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Libro de arte 3º ESO

Fichas de arte realizadas por el alumnado de 3º de ESO del IES Alfredo Kraus.

Fichas de arte realizadas por el alumnado de 3º de ESO del IES Alfredo Kraus.

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Arte del Renacimiento

Contexto histórico y cultural

El Renacimiento fue fundamental en el inicio de la Edad Moderna. Este movimiento

artístico ocurrió después de la decadencia de la Edad Media, debida a distintos hechos

históricos como el debilitamiento de la Iglesia católica.

Debido a este debilitamiento, las academias buscaron mejorar volviendo a los valores

griegos y latinos. La economía y la situación demográfica mejoró, todo esto también fue

gracias al progreso técnico y científico, ayudado por la imprenta y la rápida difusión de los

pensamientos humanistas.

Gracias a todo lo anterior, el pensamiento se volvió antropocentrista, que a diferencia del

teocentrismo medieval, colocaba al ser humano en el centro del universo.

Italia se convirtió en el centro de la cultura renacentista y en sus ciudades-estado hubo un

ascenso de patrocinadores de la cultura y el arte.

Por último, hubo una separación entre la Iglesia y los Estados, los reyes se volvieron más

independientes frente al papado.

Arquitectura

Hubo una necesidad de realizar edificios perfectos basados en complejos cálculos

matemáticos y geométricos.

Se emplean técnicas grecorromanas.

Las cúpulas adquieren protagonismo.

Edificios adaptados a las proporciones humanas.

Palacios en lugar de grandes castillos.

Edificios religiosos(cruz latina) o edificios de planta central(cruz griega)

Escultura

La escultura se separa de la arquitectura.

Es fundamentalmente cristiana, centra su interés en la belleza formal.

Hay más libertad en el tratamiento de los temas.

Representan la realidad aunque a veces se idealize.

Tiene un especial interés en la anatomía humana.

Las esculturas tienen gran expresividad.

Utilizan la perspectiva en los relieves.

Pintura

Sus modelos son la naturaleza y las obras grecolatinas.

Crean espacios tridimensionales. Valoran la composición, el volumen, el espacio, la

iluminación y el gesto de la figura representada. El fondo opaco de la Edad Media se supera

con fondos transparentes y abiertos, pintados gracias al óleo.

Representación visual gracias a la perspectiva y la proporción con base antropocéntrica.

La pintura es realizada con las técnicas de temple, fresco y óleo, sobre lienzos y tablas.

Tiene temas de hechos históricos, de fe y de hechos mitológicos.

M.B.H. 3º C


Cúpula de

Santa María de

las Flores

Descripción

Se trata de una estructura arquitectónica de

Filippo

Brunelleschi que se compone por ocho

grande paños de ladrillos rojos con un

tamaño de 3.50m total y con seis hileras de

areniscas.

El espacio intermedio tendría una altura de

1.20 que atraviesa 4 pasillo del interior con

cuatro grandes pilares en los que se sujeta

toda la cúpula.

Significado

Fue una de las obras más importantes desde

la caída del Imperio romano.

Localización: Baños de Cerrato (Palencia)

Autoría: Filippo Brunelleschi

Estilo: Renacimiento

Datación: 1420-1436

Materiales: Ladrillo, piedra y mármol

M.M.J. 3º ESO C


Iglesia de San

Lorenzo

Descripción

Es una iglesia italiana de culto católico,se

puede ver una gran fachada y una cúpula

,tiene una geometría simple , bastantes

ventanas y todo parece simétrico.

En el interior se puede encontrar una gran

variedad de salas y pinturas hermosas.Antes

de entrar hay como una estatua que yo creo

que no es muy importante.En su interior

destacan la sacristía vieja, diseñada por el

propio Brunelleschi, y la sacristía nueva,

obra de Miguel Ángel.

Significado

Localización: Florencia

Autoría: Brunelleschi

Estilo: Renacimiento

Datación: 1422

Materiales: Piedra y mármol

Es una de las iglesias más grandes de

Florencia ,es la tumba de todos los

miembros principales de la familia Medici

desde Cosimo de Medici hasta Cosimo III y

es posiblemente, es la iglesia más antigua de

Florencia y se considera la primera iglesia

totalmente renacentista.

H.M.S. 3º ESO C


Palacio

Médici-Riccardi

Descripción

Se trata de un palacio de 3 plantas separadas

por medio de cornisas voladas. Actualmente

se utiliza como residencia y también como

museo.

Tiene varias habitaciones que dan a un patio

interior cuadrado. Es de arte gótico. Está

formado por dos cuerpos, el inferior tiene

una arcada sobre una serie de columnas de

orden compuesto, mientras que el cuerpo

superior es macizo, en él se abren una serie

de vanos bíforos, tomados de la antigüedad

clásica.

Se utiliza el sillar almohadillado en la parte

inferior que evoluciona a un almohadillado

mucho más suave y pulido en la parte

superior.

Localización: Florencia (Italia)

Autoría: Michelozzo di Bartolomeo

Estilo: arquitectura del Renacimiento

Datación: 1444

Materiales: piedra, sillar almohadillado

Significado

Fue encargado en 1444, por Cosme el Viejo a

Michelozzo. Se inspiró en Leon Battista

Alberti, hizo un edificio sobrio y austero.

La forma en la que lo construyó se convirtió

en el prototipo oficial de la arquitectura civil

renacentista y el símbolo de la potencia

política de los Médicis. El edificio fue la

residencia de esta familia durante unos cien

años, hasta que, en 1659, pasó a ser

propiedad de la familia Riccardi, que le hizo

reformas barrocas.

C.M.S. 3º ESO C



Fachada de

Santa María

Novella

Descripción

Es una iglesia italiana de culto católico,se

puede ver una gran fachada y una cúpula

,tiene una geometría simple , bastantes

ventanas y todo parece simétrico.

En el interior se puede encontrar una gran

variedad de salas y pinturas hermosas.Antes

de entrar hay como una estatua que yo creo

que no es muy importante.En su interior

destacan la sacristía vieja, diseñada por el

propio Brunelleschi, y la sacristía nueva,

obra de Miguel Ángel.

Significado

Esta obra es importante porque Alberti

consiguió incorporar la tradición de un

edificio gótico ya construido, integrando

elementos como el rosetón o las puertas

laterales.

La figura de Alberti, representa fielmente al

humanista típico del renacimiento.

Localización: Florencia

Autoría: Alberti

Estilo: Renacimiento

Datación: 1470

Materiales: Mármol y ladrillo

M.M.S. 3º ESO C


Villa Rotonda

Descripción

Villa Rotonda es un palacio campestre

diseñado por Andrea Palacio y construido a

partir del año 1566 a las afueras de Vicenza,

Italia.

El proyecto refleja los ideales humanísticos

de la arquitectura del renacimiento.

La construcción consiste en un cuadrado

completamente simétrico e inscrito en un

círculo perfecto.

A través de las cuatro escalinatas exteriores,

se accede a un corto corredor que a su vez

lleva hasta una sala central cubierta por una

cúpula.

Localización: Vicenza

Autoría: Andrea Palacio

Estilo: Renacentista

Datación: 1566

Materiales: Piedra y ladrillo estucado

Significado

La Rotonda fue la Villa que más influencia

tuvo en la arquitectura neoclásica de los

siglos XVIII y XIX, llegando a ser inspiración

para importantes edificios en Europa y

Estados Unidos, e incluso para la propia

Casa Blanca.

C.B.I. 3º ESO C


Templo de San

Pietro in

Montorio

Descripción

El templo de San Pietro in Montorio es obra

del arquitecto Bramante. Está hecha en

mármol , granito travertino. Su planta es

circular y está rodeada por una columnas y

cubierta por una cúpula.

Localización: Roma

Autoría: Bramante

Estilo: Renacimiento

Datación: 1502-1510

Materiales: Mármol, granito y travertino

Significado

Este templo fue financiado por los Reyes

Católicos como agradecimiento por la

conquista de Granada, y construido sobre el

lugar en el que según la tradición fue

martirizado San Pedro.

A.O.N. 3º ESO C


Escalera de la

Biblioteca

Laurenciana

Descripción

La escalera proyectada por Miguel Ángel es

la verdadera protagonista del vestíbulo de

entrada. Está compuesta de tres tramos

diferentes, las escaleras llegan a la sala de

lectura. Hay una puerta pequeña para poder

destacar mejor la escalera.

en lugar de seguir con fidelidad los cánones

clásicos estipulados por griegos y romanos,

MiguelÁngel utilizó estos motivos:columnas,

frontones, ménsulas de manera más

personal y expresiva

Localización: biblioteca laurenciana

(Florencia

Autoría:Miguel Ángel

Estilo: Arquitectura manierista

Datación: 1571

Materiales: Piedra Gris oscura

Significado

Es una de las bibliotecas más importantes de

Florencia y de toda Italia. Es famosa por

conservar aproximadamente 11.000

manuscritos, además tiene también papiros

y libros.

La escalera surge como un elemento de

funcionalidad y fue un encargo del papa

Clemente VII de Médici. Hoy, Laurenziana es

un museo, el museo de una de las

bibliotecas más famosas del mundo.

Es una realización arquitectónica donde se

busca la sorpresa, la inquietud, el

desconcierto y el desequilibrio.

J.R.A 3º ESO C1


Cúpula de San

Pedro

Descripción

La cúpula, de 42 metros de diámetro, se alza

en el crucero. En el exterior destacan las

columnas adosadas y pareadas alternadas

con ventanales coronados por frontones

triangulares y tímpanos semicirculares. Tras

una banda horizontal adornada con

guirnaldas típicamente renacentistas,

arrancan los grandes nervios de la cúpula

semiesférica hasta la base de la linterna o

claraboya de unos 17 metros de altura.

La decoración externa está inspirada en el

mundo grecolatino. Para romper la

monotonía, lo adorna con una triple hilera

de ventanales horizontales entre sí. estos

ventanales no tienen su traslación en la

bóveda interior.

Interiormente está decorada con una

especie de casetones de inspiración romana.

Localización: Ciudad del Vaticano (Italia).

Autoría: Miguel Ángel.

Estilo: Renacentista

Datación: 1590

Materiales: Mármol

Significado

Miguel Ángel pretendió que la cúpula de la

catedral proyectada por Bramante se

convirtiese en el símbolo del poder de la

iglesia y su grandiosidad. Como la de Santa

sofía, debía alzarse sobre un haz luminoso

que separarse la tierra del cielo.

P.P.M. 3º ESO C 1


Fachada de la

Universidad de

Alcalá de

Henares

Descripción

Es una de las obras más importante del

Renacimiento español. La construyó

Rodrigo Gil tras la muerte del Cardinal

Cisneros y se terminó en 1553.

La Universidad fue mucho más que la

portada de su Colegio Mayor de San

Ildefonso. En su conjunto, la institución

cisneriana supuso la fundación de más de

cuarenta colegios menores a los que se

unieron multitud de conventos, hospitales,

imprentas y una cárcel para estudiantes que

transformaron la villa medieval complutense

en el primer modelo de ciudad universitaria

de la Edad Moderna.

Localización: Alcalá de Henares (Madrid)

Autoría: Cardenal Cisneros, construida por

Rodrigo Gil.

Estilo: Renacentista.

Datación: 1499

Materiales: Piedra

Significado

La Universidad de Alcalá de Henares fue

declarada Patrimonio de la Humanidad por

la UNESCO en 1998 por su importancia

cultural y por su impresionante herencia

arquitectónica.

L.A.G. 3º ESO C


Palacio de

Monterrey

Localización: Plaza de Monterrey,

Salamanca.

Autoría: Rodrigo Gil de Hontañón

Estilo: Plateresco

Datación: 1539

Materiales: Piedra franca de Villamayor

Descripción

Fue edificado en el siglo XVI. Está

considerado como la construcción civil

renacentista más popular e imitada en

España e Hispanoamérica. El proyecto era

de planta cuadrada y patio central, pero por

motivos económicos solo se edificó un

lateral, quedando el edificio inacabado. El

proyecto preveía un edificio de planta

cuadrangular de tres pisos y un patio

central, con torres en cada esquina y en el

centro de cada ala. Al cabo no se construyó

más que una de las alas, la del sur. En las

esquinas, leones y animales oníricos,

diseñados por Fray Martín de Santiago,

sostienen escudos con las armas de los

Zúñiga, Acevedo, Ulloa, Sotomayor y

Fonseca. La galería del último cuerpo tiene

arcos renacentistas. Los balcones y ventanas

están adornados con decoración plateresca.

Significado

Desde entonces se convertiría en una de las

obras más representativas del renacimiento

español, si bien es un edificio inacabado

pues su proyecto completo era mucho

mayor. Su imagen (con torres y decoración

suntuosa) simboliza la gran nobleza del Siglo

de Oro español.

M.A.M. 3º ESO D


Monasterio de

San Lorenzo

de El Escorial

Localización: Sierra de Guadarrama

Autoría: Juan Bautista de Toledo y Juan de

Herrera

Estilo: Herreriano o escurialense

Datación: 1563-1584

Materiales: granito

Descripción

Es un complejo que incluye un palacio real,

una basílica, un panteón, una biblioteca, un

colegio y un monasterio. Se encuentra en la

localidad española de San Lorenzo de El

Escorial, en la Comunidad de Madrid, y fue

construido en el siglo XVI entre 1563 y 1584.

El palacio fue residencia de la familia real

española, la basílica es lugar de sepultura de

los reyes de España y el monasterio fundado

por monjes de la Orden de San Jerónimo,

está ocupado actualmente por frailes de la

Orden de San Agustín. Es una de las más

singulares arquitecturas renacentistas de

España y de Europa.

Fue considerado, desde finales del siglo XVI,

la Octava Maravilla del Mundo.Su

arquitectura marcó el paso del plateresco

renacentista al clasicismo desornamentado.

Sus pinturas, esculturas, cantorales,

pergaminos, ornamentos litúrgicos y demás

objetos suntuarios, sacros y áulicos hacen

que El Escorial sea también un museo.

Significado

Las motivaciones que llevaron a Felipe II

(1556-1598) a construir el Monasterio de El

Escorial fueron básicamente: por una parte

el deseo de cumplir una promesa de

construir un templo en acción de gracias

por la victoria de la batalla de San Quintín

contra los franceses, acaecida el 10 de

agosto de 1557, día de San Lorenzo.

R.G.S. 3º ESO C


San Jorge

Descripción

Esta obra es una escultura de Donatello, el es el

equivalente a un caballero moderno con estatus

y dominio.

la estatua mide 209 centímetros de altura y san

jorge luce una armadura la cual su gran altura

representa a su cruz.

Es de mármol policromado, tiene serenidad en el

rostro y también simplicidad.La vestimenta

romana y el pelo rizado le dan un aire clásico a

un santo cristiano, y a la vez a los elementos

romanos se les da un carácter cristiano.

El escudo define el eje de la figura tanto en

altura como en anchura con la horizontal de los

hombros

Tienes rasgos individuales como si se tratara de

un retrato

Significado

Está considerada como la primera figura

renacentista.

Es una figura religiosa cristiana tratada con

rasgos individuales.

San Jorge era soldado un romano, en el s. IV y se

convierte al cristianismo negándose a obedecer

las órdenes imperiales de perseguir a los

cristianos. Al final es torturado y ejecutado

Localización: Museo Bargello. Florencia

Autoría: Donatello

Estilo: Renacentista

Datación: 1417

Material: Mármol

El trabajo se considera como una de las más

antiguas representaciones de un único punto de

vista de perspectiva central, De acuerdo con la

técnica desarrollada por Brunelleschi en esos

años.

A.B.M. 3º ESO C


Moisés

Descripción

Es una escultura renacentista del siglo XVI,

del Cinquecento en Italia. Está en el centro

de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de

San Pedro, en Roma. Es una escultura de

cuerpo entero, el lenguaje corporal, la forma

en que sujeta los diez mandamientos, la

larga barba y la posición sentada de

pasividad que contrasta con su expresión de

acción, otorga a la escultura de Moisés una

dimensión más profunda y humana. la obra

sólo puede ser contemplada frontalmente.

El primer proyecto consistía en una tumba

exenta, a cuatro fachadas, con más de

cuarenta estatuas. Este proyecto irá

reduciéndose por motivos económicos.

Moisés representa al Moisés bíblico en el

libro del Éxodo. La obra retrata el momento

en que Moisés desciende del

monte Sinaí con la tabla de los diez

mandamientos y se encuentra con los

israelitas adorando a un becerro de oro.

Autor: Miguel Ángel

Cronología: 1513-1515

Ubicación: San Pietro in Vincoli, Roma

(Italia)

Material: mármol blanco

Significado

Está escultura es importante, porque fue

diseñada por uno de los mejores escultores

de la época que fue Miguel Ángel.

También porque está en el centro de la

tumba del Papa Julio II.

L.E.L 3º ESO C


Piedad

Rondanini

Descripción

Considerada como la última obra realizada

por Miguel Angel en la que estuvo

trabajando durante 6 días antes de fallecer.

Se encuentra sobre un pedestal de aspecto

rocoso y estrecho, la Virgen María está en

pie sujetando el cuerpo de Cristo que por

primera vez en la obra del escultor y en la

escultura Italiana, se representa erguido y

de cuerpo entero

Significado

La Piedad del Vaticano o Piedad de Miguel

Ángel es una escultura de bulto redondo.

Representa el momento en que la Virgen

María recibe el cuerpo de Jesús y lo sostiene

en sus brazos, justo antes de la llamada

lamentación sobre Cristo muerto o planctus.

Las principales características de esta

escultura resultan de las soluciones que el

artista encontró para el tratamiento de la

composición, el material, las dimensiones y

las figuras.

Localización: Castell Sforzesco (Milán)

M.P.M 3º ESO C

Autoría: Miguel Ángel

Estilo: Manierista

Datación: 1920

Material: Mármol


El pago del

tributo

Localización: Santa María del Carmine,

Florencia, Italia

Autoría: Masaccio

Estilo: Renacimiento

Datación: 1425

Técnica: Pintura al fresco

Descripción

El Pago del Tributo es una de las escenas

más famosas y enigmáticas de los frescos

que Masaccio pintó en la Capilla Brancacci

de la iglesia de Santa María del Carmine en

Florencia. La pintura se fecha entre el 1424 y

1428, es decir, en los inicios del renacimiento

y nos sirve para ejemplificar algunas de las

máximas que marcaron este periodo, tales

como la profundidad, la perspectiva e

incluso, si se estudia con detenimiento, la

realidad moral del Quattroccento. Está

situado en la fila superior del muro lateral

izquierdo de la capilla y nos muestra un

episodio de la vida de Jesucristo narrado en

el evangelio según San Mateo (17, 24-27) en el

cual un recaudador solicita el tributo a

Cristo para entrar en Cafarnaún, Jesús le

dice a San Pedro que se dirija al río y pesque

un pez en el que hallará una moneda con la

que pagar la cantidad debida.

Significado

No está claro por qué Masaccio seleccionó

esta historia bíblica en particular. El hecho

de que el pago se obtuviera del dinero en la

boca de un pez puede haber sido una

alusión al comercio marítimo que era la

fuente de la riqueza de la ciudad. Brancacci

estaba promoviendo el estado de la Iglesia

en Roma, que se basó históricamente en San

Pedro, el primer papa.

I.A.A. 3º ESO C


Llanto sobre

Cristo Muerto

Descripción

Podemos apreciar un Cristo muerto

tumbado sobre una losa de mármol de

manera perpendicular al espectador y

tapado con una sábana blanca pintada con

sus tonos de piel lo que le da un toque sobre

cogedor. Se puede apreciar que tiene

heridas en las manos y pies por lo que esta

escena debe hacer referencia a momentos

después de que le crucifican. A su lado lo

acompañan tres personas más de las cuales

se puede reconocer que la de en medio es la

Virgen María y el que está situado a su

derecha es San Juan Evangelista. La tercera

figura del fondo es irreconocible ya que solo

salen su nariz y boca por lo que podría ser

cualquiera. Los tres aparecen desconsolados

llorando su muerte.

En cuanto al cuadro en general se puede

apreciar que todo está pintado con colores

con tonalidades grisáceas y bastante claros.

Localización: Pinacoteca de Brera (Milán)

Autoría: Mantegna

Estilo: Renacentista

Datación: 1457-1504 (impreciso)

Técnica: Pintura al temple

Significado

Se trata de la última obra y una de las más

conocidas de Andrea Mantegn. La hizo poco

antes de enfermar y tras unos años morir

por lo que puede parecer un poco

inacabada. La obra la encontraron al morir

en su casa.

Comparando la pintura con las

concepciones artísticas de la Edad Media

muestra gran innovación muy propia del

renacimiento ya que representa una figura

humana sin simbolismos. Se concentró en

retratar más el trauma físico que el emotivo

por lo que era contrario al ideal espiritual.

I.T.L. 3º ESO C


Dormición de

la Virgen

Descripción

Andrea Mantegna(1431-1506) destaca entre

los pintores del Quattrocento por su

conocimiento del arte clásico y por el

vigoroso tratamiento de las figuras en el

espacio.

San Juan aparece según la iconografía

Dormitio Virginis con la palma, San Andrés

en el centro con su incensario,San Pedro en

el centro bajo el ventanal con el libro que

celebra el ritual.

Significado

La obra fue la más escandalosa de la carrera

de Caravaggio, y su leyenda se ha visto

acrecentada a lo largo de la historia del

arte.El encargo provenía de la iglesia de

Santa María della Scala, de Roma.

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Andrea Mantegna

Estilo: Renacimiento

Datación: 1462

Técnica: técnica mixta sobre tabla

P.C.E, 3º ESO D


Sacra

Conversación

Descripción

Esta obra es una Virgen con donante, ya

habitual en esa época, el donante aparece

con el mismo tamaño u estilo que los santos,

esto, nos indica la dignidad y valoración del

hombre, ahí se hace presente el humanismo.

Para respetar la jerarquía la Virgen está en

el centro, así como el duque en el exterior.

La composición es cerrada y hay equilibrio

entre verticales y horizontales y circulares,

también tiene punto de fuga, en esta época

aparece mucho.

El espacio en el que está es renacentista y

Clásico.

Las figuras son corpulentas, monumentales

y de gran tamaño, son algo estáticas

también

También se puede apreciar que hay un

efecto de luz, se puede apreciar en el edificio

de atrás, así se puede ver que la luz viene de

la izquierda.

Localización: Pinacoteca de Brera (Italia)

Autoría: Piero della Francesca

Estilo: Renacimiento

Datación: 14

Técnica: Óleo sobre tabla

Significado

Fue importante porque fue su última obra

con la que pudo ver, ni la terminó él ya que

se quedó ciego, en su lugar se cree que

Pedro Berruguete pintó las manos del

duque.

E.V.P. 3º ESO C


El nacimiento

de Venus

Localización: Galería U

Autoría: Sandro Boticelli

Estilo: Renacimiento

Datación: 1485

Técnica: Temple sobre lienzo

ci (Florencia)

Descripción

Este cuadro fue en su tiempo una obra

revolucionaria por cuanto presentaba sin

tapujos un desnudo no justificado por

ningún componente religioso, así como un

tema mitológico procedente de la cultura

clásica grecorromana anterior al

cristianismo, lo que suponía la plena

aceptación —al menos por parte de las élites

culturales— del nuevo humanismo

renacentista alejado del oscurantismo

medieval. Esta obra está relacionada con el

neoplatonismo y la formulación por

Marilsio Ficino de un concepto idealizado

por el amor donde la figura de Venus se

desdobla en dos versiones complementarias,

la Venus celeste, y la Venus terrenal, que

simboliza el amor espiritual y el amor

material.

Significado

Su interpretación iconográfica se vincula

con la Academia Platónica Florentina, un

círculo intelectual patrocinado por la

familia Medici, que se desarrolló tanto en el

terreno de la filosofía como de la literatura y

el arte.

R.S.P. 3º ESO C


Virgen de las

rocas

Descripción

En el cuadro se puede ver a la Virgen, que

está en el centro, con la mano derecha

sostiene a Juan el Bautista, a quien está

mirando. A su izquierda está el arcángel

Uriel sentado más abajo que la Virgen. Más

abajo está el niño Jesús sentado, que

también mira a Juan Bautista. La Virgen

predomina en la imagen.

Leonardo eligió pintar un momento apócrifo

de la infancia de Cristo, cuando Juan el

Bautista, refugiado dentro de una gruta y

protegido por un ángel, ​ encuentra a la

Sagrada Familia en su huida a Egipto. De

acuerdo con la interpretación tradicional de

las pinturas, representan a la Virgen María

en el centro, empujando a Juan hacia Jesús,

que está sentado con el arcángel Uriel. Jesús

está bendiciendo a Juan, que extiende su

mano en un gesto de oración. En este

cuadro, tal como lo pinta Leonardo, Juan

reconoce y venera al Niño como Cristo

Localización: Museo del Louvre

Autoría: Leonardo Da Vinci

Estilo: Renacentista

Datación: 1480

Técnica: Óleo sobre tabla

Significado

La Virgen de las Rocas, por su complejo

contenido simbólico, es una de las obras

más emblemáticas de Leonardo da Vinci.

Fue encargado al pintor por la Cofradía

Inmaculada Concepción de la iglesia de San

Francisco. Establecieron un contrato para

un retablo a colocar en el altar de la capilla

de la iglesia de San Francisco. Gracias a esto

se popularizó mucho, tanto la obra como

Leoanardo, sin embargo, no se vendió hasta

el siglo XVI

V.M.P. 3º ESO B


La Última

Cena

Descripción

En la pintura se observa claramente a Jesús,

rodeado de sus 12 apóstoles en el comedor,

la cara de sorpresa y expresiones humanas

de los integrantes denota que alguno de los

varios apóstoles lo traicionará en cualquier

momento.

Por otra parte, los colores vivos y

variopintos tratan de expresar las intensas

emociones del momento y la angustia que

permanece latente.

Jesús se encuentra encuadrado en la línea

central de la obra, esto es un recurso

intencionado del autor para explicarnos que

él es el principal centro de atención del

cuadro.

Localización: Santa Maria delle Grazie,

Milán, Italia

Autoría: Leonardo Da Vinci

Estilo: Renacimiento

Datación: 1495

Técnica: Temple y óleo sobre yeso

Significado

Se trata de una obra en la que se expresan

los diversos sentimientos que se viven ante

un momento tenso o un suceso peligroso

que comenzará en un futuro muy próximo.

El propio nombre ( La última cena) expresa

de una forma adecuada y acertada que esta

será la última cena de Jesús antes de ser

traicionado y sentenciado a muerte.

C.V.M. 3º ESO C


La Escuela de

Atenas

Descripción

La Escuela de Atenas representa el valor

del pensamiento científico y la verdad

natural, cuyo desarrollo es atribuido a la

Antigüedad clásica. La obra encarna todo

el programa cultural del Renacimiento,

pues vemos la presencia de los grandes

pensadores y científicos del mundo

clásico, como por ejemplo a Aristoteles en

el centro de la obra. E incluso del mismo

Renacimiento, el cuadro está pintado a

partir del centro, el final de la puerta y de

ahí sale todo el resto del cuadro de forma

simétrica.

Localización: Estancias Vaticanas (Ciudad

del Vaticano)

Autoría: Rafael Sanzio

Estilo: Renacimiento

Datación: 1510

Técnica: Pintura al fresco

Significado

La obra representa con claridad las tres

categorías máximas del espíritu humano:

la Verdad, la Belleza y el Bien.

Es un gran ejemplo para recordar el

Renacimiento, ya que fue un encargo del

Papa hacía Rafael Sanzio, pintada en una

pared de las Estancias Vaticanas.

D.A.G. 3º ESO B


La creación

del hombre

Localización: Capilla Sixtina (Roma)

Autoría: Miguel Angel

Estilo: Renacimiento

Datación: 1511

Técnica: Fresco

Descripción

La creación de Adán es un fresco en la

cúpula de la Capilla Sixtina pintado por

Miguel Ángel alrededor de 1511. Representa

uno de los nueve episodios del "Génesis"

representado por pintores toscanos, en el

que Dios dio vida a Adán, el primer hombre.

Organizado en orden cronológico, este es el

cuarto panel que representa el interludio del

Génesis en el techo de la iglesia, uno de los

últimos paneles terminados y una de las

obras de arte más admiradas y reconocidas

del mundo.Miguel Ángel estudió mucho el

cuerpo humano y diseccionó numerosos

cadáveres en su carrera artística, y las horas

extraordinarias se cautivó con el torso

masculino. En sus tratados de pintura y

escultura, Leon Battista Alberti, definió la

figura masculina como una "suma

geométrica y armoniosa de sus partes".​ Sin

embargo, Miguel Ángel sintió que el torso

era la potencia del cuerpo masculino y, por

lo tanto, merecía una atención y una masa

significativas en sus obras de arte.​ Así, el

torso en el Estudio representa una

idealización de la forma masculina, "símbolo

de la perfección de la creación de Dios antes

de la caída.​

Significado

La creación de Adán es una de las pinturas al

fresco de Miguel Ángel Buonarroti que

decoran la bóveda de la Capilla Sixtina. La

escena representa el origen del primer

hombre, Adán. ... Esta es una de las obras más

representativas del espíritu del Renacimiento

italiano, debido al modo de representar la

creación del hombre.

C.M.J. 3º ESO A


La Bacanal

Descripción

En este cuadro, se puede apreciar un grupo

de personas que no parecen ser de una clase

muy elevada, en medio de un prado.

No hay ningún orden entre ellas, cada figura

está pendiente de lo que está haciendo sin

que parezca que les importe lo que hay

alrededor. Es extraña la forma en la que

actúan, con movimientos que parecen fuera

de lo normal, característica propia del

colosalismo, característica principal del

estilo manierista al que pertenece esta obra.

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Tiziano

Estilo: Manierismo

Datación: 1523 - 1526

Técnica: Óleo sobre lienzo

Los colores claros hacen destacar dos

damas, la primera con un vestido azul clarito

brillante y la segunda que apenas lleva ropa.

También la claridad destaca a un bebé y las

blancas nubes del centro del cuadro,

situadas en el punto de fuga de la

perspectiva utilizada, ya que en el

manierismo se continuaron usando las

formas clásicas.

Significado

La bacanal de los andrios fue un encargo de

Alfonso d´Este (duque de Ferrara) para

decorar el Camerino de alabastro (estancia

del castillo ducal). Tiziano también aportó

dos obras más a este acontecimiento, La

ofrenda de Venus y Baco y Ariadna.

En esta pintura se representa una fiesta del

dios vino, tema mitológico llamado bacanal.

Los territorios que aparecen pintados

pertenecen a la isla de Andros.

La obra de Filóstrato y la de Catulo son la

principal inspiración literaria de La Bacanal.

C.M.G 3º ESO B


Entierro del

Señor de

Orgaz

Descripción

Esta pintura representa un milagro. Según la

tradición, San Esteban y San Agustín

descendieron del cielo y sepultaron

personalmente a Gonzalo Ruiz de Toledo,

Señor de la Villa de Orgaz, en la Iglesia de

Santo Tomé. En la Iglesia de Duomei, honró

su dedicación a los santos en su modelo de

vida, su humildad y caridad.

El Greco aceptó el encargo del comité e

inició esta obra en 1586, más de dos siglos y

medio después del hecho que representaba.

Recibió una guía detallada sobre cómo

apareció el milagro desde el área inferior del

lienzo, pero la descripción del área de gloria

era vaga. El pintor cretense incorporará el

relato del juicio y la aceptación del alma de

Lord Olgas en la zona alta. También utilizará

el ambiente actual para enterrar el

cementerio, retratar a los personajes de su

época con trajes del siglo XVI y colocar estos

eventos en el despacho de los muertos con

las características de la época.

Localización: Parroquia de Santo Tomé de

Toledo (Toledo)

Autoría: El Greco

Estilo: Manierismo

Datación: 1586-1588

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

La pintura se presenta como una alegoría

teológica y descriptiva del cielo (mitad

superior) y la tierra (mitad inferior).

Se pintó para la parroquia de Santo Tomé

(Toledo), y es en esta misma iglesia donde se

conserva actualmente.

D.P.G. 3º ESO C


El caballero de

la mano en el

pecho

Descripción

Esta obra es un retrato en el que solo

aparece una única persona, aparece con un

aspecto formal. El personaje aparece vestido

con un traje negro y sujeta una espada

dorada con su mano izquierda. El cuadro es

un retrato por lo que lo poco que se puede

ver es a la persona que está siendo dibujada

,su vestimenta y su arma. El cuadro es uno

de los retratos más famosos de El Greco: es

un óleo sobre lienzo pintado en su primera

etapa española. El pintor está intentando

que solo se vea a la persona del cuadro

debido a que lo único que resalta parte de la

persona del cuadro es la espada debido a

que el fondo del cuadro es de colores

oscuros ,casi todo el cuadro es de colores

oscuros.

Localización: Museo del Prado

Autoría: Doménikos Theotokópoulos

Estilo: Renacimiento

Datación: 1578-1580

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

Se trata de una obra en la que El Greco

abandona el tono renacentista de su

primera etapa y realiza un retrato con

características barrocas. En el cuadro se ve

como el Greco no escatima en detalles

debido al objetivo de construir una

composición simétrica y centrada aunque a

pesar de ello no le importó tomar el detalle

de que al señor que pintaba era bizco.

J.L.G. 3º ESO D


Retrato de

Felipe II

Descripción

El retrato de Felipe II es un retrato hecho

por Sofonisba Anguissola en 1565 durante su

estancia en España. Esta obra, es una de las

obras más elaboradas de esta pintora debido

a las siguientes características:

1. La iluminación.

2.La pintura sutil.

3.Delicados frotados.

En 1573 se retocó, pero solo se retocó la

vestimenta y desplazó su mano derecha al

bastón.

Significado

Es una obra que debe su importancia a que

se trata de una de las obras más elaboradas

de esta pintora como he dicho

anteriormente.

Sofonisba Anguissola es considerada la

primera pintora en alcanzar el éxito.

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Sofonisba Anguissola

Estilo: Renacimiento

Datación: 1565

Técnica: Óleo sobre lienzo

R.B.D 3º ESO B


El jardín de las

delicias

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: El Bosco

Estilo: Primitivo flamenco

Datación: 1503

Técnica: Óleo sobre tabla

Descripción

Cuando el tríptico está cerrado, podemos

ver la representación del tercer día de la

creación en grisalla, técnica pictórica en la

que se usa un solo color para evocar los

volúmenes propios del relieve. Según el

relato del Génesis, referencia fundamental

en tiempos de El Bosco, Dios creó la

vegetación sobre la Tierra al tercer día. El

pintor representa, pues, la tierra colmada de

vegetación.

Al abrir el tríptico por competo, nos

enfrentamos a una explosión de color y

figuras que contrasta con el carácter

monocromo e inanimado de la creación.

Algunos estudiosos han visto en este gesto

(revelación del contenido interno de la

pieza) una metáfora del proceso de la

creación, como si de alguna forma El Bosco

nos introdujera en una mirada cómplice

hacia la evolución natural y moral del

mundo.

Significado

“El jardín de las delicias” es quizá , la obra

más importante de El Bosco. Es una obra de

contenido simbólico considerada una de las

pinturas más intrigantes y misteriosas de

toda la historia del Arte.

Es su obra cumbre, donde refleja, el castigo

a los pecado, en especial al que, para él, es el

más mortal de todos, la lujuria.

N.R.S. 3º ESO A


Contexto histórico y cultural

Arte del Barroco

A finales del siglo XVI, comenzó a desarrollarse en Italia un nuevo estilo artístico, el

Barroco, que se extendió por Europa durante el siglo XVII y las primeras décadas del siglo

XVIII.

Este nuevo estilo artístico se forjó en un periodo marcado por los conflictos religiosos entre

la Iglesia católica y las nuevas Iglesias protestantes, desembocando en un conflicto bélico,

la guerra de los Treinta Años. También fue un periodo marcado por la evolución de la

monarquía autoritaria a la absolutista, caracterizada por concentrar todos los poderes del

Estado. En esta situación de crisis en la Iglesia Católica, el Barroco sirvió de propaganda.

Arquitectura

La arquitectura del Barroco continuó empleando elementos clásicos previamente

mostrados durante el Renacimiento, de acuerdo a los órdenes grecolatinos.

Sin embargo, su mayor característica es el sentido anticlásico de sus obras con la finalidad

de componer obras más espectaculares, dinámicas y sorprendentes. Para ello, tuvo lugar la

incorporación de elementos como: formas curvas, cóncavas y convexas con la finalidad de

crear efecto de claroscuro. Otra de las mayores características fueron los edificios

recargados, con multitud de decoraciones, grabados, etc.

Escultura

Las principales características en el ámbito de la escultura fueron su vocación decorativa y

efectista, con la intención de sorprender y conmover al público. Sus principales rasgos:

❖ Dinamismo: se representan figuras con actitudes y poses forzadas, a menudo en

equilibrio inestable para captar el movimiento y reflejar el momento representado.

❖ Realismo: a partir de entonces, se abandonó el idealismo y se empezó a representar

a los personajes tal y como eran.

❖ Luminosidad: se lograron efectos de luces y sombras a través del tratamiento del

ropaje y la complejidad.

❖ Expresividad: se remarca el sentimiento abandonando la armonía y la serenidad.

Pintura

Se trata de la manifestación artística del Barroco con mayor importancia debido a la calidad

y cantidad de obras presentes en la actualidad. Tuvo una gran difusión tanto entre nobles y

burgueses como en el ámbito católico y protestante.

❖ Creación de claroscuros: también empleado en la arquitectura, la luz era tratada

como un elemento esencial para dar profundidad y dramatismo a la escena.

❖ Ausencia de dibujo: en la mayoría de casos, se omite el dibujo y se procede a aplicar

la pintura en el lienzo.

❖ Variedad temática: se cultivaron temas variados como el paisaje, la mitología, el

retrato, etc.

❖ Búsqueda de movimiento: a través del dinamismo y el empleo de posiciones

asimétricas, diagonales y escorzos.

A.M.P. 3º ESO


Plaza de San

Pedro

Descripción

La plaza consta de dos grandes partes: la

recta y la ovalada. Esta última es la que está

cerca de la basílica y la une a esta una gran

escalinata. Está rodeada de una gran

columnata en su centro tiene un obelisco y

dos fuentes a los lados, una de estas no fue

creada por Bernini. En total suman 284

columnas y 88 pilastros.

Sobre las balaustradas encima de cada

columnada se apoyan un total de 140

estatuas que representan a diversos santos

católicos

Los brazos elípticos simbolizan lo que serían

los brazos abiertos de la Iglesia que reciben

y acogen a todos sus fieles.

Localización: Ciudad del Vaticano

Autoría: Gian Lorenzo Bernini

Estilo: Arquitectura Barroca

Datación: 1656

Materiales: Piedra y mármol

Significado

Es la plaza de la iglesia más importante del

mundo. El Papa Alejandro VII fue quien

realizó este encargo.

Se trata de uno de los mejores ejemplos del

arte de la contrarreforma en materia de

espacios públicos

La mayor parte de las misas y celebraciones

se llevan a cabo en la Plaza de San Pedro.

Esta puede acoger a un total de 300.000

personas.

P.C.M 3º ESO A


Iglesia de San

Andrés del

Quirinal

Descripción

Es una planta de forma elíptica. En la

entrada tiene un pórtico saliente compuesto

por escalinata convexa, dos columnas y un

frontón curvo, decorado con el escudo de la

familia Pamphili. Con un frontón triangular

en la puerta de entrada. La cúpula tiene

ventanas y un óculo central, para tener una

fuente de luz que se refleja sobre el suelo de

la capilla. Se utilizan materiales como el

mármol de colores, estuco y dorados. Tiene

seis capillas laterales decoradas con lienzos,

y en la que se encuentran los restos de

Carlos Manuel IV de Saboya, rey de Cerdeña

y Piamonte, y los restos de Estanislao

Kostka.

Localización: Lacio, Roma (Italia).

Autoría: Gian Lorenzo Bernini

Estilo: Barroco italiano

Datación: 1670

Materiales: Mármol

Significado

La iglesia fue consagrada el 2 de Febrero de

1678 por el Cardenal Marcantonio Colonna.

La iglesia ha sido sede de la orden de los

jesuitas, menos en dos periodos de tiempo.

Entre 1773 y 1814 en el que la orden fue

prohibida, y en 1873 cuando los jesuitas

fueron expulsados de allí y la corona italiana

usó el noviciado como residencia de oficiales

que trabajaban en el Palacio del Quirinale,

donde el rey residía.

Desde el año 2007 sirve de sede principal al

cardenal Odilo Scherer.

I.C.G. 3º ESO A


San Carlos de

las Cuatro

Fuentes

Descripción

Al construir la iglesia

una de las esquinas estaba achaflanada

porque había fuente que, junto con tres

más en las esquinas esquinas, dieron

nombre a esta obra arquitectónica.

Se hizo una iglesia y un primer

campanario adyacente de planta

cuadrada. La planta por una parte es

una elipse, con segmentos cóncavos y

otros convexos.

La fachada se caracteriza por su tamaño

sorprendentemente pequeño y la

simplicidad de los materiales..

En la fachada hay dos partes en la parte

superior entablamento cóncavo

interrumpido por medallón cuya forma

oval

En el nivel inferior hay varias columnas

y entre ellas esculturas y una gran

puerta

Localización: Roma (Italia)

Autoría: Francesco Borromini

Estilo: Barroco

Datación: 1638

Materiales: Piedra

Significado

Esta iglesia es una de

las más características de arte Barroco

ya que su fachada no es muy común y

esto la hace muy especial.

P.A.F. 3º ESO B


Iglesia de

Santa Inés en

Agonía

Localización: Roma (Italia)

Autoría: Girolamo Rainaldi, Carlo Rainaldi

y Francesco Borromini

Estilo: Barroco Italiano

Datación:1652-1657

Materiales: Piedra, mármol

Descripción

Santa Inés en Agonía es una imponente

iglesia de estilo barroco, que se encuentra

situada en la Piazza Navona de Roma. Fue

erigida por el arquitecto Francesco

Borromini, un artista conocido como una de

las más altas cimas del barroco .Cuando la

iglesia estaba en cimentación se transforma

la planta transversal asimilable a una cruz

griega aunque mantiene planta de cruz. La

fachada está abierta a la plaza, donde

destaca su gran cúpula. En el interior

destacan sus columnas de mármol veteado

creando juegos cromáticos, se modifican la

zona de los machones reforzando la

construcción . Se configura en el interior un

espacio octagonal, que hace destacar las

pechinas en el interior. El gran arco central

del altar mayor en su eje longitudinal toca el

tambor de la cúpula.Destacan las dos torres

de la fachada que dan más volumen a la

iglesia. Mención aparte merece la

ornamentación interna de la cúpula con

frescos de Ciro Ferri y Sebastiano Corbelli,

se representa la entrada gloriosa de la

virgen Romana Santa Inés.

Significado

Fue una de las últimas obras del autor,

rivalizó con Beninir quién realizó la Fuente

de los Cuatro Ríos de la plaza para destacar,

sobre la obra de Borromini. Destaca en la

obra Ángeles y Demonios donde es muy

nombrada.

L.B.G.

3ºESO A


Basílica de

Superga

Descripción

Se encuentra en lo alto de una colina de la

ciudad de Turín, con una gran cúpula,

sostenida por ocho columnas, con dos torres

a los lados, en la entrada se encuentra el

gran pórtico, el techo se caracteriza por su

gran altura y por el gran anillo circular que

tiene a su alrededor.

Juega con las tensiones centrípetas (nos

llevan en vertical hacia la gran cúpula).

Destaca su monumental fachada y las

columnas, que son el núcleo estructural de

la basílica.

Localización: Turin, Italia

Autoría: Filippo Juvara

Estilo: Barroco, renacentista y neoclásico

Datación: 1717

Materiales: Piedra sillar

Significado

Fue construida en el mismo lugar donde

Vittorio Amadeo II hizo la promesa a la

virgen durante la guerra de 170, de que si

ganaban construía un templo en su honor.

La iglesia se considera la obra maestra de

Filippo y contiene las tumbas de príncipes y

reyes de la casa de Saboya.

L. C. J 3º ESO B


Catedral de

San Pablo

Descripción

La catedral fue la cuarta iglesia que se

levantaba en Ludgate hill dedicada a san

Pablo, y su construcción fue empezada por

los normandos Franceses después del

devastador incendio de 1087

Presenta una cúpula y una fachada con dos

torres. Tiene 111 metros de altura y hasta

1962 fue el edificio más alto de Londres.

Localización: St. Paulś Yard (Londres)

Autoría: Christopher Wren

Estilo: Barroco

Datación: 1675-1711

Materiales: Piedra de Portaland

Significado

La Catedral de San Pablo es uno de los

monumentos más famosos y conocidos de

Londres. Es la segunda más grande de

Inglaterra después de la de Liverpool.

G.LR. 3º ESO A


Iglesia de los

Inválidos

Descripción

Se trata de una iglesia con una cúpula

dorada que domina el conjunto. La planta de

la capilla es de tipo centralizado, en forma

de cruz griega a la que se unen pequeñas

capillas en los ángulos. Estas se comunican

con el espacio central a través de un largo y

estrecho pasillo.

Está compuesta por: la Iglesia de la cúpula,

lo primero que se ve a la entrada;, detrás la

Iglesia de los soldados y los museos (del

Ejército, de Maquetas y de la Orden de

Liberación).

Dentro de la Iglesia de la cúpula, están los

restos mortales del emperador Napoleón, se

sitúan en el centro de una cripta circular,

rodeada de columnas, detrás, la Iglesia de

los soldados, a la izquierda de la Iglesia de la

cúpula se encuentra el museo de la Orden

de Liberación, al fondo el museo del Ejército

y a su derecha el de maquetas, separados

por el patio de honor.

Localización: París, Francia

Autoría: Diseñada por Libéral Bruant,

sustituido por Jules Hardouin-Mansart.

Construida por orden del rey Luis XIV

Estilo: Barroco

Datación: 1671

Materiales: Ladrillo y estuco en los muros,

mármol en las columnas e interiores y oro

en la decoración, generalmente piedra

sillar.

Significado

Fue edificado como residencia para los

soldados y militares franceses retirados del

servicio y acoge los restos mortales de uno

de los personajes más icónicos del país:

Napoleón.

A.A.R. 3º ESO A


Iglesia de

San Carlos

Borromeo

Localización: Viena (Austria)

Autoría: Fischer Von Erlach Johann

Bernhard. Construida por orden del

emperador Carlos VI

Estilo: Barroco

Datación: 1714-40

Materiales: Piedra y mármol

Descripción

Se trata de una de las iglesias más bellas de

Austria. Esta tiene varios estilos

arquitectónicos: la fachada central es de un

estilo griego, con dos columnas decoradas

con una forma en espiral. Aparte tiene una

enorme cúpula y el pórtico que son de la

inspiración greco-romana, los pabellones

laterales se percibe una influencia oriental.

Las escaleras por las que se entra al interior

están franqueadas por ángeles que

representan los testamentos.

En el interior está ubicado en el techo una

pintura llamada "La apoteosis de San Carlos

Borromeo". También en el interior hay unas

tallas y retablos. El altar mayor en el que

participaron Alberto Campesina y Ferdinand

Maxmilián Broko , presenta un relieve de

estuco con San Carlos sobre una nube,

ascendiendo a los cielos. En los pabellones

que conducen a las entradas laterales tienen

decoración china, y los frescos de las

capillas laterales fueron pintados por Daniel

Gran. El interior de esta también contiene

decoración barroca.

Significado

Este monumento fue construido para

dedicarlo a San Carlos Borromeo, que fue

arzobispo de Milán. Y fue dedicado a él por

ser el héroe de la epidemia de 1576. La iglesia

también es un símbolo de poder religioso y

político de la dinastía imperial de los

Habsburgo.

P.M.E. 3º ESO A


Fachada del

Hospicio de

San Fernando

Descripción

La fachada se levantó como si fuera un

retablo alrededor de la puerta de acceso al

hospicio, y termina con un frontón partido

con curvas.

Se distinguen tres alturas diferentes:

Parte inferior: donde se encuentra la puerta,

entre una decoración de cortinajes.

Parte intermedia: entorno a un retablo

donde se encuentra la imagen de San

Fernando

Localización: Madrid, España

Estilo: Arte Barroco

Datación: Entre (1722-1729)

Materiales: Piedra

Autoría: Pedro de Ribera

Parte superior: La más pequeña, está en

torno a un ventanal con forma de óvalo. Es

muy bonita y está considerada muy

importante, muy recomendado ir a verla.

Significado

La fachada pertenece al hospicio de San

Fernando que fué declarado patrimonio de

la humanidad en 1919, en la actualidad es un

Museo de Historia de Madrid. Es muy

llamativa, y a la vista es muy bonita (parece

más una escultura que una fachada).

P.R.M. 3º ESO D


Plaza Mayor

de Salamanca

Descripción

Se trata de un espacio urbano con varias

modificaciones, es un cuadrilátero irregular

y ninguna de sus fachadas mide lo mismo.

La edificación tiene tres pisos más la planta

baja, excepto en el pabellón de las Casas

Consistoriales que tiene dos. En total la

plaza tiene 88 arcos de medio punto con

medallones en los que se representan a

personajes importantes.

En el interior, la plaza contiene diversos

bares y terrazas, entre ellos la cafetería más

antigua de la ciudad, café Novelty

La fachada más importante es la del

Ayuntamiento, que mide apróximadamente

82,60m.

Localización: Salamanca

Autoría: Alberto Churriguera

Estilo: Barroco español

Datación: 1729

Materiales: Piedra de Villamayor

Significado

Fue conocida en el siglo XV como Plaza de

san Martín, la cual era hasta cuatro veces

más grande y en ella se realizaban diversas

actividades como el mercado, considerada

la plaza más grande de la cristiandad

S.B.B. 3º ESO A


Fachada del

Obradoiro

Descripción

Se trata de una fachada tipo telón o pantalla

construida con granito de color gris con

talla en sillares y vidrio en las ventanas. El

cuerpo central se divide por un acusado

entablamento en dos niveles y se remata con

la espadaña de estructura piramidal o

triangular que crea efecto de verticalidad.

Por otra parte este cuerpo central se divide

en tres calles mediante columnas gigantes

En el nivel inferior e isten tres puertas. La

puerta central , la de mayores dimensiones ,

es adintelada dividida por un parteluz o

mainel y enmarcada por un arco de medio

punto . Entre el dintel y el arco un espacio o

tímpano acristalado y en la clave del arco y

las enjutas decoración de tipo heráldica. Las

puertas laterales son pequeñas y adinteladas

y sobre ellas ventanales de arcos de medio

punto acristalados.

En el nivel superior en la calle central dos

ventanas una de arco de medio punto y la

superior de arco escarzano. En las calles

laterales sendas ventanas de arcos de medio

punto.

Significado

Localización: Santiago de Compostela

Autoría: Fernando Casas Novoa

Estilo: Barroco

Datación: 1740

Materiales: Piedra de granito

La función principal de la fachada es

proteger al Pórtico de la Gloria.

L.C.S. 3º ESO C


Basílica de

Superga

Descripción

Se encuentra en lo alto de una colina de la

ciudad de Turín, con una gran cúpula,

sostenida por ocho columnas, con dos torres

a los lados, en la entrada se encuentra el

gran pórtico, el techo se caracteriza por su

gran altura y por el gran anillo circular que

tiene a su alrededor.

Juega con las tensiones centrípetas (nos

llevan en vertical hacia la gran cúpula).

Destaca su monumental fachada y las

columnas, que son el núcleo estructural de

la basílica.

Localización: Turin, Italia

Autoría: Filippo Juvara

Estilo: Barroco, renacentista y neoclásico

Datación: 1717

Materiales: Piedra sillar

Significado

Fue construida en el mismo lugar donde

Vittorio Amadeo II hizo la promesa a la

virgen durante la guerra de 170, de que si

ganaban construía un templo en su honor.

La iglesia se considera la obra maestra de

Filippo y contiene las tumbas de príncipes y

reyes de la casa de Saboya.

L. C. J 3º ESO B


Baldaquino de

San Pedro

Descripción

Está formado por cuatro gigantescas y

dinámicas columnas salomónicas con capitel

de corintio, sobre pedestales de mármol, en

cuyos frentes aparecen los escudos papales

del promotor. Esas columnas, con ramitas

de laurel en su fuste, recreaban las que

había habido en la antigua basílica y aludían

a las del Templo de Salomón en Jerusalén.

Significado

El Altar de Bernini se construye entre por

orden del Papa Urbano VIII que manda la

idea a la empresa escultor y pintor Gian

Lorenzo Bernini, con la idea de un

grandioso monumento en el punto exacto

del sepulcro del apóstol de Jesús, San Pedro.

Localización: Ciudad del Vaticano (Roma)

Autoría: Gian Lorenzo Bernini

Estilo: Barroco

Datación: 1634

Material: Bronce

Esto se conocía debido a que ya en tiempo

del emperador Constantino ya existía en

este preciso lugar una basílica que honraba

la tumba del santo, que se encontraba en el

área. Hoy en día es posible bajar al sepulcro

de San Pedro descendiendo por unas

escaleras que se encuentran en el lateral del

Altar del Bernini y dejan ver tras unos

gruesos cristales el sepulcro.

A.D.C. 3º ESO A


Apolo y Dafne

Descripción

Es una escultura realizada por el italiano

Gian Lorenzo Bernini entre los años 1622 y

1625.​ Pertenece al estilo barroco. Se trata de

un grupo escultórico de mármol y de

tamaño natural expuesto en la Galería

Borghese.

Esta escultura se inspiró en el Apolo

Belvedere de Leocares. La composición se

realiza en plano-relieve, encontrándose

llena de dinamismo y difuminación. El grito

de horror de Dafne y el rostro perplejo de

Apolo nos muestran un contraste de

actitudes y aspectos que reflejan el interés

por la representación de las esculturas. Esta

preocupación por la expresividad muestra

una gran utilización del Pathos (capacidad

del personaje de mostrar sus sentimientos).

Localización: Galería Borghese (Roma)

Autoría: Bernini

Estilo: Barroco

Datación: 1633

Material: Mármol

Significado

El arte barroco en Occidente expresaba una

nueva sensibilidad. El racionalismo, el orden

y la sobriedad del Renacimiento habían

agotado su discurso, y urgía la expresión de

las emociones, del caos y de la exuberancia,

pues el barroco fue, sin duda, un período de

dramáticos cambios históricos y culturales.

J.E.J. 3º ESO B


El rapto de

Proserpina

Descripción

Es una gran estatua de mármol,

perteneciente a un grupo escultórico

ejecutado por el artista.

Fue encargada por Scipione Borghese, que

se la cedió al Cardenal Ludovico Ludovisi en

1622, quien la llevó a su villa. Permaneció allí

hasta 1908, cuando el Estado italiano la

adquirió y la devolvió a la Galleria Borghese.

Representa a Proserpina (Perséfone en la

mitología griega) siendo raptada por

Plutón(Hades en la mitología griega),

soberano de los infiernos

Se nota la representación de los detalles:

Proserpina empuja la cabeza de Plutón

estirando su piel, y los dedos de este

aprietan cruelmente la carne de Proserpina

tratando de inmovilizar.

Localización: Museo Borghese (Roma)

Autoría: Gian Lorenzo Bernini

Estilo: Barroco

Datación: 1620-1621

Material:Mármol

Significado

Esta escultura de mármol ilustra las

extraordinarias habilidades de Bernini,

entre ellas su dominio de la anatomía y la

capacidad de evocar dinamismo y drama. El

nivel de detalle de la pieza le ha valido para

ser considerado uno de los escultores más

importantes de la historia.

J.G.M. 3º ESO C


Éxtasis de

Santa Teresa

Descripción

El Éxtasis de Santa Teresa también

conocido como la Transverberación de

Santa Teresa es un grupo escultórico en

mármol obra del escultor y pintor Gian

Lorenzo Bernini, de estilo barroco. Fue

realizada entre 1647 y 1652, por encargo

del cardenal Cornaro, para ser colocada

donde iría su tumba, en la Iglesia de

Santa María de la Victoria, en

Roma,Descripción del Éxtasis de Santa

Teresa. Bernini creó en la capilla de

Santa Maria Della Vittoria un espacio

tridimensional muy llamativo. La

construcción de la capilla era una

estructura de retablos y columnas. Y en

el centro estaba el conjunto del Éxtasis

de Santa Teresa de Jesús.

Localización: Iglesia de Santa Maria de la

Victoria,Roma

Autoría: Gian Lorenzo Berini

Estilo: Barroco

Datación: 1645

Técnica: Marmol

Significado

El Éxtasis de Santa Teresa es una

manifestación inequívoca del arte barroco,

cuyo carácter propagandístico está, en

este caso, al servicio de los valores

ideológicos de la Iglesia. El conjunto

representa un momento místico en la vida

de Teresa de Jesús.

S.G.G. 3º ESO B


Apolo servido

por las Ninfas

Descripción

François Girardon fue un escultor francés,

nacido en Troyes en 1628, y muerto en París

en 1715. Trabajó en la fábrica de Versalles,

donde Le Brun ejercía un control sobre la

producción que siempre muestra una

tendencia al clasicismo y a la exaltación

regia. Girardon realizó este grupo

escultórico de Apolo atendido por las ninfas

para la Gruta de Tetis en los jardines de

Versalles. Aquí el autor realiza un Apolo

inspirado en el del Belvedere. Esta escultura

no tiene mucha capacidad expresiva. De

sofisticada composición en forma abierta,

con mucha claridad en la interpretación. El

ropaje de las figuras es sofisticado

aportando mucho movimiento.

Localización: Versalles, Francia

Autoría: Francois Girardon

Estilo: Barroco

Datación: 1643

Material: Mármol

Significado

François Girardon trabajó en la fábrica

de Versalles, donde Le Brun ejercía un

control sobre la producción que siempre

muestra una tendencia al clasicismo y a

la exaltación regia. Girardon realizó este

grupo escultórico de Apolo atendido por

las Ninfas para la Gruta de Tetis en los

jardines de Versalles. Aquí el autor

realiza un Apolo inspirado en el del

Belvedere.

M.L.B. 3º ESO D


Milón de

Crotona

Descripción

Milón de Crotona fue un célebre atleta

griego nacido en Crotona que vivió

durante el siglo VI a.C. que se destacó

en la lucha y en los Juegos Olímpicos

donde fue seis veces vencedor

absoluto, en los Juegos Piticos, en los

Ístmicos y en los Nemeos. Además de

sus éxitos deportivos, el historiador

Diodoro Siculo le atribuye el liderazgo

victorioso de una tropa de soldados de

Crotona que en el año 510 a.c. atacó la

localidad de Sibaria Se casó con la

filosofa Myia, hija de Pitágoras y Teano

Fue una marca inigualada en todos los

tiempos de los juegos deportivos:

permaneció más de veinticuatro años

en la cima de la fama. La fecha de su

muerte es desconocida.

Localización: Museo del Louvre

Autoría: Jean Puget

Estilo: Barroco francés

Datación: 1671-1682

Material: Mármol

Significado

Es muy barroco: una reflexión sobre la

vanidad. Milón no es consciente del

paso del tiempo que le ha debilitado ,

quiere presumir de su fuerza y por ello

se ve abocado a la muerte. Toda victoria

y fama es efímera y el tiempo todo lo

devora.

I.B.M. 3º ESO A


Magdalena

penitente

Descripción

Se trata de una imagen, cuyo material es la

madera policromada y, también es

encarnada, que representa a la Magdalena

penitente. En la mano izquierda sostiene un

crucifijo, mientras su mano derecha está en

el pecho, indicando su amor hacia

Jesucristo. Su vestimenta es de un vestido

rígido, de hoja de palma entrecruzada, que

hace referencia a los años de penitencia en

el desierto, ocultando su anatomía y está

atado a la cintura, con una cuerda gruesa de

esparto, llamado soga. Uso del naturalismo.

Fue una obra muy exitosa, creada por Pedro

de Mena.

Significado

Fue ejemplo del lenguaje realista, cargado

de emoción y religiosidad de la escultura

barroca española.

Fue tan exitosa que mandaron hacer

representaciones como la original, durante

el siglo XVII. Material:madera policromada

siglo XVII, como personificación del

arrepentimiento cristiano.

Localización: Museo Nacional de escultura

(Valladolid)

Autoría: Pedro de Mena

Estilo: Barroco

Datación: Siglo XVII

Material: Madera policromada

N.D.S.B. 3º ESO A


Virgen

peregrina

Descripción

La Virgen Peregrina es una imagen de

vestir, de la escultora Luisa Roldán,

tallada en madera y policromada que

mide 135 cm cuya fecha de ejecución data

de alrededor de 1687. Sólo la cabeza y las

manos están talladas, el resto es un

maniquí o candelero. Lleva en los brazos

un Niño Jesús desnudo que es una

escultura entera. Se conserva en el museo

de las Madres Benedictinas de la villa de

Sahagún en León (España).

Procede del convento franciscano que

hubo a la entrada de esta localidad. Desde

finales del siglo XVII fue su imagen titular

y a partir de mediados del XVIII fue

patrona de la villa.

Significado

La escultura es tan importante ya que su

autora fue la primera escultora española

registrada. En esa época no había

escultoras mujeres, sino que solo había

hombres.

Localización:Pontevedra (España)

Autoría: Luisa Roldán

Estilo: Barroco

Datación: 1778

Material: Porcelana

N.P.G. 3º ESO B


Conversión de

San Pablo

Descripción

La escena que presenciamos está formada

por tres figuras: un hombre tumbado en el

suelo con los brazos extendidos, que parece

haber caído de un caballo, el cual ocupa

gran parte del lienzo y una segunda

persona, un sirviente, del que apenas vemos

su cabeza y piernas. Este sirviente está

sujetando al caballo en el lado derecho del

cuadro.

Caravaggio deja a un lado la composición

frontal tradicional para colocar dos

diagonales correspondientes al cuerpo de

caballo, que va de izquierda a derecha, y la

del hombre en el suelo, que, por el

contrario, va de derecha a izquierda en un

marcado escorzo.

Localización: Colección Odescalchi Balbi

(Roma)

Autoría: Caravaggio.

Estilo: Barroco Italiano.

Datación: 1600.

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Significado

Caravaggio huye de las composiciones

grandiosas y los detalles anecdóticos para

recurrir a personajes populares, de manera

que intenta acercar la religión a la realidad

diaria del espectador. En ello residirá tanto

el éxito de este pintor como los problemas a

los que tuvo que hacer frente a lo largo de su

vida, como el rechazo de su obra por su

cliente y la crítica de la Iglesia al considerar

que trataba temas ofensivos.

S.M.M. 3º ESO A


Judith y

Holofernes

Descripción

La escena representada en la pintura está

tomada de la Biblia. Judith, con la ayuda de su

doncella, mata a Holofernes, el general enemigo,

después de haberlo seducido.

La pintura representa la matanza de Holofernes

de una manera realista y realmente cruda .Las

dos mujeres pertenecen a diferentes clases

sociales, como podemos ver en su vestimenta y

sus actitudes: Judith parece casi preocupada

mientras decapita al hombre por no ensuciarse

de sangre, mientras que la criada tiene expresión

pacífica. Sin embargo, trabajan juntos para

superar la fuerza física del hombre.

Todos los cuerpos se encuentran en posiciones

tensionadas ya que ninguna es una pose

“cómoda” o típica del cuerpo humano, sino que

es justamente la representación de un instante

fugaz. Además, los rostros son muy expresivos y

la gestualidad está muy marcada, podemos

diferenciar claramente qué está haciendo cada

personaje.

Significado

Según la interpretación tradicional de la pintura,

representa el deseo de venganza y justicia que

sintió Artemisia contra el hombre que la violó.

Localización: Museo de Capodimonte de

Nápoles

Autoría: Artemisia Gentileschi , Orazio

Gentileschi

Estilo: Barroco

Datación: 1612-13

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ella empezó con trabajo profesional a la edad de

quince años.En una época en la que las mujeres

tenían pocas oportunidades de seguir una

formación artística o trabajar como artistas

profesionales, Gentileschi fue la primera mujer

en convertirse en miembro de la Academia de

Arte del diseño en Florencia y tenía una clientela

internacional.

Gentileschi era conocida por ser capaz de

representar la figura femenina con gran

naturalismo y por su habilidad en el manejo del

color para expresar dimensión y dramatismo.

A.P.G. 3º ESO B


Et in Arcadia

ego

Descripción

La obra pertenece al género mitológico,

alegórico y bucólico, y representa a

tres pastores idealizados y una dama

dispuestos ante una tumba austera.

Significado

Se trata de la frase que supuestamente

expresó la muerte "Et in Arcadia ego",

que significa "Yen la Arcadia también

estoy". La Arcadia es una tierra

paradisíaca localizada en Grecia.

Localización: Museo del Louvre (París)

Autoría: Nicolás Poussin

Estilo: Barroco

Datación: 1639

Técnica: Óleo sobre lienzo

P.H.S. 3º ESO A


El tahúr

Descripción

Es una de las pinturas más conocidas del

pintor francés Georges de La Tour. Está

realizada al óleo sobre lienzo. Se considera

que debió ejecutarse alrededor de 1635. Mide

106 cm de alto y 146 cm de ancho.Se exhibe

actualmente en el Museo del Louvre de París

(Francia), que lo adquirió en 1972.Georges de

La Tour fue un pintor famoso en la vida,

aunque cayó en el olvido hasta el siglo xx,

cuando su obra fue redescubierta por varios

investigadores, en especial el historiador del

arte Hermann Voss.

Localización: Museo del Louvre,Francia

Autoría: Georges de la Tour

Estilo: Barroco

Datación: 1635

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

George de la Tour adaptó los modelos del

naturalismo tenebrista impuestos por

Caravaggio en Roma unas décadas antes. El

francés tomó del italiano el gusto por los

personajes de los bajos fondos, el contraste

de luz y sombra, los marcos ajustados a la

escena. En este cuadro encontramos las

inequívocas referencias a los jugadores de

Cartas de Caravaggio, que encontraron

amplio eco entre los pintores del momento,

como Terbbrughen, Valentin de Boulogne y

el propio De la Tour.

I.D.P. 3º ESO D


Adoración de

los Reyes

Magos

Descripción

La pintura, la mayor de Rubens que posee el

Prado y una de las de mayores dimensiones

de toda la colección del Museo, se

caracteriza por su colorido (en el que

destacan los amarillos, rojos y violetas),

movimiento y fastuosidad. A pesar de ser

una de las más aparatosas y desbordadas de

su autor, está nítidamente organizada, con

un eje diagonal que parte simbólicamente

del Niño Jesús y llega hasta el ángulo

opuesto, en el extremo superior derecho.

También con un claro simbolismo el pintor

sitúa en la figura del Niño el foco de luz que

ilumina toda la escena.

En la franja añadida a la derecha Rubens

incluyó su autorretrato. Se representó

montado a caballo, con espada y cadena de

oro, reflejando con ello la condición

nobiliaria que le había concedido en 1624

Felipe IV. Fue además la única vez que

incluyó un autorretrato suyo inequívoco en

una pintura narrativa.

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Pedro Pablo Rubens

Estilo: Barroco

Datación: 1609

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

Considerado desde antiguo como una de sus

obras maestras. Fue ejecutado en 1609,

aunque posteriormente el propio Rubens lo

repintó y amplió entre 1628 y 1629 e I

iconográficamente representa el momento en

el que los tres reyes, acompañados por un

gran cortejo, presentan sus regalos al niño

Jesús. Éste, en brazos de su madre, parece

juguetear con el incienso que le presenta

Gaspar, arrodillado ante él. Por eso es tan

importante esa obra.

M.F.M. 3º ESO A


La lección de

anatomía del

doctor Tulp

Localización: Mauritshuis (La Haya)

Autoría: Rembrandt

Estilo: Barroco

Datación: 1632

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción

Muestra una lección de anatomía del doctor

Tulp a un grupo de cirujanos. El cadáver es

el del criminal Aris Kindt que fue ahorcado

ese día por robo. Podían asistir estudiantes y

público en general , pero pagando la

entrada.

Los espectadores están vestidos de manera

adecuada por el tema de que se trata.

Además del doctor Tulp, están varios

cirujanos que están en la lista de la persona

que está al lado de él.

Se puede observar que el brazo izquierdo es

más largo que el derecho, se supone que es

de otro paciente.

La cara del cadáver queda en sombra, que es

una técnica que Rembrandt utiliza con

frecuencia .

Utiliza tonos ocres, negros y blanco y colores

neutrales, que es una caracterñistica del

tenebrismo, creando contrastes entre luz y

sombra.

Significado

Rembrandt inmortaliza al delincuente, que

pasaría a ser el protagonista de uno de los

cuadros más famosos de la historia del arte.

Es un grupo de cirujanos el que le encarga el

cuadro. Rembrandt hace una pintura grupal

y se convirtió en el símbolo de la clase media

que ascendía social y económicamente.

D.L.M. 3º ESO B


La Ronda de

Noche

Localización: Rijksmuseum, Amsterdam

Autoría: Rembrandt

Estilo: Barroco

Datación: 1642

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción

Es una obra maestra realizada por

Rembrandt en 1642. En ella aparece la

milicia del capitán Frans Banning Cocq en el

momento en el que da una orden a su

alférez, indicado por el gesto de la mano y la

boca abierta. Tras estas dos figuras aparecen

los integrantes de la Compañía, Entre las

tropas integrantes de la milicia que protege

el bienestar y la libertad de los ciudadanos

holandeses, por lo que era muy apreciada.

La representación de retratos de grupo en

los que aparecen milicias era habitual en

Amsterdam, pero ninguno supera a esta

obra por el realismo con el que está pintada,

captando a la perfección los rostros y las

actitudes de todos los personajes, en una

sensación de movimiento.

Surge de una equivocación de

interpretación, debida a que en esa época, el

cuadro estaba tan oscurecido por la

oxidación del barniz y la suciedad

acumulada, que sus figuras eran casi

indistinguibles, y parecía una escena

nocturna.

Significado

Se trata de una obra que el pintor convierte

un acontecimiento normal de la vida

holandesa en un hecho grandioso. La

mayoría de los retratados se quejaron

porque todos no aparecían claramente ni

mostraban con precisión el rango que

poseían.

El pintor demuestra su libertad de espíritu y

su modernidad.

A,G.R . 3º ESO D


El alegre

bebedor

Descripción

El personaje central mira de frente y saluda

sonriente con su mano derecha mientras

que con la izquierda sostiene una copa de

vino que tiende al espectador, saliendo del

cuadro. Se trata de un tipo del pueblo, de

mediana edad, vestido con amplio

chambergo.

Es una pintura realizada al óleo sobre lienzo.

El alegre bebedor está trabajado en una

gama de colores claros, con la única parte

oscura del sombrero, transmitiendo

vitalidad y optimismo. Las luces son

trabajadas de tal manera que dan una gran

impresión de realismo y frescura. Los

elementos del cuadro están visualmente

muy próximos e inmediatos.

Localización: Rijksmuseum, Ámsterdam

Autoría: Frans Hals

Estilo: Barroco holandés

Datación: 1627

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

El alegre bebedor es una de las obras más

conocidas de Frans Hals. Y eso se debe a que

es una obra que se sale de la rigidez que les

obliga la oficialidad de sus cuadros. No

representa a ningún miembro de la

burguesía, sino que representa a personas

del pueblo porque Frans Hals es un pintor

del pueblo.

L.G.C 3º ESO B


Paisaje con

el embarco de

Santa Paula

Descripción

Este cuadro con una clara inspiración

paisajista dotado de una gran serenidad

con la tranquilidad del mar y el cielo,

introduciendo pequeñas figuras bellas

para dar grandeza a la arquitectura que lo

rodea. Este paisaje con el embarque en

Ostia de Santa Paula Romana es un óleo

encargado por Felipe V para decorar su

Palacio del Buen Retiro y que se expone

en el Museo del Prado.

Es una escena religiosa en la que Santa

Paula se despide de sus hijos cuando

embarca en el puerto de Ostia de Roma

con destino a Palestina dónde vivirá junto

a San Jerónimo.

Utiliza una luz directa y natural

procedente del sol del atardecer o del

amanecer que utiliza como punto de fuga

central en el cuadro.

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Claude Lorraine

Estilo: Barroco clasicista

Datación: 1639

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

Se trata de una obra para la realización de

un monumental paisaje urbano lleno de

reminiscencias arquitectónicas

ambientadas en la antigüedad clásica

aunque pretendidamente renacentista

con una gran maestría en el estudio y la

exploración de la luz.

D.H.R. 3 -A GRUPO 1


La joven de la

perla

Descripción

La imagen era un “tronie”, una pintura

peculiar o expresiva, de uso decorativo, que

no era un retrato y buscaba expresar la

destreza del artista.

La mirada tan fija de la chica hacia el

espectador, se debe a un contraste entre un

fondo muy oscuro y su ropa.

En 1882 A. A. Tombe compró esta y varias

obras más de Vermeer por dos florines y

treinta céntimos. Murió sin descendencia y

donó la obra a su actual museo.

Existe una falsificación de esta obra situada

en Washington D. C.

Localización: Mauritshuis ( Países Bajos )

Autoría: Johannes Vermeer

Significado

Es una de las obras maestras de Vermeer

debido al buen uso de perspectiva usando la

perla como punto focal y al uso de algún

efecto visual , como en la nariz.

Estilo: Barroco

Datación: 1665-1667

Técnica: Óleo sobre tela

D.N.G. 3º ESO B


Hombre

ofreciendo

dinero a una

mujer joven

Descripción

Se trata de una mujer cosiendo ya su lado un

hombre le ofrece un puñado de monedas. La

mujer, desarrolla una actividad doméstica,

viste con sencillez, sin joyas, telas lujosas u

otros elementos que podrían simbolizar que es

rica.

Esta es una escena de la vida cotidiana en

aquella época; un hombre le hace una

proposición a una mujer que está cosiendo.

Le ofrece un puñado de monedas a cambio

de amor. Ella parece que le ignora, ya que

quiere seguir con sus tareas domésticas.

Significado

Esta obra es importante en la historia

principalmente porque la autora es una

mujer, y en esta época no era común

encontrar una mujer pintora.

Al ser mujer, todas sus obras fueron

atribuidas a su marido, hasta 1893 cuando

Cornelis Hofstede de Groot le atribuyó siete

pinturas, seis de las cuales están firmadas con

su distintivo monograma

Localización: Mauritshuis (Países Bajos)

Autoría: Judith Leyster

Estilo: Barroco

Datación: 1631

Material: Óleo

A.R.R. 3º ESO B


Martirio de

San Felipe

Localización: Museo del Prado(Madrid)

Autoría: José de Ribera

Estilo: Barroco

Datación: 1629

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción

Es una obra religiosa, el martirio de San

Felipe que murió crucificado, amarrado con

cuerdas a la cruz.

El encuadre es bajo, se observa un amplio

cielo.

En primer plano se ve al santo y a los

verdugos, el santo aparece desnudo, la luz

ilumina su rostro revelando el sufrimiento y

la resignación, en cuanto a los verdugos ,

unos tiran de las cuerdas para izar el cuerpo

y otro sujeta su pierna izquierda.

En segundo plano a la derecha se observa un

grupo de personas que muestran mucha

atención al “espectáculo” y a la izquierda

otro grupo de personas que asisten

indiferentes, destaca una madre con su hijo

en brazos con mirada hacia afuera.

En cuanto a los colores destaca el rojo de

uno de los verdugos que contrasta con los

grises verdes y marrones. En el cielo utiliza

azules, blancos y plateados.

La pincelada es pastosa para dar volumen a

las figuras.

Significado

Esta obra está datada en el periodo

correspondiente al barroco y llama la

atención por su gran realismo, emoción y

teatralidad, que son características típicas

de las obras de José de Ribera.

R.B.P 3ºESO B


El sueño de

Jacob

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: José de Ribera

Estilo: Barroco

Datación: 1639

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción

El cuadro narra el sueño misterioso del patriarca

Jacob, según relata el Génesis, quien aparece

dormido, recostado sobre el brazo izquierdo.

Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado

la escala de luz por la que suben y bajan los

ángeles. El asunto muestra la capacidad técnica

de Ribera para construir un discurso metafórico.

A través de la representación de un pastor

tendido a descansar en el campo describe uno de

los episodios bíblicos más conocidos. La visión

en primer plano del personaje sólidamente

construido y los rasgos realistas de la escena

sirven para hacer verídico el sueño milagroso,

que se describe en un haz de luz bajo un cielo

azul y gris. Ribera da aquí una de sus numerosas

pruebas de su delicado sentido del color y su

exquisita capacidad para la composición, al

contraponer en diagonal los volúmenes del

primer plano.

Significado

En general se considera que la escalera de

Jacob es la conexión entre el Cielo y la Tierra y

simboliza la esperanza de los humanos de

alcanzar el paraíso eterno subiendo por ella y

así la vemos plasmada en multitud de obras de

arte. En otros contextos menos religiosos

representa el ascenso, el progreso y el paso de

la oscuridad a la luz, de lo material hacia lo

espiritual y también de la ignorancia al

conocimiento.

D.G.R. 3º ESO B


El Aguador de

Sevilla

Descripción

La escena recoge el momento en el que los

dos personajes del primer plano se

relacionan entre sí. El aguador de edad

madura vestido de forma humilde con capa

parda y manga rasgada que deja ver una

camiseta blanca ofrece la copa transparente

con un higo dentro para hacer saludable o

aromatizar el agua a su jovencísimo cliente.

En el fondo muy difuminado y más alto

surge la imagen de un hombre que bebe con

ansiedad de una jarra. El cuadro sugiere que

podría representar las tres edades del

hombre.

Velázquez insiste en el dibujo la luz dirigida

y los aspectos táctiles de los objetos con

mayor meticulosidad,además recalca esa

tangibilidad con la rotura del marco.

Velázquez pone el mismo interés en

representar los diversos tipos humanos por

la contraposición de edades y la expresión

de sus emociones,por los efectos de la luz

desempeña la forma diversa de verse

reflejada en los diferentes objetos.

Localización: Apsley House,Londres,Reino

Unido

Autoría: Diego Velazquez

Estilo: Barroco

Datación: 1618 y 1623

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

Diego Velázquez nace en Sevilla iniciando su

aprendizaje en el taller del que luego será

suegro Francisco Pacheco, esta obra

pertenece a su etapa sevillana.

En 1623 se trasladó a Madrid donde obtuvo

el título de pintor del Rey Felipe IV

estudiando las colecciones de

Tiziano,Veronés y Rubens,tomando contacto

con Rubens y se decidió a pintar lienzos

como El triunfo de Baco.

L.M.C 3º ESO A


La vieja

friendo huevos

Localización: Galería Nacional de Escocia.

Autoría: Diego Velázquez

Estilo: Barroco

Datación: 1618

Técnica: óleo

Descripción

Esta obra se desarrolla en el interior de una

cocina , poco profunda con contrastes de luz

y sombras .Una cocina iluminada con fondo

en penumbra y dos figuras de clase popular

(joven y vieja).Pero sobre todo una sucesión

de objetos que destacan por su singularidad.

Cada objeto del cuadro tiene sus distintas

texturas, matices y esencias. Cada uno su

vida propia. El pintor utiliza el recurso de

las medias figuras que aparecen muy reales y

cercanas al espectador, para implicarse en la

acción, lo que consigue también con la

mirada del muchacho. El colorido es

austero, predominan los tonos ocres y

pardos. La toquilla de la anciana, los huevos,

el plato y la jarra son manchas blancas que

contrastan con la oscuridad del fondo.

Significado

En apariencia es solamente un bodegóncocina,

una escena vulgar de una casa

sevillana, pero aunque parece una imagen

realista puede tratarse de una reflexión

visual sobre los sentidos del Tacto y de la Vista

como instrumentos de conocimiento de la

realidad; la vieja, casi a ciegas, tantea con la

cuchara entre las manos y el muchacho mira

la variedad de los objetos. Gállego opina que

representa el sentido del gusto. Está dirigido

a una minoría culta, capaz de apreciar la

novedad de unir los temas flamencos de

cocinas con la técnica naturalista de

Caravaggio.

C.M.P. 3º ESO A


Cristo en la

casa de Marta

y María

Localización: Galería Nacional (Londres)

Autoría: Diego Velázquez

Estilo: Barroco

Datación: 1618

Técnica: Pintura al aceite

Descripción

Es una pintura al óleo de Velázquez

realizada en Sevilla, al comienzo de su

carrera, fechada en 1618. Se desconoce el

primer destinatario, pero podría estar

relacionada con una entrada en el inventario

de la colección del duque de Alcalá, de 1637.

En 1881 se encontraba en la colección Pack

de Norfolk, de donde pasó a sir William M.

Gregory, quien en 1892 lo donó a la National

Gallery de Londres. El cuadro reúne

elementos propios del género del bodegón con

figuras practicado asiduamente por el joven

Velázquez y defendido por su maestro y

suegro Francisco Pacheco, pues con ellos

«halló la verdadera imitación del natural».​ En

primer término presenta a una doncella

trabajando en la cocina con un almirez; en la

mesa se encuentran dos platos de barro con

huevos y cuatro pescados por cocinar, un jarro

también de barro vidriado en su mitad

superior, una guindilla y algunos ajos,

habiendo puesto el pintor el acento en el

tratamiento diferenciado de sus texturas y

brillos.

Significado

Se trataría de una crítica a la represalia de

Jesús a Marta, a través de la imagen triste de

la sirvienta joven, un personaje que sería

contemporáneo de Velázquez. Criticar las

Sagradas Escrituras habría sido algo muy

subversivo en la España de aquella época,

por eso el pintor lo hizo de esta forma tan

sutil.

S.F.C. 3º ESO D


La fragua de

Vulcano

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Diego Velazquez

Estilo: Barroco

Datación: 1630

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción

La obra está representada con formas

realistas, influenciado por la estatuaria

clásica y de obras de Miguel Angel, esto hace

que se centre en un desnudo que resaltan

los defectos físicos de vulcano y la anatomía

de los trabajadores sin quitar importancia a

lo representado. Como en las demás obras

del barroco tenemos contraste en la

idealización del cuerpo de Apolo es decir

piel blanca, cuerpo de adolescente y el

naturalismo representando como a gente

del pueblo. Los objetos tienen un gran

detallismo y calidad con sus texturas y

brillos como el hierro incandescente, la

armadura, el yunque, la jarrita de metal

apoyada sobre la repisa o como el

resplandor del fogón que está encendido.

También hay un fuerte contraste entre las

luces y las sombras, tenemos el foco central

que recae en Apolo y el artesano de

espaldas. Esta obra se caracteriza por

colores terrosos con tonos ocres.

Significado

Esta obra representa un momento en el que

Apolo le dice a Vulcano que Afrodita, su

mujer, la diosa de la belleza y el amor, le es

infiel con Marte, dios de la guerra, En

cuanto al significado en sí hay que buscarlo

dentro del barroquismo, que expresa la

captación de las expresiones y reacciones

humanas, contrasta la belleza idealizada con

la naturalismo de los trabajadores y habla

sobretodo de la mitología griega.

S.S.J. 3º ESO A


La rendición de

Breda

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Diego Velázquez

Estilo: Barroco

Datación: 1634

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción

El cuadro se pintó, junto a otros once, para la

decoración del denominado Salón de los Reinos

del Palacio del Buen Retiro, una villa suburbana

erigida por Felipe IV España al estilo de las

existentes en Roma. Este gran palacio, formado

por diversos pabellones entre amplios jardines, se

construyó anexo al monasterio de San Jerónimo

Real, cuya iglesia aún subsiste a espaldas del

Museo del Prado.

El Salón de Reinos era la estancia más relevante,

pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores

y demás autoridades extranjeras. A fin de

impresionarlo con una imagen de poder bélico y

económico, el conde duque de Olivares decidió

decorar este gran salón con imágenes de los éxitos

militares de España, si bien casi todos estos hechos

eran antiguos. Esto fue ideado por Olivares para

ocultar que España, menguaba como potencia

mundial. Junto con los cuadros de batallas, se

colgó otra serie de pinturas, debidas a Francisco de

Zurbarán.

Significado

Esta obra de género histórico trata sobre la lucha

del ejército español contra los rebeldes holandeses,

en tiempos del reinado de Felipe IV. En esta

guerra, el día 2 de junio de 1625, la ciudad de

Breda, cuna de los Orange, se rendía.

R.M.L. 3º ESO A


La Venus del

espejo

Descripción

Esta obra es un retrato de la diosa

Venus,donde se encuentra semidesnuda ,

solamente con una tela que la cubre la

parte delantera,también hay una especie

de ángel pero sin ropa.

Las dos figuras están colocadas ,una

tumbada en una especie de sillón con una

tela por encima y la otra figura esta de

rodillas en el sillón sujetando lo que es

una espejo, el artista de este cuadro ha

colocado de fondo una especie de tela roja

para que el espectador se fije en las dos

figuras que hay de primer planos Los

colores son fundamentales .Los cuerpos

se representan con diferentes tonos de

piel , destaca su fondo neutro.

Significado

Localización: Galería Nacional de

Arte(Londres)

Autoría:Diego Velázquez

Estilo: Barroco

Datación: 1647

Técnica: Óleo sobre lienzo

Es la única obra de Diego Velázquez que

aparece una mujer desnuda, aunque

sabemos que pinto alguna más.La imagen

revela el mayor concepto de artista sobre

la belleza del cuerpo femenino.Venus

estaba acostada en la cama en una

elegante postura, su hijo Cupido

sosteniendo un espejo mirando a la

audienc

C.P.M 3A2


Las Meninas

Descripción

Esta obra representa a numerosas personas

de la familia real, centrándose sobre todo en

la infanta Margarita de Austria representada

en el centro, y sus sirvientas o meninas.

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Autoría: Diego Rodríguez de Silva y

Velázquez

Estilo: Barroco

Datación: 1656

Técnica: Óleo sobre lienzo

El cuadro consta de cuatro profundidades.

En un primer plano encontramos a los

bufones y la infanta, iluminados por un foco

de luz proveniente de la derecha. Después,

están Velázquez y dos figuras algo más en

penumbra, y más atrás un personaje

entrando en la sala, resaltado por otro foco

de luz. Por último, encontramos a los reyes

en un espejo, lo que insinúa que se

encuentran en la posición del espectador.

Así, el artista consiguió representar

perfectamente el espacio en una pintura

bidimensional.

El color es muy importante, pues enfatiza la

profundidad. Se difumina y oscurece según

se aleja la obra, y centra nuestra atención en

la infanta. También se utiliza para crear una

sensación de penumbra en la parte alta de la

composición, que ha sido destacada como la

parte más lograda de la obra. En ella, se

muestran dos cuadros existentes.

Significado

Esta es considerada la obra maestra del

pintor Diego Velázquez, y corresponde al

último periodo artístico del mismo, ya

llegada su etapa de completa madurez.

Además, a Velázquez se le ve en la obra

portando la cruz de Santiago que siempre

había pedido, pero que no tenía por ese

entonces.

D.T.A. 3º ESO A


El milagro del

pozo

Descripción

Es una representación de la vida de San

Isidro Labrador y su esposa Santa Maria de

la Cabeza.

Aquí, el hijo de ambos, se cae a un pozo, y

así Santa María y San Isidro, empiezan a

rezar.

Con esas mismas oraciones, hechas por

ellos mismos, el agua empieza a subir, así

consiguiendo que el agua del mismo pozo

devuelva al niño a los padres.

Como podemos ver, no son colores muy

vivos, más bien, no sale de la misma gama de

colores.

Significado

Esta es una obra maestra por sus valores

compositivos, narrativos y cromáticos. En

este cuadro Alonso Cano trata de demostrar

como un experimentado narrador, la

variedad, los personajes y sus acciones.

Describe todo con mucho detalle y

exactitud.

Esta obra está repleta de tipos humanos de

gran belleza.

Localización: Museo del Prado (Madrid)

sala 017A

Autoría: Alonso Cano

Estilo: Barroco

Esta obra también resultó ser novedosa y

sorprendente, no solo por la relación con el

contexto español, sino también con el

contexto internacional.

Datación: 1646-

Técnica: Óleo sobre lienzo

C.M.B. 3º ESO B


San Hugo en el

refectorio de

los cartujos

Descripción

En el cuadro se ven 7 monjes sentados en

una mesa en forma de L mientras que un

monje más adulto está encorvado de pie

mirando al caballero que está en el centro

del cuadro.

En la mesa hay una ración de comida y un

trozo de pan para cada uno de los monjes ,

en el fondo del cuadro se ve un cuadro con 2

personas en un campo , que probablemente

son la Virgen María y San Jose con Jesus

También en el fondo derecho del cuadro se

ve parte de un monasterio.

Localización: Museo de Bellas Artes, Sevilla

Autoría: Francisco de Zurbarán

Estilo: Barroco

Datación: 1630-1635

Técnica: Óleo sobre lienzo

Significado

Esta obra es muy representativa del estilo

del actor , tiene las principales

características de Zurbarán : la poca

profundidad de los cuadros , la falta de

movimiento , la postura rígida de los monjes

o el uso claro de figuras geométricas .

Es una pieza importante porque representa

un milagro que ocurrió en la formación de la

orden de los cartujos , es una cuadro

importante en la contrarreforma por

representar la fe católica y los milagros de

forma sencilla y entendible.

M.L.L 3º ESO B

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