MondoSonoro Abril 2020

GRISES, HINDS, LOS ENEMIGOS, SUU, NAJWA NIMRI, DESAKATO, NÚRIA GRAHAM, CRUZ CAFUNÉ, BAD BUNNY
BODY COUNT, LEE RANALDO & RAÜL REFREE, HABITAR LA MAR, REDD KROSS, FUNDACIÓN TONY MANERO
Nº 282 Abril 2020 www.mondosonoro.com
Viva Belgrado Grita fuerte
FOTO: PABLO ALZAGA

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7/Mondo
freako
FOTO: ARCHIVO
Desakato
Con el
viento
Año tras año el fenómeno de ES UN TÍTULO UN POCO que nosotros queríamos conseguir
Desakato ha ido abriéndose
DISTÓPICO, nos evocaba
al agotamiento de los su propia personalidad. No ha tenido
con este disco, que cada tema tuviese
camino en el panorama del
recursos del planeta. en ningún momento prejuicios con
rock de este país. Disco a disco,
Es una metáfora de una respecto al circuito en el que nosotros
concierto a concierto los
sociedad que se devora nos solemos mover y ha sabido extraer
lo mejor de cada tema así que le
asturianos se han erigido una a si misma y que está al borde de la
de cara
alienación”, nos cuenta el siempre estamos muy agradecidos”.
garantía para llenar escenarios
amable y sonriente Pablo desde su
UNA NUEVA REFERENCIA de Desakato
que llega meses después de ter-
y encabezas festivales. Ahora cuartel general en Ovni Estudio, estudio
de grabación que se ha convertido minar la gira de Antártida, un EP con
publican su sexto álbum, La
miel de las flores muertas en lugar de peregrinación de bandas el que recorrieron España, México,
de todo el país. La miel de las flores Inglaterra… y con el que llenaron dos
(Autoeditado, 20), sobre el que
muertas es un nuevo álbum con un sonido
que significa la mayor evolución La Riviera o encabezaban numerosos
noches consecutivas la madrileña sala
hablamos con Pablo Martínez,
guitarrista, letrista y una de que ha realizado la banda en sus casi festivales. Los de Lugo de Llanera
las voces del grupo.
dos décadas de vida. El responsable
de ello, el líder de Havalina, Manuel
Cabezalí. “Manuel es un tipo al que
admiramos desde hace años por su
banda, Havalina. Nos encanta la oscuridad
no se han escondido durante mucho
tiempo. La gira del anterior disco ha
sido muy intensa, y nos ha mantenido
muy conectados con la música. Podría
pensarse que, cuando un grupo tiene
y la melodía que es capaz de mucha actividad y muchos conciertos,
3
transmitir y hemos sido seguidores tiene menos tiempo para componer,
desde siempre. Manuel tiene un concepto
estético muy amplio y eso es lo ferente. Necesitamos esa conexión
pero creo que en nuestro caso es di-
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro abril 2020 #7
“Seguimos aquí
porque amamos
lo que hacemos,
¡sería horrible hacer
música y que no nos
gustara!”

MONDO
FREAKO
3con la música y con el público y así motivarnos y
hacer canciones nuevas. Este disco ha tenido un
proceso más largo tanto de composición como de
producción y lo hemos disfrutado de una manera
mucho más intensa. De hecho, el proceso de
producción ha sido muy lento y muy minucioso y
hemos conseguido un sonido diferente y arriesgado
que es lo que pretendíamos desde siempre”.
EN LA MIEL DE LAS FLORES MUERTAS podemos
encontrar de nuevo una crítica a la sociedad
de consumo y el sistema: es muy difícil escapar
de la vida moderna y de las mieles y comodidades
que nos ofrece. Nosotros mismos estamos en
mayor o menor medida enganchados a todas las
perversiones de la conexión masiva, la pornografía,
el consumo abusivo, la idolatría del imbécil,
etcétera. Pero creo que es sano reflexionar sobre
ello para intentar tener una visión crítica de
nuestro comportamiento e intentar no dejar que
nos domine por completo”.
EN ESTE ÚLTIMO ÁLBUM, destaca el nivel de
las letras, algo que la banda siempre ha cuidado
al detalle y una de las claves por las que el espectro
de público con el que han conectado es amplio
en cuanto a gustos y edades. Dentro del disco, su
primer single, Hijo de puta, destaca en la manera
en la que han afrontado la letra. “Hijo de puta
es uno de los temas más llamativos del disco,
quizás porque no solemos escribir de una forma
tan directa. Solemos utilizar más metáforas, sin
embargo, en esta ocasión me pareció necesario
hacer un tema así de directo. Recuerdo que estaba
buscando la forma de decirlo sin decirlo, de
buscar un enfoque alternativo y al final decidí que
lo mejor era darlo crudo”. —ALEJANDRO CASTRO
R
Más en www.mondosonoro.com
EN CONCIERTO
l Bilbao 17 abril, Santana 27
l Gurrea de Gallego 18 abril, Gurrea Rock
l Villarrobledo 1 mayo, Viña Rock
l Almería 10 mayo, Solazo Fest
l Rivas Vaciamadrid 16 mayo, Rivas Rock
l Santiago 30 mayo, Fontes Do Sar
l Crevillente 13 junio, Marea Rock
l Toro 9 y 20 junio, Vintoro Festival
l Valencia 2 julio, sala por confirmar
l Soria 17 julio, Soria Rock
l Ayllón 18 julio, Fogo Rock
l Barbate 24 y 25 julio, Cabo de Plata
l Xixón 30 julio, Tsunami Xixón
l Bueu 31 julio, Sonrias Baixas
DISCOGRAFÍA
Con el viento de
cara (2008)
7/10
Un prometedor debut con las influencias
bien marcadas en las tres raíces
primigenias de la banda: La cultura
asturiana, el punk rock californiano y
el rock contestatario.
Miseria, sangre
y plomo (2010)
7/10
Un segundo trabajo continuista, pero
en el que ya se pueden ver por dónde
irán los siguientes pasos de la banda:
hacia la búsqueda de su propia personalidad.
Inercia (2012)
7/10
Aquí estamos ya ante una banda consolidada
en el circuito nacional y que
sigue afrontado su propia carrera.
Buen viaje (2014)
8/10
La banda se abre a influencias fuera
del rock y del punk rock, algo que
marcará sus trabajos a partir de este
disco.
La Teoría del
Fuego (2016)
8/10
Su mejor álbum hasta este 2020. Pablo
y Pepo llegan a la sincronización casi
perfecta y el nivel de las letras es
Antártida (2018)
9/10
A pesar de ser un epé, este es su
trabajo más maduro hasta La Miel de
las Flores Muertas (2020). Grabado
en directo. Grandes estribillos que
hicieron que esta cosecha de canciones
le supieran a poco a mucha gente.—A.C.
LA MÍA
Más ‘cornás’
da el hambre
Manuel García Cuesta “El Espartero”
fue un torero sevillano
que terminó muriendo en Las
Ventas a los veintinueve años
cuando un Miura se lo llevó por delante.
Pero más allá de los detalles de su muerte,
El Espartero ha pasado a la Historia por
unas palabras que pronunció cuando le
preguntaron por el origen de su valor, un
valor que rayaba lo suicida. Él respondió:
“Más cornás da el hambre”. Escribo estas
líneas desde Madrid un 11 de marzo con un
precioso sol primaveral. La climatología de
alguna forma ayuda a restar dramatismo a
lo vivido los últimos días: espacios públicos
cerrados, bares y restaurantes vacíos y
muy poca gente en las calles, sobre todo si
tenemos en cuenta el traqueteo de turistas
que de unos años a esta parte colapsa como
colesterol las arterias de la ciudad. Apenas
ha pasado día y medio desde que el Gobierno
de la Comunidad tomara la decisión de
mandar a los niños para casa, horas desde
que se haya hecho efectivo el cierre de
espacios culturales. Un corto lapso de tiempo
en el que ya hemos podido ver imágenes
de supermercados arrasados que rozan el
surrealismo. En estos momentos y a pesar
de que en las pantallas espliquen la razón
de ser de las medidas, todavía desconocemos
a ciencia cierta la virulencia de esta
epidemia, su peligrosidad en comparación
con otros virus estacionales con los que estamos
acostumbrados a convivir. A falta de
lo que esté por venir, lo único que sabemos a
ciencia cierta es que en estos momentos ya
se ha paralizado la actividad económica del
país. En el sector musical permanecemos a
la espera de ver cómo se recibe el mensaje
en territorios como Estados Unidos o Reino
Unido de los que proceden la mayor parte
de artistas y bandas que encabezan los
carteles de festivales. Las pocas noticias
que llegan al respecto hablan de giras que
ante la imposibilidad de ser aseguradas
no llegarán a llevarse a cabo. No en las
próximas semanas: el escenario se alargaría
durante meses. Es obviamente una situación
de extrema gravedad que golpea de lleno a
miles de personas que para comer a diario
depende de ese trabajo: artistas, salas, técnicos,
promotores y, sin ir más lejos, medios
como el nuestro. Pero haciendo un ejercicio
de positivismo –un tanto forzado a tenor de
las circunstancias, cierto es– veamos esta
crisis como una oportunidad. Una oportunidad
para que los diferentes agentes que
formamos el mundo de la música en nuestro
país definitivamente unamos fuerzas bajo
un solo paraguas que englobe las demandas
de promotores, discográficas, salas y, por
supuesto, músicos. Esa organización, que
me consta que lleva un tiempo cocinándose,
ha de velar por los intereses diferentes pero
nunca contrapuestos de un sector que va a
necesitar visibilizarse en cuanto la crisis
sanitaria llegue a su fin. —LUIS J. MENÉNDEZ
#8 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Grises
Directos al frenesí
La espera no ha sido larga pero
sí incierta. Vuelven Grises,
pero no de forma discreta,
“Buscábamos hacer un
disco loco, más directo,
que fuera una bomba
en el escenario”
MONDO
FREAKO
sino a tres mil revoluciones.
Talismán (Autoeditado, 20)
es el trabajo más corto de la
banda hasta la fecha pero
también el más intenso en un
repertorio que ya celebra la
década. Ahora que el mundo
parece que no volverá a ser
igual, los de Zestoa redoblan
la apuesta.
CRÍTICANDO
Talismán
Autoeditado
Rock 8/10
Grises regresan con un trabajo ambicioso,
inconformista, directo y repleto
de energía que nos descubre a una
banda como nunca antes la habíamos
visto. El rock adquiere ahora un protagonismo
indudable sin dejar de lado
en este proceso a las melodías pop y el
toque electrónico y bailable marca de
la casa. Ya no estoy a salvo aquí certifica
que nos encontramos a unos Grises
repletos de incertidumbres, pero a
la vez con un espíritu arrollador que
anticipa un futuro lleno de posibilidades
para ellos. Misma tónica que en
Azul, con la inestimable colaboración
de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly),
y en la que nos encontramos frente a
una banda abierta de par en par en su
particular búsqueda de terrenos inexplorados.
Si realmente algo tiene este
álbum es que en tan solo veinticinco
minutos uno puede llegar a experimentar
el enorme trabajo, inquietudes
y disfrute que hay detrás de este
regreso. Anunciaron un parón, sí, pero
tan solo fue para tomar impulso. —A.B.
ciones del disco, Azul, que cuenta con
la voz de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly)
y que desvela un ritmo trepidante
en sus primeros compases. “El tema en
cuestión le pegaba a Víctor y enseguida
dijo que sí a colaborar. Se da el caso
de que ambas bandas tienen algo de
psicodelia, aunque cada una de forma
diferente, y creo que nos hemos entendido
muy bien en este proceso”. Pero
no es la única canción del disco que
cuenta con invitado. También es el caso
de Galdu arte, con el acompañamiento
de Jurgi Ekiza (Willis Drummond), en
la que se ha convertido en la primera
pista de estudio de la banda en euskera
y en la que se vislumbran influencias
de grupos como Battles y Ty Segall.
“Hemos estado escuchando cosas que
no tienen nada que ver con el rock. A
nivel personal yo escucho grupos más
guitarreros… Pero a nivel de grupo hemos
estado con M.I.A., sobre todo en el
terreno de las percusiones y la rítmica.
Ha sido una influencia clara aunque
en el disco no se vea tanto. También
GRISES ESTÁ AQUÍ DE NUEVO
y lo están tras un breve descanso
que ha servido para refrescar
las ideas, embarcarse en
otros proyectos y, sobre todo, para caer
en la cuenta de la necesidad de seguir
regalando música al mundo. Un lugar
que, como bien se revela en su single de
presentación, Amazonia Arde, vive en
constante lucha por su supervivencia.
Más si cabe ahora que el planeta está
viviendo un drama inédito. “Lo que
teníamos preparado para el inicio del
disco se ha ido a la mierda. Íbamos a
tocar en Bilbao, Gasteiz y Azpeitia para
ir arrancando cerca de casa. El álbum
en teoría salía el 27 de marzo, pero
ya no sabemos qué pasará”, comenta
Eñaut Gaztañaga, cantante y guitarrista
de Grises. Cambio de planes que la
banda comprende, pero que se presenta
en un momento especial como
grupo, la vuelta a la carretera tras un
parón en el proyecto. “En enero decidimos
parar aunque lo anunciamos más
tarde. Estábamos un poco quemados.
Es cierto que solo nos ha costado un
año preparar el disco, pero ha servido
también para hacer las cosas con más
paciencia y menos presión”. Talismán
es un trabajo compuesto por tan solo
ocho temas pero que se revela como un
torbellino de energía y agresividad sin
dejar de lado las melodías pop que caracterizan
a la banda. “Surgieron ideas
en mi estudio, pero sin ningún rumbo.
Queríamos un trabajo que fuera personal
y hemos probado de todo por el
camino. Buscábamos hacer un disco
loco, más directo, que fuera una bomba
en el escenario. Tiene un montón
de sintetizadores analógicos, bastantes
riffs, bien de fuzz... Pero sobre todo esa
parte electrónica añadida que ha hecho
que quede bastante curiosillo”. Buena
muestra de ello es una de las colaborahemos
escuchado a Battles, ya que nos
impresiona mucho como hacen arte
de esa locura de ritmos raros y loops”.
Es evidente el cambio y la evolución
de Grises en este trabajo y la cierta
expectación que produce en la banda
el cómo será recibido, pero aun así no
han querido incluir artificialmente más
canciones para agradar a la base de
fans de anteriores trabajos. “Han quedado
bastantes ideas fuera. Los grupos
cada vez hacen álbumes más cortos ya
que a la gente le cuesta consumir un
disco entero. Una banda puede hacer
doce canciones y luego solo se escuchan
tres. Y es cierto que igual tienes
ganas de decir más, pero no hay tiempo
para consumirlo. Ni siquiera a estas
alturas sé si un trabajo de veinticinco
minutos como el nuestro debe ser un
álbum o un EP”. Damos fe de que es un
disco, y muy bueno. —ALBERTO BONILLA
R
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abril 2020 #11

MONDO
FREAKO
Amor, pesares generacionales
y algo de sorna respecto
a las críticas, construyen
el discurso del álbum
más redondo de Hinds en
la producción. Melodías
superlativas (Good Bad Times)
y matices a un pop de frescura
ineludible. The Prettiest
Curse (Lucky Number, 20), un
motivo más para no arrojar la
toalla. A la venta el próximo 5
de junio
Las mujeres dedican el doble de
horas que los hombres al trabajo
no pagado. Y las Hinds han
invertido –mínimo– el triple de
tiempo que cualquier grupo masculino
a dar explicaciones. Bondades del patriarcado
al margen, ellas no han arrojado
la toalla estos años. Y el tiempo les
ha dado la razón: encaran su tercer lanzamiento
con una carrera consolidada
y con su mejor disco bajo el brazo, The
Prettiest Curse. En él, caben los pesares
generacionales bajo melodías brillantes
(Good Bad Times) y la sorna respecto a
las críticas (Just Like Kids (Miau)). La
frescura habitual, pero envasada con
más tiempo y con más detalles, fruto de
su trabajo con Jennifer Decilveo (Beth
Ditto o The Strokes). Al sol de un parque
de Madrid, responden Carlotta Cosials y
Ana Perrote en representación del cuarteto
madrileño.
—Habéis roto barreras creativas.
(Ana) El tiempo, por primera vez, ha jugado
a nuestro favor. Hemos parado de
girar y hemos hecho muchísimas más
canciones. Las del disco son la crème de
la crème, pero también ha salido mucha
mierda [ríe].
(Carlota) Hicimos una preproducción
en Madrid con Jennifer. Una semana
dibujando las canciones para ver qué
sonidos nos podrían interesar más.
Investigamos qué clase de cosas íbamos
a poder necesitar en Nueva York grabando.
—Allí habría que aprovechar el tiempo...
(Carlota) Hablándote en plata... ¡Era un
pastón!
—El trabajo de combo lo teníais. ¿Qué
habéis descubierto sobre sonido?
(Carlota) Parece obvio, pero ante diferentes
estímulos hacemos melodías
diferentes. La voz, el estado de ánimo,
va a otros lugares. Por eso ha sido súper
positivo haber metido nuevos instrumentos
en el álbum.
—En una entrevista reciente, hablabais
de autoboicot. ¿Lo habéis superado?
(Carlota) Sientes que a veces te tienes
que lavar el cerebro en ese sentido. “Ese
artista lo puede hacer, pero a nosotras
EL APUNTE
Consciencia
“HAY COSAS QUE NO VEO muy artísticas
para decirlas en las canciones. Cada
tema tiene su sitio”, explica Ana Perrote,
que ha hecho de sus stories en los
últimos tiempos todo un canal informativo
del zero waste. Intenta traspasar
esa lucha fuera del 2.0. “No podemos
decidir que un festival sea vegano,
pero hacemos otras cosas: intentamos
eliminar el plástico del vinilo. Pero
hasta que las multinacionales no decidan
que las fábricas tengan esa opción,
no se podrá hacer nada. Al menos, ¡hemos
conseguido mandar las camisetas
en bolsas sin plástico!”. Menos margen,
aquejan, hay con el precio de los tickets.
“Nos raya muchísimo el precio
de las entradas, porque hemos sido
asiduas a bolos desde la adolescencia,
cuando no teníamos ni un duro. En Estados
Unidos hemos hecho un pack para
poder comprar el vinilo muy rebajado,
pero hay veces que no podemos hacer
más”, dice Carlotta Cosials. —Y.S.I.
nos quedaría fatal”. ¿A nosotras, al
ser tías, nos queda fatal? ¿Por qué? Lo
primero es que una misma actúe con
esa libertad con la que quiere que se la
trate.
—El patriarcado ha borrado referentes
de bandas de chicas. Eso no ayuda.
(Carlota) Haberlas las ha habido, pero
un grupo de chicas suele tener una vida
más corta. Nuestra tour manager pertenecía
a Vivian Girls, y ella misma nos
lo decía: “La vida media de un grupo de
chicas son ocho años”. Luego el grupo
se separa.
—No rehuís de hablar sobre feminismos,
pero desde los cuidados y el
amor. ¿Vuestra vía es más coser que
hablar de política desde la rabia?
(Ana) Hay nuevas armas: el humor,
como contra los haters en Just Like Kids
(Miau).
(Carlota) Cuando te distancias de la
propia situación, puedas hablar mejor
de ella. Distanciarse y verlo desde fuera
permite relativizar y que no te amargue
la vida. Lo que más cuesta en este mundo
es sentirse feliz...
—¿Habéis tenido que dar explicaciones
de más como banda?
(Ana) Por todo, sí [ríen].
(Carlota) Lo que más orgullosa me hace
sentir es que no nos hayamos cansado.
Cada colleja ha sido un “venga para
adelante”.
—Habéis consolidado eso de sacar
disco y girar. ¿Cómo se puede cuidar
uno en esos momentos?
(Ana) Has descrito el título del álbum:
la maldición más bonita. Esta es la vida
que llevamos. Sacrificar todo menos la
música cuando te dedicas a la música.
Perderte la vida de tus seres queridos,
que te dejen tus parejas o enamorarte
de gente del mundillo porque no estás
más que con teloneros. Cuando sientes
que no vas a ser tan feliz con otra cosa
como con la música, te ha llegado esa
maldición.
—¿El reto ahora es hacer menos y
disfrutarlo más?
(Ana) Tener una habitación cada una.
No compartir cada noche. Son tonterías,
pero tener una puerta que puedas
cerrar e irte a tomar por culo tú sola…
(Carlota) Con no compartir cama me
conformo… [ríe].
(Ana) Son mini-lujos. Pero si es por sueños
nos quedan mucho… ¡Un Wizink!
(Carlota) ¡Un buen headlining en un
festival tocho! —YERAY S. IBORRA
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Hinds
Bendita
maldición
"Nuestra tour
manager decía
que la vida
media de un
grupo de chicas
son ocho años"
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abril 2020 #13

MONDO
FREAKO
FOTO: ARCHIVO
Los Enemigos
De naturaleza
animal
“Teníamos ganas de caña, eso
está claro. No hay más que
oír el disco”. Las palabras
de Josele contienen un
entusiasmo extensible al
resto de la banda, realmente
impaciente en los días
previos a la publicación de
Bestieza (Alkilo Discos, 20).
Son conscientes de haber
dado en la tecla con su nuevo
álbum, décimo larga duración
exceptuando directos y
bandas sonoras.
EN LA MALETA
Showtek
Tras el nombre de Showtek
se esconden los hermanos
holandeses Sjoerd y
Wouter Janssen, nombres
indispensables de la
colisión entre la EDM y el
hardstyle. Casi veinte años
de trayectoria en las salas
y festivales de electrónica
masiva, Showtek siguen
publicando material que
triunfa en las listas.
“Teníamos verdadera
necesidad de grabar un
disco así”
Diez discos, una cifra señalada
a la que llegan en forma y con
las ideas mucho más claras de
lo que incluso ellos mismos
hubieran imaginado. “Vida inteligente
(14) tenía canciones muy buenas, pero
no la personalidad que tiene este, con
Cómo empezásteis a pinchar?
Nos propusieron pinchar en un
club llamado The Danssalon en
nuestra ciudad, Eidenhoven.
Nos lo preguntaron porque nuestros discos
se vendían muy bien y muchos DJ’s
nos pinchaban en vinilo. Nunca habíamos
soñado en convertirnos en DJ’s, sino
que solamente queríamos hacer música.
Cuando vimos a otros pinchando nuestra
música y levantando los brazos al aire
pensamos que debíamos ser nosotros los
que estuvieran ahí. Así que, cuando nos
propusieron ser residentes de una noche
EDM en nuestra ciudad, nos dedicamos a
practicar durante varias semanas para
aprender. Así es como empezamos. No
teníamos técnica, pero fue muy divertido
aprender.
—Han pasado unos ocho años desde
Cannonball, uno de vuestros temas
más conocidos. ¿Cómo veis vuestra
carrera desde entonces?
Lo que hemos querido durante todos
estos años es reinventarnos y eso es precisamente
lo que ocurrió cuando publicamos
Cannonball, uno de los primeros
grandes hits big room, que nos colocó en
el mapa internacionalmente. Después del
éxito de la canción continuamos haciendo
canciones de EDM con gente como
David Guetta, Tiesto, Steve Aoki y Major
Lazer. Hemos querido crecer como artistas
y creo que es algo que se evidencia en
todo el material que vamos publicando
y con el que publicaremos durante este
año. Seguiremos publicando canciones
bailables, pero algunas de ellas son
definitivamente un crossover.
—¿Cuál de vuestras canciones favoritas
nunca ha sonado en una de vuestras
sesiones y por qué motivo?
Siempre pinchamos nuestra propia música,
algunas canciones más que otras,
pero una canciones que solemos olvidarnos
de pinchar o que no encontramos el
momento de hacerlo es On Our Own, que
hicimos con Brooks. Quizás no es un tema
muy típico nuestro, pero nos gusta y no
sé qué pasa pero parece que siempre la
dejamos fuera en las sesiones.
—¿Qué es lo peor que puede hacer un
Dj durante una sesión?
Irse al lavabo y no volver a tiempo.
—¿Cuál es vuestra opinión sobre la
escena electrónica actual? ¿Cuáles son
vuestros artistas favoritos de ahora?
Todo ha cambiado mucho comparado
con cinco años atrás. El sonido EDM se
ha convertido en algo más underground
nuevamente. Ahora mismo es complicado
que muchos discos de electrónica se conviertan
en hits globales. Y eso también
supone más retos. Artistas que están
haciendo cosas que nos gustan ahora
mismo podrían ser Rave Radio, Dom Dolla,
Moksi, Vintage Culture, Toby Green, Diplo,
Solardo, Gammer, Matroda, Duke Dumont y
todos los artistas de nuestro sello, Skink
Records. —JAVI GAGO
una coherencia y un peso específico
muy currado. También ha sido muy
terapéutico, teníamos verdadera
necesidad de grabar un disco así”.
Son tiempos de cambio en el núcleo
enemigo, del que el año pasado se
despedía Manolo Benítez, muy querido
por los fans, guitarrista de apoyo
y miembro oficial de la banda desde
los últimos compases de su primera
etapa. Una baja, según Fino, necesaria.
“Fue un cambio que era vital para la
supervivencia del grupo, para por lo
menos tener ganas de enfrentarnos
a un nuevo disco”. No tuvieron que
irse demasiado lejos para dar con el
relevo, entrando en escena un valor
seguro como David Krahe (Los Coronas),
quien lleva años acompañando
a Josele en solitario. Ante la propuesta,
Krahe ni lo dudó. “Sentí en parte
responsabilidad, porque conoces el
bagaje del grupo y porque has sido
fan. Y a la vez mucha ilusión por formar
parte de un proyecto así. Cuando
me propusieron tocar en unos bolos
me dije 'esto pasa muy rápido y si
no lo hago ahora no lo voy a poder
hacer nunca'”. El momento requería
algo distinto, así que decidieron no
repetir con Carlos Martos, productor
habitual desde tiempos de La vida
mata (GASA, 1990). Surgía así la posibilidad
de reencontrarse con un viejo
amigo, Carlos Hernández, quien fuera
su técnico de sonido en los noventa,
ahora productor de moda (Triángulo
de Amor Bizarro, Carolina Durante).
Escuchando explicarse a Josele, el material
previo debía ser intenso, vigoroso.
“Han sido las canciones las que nos
llevan a Carlos. Vimos en el local que
pedían músculo y una producción poderosa,
y resulta que casualmente es
su especialidad. No sé quién se acordó
de él pero pensamos que era perfecto”.
#14 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Un tira y afloja en la grabación con,
por lo visto, buenos resultados. “Metía
baza cuando nos sentíamos seguros,
básicamente para putearnos un poquito”.El
segundo disco tras el regreso
del grupo a los escenarios cumple la
necesidad imperiosa de dar salida a
una colección de canciones breves y
urgentes. Y sentir esa impaciencia,
reconoce Fino, es emocionante a estas
alturas. “Que pase después de haber
hechos tantos discos.... Estamos en la
música por algo, seguimos haciendo
canciones y seguimos teniendo esos
nervios. Sentimos a nivel personal y
artístico como que es un momento
muy guay de Los Enemigos”.
—BRUNO CORRALES
R
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EN CONCIERTO
l Bilbao 24 abril, Kafé Antzokia
l Zaragoza 25 abril, Oasis
l Murcia Mayo,
Warm Up Estrella Levante
l Sevilla 8 mayo, Custom
l Granada 9 mayo, Industrial Copera
l Valencia 22 mayo, Moon
l Madrid 29 mayo, La Riviera
l Albacete 30 mayo, Clandestino
TAN.
CERCA
RRComo ya sabrás si estás leyendo
esta revista en PDF, por primera
vez en veinticinco años, Mondo
Sonoro no distribuirá su revista
en papel en el mes de abril, pero
esa no es la única noticia que
tenemos que ofrecer. Estrenamos
nuestro primer podcast. Valientes.
Diario de un Encierro contará
con profesionales del sector
cultural, músicos y actores que
nos explicarán su experiencia
durante estos días de aislamiento,
compartiendo sus experiencias
en esta nueva e insólita situación.
En este primer podcast podremos
escuchar a gente como Tarque, Muchachito
Bombo Infierno, Macaco,
Elyella o la actriz Elena Anaya.
RRMarc Ros, cantante y compositor
de Sidonie, publica su primera
novela El regreso de Abba. Disponible
en ebook desde hace días, se
publicará en papel el próximo 21
de mayo. Esta novela de aire generacional
está totalmente ligada
con el que será el próximo disco
del trío barcelonés, cuyo primer
single de adelanto verá la luz el 10
de abril.
RRAl mismo tiempo que aplazaba
el lanzamiento de su nuevo trabajo,
Posible, Bunbury ha puesto
en abierto de forma gratuita en
Youtube su documental Bunbury.
El camino más largo. La película
documenta de cerca su gira por
Estados Unidos con Los Santos
Inocentes, acercándonos a la leyenda
en un terreno muy lejano a
su Zaragoza natal.
RRSon infinidad los conciertos y
los festivales que están aplazando
sus fechas durante los próximos
meses. Para descubrirlas te instamos
a que visites nuestra web. En
todo caso, el último festival que
ha pasado nuevas fechas antes del
cierre de este número es el SanSan
Festival, que se traslada a los días
9 a 11 de octubre.
RRYa nos hemos acostumbrado
a que Rosalía vaya publicando
temas de vez en cuando. Bien,
pues acaba de soltar nueva
composición, Dolerme. Esta vez
además apuesta por la guitarra
acústica como eje principal de
una composición que llega en
plena cuarentena a causa de la
crisis del Coronavirus. La sensual
voz de Rosalía va desarrollando
la melodía sobre una canción que
esta vez huye de sonidos reggaeton,
trap, etcétera.—MS
SUU
La buena ventura
Que la joven barcelonesa se hizo famosa con quince años
subiendo canciones a Instagram ya empieza a ser una anécdota.
Esta red social continúa siendo un baño de masas importante
para Susana Ventura pero, a estas alturas, su segundo disco
Ventura (Halley, 20), es quien se lleva toda la atención.
LA GENERACIÓN Z necesitaba
referentes cercanos y entonces
llegó Suu con sus canciones en
Instagram, que colgaba para
hacerse unas risas con sus amigos. A la
esencia de esos inicios, se le ha sumado
desde hace un par de años la adaptación
al engranaje comercial. El álbum que
publica ahora se sitúa más en la línea
del pop limpio, bonito y, seguramente,
masivo, que en la del mestizaje cantautoril
de sus principios. La conexión
entre la Suu de ahora y la de entonces es
el hablar de su entorno. “Cada canción
del disco va de una persona en concreto
y todo es gente que he tenido muy cerca
en algún momento de mi vida”. Amigas,
parejas, ligues, desconocidos que pasan
a ser familia, todos aparecen en el disco
aunque ella sea reticente a dar la información
a alguno de ellos. “Tantdebo
va de un ex ligue que tuve hace mucho
tiempo y que me tocó mucho, en este
caso yo no le he dicho nada porque no le
quiero hacer la putada, pero la canción
suena constantemente por la radio y sé
que la persona en cuestión escucha la
radio”. A diferencia de Miley Cirus, que
era más de torturar a sus ex parejas con
canciones, Susana es más de “hacerte
una canción bonita, pero que no lo sepas”.
SI LA GENTE DE SU EDAD se refleja
en ella, será porque habla su mismo
idioma. Y no me refiero al catalán o
castellano, sino a detalles como que
muchas de sus canciones no tienen
“Mi responsabilidad
empieza y acaba
conmigo misma”
género. “Si hablas solo a tu género contrario
estás encasillando a tu público.
Si lo haces sin género ya no le obligas a
ser chico o chica”, comenta Suu con la
naturalidad de sus veinte años. El hecho
de contar con una legión de fans numerosísima
(setenta mil en Instagram) y
que muchos de ellos sean más jóvenes
que ella, no le preocupa. “Mi responsabilidad
empieza y acaba conmigo
misma, no creo que tenga que educar a
nadie, ya hay colegios y padres para eso.
Con mi música solo puedo ayudar a que
la gente que me escuche encamine sus
pensamientos hacía sitios concretos”.
LAS COORDENADAS DE ESTE DISCO
son las de un sonido moderno, ultimado
por Carlos Sadness (productor) y Jordi
Bastida de Trau y Els Pets (director
musical), que se aleja de los vientos
fiesteros. De las pocas concesiones que
hay a su pasado, encontramos la canción
con Adrià Salas (La Pegatina). “Es
un homenaje. Desde los once años tenía
apuntado ‘colaborar con La Pegatina’ a
la lista de cosas por hacer”. Cumpliendo
sueños, así va creciendo Suu que a día
de hoy encuentra más difícil cantar
para cinco personas que para cinco
mil. “Cuando tocas en frente de un gran
público, ves tantas opiniones distintas
que no te centras en ninguna y todo va
bien. Cuando hay poca gente me pongo
más nerviosa”. —MARCEL PUJOLS
R
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abril 2020 #15

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estos días, adjúntanos una nota de
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Ala.ni
Pulso al presente
Con su debut, Ala.ni nos atrapó con
música que no obedecía a épocas.
En cambio, con su continuación,
Acca (Oceanic Global, 20) lo
consigue con un disco atrevido y
más moderno, en el que acerca su
propuesta al sonido de hoy en día.
Ala.ni da un paso adelante y huye de
etiquetas en Acca, un trabajo en
el que tanto caben las referencias
a Broadway (Hide), como algo de
reggae y sonido de brass band (Sha La La) e
incluso un sonido más ambiental y un tono
más oscuro (Wales). “Siempre compongo a
capela, mis piezas nacen así. En este caso,
y hasta completar el álbum, reconozco que
no había nada premeditado. Hay un buen
equilibrio entre canciones, presté mucha
atención al orden de las mismas para no
distorsionar nada. Es muy sensual y, sobre
todo, se trata de composiciones que se pueden
trasladar perfectamente al directo. Para
mí, eso es lo más importante”. Lo que es evidente
es que, por lo que a música respecta,
Ala.ni no se cierra a nada. “Ahora escucho
mucha música brasileña. Es un descubrimiento.
Me relaja y al mismo tiempo es un
sonido muy caliente. Necesito conocer más,
aunque si quieres que te diga la verdad lo
más apasionante lo viví el pasado verano en
Nueva York. Una vez al año Bobby McFerrin
reúne a gente de todo el mundo y les hace
participar en su propio concierto. Yo estuve
ahí y te aseguro que es alucinante”. Y ya que
hablamos de otros artistas, cabe destacar
la participación de Iggy Pop, que aporta su
sello particular en la canción Le Diplomate.
“Iggy Pop es fan mío. Lo dijo en un programa
de radio y yo pensé: ‘¡Oh, dios mío, ese
hombre ama lo que hago!’... Es una fuerza de
la naturaleza. ¿Dónde tengo que firmar para
estar como él a los setenta y dos años”. Cambiando
de tercio, Ala.ni interpretó la banda
sonora de La librería de Isabel Coixet. Un
honor, otra oportunidad para demostrar su
talento. “Estoy muy agradecida por formar
parte de una película. Al cine voy pero a sesiones
raras, o a primera hora o a última, no
tolero mucho a la gente cuando voy a una
sala de cine. Sobre todo, a los que comen”.
—TONI CASTARNADO
R
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“
Lo nuevo de Najwa Nimri llega en
un momento espectacular para su
popularidad como actriz. Por tanto, a los
que ya seguíamos su recorrido musical
probablemente se nos unan muchos que
descubran ahora esta faceta con Viene
de largo (Mushroom Pillow, 20), y que
probablemente a raíz de él se animen a
revisar el resto de su discografía.
VIENE DE LARGO NO ESTÁ NADA MAL
y aporta cambios en la trayectoria de la
actriz y cantante. Según me cuenta, tenía
las letras desde hace mucho, pero ha ido
variando su producción, pasando por muchas ideas
distintas. El resultado es un disco cuya onda general
es “la cara oculta, el precio que hay que pagar. Todo
lo que no se habla, se canta. Todas las canciones
están teñidas de lo mismo”. ¿De cabreo? “De ser un
ciudadano en 2020. Pero hablo en primera persona.
Hablo de que yo soy todo eso malo y yo soy todo eso
bueno. No deposito la culpa en el resto”. El disco
supone también su vuelta al castellano, y ya dijo anteriormente
que cantar en nuestro idioma en Donde
rugen los volcanes le hizo sentirse muy vulnerable.
“Aquí no, pero porque allí hablaba de mi universo, y
este es una especie de ‘contra’. Más allá del universo
es como si yo tuviera un escudo. Este disco me pilla
rodando, me pilla en personajes bastante extremos...
Supongo que están teñidos de eso también.
“No dejo de formar parte
de este juego absurdo”
Najwa Nimri
La mujer misteriosa
Supongo que, en un mundo ideal, sería una persona
mucho más tranquila”. Pues sí, Viene de largo ha pillado
a Najwa Nimri rodando, y eso influye también en su
parte visual. “Como estoy con un pie en cada mundo,
los videoclips han dejado de tener sentido para mí si no
tienen ese punto cinematográfico. Quieren que saque
otro, y yo quiero que sea así... Pero son ideas caras, con
lo que es complicado”. Su trabajo como actriz le ha
creado una imagen de “misteriosa” que, tras Vis a Vis
y La casa de papel, se ha expandido además a nuevas
generaciones. “Más allá de que a mí me guste hablar de
mí misma como una creadora que va por libre, no dejo
de formar parte de este juego absurdo. Y dentro de este
juego absurdo la gente me coloca donde lo necesita. De
ahí vienen unas expectativas en las que parte de lo que
proyecto es real, y la otra parte no deja de ser la proyección
de los demás. Y de esa no me hago cargo”.
ME COMENTA, ADEMÁS, que parte del misterio a su
alrededor está en que ella no es muy dada a exponer
su privacidad, por lo que la imagen que se toma, se
toma más de sus personajes que de ella misma. “Mira,
seguramente si estuviese en algún programa de estos
de Telecinco, de la isla o cualquier cosa de estas, el
misterio lo perdería rápido. (...) Como el resto de los
mortales me levanto, me acuesto, como, voy al baño,
¿sabes? Pero todo eso no es lo que me gusta mostrar de
mí. Porque donde pongo mi lado creativo tiene que ver
con lo que de verdad me inquieta, y eso tiene que ver
con los misterios de la vida. Podría hacer un canal con
Iker...”. —PABLO TOCINO
R
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abril 2020 #17

MONDO
FREAKO
Algiers se han hecho un
nombre con una música que
mezcla góspel y post punk,
y un mensaje incendiario
que no deja indiferente. Una
banda que sigue el legado
de agitación de grupos como
The Clash o Rage Against The
Machine. Ahora presentan su
tercer disco, There Is No Year
(Matador/Popstock! 20), un
disco más cohesionado que su
anterior obra, The Underside
Of Power, que a ellos mismos
les sonaba más “a una
colección de canciones”.
SU OPORTUNIDAD como teloneros
de Depeche Mode les ha
dado a conocer a un público
más amplio pero, a pesar de
reconocer la increíble experiencia
“comíamos al lado del puto Martin
Gore” y deshacerse en elogios “todos
nos trataron muy bien, de Dave
Gahan hacia abajo” no quieren que
la alargada sombra de los creadores
de Black Celebration se cierna sobre
ellos. Cuando dejo caer que una de sus
canciones, Chaka, me los recuerda, se
revuelven y dejan claro que crecieron
con el punk, despreciando a una banda
que, en su juventud, consideraban
“una mierda mainstream”. Aunque no
tienen reparos en reconocer que ya
no piensan eso ven en el hecho de que
varias personas les hayan señalado lo
mismo una simple consecuencia de su
relación con los de Gore.
Y ES QUE ESTA BANDA, y en especial
su cantante, Franklin James Fisher,
son bastante susceptibles con lo
que se dice sobre ellos. Algo normal,
por otra parte, pues su color de piel
condiciona casi todo lo que se escribe
sobre ellos, como se pudo ver en la
desfavorable crítica que hizo Pitchfork
a su anterior trabajo, lo que llevó a la
creación de Can The Sub_Bass Speak?,
una caótica pieza de free jazz que
inició este proyecto y en la que Fisher
volcó “todo lo que me han estado llamando
durante toda mi vida”, dejando
claro que “si quieres saber cómo me
siento sobre ello, está todo en la canción”.
THERE IS NO YEAR es un disco
abrasivo que está cohesionado por
unas letras que surgen de Misophonia,
un largo poema compuesto por
el cantante Franklin James Fisher en
medio de una etapa personal protagonizada
por la ansiedad. El nombre
viene de una enfermedad que “signifi-
Algiers
Música
rebelde
ca literalmente odiar el sonido” y hace
que el disco esté lleno de frases apocalípticas
tipo “Run away from your
America, while it burns in the streets”,
“Everything starts to fade, under the
weight of silence” o “Don’t forget it’s us
against them”. "Siempre son ellos los
que comienzan una guerra, no nosotros.
Siempre es alguien con poder el
que toma ese tipo de decisiones. Nos
enteramos que estamos en guerra y
que nos tenemos que matar unos a
“El gospel es música
rebelde... Para mí ya
son canciones punk”
otros, así que para mí eso es lo que
significa 'nosotros contra ellos’, porque
en la política americana siempre se
toman las decisiones de manera personal
y tenemos que darnos cuenta que
'nosotros' somos los que tenemos que
lidiar con ellas, somos un colectivo". Y
es que Algiers no son ajenos al signo
de los tiempos, a esta época de Trump
y Brexit. “No hay grandes razones para
ser optimistas”, pero también es el momento
de “ser activista y no rendirse”.
Y es que, como ellos mismos afirman,
su posición entronca con “cierta tradición
de música rebelde. Desde nuestra
experiencia personal la música gospel
es, desde un punto de vista secular,
música rebelde y la gente se reúne y la
canta, así que, para mí, es como en la
tradición de las ‘work songs’. Para mí
eso ya son canciones punk, y nosotros
tratamos de ser parte de esa historia...
A mí me encantan The Clash, pero no
solo por la política sino por su aceptación
de lo que son y dónde pertenecen
con su música, el hecho de que su
música sea música negra y así lo reconozcan,
Joe Strummer nunca hubiera
dicho 'nosotros hemos inventado esto'”.
—SERGIO ARIZA
R
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EL APUNTE
Triada sin
fisura alguna
COMO CON CUALQUIER banda surtida de
eslóganes sociopolíticos no precisamente
sutiles, y no digamos ya si cada
uno de sus tres álbumes llega avalado
con la producción de tres ingenieros
de sonido distintos, con Algiers podría
asomar la sombra de la duda acerca de
la solidez de su propuesta. Una simple
escucha a There Is No Year, el siempre
difícil tercer álbum, la borra de un plumazo,
porque ahora los de Atlanta (con
Randall Dunn y Ben Greenberg, productores
de Sunn O))) o Johann Johannsson)
suenan quizá más directos y convincentes
que nunca, una pizca más electrónicos
aún, desde ese tema titular que
parece un cruce entre Suicide y Sly &
The Family Stone, sin abjurar de ninguno
de los ingredientes –post punk, gospel,
blues, jazz rock– que les han hecho
acreedores de mejor relevo a TV on The
Radio. Si Algiers (2015) fue un rotundo
aldabonazo y The Underside Of Power
(2017) una solvente reválida marcada
por el Brexit, el triunfo de Trump, la
incorporación de Matt Tong (Bloc Party)
como batería y la producción de Adrian
Utley (Portishead), su nueva maniobra
apuntala una de las triadas iniciales
más robustas de cualquier banda de
rock en la última década. Sin fisuras.
—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
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abril 2020 #19

WALA.
WALA.
“El
disco anterior
surgió de un período
más existencial. No me
sentía bien con el éxito,
las giras, todo el dinero, la
popularidad, la fama y
todo eso”
Bad Bunny, en Pitchfork
“La
música es el
único lugar en el que
todos estamos bajo un paraguas
y no preguntas a los
demás si son republicanos o
demócratas, si son judíos o musulmanes.
Se trata solamente de
estar ahí y disfrutar juntos”
Al Barr, de Dropkick
Murphys, en NME
“Conocimos
a Chris
Martin en 2001, en
un festival. Nos contó lo
mucho que le gustaban Ash
y que le habíamos inspirado a
formar un grupo. Pensó: ‘estos
chavales tienen mi edad y ya
tienen hits en la radio, ¿por
qué no yo?”
Rick McMurray, de Ash,
en Rockzone.com
“En
2016 sufrí un
accidente con un
jet. Cuando el avión
se estrellaba, lo único
que pensé era: 'No
tuve hijos'”
J. Balvin, en El País
Semanal
Núria Graham
Felicidad y tristeza
Marjorie (El Segell, 20) es el nuevo
disco de Núria Graham. Una obra
que dinamita las fronteras entre
persona y obra. Que travesea entre la
necesidad de indagación personal
y la generosidad de compartirlo. Ese
conocerse para que te conozcan.
HABÍA UNA GUERRA conmigo misma,
un cierto sufrimiento romántico, una
nostalgia impregnada en todo lo que
hacía. Esta es la fuente de la que bebía
cuando empecé a hacer el disco, como querer
marchar de alguna cosa que no sé qué es. Una
vez acabado el disco esta angustia se diluye. Me
he quedado mucho más descansada”. A través de
la creación artística, estas canciones anhelan una
universalidad, un arañazo a la sombra individual
que se aferra al gran tuétano del inconsciente
colectivo. “Hay varias Núrias, pero la Núria que
escribe canciones creo que siempre va unos
cinco meses adelantada a los hechos. Cuando leo
las letras atentamente lo percibo claramente.
Me doy cuenta de que predigo lo que va a pasar
sin tener ninguna conciencia de ello mientras
lo escribo. La Núria que escribe canciones está
más conectada con mi esencia y es más sincera
que la Núria más social. Ella es la que me ayuda
a expresar mis sentimientos. Aunque a veces me
espanta un poco oírla”. Una carrera de lo relativo
a lo absoluto que nos permite gozar de unas canciones
que más que composiciones son diferentes
Núrias gritando al universo. “Me siento aprisionada
en esta ansiedad del amor y todo lo que
veo de malo en otra persona lo acabo viendo en
mí. Yo creo que soy una persona feliz y la tristeza
no protagoniza mis estados de ánimo ordinarios,
pero es verdad que creativamente estoy ligada a
la tristeza y la nostalgia. Pero también es cierto
que este lado más triste sirve para que mi parte
más luminosa tenga sentido. Sin esa tristeza no
existiría mi felicidad. Pero tengo que admitir que
sin ella no sé muy bien de qué hablaría”.
NOS ENCONTRAMOS DELANTE de una artista
con el mojo en plena vibración, que rebusca en
sus raíces iluminada por un camino que no tiene
ni principio ni fin. “No estaba en mi cabeza ir a
buscar mis raíces, pero de forma inconsciente ha
ocurrido así. Yo creo que, a medida que la vida va
pasando, hay partes de ti que no acabas de entender
o no conoces y, a veces, las respuestas no las
encuentras en una búsqueda interior sino más
bien yendo hacia fuera. Marjorie o Connemara son
ejemplos de esta energía de ir hacia fuera y de
búsqueda de un pasado que yo no he vivido, pero
que de alguna manera encarno. Voy a Irlanda, no
para descubrir mis raíces de tradición irlandesa,
sino para encontrarme con mi pasado. Me intento
ver reflejada en esa idiosincrasia irlandesa que
es a la vez un tema muy universal. Todos escapamos
de alguna cosa, pero muchos no sabemos
muy bien de qué”. En Marjorie cada canción
tiene una razón de ser. Es un pedazo más de ese
puzle que todos somos y que Núria explora con
valentía y curiosidad. Es un álbum que es familia,
con clara vocación de integrar y no escindir.
¿Una invitación a que todos hagamos lo mismo?
“Cada vez estoy construyendo lazos más fuertes
con las personas a las que quiero y esta es mi
verdadera fuente de inspiración. Mis principios
son mi gente. Esto sería el resumen contundente
de lo que pretendía explicarte. Como dicen Furguson:
‘My friends are my culture’”.
—ANDREU CUNILL CLARES
R
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EN CONCIERTO
l Manresa 10 mayo, Faba
l Sabadell 12 mayo, Embassa’t
l Solsona 16 mayo, Festival de Pop Metafísic
l Terrassa 17 mayo, Nova Jazz Cava
l Palma de Mallorca 22 mayo, Novo Café Lisboa
l Manacor 23 mayo, Can Lliró
l Barcelona 06 junio, Primavera Sound
l Vilanova i La Geltrú 04 julio, Vida Festival
l Sant Boi 17-18 julio, Cantilafont
l A Coruña 25 julio, Atlantic Fest
l Ourense 04 octubre, Café Torgal
“ME
GUSTARÍA
QUE EL FUTURO DE
LA MÚSICA TRAJESE UNA
REVOLUCIÓN PACÍFICA QUE
CAMBIE EL PARADIGMA, PERO
PROBABLEMENTE SOLA HABRÁ
FASCISMO GALÁCTICO”
Killer Mike, de Run The
Jewels, en Consequence Of
Sound
"La Núria que escribe canciones
está más conectada con mi
esencia y es más sincera"
FOTO: MARC CUSCO
#20 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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SOCCER MOMMY·CUPIDO·JUNGLE DJ SET · T H EN E WR A E M O N &P A U L AB O N E T
LADILLA RUSA·MOURN·MAZONI·BIZNAGA·EGYPTIAN BLUE·FLAMINGODS
BAYWAVES·SINEAD O’BRIEN·SÚPER GEGANT·VERA FAUNA
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DAMIEN JURADO·NICK MURPHY DJ SET·FRANC MOODY·FERRAN PALAU·NÚRIA GRAHAM
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Louta
La revancha del nerd
LOS DISCOS
DE MI VIDA
Yawners
El dúo madrileño está de gira de presentación de
Just Calm Down (La Castanya, 19), su segundo larga
duración y un destacado paso adelante en su trayectoria.
Aprovechamos la ocasión para que Elena Nieto (cantante y
guitarra) nos descubra los seis discos de su vida.
Green Day
Dookie (1994)
Creo que ha sido uno
de los discos que más
me ha influenciado
de base a la hora de
hacer mis propias
canciones. Lo descubrí
de muy pequeña
y seguro que cuanto
antes te obsesionas
con algo más te acaba
influenciando a la
larga.
Weezer
Blue Album (1994)
También del 94, un año
después de que yo empezase
a existir (risas).
Una buena colección de
temazos, mi favorita es
la de “The Sweater Song”.
Una de las cosas que más
me gustan de Weezer son
las armonías de voces. No
podía faltar uno de Weezer.
Soy un poco pesada con
ellos, la verdad.
Pavement
Crooked Rain, Crooked
Rain (1994)
Pues… también del
94. Lo habré escuchado
miles de veces y
me lo pillé el año pasado
en Breakaway
Records, una tienda
de discos de Austin,
cuando fuimos at tocar
al SXSW. Hicimos
un showcase allí y
me pillé ese y el de
Slint.
El argentino Jaime James ha creado un personaje, Louta, que desarrolla
tanto en los escenarios como en estudio y, por extensión,
ha tomado ya su vida diaria. Tras un segundo disco, Enchastre
(Sony Music Argentina, 18) –que le valió el premio Carlos Gardel
a Mejor Álbum Pop Alternativo–, ha estado en festivales importantes
e incluso ha visitado España. Ahora publica nuevo single,
Coco Shanel, avance de sus próximos pasos.
Hace poco volviste de España,
donde diste cuatro conciertos.
¿Cómo llevas el éxito de
tu proyecto?
Siempre me divierte que el proyecto
pueda expandirse para hacer más cosas.
Para mí, haber ido a España a tocar es
tremendo flash porque es genial ver
la expansión de mi música y escuchar
las canciones a través de oídos nuevos.
También me abre la visión de ver lo que
quiero hacer.
—¿Louta eres solo tú o engloba este
proyecto musical que estás haciendo?
Louta es todo el proyecto, pero también
me llaman Louta a mí. No importa, es
toda la pelota. Siento que llegó un momento
en la historia de la música en el
que uno puede saltar entre estilos musicales
y formas de shows sin tanta definición.
Y así la hacemos nosotros.
—En tus shows, recreas escenas casi
teatrales con una escenografía pensada
al detalle. ¿Cómo se te ocurrió
hacerlos así?
Fue sobre la marcha. Me salió de dentro
encontrar mi propio formato y cuando
lo fui encontrando, vi cómo agregarlo a
algo que ya era propio. Primero habité
ese terreno y después incluí elementos
que yo mismo ya estaba encontrando.
Uno entiende que tiene una necesidad
y el formato se adapta a ella. Me parece
lindo encontrar formatos que abracen
las necesidades de cada uno y no estar
corriendo atrás de formatos ya inventados.
—Eso también se ve en la música
que haces, sin encasillarte en ningún
estilo. Al contrario, es un compendio
entre muchísimos como el
rap, funk, indie...
Exacto. No creo tanto en la necesidad
de ser innovador en la forma. En realidad,
la forma debe ser innovadora
cuando acompaña un contenido
que es original. Cuando el contenido
está, la forma abraza de una manera
natural. Uno tiene que ser creativo y
sincero.
—¿Cómo te ayudó haber hecho de
DJ en el pasado?
Cuando estás de DJ, escuchas los temas
sintiéndolos con la gente y sabes
cómo funcionan los tiempos: cuando
un tema se hace largo, qué momentos
del tema son necesarios... Además,
entiendes la necesidad de los respiros
en las canciones. Ahí te das cuenta
cómo los reguetoneros entendieron
la música para clubs de una manera
única. Algunos temas de la época de
Britney Spears también, cuando producían
Timbaland o Sean Paul, que
buscaban eso y lograron un pop que
sonaba genial en la pista de baile.
—KAREN MONTERO
R
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Blink 182
Enema Of The State (1999)
Joyce Manor
Never Hungover Again (2014)
Tigers Jaw
Tigers Jaw (2008)
Disco de cabecera de
mis años de instituto.
Aprendí a tocar la
guitarra haciendo
covers de este disco
y algunos otros. Aunque
ahora me ponga
la guitarra por el
sobaco no significa
que no siga siendo
una true fan de Blink
182.
Al terminar 2019 con todo
el hype de empezar una
nueva década, Spotify me
dijo que este era el disco
que más había escuchado
en los últimos diez años
en su plataforma, y me
lo creo. Cuando empecé a
tocar en mi primer grupo,
SPPPACE, era prácticamente
lo único que escuchaba.
Algunas canciones
tristes, algunas que
remontan, armonías
de voces super guapas…
Este disco es
increíble y mega bonito,
muy emo claro.
Les vi en Hamburgo
hace unos años y fue
muy emotivo. Tengo
una gorra de merch
del grupo... —MS
“ Los reguetoneros
entendieron la música
para clubs de una
manera única”
FOTO: ARCHIVO
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abril 2020 #23

“
FOTO: ARCHIVO
"Contando lunares la
hicimos vacilando para
las risas"
Cruz Cafuné Londres y
Toronto desde el 922
C
M
Y
Cruz Cafuné acaba de presentar
Moonlight922 (Mécèn, 20), una mixtape
que es también su segundo larga
duración. En este trabajo, y tras el éxito
de su primer disco, el artista canario ha
vuelto a sorprender con una apuesta
clara por la mezcla; la de los sonidos que
tanto suenan en el mundo sajón (como el
drill) con la esencia de las Islas Canarias,
uno de los focos actuales de la escena de
nuestro país.
Y
ES QUE LA ASCENSIÓN de Cruz Cafuné en el
panorama urbano español en los últimos años
ha sido sencillamente espectacular. Después de
lograr salir de las catacumbas de Internet gracias
a un tema viral como Mi casa, en 2018 adquiría peso
específico con Maracucho Bueno Muere Chiquito (18),
un disco narrativo en el que, al modo de los grandes
artistas del rap norteamericano, se presentaba en sociedad
contando quién era y de dónde venía. “Maracucho
Bueno Muere chiquito, mi primer álbum, fue como un
intento de hacer política ‘entre comillas’. No hacer política,
sino que para mí era importante plasmar un poco
la realidad de la clase obrera y creo que no se entendió.
No sé si por los temas, los skits, la historia o que la gente
no escuchaba el disco seguido. Al final simplemente la
gente decía que era un álbum de rap gangster y ya está.
Pero nada más lejos de la realidad”.
POR SI FUERA POCO, a principios de 2019 veía la
luz la que ha sido la canción más escuchada del año en
España, Contando lunares de Don Patricio, en la que
Cruz Cafuné cantaba junto al de Locoplaya unas barras
llenas de canarismos que todo el país ha terminado
por aprenderse de memoria. “Es raro que haya sido
Contando lunares. Como dices la letra es muy local,
con un verso solo con canarismos, y tiene ¿siete, ocho
MY
platinos? Es muy heavy en los estudios cuando hay
gente escribiendo. Hay tres, cuatro escritores que están
haciendo una letra para un artista con exposición
CY
CMY
y se masca mucho la letra (...) Y por la cara, de repente,
K
esa canción que la hicimos vacilando para las risas...
Patri (Don Patricio) nos pasó el disco antes de que
saliera para escucharlo y dijimos: va bien, esa canción
está guay pero la que se va a pegar es Enchochado de ti
y, de repente, se pegó esa. No sé explicarlo. Muy guay,
de puta madre. Un accidente feliz”.
LA REALIDAD ES QUE LA ESCENA canaria ha conseguido
subirse a la cresta de la ola a la vez que Cruz
Cafuné. Desde que su paisano Bejo entrara con fuerza
como uno de los máximos representantes, la influencia
de las islas ha ido creciendo exponencialmente.
El de Mi Isla/10k tiene muy claro lo que espera de este
nuevo movimiento. “Hay una cosa que odio y es que
los tastemakers suelen ser peña moderna y que quiere
estar en la cresta de la ola, y para estar en la cresta tienes
que traer cosas a la mesa siempre y con la escena
canaria no quiero que sea ahora esto y más adelante el
folklore rumano, si no que de verdad aprecien lo que
esta haciéndose en las islas. Hay un montón de gente
talentosa que merece atención y las propuestas artísticas
que se están haciendo son muy frescas. Que no sea
solo un tag en la nube de tags que sea #escenacanaria
y que ahora esté bien y en dos años no”. Ahora, Cruz
Cafuné vuelve a estar de enhorabuena. Moonlight922
es una mixtape que se aleja de la narratividad de su
primer trabajo y que se torna más descriptiva. El canario
ha conseguido combinar sus influencias con el
acervo cultural de su tierra. —LUIS M. MAÍNEZ
R
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abril 2020 #25

EL DISCO.
RECUPERADO.
Power Of Dreams
ts And Me
Polydor, 1990
INDIE
9
/ EN 1990 EL POP ALTERNATIVO de las
Islas estaba en una encrucijada entre los
últimos coletazos de la era C-86, el shoegaze y
el desmadre de Madchester. Esta tierra de nadie
dio cobijo a bandas sin etiquetas que tuvieron
su momento de gloria justo antes que el britpop
glorificara el revival sin complejos. Formados en
Dublín por los hermanos Craig (voz, guitarra) y
Keith Walker (batería) y el bajista Michael Lennon,
Power Of Dreams irrumpieron (EP inicial aparte)
con un memorable debut para Polydor. Sobriedad
instrumental para canciones bien construidas:
guitarras mayormente limpias y acústicas, estribillos
rotundos, guiños al folk local. Ante todo, una
luminosidad melódica exultante y melancólica a
partes iguales, combinada con baterías fogosas y
un romanticismo adolescente que les hacía distintos.
Más allá del título del álbum, el cinismo y la
ironía brillan aquí por su ausencia.
PERO SI UN TEMA DOMINa el álbum es el de la
pérdida de la inocencia. The Jokes On Me, Talk y
la vibrante Stay destilan su propuesta, con referencias
al acoso escolar y las miserias del mundo
adulto. La voz vulnerable del compositor Craig
Walker expresa desencanto con naturalidad y
una rara candidez que no empalaga. Se suceden
fracasos sentimentales (Had You Listened, Where
Is The Love, la preciosa Máire I Don’t Love You), que
se benefician de una sensibilidad a flor de piel.
La inspiración compositiva de Walker brilla con
puntuales momentos airados (Never Told You), maravillas
pop como Bring You Down o el encantador
ritmo trotón de Much Too Much (o cómo soportar
con estoicismo el matonismo en el patio de recreo).
Hasta se atreven a lanzarle una divertida andanada
a sus compatriotas U2 –entonces, en la resaca
del gigantismo filoamericano de Rattle & Hum– y a
la cultura rave dominante: Never Been To Texas.
La emocionante e intensa 100 Ways To Kill A Love
cierra un disco de una pureza y coherencia exquisitas,
que tres décadas después mantiene intacto
su poderoso encanto, gracias en no poca medida
a la producción naturalista del escocés Ray Shulman
(The Sundays, Ian McCulloch).
JOYA ATEMPORAL OLVIDADA, en su momento disfrutó
de cierto recorrido en Japón, Francia, Irlanda
y Reino Unido. Y les sirvió para ser enrolados en
la gira mundial de los gótico-hippies The Mission
(con quienes pasarían por nuestro país). Su segundo
trabajo llegaría dos años después. Pero la
avalancha britpopera era inminente y, como otros
grupos que hacían bandera de la tristeza, Power
Of Dreams serían injustamente sepultados.
—JC PEÑA
“
Adalides del rap metal, Body Count
vuelven a la carga con Carnivore
(Cantury Media, 20), su tercer largo en la
segunda etapa en su carrera emprendida
por los californianos en 2009. El icónico
rimador Ice-T nos descubre los detalles
de esta salvajada perpetrada a golpe de
riff lacerante y versos amenazantes.
LA RESPONSABLE DE PRENSA de la discográfica
está contenta, dice que Ice-T hoy está de
buen humor y que seguramente le sacaremos
una buena entrevista. El tono del icónico rapero
al otro lado de la línea telefónica así lo corrobora.
Por si acaso decido hacerle un poco la pelota. Joder,
es uno de los padres del gangsta rap y eso impone un
poco. Lo creo firmemente, pero le insisto en lo bueno
que me ha parecido su nuevo disco al frente de Body
Count. Eso y que puede que este sea su trabajo más
brutal... Ice o T, lo cierto es que no sé cómo llamarle
(descarto Mr. T, porque Mr. T solo hay uno y es el del
El Equipo A) duda en su respuesta. “No estaría forzosamente
de acuerdo con esta afirmación”, se lanza
finalmente. “Hay temas muy cañeros en el disco,
sí, pero como en todos los discos que he hecho con
Body Count. También es verdad que cada vez que nos
metemos en el estudio intentamos sonar más y más
fuerte. Así que puede que sí, que este sea un poco más
brutal que el resto”. También puede que sea su obra
más decididamente política. En el tema de las letras el
rimador californiano explica que tiene una fórmula
que pone en práctica cada vez que tiene que grabar un
nuevo disco. “Siempre recurro a algunos de los temas
que más me preocupan y me ponen de mala leche. Si
os han gustado nuestros discos anteriores, en este vais
a encontrar temas que hablan de las mismas cosas
pero con un envoltorio sonoro diferente y, espero, que
mejor”, sentencia añadiendo que espera que sus canciones
sean suficientemente universales como para
“Puedo hacer el disco
que me dé la gana
cuando me dé la gana”
Body Count
El pecado de la carne
que puedan interesar tanto a un tipo de California como a
un seguidor español. “Al fin y al cabo, estoy seguro de que
nos afectan las mismas cosas”.
GRABADO EN NUEVA JERSEY con Will Putney de productor
y colaboraciones de gente como como Amy Lee
de Evanescence, Jamey Jasta de Hatebreed, Riley Gale
de Power Trip o Dave Lombardo, Carnivore es un disco
a cara de perro, diez temas a degüello y pa’ casa. “No me
gustan los discos que duran más de cuarenta minutos.
La peña va en coche y difícilmente conducen más de
media hora o cuarenta minutos, y esa es la medida ideal
para el minutaje de un disco. Si haces un disco de setenta
minutos acabará siendo un coñazo. Prefiero hacer un
disco corto y que la gente lo pueda escuchar de principio
a fin que no uno extremadamente largo con el que nunca
lleguen al final”. Un repertorio corto pero intenso, como
todo lo bueno en esta vida, en el que destacan temas
como The Hate Is Real, una reformulación en clave metalera
de su clásico en solitario Colors y una versión del Ace
Of Spades de Motörhead con la que siguen con la tradición
de apropiarse de un clásico de una de sus bandas
de cabecera: en Manslaughter (14) hicieron Institutionalized
de Suicidal Tendencies y en Bloodlust (17) Reign In
Blood de Slayer. “Si escuchas atentamente a Body Count
percibirás que tras nuestra música está la influencia de
bandas como Black Sabbath, Slayer, etcétera. Cop Killer
es puro Motörhead, así que ya era hora de que les rindiésemos
homenaje”. Eso sí, Ice-T conoció al legendario
líder de Motörhead cuando coincidieron en la grabación
del tema Born To Raise Hell para la banda sonora de la
película Cabezas huecas. “Era un tipo de puta madre. Alguien
que sabía perfectamente que no tenía que demostrar
nada porque ya lo había logrado todo. Una persona
totalmente original y sin prejuicios. Yo era un rapero y
él un icono del rock, pero congeniamos a la perfección.
Fue genial poder trabajar con él. Dios le bendiga. Fue
una gran pérdida. Era un tipo genuino y a mí me gusta la
gente genuina”. —ORIOL RODRÍGUEZ
R
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abril 2020 #27

EN PORTADA
Llor
en laTr
Me sabe mal empezar
así, pero
la verdad es que
Bellavista me
parece un disco
muy cabrón.
Fantástico y muy completo, pero muy
melancólico y lleno de desencanto,
hartazgo, decepción... ¿Lo sentís así?
(Cándido) Yo también creo que tiene
algo de cabrón, sobre todo a nivel lírico
durante la primera mitad. Enseñamos
un registro que no habíamos practicado
hasta ahora, con un puntito más irónico,
diría que incluso ácido. Y sí, hay
mucho de desencanto y desengaño. De
hecho, la idea detrás del concepto del
disco y la introducción del arco iris es la
de darte cuenta de que estás persiguiendo
algo inalcanzable y el desengaño que
eso conlleva. Siempre escuchamos las
historias de superación de personas que
apostaron y ganaron, pero la de este
disco es más bien la del saber perder.
—¿Ese desencanto es personal o tiene
mucho de generacional?
(Cándido) Bueno, llevamos años oyendo
eso de que somos la primera generación
que va a vivir peor que sus padres.
También es verdad que somos una
generación muy idealista, con muchas
aspiraciones y muchas ambiciones,
quizás demasiadas, pero que se ha
topado de bruces con la realidad. Además,
nosotros venimos de Andalucía y
en concreto de Córdoba, no recuerdo
si la primera o segunda provincia con
mayor tasa de desempleo del estado. No
sé si algo de eso ha podido impregnar
nuestra visión de las cosas. De todas
formas, no creo que sea algo generacional.
Muchas bandas contemporáneas
enfocan sus canciones de forma completamente
diferente a nosotros. Por
ejemplo, las Hinds, por lo que cantamos
y cómo lo cantamos casi podría costar
creer que seamos bandas del mismo
país y de la misma generación, ¿no?
Ojo, que no va a malas. Soy fan suyo.
Creo que nuestro caso es que venimos
del emo sin complejos y siempre hemos
practicado una lírica muy derrotista.
Y quizás como con este disco hemos
intentando ser más explícitos y rebajar
la carga metafórica, queda mucho más
al descubierto.
—En Bellavista se habla mucho de
soledad, de incomunicación, de la incapacidad
para mantener relaciones
#28 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ando
ansit
Viva Belgrado
Han pasado cuatro años desde que los cordobeses publicasen
Ulises (Aloud, 16). Desde entonces Viva Belgrado han vivido
en una montaña rusa emocional que desemboca en una obra
maestra multiangular que responde al título de Bellavista
(Aloud, 20) y con el que la banda se reivindica como nunca antes.
duraderas, de crisis personales. Es el
concepto que empapa el disco. Pero al
mismo tiempo, nos encontramos con
Más triste que Shinji Ikari que funciona
perfectamente como canción pop
de amor.
(Cándido) Para esa canción, llevábamos
un tiempo con la idea de hacer algo en
la onda del lo-fi chill-hop, una canción
pequeñita sin guitarras en la que pudiera
intentar cantar, y utilizarla para
llamar la atención y aportar variedad
al disco. Una vez tuvimos la base instrumental
hice la letra sobre ella y sí es
verdad que tomó un carácter bastante
urbano. Yo soy fan declaradísimo de
Agorazein y también me apetecía jugar
un poco a ser ellos, salvando las distancias,
pero tirándome algunas vaciladas
(risas). La verdad es que disfrutamos
mucho haciendo esta canción. Se nos ha
encasillado como personas muy serias,
pero a nosotros nos encanta jugar.
Fíjate que cada lanzamiento lo hemos
posteado en Forocoches, recibiendo
nuestro correspondiente baño de insultos
(risas).
—Pese a todo lo que estamos hablando,
también veo Bellavista como un
disco mucho más luminoso musicalmente,
algo que resta oscuridad a
algunas letras.
(Cándido) Sí, creo que Viva siempre
hemos jugado mucho a eso, al contraste
entre las voces desgarradas y las bases
luminosas. Definitivamente se lo debemos
a Touché Amoré, Deafheaven y la
parte más luminosa de Envy. Bebimos
tanto de ellos que creo que lo hemos
acabado haciendo nuestro.
—Abrir el disco con Una soga y a
continuación Bellavista me parece
un acierto total. Eso nos pone ya en
sintonía sobre lo que nos contaréis
en el disco, aunque en cierta manera
el tono irónico de Una soga no lo veo
tanto durante el resto de canciones.
(Cándido) Lo comentábamos antes, yo
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“Siempre hemos
jugado mucho a
eso, al contraste
entre las voces
desgarradas
y las bases
luminosas”
te diría que le veo ese tono a los cuatro
primeros temas. Incluso en los últimos
dos temas también lo recuperamos.
Aunque es verdad que en Una soga es
más evidente. Aun así creo que el registro
lírico evoluciona bastante respecto a
Ulises, lo cual considero lógico teniendo
en cuenta que han pasado más de tres
años entre uno y otro. A mí me gusta
mucho fijarme en la evolución de mis
letristas favoritos y en Standstill, por
ejemplo, es muy palpable. Si comparamos
discografías podríamos decir que
nuestro Bellavista coincidiría con su
disco homónimo. Así que con suerte
para el siguiente podré hacer una evolución
tan increíble como la que hizo
Enric Montefusco con Vivalaguerra
(risas).
—Me sabe mal que el tono de las preguntas
haya sido un poco pesimista,
y no me gustaría que los lectores se
quedasen con esa impresión, así que
vamos a poner algo de luz. Sois uno
de esos grupos que ha girado por mil
lugares sin hacer demasiado ruido.
¿Qué os habéis llevado de todas esas
giras y qué aprendéis cada vez que
salís fuera de España?
(Cándido) Girar ha creado un vínculo
muy fuerte entre nosotros. Tantas
anécdotas y experiencias juntos nos
han unido mucho. También te curte,
—TEXTO Joan S. Luna
—FOTOGRAFÍA Rubén J. Montesinos
aprendes a viajar con poco y a tomarte
los problemas con humor. Es curioso.
Nuestra furgoneta nos ha dejado tirados
varias veces en el extranjero pero guardo
esos recuerdos con mucho afecto y
los vinculo con momentos felices. También
es emocionante ver la capacidad
de organización de la gente de forma
desinteresada en torno a la cultura. Te
da otra perspectiva de lo que haces y un
punto de vista menos ombliguista. Por
ejemplo, en febrero de 2017 tocamos en
Murmansk, una ciudad rusa dentro del
Círculo Polar Ártico, en una especie de
garaje destartalado en el que un colectivo
hacía sus eventos DIY. Teníamos que
salir fuera de la parte climatizada para
hacer pis, en un baño cochambroso a
diecisiete grados bajo cero. En mitad
del concierto la policía entró a registrar
al público y se llevó a dos chavales porque
los pillaron bebiendo alcohol. O en
Ciudad de México, la sala en la que tocamos
tenía guardas de seguridad con
chalecos antibalas que nos registraron
todos los instrumentos antes de entrar
a probar. Son experiencias que a priori
no vincularías con la música y que te
marcan mucho.
—Hay un momento en “¿Qué hay detrás
de la ventana?” en el que Cándido
canta eso de “Que le den al mainstream/también
al underground/y todos
tan contentos”. Le veo un sentido
de reafirmación de quién sois ahora
mismo.
(Cándido) Totalmente. Creo que sintetiza
bien la intención con la que se ha
hecho el disco, sin intención de contentar
a nadie pero tocando muchos palos;
y también quiénes somos, una banda
de provincia en una especie de limbo:
quizás ya demasiado veterana para la
etiqueta del underground pero a la vez
muy lejana al mainstream. —J.S.L.
R
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EL APUNTE
Vivir
en Córdoba
Pese a girar por todo el mundo,
los miembros de Viva Belgrado
continúan viviendo en Córdoba,
una tierra alejada de los
principales focos musicales de
la península. ¿Les habrá servido
eso para mantener la cordura en
los malos momentos?
Pedro Córdoba nos ayuda a mantener
la cordura cuando volvemos de girar
o tocar en festis grandes porque aquí
siempre somos los raros y poca gente
valora lo que hacemos, pero a la vez
nos saca un poco de quicio. Aún con
sus miles de cosas buenas es una ciudad
en la que creo que a nivel de crecimiento
personal ya tocamos techo
hace tiempo y en la que no estamos
satisfechos del todo. Hace unos años
nos flipamos con el plan de irnos a
Barcelona a buscarnos la vida, pero
siendo realistas podemos tomarnos
más en serio la banda gracias a que
aquí tenemos trabajos bastante flexibles
que nos permiten ir ahorrando y a
nuestra familia.
Ángel En los malos y en los buenos.
Para nuestras familias es difícil entender
la vida que llevamos. La dimensión
del grupo y el peso que tiene en la
formación emocional y personal de
cada uno, más allá de la repercusión
que pueda llegar a tener. Llegar a casa
con toda la ilusión por anunciar algo
que tú consideras un hito y que la
mejor respuesta sea la pregunta “pero,
os pagarán el viaje, ¿no?” puede llegar
a frustrar. Pero precisamente eso ha hecho
que nuestra configuración mental
esté sana y podamos colocar cada cosa
en su lugar. Al final, dar el valor justo a
cosas que lo tienen y restarlo a las que
no lo tienen es esencial para mantener
la cabeza en su sitio. No estoy seguro
qué habría pasado si no hubiéramos
crecido como banda regresando cada
lunes a este entorno, no seríamos las
mismas personas.
Cándido Yo siempre he creído que nos
habría ido mejor en Madrid o Barcelona.
Por mucho que Internet nos haya
acercado a todos, la cantidad de influencias
de las que te empapas allí no
son comparables. Aun así, creo que Córdoba
ha tenido una influencia clave en
la forma en la que no nos sentimos del
todo parte de ninguna escena, siempre
nos hemos visto un poco aislados
aquí. Eso acentuó nuestro carácter DIY.
—J.S.L.
abril 2020 #29

Depeche Mode
Treinta años de
“Violator”
Todo comenzó el 29 de agosto de 1989, aquel
día, desde Los 40 Principales, Joaquín Luqui
anunciaba Personal Jesus, el nuevo single
de Depeche Mode, uno de sus grupos fetiche.
Hasta aquel entonces, la repercusión de
los cuatro de Basildon en España estaba
limitada a un culto numeroso de feligreses,
pero culto, al fin y al cabo.
En aquel final de verano de 1989,
Personal Jesus se filtró en las emisoras
de radio por onda expansiva.
Los acordes casi mántricos del
synth-country cosido por Martin L. Gore
se colaron en el tercer puesto de las listas
españolas de singles, uno de los tantos
charts de medio mundo donde la avanzadilla
que anunciaba a Violator (Mute
Records, 90) se hizo material, y también
brotó una resurrección synthpop que tuvo
su momento de gloria entre 1989 y 1991. En
aquella temporada, las radios volvieron a
ser testigos de una sustanciosa cosecha
binaria. Dentro de los márgenes entre pop
orgánico y tapizado sintetizado, New Order
se nutrió de latido house ibicenco en el
insuperable Technique (89). Desde otro
extremo, Marc Almond se dedicaba a recordar
sus tiempos al mando de Soft Cell por
medio de The Tenement Symphony (90).
Por su parte, Pet Shop Boys se vestían de
alta costura en Behauviour (90), mientras
The Beloved encontraban la fórmula secreta
del tecno house mediante Happiness
(90). La curiosidad se elevaba al cubo por
medio del súper grupo formado por Bernard
Sumner y Johnny Marr, que debutaban
como Electronic en 1991 con un capricho
dance pop relleno de singles infalibles.
Casi al mismo tiempo, Depeche Mode integraban
significantes rock en su vocabulario
con preciso tacto quirúrgico y nacía
Madchester, sublimación de hedonismo
acid, caracterizado por la fusión del funk,
psicodelia sesentera y camisetas-camisones
grafiteados. Happy Mondays fueron a
Madchester lo que los Ramones al punk, la
esencia. En cuanto a sus vecinos, The Stone
Roses, su integración dance en caligrafía
The Byrds, nos hacían creer que los sesenta
habían retornado en forma de MDMA.
Quienes vieron el futuro antes que nadie
en aquellos años fueron los olvidados
World Of Twist, de los que Primal Scream y
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Andrew Weatherall copiaron la receta para
Screamadelica (Creation, 1991), prueba
definitiva del remozado rostro dance del
rock, con ejemplos tan rotundos como
Unbelievable: el incendiario single que
encumbró a E.M.F. como hype de la temporada
en toda Europa. Mientras la semilla del
britpop y el grunge estaba por germinar,
la mecha prendida por Depeche Mode atisbó
una revolución forjada desde las vías
alternativas del underground.
La conquista española
Personal Jesus se convirtió en estandarte
de una época que retomaba los valores
del synth pop 81, aunque dentro de un
nuevo contexto rock. De hecho, a día de hoy
muchos siguen considerando a Depeche
Mode como una banda de idiosincrasia
rock, a partir de la publicación de Personal
Jesus. Esta teoría no deja de ser tan acertada
como parcial, si tenemos en cuenta la
sensibilidad andrógina de Martin L. Gore
y singles como Enjoy The Silence, segundo
adelanto de Violator, publicado el 5 de
febrero de 1990. El impacto generado por
dicho single fue incluso mayor que Personal
Jesus. Eso sí, tres décadas después,
esta última sigue siendo la canción más
veces pinchada y versionada de Depeche
Mode, con el cum laude para la adaptación
que Johnny Cash, realizó de la misma para
American Recordings IV: The Man Comes
Around (02).
Sin embargo, fue Enjoy The Silence la
que, a comienzos de 1990, se hizo con el
primer puesto en la lista de singles españolas.
En aquel primer trimestre del año,
Depeche Mode fueron consolidando la
conquista española con repetidas actuaciones
en programas de la parrilla televisiva.
Desde radio y televisión, se estaba
allanado el camino para el impacto brutal
generado por Violator, que el 19 de marzo
salió disparado al número uno de las listas
de ventas españolas e incluso se hizo con
el séptimo puesto de los charts yanquis,
hasta aquel entonces terreno casi prohibido
para Gore y su troupe. El estruendo provocado
por Depeche Mode se hizo material
a lo largo y ancho del globo terráqueo, con
trece países en los que copó la parte más
alta del cajón en las listas de ventas.
Pero, ¿por qué?
Treinta años después, la pregunta acerca
del tremendo éxito cosechado sigue siendo
una de las más repetidas. La esencia nocturna,
confesional, religiosa y narcótica
del disco no eran los ingredientes más
adecuados con los que triunfar entre las
masas. Títulos como el de su anterior álbum
en estudio, Music For The Masses
(87), se desprendieron de la ironía por
medio de una palabra que atacaba el cerebelo
como bisturí envenenado: Violator.
Llevar esa camiseta en 1990 y 1991 era una
provocación a las conciencias y cánones
adoptadas por las corrientes generalistas.
De alguna manera, Violator materializaba
el credo pregonado por John Lydon cuando
montó Public Image Limited: inocularse
como un virus dentro de la industria musical.
Una de las claves fue atraer también
a las hordas rock a su llamada. Porque
Violator no deja de ser el gran híbrido
synth-rock de la historia del pop. Las
métricas blues están calibradas en tacto
sintetizado, tal que en Sweetest Perfection
o Policy Of Truth, mientras que vídeos en
clave cowboy como el de Personal Jesus
ofrecen una imagen en las antípodas del
homoerotismo descocado del que hicieron
gala en los años previos a Music For The
Masses.
De canciones perfectas
La sensibilidad extrema enmascarada en
la sexualidad rotunda de Dave Gahan, engalanada
en cuero negro, fue la receta con la
que engancharon a góticos e influyeron
a diferentes ramas del metal, con grupos
como Nine Inch Nails e incluso a devotos
reconocidos como Celtic Frost. Pero es
que, además, Violator no deja de ser la
cumbre de la discografía depechera. Más
cuando el arranque es World In My Eyes, de
la que la periodista y experta en Depeche
Mode Elena Cabrera comenta que “no se
me ocurren cuatro segundos de inicio de
disco más emocionantes. Es una canción
estremecedora. Y eso es solo el comienzo,
no hay un canción mala ni un momento sin
interés. Estamos hablando del disco que
además contiene Personal Jesus y Enjoy
The Silence, probablemente la santísima
trinidad del cancionero depechero. Pero es
que también es el álbum que nos entrega
Halo, Waiting For The Night, Policy Of Truth,
Sweetest Perfection. Y después de haber
nombrado todas estas, solo quedaría un
par, las dos últimas del disco, que aunque
quizá no gocen de tanto reconocimiento
como todas las demás, son dos canciones
igualmente perfectas, Clean y Blue Dress,
ambas mejores que cualquiera de los singles
de sus últimos discos”.
World In My Eyes terminaría siendo el último
single extraído de Violator, el broche
final a una estrategia que, un año antes,
había comenzado con el fin de auparse al
pódium del estrellato pop, al mismo tiempo
que poder asentar un monolito discográfico
por el que siempre serán venerados
por generaciones posteriores.
—MARCOS GENDRE
MONDO
FREAKO
abril 2020 #31

MONDO
FREAKO
Lee Ranaldo &
Raül Refree
Dos cabalgan
juntos
FOTO: ARI MARCOPOULOS
Names Of North End Women
(Mute/PIAS, 20) es la culminación
natural de la amistad y
complicidad artística cultivadas
por neoyorquino y barcelonés
desde Acoustic Dust (El Segell, 13).
“Desde el principio sabíamos
que no estábamos haciendo
un disco de rock”
TAN.LEJOS
RRObviamente, estando en este tiempo de
cuarentena y confinamiento voluntario debido
a la crisis mundial del Coronavirus,
es de esperar que haya habido infinidad de
lanzamientos aplazados, giras canceladas
o aplazadas, y artistas que han decidido
retransmitir conciertos en redes sociales.
Es tal la cantidad de datos que mejor dejamos
a un lado la mayor parte.
RRDe actuaciones que se han llevado a
cabo en redes sociales y que no debes
perderte (puedes encontrarlos todavía en
redes o en Youtube) están los conciertos
de Christine And The Queens y Ben Gibbard
(Death Cab For Cutie), el de Dropkick
Murphys para el St. Patrick’s Day y el que
ofreció James Blake desde el comedor de
su casa con versiones de artistas como
Radiohead, Frank Ocean o Billy Eilish, por
citar un par.
RRPor lo que respecta a fallecimientos,
durante los últimos días nos han dejado artistas
como Bill Rieflin, batería fundamental
de la escena alternativa que militó en
Ministry, R.E.M. y King Crimson, entre muchas
otras bandas; Gabi Delgado, cincuenta
por ciento de D.A.F. y de raíces cordobesas;
Danny Ray Thompson de Sun Ra Arkestra;
Tres Warren, cantante y guitarrista de los
psicodélicos Psychic Ills; el cantante cou-
Habitar La Mar
Gritos en la
oscuridad
Tercera referencia de Habitar
la Mar en solo dos años y otra
incendiaria entrega firmada
por una de las formaciones
más excitantes del actual
panorama underground
estatal. El quinteto de Jaén nos
introduce en un aquelarre con
personajes desmedidos y dañinos
titulado Comedia Yoica (Braves
Records, 20).
NOSOTROS ESTAMOS SIEM-
PRE saliendo de la dichosa
zona de confort. Cada trabajo
es experimentar con nuevos
sonidos, cacharros o formas de grabar,
así que ahí estamos bastante a la deriva;
algo que a larga nos beneficia porque
siempre salimos con la sensación de que
nos hemos refrescado”, comenta Juan
Soler, cantante y letrista del grupo. Empezamos
hablando de su sonido, para
pasar a lo lírico. Y ahí, el disco encuentra
en el “yoismo” un maravilloso filón. “A
pesar de que es duro explorar en la miseria
humana también es cierto que te
ayuda a comprenderte más a ti mismo
y lo que quieres hacer en el mundo. En
este disco no es todo tan negativo como
parece ser. De hecho, no creo que para
nada se trate de un mensaje nihilista,
siempre hay algo que te impulsa o por lo
que merece la seguir. En muchos aspectos
decepcionado, bajo ningún concepto
rendido”. Las referencias al fuego son
"A veces cuando todo queda
devastado es cuando surge la
oportunidad de crear algo nuevo"
#32 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EL MÍTICO cofundador de Sonic
Youth habla rápido y transmite
puro entusiasmo por su dulce
momento creativo, puesto al
servicio de un trabajo de exquisita amplitud
de miras. “Al principio pensamos que
sería la continuación de Electric Trim
(Mute, 17), con una relación de productor-artista
entre nosotros, pero pronto
se hizo evidente que debíamos hacer un
disco como dúo, en el que ambos contribuyéramos
en cada nivel del proceso:
desde la composición a la grabación,
todo. Nos hemos hecho muy amigos y
trabajamos muy de cerca en cada aspecto
de la música. Ahora mismo lo que tenemos
es una colaboración en todos los
aspectos”, explica. La complicidad surge
de que “compartimos muchos objetivos
e intereses. A los dos nos encanta cierto
tipo de experimentación en el estudio. Y,
cuando nos juntamos, las cosas que nos
salen nos parecen muy emocionantes a
ambos. Creo que nuestras ideas se complementan
muy bien”.
EXCELENTES GUITARRISTAS, han
cometido la herejía dejar algo de lado
su instrumento en busca de nuevos
territorios sonoros y una palabra que el
norteamericano no se cansa de repetir:
experimentación. “Uno de nuestros objetivos
desde el principio era usar muchos
instrumentos distintos, sonidos electrónicos
e instrumentos de percusión
como marimbas y vibráfonos, y hacer
las cosas de un modo diferente a como
las hicimos en Electric Trim. Sabíamos
que no estábamos haciendo un disco
de rock”. Influencia de la vanguardia y
minimalistas como Ryuchi Sakamoto,
Steve Reich, Meredith Monk o Max
Richter. Y también de aquellos grupos
que utilizaron el estudio como su medio
expresivo, de The Beatles a Pink Floyd.
“Se puede decir que el estudio es nuestro
principal instrumento. Creo que los dos
siempre hemos tenido el deseo de hacer
más música de esta manera. Cuando nos
conocimos, encontramos un buen socio
para hacerlo”.
OTRO ELEMENTO QUE HA COBRA-
DO mayor peso es la voz de Ranaldo,
más expresiva que nunca. “Creo que la
amistad entre Raül y yo se fraguó cuando
nos pusimos a grabar las voces del
disco acústico. Me dijo que le encantaba
como cantante y que quería hacer más
cosas conmigo. Desde el principio quedó
claro que las voces iban a ser uno de
los aspectos más importantes de este
disco. Ahora digo que he pasado de ser
un guitarrista que cantaba un poco a un
cantante que toca la guitarra de vez en
cuando”.
EL NEOYORQUINO DESTACA también
la huella de la ciudad de Winnipeg,
Canadá, de donde es su esposa, en un
trabajo cuyo tema central es la gente que
entra y sale de nuestras vidas, es decir,
el paso del tiempo. Una cruda realidad,
la de los años, que no oxida la vitalidad
artística de los ex componentes de Sonic
Youth, algo de lo que Ranaldo se muestra
orgulloso. “Me parece impresionante y
fantástico que a estas alturas sigamos
sacando discos interesantes que exploran
nuevos caminos. Es un testamento a
todo lo que era Sonic Youth”. —JC PEÑA
R
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Algora
A su aire
Pocos artistas son capaces
de admitir claramente “no
llevo bien las críticas”
en vez de soltar lugares
comunes. Víctor Algora, que
ahora presenta el estupendo
Un extraño entre las flores
(El Genio Equivocado, 20), es
uno de ellos.
FOTO: MANUEL OTERO
ntry Kenny Rodgers y, lamentablemente,
el que fuera uno de los saxofonistas más
importantes del jazz funk africano, Manu
Dibango, este último a causa del Coronavirus.
Otros artistas que están afectados por
el virus son el rapero Scarface (Geto Boys)
y el cantautor James Browne, aunque en el
momento de cerrar esta edición no estaban
en estado grave.
RRContinúa así el eterno drama de la
reunión del mítico grupo de Manchester
Oasis. Liam Gallagher ha vuelto a apelar
a su hermano Noel por Twitter para conseguir
una respuesta. “A ver, escuchad,
mucha gente piensa que soy un gilipollas
recurrentes, en su vertiente destructiva,
pero también purificadora. “A veces
cuando todo queda devastado es cuando
surge la oportunidad de crear algo nuevo.
Al final es algo recurrente porque
todos tenemos eso dentro, una llamita
que puedes mantener contenida o soltar
gas y que se líe la de dios. Como siempre,
depende de tu orgullo”.
LA SENSACIÓN DE PELIGRO, presente
en las dos anteriores referencias (La
deriva y Realismo histérico), continúa.
Aquí, no obstante, también hay partes
más introspectivas, algo parecido a un
guardián de la moral. “Cuando nosotros
hablábamos de esa voz de la conciencia
la imaginábamos como una persona metida
en una cueva, buscando soluciones a
los problemas que surgían, cuestionando
elegir uno u otro camino. Por eso dimos
importancia a la reverberación y al eco
en el sonido; es la base de este disco a
nivel conceptual”. Comedia Yoica cuenta
con un par de colaboraciones femeninas,
y soy un gilipollas guapo, pero una vez
termine todo esto tenemos que juntar
a Oasis para un concierto benéfico. Va,
Noel después de eso podemos volver a
nuestras fantásticas carreras en solitario.
Venga va, tú sabes LG x“, escribió
ayer jueves Liam –por lo visto, con dificultades–.
RRLa iniciativa #LoveRecordStores ha
surgido para ayudar a todas las tiendas
de discos que están sufriendo en estos
momentos una gran bajada de ventas a
causa de la crisis del COVID-19. Georgia
ha sido una de las primeras artistas en
sumarse a la campaña. —MS
la de Anxela Baltar (Bala) en Fantasmas,
y la de Donna Diane (Djunah) en Caos.
“Con Anxela teníamos un conocido en
común, Unai García, que nos puso en
contacto. Nos encantan Bala y pensamos
que encajaría perfecto en ese tema. En
el caso de Donna, escuché el tema Nurse
And Nun y dije: ‘joder, esto es lo que quiero’.
Dejó su impronta y su garganta en
nuestro disco. Para mí Djunah es la banda
del año”. En el 2019 fueron dos epés y
no nos extrañaría acabar el año con otra
referencia del quinteto. “Nos guiamos
por lo que nos pide el cuerpo, así que
puede que saquemos algo nuevo o puede
que nos dediquemos a tocar. Quizá abramos
una imprenta y nos dediquemos a
colocar pegatinas sobre los cajeros de
las entidades bancarias que digan ‘No
funciona’. Nunca lo sabremos. Algo haremos,
seguro”. —LUIS BENAVIDES
R
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Durante más de una hora
charlamos sobre temas muy
dispares. Sale el Síndrome del
Impostor (“me pasa continuamente,
y es horrible, porque pones
toda tu alma y todo tu trabajo ahí, y
luego eres incapaz de disfrutarlo”).
Sale el autosabotaje que nos hacemos
los LGBT (“desde pequeñitos nos
estamos cuestionando, eso evidentemente
repercute en tu autoestima y
en tus relaciones”). Salen La Prohibida
y la creación ¡en diez minutos cual
Sia! del hit Baloncesto (“quizás habla
de no poder volver a amar a otra persona,
porque has amado tanto que ya
no puedes... de hacerte mayor”). Salen
sus letras, y cómo en su día le llovieron
críticas por el “vuelvo a casa con
el culo roto” de Muerdealmohadas.
“Si me surge decirlo, no meterlo sería
forzado... mira, soy muy hermético
en mi vida normal, y necesito soltar
las cosas en la música”. ¿Influirían en
esos ataques la asociación a lo femenino
que se hace con el rol pasivo?
“Puede ser, ¡y fíjate que a mí me daría
más pudor soltar un ‘voy a follarte’!”.
Y, por supuesto, sale este álbum, con
el que Algora quería abordar la soledad
que sentimos y nos hace sentir
el consumismo de nuestro sistema.
“El mundo entero está condenado a
convertirse en un centro comercial
lleno de Starbucks, y el disco habla
de saber que estamos metidos en un
sistema que nos hace sentirnos solos
y nos explota, de la gente que no encuentra
su sitio en esta sociedad y en
este sistema”. Como en Reflexiones
de una vieja lavadora, donde la vieja
lavadora es esa generación a la que
destrozó la crisis. “Nos prometieron
muchas cosas, nos decían que éramos
el futuro, que íbamos a comernos el
mundo... y nos hemos comido una
mierda”. —PABLO TOCINO
R
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abril 2020 #33

FORMER IRON MAIDEN MEMBERS
¡ABONOS A LA VENTA! - TICKETS ON SALE! - WWW.METALPARADISEFEST.COM

MONDO
FREAKO
FOTO: DAVE BLANCO
Vuelven con su trabajo más
completo, elaborado y efectivo.
En Fyre (Marion Cobretti
Records, 20), la fuerza bruta no
ha desaparecido sino que se
ha transformado en un empuje
más atractivo y envolvente.
En 2020 Cobra golpean no más
fuerte, sino mejor.
Cobra
Golpean mejor
Para conseguir sonar mejor
que nunca, Cobra no se han
ido a New York, Londres o
Berlín, sino que han trabajado
con su técnico de confianza, Xanpe
(también en Pi.L.T.) y en los estudios
Koban de Bilbo. Se trata, sin duda, del
trabajo definitivo del grupo, un gran
paso adelante en cuanto a sonido y
nivel compositivo. David González,
bajista y ex-miembro de Pi.L.T., y Berri
Txarrak, contesta a nuestro interrogatorio.
“Es nuestro mejor disco hasta
la fecha. Suena a tópico cuando toca
hablar de un disco nuevo, pero esa es
la sensación que tenemos. Ha sido un
largo camino y nos hemos dejado la
piel. No podemos estar más contentos
con el resultado”. Siguen siendo temas
matadores, como siempre muy recomendables
para el directo, pero más
redondos. “Teníamos claro que que-
“Era necesario renovar
la intensidad y energía”
ríamos hacernos cargo tanto del proceso
compositivo como de la producción.
Por primera vez en quince años
nos plantábamos con tiempo y energía
suficiente como para hacer el disco
que teníamos en la cabeza y la única
manera era haciéndolo nosotros. Han
EN CONCIERTO
l Amurrio 18 abril, Burubio
l Donostia 15 mayo, Dabadaba
l Vitoria-Gasteiz 23 mayo, Jimmy Jazz
l Gernika 30 mayo, Astra
l Salamanca 4 junio, Potemkim
l León 5 junio, Espacio Vías
l Bermeo 24 julio, Bay Of Biscay Fest
l Dima 26 septiembre, Dimetal Fest
sido seis meses de duro trabajo y fruto
de ello es el resultado. Puedes encontrar
canciones con sonidos más duros,
pasando por temas más rockeros o
incluso de corte más clásico. Todo
esto bajo un hilo conductor que hace
que ninguna canción desentone”. Hay,
por primera vez, temas ultrarápidos y
brutales como Emerald City o New Old
Days, con esos dibujos inconfundibles
de David en el bajo, marca de la casa.
“Era necesario renovar la intensidad
y energía que ha caracterizado a este
grupo hasta ahora, pero siempre sin
perder esa esencia. La velocidad era
una asignatura pendiente y creo que
le ha sentado muy bien a ese punto oscuro
que teníamos”. Parasites es quizá
la joya de la corona junto a Let Down y
We Are Next, con su alucinante sonido
de guitarra y su adictivo riff. Un tema
redondo de principio a fin. ¡Cuánto
poder! “Es el único tema del disco
que podría ser la continuación de
Riffyard, nuestro anterior trabajo. Le
dimos muchas vueltas a la estructura
y trabajamos mucho la línea de voz,
que es lo que ha hecho que la canción
crezca”. El tema de los coros es un
punto muy importante en este trabajo,
también en la ya citada Let Down, incluso
utilizando un registro bastante
más agudo de lo habitual. Se ha buscado
visiblemente la calidad y un perfil
más interesante y apetecible. “Es sin
duda el disco en el que más hemos trabajado
las voces. Las circunstancias
esta vez han sido diferentes y hemos
tenido todo el tiempo que hemos querido
para componer el disco”. Mantienen
la misma formación de siempre,
un factor importantísimo en el sonido
tan compacto que han logrado. “Son
casi quince años tocando juntos y eso
se nota a la hora de tocar o componer.
Musicalmente nos comunicamos muy
bien y el hecho de conocernos desde
hace tanto tiempo facilita mucho las
cosas”. —URKO ANSA
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abril 2020 #35

Veinticinco años
de “The Bends”
La primera obra maestra de Radiohead
En la categoría de las obras maestras suele haber dos extremos, los que
suponen una revolución en cuanto al sonido, al concepto, a adelantarse a
su época y los que yo llamo los grandes éxitos, esas obras en las que todas
sus canciones son una maravilla. Cuanto más de esos dos extremos tenga
un disco, mejor será. Entre los primeros están Pet Sounds de The Beach
Boys, el debut de The Velvet Underground, Autobahn de Kraftwerk o Kid A,
entre los segundos Never Mind The Bollocks, Definitely Maybe, Is This
It? o nuestro protagonista, The Bends.
LO CURIOSO DEL CASO es que la mayoría de
estos discos suelen ser debuts, algo que
tiene toda la lógica, una banda se crea y
pasa un tiempo haciéndose un nombre
tocando en todos los garitos posibles,
creando un repertorio, hasta que alguien
les descubre y se graba un disco con sus mejores canciones.
Si el disco tiene éxito, entonces, la banda se ve obligada
a grabar un disco continuista sin mucho tiempo para
componer tantas canciones como el primero, se le suele
conocer como el síndrome del segundo disco. Por eso pocos
apostaban en 1994 que Radiohead fueran a ser capaces
de entregar un disco como este. Su primer largo, Pablo
Honey, no pasaba de normalito, siguiendo la dinámica
del calmado/fuerte de los Pixies y con otras influencias
como Nirvana, R.E.M. o U2, no era un disco en el que hubiera
muchas grandes canciones, aunque sí que había una muy
grande, Creep, pero precisamente el éxito de esa canción
y la presión e insistencia de todo el mundo para que la
emularan les iban a dar el combustible necesario para
desmarcarse con su primera obra maestra tras un inicio
dubitativo. Thom Yorke cantaba en Creep que quería ser
especial pero fue con The Bends cuando su banda comenzó
a serlo de veras.
Radiohead vs Britpop
LANZADO EN PLENA FIEBRE del britpop, The Bends y
Radiohead estaban en el polo opuesto de sus compatriotas,
frente al hedonista optimismo de muchos de sus contemporáneos,
los de Yorke estaban al borde de la depresión,
además, sus referentes eran grupos americanos como R.E.M.
o Pixies y grupos totalmente despreciados por su supuesta
pomposidad como Pink Floyd o U2, nada de nostalgia
del Swinging London. Musicalmente seguían aferrados al
rock de guitarras, pero tanto Yorke como Jonny Greenwood
ponían un extra de originalidad en sus respectivos instrumentos,
voz y guitarra, haciendo de la banda un ente
extraño en el Reino Unido de Oasis y Blur. Pocos lo podían
predecir en ese 1995, pero el futuro les pertenecía a ellos
y aunque después de The Bends llegarían nuevas cimas,
este fue el disco sobre el que se construyó la carrera de
la banda que iba a definir el sonido de las siguientes décadas.
Al final resultó que en medio de la tremenda fiesta
del britpop se colaron unos tipos para poner las cosas en
perspectiva. Si algunos querían ser estrellas del rock y
vivir para siempre a Radiohead le bastaba con pertenecer
a la raza humana.
LA BANDA HABÍA COMENZADO a grabar The Bends en
febrero de 1994 junto al productor John Leckie, cuyo más
famoso trabajo había sido en el debut de The Stone Roses,
aunque lo que más le interesaba a Yorke era su colaboración
con Magazine en Real Life (1978). Con Leckie apareció
uno de los nombres fundamentales en la historia de Radiohead,
se trataba de Nigel Godrich que trabajaba como ingeniero
junto al productor. La química entre los de Oxford y el
joven ingeniero pronto se haría palpable y cuando Leckie
abandonó temporalmente el estudio la banda y Godrich se
pusieron a trabajar en unas caras B de las que saldría Black
Star que, a la postre, terminaría incluyéndose en el disco,
siendo el inicio de la mítica relación entre ambos.
Thom Yorke encuentra su voz gracias a Jeff
Buckley
PERO PUEDE QUE EL MOMENTO más importante de la
grabación de The Bends se produjera fuera del estudio. El
27 de agosto habían tocado en el Festival de Reading, allí
#36 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Este fue el disco
sobre el que se
construyó la
carrera de la
banda que iba a
definir el sonido
de las siguientes
décadas”
se veía a una banda todavía cabreada con su mayor éxito,
la canción que llevaban tocando todos los conciertos
desde hacía dos años, Creep. Nada más interpretarla, de una
manera poco sutil, se lanzaron con la canción que iba a
adelantar su nuevo. Se trataba de My Iron Lung una crítica
nada velada a Creep en la que decían cosas como “This,
this is our new song / Just like the last one / A total waste
of time / My iron lung”. Blanco y en botella. Pero el caso es
que esa misma actuación la habían comenzado con Thom
Yorke cantando a capella Sing A Song For You de Tim Buckley.
La cosa no tendría mucha más importancia si el hijo
de Tim, Jeff, no hubiera sacado un disco cuatro días antes
llamado Grace. El pequeño de los Buckley se encontraba
en Inglaterra presentando el disco y tocó al día siguiente
en el mismo festival de Reading en el que tocaron Radiohead.
No se sabe a ciencia cierta si lo vieron, lo que sí que
está documentado es que el 1 de septiembre Buckley volvió
a actuar en Londres en The Garage. Ese mismo día la banda
inglesa estaba en el estudio luchando, una vez más, por
encontrar una buena toma de Fake Plastic Trees. La cosa
no estaba funcionando así que John Leckie, dijo “¿por qué
no salimos un rato?”. Así decidieron ir a ver a Buckley y
allí Thom Yorke tendría una revelación fundamental en su
carrera, no tanto por la música que sonó sino por la forma
en que fue interpretada por la increíble garganta del cantante.
Su utilización de la voz como el más expresivo de los
instrumentos le permitiría a Yorke dar una nueva dimensión
a la suya. Una influencia que se haría efectiva desde
el primero momento y es que, tras finalizar el concierto, la
banda volvió al estudio y se lanzaron a tocar Fake Plastic
Trees con Yorke sentado en el suelo. Tras tres tomas, rompió
a llorar y esa fue la versión que se utilizó en el disco. Yorke
había encontrado su voz y, como diría Leckie, la actuación
de Buckley le hizo darse cuenta de que se podía cantar en
falsete sin sonar ñoño. Esa influencia llegaría a toda una
nueva generación de cantantes a través del filtro de Yorke,
porque a pesar de que Matt Bellamy o Chris Martin dicen
que cuando les comparan con Yorke es por compartir la influencia
de Buckley, cuando escuchas a Muse o a Coldplay
no piensas tanto en Grace como en The Bends.
Punk Floyd
Y ES QUE EL SEGUNDO DISCO de Radiohead no tiene una
sola canción que baje del notable. Desde el momento en el
que comienza la sinuosa Planet Telex se tiene la certeza
de estar ante algo especial, la banda se ha sofisticado
y ha encontrado su propio sonido, aparecen teclados y
empiezan a meter muchas más capas de sonidos, cortesía
principalmente de sus tres guitarristas, el propio Yorke, Ed
O’Brien y, sobre todo, un Jonny Greenwood que encontrará
definitivamente su sonido con una vieja Telecaster. Ya no
tocan todos lo mismo, cada uno aporta algo distinto, Yorke
suele ser el guitarra rítmico, con O’Brien poniendo toques
“a lo Johnny Marr” y Greenwood siendo el solista, con sus
solos sirviendo de contrapunto melódico a la voz de Yorke,
compartiendo protagonismo. Su pericia instrumental
llevó a algunos a calificarlos como Punk Floyd, al conseguir
unir dos cosas que parecían contrapuestas, la rabia
del punk y la musicalidad de los de Roger Waters. La vieja
fórmula del fuerte/calmado prestada de los Pixies y Nirvana,
y utilizada con mucho éxito en Creep, había quedado,
definitivamente, atrás.
THE BENDS, LA CANCIÓN, se abría con una explosión
guitarrera y Thom Yorke gritando, era glorioso rock hecho
a guitarrazos pero cuando comenzaba la letra lo primero
que nos decían era “Where do we go from here”. En medio
de la locura del britpop Yorke decía cosas como “And I wish
it was the sixties, I wish I could be happy I wish, I wish,
I wish that something would happen”. Pero no eran los
sesenta y Yorke y sus camaradas estaban bastante lejos de
sentirse felices. Todas esas contradicciones hacen de este
un disco realmente especial, un disco en conflicto consigo
mismo, ahogándose en esos mismos guitarrazos, en esa
fuerza salvaje de las guitarras tan propia de las estrellas
del rock a las que no se quieren parecer. Esa incómoda
sensación de ser incapaces de comunicarse de otra forma.
Algo que, con el tiempo, aprenderían a hacer, abriéndose a
múltiples influencias y músicas, pero que ya es evidente
en este The Bends como se puede entrever cuando uno leía
a Thom Yorke, en una entrevista de la época, expresarse
así: “Me da mucha envidia cuando escucho buena música
‘jungle’ o cosas en el disco de Tricky. Tengo la sensación
de que lo hicieron de forma aislada y que no era necesario
estar en una puta banda de guitarras en la que alguien
grite ‘Quiero mi solo de guitarra’”.
La alienación de Radiohead
LA PALABRA QUE MEJOR DEFINÍA por lo que estaba pasando
Yorke, y con él Radiohead, era alienación. No se sentían
parte de la escena británica, no eran parte del grunge, no
sentían el optimismo de los primeros, ni el cinismo de
los segundos, se sentían fuera de cualquier conexión con
nada. Pero ese sentimiento de aislamiento sería el que les
llevaría a encontrarse a ellos mismos. Su pesimismo parecía
fuera de lugar en una escena entregada al hedonismo
y a la celebración, pero la banda se estaba encontrando a
sí misma e iba a probar que su alienación estaba más cercana
al ‘zeitgeist’ de los tiempos de lo que se creía. Lo que
nadie se daba cuenta en ese momento era que Radiohead
no entraban en ninguna etiqueta, eran, simplemente, ellos
mismos y no se iban a repetir. Durante los siguientes años
saldrían miles de imitadores de este disco, unos se quedarían
con las delicadezas acústicas y harían carrera con
ellas como Coldplay, Keane o Travis, mientras que otros se
quedarían con las explosiones eléctricas de Greenwood, os
estoy mirando a vosotros Muse, pero Radiohead no volvería
aquí, como no lo harían con Ok Computer, ni ninguno
de sus discos posteriores, movidos siempre por el fantasma
del “Where do we go from here”.
STREET SPIRIT (FADE OUT) cerraba el disco de la mejor
manera posible, adelantando la desesperación existencial
de “Ok Computer”. Para Yorke es la canción más triste que
jamás haya escrito, eso sí hasta en este lamento en el que,
según sus propias palabras, no hay resquicio para la esperanza
acababa diciendo “Inmerse your soul in love”, claro
que, como con Creep, experimentó sentimientos encontrados
cuando la cantaba en directo, llegando a afirmar que le
dolía inmensamente interpretarla y ver a miles de personas
sonriendo felices, ajenas al verdadero significado de
la canción, algo que comparó a cuando vas al veterinario
a ponerle una inyección a tu perro y este te mira feliz moviendo
la cola. Con declaraciones así podían parecer una
parodia de grupo “miserabilista”, pero Yorke y los suyos
eran mucho más que unos chicos tristes y cínicos, detrás
había un sincero deseo de conectar con otros.
—SERGIO ARIZA
MONDO
FREAKO
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abril 2020 #37

MONDO
FREAKO
R
AgeNda.
abril
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FOTO: ARCHIVO
ERUCA SATIVA
Barcelona (6 mayo, La Nau) Valencia (7 mayo, Peter Rock)
Alicante (8 mayo, Sala Stereo) Málaga (9 mayo, La Cochera
Cabaret) Madrid (12 mayo, Sala Caracol)
El trío argentino Eruca Sativa volverá a
en mayo para reforzar la buena imagen
dejada en su primera visita del año pasado
a territorio español. Repasarán un
repertorio todavía reciente que ha ido
mutando en la carretera.
Eruca Sativa vuelven a tierras españolas
para ofrecer una gira más extensa que
dé continuidad a su primera y fructífera
experiencia. “Fue una gran sorpresa llegar
y que hubiera gente esperándonos. Sobre todo en
Barcelona, donde había más fans. Nos morimos
de la emoción”, cuenta Lula Bertoldi (voz y guitarra),
mientras Brenda Martin (bajo y voz), agrega
que “había muchos argentinos y argentinas, pero
en esta gira esperamos que se sume más público
local, como pasó en Bilbao”. Musicalmente esta
nueva visita será de algún modo distinta a la
anterior, ya que con la edición del último disco,
Seremos Primavera, de 2019 Eruca Sativa ya no
suenan exactamente como antes. En sus canciones
el grupo da un giro hacia sonoridades menos
estridentes, pero de igual o mayor intensidad
emocional. (Bertoldi) “Ahora somos la banda que
suena en nuestro último disco, siempre fue así.
Somos una banda sincera. Si también tenemos
este costado menos ruidoso, ¿por qué no mostrarlo?
Nos dejamos ver así, sin pudor, porque
tampoco dejamos de ser quienes éramos antes.
Esa cuota de honestidad no pasa desapercibida en
quienes reciben el arte”. Seremos Primavera es el
álbum en el que la banda mejor demuestra los recursos
compositivos y ejecutivos que posee. “Hay
composiciones de les tres, fue una manera genial
de llegar a un resultado distinto. De lo contrario,
ya sabemos qué hubiera pasado al colgarnos los
instrumentos y empezar a hacer una jam”, dice
la cantante. El baterista Gabriel Pedernera siente
que están en el camino de ofrecer distintas ideas a
su público. “El año pasado hicimos una gira en la
que el grupo telonero cambiaba fecha a fecha. Se
trataba de artistas con un estilo completamente
distinto al nuestro, para dar un color diferente
a cada noche. La idea funcionó muy bien. Sería
buenísimo que Seremos Primavera lograra ese
objetivo de abrir al oyente a nuevas músicas”. Lo
que seguro logra es dar un perfecto ejemplo de
madurez en el que los mensajes urgentes –relacionados
con su propia realidad y la del mundo
que les rodea– surgen sin gritar ni pisar tres pedales
de distorsión al mismo tiempo. “Nos salió así
naturalmente, pero también es verdad que decir
el mensaje en calma es mucho más contundente y
llamativo que hacerlo en voz alta. Creemos haber
logrado un buen nivel de coherencia entre letras y
música”. —ADRIANO MAZZEO
Siamés
“Nosotros hacemos lo que sentimos y es
hermoso que haya tanta gente conectando”
Madrid (2 abril, Café Berlín) Barcelona (3 abril, La Nau) [APLAZADOS]
Siamés llega desde Buenos Aires
para entregar su exitosa propuesta
que aúna pop, texturas
electrónicas y algo de soul al
público de la península. Y vista
la respuesta en distintos territorios,
la cosa marcha a buen ritmo
gracias a su reciente Home (Autoeditado,
20).
NADA MEJOR PARA EMPE-
ZAR que hacer un repaso
de la historia de Siamés con
Blakk, teclista y fundador del
combo. “Stöltz y yo creamos Siamés.
Hubo química entre nosotros desde el
momento en que nos conocimos y en la
primera canción que escribimos juntos
(As You Get High), desde entonces todo
se fue dando muy naturalmente. Además
de ser músicos y compositores, él
también es artista gráfico y yo productor
musical, una muy buena combinación
para poder desarrollar y presentar
nuestras creaciones exactamente
como las imaginamos”. Viniendo de
Buenos Aires y al ser esta una de las
más importantes cunas del rock en castellano,
podría llamar la atención que
las canciones de Siamés sean en inglés.
Blakk es coherente en su razonamiento
al respecto aclarando que “tanto Stöltz
como yo siempre escribimos letras en
inglés incluso antes de conocernos. Es
la música que más escuchamos y un
idioma que hablamos bastante bien los
dos, no hubo ni que analizarlo. Si bien
tanto en Argentina como en el resto
de Latinoamérica y España hubieron
y hay grandes artistas de música en
español que nos gustan y admiramos
muchísimo, nosotros sentimos que no
podríamos aportar algo a esa escena,
pero ojalá nos convirtamos en un referente
para quienes compartan nuestra
visión de aquí en adelante”.
COMO MUCHOS OTROS en la actualidad,
Siamés adquirieron su éxito
haciendo uso de YouTube y otras redes.
Más allá de los formatos o soportes de
difusión, él sigue creyendo que lo más
importante en la música es la conexión
con el oyente. “Hicimos el mejor disco
que pudimos y lo subimos a las plataformas
digitales, hicimos un video y
fue a Youtube, es algo básico para la
música actual. Nosotros hacemos lo
que sentimos y es hermoso que haya
tanta gente conectando así. Cuando
nos dejan un mensaje desde el otro
lado del mundo y nos dicen que una
de nuestras canciones fue importante
para salir adelante de un mal momento
o que alguien la escucha cada día
yendo al colegio o a trabajar y eso le
mejora el día… ahí sentimos que ganamos”,
manifiesta apasionado. Actualmente
están estrenando su segundo
álbum Home y continuarán en gira
por Reino Unido, Francia y Alemania,
mientras trabajan en un nuevo video.
Aunque otro elemento destacable del
combo son sus directos, rebosantes de
energía y groove. “Los shows son un
momento muy intenso y emotivo tanto
para la banda como para la audiencia.
Hay gente que nos espera desde que
lanzamos el primer disco, y nosotros
también deseábamos poder encontrarnos
y cantar juntos. El show en vivo es
la celebración de la música y de cómo
conecta a las personas”.
—ADRIANO MAZZEO
FOTO: ARCHIVO
#38 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

JUAN PERRO SEXTETO
PRESENTANDO SU NUEVO DISCO “CANTOS DE ULTRAMAR”
LUNES 16 DE NOVIEMBRE –––– MADRID –––– NUEVO TEATRO ALCALÁ
JUEVES 19 DE NOVIEMBRE –––– BARCELONA –––– BARTS
www.houstonpartymusic.com

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Redd Kross
“Llevo muchos años siendo
mi propio jefe”
Valencia (16 abril, Loco Club) Madrid (17 abril, Teatro Barceló) Gijón (18 abril, Sala Albeniz)
Bilbao (19 abril, Kafe Antzokia) [Aplazados]
Redd Kross están en estado de gracia.
Tienen infinidad de proyectos
y lo que es más importante, no han
perdido las ganas de componer, de
girar, de grabar discos. En breve estarán
en España presentando el más
reciente, Beyond The Door (Merge/
Popstock!, 19), con lo que aprovechamos
para conversar telefónicamente
con Steve McDonald.
Hola Steve, te quería preguntar,
con la perspectiva que da
el paso del tiempo, ¿cómo ves
la carrera del grupo?
De alguna manera, soy un afortunado. La
vida puede ser muy trágica, pero fíjate,
tengo cincuenta y dos años y todavía estoy
excitado por las cosas que hago. Por
ejemplo, ahora hay alguien a quien se
le ha ocurrido la brillante idea de hacer
un documental sobre Redd Kross. Están
siendo muchas entrevistas. Te das cuenta
de una cosa, cuanto más vivas, mucho
mejor para todos. Constantemente me
preguntan por Nirvana y su legado, y yo
sólo puedo decir que empezamos muy
jóvenes, pronto celebraremos cuarenta
años haciendo discos. En nada, haremos
una gira por Europa como cabezas de
cartel, eso me motiva. Desde 1997 que no
me sentía con esta energía.
—Curiosamente, una de las preguntas
que había planteado hacerte era cómo
imaginabas un posible documental
sobre vosotros…
A ver, no soy el director del documental,
pero por lo que percibo, está tocando
muchas teclas. Hace poco estuve seis
horas hablando. Fue una buena sesión,
reflexioné sobre muchos temas. Lo único
que puedo decir es que tener la oportunidad
de contar mi historia me llena de
gratitud. La vida no es fácil, estamos muy
ocupados, soy padre y no paro de pensar
en ello. Me hago muchas preguntas. Creo
que nuestro inicio es excitante, e insisto
en que éramos muy jóvenes. Eso lo convierte
en algo extraordinario. Llevo muchos
años siendo mi propio jefe, tocando
para otras bandas, la locura de Sparks,
produciendo discos, e incluso alguna
etapa en que he parado. Cuando en 2006
decidimos volver con Redd Kross, no
sabíamos la forma, pero sí que lo queríamos
hacer.
—No sé si vuestra historia se parece a la
de Mötley Crüe, ¿has visto The Dirt?
Sí, la he visto. Nuestra historia es mucho
más aburrida (risas). Lo más parecido
que he vivido fue la gira con Stone Temple
Pilots en 1994, había groupies a todas
horas. Eso sí, es mucho mejor el libro
que la película. Leerlo es una salvajada.
—Estuve en ese concierto. Fue mágico.
También recuerdo con mucho cariño el
concierto de vuelta en el festival Azkena.
Fue emocionante. Algo parecido a
ver a tus superhéroes favoritos de Marvel
o DC sobre un escenario.
¡Gracias! Recuerdo muy bien ese concierto,
hará unos doce años. Y mira ahora,
estamos en 2020 y aquí seguimos con
más proyectos. Vamos a reeditar Show
World y Phaseshifter en vinilo, hemos
recuperado unas demos que hemos encontrado
de 1990 que van a ir a un EP.
Tenemos mucho que celebrar. En todo
esto, España ha sido fundamental. Nos
habéis tratado siempre muy bien.
—TONI CASTARNADO
FUNDACIÓN TONY
MANERO
Barcelona (23 abril, Sala Apolo; Ciclo
CurtCircuit) Tarragona (25 abril, Sala
Zero) Valencia (30 abril, Loco Club)
Madrid (29 mayo, Sala Copérnico)
La que es una de las bandas
fundamentales del
disco-funk estatal vuelve
con nuevo trabajo, Disco
para adultos (Buenritmo,
20), la demostración
de que siguen en forma y
con ganas de jarana.
Si algo queda claro
desde Lugares comunes
y sobre todo en
este Disco para adultos
es que, sin abandonar las
influencias que habéis tenido
hasta el momento, estáis
cambiando el foco. Los temas
totalmente disco tienen cada
vez más peso en vuestra trayectoria.
¿Estáis de acuerdo?
(Lalo López) Es cierto que
desde un tiempo hacia aquí
hemos asumido con orgullo
el hecho de que somos una
banda de disco. El punto de
inflexión creo que fue Superficial,
en el que, tras un lapso
de tiempo sin publicar nada y
con problemas de fondo que
casi nos llevan a la dispersión,
recuperamos la fe en el género
que nos había visto nacer.
Fue algo muy intenso... Como
reencontrar un viejo amor y
darte cuenta de que con él te
sentías tú mismo, que ese era
tu lugar. Hay mucho por reivindicar
en el disco más allá
del cliché: fue un movimiento
interracial, que rompía barreras
de género y que llevó la
tradición de la música afroamericana
hasta sus cuotas
más altas de popularidad, a
parte de ser la impulsora de la
cultura de club y de la música
que hoy en día se baila en toda
discoteca. Así que ser un gru-
po “disco” es una etiqueta que
nos llena de orgullo.
—Da la impresión de que,
aunque nunca las habéis
descuidado, las letras cada
vez marcan más el espíritu
de los discos que publicáis.
¿Estamos en lo cierto?
Yo creo que todos los grupos
se preocupan sobre sus textos.
Al menos desde el segundo
disco (risas). Siempre hemos
seguido la máxima de James
Brown de hacer tus letras
“universales”, que lleguen a
todo el mundo. Pero Lugares
comunes marcó un punto de
inflexión al respecto, y también
el trabajo con Chocadelia
Internacional en su última
etapa. Cuando llevas tanto
tiempo haciendo canciones, yo
creo que es inevitable que tu
vida termine siendo la guía de
tu pluma.
—Aunque soléis beber de los
setenta y los ochenta, todos
sabemos que sois gente que
disfruta con artistas muy distintos.
¿Qué nombres os interesan
del momento actual en
relación con los sonidos de la
black music?
Las colaboraciones que hay
en el disco muestran nuestras
apetencias actuales. El trabajo
de Joel Sarakula, las producciones
de José Luís Pardo, las
aportaciones de Cimafunk,
son de lo que más nos interesa
en la actualidad. También nos
encantan Mama’s Gun o Young
Gun Silver Fox, lo que hace
Tuxedo, y las producciones de
Adrian Younge. Aunque esté
un poco más alejado de lo que
hacemos el material que generan
Calibro 35 es increíble,
y del mundo del hip hop Tyler
The Creator o Chance The
Rapper son un pozo sin fondo
de creatividad. Y no podemos
olvidar a The Internet, una de
mis bandas favoritas desde
hace tiempo. —JOAN S. LUNA
FOTO: ARCHIVO
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abril 2020 #41

43/Mondo
VINILOS
LA Priest
Gene
Domino/Music
As Usual
Stephen
Malkmus
Traditional
Techniques
Domino/Music
As Usual
Bad Bunny: lo que le da la gana
Bad Bunny
YHLQMDLG
Rimas Entertainment
REGGAETON / YHLQMDLG no ha hecho más que
reafirmar algo que sabíamos desde hacía un
tiempo: Bad Bunny va a su puñetera bola. Pero
él lo ha querido secundar con el acrónimo de
su último álbum, que dice literalmente “yo
hago lo que me da la gana”, y que anunció sin
previo aviso en The Tonight Show de Jimmy
Fallon. Pues eso. Lo interesante del asunto es
que la treta de estrenar disco en sábado –los
lanzamientos acostumbran a programarse
por parte de la industria en viernes– es una
patochada comparada con algo que sí hace
del puertorriqueño un faro generacional: Bad
Bunny tiene una hiperproductividad tocada
por la varita de la frescura. Publicar mucho, y
todo de interés. Nadie en la nueva camada del
reggaeton ha conseguido tanta asiduidad y,
a la vez, tanta pegada. Bad Bunny ha lanzado
desde 2018 dos álbumes, más otro junto a J.
Balvin (Oasis), además de multitud de colaboraciones,
y siempre se han sostenido en la
originalidad y una idea avanzada de qué es el
reggaeton hoy. Mención aparte a lo magnético
de su personaje, siempre divertido y descarado,
y cada vez más complejo en lo identitario;
dentro (Yo perreo sola) y fuera de sus cedés
(camiseta reivindicativa en homenaje a Alexa
9
Luciano Ruiz). Cuando hordas de artistas
matan por una base caderona, él despacha
multitud de temas de géneros variables, y a
penas sin despeinarse (no, no es un chiste por
lo de su rapado con surcos imposibles): YHL-
QMDLG tiene veinte canciones como veinte
singles, sesenta y cinco minutos de metraje de
alta tensión. Y con todo más empastado que
en X100PRE. Sin aturullar. La variabilidad de
ritmos entretiene, pero la clave pasa por unas
segundas capas, una especie de lounge tropical,
luminosas a veces y vampíricas otras, que
hacen emocionante el paseo y lo elevan definitivamente
a electrónica de calidad. Más allá
de desvaríos puntuales (Si veo a tu mamá,
con su teclado revienta seseras, y Safaera, un
torbellino que recuerda a la época de Lorna –
siempre homenaje a los padres y a las madres
del género– acompañado por Ñengo Flow y
Jowell & Randy), YHLQMDLG sigue un camino
marcado. Se inicia en el baile y va ganando
oscuridad, cadencias traperas, a medida
que se cierra. Acaba con una desnuda

MONDOVINILOS
Biznaga y la dictadura de la tecnología
Biznaga
Gran Pantalla
Slovenly Records
PUNK / Motivados por la idea de que no hay
nada más aburrido que repetir siempre lo
mismo, Biznaga entraron al estudio de La
Mina hace un año con ganas de retorcer
cualquier tipo de planteamiento con el
que afrontaron la grabación de sus discos
previos. El resultado es Gran Pantalla, un
tercer trabajo en el que por primera vez nos
presentan un listado de canciones cuyas
letras están conectadas por un tema central:
la presente dictadura de la tecnología.
Pese a que esta era una temática que había
estado presente en una o dos canciones de
sus anteriores discos, Jorge, letrista de la
banda, confiesa que su obsesión por este
tema era tal que ya no le bastaba con solo
un par de canciones. Vocabulario y palabras
futuristas, que a día de hoy suenan cotidianas,
como “algoritmos”, “error 404” o “motores
de búsqueda avanzada”, se suceden a lo
largo del disco a través de escenas con las
8
que cualquiera es capaz de identificarse, lo
que les sirve para hacer un preciso y pesimista
retrato social. Tras la escucha uno termina
por asumir, desgraciadamente, que todos los
temas vitales que nos remueven (el amor, las
rupturas,…) ahora parece que solo pueden ser
vividos bajo el filtro de la pantalla. Un paisaje
ya no tan distópico que Biznaga acompañan
con una parte sonora frenética y enervada,
marca de la casa, que para este álbum se deriva
a territorios más fríos, impersonales y
desolados, acorde con la temática y que han
podido dar forma gracias a la experimentación
y la libertad creativa que se han dado
en el estudio. Lo que los propios Biznaga
han definido medio en broma como disco de
ciberpunk, no deja de ser el reflejo del buen
estado de forma de una banda que continúa
dándonos motivos para seguir creyendo en
la música de guitarras, algo que a día de hoy
parece un ejercicio de resistencia.
—GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA
Poliça
When We
Stay Alive
Memphis
Industries/
Music As
Usual
POP / El nuevo disco de
7
Poliça se llama When We
Stay Alive porque la vocalista
lo ha escrito y grabado después
sufrir de un gravísimo accidente
del que salió bien. Quizá de ahí
surja este interesante trabajo,
que necesita de varias escuchas
para ser entendido y que entra
difícil y despacio por los oídos y
hasta el cerebro. Poliça ha conseguido,
en su cuarto proyecto,
combinar con acierto y valentía
su increíble voz con sonidos que
van del pop cheesy más agradable
de ‘Steady’ a la electrónica
elegante de Fold Up. No se duda
de la inteligencia musical de
Poliça después de escuchar este
álbum. Sin embargo, When We
Stay Alive no es un álbum que
llegue a emocionar; a veces está
a punto de difuminarse como
música ambiental y hay que hacer
un esfuerzo para encontrar
sus muchas virtudes. Sí logra el
equilibrio combinando dulzura
musical y vitalismo lírico. Un
álbum al que volver en esos días
de no encontrarse pero al que
cuesta llegar. —LUIS M. MAÍNEZ
Swamp
Dogg
Sorry You
Couldn’t
Make It
Joyful Noise/
Popstock!
Envy
The Fallen
Crimson
Temporary
Residence
Limited
Daniel
Avery/
Alessandro
Cortini
Illusion
Of Time
[PIAS]
Love Yi
Fortuna
Autoeditado/
Altafonte
Soccer
Mommy
Color
Theory
Carolina/
Music As
Usual
SOUL / Si algo ha distinguido
la carrera de este vete-
7
rano del soul es la imposición
de una fuerte personalidad y la
convicción de hacer siempre lo
que ha deseado. Una actitud que
hoy día sigue aplicando, como
demuestra que haya pasado de
coquetear con la electrónica en
su anterior trabajo a embeberse
de la herencia country en el actual.
Arropado de una pléyade de
colaboradores que representan el
desarrollo histórico del género,
de John Prine a Justin Vernon, la
recuperación de sus orígenes,
artísticos y personales, desembocará
en un disco de fuerte calado
sentimental. Un traslado de esa
base campestre a un territorio
estilístico propio que confluirá,
sin desoír episodios de brumoso
y trepidante funk (Family Pain),
en el dominio de emocionantes
temas (Sleeping Without You Is A
Dragg, I Lay Awake). Con ello, este
viejo y desvergonzado intérprete
nos permite acceder a su foro
más íntimo, uno en el que resiste
todavía intacta su capacidad de
conmover. —KEPA ARBIZU
7
POST-METAL / En este disco
EXPERIMENTAL / Daniel
URBANO / Love Yi presenta
7
7
están presentes todos los
Avery y el teclista de Nine
Fortuna, un álbum debut
elementos que han hecho de Envy
una banda de culto a lo largo de
una carrera en la que no han hecho
más que afianzar su estatus
de formación imprescindible y
seminal. A lo largo de los cincuenta
minutos que dura The Fallen
Crimson nos encontramos con
una característica mezcla de
oscuridad e intensidad, marca de
la casa, a base de atmósferas de
texturas post-rock, pesadez metalera,
spoken word, desarrollos
instrumentales obsesivos, screamo
y un poso hardcore del que
nunca se alejan demasiado. Hoy
en día utilizamos etiquetas como
darkgaze para describir algo a lo
que Envy llevan dedicados desde
hace dos décadas. Nadie como
ellos se mueven con tanta soltura
en el pantanoso terreno que fusiona
el black metal y el hardcore
con paisajes instrumentales
etéreos propios del post-rock o el
shoegaze. Son prácticamente los
inventores de un estilo en el que
pocas bandas les hacen sombra.
Inch Nails, Alessandro Cortini,
han decidido gestar un álbum
definido por el devenir conceptual,
la divagación sonora y una
producción que oscila entre lo
onírico y lo ferruginoso. Ambos
habían puesto en común sus
perspectivas años atrás en la
gira que mantuvo ocupada a la
banda de Trent Reznor durante
varios meses. Avery, telonero
del proyecto estadounidense,
empatizó a la perfección con un
Cortini dispuesto a crear, y el
resultado de sus planteamientos
ha tomado forma bajo el nombre
de Illusion Of Time. Este extraño
e intimista decálogo sonoro nos
adentra en un pasillo abovedado
en el que los juegos de texturas
y las intensidades de sonido
juegan un papel prioritario. El
dúo no duda en relegar la composición
para dar primacía a la
estética. Una estética plenamente
abstracta y alternante con la que
logran sumergirnos en un espacio
descontextualizado.
en el que ha conseguido dejar
claro tanto su más que interesante
talento como músico, como
el apoyo que ha recibido de los
nombres ya asentados en la –cada
día más potente– escena urbana
de nuestro país. Los once temas
que componen Fortuna son una
muestra de la versatilidad de
un Love Yi que camina sin miedo
entre el reggaeton, el R&B y los
nuevos sonidos derivados del
trap. Canciones como Chulo, De
ti me olvido, junto a Recycled J, o
Diablo/Te hablo se erigen como
los pilares sobre los que se asienta
un trabajo equilibrado que ve
la luz en un momento dulce en
lo creativo para el alcalaíno, que
consigue fijar su sello personal
en cada una de las letras que escribe
y canta. Además, porque ser
cantante a día de hoy en el género
urbano no es solo interpretar,
sabe rodearse de productores de
primera como Kabasaki, Merca
Bae o Mygal X. Un más que notable
primer disparo para Love Yi.
—RICKY LAVADO
—FERNANDO O. PAÍNO
—LUIS M. MAÍNEZ
POP / Sublimando esa
8
suerte de cruce entre Avril
Lavigne y Liz Phair que insinúan
sus canciones, Sophie Allison
se nos va haciendo mayor con
un disco más maduro que su
predecesor, de digestión algo
más prolongada pero igual de
gratificante. La confección de
tapices instrumentales, muchas
veces rozando lo evanescente –Up
The Walls o Yellow Is The Color Of
Her Eyes–, impera por encima de
los estribillos, que ya no buscan
la combustión espontánea que
lucían en Clean (2018), excepción
hecha de esa Lucy con esos embravecidos
cambios de ritmo y guitarras
enmarañadas marca de la
casa. En ese negociado es importante
la labor de Gabe Wax (Beirut,
The War On Drugs) a la producción
y el hecho de haber grabado en su
Nashville natal con la misma banda
con la que lleva un par de años
girando. Un producto notable y
muy bien fraguado, que aguanta
la mirada sin pestañear a asuntos
tan jodidos como la muerte desde
sus cándidos veintidós años.
—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
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abril 2020 #45

Yung Beef
Perreo de la
Muerte 2.5
La Vendició/
Empire
Gil Scott-
Heron &
Makaya
McCraven
We’re New
Again...
XL/Popstock!
Princess
Nokia
Everything
Is Beautiful/
Everything
Sucks
Princess Nokia
Inc.
Luke
Haines &
Peter Buck
Beat Poetry
For
Survivalists
Omnivore
Recordings
Soolking
Vintage
Hyper Focal/
Univesal
REGGAETON
7
/ Yung Beef ha
vuelto a caer del lado del
reggaeton oscuro en este trabajo
que, a pesar de comenzar de una
manera prometedora, a la altura
del primer Perreo de la Muerte,
acaba deshinchándose en los
últimos temas. La necesidad
de involucrar a tantos artistas
jóvenes de La Vendición o el
agotamiento creativo que le
supone vivir de la innovación y
el cambio constante de sonidos
pueden estar pasándole factura.
Por otro lado, el de Granada llega
con temas como Bebesita lo siento
o El mejor dúo, que con seguridad
serán de los mejores que nos
dejen los intentos de hacer reggaeton
en nuestro país este año.
El trabajo de Kiid Favelas y Paul
Marmota en la producción es impecable
en lo técnico y en cuanto
a originalidad respecto a lo que
se escucha en la escena internacional;
a los pocos minutos de
que empiece este Perreo de la
Muerte 2.5 consigue atraparte
en su atmósfera. Una asfixiante y
oscura, como es habitual.
—LUIS M. MAÍNEZ
JAZZ RAP / Pocas veces se
9
habrá exprimido de forma
tan fascinante las últimas sesiones
de un músico como en el
caso de Gil Scott-Heron. Ya en su
momento, I’m New Here (10), el último
álbum de Heron era todo un
trabajo de arqueología orquestado
por Richard Russell alrededor
de su voz. Un año después Jamie
XX acolchaba la voz cavernosa
de Heron en chisporroteos dubstep
de celofán. Casi una década
después de la muerte de Heron,
el astronauta del jazz Makaya
McCraven ha sido el encargado
de celebrar el décimo aniversario
del último trabajo de Heron, y lo
ha hecho desde una mezcla de
respeto absoluto hacia sus motivaciones
creativas. Estamos ante
un trabajo que resucita al tornado
de Chicago de las cenizas y le
proporciona nueva vida a través
del blues cubista de New York Is
Killing Me y el hip hop jazzístico
que mueve los resortes de The
People Of Light. El conjunto se impone
en intenciones y originalidad
a las dos versiones anteriores
del disco. —MARCOS GENDRE
6 RAP / En Everything Is
Beautiful la estrella de
Harlem viaja a su niñez luciendo
su lado más sensible y crédulo.
Se abre al público y se apoya en
la excusa de ser un “bicho raro”
que no encaja en la sociedad. Y
es esta exclusión precisamente
la que le lleva a convertirse en
Everything Sucks en una niña
mimada, caprichosa y calculadora.
Con una dirección optimista,
Everything Is Beautiful es el
más acertado de los dos. Apuesta
por un hip-hop noventero, se
apoya en el gospel e incluye
figuras como Onyx Collective que
lo hacen algo más interesante.
En la otra cara de la moneda, sin
embargo, Everything Sucks se
presenta como un álbum frío,
rudo y pobre en muchos aspectos.
Grabado en Nueva York en solo
una semana, capta esa ansiedad
de la gran ciudad y la transforma
en un álbum despreocupado con
grandes carencias creativas. Lo
mejor una puntiaguda Practice
con Tony Seltzer en la producción
que critica la industria, quema y
da placer a la vez. —ÁLEX JEREZ
POP ROCK / No es la de estos
dos nombres potentes
7
de la escena rock alternativa una
unión forzada y antinatural. Más
bien, y a pesar de ser cada uno de
un lado del Atlántico, la cosa suena
bastante coherente. Y es que
este quizá sea el disco de Buck
que suena más a R.E.M. desde que
desaparecieron los de Athens,
y el de Haines que más suena a
The Auteurs desde el final de la
banda. Aunque si nos tuviéramos
que inclinar solo por una de las
dos opciones, quizá esta sería la
primera pero, eso sí, esto no es un
disco de R.E.M. con otro cantante.
La aportación de Haines en las
letras, los teclados y algunas melodías
es demasiado importante
para pensar algo así. De Hecho,
al final es un aroma a Lou Reed y
al Iggy Pop de la etapa berlinesa
en el que todo parece converger.
La cuestión es que las canciones
funcionan y prometen, si la cosa
no se enturbia, darnos unas
cuantas alegrías a los seguidores
de los sonidos americanos
más underground.
—EDUARDO IZQUIERDO
8
TRAP / Vintage es el segundo
álbum de estudio de un
Soolking que lleva años demostrando
que el rap con influencias
árabes es un estilo en auge dentro
de la siempre interesante escena
francesa y que él lo domina
a la perfección. Después de más
de media docena de adelantos,
que bien podrían haber sido un
EP de hits con colaboraciones de
nivel como la de Dadju, Soolking
ha lanzado un álbum de veintiún
canciones en el que se confirma
su gran momento creativo. La melancolía
de Billie Holiday, la crudeza
de Who’s Bad? o los ritmos
afrobeat de Hayati son muestra
de lo polivalente que es el argelino.
Vintage llega en un momento
en el que Soolking ya está reconocido
como uno de los nombres
a seguir en el país francés tras
el bajón del boom de PNL. Es muy
complicado mantener el nivel y
la cohesión –en la lírica y en las
producciones– en un álbum que
cuenta con temas como Vintage,
pero Soolking lo consigue con
facilidad y frescura. Un logro más
que meritorio. —LUIS M. MAÍNEZ
Code Orange dan un paso adelante
Code Orange
Underneath
Roadrunner
Plágaros
A Day, A
Family &
The Night
Oso Polita
METALCORE / La expectación sobre la continuación
de Forever (su tercer disco y primero
editado por Roadrunner Records en 2017)
estaba alta, y lo cierto es que el quinteto ha
despachado un álbum que, lejos de cumplir
con lo que se esperaba de ellos, acaba con
un plumazo con las dudas sobre lo que son
capaces de hacer. No solo han aprovechado
el salto conseguido gracias al sello subordinado
de Warner Music Group, sino que se
han salido del cuadrilátero y han aterrizado
sobre el público llevándose a todos por
delante. Desde los primeros momentos de
Underneath, los de Pittburgh nos dejan
claro que ya no es suficiente etiquetarles
como una banda más de metal o hardcore. Su
capacidad para experimentar e innovar con
sonidos y registros a lo largo de los nuevos
temas es una cualidad difícil de reconocer
en otras bandas de los géneros anteriormente
citados, y es por ello que la banda de Reba
Meyers y Jami Morgan debe situarse ya en
nuestras mentes en un nivel diferente: como
ellos mismos han declarado, su intención
giraba en torno a ofrecer una alternativa a
9
aquellos amantes de la música agresiva que
se sentían aburridos con lo que las nuevas
bandas estaban ofreciendo o veían al género
estancado. Para ello, Code Orange han dado un
giro hacia su faceta más industrial (In Fear), y
experimentan sin atisbo de un solo complejo
con patrones que se detienen repetidamente
en sus canciones o samples que avanzan y
rebobinan en unos segundos. Efectos ensordecedores,
desconcertantes y dignos de provocar
una migraña que, unidos a la brutalidad de sus
riffs y breakdowns, nos ofrecen algo nuevo y
tremendamente experimental para una banda
de su perfil, consiguiendo sonar delirantes y
frescos al mismo tiempo. Si algo podría reprocharse
al disco en su falta de cohesión, saltando
de cortes tan densos como Cold.Metal.Place,
Last One Left o Erasure Scan a otros como Who
I Am, cantada por Reba, Sulphur Surrounding o
Underneath, en los que que rebajan el desquicie
sonoro, las revoluciones y se acercan más a
cualquier género que podríamos definir como
alternativo y en los que se advierten muchos
destellos de Nine Inch Nails. —SOFÍA CUEVAS
ROCK / Es imposible no
7
caer en la tentación del
namedropping al escuchar el
debut de los hermanos Aritz y
Jon Plágaro. Young Hopes suena
a grandilocuente cruce entre
Bowie y a los Mercury Rev crepusculares.
Se menea Old Maui y es
como si MGMT –sombra también
presente en Stop– se pusieran en
plan funky. Superman insinúa en
cruce interestelar entre los Flaming
Lips más marcianos, Prince
y Frank Ocean. Y el descaro glam
rock de T-Rex se apodera What
You Wanted. ¿Significa eso que
estamos ante un disco sin personalidad?
No exactamente: si algo
no escasea aquí son las buenas
ideas expuestas con desafiante
convicción, si bien Plágaros
tienden a una hiperexpresividad
casi esquizofrénica que en determinados
momentos puede llegar
a empachar. Seguramente se trate
de la ambición propia de los álbumes
de debut, poco propensos a la
labor de criba. Conviene seguirles
la pista. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
abril 2020 #47

SARA BARAS
«Momentos»
miércoles 3 y jueves 4 de junio
LOQUILLO
viernes 5 y sábado 6 de junio
RAPHAEL
domingo 7 de junio
JAMES BLUNT
jueves 11 de junio
MANEL
viernes 12 de junio
GALA DE BALLET
ÉTOILES DE
L’ÒPERA DE
PARÍS
domingo 14 de junio
ESTRENO DE NUEVO
ESPECTÁCULO
ENTRADAS
AGOTADAS
ÚLTIMAS
ENTRADAS!
ENTRADAS
AGOTADAS
DIEGO EL CIGALA
«Homenaje a México»
martes 16 de junio
DIDO
miércoles 17 de junio
PATTI SMITH
AND BAND
jueves 18 de junio
PEDRALBES
FLOWER POWER
viernes 19 de junio
BRYAN FERRY
sábado 20 de junio
DIA DE LA
MÚSICA en
FAMÍLIA
domingo 21 de junio
ANDRÉS
CALAMARO
lunes 22 de junio
AMAIA
jueves 25 de junio
ALVARO SOLER
viernes 26 de junio
MADNESS
domingo 28 de junio
ALAN PARSONS
LIVE PROJECT
martes 30 de junio
LP
miércoles 1 de julio
JUANES
viernes 3 de julio
MÓNICA
NARANJO
sábado 4 de julio
An Evening with
YUSUF /
CAT STEVENS
ÚLTIMAS
ENTRADAS!
ÚLTIMAS
ENTRADAS!
lunes 6 de julio
ÚNICO CONCIERTO
EN ESPAÑA!
ENTRADAS
AGOTADAS
WOODKID
martes 7 de julio
CARMINA
BURANA
Crea Dance Company
jueves 9 de julio
CROWDED
HOUSE
viernes 10 de julio
ROZALÉN
sábado 11 de julio
CARLOS RIVERA
domingo 12 de julio
NILE RODGERS
& CHIC
lunes 13 de julio
MIGUEL BOSÉ
martes 14 de julio
DIANA ROSS
miércoles 15 de julio
ÚLTIMAS
ENTRADAS!
ÚLTIMAS
ENTRADAS!
ÚNICO CONCIERTO
EN ESPAÑA!
8 è
FESTIVAL
— JARDINS —
PEDRALBES
BARCELONA
venta
de entradas
Patrocinadores:
del 3 de junio al 15 de julio
933 197 570 | festivalpedralbes.com
del 3 de juny al 15 de juliol
MEJOR FESTIVAL
DE ESPAÑA
2019
Medio oficial: Hotel colaborador: Transporte oficial:
Colaboradores:
CADENA
La millor
varietat
musical
100.0 fm

Sepultura
Quadra
Nuclear Blast
Best Coast
Always
Tomorrow
Concord/
Universal
MONDOVINILOS
METAL / Influenciado
6
por la numerología, algo
llamado la Teoría Quadrivium y
estructurado en cuatro grupos de
tres canciones, Quadra supone
un viaje irregular en el que la
justificación conceptual entorno
a la mística del número cuatro da
como resultado un conjunto de
canciones que va de más a menos,
concentrando los mayores aciertos
en el arranque del disco, con la
encadenación de Isolation, Means
to an End y Last Time, tres pepinazos
de trash metal canónico a
base de velocidad, contundencia
y mala hostia. Las percusiones
tribales y el groove metal marcan
la siguiente triada de canciones,
bajando el tempo y profundizando
en la pesadez y la complejidad
rítmica, y a partir de ahí, todo hace
aguas. Arreglos orquestales, pasajes
instrumentales que no aportan
nada, coros operísticos, atmósferas
acústicas y épica trasnochada
dan forma a una segunda mitad de
en el que se pierden en una especie
de prog metal sinfónico en el
que nada funciona y que termina
sin pena ni gloria. —RICKY LAVADO
8 POWER POP / Diez años después
de su primer disco de
estudio y tras un parón de cinco
años por un bloqueo creativo y
personal, Bethany Cosentino y
su inseparable hombre orquesta
Bobb Bruno están de vuelta con la
que puede que sea la mejor ración
de power pop que vamos a escuchar
este 2020. Cosentino, que se
abre en canal sobre sus problemas
–hoy superados- con el alcohol
y su baja autoestima en la vitaminada
y nuevaolera Everything
Has Changed, se ha convertido en
la reina del género con un álbum
lleno de caramelos envenenados
que tocan todos los palos musicales
que han poblado su discografía
reciente. Ahí están los guiños
a sus adorados Fleetwood Mac en
la bella For The First Time, a las
guitarras oscuras de The Psychedelic
Furs en Wreckage (uno de
los pepinazos más contundentes
del disco), a los girls groups de los
sesenta en la emocionante True”
(una de las mejores canciones de
su carrera), o a la psicodelia casi
Paisley Underground presente en
Rollercoaster. —XAVI SÁNCHEZ PONS
Mighty Oaks
All Things Go
BMG
POP / El éxito cosechado en
5
los últimos años por bandas
como Of Monsters And Men
o Mumford & Sons ha motivado
la creación de otras formaciones
situadas en coordenadas similares.
Es el caso de Mighty Oaks,
que siguen la mencionada senda
sin molestarse en disimularlo
con un tercer disco en el que todo
parece tan medido de antemano
que compromete su credibilidad.
All Things Go no solo es un álbum
extremadamente accesible,
sino que se preocupa de manera
específica por serlo. El indie-folk
que en principio era la base del
asunto resulta tan pulido a conciencia
que suele derivar directamente
en un pop inofensivo y
para todos los públicos. El trío
busca la conquista del oyente
con melodías suaves y medidas,
además de un aspecto de amable
nostalgia que, en este caso, no
resulta convincente. La línea que
separa la obra emocionante de la
ñoñez tirando a empalagosa es
fina y peligrosa y, en el presente
trabajo, los berlineses caen del
lado equivocado. —RAÚL JULIÁN
Moses
Sumney
græ: Part 1
Jagjaguwar/
Popstock!
POP SOUL / græ: Part 1 es
7
todo un homenaje a esas
tonalidades grisáceas que están
ahí para los que no creen en que
todo es blanco o negro en la vida.
Un concepto sobre el que pivotan
todas las canciones de esta primera
parte de un álbum doble que ha
supuesto el verdadero puñetazo
en la mesa por parte de Moses
Sumney. Porque mientras muchos
altos cargos de la industria musical
pretendían crear “el nuevo
Frank Ocean”, él iba a su rollo. ¿El
resultado? Un disco personal,
hecho con mimo y con las cosas
claras. Resulta difícil encasillarlo
en un género musical, pero
quizás ese “área gris” que transmite
el sonido del trabajo es justo
el mensaje que el artista intenta
predicar. En general, Sumney consigue
sumergirte en su universo
de falsetes, pero a veces el oído
pide un pequeño cambio de registro
a modo de alivio, algo que ni
los cuatro interludios puestos a
lo largo de su tracklist consiguen.
Después de esto, ¿tiene sentido
que esa Part 2 salga meses después?
—ÁLVARO TEJADA
Lil Uzi Vert: renovando el trap
Lil Uzi Vert
Eternal Atake
Atlantic
8
TRAP / Lil Uzi Vert ha estrenado Eternal
Atake, tras una larga espera de casi dos
años en los que se han filtrado algunas de
sus mejores canciones y en los que incluso
llegó a anunciar que se retiraba de la música.
Por suerte, nada de esto ha impedido
que el álbum viera la luz. Eternal Atake
ha vuelto a reivindicar al norteamericano
como una de las voces más importantes de
su generación y como un reconocido renovador
del sonido trap. Esta vez, lo ha hecho
de la mano del colectivo de productores
independientes Woking On Dying (sus trabajos
previos con Lucki, Key! o el propio Lil
Uzi son de lo mejor de los últimos años), que
se encargan de la mitad de los dieciocho
temas de este Eternal Atake, incluyendo
algunos de los mejores como Baby Pluto o
Futsal Shuffle 2020. Además de estos, destacan
hits como POP o I’m Sorry, originales,
potentes y perfectamente elaborados, que
se convierten en clásicos instantáneos.
Eternal Atake es un álbum de Lil Uzi Vert,
con solo una colaboración vocal, la de Syd,
que demuestra que este proyecto significa
mucho para la carrera del de North Philadelphia,
un punto de inflexión. El trap le debe
mucho a Lil Uzi Vert. Tras la domesticación
de Future como superestrella salvaje en sus
últimos álbumes, la comercialización de Migos
y las sucesivas etapas de Kodak Black
en la cárcel, es uno de los dos o tres nombres
que siguen suponiendo un valor incalculable
en sí mismos. La espera de Eternal
Atake ha merecido la pena. Dividido en tres
partes en las que se muestran las diferentes
versiones del artista (Baby Pluto, estrella
del trap y referencia a su papel como sucesor
de Future; Renji, más emocional; y Uzi, su
autentica personalidad) no es Luv Is Rage
igual que P2 no es X0 Tour Lif3, pero brilla
sobradamente por sí mismo y tiene peso y
alcance, algo difícil en un movimiento en
el que surgen nuevos artistas con nuevas
propuestas cada dos o tres semanas.
—LUIS M. MAÍNEZ
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abril 2020 #49

Alice Boman
Dream On
[PIAS]
MONDOVINILOS
7
POP / El debut de larga duración
de Alice Boman se ha
cocinado a fuego lento, desde que
la sueca publicara su primer epé
en 2013, Boman ha ido entregando
con cuentagotas canciones, consiguiendo,
aun así, que su música
suene en series como Transparent
o 13 Reasons Why, hasta
llegar a este esperado Dream On.
Un disco que cuenta con la producción
de su compatriota Patrik
Berger, uno de los grandes nombres
de la década que acabamos
de dejar atrás, productor y coautor
de canciones tan gigantes como
Dancing On My Own de Robyn o I
Love It de Icona Pop. Pero este disco
está lejos de ese pop bailable
y mantiene la propuesta minimalista
de la música de Boman, buscando
sus referentes en grupos
como Beach House o incluso en la
propuesta más reciente de Angel
Olsen. En definitiva, un notable
debut que mete a Boman en la primera
división del dream pop con
una primera cara brillante, y, aunque
se desinfla un poco al final,
Dream On deja claro su tremendo
potencial. —SERGIO ARIZA
Adolescencia y música de clubs
Yugen Kala
Nothing Is
Original
Autoeditado
EXPERIMENTAL / El debut en largo de este
dúo de productores formado por los hermanos
Héctor y Nicolás Iglesias da pie a todo
tipo de titulares, muchos de ellos enfocados
en la bisoñez de estos dos jóvenes que se
han enfrentado a un reto mayúsculo: sacar
un álbum con tan solo dieciséis años, y
lo han superado con creces al hacerlo con
mucha clase y originalidad. Los titulares
más facilones se quedarían en ese punto,
y otros ya indagarían en la calidad de las
producciones de estos dos chavales cuyo
padre es Pablo Iglesias, uno de los ingenieros
de sonido con más renombre del país,
que por lo que se ve les inculcó a una edad
bien temprana el amor por los sintetizadores
y cajas de ritmo, ya que lo que les sale es
una música electrónica alejada de las modas
más comunes, a una edad en la que el resto
de los mortales suele perder el tiempo en los
parques con los colegas o quemándose las
9
pestañas jugando a la Play. Muchos esperarían
un producto más centrado en sonidos más de
moda como el trap o en el EDM, pero ellos han
optado por tirar hacia lo salvaje, con incursiones
en la IDM, techno, electro y esa música
de Club de gente como el holandés Air Max
’97 en la que colisionan todo tipo de géneros
para sacar piezas que encajarían tanto en
una pasarela como en un club. Se aproximan
al footwork desde su perspectiva (Manifesto,
Poem), jungle con rollo chiptune (Silver), el
IDM preciosista cercano a Isan o Lusine (Fight,
Points), experimental/Club (Faster) e incluso el
ambient (Naive), todo sonando a la perfección,
gracias al buen oído de ellos a la hora de componer
y al excelente trabajo de su padre a la
hora de la masterización, lo que acaba de darle
esa pátina de calidad y clase que hace de este
trabajo uno de los discos destacados de lo que
llevamos de año y un proyecto a seguir con
mucho interés a partir de ahora.
—RAÚL LINARES
Lauv
How I’m
Feeling
AWAL/
Popstock!
Hollywood
Undead
New Empire
Vol. 1
BMG
APHONNIC
La reina
Autoeditado/
Maldito
Maserati
Enter
The Mirror
Temporary
Residence
Mery Myles
Elements
Autoeditado
POP / Tras ser diagnosticado
de TOC, Ari Leff se
7
vio obligado a vivir cargado de
ansiedad, miedos irracionales y
obsesiones que le llevaron a una
terrible depresión. Todo esto le
provocó un inevitable aislamiento
y una incapacidad a la hora de
verse con fuerzas para defender
un álbum debut. Este primer lanzamiento
logra romper barreras
y crear una pieza de pop de fácil
consumo, para todos los públicos
e imperfecta. Ha sabido dar
en el clavo a la hora de resumir
en un solo disco quién es como
artista, y demostrar que es mucho
más que un compositor de diez,
convirtiéndose en una especie
de ídolo de la Generación Z. Entre
los mejores momentos destacamos
ese Drugs & The Internet que
refleja su obsesión con las redes
sociales. Y, por otro lado, un Modern
Loneliness con el que firma
un himno pop sincero y del que
habla como una pieza completamente
terapéutica. El disco cuenta
con colaboraciones de lujo que
lideran Troye Sivan, Anne-Marie y
BTS. —ÁLEX JEREZ
RAP METAL
7
/ Los californianos
vuelven a la carga con
su sexto disco de estudio, New
Empire Vol. 1. A finales de 2019 ya
pudimos escuchar dos adelantos.
Ponían toda la carne en el asador
con Already Dead, de estrofas
rapeadas y estribillo melódico
marca de la casa, y en Time Bomb
arremetieron contra los influencers,
animando a su público a
tener sus propias ideas. Ya este
año siguieron calentando motores
con Empire, donde la muerte
sigue rondando sus letras. Y así
hasta nueve canciones nuevas
en las que la parte instrumental
y metalera de guitarra distorsionada/bajo/batería
se mezcla con
samples, bases preprogramadas,
scratches, teclados y sintetizadores.
En Killing It se centran en
su parte más rapera. La distorsión
vuelve a los estribillos de Enemy. Los
riffs gordos y pesados toman protagonismo
en Upside Down. Las
revoluciones se relajan momentáneamente
en Second Chances, y
el rap vuelve a tomar los mandos
en el cierre pesadillesco de Nightmare.
—JESÚS CASAÑAS
8
METAL / Aphonnic se han
POST-ROCK / En el disco más
POP / De adolescente, Mery
7
7
ganado a pulso el derecho
completo y cohesionado de
Myles escuchaba todo tipo
de hacer lo que les venga
en gana y de publicar un disco
como La reina. Después de
cinco álbumes y veinte años de
carrera, el cuarteto de Vigo sigue
alternando metal con pop sin
ningún rubor ni complejo pero,
eso sí, con un resultado excelente.
No hay ni una sola canción
de relleno en las once que componen
su sexto LP, un trabajo
impecable donde todo está perfectamente
colocado en su sitio:
sonidos contundentes, una fuerte
carga melódica, pinceladas de
post-rock y de electrónica, coros
certeros que suman épica al
conjunto... Como veis, La reina
causará repulsa a los puretas y a
quien tenga los oídos estrechos;
los demás, disfrutamos como
niños con composiciones como
Kaleborrock & roll, Mickey & Minnie
o Tres deseos. Otras incluso
tienen un cierto potencial comercial:
Vestigios, Necios y Dulce
de leche. La voz principal de Chechu
bascula entre el desgarro y
la emotividad. —JORDIAN FO
Maserati hasta la fecha, encontramos
todos los elementos clave
del sonido de los de Athens, ese
que une la frialdad de una banda
sonora de John Carpenter con la
vertiente más experimental del
post-rock. Voces filtradas por
vocoders, sintetizadores, ambientes
obsesivos salpicados por
puntuales destellos de psicodelia
y guitarras cortantes y sucias.
Oscuridad, ensimismamiento instrumental
sin caer en el aburrimiento
y el suficiente contraste
entre organicidad rock y gelidez
sintética como para lograr que
los cuarenta minutos que dura
el viaje sepan a poco. A lo largo
de sus siete cortes, con John Congleton
(Swans, Explosions In The
Sky) encargado de la producción,
Maserati construyen un universo
propio a base de estética retrofuturista,
electrónica primitiva,
krautrock, pop psicodélico y
un extraño equilibrio entre la
experimentación más cerebral de
Turing Machine y el gamberrismo
de Trans Am. —RICKY LAVADO
de grupos: de Black Eyed Peas a
AC/DC o Sade. Ahora, con veintiún
años, mezcla estas influencias de
manera explosiva en su primer
disco de estudio, Elements, un
trabajo compacto y especialmente
definido producido por Robin
Synth. La artista ibicenca abraza
el hip-hop, el soul y el pop, y hace
de este compendio de estilos su
seña de identidad. A veces rapea
con una base soul con trazas electrónicas,
a veces canta a una melodía
pop sobre el desamor o simplemente
demuestra su potencial
vocal. Mery Myles compone con
piano, una base primordial que se
percibe en temas como Memories
Let Me Down, Worst In Me o Dry Roses,
delicias en las que también se
destaca su voz grave y potente. El
pop festivo al más puro estilo de
Flo Rida es protagonista en I’m Not
Better Than You o Talk About That,
ambas con bases electrónicas y
dobles voces. En el resto de cortes
muestra las influencias de las
divas contemporáneas del soul, el
pop y el R&B. —KAREN MONTERO
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abril 2020 #51

MONDOVINILOS
Jonathan Wilson publica
su mejor disco
Jonathan Wilson
Dixie Blur
Bella Union/[PIAS]
AMERICANA / A principios del decenio que
acababa hace apenas unas semanas, servidor
se desplazaba a la barcelonesa sala Luz
de Gas para disfrutar de un concierto de
Jackson Browne, al que aquella noche acompañaba
un desconocido para mí Jonathan
Wilson. Lo suyo me pareció uno de los
eventos más aburridos de música yanqui
a los que un servidor ha tenido el gusto de
acudir. Falto de canciones, basándolo todo
en las atmósferas y jugando a la languidez,
con lo más negativo del término por bandera,
Wilson siempre me ha parecido directamente
lo que se conoce como “un plasta”.
Hasta hoy. Parece que para grabar este Dixie
Blur, el músico de Topanga se ha dado
8
cuenta de que necesitaba consejo, y su principal
mérito ha sido el saber pedírselo a las
personas adecuadas. Primero a Steve Earle,
que le recomendó que buscara en su pasado
y en las raíces de la música de su país. Vamos,
que se dejase de hostias ambientales
y chorradas, y se pusiera a recuperar las
buenas canciones que él sabía que tenía.
Tras eso, Wilson recurre al coproductor de
Wilco Pat Sansone, reúne un buen puñado
de músicos relacionados con el country más
tradicional, graba en los estudios de Cowboy
Jack Clement y mezcla en los de Jackson
Browne. El resultado, sin ningún lugar a
dudas su mejor disco. Tampoco una obra
maestra, no se pasen. Pero sí el conjunto de
canciones con más sentido y personalidad
que ha grabado. Cálidas, densas, reflexivas,
pero no aburridas. Ahora sí herederas y no
malos plagios del sonido Laurel Canyon. Así
vamos bien. Que no sea un lunar en su hasta
ahora insulsa –e incomprensiblemente
enaltecida– carrera.
—EDUARDO IZQUIERDO
FOTO: ARCHIVO
Anna Calvi
Hunted
Domino/Music
As Usual
ROCK
6
/ Anna Calvi vivió su
mejor momento con Hunter
(18), y quizá ese éxito haya
empujado a la británica a lanzar
Hunted. En él revisa siete de los
temas de aquél trabajo, tras reclutar
a un (a priori) deslumbrante
cartel de colaboradores: Julia Holter,
Courtney Barnett, Charlotte
Gainsbourg e Idles. La referencia
debe entenderse como apéndice
de la obra original, porque si se
asume como obra con sentido y
peso propio, entonces el asunto
flaquea y su justificación queda
cuestionada. Y es que el contenido
tampoco difiere sustancialmente
del inicial, con piezas que
tienden a manejarse en un ritmo
más lento y reflexivo al tiempo
de alejarse ligeramente (más en
forma que en fondo) de esa rabia
explícita contenida en su antecesor.
—RAÚL JULIÁN
Víctor
Coyote
Las comarcales
El Volcán
8 CANCIÓN / Basta con decir
que Las comarcales es
el disco más redondo de Víctor
Coyote desde aquel vibrante
Mujer y sentimiento (85), con el
que alcanzó una cima que, tras
tantos años después, resultaba
casi una utopía pensar que podía
volver a escalar. Sin embargo,
el de Tui se ha marcado todo un
festín de cumbias arrabaleras y
blues marineros sencillamente
irresistible. No hay socavones
en la inspiración irradiada a lo
largo de la docena de cortes que
marca este nuevo viaje en barco
por latitudes muy bien conocidas
por el sabio gallego, y que solo él
es capaz de trasladar a ese punto
de costumbrismo desgarbado
tan peculiar. Solo así pueden
aflorar brotes fronterizos como
Sentimiento barato o títulos tan
representativos como Cumbia
de milagro. Como si Tom Waits
hubiera mutado en Ry Cooder
atlántico, el cancionero aquí
armado responde a una voluntad
de rescatar folclores de arraigo
insular. Lo regional es lo más
universal, y Víctor cabalga a lomos
de esta certeza por medio de
matrimonios macerados a base de
imposibles. —MARCOS GENDRE
Roldán
Tus poderes
El Genio
Equivocado
POP / Ha tenido que ser en
8
el cuarto álbum cuando
Roldán han explotado todo su
potencial, aquí filtrados desde
la conjunción emocional de
imaginar una arcadia onírica
donde la soledad de Akira se ve
invadida por la selva agresiva de
Aguirre, la cólera de Dios. Los
siete eslabones aquí engarzados
fluyen a través de un sentido
poder de saudade norteña. El
expresionismo habitual de la
banda se aposenta bajo efluvios
de bossa nova y tropicalia kraut
de poso aéreo. El tono neutro de
Juan Carlos Roldán describe cuadros
pintados desde un complejo
esqueleto percutivo minimalista.
El vuelo libre de cortes como La
potencia o Cabalga refrendan las
hechuras cuasi místicas de un
artefacto urdido desde una conciencia
pop transoceánica y una
certeza mayor: haber encontrado
un eje de rotación donde melodía
y percusiones se besan con suavidad
entre brisas almidonadas
de una isla discográfica que, en
verdad, debería haberse titulado
“Sus poderes”. —MARCOS GENDRE
#52 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

NUEVAS
FECHAS
Estrella de Levante
recomienda el consumo
responsable, 4.8º

Stone
Temple
Pilots
Perdida
Warner Music
Habitar
La Mar
Comedia
Yoica
The Braves/
Nooirax
MONDOVINILOS
ROCK / El segundo trabajo
HARDCORE / El egoísmo,
5 8
de los hermanos DeLeo con
el egocentrismo y otros
Jeff Cutt es un disco repleto de asquerosas variantes del narcisismo
están a la orden del día, en la
buenas intenciones, pero lastrado
por una falta de carisma alarmante
del sustituto de los dos anteriobién
inspiran el tercer trabajo de
calle y en todas las pantallas. Tamres
y fallecidos cantantes. Jeff y el Habitar La Mar, Comedia Yoica,
resto de Stone Temple Pilots nos un incómodo retrato de la realidad
cargado de violencia verbal y
entregan un compendio de medios
tiempos y tonadas acústicas tan oscura psicología. En total, siete
melancólicas y bien facturadas temas y dos colaboraciones de
como ajenas al dolor y al malditismo.
Tras el fallido disco anterior Diane de Djunah) que ahondan en
lujo (Anxela Baltar de Bala y Donna
comprendieron que lo que mejor la línea marcada por los trabajos
se adapta al a voz de Jeff son este previos de una banda con perros
tipo de canciones, por momentos viejos de la escena underground
suena a Weiland pero al segundo con los colmillos bien afilados.
te percatas de la falta de garra. Solo dos años han necesitado para
Hay ideas y momentos logrados convertirse en una de las propuestas
más excitantes del rock alter-
(Three Wishes, Fare Thee Well,
Miles Away), pero también nos nativo estatal, un cruce perfecto
encontramos con otros momentos entre el ruidismo letal de Young
bochornosos (She’s My Queen,
Widows y la energía inabarcable
Perdida o Years). Sinceramente no de Metz aderezado por unas letras
es un mal disco, pero sí es insuficiente
para que la carrera de los de mendismo lírico contiene perso-
en castellano punzantes. Su tre-
San Diego repunte. Los hermanos najes odiosos (Anti, Arsonista de
DeLeo facturan un trabajo lleno mí) y escenas terroríficas (como el
de momentos de introspección abrazo de Colisiones estremece y
que les será más útil a ellos que a el parque de atracciones de Fantasmas).
—LUIS nosotros. —MARCOS MOLINERO
BENAVIDES
Vera Fauna
Dudas y flores
Purple Moon
Records
ROCK PSICODÉLICO / El
7
cuarteto sevillano formado
por Kike Suárez, Javi Blanco,
Jaime Sobrino y Juanlu Romero
presenta su primer largo con un
álbum cuyo título remite a su propia
biografía: “vivimos muchos
momentos bonitos, pero también,
por nuestra edad y nuestra época,
tenemos mucha precariedad
y muchas dudas internas”, me
comentaban en una entrevista
hace poco. Así, pasan por el tracklist
de este debut la explotación
laboral o la gentrificación en dos
de sus mejores canciones, Cobre y
la historia de (des)amor con Sevilla
Candelaria, respectivamente.
Temas como éstos se añaden a
cortes que ya conocíamos, como
Los Naranjos o Colorada, la versión
de Papa Levante con la que
se diferencian, una vez más, de
otros grupos del estilo: su intención
con esta cover no es “convertirla
en buena canción” ni mucho
menos hacer la gracia ridiculizándola,
sino defender la belleza
que esconde el folclore andaluz
más allá de imágenes vacías de
contenido. —PABLO TOCINO
Manolo
Kabezabolo
Tanto tonto
monta tanto
Rock de Kasba
PUNK / El séptimo trabajo
7
oficial de Manolo Kabezabolo
llega seis años después de
Si todavía te kedan dientes, es
ke no estuviste ahí, aquel con
el que celebró sus treinta años
de trayectoria. En este cumple
una década junto a Los Ke No Dan
Pie Kon Bolo, su banda más longeva
con quien empasta ya a la
perfección. El álbum se compone
de una decena de temas, nueve
suyos más una versión de Hierro
a fondo, con la que rinde homenaje
a la banda El Sueño Eterno
y cuyo cantante, Ángel, presta su
voz para la ocasión junto a la de
Kike (KBKS/Bastardos del Metal).
No son las únicas colaboraciones
que encontraremos: Mamen
(Puro Chile) canta en Fuimos,
somos y seremos; por su parte,
los ex Violadores del Verso R de
Rumba y Sho-Hai aparecen en el
último tema, Historia histérica.
El primer adelanto ha sido Es el
sistema, un tema corto, conciso y
“ramoniano”, llevado con mucho
humor (como no podía ser de otra
manera) al mundo audiovisual.
—JESÚS CASAÑAS
U.S.Girls se limpia la cara
U.S. Girls
Heavy Light
4AD/Popstock!
8
POP / A diferencia de sus discos previos,
Heavy Light se podría definir como un
ejercicio de retrospectiva. Las reflexiones
sobre el pasado se perciben desde el primer
momento en que miramos el tracklist del álbum
y encontramos temas conocidos como
State House (It’s A Man’s World) o Red Ford
Radio, canciones publicadas hace ya diez
años, cuando Ramy grababa con solo una
caja de ritmos. Lejos de fastidiar el encanto
lo-fi de las canciones o matar la frescura
original, esta revisión y aclarado sonoro
nos da la oportunidad de saber lo que hubiera
sido de la música más temprana de
U.S. Girls con mejores medios, y el resultado
es muy gratificante. Si la publicación de In
A Poem Unlimited (18) llamó la atención
porque era la primera que vez que la artista
contaba con una banda de apoyo en el estudio,
en esta ocasión dobla la apuesta y graba
Heavy Light en directo en los estudios
Hotel 2 Tango de Montreal junto con veinte
profesionales, dotando al disco la capacidad
de explorar distintos géneros, como
el pop, el funk o el soul, una mezcla que ya
estaba presente en su anterior entrega, pero
en esta ocasión sin tanto colorido, más bien
desde una sonoridad no tan adornada y más
sobria, acorde con un estado de madurez
por parte de Ramy tanto musical como vitalmente.
Precisamente, otra de las virtudes
del trabajo se encuentra en el ejercicio
de introspección que realiza Ramy. Como
decíamos, Heavy Light es una oportunidad
de mirar atrás, de recordar y analizar con
perspectiva desde vivencias de juventud
(Woodstock 99) hasta recuerdos más dolorosos
como en Overtime, tema que cuenta con
Jake Clemons, hijo del mítico saxofonista
de la E Street Band Clarence Clemons, y que
relata la pérdida de un amigo por el alcohol.
Al echar la mirada atrás, uno corre el riesgo
de perderse en los recuerdos y en una falsa
idealización. Heavy Light parte de esa premisa
introspectiva, pero lejos de perderse
en ella, Meghan Ramy hace gala del estado
de madurez personal y artístico en el que se
encuentra para agrandar aún más el nombre
de U.S. Girls con un disco más que notable. Y
ya van unos cuantos.
—GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
abril 2020 #55

L a m ú s i c a q u e
m á s c e r c a t i e n e s
E D I C I Ó N E S L O C A L E S

MONDOMADRID
Lo dejaron todo para
instalarse en Londres y poner
en marcha un proyecto que
va más allá de la electrónica
experimental, con un debut en
dos entregas que se acaba de
completar con la publicación
de II (Tempel Arts, 19).
DESPUES QUE LA primera parte de
este debut se presentase de forma
casi clandestina (con postales que
sus seguidores recibieron personalmente
en el verano de 2018), II culmina
este capítulo inicial del proyecto que Ignacio
Simón (hace años en Al Berkowitz) y
Mariuca García-Lomas pusieron en marcha
tras afincarse en Londres. “Hicimos prácticamente
todas las canciones a la vez, pero
nos dimos cuenta de que claramente había
dos álbumes distintos: uno era el negro:
más oscuro, más electrónico, más político
incluso… y el otro el blanco: más orquestal,
más onírico, más cercano a sentimientos
universales como el amor, aunque ambos
surgieron del mismo concepto: la historia
de Northwest, de cómo decidimos dejarlo
todo para perseguir un sueño”. Clásica
contemporánea, pop experimental o electrónica
avantgarde dibujan el lenguaje de
un trabajo en el que los géneros acaban diluyéndose.
La mayoría de las veces, comentan,
“es en forma de música, pero en ocasiones
también vídeo-arte, cine, fotografía,
danza…”. Hay también un cierto expresionismo
que puede llegar a evocar la obra del
pintor británico William Turner (algunos de
sus cuadros se mezclan en el artwork con
fotografías de Ignacio Hergueta).
MÁS QUE AMBIENT y abstracción,
lo que encontramos son paisajes en un
momento muy concreto. “Creo que nos
hemos servido del tiempo y del paso de las
estaciones como metáforas en muchas de
estas canciones, porque cuando emprendes
un viaje así (dejarlo todo, mudarse a otro
país, prometerte que vas a intentar hacer lo
que te hace feliz a pesar de las dificultades
económicas o sociales…), nos hemos visto
inevitablemente pasando mucho tiempo
mirando literalmente a través de una ventana
(de un nuevo hogar, un coche, un avión,
la casa de alguien en mitad de Polonia…) y
reflexionando sobre qué es lo verdaderamente
importante en la vida”. Northwest,
continúan, “se ha ido definiendo poco a
poco, como si tuviera vida propia más allá
de la nuestra”, con Londres como espacio
desde el que desarrollar este laboratorio:
“Con sus luces y sus sombras, es un lugar
donde siempre nos sentimos motivados,
porque al ser tan hostil en muchos sentidos,
pero tan rico en culturas por otro lado, te
obliga a priorizar y a centrarte. Todo el
mundo que viene tiene un objetivo muy
concreto y la ciudad es como la pista de despegue
hacia ese sueño”. —ENRIQUE PEÑAS
II
Tempel Arts,
2019
FOTO: MASHA STARCEVA
Northwest
Desde
la ventana
“Londres es hostil en
muchos sentidos, pero muy rico
culturalmente hablando.
Londres te oblica a
priorizar y centrarte”
FOTO: SERGIO ALBERT
EL.
TRIPARTITO.
Juan
Pedrayes
(Carolina Durante /
Axolotes Mexicanos)
Lucky
Lucie, Too
Thistime Records
2018
DE ALLÁ / Este disco me flipa porque dentro
del j-pop suena super fresco, siete temazos
como catedrales que te los comes de una.
Además, no se hace para nada largo. Las tres
primeras canciones son mis favoritas, destacando
la que da nombre al disco que la pondría
meter en mi top5. Y está cerca de tener la
duración perfecta para mí: 1:38 minuto.
Manual de montaña
rusa
Airbag
Wild Punk Records
2011
DE AQUÍ / De este disco qué decir. Llevo escuchando
a los Airbag en bucle desde que los
descubrí en la época que lo estaban girando.
Todos sus discos me parecen buenos pero si
tengo que elegir me quedo con este porque
tiene un sonido más claro que me parece
muy molón, tirando un poco más al pop que
al punk.
Pesadilla adulta
Juanita y los Feos
Munster Records
2011
DE MÁS AQUÍ / Pues me flipa este disco porque
ya de primeras todos los temas hablan de
sufrir, de hacerse daño y tal que supongo de
vendra porque cuabdo te haces mayor empieza
a salir todo lo malo y ese concepto me
flipa, la cancion “autolesionarse” me parece
un temazo que te lo empiezas a cantar desde
el segundo uno.
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abril 2020 #57

C
M
Y
CM
MY
CY
CMY
K

MONDOCATALUNYA
10 RECO.
MENDADOS.
POR....
31 FAM FOTO: NIL VENTURA
Las Bajas Pasiones
Nacieron en el seno de Los cabarets Fúria
Queer, un espacio de fiesta y cuidados
LGTBIQ indispensable. Han publicado
Bichx rarx (Kasba Music, 20).
Una serie: Pose
Nos encanta la historia, la idea de comunidad, la
lucha que hubo en ese momento, el VIH...
Un disco: La tristeza de la Vía Láctea de Lewin
Este disco nos ha acompañado en muchos viajes,
nos enternece, nos emociona...
“Los jóvenes son la
cultura, son los que
marcan lo que sube”
31 Fam
Un descubrimiento musical: 070 Shake
Esta rapera de New Jersey es brutal. Flipamos con
ella en directo en la sala Apolo, y los dos discos
que ha sacado son una joya.
Un colectivo: Top Manta
Lo mejor que le ha pasado a Barcelona en los últimos
años. Estas personas han sabido dar la vuelta
a una situación de racismo y marginalidad brutal.
Los catalanes 31 Fam continúan dando pasos
adelante en su corta pero ascendente carrera. Este
grupo de amigos de Sabadell de entre diecinueve
y veinte años ha pasado de dos singles pegadizos
a fichar por un sello, publicar un álbum, TR3TZE
(Picap, 19), y una mixtape, Vallhalla (Picap, 20),
que acaban de estrenar.
Malas
caras
Un bar: La Raposa de Poble Sec
Encuentras comida vegana muy sabrosa, libros
feministas, y un montón de actividades, charlas y
propuestas interesantes.
Una marca de ropa: Arteporvo
Esta marca de ropa nos tiene embrujados, sus diseños
no te dejan indiferente, son una buena patada
en los genitales de la normalidad.
Un director de cine: Xavier Dolan
Este precoz director nos tiene cautivados. Hemos
visto todas sus películas. Nos gusta tanto por sus
historias y su manera de contarlas como por sus
preciosos planos a cámara lenta,.
Un postre: Paparajotes
En Murcia a las dos de la mañana nos encontramos
una fuente de esta delicia que había preparado la
mama de Edu. Fue orgásmico.
Una zona de cruising: Tiergarten
Este precioso y gigante parque de Berlín nos encanta.
Un buen lugar para conocer gente y perderse
entre los arbustos.
Un medio de transporte: Bicicleta
No hace falta decir mucho. Odiamos los coches y
las motos... Solo la bici nos hará libres. ¡Te pone el
culo duro, sin gastar un duro!—MS
HAN GIRADO POR
TODA CATALUNYA,
han asomado la cabeza
por la península
y se han consolidado como la
nueva apuesta a seguir dentro
de la música urbana catalana.
“Este año ha sido una locura.
El disco funcionó muy bien,
hemos crecido a nivel artístico,
pero también profesional. Nos
lo tomamos mucho más en serio”.
Vallhalla viene a subrayar
su posición, y lo hace con rimas
en catalán y castellano, incluso
en inglés. Y eso ocurre porque
no quieren limitarse a la escena
catalana. “Creo que estamos en
un punto intermedio. No somos
muy mainstream como Oques
Grasses o Lildami, pero tampoco
underground como puede
ser P.A.W.N. Gang. Tenemos
un pie dentro y el otro fuera”.
De ahí que, este año, podremos
verles en eventos como Madrid
Salvaje, Share Festival Barcelona
y, quizás el más representativo
para ellos, el nuevo festival
de música urbana Maleducats,
organizado por Lildami en
Terrassa. “Engloba bastante
bien nuestra escena, con grupos
argentinos y estatales y con
la escena de aquí… Ha hecho
un buen festival, escapando de
los festivales de trompetas, ha
innovado y esto mola”. 31 Fam
explotaron de sopetón con los
singles de Sincero y Valentina,
sensación en las redes, pero no
fue tan fácil llevarlos al escenario.
“Quizás, con las visitas que
teníamos, la gente se esperaba
algo más en nuestros conciertos.
Al principio los directos
eran flojos, pero es normal en
cualquier grupo que empieza.
Puedes ensayar o hacer mil
mierdas previas, pero se aprende
haciéndolos”.
NO FUERON LOS PRIMEROS
en hacer música urbana en
catalán, pero sí quizás de conseguir
que sonara en la radio y de
popularizarla. Por eso, reivindican
que, desde la industria y
también los medios, no se hace
suficiente por este género. “Todavía
cuesta que lo vean como
cultura y no como rebeldes que
se drogan. Pero los que saben,
se dan cuenta que esto es lo que
escucha la gente joven. Los jóvenes
son la cultura, son los que
marcan lo que sube”. Tyler, The
Creator decía en los Grammy
que estaba encasillado en urbano
y rap por ser negro, y 31 Fam
ven un cierto paralelismo con
estas declaraciones con los que
dicen que no se puede hacer
urbano sino eres de la calle. “Si
no eres blanco también puedes
hacer pop, pues si no eres de
la calle, también puedes hacer
urbano mientras no hables de
cosas que no has hecho. No todos
llevamos vida de calle, aunque
hayamos pasado mucho
tiempo por ahí. Si se considera
‘calle’ ser un delincuente que
pasa droga, pues claro que no
lo somos, pero la calle son muchas
cosas. Somos conscientes
de que lo hemos tenido fácil en
la vida, pero no somos tontos.
Valoramos mucho a la gente
que viene desde abajo y se lo ha
tenido que currar, pero eso no
te quita merito a tí. El curro se
ha hecho igual”.
—IGNASI ESTIVILL
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abril 2020 #59

MONDOEUSKALHERRIALA RIOJA
Gatibu Veinte años
no es nada
FOTO: ARCHIVO
Basurita Nostalgia
involuntaria en tiempos
de cuarentena
El Gran Feliz (Everlasting, 20), segundo
álbum de Basurita, aparece en un momento
extraño. Pero las canciones siguen ahí, por eso
hablamos con Santi Real de Asúa al respecto.
GATIBU, LA FORMA-
CIÓN liderada por
Alex Sardui, es una
de las más importantes
del panorama vasco.
Durante estos años, y desde el
primer minuto, ha obtenido el
beneplácito del público joven
vascoparlante, que ha sabido
renovar con el paso de los
tiempo. Gaizka Salazar (cuyo
proyecto personal, EraBatera,
ha comenzado a despuntar
con su primer disco), destaca
que, aunque el paso del
tiempo cambia la manera de
vivir, la energía y la dedicación
de sus miembros siguen
siendo las mismas, aunque
“seguimos teniendo la ilusión
de seguir muchos años más,
de recorrer nuevos caminos,
nuevas canciones y nuevos
retos que nos mantengan vivos”.
Ay, el paso del tiempo. Lo
normal en estos casos suele
ser destacar que los comienzos
no fueron fáciles, pero
no es el caso de Gatibu. “La
cosa funcionó desde el primer
single, que fue Musturrek
Sartunde. Al principio puede
ser que el público pudiera ver
a la banda como una prolongación
de Exkixu (la anterior
banda del cantante Alex Sardui,
que obtuvo un éxito sin
precedentes en los noventa),
pero se ha visto disco a disco,
concierto tras concierto, que
no era para nada así. Creo
además, sinceramente lo digo,
que Gatibu ha tenido desde
sus orígenes una personalidad
única que se ha desarrollado
y evolucionado con los años,
llegando a ser lo que somos
ahora”. Sin duda, el carácter
jovial de sus canciones, las
letras en vizcaíno y el carisma
de su cantante han conseguido
el cóctel perfecto para éxito.
Destacan como uno de los
referentes de los más jóvenes.
“La verdad es que en nuestros
conciertos vemos gente de
todas las edades, los que estaban
en nuestros comienzos,
los que se han ido sumando y
nuevas generaciones”, destaca
el batería de la banda.
ADEMÁS, SIGUEN ALCAN-
ZANDO sueños cumplidos
como banda, como su último
disco que ha sido grabado en
Estados Unidos, de la mano
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“Seguimos teniendo
la ilusiónde seguir
muchos años más,
de recorrer nuevos
camino”
La banda de Gernika celebra veinte años en la carretera con un concierto
retrasado (en fin, ya se sabe por qué motivo) al 31 de octubre en el pabellón
Miribilla de Bilbao. Pero nuestra charla sobre ello no podía quedar pendiente.
del productor Santi García.
“Seguimos mirando hacia
adelante, sin lugar a dudas. La
experiencia de grabar el anterior
disco en Texas y además
con un productor (Santi García),
lo cual no lo habíamos
hecho nunca, nos dio un chute
de la hostia. La experiencia
nos moló mucho, así que no
sabemos a día de hoy dónde
y con qué productor vamos
a grabar, pero sabemos que
vamos a volverlo a hacer”,
subraya Salazar.
GATIBU MIRA AHORA AL
PABELLÓN de Miribilla, en
Bilbao, donde el 31 de octubre
llevarán a cabo un concierto
especial para celebrar este
veinte aniversario. “Va a ser
una fiesta para compartirlo
con nuestros seguidores y
seguidoras y también para celebrarlo
nosotros. Como una
especie de ‘¡nos vamos de cena
y vamos a pegarnos un homenaje
por todo lo alto!’. Creemos
que va a ser muy especial
y estamos poniendo todo lo
mejor que tenemos y sabemos
para hacer un concierto inolvidable”.
—XABIER DONCEL
PERDÓNENME EL CHISTE, pero hoy Santi Real de
Asúa es más Inquilino (recuerden, formó parte de El
Inquilino Comunista) que nunca. En pleno confinamiento
contactamos con el cantante y compositor
de Basurita para charlar sobre psicología y psiquiatría, tiempos
pasados imaginados, plagios involuntarios y, ya de paso,
sobre su segundo trabajo. “Me gustan tus observaciones y
enfoque de los temas… Trasiegos de la edad, conciencia varada
en la juventud… Toco con un psiquiatra y un psicólogo
y no me sacan nada de esto…”, me confiesa Santi, ante una
batería de preguntas online que buscan la doble lectura. El
Gran Feliz ha matizado detalles de su primer álbum para
progresar hacia unas canciones cohesionadas y llenas de
chispa, donde la simplicidad se hace virtud. Incluso tienen
tiempo para despistar, de manera involuntaria, eso sí. “El
tema homónimo no es ninguna revisión. Cuando le presente
el disco al sello me comentaron que la canción recordaba
a una de Weezer. No les controlo mucho, de hecho llegué a
esas notas desde otras ... pura casualidad, en este caso”. Esa
cohesión de la que hablábamos, imagino que debe tener un
porqué. Este disco se ha grabado por los cinco miembros en
el estudio de Paco Loco en Puerto de Santa María, lo que desde
luego le da mucha más uniformidad y similitud a todo.
Alicia, el tema instrumental que está a mitad del disco. ¿Es
una manera de hacer reposar el elepé, que haga descansar al
oyente? “Me gusta la idea de meter temas instrumentales en
los álbumes, dan un respiro a las voces y letras. En este caso
el que este en medio es más circunstancial, en el vinilo cambiaremos
el orden”. En definitiva, el tema predominante son
las mujeres y el paso del tiempo. ¿Es la nostalgia un cliché
que siempre funciona en las canciones? “Pienso que todo lo
que esté bien interpretado puede funcionar bien, y la nostalgia
desde luego que lo puede hacer. Pero no me había planteado
la nostalgia como una cuestión relevante”. Imagino
que tras esta crisis sanitaria, como todo el mundo, estaréis
pensando en cómo lanzar y visibilizar el trabajo. ¿qué planes
tenéis? “El disco estaba previsto para el 17 de abril y pasa al
29 de mayo. En principio parece que el single El Gran Feliz
estará ya estrenado a finales de marzo. Me parece que es un
disco magnífico y me encantaría que nos diese algo de visibilidad
que nos facilite presentarlo en directo”. —ÁLVARO FIERRO
“Me gusta la idea de meter
temas instrumentales
en los álbumes”
abril 2020 #61
FOTO: ARCHIVO

MONDOSUR
CHENCHO FERNÁNDEZ FOTO: ÁLVARO SOTO
Miguel Rivera
“He sentido la necesidad
personal de salir del
formato canción”
“Cuando lo local se hace
canción pasa a ser
universal”
Al terminar la entrevista con Chencho Fernández cae uno en la cuenta de
que hemos hablado poco de su último trabajo Baladas de plata (Warner,
2020). Será porque el sevillano es tan honesto con sus canciones que
cualquier charla rápidamente te pone en el contexto de su obra. También
porque su música goza de la universalidad y a la vez, del rincón más
inaccesible de un autor atemporal.
HA TARDADO CHENCHO FERNÁN-
DEZ SEIS AÑOS en volver a darnos
una nueva entrega de poesía hecha
música. El sevillano, con vidas anteriores
en los míticos Sick Buzos o las provocativas
muñecas de la calle Feria, da por fin relevo
a su rotundo Dadá estuvo aquí. Quizás lo que
menos importe sea el tiempo transcurrido tras
comprobar que Fernández no para de crecer y
forjarse una personalidad rocosa y con aristas
más allá de nombres y disciplinas “Es que esa
condición poliédrica se da en muchos individuos,
sean artistas o no. Uno va reconociendo
poco a poco su propia sensibilidad. En mi caso
prima la música, el cine y la literatura. Nos
deleitamos con cosas, con nuestros gustos.
Después viene ya el proceso de aprender a expresar
la propia sensibilidad que antes te decía.
Yo siempre intento hacerlo de la manera más
sincera posible. Y desde fuera comprendo que
el trabajo se pueda prestar a interpretaciones
varias. Yo lo que no hago es calcular el peso de
artistas en mis canciones pero es totalmente
natural que se filtren cosas de ellos. Si se ven
mis influencias me gusta que se me vea a mí, no
ser una simple némesis”. Ecos a Lou Reed en La
fosa de Las Marianas o sensualidad y picardía
declarada a lo Gainsbourg en Te quiero sin querer.
El oyente es libre de buscar y encontrar en
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Chencho
Fernández
Sucedió aquí
historias donde las vivencias, puras o diluidas,
subyacen llenas de lírica. “Tengo un elemento
confesional en mucha de mis letras pero tampoco
me gusta que mis discos sean un diario. Yo
entiendo el arte y la poesía sin ser lineal ni directa.
Puedo inspirarme en mis vivencias, pero
detrás de ellas, siempre busco una creación. La
realidad es poliédrica y puede revestirse de muchas
formas.” Es esa realidad, con grandes dosis
de realismo épico y algunas gotas de costumbrismo
ecléctico, una de las mayores virtudes
de Baladas de plata, un disco donde Jordi Gil
vuelve a estar los mandos, además de esa otra
Sevilla reconocible y muy presente entre acordes,
arreglos orquestales y sobresaltos eléctricos.
“Al aprender y comprender el inglés desde
muy pequeño me di cuenta que en gente como
Dylan estaba muy presente lo local, la historia
de sus ciudades. Y claro, cuando lo local se hace
canción o poesía, ya pasa a ser de todos, se convierte
en universal. Así que veo natural hablar
de Sevilla en algunas de mis canciones.” Ahora
solo queda esperar la llegada de tiempos mejores
y que estas historias cojan vida en directo,
transmitiéndose en cada rincón, como antaño.
Y es que su creador tiene mucho de juglar, de
ser de mundo que, mientras siga viviendo una o
mil vidas, tendrá una balada de plata guardada
en la recámara. —ROJAS ARQUELLADAS
Sistemas Binarios es el debut literario de
Miguel Rivera. El músico sevillano desarrolla la
poética de Maga y se destapa como un excelente
constructor de relatos. Prosa y verso, unos y
ceros, realidad y ficción, dualidades que como las
relaciones humanas tiene un lenguaje que Miguel
domina con precisión matemática.
EN MI ÚLTIMA CON-
VERSACIÓN CON
MIGUEL RIVERA
hablamos de la posibilidad
de escribir para otros.
Él no lo descartó, ni tampoco
sumergir su libreta en el océano
literario. Liberar ese filón
poético del puro oficio musical
era el reto. “A lo largo de mi
carrera como letrista he sentido
la necesidad personal de
salir del formato canción cada
cierto tiempo, como ejercicio”.
Un salto horizontal, ese que
daba título al último disco de
Maga, y que no era otra cosa
que ensanchar el espacio de su
poesía, y de su talento creativo.
“En los poemas, que es lo más
parecido a una letra que se puede
encontrar en este libro, las
estructuras de los versos son
más libres, anárquicas a veces,
sin la búsqueda de la repetición
de un estribillo, aunque sí preñados
de musicalidad y ritmo”
Efectivamente, tanto sus poemas
como sus relatos no están
exentos de ese ritmo y esa sonoridad
marca de la casa. Pero esa
es la forma. El fondo es mucho
más revelador o por lo menos
este ejercicio nos ha llevado a
descubrir aquello oculto tras
las guitarras. “Sí, el libro tiene
un carácter confesional, es una
exposición desinhibida, a mi
manera, de las propias vísceras.
Hay una base en la que se
cimienta la creación de estos
textos: partir de un sentimiento,
un hecho, un recuerdo que
me diera pudor contar abiertamente”.
Todas las posibilidades
de mi es uno de los relatos, y
estos, porque la poesía de Miguel
ya la conocíamos, son el
gran descubrimiento. “Aquí es
donde me alejo más del Miguel
letrista de Maga. Concebir escenarios,
situaciones y personajes
que cobran vida propia —sí, es
un tópico, pero hasta que no lo
vives no eres consciente de que
es un tópico veraz—, que toman
el mando de la situación y te hacen
escribir sobre ellos como si
estuvieran pidiéndote hacerles
un traje a medida, ha sido una
de las fases más gratificantes y
divertidas del proceso de gestación
de Sistemas Binarios”.
Como un abril en Chernóbil,
es uno de esos disfrutes, fíjense
qué paradoja. Nada más lejos
que la realidad.
—ARTURO GARCÍA
abril 2020 #63
MIGUEL RIVERA. FOTO: MIGUEL JIMÉNEZ

AGÈNCIA D’ESTRATÈGIA
AETIB
TURÍSTICA ILLES BALEARS

MONDOARAGÓN
In Materia Tonterías
las justas
FOTO: ARCHIVO
El Verbo Odiado
Paisajes antagónicos
Sin lugar a dudas 2018 fue un gran año para la
formación de Jorge, Juan Ramón, Pepe, Adrián
y Jorge. Editaron de la mano de Subterfuge
‘Tú ganas’, un disco que ha supuesto su paso
definitivo al ámbito estatal. Ahora buscan
la consolidación con Nada que celebrar
repitiendo sello pero no paisajes sonoros.
“Este es un trabajo en el que las
protagonistas son las canciones,
que recoge muy bien nuestro
camino y pone las bases de nuestro
sonido actual y del futuro”
Se lo toman muy en serio. Han grabado buena parte
de su nuevo disco, Infinito Tripular, en PKO.
Ralph Killhertz se ha encargado de la producción.
Óscar Gómez, Fernando Muñoz, Ángel Del Castillo y
Javier Mateo comienzan etapa apostando alto.
Ibais a tocar el pasado
21 de marzo en Oasis de
Zaragoza. La crisis del
Covid-19 no lo ha permitido.
No obstante habéis mantenido
la salida de Infinito
Tripular ¿Se os ha pasado por
la cabeza retrasar la fecha de
salida del álbum?
(Óscar) Esta pandemia nos ha
trastocado muchísimo todo lo
que era el plan de lanzamiento,
la presentación en Zaragoza, la
siguiente semana en Madrid y
otros eventos. Tuvimos nuestro
debate, pero al final se impuso
el ponernos en la piel de nuestros
seguidores ¡Qué mejor
para pasar este confinamiento
que un nuevo disco para escuchar!
También era una forma
de pensar que en algo no nos
ganaba el virus.
—En el disco escuchamos
muchos registros, temas
muy introspectivos y otros
con mucha potencia. Ni más
ni menos que el resultado
de una larga carrera. Toda
plasmada en ocho canciones
¿Es un poco jugársela en ocho
cortes?
(O) En lo creativo siempre estás
expuesto y te la estás jugando:
una canción, un acorde, una
nota, un sonido… todo son
decisiones. Infinito Tripular es
nuestro primer disco para el
gran público. Este es un trabajo
en el que las protagonistas son
las canciones, que recoge muy
bien nuestro camino y pone las
bases de nuestro sonido actual
y del futuro.
—¿Cómo ha sido trabajar ni
más ni menos que ocho temas
con Ralph Killhertz? No es la
primera vez que hacéis cosas
juntos pero ahora la cosa ha
ido más en serio que nunca.
(O) Teníamos un grupo de
canciones elegido y nadie
mejor que él para ayudarnos
a llevarlas donde queríamos.
Es un maestro y un amigo, una
persona excepcional que sabe
llevarte incluso a lugares incómodos
pero con el oxígeno justo
como para salir victorioso.
—Ha habido más nombres
ilustres implicados.
(J) Como ingeniero tuvimos la
suerte de contar con Nico Tsabertidis
y Alis se encargó de la
mezcla y el mastering. Alis es
uno de los grandes talentos de
este país.
—Habéis currado en PKO
de Madrid. Hablamos de los
estudios más pro del país.
(Ángel) Pues la verdad es que
fue una experiencia increíble.
Un chalet apartado sin distracción
y con uno de los mejores
equipos técnicos. Necesitábamos
un sonido de banda grande.
Pudimos disponer de dos
salas para los amplificadores y
una tercera sala, que era más
grande que mi casa, en la que
estábamos nosotros tocando
junto con la batería. Fueron
tres días de mucho currar, ya
que éramos conscientes de
que teníamos que exprimirnos
a tope. Las jornadas fueron
maratonianas, solo descansando
para comer en el propio
estudio.
—El diseño ha vuelto a ser
cosa de The Fly Design. De
nuevo queda, pues, es casa.
(A) Sí, la verdad ,seguimos
cuidando toda la estética de
la banda y ahí Fer se encarga
de todo. The Fly Design es la
‘marca’ de su trabajo.
—SERGIO FALCES
El nombre, Nada que celebrar, le va como anillo al
dedo al momento actual. Es como una especie de
presagio.
En cierto modo parece una broma pesada. Cuando
decidimos en su momento el título del álbum no podíamos
imaginar de ninguna de las maneras que tendría que desenvolverse
en un entorno y unas circunstancias como las
que ahora tenemos, pero las cartas vienen dadas y hay que
jugarlas. Si hay un tercer disco, por si acaso, lo llamaremos
‘Estamos bien, al menos’.
—La mancha nos dejó ya un buen sabor de boca. Las guitarras
suenan muy bien y cuentan con un gran protagonismo.
Había ganas de escuchar la obra completa.
Nuestra naturaleza es guitarrera, nos resulta extraño imaginar
una canción nuestra que tenga mayor protagonismo de
sintetizadores, pero cualquiera sabe, los caminos son inescrutables,
y donde dije digo...
—Las guitarras son protagonistas, pero también las melodías
y los contrastes. En las letras hay mucho sitio para el
amor, para el desamor, y para la esperanza.
Nos atrae mucho el concepto de picos y valles, los dientes de
sierra y el cambio de paisaje de forma súbita, pero con un
hilo conductor temático y de melodía como tú dices. El amor
siempre ha de estar presente, con su parte de desamor, sin
luz no hay sombra; pero es cierto que este disco habla mucho
de esfuerzo, de superación, y de intentar salir de esta.
Sea ‘esta’ la situación que sea, al menos hay que intentarlo.
—Tú ganas supuso el gran salto a Subterfuge. No sé si os
habéis visto ‘autopresionados’ a la hora de sacar el segundo
disco tras el nivel y la repercusión del anterior.
Para nada. Estas canciones estaban de sobras preparadas y
no hacían nada metidas en un cajón, así que con todo el apoyo
de Subterfuge decidimos dar continuidad a Tú ganas lo
antes posible. Ya que con esa primera referencia habíamos
abierto la puerta, teníamos que lanzar la segunda lo antes
posible para entrar, y en eso estamos, dando el primer paso.
—Vuelve a colaborar Ricardo Lezón, de McEnroe.
Desde el momento en que terminamos Trucos de Memento tuvimos
claro que debía ser cantada por Ricardo. —SERGIO FALCES
“Este disco habla mucho de
esfuerzo, de superación, y de
intentar salir de esta”
FOTO: ARCHIVO
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abril 2020 #65

LA CASA AZUL
VIVA SUECIA
EL COLUMPIO ASESINO
ELYELLA
JAVIERA MENA
NEUMAN
ORGANIZA
W W W . O J E A N D 0 - F E S T I V A L . E S
PATROCINA
· JUL/2020
F E S T I V A L
PRODUCE
COLABORAN
DELAPORTE
JOE CREPÚSCULO
GINEBRAS
LA TRINIDAD
WE ARE NOT DL´S
YAHAIRA

67/Mondo
Media
LIBROS
The Clash
Autobiografía
grupal
Libros del
Kultrum
The Clash. Autobiografía grupal
es una obra ya publicada en
nuestro país en 2008 por Global
Rhythm Press en un formato más
lujoso. Aunque más austera, esta
nueva edición no pierde interés.
Obra trazada a partir de las declaraciones
de los propios Strummer,
Jones, Simonon y Headon, sigue
resultando un relato fundamental
para entender la formación,
evolución y final de una de las
bandas más imprescindibles e
influyentes de todos los tiempos.
—ORIOL RODRÍGUEZ
Es indudable –el tiempo lo ha demostrado–
que Deseo carnal de
Alaska y Dinarama es uno de los
grandes discos de la música pop
en castellano, pero Gendre consigue
que, además, descubramos
los motivos por los que lo es. Entrevistando
a músicos diversos
y periodistas, Gendre descubre
las claves de un álbum que marcó
una época y que supuso la cima
creativa de todos los implicados
en él. —MARTÍ VILADOT
8
Deseo
carnal
Marcos
Gendre
Efe Eme
8
LIBROS
Mathias Malzieu
Letras y música
Las sirenas han existido
en las leyendas de todas
las clases: monstruosas,
bellísimas, melancólicas,
taimadas, hambrientas,
enamoradas, sabias, lúbricas,
aterradoras, encantadoras,
acuáticas y aéreas. Pocos
seres legendarios han sido
retratadas de manera tan
distinta a lo largo de la
historia. Ahora se suma la
visión del músico y escritor
Mathias Malzieu en Una
sirena en París (Reservoir
Books, 20), la nueva novela
del exitoso autor francés.
Qué representan las sirenas?
¿Es quizá una llamada al
placer ligada a la seducción
femenina, el espejismo encantador,
la atracción fatal, la mujer
regresiva que arrastra al desenfreno
al hombre —a su vez ansioso de ser
seducido—, una cuestión universal?
¿O más bien de aventura, de riesgo,
de intento de reconciliación con uno
mismo? El escritor francés Mathias
Malzieu (1974) intenta responder
estas cuestiones rescatando el mito
griego, transportándolo a un bohemio
París en Una sirena en París.
—¿Qué relación existe entre el
personaje Gaspar, músico de Una
sirena en París y su mismo autor,
cantante de la banda pop Dionysos,
que es todo un referente en Francia?
Ambos comparten su pasión hacia
la música, ¿a qué es debida esta conexión?
Mantengo un triángulo en mi proceso
creativo por el cual, con mi música y
los personajes, formo un entramado
“En cualquier proceso creativo,
lo que está en juego es siempre
el fracaso”
de historia y realidad. De hecho, en el
álbum de mi banda, Dionysos, están
las letras de las canciones que supuestamente
escribe el personaje durante
la novela, pero también mucho
antes de empezarla. Es una relación
que mezcla realidad, música y ficción.
—¿Qué representa esta fábula
para Malzieu? ¿Qué pretendes
transmitir?
Sobre todo la historia de volver a recuperarse
y ser uno mismo. Cuando
alguien está traumatizado, ya sea por
un problema amoroso o un duelo,
hay un momento de recogimiento
donde nos transformamos. De hecho,
este libro va del valor de volver a empezar.
Gaspar le dice a Lula, la sirena,
en la novela, que es un creador, un
soñador, pero también, un enamorado.
En el amor, toda la creatividad,
todo lo que hay alrededor, al final, no
tienen tanta importancia. Al principio
del libro, Gaspar cree que no se
va a volver a enamorar nunca más, y
sin embargo, aún a riesgo de su vida,
se enamora, hasta recuperarse a él
mismo. Y Lula, que hace milenios que
no se había enamorado, comprende
con Gaspar que puede volver a amar
de nuevo.
—¿O arriesgas o mueres?
Hay que arriesgar, hay que arriesgarse
a abrirse y a enamorarse, y todo
el mundo, con ese riesgo, volverá a
sí mismo, a su corazón original. Este
libro, al final, es una versión extrema
de lo que yo propongo, que al final, no
deja de ser otra cosa que la realidad.
—El libro es también una reivindicación
de los tiempos paradójicos que
vivimos, puesto que hay cierto cariño
en perderse, pero también, en
reencontrarse. ¿Qué ha significado
para Malzieu escribir este libro en
un contexto tan magmático e imprevisible
como el actual?
No es tanto la voluntad de perderse
como el hecho de reivindicar el espíritu
aventurero. La base de cualquier
historia es un recorrido que parte de
un punto A a un punto B. Es verdad
que en medio de estos dos puntos hay
colisiones y dificultades, pero no se
trata tanto de perderse -inherente
a toda aventura-, sino más bien, de
cómo encontrarse. En cualquier proceso
creativo, lo que está en juego es
siempre el fracaso. —ALEX SERRANO
R
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Una sirena
en París
Mathias Malzieu
Reservoir
Books, 20
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CÓMICS
La balada
del norte 3
Alfonso Zapico
Astiberri
8
LIBROS
Toteking
Historia de un confinamiento
“¿Quieres unas Jordan?
Pues léete Pedro Páramo
de Juan Rulfo”
Continúa el asturiano Alfonso
Zapico modelando una de las grandes
obras ambientadas en tiempos
de la Guerra Civil que ha dado el
cómic español. Sus protagonistas
son víctimas de sus acciones y
de sus errores, intentando asumir
como pueden sus consecuencias
y sus contradicciones. Ahí está
Apolonio intentando luchar por
su visión de la justicia en una
revolución que ha traído un odio
desmesurado que no toma prisioneros.
—JOAN S. LUNA
Rasputín, el
patriota
Junji Ito/Takashi
Nagasaki
ECC Cómics
Si con su versión del clásico Indigno
de ser humano de Osamu
Dazai, Junji Ito ya demostró sus
capacidades para enfrentarse a
textos literarios sin perder personalidad,
ahora queda sobradamente
claro que no hay aguas en las
que no pueda sumergirse. Junto al
guionista Takashi Nagasaki adapta
esta historia de intrigas políticas
y conspiraciones diplomáticas
cuyo único pero es resultar
algo reiterativa. —ERNESTO BRUNO
7
Devastación
Julia Gfrörer
Alpha Decay
El nombre ya nos advierte. Devastación
es un cómic breve, pero
inquietante y crudo como la historia
que narra. La estadounidense
Julia Gfrörer llega a España con
una obra tremenda que, tomando
como eje a su protagonista femenina,
nos golpea página tras página,
rememorando unos tiempos
en los que la vida era complicada
y enfrentarse a ella requería de
máxima fuerza de voluntad y espíritu
de supervivencia. —J.S. L.
8
Figura fundamental para
cartografiar el mapa del
hip hop estatal, Toteking
acaba de debutar en el
mundo de la literatura con
Búnker. Memorias de
encierro, rimas y tiburones
blancos (Blackie Books, 20).
Apadrinado por Enrique Vila-
Matas, el rimador sevillano
plasma sobre papel un muy
notable inventario de su
recorrido vital.
EL COVID-19, EL PUTO COVID-19
nos tiene encerrados en casa
y Toteking publica su primer
libro, algo así como una autobiografia
deconstruida titulada Búnker.
Memorias de encierro, rimas y tiburones
blancos. Sí... ¡Joder, el título no podía
ser más apropiado para estas semanas
de confinamiento!. “¡No me había
dado cuenta!”, suelta entre carcajadas al
otro lado del teléfono el rapero sevillano,
tras cancelar su visita a Barcelona.
“¡Ahora mismo se lo comento a la gente
de Blackie Books para que lo utilice en
la campaña de promoción!”. Plantar un
árbol, tener un hijo y escribir un libro.
Ignoro cómo lleva los dos primeros,
pero Manuel González Rodríguez acaba
de cumplir con el más difícil de los tres
objetivos vitales que debe realizar todo
el mundo para que su vida haya tenido
sentido. “Te lo digo sinceramente, sin
querer que estas palabras se entiendan
como una extensión del ego rapero.
Aunque yo sé jugar a ese juego, para
nada lo es. Esta vez creo de corazón que
el libro está guapo. Es un ejercicio de
honestidad y de estilo. Creo que combina
ambas cosas. Seguí el buen consejo
que me dio mi amigo Vila-Matas”.
ENRIQUE VILA-MATAS ES UN PER-
SONAJE FUNDAMENTAL en esta historia.
Intuyendo el talento literario de uno
de nuestros más ilustres rimadores, el
escritor barcelonés le animó a sentarse
frente al ordenador y ponerse a teclear.
“Me pasó una cita de Hemingway súper
bonita. Dice algo así como ‘siempre
has escrito antes y también escribirás
ahora. Todo lo que tienes que hacer es
escribir una oración verdadera. Escribe
la oración más verdadera que sepas…
y luego continúa desde allí’. Ese fue el
consejo que me dio y que yo seguí. En el
libro hay dos motores muy importantes,
que además comparten universos
similares: Enrique Vila-Matas y mi pa-
dre”. Rememora Toteking que su padre
fue el que le enseñó a amar la literatura
a través de pequeños juegos: “¿Quieres
unas Jordan? Pues léete Pedro Páramo
de Juan Rulfo. ¿Quieres veinte pavos
para salir a la calle? Antes léete el Babelia”.
“Mi padre era muy guay. Supo acercarme
de una manera muy inteligente,
sin ningún tipo de exigencia ni adoctrinamiento,
a la literatura”.
BÚNKER ES UNA BIOGRAFÍA
poco convencional, porque no sigue
una línea cronológica. Relato vital en
primera persona que por momentos
también se asemeja a un dietario. “Es
un formato híbrido, sí”, admite esta
figura fundamental de nuestro hip hop.
Explica que intentó huir a toda costa de
los convencionalismos porque no quería
escribir un libro que pudiera hacer
toda persona más o menos conocida o
popular valiéndose del simple hecho de
serlo. “Para conseguirlo intenté que en
todo momento pareciera que se trataba
de un relato de ficción en el que pudiéramos
eliminar el nombre de Tote y
substituirlo por Daniel, Miguel, Marcos,
Roberto o José”. También es un ejercicio
de búsqueda de sí mismo. Auto
examen que Toteking describe como un
viaje. “Lo que rompe todo es la muerte
de mi padre. A partir de ahí inicio una
travesía por mis recuerdos. Ese fue el
momento en que puse todo en perspectiva
y eché la vista atrás: se había ido
mi padre pero mañana me podía ir yo”.
—ORIOL RODRÍGUEZ
R
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Búnker. Memorias
de encierro, rimas y
tiburones blancos
Toteking
Blackie Books
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#68 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

70/Mondo
Conexiones
LEVI’S LEVI’S HAUS
MIAMI
EDP EDP Live Bands
La compañía energética EDP anunció el pasado mes de marzo la
tercera edición del concurso EDP Live Bands. Desde su puesta en
marcha en 2014, EDP ha impulsado la música de más de 8.300 grupos,
600 en España, proyectando su carrera a nivel nacional e internacional.
El concurso está destinado a grupos de todos los géneros
musicales, siempre y cuando no mantengan vínculos ni contratos
comerciales con sellos. Aquellos que quieran participar deberán
presentar un tema inédito e inscribirse en la web del concurso
antes del 20 de abril. Los inscritos que hayan cumplido todos los
requisitos se someterán a las votaciones populares y las bandas
más votadas de esta fase pasarán a la semifinal. El ganador, que se
decidirá en una final en directo, tendrá la oportunidad de actuar
en directo en NOS Alive 2020 de Portugal y grabar su primer álbum
igual que hicieron los ganadores del año pasado, Beluga. Web de
inscripción: https://edplivebands.edp.com/espana
La nueva Levi’s Haus en
Miami fue el escenario
para la presentación del
nuevo Levi’s Chino XX
donde también tuvo lugar
un concierto del artista
Khalid. Además de celebrities
locales de Miami, también
acudieron el artista
Recycled J y la estilista
Ana Sotillo. Esta primavera
la marca de denim presentará
esta nueva colección
de pantalones estilo chino
para hombre, que trata de
interpretar el fit clásico de
un chino con un estilo más
juvenil y contemporáneo.
Alien Tango Tik Tok
El artista murciando afincado en Londres Alien Tango comenzó a
finales de febrero a publicar canciones exclusivamente para Tik
Tok, la red social de moda. Investigando las nuevas formas de consumo
de la música, decidió lanzar el primer álbum de temas de Tik
Tok subiendo cada día un tema y el artista lo ha conseguido. Desde
que empezó, ha lanzado un EP, Friends! (Alien Tango/Ground Control,
2020) y un álbum compuesto por quince jingles que rondan los
quince segundos de duración, Blink Pop, Vol.1 (Alien Tango/Ground
Control, 2020). El artista parece haberle cogido el gusto a la red social
en la que ya cuenta con más de cuarenta y cinco mil seguidores
y casi un total de seiscientos cincuenta y siete mil me gustas. Echa
un vistazo a su perfil: https://tikitoks.com/@alientango
MUSIC FINGERS
Spotify Radar España real gracias a tu tecnología
Pedro Bernardo Siempre Verde
¡Ni un incendio más!
La plataforma de audio en streaming Spotify lanzaba el pasado
mes de marzo Radar España. Se trata de un programa para apoyar el
talento emergente de nuestro país. Este proyecto forma parte de RA-
DAR, el programa a nivel global de artistas emergentes de Spotify
que se pondrá en marcha en más de cincuenta países. La plataforma
dará a conocer a los oyentes la historia y esencia de los artistas
seleccionados, tanto dentro como fuera de la plataforma. Lo hará a
través de sus canales, playlist, redes sociales y a través de contenido
exclusivo y original. También realizará un plan de marketing
personalizado para cada artista. En el caso de España, el proyecto
ha arrancado con un total de diez artistas: Aleesha, Delaporte, Derby
Motoreta’s Burrito Kahimba, Deva, Dora, El Greco, Guitarricadelafuente,
María José Llergo, Morad y Paranoid 1966. Puedes escuchar
la playlist de Radar España aquí: https://open.spotify.com/playlist
/37i9dQZF1DX2KWq7Xwva8j?si=KwaFVwszRlqdGsbX2__WgQ
¿Quién no mueve los dedos
de forma espontánea
cuando escucha música?
Music Fingers transforma
ese movimiento en música
diseñada para invitar a
cualquier persona a que
sienta la música en sus
dedos creando y tocando
sus canciones favoritas. Se
trata de un dispositivo en
forma de dedal con botones
integrados que te permite
tocar diferentes instrumentos
y sonidos sobre
cualquier superficie. Más
información y compra en
https://www.kickstarter.
com/projects/music-fingers/music-fingers-playmusic-tapping-along
El pasado mes de junio los vecinos del pueblo abulense Pedro Bernardo
vieron como el fuego volvía a rodearles. Ya lo hizo en los veranos
de 1986 y del 2000, y este verano volvieron a sufrir las consecuencias
del fuego. Como consecuencia de este último fuego, surgió
un movimiento vecinal llamado “Pedro Bernardo Siempre Verde”,
ya que lo que los vecinos han aprendido es que estas desgracias se
combaten uniéndose y trabajando en la limpieza y en la prevención.
Por eso, el 9 de mayo tendrá lugar un concierto benéfico bajo el lema
“Ni un incendio más”, organizado por la locutora de Radio 3 Virginia
Díaz. El cartel cuenta con nombres como Miss Caffeina, Second,
Zahara o Mikel Erentxun entre otros. Todos los conciertos serán en
formato acústico y las entradas están a la venta en Wegow por 30€.
Más información en: http://www.pbsiempreverde.org/
#70 abril 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Diseño : Errea Comunicación
Andrew Weatherall
Londres, Reino Unido (1963-2020)
Curtido en el post-punk de los
primeros ochenta, el cambio
de década consagró a Andrew
Weatherall como figura de
referencia para entender
la evolución de la escena
independiente en el Reino Unido,
convirtiéndose en imprescindible
bisagra entre el rock y la
electrónica de baile.
Fallecido por una embolia pulmonar
el pasado 17 de febrero,
consumió todas las etapas de
la vieja escuela. Primero, un
fanzine a la antigua usanza (Boy’s Own),
reuniendo fútbol, contracultura y artículos
sobre el boom del acid house. De ahí
pasó a estrenarse como DJ en el Shoom,
mítico club londinense donde descolló
con el eclecticismo que siempre le acompañaría.
No faltaron raves que marcaron
época; tampoco el nacimiento de Bocca
Juniors (acompañado por Pete Heller,
Hugo Nicolson y Terry Farley), proyecto
de corto recorrido, pero que dejó huella
con Raise, al más puro estilo ‘balearic’,
ni un sello en el que dieron sus primeros
pasos Underworld, X-Press 2 o The Chemical
Brothers.
El gran punto de inflexión hay que
buscarlo en su remezcla, mano a mano
con Paul Oakenfold, del Hallelujah de
Happy Mondays, y sobre todo en la reconversión
de un medio tiempo tristón de
Primal Scream en la excitante Loaded,
abriendo la puerta a que Weatherall se
pusiera a los mandos de Screamadelica
(91). Después, su catálogo de remixes fue
engordando de forma ininterrumpida
con temas de nombres tan diversos como
New Order, My Bloody Valentine (imprescindible
el de Spoon), James, Saint
Etienne, Ricardo Villalobos, Lali Puna,
Siouxsie, Grinderman o los High Flying
Birds de Noel Gallagher, dando muestra
de una enciclopédica versatilidad que
también reprodujo como productor de
varios cortes de One Dove, del debut
de Beth Orton (Trailer Park, 96) o, más
adelante, del enorme Tarot Sport (09) de
Fuck Buttons, tendiendo puentes ya no
sólo entre rock y electrónica, sino entre
dos generaciones.
—ENRIQUE PEÑAS
De espadas y espadachines
La inquietud constante de Lord
Sabre (uno de sus muchos alias) le
llevó a poner en marcha decenas
de proyectos: unos de vida efímera,
otros de más largo alcance, como The
Sabres Of Paradise –con una joya
atemporal como Sabresonic (93)– o
Two Lone Swordsmen, acompañado
por Keith Tenniswood. Más cerca, The
Asphodells -con el hipnótico Ruled By
Passion. Destroyed By Lust (12)- o sus
propios discos en solitario, además de
las sesiones maratonianas de A Love
From Outer Space. —E.P.
IMPRESCINDIBLE
Primal
Scream
Screamadelica
(Creation, 91)
Hay algo (o mucho) de ventajista
en esto, pero lo más
fácil es que, sin Andrew
Weatherall, Primal Scream se
hubiesen quedado como un
grupo del montón, atrapados
eternamente en su modo retro.
Su papel en Screamadelica
fue determinante para hacer
de este elástico álbum uno
de los más influyentes de los
últimos treinta años, emparejando
Londres con Ibiza, gospel
con psicodelia, blues con
dub y rock con cultura rave.
La tormenta perfecta para
despedir el segundo verano
del amor. —E.P.
Depósito legal B. 11 809-2013
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