KIMERA. LA SOCIEDAD DE LOS ARTISTAS REVISTA TFG PLIEGOS INTERNET

VOL. 1 MAY/ JUL 2024
LA SOCIEDAD DE LOS ARTISTAS

Realizado por Lucía Trigo

N-
I-
E
06
22
36
52
62
66
82
98
112
ALBA ARROYO
PAULA DE LAS
HAZAS
RODRIGO GARCÍA
BLANCO
HG
MARCIO MAURA
DAVORSHOW
MORT REVOUR
PALLÍ
PABLO TRIGO
4
5

6
7

“Un viaje onírico
donde lo
tangible y lo
etéreo se entrelazan
en un
juego de luces
y sombras.”
REZA Y AMA
Esta obra representa la coexistencia de lo tradicional
y lo moderno, lo plástico y lo digital, en un universo
propio donde lo tétrico y el alma se funden en
uno.
Alba Arroyo, una artista multidisciplinar, fusiona su
pasión por las bellas artes con el mundo del diseño
digital para crear imágenes y relatos que cautivan y
despiertan la imaginación. Su trabajo se desarrolla en
un amplio espectro de soportes, desde lienzos hasta
pantallas digitales, permitiéndole explorar diversas formas
de expresión.
Esta combinación única le permite trazar
un puente entre el pasado y el futuro
del arte, creando obras que capturan la
esencia de ambos mundos.
Inspirada por la intersección entre lo tradicional y lo
contemporáneo, Alba encuentra en las técnicas clásicas
un punto de partida para sus creaciones, mientras
que el diseño digital le ofrece herramientas innovadoras
para ampliar los límites de su creatividad.
8
9

10
ALBA ARROYO.
ESTOY ENTRE LO FÍSICO Y LO DIGITAL
Podría definir mi trabajo como un sostén entre lo plástico y
lo digital conviviendo en una misma galaxia. Utilizo diversas
técnicas tradicionales físicas, como el óleo o el acrílico
sobre lienzo. Sin embargo, también combino mi trabajo con
diferentes herramientas digitales para mostrar imágenes
únicas.
¿Cuál dirías que ha sido tu mayor logro a lo largo
de tu emergente carrera?
Entre mis logros está únicamente el segundo premio de la
sección de Versiona Thyssen XXI.
¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del arte?
Mi primeros inicios, si podríamos definirlo así, sería en una
academia de manualidades. Fue en el instante en el que
como artista me sentía “libre” de experimentar, descubrir y
aprender. Realmente no tengo formación, a lo que llamaríamos
al estilo academicista, en este sector. Pero todo lo
que sé de ese sector es gracias a mi madre.
¿Qué es lo que te llevó a dedicarte a ello?
Mi madre los findes de semana, nos llevaba a mi hermana
y a mí a diversas actividades que se desarrollaban en
diferentes museos, librerías, etc. Gracias a ello empecé a
desarrollar un interés sobre el arte y las diferentes formas
de creación.
Estas actividades incrementaron mi interés y fascinación
sobre el arte, aparte de acudir a esa academia de manualidades.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Son desde elementos de construcción, como tornillos,
muelles, clavijas… elementos que nos rodea como el
rastro que deja la espuma de la cerveza en el vaso, o el
movimiento del hielo en un vaso lleno de café. Todo ello sin
dejar de lado las fuentes “clásicas” de inspiración como los
museos, revistas, libros, galerías, cine, fotografías, Pinterest,
etc.
¿Hay algún ritual o hábito creativo que sigas
regularmente?
La música. Muchas veces necesito concentración y dependiendo
de que pieza vaya a realizar, que técnicas y que
herramientas estoy utilizando, hacen que mi concentración
varíe. De esta forma, la mayoría de las veces recurro a la
música para concentrarme.
¿Cuáles han sido los desafíos que has enfrentado
en tu carrera y al salir al mundo profesional ?
Creo que esta carrera se basa en el amor que tienes por el
arte, a tu arte y a ti. El mundo del arte es un mundo donde
tienes que tener ganas y saber que el recorrido va a ser
lento, claro que depende de la cantidad de contactos que
tengas. El arte esta rodeado de desafíos y obstáculos que
pueden hacer que te rindas, te retrases, te desesperes, quieras
más al arte o lo odies por completo. Ahora mismo podría
decir que mi mayor obstáculo soy yo y mi idea del arte.
Actualmente tengo una imagen muy borrosa y oscura sobre
el arte. No me refiero como un mundo tétrico y oscuro, esta
idea se acerca más al hecho de la cantidad de barreras y
obstáculos que hay que sobrepasar y reforzar; haciendo que
diferentes aspectos interrumpan a tu modo de pensar, a tu
persona.
¿Cuáles son tus estrategias para superar bloqueos
creativos o momentos difíciles al realizar
una obra?
Personalmente, uso diversas formas para activar mi productividad
y mi creatividad. Por supuesto depende de muchos
aspectos irregulares, como tu estado emocional. Pero utilizo
diversas estrategias: dar una vuelta, andar y escuchar
música; en este caso hace que tu mente se libere y genere
imágenes de forma inconsciente. También concentrarte en
otra actividad que tengas que completar. Salir con amigos o
familiares. Incluso visitar espacios físico creativos.
Dale algún consejo a otros artistas que puedan
estar pasando por una situación similar.
Ser paciente.
¿Cómo percibes el impacto de tu trabajo en el
público?
Quiero pensar, que es fácil de analizar, que activo el análisis
visual en los espectadores que ven mis obras.
¿Tienes algún mensaje o tema recurrente en tu
obra?
Lo tétrico, el alma, el efecto gaussiano, el destello.
Un hada gaussiana y tétrica en una nebulosa llena de estrellas.
¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?
Actualmente estoy trabajando en mi proyecto de fin de carrera.
Pero de vez en cuando hago composiciones libres para
experimentar e indagar en diferentes técnicas y aspectos.
Qué aspiraciones a futuro tienes en tu carrera
artística.
Sinceramente no lo sé de forma concreta. Sin embargo hay
ciertas áreas que destacan como la maquetación creativa de
revistas, catálogos… Creación de ilustraciones, imágenes,
etc.
11

Alba ha logrado crear un estilo
inconfundible que combina
elementos de pesadilla
con sueños vaporosos. Sus
piezas evocan sensaciones
profundas y ambiguas, donde
la inquietud se mezcla con
la fascinación. Cada obra es
una puerta a un mundo alternativo,
donde la realidad
y la fantasía se funden en una
danza de luces y sombras.
Personajes
gaussianos tétricos
con destellos y
estrellas
MI PERLA
FAVORITA
Soldados jugando
a los dados
12
13

UN MEDIO
BAMBI
CRISTALIZADO E ILUMINADO
UN HADA
GAUSSIANA
TÉTRICA
EN LA
NEBULOSA
14
DE ESTRELLAS
15

Vuelta al simbolismo
En un mundo donde el arte contemporáneo a menudo se sumerge en la abstracción
y la experimentación tecnológica, una nueva generación de artistas
emerge, rescatando y reinventando el simbolismo. Entre estos creadores destaca
una artista cuyo trabajo, una fusión entre técnicas tradicionales y herramientas
digitales, nos transporta a una galaxia de significados profundos y contrastes
perturbadores.
La vuelta al simbolismo en la obra de esta
artista emergente no es una mera repetición
del pasado, sino una reinvención que combina
lo tétrico, lo mitológico y lo cristiano
en una narrativa visual única. Sus pinturas
invitan al espectador a explorar no solo
la superficie de sus imágenes, sino también
los profundos significados y emociones que
subyacen en ellas. En un mundo donde lo
efímero y lo superficial a menudo dominan,
su arte nos recuerda la riqueza y complejidad
del simbolismo, y la eterna búsqueda de
la humanidad por comprender su alma y su
lugar en el cosmos.
La mitología y el cristianismo han sido fuentes
inagotables de simbolismo a lo largo de la
historia del arte. Esta artista contemporánea
retoma estos temas, infundiéndoles un aire
moderno y personal. Las figuras espectrales
y los objetos luminosos en sus obras recuerdan
a los fantasmas y espíritus de la mitología
antigua, así como a los ángeles y demonios
del arte cristiano.
REDENCIÓN
Fotografía digital
¿CUÁL ES TU
MÁSCARA?
Lienzo acrílico : 100 x 70 cm
16
17

A R T E J K L T R E S L O C U R A G
A U S S I A N O P I N T U R A A B
S T R A C T O O B R A C O L O R I
D O A R T I S T A T E C N O L O G
I A T E T R I C O N E B U L O S A
E S T R E L L A H A D A D E S T E
L L O F I S I C O L U Z C R E A T
I V I D A S I N T U I T I V I D A D
I N S P I R A C I O N D I G I T A
L
M U S I C A P A C I E N C I A P R O
C E S O I M A G E N E S R E F E R E
N C I A S M U S E O A M A B A M B
I B R I L L O I L U S
18
T R A C I O N 19

MORT
REVEUR
POP UP
(Óscar García)
20
FE
21 /09/ 2024 De 19 a 21 h.
C/ Arriaza, 11, Madrid 21

22
Story summary Catch up on skate history.
and Saint Vansterdam. Unless you’ve
been living under a rock, you’ll have already
heard what happened this week in St.
PAULA
Vansterdam: M-Corp, the city’s corporate
owners, are now the city’s former corporate
owners. I’ll give you a rundown, just
in case you really call a boulder home and
aren’t aware of how fat this is. In the large
investments in the city until, through a
combination of influences, campaigns and
corruption*, all well watered with millions,
managed to take over the place. It soon
became clear that M-Corp’s only priority
DE LAS HAZAS
was self-profit. The following decades were
long and painful: its desire to personal expression
no longer had a place there. And
skating? No joke. If something did not fill
M-Corp’s coffers, it was banned.rruption
or illegal activity is mere speculation.We
reach 2024 and it seems that the “alleged”
23
misdeeds of M-Corp have ended up turing

SIEMPRE
NOS
“Para mí, una experiencia negativa me inspira
más que 100 positivas, pero quién sabe si me
preguntas en un tiempo y he encontrado otro
tema que quiera representar en otras obras. “
HAN DICHO EN
LA CARRERA
QUE NO
PODEMOS
ENAMORARNOS
DE NUESTRAS
IDEAS Y LO SIGO
A RAJATABLA.
24
Soy Paula, tengo 22 años y llevo estudiando
diseño desde hace 4 años y
este año termino la carrera.
¿Cómo fueron tus inicios en el
mundo del arte?
Empecé estudiando diseño de moda
pero no vi un futuro trabajando de
ello, así que justo conocí a gente de
diseño y me llamó la atención y decidí
cambiarme. Noto que está más
hecho para mi y me veo trabajando
de ello.
¿Qué crees que es lo que te
llevó a dedicarte a ello?
Sabía que quería dedicarme a algo
creativo pero no tuve claro el qué
hasta el último momento. Además, no
había estudiado nada artístico en el
colegio entonces fue un poco tirarme
al vacío, pero estoy muy contenta con
la decisión y ahora mismo no me veo
dedicándome a otra cosa que no esté
relacionada con el diseño.
¿Cuál dirías que es el momento
lave de tu carrera?
El momento que más puedo destacar
es cuando realmente he encontrado
mi estilo y me he sentido más cómoda
experimentando a raíz de ese momento,
he podido hacer más trabajos
y proyectos que he disfrutado más.
¿Cuáles son tus fuentes de
inspiración?
Ahora mismo son las redes sociales,
intento buscar a gente que haga cosas
que me gustan y que tengan el
estilo que busco. Ver los trabajos de
los demás me inspira mucho a crear
los míos propios o a tener nuevas
ideas. También estoy rodeada de
amigos que son diseñadores con estilos
muy distintos y son una de mis
mayores fuentes de inspiración.
¿Cuál es tu proceso creativo?
Normalmente empezaría analizando
bien el proyecto, haciendo moodboards
y bocetos con las primeras
ideas que se me vengan a la cabeza.
Luego a partir de ahí pruebo hasta
que llegue a un resultado que más o
menos me guste. Después, cuando
he terminado un trabajo lo dejo reposar
unos días, sin volver a mirarlo y
cuando pase ese tiempo vuelvo a él
a ver qué noto raro y puedo cambiar.
¿Hay algún ritual creativo que
sigas regularmente?
Nunca suelo quedarme con los primeros
diseños que haga y me fuerzo
a salir de ellos a experimentar más.
Creo que en el proceso el diseño que
he hecho mejora hasta llegar a su
mejor versión.
¿Cuáles crees que han sido
los obstáculos o desafíos que
has enfrentado en tu carrera?
Probablemente encontrar mi estilo,
como he mencionado antes. Tardé
bastante en conseguirlo y notaba mucho
en los proyectos que hacía que
siempre faltaba algo o que nunca estaban
exactamente como quería.
¿Cuáles son tus estrategias
para superar bloqueos creativos
o momentos difíciles al
realizar una obra?
Simplemente me separo de mi obra
durante un tiempo, me centro en otros
trabajos que no tengan nada que ver
y hago cosas que me gusten.
¿Qué consejos tienes para
otros artistas que puedan estar
en tu situación?
Hay veces que simplemente no puedes
hacer otra cosa que dejar el tiempo
pasar, mientras tanto, puedes hacer
otras cosas y después de mucha
práctica eventualmente llegarás a tu
objetivo.
¿Cómo percibes el impacto de
tu trabajo en el público?
Me gusta mucho recibir feedback
aunque sea negativo para saber qué
puedo cambiar o por dónde puedo ir
la próxima vez. Publico algunos de
mis trabajos en redes sociales y noto
que me ayuda a diferenciar cuando he
hecho un buen trabajo y estoy orgullosa,
de algo que no subiría o quiero borrar
inmediatamente.
¿Has tenido alguna experiencia
memorable de interacción con
tu público?
Me hace ilusión cuando personas que
no conozco de nada, incluso de otros
países comentan en alguna publicación
que haga. No sé cómo les ha llegado
mi trabajo pero aprecio que se hayan
tomado la molestia de comentarme qué
les ha parecido.
¿Tienes algún mensaje o tema
recurrente en tu obra?
Me gusta centrarme en el aspecto negativo
de las cosas, emociones negativas,
experiencias traumáticas…, es lo
que más me llama la atención y creo
que se refleja bastante en mi estilo,
suelo elegir temas oscuros para representarlo.
No es solo porque despierte
interés en mí sino porque también lo
veo como una manera de investigarme
a mi misma y analizarme.
¿En qué proyectos estás trabajando
actualmente?
Estoy haciendo un proyecto de video
arte para el MMMAD Festival sobre las
distopías de la tecnología. Estoy trabajando
con un programa que me gusta
mucho y con el que ya he experimentado
más veces, que es Touch Designer,
me gusta que una el diseño con la programación
y la tecnología. Estará listo
para mayo y publicado en mis redes
sociales.
¿Qué aspiraciones a futuro tienes
en tu carrera artística?
Me gustaría exprimentar con muchas
cosas antes de asentarme en una concreta.
Me gustaría poder probar un
montón de trabajos y nunca asentarme
en uno. Creo que me haría crecer mucho
como diseñadora pero todavía no
estoy segura si tanta inestabilidad está
hecha para mi.
25

LISBOA
26
Paula captura la esencia de su estilo y su habilidad
para contar historias a través del lente. En esta caso
el protagonista es un tranvía amarillo que se mueve
por las estrechas calles de Lisboa.
Esta artista tiene una gran capacidad para reflejar
una atmósfera nostálgica y melancólica.
Además de tener una visión clara y un estilo distintivo
que promete dejar una marca en el mundo del diseño.
Con una actitud abierta y reflexiva, está destinada a
seguir sorprendiendo y evolucionando en su carrera
artística.
27

CHINA TOWN
NEW YORK
28
A veces, el camino no es claro y hay que cambiar de perspectiva,
pero con tiempo y la práctica, encontrarás tu camino y estilo propio.”
29

UN VERANO OSCURO
Estas fotografías son una yuxtaposición de la estación del verano típicamente asociada
con luz, alegría y vivacidad con elementos oscuros y apagados. Esto genera una sensación
de melancolía, como si se tratara de un verano en el que la luz y la alegría se han
desvanecido, dejando lugar a una reflexión más introspectiva y serena.
“Los paisajes, oscuros y desolados, el momento perfecto de la transición, del
amanecer, el final de algo. El paso del tiempo de la naturalezaen estado puro.”
Es una serie que evoca una profunda conexión emocional
y contemplativa con la naturaleza. A través de sus paisajes
oscuros y la sutil presencia humana, transmite una
apreciación por la belleza natural, la interacción armoniosa
entre humanos y el medio ambiente, y la reflexión
sobre la dualidad entre luz y oscuridad, permanencia y
cambio.
30
31

WALLS
El espectador se asoma a la vida de otro, espía
un momento privado en la vida de alguien.
Esto permite que el observador se convierta en
parte de la narrativa, completando las historias
con su propia imaginación y emociones.
El entorno donde se vive y trabaja es una extensión
de la mente y la creatividad del individuo.
Aunque no hay personas en las imágenes,
la presencia humana se siente en cada rincón.
Cada imagen es un fragmento del tiempo, un
eco de las emociones que se intentan capturar
y comprender.
“La intimidad del espacio donde el silencio habla
y los objetos cotidianos cuentan la vida de
un soñador sin rostro, las paredes susurran
historias de nostalgia, dónde la humanidad se
revela a partir de la ausencia del ser que habita
en cada detalle.”
32
33

El Renacimiento del
Ruralismo en el Arte
Contemporáneo
En un mundo cada vez más
globalizado y urbanizado, el
arte rural está experimentando
un resurgimiento notable.
Este movimiento no es
una mera añoranza por tiempos
pasados, sino una exploración
profunda y relevante
de la identidad cultural, la
sostenibilidad y la conexión
humana con la naturaleza. El
ruralismo en el arte contemporáneo
está desafiando las
narrativas dominantes y proporcionando
una perspectiva
fresca y necesaria en el panorama
artístico actual.
Rodrigo García Blanco
La autenticidad es una cualidad
esquiva en la era digital,
donde la vida parece
más mediada por pantallas
que por experiencias directas.
El ruralismo en el arte se presenta
como un antídoto a esta desconexión.
Los artistas que tratan
esta temática se sumergen en la
riqueza de las tradiciones locales,
utilizando mayormente materiales
o medios naturales y técnicas
antiguas/tradionales que
evocan un sentido de autenticidad
y pertenencia.
Esta autenticidad no es solo
estética, sino también espiritual,
conectando al creador
y al espectador con una
herencia cultural profunda y
tangible.
En un momento en que la búsqueda de lo
auténtico y lo sostenible es más urgente que
nunca, el ruralismo en el arte se erige como
una fuente de inspiración y reflexión.
En un mundo donde las ciudades
tienden a parecerse cada
vez más, con sus paisajes
urbanos uniformes y culturas
comerciales globalizadas,
el arte rural emerge como un
defensor de la diversidad.
Las obras rurales celebran
la especificidad de los lugares
y las comunidades, desafiando
la tendencia hacia la
homogeneización cultural. A
través de sus obras, los artistas
rurales preservan y
revitalizan idiomas, mitos,
músicas y danzas que
corren el riesgo de desaparecer
en el torrente de
la modernidad global.
El arte rural no se limita
a una visión idealizada de
la vida en el campo. Por
el contrario, ofrece una
representación honesta de
las dificultades y alegrías
de la existencia rural.
Temas como la lucha por la
tierra, la migración forzada,
los trabajos arduos
bajo el sol, el ganado y
los efectos del cambio climático
se abordan con una
sinceridad que es a la vez
conmovedora y reveladora.
Sin embargo, junto a estas
narrativas de lucha, hay
también celebraciones de
la comunidad, la naturaleza
y la resiliencia humana.
Estas obras nos recuerdan
que, a pesar de las adversidades,
las comunidades
rurales encuentran formas
de florecer y adaptarse.
En tiempos de crisis ecológica,
el ruralismo en el
arte ofrece una perspectiva
crucial sobre la relación
entre los humanos y el
medio ambiente. Las representaciones
de paisajes,
prácticas agrícolas sostenibles
y tradiciones en el
arte rural nos invitan a
reconsiderar nuestra
propia relación
con la naturaleza.
Este arte no solo es
una reflexión estética,
sino también
un llamado a la acción, sugiriendo
que un futuro sostenible
depende de nuestra
capacidad para reconectar
con la tierra y vivir en
armonía con ella.
El renacimiento del ruralismo
también está teniendo
un impacto significativo
en el mercado del
arte. Coleccionistas y galeristas
están cada vez más
interesados en obras que
trascienden las tendencias
pasajeras y ofrecen una conexión
genuina con la cultura
y la naturaleza. Las
exposiciones dedicadas al
arte rural están atrayendo
a audiencias que buscan
algo más profundo y significativo
en su experiencia
artística.
Este interés creciente no solo valida
el trabajo de los artistas
rurales, sino que también abre
nuevas oportunidades para que sus
voces sean escuchadas en el escenario
global.
34
35

RODRIGO
GARCÍA BLANCO
36
37

RODRIGO
GARCIA BLANCO
“El grano, el contraste dependiendo del carrete y sobre
todo, el no saber si la imagen que has intentado
hacer ha salido o no, hace que el momento de disparar
con ella, cree un momento de concentración que uno
no tendría si tuviese más oportunidades, todo esto en
conjunto, son varios de los puntos que me han hecho
decantarme por las cámaras analógicas.”
Rodrigo es un joven artista
multifacético que se dedica
al arte desde el 2013.
Su interés por el arte digital le
llevó a estudiar Diseño Digital
y Multimedia en la universidad.
Rodrigo destaca en varias disciplinas
artísticas, incluyendo
el diseño digital, el graffiti y la
fotografía. Su proyecto más
importantes hoy en día es su
trabajo Ruralismo, un proyecto
que se basa en la creación
de un diccionario y la organización
de una exposición sobre
la vida rural y se explora
el patrimonio léxico cultural
del Aravalle (Gredos).
Su estilo artístico se caracteriza
por la seriedad y el
uso recurrente de colores
monótonos, especialmente
el blanco y negro. Este enfoque
distintivo crea un contraste
impactante, captando
la atención del público por su
audacia y simplicidad.
A pesar de los desafíos que
ha enfrentado debido a su
juventud, como la falta de
reconocimiento en ciertos
espacios profesionales, ha
perseverado y ha destacado
por su compromiso y originalidad.
38
39

El trabajo duro
del artista joven
40
Mi objetivo es seguir creciendo
como profesional en el mundo
del diseño digital, colaborando en
nuevos proyectos.
¿Cómo fueron tus inicios
en el mundo del
arte?
Mis inicios en el mundo del
arte comenzaron con el
graffiti, empezando allá por
el 2013, un arte conocido
por su controversia, el cual
me llevó a conocer a otras
personas diferentes, y me
ayudó poder desarrollarme
como “artista” dentro del
área.
¿Qué es lo que te llevó
a dedicarte a ello?
Pude hacerlo de manera
digital, cuando una empresa
de marketing contó conmigo
para realizar diseños
en 2018. Decidí adentrarme
a los estudios de Diseño
Digital y Multimedia en
la universidad.
¿Cuáles son tus momentos
clave en tu
carrera artística?
Uno de mis momentos claves
dentro de mi carrera
artística ha sido la realización
de mi TFG, enfocándolo
a una exposición y a
la creación de un diccionario.
Ha sido un `proyecto
que me ha llevado realizarlo
más de un año.
¿Cuáles son tus fuentes
de inspiración, tu
proceso creativo y tus
hábitos de trabajo?
Mis inspiraciones se unen
al proceso creativo, ya que
para comenzar a hacer un
proyecto hago una investigación
profunda antes
de realizar nada, con un
proceso de boceteado y
estudio previo de como
enfocar mi trabajo.
¿Cuáles crees que
han sido los obstáculos
o desafíos que
has enfrentado en tu
carrera?
Al ser una persona joven,
uno de los peores obstáculos
ha sido el no poder
alcanzar objetivos tales
como trabajos, lugares
de interés, y demás situaciones
públicas en donde
muchas personas no toman
en serio por decirlo
de alguna forma a las personas
que están empezando
en el sector.
¿Cómo percibes el
impacto de tu trabajo
en el público? ¿Tienes
algún mensaje o
tema recurrente en
tu obra?
Mi obra se centra en la
seriedad, los colores monótonos
y el recurrente
uso del blanco y negro,
unos elementos que ante
el público general, marcan
un contraste frente
al resto de obras, ya que
son más chocantes.
¿En qué proyectos
estás trabajando
actualmente?
Actualmente me encuentro
realizando un trabajo
de fin de grado de diseño
digital de la Universidad
Antonio Nebrija. Un trabajo
que está llevando
un gran proceso de investigación
y al realizarlo
de manera individual ha
provocado una implicación
máxima en su desarrollo.
¿Hay alguna colaboración
o proyecto
específico que quieras
compartir?
Estoy realizando una exposición
de manera individual,
sin ningún apoyo
por parte de nadie y esta
ha implicado una inversión
tanto económica
como personal enorme.
Esto es algo con lo que
uno no cuenta y acaba
siendo muy satisfactorio,
pero también supone un
sacrificio.
41

Segundo piso.
Samyang 28mm
Ladrillos.
Samyang
28mm
Estos lugares, una vez llenos de
vida y actividad, ahora están desprovistos
de su propósito original
y muestran signos del paso del
tiempo y el abandono humano.
Los detalles como paredes agrietadas
y ventanas rotas pueden
sugerir una historia olvidada o
una comunidad que ha pasado por
tiempos difíciles.
Rotom.
Samyang 28mm
Corriente.
Samyang 28mm
Boaleando. 18-55mm
“Entre ruinas urbanas y la quietud de lo olvidado,
se entreteje el tiempo en sutiles hilos de memoria.
La ciudad, testigo mudo de historias desvanecidas,
donde la belleza surge entre la decadencia y la gloria.”
Rodrigo, además
de ser un
artista visual, tiene
interés por la
preservación del
patrimonio cultural
y la historia
local. Explora el
patrimonio léxico
cultural del Aravalle
a través de
su diccionario.
Rodrigo tiene un
compromiso con
la documentación
y la difusión
de aspectos culturales
menos
conocidos o en
riesgo de ser olvidados.
42
Lla-ma.
Samyang 28mm
Floresperrunas.
Samyang 28mm
43

LA
BELLEZA
DE
L
COTIDIANO
O
SE
ESCONDE
44
45

RURALISMO
El pueblo y sus alrededores.
Sin filtros, panf50, Fed II
Ruralismo, es un proyecto que, recoge la identidad de las zonas rurales de España a través
de fotografías analógicas en blanco y negro y palabras olvidadas recopiladas en un diccionario
ilustrado.
A través de una investigación profunda, entrevistas y mucho trabajo detrás, este proyecto
trata de conectar diferentes generaciones y dejar huella de alguna manera para las que
vienen.
46
47

AUGE
DEL
RURAL
ISMO
48 49

Margarita de fiesta
Artista: PALLÍ
Y así, Margarita decide
buscar a la oruga, con la
esperanza de encontrar
alguna pista.
¿Quién eres
tú?
Margarita, después de
una noche de fiesta, se
despierta en un lugar
extraño.
¿Dónde estoy? ¿Y
quién se ha llevado
mi bolso?
Margarita atraviesa el extraño
bosque, sintiéndose
algo mareada.
Soy Margarita y necesito
encontrar mi bolso.
¡Debo haberlo perdido
en la fiesta!
¡Mira quién se ha
perdido de nuevo!
El gato sonriente aparece de repente.
Siempre la misma historia
después de cada fiesta.
¡Bienvenida, Margarita!
Otra vez has terminado en
Wonderland después de tus
desmadres.
La oruga señala vagamente
el camino, que
Margarita debe seguir.
Margarita se encuentra a los
gemelos y se pega un susto de
muerte.
Pero aunque son muy raros
decide preguntarles.
¿Habéis visto mi bolso?
No, pero podemos ofrecerte
otro trago.
O mejor aún, ¡otra fiesta!
Necesito encontrar mi
bolso, gato. ¿Sabes dónde
podría estar?
¡Qué pesada Margarita!
¿Otra vez?
No lo sé, siempre puedes
preguntar a la oruga.
Ella parece saberlo
todo después de un par
de caladas.
Margarita sale corriendo
hacia cualquier dirección
lejos de ellos.
Avanza por un sendero hasta ver un conejo corriendo
con su bolso y corre desesperada tras él.
¡PARA CONEJO,
ESTÁTE QUIETO!
CONTINUARÁ...
50
51

HG
HG
H
52
HG
HG
HG
G
53

TODO EL ARTE ES BUENO Y NECESARIO
Mi nombre completo es Andrea Espinosa
Júlvez, mi nombre artístico es
HG, que son las siglas de Hermano
Gris, un personaje del Libro de las
Tierras Vírgenes (procedente de los
scouts). Mi especialización es la ilustración
digital, aunque también me
encanta hacer dibujo tradicional o manualidades.
Hace tres años me uní a un colectivo
de artistas llamado MilloCollective,
que está compuesto por otras tres mujeres
artistas de mi estilo.
¿Cual diriías que es un logro
destacado para ti?
Haber vendido distintos productos en
los que había diseños míos y haber
realizado la dirección de arte de un
vento al que llamamos “La Previa”.
¿Cómo fueron tus inicios en el
mundo del arte?
Llevo dibujando desde siempre, en
un principio imitaba obras, a aprtir de
ahí empecé a coger ojo de artista. Aún
no sabía qué quería transmitir con mi
arte, pero sabía que quería hacerlo.
¿Qué crees que es lo que te llevó
a dedicarte a ello?
La posibilidad de trabajar en algo que
me apasionaba.
¿Tienes algún momento clave
de tu carrera?
En bachillerato cuando decidí que
quería estudiar algo de artes. Más
adelante, la cuarentena fue un potencial
para mi vena artística. La carrera
también me ayudó a encontrar mi estilo
y a ganar seguridad. Y el momento
más clave fue entrar a Millo porque
me arropó como artista y me permitió
ver las infinitas posibilidades que hay
en el mundo del arte.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Mi mayor fuente de inspiración son
otros artistas, los que se salen un
poco de la norma y que son experimentales.
También me inspiran mucho
los colores, la ropa y las personas
de mi alrededor.
54
“Si te gustan los personajes, los
colores y las formas chulas, te
encantará lo que hago. “
¿Cuál es tu proceso creatico
artístico?
Uno de los momentos más complicados
es empezar con la hoja en blanco,
después todo es más fácil. Suelo encontrar
algo que me inspire, una persona,
una forma, un color… y empiezo
a hacer búsquedas de cosas similares
para formar una idea más concreta en
mi cabeza de lo que quiero hacer. Me
gusta centrarme en un tema concreto.
Después empiezo con bocetos y defino
la forma, para después pasar al
entintado y al color. Otra de las partes
que más me cuesta es acabar las
obras y creo que es por los detalles.
Esto varía con cada obra, si tengo la
idea totalmente cerrada o no. Cuando
acabo, firmo y ya está lista para ser
vista por el mundo.
¿Hay algún ritual o hábito creativo
que sigas regularmente?
Cuando dibujo me encanta hacerlo
sola, en mi habitación, con la música
que me apetezca en ese momento.
También me gusta encender alguna
vela o incienso. Creo que mis momentos
más creativos son de noche.
¿Cuáles crees que han sido los
obstáculos o desafíos que has
enfrentado en tu carrera?
El princial ha sido mi inseguridad en
cuanto a mi estilo. También, la falta de
presupuesto para producir proyectos
a mayor escala.
¿Cuáles son tus estrategias para
superar bloqueos creativos?
Creo que darle espacio y pensar en mí
y analizar el qué me está generando
ese bloqueo o incomodidad. Ya que,
cuando no soy capaz de dibujar, sé
que algo está mal conmigo.
¿Qué consejos tiene para otros
artistas que puedan estar pasando
por situaciones similares?
Que se escuchen a si mismos y mismas.
Deben hacer caso a su cuerpo
y lo que les pide. También que den
menos importancia a los pensamientos
que todos los artistas tenemos sobre
que nuestro arte no es suficiente.
Todo el arte es bueno y necesario.
Que cada persona tengamos unas capacidades
y unos límites es, yo creo,
lo que lo hace único. Y también, que
intenten afrontar ese miedo al fracaso.
¿Cómo percibes el impacto de
tu trabajo en el público?
Generalmente es muy positivo. La
gente con la que comparto mi arte
siempre me anima y me dan refuerzo
positivo.
Has tenido alguna experiencia
memorable de interacción con
tu público.
Cuando personas se han tatuado diseños
míos. A nivel personal me da
mucha seguridad con mi arte.
¿Tienes algún mensaje o tema
recurrente en tu obra?
La expresión de emociones a través
de personajes y formas.
¿En qué proyectos estás trabajando
actualmente?
En mi tfg, trata sobre la creación de
personajes.
Qué aspiraciones a futuro tienes
en tu carrera artística.
Voy a hacer un máster en Concept
Art, que académicamente es lo que he
descubierto que me gusta. Planeo encontrar
trabajo de ello. También quiero
retomar mi actividad en Millo.
55

RT
56
YOGU
DE MANGO
57

LOS 8 MANDAMIENTOS DE
UNA PERSONA BIEN CANARIA
Esta tira ilustrada se realizó para conmemorar el día
de Canarias, en colaboración con Chachosouvenirs.
Se unieron para realizarnos los mandamientos que
todo buen canario debe cumplir.
58
59

60
EL EXISTENCIALISMO
DE DAVID CRONENBERG
Óscar García
El rechazo a uno mismo ante la incomprensión,
no sólo de un terror
inherente, sino de una brutalidad social
que se diluye en los estratos más
profundos de la psique y el comportamiento
humano. De esta manera, Cronenberg
elucida su obra redefiniendo al
sujeto moderno, provocado por la ultra
percepción de su realidad reflejo de
un entorno repulsivo. Nos encontramos
ante una nueva percepción de la moral,
cimentada ad hoc a través de sus creaciones.
El rechazo a la propia carne no puede
concebirse como novedad. Se puede
analizar como un reducto de nuestros
desafíos más primarios: enfrentarnos
con el yo, que a su vez, está formado
por consciencia-cuerpo. Toda filosofía
existencial implica una dualidad, que
no es más que someternos al juicio de
la realidad y a las concepciones del
ser, naciendo una desvinculación con
nuestro cuerpo: aparece así la nueva
carne. Nueva, porque la antigua no nos
satisface.
Tu cuerpo ya ha sufrido muchos cambios.
Pero eso es sólo el principio.
El principio de la nueva carne. Ahora
tienes que llegar al final. Una transformación
total. ¿Crees que estás
listo? Héroux et al. Cronenberg, D.
(1983). Videodrome.
Canadá: Canadian Film Development Corporation
(CFDC).
La catarsis que experimentan los personajes
de Cronenberg es muestra fidedigna
de todo lo analizado hasta ahora.
Se transforman en aberraciones, se
envilecen para formar nuevos cuerpos,
todo con el objeto de verse sumidos
en una nueva sustantividad y evolucionar
más allá de lo convencional. No es
la única forma de materializar nuevas
realidades; pero sí una de las más impactantes.
“Todo está lleno, existencia en todas partes,
densa y pesada y dulce. Pero
más allá de toda esta dulzura, inaccesible,
muy cercano, tan lejos, ay, joven, despiadado
y sereno está ese… Ese rigor”. Sartre,
J. P. (2013). Nausea. New Directions Publishing.
Es, de este rigor expresado en las
obras de Sartre, del que Cronenberg
busca deshacerse en sus filmes a través
de la descarnalización.
“Por lo tanto se ha producido un cambio durante
estas últimas semanas.
¿Pero dónde? Es un cambio abstracto que no
se apoya en nada. ¿Soy yo quién ha cambiado?
Si no soy yo, entonces es este cuarto,
esta ciudad, esta naturaleza; hay que elegir.
Creo que soy yo quien ha cambiado, es la
solución más simple. También la más desagradable.
Pero debo reconocer que estoy sujeto
a estas súbitas transformaciones. Lo que
pasa es que rara vez pienso; entonces sin
darme cuenta, se acumula en mí una multitud
de pequeñas metamorfosis, y un buen día se
produce una verdadera revolución.” Sartre,
J. P. (2013). Nausea. New Directions
Publishing.
En relación a la película Videodrome
(1983), el personaje principal, Max
Renn busca programas novedosos de contenido
adulto. De repente, encuentra una
cadena llamada Videodrome, la cual emite
imágenes violentas e hipnóticas que contienen
asesinatos y torturas, hecho que
despierta su interés. Lo que el protagonista
no sabe es que las emisiones de Videodrome
tienen como objetivo alterar las
percepciones de los espectadores causándoles
tumores cerebrales. De este modo, Max
se ve envuelto en una trama en la que su
realidad quedará distorsionada, siendo incapaz
de distinguirla de la ficción.
Él, que es partícipe y responsable de esta
brutalidad, busca cambiarla; más su finitud
humana se ve ahogada por la infinitud de los
conceptos que intenta erradicar, de esa
realidad que pretende modificar; pero que a
su vez es perenne e irratificable.
Así, nace, dentro de él, la propia angustia
kierkegaardiana.
La angustia, según Kierkegaard,
no es la insatisfacción que provoca
el entorno, si no aquélla
generada por la insignificancia
de la propia existencia: “estoy
aquí”. Nace
de la dualidad de la finitud del
propio sujeto (masa particular)
frente a la
infinitud del concepto (masa abstracta)
que significa su existencia.
Es justamente ante esta indeterminación
cuando los protagonistas de Cronenberg
se ven inmersos en la experiencia
de la total infundamentación
de la existencia, es esta vivencia ultra
perceptiva y contingente que acaba
generando en ellos la Náusea, la imposibilidad
de aceptar la responsabilidad
de sus actos.
En la película de David Cronenberg,
Nacked lunch (1991), basada en la novela
homónima de William Barroughs,
su protagonista Bill lee, al no poder
soportar su vida como exterminador
con una mujer adicta a las drogas, se
adentrará en un mundo con un tono onírico
movido por unos polvos que utiliza
en su trabajo, los cuales le dan
una visión kafkiana de la realidad,
adentrándose cada vez en una
advenediza odisea hacia un lugar denominado
La Interzona, todo por no ser
capaz de ser consciente de sí mismo.
De forma similar, Antoine Roquentin,
protagonista en La Náusea de Sartre,
es el claro reflejo del hombre existencialista:
sin amigos, contradictorio,
profundamente consciente de sus actos
pero no de lo que éstos provocan, vacío,
solo. Su camino por la vida le
lleva a dar con personajes extraños
bajo un tono surrealista, que pretenden
representar conceptos complejos
como el pequeño burgués que
frecuenta la biblioteca pública y pretende
leer todos los libros que hay en ella en
orden alfabético; la empleada de cafetería
que mantiene relaciones sexuales con Antoine,
relaciones en las que no media palabra
ni muestra de cariño; pero que a su vez se
presenta ante el personaje como potencial
cura a su desgaste vital. Aun así, hay un
claro descenso en picado; no encuentra salvación
ni propósito, no hay razón para seguir
aquí.
Así, tanto los protagonistas de Cronenberg
como Antoine se ven avocados a una
desconexión total con su realidad dejando
que su subjetiva metafísica les guíe hasta
el suicidio, el cual Cronenberg representa
como una liberacion mediante estos
mundos oníricos.
“Es fácil siempre ser lógico. Pero es imposible ser lógico
hasta el fin. Los hombres que se matan (los suicidas)
siguen así hasta el final la pendiente de su sentimiento.
La reflexión sobre el suicidio me proporciona,
por lo tanto, la ocasión para plantear el único problema
que me interesa: ¿hay una lógica hasta la muerte?”
Camus, A. (2015). El mito de Sísifo. Alianza editorial.
Albert Camus nos presenta de la misma manera
a su héroe de lo absurdo, Sísifo, el
cual se ve condenado por los dioses a subir
y bajar una roca; aparentemente atrapado
en una existencia inútil. Decide darle su
propio entendimiento a la realidad abrazándola
y quitándole la potestad que le había
dado a sus propios dioses; más Cronenberg,
sin la esperanza en un dios que nos anule
filosóficamente, o la creación artística,
como forma de reafirmarse sobre lo absurdo
y rebelarse ante lo absoluto del mundo,
decide que sus personajes se hagan uno con
su visión kafkiana y divergente de la realidad.
En el caso de Videodrome, Max Renn,
se ve superado por la angustia existencial,
la náusea y el sentimiento de lo absurdo
que le provoca su sociedad, cayendo así en
la realidad que Videodrome le ofrece a lo
largo del filme, la nueva carne, la cual
pretende la trascendencia más allá de lo
físico, de la carne propia, para poder alcanzar
una existencia superior, es de este
modo por el que Max entiende que suicidandose
podrá ascender a esa nueva carne, dejando
su cuerpo, que es percibido como una
cáscara sin transcendencia.
Cronenberg utiliza el medio del cine para
presentarnos una serie de condicionales
que nos hacen adentrarnos más en un existencialismo
que se nos reveló décadas
atrás, ahora bien, ¿y si pudiéramos retrotraernos
metafísicamente de nuestro
entorno para buscar en la concepción que
tenemos de uno mismo una respuesta a
la gran pregunta por qué existes?
61

MARCIO
MAURA
Mi nombre es Antonio
Marcio Maura Alía.
Estudio composición
musical para medios
audiovisuales, aunque
llevo prácticamente
toda la vida con la
música, ya que toco
el piano clásico desde
los 7 años.
“Nos armamos de confianza y valor a través del
conocimiento de nuestra materia de trabajo.”
¿Cómo fueron tus inicios
en el mundo del
arte?
Conocí el piano gracias a
unos amigos de mis padres
que me propusieron tocar
en su casa de forma distendida,
y todos vieron que
apuntaba maneras. A mí me
pareció divertido, así que
cuando empezó el colegio,
mis padres me preguntaron
si quería probar. Entonces,
empecé en una escuela
de música. Estuve ahí dos
años y después entré en el
conservatorio oficial, donde
cursé los grados elemental y
profesional.
¿Qué crees que es lo
que te llevo a dedicarte
a ello?
El mundo instrumental es
muy vocacional e incierto y
sobre todo en el ámbito de
la musica clásica. Como llevo
toda la vida con la música,
tampoco quería dejarla
sin más, así que vi una
oportunidad para probar en
el mundo de la composición
musical para medios audiovisuales,
una formación que
encontré en la escuela de
62
63

Música Creativa, uno de los
centros de formación musical
más prestigiosos de
España. El motivo de escoger
estos estudios, se debe
también a mi afición a los
videojuegos. Por otra parte,
la vida profesional de un
intérprete es menos estable
que la de un compositor con
la formación adecuada, ya
que para nosotros hay campo
laboral en muchas áreas,
como el diseño e ingeniería
de sonido, la producción
musical, la orquestación, el
arreglo…
¿Cuál es el momento
clave de tu carrera?
El día que me senté por primera
vez a un piano y conocí
a mi maestro y mentor
Miguel González Pérez.
¿Cuales son tus fuentes
de inspiración?
Mis principales fuentes al
venir del mundo clásico son
los grandes compositores
románticos. Mi favorito ahora
mismo es Liszt. De todas
maneras, también trato de
empaparme de todo tipo de
músicas actuales, como el
techno, rap, jazz…
¿Cuál es tu proceso
creativo?
En general, suelo componer
música para medios audiovisuales.
Por tanto, lo primero
que hago es profundizar
en la historia que mi música
tiene que contar. Después
hago un planning de la historia
visual y lo divido en
tiempos. Estos tiempos los
voy rellenando con más datos,
como grado de
importancia, intencionalidad
narrativa, perspectiva de los
personajes y sensaciones.
Una vez hecho esto, pienso
en qué estilo, con qué instrumentos,
qué tipos de frases,
texturas, ámbitos y registros
sonoros voy a emplear. Una
vez hecho todo esto y con el
planning muy presente empiezo
a componer. Una vez
terminada la obra toca producirla,
lo hago con Logic.
¿Hay algún ritual o hábito
que sigas regularmente?
Antes de ponerme a componer
toco el piano para “abrir
el oido”.
¿Cual crees que han
sido los obstáculos en
tu carrera?
Creo que el desafío se encuentra
en conseguir gustar
a la gente sin renunciar a
hacer música de calidad.
¿Cuales son tus estrategias
para superar
bloqueos creativos al
realizar una obra?
El conocimiento del medio,
es decir, la música en gran
parte es objetiva, es un lenguaje
y tiene unas reglas,
como cualquier otro idioma.
Cuando tengo la página
en blanco, creo que es común
para cualquier creador,
suelo ayudarme del conocimiento
teórico para salir del
atolladero y luego, una vez
resuelto el problema técnico,
añado mi parte más expresiva
y creativa.
¿ Qué consejo tienes
para otros artistas que
estén en tu situación?
Como todos los creadores,
nos vemos enfrentados a
la opinión y el juicio de los
demás. Además creo que
mucha gente no valora lo
suficiente la cantidad de trabajo
que hay detrás de una
composición musical aparentemente
sencilla. Con lo
cual tenemos que armarnos
de confianza y valor a través
del conocimiento de nuestra
materia de trabajo. Otro
consejo que daría es mirar
al pasado y ver a lo grandes.
¿Cómo percibes el impacto
de tu trabajo en
el público?
He estrenado solo una obra
con intérpretes en directo y
la respuesta fue muy positiva.
¿Has tenido alguna experiencia
memorable
de interacción con tu
público?
Una de mis sorpresas fue
“TODOS LOS CREADORES, NOS
VEMOS ENFRENTADOS A LA
OPINIÓN Y EL JUICIO DE LOS
DEMÁS. “
que gustó mucho la primera
obra que compuse en mi
vida, pues tuvo muy buena
acogida en las redes.
¿Tienes algún mensaje
o tema recurrente en
tu obra?
Lo que siempre intento es
que el sonido de mi música
no sea complaciente ni conformista.
Huyo todo lo que
puedo del cliché, para bien
y para mal.
¿En qué proyectos estás
trabajando actualmente?
Actualmente, tengo varios
proyectos en marcha, el más
importante ahora mismo es
la música y el sonido de un
videojuego en desarrollo.
¿Qué aspiraciones a
futuro tienes en carrera
artística?
Quiero saber hacer bien
cualquier cosa, como una
especie de mercenario musical,
ese sería mi objetivo
principal. Pero de las cosas
que más ilusión me hace es
poder componer para videojuegos.
¿Hay alguna colaboración
o proyecto específico
que quieras compartir?
Ahora mismo mi principal
objetivo es adquirir el mayor
conocimiento posible.
64 65

66
67

DAVORSHOW
AVORSHOW69
68

AVORSHOW
70
“ Al final es algo que hacemos por gusto y por pasión, y forzarnos
a hacer algo que en ese momento no nos sale, no
tendría sentido.”
Soy David Ortega Ortiz (Davorshow) un
chico de 23 años, compositor, letrista, productor,
estudiante de carrera de magisterio
de infantil especializado en música. Titulado
como Técnico de Sonido para Audiovisuales
y Espectáculos en Escuela Superior
CES.
Además soy un apasionado por todo lo
que tenga que ver con el sonido, desde las
cosas más técnicas hasta la música como
oyente. También me gusta pasar tiempo
con mis amigos como cualquier chaval y
salir de vez en cuando de escapada a cualquier
ciudad a la aventura. Dedico gran
parte de mi tiempo a mis estudios (magisterio),
a mi trabajo y a mi pasión que es
crear música.
¿Cómo fueron tus inicios en el
mundo del arte?
Fue viendo a los demás. Recuerdo de pequeño
cuando mis padres me ponían músicos
en la tele y me quedaba embobado
viéndoles y queriendo imitar lo que hacían,
y al final acabaron apuntándome a solfeo
y guitarra donde tuve mi primer contacto
con un instrumento con 5 años. En el tiempo
que ha pasado desde mis 5 años hasta
hoy creo que no ha habido día que no haya
estado en contacto con la música.
Hace unos 6 años aproximadamente, un
día me puse escribir mi propia música y
hasta hoy qeu sigo escribiendo. Creo que
se nota que es algo que me apasiona y llena
mi poco tiempo libre.
¿Qué crees que es lo que te llevó a
dedicarte a ello?
Fue el ver que si otros podían yo también
quería intentarlo, y eso juntado con mi cabezonería,
consiguió que no haya parado
hasta hoy.
¿Cuáles han sido los momentos
clave de tu carrera artística?
Los momentos más destacables de mi carrera
artística creo que han sido 2; el primero
cuando una discográfica apostó por
mí para crear música durante 1 año y el
segundo cada vez que doy conciertos tanto
por Madrid como fuera de Madrid.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Realmente mi inspiración depende del día.
Algunas veces tengo algo en la cabeza y
simplemente es sentarme y terminar de
desarrollarlo, otras veces es aburrido viendo
vídeos de los demás y me inspiran a
probar cosas nuevas, aunque a veces es
una simple frase que me viene y pienso
que le puede quedar bien a un tipo de género
musical concreto y me pongo a hacerlo…
¿Cual es tu proceso creativo?
Creo que mi proceso creativo es bastante
simple y común, comienzo buscando una
instrumental que me guste y me pongo a
escribir sobre esa instrumental. Si veo que
lo que he hecho queda bien, escribo a mi
beatmaker para que me haga la instrumental
a medida. Una vez que tengo las voces
grabadas con la instrumental y todo a mi
gusto, se las mando a mi estudio para que
me lo mezclen y mastericen y en caso de
querer grabar videoclip, me pongo a pensar
en la idea de este y a hacer el guión
técnico. Cuando tengo todo ordenado en
mi cabeza, me reuno con mi equipo de
visuales para ver si se puede conseguir
plasmar la idea que tengo y nos ponemos
a buscar a los actores/actrices, ubicaciones,
material necesario…etc. Grabamos
el videoclip, lo editamos y lo subimos. Y
una vez subido queda lo más importante
que es promocionarlo, por redes sociales y
campañas para que llegue a la mayor gente
posible.
¿Hay algún ritual que sigas?
Hay algo que desde que lo hice por primera
vez me funcionó y es ponerme luces de
un color específico para cada momento del
proceso. Por ejemplo, cuando estoy escribiendo,
suelo ponerme la luz morada porque
creo que eso me inspira más y cuando
estoy grabando y mezclando me suelo poner
la luz verde.
¿Cuáles crees que han sido los
obstáculos que has enfrentado en
tu carrera?
Creo que los mayores obstáculos de la carrera
de un artista siempre suelen ser los
mismos: La frustración al ver que no llegas
a donde querrías llegar, los números, los
bloqueos creativos, ver que no te apoya
gente que creías que o haría… Al final ser
artista creo que es una lección de vida porque
maduras en muchos aspectos durante
todo el recorrido.
¿Cuáles son tus estrategias para
superar bloqueos creativos al realizar
una obra?
Creo que muchas veces el bloqueo creativo
viene porque estamos muy saturados
o con mil cosas en la cabeza y lo que a
mi me ha enseñado todo este tiempo es
que cuando tiene que llegar el momento de
que salga algo nuevo, va a llegar. La clave
supongo que es despejar la cabeza y disfrutar
con lo que hay en cada momento. No
siempre tenemos que escribir ni sacar una
canción cada cierto tiempo porque no somos
robots ni nada parecido y habrá veces
que uno esté más inspirado y otras veces
que no lo estemos tanto.
¿Qué consejos darías a otros artistas
que puedan estar pasando por
tu situación?
El consejo que les daría es que disfruten
de lo que sienten en cada momento, que
no debemos de forzarnos a hacer muchas
cosas que no nos salen y que cuando tenga
que salir la vena creativa, saldrá. Al final
es algo que hacemos por gusto y por pasión,
y forzarnos a hacer algo que en ese
momento no nos sale, no tendría sentido.
¿Cómo percibes el impacto de tu
trabajo en el público?
Creo que por ahora es una audiencia bastante
reducida pero muy familiar. Cuando
doy conciertos y veo a la gente cantando
lo que he escrito, la verdad que es un sentimiento
un tanto extraño de expresar pero
muy bonito y por actos como esos, merece
la pena seguir haciendo lo que hago.
¿Tienes algún mensaje o tema recurrente
en tu obra?
Creo que mis canciones destacan por vivencias
personales amorosas o de desamor.
¿En qué proyectos estás trabajando
actualmente?
Estoy con un álbum en solitario que espero
que salga a finales de este año y un EP de
unos 6-7 temas todos en colaboración con
mi amigo Javi Cerdan, con el que ya he
hecho música anteriormente.
¿Qué aspiraciones a futuro tienes
en tu carrera artística?
Poder llegar a dar un concierto en el que
llene salas grandes o estadios y como
meta poder llegar a vivir de esto algún día.
También respecto al álbum en solitario,
es un álbum que tengo muchas ganas de
sacar puesto que tiene algunas canciones
que he cantado en conciertos o que he
compartido con amigos y he recibido bastante
buen feedback. Creo que el conjunto
de canciones resume bastante bien mis
últimos años.
71

GALAXIA
02 minutos
22/06/2024
DIME PORQUÉ?
02 minutos
22/10/2023
72
73

RECIÉN EN SU BUS-
CADOR, ME LA SUDA
SE QUE NO ME SUPE-
RÓ Y ME LA SUDA
RESPETO NO ME
GUARDÓ Y ME LA
SUDA
ME LA SUDA FEAT KRISMO
02 minutos
22/05/2023
YA SE QUE TO’ ME DA
IGUAL, ME LA SUDA
74
75

DAVORSHOW
76
77

78
Lucía Trigo
Afrontando los
Desafíos del Arte
Contemporáneo:
Una Llamada a la
Renovación y
Reflexión de los artistas
Es innegable que nos encontramos
en una era donde el arte
contemporáneo se enfrenta a una
serie de desafíos sin precedentes.
En un mundo saturado de
información digital y obsesionado
con la imagen superficial,
el papel del arte como medio
de reflexión crítica y expresión
cultural se ve amenazado por la
vorágine de las redes sociales
y la cultura del narcisismo.
El sistema museístico tradicional,
anclado en sus prácticas
y estructuras, apenas presta
atención a la dinámica cambiante
de las redes sociales. La
pandemia, lejos de ser una oportunidad
para la renovación, ha
exacerbado la desconexión entre
el arte y el público, obligando
a los prescriptores del arte
contemporáneo a sumergirse en
un mundo virtual, donde las interacciones
se reducen a cuadros
pixelados y comentarios en
pantalla.
En este contexto, las provocaciones
artísticas parecen
haber perdido su capacidad de
impacto. La sociedad actual,
acostumbrada a la constante saturación
de estímulos visuales
y emocionales, ya no se escandaliza
fácilmente. La parodia
y el pastiche, que alguna vez
fueron herramientas efectivas
de crítica cultural, han sido
diluidos en un mar de ironía y
cinismo, dejando poco espacio
para la auténtica subversión
artística.
Sin embargo, en medio de esta
oscuridad, emergen figuras como
Santiago Sierra, cuyo trabajo
desafiante y provocador sigue
generando debates intensos y
reflexiones profundas. A pesar
de las críticas que puedan surgir
en torno a su obra, Sierra
representa una voz valiente en
un mundo cada vez más complaciente
y conformista.
La defensa de la corrección política
en el arte puede parecer
aburrida y restrictiva a primera
vista, pero en realidad,
ofrece un espacio vital para
la diversidad de voces y perspectivas
en un mundo cada vez
más polarizado. Artistas como
Arturo Cariceo, que abogan por
¿Están las puertas del mundo laboral del arte
contemporáneo abiertas a la innovación y la diversidad
de voces, o están cerradas por la complacencia
y el conformismo de las élites establecidas?
una colaboración más modesta y
relacional en lugar del culto
al genio individual, encarnan
esta visión de un arte más inclusivo
y humano.
La crítica de arte, por su parte,
enfrenta su propia crisis
de relevancia en un mundo saturado
de información y opiniones.
Los críticos deben alejarse
de la seguridad de los
museos y los suplementos culturales
obsoletos y comprometerse
más activamente con el público,
explorando nuevas formas de comunicación
y diálogo.
En última instancia, el arte
contemporáneo se encuentra
en un momento de transición
y transformación. Si bien es
cierto que enfrenta una serie
de desafíos significativos, también
es un momento de oportunidad
y renovación. El arte tiene
el potencial de ser una fuerza
poderosa para el cambio y la
reflexión en un mundo cada vez
más complejo y desconcertante.
Es hora de que la comunidad artística
se una para imaginar
y crear un futuro más vibrante
y significativo para el arte
contemporáneo. Este no es un
llamado a la complacencia o la
nostalgia, sino a la acción y
la innovación. Juntos, podemos
superar los desafíos del
presente y construir un futuro
donde el arte pueda florecer y
prosperar como nunca antes.
“En medio de la oscuridad
y la complacencia,
el arte contemporáneo
debe convertirse en un
faro de reflexión crítica
y renovación cultural,
desafiando las inercias
del pasado y abrazando
la diversidad y la inclusión
como pilares
fundamentales de su
expresión.”
79

MORT REVEUR
80
81

MORT
REVEUR
EL ARTISTA
DEL MES
Óscar García Martínez es un artista
visual y diseñador con una gran
pasión por la pintura y el dibujo.
Su viaje artístico comenzó en las
aulas de Arteneo, una respetada
escuela de ilustración, y se solidificó
durante su formación en la
Universidad Complutense de Madrid,
donde perfeccionó sus habilidades
y expandió su perspectiva
creativa.
Él adopta un enfoque ecléctico
que abarca desde las técnicas
tradicionales hasta las infinitas
posibilidades de la creación digital
y el diseño. Influenciado por
el mundo del cómic y la estética
de maestros como Dave McKean
y Francis Bacon, su arte se sumerge
en la exploración de los límites
de la expresión visual.
En su proceso creativo yace la búsqueda de autenticidad y conexión emocional.
Cada obra es una indagación profunda en la condición humana, un diálogo
constante entre lo clásico y lo contemporáneo. La experimentación y
la originalidad son los pilares fundamentales de su enfoque artístico.
Con la mirada puesta en el horizonte, se embarca en proyectos audiovisuales
que prometen llevar su visión única a nuevas audiencias. Su objetivo es
participar en colaboraciones que desafíen las convenciones establecidas y
exploren nuevas formas de narración visual.
82
83

Mi nombre es Óscar, aunque mi nombre
artístico es Mort Reveur. Me he formado
de manera autodidacta desde pequeño,
ya que para mi el arte siempre ha sido algo
vocacional, pero a la hora de
estudiar hice un grado de ilustración en la
escuela Arteneo para continuar con la carrera
de Bellas Artes en la
Universidad Complutense.
Mi trabajo se ha centrado principalmente
en la pintura, pero siempre he encontrado
en el cómic una forma honesta de comunicación
que aúna muchas disciplinas artísticas.
LA RESPONSABILIDAD
¿Cómo fueron tus inicios en el
mundo del arte?
¿Qué crees que es lo que te llevó a
dedicarte a ello?
Mis inicios en el mundo del arte fueron
bastante orgánicos. Desde joven sentí una
profunda conexión con la expresión artística,
pasaba la mayoría del tiempo dibujando
o creando mis propios juguetes
con objetos que encontraba por mi casa.
No hay nada que me haya llevado explícitamente
a dedicarme a ello, no he tenido
más opciones, me acostumbré a representar
las cosas para poder
entenderlas, hasta que supe que había un
trabajo dedicado a ello.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Mis fuentes de inspiración son diversas,
desde el cine hasta la literatura y la vida
cotidiana, nunca ha habido ejemplos concretos,
si miras cualquier cosa bajo los
ojos de la creatividad todo es inspiración,
es un ejercicio que se entrena.
¿Cuál es tu proceso creativo que
sigas regularmente?
Nunca he sido consciente de mi proceso
creativo, es algo que ha ido madurando
con el tiempo según las necesidades. Si
tengo una idea, suele ser una necesidad
expresarla, con esta me sumerjo en la
atmósfera emocional de la obra mientras
la creo, intento que sea un proceso ágil,
mutante y orgánico con el diálogo entre
artista y obra. Me ayudo con referencias
visuales para generarlas ideas que tengo,
pero intento que esas mismas referencias
no se transformen en obstáculos.
¿Cuáles crees que han sido los
obstáculos o desafíos que has enfrentado
en tu carrera?
Creo que el mayor obstáculo que me he
encontrado ha sido mi propio criterio, es-
84
tar tanto tiempo con algo que pierdes la
perspectiva de lo que está bien o lo que
está mal, empiezas a trabajar hacia dentro
y pierdes la referencia de lo que estabas
haciendo o porque lo hacías.
¿Cuáles son tus estrategias para
superar bloqueos creativos o momentos
difíciles al realizar una
obra?
No hay muchos consejos para lidiar con
esas situaciones, es parte de la responsabilidad
que implica ser artista.
¿Cómo percibes el impacto de tu
trabajo en el público?
Tengo la suerte de percibir que el impacto
de mi obra siempre ha sido positivo, pero
es algo de lo que yo me he convencido
tanto si es verdad, como si no, tu trabajo
nunca puede determinarse por el impacto
en la gente, los halagos o las críticas.
Siempre debes buscar la honestidad de tu
identidad artística.
¿Tienes algún mensaje o tema recurrente
en tu obra?
Nunca he pretendido hablar sobre un solo
tema en concreto, pero echando la vista
atrás veo que todo mi trabajo gira en torno
al dolor desde varios puntos de vista.
¿En qué proyectos estás trabajando
actualmente?
¿Hay alguna colaboración o proyecto
específico que quieras compartir?
Si hay alguna cosa que eches de menos
contar por favor contéstala aquí:
Actualmente estoy trabajando en un cómic
que explora temas existenciales y
sigo ampliando mi trabajo expositivo. Este
agosto estaré en un encuentro de artistas
emergentes en Galicia donde espero
seguir desarrollándome y participar en
colaboraciones creativas que amplíen mi
visión artística. Estoy abierto a nuevas
oportunidades y proyectos que desafíen y
enriquezcan mi práctica
artística.
ARTÍSTICA
85

BRAS
ARTÍSTICAS
ARTÍSTICAS
OBRAS
ARTÍSTICAS
OBRAS
OBRAS
"Mi arte busca
explorar los
límites de la
expresión visual."
OBRAS
86
87

“Cada uno
mata lo
que ama
pero no
todos
pagan por
ello”
AS
TELL TALE HEART
88 89

LONF ELINESS
THE
O
“The Loneliness Of” es una serie de obras que fusionan
el cómic con la pintura, explorando las
distintas formas de soledad que existen en la vida
humana. Estas obras destacan por su capacidad
para combinar narrativas visuales del cómic con la
profundidad emocional de la pintura, creando composiciones
únicas.
es una serie que no solo destaca por su maestría
técnica, sino también por su capacidad para evocar
emociones universales. Cada obra invita al espectador
a confrontar y comprender las diversas formas
de soledad, ofreciendo una mirada honesta y
conmovedora a la condición humana.
90
91

“La soledad, plasmada en cada trazo y viñeta de ‘The
Loneliness Of’, nos recuerda que en el silencio de nuestra
existencia se encuentran las verdades más profundas
y los ecos más sinceros de nuestra humanidad.”
En la quietud de
la noche, se desliza
la soledad,
un manto invisible,
un susurro
en la oscuridad,
las estrellas observan,
cómplices
silenciosas,
mientras el alma
navega por aguas
misteriosas.
Es un eco en los
pasillos, un crujido
en el suelo,
un pensamiento
perdido, un suspiro
en el cielo,
es la sombra en
la esquina, el reflejo
en el cristal,
la presencia sutil de
un vacío abismal.
La soledad no
siempre es tristeza,
a veces es paz,
un refugio de calma,
un respiro fugaz,
es la pausa en la
tormenta, el silencio
en el ruido,
un espacio sagrado
donde el alma
encuentra abrigo.
“Mort Reveur
captura en cada
obra la esencia del
dolor y la soledad,
transformando
estos sentimientos
en una poderosa
expresión artística.”
92
Es el silencio
del alba, el despertar
sin prisa,
la compañía del viento,
una brisa precisa,
es la introspección
profunda, el
diálogo interior,
un momento de encuentro
con nuestro
propio valor.
En la soledad se
descubre la esencia
más pura,
se desvanecen las
máscaras, queda
la verdad desnuda,
es un viaje hacia
dentro, un
sendero sin fin,
un abrazo al vacío,
un comienzo y un fin.
No teme la soledad al
bullicio del mundo,
pues en su serenidad
encuentra
lo profundo,
es la danza del
espíritu, un vals
con la eternidad,
un lazo invisible
con la inmensidad.
En la quietud de
la soledad, hallamos
el ser,
un reflejo en el
agua, un amanecer,
es el arte de estar
solos, la magia
de existir,
la infinita belleza de
simplemente vivir.
93

Nunca te olvides de los
JUST DO IT
que siempre están
94
95

96
ALLÍ
ALLÍ
ALLÍ97

¿QUIÉN ES?
L ucía Trigo o Pallí, su nombre artístico,
es una artista pictórica cuya obra trasciende
los límites convencionales, explo-
rando la relación entre el individuo y su
entorno a través de medios plásticos y fotográficos.
Su enfoque se centra en la repre-
sentación de escenas cotidianas e íntimas,
utilizando la figura femenina y el cuerpo
humano como principales vehículos de
expresión.
Su obra invita al espectador a sumergirse
en mundos íntimos y persona-
les, donde la conexión emocional
es palpable. A través de una com-
binación magistral de medios,
ella captura momentos efímeros
y reflexiona sobre la naturale-
za humana, permitiendo que el
espectador se identifique tan-
to con el entorno representado
como con el artista mismo.
Lucía invita a los espectadores a explorar la belleza y la
complejidad de la intimidad a través de sus obras.
Su proceso creativo es un acto de expresión artística y
un viaje personal de búsqueda de identidad. A través de
sus obras, ella comparte de manera íntima sus propias
reflexiones y descubrimientos, creando un diálogo emo-
cional entre el artista y el espectador.
Con cada obra, ella busca involucrar activamente al es-
pectador, invitándolo a formar parte del mundo que ella
ha creado. Su objetivo es que las personas no solo con-
templen sus obras, sino que también se sumerjan en ellas,
encontrando resonancia en su propia experiencia y rea-
lidad.
98 99

- Hola soy Lucía Trigo, aunque mi
nombre artístico es Pallí. Soy una artista
que busca explorar la relación
entre el individuo y su entorno a través
de medios plásticos y fotográficos. Mi
enfoque esta basado en representar
escenas cotidianas e íntimas utilizando
la figura femenina y el cuerpo
humano como principales vehículos
de expresión. Con mi obra pretendo
invitar al espectador a sumergirse en
mundos íntimos y personales, donde
la conexión emocional es palpable.
LA IDENTIDAD
E INTIMIDAD
100
¿Cómo fueron tus inicios en el
mundo del arte?
- Mis inicios en el arte se dieron desde
joven, ya que siempre me sentí atraída
por ela rte y sus displinas. En el colegio
hacía actividades relacionadas
con el mundo artístico, ya fuera musical,
plástico u otros medios. En bachillerato
hice el artístico, ahí fue cuando
comencé a explorar y experimentar
con diferentes medios y técnicas, lo
que me llevó a buscar mi estilo personal
durante la carrera hasta ahora.
¿Qué crees que es lo que te
llevó a dedicarte a ello?
- Creo que fue una necesidad innata
de expresar mis emociones y reflexiones
sobre la ideantidad y natualeza
humana, además de nuestro entorno.
El arte me ofreció una forma de comunicarme
y conectar con los demás.
¿Cuál ha sido el momento clave
de tu carrera artística?
- Uno de los momentos clave fue mi
primera exposición en colaboración
con la univeridad, además de esta
todas las demás que he tenido hasta
ahora, entodas las exposiciones he
recibido una respuesta muy positiva
del público. Otro momento significativo
fue la participación n un festival
de arte llamado MMMAD, este es un
festival de arte digital. Fue una gran
oportunidad y un verdadero honor
participar en esta.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
- Mis fuentes de inspiración son variadas,
desde la vida cotidiana y las
interacciones humanas hasta la naturaleza
y la introspección personal.
Además también tengo figuras reconocidas
como referencia, como Goya,
Klimt, Leonard Cohen o incluso músicos.
¿Cuál es tu proceso creativo
para hacer una obra?
- Mi proceso creativo comienza con
una idea, busco referncias para
más tarde desarrollar bocetos y
pruebas en diferentes medios. Una
vez que tengo una dirección clara,
trabajo en la pieza final, combinando
técnicas plásticas, audiovisuals
y fotográficas para capturar la esencia
de mi visión.
¿Hay algún ritual o hábito
creativo que sigas regularmente?
- Me gusta dar paseos, ya que me
ayuda a despejar la mente y encontrar
inspiración. Además, de dedicar
un tiempo cada día a escuchar música,
ya que escuchar música mientras
trabajo me ayuda a mantenerme
conectada con mis emociones y
creatividad.
¿Cuáles crees que han sido
los obstáculos o desafíos
que has enfrentado en tu carrera?
- Uno de los mayores desafíos ha
sido encontrar mi voz artística en
un campo tan competitivo. También
he enfrentado bloqueos creativos y
momentos de duda sobre mi trabajo
y mi capacidad para comunicar lo
que quiero expresar.
FÍSICAS
¿Cuáles son tus estrategias
para superar bloqueos creativos
o momentos difíciles al
realizar una obra?
- Para superar los bloqueos creativos,
suelo cambiar de actividad o
medio artístico. A veces, una pausa
o un cambio de perspectiva puede
hacer maravillas. También busco
inspiración en la naturaleza, la música
o conversaciones significativas
¿Tienes algún consejo para
otros artistas que puedan estar
en tu situación?
- Mi consejo es que confíen en su
proceso y no tengan miedo de experimentar
y cometer errores. Y que
es importante rodearse de una red
de apoyo que entienda y valore tu
trabajo.
¿Cómo percibes el impacto
de tu trabajo en el público?
- Percibo que mi trabajo tiene un impacto
positivo e incluso emocional
en el público. Pretendo que las personas
se sientas familiarizadas con
las escenas y las emociones que
represento.
Has tenido alguna experiencia
memorable de interacción
con tu público.
- Una de las experiencias más memorables
ha sido que las personas
hayan tenido interés e comprar algunas
obras, prticipar en proyectos
profesionales y la participación en
el festivas de diseño..
¿Tienes algún mensaje o
tema recurrente en tu obra?
- Un tema recurrente en mi obra es
la exploración de la intimidad y la
conexión emocional. Me interesa
cómo nos relacionamos con nuestro
entorno y cómo nuestras experiencias
personales moldean nuestra
percepción del mundo.
¿En qué proyectos estás trabajando
actualmente?
- Actualmente, estoy trabajando en
mi TFG, estoy haciendo una revista
que de visibilidad a artistas emergentes.
¿Qué aspiraciones a futuro
tienes en tu carrera artística?
- Aspiro a seguir explorando nuevas
formas de expresión y a colaborar
con otros artistas y participar en
proyectos que tengan un impacto
social positivo.
101

“Espero que al
contemplarlas,
cada persona
encuentre un
reflejo de sí
misma y se
embarque en un
viaje de
autodescubrimiento
y conexión
emocional.”
LA PIEL
OCULTA
La piel oculta es un proyecto basado en la
investigación, a través de una serie fotográfica,
sobre diferentes corrientes artísticas
como: el Body Art, el Body Paint, el Action
Painting y la Performance, todos estos en
relación con el tatuaje, las perforaciones, cicatrices,
etc. Es decir, las marcas del cuerpo
humano, y como estas pueden llegar a afectar
en la formación de las personalidades e
identidades de los individuos.
La investigación se sitúa en un contexto
social actual, donde estas prácticas corporales
se han vuelto cada vez más visibles y
aceptadas en la sociedad. La serie fotográfica,
que se presenta como proyecto artístico,
busca examinar las diversas formas en que
las marcas y modificaciones pueden ser expresiones
de identidad, autenticidad y empoderamiento.
A través de las fotografías, se capturan y documentan,
las diferentes manifestaciones
artísticas y estéticas que pueden surgir del
cuerpo, siendo empleado como un lienzo.
102
103

“En cada pincelada y en cada fotografía,
busco capturar la esencia íntima de la vida
cotidiana, invitando a los espectadores a
sumergirse en un mundo donde la intimidad
y la conexión emocional se entrelazan de
manera única.”
104
105

OBRAS
ARTÍSTICAS
NARCISO
106 107

La evolución de la
industria de los videojuegos:
Entre la creatividad y el
oligopolio
Pablo Trigo
La industria de los videojuegos ha experimentado
una evolución impresionante, transformándose
en uno de los sectores de entretenimiento más
grandes y prósperos de la actualidad. Este crecimiento
vertiginoso ha traído consigo un enfoque
cada vez más centrado en las ganancias, desplazando
en muchos casos el progreso y la innovación
que alguna vez caracterizaron a este campo.
El uso de nuevas tecnologías y herramientas ha
abierto un abanico de oportunidades y desafíos
para la industria. Mientras que la capacidad de
estas tecnologías ha permitido la creación de experiencias
de juego más inmersivas y detalladas,
también ha incentivado prácticas empresariales que
priorizan la rentabilidad sobre la creatividad.
Uno de los principales problemas que enfrenta la industria
es la proliferación de franquicias y su impacto
en la creatividad de los videojuegos. En lugar
de explorar nuevas ideas y mecánicas de juego, muchas
empresas se han volcado a repetir fórmulas probadas,
asegurando ventas, pero estancando la innovación.
Esto no solo limita la diversidad de experiencias para los jugadores,
sino que también puede llevar a una saturación
del mercado con productos predecibles y poco inspiradores.
El dominio de unas pocas grandes empresas en la industria ha dado lugar
a un oligopolio, donde estas corporaciones utilizan su posición
de poder para maximizar sus beneficios. Su visión empresarial
se enfoca en minimizar riesgos financieros, lo que a menudo
resulta en una disminución de la calidad y creatividad
de los juegos. Esta práctica se ve reflejada en títulos que,
aunque son técnicamente avanzados, carecen de la chispa innovadora
que solía definir a los videojuegos más memorables.
Los usuarios también juegan un papel crucial en el mantenimiento
de este oligopolio. Al consumir repetidamente productos
de franquicias establecidas y mostrar resistencia a probar
nuevas IPs (propiedades intelectuales), contribuyen a perpetuar
este modelo de industria. La demanda de secuelas y remakes
asegura a las empresas un flujo constante de ingresos,
reduciendo aún más el incentivo para tomar riesgos creativos.
La llegada del Big Data ha añadido otra capa de complejidad a
la situación. Esta tecnología permite a las empresas analizar
vastas cantidades de datos sobre
los hábitos y preferencias
de los jugadores, optimizando
así sus estrategias de monetización.
Sin embargo, cuando se
utiliza de manera excesiva y no
como una guía orientativa, puede
resultar en productos altamente
comercializados y carentes
de creatividad. Los juegos diseñados
con un enfoque centrado
en el Big Data tienden a priorizar
elementos que generen más
ingresos, como las microtransacciones,
sobre la calidad y
la innovación del juego en sí.
Ejemplos notables de cómo estas
prácticas afectan la industria
se pueden observar en franquicias
como “Call of Duty” y “Fortnite”.
Aunque ambos juegos han alcanzado
un éxito masivo y han tenido
un impacto significativo en la industria,
también han sido criticados
por su enfoque repetitivo y
su falta de evolución en términos
de mecánicas y narrativa. La constante
presión por generar ingresos
y mantener la relevancia en un
mercado altamente competitivo
ha llevado a estos títulos a recurrir
a fórmulas seguras, sacrificando
la innovación en el proceso.
La importancia de la creatividad y la innovación en la industria
de los videojuegos no puede subestimarse. Estos elementos
son fundamentales para mantener el interés y la pasión
de los jugadores, así como para asegurar el crecimiento y
la evolución continua del medio. Sin embargo, factores como
el oligopolio y el Big Data están ejerciendo una influencia
significativa, a menudo negativa, sobre estos aspectos.
Es crucial que tanto las empresas como los jugadores reconozcan la necesidad
de un equilibrio entre la rentabilidad y la innovación. Las
corporaciones deben esforzarse por encontrar formas de integrar nuevas
ideas y mecánicas en sus juegos, mientras que los jugadores deben estar
abiertos a explorar nuevas experiencias y apoyar a desarrolladores independientes
que buscan romper el molde. Solo así se podrá asegurar un
futuro vibrante y diverso para la industria de los videojuegos.
108
109

PABLO
TRIGO
110
111

EL VIDEOJUEGO ES EL ARTE EN AUGE
“Soy Pablo Trigo, actualmente pertenezco a “Hurry Studio”
una empresa de videojuegos indies que formamos unos
compañeros y yo.”
¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del
arte?
Evidentemente, con un videojuego, desde pequeño tenía
el mando en la mano, podría decir que es amor a
primera vista.Pero la realidad es que cuando era pequeño
tenia que estar mucho tiempo en casa escuchando
ciertas frecuencias, por una condición, esto hacia que
estuviera aburrido, por lo que mis padres para mantenerme
quieto me compraron consolas, lo cual funciono.
Al principio no se juega para emocionarte, sino para
entretenerte, creo que es la principal razón por la que
mucha gente no entiende los videojuegos como arte.
¿Qué crees que es lo que te llevó a dedicarte
a ello?
Es una industria en auge, actualmente es el arte que
mas dinero mueve con una diferencia abismal, por lo
que es una oportunidad muy grande. También es importante
que desde que soy pequeño han estado en
mi vida, no es lo más importante de esta, pero seguramente
sea uno de mis pilares. También creo que es un
arte muy peculiar, ya que, a diferencia de la pintura o la
lectura, que puedes verlo, disfrutarlo y entenderlo; los
videojuegos requieren un esfuerzo de ti, necesita de la
interacción del espectador para poder continuar con la
obra, eso es algo que me emociona.
¿Cuál es el momento clave de tu carrera?
Sin duda alguna la creación de la empresa, ya que es el
momento en el que decidimos no ser parte del sistema
y empezar nosotros mismos a hacer nuestros proyectos
e intentar creer en nuestro trabajo y hacer juegos por
nuestra cuenta.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Los videojuegos, me inspiro a nivel artístico, evidentemente
en cuanto a jugabilidad es mi foco principal, pero
en cuanto al arte es diferente. Lo mas frecuente es que
me inspire en mi entorno, como puede ser un libro, una
película o una pintura, aunque normalmente lo mas inspirador
es un debate con un amigo o una charla sobre
algún género. Actualmente mi mayor foco creativo esta
en hacer cosas novedosas, intentar salirme de la norma
e innovar en la medida de lo posible.
¿Cuál es tu proceso creativo?
Esa pregunta es mucho más difícil de responder, ya que
en el mundo del videojuego es costumbre que cuando
acabas el desarrollo de un videojuego odias tu obra, es
algo bueno, porque quiere decir que la has dado tantas
vueltas y lo has hecho tantas veces que lo conoces
mucho. Yo suelo empezar el poyecto en papel, un concepto
base y estructuro la idea, eso lo paso a digital,
para posteriormente acabar teniendo algo parecido a
un videojuego que funciona. Es difícil el desarrollo de
un videojuego principalmente porque hay demasiadas
cosas implicadas en ello, y personas.
¿Hay algún ritual o hábito creativo que sigas
regularmente?
Habituó a bocetar todo primero en papel, es algo que
hago desde que soy niño y me ayuda a ver el brainstorming,
me gusta la idea de crear el juego como a mí me
gustaría jugarlo. También algo que suelo hacer es con
la idea ya en la cabeza salir con un amigo, a tomarnos
unas cervezas o dar un paseo, e intento sacar el tema
sin que este sepa esto en concreto, no tiene porque ser
directamente el juego, puede ser el tema o algo similar,
simplemente por ver su opinión y ver como se desarrolla
la conversación.
¿Cuáles crees que han sido los obstáculos o
desafíos que has enfrentado en tu carrera?
El principal sería el continuo debate del artista, es muy
difícil para alguien como yo el poder llevar a cabo obras
realmente artísticas, principalmente porque el videojuego
es un arte muy complicado, ya que no son únicamente
obras puramente artísticas, en un videojuego no
se valora únicamente si es una buena obra, tiene que
ser divertida y llegar al público. Además, son trabajos
en grupo. Lo cuál supone frustración y agotamiento por
hacer algo artístico con otras personas con las que no
siempre tienes que compartir el mismo interés.
¿Cuáles son tus estrategias para superar
bloqueos creativos?
No habituó a tener bloqueos artísticos, en mi disciplina
más que creatividad se necesita visión y ganas de trabajar,
cosas que no son muy habituales hoy en día. Si
en algún momento me encuentro con dificultades para
trabajar o para pensar en alguna mecánica o estética,
distraigo la mente para intentar ver el mundo desde otro
prisma, esto me ayuda a poder ponerme otra vez manos
a la obra.
¿Tienes algún consejo para otros artistas
que estén tu situación?
Busca un buen equipo de trabajo, que te motive cada
día a dar lo mejor de tí mismo, también especialízate
en algo. Ser muy bueno haciendo algo es una buena
forma de ganar validez y sentirse mejor artista, aunque
a lo mejor no sea lo que mas te interesa, lo importante
es ser valido y trabajar a diario.
¿Cómo percibes el impacto de tu trabajo en
el público?
Mal, ya que lo normal en mi industria es no tener contacto
directo con el público. Tú publicas juego en alguna
plataforma como Steam e intentas darle visibilidad,
pero a fin de cuentas la única forma de saber qué impresión
has causado es con los comentarios de esta
misma plataforma y con las valoraciones, además de
las amistades cercanas que se lo enseñes.
¿Has tenido alguna experiencia memorable
de interacción con tu público.?
Lo más relevante fue cuando sacamos nuestro primer
juego independiente “Buried Shard” que tuvo una muy
buena recepción y se posiciono muy bien entre los juegos
gratuitos de Steam
¿Tienes algún mensaje o tema recurrente en
tu obra?
Habituó a intentar hacer cosas que estén de moda en
ese momento para darle al público lo que quieren, aunque
también es verdad que intento llevarlo todo al costumbrismo.
Es un tema que me gusta personalmente
y de forma inconsciente intento siempre llevarlo a mi
campo.
¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?
Actualmente estamos trabajando en un nuevo juego, el
nombre en clave es “Proyecto Manhattan” , promete ser
una experiencia innovadora para el género Extraction
Shoter, sale en septiembre.
¿Qué aspiraciones a futuro tienes en tu carrera
artística.?
Hacer juegos que a mi me gusten, no solo hacer un
juego que conmueva al público, sino, hacer un proyecto
que yo pueda jugar durante horas sin aburrirme, pocas
cosas me harían mas feliz
¿Hay alguna colaboración o proyecto específico
que quieras compartir?
Dentro de poco lanzamos un nuevo juego “Bus driver”
Saldrá para móviles tanto Android como apple. Sale el
1 de julio, será gratuito y es un gran juego para verano,
tiene preguntas graciosas y un el alcohol. Os lo recomiendo.
112
113

¿Ilusión? ¿Realidad?
Nada es lo que parece.
TÍTULO: Buried Shards
GÉNERO: Aventura, Indie
DESARROLLADOR: Hurry
Studio
EDITOR: Hurry Studio
114
BURIED SHARDS es una intrigante historia de aventura y suspense psicológico que sumerge
al jugador en la mente de un hombre que despierta sin recuerdos. El protagonista, afectado
por una amnesia traumática, se ve obligado a confrontar sus miedos y secretos, desentrañando
su pasado poco a poco.
Cada noche, su yo sonámbulo revela nuevos detalles de la casa que había olvidado, desenterrando
las partes más oscuras de su memoria. A medida que descubre su pasado, la intriga
y la angustia del protagonista crecen, llevándolo a enfrentarse a traumas que había borrado.
¿Quién es realmente y qué oscuros secretos oculta su pasado? Prepárate para una experiencia
envolvente que desafía la realidad y te sumerge en las sombras de la memoria de un hombre
sin pasado aparente.
115

TÍTULO: H.I.V.E.
GÉNERO: Indie, Estrategia
DESARROLLADOR: Fernando Escribano
Diez, Antonio Galiana, Álvaro Gil Miguelañez,
Jorge Ruiz Gallego, Pablo Trigo,
Ángel Trompeta Merino
EDITOR: Ángel Trompeta Merino
FECHA DE LANZAMIENTO: 26 MAY 2022
HIVE. es un juego de estrategia roguelite autochess en el que el jugador lidera la revolución clon.
Es el año 2424 una corporación tecnológica ha creado el "H.I.V.E." (Hyper Intelligent Virus Exterminators) clones
para encargarse de las tareas de saneamiento. Pero ahora estos seres han adquirido conciencia y, en sus creencias,
todas las formas de vida aparte de ellos son una plaga. Ahora los clones se están apoderando de la ciudad
mientras luchan contra todos los humanos, robots o cyborgs que puedan encontrar. Lleva a los clones a la victoria
y deja que H.I.V.E. ganar.
Gestiona tus recursos para crear un pequeño pero eficaz batallón de clones. Actualízalos instalando chips que
aumentarán sus estadísticas y les darán habilidades especiales. Pero asegúrate de cuidarlos, si un clon muere
en acción lo perderás para siempre y todos los chips que llevaba. Cada carrera tiene niveles aleatorios que se
volverán más grandes y desafiantes a medida que avances, elige tu camino sabiamente.
Enfréntate a diferentes modos de juego en cada nivel experimentando diferentes roles a la hora de atacar o defender.
Los clones actuarán por sí solos una vez que los enemigos empiecen a llegar pero tú serás el encargado de
ubicarlos y elegir la estrategia que seguirán.
116
Recuerde que su primera revolución puede fracasar. Aprenda de sus errores, ahorre dinero para comprar actualizaciones
permanentes y, al final, H.I.V.E. pasará.
117

BURIED
SHARDS
H.I.V.E
118
119

120
121