernes y cuatro el sábado”, cuenta y<br />

luego agrega: “Al mismo tiempo se<br />

iba componiendo Antezana. ‘Tamo’<br />

loco’ y ‘Enamorada del diablo’ surgieron<br />

de gira”.<br />

La cantidad de shows no bajó<br />

hasta después de girar por un mes<br />

con Duki en España, en el medio el<br />

trío abrió para Bad Bunny en Chile<br />

y hasta compartió canciones con<br />

el boricua en el Luna Park. “Somos<br />

conscientes de lo que hacemos,<br />

pero cuando pasa el tiempo nos<br />

damos cuenta de que la magnitud<br />

era mayor de lo que pensábamos”,<br />

confiesa. Tras editar canciones<br />

como “Quavo” o “Hijo de la noche”,<br />

la búsqueda de Ysy fue más allá de<br />

un bajo 808 y buen flow. Singles que<br />

quedaron fuera de Antezana 247<br />

como “Pastel con Nutella”, “Casi un<br />

G” o “Vamo’ a darle” lo muestran<br />

más cerca de la electrónica y el trap<br />

experimental. “Si sabés rapear, te<br />

podés subir a cualquier sonido.<br />

‘Muévelo’ es una cumbia”, comenta<br />

en referencia al track del álbum en<br />

colaboración con Marcianos Crew.<br />

“Por suerte trabajo con productores<br />

que comparten mi búsqueda artística<br />

como Neuen, Oro Dembow o<br />

0600. Nuestra búsqueda es cambiar<br />

la historia, hacer algo que nunca se<br />

haya hecho. Yo me tengo que meter<br />

en el estudio o subir al escenario<br />

para hacer algo imposible, que nadie<br />

pueda hacer”, describe.<br />

Pero su experimentación y búsqueda<br />

de la vanguardia constante<br />

no son azarosas. La ansiedad por<br />

lanzar un single, en estos vertiginosos<br />

tiempos de consumo, no tiene<br />

que ganarle al artista. “No soy un<br />

rapero al que le guste dar pasos<br />

apresurados. Lo que digo siempre<br />

es que para ser el mejor rapero, tenés<br />

que saber rapear y moverte. Si<br />

sabés hacer las dos cosas, sos Duki.<br />

Él tomó ventaja en la escena porque<br />

fue el primero en saber rapear y<br />

moverse bien”.<br />

Por último, ¿el trap es el nuevo<br />

pop?<br />

- Yo siento que es el nuevo rock<br />

más que el nuevo pop. Es una<br />

reversión. Nosotros vemos a los<br />

rock stars en su mejor etapa y decimos<br />

“trap”. Pero en su momento<br />

era “rock”.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

33


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

Mujer<br />

34 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Golpeada por las pérdidas, Ariana hizo<br />

la mejor y la más aclamada música<br />

de su carrera. Como dueña de su<br />

tristeza y de su fortaleza, ejemplifica el<br />

espíritu inquebrantable de las artistas<br />

de <strong>Billboard</strong> que fueron reconocidas<br />

en la celebración anual de los talentos<br />

femeninos más importantes.<br />

Por NATALIE WEINER<br />

Fotografiada por MILLER MOBLEY<br />

“Ya no hay nada<br />

que me atemorice”<br />

DEL<br />

añoBILLBOARD.COM.AR<br />

35


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

“wow, es como ‘les dije todo’”.<br />

Ariana Grande se hamaca en su<br />

asiento detrás de la masiva consola<br />

en el estudio Record Plant de Los<br />

Ángeles, y una gran sonrisa revela<br />

su hoyuelo en la mejilla izquierda.<br />

Su nuevo single, “Thank U, Next”, no<br />

será oficialmente su primer N° 1 del<br />

<strong>Billboard</strong> Hot 100 por otros tres<br />

días, pero su éxito explosivo ya está<br />

causando titulares. Para Grande,<br />

el mojón es especialmente significativo.<br />

Es la clase de música con la<br />

que ella buscaba realizarse. “¡Es un<br />

single de Tommy Brown!”, exclama,<br />

golpeando el brazo de la silla<br />

con énfasis. Brown, un productor<br />

y cantautor, ha estado trabajando<br />

con Grande desde su debut en 2013,<br />

Yours Truly, y Grande está embelesada<br />

con la perspectiva de compartir<br />

este éxito musical. “No puedo<br />

creerlo, pero es cierto. Es como yo<br />

y mis mejores amigas alegres de<br />

champagne –y yo con un corazón<br />

roto– saliendo y divirtiéndonos.<br />

Amo esta canción más que cualquier<br />

otra que haya hecho”.<br />

Tener esta clase de alegría fue<br />

duro en los meses pasados para la<br />

Mujer del Año de <strong>Billboard</strong>, pese<br />

al hecho de que nunca tuvo un pico<br />

tan grande en su carrera. Sweetener,<br />

el cuarto álbum de Ariana, fue su<br />

tercer N° 1 en el <strong>Billboard</strong> 200 en<br />

agosto último, rompió récords de<br />

streaming y ganó elogios de la crítica.<br />

Hasta ahora ha producido dos<br />

singles top 10 en el Hot 100, con<br />

un tercero, “Breathin’”, ahora en el<br />

puesto N° 13. Pero mientras estaba<br />

sumergida en la promoción de su<br />

proyecto, su querido amigo, colaborador<br />

y exnovio Mac Miller murió<br />

por una sobredosis accidental.<br />

Justo un mes después terminaba<br />

su compromiso con el comediante<br />

Pete Davidson.<br />

En esta tarde de noviembre, todavía<br />

es temprano para hablar sobre<br />

lo que ha pasado más que de un<br />

modo general. “Soy muy afortunada<br />

y muy desafortunada al mismo<br />

tiempo”, dice la cantante de 25 años.<br />

Pero cantar sobre esto es otra historia.<br />

Poco después de la muerte de<br />

Miller, Grande empezó a pasar más<br />

tiempo con sus amigos y colaboradores<br />

más cercanos, incluyendo a<br />

Brown, para grabar un álbum (que,<br />

dice, también se llamará Thank U,<br />

Next) en un estudio cruzando la<br />

calle de su departamento en Nueva<br />

York. Aunque ha estado haciendo<br />

terapia desde niña, lidiando con el<br />

divorcio de sus padres, en este momento<br />

su mayor curación aparece<br />

cuando está frente a un micrófono.<br />

“Cuando me encontraba diciendo<br />

‘Porque su nombre es Ari’, sabía que<br />

era una línea especial, pero una parte<br />

de mí decía ‘Ay, Dios, eso es muy<br />

cursi’”, dice Grande refiriéndose a<br />

la letra de “Thank U, Next”, una declaración<br />

de autoestima. Ella mete<br />

sus piernas dentro de una capucha<br />

celeste que dice “beau souci” (“hermosa<br />

preocupación” en francés) y<br />

las toma con sus brazos. “Pero la<br />

otra parte de mí piensa como ‘Es<br />

algo bello y necesito conservarlo’.<br />

Sé que alguna vez puse algo en una<br />

canción, entonces es real”.<br />

De manera acorde, la sala de<br />

control está decorada como un refugio:<br />

un pequeño florero con flores<br />

blancas, una vela solitaria, una<br />

luz proyectando olas sobre el cielorraso.<br />

Con su característico pelo<br />

recogido en una cola, Grande bebe<br />

un café de soja helado de Star bucks<br />

mientras charla animadamente<br />

sobre la música que está haciendo,<br />

lo único que le interesa discutir, lo<br />

único que en este momento le importa.<br />

Tal como ocurrió, una serie<br />

de tragedias le dieron a la estrella<br />

dos dones inesperados: la libertad<br />

para canalizar su dolor en la música<br />

más cruda y temperamental de<br />

su carrera, y la audacia para derribar<br />

al establishment del pop –que,<br />

como apunta Ariana más rápida<br />

que ninguna otra, está particularmente<br />

atrincherado cuando se trata<br />

de mujeres–.<br />

Ella contaba con el talento: el<br />

rango de cuatro octavas y la agilidad<br />

vocal que llevaron a que Gloria<br />

Estefan le dijera, tras escucharla<br />

a sus ocho años cantar “My Heart<br />

Will Go On” en una noche de karaoke<br />

en un crucero, que tenía todos<br />

los dotes necesarios. También<br />

contaba con el soporte: una familia<br />

unida, hecho notorio para cualquiera<br />

que siga a la cantante en las redes<br />

sociales. Y tenía la ética del trabajo,<br />

cantando regularmente en público<br />

antes de los diez años y en Broadway<br />

cuando cumplió 15. “A los seis<br />

años ya había decidido qué iba a<br />

hacer con mi vida –dice Ariana, que<br />

creció en Boca Ratón, Florida–. Lo<br />

manifesté, lo sabía. En mi mente<br />

nunca hubo la menor duda”.<br />

La cantante procedió a hacer<br />

todo lo posible para alcanzar el estrellato<br />

y agendó todo su tiempo en<br />

las trincheras para adolescentes de<br />

Nickelodeon. En 2011 fichó con Republic<br />

Records; no mucho después<br />

conoció a Mac Miller. Él tenía 20 y<br />

ella 19, de modo que naturalmente<br />

primero hablaron por Twitter. Rápidamente<br />

los dos se hicieron amigos,<br />

y ella lo invitó a cantar un verso del<br />

single principal de su álbum debut,<br />

el noventoso “The Way” (2013). En<br />

su momento, Grande le dijo a <strong>Billboard</strong><br />

que Miller le dio herramientas<br />

de Pro Tools mientras grababan.<br />

Y añadió: “Si querés motivar a Mac<br />

Miller, cociná galletitas”.<br />

Ahora, ella recuerda la canción<br />

como el primer momento en que<br />

capturó su estilo musical, algo que<br />

había perseguido desde muy chica,<br />

cuando idealizaba a IndiaArie.<br />

“Cuando hicimos ‘The Way’,<br />

me dije ‘Guau, encontramos algo<br />

aquí’”, cuenta Grande. Su rostro se<br />

apaga levemente; justo antes de la<br />

entrevista, estaba trabajando en<br />

una nueva canción que, cuando la<br />

tocó más tarde para mí, advirtió<br />

que era sobre Miller. “Se siente<br />

como ‘Haría esto por siempre’”.<br />

“The Way” alcanzó el N° 9 del<br />

Hot 100 y, como el resto del debut,<br />

se mantuvo razonablemente bien.<br />

Babyface, uno de los productores<br />

del álbum, ayudó a legitimar las<br />

aspiraciones de Grande. De todos<br />

modos, cuando lanzó Yours Truly<br />

todavía era vista como un ídolo<br />

para adolescentes, gracias en parte<br />

a su historial televisivo y su diminuto<br />

tamaño (mide exactamente<br />

un metro y medio). De modo<br />

que en sus siguientes dos álbumes<br />

fue haciéndose aún más grande,<br />

empleando a Max Martin y persiguiendo<br />

el tipo de hit pop que es<br />

irresistible para cualquier oyente.<br />

Ariana<br />

36 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


“Empezamos en casa –Ariana<br />

dice de Yours Truly–, y después<br />

fuimos a este lugar donde jugué un<br />

poquito y después hice los enormes<br />

discos pop. Luego de a poco fuimos<br />

incorporando mi alma en mi música,<br />

y ahí es donde volvimos a aterrizar<br />

con ‘Thank U, Next’”. Ariana<br />

Grande puso todo el trabajo, hizo<br />

todo lo que se le pidió –todos los<br />

pequeños compromisos que se vinculan<br />

con jugar el juego– y mantuvo<br />

su nariz limpia (con la excepción<br />

de un poco de azúcar de una<br />

dona, que ella borró de la memoria<br />

del público con un brillante sketch<br />

en uno de los mejores debuts como<br />

host en Saturday Night Live). Tiene<br />

canciones hiteras y un alto rating<br />

en Pitchfork, por no hablar de sus<br />

devotos fans. Las apariciones televisivas<br />

de Grande –rutinas promocionales<br />

para muchas estrellas–<br />

son eventos, gracias a su natural<br />

instinto para el humor y su don<br />

para impactar tanto con su canto<br />

como cuando habla (googleala<br />

imitando a Jennifer Coolidge). Ella<br />

siguió todas las reglas y arribó a lo<br />

que parece la cima.<br />

La cantante no tiene remordimientos.<br />

“Estoy en un lugar en<br />

donde puedo hacer cosas como<br />

lanzar un single sorpresa que sea<br />

el mayor single de mi carrera”, dice<br />

ahora. Pero en los cinco años de<br />

su carrera no había tenido nunca<br />

un N° 1 en el Hot 100 y no había<br />

encontrado la ubicuidad que sabía<br />

que merecía. Después, el 22 de<br />

mayo de 2017, un terrorista suicida<br />

asesinó a 23 personas e hirió a 139<br />

en un estadio de Manchester, Inglaterra,<br />

donde Grande acababa de<br />

presentarse como parte de su tour<br />

Dangerous Woman. Muchas de las<br />

víctimas fueron niños.<br />

En pocas semanas Grande estaba<br />

de regreso, no solo sobre el escenario,<br />

sino en Manchester, visitando<br />

a sobrevivientes en el hospital<br />

y presentando el show a beneficio<br />

One Love Manchester, que ayudó<br />

a recaudar 23 millones de libras<br />

(alrededor de 29 millones de dólares)<br />

para las víctimas. Ella hizo<br />

una versión en vivo de “Somewhere<br />

Over the Rainbow” durante la cual<br />

rompió a llorar –aunque cerró la<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

37


“Estoy en un lugar<br />

en donde puedo<br />

hacer cosas como<br />

lanzar un single<br />

sorpresa que sea<br />

el mayor single de<br />

mi carrera”, dice<br />

Grande.<br />

performance– y donó las ganancias<br />

a la Cruz Roja. “Nuestra respuesta<br />

a la violencia debe ser juntarnos<br />

más –escribió en el momento–,<br />

ayudarnos, querernos más, cantar<br />

más fuerte y vivir más generosamente<br />

que nunca”.<br />

Ella hizo exactamente eso con<br />

el álbum que le siguió este verano,<br />

Sweetener, un paseo optimista a su<br />

propia sanación; no hay refugio en<br />

la tragedia, solo dulzura y positividad.<br />

El primer single fue titulado<br />

“No Tears Left to Cry”, y el álbum<br />

concluyó con la tierna “Get Well<br />

Soon”, un tributo de cinco minutos<br />

y 22 segundos a las víctimas de los<br />

atentados en Manchester. Mientras,<br />

fuera del estudio, encontró<br />

una nueva contención en Davidson,<br />

estrella de la SNL, en una relación<br />

de la que ella alardea felizmente,<br />

pese al frenesí que los envolvió a<br />

ambos en los tabloides. En un tuit<br />

de un mes atrás, Grande resumió<br />

sus emociones en lo que le vino<br />

pasando desde entonces: “Recuerdo<br />

cuando no tenía más lágrimas<br />

para llorar y el universo era como<br />

JAAAAA, perra, vos pensaste”.<br />

Esta tarde, Ariana está casi<br />

sumida en llanto, un hecho que<br />

reconoce: “Espero que no tengas<br />

problema con que llore, porque es<br />

algo que dudo que no vaya a pasar”,<br />

dice, riendo mientras caen las<br />

lágrimas, al hablar de cómo debió<br />

lidiar con tanta tragedia en un corto<br />

período de tiempo. “No puedo<br />

siquiera decirle a alguien ‘Buen<br />

día’ sin llorar”. La bendición, tanto<br />

para la artista como para sus fans,<br />

es la música. “Creo que ya no hay<br />

nada a lo que le tenga miedo”, dice,<br />

constriñendo su aterciopelada voz.<br />

“Cuando la vida te trata con una<br />

mierda tan seria, tus prioridades<br />

cambian. No me importa nada.<br />

Solo quiero ser feliz y saludable<br />

–algún día– y hacer música”.<br />

Donde está ahora sentada –detrás<br />

de la consola de mezclas– es el<br />

único lugar donde Grande siente<br />

que tiene el control. Y ella es, en sus<br />

propias palabras, una maniática del<br />

control. Aunque nunca va a decir<br />

que tiene el tono perfecto (“Me lo<br />

dice la gente, pero yo no me voy a<br />

sentar aquí y afirmar ‘Sí, lo tengo’”),<br />

cuando habla de su música Ariana<br />

trasluce una obsesión de orfebre<br />

con los arreglos y las armonías vocales.<br />

“Si escucho algo que suena en<br />

una pista entre miles, le escribo un<br />

e-mail al ingeniero de sonido”, dice.<br />

Martin y Pharrell Williams la dejan<br />

”llevar el volante”, y esa es una de<br />

las razones por las que ella los convocó<br />

repetidamente. Pero no todos<br />

los hombres con los que trabajó le<br />

cedieron el control tan fácilmente.<br />

“Me he retirado elegantemente de<br />

muchas sesiones –confiesa Grande–.<br />

Ha ocurrido. Soy una mujer<br />

pequeña. La gente tiende a desestimar<br />

eso. Pero yo puedo componer<br />

mis propias vocalizaciones y producir<br />

mi propia sesión, y ellos responden<br />

–aquí hace una excelente imitación<br />

de un turulato– ‘Uy, no sabía<br />

que podías hacerlo’. Yo les digo<br />

‘Créanlo o no, hay un montón de<br />

mujeres pequeñas que pueden hacer<br />

esto”. Esta es la Grande que busca<br />

la grandeza, versionando canciones<br />

del ecléctico bajista Thundercat<br />

e intercambiando DM de Instagram<br />

con el legendario trompetista de<br />

jazz Arturo Sandoval (el dúo hizo<br />

un track junto a Williams).<br />

Esta es también la Grande que se<br />

manifestó públicamente contra el<br />

sexismo. Su reciente single “God Is<br />

a Woman” puede ser el más obvio<br />

ejemplo, pero incluso en 2015, en<br />

un manifiesto que citaba a Gloria<br />

Steinem, ya criticaba el hábito de<br />

los medios para definir a las mujeres<br />

por su estatus marital. “Me<br />

encantaría ver un top ten con tantos<br />

38 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


VIVO: DAVE HOGAN PARA ONE LOVE MANCHESTER/GETTY IMAGES. MILLER: SPLASHNEWS<br />

hombres como mujeres –dice–. Está<br />

tan dominado por los varones. Es<br />

fácil para ellos. Hay un montón de<br />

artistas femeninas increíbles tratando<br />

denodadamente de salir a la superficie”.<br />

Pese a las barreras de la industria<br />

que Grande está quebrando<br />

–ella es la única artista que tuvo el<br />

primer single de sus cuatro álbumes<br />

debutando en el top 10 del Hot 100,<br />

y la primera mujer en tres años que<br />

contó con un single debut en el primer<br />

puesto del Hot 100– a menudo<br />

siente que está lidiando con una<br />

audiencia que la quiere encasillar en<br />

estereotipos específicos. “Son incapaces<br />

de entender el hecho de que<br />

las mujeres son un millón de cosas,<br />

no solo dos –asevera–. Podés ser<br />

adorable y brillante. Podés ser amigable<br />

y tonta, pero aun así, fuerte e<br />

indestructible. Podés ser profesional,<br />

pero también sexy y divertida”.<br />

“Mi sueño siempre ha sido ser<br />

obviamente no una rapera, pero alguien<br />

que haga música del modo en<br />

que lo hace una rapera. Siento que<br />

hay ciertos estándares que aplican<br />

a las mujeres; y a los hombres, no.<br />

Tenemos que realizar los adelantos<br />

antes de cada single, después<br />

hacer el single, esperar que haya<br />

una preventa, y la radio tiene que<br />

impactar antes del video, etcétera.<br />

Yo quiero hablar con mis fans,<br />

cantar y escribir la música del modo<br />

que lo hacen los muchachos. ¿Por<br />

qué ellos pueden hacer discos así y<br />

yo no? Así que intento hacerlo, lo<br />

hice y lo seguiré haciendo –Ariana<br />

pausa brevemente, se pone seria–. Y<br />

si no ocurre del modo que ocurrió<br />

con ‘Thank U, Next’, ¡está bien también!<br />

Es excitante ver que algo se<br />

recibe tan bien. Es hermoso. Pero es<br />

aún más lindo ser honesto y hacer<br />

algo –explica y moquea, sus ojos se<br />

humedecen–: lanzar un disco un<br />

sábado a la noche porque lo sentís,<br />

porque tu corazón explota si no lo<br />

hacés, si te guardás la narrativa”.<br />

Grande se larga a llorar y seca sus<br />

lágrimas con cuidado de no correr<br />

su delineador de ojos. “No quiero<br />

hacer lo que la gente me pide, no<br />

quiero conformar la agenda de la<br />

estrella pop. Quiero hacerlo en mis<br />

propios términos de ahora en más.<br />

Si quiero sacar de gira dos álbumes<br />

a la vez, voy a hacerlo. Si quiero lanzar<br />

un tercer álbum mientras estoy<br />

de gira [en <strong>2019</strong>], lo haré también.<br />

Social House [el dúo que produjo<br />

‘Thank U, Next’] es mi número de<br />

apertura, así que ¿vos pensás que no<br />

voy a tener un estudio de grabación<br />

en el micro? ¿Que no vamos a estar<br />

haciendo discos en la ruta? ¡Por supuesto<br />

que sí! Quiero ser capaz de<br />

hacer lo que es auténtico, honesto<br />

y natural. Es el único modo en que<br />

soy capaz de sobrevivir”. Ariana<br />

apoya su rostro sobre las manos,<br />

descansando sus dedos –adornados<br />

con uñas blancas ovaladas, perfectamente<br />

recortadas– en su frente.<br />

Hablar explícitamente sobre los<br />

hombres en su vida es imposible.<br />

Ella aún ama todas sus canciones,<br />

incluso “Pete Davidson”. (Ella envió<br />

“Thank U, Next” a Davidson<br />

antes de lanzarla: “No voy a tomar<br />

por sorpresa a nadie”, dice). La<br />

herida que dejó la muerte de Miller<br />

está, lógicamente, aún latente.<br />

Ariana piensa que el Día de Acción<br />

de Gracias será particularmente<br />

duro, ya que pasó sus últimas<br />

fiestas en la casa familiar de Miller,<br />

en Pittsburgh. En este punto, esta<br />

es la clase de detalles que sabe que<br />

encabezarán noticias en los sitios<br />

Arriba: Grande en el<br />

concierto benéfico One<br />

Love Manchester, en<br />

Inglaterra el 4 de junio<br />

de 2017, menos de un<br />

mes después de que su<br />

gira se detuviera por el<br />

atentado. Derecha: con<br />

Miller en 2013, el año<br />

que lanzó su primer<br />

hit, “The Way”, en<br />

colaboración con él.<br />

de chismes. Su ascenso a la fama<br />

estuvo rodeado de una serie de<br />

romances públicos que ella define<br />

como efecto colateral de su adicción<br />

al trabajo. “Es el modo en que<br />

conozco gente. No puedo, digamos,<br />

conocer a alguien en un bar<br />

–explica–. Vivo rápido y a pleno, y<br />

cometo errores, y aprendo de ellos<br />

y lo agradezco, pase lo que pase”.<br />

Grande no tiene planes de tomarse<br />

un descanso, pese al hecho<br />

de que ha estado trabajando constantemente<br />

más o menos desde el<br />

inicio de su carrera. Cuando nos<br />

encontramos, a inicios de noviembre,<br />

ella estaba finalizando la grabación<br />

de Thank U, Next, armando el<br />

video para el single y preparándose<br />

para el tour Sweetener World, que<br />

empieza en marzo de <strong>2019</strong>. “Siento<br />

que solo arañé la superficie de lo<br />

que quiero ser, y deseo seguir creciendo,<br />

practicando y siendo mejor<br />

–afirma–. No me quiero dormir en<br />

los laureles”. El nuevo álbum es la<br />

terapia de Ariana Grande y su catarsis.<br />

Ella invita a sus amigos y colaboradores<br />

–Brown, Social House,<br />

Victoria Monét, Tayla Parx y Doug<br />

Middlebrook– para escucharlo en<br />

la sala de control. Brown aparece<br />

con una botella de Veuve Clicquot<br />

rosado. “Creo que nunca consumí<br />

tanto alcohol como el mes pasado<br />

–bromea Grande, animada por la<br />

presencia de tantos amigos–. Yo soy<br />

de champagne. ¿Viste que la gente<br />

dice que somos un 60 por ciento de<br />

agua? Yo soy 60 por ciento Veuve<br />

Clicquot rosado”.<br />

Thank U, Next fue casi todo escrito<br />

en una semana, con los colaboradores<br />

de Ariana en la sala de<br />

control, y grabado en dos semanas.<br />

Ahora viene la etapa de pulirlo y la<br />

adición de algunos tracks con Martin<br />

y su equipo. Fue el producto de<br />

un montón de “energía femenina,<br />

champagne, música, risas y llantos.<br />

Este álbum no es particularmente<br />

animado –dice ella–. Algunas cosas<br />

suenan un poco arriba, pero es realmente<br />

un capítulo bastante triste”.<br />

La música es desafiante –partes festivas<br />

de bajo profundo con beats de<br />

trap, alternando con baladas tristes,<br />

etéreas– y estéticamente más aventurada<br />

que todo lo que hizo hasta<br />

la fecha. Algunas letras son directas<br />

y personales, y aunque la cantante<br />

estuviera dispuesta a un interrogatorio,<br />

muchas preguntas serían<br />

redundantes. Pero una de las canciones<br />

más celebratorias, “7 Rings”,<br />

tiene por detrás una historia sobre<br />

la que Ariana está feliz de dialogar.<br />

“Fue un... día de otoño desafiante<br />

en Nueva York –arranca diciendo,<br />

con una risa–. Fui junto a mis<br />

amigos a Tiffany’s, porque necesitábamos<br />

una terapia de rebajas.<br />

¿Sabías que cuando estás esperando<br />

en Tiffany’s te invitan con montones<br />

de champagne? Nos marearon<br />

un poco, así que compramos siete<br />

anillos de compromiso, y cuando<br />

volví al estudio les di a todos un<br />

anillo de amistad”. Ariana muestra<br />

un anillo de diamante en su mano<br />

derecha; Monét y Parx también lo<br />

tienen puesto. “Por eso tenemos<br />

estos anillos, y de ahí vino la idea<br />

de la canción”, explica. La cantante<br />

agarra su teléfono, presiona “play” y<br />

una versión fiestera de “My Favorite<br />

Things” suena por los parlantes.<br />

Grande susurra palabras a sus amigos,<br />

que se mueven al ritmo de la<br />

canción. Después empieza a bailar<br />

alrededor de la habitación con los<br />

pies descalzos, sola y sonriente.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

39


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

Lali fotografiada<br />

por Tute Delacroix<br />

en las oficinas de<br />

<strong>Billboard</strong> AR.<br />

40 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Las 10 mujeres argentinas del año<br />

Abanderadas<br />

Ellas tomaron la calle, la palabra, el curso de la historia y la música. Ídolas pop, divas, rockeras, traperas,<br />

latinas; de barrio, con zapatillas, stilettos o micrófonos con glitter. Sea como sea, son sus propias musas y<br />

hacen las cosas a su manera. Ellas son las diez mujeres argentinas del 2018.<br />

Por FLOR NIETO<br />

TINI: DANA GAMBINI. CAZZU: GENTILEZA CAZZU.<br />

Lali<br />

“Avísenle a Duki que yo también<br />

nací con mucha hambre, por eso<br />

llegué a donde llegué. Tampoco<br />

busqué la fama. ¡Vino! Y yo también<br />

le digo al presidente de Sony<br />

Music a dónde quiero llegar”, respondió<br />

en <strong>Billboard</strong> a las declaraciones<br />

del trapero en Rolling Stone,<br />

donde se distanciaba de ella y decía<br />

que no busca reconocimiento. Desde<br />

que Lali irrumpió con su primer<br />

single “A bailar”, recorrió un camino<br />

largo y frondoso. Cantó a dúo<br />

con Ricky Martin, teloneó a Katy<br />

Perry, ingresó en el <strong>Billboard</strong> Artist<br />

100 y recibió la Gaviota de Oro<br />

en el Festival de Viña del Mar. En<br />

2018 lanzó Brava, su tercer disco,<br />

protagonizó el thriller Acusada junto<br />

a Leonardo Sbaraglia y participó<br />

como jurado en Talento FOX.<br />

“Este disco es muy verdadero,<br />

son canciones que me gustan y me<br />

representan. Pude trabajar finamente<br />

en las bases y no dejar de<br />

escucharme en cada canción. Estar<br />

yo realmente, sin traicionarme. Mi<br />

pregunta fue: ¿Cuál es mi propuesta?<br />

¿Qué tengo para mostrar en el<br />

mundo latino, pero que no se parezca<br />

a otra persona?”, dijo. Lali encontró<br />

las respuestas arriba y abajo<br />

del escenario. Aunque a varios no<br />

les guste del todo, levantó el pañuelo<br />

verde y sus ideales como bandera.<br />

Lo siente, lo hace y la rompe.<br />

Cazzu.<br />

Tini<br />

¿Qué le quedaba por hacer a Martina<br />

Stoessel después de llegar hasta<br />

el último rincón del universo con<br />

Violetta? Llegar hasta el último rincón<br />

del universo como Tini. Uno<br />

por uno, colocó cuatro temas en el<br />

<strong>Billboard</strong> <strong>Argentina</strong> Hot 100, oficia<br />

de jurado en La Voz <strong>Argentina</strong> y,<br />

junto a Álvaro Soler y Flo Rida, se<br />

presentó en los Latin AMA’s.<br />

Con Violetta Live International<br />

Tour, una de las giras más taquilleras<br />

del 2015, y la película Tini: El<br />

gran cambio de Violetta comenzó la<br />

transición de a poco. Documentó<br />

la grabación de su primer disco<br />

en Hollywood Records y poco<br />

a poco el personaje de Disney<br />

quedó atrás. Con su primera gira<br />

solista Got Me Started Tour visitó<br />

17 ciudades y 9 países en Europa.<br />

Quiero volver (2018) es su segundo<br />

disco. Con colaboraciones de<br />

Nacho, Karol G, Morat y Sebastián<br />

Yatra, y éxitos como “Te quiero<br />

más”, “Princesa”, “Consejo de<br />

amor” y “Quiero volver” sonó en<br />

todos lados. Resulta que Mauricio<br />

Rengifo y Andrés Torres –productores<br />

del masivo “Despacito”– se<br />

aseguraron de fabricar hits. “En<br />

este disco mostré todas mis facetas”,<br />

manifestó. Entre reggaetón,<br />

baladas, guiños al reggae y al pop,<br />

Tini encontró su propia identidad.<br />

Cazzu<br />

Julieta Cazzuchelli nunca sufrió<br />

por un novio, pero sí por la música.<br />

Desde los 10 años tenía las cosas<br />

bien claras. De Jujuy se mudó a<br />

Tucumán y de ahí a Buenos Aires.<br />

Pasó por el folklore, la cumbia, el<br />

Tini.<br />

rock hasta llegar al reggaetón y<br />

romperla en el trap. Cambió el plan,<br />

pero no la meta. En 2018, con dos<br />

millones y medio de seguidores,<br />

y muchas más reproducciones en<br />

YouTube, teloneó a Bad Bunny, a<br />

Daddy Yankee y, junto a Duki, ostenta<br />

el trono nacional del género.<br />

“Yo no soy nadie para darles<br />

un estereotipo, no quiero imponer<br />

una manera de ser mujer. Solo<br />

quiero llevar mi idea. Me saco y<br />

me extirpo ese peso de ser el modelo<br />

a seguir, no permito que suceda.<br />

Yo soy un ser humano que hace<br />

música para aquella gente a la que<br />

le pueda gustar esa música. Lo que<br />

soy o lo que digo no es lo correcto,<br />

lo tengo bien claro”, pronunció.<br />

Cazzu invirtió en ella, en su música,<br />

en sus videos. Se hizo sola, no<br />

quiso depender de nadie. Les dice<br />

“fuera” a las discográficas. Si hasta<br />

acá llegó con sus reglas, ¿para qué<br />

querría cambiarlas?<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

41


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

Dakillah.<br />

Bertoldi.<br />

Peluso.<br />

los golpes. Nunca es suficiente para<br />

ellos, que sea suficiente para vos, yo<br />

voy a estar apoyándolas siempre, vamos<br />

juntas y se va a caer”.<br />

Cinco años al frente de Connor<br />

Questa ubicaron a Marilina Bertoldi<br />

en el podio del under. Editó<br />

El peso del aire suspirado (2011) y<br />

La presencia de las personas que se<br />

van (2014). Despegó con Sexo con<br />

modelos (2016), nominado como<br />

Mejor Disco de Rock en los Latin<br />

Grammy Awards y ganador del<br />

Premio Gardel como Mejor Álbum<br />

Artista Femenina de Rock. En 2018<br />

presentó su continuación, el aclamado<br />

Prender un fuego, con excelentes<br />

críticas, y se consolidó como<br />

exponente del rock argentino.<br />

Nathy Peluso<br />

Primero agotó teatros en España y<br />

después en la <strong>Argentina</strong>. “Este es<br />

mi jazz latino”, proclama desde La<br />

Sandunguera con más de 7 millones<br />

de reproducciones en YouTube. El<br />

eclecticismo es su sello y lo lleva<br />

para todos lados. Rapea, pero también<br />

se vuelve loca con una salsa,<br />

una bossa nova, un bolero. Tiene 23<br />

años y para ella la música es infinita.<br />

Hizo covers y cantó en hoteles,<br />

pero lejos quedaron los días de trabajar<br />

de camarera hasta las 3 am y<br />

comer pan con aceite y sal. Encuentra<br />

inspiración en Ella Fitzgerald,<br />

Etta James, Notorious Big, Atahualpa<br />

Yupanqui y Amy Winehouse. Le<br />

Dakillah<br />

Dice que le gusta la música y que<br />

no le tiene miedo a nada. Nadie<br />

sabe si alguna vez lo tuvo. A los 12<br />

años ya se escapaba de su casa para<br />

romperla en las batallas de freestyle.<br />

Participó en El Quinto Escalón, en<br />

Las Vegas Freestyle, donde pudo,<br />

hasta que llamó la atención de Sony<br />

Music. “Me veo haciendo de todo<br />

siempre y cuando lo sienta, sea genuino<br />

y me guste. Puedo colaborar<br />

en el disco de Juan Ingaramo, que<br />

es más pop, o con MC Pedrinho<br />

en algo más carioca. Claramente,<br />

tiene que ser orgánico y real, más<br />

allá del estilo”, señaló. Ella ya tiene<br />

su lugar en la edición nacional del<br />

Lollapalooza <strong>2019</strong> encabezado por<br />

Kendrick Lamar, Arctic Monkeys,<br />

Lenny Kravitz y Post Malone. Además<br />

del escenario Alternativo del<br />

Cosquín Rock, tan solo por nombrar<br />

un par. Si bien es de los pocos<br />

casos en los que lo tangible asemeja<br />

a lo virtual, Dakillah es millonaria<br />

en views. Es que tantos seguidores<br />

y plays son difíciles de ignorar. Lo<br />

pedís, lo tenés: escenario a la carta,<br />

de las redes a los medios. El 2018<br />

fue inmenso, y con 18 años, solo se<br />

puede querer más.<br />

Marilina Bertoldi<br />

A Marilina le suelen pedir consejos<br />

para mujeres. Sabe manejarse y<br />

muy bien. La respuesta definitiva<br />

finalmente salió a través de Twitter:<br />

“Chicas, estén preparadas para que<br />

las subestimen como nunca en la<br />

vida, sepan que para quienes las rodean<br />

y quienes opinen sobre ustedes<br />

a medida que ganen repercusión<br />

nunca va a ser suficiente (...) Desarrollen<br />

la inteligencia para poder<br />

evitar ser boludeadas lo máximo<br />

posible, y desarrollen herramientas<br />

emocionales para poder soportar<br />

Lynch.<br />

DAKILLAH: TUTE DELACROIX. BERTOLDI: ROCÍO FRIGERIO.<br />

42 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


escribió una canción de amor a la<br />

pizza. “Mi primer featuring lo voy<br />

a cuidar como si fuera un diamante.<br />

Quiero que la primera persona<br />

con la que colabore haga que se me<br />

caiga la bombacha. Tengo varias<br />

opciones que son inalcanzables<br />

para mí ahora. A mí me gustaría<br />

colaborar con Gloria Estefan. Estoy<br />

esperando que me llegue una propuesta<br />

que me mueva el corazón.<br />

Me da igual el estilo, tiene que ser<br />

con una persona que sea una gozada<br />

escucharla, y ojalá que sea recíproco”,<br />

comentó.<br />

Von Wernich.<br />

Chule Von Wernich<br />

Sofía tiene 20 años y cumplió el<br />

sueño millennial de volverse famosa<br />

desde el living de su casa.<br />

No recuerda con exactitud, pero<br />

cree que en el 2014 empezó a subir<br />

videos caseros acompañada solo<br />

de su guitarra. Ella fue su propia<br />

community manager, directora de<br />

arte, camarógrafa y editora. Sofía<br />

Von Wernich se mudó de Pehuajó<br />

a Capital para estudiar veterinaria.<br />

Toca la guitarra desde los 9 años y<br />

de a poco comenzó a apropiarse de<br />

las canciones bolicheras, de los hits<br />

del momento. Maluma, J. Álvarez,<br />

Wisin y Sebastián Yatra, algunos<br />

de los músicos que repostearon sus<br />

covers y los números se dispararon<br />

hacia millones.<br />

Mucho sucedió desde que empezó<br />

a girar con Connie Isla, instagramer<br />

amiga. Hoy @chulevonwernich<br />

canta para 320.000 personas en<br />

su cuenta de Instagram y para un<br />

público un poco más reducido en<br />

sus presentaciones. En 2018 Chule<br />

lanzó Vaivenes, su primer EP. “Solo<br />

necesito one love”, “Lado a lao”,<br />

“Vuelvo contigo”. Tres canciones<br />

que mezclan el español y el inglés,<br />

urbano soft bien latino que se abre<br />

camino por el mundo.<br />

Jimena Barón<br />

“Este premio se lo dedico a todas las<br />

mujeres a las que alguna vez alguien<br />

les hizo sentir o les dijo que no eran<br />

lo suficientemente lindas o buenas,<br />

o talentosas, o inteligentes, o fuertes<br />

y valientes como para concretar sus<br />

sueños solas. Lo somos justamente<br />

porque somos mujeres y eso es lo<br />

que a veces les da un poco de miedo<br />

a los demás. Así que no escuchen<br />

nada, cumplan sus sueños y comparto<br />

esto con las que todavía están<br />

por ahí en la tormenta, para que<br />

salgan adelante, para que sepan que<br />

se puede. Mírenme a mí, se puede.<br />

Y brindo por menos tontas y más<br />

mujeres valientes”, así, Jimena Barón<br />

recibió el Gardel 2018 a Mejor<br />

Álbum Nuevo Artista Pop.<br />

Desde sus inicios liderando el<br />

rating nacional en tiras como Gasoleros,<br />

Los Roldán, Casi ángeles y<br />

Sos mi hombre, Jimena Barón se<br />

reinventó varias veces. En el 2017<br />

lanzó su disco debut, La tonta, a<br />

pura garra y pulmón en medio de<br />

un caos mediático. Producido por<br />

Perra Santa Music y masterizado<br />

en Londres, marcó el primer paso.<br />

Si quiere decir algo, lo dice. Si<br />

quiere mostrar el culo, lo muestra.<br />

Irreverente, libre y fresca, hace lo<br />

que se le canta.<br />

Hilda Lizarazu<br />

Hace rato que Hilda Lizarazu tiene<br />

su lugar en el Olimpo del rock argentino.<br />

Nació en Curuzú Cuatiá,<br />

Corrientes, vivió en Nueva York y<br />

volvió al país justo a tiempo para<br />

ser protagonista y cómplice de la<br />

historia. De Suéter a Los Twist,<br />

Man Ray, Charly García, a una impecable<br />

carrera como solista. En<br />

2018, teloneó a Phil Collins, participó<br />

de Las Elegidas <strong>Argentina</strong>s<br />

y Españolas en el Teatro Colón y<br />

editó su primer disco de covers. La<br />

Lizarazu.<br />

Barón.<br />

génesis, un compilado de 14 canciones<br />

que marcaron el inicio del<br />

rock argentino, del 68 al 73. “Fue<br />

didáctico, porque aprendí del disco.<br />

Y hay un montón de gente que<br />

nunca escuchó esos temas y le podría<br />

interesar escucharlos. La elección<br />

de canciones fue un poco una<br />

tríada, con Lito Vitale y el productor<br />

ejecutivo, Eduardo Tapia, que<br />

también sumó ideas, por ejemplo<br />

‘Violencia en el parque’, de Aquelarre.<br />

El tema de Gabriela (‘Voy a<br />

dejar esta casa, papá’) también fue<br />

medio de último momento, y me<br />

encantó”, explicó.<br />

Hilda Lizarazu no tiene mánager,<br />

pero sí su propio sello: Díscola Discos.<br />

Trabaja de forma independiente<br />

y por eso también trabaja mucho.<br />

Siempre lo hizo.<br />

Valeria Lynch<br />

Aunque definir a cualquier artista<br />

con una sola palabra parece un<br />

periplo inviable, con Valeria Lynch<br />

es posible. Valeria Lynch es una<br />

diva. Recibió el premio Grammy<br />

a la Excelencia Musical en Las Vegas;<br />

el New York Times la nombró<br />

como una de las cinco mejores<br />

cantantes del mundo; vendió más<br />

de 15.000.000 de placas y tiene más<br />

de 35 discos de oro y platino. Harold<br />

Prince la eligió no una sino dos veces<br />

para protagonizar los musicales<br />

El beso de la mujer araña y Evita.<br />

Este año, encarnó a la icónica Norma<br />

Desmond en Sunset Boulevard,<br />

con música del mítico Andrew Lloyd<br />

Webber y libreto de Don Black y<br />

Christopher Hampton.<br />

Lynch encarnó con excelentes<br />

críticas el personaje basado en la<br />

película de Billy Wilder. Una estrella<br />

de Hollywood que se enfrenta<br />

solitaria al derrumbe de su fama en<br />

su mansión en Sunset Boulevard,<br />

hasta que la esperanza vuelve con<br />

un guionista que parece ser su gran<br />

oportunidad para su regreso. Un<br />

personaje complejo y distante para<br />

una diva de carne y hueso que en<br />

constante movimiento se mantiene<br />

vigente. Tan así, que está a punto de<br />

estrenar Rompecabezas, un nuevo<br />

disco que incluye sus temas reversionados<br />

en rock.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

43


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

Mon Laferte.<br />

44 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Las 10 mujeres latinas del año<br />

Poder latino<br />

El empoderamiento femenino también tuvo su impacto en la música latina.<br />

Quiénes fueron las mujeres protagonistas de la industria en el 2018.<br />

Por WALTER GARRÉ<br />

Rosalía<br />

El año de Rosalía no podría haber<br />

sido mejor: su segundo disco, El<br />

mal querer, fue seleccionado como<br />

uno de los diez álbumes favoritos<br />

del equipo de <strong>Billboard</strong> global de<br />

2018. Sus sencillos “Malamente” y<br />

“Pienso en tu mirá” consolidaron<br />

la espectacular llegada de la artista<br />

catalana, con una mezcla adictiva<br />

de flamenco, ritmos electrónicos y<br />

actitud R&B. Además, “Malamente”<br />

ganó dos Grammy Latino por Mejor<br />

Canción Alternativa y Mejor Fusión<br />

Urbana. “Nunca voy a dejar de pelear<br />

hasta que vea el mismo número<br />

de mujeres que de hombres en un<br />

estudio de grabación”, comentó al<br />

recibir uno de los galardones.<br />

Becky G<br />

Luego del éxito de Mayores a comienzos<br />

de año (que le permitió<br />

ingresar al selecto club de los mil<br />

millones de reproducciones), todo<br />

fue en ascenso: su participación en<br />

los premios <strong>Billboard</strong> Latinos, las<br />

colaboraciones con CNCO (“Díganle”),<br />

Mau y Ricky (“Mal de la<br />

cabeza”), y con el rapero madrileño<br />

C. Tangana (“Booty”) podrían ser<br />

logros suficientes para decir que fue<br />

un gran año, pero Becky no se durmió<br />

en los laureles. La canción “Sin<br />

pijama” conquistó el Nº 1 del chart<br />

<strong>Billboard</strong> Latin Airplay (también<br />

llegó a los mil millones de reproducciones)<br />

y reclutó al ascendente Paulo<br />

Londra para grabar “Cuando te<br />

besé” y quedar en la historia del primer<br />

Nº 1 del <strong>Billboard</strong> <strong>Argentina</strong><br />

Hot 100. ¿Un año de película? Sí, el<br />

canal Sony se encargó de retratarlo<br />

repasando la vida de la cantante.<br />

Mon Laferte<br />

Laferte es una estrella ascendente<br />

en un sistema solar totalmente<br />

distinto. Mientras demuestra tener<br />

habilidad para componer melodías<br />

pegadizas, su uso de ritmos latinos,<br />

bronces y estilos vocales la diferencia<br />

del resto y es una todoterreno.<br />

Capaz de grabar una canción navideña<br />

junto a Gwen Stefani como<br />

de rendir tributo a Marco Antonio<br />

Solís con uno de sus singles, la<br />

chilena residente en el DF es una<br />

de las artistas más buscadas. También<br />

fue la elegida para el single<br />

del Unplugged de Los Auténticos<br />

Decadentes, “Amor”. Entre sifones,<br />

vitrolas y chapas de colores, la canción<br />

fue la carta de presentación<br />

del desenchufado.<br />

Sofía Reyes<br />

La cantante mexicana apostó a la<br />

fusión de estilos con la canción<br />

“1, 2, 3” y le salió de maravillas:<br />

se destacaron las participaciones<br />

de Jason Derulo y el artista urbano<br />

De La Ghetto. “Es una mezcla<br />

única de tres géneros y vibras muy<br />

diferentes (latina, pop y urbana)<br />

que aporta un nuevo estilo a mi<br />

portafolio, pero aún mantiene mi<br />

esencia”, dijo Sofía.<br />

Aitana<br />

Fue una de las figuras de Operación<br />

Triunfo España 2017, y desde entonces<br />

su carrera creció en proporciones<br />

geométricas. El éxito de la<br />

canción “Lo malo” fue el preludio<br />

para la explosión mundial que produciría<br />

con el remix de “Teléfono”<br />

junto a Lele Pons. Después de que<br />

la versión original fuera un éxito<br />

en España, Aitana unió fuerzas<br />

con Pons para la canción realizada<br />

junto a los hitmakers Mauricio<br />

Rengifo y Andrés Torres (sí, los de<br />

“Despacito”).<br />

Camila Gallardo<br />

“Las mujeres nos dimos cuenta<br />

de que nos hicieron competir por<br />

años”, declaró una de las cantantes<br />

chilenas con mayor proyección en<br />

su país. Con tan solo 22 años, su<br />

primer disco de estudio, Rosa, suma<br />

11 discos de platino en su tierra.<br />

“Son canciones que se escribieron<br />

con verdad de puño”, comentó en<br />

septiembre durante su visita a las<br />

oficinas de <strong>Billboard</strong> AR. Además,<br />

la artista anima a que todas se apoyen<br />

en sus carreras: “Cada vez hay<br />

más sororidad en la industria”.<br />

Natty Natasha<br />

Se convirtió en una de las líderes<br />

femeninas del movimiento latino<br />

urbano a nivel global. Es una de las<br />

protagonistas del debut del <strong>Billboard</strong><br />

<strong>Argentina</strong> Hot 100: en la semana<br />

de lanzamiento, Natti ocupó<br />

el segundo y tercer puesto del podio<br />

con “No me acuerdo” y “Sin pijama”,<br />

respectivamente. Cerró el 2018<br />

con el lanzamiento de la canción<br />

“Me gusta”, que incluyó un video<br />

futurista con referencias robóticas,<br />

cantándole a un amor prohibido.<br />

Leslie Grace<br />

La artista nacida en Nueva York<br />

y de padres dominicanos estuvo<br />

presente en el <strong>Billboard</strong> <strong>Argentina</strong><br />

Hot 100 con su track “Duro y<br />

suave” (feat. Noriel) y también con<br />

“Díganle” (feat. Becky G y CNCO).<br />

Uno de los últimos lanzamientos de<br />

la oriunda del Bronx fue la canción<br />

“Fuego” junto a los MYA. La presentación<br />

en el Luna Park junto al<br />

grupo Super Junior fue apenas una<br />

entrada en calor de sus próximos<br />

proyectos en la <strong>Argentina</strong>.<br />

Karol G<br />

La artista no solamente cuenta con<br />

su talento, sino también con el timing<br />

necesario para estar en el momento<br />

justo y en el lugar correcto:<br />

J Balvin y Nicky Jam se unieron a<br />

Karol para un remix de “Mi cama”<br />

que llegó a la cima del <strong>Billboard</strong><br />

Latin Airplay. “Que mi canción<br />

llegue al Nº 1, entre tantas otras<br />

y tanto talento, es un sentimiento<br />

muy difícil de describir. Como mujer,<br />

hace un par de años era imposible<br />

tener una fecha en Medellín;<br />

hoy estoy haciendo cuatro shows<br />

por noche”, declaró.<br />

Anitta<br />

La brasilera disfruta de una carrera<br />

que ella misma describe como una<br />

“escalera” en la que concreta sus<br />

objetivos de a poco, pero con resultados<br />

satisfactorios: pasó de cantar<br />

en iglesias y favelas a convertirse en<br />

una artista mundialmente conocida.<br />

Atravesó las fronteras al ser la<br />

primera brasileña en recibir el EMA<br />

Worldwide Act America Latina, y<br />

luego nació una fuerte amistad con<br />

J Balvin, con quien editó los remix<br />

de “Ginza”, “Downtown” y “Machika”.<br />

Este año visitó la <strong>Argentina</strong> por<br />

primera vez e hipnotizó a su público<br />

en el Teatro Vorterix de Buenos<br />

Aires. La escalera de Anitta parece<br />

no tener techo.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

45


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

Además de Dirty Computer,<br />

el aclamado disco que<br />

lanzó en 2018, Monáe tuvo<br />

varios méritos para recibir el<br />

reconocimiento de <strong>Billboard</strong><br />

entre las mujeres destacadas<br />

del año: su trabajo como<br />

actriz, productora y militante<br />

feminista. “Ahora la gente<br />

entiende mi visión y mi<br />

perspectiva como artista”,<br />

dice.<br />

POR DEE LOCKETT<br />

FOTOGRAFIADA POR<br />

RAMONA ROSALES<br />

La pura humanidad<br />

46 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


S<br />

“Soy un poco androide, pero<br />

estuve incursionando bastante en mi<br />

costado humano en estos días”, dice<br />

Janelle Monáe. En sus primeros discos,<br />

la compositora y cantante empleó<br />

un álter ego, el robot sentimental<br />

Cindy Mayweather, en reemplazo<br />

de ella misma. Pero en Dirty Computer<br />

–su primer Nº 1 en el <strong>Billboard</strong><br />

Top R&B Albums–, la mujer de 32<br />

años reveló algo más sobre Janelle<br />

Monáe, más humana que nunca.<br />

La pionera elegida por <strong>Billboard</strong><br />

este año es plenamente inspiradora<br />

siendo como es, simplemente una<br />

cantante y rapera experimentada;<br />

productora y fundadora de un sello<br />

discográfico, Wondaland Records;<br />

una actriz magnética en películas<br />

nominadas para el Oscar (Moonlight,<br />

Hidden Figures) y cuyo próximo protagónico<br />

será la tan anticipada biopic<br />

de Harreit Tubman (luchadora por<br />

la libertad de los afroamericanos<br />

esclavizados en los Estados Unidos);<br />

y una activista, ya sea introduciendo<br />

elocuentemente a Kesha en los<br />

Grammy de 2018, exponiendo en la<br />

Women’s March de 2017 o abogando<br />

por la inclusión de la comunidad<br />

LGTBQ y, en abril, declarándose<br />

pansexual. “Dirty Computer nos dio<br />

a todos un hogar que dijo ‘A pesar<br />

de lo que el mundo diga sobre vos,<br />

vos importás. Te veo, te escucho y te<br />

celebro’”, afirma.<br />

Dirty Computer se siente metido<br />

en la realidad actual, y por<br />

lo tanto es más personal. ¿Fue<br />

esa tu intención?<br />

- Empecé a escribirlo durante<br />

la era de Obama. Después de noviembre<br />

de 2016, tuve que procesar<br />

a dónde estaba yendo nuestro<br />

país. Sentí una gran responsabilidad<br />

de crear una comunidad con<br />

este disco, con mis conciertos y mi<br />

película. Se sintió como si las personas<br />

que quiero y los grupos a los<br />

que pertenezco –por la comunidad<br />

LGTBQ, por ser una mujer negra<br />

y por tener padres de la clase trabajadora–<br />

fueran empujados a los<br />

márgenes de la sociedad. Con canciones<br />

como “Djando Jane”, “Make<br />

Me Feel” y “PYNK” quise ser lo más<br />

audaz posible en dar declaraciones<br />

sobre agencias, sobre cuerpos de<br />

mujeres y derechos, sobre nosotras<br />

recuperando el micrófono y haciendo<br />

saber que nadie es nuestro dueño<br />

ni vamos a ser controladas.<br />

¿Qué se sintió cuando tu propia<br />

historia –particularmente tu<br />

sexualidad y tus relaciones– se<br />

volvió parte de la conversación<br />

alrededor de este álbum?<br />

- Me dio bastante miedo dar entrevistas<br />

después de lanzar el disco.<br />

Dejo mis experiencias en mi música<br />

y mis visuales. Es una terapia para<br />

mí. Siempre hablé sobre mi experiencia<br />

sexual en mi música: lo hice en<br />

mi primer álbum y en Electric Lady,<br />

desde “Q.U.E.E.N.” hasta “Mushrooms<br />

& Roses”. Pero después de<br />

que la gente vio las visuales de Dirty<br />

Computer [como el video de “Make<br />

Me Feel”, en donde Monáe coquetea<br />

con un hombre y una mujer], me di<br />

cuenta de que iba a empezar a querer<br />

saber más cosas. Yo no pretendía que<br />

las personas se preguntaran cuánto<br />

había de mi vida personal en esto.<br />

Pero, en general, me pone contenta<br />

que se hayan sentido más cómodas<br />

siendo como son después de leer sobre<br />

mi verdad personal.<br />

Parece que la libertad creativa<br />

siempre ha sido una de tus<br />

máximas prioridades…<br />

- Incluso cuando fui una artista<br />

independiente vendiendo CD en mi<br />

valija y trabajando para mi primo<br />

en temas contables, o en el Office<br />

Depot y en Sam’s Club, seguía diciendo<br />

que no. Hubo oportunidades<br />

en las que incluso mis familiares<br />

más cercanos y mis amigos<br />

me miraban y decían: “Mujer, estás<br />

loca. Debés involucrarte en ese video<br />

musical, ser un extra en este<br />

film. Tenés que hacerte famosa”.<br />

Pero siempre tuve como prioridad<br />

conservar el control creativo.<br />

Una cosa es comprometerse<br />

a nunca comprometerse; otra<br />

distinta es realmente hacerlo.<br />

La industria de la música puede<br />

llegar a tener una idea muy<br />

estrecha de lo que un artista<br />

puede ser. ¿Cómo hiciste para<br />

establecerte y mantener el<br />

control de tu carrera?<br />

- Empieza por saber cuál es la<br />

visión. Tener una perspectiva.<br />

Porque si no, luego otro la va a tener<br />

por vos. Estoy contenta ahora<br />

cuando voy a reuniones, siento que<br />

la gente entiende mi visión y mi<br />

perspectiva como artista. Antes era<br />

como: “Bueno, ¿podés cambiarte<br />

el pelo o tu look, o hacer este tipo<br />

de canciones?”. Ahora es “Vimos<br />

lo que hiciste en tu álbum y tus<br />

visuales. No queremos estorbar<br />

en tu expresión artística. ¿Cómo<br />

podemos ayudar y trabajar juntos<br />

orgánicamente?”.<br />

Diddy te apoyó desde los inicios,<br />

y vos podrías haberte moldeado<br />

fácilmente como su protegida.<br />

¿Tuviste que empujar para asegurarte<br />

de que no pasara eso?<br />

- Debo decir que tuve miedo<br />

de asociarme a un sello grande<br />

después de varios años de ser independiente.<br />

Conocí a Puff en el momento<br />

en que había decidido vivir<br />

prudentemente. Como mucha gente,<br />

pensé: “OK, ahora él va a conversar<br />

conmigo sobre cómo podrá<br />

prepararme para ser otro tipo de<br />

artista”. Pero cuando hablé con él,<br />

sus palabras fueron: “Amo lo que<br />

vos y Wondaland están haciendo.<br />

No quiero involucrarme creativamente.<br />

Solo quiero que la gente te<br />

conozca y conozca también lo que<br />

están haciendo ustedes. Están acá,<br />

en este sótano de Atlanta, y el resto<br />

del mundo merece escucharte”. Fue<br />

humillante y hermoso. Seguimos<br />

estando cerca. De hecho, acabo de<br />

verlo en una fiesta de Halloween.<br />

Hablando de Halloween: necesito<br />

saber todo sobre tu disfraz<br />

de Willy Wonka.<br />

- Oh, por dios. Estaba obsesionada<br />

con Gene Wilder. Lloré cuando<br />

murió. Me acuerdo de prender<br />

un cigarrillo cada vez que veía<br />

Willy Wonka. Ese era el mundo en<br />

el que quería vivir. Suelo decir esto<br />

en Wondaland: “La imaginación<br />

inspira a naciones”. No creo que<br />

pudiera haber hecho mi música<br />

sin rendirme ante la imaginación<br />

en un mundo cargado de cinismo.<br />

El año pasado fui el Guasón, y<br />

estaba pensando en un outfit para<br />

representarlo. Me entusiasmo tanto<br />

con Halloween, pero no elijo mi<br />

vestuario hasta el mismo día. Pero<br />

las cosas aparecen cuando están<br />

destinadas a aparecer.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

47


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

48 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Cyndi Lauper<br />

“Quiero seguir s i endo<br />

una gran ar tista”<br />

<strong>Billboard</strong> la eligió Icono del Año entre las mujeres por su trabajo en Broadway y por su larga militancia a favor<br />

de los derechos femeninos. POR JEANNE FURY · FOTOGRAFIADA POR RUVEN AFANADOR<br />

E<br />

en 1983, una chica de queens<br />

se coló en el mundo de la música<br />

pop con un peinado naranja fluorescente,<br />

un chillido particular y<br />

una voz cantante, mezclando una<br />

estirpe rockera con la de una estrella<br />

de soul que parecía ser capaz<br />

de alimentar a todo el downtown<br />

de Manhattan. En su álbum debut,<br />

She’s So Unusual, Cyndi Lauper<br />

demostró que una artista pop podría<br />

dominar los charts siendo<br />

simplemente una versión extraña<br />

de sí misma: hacia 1984, ella fue la<br />

primera mujer en lograr que cinco<br />

singles de un LP llegaran al top 5<br />

del <strong>Billboard</strong> Hot 100. Durante<br />

cuatro décadas y 11 álbumes,<br />

Lauper nunca dejó de promover la<br />

autoaceptación, ya sea al incentivar<br />

la liberación de las mujeres en<br />

“Girls Just Want to Have Fun” o al<br />

crear la fundación True Colors para<br />

los jóvenes LGBTQ sin hogar (la<br />

canción homónima es un himno de<br />

la comunidad). Es difícil no ver su<br />

influencia entre las popstars de hoy,<br />

desde Lady Gaga hasta Cardi B, que<br />

felizmente dejaron extender sus alas<br />

freaks. A los 65, este icono sigue<br />

creciendo: ganó un premio Tony<br />

por el musical Kinky Boots y está<br />

adaptando para Broadway la película<br />

de 1988 Working Girl. “En lo más<br />

profundo de mi corazón –dice–<br />

quiero seguir siendo una gran artista.<br />

Quiero decir, una gran artista”.<br />

Siempre te divertiste siendo<br />

simplemente vos. ¿Cómo encontraste<br />

tu lugar en la tribu de<br />

artistas feministas?<br />

- Cuando éramos adolescentes,<br />

hacíamos un dueto con una amiga.<br />

Conocimos a un mánager que nos<br />

dijo: “La única manera en que voy a<br />

trabajar con ustedes es que se casen<br />

con dos chicos”. Yo pensaba: “¿Casarnos?<br />

¿De qué mierda habla?”.<br />

Así que eso no funcionó. Entonces<br />

aparecieron todas mis amigas de<br />

la tribu. Como yo era hetero, no<br />

encajaba demasiado. Después apareció<br />

mi hermana con ideas muy<br />

copadas, y yo pensaba: “¡Ja! ¡No me<br />

estás abandonando! A donde vayas,<br />

yo estaré”. Y cuando finalmente me<br />

uní a la banda de covers de folk, de<br />

repente no me sentí más diferente.<br />

Todos estaban hechos un desastre.<br />

Yo podía teñirme el pelo de rosa y<br />

hacerme rulos como una versión<br />

de Isaac Newton. Cuando empecé a<br />

venir a Manhattan, empecé a sentirme<br />

más viva.<br />

Después de sentirte marginada,<br />

debe haber sido extraño que<br />

los fans empezaran a idolatrarte.<br />

- Cuando me hice famosa, fue<br />

muy raro. Las chicas me gritaban, y<br />

empecé a sentirme como un fraude,<br />

porque pensé que a lo mejor<br />

ellas creían que yo era gay, y yo no<br />

quería pretender algo que no era.<br />

Después me di cuenta: “No, simplemente<br />

están gritando”. Siempre<br />

quise levantar el ánimo de la gente,<br />

especialmente de la oprimida, porque<br />

yo estuve en ese lugar.<br />

Siempre luchaste por los derechos<br />

de las mujeres. Imagino<br />

que también enfrentaste tus<br />

propios problemas.<br />

- Después de mi primera gira,<br />

todos los tipos de los grandes sellos<br />

me llevaban a comer y afirmaban:<br />

“Te vamos a convertir en la próxima<br />

Barbra Streisand”. Yo los miraba<br />

y respondía: “¿Podrías buscar a otra<br />

para ese trabajo? Porque, honestamente,<br />

yo amo el rock and roll”.<br />

Ellos decían: “Ohhh-kay, así que<br />

ella va a ser difícil. Bueno, vamos<br />

a mostrarle qué es lo difícil”. Por<br />

supuesto, no querrás hacer eso<br />

conmigo a menos que quieras desperdiciar<br />

diez años. Soy siciliana.<br />

Conozco la resistencia.<br />

La prensa y los sellos discográficos<br />

crearon una rivalidad<br />

entre vos y Madonna, y las<br />

mujeres exitosas siguen siendo<br />

rivalizadas con otras. ¿Por qué<br />

persiste eso?<br />

- ¿Quién sabe? Realmente daña<br />

mis sentimientos que la gente nos<br />

compare. “Ey, amigo, peras y manzanas.<br />

¿Qué, solamente una de nosotras<br />

puede pararse y cantar? ¿Qué<br />

carajo te pasa?”.<br />

En los Grammy te uniste a las<br />

mujeres en el escenario para<br />

interpretar “Prayin” con Kesha.<br />

¿Qué te inspiró a hacer eso?<br />

- Hablé con ella el año anterior<br />

[sobre la denuncia de abuso<br />

contra Dr. Luke]. Y nadie le creyó.<br />

Escuchá, todas tuvimos nuestras<br />

experiencias en este negocio. Sobre<br />

mi propia experiencia [de ataque<br />

sexual] nadie me creyó. [Lauper ha<br />

dicho que ocurrió en los 80]. No<br />

me fui porque pensé que era una<br />

cuestión de poder. Yo pensaba: “Ok,<br />

no vas a perseguirme más, hijo de<br />

puta”. Cuando oí su historia, pensé:<br />

“Sí, pasó”. Después, cuando escuché<br />

Rainbow y cómo ella se curó a través<br />

de esa grabación –y estoy segura<br />

de que nunca te curás del todo de<br />

eso– sentí que era importante. Yo<br />

me paro sobre los pies de las mujeres<br />

que aparecieron antes que yo.<br />

Las mujeres que vengan después de<br />

mí van a pararse sobre los míos.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

49


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

Courtney Barnett<br />

“Me lleva un rato<br />

darme cuenta lo que<br />

quiero decir”<br />

Con el lanzamiento de su segundo LP, Tell Me How You Really Feel, la australiana vuelve a poner el grito en el cielo.<br />

El próximo 26 de febrero se va a presentar en Niceto Club.<br />

POR LYNDSEY HAVENS<br />

courtney barnett se agacha al<br />

entrar a una habitación verde al<br />

fondo del Prospect Park Band shell<br />

de Brooklyn. El cuarto está lleno<br />

de espejos iluminados y decorado<br />

con fotos de artistas como Surjan<br />

Stevens. Toda vestida de negro y tomando<br />

una taza de café, se acomoda<br />

en el futón y se prepara para la<br />

última entrevista de la jornada. Más<br />

tarde ese día, va a encabezar una<br />

fecha en ese mismo venue. Pasaron<br />

tres años desde que Barnett irrumpió<br />

como el nuevo éxito del rock alternativo<br />

crossover. Su debut de 2015<br />

le valió una nominación al Grammy<br />

por Mejor Artista Nueva, ha tocado<br />

en festivales como Lollapalooza y<br />

Coachella, y en Saturday Night Live.<br />

Ahora, la australiana de 30 años admite<br />

que sufre de miedo escénico.<br />

“Demuestra que te importa”, dice.<br />

En el medio de la gira promocional<br />

de su segundo LP, Tell Me How<br />

You Really Feel, que lanzó en mayo y<br />

alcanzó el Nº 4 del chart <strong>Billboard</strong><br />

Top Rock Albums, Barnett está<br />

serena: “Doy la idea equivocada del<br />

stoner relajado –dice–. Pero yo no<br />

soy stoner”, aclara.<br />

Después de que su gira del verano<br />

boreal concluyera en el Newport<br />

Folk Festival de Rhode Island, en julio,<br />

y antes de que comenzara una serie<br />

de shows por los Estados Unidos<br />

el 29 de septiembre, volvió a Melbourne<br />

para tomarse un respiro. “Es<br />

hora de volver a casa”, afirma.<br />

¿Qué es lo mejor que compraste<br />

durante una gira?<br />

- En una época coleccionaba globos<br />

de nieve. Se puso muy difícil.<br />

Un par de veces me frenaron los de<br />

seguridad porque era mucha cantidad<br />

de líquido.<br />

Cuando empezaste, ¿cómo era<br />

arreglar para tocar comparado<br />

con ahora?<br />

- Me mudé a Melbourne y no toqué<br />

música durante un rato, porque<br />

no sabía a dónde ir. No conocía a<br />

nadie. Solo trabajé full time y empecé<br />

a encontrarme con gente en<br />

los pubs. Trabajé en uno que tenía<br />

música en vivo y conocí a otros músicos,<br />

y para mí era una locura conseguir<br />

un gig. Empecé a llamar a todos<br />

los venues y decirles: “Dame un<br />

gig”. Y ellos respondían cosas como:<br />

“¿Cuánta gente podrías traer?”. Y<br />

yo: “Al menos quince amigos”. Y<br />

ellos: “No, malísimo”.<br />

Al crecer, ¿trataste conscientemente<br />

de encontrar o escuchar<br />

más mujeres en el rock?<br />

- Estaba con bandas dominadas por<br />

hombres, y creo que nunca pensé<br />

“Puedo hacer eso”, lo cual está bien.<br />

Ni siquiera descubrí muchas bandas<br />

lideradas por mujeres hasta más<br />

tarde. Vi The Punk Singer [sobre la<br />

banda Bikini Kill, de Kathleen Hanna]<br />

un par de años atrás, e incluso<br />

eso fue algo nuevo para mí, porque<br />

cuando estaba creciendo escuchaba<br />

Nirvana y esas cosas. Nunca<br />

supe de las cosas del Riot Grrrl:<br />

Bikini Kill y Sleater-Kinney. Todos<br />

descubrimos cosas a nuestro propio<br />

ritmo. Existió desde siempre e<br />

inspiró siempre a personas distintas<br />

en épocas diversas, pero siempre<br />

pienso cuán diferente pudo haber<br />

sido mi vida si tan solo me hubiera<br />

expuesto a otra música.<br />

¿Por qué pensás que algunas<br />

personas están ansiosas<br />

por etiquetar a la música con<br />

géneros?<br />

- Es complicado, porque hay personas<br />

que son despistadas y otras que<br />

tratan de ser útiles y de magnificar<br />

sus ideas reveladoras. Pero es difícil<br />

salir con alguna respuesta sólida,<br />

porque eso aliena a las personas. El<br />

modo en que diferentes grupos de<br />

personas son descritas o sexualizadas<br />

es interminable, pero es definitivamente<br />

mejor que la gente hable<br />

de esto y esté advertida de aquello<br />

ofensivo e innecesario.<br />

Tu último álbum se titula Tell Me<br />

How You Really Feel. ¿Sos buena<br />

para decir cómo te sentís?<br />

- Cuando crecí justo accedimos a<br />

Internet y a programas de chat tipo<br />

ICQ y MSN. Chateaba con mis<br />

amigos y con mis novios. Pero de<br />

alguna manera, siento que disminuyó<br />

mi habilidad para comunicarme.<br />

Creó esta barrera, esta distancia.<br />

Ahora, odio las llamadas telefónicas<br />

y los mensajes grabados. Me generan<br />

ansiedad.<br />

¿Por qué será más sencillo expresarse<br />

a través de la música?<br />

- Pienso que en cierto nivel no es<br />

espontáneo. Digo, la música sigue<br />

siendo espontánea, pero después de<br />

trabajar en canciones durante años,<br />

se vuelven confortables. Me lleva<br />

un rato darme cuenta lo que quiero<br />

decir y entenderlo. Me gustaría ser<br />

elocuente y ser capaz de expresarme,<br />

pero realmente lucho. Es realmente<br />

frustrante. Incluso me fue difícil<br />

leer un poema en el casamiento<br />

de mi hermano [a principios del<br />

año pasado]. Simplemente fracaso.<br />

Y en mi cabeza pienso “No te pongas<br />

nerviosa. Todo lo que hacés es<br />

incomodar a otras personas. Quedate<br />

tranquila”. Y no lo estaba.<br />

50 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


POONEH GHANA<br />

Una vez dijiste que sos complaciente<br />

con las personas. ¿Cómo<br />

hiciste para luchar contra eso<br />

en este álbum?<br />

- Es esa idea de no querer causar<br />

drama. Crecí en una familia muy<br />

tranquila. Tengo el tipo de personalidad<br />

que, por ejemplo, la sientan<br />

en una mesa de restaurante al lado<br />

de una ventana donde entra frío y<br />

dice: “Ok, está bien”. Y hay muchas<br />

capas de eso, del resentimiento que<br />

trae. Pienso mucho en que este álbum<br />

estaba explorando esas cosas,<br />

esa bronca y frustración y de dónde<br />

vienen. Hay una frase en “I'm Not<br />

Your Mother, I'm Not Your Bitch”<br />

que dice: “Me pongo más a la defensiva<br />

/ cuando sé que estoy equivocada”.<br />

Creo que cobra sentido por toda<br />

mi vida. Pero luego en este mundo<br />

de odio y de personas amenazadas<br />

y con miedo a lo desconocido, es un<br />

mecanismo de defensa natural. Estaba<br />

haciendo el duelo por muchas de<br />

esas cosas.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

51


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

St. Vincent<br />

“Lo mejor que daré es<br />

lo próximo que haga”<br />

La cantautora habla sobre su elaborado álbum MassEducation y sobre sus planes para <strong>2019</strong>.<br />

LYNDSEY HAVENS<br />

S<br />

st. vincent nunca está satisfecha.<br />

Ella dice que es porque siempre<br />

está creando de un modo u otro:<br />

en junio empezó a pasar música e<br />

hizo su primer set en septiembre;<br />

en octubre reimaginó su disco de<br />

2017 Masseduction como un despojado<br />

álbum de piano llamado<br />

MassEducation; empezó a producir<br />

a otros artistas como parte<br />

de un programa que aún no tiene<br />

nombre; y afronta su debut como<br />

directora de cine, donde hará una<br />

versión femenina de El retrato de<br />

Dorian Gray, de Oscar Wilde.<br />

“Lo mejor que daré es lo próximo<br />

que haga”, le dice a <strong>Billboard</strong>,<br />

justo un par de días antes de recibir<br />

dos nominaciones al Grammy por<br />

MassEducation (el director de arte<br />

del álbum, Willo Perron, también<br />

tuvo una nominación por Mejor<br />

Cubierta del Disco). Pero mientras<br />

anuncia más planes para <strong>2019</strong><br />

–incluyendo una performance el<br />

14 de febrero en el Lincoln Center,<br />

como parte de la serie American<br />

Songbook–, lo próximo y lo mejor<br />

que hará en materia musical tiene<br />

un final abierto. “Vos te das cuenta<br />

cuando lo sentís –afirma–. Cuando<br />

un fantasma camina por tu habitación<br />

o cuando cantás unas líneas<br />

que te hacen llorar. Es ahí cuando<br />

sabés que tenés algo especial”.<br />

La artista también habla de sus<br />

canciones en MassEducation, los<br />

éxitos y las pérdidas del Auto-Tune,<br />

y por qué se toma un respiro de las<br />

redes sociales.<br />

“Slow Disco” ahora existe en<br />

tres formatos diferentes: el<br />

original en Masseduction, una<br />

versión dance llamada “Fast<br />

Slow Disco” y una versión<br />

despojada en MassEducation.<br />

¿Por qué es tan importante para<br />

vos mostrar que tus canciones<br />

pueden tener varias vidas?<br />

- Sentí que esa canción no había<br />

agotado su historia en la única versión<br />

que existía [en Masseduction].<br />

Y para mí, eso es fundamental en<br />

la composición. Decir “¿Puede esta<br />

canción quedar despojada y aun así<br />

ser poderosa?”. Pasé tanto tiempo<br />

trabajando en la composición de<br />

este álbum que quería vivir dentro<br />

de ellas, totalmente desnuda. Grabar<br />

de ese modo me hizo sentir más<br />

liberada. La grabamos en vivo en<br />

el transcurso de dos días y no hicimos<br />

demasiadas tomas. Ni siquiera<br />

hablamos de lo que íbamos a hacer<br />

o cómo íbamos a hacerlo, así que<br />

se nos escucha descubriendo las<br />

canciones en tiempo real. Lo que<br />

a veces pasa es que escribo partes<br />

de guitarra que son complicadas, y<br />

después vocalizaciones que pueden<br />

ser complicadas, así que mi cerebro<br />

hace un procesamiento complejo.<br />

Pero es una felicidad cantar. Solo<br />

tengo que vivir en las canciones y<br />

en el espacio, y tomarme mi tiempo<br />

para vivir en el silencio. Eso, para<br />

mí, es realmente liberador y gratificante,<br />

y me llega al alma.<br />

Hace poco empezaste a pasar<br />

música. ¿Qué te enseñó sobre<br />

reinventar una canción?<br />

- Amo hacerlo, porque despierta<br />

mi voracidad por encontrar nuevas<br />

músicas, volver a las cosas que<br />

adoro y tratar de buscar conexiones<br />

entre las canciones. A veces, las conexiones<br />

son simples, como “Ok, los<br />

BPM [beats por minuto] y las vibraciones<br />

de esto están en la misma situación,<br />

puede haber una transición<br />

interesante”. Y a veces, lo que las<br />

canciones tienen en común puede<br />

ser hilarante en lo lírico. Tengo que<br />

testear mi genealogía e ir desde Herbie<br />

Hancock hasta A Tribe Called<br />

Quest y Kendrick [Lamar] u otra<br />

cosa, rastrear músicas de épocas totalmente<br />

distintas. Eso me encanta.<br />

Me lleva a descubrir música y escucharla<br />

de un modo que es placentero,<br />

disfrutable e inspirador.<br />

También empezaste a producir a<br />

otros artistas. ¿Qué es lo que más<br />

te sorprendió de ese proceso?<br />

- La producción quita el preciosismo<br />

de hacer música, y vos podés<br />

ver todo el bosque, porque no te<br />

enceguecen el miedo o tu propio<br />

ego –eso en lo que te escondés<br />

cuando hacés algo personal, como<br />

cantar o tocar la guitarra–. Puedo<br />

observar lo que algo pudo haber<br />

sido sin necesidad de interpretarlo.<br />

Eso está bueno. Me gusta el lado<br />

técnico de la cuestión, también,<br />

sentarme y tratar durante horas de<br />

encontrar los mejores sonidos; y<br />

buscar cosas distintas, y construir y<br />

tocar dentro del espacio. Otra cosa<br />

que aprendí es a nunca cruzarme<br />

de brazos. No dar nunca por sentado<br />

qué clase de artista es alguien,<br />

no subestimar a nadie. Siempre escuchar<br />

y forzar los límites.<br />

¿Qué tendencia musical te gustaría<br />

que desapareciera en <strong>2019</strong>?<br />

- A veces creo que el Auto-Tune es<br />

muy evocador, otras veces no lo encuentro<br />

para nada estimulante. Pero<br />

todo está en las manos del artista.<br />

Creo que habrá menos beats de trap<br />

en <strong>2019</strong>. Está bueno, no quiero que<br />

me malinterpretes, pero parece que<br />

ya alcanzó su saturación máxima.<br />

¿A qué artista invitarías a cenar<br />

con tu familia?<br />

- Esto puede parecer fanfarrón,<br />

pero uno de los mayores halagos que<br />

recibí de un artista es “Muchas cosas<br />

son un sinsentido, pero vos no”. Fue<br />

el mejor elogio que tuve. Pero no voy<br />

a ser grosera y decir quién fue, así<br />

que… ¿A quién invitaría a cenar? ¿Es<br />

una de esas preguntas donde se supone<br />

que debo decir Jesús? Me gustaría<br />

invitar a Kerry James Marshall. Nunca<br />

lo conocí. Adoro la exposición que<br />

hizo el año pasado. Fue hermosa.<br />

¿Cuál fue el mejor recital que<br />

viste este año?<br />

- Nine Inch Nails.<br />

¿Cuál es la canción que no podés<br />

sacarte de la cabeza?<br />

- Actualmente, “Love It If We<br />

Made It”, de The 1975. Es ambiciosa<br />

y tiene mucho corazón. Realmente<br />

disfruté su nuevo álbum.<br />

¿Cuál es la mejor ciudad que<br />

visitaste este año?<br />

- Lo pasé muy bien en Guadalaja-<br />

52 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


a; démosle a México algo de amor.<br />

Yo me encontraba de gira, nunca<br />

había estado antes. Eso fue en octubre.<br />

Mi cuñado trabaja de chef<br />

allí, así que vino, comimos tacos y<br />

probamos todo tipo de comidas.<br />

Estuvo bárbaro.<br />

¿Cuál es la aplicación que más<br />

usaste este año?<br />

- La aplicación de podcasts.<br />

Cuando terminé las giras y terminé<br />

de responder preguntas sobre discos<br />

y demás, me tomé un respiro<br />

de las redes sociales. Ya no tengo<br />

Instagram o Twitter, o cualquiera de<br />

esas cosas en mi teléfono. Es maravilloso.<br />

Solía usarlas, pero el mundo<br />

no necesita mi granito de arena en<br />

el debate de cada día. Yo pensaba<br />

“Esto es una amargura. Es algo que<br />

tengo porque se supone que necesito<br />

hacer y me otorga exactamente<br />

cero placer”. No me hacen bien al<br />

alma esa clase de cosas.<br />

En este momento, ¿qué es lo<br />

más importante para vos?<br />

- Lo más importante para mí es<br />

mi familia, pero el arte es el lugar<br />

donde más paso mi tiempo.<br />

Estoy seguro de que ambos se<br />

entrecruzan.<br />

- Sí, totalmente. Mi corazón está<br />

en hacer lo que amo y en estar con<br />

la gente que amo.<br />

Durante la presentación de<br />

MassEducation, durante una<br />

conferencia de prensa te burlaste<br />

de algunos periodistas.<br />

¿Cómo es idealmente para vos<br />

una entrevista?<br />

- Mi entrevista ideal sería aquella<br />

en donde no tengo que hablar de<br />

mí y consigo que los demás hablen<br />

de ellos. Pero me doy cuenta de que<br />

esa no es la estructura, ese no es el<br />

intercambio. Estuve tratando de reconocer<br />

el intercambio que tenemos<br />

entre los artistas y la prensa, y traté<br />

de pasarla bien. A alguna gente le<br />

gustó y estoy segura de que otros se<br />

sintieron incómodos. Es raro cuando<br />

pensás que una entrevista es una<br />

cosa y alguien tiene una experiencia<br />

completamente distinta, entonces<br />

decís “Oh, Dios, ¿tanta falta de tacto<br />

tengo? ¿No reconozco las caras que<br />

pone la gente? ¿Qué está pasando?”.<br />

Pero no tengo el control, y no se supone<br />

que lo deba tener.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

53


Mujeres<br />

en<br />

la música<br />

2018<br />

.....<br />

Billie Eilish<br />

“Me gusta sentirme<br />

horrorizada”<br />

La adolescente norteamericana habla de su nuevo álbum, la fama y las películas de horror.<br />

POR STEVE BALTIN<br />

B<br />

billie eilish se está habituando<br />

a la fama. Tras un año que la convirtió<br />

en superfenómeno, aprendió<br />

rápido cómo manejarse, incluyendo<br />

el uso de cierta discreción sobre<br />

asuntos personales y profesionales.<br />

Pregúntenle a la estrella en ascenso,<br />

que acaba de cumplir 17 años,<br />

si sabe cuándo sale su debut para<br />

Darkroom/Interscope, y sonreirá<br />

antes de responder: “Sí lo sé, pero se<br />

supone que no debo decirlo…”.<br />

“Lo principal que quisimos conseguir<br />

con este álbum, y creo que<br />

lo hicimos bien, es salir por primera<br />

vez de gira el año pasado, y<br />

descubrí lo divertido que es tocar<br />

en vivo –Eilish le dice a <strong>Billboard</strong><br />

después de tocar ante 18.000 fans<br />

en el Forum de Los Ángeles–. Me<br />

excito como loca en el escenario, y<br />

si el público no se excita, me siento<br />

defraudada. Necesito la energía<br />

para elevarme hasta el cielo. Así<br />

que para este álbum dijimos ‘Hagamos<br />

un disco que sea potente para<br />

tocar en vivo’. Quiero hacer una<br />

gira con este álbum”.<br />

Aparte de controlar a una multitud,<br />

Billie también aprendió secretos<br />

de la fama, lo bueno y lo malo.<br />

Para festejar su cumpleaños alquiló<br />

una casa, y así podrá compartir su<br />

fiesta en paz con familiares y amigos.<br />

“Tuve que alquilarla porque<br />

no quiero celebrar en público. Creo<br />

que será bueno estar presente con<br />

mi gente, sin distraerme”, cuenta sobre<br />

la locación no revelada. Aunque<br />

se siente agradecida a sus celosos<br />

fans, admite que su subrepticio ascenso<br />

a la fama vino con imprevisibles<br />

resultados. Recuerda una<br />

vez que salió con una amiga y fue<br />

acosada por la gente. “Había estado<br />

tanto tiempo de gira, que cuando<br />

volví una amiga me dijo ‘Salgamos’<br />

–cuenta–. Le respondí ‘Ok’. Fue literalmente<br />

uno de los momentos más<br />

aterradores de mi vida. Estaba con<br />

esta chica, no había nadie más. No<br />

había seguridad. Fue lo peor que<br />

me pasó. Estaba aterrada”.<br />

Normalmente, eso es algo que<br />

le gusta. Eilish dice que el terror le<br />

agrada. De hecho, las películas de<br />

horror forman buena parte de su visión<br />

artística. Billie habló con <strong>Billboard</strong><br />

sobre su educación hogareña,<br />

su admiración por Skylar Grey y<br />

esa visión terrorífica.<br />

¿Hay una artista a la que mires y<br />

digas “esa quiero ser”?<br />

- Quizás Rihanna, pero ella creció<br />

y se transformó en lo que es en<br />

un tiempo muy distinto al mío. No<br />

estaba Internet tan pegado a la cabeza.<br />

Era diferente.<br />

¿De dónde creés que viene tu<br />

creatividad?<br />

- Tuve una educación casera, así<br />

que explotaba con ideas y creatividad,<br />

porque tenía tiempo. Me la<br />

pasaba mirando películas en casa<br />

y realicé las más locas y elaboradas<br />

creaciones. Me acuerdo de haber<br />

armado un auto completamente<br />

de cartón. Recuerdo haber hecho<br />

una máquina de esas que tienen<br />

muñecos para extraer, y después<br />

puse todos mis animales disecados<br />

ahí dentro. Era hermosa. Tenía una<br />

pinza pequeña y estaba garantizado<br />

que si ponías una moneda de 25<br />

centavos, ibas a conseguir un animal<br />

disecado. Los regalé todos.<br />

¿Encontrás cosas en común entre<br />

lo que hacías y quien sos ahora?<br />

- Es raro, porque los últimos<br />

dos días estuve mirando películas<br />

en casa y veo cómo todo se<br />

conecta; recordé las cosas que me<br />

interesaban. A veces pienso “Ah,<br />

eso tiene sentido, por eso hago<br />

esto ahora”. Y la escenografía de<br />

los conciertos está hecha con mis<br />

ideas, los videos son tratamientos<br />

míos, excepto el de “Hostage”, que<br />

fue la cosa más genial. Lo trabajé<br />

con Stromae y dije “Ok, puedo<br />

hacer eso, soy buena”. Pero todo<br />

el merchandising está supervisado<br />

por mí, los videos, las imágenes,<br />

todo –el arte, las ropas, las fotos–.<br />

No me gusta usar efectos, lo cual es<br />

irritante, porque después la gente<br />

dice “Guau, parece tan real”. Y sí,<br />

claro que lo es. Tuve una tarántula<br />

gigante caminando por mi boca.<br />

La muy puta se despatarraba. Me<br />

quedó baba negra en los ojos.<br />

¿Ves cómo se manifiesta eso en<br />

la música y tus composiciones?<br />

- Sí, solía escuchar ciertas canciones<br />

cuando tenía diez años,<br />

había una de Skylar Grey llamada<br />

“Final Warning”. Ella es fuego.<br />

Esa y “Wear Me Out”. Por Dios,<br />

esa canción. Cuando tenía 10 u<br />

11 años, todo lo que quería era<br />

escribir canciones como esas. Ella<br />

era tan mala, tan cool, y pienso<br />

que ahora la gente dice eso de<br />

mí y como que exploto. “Bellyache”<br />

está totalmente influida<br />

por “Final Warning”. Un montón<br />

de cosas que escuchaba de chica<br />

influyeron subconscientemente<br />

en mucho de lo que hago ahora.<br />

Visualmente es otra cosa, porque<br />

cuando pienso en mí me identifico<br />

más como una artista visual.<br />

Las imágenes vienen primero. Me<br />

di cuenta de que Spirited Away<br />

fue una de las influencias más<br />

grandes e impactantes en mí,<br />

desde lo creativo. Spirited Away<br />

y esta película llamada The Babadook.<br />

Estaba obsesionada con<br />

The Babadook y esa cosa visual<br />

espeluznante.<br />

¿Existe alguna película para la<br />

cual te hubiera gustado componer<br />

la banda sonora?<br />

- Vi como cinco veces Fruitvale<br />

Station. Me encanta todo en esa<br />

película. Así que sería Fruitvale<br />

Station o una película de horror.<br />

Me encantan las películas de horror,<br />

y si les quitás la música, no<br />

son tan escalofriantes.<br />

54 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


¿Cuál es la película que más te<br />

asustó?<br />

- Si estoy mirando una película,<br />

no hay nada que me asuste. Me asusto<br />

más tarde. Me gusta estar asustada.<br />

Lo cual significa que me asusto<br />

un montón, porque disfruto ese<br />

sentimiento. Siempre me gustó estar<br />

lastimada y asustada, aterrorizada.<br />

¿Pensás que sentirte vulnerable<br />

y asustada te abre como<br />

artista?<br />

- Voy más allá. Me gusta ese<br />

sentimiento. Cuando esto estaba<br />

empezando, subconscientemente,<br />

yo trataba de sorprender a la<br />

gente porque eso es lo que recordás.<br />

Recordás más lo que te asusta<br />

que lo que te excita. Recuerdo una<br />

cosa que realmente me inspiró. Mi<br />

primer recital fue un show de The<br />

Neighborhood en The Shrine, y la<br />

intro de esta canción, que llaman<br />

"Ferrari”, es pura droga. Todos<br />

se pusieron blancos con<br />

ese sonido aterrorizante,<br />

y yo dije “Tengo que<br />

conseguir que la gente<br />

se ponga así”. No hubo<br />

nada como la anticipación<br />

y esa excitación, pero<br />

el miedo hace que todo sea<br />

más intrigante.<br />

DAN DEGAN<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

55


Lo mejor de 2018<br />

P O R F A C U N D O A R R O Y O<br />

DURANTE ESTE AÑO, EL GÉNERO REACTIVÓ TODAS SUS POSIBILIDADES COMO MOVIMIENTO UNDERGROUND. VOLVIÓ TAPE<br />

RUBÍN, SU MÁXIMO COMPOSITOR LUEGO DE NUEVE AÑOS DE SILENCIO. SUS ARTISTAS MÁS DISRUPTIVOS, COMO DIEGO<br />

SCHISSI Y AGUSTÍN GUERRERO, EXPANDIERON SU REPERTORIO; LAS ORQUESTAS COMO LA FERNÁNDEZ FIERRO PASARON POR EL<br />

ESTUDIO; Y ACHO ESTOL (LA CHICANA), UNO DE LOS GRANDES POETAS DEL GÉNERO, COMPUSO SU QUINTO DISCO SOLISTA.<br />

56 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


#1. TANGUERA (MÚSICA<br />

DE MARIANO MORES)<br />

#2. CAMBIANDO<br />

CORDAJE<br />

#3. NUEVA MÚSICA<br />

ARGENTINA<br />

#4. FOLKENSTEIN<br />

#5. AHORA Y SIEMPRE<br />

Diego Schissi Quinteto<br />

Rubín-Lacruz-Heler-Nikitoff<br />

Guerrero-Scalerandi<br />

Acho Estol<br />

Orquesta Típica Fernández<br />

Fierro<br />

el quinteto del músico<br />

que está dando vuelta la<br />

historia del tango tiene su<br />

propia identidad. Por eso<br />

es viable, también, que<br />

construya un repertorio<br />

sobre la base de un gigante<br />

del género y se lo apropie.<br />

En este caso, la música de<br />

Mariano Mores renace entre<br />

la destreza, la rítmica y<br />

la vigorosidad del estilo de<br />

Schissi y su quinteto. Gracias<br />

al ojo gestor de Adrián<br />

Iaies y al contexto de La<br />

Usina del Arte, el grupo<br />

grabó en vivo las ideas que<br />

tenía sobre canciones como<br />

“Cristal” (con Lidia Borda),<br />

“Tanguera” o “En esta tarde<br />

gris” (con Nadia Larcher).<br />

Formado en el jazz y fanático<br />

de Luis Alberto Spinetta,<br />

Schissi continúa el plan desde<br />

su base de operaciones<br />

predilecta: el tango.<br />

fueron nueve años de<br />

silencio discográfico para<br />

el creador del Cuarteto Almagro<br />

y guía referencial y<br />

compositiva del nuevo tango<br />

argentino del siglo XXI.<br />

La apertura del disco, que<br />

recibe su mismo nombre,<br />

es ya toda una tesis de las<br />

búsquedas que el compositor<br />

mezcla en tanto cultura<br />

y sociedad. Tape Rubín es<br />

un referente intelectual que,<br />

a través de la melodía y la<br />

letra, reflexiona sobre el<br />

cosmos, la tierra y las luchas<br />

de nuestras sociedades occidentales.<br />

Sucesor de Lujo<br />

total (2009), al mensaje de<br />

Cambiando cordaje hay que<br />

agarrarlo al vuelo porque<br />

nunca se sabe hasta cuándo<br />

el compositor se va a quedar<br />

en la ciudad.<br />

más allá de las complejidades<br />

que tiene seguirle los<br />

pasos al músico prodigio<br />

del nuevo tango, hay<br />

registros que sirven de<br />

base para pensar a Agustín<br />

Guerrero. El de este año<br />

es el que concluyó junto<br />

al guitarrista Juan Martín<br />

Scalerandi. Desde un foco<br />

ciudadano, y con el tango<br />

como lenguaje de partida,<br />

la música está centrada en<br />

la llanura pampeana. Es una<br />

perspectiva regional, con<br />

el tacto personal e identificándose<br />

en el sonido de su<br />

tierra. Así es que a la nueva<br />

música argentina le entran<br />

la vidala, el candombe, el<br />

malambo sureño, el vals, el<br />

tango, la milonga, el abrazo<br />

de Salgán y el guiño de la<br />

tradición.<br />

estol, compositor de la<br />

Chicana, es un autor fundamental<br />

y pilar de la letrística<br />

del tango de estos tiempos.<br />

Su imaginario refiere a la<br />

urbanidad de una enorme<br />

ciudad, pero reflexiona<br />

sobre la amplitud de la<br />

pampa, la llanura. Desarrolla<br />

hace tiempo algo que<br />

denomina el gótico surero,<br />

un ambiente donde conviven<br />

tanto Nick Cave y Tom<br />

Waits como Gardel, Troilo<br />

y el Indio Solari. En esta<br />

quinta experiencia solista,<br />

donde estalla de canciones<br />

y ritmos e invita a los mejores<br />

intérpretes del canto<br />

(experiencia hermana de<br />

su disco Buenosaurios, de<br />

2009), no solo extiende su<br />

estética como compositor,<br />

sino que amplía su mesa de<br />

herramientas.<br />

ahora y siempre llega<br />

para coronar los 17 años<br />

de esta orquesta emblema,<br />

una que partió los paradigmas<br />

más duros del género<br />

para fundar el nuevo tango<br />

argentino en el siglo XXI. El<br />

disco fue grabado y mezclado<br />

en los Estudios ION por<br />

Walter Chacón, masterizado<br />

por Mario Breuer y producido<br />

artísticamente por el<br />

director Yuri Venturín, también<br />

contrabajista y compositor.<br />

La Fierro es el reflejo<br />

del trabajador, ese al que le<br />

ahorca la corbata y que se<br />

quema con el café mientras<br />

corre para subirse al tren.<br />

Son nueve canciones donde<br />

predomina el característico<br />

marcato. Ese pulso zombi<br />

que maneja las intensidades<br />

de sus shows en el CAFF.<br />

#6. DEPREDAMOR # 7. FIERO<br />

#8. EDUARDO ROVIRA: #9. ESCENAS DE LA<br />

LA OTRA VANGUARDIA NADA MIRAR<br />

#10. SIE7E<br />

Siniestra<br />

Quinteto Bataraz<br />

Sónico<br />

Noelia Sinkunas<br />

Altertango<br />

el gesto tanguero más<br />

disruptivo de este año es<br />

el que propuso Siniestra.<br />

Un reflejo es “Piso 47”, el<br />

segundo track del disco<br />

que se apoya en la base de<br />

un sintetizador disparado<br />

a través de las manos y la<br />

paciencia de Lito Castro.<br />

Así como la “6:25” de La<br />

Fierro, esta canción expresa<br />

el frenetismo actual de una<br />

ciudad capital. Depredamor<br />

es el cuarto disco del quinteto,<br />

un grupo que se caracteriza<br />

por el juego permanente<br />

entre lo eléctrico<br />

y lo acústico en sus propias<br />

composiciones.<br />

si bien las ocho canciones<br />

que contiene el segundo<br />

disco del Quinteto Bataraz<br />

fueron grabadas en 2017,<br />

los tiempos y las ansiedades<br />

ciudadanas debieron<br />

esperar a 2018 para tener en<br />

mano el material editado en<br />

CD y vinilo. Este trabajo es<br />

el único que no parte desde<br />

el tango como casi toda la<br />

selección hecha por <strong>Billboard</strong>.<br />

Aun así, contiene el<br />

gen incorporado a lo que<br />

Lisandro Baum (líder musical<br />

de este asunto) entiende<br />

como música popular argentina.<br />

La canción “Batango”<br />

(de Baum y nominada<br />

a un Grammy Latino por<br />

su arreglo), por ejemplo, no<br />

deja dudas de esto.<br />

lo que hace el quinteto<br />

belga fundado por el contrabajista<br />

argentino Ariel<br />

Eberstein es rescatar la<br />

obra de Eduardo Rovira<br />

y ubicarla en un lugar de<br />

privilegio. Este LP debut es<br />

simplemente un acto de justicia,<br />

llevado adelante con<br />

hombría, elegancia, destreza<br />

y buen gusto. Sónico no se<br />

enrosca en releer el tono de<br />

la obra de su homenajeado,<br />

se permite retomar algunas<br />

de sus composiciones claves<br />

y presentarlas casi por<br />

primera vez a un público<br />

que desconoce la existencia<br />

de un músico brillante en<br />

tiempos de Piazzolla.<br />

la joven sinkunas (1988)<br />

tiene la presencia del sol<br />

después de varios días de<br />

tormenta. La pianista de<br />

Berisso se desenvuelve en<br />

varias formaciones del nuevo<br />

tango y hasta recorre las<br />

teclas de la nueva cumbia<br />

con epicentro en La Plata.<br />

Instrumental y profundo,<br />

Escenas de la nada mirar es<br />

un encuentro íntimo con<br />

la compositora y su piano<br />

y su debut como solista.<br />

Quizás sean un guiño el<br />

nombre de sus canciones;<br />

ahí están “Milonguea”, “La<br />

nueva vuelta” o “El errante”,<br />

pero lo cierto es que para<br />

escuchar a Noelia tenés<br />

que atravesar la lluvia del<br />

tiempo y después sentarte a<br />

mirar la nada.<br />

la agrupación mendocina<br />

dejó de ser un quinteto<br />

con cantante para ser un<br />

cuarteto instrumental. Ante<br />

ese panorama, la primera<br />

decisión clave es la unión<br />

estética con algunos integrantes<br />

de 34 Puñaladas:<br />

un fundamental Edgardo<br />

González como productor y<br />

compositor, más Alejandro<br />

Guyot para sumar su voz<br />

de ultratumba ciudadana.<br />

Bajo el toque y el sonido<br />

que Altertango ha construido<br />

a través de los años, en<br />

el disco hay instrumentales<br />

y temas con cantantes invitados.<br />

Una constelación sonora<br />

que llega a su séptimo<br />

capítulo.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

57


5 9 º F E S T I V A L N A C I O N A L D E F O L K L O R E<br />

COSQUÍN EN BUSCA DE<br />

SU DIVERSIDAD<br />

CON PROPUESTAS TRADICIONALES, OTRAS MASIVAS Y TAQUILLERAS, Y ARTISTAS EMERGENTES E INDEPENDIENTES,<br />

COSQUÍN OFRECERÁ UN PANORAMA DE LA MÚSICA POPULAR ARGENTINA DEL SIGLO XXI NO EXENTO DE<br />

DEBATES. UN REPASO DE LA GRILLA <strong>2019</strong>, CON TESTIMONIOS DEL CHANGO SPASIUK, LA BRUJA SALGUERO, POPI<br />

SPATOCCO, JOSÉ LUIS AGUIRRE Y EL SECRETARIO DE PROGRAMACIÓN LUIS BARRERA.<br />

POR PATRICIO FÉMINIS<br />

la noción de folklore no alcanza.<br />

Las creaciones y los sonidos<br />

de raíz están en movimiento constante<br />

en todo el país. Y esa misma<br />

transición –estética e ideológica–<br />

estará reflejada en Cosquín una vez<br />

más. Del 26 de enero al 3 de febrero<br />

de <strong>2019</strong>, el 59º Festival Nacional de<br />

Folklore cordobés reunirá a las distintas<br />

visiones de la música popular<br />

argentina del siglo XXI.<br />

Así, las expresiones masivas, románticas<br />

y de moda del llamado<br />

folklore convivirán con las tendencias<br />

de vanguardia y las más sutiles<br />

de las músicas de raíz. En Cosquín<br />

<strong>2019</strong> coexistirán la taquilla y la<br />

búsqueda. La oda a los paisajes sin<br />

mensaje social, los ensambles renovadores<br />

y el canto de la tierra que<br />

habla de las realidades y los conflictos<br />

de hombres y mujeres de hoy.<br />

Desde ya, los artistas masivos<br />

del folklore (aun con toques pop)<br />

permitirán asentar boleterías. Estarán<br />

Abel Pintos (el 29 de enero),<br />

Soledad (el 26), Luciano Pereyra (el<br />

27), Los Tekis (el 31), Los Manseros<br />

Santiagueños (el 30) y el Chaqueño<br />

Palavecino (el 3 de febrero), entre<br />

otros. Además llegarán convocantes<br />

más selectos como Raly Barrionuevo,<br />

Dúo Coplanacu, Horacio Banegas,<br />

Los Carabajal, Orellana Lucca,<br />

y ascendentes como el cordobés<br />

José Luis Aguirre, La Charo o Milena<br />

Salamanca, entre otros.<br />

El 29, el virtuoso Nahuel Pennisi<br />

generará otra conmoción, y el 1º<br />

de febrero tocará por primera vez<br />

el cantautor chileno Nano Stern (la<br />

misma noche de Barrionuevo y de<br />

Pedro Aznar). Pero la música de<br />

raíz conectada al futuro girará ya<br />

desde la apertura de Cosquín, el 26,<br />

con el Homenaje a Mercedes Sosa<br />

“Traigo un pueblo en mi voz”, bajo<br />

dirección de Popi Spatocco. Estarán<br />

León Gieco, Peteco Carabajal, Liliana<br />

Herrero, Teresa Parodi, Víctor<br />

Heredia, Julia Zenko y Soledad, a la<br />

par de voces emergentes: Pennisi,<br />

el jujeño Bruno Arias, la riojana La<br />

Bruja Salguero y la catamarqueña<br />

Nadia Larcher.<br />

La Primera Luna tendrá otra joya:<br />

La Trova Rosarina. Juan Carlos Baglietto,<br />

Silvina Garré, Jorge Fandermole,<br />

Rubén Goldín, Adrián Abonizio<br />

y Fabián Gallardo evocarán sin<br />

nostalgia –con dirección de Claudio<br />

Cardone– sus mejores obras, en una<br />

idea de música popular en líneas<br />

abiertas. En una visión afín, el 2 de<br />

febrero La Bruja Salguero –Premio<br />

Consagración 2017– invitará a Eruca<br />

Sativa, que tiene un lazo en la raíz<br />

folklórica de Córdoba.<br />

En esa misma Octava Luna, el<br />

Chango Spasiuk festejará –con su<br />

grupo– los 30 años de su consagración<br />

en Cosquín. Spasiuk le dice a<br />

<strong>Billboard</strong>: “Mostraré lo retrospectivo<br />

de mi música y mi sonido de<br />

ahora. Y quiero pasar el video de<br />

cuando hace 30 años me presentó<br />

Juan Carlos Saravia, de Los Chalchaleros”.<br />

Luego continúa y amplía:<br />

“Posiblemente convoque al maestro<br />

Rafael Gíntoli y a un acordeonista<br />

muy joven. Yo condenso mi<br />

experiencia, mi búsqueda y lo que<br />

siento esencial de mí. Es como una<br />

comida que cocinás, y, cuanto más<br />

se reduce esa salsa, más se concentran<br />

los sabores”.<br />

Polémicas y debates<br />

Mercedes Sosa también es un<br />

puente a la música popular argentina<br />

del siglo XXI. “Cosquín nos encargó<br />

este homenaje de 50 minutos<br />

con 12 voces para abrir el festival.<br />

Con auspicio de la Fundación Mercedes<br />

Sosa, reuniremos a consagrados<br />

y emergentes que comparten la<br />

ideología de La Negra sobre la música<br />

popular”, dice Spatocco.<br />

¿Qué retos vive esta 59 a edición?<br />

Responde el secretario de programación<br />

Luis Barrera: “La situación<br />

económica apremia, pero lo sacamos<br />

adelante con imaginación: programamos<br />

a los artistas que participan<br />

de todos los festivales, pero con<br />

noches conceptuales, espectáculos<br />

compartidos e invitados. Acordamos<br />

las mejores condiciones y el<br />

mejor horario con todos. Cosquín<br />

siempre sabe continuar”.<br />

Desde que el 26 de noviembre<br />

anunció la programación, en las<br />

redes sociales se pudo leer: “Hay<br />

pocas mujeres programadas” y<br />

“falta mayor igualdad de género en<br />

Cosquín”. ¿Qué piensa Barrera? “La<br />

polémica es tradicional en el festival,<br />

pero disminuyó en los cuatro<br />

años que lleva la actual comisión<br />

organizadora”.<br />

El secretario de programación<br />

enarbola otros auspicios. “Los Guaraníes<br />

celebrarán 25 años de trayectoria,<br />

Los Manseros Santiagueños sus<br />

60 años y Los 4 de Córdoba, sus 50<br />

con invitados: Piti Fernández de Las<br />

Pastillas del Abuelo, Guillermo Novelis<br />

de La Mosca, el Indio Lucio Rojas<br />

y Facundo Toro”, dice, en otra mirada<br />

ecléctica, pero dentro de la línea<br />

conservadora del folklore cordobés.<br />

Voces de apertura<br />

La Bruja Salguero cuenta cómo<br />

surgió el cruce con Eruca Sativa<br />

para la Octava Luna. “Queremos<br />

contribuir al diálogo de las músicas<br />

argentinas desde una estética<br />

superadora. Ya no deberían existir<br />

fronteras. Al rock y a los sonidos de<br />

raíz nos une una misma pasión, una<br />

fuerza y un pensamiento. De hecho,<br />

los cruces de rock y folklore se<br />

dan hace años, como Mercedes con<br />

Charly y Gieco, o Divididos con la<br />

obra de Atahualpa Yupanqui”.<br />

La riojana medita unos segundos.<br />

“Mi primera juntada con Eruca<br />

Sativa fue cuando Lula Bertoldi me<br />

invitó en agosto de 2018 al evento a<br />

beneficio ‘Así suena la lucha contra<br />

la trata’, en Palermo Groove. Va a<br />

ser muy fuerte vibrar con Eruca en<br />

Cosquín”. Y La Bruja amplía: “Es<br />

GENTILEZA COSQUÍN<br />

58 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


La Bruja Salguero.<br />

Abel Pintos.<br />

importante que haya más mujeres<br />

en los festivales del folklore y del<br />

rock. Nosotras poseemos una fuerza<br />

ancestral, una tripa guerrera tremenda,<br />

y quienes no nos toman en<br />

cuenta se la pierden. Ojalá que más<br />

productores se contagien”.<br />

El sustancial cantautor José Luis<br />

Aguirre tocará en la Octava Luna<br />

(el 2 de febrero) y resuena hace<br />

años como uno de los candidatos<br />

para el Premio Consagración. El<br />

cordobés de Traslasierra le dice a<br />

<strong>Billboard</strong>: “Si alguna vez me toca<br />

ser Consagración, estaré agradecido,<br />

porque me siento parte de una<br />

generación con una manera de mirar<br />

la música popular argentina”.<br />

Respecto de la grilla del Cosquín<br />

y las polémicas, Aguirre confía.<br />

“Soy partidario de que se escuchen<br />

todas las expresiones. A los músicos<br />

independientes nos cuesta un poco<br />

más, pero así como en <strong>2019</strong> no estarán<br />

algunas voces, tocará gente<br />

como Flor Castro y Josho González,<br />

de La Rioja, o Presenta Trío, de<br />

Córdoba. Todo va mutando. Ojalá<br />

que se cuide esa diversidad: que los<br />

artistas emergentes siempre tengan<br />

su lugar en Cosquín”.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

59


LOUTA<br />

fotografiado por<br />

Matías Casal.<br />

CADA VEZ MÁS CERCA<br />

EN 2018, VARIAS PROPUESTAS ASOCIADAS A ARTISTAS JÓVENES DIERON UN SALTO GRANDE. TANTO EN CALIDAD DE TRABAJOS<br />

COMO EN NIVEL DE CONVOCATORIA, ESTOS PROYECTOS EMERGENTES LOGRARON UN CIERTO RECONOCIMIENTO MEDIÁTICO Y<br />

POPULAR HASTA HACE POCO IMPENSADO. A CONTINUACIÓN, DIEZ LANZAMIENTOS QUE FUNCIONARON COMO CROSSOVERS<br />

ENTRE LA ESCENA INDIE Y LA PLANA MAYOR DE LA INDUSTRIA.<br />

P O R J U A N M A N U E L P A I R O N E<br />

NATHY PELUSO<br />

La sandunguera EP<br />

Nathy Peluso llegó<br />

para sacudir las<br />

bases del pop<br />

latinoamericano.<br />

Con una impronta<br />

que mezcla música,<br />

teatro y divismo al natural, la<br />

argentina radicada en España logró<br />

dar forma a un híbrido único en su<br />

especie, y La sandunguera es la obra<br />

que lo certifica. Con su voz, sus<br />

gestos y sus intenciones, Peluso da<br />

vida a las canciones, que tienen un<br />

poco de hip hop, otro poco de salsa,<br />

algo de soul y mucho, pero mucho<br />

ritmo. No hay pose en un personaje<br />

que se presenta vulnerable de<br />

entrada, y es capaz de bailar hasta<br />

que se acabe el mundo. Su gira<br />

argentina de noviembre confirmó el<br />

fenómeno de reproducciones y<br />

views: Peluso agotó tres shows en<br />

Buenos Aires (Niceto, Groove y<br />

Konex en 15 días), lideró el festival<br />

La Nueva Generación en Córdoba y<br />

también se presentó a sala llena en<br />

La Plata, Mendoza y Rosario.<br />

JUAN INGARAMO<br />

Best Seller<br />

El cordobés<br />

terminó de<br />

postularse como<br />

candidato a Gran<br />

Solista Nacional<br />

del futuro cercano.<br />

Best Seller es un disco de quiebre<br />

en todo sentido. Desde el sonido,<br />

propone un acercamiento al<br />

universo latino que refresca la<br />

obra de un compositor que no<br />

deja de nutrir su oficio. Desde lo<br />

conceptual, el salto de nivel es<br />

todavía más sorprendente, porque<br />

la referencia es Músico, un álbum<br />

por demás significativo para el<br />

crecimiento de Ingaramo como<br />

artista y showman. Hoy, el deseo,<br />

la ambición y la búsqueda se<br />

manifiestan en un trabajo que<br />

sienta las bases de un nuevo pop<br />

argentino con impronta continental.<br />

“Lengua universal”, “Fobia”,<br />

“Lo de adentro”, “Ladran” o<br />

“Quererme”: cualquiera de ellas<br />

podría ser, tranquilamente, la<br />

canción del año.<br />

60 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


BANDALOS CHINOS<br />

BACH<br />

EL KUELGUE<br />

Fierrín (Lado A)<br />

SALVAPANTALLAS<br />

SMS<br />

PERRAS ON THE BEACH<br />

Flow de Cuyo<br />

“Vámonos de viaje”<br />

suena una vez más<br />

en algún parlante y<br />

de repente todo está<br />

bien. Ese es el efecto<br />

inmediato que<br />

genera esta especie de primer álbum<br />

definitivo de Bandalos Chinos. Luego<br />

de un disco olvidado y dos EP que<br />

los catapultaron a la crema del pop<br />

emergente, el sexteto de zona norte<br />

fue más allá en términos de inversión<br />

y de búsqueda sonora. Junto a Adan<br />

Jodorowsky y en los estudios Sonic<br />

Ranch, en Texas, el grupo dio vida a<br />

un cancionero maduro, ecléctico y<br />

finamente ambientado. La voz de<br />

Goyo Degano suena por primera vez<br />

al frente, calmada, consciente de su<br />

potencia para decir melódicamente.<br />

Gracias a eso, canciones como<br />

“Demasiado”, “Tu órbita” o “Tema de<br />

Susana” tienen el brillo de los clásicos<br />

atemporales. Con un repertorio cada<br />

vez más contundente y festivo, la<br />

banda se lanza a la conquista del<br />

continente.<br />

MARILINA BERTOLDI<br />

Prender un fuego<br />

No es extraño ver a<br />

Marilina Bertoldi<br />

enojada. En un<br />

escenario, en una<br />

nota, en alguna de<br />

sus canciones. Es<br />

parte del funcionamiento de una de<br />

las artistas más imponentes de la<br />

música joven argentina. Su<br />

personalidad arrolladora y su<br />

discurso siempre al frente se nutren<br />

de esa energía tensionante. Sin<br />

embargo, Prender un fuego es una<br />

lectura en tiempo real que tiene<br />

poco de impulsiva. Más apegada al<br />

ritmo como recurso compositivo,<br />

Bertoldi baja un cambio en materia<br />

de distorsión y riega sus canciones<br />

con nuevas capas de información.<br />

La guitarra se corre a un segundo<br />

plano y la voz gana en expresión y<br />

liderazgo. La santafesina se corre de<br />

su zona de confort y amplía su<br />

horizonte creativo sin miedos.<br />

“Necesitamos ser incluidas en los<br />

espacios ‘normales’, lugares donde<br />

no tiene que ser una excepción el<br />

hecho de que haya una mujer”, le<br />

dijo a <strong>Billboard</strong> AR este año.<br />

En agosto, El<br />

Kuelgue llegó por<br />

primera vez al<br />

Estadio Obras. La<br />

excusa formal fue la<br />

presentación de<br />

Fierrín (Lado A), pero el motivo<br />

central fue la celebración entre<br />

músicos y seguidores por un<br />

crecimiento sostenido que parece<br />

no tener techo. Con la irreverencia<br />

y el humor siempre como toque de<br />

distinción, el grupo se ha convertido<br />

en un referente de la nueva<br />

música argentina a fuerza de<br />

postales cotidianas siempre<br />

ocurrentes y música que transmite<br />

alegría y ganas de bailar. Sin<br />

embargo, la primera parte de<br />

Fierrín también es una apuesta por<br />

un sonido cada vez más logrado. En<br />

menos de 17 minutos, la banda<br />

actualiza su repertorio con un<br />

cóctel de ritmos y paisajes rioplatenses,<br />

que destaca el magnetismo<br />

de Julián Kartún como cantante y<br />

una banda que parece tocar de<br />

memoria entre armonías souleras y<br />

mucho color latino.<br />

LOUTA<br />

Enchastre<br />

Último momento.<br />

LOUTA derritió<br />

todo en dos<br />

Vorterix repletos<br />

como marco oficial<br />

de la presentación<br />

de Enchastre. Suena lógico ese<br />

contexto para un proyecto que está<br />

destinado a multiplicarse en<br />

ambición y retroalimentación con<br />

el público. De algún modo, el<br />

segundo disco del ente creado por<br />

Jaime James es un paso todavía más<br />

contundente hacia un futuro<br />

LOUTA de estadios, o cuanto<br />

menos de arenas, domos y teatros<br />

más grandes. Enchastre es un disco<br />

que resume mucho de lo que sucede<br />

en el pop actual y también dialoga<br />

con una escena nacional en clara<br />

ebullición (las apariciones de<br />

Marilina Bertoldi y Zoe Gotusso<br />

son significativas). Desde el sonido<br />

y el abanico de estilos tiene todo<br />

para ser la banda sonora de una<br />

generación. Viniendo de LOUTA,<br />

pareciera ser solo el comienzo.<br />

El dúo de impronta<br />

instagrammer jugó<br />

fuerte por su<br />

propio repertorio.<br />

Apostó a un primer<br />

álbum de siete<br />

canciones propias como vuelta de<br />

página de una breve pero intensa<br />

trayectoria, que comenzó al calor<br />

de las versiones y en YouTube. Con<br />

la producción de Juan Ingaramo,<br />

SMS confirma el perfil fresco y<br />

relajado de Zoe Gotusso y Santiago<br />

Celli, y entrega clásicos instantáneos<br />

como “R.I.P.”, con aires<br />

noventeros, o la encantadora “Me<br />

conecto”. Allí, a la galería de<br />

personajes públicos que elogiaron<br />

al proyecto se suma Jorge Drexler,<br />

que le añade otra capa de sentido<br />

al nombre del dúo y colabora con<br />

ellos en uno de los grandes<br />

momentos del álbum. En noviembre,<br />

la presentación de SMS ante<br />

un Vorterix lleno asentó el<br />

romance entre los cordobeses y un<br />

público cada vez más amplio.<br />

LO’ PIBITOS<br />

En espiral<br />

La tradición negra<br />

ha dejado su marca<br />

a fuego en las<br />

últimas dos<br />

generaciones de<br />

músicos argentinos<br />

ligados al pop. En ese sentido, Lo’<br />

Pibitos es una punta de lanza para<br />

otros artistas vinculados al funk, al<br />

soul y otros géneros afines. En<br />

Espiral lo certifica con un par de<br />

colaboraciones a tono y hits en<br />

potencia como “Nada que ver”<br />

(junto a De la Rivera), la más lenta<br />

“Pasan” (con Ale Sergi) y la<br />

intempestiva “Anda corriendo el<br />

rumor” (donde se suma Emme),<br />

que tiene el espíritu disco de Earth,<br />

Wind & Fire. El lenguaje del hip<br />

hop sigue presente, pero pierde<br />

protagonismo frente a una banda<br />

que se anima a jugar cada vez más<br />

en diferentes terrenos. Hoy, Lo’<br />

Pibitos está cada vez más cerca de<br />

convertirse en una big band<br />

funkera sin dejar de lado la<br />

picardía inconfundible de Villa<br />

Crespo y su amor por los cien<br />

barrios porteños.<br />

Hacía falta que<br />

Perras On The<br />

Beach hiciera un<br />

disco a su medida.<br />

Luego del alojamiento<br />

de los<br />

miembros de Usted Señálemelo, el<br />

proyecto de Simón Saeig y Bruno<br />

Beguerie debía mostrar sus cartas<br />

con la renovación de plantel y la<br />

llegada de Ignacio Laspada, Fabricio<br />

Foresto y Rodrigo Martínez. Con<br />

participación de Juan Saieg y<br />

Gabriel Orozco en varias canciones,<br />

y con la mano de Lucca Beguerie<br />

Petrich desde la grabación y la<br />

mezcla, Flow de Cuyo es una<br />

declaración de principios de un<br />

grupo de amigos que se nutre<br />

mutuamente y combate la oscuridad<br />

con música desprejuiciada. El rock<br />

argentino, el hip hop y la psicodelia<br />

australiana se funden en un disco<br />

plagado de iluminados momentos<br />

instrumentales, frases históricas y<br />

sentir generacional.<br />

FRANCISCA Y LES<br />

EXPLORADORES<br />

Hermafrodita<br />

En 2018, Franco<br />

Saglietti se dio el<br />

lujo de compartir<br />

un track y un Gran<br />

Rex con Fito Páez y<br />

terminó el año<br />

produciendo un disco en los<br />

estudios Abbey Road. Ese es, de<br />

algún modo, el ritmo natural de un<br />

proyecto defendido en cuerpo y<br />

alma por su líder. Saglietti no para<br />

de potenciar esa virtud –que parece<br />

azarosa, pero es fruto de la<br />

constancia– y sigue cosechando<br />

canciones en diferentes planes.<br />

Hermafrodita es un llamado de<br />

atención para toda la región y<br />

destaca el sonido diseñado por la<br />

banda que acompaña a Fran desde<br />

hace tiempo. Canciones como<br />

“Plaza Italia”, “Villa Urquiza” (con<br />

una gloriosa aparición de Páez),<br />

“Cuentagotas” o “El invierno”<br />

demuestran también que Saglietti es<br />

uno de los grandes compositores de<br />

su generación. Hermafrodita es,<br />

entonces, un disco amable, de<br />

puertas abiertas: solo es cuestión de<br />

animarse y entrar.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

61


El bautismo<br />

de Bob Dylan<br />

El 17 de noviembre de 1978, durante un concierto en San Diego, un fan arrojó una<br />

cruz de plata al escenario. Dylan la recogió y sintió un escalofrío.<br />

Ese evento abrió una represa: era el inesperado comienzo de su “trilogía cristiana”.<br />

POR MARTÍN E. GRAZIANO<br />

L<br />

leonard cohen caminaba en<br />

círculos por su casa y se retorcía<br />

las manos. La música que salía de<br />

su tocadiscos llenaba el aire de<br />

preguntas. “¡No lo entiendo! –gritaba–.<br />

Es que no puedo entenderlo.<br />

¿Por qué buscar a Jesús a estas<br />

alturas?”. El canadiense escuchaba<br />

que Bob Dylan, su reflejo en el<br />

hondo lago de los trovadores, cantaba<br />

los primeros versos de “Gotta<br />

Serve Somebody”. La canción,<br />

paradójicamente, estaba más cerca<br />

que nunca de su propia música:<br />

una producción cromada, coros<br />

femeninos y el aliento de un Dios<br />

poderoso y cambiante esparcido<br />

sobre todas las cosas. Eventualmente,<br />

Leonard Cohen se postró<br />

ante Slow Train Coming: “Pensaba<br />

que aquellas eran unas de las canciones<br />

góspel más hermosas que<br />

jamás se habían oído”.<br />

Otra paradoja. Las epifanías<br />

son trascendentales, pero también<br />

intransferibles. El 17 de noviembre<br />

de 1978, mientras ofrecía un<br />

concierto en San Diego, un asistente<br />

del público lanzó una pequeña<br />

cruz de plata al escenario.<br />

Bob Dylan se inclinó a agarrarla y<br />

sintió un escalofrío. La escena llegó<br />

a su clímax unos días después,<br />

cuando se encerró en la habitación<br />

de un hotel de Tucson. “Jesús se<br />

apareció ante mí como rey de reyes<br />

y señor de señores –dijo–. Había<br />

una presencia en la habitación que<br />

no podía ser nadie salvo Jesús...<br />

Puso su mano sobre mí. Fue algo<br />

físico. Lo sentí. Sentí todo mi cuerpo<br />

temblar. La gloria del Señor me<br />

tiró al suelo y me recogió”.<br />

Desestabilizado por su divorcio<br />

y el terremoto del punk, el estreno<br />

de Renaldo and Clara (la película<br />

surrealista que dirigió y protagonizó)<br />

y las críticas sobre Street<br />

Legal, Dylan venía caminando<br />

sobre aguas tempestuosas. La cruz<br />

parecía una pista. La punta de un<br />

ovillo. En enero de 1979, la actriz<br />

negra Mary Alice Artes, que además<br />

de vecina era su nueva novia,<br />

se acercó a la iglesia evangélica y<br />

neopentecostal Vineyard Fellowship.<br />

No era la primera artista que<br />

tocaba la puerta. Por esos encuentros,<br />

celebrados en las casas de los<br />

pastores o locales alquilados, ya<br />

habían pasado algunos Eagles e<br />

incluso tres miembros de la propia<br />

banda de Bob. Artes se paró ante<br />

Ken Gulliksen, el pastor luterano<br />

que había fundado la iglesia, y fue<br />

directo al grano. Quería consagrar<br />

su vida a Jesús. Su novio, agregó,<br />

atravesaba una crisis espiritual.<br />

Poco después, los pastores Larry<br />

Myers y Paul Esmond visitaron a<br />

Dylan, quien, ese mismo día, “rezó<br />

y recibió al Señor”.<br />

Dylan, descubrieron en la iglesia,<br />

no se tomaba nada a la ligera.<br />

Durante los siguientes tres meses,<br />

asistió cinco veces por semana a<br />

los cursos de lectura bíblica y coronó<br />

la transformación con su bautismo.<br />

Luego miró a los ojos de su<br />

novia y escribió unos versos. “Ángel<br />

preciado bajo el sol, / ¿cómo<br />

iba a saber que tú serías / quien revelaría<br />

mi ceguera y mi perdición,<br />

/ cuán frágiles eran los cimientos<br />

que me sostenían? / Ahora hay<br />

una guerra espiritual, / la carne y<br />

la sangre se pudren, / o tienes fe<br />

o no la tienes, / y no hay terreno<br />

neutral”. No era extraño. Para Bob<br />

Dylan todo era una canción. Incluso<br />

el Apocalipsis.<br />

Claro que no era la primera vez<br />

que utilizaba la Biblia como combustible<br />

(revisar, por ejemplo, el<br />

material de John Wesley Harding),<br />

pero sí era la primera vez que escribía<br />

con un propósito devocional.<br />

Aun cuando el objeto de su<br />

devoción fuera un ánfora donde<br />

cabía el Dios de los cristianos o<br />

una chica. A medio camino entre<br />

la imaginería de la generación beat<br />

y las Tablas de la Ley, la imagen<br />

de ese Tren Lento encabezaba una<br />

tanda de canciones que –como no<br />

definían ese sujeto– oscilaban entre<br />

el soul o el mero góspel. Dylan,<br />

que no daba puntada sin hilo, se<br />

metió en el Muscle Schoals Studio<br />

con un productor célebre por su<br />

trabajo con artistas como Aretha<br />

Franklin o Ray Charles. Jerry<br />

Wexler, a su vez, trajo de la mano a<br />

Mark Knopfler. Las cartas estaban<br />

sobre la mesa.<br />

El disco se publicó el 18 de agosto<br />

de 1979 y, contra todos los pronósticos,<br />

fue una suerte de hit. Trepó<br />

al puesto N° 2 en los charts de Inglaterra,<br />

alcanzó ventas de platino<br />

en los Estados Unidos y le valió a<br />

Dylan su primer Grammy como<br />

cantante masculino. Durante la gira<br />

de presentación, sin embargo, se<br />

comportó menos como una estrella<br />

del pop que como un pastor. “Jesús<br />

me dio unos golpes en el hombro y<br />

me dijo: ‘Bob, ¿por qué te resistes<br />

a mí?’ –soltó durante un concierto<br />

en Syracuse–. Yo dije: ‘No me estoy<br />

resistiendo’. Entonces me preguntó:<br />

‘¿Vas a seguirme?’. Yo respondí<br />

‘Bueno, no lo había pensado’”.<br />

Para febrero del año siguiente,<br />

Dylan tenía una nueva tanda<br />

de composiciones donde, según el<br />

dylanólogo Paul Williams, aquel<br />

“Dios de la justicia vengadora” giraba<br />

hacia “un Dios de la restitución<br />

y el amor”. Reunió al mismo<br />

62 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


equipo en el mismo estudio y, en<br />

solo tres días, registró las nueve<br />

canciones de Saved. La tapa era una<br />

pintura ligeramente kitsch de Tony<br />

Wright donde la mano de Jesús<br />

condescendía a tocar la mano de<br />

sus creyentes. Aunque tenía grandes<br />

momentos (“Pressing On” y la<br />

apertura con “A Satisfied Mind”), el<br />

disco no llegó a estrechar las manos<br />

del público. La crítica se abalanzó<br />

sobre su radicalización barroca y el<br />

ranking de <strong>Billboard</strong> arrojó la peor<br />

posición de un disco de Dylan en<br />

casi dos décadas.<br />

El fin de año no trajo mejores<br />

noticias. El 8 de diciembre se produjo<br />

el asesinato de John Lennon,<br />

y Dylan, que ya había sido víctima<br />

de algunos fans obsesionados, comenzó<br />

a entrar en pánico. Su comportamiento,<br />

que siempre había<br />

oscilado entre la extravagancia y<br />

la mera misantropía, alcanzó cotas<br />

más altas de paranoia. Chuck Plotkin,<br />

el productor del tercer disco<br />

de la trilogía cristiana, lo sufrió<br />

en carne propia. Después de cinco<br />

sesiones en sus estudios, Plotkin<br />

le presentó una versión que Dylan<br />

rechazó porque su sonido pulido le<br />

remitía a los Doobie Brothers. Volvieron<br />

a grabar, removieron canciones,<br />

mezclaron todo de vuelta.<br />

Dylan devolvía casetes de saque y<br />

volea. Eventualmente llegaron a un<br />

acuerdo y Shot of Love salió a las<br />

calles en agosto de 1981.<br />

“¿Te puedes sentar con él, charlar<br />

sobre el partido de fútbol y tomarte<br />

una cerveza y ver juntos el partido?<br />

Claro –decía Plotkin–. ¿Le importan<br />

un rábano muchas de las cosas<br />

que a los demás también parecen<br />

importarle un rábano? A veces, depende<br />

de cómo se mire, hasta cierto<br />

punto. ¿Es un tipo corriente? No.<br />

¿Por qué quieres que lo sea?”.<br />

A diferencia de muchos de sus<br />

colegas, Dylan tenía algo claro.<br />

No quería ingresar dócilmente en<br />

la meseta de los clásicos adocenados.<br />

No quería adult oriented rock.<br />

Quería seguir en la discusión. De<br />

modo que recibió a regañadientes<br />

su inducción al Salón de la Fama<br />

del Rock & Roll y, cuando ya nadie<br />

lo esperaba, reapareció con un saco<br />

arremangado en el prime time de<br />

MTV. Con la Biblia en el cajón de<br />

la mesa de luz: exactamente en el<br />

medio de los 80.<br />

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64 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


La posibilidad de manipular sonidos con máquinas fue uno de los grandes aportes de la tecnología a la música,<br />

y, como bien anticipó Peter Gabriel, estos tuvieron una enorme influencia en el desarrollo de nuestra cultura.<br />

POR PATRICIO CERMINARO<br />

ruido: solo eso se necesita. la<br />

bocina de un auto, el ladrido de un<br />

perro o el tronar de un relámpago:<br />

ruido, cualquiera, solo eso se<br />

necesita. La aparición del sampler<br />

significó una de las evoluciones más<br />

importantes de la música moderna.<br />

Y en la revolución de posibilidades<br />

que la tecnología dio, una máxima:<br />

si hace ruido, se puede samplear.<br />

Fue en 1979: el primer sampler<br />

propiamente dicho salió al mercado<br />

hace 40 años. El Fairlight CMI I<br />

tenía un teclado de 73 notas y aparentaba<br />

ser un sintetizador normal.<br />

Sin embargo, eran años de ciencia<br />

que parecía ficción: un enorme monitor<br />

táctil –manejado con un lápiz<br />

óptico– funcionaba como central de<br />

operaciones. De hecho, tan avanzado<br />

era el sistema que, por primera<br />

vez, el sonido se transformó en<br />

imagen: fue la primera máquina en<br />

revelar representaciones gráficas de<br />

formas de onda. Enterrado entre su<br />

exagerada cantidad de innovaciones,<br />

el aparato creado y diseñado en<br />

Australia por la empresa Fairlight<br />

permitía grabar un sonido y manipularlo<br />

a gusto y placer.<br />

“El sampleo digital es un tipo de<br />

síntesis computacional en la que el<br />

sonido se transforma en datos, que<br />

luego se vuelven instrucciones comprimidas<br />

para reconstruir ese sonido<br />

original”, explica el autor Mark<br />

Katz en su libro Capturing Sound –<br />

How Technology Has Changed Music.<br />

El audio se reduce a su mínima<br />

expresión: ceros y unos. Y a partir<br />

de ahí, la lógica es la de un rompecabezas<br />

que se desarma en mil<br />

pedazos para volver a reunirse más<br />

tarde. Entonces, la novedad: “El sonido,<br />

una vez procesado en datos,<br />

puede manipularse de varias maneras<br />

hasta los detalles más pequeños.<br />

El tempo y el tono se pueden<br />

aumentar o disminuir en cualquier<br />

sentido, y los dos se pueden manipular<br />

de forma independiente”.<br />

Pero como siempre, las tecnologías<br />

nacientes son para los pocos<br />

que pueden comprarlas. Y, su éxito,<br />

para los menos que pueden aprovecharlas.<br />

Un dato incomprobable<br />

indica que fue Peter Gabriel el primero<br />

en tener el Fairlight CMI I, al<br />

menos en Gran Bretaña. Tal vez no<br />

fue el primero, pero que lo tuvo, lo<br />

tuvo: en una entrevista para la TV<br />

francesa, el exlíder de Génesis invita<br />

al equipo periodístico en cuestión<br />

a convertirse en músicos. Que destruyan<br />

una televisión, que golpeen<br />

paredes: mientras, él los graba. Entre<br />

risas y sorpresa, la magia. No, la<br />

tecnología: esos ruidos caprichosos<br />

y sin sentido se transforman en algo<br />

improbable. Música.<br />

“Esto va a abrir el juego totalmente,<br />

todo aquel que quiera hacer<br />

música podrá trabajar con un rango<br />

de sonidos enorme. Creo que es<br />

algo muy emocionante”, comentaba<br />

Gabriel en esa misma emisión y<br />

concluía, profético: “Estoy seguro<br />

de que este tipo de instrumentos<br />

van a tener una tremenda influencia<br />

en nuestra cultura”. Y así fue. Como<br />

toda innovación tecnológica, no<br />

solo necesitó un tiempo de adaptación,<br />

sino un considerable abaratamiento:<br />

el equipo en cuestión<br />

llegó a costar hasta 60.000 libras. En<br />

1981, el Emulator de E-Mu Systems<br />

se incorporó al mercado e hizo explotar<br />

la demanda: funcionaba con<br />

un sistema y posibilidades similares<br />

a las de su competencia, por un precio<br />

mucho más accesible.<br />

La relación con los músicos, el<br />

contacto con la búsqueda y la imaginación<br />

hicieron crecer la disciplina.<br />

Y algo que había sido creado<br />

casi como un detalle simpático –la<br />

posibilidad de grabar y manipular<br />

un sonido ajeno a un instrumento<br />

tradicional– se volvió norma y estética<br />

de la música por venir. El sampler<br />

se transformó en una máquina<br />

de citar. Es cierto, la historia de la<br />

música siempre referenció a tiempos<br />

pasados o exitosas canciones de<br />

antaño. “Consideremos la tradición<br />

musical occidental –sugiere Mark<br />

Katz–: cantos medievales incorporados<br />

libremente y patrones melódicos<br />

adaptados de cantos anteriores:<br />

docenas de misas del Renacimiento<br />

se basaron en la melodía<br />

de la canción secular ‘L’homme<br />

armé’”. Y continúa: “Siglos después,<br />

una moda similar se desató cuando<br />

compositores como Berlioz, Liszt,<br />

Rachmaninoff, Saint-Saëns e Ysaÿe<br />

samplearon el canto ‘Día de la ira’<br />

–una conocida canción datada en<br />

el siglo XIII–”. Sin embargo, nunca<br />

en la historia del sonido los músicos<br />

habían tenido tantas posibilidades<br />

para citar el pasado. Y eso se volvió<br />

una tentación demasiado grande.<br />

Rápidamente, samplear pasó de<br />

recurso a modalidad de trabajo,<br />

sobre todo para el hip hop, la<br />

música electrónica y el pop. Dr<br />

Dre, Beastie Boys, Madonna, The<br />

Notorious B.I.G., Michael Jackson:<br />

todos –cualquier músico que venga<br />

a la mente– samplearon y fueron<br />

sampleados. Según explica el teórico<br />

Simon Reynolds en su libro<br />

Después del rock, esa obsesión por<br />

el sampler deriva de una vocación<br />

del rock como tal: “Desde muy temprano<br />

en la historia de la música las<br />

bandas de rock usaron la tecnología<br />

de estudio para corregir errores y<br />

sobregrabar algunas partes de instrumentos<br />

agregados, aunque más<br />

no fuera para hacer que los discos<br />

sonaran tan densamente vibrantes<br />

como la banda en vivo”, introduce,<br />

y continúa: “El hip hop y el techno<br />

representan la apoteosis del interés<br />

del rock por el sonido en sí mismo<br />

y el espacio virtual”.<br />

Y en esa obsesión de alcanzar<br />

el estado definitivo de la música<br />

como tal, el sampler no fue solo un<br />

paso más, sino, tal vez, uno de los<br />

más importantes: logró que la música<br />

alterara el tiempo. O al menos<br />

así lo entiende Reynolds: “Si la fonografía<br />

del rock usa múltiples tomas<br />

y sobregrabaciones para crear<br />

un cuasi evento, algo que nunca<br />

‘ocurrió’, lo que se escucha en un<br />

disco generalmente suena tan plausible<br />

como un acontecimiento en<br />

tiempo real. La sampladelia va más<br />

allá: dispone fragmentos musicales<br />

de diferentes épocas, géneros y lugares<br />

en capas, y los usa para crear<br />

un pseudoevento que altera el<br />

tiempo; algo que nunca podría haber<br />

ocurrido. Diferentes espacios<br />

acústicos y ‘auras’ son forzados a<br />

una adyacencia siniestra. Se lo podría<br />

llamar ‘magia’, es una suerte<br />

de viaje en el tiempo, una sesión<br />

de espiritismo, una teleconferencia<br />

entre fantasmas que tiene lugar en<br />

la máquina de samplear”. Siendo<br />

así, tal vez sea bueno revisar lo dicho:<br />

la ciencia sigue siendo ficción.<br />

Y la música, todavía más.<br />

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66 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Tu tiempo llegó<br />

Desde su génesis, Led Zeppelin eligió el blues como factor común, sin descuidar la incorporación<br />

de sonidos laterales que definirían una nueva forma de entender el rock and roll en los 70:<br />

folk inglés, arreglos arábigos y gestos barrocos.<br />

POR SEBASTIÁN CHAVES<br />

A<br />

así como, según la renga, 2 + 2 = 3;<br />

y según Radiohead, 2 + 2 = 5, no<br />

caben dudas de que, en términos de<br />

Led Zeppelin, dos más dos siempre,<br />

pero siempre, dio cuatro. Cuatro<br />

músicos abocados cada uno a una<br />

tarea única y distinta a la de los<br />

otros; cuatro ingredientes musicales<br />

clave en su estética (el blues, el folk,<br />

la psicodelia y el soul); ocho discos<br />

de estudio claramente divisibles en<br />

dos tetralogías; y la certeza de que<br />

entre 1969 y 1980 fueron la banda<br />

más grande de un género de cuatro<br />

letras: el rock (con y sin el roll).<br />

Y Led Zeppelin, el disco debut del<br />

grupo, es la muestra de que cada<br />

uno de esos elementos ya estaban<br />

presentes y eran parte constitutiva<br />

de su sonido desde el minuto cero.<br />

“Solo hace falta escuchar los primeros<br />

dos segundos de la primera canción<br />

de su primer disco para entender<br />

perfectamente qué quería hacer<br />

Led Zeppelin –escribió Jon Dolan<br />

en una reseña retrospectiva editada<br />

en el bookazine de Rolling Stone–.<br />

O, mejor dicho, qué querían hacerte<br />

a vos”. Así de contundente y de entu-cara<br />

es el comienzo de “Good<br />

Times Bad Times”. Una célula rítmica<br />

de dos notas que impactan<br />

como una mole contra el parlante y<br />

desatan la furia pulsional de Jimmy<br />

Page y Robert Plant. Después de un<br />

cierre con un fade-out inexplicable,<br />

“Babe I’m Gonna Leave You” es el<br />

opuesto perfecto: la prefiguración<br />

de la power ballad con un arpegio<br />

dulce y un estribillo desgarrador.<br />

En más de seis minutos, el cuarteto<br />

edifica una balada tierna de arquitectura<br />

monumental.<br />

Los integrantes de Led Zeppelin<br />

apenas se conocían cuando entraron<br />

a grabar las nueve canciones<br />

que componen su álbum homónimo.<br />

Sin embargo, no les llevó más<br />

de 30 horas dar con el resultado<br />

final. Si la estructura política de un<br />

grupo de rock se construye a partir<br />

de la diversidad de sus individualidades<br />

(al contrario de, por ejemplo,<br />

la de una orquesta, donde se define<br />

por la unicidad de sus individuos),<br />

el cuarteto londinense cumplía ese<br />

precepto al pie de la letra, como<br />

solo The Who lo había hecho hasta<br />

entonces. Un cantante (Robert<br />

Plant), un guitarrista (Jimmy Page),<br />

un baterista (John Bonham) y un<br />

bajista (John Paul Jones) puestos<br />

a tocar de la manera más fuerte y<br />

expansiva que sea posible. Porque<br />

para ellos siempre fue una cuestión<br />

de volumen, en tanto cantidad de<br />

decibeles, pero también en cuanto<br />

al espacio: Led Zeppelin suena voluminoso.<br />

La virilidad del sonido es<br />

tal que el teórico Simon Firth llamó<br />

al estilo “cock-rock” (algo así como<br />

“rock fálico”) y lo definió como<br />

“una expresión magistral, explícita<br />

y cruda de sexualidad (...). La música<br />

es fuerte, rítmicamente insistente,<br />

construida alrededor de técnicas<br />

de excitación y liberación. Las letras<br />

son asertivas y arrogantes, pero las<br />

palabras son menos significativas<br />

que las formas vocales involucradas,<br />

los chillidos agudos y los gritos”.<br />

“Dazed and Confused” (que más<br />

adelante tuvo que incluir en los créditos<br />

que había sido inspirada por<br />

el cantautor Jack Holmes) con sus<br />

alaridos orgásmicos y “Communication<br />

Breakdown” con sus staccatos<br />

punzantes y el solo de guitarra<br />

lacerante son las pruebas irrefutables<br />

de la idea de Firth manifestada<br />

en Led Zeppelin.<br />

Si parte del ADN de Led Zeppelin<br />

es el blues, en su ópera prima<br />

queda bien en claro con “You Shook<br />

Me” y “I Can’t Quit You Baby”, dos<br />

composiciones de Willie Dixon.<br />

Respetando todo el ethos blusero (la<br />

rítmica en 12/8, los turn arounds,<br />

los punteos extendidos y el clima<br />

de lamento amoroso), el grupo le<br />

añade nada más (y nada menos)<br />

que toda su voracidad amplificada.<br />

“Para Led Zeppelin, la electrificación<br />

y decoloración étnica del blues<br />

siempre debe ser épica, descomunal<br />

e intimidatoria”, definió Pablo<br />

Schanton para Clarín en 2003 a<br />

propósito de la salida del triple en<br />

vivo How the West Was Won. Mucho<br />

antes de las incursiones épicas<br />

(“The Inmigrant Song”) y el ocultismo<br />

místico (“Black Dog”), Zeppelin<br />

fue una banda de ingleses blancos<br />

que veían a Muddy Waters como<br />

faro. Jimmy Page ya contaba con<br />

cierto reconocimiento por haber<br />

tocado en los Yardbirds (pudo haber<br />

contado para este proyecto con<br />

Keith Moon y Jeff Beck, pero decidió<br />

ir por sangre nueva), John Paul<br />

Jones se había establecido como<br />

músico de sesión y Bonham y Plant<br />

eran desconocidos que habían formado<br />

parte de Band of Joy, de nula<br />

trascendencia. En total control de<br />

la situación, el guitarrista definió el<br />

repertorio, produjo este y los discos<br />

siguientes, y formó la identidad del<br />

grupo a su antojo. Sus compañeros<br />

irían ganando protagonismo en la<br />

toma de decisiones con el correr de<br />

los años y a medida que Zeppelin,<br />

sus canciones y sus ambiciones se<br />

volvieran cada vez más grandes.<br />

Con un teclado de aires barrocos,<br />

“Your Time Is Gonna Come” deja<br />

entrever cómo el northern soul de<br />

la época había hecho mella en las<br />

inflexiones vocales de Plant, que<br />

en su registro medio reafirma la atmósfera<br />

de mañanas campestres del<br />

tema. Detrás, Bonham, esa bestia<br />

capaz de golpear su batería como<br />

si la estuviese pisando un luchador<br />

de sumo, prueba toda su ductilidad<br />

con una base delicada. En el<br />

final, un pequeño detalle de producción:<br />

el tema se extiende tanto<br />

que se cuela en el inicio de “Black<br />

Mountain Side”, un instrumental (el<br />

primero de una larga saga del grupo)<br />

repleto de guitarras acústicas<br />

de inspiración arábiga y ejecución<br />

folk, reversión de un tema de Bert<br />

Jansch. El disco cierra con todo el<br />

arsenal zeppeliniano al servicio de<br />

“How Many More Times”. John Paul<br />

Jones ensaya un groove protojazzero,<br />

Page entromete su guitarra<br />

como un relámpago y Plant se va<br />

cargando de tantos agudos como su<br />

garganta le permite. Y eso es más<br />

de lo que puede cualquier otra garganta.<br />

Ocho minutos de rock and<br />

roll construido por adición hasta<br />

terminar en ebullición eléctrica. En<br />

1975, William Burroughs entrevistó<br />

a Jimmy Page para la revista Crawdaddy.<br />

En la introducción, escribió<br />

que Led Zeppelin “no inventó el<br />

heavy metal, lo convirtió en una<br />

forma de arte”. Desde 1969 hasta<br />

1980, eso fue Led Zeppelin, la forma<br />

de arte más desbocada y voraz<br />

de la cultura rock. Y Led Zeppelin,<br />

el disco, la prefiguración de su grandilocuencia.<br />

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Emergentes<br />

Hiperespacio<br />

Desde Almafuerte, provincia de Córdoba, el grupo<br />

electropop irrumpe con un disco de canciones<br />

acaloradas y estimulantes, perfectas para el costado<br />

más sensual de la pista de baile. Entre Daft Punk y<br />

la escena emergente cordobesa, un proyecto con<br />

ambición desde el minuto cero.<br />

ahí está la chica rubia de rulos y piel morena, voz “pechadora” y<br />

carisma arrollador. Se llama Anastasia Amarante y, además de nombre de<br />

estrella de la bossa nova, cuenta con un reluciente paso por el programa<br />

televisivo La Voz <strong>Argentina</strong>. Sin embargo, para hablar de Hiperespacio,<br />

ese es apenas un hecho anecdótico. Un detalle que imprime color a un<br />

currículum que recién empieza a completarse (2018 fue el año del debut<br />

para el quinteto). Y que felizmente queda de lado frente al impacto generado<br />

por Almafuerte. En el álbum debut del grupo, Amarante es una pieza<br />

fundamental para el espíritu y la empatía que transmiten las canciones,<br />

pero sus cuatro compañeros no son simples piezas de decorado: completan<br />

una delantera digna de ser recitada de memoria, en un trabajo de ensamble<br />

delicado y esbelto.<br />

Esa química grupal es la base del proyecto nacido casi al centro de la<br />

provincia de Córdoba, entre el Valle de Calamuchita y la llanura pampeana.<br />

Allí, los hermanos Emiliano y Gastón Federici (ambos guitarristas)<br />

empezaron a dialogar musicalmente junto al bajista Tomás Montanaro, en<br />

paralelo a su formación como técnicos de sonido. Por esa vía llegó Cruz<br />

Ataide, DJ cordobés que impulsó una redefinición estética y la incorporación<br />

definitiva de una cantante, que terminaría siendo Amarante. Sin<br />

embargo, el pueblo a orillas del dique Piedras Moras siguió funcionando<br />

como base de operaciones artístico-emocional. “Los momentos en los<br />

que más conectamos, entre nosotros y con la música, se dan ahí”, ilustra<br />

Ataide sobre el lugar que nombra al disco, una suerte de refugio creativo<br />

donde se cocinó a fuego lento el envión inicial de la banda.<br />

Trabajado en una escuela-estudio que tienen los Federici allí, Almafuerte<br />

es producto de un nivel importante de perfeccionismo. Eso transmite<br />

el proyecto en otras facetas (por ejemplo, sus videoclips), pero es en la<br />

música donde cobra más relevancia. “Entretiempo” (con Zoe Gotusso),<br />

“En el fuego” (con Nahuel Barbero, de Hipnótica, también coach vocal del<br />

disco) o “Nada es real” dibujan beats amables (de menos de 120 bpm) que<br />

se deslizan como seda en el continuo temporal. Ahí también está la huella<br />

del dúo Valdes, y la etiqueta de “house cordobés” (repetida por el cantante<br />

en sus shows en vivo) parece cobrar aún más sentido, mientras un halo de<br />

Random Access Memories sobrevuela el ambiente. Hacia el final, “Explotar”<br />

y el remix de “Closer”, de Antrim, exponen el costado más clubber del proyecto<br />

y el álbum termina en un punto de conexión con un futuro incierto,<br />

pero auspicioso. Esos ocho minutos de música son, además, la respuesta<br />

perfecta a la pregunta obligatoria: “¿Por qué se llama así la banda?”.<br />

Aziz Asse<br />

Como en una especie de radio que atraviesa<br />

distintos paisajes musicales, Dial es un disco que<br />

apela a la diversidad como matriz. El segundo trabajo<br />

de Aziz Asse recorre una paleta amplia y llena de<br />

excentricidad, y funciona como un quiebre en su<br />

evolución como artista sonoro.<br />

“está todo el día haciendo música ese chabón”, dice franco<br />

Sorgio en un parate en la costanera cordobesa. El DJ marplatense, mánager<br />

de Guli y productor emergente en la ciudad de las diagonales, conoce<br />

bien a ese pibe que no para de crear. Primero como baterista de Bautista<br />

Viajando, luego como parte de proyectos como AntuAntu y Violeta Castillo,<br />

hoy también como quinto músico de Un Planeta. Y, en paralelo, con<br />

un proyecto inclasificable que tiene como referencia principal su nombre<br />

propio y cuenta con dos discos en su haber. En esa línea temporal, Dial<br />

–segundo álbum publicado a fines de 2018– es un quiebre definitivo con<br />

su obra anterior en materia de audio. Un perfeccionamiento evidente de<br />

esa alquimia entre creación musical y producción artística.<br />

“Barazu”, la primera canción, comienza como un track promedio de<br />

LCD Soundsystem. Va ganando cuerpo y expresión de a poco, coquetea<br />

con el sonido de Morbo y Mambo, pero no termina de explotar. “Zumo”,<br />

en cambio, propone de entrada un entramado de líneas de teclados y<br />

guitarras que distienden la atmósfera y estimulan la imaginación. Para<br />

“Suave”, todo está listo para que la música empiece a derretirse y sea<br />

capaz de crear una realidad virtual de sonido hecho forma, materia en<br />

movimiento. El solo de guitarra española sirve para refrescar la atención<br />

y entrega uno de los momentos más bellos del álbum. Por lo menos,<br />

hasta la llegada de “Fake”, una pieza atravesada por el imaginario Radiohead,<br />

que despliega un concierto de programaciones y arreglos finamente<br />

orquestados. “Dedos en dos”, “Toto” y “Vivero mood” amplían<br />

aún más el horizonte creativo. Da la sensación de que cualquier cosa<br />

que suene se va a sentir bien en el cuerpo.<br />

Ese es, en definitiva, el efecto que tiene la música instrumental del<br />

artista platense. Sin una voz que protagonice y capitanee la estructura<br />

de las composiciones, las melodías cantables se multiplican, pero<br />

solo hacen su entrada cuando es momento de dar un volantazo. Cada<br />

canción está diseñada al detalle, con una economía de recursos a la<br />

altura de la vanguardia internacional del pop. Se trata de una especie<br />

de laboratorio de sensaciones musicalizadas, al punto de que las bases<br />

transmiten una calidez que se aprecia como cercana, casi tangible.<br />

Dial es un disco surgido en pequeños espacios, donde la claustrofobia<br />

parece acechar desde las sombras. Sin embargo, el corazón y la aventura<br />

presentes en la obra convierten la atmósfera global en un pequeño<br />

parque de diversiones sonoro, ideal para salir a caminar con auriculares<br />

y entregarse al momento.<br />

GENTILEZAS HIPERESPACIO Y AZIZ ASSE<br />

68 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


POR JUAN MANUEL PAIRONE<br />

FELI COLINA: ANTONIS. TOCH: ROCÍO YACOBONE<br />

Feli Colina<br />

Desde Salta, Feli Colina llegó a la ciudad de Buenos<br />

Aires para hacerse camino cantando, incluso como parte<br />

recurrente de la rutina de la línea B del subte porteño.<br />

Acaba de ganar el concurso Camino a Abbey Road y el<br />

contexto creativo que rodea a su segundo disco tiene<br />

olor a algo importante.<br />

en el momento en el que cobra forma este artículo, feli colina<br />

está en Abbey Road. No es un bar bautizado en honor al estudio inglés<br />

ni una casa de veraneo de una familia atravesada por el fanatismo hacia<br />

los Beatles. Es el Abbey Road posta. El de la tapa con John, Paul, George<br />

y Ringo cruzando la calle. El hogar y el caldo de cocción de algunos de<br />

los discos más gloriosos de la historia del pop. Allí es donde, precisamente,<br />

el segundo álbum de la cantautora salteña empieza a gestarse.<br />

Junto a los músicos Diego Mema, Manuel Figuerero (ambos también en<br />

Salvapantallas) y Baltazar Oliver (La Femme D’Argent), Colina tiene un<br />

plantel de lujo para un registro que pide urgencia.<br />

Por lo pronto, solo se puede escuchar a la banda en acción en “Cicuta”,<br />

una sesión en el estudio El Pie que formó parte del concurso que la<br />

llevó a Londres. Allí es posible ver la tensión entre experiencia sonora<br />

y ambición pop que atraviesa la incipiente obra de la artista, que tiene,<br />

además, dos simples lanzados en 2017 y un primer disco titulado<br />

Amores gatos, de 2016. No es casual que Fran Saglietti aparezca aquí y<br />

allá entre gestos y directrices interpretativas. Que el cordobés acompañe<br />

el proceso creativo y ya haya sumado a Colina a su banda en vivo<br />

es una señal contundente. También lo es la relación artística con Conociendo<br />

Rusia y Gonzalo Aloras, dos referentes de la canción en sus<br />

respectivas generaciones.<br />

Más que un dato de color, es un indicio: no es para nada menor la experiencia<br />

acumulada por la artista en los vagones de la línea B del subterráneo<br />

de la ciudad de Buenos Aires. Allí, Colina consiguió financiar<br />

su primer disco, pero también forjó una necesaria fortaleza escénica,<br />

a prueba de horas pico. Que “Pensares” y “Popa”, sus últimas canciones<br />

editadas en plataformas digitales, sean radicalmente superadoras<br />

de aquel debut también enciende los radares de curiosos y analistas. La<br />

expectativa en torno a Feroza, que será editado en <strong>2019</strong>, es entendible<br />

cuando se completa el rompecabezas que arma a Colina como artista<br />

que ha sabido ganar su propio espacio. Alcanza con escucharla en el estribillo<br />

de “Cicuta” para entenderlo: llegó para quedarse y viene a reclamar<br />

un lugar en la discusión.<br />

TOCH<br />

No todo es pop incandescente en la escena cordobesa.<br />

Allí también hay un circuito fuerte que entremezcla<br />

folklore, caribe, jazz y músicas latinoamericanas. De<br />

esa fauna artística emerge TOCH, uno de los grupos<br />

más convocantes de la ciudad, que con su tercer disco<br />

empieza a proyectarse nacionalmente.<br />

juan pablo theaux puede ser un nombre virtualmente desconocido,<br />

por ahora, para el mundillo de la industria musical. Sin embargo,<br />

en su haber ya enlista trabajos como productor junto a Raly Barrionuevo<br />

y los mexicanos Jenny & The Mexicats, y ha rechazado alguna que<br />

otra oferta de esas que no abundan. Sucede que la prioridad de Theaux<br />

es la banda surgida a partir de una deformación de su apellido: TOCH,<br />

junto a su hermano Andrés y otro hermano de la vida, Martín Ellena.<br />

Y es clave también el momento del proyecto: con su tercer LP, Voy a<br />

encenderme, el trío se consagró como pilar de la escena cordobesa y llenó<br />

un Studio Theater en la presentación del álbum. Esa misma sala fue<br />

sinónimo de localía definitiva para grupos de alcance nacional como El<br />

Kuelgue o Bandalos Chinos. Lo de TOCH, en efecto, ranquea alto en las<br />

preferencias del público cordobés que conecta con el reggae, los ritmos<br />

afro, el rock en español y la canción folklórica.<br />

TOCH conjuga todo eso y también mucho más. Pero se trata, ante<br />

todo, de una música de raíz popular. Porque las canciones son, en concreto,<br />

aquello que forma el gran capital del grupo, y el trabajo sobre ellas<br />

es profundo. Algunas, tranquilamente, podrían renovar el repertorio de<br />

hits rockeros de las FM. “Allí estaré” tiene tanto de Andrés Calamaro –esa<br />

potencia colectiva de sus versos– como de Los Pericos, con una lectura<br />

sofisticada de los ritmos jamaiquinos como universo creativo. “85” remite<br />

a Dancing Mood y genera impacto inmediato con una líneal vocal propia<br />

de la dinastía Lennon-McCartney. “Ama al niño”, con Raly Barrionuevo,<br />

vira hacia la trova latinoamericana pero conecta a Cerati con Juana Molina,<br />

con lo mejor de Bersuit Vergarabat como link directo.<br />

Buena parte de esa gama de universos tiene que ver con un detalle<br />

fundamental en la obra del grupo. El bandoneón de Ellena no es un<br />

color más en las preferencias del trío, que se completa con la batería y<br />

el bajo. Ese elemento le aporta distinción, vibración, calidez y personalidad<br />

propia. Pocos grupos pueden tocar con la solvencia y la gracia<br />

que encuentra TOCH a partir de un ensamble no tradicional y, al mismo<br />

tiempo, revelador. Los arreglos de vientos se llevan toda la atención,<br />

pero la instrumentación en general tiene un equilibrio aceitado<br />

y lleno de delicadeza. En ese mismo plan, las voces de los tres músicos<br />

juegan un papel fundamental. Escucharlos con atención (y sin distracciones)<br />

es lo más cercano a experimentar letra, melodía y armonía en<br />

primera persona. Porque estas canciones tienen la capacidad de hacernos<br />

sentir protagonistas.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

69


Vivo<br />

TINI<br />

Luna Park<br />

1 de diciembre<br />

Crecimiento y<br />

consolidación<br />

La cantante, actriz y jurado de La Voz <strong>Argentina</strong> presentó el<br />

Quiero Volver Tour en el mítico estadio de Buenos Aires, con<br />

entradas agotadas y Cali & El Dandee, Aitana, MYA y Ruggero<br />

Pasquarelli como invitados.<br />

POR SANTIAGO TORRES<br />

horas antes de dar puertas, ensayó el<br />

concierto completo y estuvo atenta a cada detalle.<br />

Ya con el estadio colmado de niñas y adolescentes<br />

recorrió durante 90 minutos un repertorio<br />

que crece con colaboraciones y singles, donde<br />

abarcó distintos formatos, desde lo acústico y<br />

baladas hasta temas uptempo de pop anglo que<br />

convivieron con el rock de guitarras a cargo de<br />

Pancho Cía –director musical de su banda– y<br />

otros ritmos pop urbanos que coquetean con el<br />

reggaetón. Con el resto de los músicos, coristas<br />

y bailarines que se adaptaron en todo momento<br />

a las pantallas gigantes que proyectaban videos,<br />

algunos producidos puntualmente para la oca-<br />

sión, el espectáculo se destacó por su sonido, su<br />

despliegue y su colorido.<br />

A “Tu princesa”, la colaboración con la colombiana<br />

Karol G, se le sumaron “Ya no hay nadie<br />

que nos pare”, “Confía en mí” y “Respirar” para<br />

cerrar la primera parte de un setlist dividido en<br />

etapas en las que fue renovando su glamoroso<br />

vestuario. Llegó “Lo malo” con su par española<br />

Aitana, “Si tú te vas” y luego un tridente en inglés:<br />

“Like That”, “Waves” y “The Great Escape”.<br />

Después de “Siempre bailarás”, aprovechó para<br />

declarar con sorprendente madurez su visión<br />

sobre los acontecimientos que se vivieron en la<br />

<strong>Argentina</strong> en los últimos días: “Esta semana fue<br />

delicada para todos. Estoy orgullosa de que alcemos<br />

la voz y no nos callemos más”. Y aprovechó<br />

para mandar un mensaje conciliador que algunos<br />

interpretaron para los fandoms: “Pongamos<br />

la energía de esta unión histórica en respetar a<br />

los demás, en todos los ámbitos, aunque piensen<br />

distinto”, propuso.<br />

Llegaron luego hits que ranquean en el<br />

<strong>Billboard</strong> <strong>Argentina</strong> Hot 100, como “Consejo<br />

de amor”, junto a Agustín Bernasconi, Maxi<br />

Espíndola y el italiano Ruggero Pasquarelli; y<br />

“Por qué te vas”, acompañada de los colombianos<br />

Cali & El Dandee, para finalmente cerrar<br />

con “Quiero volver”, “Love Is Love”, “Flores” y<br />

“Te quiero más”.<br />

C N CO<br />

Hipódromo de Palermo<br />

7 de diciembre<br />

En la cima del mundo<br />

Luego de su exitosa visita al país en mayo de este año, el joven quinteto se<br />

volvió a presentar en Buenos Aires en el marco de su World Tour.<br />

POR BENJAMÍN GARCÍA<br />

“hey dj”, el reggaetón que popularizaron<br />

junto a Yandel y que hasta la fecha lleva más<br />

de 294 millones de reproducciones en Spotify,<br />

fue la excusa para que el quinteto integrado por<br />

Christopher Vélez (Ecuador), Richard Camacho<br />

(República Dominicana), Erick Colón (Cuba),<br />

Joel Pimentel (México) y Zabdiel de Jesús (Puerto<br />

Rico) saliera al escenario del Hipódromo de<br />

Palermo ante 15.000 personas. “¿Cómo la están<br />

pasando?”, preguntaron antes de seguir con “Mi<br />

medicina” y “Estoy enamorado de ti”, dos canciones<br />

pertenecientes a su más reciente álbum,<br />

homónimo. Con coreografías efectivas, el grupo<br />

surgido en 2015 en La Banda, programa de televisión<br />

estadounidense producido por Ricky Martin,<br />

lució un look repleto de lentejuelas doradas.<br />

Promediando el show, Christopher, Erick,<br />

Joel, Zabdiel y Richard salieron algunos segundos<br />

de escena. Con los primeros acordes<br />

de “Devuélveme mi corazón”, CNCO volvió al<br />

frente con nuevo vestuario y con una pantalla<br />

inundada de corazones. En poco más de dos<br />

horas, hubo espacio para baladas como “Tu luz”<br />

o “Cometa”, ambas de Primera cita, disco debut<br />

lanzado en 2016.<br />

Más allá de tener un ADN festivo, la boy band<br />

latina tuvo otro motivo para celebrar: cumplía<br />

tres años de formación. Karol Sevilla, la protagonista<br />

de Soy Luna, y Riki, la nueva estrella del pop<br />

italiano que este año colaboró con CNCO, fueron<br />

los invitados especiales. “Estamos muy contentos<br />

de estar una vez más acá”, dijo Erick. “Reggaetón<br />

lento (Bailemos)”, cuyo video alcanza las 1500<br />

millones de reproducciones en YouTube, fue la<br />

más celebrada de la jornada. Se despidieron con<br />

“Se vuelve loca” entre fuegos artificiales.<br />

TINI: GENTILEZA UNIVERSAL. CNCO: MONO GÓMEZ<br />

70 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Vivo<br />

LUCIANO PEREYRA<br />

Estadio Vélez<br />

8 de diciembre<br />

GENTILEZA UNIVERSAL<br />

Veinte años<br />

de folklore<br />

El cantante nacido en Luján repasó<br />

su carrera con Soledad, Antonio<br />

José, Luis Jara y Camila Gallardo<br />

como invitados.<br />

POR GABRIEL HERNANDO<br />

luciano pereyra acumuló dos décadas de<br />

carrera en las que también debió superar serios<br />

inconvenientes de salud. Pero lo trascendente<br />

de la noche del sábado 8 de diciembre fue que<br />

alcanzó una meta que solo logran unos pocos:<br />

arribar a un estadio abierto como el de Vélez.<br />

Después de agotar las localidades en el Luna<br />

Park y en el Gran Rex, y de una exitosa gira<br />

que lo llevó por todo el país, Latinoamérica,<br />

Estados Unidos y España, Pereyra recorrió<br />

en el estadio su extensa discografía y presentó<br />

“Quédate conmigo” y “Casarme contigo”,<br />

aunque colocó el acento en su última producción<br />

discográfica: La vida al viento reúne un<br />

puñado de canciones en las que el artista se<br />

libera de cualquier estilo específico. Puede<br />

haber cambiado y modernizado su sonido con<br />

pinceladas electrónicas y urbanas que oxigenan<br />

la propuesta y la vuelven más bailable. No<br />

obstante, el pop latino, las baladas románticas<br />

y sus raíces folklóricas permanecen firmes.<br />

“Buenas noches, Vélez. Gracias por hacer este<br />

viejo sueño realidad”, dijo Pereyra, delante de<br />

su puesta: cinco pantallas led verticales, gran<br />

variedad de luces, humo y efectos especiales. El<br />

escenario incluyó dos escalinatas y una pasarela<br />

en altura, una sólida banda de nueve músicos<br />

y dos coristas que acompañaron la velada con<br />

versatilidad y cintura pop ante los cambios de<br />

ritmos. Sin embargo, la permanente presencia de<br />

un sicu, un charango, una quena, un violín y un<br />

acordeón dejó bien en claro que, más allá de los<br />

dictados del mercado, Pereyra conserva las raíces<br />

folklóricas. Y, en ese sentido, “Chaupi corazón” y<br />

“Memorias de una vieja canción” (en homenaje<br />

a Horacio Guarany, su “padrino artístico”), entre<br />

otras, funcionaron como claros ejemplos.<br />

Participaron como invitados especiales los<br />

chilenos Camila Gallardo y Luis Jara en “Seré”<br />

y “Zamba para olvidar”, respectivamente; el español<br />

Antonio José, que ya había actuado como<br />

número de apertura, volvió a escena para “Cuando<br />

te enamores”; mientras que Soledad Pastorutti<br />

se incorporó para “Enséñame a vivir sin ti” y<br />

“Culpable o no” (que estaba fuera del programa).<br />

También hubo obsequios de parte de Universal,<br />

su compañía discográfica: la certificación de Doble<br />

Platino de su último álbum, además de una<br />

mención especial por sus 56 sold out de la gira La<br />

vida al viento 2018.<br />

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71


Vivo<br />

MORRISSEY<br />

DirecTV Arena<br />

7 de diciembre<br />

La provocación<br />

como hábito<br />

Alejado de los lugares comunes, el inglés<br />

sació la sed de sus fanáticos en un show cuyo<br />

espíritu se puede resumir en una de sus frases<br />

más arrogantes y, a la vez, más encantadoras: “Si<br />

no te gusto, no me mires”.<br />

POR PABLO DÍAZ MARENGHI<br />

irreverente e iconoclasta; esos son algunos<br />

de los adjetivos que podrían describir a Steven<br />

Patrick Morrissey, quien despertó, a lo largo<br />

de 36 años de carrera en la música, adeptos y<br />

detractores en partes iguales. Aquel que pidió la<br />

cabeza de Margaret Thatcher o que promovió el<br />

veganismo y los derechos de los animales en sus<br />

canciones regresó a la <strong>Argentina</strong> por quinta vez<br />

y dio su show más atípico. La gira de su último<br />

disco, Low in High School (2017), fue tan solo<br />

una excusa para repasar los resquicios más inexplorados<br />

de su discografía: lados B, temas poco<br />

tocados en vivo y algunas perlas de los Smiths<br />

fueron los platos fuertes de un concierto que,<br />

pese a algunas pequeñas fallas de sonido, sirvió<br />

para revalidar la vigencia de una de las voces más<br />

prodigiosas de la música alternativa.<br />

Viva Hate (1988) fue el más homenajeado en<br />

el setlist: estuvieron las poco frecuentes “Dial-a-<br />

Cliché”, “Break Up the Family”, “Haidresser on<br />

Fire” –uno de los puntos más altos– y el clásico<br />

inoxidable “Everyday Is Like Sunday”, que cerró<br />

su performance en los bises.<br />

El público osciló de la interacción desenfrenada<br />

en los hits de Smiths, como “How Soon Is<br />

Now” o “Is It Really So Strange?”, a la apatía ante<br />

ciertas canciones tan solo conocidas por los fanáticos<br />

de la primera hora del mancuniano. Ejemplos<br />

de estas rarezas fueron “If You Don’t Like<br />

Me, Don’t Look at Me” y “Munich Air Disaster<br />

1958”, incluidos en su recopilatorio de lados B<br />

Swords (2009); el single “Sunny” (1995) o “Life Is<br />

a Pigsty”, cuyo sonido fue demoledor.<br />

Esta ecléctica lista de temas sirvió como evidencia,<br />

si es que se necesitaba alguna más, de que pese<br />

a que el artista no paró de declararle su amor al<br />

público (gritó “I love you” en varios momentos),<br />

siempre hizo lo que quiso y lo seguirá haciendo<br />

sin importarle demasiado las consecuencias.<br />

Hubo momentos, también, para la bajada de<br />

línea típica del autor: en “The Bullfighter Dies”,<br />

canción que denuncia la tauromaquia como<br />

tortura, se proyectaron imágenes de toros siendo<br />

masacrados; y en “I’m Throwing My Arms<br />

Around Paris”, tema que no venía tocando en<br />

esta gira, exhibió una fotografía de las manifestaciones<br />

parisinas actuales de los “chalecos amarillos”<br />

y modificó la letra en pos de la coyuntura:<br />

“Nobody wants Macron”.<br />

Tan solo dos temas de su nuevo álbum sonaron:<br />

la inquisidora “I Wish You Lonely” y el corte<br />

de difusión “Spent the Day in Bed”. Otro punto<br />

alto en la escala de la emoción y el dramatismo<br />

se vivió en “Alma Matters”, tema que pinta al músico<br />

de cuerpo entero y cuyo estribillo fue coreado<br />

por todo el estadio.<br />

La banda que lo acompaña, con el histórico<br />

Boz Boorer en guitarra líder como principal exponente,<br />

demostró una vez más toda su potencia<br />

en el vivo, destacando la actuación de Matt<br />

Walker en batería y su toque explosivo. El sonido<br />

mutó de un jangle pop cercano a la época de<br />

Smiths pasando por pasajes postpunk o de balada<br />

romántica, reflejando los diferentes climas<br />

que resume su obra solista.<br />

Su voz se escuchó, una vez más, intacta, manteniendo<br />

su inconfundible tono barítono, produciendo<br />

climas magnéticos y aterciopelados. Además<br />

logró construirse casi como un crooner, un<br />

cantor de música popular en la misma línea que<br />

Nick Cave o Tom Waits. Se lo vio encendido y<br />

cercano a su público, a quien le firmó vinilos y le<br />

regaló, como suele hacer, las camisas que se fue<br />

arrancando en diferentes momentos del show,<br />

que rozaron el melodrama.<br />

Su noveno concierto en la <strong>Argentina</strong> ratificó<br />

que, más allá de las polémicas, su arte sigue vigente.<br />

Se ha ganado un lugar en el podio de la música<br />

alternativa compartiendo ADN con artistas como<br />

David Bowie (homenajeado en los videoclips que<br />

proyectó en la previa), Iggy Pop o Lou Reed, quienes<br />

supieron darles voz a través de sus canciones<br />

a los marginados, los freaks, los incomprendidos y<br />

los románticos inconformistas.<br />

TRIGO GERARDI<br />

72 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


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73


Vivo<br />

ÉL MATÓ A UN POLICÍA<br />

MOTORIZADO<br />

Tecnópolis<br />

8 de diciembre<br />

El consuelo<br />

del rock<br />

A Él Mató le costó sacarse el miedo y<br />

dar el paso a un show consagratorio.<br />

A pesar de ser considerados un<br />

faro para una generación de artistas<br />

independientes, los platenses<br />

siempre tuvieron paciencia en sus<br />

movimientos.<br />

POR ILAN KAZEZ<br />

“no tengas miedo”, repite como mantra<br />

Santiago Motorizado en la noche del sábado sobre<br />

el escenario cubierto de Tecnópolis. La frase pertenece<br />

a “Terror”, de su anteúltimo álbum, La Dinastía<br />

Scorpio (2012). La luz azul oscura les daba<br />

un aura lúgubre a los seis músicos de Él Mató a un<br />

Policía Motorizado. El ritmo era lento y la guitarra<br />

espacial viajaba en pos de alcanzar la melodía. Había<br />

algo de ternura en la forma que cantaba Santiago,<br />

como un amigo que llega para consolar.<br />

Recién en 2017, a más de una década de su<br />

nacimiento, rompieron la barrera del nicho indie<br />

con el álbum La síntesis O’konor. Hace tiempo<br />

venían coqueteando con la idea de un recital<br />

grande en Buenos Aires. Por todo esto, la expectativa<br />

del show en Tecnópolis era grande. Y Él<br />

Mató cumplió. Ante 5000 personas, ofreció un<br />

espectáculo sólido de 30 canciones en un poco<br />

más de dos horas en las que repasó su carrera y<br />

adaptó su propuesta sonora y estética a un escenario<br />

grande sin perder identidad.<br />

“Día de los muertos”, del álbum homónimo<br />

de 2008, y “La noche eterna”, de su último trabajo,<br />

mostraron el contraste y la evolución de<br />

la banda durante estos años: la primera manifestó<br />

densidad y generó una épica apocalíptica,<br />

mientras que la segunda, más cristalina, tuvo<br />

más espacio y un estribillo casi pop. Apostaron<br />

por el volumen alto, aunque esto no impidió que<br />

sonaran nítidos y ajustados. Quedó claro en la<br />

complejidad de los temas del último disco, como<br />

la instrumental “La síntesis O’konor”, “Las luces”,<br />

“Destrucción” o “El mundo extraño”.<br />

“Cuántas noches me despierto y pienso en el<br />

tiempo perdido”, se lamentó en “El fuego que<br />

hemos construido”, un track de marcha lenta e<br />

hipnótica de más de siete minutos. La pantalla<br />

mostraba un cielo rosado y el escenario estaba<br />

lleno de humo, como si fuera la tapa de Loveless<br />

de My Bloody Valentine, disco clave del ADN de<br />

Él Mató. Los platenses hicieron de la introspección<br />

una estética, y de eso se alimenta su mística:<br />

la mayor parte del tiempo, la contraluz formaba<br />

siluetas más que personas, mientras que las canciones<br />

hacían énfasis en los silencios. Santiago,<br />

con su look desaliñado y robusto, es el antifrontman<br />

del rock: retraído, de movimientos tímidos<br />

y pocas palabras, apenas algunos “gracias” o un<br />

“prosigan” cuando el público cantó contra el presidente<br />

Mauricio Macri.<br />

Junto a “Madre” cargaron de dramatismo el<br />

set. Ambas fueron el comienzo de los bises, lleno<br />

de pequeños himnos: “El tesoro”, “Yony B”, “Chica<br />

de oro”, “Ahora imagino cosas”, “Más o menos<br />

bien”, “Chica rutera” y “Mi próximo movimiento”.<br />

Cerraron con “Prenderte fuego”, de su primer<br />

disco, de 2004. Los últimos minutos fueron dedicados<br />

al cuelgue instrumental distorsionado,<br />

demostrando que la búsqueda por su esencia alternativa<br />

se mantiene intacta, sin importar el tamaño<br />

del escenario ni la cantidad de público.<br />

MATÍAS CASAL<br />

74 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


BILLBOARD.COM.AR<br />

75


Reviews<br />

EN PROCESO<br />

Después de un 2018<br />

en el que rompió<br />

numerosos récords,<br />

Cardi B todavía no<br />

está lista para bajar la<br />

guardia y descansar.<br />

La rapera confirmó<br />

a través de un vivo<br />

de Instagram que<br />

está en sus planes<br />

sacar un álbum este<br />

año. “Por supuesto<br />

que habrá un disco<br />

en <strong>2019</strong>”, aseguró.<br />

Además, dijo que lo<br />

quiere lanzar más o<br />

menos por la misma<br />

época del año que<br />

estrenó Invasion of<br />

Privacy el año pasado;<br />

es decir, en abril.<br />

NEIL YOUNG<br />

Songs for Judy<br />

Reprise<br />

en 1976, neil young pasó buena<br />

parte del año en la ruta con Crazy<br />

Horse o Stephen Stills. A los Crazy<br />

Horse volvería a reunirlos, pero a<br />

Stills lo plantó: “Es curioso cómo algunas<br />

cosas que comienzan espontáneamente<br />

terminan de esa manera.<br />

Come un durazno, Neil”, le<br />

escribió luego. La intempestiva salida<br />

de aquel muchacho de 30 años<br />

–que ya contaba con joyas como After<br />

the Gold Rush, Harvest u On the<br />

Beach– parece flotar en estas actuaciones<br />

en vivo de su gira de noviembre.<br />

Young está liviano de equipaje,<br />

armado solo de su voz y su guitarra<br />

(ocasionalmente del piano o el banyo),<br />

pasando algunos clásicos y sumergiéndose<br />

en Give Me Strenght o<br />

Too Far Gone, picos de su inalcanzable<br />

status como artista de escenarios.<br />

También revive a Buffalo<br />

Springfield (“Mr. Soul”) y estrena<br />

“Campaigner” (publicada al año siguiente)<br />

y “No One Seems to Know”<br />

(hasta ahora inédita). Un disco nocturno<br />

y emotivo que funciona como<br />

complemento ideal de Hitchhiker, el<br />

disco acústico que Young había grabado<br />

tres meses antes y que se publicó<br />

en 2017.<br />

LO’ PIBITOS<br />

En espiral<br />

Pelo Music<br />

el combo de villa crespo afronta<br />

el desafío del tercer disco con<br />

groove y un abanico de feats de<br />

peso propio. El Dog Guido Ruggiero,<br />

Tomás Bacigaluppi y los<br />

hermanos Arbe fortalecen su unidad<br />

(Ruggiero y Juan Arbe son los<br />

productores artísticos del trabajo)<br />

y ofrecen la plataforma expandida<br />

del universo pibito a Juan Ingaramo<br />

(en el trap “Hay un lugar”) y<br />

Rubén Rada (en el aire de salsa de<br />

“Empuja”), entre varios más. El color<br />

caribeño de la voz de Amanda<br />

Querales es el pie al candombe que<br />

abre el disco y que prepara el terreno<br />

para un flow que se desliza por<br />

paisajes latinos y funky. “Pasan”,<br />

con Ale Sergi, es pura rima de la<br />

Costa Oeste antes del funky-disco<br />

de “Anda corriendo el rumor”, con<br />

Emme. Pero también hay raíces<br />

porteñas: en el electro-pop “Nada<br />

que ver” samplean a Charly García<br />

(cerrando el círculo de aquel primer<br />

sampleo argentino de 1983),<br />

en “Dar” toman la posta del último<br />

Illya Kuryaki & The Valderramas y<br />

más tarde versionan con desparpajo<br />

y ánimo bailable “La rubia tarada”,<br />

de Sumo.<br />

MUMFORD &<br />

SONS<br />

Delta<br />

Island<br />

de los grupos que convirtieron<br />

al folk en un género interesante para<br />

los centennials, el cuarteto londinense<br />

ha sido el más exitoso y a la<br />

vez estático. La afectación de Marcus<br />

Mumford y la épica devocional<br />

de canciones disparadas por banyos<br />

pero diseñadas para llenar estadios<br />

crearon un estilo que más que profundizarse<br />

ha estado en loop desde<br />

aquel sorprendente Sigh No More<br />

(2009). Para esta cuarta entrega, el<br />

grupo se asoció con el productor<br />

Paul Epworth (premiado por su trabajo<br />

con Florence and The Machine<br />

y 21, de Adele) en su nueva adquisición:<br />

The Church Studios, construidos<br />

en una iglesia del siglo XIX<br />

al norte de Londres. Fueron 35 canciones<br />

que decantaron en 14 tracks<br />

marcados por la fragilidad y la intemperie;<br />

en la cocción del disco se<br />

mezclaron la reflexión sobre las causales<br />

de la depresión humana con la<br />

grandiosidad silenciosa de los documentales<br />

de Nat Geo. El resultado es<br />

un arrullo desesperado que intenta<br />

salvar la insatisfacción de Wilder<br />

Mind (2015), pero choca con la carencia<br />

de buenas canciones.<br />

MICHAEL BUBLÉ<br />

Love<br />

Warner Music <strong>Argentina</strong><br />

después de sopesar un retiro<br />

prematuro a causa de la enfermedad<br />

de su hijo Noah, el cantante<br />

canadiense retoma el sendero de la<br />

revisión de standards románticos<br />

con su habitual destreza. “When<br />

I Fall in Love”, la canción de Victor<br />

Young y Edward Heyman escrita<br />

para One Minute to Zero (Tay<br />

Garnett, 1952) y revitalizada por el<br />

dúo post mortem de Natalie y Nat<br />

King Cole en 1996, fue el primer<br />

single de este trabajo que Bublé<br />

se tomó con la soltura de quien se<br />

sabe ganador. ¿Cómo afrontar, si<br />

no, nuevas versiones de “My Funny<br />

Valentine” o “Unforgettable”? Bublé,<br />

de 43 años, avanza con dulzura<br />

dosificada por estrofas muchas<br />

veces transitadas, pero la cercanía<br />

de su voz y la ternura de su aura de<br />

estrella pop convierten el trayecto<br />

del disco en un paseo amable más<br />

que en una prueba de aptitud lírica.<br />

Además del original “Forever<br />

Now” y la colaboración “Love You<br />

Anymore” con Charlie Puth, Bublé<br />

incluyó el clásico “La Vie en Rose”<br />

a dúo con la joven Cécile McLorin<br />

Salvant y se la dedicó a su esposa<br />

argentina Luisana Lopilato.<br />

MARIAH CAREY<br />

Caution<br />

Epic<br />

cinco años y medio puede ser<br />

una eternidad. Es el tiempo que<br />

transcurrió desde la última aparición<br />

de Mariah Carey en el Top 20<br />

hasta la edición de este nuevo álbum.<br />

Sin embargo, la cantante neoyorkina<br />

se toma las cosas con tranquilidad:<br />

Caution es un disco nada<br />

efectista, sino apacible, suave, sedoso.<br />

El ojo está puesto en el sentimiento<br />

íntimo de cada canción y en<br />

76 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


POR LUCIANO LAHITEAU<br />

AUSTIN HARGRAVE<br />

las frecuencias de la voz privilegiada<br />

de Carey, que aparece multiplicada<br />

y a veces disuelta entre los beats. El<br />

nuevo enfoque, mucho más reservado,<br />

es atribuible al recambio de colaboradores<br />

que implementó la cantante<br />

en su regreso a Epic: Bibi Bourelly<br />

(Rihanna, Usher), Lido (Ariana<br />

Grande, Halsey) y Luca Polizzi (Roy<br />

Woods, Yo Gotti) son músicos jóvenes<br />

que sencillamente desconocieron<br />

el plafón desde el que Carey solía<br />

partir. También Skrillex y Blood<br />

Orange figuran entre los que colaboran<br />

en este regreso, que se grabó<br />

en medio de la revolución del #Me-<br />

Too y al que la reina del R&B aporta<br />

con la declamativa “A No No” (con<br />

Lil Kim).<br />

ZERO KILL<br />

Unisex<br />

Sony Music <strong>Argentina</strong><br />

cuando benito cerati lanzó el<br />

adelanto de su nuevo disco, una<br />

canción relajada llamada “Siglos”,<br />

un diario porteño equivocó el nombre<br />

y publicó “Signos”. El fallido, que<br />

habla más del inconsciente de quien<br />

tecleó que del músico, es otra broma<br />

amarga del destino de alguien que<br />

tendrá que convivir con la sombra<br />

de su padre por largos años. “Cuidado<br />

con la cabeza”, advierte el primer<br />

track, un rock trepidante que<br />

merodea el hardcore metropolitano<br />

de los primeros Babasónicos y donde<br />

Cerati remarca la frase “No sabés<br />

quién soy”. La indefinición estilística<br />

de Zero Kill es la premisa del disco,<br />

que discurre entre el ánimo celebratorio<br />

de “Narciso” (que recuerda<br />

a “Zoom”, sí, de Soda Stereo) y el<br />

power pop gótico de “I Am Still a<br />

Man”, e intercala líricas en inglés y<br />

castellano. “Jesús...” es una confesión<br />

laica que refracta con el deseo de<br />

“Sebastian”, un soul sónico influido<br />

por el sonido de Brighton. “#AttentionWhore”,<br />

con Leo García, es un<br />

upbeat liberado que proyecta a Benito<br />

sobre la pista de baile y lo saca<br />

de sus disquisiciones privadas al grito<br />

de “déjanos en paz”.<br />

de parias a capaces de crear<br />

“una respuesta millennial a Ok<br />

Computer”, el cuarteto de Manchester<br />

vive en una montaña rusa de<br />

exposición que avizora varios capítulos<br />

con su tercera gira mundial.<br />

Es que, como Thom Yorke o Bono,<br />

Matt Healy y sus coequipers no le<br />

temen a teñir su obra con su postura<br />

sobre temas de actualidad. Por el<br />

contrario, A Brief… habla de envejecer,<br />

de suicidio, de brutalidad poen<br />

este cancionero de baladas<br />

clásicas, el tucumano repite el ejercicio<br />

de recuperación histórica que<br />

resultó en Rock & Roll (2017). Impulsado<br />

por su regreso a los escenarios<br />

y el éxito de El ángel (Luis Ortega,<br />

2018), donde versiona “La casa<br />

del sol naciente”, Palito va aún más<br />

atrás y busca en su arcón de recuerdos<br />

previos a su desembarco en Buenos<br />

Aires. Son canciones de fines de<br />

los 50 e inicios de los 60 que Ortega<br />

tenía a flor de piel para mostrar en<br />

las audiciones que se le negaban sistemáticamente,<br />

hasta que dieron la<br />

vuelta de campana que lo convirtió<br />

en superestrella juvenil. Las semillas<br />

de los éxitos propios que más tarde<br />

cosecharía. La ingravidez de Paul<br />

Anka, la inocencia de Enrique Guzmán,<br />

la pulcritud de Neil Sedaka y<br />

la genialidad de Del Shannon son<br />

homenajeadas con una reanimación<br />

holográmica de las producciones de<br />

aquella época, con las que Ortega<br />

activa la nostalgia, pero no siempre<br />

emociona. Se destacan la versión de<br />

“Oh Carol” y la festiva “Por los recuerdos”,<br />

que condensa el espíritu<br />

del álbum.<br />

LIBROS<br />

PALITO ORTEGA<br />

Románticos 60´s<br />

Sony Music <strong>Argentina</strong><br />

la proverbial desmesura del fanatismo ricotero<br />

se encauza aquí en algo valioso. Movidos por<br />

su admiración por la obra de Patricio Rey, pero<br />

con especial énfasis en el imaginario visual pergeñado<br />

por Rocambole, Meroni y Rimancus encabezan<br />

un libro colectivo sobre la experiencia de<br />

ser un ricotero. Aquí no hay sesudas indagaciones<br />

sobre el carácter de Solari ni la evanescencia<br />

de Beilinson, tampoco lecturas sociológicas del<br />

fenómeno: se trata, en cambio, de reconstruir la<br />

memoria de discos y shows, mensurados por el<br />

THE 1975<br />

A Brief Inquiry into<br />

Online Relationships<br />

Interscope<br />

DANIEL MERONI Y GERMÁN RIMANCUS<br />

Solos y de noche. Crónicas de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota<br />

Editorial independiente<br />

The 1975.<br />

licíaca, de Trump y Kanye West, de<br />

Cambridge Analytica y de la guerra<br />

con el mismo compromiso y afán<br />

comunitario: parte del disco está<br />

inspirado en las interacciones que<br />

Healy tiene en Twitter. En una multiplicidad<br />

de pestañas estilísticas<br />

(bubblegum pop, soul, electrónica,<br />

balada, neo-jazz y hasta spokenword<br />

interpretado por Siri, el asistente<br />

de Apple), el grupo construye<br />

un atractivo y emocionante acercamiento<br />

a la, a menudo, traumática<br />

y excesiva experiencia de la vida<br />

hiperconectada. El postulado tiene<br />

una segunda parte, Notes on a Conditional<br />

Form, que el grupo grabó y<br />

produjo simultáneamente, pero que<br />

se conocerá en <strong>2019</strong>.<br />

impacto que produjeron en los que estaban entre<br />

el público. Así, en este primer volumen (que<br />

va en retrospectiva, comenzando por el último<br />

show de la banda en Córdoba), las crónicas de<br />

los periodistas Bruno Larocca, Oscar Jalil y Pedro<br />

Irigoyen, entre otros, repasan shows como los de<br />

Huracán, Racing o River, y complementan el riguroso<br />

registro técnico de los conciertos y el notable<br />

trabajo de archivo y memorabilia con afiches,<br />

entradas y bocetos del arte visual (siempre<br />

revelador) de la discografía del grupo.<br />

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77


78 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Con “Thank U, Next”,<br />

Ariana consigue otro<br />

récord en streaming<br />

“Thank U, Next”, de<br />

Ariana, regresa al<br />

N° 1 del Hot 100 y llega<br />

a su cuarta semana.<br />

MILLER MOBLEY<br />

Después de ser homenajeada<br />

como Mujer del<br />

Año por <strong>Billboard</strong>,<br />

Ariana Grande festejó<br />

por doble gracias a que “Thank U,<br />

Next” regresó a la cima del <strong>Billboard</strong><br />

Hot 100, con la semana de<br />

streaming más grande para una<br />

canción de una artista femenina. La<br />

semana siguiente al estreno del video<br />

oficial, el 30 de noviembre –una<br />

oda a las películas de los tempranos<br />

2000 como Triunfos robados, Chicas<br />

pesadas y Legalmente rubia (con un<br />

cameo de la actriz Jennifer Coolidge)–,<br />

la canción logró su cuarta<br />

semana en el N° 1 del Hot 100 con<br />

93,8 millones de streams en los Estados<br />

Unidos (un crecimiento del<br />

121 por ciento, según Nielsen Music).<br />

La suma es la séptima más alta<br />

para cualquier canción y la máxima<br />

entre todas las mujeres, sobrepasando<br />

los 84,5 millones que Taylor<br />

Swift consiguió con “Look What<br />

You Made Me Do” en 2017. “In My<br />

Feelings”, de Drake, conserva el registro<br />

más alto: 116,1 millones (en<br />

julio de 2018).<br />

El primer N° 1 de Grande en el<br />

Hot 100 también saltó del 5 al 2 en<br />

el chart de ventas digitales, con un<br />

crecimiento del 146 por ciento y<br />

43.000 descargas vendidas. En el listado<br />

de Canciones en Radio, subió<br />

del 23 al 11 (57 millones en audiencia).<br />

En cuatro semanas, “Next” es<br />

el N° 1 más extenso para una mujer<br />

sin ningún colaborador desde “Hello”<br />

de Adele, que lideró durante<br />

diez semanas a fines de 2015.<br />

—GARY TRUST<br />

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79


“Talk to Me” fue grabada originalmente<br />

para tu próximo álbum en español, El<br />

agua. ¿Por qué terminó en Love Me Now?<br />

Tory Lanez: Antes de ser “Talk to Me”, se<br />

llamaba “Háblame”, pero no me gustaba<br />

demasiado. Algo en la melodía sonaba a<br />

que debía ser en inglés. Así que después<br />

puse a Rich the Kid. Él es muy vigoroso, y<br />

supe que cualquier cosa que él hiciera iba a<br />

ser memorable.<br />

¿Por qué creés que a este tema le está<br />

yendo tan bien?<br />

Puse mucho de mí en esta grabación: fui<br />

a las radios, hice que los programadores<br />

confiaran en él, realicé el trabajo previo…<br />

cuanto más trabajo puse, más veces se escuchó<br />

el tema y más se instaló en la mente<br />

de las personas.<br />

¿Cuál es la idea con la marioneta imaginaria<br />

que aparece en la tapa del disco<br />

Love Me Now?<br />

Tengo una versión mía en marioneta llamada<br />

“Lil Tory”. Cuando ingresé a la industria<br />

de la música, la gente quería que siguiera<br />

cierta línea, pero yo fui siempre libre. Las<br />

personas que se mantienen firmes en sus<br />

opiniones son las que crean cosas espectaculares<br />

en la vida. Cualquier cosa que<br />

quiera hacer, la voy a hacer.<br />

—TATIANA CIRISANO<br />

Con 36 millones de streams<br />

en EE.UU., Mill tiene su<br />

primer Hot 100 top 10. Drake<br />

cuenta con 33, extendiendo<br />

su marca y acercándose a<br />

la de Madonna (38) y The<br />

Beatles (34).<br />

LANEZ: JOSH “MIDJORDAN” FARIAS. MILL: THEO WARGO/GETTY IMAGES.<br />

80 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


La leyenda Dean Martin regresó<br />

al <strong>Billboard</strong> Hot 100 gracias a<br />

que “Let it Snow, Let it Snow, Let<br />

it Snow” debutó en el N° 41. Así,<br />

obtiene su primera entrada en 49<br />

años, tres meses y dos semanas.<br />

Martin apareció por última vez<br />

en el chart el 30 de agosto de<br />

1969, con “It Take a Lot of Pride in<br />

What I Am”. Pero aún no quebró<br />

el récord de mayor cantidad de<br />

tiempo entre ambos ingresos: la<br />

marca la ostenta la estrella de jazz<br />

Louis Prima con 57 años, cuatro<br />

semanas y una semana entre<br />

“Wonderland by Night” en 1961<br />

y su regreso con un featuring en<br />

el track “4th Dimension”, de Kids<br />

See Ghosts. –XANDER ZELLNER<br />

MARTIN: SILVER SCREEN COLLECTION/GETTY IMAGES. CAREY: SAMIR HUSSEIN/WIREIMAGE. RONSON: JOHN PHILLIPS/GETTY IMAGES.<br />

La canción de Carey de 1994<br />

alcanza un nuevo registro con<br />

28,5 millones de streams nuevos<br />

en los Estados Unidos. Pero<br />

no es el único hit navideño que<br />

alcanza nuevas marcas: “Last<br />

Christmas”, de Wham! (1984),<br />

llegó al top 40 (del 43 al 34).<br />

Ronson obtiene su marca más alta<br />

en el Hot 100 desde que “Uptown<br />

Funk!” (feat. Bruno Mars) pasó<br />

14 semanas en el N° 1 en 2015.<br />

Su nueva colaboración empezó<br />

con 9,3 millones en audiencia de<br />

radio, 7,5 millones de streams y<br />

17.000 descargas vendidas.<br />

BILLBOARD.COM.AR<br />

81


CODA<br />

20 años atrás<br />

TITANIC ERA EL REY<br />

DE LOS CHARTS<br />

El álbum hipertaquillero, apoyado en el megahit de Céline Dion, logró<br />

ser uno de los apenas seis soundtracks que lideraron el listado anual del<br />

<strong>Billboard</strong> 200.<br />

los récords que logró james cameron<br />

con Titanic no se limitaron al cine. Lanzada<br />

el 19 de diciembre de 1997, la película<br />

que protagonizaron Kate Winslet<br />

y Leonardo DiCaprio se convirtió en el<br />

primer film de los Estados Unidos en<br />

facturar más de mil millones de dólares<br />

en todo el mundo. El soundtrack de la<br />

película logró un éxito similar. El LP lideró<br />

el <strong>Billboard</strong> 200 el 24 de enero de<br />

1998 y permaneció allí durante 16 sema-<br />

nas, y, en consecuencia, quedó primero<br />

en el ranking anual de ese año. Solo cinco<br />

soundtracks lograron lo mismo. Los<br />

primeros cuatro fueron West Side Story<br />

(1963), Mary Poppins (1965), Saturday<br />

Night Fever (1978) y El guardaespaldas<br />

(1993). Solamente Frozen lideró el listado<br />

de fin de año, en 2014.<br />

Titanic se benefició del éxito de Céline<br />

Dion, “My Heart Will Go On”, que<br />

lideró el <strong>Billboard</strong> Hot 100 durante dos<br />

semanas y dominó el chart Radio Songs<br />

durante diez. El tema también fue lanzado<br />

en el LP de Dion Let’s Talk About<br />

Love, que encabezó el <strong>Billboard</strong> 200 el<br />

17 de enero y terminó N° 2 en 1998, debajo<br />

del soundtrack de Titanic.<br />

Dion interpretó la canción en los<br />

Bill board Music Awards de 2017, donde<br />

contó que Cameron inicialmente no<br />

pensaba que la película fuera a necesitar<br />

una canción. Ella también se mostraba<br />

reacia a grabar otra balada. Hoy,<br />

Dion dice que atesora el legado de la<br />

canción. “En los conciertos pienso ‘No<br />

voy a cantarla otra vez’. Y después se<br />

abre la cortina, sale el humo y la gente<br />

se pone a llorar”.<br />

El soundtrack vendió 10,2 millones de<br />

copias, según Nielsen Music, e inspiró<br />

varios tributos. Recientemente, Charli<br />

XCX y Troye Sivan reinterpretaron la<br />

clásica escena de DiCaprio y Winslet en<br />

el video musical de 1999. —GARY TRUST<br />

REBOBINANDO<br />

LOS CHARTS<br />

DiCaprio (izquierda)<br />

y Winslet fuera de<br />

cámara, en el set de<br />

Titanic en 1997.<br />

TCH/PROD.DB/20TH CENTURY FOX/ALAMY<br />

82 BILLBOARD AR | ENERO, <strong>2019</strong>


Tiempo de festivales,<br />

de Cosquín al LollaPalooza<br />

Dentro del gran primer cuarto del <strong>2019</strong><br />

El <strong>2019</strong> comienza bien y las perspectivas, pese<br />

a que será un año eleccionario, son positivas<br />

con un primer cuarto muy fuerte donde lo ya<br />

anunciado por las productoras líderes,<br />

se entremezcla con los tradicionales<br />

festivales folklóricos y rockeros,<br />

estos últimos más aggiornados a los<br />

nuevos tiempos.<br />

Será el tiempo del Festival de<br />

Cosquín, que tendrá a Abel Pintos,<br />

Luciano Pereyra y Los Nocheros;<br />

Jesús María y Villa María, el más innovador<br />

con espacio para figuras<br />

latinas como Sebastián Yatra.<br />

Luego será el turno de los<br />

más consolidados rockeros<br />

que ya llevan muchos<br />

años, como el Cosquín<br />

Rock de José Palazzo<br />

el 9 y 10 de febrero —<br />

con Las Pelotas, Ciro,<br />

y Ska-P—, con Fernet<br />

Branca, mientras ya es una<br />

plataforma de promoción del<br />

rock nacional por Latinoamérica.<br />

Y el Rock en Baradero, el único con<br />

tres días el 2, 3 y 4 de marzo —con<br />

La Beriso, Babasónicos y La<br />

25— y en franco crecimiento como<br />

su productora Gonna Go de José<br />

Luis Cameron, que tiene también<br />

a Museum Live y La Plata como<br />

plaza fuerte, donde hace además el<br />

8 de febrero a Ska-P en el Punto Unico<br />

del Estadio Ciudad de La Plata.<br />

Ed Sheeran<br />

Gran primer cuarto de las<br />

Productoras líderes<br />

Se intercalarán desde febrero con el armado de<br />

las productoras líderes. Move Concerts anunció<br />

a Ed Sheeran pero para el 23 de febrero en el<br />

Campo de Polo con el BBVA Francés.<br />

Fernando Moya en Ozono/T4f para el Cono<br />

Sur, tiene a Stone Temple Pilots el 19 de febrero<br />

en el Malvinas <strong>Argentina</strong>s y a Paul McCartney<br />

para el 23 de marzo en el Campo de Polo, venue<br />

que está empezando a reemplazar al Unico de La<br />

Plata con el Banco Patagonia.<br />

PopArt junto a Lauría hacen a Luis Miguel<br />

para el Campo de Polo con el BBVA<br />

Francés el 1 y 2 de marzo. Esta segunda<br />

productora, ya metida entre los<br />

líderes, hacen antes en el Campo de<br />

Polo el festival Buenos Aires Trap<br />

con Brahma el mismo 23 de febrero,<br />

el 22 tiene a Carlos Rivera en el Luna<br />

Park y para el 13 de abril anuncia ese<br />

mismo venue para Pablo Alborán.<br />

En marzo, DF Entertainment destaca<br />

el LollaPalooza con Kendrick Lamar,<br />

Arctic Monkeys, Twenty One Pilots y Lenny<br />

Kravitz con el Banco Santander. Empieza su<br />

nueva etapa con Live Nation que compró el<br />

51% de su compañía.<br />

Fénix Entertainment Group de Marcelo<br />

Fígoli adelantó a a Il Divo el 24 de mayo en l<br />

Luna Park, con el Banco Santander.<br />

Paul McCartney<br />

Ciro<br />

Segunda línea de calidad<br />

En otro escalón de productoras más importantes,<br />

se destaca Ake Music con la gira<br />

de Slash que hace el Gran Rivadavia<br />

en febrero y María Callas en el Gran<br />

Rex el 20 de marzo; 6 Pazos —es<br />

socio minoritario de la futura Arena<br />

de La Nación en Atlanta— tiene<br />

a Tribalistas en el Luna el 23 de<br />

marzo y Preludio tiene a Sebastián<br />

Yatra el 6 de abril en el Luna Park.<br />

Además, Alberto Miguel/Arenas<br />

—hace a Cristine D’Clario el 13 de<br />

abril en el Luna Park— y el Blueteam —abrió<br />

su división de servicios D57—anuncian la gira<br />

de Serrat-Sabina que tendrá un único show en<br />

Buenos Aires, y MTS inauguró su estadio Hípico<br />

para posicionarse entre los venues más imporantes<br />

de Capital.<br />

Entre los festivales, EB Producciones hace su<br />

Power Festival en el Luna Park el 8 de marzo, Día<br />

de la Mujer, con Sofía Reyes y Angela Torres<br />

como una plataforma nueva que el mercado no<br />

tenía.<br />

Ranking<br />

SPONSORS DESTACADOS<br />

<strong>Enero</strong> - Marzo <strong>2019</strong><br />

Banco Santander Río<br />

Lollapalooza <strong>2019</strong> - DF<br />

Banco Patagonia<br />

Paul McCartney – Stone<br />

Temple PIlots – T4f<br />

BBVA Francés<br />

Luis Miguel- PopArt-Lauría<br />

Ed Sheeran – Move Concerts<br />

Fernet Branca<br />

Cosquín Rock – En Vivo<br />

Producciones<br />

Brahma<br />

Buenos Aires Trap – Lauría<br />

Claro<br />

Lollapalooza – DF<br />

Motorola<br />

Lollapalooza - DF<br />

Coca-Cola<br />

Plataforma Coca-Cola for Me<br />

Fantoche<br />

Actitud FreeStyle 2<br />

BILLBOARD.COM.AR 83<br />

www.prensariomusica.com

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