Billboard AR Diciembre 2025

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING
SALE S DATA
AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES
CO MPIL ED B Y
FOTO: GENTILEZA PRENSA
D
Bizarrap y Daddy
Yankee llegan al N°1
con la “Bzrp Music
Session, Vol 0/66”
addy Yankee y Bizarrap se meten en la cima con “Bzrp Music Sessions,
Vol. 0/66”, dejando a Luck Ra y Miranda! con “Tu Misterioso Alguien
(Cuarteto)” en el segundo puesto después de ocho semanas reinando.
El podio se completa con “Tu Jardín Con Enanitos" de Max Carra & Valen,
Roze Oficial, mientras que “Con Otra” de Cazzu cae al quinto lugar.
Rels B se afianza en el tercer puesto con “Tu Vas Sin (FAV)”, confirmando que el
trap español sigue imponiendo su lógica. María Becerra baja al sexto con “Hasta
Que Me Enamoro”, en compañía de TINI y Jere Klein, Katteyes y Mateo on the
Beatz sostienen “Todo Ke Ver” en el séptimo escalón. Tan Bionica sigue encontrando
su público: “El Problema del Amor” sube dos lugares hasta el ocho.
Semana
pasada
8
1
2
3
6
4
5
10
7
9
Esta
semana
2
3
4
5
6
7
8
9
10
Título
#1 por 1 SEMANA
1 DADDY YANKEE: BZRP MUSIC
SESSIONS, VOL. 0/66
TU MISTERIOSO ALGUIEN
Tu Jardin Con Enanitos
Tu Vas Sin (Fav)
Con Otra
Hasta Que Me Enamoro
Todo Ke Ver
EL PROBLEMA DEL AMOR
The Fate Of Ophelia
W Sound 05 "LA PLENA"
Artista
Bizarrap & Daddy Yankee
Luck Ra Feat. Miranda!
Roze Oficial, Max Carra, Valen,
Ramky En Los Controles
Rels B
Cazzu
Maria Becerra, Tini, Xross
JERE KLEIN X KATTEYES
Tan Bionica
Taylor Swift
Beéle, Westcol, Ovy On The Drums
↑VARIACIÓN
-
↓
↓
↑
↓
↓
↑
↓
↓
DICIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 3

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 15 DE DICIEMBRE
Semana
pasada
17
22
Esta
semana
21
22
Título
Mix Cumbia 1
Por Mil Noches
Artista
The La Planta, Junior
Airbag
VARIACIÓN
↓
-
CRÉDITO: GENTILEZA PRENSA
23
La Perla
ROSALIA & YAHRITZA
Y SU ESENCIA
NEW
20
24
Una Noche Más
TINI
↓
19
25
No Tiene Sentido
Beéle
↓
34
26
Si No Es Muy Tarde
Luciano Pereyra, Ezequiel y La Clave,
Un Poco de Ruido y Pinky SD
↑
41
27
Nunca Lo Olvides
Airbag
↑
23
28
Favorita
Ángela Torres
↓
24
29
Como Eran las Cosas
Babasonicos
↓
28
30
Golden
HUNTR/X, EJAE, Audrey Nuna
& Rei Ami
↓
35
31
Yogurcito
Blessd
↑
58
32
Berghain
Björk & Yves Tumor, ROSALÍA
↑
Semana
pasada
18
11
13
12
14
61
16
43
24
UNA NOCHE MÁS
TINI
Esta
semana
11
12
13
14
15
16
17
18
Título
Cuidado Que Te Supero,
Los Herrera
444
Amor De Vago
QLOO*
Soleao
Tus Cosas
Niño
Cuando No Era Cantante
11
12
13
14
15
16
17
18
Artista
Los Herrera, Q' Lokura
Yan Block & Panda Black
LA T Y LA M ft MALANDRO
DE AMERICA
Young Cister, Kreamly
Myke Towers & Quevedo
Tan Bionica, Pato Sardelli
Milo J
El Bogueto & Yung Beef
VARIACIÓN
↑
↓
-
↓
↓
↑
↓
↑
26
32
25
36
29
51
59
33
38
27
54
31
30
49
55
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48
Obsesionario En
La Mayor
A Las Nueve
Capaz
Si Antes Te
Hubiera Conocido
DOWN
Mejor Que Vos
Pensamientos
Ramen Para Dos
Gil
Shiny
Suena en la Previa Vol. 3
Universidad
RELIQUIA
VelDA
amor de veraNO
Perfecta
Tan Bionica, Abel Pintos
No Te Va Gustar
Alleh & Yorghaki
Karol G
TINI
Lali & Miranda!
Airbag
Maria Becerra, Paulo Londra
Milo J, Trueno
Easykid
cumbia rocha
TINI, Beéle
ROSALÍA
BAD BUNNY ft. Dei V, Omar
La T Y La M
Miranda!
↓
↓
↓
-
↓
↑
↑
↑
↓
↓
↑
↓
NEW
↓
↑
↑
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15
19
Yo y Tú
19
Beéle, Quevedo, Ovy On the Drums
↓
42
49
PIEL
KE PERSONAJES, TIAGO PZK
↓
21
20
JOJO
20
MARIA BECERRA, XROSS
↑
40
50
Que Pasaria...
Rauw Alejandro, Bad Bunny
↓
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
MEDIA PARTNER:
PRODUCE:
4 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 15 DE DICIEMBRE
Semana
pasada
44
Esta
semana
51
Título
BAILE INoLVIDABLE
Artista
Bad Bunny
VARIACIÓN
↓
TORTEVAL
GUSTAVO CERATI
56
CRÉDITO: NORA LEZANO
47
52
Me Gusta
Miranda! & TINI
↓
67
53
Enemigos
Marama, Valen & The La Planta
↑
37
54
Motinha 2.0
Dennis, Luisa Sonza, Emilia
↓
45
55
Bajo De La Piel
Milo J
↓
56
56
Torteval
Gustavo Cerati
-
50
57
Fronteo
Plan B
↓
48
58
Blackout
Emilia, Tini & Nicki Nicole
↓
59
Sexo, Violencia y
Llantas
ROSALÍA
NEW
39
60
La Melodía De Dios
Tan Bionica
↓
Semana
pasada
Esta
semana
Título
Artista
VARIACIÓN
53
61
Es Un Secreto
Plan B
↓
100
81
Ya No Vuelvas
Luck Ra, La K'Onga, Ke Personajes
↑
69
62
SINVERGÜENZA
Emanero, Karina, J Mena,
Angela Torres
↑
82
82
Resentia
Pablo Chill-E
-
72
57
70
76
75
73
78
63
68
89
85
52
60
65
71
63
64
65
66
67
68
69
70
71
72
73
74
75
76
77
78
Canción Para Regresar
Mi Refe
Perdonarte
¿Para Qué?
Luna
Flaca
No Podrás
DtMF
More
Pasos Al Costado
La player
Loco
(Tu Forma De Ser)
Si Te Pillara
Diles Remix
Tiroteo
Cae el Sol
Un Osito De
Peluche De Taiwan
Sebastián Yatra, Lucho RK,
Belinda, Gente De Zona
Beéle, Ovy On The Drums
Los Ángeles Azules, Emilia
Feid, Atl Jacob
Andrés Calamaro
Eugenia Quevedo | Angela Leiva |
La Banda De Carlitos (En Vivo)
Bad Bunny
Zion x Ken-Y, Zion
TURF & MILO J
ZION & LENNOX
Los Autenticos Decadentes
Beele
Bad Bunny, Ozuna, Farruko,
Arcangel, Ñengo Flow
Marc Seguí
Airbag
Los Autenticos Decadentes
↑
↓
↑
↑
↑
↓
↑
↓
↓
↑
↑
↓
↓
↓
RE
↓
99
62
64
74
95
80
79
93
84
94
96
83
84
85
86
87
88
89
90
91
92
93
94
95
96
97
98
Extraño
Hoy
Divinize
Dios Es Un Stalker
Tan Lejos
Adios
Porcelana
Tan Solo
Entre Nosotros
Perreo Th 7
Lose Control
CICATRICES
Yo sé
Hola Perdida
No Se Va
Arruinarse
Miranda! & Santiago Motorizado
Valentino Merlo x The La Planta
ROSALÍA
ROSALÍA
No Te Va Gustar
Gustavo Cerati
ROSALÍA
Los Piojos
Cindy Cats, Tiago PZK
DJ Plaga, Mamiyosoyelth
Teddy Swims
Airbag
Yan Block, TORRRES
Luck Ra, KHEA
La T y La M
Tan Bionica, Airbag
↑
↓
NEW
NEW
↓
↓
NEW
↑
↓
↓
-
↓
↓
↓
RE
↓
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79
BOQUITAS PINTADAS
Nicki Nicole, Tan Bionica
NEW
81
99
Khé?
Rauw Alejandro y Romeo Santos
↓
80
Hips Don'T Lie
(Spotify Anniversary Version)
Ed Sheeran & Beéle, Shakira
NEW
100
Pobre Corazón
Ke Personajes
↓
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
6 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

PRESIDENTE
Jorge R. Arias
DIRECCIÓN EJECUTIVA
Juan Pedro Dondo
Analía Arias
Gonzalo Luzza
DIRECCIÓN EDITORIAL
Ezequiel Ruiz
Julián Mastrángelo
Gabriel Sotelo
CONTENIDOS
Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /
Karin Leiva / Mariano Kaplan / Gustavo Serna
Colaboraron en esta edición:
Juan Cruz Revello / Facundo Arroyo
IMAGEN Y DISEÑO
Sofía Graña / Magdalena Medina /
Valentino Luzza Schimpke / Pedro Lombardo
BRAND PARTNERSHIPS
Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla / Melanie Lomas
IT / TECNOLOGIA
Franco Di Nitto
DEPARTAMENTO CONTABLE
Marcela Dermgerd
CONTACTANOS
Publicidad: brandpartnerships@billboard.ar
Administración: administracion@billboard.ar
Whatsapp: +54 9 11 5583-3717
DISTRIBUCIÓN
Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH)
011 4301 3601
Billboard Argentina es una licencia de
ABC1 Sociedad de Editores S.R.L.
Dardo Rocha 2188, San Isidro, Buenos Aires, Argentina
Tel: +54 011 7917 1024
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CHAIRMAN & CEO
Jay Penske
CHIEF OPERATING OFFICER
George Grobar
MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS
Debashish Ghosh
ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS
Gurjeet Chima
ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND
& PARTNERSHIP OPERATIONS
Francesca Lawrence
Rosalía cuenta todos los detalles de LUX, su nuevo disco. Leélo en la página 26.
PRESIDENT
Mike Van
EDITORIAL DIRECTOR
Hannah Karp
SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT
Silvio Pietroluongo
CREATIVE DIRECTOR
Alexis Cook
CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL
Leila Cobo
INTERNATIONAL EDITOR
Alexei Barrionuevo
DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL
Sigal Ratner Arias
Billboard Argentina. Prohibida la reproducción total o parcial de
los artículos sin la previa autorización del director. El material
periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.
RNPI: 5349798
ISSN 2344-9276 · Año 11 · Nº 145 · Diciembre 2025 · Argentina: $20000
8 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

Contenidos
CHARTS
3. Billboard Argentina Hot 100
INTRO
13. Latin Grammy 2025
ENTREVISTAS
22. Trueno
26. Rosalía
30. La T y la M
38. Manuel Abud
39. Isadora Figueroa
50. Luana
42. Matteo Bocelli
46. Ke Personajes
60. Juan Ingaramo
ESPECIALES
14. Lo mejor de Sonría, Estamos en Billboard
16. Track x Track: Maria Becerra
20. Track x Track: Taichu
23. Festival Bandera
24. Music Wins
40. 30 años de Viejas Locas, el álbum debut del grupo
48. Discos del mes
50. Vivo: Oasis, Tini, NTVG, Dua Lipa, Marilina Bertoldi, La Vela Puerca
56. EDM Lifestyle
68. Lanzamientos
82. Emergentes
EN LA TAPA
La T y la M, por Popi Graña
10
BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

LATIN GRAMMY 2025
TU MISTERIOSO ALGUIEN
TU JARDIN CON ENANITOS
CON OTRA
DADDY YANKEE: BZRP
MUSIC SESSIONS, VOL. 0/66
BIZARRAP & DADDY YANKEE
LUCK RA FEAT. MIRANDA!
ROZE OFICIAL, MAX CARRA, VALEN,
RAMKY EN LOS CONTROLES
CAZZU
1
SEMANAS
EN EL N.1º
2
SEMANAS
EN EL CHART
INTRO
HASTA QUE ME ENAMORO
MARIA BECERRA, TINI, XROSS
EL PROBLEMA DEL AMOR
TAN BIONICA
Bad Bunny y CA7RIEL & Paco Amoroso, los más
premiados de la gran fiesta de la música latina
CUIDADO QUE TE SUPERO
LOS HERRERA, Q' LOKURA
La gala dejó a ambos proyectos en la cima del listado de reconocimientos en una edición que distribuyó sorpresas,
confirmó favoritismos y amplió el mapa de voces destacadas del momento.
AMOR DE VAGO
TUS COSAS
NIÑO
LA T Y LA M FT MALANDRO DE AMERICA
TAN BIONICA, PATO SARDELLI
MILO J
FOTO: KEVIN WINTER/GETTY IMAGES FOR THE LATIN RECORDING ACADEMY
L
os Latin Grammy 2025
arrancaron en Las Vegas
con señales claras desde
el minuto uno: la alfombra todavía
se estaba acomodando cuando
ya empezaban a caer los primeros
nombres. Vicente García, Bobby
Pulido y otros habituales del circuito
abrieron la lista y dejaron en claro
que la academia decidió jugar con
una mezcla de tradición y recambio
desde el principio.
Con Maluma y Roselyn Sánchez
al frente, la ceremonia entró en
calor rápido. Pero la tensión real
estaba en otro lado: todos miraban
a Bad Bunny, líder absoluto de nominaciones
con Debí tirar más fotos.
Cada actualización se siguió como
si fuera marcador de final, con una
industria que observa cómo se mueve
la noche alrededor de un disco
que marcó conversación durante
meses.
Y así fue. El boricua reafirmó su
recorrido reciente con el premio al
Álbum del Año por el trabajo que
lo llevó a mirar de nuevo a su isla
y que funcionó como eje de su residencia
de conciertos y la antesala
de su presentación en el Super Bowl.
Sobre el escenario, dedicó el premio
"a todos los niños y jóvenes de Latinoamérica,
especialmente los de
Puerto Rico" y habló de la música
como forma de defender una identidad
colectiva. También sumó reconocimientos
por "DtMF", "Voy a
llevarte pa PR" y por el Mejor álbum
de música urbana.
Del otro lado de la platea, Ca7riel
& Paco Amoroso venían haciendo
ruido desde temprano. Su recorrido
por las categorías alternativas y pop
sumó cinco estatuillas, incluidos los
premios por "#TETAS", Papota y "El
día del amigo". La producción de su
álbum también trajo un resultado
inusual. Rafa Arcaute, Federico
Vindver y Nico Cotton terminaron
compartiendo el premio a Productor
del año.
"Hemos hecho un esfuerzo sobrehumano
para ganar este hermoso
objeto. Tan sobrehumano que ya
no nos percibimos humanos, nos
percibimos empresa", dijo Ca7riel al
recibir el premio. "La verdad es que
estamos sorprendidos de que nos
den premios, que nos den cosas",
añadió Paco Amoroso. "Gracias al
equipo que nos ha permitido hacer
cosas. Estamos felices. Gracias a la
gente de Argentina".
Ni Benito ni Ca7riel & Paco
Amoroso lograron Grabación o
Canción del año. En ambas categorías
competían con dos temas de sus
respectivos álbumes, una decisión
que fragmentó votos y abrió espacio
para otros nombres. Karol G ganó
Canción del Año con "Si antes te
hubiera conocido", mientras Edgar
Barrera sumó otro reconocimiento
como compositor. Alejandro Sanz
obtuvo el de Grabación del Año por
"Palmeras en el jardín" y bromeó al
recibirlo: "Benito, te lo he robado,
perdóname".
El premio a Mejor nuevo artista
fue para la mexicana Paloma Morphy.
Liniker sumó tres victorias en
las categorías de lengua portuguesa
y Natalia Lafourcade se impuso
con Cancionera en las categorías de
Mejor Álbum de cantautor y Mejor
Canción de cantautor (con la homónima
“Cancionera”).
12 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 13

SONRÍA, ESTAMOS EN BILLBOARD
Lo mejor del mes: música e
historias en primera persona
Artistas que hablan de raíces, recuerdos, sabores,
amores y canciones que nacen desde lo más personal.
POR GABRIEL SOTELO
Rusher
l nuevo mes de Sonría,
E
estamos en Billboard llegó
con una buena dosis de música
y charlas que retratan el pulso
creativo del momento. Por nuestras
cámaras pasaron La Máquina de
Hacer Pájaros, After, Estani, Alan
Gomez, Fransia, Meimi y Omayra,
cada uno con un sello propio: desde
FMK
la calidez histórica de La Máquina, la
frescura de After y la creatividad de
Estani, hasta la energía expansiva de
Alan Gomez, el mundo estético de
Fransia, la cumbia nacional de Meimi
y su nueva canción junto a la artista
boliviana Omayra. Juntos armaron
un mosaico vibrante de estilos,
búsquedas y personalidades.
Lauty Gram
El joven aportó una nota inesperadamente
terrenal y cálida al hablar de su casa de pastas,
un proyecto que lo conecta con su costado más
cotidiano. Entre risas, soltó: “Siempre me gustó
cocinar, cocino bastante y ahora trato de estar
presente en el local, no todos los días, pero voy
bastante”, dijo entre risas sobre Pastasole, el
local ubicado en Palermo, Buenos Aires.
Enzo, el nombre tal cual figura en su DNI, se mostró agradecido
y motivado con su nuevo disco, Lamba, una etapa que vive con
entusiasmo renovado. En plena charla, definió el momento con
claridad: “Este nuevo disco es la versión más honesta de mí que
grabé hasta ahora, me gusta mucho, es un disco que me encuentra
más maduro”, señalando que el lanzamiento representa un quiebre y
una reafirmación artística.
Gauchito Club
El joven de 23 años destacó por su mirada estética y emocional
alrededor de su nueva canción “Después de mí”, donde aparece
Luchi, su novia, como protagonista del video. Además, salió de su
versión artística y confesó que su otra gran pasión es jugar a los
videojuegos, además de jugar al fútbol y al paddle. “Estoy haciendo
todos los días paddle porque mi entrenador me dijo que corra en la
cinta todos los días, pero me divierte más jugar a algún deporte en
vez de estar en la cinta”, contó.
Daniela Herrero
Los mendocinos llegaron a las oficinas de Billboard para cerrar un
años que los ha tenido como protagonistas de la nueva escena
nacional. Con un sonido que respira frescura y raíz al mismo tiempo,
Sasha y Gabo destacaron los sonidos de su tierra: “La música de
Mendoza está creciendo y marcando una época. Tenemos muchos
artistas que se destacan a nivel nacional como Usted Señalemelo, Mi
Amigo Invencible, Pasado Verde y Spaghetti Western”, una identidad
que defienden con naturalidad y que hoy los posiciona como una de
las propuestas más originales del país que culminaron con su paso
por el Complejo C Art Media
La artista regaló un momento cargado de memoria emotiva al
recordar su participación en “Costumbres argentinas”. Con una
sonrisa cómplice, aseguró: “Mi paso por Costumbres argentinas fue
una locura. Por momentos me costó un montón porque yo era muy
chica, estaba muy enganchada con la música y cambió toda mi vida
porque se grababa todos los días, muchas horas. Yo estaba con “No
voy a mentirte”, mi segundo disco, y los fines de semana tocaba. Un
día dormí tantas horas que mi mamá pensó que me había muerto”,
cuenta recordando su pasó por una de las novelas más exitosas de
la TV argentina
FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA
14 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

Track X Track
1_ “RAMEN PARA DOS”
Marca un cambio de tono dentro
Nació de una forma muy espontánea. Estábamos en el estudio
con Xross, mi productor, hicimos un vivo de Instagram y
empezamos a componer ahí mismo, como solíamos hacer
antes, jugando, dejándonos llevar. En cuestión de minutos tomó
forma y la gente que estaba mirando el vivo empezó a pedir que
la saquemos, que querían que tuviera una colaboración con
Paulo Londra. Fue muy lindo porque se sintió como volver a
las raíces: a ese vínculo directo con el público, a crear desde la
energía del momento. Además, es el primer tema del álbum y
también el inicio de la trilogía de Shanina, así que tiene un peso
simbólico fuerte. Representa a este alter ego que es la que da el
primer paso, la que enciende todo este universo. Y compartirlo
con Paulo lo hizo aún más especial. Teníamos pendiente
encontrarnos en el estudio hacía mucho. Siempre nos
mostrábamos canciones, nos mandábamos cosas, pero nunca
coincidíamos. Esta vez se dio de manera perfecta: se captó la
esencia, se sintió genuino, y el resultado fue hermoso.
2_“INFINITOS COMO EL MAR”
del disco. En esta parte, Shanina
se empieza a volver un poco loca.
Lo que al principio parecía amor,
se transforma en una obsesión.
Todo se vuelve más emocional,
más intenso, más oscuro. Creo
que fue en ese momento cuando
confirmé que este proyecto tenía
que seguir una línea más cinematográfica,
más conectada con lo
actoral. Me metí de lleno en los
personajes, en cómo se sentían,
cómo pensaban. Y eso también
me llevó a involucrarme mucho
más con la producción visual, a
pensar los videoclips como parte
del relato.
3_“HASTA QUE ME ENAMORO”
Es el cierre de la trilogía de Shanina. Es
la parte más intensa, emocional y sincera
de este viaje. Además, marca un reencuentro
muy especial: volver a compartir
música con Tini después de más
de cuatro años. Las dos sabíamos que
queríamos hacer algo juntas otra vez,
pero estábamos esperando la canción
correcta, la que de verdad nos representara.
Y cuando apareció, todo fluyó
desde un lugar súper honesto. Le conté
lo que venía viviendo, lo que estaba atravesando…
Y ella lo entendió desde un
lugar muy profundo. Me emociona que
esta canción signifique tanto para mí y
que, además, me haya regalado volver
a crear con una amiga y una artista a la
que quiero y admiro tanto.
Maria Becerra desmenuza
los detalles de Quimera
La cantante argentina inventó
cuatro alter egos y los puso a
jugar junto con su costado más
personal en las composiciones
de este nuevo álbum.
POR EZEQUIEL RUIZ
E
ntre las distintas definiciones que la Real Academia Española acuña
sobre el término “quimera”, hay una que es la que parece ajustarse más
al título que Maria Becerra eligió para su nuevo álbum. “Organismo que
resulta de la unión de células genéticamente distintas y procedentes de diferentes
cigotos”, dice el diccionario de nuestra lengua y algo de eso hay en
el tercer larga duración de la cantante argentina.
Para darle concepto a estas 17 canciones, Becerra inventó cuatro alter
egos que, a la vez, dialogan con lo más profundo de su personalidad. Shanina,
Jojo, Maite y Gladys, personajes que, según ella misma revela, “me ayudaron
a sanar en el camino”.
Quimera es “un viaje personal, emocional y profundo, con sus luces y sus
sombras, con todas las versiones de mi”. A continuación, un extenso Track x
Track con Maria dando detalles de este trabajo que cuenta con colaboradores
deluxe como Tini, Paulo Londra, Karina, El Alfa, Taichu, Jay Wheeler y
Rei, su pareja, a quien le dedica varias de las canciones.
Obit occae iur molupid ex et aute velendandis
pratibero eniati num arum net im quodignim quid
quam que plitemodicit duciis re porecero cum
harchilicia audae as ut volorum quiaesti volor si
aute pra debiti as modi as dolorpor sum quam,
quatium, volupta testorum sollam volupient ides
4_ “CORAZÓN VACÍO”
Marcó un antes y un después para mí.
Además, es la primera parte del alter
ego Maite, el momento donde nace esta niña interna que aparece en Quimera
para contar su historia desde la vulnerabilidad, la inocencia y el aprendizaje.
Desde el primer día, muchas personas conectaron profundamente con la
canción y la hicieron propia de una manera increíble. Siento que ya no es solo
un tema, es un sentimiento. Fue muy especial cuando salió y lo sigue siendo
hoy, cada vez que la canto. Con el tiempo, también se convirtió en un abrazo
para muchas madres y personas que sostuvieron solas a sus familias, que
criaron, que sanaron desde el dolor y siguieron adelante, aun cuando la vida fue
injusta. Muchas madres se acercaron a contarme que la sintieron propia, que
la cantan desde un lugar muy personal, y eso es inmenso. Que esta canción
pueda acompañar, contener y dar fuerza es el regalo más grande que me dio la
música. Y a la vez, es el punto de partida de Maite: esa nena que nace desde el
dolor, pero que a lo largo del álbum aprende, se reconstruye y sigue adelante.
5_ “QUE TU ME QUIERAS”
En este punto del álbum, Maite
empieza a mostrar su lado más
vulnerable y honesto. Acá se siente esa necesidad tan humana de ser vista,
de ser amada, de recibir aquello que tanto faltó. Esta canción representa una
etapa clave de crecimiento: el momento en el que empezás a entender que no
podés obligar a nadie a quererte, pero sí podés empezar a aprender a quererte
a vos misma. Y ese es el viaje que Maite empieza a transitar a partir de acá.
6_ “RECUERDO QUE NUNCA EXISTIÓ”
Es el cierre de la historia de Maite. Después de pedir amor, de esperarlo y
de dolerlo, llega un momento distinto: el de la aceptación. Ya no es la niña
que suplica, ni la que sostiene algo que la hiere. Es el momento en el que
entiende que extrañaba algo que, en realidad, nunca fue suyo. Que idealizó
un amor que no existió como ella lo sintió, y que tenía que soltar esa versión
para poder avanzar. En esta parte de la historia también aparece la figura
de su padre, ya hacia el final de su vida, buscando una última conversación,
una última posibilidad de ser escuchado. Y Maite —con el corazón lleno
de heridas, pero también de crecimiento— elige despedirse, perdonarlo y
aceptar la realidad: que no estuvo, que le dolió, pero que también la enseñó
a ser quien es. Esta canción es ese abrazo final a lo que no fue, para por fin
soltar sin rencor y empezar a sanar desde la verdad.
7_ “7 VIDAS”
Es la carta de presentación de Gladys. Ella es una
joven de barrio, fuerte, impulsiva, y profundamente
humana, que termina enfrentándose a situaciones extremas por intentar
ayudar a quien era su pareja. Esa decisión la cambia para siempre y la deja
en un lugar donde la vida le exige madurar de golpe, porque en medio del
caos tiene que sostener algo mucho más grande que ella: la maternidad y el
amor por su hijo. La canción atraviesa la bronca, la traición y el desengaño,
pero sobre todo muestra a una mujer que, incluso desde el dolor, lucha por
proteger lo que más ama. Gladys no es solo rabia ni despecho: es resistencia,
es instinto, es el intento de no romperse cuando todo empuja a hacerlo. “7
vidas” habla de levantarse una y otra vez, de cargar cicatrices, y aun así seguir
eligiendo el amor como motor para seguir adelante.
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DICIEMBRE 2025
DICIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 17

8_ “AHORA QUE ESTÁS CON ÉL”
Acá, la bronca y la lucidez ya hablan más fuerte que el
dolor. Es la canción donde deja de romantizar y empieza
a decir la verdad sin filtro: la que aprendió a los golpes, la
que sanó desde el barrio y la que hoy advierte a otras con
una mezcla de cumbia, ironía y corazón curtido. También
es un tema muy personal en lo sonoro: me dí el gusto
de trabajar con músicos de la banda de Marc Anthony,
y eso le da una fuerza y una verdad musical que venía
buscando para este momento del disco. Además, tiene
un sello muy íntimo: las voces y risas que se escuchan
en la canción son de mis sobrinas, que son parte de mi
vida, de mi raíz. Y esa esencia familiar y barrial no podía
faltar, porque Gladys también es eso: La Plata, Quilmes,
el conurbano, Latinoamérica… Es hablar de donde
vengo, con orgullo y sin pedir permiso. Esta canción es
desahogo, advertencia y celebración de supervivencia:
un recordatorio de que incluso cuando duele, también se
puede sanar desde la fuerza, la música y la identidad.
11_“FRUTILLA DEL PASTEL”
Es una de las canciones donde
más disfruté ponerme en la piel
de JoJo, porque tiene su energía
sensual, provocadora. Mezcla
español y portugués — es la
segunda vez que puedo darme
el gusto de mezclar ambos
idiomas— pero acá tiene una vibra
caliente, de movimiento, de juego.
Ella se permite divertir, seducir y
dominar todo al mismo tiempo. Es
puro disfrute.
12_“HACE CALOR”
El video lo
pudimos
grabar en República Dominicana.
Tener al Alfa en este tema fue un sueño.
Mi hermana es muy fanática, nos
encanta desde hace un montón. Una
vez compartimos line-up en un festival,
me quedé para ver su show… Y flashé
mal con la energía que tiene en vivo. Así
que cuando pensamos quién podía
acompañar el cierre de JoJo, él fue uno
de los primeros nombres que surgió,
y realmente tenía todo el sentido.
Grabar juntos allá fue hermoso, y me
encantó que entendiera tan bien lo que
yo quería transmitir con esta canción.
Es fiesta, picardía, exceso… Es JoJo
llevada al máximo.
13_“SLOW IT DOWN”
Es la
primera
de las cinco canciones del álbum que vienen
de un lugar mucho más íntimo y honesto.
Hay un video mío cantándola hace muchos
años, pero nunca la había podido terminar.
Me pasaba que estaba incompleta porque
yo también lo estaba; sentía que todavía no
había llegado esa persona que realmente
me inspirara lo que la canción necesitaba
decir. Todas las canciones de esta parte del
álbum vienen del corazón, son puro amor, y
ésta en particular es una forma de desnudar
lo que siento. Es una carta hecha canción
para mi novio Juli, que es una de mis máximas
inspiraciones. Cuando lo conocí, todo encajó:
las piezas, las palabras, la emoción, el final que
me faltaba. Recién ahí la canción se escribió
sola y cobró sentido. Este tema es eso…
Encontrar el amor que te pausa, te ordena y te
inspira a terminar lo que estaba pendiente.
9_“VUELVES TRISTE”
Es el tema donde por fin se termina
el ciclo de Gladys: ya no hay rencor,
no hay súplica, no hay nostalgia. Hay
dignidad. Es la decisión definitiva de no
volver a un lugar que dolió, de recuperar
la voz y plantarse desde otro lado.
Tuve el honor de colaborar con Karina
la Princesita, una artista enorme a
la que admiro desde siempre. Crecí
con su música sonando en mi casa,
mi familia es muy fan, así que grabar
juntas fue un sueño hecho realidad.
Esta canción es, sobre todo, un acto de
amor propio: aprender a decir que no, a
elegirnos, a cerrar la puerta con la frente
en alto y a recordar que, cuando una
se ama de verdad, nadie puede volver a
quitarnos lo que ya recuperamos.
14_ “PIERDO LA CABEZA”
Es muy importante haber podido
compartirla con Taichu, que
es mi amiga y una artista que
admiro muchísimo. Ir al estudio
juntas, componer, escucharnos y
construir la canción fue algo muy
especial. Todo fluyó de una forma
súper natural, nos divertimos
muchísimo haciéndola, y eso se
siente en el resultado. Fue una
colaboración que nació desde
la admiración mutua y el cariño,
y eso para mí la hace todavía
más valiosa. La canción habla
de ese amor que te descoloca,
que te deja sin explicación, que
te hace perderte y encontrarte
en la misma persona. Ese que
por momentos te deja vulnerable,
inocente, sin respuestas, pero
llena de verdad. El romance en su
estado más honesto, más lindo,
más real… Cuando el corazón
habla más fuerte que cualquier
intento de entenderlo.
16_ “TATU”
10_“JOJO”
La primera del
alter ego JoJo,
que creo que es mi preferida. Ella es
magnética, sensual, provocadora. Es
la que entra a un lugar y nadie necesita
preguntarse quién es, porque su presencia
lo dice todo. Disfruté muchísimo
ponerme en su papel, jugar con esa
energía libre, atrevida, sin filtros, donde
el deseo no es vergüenza sino poder.
Siento que esta canción es una especie
de manifiesto. Con ella aparece
el lado más provocador y lúdico del
álbum, el que celebra el cuerpo, el goce
y el control propio desde un lugar de
disfrute, no de carencia.
Nació en Miami como una canción
muy íntima, casi un mensaje
personal para Juli. Hacía más de
un mes que no nos veíamos y al
principio hablaba solo de la distancia
y de cuánto lo extrañaba. Pero con
el tiempo me di cuenta de que esa
letra se me quedaba chica, porque
nuestra historia es mucho más
grande que eso. Después de cuatro
años juntos, de todo lo que vivimos
y atravesamos, la distancia es casi
un detalle en nuestra relación. Hay
tantas otras cosas que pesan,
enseñan, duelen y fortalecen mucho
más que un mes lejos. Entonces
decidí reescribirla entera, desde un
lugar más real, más profundo, y le
propuse hacerla juntos. Y la verdad
es que él la rompió: lo que sumó a la
canción es increíble y muy emotivo.
Terminó siendo un mensaje de
resiliencia, de sostenerse incluso
cuando las cosas se ponen difíciles,
de elegir el vínculo por encima de
todo. Creo que muchas parejas
que están atravesando momentos
fuertes pueden sentirla como
propia, porque habla justamente de
eso: no del amor ideal, sino del amor
que resiste, que transforma y que
elige quedarse.
La estrenamos por primera vez en febrero, en una
fiesta en el sur de Argentina, en Neuquén, frente
a una multitud impresionante. Es una balada romántica que, con el
tiempo, se convirtió en uno de los himnos de este álbum: un himno al
amor eterno. Siento que es de las primeras veces en mucho tiempo
donde me animé a mostrarme así de vulnerable, a corazón abierto,
haciendo una declaración de amor. Esta versión que forma parte
del álbum es en vivo, la de esa primera noche, y decidimos dejarla así
porque tiene magia: se escucha al público cargado de emoción, de
pasión, y eso la vuelve única. Y también tiene otro componente muy
especial, que es que en el video aparece Juli, que es mi amor. Ahí se
puede ver esa complicidad y esa conexión que tenemos, que siento
que trasciende el tiempo y cualquier circunstancia.
15_ “ROMÁNTICA”
17_ “MI AMOR”
Acá entra mi lado más “María”. Y así
como se escucha, es una salsa que
literalmente es una declaración de amor. Me entrego de una forma
súper sincera y conectada con lo que siento: despertarte al lado de
la persona que amás, esas cosas simples que te llenan el corazón y
que hacen que todo valga la pena. Poder hacerla con Jay Wheeler
fue hermoso, porque él también tiene esa sensibilidad para cantar
desde el amor, y sentí que nuestras voces se encontraron re
bien. Esta canción es uno de los bonus del álbum y la van a poder
escuchar desde el 10 de diciembre, unos días antes del River. Estoy
con muchas ganas de que la escuchen y también de que vean el
video, porque pudimos hacer algo muy lindo juntos.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
18 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

Track X Track
Del club al cuaderno: la
artista abre su proceso y
desarma al detalle el pulso
emocional que sostiene.
GABRIEL SOTELO
aichu regresa con Hotcore y,
fiel a su ADN inquieto, propone
un manifiesto íntimo y vis-
T
ceral donde el pulso emocional guía la
producción tanto como las rimas. Lejos
de repetir fórmulas, afila texturas,
empuja su registro y ensaya nuevas
cadencias sin perder el filo callejero
que la volvió inconfundible. El resultado
es un álbum que respira club, nocturnidad
y confesión, con una narrativa
que se sostiene pista por pista.
El álbum está compuesto por
catorce tracks que conforman
el universo Hotcore. Cada canción
presenta una construcción
sonora centrada en la producción
de Luigi Navarro y Taichu,
quienes lideran el sonido del
disco, acompañado su visión con
la de otros productores como
Moloko, Dayvan, Quinibill y PMP,
entre otros.
A lo largo del proyecto aparecen
HOTCORE,
EL CORAZÓN NOCTURNO DE TAICHU
colaboraciones que expanden la
identidad del álbum: Sadboii participa
en “Weapon”, CoucouChloe
se suma en “Shine Club” y Rojuu
en “QQ”.
En charla con Billboard Argentina,
la rapera abre la puerta del estudio
y muestra el esqueleto de cada
canción: cómo nacieron las ideas,
qué beats las encendieron y qué
decisiones estéticas moldearon
su identidad.
FOTO: GENTILEZA LIVE DALE PLAY
1_ “P.O.V”
2_“DIVA /FNTASTICKTRACK”
Es el primer corte del disco, que
salió en agosto, y representa
perfectamente una de las dualidades
que más tengo en el estudio, mi lado
más pop y mi lado más agresivo. Tuvo
una búsqueda muy pop al principio
y después la tuve que ir “rompiendo”
porque sentía que no era del
todo “yo”. Lo que más me gusta y
representa es la estructura musical
que tiene esta canción: un coro
super pop y segmentos más hard y
electrónicos. Siento que es la mezcla
perfecta entre dos mundos que me
representan desde el primer día.
Propone una estructura, diferente
identidad y una búsqueda sonora no
tan popular, pero still pop.
7_“FREAK MATCH”
Habla de cuando encontras esos
angelitos de la vida que matchean
tu freak y podés ser vos mismo:
cuando encontras familia en
tus amigos. Se la dedico a esa
gente que supo ser un lugar
seguro, aunque sea por un rato,
y a los que se animaron a ver si
matcheaban mi freak (lol).
8_“WEAPON” (FEAT. SADBOII)
Habla de cuando encontras esos
angelitos de la vida que matchean tu
freak y podés ser vos mismo: cuando
encontras familia en tus amigos. Se
la dedico a esa gente que supo ser
un lugar seguro, aunque sea por un
rato, y a los que se animaron a ver si
matcheaban mi freak (lol).
9_ “CASTIGO”
La hice apenas
salió mi primer
disco, Rawr.
Hoteo sobre
un reggaeton/
dembow
deconstructed.
Es una canción
que la he tocado
en vivo durante
años sin que
salga, por lo
cual se genera
una conexión
especial entre
ella y el público
que viene a mis
shows.
13_ “ÑAO TEM FIM”
10_ “SHINE CLUB”
(FEAT. COUCOUCHLOE)
Que Coucou
sea parte del
disco es un
escándalo
porque la
amo, amo su
música, sus
producciones
y la admiro
mucho. Hay
mucho fronteo
en este, pero del
más divertido.
Al que le pique,
que se rasque.
Otra de mis
favoritas. Esta
habla de gustar de alguien aunque no sea de la
manera ideal, entendiendo el lugar que puede
darte la otra persona y el que vos podes darle
también. Esto sin dudas me lo inspiró alguien que
me prendía fuego, en el mejor de los sentidos, y
que no tiene el espacio para mí, pero tampoco
me deja ir del todo. Entonces esta canción habla
de entender eso, las formas de los vínculos y
propone vivirlos y disfrutarlos igual (si no duelen)
aunque no sea de la manera más ideal
Este track muestra a la Taichu
más dura, áspera, enérgica y
contundente. Casi todas las
canciones solo salen y no las
pienso mucho, solo las hago.
Después siempre encuentro un
significado a lo que dije o entiendo
a que me refería con lo que escribí.
Esta no es la excepción, es un
vómito mío en una pista que tenía
muy en mente con el sample
de "Diva" de Beyoncé y le pedí
muchísimo a Luigi que haga esa
pista que me imaginaba, al final
el sample no lo pude usar pero
quedó la esencia y sumamos a
Maja para finalizar la producción
del tema.
11_ “STILETTO”
3_“VICIOS EN VICE CITY”
De mis favoritas, esta me hace sentir nostalgia “but in a flex way”.
Siento que hablo de muchas cosas al mismo tiempo: amor, drogas,
lifestyle y de cómo me envicié con algunas y del vacío que muchas
veces queda después de esos vicios.
4_“IA V5”
Esta canción habla de un amor explosivo y peligroso,
que en verdad duele y lastima. Hay algo masoquista
porque al final dice “fuck me up” (“arruiname”), pero también hay miedo
de caer más hondo y no querer estar más en la oscuridad. Es también
una mezcla de nostalgia, confusión, enamoramiento y caos.
5_“DND ESTÁS”
Esta canción la hice en una de las peores
semanas de mi vida, realmente uno de los
momentos más duros que pasé y estaba bastante devastada pero
Galán (compositor y muy amigo) y Luigi (productor y obviamente
muy amigo también) me angelaron ese día y me sacaron de mi pozo
para ir al estudio. Recuerdo irme del estudio sintiéndome muy bien
por haber podido hacer un tema que me guste tanto en ese estado.
Acá le hablo a las personas que tienen mucho para decir de mí, pero
nada para decirme a mí. Esa gente que prefiere hablar con todo el
mundo del problema que tiene con alguien menos con la persona
con la que tiene el problema.
14_ “PULSO”
Esta canción la hice hace cuatro años,
antes de mi primer disco. No la usamos y
años después Luigi me la volvió a presentar con una nueva producción,
nos gustó y decidimos rescatarla para este álbum. Hoy en día siento
que habla de cómo podés llegar a perderte a vos mismo en busca de
alguien o algo y cómo eso te hace sentir una bomba a punto de explotar.
Esta me toca bastante personal, llegué al
estudio y le pedí a Moloko que me ayude
a componer una canción sobre una experiencia que me llevó al
límite entre la vida y la muerte y me marcó muchísimo. La hice sin
pensar que iba para el álbum, empecé pensando en Prodigy como
referencia sonora y Moloko me animó a cantar de una manera
más teatral. Empezamos por la intro y el coro, me daba un poco de
pudor este tema y cómo lo canté, pero, cuando la escuché hecha,
me sonó tan increíble que dije: “No me puedo hacer la pelotuda
con esta, tiene que estar en el disco sí o sí”. La dejé con el coro e
intro y no la volví a agarrar hasta el camp para terminar el disco. Me
costaba tanto sentarme a componer esa letra que la dejé para lo
último. Me la pasé llorando mientras la terminaba, me sentía fuerte
de quebrarme así en una canción y por eso elegí mostrarla.
6_“LOS ÁNGELES”
Siempre que me preguntan: “¿Qué
es ‘Hotcore’?”, para explicar que
es mi abordaje estético, doy el
ejemplo de una bachata y digo:
"El día que quiera hacer una
bachata, va a ser una bachata
hotcore, porque le voy a adaptar
el género bachata al sonido
hotcore o viceversa". El día que
me propuse hacer una bachata
fue porque tenía una anécdota
sobre una traición muy de novela,
que quería escribir y me parecía
perfecta para una bachata, pero
al final dije: “No le voy a dedicar ni
media canción a este hdp”, y me
terminé inspirando en alguien que
me tenía medio enamoradita ese
día. Siento que habla de cómo
me sentía en cuanto a lo vincular
en ese momento y del miedo a
dejarse llevar por un feeling con
alguien nuevo, estando todavía
un poco rota de la última vez, ya
conociendo las consecuencias de
eso y midiendo de más al otro.
12_ “QQ” (FEAT. ROJUU)
Me junté con Rojuu en
el estudio, en España, le
ofrecí sumarse a cualquier
canción del disco y para mí
sorpresa eligió esta pista
que habíamos hecho con
Luigi. Me hizo muy feliz
porque a mis ojos fue tipo
Rojuu versión hotcore (¡qué
pesada, ya sé!), pero me
encantó, me dio muchas
vibes club y también que
iba a ser una fiesta tocarla
en vivo, que es de las cosas
que más busco cuando
hago cosas electrónicas.
Después le sume mis vocals
y detalles con PMP en la
producción y así quedé: <3.
La amo.
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BILLBOARD.AR 21

TRUENO
entonces siento que es uno de los discos que más me
emociona mientras lo estoy haciendo, el que más
como loco me tiene día y noche, pensando en eso,
metiéndome más en la música, dándole otra connotación
a las letras. Así que siento que vamos a hacer
una entrega muy piola.
¿Cómo llegaste a un disco de Gorillaz? La
canción “The Manifesto” va a estar en el próximo
álbum del proyecto de Damon Albarn.
Es un flash. Estuve tocando en Europa en marzo de
este año y se enteraron de que iba a estar en Inglaterra,
setearon una sesión de grabación, me invitaron
al disco, grabamos, sumaron la voz de Proof. Hicieron
un show en Londres ahora en junio de este año y
me invitaron, conocí artistas increíbles. Después me
invitaron a otro show en Madrid, tocamos el tema
por primera vez... Fue una escalera de cosas súper locas
y ahí en Madrid me propusieron que salga como
adelanto, que querían hacerle video, que les gustaba
el concepto del tema. Y ahí fue que me propusieron
que les abra la gira del año que viene. Fue todo muy
genuino y desde el respeto musical y artístico.
Cruzando el Charco.
Piti Fernández.
Yami Safdie.
Babasónicos.
Gauchito Club.
Divididos.
“A DAMON ALBARN LO VI
DISFRUTANDO COMO
YO RAPEABA”
Después de colaborar con Gorillaz y mientras trabaja en su próximo álbum, el rapero
se prepara para un nuevo show en el Estadio Ferro en el que presentará la edición
deluxe de El último baile.
R
ecién llegado de los Latin Grammy
organizados en Las Vegas, donde se alzó con
el premio a la Mejor Canción Rap/Hip Hop
con “Fresh”, Trueno ya está listo para su próximo
movimiento: el próximo jueves 11 de diciembre se
presentará por segunda vez en el Estadio de Ferrocarril
Oeste para presentar la versión deluxe de su
álbum El último baile.
Y al igual que el año pasado, se prevé que tendrá
un marco familiar, transgeneracional. Algo de lo
que el rapero de La Boca se hace cargo con orgullo.
“Eso me lo hacen llegar mucho las familias que me
encuentro en la calle y me piden una foto. Me hacen
comentarios como: ‘Mi hijo me mostró tu música y
vi que colaboraste con 2 Minutos y yo era fan de 2
Minutos’. Y así es como que todo se termina reencontrando,
en cierto punto. Para mí todo se trata de
eso, de seguir construyendo ese camino y siempre
voy a agradecer lo que pasó antes que apareciera yo,
porque por eso y por ellos estamos donde estamos.
Arriba del escenario somos una familia también:
POR EZEQUIEL RUIZ
está mi viejo (Pedro Peligro), mi mejor amigo (KMI
420), así que se comparte totalmente”, comenta de un
tirón en charla con Billboard Argentina.
La charla ocurre en un estudio de grabación de
ubicación secreta, en algún lugar de la provincia de
Buenos Aires. Trueno se encuentra trabajando en su
próximo movimiento. “Siempre que estoy girando
por un disco, me pongo a trabajar en el que le siga.
Lo trabajo durante un año y medio, dos años. A la
vez, la gira me acompaña como soporte para desplegar
esa energía. Esto que viene va a ser importante
desde lo numerológico: va a ser mi cuarto disco y le
estoy dando una connotación muy seria a eso”, dice.
Siempre hacés el gesto con los cuatro dedos para
reivindicar a la Comuna 4, el lugar de donde venís.
Ahora quizás le des otro significado a eso, ¿no?
Seguro, para mí es muy importante. Cuatro discos,
de por sí, en una carrera, me parece que representa
un camino bastante empezado. Le doy importancia
a ese número que me acompaña desde que nací,
Contame la cocina del tema. ¿Es todo freestyle lo
que grabaste o lo escribiste?
Me contaron de qué va el disco, por qué se llama The
Mountains, de qué va “The Manifesto”, de qué querían
hablar de la trascendencia entre la vida y la muerte,
el lado positivo que se le puede ver a eso. Obviamente,
un verso de Proof postmortem también suma un
montón a la canción y la hace demasiado sensible. Y
cuando me dan todo tan en bandeja, por así decirlo,
fue fácil de entender, de poder transmitir e interiorizarme
en la letra. Me salieron 17 versos de un tirón.
Grabamos estribillos, melodías rapeadas, todo. Y no
me censuraron una sola palabra, me dejaron explayarme
las veces que quería, los beats que quería. Eso
habla también de ellos, de cómo colaboran, cómo se
interesan en la música, cómo scoutean en países diferentes.
Yo, agradecidisimo.
¿Cómo fue escuchar tu voz en una canción de
Gorillaz?
Fue un flash. Damon obviamente es un productorazo.
No solamente canta, hizo el estribillo y todo,
pero estuvo muy metido en todo el concepto del
disco, que se hizo en Asia, en la India. Buscó sonidos
de otro continente súper diferente a Inglaterra y a la
Argentina también. Compartir con él, estar en su estudio
lleno de sintes, fue súper loco, aprendí mucho.
Es un prócer de la música.
¿Cuál sentís que fue el mayor aprendizaje de esta
experiencia?
Noté que el chabón se divierte. Va al estudio y toca
el piano, la pasa bien, tiene una humildad de la puta
madre. Ahí te das cuenta de que los más grandes se
manejan así y después hay otros que no lograron ni
el cuarto y lo ven de otra forma. La única manera
de que te vaya bien, de ser “exitoso”, que un público
te quiera, es hacerlo genuino, es compartir, es no tener
ego, no tener prejuicios, no separar entre países,
entre géneros y seguir aprendiendo. Lo vi disfrutando
como yo rapeaba, de la melodía que yo hacía
grabando lo que se me cantaba, compartiendo con
mi productor. Fue todo tan carnal lo que pasó y tan
desde el disfrute que, al fin y al cabo, a la edad de
Damon, yo quiero ser así, quiero estar contento haciendo
música con mis amigos.
FOTO: CAMILA MEDRANO
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
ROSARIO, PUNTO DE ENCUENTRO
Babasónicos, Divididos, Juanes y más: el festival que posiciona a Rosario como capital musical.
E
l Hipódromo de Rosario
volvió a latir al ritmo de la música
el primer día de noviembre,
con la sexta edición del Festival Bandera
que convocó a 23.000 personas.
Cuando se abrieron las puertas, el
predio comenzó a llenarse con un público
diverso que no solo llegó desde
Rosario, sino también desde múltiples
provincias, consolidando el carácter
federal del encuentro.
La propuesta artística, que combinó
historia y presente, fue uno de
los ejes del éxito. La grilla reunió a
nombres consagrados como Divididos,
Conociendo Rusia, Babasónicos
y El Kuelgue; sumó figuras
internacionales de peso como Juanes
y el dúo electrónico Deep Dish —a
cargo del cierre—; y dio lugar a la
nueva camada con Gauchito Club,
Marttein, Ryan y otras apuestas que
encarnan la renovación de la escena.
Esa mezcla de clásicos y emergentes,
destacada por reseñas especializadas,
funciona como sello de identidad del
Bandera y explica, en parte, por qué
ya se ganó su lugar entre los festivales
más grandes del país.
FESTIVAL BANDERA
POR GABRIEL SOTELO
En el escenario Norte, Divididos
encendió la mecha con un set que alternó
músculo y sutileza. El trío dejó
su marca con clásicos infaltables como
“Spaghetti del rock”, “Ala delta” y “Par
mil”, sumados a zapadas que hicieron
temblar el piso. La comunión con el
público se volvió coro masivo cuando
sonó “El 38”, una postal que sintetizó
la épica rockera de la jornada.
Babasónicos aportó un show de
pulso pop sofisticado y magnetismo
escénico. Con una puesta precisa en
luces y dinámica, el grupo desfiló
hits de distintas etapas: “Carismático”,
“Yegua”, “El loco” y “Putita”
detonaron ovaciones, mientras que
los pasajes más climáticos abrieron
el juego a una estética nocturna que
le sienta perfecta al festival. La banda
confirmó su vigencia con arreglos
quirúrgicos y un ida y vuelta intenso
con la audiencia.
Conociendo Rusia llevó el pulso
de la canción moderna al corazón
del predio. Sonaron himnos recientes
como “Cabildo y Juramento” y “Jet
Love”, coreados de punta a punta por
un público que encontró en el grupo
Juanes.
Conociendo Rusia y El Kuelgue.
el puente generacional del día: guitarras
cristalinas, melodías al frente y un
carisma que ya juega en ligas mayores.
En esa misma línea de nuevas voces,
El Kuelgue desplegó su pop mutante
y teatral: “Sinoca” y “Mil horas”, junto
a Mateo Sujatovich de Conociendo
Rusia, invitaron al baile, con guiños
humorísticos y groove elegante que
mantuvo alto el termómetro.
El pase internacional tuvo sabor
latino con Juanes, que entregó una
catarata de éxitos capaces de cruzar
edades sin esfuerzo: “A Dios le
pido”, “La camisa negra” y “Es por ti”
hicieron vibrar a una multitud que
encontró en su set un momento de
comunión continental. La banda que
lo acompaña potenció el repertorio
con arreglos modernos, sin perder
el ADN de esos hits que ya forman
parte de la memoria colectiva.
Gauchito Club sumó calor mendocino
y espíritu fiestero. Con “Encendedor”
y “Cuyano” como estandartes,
la banda mezcló pop, funk y
una sensibilidad fresca que contagió
a primera escucha. Marttein y Ryan,
por su parte, representaron a la camada
emergente que pisa fuerte: sets
compactos, atención al detalle en el
sonido y canciones que ya circulan
en playlists y radios, señalando el
recambio generacional que Bandera
abraza con decisión.
El capítulo electrónico tuvo su
clímax con Deep Dish. El dúo norteamericano
selló la noche con un
set progresivo e hipnótico, en el que
no faltaron perlas convertidos en
disparadores de un cierre catártico.
La pista al aire libre, envuelta en
un diseño lumínico envolvente, fue
el escenario ideal para una clausura
que dejó al Hipódromo vibrando
en baja, con el pulso todavía en las
piernas.
22 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 23

El festival que reunió a la escena local y
grandes nombres mundiales
A
mitad de la tarde, cuando Sakatumba
encendió el pogo y OK
Pirámides marcó presencia en
Mandarine Park, la impresión general ya
estaba instalada: Music Wins buscó recuperar
una forma de encuentro que no
depende únicamente de la grilla. Antes de
eso, la camada emergente -Socorro, Hannie
Schaft, Ale Cares y los Magos Farciar,
Máze, Nina Suárez, Terrores Nocturnosvenía
delineando una lectura distinta del
under, una que crece por su propia fuerza
más que por sellos externos. El clima previo
había oscilado entre varios registros.
Juana Aguirre llevó el ritmo hacia un plano
más íntimo; Evlay respondió con electrónica
que levantó al público; Isla Mujeres
sumó desvíos psicodélicos; Fonso y Las
Paritarias empujaron la tarde hacia un
tono político. Incluso antes de esa secuen-
“Ser rebelde no significa necesariamente
estar afuera del sistema, sino cuestionarlo
desde adentro. La clave está en usar
la plataforma para amplificar tu mensaje
sin perder el filo. Nosotros, con Primal
Scream, buscamos hacer exactamente
eso. El rock and roll es un negocio, hay
que pagar sueldos, mantener la banda,
cumplir con impuestos. Pero eso no elimina
la rebeldía. Se puede estar dentro del
sistema y seguir siendo crítico”.
- Bobby Gillespie de Primal Scream
Music Wins 2025
Una edición en Mandarine Park que concentró múltiples shows a lo largo de la jornada del 2
de noviembre, con una grilla que avanzó desde los primeros números locales hasta los actos
internacionales del tramo final.
POR ANTONELLA LOPREATO
cia, Camionero había dado un salto de
garaje y calle que contrastó con el comienzo
del día, cuando Winona Riders
abrió el escenario dando el primer gesto
de identidad.
The Whitest Boy Alive abrió el tramo
internacional. Erlend Øye asumió el
horario como un “sunset” improvisado
y, entre bromas, anunció un supuesto
tema reciente que en realidad circula
desde hace cinco años. El grupo
avanzó con “Timebomb”, “Intentions” y
“Serious”, y dejó al público en un impulso
que siguió creciendo. L’Impératrice
tomó ese envión con su propuesta de
pop disco francés, y más tarde Yo La
Tengo presentó un recorrido que recordó
por qué ocupa un lugar estable dentro
del mapa indie. Sin embargo, uno de
los momentos favoritos del evento llegó
“Para nosotros, lo importante es la banda como colectivo.
Mientras sigamos creando música juntos, la
identidad se mantiene, más allá de quién esté cantando
o tocando. Nuestra forma particular de componer,
el sentido de armonía y el groove propio son
lo que realmente define a L'Impératrice.
Lo más interesante de nuestra música, creo, es
cómo combinamos distintas influencias. Por ejemplo,
David, nuestro bajista, toma mucho de la música clásica
para trabajar acordes, armonías y progresiones.
Son varios elementos que se entrelazan y terminan
dando forma a nuestro sonido”.
- Charles de Boisseguin de L'Impératrice
con Primal Scream, cuando Bobby Gillespie
salió todo vestido de blanco, apeló
a Maradona, tiró shade a la “motosierra” y
repartió remeras de Screamadelica.
La noche se volvió otra cosa cuando
Massive Attack tomó el escenario. El inicio,
lleno de códigos, consignas políticas
y estética distópica, puso en tensión al
público desde el primer minuto. A veces el
mensaje visual parecía comerse a la banda,
pero el bajo devolvía todo a su lugar. Entre
esa atmósfera pesadillesca llegó un respiro:
Elizabeth Fraser cantando “Song to the
Siren”. Horace Andy siguió con “Girl I Love
You” y Deborah Miller reactivó el espíritu
de Blue Lines con “Safe From Harm” y “Unfinished
Sympathy”.
Previo a los shows, los artistas conversaron
con Billboard Argentina y esto fue lo
que dijeron:
24 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025
FOTO: GENTILEZA INDIE FOLKS
FOTO: GENTILEZA INDIE FOLKS
Music Wins 2025
“Hoy vivimos en un mundo donde parece aceptable hacer música sin
tener un talento real detrás. Hay gente que no practica, no se esfuerza,
simplemente abre la computadora y ya está. Sobre todo en el mainstream,
donde casi todos trabajan con los mismos sellos, productores y
compositores, y al final todo termina sonando igual.
Para mí, la manera más clara de reconocer a un verdadero artista es verlo
en vivo. Cuando alguien sube a un escenario y te vuela la cabeza, entendés
que sabe lo que hace. No tiene que ser el más técnico ni el más virtuoso:
se trata de la vibra, de lo que transmite. Enseguida se percibe si es
un artista legítimo o no”
- Tash Sultana
¿QUÉ SIGNIFICA
QUE LA MÚSICA GANE?
“Significa que
pierdan los sponsors,
que pierdan las
redes, que pierdan
los challenges”
“Dejé de ser
arquitecto hace
dos meses,
gracias a que la
música ganó”
“La música gana cada vez
que suena en un concierto
o en tu cuarto”
Nicolás Luna de
Ale Cares y los Magos Farciar
- Marcos Aramburu de
Terrores Nocturnos
- Santiago Luis de Camionero
“Ganarte a vos mismo
para hacer la música que
querés escuchar”
- Francisco Cirillo de
Winona Riders
“Algunos pensarán en llenar un
espacio, en un sold out. Pero que la
música gane es esto: este festival”
- Fonso (Lucas Difonzo) de
Fonso y Las Paritarias
DICIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 25

CÓMO ROSALÍA CREÓ SU AMBICIOSO ÁLBUM DURANTE EL RODAJE DE EUPHORIA:
“POR ALGUNA RAZÓN, NO ME VOLVÍ COMPLETAMENTE LOCA”
Tres años después de que Motomami cimentara su atractivo global, regresa con LUX,
un álbum atrevido que replantea el tipo de música que puede hacer una superestrella.
Rosalía dedicó casi tres años a la
creación de las letras y la instrumentación
de Lux, inspirándose
en la música clásica, hablantes
nativos, instrumentación y figuras
legendarias del pasado —mujeres
como Santa Rosalía de Palermo; el
maestro y poeta taoísta chino Sun
Bu’er; la figura bíblica de Miriam,
hermana de Moisés; e incluso Patti
Smith, todas ellas presentes en su
cosmología— para crear algo que
se siente tan terrenal como de otro
mundo, una perspectiva singular
sobre cómo navegar el caos de la
vida. Fue también un periodo de
cambios personales y profesionales:
rompió su compromiso con el
astro puertorriqueño del reggaetón
Rauw Alejandro, cambió de
management y consiguió su primer
papel importante como actriz en
la tercera temporada de la exitosa
serie de HBO Euphoria, todo ello
mientras trabajaba en el álbum.
“En general, estar en este mundo
ya es mucho; a veces es abrumador”,
dice en un día de otoño en
Los Ángeles. “En el mejor de los
casos, la idea sería que quien lo
escuche se sienta ligero y esperanzado.
Porque así fue como se creó
y de ahí surgió”.
“Este disco te lleva de viaje; su
voz es simplemente asombrosa”,
dice Jonathan Dickins, director de
September Management, la agencia
de Adele, quien comenzó a representar
a Rosalía en junio. “Creo
que es una artista generacional.
Tuve la suerte de trabajar con una,
y ahora tengo la suerte de trabajar
con otra. Es única”.
Para crear Lux, Rosalía contó con
varios de sus colaboradores habituales
—entre ellos los productores
Noah Goldstein y Dylan Wiggins, y
el ingeniero David Rodríguez— y les
encomendó un nuevo enfoque. “Todo
el proceso me ayudó a crecer como
músico, como productor y como
ingeniero de sonido”, afirma Goldstein,
quien también ha trabajado con
Frank Ocean, Jay-Z y FKA twigs.
“Eso es una de las cosas que más me
gustan de trabajar con Rosalía: siempre
aprendo algo nuevo de ella”.
También incorporó a nuevos colaboradores,
como el cantante de One-
Republic y reconocido compositor
Ryan Tedder (quien pasó tres años
enviándole mensajes directos a Rosalía
con la esperanza de colaborar), y
los animó a explorar nuevos horizontes.
“Que un artista me dé la libertad
de expresarme así… ¡Dios mío, es lo
más divertido que he hecho en mi
vida!”, comenta Tedder, quien ha trabajado
en álbumes monumentales de
Adele, Beyoncé y otros artistas a lo
largo de su carrera. “Todo el mundo
me pregunta: ‘¿Cómo suena lo nuevo
de Rosalía?’ Y yo, literalmente, les
digo a todos: ‘Como nada que puedan
imaginar’”.
Los fans obtuvieron un primer adelanto
de Lux cuando Rosalía lanzó el
sencillo “Berghain”, con la colaboración
de Björk e Yves Tumor, a finales
de octubre. La canción comienza con
una introducción orquestal de cuerdas,
seguida de un coro al estilo de
Carmina Burana y, finalmente, Rosalía
cantando con voz de soprano
operística — en tres idiomas.
Para Rosalía, desafiar las ideas
preconcebidas sobre el tipo de
música que ella, o cualquier otra
persona, puede crear es fundamental:
pensar de forma innovadora,
seguir su inspiración y
aprender, descubrir y crear constantemente
desde la curiosidad y
la apertura a nuevas experiencias
e ideas. “Creo que para disfrutar
plenamente de la música, hay que
tener una forma tolerante y abierta
de entenderla”, afirma. “Porque la
música es tanto el ‘4’33” de John
Cage como los pájaros en los
árboles para los Kaluli de Nueva
Guinea, tanto las fugas de Bach
como las canciones de Chencho
Corleone. Todo es música. Y si
comprendes eso, entonces podrás
disfrutar de una manera mucho
más plena y profunda de lo que es
la música”.
¿Cuándo empezaste a trabajar
en este álbum?
No creo que sea fácil precisar
cuándo empieza algo así. El álbum
está muy inspirado en el mundo
del misticismo y la espiritualidad.
Desde niña, siempre he tenido una
relación muy personal con la espiritualidad.
Esa es la semilla de este
proyecto, y no recuerdo cuándo
empezó.
¿Cómo abordaste Lux de forma
diferente?
POR LYNDSEY HAVENS Y DAN RYS
Rosalía suelta una risa exasperada
al sentarse, después
de haberse probado varios
conjuntos deslumbrantes para terminar
con la ropa casual con la que
llegó: pantalones negros y una chaqueta
de camuflaje con forro de piel.
Es la misma chaqueta que lució a
principios de octubre en un café parisino,
sentada sola con una taza de té
mientras estudiaba la partitura de una
canción de la ópera Tosca de Puccini
de 1900.
El cándido momento de la cantante
barcelonesa con esta tragedia canónica
fue significativo: una de las muchas
señales sutiles de que buscaba
algo fuera de los parámetros típicos
de la música comercial moderna.
Rosalía estudió musicología en la universidad
y, durante los últimos ocho
años, ha fusionado con frecuencia
una amplia variedad de géneros e influencias
en sus canciones. Pero para
alguien que alcanzó la fama mundial
en la vanguardia cultural, estudiar
la notación musical de una ópera
centenaria transmitía un mensaje
contundente.
Semanas después, los fans empezaron
a comprender el motivo. La
noche del 20 de octubre, Rosalía se
presentó en la Plaza del Callao de
Madrid con pantallas gigantes, donde
una cuenta atrás reveló la fecha de
lanzamiento de su cuarto álbum, Lux
(7 de noviembre, Columbia Records),
así como su portada, en la que aparece
vestida completamente de blanco,
con hábito de monja y abrazándose
a sí misma bajo la ropa.
Cada paso que ha dado Rosalía
durante los últimos tres años en la
creación de Lux ha sido meditado,
intencional y totalmente de su propio
mundo. Tras alcanzar la fama con el
pop de inspiración flamenca de su debut con Columbia,
El Mal Querer (2018), dio un giro radical con su
ecléctico y enérgico álbum de 2022 Motomami, que
abarcó pop, reggaetón, hip hop, electrónica y más,
convirtiéndose en su primer álbum en entrar en la
lista Billboard 200, donde alcanzó el puesto No. 33.
Pero Lux es algo distinto: una obra orquestal y operística
grabada con la Orquesta Sinfónica de Londres
que fusiona historia y espiritualidad, y experimenta
con la forma, el lenguaje (canta en 13 idiomas a lo
largo de los 18 temas del álbum) y la propia idea de lo
que es posible para una gran artista discográfica en
2025, para un proyecto que es más Puccini que pop,
aunque no por ello carece de momentos pegadizos y
con los que el público puede identificarse.
“Es como un álbum que le escribió a Dios — sea
cual sea la concepción que cada persona tenga de
Dios”, dice Afo Verde, chairman/CEO de Sony Latin
Iberia, que trabaja con Rosalía junto con Columbia.
“Esta es una artista que dijo: ‘Quiero recorrer un camino
poco transitado’. Y al adentrarse en el álbum,
uno comprende completamente la genialidad que
encierra”.
26 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 27

Este álbum tiene un sonido completamente
distinto al de cualquiera
de mis proyectos anteriores. Fue
un reto para mí realizar un proyecto
más orquestal y aprender a usar
una orquesta, comprender todos
los instrumentos, todas las posibilidades,
y aprender y estudiar de
grandes compositores de la historia
y decir: “Vale, esto es lo que se ha
hecho. ¿Qué puedo hacer que sea
personal y auténtico para mí?”. También
supuso el reto de inspirarme
en la música clásica e intentar hacer
algo que no había hecho antes,
componer canciones desde otra
perspectiva. Porque la instrumentación
es diferente a la de todos mis
demás proyectos. Pero también la
composición, las estructuras, es
muy diferente.
Después de Motomami, alcanzaste
un nuevo nivel de éxito y fama.
¿Cómo te ayudó eso a crear este
álbum?
Todos los álbumes que he grabado
me han ayudado a convertirme
en el músico que soy hoy y a crear
este álbum ahora. Lux no existiría
si no hubiera dado los pasos anteriores.
Cada álbum me ayudó a
liberarme, a expresarme lo mejor
posible. Cada vez que voy al estudio,
es porque quiero experimentar,
probar algo diferente, encontrar
distintos estilos para componer
canciones. Siempre intento
estar abierta a nuevas ideas.
Has dicho que Motomami estuvo
inspirado en la energía de Los Ángeles,
Nueva York y Miami. ¿Cuál
fue tu misión al crear Lux?
Está hecho desde el amor y la
curiosidad. Siempre he querido
entender otros idiomas, aprender
otra música, aprender de los
demás lo que desconozco. Surge
de la curiosidad, del deseo de
comprender mejor a los demás, y
a través de eso puedo comprenderme
mejor a mí misma. Me encanta
contar historias. Me gusta
ser la narradora. Creo que, por
mucho que ame la música en sí,
la música es solo un medio para
explicar historias, para compartir
ideas. Así que eso es lo que este
proyecto representa para mí. Soy
simplemente un canal para explicar
historias, y me he inspirado
en diferentes santas de todo el
mundo. Se podría decir que tiene
un carácter global, pero a la vez,
es algo muy personal para mí.
Esas historias son excepcionales.
Son historias extraordinarias sobre
mujeres que vivieron de una
manera muy poco convencional,
mujeres que fueron escritoras de
maneras muy especiales. Y entonces
pienso: “Vamos a arrojar
algo de luz allí”. Lo que sé es que
estoy lista, y esto es lo que tenía
que hacer. Lo que sé es que de
esto debía escribir. Esta es mi
verdad. Aquí estoy ahora.
Lo que contribuye al hecho de
que el álbum se sienta tan global
es que cantas en 13 idiomas.
Me tomó mucho tiempo escribir,
pulir y enviar las letras a alguien
que me ayudara con la traducción
y me dijera: “Así se diría esto en japonés.
Así suena”. Tuve que experimentar
y considerar muchísimas
cosas. Porque no se trata solo de
escribir. No se trata solo de plasmarlo
en papel. Tiene que sonar
bien. Para mí, hay una gran diferencia
entre escribir, por ejemplo,
una carta a un ser querido y escribir
una canción. Tiene que tener
un sonido particular, una intención
musical específica.
Fue un gran reto, pero valió la
pena. Me hizo crecer muchísimo.
Siento que cada palabra en este
álbum la conseguí con esfuerzo,
la deseé con todas mis fuerzas,
la esperé y finalmente llegó. Me
llevó un año escribir solo las letras
de este álbum, y otro año más
hacer arreglos musicales, revisar
las letras y retocarlas. Me esforcé
mucho en encontrar las palabras
adecuadas: “¿Cómo se va a escuchar
esto, pero también, cómo se
siente al leerlo?”.
Las letras se leen como una novela.
Hay una estructura intencional a lo
largo de todo el álbum. Tenía claro
que quería cuatro movimientos.
Quería uno que representara una
ruptura con la pureza. El segundo
movimiento, quería que se sintiera
más como estar en contacto con
la gravedad, como ser amigo del
mundo. El tercero trataría más sobre
la gracia y, con suerte, sobre
la amistad con Dios. Y al final, la
despedida, el regreso. Todo eso me
ayudó a ser muy estratégica, concisa
y precisa sobre qué canciones
irían en cada lugar, cómo quería
que comenzara, cómo quería que
se desarrollara el viaje, qué letras
tendrían sentido.
Cada historia, cada canción, está
inspirada en la vida de un santo. Leí
muchas hagiografías — las vidas
de los santos — y eso me ayudó
a comprender mejor la santidad.
Como mi familia es católica, lo
entiendo desde esa perspectiva.
Pero luego te das cuenta de que en
otras culturas y contextos religiosos
es diferente. Lo que más me
sorprendió fue encontrar un tema
principal, que es no temer, que se
comparte en muchas religiones.
Y creo que eso es muy poderoso
porque probablemente los miedos
que yo tengo, los tiene alguien al
otro lado del mundo. Y para mí, ahí
reside la belleza: en comprender
que, aunque creamos que somos
diferentes, no lo somos.
Todas estas canciones son muy
personales, pero “Focu ’ranni” lo
es especialmente. ¿Cómo fue la
experiencia de escribirla?
Descubrí que hay un dicho de
Santa Rosalía de Palermo: se suponía
que se casaría, pero decidió
no hacerlo; decidió dedicar su vida
a Dios. Me pareció que había algo
muy poderoso en eso. Investigué
su historia, y por eso hay algo de
siciliano en la canción. Fue un reto
cantarla en ese idioma. Fue una
canción difícil de componer y de
cantar, pero me siento agradecida
de que exista.
El álbum es tan operístico y
orquestal. ¿Cómo empezaste a
sumergirte en esos estilos y a
encontrar a la gente con la que
trabajaste para lograrlo?
Son personas con las que me
siento cómoda, así que me encanta
pasar tiempo con ellos en el estudio.
Por ejemplo, trabajé en “Mio
Cristo” [canción de Lux] durante
meses yo sola en Miami y Los Ángeles,
y postergué el momento de
compartirla. Quería hacer una canción
que fuera como mi versión de
lo que podría ser un aria. Recuerdo
ir al estudio después de tanto
trabajo, después de tantas idas y
venidas con un traductor italiano,
e improvisar al piano intentando
encontrar melodías, los acordes y
las notas adecuadas. Fui al estudio
y la compartí con Dylan [Wiggins],
con Noah [Goldstein], con
David [Rodriguez], y recuerdo que
dijeron: “Sí. Esa es la canción. Ahí
está”. Así que, por un lado, ha habido
mucho aislamiento — mucha
escritura — y, por otro, mucho esfuerzo
colectivo en el estudio.
¿Has pensado ya en cómo sería
una presentación en vivo de
este álbum?
No faltan las ideas, pero ya veremos.
Prefiero no pensar demasiado
en cómo sería hasta que realmente
suceda, si me entiendes.
Pero sin duda hay mucha creatividad
en cuando a cómo podría
llevarse al escenario.
Al mismo tiempo que trabajabas
en esto, estabas filmando la tercera
temporada de Euphoria, tu
primer papel importante como
actriz. ¿Fue difícil?
Fue todo un reto compaginar ambos
proyectos. Estaba grabando
el álbum, produciendo, revisando
las mezclas, todo, mientras filmaba
Euphoria. Tuve que dividir mi
mente entre las dos cosas y, además,
era la primera vez que hacía algo
así: preparar un personaje, estudiar los
diálogos. Son cosas nuevas para mí y no
estoy acostumbrada. Es muy diferente a
grabar un álbum y hacer música. Por alguna
razón, no me volví completamente
loca, y aquí seguimos.
¿Se filtró algo de esa experiencia en
el álbum?
[El creador de Euphoria] Sam [Levinson]
y yo somos ambos personas muy sensibles.
Por alguna razón, todo lo que crea
él para mí resuena con este momento.
Cuando estábamos filmando, cuando
hablábamos de la historia de la serie, no
lo conocía muy bien. Admiraba mucho
su trabajo, pero no sabía cómo pensaba,
cómo era como artista. Me di cuenta
de que tiene muchísima sensibilidad y
conecté profundamente con eso, no
solo con su trabajo, sino también con él
como persona.
¿Cómo surgió ese papel?
Les conté que tenía muchas ganas de
empezar a actuar, que era algo que me
encantaría hacer. Lo único que había hecho
era la película de Pedro Almodóvar,
Dolor y Gloria (2019), y a los 16 años estudié
teatro durante un año. Siento que
ser músico y estar en el escenario es ser
artista, pero nunca lo había experimentado
filmando, aprendiendo diálogos; es
un trabajo muy diferente. Lo había hecho
con Almodóvar, pero pensaba: “Me encantaría
hacerlo con alguien como Sam,
alguien con una visión tan potente como
la suya. O alguien como Sofia Coppola”.
Así que cuando supe que se iba a hacer
la tercera temporada, dije: “Me encantaría
presentarme a la audición”.
¿Tuviste que audicionar?
¡Por supuesto! Porque no soy actriz, y
eso me daba muchísimo miedo. Pero
a la vez, algo me decía que tenía que
hacerlo. Así que grabé un audition tape,
luego me reuní con la persona encargada
de las audiciones y algo más, y entonces
sucedió.
Al final del álbum, abordas el tema de la muerte. ¿Hay cosas
en la vida que te preocupan que no tengas el tiempo
suficiente para hacer?
No. Cuando Dios decide que es hora de partir, es hora de
partir. Siento que estoy cumpliendo con mi propósito en la
vida; cuando tenga que irme, me iré. Así es como intento vivir.
Me encantaría saber qué se siente tener 100 años, pero
no me corresponde a mí decidirlo. Me encantaría seguir
escribiendo, seguir haciendo música, seguir aprendiendo a
cocinar mejor, seguir estudiando — algún día me encantaría
volver a la universidad y estudiar filosofía o teología — y seguir
viajando. Hay tantas veces que viajo y siento que no he
visto lo suficiente o que no he tenido suficiente tiempo para
simplemente experimentar los lugares.
Pero por ahora, me dedico a mi misión: grabar discos
y tocar en directo. Para mí, tocar en vivo es un acto para
los demás. No me gusta ir de gira. Me encanta estar en el
escenario y adoro a mis fans, así que lo hago. Pero me encanta
estar en casa, tranquila, leyendo, cocinando, yendo
al gimnasio, levantando pesas y durmiendo. Literalmente,
eso me hace muy feliz; no necesito mucho (risas). Cuando
viajas, es mucho más difícil; psicológicamente es un reto,
siempre. Pero también sé que hay otros trabajos con mucha
más complejidad y desafíos, y me siento muy agradecida de
poder ser músico.
¿Cuál sientes que es el mayor reto que conlleva esta carrera?
El precio que se paga, el sacrificio, la cantidad de momentos
que te pierdes con tu familia, con tus seres queridos.
Mi abuelo falleció cuando estaba en los Latin Grammys
de 2019, y justo cuando me enteré, iba a actuar. Ni siquiera
pude asistir al funeral. Tendré que vivir con la tristeza y el
arrepentimiento de no haber estado allí. Esas son las cosas
que no forman parte del lado bueno de ser músico: la lucha
constante, el compromiso permanente con lo que haces,
con la gente que está en el público esa noche, que pagó su
entrada para verte actuar. Quizás sea lo que más esperan
esa semana. El precio es muy alto, pero es lo que elegí, y
soy plenamente consciente de la decisión que tomé.
Al lanzar este álbum, ¿cómo se vería el éxito para ti?
Para mí, el éxito es libertad. Y durante todo este proceso
sentí toda la libertad que podía imaginar o desear. Era todo
lo que quería. Quería poder plasmar lo que llevaba dentro,
convertir esas inspiraciones, esas ideas, en canciones. Lo
logré, y no pido más.
Esta historia se publicó originalmente, en inglés, en Billboard.
28 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 29

“‘Amor de Vago’ es
argentinidad en su
máximo esplendor”
Con esta canción que compusieron junto a Malandro, el dúo cumbiero se mantuvo durante
más tiempo en la cima del Billboard Argentina Hot 100 durante 2025.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
FOTOS POR POPI GRAÑA
“A
mor de Vago’ es argentinidad
en su máximo esplendor… Calle,
vereda, el foquito que está
en cada cuadra de la Argentina.
No hay mejor representación
que esa”, reflejaron La T y La
M, Tobías Medrano y Matías
Rapen sobre su exitosa canción,
en conversación con Billboard
Argentina.
Esta no es una entrevista más
para el dúo, ya que como cada
diciembre, Billboard anuncia
sus portadas Global N°1, la
cual reúne a nivel mundial a
los artistas con la canción que
más semanas se mantuvo en el
número uno de los respectivos
Hot 100. Esta vez les tocó a ellos
con “Amor de Vago”, canción
que comparten con Malandro,
quién decidió no formar parte
de esta producción. “Siento que
le aportamos muchísimo a una
canción que pasó a ser de la
gente más que nuestra, de algo
que te identifica, de los tiempos
de antes. Es hermoso que la gente
haya podido conectar con esa
canción”, expresó Tobías.
El tema debutó en el Billboard
Argentina Hot 100 el 14 de septiembre
de 2024 y ya se perfilaba
como algo que no sería un
track más. La T y La M venía de
varios éxitos charteados, como
“Quiero Creer”, en compañía de
Luck Ra y Rusherking o “Pa La
Selección”, que llegaron al Top 10
y Top 5 respectivamente como
peak positions a lo largo de 2023
y principios de 2024. “Cuando
la vimos debutar en el #48 sabíamos
que la canción tenía algo
especial, venía con muy buenos
números en otras plataformas y
entrar en el Hot 100 de esa manera
nos dio seguridad”, dijeron
al recordar ese primer contacto
con el chart.
Desde aquel entonces, la canción
nunca se fue del Billboard
Argentina Hot 100, lo que significa
que lleva más de un año presente:
70 semanas, para ser más
exactos, con el 1ro de diciembre
como fecha de cierre. Con el debut
de “Si Antes Te Hubiera Conocido”,
de Karol G en la cima
del ranking, “Amor de Vago”
terminó 2024 con tres semanas
al hilo en segunda posición. Sin
embargo, cuando empezó enero
y junto con él, el verano argentino,
la canción tomó su lugar y
demostró por qué representa tan
bien nuestra cultura. Tres meses
después de su debut, la canción
llegó al tan preciado N°1, y logró
algo que nadie más pudo a lo
largo de 2025, mantenerse por
12 semanas no consecutivas.
A lo largo del primer trimestre,
algunos otros éxitos comenzaron
a escalar por el Billboard
Argentina Hot 100, pero ninguno
pudo arrebatarle el puesto
hasta el 15 de marzo, donde
“Parte & Choke” -de Jombriel,
Alex Krack, Jøtta- llegó al Top
a tres semanas de su debut. La
alegría para los artistas colombianos,
por su parte, duraría
poco tiempo, ya que únicamente
una semana después, “Amor de
Vago” volvió a reclamar su puesto
en lo más alto del ranking,
manteniéndola por tres semanas
más y llegando así a las 12 no
consecutivas, nuestro récord en
2025 y fiel merecedor de la portada
Global N°1 del año.
Como el récord lo obtuvo en
los tres primeros meses del año,
la canción disputó este galardón
con algunos otros éxitos, como
“Con Otra”, de Cazzu y “Tu Misterioso
Alguien”, de Miranda!
que gracias a sus dos versiones
(la original de 2009 y el remix
junto a Luck Ra) se quedó con
11 semanas en el N°1 y el segundo
puesto anual.
DICIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 31

¿Cómo recuerdan aquella primera
portada digital de Billboard en la
cancha de Racing?
TOBÍAS: Me acuerdo que ahí nos conocimos
y estuvo buenísimo. Ahora
es para la portada física y está buenísimo
recibir este reconocimiento
de una plataforma tan importante
como Billboard. Estamos agradecidos
con ustedes y con la gente que
pudo hacer posible todo esto.
¿Cómo ven su cambio desde aquel
entonces hasta hoy?
TOBÍAS: Es gigante porque uno siente
que creció tanto artísticamente
como humanamente, se nos abrió
el panorama de la cabeza, de ver
algunas cosas que antes no veíamos,
entre la emoción de vivir de esto y
la vorágine. Hoy siento que lo más
importante de estar acá es poder
disfrutar, nunca olvidarnos de por
qué arrancamos a hacer todo esto
y nunca verlo como algo normal.
Los dos nos sentimos realmente
bendecidos, porque hay mucha
gente a la que le gustaría estar en
nuestro lugar o vivir de la música y
a muchos mejores y más talentosos
que nosotros, no se les da. Entonces
queremos agradecer a la vida por lo
que sucedió.
¿De qué manera sienten el logro del
N°1 de “Amor De Vago”?
MATÍAS: Para mí sigue siendo una locura.
Si bien laburamos mucho para
estar donde estamos hoy, la vida
supera nuestras expectativas. Nosotros
nunca pensamos estar sentados
acá y ser tapa Global de Billboard…
Que sale en todo el mundo. Las
felicitaciones que nos damos entre
nosotros son constantes, vivimos
prácticamente juntos. Ahora nos
encontramos armando un Movistar
Arena para el 21 de diciembre.
¿No se cansan el uno del otro?
TOBÍAS: No, la verdad que aprendimos
a llevarnos bien. Aparte, somos
dos personas que si bien somos muy
distintas, nos conectamos mucho
a la hora de hacer música y la vida
diaria. Te das cuenta con pequeñas
cosas, como que yo digo algo y él
ya lo pensó, y viceversa. O solo con
mirarnos ya sabemos lo que piensa
el otro. Entonces, creo que son
cosas claves también para lograr lo
que soñábamos. Somos dos pibes
normales iguales a cualquier otro
que está del otro lado. Entonces está
bueno poder transmitirle eso a la
gente, que podés “pegarla” con tu
amigo, que no es algo fantasioso y
que es posible.
DICIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 33

La canción salió el año pasado,
entró al chart el 14 de septiembre
de 2024 y aún sigue vigente.
Estuvo en el top ten más de 45
semanas y ahora se mantiene en
el Top 15.
TOBÍAS: Creo que la canción tiene
magia. Es una canción que trajo
Malandro y yo me di cuenta
que era una genialidad. Tiramos
los acordes en casa y ahí no más
yo arranqué: “Es que me tiene
loco su manera de mirarme…”. Y
después fluyó todo, hubo mucha
conexión a la hora de hacerlo.
Si bien ahora tenemos un buen
pasar, nosotros sabemos lo que
es juntarse en la esquina, esperar
que el celu te agarre wifi, amanecer
y al otro día ir a la panadería.
Entonces, está bueno que la gente
haya podido conectar con esa
canción.
MATÍAS: Y no solo en Argentina,
sino que conectó mucho Perú,
Uruguay, Paraguay, Colombia...
La canción tiene mucha jerga
argentina y que haya conectado
tanto con gente de otros países, es
una locura.
Debe ser lindo para ustedes sentir
tanta internacionalización con
este tema.
TOBÍAS: La verdad que sí, está bueno
expandirse. Al fin y al cabo,
lo que uno busca además de ser
feliz, es que a la gente le guste lo
que haces, conectar de un lugar
genuino, de algo que pensaste entre
cuatro paredes, en tu habitación.
Ir a los shows y que la gente
recontra grite las canciones, creo
que es algo por lo que hacemos
música.
¿Se acuerdan de algún momento
en el que sintieron que la canción
iba a ser un éxito?
MATÍAS: Al principio, yo se la
mostraba a algunos amigos y me
decían: “Che, está buena, pero…”,
siempre estaba el “pero”. Igualmente,
nosotros siempre sacamos
lo que nos gusta. O sea, apostamos
a todo o nada, Si la sacamos
es porque confiamos y creemos
que va a ser un palo. Gracias a
Dios se dio. Igual, no siempre es
así, ojalá todos los temas que sacamos
fueran palos.
TOBÍAS: Uno sueña con hacer un
palo y todo, pero yo creo que la
felicidad está en otras cosas. En
poder hacer lo que nos gusta, lo
que en verdad nos nace. Más allá
de los charts, que está buenísimo,
creo que el éxito viene por otro
lado también. Por el sentirse bien
uno por vivir de la música, que ya
“
NUNCA
IMAGINAMOS
SER TAPA
GLOBAL
N°1 DE
BILLBOARD,
ES UN SUEÑO.
-Matías
DICIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 35

es un montonazo, y después creo que los palos,
los premios, los puestos número 1 y todo el biribiri,
llega solo.
¿Cómo se están preparando para cerrar el año
en el Movistar Arena?
TOBÍAS: Estamos de festival en festival, para que
la gente que no pueda ir al Movistar igualmente
tenga la oportunidad de vernos. Mientras
tanto, estamos armando el show a pleno, estamos
ensayando todos los días. Entonces, uno se
encuentra muy involucrado porque busca que
sea lo más perfecto posible. Es nuestro primer
estadio, ya hicimos dos Gran Rex, un Luna
Park y ahora un Movistar Arena, entonces tiene
que valer cada centavo que la gente se mató
para pagar.
¿Extrañan un poco la paz y tranquilidad para
poder relajarse?
MATÍAS: Se extraña, pero somos privilegiados.
Entendemos que hay gente que se levanta a las
cuatro de la mañana a tomarse el bondi para ir
a laburar y nosotros nos levantamos a la una de
la tarde.
TOBÍAS: A mí me gusta la vida que llevamos,
porque somos pibes, somos jóvenes, tenemos
vitalidad, salud, yo tengo mi vieja con vida.
Entonces poder estar haciendo lo que amamos
y que a la gente le guste, creo que no hay nada
más reconfortante.
¿Qué dijo tu madre al ver el éxito que alcanzaron?
TOBÍAS: En mi caso, nadie de mi familia es músico
o famoso. Mi mamá laburaba en una casa
de electrodomésticos. Entonces, entendí que
todas esas cosas que ella me decía que no eran
muy lindas y que las recontra sentí, como por
ejemplo, “yo no quería que mi hijo sea cantante”,
antes de pegarla, no lo hacía con la intención de
hacerme mal. Nuestros padres vienen muchas
veces de repetir un patrón de tener que laburar
12 horas para un jefe para triunfar. Y hoy por
hoy no es tan así, más si uno le pone pasión y
amor, creo que se puede vivir de la música o lo
que te guste. Entonces, tenía todo en contra: mi
vieja sin laburo, en mi casa no había para comer,
yo estaba tratando de estudiar pero soy durísimo.
Pero gracias a Dios se dio y ahí anda mi vieja,
en pantuflas y bata. (risas) Ahora quiere que
sea cantante, la amo.
Tras este éxito, ¿qué se viene para la T y la M?
TOBÍAS: Tenemos preparado un álbum para sacar.
Se está terminando, no anunciamos nada por el
hecho de que es un álbum más bien personal,
que se basa mucho en la cultura argentina, en la
fe, las creencias, muy personal. Lo vamos a sacar
el año que viene. Esperenlo porque tenemos
grandes colaboraciones y va a estar zarpado.
Pero bueno, vamos a meterle cabeza al Movistar
Arena, porque el que mucho abarca…
MATÍAS: Poco aprieta.
Historia de
“Amor de Vago”
en el Billboard
Argentina Hot 100
Fecha debut:
14 de septiembre de 2024
Llegada al N°1:
4 de enero de 2025
Última semana en el N°1:
29 de marzo de 2025
Canciones con
más semanas en
el N°1 del año
1 12
2 11 semanas
3
“CON OTRA”,
Cazzu
8 semanas
4
5 3 semanas
“AMOR DE VAGO”,
La T y La M, Malandro
semanas
“TU MISTERIOSO ALGUIEN”,
Miranda!, Luck Ra
“TU JARDÍN CON ENANITOS”,
Roze Oficial, Max Carra,
Valen, Ramky En Los Controles
6 semanas
“RAMEN PARA DOS”,
Maria Becerra, Paulo Londra
DICIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 37

Manuel Abud: cómo mantener
vigente La Academia Latina
de la Grabación
Hablamos con el CEO de la Academia
sobre el futuro de los Latin Grammy.
ISADORA
“Es el disco
que siempre
imaginé”
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
L
os Latin Grammy siguen siendo
una de las celebraciones más importantes
de la industria de la música.
Con ella, cientos de artistas, productores, empresarios
y miembros de la comunidad se acercan,
en esta ocasión a Las Vegas, para conocer
los ganadores de la Gala y realizar encuentros
que buscan mejorar la calidad de los productos
que día tras día llegan al público general.
Manuel Abud, CEO de la Academia Latina
de la Grabación desde 2021, tiene un rol
fundamental, buscando la democratización y
relevancia de la membresía de sus más de 20
mil miembros.
Además de dirigir varios proyectos de crecimiento
a nivel internacional y local, como
COO de La Academia Latina Abud también
dirigió exitosamente una extensa reestructuración
que maximiza la eficiencia y dio un gran
paso hacia la creación de contenido digital.
También desarrolló un posicionamiento fuerte
y claro para la organización, partiendo de su
misión y estableciendo un plan para el crecimiento
futuro.
En sus tres primeros años como CEO, Abud
ha enfocado la organización en dos importantes
áreas: su expansión global y sus esfuerzos
de diversidad e inclusión. Bajo su liderazgo, el
pasado noviembre La Academia Latina de la
Grabación realizó la Semana Latin Grammy
fuera de los EEUU por primera vez, marcando
un hito histórico para las dos Academias. También,
siguiendo un estricto filtro de inclusión
en el cual todas las acciones son evaluadas para
asegurar un balance entre geografías, géneros
musicales, generaciones y diversidad de género
—por primera vez en su historia— la pasada
24.ª Entrega Anual del Latin Grammy contó
con 100% de representación femenina dentro
las cuatro categorías principales y la Persona
del Año 2023.
Además de liderar La Academia Latina,
Abud supervisa las actividades de la Fundación
Cultural Latin Grammy.
¿Cuál es el mayor desafío que encuentra
La Academia actualmente
para mantenerse vigente en cuanto a
prestigio y reconocimiento?
El prestigio y la vigencia van de la mano de la
relevancia; y la relevancia va de la mano con la
integridad de los procesos, que al final lo que
genera esa integridad son las membresías. La
membresía tiene que tener dos cosas fundamentales:
ser representativa de la comunidad
a la que servimos y que sea una membresía
comprometida, que participe. De nada me sirve
tener 20 mil miembros si no votan o no se
dejan escuchar.
Nosotros administramos un proceso pero no
elegimos los ganadores. Nuestro reto es administrar
ese proceso de la manera más pulcra
posible. Siempre habrá conflictos, pero la confianza
es fundamental. Por otro lado, mi compromiso
como cabeza de la Academia es que
la membresía sea representativa desde el punto
de vista de geografías, de géneros musicales y
de generaciones. En la medida que logramos
que la membresía sea representativa de todo
eso, nos acercamos lo más posible a la excelencia
musical. De esa manera es cómo nos hemos
mantenido vigente a lo largo de los años.
¿Cuál es tu visión como CEO sobre la
Academia para los próximos años?
Por un lado está la parte de la internacionalización
de la Academia acompañada con la
celebración. Si bien siempre hemos sido internacionales,
yo quiero seguir avanzando hacia
ser más globales con el público, por eso ves
ediciones internacionales como la de Sevilla.
Me imagino que la celebración siga creciendo
para y con el público, pero sobre todo, mantener
la relevancia y mantenernos vigentes.
Aunque soy una persona mayor (risas), intento
mantenerme al día y rodearme de jóvenes
que tomen participación y palabra.
Veo el futuro evolucionando. El show tiene
que evolucionar, pero lo que no puede cambiar
es que esto es un reconocimiento entre
colegas que busca la excelencia. Para el público
en general, sirve que tengamos esa curaduría
de contenidos de aquí al futuro.
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
La artista vive su mejor momento.
Nominada al Latin GRAMMY y
con álbum debut, Isadora habla
sobre su presente, desafíos y
sueños por alcanzar.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
Isadora es la nueva cara de la
música tropical. Con sus canciones
“Hierba Mala”, “Pecera” y “5 AM” -adelantos
de su álbum La Isla, que se estrenó
el pasado 6 de noviembre-, la artista busca nuevos
horizontes en su carrera, y parece que le está
dando frutos: recientemente recibió su primera
nominación a los Latin Grammy como Mejor
Nuevo Artista. “Todavía no caigo, es un sueño
para la Isadora que creció viendo esos premios
y teniéndolos como referentes”, compartió en
conversación con Billboard Argentina.
La Isla es una mezcla colorida de sonidos como
el afrobeat y los boleros, inspirada en el ritmo y
la calidez de la vida isleña. Ella lo presenta como
un “espacio seguro y alegre donde su comunidad
puede sentirse libre de ser ellos mismos”. El álbum
se divide en dos mitades: el lado “Luna”, tierno e
introspectivo, y el “Sol”, radiante, juguetón y sensual.
Juntos reflejan el equilibrio que Isadora está
buscando en esta etapa de su vida.
“Estoy muy contenta y muy emocionada por la
llegada del álbum. Ahora estoy en Miami, que es
donde nací y prácticamente siempre es verano…
Este es un disco para disfrutar el caribe y el calor.
Dentro de poco viajo para Las Vegas, que va a ser
la primera vez que vaya desde hace muchos muchos
años, y esta vez va a ser una experiencia algo
diferente por la nominación”, dijo.
Sos compositora, escritora, música, productora…
¿Cómo sentís que te beneficia tener
conocimiento en tantas áreas?
En verdad creo que hoy en día, especialmente
para un artista independiente no hay manera de
no opinar en cada rama. Estoy viviendo mi sueño
ahora mismo, desde que escribí mi primera
canción con seis años era algo que anhelaba.
¿Cómo viviste la nominación a los Latin
GRAMMY?
Es una locura. Uno crece viendo esos premios,
protagonizados por gente que admiraba… Son
personas que me inspiraron en mi carrera y
ahora vieron algo en mí y me eligieron para
la nominación… Me pongo a llorar cada vez
que lo pienso y veo el video. Estoy tratando de
procesarlo mientras lo vivo para que no termine
nunca.
¿Por qué elegiste esos tres primeros temas para
mostrar antes de la salida del álbum?
Esos tres temas eran un pequeño spoiler de lo que
podían encontrarse, mostrando el mundo caribeño
pero con diferentes sonidos. Justo por eso
fue que hice el sol y la luna y tienen el símbolo en
cada canción. Ya no veo la música como rock, pop
u otro género, ahora lo enfoco como un ambiente
musical completo, ya sea para estar en la playa, ir
en el carro o cualquier otro enfoque.
¿Sentís que sacarlo como artista independiente te
ayudó a poder explorar esos sonidos?
Creo que en lo que más me ayudó es en permitirme
encontrar el sonido que se siente como
Isadora. En el momento en el que estoy, sé que
quiero hacer música, pero como empecé como
compositora, creando cada día una canción de
un género nuevo, necesitaba encontrar mi sonido
y entender cuál era el mensaje que quería
dar con mi voz. Siendo artista independiente me
permitió darme ese tiempo para equivocarme,
aprender y darme cuenta de muchas cosas.
TRES CANCIONES, TRES HISTORIAS:
“Cosas Bonitas” es un bolero que hice con una persona
muy especial que se llama Santander. Es otro artista y
compositor muy grande y en la canción hay una especie
de enamoramiento que también refleja lo que sucede en la
vida real. Es nuestra primera canción juntos, ya que siempre
fuimos muy privados en ese sentido. Fue muy lindo poder
grabar algo con alguien al que de verdad le tengo mucho
sentimiento. Mostrar ese cariño ante el mundo es muy bonito…
De chiquita lo veía en la tele y lo soñaba, pero nunca lo
había imaginado o creído posible. El amor en general es lindo,
uno ve el mundo con otros ojos, brilla… Es todo hermoso. La
disfrutamos muchísimo.
“El Tren” es otra de mis favoritas. Hace aproximadamente
un año, mi abuelo se enfermó y eso hizo que me diera cuenta
que la vida se acaba y las personas que queremos se van, por
lo que hay que disfrutar cada minuto con ellos. Gracias a Dios,
él ya está bien pero escribí esta canción porque reconozco el
poder de la música, especialmente para la gente que a veces
no sabe o no puede expresarse. Es una canción para dedicar
y para decirle a la gente lo importante que es alguien más para
ellos y cuánto lo aman. Es la última del disco y se la dedico al
amor y a todas las personas que son parte de nuestra vida.
“Peace & Love” es algo diferente. Yo nunca fui una persona
rencorosa pero hay gente que a veces no cree en el mensaje
o en el potencial, y eso está bien, pero después se arrepiente
cuando te ven nominada al GRAMMY, en algún show o algo así.
38 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 39

30 años del debut de Viejas Locas
“Con las regalías del primer
disco nos fuimos todos juntos
de vacaciones a Brasil”
Fundamentales para el desarrollo del rock & roll de la década
del 90 en Argentina, con su primer trabajo consolidaron una
escena de alcance popular.
POR JUAN CRUZ REVELLO
L
a leyenda de Viejas Locas, la
banda formada en el barrio
porteño de Villa Lugano,
comienza con su primer disco,
publicado en diciembre de 1995.
Formada desde finales de la década
del 80, en los primeros meses de los
90’ consolida su formación clásica
y estable con Cristian Pity Alvarez
(guitarra y voz), Fabián Fachi Crea
(bajo), Sergio Poyo Toloza (guitarra)
y Abel Meyer (batería).
En 1995 los Rolling Stones visitaron
por primera vez el país y todos
los años de espera generaron un fenómeno
de ebullición en bandas que los
tenían como espejo sonoro y estético.
A la vez, el contexto social le anexa
una relectura local que, si bien venía
de antes, expone al rollinga como
personaje central de la escenografía
urbana argentina. Y Viejas Locas capitaneó
ese “movimiento”.
Por supuesto, hay antecedentes.
No hay forma de pensar a VL sin el
precedente de Pappo y, sobre todo,
de Ratones Paranoicos. Del mismo
modo, el desarrollo de bandas inspiradas
en los Stones, también se nutría
de otros nombres como Blues Motel
y Heroicos Sobrevivientes. Pero la
banda de Pity traspasó el culto convirtiéndose
hacia fines del siglo XX
en masivos, populares y clásicos del
cancionero popular argentino.
Poyo Toloza pocas veces se expresó
en público sobre su paso por la banda.
En diálogo con Billboard Argentina,
describe el momento que transitaban
cuando grabaron el primer
disco: “Hacía ya cinco años que veníamos
tocando juntos, presentándonos
en cada lugar donde se nos daba
un espacio. Por entonces teníamos
un vínculo muy sólido y el necesario
espíritu colectivo para llevar adelante
un proyecto así. En lo musical, y desde
un principio, la conexión se daba
entre Pity y yo. Nuestro gusto por
los Rolling Stones fue el que marcó
el rumbo en esos primeros tiempos,
permitiéndonos así, encontrar un
norte hacia dónde dirigirnos”.
¿Qué lugar ocupás como compositor
en Viejas Locas?
Poyo: Siempre actué en función de
la banda y de lo que cada canción requería,
tanto desde lo autoral como así
también con la composición de riffs,
líneas melódicas, arreglos de vientos,
sólos, etc. Este modo natural de manejarme
hizo, por ejemplo, que en el momento
de la selección de las canciones
para el disco no forzara la inclusión de
muchos de mis temas que formaban
parte de nuestro repertorio habitual
y que tenían una excelente recepción
entre el público. En aquel tiempo estaba
muy inmerso en el blues, rhythm
and blues y el rock and roll más bien
clásico, pero a su vez quería que el
disco sonara bien rockero y con un
estilo más actual. Así que no me costó
limitar mi participación como autor
exclusivo a dos canciones que consideré
acordes con el espíritu que entendía
debía tener este primer disco. “Sacatelo”
y “Tirado y enrollado” conviven
perfectamente con el resto del álbum y
no sólo eso, sino que, desde entonces,
se transformaron en dos de las
preferidas de nuestro público. Y esta
particularidad se mantuvo constante
en los discos posteriores, en donde algunas
de ellas como “Todo sigue igual”
o “Aunque a nadie ya le importe” trascendieron
incluso más allá de nuestro
incipiente público, tanto a nivel masivo
como a consideración de la crítica.
Abel Meyer también dio su testimonio
sobre el álbum inaugural: “En
todos los niveles veníamos bien ensamblados.
Éramos una banda que
nos llevábamos muy bien, desde lo
personal y en lo musical. Con decirte
que, con las regalías de ese primer
disco, nos fuimos de vacaciones todos
juntos a Brasil. Llegamos en un
momento de mucha energía en vivo
y eso en el disco está transmitido, los
temas están como si estuviéramos
tocando en un escenario. El comienzo
son tres canciones que forman parte
de la espina dorsal de la historia de
la banda. En cuanto a lo musical y al
crecimiento de Viejas Locas”.
“Intoxicado” plantea una postal cotidiana
frecuente de la época, como si
fuera “La Balsa” de la década del 90.
“Nena, me gustas así” directamente
describe el pret a rocker del público
stone ("Los labios despintados los
pelos de la perra sobre el chaleco de
corderoy marrón", dice la letra). Y
“Lo artesanal” funcionó por grieta,
por oposición a lo que no ser.
Poyo Toloza: “Intoxicado”, como
corte, fue elección de Pelo Aprile (histórico
productor discográfico que los
fichó en Polygram). No digo que no
haya tenido olfato, pero siempre me
pareció mejor “Nena, me gustas así”.
Incluso para el video ya veníamos dándole
forma, junto con Nahuel Lerena,
al guión gráfico del que queríamos que
fuese nuestra entrada a los grandes canales
de música. “Lo artesanal”, ésa sí
que nos parecía no sólo una excelente
carta de presentación, sino también
toda una declaración de principios.
En una nota publicada el 9 de enero
del 2015 en Clarín, firmada por
Ezequiel Ruiz, Pity Álvarez declaró
respecto a esa grabación: “No me di
cuenta de que estaba grabando con
uno de los más grandes ingenieros de
mesa, Amilcar Gilabert. Es al primero
que vi cortar cinta y pegarla con esmalte
porque un bombo salió antes.
Yo no tenía experiencia, no tocábamos
relajados, estábamos nerviosos”.
Fachi también habló con este medio
para recordar esos primeros años:
“Estamos hablando de cuando no
existía Internet ni redes sociales. Era
todo a pulmón. Volanteábamos en recitales,
de eso casi siempre me encargaba
yo. Pity tenía un aerosol encima
y se encargaba de escrachar todas las
paredes de Buenos Aires. También
hacíamos calcos para pegar en los
timbres de los colectivos. A nuestros
amigos directamente les dábamos las
planchetas. Esa fue nuestra estrategia
para salir del under”.
No era convencional que una banda
de sus características firme con
sello internacional ¿Cómo consiguieron
el contrato?
Fachi: En aquel momento estaba el
sello Polygram, que después lo compró
Universal. Habían hecho una estrategia
muy copada, pusieron a un pibe
al que le pagaban por ir a ver bandas
y sugiriera las que estaban por explotar.
Y la verdad es que ese pibe fue un
crack. Siempre me olvido el nombre
o el apodo, pero gracias al trabajo de
él ficharon a 2 Minutos como banda
punk, a La Renga como banda grunge
y a Viejas Locas como banda de rock
and roll. Un capo el loco ese.
¿Qué sintieron cuando tuvieron el
disco en la mano?
Fachi: Fue una felicidad total. Me
acuerdo de que en esa época acá
en Argentina todavía no se fabricaban
los discos, ni existían las cajitas,
había que mandar a fabricarlo a México.
Lo grabamos en abril del 95,
y terminó saliendo a la calle en diciembre
de ese año, porque tardaba
meses en llegar.
Poyo: Recuerdo imborrable el de ver
por primera vez nuestras caras en las
bateas, leer el nombre de mí banda en
las vidrieras de las disquerías, de las
grandes, pero también de las de los
barrios que aún existían. La compañía
obviamente que nos haría entrega
de algunos ejemplares (tampoco tantos,
eh), pero no obstante eso, quise
experimentar lo que había hecho ya
tantas y tantas veces con mis artistas
preferidos. Así que fui y me compré
el CD. “Sí, ése… Ése en el que estoy
en la tapa”. Confieso que dormí al no
haber hecho lo mismo con el cassette,
imposible para mí entonces siquiera
imaginar su no muy lejana extinción.
Abel: Fue un sueño cumplido. Yo
recuerdo haberlo ido a comprarlo a
una cadena de discos muy conocida
y salir muy, muy contento.
¿Cómo se llevaban con el término
rollinga o rock barrial?
Fachi: No nos molestaba. Antes se
usaba más el término Stone. Quizás
en ese momento no existía tanto el
término rolinga como existe ahora.
Después, no es que renegábamos,
pero no nos cabió tanto que nos encasillen
como banda de rock barrial.
Era como una categoría menos,
medio despectiva. Nunca tuvimos el
mote de banda de rock nacional. El
público nos entendió enseguida, a la
prensa les costó más y por eso nos
degradaban un poco, nos catalogaban
más como banda barrial que
como una banda de rock nacional
con todas las letras. Después, a través
del tiempo, la música y las canciones
salieron por sí solas. 30 años
del primer disco y los tres discos
de los 90’ de Viejas Locas, son bien
completos y clásicos de rock nacional,
no de rock barrial.
40 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025
SEPTIEMBRE 2025 BILLBOARD.AR 41

DEL ESTUDIO AL RING: PAULO LONDRA Y
ELADIO CARRIÓN PRESENTAN “1%”
En un videoclip de estética cinematográfica, Paulo se pone los guantes y
Eladio asume el rol de coach para narrar una historia de esfuerzo, disciplina y
segundas oportunidades.
POR GABRIEL SOTELO
P
aulo Londra y Eladio Carrión
presentan “1%”, una colaboración
que nació lejos del ring pero terminó
abrazando por completo el universo
del boxeo. El single llega acompañado de un
videoclip filmado en la histórica Federación Argentina
de Box, donde se ve a Paulo entrenando
como un púgil profesional bajo la mirada atenta
de su coach en la ficción: Eladio. La química
entre ambos artistas trasciende lo musical y se
traslada al relato visual, cargado de adrenalina,
disciplina y una intención clara de contar una
historia de resiliencia.
La idea de “1%” empezó a tomar forma en Ibiza.
Allí coincidieron Paulo y Eladio y, entre sesiones
improvisadas, apareció la chispa creativa
que derivó en la canción. “Esto nació en Ibiza,
estábamos en Ibiza con el Ela. Tenía muchas
ganas de colaborar con él hace mucho tiempo,
pero las estrellas se alinearon ahí”, recuerda Paulo.
Eladio completa: “Hicimos un par de ideas;
esta fue la más completa que hicimos y nos encantó.
A mí me encantó mucho, sé que es loco,
está explotado”. Ese “loco” y “explotado” define
bien la energía de la colaboración: intensa, emocional
y con una estética casi cinematográfica.
Para Londra, el clip de “1%” es también la concreción
de un sueño personal. “Preparé toda
mi vida para tener un video boxeando, era mi
sueño. Y salió, y de la mano de Ela”, confiesa. En
el video se lo ve atravesando rutinas de entrenamiento
exigentes, con guantes puestos, respiración
pesada, miradas de enfoque y la tensión
previa a cada round. Del otro lado de las sogas,
Eladio encarna al entrenador: corrige la guardia,
marca el ritmo, acompaña en los descansos y le
habla al oído antes de volver a la pelea. Lo que
en el estudio es complicidad artística, en el ring
se convierte en vínculo de esquina: uno sube a
pelear, el otro lo guía.
La elección del boxeo no es casual, sobre todo
para Carrión. “En PR es uno de los deportes
más vistos. Si eres puertorriqueño has visto todas
las peleas de Tito (Félix Trinidad). Es algo
muy importante, muy especial; es como el fútbol
acá en Argentina. Siempre ha estado muy
presente en la vida”, explica.
Paulo, por su parte, se acercó al deporte primero
desde la pantalla: “Siempre me gustó, me
parecía entretenido. Mi papá miraba mucho
en la televisión”. Ese cruce de miradas sobre el
boxeo —como tradición cultural para uno y
como ritual familiar para el otro— encontró su
escenario ideal en la Federación Argentina de
Box, un templo deportivo que ahora suma un
capítulo más a su historia, esta vez ligado al urbano
latino.
El título del tema invita a una reflexión íntima
sobre la vida y lo que se cuenta de ella. Si
“1%” fuera apenas una fracción de sus historias
personales, ¿qué quedaría por fuera? Paulo lo
resume con una mezcla de humildad y gratitud:
“Yo no sé, yo no he vivido ni un 25%. Pero hasta
el momento, si mañana me muero, hoy sería el
99% y siempre fui a pleno, lo di todo”.
Eladio se para desde otro lugar: “Yo no quiero
morir todavía. La re gocé. Uno en la vida no tiene
miedo a morir hasta que tenés dos criaturas
y pensás en verlas crecer”. Entre barras y golpes
al saco, la canción habla de avanzar a pesar del
cansancio y las caídas. “Si mañana me muero,
siempre tiré para adelante”, reafirma Paulo,
convirtiendo la frase en una declaración de
principios que vale tanto para la música como
para el ring.
Como en todo buen combate, apenas suena la
campana final ya se empieza a hablar de revancha.
Consultados por una posible segunda parte
de esta historia, ninguno de los dos cierra la
puerta. “Siempre hay revancha”, avisa Paulo. Y
Eladio remata con picardía y un guiño directo a
los fans: “El 2% se viene por ahí”.
Con “1%”, Paulo Londra y Eladio Carrión entregan
algo más que una simple colaboración:
construyen un relato donde la amistad, la paternidad,
el miedo, la gloria y la constancia se
condensan en tres minutos de música y unos
cuantos rounds de boxeo. Si esto es apenas el
1%, queda claro que todavía tienen mucho por
pelear y mucho por contar.
FOTO: POPI GRAÑA
42 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

LUCKY LGM
“Caí mil veces, pero cada vez soñé más fuerte”
El artista estrenó su primer álbum de estudio llamado Resiliencia y prepara una gira por Argentina.
“E
l duro camino recorrido,
superaciones personales,
el nunca bajar los brazos,
el apoyo incondicional de mi manager
Aleja Bazan fueron los que me
dieron fuerzas para lanzar este disco
llamado Resiliencia el cual representa
mucho de la versatilidad en la música
que me representa, el nombre surgió
una noche a principios de este año
entre charlas, desde ese momento lo
empezamos formar con canciones
que tenía guardadas y otras nuevas”,
dice Lucky LGM.
El proyecto está liderado por Aleja
Bazan CEO Excelencia Music, el destacado
productor musical Wats Not
Rage, compositores como Uzbell,
colaboraciones con Zannder, El Negro
Sambo, Dharly Daniel y Rocco
de Chile, Fl0renzia -artista de Salta-,
la dirección creativa de Lolo ZZZ y
Maxi Design, audiovisual Mati Bustos
y Chikii Trap, mientras que en
producción está Claudia Godoy.
¿Cómo vivís el paso del tiempo?
La verdad que muy contento por cómo
se va dando todo, mucho trabajo de
todo el equipo, muy enfocados, con
mucha persistencia y siempre tratando
de evolucionar a nivel personal y
profesional.
Ahora llega una gira nacional con tu
álbum, ¿cómo te estás preparando?
El estar pensando que se viene mi primera
gira presentando un disco que
me representa tanto me pone feliz y
con mucha expectativa de darlo todo.
¿Es público que también te sigue a
los shows y te apoya incondicionalmente?
No necesariamente por las redes sociales,
es algo que hablamos mucho
con el equipo y analizamos bastante
porque siempre tratamos de innovar
con nuevas performances en los
shows para captar nuevo público.
¿Cómo fue el proceso del disco?
Comenzamos el armado del disco y
fue una locura desde un inicio: imaginate
comenzar una madrugada con la
selección de los temas, luego viajar a
Chile para grabar con artistas que más
allá de ser colegas somos amigos. Esto
se logró en conjunto con ellos y con
Claudia Godoy, que es nuestra productora
encargada de mi proyecto en
Chile y parte del staff Excelencia Music
hace años, también colaboración
de Cris, productor y dueño del estudio
Frate, y también con Scott, productor y
dueño del estudio Casa Cielo.
¿Cómo definirías Resiliencia en tres
palabras?
Que buena pregunta. Como verán el
significado es una palabra poderosa y
con un gran significado. Si tengo que
poner tres palabras que representen el
disco serían “renacer”, ya que de las caídas
es tomar lo bueno y seguir adelante.
“Perseverancia”, nunca bajar los brazos.
Y “disciplina”, que es la constancia.
¿Cómo te ves en un futuro?
Quiero conectar con la gente mundialmente,
marcar una generación y
mostrar que la Resiliencia también se
baila, creciendo, explorando nuevos
sonidos, colaborando con artistas de
diferentes países generando un vínculo,
manteniendo siempre mi esencia,
creo que es solo el comienzo de un
camino difícil pero realmente con
positividad y el apoyo de mi equipo
siento que lo voy a lograr.
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
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DICIEMBRE 2025

Es música en vivo, con sangre y cuerpo; las ideas encuentran
su forma entre todos.
¿Y las letras? ¿Se comparten o hay celos?
Hoy se comparte más que nunca: la creatividad colectiva
nos potencia. Igual, no todo se comparte; hay cosas que se
resguardan para cuidar la identidad. Abrimos el juego sin
perder el sello.
En 2026 cumplen 10 años. ¿Qué se viene?
Proyectos zarpados que van a posicionarnos y a empujar la
cumbia todavía más alto. Es una década y queremos celebrarla
con movimientos a la altura.
Del arranque al éxito sostenido, ¿cómo manejan
un techo cada vez más alto?
Con trabajo y con riesgos. Cuando las canciones se pegan
una tras otra, el desafío es decidir bien el próximo paso. Hay
que disfrutarlo todo: lo bueno se merece y lo difícil enseña.
La clave es no perder la cabeza y sostener la excelencia.
¿Hubo un momento bisagra?
Más que un hito único, fueron desencadenantes. Tuvimos
cambios internos: gente que se fue y gente que llegó, a la
banda y a la familia de Ke Personajes. Eso te reordena; quizá
no lo ves en el instante, pero el impacto aparece.
Su público es muy familiar. ¿Fue buscado?
Sí. Podíamos seguir en boliches, pero elegimos correr el
riesgo de salir de ese circuito, alejarnos de ciertos vicios y
dar un mensaje claro. Hoy nos ven tres o cuatro generaciones
juntas. Ese rango familiar confirma que hicimos lo correcto
y nos llena el alma.
“Ke Personajes me salvó
desde lo humano”
El proyecto cerró el año con un show en Ferrocarril Oeste pero además
se prepara para celebrar los 10 años de recorrido el próximo año.
POR GABRIEL SOTELO
El show se llamó Odisea. ¿Por qué?
Porque estamos en plena odisea. Ser independientes es una
batalla: cuesta, marca y obliga a cerrar cicatrices. “Odisea”
nombra honestamente el camino y este final de año: aprendizaje,
heridas cerradas y la frente en alto.
¿Qué significó la banda en tu vida?
Una salvación humana. Me permitió, de adulto, ser ese niño
del barrio que amaba cantar. Lo rescató, lo trajo al presente
y empujó su creatividad. Quizás no soñaba con “ser cantante”,
pero sí con cantar; hoy cuido mucho lo que hago desde
ahí.
ntes de apretar REC, el clima
A ya era de brindis adelantado: charla
distendida, chicanas internas y esa mezcla
de foco y alegría que anticipa una noche
grande. Odisea no es solo el nombre del show
que dio en Ferro el pasado 29 de noviembre;
es el modo en que Ke Personajes describe este
tramo final del año, con cicatrices cerradas,
aprendizajes frescos y la ambición de coronar
un recorrido independiente que no dejó de
crecer.
En paralelo, el presente creativo no se detiene.
“Debió ser así” ya encontró su lugar en la
calle y en los rankings, mientras el grupo sigue
en modo laboratorio: instrumentos, prueba y
error, y letras que se comparten más que nunca
—aunque no todo— para cuidar la identidad.
Entre giras, ensayos y nuevos proyectos rumbo
a los 10 años en 2026, la brújula no cambia:
excelencia, mensaje claro y disfrute de cada
etapa, incluso la que duele porque enseña.
“Debió ser así” salió hace poco y ya entró
en el ranking de los más escuchados
de Billboard. ¿Cómo la recibió la gente?
Muy bien. La disfrutamos al crearla y ahora la
disfrutamos en vivo. Una vez afuera ya no nos
pertenece: es de la gente, que decide hacerla parte
de su día. Mientras tanto seguimos trabajando en
lo que viene.
Tras la colaboración con J Balvin, todo
se sigue pegando. ¿Hay “fórmula”?
No lo llamamos suerte ni fórmula mágica. Hay
intención, búsqueda y disciplina para que cada
lanzamiento crezca y eleve el listón. Si sucede, es
por enfoque y trabajo.
¿Cómo es “la cocina” creativa de Ke
Personajes?
A la vieja escuela: nos juntamos en la sala, instrumentos
en mano, y probamos qué entra, qué sale
y qué corregir. Mucha prueba y error, sin miedo.
Te elogian la voz y su potencia. ¿Sos consciente?
Sí, pero no desde el ego. Trabajo para desarrollarla. El ego,
bien entendido, es exceso de confianza; algo de confianza se
necesita. Si no la tenemos, cualquier viento mediocre te saca
de la excelencia, y eso no lo permitimos.
¿Te pesa la fama?
A veces choca, porque en la calle soy el del barrio, una persona
normal. Aprendí a buscar respiros para no ahogarme.
Lo que compensa es la sensibilidad social: poder ayudar
gracias a la visibilidad convierte la fama en herramienta.
¿Cómo encontrás ese respiro?
Con música, soledad y silencio. Soy muy feliz en casa, sin
bulla. Tengo amigos y disfruto el grupo, pero mi equilibrio
está en el silencio.
¿Qué escuchás hoy? ¿Y qué suena en gira?
En casa, afro, jazz, soul y también reggae; dejo que entre
aleatoriamente. En las previas, el estéreo lo maneja uno de
los chicos de la banda: cumbia vieja, clásicos —hasta un Perales—
y mucha cumbia santafesina.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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DICIEMBRE 2025

Cuatro discos de reinonas con fe en el amor
Rosalía, Mon Laferte, Lily Allen y Bisturí: cuatro mujeres en busca de una nueva fe.
POR FACUNDO ARROYO
LUX
Rosalía
Evidentemente la fe está entre nosotros. La edad moderna la desplazó como paradigma central, la
ciencia nos iba a solucionar la vida. Hasta que llegó la bomba atómica. Y en la música puede pasar lo
mismo. Rosalía es la artista pop más trascendente del siglo XXI y cada vez que saca un disco la información
desborda, el maximalismo enamora, los géneros se asustan, las cantantes se quedan mudas,
los hombres proponen harakiris masivos. Lux es un entramado que vindica santas, que retoma
la música europea tradicional, que genera el grito en el canto de la artista española. Lux, como El mal
querer, explota aroma de clásico, aunque para eso debe correr el tiempo, los años, las ideas sobre la
obra. Hay en Lux una sobre explicación de todo antes de la escucha, hasta la misma Rosalía propone
ese tipo de metodología. Todos amaron el disco antes de escucharlo. Y es que el amor también
puede ser así: una fe ciega ante lo desconocido. Va a ser difícil cantarlo en fogones pero cada vez que
alguien haga sonar una de estas quince canciones, Cristo va a llorar diamantes.
Femme Fatale
Mon Laferte
“Una noche me quedé en la terraza de mi casa, escuchando notas de voz y leyendo textos antiguos en mi teléfono”.
No hay un punto cero pero hay recuerdos de cuando una artista siente que empieza algo nuevo. Femme
Fatale puede sonar como esa declaración de Mon en Billboard. En “My one and only love”, Laferte arma
un trío de blanco con Natalia Lafourcade y Silvana Estrada. Esta última cantante dijo algo exacto sobre la
autora de Femme Fatale: “Mon para mí es como una mujer volcánica. Un ave fénix incansable que se mueve
siempre entre la gracia de lo divino y la humanidad más cercana…”. Por eso es raro escuchar autotune como
recurso de interpretación en una voz como la de la cantante chilena; una con poder, dramática y llegada. En
este marco, hay una búsqueda entre el sonido avant-garde y la modernidad urbana de la música actual. Ella
no lo necesita pero aún así lo toma, quizás para separarse un poco de lo más escuchado de su obra. Hablábamos
de la vuelta de la fe. Mon dice en “Esto es amor”: “Comerte los labios es religión, entre tus piernas voy a
rezar”. Es decir, el paradigma se hace presente también en este disco pero en forma de Femme Fatale.
West End Girl
Lily Allen
Lo bien, lo mal
Bisturí
Llegó, finalmente, el testimonio hecho obra de la ruptura amorosa de Lily Allen. Son catorce canciones
que exponen de manera cruda, audaz y valiente el dolor en primer plano. No es que no pase esto en la
música pop del nuevo siglo (Lemonade, de Beyoncé, por ejemplo), lo que se destaca en la londinense es
su destreza para la composición. Y también sus decisiones estéticas. De repente, como prólogo del disco,
se escucha una conversación telefónica solo de un lado. El de Allen, en efecto, escuchando las propuestas
con destino fatal y largando un tembloroso “te quiero” para cortar. En el pasado, estos problemas ya los
vertía en MySpace. Eso de lo instantáneo para vivir el desamor. Utilizar la ironía a través del pop blando, y un
poco lavado, hasta cuando incluye un contexto de hip hop y maternidad (“Nonmonogamummy”). Grabado
en 16 días, sus canciones se corresponden aproximadamente con un arco narrativo que abarca desde
la toma de conciencia hasta la emancipación. Es una mezcla de lo público y lo privado, de realidad y ficción,
que existe tanto para atraer la atención como para revelar el contexto. Algo así dice la comunicación oficial
de West End Girl, aunque se sabe que Allen siempre va a tirar dos o tres líneas más antes de hacer silencio.
Podés cortar y no morir en el intento. Como un nacimiento, Lo bien lo mal salió exactamente a los
nueve meses del origen del trío, a veces quinteto. La mesa chica de Bisturí (Manu BM, Majo Tolosa
y MauLS) antes formó parte de Puebla. Pasaron de los colores pasteles a una escala de grises.
Del indie folk de Lisandro Aristimuño y la tradición de The Chordettes al filo alternativo de los
Bad Seeds y la dramática de Lhasa De Seda. El disco está producido por Mariano Di Cesare
(El Príncipe Idiota, MAI) y tiene feats de Fonso e Isla Mujeres. El gesto y la huella platense están
conectados con El mató -en la radial “Vidrio” hablan de próximos huracanes- pero ahora se le suma
la visión femenina de las cosas que nadie ve en la ciudad planificada por un masón. O como canta la
compositora de Bisturí en la hermosa “Tantas cosas”: “Lo cambio de lugar y es nuevo”. En “Tesoro”
dicen que lo que hierve no se tapa, como cuando Rosalía canta “la llama penetra mi cerebro como un
osito de peluche de plomo”. Reinonas visualizando el amor.
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V
VIVO
VIVO
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TINI //
// DUA LIPA
Las nueve fechas de FUTTTURA en Tecnópolis tuvieron distintos momentos
altos, como el revival de parte del repertorio de Violetta (“En mi mundo”,
“Cómo quieres”, “Te creo”, “Ser mejor”), los distintos momentos de su
recorrido representado en tres escenarios y las apariciones de Maria
Becerra (“Hasta que me enamoro”), La Joaqui (“Muñecas”), Miranda! (“Me
gusta”), Juanes (con la propia “Fotografía), Tiago PZK (“Me enteré”), Patricio
Sardelli (recreó “Cae el sol” de Airbag) o Nicki Nicole (“Blackout”). Pero la
participación de Chris Martin estuvo fuera de todos los planes y fantasías
posibles. Incluso las de Tini. El cantante de Coldplay se subió a cantar con su
amiga argentina una versión especial de “We Pray” (originalmente grabada
por la banda inglesa junto a Burna Boy, Elyanna y Little Simz) y luego una de
“Carne y hueso”, a pura guitarra acústica.
“Hay momentos que marcan un antes y un después. Este fue uno de ellos”,
expresó Tini tras la inédita escena.
FOTO: MARTI COLOMBINI
FOTO: IRISH SUÁREZ
La británica-albanesa regresó a Buenos Aires para
presentar Radical Optimism con dos funciones en la
cancha de River. El show, centrado en su carisma y el
baile, tuvo total cercanía con el público y un repertorio
lleno de hits. Entre múltiples cambios de vestuario,
interactuó con sus fans, firmó autógrafos e hiló un
repertorio que tuvo muchos momentos de Future
Nostalgia (“Break My Heart”, “Love Again”), el álbum que
la convirtió en una superestrella global.
Pero el romance con el público argentino lo selló con dos
fuertes guiños locales: en la primera fecha arremetió con
una versión de “De música ligera” (Soda Stereo) y en la
otra redobló la apuesta con una emotiva relectura de “Tu
misterioso alguien”, de Miranda!, tal vez el hit del año.
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// NO TE VA GUSTAR
La banda capitaneada por Emiliano Brancciari
celebró sus 30 años con una función especial en
el Estadio UNO de La Plata. Florian, quien hizo
la apertura del show, se subió como invitado en
“Josefina”. También estuvieron presentes Nahuel
Piscitelli, de Cruzando el Charco, quien subió para
tocar la guitarra en “Navegar” y también en el cover
de “Un ángel para tu soledad”, el clásico de Patricio
Rey y sus Redonditos de Ricota. Y en “Chau”,
contaron con la voz de Yami Safdie.
También hubo tiempo para anuncios muy
importantes: en enero saldrá su nuevo disco
Florece en el caos, que tendrá 10 canciones y que
el 25 de abril del año que viene lo presentarán
en el estadio de Ferro. Como anticipo del nuevo
álbum, estrenaron en vivo “En Llamas”, que ya está
disponible en plataformas digitales.
// OASIS
“Son los número uno, incluso sin alcohol”, elogió Liam Gallagher a la multitud que
en la primera función de Oasis en la cancha de River Plate agitó las cosas. Tras 16
años separados, los hermanos más pendencieros del rock de final de siglo XX se
reagruparon junto a Paul Bonehead Arthurs, Gem Archer, Andy Bell y Joey Waronker
(más el tecladista Christian Madden y un trío de vientos) para darle una nueva vida a
lo más clásico de su repertorio. La banda descansa en lo mejor de su cosecha 94-97
-incluyendo dorados lados B como “Acquiesce”, “Talk Tonight” o “Half The World
Away”- y hace una mínima incursión en la música que alumbraron a comienzos de este
milenio: “Little By Little”, un toque más eléctrica que en su versión original.
Si bien es un intenso show de rocanrol guitarrero y con el volumen a tope, todo está
calculado al milímetro: desde la salida puntual, con los Gallagher tomados de la mano y
victoriosos, hasta la lista de temas, idéntica en todas las partes del mundo que vio pasar
este tour de regreso. Pero Argentina tiene un lugar especial en el corazón de estos
británicos futboleros, quienes se permitieron algunas licencias locales. Por ejemplo,
al entonar “Holaaaaa” en la inicial “Hello” y, más adelante, al saludar a Diego Armando
Maradona en “Live Forever”. “That was biblical, man!”, resumió Liam.
FOTO: POPI GRAÑA
FOTO: AGUSTÍN DUSSERRE
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// MARILINA BERTOLDI
Acompañada por Choki Giaquinta en bajo, Nano
Cantarini en guitarra y Manu Fernández en batería,
la artista presentó Para quién trabajas, su más reciente
álbum, en el Estadio Malvinas Argentinas. Así, las nuevas
canciones convivieron con los temas que marcaron su
trayectoria: desde los primeros acordes de “No quieren
más mi rocanrol” y la fuerza declarativa de “Para quién
trabajas”, hasta la introspectiva de “Autoestima” y el
vértigo emocional de “Me vuelvo cada día más loca”.
Marilina propuso una narrativa que exploró los vínculos
entre deseo, poder y trabajo, ejes centrales del álbum.
Uno de los momentos más intensos de la noche llegó
con “El Gordo”, en el que la energía colectiva del público
y la banda alcanzó su punto más alto, uniéndose en un
desahogo que se tradujo en pogo.
FOTO: MIRU LUCENA
FOTO: NACHO ARNEDO
// LA VELA PUERCA
La banda uruguaya celebró su 30° aniversario en el estadio
de Ferro, el mismo en el que alguna vez celebraron su romance
con el público argentino. Con una lista a puro hit, los
liderados por Enano Teysera y Cebolla Cebreiro demostraron
una vez más que su rock rioplatense trascendió las
fronteras y caló hondo en el corazón de las dos orillas.
Emiliano Brancciari de NTVG, Germán Daffunchio de Las
Pelotas, Juanchi Baleirón de Los Pericos, Bochi Bozzalla
de Las Pastillas del Abuelo y Barbi Recanati, quien además
fue telonera, fueron los invitados de una noche que quedará
para el recuerdo en el público velero.
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EDM -
EDM lifestyle
Cuatro fiestas imperdibles para disfrutar en diciembre
Estos son los eventos más importantes de la escena electrónica para ir paladeando el fin de año.
MOCHAKK
El 26 de diciembre PM Open Air inaugura la temporada de verano en
Uruguay con la llegada de Mochakk al Medellín Polo Club de Punta del
Este. El DJ y productor brasileño, uno de los artistas más explosivos del
circuito internacional, se presentará por primera vez en el Uruguay con un
show que promete marcar el inicio del verano.
Tras un año con más de 160 presentaciones en todo el mundo,
incluyendo su residencia en DC-10 Ibiza y un icónico set para Cercle
en Sevilla, Mochakk se consolidó como una figura clave de la nueva
generación del house. Su reciente lanzamiento “Hypersilent” muestra
la conexión entre su música, la cultura del skate y su estilo performático,
elementos que lo distinguen por su autenticidad y energía en vivo.
La noche contará además con los sets de Solarce Brothers y el b2b
entre Obeid y Najles, referentes de la escena local. Con esta fecha, PM
Open Air combina talento internacional y regional en una propuesta que
celebra la música y la comunidad al aire libre, bajo el cielo de Punta del Este.
ELEMENTS FESTIVAL
El 6 de diciembre Elements presenta su primera edición masiva en
Argentina: Elements Festival, que tendrá lugar en Old Skull Park.
El reconocido DJ y productor holandés Eelke Kleijn será el headliner
de la noche. Con más de dos décadas de trayectoria, es sinónimo de
sofisticación en la pista. Su sonido, que transita entre el melodic house &
techno, lo llevó a escenarios icónicos como Tomorrowland, Burning Man
y los clubes más influyentes del mundo. Fundador del sello Days Like
Nights, llega al país en un gran momento creativo, combinando emoción,
progresión y técnica en cada presentación.
Acompañará en cabina Kamilo Sanclemente, referente del progressive
house latinoamericano, junto a un line-up que reúne lo mejor del talento
regional.
Con esta edición, Elements y Fragment apuestan por una experiencia
de gran formato, uniendo fuerzas para ofrecer una propuesta que celebra
la música, la comunidad y la identidad de la electrónica argentina.
LA JUANITA FESTIVAL
El 28 de diciembre La Juanita Festival volverá a su casa en Punta del
Este para presentar una edición especial en el Medellín Polo Club, una
propuesta que se consolida como una de las más esperadas del verano
uruguayo.
Con dos escenarios y más de diez artistas en escena, el festival
ofrecerá una experiencia diferente, reuniendo lo mejor de la música
electrónica local e internacional en un entorno natural que combina
ritmo, diseño y energía.
Convertida en una de las fiestas más icónicas de Punta del Este, La
Juanita vuelve a la costa con una producción que refleja su evolución
y su identidad única dentro de la escena regional. Una noche pensada
para celebrar la música, la comunidad y el espíritu que la convirtió en un
clásico del verano.
MDQ
Este verano, Fragment vuelve a ser protagonista de la costa argentina
con una temporada que promete marcar el pulso de la música
electrónica. El ciclo se llevará a cabo todos los viernes de enero en
Umano, con una programación que reúne a figuras internacionales y
referentes locales.
La temporada abrirá el sábado 20 de diciembre con Eelke Kleijn y
cerrará el viernes 30 de enero con Guy J, dos artistas que representan
la elegancia y el sonido melódico que define a Umano. También se
presentarán Nick Warren, el dúo Sasha & John Digweed y La Juanita,
con Chapa & Castelo al frente, en su esperado debut en Mar del Plata.
Con una propuesta que integra naturaleza, arte y sonido, Fragment
consolida su lugar como epicentro del verano marplatense y reafirma el
gran momento que atraviesa la música electrónica en Argentina.
lifestyle
EDICIÓN
0.BEE
TOMAS STATION
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DICIEMBRE 2025

Mochakk inaugura la
temporada de verano
en Uruguay
Será el 26 de diciembre en el marco
del ciclo PM Open Air, con sede en el
Medellín Polo Club de Punta del Este.
E
l próximo 26 de diciembre pm open
Air inaugura la temporada de verano
en Uruguay con un evento en el Medellín
Polo Club, que tendrá como protagonista
a Mochakk, el DJ y productor brasileño que
se consolidó como una de las figuras más influyentes
de la electrónica actual y se presenta
por primera vez en Punta del Este.
Con una personalidad carismática y una
energía que trasciende el escenario, Mochakk
llega tras un año marcado por una gira internacional
de más de 160 presentaciones en los
clubes y festivales más importantes del mundo.
Su residencia en DC-10 Ibiza, su histórico set
para Cercle en Sevilla y sus pasos por escenarios
como Tomorrowland o Coachella lo posicionaron
como uno de los nombres más fuertes
de la nueva generación del house. Tracks como
“Jealous” (Circoloco Records) y sus remixes
para Groove Armada o Diplo reflejan la mezcla
justa entre técnica, carisma y musicalidad que lo
distingue dentro del circuito global.
Más allá de su sonido, Mochakk representa
una manera distinta de vivir la música: física,
genuina y sin poses. Su vínculo con la cultura
del skate y el breakdance influye en su forma
de moverse, de entender el ritmo y de conectar
con la gente. En su reciente lanzamiento,
“Hypersilent”, los clips que acompañan el tema
lo muestran justamente en ese entorno: sobre
una tabla, en la calle, entre amigos. Esa energía
es la que traslada a cada show, convirtiendo
sus sets en algo más que una presentación: una
conversación con el público.
La noche contará además con la participación
de Solarce Brothers, dúo argentino-uruguayo
que viene destacándose por su sonido cálido y
de fuerte identidad, y con el b2b entre Obeid
y Najles, dos referentes de la escena local que
aportarán su mirada y energía a una jornada
que promete marcar el pulso del verano.
Para PM Open Air, esta fecha representa mucho
más que un evento. El ciclo se consolidó en
los últimos años como una de las plataformas
más consistentes y con mayor proyección. Su
identidad se basa en crear experiencias al aire
libre donde la música, el entorno y el público se
integran naturalmente, apostando siempre a la
calidad artística y a la conexión humana.
Con esta presentación, PM Open Air da
inicio a una temporada que combina lo mejor
de la electrónica global con la fuerza del talento
regional. Una noche para disfrutar con
Mochakk como protagonista de un verano que
promete ritmo y emoción en Punta del Este.
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JUAN INGARAMO
ingredientes de la receta. Con Mariano
Otero, productor y amigo, la formación
compartida hizo fluir armonía
y emoción. Compusimos más de
veinte temas y quedó un recorte que
conversa bien entre sí. Elegimos por
combinación, por cómo se miraban
entre ellos. “Casual”, por ejemplo, entró
una semana antes porque cerraba
un arco emocional que no estaba.
Lo visual sostiene un relato. En
“Shampoo” aparece tu hija como
protagonista.
Me daba dudas involucrarla, pero
terminó siendo un plan hermoso de
padre e hija y, además, un documento
familiar. Para mí es lo más lindo que
hice: canción y video. Me llevó tiempo
porque tenía que estar muy bueno,
honesto. A ella le encanta; sabe que es
para ella y hasta en el jardín se la cantan.
Ese amor se escucha.
E
“Mi personaje es ser yo mismo”
El cantautor cordobés presenta El verdadero, su nuevo álbum de estudio.
ntre dobles funciones de
teatro, paternidad a tiempo
completo y la salida de El verdadero,
Juan Ingaramo atraviesa una
fase de sinceridad radical. No se trata
de una pose: habla de la música como
salvación, de elegir la emoción antes
que la estrategia y de una gira íntima
que desarma la lógica del estadio
para volver a mirar a los ojos. Con la
brújula puesta en el corazón, repasa
el disco, los videos, el amor, los miedos
y ese deseo de empezar de cero
sin renunciar a nada de lo aprendido.
“Cada álbum es una foto; esta vez me
animé a no retocar la imagen”, dice.
¿Cómo te encuentra el lanzamiento
de El verdadero?
Muy contento y en paz. Cada disco
es una foto de un período y en este
encontré verdades en la música;
por eso El verdadero. Me salvó en
lo espiritual y en lo humano. Es un
álbum que no busca homologarse,
POR GABRIEL SOTELO
sino abrazar lo que ya estaba en mí:
la canción como refugio, el ritmo
como impulso y la palabra como una
manera de ordenar lo que vivo. Hice
las paces con lo que soy y con lo que
suena cuando no intento gustar.
¿La canción sigue siendo tu lenguaje
más auténtico?
Siempre. Es mi idioma madre, distinto
del de la vida cotidiana. Hacer
música es una forma de terapia y ser
padre te afina la sensibilidad: te obliga
a escuchar mejor, a elegir mejor
las batallas, a encontrar silencio en el
ruido. Desde adolescente la música
fue mi cable a tierra; ahora también
es mi manera de estar disponible
para los demás sin dejar de estar disponible
para mí.
Hablaste de paternidad. ¿Cómo
impactó en tu mirada sobre tus
propias canciones?
Aprendí a separarme del artista y
mirar la obra con más ternura. Redescubrí
temas viejos y me di cuenta
de que me gustan mis canciones; eso
es un gol, porque implica aceptar el
recorrido, incluso cuando hay imperfecciones.
Lila me recordó que lo
que importa no es impresionar, sino
emocionar.
En paralelo actuaste en Pretty Woman.
¿Qué te dio el teatro en este
momento?
Fue un regalo. En mi hija veo esa
libertad sin prejuicios al jugar; el
teatro me devolvió exactamente eso:
juego y presente. Me sacó el cálculo,
me corrió del “cómo conviene” y me
llevó a habitar el cuerpo, la escena,
la respiración del otro. Creo que por
eso el disco suena más vivo: porque
estuve viviendo.
Se suele decir que “volviste a tu
esencia” con este álbum.
Siempre fui yo, pero cambiaron los
En “El pronóstico de hoy” decís
que es “difícil ser sincero en esta
ciudad”. ¿Cómo fue adaptarte a
Buenos Aires?
Amo Buenos Aires; me abrazó, pero
es exigente. Si te va mal, te expulsa. La
carrera muchas veces te empuja a ponerte
máscaras; yo elegí no ser careta,
aunque a veces “convenía”. Ser sincero
no es una estética: es una estrategia
de supervivencia y, en mi caso, tuvo
recompensa. Esta ciudad también me
dio lo más hermoso que tengo.
¿Cómo convivís con todas tus facetas
sin crear un personaje?
Justamente: no creé un personaje.
Mi personaje es ser yo mismo, el
verdadero. El disco muestra luces y
sombras, fantasía y paternidad, frustraciones
y logros. No hay manual de
uso; hay una bitácora de cómo atravesé
este tiempo.
¿Cómo imaginás la vida en la
ruta después del estreno?
Haré Pretty Woman en Mar del Plata
y quiero tocar el disco en formatos
chicos, artesanales, desarmando la
lógica del venue gigante. Me seduce
empezar de cero: bares, amigos,
otros músicos, distancias cortas. Que
la canción entre por la puerta del
costado. Y en 2026 hay música en
vivo sí o sí; tengo ganas de que el escenario
vuelva a ser laboratorio.
¿Qué te gustaría que le pase a quien
escuche El verdadero?
Que se sienta acompañado. Si una línea,
un acorde o un silencio le ordena
el día a alguien, ya está. La sinceridad
no es un acto de valentía épica;
es un gesto cotidiano. Ojalá el disco
sea eso: un gesto que invite a aflojar
el cálculo y a volver a jugar.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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DICIEMBRE 2025

Roze lanzó
“Si Tú
Supieras”,
su nueva
colaboración
con
Salastkbron y
DJ Tao
Una cumbia romántica con tintes de
turreo que habla del amor que no se
olvida y del despecho que se canta a
todo pulmón.
R
oze, el dúo de cumbia que está
revolucionando la escena, vuelve
a sorprender con una colaboración
de lujo. Como adelanto de su esperado
álbum debut Tu vecino nos conoce, presentan
“Si Tú Supieras”, un track que une
a dos gigantes: Salastkbron, referente indiscutido
de la música urbana, y DJ TAO,
creador de las icónicas Turreo Sessions.
Este single es puro sentimiento y energía.
Una cumbia romántica con tintes de
turreo que habla del amor que no se olvida
y del despecho que se canta a todo pulmón.
Frases como “No me importó tu pasado
ni con cuántos hayas estado…” y “Somos
tal para cual, ella ama a alguien y no sabe
a cuál” conectan con la esencia del tema y
con el hit “Tal Para Cual” de Salastkbron,
que arrasó en los charts.
La producción lleva el sello de DJ TAO,
responsable de éxitos virales y de la histórica
“Turreo Session #22” junto a ROZE, que
superó los 58 millones de views en YouTube
y se posicionó en el Top 10 del Top 50
de Spotify Argentina, marcando tendencia
en la música urbana y cumbia actual.
Este lanzamiento reafirma el presente
arrollador de ROZE, que continúa en el
Top 50 de Spotify Argentina con “Tu jardín
con enanitos” desde el día de su lanzamiento,
confirmando que cada paso que dan es
sinónimo de éxito.
El videoclip, dirigido por Ezequiel Llanos,
mantiene la estética vibrante del disco
y fue filmado en el barrio de La Boca, con
colores intensos y energía contagiosa que
acompañan la narrativa emocional del
tema.
Con “Si Tú Supieras”, se juntaron los románticos
de la cumbia para crear una canción
que promete convertirse en el himno
del verano: ideal para cantar a los gritos
en cada fiesta, previa o juntada.
Acerca de ROZE
En el corazón de la escena musical de
Parque Avellaneda, dos jóvenes visionarios
emergen como precursores de un
nuevo movimiento sonoro: Rocco Gang
y Treze YT, el dúo de música urbana
que ha cautivado los corazones de sus
seguidores desde 2017.
Con apenas 22 años de edad, Rocco
Gang y Treze YT han forjado su camino
desde los inexplorados rincones de
Parque Avellaneda hasta el centro de la
innovación musical. Bajo el nombre de
Young Team, comenzaron su travesía
artística explorando diversos géneros
musicales antes de descubrir su verdadera
pasión en la música urbana y la
cumbia.
Este dúo no solo representa la nueva
ola de la música urbana, sino que también
encarna la esencia misma de la
juventud creativa. Hasta el momento (y
sin mencionar a Peipper) los Roze tienen
colaboraciones con La Joaqui, Luck
Ra, Marama, Alan Gomez, Dj TAO,
Perro primo, L-Gante, Salastkbron y
otros referentes del género urbano.
El fenómeno imparable de Roze continúa
marcando al género: a solo una
semana del lanzamiento de su single
“Inocente”, lograron ubicarse entre las
canciones más reproducidas, escalando
hasta el puesto #27 dentro del Top 50
de Spotify Argentina. Tanto “Inocente”
como su colaboración con DJ TAO en
las Turreo Session lograron ubicarse en
el top 10 del Top 50 de Spotify Argentina.
62 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

El rock vuelve a
Miami con EXTi y
Billboard Argentina:
esto es arte
Desde Bandade Gallery, el artista viene construyendo
una comunidad que mezcla pintura, música, moda,
tecnología y acción social bajo una misma bandera:
#ArtForAll.
E
l rock no está muerto.
Cambió de forma. Vive en
los murales, en las guitarras
intervenidas, en los shows
íntimos y en los movimientos que
nacen desde el corazón de la calle. Y
si hay alguien que encarna esa energía
—ese pulso rebelde que vuelve a
poner a Miami en el mapa del arte y
la música— es EXTi.
Artista visual, músico y diseñador
argentino radicado en Miami, EXTi
entiende el rock como un estilo de
vida. No se trata solo de hacer canciones
o tocar en vivo, sino de romper
moldes, unir mundos y crear espacios
donde el arte sea para todos. Desde
Bandade Gallery -nacida de la incubadora
de arte y diseño de NIDO y el
Departamento de Servicios Humanos
de la Ciudad de Miami, ubicada en el
corazón del Midtown Art District- viene
construyendo una comunidad que
mezcla pintura, música, moda, tecnología
y acción social bajo una misma
bandera: #ArtForAll.
EL PROYECTO FENDER X
RICKY MONTANER
En ese camino de unir arte y música,
EXTi presentó una colaboración
oficial con Fender Guitars: una
Telecaster personalizada para Ricky
Montaner, que ya forma parte de
su sonido y de su gira junto a Mau y
Ricky.
La guitarra —una pieza única—
fue creada a través de su sinestesia,
esa capacidad de "ver colores" al
escuchar música. Inspirado por el
universo sonoro del dúo, EXTi diseñó
y pintó una obra que respira ritmo,
color y fuego latino.
El proceso fue capturado en una
serie de videos de alto impacto visual
junto a su filmmaker Santiago, donde
se lo ve "operando" la guitarra como
si realizara una cirugía artística. Una
metáfora perfecta: EXTi no solo modifica
un instrumento, le da vida, lo
transforma en una extensión emocional
del artista que lo va a tocar.
La entrega se desarrolló en Bandade
Gallery, en pleno Midtown Art
District, durante un encuentro íntimo
donde Ricky Montaner recibió su guitarra.
Fue más que un acto simbólico:
la unión de dos mundos —el del arte
visual y el de la música pop— con el
rock latiendo en el medio.
AFTER BEAT X BILLBOARD
ARGENTINA & COLOMBIA
Una semana después, Bandade
Gallery volvió a ser el epicentro del
arte y la música con After Beat, un
evento coorganizado por Billboard
Argentina y Colombia durante la
Billboard Latin Music Week, dentro
de la iniciativa #ArtForAll.
Allí se cruzaron artistas, productores,
ejecutivos y soñadores en una
noche mágica donde todo fluyó.
Dirty Rabbit Group se encargó de los
bares, La Latina de la comida, MVM
del mapping visual, y la música estuvo
a cargo de Bianca Lif, Fer Ariza
(Colombia) y los djs Yalka, Ludwig
y Kali (México / Nueva York). Un
back-to-back de energía pura que
convirtió la galería en una experiencia
sensorial total.
Para EXTi, este tipo de encuentros
son más que eventos: son declaraciones
culturales. "El arte, la música y la
comunidad se mezclan, se potencian
y se devuelven esperanza mutuamente.
Cuando el arte y la industria
se encuentran con propósito, lo que
nace ya no es solo arte… Es una forma
de vivir", dijo el artista.
BANDADE NIGHT EN LAS ROSAS:
EL ROCK VUELVE AL FRENTE
Como cierre de esa intensa
semana, EXTi llevó la bandera
del rock al mítico Las Rosas, en
Allapattah, con el showcase Bandade
Night, presentado junto a
Billboard Argentina. Fue el único
show de rock alternativo durante
toda la Latin Billboard Week, y
marcó un antes y un después.
EXTi presentó en vivo su álbum
Rey de Corazones Rotos, acompañado
por Broder (DJ y mente creativa
de Bresh), Patricio Romero
en guitarra, Sebastián Vázquez en
batería y Lauro, productor multipremiado,
en sonido. La noche
también abrió espacio a nuevos
talentos: Isra, Aloisio, Michi Sanz,
Christian Jiménez y los djs internacionales
que encendieron el
After Beat.
Fue una noche de caos hermoso,
sudor y catarsis. De esas donde el
arte no se mira, se siente. Y cuando
el público coreó los temas de Rey
de Corazones Rotos, quedó claro: el
rock no se fue… Solo estaba esperando
volver con otra cara.
DEL ARTE AL MOVIMIENTO: EL
ALMA DEL MIDTOWN ART DISTRICT
Desde el corazón del Midtown Art
District, la energía del After Beat de
Billboard encendió una nueva era
de colaboración entre arte, música y
comunidad. Lo que nació en NIDO
| Refuge of Senses y su incubadora
creativa MADNest se expandió
como un movimiento vivo que conecta
artistas, productores y soñadores
a través de la iniciativa #ArtForAll,
creada junto al Departamento
de Servicios Humanos de la Ciudad
de Miami. En este ecosistema, Bandade
Gallery, con el arte vibrante y
emocional de EXTi, se convirtió en
un símbolo de transformación.
Sus intervenciones en guitarras,
murales y experiencias inmersivas
—como la reciente en Las Rosas,
Allapattah— demostraron que cuando
el arte, la música y el propósito se
encuentran, nace algo más grande
que un evento: una comunidad. El
Midtown Art District no es solo un
distrito: es una declaración colectiva
de que el arte puede unir mundos.
64 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 65

Arcana Experience vuelve
a Punta del Este
La segunda edición de esta esperada propuesta se
concretará el próximo 4 de enero de 2026.
E
l próximo domingo 4 de enero
de 2026, Arcana Experience
celebrará su segunda edición
en Punta del Este, consolidándose
como una de las propuestas más
esperadas del verano uruguayo. El
encuentro tendrá lugar en el imponente
Museo Atchugarry, un espacio
emblemático que combina naturaleza,
arte y arquitectura, donde la experiencia
sensorial alcanza una nueva
dimensión.
Desde las 16 horas, el público podrá
disfrutar de un formato sunset inmerso
en los bosques, espejos de agua e
instalaciones artísticas que rodean el
museo, generando un entorno perfecto
para conectar con la música, la luz
del atardecer y la magia del entorno
natural característica de Arcana.
En esta edición se presenta un lineup
excepcional encabezado por los
suizos Adriatique, sin dudas el dúo
más relevante del momento en la escena
electrónica global, reconocidos
por sus grandes hits como “Miracle” &
“Home” o los nuevos “Love’s a Game”
& “Back to life” y por entregar sets
inolvidables en cada una de sus presentaciones
en vivo. Acompañándolos
estará NIM, el talentoso artista argentino
con una destacada trayectoria en
los escenarios más importantes de la
región, aportando su sonido profundo
y elegante para completar una jornada
única.
Con un concepto que une música,
arte y naturaleza, Arcana Experience
propone vivir el mejor sunset de
la temporada, donde cada detalle del
entorno se convierte en parte de la
puesta en escena. Una experiencia
creada para quienes buscan más que
una fiesta: un encuentro con la belleza,
la música y la energía única del
verano esteño. Los tickets ya están a
la venta.
66 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

Tame Impala presenta Deadbeat, su
nuevo álbum
T
ame Impala (Kevin Parker) lanzó su
quinto álbum de larga duración, Deadbeat a
través de Columbia Records. El álbum se había
adelantado con los singles "Loser", "End of Summer"
y "Drácula", que irrumpieron en el Hot 100 de Billboard
y vieron un debut instantáneo en las listas AAA
y Alternative, sus mayores debuts hasta el momento.
Junto con el lanzamiento del álbum, vio la luz el
videoclip de "My Old Ways", dirigido por Kristofski y
con imágenes de cinéma vérité que el director tomó
durante todo el proceso de Parker para hacer el disco
en varios lugares del mundo.
En Deadbeat, Parker esculpe una colección de exploraciones
psicodélicas de club perversamente potentes
como vehículo para algunas de sus composiciones
más directas y desordenadas hasta la fecha. El álbum
está profundamente inspirado en la cultura australiana
y en particular en la escena local centrada en Margaret
River en Australia Occidental en los años 90, refor-
mulando a Tame Impala como una especie de futuro
acto rave primitivo en el proceso.
"En los últimos 15 años, podría decirse que ningún
otro músico de rock ha abarcado múltiples mundos
tan bien como Parker", dice el crítico Grayson Haver
Currin en su artículo de portada de GQ Hype. "Tame
Impala comenzó como una banda de psych-rock
modernizada con baterías de mundo explosivo y ganchos
que dejaban en claro que Parker también amaba
el pop, el soul y el hip-hop. A medida que Tame Impala
se ha transformado constantemente en algo más
extraño y autorrenovador, donde las historias habladas
sobre recoger la ropa condujeron a confesionarios
nocturnos, Parker se ha convertido en un colaborador
clave de algunas de las estrellas más grandes del
mundo. Deadbeat se siente como un último acto de
resignación y aceptación, con Parker finalmente aceptando
la persona que siempre ha sido y que siempre
puede ser. Está suspendido en un punto muerto emocional,
preguntándose si puede ser más de lo que
sabe que es".
Concebido en varios lugares en los últimos
años, el álbum se galvanizó en gran medida entre
la ciudad natal de Parker, Fremantle, y su estudio,
Wave House en Injidup, Australia Occidental, en
la primera mitad de 2025. Deadbeat suena como
el trabajo de un artista con una maestría nivelada,
elaborado con un nuevo abrazo de espontaneidad
para el perfeccionista de renombre. La
forma en que eso se manifiesta es un minimalismo
y un crujido distintivos, con timbres y texturas
que agregan una dimensión inefablemente
nueva al sonido, así como un rango vocal más
rico y juguetón que nunca.
FOTO/S: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA
68 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

DE LA ROSE
Con su presencia imponente, su voz magnética
y su narrativa cinematográfica, De La Rose
está redefiniendo lo que significa ser artista en la
nueva generación latina. Su sonido es cinematográfico
pero de calle, suave pero dominante, un
equilibrio raro que la ha convertido en una de las
artistas emergentes más esperadas de 2025. Tras
el éxito viral de “$extape” junto a Eladio Carrión,
De La Rose continúa demostrando que no está
aquí para seguir tendencias; está aquí para liderarlas.
FX De La Rose muestra todo su rango: una
artista en pleno control de su narrativa, su sonido
y su visión.
TRACKLIST Y CONCEPTO
Su álbum debut, FX De La Rose,
llega con fuerza total
Incluye colaboraciones con Mora, Eladio Carrión, Omar Courtz y Yan Block.
D
e La Rose, una de las voces más electrizantes
que están definiendo el futuro de la
música latina, sacó su álbum debut. FX De
La Rose ya está disponible en todo el mundo: una obra
audaz y sin género definido que la consolida como una
fuerza única de arte, emoción y poder.
Con diecisiete temas, FX De La Rose es una clase
magistral de contrastes: seductora, pero cruda; íntima,
pero explosiva. Cada canción se despliega como un
capítulo de su historia, moviéndose entre el magnetismo
cinematográfico de “$extape” junto a Eladio Carrión,
la sensualidad hipnótica de “1204” con Mora y
la ensoñación etérea de “Nubes” junto a Omar Courtz.
El resultado es una experiencia inmersiva que desafía
cualquier regla establecida.
Pero son sus interpretaciones en solitario las que
realmente revelan su profundidad y control. En “All
Time” proyecta una autoconfianza pura, una combustión
lenta de poder y contención. “Ya Yo Me Enteré”
exhibe su filo lírico y su precisión emocional,
mientras que “Siempre BB” cierra el álbum de forma
sobrecogedora, con un final cinematográfico y visceral
que permanece en el oyente mucho después de la
última nota.
“FX De La Rose es el efecto que dejo atrás”, dice De
La Rose. “Es el sonido de mis emociones, reales, sin
filtro e imposibles de olvidar”. Con este debut, De La
Rose no solo se presenta, sino que detona. Cada letra,
cada visual, cada beat forma parte de un universo
emocional completamente suyo: confiado, vulnerable,
peligroso, divino. FX De La Rose no es solo un álbum;
es un despertar.
1_ INTRO
2_Yo Te Conozco :|
3_1204 ft. MORA
4_ peldío
5_CHALÉT
6_YA YO ME ENTERÉ
7_BRINCAR
8_ALL TIME
9_Nubes ft. Omar Courtz
10_Nebuleo
11_5 minutos
12_PALGO
13_FINDE
14_$extape ft. Eladio Carrión
15_Cobro
16_VICIO MÍO ft. Yan Block
17_SIEMPRE BB
FX De La Rose —abreviatura de “Efecto De La
Rose”— es una declaración de energía, emoción
e identidad. Captura cada frecuencia de quién es
De La Rose: la voz del deseo, el sonido del desamor,
el poder del control.
Desde el pulso nocturno de “FIN DE” hasta
la elegancia inquietante de “SIEMPRE BB”, el álbum
se mueve como una película oscura, sensual
y lleno de vida. Más que un debut, es una presentación
en toda regla de una nueva era creativa.
Tanto en el plano visual como en el musical,
De La Rose trasciende los géneros, construyendo
un lenguaje propio que combina elementos
urbanos, R&B y pop vanguardista. Cada tema
amplifica su mensaje: que la emoción es fuerza y
la verdad es poder.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
70 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 71

Balance 2025: lideran las mujeres y vuelve el rock
Balance de un año plagado de visitas internacionales, grandes shows locales, álbumes fascinantes y música para todos
los gustos. Nuevamente son las mujeres quienes enseñan el camino. El esperado regreso del rock, más las estrellas y
revelaciones de Lollapalooza Argentina 2026.
LUCIANO
PEREYRA
tour te sigo amando
17 ENERO
ENJOY
PUNTA DEL ESTE, URUGUAY
23 Y 24 ENERO
ONCE UNIDOS
MAR DEL PLATA, ARGENTINA
13 Y 14 MARZO
MOVISTAR ARENA
BUENOS AIRES, ARGENTINA
L
legamos a fin de año y
pueden verse los highlights de
un 2025 que fue súper intenso
en cantidad y calidad de música.
Nuevamente fueron las mujeres las
que dominaron los charts: artistas
como Lady Gaga, Taylor Swift y
Sabrina Carpenter monopolizaron
los rankings de difusión y desbordaron
las plataformas musicales
con sus hits. También fue un año
“dorado” para el K-Pop. El género de
música coreana continúa expandiéndose
globalmente, especialmente a
través del exitoso film de animación
Las guerreras K-Pop y grupos como
Katseye, a quienes podremos ver en
directo en el festival Lollapalooza
Argentina el año que viene.
2025 será un año para recordar para
Lady Gaga. Alcanza con mencionar
el éxito de su último disco de estudio
Mayhem, con singles arrasadores
como “Abracadabra”. También participó
de la exitosa serie Merlina, con un
cameo más una canción y video fascinantes:
“The Dead Dance”. En mayo
pasado, también hizo historia con su
presentación en la playa de Copacabana,
Río de Janeiro, Brasil. Allí dio
un concierto gratuito que congregó a
2 millones de espectadores, marcando
un nuevo récord global.
Otra artista que marcó la agenda
del año fue Taylor Swift. La cantante,
compositora y actriz volvió a pegar
duro con su nuevo álbum The Life
of a Showgirl. Lanzado en octubre,
el nuevo disco contó nuevamente
con los productores suecos Max
Martin y Shellback. El álbum incluye
12 canciones, y según declaró Taylor,
lo compuso basado en sus impresiones
como artista en gira. El single “The Fate
of Ophelia” es el hit del momento, nuevamente
una referencia literaria, esta
vez al personaje femenino en Hamlet,
la obra del dramaturgo inglés William
Shakespeare. El álbum se convirtió en
el más reproducido en un solo día de
2025 en Spotify, a menos de doce horas
de su lanzamiento. En su primer día de
lanzamiento en Estados Unidos vendió
2.7 millones de copias —entre formatos
físicos y descargas digitales- convirtiéndose
en el álbum más vendido de 2025.
“The Life of a Showgirl” es el título también
de la canción que abre y cierra el
disco, con la participación de otra de las
estrellas del año: Sabrina Carpenter.
La ex chica Disney lanzó a fines de
agosto su séptimo álbum de estudio
titulado Man’s Best Friend, luego del
arrasador suceso que tuvo con su disco
anterior Short n´Sweet (2024), ganador
de un Grammy que encabezó las listas
de éxitos a ambos lados del Atlántico.
El álbum incluye 12 canciones y
fue coproducido por Sabrina junto a
John Ryan y Jack Antonoff, colaborador
habitual de Taylor Swift. El primer
hit fue “Manchild”, y el nuevo single
“Tears” avanza aceleradamente a la
cima de los rankings. El disco alcanzó
el primer puesto en las listas de más
de diez países y batió el récord de mayor
número de reproducciones en un
solo día para una artista femenina en
Spotify en 2025. El álbum debutó en el
número uno de la lista Billboard 200,
convirtiéndose en su segundo álbum
en lograrlo en Estados Unidos. En su
primera semana de seguimiento, vendió
más de 366 000 unidades equivalentes
a álbumes, de las cuales 224.000 fueron
ventas puras. Registró las cifras de ventas
y reproducciones más altas para una
artista femenina en 2025.
No todo es pop femenino: también
está Yungblud para recordarnos que el
buen rock está volviendo con todo. El
joven cantautor y actor inglés es conocido
por su sonido que desafía los géneros
y su moda andrógina, se ha vuelto
tan famoso por su defensa de la salud
mental y su activismo social como por
su música. Se convirtió en una figura
global en el emocionante concierto despedida
de Ozzy Osbourne, protagonizando
varios de los momentos más
fuertes del evento. Precisamente, su
presentación junto al legendario líder de
Black Sabbath con el tema “Changes”, le
valió una nominación al premio Grammy
en la categoría Best Rock Perfomance.
Yungblud también está nominado
a Mejor Álbum de Rock por su disco
“Idols” y a Mejor Canción de Rock por
“Zombie”. Su condición de rockero quedó
definitivamente establecida con el
lanzamiento de un EP con los legendarios
Aerosmith, que volvieron a grabar
temas originales luego de 15 años.
Qué se viene en 2026
El festival Lollapalooza Argentina llegará
lleno de estrellas pero también de
artistas que vale la pena descubrir y que
nos visitarán por primera vez. A los
headliners, como Sabrina Carpenter,
Lewis Capaldi, Lorde, Chappell Roan y
Doechii (llega con su hit “Anxiety”), hay
que sumar artistas como Royel Otis, The
Dare y 2Hollis. Royel Otis es un dúo de
indie pop originario de Sídney,
Australia, formado en 2019 por
Royel Maddell y Otis Pavlovic; su
música abarca los estilos de rock
alternativo. En 2024, dieron más
de 100 conciertos sold out, vendiendo
más de 100.000 tickets en
Australia, el Reino Unido, Europa
y Estados Unidos. El suceso
del dúo en Estados Unidos hizo
que firmara con Capitol Records
a finales de 2024. En agosto lanzaron
su segundo álbum Hickey,
que alcanzó el número 1 en
Australia.
The Dare es el nombre con
que se conoce profesionalmente
a Harrison Patrick Smith, músico
y cantante estadounidense. Smith
empezó a ser conocido en el ambiente
musical con otro proyecto
llamado Turtlenecked, hasta que
en 2022 se convierte en The Dare
y lanza “Girls”, su primer hit single.
The Dare también se hizo conocido
por producir la canción
“Guess” para la versión 2024 del
álbum Brat de Charli XCX.
Por último recomendamos
a 2hollis, como se conoce profesionalmente
al músico y productor
estadounidense Hollis
Parker Frazier-Herndon. Vio
la luz con su álbum White Tiger,
lanzado en 2022. Luego, en
2023, su canción “Poster Boy”,
se incluyó en la banda sonora de
un popular videojuego de fútbol.
El año pasado lanzó varios
singles y el álbum Boy, el tercero
de su carrera.
FOTOS: GENTILEZA UNIVERSAL
10 ABRIL
ESTADIO DELMI
SALTA, ARGENTINA
11 ABRIL
CLUB CENTRAL CÓRDOBA
TUCUMÁN, ARGENTINA
24 ABRIL
METROPOLITANO
ROSARIO, ARGENTINA
25 ABRIL
QUALITY ARENA
CÓRDOBA, ARGENTINA
2 MAYO
ESTADIO ALDO CANTONI
SAN JUAN, ARGENTINA
16 OCTUBRE
TEATRO CASINO L’ALIANÇA
DEL POBLENOU
BARCELONA, ESPAÑA
19 OCTUBRE
TEATRO CALDERÓN
MADRID, ESPAÑA
31 OCTUBRE
SND ARENA
ASUNCIÓN, PARAGUAY
7 NOVIEMBRE
MOVISTAR ARENA
SANTIAGO DE CHILE, CHILE
72 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

“Dear Pink Floyd”: el poeta
Laureate Simon Armitage
celebró el 50 aniversario
de Wish You Were Here
Wish You Were Here 50 se publica el 12 de diciembre en
formatos Deluxe Box Set, cd, digital, vinilo y por primera vez
en Dolby Atmos.
D
uno de los discos más icónicos y queridos
de Pink Floyd. La edición del 50
aniversario presenta múltiples discos
de rarezas: en esta colección especial
hay seis versiones alternativas y demos
inéditas que presentan el octavo álbum
de estudio de Pink Floyd de una manera
completamente nueva que exige
una escucha repetida. La primera, una
grabación de demostración inédita de
“Welcome to the Machine” originalmente
titulada “The Machine Song”.
Más corto en duración que el original
épico, “The Machine Song (Demo # 2,
Revisited)” ofrece a los fanáticos una
vista previa emocionante de qué esperar
de Wish You Were Here 50.
Otras rarezas de estudio incluyen
“The Machine Song (Roger's demo)”, el
primer demo casero de la canción que
Roger Waters trajo originalmente a la
banda, una mezcla instrumental inédita
de la canción “Wish You Were Here”
que muestra la guitarra pedal steel de
David Gilmour y, por primera vez, un
“Shine On You Crazy Diamond (Pts.
1-9)” completo que une las dos mitades
de la canción. recién mezclado en estéreo
por James Guthrie.
Wish You Were Here 50 se lanzará
en múltiples formatos, incluidos 3LP,
2CD, Blu-ray, digital y una caja de
lujo. El lanzamiento digital incluye el
álbum original de 1975, con una nueva
mezcla Dolby Atmos de James Gumon
Armitage dice: "Estaba pensando
en el álbum y su sonido, y en el efecto
que eso ha tenido en la gente de todo
el mundo. No sabía si podía expresar
con palabras cómo sonaba esa música.
Solo me involucro en proyectos si creo
que no puedo hacerlos, así que esta fue
una invitación natural.
“Quería escribir algo que tuviera
forma de álbum, que encajara en el
costado de un LP y sangrara hasta los
márgenes de un cuadrado. Estaba tratando
de imitar el sonido de Wish You
Were Here, no hay huecos en él. Como
una pared de sonido cálido. Quería
que el texto fuera una manifestación
física de eso.
La voz más grande en la pieza son
todos los fanáticos del mundo que
intentan decir algo. Yo fui la generación
que atrapó el final del punk, una
especie de reinicio musical del reloj,
para mí. Así es como quería todo en
ese momento. Luego, eventualmente
llegas a los 17, 18 y quieres algo más
introspectivo. Eso vino en forma de
Pink Floyd. Fue tan profundo, tan estimulante.
No hay muchas experiencias
artísticas en forma de ruido que me
den escalofríos y me ericen los pelos
de la nuca. Pero cuando pongo Wish
You Were Here como disco, y comienza,
tengo esa sensación cada vez".
Wish You Were Here 50 ofrece a los
fanáticos una nueva perspectiva sobre
ear Pink Floyd, un nuevo
poema escrito e interpretado
por el poeta laureado Simon
Armitage, inspirado en Pink Floyd y
su álbum Wish You Were Here, que
definió una era, se revela hoy. Dear
Pink Floyd llega antes del lanzamiento
del 50 aniversario de Wish You Were
Here de Pink Floyd, que saldrá el 12 de
diciembre a través de Sony Music.
Dear Pink Floyd es una de las innumerables
gemas especiales para coleccionistas
incluidas en el próximo lanzamiento
de Wish You Were Here 50
Deluxe Box Set. Revelado como una
sorpresa para los fanáticos, Dear Pink
Floyd de Simon Armitage presenta
una nueva y emocionante versión de
las notas de Wish You Were Here.
El poema captura varios puntos
de vista: desde la inolvidable primera
escucha, hasta cinco décadas de afinidad
con un álbum vital que continúa
siendo la banda sonora de la vida de
los fanáticos de todo el mundo. A lo
largo del poema, de la misma manera
que Wish You Were Here rinde homenaje
a la creatividad de Syd Barrett,
la presencia de Syd en esta poderosa
pieza de escritura también es intencional.
El poema captura el poder único
de la música de Pink Floyd y los temas
de ausencia y fugacidad de Wish You
Were Here.
Hablando sobre Dear Pink Floyd, Si-
thrie, cuyo trabajo con Pink Floyd se
remonta a The Wall de 1979. También
incluye 25 pistas adicionales compuestas
por nueve rarezas de estudio y 16
grabaciones en vivo capturadas por el
renombrado contrabandista Mike Millard
en el concierto de Pink Floyd en
Los Angeles Sports Arena el 26 de abril
de 1975, que ahora recibe su primer
lanzamiento oficial. El audio en vivo
ha sido meticulosamente restaurado y
remasterizado por Steven Wilson.
La edición Blu-ray también brinda
a los fanáticos la oportunidad de ver
tres películas de la gira de 1975 de la
banda, además de un cortometraje de
Storm Thorgerson. Los formatos 3LP
y 2CD incluyen el álbum original y las
nueve pistas adicionales de estudio.
La caja de lujo incluye todos los 2CD,
3LP (en vinilo transparente exclusivo)
y material Blu-Ray, además de un
cuarto LP de vinilo transparente, Live
At Wembley 1974, una réplica japonesa
de 7" Single de “Have A Cigar b/w
Welcome To The Machine”, un libro
de tapa dura que incluye fotografías
inéditas, y Dear Pink Floyd, de Simon
Armitage, un programa de gira de
cómics y un póster del concierto de
Knebworth. El merchandising exclusivo
del 50 aniversario junto con los
lanzamientos de productos de edición
limitada también estarán disponibles
en PinkFloyd.com.
FOTO/S: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA
74 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

El ritmo no se detiene:
Grace Music sigue creciendo
Fundado y dirigido por Graciela Contrera, el sello discográfico continúa
posicionándose como un actor relevante en la industria musical argentina.
race Music termina su primer
año de actividad con una proyección
G
firme y cada vez más consolidada.
Fundado y dirigido por Graciela Contrera,
el sello discográfico continúa posicionándose
como un actor relevante en la industria musical
argentina, no solo por los hitos de sus artistas,
sino también por la forma en que trabaja
los proyectos desde la raíz.
Durante 2025, el sello atravesó una etapa de
crecimiento sostenido, con nuevos aliados y
una estructura en evolución que fortaleció su
llegada y amplificó su alcance. Desde el inicio,
el proyecto fue concebido como un espacio
integral para artistas, donde el desarrollo
creativo, humano y estratégico convivieran de
manera coherente. A un año de ese punto de
partida, los resultados empiezan a hablar por
sí solos.
Uno de los ejemplos más sólidos de este recorrido
es La T y La M, que a lo largo del año
mantuvo una presencia constante en charts y
plataformas, alcanzando el puesto #1 del Top
50 en Argentina, Paraguay y Uruguay, manteniéndose
en los primeros puestos del Hot
100 de Billboard Argentina por más de un
año, ganándose así la portada de diciembre
del artista global más charteado del año en
Billboard.
Llegaron a la placa del millón de suscriptores
en YouTube y al triple platino de “Amor de
Vago” para cerrar un año de éxitos, consolidando
así, una trayectoria en constante crecimiento.
Para Contrera, estos logros responden
a una visión que se sostiene con trabajo:
“Nuestra marca es muy nueva y logramos más
cosas de las que teníamos en mente. No solo a
nivel artístico, sino también en cómo supimos
rodearnos de aliados que nos permitieron amplificar
cada paso”, menciona.
Artista desde su infancia, Contrera trae consigo
una historia personal marcada por el arte
y la producción. “Empecé a los seis años grabando
obras de mi papá, que era compositor.
De los 7 a los 14 giré por Argentina y países
limítrofes con una compañía de música, cantaba,
bailaba, yo era la cabeza de la compañía.
Fue enriquecedor y formativo, aunque implicó
estar mucho tiempo lejos de casa”, recuerda.
Más adelante, su camino continuó en estudios
de grabación y escenarios junto a figuras relevantes
como Leonardo Favio, Leo Dan, entre
otros, hasta convertirse en referente dentro del
ámbito de la distribución digital.
Más tarde llegaría la pandemia y la necesidad
de empezar a producir. Toda esa experiencia
dio lugar a Grace Music, su proyecto
más personal, en el que conviven su formación
artística, su visión estratégica y su compromiso
con los procesos a largo plazo.
Más allá de los números, el sello mantiene
una filosofía centrada en las personas detrás de
cada proyecto. La mirada de Grace Music busca
potenciar cada propuesta desde un enfoque
personalizado, que combina acompañamiento
editorial, decisiones estratégicas y un cuidado
detallado de cada contenido. “No nos da lo
mismo”, sintetiza Graciela, y eso se refleja en la
dedicación visible en cada etapa del proceso.
El año, además, estuvo marcado por un proceso
de construcción interna que fortaleció la
identidad del sello y definió su hoja de ruta a
futuro. Actualmente, Grace Music se encuentra
desarrollando una nueva imagen, su sitio
web oficial y una ampliación de los servicios
del sello. Parte de ese enfoque también se ve
en su espacio creativo: un entorno de trabajo
pensado para grabaciones, reuniones, lanzamientos
y encuentros entre artistas y equipos,
concebido como un lugar para crear, compartir
y crecer. “Creemos en la importancia de tener
en cuenta los objetivos y lo que necesitamos
para llegar a ellos, entonces mirar el proyecto
de manera panorámica para cubrir cada punto,
cada instancia y poder lograr los objetivos trazados
en cada etapa”.
Con la mirada puesta en 2026, Grace Music
se propone seguir expandiendo su estructura,
sumar nuevas firmas y fortalecer su red de
aliados. “Más allá del crecimiento, lo que buscamos
es seguir disfrutando lo que hacemos.
Cada decisión, cada logro y cada paso tienen
que estar alineados con eso: con construir un
proyecto que funcione, sí, pero sobre todo que
nos represente y nos entusiasme”, concluye
Contrera.
FOTO: GENTILEZA GRACEMUSIC
76 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

Rock en Baradero anuncia
un nuevo encuentro
Será el 3 y 4 de abril de 2026 en el Anfiteatro Municipal de la ciudad
bonaerense. Ya está disponible la preventa especial para fans con un
beneficio de 4 cuotas sin interés pagando con tarjetas del Banco Provincia.
ock en Baradero ya tiene nueva
fecha de encuentro. El festival
R
de rock más importante del país
llegará con su edición número 11 los próximos
3 y 4 de abril de 2026 para hacer vibrar
nuevamente a miles de personas en una experiencia
inigualable. Como cada año, será
en el Anfiteatro Municipal de la ciudad.
Baradero, en el corazón de la Provincia de
Buenos Aires, se transforma en la “República
del Rock” durante este encuentro. Es que el
festival se erige como una gran opción para
disfrutar de lo mejor del rock argentino. A
solo 150 kilómetros del Obelisco y a una
hora de Rosario, Rock en Baradero se vuelve
el epicentro del rock, donde los pogos interminables
y los coros multitudinarios forman
parte de una experiencia inigualable.
Una década reuniendo a públicos de todo
el país junto a consagrados artistas y abriendo
la escena a nuevos talentos emergentes,
apostando a una experiencia superadora que
cruza generaciones, expresiones culturales
y reafirma siempre el lugar excepcional que
tiene nuestra música argentina, orgullo de
todos.
Consolidado como el punto de encuentro
entre generaciones de músicos y público,
Rock en Baradero promete para 2026 un
cartel histórico lleno de leyendas y artistas
emergentes. El festival ya está confirmado
para dos jornadas cargadas de sorpresas, y
pronto se anunciará el line-up completo para
este clásico nacional esperado por miles de
personas.
En la edición 2025 se presentaron No Te Va
Gustar, Guasones, Conociendo Rusia, Juanse,
Los Auténticos Decadentes, Los Tipitos,
Las Pastillas del Abuelo, El Kuelgue, Damas
Gratis, Bersuit Vergarabat, La Delio Valdez,
Silvestre y La Naranja, 1915, Beats Modernos,
Jaze, Koino Yokan, Alan Sutton, Nafta,
Kapanga, Cruzando el Charco, Horcas, 2
Minutos, Ainda, Marttein, Vulka, La Mono,
Un Muerto Más, Juana Rozas, Daniela Milagros,
Mono Loco, AL7ER, Rocco Posca, Feli
Ruiz, Carmen Sánchez Viamonte, Pedro
Pastor y Reybruja.
Un poco de historia
Lo que comenzó como una aspiración hace
una década, hoy se ha convertido en un emblema
del rock argentino. Rock en Baradero es
sinónimo de una experiencia que va más allá
de lo musical. La ciudad se convierte en un
punto de encuentro, un refugio donde el rock
resuena en cada rincón y donde la música se
convierte en la principal protagonista de una
historia que se escribe cada año con más intensidad.
Cada edición trae consigo una propuesta
que fusiona las tradiciones más aferrada con
las emergencias más disruptivas, con artistas
que abarcan desde el rock clásico hasta las
nuevas tendencias, asegurando que el público
disfrute de lo mejor del pasado, del presente y
del futuro.
A lo largo de los años, Rock en Baradero se
convirtió en más que un festival: es un ritual
colectivo donde la pasión por el rock une generaciones.
Cada edición se vive con intensidad,
con banderas en alto, pogos memorables
y una energía que transforma al Anfiteatro
Municipal en el epicentro de la música nacional.
El festival también ha sido testigo de
momentos históricos, como la despedida de
Almafuerte en 2016, cuando la banda cerró la
jornada con un show inolvidable antes de su
disolución definitiva. En 2019, Riff volvió a
los escenarios después de 15 años y en 2020,
Ska-P protagonizó uno de los conciertos más
icónicos del evento, tocando para 10.000 personas
y ofreciendo un show que aún resuena
en la memoria de los asistentes.
FOTOS: GENTILEZA GONNA GO
78 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025

Tyla vuelve con “Chanel”, su nuevo single
La artista multiplatino regresa para conquistar al mundo con una nueva canción y un videoclip dirigido por Aerin Moreno.
T
yla, la superestrella
mundial multiplatino ganadora
del Grammy que
hizo historia en las listas
de Billboard con su álbum debut, se
está preparando para conquistar al
mundo una vez más con su último
single "Chanel".
La canción se publicó junto con un
videoclip dirigido por Aerin Moreno,
que se revela como una clase magistral
de elegancia, desde su moda hasta su
sutil tema y coreografía. Su mensaje es
a la vez metafórico y simple: "¿Dices
que me amas? Ponme en Chanel". El
método creativo de Tyla para asegurarse
de que las mujeres reciban sus
flores, ya que la canción rinde home-
naje al empoderamiento femenino.
Las raíces amapiano de Tyla, que
vienen siendo la base de su ascenso
al estrellato, están inequívocamente
integradas en la producción de la
canción, cortesía de Ian Kirkpatrick
y P2J, que atrae con confianza a la
leal base de fans de la cantante hacia
la pista de baile.
Esta nueva canción sigue al lanzamiento
de su primer mixtape, WWP,
que se lanzó en julio. El proyecto generó
la exitosa y codiciada colaboración
con WizKid, "DYNAMITE", que
generó más de 10 millones de visitas
en YouTube y les dio a los fanáticos
una idea de qué esperar en el regreso
de Tyla al estudio.
El proyecto también generó el innegable
himno, "Is It", que creó un
evento disruptivo con su propio video
musical, acumulando más de 20 millones
de visitas. Además de esto, Tyla se
viene manteniendo activa e impactante
en la escena, colaborando en el
álbum de regreso de Cardi B en "Nice
Guy" y vinculándose con el cantante y
compositor ghanés MOLIY en la colaboración
"Body Go".
Luego de una gira que comenzó en
Tokio el pasado 11 de noviembre (y la
llevó por Bangkok, Hong Kong, Manila
y Singapur), la cantante recalará
en el Festival Global Citizen en Nueva
York, junto a algunos de los nombres
más importantes de la música, incluidos
The Weeknd y Shakira.
Tyla ha seguido subiendo de rango
en el estrellato. Ha iluminado los
titulares de Vogue y AdWeek con
su dominio multifacético, incluyendo
apariciones en la Met Gala y
una campaña viral de Coca-Cola.
Se ha convertido en una embajadora
de marcas de renombre, incluida
una extensa relación con Pandora
que produjo un amuleto de edición
limitada a principios de este mes, el
"Tyla Tyger", que lleva el nombre de
su amada base de fans. El amuleto,
grabado con la insignia de "tigre" de
Tyla, está disponible exclusivamente
a través de los minoristas en línea de
Pandora en América del Norte.
FOTO/S: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA
80 BILLBOARD.AR DICIEMBRE 2025 DICIEMBRE 2025
BILLBOARD.AR 81

Emergentes
NECH
Memu
Este Verano No Fui A La Playa
Este Verano No Fui A La Playa
presenta Boulevard Marítimo, su
nuevo álbum que recorre historias y
personajes en contacto con el mar.
Producido por Estanislao López y
editado por Casa del Puente Discos,
el disco retrata la vida cotidiana de la
ciudad costera entre el ruido de las
olas y el paso del tiempo. El sonido
del grupo se ubica entre indie rock y
pop alternativo, y cada tema funciona
como un registro de fragmentos
de verano. La producción se enfoca
en detalles que recrean la cadencia
de la costa y el aire salino.
Formado en Mar del Plata, el grupo
desarrolla canciones colectivamente,
tomando como eje la experiencia
urbana y costera. Sus presentaciones
en salas y festivales locales
muestran una propuesta que combina
narrativa y música, incorporando
elementos de la escena indie regional
y conectando con referentes del
pop alternativo argentino.
“El Sol Cubre Todo” marca un nuevo
paso en la carrera de NECH, siguiendo
la línea iniciada con “Ángel”. El
tema se mueve entre post-punk, britpop
y folk, con una letra introspectiva
y una producción que combina capas
de guitarras y texturas electrónicas.
Este single funciona como segundo
adelanto del álbum debut, previsto
para fin de año, y llega acompañado
de un videoclip disponible en su canal
de YouTube, en el que el cantante se
muestra como protagonista de su
propio universo sonoro.
El artista desarrolla su proyecto desde
distintos frentes: además de cantante
e instrumentista, domina piano,
guitarra y bajo, y se involucra en
composición y producción. Su trayectoria
incluye presentaciones en
bares del circuito porteño y salas de
gran escala como el Teatro Ópera y
Obras Sanitarias, así como colaboraciones
con artistas internacionales
y proyectos escénicos musicales.
SAUTU y VALENLU
“no digas quiennn” marca un nuevo
paso en la escena urbana argentina,
con la colaboración entre SAUTU
y VALENLU. El tema combina sexy
drill y trap melódico, sobre un beat
que sostiene el diálogo entre ambas
voces y estructura la canción. El videoclip
acompaña la propuesta con
un juego visual de loop: set blanco,
tele antigua repitiendo la misma toma
y ambos artistas frente a su propia
imagen, generando un efecto donde
realidad y proyección se cruzan. Los
atuendos negros, lentes oscuros y referencias
a Matrix consolidan la estética
del registro, que combina guiños
retro y futuristas.
UTAH presentó este año Mínima Histeria,
su primer EP, que marca el camino
que Javier Núñez y Alan Mansur
vienen trazando desde su llegada a la
ciudad. La convivencia diaria derivó
en un método de trabajo que combina
programación, ejecución en vivo y
una dinámica que oscila entre ensayo
intensivo y experimentación doméstica.
El dúo propone un formato donde
la electrónica se cruza con decisiones
de interpretación en tiempo real,
un enfoque que empezó a generar
atención en el circuito post pandémico
porteño.
Sus presentaciones en salas y espacios
independientes muestran un
proyecto que dialoga con la escena
electrónica emergente y con otras
propuestas híbridas de la ciudad,
consolidando un lugar dentro de
un mapa sonoro que todavía está
en movimiento. Este nuevo trabajo
funciona como registro de esa búsqueda
y como primer trazo de un proyecto
que sigue explorando límites y
formatos.
Boulevard Marítimo
ESTE VERANO NO FUI A LA PLAYA
“El Sol Cubre Todo”
NECH
“no digas quiennn”
SAUTU Y VALENLU
Mínima Histeria
UTAH
82 BILLBOARD.AR
DICIEMBRE 2025