Volumen 13 DesArte Magazine

Contenidos volumen 13
La Fusión del Movimiento y la Forma
Música Visual
La Simbiosis entre el Arte y la Moda
Arquitectura y Cine
Entrevista: Oliva Molina
Nos presenta su nueva obra de teatro Malditos Tacones, una comedia sobre la vida y los desafíos del día a día.
Entrevista: Carlos Chamarro
El actor nos habla sobre la obra de teatro El Secuestro y lo que supone su vuelta al escenario.
Entrevista: Susana Garrote y Rafa Majano
Protagonistas de la obra Chas y de Repente Tú, comparten detalles sobre esta comedia.
Entrevista: Beatriz Rico
Conoce más sobre Rétame Otra Vez, su divertida y desafiante propuesta teatral.
Entrevista: María Ordóñez
Una conversación sobre su carrera, sus nuevos proyectos y su pasión por el teatro.
Entrevista: Beatriz Arjona
La actriz nos cuenta sobre sus próximos trabajos y su visión sobre el cine de ahora.
Entrevista: Urko Olazábal
El actor nos presenta su nuevo proyecto la película Soy Nevenka basada en hechos reales
Festival de Cine de San Sebastián 2024
Open House Madrid 2024
Evento del Mes: Altar de Muertos en Casa de México
Recomendaciones del Mes
Sabores del Mes
Exposiciones del Mes
Recomendaciones de Moda
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Carta de la Directora
Por Nerea Fergom
Queridos lectores,
Es un verdadero placer presentarles el volumen 13 de
DesArte Magazine, una edición que celebra la conexión
entre diferentes disciplinas artísticas y la innovación
cultural que nos rodea. En esta ocasión, hemos querido
adentrarnos en el fascinante diálogo que surge cuando
distintas formas de arte convergen para crear algo
totalmente nuevo. Desde la arquitectura y el cine hasta la
tecnología y la moda, este número está repleto de ideas
que buscan desafiar lo convencional y abrir nuevas
perspectivas.
También nos sumergimos en eventos que celebran la
cultura de una manera única, como el Festival de Cine de
San Sebastián y la décima edición de Open House Madrid.
Estos encuentros nos permiten reconectar con lo que nos
rodea, valorando el arte que define nuestros espacios y
nuestras historias.
Espero que disfruten de esta edición tanto como yo
disfrutamos creándola. Que cada página les inspire y les
motive a explorar nuevos horizontes artísticos.
Gracias por acompañarnos en este viaje creativo. ¡Nos
vemos en las siguientes páginas!
Con cariño,
Nerea Fergom
Directora de DesArte Magazine
Nerea FerGom Directora y Creadora de DesArte Magazine

La Fusión del Movimiento y la
Forma: Danza y Escultura
La danza y la escultura son disciplinas
que, a primera vista, parecen operar en
mundos opuestos: la una está en
constante movimiento, mientras la otra
captura momentos inmóviles. Sin
embargo, cuando estas artes
convergen, el resultado es una
combinación armoniosa donde el
dinamismo y la quietud coexisten,
invitando a los espectadores a explorar
nuevas dimensiones del cuerpo
humano y su expresión.
Por su parte, la danza es el arte de la
acción. En lugar de congelar una pose,
los bailarines moldean el espacio con
sus cuerpos en constante cambio.
Isadora Duncan, pionera de la danza
moderna, decía que "el cuerpo
humano es el material más hermoso
con el que trabajar", una declaración
que conecta profundamente con la
visión del escultor.
La escultura ha sido tradicionalmente
el medio predilecto para inmortalizar el
cuerpo humano. Las estatuas griegas,
con su detallada representación
anatómica y sus poses dinámicas, son
un ejemplo claro de cómo los
escultores intentaban capturar la
esencia del movimiento en una
estructura rígida.
“Las esculturas clásicas no solo
representan cuerpos, sino que
encapsulan el instante antes del
movimiento.”
— Ana García, historiadora del arte.
En la actualidad, algunos artistas
exploran nuevas formas de capturar el
movimiento en materiales como el
bronce, el vidrio o incluso en
esculturas digitales. El escultor
español Javier Pérez, por ejemplo,
juega con la idea de desintegración en
sus esculturas, evocando movimiento
incluso en piezas fragmentadas.
Foto de Lucas Brown
4

Fotografía de la web Antony Gormley
Cuando Escultura y Danza se Encuentran
En los últimos años, hemos visto surgir
colaboraciones entre coreógrafos y
escultores que llevan esta relación al
siguiente nivel.
Un ejemplo notable es la serie de obras
del coreógrafo William Forsythe, que
incluye instalaciones escultóricas donde
los espectadores son invitados a moverse
y formar parte de la "danza" a través de
objetos suspendidos, como cuerdas o
varillas.
La idea de "escultura en movimiento" se
ha expandido en la danza
contemporánea, donde los bailarines no
solo interactúan con el espacio, sino que
se convierten ellos mismos en esculturas
vivientes.
El Impacto en el Arte Contemporáneo
El diálogo entre danza y escultura también
ha sido explorado en el ámbito de las
instalaciones artísticas, donde el público
se convierte en el intérprete. Olafur
Eliasson, por ejemplo, utiliza la
percepción del cuerpo en el espacio,
invitando a los espectadores a moverse y
experimentar la interacción entre sus
cuerpos y las esculturas en sus
exposiciones.
“En las instalaciones contemporáneas,
el espectador ya no es un observador
pasivo. Se convierte en parte de la
obra, moldeando el espacio con su
movimiento, como si fuera un bailarín
en escena.”
— Olafur Eliasson, artista.
La fusión entre danza y escultura no solo
revela la belleza del cuerpo humano, sino
que expone el continuo intercambio entre
lo efímero y lo duradero. Mientras los
bailarines dibujan en el aire con sus
cuerpos, los escultores capturan ese
movimiento y lo materializan, creando un
puente entre lo temporal y lo eterno.
5

Olivia
Molina
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¿En qué momento se encuentra Olivia
Molina?
Me encuentro en un momento dulce e
intenso; feliz en lo personal y estimulada
en lo profesional.
¿Su punto fuerte?
Mi optimismo.
¿Y su punto débil?
La exigencia, que a veces no deja que
aparezca el disfrute.
¿Tiene alguna manía o ritual antes de
salir al escenario?
Siempre llego con bastante tiempo al
teatro. Necesito calentar la voz, el cuerpo,
meditar… y, antes de salir, conectar con la
respiración, hacerla consciente. Hago un
trabajo de aceptar con lo que vengo y voy
adelante con ello, saltando sin red.
¿Hubo alguna figura que admirara
cuando era niña?
Admiro profundamente a mis padres.
Cada uno a su manera, me han dado las
herramientas y los frenos necesarios para
mi camino.
¿Cuándo se dio cuenta de que quería
ser actriz y que esta sería su profesión?
Tuve la certeza de querer ser actriz desde
muy joven. Lo viví de muy cerca al ser la
forma en la que vivíamos en casa. Aún así,
recuerdo tener una experiencia con
quince o dieciséis años que me marcó
mucho, porque esta decisión que había
tomado sin darme casi cuenta se hizo más
consciente. Aunque seguía en el colegio,
por aquel entonces ya estudiaba teatro, y
un día fui a una sala de Lavapiés que
actualmente ya no existe. La sala se
llamaba “La espada de madera” y estaba
hecha a la barroca, de manera que podían
hacer un teatro de máscaras muy
especial. La obra que vi fue Yerma de
Lorca, y yo quedé abrumada. Sentí un
pálpito, sentí algo que se me desvelaba a
mí misma, como si ese fuera a ser mi
camino. A veces hay cosas que nos traen
certezas, y para mí esta experiencia es lo
que hizo.
7

"Malditos Tacones" aborda
temas muy profundos y
contemporáneos. ¿Qué fue lo
que le atrajo de este proyecto y
de su personaje?
Me atrajo ser dirigida por Magüi
Mira, una directora que admiro
desde hace muchos años y
cuyos proyectos he seguido
siempre de cerca. Ya me había
dirigido en Las Amazonas, una
pieza que hicimos para el
Festival de Teatro de Mérida. La
experiencia fue muy buena, así
que, cuando me propuso repetir
de su mano, no lo dudé ni un
segundo.
Me gusta mucho su manera de
contar las historias humanas. Me
inspira su discurso, su búsqueda,
su compromiso con las mujeres,
con el ser humano. Me gusta
cómo encuentra la belleza
siempre, y cómo la plasma sobre
el escenario. Me he sentido muy
inspirada de su mano.
La relación entre María García
y Victoria Burton es intensa y
compleja. ¿Cómo ha sido
trabajar junto a Luisa Martín
para construir esta dinámica?
Luisa y yo tenemos dos
personajes muy antagónicos.
Por ello, a pesar de haber
ensayado juntas, las dos hemos
necesitado tener una pequeña
“parcela”, como le llamamos
nosotras; nuestra propia
“cocina” que no nos convenía
compartir, porque lo que
defiende una es muy opuesto a
lo que defiende la otra.
De hecho, ha sido muy
interesante ver cómo estos dos
mundos de estos dos personajes
han funcionado como agua y
aceite, casi imposibles de
amalgamar, porque eso es lo
que la función necesitaba.
Ciertamente, está siendo una
delicia trabajar con Luisa. Es
una persona absolutamente
precisa y comprometida, y
junto a ella hemos encontrado
la forma de mantener un
espacio personal que
defender sobre el escenario.
La obra dirigida por Magüi
Mira toca temas como el
sometimiento y la lucha por
la verdad. ¿Qué mensaje
cree que "Malditos Tacones"
transmite al público?
Es una función en la que se
hace un intercambio de
pensamientos
muy
profundos. Habla del derecho
a tomar las riendas de la
propia vida; de valorar quién
una es más allá del lugar de
dónde venga, de las cosas
que haya hecho o de las
cosas que le hayan pasado.
También habla de la
importancia de decidir y de la
madurez que se necesita para
acarrear con las
consecuencias de nuestras
decisiones.
Habla de la libertad y de la
responsabilidad, que creo
que son temas muy
importantes hoy en día y que
son propios de la adultez
misma. Cuando se es adulto
hay decisiones que se toman
con valentía, otras con miedo,
pero todas deben tomarse
con dirección y se debe
acarrear con sus
consecuencias,
responsabilizándonos de la
libertad que tenemos.
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"Malditos Tacones" es una
tragedia contemporánea que
combina fuerza emocional y
reflexión. ¿Cuál ha sido el
mayor desafío para usted en
esta interpretación?
Uno de los retos que me ha
resultado más interesante es
que es un texto muy crítico, con
muchas capas que hemos
tenido que ir desgranando en
el proceso de ensayos: crear
dobles sentidos, tapar las
intenciones reales de los
personajes, usar la ironía como
arma… todo ha sido un trabajo
muy medido y minucioso y me
ha resultado muy enriquecedor
y estimulante como actriz.
Después de su estreno en
Avilés, la obra llega al Teatro
Bellas Artes de Madrid. ¿Qué
expectativas tiene para este
estreno en la capital?
Estoy deseando estrenar en
Madrid después del estreno en
Avilés, ya que Madrid es la
ciudad en la que vivo y el
Teatro Bellas Artes es un teatro
hermoso al que llevo yendo
desde que soy jóven. Para mí
es un honor poder estrenar
aquí y compartir con todo el
público fiel de este teatro este
texto inédito de Ignacio
Amestoy. Deseo que les llegue
y emocione la búsqueda de
estos dos seres humanos; esta
búsqueda eterna con grandes
preguntas como “¿quién soy?”.
Espero que el público venga
con nosotras a encontrar
respuestas.
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¿Hay algún director/a o
actriz/actor con quien le gustaría
trabajar en el futuro?
Pues me encantaría trabajar con
Alfredo Sanzol, Pablo Remón y
Lucía Carballal en teatro. Hay
mucha gente a la que admiro,
pero estos son los tres autores
cuyos trabajos he tenido la suerte
de ver en estos últimos meses y
años, causándome una profunda
admiración.
¿Podría recomendarnos alguna
obra, película o libro que le haya
dejado una impresión
duradera?
Una película que revisito a veces
es Una mujer bajo la influencia de
John Cassavetes, protagonizada
por Gena Rowlands, una de mis
actrices favoritas.
Un libro que he terminado hace
poco y me dejó la cabeza volada
es Hamnet de Maggie O'Farrell.
¿Asignatura pendiente?
Algo pendiente es estudiar
psicología. He hecho la formación
de terapia Gestalt durante 3 años
para poder unirla a mi trabajo
como actriz, pero me gustaría
estudiar psicología porque me
parece una carrera muy
interesante.
¿Ha aprendido mucho de…?
Mis maestros son mis hijos.
Por último, ¿cuáles son sus
próximos proyectos?
Este otoño estreno la primera serie
diaria para una plataforma de
streaming en España. Se llama
Regreso a las Sabinas y serán 70
capítulos que podréis ver en
Disney +. Es una serie sobre la
familia y las cuentas pendientes.
Es un melodrama actual, lleno de
sorpresas en el que he disfrutado
mucho dando vida a Paloma.
Estoy deseando compartirlo con
todos vosotros y vosotras.

En blanco II", óleo sobre lienzo, 1923,
Centro Pompidou
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Música Visual La Conversión
de Sonidos en Imágenes
El arte siempre ha sido un medio para
expresar lo intangible. La música, con
su capacidad para evocar emociones a
través del sonido, se ha convertido en
una fuente de inspiración inagotable
para los artistas visuales. Desde las
representaciones de instrumentos en
pinturas clásicas hasta las formas
abstractas y coloridas inspiradas en
sinfonías contemporáneas, la música
ha encontrado su lugar en las galerías.
Pero, ¿qué sucede cuando las notas
musicales se convierten en imágenes,
y la experiencia visual nace del
sonido?
La sinestesia, un fenómeno por el cual
algunos individuos "ven" colores al
escuchar sonidos, ha sido un tema
recurrente entre los artistas visuales y
músicos. Uno de los ejemplos más
famosos es el del pintor ruso Wassily
Kandinsky, quien afirmaba que podía
oír los colores y ver la música. Para él,
cada sonido tenía un color y una forma
específica. Esta experiencia personal lo
llevó a crear obras abstractas que
trataban de capturar el espíritu de la
música en lienzos vibrantes y
energéticos.
"El color es el teclado, los ojos son las
armonías, el alma es el piano con
muchas cuerdas. El artista es la mano
que toca, tocando una u otra tecla
para causar vibraciones en el alma."
— Wassily Kandinsky.
Las formas geométricas y los colores
brillantes de Kandinsky buscaban
hacer visible lo que antes solo podía
ser escuchado. En sus pinturas
abstractas, es fácil imaginar cómo los
tonos altos y bajos, los crescendos y
las pausas, se traducen en formas y
líneas que bailan en el lienzo.
Hoy en día, la relación entre música y
arte visual ha evolucionado gracias a
las nuevas tecnologías. El arte digital
ha permitido a los artistas explorar
formas completamente nuevas de
representar el sonido. A través de
herramientas como la visualización de
audio, los artistas pueden convertir
ondas sonoras en formas que se
transforman y evolucionan en tiempo
real. Este tipo de representaciones se
han vuelto populares en instalaciones
artísticas y conciertos audiovisuales.
La obra del artista Ryoji Ikeda, quien
combina música electrónica
minimalista con visualizaciones
abstractas y matemáticas. Sus
instalaciones inmersivas convierten las
ondas sonoras en patrones
geométricos de luz, ofreciendo al
público una experiencia multisensorial
única.
Otro artista contemporáneo que
explora la relación entre música y arte
visual es Cory Arcangel, quien utiliza
software y tecnologías obsoletas para
crear representaciones gráficas de
piezas musicales.
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Suelta de 1001 globos azules, la "sculpture aérostatique" de Yves Klein.
Uno de los fenómenos más
interesantes en la convergencia de la
música y el arte visual es la
performance en vivo.
En eventos de este tipo, artistas
pintores crean sus obras en tiempo
real, influenciados directamente por la
música que suena en el escenario.
Este proceso revela cómo el ritmo, la
intensidad y la emoción de la música
pueden influir en la mano del artista,
generando una obra única que existe
en simbiosis con el sonido.
El artista francés Yves Klein, famoso
por sus "Antropometrías", una serie de
performances en las que utilizaba
modelos para aplicar pintura en lienzos
mientras una orquesta tocaba en vivo.
Estas obras no solo exploraban el
concepto de cuerpo y pintura, sino
que estaban profundamente influidas
por la estructura musical.
Este tipo de arte vivo ha tenido un
resurgimiento en eventos
contemporáneos, donde VJs y artistas
digitales también "pintan" con luz,
gráficos y texturas, sincronizando sus
creaciones con música electrónica y
experimental.
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Las instalaciones inmersivas han
transformado la manera en la que el
público interactúa con el arte visual y
la música. En estos espacios, los
espectadores no solo observan, sino
que se ven envueltos por una
atmósfera que mezcla luz, sonido y
arquitectura.
Un ejemplo sobresaliente es el trabajo
del artista alemán Carsten Nicolai,
quien en su obra "unidisplay" invita al
público a caminar entre pantallas que
proyectan patrones visuales
generados por el sonido.
En este tipo de instalaciones, la música
no solo acompaña la imagen, sino que
se convierte en parte integral del
espacio, creando una experiencia
envolvente que estimula tanto la vista
como el oído.
"Mis instalaciones son espacios
donde la gente no solo escucha la
música, sino que la 've' y la 'siente' en
su totalidad."
— Carsten Nicolai
Estas experiencias inmersivas han sido
un punto clave en festivales de arte y
música contemporánea, donde el
público puede moverse entre los
sonidos y las proyecciones, como si
estuvieran dentro de una sinfonía
visual.
Un mundo donde lo visual y lo auditivo
se entrelazan.
El futuro del arte visual y la música está
lleno de posibilidades. La fusión de
ambas disciplinas se ha vuelto una de
las formas más innovadoras de
expresión artística, y con los avances
tecnológicos, los artistas ahora tienen
más herramientas para convertir
sonidos en imágenes y viceversa.
Desde las pinceladas de Kandinsky
inspiradas en sinfonías, hasta las
instalaciones inmersivas de Nicolai,
queda claro que la música no solo se
escucha, también se ve.
Carsten Nicolai, unidisplay, 2012, installationview, photo: Axel Schneider, courtesy Galerie EIGEN
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EXPOSICIONES DEL MES
National Geographic: El Deporte en el Mundo (1880-2024)
Fechas: Del 23 de septiembre al 1 de diciembre
Lugar: Paseo del Duque Fernán Núñez, Parque de El Retiro
National Geographic presenta una fascinante exposición que recorre la historia del deporte a
través de 82 fotografías icónicas tomadas por sus fotógrafos desde 1880 hasta hoy. Cada
imagen captura no solo la práctica deportiva, sino también historias de superación y unidad
cultural. Desde el fútbol y el baloncesto hasta disciplinas menos conocidas como el
montañismo o el buceo, la exposición ofrece una mirada profunda a cómo el deporte
conecta a las personas en todo el mundo.
Albert André - La Tonnelle [El cenador], c. 1926 - Óleo sobre lienzo - 110 x 160 cm - Musée d’Orsay, París.
Donación del conde Jean d’Alayer, 1954 - Photo © GrandPalaisRmn (musée d'Orsay) / Franck Raux - ©
Albert André, VEGAP, Madrid, 2024
Argentina, South America. Fotografía: O. Louis Mazzatenta
Paul Durand-Ruel y los Postimpresionistas
Fechas: Del 19 de septiembre al 5 de enero
Lugar: Fundación MAPFRE, Sala Recoletos
Una exposición dedicada al marchante de arte Paul Durand-Ruel, pieza clave en la promoción del
postimpresionismo. Se exhiben obras de artistas como Albert André y Georges D'Espagnat, ofreciendo una
visión única de la relación personal y profesional entre Durand-Ruel y estos genios. La muestra también
incluye paneles decorativos inéditos que reconstruyen parte del apartamento parisino de la familia
Durand-Ruel, dando al público la oportunidad de apreciar estas obras por primera vez.
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Alejandro Cabrera, VEGAP, Madrid 2024
Pedro del Hierro: Moda y Legado
Fechas: Del 11 de septiembre al 3 de noviembre
Lugar: Museo Lázaro Galdiano, Sala Emilia Pardo Bazán
Un recorrido por el trabajo y legado de Pedro del Hierro, uno de los diseñadores más
influyentes de la moda española. A través de una selección de piezas textiles, imágenes y
vídeos, esta muestra explora las diferentes etapas creativas del diseñador, desde sus primeras
creaciones hasta su consolidación como una marca icónica.
Series de Televisión Españolas: Un Viaje por la Historia
Fechas: Del 12 de septiembre al 3 de noviembre
Lugar: Sede de la SGAE, Palacio de Longoria
Comisariada por el crítico Lorenzo Mejino, esta exposición realiza un nostálgico recorrido por las
series de televisión españolas que han definido la memoria colectiva de varias generaciones. A
través de fotografías, atrezo y guiones originales, se rememoran producciones míticas como
Curro Jiménez, Médico de Familia y Cuéntame cómo pasó. Una oportunidad única para
redescubrir los programas que marcaron un antes y un después en la historia de la televisión.
El Vestido Flamenco 'Origen' de Beatriz Peñalver
Fechas: Del 12 de septiembre al 27 de octubre
Lugar: Museo del Traje
Una exposición que celebra el traje flamenco como símbolo cultural, comisariada por la
diseñadora Beatriz Peñalver. La muestra incluye un espectacular vestido inspirado en la
tradición andaluza, acompañado de testimonios personales y afectivos relacionados con esta
prenda icónica. Además, el público podrá disfrutar de espectáculos de danza en homenaje al
flamenco como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
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Urko Olazabal
Entrevista de Nerea fergom colaboración con elvira Sánchez gallo
Soy Nevenka tiene esa cercanía a la
realidad colectiva va a ser
reveladora y viviremos en primera
persona el miedo que genera el
acoso.
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Señor Olazabal, Soy Nevenka es una película
inspirada en hechos reales que marcaron un antes
y un después en España. ¿Cómo se siente al formar
parte de un proyecto tan relevante?
Es un orgullo poder trabajar en este proyecto y dar luz
a lo que es el concepto del acoso, todos conocemos la
palabra, pero no sabemos concretamente lo que
ocurre dentro.
Su personaje en la película tiene una gran carga
emocional y dramática. ¿Cómo se preparó para
interpretar un papel en una historia tan delicada
como esta?
En primer lugar, al tratarse de un personaje real, recurrí
a ver las imágenes de hemeroteca y/o videoteca del
personaje. Leí entrevistas y busqué información sobre
quien era Ismael. Vi su imagen, como se movía,
expresaba y hablaba. Pero coincidimos en que no
queríamos hacer una copia ni una imitación.
Preferíamos componer algo más universal y con
matices reconocibles de comportamientos
masculinos en nuestra sociedad. Al estudiar diferentes
manuales de psicología, como, por ejemplo, los
escritos por el Dr. Iñaki Piñuel o Marie-France
Hirigoyen me di cuenta de que un maltratador sigue
patrones de comportamiento semejantes. El estudio
de estos perfiles me mostró el campo donde iba a
respirar el personaje y para ello debía negar toda
empatía que pudiera tener el personaje de Urko para
con el personaje de Mireia.
¿Cómo ha sido trabajar bajo la dirección de la
directora Icíar Bollain, conocida por su capacidad
para contar historias reales con gran sensibilidad?
Iciar es una directora con una mirada inteligente y con
un alto estándar de calidad. Sabe encontrar lo que
quiere en los actores y así lo demuestra cada día de
rodaje. Es exigente con lo que busca, fija una línea de
acting donde todos los personajes conviven y no
duda en sacar a cada actor de su zona de confort para
que los personajes se muestren vivos. Esto no quiere
decir que uno no pueda llegar con su propuesta al
rodaje, al contrario, a partir de la propuesta personal
Iciar la gamifica en cada toma, de esta manera obtiene
un catálogo de matices de personaje para poder
contar sus historias de esta manera tan real, sinceray
llena de sensibilidad.
Imagen cedida por Movistar+
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Mireia Oriol interpreta a Nevenka, una figura clave
en la historia. ¿Cómo fue trabajar con ella en esta
película?
Contacté con Mireia meses antes del rodaje. Quise
conocerla para crear una confianza mutua, un espacio
seguro, ya que íbamos a trabajar escenas tanto
íntimas como desagradables. Ese encuentro propició
una buena amistad que ha sido clave en todo el
proceso de rodaje. Este vínculo nos ha ayudado a
sobrellevar los momentos más intensos al darnos ese
soporte emocional.
Soy Nevenka aborda temas como el acoso sexual y
laboral en un contexto muy particular. ¿Cómo cree
que esta película resonará con el público actual?
Una película como esta tiene el poder de cambiar
conciencias porque permite mirar desde los ojos de
los personajes, tanto de un lado como del otro. La
vivencia de esta película hará que no te levantes igual
que como te has sentado, algo se ha removido en tu
conciencia. Es una película que no va a dejar a nadie
indiferente. Creo que mucha gente se va a ver
reflejada e involucrada emocionalmente obligando,
casi, al espectador a tener una opinión.
La película se inspira en el libro de Juan José Millás.
¿Llegó a leer el libro antes de comenzar el rodaje?
¿En qué medida le ayudó para su interpretación?
No lo leí. Cuando vi el documental empaticé
enseguidacon Nevenka y supe que ese no era mi
camino. Por tanto, ahí empezó mi trabajo de negación
de la empatía y rehusé,en ese momento, a tener más
información desde la perspectiva de la víctima. Mi
personaje era el de victimario, que es el antagonista, y
a eso me limité. Un actor no debe juzgar a su
personaje si es que tiene que sumergirse dentro de él.
Y tanto el libro de Millás como el documental narran
los hechos desde la sentencia y las declaraciones de
Nevenka. Por tanto, en lo que me ayudó fue en darme
cuenta cual era mi rol en la ficción. Mi opinión
paralelamente está del lado de Nevenka, obvio, pero
trabajar este tipo de perfiles tiene estás
contradicciones. De ahí lo duro de este trabajo.
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Como actor galardonado por su trabajo
en Maixabel, ¿cómo se compara la
experiencia de trabajar en Soy Nevenka
con otros proyectos que ha realizado?
Artísticamente es muy enriquecedor dar
vida a un personaje así. Este ha sido un
trabajo de inmersión muy profundo, con
un personaje poliédrico y de muchos
matices. En comparación con otros
proyectos anteriores, este personaje tiene
una gran curva emocional y muchas
aristas. Sin duda, ha sido el mayor reto
psicológico al que me he enfrentado
como actor.
Durante el rodaje, ¿hubo algún
momento o escena que le haya
impactado especialmente?
Por encima de las escenas íntimas, la
escena que más impacto me causó, al
rodarla, fue el primer beso que Ismael le da
a Nevenka. Él, por fin, consigue su
objetivo, pero que Nevenka le devuelva el
beso, a pesar de no querer y estar
incomoda en esa situación, es quizás para
mí uno de los aprendizajes que me llevo.
Complacer al hombre por encima del
deseo y sentimientos de la mujer. Esa
actitud machista que no se ve, para mí, fue
demoledora.
¿Qué mensaje le gustaría que el público
se lleve al ver Soy Nevenka?
El reconocer las líneas rojas que
determinan cuando hay un acoso. Ser
conscientes de cuando un
comportamiento es un maltrato
psicológico en forma de abuso de poder o
de acoso sexual o laboral. Además de la
obligación de señalarlo y denunciarlo,
para que el silencio no sea cómplice del
agresor. En definitiva, la necesidad de
estar al lado de la víctima, apoyando su
versión, para reforzarla evitando su
autoculpabilidad y la vergüenza, ya que
ella nunca hizo nada malo.
Imagen cedida por Movistar+
Finalmente, Soy Nevenka se estrena el
27 de septiembre en cines. ¿Qué
expectativas tiene respecto a la
recepción del público y la crítica?
Creo que como película tiene mucho que
aportar tanto al público como a la
sociedad, he comentado antes que no va
a dejar a nadie indiferente porque
inevitablemente, en la historia de estos
personajes, vemos reconocida la historia
de muchas mujeres y muchos hombres.
Esa cercanía a la realidad colectiva va a ser
reveladora y viviremos en primera persona
el miedo que genera el acoso. La crítica
espero que mire también por las mismas
gafas y valide nuestro trabajo artístico para
que la película pueda tener mayor
reconocimiento, recorrido y visibilidad.
Cuanto más se vea, más conciencias se
podrán despertar.
SOY NEVENKA
27 DE SEPTIEMBRE EN CINES
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La Simbiosis Entre Arte y Moda:
Cuando las Fronteras se
Difuminan
Desde los vibrantes estampados
de Yves Saint Laurent
inspirados en Mondrian hasta
las colaboraciones de marcas
como Louis Vuitton con artistas
contemporáneos, la relación
entre arte y moda ha sido
siempre un diálogo en
constante evolución. Más allá
de simples tendencias, esta
intersección ha demostrado ser
un terreno fértil para la
innovación, donde los
diseñadores y artistas
encuentran nuevas formas de
expresión.
En este artículo, exploraremos
cómo estas dos disciplinas,
aparentemente separadas, se
unen para crear auténticas
obras de arte que podemos
llevar puestas.
La historia de la moda está plagada de
ejemplos en los que diseñadores han
encontrado en el arte una fuente inagotable
de inspiración.
Las pasarelas han sido testigo de
colecciones que no solo buscan vestir, sino
también contar historias y evocar emociones
a través de la estética artística.
Yves Saint Laurent y Piet Mondrian: En
1965, Yves Saint Laurent presentó su
famosa "colección Mondrian", una
serie de vestidos que tomaban como
referencia directa las composiciones
abstractas del pintor holandés Piet
Mondrian.
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Con sus líneas negras y bloques de color primario, Saint
Laurent demostró que la moda podía ser tanto un reflejo
del arte como un lienzo en movimiento.
Louis Vuitton y Jeff Koons: En 2017, Louis Vuitton
colaboró con el controvertido artista Jeff Koons para
una colección de bolsos que reimaginaban obras
maestras de Da Vinci, Rubens y Van Gogh. Estos
bolsos, más allá de su funcionalidad, se convirtieron
en piezas de arte portátiles, con la obra original del
artista fusionándose con la visión contemporánea de
Koons.
Los diseñadores de moda, muchas veces, no solo
reinterpretan obras de arte, sino que ellos mismos son vistos
como artistas contemporáneos. Utilizan el cuerpo
humano como un lienzo tridimensional, transformando la
tela en estructuras esculturales que desafían las nociones
tradicionales del vestir.
Alexander McQueen: Considerado uno de los
grandes genios de la moda contemporánea,
McQueen siempre desafió los límites del diseño. En
sus desfiles, no solo presentaba ropa, sino
verdaderas instalaciones artísticas que exploraban
temas tan profundos como la muerte, la naturaleza y
la identidad.
21

Alexander McQueen Colección Otoño 2008.
22

Su colección "Plato’s Atlantis" (2010), que
incorporaba elementos futuristas y
referencias a la evolución humana, fue un
claro ejemplo de cómo la moda puede
abordar conceptos artísticos de gran
calado.
Iris van Herpen: Esta diseñadora
holandesa es conocida por sus
innovadoras creaciones que fusionan
tecnología, ciencia y arte. Van Herpen
utiliza técnicas como la impresión 3D y el
corte láser para crear piezas que parecen
esculturas más que simples prendas de
vestir. Su obra desafía la gravedad y
explora formas orgánicas que evocan la
naturaleza y el cuerpo humano,
difuminando las fronteras entre la moda y
el arte digital.
No solo los grandes nombres de la moda han
buscado inspiración en el arte, sino que
también es común que las marcas de moda
emergentes utilicen referencias artísticas en sus
diseños. Estas colaboraciones o inspiraciones
no solo ofrecen un valor estético, sino también
un trasfondo cultural que conecta con el
consumidor de forma más profunda.
Marni y el Arte Contemporáneo: La firma
italiana Marni ha realizado varias
colaboraciones con artistas
contemporáneos, incluyendo a Richard
Prince y Francesco Simeti. Estas
asociaciones han permitido que el arte
invada los estampados de las prendas y
accesorios, creando colecciones únicas
que combinan el estilo audaz de la marca
con la expresividad artística.
Chanel y el Modernismo: Desde los inicios
de Chanel, la moda ha estado impregnada
de una influencia modernista.
La obra de Coco Chanel fue influenciada por el
cubismo, el surrealismo y el arte déco.
Actualmente, bajo la dirección creativa de
Virginie Viard, la casa sigue abrazando el arte a
través de desfiles que exploran espacios
arquitectónicos como museos y galerías de arte.
A medida que la tecnología avanza y las
barreras entre las disciplinas creativas se siguen
desvaneciendo, la colaboración entre moda y
arte está destinada a crecer. El auge del arte
digital, el diseño en 3D, y las plataformas de
realidad aumentada están permitiendo que
diseñadores y artistas trabajen juntos de formas
nunca antes vistas.
El ejemplo más reciente de esta fusión creativa
es la colección de moda de realidad aumentada
presentada por The Fabricant, una firma
pionera en el diseño digital. Sus prendas no
existen en el mundo físico, sino en el digital,
donde los usuarios pueden vestirlas a través de
avatares en entornos de realidad virtual. Este
tipo de innovaciones no solo expande los límites
de lo que consideramos "moda", sino también
los de lo que entendemos como "arte".
La moda y el arte siempre han compartido un
lenguaje visual que trasciende las fronteras. Ya
sea a través de la reinterpretación de obras
maestras o de la creación de nuevas
expresiones artísticas, estas dos disciplinas
continúan influenciándose mutuamente,
creando un espacio donde la ropa se convierte
en una extensión del arte y donde los artistas
encuentran en el diseño de moda una nueva
forma de expresión.
A medida que seguimos avanzando en el siglo
XXI, es emocionante imaginar cómo este
diálogo entre el arte y la moda continuará
evolucionando, rompiendo barreras y creando
nuevas formas de belleza para que el mundo
disfrute.
La pasarela, como un lienzo en movimiento,
seguirá siendo un lugar donde el arte cobra
vida de una manera única y tangible.
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Entrevista de Nerea fergom
colaboración De Kuranda Agencia
Beatriz Arjona
No demos por sentado nada y así no
llegaremos de nuevo a eso de…¿Cómo
hemos llegado hasta aquí?
24

Beatriz, Solos en la noche trata un
momento clave en la historia de España, el
golpe de Estado del 23 de febrero de 1981.
¿Cómo fue para usted formar parte de un
proyecto que aborda un evento tan
significativo?
Es algo que siempre me ha fascinado y creo
que es uno de los motivos principales por los
que siempre quise ser actriz.Ponerte en la piel
de otra persona, un personaje ya sea ficción o
real que ha vivido en un momento clave
histórico o que tiene una vida muy ajena a la
tuya . Vivir muchas vidas. Y justo en esta
pelicula una noche que marcó a mucha
gente es nuestro pais. Interpretar a Carmen
es una montaña rusa de emociones, todo un
honor.
Su personaje es parte de un grupo de
abogados que se enfrenta a decisiones
difíciles en un momento de crisis política.
¿Cómo se preparó para interpretar un
papel en un contexto tan intenso y con
tantas implicaciones históricas?
Por suerte ahora tenemos mucha más
facilidad para la información aunque también
para la desinformación…
El trabajo de documentación es clave para el
acercamiento al personaje, la mayoría de
nosotros aun no habíamos nacido aquel 23 F
y eso ha hecho que tengamos que buscar
entrevistas, artículos,… pero sobre todo
donde creo que cada uno hemos encontrado
oro ha sido en nuestro entorno cercano, de
como vivieron aquella noche, donde estaban,
que hacían, que miedos tenían y creo que de
esto va la película. Se sabe mucho de como
lo vivieron en primeras filas pero poco de
como lo vivió la ciudadanía, el pueblo. Es un
homenaje a todas las personas anónimas que
vivieron el golpe.
¿Qué le atrajo de esta historia y qué cree
que aporta la película en el panorama
cinematográfico actual?
Me atrajo mucho al leer el guión el diálogo
constante que tiene la pelicula entre pasado
y presente. Yo no viví aquella época pero
todo me resonaba y me hacía pensar que no
estamos tan lejos de aquellos jóvenes que
empezaban a tirar para delante también con
una muy joven denocracia . Pero lo que mas
me llamo la atencion fue el uso de la comedia
como herramienta para contar y para hacer
autocritica de lo que fuimos y somos.
La película explora el dilema entre huir,
esconderse o actuar para defender la
democracia. ¿Cómo fue trabajar con un
guion que plantea tantos conflictos
morales y emocionales?
Guillermo ha escrito un guion con mucha
riqueza y personajes muy bien definidos eso
nos ayudó mucho a entender como se
relacionaban este grupo de amigos. Carmen,
mi personaje, representa el rol en este grupo
de la pura emocionalidad que a veces incluso
se les desborda y nos lleva a situaciones
bastante cómicas. Hay en ella fuerza y
fragilidad, miedo y valentía también por
proteger a su hija, miedo por pensar que
futuro les espera, pero también vemos en
Carmen no sólo a una madre y compañera ,
vemos a una mujer que intenta reivindicar y
darse su propio lugar en 1981, ese va a ser su
aprendizaje esa noche. Carmen es un
homenaje a todas las mujeres y madres de
aquella época. A nuestras madres.
25

26
Solos en la noche cuenta con un elenco
coral. ¿Cómo fue trabajar con el resto de
actores, y cómo se creó la química entre los
personajes en un entorno tan tenso?
A veces por ritmos muy marcados no es
posible dedicarle tiempo a los ensayos, por
suerte en esta pelicula a parte de una primera
lectura pudimos tener ensayos previos a
rodaje donde probar quienes somos y como
se relacionan nuestro personajes . Esto hizo
que al llegar al set hubiera mucho trabajo
hecho y poder disfrutar de lo que
habiamosgenerado juntos e incluso ser mas
libres en nuestras propuestas y a su vez
también guiados por el equipo de dirección.
Es curioso como sin conocernos algunos de
nada y ser muy diferentes entre nosotros se
ha generado algo tan especial cuando
llegábamos todos al set. Los rodajes
nocturnos y charlar mucho para no quedarse
dormidos es lo que tiene que une mucho.
La película se desarrolla en un ambiente
cerrado, lo que añade presión y tensión.
¿Cómo influyó el espacio en su
interpretación y en la dinámica de la
historia?
El equipo de arte hizo un trabajo maravilloso
de ambientación, nos ayudaba mucho llegar
al set y ver esas estancias ubicadas en el 81.
La película se ha rodado entera de noche, y la
noche a parte de ser muy dura, tiene su
magia y nos ayudó a generar esa tensión, ese
silencio que solo sucede de madrugada o ese
miedo a que en cualquier momento puede
aparece alguien, la tensión era constante y
muy agotadora .
¿Qué aprendizajes o reflexiones le ha
dejado esta película sobre ese periodo tan
complejo de la historia reciente de
España?
Damos por sentado derechos y libertades sin
darnos cuenta que en cualquier momento
nos las pueden quitar. En mi opinión creo que
vivimos en una sociedad dormida, indiferente
a todo y creo que peliculas como está vienen
a despertarnos y a avisarnos que la historia es
ciclica. No demos por sentado nada y así no
llegaremos de nuevo a eso de…¿Cómo
hemos llegado hasta aquí?

¿Hubo alguna escena o momento del
rodaje que le impactara especialmente?
La escena en la que estamos todos sentados
cenando y se habla del pasado de cada
personaje, era la última secuencia que se
grababa de la madrugada, estábamos
agotados, y había que estar rápidos y
atentos.No sé si fue por el cansancio
generalizado o por empatia de como
estábamos todos pero se generó una especie
de hermandad alrededor de esa mesa muy
mágica.
¿Cómo cree que reaccionará el público
ante esta película, especialmente aquellos
que vivieron el golpe de Estado?
Antes de estrenar en cines la película se
presentó en el festival de Málaga ,
Atlantidafimfest,Tarazona…y estas semanas
también hemos tenido pases especiales con
coloquio y esto nos ha hecho ver las primeras
reacciones del público que han sido muy
buenas. Nos hemos emocionado y tambien
reido con cada historia que nos han contado
en los coloquios con público. Creo que era el
objetivo de esta película, acercarnos entre
generaciones y dar espacio y voz a todos
aquellos que vivieron con miedo esa noche y
hoy lo rememoran con una sonrisa a través
de la pelicula.
Para finalizar, Solos en la noche se estrena
pronto. ¿Qué espera de este proyecto y
qué le gustaría que los espectadores se
llevaran tras ver la película.
Espero que la película les llegue como lo que
es un homenaje a una generación que le
canta a la vida, con muchas ganas vivir, de
cambiar las cosas y ser libres para ser quien
quisieran ser, y de esta forma darles las
gracias por los derechos que tenemos que
ahora nosotras y nosotros debemos cuidar y
defender. Esta en nuestra mano
27

Arquitectura y Cine: Espacios que Cuentan
Historias
los años, los cineastas han utilizado
edificios, paisajes urbanos y espacios
arquitectónicos para transmitir
emociones, construir mundos
imaginarios y apoyar el desarrollo de
sus narrativas. En este artículo,
exploraremos cómo la arquitectura no
solo proporciona el escenario para las
películas, sino que a menudo se
convierte en un personaje en sí mismo,
aportando identidad y significado a las
historias.
La arquitectura tiene un poder
inmenso para contar historias sin
necesidad de palabras. La forma, el
tamaño y la distribución de los
espacios en una película pueden
generar una atmósfera que influye en
la percepción del espectador. Desde
los imponentes rascacielos en
películas de ciencia ficción hasta las
humildes casas en dramas intimistas,
los espacios arquitectónicos tienen la
capacidad de reflejar el tono
emocional y psicológico de los
personajes.
Un ejemplo clásico de esto es la
película "Blade Runner" (1982),
dirigida por Ridley Scott, donde los
paisajes urbanos distópicos y los
edificios monumentales se
convirtieron en símbolos de un futuro
sombrío y tecnológico. La arquitectura
en "Blade Runner" es una extensión
de la narrativa, transmitiendo la
decadencia y alienación de una
sociedad avanzada, pero
desconectada.
"La ciudad en 'Blade Runner' es tan crucial
para la historia como los propios personajes.
Es una visión arquitectónica del futuro, llena
de contrastes entre lo tecnológico y lo
humano."
— Mark Ridley, crítico de cine.
Otro ejemplo es el uso del espacio en
"El Resplandor" (1980) de Stanley
Kubrick. El imponente hotel Overlook
no es solo un lugar donde ocurre la
acción, sino que se convierte en una
presencia inquietante que refleja el
aislamiento y la locura del
protagonista. Cada pasillo y habitación
contribuyen al creciente sentimiento
de terror.
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Arquitectura y Géneros
Cinematográficos
Cómo el diseño influye en las
emociones y la narrativa.
La arquitectura juega un papel clave
en diversos géneros cinematográficos.
En el cine de ciencia ficción, los
edificios suelen ser imponentes,
futuristas y desafiantes, mientras que
en los thrillers psicológicos, los
espacios cerrados y claustrofóbicos
reflejan la tensión emocional de los
personajes.
Tip visual:
Mostrar una serie de imágenes
contrastantes de películas como
"Metropolis" (1927) y "Inception"
(2010) donde la arquitectura futurista
tiene un papel protagonista.
Ciencia ficción: Un futuro a través de la
arquitectura
En películas como "Metropolis" de Fritz
Lang, la ciudad distópica es tan
imponente que se convierte en un
protagonista silencioso. Los enormes
edificios y las diferencias marcadas
entre las clases sociales reflejan el
control y la opresión que sufren los
personajes.
Thrillers psicológicos: El espacio como
prisión
En los thrillers, los espacios cerrados e
intrincados juegan un papel clave para
transmitir la tensión. En "Parasite"
(2019), el diseño arquitectónico de la
casa, con su estilo moderno y
minimalista, esconde una compleja
metáfora sobre las divisiones de clase.
Cada rincón de la casa tiene un
significado, y los personajes se ven
atrapados en este escenario donde la
línea entre el lujo y la pobreza es
difusa.
Cita destacada:
"La arquitectura en 'Parasite' es una
representación física de la
desigualdad; los personajes, atrapados
en este espacio, se mueven entre dos
mundos."
— Bong Joon-ho, director de 'Parasite'.
Ciudades que Definen Películas
Cuando el entorno urbano se convierte
en protagonista.
Algunas películas son inseparables de
las ciudades en las que se desarrollan.
El ambiente urbano no solo es el fondo
de la historia, sino un componente
esencial de la misma. Nueva York, por
ejemplo, ha sido un personaje clave en
películas como "Taxi Driver" (1976) y
"Manhattan" (1979), donde el bullicio,
el caos y la vida urbana definen la
trama.
Nueva York: La gran ciudad como
protagonista
En "Taxi Driver", Martin Scorsese utiliza
la arquitectura de Nueva York para
reflejar la alienación del personaje de
Travis Bickle. Las calles sucias, los
edificios deteriorados y la sensación
de una ciudad en decadencia
refuerzan la idea de que el
protagonista está desconectado de la
sociedad.
París: El romanticismo arquitectónico
París ha sido escenario de numerosas
películas, pero en "Amélie" (2001), la
arquitectura del barrio de Montmartre
juega un papel crucial para establecer
el tono romántico y fantasioso de la
película. Las calles adoquinadas, los
cafés íntimos y los edificios antiguos
contribuyen a crear un ambiente
mágico que es esencial para el estilo
visual de la película.
29

Comparar imágenes de escenas clave en "Taxi Driver" y
"Amélie", mostrando cómo las ciudades influyen en la atmósfera
de las películas.
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El Futuro de la Arquitectura en el Cine
El diseño digital y la creación de mundos imposibles.
Con los avances en las tecnologías digitales, la arquitectura en
el cine ha dado un giro hacia lo fantástico. Gracias a los efectos
especiales y al CGI, los cineastas pueden diseñar mundos y
ciudades que desafían las leyes de la física y la realidad. En
películas como "Inception" (2010) de Christopher Nolan, las
ciudades y los edificios se pliegan sobre sí mismos, desafiando
la lógica arquitectónica tradicional.
Cita destacada:
"En 'Inception', queríamos que los escenarios arquitectónicos
reflejaran la naturaleza onírica de la historia. Los edificios y las
ciudades debían ser una extensión de la mente."
— Christopher Nolan, director de 'Inception'.
El cineasta Denis Villeneuve, en su reciente adaptación de
"Dune" (2021), utilizó una mezcla de arquitectura futurista y
paisajes naturales monumentales para crear un mundo que se
siente tanto real como alienígena. La escala y el diseño de los
edificios en "Dune" refuerzan el tono épico y grandioso de la
historia.
Conclusión: La Arquitectura, Un Personaje Silencioso
El poder de los espacios para contar historias.
A lo largo de la historia del cine, la arquitectura ha sido mucho
más que un simple fondo para la acción. Los edificios, los
paisajes urbanos y los espacios interiores influyen
profundamente en cómo percibimos las historias. Ya sea
creando tensión en un thriller, ofreciendo una visión distópica
del futuro o estableciendo el tono romántico de una comedia, la
arquitectura tiene el poder de definir y enriquecer una película.
En un futuro donde las posibilidades digitales continúan
expandiéndose, es probable que veamos una evolución aún
más espectacular de la relación entre cine y arquitectura.
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Carlos
Chamarro
¿Cómo describiría la obra "El
secuestro" para quienes aún
no la conocen?
Comedia desternillante para
alegrarte el día y con toda
seguridad, toda la semana.
¿Qué le atrajo de este
proyecto y de su personaje?
volver a hacer una comedia de
enredos muy contemporánea y
defender un héroe de la calle
con toda su honestidad.
Su personaje, Paco, se ve
envuelto en una situación muy
desesperada. ¿Qué nos puede
contar de su personaje?
Paco es una persona humilde
trabajador en un mercado pero
capaz de todo para defender a
su familia.
"El secuestro" mezcla comedia
y tensión en una situación
extrema. ¿Qué cree que hace
única a esta obra en
comparación con otras
comedias?
creo que el Secuestro es la
versión punto 7 de los
bodebiles antiguos donde se
mezcla con diferentes tipos de
humor problemas sociales que
siempre han existido y siguen
existiendo
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La obra parece tener
muchos giros inesperados.
¿Puede adelantarnos
alguno de los momentos
más divertidos o
sorprendentes sin revelar
demasiado?
la obra tiene muchos giros
inesperados
muy
inteligentemente hilados,
basta con decir cuánto se
pueden liar las cosas cuando
tu familia directa se
convierten contigo en los
próximos vengadores.
¿Cómo ha sido trabajar con
el elenco y el director en "El
secuestro"?
con el elenco como con el
director y autor nos une
además la amistad. Eso se
traduce en poder trabajar y
aportar a un mismo proyecto
toda la ilusión de navegar
hacia el mismo destino.
El humor es una parte clave
en la obra. ¿Qué tipo de
comedia podemos esperar
en "El secuestro"?
Creo que el secuestro es una
comedia de situación con un
humor inteligente, cercano y
en ocasiones absurdo que
acoge a todo el público de
todas las edades y
condiciones.
¿no han visto el secuestro
podrán decir si vienen que
estuvieron en la primera
temporada de esta longeva
obra con uno de los primeros
elencos porque esta función
ha llegado al Teatro Lara para
quedarse.
Alguna anécdota divertida
que pueda compartir del
proceso de ensayos o de las
funciones?
anécdotas en el proceso de
creación hay muchas y
algunas se ven reflejadas en
la obra como producto de
ese buen rollo trabajando y
aportando para hacerla más
divertida si cabe.
El Teatro Lara es un espacio
icónico en Madrid. ¿Qué
significa para usted actuar
en este escenario con una
obra como "El secuestro"?
para mí volver a este teatro al
que le tengo un aprecio
especial puesto que he
trabajado aquí en diferentes
proyectos y es un espacio
entrañable con un equipo
técnico de una calidad
humana maravillosa.
¿Qué mensaje o sensación
le gustaría que el público se
lleve después de ver "El
secuestro"?
Ya tenemos un feedback del
público cuando sale de ver la
función y es: que salimos de
la función de un buen rollo y
una buena energía increíble!
Para aquellos que aún no la
han visto, ¿por qué crees
que "El secuestro" es una
obra que no se pueden
perder?
nunca está demás decir que
las comedias siempre te
alegran el día y es lo que
priorizan muchos cuando van
al teatro, pero en esta
ocasión, si aún no han visto
el secuestro podrán decir si
vienen que estuvieron en la
primera temporada de esta
longeva obra con uno de los
primeros elencos porque esta
función ha llegado al Teatro
Lara para quedarse.
El Secuestro
en el Teatro
Lara
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EVENTO DEL MES
Altar de Muertos en Casa de México
Un tributo a la vida y la muerte a través de los sentidos
El Altar de Muertos de Casa de México regresa en su séptima edición para convertirse nuevamente en una de las
exposiciones más espectaculares del Día de Muertos en España. Este evento, que celebra una de las tradiciones más
emblemáticas de la cultura mexicana, invita a los visitantes a un viaje sensorial entre el mundo de los vivos y el de los
muertos, rindiendo homenaje a los difuntos a través de una increíble puesta en escena que mezcla diseño, arte y
espiritualidad.
Un Altar de Muertos sensorial diseñado por Eugenio Caballero
Este año, el altar contará con el diseño del reconocido director artístico Eugenio Caballero, ganador del Oscar por su
trabajo en El Laberinto del Fauno. Su intervención, que abarca desde la fachada hasta los espacios interiores de Casa de
México, está inspirada en el viaje entre los mundos de los muertos y los vivos, a través de los sentidos. La propuesta invita
al público a experimentar un recorrido inmersivo donde se exploran el vista, oído y olfato, subrayando la dualidad entre
vida y muerte, día y noche, y cielo e inframundo.
La flor de cempasúchil, símbolo tradicional del Día de Muertos, adornará la fachada principal del edificio. Según la
creencia popular, su aroma guía a las almas en su regreso al mundo de los vivos. Además, el papel picado será otro
protagonista visual, representando el aliento vital, y se moverá con el aire para anunciar la llegada de los espíritus. Las
calaveras, siempre presentes en estas festividades, decorarán las ventanas del edificio con un misterioso tono negro que
aporta solemnidad al conjunto.
Una tradición viva en el corazón de Madrid
Desde su primera edición en 2015, el Altar de Muertos en Casa de México se ha consolidado como uno de los eventos
más esperados del otoño madrileño. La celebración no solo atrae a aquellos interesados en la cultura mexicana, sino
también a quienes desean conectar con la espiritualidad que rodea esta festividad. La instalación de Caballero promete
ser una experiencia inolvidable, donde la arquitectura y el diseño juegan un papel clave en la creación de un ambiente
cargado de simbolismo y belleza.
Horarios y visitas guiadas
El altar estará abierto al público desde el 2 de octubre hasta el 10 de noviembre, con entrada libre. Los horarios varían
según el día de la semana, y también se ofrecerán recorridos guiados gratuitos con una duración aproximada de 20
minutos. Para los interesados en una experiencia más personalizada, se puede optar por la reserva anticipada o bien
hacer una visita sin reserva previa, en cuyo caso habrá una cola de espera.
El Altar de Muertos en Casa de México no es solo una exhibición artística, es una oportunidad única para sumergirse en
una de las tradiciones más profundas de México. Un tributo a la memoria y al ciclo eterno de la vida y la muerte, donde el
arte y la historia convergen para crear una experiencia que va mucho más allá de lo visual.
Consulta más información y reserva tu visita en:
Casa de México en España
Fechas: Del 2 de octubre al 10
de noviembre de 2024
Lugar: Casa de México, Madrid
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35

¿Cómo describirían la obra en una
frase?
Una comedia algo irreverente y canalla
pero romántica y tierna
Sus personajes juegan un papel
fundamental en la trama. ¿Qué pueden
contarnos sobre ellos y cómo encajan
en la historia?
Son dos personajes totalmente opuestos
Un joven lleno de vida y alegría con un
problema real pero que no le impide el
hacer de todo y una mujer mas adulta
con todo un montón de prejuicios que la
coaccionan a la hora de vivir y disfrutar
¿Qué ha sido lo más interesante o
desafiante al interpretar sus
personajes?
Para mi, Lola es un personaje muy
distante a mi en la realidad de una mujer
de 50 años y aceptar ciertos prejuicios de
este personaje me ha costado
entenderlo. El hecho por ejemplo que no
pueda gustar a alguien más joven que
ella. O que sino está casada la gente la
mira mal.
La obra aborda temas que pueden
resonar con el público. ¿Qué
emociones o reflexiones creen que
generará en los espectadores?
Sobre todo las mujeres se ven muy
reflejadas en el personaje de Lola y eso
les encanta.
¿Han tenido alguna anécdota divertida
o inesperada durante los ensayos que
puedan compartir con nosotros?
Si! El aguantar la risa cuando se nos
ocurrían cosas nuevas .
La obra cuenta con una puesta en
escena particular. ¿Cómo ha influido el
diseño escenográfico en sus
actuaciones?
Realmente tener una escenografíaa llena
de luces de colores nos ha ayudado
mucho a ver que la vida puede ser un
sueño, y que si uno lo quiere y desea
porque no vivirlo.
El texto de la obra tiene un peso
importante en el desarrollo de los
personajes y la trama. ¿Qué es lo que
más les ha sorprendido o fascinado del
guion?
La fluidez y el ritmo que tiene. Es
trepidante y como pasamos de una
emoción a otra en un simple click o un
simple gag
La química entre actores es esencial en
una obra. ¿Cómo ha sido trabajar juntos
en esta producción?
La verdad que tuvimos buen feeling
desde el primer momento pero sobre
todo saber reírnos desde el primer dia de
ensayo y abordar todo con ganas y
felicidad y querer pasar un buen rato
entre nosotros lo cual eso se traspola al
público
La obra trata temas universales. ¿Creen
que el público encontrará paralelismos
con situaciones de la vida cotidiana?
Síii!! Muchísimos!! Es más, a la salida
cuando tenemos oportunidad de saludar
al público nos lo dicen… se ven
reflejados.
Finalmente, ¿qué es lo que más les
emociona al estrenar esta obra?
La reacción del público. Sus risas …Salen
encantados
Y sobre todo que al final de la comedia
hay un giro dramático inesperado dónde
los espectadores siempre se emocionan
Chas y de repente
tu..
En el teatro Las
Aguas
36

La Actriz
Beatriz Rico
Nos presenta
la obra
Remátame
otra vez
Foto cedida por pentación Teatro
"Remátame Otra Vez" es una
comedia que mezcla misterio y
humor. ¿Cómo describiría la
trama de la obra a quienes aún no
la conocen?
Un millonario excéntrico reúne a sus
amigos más cercanos en su
mansión. Antes de la cena alguien
aparece asesinado. Cualquiera
puede ser el asesino. Menos mal
que para descubrirlo contamos con
la ayuda de un detective
improvisado: el mayordomo más
torpe que te puedas encontrar. Por
cierto, ¿el mayordomo no suele ser
el asesino? Para desentrañar todos
los líos de este embrollo y reír sin
parar, acércate al teatro Reina
Victoria. No te defraudaremos.
Usted interpreta a Camila Serrano,
una mística ex diva de la ópera
con un pasado complejo. ¿Qué
fue lo que más le atrajo de este
personaje?
El personaje reconozco que me
atrajo después, cuando ya estaba
en los ensayos. En principio lo que
me fascinó fue el texto. Te aseguro
que es verdaderamente genial.
La obra promete muchas risas,
pero también un misterio
intrigante. ¿Cómo se equilibra el
humor con la tensión del
asesinato en escena?
No sólo es que no haya que buscar
el equilibrio, es que hay veces que
el humor y el misterio se
complementan de un modo
magnífico para crear tesoros míticos
del humor, como "El jovencito
Frankenstein" o "Un cadáver a los
postres".
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¿Cómo ha sido trabajar con un elenco tan diverso y
experimentado como el de "Remátame Otra Vez"?
Juanjo Cucalón es el único al que ya conocía porque
habíamos trabajado juntos en "Swingers". Entre los
dos siempre ha habido muy buen rollo. Y del resto de
compañeros sólo puedo decir cosas buenas, tanto a
nivel de trabajo como personal. Nuestro dire, Alberto
Papa-Fragomen, desde el principio tuvo claro que era
importantísimo juntar a un grupo de personas que se
entendieran bien y fueran "buena gente", porque el
ambiente que se crea, quieras o no, también marca la
función y traspasa al espectador.
Camila Serrano tiene una relación complicada con
el protagonista, Cristóbal Salcedo. ¿Qué puede
contar sobre la historia entre estos dos personajes
y cómo afecta la trama?
Poco spoiler te puedo hacer, así que sólo te diré que
Camila es enamoradiza y pasional. Y Cristóbal...
bueno, Cristóbal es diferente.
La obra se desarrolla en una mansión donde todos
los personajes están atrapados con un asesino.
¿Cómo influye el escenario en la tensión y el ritmo
de la obra?
Tenemos la suerte de contar con un equipo técnico
que tanto en luces como en sonido hacen un trabajo
maravilloso. Sin ellos nuestra interpretación no luciría
ni la mitad. Tampoco quiero olvidar a nuestro director,
que ha escogido unos tracks de música que son,
literalmente, buenísimos. Te trasportan al misterio, al
humor o al miedo en un viaje vertiginoso, en cuestión
de segundos.
"Remátame Otra Vez" está llena de giros
inesperados. ¿Hay algún momento en particular
que le haya resultado especialmente memorable o
divertido durante los ensayos?
Hay un momento, no te puedo desvelar cuál, en el que
me fue imposible aguantar la risa en todos los
ensayos. Me asusté porque, cuando fijas la risa en un
punto determinado, es muy difícil salir de ahí y muy
peligroso de cara a estar delante del público. Encima
era contagiosa y terminábamos todos riéndonos, lo
malo era que me tocaba hablar a mí. En el ensayo
general fue la primera vez que conseguí decir el texto
de un tirón, a pesar de lo que sucede en ese momento
que tanta risa me daba, y salir de la carcajada
continua. Llegó un punto en el que incluso pensamos
en incorporarla a la función.
La comedia es un género muy querido por
el público, pero también muy exigente
para los actores. ¿Qué ha sido lo más
desafiante de interpretar a Camila en una
obra como esta?
Camila es excesiva, diva, exagerada y extravagante.
Unir todas esas características a un lado tierno que
también tiene no ha sido fácil. Pero gracias al trabajo
que Piwit (es así como llamamos al director) hizo
conmigo, pude crear y mostrar todas estas aristas de
Camila y ofrecérselas al público para que elijan con
qué parte de ella se quedan. ¿Es Camila la asesina?
Jugar al despiste con el público es divertidísimo, pero
también muy difícil.
¿Qué espera que el público se lleve tras ver
"Remátame Otra Vez"?
El verdadero privilegio es conseguir que el público
olvide sus problemas. Que se ría. Escuchar las
carcajadas desde el escenario es algo muy grande
que te hace sentir que pintas algo importante, porque
todos tenemos nuestros problemas y llevamos
nuestros pequeños infiernos a cuestas. Conseguir que
el público se evada y salga del teatro sintiendo que
todos esos lastres pesan un poco menos, es el mejor
premio para cualquier actor que haga comedia.
Finalmente, ¿por qué los espectadores no deberían
perderse "Remátame Otra Vez" en el Teatro Reina
Victoria?
Porque se perderían uno de los textos más inéditos,
originales y divertidos que se haya puesto en pie en
un teatro jamás. Porque si no van a vernos, alguien se
lo va a contar y les va a dar muchísima rabia habérselo
perdido.
Porque "Remátame Otra Vez" es un espectáculo que
merece la alegría. Porque la risa es salud y cura
pedacitos de alma.
¡Ah! Y porque los cinco actores estamos
verdaderamente bien.
¿Alguien da más?
38

RECOMENDACIONES DEL MES
Disco: La Jauría – Dani Fernández
Dani Fernández presenta La Jauría, un álbum
cargado de significado que refleja la presión
y juicio constante de la sociedad actual. A
través de sus letras y su sonido transparente,
el artista explora cómo la opinión pública
puede invadir su vida privada. Esta edición
exclusiva estará disponible hasta el 25 de
octubre.
Comprar
Libro: Genios, el eco fantasma de sus voces –
Hermanos Lorente
Un recorrido por las vidas de veinte genios
que transformaron la cultura del siglo XX.
Desde Picasso y Frida Kahlo hasta
Hemingway y Coco Chanel, esta obra explora
el lado más humano y creativo de estas
mentes brillantes que moldearon la sociedad
moderna.
Comprar
Película: La Virgen Roja
Hildegart, una joven prodigio en la España de
los años 30, es educada por su madre para
ser la "mujer del futuro". La película explora la
relación tensa entre madre e hija y cómo, a
los 18 años, Hildegart comienza a buscar su
propia libertad, desafiando el control
maternal.
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Serie: En Fin (6 episodios)
El apocalipsis no llegó, y Tomás se encuentra
con las consecuencias de haber abandonado
a su familia por un fin del mundo que nunca
ocurrió. En esta serie post-apocalíptica,
Tomás debe reconstruir su vida y obtener el
perdón de su mujer e hija mientras el mundo
sigue girando.
Exposición: Pedro Almodóvar y Madrid –
Centro Cultural Conde Duque
Del 11 de junio al 20 de octubre, descubre
cómo Pedro Almodóvar ha retratado a Madrid
en sus películas. A través de más de 200
fotografías y obras gráficas, la muestra revela
la ciudad como uno de los protagonistas más
icónicos en la filmografía del aclamado
director.
Teatro: Los Chicos del Coro, El Musical
Desde el 17 de octubre en el Teatro La
Latina, llega la adaptación musical de la
famosa película Los Chicos del Coro.
Acompaña a Clément Mathieu, un profesor
que cambiará la vida de los niños de un
internado a través de la música. Un
espectáculo conmovedor que no te puedes
perder.
Entradas
40

María Ordóñez
“El teatro romano de Mérida siempre es
un regalo profesional y personal.”
Entrevista de Nerea fergom
colaboración De MACUTO TALENT
41

¿En qué momento se
encuentra María Ordóñez?
Pues la verdad es que me siento
en un momento muy dulce en
general, haciendo muchas
cosas que me gustan.
¿Su punto fuerte?
La honestidad
¿Y un punto débil?
Demasiada honestidad (Risas)
¿Alguna manía?
Llevar siempre una prenda o
complemento de color negro.
¿Quién ha sido una figura de
inspiración para ti desde que
empezaste en la actuación?
Carmen Maura
¿A quién admiraba de niña?
Estaba enamorada de Julia
Roberts.
¿Cuando supo que se quería
dedicar a la interpretación?
Desde súper pequeña quería
estar en un escenario y delante
de una cámara.
42

¿Cómo describiría la
experiencia de interpretar en
una obra tan intensa como
"Coriolano"?
Ha sido brutal, un viaje
maravilloso. Antonio Simón, el
director, trabaja de una forma
que me encanta. Dejándonos
crear en los ensayos y siempre
priorizando la coherencia de
las escenas. Además, poder
decir las palabras de
Shakespeare es un placer.
¿Qué le atrajo de este
proyecto?
En primer lugar que sea la
ultima obra que escribió
Shakespeare me seduce
muchísimo, y el reparto de esta
función es una locura, todos
mis compañeros son muy top.
Además, me apetecía mucho
hacer una tragedia en Mérida.
¿Cómo se preparo para su
papel en "Coriolano"?
Haciendo mucho trabajo de
mesa durante los ensayos. Me
fascina empaparme bien sobre
todo del contexto de la obra, y
trabajar a fondo las relaciones
personales de los personajes.
¿Qué nos puede contar de su
personaje?
Virgilia es una mujer realmente
enamorada, ya sabemos que
esta época la mayoría de los
matrimonios eran por intereses
políticos y el amor no
importaba mucho y este caso,
además de los intereses, hay
amor.
Ella es una mujer que en un
principio no encuentra su sitio,
pero conforme avanza la
historia y todo se torna mas
hostil, no le queda mas
remedio que crecer, hacerse
fuerte y ocupar su lugar.
¿Qué escena de la obra
considera la más desafiante?
La escena más dura es la
ultima vez que veo a
Coriolano, cuando vamos a
suplicarle su madre y yo que
por favor no nos traicione
haciendo la guerra contra
Roma.
¿Cómo ha sido estrenar la
obra en el festival de Teatro
de Mérida?
Ha sido una experiencia
maravillosa. Mérida siempre es
un regalo profesional y
personal.
¿Qué puedes contarnos
sobre la última temporada de
élite?
Ha sido una gozada absoluta
el rodaje tanto por todo el
equipo técnico como por mis
compañeros. Para mí, la ultima
temporada tiene todo lo mejor
de Elite, un ritmo maravilloso y
mucha intriga.
43

¿Qué diferencias encuentra
entre trabajar en teatro y en
televisión?
Pues las diferencias para mí
solo dependen del equipo
porque aunque es cierto que
en el teatro no hay posibilidad
de repetir, para mi la sensación
cuando ruedo es lo mismo,
cada toma es como si fuera la
única, tiene que estar igual de
viva.
¿Con qué director/a, actriz o
actor le gustaría trabajar en el
futuro?
Me encantaría trabajar con Álex
de la Iglesia, soy super fan.
¿Podría recomendarnos una
obra de teatro, película o serie
que te haya dejado una
impresión duradera?
La serie irlandesa ¨Normal
People¨
¿Una asignatura pendiente?
Trabajar con Álex de la Iglesia
(Risas)
¿Cuáles son sus próximos
proyectos?
Para el 2025 estreno un
proyecto de teatro sobre Buero
Vallejo en la nueva sala
pequeña del Teatro Español, y
en Junio vamos con Coriolano
a los Teatros del Canal y
después gira.
© Jero Morales
44

Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2024
Fecha:
Del 20 al 28 de
septiembre de 2024
Lugar: San Sebastián, España
Género: Cine Internacional
Edición: 72ª
© SSIFF - Foto: Nora Jauregui
Un Festival con Historia y Prestigio
Internacional
El Festival Internacional de Cine de San
Sebastián es uno de los eventos
cinematográficos más prestigiosos de Europa
y del mundo. Fundado en 1953, este festival
ha consolidado a la ciudad costera del País
Vasco como un epicentro cultural, atrayendo
a estrellas del cine, directores de renombre y
una audiencia global apasionada por el
séptimo arte. Con una historia rica en
películas icónicas, el festival ha sido el lugar
de estreno de producciones tan legendarias
como Vértigo de Alfred Hitchcock y ha
acogido a figuras del cine como Federico
Fellini, Audrey Hepburn y Almodóvar.
¿Qué Esperar de la Edición 2024?
La edición de este año promete ser
excepcional, con una programación repleta
de estrenos internacionales, cine de autor y
las mejores producciones europeas y
latinoamericanas. Las secciones más
esperadas incluyen:
Sección Oficial: Competencia principal,
donde directores consagrados y
emergentes presentan sus obras más
recientes.
Perlas: Una selección de las mejores
películas del año proyectadas en otros
festivales internacionales como Cannes,
Berlín y Venecia.
Nuevos Directores: Sección dedicada a
los cineastas debutantes con propuestas
innovadoras y frescas.
Horizontes Latinos: Una ventana abierta a
lo mejor del cine latinoamericano.
El Premio Donostia: Reconociendo
Trayectorias Inolvidables
Uno de los momentos más esperados del
festival es la entrega del Premio Donostia, un
galardón honorífico que reconoce la carrera
de actores, directores y personalidades del
cine mundial. En años anteriores, grandes
nombres como Robert De Niro, Penélope
Cruz y Danny DeVito han sido
homenajeados con este prestigioso
reconocimiento. ¿Quién será el galardonado
este año? La expectación crece a medida que
nos acercamos al anuncio oficial.
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Destinos Culturales en San Sebastián: Arte,
Gastronomía y Belleza Natural
Si visitas el festival, no te pierdas la oportunidad de
explorar San Sebastián, una ciudad que ofrece
mucho más que cine. Reconocida por su
arquitectura elegante, sus playas espectaculares y
su rica cultura gastronómica, es el destino perfecto
para los amantes del arte y la buena comida. Entre
los lugares más emblemáticos de la ciudad
destacan:
Museo San Telmo: Un espacio dedicado al arte
y la historia vasca.
El Peine del Viento: La escultura de Eduardo
Chillida que combina arte y naturaleza.
Parte Vieja: Barrio famoso por sus pintxos,
donde se encuentran algunos de los mejores
bares de tapas del mundo.
Consejos para los Cinéfilos que Asisten al Festival
Si tienes la suerte de asistir al Festival de San
Sebastián, aquí van algunos consejos clave para
sacar el máximo provecho de tu experiencia:
1. Compra tus entradas con antelación: Las
películas más esperadas suelen agotarse
rápido, así que asegúrate de reservar con
tiempo.
2. Explora las secciones alternativas: Además de la
Sección Oficial, las categorías como "Zabaltegi-
Tabakalera" o "Culinary Zinema" ofrecen joyas
cinematográficas menos convencionales.
3. Combina cine y gastronomía: San Sebastián es
famosa por sus estrellas Michelin, así que
aprovecha para disfrutar de la mejor comida del
mundo entre proyecciones.
Cómo Vivir el Festival Desde Casa
Si no puedes asistir en persona, no te preocupes. El
Festival de San Sebastián ha adoptado una
estrategia digital en los últimos años, permitiendo a
los cinéfilos de todo el mundo disfrutar de algunas
proyecciones y eventos en línea. Además, las redes
sociales del festival ofrecen una cobertura
completa, incluyendo entrevistas con directores,
reportajes detrás de cámaras y momentos
destacados del evento.
Conclusión: Una Celebración del Cine Mundial
El Festival Internacional de Cine de San Sebastián
sigue siendo un faro cultural, no solo para los
profesionales del cine, sino también para el público
que encuentra en él una ventana al mundo
cinematográfico más actual y diverso. Cada año,
San Sebastián nos recuerda por qué el cine sigue
siendo una de las artes más poderosas para
conectar culturas, contar historias y reflejar la
complejidad de nuestra sociedad. Ya sea que estés
presente en las salas de cine o participes desde tu
hogar, este festival ofrece una experiencia única
para todos los amantes del cine.
Para más información sobre la programación,
entradas y actividades, visita la página oficial del
festival: www.sansebastianfestival.com.
Una Oportunidad para los Nuevos Talentos
Uno de los elementos más distintivos del Festival
de San Sebastián es su apoyo constante a nuevos
talentos. La sección "Nuevos Directores" y la
iniciativa "Cine en Construcción" brindan a
cineastas emergentes la oportunidad de mostrar
sus proyectos a un público internacional y obtener
el respaldo necesario para llevar a cabo sus
películas. Este compromiso con la innovación
convierte al festival en un trampolín crucial para las
nuevas voces del cine global.
46

Open House Madrid 2024
Un viaje arquitectónico por los secretos mejor guardados de la ciudad
47
Fecha: Del 26 al 29 de
septiembre
Lema: Un año de 10

En su décima edición, Open House Madrid 2024
regresa con más fuerza que nunca para ofrecer
a los madrileños y visitantes la oportunidad
única de descubrir los edificios más
emblemáticos de la ciudad. Este festival
internacional de arquitectura y ciudad, que
forma parte de la red mundial Open House,
sigue fiel a su objetivo de hacer accesible la
arquitectura a todos, con visitas guiadas
gratuitas a más de 100 edificios y estudios
arquitectónicos que habitualmente están
cerrados al público.
Una celebración del diseño y la innovación
Este año, bajo el lema Un año de 10, el festival
celebra su décimo aniversario. Por primera vez,
las actividades se extenderán durante cuatro
días, brindando a los asistentes más tiempo para
explorar la arquitectura de Madrid. En esta
edición, además de las visitas a los edificios, se
realizarán rutas exteriores que permitirán
conocer de cerca los espacios urbanos más
interesantes y la evolución arquitectónica de la
capital española.
Con una imagen renovada, fresca y minimalista,
Open House Madrid se adapta a los nuevos
tiempos, apostando por la creatividad e
innovación, pero sin perder su esencia: acercar
la arquitectura y el diseño a la gente de una
forma accesible y gratuita. La nueva identidad
visual subraya el compromiso del festival con la
cultura arquitectónica como un bien público.
Lo que no te puedes perder
Entre los edificios más esperados de esta
edición se encuentran auténticas joyas como el
Banco de España, la Casa de la Villa y el
vanguardista Edificio Castelar. Además, las
visitas a estudios de arquitectura, como los de
los renombrados arquitectos Norman Foster y
Rafael de La-Hoz, ofrecen una oportunidad
fascinante de conocer el proceso creativo detrás
de algunos de los proyectos más destacados
del panorama contemporáneo.
Para aquellos interesados en la arquitectura
industrial, este año también se podrán visitar
espacios como el Hangar 6 de Iberia. Además, el
festival volverá a extenderse a San Lorenzo de El
Escorial, donde monumentos históricos como el
Real Coliseo de Carlos III abren sus puertas para
formar parte de esta experiencia única.
Participación y detalles prácticos
El acceso a muchos de los edificios y rutas es libre y
no requiere inscripción previa. Solo tienes que
presentarte en el lugar indicado y los voluntarios de
Open House Madrid te guiarán en la visita. Sin
embargo, para algunos espacios exclusivos es
necesario inscribirse previamente en Eventbrite a
partir del 18 de septiembre.
Open House Madrid no solo es una oportunidad
para los amantes de la arquitectura, sino también
para cualquier persona que desee redescubrir la
ciudad desde una perspectiva diferente,
adentrándose en edificios históricos y
contemporáneos que normalmente permanecen
cerrados al público.
Datos clave de la edición pasada
En 2023, el festival atrajo a más de 50,000
visitantes, quienes disfrutaron de 130 visitas y 24
itinerarios temáticos. Destacaron visitas a edificios
como el Serrano 69, la Casa Palazuelo, y la
incorporación del festival en San Lorenzo de El
Escorial.
¡No te pierdas esta oportunidad única para explorar
Madrid a través de su rica y diversa arquitectura!
Más información y programa completo: Open
House Madrid
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SABORES DEL MES: LOS 4 RESTAURANTES IMPERDIBLES
Casa Mortero
Ubicado en el corazón de Madrid, Casa Mortero se
especializa en cocina tradicional española con un
toque moderno. Su carta está diseñada para
rescatar recetas clásicas, con ingredientes frescos y
locales. Su croqueta de jamón ha sido reconocida
como una de las mejores de la ciudad. Ideal para
quienes buscan un ambiente acogedor y comida de
calidad con una presentación impecable.
Recomendación del chef: Cochinillo confitado.
Bibo Madrid by Dani García
Este espacio vibrante y cosmopolita es una apuesta
del chef Dani García, galardonado con tres estrellas
Michelin. Bibo ofrece una fusión entre la cocina
andaluza y las técnicas modernas, con una
atmósfera que combina lo casual y lo sofisticado.
No te puedes perder su famoso Steak tartar con
caviar o su Pulpo a la brasa con crema de patata y
ajo negro. Un destino obligatorio para los amantes
de la alta gastronomía.
Ubicación: Paseo de la Castellana, 52.
Ojalá
Con una decoración vibrante y tropical, Ojalá es el
lugar perfecto para un brunch o una cena relajada.
Este restaurante en Malasaña destaca por su
ambiente informal y su carta variada que abarca
desde platos mediterráneos hasta opciones más
internacionales. Además, su terraza es el lugar ideal
para disfrutar de las noches madrileñas.
Plato estrella: Hamburguesa de wagyu con queso
azul.
La Vaca y La Huerta
Con un enfoque en productos ecológicos y de
temporada, La Vaca y La Huerta es un restaurante
comprometido con la sostenibilidad. Situado en el
barrio de Chueca, su cocina está basada en la
frescura y simplicidad de los ingredientes locales,
ofreciendo platos sabrosos que respetan el medio
ambiente. Su carta de vinos, seleccionada
cuidadosamente, es el complemento perfecto para
cualquier plato.
Recomendación del día: Solomillo de ternera con
verduras de la huerta.
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EN LA MIRA: MODA Y TENDENCIAS
En esta sección destacamos las mejores marcas y
sus productos más icónicos para esta temporada.
¡No te pierdas los enlaces de afiliados y aprovecha
las últimas tendencias!
Palomo Spain: Elegancia y
Vanguardia
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consolidado como un referente en
la moda vanguardista. Esta
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Sneakerheads
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siendo las favoritas entre los
amantes de las zapatillas. Su
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