Billboard AR Febrero 2025

COSQUÍN ROCK 2025 TIAGO PZK LOS AUTÉNTICOS DECADENTES
ISSN 2344-9276 · Año 11 · Nº 136
Febrero 2025 · Argentina: $5000
Recargo interior: $75
Las Pelotas

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING
SALE S DATA
AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES
CO MPIL ED B Y
FOTO: ZELAYA PRODUCCIONES/ GRACEMUSIC
La T y La M y Malandro
de América, siete
semanas en la cima
Lali y Miranda! consiguieron el Hot Shot Debut
con “Mejor Que Vos”.
L
a T y La M y Malandro
de América mantienen la
cima del chart con “Amor
De Vago” por séptima semana
consecutiva. Mientras, el único
cambio en el Top 10 de la semana está
protagonizado por Bad Bunny, Dei. V
y Omar Courtz con el éxito “VelDA”,
que escaló tres posiciones y llegó al
top por primera vez.
Lali y Miranda! se quedaron con el
Hot Shot Debut de la Semana gracias a
“Mejor Que Vos”, que llega al chart en
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
la posición No. 26. Esta es la segunda
canción que logra debutar en el chart
luego de “Yo Te Diré” a mediados de
2024. Lady Gaga con “Abracadabra” en
el número No. 40 y La T y La M y Lauty
Gram con “Somos o no somos?” en
el puesto No. 98 son los otros debuts
de la semana del 15 de febrero.
El Greatest Gainer Award fue para
Airbag, con su éxito de 2013 “Por
Mil Noches” escalaron 21 posiciones,
del No. 85 hasta el No. 64 para
llegar a su mejor posición este año.
Semana
pasada
1
3
2
5
6
4
8
7
11
9
Esta
semana
2
3
4
5
6
7
8
9
10
Título
#1 por 8 SEMANAS
1
Amor De Vago
BAILE INoLVIDABLE
Parte & Choke
Si Antes Te
Hubiera Conocido
DtMF
Luck Ra: Bzrp
Music Sessions, Vol. 61
VOY A LLeVARTE PA PR
Olvidarte
En Otra Vida
WELTiTA
Artista
LA T Y LA M ft MALANDRO DE AMERICA
Bad Bunny
Jombriel, Alex Krack, Jøtta
Karol G
Bad Bunny
Bizarrap, Luck Ra
Bad Bunny
Gordo Feat. Emilia
Yami Safdie, Lasso
Bad Bunny, Chuwi
-VARIACIÓN
↑
↓
↑
↑
↓
↑
↓
↑
↓
FEBRERO 2024 BILLBOARD.AR 3

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 23 DE FEBRERO
Semana
pasada
37
22
19
26
23
Esta
semana
21
22
23
24
25
Título
Capaz
Luna
Sinverguenza
Mejor Que Vos
Que Pasaria...
Artista
Alleh & Yorghaki
Feid, Atl Jacob
Emanero
Lali & Miranda!
Rauw Alejandro
VARIACIÓN
↑
-
↓
↑
↓
CRÉDITO: GRAND MOVE RECORDS / WARNER MUSIC LATINA
24
26
Si Un Día Estás Sola |
CROSSOVER #7
Emanero, Valentino Merlo
Big One
↓
25
27
Khe?
Rauw Alejandro
↓
27
28
Hola Perdida
Luck Ra
↓
29
29
APT
Rose & Bruno Mars
-
28
30
noviogangsta
Emilia
↓
34
31
Que Me Falte Todo
Luck Ra & Abel Pintos
↑
35
32
KLOuFRENS
Bad Bunny
↑
17
ALEGRÍA
TIAGO PZK,
ANITTA, EMILIA
Semana
pasada
10
16
13
12
14
15
17
Esta
semana
11
12
13
14
15
16
17
Título
VelDA
A200
Perdonarte ¿Para Qué?
NUEVAYoL
Soltera
Hoy
Alegría
Artista
BAD BUNNY ft.
Dei V, Omar Courtz
KING SAVAGGE,
JAIRO VERA & BAYRON FIRE
Los Ángeles Azules, Emilia
Bad Bunny
Shakira
Valentino Merlo x The La Planta
Tiago Pzk, Anitta, Emilia
VARIACIÓN
↓
↑
-
↓
↓
↓
-
30
31
33
44
41
32
38
39
46
56
40
36
55
52
50
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
Pa’ Que Te Acuerdes |
CROSSOVER #8
EoO
Cuando Te Vi
Crossover #5
A Las Nueve
Doctor
Degenere
Cuidado Que
Te Supero
Mil Preguntas
Qué Vas A Hacer Hoy
LO QUE ME CAUSA
Abracadabra
Cruz
Si Las Gatas
Se Amotinan
Una Foto Remix
Nueva Era
Tiago PZK, La Joaqui, Big One
Bad Bunny
Big One, Maria Becerra, Trueno
No Te Va Gustar
Luck Ra, Nicki Nicole
Myke Towers, Benny Blanco
Q' Lokura
Q' Lokura, Luck Ra
Omar Courtz x De la Rose
MILO J, TINI
Lady Gaga
Trueno & Feid
Peipper, Doble p, Locura mix
Mesita, Nicki Nicole,
Emilia y Tiago PZK
DUKI, Myke Towers
↓
↓
↓
↑
↑
↓
↓
↓
↑
↑
↓
↓
↑
↑
↑
TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING
AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES
18
18
Die With A Smile
Lady Gaga & Bruno Mars
-
64
48
Por Mil Noches
Airbag
↑
20
19
Ojos Verdes
Nicki Nicole
↑
58
49
Imagínate
Danny Ocean, Kapo
↑
21
20
El Cielo
Tini
↑
57
50
Loquita Remix
Ecko, Los Turros, Doblep
↑
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
4
BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 23 DE FEBRERO
Semana
pasada
47
53
Esta
semana
51
52
Título
Un Besito Más
Princesa
Artista
Salastkbron, Diel Paris
Paulo Londra, Luck Ra,
Valentino Merlo
VARIACIÓN
↓
↑
NEW
OLIMPO
MILO J
80
FOTO: DALE PLAY RECORDS
54
53
Deportivo
Blessd, Anuel AA
↑
43
54
Despójate Vol.2
Hernan y La Champions Liga
x BM x Callejero Fino
↓
42
55
EL CLúB
Bad Bunny
↓
51
56
Colocartelo
RENZO ED x ELAGGUME
↓
45
57
Pasos Al Costado
TURF & MILO J
↓
67
58
Not Like Us
Kendrick Lamar
↑
67
59
En La Cara
Q' Lokura, Olivia Wald
↑
65
60
BIRDS OF A FEATHER
Billie Eilish
↑
Semana
pasada
Esta
semana
Título
Artista
VARIACIÓN
77
61
Como Eran las Cosas
Babasonicos
↑
74
81
Ese Maldito Momento
No Te Va Gustar
↓
49
62
Conmigo Le Gustó
Pinky Sd, Un Poco De Ruido,
Uriel Lozano
↓
81
82
El Amor De Mi Vida
Los Ángeles Azules y
Maria Becerra
↓
62
61
63
72
48
59
60
86
91
76
82
70
85
66
78
63
64
65
66
67
68
69
70
71
72
73
74
75
76
77
Iman (Two Of Us)
Ya No Vuelvas
Espresso
No Podrás
Tiktok Remix
Angelito
Un Montón De Estrellas
Pobre Corazón
Un Siglo Sin Ti
WYA REMIX
BLACK AND YELLOW
Beautiful Things
Mirame
Resentia
PERFuMITO NUEVO
Cosa Linda
Maria Becerra
Luck Ra, La K'Onga, Ke Personajes
Sabrina Carpenter
Eugenia Quevedo | Angela Leiva |
La Banda De Carlitos
Ian Lucas, Fede Vigevani
La Joaqui, Gusty DJ
Bad Gyal, Trueno
La T Y La M
Ke Personajes ft. Onda Sabanera
Luck Ra & Chayanne
J Abdiel, Anuel AA,
Blessd, Izaak, Pirlo
Benson Boone
Ovy On The Drums, Blessd
Pablo Chill-E
BAD BUNNY ft. RaiNao
Lucky Brown
↓
↓
↓
↑
↓
↓
↓
↑
↑
↑
↑
↓
↑
↓
↑
80
79
69
83
87
90
92
96
83
84
85
86
87
88
89
90
91
92
93
94
95
96
97
Tan Lejos
La Morocha
TURiSTA
El Doctorado
Dolce
Querida Yo
Atorrante
Si O No
Fanático
Tu Foto
Uff Baby
Si No Es Contigo
Magia Blanca
Si Esta Casa Hablara
Ojala
No Te Va Gustar
Luck Ra & Bm
Bad Bunny
La T Y La M
Cazzu
Yami Safdie, Camilo
Emanero, Ulises Bueno,
Migrantes, Los Palmeras
Lauty Gram, DobleP, El Turko
Lali
Q' Lokura, Valentino Merlo
K4OS
Cris Mj
TURF & CONOCIENDO RUSIA
La Planta, Pablito Hc, Pushi
MILO J, BHAVI
NEW
↓
RE
↓
↓
↓
↓
NEW
↓
-
NEW
↑
NEW
RE
NEW
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88
78
Flaca
Andrés Calamaro
↑
94
98
Carita Triste
Ana Mena, Emilia
↓
71
79
Real Gangsta Love
Trueno
↓
99
99
Agora
Maria Becerra
-
80
Olimpo
Milo J
NEW
100
Retirada
Milo J
NEW
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6
BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

R
REDES
PRESIDENTE
Jorge R. Arias
DIRECTOR COMERCIAL Y NUEVOS NEGOCIOS
Juan Pedro Dondo
DIRECTORA DE LEGALES Y ADMINISTRACIÓN
Analía Arias
STAFF EJECUTIVO
Florencia Mauro - Contenido Editorial
Agustín Contepomi - Contenido Audiovisual
Marcela Dermgerd - Departamento Contable
CONTENIDO EDITORIAL Y DIGITAL
Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato
Gustavo Serna / Julián Mastrángelo
COMERCIALIZACIÓN Y NUEVOS NEGOCIOS
Tomás Del Valle
DISEÑO Y FOTOGRAFÍA
Matias Delacroix / Sofía Graña
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Administración: administracion@billboard.ar
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Billboard Argentina es una licencia de
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Jay Penske
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& PARTNERSHIP OPERATIONS
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EDITORIAL DIRECTOR
Hannah Karp
SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT
Silvio Pietroluongo
CREATIVE DIRECTOR
Alexis Cook
CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL
Leila Cobo
INTERNATIONAL EDITOR
Alexei Barrionuevo
DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL
Sigal Ratner Arias
Billboard Argentina 2024. Prohibida la reproducción total o parcial de los artículos
sin la previa autorización del director. El material periodístico es de absoluta
responsabilidad de sus autores. RNPI: 5349798
8
BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

Contenidos
CHARTS
3 La T y La M y Malandro de América, siete semanas
en la cima del Billboard Argentina Hot 100.
INTRO
13 Fiesta Nacional de la Confluencia 2025.
ENTREVISTAS Y PERFILES
16 Elena Rose
18 Tate Mcrae
20 Julieta Venegas
22 Mujeres en la Industria: Mariela Castiglioni
24 Síndrome de Peter
28 Hilda Lizarazu
30 Las Pelotas
36 Bacilos
40 Two Feet
42 Tiago IORC
44 Bud Bunny
48 Denise Romano
51 Sting
52 Alleh y Yorghaki
54 Asier
58 Los Auténticos Decadentes
60 Marina Reche
68 Natti Natasha
72 Vanesa Martin
74 Tiago PZK
80 Joaquín Levinton
76 Shows
82 Emergentes
ESPECIALES
14 Pepsi Music y un regreso inolvidable.
26 Rawayana, Carín León y Shakira,
entre los ganadores latinos del Grammy®
38 Tomás Talarico, nuevo Managing
Director de Warner Music Cono Sur.
50 Florian protagonizó la última edición
de Billboard en Alto.
56 75 años de Luis Alberto Spinetta.
62 CES 2025: las últimas novedades en
música y tecnología.
64 Cosquín, 25 años a puro rock.
70 Premio Lo Nuestro 2025: grandes ganadores.
78 Buena Vibra, el festival en donde la música
atraviesa barreras.
-
EN LA TAPA
Las Pelotas por Tute Delacroix
-

FOTO: VICKY ROA COMUNICACIONES
intro
Fiesta Nacional de la
Confluencia 2025
Se llevó cabo en la Isla 132 de Neuquén una
celebración con identidad patagónica que reunió
música, cultura y comunidad.
E
ntre el 6 y el 9 de febrero,
la Fiesta Nacional
de la Confluencia celebró
su 12° edición con una
cifra histórica de asistencia. Más de
1.400.000 personas se reunieron en
la Isla 132, en Neuquén, para disfrutar
de una completa propuesta
musical que incluyó desde folklore
hasta géneros urbanos. La fiesta se
posicionó como el evento más esperado
del año en la región y reafirmó
su importancia dentro del calendario
cultural del país.
La programación del festival contó
con una destacada presencia de
artistas nacionales e internacionales,
POR BILLBOARD CONTENIDOS
entre los que se incluyeron figuras
de renombre como Juanes, Soledad,
María Becerra, Los Palmeras, Los Auténticos
Decadentes, La Vela Puerca
y Tiago PZK, entre otros. Durante los
cuatro días de conciertos, los asistentes
pudieron disfrutar de una diversidad
de estilos musicales que reflejan
la riqueza cultural del país.
El último día del evento fue una
jornada especial, iniciada por el
quinteto de pop rock argentino Un
Verano. La banda, reconocida como
una de las revelaciones de la música
nacional, interpretó temas de su álbum
homónimo e incluso sorprendió
a la audiencia con una versión de
“Costumbres argentinas”, el clásico
de Los Abuelos de la Nada. Posteriormente,
Natalie Pérez cautivó al
público con su voz cálida y su carisma,
mientras que The La Planta,
banda de cumbia uruguaya, aportó
su energía al cierre de la tarde.
El show más esperado de la jornada
fue el de María Becerra. La cantante,
una de las máximas exponentes
de la música urbana argentina,
llevó al público a una experiencia vibrante.
Entre los temas más coreados
estuvieron “Corazón vacío”, “Ojalá” y
“Tattoo”, un tema viralizado recientemente
en redes sociales.
La jornada inaugural, el jueves
6, tuvo como protagonistas a Juan
Fuentes, Soledad y Juanes. El folklorista
Fuentes recorrió sus temas
más clásicos, mientras que Soledad
brindó un show lleno de energía y
emoción, donde interpretó temas
icónicos de su carrera como “A Don
Ata” y “El tren del cielo”. El colombiano
también hizo lo suyo, deleitando
a los asistentes con los éxitos
que lo posicionaron como uno de
los artistas latinos más importantes.
En un momento muy emotivo,
bajó del escenario para cantar junto
a sus seguidores. Los Palmeras y Ke
Personajes cerraron la primera jornada,
llenando de música y baile la
Isla 132.
La segunda jornada fue igual de
variada. Angela Leiva, una de las
voces más representativas de la cumbia,
abrió la noche con su repertorio
característico y algunos adelantos de
su nuevo material. Valentino Merlo,
joven cuartetero, siguió con un
show que emocionó a la audiencia.
La energía del rock nacional se sintió
con Turf, que repasó sus grandes
éxitos mientras Joaquín Levinton
interactuaba con el público. El cierre
estuvo a cargo de Tiago PZK, quien
con su freestyle y la colaboración de
su hermana Ambar, logró una de las
ovaciones más ruidosas del festival.
El tercer día el público disfrutó
de la presencia de Indios, Guasones,
Las Pelotas, La Vela Puerca y Los
Auténticos Decadentes. Cada banda
aportó su estilo único y logró conectar
con los asistentes, que corearon
los clásicos de cada una de ellas. “Los
Decadentes” fueron los encargados
de poner el cierre a esta jornada, con
un show cargado de fiesta, sorpresas
y un cover de “Costumbres Argentinas”,
que recordó a todos el legado
de la música nacional.
La Fiesta Nacional de la Confluencia
se caracteriza por su capacidad
de promover y dar espacio a artistas
locales. Durante cada jornada, los
ganadores del certamen Pre Confluencia
tuvieron la oportunidad de
abrir los shows y mostrar su música
a un público numeroso, contribuyendo
al crecimiento de la escena
musical regional.
El evento, producido por Fenix
Entertainment, no solo es un escaparate
de música, sino también un
punto de encuentro para la comunidad.
A través de su propuesta, la
fiesta busca promover la identidad
de Neuquén y contribuir a la cultura
local, consolidándose como un referente
no solo de la Patagonia, sino de
todo el país.
El festival se llevó a cabo en la Isla
132, un espacio natural de más de 8
hectáreas situado a orillas del río Limay.
Esta ubicación, además de ofrecer
un entorno único, permitió que
los asistentes vivieran una experiencia
integral en contacto con la naturaleza
mientras disfrutaban de un
cartel de artistas de primer nivel. De
esta manera, la Fiesta Nacional de la
Confluencia cerró su 12° edición dejando
un balance positivo y expectativas
para futuras ediciones que, sin
duda, seguirán marcando el ritmo de
la música argentina.
FEBRERO 2025 BILLBOARD.AR 13

Pepsi Music
y un regreso
inolvidable
Indios, Silvestre y la Naranja,
Ale Kurz y el Zorrito Von
Quintiero fueron los
protagonistas de las distintas
presentaciones.
POR GABRIEL SOTELO
E
l 2025 llegó con una
gran noticia para la industria
musical y del entretenimiento
por el retorno del
Pepsi Music en formato tour y con
varias fechas que terminó con la presentación
del Zorrito Von Quintiero y
Javier Zucker en el stand de Pepsi ubicado
en el Cosquín Rock.
La primera parada fue en Pinamar
en donde, de la mano de Indios como
show principal, un colectivo ploteado
de Pepsi le dio inicio a la fecha uno de
este Pepsi Music Tour.
La fecha dos llegó el jueves 30 de enero
en el parador Luna Roja de Chapadmalal.
Con la conducción de Agustín Contepomi,
cientos de personas disfrutaron del
atardecer mientras sobre el colectivo de
Pepsi tocaba Silvestre y la Naranja.
Las bandas lideradas por Joaquín
Vitola (Indios) y por Justo Fernández
Madero (Silvestre) brindaron dos shows
gratuitos desde lo alto del colectivo en
donde luego tuvieron una charla íntima
con Billboard Argentina.
La tercera parada de este retorno fue
en la previa del Cosquín Rock. En Villa
Carlos Paz, en Bravo Café, el viernes
previo al festival más federal del país, el
colectivo de Pepsi brilló con el show de
Ale Kurz, el excantante de El Bordo.
Además, el Pepsi Music Tour tuvo su
llegada al Cosquín Rock con la presencia
del DJ Javier Zucker y El Zorrito,
quienes se juntaron para reversionar los
clásicos más épicos de la escena musical
argentina en lo que fue por ahora, el
último y gran destino del Pepsi Music
Tour de este verano.
“Pepsi Music acompañó al Cosquín
Rock en múltiples ediciones. Después
de 10 años de enfocarnos en construir
otros pilares de la marca, volvimos a la
música y recuperamos el protagonismo
dentro de uno de los festivales de música
más grandes del país”, nos cuenta
Nicole Freideles, Marketing Brand Manager
de Pepsi (PepsiCo).
El espacio exclusivo de Pepsi Music
estuvo frente al Escenario Montaña y
tuvo activaciones relacionadas con entretenimiento
y música en vivo. Desde
la tarde hasta entrada la noche fue una
experiencia increíble en donde el DJ Set
hacía vibrar el stand de Pepsi enmarcado
entre los shows de los otros escenarios
del mítico festival.
Este regreso del Pepsi Music pisó
fuerte en la agenda cultural nacional
porque fue uno de los festivales de
música más importantes de los últimos
tiempos con su última edición
en el 2015. Algunas de las bandas
que logró convocar a lo largo de ocho
ediciones fueron Megadeth, los Toten
Hosen, Black Eyed Peas, Luis Alberto
Spinetta, Babasónicos, Gustavo Cerati,
entre otros.
FOTO: MUERDE
14
BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

ELENA ROSE
en Buenos Aires
La artista venezolana forma parte del line up del
Lollapalooza Argentina 2025.
POR BILLBOARD CONTENIDOS
La reconocida cantautora venezolana y diez veces nominada
al Grammy® y Latin Grammy® es una de las voces más influyentes
en la música latina actual. Con un gran talento para la
composición, ha creado éxitos para artistas como Daddy Yankee, Rauw
Alejandro, Becky G, Selena Gomez, Jennifer Lopez y Christina Aguilera,
entre muchos otros.
Desde su debut como solista en 2020, ha conquistado a más de 9.5 millones
de oyentes mensuales en Spotify y ha colaborado con artistas como Sebastián
Yatra, Mora, Danny Ocean y Young Miko. Su voz, letras conmovedoras y carisma
en el escenario la han llevado a compartir tarima con leyendas como Alejandro
Sanz y Karol G. En 2024, Elena Rose ha dejado su huella en prestigiosos
festivales como Bésame Mucho, Pa'l Norte en Monterrey, Tecate Emblema en
CDMX, Sueños en Chicago y el Baja Beach Fest en Tijuana.
Su tema "Caracas en el 2000", junto a Danny Ocean y Jerry Di, no solo se
posicionó en las listas de viralidad en 19 países y alcanzó el #1 en la radio
de Venezuela, sino que también se ha convertido en un himno para los venezolanos.
Como si fuera poco, “Orion”, su colaboración con Boza entró al
Top 200 Global de Spotify y el videoclip en el Top 100 Global YouTube.
El año pasado lanzó "EN LAS NUBES (CON MIS PANAS)" una pieza
musical y documental que ilustra la perspectiva completa del universo musical
que Elena Rose ha creado para presentarse al mundo. A lo largo de
siete capítulos, el proyecto se adentra en la psique de Elena, su crecimiento
como persona y artista, así como en el proceso de composición y producción
de siete canciones, entre las cuales hay cinco colaboraciones con artistas
de alto impacto como Greeicy, Álvaro Díaz, Neutro Shorty, entre otros.
Es un mensaje de amor infinito, utilizando herramientas de inteligencia
emocional, una carta de amor de Elena a sus oyentes.
Asimismo, otro lanzamiento destacado de fines de año fue “Pa Que Volviste?”
junto a María Becerra. El mismo fue presentado de forma especial y exclusiva
durante la premiación de los Latin Grammy® en Miami. Como si fuera
poco, Elena comenzó el 2025 con su primera colaboración junto a Morat, “Un
Beso Menos”. Esta colaboración entre Elena Rose y Morat es verdaderamente
única, ya que ambos han sido aclamados por su habilidad al crear letras de
amor que llegan al corazón. Juntos, logran una fusión perfecta que refleja la
magia de sus estilos distintivos, con una química musical inconfundible.
FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC
16
BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

> TATE MCRAE <
Su tercer álbum se llama
So Close To What
La artista cuenta que el disco representa los momentos insuperables de la vida, “donde
el camino por delante a veces puede parecer interminable y el destino inexistente”
L
a sensación pop multiplatino
presentó su nuevo trabajo, una exploración
introspectiva del autodescubrimiento,
el amor y la nostalgia.
El álbum y sus canciones navegan por las emociones
crudas de sanar un viejo corazón y las
vacilaciones que vienen con volver a enamorarse,
las hermosas y a veces duras realidades de lo
que significa ser una mujer y abrazar una nueva
confianza. Envuelto en una producción pop
y un lirismo sin filtros, So Close To What está
escrito y producido con los creadores de éxitos
Ryan Tedder, Grant Boutin, Amy Allen y Julia
Michaels, entre otros.
POR BILLBOARD CONTENIDOS
El álbum presenta "Sports car", que explotó
en las redes sociales con más de 1 millón de
creaciones en TikTok y actualmente se encuentra
en el top 15 en US Pop Radio. También
incluye la irresistible "It's ok I'm ok", que alcanzó
el No.1 en la lista Hot Dance/Pop Songs
de Billboard y le valió a la estrella su canción
de debut más alta de su carrera en el Billboard
Hot 100.
Asimismo, Tate compartió el video musical
oficial de su nueva canción "Revolving door",
dirigida por Aerin Moreno (Tyla, Tinashe) y
coreografiada por Robbie Blue (Charli XCX,
Doechii). La imagen muestra a Tate atrapada
en este espacio liminal, bailando continuamente
y sin poder salir por ninguna puerta. Ilustra
su relación con la puerta giratoria de su vida y
su carrera cuando el destino parece indefinido.
Por otra parte, Tate se embarca en su gira
mundial “Miss Possessive Tour” que abarca 80
fechas en América del Sur, Europa, Reino Unido
y América del Norte. Producida por Live Nation,
la gira comienza el 18 de marzo con una serie de
espectáculos principales y actuaciones en festivales
en México, Argentina, Chile, Colombia y
Brasil antes de dirigirse a Europa en mayo. Actuará
en Portugal, España, Irlanda, Francia y más
antes de concluir la etapa de Europa y el Reino
Unido con nuevos espectáculos en Nottingham,
Londres y Manchester este junio. La serie de
nuevas fechas en América del Norte comenzará
el viernes 3 de octubre en Seattle, WA en el Climate
Pledge Arena e incluirá paradas en nuevas
ciudades como Salt Lake City, Houston, Omaha,
Raleigh, Palm Springs y más. Tate también volverá
a visitar ciudades con entradas agotadas de
principios de la gira por América del Norte, con
segundos y terceros espectáculos agregados en
ciudades como Chicago, Boston, Detroit, Nueva
York y Los Ángeles.
FOTO: GENTILLEZA SONY MUSIC
18
BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

L
a patagonia es un destino que
pone en jaque a la imaginación. Es el
tipo de lugar que hace dudar si lo que se
ve es real o una postal. Bariloche, con su
geografía de montañas y lagos, tiene un encanto
propio que no necesita refuerzo. Pero cuando
pensábamos que la ciudad no podía ser más hermosa,
Camping Bariloche trajo un nuevo sonido
a su naturaleza, con una serie de conciertos que
fusionan arte, comunidad y música. Todo empezó
con la inauguración de Julieta Venegas.
El acceso al Cirse Club de Lago marcó el tono
> JULIETA VENEGAS <
La Patagonia se llena de música
de la mano de Julieta Venegas
Camping Bariloche presentó su ciclo de conciertos en el sur
POR ANTONELLA LOPREATO
de la jornada. La caminata por senderos rodeados
de vegetación ya ofrecía un anticipo del espíritu
del festival. En el trayecto, los aromas de
la propuesta gastronómica flotaban en el aire, y
la mezcla de risas y conversaciones despreocupadas
hacían evidente que acá no solo se venía
a ver artistas: se venía a compartir. Familias, parejas
y grupos de amigos armaban sus campamentos
improvisados con mantas y reposeras,
creando un ambiente representativo de lo que
estaba por venir.
Y entonces, la música comenzó. La primera en
tomar el escenario fue Loli Molina. Sola con su guitarra,
su voz fue suficiente para capturar la atención
de todos. El cambio de atmósfera llegó con Chechi
De Marcos y su banda. Con su carisma y frescura,
logró elevar la temperatura del evento, invitando a
moverse sin prisas, pero sin pausas.
EL GRAN CIERRE
Cuando el sol se escondió detrás de las montañas
y las primeras luces del escenario iluminaron
el predio, el ambiente cambió de nuevo. El sonido
del acordeón marcó el inicio del último acto de
la jornada: Venegas apareció en escena. Desde el
primer acorde, el público se entregó por completo.
Con la voz impecable que la caracteriza, recorrió
su discografía en un set que fue una mezcla de
nostalgia y renovación. “Eres para mí” transformó
el lugar en un coro multitudinario y, entre canción
y canción, la artista no dejó de agradecer la oportunidad
de tocar en un escenario tan especial.
La cita con la música en la Patagonia llegó para
quedarse. El Festival Camping Bariloche nos dejó
claro que este es solo el comienzo de una serie de
shows que continuarán creciendo y ampliando la
oferta cultural de la ciudad en el próximo año.
FOTO: NICOLÁS BERTOLDO
20
BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

ESCANEA AQUÍ

+
MUJERES EN LA MÚSICA
MARIELA
CASTIGLIONI

FOTO: TUTE DELACROIX
Pasión, organización y
desafíos constantes
La gerente de marketing cumple 30 años en la industria de la música
de la mano de Warner Music Argentina.
POR FLORENCIA MAURO
ruzarse con Mariela
Castiglioni en el
C
ámbito de la industria
de la música, es una
permanente invitación a vivir nuevas
experiencias cuidadas en cada
detalle, basta solo con pensar en alguna
de las vivencias 2024 para dar
fe de eso. ¿El caso más reciente?
La presentación del último álbum
Moon Music de Coldplay, donde
junto al equipo de Warner Music
Argentina, organizaron una experiencia
inmersiva emplazada en el
Valle de La Luna de la provincia de
San Juan.
Mariela es la mayor de tres hermanas
mujeres, nació y creció en el
barrio porteño de Villa del Parque
y desde chica estaba fascinada con
el mundo del entretenimiento: el
cine, la radio, el teatro y la televisión
fueron determinantes a la hora de
elegir a qué se iba a dedicar y cuando
terminó el colegio secundario estudió
y se graduó
como Licenciada
en Publicidad en la
UCES. Para ella, la
música es una parte
fundamental de
su pasión ya que es
el conjunto de las
condiciones artísticas
que presentaba
ese mundo que
tanto amaba.
A sus 19 años
obtuvo su primer
empleo, gracias a la bolsa de trabajo
que le brindaba su casa de estudios
universitarios, en una empresa de
computación industrial, siendo ese
su primer acercamiento al mundo
corporativo y el marketing. Tiempo
más tarde tras comenzar una nueva
búsqueda laboral, fue entrevistada
por una consultora quedando seleccionada
como asistente de marketing
en Warner Music siendo este el
primer paso de un recorrido que ya
lleva 30 años y distintos puestos de
trabajo hasta llegar al que ocupa hoy
como Gerente de Marketing.
¿Cómo fue el camino laboral
dentro de Warner Music hasta
tu puesto actual?
En el año 1994 comencé a trabajar
en la compañía como Asistente de
Marketing colaborando en diversas
tareas dentro del área. Más adelante,
me incorporé al Departamento
de Promoción para trabajar en la
comunicación de los artistas con
los medios. Posteriormente, fui
promovida a Coordinadora de
Marketing, donde tenía la responsabilidad
de coordinar a los Jefes
de Producto (Label Managers).
Luego pasé a ocupar el puesto de
Label Manager de artistas latinos
y nacionales. Años después, cuando
Julieta Lanzo fue nombrada
Directora de Marketing y Digital,
me asignaron el puesto que ocupo
actualmente como Gerente de
Marketing, con la responsabilidad
de liderar a los Jefes de Producto y
el Departamento de Promoción.
¿Cómo es tu labor diaria?
Mi tarea diaria consiste en trabajar
estrechamente con los jefes de
“ CUANTO MÁS GRANDES
SON LOS DESAFÍOS, MÁS ME
producto para definir las estrategias
de marketing de cada uno de
nuestros artistas, siempre buscando
la idea más creativa, innovadora y
efectiva, que impulse el consumo y
fortalezca la imagen de los artistas.
Nos enfocamos no solo en trabajar
canción por canción, sino en crear
un plan a largo plazo que permita
al artista posicionar su imagen en el
país, reforzando su identidad.
Trabajo en equipo con los jefes de
producto, jóvenes profesionales que
no dejan de sorprenderme con cada
una de sus ideas y propuestas, veo
en ellos mucho de mí en mis inicios
y me entusiasma ver el potencial de
toda esta nueva generación. Con
ellos desarrollamos estos planes, siguiendo
una guía y dirección claras.
Además, colaboramos con el Departamento
de Promoción, que se
encarga de gestionar las relaciones
diarias con los medios de comunicación,
cerrar entrevistas y delinear
el camino de la promoción e imagen
de cada artista frente a los medios.
Habiendo tenido experiencia
en varias áreas de la compañía.
¿Qué enseñanzas destacarías?
Tengo mucho que agradecer a cada
uno de mis mentores a lo largo de
las diferentes etapas que he vivido
en la compañía. Cuando era muy
joven y comencé en este mundo,
uno de los que más me enseñó sobre
promoción fue el Negro Lombardo.
Estoy profundamente agradecida
con él, ya que me enseñó muchas
lecciones sobre cómo manejar las
relaciones personales, que siempre
fue uno de sus puntos fuertes.
También agradezco mucho la
oportunidad que me dio Diego
Villanueva, quien en ese momento
era Director de Marketing. El
pasar a ser Jefe de Producto fue
todo un desafío para mí. Me encantan
los desafíos, cuanto más
alta es la vara que me ponen, más
me motiva alcanzarla. Esta actitud
me define, porque siempre busco
superarme y enfrentar nuevos retos.
Además, me
siento muy agradecida
con Guillermo
Castelani,
quien fue nuestro
Presidente hasta
hace poco. Él
nos inspiró una
forma de trabajo
muy familiar,
donde todos nos
sentimos compañeros
y parte de
una gran familia.
Ese concepto de
unidad lo cultivó él.
Y, por supuesto, estoy agradecida
con Julieta Lanzo, porque esta gerencia
es el resultado de su liderazgo,
y ella también ha sido una gran
fuente de enseñanza. Han sido muchas
las personas que me han dejado
lecciones importantes en diferentes
etapas, y si bien no puedo nombrarlas
a todas, cada una de ellas ha sido
clave en mi crecimiento.
Teniendo en cuenta el mundo
de las experiencias hay algo
que es tu fuerte que son los
eventos…
Exactamente, quiero destacar
que, más que simplemente hacer
eventos, lo que realmente buscamos
es crear experiencias. Ese ha
sido nuestro enfoque principal:
transformar un evento tradicional
de un lanzamiento clásico a
una experiencia única, donde los
participantes puedan disfrutar
cada momento. La propuesta que
ofrecemos busca ser trascendente,
memorable y efectiva atravesando
no solo la comunicación en medios
sino generando un impacto en el
público y los fans.
Busco siempre que lo que haga
tenga un impacto positivo en los demás.
A lo largo de los años, hemos
creado experiencias memorables,
como Paraíso Express de Alejandro
Sanz o el más reciente, el evento
de Coldplay en el Valle de la Luna.
Cada uno de estos proyectos requiere
una planificación detallada en
términos de organización, logística,
ideas y ejecución. Ver los resultados
cuando todo sale bien es increíblemente
satisfactorio.
Además, dentro de la compañía,
lo hacemos todo desde casa. Somos
expertos y contamos con una mecánica
de trabajo muy definida, en
la que cada miembro del equipo da
lo mejor de sí para sacar adelante
cualquier proyecto. Siempre priorizamos
la idea original, la experiencia
inmersiva y el acercamiento a
distintos públicos, desde los super
fans hasta los medios de comunicación.
Hoy en día, puedo decir que
crear experiencias de este tipo se
ha convertido en una de mis especialidades,
y es algo que me identifica
dentro de la compañía.
Hablabas antes del espíritu
familiar y eso también se da
con los artistas y hacia afuera
de la empresa
Creo que siempre ha sido parte de
nuestro espíritu. La necesidad de
que el artista cuente su historia en
primera persona o inspire a otros a
conocer su arte fue lo que nos impulsó
a reforzar la idea de acercarnos
a ellos. Queremos que el artista se
sienta parte de un gran equipo, a la
vez que su voz, su idea, su mensaje
y su arte se amplifiquen para llegar
de manera más directa a todos: el
público, los fans, los medios.
Sin embargo, siempre hemos
mantenido el cuidado de escuchar
mucho lo que el artista quiere
y necesita. No nos ponemos por
encima de él. Somos una mano
ejecutora de lo que el artista desea
contar, comunicar o expresar.
Siempre hacemos sugerencias para
ayudar, pero siempre lo consideramos
la pieza fundamental de todo
este proceso. Sin los artistas no hay
música, y sin música no hay discográfica.
GUSTA IR POR ELLOS ”
23
FEBRERO 2025 BILLBOARD.AR 23

> EL SÍNDROME DE PETER <
Cuando la
música es
juego, terapia
y un camino
al éxito
Su nombre refleja esa eterna lucha
entre el deseo de no crecer, de
no perder la esencia de la niñez,
y la necesidad de evolucionar, de
enfrentar los miedos y el amor a
través de la música.
POR ANTONELLA LOPREATO
Qué significa seguir jugando
después de tanto tiempo? ¿Cómo
se mantiene viva esa chispa que
dio vida a su música en los primeros
años y que hoy sigue siendo el motor
de su carrera? Nicolás Grosso, cantante de El
Síndrome de Peter, invita a transitar su historia,
a comprender los dilemas del crecimiento
artístico y personal, y a descubrir qué significa
para ellos el verdadero éxito.
Llevan 15 años en la industria desde
que comenzaron en 2011. ¿Cómo
fueron esos primeros años? ¿Les costó
llegar hasta donde están hoy?
Los primeros años fueron como un juego.
Hacíamos canciones porque nos gustaba, sin
pensar demasiado en lo que podíamos lograr,
sino simplemente plasmando lo que sentíamos
en ese momento. Con el tiempo, las ganas de
crecer fueron apareciendo y empezamos a
buscar lugares más grandes, conectando con
un público que se iba sumando a nuestro arte.
Al principio, no fue tan difícil, pero luego el
camino se fue afinando y hubo que definir
por dónde avanzar, desde las líricas hasta la
composición y el armado de la música. Ha sido
un desafío hermoso y, sobre todo, un camino
que elijo recorrer todos los días.
¿De dónde surgió el nombre de la banda
y qué significado tiene para ustedes?
El nombre surgió en una sesión de la poética
cuando a uno de los chicos le dijeron que tenía
"el síndrome de Peter". Un día vino y dijo:
"Che, me dijeron esto. Está bueno el nombre".
Nos gustó a todos, sonaba bien.
Al principio me costó entenderlo, pero después
le encontré el sentido. El Síndrome de
Peter Pan dice que no queremos crecer, pero
yo creo que en la vida no hay que dejar de jugar.
Aprendemos y nos desarrollamos jugando.
Obviamente, con responsabilidad, sabiendo
que podemos hacerle daño o bien a otros. Pero
la idea es seguir jugando y hacerlo bien.
En la historia del rock vimos muchas
bandas separarse por conflictos internos
o diferencias artísticas. ¿Qué es lo que los
une a ustedes después de tantos años?
Ha habido muchas transformaciones. Se han
ido muchos integrantes, pero lo que mantiene
unido a un grupo son los ideales, hacia dónde
vas y lo que te pasa en la vida. A veces alguien
en la banda no está pensando en la música,
sino en sus problemas personales.
Para mí, la música siempre fue un juego y
una terapia. Me ponía con la guitarra, pasaba
una hora y me sentía mejor. Lo que nos mantiene
es sentir que lo que hacemos nos hace
bien, que hay un mundo por descubrir y una
ilusión por conquistar. Siempre hay una "zanahoria"
por ir a buscar, algo que nos motiva
a seguir adelante, más allá de los cambios y
transformaciones del camino.
¿Qué significa el éxito para ustedes?
Me parece que el éxito es estar bien, mente
y corazón. Estar contento, estar feliz. Obviamente,
es un horizonte que se va corriendo a
medida que das un paso. Pero es parte de decir:
“Bueno, ahora, ¿qué vamos a conquistar?”.
Es tener un deseo, algo para seguir adelante y
cuidar a los nuestros, a nuestra familia. Poder
mirarnos a los ojos con las personas que queremos
y saber que no hay nada que nos afecte.
Que lo que nos interpele sea el amor, el querer
el bien para el otro.
Para mí puede ser una mamá, una pareja,
una hija, un hijo, un primo. Me parece que el
éxito está ahí. Y uno de los motivos más importantes
de la vida, que considero un éxito,
es encontrar el motivo de existir. Encontrar el
punto por el cual estás acá y decir: “Este es el
sentido de la vida, este es el vehículo a través
del cual voy a transitar”. Me parece que es uno
de los puntos más importantes, porque si encuentras
ese vehículo, te vas a subir todos los
días a recorrerlo.
FOTO: IANINA FERRARI
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BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

industria
La gran noche de los
premios Grammy ®
La mayoría de los premios se entregaron en la
tradicional Premiere, una ceremonia realizada
horas antes de la gala televisada.
SIGAL RATNER ARIAS - BILLBOARD ESPAÑOL
R
esidente, Rawayana
y Carín León fueron
galardonados el domingo
2 de febrero en la
Premiere de los premios Grammy@,
una ceremonia previa a la televisada
en la que se repartieron la mayoría
de los trofeos. Tony Succar y su madre,
la debutante Mimy Succar, también
estuvieron entre los ganadores.
“Mucho gusto chicos, somos
Rawayana de Venezuela”, dijo Beto
Montenegro, vocalista de la popular
banda de trippy-pop, al aceptar
el premio al mejor álbum latino de
rock o música alternativa por ¿Quién
Trae Las Cornetas? Luego de dar las
gracias en inglés, pidió permiso para
continuar en español con un sentido
poema en el que hizo alusión a su
país natal.
“A mis compatriotas, levantemos
nuestra cabeza con orgullo. Nuestra
música nos habla de hace rato.
Con tanto desorden en el mundo,
está difícil ponerse en nuestros zapatos”,
comenzó Beto. “Venimos de ahí,
de donde no se pronuncian las eses.
Donde se improvisa y fluye. Supa,
Apache, Neutro, Akapellah, somos
los fu–ng jefes. Pa’ las noches Simón
Díaz. Pa’ siempre Canserbero. Que no
te vendan otro caramelo”. Es el primer
Grammy para Rawayana, y le sigue a
su victoria de noviembre en los Latin
Grammys@ 2024, donde ganaron mejor
canción pop por “Feriado”.
Residente y Carín León no asistieron
al evento. El primero — que
suma seis premios Grammy y 28 Latin
Grammys en solitario y con su antiguo
dúo, Calle 13 — ganó mejor álbum de
música urbana por LAS LETRAS YA
NO IMPORTAN. El segundo obtuvo
su primer Grammy@ anglo, a mejor
álbum de música mexicana (incluyendo
tejana), por Boca Chueca, Vol. 1,
que en noviembre le mereció el Latin
Grammy@ al mejor álbum de música
mexicana contemporánea.
“Mi gente me siento muy contento
por esto que acaba de pasar”, dijo
León en un comunicado. “Gracias
de todo corazón a todos ustedes por
formar parte de este sueño, felicidades
a todos los nominados. Arriba
México, arriba Sonora y arriba la H”,
de Hermosillo.
Tony Succar y Mimy Succar ganaron
mejor álbum latino tropical por
Alma, Corazón y Salsa (Live at Gran
Teatro Nacional) y ofrecieron un
emocionante discurso, él destacando
en inglés que su madre apenas hizo
su debut porque dejó la música de
lado para dedicarse a su familia, y
ella dedicando el premio en español
a su país, Perú, y a su padre.
Más tarde, Mimy Succar compartió
otro galardón, a mejor interpretación
de música global, por su participación
en “Bemba colorá” de Sheila E., también
con Gloria Estefan. Las tres artistas
subieron al escenario. “La primera
vez que fui nominada fue hace 40
años, hoy. 1985”, dijo Sheila E. al aceptar
el trofeo. “Solo sepan que nunca es
demasiado tarde para seguir creando
y soñando”.
La Premiere de este año se transmitió
en vivo desde las 3:30 p.m.
ET/12:30 p.m. PT en el canal de
YouTube de la Academia de la Grabación@
y en el sitio web del Grammy@.
Se llevó a cabo en el Peacock
Theater en el complejo LA Live en
Los Ángeles (que también incluye el
Crypto.com Arena), y fue conducida
por Justin Tranter, nominado
al Grammy a canción del año por
coescribir “Good Luck, Babe” de
Chappell Roan.
Unas horas después, durante la
gala transmitida en vivo por CBS
desde el Crypto.com Arena en L.A.,
Shakira recibió el premio al mejor
álbum pop latino por Las Mujeres Ya
No Lloran, un galardón que recibió
de manos de Jennifer Lopez.
“Wow, esto es increíble. Muchas
gracias”, dijo la estrella colombiana al recibir su gramófono dorado, el cuarto
Grammy@ de su carrera (además de sus 15 Latin Grammys). “Quiero dedicarle
este premio a todos mis hermanos y hermanas inmigrantes en este país”, continuó.
“Ustedes son amados, son valiosos, y siempre lucharé con ustedes. Y a todas
esas mujeres que trabajan duro todos los días para proveer a sus familias, ustedes
son las verdaderas lobas, así que esto también es para ustedes. Quiero compartir
este premio con mis hijos, Milan y Sasha, que están aquí conmigo. Estoy tan
orgullosa de ustedes, de sus corazones amables. Gracias por apoyarme como lo
hacen. Los amo”.
Tras ganar tres Latin Grammys en noviembre, incluyendo como compositor
y productor del año, el creador de éxitos mexicano-estadounidense Edgar
Barrera compitió por segundo año consecutivo por el Grammy al compositor
del año, no clásico, gracias a canciones en español escritas con o para estrellas
como Ivan Cornejo, Carín León, Shakira, Karol G y Peso Pluma. El premio
esta vez fue para Amy Allen.
La lista de nominados en general incluía a otros artistas latinos, pero no en
categorías tan prominentes como compositor del año. Entre otros, el director
venezolano Gustavo Dudamel figuraba nuevamente en los apartados de música
clásica, junto con la compositora mexicana Gabriela Ortiz, y el saxofonista
y compositor puertorriqueño Miguel Zenón en los rubros de jazz.
Dudamel ganó mejor interpretación orquestal por “Ortiz: Revolución
Diamantina”, como director de la Filarmónica de Los Ángeles, y mejor
compendio clásico, junto al productor Dmitriy Lipay, por Ortiz: Revolución
Diamantina, cuya pieza homónima además se impuso como mejor
composición clásica contemporánea.
En la categoría de música infantil, Lucky Diaz and The Family Jam Band
ganaron el Grammy@ al mejor álbum de música para niños por Brillo, Brillo!
“Soy chicano mexicano de Los Ángeles y esta grabación nos representa”, dijo
con emoción el líder de la agrupación. “En este momento de gran división,
debemos unirnos. Esta ciudad está construida de sueños, de dreamers e inmigrantes.
Estoy muy orgulloso de este álbum”.
En las categorías de música latina — que abarcan pop, música urbana, rock
o música alternativa, música mexicana, y música tropical — competían superestrellas
que han sido nominadas o galardonadas en el pasado, incluidas
también Anitta, Bad Bunny, Shakira, Kali Uchis, Peso Pluma, J Balvin, Juan
Luis Guerra y Marc Anthony; y nominados primerizos entre quienes también
estaban Feid y Young Miko.
Conducido por Trevor Noah, el espectáculo de este año tuvo un sentido de
propósito adicional: recaudar fondos para apoyar los esfuerzos de alivio de los incendios
forestales en L.A. y honrar la valentía y dedicación de los socorristas.
FOTO: GETTY IMAGES/ THE RECORDING ACADEMY
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BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

HILDA LIZARAZU
pagar a ustedes - me di cuenta de que elegí un
Charly que, a mi voz y a mi espíritu, le queda
mucho mejor. Es un Charly más poético e ingenuo
en ciertos aspectos que el de las últimas dos
o tres décadas. Ese Charly con humor distorsionado
y las capas de sonido no me atrae tanto.
Prefiero el Charly más claro, más reflexivo.
Encontré esa analogía en la poética de los
temas elegidos para este disco, que tuvo una
gran repercusión y una excelente devolución
por parte de la gente. Tanto el disco como los
shows en vivo superaron mis expectativas. No
pensé que esto iba a durar tanto, pero se extendió
todo el año pasado, y voy a continuar hasta
mediados de este año.
Tributo a
Charly García
en el Cosquín
Rock 2025
La cantante se adueñó de los clásicos
que definieron la música nacional.
POR ANTONELLA LOPREATO
C
uando era una niña, Hilda
Lizarazu soñaba con formar parte
de un circo. Hoy, años después,
su vida y carrera parecen haberla llevado a
crear algo tan llamativo, colorido y divertido
como aquel mundo imaginario: su propio
"circo", como ella misma lo define. Ese espíritu
se reflejó el pasado 15 de febrero, cuando, en
la edición número 25 del Cosquín Rock, el
festival de rock más importante de Argentina,
la artista subió al escenario con su proyecto
Hilda canta Charly, un álbum tributo a Charly
García desde la mirada de quien compartió
múltiples escenarios con la leyenda a lo largo
de los años.
¿Cómo fue el proceso de selección de
los temas para Hilda canta Charly?
¿Qué te hizo conectar con esas canciones
en particular?
​Fue un proceso hermoso de elección de temaque
nos conmueven, que nos emocionaban
profundamente. Con Lito (Vitale), hubo una
ida y vuelta de escuchar casi toda la discografía
de este inmenso y vasto. En fin, nos regocijamos
con canciones increíbles y buscamos
cuál podría abordar yo con mi impronta, con
mi voz, mi interpretación y mi gusto poético
sobre las cosas que él escribió en diferentes
momentos de su vida.
Luego, haciendo un análisis - y esto siempre
me pasa con los periodistas, les tendría que
En una entrevista reciente, mencionaste
que Charly te dijo: "Hiciste un
disco tuyo con temas míos". ¿Cuál
crees que es la fórmula para lograr
algo tan personal a partir de canciones
que son tan propias de él?
Elegimos un Charly "360", abarcando toda su
carrera, desde su etapa con Sui Generis hasta
su etapa solista. De hecho, el disco culmina
con "La Máquina de Ser Feliz", que es anterior
a La Lógica del Escorpión. Cubrimos casi
todas sus formaciones, eligiendo un tema de
cada una. Fui experimentando con diferentes
canciones, tonalidades y adaptando las letras
para interpretarlas desde un lugar femenino,
como en "Soy una indecisa" en lugar de "Soy
un indeciso". Esos pequeños ajustes fueron los
que hicieron que este disco fuera, en realidad,
una interpretación de Hilda Lizarazu sobre
Charly García.
Fue un desafío para mí. Al interpretar a un
artista tan popular que ha atravesado distintas
generaciones, había canciones como "Rasguña
las piedras" que están tan arraigadas en el
ADN de todos, lo cual me inquietaba un poco.
Sin embargo, luego me permití ser yo misma.
Creí en quién soy y confié en que podía
abordar este proyecto de manera genuina, con
respeto y desde mi perspectiva femenina. También
me ayudó ver que las nuevas generaciones,
chicos de 18 años que tal vez no conocían
a Sui Generis o a Charly, escuchaban las canciones
por primera vez y las disfrutaban. No
cuestionaban por qué lo hacía, simplemente lo
disfrutaban. Eso me dio confianza.
Lito (Vitale) como productor, su hijo
Lalo como guitarrista y tu hija como
corista y guitarrista, todos forman
parte de este proyecto. ¿Cómo es la
experiencia de trabajar en familia?
Es como un clan. Somos una familia musical, y
eso nos permite compartir momentos más allá
de lo familiar con otros músicos, en el micro
de la gira. Es como tener una especie de familia
nómada musical, y eso me encanta.
Cuando era chiquita quería ser parte de un
circo, y ahora, en cierta forma, tengo mi propio
circo. No es exactamente lo mismo, pero
los músicos que disfrutamos de la gira tenemos
esa conexión. Hay quienes no disfrutan
salir de gira, pero nosotros lo amamos. Si no
te gusta girar como músico, el sufrimiento está
más cerca.
FOTO: TUTE DELACROIX
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BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

Pasado y presente de una de las bandas históricas del rock argentino.
POR AGUSTÍN CONTEPOMI Y ANTONELLA LOPREATO
FOTOGRAFIADO POR TUTE DELACROIX

“
a noche está casi cerrada en el
Aeródromo Santa María de Punilla.
En el aire se puede sentir la energía
de un público que, a pesar del cansancio,
todavía se aferra a la música
con una pasión que parece no tener
límites. Y aunque el grupo ya bajó
del escenario, "Capitán América" sigue
siendo coreada por la multitud,
como si el show todavía no hubiera
terminado. La euforia, la nostalgia y
la felicidad se sienten en cada rincón
del Escenario Sur.
En medio de este
tumulto de sentimientos,
los artistas
se cruzan en
un corredor de camarines,
donde los
saludos indican un
sentido de comunidad.
Las miradas
cómplices, las risas
compartidas y los
abrazos efusivos
cuentan relatos
que van más allá
de lo que pudimos
ver durante el espectáculo.
En este “Lado B” del predio, entre
el humo de los cigarrillos y donde el
bullicio da lugar al silencio, Gabriela
Martínez y Germán Daffunchio se reúnen
para un momento de calma tras
aquel vendaval de rock. A pesar de que
el tiempo pasó y ya no son esos jóvenes
de 1988, saben muy bien que “su
chispa” sigue intacta. La emoción que
provocan en la tribuna es la misma
que aquella que hizo enloquecer a los
fans décadas atrás. Es que la historia de
Las Pelotas es también la historia del
Cosquín Rock. Desde aquella primera
edición del festival en 2001, cuando
interpretaron 19 temas y cerraron con
"El ojo blindado" de Sumo, la banda
fue una constante en la grilla. Pasaron
25 años de esa noche, un cuarto de
siglo que los sitúa en un espacio de
privilegio dentro de la cultura nacional.
Un aniversario que le hace justicia
a la frase “es toda una vida”. Y no había
mejor manera de festejarlo que con un
show donde no hubo tiempo para el
respiro.
El domingo 16 de febrero, a las
19:10, la banda tomó el escenario principal
con un objetivo muy claro: celebrar
su asistencia perfecta al festival
con un recorrido por sus 35 años de
música. La lista de temas, extensa y variada,
comenzó con “Qué podes dar”,
siguiendo de clásico como “Víctimas
del cielo”, “Será", "Si supieras" y “Hasta
el fondo del río”. Todo bajo la dirección
de un Daffunchio que parecía no conocer
el correr del tiempo. A su lado,
Martinez reafirmó su papel como el
nervio y el corazón de la banda con su
bajo, mientras Gustavo Jove mantuvo
la solidez rítmica en la batería. Tomás
Sussmann y Gaspar Daffunchio en
guitarras, Alejandro Gómez Ferrero
LAS PELOTAS NO ES UNA BANDA QUE
PENSÓ LA MÚSICA DE UNA FORMA
MUNDIAL O LATINOAMERICANA. SIEMPRE
HICIMOS MÚSICA PARA NUESTRO PAÍS ”
en vientos y Sebastián Schachtel en
teclados completaron un ensamble que
funciona con la precisión de un mecanismo
bien aceitado.
Ambos, el público y la banda, entregaron
su máximo esfuerzo. Mientras
se retiran del escenario, el ambiente
en la villa de artistas se transforma.
La adrenalina comienza a bajar, y la
conversación se llena de recuerdos y
anécdotas de todo un camino recorrido.
Germán, aún con el corazón palpitante,
reflexiona sobre lo que acaba
de ocurrir: “Impresionante lo de hoy,
la cantidad de gente que había. El ida
y vuelta fue hermoso. Estoy muy agradecido
con la vida de poder vivir estas
cosas”. En una especie de promesa de
seguir creando y compartiendo música
con quienes los acompañaron en esta
travesía, el grupo se aferra a la placa
que recibieron en reconocimiento a
su presencia en todas las ediciones del
festival.
Una banda,
infinitas
historias
“Te puedo contar tantas historias increíbles
que pasaron con la música
a lo largo de estos 36 años”, atestigua
Daffunchio. Porque la odisea de Las
Pelotas empezó mucho antes de que
el Cosquín Rock existiera. Naciendo
de las cenizas de Sumo, el grupo se
vio sumido en la incertidumbre tras el
fallecimiento de Luca Prodan en 1987.
Mientras algunos
de sus integrantes,
como Ricardo Mollo
y Diego Arnedo,
comenzaban a dar
vida a Divididos,
Germán se quedó
en Córdoba junto
a Timmy Mc Kern,
el productor, buscando
una nueva
dirección. Fue en
este contexto que
— GERMÁN decidió crear algo
fresco y original.
Convocó a Alberto
"Superman" Troglio y, en una dura
búsqueda de un cantante, encontró a
Alejandro Sokol, un viejo amigo y ex
integrante de la agrupación. Así, con
Willy Robles en el bajo, dieron su primer
paso en el escenario en noviembre
del ‘88, en el Dallas Pub de Villa
Luro, dando inicio a una trayectoria
que rápidamente se convertiría en un
pilar fundamental del rock. Y que hoy
en día, todavía, tiene muchos capítulos
por escribir.
Cosquín Rock cumple 25 años
y, a lo largo de todas sus ediciones,
Las Pelotas se presentaron
26 veces. ¿Cómo lograron
superar incluso la historia
del festival?
Germán: Te cuento cómo fue. José
(Palazzo) nos propuso hacer una
carpa, un espacio más íntimo y acústico.
Al principio dudamos, porque
en Cosquín siempre tocás en un
escenario enorme, frente a miles de
personas. Pero nos encantó la idea,
porque nos permitió compartir el
show de una manera más cercana,
solo con nuestra gente, sin mezclarse
con otros públicos. Fue una experiencia
increíble, y por eso terminamos
tocando dos días en una misma
edición.
¿Sentís que este Cosquín, de
alguna manera, también se
convirtió en "el festival de
Las Pelotas"?
Germán: Sí, es algo inolvidable.
Uno sabe lo que ve desde arriba y lo
que se siente. Es algo que da mucha
felicidad. Cuando uno encara su carrera
como artista, nunca se imagina
que algo así puede llegar a ocurrir.
Y de repente, tenés la posibilidad de
lograrlo y vivirlo. Es maravilloso.
Supongo que deben tener muchas
anécdotas en el festival.
¿Hay alguna que les gustaría
compartir?
Germán: Parte de la realidad de por
qué Las Pelotas tocaron durante 25
años es porque es evidente que las
tormentas de Córdoba paran cada
vez que nos subimos al escenario.
Una vez, en San Roque, venía una
tormenta de rayos del sur. Salimos a
tocar y no cayó ni una sola gota. Sin
embargo, justo cuando terminamos
el show, se desató un aguacero. Así
que, por eso, somos un grupo que
siempre trae buena energía.
Después de más de tres décadas
de carrera, ¿qué los motiva
a seguir creando música
nueva?
Germán: Estamos preparando un
nuevo disco. Perdón, cierto que no
se dice más “disco”, ahora lo llaman
“material” (ríe). Que no está hecho
con Inteligencia Artificial. Una de
las cosas de las que estoy orgulloso
de Las Pelotas es que, después de
36 años, nunca nos conformamos;
seguimos necesitando hacer temas
nuevos. Uno podría vivir de todo
lo que hicimos en el pasado. No sé
ni cuántos discos tenemos. Pero es
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FEBRERO 2025

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alucinante juntarse con el equipo
a producir, vivir lo que vivimos,
disfrutar lo que disfrutamos y estar
felices con cómo estamos por lo que
va a venir.
Hubo un debate sobre cómo iba
a llamarse el disco, ya que estamos
cumpliendo 36 años y queremos
hacer una gira que se llame “Seis
por seis”.
Muchas veces, se encargan de
transmitir mensajes a través
de sus canciones. ¿Creen que
la música les brinda una voz
sin censura?
Germán: Las Pelotas nunca fue un
grupo de moda. Los grupos de moda
suelen hacer canciones livianas. Para
nosotros, hacer música es una parte
esencial de nuestra vida. Poder desahogarnos
y compartir con perso-
“
LAS PELOTAS ACOMPAÑAN
MUSICALMENTE A LA VIDA DE LA GENTE ”
— GABRIELA
¿Serán 36 países?
Germán: (Ríe) No, 36 países es
mucho. Argentina siempre está en la
lista. Pero en marzo vamos a tocar
en España, que es un lugar hermoso
para nosotros. Nos encanta la gente
de allí y es una experiencia maravillosa
como grupo ir a tocar a otro
país. Sin embargo, hay algo que es
cierto: Las Pelotas no es una banda
que pensó la música de una forma
mundial o latinoamericana. Siempre
hicimos música para nuestro país.
Tenemos un lazo muy fuerte con
nuestra gente, de verdad, no es por
hacer teatro. Por eso nos gusta mucho
recorrer todas las provincias.
Es difícil expresar la frustración
que uno siente al escuchar hablar
mal de nuestro país. La mayoría de
las personas no tiene idea de lo gran
país que es Argentina y la calidad de
su gente. Nosotros, por suerte, tenemos
la posibilidad de recorrer todo
el tiempo y encontrarnos en cada
ciudad con amigos.
¿Creen que la dedicación de
Las Pelotas al público en cada
rincón de Argentina es algo
que la gente realmente percibe
y valora cuando llevan su
show a diferentes ciudades y
pueblos?
Gabriela: Sí, esa gratitud se siente
cuando tocamos y también al caminar
por la calle y hablar con la gente.
Aunque a veces eso pueda significar
un fracaso económico para nosotros,
porque muchas veces tenemos que
recorrer distancias muy largas para
llevar el show, eso también forma
parte de nuestra vida. Si no hiciéramos
eso, no podríamos vivir.
nas que sienten cosas similares es
alucinante. Es otra faceta del arte que
quizás no sea tan comercial, pero es
la verdadera.
Gabriela: Las Pelotas acompañan
musicalmente a la vida de la gente.
Germán: Exacto. El arte es toda la
vida. El artista es alguien que vive
largando para fuera las cosas que
siente. Y el que quiera escucharlo,
que lo escuche. Y el que no, no.
Si tuvieran que definir el
nuevo disco con un elemento:
tierra, agua o fuego, ¿cuál
elegirían y por qué?
Germán: Fuego. Hay una búsqueda
interna en nosotros. Tratamos
de no repetir fórmulas. Siempre
hemos lanzado canciones reactivas,
pensando que con eso se puede
lograr la revolución. A esto lo llamamos
"la bolsa de caca". Sin embargo,
eso no sucede. En este disco
decidimos hacer algo que tenga
que ver con lo luminoso, más allá
de la sociedad y de la vida cotidiana;
algo que se relaciona más con
la vida de cada uno.
Uno está rodeado de malas noticias
y de una continua prepotencia.
Te enojás al saber que ya no podés
hacer nada, y te preguntás: “¿Para
qué? ¿Qué pasa con tu vida?” Tiene
que ver con eso, con enfocarse en
uno mismo. Por eso digo que es luminoso,
porque la única forma de
salir de esta oscuridad es tratando
de elevarse.
¿Cuál es su objetivo al
presentar el nuevo disco?
Germán: Vamos a disfrutar del
disco primero nosotros. La idea es
presentarlo antes de mediados de
este año y salir a tocar por todo el
país. La gente de Las Pelotas es todo
amor. Hay personas que nos siguen
desde hace 35 años, y te das cuenta
de que formas parte de sus vidas. Es
el sueño del artista: que tu arte sirva
para algo.
Les propongo un juego:
Germán, ¿cómo describirías
a Gabi, y Gabi, cómo describirías
a Germán?
Germán: Te voy a contar una sola
anécdota. Cada vez que veo a Gabriela,
pienso: si su papá no hubiera
existido, yo no habría existido.
Nuestra historia es muy increíble.
El padre de Gabriela, entre otras
cosas, trabajaba en la misma oficina
que mi papá, y en esa misma oficina
también trabajaba mi mamá. El
encargado de llevar las cartas que
se intercambiaban mis padres fue el
padre de Gabi, porque en ese momento
no existía el WhatsApp (ríe).
Es decir, el padre de Gabi fue el celestino
de la pareja de mi madre y
mi padre.
Gabriela: Esa es la historia que
nos une. De hecho, nos enteramos de
esto más de grandes. Somos hermanos
en la vida y en la música. Aclaro
que él es mi hermano mayor.
Germán: Dentro de una banda,
cada músico tiene su propia vida.
Va más allá de simplemente tocar
juntos; cada uno tiene su historia.
Se trata de compartir la vida de cada
uno. Te diría que es como utilizar la
música como una terapia colectiva,
porque cuando disfrutás lo que haces,
te sentís aún más vivo. La vida se
trata de crecer constantemente.
¿Les gusta el momento que
están viviendo actualmente?
Germán: No hay que hablar mucho
cuando uno está pasando un
buen momento. Estamos más o
menos. En Córdoba tienen una
frase alucinante para responder al
"¿cómo andas?": "bien, nomás". Porque
hay que tener cuidado, ya que
cuando uno cree que llegó a la cima,
empieza a caer.
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Somos Billboard Argentina,
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BACILOS
"Algunos chicos no saben que hay
música hecha con instrumentos”
La agrupación latina, ganadora de un Grammy® y cinco Latin Grammy®, regresó a Argentina tras
varios años y brindó un gran show en el Teatro Gran Rivadavia de Buenos Aires.
POR GABRIEL SOTELO

L
a banda, liderada por Jorge Villamizar
y André Lopes, repasó las canciones de su último
disco Pequeños Romances, pero también
cantó sus clásicos como “Caraluna”, “Mi Primer
Millón” y “Tabaco y Chanel”.
En el marco de su visita al país, Billboard dialogó
con Jorge y André sobre los cambios en la
industria musical, el avance tecnológico y cómo
se encontraron con el éxito, además de recordar
el surgimiento del éxito “Mi Primer Millón”.
seguimos tocando en bares en Miami hasta
que de repente nos llega una invitación para
hacer teloneros de Alejandro Sanz y tocar en
el estadio “El Campín” de Bogotá (Colombia).
Ahí fue cuando me asusté y pensé “algo
grande está pasando”, porque salimos de tocar
para 200 personas en un bar y ahora para
50 mil. Fue pensar “y ahora ¿cómo se hace?
¿Se toca más fuerte el bajo? (risas)”. fue un
cambio drástico y asustador. Enseguida viene
la oportunidad de grabar otro disco, ya con
tremendos productores, porque el disco de
Tabaco y Chanel lo hicimos nosotros, en el
garaje, en producción independiente, luego
relanzado por la discográfica WEA International
(actual Warner Music Group). Ahí entran
ya grandes productores y sale “Caraluna”, “El
Millón”, llegan los Grammys, fue todo muy
rápido. Obviamente veníamos tocando hace
cinco o seis años en bares, desarrollando un
FOTO: VICKY ROA COMUNICACIÓN
¿Siguen disfrutando tocar los clásicos
que han tocado durante tantos años?
André: El público cambia, los venues cambian
y algo muy especial que ha pasado es que
hemos notado a una nueva generación de fans,
entonces para muchos de esos jóvenes es la
primera vez que pueden cantar “Caraluna” con
nosotros en vivo. Esos clásicos que a lo mejor
escucharon con sus padres y eran muy jóvenes
cuando pasamos por Argentina, entonces para
ellos es un momento muy especial porque es
escuchar el clásico de la banda sonora de sus
vidas. Realmente son momentos muy emotivos
del show porque tocar esas canciones clásicas y
ver la reacción de la gente es muy especial.
Desde el primer disco, hace más de
25 años, a volver a grabar, con todo lo
que pasó en el medio… ¿cómo hicieron
para mantener la esencia Bacilos?
Jorge: Bacilos siempre ha estado ahí pegado
a todas las tendencias, al reggaetón, al avance
tecnológico, a todo lo nuevo que llegó porque
somos de Miami, ahí está todo. En este último
disco, por ejemplo, no utilizamos programación,
no utilizamos sonidos ampliados ni nada,
porque en algún momento dado quisimos
hacer un disco a lo Bacilos. Y a lo Bacilos, a
nuestro entender, es parecido a los primeros
dos discos que eran así, que eran discos sin
programación, con instrumentos reales.
Hay chicos que no saben que hay música que
se hace con instrumentos reales, que hay una
persona que sabe tocar la guitarra, que se dedicó
toda su vida a tocar la guitarra, que va a un estudio
y toca la guitarra, que no se programa, que
no es un sample, que no es un beat programado.
Entonces eso es una decisión cuando vas a
producir un disco muy radical, porque cambia
toda la película, es un sonido totalmente distinto,
es un proceso completamente distinto.
Entonces es como un coche automático o un
coche manual, una experiencia distinta. Nosotros
decidimos hacer este último disco así, era
como un poco a la onda tradicional de cómo
empezamos a hacer nuestra música, sin querer
decir que es la única forma que vamos a trabajar
de ahora en adelante, sino que así fue este
disco, un disco a la antigua.
“ HAY QUE ESTAR MUY LOCO PARA NO
QUERER PEGARLA EN LA RADIO Y PARA NO
QUERER GANAR TU PRIMER MILLÓN ”
sonido y todo, pero cuando la cosa explotó,
fue como una cosa tras otra. De cierta manera
por eso también nos cansamos tan rápido y fue
tan intenso que decidimos, “oye, necesitamos
vacaciones” pasados cinco años de eso.
¿Paulina Rubio y Alejandro Sanz sabían
que iban a ser nombrados en la
canción o se enteraron cuando salió?
Jorge: Se enteraron cuando salió (ríe). Esa canción
la escribí con el gran productor puertorriqueño
Sixto George, fue la única canción que
escribimos juntos. Éramos amigos desde antes
y surge en mi casa. Él me dijo: “Tenés que escribir
una canción que diga, yo quiero pegar en
la radio”. Yo pensaba “cómo vas a escribir algo
así, no tiene un ángulo intelectual y no sé qué”.
Y por bromear le dije: “Yo solo quiero pegar en
la radio para ganar mi primer millón”, a lo que
mi esposa que escuchó, grita “eso suena bueno”
y yo por bromear le digo: “Para comprarte una
casa grande donde quepa tu corazón”. Pero totalmente
bromeando porque era como lo más
obvio y poco artístico que se podría pensar.
Sergio me dijo, “esa es la canción”.
Esa canción me enseñó una lección como
compositor muy importante y es la humildad.
Uno a veces se quiere creer más de lo que es y
dejás pasar ideas que son sólidas, claras y que
hablan de lo que sentimos todos en el fondo.
Porque en el fondo, yo creo que hay que estar
muy loco para no querer pegarla en la radio y
para no querer ganar tu primer millón.
¿Y qué harían con ese millón?
Jorge: Nos tomamos un sabático, pero ahora
ese millón ya no es tanto así que tiene que ser
un sabático corto.
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¿Qué balance hacen del avance tecnológico
y este cambio generacional?
¿Cómo ven este éxito más efímero
quizás de sacar un single que recorre
el mundo?
André: La industria cambió muchísimo.
Hemos visto a lo mejor dos cambios drásticos.
Cuando empezamos todavía se vendían los
CDs, el trabajo era intenso de distribución,
tenían que visitar todos los países y llevar cajas
de CDs, y tomaba tiempo y trabajabas por
meses, meses y meses una canción. Obviamente
eso se fue con la piratería y después viene la
tecnología del streaming, que hace todo mucho
más rápido, más grande y más intenso a la vez.
Somos una banda independiente, realmente
no tenemos toda una estructura de una disquera,
de una oficina gigantesca con miles de
personas trabajando en todo el mundo, pero sí,
gracias a las redes sociales y gracias a las plataformas
de streaming, también nuestra canción
puede llegar a todo el mundo. Sacamos una
canción mañana en Miami y podemos hacer
un concierto en Buenos Aires una semana
después y la gente puede estar cantando la canción
sin que tengan que esperar que lleguen
las cajas de los CD's y que se los vendan en las
tiendas. Entonces es increíble.
Nosotros tenemos la suerte de tener canciones
que han sobrevivido décadas y que tienen
su vida propia, como "Caraluna" que de repente
fue una tendencia en TikTok en el mundo en un
momento hace un par de años y ahora con un
remix vuelve a sonar en las top 10 canciones de
dance electro en Europa. Entonces hay que disfrutar
de todo eso y así es el mundo. Y todas las
industrias cambian, en lo nuestro también.
¿Cómo se enteraron de que “Caraluna”
se había viralizado en TikTok?
Jorge: Nos dijeron amigos nuestros que se
enteraron por sus hijos. Esta ola empezó en
Argentina y después pasó a España. Entonces
amigos argentinos, españoles, me contaban
“mi hija está cantando tu canción, haciendo
un bailecito”.
¿En qué momento de su carrera se dieron
cuenta que Bacilos había “pegado
en la radio”?
André: Yo creo que notamos que empezó a
funcionar con “Tabaco y Chanel”, la primera
canción en la que nos llamaron y nos dijeron
“está sonando en Chile” y después “está
sonando en España” y así. Era la época en
que la gente salía de Miami con un cassette
con la canción, imagínate. Ahí firmamos un
contrato con una discográfica, pero igual
FEBRERO 2025 BILLBOARD.AR 37

... POWER PLAYER ...
Tomás Talarico
Nuevo Managing Director de Warner Music Cono Sur
Talarico se incorpora a la compañía procedente de MOJO, sello discográfico independiente y distribuidor digital que se
fundó en 2014.
POR BILLBOARD CONTENIDOS
T
omás Talarico ya es
el nuevo Managing Director
de Warner Music
Cono Sur, y se encargará
de supervisar los negocios de la
compañía discográfica en Argentina
y Chile. Ha asumido el cargo luego
de que Guillermo Castellani dejará
su posición.
Talarico tiene su base en Buenos
Aires y reporta directamente a Alejandro
Duque, presidente de Warner
Music Latinoamérica. Castellani permanecerá
en la empresa como consultor
y trabajará en la transición de
liderazgo con Talarico.
Se incorporó a la compañía procedente
de MOJO, sello discográfico
independiente y distribuidor digital
que se fundó en 2014 y que dirigió
como director general durante la última
década. Formó un equipo de más
de 30 empleados en Argentina, Chile y
Perú, y la compañía ha desempeñado
un papel fundamental en el desarrollo
de los géneros tropical y urbano
en estos mercados. MOJO trabaja con
unos 150 artistas y sellos y sus intereses
también incluyen la gestión de producción
audiovisual y la publicación
musical. La compañía ha lanzado más
de 50 sencillos certificados Oro y Platino,
además de ganar ocho Premios
Gardel y dos Premios Pulsar.
A lo largo de su carrera, ha jugado
un papel crucial en las carreras de
artistas emergentes como ECKO,
Grupo Zumbale Primo, Kaleb Di
Masi, Mario Luis, Papichamp, Rodrigo
Tapari y Uriel Lozano. Fue clave
para el notable éxito del proyecto
colaborativo Un Poco de Ruido, que
alcanzó el puesto número 1 en la
lista de Spotify en Argentina el año
pasado. Talarico también fue un artista,
y como guitarrista y cantautor
ha lanzado cinco álbumes de rock y
pop a lo largo de los años.
Antes de dirigir MOJO, Talarico
fue pionero de la primera ola digital
del sector musical, trabajando en
empresas que vendían MP3s y ringtones.
Comenzó como supervisor en
Tower Records.
Alejandro Duque asegura: “Tomás
tiene un espíritu emprendedor
y un sentido de curiosidad cultural
que lo convierten en la elección
perfecta para Warner Music. Ha
trabajado durante años en la intersección
de la música y la tecnología,
aprovechando la innovación al
servicio de los artistas. Espero colaborar
con él en proyectos emocionantes
y seguir construyendo sobre
el legado de Guillermo.”
Tomás Talarico agrega: “Estoy
muy emocionado de unirme a Warner
Music y agradezco a Alejandro
por confiar en mí. Poder aprovechar
los recursos de un sello importante
para dar servicio al talento excepcional
de esta región es una oportunidad
increíble. También quiero rendir
homenaje al extraordinario Guillermo
Castellani, quien ha formado un
equipo sólido y ha desempeñado un
papel fundamental en la industria
musical. Deja un gran legado, y espero
seguir construyendo sobre él”.
FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC
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TWO FEET
“Estoy muy
emocionado por
tocar en
Buenos Aires”
Tres años después de su
última visita, el cantante
regresa para presentarse el 7
de marzo en Groove.
POR ANTONELLA LOPREATO

FOTOS: HELEN HAWKINS
Un simple track subido a
SoundCloud en 2016 cambió
para siempre la vida de Bill
Dess. No había fórmulas secretas
ni grandes estrategias detrás
de su éxito, solo un título provocador, una
base de dream pop y shoegaze, un discurso lleno
de oscuridad y una letra (muy) sensual. "Go
Fuck Yourself " se disparó, casi por accidente,
a millones de reproducciones en cuestión de
horas. A primera vista, la rapidez del fenómeno
podría haber dado la impresión de un hit
instantáneo, de esos que pasan desapercibidos.
Pero bajo la superficie, lo que realmente se
encontraba era el resultado de años de trabajo,
de búsqueda, de probar y fallar hasta dar con
un sonido propio influenciado por la melancolía
de bandas como The Smiths y The Cure, y la
estética alterna de artistas como Lana del Rey
y Billie Eilish.
Tras varios años de crecimiento y una serie
de presentaciones que lo llevaron a distintos
escenarios, Dess, mejor conocido como Two
Feet, se prepara para dar un nuevo paso en su
carrera: su primer show como solista en Buenos
Aires, programado para el 7 de marzo en
Groove. Luego de su participación en el Lollapalooza
2022, el artista regresa a la ciudad para
ofrecer a sus seguidores porteños una noche
íntima. “Ya hemos vendido muchísimas entradas,
lo que es un gran indicador de que tendremos
una audiencia llena de energía”, adelanta
el cantante.
¿Cómo se siente regresar a Buenos
Aires después de tanto tiempo?
Es una sensación emocionante, realmente he
estado esperando este momento con muchas
ganas. La última vez que estuve en Buenos
Aires fue una visita fugaz; creo que pasé
un total de unas nueve horas en la ciudad.
Aterrizamos, hice el show y luego volamos
de regreso esa misma noche. Debido a lo
limitado de ese tiempo, no pude disfrutar
de todo lo que la ciudad tiene para ofrecer
ni conocerla más a fondo. Esta vez, tengo la
oportunidad de quedarme más tiempo, lo
que me permitirá disfrutar del país de una
manera mucho más completa y, sin duda,
mucho más divertida.
¿Qué es lo que más te atrae de Argentina,
considerando que en tu visita
anterior pasaste tan pocas horas en el
país?
Hay varias cosas que realmente me gustaron.
En primer lugar, la comida es espectacular.
Incluso con el poco tiempo que estuve, pude
notar que la gastronomía es algo especial. Pero,
sobre todo, lo que más me marcó fue la gente.
Tuvimos una asistencia increíble en nuestro
escenario, lo que hizo que el show fuera algo
único y muy divertido de experimentar.
El público en Sudamérica, en general, tiene
una energía incomparable. Es algo que se siente
desde el momento en que subes al escenario.
Siendo completamente honesto, hay lugares en
Estados Unidos y Canadá donde las audiencias
pueden ser un poco más apagadas, y digo esto
“ NUNCA ME HE CENTRADO DEMASIADO
EN LO QUE HACEN LOS DEMÁS ”
sin intención de ofender a mi tierra natal, por
supuesto. Pero cuando tocamos en Argentina,
la respuesta fue absolutamente increíble. La
energía que transmiten los fans es tan intensa
que no puedes evitar contagiarte de esa emoción.
Brasil también tuvo un público espectacular,
lleno de entusiasmo, así que tocar en esta
región siempre es un placer.
Ya hemos vendido muchísimas entradas,
lo que es un gran indicador de que tendremos
una audiencia llena de energía. Y además,
es mi primer show como artista principal
en Argentina, así que seguramente será
muy divertido.
La última vez que tocaste en Buenos
Aires fue durante el Lollapalooza
2022. ¿Cuáles son las mayores diferencias
entre tocar en un festival y hacer
un show propio?
En un show propio, la experiencia es mucho
más íntima y concentrada. En un festival, la
mayoría del público al frente ya te conoce,
porque probablemente se quedó esperando
para estar cerca del escenario. Sin embargo,
a medida que avanza la actuación, se suman
personas que quizás no están tan familiarizadas
con tu música. Algunas te reconocerán,
otras no tanto.
Por el contrario, en tu propio concierto, cada
persona que asiste está ahí porque conoce tus
canciones. La mayoría canta las letras o está
anticipando los momentos más destacados de
la música. Esa familiaridad con las canciones
crea una atmósfera distinta, ya que en un show
propio, el público tiende a estar mucho más
involucrado y emocionado que en un festival,
donde la energía puede ser más variada.
Desde tu primer álbum, tu música se
mantiene "atemporal". ¿Cuál creés
que es el secreto para seguir siendo
relevante durante tanto tiempo?
El secreto está en no involucrarse nunca en
una moda. Nunca. Porque cuando esa moda
desaparece, tu música también lo hace. La verdad
es que nunca me he centrado demasiado
en lo que hacen los demás. Cada cierto tiempo,
surge algo que se vuelve muy popular. En su
momento, el trap y el rap fueron grandes, luego
la música electrónica (EDM) lo invadió todo.
Yo no me meto en esas tendencias. Me enfoco
en lo que realmente me gusta. Esa es una de las
razones por las que he logrado mantenerme
relevante todo este tiempo. De hecho, no solo
me he mantenido relevante, sino que seguimos
creciendo cada año.
Siempre les digo a los artistas con los que
trabajo: no te fijes demasiado en lo que hacen
los demás. No trates de unirte a algo solo porque
está de moda, porque probablemente ya
no lo estará dentro de dos años. Simplemente
hacé lo que te apasiona y busca ser lo más original
posible.
Tenés grandes hits, ¿qué tan difícil es
para vos escribir una buena canción?
Gracias por decir eso, pero siendo sincero, es
bastante complicado. Normalmente, escribo
entre cinco y diez canciones por cada una
que realmente publico. Y de esas, tal vez una
de cada diez sea realmente excepcional. Es
todo un reto.
Nunca sabes cómo va a resultar una canción.
Puedo empezar con una estructura
clara en mi mente, pero al final, no suena en
absoluto como lo había imaginado. A veces,
escribo una canción, no me gusta, y termino
tomando solo una pequeña parte de ella para
crear algo completamente diferente. Es un
proceso extraño.
Es un desafío enorme y, sinceramente, es
un trabajo muy duro. Además, la competencia
es feroz.
Cuando escucho tu música, percibo la
influencia de muchos artistas. ¿Quiénes
son tus principales fuentes de
inspiración al momento de crear tus
canciones?
Es una pregunta difícil, pero intentaré desglosarla
por géneros. El blues, especialmente
el clásico, representa una gran influencia en
mi música, con un sonido que realmente me
conecta. Además, la música EDM juega un
papel importante en mi evolución sonora.
Sorprendentemente, la música alternativa no
influye tanto en mi trabajo. Cuando comencé
a crear mi música, no prestaba atención a
la música alternativa en particular.
Lo curioso es que me atrajo mucho la producción
pop. Puede sonar extraño, pero pasaba
mucho tiempo analizando canciones de Taylor
Swift, no tanto porque fuera fanático de todas
sus canciones, aunque algunas me gustan, sino
por la calidad de su producción. Me centraba
en cómo se estructuran las canciones pop y en
cómo se mezclan los sonidos, algo que también
encontré en el EDM. A su vez, los clásicos
del blues de artistas como Leadbelly y Django
Reinhardt me ofrecieron un enfoque distinto
que también me inspiró.
En cuanto a la escritura, suelo estudiar la
música de Jeff Buckley, Radiohead, David
Bowie, Paul Simon y varios artistas de shoegaze
de los años 80 y 90.
FEBRERO 2025 BILLBOARD.AR 41

> TIAGO IORC <
“Quédate
Otra Vez”,
primer tema
en español
con Kany
García
Es el primer single de su proyecto
de versiones en español.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
El cantautor brasileño Tiago
Iorc empezó el 2025 con un objetivo
claro: expandir su música a nivel
hispanohablante. Para poder lograrlo,
Tiago comenzó un proyecto donde presentará
versiones en español de algunos de sus mayores
éxitos en portugués como “Amei Te Ver”
- estrenada bajo el nombre de “Quédate Otra
Vez” y en compañía de Kany García -.
Esta canción es el primer adelanto de lo que
será este álbum de versiones, y según el propio
Iorc, no podía haber elegido una compañera
mejor que Kany. “La conocí hace dos años y
me enamoré de su voz y su energía. Necesitaba
trabajar con ella”, compartió.
La canción original fue lanzada hace ya diez
años y en 2016 recibió una nominación al Latin
Grammy® en la categoría Mejor Canción en
Lengua Portuguesa, demostrando el nivel y esfuerzo
que Tiago y su equipo volcaron en ella.
Con esta participación, García se suma a la
lista de estrellas que han colaborado anteriormente
con Tiago, entre los que se destacan
Laura Pausini, Milton Nascimento, Jorge
Drexler y Anitta, entre muchos otros.
A lo largo de esta entrevista, el cantante brasileño
dio detalles de cómo fue para él cantar
en español y qué artista argentino le gustaría
sumar a este proyecto de reversiones.
¿Cómo te sientes con este lanzamiento?
Me siento muy feliz de verdad. No había hecho
nada en español todavía y es un proyecto
que empecé a pensar hace un año, cuando
comenzaron mis clases de español. Estamos
haciendo versiones de canciones mías que ya
existen en portugués, por lo que es algo muy
especial para mí, es un momento nuevo para
mi creatividad.
¿Fue difícil para ti cantar en español?
No tanto al final, porque lo principal para
la música es el sentimiento… Lo que más
aprendí durante este tiempo es que no se
puede hacer una versión con una traducción
literal, muchas veces lo que se dice en un
idioma no quiere decir lo mismo en el otro.
Para mí, grabar la canción fue un proceso
donde pude apropiarme de las palabras y
sentir que en español también son mías. Es
un proceso de aprendizaje complejo, pero va
saliendo todo muy bien.
¿A Kany la conocías antes de
esta unión?
A Kany la conozco desde hace varios años,
pero nunca habíamos tenido la oportunidad
de estar juntos en un proyecto. Nos vimos por
primera vez en un festival aquí en Estados
Unidos y me encantó, me enamoré de su voz.
Tenía ganas de hacer cosas con artistas de
diferentes lugares, y Kany estaba en el top de
esta lista por todo el amor que siento por ella
y su arte.
Esta es una versión más íntima que la
original, ¿verdad?
Totalmente. La original la estrené hace 10 años
y tiene una actualización para el mundo de
hoy y su sonoridad. Tiene una conexión más
íntima con lo que estamos buscando con este
nuevo trabajo.
¿Por qué eligieron esta canción?
Esta fue una canción muy grande en Brasil
para mí y mi carrera. La quería en este proyecto
porque hacía sentido y hacía más sentido
todavía que fuera con una artista como Kany.
La canción tiene una pasión y una profundidad
que ella tiene de manera natural.
¿Sientes que es una buena oportunidad
para llegar a otro público, como el
argentino?
Claro que sí. Brasil es inmenso, un artista
puede quedarse aquí y se puede vivir tranquilamente.
Sólo nosotros hablamos portugués…
Todos nuestros vecinos hablan español y muchas
veces no sabemos qué pasa culturalmente
en sus países, por lo que queríamos romper la
barrera idiomática con mi arte y mi música.
Siempre tuve las ganas de hacer canciones para
conectar con las personas y el mundo, por lo
que me parece muy especial que ahora pueda
hacerlo en español también.
Para este 2025, además del proyecto,
¿cómo tenés planeada la agenda?
Además de este proyecto sigo haciendo cosas
en Brasil por lo que ahora estoy con una especie
de vida paralela. Estoy en medio de una
gira y este año también se cumplen 10 años
del disco donde estrené la versión original de
“Quédate Otra Vez”, “Amei Te Ver”. Vamos a
hacer un proyecto aniversario que va a ser muy
lindo también.
FOTO: SONY MUSIC
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BILLBOARD.AR
FEBRERO 2025

BAD BUNNY
TODOS SUS ÁLBUMES
Desde su debut X 100Pre hasta DtMF, así se ubica cada álbum de estudio del Conejo Malo en su discografía.
POR GRISELDA FLORES, ISABELA RAYGOZA, JESSICA ROIZ – BILLBOARD ESPAÑOL

D
esde que se unió al coro de una iglesia
a los cinco años hasta que subió sus canciones a
SoundCloud y firmó con Rimas Entertainment,
Bad Bunny ha pasado de ser un artista local de
trap a convertirse en una sensación mundial en
la última década.
Su álbum debut X 100Pre, que llegó en diciembre
de 2018 con éxitos como “Estamos bien”, “La
romana” con El Alfa y “MIA” con Drake, debutó
en el No. 1 de la lista Top Latin Albums, donde
reinó durante 46 semanas. El álbum también ganó
el premio al mejor álbum de música urbana en la
20ª edición de los Latin Grammys®.
Desde entonces, el artista puertorriqueño
(nombre real: Benito Antonio Martínez Ocasio)
ha sido una fuerza a tener en cuenta. Todos
sus álbumes, incluido Oasis, el EP conjunto de
ocho canciones con J Balvin, han alcanzado el
No. 1 en la lista Billboard Top Latin Albums.
YHLQMDLG es, al día de hoy, el álbum que
más tiempo ha permanecido en el No. 1 de la
lista de Top Latin Albums, con 70 semanas en
ese puesto. Por otra parte, El Último Tour del
Mundo hizo historia al convertirse en el primer
álbum íntegramente en español en alcanzar el
No. 1 en el Billboard 200.
El veraniego y playero Un Verano Sin Ti es
tan emblemático que no solo encabezó la lista
latina durante 60 semanas, sino que también
pasó 13 semanas en el No. 1 del Billboard 200,
convirtiéndose en el álbum más exitoso del Billboard
200 en 2022. Un Verano… también hizo
historia en los Grammys® de ese año al ser nominado
a álbum del año, convirtiéndose en el
primer disco en español en recibir una nominación
en esa categoría.
Ahora, con su lanzamiento de reggaetón-tropical
Debí Tirar Más Fotos circulando, los editores
de Billboard Latin y Billboard Español han
clasificado todos los álbumes de Bad Bunny.
Mira la lista a continuación.
LAS QUE NO IBAN A SALIR
10 de mayo de 2020
En el Billboard 200: alcanzó el No. 7
Justo después de haber lanzado su álbum
YHLQMDLG, Bad Bunny mantuvo el impulso
con Las Que No Iban a Salir, que publicó dos
meses después, en mayo. Aunque fue recibido
a bombo y platillo por sus fervientes seguidores,
no estuvo a la altura de su predecesor, el
mejor trabajo de Bad Bunny hasta la fecha. A
diferencia de YHLQMDLG, Las Que No Iban a
Salir carecía de los éxitos y las letras punzantes
que abarrotaban el LP anterior. Incluso con su
poder de estrellas — que incluye colaboraciones
con Zion y Lennox, Don Omar, Nicky Jam
y Yandel — es preciso decir que Las Que No
Iban a Salir no es el álbum más memorable o
consecuente de Bad Bunny.
NADIE SABE LO QUE VA A PASAR MAÑANA
13 de octubre de 2023
En el Billboard 200: alcanzó No. 1
Tras consolidarse como una superestrella
mundial con el ecléctico Un Verano Sin Ti, en
el que incursionó en el merengue, el indie-pop
y el nu-disco, Bad Bunny volvió a sus orígenes
con Nadie Sabe Lo Que Va a Pasar Mañana.
Rápidamente acogido por sus fans desde el
primer día, el LP de más de una hora de duración
con 22 temas, está repleto de ritmos trap
contundentes y letras introspectivas sobre su
ascenso a la fama. En agudo contraste con las
vibraciones brillantes y eufóricas de UVST, Nadie
es sombrío, y Bad Bunny realmente honesto
con sus líricas, cuestionando quiénes son sus
verdaderos fans y las habladurías que le rodean.
En conjunto, las letras son atractivas y ofrecen
una visión de los pensamientos más profundos
de Bad Bunny, y sus habilidades experimentales
que incorporan arreglos orquestales con
sus raíces de trap latino es lo que hace que este
álbum destaque.
X 100PRE
23 de diciembre de 2018
En el Billboard 200: alcanzó el No. 11
El álbum de debut de Bad Bunny sirve ahora
como cápsula del tiempo, capturando a una
estrella mundial en ciernes que hablaba directa
y específicamente a la nueva generación de
fans urbanos que impulsaron el auge del trap
latino. En X 100PRE, Bad Bunny demuestra lo
ecléctico que está dispuesto a ser para romper
con las expectativas sonoras y líricas de la música
latina. Aquí estaba un artista dispuesto a
ser vulnerable (“RLNDT”), un poco rockerito
(“Tenemos que hablar”) e incluso político
(“Estamos bien”), el primero se convirtió en
un himno para su amado Puerto Rico después
de ser devastado por el Huracán María. Intencionadamente
o no, X 100PRE ofreció un adelanto
del tipo de artista en el que se convertiría
Bad Bunny: poco convencional, desafiante
y auténticamente él mismo. Además, el LP es
el hogar de los éxitos que catapultaron la carrera
de Bad Bunny, incluyendo “La romana”
con El Alfa, “Si estuviésemos juntos,” y “MIA”
con Drake.
FEBRERO 2025 BILLBOARD.AR 45

DEBÍ TIRAR MÁS FOTOS
5 de enero de 2025
En el Billboard 200: alcanzó el No. 2
Con Debí Tirar Más Fotos, Bad Bunny profundiza
su celebración de la cultura puertorriqueña,
entrelazando generaciones de
ritmos locales — desde la salsa hasta la plena
y la música jíbara — con el pop latino moderno
y el reggaetón para crear un paisaje
sonoro rico y dinámico. Él destaca a talentos
locales como Omar Courtz, Los Pleneros
de La Cresta y RaiNao, en lugar de incluir a
superestrellas internacionales mainstream, y
además utiliza muestras de clásicos autóctonos.
Por ejemplo, “NuevaYol” yuxtapone
ingeniosamente la salsa “Un verano en Nueva
York” de El Gran Combo de Puerto Rico de
1975 con una ráfaga de dembow dominicano.
Temas como “Baile inolvidable” transforman
el desamor en bailes impulsados por trompetas,
mientras que “Café con ron” abandera
el orgullo puertorriqueño y la preservación
cultural. Este álbum tiene como objetivo tender
puentes entre generaciones, a la vez que
revitaliza una apreciación colectiva por las
tradiciones de la música latina.
EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO
27 de noviembre de 2020
En el Billboard 200: alcanzó el No. 1
Después de deleitar a los fans con puro
perreo y algunas selecciones de trap en X
100Pre, YHLQMDLG, e incluso en Las Que
No Iban a Salir, Bad Bunny sorprende con
su lado experimental en El Último Tour del
Mundo — su tercer lanzamiento de álbum en
2020. El conjunto de 16 pistas incluye el tema
“Dakiti” con la colaboración de Jhay Cortez,
que encabezó la lista Billboard Global 200.
También nos presentó al productor MAG
(nombre real: Marcos Borrero), quien debutó
en el No. 1 en la lista Hot 100 Producers de
Billboard (fecha del 12 de diciembre), gracias
a siete créditos de producción.
En este álbum, el conejo ofreció un concepto
“completamente diferente” — más innovador,
más audaz — donde a menudo se aventuró
en el rock alternativo (“Maldita pobreza,” “Yo
visto así,” y “Trellas”) y el funk (“Sorry Papi”)
además de su sonido característico. “Este es un
álbum más sentimental, más tranquilo, el tipo
de cosa que puedes escuchar en tu habitación”,
el artista anteriormente le dijo a Billboard. El
Último Tour del Mundo debutó en el No. 1
de la lista Billboard 200, marcando el primer
álbum completamente en español en alcanzar
la cima en los 64 años de historia de la lista de
todos los géneros.
UN VERANO SIN TI
6 de mayo de 2022
En el Billboard 200: alcanzó el No. 1
Tras el aclamado éxito y los avances globales de
YHLQMDLG y El Último Tour del Mundo, Bad
Bunny se catapultó a la estratosfera con Un Verano
Sin Ti, una obra alegre y con vibras playeras
que se convirtió en la banda sonora global de un
verano post-pandemia. Lanzado en un momento
en que el mundo anhelaba la celebración y la
liberación, el álbum no solo capturó este espíritu
colectivo, sino que también magnificó la influencia
de Bad Bunny en la escena musical, al mismo
tiempo que destacó la vida y la cultura puertorriqueña.
Desde el éxtasis envolvente de “Moscow
Mule” hasta el ritmo contagioso de “Me porto bonito”
y el himno de dembow-reggaetón “Tití me
preguntó”, Benito entrega una emoción constante,
solidificada aún más por la suprema producción
de Mag y Tainy. A través de este álbum, el artista
crea un emocionante mundo nuevo — una cele-
bración de la renovación de la vida y un fenómeno
cultural envuelto en un ambiente veraniego.
YHLQMDLG
29 de febrero de 2020
En el Billboard 200: alcanzó el No. 2
X 100Pre convirtió a Bad Bunny en un nombre
familiar, pero YHLQMDLG transformó a
Bad Bunny en BAD BUNNY — un fenómeno
global. Como no podía ser de otra manera,
el artista puertorriqueño lanzó el álbum
por sorpresa y en una fecha muy aleatoria… el
día bisiesto. No obstante, elevó a Bunny a un
pedestal más alto, batió récords y nos salvó a
muchos del aburrimiento durante la cuarentena
del COVID-19. “Este es para divertirse y
olvidar los problemas”, dijo Benito anteriormente
a Billboard. De hecho, el álbum de 20
pistas entregó éxitos contundentes de perreo
que se han vuelto clásicos, como “Yo perreo
sola” y “Safaera” en colaboración con Jowell &
Randy y Ñengo Flow. El primero incluso ganó
la mejor actuación de reggaetón en los Premios
Latin Grammys 2020. YHLQMDLG también
cuenta con colaboraciones de reggaetoneros de
la vieja escuela como Daddy Yankee y artistas
emergentes como Sech y Mora; y explora temas
con los que muchos se pueden identificar sobre
desamor y el deseo de pasarla bien.
En el camino, el álbum hizo historia alcanzando
el No. 2 en la lista Billboard 200
en 2020, logrando la posición más alta de
la historia con un álbum completamente en
español. También logró la mayor semana de
streaming para un álbum latino y para un
título latino desde que Billboard comenzó
a rastrear álbumes por unidades equivalentes
en diciembre de 2014. En la lista Hot
Latin Songs, batió el récord de más entradas
de su carrera en la lista, colocando los
20 temas del álbum en la lista con fecha del
14 de marzo de 2020, lo que eleva su total de
entradas en la lista a un récord de 83, superando
los 74 éxitos del segundo clasificado,
Daddy Yankee. Además, con 3.300 millones
de streams, YHLQMDLG se convirtió en el
álbum de Spotify con más streams en todo el
mundo ese año.
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DENISE
LOCURA POR
EL CEMENTO
ROMANO
Dueña de un estilo único, la artista prepara un álbum que lanzará este año.
POR FLORENCIA MAURO | FOTOS: TUTE DELACROIX
En cada esquina de Buenos Aires, la música
callejera cobra vida. Entre las veredas desgastadas y
el bullicio de la ciudad, hay artistas que encuentran
su voz y su público. Para Denise Romano, la calle fue
su primer escenario y el inicio de un viaje que la llevó
de los rincones de Palermo hasta los venues más
importantes del país.
Así como Flor Álvarez se adueñó de los subtes
en la primera edición de Billboard Street, Romano
lo hizo con las calles de la ciudad en esta segunda
entrega. Florida y Perón marca la esquina donde se
presentó por primera vez y logró cambiar su vida
para siempre. Todo comenzó en aquella intersección,
donde la artista, con un amplificador recién
comprado (y todavía por pagarle a su papá), decidió
lanzarse a la aventura.
Las calles le dieron el temple, pero el talento la llevó
a escenarios más grandes. En 2019, presentó sus primeros
demos al reconocido productor Álvaro Villagra,
quien la invitó a grabar en el mítico Estudio del Abasto.
Poco después, Manuel Carrasco la eligió como telonera
en el Gran Rex, y Ciro y Los Persas la hicieron parte de
su show en el Teatro Ópera, donde interpretó "Amor de
Perros" y "Volar Despierto".
Pero quizás, uno de los momentos más impactantes
de su carrera ocurrió en una noche cualquiera en
Puerto Madero, cuando un espectador inesperado se
detuvo a escucharla. Chris Martin, líder de Coldplay,
se quedó a oírla interpretar "Fix You". "A día de hoy
no lo puedo creer, me cambió la vida. Que se haya
acercado a escucharme aquel día… Fue impresionante”,
recuerda.
Hoy, Denise se encuentra en plena producción de
su primer álbum, Locura Por El Cemento. Con influencias
del punk, el rap y el rock, este trabajo busca
capturar la esencia de la ciudad: "La gente, su locura,
las corridas, la depresión, la indigencia, el amor...
todo eso está plasmado en mis canciones". Visualmente,
el álbum propone un recorrido en tren que
desemboca en las calles, como si fuese un reflejo de
su propia historia.
A lo largo de un día completo - que finalizó con
un Meet & Greet junto a fanáticos de todas partes
de la ciudad, logramos hablar con Denise sobre sus
inicios, presente y futuro; además de realizar una
sesión fotográfica que retrata a la perfección su conexión
con el espíritu callejero.
SALTO A LA PROFESIONALIDAD
En 2019, la cantautora presentó sus demos compuestos
a Álvaro Villagra, que no dudó en abrirle las
puertas del legendario Estudio del Abasto, conocido
por ser la cuna de producciones significativas de
estrellas del Rock Nacional como Ciro y Los Persas,
Charly, Andrés Calamaro y demás. Este primer contacto
con la industria le permitió presentarse en el
Gran Rex como show apertura de Manuel Carrasco,
un espectáculo de una magnitud que hasta ese momento
Denisse no había experimentado.
Unos meses después, Ciro y los Persas no se quedaron
atrás y la invitaron a cantar "Amor de Perros"
en el Teatro Opera, donde fue ovacionada por el público
piojoso. Más tarde en ese show, Ciro la invitó
a cantar a dúo “Volar Despierto”, un recuerdo que
nunca podrá olvidar.
UN RECUERDO INOLVIDABLE
A lo largo de los años, Denise vivió muchas experiencias
enriquecedoras e inolvidables, pero sin
duda existe una que cambió su carrera para siempre:
el día que Chris Martin se acercó a escucharla cantar
“Fix You”. “Estaba en Puerto Madero y Chris Martin
se acercó para escuchar el tema entero. A día de
hoy no lo puedo creer, me cambió la vida. Para mí
Coldplay es una de las mejores bandas del mundo y
que se haya acercado a escucharme aquel día… Fue
impresionante”, recuerda.
PRESENTE Y FUTURO
Actualmente, Romano se encuentra grabando su
álbum debut, Locura Por El Cemento, que será presentado
este año. Un trabajo de punk, rap, rock que
estará acompañado por una propuesta visual que
comienza en un recorrido en tren y culmina en las
calles, como si reflejara su vida a través de la lente de
la cámara. "La gente, su locura, las corridas, la depresión,
la indigencia, el amor... todo eso está plasmado
en mis canciones", asegura la artista.
¿Recordás cuándo fue la primera vez
que tocaste en la calle?
Fue hace unos años en Florida y Perón, recuerdo
“
EN LA CALLE EMPECÉ A
CANTAR ROCK BRITÁNICO; VI
QUE CONECTABA MUY BIEN
CON LA GENTE Y TAMBIÉN ERA
UN GÉNERO QUE ESCUCHO
DESDE CHICA ”
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que estaba muy asustada. Le pedí a mi papá si me
compraba un amplificador para poder tocar, que
después se lo pagaba (risas). A los dos temas se
llenó de gente y se llenó el tarro de dinero, asi que le
pude pagar el amplificador a mi papá. Hoy sigo con
miedo antes de empezar a tocar, pero una vez que
empiezo, todo fluye.
¿En qué etapa artística te encontrás?
Estoy grabando mi primer álbum solista. Está
compuesto íntegramente por canciones compuestas
por mí, y por supuesto, mucho, mucho rock.
¿Qué nos podés contar de tu viaje a Madrid?
Fue una experiencia muy loca. Estaba en otro
país, otro continente… Pararme en una esquina,
empezar a cantar y que se llene de gente igual
que acá. Toqué muchas noches seguidas y pude
conocer muchísima gente. Fue una experiencia
muy loca porque sentí una especie de poder al
pararme a cantar y poder transmitirle lo mismo
al público sin importar el lugar.
¿Qué fue lo primero que cantaste?
En la calle empecé a cantar rock británico; vi
que conectaba muy bien con la gente y también
era un género que escucho desde chica. Después
empecé a agregar rock nacional y obviamente fue
un fuego instantáneo.
Para recaudar dinero usas un tarro rojo,
¿por qué ?
Hay algo que aprendí que tiene que ver con la recaudación.
Leí una vez que era bueno energéticamente
para la fluidez del dinero, que el tarro o el
pote sea de color rojo, y efectivamente es real. La
plata siempre en un tarro rojo es maximizador.
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BILLBOARD EN ALTO > FLORIAN
Florian protagonizó la última edición
El cantante se presentó con banda completa en Base FoodHall.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
L
uego de que Blair comenzara el ciclo a finales de 2024, Billboard en Alto recibió nombres como los
de Axel Fiks, Doble Valentina y 1915, artistas que se caracterizan por su cercana conexión con el público
y un repertorio con el que las cientos de personas que se acercaron cada edición al Alto Palermo no
dejaron de cantar.
Para finalizar esta primera etapa de Billboard en Alto, el shopping recibió a Florian, quien, con su banda completa,
interpretó 10 de sus mayores éxitos, entre los que navegó entre los ritmos tradicionales de un buen tango; la energía
del rock y la intimidad de un simple piano.
La carrera de Florian está dividida entre el protagonismo de ser guitarrista de los Fabulosos Cadillacs y sus trabajos
como solista, con la que estrenó su primer álbum de estudio a finales del año pasado, De Fábrica, y que presentó en
vivo en Niceto el pasado 7 de noviembre.
Repertorio
1. La Herencia
2. Ojalá Fuera Ficción
3. Naufragio
4. La Fe
5. De Fábrica
6. TKM
7. Fueron Tres Años
8. Porcelana
9. El Trono
10. Mi Amor Se Fue
FOTO: TUTE DELACROIX
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buena aceptación. Yo cuando estaba en algún
bar, en algún pub, pensaba que me gustaría que
mis canciones suenen ahí. Cuando yo me puse a
cantar esta canción, que originalmente era una
balada, sin darme cuenta empecé a meterle un
ritmo y mi productor me dijo “¿te estás dando
cuenta de lo que estás haciendo? Esto podría ser
una bachata”. Le digo,” hombre, no, ¿cómo va
a ser una bachata?”, y me dice, “esto puede ser
una bachata y te lo voy a demostrar”. Y bueno
así de repente nació esta canción. Yo quería que
fuera una nostalgia alegre por la letra, porque
habla de una despedida, pero desde la gratitud,
desde el decirle a alguien gracias por haberme
arrancado todo esto. De ahí las flores y el color
del videoclip porque quería transmitir un poco
eso… no esa tristeza ni esa negación, sino todo
lo contrario.
Es como que armaste toda una mini
película…
Total, si lo lleváramos a pantalla grande es una
historia que empieza y acaba.
¿Cómo viene el resto del álbum?
Ya está completo, ya estamos mezclando. La
fecha tentativa para el lanzamiento es entre
marzo y abril.
FOTO: SALVA MUSTE
> VANESA MARTIN <
“Estoy con
la energía
renovada”
La cantante presentó su nuevo
single “Objetos perdidos” y
anunció el lanzamiento de su
próximo álbum para el primer
cuarto del año
POR JULIAN MASTRÁNGELO Y
GABRIEL SOTELO
Vanesa Martín es una de las
artistas de España que con su música
ha logrado posicionarse en todos los
países hispanohablantes y ahora está
de regreso con un adelanto de su próximo disco.
La malagueña presentó “Objetos Perdidos”
en donde Vanesa asume el reto de fusionar sus
señas de identidad con sonoridades latinoamericanas,
como la bachata, en este caso, creando
una mezcla sorprendente; llena de carácter y
personalidad.
En diálogo con Billboard Argentina, Vanesa
contó cómo fue que presentó este novedoso
sonido, además de hablar de su desembarco en
su nuevo sello discográfico Universal Music.
Nuevo lanzamiento, nuevo año, nuevo
camino…
Es un momento muy especial para mí, con un
disco del que estoy enamorada, con un proceso
creativo que me ha provocado muchos ratos
inolvidables y que he disfrutado muchísimo.
Qué lindo que puedas también empezarlo
ahora bajo el sello de Universal Music
Muy agradecida a Warner por estos 16 años
de trabajo y de crecimiento, pero creo que este
cambio lo necesitaba y estoy con la energía
renovada, con mucha fuerza, con un disco que
viene cargado de raíz, de identidad, de esencia,
en el que he buceado más que nunca sobre
mí misma y mezclándolo con sonidos muy de
vanguardia, muy actuales.
“Objetos Perdidos” es tu esencia,
pero con ritmos latinos…
He buscado en mi presente y en mi pasado, he
mezclado la música que suelo escuchar con lo
que venía escuchando desde pequeña, con lo
que he escuchado en casa de mis padres. Por
eso alguna canción en el disco tiene aires de
copla. Pero sí es cierto que esta bachata nos está
dando muchas alegrías, que está teniendo muy
¿Y ahí se vendrá la gira?
La idea es en noviembre hacer una gira por
México y en primavera por Latinoamérica.
Tengo las redes sociales estalladas de la gente de
Argentina diciéndome que qué pasa, que por
qué este año no he ido a visitarlos. Yo amo Argentina,
es el primer país que visité después de
España con mi música y eso lo recordaré siempre.
Conecto mucho con el pueblo argentino.
¿Qué tan difícil es volver a arrancar
en una nueva compañía?
En los dos últimos años de mi vida he cambiado
parte de la banda con la que llevaba 14 años,
he cambiado de oficina de management y he
cambiado de discográfica. Te mentiría si te digo
que todo esto fue desde una calma absoluta,
te mentiría porque en mi cabeza había un
volcán de incertidumbre. Por un lado tenía las
decisiones claras, clarísimas, pero por otro lado
ya eran tantos cambios que pensaba, “me estaré
equivocando, se me habrá ido la cabeza”. Yo soy
una persona que no me quedo en donde creo
que ya no estoy, en donde mi energía no fluye y
en donde mi piel ya no me llama o en donde me
siento apagada, sin fuerzas. Yo soy una tía muy
vital, me levanto de buen humor, no tengo que
ponerme la alarma del reloj 20 veces para levantarme,
o sea que tengo buen carácter. Entonces
no soporto cuando algo no avanza conmigo al
mismo nivel. Yo creo que son cambios necesarios
del tiempo, de etapas, de energías, que
nadie es bueno, nadie es malo, nadie es mejor
ni peor, sino que a veces renovar es necesario.
Ahora veo que todo está súper bien colocado y
que todo ha salido increíblemente bien, porque
la banda nueva es un tiro, mi oficina nueva
estoy feliz, Universal me ha dado una libertad,
una fuerza, una energía, una seguridad, entonces
todo eso es un regalo del cielo.
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“La Ciudad” fue un antes y un después.
Yorghaki: Totalmente. Lo más gracioso es
que eso fue 48 horas después de habernos
conocido. No nos conocíamos personalmente,
y fue una locura que en tan poco tiempo hayamos
logrado capturar un concepto así.
Alleh: Trabajando con otros productores
nunca había vibrado tan bien y nunca había
sentido que las ideas salían tan fácilmente. Tenía
una idea en la cabeza y con Yorghaki pude
volcarlas rápidamente por primera vez.
¿Cómo recuerdan el momento dónde
se conocieron?
Yorghaki: Nosotros sabíamos quién era
el otro, por supuesto, pero nunca habíamos
coincidido. Cuando nos vimos supimos instantáneamente
que teníamos que trabajar juntos.
Alleh: Esto fue hace dos años, no pasó mucho
tiempo.
¿Cuál fue el mejor momento que vivieron
en este último tiempo?
Yorghaki: Recuerdo un show, de los primeros
grandes que hicimos… Todavía no había
salido “Capaz” pero nos dimos cuenta que el
proyecto ya había cobrado vida y todo lo que
trabajamos empezó a cobrar sentido.
Alleh: El público estaba gritando, algunos
incluso llorando porque nos veía… Es algo que
no voy a olvidar.
> ALLEH Y YORGHAKI <
El estreno de
La Ciudad y
su proyección
internacional
Hablamos con el dúo sobre su
presente y su visión a futuro.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
El dúo de artistas venezolanos
Alleh y Yorghaki se convirtieron en la
sensación del momento en España y
la escena de habla hispana gracias a su
álbum debut La Ciudad - que vio la luz el pasado
24 de diciembre -.
Este álbum, producido junto a Manuel Lara,
es un trabajo donde el pop, el folklore y el
género urbano se unen para demostrar que
la unión de ambos artistas no fue casualidad.
“Empezamos a trabajar el concepto del disco a
48 horas de habernos conocido… Todo se dio
muy natural”, compartieron los artistas en conversación
con Billboard Argentina.
“Capaz” es uno de los temas presentes en La
Ciudad, y se convirtió en un éxito instantáneo,
acumulando más de 50 millones de reproducciones
en plataformas digitales. Estrellas como
Aitana, Manuel Turizo o Lola Lolita compartieron
en sus redes sociales esta canción,
convirtiéndola así en un fenómeno también en
plataformas como Instagram o TikTok.
Felicidades por su año chicos, ¿cómo
se sienten con lo que están logrando?
Yorghaki: Estamos muy contentos por todo
lo que está pasando. Estamos llevando el concepto
del álbum al mundo entero.
¿Estrenaron los singles pensando en
La Ciudad o iban paso a paso?
Alleh: Desde siempre paso a paso, viviendo
el momento. Sí es cierto que desde la primera
canción teníamos la idea de un proyecto más
grande como lo es este disco, y desde que
sacamos “La Ciudad” nos dimos cuenta de
que teníamos que hacerlo. Esa canción es la
primera del álbum y marca el concepto de
cómo nos conocimos y nuestra conexión con
la ciudad.
¿Qué canción le recomendarían a alguien
que no haya escuchado todavía
La Ciudad?
Yorghaki: El que recomendaría hoy sería
“Tranqui, Te Puedes Enamorar”. Es un tema
muy diferente a la vibra del disco, pero siento
que uno podría decir: “Ah mira, sí, está cool”.
Alleh: Pues mira, a mí me gustaría que lo
escucharan desde el principio para que les
encuentren el sentido a todas las canciones.
Van a escuchar un montón de sonidos y le
encontrarán el sentido a “Tranqui, Te Puedes
Enamorar”.
Son canciones muy románticas, ¿quién
se encarga de escribirlas y componerlas?
Alleh: A veces hay letras que puedes inventar
y vives el momento… Pero Yorghaki es una
persona que no sólo vive el momento sino que
los redacta con tanto detalle que es imposible
no sacar una canción de ahí. Es muy bueno
redactando historias de amor.
¿Cómo empezó su relación como dúo?
Yorghaki: Siempre hubo muy buena sinergia.
Tenemos vibras parecidas y eso hace que
fuera fácil trabajar.
Alleh: Unir dos carreras separadas en un
proyecto fue lo más especial de todo. Cada
quien tiene su parte y es hermoso, lo más
bonito sin duda.
¿Tienen ganas de venir para Latinoamérica
y sonar en Argentina?
Alleh: Estamos locos por ir para su país,
tenemos que ver cómo estamos ahí en cuanto a
oyentes, pero espero que no falte mucho. .
FOTO: SALVA MUSTE
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FEBRERO 2025

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> ASIER <
“Argentina
formará parte
de World
Series”
El cofundador de Urban Roosters
habló sobre el presente del
freestyle a nivel global y el éxito
de la World Series.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
Freestyle Master Series (FMS) se
convirtió en un fenómeno global gracias
a la búsqueda constante de reinventar
el freestyle y llevarlo a fronteras
inexploradas. Bajo esta premisa, Urban
Roosters estrenó a finales del año pasado un
nuevo formato que logró atraer nuevo público
y reafirmar la confianza de viejas generaciones:
FMS World Series.
El campeonato está formado por cinco fechas,
que pasaron por ciudades como La Paz,
Bogotá, Santiago de Chile, Monterrey y finalmente
Madrid, donde World Series cerró el
pasado 18 de enero.
Chuty, Aczino y Gazir fueron los tres freestylers
que llegaron a la Final con posibilidades
de campeonato, pero finalmente, Chuty, luego
de vencer a El Menor fue quién se quedó con
el título de Primer Campeón de FMS World
Series. Asier, cofundador de Urban Roosters y
organizador del evento, dio su opinión sobre la
final, el nuevo formato y la proyección de los
jóvenes freestylers: “Es importante que haya
referentes jóvenes como Larrix, El Menor o
Mecha para que las nuevas generaciones se interesen
nuevamente en el freestyle”, compartió.
Además, confirmó una nueva edición de
World Series para finales de 2025 y dio la posibilidad
de que llegue a Argentina, país que no
tuvo fecha en esta primera entrega.
¿Cómo ves la escena de FMS? ¿Sentís
que está viviendo una buena época?
Creo que World Series fue un éxito y de alguna
manera funcionó para impulsar las ligas nacionales.
Lo sentimos en los viewers y también los
cortes de tickets en cada una de las ediciones.
Vivimos un buen momento con un impacto
favorable para el freestyle.
Consiguieron mezclar generaciones
de leyendas con nuevas promesas.
Le dimos muchas vueltas al formato cuando
volvimos a la dirección de la compañía en Julio.
Pudimos poner en marcha las ideas que teníamos,
pero no había mucho tiempo, casi en
un mes bajamos todo el proyecto. En cuanto
termine la gira ya nos vamos a dedicar 100% a
la nueva edición de World Series que haremos
en noviembre y diciembre de este año. Aprovecharemos
el tiempo para buscar mejoras,
traer algún freestyler más leyenda todavía…
Tendremos más tiempo para mejorar todo.
¿Argentina está en sus planes para la
nueva temporada?
Argentina era uno de los sitios que queríamos
ir sí o sí, pero por ciertas cuestiones no
pudimos concretarlo. Es una de las locaciones
donde tenemos que estar, si no es este año, será
el siguiente 100% seguro.
Como organización, ¿cómo les influye
tener freestylers jóvenes como
Larrix o Mecha que puedan competir
mano a mano con leyendas como
Chuty o Aczino?
Los referentes son fundamentales en cualquier
tipo de disciplina. Creo que Aczino y Chuty
cumplieron esa función de ser referentes para
diferentes generaciones, y ahora freestylers
como El Menor, Mecha, Larrix, Gazir y toda
la nueva generación están yendo a ocupar su
lugar. El Menor, por ejemplo, es un chico muy
joven pero su ascenso hasta el campeonato
hizo que como organización notamos un rejuvenecimiento
en nuestro público. Entendemos
que la aparición de estos jóvenes referentes
impacta en el nuevo público que tiene esa
proyección de “quién querer ser”, por lo que
son importantísimos para nosotros.
¿Por qué crees que son tan buenos
Chuty, Gazir y Aczino?
El caso de Gazir es algo para estudiar, la rapidez
mental que tiene ese chico no es normal.
Tiene un coeficiente intelectual muy por
encima de la media, evidentemente. En el caso
de Chuty y Aczino se mezcla el talento natural
con una experiencia de casi 18 años. Aczino
tiene una magia en directo… Solo con su
presencia notas que es especial. Son freestylers
que tienen todas las habilidades posibles. Quizás
un día no están tan lúcidos en flow pero
lo compensan con otra cosa, no tienen puntos
débiles. Todos los freestylers de la liga son muy
buenos, pero ellos dos tienen algo especial
muy difícil de describir.
FOTO: GENTILEZA URBAN ROOSTERS
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75 años de Luis
Alberto Spinetta
Un genio musical siempre a la
vanguardia.
POR ANTONELLA LOPREATO
E
l 23 de enero de 1950 marca una
fecha importante en el calendario nacional:
el nacimiento de Luis Alberto Spinetta. Un
músico, poeta y visionario que transformó
para siempre el rock en español. Si hubiera que definirlo
con una palabra, sería "pionero". Con su pluma y su guitarra,
“El Flaco” creó canciones que son parte de nuestra
identidad cultural. Hoy, al conmemorar lo que habría
sido su 75º cumpleaños,nos introdujimos en la obra de
un artista que no sólo hizo música, sino que también nos
enseñó a vivirla, a sentirla y a pensarla.
Nació en el barrio porteño de Núñez, en una familia
con una fuerte inclinación musical. Su padre, cantante
de tango, y sus tíos, trabajadores del sello Columbia
Records, lo rodearon de melodías desde chico. Fue así
como, impulsado por su entorno, el adolescente debutó
en el programa televisivo Escala Musical, interpretando
temas de Palito Ortega y Javier Solís. Sin embargo, fue un
año más tarde, cuando escribió "Barro Tal Vez", donde se
evidenció su sensibilidad artística. Esta pieza ya contenía
el germen de su estilo: una lírica poética e introspectiva
que lo distinguiría de los demás artistas.
Su carrera se dividió en múltiples etapas. En los años
60 y 70, fue el motor creativo detrás de bandas como
Almendra, Pescado Rabioso e Invisible, agrupaciones
que ampliaron el sonido del rock argentino al incorporar
elementos de hard rock, blues y rock progresivo. Durante
los años 80 y 90, Spinetta lideró otros proyectos, como
Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto, mientras
seguía construyendo una carrera solista con álbumes
que exploraban el jazz, el pop y la electrónica.
A continuación, una selección de 10 discos para
rendir homenaje a Spinetta, cuya fecha de nacimiento
fue elegida, con justo reconocimiento, como el Día del
Músico en Argentina.
ALMENDRA | ALMENDRA (1969)
En noviembre de 1969, el panorama musical argentino se vio
alterado con el lanzamiento de Almendra I (lanzado por RCA
VIK, actualmente Sony Music Entertainment Argentina S.A),
el primer álbum de la banda homónima. Con una portada
sencilla, el disco fue el primer paso de un grupo de jóvenes
que, sin saberlo, cambiarían para siempre la historia nacional.
En un escenario dominado por grupos como The Beatles
y The Rolling Stones, Spinetta, Edelmiro Molinari, Emilio del
Guercio y Rodolfo García presentaron una obra que mezclaba
las influencias anglosajonas con una poesía arraigada en la
realidad local.
PESCADO RABIOSO | ARTAUD (1973)
En medio de la agitación política de 1973, “El Flaco”
presentó Artaud (lanzado por Talent-Microfón, actualmente
Sony Music Entertainment Argentina S.A), una obra que
revolucionó por completo todo aquello que conocíamos
musical, estética y comercialmente en la época. Aunque
técnicamente atribuido a Pescado Rabioso, el disco es un
proyecto personal de Spinetta (en colaboración con su
hermano Gustavo, Del Guercio y García), concebido como un
homenaje al poeta y dramaturgo francés Antonin Artaud y
su visión artística. Desde su formato físico - una portada
asimétrica diseñada por Juan Gatti - hasta su contenido, el
trabajo se posicionó como un acto de rebeldía. Con apenas
36 minutos y 20 segundos de duración, plasma en sus
letras la fragilidad humana, en una especie de denuncia a la
alienación de la sociedad.
INVISIBLE | INVISIBLE (1974)
El debut homónimo de Invisible (lanzado por Talent-Microfón,
actualmente Sony Music Entertainment Argentina S.A)
consolidó a Spinetta como un pionero del rock progresivo
en Argentina. Junto a Carlos "Machi" Rufino en el bajo y
Héctor "Pomo" Lorenzo en la batería, el trío construyó una
obra de sonido refinado, fusionando elementos de jazz y
rock sinfónico. El álbum marcó el inicio de una breve pero
trascendental etapa en la carrera del artista. Invisible se
destacó por su delicadeza instrumental y por la profundidad
de su poesía, un sello que caracterizaría al grupo hasta su
disolución en 1977.
INVISIBLE | DURAZNO SANGRANDO (1975)
Con influencias de la filosofía de Carl Jung y el taoísmo de
El secreto de la flor de oro, Durazno Sangrando (lanzado por
CBS, reedición de Columbia/Sony Music Entertainment) se
presenta como una obra que va desde el jazz-rock hasta el
surrealismo sonoro. Formado por el mismo cantautor, Machi
Rufino y Pomo Lorenzo, el trío Invisible publicó el disco en
plena efervescencia política y social en Argentina durante
el año 1975. El título, tomado de una de las canciones del
álbum, no solo se refiere al tema principal de la placa, sino
también a la visión introspectiva del artista sobre la vida
y la muerte, representadas en sus letras como el "Ánimus"
y el "Ánima". El trabajo generó controversia tanto por su
contenido experimental como por su portada, que fue censurada
en 1976 por su simbolismo, considerado subversivo en
ese contexto.
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LUIS ALBERTO SPINETTA
A 18’ DEL SOL (1977)
Lanzado en 1977, A 18’ Del Sol (lanzado por CBS, reedición de Columbia/
Sony Music Entertainment) representa un punto de quiebre en la carrera
de Luis Alberto, quien por fin da rienda suelta a su faceta solitaria, alejándose
del rock convencional. Aunque este álbum es conocido como el
"disco solista" del autor, es también un testimonio de su búsqueda por
nuevas formas de expresión musical. Con un título que hace referencia
a la distancia entre la Tierra y el Sol en minutos luz, el trabajo se distingue
por su serenidad, que contrasta con los horrores que atravesaba
Argentina bajo la dictadura militar. Esta obra, como muchas de las de
Spinetta, plantea una resistencia sutil, quizás más por su belleza que
por su confrontación explícita.
SPINETTA JADE
ALMA DE DIAMANTE (1980)
Siete canciones bastaron para que Spinetta creara Alma de
Diamante (lanzado por Ratón Finta, actualmente Sony Music Entertainment),
un disco que fusiona el jazz con las influencias del
chamanismo, extraídas de las obras del antropólogo Carlos Castaneda.
El álbum marcó el inicio de una nueva etapa en la carrera del
cantante, quien se rodeó de músicos como Héctor "Pomo" Lorenzo,
Juan del Barrio, Diego Rapoport y Beto Satragni.
A pesar de que la banda tuvo una corta existencia, su primer álbum
fue celebrado por críticos y fanáticos como una de las piezas más
importantes del autor.
SPINETTA JADE
LOS NIÑOS QUE ESCRIBEN EN EL CIELO(1981)
Los Niños Que Escriben En El Cielo (lanzado por Ratón Finta,
actualmente Sony Music Entertainment) es el segundo disco
de estudio de Spinetta Jade, una obra que acompañó la
transición del artista hacia los años 80, fusionando jazz, rock
y poesía urbana. Con una alineación renovada que incluyó a
Leo Sujatovich, Frank Ojstersek, Pomo Lorenzo, Rapoport y el
propio Spinetta, la banda logró afinar su sonido caracterizado
por la presencia de dos teclados.
LUIS ALBERTO SPINETTA | KAMIKAZE (1982)
Kamikaze (lanzado por Ratón Finta, actualmente Sony Music
Entertainment), el quinto álbum solista, se presenta como una de las
obras más complejas de su carrera, lanzado en un momento crítico de
la historia argentina: durante la Guerra de Malvinas. A pesar de que el
disco fue grabado antes de abril de 1982, su contenido parece anticipar,
de manera inquietante, los horrores y sacrificios inherentes al
conflicto bélico. Con un marcado carácter acústico, reúne canciones
de diversas épocas, desde la adolescencia de Spinetta, como "Barro
Tal Vez", hasta composiciones que no llegaron a formar parte de sus
proyectos anteriores.
Si bien las melodías no fueron creadas con la guerra en mente, su
publicación en pleno conflicto les otorgó una nueva resonancia.
Temas como "Y Tu Amor Es Una Vieja Medalla" o "Águila De Trueno,
Parte ll" fueron interpretados como una crítica a la desilusión
que los jóvenes combatientes experimentarían al regresar del
frente de batalla. Spinetta, a través de su poesía, dejó clara
su postura pacifista y de rechazo a la muerte innecesaria, aún
cuando las canciones eran más bien un eco de vivencias pasadas
LUIS ALBERTO SPINETTA
DON LUCERO (1989)
Don Lucero (lanzado por Del Cielito
Records, actualmente Sony Music Entertainment),
lanzado en 1989, es el noveno
álbum de estudio de Luis Alberto como
solista. En este disco, el artista revela su
maestría en la composición y ejecución.
El contexto en el que se lanzó el álbum
también fue llamativo: mientras Argentina
atravesaba una crisis económica marcada
por la hiperinflación y la transición hacia
un gobierno democrático, el disco refleja
un clima de incertidumbre global, con el
final de la Guerra Fría y la disolución de la
Unión Soviética.
LUIS ALBERTO SPINETTA
SPINETTA Y LOS SOCIOS DEL
DESIERTO (1997)
En 1997, Luis Alberto sorprendió al mundo con un álbum
doble que marcaría su regreso al formato de trío, acompañado
por Marcelo Torres y Daniel Wirtz. Spinetta y Los
Socios del Desierto (Sony Music Entertainment Argentina
S.A) fue un desafío directo a la industria discográfica,
que vivió uno de sus episodios más intensos con el
músico. El trabajo, grabado de forma independiente en el
estudio La Diosa Salvaje, es un testamento de su libertad
creativa. Spinetta, indignado por las ofertas “mediocres”
de las discográficas, dejó claro en un comunicado su
postura contra un sistema que mercantilizaba el arte. El
artista enfatizó que su obra no se vería opacada por las
dinámicas comerciales, incluso si eso significaba buscar
alternativas para su distribución.
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> LOS AUTÉNTICOS DECADENTES <
Celebrar 40 años
de historia
Gustavo "Nito" Montecchia reflexiona sobre el
presente y futuro de la banda.
Si el arte es un espejo
de la vida, Los Auténticos
Decadentes son el reflejo
más fiel de la celebración.
A lo largo de casi cuatro décadas, su
obra se transformó en el cancionero
popular. ¿Quién no entonó con el
corazón en la garganta “Loco (Por Tu
Forma de Ser)" en una madrugada de
encuentros y despedidas? ¿Quién no
saltó al ritmo de "La guitarra" o "El
Murguero", sintiendo que la música
es, en última instancia, un acto de
comunión? Son esas canciones que,
como un ritual, se cantan en estadios,
en reuniones familiares y en la intimidad
de los recuerdos que nos definen.
Sin embargo, reducir a “Los Decadentes”
a una banda de fiesta sería
ignorar la profundidad de su carrera.
Su trayectoria no solo fue acompa-
POR ANTONELLA LOPREATO
ñada por el amor del público, sino
también por el respeto de colegas de
todos los géneros. Desde Luca Prodan
hasta Andrés Calamaro, desde
Fito Páez hasta Rubén Albarrán.
En México, se convirtieron en una
suerte de banda nacional adoptiva,
llenando venues como el Palacio de
los Deportes y el Auditorio Nacional
con la misma facilidad con la que
enamoraron a las noches porteñas.
En vísperas de su 40° aniversario,
celebraron a la altura de su historia
con un show en el Cosquín Rock que
tuvo todo eso que ellos representan:
diversión, buena música, colaboraciones
y pura fiesta. En pleno festival,
Gustavo “Nito” Montecchia,
guitarrista y fundador de la banda,
reflexiona sobre este momento clave
en su trayectoria.
Pasaron por varios Cosquín
Rock a lo largo de los años.
¿Hay alguna anécdota que
recuerdes con cariño de esos
festivales?
Una vez hicimos un show unplugged
en una carpa, y eso fue una locura.
Era algo completamente diferente.
La carpa estaba armada y tocábamos
de forma acústica, lo que generaba
una atmósfera muy particular, casi
como un ritual. Fue una experiencia
súper íntima, a pesar de estar en
un festival tan grande. Ese show lo
hacíamos en teatros más pequeños,
y tocarlo en una carpa, dentro de un
evento masivo, fue algo único. La
gente estaba completamente entregada,
mientras nosotros estábamos
tocando acústico, ¡fue increíble!
Tenemos muchas anécdotas. Estuvimos
en distintas ediciones y
siempre compartimos escenarios y
camarines con diferentes bandas.
Una de las bandas amigas con las
que siempre nos encontramos es
Babasónicos. Siempre coincidimos
en el escenario, en el camarín al
lado… es como un punto de encuentro
para nosotros.
En los festivales, los artistas
también se comportan como
público. ¿Cómo te comportás
vos cuando tenés tiempo libre y
no estás arriba del escenario?
Uno de los aspectos que más nos
gusta de tocar en un festival es poder
ir a ver a otras bandas. Es algo que
realmente disfrutamos, y quizás
también sea porque es nuestra oportunidad
para hacerlo, ¿no? Verlas,
vivir la experiencia, conocer cómo
se manejan en el escenario. A veces
tenemos que cerrar el festival, así
que aprovechamos y vamos antes, o
en otras ocasiones nos quedamos a
ver a la banda que viene después de
nosotros.
Ver una banda en vivo es una
experiencia única. Podés escuchar
su música, pero es en el escenario
donde realmente te muestran lo
que son. La gente sigue yendo a los
recitales porque la experiencia es
distinta, es algo que no se puede vivir
desde casa escuchando un disco.
Los festivales, con su diversidad, te
dan la posibilidad de elegir entre
varios escenarios, y la calidad artística
siempre es impresionante. Aunque
no siempre estás seguro si una
banda te va a gustar, te recomiendo
que vayas y la veas. Esas sorpresas
que te llevas a veces son increíbles.
A mí me ha pasado de ver bandas
que no conocía y luego terminar escuchando
toda su música.
FOTO: GENTILEZA COSQUÍN ROCK
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> MARINA RECHE <
“Hay una
gran conexión
entre
Argentina y
España”
La artista española se
presentará en Lollapalooza
Argentina
POR GABRIEL SOTELO
En mayo del año pasado Marina
Reche debutó en Argentina con dos
shows sold out en la Trastienda en el
que repasó sus primeros pasos de su
carrera solista. Con un público eufórico, como
acostumbra el país, la española agradeció y se
despidió asegurando volver pronto.
Lo que Marina no imaginó en aquel entonces
que su vuelta al país para un concierto
sería parte de Lollapalooza Argentina y con
una carrera que despegó llegando a números
impensados.
Es que la oriunda de Elche logró posicionarse
tras una viralización en TikTok y logrando
más de 17 millones de reproducciones en
Spotify, de las cuales más de trece son de su
canción “Mil preguntas”.
En el 2018 la joven fue una de las tantas
aspirantes a participar de Operación Triunfo
España, junto a su hermana Alba, quién fue finalista
del certamen -y comenzó su carrera de
la que Marina fue su corista durante las giras
de Quimera (2019) y de La pequeña semilla
(2021)-.
En el 2022, Marina decidió dar comienzo a su
carrera solista y presentó "No fue así”, un sencillo
que la consagró como una de las figuras emergentes
más magnéticas de la escena española.
Las letras pegadizas y las historias sinceras
encontraron en Marina una explosión absoluta
en TikTok en donde se viralizaron y logró
conquistar a cientos de fanáticos. La fama en
Argentina le llegó de la mano de “Mil preguntas”,
canción que fue versionada por Q’ Lokura
y Luck Ra en formato cuarteto.
Tras su show en el Lollapalooza Argentina
2025 -el domingo 23 de marzo-, Marina Reche
es una de las sideshows y estará en el Teatro
Vorterix el 28 del mismo mes siendo el último
show en el marco del festival que cumple 10
años en el país. La española cerrará su gira “Lo
He Intentado Tour” con un show íntimo en el
que repasará todos sus éxitos.
En una visita a Argentina, Marina Reche
estuvo de invitada en Oye Billboard y contó las
sensaciones de este presente, además de cómo
fue descubriendo el éxito rotundo de “Mil
preguntas”, sumado a las repercusiones de su
exitoso último disco.
¿Qué es el disco Oscuridad en tu vida?
Oscuridad es el lado más vulnerable de la Marina
humana. La cara A y la B de mis vivencias.
¿Cómo es escribir tantas canciones
tristes?
Para mí es mucho más fácil escribir canciones
tristes porque recuerdo muy bien los detalles
de esas vivencias. He intentado escribir
canciones más alegres, pero se me hacen más
complicadas. El resumen de Oscuridad son
mis vivencias del último año.
¿Cómo viviste el éxito de “Mil
Preguntas”?
Esta canción no quería sacarla tan pronto porque
contaba de manera muy íntima y cercana
mi vida. Decidí sacarla y ahora veo cómo la
gente se las llevó a sus historias y vivencias. Esa
canción es lo más literal que he escrito nunca,
fue contar lo que pasó y fue una terapia para
sanar la vivencia. Me ayudó a salir del paso.
¿Cómo aparece la versión de cuarteto?
No tenía idea qué era el cuarteto y la cumbia
desde lo orquestal. Me escribieron de Q’Lokura
y me preguntaron si podían hacer la versión
de la canción. Cuando la escuché y vi la revolución
que estaba haciendo fue muy chocante
porque yo esa canción la lloraba en mi cuarto
y ahora es para bailar. Cuando vine en mayo
terminamos el show haciendo la versión de
cumbia y la bailamos toda, se disfruta de otra
manera, es curar la historia desde otro punto.
¿Cómo vivís la conexión entre España
y Argentina?
Que tantos artistas argentinos están llegando
a España y los quieran, lo mismo que al revés,
es sorprendente y algo muy hermoso. Hay una
gran conexión entre ambos países.
¿Cómo es tu relación con tu familia y
amigas?
Me siento muy acompañada, han vivido todos
mis procesos más dolorosos entonces cada
canción la viven como si fuera suya. Me siento
muy agradecida y acompañada por todo mi
círculo. Ahora podré estar en el Lollapalooza
Argentina y es una locura realmente, tan así
que hasta mis amigas cruzarán el charco para
venir a acompañarme a esta fecha. Vendrán
mi madre, mi familia y mis amigas.
¿Cómo es tu relación con tu hermana,
de quien fuiste corista?
Ha sido bonito que pueda haber comenzado
mi carrera acompañando a mi hermana, me ha
ayudado a soltar miedos. Ahora es un momento
muy lindo en el que cada una va con su proyecto,
pero juntas de la mano acompañándonos.
FOTO: FEDE ROMANO/ OYE BILLBOARD
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FEBRERO 2025

tech
CES 2025: las últimas
novedades en música
y tecnología
Del 7 al 12 de enero tuvo lugar en Las Vegas la feria tecnológica más
importante del mundo.
E
l Salón de la Electrónica
de Consumo (CES
por sus siglas en inglés)
se convirtió, a lo largo
de los años, en la vidriera perfecta
para que las marcas más poderosas
de la industria tecnológica marquen
el camino de las tendencias y muestren
sus últimos productos frente a
los ojos del mundo.
La última edición abrió sus
puertas en el Centro de Convenciones
de Las Vegas desde el 7 hasta
el doce de enero y dejó ver novedades
que marcarán tendencia a lo
largo del 2025 y los años a seguir,
sobre todo en la música.
En esta nota vas a poder encontrar
tres productos que se destacaron
en la convención, como los nuevos
altavoces de Will.i.am y LG, la nueva
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
generación de FiiO y la última actualización
de YouTube.
will.i.am y su alianza con LG
will.i.am y LG Electronics presentaron
su nueva línea de productos de
audio de altavoces y auriculares Bluetooth
en CES 2025. Este lanzamiento
marca el debut de la línea "Xboom by
will.i.am" luego de su anuncio oficial
a principios de diciembre.
LG nombró recientemente a will.i.am
como el "Arquitecto Experiencial"
de la marca LG xboom, con
el objetivo de establecerla como una
marca “vanguardista en la cultura que
eleva la experiencia auditiva a nuevas
alturas a través de valores de sonido y
diseño completamente nuevos.”
Todos los productos de audio
"xboom by will.i.am" están sintonizados
profesionalmente por will.i.am,
ofreciendo el sonido característico
de xboom, caracterizado por
un perfil de audio más equilibrado
con tonos más cálidos.
"Trabajar con el renombrado innovador
en tecnología y estilo de vida,
LG, abre la puerta a experiencias innovadoras
y dinámicas que hablan a una
comunidad más amplia de entusiastas
de la música", dijo will.i.am.
La máxima fidelidad de audio con los
FiiO de nueva generación
FiiO es una marca china que desde
hace algunos años está involucrándose
cada vez más en los equipos de audio
de alta fidelidad, y en CES 2025 demostró
sus avances con la línea S25.
El Streamer S15 lidera la nueva
generación con su capacidad de reproducción
de archivos de hasta 32
bits/384kHz y DSD256, junto a un
sistema de purificación de audio digital
personalizado que garantiza la
mayor fidelidad de audio posible.
La ventaja de este equipo es su conectividad,
ya que ofrece compatibilidad
con AirPlay 2, Tidal, Spotify,
Amazon Music y Deezer, además de
una pantalla táctil de 20 centímetros.
Además, la marca integró en este
equipo algunas de las características
que destacaron en su anterior modelo,
el R7, como el sistema DAPS exclusivo
que elimina el jitter digital y
se complementa con las tecnologías
de transmisión inalámbrica aptX
Adaptive y LDAC.
Por otro lado se estrenó el amplificador
K17, que mejora la gama
de amplificadores de la marca con
una potencia de 8.000 mW y que
busca marcar un antes y un después
en el mercado.
Google apuesta a la música: nuevas
funcionalidades de YouTube Premium
Durante su exposición en Las Vegas,
Google confirmó que los usuarios
de YouTube Premium contarán
con audio a 256kbps, permitiendo
así disfrutar en su totalidad de la
música subida a la plataforma. Esta
mejora estará aplicada a todos los
videoclips que se encuentren dentro
de YouTube hasta la fecha, algo
que permitirá a los artistas poder
desplegar la mayor calidad en ellos
y hacer que el público los disfrute
como fueron pensados.
Además, agregaron ciertas funcionalidades
para los usuarios de iOS,
como poder ver Shorts mientras
realizan otras acciones, tanto dentro
de YouTube como en el resto de las
aplicaciones del equipo..
FOTO: GENTILEZA LG GLOBAL
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Cosquín
25 AÑOS A PURO ROCK
Todo lo que sucedió en el “Woodstock argentino”.
POR ANTONELLA LOPREATO
FOTO TUTE DELACROIX

L
o que comenzó como
un sueño casi utópico
a principios del siglo
XXI, cuando la música
en Argentina buscaba nuevas
formas de resistencia, terminó
convirtiéndose en una de las citas
más emblemáticas del calendario
cultural del país. Era 2001 cuando
el festival encendió su primera hoguera
en la plaza Próspero Molina,
bajo la producción de José Palazzo,
el mismo suelo que décadas
atrás había sido testigo del nacimiento
del folklore como estandarte
nacional. Pero esta vez, las
guitarras eléctricas, las baterías y
las voces rasgadas de una generación
con sed de catarsis tomaron
el escenario.
Pocos imaginaban que, dos décadas
después, aquel evento que
soñaba con vender 2.000 entradas se
transformaría en una verdadera ciudad
del rock, instalada en el aeródromo
de Santa María de Punilla, con
más de siete escenarios y un centenar
de artistas en escena. Pasaron leyendas
consagradas, bandas que encontraron
en este evento su plataforma
de lanzamiento, despedidas que
quedaron grabadas en la memoria de
todos y reuniones inesperadas que
desataron ovaciones. Pero más allá
de los nombres y los números, Cosquín
Rock es un lenguaje propio, un
espacio de comunión donde la música
no entiende de etiquetas y donde
cada edición es un capítulo más de
un relato que se sigue escribiendo.
Así, lo que en sus inicios fue una
celebración exclusiva del rock, hoy
se abre a nuevas sonoridades: el trap,
la electrónica y el blues encontraron
su propio espacio en una grilla que
expone la diversidad de una escena
en constante cambio. Y este año, el
evento celebró su 25ª edición con la
misma mística de siempre.
Día 1
Divididos, Los Auténticos Decadentes,
Ratones Paranoicos y más
La lluvia y el calor en Santa María de
Punilla no tuvieron piedad. Apenas
unas nubes ofrecieron respiros pasajeros.
Pero ni los 35 grados marcados
por el termómetro, ni la tierra resbaladiza
que dificultaba cada paso,
lograron frenar el ánimo de las más
de 100 mil personas que llenaron el
Cosquín Rock 2025 en su primera
jornada. Porque al fin y al cabo lo
que importa es la música y la comunión
de generaciones que se dan cita
en este ritual del rock.
El sábado 15 de febrero, el aeródromo
se llenó de emociones. Los
veteranos, con remeras de sus ídolos
descoloridas por los años, se acomodaron
en su hábitat natural, listos
para corear los himnos de Ratones
Paranoicos y sentir el vértigo de Divididos.
A su lado, una nueva camada
de seguidores, ansiaba la llegada
de Dillom y Wos. No hubo grietas
ni tensiones. Al contrario, en este
festival cada vez más heterogéneo,
el mestizaje musical es el verdadero
protagonista.
La inmensidad del predio acogió
seis escenarios. A las 16:30 horas, un
aplauso tímido comenzó a elevarse
desde el Escenario Sur. Los Tipitos
empezaron su set con una propuesta
que celebraba sus 30 años de trayectoria,
y los 25 de Armando Camaleón.
Mientras tanto, en el Escenario
Norte, el rock nacional latía más
fuerte que nunca. Hilda Lizarazu,
recibía a una audiencia que buscaba
revivir clásicos y rendir homenaje a
una de las estrellas más queridas del
género: Charly García.
En el epicentro del ritual, Los Auténticos
Decadentes desplegaron su
festividad melódica, sumando al escenario
a Diilom, quien se unió para
cantar "Los Piratas". Mientras que
Las Pastillas del Abuelo, con su furia,
encendieron el pogo más fuerte de
la noche.
A continuación, 5 momentos
destacados:
1. Hilda Lizarazu rinde tributo a
Charly García
Lizarazu convirtió el Escenario
Norte en un homenaje a uno de los
grandes del rock nacional: Charly.
Con su "propio circo" montado en el
festival, la música y amiga del prócer
del rock reinterpretó sus canciones
más memorables. "Somos todos
raros”, afirmaba la artista dando pie
a una de las primeras canciones de
la tarde “Raros Peinados Nuevos”.
El público bailó, cantó y lloró. De la
mano de su esposo Lito Vitale, demostró
que está a la altura de uno de
los más grandes del rock.
2. Babasónicos y un setlist sin
sorpresas, pero infalible
El Escenario Sur se transformó en
una pista de baile cuando Babasónicos
tomó el control. Sin grandes
innovaciones en su setlist, la banda
apostó por lo seguro y acertó de lleno.
"Cómo eran las cosas", "Yegua"
e "Irresponsables" fueron cantadas
por una multitud que encontró en la
banda el soundtrack perfecto para
una noche cargada de romance. A
pesar de su conocida obsesión por la
puesta en escena, esta vez el protagonismo
recayó en la música misma.
3. Airbag y la energía del rock
contemporáneo
Mientras Babasónicos tocaba en
el Sur, Airbag encendía el Escenario
Norte, obligando al público a dividirse
entre dos de las bandas más
convocantes del festival. Con un show
explosivo, los hermanos Sardelli reafirmaron
su posición como una de las
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grandes apuestas del rock actual.
4. Dillom: la irreverencia hecha
show
Dillom es un amante de lo disruptivo.
Y su show en Cosquín Rock no
fue la excepción. Con un recital que
osciló entre el trap y el rock psicodélico,
deslumbró con una narrativa
deconstructiva que alcanzó su
clímax en "Post Mortem". La puesta
en escena fue acompañada por la actuación
del artista que dejó a Dylan
León Masa de lado para entrar por
completo en personaje.
5. El ritual de los Ratones
Paranoicos
El cierre de la primera noche en
el Escenario Sur estuvo a cargo de
Ratones Paranoicos, quienes demostraron
que el rock de estadio
sigue vivo. Con las banderas en
alto y el público en modo ritual,
la banda entregó un show cargado
de clásicos.
Dia 2
Los Piojos, Las Pelotas, Luck Ra y más
El segundo día del Cosquín Rock
transcurrió bajo un calor sofocante,
aunque sin la lluvia que marcó la
jornada previa. El predio de Santa
María de Punilla transformado en
un lodazal no fue un obstáculo para
los amantes de la música. A pesar
de las dificultades, llegaron en masa
para seguir viviendo la experiencia
del mítico festival cordobés.
Más de 100 mil volvieron a encontrarse
entre los escenarios principales,
Norte y Sur, donde se libró una suerte
de duelo generacional. En el Norte, el
presente musical se adueñó del espacio
con las presentaciones de Luck Ra, Ca-
7riel y Paco Amoroso, y Nicki Nicole.
La cumbia y el trap impusieron su ritmo,
mientras el público, ajeno al barro,
se entregaba al baile y al canto.
El Sur cerró la jornada con la última
dosis de rock. Las Pelotas, en
su 26ª participación en el festival,
ofrecieron un set cargado de clásicos
que encendieron la tarde y prepararon
el terreno para la llegada de Los
Piojos, el momento más esperado del
día. Skay y Los Fakires, con un show
de media hora, trazaron un recorrido
por la historia del género, incluyendo
una interpretación de ”Ji Ji Ji”, himno
de Patricio Rey y sus Redonditos de
Ricota. Sin embargo, en medio de un
pogo, Skay detuvo abruptamente la
música y puso fin a su presentación
de manera inesperada, presuntamente
por problemas técnicos.
Con rock, cumbia y trap como
protagonistas, el festival se despidió
hasta su próxima edición.
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FEBRERO 2025

Las Pelotas, una vez más
en el Cosquín Rock
Como si se tratara de un acto
sagrado, miles de asistentes se congregaron
en el Escenario Sur para
corear los himnos de Las Pelotas. La
banda recibió una placa conmemorativa
por su historia con el festival:
llevan 26 presentaciones en 25 años,
siendo los únicos en haber tocado en
cada edición de Cosquín Rock.
La emoción de Nicki Nicole
Visiblemente emocionada por
formar parte del festival, la rosarina
expresó: "No puedo creer estar
acá". A pesar de que su repertorio
abarcó el género urbano con temas
como “Wapo Tracketero”, la cantante
rindió tributo al rock nacional con
una versión de “Seminare” de Serú
Girán, confesando que es su canción
favorita. La noche se volvió aún más
especial cuando Lula Bertoldi se
sumó a ella para cantar “Venganza” y
“Mamichula”.
Los Piojos: el regreso que
todos esperaban
Después de 15 años de espera, Los
Piojos finalmente pisaron el escenario
principal del Cosquín Rock.
Abrieron su show con “Arco” y continuaron
con temas como “Tan Solo”
y “Como Alí”. Uno de los momentos
más emocionantes fue la interpretación
de “Ruleta”, primero en su
versión original y luego en una adaptación
al piano.
El final del festival: Luck Ra
El encargado de cerrar el Escenario
Norte ofreció un show lleno de hits
como “Que me falte todo” y ”La morocha”.
Al igual que Nicki, aprovechó
la oportunidad de estar tocando en el
histórico festival para rendir tributo a
grandes figuras del rock con temas de
Charly García y la Bersuit Vergarabat
en versión cuarteto.
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> NATTI NATASHA <
“Este álbum
es un antes y
un después
en mi
carrera”
La cantante dominicana
estrenó su cuarto álbum
de estudio, Natti Natasha
en Amargue, producido
por Romeo Santos y con la
colaboración de Ozuna
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
Natti Natasha siempre tuvo la
fórmula latina perfecta: ritmo, salsa,
bachata y reggaetón. Desde que
comenzó a presentar su último
proyecto a mediados de 2024, el público sabía
que podía esperar una Natti renovada pero a
su vez, firme a sus raíces dominicanas. “Quiéreme
Menos” fue el primer adelanto de lo que
finalmente vio la luz el pasado 13 de febrero
como Natti Natasha en Amargue, su cuarto
álbum de estudio. La canción marcó el camino
de este nuevo disco que tiene como protagonistas
a la bachata y letras románticas que no
dejan a nadie indiferente.
Natti Natasha en Amargue no es un trabajo
más en la carrera de Natti. Contó con la
producción y escritura de Romeo Santos y la
compañía de Ozuna en “Ya No Comparto”,
colaboración que recuerda con mucho cariño.
“Estoy eternamente agradecida con Ozuna
por sumarse nuevamente a una canción
conmigo, lo llamé y al momento dijo que sí”,
recuerda Natti sobre el momento de grabación.
Para completar este disco de 10 canciones,
la artista dominicana navegó entre
rupturas, despecho, aceptación y recuperación,
tal y como se puede apreciar en “Desde
Hoy”, “Escasez de Besos”, “Me Aprovecho de
Ti” o “Vendaje”, entre otras.
Felicidades por el lanzamiento, Natti.
Volviste a tus orígenes, volviste a la
bachata.
Muchas gracias. Imagínate… No es algo nuevo
porque tengo mi vida entera dedicada a la bachata
y en cada álbum siempre intento sumar
una o dos bachatas al menos pero definitivamente,
sacar un proyecto completo, y que
tuviera la producción y escritura de Romeo
Santos fue un verdadero desafío para mí. Pude
abrazar mi República y a los latinos de una
forma nueva, es un antes y un después en mi
carrera. De alguna manera todavía no lo creo,
no bajé a tierra aún.
¿Cómo fue para vos poder cantar en
vivo por primera vez este álbum junto
a tus fans en el release party?
Ver la reacción de la gente y cómo cada
quién recibe cada canción es hermoso. Había
gente que ya se sabía todas las letras, es algo
impresionante. Obviamente había caras
conocidas que me daba cuenta que se estaban
disfrutando todas las canciones… Era una
vibra hermosa. La banda en vivo tenía músicos
buenísimos, tienen muchos años en esto y para
mí es un honor subir al escenario con ellos. En
directo tienen que meterle el sazón de verdad y
lo hacen perfecto.
¿Te sorprendió la reacción en alguna
canción en particular?
Tuvieron la reacción que yo estaba esperando
en cada una. En “Desde Hoy”, como es una
canción más perra, se podría decir, no paraban
de cantar. Es una canción donde de alguna manera
me reinvento, y hasta me hice un tatuaje
en la mano que representa la letra.
Sentí que me acompañaron de principio a
fin como en “Quiéreme Menos”, que fue el primer
track que vio la luz, el que empezó todo.
El videoclip de “Desde Hoy” da la sensación
de no querer parar de bailar en
ningún momento.
Totalmente, era la idea. Cuando lo grabamos
vivimos un gran momento, me lo estaba viviendo
por completo. La gente estaba loca con el video, con
el modelo, con el baile… Con todo. Fue el balance
perfecto. Además, me encanta ese director, Marlon
Peña, que dirigió todo de manera excepcional.
¿Cómo fue para vos trabajar con
Romeo Santos en la producción?
Siento que él ve el futuro o sabe muchas más
cosas de las que pensamos (risas). Es muy
detallista y sabe expresar a la perfección los
sentimientos que vivimos en cada momento.
En la canción “Pinocchio” por ejemplo, cuando
te prometen muchas cosas y luego no se
cumplen… Él lo sabe reflejar en la letra.
¿Recordás algún otro momento de la
grabación que puedas compartir?
La colaboración con Ozuna, “Ya No Comparto”.
La gente se está volviendo loca con ese tema porque
hay muchas personas viviendo lo mismo por
ahí, y obviamente se sienten identificados. Estoy
muy agradecida con Ozuna porque me dijo que
sí a esta colaboración al igual que hizo la primera
vez con “Criminal”.
FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC
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FEBRERO 2025

industria
Premio Lo Nuestro 2025:
grandes ganadores
Distinciones y shows en una noche dedicada a
la música latina.
SIGAL RATNER ARIAS - BILLBOARD ESPAÑOL
S
hakira fue la máxima
ganadora de Premio
Lo Nuestro 2025 el 20
de febrero, cuando se
alzó con seis trofeos que incluyeron
álbum del año por Las Mujeres Ya
No Lloran y artista pop femenina
del año. Le siguieron de cerca Carín
León, que se llevó a casa cinco galardones,
y Karol G y Camilo, con
cuatro cada cual.
“¡Hola mi gente!”, dijo Shakira
en un video desde Barranquilla,
donde se encontraba como parte
de la gira mundial homónima del
disco. “Es una gran emoción para
mí recibir el premio al álbum del
año, significa muchísimo. Es un
álbum que me ha costado sudor,
lágrimas, muchísimas vivencias, y
que han sido más de dos años trabajando
en él. Así que este recono-
cimiento lo aprecio demasiado”.
Los premios de León incluyeron
artista masculino del año – música
mexicana, y álbum del año – música
mexicana por Boca Chueca, Vol.1.
“Muchas gracias mi gente, muchas
gracias a todos los nominados, a
toda la gente que está empujando
la música mexicana”, expresó. “Que
viva nuestro México, que vivan
nuestros sonidos, que viva nuestras
raíces, y que siempre viva la música
latina. ¡Que viva Hermosillo, Sonora,
compa!”
Camilo, en tanto, ganó álbum del
año – tropical por Cuatro, además
de compartir dos premios con León,
por su colaboración “Una vida pasada”,
y otro con su esposa Evaluna
por “Plis”.
“Gracias primero a la tribu, que
fue la que votó parta que nos ganáramos
este premio”, dijo al aceptar
álbum tropical del año, expresándose
impresionado de haber sido
nominado junto a grandes del género
como Juan Luis Guerra y Marc
Anthony. También le agradeció a
Evaluna y sus hijas Índigo y Amaranto,
a todo su equipo y a su país,
“Colombia, que es quien sembró
todas las curiosidades que después
pudimos visitar por este álbum”.
Karol G, quien ganó artista Premio
Lo Nuestro del Año y canción
del año, por “Si antes te hubiera conocido”,
no asistió a la ceremonia.
El evento comenzó con un número
musical de Will Smith junto a la
cantante española India Martínez,-
quienes interpretaron su nuevo tema
“First Love”. Tras esto, DJ Khaled,
Thalia y Miami Sound Machine se
les unieron para el clásico “Miami”.
Uno de los momentos más emotivos
fue el homenaje a Paquita
la del Barrio en las voces de Pepe
Aguilar y sus hijos, Leonardo y
Ángela Aguilar. Además, La India,
Alejandro Fernández y Manuel
Alejandro fueron galardonados
con premios especiales.
Varios artistas mostraron su solidaridad
con los inmigrantes — o su
orgullo de ser hijos de inmigrantes
— en sus discursos de aceptación,
en medio de las recientes redadas y
deportaciones por parte del gobierno
estadounidense. “Este premio se
lo quiero dedicar a mi familia que
vino desde México para darnos una
mejor vida”, expresó Xavi. Alejandro
Fernández, en tanto, le dedicó su
Premio a la Excelencia a “todos los
latinos y a nuestros amigos, hermanos
mexicanos, que están sufriendo
en este momento. No están solos,
estamos con ellos”.
También actuaron, entre otros,
Alejandro Sanz, Carín León, Laura
Pausini, Xavi, Manuel Turizo, Danny
Ocean, Belinda y Arthur Hanlon.
La ceremonia de Premio Lo
Nuestro, en su 37ª edición, se
transmitió en vivo por Univision
desde el Kaseya Center en Miami
y fue conducida por Laura Pausini,
Thalia y Alejandro Espinoza. El
lema este año fue “Uniendo Generaciones”,
en honor a los artistas,
canciones y álbumes que conectan
el pasado, el presente y el futuro de
la música latina.
Reflejando la diversidad de géneros
que incluyen música urbana,
pop, tropical y mexicana, seis de las
44 categorías de este año fueron nuevas:
mejor canción dembow, mejor
canción Latin fusion pop, mejor canción
de música cristiana, mejor “EuroSong”,
fusión música mexicana del
año, y mejor electro corrido.
FOTO: PREMIO LO NUESTRO/ TELEVISA/ UNIVISIÓN
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// STING
Ocho años después de su última visita a
Buenos Aires, Sting se reencontró con sus fans
argentinos con el formato power trio de su gira
“Sting 3.0”, posiblemente su mejor tour solista a
la fecha. En un setlist bien completo, los hits de
The Police y de su trayectoria posterior brillaron
con la contundencia de esta apuesta por lo
simple a nivel sonoro. Una noche de nostalgia
por los hits de tantas décadas, pero también de
asombro por la plena vigencia del músico que
recorre el mundo a los 73 años liderando un
show de dos horas de la mejor música.
FOTO: CHULE
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DE TIAGO PZK
a GOTTI
"ESTA NUEVA VERSIÓN TIENE UNA PERFORMANCE
MÁS ARTÍSTICA”
El músico nacido en Monte
Grande se prepara para el
lanzamiento de su nuevo disco
Gotti B y la presentación en el
Movistar Arena.
POR GABRIEL SOTELO

FOTO: LEANDRO EMEDE
Hace 23 años, en Monte
Grande, en el Sur de
la Provincia de Buenos
Aires, nacía Tiago Uriel
Pacheco Lezcano. En su
niñez y comenzando la
adolescencia, mientras vivía con su mamá
Graciela y su hermana Ámbar, su hobbie era
ir a las plazas en donde, a través de las palabras,
iba formando su personalidad durante
las batallas de freestyle.
A sus 19 años, tras participar de batallas en
la God Level, Nike Battle Force, Supremacía,
GoldBattle y en el histórico El Quinto Escalón,
Tiago PZK, su primer nombre artístico, llegaba
a la fama por su tema “Sola”.
Las reproducciones de este tema, tan introspectivo
y movilizante para Tiago, superó
cualquier expectativa y fue el puntapié para
una carrera que hoy lo ubica entre los artistas
urbanos más destacados. Su primer material
discográfico salió a mediados del 2022,
se titula Portales - lanzamiento de Warner
Music Latina- y tiene dos canciones que fueron
número uno en la lista de Billboard Argentina
Hot 100: “Entre nosotros” y “Salimo'
de noche”.
Dos años después, a mediados del 2024,
sacó su último disco Gotti A -lanzado bajo el
sello Warner Music Latina- que también trajo
consigo un cambio en su nombre artístico
para dejar atrás a Tiago PZK y presentó a su
alter ego Gotti. Una dualidad que se separa
entre el pibe que creció en el barrio y la estrella
pop, bajo el concepto de “dos caras de
la misma moneda”.
El primer show del 2025 de Gotti fue en la
Fiesta Nacional de la Confluencia, en Neuquén,
ante más de 300 mil personas. Con
una intensa gira mundial, el artista llegará a
distintas ciudades europeas, Estados Unidos,
México y Centroamérica, con dos presentaciones
en el Movistar Arena de Buenos Aires
el 9 y 10 de mayo.
“Me siento más ready que nunca. Vengo
ensayando mucho y me estoy preparando con
todo para entregar mi mejor versión”, cuenta
en diálogo con Billboard Argentina.
Hace más de tres años no tocas en Buenos
Aires y ahora se viene el Movistar.
¿Qué cambió de aquel Tiago al actual?
Un montón de cosas. Personalmente asimilo
mucho más las cosas, ya tengo la realidad
mucho más bajada a tierra. Estoy contento
porque gané mucha experiencia y creo que
así como en 2021 salimos y la gente dijo:
“Guau, qué show que dieron estos locos, qué
banda, qué visuales”. Ahora que ya concretamos
los ensayos y ya tenemos lo que
queremos mostrarle a la gente en el show de
Movistar, vamos a generar lo mismo, esto de
subir la vara, de que no se queden con mi
“ ESTOY CONTENTO PORQUE GANÉ
MUCHA EXPERIENCIA ”
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anterior versión, sino de que sean fanáticos
de esta nueva versión que tiene una performance
mucho más artística.
Se te va bailando en algunos videos…
¿Se viene un Tiago bailando en el
escenario?
Esa es una de las cosas que se agrega, por ejemplo.
Hay baile, varias coreografías en vivo, que
son un desafío en varios sentidos. En general el
artista hombre no suele bailar, no suele hacer
coreografías, menos si no sabe bailar como
yo que nunca bailé en mi vida y de repente
hice intensivo de clase de baile y está fluyendo
bastante bien. Se arma una linda composición
junto a los bailarines, buenas coreografías, así
que es un desafío para mí, siento que estoy
dispuesto para superarme, para crecer, para ese
crecimiento personal y artístico todo el tiempo.
Estuve en la escucha del último disco
y me llamó la atención que te noté
tímido, era como que decías una o dos
cositas y ponías el tema, ¿te cuesta el
hecho de contar qué hacés, de contar
sobre qué va la canción?
Sí, en realidad yo soy una persona que me fui
moldeando y volviendo un poco más cerrado.
Me cuesta socializar, pero lo hago muchas
veces porque tengo que hacerlo y porque es
parte de la profesión, pero sí, siempre fui un
poco tímido. Si me suelto en confianza vas a
ver que soy un payaso y no dejo de hacer cosas
para hacer reír a los demás, de mantener la
vibra activa.
Tuve la suerte de hablar con Ámbar, tu
hermana, sobre sus proyectos y sobre
su relación con vos. ¿Cómo es Tiago
hermano, Tiago hijo?
Creo que con Ámbar fue algo muy loco
porque fueron muchos años que yo no
estuve para ella y de repente me encontré en
un punto donde no me conocía tanto con
mi hermana y era raro, era hasta incómodo
a veces hablar de algunas cosas. Me acuerdo
llegar de mi primera gira y llegar justo en
la fecha de su cumpleaños de 15 y sentarme
en una esquina a mirar a toda mi familia,
mirarla a ella de lejos y ponerme a llorar
diciendo “cuántas cosas me perdí”. Ahora ya
es una mujercita y perdí muchísimas vivencias,
muchísimas caídas, muchísimas cosas
para festejar los logros que tuvo. Lo hablábamos
el otro día, en la vida siempre todo
se pone en su lugar y creo que también todo
a su tiempo y ahora estamos conectando de
una forma hermosa. Que ella pueda venir
a acompañarme a cantar conmigo es una
experiencia súper linda, ahora nos vamos a
ir a Europa, vamos a ir a París, vamos a ir
a Lisboa y son lugares que ella dice, “es mi
sueño conocer esos lugares” y poder hacerlo
sabiendo que ella se ganó ese lugar, porque
no está ahí por cariño sino porque es una re
contra re talentosa.
Quizás esto de mostrar tu nueva versión
con Gotti es justamente separar
esto, el Tiago hermano y el Tiago
artista…
Sí, yo creo que Gotti me viene acomodando
mucho mejor en esta etapa en el sentido que
estoy separando mucho mi vida personal de
lo artístico, estoy ocupándome como nunca
me había ocupado de mi carrera. Hoy en día
tengo varias reuniones por día, me ocupo de
todas las áreas, estoy en el área de marketing
tirando ideas, en el área de diseño creando
visuales, ayudando con las coreografías
del show, con las luces, en diálogo con el
director del show, metido en los videos, en
todo. No quiero solamente ir al estudio, que
es lo que me divierte, que mucho tiempo
de mi carrera lo hice, sino también quiero
enfocarme en todo y esto hace que valore
mucho más el tiempo con mi familia, con
mis amigos, con las personas que me ven
como Tiaguito.
Se viene un nuevo disco…
Es un mixtape en realidad. No es un disco
porque son siete canciones y a partir de ocho
se empieza a considerar disco. La fecha de
lanzamiento será el 6 de marzo y tiene muchas
colaboraciones copadas, es algo que no
acostumbro a hacer pero estoy seguro que el
resultado les gustará mucho.
¿No quisiste llegar? ¿No quisiste
forzarlo?
No, de hecho iban a ser nueve canciones y
saqué dos porque me parecía que sobraban,
me parecía que no iban con el concepto. Es
un disco que tiene colaboraciones muy lindas
y creo que va a ser uno de mis últimos proyectos
tan colaborativos. .
FEBRERO 2025 BILLBOARD.AR 75

V
VIVO
// TWENTY ONE PILOTS
Tyler Joseph y Josh Dun protagonizaron
dos noches sold out en Movistar
Arena a puro punk, rock y éxitos.
Twenty One Pilots se presentó en
Argentina en el marco de su gira The
Clancy World Tour y brindó dos shows
de más de dos horas que seguro quedarán
marcados en la memoria de los más
de 35 mil presentes.
El tour nació para presentar Clancy, su
séptimo trabajo discográfico, lanzado
en de mayo de 2024, pero tiene un
setlist con canciones provenientes de
sus otros seis discos Twenty One Pilots
(2009), Regional at Best (2011), Vessel
(2013), Blurryface (2015), Trench (2019),
y Scaled and Icy (2021).
FOTO: TUTE DELACROIX
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Buena Vibra, el festival en donde la
música atraviesa barreras
El encuentro tuvo lugar en Ciudad Universitaria, Buenos Aires, y significó el
retorno de Illya Kuryaki and the Valderramas
E
l sábado 22 de febrero, la
Ciudad Universitaria, ubicada en el
corazón de Capital Federal, se transformó
en un verdadero epicentro de celebración
al recibir una nueva edición del Festival
Buena Vibra. Este evento, que se ha convertido
en un referente de la música en vivo, reunió a
miles de amantes de la música en un ambiente
festivo y lleno de energía.
Con un lineup variado que abarcó diferentes
géneros y estilos, el festival se desarrolló en
cuatro escenarios, cada uno ofreciendo una
experiencia única. Desde pasajes de indie, rock
y pop hasta ritmos alternativos, los asistentes
pudieron disfrutar de una jornada repleta de
vaivenes emocionales, donde cada artista aportó
su esencia y su música, creando un ambiente
de conexión y alegría.
La energía en el aire era palpable, y el festival
continuó hasta las 3 de la madrugada del
domingo, dejando recuerdos imborrables en la
mente y el corazón de quienes tuvieron la suerte
de asistir.
Este festival no solo se trató de música; fue
un espacio donde lo emergente y lo consagra-
POR GABRIEL SOTELO
do se cruzaron sin prejuicios. Se reafirmó la escena
local alternativa, brindando una plataforma
para artistas en ascenso y celebrando a los
grandes que han dejado huella en la industria.
La diversidad de talentos y estilos presentes en
el festival fue un testimonio del rico panorama
musical que ofrece Argentina.
Los cuatro escenarios que encendieron
la fiesta —Alternativo, Coca Cola, Aperol y
Luxo— fueron testigos de shows impresionantes
y momentos que quedarán grabados en la
historia del festival. Cada uno de ellos ofreció
una atmósfera distinta, permitiendo a los asistentes
explorar y disfrutar de una variedad de
propuestas artísticas. Desde actuaciones enérgicas
hasta momentos más íntimos, el Festival
Buena Vibra se consolidó como un evento que
celebra la música en todas sus formas.
Tras el paso de distintas bandas como 1915,
Feli Colina o Tiger Mood, entre otros, junto
con el atardecer llegó el show de Indios. La
banda liderada por Joaquín Vitola repasó sus
hits y vivió un momento muy especial junto a
Zoe Gotusso de invitada. Luego, tras el paso
de Militantes del Climax por el escenario Coca
Cola, llegó El Zar que se despidió anunciando
la salida de un nuevo disco.
Marilina Bertoldi fue otra de las artistas
que se presentó con un show muy conceptual,
tras un tiempo sin tocar en Buenos Aires. “Lo
que me gusta del Buena Vibra es que todo este
público viene a ver a artistas de acá, eso no pasaba
hace tantos años, antes tenía que haber un
artista internacional”, reflexionó la cantante en
diálogo con Billboard.
“Este año se viene mi nuevo disco, idealmente
en la primera mitad del año y luego saldremos
de gira con la banda”, agregó Marilina,
tras su sexta presentación en el Buena Vibra.
Luego el protagonismo llegaría de la mano
de Bandalos Chinos que volvieron a presentarse
en Capital Federal luego de un tiempo y tras
el exitoso paso por el Cosquín Rock. La banda
liderada por Goyo aprovechó la oportunidad
para anunciar su próximo show en el Movistar
Arena el 14 de agosto en lo que será la presentación
de Vándalos, su nuevo disco.
Louta y Winona Riders continuaron la noche
en la previa de la vuelta a los escenarios de Illya
Kuryaki. El dúo conformado por Dante Spinetta
y Emmanuel Horvilleur volvió a unirse tras
ocho años desde aquel adiós en noviembre del
2017. En esta “única noche” se repasaron los
clásicos que le permitieron entrar en la historia
de la música por su sonido vanguardista.
Cindy Cats, que anunció un show en Obras
para abril, cerró con clásicos del rock argentino
invitando a participar a Abril Olivera y
Ann Espil en lo que fue un broche final inolvidable
para esta nueva edición del Festival
Buena Vibra.
FOTO: GENTILEZA MARIA PELUFO
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JOAQUÍN
LEVINTON
el eterno jugador del rock
El cantante reflexiona sobre los 30 años de Turf.
POR ANTONELLA LOPREATO

FOTO: CORTESÎA GABY JURADO PRENSA
“ YA SOMOS PARTE DE LA CULTURA ARGENTINA ”
Vos sos joaquín
Levinton de Turf?”.
La pregunta, simple
y directa, surge en la
previa de la entrevista,
entre la charla
de un mozo que, sin
dudarlo, lo reconoce
al instante. A pesar de que, lejos de los reflectores,
no se considera un "rockstar", la realidad
es que el paso del tiempo lo posicionó como
uno de los referentes más importantes del rock
nacional. Con tres décadas en la escena, el
artista sigue, a sus 49 años, sintiendo la misma
pasión que cuando tenía 18 y comenzaba su
larga carrera. Para él, la música es un espacio
donde la diversión y el amor por lo que hace
prevalecen por encima de todo. Y, aunque los
años hayan pasado, su mirada no cambió: el
juego sigue siendo su motor artístico.
A lo largo de su historia, experimentó todos
los altibajos propios de una trayectoria longeva:
éxitos, rupturas, reconciliaciones y, por
supuesto, miles de kilómetros recorridos junto
a Leandro Lopatín, Fernando Caloia, Nicolás
Ottavianelli y Carlos Tapia. Y aunque sería
fácil pensar que después de tanto recorrido el
asombro ya desapareció, hay algo que, al parecer,
nunca deja de sorprenderlo: la lealtad
de su público. De hecho, esta fidelidad se manifiesta
cada vez que desde el escenario, como
un ritual obligatorio, se lanza a la multitud,
sabiendo que, del otro lado, siempre hay brazos
abiertos esperándolo. “La gente está muy agradecida
con nosotros, y nosotros estamos igual
de agradecidos con ellos”, asegura.
Año tras año, la rueda sigue girando. Y
después de haber pasado por el escenario del
Cosquín Rock, Levinton no deja de pensar en
lo que sigue, en lo que aún falta por dar.
Polvo de Estrellas es el próximo capítulo en
esta historia que, lejos de agotarse, sigue alimentándose
de la energía de su banda y de
sus seguidores. El álbum no solo tiene un
título llamativo, sino que está rodeado de
colaboraciones impensadas para él, como la
de Milo J, un featuring que, en sus palabras,
es "un flash". Porque para Joaquín, todo es
posible, pero no por azar. Lo que hay detrás
de la magia de Turf es trabajo, sacrificio y, por
sobre todo, autenticidad. Nunca ceder ante las
modas, nunca dejarse llevar por lo efímero.
Eso es lo que le permitió llegar hasta acá, con
esa tranquilidad de quien sabe que lo logrado
es producto de esfuerzo y entrega.
Este 2025 marca los 25 años del
Cosquín Rock y los 30 años de Turf.
¿Cómo se siente haber llegado a este
punto, con tanto recorrido?
Se notan estos 30 años. Ahora se notan porque
el grupo está recontra instalado. Creo que le
gusta a todo el mundo. Misteriosamente, somos
un grupo que se instauró en las personas,
ya somos parte de la cultura argentina. Todos
tienen alguna canción de Turf que les gusta.
Y si alguien te dice que no, bueno, es un tipo
raro. No conviene confiar. (risas)
Pasaron muchas cosas internamente
como banda, ¿cómo hacen para subsistir
hace tantos años?
Hemos pasado por una separación, sí. Pero
cuando regresamos, lo hicimos con la lección
aprendida. Llevamos diez años juntos ahora,
y parece increíble porque ya tenemos una
segunda carrera que es casi tan larga como la
primera. En total, somos una banda con 15
años de historia en una etapa, y otros 10 años
en esta segunda etapa.
¿Cómo fue esa vuelta? ¿Hubo terapia
de grupo?
Fue hermosa la vuelta. No, no hubo terapia.
Pero el que la había cagado pidió disculpas.
Generalmente fui yo. (risas). Al final, nos
reunimos, y yo les pedí perdón porque, en su
momento, había dicho cosas muy feas. Incluso
llegué a desearles la muerte públicamente. En
la reunión, uno de ellos comentó: "Che, pero
en un momento dijiste que nos muriéramos”.
Lo dije en caliente, como todo ex. Pero después
nos pusimos todos de acuerdo y volvimos como
siempre, como si no hubiese pasado el tiempo.
Creo que estamos destinados a esto. Si no
fuera así, nuestra presencia no tendría sentido
ni relevancia. Podríamos haber sido una banda
más, de esas que pasan desapercibidas, como
una mosca molesta en medio de una cena interminable.
Pero tenemos un lugar, un sentido de
existir. Cada vez que salimos a tocar, es una fiesta,
hay alegría. La gente nos lo agradece cuando
nos encontramos en la calle. Nos gusta hacer lo
que hacemos. Nos gusta ser quienes somos.
Con tantos logros a lo largo de los
años, ¿cómo definirías el éxito hoy en
día? ¿Es algo que alcanzaste o sigue
siendo una búsqueda constante?
Para mí, el éxito radica en poder vivir de lo
que realmente te apasiona. Tener que trabajar
en algo que no te gusta es horrible, es una
mierda. En ese sentido, considero que hemos
alcanzado el éxito, porque no solo hacemos lo
que amamos, sino que además lo compartimos
entre nosotros. Lo disfrutamos muchísimo
como banda.
El vínculo entre nosotros es casi fraternal.
Somos como hermanitos. Nos conocimos a
los 18 años, éramos muy chiquititos, casi unos
bebés. Ahora, al ver fotos de esa época, parece
que éramos niños. Aunque hoy seguimos siendo
un poco descontrolados cuando estamos
de gira, hemos evolucionado musicalmente, y
seguimos siendo adultos... bueno, casi adultos,
aunque hay testigos que pueden decir que a veces
no lo parece.
¿Cómo manejan ese “descontrol"
entre ustedes?
Dentro del despelote que somos, tenemos una
súper organización que nos contiene. Si uno
se pega con un martillo y el otro está hablando
solo, siempre hay alguien que lo calma. Nos
cuidamos mucho. Es como si alguien te sacara
el martillo con cariño o te agarrara antes de
chocar contra la pared. Te dejan seguir en tu
mundo de Disney, pero siempre hay alguien
alrededor que se asegura de que no te caigas
en un pozo. Nos moldean para que sigamos
adelante sin perdernos.
¿Estás disfrutando lo que está pasando
ahora?
Me encanta, realmente lo estoy disfrutando.
Lo que estamos viviendo ahora es como el
reconocimiento, el regalo que nos da la gente.
Donde quiera que toquemos, se arma una
fiesta, sin importar la edad del público. Desde
chicos hasta adultos mayores, incluso bebés
que se mueven al ritmo. Llegamos a toda la
familia. Tenemos un lugar muy especial, y la
gente está muy agradecida. Nosotros somos
igual de agradecidos. Como dice esa famosa
frase: “Uno cosecha lo que siembra”. Llegó el
momento de cosechar.
¿Cuál creés que es la fórmula para
seguir siendo relevante después de
tanto tiempo?
Creo que pasa por no hacer nunca una música
que tenga que ver con una moda pasajera. Nosotros
siempre hicimos nuestro estilo, nunca
nos apegamos a ninguna tendencia. Ni siquiera
sé cuál es nuestro estilo porque siempre
estamos cambiando. Cada disco es diferente,
siempre buscamos una forma de resetearnos
como grupo.
El año pasado sacamos un disco de temas
nuevos y ahora venimos con un álbum totalmente
“chiflado”, que aunque sean reversiones,
no dejan de ser una gran manifestación
artística. Por ejemplo, trabajar con Milo J fue
un cruce súper disruptivo. Sigue siendo algo
muy especial.
Siempre buscamos que no decaiga. Los
tiempos que corren son muy rápidos, todo el
mundo se aburre enseguida, y nosotros mismos
también nos aburrimos rápido si no nos
reinventamos. Lo que se viene es increíble. Y
no puedo decir más nada.
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emergentes
Juan Cottet
“Mi papá es mi compositor favorito”, dice el hijo de Lautaro Cottet, quien fue
baterista de la banda Man Ray. Llevar ese apellido no es tarea fácil, ya que el peso de
cumplir con esa referencia es notable, pero lo asume con una mezcla de orgullo y
confianza. De hecho, con su arte, demostró que está a la altura de aquella herencia.
La música y la actuación son sus grandes pasiones, y Juan no tiene intenciones de
renunciar a ninguna. "La construcción de personajes a través de la comedia es fundamental
en mi búsqueda artística”, asegura y continúa: “Admiro a los artistas que
logran esa combinación; crecí viendo y escuchando a Juana Molina, Julián Kartún y,
más recientemente, Nathy Peluso,Plastilina, entre otros”.
Aunque comenzó su carrera musical en 2019, su conexión con la música se
remonta a su infancia. A los seis años, el piano despertó en él una fascinación que
nunca se desvaneció. Hoy, tras la publicación de su primer álbum Frágil, está inmerso
en un proceso creativo lleno de nuevas ideas, con un proyecto para 2025 que promete
mezclar géneros como pop, hip hop, rock y electrónica. Esta búsqueda sonora
refleja también las diversas influencias con las que se crió. “En casa siempre se escuchó
mucho rock. Mi papá es un rockero de toda la vida, y mientras él disfrutaba de
Charly García, yo le robaba los discos a mi hermana y los ponía en el grabador: Las
Ketchup, Madonna, Spice Girls…”, recuerda.
Los Títeres
"Queremos redoblar la apuesta por el rock nacional, explorando y renovando
su sonido", afirman los integrantes de Los Títeres. La banda tiene
todo lo que se necesita para destacar: un toque de Charly García, la energía
de Intoxicados y hasta el britrock de The Beatles. Su música no se limita a
un solo género, sino que se mueve con libertad entre estilos, siempre buscando
la experimentación y la innovación. Compuesta por Joaquín Bayá
Casal (guitarra y voz), Facundo González Novillo (guitarra y voz), Tomás
Martín Herrera (batería), Ignacio Duhourq (bajo) y Dolores Bayá Casal
(guitarra y voz), la banda originaria de Bella Vista tiene la mirada puesta en
expandir su sonido por toda la Argentina.
En paralelo a su trabajo musical, están desarrollando un documental
titulado Rock-you-mentary, dirigido por su productor artístico, Andy
Leek, que documenta el proceso de creación de un tema, desde su concepción
hasta su publicación. Este proyecto verá la luz en 2025, cuando
la canción que lo acompaña sea lanzada al público. Si aún no los conocés,
es hora de que los pongas en tu radar.
Feli Ruiz
Mendoza se presenta como el origen de una de las propuestas más
interesantes de la escena indie actual: Feli Ruiz. A sus jóvenes años, ya
tuvo el privilegio de compartir escenario con artistas como Miranda, El
Kuelgue, Zoe Gotusso, Paz Carrara y hasta con la banda alemana Milky
Chance. Sin embargo, no necesita estar al lado de estos grandes nombres
para demostrar su talento. Su propuesta musical, madura y distintiva,
habla por sí sola.
Feli comenzó su carrera en agosto de 2021 con el lanzamiento de su EP
No Quiero Ser un Chico Cool, un trabajo producido por Sasha Nazar de
Gauchito Club que rápidamente captó la atención de la audiencia indie.
Este disco se convirtió en su carta de presentación en las plataformas digitales,
donde fue construyendo una base de seguidores fieles que siguen su
evolución. Ahora, se encuentra en pleno proceso de creación, adelantando
lo que será su primer disco con los singles “Corazón” y “Algo”, los cuales
cuentan con la producción de Pablo Giménez, de la banda El Zar.
Azul Fourcade
Desde la ciudad de Buenos Aires, llega Azul Fourcade, una cantante, multiinstrumentista
y compositora de solo 20 años, que con su talento y versatilidad
está abriendo caminos en la escena musical argentina. Desde los 12 años, comenzó
su recorrido como cantante, pero su curiosidad musical la llevó a estudiar
de manera intensiva técnica vocal, batería, piano y guitarra, formándose de
manera integral en cada disciplina.
Actualmente, forma parte del proyecto “Blue & the Blues”, un grupo musical en el
que ocupa el rol de cantante principal. Este proyecto se caracteriza por la fusión de
géneros como Blues, Rock, Jazz, Funk, Pop y Fusión, y en él Azul comparte escenario
con una banda completa, integrada por guitarra, piano, percusión y bajo.
En 2023, dio un paso importante en su carrera al lanzar su primer single,
titulado "Retrocesos", a través de las plataformas digitales. Este sencillo, que refleja
su evolución como compositora, marcó el comienzo de una nueva etapa en
su carrera, donde la música se amplifica a través de los medios digitales, acercando
su propuesta a un público más amplio.
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