Areíto, sábado 18 de abril , 2020

Areíto
Isla
Abierta
ESCRIBE DELIA BLANCO
El maestro Iván Tovar
en toda su poética Página 4
Carta a un
amigo que
está de viaje
Pá g i n a 8
w w w. h oy.co m .d o
Editor: Bavegado
Diseño: Humberto Martínez
S Á BA D O 18.04 .2 02 0
René Rodríguez Soriano,
entre el bolero y la guaracha
Página 3
Luis Eduardo Aute,
para siempre
Pintor primero,
compositor después, y
más tarde cantante,
indagó sobre su entorno
apoyado en estos géneros
convencido de que la
poesía — “palabra que
mueve las piedras”—, era
el eje conector entre
música y pintura. Pá g i n a 2
La
h i e rb a
mágica
Por eso, ahora más que
nunca, es preciso que
todos aquellos que
escribimos y trabajamos con la palabra
sacudamos el asco y el círculo asfixiante y
anómico de la repetición abyecta. Ahora
más que nunca hay que sentarse a contar
historias. Pá g i n a 6
René y el “me voy mañana”
que cumplió con certeza
Que René se fue me lo anuncia
el poeta Amable Mejía en un
frase corta para quien ha
tenido una vida literaria larga.
Murió René. Irónicamente iba
camino a casa observando una
ciudad a solas, virtualmente
abandonada por el toque de
queda. Pá g i n a 5

Sábado 18 de a b ri l
2 H OY de 2020
A RE Í TO
JOCHY HERRERA
Aporte
Luis Eduardo Aute,
para siempre
Luis Eduardo
Aute, imagen
de Miguel
G e n e r.
A Tony Ocaña, por supuesto.
Si te dijera amor mío,
que temo a la madrugada…
Un Simbad armado de poesía le llamé
hace diecisiete años cuando a
propósito de la salida de Alas y balas,
fajo de urgentes canciones de
guerra y pederastia como el momento exigía,
lo entrevisté por primera vez. Aquel disco,
el veintiséis del filipino-español, era también
una declaración de desamores y de sueños,
sempiternos motivos de ese cosmonauta
que navegando entre el Renacimiento y la
hipermodernidad, nos sacudió como pocos.
Tras sobrevivir un infarto tres años atrás, Aute
ha partido desde Madrid hacia la eternidad
de la memoria; espantado, no quepa duda,
ante las distópicas escenas de las que hoy
somos testigos. La parca, malvada sin par,
nos lo arrebató justo cuando más necesitábamos
los lúcidos amaneceres que sus canciones
anunciaban.
Este hombre sin igual, incomparablemente
tierno y enamorado, frágil sólo como
él, nos regaló una muy particular y plurisensorial
poesía en la que sexo, eros y el Ser fueron
excusas para narrar las angustias y desperanzas
del mundo que siempre quiso mejor.
Pintor primero, compositor después, y
más tarde cantante, indagó sobre su entorno
apoyado en estos géneros convencido de
que la poesía —“palabra que mueve las pied
ra s”—, era el eje conector entre música y
pintura. Indivisible nexo sinestésico en el
cual, como alguna vez afirmó, “allá donde
acaba la música, empieza la pintura, y viceversa”.
Fue de tal forma como Aute hizo
realidad las ancianas expresiones artísticas
de aquellos malditos parisinos liderados por
Verlaine y Baudelaire; cuando sin respetar
fronteras, su mano se hizo lápiz, cuerda o
pincel en mágico arcoiris creador. Y ni hablar
del cine, género en que este singular artista
incursionó con pasión desde muy tempranamente
dejando en su haber múltiples cortos
y largometrajes.
Aute “es un pintor de garra, artesano en la
fabricación de sus propias pinturas, que ha
sabido captar en sus composiciones y retratos
el sentido íntimo e idiosincrásico de las
p e r s o n a s”. Tal afirmación, que bien podría
hacer referencia a sus poemas y composiciones
musicales, fue publicada en 1961 en
el suplemento cultural del diario español
ABC cuando contaba con apenas 17 años a
propósito de su primera exhibición en la
madrileña galería Alcón, momento en el que
coqueteaba con la guitarra regalo de su padre
meses antes.
Cuatro años después, bajo la influencia de
los Dylan y Joan Báez de aquellos tiempos,
Aute compone piezas primigenias entre
ellas Rosas en el mar, dada a conocer a través
de la voz de Massiel, y el Aleluya # 1 que
gracias a un arreglo en inglés del norteamericano
Ed Ames, se hace tan popular en EE.
UU. que alcanza el ranking de Billboard. En
1968 insiste en sumergirse en la plástica y la
poesía, e intenta despedirse de la música
con el álbum 24 canciones breves. Tras un
periodo de introspección que coincide con
la crisis política de la España franquista, retorna
a los escenarios en 1973 esta vez de
manera definitiva. A partir de aquí nos regalará
las más de cuatrocientas canciones
que a juicio de la crítica le hacen referencia
de la música de autor española.
La temática amorosa, íntima y rebelde,
insatisfecha y abarcadora, fue instrumento
cuestionador del norte del alma humana
que como indetenible inquisidor, disecó
mientras hurgaba entre nuestros misterios
buscando respuestas al dolor y a la soledad
del Universo. Si bien lo hizo desde una profundísima
visión metafísica, quizás mejor
evidenciada en sus poemigas, Aute nunca se
alejó de las más reales de nuestras preocupaciones:
…cómo has podido tú,/ ánima pura,
crear al animal/ humano a tu imagen y
semejanza/ y permitir que se transfigure en
esa bestia/ que me mira en el espejo cada mañana./
Aquellos elementos que Paz consideró
constitutivos de la concepción occidental
del amor —la trasgresión, el castigo y la redención—,
son hechos triza en la propuesta
romántica auteana al tiempo que con ella se
establece un nuevo lenguaje sentimental. El
de la transfiguración de la pareja, el sexo y la
existencia dispuestos a enfrentar al mundo
con los cuerpos: En vista de que se trata/ de
que el pez gordo se coma al pez escuálido,/ y
de que el Edén lo pueda devorar/ únicamente
el rostro pálido,/ quítate el vestido,/ quítate el
desnudo y muéstrame al animal…/ Aute suplica
en sus versos que ante tanta pesadilla,
reencontremos el sentido de los sueños en
un vientre; que confiados, sepultemos la
utopía mientras un cuerpo ajeno sea capaz
de regalarnos clases de poesía. Que esperanzados,
reivindiquemos los espejismos de intentar
ser nosotros mismos en un viaje hacia
la nada, hacia la simple certeza de rozar, entre
miradas, la Belleza.
Bastaría adentrarse en cualquiera de los
volúmenes que reúnen la obra poética de
Luis Eduardo Aute para descubrir cómo el
hecho político y la muerte fueron también
temas imprescindibles en su trabajo creador;
así lo cuenta en “IDinErOLOGÍA”: Dia -
bólico Dios es…/ la dictadura del dinero./ O
en los versos del poema “De paso” hechos
canción en el incomparable álbum “Alban -
t a”: Sólo morir permanece/ como la más inmutable
razón,/ vivir es un accidente,/ un
ejercicio de gozo y dolor./
Cuestionado sobre el devenir del Hombre
contemporáneo, dijo una vez que éste fue
siempre agónico: “El Hombre (el ser humano,
mejor) desde que nació se está muriendo,
individual y socialmente. Dicen que la
vida es puro aprender a morir… ”. No sorprende
entonces que Dios, lo divino, fuese
para Aute perenne motivo de meditación.
Autodefinido místico inclasificable, se jactaba
en afirmar sin tapujos que “sacralizaba lo
profano sin profanar aquello que era sacro”
cosa que no fue excepción durante nuestro
último encuentro en Madrid. Allí repitió lo
de siempre cuando surgía lo místico en cualquier
conversación: “Soy incapaz de separar
lo divino y lo humano porque lo humano es
divino; porque no habría conciencia de Dios
sin seres humanos; yo y Dios es un poco lo
mismo, igual de enigmático”.
Asceta; vitalista; el más encantador y desenfadado
de su generación; émulo de los
vanguardistas; galán pícaro; testigo del 68;
cronista de humor woodyallenniano; el
hombre más divino de la Tierra, y un largo
etcétera, fueron algunos de los epítetos con
que quisieron definirle. A nuestro modo de
ver, Aute es el creador total, último hedonista
de nuestros tiempos. También el Maqroll
que reinó en el mar y las tierras de esta América
que tanto amó y sobre la que depositó su
esperanza de un mundo mejor. Nos dejó al
alba, mas su muerte, virtual, huérfana, y desprovista
de rostro por la pandemia, no acontecerá
mientras ande por ahí un alma dispuesta
a aprender a amar a través de sus
canciones. Lo hicimos muchos de nosotros
mientras sin saberlo, adivinábamos que An -
tes del amor/ se desnudan los cuerpos./ Después
del amor/ se anudan las almas./
En el prólogo de la colección de poemas e
iconografías “El sexto animal” publicado por
Espasa en 2016, el poeta Fernando Beltrán
categoriza a Luis Eduardo Aute como un
“gamberro del idioma, un Sancho Panza del
verbo y Quijote hasta el hallazgo”. De dicha
obra extraemos un in(oportuno) verso para la
ocasión: El corazón del Universo deja de latir,/
no cuando se apaga la vida,/ sino cuando se
apaga el deseo de amar y ser amado./ Cier -
tamente, ha partido un incomparable artista,
mas no el corazón de un hombre universal ni
el alma de quien nos recordará por siempre
que no todo fue naufragar por haber creído
que amar era el verbo más bello.

Sábado 18 de a b ri l
A RE Í TO de 2020 H OY 3
MIGUEL ÁNGEL FORNERÍN
Aporte
René Rodríguez Soriano,
entre el bolero y la guaracha
El poeta en su casa estudio de Texas.
René Rodríguez Soriano (Constanza,
República Dominicana, 1950 - Houston,
Texas, 2020) fue uno de los pocos
escritores dominicanos que se dedicó
por entero a su arte. Es parte de nuestros
creadores que surgieron en la última década
del 1970. Su primer libro, “Raíces, con dos
comienzos y un final” (1977), presenta la ruptura
de los jóvenes a la poesía comprometida
que había dominado el ambiente literario
dominicano desde la revuelta de abril de
1965. Su estética se afianza en un libro de
poemas “Textos detestados a destiempo con
sabor a tiempo y de canción” (1979).
Eran los años del foquismo y la guerrilla
urbana durante los tres gobiernos de Joaquín
Balaguer, conocido como “los doce
a ñ o s”. La violencia de Estado y la contrarrevolución
diezmaron a una parte de la juventud
dominicana. Otra se atrincheró en
la Universidad y en los clubes culturales y
siguieron realizando actividades para difundir
sus ideas sobre la política y la resolución
de los principales problemas de un
país que seguía siendo dominado por la cultura
autoritaria del trujillato. Rodríguez Soriano
presenta el ambiente de represión de
esa época en su novela “El mal del tiempo”
(Premio UCE, 2008).
La poesía de René Rodríguez Soriano, a
partir de “Canciones rosa para una niña gris
metal” (1983), deja ver una escritura distinta
de la poesía e inaugura la década con una
estética de corte amoroso o neorromántico
que despide la poesía sesentista del compromiso
social. Es uno de los textos que introduce
el tema del bolero en la literatura
dominicana y la técnica de la intertextualidad
y la relación entre música popular y
poesía. Este tema será trabajado por narradores
como Marcio Veloz Maggiolo en “Ri-
tos de cabaret” (1991) y Enriquillo Sánchez
en “Mu s i q u i t o” (1993), para solo citar algunas
novelas.
La poesía de Rodríguez Soriano logra altura
y novedad en las letras dominicanas con
el libro “Muestra gratis” (1986) en el que ya
integra el lenguaje contextualizado por la
oralidad citadina. Predomina en esta obra la
radio, la televisión y las hablas de la clase
media dominicana. Ya había quedado atrás
el tiempo épico que, como horizonte de espera,
se abrió a la muerte del dictador y quedaba
un mundo en crisis solo valorado por el
mercado cuando la economía dominicana,
que había tenido repunte en los años cincuenta,
llegaba definitivamente a negar su
modelo de producción.
En la poesía de Rodríguez Soriano es central,
sin lugar a duda, un interés en la renovación
expresiva, en la mirada a lo social y,
de manera especial, al lenguaje de la poesía.
No hay en el poeta una búsqueda de las
cumbres de la poesía dominicana, sino en la
poesía latinoamericana. Como creador sabe
dónde se encuentran los lugares comunes.
Elemento importante para valorar la particularidad
de su obra.
En la década de los ochenta, se inicia como
uno de los cuentistas más importantes
de la República Dominicana de las últimas
generaciones. Su trabajo escritural solo tiene
precedente en Juan Bosch, José Mariano
Sanz Lajara, Virgilio Díaz Grullón y José Alcántara
Almánzar. Y si lo vemos todos estos
escritores dentro del marco de los productores
que han sido constante en la escritura y
en la publicación, no exagero en decir que
solo Bosch y Alcántara Almánzar lo superan
en dedicación, calidad, permanencia y proyección
en el cuento dominicano.
Se inaugura como narrador con el libro
“Todos los juegos el juego” (1986), por realizar
en él un homenaje al cuentista argentino Julio
Cortázar. Entonces, los mentideros literarios
lo encasillaron como un epígono del
autor de “La autopista del sur”, pero los
cuentos del dominicano buscan otros diálogos
y lo fantástico en su escritura toca más
a Felisberto Hernández. Ya en este texto se
encuentra un interés por los juegos, la desestructuración
del cuento canónico al estilo
de Juan Bosch. Como lo hace en su poesía,
Rodríguez Soriano muestra un interés constante
por el lenguaje. Está consciente de que
la obra literaria es una estética verbal.
El segundo libro de cuento lo posesiona
como un narrador que desborda la poeticidad
en las letras del país. Con “La radio y
otros boleros” (1996) obtiene el reconocimiento
máximo que se le da a un libro en la
literatura dominicana, el Premio Nacional
de Cuentos José Ramón López. En él trabaja
los contextos sociales, la vida cotidiana, la
ciudad, el tiempo y la intrahistoria de unos
personajes afectados por la crisis de los
ochenta; pero también reescribe la memoria
y representa la distancia, la nostalgia de los
tiempos de infancia, la radio, la vida maravillosa
y, sobre todo, el amor y las mujeres en
René Rodríguez Soriano en Madrid.
RRS en Puerto Rico. (Foto de maf).
la ciudad de Santo Domingo.
Son emblemáticos en este libro los cuentos
“La radio”, “Una muchacha llamada Jos
e f i n a”, “Laura baila solo para mí”, “Casi nada
ha cambiado, amor” y “Lucy in the sky with
d i a m o n d s”. René Rodríguez ha dado a un
tiempo de crisis una valoración mejor por su
maravillosa prosa, por los espacios y personajes
femeninos que parecen heterónimos.
Son Luisa, Lucía, Claudia, Laura... con ellas
vemos no solo otra cara del amor, de la búsqueda,
la soledad, la distancia y el embellecimiento
de un mundo negado por una
vida social que invitaba a la emigración.
“Su nombre, Julia” (1991) no es solo el título
de uno de los cuentos más emblemáticos
del autor. Las referencias y la atmósfera
remiten a la ciudad, su mundo, la búsqueda
del amor. Así como los sentimientos, los
contextos internacionales, la prensa, la vida
de la clase media, la familia, la nostalgia de
otros tiempos. La poesía. El torrente narrativo
de Rodríguez Soriano junto a los variados
nombres de “e l l a” o “de ellas”, parecen
formar no un conjunto de cuentos, sino una
novela hilvanada con historias. Narraciones
novedosas, sencillas. El arte de narrar vuelve
a encontrarse con los lectores. Hay en estos
textos una cierta complicidad que se da solamente
entre el mundo vivido y el esperado.
La ciudad está ahí, la gente, los amigos, el
arte, las lenguas y las fugas. “Alguien mueve
los hilos del azar esta mañana de verano”,
“Tú siempre caballero, abuelo”, “Julia, noviembre
y estos papeles” y, por supuesto, “Su
nombre, Julia” son los textos que nos hacen
regresar a la casa de la dicha.
En 1998 publica en San Juan, Puerto Rico,
el libro “El diablo no sabe por diablo” en el
que integra un manojo de cuentos o narraciones
cruzados por un mundo dominicano
de los ochenta, la vida en la oficina, la publicidad,
los amores no encontrados, la heteronomía
de las mujeres y lo maravilloso
dentro de lo cotidiano que ya constituyen su
mundo narrativo. Las intertextualidades, las
concomitancias culturales, aparecen aquí
como apertura del mundo dominicano a
otro mundo lleno de formas y perplejidades.
“Y de repente tú, Isabel”, “Los santos inoc
e n t e s” “Losing my religion”, “Perseguir a Rit
a” y “Manías de Piro” podrán integrar la lista
de los más destacados (Continuará).

Sábado 18 de a b ri l
4 H OY de 2020
A RE Í TO
CÁPSULAS
GENEALÓGICAS
w w w. i d g.o rg.d o
Ra i n i e ri ,
divino tesoro
(10 de 10)
Por Graciela Thomén Ginebra
La historia de la familia Rainieri
Franceschini y su legado de temple
y amor son tan únicos que los
descendientes seguimos felizmente
unidos, en parte gracias a que Isidoro
y Bianca (Doña Blanca, como le decían
en Puerto Plata) nos dejaron entre
sus legados el amor a la unión familiar. A
continuación sobre sus hijos:
Los primeros tres hijos de la pareja: Isidorito,
Blanquita y Beatriz no tuvieron
descendientes. Isidorito murió a los 21
años de influenza en Puerto Plata, Blanquita
y Beatriz acompañaron a su mamá
hasta su fallecimiento en 1946.
Yolanda casó con Manuel Imbert. Su
historia de amor es la más famosa dentro
de la familia ya que se enamoraron jovencitos
(15 años). A ese amor, Blanca se
opuso decidiendo enviar a la joven a Bologna.
Al año que volvió y mientras el
barco esperaba entrada al puerto, Manuel
buscó la manera de subirse a bordo,
le ofreció matrimonio, bajaron la escalinata
muy agarrados de manos, dejando
a Blanca estupefacta. Los casó inmediatamente.
Sus hijos: Yolanda Josefina,Yolandita,
casó con Roberto Aybar-Venegas;
Argentina, casó con Augusto Fernández;
y Ramón ‘Moncho' Imbert, casó
en primeras nupcias con Yolanda ‘Yo l l y ’
Garratón y en segundas nupcias con Teresa
Bobadilla.
Francesco ‘Qu e c o’ casó con Venecia
Margarita Marranzini Lepore. Venecia,
enviudó de Luis Machado, cuando su
hijo, Luis Manuel (casó con Sara Gómez
de quien enviudó y actualmente casado
con María Aurora Menéndez) tenía 5
meses. De Queco y Venecia nacieron:
Frank Rafael y Fernando Antonio. Frank
casó con Haydée Kuret. Fernando casó
con Margarita del Pilar Soto. Al dedicarse
al negocio de hoteles, ha sido Frank el
que, con osadía, dedicación al trabajo y
su propio esfuerzo, cumplió sus apasionados
sueños. ¿Habrían sido los sueños
de su abuelo?
Mafalda casó con William Harper, de
origen escocés. Sus hijos: William Harper
‘Billy', casó con Rose Marie Saleta; y Frank
David, con Pilar Martínez.
Graciela ‘Chela', casó con Joaquín Ginebra.
Sus hijos: Socorro Altagracia, casó
con Víctor Alberto Thomén; Nelson Ginebra,
casó con María ‘Ma ro c h a’ Azar Lithgow,
y Blanca Adelaida, casó con Rafael
Sánchez, y luego con Manuel Suárez.
María Altagracia ‘Mayú' casó con Antonio
Barletta. Sus hijos: Giuseppe casó
con Dorka Jiménez en primeras nupcias
y Martina Alcántara en segundas nupcias;
y María Filomena casó con Tirso
Ramos García.
Ana, la hija póstuma, casó con Jorge
Maltés. Sus hijos: Miguel Antonio, casó
con Haydée ‘Nani' Morales; y Ana Felicita,
casó con Iván Cerezo.
Gracias a esta investigación descubrí
encantadoras historias de familias; viví
aventuras en viajes inesperados y reviví
lazos familiares dormidos. Algunos documentos
fueron encontrados tan coincidentemente,
y los detalles en los mismos
me transportaban tan maravillosamente
al pasado, que cuando visitaba los
lugares de mis ancestros parecían copados
de un realismo mágico. Compilé tantas
anécdotas fascinantes que escribí las
crónicas de la investigación genealógica
en un libro, que se titula, “Divino tesoro:
memorias de amor y encuentro con ancestros
italianos”, en proceso de publicación.
Espero que esta serie baste para
que el lector disfrute la historia fascinante
de la familia Rainieri.
Instituto Dominicano de genealogía, Inc.
DELIA BLANCO De señal a señal
El maestro Iván Tovar
en toda su poética
Ivan Tovar (a la derecha) junto al maestro José Antonio Molina.
Durante los años sesenta y setenta, en
los medios parisinos del arte, se comentaba
sobre un artista dominicano
surrealista que vivía en París.
Pero, fue en la década del ochenta que tuve el
acercamiento a la obra de Iván Tovar, gracias
a la introducción del también artista y amigo
Silvano Lora.
Lo primero que me llamó la atención fue
su elegancia de “g e n t l e m a n”. Iván Tovar lucía
una expresión de hombría muy “br itish”, con
una figura sobria y formal. Expresaba primero
su curiosidad con la mirada, antes de
formular una palabra.
Hablaba un francés perfecto, con una
música y tonalidad propia, donde se sincronizaba
un acento latino apenas perceptible.
Expresaba mucha libertad en los comentarios
sobre su obra y recuerdo largas conversaciones
sobre su atracción hacia el dibujo,
que inició su infancia en San Francisco de
Macorís, donde nació y se educó. Nos comentaba
que cuando llegó a la Escuela Nacional
de Bellas Artes ya sabía a los catorce
años que quería ser artista plástico, y entrar a
la escuela; para él, no fue más que confirmar
la necesidad de formarse técnicamente,
pues ya tenía a esa edad la idea de su imagen
visual.
Entendimos el blanco en toda su dimensión
pictórica, pero también escultórica,
hasta poder hablar de un blancotovariano
que contiene todo un discurso tanto en el
dibujo como en el volumen. Sus formas en
yeso evocan una sensualidad que marca un
movimiento en la forma dándole vida.
Tuvimos la oportunidad de acercarnos a
su obra en residencias de coleccionistas,
tanto en Francia como en República Dominicana,
y siempre pudimos confirmar en su
factura visual la intensidad sensorial de las
formas como si estuviéramos frente a múltiples
y diversos cuerpos femeninos. Estamos
frente a una obra pasional y carnal cuyo
objeto es el deseo. En este aspecto, los especialistas
que pretender catalogar a Iván
Tovar dentro de la corriente surrealista, no
pueden descartar las emanaciones líricas y
las metáforas visuales de una obra cuya poética
contiene un lenguaje, un discurso erótico
y muy sutil. Es ahí, donde Tovar aporta al
surrealismo una liberación en cuanto a la
conectividad con el vidente, pues cada una
de sus obras permite restituir el movimiento,
el ritmo, la sinfonía de una expresión plástica
que anticipa la palabra.
En el año 2001, la Fundación Guggenheim,
ubicada en Nueva York, presentó una
colectiva de obras surrealistas de grandes
maestros y la presencia de Tovar llamó la
atención por la fusión de las formas en cuerpos
humanos, pero también zoomórficos.
A veces, sentimos la presencia de un cisne
blanco y otras veces el vuelo atrapado de una
gaviota. Es indiscutible que dentro de la historia
del arte contemporáneo de América
Latina, Iván Tovar ha marcado desde sus inicios
una particularidad, una excepción que
llevó durante toda su vida y que en sus años
parisinos dentro de la Sociedad de Artistas
Latinoamericanos residentes en París, este
maestro dominicano fue siempre reconocido
como un artista confidencial y reservado
que conducía su obra con coherencia y profesionalidad.
Desde Francia penetró en el mercado internacional,
llevando su obra con un ritmo
consecuente y adecuado a su existencia.
Supo conducir su carrera con discreción y
una determinación que pocos artistas logran,
pues él llevaba de su mercado y valoración
de su obra imponiendo el respeto
de la misma.
Iván Tovar suscitó en República Dominicana
un asombro por su independencia y
por su valentía visual, sin ser ajeno a la “do -
m i n i c a n i d a d”, ni ocuparse de competencias,
ni enfrentamientos con los localismos del
medio. Sin embargo, siempre mantuvo una
relación abierta con la sociedad dominicana
y con un galerismo que lo respetaran en su
presentación y criterios.
En estos diez últimos años, su obra fue
muy solicitada por los coleccionistas dominicanos
y muy apreciada en los museos internacionales.
Debemos destacar aquí que
la pintura y la escultura de Iván Tovar son el
resultado de la línea. Una línea aérea, libre,
suelta y segura, que ya se manifestaba en sus
trabajos sobre papel de la década del 60,
cuando apenas tenía 20 años. Existe una comunicación
visual y un diálogo permanente,
tanto en el trazo dibujístico como en el tratamiento
del color en la pintura y los límites
de la forma y volumen en la escultura.
Iván Tovar es un maestro de la excelencia
en cada una de estas tres competencias. Su
obra es diáfana, limpia, sin excesos, sencillamente
virtuosa. No es de extrañarse el éxito
que tuvo en España, su exposición antológica
en el Museo de la Fundación Granell
de Santiago de Compostela, donde residió
por unos años y fue acogido como uno de los
mayores maestros latinoamericanos contemporáneos.
La prensa regional de Galicia,
la intelectualidad universitaria de Santiago
de Compostela, manifestaron una admiración
generosa y aplaudida de tal manera que
debo señalar ahora haber recibido varios correos
y llamadas amigos y compañeros donde
me exaltaban su presencia en tan importante
región.
Con su partida este Maestro nos deja un
legado artístico que pone en alto a República
Dominicana, y que sirve de ejemplo para las
nuevas generaciones artísticas, pues toda su
carrera fue ejemplar por ser firme con su
pensamiento y con su determinación con el
arte y la cultura.
Fue justo y necesario concederle el Premio
Nacional de las Artes en República Dominicana,
pero pensamos que una vez liberado
de la circunstancias actuales, Iván Tovar
se merece un homenaje nacional en el
Museo de Arte Moderno de Santo Domingo,
y crear una sala-museo que haga posible que
su obra llegue a toda la ciudadanía nacional
e internacional.

Sábado 18 de a b ri l
A RE Í TO de 2020 H OY 5
ELOY ALBERTO TEJERA / E LOYA LB E RT 2 8 @ H OTM A I L .CO M
Aporte
René y el “me voy mañana”
que cumplió con certeza
No fui amigo de René Rodríguez Soriano,
debo aclarar cuando me dispongo
a escribir algo que pudiese
tener un tufo a panegírico o evocador.
Pero, hay algo importante: su reciente
deceso me ratificó la fragilidad de la existencia,
que esto del estar aquí y ahora es un
pisa y corre difuso. Ahora que se ha ido, noto
que las pocas veces que me reuní con él, ineludiblemente
fueron muy puntuales, atravesadas
por contactos desenfadados y amenos.
De René, francamente, habían cosas
que me distanciaban: el aspecto generacional,
-era mucho mayor que yo-, y que al principio
me encontrara que su estilo, a la hora
de contar, chorreaba mucha poesía y era poco
ordenado y técnico, y a mí, eso me asusta
y me resulta poco atractivo en la prosa. Pero
reconocí en él, al buen tipo, el que sabe borrar
la mala onda que siempre surge entre los
escritores, y a un ser que amaba la literatura
y para quien escribir era una forma esencial
o como el respirar mismo. Se es más colega
de quien ama la literatura que de quien se
dedica a emborronar cuartillas por oficio. Y
noté que René caía en el primer grupo.
Mirando los hechos a la luz de los recuerdos,
ahora me doy cuenta de que con René
Rodríguez Soriano estuve destinado a encontrarme
en los sitios que yo más detesto:
en una funeraria de la Lincoln (por la muerte
del poeta Alexis Gómez Rosa), en una publicitaria
(en los años 80 en su Módulo publicidad,
en la ciudad de Miami, donde conversamos
animadamente, más de su mudanza
y lo pesado que había resultado, que
de temas literarios) y en un ascensor, objeto
que inutiliza el arte de dar pasos. Era René un
Julio Cortázar en “versión criolla”. Caribeño
seducido también por los nobles arpegios,
por Miles Davis y Thelonious Monk. Lástima
que esos dos gigantones, que eran Cortázar y
René, no se conocieran. René le había seguido
al hombre de Rayuela hasta en la estatura.
Le había imitado y seguido el curso
respirador en la escritura, y destilaba un aire
de apacibilidad (como en el argentino) extraordinario.
Desde el primer campanazo se
mantuvo escribiendo en la misma tesitura.
Lo deslumbró ese transitar libertario del argentino
por la página, y soplaba en ese modo
sin importar (cual osado trompetista) que
estallaran los pulmones o los críticos. En eso
era grande René, no tenía vergüenza en exhibir
que le debía mucho a uno casi contemporáneo
(a Cortázar), cosa que causa
horror a cualquiera. Nadie, como dijo Borges,quiere
deberle sino al que está más distante,
y el contemporáneo es muy vecino.Eso
sí, René destilaba similar pasión por
la música que nació en las plantaciones y por
el látigo del blanco: el blues y el jazz. La primera
vez que supe del autor de “La Radio y
otros boleros” fue por el cineasta y escritor
Jimmy Sierra, quien me regaló un libro de él
que me pareció estrafalario. Luego en una de
mis andanzas citadinas me apersoné por su
oficina localizada en la 27 de Febrero.Le dio
un anuncio al poeta José Alejandro Peña para
su revista Alcándara, de la cual yo era un
pálido colaborador. Aprendió muchas cosas
René desde temprano y ese tiempo en la literatura,
y las hizo no con esmirriada elegancia:
a andar en grupo o apandillarse como
resguardo (junto a Raúl Bartolomé, Ramón
Tejada Holguín, Juan Freddy Armando)
y a ganar (en buena lid) algunos premios y
menciones en concursos literarios en Casa
de Teatro para pulular con cierto talante en
la selva literaria de Quisqueya.
Cuando la cosa se le puso agria aquí, René
se marchó de inmediato. Cogió el camino de
USA o las de Villadiego. De esos que se fueron,
su caso fue uno que yo nunca entendí.
Patéticamente emblemático. Me lo imagino
en la diáspora literaria luchando por un espacio,
escribiendo para un público casi inexistente,
reducido, o de variopinta especie:
chicano, mexicano, hondureño, etc…. A eso
nos exponemos los que hemos vivido en determinado
tiempo fuera del país y en una
nación donde el ser de la literatura en español
está condenado al fracaso, a navegar
siempre a contraviento y marea, sabiendo
que no hay puerto posible, sino un futuro
hundimiento. Me rompo la cabeza al pensar
cómo René cayó en la trampa que caen tantos
mortales dominicanos, de arriba y de
abajo, de Guachupita y de Naco, de no
aguantar los tiempos y las precariedades circunstanciales
cuando se avecinan, y de agarrar
los bártulos e irse a una edad en que para
René Rodríguez Soriano y Raúl Bartolomé
Julio Cortázar Ramón Tejada Holguín Miles Davis
‘‘
Al René dejar la media
isla, uno se pregunta: si
se fue el empresario publicitario
o si se fue el artista, el escritor, el
que se fue para buscar un
bienestar. ¿Se fueron ambos? ¿O
se fue para que ninguno de los
dos naufragara? Creo que pesó lo
económico, René emigró como
muchos para poder llevar sin
dificultades el pan a la mesa...”
el hombre inmigrante el naufragio está al
doblar de la esquina., y las tablas de salvación
son inexistentes, precarias. La lógica del
marcharse es incomprensible.
Al René dejar la media isla, uno se pregunta:
si se fue el empresario publicitario o si
se fue el artista, el escritor, el que se fue para
buscar un bienestar. ¿Se fueron ambos? ¿O se
fue para que ninguno de los dos naufragara?
Creo que pesó lo económico, René emigró
como muchos para poder llevar sin dificultades
el pan a la mesa, para sentirse lo más
cómodo posible a fin de mes para pagar las
cuentas y mantener el sobresalto de sobrevivir
a raya. Hace alrededor de un mes que
me encontré con él en la recepción del periódico
Hoy, casi a bocajarro del ascensor, sitio
que, como ya dije, aborrezco. Me monté
con él en el ascensor para aprovechar el efímero
encuentro. Andaba con alguien, que
intuí era una amiga cercana. Me dijo que vería
a Bienvenido Álvarez Vega, director del
matutino HOY, y claro, promocionaba con
un entusiasmo infantil varios libros. Hacía
mucho que no le veía, y tuve la impresión de
que arrastraba el rostro del hombre extenuado,
del que ya la vejez empieza a pasarle las
crueles facturas. Me chocó esa fachada porque
lo evocaba con una lozanía más próxima,
pues a la gente que uno deja de ver, psicológicamente
nunca uno cree que envejece.
Quizás era natural, ya René tenía o rozaba los
70. Nos habíamos saludado con la efusividad
y la simpatía latente entre quienes nunca ha
existido la posibilidad para la inquina, el celo
o el odio literarios, y sobre todo de que los
anteriores encuentros habían sido cortos y
en un ambiente de “este tipo me cae bien”. No
andaba con sus libros. Me prometió el relato“No
les guardo rencor, papá”, transformada
en noveleta .Le hice la observación que
tenía la vieja versión y me ripostó diciendo
que le había agregado una serie de documentos
al texto, y que ahora estaba más interesante.
No pude ir a su puesta en circulación,
pero luego de par de conversaciones
vía whatsApp, optó por decirme que me lo
dejaría (el mío y el de “Bienve” en la recepción).
Recuerdo que nos dimos un abrazo
corto;y que cuando salió de la oficina de Álvarez
Vega se lo presenté a la poeta Petra Saviñón,
quien posteriormente al saber su
muerte, me dijo que el caso más raro se dio
con René: ella conociendo un poeta que ya
tenía un pie en el estribo del otro lado de la
existencia. Que René se fue me lo anuncia el
poeta Amable Mejía en un frase corta para
quien ha tenido una vida literaria larga. Murió
René. Irónicamente iba camino a casa observando
una ciudad a solas, virtualmente
abandonada por el toque de queda. A René le
tocó morir en esta época, se lo lleva algo como
una peste (el coronavirus) que a todos
nos aterroriza. Me sorprendió un mensaje
colgado en la red pidiendo “a la comunidad
literaria y de lectores que acompañó a René
en sus actividades en Santo Domingo a seguir
un protocolo de contar 14 días a partir de
su último contacto con él”… Pero la peor
peste es la neoliberal, la que vivimos sin ruborizarnos.
René insertó dentro del libro que me dejó
en la recepción del periódico una tarjeta, la
que se convierte para mí en un souvenir macabro
pues detrás rubricó:¡salud! R,. (la salud,
que posteriormente a él le haría falta). Antes
me había escrito que no nos podríamos ver
para entregarme el libro personalmente. Textualmente
escribió por whatsApp: “No he tenido
tiempo como hacerte llegar el libro y “ya
me voy mañana, qué me recomiendas?”. E
irónicamente, se iría (de la vida) apenas un
mes más tarde. Pena René que cumpliste con
tu palabra y fuiste profético. A fin de cuentas
la tragedia no es morir, sino que la muerte le
eche el guante a uno (como en tu caso) estando
irremisiblemente solo.

Sábado 18 de a b ri l
6 H OY de 2020
A RE Í TO
GRACIELA AZCARATE
Historia de vida
La hierba mágica
(1 de 2)
A la memoria de la doctora
Milagros Maldonado
“Busco un límite del campo/Y me detengo
en la hierba /Guiada por aquella luz / Que mi
padre encendiera / Sigo las estaciones y los
tiempos / Que El dividiera / Y aun no he encontrado
/ la hierba mágica”
Confucio
Por eso, ahora más que nunca, es preciso
que todos aquellos que escribimos
y trabajamos con la palabra
sacudamos el asco y el círculo asfixiante
y anómico de la repetición abyecta.
Ahora más que nunca hay que sentarse a
contar historias. Esas “pequeñas historias”
que Howard Zinn escribió de la otra Norteamérica.
Es cierto lo que dice don Federico Henríquez
Gratereaux acerca de la realidad dominicana
(2010). Es verdad que abruma esa
cantidad de muertes, asesinatos, corrupción,
narcotráfico, enfermedades y desmesuras a
tal punto que él no sabe de qué escribir.
Lo dijo el jueves en su columna A pleno
pulmón. También es cierto el señalamiento
de Andrés L. Mateo acerca del envilecimiento
de la sociedad a manos de un terrorismo
ejercido desde el gobierno que ha
convertido la convivencia en un círculo asfixiante
y repetitivo.
Es cierto que actúan como lavaje de cerebro
las primeras planas de los periódicos
atiborradas de Sobeida y su amante, la historia
de vida de una proxeneta muerta a tiros
y sin aclarar el asesinato que salió en otro
matutino, ajuste de cuentas entre sicarios,
muertos a cuchilladas, fusilados a quemarropa,
envenenados, decapitados.
En la prensa escrita el horizonte de la isla
esta tinto de sangre, drogas y lodo.
Es material de lectura deprimente. Para el
que escribe hay que tener un estómago fuerte,
convicciones o simplemente sentimiento
de responsabilidad ciudadana.
Pero es también un síntoma no solo de la
corrupción en las altas esferas del poder, sino
de la inoperancia de la prensa. De la complicidad
con los responsables del partido en
el poder que desvían la atención de lo realmente
importante. La esencia no es si Sobeida
es linda, se hizo cirugía en los pechos,
está embarazada o llega muy animada, maquillada,
sonriente, conversando con el fiscal
y luciendo un bolso Vuitton.
El asunto es que durante diez años esa
pareja, con una pandilla de secuaces recolectados
entre jóvenes dominicanos y dominicanas
de clase media o alta fueron sus
cómplices y defalcaron, robaron y prostituyeron
vendiendo droga con el aval de los poderosos.
Punto. No es una heroína, no es una
versión femenina de Robin Hood del Caribe
aunque los boricuas hayan endiosado a Laura
Hernández que de locutora pasó a vendedora
de droga.
La cobertura fotográfica como si fuera una
primicia de foto reportaje en zona de guerra
es patética. Es la apología de una prostituta de
lujo, una mujer corrupta, que se ha enriquecido
vendiendo droga y que no le importa
que suma en la desgracia a toda una población
de drogadictos, una mujer que es la
prueba fehaciente de lo que es el sistema.
Y reflexionando me pregunté: ¿ahí cabe
hablar de inequidad de género? Porque en el
fondo de la historia Sobeida es una víctima
del sistema sometida a la trata y al comercio
de estupefacientes. A lo mejor
este culebrón por entregas
tiene su origen en ese
ámbito pobre de Puerto
Plata, sin trabajo, sin educación,
sin una familia contenedora,
sin modelos ni
raíces afincadas en el trabajo
honesto y en un futuro
sencillo pero decente.
Es víctima-victimaria del
sistema, pérdida en valores
falsos cifrados en el dinero,
la prostitución y el poder.
El doctor César Mella escribió
un artículo desde el
punto de vista del médico
psiquiatra que fue más allá
de la crónica roja y la morbosidad por los
detalles escabrosos. Hizo un paralelo con
Bonnie y Clide en el marco de la Gran Depresión
en 1934, en Norteamérica que fue el
semillero de pandilleros, proxenetas y truhanes
que crecían como hongos en el desempleo,
la pobreza y lo inicuo del sistema
quebrado en 1929.
En una de las muchas fotos que abarrotaron
los medios salen las dos mujeres, Sobeida
y Dolphy riéndose con descaro. No están
arrepentidas, ni preocupadas por el porvenir
en la cárcel. Ellas saben que la impunidad
existe, que hay una red mediática trivial
que apunta a su rutilante bolso Vuitton,
a sus pechos sometidos a cirugía, a sus yipetas
blindadas, apartamentos de lujo en la
costa, bacanales promiscuas y que se pueden
salvar porque hay dinero de por medio y
padrinos importantes. Detrás de toda esa
nube que desinforma y confunde reside la
cruel realidad de la inequidad de género.
No es solamente una mujer maltratada o
asesinada, una bebita muerta prematuramente
o mal atendida en un hospital público
de cualquier enfermedad prevenible, es y no
importa el sexo, el nacimiento de una persona
en una sociedad que desde que nace la
preparan para ser escoria, para ser expulsada
de la vida y para convertirse en mula o
prostituta narco. La falta de ética en los planes
de una sociedad sobre la salud de su población
hace peligrar la salud física, espiritual
y mental de un pueblo porque no cuida
ni la vida, ni la salud, ni la educación.
Más o menos eso dijo la doctora Mirta
Roses Periago, Subdirectora de OPS, en el
año 2001 en una entrevista de Le Monde Diplomatique:
“La Oficina Sanitaria Panamericana
tiene identificada la desigualdad de
género como una determinante fuerte en las
inequidades en los indicadores de salud. Todo
el Sistema de Naciones Unidas, la sociedad
global en su conjunto ha identificado a
la discriminación contra la
mujer como una de las condiciones
de injusticia social
más grandes y quizás uno
de los frenos más importantes
que hay para el pleno
desarrollo de las naciones”.
Y agregó: “Los programas
de salud son reflejo de
las decisiones éticas de un
país, del valor que se asigna
a la vida de cada de ser, de
los niños, de los viejos, de
los minusválidos.
En República Dominicana
hoy día la vida no vale nada.
Porque eso es precisamente
lo que hace mucho
tiempo falta en el país: decisiones éticas.
Por eso, ahora más que nunca, es preciso
que todos aquellos que escribimos y trabajamos
con la palabra sacudamos el asco y el
círculo asfixiante y anómico de la repetición
abyecta. Ahora más que nunca hay que sentarse
a contar historias. Esas “pequeñas historias”
que Howard Zinn escribió de la otra
Norteamérica. La de la segregación, el racismo,
la falta de oportunidades, la de sus
alumnos negros discriminados en una escuela
en Alabama, el genocidio de los pueblos
ancestrales y la política imperialista de
la supremacía blanca tanto para los de adentro
y como para los de afuera.
Detrás de la algarabía por los entretelones
de la vida de la pareja delincuente existe eso
que resume el doctor Mella como una profunda
pérdida de valores, una enfermedad
mental en el corazón de una sociedad prostituida
que como también dice la doctora
Roses “si no tiene salud, no tiene vida, ni
educación, ni porvenir”.
Salud física, moral y espiritual. De eso
se trata.

Sábado 18 de a b ri l
A RE Í TO de 2020 H OY 7
CARLOS FRANCISCO ELIAS
Papeles del trópico
PARA CELEBRAR A LUIS EDUARDO AUTE:
Aquella sensibilidad de
venas abiertas insurgentes...
1/Cuando el apellido se convierte en nombre:
Aute. Luis Eduardo. Luis Eduardo Aute
(1943-2020), sus múltiples talentos le permitieron
siempre estar en el lugar exacto con la
inquietud precisa... Filipinas, aquella colonia
española de gran importancia en Asia,
perdida por el Imperio español en lo que se
llamó el Gran Derrumbe en 1868, aquel lugar
fue la tierra natal de Luis Eduardo Aute. Allí
comenzó su aventura con las lenguas: inglés,
castellano y el famoso tagalo, que no es más
que una versión asiática de lo que en el Caribe,
es el papiamento de la Antillas Holandesas...
Aquel tiene español, inglés y voces
nativas, el de nuestra zona, portugués, castellano
inglés. Insisto en el tema de las lenguas
(Español. Inglés. Tagalo. Catalán, por
parte de su padre)... En una imaginación
creadora, como la suya, las lenguas debieron
jugar un secreto rol, inmenso, de vivacidad e
interés en sus primeros pasos hacia la madurez
y en el descubrimiento temprano del
arte del dibujo, por ejemplo. En fin, Luis
Eduardo Aute alternaba esos dos mundos: la
imagen y las letras...
Aute, cuyo apellido se fue convirtiendo
poco a poco en su nombre, edificó una obra
vasta, curiosa, referida a varios espacios
creadores: Letras (Poemas y textos de canciones.
Libros.). Imágenes (Cine. Largos y
cortometrajes. Pinturas) Música (Banda sonoras
para películas. Música de sus canciones.
Grabaciones de más de 37 larga duración.
Conciertos).
La complejidad de asumir todo aquello como
un juego, para vencer el tiempo, ubicarse
en el ruedo vital de nuestros días con una vocación
del más simple que menos lo era y detrás
de la ira ante algunas circunstancias: la interioridad
de un decoro, que no necesitaba una
etiqueta de izquierdista guardado a buen recaudo.
Nunca fue su vocación: cifrado en la
profundidad de su rebelión
del espíritu su impronta clara
como el alba que luego construyera,
era la búsqueda constante,
adivinándole al hálito
vital de lo cotidiano las desconocidas
esquinas de la creatividad
desbordada, que siempre
acudió a sus puertas en
cada instante.
De modo conservador, sin
altas pretensiones , así quiero
dejarlo, porque no quiero embarcarme
en la inútil tarea de
hacer el recuento de su obra
en un simple texto de suplemento,
el riesgo es escalofriante.
En favor de Aute, todo,
en su contra nada, absolutamente
nada, para asumir esta
premisa necesaria, saludable, bastaría pensar
en aquel gigante, desgarbado, políglota, curioso,
para quien el conocimiento era un frío cadáver
en un tiempo donde la información digerida,
de paso atropella la cultura y ésta sepultada
por el entretenimiento vago, futil ...
No obstante, en la medida que reflexiono
y traigo a mi memoria años jubilosos, donde
la incertidumbre como escuela de la vida,
era un filo vibrante de la existencia, no puedo
dejar de pensar que Luis Eduardo Aute
como autor de textos de canciones que fueron
poemas de inmediato, fue de los primeros
seres utópico y libertario de quien tuve
referencia en España, entre final de la década
del 70 y mediados de los 80, del siglo XX,
junto a Joaquín Sabina...
2/Aute, Luis Eduardo. Massiel O Rosas en el
mar. El 1968. Chris Marker nos quería
adoctrinar con su Fondo del Aire es Rojo
(Le Fond de l'air est rouge) cuando cuando
9 años luego (1977) celebraría en retrospectiva
aquel año mítico que nunca nos
daría la imaginación para mirar la China
de entonces hoy... En aquellas convulsiones
España, aún con un dictador, tenía el
fermento de una juventud con presencia
que entre la música y la canción, se abría
pasos insospechados... Luis Eduardo Aute
tendría entonces unos 25 años.
Massiel (nacida como María de los Ángeles
Felix Santamaria Espinosa) se cruza con Aute
en 1965, faltan 3 años para EuroVisión, que
en Londres, Inglaterra, se celebraría en el Albert
Royal Hall. Bajo aquella simpatía y admiración,
Aute produce 5 canciones pioneras:
Don Ramón, Made In Spain. Rojo sobre
Negro. Aleluya # 1. Rosas en el Mar.
Luis Eduardo seguiría aferrado a su vocación
de artista plástico con pasión inusitada,
sin embargo Massiel logra grabar en
1967 Rosas en el Mar, apenas un año antes
Luis Eduardo Aute. portada mítica de uno de sus albunes.
de lo que sería su triunfo en Eurovisión con
la canción del Dúo Dinámico La, la, la. Estas
referencias, para recordar a Luis Eduardo
Aute, son obligadas, porque en aquel momento
se hablaba, a partir de Aute y otros
grupos de la nueva canción castellana, semillero
de nuevas canciones, porque la música
de los pueblos de España, poco a poco se
abría espacio hacia un futuro político, donde
la canción jugaría en la Transición Política Española
un rol de historia y memoria.
ROSAS EN EL MAR.
Voy buscando un amor
que quiera comprender
la alegría y el dolor,
la ira y el placer,
un bello amor sin un final
que olvide para perdonar;
es más fácil encontrar
rosas en el mar.
La, la, la...
Rosas en el mar.
Voy buscando la razón
de tanta falsedad.
La mentira es obsesión
y falsa la verdad.
Que ganarán, que perderán,
si todo esto pasará;
es mas fácil encontrar
rosas en el mar.
La, la, la...
Rosas en el mar.
De izquierda a
derecha, de
pie, Billy
Villegas, Javier
Kra h e,
B e rn a rd o
Fuster, Teresa
Cano,
Fe rn a n d o
Jurado –el
mánag er–, y
A n d re a s
Prittwitz. De
izquierda a
d e re ch a ,
sentados, Luis
Vi l l a rre a l ,
Óscar Astruga,
Jo aquín
Sabina, Luis
Eduardo Aute
y Luis Mendo,
su guitarrista.
En el verano
de 1982,
Fe rn a n d o
Jurado quiso
juntar a todos
estos artistas
para intentar
montar una
gira. Se
bautizaron con
el nombre de
' Cu a d ra
J u ra d o ' .
3/Aute y una producción televisiva dominicana
en los años 80: Anita Ontiveros..
Detrás de esa canción, un texto en apariencia
simple, estaba al talento de quien luego
sería uno de los grandes cantautores españoles
de su generación. Luego por el
Madrid cerca e Alfonso XIII, calle
Narcisos, en aquel lugar de Ana Belén
y Víctor Manuel, en los encuentros
ocasionales con Miguel Narros
(Director de Teatro) José Luis García
Sánchez, (director de cine). Rosa
León, cantante. Allí se hablaba con
encomio de Luis Eduardo Aute, de su
personalidad y su talento. Finalmente,
a mediados de los años 80, junto a
Anita Ontiveros, comprobaríamos
quién era Luis Eduardo Aute. Se le
entrevistó largo y tendido, quedó
complacido, fue un ambiente extraordinario,
desconozco si sus deseos
de venir a República Dominicana,
fueron cumplidos: en aquella entrevista
de cálido verano madrileño,
esa fue su promesa, entre humor inteligente
y rebeldía filosófica. (CFE)

Sábado 18 de a b ri l
8 H OY de 2020
A RE Í TO
ARNULFO SOTO
Aporte
Carta a un amigo
que está de viaje
José Ramírez Conde
Galaxia Messier 31
Módulo Transferible NGE-205
Querido amigo:
Yo sé que pensarás mal de mí, pues
he tardado mucho en escribirte.
Quiero explicarte que no me he olvidado
de ti y que mi aparente ausencia
la motivaba el problema de ubicarte.
Esperé el tiempo necesario para que al
trotar por esos mundos desconocidos, fijaras
residencia definitiva y así tener la certeza
de que ibas a recibir esta carta, que tú sabes
la hago con todo el afecto y el cariño que
siempre te he tenido.
Qué bueno, Conde, sé que estas compartiendo
tu taller con Diego Rivera, Orozco, Siqueiros,
Colson, Gilberto y Giudicelli.
Me cuentan los rumores siderales que están
haciendo cosas maravillosas entre todos
y que una tarde profunda y refulgente rompió
el silencio la voz de Miguel Ángel, quien
balbuceó en sonoro florentino palabras de
agrado y de justo reconocimiento a lo que
ustedes hacían. Estamos seguros que esa
ocurrencia feliz te llenó de orgullo y de franca
alegría y que le saludaste con la misma
timidez y con esa parsimonia que ni los genios
la sacan de lugar.
Aquí en la tierra te extrañamos mucho. Tú
sabes que de veras no estoy triste por tu partida,
pues tengo la plena convicción de que
estás compartiendo con gente de tu altura
intelectual y que tu genialidad, tu actitud y
tus formas de modelar los criterios, son tan
comunes y corrientes en tu nuevo hábitat,
lugar de genios.
Me parece estar viéndote cuando haces
tus apartes con Orozco y cambian impresiones
sobre la técnica de mural al fresco que
ambos conocen tanto. Cuando platican sobre
un arte con sentido dialéctico, revolucionario
y transformador de los esquemas
formales e ideológicos.
Condesa, dime ¿qué te dijo de la Trinchera?,
desde luego te habló de la figura central;
el soldado herido de muerte manteniendo
en sus brazos el fusil mil veces disparado.
Estoy seguro que te reconoció desde que te
vio y que él también siente una gran alegría y
orgullo de ser compañeros en el eterno afán
de la pintura.
El otro día en el Mesón, Nanchú me dijo:
“Oye Sotana”, y sentí una profunda nostalgia
al ver que no eras tú, porque si mal no te
acuerdas, tú eras la única persona que me
llamaba así; no tan solo por eso, sino que eso
de Sotana lo inventaste tú.
Conde, cuando me escribas tienes que
darme una amplia explicación con lujo de
detalles de cómo está la galaxia. La ciencia
debe estar muy adelantada y los materiales
pictóricos deben ser extrañísimos, los cuales
debes estar acostumbrándote a ellos.
Conde, tú sabes que te envidio. Tú te imaginas
que cuando quieras puedes visitar a
Rossini, tu orquestador favorito para que te
explique cómo armonizar los conciertos de
Paganini. Eres un privilegiado. Sabes que
tengo miedo que al morirme no pueda ir por
tus predios, pues la verdad que son lugares
predestinados a los genios y de eso ni tengo
el más mínimo asomo.
Ahora te pido que si algún día voy de paso
por allá, por favor usa tus influencias a ver si
me quedo con ustedes. Dile a esos amigos
tuyos, que yo hago bien los bastidores, sé
barnizar, y conozco la técnica del fresco y le
haría muy bien los morteros.
Déjame no hablar sandeces sobre eso;
siempre uno utilizando a los amigos para
que le hagan favores.
Debes estar riéndote con las muelas de
atrás. Tus Mets de Nueva York haciendo un
punta a punta y eso que tu favorito, Keith
Hernández todavía no está caliente como él
acostumbra .
Condesa, tú sabes que me está preocupando
seriamente la situación social y política
nuestra. Yo sé que tú me dirías, “¿ No
querían a Balaguer? “Ahora chúpense ese caj
u i l i t o”. Pero de verdad estamos también
preocupados como siempre lo estuviste,
queriendo que este pueblo viviera en mejores
condiciones. Sinceramente estamos
atrapados en un callejón sin salida. Ahora
Muchacha peinándose (Maria moñitos), Óleo sobre tela. 101 x 77 cms. 1987.
que estamos hablando de problemas sociales
y políticos, debes haber visitado el módulo
de los genios en esa materia. Cuéntame
Conde, de las divergencias tácticas entre
Mao, Ho Chi Min, Lenin y el Che. ¿Qué dices?
¿Qué opinan de Stalin? Supongo que hay
muchas vertientes de opiniones no congruentes.
Espero que Lenin debe tener mucho
afecto por los líderes revolucionarios latinoamericanos.
Trata de averiguar si Sandino
y Manolo se visitan y si los ves, enséñale
a los dos que el Che tiene el alma más pura
de todos los muertos y todos los vivos. Nosotros
lo sabemos, pues tuvimos el privilegio
de conocerle.
Tus cuadros, como siempre sucede, han
tomado un gran valor económico, si vuelves
lo compararás y sé que te reirás de esa actitud
de las personas vivas. Los que te queremos
mucho, mantenemos vivo el recuerdo
de tu presencia.
Esa actitud de joven viejo sabio, filósofo,
sobrio, de un solo vestir y calzar, con la cadencia
heroica inconfundible que denotaba
tan inmensa personalidad, diferente, única.
Conde, hay veces que la tristeza me embargo
cuando amanezco con el inmenso deseo
de compartir un poco de bohemia intelectual
contigo.
De Wagner a Vivaldi o Abimioni y de repente
me disparabas al confuso Brahms que
tú digerías con un buen vino de cabecera y
terminábamos traduciéndome La Tierra
Baldía, que tú me ayudaste a comprender, ya
con una variante musical diferente, escuchando
a Beni Moré y a Serrat. ¡Qué buenos
tiempos Conde!
Eres un sin vergüenza, como siempre con
tus cosas raras, te fuiste sin decírmelo, ya me
la pagarás, geniecillo, cuando nos encontrem
o s.
Cuéntame, ¿todavía te peinas como el
Emperador? Estoy seguro que sí, porque serás
genio y figura hasta el final de los siglos.
Mechi, mi esposa, tú gran amiga, siempre
recuerda cuando iba al mercado a comprarte
los berros que tanto te gustaban y de veras
tiene el gran deseo de que te vuelvas a pasar
aquellos inolvidables días en casa. ¿Todavía
te sigues levantando de madrugada?, como
aquella vez en la casa de Juan Dolio, en la
playa, que se escuchaba el crujir de tus pasos
prusianos acelerados por el taconeo de tus
eternas botas, cuando el sol empezaba a decirnos
los buenos días y te ibas a tomar notas
del paisaje marino en tu cuaderno de escolar.
Lo más extraño de todo era que todos
esos apuntes que hacías lo convertías en
musas neoclásicas con el mar como entorno,
que si yo las tuviera en el mismo lugar
donde las dibujaste, Picasso las hubiera querido
para él.
Tu autorretrato dedicado, me saluda todas
las mañanas y cada día se parece más a
ti, y en él reconfirmo cada vez, todo el concepto
formal goyesco con que lo realizaste.
Bueno Conde, por favor contéstame, todavía
vivo en el mismo lugar, tu casa, demás
está decírtelo.
De todos en el Mesón de Bari, un fuerte
abrazo. La juerga de hoy va por ti, amigo del
alma.
Te prometo escuchar La Novena más a
menudo y releer a Proust y Elliot que en el
1968 me regalaste.
Como de costumbre, amigo mío, con todo
el afecto y el cariño de quien siempre creyó,
cree y creerá que fuiste el más culto y conceptual
artista que pasó como un rayo de luz
y fuego abrasador por este pedazo de tierra.
Hasta la próxima, Conde,
Te quiere,
Miñín
P. D.
Se me había olvidado recordarte cuando
hablábamos hace tiempo sobre la definición
del arte, que escogimos que el arte “es algo
extraño que se siente en la mente”. Así de
repente me da por pensar que eso mismo
sentías tú, ese extrañó sentir en la mente.
Hasta luego.
A.S.