Billboard AR Julio 2025

PREMIOS GARDEL 2025 LA VELA PUERCA MERCEDES SOSA
Juanes
ISSN 2344-9276 · Año 11 · Nº 139
Julio 2025 · Argentina: $9000
Recargo interior: $75

FOTO: UNIVERSAL MUSIC
TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING
SALE S DATA
AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES
CO MPIL ED B Y
Cazzu mantiene el puesto N.º 1 en
el Billboard Argentina Hot 100 con
“Con Otra”
Sabrina Carpenter debuta con el primer track de su nuevo álbum,
“Manchild”
C
azzu alcanza
su quinta semana
no consecutiva en
la cima del Billboard
Argentina
Hot 100 con “Con
Otra”, según la lista correspondiente
al 14 de junio. Beéle, Westcol y Ovy
On The Drums ascienden una posición
con el ex N.º 1 “W Sound 05 ‘LA
PLENA’” y se ubican en el segundo
lugar, mientras que María Becerra,
Paulo Londra y Xross completan el
Top 3 con otro éxito previo, “Ramen
Para Dos”.
FMK, Emilia, Nicki Nicole y Tiago
PZK obtienen el Hot Shot Debut de
la semana con “MASNA REMIX”,
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
que debuta en el puesto N.º 18. Por su
parte, Sabrina Carpenter ingresa al
ranking con “Manchild” en el N.º 72;
Myke Towers y Quevedo con “Soleao”
en el N.º 82; Bad Bunny, Ozuna, Farruko,
Arcángel y Ñengo Flow debutan
con el hit latino “Diles Remix” también
en el N.º 82; y Eugenia Quevedo
con “¿Cómo lo hizo?” en el N.º 86.
La estrella colombiana Beéle recibe
el reconocimiento Greatest Gainer
gracias a “No Tiene Sentido”, que subió
34 posiciones —del N.º 73 al N.º
39— alcanzando su mejor ubicación
histórica. Esta es la tercera canción de
Beéle en el chart argentino, junto a “W
Sound 05 ‘LA PLENA’” y “Mi Refe”,
que se mantiene en el puesto N.º 42.
Semana
pasada
1
2
6
4
5
8
7
9
10
Esta
semana
2
3
4
5
6
7
8
9
10
Título
#1 por 1 SEMANA
1
Con Otra
W Sound 05 "LA PLENA"
Ramen Para Dos
Tu Jardin Con Enanitos
Motinha 2.0
Amor De Vago
Amor De VeraNO
Blackout
Pa Las Girls
Capaz
Artista
Cazzu
Beéle, Westcol, Ovy On The Drums
Maria Becerra, Paulo Londra
Roze Oficial, Max Carra, Valen,
Ramky En Los Controles
Dennis, Luisa Sonza, Emilia
LA T Y LA M ft MALANDRO
DE AMERICA
La T Y La M
Miranda! & TINI
Mattei
Alleh & Yorghaki
-VARIACIÓN
↑
↓
↑
↓
↓
↑
↓
-
-
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 3

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 17 DE JUNIO
Semana
pasada
21
22
Esta
semana
21
22
Título
Bunda
Parte & Choke
Artista
Emilia & Luísa Sonza
Jombriel, Alex Krack, Jøtta
VARIACIÓN
↓
↑
CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA
19
23
FUE CULPA TUYA
Luck Ra & Tiago Pzk
↓
24
24
Resentia
Pablo Chill-E
↓
23
25
En Otra Vida
Yami Safdie, Lasso
↓
27
26
DtMF
Bad Bunny
↓
25
27
Como Eran las Cosas
Babasonicos
↑
26
28
A Las Nueve
No Te Va Gustar
↓
28
29
Die With A Smile
Lady Gaga & Bruno Mars
↑
30
30
Khé?
Rauw Alejandro
↑
33
31
Perdonarte ¿Para Qué?
Los Ángeles Azules, Emilia
↑
31
32
Tengo Una Cadena
Salastkbron
↓
11
12
13
14
15
16
17
18
3
RAMEN PARA DOS
PAULO LONDRA Y MARIA BECERRA
Semana
pasada
13
11
14
12
15
17
18
Esta
semana
Título
Si Antes Te
Hubiera Conocido
BAILE INoLVIDABLE
Si No Es Muy Tarde
Me Gusta
Vitamina
Cuidado Que Te Supero,
Los Herrera
VelDA
MASNA REMIX
11
12
13
14
15
16
17
18
Artista
Karol G
Bad Bunny
Luciano Pereyra, Ezequiel yLa Clave,
Un Poco de Ruido y Pinky SD
Miranda! & TINI
Jombriel, DFZM
Q' Lokura
BAD BUNNY ft. Dei V, Omar
FMK, Emilia, Nicki Nicole, Tiago PZK
VARIACIÓN
↑
↓
↑
↑
↑
↓
-
NEW
34
29
32
35
51
36
73
41
44
49
45
38
40
37
65
53
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48
Yo sé
Mejor Que Vos
VOY A LLeVARTE PA PR
Canción Sin Final
No Podrás
Tiene
No Tiene Sentido
Bésame
Lose Control
Mi Refe
Luna
Nueva Era
444
WELTiTA
Puesto
Tan Lejos
Yan Block, TORRRES
Lali & Miranda!
Bad Bunny
Airbag
Eugenia Quevedo | Angela Leiva
| La Banda De Carlitos (En Vivo)
Tobal Mj, Lucky Brown
Beéle
Alejandro Sanz, Shakira
Teddy Swims
Beéle, Ovy On The Drums
Feid, Atl Jacob
DUKI, Myke Towers
Yan Block & Panda Black
Bad Bunny, Chuwi
Babasonicos
No Te Va Gustar
↑
↓
↓
↓
↑
↓
↓
↑
↑
↑
↑
↓
↓
↓
↑
↑
TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING
AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES
C
16
19
Golfista
19
Duki
↓
47
49
KLOuFRENS
Bad Bunny
↓
20
20
Por Mil Noches
20
Airbag
-
78
50
El Efecto
Rauw Alejandro & Chencho
↑
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
4
BILLBOARD.AR
JULIO 2025

anci

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 17 DE JUNIO
Semana
pasada
52
56
Esta
semana
51
52
Título
Estaba aquí pensando
CICATRICES
Artista
↑
La Repandilla x Aneley ↑
Airbag ↑
VARIACIÓN
FLACA
ANDRÉS CALAMARO
65
CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA
46
53
EoO
Bad Bunny
↓
43
54
Que Cabrona
Lauty Gram
↓
54
55
SINVERGÜENZA
Emanero, Karina, J Mena,
Angela Torres
↓
42
56
Ahora Resulta
Emanero, Luciano Pereyra
↓
75
57
Crimen
Gustavo Cerati
↑
55
58
Hoy
Valentino Merlo x The La Planta
↓
57
59
Ese Maldito Momento
No Te Va Gustar
↑
48
60
Que Pasaria...
Rauw Alejandro
↓
Semana
pasada
Esta
semana
Título
Artista
VARIACIÓN
64
61
Pasos Al Costado
TURF & MILO J
↑
87
81
Luck Ra: Bzrp Music
Sessions, Vol. 61
Bizarrap, Luck Ra
↑
59
62
Obsesionario En
La Mayor
Tan Bionica, Abel Pintos
↓
82
Soleao
Myke Towers & Quevedo
NEW
67
71
63
68
62
84
86
58
60
74
79
69
50
80
39
63
64
65
66
67
68
69
70
71
72
73
74
75
76
77
78
Beautiful Things
WYA REMIX BLACK
AND YELLOW
Flaca
Secuestro
Si Un Día Estás Sola
| CROSSOVER #7
Entre Nosotros
Me Rehuso/
Baby I Won't
Carita Triste
Hola Perdida
Manchild
Pensamientos
Tratame Suavemente
Cae el Sol
WASSUP
Cuando Te Vi - Crossover
#5Baby I Won't
PLÁSTICO
Benson Boone
J Abdiel, Anuel AA,
Blessd, Izaak, Pirlo
Andrés Calamaro
SLAYTER x YAN BLOCK x NTG
Emanero, Valentino Merlo,
Big One
Tiago PZK, LIT killah,
Maria Becerra, Nicki Nicole
Danny Ocean
Los Herrera Q' Lokura
Luck Ra
Sabrina Carpenter
Airbag
Soda Stereo
Airbag
Young Miko
Big One, Maria Becerra, Trueno
Lali, Duki
↑
↑
↓
↑
↓
↑
↑
↓
↓
NEW
↑
↑
↓
↓
↑
↓
88
76
70
61
99
66
83
89
91
82
95
83
84
85
86
87
88
89
90
91
92
93
94
95
96
97
98
Qué Vas A Hacer Hoy
Diles Remix
Que Me Falte Todo
Como Lo Hizo? - En Vivo
Aurora
Trepando Paredes
Fanático
Carteras Chinas
Don't Say You Love Me
ME GUSTAS MUCHO
Ella Dijo
Ya No Vuelvas
NUEVAYoL
Es Un Secreto
Si Las Gatas
Se Amotinan
BICHO DE CIUDAD
Omar Courtz x De la Rose
Bad Bunny, Ozuna, Farruko,
Arcangel, Ñengo Flow
Luck Ra & Abel Pintos
Eugenia Quevedo
Mora, De La Rose
Diego Torres & Miranda!
Lali
ELENA ROSE, Camilo,
Los Ángeles Azules
Jin
Viejas Locas
Estelares
Luck Ra, La K'Onga,
Ke Personajes
Bad Bunny
Plan B
Peipper, Doble p, Locura mix
Los Piojos
↑
NEW
↓
NEW
↓
RE
↓
↑
↓
RE
↓
↓
↓
RE
↓
↓
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81
79
Zafar
La Vela Puerca
↑
97
99
Nunca quise
Intoxicados
↓
77
80
Arruinarse
Tan Bionica, Airbag
↓
100
100
Nubes
De La Rose, Omar Courtz
-
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
6
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JULIO 2025

PRESIDENTE
Jorge R. Arias
DIRECCIÓN EJECUTIVA
Juan Pedro Dondo
Analía Arias
Gonzalo Luzza
DIRECCIÓN EDITORIAL
Ezequiel Ruiz
Agustín Contepomi
Julián Mastrángelo
Gabriel Sotelo
CONTENIDO EDITORIAL
Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /
Gustavo Serna
Colaboraron en esta edición:
Karin Leiva / Facundo Arroyo
DISEÑO Y FOTOGRAFÍA
Matias Delacroix / Sofía Graña / Magdalena Medina
BRAND PARTNERSHIPS
Gonzalo Luzza / Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla
DEPARTAMENTO CONTABLE
Marcela Dermgerd
CONTACTOS
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Administración: administracion@billboard.ar
DISTRIBUCIÓN
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Billboard Argentina es una licencia de
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CHAIRMAN & CEO
Jay Penske
CHIEF OPERATING OFFICER
George Grobar
MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS
Debashish Ghosh
ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS
Gurjeet Chima
ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND
& PARTNERSHIP OPERATIONS
Francesca Lawrence
La Vela Puerca cumple 30 años y recorrimos su prehistoria en
Montevideo. Leelo en la página 50.
FOTO: TUTE DELACROIX
PRESIDENT
Mike Van
EDITORIAL DIRECTOR
Hannah Karp
SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT
Silvio Pietroluongo
CREATIVE DIRECTOR
Alexis Cook
CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL
Leila Cobo
INTERNATIONAL EDITOR
Alexei Barrionuevo
DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL
Sigal Ratner Arias
Billboard Argentina 2024. Prohibida la reproducción total o
parcial de los artículos sin la previa autorización del director. El
material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.
RNPI: 5349798
8
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JULIO 2025

No es cualquier fiesta
FIESTAPOLENTA.COM

Contenidos
CHARTS
3. Cazzu mantiene el puesto N.º 1 con el tema “Con Otra”
INTRO
13. Los Piojos volvieron en busca del calor popular
ENTREVISTAS
23. Carlos Vives
26. Silvestre y La Naranja
30. Juanes
42. El Zar
44. Carlos Santana
46. L-Gante y Emanero
48. Beéle
68. Dorian
69. Maxi Espíndola
70. Camionero
71. Javiera Mena
ESPECIALES
20. Premios Gardel 2025
24. Lo mejor de Sonría, Estamos en Billboard, nuestro livestream
28. 30 años de Sueño Stereo, el álbum definitivo de Soda
40. Track x Track: Santiago Motorizado
50. La Vela Puerca en Uruguay
54. Tango y Trap
60. Billboard Tech
62. 90 años de Mercedes Sosa
64. El soundtrack de F1
66. La influencia de David Bowie en el cine de Stanley Kubrick
72. Vivo: Wilco, Norah Jones, Milo J, Zoe Gotusso
82. Emergentes
EN LA TAPA
Juanes, por STILLZ
10
BILLBOARD.AR
JULIO 2025

FOTO: TUTE DELACROIX
Intro
LOS PIOJOS
VOLVIERON
EN BUSCA DEL
CALOR POPULAR
Entre diciembre y junio, la nueva reencarnación del
grupo realizó 16 shows entre Buenos Aires, Córdoba,
Mendoza y Rosario. Además, estrenaron un tema que
abre la puerta a un futuro incierto.
POR EZEQUIEL RUIZ
uando a las 0.50 de
la heladísima madrugada
del lunes 23 de
C
junio sonó el último
acorde del “Himno
Nacional Argentino” en la armónica
de Andrés Ciro Martínez, llegó
el punto final del regreso de Los
Luli Bass, la sensación
en el regreso piojoso.
Piojos. Tras poco más de 15 años
separados, se reagruparon en una
formación nueva que mezcló a algunos
de los históricos (Ciro, Daniel
Piti Fernández, Daniel Buira,
Roger Cardero) con apariciones
sorpresivas. Luciana Valdés, más
conocida como Luli Bass, reemplazó
al ausente-con-aviso Micky
Rodríguez en el bajo convirtiéndose,
por presencia y estilo, en la
gran figura de esta vuelta. Y Juan
Gigena Ábalos ocupó la guitarra
del fallecido Tavo Kupinski. También
fueron parte el percusionista
Facundo Changuito Farías Gómez,
el tecladista Miguel Chucky
de Ípola (luego reemplazado
por Juan Emilio Cucchiarelli), el
guitarrista Rodrigo Pérez y una
sección de vientos que agregó armonías
que antes no existían.
Todo había comenzado con
una serie de posteos enigmáticos
en una cuenta de Instagram (@
lospiojosoficial) y se concretó en
diciembre pasado, con una serie
de siete shows en el Estadio Único
Diego Armando Maradona de La
Plata que se extendió hasta enero.
De inmediato, el grupo se encontró
con aquello que había ido a
buscar: el calor popular de su gente,
algo que comenzó a revivir en
forma de trapos, tatuajes, remeras
con las distintas eras piojosas
y toda la liturgia del “ritual” que,
esta vez, se vio multiplicada más
allá de las calles y los estadios.
Las redes sociales fueron campo
de batalla tanto como para debatir
las razones por las cuáles Micky
no formó parte de este regreso
-algo que fue develado por el
periodismo y que empujó a que
la banda termine por exponerlo
en público-, como para llevar
registro de todos
los temas que
reinterpretaron
a lo largo de 16
shows. En ese
conteo, apenas
20 canciones de
las casi cien que
tienen registradas
estuvieron ausentes
en las distintas
listas de un recorrido
que incluyó
apariciones en el
Cosquín Rock,
el Quilmes Rock y excursiones al
Parque de la Ciudad, Rosario y
Mendoza.
Si bien el grupo se despidió,
Ciro ya prometió que no pasarán
“otros quince años” sin volver a
verse las caras con su gente. Incluso,
motivados por el sabor del reencuentro,
la banda ya grabó una
nueva canción y pone la mira en
el futuro. “Como regalo por tanto
cariño y tantas emociones, con ustedes:
‘Paciencia’”, presentó el cantante
en el último River.
“‘Paciencia’, me dijo la bruja, ‘paciencia’
/ Habrá que esperar a septiembre
para ver el sol / ‘Paciencia’
me dijo la bruja, ‘paciencia’ / Tus
cartas hablan de trabajo, pero no dе
amor”, dice el estribillo de este tema
con onda persa y que habla de una
historia de amor que estaría a punto
de ocurrir, pero que quizás esté trabada
por la actualidad de ella (“No
puedo pedir nada y tu vida es tu vida
/ Sé quе tu casa está armada, pero
te sentís vacía”). En el final, un Ciro
enamorado y entregado arroja su
promesa: “Nena, quiero ser tu hombre”.
Esta historia continuará.
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 13

RAUW ALEJANDRO LANZA
“FORNI” CON EL NUEVO ARTISTA
PUERTORRIQUEÑO CLARENT
El cantante se presenta con gran éxito con su Cosa Nuestra World
Tour, gira que lo traerá a la Argentina en octubre.
auw Alejandro apoya
R
a la nueva generación de
artistas puertorriqueños con
el lanzamiento de “Forni”
junto a Los Ballers y Clarent.
Esta canción llega tras
las tres impactantes presentaciones de Rauw
en el Kaseya Center de Miami, que cerraron la
etapa completamente agotada de su aclamada
gira Cosa Nuestra World Tour por Estados
Unidos. La misma llegará a nuestro país en
octubre próximo.
La parada de Rauw en Miami estuvo llena
de sorpresas. Tras su show, él y Clarent
pusieron a saltar al público al estrenar en la
afterparty de Cosa Nuestra su elegante pero
enérgico tema para discoteca titulado “Forni”.
Rauw siguió sorprendiendo, deleitando a los
asistentes al invitar a Feid para interpretar juntos
su tema “Revolú”.
Con su Cosa Nuestra World Tour, Rauw ha
reinventado la experiencia tradicional de con-
cierto en un espectáculo inmersivo inspirado
en Broadway, por primera vez de gira con
banda en vivo, este espectáculo único fusiona a
la perfección una producción teatral, coreografías
de alta energía y poderosa instrumentación
en directo. Los asistentes se sumaron a
la experiencia teatral, llenando las arenas con
atuendos inspirados en la temática de Cosa
Nuestra, luciendo trajes de rayas y vestidos
glamorosos.
Tras Puerto Rico, Rauw llevará su aclamada
gira a Europa y Latinoamérica, mientras continúa
redefiniendo el panorama musical global y
tendiendo puentes entre la música latina y las
audiencias internacionales.
“Una clase magistral de espectáculo”, dijo
Billboard. “Rauw Alejandro siempre ha sido
un intérprete impresionante, pero su gira Cosa
Nuestra solidifica plenamente su lugar como
el mayor showman de la música latina. Llevó
el espectáculo al Barclays Center esta semana,
con presentaciones abarrotadas lunes, martes y
PRÓXIMOS SHOWS
EN ARGENTINA
SÁBADO 18, DOMINGO 19
Y LUNES 20 DE OCTUBRE
EN BUENOS AIRES, EN EL
MOVISTAR ARENA.
Las primeras dos funciones
ya están agotadas y hay a la
venta para la tercera.
miércoles”, opinó Rolling Stone.
“Un espectáculo de canto y baile de primer
nivel. Es hermoso de ver y delirantemente
entretenido de experimentar”, dijo
Houston Chronicle. “Con sus increíbles
voces, escenarios imaginativos y un giro argumental
cautivador, la Cosa Nuestra World
Tour de Alejandro compite con los musicales
de Broadway”, agregó The Daily Bruin.
“Una encantadora y poco convencional desviación
de los conciertos modernos en arenas,
con una narrativa de amor prohibido y acción
explosiva”, dijo The Philadelphia Inquirer.
“Una clase magistral de visión creativa, cultura
y performance artística”, opinó LatinNation.
“Cautivador”, sintetizó The Fresno Bee. “Con
su álbum líder en listas y el éxito de su gira,
Rauw Alejandro consolida su lugar como uno
de los artistas más influyentes de la música latina
y global”, dijo ¡Hola!.
FOTO: MARCO PERRETTA
14
BILLBOARD.AR
JULIO 2025

// ALMA
LA NUEVA BOY BAND ARGENTINA PRESENTA
SU PRIMER SINGLE, “DÍMELO”
on más de 2 millones
C
de seguidores en TikTok la
boyband argentina, ALMA,
conocida por sus icónicos
covers presenta su primer
single original: Dímelo. Un
pop-urbano que ya está disponible en todas las
plataformas.
ALMA es una boyband formada hace poco
menos de un año por Matt (de La Plata), Feli
(Tandil) y Kiza (Miramar), tres artistas con más
de 16 años de experiencia musical combinada.
Con disciplina y profesionalismo —incluyendo
estudios diarios de canto y baile, ensayos inten-
sos y generación constante de contenido— han
conquistado TikTok (cuentan con más de 2 millones
de seguidores) e Instagram (más de 600
mil seguidores). Tal fue su éxito en redes sociales
que hoy en día se encuentran trabajando con
Grand Move Records en alianza con Warner
Music Argentina.
“Dímelo” es una fusión de pop, urbano y
R&B, con un estribillo pegadizo que captura la
esencia de las clásicas boybands de los 2000s
con una frescura moderna propia de esta nueva
generación. El mismo llega con videoclip incluido
en donde se ve a los integrantes de la banda
practicar para uno de sus clásicos videos de covers
donde terminan soñando despiertos cómo
sería su próximo videoclip. En el video destacan
no solo sus dotes musicales y la personalidad
individual de cada uno, sino que también explotan
su potencial como bailarines.
Siendo una banda que nació en redes sociales,
tienen muy en claro su conexión con sus
seguidores y eso lo demuestran a diario con
su energía, frescura y conexión emocional con
ellos. Una pieza clave que sin dudas llevará a
ALMA a posicionarse como la boyband argentina
del año. Con un sonido propio que fusiona
pop, urbano y toques de rock, el grupo promete
emocionar a audiencias de todas las edades.
FOTO: GENTILEZA WARNER
16
BILLBOARD.AR
JULIO 2025

La revolución del pop-rock
Impulsada por nuevos artistas, en su mayoría mujeres, el
escenario del pop-rock protagoniza un fuerte avance en todo
el planeta. Artistas como Lola Young, Sabrina Carpenter,
Chappell Roan y Yungblud se adueñaron de los rankings y las
plataformas, renovando género con grandes canciones.
I
mpulsados por el suceso
de artistas como Billie Eilish,
Olivia Rodrigo y Taylor Swift,
un nuevo y talentoso grupo
de artistas está conquistando
las plataformas digitales con su música pop y
rock. Si, estamos presenciando el regreso de las
grandes canciones, nuevos y refrescantes temas
para las nuevas y jóvenes audiencias. Como
señalamos, este fenómeno llega apuntalado por
mujeres, cantantes y compositoras que encuentran
en el pop su refugio natural.
Empecemos por mencionar a la protagonista
del momento: Sabrina Carpenter. Cantante,
compositora, productora y actriz, Sabrina
es una hija directa de la factoría Disney, que la
firmó siendo muy jovencita para actuar y también
cantar. En 2014 lanzó su primer single al
que seguirían varios discos de estudio. Pero en
2023 llegaría el momento de su carrera luego
de una década de trabajo: se unió al Eras Tour
de Taylor Swift para los shows en Latinoamérica,
Australia y Singapur. El tour fue un éxito
histórico artístico y económico, y parte de ese
éxito le pertenece. Paralelamente, a comienzos
de 2024, lanzó el álbum Short n’ Sweet, que
arrasó con todo con canciones como “Expresso”
y “Please, Please”. Ahora, casi justo un año
después, Sabrina anuncia el lanzamiento de un
nuevo álbum titulado Man’s Best Friend para el
29 de agosto, y presenta el primer single “Manchild”.
La canción promete continuar con el
éxito de sus anteriores lanzamientos, respaldada
por un excepcional video en el que Sabrina
desborda picardía y ritmo.
Otra de las protagonistas de la nueva ola pop
es Lola Young, una de las últimas buenas sorpresas
surgidas en la escena británica. La joven
cantante y compositora nacida en Londres
saltó a la fama en 2024 con su single “Messy”,
una canción incluída en su álbum This Wasn’t
Meant For You Anyway, que le permitió encabezar
las listas de éxitos y reinar en las plataformas
digitales. Lola acaba de lanzar una
nueva canción “One Thing”, acompañada de
un video con un ingenioso montaje visual que
subraya el ácido humor de Lola. Ella vuelve a
mostrar su talento para cantar una canción que
habla del sexo como algo divertido y ligero, y
cómo se pueden invertir los roles de género.
Con diferentes escenas: una primera cita, una
clase solo para chicas, un ring de boxeo con
ex parejas y, hasta Lola besándose a sí misma,
"One Thing" marca el comienzo de una nueva
era para la artista del sur de Londres.
También estadounidense como Carpenter,
Chappell Roan comenzó su carrera musical
precozmente, cantando y tocando el piano
a los 11 años. Al llegar a la adolescencia
empezó a componer canciones para luego
subirlas a YouTube. Eso le permitió acceder
a un primer contrato discográfico. También
fue fundamental dejar su Misuri natal e instalarse
en Los Ángeles, rodeada de un ambiente
más liberal, en el que pudo manifestar
su identidad como mujer queer. Roan fue
elegida como acto apertura de la exitosa gira
Sour Tour de Olivia Rodrigo. El año pasado
lanzó su álbum de estudio titulado “The Rise
And Fall Of A Midwest Princess”, y comenzó
una gira que recorrió todo Estados Unidos y
Europa, con shows en Londres, París, Berlín,
Sidney y Amsterdam. El suceso fue ratificado
con el single “Good Luck, Babe!”. Este año,
Chappell sorprendió con el lanzamiento de
“The Giver”, una canción de estilo country
pop diferente de sus producciones anteriores.
Sin duda, Chappell sigue despertando interés
por su música y su imagen.
Por último, no podía faltar la propuesta rockera
de uno de los artistas emergentes del momento.
Nos referimos a Yungblud, el compositor
y cantante británico que conocimos -y nos
impactó- en el festival Lollapalooza Argentina
2023. El músico empezó a tener visibilidad a
partir de 2017 y en 2018 lanzó su álbum debut.
Luego del lanzamiento de su épico single de
más de nueve minutos “Hello Heaven, Hello”,
Yungblud publicó recientemente “Lovesick
Lullaby”, un auténtico himno brit-pop, con un
video plagado de guiños a la cultura popular
inglesa, incluyendo marcas emblemáticas
como Burberry, Fred Perry y avisos como el
del cassette para grabar Maxell. Yungblud se
está convirtiendo rápidamente en una de las
voces clave de su generación, fusionando influencias
del rock, el punk y el pop. Además
Yungblud ha hecho importantes colaboraciones
para películas y series, como 13 Reasons
Why y Fast and Furious, además de ganar
varios premios MTV y Los 40 Music Awards.
Con su electrizante presencia escénica y sus letras
innovadoras, Yungblud continúa desafiando
las convenciones y anuncia para este 20 de
junio el lanzamiento de su nuevo álbum Idols,
que luego de los últimos lanzamientos despierta
el interés de la prensa y el público, en lo que
puede ser uno de los estrenos del año.
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JULIO 2025

PREMIOS GARDEL 2025
CA7RIEL & Paco Amoroso
se quedaron con el Oro
El dúo se llevó el galardón mayor por su disco Baño María y alcanzó, además, el récord que ostentaba
Gustavo Cerati: siete estatuillas en una misma noche
POR ANTONELLA LOPREATO

L
su primer álbum conjunto, el cual marcó un
punto de inflexión en sus carreras. El disco
consolidó al dúo como una de las propuestas
más sólidas y originales del nuevo pop argentino,
con un sonido que cruza funk, electrónica
y rap, y una puesta visual que funciona
como extensión de su identidad artística.
“Nosotros empezamos viendo películas y
terminamos haciendo una”, dijo CA7RIEL al
recibir uno de los premios. La frase resume
bien el proyecto: se trata de una narrativa escénica,
performática, expansiva, que los llevó
del circuito under al Tiny Desk de NPR, del
streaming local a Coachella, y de ahí al mainstream
sin perder singularidad.
canción es de la gente, y quiero sumarme a
la gran Teresa. Te amamos. Quiero agradecer
tus palabras y humildemente sumarme a
ellas”, dijo, antes de cerrar: “Así como el arte
es un hecho colectivo, toda salida de cualquier
situación de mierda es colectiva”.
Más temprano, Walas, junto a Massacre,
al recibir el premio por Mejor Álbum Grupo
de Rock a Nueve, dejó un mensaje directo:
“Defendamos la libertad de expresión, la cultura,
la comunicación y la vida, por favor”.
En sintonía, Lidia Borda citó a Discépolo:
“La gente mala vive, Dios, mejor que yo”, para
reflejar la precariedad que atraviesa a quienes
hacen música independiente en el país.
FOTOS: CAPIF / AGUSTÍN DUSSERRE
a entrega de los Premios Gardel 2025
reunió a buena parte del mapa musical argentino
en el Teatro Coliseo de Buenos Aires.
Con transmisión en vivo por TNT y Max, la
ceremonia volvió a funcionar como termómetro
festivo de lo que suena e importa en
la Argentina. Organizados por la Cámara
Argentina de Productores de Fonogramas y
Videogramas (CAPIF), los galardones cumplieron
su edición número 27, en un contexto
atravesado por tensiones culturales y políticas
que se filtraron en los discursos de los
artistas.
El Gardel de Oro quedó en manos de CA-
7RIEL & Paco Amoroso por Baño María, el
disco que combinó provocación, producción
y una imaginería visual que ensanchó los bordes
del pop local. Pero el foco de la noche no
estuvo solo en los ganadores, sino en lo que
se dijo, y lo que se insinuó, desde el escenario:
las palabras de Teresa Parodi, el guiño a lo
colectivo de Lali, la apelación a Discépolo por
parte de Lidia Borda, los agradecimientos de
La Joaqui, las referencias a la independencia
artística de Dillom y los mensajes en defensa
del arte como bien público.
La ceremonia, de poco más de dos horas, tuvo
música, flashes, performances y triunfos. A continuación,
cinco momentos que definieron la noche
y dejaron algo más que premios en vitrina.
EL GARDEL DE ORO PARA CA7RIEL &
PACO AMOROSO
Paco y Cato no inventaron nada. Y, sin embargo,
todo en ellos parece nuevo. Se llevaron
siete estatuillas -igualando un récord que hasta
ahora solo pertenecía a Gustavo Cerati-,
incluido el premio mayor por Baño María,
TERESA PARODI: LA MÚSICA TOMA
POSICIÓN
En una noche sin posicionamientos institucionales
ni discursos oficiales, fue Parodi
quien tomó la palabra con claridad política.
Al recibir el premio a Mejor Canción de
Folklore por “Siempre a la misma hora”, compuesta
junto a su nieto Okto, la artista dedicó
su estatuilla a Cristina Fernández de Kirchner,
luego de que la Justicia le concediera prisión
domiciliaria en la causa Vialidad.
“La música es amor, se premia aquí el amor.
Por eso digo no al discurso del odio que reina
en nuestro país hoy. Digo no al vaciamiento
cultural que pone en peligro instituciones
maravillosas que son un orgullo nacional”,
dijo al subir al escenario. “Hay tanta patria en
el arte. Digo no a la descalificación permanente
de las sociedades de gestión colectiva
que cuidan, defienden y distribuyen los derechos
intelectuales de los creadores y creadoras
y de los intérpretes de la música. Digo no a la
persecución y la estigmatización de los que
piensan distinto”, agregó.
Su intervención marcó el tono del evento,
su mensaje fue retomado por artistas de distintos
géneros y generaciones, que se sumaron
con palabras y gestos a una defensa explícita
del arte como espacio de resistencia.
EL MENSAJE COLECTIVO DE LALI,
WALAS Y LIDIA BORDA
Cuatro artistas de escenas muy distintas
coincidieron en un mensaje común. Al cierre
de la ceremonia, Lali celebró su título como
Canción del Año por “Fanático”, convirtiéndose,
con 13 estatuillas, en la cantante femenina
más premiada en la historia de los
Gardel, por encima de Mercedes Sosa. “La
DILLOM GANÓ, SE BURLÓ Y DIO
LA ESPALDA
Incómodo, irónico e impredecible. Dillom
fue distinguido con el Gardel a Mejor Álbum
de Rock Alternativo por su trabajo titulado
Por Cesárea. En su discurso, aprovechó para
enviar un mensaje ponzoñoso. “Gracias a
Sony, a Universal, a Warner, a McDonald’s,
a Nike y a Adidas”, dijo desde el escenario,
un comentario sirvió como reafirmación del
trabajo que viene haciendo con Bohemian
Groove Corp, sello independiente que fundó
junto a su equipo.
Más tarde, el músico ofreció una de las performances
más comentadas de la noche: interpretó
su canción “Cirugía” completamente de
espaldas al público (y a la industria). Incluso,
fue escurridizo con la steady-cam que intentó
captarlo de frente para que su cara se viera en la
transmisión televisiva. La decisión desconcertó
a la audiencia e incluso sorprendió a colegas
como Lali, que registró el momento desde su
butaca y lo compartió en sus redes sociales.
CHARLY, SANTAOLALLA Y TRUENO:
OTROS GRANDES GANADORES
Charly García volvió a demostrar por qué
sigue siendo un referente ineludible del rock
argentino. Se llevó dos premios: Mejor Canción
de Rock por “Yo ya sé” y Mejor Álbum de Artista
de Rock con La lógica del escorpión. Gustavo
Santaolalla, por su parte, recibió el reconocimiento
como Productor del Año y ganó Mejor
Álbum de Banda de Sonido Cine/TV por Pedro
Páramo. En la escena rapper, Trueno fue la
gran figura: su tema “Real Gangsta Love” se
llevó el de Grabación del Año y Mejor Canción
Urbana, mientras que El último baile fue elegido
Mejor Álbum Urbano.
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SELFIES GARDELIANAS CON
LA CÁMARA DE BILLBOARD
La K'onga
Dillom
Malena Narvay
Cruzando El Charco
Bersuit
Valentino Merlo
Olivia Wald
Callejero Fino
Flor Vigna
La Joaqui
K4OS
Laura Esquivel
La Mosca
Destino San Javier
Yami Safdie
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CARLOS VIVES
ENTRE LA GIRA Y UN VIAJE A SU INFANCIA:
“La música une
lo que la política
no puede ”
En charla con Billboard
Argentina, el artista colombiano
repasó sus inicios, su conexión
con el rock nacional y el legado
que construye con nuevas
generaciones.al Estadio Malvinas
Argentinas en septiembre.
POR AGUSTÍN CONTEPOMI
FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC
esde su querido Cumbia
House en Bogotá, Carlos
D
Vives habló con Billboard
Argentina en la previa de
sus shows del 15 y 18 de octubre
en Buenos Aires y Córdoba. El artista
colombiano abrió las puertas de su historia,
de su casa, de su música y de su vínculo
profundo con nuestro país. Y dejó claro que
su nueva gira no es solo un show: es una
declaración de amor a la vida, a los recuerdos
y a la cultura que nos conecta.
“El rock de mi pueblo vive… Y está más
vivo que nunca”, dice con una sonrisa que
no disimula el orgullo. La frase no es un
título más: es el nombre del tour con el que
Vives vuelve a los escenarios internacionales,
en coincidencia con dos fechas muy especiales:
los 30 años de La tierra del olvido
y los 500 años de Santa Marta, su ciudad
natal. Y ahí empieza este viaje.
“Es una gran oportunidad de volver a
lugares donde empezamos hace 30 y tantos
años. Este show tiene algo muy especial
porque cuento mi infancia a través de mi
hijo Pedro, a quien empecé a filmar cuando
tenía seis años. Es un viaje emocional que
explica por qué terminé eligiendo este camino
musical”, cuenta Vives, emocionado.
La gira tiene algo de documental vivo:
mezcla música, imágenes, relatos y recuerdos.
Es una historia contada desde el
alma, donde aparece el niño que alguna vez
fue, en ese universo familiar que hoy es su
presente: el Cumbia House, su casa-museo,
sede musical, espacio de creación y
memoria.
“Era la casa de mi mamá. Después fui
comprando las casitas del lado. Por ahí pasaron
todos: Cepeda, Fonseca, Bonka. Yo soy
cositero: guardo todo lo que me regalan y lo
valoro. Cada objeto tiene su espacio”, dice
entre risas y orgullo. Ese lugar también es
sede de Río Grande, su escuela de música,
donde Vives forma a nuevas generaciones
de artistas con la misma pasión con la que él
soñaba de chico. “Tengo tres Reyes Vallenatos:
dos varones y una hembrita. Son niños
que están tocando increíble. Me hacen agradecer
cada día haber elegido este camino”.
Pero si hay algo que marca la charla es la
conexión cultural entre Colombia y Argentina,
y el lugar que ocupa nuestro país en el
corazón de Carlos Vives.
La analogía que quería encontrar con
esto es el amor que le tenés a Charly,
a Luis Alberto Spinetta, a Mercedes
Sosa… Los viviste en primera persona.
Esos elementos no dejaron de
hacerse propios en vos, ¿no?
¡Claro! Pero es que eso es la vida. Uno se
lleva cosas del papá, de los abuelos, ¡imaginate
de los artistas que uno amó! Que te enseñaron
a amar. En las canciones de Charly
entendí respuestas a cosas que me pasaban.
Estuve con la Negra y me hizo sentir al lado
de su regazo. Le cantaba “La gota fría” sentado
a sus pies. La vida me dio eso. Me hizo ese
regalo. Me regaló entrar al cuarto de Charly,
acostado, cuando se había jodido la cadera.
Me senté en la cama a ver unas películas con
él. Él me miraba… ¡Y yo me sabía todas las
canciones! A Spinetta lo conocí porque necesitaba
un teclado que yo tenía. Me llamaron:
“Carlos, ¿vos tenés un Tritón? Luis Alberto lo
necesita”. Nunca lo había visto. Les dije: “No,
no, no le cobro nada. Que me mande dos entradas,
que yo lo quiero ver”. Esa noche lloré
todo el concierto… Llorando y cantando.
¡Lloré todo!
Esos encuentros no solo lo marcaron: lo
transformaron. Y hoy, en lugar de guardarlos
para sí, elige retribuirlos con gestos concretos
hacia nuevos artistas: “Yo quiero ser así con
los músicos jóvenes. En Río Grande intentamos
darles esa oportunidad. Les digo: ‘Valoren
esto desde chiquitos. Sé feliz esta noche,
acá. Porque no sabés quién está escuchando’”.
Por otra parte, Vives hace una celebración
de la música como puente, como lenguaje común,
como trinchera donde se borran las diferencias.
“Lo que la política no logra, la música
sí: nos conecta”, dice. Y lo demuestra con
cada anécdota, con cada canción, con cada
niño al que acompaña. Su regreso a Argentina
será, como él mismo promete, una fiesta.
“El 15 de octubre en el Movistar Arena y el
18 en el Quality de Córdoba. Vamos a hacer
un show inolvidable. Vamos a rockear juntos.
Los espero con todo mi corazón”, cierra.

SONRÍA, ESTAMOS EN BILLBOARD
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
N
uevo mes, nuevos
artistas, misma
vibra. En el TikTok
Live de Billboard
Argentina: Sonría,
Estamos en Billboard, no
paramos y esta vez nos visitaron
talentos nacionales a la par
que internacionales, quienes
buscan dejar su huella en la
industria con lanzamientos,
giras, shows y mucho más
contenido. Lia Kali y Delaossa
llegaron desde España, cada
uno con un propósito particular,
y compartieron charla con
nosotros sobre sus shows en
Argentina, su relación con el
país y los artistas nacionales que
formaron parte de su carrera de
alguna manera u otra.
Por otro lado, El Polaco visitó
nuestras oficinas para dar detalles
sobre su último lanzamiento
y el presente de la cumbia en
Argentina, que lo espera con
un proyecto de larga duración
entre manos. Además, Valentina
Olguín, Martu Brito y Tizishi
no quisieron dejar pasar la
oportunidad de compartir sus
experiencias de los últimos
meses en cuanto a shows en
vivo y estrenos que las perfilan
como artistas emergentes a
tener en cuenta para un futuro
cercano. Así, entre mates,
chistes y data musical, el live de
Billboard Argentina se sigue
consolidando como el lugar
ideal para escuchar a tus artistas
favoritos tal como son.
Lia Kali
La artista española se presentó en el Teatro
Vorterix para estrenar en vivo por primera vez
en el país su último álbum Kaelis, y jugamos al
mundialito de canciones para ver cuál era su
favorita, puesto que ganó “Niño”. “Es una canción
que me representa mucho ahora mismo. Desde la
letra, hasta el ritmo, el sonido… Amo cantarla y ver
la reacción del público”, expresó.
Delaossa
“La Madrugá” es el último álbum de Delaossa, el
que representa un antes y un después en la carrera
del artista español. Durante nuestra charla, Daniel
compartió los mejores momentos de la grabación
de este álbum y por qué significa tanto para
él. “Trabajar en este álbum fue como salir de la
oscuridad para mí. Cada persona que forma parte
me ayudó a ser mejor artista y persona”, reveló.
El Polaco
La cumbia se fusionó con el RKT en “Ya No Se
Enamora”, la primera colaboración entre El Polaco y
ECKO. Esta canción vuelve a los orígenes de Ezequiel
Cwirkaluk, quién afirma ya haber comenzado el
proyecto para su nuevo álbum de estudio que verá la
luz a finales de este año o principios del siguiente.
FOTOS: POPI GRAÑA
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SILVESTRE Y LA NARANJA
confíen si tienen que elegir
una canción?
Hay una historia muy buena del
papá de Justo, con el que hacemos
un “ubico hit, o no ubico hit”. Él no
se dedica a la música pero es músico
de pasión, tiene buen criterio.
Pasó que le mostramos los discos
antes de que salgan y nos dió una
review canción por canción, y suele
pegarle en cuál será un éxito y cuál
no, es un personaje.
¿Lo hicieron con este álbum?
Lo hicimos, pero no podemos revelarlo
para no quemar la canción.
Tenemos que decir que ubicó varias,
así que esperemos que sea así.
S
“ALTER EGO
FUE PENSADO PARA
SER TOCADO EN VIVO”
La banda comenzará su gira por Estados Unidos y llegará
al Estadio Malvinas Argentinas en septiembre.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO Y GABRIEL SOTELO
ilvestre y La Naranja
anunció la gira
con la que presentará
en vivo Alter Ego, su
último trabajo discográfico, lanzado
el 8 de mayo. Con ese tour, que
cuenta con 28 shows en distintas
ciudades de Argentina, Uruguay,
Estados Unidos, Chile, México,
España, Colombia y Paraguay, la
banda continúa consolidándose
como referente musical de la escena
del pop rock en español. Además,
dentro de esta serie de conciertos,
se presentarán el 27 de septiembre
en el Estadio Malvinas Argentinas:
“Será un show mágico porque estaremos
en casa, tenemos muchas
ganas de subir ya a ese escenario”,
dijeron en el TikTok Live de Billboard
Argentina.
Este disco cuenta con la producción
de Mateo Rodo y con visualizers
que complementan el estilo audiovisual
en cada uno de los tracks.
“Quisimos reflejar nuestros egos y
todas las personalidades que conforman
SYLN”, dijo Justo Fernández
Madero, cantante del grupo.
¿Cómo recuerdan el proceso
de gestación de Alter Ego?
Una vez que entras en el ciclo de
hacer un disco, pensar en su lanzamiento
y la gira que tendrá, todos
entramos en el mood de construir.
Cuando empezamos a hacer Alter
Ego estábamos transitando nuestra
gira más larga, que de alguna
manera fue nuestro primer tour de
gran escala. Mientras viajábamos
se fue gestando la producción y la
composición, porque en el día a día
entre el estudio y demás trabajos
uno no tiene mucho tiempo para
dedicarle a eso. Al terminar la gira,
en diciembre de 2023, nos propusimos
empezar el álbum y trabajar en serio,
por lo que reunimos todas las ideas
que fuimos juntando en el viaje y seleccionamos
lo que más nos gustó.
¿Quedaron canciones guardadas?
Sí, quedaron varias. En la vorágine de
sacar el disco empezamos a rememorar
todo el proceso y nos acordamos
de maquetas que son canciones que no
sabemos si van a salir o no. La canción
tiene una vida muy rara. Hay canciones
que están cinco años encajonadas
porque las descartaste para un álbum
y sale al siguiente… Uno se termina
encariñando, es un proceso de selección
difícil porque quizás terminamos
eligiendo 12, de 30 ideas terminadas,
pero que en realidad fueron 200 pensamientos
y maquetas.
¿Hay alguna persona en la que
¿Suele coincidir con las que a
ustedes creen que les va a ir
bien?
No siempre, la verdad, porque el
show es algo totalmente diferente
y quizás nosotros no lo tenemos
en cuenta. Depende mucho en
cada ciudad, cada país, cada persona
en particular… La expectativa
juega un rol extraño en la mente.
Quizás tenés mucha expectativa
en una que termina no siendo la
mejor, y viceversa. De eso te das
cuenta recién cuando estás girando
y sentís la reacción del público.
¿Son de escuchar música desde
el lado técnico? ¿O pueden
disfrutarlo?
Quizás en una primera escucha
vamos más por lo general, pero es
inevitable pensar en cómo se manejaron
los arreglos, la idea que
tuvieron, la estructura… Tenemos
la mente muy moldeada de
esa manera, por lo que sale natural.
Sí ha pasado de discos que escuchamos
durante mucho tiempo
que uno ya deja de lado el análisis
para disfrutarlo un poco más.
Ahora ya tienen fecha para el
show acá, ¿están listos?
Totalmente. El show será el 27 de
septiembre en el Estadio Malvinas
Argentinas. Estamos muy felices,
será una locura. Este disco fue
pensado para ser tocado en vivo
por lo que ya estamos craneando
el show para que salga hermoso.
¿Sintieron la recepción del
álbum?
Claro que sí, nos sorprendió para
bien. En redes y plataformas recibimos
una respuesta mucho
más contundente que en otros
álbumes. Muchos mensajes de
cariño y apoyo, también de otros
colegas, por lo que nos sentimos
muy mimados.
FOTO: POPI GRAÑA
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EL CANTO DEL CISNE DE SODA STEREO
30 años de Sueño Stereo,
el álbum que reunió a la banda
Zeta Bosio, Charly Alberti y otros rememoran el icónico último disco de Soda en su 30º aniversario.
POR DELFINA MARCHESE

FOTOS: CECILIA AMENABAR
E
n 1995, el trío de rock argentino Soda
Stereo regresó al estudio tras un receso de
tres años para grabar un nuevo álbum, Sueño
Stereo, su séptimo y último proyecto. En ese
momento, nadie sabía que este sería el disco de
despedida de la banda. Su predecesor, Dynamo,
era su trabajo más experimental y ecléctico,
mostrando un giro completo respecto a su
estilo new wave de la década anterior. Sueño
Stereo continuó esta exploración — un álbum
alternativo con una notable influencia británica,
lleno de sonidos electrónicos y arreglos de
violines, violonchelos y violas en muchas de
sus canciones.
Los años 90 trajeron una corriente completamente
diferente del new wave de los 80 que
le dio fama a Soda. A medida que el movimiento
del rock alternativo ganaba popularidad
en Estados Unidos y Europa, también crecía
su audiencia en América Latina, y el grupo
lo adoptó y convirtió el género en algo propio.
Después de 10 años de trabajo ininterrumpido,
lanzando álbum tras álbum y recorriendo
América Latina, la banda decidió experimentar
y creó un álbum completamente progresivo
que, 30 años después, sigue siendo elogiado
por fans y artistas.
“Parte del ADN del rock latinoamericano
se basa en un tremendo complejo de inferioridad
porque siempre se apoyó y copió todo
lo que estaba pasando en Inglaterra y Estados
Unidos”, dice Ernesto Lechner, periodista musical
de Argentina que ha vivido en Estados
Unidos desde los 90, a Billboard. “Soda Stereo
cambió eso”.
Soda Stereo revolucionó la historia del
rock en español con sus nuevos sonidos y su
exploración de diversos géneros musicales.
Ese estilo se convertiría en el sello artístico
del cantante principal Gustavo Cerati, quien
lo perfeccionaría en su primer álbum en solitario,
Bocanada (1999), tras la disolución de
Soda Stereo en 1997. Sueño Stereo, lanzado
el 25 de junio de 1995, se convirtió en la obra
maestra de la banda.
“Sueño Stereo es para mí, sin lugar a dudas,
el mejor disco de Soda”, agrega Lechner. “Es
un disco glorioso. Un disco de rock psicodélico,
de rock electrónico con momentos de ambient,
una cosa muy sofisticada. Y era como
un círculo completo”.
“Fue como el broche de oro, muy refinado”,
dice Valeria Agis, editora del diario argentino
La Nación, a Billboard sobre el disco, que en
2012 fue clasificado en el cuarto lugar por Rolling
Stone en su lista de los 10 mejores álbumes
de rock latino de todos los tiempos.
El viaje de Sueño Stereo comienza con el
rock alternativo de “Ella usó mi cabeza como
un revólver”, una canción melancólica y compleja
que presenta un arreglo de cuerdas con
viola, violín y violonchelo. Un cambio significativo
también vino con “Disco eterno” y
“Zoom”, dos canciones de pop-rock neo-psicodélico
que se convirtieron en clásicos del
repertorio de la banda.
Más adelante en el álbum, la influencia de
los Beatles se hace evidente con las canciones
britpop “Paseando por Roma” y “Ojo de la
tormenta”. El set concluye con un sorprendente
giro en las últimas tres canciones, piezas instrumentales
en las que los sonidos psicodélicos
se mezclan con los electrónicos.
Para Zeta Bosio, el bajista de Soda, Sueño
fue el álbum que le permitió seguir adelante.
Un año antes de su lanzamiento, su hijo Tobías,
de 2 años, había fallecido en un accidente
automovilístico. “Ese fue el disco que me
devolvió un poco a la vida, a la realidad”, dice
a Billboard. Pero también fue el álbum que
volvió a reunir a la banda como familia, permitiéndoles
“ser un organismo, que sentía lo que
el otro iba a hacer”.
El baterista Charly Alberti también lo sintió
así. El álbum “nos tiene a nosotros ya en
un punto muy alto musical los tres”, agrega.
“Las cosas salían muy orgánicamente”.
En solo 15 días tras su lanzamiento, Sueño
Stereo se certificó platino, convirtiéndose
en un éxito instantáneo en Argentina y toda
América Latina. Sin embargo, dos años después,
la banda decidió poner fin a su viaje de
15 años juntos con la gira de despedida El
Último Concierto, que culminó con un show
final en el Estadio Monumental de Buenos Aires
— una actuación que no solo nos dejó el
álbum en vivo y el DVD del mismo nombre,
sino también con la icónica frase de Cerati:
“Gracias totales”.
Cerati se tomó el tiempo para enfocarse en
sus proyectos personales. En 1999 lanzó Bocanada,
el álbum que consideró su debut oficial
como solista, aunque previamente había
lanzado dos discos durante el receso de Soda
Stereo antes de Sueño Stereo. En este contexto,
Bocanada se utiliza metafóricamente para
simbolizar un “nuevo aliento de creatividad”,
ya que Cerati notó que las canciones le estaban
llegando con mucha facilidad.
En 2007, Soda Stereo se reunió para la gira
Me Verás Volver, que los llevó por toda América
Latina y algunos mercados de Estados Unidos,
incluyendo Florida y California. La gira
comenzó y terminó en el River Plate, el estadio
más grande de Buenos Aires con capacidad
para 70.000 personas, donde ofrecieron seis
conciertos sold-out — cinco más que en 1997.
Soda Stereo planeaba algunos conciertos
adicionales, incluso uno en España, un mercado
que nunca lograron conquistar. Según
Bosio, las puertas estaban abiertas para hacer
más con la banda. “La música estaba intacta.
Era como que habíamos entrado en una
etapa de madurez y entendíamos las cosas de
otra manera”, dice el bajista. “[Pero] ser Soda
Stereo siempre fue una presión muy grande,
sobre todo para Gustavo, que era como el
compositor fundamental”.
En 2010, Cerati sufrió un accidente cerebrovascular
tras finalizar un concierto en Caracas,
Venezuela, mientras promocionaba su último
álbum en solitario, Fuerza Natural. Permaneció
en coma hasta su deceso el 4 de septiembre
de 2014, a los 55 años.
Pero fue Sueño Stereo lo que preparó el
terreno para lo que vendría después. Sueño
Stereo no marcó el final; fue el inicio de un
nuevo sonido que sigue resonando 30 años
más tarde.
“Una de las cosas que nos propusimos
en este disco es ser sustractivos”, dijo Cerati,
citado en el libro Cerati en Primera Persona
de Maitena Aboitiz. Fue decir: ‘Bueno, vamos
a menos’, y no por perfil bajo, sino porque no
necesitábamos repetir algo mil veces”.
En solitario, Cerati tuvo la libertad de hacer
lo que quisiera, en sus propias palabras. Con
Soda, la exploración que comenzó con Dynamo
y que la banda perfeccionó con Sueño
Stereo alcanzó su punto más alto. El resultado
fue una de sus piezas más importantes y uno
de los cuerpos de trabajo más grandes del
rock, influenciando a artistas de toda América
Latina y el mundo durante años.
Esta historia fue publicada originalmente en Billboard
Español.
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 29

“
LA MÚSICA
ME SALVÓ
LA VIDA
”
Es uno de los artistas más influyentes nacidos en Colombia.
Con un andar cruzado por las canciones y el compromiso social, en plena
gira le abrió su intimidad a Billboard Argentina para reflexionar sobre su
camino y dar algunas pistas sobre su próximo disco.
POR GABRIEL SOTELO
FOTOS: TUTE DELACROIX
n la quietud del lobby
de un hotel en el centro de
E
Neuquén, la tarde calurosa se
convirtió en un instante mágico
cuando Juanes salió con su
sonrisa serena y una campera
de cuero negra. Los fans, como
un mar de pasión y esperanza,
lo esperaban ansiosos en el
exterior, para hacer eterno ese
instante en una foto.
Sin perder tiempo, le seguimos
los pasos para acompañarlo hacia donde se presentaría
más tarde, en el escenario de la Fiesta de la Confluencia,
lo que sería su primera presentación en tierras
neuquinas. La van polarizada del colombiano no fue un
mero vehículo, se convirtió en un pequeño escenario
de conversaciones, donde la música y la amistad se entrelazaron
en un diálogo sincero sobre artistas argentinos
y el poder universal de la melodía, aquella que lo
recuerda a su infancia en Medellín.
El recorrido se convirtió en una travesía de historias
y sueños compartidos, en donde Juanes, con su humildad
y pasión, habló con entusiasmo sobre su vida, sus
raíces y la influencia de la música en su camino. Cada
palabra parecía una nota más en la sinfonía de su his-
toria, enriqueciendo el momento con una cercanía que
pocos tienen la oportunidad de experimentar y de la
que Billboard Argentina pudo ser parte.
Más tarde, nos convidó una porción de su escenario.
Desde un costado, lo vimos sacudirse con cada acorde
y cada letra que salía de su voz. La energía del público
se fundía con la intensidad del momento. Y allí, en esa
cercanía privilegiada, la música de Juanes se iba de lo
meramente auditivo para convertirse en una experiencia
emocional profunda. La conexión entre el artista y
su pueblo se hizo palpable, creando un recuerdo imborrable
que quedará guardado como un testimonio de la
magia que solo la música en vivo puede ofrecer.
En una extensa entrevista, el cantante abrió su corazón.
Además, sumergido en su universo musical, adelantó
en exclusiva que su próximo disco tendrá toques
argentinos: será producido por Nico Cotton y compartirá
una canción con Mateo Sujatovich, de Conociendo
Rusia.
¿Qué relación tenés con Argentina?
Tengo con Argentina una relación muy importante
y profunda porque me conecta con muchas cosas
de mi infancia y de mi vida. Obviamente la música es
fundamental porque yo comencé desde muy pequeño
escuchando lo que venía de este país y, desde el año
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 31

2000 que vine por primera vez, siempre
he vuelto. Llevo 25 años visitándola y ha
sido un recorrido increíble a lo largo de los
años con amigos y mucha gente con la que
trabajo.
¿Cómo nació esa conexión con
la música de un país tan lejano a
Colombia?
Desde un lugar profundo en el alma porque
desde muy pequeño tocaba canciones
de (Carlos) Gardel, mi papá y mis hermanos
las cantaban. En mi casa era normal
ver los vinilos y los cancioneros. Recuerdo
también que me disfrazaba de gaucho en
el colegio para ir a cantar “Zamba de mi
Esperanza” (Los Chalchaleros). Cuando
me pongo a pensar en perspectiva, el primer
concierto que fui en mi vida fue de
los Hermanos Visconti. Tengo la foto en
mi casa en el camerino con ellos. Yo tenía
8 o 9 años y estaba en la sala de mi casa,
época que fue increíble.
Ahora, además, grabaste con
Mateo Sujatovich (Conociendo
Rusia)…
¡Hermano, por favor! Estoy demasiado feliz
de poder hacerlo parte de una canción
que tengo en el álbum. Recuerdo que hace
como 3 o 4 años, en un Latin Grammy, me
acerqué a Mateo y le dije, “¡Cómo cantas
de chévere! Me encanta tu voz y tu música”.
Yo no lo conocía, me presenté y ahí
estaba Nicolás Cotton también. Después
Nico me dijo: “Tú te acercaste y saludaste
a Mateo y yo estaba ahí parado”. Estoy
demasiado feliz, la verdad que me encanta
lo que hace. Argentina siempre ha tenido
algo con la música y es una gran influencia
para el resto de Latinoamérica.
¿En qué etapa está tu próximo
álbum?
YO ME FUI DE MI CASA SIN HABLAR UNA
PALABRA EN INGLÉS, SIN ENTENDER NADA.
ERA COMO UN LOCO DE MENTE QUE ME IBA A
TIRAR ASÍ DE FRENTE Y DESPUÉS TODO ESTO
QUE HA PASADO HA SIDO HERMOSO.
porque es algo que recuerdo con un cariño
impresionante. Después vino todo el mundo
del rock, obviamente, que fue lo que me
marcó de una manera muy profunda ya en
mi adolescencia y hasta el día de hoy.
Spinetta, Soda Stereo, Los Enanitos
Verdes, Gardel, por ese lado, fueron
tu cuna.
Sí, de alguna forma, sí. Gardel primero,
porque el tango fue algo muy importante
en mi casa, pero más adelante, en la adolescencia,
el rock. Recuerdo cuando Soda
Stereo fue por primera vez a Medellín.
Después empecé a conocer todo lo demás:
El amor después del amor, de Fito Páez,
a Charly García. Recuerdo mucho que
yo veía un show de Carlos Vives, cuando
él estaba en la televisión, donde hablaba
mucho de Charly, del rock argentino. Y me
fui conectando también con Los Fabulosos
Cadillacs e Illya Kuryaki. Me tocó esa
Terminamos de grabar el álbum entre
noviembre del 2024 y principios de este
año con Cotton. Es un placer increíble
trabajar con él. Yo lo conocí por recomendación
de Sebastián Krys, mi otro
gran amigo argentino que es ingeniero en
sonido. Trabajar con él fue una experiencia
hermosa, tiene un gran talento y es
una gran persona.
Juanes se presentará el próximo 28
de octubre en el Movistar Arena, el
30 en Mendoza, el 31 en Córdoba
y el 1 de noviembre en el Festival
Bandera de Rosario.
Nombras a muchos artistas como
algo que en su momento era lejano,
como ídolos, como referentes. Hoy
probablemente muchas generaciones
te nombren a vos como ese referente.
¿Cómo sentís pasar de ser
un admirador a ser un admirado?
Me siento demasiado agradecido con la
música. Para mí ha sido lo más hermoso
que he tenido, después de ser papá de tres
hijos. Me ha permitido, primero que todo,
identificarme, saber quién soy, conectarme
con el mundo, con el universo y de
esa misma manera llegar a conocer a
estos seres humanos tan increíbles que
han sido mis ídolos y que lo seguirán
siendo siempre, porque eso no va a
cambiar. Poder aprender de ellos es
algo maravilloso y siento que aprendo
de la gente y que la gente también
quizá pueda aprender de uno, de
los aciertos y de las equivocaciones.
32
BILLBOARD.AR
JULIO 2025

Entonces, creo que al final es como si
fuéramos una sola entidad. La música
nos conecta más arriba, más allá de cualquier
diferencia ideológica que podamos
tener. El arte, la belleza del arte, es lo que
nos une y ojalá que podamos mantener
siempre ese canal.
En este cambio generacional,
quizás las nuevas generaciones
ya no viven el rock con el que vos te
criaste, sino que ahora pasa por otro
lado. ¿Cómo vivís ese cambio?
Sí, digamos que en el mainstream de pronto
no está tanto el rock, pero el rock sigue
existiendo y siguen existiendo muchísimos
proyectos musicales como, por ejemplo,
CA7RIEL & Paco Amoroso que sacaron un
disco increíble. Es un nivel musical muy
elevado y me encanta que eso esté pasando.
Un ejemplo de Colombia es Margarita
Siempre Viva, una banda de rock alternativo
muy buena.
No me molesta para nada el reggaetón.
Yo tengo tres hijos adolescentes y casi
adolescentes, ya son más grandes, que
escuchan esa música. Estoy escuchando
eso y ya estoy tan familiarizado
que digamos que lo siento como parte
de lo que es la música también. Son
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 33

BLESSD LANZA “AMISTA”

Su performance
en los charts
de Billboard
34
VECES
dentro del
Billboard Hot 100 Latin Song
8
VECES
en el Top 1 del
Billboard Hot 100 Latin Song
“ME ENAMORA”
PRIMER
TOP 1
durante 20 SEMANAS en
Billboard Hot Latin Tracks
de cantar, porque involucra la respiración,
la concentración. Y como que vos podés
transformar un sentimiento en una melodía.
Eso es una belleza. Solamente hay doce notas
musicales, ahí están, como tú las organizas,
te generan diferentes sensaciones. Es algo
increíble.
¿Te gusta también escuchar a tus fans,
saber qué les pasa, qué sienten, cómo
viven?
Siempre le pido al equipo que cuando hacemos
encuentros con fans no sean de muchas
personas porque cuando son muchos, no
puedes hablar con nadie. Me gusta dedicarles
tiempo mirándolos a los ojos, preguntándoles
de dónde vienen, qué estudiaron, dónde
trabajan. De repente me llegan con unas historias
que me parten el alma o que me conmueven
o que me llenan de alegría. Siempre
hay historias inimaginables de lo que puede
llegar a ser la música o una canción específica
en la vida de una persona. Yo soy fan
también, soy fan de mis bandas. Es algo muy
emocionante porque uno crece con la música
y hay una parte de esa obra que crece con ti y
te transforma la vida.
Tenés infinidad de premios ¿Qué significan
esos reconocimientos?
Yo creo que los premios en sí pueden representar
un reconocimiento al trabajo de
un equipo gigante que está detrás de uno.
Vos te paras a cantar la canción o grabar la
canción y la escuchas, pero hay mucho detrás,
mucha gente: la disquera, la gente con
la que trabajo componiendo, produciendo,
el management… De alguna forma se reconoce
a esa parte, pero tampoco es como
el fin. Es como dicen por ahí: “No puedes
buscar el dinero porque nunca te va a llegar”.
El dinero te va a buscar a vos cuando
hagas las cosas bien hechas.
Es lo mismo con esto de los premios, y
lo digo de verdad, de corazón: creo que
cuando uno se entrega con amor y con
pasión y hace las cosas bien, eso puede llegar,
pero no puede ser lo que te pongas en
la mente para trabajar y hacer música. Yo
nunca imaginé que todo esto que ha pasado
me iba a pasar, pero sí sabía que amo la
música a muerte. Yo me muero haciendo
música. Una vez escuché a Vicente Fernández
decir: “El premio más importante
es el premio de la gente”, y tiene toda la
razón. El cariño de la gente es el premio
más importante. Ese es el que hay que ganar
y mantener
A lo largo de tu carrera hiciste muchas
cosas por la gente, por la sociedad,
fomentar la paz, buscar ayudar a
la sociedad. ¿Cómo te nació eso?
La música tuvo mucho que ver ahí. Recuerdo
que en el año 1988 estaba en una banda
de rock y ahí, en ese momento, empezamos
a escribir canciones sociales. Era una banda
que se llamaba Ekhymosis y escribíamos
sobre lo que pasaba en Medellín, con
la gente joven, y me llamaba la atención
entender por qué las personas se comportaban
como se comportaban, o cómo funcionaba
el poder. Pero era desde la ingenuidad
absoluta, porque yo no tenía, en ese
momento, conocimiento de nada más que
ciclos, van y vienen, todo da vueltas y todo se
alimenta de todo. De repente encuentras gente
haciendo cosas artísticamente brutales desde la
música urbana también y es válido. Yo creo que
es un proceso, pero que hoy en día un chico
joven decida tocar un instrumento me parece
que es demasiado valioso. Por eso quiero invitar
a todos los chicos jóvenes que están ahí,
que no saben qué hacer con la vida, a aprender
a tocar un instrumento musical. Porque con la
inteligencia artificial y con todo lo que viene,
tocar una guitarra, un violín, una batería, va a
valer oro, muchachos, ¡oro!
¿Sentís que la música te salvó la vida o te
cambió la vida?
Ambas cosas. Me cambió la vida y me salvó la
vida. La música para mí ha sido todo. Siempre
fui una persona muy tímida, digámoslo así, en
el colegio. Recuerdo en la universidad que casi
no hablaba. Ahorita estoy hablando demasiado.
Pero en la música encontré una manera de
expresarme, de conectarme con el universo, de
entender quién era de alguna manera. Amo este
proceso casi que espiritual de tocar una guitarra,
¿CUÁNTAS CAMISAS NEGRAS TENÉS?
Tengo siete, entre grises y blancas, después son todas negras.
¿QUÉ LE PEDIRÍAS A DIOS?
A Dios le pido siempre por la salud de mis hijos, de mi
familia y por la mía también. No solamente le pido, le
agradezco demasiado todos los días por poder respirar.
¿POR QUIÉN LATE TU CORAZÓN?
Por mis hijos, por mi país y por todos mis fans que me
han dado la oportunidad de ser tan feliz. Por mi esposa,
por mi madre, por mi padre.
¿A QUIÉN CONSIDERÁS MALA GENTE?
Hay mucha mala gente en el mundo, eso sí. El mundo está hecho de
sombra y de luz.
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SUS CANCIONES FAVORITAS:
1
LA CAMISA NEGRA
MI SANGRE
2 LA VIDA ES UN RATICO
3 FIJATE BIEN
4 NADA
5 GRIS
36
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JULIO 2025

un joven de Medellín que vivía en una
ciudad convulsionada.
Todo eso fue una semilla que, de alguna
forma, empezó, y hasta el día de
hoy, siempre me importó lo que pasa,
no solamente en mi país, me importa
lo que pasa en general. Siempre
tratando de entender el: “¿Qué estoy
haciendo acá? ¿Quién soy? ¿Por qué
estoy acá?”, más desde un punto de
vista filosófico, no tanto en la ideología
concreta y mucho menos. Pero creo
que es entender qué somos acá. El ser
humano es algo maravilloso y también
con mucha complejidad.
¿En algún momento de tu vida sentiste
que estabas cansado de la música?
Sí, sí, varias veces me ha pasado eso, y
creo que es de las cosas más dolorosas
que he experimentado. Primero fue antes
de estar como solista, en un momento
me pasó, y después, en el 2010, tuve un
colapso tenaz, en donde yo terminé casi
que odiando a los que amaba, y no entendía
cómo había llegado a ese punto. O
sea, cómo yo podía estar en el escenario
tocando y maldiciéndome, pero ahora sí
entiendo y es porque estaba totalmente
saturado, porque uno en la vida tiene que
equilibrar las cosas. Hay que trabajar muchísimo,
muy duro, pero también hay que
tener un cuidado con uno mismo, con la
salud mental, con la familia, tener tiempo
un poquito para todo.
A mí me pasó eso, no me di cuenta, y
seguí, seguí, hasta que en un momento
me tosté, literal, y fue muy doloroso
ver cómo mi trabajo se vio afectado por
esa parte. Pero también mi salud mental,
mi familia y todo. Era un momento
muy oscuro en donde yo pensaba:
“No sé qué voy a hacer”. Pero lo más
increíble es que el amor de mi familia,
de mis hijos, de la gente que me quiere,
y el amor por la música, fue lo que me
volvió otra vez a sacar de ahí. Era tanto
el amor por la música y por cantar, por
tocar la guitarra, que yo decía: “¿Cómo
yo voy a dejar esto? No puedo dejarlo”.
Simplemente necesitaba un momento, y
eso no lo entendió parte de mi entorno,
lo que me llevó a un lugar donde estaba
enloqueciendo. Hoy en día, miro hacia
atrás, y agradezco ese momento. Digo:
“Qué bien, porque si no hubiera vivido
eso también, no estaría aquí hoy”. Hoy
me siento pleno, me siento feliz, me
siento cómodo, y creo que eso también
es parte del proceso de crecimiento.
¿Tuviste miedo de no volver a
encontrar esa pasión?
Sí, yo creo que el miedo nunca se
pierde. No sé si es “miedo” la palabra,
pero sí tener cierto nerviosismo,
respeto a la música, a la audiencia, a
componer, a la creatividad… algo está
mal. A veces me siento en el estudio
y aparece ese miedo de: “¿Será que voy
a hacer algo que me guste o no? ¿Será
algo que conectará con la gente o no?”.
Mientras tenía ese miedo de hacer canciones,
la verdad es que no conectaba y no
me pasaba nada chévere. Cuando solté ese
miedo y empecé a ser otra vez yo, a mirar
hacia adentro y a hacer la música que me
salía del alma, sin importar si era o no comercial,
si conectaba o no, en ese momento
yo, otra vez, vencí al miedo y me di cuenta
de que realmente eso es lo que tengo que
hacer.
Hoy en día, más que nunca, las canciones
tienen que ser honestas y hay cosas que
le gustan a más gente y otras a menos,
pero si te gustan a ti y tú te sientes cómodo
con eso, creo que realmente eso es lo
que importa. De la otra manera es entrar
en un código específico donde tienes que
vestir… Yo a veces le pongo el ejemplo a
mis amigos: “Tú quieres entrar a esa discoteca,
tienes que ponerte esa ropa para
poder entrar ahí, hay un código”, pero el
código del sentimiento y del alma, eso es
algo que no hay, es algo honesto y que la
gente entiende cuando eso pasa. En este
momento de mi vida me liberé y estoy en
un lugar donde hago lo que me gusta, lo
que siento y estoy tranquilo.
¿Qué escuchabas en esos momentos
en los que quizás no tenías
tantas ganas?
A mí me ha salvado la música de otro,
siempre, desde el principio. Y mi música
también, porque para mí es una terapia
cantar y tocar. Una banda que me salvó fue
Metallica, por ejemplo. A pesar de que mi
música no suena como ellos, recuerdo lo
que significan para mí, en mi vida, en el
momento justo donde llegaron, y son una
salvación para mí. La inspiración, las ganas
de hacer lo que ellos hacían, de viajar por el
mundo, de imaginarme cómo era su mundo
cuando veía las fotos. Desde Metallica,
Pink Floyd, The Beatles, muchas bandas
me transformaron la vida.
¿Y se lo pudiste decir a alguno de
los integrantes de Metallica?
Sí, yo le declaré mi amor a James Hetfield
cuando nos conocimos en Guadalajara. Fue
muy chévere. Me fotografié con él, pero no
me llegaba la foto. Pasaron siete años hasta
que finalmente alguien me mandó la foto.
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// OSCAR MAYDON
LOS TEMAS DE
RICO O MUERTO VOL. 1
1. “BAJA BEACH”
(con Fuerza Regida, Junior H)
2. “DESVELADA”
(con Neton Vega, Peso Pluma)
3. “PA MI”
(con Tito Double P)
4. “TOP MODEL”
(con Junior H)
5. “2030”
6. “ASQUEROSAMENTE RICO”
(con Peso Pluma)
7. “TU BODA”
(con Fuerza Regida)
8. “TUXXI”
(con Anuel AA)
9. “AMIGOS? NO”
(con Neton Vega)
10. “MR. VALLARTA”
11. “FINOS CON LOS VALENTINO”
(con Luis R Conriquez, Gabito Ballesteros)
12. “ZAZA”
ABRE UN NUEVO CAPÍTULO CON
SU ÁLBUM MÁS AUTÉNTICO,
RICO O MUERTO VOL. 1
Compuesto por 12 canciones que oscilan entre el rock y el pop, es
un álbum que se destaca por su sonido fresco, moderno y pegadizo,
consolidando una nueva etapa en la trayectoria de la banda.
scar Maydon viene
O
siendo la fuerza imparable
de la música mexicana y
recientemente estrenó su
tercer álbum de estudio,
Rico o Muerto Vol. 1, un
proyecto audaz y profundamente colaborativo
que marca un momento en su evolución
como artista. El álbum destaca el crecimiento
de Maydon como escritor y cuenta con colaboraciones
de algunas de las figuras más importantes
del género, incluyendo Peso Pluma,
Fuerza Regida, Junior H, Anuel AA, Neton
Vega y más. Las colaboraciones están cargadas
de una química natural nacida de amistades
verdaderas.
"Rico o Muerto Vol. 1, empezando solo
con el nombre, representa quiénes somos
como personas, como disquera, como familia",
comparte Maydon. "Este es, sin duda,
el mejor álbum que he hecho en mi carrera.
Hemos madurado musicalmente, desde las
letras hasta las melodías. Es un álbum que
tomó un año entero de trabajo, y lo llevo en
mi corazón porque no fue fácil. Tomó tiempo
juntar a las personas correctas, construir
cada colaboración con intención. Cada track
fue elegido con cuidado. Este álbum cuenta
nuestra historia, nuestra vida y el hambre de
llevar nuestra música a cada rincón del mundo",
agregó.
En el corazón del proyecto está el explosivo
focus track, "Asquerosamente Rico" con Peso
Pluma, un himno que introduce un nuevo
personaje al universo de Maydon: una figura
llamativa y exagerada tipo payaso que le da
vida visual a la frase "asquerosamente rico."
La canción demuestra la creatividad de Maydon
mientras se mantiene arraigado en el
espíritu melódico y romántico que define su
sonido.
"Hasta creamos toda una personalidad para
él", cuenta Maydon. "Es como el hijo pequeño
de Rico o Muerto. Nos divertimos mucho desarrollando
la idea que tuvimos que escribirle
una canción. Todo se conecta a lo largo de
este álbum. Es todo parte del mismo mundo
que hemos construido", dice.
El álbum llega tras la memorable aparición
de Oscar en Sueños Music Festival,
donde presentó un adelanto de "Baja Beach"
y sorprendió a los fanáticos al unirse a Peso
Pluma en el escenario durante su set. Tras su
nominación al American Music Award en la
categoría de "Canción Latina Favorita", un
logro que consolidó su posición como una de
las voces más prometedoras de la nueva ola
de la música mexicana, Maydon se alista para
empezar su primera gira por Estados Unidos.
El Rico o Muerto Tour arranca en julio en Salt
Lake City y tocará en 13 ciudades a lo largo
del país del norte.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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Track X Track
SANTIAGO
MOTORIZADO
El compositor y cantante de El mató a un policía motorizado revela detalles y
anécdotas de los temas de su primer álbum como solista.
POR EZEQUIEL RUIZ
PRESENTA EL RETORNO
S
antiago Barrionuevo
—alias Santiago
Motorizado,
Chango, o el corazón
de Él Mató a
un Policía Motorizado—
llega a una estación crucial
en su mapa personal: el lanzamiento
de El Retorno, su primer
disco solista. Con más de veinte
años moldeando el pulso del indie
argentino con su banda, se manda
ahora a una inmersión más ínti-
ma, sin perder esa épica emocional
y cotidiana que ya es
marca registrada.
Lo moldeó echando mano y
actualizando su conocido archivo
-ese que viene circulando
desde que existe YouTube,
en versiones caseras y tomas
en directo- junto con algunas
más recientes. Grabado en
los estudios Sonic Ranch en
Texas con los hermanos Pipe
y Tom Quintans y el produc-
tor Eduardo Bergallo, el trabajo
comenzó a revelarse con
"Google Maps" (antes “Google
Earth”, para los más fieles) y
“La Revolución”, que incluye
un videoclip que mezcla fútbol,
nostalgia y humor, protagonizado
por Diega Maradona
y un Santiago convertido, por
arte del lookeo, en una Claudia
masculina tan improbable
como entrañable.
Este debut solista (que no es tal
si se tienen en cuenta las bandas sonoras
que grabó para La muerte no existe y
el amor tampoco y Okupas, entre otras)
no es un quiebre, sino una expansión natural
de su trayectoria. Lo va a presentar
oficialmente en el Teatro Gran Rex el 4 de
septiembre, y cuenta con todo un correlato
visual que desarrolló en sociedad creativa
con Bohemian Groove Corp, el laboratorio
de ideas encabezado por Dillom. En
este Track x Track con Billboard Argentina,
revela detalles, datos y anécdotas de
cómo llegó a este repertorio.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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JULIO 2025

1 2 3
“Camino piedras”
de “Amor en el cine”
“Google Maps”
"En una época en la que
escribía canciones y me
daban ganas de salir a tocarlas
solo, estaba muy copado con
artistas como Iron & Wine
y Devendra Bahnart. Me
sentí inspirado y empecé a
componer por ese lado, con
mi impronta. Esta no entraba
tanto en el universo de El
mató, pero igual quedó. En su
primera versión era guitarra y
voz, con ese acorde menor,
más folkie. Ahora, en formato
banda, quedó una cosa más
western. Me gusta para abrir
el disco porque marca el
camino, muestra otra manera
del formato de canción".
5
“Pienso en vos”
“Es un tributo a la cultura pop y
a las cosas que me gustan. Hay
muchas referencias: al disco 69
Love Songs de The Magnetic
Fields (que en una época me
volví loco para conseguirlo
en formato físico, pero no
había forma, ni reedición tenía.
Ahora lo tengo en todas sus
formas), a la película que acá
se conoció como Hechizo del
tiempo pero que se llama El día
de la marmota… Antes la letra
hablaba de que tapé un póster
de Motörhead con uno de Las
Ligas Menores. Pero como
Las Ligas Menores no existen
más, ahora le puse uno de 107
Faunos y Cannibal Corpse,
que rima bien y quedaba mejor”.
8
“El pastor me dio su mano”
“Tiene algo del espíritu de ‘Camino de Piedras’, las dos hablan de un pastor. Es
de esa misma tanda de canciones que escribí en aquel momento y sentía que
rompían con lo que venía haciendo. La historia es de alguien muy resentido
que, en un momento, busca la respuesta en algo religioso. Tengo educación
religiosa hasta la escuela primaria, de chiquito hice todo: estoy bautizado, tomé
la comunión y después la confirmación. Después me hice punk”.
“El gomoso”
“Con el público se generó
una conexión muy fuerte con
esta canción a pesar de no
estar publicada oficialmente.
En vivo siempre sonó más
acelerada que la versión
acústica y la gente se agita,
hace pogo, todo. El tema habla
del amor al cine y la pareja
protagonista queda en un
segundo plano. Nunca lo había
pensado, pero puede que
tenga un link con 'Caminando
por el microcentro' (Attaque
77). Además, ambas arrancan
tranquilas y después se
aceleran”.
“Oh, Dana”
4“La revolución”
“Es una canción de amor a alguien que ama a la patria. Lo
patriótico lo asocio a algo antiguo, no sé por qué. Ella era
muy patriota de las fechas, los próceres, la argentinidad
desde ese lado. A la vez, era una chica muy moderna, muy
cool y la mezcla me parecía espectacular”.
10
9
“Así le decían a un personaje que gomoseaba a una amiga. Y ella, con sus amigas,
muy malvadas, lo apodaron así. Cuando me contaban la historia, me decían: ‘Es
re pesado, me escribe, me anda atrás…’. Y yo sentía empatía por el pobre gomoso,
estaba más de su lado que de las chicas. Creé todo un universo acerca de alguien
que está ahí, torpemente merodeando a alguien sin conseguir poder acercarse”.
“Para contar el chiste de la torpeza de alguien que se pone a buscar
a otra persona en una aplicación, me resultaba más simpático si era
en Google Maps que en Google Earth, como se llamaba el tema
originalmente. Algunos se quejaron de que le cambié el nombre, lo
cual también me pareció fascinante. La canción tiene muchos años
y sigue funcionando, sigue vigente por esta cosa de la conexión, de
la conectividad, de esperar que el celular nos solucione la existencia,
que está muy presente”.
“Tiene sus años, pero nunca se filtró. Tiene una onda y un
título muy El mató. En un momento se barajó de que pasara
al repertorio de la banda, pero en la letra tiene un juego muy
propio y que va en línea al resto de mis canciones. Estoy muy
contento con el video porque matchea muy bien con la letra,
le da otra dimensión. La Diega la rompió toda. Era una idea
que tenía hace muchos años: que Maradona sea una chica y
que un varón hiciera de Claudia [Villafañe]”
7
“Jazmín
chino”
“Un cover de 107 Faunos,
uno de mis temas favoritos de
toda la historia de la música,
hecho por la mejor banda de
todos los tiempos. Recibí la
bendición de Gato (factótum
del grupo), que le gustó la
versión. Me gusta la idea de
que este disco tenga un cover,
como el primer disco de los
Ramones (“Let’s Dance”)”.
“No me trates mal”
6
“La primera vez que la grabamos
fue en las sesiones de La Dinastía
Scorpio [disco de El mató de
2012], con Edu Bergallo. Él
tiene unas tomas, que nunca
salieron, en donde se escucha
que nos peleamos un poco. Yo
les mostraba el tema a la vez
en que lo estábamos grabando,
pero los chicos no le sacaban la
onda. Porque tiene sus cortes, sus
subidas, era menos simple que
los otros que veníamos haciendo.
Le dimos vueltas un par de
veces, pero nunca quedó bien y
la abandonamos. La rescaté acá
y estoy contento porque quedó
como yo quería, con esa cosa
romántica, medio cliché, exagerada,
näive, con lugares comunes,
que me gusta usarlos así porque
generan esta atmósfera”.
11“Te pido
perdón”
“Se había filtrado con el
nombre de ‘Quería vivir
en otra casa’. En este
disco toco las temáticas
de siempre: el amor, la
amistad, la tristeza, pero
todas las canciones están
atravesadas por el humor.
Este tema se pone un poco
más serio, es una situación
más melancólica sin ese
giro gracioso. Y me parece
que está bueno que el
final del álbum sea así. Me
pareció bien para cerrar
e, incluso, para darle una
puerta a lo que va a venir”

¿Tienen intriga por alguna
canción para ver cuál es la
reacción en vivo?
A nosotros nos gusta mucho el
estudio, estar ahí, quedarnos mil
horas, pero es cierto que cuando la
empezás a tocar y ves que la gente la
canta es otra cosa, toma otra vida.
Hay canciones que mucho no me
gustaban de discos pasados, y que las
resignifiqué con el show en vivo.
El nombre del disco conecta
con Cinema Paradiso.
En realidad, cuando estábamos
componiendo “Paraíso”, el tema, estábamos
así como boludeando con la
letra y demás, y la frase era “Cinema
Paradiso”. Y después empezamos a
darle una vuelta, que es el show, y
quedó “Paraíso”. Después tiene otros
significados también, como si fuera
un parador de ruta. Hay algo medio
de viaje, de ruta en el disco. Y “Paradiso”,
acá en Argentina, puede ser un
parador, un hotel rutero.
El Zar, nuevo disco y gira mundial
Facundo Castaño y Pablo Giménez hablan de Paradiso, el nuevo álbum del grupo.
POR GABRIEL SOTELO
E
l Zar, una de las bandas
más destacadas de la
escena indie-pop argentina,
presentó oficialmente
su nuevo álbum
Paradiso, obra que los
consolida como referentes del sonido
contemporáneo nacional. El
disco, cargado de matices emocionales,
sintetizadores nostálgicos y letras
introspectivas, propone un viaje
sonoro donde la melancolía convive
con el deseo de conexión, reflejando
una evolución artística que marca un
nuevo capítulo en su carrera.
Además del álbum, la banda se
prepara para una gira internacional
que recorrerá diferentes ciudades
del mundo, llevando estas nuevas
canciones a los escenarios con una
propuesta visual y sonora renovada.
El Zar apuesta a seguir construyendo
ese puente emocional que los une
con su audiencia, ahora con un show
que promete ser una verdadera experiencia
sensorial.
Paradiso también los posiciona
como una banda en constante bús-
queda, que se anima a reinventarse
sin perder su esencia. Con una gira
por delante y un disco que ya está
resonando fuerte en plataformas, el
dúo demuestra que sigue creciendo,
creando y soñando en grande.
Tras su paso por Montevideo, en
donde se presentaron en el Cosquín
Rock Uruguay, Facundo Castaño
y Pablo Giménez, los líderes de la
banda, pasaron por el Tiktok Live de
Billboard Argentina.
¿Qué tal el Cosquín Rock
Uruguay?
Increíble. Mucha gente, creo que había
como 25 mil personas. Muy contentos
de estar en Uruguay compartiendo
con amigos, porque tocamos con No
Te Va Gustar que se subieron a nuestro
show para cantar “Parte de mí”.
¿Cómo nació esa relación?
Lo invitamos a Emi (Brancciari,
cantante de NTVG) a cantar en
Obras y a partir de ahí se generó un
vínculo en el que ellos después nos
invitaron a los Luna Park y luego a
los Movistar Arena. A partir de ahí
surgió la idea de invitarlos a algún
tema del disco y justo teníamos esta
canción, “Parte de mí”, que les quedaba...
Estaba pensada para ellos.
Y vienen de sacar el disco
nuevo… Bueno, ya no tan
nuevo, salió hace más de un
mes…
¡No, pará! Nosotros somos de la generación
que un mes sigue siendo
nuevo el disco. De hecho, cuando salen
los discos de otros, me gusta darme
mi tiempo para escucharlos. Por
ahí en un mes recién estoy arrancando
a escucharlos, así que espero que
haya gente que le esté pasando eso.
¿Cómo sienten que la gente ha
recibido el disco?
Creo que está teniendo mucha repercusión
y recibimos mucho cariño.
Nos están pidiendo que vayamos
a tocarlo a muchos lugares. Así que
ya estamos con ganas de preparar el
show y toda la gira que nos va a tener
el resto del año paseando.
Las canciones también hablan
de viaje: “Bahía”, “Cruz del
Sur”, “Perdido”…
La idea fue llevarlo a algo más “Thelma
& Louise” y un viaje de ruta. Y
queríamos hacerlo acá en Argentina
porque es algo que tiene raíces de
rock nacional.
¿Por qué el primer track del disco
es “La forma de estar solo”?
Es una canción que de alguna forma
nos representa. Después hay un
montón de temas que tienen sus
aristas y que la gente, y también nosotros,
vamos descubriendo.
¿Cómo fue la elección de las
canciones del disco?
Fue un poco el ejercicio de: “Ok, se
viene un nuevo disco, arranquemos
de cero”. De hecho, teníamos varias
viejas, pero nos fuimos al Delta, en
el Tigre, a arrancar un nuevo proceso
de composición y después fueron
pasando muchas cosas durante un
año y medio de laburo en el disco.
Se viene un estadio GEBA.
Estamos muy contentos. Ahí ya empieza
el calorcito, va a estar lindo,
al aire libre. Siempre tuvimos ganas
de hacer algo al aire libre, una fecha
grande, porque también sentimos
algo cuando tocamos en los festis,
que es como, está bárbaro tocar al
aire libre. Así que elegimos GEBA
que es un lugarazo, vimos muchas
bandas ahí de chicos y de toda la
vida y está muy bien ubicado, ahí al
lado del hipódromo. La verdad que
va a ser una gran noche.
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
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JULIO 2025

CARLOS SANTANA
“QUIERO QUE LA MÚSICA SEA UNA FIESTA DEL ALMA”
El guitarrista presenta su
colaboración con Grupo Frontera,
reflexiona sobre la espiritualidad
y propone una nueva madurez
sonora para América Latina.
POR ANTONELLA LOPREATO
A
Agosto de 1969, Woodstock.
Un Carlos Santana todavía por descubrir,
de 22 años, sube al escenario
bajo una tormenta psicoactiva después
de tomar mezcalina. Desconectado
del tiempo y sin estar seguro de si su banda
tendría oportunidad de tocar esa tarde, se enfrentó al
caos hippie del festival con un sonido afrolatino que
salía directo de su Gibson SG. Todo en él era insólito
para el público de Bethel, Nueva York. Primero, el
hecho de que un grupo llevara el nombre de su guitarrista.
Segundo, que ese guitarrista fuera un mexica-
no con acento fronterizo. En medio de
la revolución cultural del siglo XX, un
joven daba forma a un género que aún
no existía en el mapa anglosajón y que,
con bongós, timbales y congas, abriría
las puertas a toda una generación de artistas
del sur. Más tarde lo llamaríamos
"rock latino".
“Tengo casi 80 años, pero no siento la
edad. Sigo articulando música que le
gusta a la gente joven, y eso es un milagro”,
confiesa sorprendido en conversación
con Billboard Argentina. Nació
en Autlán de Navarro, Jalisco. Sus primeros
pasos los dio bajo la mirada de su
padre, un violinista que no solo le enseñó
a reconocer el valor de una nota bien
ejecutada, sino también a cultivar una fe
como guía de vida. “Yo estoy donde estoy
y he llegado desde donde vine porque
la voz de Dios me guía. Mi madre
también me hablaba con esa claridad.
Hasta el día de hoy la escucho”, recuerda.
Aquel niño de manos inexpertas y
mirada inquieta tomó el violín como
primer lenguaje musical, siguiendo una
tradición familiar que parecía escrita en
clave de destino. Pero el rumbo se definió
con otro instrumento: la guitarra, su
verdadera "extensión espiritual".
La adolescencia lo sorprendió en Tijuana,
una ciudad donde la cultura dialoga
con el sueño americano. Fue allí,
entre estaciones de radio que captaban
señales del otro lado, donde descubrió
que había nuevos sonidos. Bastaron
algunos temas de B.B. King, T-Bone
Walker y John Lee Hooker, para que
aquel instrumento de cuerdas clásicas se
convirtiera en un recuerdo de su infancia.
Su oído era una esponja dispuesta
a absorberlo todo. Boleros, jazz latino,
soul afroamericano, flamenco. Todo
era materia prima. Pero no encontraba
forma definitiva, por eso, empezó “a
cocinar”. “Aprendí a revolver los mismos
huevos de forma diferente. Cuando yo
los revuelvo, les agrego condimentos,
FOTO: SONY MUSIC
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JULIO 2025

cebolla, manzana si hace falta… porque la vida
es como cocinar”, dice.
Su paladar se fue nutriendo de una lista
heterogénea. “He aprendido de mucha gente.
De Ritchie Valens –Ricardo Valenzuela, que
hizo ‘La Bamba’-, de Los Indios Tabajaras,
de José Feliciano, de Mongo Santamaría, de
Ray Barretto con ‘El Watusi’… todos ellos
me enseñaron algo”, asegura. “Las notas musicales
son como los colores de un arcoíris:
siempre son los mismos, pero lo importante
es saber combinarlos. Como decía antes, hay
que saber ‘revolver los huevos’ de forma diferente.
Son los mismos ingredientes, pero con
otra intención, con otro sabor”.
Ese magma creativo encontró su cauce a fines
de la década del sesenta, cuando se mudó
a la bahía de San Francisco, justo en el momento
en el que la contracultura vivía su apogeo.
El músico, finalmente, encontró el contexto
perfecto para exprimir su talento junto
a su banda Santana Blues Band. En la city que
ya albergaba a Grateful Dead, Janis Joplin y
Jefferson Airplane, fue Bill Graham, el reconocido
productor y promotor, quien los llevó
a tocar en el Fillmore y luego les consiguió el
pase mágico a Woodstock.
Para Carlos, la música y la espiritualidad
son inseparables, dos caras de una misma
moneda. Desde el instante en que el mundo
escuchó aquel wah-wah que hablaba en español,
su guitarra dejó de ser un instrumento
para ser un “canal de milagros". “Yo agarro
una melodía y me concentro en que esa
melodía pueda hacer llorar, reír y bailar a la
gente. Porque cuando lográs que una canción
provoque esas tres cosas al mismo tiempo es
que sabés cómo articular el Espíritu Santo. Y
eso, para mí, es sagrado”, asegura. “Nosotros
usamos la música para elevar a las personas
a un lugar donde no hay miedo, ni oscuridad,
ni ignorancia. Un lugar sin banderas,
sin fronteras, sin catedrales… Solo armonía y
cosas buenas”, agrega.
Su álbum debut, Santana (1969), con “Evil
Ways” como estandarte, abrió una puerta a
un nuevo lenguaje musical. Luego llegaron
Abraxas (1970) y Santana III (1971), una trilogía
que incluyó clásicos como “Black Magic
Woman”, “Oye Como Va” (la reinterpretación
de Tito Puente) y “Samba Pa Ti”. A partir de
1972, su discografía se volvió más espiritual,
influida por su conversión al misticismo hindú
y su relación con el gurú Sri Chinmoy.
Fue el inicio de una etapa introspectiva, donde
su música se volvió menos accesible para
el gran público, pero más rica en texturas. A
pesar de perder visibilidad en las listas de éxitos
durante los ‘80, nunca dejó de tocar y experimentar.
Colaboró con artistas de todo el
espectro -desde el flamenco de Paco de Lucía
hasta el tango jazz del Gato Barbieri– y fue
mentor de músicos emergentes. En 1989, fue
clave en la resurrección artística de John Lee
Hooker con el disco The Healer. Como un
chamán, aparecía cuando alguien necesitaba
curación.
Entonces llegó 1999. Y con él, Supernatural,
el disco que nadie vio venir. Santana,
con 52 años y una carrera consolidada
pero distante del radar pop, se posicionó
de nuevo en la cima. Gracias a la visión
de Clive Davis y a una constelación de
artistas que incluía a Lauryn Hill, Rob
Thomas, Dave Matthews, Eric Clapton y
Maná, el disco vendió más de 30 millones
de copias y ganó 8 premios Grammy.
“Smooth” se llevó todos los elogios. Fue
número uno en el Billboard Hot 100 durante
12 semanas, siendo uno de los temas
más exitosos de la historia del chart.
El siglo XXI trajo nuevas colaboraciones,
nuevas causas y, sobre todo, nuevas batallas.
Enfrentó problemas de salud, se mantuvo en
pie tras cirugías y desmayos en el escenario,
y continuó girando, grabando, celebrando.
Fundó la Milagro Foundation, para apoyar
a comunidades latinas, indígenas y africanas.
Se convirtió en activista por la paz, la
educación y los derechos civiles. “Yo quiero
ayudar a mis hermanas y hermanos en todo
el mundo a que puedan decir: ‘Soy digno
de la gracia de Dios’. Y también, que se den
cuenta de que pueden crear milagros y bendiciones”,
declara.
Aún firme en su búsqueda musical, sigue
apostando por la profesionalización de los
ritmos sudamericanos, sin dejar de lado su
esencia popular. El alma latina aún tiene
mucho por decir, y la música, si es bien
cocinada, puede ser un banquete divino.
“A veces, América parece una adolescente
todavía en plena rebeldía, escuchando a
Chuck Berry, rock and roll. Pero ya es hora
de madurar, de crear música que sea sensual,
espiritual y elegante”, analiza. Y eso se
ve reflejado en su colaboración junto a Grupo
Frontera en el nuevo sencillo “Me Retiro”. El
título suena a despedida, pero con solo escucharlo
(y ver su agenda) sabemos que Carlos
no se va a ningún lado.
Lejos del cliché del hombre despechado que
se ahoga en tequila y baladas de cantina, el
guitarrista le da una vuelta de tuerca al desamor.
“Desde chico, nunca conecté con esas
canciones donde, si te dejan, te vas a llorar
con lágrimas en la cerveza”, dice. Lo suyo es
otra cosa. En su spanglish, revela su filosofía
afectiva. “Yo nací para honrar las relaciones. Si
ya no sentís algo por mí, andá y buscá lo que
necesitás. Si ya no me amás, yo me despido
por los dos”, dice y remata, sin un gramo de
rencor: “Te deseo lo mejor. Honro y respeto lo
que tuvimos, pero no soy de esas personas que
dicen: ‘Sin vos no puedo vivir’. Lo siento, pero
eso no es para mí. Yo no vine a este mundo
solo para vos. Vine para el mundo… Y para
Dios”.
Santana ya no persigue aplausos ni glorias
pasajeras; busca sanación. No pretende que lo
miren desde un pedestal, sino desde un lugar
mucho más humano. Si alguna vez fue un artista
del rock, hoy es un cocinero del espíritu.
Y sigue ahí, revolviendo su olla con sabor a
Woodstock, a México, a soul, a fe. Su misión
no cambió desde aquel día histórico de 1969,
solo se hizo más clara. “Es como cuando los
niños rompen una piñata: al principio la golpean,
la golpean… Y de repente, se rompe y
salen todos los juguetes, los dulces, la alegría.
Para mí, cada nota que toco es como romper
una piñata. Quiero que la música sea eso: una
fiesta del alma”, expresa.
Y entonces, tras tantos años y caminos recorridos,
¿qué sigue para un hombre que parece
haberlo dado todo y aun así, se resiste a bajarse
del escenario? ¿Puede la eternidad caber en una
guitarra? Carlos Santana insiste en que sí.
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Emanero y L-Gante
se juntaron en
“Romantiko”
LOS CANTANTES SE UNIERON EN ESTA CANCIÓN QUE
YA CANTARON JUNTOS EN EL MOVISTAR ARENA.

FRAGMENTOS
DE LA CANCIÓN
Es de noche y yo sé que vas a dormir conmigo
Ya compré para hacer tu trago favorito
Y a la luz de la luna vamos a hacer el amor
Y cuando menos lo esperes, te vas a olvidar del dolor
¿CÓMO SERÍA UNA CITA IDEAL?
Sé que te parezco interesante,
Y que te gustan mis tatuajes,
¿CUÁL ES TU TATUAJE FAVORITO?
Voy a hacerte gritar como loca
Cuando tus labios toquen mi boca
Yo sé que a vos te gustan los bandidos
Y aunque en la cama soy un atrevido,
También soy un tipo romántico
Que mata y muere por estar con vos
¿SON ROMÁNTICOS?
Yo dejo de ocuparme de mí pa' dártelo todo a vos
¿HAN DEJADO COSAS POR AMOR?
Nunca olvido ese momento en que tu cara apareció
En mi vida, nunca tuve una wachita tan linda, sexy y atrevida
Para vos, soy un romántico
Aunque en la calle comenten lo contrario
¿LES MOLESTAN LOS COMENTARIOS DE LA GENTE?
Sé que no le das bola a los comentario'
Yo me quiero casar con vos en el barrio
¿SE QUIEREN CASAR?
Pa' que salgamo' en to' los diario'
FOTO: GENTILEZA PRENSA
¿CÓMO SERÍA UNA CITA IDEAL?
EMANERO: Una cerveza bien fría y cocinar
algo para mi pareja, o que mi pareja me
cocine algo. Ella me ha hecho comidas de
verdad, comidas caseras como un pastel
de papas. A mí me gusta hacer pastas,
guisos, arroz, asados. Y de postre soy de
los chocolates, un mix de unos alfajores,
algo así.
L-GANTE: Un buen plato de comida y, creo
que en este caso romántico, un vino. De
postre unos buenos panqueques con
dulce de leche
¿Lo haces flameado?
L-GANTE: No, eso es demasiado.
¿CUÁL ES TU TATUAJE FAVORITO?
EMANERO: Creo que el limón, es el último
que me hice.
¿Qué representa?
EMANERO: No, nada, me gusta el limón, las
milanesas con limón.
L-GANTE: Yo tengo la fecha en que nació mi
mamá en la frente, pero también admito
que mi favorito es el que tengo en la panza,
que es “Cumbia 420” porque significa
mucho.
¿SON ROMÁNTICOS?
EMANERO: Creo que estar siempre a disposición
para la otra persona, mostrarse
presente, cuidadoso, tratar de acompañar,
de seguirle el ritmo a la persona que
está con nosotros son actos románticos y
un poco en línea de lo que dijo Charly, esto
de: “Soy romántico, no boludo” coincido
que no necesariamente ser romántico
tiene que ver con velas y clichés.
L-GANTE: Sí, obvio. Cuando empezamos
a buscar en la mente, en los recuerdos,
las cosas que hemos hecho por darle un
detalle a una persona que queremos, sí,
soy romántico.
¿HAN DEJADO COSAS POR AMOR?
EMANERO: Dejar de hacer no, pero sí obviamente
a veces cambiar ciertas cosas que
uno tiene costumbres o lo que sea, por
otra persona. Está bueno cuando te das
cuenta que fue un cambio positivo para
vos también, que no solamente lo hiciste
obligado, sino que lo hiciste porque querías
y te sirvió para tu vida, te generó algo
lindo haber cambiado eso también.
L-GANTE: Sí, puede ser. Más que nada a
veces es tiempo, querer brindarle un poco
más de tiempo, más atención a algo que
suma un punto en la romántica.
¿Y te arrepentís?
L-Gante: No, nada, jamás.
¿LES MOLESTAN LOS COMENTARIOS DE LA
GENTE?
EMANERO: Los comentarios negativos
entiendo que van a estar siempre y son
parte de la vida artística. Lo que quizás
me molesta es cuando algún ridículo
que no te conoce afirma cosas de la
personalidad de uno. Eso me genera
una sensación de bronca, pero por
suerte te olvidás rápido.
L-GANTE: No tan así, pero viste que
siempre está el comentario de mucha
gente que no te quiere ver junto con
otra persona. Por eso siempre hay que
prestar atención a lo que se dice y ver
si es verdad o no.
¿SE QUIEREN CASAR?
EMANERO: Yo me casaría, sí, obvio.
Parte de lo que tengo planeado para
mi vida en algún momento es casarme
y festejarlo en el barrio estaría bueno.
L-GANTE: Sí, obvio que también, pero
me falta encontrar a la persona ideal y
sentirme seguro de eso.
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 47

BEÉLE
26 CANCIONES,
UNA AMISTAD CON TINI
Y UN SHOW QUE PROMETE HACER
HISTORIA EN BUENOS AIRES
Desde su nuevo álbum hasta su
conexión con el público local, el
artista colombiano está listo para
darlo todo en el Movistar Arena.
Música, emociones, paternidad y
el poder de creer en los sueños.
POR AGUSTÍN CONTEPOMI
l 2 de octubre será
E
una fecha clave para los
fanáticos de la música en
Argentina, ya que Beéle,
el artista colombiano
que viene conquistando
cada vez más corazones,
se presentará por primera vez en el Movistar
Arena. En conversación con Billboard
Argentina, compartió su entusiasmo por este
evento y su álbum debut, que ha sido un viaje
lleno de pasión y dedicación.
¿Cómo te sentís antes de tu presentación
en el Movistar Arena?
Estoy súper emocionado y agradecido con la
vida por esta oportunidad. No se van a arrepentir
de asistir. Todo mi amor y pasión están
cargados de energía y estoy listo para descargarla
en Buenos Aires.
Tu álbum debut, que incluye 26 can-
ciones, es un reflejo de tu corazón
y tu arte. ¿Qué significa para vos
este trabajo?
He preparado este álbum con tanto amor,
cada canción tiene una parte de mí. Quiero
que la gente sienta la misma emoción
que yo al escribir cada parte. La decisión
de incluir tantas canciones no fue casual,
cada una tiene su lugar y su historia. Si
hubieran sido 35, las hubiéramos sacado.
Las canciones son canciones, y deben ser
compartidas.
¿Qué sentís por el público argentino?
Desde siempre he sentido un cariño inmenso
por Argentina. La gente aquí es
increíble, y cada vez que vengo, me siento
en casa.
Esta conexión se ha fortalecido a
través de colaboraciones con artistas
locales, como Tini Stoessel, con
quien lanzarán una nueva canción.
¿Qué puedes contarnos de esto?
La canción está lista y estoy muy emocionado.
Tini es una persona que siempre ha
creído en mí. Nuestra amistad es única, y
le debo mucho a ese cariño que me brindó
en su momento. Saber que no será la única
colaboración que haremos me llena de alegría.
Tini cuenta conmigo para lo que sea.
¿Cómo influye tu familia en tu
carrera?
Mis hijos son mi sangre y mi razón de
ser. Quiero ser un ejemplo para ellos,
mostrarles que se puede luchar por los
sueños y mantener un corazón puro.
Intento que nuestra relación sea lo más
sana posible, lejos de cualquier peligro.
Prefiero que la gente siga suponiendo
sobre mi vida personal, porque lo más
importante es su bienestar. Ser padre
es una bendición que me impulsa a ser
mejor cada día.
Tu más reciente éxito es "No
Tiene Sentido". ¿Qué puedes
decirnos sobre esta canción?
Es una canción que ha resonado mucho
con el público. Aunque su título sugiere
lo contrario, tiene todo el sentido del
mundo para mí. He disfrutado muchísimo
el proceso de crearla y compartirla.
Esto es gracias a todo el público que
me apoya. Quiero que sientan la pasión
que pongo en cada nota.
¿Qué pueden esperar tus fans
del show en el Movistar Arena?
No se trata solo de la música, sino de
la experiencia compartida. Quiero que
todos se sientan parte de esta fiesta. Va
a ser un espectáculo lleno de sorpresas
y artistas invitados. Es un momento
que he esperado mucho tiempo. La
música es mi vida y poder compartirla
con el público argentino es un sueño
hecho realidad.
FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC
48
BILLBOARD.AR
JULIO 2025

Laboratorio
Creativo de
Arte y Tecnología
AUDIÓFILO
ESCUCHA DE DISCOS
19HS
CIRCULO
DE SONIDO
23HS
VIE 04
SÁB 05
MOBY
PLAY 1999
SADE
THE BEST OF SADE 1994
VIE 04
VIE 11
LOLO GASPARINI
CHAREC
CARLOS ALFONSIN
DJ KAREN
CARLOS ALFONSIN
VIE 11
THIEVERY CORPORATION
THE RICHEST MAN IN BABYLON 2002
VIE 18
DEE JASON
CARLOS ALFONSIN
SÁB 12
SÁB 19
GORILLAZ
DEMON DAYS 2005
VANGELIS
BLADE RUNNER 1994
VIE 25
PANDA
ISABELLA
SOLIMANO
VIE 25
NEW ORDER
SUBSTANCE 1987
21HS
SÁB 26
ST. GERMAIN
TOURIST 2000
SÁB 05
GILLESPI & ÁLVARO TORRES LIVE
NEBULA ESTUDIO DJ SET
EXPERIENCIA
INMERSIVA
VIE 18
19HS
BIOPERA V 1.1
SHOW AUDIOVISUAL A PARTIR DE
SEÑALES BIOELÉCTRICAS DE HONGOS.
SÁB 12
SÁB 19
SÁB 19
GUUSE LIVE
XOLEF DJ SET
KLAUSS LIVE
ANTIGONA DJ SET
CHINWEZZ LIVE
HARARI DJ SET
POSTLAB
AFTER LABURO
18HS
JULIO
PUNTO DE ENCUENTRO PARA
INDUSTRIAS CREATIVAS
TODOS LOS JUEVES DE 18 A 24HS
ROSETI 93 - BUENOS AIRES
artlabpro.net
@artlabpro

LA VELA PUERCA
“Somos los más profesionales
de los amateurs”
Billboard Argentina recorrió los lugares emblemáticos de la icónica banda uruguaya que
está celebrando sus 30 años.
POR GABRIEL SOTELO
FOTOS POR TUTE DELACROIX
FOTO:

Fue muy celebrado por el público cuando
se subió el video de su primer show. ¿Por
qué decidieron publicarlo?
Cebolla: Lo encontramos dentro de un montón de
caos. Me acuerdo de que estábamos en el bondi por
la Argentina, de gira, y lo pusimos para nosotros.
A mí me pareció algo que había que subir. Muchos
decían: “No, es espantoso, tocábamos horrible”, y yo
dije: “Pero es el primer show de la banda… Si tocabas
bien, no te creo”. La historia justamente es mostrar un
poco cómo nació todo esto.
Enano: Haber tenido la suerte de que Mau, un
amigo, tuviera una cámara y que lo haya filmado de
punta a punta, es histórico. No sé cuántas bandas tienen
eso, entonces nos pareció un documento súper
valioso. Ese fue el puntapié inicial, ese concierto nos
dio muchísimas cosas. Esa tocada yo la presenté al
concurso que luego ganamos y nos abrió puertas. Fue
una pelea fundamental y con inconsciencia, porque
nosotros no sabíamos qué íbamos a hacer la semana
entrante, si íbamos a tocar de nuevo o no, ni idea. De
hecho, teníamos tres o cuatro temas nuestros y yo estaba
en la batería.
Cebolla: Se iba muriendo a partir del minuto 2, entraba
el beat y mermaba el ritmo. Aparte, como no tenía
final, teníamos el principio, pero el final nunca, entonna
noche tibia de
U
diciembre, en la Montevideo
de 1995, un grupo
de amigos se juntó
sin más pretensión que
la de matar el calor con
acordes y brindis. Era
la previa de Navidad y
las guitarras sonaban
como cuando no hay ni
escenario ni futuro que
presionar: libres, errantes,
sinceras.
En la puerta del bar El Tigre, con una birra compartida
y una lista de temas que nacía más del corazón
que del ensayo, surgió el germen de lo que años
después se transformaría en un fenómeno rioplatense.
En esa primera vez, La Vela Puerca no era banda,
era pretexto para estar juntos.
Casi 30 años después, el grupo invitó a Billboard
Argentina a un recorrido por sus lugares emblemáticos
para repasar su historia. Y, como aquella vez, esta
vuelta también comienza justo ahí: en la primera sala
de ensayos en donde la amistad se afina a fuerza de
encuentros.
Hoy es un lugar completamente diferente al de
1995, frente a la Plaza Williman, donde se encuentra
lo que fue la primera sala de ensayo que vio nacer a
La Vela Puerca. Ya sin el bar de copas en diagonal,
ni la típica parrilla que se ubicaba enfrente, esta zona
es residencial y lo barrial quedó en el recuerdo de
aquellos que vieron nacer los primeros acordes de la
histórica banda de rock uruguaya.
Luego vinieron los toques en boliches minúsculos,
las paredes empapeladas de afiches, los parlantes atados
con alambre. En cada rincón de Montevideo que
pisaron, dejaron algo de esa energía inaugural. Así lo
fue la cancha de básquet del club Defensor Sporting
en donde año a año, tras un desfile murguero por las
calles montevideanas, el sonar de La Vela decía presente,
primero ante 20 personas, luego ante 100 y así
hasta que debieron dejar de tocar en ese lugar por la
cantidad de gente que se agolpaba en su décimo aniversario
como banda.
Cada lugar, una huella; cada noche, un mito que se
iba tejiendo de boca en boca.
El salto vino con los viajes a Buenos Aires, con las
primeras giras, con el Salón Pueyrredón como testigo
de un puñado de personas que estaba aprendiendo a
corear sus letras como propias. El espíritu, sin embargo,
seguía intacto: esa mezcla de murga, rock y esquina;
de protesta y ternura; de pogo y abrazo. En cada
show, todavía parece sonar el eco de aquella primera
reunión de amigos. La banda creció, se profesionalizó,
ganó prestigio, pero nunca soltó del todo esa Navidad
en que dijeron, sin saberlo, que tocar juntos era
lo más parecido a un destino.
Hoy, pasear por los lugares de La Vela Puerca es
rememorar una historia de lealtad y raíces. Desde su
barrio natal hasta los grandes estadios que supieron
llenar, hay un hilo invisible que conecta todo: la emoción
de tocar por el simple hecho de hacerlo. Y aunque
el mundo haya cambiado, aunque los discos sean
otros y las giras más largas, la esencia de aquella noche
sigue viva. Porque algunas bandas se forman con
casting y contratos, pero otras —las que importan—
nacen en una vereda, con una guitarra desafinada y
un brindis entre amigos.
En la previa a su presentación en el Cosquín Rock
Uruguay, paseamos con Sebastián Enano Teysera y
Sebastián Cebolla Cebreiro, las voces líderes de la
banda, quienes abrieron su caja de recuerdos de estas
tres décadas de LVP.
“Acabamos de llegar de Europa en donde hicimos
10 conciertos en 20 días. Estamos pasando un momento
y un año divino, todavía quedan un montón
de reencuentros con mucha gente que viene a ver
este festejo de 30 años y eso lo hace bastante emotivo.
Quizás alguno vaya con su hijo y algún nieto también”,
dicen. “Estos 30 años los cumplimos todos; no
solamente nosotros, no solamente las canciones. La
gente aprovecha este momento para hacerse ese regalo
y hacernos esa compañía”.
Primero fue la amistad, después la banda,
pero también son socios, son empresarios.
Cebolla: Qué grande que queda “empresarios”, es
enorme, es muchísimo… Pero bueno, somos emprendedores,
somos una pyme. Somos los más profesionales
de los amateurs; es como esa gente grande que nunca
quiere crecer, que no abandona a ese niño que tiene
adentro. Yo no sé lo que es un Excel, nunca sé cuánta
gente va a ir a un show, si está agotado o no.
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 51

ces sí, era matador. Es algo súper valioso para
La Vela y por todo lo que sucedió después.
¿Recuerdan el momento previo?
Porque fue en Navidad.
Enano: El Tigre era el bar al que íbamos
siempre y la Navidad anterior, en el 94, el
Maní y el Dani, los dueños, nos dijeron si
queríamos tocar ahí en la puerta. Pero en
ese momento no éramos La Vela Puerca,
todavía. Al año siguiente, sí fue La Vela.
¿Se siguen reconociendo en la
esencia de aquel primer show?
Cebolla: Hay que ser honestos y no hay
que castigarse tanto, todas las épocas representan
un presente que fue vivido y, si no
te mandaste una cagada mayúscula, no hay
que arrepentirse. Es un aprendizaje eterno.
Me reconozco en ese guachito de 20 años.
Hoy con 50, hay cosas que haría distintas,
pero no cambiaría lo que fue. Hay ciertas
cosas que sí me dan cierto pudor, pero son
parte de mi historia. La historia que defiendo
hasta el día de hoy.
Otro lugar importante es el bar
Fray Mocho.
Enano: Sí, pero ese es más personal
mío. Agarraba la guitarra, iba con un
cuadernito y me iba al bar de 8 a 12 del
mediodía. Tomaba nueve capuccinos y
escribía. Ahí nació “José Sabía”. Estaba
sentado, tenía una melodía y de repente
empezó una discusión entre el barman y
uno de estos jubilados que toman caña a
las ocho y media. Le empezó a golpear el
mostrador y gritaba: “José sabía, José sabía”.
Para no meterme en qué sabía José,
lo puse en mayúsculas y es el apellido.
Me pareció interesante eso como puntapié y
después un montón de cosas que empecé a
escribir.
Fueron la banda que abrió la puerta de
Uruguay a Argentina.
Cebolla: Al primer lugar donde fuimos a
golpear la puerta para ver si podíamos tocar
fue el Salón Pueyrredón. Me atendió el Batra,
el dueño que había conocido casualmente a
Seba (Enano) en una estación de servicio. Ahí
ya nos ofrecieron una fecha. Después, obviamente,
con el correr del tiempo, empezamos a
tocar para 10, 15, 20, 30 personas y después del
show dormíamos en el escenario.
Enano: La gente se empezó a arrimar un poco,
a tener ese sentido de pertenencia. Ahí fuimos a
pedirle una fecha a Omar [Chabán], en Cemento.
Él fue muy generoso con nosotros. Nos ofreció
el mismo contrato desde el primer día hasta
el último. Tuvimos mucha suerte…
Cebolla: (lo interrumpe) Fortuna.
¿Por qué?
Cebolla: Porque la suerte y la fortuna son
dos cosas distintas. La suerte es encontrarte
plata tirada sin un documento al lado para poder
devolverla. La fortuna es pelear por un objetivo
y conseguirlo. Hay gente que hace todo
lo mismo que vos y no lo logra. Entonces, el
que lo logra es un afortunado. Nosotros fuimos
afortunados porque fuimos a golpear la puerta,
porque entendimos que teníamos una historia
linda para compartir, digna de mostrar. Un
poco el objetivo fue ese, golpear la puerta de
un lugar icónico, donde no todas las bandas
tuvieron la fortuna de tocar. Sentimos que nos
hacían un mimo y empezó a pasar una cosa un
poco más importante del amor, de la hermandad
con Argentina.
“
Perseguimos un
objetivo noble que
era intentar vivir de esto.
¿Los uruguayos sentían la necesidad
de venir a Argentina?
Cebolla: Lo que pasa es que acá nosotros
nos criamos escuchando música argentina
toda la vida, como cualquier porteño, cualquier
rosarino. Todas las bandas icónicas de
Argentina fueron icónicas acá. Era una meta
ir a tocar a Buenos Aires. En Uruguay, en
esa época más que ahora, todas las bandas
compartían el público. Había muy poco público
de estirpe rockera, más allá del género
musical o dentro del submundo del rock. El
techo era muy chico y, para intentar vivir de
tener una banda de rock con amigos, había
que salir afuera. Acá no había un historial
de una banda de rock que lograra vivir de la
música, mucho menos con amigos. Sí vivían
de la música gente como Rubén Rada, Jaime
Roos, solistas o folcloristas, pero no una
banda de rock. Nosotros entendimos que
teníamos un lugar, estábamos más cerca que
un tucumano de Buenos Aires, podíamos
generar nuestro micromundo acá y tratar
de empujarlo para allá. Por suerte, tratar de
vivir de esto o sobrevivir de esto, es el paso
lógico. Aparte de eso, Buenos Aires es un
trampolín muy grande para otro lugar. Teníamos
un montón de amigos, un montón
de bandas amigas y acá, en aquella época,
no era el boom que vino después de ir a
todo el interior de Uruguay.
Nombraron varias veces lo de “grupo
de amigos”. Cualquier amistad es
difícil de construir y de mantener 30
años después. ¿Qué sienten qué es
lo que lograron? ¿Por qué?
Cebolla: Siempre decimos algo que quizás
puede sonar a cliché, pero para mí no necesi-
52
BILLBOARD.AR
JULIO 2025

tamos perder esta historia para valorarla.
Es el error más común que comete el
ser humano. Nosotros entendimos que
perseguimos un objetivo noble, que era
intentar vivir de esto, mantener esta historia
viva. Entendimos que todas las discusiones
tenían que ser abordadas desde
un lugar orgánico, sincero, honesto, con
la historia, con la amistad. Entonces si vos
tratabas eso, esa historia, desde ese lugar,
era irrompible. Esa roca era muy fuerte,
es muy fuerte y por algo nadie se bajó de
esta historia. Nosotros hemos sumado
gente, pero no se ha bajado nadie. El otro
día, él (señala al Enano) le preguntó a la
“ignorancia artificial” que le dijera una
banda que tuviera 30 años y más de seis
personas originales. Y no encontró.
Enano: Nunca nos imaginamos dejar de
ser amigos por culpa de La Vela, era una
premisa muy fuerte. Cuando nos dimos
cuenta de que veníamos de tocar por hobby
en un garage, pensamos en sacar un
disco y sabíamos que nunca iba a volver a
ser lo mismo, más allá de lo que pasara con
el disco. Nos tiramos al agua y pasó lo que
pasó. Subirte a ese barco requería de otro
tipo de responsabilidad y esa etapa fue la
más frágil porque no a todos nos cayó la
ficha al mismo tiempo. Era un tire y afloje,
era muy fácil escaparle a la responsabilidad.
Éramos compañeros de un proyecto
y la amistad siempre se mezclaba. Cuando
hay tormentas y discusiones, desde el punto
de vista laboral, con esa responsabilidad,
te peleás, pero después al ratito lo abordas
desde la amistad y se termina.
“
Nunca nos imaginamos
dejar de ser amigos por
culpa de La Vela.
Recién mencionaron la inteligencia
artificial: hubo un cambio tecnológico
muy grande en 30 años.
Cebolla: Ahora todo tenemos un celular
en el bolsillo y las melodías ya no las
perdés, porque las capturas ahí enseguida.
Antes tenías que ir corriendo a tu
casa si tenías un walkman para grabar.
Ahora la música suena un poco más
comprimida en las plataformas, eso
como desventaja. Y como ventaja, podes
escuchar a una banda under de Grecia.
Yo creo que no hay que renegar, no
podemos ser nosotros los viejos chotos
que renieguen con lo que pasa ahora.
Antes era una odisea intentar grabar
un demo y ahora lo puede hacer cualquiera.
Está buenísimo que cualquier
guachito en su casa tenga una compu
que valga 300 dólares, un micrófono de
50 y se graben con un programa. Eso es
buenísimo, es una ventaja enorme que a
nosotros nos hubiera encantado tener.
Por ahí lo negativo de eso es que
todo es muy efímero.
Cebolla: Ahora tener el acceso libre
se transforma en una picadora de
carne. Nosotros seguimos siendo coleccionistas
y melómanos. De hecho,
ahora nos vinimos de Europa con 20
vinilos cada uno. Nos sigue gustando
abrir el disco, mirar la tapa, entender
por qué hicieron un orden de las
canciones, por qué pintaron la tapa de
esa forma, qué quieren decir. Los que
sostenemos esto es por romanticismo
y seguir aguantando por amor al arte.
Pero lo que se viene se impone también y
hay que adaptarse.
¿Qué opinan de que haya músicos
que usen IA para componer?
Enano: Es un insulto a la inteligencia humana.
La definición de inteligencia es: “La
capacidad de resolver un problema nuevo”.
Si vos ni siquiera tenés la valentía de ponerte
a resolver un problema, a escribir una
canción… No es por ahí. La música como
arte se está dejando y está todo apuntado
al entretenimiento. Yo no sé cómo salís a
defender en vivo una canción por la que ni
siquiera sudaste media gota. Me estreso de
solo pensarlo. Si no escribo algo… No sé, me
da vergüenza. Sos un intérprete, no un autor.
En noviembre se presentan con esta
gira de 30 años en el estadio de Ferro.
Siempre es difícil abordar un lugar así tan
grande porque a veces se te va un poco de
las manos. Somos más una banda de tocar
en lugares un poco reducidos o al menos
cerrados, pero también hay que enfrentarse
a esos monstruos legendarios, a esas bestias
que imponen. Es un desafío enorme. Creo
que estos 30 años lo ameritan, no solo por la
banda, por las canciones sino también por
el público. Creo que está bueno reunirse un
día todos juntos y (que la cita sea mayúscula)
porque LA CULPA ES DE TODOS.
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Por que se cruzan el tango y el trap
Y ahora todos
tiran beef
Se escucha tango en la música de hoy y los artistas jóvenes como Ysy A y Broke Carrey, así como los
referentes Cucuza Castiello y Nico Cotton, explican el panorama.
POR FACUNDO ARROYO

FOTO: OSCAR LAFOX
A
veces el futuro está en el pasado.
Este mantra-manifiesto es repetido incansablemente
por el milonguero Fernando
Cabrera. Suena su voz desde la Ciudad Vieja
de Montevideo. El trapero Peke 77, antes de
perder su libertad, solía citarlo. Si hablamos
de música, el pasado sería el tango y el
presente artistas que se pasean por el trap,
el RKT y esa etiqueta odiada por todos que
se nombra como “música urbana”. De algún
puerto hay que salir para poder pensarla. Lo
cierto es que el tango está cada vez más presente
en la música de las nuevas generaciones.
Sale en forma de mixtura, o a través de
sus instrumentos, pero sobre todo a la hora
de componer, a la hora de pensar la narrativa
de una ciudad como la de Buenos Aires.
“Es que todos vivimos en los mismos
adoquines”, dice Malandro antes de subirse
al Movistar Arena para cantar de invitado
con Milo J. De repente, aparece La Joaqui
en Sesiones ¡FA! y la rompe cantando “Se
dice de mí”. Y los que están mal son los que
se asombran porque, a fin de cuenta, hay un
hilo bastante grueso entre el freestyle, lugar
desde donde viene la artista que actualmente
se concentra en el RKT, y la milonga de Tita
Merello. Pero también aparece Cazzu metiendo
bandoneón en uno de los discos del
año (Latinaje). Más atrás está el tono arrabalero
de Milo J, la admiración que le profesan
a Carlos Gardel artistas como Malandro o
Louta (en su flamante Un instante el performer
volvió a referenciar al Morocho en el
tema “Lo mejor de lo mejor”) y los arreglos
del tango-canción en algunas músicas de
Trueno y Wos. También está el que lanzó el
dardo al centro del corazón de una música
que renace con cada generación: hablamos
de Ysy A, de su fascinación por el 2x4 y de
su relación con el cantor Cucuza Castiello.
“El tango y más que nada la poesía del
tango siempre fue una fuente de inspiración
para mí”, dice Ysy A en contacto con
Billboard Argentina. “Por más que yo
haga trap, rap o el género que sea, siempre
busqué sonar lo más argentino y porteño
posible, y justamente en estas letras he encontrado
esa forma de representar a Buenos
Aires. Hoy en día estamos reversionando
muchas de mis canciones a tango y
las mismas letras que escribí en otros géneros
calzan perfecto arriba de los instrumentos,
eso demuestra que el tango siempre
estuvo presente en mi trayectoria”. Y no
es sólo una historia de estudios y plataformas,
uno de los mayores referentes del trap llevó al
escenario del Lollapalooza (entre otros) a una
orquesta a hacer esas versiones.
En ese escenario global, Ysy A le tendió
la mano a Cucuza, un gesto histórico e inolvidable.
Castiello es un pilar fundamental
del nuevo tango argentino, pero sobre
todo es una figura de guetto, del underground
porteño. Esto le dice a Billboard
Argentina: “Vivimos algo inédito. Ysy me
lleva a lugares grandes, lamentablemente
no es común en el tango y sentir lo que
siento ante el cariño, el reconocimiento
de esos pibes y pibas hacia nosotros, hacia
el tango, es una hermosa y emocionante
patada en el pecho. Para quienes no fueron
a escuchar en vivo trap, al Ysysmo más
puntualmente, les cuento que se vive una
situación casi idéntica a la que se vive yendo
a ver a bandas de rock multitudinarias”.
Ysy y Cucuza hablan mucho de Julio Sosa,
Gardel, Roberto Goyeneche pero también
de Luis Alberto Spinetta y Charly García.
La música de Buenos Aires, en efecto.
Este año se editó Latinaje y una de las
canciones que más llamaron la atención
fue “Ódiame”. Cazzu envuelta entre los
sonidos del tango pero escapándole al
2x4. Semanas atrás la cantó por primera
vez en Telefé y dijo que ella escucha tango
desde chiquita, en la casa de sus padres y
de sus abuelos. Que no quería dejar ese
aroma fuera de un disco que apuesta por
los géneros de su tierra. El Dj y manager
de Cazzu, Facundo Cruz, dice a Billboard
Argentina: “Es un tema que vocalmente le
quedó muy hermoso. La muestra haciendo
algunas proyecciones en las que la habíamos
escuchado poco. De hecho, el otro día
que la cantó en la tele, notamos eso. Logró
un experimento muy interesante”.
Desde Japón, Nico Cotton, uno de los
productores fundamentales de la música
joven y que trabajó en el material de
Cazzu, analiza ese sonido en la cantante
jujeña y en los demás: “Los artistas jóvenes
llevan el tango en su ADN. Aunque no
lo hayan escuchado, lo tenemos adentro.
Y está bueno que ellos vayan descubriendo
eso”. Dice que como productor trata
de tomar elementos de otros géneros y
trasladarlos a los sonidos de hoy. “Eso es lo
que más me interesa en la música. Por otro
lado, también creo que hay algo de letra, y
de interpretación, que se va aggiornando
con el tiempo pero que tiene un espíritu
muy tanguero. Van cambiando las palabras
pero ese lunfardo de nuestro país sigue estando
en la música, forma parte de nuestra
identidad, de nuestra bandera”.
El sonido de Broke Carrey es trascendental.
Muy arrabalero y ciudadano.
Bastante implícito pero profundo. Por eso
el final es para él y sus ideas. En contacto
con Billboard Argentina, opina lo
siguiente: “Somos una generación muy
creativa, que no tiene límites, ni dogmas,
ni reglas rígidas. La mayoría entramos
a la música por fuera de la caja, estamos
acostumbrados a eso. Sólo es cuestión de
que a alguien se le ocurra fusionar el tango
y entonces sucede. Soy muy partidario
de acercar nuestra música a la tradición, a
nuestra cultura y al lugar de donde venimos.
Ya sea tango, folklore o lo que sea”.
Antes de que siga Carrito, Ysy agita: “El
tango es el trap mucho antes que el trap, es
el rock antes que el rock… El tango es ese
sonido extraído de las calles, de los poetas
que escribían las cosas que la gente sentía
pero no sabía cómo poner en palabras,
un sonido que al principio fue criticado
y luego aceptado y convertido en cultura”.
Y después sí, el autor de “Montonero”
(una de las mejores canciones del año
pasado), explica: “Si te ponés a analizar las
letras de un milonguero de antes a las de
un rapero de ahora hay mu- chas
coincidencias. Lo
que lo une es
la identidad
argentina.
Es
transversal
para lo
que hacemos
y tenemos
que luchar
para que
siga siendo así.
Hay que cuidarse de las influencias globalizadoras
y seguir buscándolas en nuestras
raíces”. Veneno en las encías.
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// CARLOS RIVERA
ESTRENA SU NUEVO DISCO
¿QUÉ SIGNIFICA EL AMOR?
En este trabajo, el cantautor mexicano colaboró con Andrés Obregón,
Olivia Wald y Mafalda Cardenal.
están haciendo el nuevo pop y nuevo sonido”.
En ese plan, se refiere a Andrés Obregón,
Olivia Wald y Mafalda Cardenal. Además, el
cantante también sumó la pluma de compositores
como Ale Zéguer, Sobrino, Nina, Nicolás
De La Espriella, Valentina Rico y Andy Clay.
Este disco es la continuidad de la etapa más
introspectiva y auténtica del cantante, donde
lo que busca es que su música conecte desde
un lugar mucho más profundo y real. “Me gustaría
que cada persona después de escuchar el
disco haya encontrado su propio significado
al amor y dejarles algo en estás canciones para
que cuando pasen los años puedan recurrir
a una de ellas para decir lo que sienten o que
describa exactamente lo que están viviendo en
ese momento”, dice Rivera.
Por primera vez, el cantante invitó a un artista
visual a formar parte del proceso creativo
del disco: Román de Castro. El trabajo del
pintor se centra en resignificar lo cotidiano a
través de frases y reflexiones escritas a mano,
lo que complementa visualmente el mensaje
del cantautor en este disco. No se trataba solo
de diseñar una portada, sino de representar visualmente
la emoción detrás de cada canción.
Román de Castro creó una serie de once piezas
de arte: diez inspiradas en cada canción, y una
más que da vida a la portada principal. Cada
obra nace de un diálogo directo con las letras,
buscando capturar la emoción, el mensaje y la
energía de cada tema.
La fusión entre música e imagen no busca
embellecer, sino amplificar lo que ya está presente
en las canciones. Es una forma distinta
de presentar el contenido del disco y de ofrecer
al público una experiencia más completa, tanto
desde lo sonoro como desde lo visual.
“Siento que la fusión entre el arte y la música
no solo es necesaria, es un poco inevitable. Lo
que más me gusta de esta colaboración es que
para mí la música forma parte fundamental
de mi proceso creativo, no hay momento en
mi estudio que no tenga audífonos o que esté
usando las bocinas para inspirarme y ambientarme.
También, debo confesar, que desde hace
un tiempo tenía muchas ganas de hacer un
cover art o algo relacionado con la industria
musical. Entonces llegó en el momento perfecto
que CARLOS y yo pudiéramos entendernos
para hacer algo tan bonito y trabajar en equipo”,
dijo Román de Castro.
arlos Rivera, uno de
C
los cantautores mexicanos
más reconocidos e influyentes
de su generación y
que se ha convertido en
uno de los grandes referentes
de la música en español, presenta: ¿Qué significa
el amor?, su octavo disco de estudio, un
viaje emocional que necesitaba ser contado no
solo con música, sino también con arte.
Se trata de diez canciones que hablan del
amor, la pérdida, la esperanza y el renacimien-
to, y que encuentran en lo visual un nuevo lenguaje
para ser interpretadas. Sus últimos lanzamientos
fueron “¿Qué Significa el Amor?”, canción
que da título al disco, además de “¿Quién
Lo Hará?” y “La Historia Jamás Contada”, los
cuáles forman parte de este proyecto. Además,
para esta producción, el compositor mexicano
colabora con la cantante española Malú, en el
sencillo “Mal Escrito”.
Por si fuera poco, en este trabajo Rivera convocó
a artistas jóvenes y emergentes a los cuáles
define de la siguiente manera: “Hoy para mí
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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Industria
Cómo YouTube busca potenciar
las artistas emergentes
de Latinoamérica
Hablamos con Andrea Barbosa
sobre el origen de la iniciativa.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
a
mplify HER nació
como un espacio seguro
para las artistas mujeres
dónde poder expresarse,
preguntar y alzar su voz”,
expresó Andrea Barbosa,
Artist Relations Manager,
Latam, YouTube
Music at Google. Esta iniciativa, que nació
en México hace dos años, se perfila como
un potenciador de artistas emergentes mujeres
en Latinoamérica, brindando herramientas
para que logren utilizar YouTube
en su máximo potencial. “Nuestro objetivo
es poder acompañar a las nuevas Cazzu o
Karol G desde sus inicios”, continuó.
Si bien Amplify HER nació y se desarrolló
en México, el objetivo de YouTube
es expandirlo a todo Latinoamérica, donde
las artistas emergentes representan un gran
porcentaje del contenido generado, tanto en
videoclips como en su formato corto, shorts.
Durante su conversación con Billboard Argentina,
Barbosa dio detalles sobre cómo
YouTube puede apoyar la industria y acompañar
a estas artistas para generar comunidad
y mantener una carrera longeva.
¿Cómo nació esta iniciativa?
Las artistas emergentes tienen muchas dudas
sobre cómo emplear la plataforma para potenciar
sus carreras, y esto es una problemática
que descubrimos en México hace algunos
años y que con el tiempo nos dimos cuenta
de que es algo que sucede en todo Latinoamérica.
Cuando empezamos Amplify HER
descubrimos que funcionamos como un espacio
seguro para las artistas mujeres para
hacer sus preguntas, tener voces más fuertes
y ganarse su espacio en la industria.
Lo que queremos hacer es compartir nuestros
recursos y que los exploten al máximo. Es
una industria dominada por hombres y tenemos
la necesidad de apoyar más artistas mujeres,
cuyo talento es gigante y cada vez más.
¿Siempre se conoció como “Amplify HER”?
La verdad es que no, le pusimos el nombre este
año. Al principio era un proyecto para apoyar
mujeres, pero decidimos darle un nombre para
posicionar la marca y que no se quede en un
único evento. Queremos darle continuidad y que
las artistas lo reconozcan como un lugar donde
empaparse de información sobre la plataforma y
cómo utilizarla.
¿Sentís que las artistas emergentes
independientes necesitan más conocimiento
sobre estas plataformas y no
dejarse guiar tanto por mánagers o
personas externas?
Esa es una gran problemática porque sabemos
que en Argentina hay muchísimo talento y
cada vez surgen más empresas de management
o sub-labels cuyo objetivo es apoyar los artistas
emergentes, pero de alguna manera hacen que el
propio artista deje de tener control sobre su obra.
En Cono Sur tenemos a Agustín Guevara cuidando
esta relación entre los labels, los artistas y la
plataforma, por lo que intentamos estar presentes
para dar una mano en lo que sea necesario.
Por eso, este tipo de iniciativa nos da la oportunidad
de llegar a gran escala y decirle a esa
joven artista que aquí tienes todo. Vas a poder
llegar a diferente público, formatos, contenidos
y tenemos las herramientas para que lo
puedas hacer. Nos estamos centrando mucho
en cómo generar comunidad.
Nuestro chart está liderado por Cazzu,
Maria Becerra, Emilia… Son artistas que
sirven de inspiración para las nuevas
generaciones.
Totalmente. Si te das cuenta, todas estas artistas
tienen prácticamente un doctorado en
YouTube, saben utilizar la herramienta de una
manera perfecta. Cazzu, por ejemplo, también
fue número 1 aquí en México y demostró
cómo contar una historia a través de su canal
con videoclips y obras de larga duración. Lo
que buscamos es poder estar desde el momento
cero con esta nueva Cazzu o nueva
Karol G. No queremos perdernos ese momento
de descubrimiento y crecimiento.
¿Se dejó de apostar a los videos largos
hoy en día?
Ha habido un momento de tendencia en el formato
corto, sobre todo generado por quienes están
moviendo la aguja actualmente que son los
Gen Z. Sin embargo, nosotros en YouTube vemos
otros números porque tenemos audiencia
de todas las edades y podemos analizar cómo el
crecimiento en el consumo de los videoclips
musicales ha sido gigante. Creo que lo que estamos
buscando es regresar al renacimiento del
video musical. Sí es cierto que las personas que
están combinando los videos largos con shorts
han logrado un resultado exponencial en este
último tiempo, tanto en crecimiento como en
número de reproducciones totales.
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ESCUCHÁ LOS LANZAMIENTOS DE ESTE MES
Dime Que Hago Ahora
Alanys Lagos & Nickoog Clk
Simpática y Muy Bonita (Remix)
J Matt & Charros de Lumaco
Brinca
Alejo Isakk
Pa Los Que Se Fueron
Zona Infame
Esto no Estaba en Tus Planes
ECKO, Miguelito, El Negro Tecla
Esto no Estaba en Tus Planes
Rmarck, Benji
Contratá a los mejores artistas
CONTACTO
Argentina: +54 9 11 2597 6457 / +54 9 11 3394 7322
Chile: +56 9 5399 7353 / +54 9 11 3394 7322
@MOJOLATAM | MOJO.LA

BILLBOARD TECH
EL PRIMER VIDEOCLIP
NACIONAL 100% HECHO
CON SUS ARTISTAS EN IA
JULI OBREGÓN Y ARIANN ESTRENARON
“NADIE DIJO REMIX”
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
l
son parte fundamental en
la industria musical, acompañando
las canciones para
darle contexto, estilo y apoyo
visual a la obra. A medida
que pasaron los años,
los artistas recurren a más
herramientas para lograr
innovación y personalidad a sus trabajos, y
parece que el futuro llegará de la mano de
la Inteligencia Artificial.
Juli Obregón y Ariann lanzaron a finales
de mayo el remix oficial de “Nadie Dijo
Remix”, un trabajo cuyo videoclip oficial fue
producido 100% con IA, marcando un hito
y un precedente en la historia de la industria
argentina - española. Sin embargo, generó
ciertas dudas por parte de los espectadores,
quienes se preguntaban qué pasaría con los
filmmakers y todo el equipo que requiere la
producción de un videoclip tradicional, ¿serán
compatibles los trabajos?
Lo particular de esta obra es que fue
producida íntegramente con herramientas
de creación de artificial, únicamente requiriendo
la participación de las protagonistas
para su escaneo y posterior proyección digital
de ellas mismas, algo que según Eduardo Basagaña,
mánager de Obregón, será una constante
con el paso de los años: “Invertimos mucho
en este proyecto esperando que pueda marcar
precedente. Para Juli y Ariann fue algo novedoso
y con un resultado del que están realmente
felices”, dijo el día de su estreno oficial en un
evento para periodistas y familiares.
Todos los elementos que se pueden apreciar
en el videoclip fueron extraídos de objetos o
locaciones verdaderas, tales como el Ferrari del
inicio, la ciudad que recorren o la fiesta donde
transcurre la mayor parte del mismo; por lo
que, si bien la IA es la fuente de esta creación,
necesitó de la realidad para poder gestarse, de
alguna manera concretando así “lo mejor de los
dos mundos”.
“Poder realizar este videoclip para mí fue una
locura”, comparte Juli. “Nos escanearon a Ariann
y a mí y no sabíamos cómo íbamos a quedar en
el video, pero fuimos partícipes de cada paso que
los desarrolladores iban generando para poder
chequearlo, y realmente estamos muy contentas
con el resultado”, finalizó.
OTROS VIDEOCLIPS QUE CONTARON CON
INTELIGENCIA ARTIFICIAL EN SU CREACIÓN
(YA SEA EN SU TOTALIDAD O AGREGANDO ELEMENTOS A UNA GRABACIÓN)
BANDALOS CHINOS “Me Estoy Enamorando”
JUAN SON “Amor maicero”
LEÓN LARREGUI “Su majestad la eternidad”
KID CUDI “Entergalactic Theme”
DISTURBED Bad Man
FOTO: NADIE DIJO REMIX / + VIVO
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A 90 años de su nacimiento,
La Negra sigue cantando en otros.
MERCEDES
SOSA
POR ANTONELLA LOPREATO
P
or alguna razón, cuando se habla de
La Negra, nadie necesita aclarar de quién se
trata. No hace falta explicación, decir Mercedes
Sosa es invocar una figura que pertenece
a la identidad cultural de todo un país. No
se trata solo de su voz, sino de todo lo que
arrastraba: los pueblos originarios y su música
silenciada, las madres de Plaza de Mayo,
la persecución ideológica y el exilio obligado.
Fue una mujer que por hacer arte tuvo
que abandonar su tierra y fue también la que
volvió con un micrófono en la mano y una
Argentina en el pecho.
Pero más allá del símbolo petrificado en
bronce, en placas escolares y homenajes ins-
titucionales, hay algo vivo, tierno y político que
la sigue persiguiendo, una influencia que aún
hoy reverbera en la voz de cientos de artistas. La
cantante fue, para muchos, una suerte de madre
musical, y no en sentido simbólico. Ella invitó a
los escenarios a jóvenes músicos cuando aún no
llenaban teatros, les prestó su público, su prestigio
y su estatura moral. Liliana Herrero, Teresa
Parodi, Soledad, León Gieco, Abel Pintos, Juan
Falú, Lito Vitale, Pedro Aznar, por nombrar
algunos, reconocieron públicamente cuánto les
marcó.
A nueve décadas de su nacimiento, invitamos
a diversos artistas a recordar qué significó Mercedes
en sus caminos musicales.
FOTO: SONY MUSIC
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Soledad
“Desde niña, Mercedes Sosa estuvo siempre presente en mi casa. Mi papá,
ferviente admirador de los artistas del folclore y amante de este género, nos
hizo quererlo como a nada. Nos explicaba cada metáfora, el significado de
cada letra, de cada canción, de dónde venía su origen. Nos hablaba de sus autores.
Si bien no fue autora de sus canciones, cada interpretación suya hacía
que cada canción pareciera propia.
Y creo que eso también me generó a mí una admiración muy grande. Primero,
por ser mujer. Las mujeres dentro del folclore, comparadas con los
hombres, no abundan. Entonces, también ha sido un camino, una huella a
seguir. Segundo, por la elección de repertorio: siempre me pareció una gran
virtud. No cantarle a cualquier cosa, sino a la tierra, a la injusticia social, a
las cosas que nos pasan cotidianamente.
Al paisaje, a las diferentes expresiones populares y culturales nuestras.
Creo que su música ha influido mucho en mi carrera, en un montón de sentidos.
Creo que más como mujer que como artista, porque siempre encontré
en ella una fortaleza muy grande para seguir adelante a pesar de todo. En
un género que, por ahí, tiene sus dificultades para ser difundido, para ser el
género que más se escucha.
Yo creo que nosotros elegimos cantar folclore como forma de vida, no tanto
como una profesión. Y me parece que eso también ha marcado mucho mi camino.
Mercedes ha sido una mujer muy fuerte y con un protagonismo muy grande
dentro de lo que es el folclore. Una de sus características también fue la unión, y la
búsqueda de los jóvenes para que se acerquen; la unión con otros géneros.
Eso es algo que, de alguna manera, también me influenció, porque siempre he
tenido el sueño de poder sumar, de poder acercar. Es imposible que yo no tenga
influencia de una mujer como Mercedes Sosa en mi música. Creo que hay muchas cosas que nos acercan. Muchas cosas que nos igualan. Y, sobre
todas las cosas, la voz popular.
Esa voz que abraza a todo el mundo y que nos hace uno en momentos muchas veces muy, muy emotivos y muy importantes de nuestro país, y
de la historia de nuestro país. Su influencia tuvo más que ver con eso, que con el género en sí”.
“Mercedes nos influyó muchísimo. Fue una inspiración.
Desde el aspecto de la identidad, fue y sigue siendo una
artista fundamental: supo mostrar, a través de su carrera
y su repertorio, lo universal que puede ser la música. Trascendió
géneros, se alió con artistas como Charly, cantó con
figuras como Sting. Y desde el lugar que nos toca transitar
el folclore, su ejemplo fue clave.
Siempre decimos medio en broma, medio en serio que, si la
Tierra o la naturaleza tuvieran una voz humana, sin lugar a
duda sería la voz de Mercedes. Una voz telúrica, profunda,
que arrastra una historia ancestral. Esa es, justamente, la
sensación que siempre nos generó escucharla”
Antonio Tarragó Ros
“Mercedes Sosa… la voz de Mercedes. Todo el mundo lleva en su garganta lo que
tiene en el alma, y lo de ella era inmenso, era bello. Tenía eso, cuando cantaba una
canción tuya, te daba miedo. ¿Después quién se iba a animar a cantarla? Porque al
mismo tiempo que la consagraba, la volvía sagrada.
Siempre me pasó eso. Lo viví con ella. Sentía que era milagroso que una canción mía
estuviera en su garganta. Que me hiciera su amigo, que la quisiera y que ella me
quisiera. Eso siempre me pareció prodigioso. Y saber que eso te está pasando… eso
es de sabios. Poder decir: ‘Estoy con Mercedes. Me quiere. Y yo la quiero’.
Pero también hay que tener conciencia de con quién estás. Siempre que estuve con
los grandes que admiré, supe con quién estaba. Y eso le da valor, le da contexto.
¿Quién soy yo? Mirá con quién estoy. Mercedes. Mercedes nos bendice a todos. Para
siempre. Con su actitud ante la vida. Con su coraje en las épocas más terribles.
Era capaz de poner en su garganta tanto el dolor de la ausencia como la belleza de
los encuentros. Mercedes, con el alma en la garganta.
Soy Antonio, desde el recuerdo. Recordando a Mercedes Sosa. Porque una cosa es
tener memoria, y otra muy distinta es tener recuerdos. Una computadora tiene memoria.
Pero no tiene recuerdos”
Ahyre
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 63

F1 The Movie reunió
estrellas internacionales
para su soundtrack oficial
L
a Fórmula 1 se convirtió
en un fenómeno
popular en la Argentina
gracias a su serie
en Netflix, Drive To Survive y la
llegada a la grilla de Franco Colapinto,
el primer piloto argentino
en la máxima categoría luego de
Gastón Mazzacane, en 2001. Si bien
es un deporte que siempre cautivó
pasiones a lo largo del mundo, en
este último tiempo traspasó fronteras
y llegó a rincones inexplorados
hasta este momento. Es por ello que
se decidió hacer una película que
hablara de alguna manera de las experiencias
de los pilotos en primera
persona, F1 The Movie, demostrando
qué tiene que tener física y mentalmente
una persona para poder
ser uno de los 22 mejores corredores
del mundo.
Toda buena película necesita
buena banda sonora, y Warner
Music se encargó de reunir algunas
de las estrellas más importantes
a nivel global para lanzar F1
The Album, el soundtrack oficial
- producido por los mismos desarrolladores
de Barbie The Album;
Twisters: The Album, The Greatest
Showman y Suicide Squad.
“Baja California”
Mike Towers
La única canción en español del
álbum. El artista puertorriqueño
siempre demostró su fanatismo
por la F1 al presenciar Grandes
Premios y ésta es la primera vez
que forma parte de un trabajo
de estas características. El track
tiene la esencia de Towers, con
ritmos energéticos y letra que
invita a la velocidad y la adrenalina.
“El fin siempre es el mismo,
ganar de cualquier forma. A la
adrenalina nunca le he tenido
fobia”, se lo escucha.
“Underdog”
Roddy Ricch
Una canción que respira Fórmula
1… Rap sin pausa y bajos fuertes
que hablan justamente de lo que
significa ser un underdog, llegar
desde atrás y quedarse con los
“perros grandes”. “Estoy llegando,
vamos, quítate del medio, es
mi momento”, retrata Ricch.
“Lose My Mind”
Don Toliver y Doja Cat
Una de las primeras canciones
estrenadas, la primera en el
tracklist y una de las pocas en
contar con videoclip oficial antes
del estreno de la película. Se lo
puede ver a Don Toliver en un F1
de Mercedes hablando de emociones
y sensaciones de cómo
es pilotar un vehículo de esas
características. Doja Cat aporta
dulzura y un rap intenso característico
que vuelve la canción
más energética y bailable.
“Messy”
ROSÉ
Con más de 30 millones de visualizaciones,
fue la canción más
reproducida previo al estreno del
álbum y la película. Una canción
emotiva con los actores de la
película como protagonista del
videoclip que marca una pausa
en el frenético ritmo que llevaban
el resto de las canciones.
“OMG!”
Tiësto y Sexxy Red
Faltaba la música electrónica
en este álbum y Tiësto y Sexxy
Red completaron ese espacio.
Una canción de celebración,
para escuchar subido al podio o
cuando recién ganas una carrera.
Sexxy Red aporta toques de trap
y un verso a mitad de track que
dejan claro por qué es una de las
referentes del género en Estados
Unidos actualmente.
FOTOS: GENTILEZA WARNER MUSIC
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BILLBOARD.AR
JULIO 2025

JULIO 2025 BILLBOARD.AR 65

“SPACE ODDITY”: EL ASTRONAUTA DE STANLEY
KUBRICK QUE DAVID BOWIE VOLVIÓ CANCIÓN
La historia detrás de la canción que cambió la carrera del artista británico.
POR ANTONELLA LOPREATO
E
n julio de 1969, mientras el mundo entero
miraba hacia la Luna buscando un triunfo,
David Bowie ponía su foco hacia dentro,
la parte más oscura de sí mismo. Tenía 21
años, lo acababa de dejar su novia Hermione
Farthingale y pasaba las tardes viendo
2001: Odisea del espacio, película de Stanley
Kubrick, buscando una manera de explicar el
vacío. Fue entonces que escribió “Space Oddity”,
una tragedia espacial, donde el héroe no
regresa, se pierde, se desconecta y flota para
siempre.
La escena fue insólita. Cinco días antes de
que Neil Armstrong pusiera un pie en la superficie
lunar, la BBC ponía el tema como
fondo en su cobertura oficial. Así, mientras
millones de personas veían en vivo lo
que se suponía una victoria de la humanidad,
la letra narraba una falla técnica, una
voz que dejaba de responder, un astronauta
que desaparecía. Cuando alguien en
producción reparó en el detalle, decidieron
no volver a pasarla hasta que la tripulación
volviera sana y salva. Pero el milagro,
o la torpeza, ya había ocurrido. La
canción pegó. El nombre de Bowie, hasta
entonces anónimo, entró en los rankings,
y desde ahí no volvió a irse.
Lo curioso es que el tema no nació como
un hit. Lo grabó por primera vez para un
corto promocional algo kitsch llamado
Love You Till Tuesday y pasó sin pena ni
gloria. Meses más tarde, cuando firmó
con Mercury Records, decidió volver al
estudio. George Martin le dijo que no,
Tony Visconti también. El que agarró el
proyecto fue Gus Dudgeon, un productor
sin renombre que, con 500 libras, reunió
a Rick Wakeman en el mellotron, Herbie
Flowers en el bajo, Terry Cox en la batería,
y al propio Bowie tocando un estilófono que
le había prestado su amigo Marc Bolan. El
resultado era algo más cercano a una banda
sonora que a una canción radial. Cinemática,
rara, inadecuada para el momento histórico.
Por eso mismo, inolvidable.
En lugar de sumarse al optimismo de la época,
el artista eligió habitar sus bordes. Y esa
decisión marcaría el resto de su carrera. Funcionó
como puerta de entrada a un tipo de
sensibilidad que no era frecuente en la música
pop de la época. También inició un universo
que Bowie retomaría a lo largo de su discografía:
Major Tom reaparecería en “Ashes to
Ashes” (1980), en “Hallo Spaceboy” (1996) y,
finalmente, en “Blackstar” (2016), donde el
astronauta aparece como figura cadavérica en
un traje espacial, en lo que muchos leyeron
como una despedida del propio Bowie.
A 56 años de su lanzamiento, la canción no
perdió fuerza. Tal vez porque no estaba atada
al momento que la vio nacer, sino al sentimiento
que todavía nos atraviesa: la sensación
de estar buscando una señal que no llega.
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JULIO 2025

ST. VINCENT
St. Vincent interpretó por
primera vez All Born Screaming
en Argentina
En su tercera visita a Buenos Aires, la estadounidense se presentó
en el Complejo C Art Media.
POR ANTONELLA LOPREATO
P
asaron casi diez años desde aquella
presentación a plena tarde en el Lollapalooza
2015, donde St. Vincent era
apenas una rareza neoyorquina que intentaba
escribir su nombre en el mármol
frío del mainstream argentino, presentando
su disco homónimo que le aseguró
su primer Grammy. Venía de años de
búsqueda, había empezado tímidamente
en 2007, creció al calor de Actor y Strange
Mercy, y saltó a otra órbita en 2012
cuando grabó Love This Giant con David
Byrne. La segunda, en 2019, fue una
mejora pero no una consagración. En el
escenario Alternative del mismo festival,
Annie Clark desplegó su talento en menos
de 60 minutos, atada a la estética de
Masseduction. El talento era innegable.
La ejecución, impecable. Pero el impacto
aún no alcanzaba la estatura que su figura
ya tenía en la cultura global.
En estos últimos seis años dejó de ser
solo una gran guitarrista o una cantante
inquieta. Se convirtió en un concepto.
Una estrella que juega en tres dimensiones:
lírica, sonido e imagen. Su tercera
visita a Buenos Aires fue la vencida, y
el Complejo C Art Media finalmente
le otorgó lo que le debía, su propio
espacio. El show del 29 de mayo selló, al
fin, ese pacto tácito entre la artista y una
ciudad porteña que, por años, la había
aplaudido a destiempo. Y no lo hizo sola,
eligió abrir la noche con Kim Gordon,
la leyenda de Sonic Youth, que cargó el
ambiente con una distorsión densa y elegante,
para preparar el terreno.
Desde la obertura teatral con “Reckless”,
quedó claro que no vino a repetir
fórmulas. Vestida como un personaje
de David Lynch en technicolor, arrancó
con una frase que desarmó al públi-
co: “Hola guapas y guapos”. Annie
hablaba en español. O al menos, lo
intentaba. “Fue durante mis viajes a
México y Sudamérica que comprendí
la profunda conexión que la gente
tiene con la música, aunque no hablen
inglés”, explicó en una entrevista
reciente con Billboard Argentina,
justificando la decisión de lanzar
Todos Nacen Gritando, la versión
regrabada de All Born Screaming.
Este disco fue la excusa perfecta para
volver a pisar el país una vez más.
Dueña de una de las manos derechas
más versátiles del rock contemporáneo,
tocó como si fuera su
último show. En el galpón recostado
sobre la Avenida Corrientes sonaron
temas como “Broken Man”, “Fear the
Future”, “Los Ageless” y “Cheerleader”,
entre otros de su repertorio
cambiante. Sobre el escenario, la
acompañó una banda precisa: guitarra,
bajo, piano y batería. Una pantalla
ubicada al fondo completaba
la escena, proyectando fragmentos
líricos en loop, distorsiones visuales
y colores saturados.
La sexualidad atraviesa la narrativa
de todo el espectáculo. Ella misma
parece saberse contradictoria. Construye
una tensión constante entre lo
que se espera y lo que elige mostrar.
Su figura evoca, por momentos, la
elegancia contenida de una estrella
del Hollywood clásico; pero basta
con que tome el micrófono para que
esa fachada se desmorone en una
erupción de gestos viscerales, gritos,
gemidos y bailes eróticos. Lo sofisticado
y lo grotesco se mezclan sin
pudor, como si en esa dualidad habitaran
nuevas formas de libertad.
Durante la introducción de “Sugarboy”,
su bajista la abofetea y le tira del
pelo, mientras ella se deja llevar. Más
tarde, se lanza en andas sobre sus seguidores
mientras canta “New York”,
flotando sobre una marea humana que
la recibe con euforia. Cuando vuelve al
escenario, no duda: lanza la guitarra hacia
el público como quien ofrenda una
parte de sí misma. También hubo espacio
para la ternura. En “Violent Times”,
compartida recientemente con Mon
Laferte, cantó versos en nuestra lengua.
“Mi español es terrible”, se excusó.
En total fueron 16 canciones. Ninguna
de su primer disco, Marry Me,
pero no hizo falta. Era un show de
presente, no de nostalgia. La presentación
de una artista en su pico creativo,
que ya no necesita esconderse
tras artificios irónicos. Cerrando el
recital, Clark subió nuevamente al
escenario, fumó un cigarrillo robado
del público, y con una lata de cerveza
en la mano cantó “Candy Darling”
como un adiós temporal.
FOTO: GENTILEZA DF ENTERTAINMENT
JULIO 2025 BILLBOARD.AR 67

Dorian presenta “Materia Oscura”:
una colaboración con Miranda!
que desarma máscaras
Hablamos con Marc Gili
sobre autenticidad, arte y
desobediencia emocional.
POR ANTONELLA LOPREATO
urante años construí una
D
máscara. Era un narciso que
se ocultaba detrás de sí mismo”,
confiesa Marc Gili, voz
y pluma de Dorian. La frase
resume un proceso personal
que atraviesa su vida y, por
extensión, la historia reciente
de la banda. Ya no busca sostener la imagen
del músico infalible. Esa etapa quedó atrás,
especialmente después de transitar la ruptura
sentimental con su compañera de banda, Belly
Hernández, y de sostener el proyecto sin caer
en la caricatura del grupo fracturado. Esa mirada
atravesó gran parte de su discografía, sin
embargo, se vuelve aún más explícita en Futuros
imposibles, su séptimo álbum. Un disco elaborado
a partir de pérdidas y aprendizajes que
hoy vuelve a cobrar fuerza gracias a “Materia
Oscura”, una nueva colaboración con Miranda!,
donde el deseo, la fragilidad y el derecho
a mostrarse sin disfraces se convierten en el
centro de la obra.
¿Qué te llevó a empezar a desarmar
esa imagen que construiste durante
tantos años?
Tuve una infancia algo complicada y, durante
muchos años, construí una máscara. Una especie
de narciso que se escondía detrás de sí
mismo. Desmantelar ese personaje ha sido uno
de los trabajos más importantes y difíciles de mi
vida. Solía proyectar la imagen de alguien brillante,
perfecto, divertido, locuaz. Hablaba mucho
y escuchaba poco. Aprender a mostrar mis
fragilidades, mi vulnerabilidad -esa que todos
tenemos- ha sido un proceso largo, pero necesario.
Ese personaje que construí en la adolescencia
fue reforzado por el éxito de Dorian, que le
sumó capas y armaduras. Hoy, por suerte, está
prácticamente desmantelado, en pleno proceso
de desaparición.
¿La música, más allá de Dorian, te
ayudó a desarmar ese personaje?
Sí, absolutamente. Hubo bandas y solistas clave
que me ayudaron a empezar a pensar por mí
mismo. Mis héroes me mostraron que se puede
vivir y pensar de otra manera, que todo se
puede cuestionar. La literatura y las canciones
me abrieron ese camino, me lo señalaron con
claridad, y les estaré eternamente agradecido.
Además, fueron ellos quienes me impulsaron
a agarrar una guitarra y un piano por primera
vez, hace ya muchos años, y a empezar a escribir
mis propias canciones.
¿Quiénes son esos héroes que nombrás?
Tengo muchos. Me gustan especialmente los
artistas que han aportado disrupción, tanto
musical como estética. Por ejemplo, David
Bowie es uno de ellos. No solo innovó musicalmente,
también rompió moldes desde lo
visual, entendiendo la música como parte de
las artes escénicas. Otros referentes fundamentales
son The Cure, Soda Stereo -a quienes
incluso les dedicamos una canción-, New
Order y toda la revolución electrónica de los
’90 y 2000. Y no puedo dejar de mencionar a
Andrés Calamaro, un letrista enorme. Es un artista tremendamente
disruptivo. ¿Quién más que Calamaro, junto
con Joaquín Sabina o Charly García, se ha mostrado
tan auténtico ante la sociedad?
El pop muchas veces es asociado con la superficialidad,
¿cómo enfrentan ustedes ese
prejuicio?
Creo que es un error absoluto pensar que la música pop
no puede ser profunda. Mirá, por ejemplo, el caso de Pet
Shop Boys. Es un dúo que te hace bailar, pero cuyas letras
son espectaculares en cuanto al contenido. Si te detenés a
leerlas bien, te das cuenta de que detrás hay una banda de
intelectuales, pero al mismo tiempo tienen el talento para
crear coros pegadizos, enormes, accesibles para todo el
mundo. Además, buena parte de su música está orientada
a la pista de baile. Y en la pista de baile también se puede
pensar, ¿por qué no?
Ahí es donde nos conectamos con Miranda!. No es una
banda frívola, para nada. Tiene profundidad en su discurso.
Desde mi punto de vista, tenemos la suerte de contar
con un canal de comunicación masivo con la gente, y es
hermoso poder aprovecharlo para transmitir mensajes
que tengan un impacto positivo en la sociedad.
¿Creés que el arte puede ser un motor de
cambio social más allá del entretenimiento?
A ver, el artista no está acá para salvar vidas en el sentido
literal. Para eso están los cardiólogos, los bomberos o la
policía. Pero sí creo que puede influir positivamente en la
sociedad si se toma en serio su rol como comunicador.
A nosotros también nos han salvado la vida muchas bandas
con sus canciones, así que creemos que el rol del artista,
en cierto modo, es señalar aquello que no está bien, lo
que aún necesita cambiar a nivel social. Y si la música puede
señalar eso, despertar una cierta rebeldía en el oyente,
unas ganas de hacer su propio camino, de desarrollarse
como ser humano a su manera y con libertad, entonces
ahí está una de las claves del poder del arte.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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FOTO: POPI GRAÑA
MAXI ESPÍNDOLA
VERSIÓN SOLISTA
“TODOS LOS CAMBIOS
TRAEN APRENDIZAJES”
Tras la separación de MYA, el cantante abre el juego
como solista y presenta sus nuevas canciones.
POR GABRIEL SOTELO
omo todos los
c
grandes cambios,
siempre son
jugados, pero
traen muchísimo
aprendizaje
detrás, así que
estoy abrazando
esta nueva etapa”, reflexionó Maxi
Espíndola en el TikTok Live de Billboard
Argentina, con una mezcla de
honestidad y entusiasmo que marca
el pulso de su presente artístico.
El cantante tucumano, reconocido
por haber sido una de las voces
fundamentales del dúo MYA junto
a Agustín Bernasconi, decidió a
fines de 2024 dar un giro profundo
en su carrera. Luego de casi una
década de trabajo compartido, tres
álbumes y hits como “Fuiste mía”,
“Te olvidaré” o “Una y mil veces”,
Maxi tomó la decisión de iniciar
su camino solista. Un movimiento
audaz, pero cargado de intención
creativa: reencontrarse con su
propia voz, experimentar nuevas
formas de contar y reconectar con
su sensibilidad artística.
Como parte de ese relanzamiento,
Maxi fue convocado para
abrir el show de Reik en su última
gira por Argentina. La experiencia,
lejos de ser sólo una vidriera,
se transformó en un punto de
inflexión. “Era el primer show que
hacía en solitario, entonces era
muy especial. Me llamó mucho la
atención lo bien que me recibió
el público”, cuenta. Subirse solo al
escenario del Movistar Arena, frente
a miles de personas que en su
mayoría aún no conocían su faceta
solista, fue tan desafiante como revitalizante.
“Estás con un público
que no te pertenece, que no te conoce,
y es como una adrenalina un
poquito más fuerte. Pero al mismo
tiempo es una oportunidad hermosa
para mostrar quién sos”.
En ese debut, además de repasar
algunos clásicos de MYA y sumar
un puñado de covers, presentó
por primera vez en vivo su single
“¿Cómo estásss?”, una balada íntima
y luminosa que funciona como
carta de presentación de esta nueva
etapa. “La canción nace un poco de
esa intensidad cuando empezás a
conocer a alguien, cuando hay algo
en vos que necesita saber más del
otro. Aunque hayas hablado hace
un rato, querés seguir preguntando,
seguir sintiendo”, explica Maxi.
Pero más allá del plano amoroso,
el tema también condensa algo
que para él fue clave en esta etapa:
volver a abrir el diálogo con la gente.
“Me parecía interesante arrancar
esta etapa preguntando: ‘¿Cómo estás?’.
En redes empecé a leer los comentarios,
a conectar desde ahí. Es
una pregunta que solemos responder
al pasar, como un acto reflejo.
Pero a veces estás tirado en la cama,
triste, y decís ‘bien, ¿y vos?’. Me interesaba
explorar esa contradicción”.
Actualmente, Maxi se encuentra
trabajando intensamente en la producción
de su primer álbum solista.
Un proyecto que todavía no tiene
fecha de lanzamiento, pero que
ya está tomando forma con una
maqueta de más de 35 canciones,
de las cuales deberá seleccionar las
que formarán parte del corte final.
“Cuando estaba en pleno proceso
de creación empecé a leer algunas
cosas que me movilizaron mucho,
y de ahí nacieron canciones muy
lindas. Algunas me sorprendieron
incluso a mí”, revela.
Este disco no solo marca una
nueva dirección estética y musical,
sino también un cambio profundo
en su forma de trabajo. “La dinámica
es distinta. Antes todo se decidía
en conjunto, con Agustín teníamos
un sistema muy aceitado, pero compartido.
Ahora tengo la posibilidad
de explorar lo que quiero decir
desde un lugar más personal, más
directo. Puedo hablar de amor, sí,
pero también de cosas más puntuales,
de emociones más específicas,
de lo que realmente me atraviesa”.
Esa libertad se traduce en un repertorio
que, según adelantó, tendrá
un equilibrio entre baladas románticas
y canciones más alegres, con
una energía fresca y optimista como
hilo conductor. “Siento que hay
una búsqueda de buenas vibras, de
transmitir una energía piola”.
Sin querer spoilear demasiado,
Maxi adelantó que durante su set
en el Movistar Arena compartió
en vivo dos canciones inéditas que
formarán parte del disco. El público,
lejos de mostrarse indiferente,
reaccionó con entusiasmo. Una
señal de que el terreno está fértil
para esta nueva etapa.
“Todo este proceso me está permitiendo
reconectar con lo esencial:
escribir desde un lugar sincero, sin
filtros, sin máscaras. Creo que el
público también está buscando eso:
canciones reales, que digan algo. Yo
estoy intentando ofrecer eso desde
mi lugar, con las herramientas que
tengo y lo que soy hoy”, concluye.
El futuro de Maxi Espíndola se
vislumbra como una combinación
entre la experiencia acumulada y la
frescura de lo nuevo. Un camino en
construcción que promete canciones
honestas, melodías que abrazan,
y una propuesta artística cada vez
más personal. Mientras su primer
disco se termina de gestar, el artista
tucumano ya dejó claro que no
se trata solo de empezar de nuevo,
sino de empezar mejor.
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CAMIONERO
Una comunidad en
movimiento
Con una ética autogestiva que se sostiene en el
tiempo, y una comunidad que se multiplica en cada
show, el dúo forja una escena alternativa que se rebela
contra la lógica del éxito.
POR ANTONELLA LOPREATO
i uno toma un
S
diccionario y
busca la palabra
"comunidad",
encontraría algo
así como “un
grupo de personas que comparten
elementos comunes”. Sin embargo,
esa asepsia semántica no alcanza
para explicar lo que ocurre alrededor
de Camionero. Este fenómeno
que se viene gestando alrededor
del dúo compuesto por Joan Manuel
Pardo y Santiago Luis va más
allá de lo que el lenguaje académico
o institucional puede contener.
Se reconoce en los gestos mínimos,
en un afiche hecho a mano, en un
parche cosido a la espalda de una
campera de jean o en un charla
post show. En una trama afectiva
que se sostiene a sí misma y que ya
tiene nombre propio, El Acoplado.
“Parecemos dos, pero somos
muchos”, esa es la lógica con la que
vienen forjando su identidad desde
el arranque, cuando no había
discos ni seguidores fieles, pero
sí una ética clara: compartir, circular,
escuchar. El proyecto nació
sin hoja de ruta. Se conocieron en
Warhol, un bar ya extinto de Olivos;
uno organizaba fechas, el otro
llegó con su banda. Se escucharon,
se eligieron, se propusieron armar
algo juntos. El mito fundacional ya
estaba servido, lo que vino después
fue un proceso sin fórmulas mágicas.
Ensayos eternos en Villa Martelli,
charlas sobre libros y músicos, y una
certeza compartida. No hay atajos si
se quiere construir algo verdadero.
Suenan a rock, pero también a
blues, pop, punk y a todo lo que
se cruce en su camino, aunque
esos géneros les sirven solo como
coordenadas de tránsito. Son hijos
bastardos de múltiples tradiciones,
sin la intención de encajar en
ninguna. De hecho, si se los escucha
con atención, las influencias son varias,
pero ni el tributo ni la repetición
forman parte de su código. De
Cortázar a Spinetta, de El Mató a La
Patrulla Espacial, cada uno dejó su
marca, pero no juegan a ser nadie.
“Todos ellos nos enseñaron que se
puede construir desde lo colectivo
sin perder identidad”, dice Joan.
Su única ambición es hacer música
que vaya más allá del momento.
“Buscamos que cada canción,
por más sencilla que sea, tenga
algo que nos emocione. Y eso es lo
que después intentamos transmitir”,
asegura Santiago. Club Camionero
(2021), su primer disco, fue
el resultado de ese proceso; una
mezcla de canciones, por momentos
dulces, otras furiosas, que se
cocinaron en plena pandemia, y
que recién encontraron cuerpo en
el vivo cuando el mundo volvió a
abrir la puerta. Dos años después,
llegó Todo lo sólido se desvanece
en el aire (2023), cuyo título homenajea
-o saquea- a Marx, pero
que para ellos habla más de lo que
sienten como generación que de
una idea política estricta. Una conexión
que también recuerda la
profundidad emotiva de la obra de
Gabo Ferro.
En ese devenir constante fue tomando
forma el Acoplado. El primero
en sumarse fue Toto, conocido
como "El Miserable", que hacía
turnos en un supermercado y traía
consigo una inquietud artística
sin canalizar. Empezó diseñando
afiches, luego se animó con cassettes,
más tarde con xilografías.
“Tampoco se trata de idealizar o
magnificar lo que pasa”, dice el
guitarrista. Ese gesto inicial se fue
replicando en técnicos de sonido,
“
Buscamos que
cada canción,
por más sencilla
que sea, tenga
algo que nos
emocione.
fotógrafos, responsables de visuales
e impulsores de mesas solidarias
bajo el nombre de La Rueda
de Auxilio.
“No somos seres iluminados, ni
esperamos siempre mostrar la mejor
cara”, dice Joan. Él es docente
en colegios de Zona Norte. Santi es
arquitecto, aunque a esta altura el
diseño parece más bien una excusa
para hablar de estructuras simbólicas.
Ambos viven vidas bastante
normales con horarios que cumplir
y boletas que pagar. No obstante,
eso no les impide sostener su oficio
artístico con una entrega que pocas
bandas tienen. “La autogestión es
difícil, sin embargo, le ponemos pecho”,
suma el baterista. “Es tentador
que venga alguien de afuera a ofrecerte
una solución mágica. Porque la
independencia es agotadora, te exige
un esfuerzo constante”.
La autogestión los define. Fue así
desde el comienzo y sigue siendo su
sello, aun cuando tienen un nombre
cada vez más instalado. No rotan
en los festivales mainstream pero
llenan salas como el Club Matienzo,
en su ciclo Tracción a Sangre,
durante quince fechas consecutivas
con entradas accesibles, merchandising
artesanal y un contacto cuerpo
a cuerpo que no se simula. Quizás
por eso Camionero no busca validaciones
externas. Mide su fuerza en
otra escala, en la gente que vuelve y se
reconoce parte de algo. Hay algo disruptivo
en seguir creyendo que todavía
se puede construir algo juntos.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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JULIO 2025

JAVIERA MENA
vida en ese momento?
Sí. Fue dándose paralelamente. Eso es
lo lindo que me pasa con los discos:
son un reflejo un poco de mi vida.
Las cosas son como son. Más allá de
que tengo una obra, me pasó que se
coordinó mucho el disco con lo que
me estaba pasando, en el sentido de
que fue una inmersión de la que pude
salir también. A eso apuntaba el disco
también, a esta cosa de meterse adentro,
aprender algo que te transforma
para siempre y poder salir de esa inmersión.
De hecho, el video de “Mar
de Coral” con Santi [Motorizado] es
eso. Es como ir sacándose las cosas
hasta que puedes respirar.
FOTO: POPI GRAÑA
“ME INSPIRARON SITUACIONES QUE VIVÍ
Y TAMBIÉN LA CONEXIÓN CON LOS DEMÁS”
La artista chilena habló sobre sus sentimientos, sus inspiraciones
y el proceso creativo detrás de su nuevo disco, Inmersión.
Javiera Mena lanzó
J
su disco más vulnerable y
poderoso, Inmersión. Este
trabajo de 10 canciones
marca el inicio de una
nueva era e incluye sus más recientes
lanzamientos "Volver a llorar",
"Entropía" y "Mar de Coral", junto a
Santiago Motorizado.
Referente de toda una generación
pop, Javiera se sumerge en un universo
más íntimo, maduro y real. Revela
la faceta más introspectiva de su
arte, explorando un universo fresco
y novedoso, mezclando lo orgánico
con lo sintético. De este modo, refleja
una clara evolución en su estilo
musical, pero sin abandonar su impronta
poética y la esencia que la ha
definido desde sus inicios.
En este sentido, la chilena pasó por
las oficinas de Billboard Argentina
para hablar de su disco, profundizando
sobre sus sentimientos, sus
inspiraciones y el proceso creativo
detrás de esta nueva pieza musical.
El título Inmersión sugiere una
exploración profunda y sensorial.
¿Cómo surgió la idea de
POR KARIN LEIVA
utilizar el agua como metáfora
central del álbum?
La inmersión tiene que ver con el
agua, con las emociones. El agua
como símbolo ancestral. Incluso en
la astrología son las emociones intensas
las que te llevan, que te arrastran.
Y este disco es como mucho
más introspectivo, más vulnerable y
muy íntimo. Son canciones de amor,
y el amor y el romance también es
inmersión, es como dejarte llevar un
poco. Y me gustó esa analogía de hablar
de sumergirse en las canciones y
en situaciones difíciles y purgarlas.
¿Te sentiste un poco vulnerable
al hablar de esto, siendo
que son tus emociones y vivencias
puestas en canciones?
Se me había hecho difícil en los discos
anteriores. Creo que al comienzo
era mucho más abierta y me fui
cerrando un poquitito y poniéndome
más discotequera. Que también
está bueno, hablar un poco más en
general, más colectivo, y no tanto de
mi experiencia directa. Pero en este
disco vuelvo a hacer ese tipo de canciones
mostrando más debilidades,
miedos o situaciones que no funcionan
y diciéndolo abiertamente, con
un lenguaje muy claro.
¿Cuál es la canción que más
te costó escribir?
La segunda canción del disco, que
le di un lugar muy protagónico que
se llama “Na Na Na”, es como una
declaración de “aquí estoy”, como
cuando la gente está entregada a
un amor, tipo: “Listo, aquí estoy”.
La hicimos con Luichi (integrante
de la banda española Cupido), con
quien hice casi todas las canciones.
Y hablábamos de eso, de esta entrega
absoluta o esta vulnerabilidad que te
puede producir el enamoramiento
extremo. Porque las canciones vienen
de ahí, en general, de ahí nacieron.
Esta cosa, como una devoción a
algo divino.
El álbum es como un camino
que inicia con la inmersión
y termina con esta idea de
salir del agua con una nueva
visión. ¿Sentís que te ayudó a
hacer catarsis con cosas que
te estaban sucediendo en tu
Hablando de “Mar de Coral”,
¿cómo se dio esta colaboración
con Santi Motorizado?
Era una canción que ya la tenía terminada
y daba mucho para un diálogo,
porque habla del amor a distancia.
Me puse a pensar a quién podía
escoger o a quién le podía pedir que
sea esa otra voz en esta canción en la
que tenemos este diálogo como: “Tú
estás allá, yo estoy aquí”, polo sur/
polo norte. Y al momento de pensar
en una voz, quería que fuera la de un
varón para hacer esa mezcla de voces
diferentes. De una pensé en Santi
porque, primero, me gusta cómo
canta, transmite y pronuncia. Pero
también me gusta lo que representa
él artísticamente. Como toda su carrera,
su recorrido, que es más o menos
parecido al mío. Habitamos los
mismos lugares en los comienzos,
después él se fue para el lado más de
guitarra sónica y yo para el electro.
Pero fue una colaboración muy
genuina a la cual él accedió de una
porque me dijo que ama mi música.
Así que fue llena de sorpresas.
En otra ocasión, mencionaste
que te nutrís de conocer y conectar
con personas diversas.
¿Hay alguna persona que haya
influido en este nuevo trabajo?
Sí, mucha gente. De hecho, “Volver
a llorar”, me la inspiró un amigo
que no podía llorar, tenía bloqueado
el llanto. Después, bueno, todas
las cosas que nos pasaban con Luichi,
por ejemplo, con “Absurda”, que
habla de los celos. A él le pasaba
con su novia que tenía celos de él, a
mí me pasó de ver una publicación
y ponerme celosa. Esta cosa de los
celos viene también de conversarlo
con otras personas. Para mí, eso es
lo colectivo y rico del pop. Me inspiraron
varias situaciones que viví
yo, pero también la conexión que
sentí con los demás al sentir lo mismo
y eso es una buena canción para
mí, que todos se identifiquen.
FOTO: SEBASTIÁN FREIRE
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V
VIVO
// LALI
La gran bestia pop sigue rockeando en su recorrido por la
Argentina. Después de sus dos funciones en Buenos Aires
(en el estadio de Vélez) y de pasar por la ciudad de Córdoba,
la tercera parada fue Rosario. Las aún flamantes canciones
de No vayas a atender cuando el demonio llama sonaron
fuerte en el Metropolitano ante una audiencia que la esperaba
con ansias: una semana antes del show (que ocurrió el
sábado 14 de junio) se formó un nutrido acampe en las adyacencias
del lugar. “¡Qué lindo que es esto!”, exclamó Lali al
pasar por la puerta del recinto horas antes de su recital.
A diferencia de los shows en Vélez, las presentaciones por
el interior del país lucen un formato reducido en cuanto a
las dimensiones de la parrilla de luces que la ilumina desde
el fondo del escenario o la pasarela. Pero la impronta rocker
se mantiene y se acentúan los gestos que se imprimen
en la versiones de “Tu novia II” y “33”; así como también el
mood intimista que propone “No hay héroes”, en la que se
revela todavía más cercana. El final, con “Fanático”, “Pendeja”
y “No me importa”, son pura catarsis. Y a juzgar por
la cara de Lali, es el momento que más disfruta.
FOTO: POPI GRAÑA
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JULIO 2025

BRESH PRESENTA
@CASA.BRESH

V
VIVO
// MILO J
Las cuatro funciones en el Movistar Arena de Buenos
Aires confirman el momento excepcional que atraviesa
el joven rapero tanto en lo artístico como en lo personal.
Tras la cancelación del show en la ex ESMA,
estas presentaciones fueron un cierre tanto de la
etapa de 166 como la de 166 (Deluxe) Retirada, con un
espectáculo completamente renovado. La propuesta
estuvo atravesada por las raíces argentinas y latinoamericanas,
reflejando la identidad y el alma de un artista
que se reinventa y crece con cada presentación.
La puesta en escena y el repertorio se retroalimentan
con esa diversidad cultural que enriquece cada nota
y cada verso. Así, entre hits propios como “Carencias
de cordura” o “M.A.I.” y su collab con Nicki Nicole (la
rosarina se subió en “Dispara”), también rindió tributo
a sus influencias, tan disímiles como Duki (“Vida de
rock”) o Bersuit (“Negra Murguera”).
FOTO: TUTE DELACROIX
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JULIO 2025

INOCENTE
NONPALIDECE + LA DELIO VALDEZ
EN VIVO
ARENA BUENOS AIRES, ARGENTINA

V
VIVO
// NORAH JONES
Fue un show íntimo en un lugar enorme. El Movistar Arena
suele ser tierra de histeria y celulares en alto, pero la noche
del 2 de junio fue distinta. El estadio porteño vivió una presentación
atípica con la llegada de Norah Jones. Después de
seis años, regresó a Buenos Aires con un setlist que combinó
canciones de su álbum debut con temas de su último trabajo,
Visions (2024). La artista mantuvo una estructura de show que
osciló entre un trío y un quinteto, alternando formatos e instrumentaciones
según el clima que buscaba generar en cada
momento. La lista de temas se desenvolvió sin intervenciones
extensas ni explicaciones, dirigido a un público familiarizado
con su trayectoria. Transitó géneros variados, desde el jazz y
el folk hasta el soul y el country, sin que ninguno predominara
en exceso. El cierre llegó sin sorpresa, pero con una lógica
previsible: “Turn Me On” y “Don’t Know Why”. La cantante no
apeló a la nostalgia como centro, aunque el repertorio haya
convocado inevitablemente recuerdos asociados a su debut.
FOTO: TUTE DELACROIX
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JULIO 2025

V
VIVO
// WILCO
Nueve años después de su debut en Argentina, ocurrido en
el festival BUE del 2016, el grupo liderado por Jeff Tweedy
volvió con su folk sónico al país para recoger la cosecha
que sembraron en aquella memorable presentación. Así,
un público más crecido -en edad y en popularidad- los vivó
de principio a fin en esta fecha ocurrida el 30 de mayo en
el C Art Media. Es que el “Olé, olé, olé, olé, Wilco, Wilco”
popular, sonó como bendición ni bien finalizó “Company in
my back”, el primer tema de la noche.
A partir de allí, los estadounidenses desgranaron una
lista de temas que abarcó a casi toda su discografía, ideal
para los fans. Las versiones de “I Am Trying to Break Your
Heart”, “Impossible Germany”, “Hummingbird” y “Falling
Apart (Right Now)” estuvieron entre los momentos más
destacados de una noche en la que además de la inventiva
cancionera de Tweedy, brilló el bajo omnipresente de John
Stirratt y las melodías vibradoras del guitarrista Nels Cline.
FOTO: AGUSTÍN DUSSERRE
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JULIO 2025

V
VIVO
// ZOE GOTUSSO
La cantante cerró con broche de oro su primera
residencia artística en Buenos Aires, agotando doce
funciones de un formato que va más allá del concepto
tradicional del recital. Pequeños Conciertos fue
una propuesta escénica donde la música, el teatro y
la cercanía con el público se fusionaron para ofrecer
una experiencia íntima en el Teatro Margarita Xirgu.
Bajo la dirección artística de Luciana Acuña y la musical
de Mariano Otero, cada presentación integró
coreografías, relatos y recursos visuales -a cargo de
Mariana Tirante y Tuchi Galán- que potenciaron la
narración de cada canción. En este contexto, la serie
de presentaciones también sirvieron para interpretar
por primera vez en la capital CURSI, su segundo
álbum de estudio. Y lo que queda tras estos shows es
la evidencia de que el espectáculo tradicional puede
reinventarse sin caer en la pretensión.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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Emergentes
143LETI
Nadir
Albanoide
Luca Albano Eugenio Barzan
no es nuevo en la escena. Como
guitarrista, productor y miembro
fundador de Todo Aparenta
Normal, lleva más de una década
recorriendo escenarios del país y
del exterior. Pero con Albanoide,
su proyecto solista, emprende otra
búsqueda más íntima y vulnerable.
Un trabajo que combina electrónica
ambiental, guitarras acústicas,
producción casera y una lírica
cargada de imágenes, atmósferas y
cicatrices. “La música se convirtió
en un estilo de vida”, comparte el
artista en diálogo con Billboard
Argentina. No responde a una
tendencia ni busca insertarse en
un circuito. Sus referentes van de
Radiohead a Juana Molina, pasando
por Massive Attack, pero
su música no busca copia. Su álbum
debut está en proceso y cada
adelanto confirma lo mismo: no se
trata de lanzar hits, sino de documentar
una experiencia emocional
desde adentro.
A los 19 años ya agotó su
primer show solista, abrió el
Movistar Arena para Milo J
y colaboró con Knak en su
nuevo disco. Pero su historia
no empezó en escenarios ni
en estudios de grabación.
Comenzó en una cocina:
trabajaba en gastronomía
mientras subía videos a sus
redes desde el trabajo. La
respuesta fue inmediata. Sin
managers ni campañas, sus
canciones comenzaron a
circular de forma orgánica.
Temas como “Sanar" o “Eu
Te Amo" reflejan parte de su
propuesta: beats enérgicos,
melodías pop con texturas
electrónicas y una lírica que
pone en escena el amor, el
deseo y la ansiedad desde
una mirada femenina,
contemporánea y sensible.
Leti no solo compone, también
trabaja en su estética visual
junto a Girly Ground, una
productora audiovisual con base
en Buenos Aires. Hoy prepara su
primer disco con productores
como Roxxee y Kerse.
Posguerra
Desde su irrupción en 2021, Posguerra
se consolidó como una
de las bandas emergentes más
sólidas del conurbano bonaerense.
Su primer disco, Lapso,
grabado durante la pandemia, ya
anticipaba una búsqueda estética
marcada por el post-punk, la
melancolía eléctrica y una lírica
introspectiva. Pero fue con Alucinación
(2024) que alcanzaron un
nuevo nivel de madurez sonora:
guitarras, bases densas y letras
que hablan del desencanto, la
alienación y el deseo de ruptura.
Influenciados por The Cure, Virus,
Fontaines D.C. y Gustavo
Cerati, el grupo se ubica en una
zona de tensión entre el legado
del rock nacional y los códigos de
la nueva generación. Tocaron en
el CCK, en Rock en Baradero y en
espacios independientes por todo
Buenos Aires. La banda se produce
de forma autogestiva, toma
decisiones artísticas sin terceros y
cuida cada etapa del proceso.
NADIR, compositor y guitarrista
del barrio de Versalles, lleva casi
una década como pilar de Terapia
y desde 2019 construye su propia
voz con su proyecto solista. A
sus 29 años, combina potencia y
atmósfera en un rock oscuro que
no se anda con vueltas. Este 2025
lanzó El sueño de Munir, un disco
conceptual de siete canciones
acompañado por un cortometraje
de 25 minutos que sigue la surreal
travesía de Munir, “El pájaro
cantor”, por paisajes argentinos y
rituales misteriosos.
“Para este disco hay fuertes
inspiraciones en el arte nacional,
de índole musical como el grupo
Don Lunfardo (banda emergente
de La Plata), o la carrera solista del
Indio Solari, o la etapa Say no
more de Charly García. También
de índole cinematográfico como
con la película Cuando acecha
la maldad de Demian Rugna”,
comparte el artista. Riffs torcidos,
baterías aplastantes, bajos y un
bandoneón que le pone el toque
local, hacen de esta obra un viaje
sonoro denso y contundente.
“ “Sanar”
La música se convirtió
“ Nuestras influencias van de
143LETI
en un estilo de vida.
The Cure y Gustavo Cerati a
Virus, Fontaines D.C. y Sumo.
El sueño de Munir
NADIR
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