Billboard Argentina Abril 2019

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Semana del 7 de abril de 2019
DY: SERGIO SANTILLÁN
Daddy Yankee es
el nuevo rey
BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
Por tercera semana
consecutiva, “Con calma”
featuring Snow, el último
single de Daddy Yankee se
mantiene en el puesto Nº1 del Billboard
Argentina Hot 100. La canción
es una reedición de “Informer”,
un hit del rapero canadiense (Snow)
que fue lanzado en 1992. Antes de
llegar a la cima del chart, la canción
estuvo por varias semanas en el Nº2
pero finalmente cortó la racha de
“Calma (remix)”, actual Nº2.
En definitiva, el top 5 del listado se
mantiene exactamente igual que la
semana anterior. En el puesto Nº3 se
ubica “Secreto” de Anuel AA y Karol
G, Paulo Londra sigue en el Nº4 con
su ex Nº1 “Adán y Eva”, y “Un año” la
balada que unió a Reik con Sebastián
Yatra continúa en el Nº5.
Sin embargo, el resto del top 10
sufrió varios cambios con respecto
a la semana anterior. DJ Alex escaló
un puesto y terminó en el Nº6 con
“Leña para el carbón”. Mientras,
“Pa mi” de Dalex feat. Rafa Pabón
saltó del Nº17 al Nº7, logrando su
mejor marca en el chart hasta el
momento. Maluma regresó al top
10 del Billboard Argentina Hot
100 y lo hizo con su último single
“HP”, que se ubicó en el Nº8. Y
mientras “M.I.A.” de Bad Bunny y
Drake retrocede al Nº9, J Balvin reingresa
a los primeros diez lugares
con “Reggaetón”.
Además, “Cristina”, el último
sencillo de Yatra, que cuenta con
videoclip co-protagonizado con
Tini, alcanzó en su primera semana
dentro del chart el puesto Nº23.
Por su parte, WOS logró ingresar
“Terraza” - canción que presentó
por primera vez en vivo el pasado
fin de semana durante su show en
el Lollapalooza Argentina- en el
puesto Nº59.
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BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
GUIDO ADLER
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BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
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Contenidos
BILLBOARD ARGENTINA HOT 100
Daddy Yankee no es el solo 3
el rey del reggaetón, sino también
del Billboard Argentina Hot 100
INTRO
Lollapalooza Argentina tuvo su 13
sexta edición y fue sold out
ENTREVISTAS Y PERFILES
Nanette Lamboy 14
Nicolás Repetto 16
Emilia 24
Mike Bahía 26
Ayax y Prok 28
Rocco Posca 30
Anuel AA y Karol G 32
DJ Alex 34
ESPECIALES
Leaving Neverland 48
Bodas de Oro 56
The Isley Brothers - It’s Our Thing
EMERGENTES
Defensa, Galean, Miranda Johansen 62
y Kris Alaniz 64
VIVO
Lollapalooza Argentina 68
Paul McCartney 70
Hernán Cattáneo - PWR Festival 71
Rock en Baradero 72
REVIEWS
Weezer, Lil Pump, Lara Pedrosa, 74
Solange, Maren Morris, Dido, Barilari,
Ximena Sariñana y Tom Walker
EN LA TAPA
Pablo Alborán,
el español es el
artista que más
discos vendió
en la península
Ibérica. En
Argentina
se presentó
sold out en el
Hipódromo de
Palermo.
“Muchos artistas de nuestro catálogo llamaron, diciendo, ‘Quiero trabajar con Blackpink’.
Las estaciones radiales demandan nueva música”, dice Jeremy Erlich, vicepresidente de
desarrollo comercial de Interscope, quien facilitó las primeras conversaciones entre el sello
y YG (él y Joe fueron juntos a la escuela de negocios). “La industria está lista. Cuando salga la
música, no creo que vaya a haber mucha gente diciendo, ‘Esto es sólo una moda’”. (Página, 42)
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FOTOGRAFÍA POR ALEXANDRA GAVILLET

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Intro
EL SUBE Y BAJA
Lali, Anitta, Natti Natasha,
Karol G y Becky G forman
parte del panel “Mujeres en
el liderazgo” de las Billboard
Latin Conferences 2019.
Rosalía.
Lollapalooza Argentina 2019:
seis y contando
El rapero Nipsey Hussle fue
baleado el 31 de marzo a la
salida de su local de ropa
en Los Ángeles. Kendrick
Lamar le dedicó un minuto
de silencio durante su show
en Argentina.
GUIDO ADLER
rer ya la había puesto en mira de
todos, su presentación en vivo
terminó de ubicar a Rosalía como
una de las artistas más disruptivas
y con mayor proyección de la última
década.
Lollapalooza también sirvió
como legitimación definitiva para la
escena trap argentina. No solo porque
Steve Aoki le dio la bendición
internacional a Paulo Londra con su
El festival más convocante
de la Argentina vendió
todos los tickets de su
sexta edición un día antes
de comenzar. Con Lenny Kravitz,
Kendrick Lamar, Arctic Monkeys,
Sam Smith, Twenty One Pilots y
Post Malone a la cabeza, Lollapalooza
Argentina recibió más de 300
mil personas durantes tres días.
Aunque su álbum El Mal Queaparición
durante el show del cordobés,
sino también por la convocatorio
de los shows de Khea, Cazzu,
Neo Pistea, C.R.O y Lucho SSJ.
El tapado del festival fue Duki.
Sin estar anunciado en el line
up, el trapero marcó un récord
sin precedentes en la historia del
Lollapalooza; se presentó los tres
días como invitado de diferentes
shows.
Instagram Music llegó al
país: la función permite a los
usuarios insertar música en
las historias de 15 segundos
desde una biblioteca común
de canciones.
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Industria
Nicolás Repetto
Crear una
nueva plaza
El director musical de Grupo
Nación y Multimedia e impulsor
de InOut Music - empresa
encargada del negocio de
la industria musical dentro
del grupo multimedia- habla
sobre el crecimiento de
Paraguay en el rubro artístico,
la consolidación del español
como idioma y la importancia
de los vínculos.
inout music hace alusión a lo que nicolás
Repetto quiere expresar: desde adentro hacia
afuera, desde afuera hacia adentro. Desde Paraguay,
para todo el mundo. InOut Music es la
empresa musical dentro del Grupo que nuclea
y lleva adelante todo el negocio de la música, en
vistas de desarrollar el talento nacional y de generar
alianzas estratégicas con el exterior.
“Se trata de crear vínculos con el exterior, con
empresas multinacionales para atraerlas hacia
el Paraguay y, a través de este vínculo, poder
exportar todo el talento que hay acá. Es un ida y
vuelta entre marcas y medios, siempre incorporando
la música”.
¿Cómo llegaste a Paraguay?
- Hace aproximadamente seis años que vengo
a Asunción especialmente por tres proyectos
puntuales: uno es por la producción de shows. El
otro motivo refiere a que formamos, con dos socios
locales, la primera editorial musical del país,
que se llama Asunción Publishing.
Por último, también vine a trabajar como
asesor y director musical de un par de canales
de televisión de aire. He conocido a mucha
gente de la industria, no solo de la televisión
sino de los medios audiovisuales, como G5pro
y RPM, que fueron mis co-productores a la
hora de realizar conciertos. Así fue como conocí
la industria musical, los canales de televisión,
las radios, los directivos, los empresarios,
los productores de shows, y más.
Gracias a Asunción Publishing, conocí el universo
musical y empecé a trabajar con toda esta
industria. Al conocer el ambiente, tanto empresarial
como artístico, esto desencadenó en mi
nuevo trabajo como director musical de Grupo
Nación y Multimedia, uno de los multimedios
más importantes de todo Paraguay.
¿Cómo es la integración y expansión
regional?
- La idea es relacionarnos con multinacionales,
discográficas, compañías del publishing,
corporaciones y empresas audiovisuales. Esto
nos genera un feedback constante para poder
apuntalar, afianzar y desarrollar proyectos en
Paraguay y también que las empresas nos ayuden
a posicionar nuestras producciones en el
exterior. Paraguay es uno de los países que más
ha crecido en la región, de manera firme y constante;
no solo en la industria musical sino que
en casi todas las industrias durante los últimos
15 años. Es interesante que ahora empecemos a
estar en el mercado regional. Creo que al estar
muy pegados a la Argentina, la relación con el
país nos ayudará a acercarnos y eso va a generar
que nos integremos un poco más a la región,
para poder desarrollar negocios en común.
¿Por qué creés que creció tanto la música
en español?
- Creo que creció por muchos motivos. Tuvo
una evolución artística muy interesante. Lo que
está pasando con la música urbana tiene que
ver un poco con lo que pasa en Estados Unidos
con el rap: por primera vez se está tocando en la
música urbana. La música en inglés siempre tuvo
esa parte más rapeada muy viva y, hoy día, la
música en español se volcó para ese lado. Entonces
llegó a un lugar de encuentro donde pueden
convivir y relacionarse.
GENTILEZA NR
14 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Industria
hacer prensa, nosotros entendemos que la carrera
de un artista es un proyecto integral. Trabajamos
en marketing, en promoción y, por ejemplo,
también vamos de la mano con todo lo que
está pasando en la radio. En Estados Unidos, las
publicistas no solamente hacen prensa, además,
consiguen grandes deals de sponsors”, cuenta.
¿Qué es lo que tiene que tener un artista
para tener éxito?
− Además de contar con buena música y estar
todo el tiempo buscando y creando, yo creo que
el artista debe ser disciplinado y tener a alguien
que crea en él.
A fin de mes se celebra la Latin Music
Conference Week, ¿qué pensás de estos
encuentros?
− Yo creo que las Billboard Conferences forman
parte de los grandes encuentros de la música
latina. Las conferencias, además de ser una herramienta
muy importante para toda la gente que
está comenzando en la industria de la música,
son el lugar perfecto donde pueden ir y encontrar
todo lo que necesitan. Además, para nosotros
es un constante aprendizaje, un encuentro entre
grandes amigos, y un lugar de networking donde
tú ayudas a los otros y otros a ti. Se trata de hacer
cosas distintas y de avanzar.
Nanette Lamboy
“ Quiero que las mujeres
tengan más espacio”
La fundadora y presidenta de Artist Solutions comenzó su carrera
profesional en la compañía del productor y manager Angelo Medina, en
Puerto Rico; hoy desarrolla tácticas de marketing y promoción de artistas
como Romeo Santos y Residente.
luego de trabajar 14 años primero como
recepcionista y luego como asistente del productor
y manager puertorriqueño Angelo Medina,
Nanette Lamboy comprendió que era hora
de emprender “my own journey ”, es de decir,
su propio camino. Así nació Artist Solutions,
una firma desarrolla estrategias de marketing,
promoción y relaciones públicas a medida. Desde
sus comienzos hasta hoy, han trabajado con
artistas de la talla de Residente, Romeo Santos,
Ricardo Arjona, Pedro Capo, Kany Garcia, Zion
y Lennox entre otros.
Con más de 20 años de experiencia en la industria,
Lamboy pisa fuerte en un negocio que históricamente
estuvo liderado por hombres. “Quiero
que las mujeres tengan más espacio”, comenta.
Luego, amplía el trabajo que hacen dentro de Artist
Solutions: “No nos enfocamos solamente en
Sos un caso de empoderamiento femenino
por el éxito que tuviste con tu proyecto.
¿Tuviste que sortear más inconvenientes
que un hombre?
− Hoy se se avanzó y rompimos barreras. En
mi caso, yo nunca tuve problemas, ni de acoso ni
nada. Siempre tuve grandes hombres a mi lado,
que me empujaron y me dijeron “tú lo puedes
hacer”. Dentro de la oficina de Angelo Medina
éramos la mayoría mujeres en la oficina. Y tengo
clientes y compañeros varones que ven el trabajo,
confían y delegan. A mí nunca me tocó tan de
cerca a nivel personal con los clientes, pero afuera
siempre nos costó un poco más. Lo que me gustaría
es que haya más espacios para las mujeres.
Tanto en las radios como dentro de los estudios
para las compositoras, cantantes e intérpretes.
¿Qué le dirías a una mujer que esté empezando
en esta industria?
− Primero, le diría que nunca abandone sus
sueños, y segundo, “keep on! (adelante)”. No
importa cuánto tarde, solo continúa hasta que
suceda. Y que pondere a sus compañeras. Mientras
más unidas estemos las mujeres y más nos
respetemos, más oportunidades habrán. Nosotras
nos apoyamos mucho. Y si un trabajo no lo
puedo hacer yo, recomiendo a alguien más. Hay
que apoyarnos y valorarnos a nosotras mismas
como compañeras.
16 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019
FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX

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17

Monsieur Periné
No olvidar el origen
La agrupación colombiana acaba de editar “La sombra” -junto a Leonel
García- en una gira por Sudamérica, Europa y Estados Unidos. El 18 de mayo se
presentarán en el Festival Nuestro, en Tecnópolis, Buenos Aires.
si bien su propuesta musical varía y no se
aferra a un género en particular, a Monsieur
Periné le seduce la idea de enraizarse en lo orgánico
y tradicional: en la madera de sus instrumentos
y en lo acústico.
Comenzaron incursionando en covers de
canciones latinoamericanas de diversos países
que dialogaban entre sí, fusiones que indudablemente
influyeron en su carácter musical actual.
Así fue como arribaron a un sonido propio y
formaron una identidad. “Cuando empezamos
a hacer nuestra propia música, trajimos todas
nuestras influencias, que van desde la música clásica
hasta la electrónica”, señala Catalina García,
frontman de la banda junto al guitarrista Nicolás
Junca. Pero el amor por la música de antaño es
más fuerte. Lo que prevalece en sus acordes es el
bolero, la trova, la balada, la época dorada de la
música latinoamericana, en fin. “Tenemos una
banda de ocho músicos, nos gusta la energía que
trae la interpretación, la creatividad que cada
persona le impregna a su instrumento para encontrar
un sonido”, agrega.
Su música abarca diferentes universos
sonoros, ¿pueden autodefinirse?
- Catalina García: Lo que a nosotros nos seduce
de la música acústica o de los instrumentos
reales es que la puesta en escena está nutrida
exclusivamente por los instrumentos. No solo
magia, sino una forma de conectar con la energía
de la gente, haciendo música con el público.
No nos gusta que nos encasillen en un género
porque no hacemos un género particular. Ahora
estamos decididos en hacer música transgénero
porque nos gusta replantearnos la identidad, de
rendirle homenaje a nuestro origen, reconocerlo.
Pero también poder llevarlo más allá y quizás
cambiarle el atuendo en cada disco que hacemos
porque para eso se hacen discos.
A la hora de componer, asumen riesgos. A
través de la exploración, buscan lo “rítmicamente
interesante”, ya sea en un riff o en un acorde
extraño, conscientes de su época, pero con una
marcada atemporalidad. “Creo que para nosotros,
el lenguaje más fuerte es el de lo simple: la
menor cantidad de elementos posibles, con la
mayor magia posible”, dice Nicolás Junca.
¿Se sienten parte de esta época dorada de
la música latinoamericana?
- Catalina García: Yo creo que cada generación
puede hablar de una época dorada. Antes
de Drake cantando con Bad Bunny estaba Sinatra
cantando música brasilera también, entonces
no podemos afirmar simplemente a que
ahora la música latina tiene tanto poder. Cada
época nos ha demostrado que la música latina
cala, se mete en el corazón de la gente y seduce
con su paisaje, romanticismo y esa energía. Nos
parece muy positivo que esto esté sucediendo
porque se abren las puertas para la música en
español y lo hemos vivido desde que comenzamos
nuestro proyecto. Nuestro primer álbum
fue editado en Japón y tenemos muchos fans
japoneses. También fue editado en Alemania y,
quizás, Alemania es el país donde más hemos
girado. Está buenísimo que el género urbano se
haya metido en las casas y en tantas generaciones;
que se conecten con el cuerpo y el movimiento,
es algo importante que plantean estos
ritmos. Lo que quizás no está tan increíble es
que se tienda a estandarizar, a homogeneizar y
aplanar nuestras raíces latinas teniendo una riqueza
cultural tan impresionante. Quizás es por
la forma de cómo se está planteando el consumo
de la música y cómo estamos dándole tanta
prioridad en los medios a estos géneros. No fomentamos
que los jóvenes sigan aprendiendo a
tocar instrumentos.
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FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX

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19

Billie Eilish
Y llegó el
debut
Después de un EP que la puso en
mira de todos y algunos singles
de adelanto, la cantante nacida
en 2001 editó su primer trabajo de
estudio When we all fall asleep,
where do we go?
una joven de 17 años inetiquetable tiene
rendido al pop mundial. Pero a ella eso no parece
pesarle. Tras un disruptivo EP y un par de singles
que rápidamente la llevaron a codearse con Rosalía
y hasta recibir mensajes de Justin Bieber, Billie
Eilish edita su ópera prima. Se trata de When we
fall asleep, where do we go?
Compuesto junto a su principal colaborador,
productor, multi-instrumentista y hermano mayor
Finneas O’Connell, el álbum ya es el grito de toda
una generación, su generación: los centennials.
When we all fall asleep, where do we go? Ya está
disponible en todas las plataformas alrededor del
mundo, en donde también aparecen los hits mundiales
“Bury a friend”, “You should see me in a
crown”, “When the party’s over” y “Wish you were
gay”, además de 10 canciones nuevas incluyendo
su último sencillo “Bad guy”, el cual viene con un
video dirigido por el ganador de un MTV VMA
(“Humble” de Kendrick Lamar) Dave Meyers.
“Nadie sabe qué demonios son los sueños,
amigo”, dice Billie. “No podés darme una respuesta
suficientemente buena sobre lo que son
los sueños. Nadie puede. Sin embargo, los sueños
son algo importante en mi vida. Siempre ocuparon
mi tiempo. Todo está en la música”.
“Hubo muchas oportunidades y situaciones a
las que dije que no”, sonríe. “Tuvimos que hacer
este álbum a nuestra manera. Me di cuenta de
la suerte que tengo de tener a mi hermano en
esto. Si no lo tuviera, tendría que averiguar qué
demonios estaría haciendo sin que alguien más
estuviera conmigo. Quiero que la gente escuche”,
dice. “Quiero que me escuchen, y quiero que la
gente se sienta escuchada. Nada en este álbum
suena igual, pero todo se suma a un todo. Desde
que empecé a hacer música mi vida ha cambiado
mucho. Una cosa que no ha cambiado en mi música
es que todavía la hago yo”.
TUTE DELACROIX
20 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

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21

Ava Max
Así es ella
La cantante pop de 25
años ya tiene un sucesor
para “Sweet but Psycho”,
se trata de su nuevo single
y video: “So Am I”.
con su nuevo single “so am i”,
ava max se posiciona como una
de las cantantes pop de mayor crecimiento
del 2019. El pegadizo single
ya está disponible en todas las
plataformas digitales y servicios de
streaming junto al elocuente video
que lo acompaña, que promueve un
mensaje de inclusión y aceptación.
“’So Am I’ trata sobre el amor
a uno mismo, sobre ser diferentes,
marginados y no ajustarse al
formato en que la sociedad quiere
colocarnos, y celebrar simplemente
lo que nos hace diferentes”, dijo
Ava acerca de su nuevo single.
“Cuando me siento triste, trato de
recordar que mis defectos me hacen
perfecta porque en realidad lo
perfecto no existe.
“So Am I” sucede a su single
“Sweet but Psycho”, que fue producido
por el productor nominado al
Grammy Cirkut (Maroon 5, Miley
Cyrus, The Weeknd) y coescrito con
Madison Love (Camila Cabello).
“Sweet but Psycho” logró entrar al
top 30 del Hot 100. Además, estuvo
cuatro semanas consecutivas en la
cima de las listas de singles en Reino
Unido y fue N° 1 en las listas de 20
países. “Sweet but Psycho” cuenta
con un video dirigido por Shomi
Patwary (Beyoncé, The Weeknd)
que ya tiene más de 178 millones de
vistas.
Fue nominada como “Artista en
Ascenso” por los Global Awards de
Reino Unido, gracias al single “My
Way”, al que Billboard US definió
como “un debut impresionante”.
“My Way” estableció instantáneamente
a Ava Max como una de las
cantantes pop más intrigantes y de
mayor proyección internacional de
los últimos años.
TUTE LAUREN DELACROIX DUNN
22 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

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23

Emilia
Prender el
fuego
Oriunda de Entre Ríos, la ex Rombai
acaba de lanzar su primer single y
video como solista: “Recalienta”.
Pronto, un segundo sencillo.
tras estrenar su single debut como solista
“Recalienta” -que debutó en su primera semana
en el Billboard Argentina Hot 100-, Emi
Mernes habla sobre su presente musical, de las
responsabilidades como artista solista y cómo se
mantiene con los pies sobre la tierra.
Si bien recién comienza a pavimentar su camino
lejos de Rombai, la banda con la que inició su
carrera como artista, Mernes ya es parte de la generación
de cantantes que están pisando fuerte en
el género urbano que coquetea con el pop. Eso sí,
también histeriquea con la cumbia y por qué no,
con las baladas románticas, siempre y cuando sus
temas expresen lo que ella tiene ganas de decir.
El inicio de su carrera solista trajo un nuevo nivel
de exposición, fama y también reconocimiento.
Sin embargo, Emi se siente la misma de siempre.
Esa chica que comenzó a estudiar literatura
en la universidad y la dejó atrás para ir por un
sueño más grande. La misma joven que cuando
vuelve de un día agotador llama a sus padres para
contarles sobre cómo estuvo su día. “Mi cable a
tierra es mi casa, mi familia, mis amigos de toda la
vida. En mi casa soy la misma Emilia de siempre.
Hago los quehaceres, la ayudo a mi mamá, cocino.
Y trato de que eso pase todos los días”
¿Qué sentís del presente musical? ¿De esta
generación de artistas?
Yo creo que ahora en lo que es música urbana
se abrieron las puertas para que las mujeres podamos
ser parte. Me siento parte de todo esto y
me encanta porque antes era tabú que las mujeres
habláramos de que disfrutamos de algo. Hasta
recibíamos agresiones por el hecho de cantar
sobre algo; es más, me pasó con “Recalienta” que
me decían que era vulgar y me causa gracia porque
quizás un hombre lanza esta canción y no se
le dice nada. Pero yo creo que con el tiempo eso
va a ir cambiando, estamos en una transición.
Así que sin dudas me siento parte y me encantaría
seguir apoyando todo esto.
En cuanto a la exposición en las redes, Emi se
muestra auténtica y reconoce a los medios como
una gran herramienta que conecta al artista con
su público. “Me gusta estar siempre en contacto
con los fans y demostrar que estoy cerca de ellos,
que soy real y humana”.
¿Sentís algún obstáculo por ser mujer?
Yo creo que gracias a las generaciones anteriores
de mujeres, tuve el camino más fácil. Supongo
que para las primeras que quisieron dar
el paso fue muy difícil, como cuenta Karol G,
que pasó por un montón de cosas y está ya hace
como ocho años en la industria y recién ahora
ha podido triunfar y que la reconozcan como
quien es. Eso me da esperanza. Las mujeres que
lucharon por llegar son una inspiración para
muchas de nosotras.
¿Cuál es la diferencia entre estar acompañada
en una banda y ser solista?
Respecto a Rombai, extraño las giras con mis
amigos, compartir un mate con ellos porque
obviamente los aprecio y los quiero mucho. Estando
sola hay muchísimas más responsabilidades
pero lo siento como algo más mío, porque
antes el líder era Fer. También disfrutaba de esa
posición porque lo acompañaba a él. Ahora tengo
que dar la cara yo y no tengo otra persona al
lado. Tanto en las notas como en un escenario,
estoy sola aunque obviamente hay un equipo
detrás que me acompaña y me respalda. Lo que
siempre digo es que uno va tomando experiencia
y Rombai para mí fue como un trampolín donde
aprendí mucho.
24 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019
FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX

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25

Mike Bahía
Fiel a su
guitarra
El cantante y compositor
colombiano habla sobre su
recorrido musical a la par de
Greeicy Rendón, pareja del músico
y artista en ascenso, y del reciente
lanzamiento de su trilogía musical.
POR MARÍA VILLOLA Y
SANTIAGO TORRES
con una guitarra little martin personalizada,
salpicada de relatos y hasta con el dibujo
del mar, Mike Bahía sigue volcando en ella sus
historias implícitas. Todo lo que vive y recorre lo
llevó a descubrir una identidad y a contar historias
a través de sus acordes. Y, fiel a su estilo, ha
incursionado en distintos géneros con el fin de
enriquecerse musicalmente, aunque siempre volviendo
a su primer amor: la guitarra.
“Aquí se componen las canciones desnudas
y es donde te das cuenta de la esencia de una
canción. No es tanto el género en el que la vas a
interpretar sino que tenga una esencia contundente
y eso lo descubres aquí”, declara respecto a
su Little Martin, con la que lleva un pedacito de
Caribe a todo el mundo.
En el último tiempo, el artista colombiano ha
logrado darle una continuidad a sus tracks, agrupándolos
en una trilogía amorosa con final feliz.
“Serenata”, “Canciones con mentiras” y “Esta
noche” son los tres temas, el último cuenta con la
participación de Greeicy Rendón, artista y pareja
del músico, con quien ya había trabajado anteriormente
en “Amantes”.
¿Cómo te sentís luego de haber transitado
por distintos géneros musicales?
− He pasado por muchas cosas y hoy me siento
tranquilo porque tengo algunas herramientas
que he hallado en el camino y que me permiten
encontrar mi identidad. Por eso es que no suelto
mi guitarra y sigo adelante con mi historia.
Tenés una historia cercana a la Argentina y a
Puerto Rico, como si la cultura latina se hubiera
unido finalmente, ¿qué ocurrió con la
música en español en los últimos tiempos?
− Argentina tiene mucho que ver con lo que
fui. He sido muy rockero, funkero, muy de banda.
De hecho, vine aquí con una banda y es muy
interesante ver cómo lo urbano sigue más una
línea de banda porque ya los músicos reggaetoneros
tienen su banda completa detrás, no solamente
son Djs. Se siente cómo de punta a punta
nos hemos ido permeando musicalmente.
Respecto al exitoso momento musical que
está viviendo Greeicy, ¿cómo es trabajar
con tu pareja?
− Es hermoso porque ha sido real, honesta y
transparente desde el día cero que nos conocimos.
Mi primera canción revela un poco esa
historia y se volvió un éxito. Hoy, poder tener
historias como “Amantes”, que fue una canción
que rompió todos los esquemas y que es muy
nuestra, me hace sentir pleno. Ahora replicamos
este junte con “Esta noche”, que es con la que cerramos
esta trilogía. Pero en rasgos generales es
una cosa muy constructiva.
Con la consolidación del género urbano en
los últimos años, ¿sentís que hay un movimiento
musical más amplio que antes?
− Hoy siento que el éxito está detrás de las
canciones. Es algo que hemos comprendido los
artistas y la gente, y que nos aleja un poco de
ese egocentrismo que a veces tenemos. Nos baja
un poco a la realidad. Creería que los artistas
vivimos por nuestras canciones. Creería que
hoy las canciones tienen mucho más valor y somos
más conscientes de eso, por eso la canción
puede estar a nombre de una persona totalmente
nueva y es un recontra boom. O de repente
hay featurings de artistas muy duros que se
juntaron y no pasó nada. Entonces, ese tipo de
cosas hoy en día nos dan algún tipo de tranquilidad,
de que estamos todos a una canción de
ser el número uno.
26 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019
FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX

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Ayax y Prok
La nueva
vieja escuela
Tras debutar en Argentina con
dos Niceto sold out, los gemelos
españoles adelantan que editarán un
álbum en conjunto y hablan sobre su
relación con el dinero, el freestyle,
el boom bap y la necesidad de
trascender con su música.
POR JOTA AYERZA
“somos abanderados del rap. ahora mismo
está todo demasiado mezclado pero somos defensores
del rap purista. Cuidamos muchos las
letras y como se dicen”, aclara enseguida Prok
cuando se les pregunta por el trap. Su hermano
gemelo Ayax asiente con la cabeza. El dúo visitó
por primera vez el país a mediados de marzo
para dar dos shows en Niceto Club. “Sabíamos
que nos iba a ir bien en Buenos Aires, hace años
que nos mandan mensajes. Nos estaban esperando”,
dice Ayax.
Desde que Prok lanzó el single “Fresas con
nata”, que cuenta con un sample de “No me toquen
ese vals”, un tango de Julio Jaramillo, los
nacidos en Granada aumentaron sus base de
fans argentinos. “Elegí ese pedacito que tiene
un tono romántico, casi melancólico, típico de
un poeta. No esperaba que pegue tanto pero
creó un aura potente”, cuenta Prok.
Aunque figuren como dúo tanto en shows
como en Spotify o su canal de YouTube, los hermanos
tienen álbumes separados. “Aunque nos
hacemos los apoyos en vivo, las canciones son
individuales. Igualmente queremos editar un álbum
en conjunto”, dispara Ayax. “Vamos a tener
que ceder para disfrutarlo”, completa Prok.
Integrantes de una familia de clase baja, se
pasaron la infancia vagando por las calles al
mismo tiempo que sus padres -dos intelectuales-
les inculcaron la literatura y el cine. “El que
nos conoce sabe que nos suda la polla el dinero.
De pequeño fue así, éramos pobres, y ahora que
tengo un poco de dinero sigue siendo igual”, explica
Prok y agrega: “De hecho no consigo ahorrar
porque lo único que hago es invitar amigos.
A nosotros nos llena poder trascender”. A cada
frase que dice uno, el otro puede completarla
como si fueran la misma. “El dinero es necesario
para cubrir necesidades nada más. Para nosotros
que sabemos que es la pobreza, que hemos
visto como desahuciaron a nuestro padre,
vivir de esto es una bendición, y más todavía
cuando nuestra familia trabaja con nosotros”.
En sus shows en Niceto Club estuvieron presentes
algunos de los raperos más importantes
de la escena urbana argentina, nacidos en el
freestyle de plazas, como: Duki, Wos, Catriel,
Paco Amoroso y Acru. Lo que fue una legitimación
al debut del dúo en Buenos Aires.
Acá la escena del rap y trap tuvo mucho impulso
gracias al freestyle, ¿cómo se llevan
ustedes con las batallas?
Prok: A nosotros nos parece medio infantil la
batalla, no nos llena. Yo me tiro hacer eso y a los
pocos días lo domino y me aburro. Nosotros grabamos
letras muy trabajadas. No me siento lleno
con la improvisación de las batallas. Está claro
que los tíos tienen ingenio y sabemos valorarlo.
Yo me considero un intelectual, no puedo estar
diez años insultándome con gente, yo necesito
poder trascender con lo que hago.
¿Consideran que ser gemelos les brinda
una ventaja?
Ayax: Somos nuestros mejores críticos. Y sabemos
ayudarnos. Esta guay esto de ser gemelos
y vivir rapeando.
FERNANDO LEZAUN
28 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

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Rocco Posca
Un
centennial
analógico
Fervor, su segundo álbum de estudio,
se grabó en cinta, se editó en vinilo
y lo produjo Gordon Raphael, el
hombre detrás de los primeros disco
de The Strokes. El 9 de marzo lo
presentó en La Tangente.
POR JOTA AYERZA Y
SANTIAGO TORRES
toda nueva generación necesita un contrapunto.
Algo con lo que lograr el tan deseado
equilibrio que desarma la ansiedad. Y en estos
tiempos de beats, autotune e inmediatez, el Fervor
de Rocco Posca sirve de contrapeso para no
caer en la interminable vorágine centennial.
El joven de 19 años editó a finales de 2018 su
segundo álbum de estudio y contó con la producción
Gordon Raphael, productor de los primeros
dos discos de The Strokes. “Ya es como
mi tío”, cuenta Rocco con una sonrisa que revela
con irreverencia la complicidad que lograron
en el estudio a pesar de su diferencia de edad.
En abril, viajará a Madrid y Barcelona para volver
a tocar con Raphael.
Guitarras, batería y bajo -grabadas en cintason
las armas que desenfunda el artista de rulos
calamareños, gafas rojas y zapatos gastados. Pero
no es que Posca viva en la melancolía snob del
rock de paladar negro. El usa el Delorean a su
gusto y piaccere porque a pesar de su amor por
los vinilos se reconoce hijo de Internet. “Hoy
justo me encontré en YouTube un video de los
Arctic Monkeys -una vez que ganaron un pre-
mio- y estaba Alex Turner hablando con ese tono
particular diciendo: ‘Ese rock and roll que anda
siempre escondiéndose en la dunas, que de tanto
en tanto se va, nunca va a morir’. Y es así, son ciclos
y el universo es sabio: la marea se retira pero
siempre vuelve”.
¿Por qué editaste tus dos álbumes en
vinilo?
- El vinilo toma mucho sentido en relación
a cómo se graban las canciones. Porque si vos
grabás todo digitalmente y después lo pasás a la
pasta de vinilo, en el fondo no deja de ser un disco
hijo de lo digital. En cambio, si vos lo grabás
analógicamente es otro el resultado. Fervor lo
grabamos en cinta, es decir, de forma analógica
pero después lo tuvimos que pasar a digital
por una cuestión de comodidad. Es un disco que
para mí suena mejor en vinilo.
Se te ve muy analógico, ¿te tienta el mundo
de las máquinas?
- Ahora estoy empezando a incorporar bastante
máquina de ritmos pero desde un lugar más
Happy Mondays con una TR808. Estoy armando
versiones de mis propias canciones con otros
elementos. Yo no reniego de la tecnología, la uso.
Las máquinas de ritmos matan, los sintes nuevos
matan. A mi no me gusta cuando todo se pone
plástico y deja de tener sentido. En un momento
decían se está muriendo el rock porque no hay
gente que toque la guitarra. No hay gente que toque
la guitarra porque no es fácil. Yo toco la viola
desde los seis años y lo hago todos los días de mi
vida. Pero es un amor, algo que se cultiva.
Ya van dos álbumes y todavía no te metiste
en el mundo featuring...
- No me metí todavía en el mundo featuring
porque no quiera sino porque no se dio. Me
preguntás con quién haría una colaboración internacional…
y, si vamos a volar… Jack White.
Y de acá… no sé si haría un featuring así porque
sí, se tendría que dar orgánicamente pero lo que
hacen los pibes de Usted Señalemelo me encanta,
la están matando. A la gente le gusta venir a Buenos
Aires porque hay fervor. Courtney Barnett y
Kurt Vile son los Lou Reed modernos.
30 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019
FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX

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Anuel AA y Karol G
El amor en tiempos
de Instagram
En los últimos meses de su condena de dos años y medio por posesión de armas, el artista de trap
latino Anuel AA comenzó a seguir a la artista de reggaetón Karol G en Instagram, dejando comentarios
como “Bebecita”. A un mes de su liberación, ambos estaban hablando por teléfono.
POR LEILA COBO · FOTOGRAFIADOS POR MARY BETH KOETH
D
después de entablar relación,
colaboraron a distancia en “Culpables”,
que cuenta la historia de
dos enamorados que se ven con
otras personas (Anuel AA y Karol
G estaban en relaciones cuando
empezaron a hablar). Y fue durante
el rodaje del video musical cuando
finalmente se conocieron.
“Le dije a mi mánager (Frabian
Eli): ‘Ella va a ser mi novia,
lo juro’”, dice Anuel AA durante
un almuerzo en la churrasquería
Novecento, en Miami. Karol G está
sentada a su lado. “Eso es lo que
pasó”, dice ella, recostando la cabeza
en su hombro. Al principio, admiten
ambos, ella se hizo la difícil,
ignorando los múltiples mensajes
diarios de WhatsApp. “Me escribía:
‘¿Cómo estás’, a las seis de la mañana.
Después, ‘Espero que estés bien’,
a las diez. ‘Te vi en Instagram’, a las
cuatro de la tarde. Al final terminaba
respondiéndole de noche”.
Están terriblemente enamorados.
“Déjate llevar”, le dice ella a él,
animándolo a probar la provoleta
que llega a la mesa. Cuando hablan
de moda, ella le dice lo mismo. A
menudo cada uno termina las frases
del otro, Karol G hablando en su
dialecto de Medellín y él en su slang
portorriqueño. Sus nombres reales
–Carolina y Emmanuel- están tatuados
en sus manos, y una foto de
ambos besándose con la boca está
pintada en toda la espalda de Anuel
AA. La pintura, de todos modos,
palidece en comparación con la
masiva esmeralda rodeada de diamantes
en el dedo índice de Karol
G. (Anuel lleva una cadena de rubíes
y diamantes). El anillo deparó
especulaciones sobre su compromiso,
pero Anuel AA insiste en que es
algo simbólico.
Cuando estaba en prisión en
Puerto Rico, Anuel AA vio su fama
crecer, y consiguió titulares internacionales
cuando lanzó su disco
debut en su propio sello, Real hasta
la muerte, el día de su liberación
(GLAD Empire distribuyó el álbum,
pero luego Anuel AA firmó
un contrato de distribución con The
Orchard). Como solista, tiene cuatro
hits en el Hot 100, incluyendo
colaboraciones con 6ix9ine y Meek
Mill, y recaudó 5,2 millones de sus
13 shows en su primer tour norteamericano
el otoño boreal pasado,
según Billboard Boxscore.
Karol G firmó con Universal
Music Latin Entertainment y tiene
tres top 10 hits en Hot Latin
Songs. Ganó el Grammy Latino a
mejor nuevo artista en 2018 y ha
conseguido contratos con Nissan y
CÎROC. Ha construido cuidadosamente
una imagen elegante, incluso
rechazando canciones que consideró
demasiado sexuales y objetables
por sus letras. Todo eso hizo de su
relación con Anuel AA, cuyas letras
son a menudo explícitas y machistas,
algo sorprendente para muchos.
“Al principio, un periodista me
preguntó cómo podía salir con alguien
que había estado en prisión
y tenía todos esos problemas”, dice.
“Eso es posiblemente lo que me
enamora. Siempre fue muy discreta,
y de pronto aparece el macho alfa
y… es tan sexy. Te hace sentir como
que tenés a Superman a tu lado”.
Y Anuel AA parece estar siempre
a su lado. La pareja desarrolló una
estrategia de posteos en Instagram
que obtiene la máxima atención de
sus casi 27 millones de seguidores.
La foto más “laikeada”, de la pareja
casi desnuda en cama, fechada el
30 de diciembre de 2018, tiene más
de 3,5 millones de “likes”. “Somos
la pareja poderosa”, dice Karol G
sin ironía. “Hacemos todo juntos y
nunca nos cansamos del otro, somos
súper productivos. Hablamos
sobre lo que hacemos, su álbum,
mi álbum, la gira”.
La clave para mantener activos
el romance y el negocio, dicen, es
saber cuándo separarlos. Toman
juntos las decisiones creativas, pero,
dice Anuel AA, “cuando se trata de
negocios lo hablamos con nuestros
mánagers. ‘Negocien entre ustedes
dos, no nos llamen’”. Aun así, ambos
artistas no pueden evitar hacer
contribuciones mutuas sobre sus
carreras. Karol G alecciona a Anuel
AA para ser puntual, para no mover
las fechas de lanzamientos de sus
singles y para moderar sus disputas
en las redes sociales.
“Los últimos cuatro meses no
posteé nada en Instagram sin antes
mostrárselo a ella”, dice Anuel AA.
“Hace siete meses que conozco a
Karol y ha hecho por mí más que
nadie en mi vida. Aprendió cosas de
mí, pero yo aprendí mucho de ella.
Siempre dice que yo soy grande,
32 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

pero para mí ella es más”.
Dejando a un lado sus carreras,
es en la relación mutua en donde
están más focalizados. Anuel AA
pasa las fiestas con la familia de
Karol G en Colombia –“Él los llama
ma y pa”, dice Karol G, quien a
su vez habla con el padre de Anuel
AA “casi todos los días”. Y mientras
reconoce que la relación es reciente,
ambos afirman que es real y permanente.
“Yo la cuido”, dice Anuel AA.
Karol G agrega: “Nos encontramos
justo en el momento en que nos estábamos
necesitando”.
En noviembre último, Anuel AA
y su mánager Frabian Eli contactaron
a Artie Pabon, quien trabajó
con Anuel AA desde 2018, con una
idea: Karol G se sumaría a la próxima
gira latinoamericana. En dos
meses sortearon todos los detalles, y
en enero anunciaron el tour. Pabon,
de 46 años, tuvo varias reuniones
con los mánagers de ambos para
determinar qué miembros del staff
compartirían los shows. “Dado que
Anuel y Karol cuentan con un largo
elenco”, dice, “nos llevó tiempo
decidir qué miembros quedarían
de lado y cuáles harán el trabajo sin
perjudicar sus shows”. El nativo del
Bronx cree que sumar a Karol G
–“una de las artistas femeninas más
calientes del circuito latino”- hará
de la gira un evento aún mayor.
Ella “tiene su propia audiencia, que
difiere de la de Anuel. Juntos hacen
un gran propuesta”.
Pabon, que trabajó con ambos
artistas mientras preparaban el tour,
dice que su dinámica arriba y abajo
del escenario está “llena de amor”.
Cuando están ensayando, son “dos
profesionales focalizados en la perfección”.
Como cualquier buen promotor,
Pabon promete que la gira
estará llena de sorpresas, pero una
cosa es segura: “Los fans verán a dos
superestrellas dando lo mejor”.
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DJ Alex
“ Hago
canciones
para que
la gente las
sienta”
A sus 19 años, con su hit “Leña
para el carbón” derribó
barreras geográficas,
culturales y generacionales,
llegando al top 5 del Billboard
Argentina Hot 100.
POR MARÍA VILLOLA Y
SANTIAGO TORRES
como buen hijo de dj, alex se crió entre
compilados y remixes que lo llevaron a interesarse
en cómo enlazar ritmos diversos en una
sola canción y, por qué no, hacer de los temas
olvidados, una excusa de baile.
A los once años, comenzó incursionando en
la música gracias al trabajo de su papá. Y, ocho
años más tarde, produjo su primer remix en una
búsqueda personal de querer transmitirle a los
demás lo que a él le había despertado aquella
melodía. El tema “Leña para el carbón” ya lleva
11 semanas en el Billboard Argentina Hot 100 y
actualmente se ubica en el puesto N°8. Semanas
atrás, entró en el top 5 del chart, ubicándose en
cuarto lugar (su mejor posición alcanzada).
De Villa Luzuriaga, La Matanza, el joven artista
tiene una fórmula del éxito que transmite
a modo de consejo: “Tienen que hacer canciones
prolijas y buscarle la vuelta. Tienen que
hacerla movida para que a la gente le guste.
Los DJs quieren crecer pero no es fácil; tenés
que buscar algo que le guste a la gente. Si no
les gusta, no es fácil”.
Respecto a su presente, jamás imaginó la repercusión
que tendría su remix. “No lo podía
creer. Fue de la nada. Yo estaba tomando mate”.
A pesar de su corta trayectoria, ya tiene muy en
claro que es lo que busca transmitir a través de
la música: “Hay que tener humildad, de esa forma
las canciones y sus letras van a ser sinceras.
Y ahí es cuando logras conectar con la gente.
Tenés que hacer una canción y sentirla”.
¿Cómo sucedió todo esto que estás
viviendo?
− Todo empezó porque no tenía temas para
hacer una canción y empecé a buscar y ví que
otro Dj también había hecho un remix, entonces,
yo también quise hacer mi versión. Me descargué
el acapella que estaba en la descripción de la canción.
Empecé a trabajar y ahí salió ese tema.
¿Por qué creés que una canción reversionada
tuvo tanto impacto?
− Cuando escuchás el tema original, no tiene
ese ritmo que a la gente le gusta. Escuchás mi
canción y te dan ganas de bailar, de escucharlo,
te motiva. Yo me imagino cuando estoy en
el baile y quiero hacer eso. Quiero hacer que la
gente lo sienta.
¿Con qué artistas te gustaría colaborar en
el futuro?
− Bad Bunny me gusta. Tiene letras muy
emotivas, realmente sinceras. Lo sentís cuando
lo escuchás y eso pega. De la Argentina, me
gusta mucho Ecko. Se motiva cuando escribe, se
nota que es verdadero. Después está Papichamp
que es más cumbia, más reggaetón. Y Paulo
Londra, obvio.
¿Qué es lo que se viene ahora después de
ese hit?
− Ahora estoy un poco frenado porque no
estoy teniendo tiempo para buscar temas. Estoy
tratando de encontrar alguna canción con la
que sienta lo mismo que sentí con “Leña para el
carbón”. Lo que me pasó con esa no la sentí con
ninguna otra, por ahora.
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BILLBOARD AR | ABRIL, 2019
FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX

Un premio
Pulitzer suelto en
Buenos Aires
Kendrick Lamar llegó a la Argentina para presentarse
en el Lollapalooza y, acompañado por Nike
Sportswear, recorrió diferentes lugares icónicos de
la Ciudad de Buenos Aires.
el lollapalooza argentina 2019 fue el
marco elegido por Kendrick Lamar para visitar
por primera vez al país más austral de América.
El rapero nacido en Compton, Estados Unidos,
y ganador de un premio Pulitzer fue uno de los
platos fuerte del festival.
Durante su show, Lamar eligió desplegar toda
su artillería para su debut en Argentina. Comenzó
con “DNA” y centró la mayoría de su repertorio
en DAMN. aunque también hubo lugar
para canciones de sus otros álbumes. “Quiero ver
cuantos verdaderos fanáticos de Kendrick Lamar
hay hoy”, dijo antes de dos canciones de Good
Kid, M.A.A.D City como “Swimming Pools
(Drank)” y “Backseat freestyle”. También aprovechó
para hacer un minuto de silencio en honor
al recientemente asesinado rapero Nipsey Hussle.
Pero no fue lo único que hizo durante su visita
a la Argentina. El rapero de 31 años llevó al
Lollapalooza y Buenos Aires a otro nivel. Lució
un total look de Nike Sportswear: piezas únicas
y customizadas junto con el último lanzamiento
de la marca, las Air Max 720, la zapatilla con la
cápsula de aire más alta de la marca.
Así, Lamar recorrió lugares culturales e históricos
de Buenos Aires como el Teatro Colón, uno
de los teatros líricos más importantes del mundo;
el mítico barrio porteño de La Boca; el estadio La
Bombonera y el centro de arte contemporáneo,
Fundación Proa.
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“Consumimos
la música que
criticamos”
El artista español se presentará sold out el 13 de abril el Hipódromo de Palermo en el marco
de su “Tour Prometo”. En su regreso a la Argentina cuenta cómo lidia con sus obsesiones, qué
opina del reggaetón y cómo es ser un cantautor romántico del siglo XXI.
POR PATRICIO FÉMINIS
Pablo Alborán
36 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

E
“es inevitable que la gente te
encasille, y más a mí, que he hecho
mucha balada. Cuando tú escuchas
algo, es inevitable que lo metas en
algún lugar de tu cabeza”, razona
Pablo Alborán palpitando su regreso
a Argentina. A los 29 años, el
malagueño goza con los rótulos que
lo transformaron en un cantautor
romántico de expansión global, que
revitalizó el pop español y latino, y
lo reafirmó con su cuarto disco Prometo
(2017).
Así las cosas, su concierto en el
Hipódromo de Palermo en el marco
del “Tour Prometo” reunió los hits
más nuevos con las canciones que
hacen gritar a sus fans de varias generaciones.
A un año de haber agotado
dos fechas en el Estadio Luna
Park, ¿qué avizora Alborán? “Cada
vez que venimos a Argentina es una
locura. Es una ilusión enorme regresar
a vuestro país”.
También promete que los rótulos
y definiciones sobre él no mienten.
Es el baladista que vendió más discos
en España en la última década,
y el que más tickets cortó en 2018.
A su vez, Prometo -había sido el
disco más vendido en España en
2017 y 2018- se colocó primero
durante ocho semanas (es sexto
disco de platino) y fue nominado al
Grammy norteamericano 2019 en
el rubro “Mejor álbum de pop latino”,
que ganó la argentina Claudia
Brant con Sincera.
En total, Alborán lleva 17 nominaciones
en los Latin Grammy.
¿Cuál es el secreto de este cantor
con ecos flamencos en su voz sin
fronteras? Supo reinventarse reeditando
Prometo con grabaciones
acústicas y la de un concierto en Sevilla
(más un documental de la gira
y videoclips). Y refrendó sus números
imbatibles en Buenos Aires. “Ya
llevamos dos años con la gira. Me
apetece romper el esquema de lo
que la gente prevé: puedo anotarme
un a capella, hacer una versión
flamenca de un hit o lo que sea. Me
encanta improvisar. Transmitir esa
diversión es clave para que la gente
se sienta libre conmigo”, confía.
Otros placeres cercanos lo motivan.
El 3 de marzo debutó en el mítico
Royal Albert Hall de Londres y,
el 16, en el Bayfront Park Amphitheater
de Miami, donde grabó una
versión -a piano y voz- de “Rayando
el sol”, de Maná, a dúo con Fher. “Se
me erizó la piel cuando escuché a
Pablo”, confesó la voz de Maná.
Alborán no teme salirse de sus
rótulos con sus hits envueltos en
distintas facetas del amor, la pasión
y la introspección. “Muchos dirán
que soy un cantante romántico, y a
otros les gustaré sin que piensen si
elijo música romántica, pop, rápida
o lenta. Pero hago lo que me nace,
y siempre tendré la intención de
emocionar. Ojalá que ése sea el encasillamiento:
la emoción. El resto
me da igual”, proyecta.
¿Cómo marcás la diferencia,
cuando hay una tendencia
sonora en la industria?
-Cada vez que hablo de ese tema
con gente que lleva más años que
yo me dice que eso siempre existió.
Ahora es con el reggaetón o
con el trap, pero en otros años era
con el pop, el funk o lo que fuera.
Siempre hubo un fenómeno, y no
se puede luchar contra los fenómenos.
Todo depende de lo que
te apetezca. La música debe ser
libre desde la raíz. Y si te apetece
hacer reggaetón, ¿por qué no vas a
hacerlo? O hacer una balada, ¿por
qué no? Tienes que partir de esa
base: que lo hagas porque quieres,
no porque te lo imponen. Y que la
gente diga lo que le dé la gana. No
debes hacer trampas con el público
que te sigue desde siempre.
Un ejemplo cercano lo justifica.
“Mira a Rosalía. Ella tiene canciones
que no podrías catalogar. Tienen
trap, reggaetón, flamenco, de todo.
Digo Rosalía porque hasta ahora es
“Muchos dirán que soy un cantante
romántico, y a otros les gustaré sin que
piensen si elijo música romántica, pop,
rápida o lenta. Pero hago lo que me nace, y
siempre tendré la intención de emocionar.
Ojalá que ése sea el encasillamiento:
la emoción. El resto me da igual”
APERTURA Y ESTA PÁGINA: PRENSA ALBORÁN.
38 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Alborán, en el
mítico Royal
Albert Hall de
Londres.
MONTSERRAT CASTRO
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39

la más incatalogable, es amiga mía y
la quiero muchísimo. Ella no pierde
la emoción. Rosalía te lleva. Algo te
inquieta de ella, y es porque ha hecho
lo que le dio la gana”.
Eso mismo busca Alborán al
componer. “Intento no perder la
necesidad de desahogarme. Componer
es una terapia. Busco desconectarme
del mundo pero, a la
vez, conectarme conmigo mismo.
Escribir es descifrar lo que siento, y
el nerviosismo de subirme a un escenario
para cantar algo tan íntimo
hace que conecte con la gente”.
¿En qué momento te aparece el
nerviosismo?
-Más que nerviosismo es un cosquilleo,
ya sea en un gran estadio
o en un teatro emblemático como
el Royal Albert Hall. Yo siempre
percibo esas ganas de salir, y hasta
intento mirar a los ojos a todos. El
nerviosismo me lo genera el respeto
a quienes vienen a verme. A lo mejor
no me escucharon nunca. A lo
mejor vienen obligados u obligadas,
y tienes que convencerlos. O a
lo mejor te están esperando desde
hace meses o años y tampoco les
tienes que defraudar. El escenario
es sagrado.
El 22 de marzo, el Twitter de
Alborán pareció temblar. De gira
por México, escribió: “Familia, esta
noche no puedo estar con vosotr@s
en Toluca. Lamentablemente tengo
una faringitis que me impide realizar
el concierto. Voy a recuperarme
estos días y nos vemos el 27 de marzo
en León. Un abrazo muy fuerte.
Lo siento de corazón”. ¿Qué sintió?
“Nunca en diez años había tenido
que cancelar. Es más, alguna vez
salí a cantar enfermísimo y nadie
se dio cuenta. Para mí, cancelar es
fatídico. Por eso tardamos tanto en
decidirnos, porque hasta el último
momento quería salir. Pero ni las
cuerdas vocales ni la garganta me
respondían. Es mejor que no me
vean mal, porque la gente ha pagado
una entrada para verme bien”.
Haber dado ese concierto pudo
haber sido fatal. Se cuida mucho:
hace deporte, se alimenta sanamente,
no fuma ni bebe. “Tampoco es
que sea un monje. Pero con la faringitis
pensé: ‘¡Dios mío! Me muero si
no vuelvo a poder cantar’. De repente
lo ves todo negro y no quieres ni
tomarte un vaso de agua fría”.
¿Cómo manejás tus niveles de
obsesión?
-Yo fui muy obsesivo al inicio de
mi carrera. Con 16 ó 17 años, me
ponía una bufanda aun en verano.
No tomaba nada frío, ni una copa.
Recuerdo un viaje en familia, con
todos en el coche y con un calor impresionante.
¡Y les obligué a quitar
el aire acondicionado! Recién cuando
me acostumbré a trabajar el instrumento
todos los días me di cuenta
de que la obsesión no es buena:
tienes que acostumbrar a tu cuerpo
a vivir la vida normal. Me enfrento
día a día a los aires acondicionados
en los hoteles y no puedo estar en
una jaula de cristal.
CONCIERTO EN EL
HIPÓDROMO DE PALERMO
Una bomba atómica: así se puede definir la puesta
actual del show de Pablo Alborán para su “Tour
Prometo”. “La idea es que sea una conjunción, de
engranaje y de viaje entre lo que se ve y se escucha.
Quiero que la gente pueda meterse aún más en
mi mundo”. Siete músicos en escena junto a él,
120 móviles (con motor de velocidad variable),
200 metros de pantallas LED y tarimas diseñadas
especialmente. Sus conciertos y desarrollo en
Argentina son obra de Federico Lauría.
¿Cómo se logra ser un artista
romántico del siglo XXI, cuando
muchas letras románticas
son consideradas machistas?
-Es curioso. Es una reflexión que
debemos hacer, porque muchas de
las letras que se critican y que se catalogan
como machistas, como las
del reggaetón, son al final las más
solicitadas. Es la paradoja del mundo
en el que vivimos: consumimos
la música que criticamos.
¿Por qué sucede esto?
-Ojalá lo supiera. Cuidado, no
pienso que el reggaetón sea sinónimo
de machismo. A eso lo quiero
recalcar. Obvio que hay letras de reggaetón
machistas y ofensivas. Pero
si te pones a ver las listas de las canciones
más vendidas, a lo mejor son
letras del reggaetón que son denunciadas
por machistas. Ahí es cuando
digo: “Qué extraño que lo que consumimos
sea lo que criticamos”. No
es que todo el mundo lo piense. Pero
yo hablo de las listas de ventas.
En tanto, Alborán prepara su
quinto disco con más desafíos.
¿Llegará este año? “No lo sé. Habrá
canciones diferentes y otras que
evocarán lo que la gente conoce de
mí, pero es un disco que estoy haciendo
desde la raíz. Escribo poco
a poco, de gira y a la vez en calma,
en mi casa. Lo estoy trabajando con
varios productores y músicos, algo
inédito para mí. Si uno se acostumbra
a lo que ya conoce se puede
perder de arriesgar. ¡Y yo no me
quiero perder nada! Con este quinto
disco quiero hacer cosas que me
sorprendan. Pero falta mucho. Me
gustaría sacar algún anticipo en los
próximos meses.”
L A L Í N E A D E T I E M P O
Mayo 1989
Nace Pablo Moreno de
Alborán Ferrándiz en
Málaga, España.
Febrero 2011
Sale a la venta su
primer disco, Pablo
Alborán. Se vuelve
un éxito inmediato
y lidera las listas de
ventas durante varias
semanas.
Noviembre 2011
Presenta su famosa
balada “Solamente tú”
en los Grammy Latino
junto a la cantante
norteamericana Demi
Lovato. Fue calificada
como la mejor de toda
la ceremonia: Alborán
y Lovato atraparon
por la conjunción de
sus voces, ambas en
español.
Diciembre 2011
Gana su primer premio,
el 40 Principales, como
“Artista Revelación”. Su
álbum Pablo Alborán
llega al tercer puesto
de los más comprados
por iTunes Store y,
“Solamente tú”, al
séptimo lugar de ventas
en España. También
gana el premio “Disco
del año” de TVE.
Noviembre 2012
Publica su nuevo disco
Tanto, que ingresa al
número 1 de los más
vendidos de España:
logró tres Discos de
Platino la primera
semana. En simultáneo,
y por primera vez en
la música su país, sus
otros dos álbumes le
siguen en el podio: En
Acústico en el número
2 y Pablo Alborán en el
número 3.
Abril 2013
El álbum Tanto
consigue siete Discos
de Platino en España
y uno en Portugal,
y siguió durante 15
semanas como número
uno en ventas.
40 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Pablo Alborán
presentándose
en el estadio
Luna Park.
MONO GÓMEZ
D E P A B L O A L B O R Á N
Diciembre 2013
Protagoniza el primer
programa musical
de Nochebuena
de TVE: “Especial
Pablo Alborán”. Allí
canta sus hits “Te he
echado de menos”,
“Dónde está el amor”,
“Éxtasis” y “Solamente
tú”, y comparte la
transmisión con Sergio
Dalma, Malú, Raphael,
Laura Pausini y James
Blunt.
Febrero 2015
Arranca el “Tour Terral”
para presentar su
tercer disco de estudio.
En nueve meses dará
más de 80 conciertos
en veinte países, la
mayoría con entradas
agotadas.
Febrero 2016
Su canción “Palmeras
en la nieve”, compuesta
junto a Lucas Vidal
para la banda sonora
de la película del
mismo nombre, gana
el Premio Goya, de
la Academia de las
Artes y las Ciencias
Cinematográficas de
España.
Noviembre 2017
Se pone a la venta su
cuarto disco Prometo.
En la primera semana
vende 40 mil copias y
es el más vendido en las
listas de iTunes España
y de Spotify España.
Abril 2018
En el marco de su “Tour
Prometo 2018”, llena
dos Estadio Luna Park,
el Quality de Córdoba
y el Metropolitano de
Rosario.
Agosto 2018
Regresa al número 1 en
ventas de álbumes en
España con Prometo,
que lleva 38 semanas
al tope de las listas y
es quíntuple disco de
platino. Tres meses
después lo relanza
en una Edición
Deluxe, que incluye
grabaciones acústicas,
un documental de la
gira, videoclips y su
concierto en el Estadio
de La Cartuja de Sevilla.
BILLBOARD.COM.AR
41

En sentido horario desde
la izquierda: Rosé, Jennie,
Lisa y Jisoo de Blackpink
fotografiadas el 8 de
febrero en Smashbox
Studios, en Los Angeles.

Cómo las reinas del K-Pop cambiaron
las reglas de juego. Al igual que BTS en
2018, el cuarteto femenino se prepara
para tomar por asalto el mercado de los
Estados Unidos.
POR NOLAN FEENEY
FOTOGRAFIADAS POR ALEXANDRA GAVILLET

en un modesto escenario en el
centro de Los Ángeles, las cuatro
integrantes del grupo surcoreano
Blackpink hacen una formación
de diamante y apuntan los dedos
como armas contra la audiencia,
mientras lanzan a coro el estribillo
de su hit single, “Ddu-du Ddu-du”:
“¡Espera que te… golpee con el
ddu-du ddu-du du!”
Es la tarde previa a los Grammys
en el evento anual que Lucian
Grainge, CEO de Universal
Music Group, utiliza para presentar
a los superestrellas de su compañía
frente a un grupo de ejecutivos
de la industria (en el pasado, el
evento incluyó a intérpretes como
Ariana Grande, Halsey y Shawn
Mendes). Con su intensa coreografía,
duros beat bailables y vestuario
digno de Clueless, las cuatro
mujeres ofrecen una producción
pop vistosa que las hace una anomalía
entre las formaciones actuales,
donde abundan raperos como
2 Chainz y Lil Baby, pero también
en los charts, donde mujeres como
Grande sirven su rol de divas con
una dosis extra de realidad.
El evento marca la primera actuación
de Blackpink en los Estados
Unidos, aunque la banda viene haciendo
historia hace rato: “Ddu-du
Ddu-du” es el single de un grupo
femenino coreano que trepó más
alto en el Hot 100 (puesto número
55 en junio último) y este abril
será el primer grupo femenino
coreano que tocará en Coachella,
antes de embarcarse en un tour por
Norteamérica. “Ddu-du Ddu-du”,
cantada mayormente en coreano,
es una jactanciosa advertencia para
quienes subestiman a Blackpink,
con un gancho (imitación del sonido
de las balas) que es también una
invitación a los oyentes no coreanos
–cualquiera puede cantar las
palabras–, la reservada congregación
de Universal parece un poco
insegura, pero también intrigada:
a medida que la cantante Jennie –
dulce en persona, pero una fiera
arriba del escenario– ataca con
su flow en el segundo verso, los
miembros de la audiencia sacan
sus celulares para registrarlo.
Ya no quedan dudas de que el
K-pop es un fenómeno en los Estados
Unidos. BTS, la banda de siete
jóvenes surcoreanos, ubicó dos
álbumes en el número uno del Billboard
200 en 2018, y se convirtió
en el primer grupo de K-pop que
agotó entradas en un estadio norteamericano,
cuando tocó en el Citi
Field de Nueva York en octubre.
Pero pese a su visibilidad, el K-pop
sigue siendo un fenómeno alejado
del mainstream: pese a la presión
de los fans en las radios hay pocas
canciones en el top 40, los artistas
rara vez giran con músicos ajenos
al K-pop, y a pesar de la pasión que
generan las estrellas del género no
atraen la misma atención que un
tweet de Ariana Grande.
Blackpink representa la última
apuesta coreana para hacer explotar
la caja norteamericana del K-pop.
El grupo cree que su personalidad
multinacional le da un atractivo
global: Jisso, de voz dulce y 24 años,
es natica de Corea del Sur; la alegre
rapera Lisa, de 21, es de Tailandia;
la guitarrista Rosé, de 22, creció en
Australia; y Jennie, de 23, nació en
44 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Corea del Sur pero pasó sus años
de formación en Nueva Zelanda.
“No necesitás saber coreano para
entender la música”, dice Jisoo, mediante
un traductor (Rosé y Jennie
hablan fluido inglés, Lisa alterna
entre inglés y coreano durante la
entrevista). “Tenemos mucha cultura
coreana pero también mucha
cultura occidental”, añade Rosé, con
pronunciado acento australiano.
Aunque sus canciones están matizadas
con ocasionales palabras en
inglés, Jennie afirma que “definitivamente
quieren” hacer canciones
completas en inglés en el futuro
(primero se concentrarán en completar
su álbum debut). Su sonido
–una omnívora fusión de dance
electrónico con beats de hip hop y
flashes de house, pop de los ochenta
y hasta una armónica folk– parece
concebido para llegar a las audiencias
más amplias. “Fui inmediatamente
arrastrado a su energía poderosa
y envolvente”, dice Dua Lipa,
que invitó al grupo a grabar en su
hit “Kiss and Make Up”, del año pasado.
“Ellas no sólo sacan canciones
exitosas, están enviando un mensaje
que resuena más allá de sus letras”.
En el otoño boreal, Blackpink firmó
con el sello Interscope Records,
que servirá como socio creativo y
comercial de YG Entertainment,
hogar del grupo coreano y uno de
los tres sellos más importantes de
ese país, junto SM Entertainment y
JYP Entertainment. Esas compañías
funcionan como sello, firma de management
y estudio de producción,
controlando casi todos los aspectos
de las carreras de sus artistas. John
Janick, CEO de Interscope, dice que
YG –Hyunsuk “YG” Yang, es el fundador,
productor y director creativo
de Blackpink– “dirige el show”. Sam
Riback, director de Interscope, ha
hecho múltiples viajes a los cuarteles
en Seúl de YG y ha “enviado
montones de ideas”, según Janick.
“Nuestra finalidad”, dice, “es amplificar
lo que YG hizo a nivel global”.
Si Interscope puede ayudar a convertir
a Blackpink en estrellas globales,
la sociedad sería un modelo
para que otros sellos inviertan en el
K-pop e incluso preparen el terreno
para futuras sociedades. “Este arreglo
puede ser histórico”, dice Joojong
“JJ” Joe, de YG, que lidera las
operaciones de la compañía en los
Estados Unidos desde una pequeña
casa en Los Ángeles. Esto también
confirmaría la previsión de Interscope
sobre el K-pop. En 2011, el sello
fichó al grupo Girls’ Generation
durante una de las primeras olas
de importación de K-pop, cuando
artistas como BoA y Wonder Girls
trabajaban para compañías y productores
occidentales.
Por entonces, aquellos artistas
apenas tuvieron impacto en los
charts del mainstream: pese a una
gran campaña de promoción, el
LP The Boys, de Girls’ Generation,
sólo vendió mil copias en los Estados
Unidos en su primera semana
de lanzamiento, en 2012, según
Nielsen Music. Desde entonces, las
plataformas de streaming facilitaron
la difusión de música coreana,
mientras el crecimiento de las redes
sociales los animó a forjar alianzas
con otros artistas en todo el mundo.
“En esta era, la gente encuentra su
música y sus artistas favoritos en
internet”, dice Susan Rosenbluth,
vicepresidenta de AEG Presents/
Goldenvoice, que ayudó a cerrar
fechas del tour norteamericano de
Blackpink, y nota que la audiencia
estadounidense del K-pop “no sigue
un lineamiento étnico”.
Para Janick, el éxito de “Despacito”,
el hit latino de Luis Fonsi y Daddy
Yankee, ayudado por un remix
de Justin Bieber, abrió a las audiencias
anglosajonas a escuchar música
en otros lenguajes. “Vamos a tener
hits desde los más diversos territorios;
muchos más y más de los que
tuvimos en el pasado”, dice.
Pero la responsabilidad no sólo
recae en los oyentes del pop coreano;
está en los consejeros de la
industria, también. En el evento de
Universal, la reacción a Blackpink
es entusiasta, pero parece silenciosa
en comparación con la ovación
BILLBOARD.COM.AR
45

que reciben los retro rockeros de
Greta Van Fleet, cuyo álbum debut
de 2018 fue catalogado por algunos
críticos como “derivativo”. La respuesta
al contrato de Interscope con
Blackpink sugiere, por otra parte,
que esa actitud puede cambiar.
“Muchos artistas de nuestro catálogo
llamaron, diciendo, ‘Quiero
trabajar con esas chicas’. Las estaciones
radiales demandan nueva música”,
dice Jeremy Erlich, vicepresidente
de desarrollo comercial de Interscope,
quien facilitó las primeras
conversaciones entre el sello y YG
(él y Joe fueron juntos a la escuela
de negocios). “La industria está lista.
Cuando salga la música, no creo que
vaya a haber mucha gente diciendo,
‘Esto es sólo una moda’”.
l día anterior a la
función de Universal, las
chicas de Blackpink fueron
alojadas en la suite de un
hotel en el centro de Los Ángeles.
Lisa, vestida con un sweater gris y
un tapado en damero, espía el letrero
de Hollywood por el costado de una
ventana, y se acerca a un sillón para
tener mejor vista. Sus compañeras,
vestidas con cardigans y sweaters
coloridos, admiten que no esperaban
un febrero en Los Ángeles con
tanto frío. En sus momentos libres
salen de compras por Santa Mónica.
“Se suponía que íbamos a comprar
cosas de moda”, dice Jennie, “pero
terminamos agarrando cualquier
cosa que fuese abrigada”.
Este es el primer viaje de Blackpink
a Los Ángeles, pero su logística
demoró casi una década. Las
integrantes del grupo llegaron de
distintas partes del mundo a Seúl,
para empezar en 2010 un riguroso
proceso de entrenamiento. La compañía
YG y sus competidoras hicieron
pruebas dentro y fuera de Corea
(Rosé viajó a Sidney desde su hogar
en Melbourne) buscando personal
típicamente adolescente, étnicamente
coreano o fluido en el lenguaje,
aunque esas cualidades no eran exclusivas.
Lisa, que hizo su audición
en su nativa Tailandia, en 2010, no
hablaba coreano hasta que empezó a
entrenarse en Seúl, en 2011.
Para las cuatro mujeres, unirse a
YG significó enrolarse en una especie
de academia de estrella pop de
tiempo completo, que Jennie llama
“más estricta que la escuela” y que
Rosé compara a The X Factor pero
“con dormitorios”. Durante 12 horas
diarias, los siete días de la semana,
las futuras integrantes de Blackpink
–junto con, Jennie calcula,
otras 10 a 20 aspirantes a cantantes
que rondaron el proyecto– estudiaron
canto, bailaron y rapearon,
se involucraron en tests mensuales
designados para identificar sus
potencialidades. “Alguien llegaba
con un trozo de papel, lo pegaba
en la pared, y decía quién lo hizo
mejor, quién lo hizo peor, quiénes
se volvían casa”, recuerda Jennie,
quien inicialmente fue asignada
para rapear porque habla inglés
fluido. “Obtenías un puntaje, A, B,
C”, explica Lisa. “Lisa se sacaba A
en todo”, añade Jennie riendo.
El proceso fue lento. Antes de
que Blackpink debutara en 2016,
Jennie pasó seis años entrenándose,
Lisa y Jisoo cinco, y Rosé
cuatro. Para las integrantes que
habían dejado atrás una vida lejos
de Corea del Sur, el entrenamiento
sumado al choque cultural fue
a veces muy duro. “Llamaba a mis
padres llorando”, recuerda Rosé.
“Pero por más duro que era lidiar
con eso, me volvía al mismo tiempo
más ansiosa. Mi mamá me decía, ‘Si
es tan duro para vos, volvé a casa’.
Pero yo le respondía –poniendo
una cara arisca que divierte a las
demás–, ‘¡No estoy hablando de eso
mamá!’”. Lisa acredita a sus futuras
compañeras por facilitar la transición.
“Jennie me hablaba en inglés y
Jisoo me ayudaba con mi coreano”,
dice. Rosé fue la última que entró
al entrenamiento, pero recuerda
que las cuatro se unieron durante
una improvisación que duró toda
la noche cuando llegó. “Hubo onda
inmediata”, dice.
Todavía pasa eso: Rosé a veces
pone sus manos sobre las rodillas
de Lisa cuando le traduce, y en un
momento Jennie y Jisoo se acurrucaron
juntas, mientras una le arreglaba
el collar a la otra, mostrando
46 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

la proximidad de amigas íntimas.
“Nunca tenemos un día libre”, dice
Lisa (“Una vez cada dos semanas”,
aclara Rosé). Y como sus familias
viven muy lejos, a menudo pasan
su tiempo libre juntas. “Somos muy
pegadas”, dice Rosé riendo.
Mientras las compañías de K-pop
tienen la reputación de sacar grupos
como chorizos, las integrantes
de Blackpink afirman tener mucha
libertad creativa, pese a no tener los
créditos compositivos de sus canciones.
Park les toca lo que anduvo
ensayando y “realmente trata de
volcar nuestras impresiones en sus
canciones”, dice Jennie. “Obtiene su
inspiración de nosotras”.
“Es importante que como artistas
puedan ser dueñas de sus canciones”,
dice Park. Las chicas hacen
sugerencias sobre quién debería
cantar qué parte, y si una parte no
se ajusta a alguien él hace arreglos.
“No es que él nos da una canción y
nos dice, ‘Practiquen’”, cuenta Rosé.
Además, las integrantes de Blackpink
tienen otra salida creativa: en
el otoño boreal, YG anunció que
todas ellas lanzarían material solista,
empezando por Jennie, cuyo
single debut, “Solo”, encabezó el
chart World Digital Song Sales de
Billboard en diciembre. Aunque la
música es aún creada y distribuida
por YG, la idea de que la longevidad
del grupo y el éxito solista no son
mutuamente excluyentes es un salto
radical en la historia de los grupos
femeninos –uno que, dice Janick,
“reforzará a la marca” –.
Estrellas que vienen de compañías
como YG son llamados “ídolos”
en Corea, e históricamente se
espera que mantengan una imagen
intachable. Cuando debutó Blackpink,
Jennie dice que YG era muy
selectivo respecto a las apariencias
para las promociones: “Nos entrenaban
para que fuéramos un poco
más…” “¿Cercanas?”, sugiere Rosé.
“Cercanas” es exactamente lo
que las honestas mujeres que lideran
los charts, de Grande a Halsey,
no son –ellas hacen música cruda
y profundamente personal–. Pero
mientras Blackpink puede alcanzar
“NO NECESITÁS
SABER COREANO
PARA ENTENDER
LA MÚSICA”,
DICE JISOO
el éxito que otorga un espectáculo
pop como el programa Total
Request Live –Erlich, de Interscope,
llama al grupo “las Spice
Girls modernas”–, últimamente
la banda está menos preocupada
por aparecer perfecta, tanto arriba
como abajo del escenario. “Siempre
quisimos ser nosotras mismas
y un poco más libres”, dice Jennie.
“También hay cosas que pueden
salirnos mal. Queremos mostrar
nuestra realidad”.
Jennie y Lisa hacen justo eso
cuando les pregunto sobre sus
expectativas como raperas en los
Estados Unidos. Lisa hace un gruñido
avergonzado, ocultándose en
su suéter. Ella ama al hip hop desde
la infancia y está obsesionada
con Tyga (“Adoro su estilo”, dice,
poniéndose colorada). Pero ella y
Jennie parecen conscientes de que
un grupo de asiáticas adoptando
un estilo dominado por artistas
americanos es difícil de vender en
los Estados Unidos, con escuchas
en sintonía sobre debates de apropiación
cultural.
“Lisa y yo no lo hablamos mucho
en público, pero sé que tenemos
esta gran presión”, dice Jennie,
que admite haber estudiado a
artistas como Lauryn Hill y TLC
cuando empezó a rapear. Mira a
Lisa a través de la habitación. Lisa
arruga su cara.
Esta clase de vulnerabilidad quizás
es lo que vuelve a Blackpink
atractivo a las audiencias norteamericanas.
“Los artistas más exitosos,
en estas situaciones, son los que se
muestran auténticos con esta experiencia
de crecimiento” en su música,
dice Rosenbluth, del Goldenvoice.
“Hay un cierto grado de autenticidad
en Blackpink que realmente
me gusta. Se siente su dedicación”.
De regreso al show, la banda finaliza
el set con el casi reggaetón “Forever
Young”, con una coreografía
intrincada, y revoleo de pelos en los
cortes del baile. Mientras el beat llega
al clímax, las integrantes se reúnen
y adoptan una pose de estatua,
con las manos en las cinturas, al
tiempo que la música se detiene. Se
quedan detenidas por un momento
mientras las luces se atenúan; después
aflojan sus brazos y se miran,
reteniendo la respiración, sonriendo
como cuatro chicas jóvenes que
no pueden creer que estén aquí.
BILLBOARD.COM.AR
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48 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

P o r E m i l y J . L o r d i
F o t o g r a f i a d o s p o r
F l o r a H a n i t i j o
Leaving Neverland
Deconstruyendo a
Michael Jackson
Wade Robson y James Safechuck hablan sobre su experiencia junto al rey del pop
y la filmación del documental de Dan Reed.
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49

Robson conoció a Jackson
a los cinco años, cuando el
cantante visitó Brisbane,
Australia, su ciudad natal.
las cuatro horas del documental
de Reed, Leaving Neverland, que se
centran en los testimonios de abuso
de Robson y Safechuck perpetrados
por Jackson en su niñez, se
estrenaron en dos entregas a inicios
de marzo por HBO, y consiguieron
ocho millones y medio de espectadores
en las plataformas de la cadena,
al tiempo que fueron vendidas a
130 países. Para algunos espectadores
–incluyendo a los herederos de
Jackson, que demandaron a HBO
por ruptura contractual (en referencia
a un acuerdo de no agresión
entre Jackson y la cadena de 1992)-
el foco casi exclusivo en Robson y
Safechuck lo convierte en un desbalanceado
esfuerzo por maldecir
al difunto. Pero para otros, es una
dolorosa y convincente exposición
sobre el daño emocional perpetrado
por el Rey del Pop.
Oprah Winfrey, por ejemplo, cree
a los acusadores de Jackson. En After
Neverland, un especial que HBO
emitió inmediatamente después
del documental, ella entrevistó a
Robson, de 36, y Safechuck, de 41,
ante una larga audiencia compuesta
mayormente por sobrevivientes de
abuso sexual. Winfrey les preguntó
a ambos cómo Jackson convenció
a ellos (y a sus familias) para
invitarlos a dormir en el Neverland
Ranch. Robson y Safechuck también
describieron la mezcla de vergüenza,
culpa, miedo y amor que los
llevó a negar el abuso durante años
–Robson incluso testificó a favor de
Jackson en un juicio por abuso en
2015. Y ellos insistieron en que su
objetivo respecto al film fue menos
la incriminación de Jackson que la
necesidad de contactarse con otros
sobrevivientes tras contar su verdad.
Entrevistados unos días antes de
la premiere de HBO, Robson, Safechuck
y Reed explican que Reed los
contactó individualmente –sus acciones
legales contra Jackson no estaban
conectadas- para un modesto
e íntimo proyecto: un documental
de 48 minutos esponsoreado por
el Canal 4 del Reino Unido. Esto
ocurrió antes de que el movimiento
#MeToo volviera a las acusaciones
por abuso sexual un escándalo internacional,
por lo que no sabían si
alguien vería o se interesaría por la
película. Pero después de filmar la
primera ronda de entrevistas, Reed
sintió que la historia merecía una
plataforma más amplia y llevó una
gran cantidad de material a HBO.
Desde entonces, el asunto se volvió
más grande.
En persona, Robson, un talentoso
bailarín y coreógrafo que trabajó
con Britney Spears y NSYNC, es
una refinada figura pública. Pero
Safechuk, un artista devenido en
nerd de informática, es exitoso en
su propia área como director de tecnología
en una agencia de publicidad
interactiva. Ambos son serios y
graciosos. Reed, de 54, es seco pero
carismático –parece algo protector
de los dos muchachos.
Los tres hablan menos de abuso
que de su creación: el agotador proceso
de la filmación y las decisiones
sobre estructura y tono. Ellos también
exploran en profundidad uno
de los principales aspectos del documental
–el rol que jugó Jackson
en las vidas de Robson y Safechucky
discuten un tema que va más
allá de su ámbito: los esfuerzos de
ambos por deshacerse del influjo de
Jackson. El proceso puede reflejar
vivencias de la propia audiencia.
LOS TESTIMONIOS
Una vez que Robson, Safechuck y
sus abogados accedieron a hacer el
film, Reed condujo días de entrevistas
donde urgía a sus entrevistados a
revivir el momento.
Reed En un momento, conversamos
sobre no tratar de “aderezar” la experiencia,
sino sólo decirla. No preocuparnos
por presentarla en cierto contexto
o interpretación. No importaba
si pensábamos que sería algo determinado
o un trabajo en desarrollo.
Robson Para entonces ya había pasado
un montón de tiempo en terapia.
En cierto sentido, en terapia hacés
lo opuesto: contextualizás todo.
Tratás de entender el contexto. En-
50 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

tonces, adentrándonos en la idea,
Dan dice, “Todo eso es increíble,
pero dejémoslo a un lado. Quiero
que me cuenten la historia momento
a momento, como pasó cuando
tenían 7, 8, 9, 10, 11”. Me llevó un
momento entregarme a eso. Te hace
sentir mucho más vulnerable.
Reed Y pienso que una vez que
llegás ahí, una vez que empezás a
decir tu historia sin el contexto,
entonces te volvés más presente. Y
a medida que vas por tu experiencia
de manera cronológica, tenés
este sentido increíble de casi poder
revivir todo lo que te pasó. Eso se
muestra en cámara de un modo
único. Eso es precioso, decir la historia
con una voz íntima.
Robson Y eso sucedió. La primera
entrevista con Dan duró tres días,
ocho horas al día de conversaciones,
con la premisa de Dan de quitar
todo el comentario, de quedar
presente en la historia. Yo quedaba
extenuado al final de cada día, porque
realmente sentí que estaba reviviendo
30 años de mi vida en esos
tres días. Fue increíble.
Safechuck Vos (a Robson) habías
dicho que tuviste una especie de experiencia
catártica. Para mí fueron
más bien… nervios. Como, creo
que esos temblores volvían a mí.
Pero incluso así, tenés que dejar que
ocurra. No hay que ocultarlo. Pero
esos temblores no se sienten buenos.
Fue muy doloroso.
árboles, los aviones y un vecino. Lo
filmamos en un AirBnB, que elegí
porque me gustaba la decoración y
porque ellos no estaban cómodos
filmando en sus hogares.
Safechuck En ese punto, todavía
éramos como, “¡Vayan afuera!”
(Risas).
Reed Es una casa de mediados de
siglo en el Valle, y lo que no había
advertido era que los dueños estaban
viviendo en una casa con
piscina. En un momento, aparece
el padre y comienza a reparar
el cobertizo. Yo dije, “¿Sabe algo?
Estamos haciendo una entrevista”.
Y él responde, “No nos dijo nada”.
Así que tuve que arreglarlo, les di
dinero extra. Pero cosas absurdas
como esa siguieron ocurriendo. Y
después con Wade, mi cámara se
rompió, y tuvimos que hacerlo de
vuelta. Bueno, no todo. Le pedí en
el segundo día que describiera los
momentos de abuso sexual.
Robson Y tuve que volver a hacerlo.
Reed Y podés imaginarte cómo me
sentía al preguntarle, al decirle,
“Hum, hubo un pequeño problema
técnico, Wade…” Y él de buena manera
lo dijo de vuelta.
LAS MADRES
Después de filmar las entrevistas a
Robson y Safechuck, Reed advirtió
que sus familias eran cruciales y les
preguntó si podía entrevistar a las
madres. Ambos dudaron, en parte
porque anticipaban las críticas que
las mujeres recibirían.
Safechuck Tuve la intuición de que
la gente iba a tratar de culpar a
alguien. (Jackson) no estaba alrededor
para que le caiga encima. Así
que iba a caerle a ella. Y mi papá
había muerto poco antes de la entrevista,
por lo que mi mamá estaba
sola. No iba a entregarla. Traté
de ser lo más neutral. Tipo: “No
necesitás hacerlo. No sé qué vas a
obtener de esto. Realmente, nada.
Vas a conseguir un montón de odio.
Así que es tu decisión”. Pero tampoco
quise que lo hiciera y ponerle
un peso encima que en realidad no
había. Porque la cámara va a percibirlo.
Tenés que estar dispuesta
a no agradar ni ser comprendida.
No podés intentar convencerlos.
Entonces, te debés preguntar, ¿está
dispuesta a ser vulnerable?
Reed ¿Tiene la fuerza para ser vulnerable?
Safechuck Dan me dijo, “Dejame
hablar con ella”. Y hubo una conexión
entre ambos. Tipo, “Ok, lo entiendo,
me gusta”. Entonces ella se
abrió al proyecto.
Robson Me ponía nervioso tener
a mi madre involucrada. Por un
lado, también presentía que no iba
a ser bueno para ella. Y también me
PROBLEMAS DE PRODUCCIÓN
Los modestos inicios del film, que
Reed describe como “un par de personas
tropezando en la oscuridad”,
permitieron una gran intimidad –y
también causaron ansiedad.
Reed El film se siente íntimo porque
fue íntimo. No había la clase de parafernalia
que rodea a un montón
de films en esta escala. Éramos sólo
yo y mi productora asistente Marguerite
(Gaudin) cargando valijas…
Robson Trayendo su propio equipaje…
Reed … Y armándolo todo en un esfuerzo
de producción cotidiano. En
la entrevista con James, particularmente,
tuvimos terribles problemas
con el ruido: el movimiento de los
Safechuck era un niño
actor cuando conoció a
Jackson en 1986.
BILLBOARD.COM.AR
51

preocupaba no saber cómo ella lo
estaba procesando, entendiendo, sanando.
Pensé que iba a ser un poco
protectora. Era algo que no podía
controlar. Esa es parte de la historia.
Reed: Pasamos un tiempo largo
con Joy (la madre de Robson). Lo
más importante fue que no debía
presionar. Ella podía retraerse y no
quería eso. Y yo creo que fue el movimiento
#MeToo lo que la convenció
para apretar el botón verde.
IMAGEN Y SONIDO
Mientras los testimonios son el corazón
del film, estos están entrelazados
con bellas vistas aéreas de Neverland
y Los Ángeles, con una dramática
música orquestal.
Reed Las vistas aéreas son importantes
porque necesitás respirar. Está
este viaje incansable y agotador a las
experiencias de estos hombres y sus
familias, y tenés que darle a la gente
un pequeño recreo. También quise
darle la dimensión de un cuento
de hadas, el sentido de una historia
desplegándose a gran escala, con
esta música suntuosa que te lleva al
cuento de hadas y de pronto todo
se va al carajo. Así que decidimos
filmar muchas horas de drone sobre
Neverland, lo que fue gracioso porque
los herederos de Neverland no
lo querían y llamaron al sheriff para
bajar al drone.
Safechuck Es interesante porque
cuando estás en Neverland esa es
la música que se oye por los altoparlantes.
Robson Siempre hay música sonando
afuera de Neverland. Es el sonido
de la experiencia real.
Safechuck Hay parlantes en todas
partes, entre las flores…
Robson Rocas.
Safechuck Rocas que son parlantes.
Adonde vayas, hay música sonando
y es esa clase de música. Así que por
ahí vos (a Reed) no te diste cuenta,
pero así se veía en realidad.
CAMINOS PARALELOS
En el film, Robson y Safechuck
describen el dolor y los celos que
sentían cuando Jackson atendía a
Reed.
otros muchachos. Esos sentimientos
pudieron resurgir mientras miraban
el documental y vieron cuán similares
eras sus experiencias con Jackson,
pero sintieron en cambio otro rango
de emociones.
Robson No recuerdo haber sentido
celos por James y su experiencia.
Recuerdo un montón de momentos
de shock. O sea, tuve el instinto de
que iba a haber un montón de paralelos
en nuestras historias.
Safechuck Sí, yo no estaba celoso.
Cuando nos conocimos de chicos a
mí me reemplazaron por otro chico,
así que mis celos eran con otro. Y
para cuando ví la película ya había
hecho terapia, por lo que nunca
tuve sentimientos competitivos
con Wade. El sentimiento fue más
del tipo, “no estoy solo”. Creo que
no debería sorprenderme de que
el material sexual fuera el mismo,
pero fue sorprendente. No conocía
los detalles así que estaba ansioso
por conocer la historia de Wade. Y
no los conocí hasta ver la película.
Aun así, fue más como, “Dios, a alguien
le pasó lo mismo que a mí”.
Robson Una de las cosas increíbles
que descubrí el mes pasado es que
la primera vez que nos cruzamos
fue en el set de filmación de “Jam”
de Michael. Yo estaba bailando y
James estaba ahí con Michael, pero
terminamos teniendo una interacción,
una agradable y amistosa conexión.
Nos dábamos cuenta de que
estábamos en la misma situación
respecto a Michael: estábamos en el
margen de su atención y su amor.
Safechuck Sí, fue como, está ese otro
chico ahí. Y Wade fue instantáneamente
amoroso conmigo. Lo que
sentí fue, “Dios, alguien está siendo
amable conmigo”. Necesitaba eso.
Fue un fin de semana terrible. Así
que fue un momento de felicidad
cuando éramos recién unos niños.
SUEÑOS DE FILMACIÓN
Pese al talento que demostraron de
chicos en el baile y la actuación, respectivamente
(Robson conoció a Jackson
a los cinco años, bailando con
él en el escenario; Safechuk participó
con él en un comercial de Pepsi, a los
ocho), ambos dicen que Jackson quería
que la filmación fuera el foco de
sus sueños y su disciplina.
Safechuck Mientras crecíamos, él
nos inoculaba las mismas creencias.
“Preparate, porque en el futuro vos
y yo vamos a cambiar el mundo. Sé
el mejor, estudiá”. Cada tanto llamaba
y preguntaba, “¿Te estás preparando?
¡Tenés que estar listo!”
Robson (Risas) Era algo abstracto.
“Vamos a dominar el mundo, vamos
a cambiar la industria del cine”.
El discurso que me daba cuando
tenía siete era: “Vas a ser un realizador
igual o más grande que (Steven)
Spielberg, ese es tu destino”. Que
viniera de Michael era como que viniera
de los labios de Dios. Esa era
la profecía. Y nada importaba hasta
que eso pasara. Terminé siendo
muy exitoso como bailarín, después
coreógrafo y después director de escenario,
de muy joven. Pero lo más
importante era ser un director más
importante que Spielberg.
Safechuck Estaba en una banda
cuando tenía 20 años. Y entré ahí
porque mi actitud era, “¡Vamos a
ser exitosos!” Viste cómo pensás
cuando tenés 20 años. “Y después
voy a hacer videos musicales, y
después voy a ser un realizador”.
Así que no entré a la banda para ser
una estrella de rock. Fue más, “La
música será mi puente al cine”. Pero
después te preguntás: “¿Era este mi
sueño?” Porque realmente, yo no
creo que él estuviera inculcándole la
dirección a cualquiera. Pensaba que
era a mí. Después te das cuenta de
que no era algo específico para vos
y pensás: “Mi Dios, ¿era algo que yo
realmente deseaba?”
NUEVOS AMORES
Mucho después de sus interacciones
con Jackson, la estrella continuó dando
forma a las vidas profesionales de
Robson y Safechuck.
Robson Seis días después del nacimiento
de mi hijo, obtuve el trabajo
para dirigir este film. Y, Dios mío,
ahí está: ¿La profecía se estaba cumpliendo?
Pero la profecía empezó
al mismo tiempo que este ser, mi
hijo, había llegado a mi existencia,
diciendo: “No podés mantener más
esta fachada”. Habían pasado dos
meses de preproducción y yo me
había desmadrado, y tuve que apartarme
del film. Y ahí estaba, “Mi
vida está acabada”. No pude cumplir
la profecía.
Safechuck Sí, ¿y ese era el objetivo
de todo, no?
Robson Era todo. Por eso dejé Australia.
Por eso mi padre murió –se
suicidó. Eso era todo y había falla-
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do. ¿Cuál era el punto de seguir?
Todo se cayó. El baile, la música,
el cine, todo terminó para mí. “Oh
mi Dios, es Michael. Michael es la
razón por la que empecé a bailar.
No podré volver a bailar. Si se trata
de Michael, es todo abuso”. Nos
mudamos a Hawaii, para empezar
otra vida, sin saber qué iba a pasar
conmigo. El baile seguía golpeando
a mi puerta y yo seguía escapando.
Pero entonces, hace justo un año y
medio, me desperté una mañana y
el baile estaba de nuevo en mi corazón.
Y esa curiosidad infantil, antes
de que fuera mancillada por Michael
y el abuso, era de vuelta mía.
Realmente nunca fue suya, y ahí
es donde estaba confundido. Con
razón. Pero era mía antes de que él
la tomara. ¿Cómo podía recuperarla?
Y desde entonces estoy en ese
viaje. Viajé alrededor del mundo
dando clases. Y la paso mejor. Estoy
en medio de una aventura amorosa
con la danza que nunca antes tuve.
Y cada vez que bailo ahora expulso
una parte de Michael de mi cuerpo.
Safechuck Tuve la suerte de encontrar
algo que me apasiona. Soy
director de innovación y tecnología
en una compañía de publicidad
digital. Y estoy enamorado de
la programación, de la mezcla de
arte y tecnología. Pero lo extraño
es que uso la misma dedicación y
persistencia que Michael puso en
mí ¿Cómo hacés para decir, “Ok,
mantendré esto porque es algo bueno”,
sin sentir culpa o vergüenza al
respecto? Es algo difícil, porque está
todo mezclado con el abuso.
Robson Ese ha sido el proceso, sacar
lo malo de algo de lo bueno. Es todo
desagradable, es todo horrible. Todo
fue una mentira. Y mucho de eso lo
fue. Pero si podemos tomar nuevas
perspectivas de ciertas experiencias,
podemos encontrar nuevos modos
para usarlas positivamente.
DE LAS CENIZAS
Leaving Neverland comienza con
Robson describiendo a Jackson como
“una de las personas más amables,
gentiles y cariñosas que conocí. Me
ayudó tremendamente… con mi carrera,
con mi creatividad. Y también
abusó de mí sexualmente durante
siete años”. Finaliza con Robson quemando
los discos de Michael Jackson.
Robson Esas imágenes mías quemando
discos son de muy temprano
en mi proceso curativo, de mis
primeras dos semanas. No digo eso
para desacreditarlas, sino que pinta
una de diferentes etapas de mi
proceso. Creo que esas dos cosas
que vos (a Reed) dijiste muestran
las complejidades y contrastes del
camino de sanación. La quema de
discos es lo que necesitaba en ese
momento. Y recuerdo que, mientras
se quemaban, miré al fuego y empecé
a hablarle a Michael. Dije, “Michael,
voy a tomar esas desagradables,
horribles cosas que me hiciste,
voy a tomar tu manipulación y tus
mentiras y tu perversión, y las voy
a convertir en algo bueno. No tengo
idea cómo. Y no tengo idea de
qué significa. Pero de algún modo,
voy a convertir esto en algo bueno.”
Y después es realmente increíble.
Nunca advertí eso hasta ahora, que
esas imágenes están al final del film.
Safechuck Oh, mierda.
Robson Se siente algo bueno.
Safechuck ¿Sabés qué más es raro?
Robson No James. Decime.
Safechuck Él puso este sueño en
nosotros, de hacer un film que cambiaría
el mundo, ¿no?
Robson Sí. Esta es para vos, Michael.
Safechuck Finalmente hiciste lo que
él dijo que harías, después de todo.
Desde la izquierda,
en sentido horario:
Safechuck (izquierda)
con Jackson y Liza
Minnelli, en El
Fantasma de la Ópera
en 1988; Robson (arriba
a la derecha) con
otros niños, incluido
Macaulay Culkin (abajo
izquierda) en el set del
video “Black or White”
en 1991; Robson (con
siete años) y su madre
Joy (izquierda) jugando
con Jackson en Las
Vegas, en 1990;
Safechuck y Jackson en
Los Ángeles a principio
de los ’90.
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Actitud Freestyle
Una puerta a
nuevos talentos
El programa que reúne a distintas disciplinas del arte urbano, evoluciona este año y se
transforma en una fiesta en vivo de la mano del Alto Avellaneda Shopping.
El 24 de abril se realizará la final que terminará con un show de Lit Killah.
en la tercera edición de la competencia de arte urbano,
Actitud Freestyle transforma su modalidad para ser a la vez
un show al aire libre. El programa que empezó en MTV y
migró posteriormente a Fox Sport 3, redobla su apuesta este
año realizando la convocatoria por redes sociales (#actitudfreestyle)
y anunciando a los seleccionados en vivo el día del
evento. Se dará acceso libre y gratuito a competidores y espectadores
para estar presentes en las batallas eliminatorias de las
categorías de Rap, Baile y Beatbox.
El show tendrá lugar en el estacionamiento del Alto Avellaneda
Shopping, lugar por el cual ya han pasado consagrados
artistas, y no necesariamente urbano, como La Beriso o Rombai.
La cita, el miércoles 24 de abril desde las 14 hs, comenzará
con las batallas eliminatorias de Beatbox, siguiendo con el
baile y cerrando con las batallas de freestyle, disciplina que no
para de crecer y sumar adeptos de alto nivel en nuestro país.
El show contará con la conducción de Lea Prana y Percha,
quién es el host del show que se realiza todos los sábados en el
Centro Cultural Recoleta en un espacio dedicado, exclusivamente,
al talento urbano.
Como cada año Actitud Freestyle busca dar espacio a nuevos
talentos para darse a conocer y a su vez poder brindar un
show de calidad para los espectadores. Esta edición se sumaron
como jurados artistas del género que también participan en
el proceso de selección. El Tata y Sony estarán en la disciplina
de Rap, JP Pellegrino y Chummbeat en Beatbox. Zafiro, Ceci
Shroeder y Zaira Forte se encargarán de la categoría de baile.
La inscripción para Actitud Freestyle 2019 -comenzó el 20
de marzo y cerró el 10 de abril- cuenta a más de 400 jóvenes
de todo el país. De ellos, fueron seleccionados 40 jóvenes, repartidos
en: 8 beatboxers, 16 bailarines y 16 raperos. Los participantes
batallarán en vivo en el show del 24 de abril y tras la
selección de los ganadores y la entrega de premios, el evento
cerrará con el citado espectáculo de Lit Killah.
Todo el show se podrá seguir en vivo por las redes sociales
de Actitud Freestyle y por la app propia del programa, disponible
para iOs y Android, donde se encuentran todas las novedades,
eventos, música, concursos y las bases, además de las
condiciones de la competencia. Todos los contenidos también
son transmitidos a través de las cuentas oficiales de Instagram:
@actitudfreestyle_oficial, el canal de YouTube: Actitud Freestyle
y el sitio web del programa: www.actitudfreestyle.com.ar
Al igual que el año pasado Actitud Freestyle es apoyada
por marcas de mucha historia y prestigio en nuestro país
como Flecha Turismo estudiantil, Fantoche, Speed Unlimited,
Kappa, Panacom y CBSe Guaraná. Estas empresas
apuestan al desarrollo del género urbano en la Argentina, el
cual reúne a jóvenes de todo el país y genera una nueva cultura
en las calles que incluye música, danza, diferentes estilos
de artes plásticas, moda y lifestyle.
Actitud Freestyle, al igual que en sus ediciones anteriores,
busca dar espacio a un show de alta calidad visual y
fuerte difusión para promover el arte joven y sumarse a
este movimiento prometedor.
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Emergentes
Cada año simplifican el formato, pero no el contenido. Se divierten, se
celebran a sí mismos y se desafían a hacer algo netamente pop sin perder
personalidad. “Queremos lograr algo accesible pero desde nuestras influencias
y propuestas de vanguardia; una identidad nuestra en la que no
importa quién se luzca…las canciones siempre están por delante”. Con
21 y 24 años, denotan un espíritu generacional de manija y generosidad.
“Cuando crece uno, crecemos todos”, dicen. Y, aunque no responden a
una sola raíz, son la música latina mirando al futuro.
Defensa
desde octubre del año pasado, el dúo recorre los principales
escenarios de Buenos Aires con VS, su primer LP de siete tracks. Songwriters,
productores y DJ´s, Furio y Garoto muestran su enorme potencial
en clave de pop experimental y rinden homenaje a la música latina
con un reggaetón light, bailable y súper producido.
De chiquitos tocaban covers de Sex Pistols, Nirvana o Viejas Locas y se
escapaban del colegio para ir a ver a Pixies y Sonic Youth. En 2012 debutaron
con Italpark, donde jugaban con sonidos vintage y cancionero bilingüe.
Hoy conservan el espíritu punk del dejarlo todo, pero abandonaron
el formato de banda. Furio y Garoto se ocupan de intervenir música electrónica
global pero sin fronteras de género ni estilo. Buscan bases, hacen
beats, agregan instrumentos, mixean y le van metiendo mano hasta lograr
ediciones curadas que tengan un toque personal. Partir de lo ajeno para
defender lo propio. Ese es el quid.
El click lo hicieron al escuchar “Pirata 2”, de NAAFI records. Fue una
base de Nicki Minaj con un acapella de reggaetón old school encima, lo
que les echó luz. Se obsesionaron y buscaron temas que de cero sonaran a
remix. Ahí descubrieron que podían pasar de un sonido industrial y agresivo
como el de Amnesia Scanner a un tema tranqui de Ariana Grande y
estaba todo bien. El resultado de esa búsqueda es VS y tiene de todo: hip
hop, dancehall, R&B…un poco de cada. El resultado es una mezcla latino
experimental que se para, al igual que Rosalía, Bad Gyal o C. Tangana, en
un limbo entre el trap y el reggaetón. ¿El hitazo? “No me digas”, con video
dirigido por Paz Elduayen.
Encuentros, desencuentros, relaciones, amistad, la noche porteña, vos,
yo, los otros. La boyband tiene la manía de mandarse mensajes en medio
de una fiesta y de ahí salen los disparadores para componer. Y así, en pleno
verano, coparon un departamento vacío sin Wi-Fi ni aire acondicionado,
y empezaron a grabar. Los mismos colchones que hacían de cama, se
convertían en cajas para grabar las voces. No están muy seguros de quién
escribió qué, porque pingponean hasta darle en el blanco. “Nos esforzamos,
la padecemos y no nos bancamos en todas las ideas, pero no nos
vemos haciendo esto con nadie más. Somos medio secta”. Cortan y pegan,
mueven hasta que encaja.
Las fichas puestas en el dúo son varias (y no menores). Para el disco
contaron con la mezcla de Neuen -productores musicales de Duki, Ysy A
y otros-. Los temas fueron escritos y producidos por Furio y Garoto, excepto
“Rookie” producida por YnyfyntScroll y “Mañana” por Blastah. En
“Alibi”, también hubo lugar para la colaboración de la mano de Catnapp,
artista argentina radicada en Berlín. Pero, la frutilla del postre, fue la edición
y lanzamiento a cargo del aclamado sello mexicano NAAFI, el colectivo
que se está llevando puesta la electrónica mexicana.
La clave, dicen, está en confiar en las ideas y en que, en algún momento,
las fichas del rompecabezas arman un todo. Luego, le meten control de
calidad hasta encontrar la mejor versión de sí mismos. Ilusionados, ya recorrieron
unos cuantos escenarios, pero la fecha esperada es el 6 de abril:
formarán parte de la Ceremonia GNP 2019 en México, donde compartirán
line up con Rosalía, Aphex Twin, Bad Gyal y más.
Galean
siempre con un pie en lo cósmico, hoy rodrigo lalli (ex aloe y
Plexo Rleaxo) apuesta a Galean con El Mago, 9 canciones hechas en casa.
Es su primer trabajo solista desde el EP Primera puerta del alma y el LP
Tejiendo la marea, ambos en 2016. Personal, esotérico y viajero traza un
mapa que nos pasea del indie al realismo mágico.
Con Aloe osaban tocar temas que no estaban grabados o armar fechas
muy separadas entre sí. Tocaron en Lollapalooza, Niceto, el Konex, el
Ópera y el Vorterix, pero grabaron un disco y ahí se terminó. Hoy Rodrigo
concentra sus energías en Galean (su apellido materno), un proyecto
que lo tiene al frente y lo obliga a sentar cabeza en la búsqueda de nuevas
y nuevas combinaciones voladoras.
El Mago le hace honor al título con temas impredecibles y notas que
quedan resonando en el ambiente. Genera clima. No desiste. Inventa baterías
con chapas o golpeando mesas. Usa frascos, agua y roces. Pitchea
como Postishead. Samplea sarpado. Usa guitarras híper procesadas, coros,
beats downtempo y hasta toques hindúes. Inventa algo donde antes no
había nada. Y, de repente, dice Rodrigo, “nace una canción”.
‘Salís de tu casa a buscar la sensación que estaba desde antes, antes de
nacer’. Sitúa los miedos, quiere trascender. En sus temas, narra fragmentos
del cotidiano y los lleva a un plano más elevado. En “La canción que
guía” hay un jarrón que se parte sobre la paciencia y una poesía que crece
como hiedra tierna. Es un ser que mira desde afuera. Observa la tierra y
quiere encarnar en alguien. Mantra 1: saltar de sueño en sueño. Mantra 2:
pasear sin miedo en un mundo sin forma.
Agudo, fragmentado y poético, es imposible no linkearlo con el flaco
Spinetta. “Compartimos un imaginario, venimos del mismo planeta o
tenemos un alma en común, pero la verdad es que es una influencia inconsciente
porque no lo curtí tanto”, dice desde su home studio. Para el
arte de tapa se inspiró en el Arcano mayor del Tarot y le agregó toques
renacentistas. Mientras sostiene una daga del gauchito gil y enciende una
vela, sus objetos más preciados se despliegan sobre una larga mesa: desde
una pintoresca calabaza que le regaló un luthier amigo hasta un puñado
de tomillo que cosechó su abuela.
Convencido de que la textura de los temas está influenciada por el hip
hop y lo fi, el estudiante de astrología toma lo que más le gusta de los sesenta
y lo trata de actualizar. La presentación será el Jueves 18 de abril en
el Centro Cultural Richards de Palermo y contará con Cruz H de telonero.
D: RODRIGO INSIGNARES; GENTILEZA GALEAN
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POR
JOHANNA CHIEFO
Promete tocar temas de sus dos EP y adelantar algo de su próximo trabajo.
Bañada en melancolía psicodélica y lírica sensorial, su música exige atención.
Rodrigo salmonea contra la corriente. No quiere complacer a nadie
pero tampoco quedarse afuera. Con 26 años y los astros a favor, dice que se
la juega toda y que está dispuesto a dar batalla desde su individualidad.
“¿Qué género hago?”, le pregunta a Kevin por Whatsapp. “Retro-futurista…Rock
de barrio (Norte), Pina Bausch meets Bad Bunny…nada, decí
que sos una (des)generada”. Su playlist lo refleja. Aparecen desde Leonard
Cohen, Roy Orbison, Ile y St. Vincent hasta Juana Molina. La destacada
de su Spotify: la lista “Diosas” (recomendadísima). Algunas de sus
referencias son Marisa Monte, Charlotte Gainsbourg, Gorillaz, Damon
Albarn y Patti Smith. Para la presentación en vivo de Fata Margana, está
trabajando en una puesta de luz para cada tema, porque los considera, a
cada uno, un cuento. “Todo es un collage y nada está en un cajón. Quiero
llevar ese concepto al show”, adelanta. Y promete vientre, sombras y espontaneidad
para el jueves 25 de abril en La Tangente.
MJ: GENTILEZA JOHANSEN; KA: GENTILEZA KRIS ALANIS
Miranda Johansen
si googleo su nombre, aparece un featuring en un tema de kevin
llamado “Es como el día” de 2016 y unos coros de bebé en “Everything Is
(Falling Into Place)” -otro trabajo de Kevin pero de 2004, cuando Miranda
solo tenía 7 años-. Aparece eso y –nada menos que- “Fata Margana”, de
2019. Un ejemplar de 7 tracks, con 6 originales recién salidos del horno
y un cover delicioso (“Harvest moon” de Neil Young) para cerrar. Hija de
tigres, Miranda vive la música como algo natural desde que tiene memoria.
Desde jugar con vinilos y cassettes, escuchar a Kevin o ver bailar a
Mariana, su mamá, hasta levantarse de resaca un domingo y que haya un
disco sonando al palo. A sus 22 años, quiere hacer de ese juego un estilo
de vida. Por eso, lanzó una especie de ensayo que, lejos de sonar a debut,
eclosiona y conmueve con la contundencia de una grande.
La data salió de un viejo baúl familiar. Ahí, detrás del polvo de los
recuerdos, estaba todo lo que su abuela materna había dejado al morir:
obras, poemas, cuentos y artículos feministas publicados en revistas de
la época. Políglota y profesora de inglés, lengua y filosofía, Marta Gloria
Calvet dejó también una herencia ineludible: su libro Fata Margana, que
bautiza este disco debut. El nombre refiere a un espejismo provocado
por la inversión de la temperatura que crea una ilusión óptica. Fascinada,
Miranda se obligó a bucear en la historia familiar para saber cuánto de
ficción y cuánto de realidad había alrededor de esa abuela controversial
devenida en heroína.
En 2016 abandonó la carrera de cine y se empezó a juntar con amigos
para jugar a ser música. Será ese gustito por la rosca audiovisual que la
llevó a filmar un video para cada tema del álbum. Hasta hoy, solo se puede
ver uno (“El gigante”, realizado junto a Bruno Adamowsky y con la actuación
de Federico Fontán). Habrá que dejarse sorprender por los demás
videos, porque lo único que adelanta es el concepto: cuerpos en movimiento
habitando un espacio.
Se la ve despreocupada y con ganas de charlar. Revuelve el cafecito
con esos dedos larguísimos que se entrenaron unos años en piano, con
un instrumento que le dejó Liniers. En seguida el reclamo de hija mayor:
“¿por qué mis viejos no me mandaron a estudiar más música desde
chica?”. Siente que le falta, pero lo hace a su manera. Primero tararea
algo en su cabeza, después lo traduce a piano o viola y ahí Laucha, su
amigo y productor, la ayuda y lo va traduciendo. Entre ambos meten
mano hasta lograr la primera maqueta. Algo de esa intuición y del tono
lúdico se siente al escucharla. En cada nota, Miranda está en una. Los
temas son suaves, sensibles y eróticos pero con un grado de sutileza y de
intimidad inmenso.
Kris Alaniz
se autodefine como #femibardo y #claseobrera. ganó visibilidad
en la última edición del Cosquín Rock cuando subió como invitada de
Eruca Sativa, pero su presencia en la escena data de más atrás. Vagabunda
con historia, la MC y beatmaker empezó a cantar a sus dulces 16 aunque a
los 11 ya tocaba la viola. Golondrina, nació en Catamarca y vivió en Jujuy,
pero se profesionalizó en Córdoba. Allá produjo a algunos raperos, hasta
que se animó a grabar Conexión natural (2013), su primer trabajo solista
atravesado por algo que podríamos llamar el mambo del monte. Al llegar
a Buenos Aires, se dejó quemar por el fuego de la protesta política y grabó
Vagabunda Original (2015), donde le canta a su madre biológica, que fue
cantante de cabaret y prostituta.
Criada por una madre adoptiva soltera y con 5 hermanas que hacían el
asado los domingos, asegura que siempre escribió en clave feminista sin
saberlo. Será porque se inspira en vivencias propias que sus letras tienen esa
fuerza. Cansada de la invisibilidad de las raperas, en 2016 sacó Malas lenguas:
el primer compilado de rap argentino con 16 mujeres como protagonistas.
Y así, cada decisión la fue consolidando en esa órbita musical femme
power con rimas empoderadas y una lengua sin una mísera pelusa.
Inquieta y convencida, le entra a la lucha por todos lados. Organiza batallas
de freestyle feminista con el colectivo Malas Tripas, conduce Derrape
en FM octubre y da talleres gratuitos de rap para adolescentes de bajos
recursos en Casa Sofía (Palermo) y en Lugano. Pero hay más. Está preparando
una nueva apuesta que la tiene desvelada: Magia Negra. Un intento
de llevar el hip hop a algo más nacional y autóctono, pero fusionado con
ritmos latinos. En criollo: música protesta para bailar y romper todo.
La sicaria será el primer corte difusión y se estrenará el 12 de abril en
todas las plataformas digitales. Muestra a una mujer sin miedo que marca
el camino del empoderamiento, al calor de la cumbia colombiana y junto
con Ivonne Guzmán (ex Bandana, Actitud María Marta y La Delio Valdez).
Pero es solo la primera de una extensa lista de colaboraciones que
marcan el rumbo buscado y la definen como productora incuestionable:
desde la chilena Yhi Capsule (cantante de house, productora y feminista
pachamamística-ayahuasquera) hasta Nakury de Costa Rica, Taz Mureb
de Brasil, Magia Música de Venezuela y el aclamado Ca7riel.
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The Isley Brothers
It’s Our Thing
POR SEBASTIÁN CHÁVEZ
Es cosa tuya
Sucede que a veces lo esencial
es bien visible a los ojos. En 1967,
los Isley Brothers editaban Soul
On The Rocks, el que sería su último
trabajo para Motown, el sello
de Detroit que había llevado el
método de producción fordista a
la creación de hits; una cadena de
montaje en la que cada miembro
de ella hacía su aporte (letras, música,
interpretación) dando como
resultado final un producto atractivo
para las masas, de efectividad y
rentabilidad probadas, y cuyos dividendos
iban a parar mucho más
a los dueños de la empresa que a
los empleados-obreros-músicos.
La portada de aquel disco también
respondía a un molde impuesto:
los hermanos Ronald, O’Kelly y
Rudolph -eran seis en total- aparecían
vestidos de traje, corbata y
pañuelo a tono, marcando, al igual
que el resto de los artistas que
formaban parte del catálogo de la
compañía, una línea de continuidad
visual con el Doo Wop de la
década del 50.
Para The Isley Brothers, sin embargo,
esos trajes eran más bien
chalecos de fuerza. Su sonido de
guitarras ásperas y melodías agresivas
para la época se alejaba de
las armonías prístinas de clasicismo
funk que tanto alentaba el
sello (chequear The Four Tops,
The Temptations y el primer Stevie
Wonder), lo que llevó a que su
relación con Motown llegara a un
punto de no retorno. El título del
disco, Soul on the Rocks, proponía
un juego de palabras que podía
leerse como un grito desesperado
puertas adentro. Por un lado, el
más naive, era una referencia a la
idea de que la música soul es ideal
para escuchar tomando whisky (on
the rocks), por el otro, más literal
y descarnado, a las restricciones
creativas: el alma de los hermanos
se encontraba entre rocas. Inmóvil.
La única salida posible, liberarse
del sello y sus contratos leoninos,
implicaba el desafío de subsistir
bajo sus propios medios y que, de
no contar con las herramientas de
distribución y comunicación necesarias,
los nuevos discos del grupo
se pierdan en lo profundo de las
bateas (años más tarde, los artistas
que habían caído en esa desgracia
serían catalogados como deep
funk). Pero los hermanos no le temían
a nada.
Es cosa nuestra
Liberados de las amarras de Motown,
los Isley Brothers resolvieron
por fin volver a editar su música a
través de T-Neck Records, el sello
que ellos mismos habían fundado
en 1964 cuando el grupo contaba
en guitarra con un tal Jimi
James, más tarde conocido como
Jimi Hendrix. 1969, entonces, los
tenía a sus anchas, y así se los ve
en la portada de It’s Our Thing, el
disco que editaron en abril de ese
año. Embebidos por la estética hippismo-meets-funk
de Sly & The
Family Stone, los hermanos Isley
aparecen con tapados de pieles,
camisas coloridas y colgantes aparatosos,
en una postura bien distante
de la de Soul On The Rocks.
Acá también el título del disco se
vuelve declaración de principios.
El primer corte de difusión, editado
en enero de ese mismo año, fue
“It’s Your Thing” (algo así como
“Es cosa tuya); para el nombre del
álbum, en cambio, suprimiría la Y,
una mínima perversión que cambia
el significado por completo I’ts
Our Thing (Es cosa nuestra). “Lo
que hacemos con nuestra música,
y nuestra imagen, es cosa nuestra”,
parecían decir los Isley Brother
“Es cosa tuya / Hacé lo que quieras
hacer / Yo no te puedo decir /
A quién tenés que quedarte pegado”,
el estribillo de “It’s Your Thing”
estaba claramente dedicado a Berry
Gordy, fundador de Motown,
pero la frase podía hacerla propia
cualquiera y aplicarla a su propio
contexto. Justo lo que toda canción
pop necesita para convertirse en
éxito. En el disco, los Isley Brothers
marcaban la cancha desde el tema
apertura con un desborde de producción.
“I Know Who You Been
Socking It To” tenía un groove
caminante, un piano saltarín que
recordaba al rock and roll de los
50, vientos que expandía el pre-estribillo
y una guitarra quebradiza.
De entrada, le decían a Gordy, y al
mundo, cómo se sentía para ellos
la independencia. Irónicamente, se
habían ido del sello que más sabía
de hacer hits (Motown es el sello
con más #1 en la historia de los
charts de Billboard) para componer
su mayor éxito.
Sentadas las bases desde la instrumentación,
“Somebody Been
Messin’” pone a Ronald a cantar
desbocado, bien cerca de James
Brown y sus agudos de crooner sobrepasado
de libido. “Alguien se estuvo
metiendo con mis cosas”, aúlla
para dejar en claro que la Cosa (y
no la cosa) ya es el concepto clave
del disco. Acto seguido, “Save Me”
baja los decibeles y se conforma
como la clásica balada r&b de sub-
división ternaria. Había que alejarse
de Motown, sí, pero no tanto. La
balada por excelencia del disco, sin
embargo, es “Feel Like The World”.
Mientras la guitarra despliega un
arreglo infinito -un ovillo de lana
para que jueguen todos los gatos
tristes del mundo-, Ronald ahora
se vuelve pansexual, su voz ya no
es sólo masculina: contiene todos
los géneros. En el lado B, la fórmula
se repite entre funk a pulso
firme (“It’s Your Thing”, “He’s Got
Your Love”) y canciones de pura
raigambre r&b (“Give the Women
What They Want, “Love Is What
You Make It”).
1969 será recordado para siempre
como la piedra angular del
hippismo y la psicodelia, que
tuvo en Woodstock su punto de
efervescencia icónica y simbólica.
Aquel Jimi James ya era un
Hendrix incendiario y el rock una
(contra)cultura con sus propias
bases y fundamentos. En el seno
de la música popular afroamericana,
en cambio, todo estaba
por hacerse. Si el funk naciente
estaba dominado por Motown,
James Brown y Sly & The Family
Stone (faltarían un lustro para la
aparición del delirio espacial de
Parliament/Funkadelic), los Isley
Brothers se situaron en el punto
equidistante de esas tres patas.
Buscando su Cosa, los Isley Brothers
encontraron cosas de todos.
A 50 años de su lanzamiento, It’s
Our Thing, permanece ahí, escondido
como una gema de sabiduría
y diversión, lista para recordarnos
que lo que hagamos con la música,
con el arte o con la vida, siempre
es cosa nuestra. Y también que
es mejor hacerlo bailando.
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59

Los Tabaleros
Más frescos
que nunca
El 4 de mayo el sexteto regresará al
Teatro Vorterix donde adelantará
singles del Lado B de Chuy, su último
álbum de estudio. “Será el monstruo
siamés más hermoso que pudimos
dar a luz”, adelantan.
POR JOTA AYERZA
“proponemos un mundo imaginario donde
la felicidad y la vida de mierda es todo una sola
cosa”, coincidían Beto Martínez y Félix Mateos en
octubre sobre la propuesta de Los Tabaleros. La
conversación se dio un mes antes de su primer
presentación en el Teatro Vorterix en el mismo
día que estrenaron Chuy. “Subimos a tocar nuestras
canciones nuevas en un Vorterix lleno y la
gente ya las cantaba a los gritos”, cuenta en 2019
Martínez. “Fue un espectáculo del poder de la comunicación.
Tiene sentido a veces generar expectativa
y no entregarse por completo”, señala.
Cuando dice expectativa, el tabalero se refiere
a la forma con la que estrenaron -y van a estrenar-
su material. Las seis canciones de Chuy que
editaron en noviembre corresponden tan solo al
Lado A de su nuevo álbum. “Chuy es un vinilo
que se está terminando de construir, lo hicimos
de esta forma por nuestra manera de entender
cómo se consume música hoy en día”, explica y
agrega: “Cuando se junten el lado A con el Lado
B será el monstruo siamés más hermoso que
pudimos dar a luz”.
La unión entre estas dos bestias será de a partes
y finalizará cuando el sexteto regrese el 4 de
mayo al Teatro Vorterix. Detrás de las barbas, las
camisas floreadas, el humor instagramero y los
ritmos folclóricos, el grupo diseña la estrategia
obligatoria y posterior de “aquel momento de
idilio que desembocó en canciones”. La segunda
parte de Chuy se adelantará como si fueran seis
singles y estará completa antes del show. “Entendemos
que si subíamos los 12 temas en el mismo
día nos perdíamos de algo. El músico no se
puede alejar de tratar de entender cómo es que la
gente escucha música hoy en día. Tiene que saber
cómo funcionan las diferentes plataformas”.
El primer adelanto del Lado B se llama “Latas
vacías” y para Beto se trata de la canción
que “quizá más se despegue de la naturaleza de
la banda”. Cuenta detalles de un pop brilloso
-y hasta electrónico-, y la mano del productor
Álvaro Villagra, con quien están trabajando en
esta nueva entrega. “”Latas vacías” es un canto
de libertad en cuanto a su producción. Nos hace
acordar a las publicidades de gaseosas de los
años ochenta. Siendo un año tan agobiante para
la gente buscamos regalar alegría”. Enseguida
editarán “Sirena vampiro”, y dentro de esta nueva
media docena de canciones también estará
“A las tres”, la única que cantaron al menos una
vez en vivo. “Conseguimos que Diego Tuñón
de Babasónicos sume la magia de sus dedos a la
obra”, adelanta Martínez.
El crecimiento de Los Tabaleros se ve reflejado
en reproducciones de streaming pero
también en venues, y por eso, un nuevo Teatro
Vorterix no sorprende. “Somos una banda que
se autopone la vara alta y el Vorterix no es el
final de nuestra vida sino el puntapié del año.
Le vamos a meter mucha brillantina pero nos
guardamos algunas balas para lo que resta del
2019”. Otra vez, las altas esferas tabaleras se encuentran
planeando un nuevo golpe: “Vamos a
terminar el 2019 en un venue más grande”.
60 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019
FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX

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61

LOLLAPALOOZA
ARGENTINA
TODOS
CONECTADOS
POR ONIX
Por quinto año consecutivo, Chevrolet Argentina fue parte del festival más importante
del país que en tres días recibió 300 mil personas.
62 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

U
una nueva edición del lollapalooza
Argentina pasó por el Hipódromo
de San Isidro y, por quinto
año consecutivo, Chevrolet Onix
fue el auto protagonista. El festival
tuvo los shows destacados de Lenny
Kravitz, Arctic Monkeys, Twenty-One
Pilots, Post Malone y hasta
Paulo Londra junto a Steve Aoki.
El stand de Chevrolet fue, una
vez más, uno de los lugares destacados
del Lolla. La participación
del Onix comenzó temprano el
viernes de la mano de Santi Maratea.
El influencer salió a regalar en
su auto las últimas entradas del festival
(sold out desde un día antes)
a los esperanzados que caminaban
fuera del predio. “¿Cuanto te pueden
vender una entrada ahora? Te
arrancan la cabeza. Es uno de los
mejores regalos que puedo hacer”,
contó Maratea a Billboard.
El stand desplegó unas gigantes
pantallas de LED, exhibió dos
modelos de Onix y brindó a los
asistentes la posibilidad de participar
de diferentes actividades
como el “Onix Body Marbling” y
“Onix Gravity Room”. Este último
espacio contó con el sábado con la
participación Sofi Morandi, quien
convocó una gran cantidad de adolescentes
a la actividad. “Mi artista
nacional preferido del Lolla es
Wos”, contó después la actriz y bailarina.
Además, aquellas personas
que participaron de las activaciones
tuvieron acceso a la red wi-fi
de Chevrolet y a un espacio para
cargar los celulares.
Durante los tres días, Billboard
habló con los diferentes influencers,
artistas y comediantes que
pasaron por el stand. Por ejemplo,
Pablo Granados -quien acaba
de llegar al millón de seguidores
en Instagram- fue el sábado 30 de
marzo para ver el show de otro
rosarino, Fito Páez . “Todo es alegría
acá. Vivimos en un momento
donde hay mucha violencia y crisis
humanitaria pero en este lugar vemos
tanta energía y juventud que
te hace pensar que no todo está
perdido”, dijo luego sobre el evento
en el stand de Onix.
Sin embargo, la banda más reclamada
por los influencers que
estuvieron junto al Onix fue Arctic
Monkeys. Soy Rada, Fede Cyrulnik,
Germán Tripel y Eddie Fitte
coincidieron en esa elección; aunque
el escritor y ex periodista de
Canal Trece, también apostó por
Kendrick Lamar. “Es el mejor rapero
de los últimos 15 años. Va a ser
uno de esos shows que vamos a recordar
para siempre”, indicó entre
los dos Onix de colores bordeaux
y blanco que estaban en la planta
baja del stand.
Onix conecta orgánicamente con
la energía del Lollapalooza ya que
su experiencia con la música fluye
naturalmente al ser compatible con
Android Auto y Apple Carplay. A
esto se le suma una alta conectividad
que incluye el sistema MyLink
(nueva generación), y la tecnología
OnStar, exclusiva de Chevrolet, que
brinda la conectividad para intervenir,
modificar y lograr una mejora
día tras día. Además, incluye cámara
de visión trasera y sensor de estacionamiento,
volante multifunción,
computadora de abordo, control de
velocidad crucero.
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63

LOLLAPALOOZA
ARGENTINA
NIKE LLEVÓ EL
FESTIVAL
“A OTRO NIVEL”
Las Air Max 720 pisaron fuerte en el
Hipódromo de San Isidro. En su stand
conversamos con Wos, Dakillah, Zoe
Gotusso y FLU OS sobre la nueva
escena de música argentina.
Zoe Gotusso.
64 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Wos.
Dakillah.
D
desde la terraza del stand de
Nike Sportswear se podía observar
de cerca todo lo que ocurría en el
Main Stage 2 del festival, por el cual
pasaron artistas como Post Malone,
Sam Smith y Lenny Kravitz.
En el espacio de Nike Sportswear
“A Otro Nivel” también se podía
conocer la línea de tiempo de su
clásico modelo de zapatillas AIR
MAX, que empezó hace 40 años
con la innovadora idea de capturar
aire en la suela de nuestras
zapatillas. Actualmente, la marca
acaba de lanzar un nuevo modelo:
AIR MAX 720, que llegaron a otro
nivel de elaboración y diseño. La
estructura del nuevo calzado tiene
una composición de más del 75%
de materiales de fabricación reciclable.
Y así, la unidad Nike AIR
MAX 720 es la capsula de aire más
alta de la historia.
La inspiración proviene del movimiento
orgánico de radiación de
energía en diferentes maravillas
naturales y esto se refleja en cada
color del Nike AIR MAX 720. Por
ejemplo, los flujos de lava, la Aurora
Boreal, la Vía Láctea y las puestas
de sol y amanecer.
Durante el festival, el stand recibió
la visitas de diferentes artistas
y músicos, algunos de los cuales
formaban parte del line up
como Wos, Dakillah y
Zoe Gotusso de Salvapantallas.
Pero
también visitaron
el espacio de “A
Otro Nivel” Dante
Spinetta, el dúo
FLU OS (Angelo y
Benicio Mutti Spinetta)
y Malena Villa.
“Ya en el cuarto tema
levanté la cabeza y vi la cantidad
gente que había y pensé: ‘se
puso picante’”, contó Wos sobre
su presentación en el Main Stage
2 del Lollapalooza. El rapero, que
nació en las batallas de El Quinto
Escalón, aprovechó la ocasión para
cantar por primera vez en vivo su
último single “Terraza” y adelantar
un tema nuevo junto a Acru.
“Quiero ver a Kendrick el domingo”,
dijo después.
Dakillah, que se presentó en el
mismo día que Wos pero en el Perry’s
Stage, también conversó con
Billboard sobre su show. “Fue la
primera vez que canté en vivo con
banda, fue impresionante. Todo
coincidimos que fue el mejor show
que dimos hasta ahora”, dijo. Por
su parte, Zoe Gotusso que se presentó
con Salvapantallas el domingo
en el Alternative Stage
aprovechó la ocasión
para resaltar la presencia
de la mujer
en la industria en
el último tiempo.
“Gracias a una
lucha que se viene
bancando hace
un tiempo, hoy hay
lugar para mujeres
realmente talentosas.
Aunque todavía falta bastante”.
Por su parte, FLU OS (el dúo de
Angelo y Benicio Mutti Spinetta)
habló sobre cómo esta nueva generación
de artistas argentinos (especialmente
de trap) está jugando
a otro nivel. “Nos sentimos parte
de este movimiento y queremos
que crezca”, dispararon. Además,
adelantaron que el 19 de abril
editaron un nuevo single y video:
“Existe”.
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Lollapalooza
Argentina 2019
YPF brindó
la energía y
más
El festival, que convocó más de 300
mil personas, utilizó naftas y gasoil
YPF en todos sus generadores y
vehículos durante sus tres días.
Además, brindó un espacio de
relax y sombra dentro del predio
para que la gente descanse y
recargue sus celulares.
ypf fue parte del lollapalooza por segundo
año consecutivo. De esta manera, durante los
tres días que tuvieron los shows de Kendrick
Lamar, Lenny Kravitz, Paulo Londra, Arctic
Monkeys, Rosalía y Twenty One Pilots, las más
de 300 mil personas que pasaron por el Hipódromo
de San Isidro encontraron las propuestas que
la compañía desarrolló para el festival.
La experiencia Lollapalooza junto a YPF comenzó
con los cientos de socios ServiClub que
llegaron al festival en los buses exclusivos que salieron
desde estaciones de servicio YPF. Durante
el trayecto, maquilladores y tatuadores dejaron
lookeados y listos a los pasajeros para disfrutar
de las más de 100 bandas que participaron.
Además, entre todos los socios que canjearon
sus kilómetros ServiClub por crédito cashless
para usar en productos durante el fin de semana,
hubo 40 ganadores que disfrutaron de los sideshows
de esta edición (Greta Van Fleet, Interpol,
Years & Years y Troye Sivan).
El premio mayor fue para los socios que ganaronz
la participación de un meet & greet con artistas
del Lollapalooza. Los ganadores visitaron la
“Villa de los artistas”, vieron desde adentro cómo
lo viven las figuras más destacadas del line up y
conocieron a sus ídolos.
Para disfrutar al máximo del festival, YPF
instaló espacios de relax y sombra dentro del
predio. Más de 1800 personas por día pudieron
descansar, cargar celulares y seguir el line up en
tiempo real a través de una pantalla con información
actualizada.
Dentro del predio YPF también colocó un
árbol de energía renovable de YPF Luz. A través
de los paneles solares instalados en su copa, los
espectadores contaron con una fuente de energía
renovable para recargar sus celulares. De noche,
la energía almacenada iluminaba la estructura y
lo convirtió en un punto de atracción dentro del
festival. Además, al igual que el año pasado, las
torres numeradas de YPF sirvieron como punto
de encuentro para los miles de jóvenes que formaron
parte de los shows. Y les permitía grabar
un video para llevarse de recuerdo del festival.
Por último, por primer año desde su llegada
a la Argentina, el Lollapalooza utilizó naftas y
gasoil YPF en todos sus generadores y vehículos,
fundamentales para el armado y desarmado dentro
del predio.
TUTE DELACROIX
66 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Tras Paul McCartney
y el Lollapalooza
La continuidad tras el brillante 1Q de 2019
Tras haber tenido 250 shows internacionales en 2018 y
un brillante primer cuarto de 2019, con grandes festivales
que terminaron en la mejor edición del Lollapalooza de
DF Entertainment con sus side shows sold out, y
shows masivos de primer nivel en el Campo
de Polo a los que se sumó nada menos
que Paul McCartney de T4f/Ozono —hará
Aurora en el Opera Orbis seguros el 24
de mayo—, el showbusiness Argentino
encara una etapa con menos anuncios
o mayor cautela, en un panorama económico
más complejo e incierto junto con
las elecciones. Esto puede sentirse
en parte en el consumo de la
gente —hasta ahora la música
siempre salió indemne— o en
las apuestas de las marcas,
donde algunos sponsors líderes
como los bancos reducen
su inversión de entretenimiento
o se mantienen con lo que tienen
pese a sus probados buenos resultados de
sus plataformas. Será una etapa que demandará
mayor creatividad de la aceitada maquinaria de las
promotoras líderes, que a favor tienen el
flujo de artistas que vendrá del Rock
in Rio para el segundo semestre
y la aparición de nuevas marcas
—también bancos, cervezas y
petroleras— para los que el gran
momento de la gente con la música
demostrado hasta ahora sigue
siendo muy atractivo.
En ese panorama, Move Concerts tiene
lo más grande anunciado hasta ahora con Iron Maiden el
12 de octubre en Vélez y el sold out de Shawn Mendes
en el Buenos Aires Arena en Atlanta. También tiene a
Roberto Carlos en el Gran Rex el 30 de mayo, Darryl
Hall y John Oates en el Luna Park el 6 de junio, todos
con el BBVA Francés. La inauguración del BA Arena, será
con Chayanne de Seis Pasos a principios de noviembre,
esperando que se solucionen todos los problemas con
los vecinos.
IRON MAIDEN
CHAYANNE
Un lanzamiento muy original fue el de PopArt del
Hipódromo de Palermo de Babasónicos el 1 de junio. Esto
tras haber tenido el interesante Wine Rock en Mendoza,
extender la serie de Gran Rex de los Decadentes de abril
al 14 de junio y seguir con el Messi 10 del Cirque
Du Solei para los próximos años.
Además, Fénix Entertainment Group de
Marcelo Fígoli tuvo a Los Gipsy Kings el 1 de
abril en el Luna Park, el 11 de abril la música
de Dire Straits Legacy, apunta a Il Divo el
24 de mayo y reeditarán a Montaner el 21
de junio en el Luna Park. Para junio también
prepara su Cirque Du Soleil Ovo en Tecnópolis con
gran temporada.
LAURIA sigue entre los que más producen destacando
ahora el 13 de abril el Hipódromo Palermo de Pablo
Alborán y el Luna Park el 18 de mayo a Diego Torres
con Banco Macro. Además, el primer show
de Anitta el 12 de mayo en el Opera
Orbis Seguros, Vanesa Martin el 12
de Junio y Reik el 8 de julio en el
Luna Park con el Banco Comafi entre
otros sponsors como Rapipago.
Para junio Eros Ramazzotti.
Completando los líderes, Ake
Music tuvo la gran reunión de Camila
y Sin Bandera en el Luna Park y sigue con
la gira de Slash.
PABLO ALBORAN
CIRQUE DU SOLEIL OVO
Más shows
Además, Alberto Miguel/Arenas —hace a Cristine
D’Clario el 13 de abril en el Luna Park— y con el
Blueteam anuncian la gira de Serrat-Sabina que tendrá
un único show en Buenos Aires.
MTS inauguró su estadio Hípico —está por anunciar
el naming—para posicionarse entre los venues más importantes
de Capital. Por su parte, 300 vuelve con Ciro al
Luna Park el 10 de mayo y Pirca hará a NTVG en el Gran
Rex en junio sumando ya 5 fechas. En Obras Gonna Go
hace a La 25 el 4 de mayo ,Pablo Milanés viene al Coliseo
y un venue que se relanza es el Auditorio Belgrano con
Generarte; tendrá sucesivamente a Gustavo Santaolalla,
Jairo, el Chaqueño Palavecino y Les Luthiers.
Ranking
SPONSORS DESTACADOS
Marzo - Abril - Mayo 2019
Banco Patagonia
Paul McCartney - T4f
Budweiser
lollapalooza 2019 - DF
YPF
lollapalooza 2019 - DF
Motorola
Lollapalooza 2019 - DF
Banco Santander Río
Lollapalooza 2019 - DF
Fernet Branca
Lollapalooza 2019 - DF
BBVA Francés
Luis Miguel- PopArt - Lauría
Ed Sheeran - Move Concerts
Disco
Luis Miguel- PopArt - Lauría
Claro - Samsung
Lollapalooza - DF
Luis Miguel, Carlos Rivera,
Pablo Alborán, Diego
Torres - Lauría
Vanessa Martín - Lauría
Banco Macro
Pablo Alborán, Diego
Torres - Lauría
Banco Comafi
Anitta, Vanessa Martín,
Reik, Carlos Rivera - Lauría
Rapipago
Luis Miguel, Carlos Rivera,
Pablo Alborán, Diego Torres,
Vanessa Martín - Lauría
Coca-Cola
Plataforma Coca - Cola For Me
Lollapalooza 2019 - DF
BILLBOARD.COM.AR 67
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Vivo
Lenny Kravitz.
Lollapalooza Argentina 2019
Una voz para cada generación
POR FEDERICO MARTINEZ PENNA
Día 1
“somos todos hermosos. ellos, nosotros. la
diversidad es algo para celebrar”, decía Kamasi
Washington mientras a las cuatro y media el sol
azotaba a sus fans en el Main Stage 1. Su frase
puede bien puede servir como testimonio de la
esencia del Lollapalooza. La sexta edición argentina
se anticipó como una de las más eclécticas
hasta ahora, cubriendo espacios etarios y perfiles
estilísticos a los que previamente casi ni se había
animado, el jazz siendo un primer ejemplo.
Así, con una grilla ecléctica y el esperado debut
local de Rosalía, el festival abrió las puertas de su
sexta edición. Post Malone, Twenty One Pilots, Interpol,
Khea y más también fueron parte del line up.
Washington supo leer a su audiencia, dejando
de lado el tradicionalismo para hacer foco en el
costado más funk y afro de su repertorio. En el
mismo escenario, pero más temprano Escalandrum
había calentado los motores jazzeros en
un repaso de Studio2 y con un cierre de obligada
herencia piazzolística con “Adiós Nonino”.
Rosalía se puso al festival entero en su bolsillo.
No llegó a la segunda oración del inicio con
“Pienso en tu mirá” cuando los gritos de la gente
taparon cualquier otro sonido. La catalana se
reía cómoda, pero eso no significa que diera la
situación por sentado. Con un pequeño cuerpo
de baile, dos dúos de cantaores y El Guincho en
samples y programaciones, en una hora logró
justificar su meteórico despegue.
Después de que Rosalía introdujera su cuota
de trap a la ecuación, el género -que ocupó gran
parte de la grilla este año- tuvo en el Main Stage
2 a un Post Malone escénicamente austero
pero complaciente con su público. Antes, Khea
mezcló humo con visuales espásticas mientras
celebraba ante la consumación del poder de convocatoria
que creció sin pausa desde 2018. Tanto
así que la inesperada presencia de Duki sobre el
final de su set (hicieron “She Don’t Give a F.O.”,
entre otros), pareció decir tácitamente que lo que
importa está acá. Y recién empieza.
Por último, Twenty One Pilots también ascendió
al main stage (con un auto prendido fuego entre
el cantante Tyler Joseph y la batería de Josh Dun)
frente al fandom más tanqueado de la velada.
Día 2
Con el regreso de Arctic Monkeys, los hits de
Fito, la corrección británica de Sam Smith, la locura
Macklemore y una nueva aparición sorpresa
de Duki, la segunda jornada del festival encontró
diversidad y propuestas para todos los gustos. El
cierre estuvo en las bandejas de Tiesto.
“No sé ustedes, pero nosotros somos los Arctic
Monkeys”, decía Alex Turner en una de sus clásicas
impostaciones juguetonas. Es que no hace
falta mucho más cuando sos el brillante frontman
de una de las últimas bandas más definitivas
del rock moderno. Contrario a cualquier tipo de
especulación previa a partir del sonido de Tranquility
Base Hotel & Casino, Arctic Monkeys
ofreció una revisión de alto octanaje rockero
donde las canciones de su sexto disco sirvieron
como espacios de distensión.
El iniciático “Do I Wanna know” y “Brianstorm”
mostró al grupo de Sheffield -con Turner nuevamente
en look greaser- haciendo algo de carácter
expansivo. Puso a sonar los hits más esenciales de
su carrera (“Don’t sit down ‘cause I moved your
chair”, “I bet that you look good on the dancefloor”,
“Teddy Picker”) y canciones laterales (“Library
Pictures”, “Knee Socks” y “Cornerstone”).
Si bien el primer fixture de la sexta edición del
Lollapalooza Argentina le habló a un target joven
que celebró el advenimiento del trap, el resto de
la segunda cita se ofreció con un espíritu diferente,
aún en el mismo contexto.
Recién abiertas las puertas, Ca7riel puso a
sonar su renovada fusión de trap con guiños de
TUTE DELACROIX
68 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Vivo
acid jazz y funk, propios de su capacidad multi-instrumentista.
Apenas terminado el set, junto
con Paco Amoroso invadieron el Alternative
Stage que los mendocinos Perras on the Beach
ocupaban. Más temprano aún, Duki volvía a sorprender
con una nueva aparición fuera de agenda
en el set de Coral Casino.
Paulo Londra
y Steve Aoki.
Rosalía.
GUIDO ADLER EXCEPTO ARCTIC MONKEYS (TUTE DELACROIX).
Mona Jiménez.
Lali.
Arctic Monkeys.
Día 3
Pasado el mediodía, Lali desplegó toda su artillería
para una total efervescencia adolescente. Su
presencia sirvió para empujar tácitamente la idea
de la necesidad de un cupo femenino, pero también
para cimentar el cancionero de Brava, su
último disco. “Soy” sonó con una banda a toda
máquina y un cuerpo de baile que animó los éxitos
“Besarte Mucho” y la reciente colaboración
con Thalía “Lindo pero bruto”
En su edición 2019 Lollapalooza también volvió
a apostar por el efecto oveja negra. Así como hace
un año Damas Gratis había despertado cuestionamientos,
la aparición de Carlos ‘La Mona’ Jimenez
en el Main Stage 1 despejó las dudas y tuvo un resultado
impecable. De ambo rojo e incrustaciones
de brillantes y adornado por cadenas, pulseras y
anillos de oro, fue recibido con ovaciones.
Luego, cuando Paulo Londra llegó al Main Stage
1 del Lollapalooza Argentina, lo hizo corriéndose
sus largos mechones rubios de la cara, develando
una enorme sonrisa que parece referir a
varios pilares: la nutrida presencia del trap en un
festival de franquicia internacional, la comunión
con un público masivo y, claro, el meteórico éxito
que el cordobés viene disfrutando desde 2018.
Al punto tal que Steve Aoki subió al escenario
con el cordobés para su remix de “Forever alone”.
En el plano rockero, Greta Van Fleet puso a
sonar su rock zeppelinero y Lenny Kravitz apeló a
la sensibilidad de un público adulto. Lo había hecho
luego de un muy poderoso arranque con los
éxitos “Fly Away” y “Dig in”. Pero eso no detuvo
la marcha del músico de cincuenta y cuatro años.
Cargó las tintas con una seguidilla de himnos memorables
que ofrecen una lectura de su amor por
la música de distintas vertientes: el soul (“It ain’t
over ‘til it’s over”), el funk (“Always on the run”),
la balada romántica (“Can’t get you off my mind”,
“Again”) y el rock clásico (“American Woman”).
Kendrick Lamar eligió desplegar toda su artillería
para labrar su primera visita porteña. Lo
hizo comenzando con “DNA” y particionando su
show con viñetas en video donde se lo podía ver
como su pseudónimo Kung Fu Kenny. Centrándose
en DAMN (sonaron ocho canciones del
disco) pero también apelando a todo su catálogo,
el pequeño gigante rapero de Compton no defraudó.
“Quiero ver cuantos verdaderos fanáticos
de Kendrick Lamar hay hoy”, dijo y así puso a sonar
canciones de Good Kid, M.A.A.D City como
“Swimming Pools (Drank)”, “Backseat freestyle”
y “Money Trees”.
BILLBOARD.COM.AR
69

Vivo
PAU L M C CARTNEY
Campo Argentino de Polo
23 de marzo
El amor que da es el que recibe
En el porteño Campo Argentino de Polo, la leyenda de 76 años abordó 39 canciones, en más de dos horas
y media, y ante 60 mil personas. El repertorio incluyó mayoría de clásicos de The Beatles, otros de Wings,
éxitos de su era solista y algunos de su nuevo álbum ‘Egypt Station’.
POR PATRICIO FÉMINIS
¿será un sueño que paul mccartney vaya a
cantar tres horas en Argentina, otra vez? ¿Qué
vibrará en él, cuando alza la guitarra o el bajo
sonriendo con británica moderación al elevar sus
dos pulgares a las estrellas? Habrá dos horas cuarenta
para comprobarlo.
“Mirá las pantallas. Esa euforia generaba la
beatlemanía”, le explica un tipo de 40 a su hijo de
10 años, en el césped. Allá lejos, las imágenes en
blanco y negro de las pantallas LED muestran a
cientos de chicas corriendo a cuatro icónicos pibes
con flequillo, en los años sesenta. Y, entonces,
uno de ellos, Paul, arranca “All my Loving” con
su voz casi adolescente: “Close your eyes and I’ll
kiss you. Tomorrow I’ll miss you. Remember I’ll
always be true…”.
La beatlemanía se reactivó en apenas un compás.
A las 21.10, las fotos de cada uno (con sus
distintos peinados) y de Paul de niño devinieron
un caleidoscopio digital cuando Paul y su banda
liberaron la tensión del primer acorde de “A
Hard Day’s Night”.
“¡Hola, Argentina! Qué buena onda. Estoy feliz
de volver”, dice Paul en su castellano rústico, tras
haber hecho “Junior’s Farm”, del álbum Venus
And Mars (1975). “Vamos a hacer viejas canciones.
Algunas nuevas, y otras del medio”, sonríe. Si
con “All My Loving” generó llantos, regresa a los
años de Wings con la electrizante “Letting Go”
y el volumen, que no arrancó bien, expone de a
poco los matices de su banda: las violas eléctricas
de Rusty Anderson y del rubio Brian Ray, el
espeso swing del baterista Abe Laboriel Jr., y los
teclados infalibles de Wix Wickens.
Los bronces de los Hot City Horns resurgen en
el escenario y Paul despliega al piano “Let ‘Em In”,
hit de 1976. El que dice: “Alguien está llamando a
la puerta. Alguien está tocando el timbre. Hazme
un favor, abre la puerta y déjalos entrar”. ¿Qué sentirá
Paul al nombrar cantando a “Sister Suzie, brother
John, Martin Luther, Phil and Don” y a otras
personas que ya no están con él? Otros miles repiten
“¡olé, olé, olé!”, Paul los dobla con el piano y, en
castellano, dedica “My Valentine”. “A mi hermosa
esposa Nancy, que está con nosotros esta noche”.
“¿Por qué el sonido no llega bien al fondo del
Campo Argentino de Polo?” Es una medida
preventiva: el 9 de marzo, el DJ Hernán Cattáneo
superó los 95 decibeles permitidos y el predio
tuvo una clausura.
Wickens aporta la armónica y Paul administra
su capacidad vocal entre “Dance Tonight” (con
la mandolina) y “Love Me Do”, para llegar con
buen aire al segmento más profundo del concierto.
“Esta canción es sobre los derechos civiles”,
anuncia en inglés y en castellano, para elevarse
con “Blackbird”. Solo con su guitarra y su melodía
asciende varios metros en una plataforma. Lo
acompañan las luces de los celulares.
“Escribí esta canción para mi hermano John.
¡Arriba John!”, dice sobre “Here Today”, que
compuso en 1981, meses después de que asesinaran
a Lennon. En media hora también homenajeará
a George Harrison con los toques de ukeleke
para “Something”.
El Campo Argentino de Polo brillará con la
perfecta sincronía del estribillo de “Live And Let
Die”, entre fuegos artificiales y las llamaradas.
Queda el mantra del “náaa, nana, na, na, naa,
náaa” de “Hey Jude”. Y, segundos después, los bises
que seguirán en la galaxia Beatle, la secuencia
con que los Fab Four dijeron adiós: “Golden
Slumbers”- “Carry That Weight” - “The End”. “Y
en el fin, el amor que te llevás es igual al amor que
hacés”, canta un Beatle en Buenos Aires.
GUIDO ADLER
70 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Vivo
HERNÁN CATTANEO
Campo Argentino de Polo
9 de marzo
Viaje a la
eternidad
con entradas totalmente agotadas,
el DJ desplegó lo mejor de
su música por seis horas en un set
llamado “Sunset Trip”.
Organizado por Buena Productora,
la apertura estuvo a cargo de
Juan Hansen que dio un live show
desde las 16hs, para luego dar paso
a Cattáneo.
El DJ cerró con “Pulsar” de Cerati,
entre el enorme playlist que
desplegó en la primera edición de
Sunsetstrip Buenos Aires. El predio
también contó con distintos
puntos de gastronomía gourmet. A
su vez, un relax point con área de
masajes y artistas que estuvieron
recreando el #SunsetLook.
PWR FESTIVAL
Luna Park
8 de marzo
Todas
para una
el 8 de marzo, en el día internacional
de la Mujer, que hace honor
al empoderamiento femenino;
y, a beneficio de LALCEC (Liga
Argentina de Lucha contra el Cáncer)
tuvo lugar el PWR FESTIVAL
al Luna Park.
El evento contó con la conducción
de Cande Molfese y Dai Hernández,
junto a la participación especial
de Mica Suárez. El line up estuvo
conformado por Sofía Reyes, Malu
Trevejo, Natalia Jimenez , Angela
Torres, Agus Padilla, Victoria Bernardi
y Silvina Moreno.
BILLBOARD.COM.AR
71

Vivo
Adrián Dárgelos.
Rock en Baradero
Bienvenidos a
la ceremonia
En un momento en que el rock
nacional se encuentra interpelado por
el crecimiento del trap y los ritmos
latinos, del 2 al 4 de marzo Baradero
destiló rock & roll de pura cepa.
POR WALTER GARRÉ
como todos los años, la ciudad bonaerense
recibió al festival con la amabilidad que la caracteriza.
La gente en la puerta de sus casas y
los comercios rebozaron de hospitalidad. Pese
a las altas temperaturas, desde temprano todos
fueron acercándose al predio. La cercanía del
río Paraná y un oasis de árboles alrededor crearon
un microclima agradable para disfrutar de
las jornadas de música.
Día 1
Desde el comienzo se vivió una situación
de camaradería entre bandas que dejó en claro
cuál es el ambiente del festival. Los chicos
de La Cumparsita, banda oriunda de La Plata
-y una de las más esperadas por aquellos que
llegaron temprano-, tuvieron un problema con
la camioneta que los trasladaba y no llegaron
a tiempo para tocar. Apenas unas horas más
tarde, Cruzando el Charco (también platenses)
les compartió el escenario para que los músicos
de La Cumparsita se sacaran el gusto amargo y
puedan tocar un tema: “Circunvalación”. Con la
llegada del atardecer, el predio fue completando
su capacidad y junto a Pier llegaron las clásicas
banderas que no se irían hasta el final con La
25. Pero el highlight lo protagonizó Toti Iglesias
de Jovenes Pordioseros. Luego de salir a escena
con la bandera argentina como capa, el cantante
se desplazó en medio del show desde el escenario
Spotify (donde la banda estaba tocando) al
escenario Quilmes en el que se puso a cantar en
soledad como si fuera un B-Stage.
Hacia el final, Nonpa le puso una pizca de
reggae a la receta de rock & roll que trajeron
los shows de Gardelitos y Guasones. El cierre
de la primera jornada estuvo a cargo un destacado
show de Riff, con homenaje a Pappo
incluido. La 25 despidió a Baradero pero solo
por unas horas.
Día 2
Usted Señalemelo, Marilina Bertoldi, Bandalos
Chinos, Airbag y Louta, entre otros, fueron la
cara renovada del festival. Por fuertes tormentas
se suspendió el show de Babasónicos, que igualmente
se reprogramó para la tercera jornada.
Si la primera fecha de Rock en Baradero significó
la presencia de las bandas clásicas del rock
nacional, el día dos estuvo protagonizado por la
nueva generación -ya no tanto- que hace un rato
ocupa su propio lugar en los festivales más importantes
del país. En contraposición a las banderas
y las remeras negras del sábado, entre los
asistentes de esta jornada se destacó el glitter, los
outfits coloridos y hasta el vintage.
La fecha también contó con la presencia de
bandas que con más años en el camino han sabido
mantenerse frescos e innovadores a la hora de
cubrir las expectativas de las nuevas generaciones.
Airbag brindó un show demoledor con him-
TUTE DELACROIX
72 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Vivo
no nacional argentino incluido en las 6 cuerdas
de la Les Paul de Patricio Sardelli.
El cierre estaba a cargo de Usted Señalemelo
y Babasónicos pero a pocos minutos de haber
comenzado el set de los mendocinos se desató
una tormenta con fuertes vientos, y atinadamente,
la jornada fue suspendida por seguridad y los
tickets del día domingo eran válidos para disfrutar
de la última jornada. Una movida audaz y
acertada, que permitió a quienes sufrieron la tormenta
disfrutar de un día extra sin costo alguno.
Todos ganaron.
El show de los liderados por Adrián Dargelos
se reprogramó para el tercer y último día de
Rock En Baradero.
TUTE DELACROIX
Louta.
Viticus.
Rolo Sartorio.
Día 3
Entonces, debido a la reprogramación de horarios
y un pronóstico del clima adverso se reorganizó
la agenda de la jornada. Se arrancó más
temprano y se acortó algunos sets para que todos
puedan ver a su banda preferida. Babasónicos, La
Beriso, Eruca Sativa, El Kuelgue, Kapanga, Estelares
y Coti, entre otros, se encargaron de cerrar
la última jornada del festival.
Literal, Insobrio y Coverheads fueron los
encargados de dar la bienvenida a los que llegaron
temprano a disfrutar del día completo
sin perderse nada. El primer plato fuerte llegó
a las 17 horas con la sólida presentación de
Eruca Sativa. El power trío conformado por
Lula Bertoldi, Brenda Martin y Gabriel Pedernera,
al igual que en Cosquín, volvió a invitar
mujeres destacadas de la música nacional.
“Esta es una tarde muy especial y la queremos
compartir con mujeres que admiramos mucho”,
dijo Bertoldi antes de presentar a Gimena
Álvarez que se sumó a los teclados.
Al atardecer, Coti brindó un show plagado de
hits y gracias a su extenso repertorio Estelares
repitió la fórmula. “Coti querido, gracias por
dejarnos caliente el escenario”, exclamó Manuel
Moretti en el inicio de su show. A las 20 hs.
finalmente salió al escenario Babasónicos con
“Cretino”, de su último álbum Discutible (del que
también tocaron “La pregunta” y “Trans-Algo”).
El Kuelgue tomó la posta, y tal como nos tienen
acostumbrados, mezclaron talento y humor para
ganarse los aplausos de público.
Kapanga y Los Pericos fueron pura fiesta.
Hits de más de dos décadas para hacer bailar
a toda la familia. El cierre de la tercera jornada
del Rock en Baradero tuvo por primera
vez a La Beriso, el postre más deseado por la
mayoría de los asistentes de la fecha. “Quiero
contarles que el 14 de junio volvemos al Luna
Park, así que nos estamos viendo ahí”, anunció
Sartorio. La edición 2019 del Rock en Baradero
finalizó con saldo positivo y con cada año
se afianza con más fuerza en el calendario nacional
de festivales
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73

Reviews
EN PROCESO
Duki se encuentra
en el estudio de
grabación de Neuen
Arte trabajando
en Atmósfera,
su álbum debut
y del cual solo
se conoce un
pequeño adelanto:
“Vapormax”.
El trabajo no
tiene fecha de
lanzamiento pero
se editará en 2019.
WEEZER
Weezer (Black Album)
Atlantic
a lo largo de los años, la gran
crítica a Weezer es que sus discos
parecen siempre ser una fotocopia
más desgastada de la anterior. Finalmente
en Black Album se arriesgan
a cambiar. Se trata de una obra
que podría tranquilamente tratarse
de una compilación de lados B
de Fall Out Boy. Lo llamativo es
que el Black Album ya estaba ideado
y compuesto. Pero regresaron a
su conocida y efectiva receta y se
vieron tentados en hacerla pública
en Pacific Daydream de 2017, por
lo que este último trabajo de una
extraña experimentación, se vio
demorado un año y medio. La estrategia
del retraso pareció, sin embargo,
haber funcionado, ya que el
disco salió a poco más de un mes
de su Teal Album -un trabajo dedicado
a covers, en el que se destacó
Africa de Toto, que revivió aquel
hit ochentoso como una canción
meme. Esto permitió que este nuevo
disco surja como toda una novedad.
Pese a que la crítica no ha
apoyado con entusiasmo a sus álbumes
posteriores a Green Album
de 2001, Weezer tiene una sorprendente
convocatoria que en definitiva
es lo que importa.
LIL PUMP
Harverd Dropout
Warner
llboard Hot 100- no sea una mera
casualidad contextual. La obra presenta
algunos singles que han trascendido
con fuerza, el primero de
una seguidilla de siete hasta el momento
fue “Esskeetit”, publicado
hace casi un año. Seguido por
“Drug Addicts”, y continuado por la
colaboración con Kayne West en “I
Love It”. Otros featurings del álbum
incluyen a Quavo, Lil Uzi Vert, Lil
Wayne y YG and 2 Chainz. El lanzamiento
de Harverd Dropout tuvo
una demora de varios meses debido
a diversas razones: desde arrestos a
problemas de copyright. En este segundo
álbum Lil Pump se termina
de despegar del sonido sucio que lo
definía en Soundcloud, las temáticas
de las letras se mantienen como
una constante a la que le es imposible
escapar y las canciones en sí
parecen envueltas en un tamiz algo
sobre producido.
XIMENA
SARIÑANA
¿Donde bailarán las niñas?
Warner
el parate discográfico de casi
cinco años que ha tenido Ximena
Sariñana parece haber sido demasiado
extenso. Se trata de otra obra
de pop dirigida hacia la canción bailable.
Desde el título interactúa con
la ya tradición de parodia dentro del
rock y pop mexicano, como Molotov
hizo en 1997 con ¿Dónde jugarán
las niñas? al burlarse de Maná
y su ¿Dónde jugarán los niños? de
1992. “¿Qué tiene?”, el primer single
de ¿Dónde bailarán las niñas? ya
cuenta con más de diecisiete millones
de reproducciones en Spotify.
Dos de los puntos más altos son las
colaboraciones: “Fácil de amar”, propone
un aire de acid funk en colaboración
de IZA. Mientras que “No
Sé”, junto a Girl Ultra, juega con teclados
que remiten a los ochenta, o a
su versión actualizada, el vaporwave.
“Si tu te vas” es el otro corte de
difusión que llegará probablemente
a rankear alto en los charts, aunque
cargue cierta melosidad.
SOLANGE
When I Get Home
Columbia
hace rato que solange knowles
dejó de ser reconocida solamente por
su lazo sanguíneo con Beyoncé para
valerse por sí misma. En When I Get
Home ratifica lo iniciado en su placa
anterior, A Seat at the table, en donde
el neo soul y el rythm and blues tomaban
una perspectiva novedosa, en esta
ocasión incorpora elementos de jazz
y rítmicas artificiales arrancadas de
drum machines. Solange graficó sus
influencias para el álbum en música
basada en la repetición, más específicamente
en el compositor minimalista
Steve Reich, el mentor del afrofuturismo
venido de Jupiter Sun Ra, Alice
Coltrane y el disco The Secret Life
of Plants de Stevie Wonder. El álbum
presenta una gran novedad: en Spotify
es acompañado de una serie de videos
que refuerzan la propuesta de la
reiteración, se trata de breves clips que
se repiten incesantemente: desde una
limusina estacionando a ella vestida
de plateado, de pie sobre dos pequeñas
columnas grecorromanas. When
I Get Home cuenta con la producción
de Panda Bear, Pharrell y Tyler, The
Creator entre otros nombres, además
del de Knowles. En estas dos últimas
obras Solange deja con la intriga de
cuál será su siguiente paso.
MAREN MORRIS
Girl
Columbia
lil pump promete ser más que
una sola frase (“Esskeetit”, el famoso
grito de guerra trappero que acá
fue popularizada como “Skere”, es
de su creación) y mucho más que
un puñado de singles, como parecía
haber demostrado en su primer
disco de 2017. El trapero saca de la
duda en esta segunda placa que el
éxito de sus singles - con millones
de escuchas que lo llevaron al Biel
trabajo de maren morris se
para en ese extraño cruce entre el
pop y la música country, dos mundos
que parecen opuestos pero que en
Estados Unidos generan un inmenso
microclima. Mientras que su disco
debut, Hero, de 2016, escaló hasta
el puesto número cinco del chart Billboard
200, Girl se posicionó en el
puesto número cuatro. El grueso de
Girl se sostiene en una propuesta más
MIKELA BORGIA
74 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

POR ARIEL PUKACZ
JAMIE NELSON
pop, algo distante no sólo de los orígenes
más tradicionalistas del country
sino de la actualidad del estilo. El
nervio de aquel género fundacional
de la música estadounidense se siente
recién en la tercera canción de la placa,
“All my favourite People”, junto a
Brothers Osborne, que arremeten con
una furiosa guitarra eléctrica con slide.
Luego, “Common” (la otra colaboración
del disco junto a la cantautora
Brani Carlile) responde a la la lógica
de la mayoría del disco, canciones
pop construidas para triunfar. En los
últimos cuatro tracks de Girl es donde
Morris se encuentra un poco más a
sí misma, al evitar el pop homogéneo
y abrazar el country de una manera
balanceada, con cuerdas y guitarras
acústicas, slides etéreos y piano.
DIDO
Still on My Mind
BMG
tras dos discos que no fueron
lo suficientemente exitosos como No
Angel, su debut de 1999, y su continuación
Life For Rent de 2003, Dido
regresa luego de seis años de silencio
con Still On My Mind. Es una obra
que la vuelve a posicionar como una
gran compositora y cantante. El álbum
está, en su mayoría, acompañado
por una instrumentación mínima
compuesta por beats electrónicos e
instrumentos acústicos. Deja su voz
adelante, con un aura fantasmagórica
que se pasea entre el folk, trip hop,
dream pop y new age, como una versión
apta para todo público de lo más
liviano de Cocteau Twins pero también
con cierta reminiscencia a Enya
y The Cranberries. Como la gran parte
de su obra, Still on My Mind fue un
trabajo en equipo con su hermano,
el productor Rollo Armstrong. “Hurricane”
introduce el disco, primero
como una canción folk acústica, para
luego convertirse en un movido hip
hop. “Take You Home” y “Friends”
son dos canciones que funcionan fuera
de la lógica general del disco, con
bases más cercanas al techno, desentonan
pero sin ser redundantes.
BARILARI
Infierock
PopArt
muy atrás quedaron los años en
los que Rata Blanca llenaba estadios y
era un nombre recurrente en los festivales
de rock, cuando lograba que el
público general hiciera caso omiso a
la etiqueta de power metal y abrazara
al grupo como parte del extraño catálogo
popular de los noventa.
Su disco anterior, Barilari 4, lo mostraba
en una faceta de experimentación
con el metal industrial en el
que no parecía del todo cómodo, Infierock
en cambio lo trae de vuelta
a un heavy más clásico. “Infierock”
abre como una potente introducción
de la obra, continuada por “As de espadas”,
donde se da el gusto con el
blues rock, mientras que el resto de
la placa de despliega por un sonido
potente pero controlado, con baladas
como “En este mismo lugar” y
el sleaze rock de “Caja de Pandora”
que lleva a pensar en Motley Crue o
Fasster Pussycat. “Enfermedad Terminal”
entrega un furioso power
metal donde se lo nota en su salsa.
Desde las letras Infierock no es nada
amable, se adentra en la podredumbre
de la actualidad, sin metáforas,
de manera directa y trágica, como
ejemplifica en “Dueño de la mentira”.
Barilari vuelve a su sonido clásico,
que no va a decepcionar a sus
fans de ninguna manera.
LARA PEDROSA
El bosque del recuerdo
Twitin Records
pese a haber sido apadrinada
por Luis Alberto Spinetta, No Lo
Soporto no llegó a ser la banda que
prometía. Con El bosque del recuerdo
Lara Pedrosa, ex bajista del grupo,
logra hacerse un nombre propio
en una obra de pop que, por momentos,
por la propuesta íntima y
electrónica, puede llegar a recordar
a Adicta. “Quiero poder decir que
no”, abre el disco en colaboración de
Dante Spinetta en guitarra eléctrica,
seguida de “Fuego Blanco”, sin lugar
a dudas uno de los momentos más
interesantes de las nueve canciones
producidas por Tweety González.
“Melodía de extrañar” fue el primer
adelanto del álbum, cuenta con la
participación de Santiago Motorizado
de El mató a un Policía Motorizado
y “Qué va a ser de mi” fue el
otro single, en colaboración de La
Fe mme D´Argent, Rochi Igarzabal,
Esmeralda Escalante y Candelaria
Zamar en voces. Pedrosa creó
un cúmulo de canciones que se entrelazan
de manera coherente y que
proponen en su totalidad un disco
de carácter intimista. Descansa en
su voz suave y en los pocos elementos
instrumentales que decoran cada
una de las composiciones, y que
permiten la espera entusiasta de un
próximo lanzamiento.
TOM WALKER
What a Time To Be Alive
Relentless
los medios británicos han sido
injustamente severos con el escocés
Tom Walker y su obra, acusándolo
de haber hecho un disco que no se
aleja de la fórmula y “diseñado algorítmicamente
para nuestros tiempos”,
como una sombra desproporcionada
de Ed Sheeran, pero ¿Por
cada Radiohead cuantos bandas han
logrado ser inspiradas? ¿Por cada
Sex Pistols cuantos centenares de
émulos han surgido que terminaron
siendo parte del canon vital del
punk? Tom Walker merece mínimamente
la oportunidad de demostrar
lo que hace. Su single “Leave a Light
On”, con justas razones, se mantuvo
cuarenta y seis semanas en los charts
británicos, lo que le hizo ganar el
premio a artista revelación 2019 de
los Brit Awards.
El estilo de Walker se basa en un
interesante juego de guitarra acústica,
bases electrónicas y su voz
potente recorriendo melodías con
una clara capacidad hacia el hit. Si
bien el álbum ha salido recientemente,
funciona bajo la lógica actual
de que parte del repertorio sea
la sumatoria de singles lanzados
previamente, como “Walk Alone”,
originalmente publicado en el álbum
de Rudimental, la banda electrónica
británica.
Maren Morris.
BILLBOARD.COM.AR
75

Gracias x venir
1
8
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2
3
9
4
6
7
5
10
1 DVICIO
El quinteto español pasó por nuestra
casa para almorzar con fans. Los
chicos eligieron en Rappi milanesas,
sushi, papas fritas y al horno, entre
otros manjares.
-
2 Hernán y La Champion Liga
El cumbiero se encuentra
presentando Dónde estás. Además,
próximamente editará un álbum en
vivo con sus más grandes hits.
-
3 Chiara Parravicini
La cantante acaba de editar Wilder,
su álbum debut.
-
4 Laura Miller
En un nuevo regreso a la música,
hablamos con la cantante pop sobre
su nuevo sencillo “A que”.
-
5 Bizarrap
El productor de 20 años habló sobre
el presente del trap argentino y
adelantó que grabó una sección de
freestyle junto a Ecko.
-
6 Gativideo
Antes del Lollapalooza, el grupo de
Boedo estrenó el single “Flota flota”.
-
7 Nani
La rosarina se encuentra
presentando su nuevo single y video:
“Voy bailando”.
-
8 DJ Alex
El joven de 19 años es una fija dentro
del top del Billboard Argentina Hot
100 desde diciembre de 2018 con
“Leña para el carbón”.
-
9 Alan Verdier
El trapero urguayo se radicó en
Argentina por el fuerte presente de
la escena y estrenó el single “Para mi
no ma’”.
-
10 La reina del flow
Hablamos con el elenco de la serie
sobre su debut en Telemundo y la
segunda temporada que está en
camino.
FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX
BILLBOARD.COM.AR
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78 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Halsey.
BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
KEVIN WINTER/GETTY IMAGES
Mujeres al poder
Apenas transcurrieron
tres meses desde
que comenzó el 2019 y
las artistas femeninas
solistas que encabezaron
el chart ya empataron el tiempo
que lo lideraron durante el 2018.
La canción de Ariana Grande, “7
Rings”, domina el chart por séptima
semana consecutiva, tal como
sucedió con su primer N°1, “Thank
U, Next”, su récord personal. Estos
temas son la clave para la supremacía
de las mujeres en las listas en el
2019, de la mano de “Without Me”
de Halsey y de “Shallow”, el dueto
de Lady Gaga y Bradley Cooper.
Las sumas de los éxitos de las mujeres
en 2018 y 2019 superan los
éxitos del 2017 (8 semanas) aunque
las cifras palidecen al compararlas
con su punto máximo durante los
últimos diez años: 37 semanas en el
N°1 durante el 2011, cuando Lady
Gaga, Adele, Katy Perry, Rihanna y
Britney Spears fueron sorteándose
el lugar en la cumbre. Los cantantes
masculinos lideraron solo por
dos semanas en el 2019 gracias a la
canción “Shallow” y a Post Malone
con Swae Lee con “Sunflower”. Esto
fue después de registrar 37 semanas
en lo más alto en 2018, luego de la
explosión del hip hop dominado
en su mayoría por hombres, en el
2017. Los promedios anuales respecto
a hombres solistas versus mujeres
líderes de su rubro en el N°1
en el Hot 100 en la década de 2010
hasta el 2018, se ubican en 24.4 vs.
19.8 semanas. Una ventaja que, si el
panorama que mostró el inicio del
2019 se prolonga, podría disiparse
hacia el final del año. —GARY TRUST
BILLBOARD.COM.AR
79

¿Cómo se vincularon con Marshmello?
Hicimos una versión acústica más áspera
de la canción pero no pensábamos que
podría ser un tema de Chvrches. Así que
se la llevamos a Marshmello porque pensábamos
que querría usarla para alguien
más, como Selena Gomez. Pero él dijo:
“Quiero que ustedes sigan involucrados en
esto”. No estaba buscando un artista de
primerísimo nivel, él solo estaba emocionado
con la canción.
“Here With Me” es el primer featuring
oficial de Chvrches. ¿Cómo afectó el
hecho de ser el invitado en la estrategia
de lanzamiento?
La canción completa un récord
de 31 semanas en el Nº1
en la lista de Mainstream Top
40 airplay chart. Blanco gana
a su primer Nº1 como artista,
y agrega su decimosexto
como escritor y productor.
Había menos prisa de parte nuestra para
la promoción. No estábamos a cargo. No
es a través de Glassnote, nuestro sello en
los Estados Unidos. Esperábamos que
un artista como Marshmello tuviera más
reglas, pero nadie nos decía que debíamos
y qué es lo que no debíamos decir.
¿Cómo logra encajar “Here With me”
con el sonido de Chvrches?
Nuestra música es difícil de encasillar
y eso es una ventaja. No necesitamos
encajar en un modelo. La industria ha
cambiado y hay mayor libertad de la que
había antes. Es el Lejano Oeste. Podés
hacer lo que quieras.
BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
80 BILLBOARD AR | ABRIL, 2019

Luego de convertirse en el tema con
el posicionamiento más alto del Hot
100 de Panic! at the Disco, “High
Hopes” es actualmente la canción
que más lidera el chart del Adult Top
40 airplay en esta década, mientras
encabeza la última lista por la
quinceava semana. Esto se traduce
en un triunfo sobre el empate que
venía teniendo con “Girls Like You”, la
colaboración de Maroon 5 con Cardi
B, que gobernó durante 14 semanas
en 2018. El reino de “Hopes” es el
más extenso en un chart desde
“How to Save a Life”, interpretada
por The Fray, que también lideró el
chart durante quince semanas entre
2006 y 2007. Sin embargo, el récord
general le pertenece a Santana de la
mano de Rob Thomas, con “Smooth”:
25 semanas en el puesto N°1 entre
1999 y 2000.
BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS,
RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE
RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.
El primer tema de Meek Mill
que ingresa en el top 10 vuelve
a la cima luego de tres meses.
Actualmente, la canción que
se ubicaba dentro del top 20
Radio Songs rebota al top 10 de
las Streaming Songs con 25.3
millones de streams.
Gracias a los usuarios de
TikTok, que han incorporado
la canción al reto viral
Microwave Challenge, Joji
logró ingresar por primera
vez al Billboard Hot 100.
BILLBOARD.COM.AR
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CODA
REBOBINANDO
LOS CHARTS
Hace 48 años
IKE Y TINA TURNER
ENTRARON EN EL TOP 10
La improvisada introducción “agradable y áspera” de “Proud Mary” impulsó
el ascenso de la pista al número 4 en el Billboard Hot 100
“ya sabe, de vez en cuando pienso
que a usted le gustaría escuchar de nosotros
algo agradable y ... fácil”, dice Tina
Turner en la intro de ella y de su esposo
Ike Turner en el cover de Creedence
Clearwater Revival “Proud Mary”. “Sólo
hay una cosa”, añade, “nunca, nunca hacemos
nada agradable y fácil. Siempre lo
hacemos bien y con rudeza”.
Casi 50 años después, la canción sigue
siendo una de las grabaciones más destacadas
de los Turners y, según Tina, esa
introducción fue improvisada por completo
durante uno de los conciertos del
dúo en Oakland, California. Cuando Ike
comenzó a tocar el rasgueo, sin adver-
tencia, los acordes de la canción (recordó
Tina en sus memorias de 2018, My Love
Story) “ni siquiera estaba segura de recordar
las palabras, así que empecé a hablar
para ganar un poco de tiempo”. Justo
como Tina prometió en Oakland y en la
grabación, su versión de “Proud Mary”
comenzó “fácil”, el conmovedor barítono
de Ike contra el sensual contralto de
su esposa, y terminó “áspero” con los
cuernos y los fuegos artificiales vocales
de Tina. “Estaba orgullosa de mí misma”,
escribió Tina sobre su improvisación, que
ayudó a “Proud Mary” a convertirse en el
mayor éxito del dúo en el chart. Alcanzó
el número 4 en el Billboard Hot 100 el
27 de marzo de 1971 y ganó un premio
Grammy. La pista también aceleró la ruptura
matrimonial de los Turners, aunque
de manera indirecta. Ike construyó su
propio estudio de grabación con las ganancias
y, según Tina, el ambiente aislado
alimentó el uso de drogas y su comportamiento
violento hacia ella. La pareja se
separó en 1976 y se divorciaron dos años
después. Ike luchó por igualar su éxito
anterior: continuó grabando antes de
morir por una sobredosis de cocaína en
2007. Tina también tropezó al principio
de su carrera como solista, pero llegó a lo
grande con su LP de 1984, Private Dancer,
y su single Hot 100 No. 1, “What’s
Love Got To Do With It”.
“Proud Mary” siguió siendo un punto
culminante de los shows en vivo de Tina,
incluida una presentación de 2008 con
Beyoncé en los premios Grammy. Recientemente,
la cantante ahora jubilada, de 79
años, supervisó un musical sobre su vida,
Tina, que tuvo su estreno en Londres en
2018 y se presentará en Broadway a partir
de septiembre. —TREVOR ANDERSON
Tina e Ike Turner,
en camarines antes
de un show en Las
Vegas, en 1970.
GUNTHER/MPTV IMAGES
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