VOL ESPECIAL CINE Y SERIES 2025

NÚMERO ESPECIAL CINES Y SERIES 2025

ÍNDICE

Volumen Especial Cine y Series 2025

NouArte Magazine

EDITORIAL

Carta de la Editora

Introducción · El cine y las series como espejo del presente

ENTREVISTAS

Israel Elejalde

María Adánez

Maribel Salas

Claudia Mora

Biel Antón

Diego Vidales

Iván Prados

María Vázquez

(Conversaciones en torno al presente del audiovisual, la industria y la forma de mirar y

consumir cine y series hoy.)

ARTÍCULOS · ANÁLISIS

El audiovisual español en 2025: éxito, visibilidad y contradicciones

Thriller, trauma y silencio: por qué el drama psicológico domina el audiovisual español.

Mujeres, edad y desaparición: cuando cumplir 50 significa desaparecer de la pantalla.

Plataformas, ¿aliadas creativas o jaulas invisibles?

OPINIÓN · COLUMNAS

Ser actriz no debería tener fecha de caducidad

El éxito ya no basta: ahora también tienes que existir en redes

Ir al cine como acto emocional y cultural

PIEZA PROVOCADORA

El audiovisual español no es tan igualitario como creemos

GUÍA NOUARTE

Colaboraciones y publicidad

Contacto

Próximos volúmenes


CARTA DE LA

DIRECTORA

Por Nerea Fergom

Por segundo año consecutivo me siento frente al ordenador para dedicar un número especial al

audiovisual español. Y no es casual. En un momento marcado por la inmediatez, el individualismo y el

ruido constante, el cine y las series siguen siendo una de las herramientas culturales más poderosas que

tenemos como sociedad.

En un año de consolidación tanto para el cine como para las series, resulta más importante que nunca

detenernos a mirar. A comprender. A recordar. El audiovisual no solo entretiene: nos ayuda a cerrar

heridas, a aprender, a generar empatía y a mirar al otro desde un lugar más humano. En un tiempo en el

que parece que olvidamos nuestra propia historia, las historias que se cuentan en la pantalla se

convierten en un espacio de memoria, reflexión y diálogo.

Aún queda mucho trabajo por hacer. En colectivos como el LGTBIQ+, frente al racismo, el machismo, los

conflictos generacionales o las desigualdades que siguen atravesando a las mujeres. El cine y las series

no resuelven estos problemas, pero sí nos ayudan a entenderlos, a nombrarlos y a cuestionarlos. Y eso

ya es un primer paso imprescindible.

2025 ha sido un año especialmente fértil para el audiovisual español. Hemos visto crecer nuevos

proyectos, nuevos personajes y miradas más diversas en pantalla. Se ha reforzado el respeto por

nuestra cultura, nuestros territorios y nuestras lenguas. Sin embargo, no podemos caer en la

autocomplacencia. Persisten desigualdades evidentes entre hombres y mujeres dentro de la industria.

Siguen existiendo clichés en la representación de personas LGTBIQ+ o de origen extranjero. Y continúa

siendo una asignatura pendiente la diversidad real de cuerpos y edades en pantalla.

Este no es un trabajo exclusivo de la industria, aunque la industria tiene una responsabilidad

fundamental: crear proyectos y personajes más justos, complejos y representativos. Pero también es un

trabajo colectivo. Como sociedad, debemos apoyar esas historias, entenderlas, consumirlas y permitir

que nos incomoden y nos transformen.

Este volumen especial nace con esa intención: observar el presente del audiovisual español con espíritu

crítico, pero también con admiración y respeto. Escuchar a quienes están delante y detrás de la cámara.

Preguntarnos dónde estamos y hacia dónde queremos ir.

Mi agradecimiento más sincero a todas las personas que han participado en este número y que han

dedicado unos minutos de su tiempo a compartir su mirada sobre su año profesional y sobre la industria

que habitamos. Y gracias, también, a todas las personas que hacen posible el audiovisual español cada

día, desde los lugares más visibles hasta los más invisibles.

Porque el cine y las series no solo reflejan quiénes somos.

También pueden ayudarnos a decidir quiénes queremos ser.

ENTREVISTA

NÚMERO ESPECIAL CINE Y SERIES 2025

J O E L

BOSQUED


JOEL BOSQUED

Con una trayectoria marcada por la naturalidad y la intensidad, Joel Bosqued vuelve a

demostrar su solidez interpretativa en El Clan Olimpia, una serie que combina acción,

drama familiar y un trasfondo social tan crudo como real. En esta conversación con

Nerea FerGom para NouArte Magazine, el actor reflexiona sobre los dilemas morales

que plantea la historia, la salud mental, la familia y la delgada línea entre la necesidad

y las decisiones que cambian una vida para siempre.

Entrevista de Nerea FerGom

Agradecimientos a Paloma Juanes

Nerea FerGom: El Clan Olimpia ha generado una gran

expectación desde su estreno. ¿Qué fue lo que más le

atrajo de esta historia y de su personaje?

Joel Bosqued: Por supuesto la historia en sí es basada en

hechos reales es muy potente.

Pero sin duda es una historia de superación familiar y donde

el narcotráfico no está asociado al lujo ni el poder. Si no una

familia ante una enfermedad y una necesidad cono mica para

intentar combatir esa enfermedad se me metida en el tráfico

de drogas con el único fin de salvar a Alex.

Alex es un personaje real, donde se metido en una depresión

ante una situación clínica delicada. Dando visibilidad a la salud

mental.

NFG: Es una serie que combina acción, intriga y conflicto

emocional. ¿Cómo trabajó ese equilibrio en su

interpretación?

JB: Yo creo que todo el trabajo del equipo técnico y artístico

hacen posible que todo el reparto hace que haya un equilibrio

muy bueno en la interpretación. Siendo constantes de hacia

dónde va en todo momento cada personaje.

NFG: Usted ha participado en proyectos de gran impacto

televisivo. ¿Cómo percibe el crecimiento del formato serie

en España?

JB: Bueno en España hacemos cosas increíbles y siempre ha

sido así. Con los presupuestos que barajamos en nuestro país

hacemos auténticas ficciones a un nivel grandísimo. Y eso es

gracias que todas las personas que trabajamos en el sector lo

hagamos lo mejor que sabemos. Sin importar los medios o

presupuesto que tenemos.

NFG: ¿Qué ha supuesto este rodaje a nivel personal y

profesional?

JB: Yo creo que al final lo personal y lo profesional va de la

manos. Cada día en cada situación personal o laboral nos

vamos forjando, aprendiendo y equivocando. Y por supuesto

des pues del clan Olimpia me he sentido enriquecido en

músculos aspectos.

NFG: ¿Qué mensaje cree que deja El Clan Olimpia al

espectador?

JB: Superación , amor , problemas reales como puede ser la

depresión o en ciertos momentos de necesidad no tomar las

decisiones correctas . Pero quién soy yo para juzgar a una

mujer que quiere salvar a su marido para pagarle un

tratamiento . Como es la manera más rápida de conseguir ese

dinero ..

NFG: ¿Cómo percibe el estado actual del cine y las series

en España?

JB: Creo que es un buen momento, hay mucha gente muy

buena detrás, los que llevan toda la vida, los que llevamos

media vida, los que están empezando.

Tenemos decorados naturales increíbles, unos platos a la

altura de cualquier país.

NFG: ¿Cree que la forma de ver cine y series —ya sea en

plataformas, salas o festivales— está cambiando

definitivamente? ¿Y cómo lleva personalmente esa

inmediatez, la irrupción de la inteligencia artificial y las

redes sociales en la profesión?

JB: Todo tienes su pros y sus contras en general me gusta .

Quizá lo más complicado es elegir el que ver.

NFG: ¿Qué le pide profesionalmente al 2026?

JB: Que todo siga igual.

NFG: Para terminar, una recomendación personal: ¿Qué

película, corto, documental o serie de 2025 recomendaría

a nuestros lectores?

JB: Por supuesto les diría que intenten ver todo lo que puedan

ya que hay muchas personas y familias detrás de todo lo que

se hace.

Hace poco vi Gone girl ( David Fincher )

No la había visto y me gustó.

ENTREVISTA


J O S É L U I S

ARTÍNEZ


JOSÉ LUIS

MRTÍNEZ

En esta conversación para NouArte Magazine, dentro de su Volumen Especial de Cine y

Series, Martínez reflexiona sobre el proceso de construcción de su personaje, la

complicidad en el rodaje, la madurez del audiovisual español y su manera de

enfrentarse a un oficio en constante transformación.

Entre líneas, deja ver una filosofía clara: apostar siempre por los proyectos que

despierten pasión, emoción y verdad.



NFG: Legado aborda el suspense desde un punto de vista

muy humano. ¿Qué le interesó del proyecto y de su papel

en esta historia?

JLM: Cuando te llega un guion y no puedes parar de leer es

porque lo que tienes delante te interesa. El personaje de

Enrique me fascinó. Dentro de lo truculento de las tramas que

se plantean, él representa al hombre honesto y que defiende

la verdad por encima de todo. También me interesó trabajar

el misterio que rodea su relación con Federico.

NFG: ¿Cómo fue el rodaje?

JLM: Lo disfruté mucho. Me enfrentaba al reto de un

personaje con escenas de mucha emoción y eso te obliga a

una concentración muy especial. Trabajar con José Coronado

ha sido fantástico. Creo que llegamos a un grado de

complicidad que ha sido fundamental para crear esta relación.

NFG: ¿Qué diría que diferencia a Legado dentro del actual

panorama de thrillers españoles?

JLM: Destacaría el enorme esfuerzo de la producción en dotar

a la serie de ese ambiente de poder en el que se desarrolla y

lo pegada que está a la realidad que nos acontece.

NFG: ¿Cómo se prepara para proyectos tan exigentes

emocionalmente como este?

JLM: Siempre parto de un estudio profundo del personaje y

las circunstancias por las que pasa. Luego tener una partitura

de todo lo que ocurre y la temperatura emocional de cada

momento. La complicidad con el compañero es fundamental.

Además, hay que confiar en la magia que se produce cuando

se escucha: ¡acción!


en España?

JLM: Creo que estamos en un momento dulce tanto por la

cantidad como la calidad de los proyectos.






JLM: Intento ver las películas en los cines y las series en casa.

Creo que cada formato requiere de su propio soporte. Si la

usamos correctamente, la inteligencia artificial puede ser una

buena herramienta. Carezco de redes sociales.


JLM: Proyectos que tenga que pueda aceptar desde el

apasionamiento y no para pagar facturas.




JLM: Barriendo para casa, recomiendo Sorda y la serie Furia.

NFG: ¿Qué cree que encontrará el público cuando vea la

serie?

JLM: Drama familiar de alta intensidad, luchas de poder,

corrupción, momentos divertidos, emociones de todo tipo y

reconocer nuestra historia más reciente.

ENTREVISTA


C R I S T Ó B A L

SUÁREZ


CRISTÓBAL SUÁREZ

Con una trayectoria marcada por la solidez y la sensibilidad interpretativa, Cristóbal

Suárez vive un momento de madurez artística con La Encrucijada, una de las series más

vistas del año. En esta conversación con Nerea FerGom para NouArte Magazine, el actor

reflexiona sobre los factores que han hecho del proyecto un éxito rotundo, la dualidad

de su personaje



NFG: La Encrucijada ha conectado con un público enorme.

¿Qué cree que ha hecho que la serie funcione tan bien?

Cristóbal Suárez: Es un formato que ya ha demostrado ser

muy efectivo y que apuesta por fidelizar al publico a través de

tramas de largo recorrido en las que se mezclan la familia, el

amor, la ambición y la venganza y en el caso de nuestra serie

con una sensación muy buena de que la acción avanza y

siempre están “pasando cosas” y creo que ese es el gran

acierto de La Encrucijada.

NFG: ¿Cómo definiría la esencia de su personaje y qué le

interesó de él?

CS: Álvaro en un personaje acostumbrado a que todo le salga

bien, triunfador y carismático, pero que se va tener que

enfrentar a ser desterrado del paraíso y eso va a hacer que

surja ese lado más oscuro, ambicioso y vengativo que en

realidad siempre había estado ahí. Va a cometer muchos

errores pero también va a tener la oportunidad de

subsanarlos.

NFG: Usted es un actor que combina proyectos

televisivos, teatrales y cinematográficos. ¿Cómo se

adapta a cada lenguaje?

CS: Pues no es tan complicado como puede parecer. Es

verdad que son lenguajes diferentes y las dinámicas de

estudio y preparación cambian un poco, pero en esencia el

trabajo es el mismo, tratar de empatizar con el personaje y

que el publico también lo haga, y disfrutar, sobre todo

disfrutar, porque es un oficio hermoso.

NFG: ¿Qué le gustaría que el espectador se llevara tras ver

La Encrucijada?

CS: Me gustaría que los espectadores sean fieles a los

personajes y las tramas y la serie esté a la altura de lo que

cada una busque y espere de ella.


en España?

CS: Creo que es un momento de muy bueno a nivel creativo,

los guiones cada vez son mejores, la escritura, que es donde

se gestan los proyectos es cada vez mejor y se nota que los

proyectos crecen sólidos porque desde abajo se construyen

de forma mas certera y eficiente.

Siempre se pueden mejorar las condiciones de trabajo y ahí si

que hay margen de mejora, sacar una serie adelante sigue

siendo un esfuerzo titánico sobre todo para el equipo técnico,

la dedicación y las horas son la mayoría de las veces

inhumanas y hay que enlazar un proyecto detrás de otro y

eso les deja exhaustos.






CS: Vuelvo a lo mismo, el oficio de la interpretación al final es

el mismo, cambian las condiciones y los leguajes y los

formatos pero la esencia es la misma, eso no cambia. Como

interpretes debemos seguir siendo fieles a nuestro instinto y

siempre nos acabamos adaptando al los cambios aunque el

modelo de consumo y las modas cambien. Pero sí que

tenemos que mirar para que nadie se quede atrás y que esta

profesión que es de trabajo en equipo lo siga siendo y

cuidemos toda la cadena que la hace posible. Intuyo que la IA

va a afectar mucho a los modelos de producción, pero el

factor humano es insustituible.


CS: Bueno, pues le pido seguir emocionándome con lo que

hago y seguir admirando y viendo crecer a mis compañerxs

alrededor y crecer con ellos. Seguir aprendiendo en cada

nuevo proyecto.




CS: Pues película, si todavía no la habéis visto os diría que

vierais Sirat y que la compartáis con alguien cercano que

vayáis al cine juntas y viváis la experiencia que no os va a

dejar indiferentes. Y serie os recomiendo Normal People, una

serie intima que se te mete muy dentro con dos actores

deliciosos, Daisy Edgar-Jones y Paul Mescal, si la ves, no los

olvidarás. Y por último el documental No Other Land, Oscar a

mejor documental que nos permite acercarnos a la realidad

devastadora de la comunidad palestina desplazada

forzosamente de la Cisjordania ocupada ilegalmente por el

estado de Israel. Un acto de resistencia para que no

olvidemos.


EL AUDIOVISUAL

ESPAÑOL EN 2025

Éxito, visibilidad y contradicciones

El audiovisual español atraviesa uno de sus momentos más visibles y celebrados. Series que viajan, películas que compiten en

festivales internacionales, intérpretes que cruzan fronteras y plataformas que apuestan por historias locales con ambición

global. Desde fuera, el relato parece claro: vivimos una etapa de esplendor. Sin embargo, basta rascar un poco la superficie

para descubrir que este éxito convive con tensiones, desigualdades y preguntas que aún no tienen respuesta.

Nunca se había producido tanto ni se había visto tanto

contenido español como ahora. Las plataformas han

abierto una ventana inmensa: Netflix, Prime Video, HBO

Max o Filmin han convertido el audiovisual nacional en un

producto exportable, reconocible y, en muchos casos,

prestigioso. El thriller psicológico, el drama social y las

miniseries de alto impacto emocional se han consolidado

como formatos dominantes. Historias intensas,

personajes rotos, narrativas contenidas que conectan con

una audiencia cada vez más acostumbrada a consumir

ficción desde la intimidad del hogar.

Pero el éxito no siempre es sinónimo de estabilidad. La

visibilidad no garantiza continuidad. Tras cada estreno

celebrado hay profesionales que encadenan largos

periodos de incertidumbre, carreras que avanzan a saltos

y una industria que sigue siendo frágil para muchos de los

que la sostienen. El volumen de producción ha crecido, sí,

pero también lo ha hecho la velocidad, la presión y la

exigencia de resultados inmediatos.

El cine español, por su parte, sigue luchando por

mantener su espacio en las salas. Mientras las series

viven un momento dorado, la experiencia colectiva del

cine se debilita. Ir al cine ya no es un gesto cotidiano, sino

casi un acto de resistencia cultural. Y, sin embargo,

cuando las películas encuentran su lugar —en festivales,

estrenos o boca a boca— demuestran que el público sigue

necesitando ese ritual compartido, esa emoción que solo

ocurre frente a una pantalla grande.

A esta transformación del consumo se suma otra capa: la

exposición constante. Hoy, el trabajo ya no termina

cuando acaba el rodaje. Actores, actrices y creadores

deben existir también en redes sociales, construir una

identidad pública, ser visibles, cercanos, constantes. El

talento ya no parece suficiente si no va acompañado de

presencia digital. El audiovisual se ha convertido, en

parte, en un escaparate continuo donde la frontera entre

lo profesional y lo personal es cada vez más difusa.

Y es aquí donde aparecen las contradicciones más

profundas. Aunque el discurso del sector habla de

diversidad, igualdad y oportunidades, la realidad sigue

mostrando desequilibrios evidentes: menos mujeres

trabajando a partir de cierta edad, menos protagonistas

femeninas maduras, más presión estética sobre los

cuerpos de las actrices, y una desigualdad estructural que

se maquilla mejor de lo que se corrige. El éxito colectivo

no se reparte de forma equitativa.

Este volumen especial de NouArte nace precisamente de

esa tensión. De la necesidad de celebrar el gran momento

del audiovisual español sin caer en la complacencia. De

escuchar a quienes están delante de la cámara, pero

también de mirar el contexto que los rodea. De

preguntarnos qué historias estamos contando y, sobre

todo, quién tiene realmente la oportunidad de contarlas

.

El audiovisual español de 2025 es ambicioso, valiente y

creativo. Pero también es exigente, desigual y, en

ocasiones, implacable. Reconocer ambas caras no debilita

el relato; lo hace más honesto. Y quizá solo desde esa

honestidad podamos imaginar un futuro más justo, más

sostenible y, sobre todo, más humano para quienes dan

vida a nuestras historias.

Escrito por Nerea FerGom


THRILLER, TRAUMA Y

SILENCIO

¿Por qué el drama psicológico domina el

audiovisual español?

El audiovisual español lleva tiempo mirando hacia dentro. Lejos del exceso, del artificio o del espectáculo grandilocuente,

muchas de las series y películas que han marcado los últimos años apuestan por el silencio, la tensión contenida y los

conflictos emocionales no resueltos. El thriller psicológico se ha convertido en el lenguaje dominante de nuestra ficción

reciente, no tanto como un género, sino como una forma de contar el mundo.

Series como Dos tumbas, Antidisturbios, Querer, La ruta o

Nos vemos en otra vida comparten una misma pulsión: no

explicarlo todo, no subrayar, confiar en el peso de los

personajes y en aquello que se dice —y se calla—. Son

historias atravesadas por el trauma, por heridas

individuales y colectivas que no siempre encuentran

redención. Y quizá por eso conectan tan profundamente

con el espectador contemporáneo.

Vivimos en una época marcada por la incertidumbre, la

polarización y una sensación constante de fragilidad. El

drama psicológico no propone respuestas claras; propone

preguntas incómodas. ¿Quiénes somos cuando el sistema

falla? ¿Qué ocurre cuando la violencia no es un estallido,

sino una presión constante? ¿Cómo se sobrevive al daño

cuando no hay héroes ni villanos evidentes? El thriller

español actual no busca tranquilizar, sino incomodar

desde lo emocional.

En Antidisturbios, la tensión nace de lo cotidiano, de la

normalización de la violencia institucional y del conflicto

moral de sus personajes. En Dos tumbas, el suspense se

construye desde el dolor, desde el duelo y la culpa que

arrastran quienes intentan recomponerse tras una

pérdida. En Querer o La ruta, la narrativa se apoya en

personajes que no logran escapar del peso de su pasado,

atrapados en una identidad que se desmorona.

Los personajes ya no buscan ser simpáticos ni ejemplares;

buscan ser creíbles. Y en esa credibilidad radica gran

parte de la potencia de estas historias.

El éxito del drama psicológico español no es casual. Es el

resultado de guiones que se atreven a incomodar, de

direcciones que confían en el tempo narrativo y de

intérpretes dispuestos a habitar zonas oscuras sin

necesidad de explicarlas. Pero también es reflejo de un

país que se piensa a sí mismo a través de la ficción, que

utiliza el audiovisual como espacio de reflexión colectiva.

En un mercado saturado de estímulos rápidos, estas

series y películas apuestan por lo contrario: por

detenerse, por mirar de frente aquello que duele, por no

ofrecer finales fáciles. Y quizá ahí esté la clave de su éxito.

En un mundo ruidoso, el silencio —bien contado— se ha

convertido en una de las formas más honestas de narrar

nuestro tiempo.

Este tipo de ficción exige un espectador activo. No se

consume de fondo. Obliga a mirar, a escuchar, a habitar el

ritmo pausado de escenas que respiran incomodidad. El

silencio, lejos de ser un vacío, se convierte en un espacio

cargado de sentido. Las miradas, los gestos mínimos, los

tiempos muertos dicen tanto como los diálogos. Es un cine

y una televisión que confían en la inteligencia emocional

del público.


ENTREVISTA


C L A U D I A

MORA


CLAUDIA MORA

Tras su paso por el Festival de San Sebastián, Claudia Mora se consolida como una de

las jóvenes voces más prometedoras del cine español. En Parecido a un asesinato,

dirigida por Antonio Hernández, se enfrenta a un personaje complejo y

emocionalmente exigente que marca su debut en la gran pantalla. Conversamos con

ella sobre los retos del rodaje, su experiencia en el festival y su mirada optimista sobre

el presente y el futuro del cine.



NFG: ¿Qué le atrajo de Parecido a un Asesinato y de su

personaje dentro de esta historia tan intensa?

Claudia Mora: Lo primero que me atrajo de parecido a un

asesinato fue el director, Antonio Hernandez, es un director

importantísimo en en nuestro país y también los actores que

son profesionales increíbles y míticos en la profesión. A mí la

película en sí no me llegó, sino que la busqué. Vi el Casting en

Instagram,

en una publicación, y decidí presentarme y por suerte me

cogieron. Más adelante, cuando leí el guion , me sumergí en la

historia y la verdad es que me enganchó muchísimo. Al igual

que el personaje de Ali, es un personaje muy difícil y muy

alejado de mí y era un gran reto y eso también incentivó las

ganas de participar en la película.

NFG: La película tiene un tono psicológico y emocional

muy potente. ¿Cómo se prepara para un papel con tanta

carga?

CM: Al principio con mucho respeto y un poco de susto, ya

que era mi primera vez en una película.

Antonio me acompañó en todo el proceso de creación del

personaje y estuvo sosteniéndome y guiándome en todo

momento. Mis compañeros también me ayudaron muchísimo

y me abrazaron durante todo el rodaje.

NFG: ¿Cómo fue estrenas en el Festival de San Sebastián y

del encuentro con el público?

CM: Estrenar en San Sebastián fue un sueño, un regalo, una

experiencia increíble que desearía volver a vivir. El público fue

maravilloso y toda la experiencia del festival

todo fue abrumador y precioso.

NFG: ¿Qué le gustaría que quedara en el espectador

después de ver esta película?

CM: Me gustaría que el público no se quedase indiferente, que

viviesen el viaje con cada

personaje y sobre todo que saquen sus propias conclusiones y

teorías , al final la película ya no es nuestra es del público.


en España?

CM: Hablando desde mi conocimiento prematuro y mi

optimismo, creo que hay muchísima variedad de series

y cine y que al estar al alcance de casi todo el mundo gracias a

las plataformas es algo muy positivo. En cambio, el ir al cine a

ver pelis es cierto que es algo que ya no es tan habitual, y me

entristece mucho, cuando se va al cine no es solo a ver la

película es a vivir una experiencia y no me gustaría que eso se

perdiese.






CM: Si ,creo que está cambiando la forma de ver cine y series ,

las plataformas facilitan mucho a la hora de ver una peli o una

serie porque es algo que está al alcance de

todos y es algo muy positivo, al igual que hay muchísima

variedad de series y películas, lo cual también es algo que a

mí me da tranquilidad y esperanza en la industria ya que hay

más oportunidades para gente que está empezando, como es

mi caso. Es cierto que tiene puntos negativos, poco a poco se

va perdiendo la costumbre de ir al cine y disfrutar de una

película, el acto social de ir al cine a ver una película es algo

que me encanta , lo disfruto muchísimo y es algo que

culturalmente creo que enriquece mucho como sociedad.

Creo que es importante reivindicar y fomentar el volver a la

salas de cine. Y las redes sociales es un tema, a mi es algo que

me cuesta un poco, yo uso las redes sociales como “diario

personal” por así decirlo, subo fotos que me gustan y de mi

vida y no suelo pensar mucho en lo que tengo que subir. Es

cierto que es una gran herramienta de trabajo y creo que

también es necesaria si se utiliza de una forma responsable.


CM: Le pido mucho trabajo, ya sean películas, series o teatro,

estoy abierta a todo lo que se haga con cariño e ilusión.




CM: Recomendaría Molt Lluny de Gerard Oms.

ENTREVISTA


I S R A E L

ELEJALDE


ISRAEL ELEJALDE

Actor, director y una de las voces más lúcidas del panorama escénico español, Israel

Elejalde vuelve a la televisión para reencontrarse con un personaje icónico en Física o

Química: Nueva Generación. Desde su mirada crítica y apasionada, reflexiona sobre la

evolución del audiovisual español, el poder de la nostalgia, y cómo el cine y las series

siguen transformando la forma en que entendemos las historias.



NFG: ¿Qué le llevó a aceptar volver al universo de Física o

Química con un personaje tan emblemático como el

director del Zurbarán?

Israel Elejalde: Me apetecía formar parte de una serie como

Física o Química que marcó una época en la televisión de

nuestro país. Además el reparto me gustaba mucho. Coincidir

con Itziar Miranda y Silma López era un aliciente.

NFG: La serie ha sido un fenómeno generacional. ¿Cómo

ha cambiado su mirada sobre aquel universo?

IE: Ha cambiado mi mirada porque he cambiado yo y la

sociedad. Hacer una serie que retrata a las generaciones

jóvenes te plantea cuanto has cambiado tú respecto a ellas.

Ver como uno comparten miedos e incertidumbres que tu

tenías a esa edad y ver otros que han cambiado por completo.

Me encantó también aprender expresiones para mí

desconocidas y observar cómo algunas de mi época siguen

ahí vigentes aún.

NFG: ¿Cómo vive la evolución del audiovisual español

desde dentro?

IE: Disfruto mucho de como la televisión en nuestro país ha

aumentado de manera exponencial su ambición, tanto en el

contenido como en la calidad a la hora de rodar. Series como

“Veneno”, “Antidisturbios”, “Querer”,

“Yo, adicto”, “La ruta”, “Nos vemos en otra vida” y tantas otras,

demuestran que la ficción española está al mas alto nivel y

que somos capaces de abordar cualquier género con una

altísima calidad.

NFG: ¿Qué papel cree que tiene la nostalgia en la forma de

conectar con el público actual?

IE: La nostalgia nos lleva a querer rememorar quienes fuimos.

A disfrutar de poder estar “ahí” de nuevo. Y la televisión es

maravillosa para realizar ese salto espacio temporal. Ahora

bien, es un arma de doble filo, porque si no produces algo que

esté relacionado con el presente, si ese juego con la nostalgia

no está basado en unos guiones que te interpelen también en

lo actual, uno tiene la sensación de que lo que ve no tiene

relación real con lo que recuerda.


en España?

IE: Se están haciendo cosas de mucha calidad. Y a pesar de

que nuestro país no maneja una situación financiera en sus

producciones como otros países los resultados son muy

buenos. Este año se ha hecho cine de mucha calidad: Sirat,

Romería, Los domingos, Maspalomas, La buena suerte, etc.






IE: La forma de ver ficción ha cambiado. Es un hecho. Las

plataformas han transformado todo, pero también la

tecnología. Ahora mismo tener un proyector en casa o una

tele de mas de 50 pulgadas está al alcance de mucha

gente. Así que eso te permite hasta ver las cosas en casa con

una calidad impensable hace 20 años. Y después está la

oferta. Hay tanta que a veces tardas tanto en decidirte como

el tiempo que gastas en ver lo elegido.

Ahora bien, ir al cine a una sala, es algo insustituible, y aunque

haya gente que lo hace menos asiduamente, lo seguirá

haciendo. No hay nada más emocionante que compartir una

buena película con una sala llena que respira al unísono.


IE: Seguir teniendo la oportunidad de trabajar en proyectos

interesantes. Lo normal, siendo actor, que es una de las

profesiones con mas incertidumbre.




IE: He dado algunas referencias en las respuestas anteriores.

Añadiré “La última llamada” un documental sobre los

presidentes que ha tenido la democracia

española. Y que vean “El centro” que es una serie fantástica.

ENTREVISTA


L U C A S

NABOR


LUCAS NABOR

Con Legado, una de las series más comentadas del año, Lucas Nabor confirma su

versatilidad interpretativa y su capacidad para habitar personajes complejos, ambiguos,

entre la luz y la sombra. El joven actor se adentra en un universo donde el éxito, la imagen

y la herencia emocional se entrelazan con el drama y el suspense. En esta conversación con

NouArte, reflexiona sobre los dilemas de su personaje, el momento brillante que vive la

ficción española y cómo las nuevas generaciones de intérpretes asumen con naturalidad

los retos de una industria en constante transformación.



NFG: Legado ha sido uno de los grandes estrenos del año. ¿Cómo fue el

proceso de incorporación al proyecto y qué le motivó de su personaje?

Lucas Nabor: El proceso de incorporación fue una sorpresa total, no pensé

que me fueran a dar un personaje como ese, un personaje que viaja entre el

galán y el psicópata, entre la pureza y la maldad, un personaje muy ambiguo,

y creo que era eso mismo lo que me motivaba que realmente era un

personaje que se podía dibujar de muchas maneras.

NFG: ¿Cómo fue el rodaje?

LN: Fue un rodaje largo, yo no tuve demasiadas sesiones pero las tuve muy

repartidas a lo largo de toda la duración del proyecto así que estuve muchos

meses implicado. Para mí fue un rodaje en el que debía salir un poco de la

zona de confort y enfrentarme bastante a mis miedos y eso inevitablemente

me hizo estar inseguro, sin embargo, esta inseguridad unida a la

obligatoriedad de

sacarlo adelante es lo que me llevó a encontrar herramientas nuevas y por lo

tanto a crecer. Creo que el rodaje para mí fue eso, me ayudó a empaparme

de todos mis compañeros, aprender y crecer.

NFG: La serie combina drama, suspense y reflexión sobre la herencia

emocional. ¿Cómo trabajó usted esa complejidad?

LN: Bueno leí varias veces todos los guiones para intentar extraer un poco la

esencia o los temas de los que trataba. Creo que es una serie que

principalmente habla de la importancia que se le da a la imagen de uno

mismo en la sociedad, el éxito o el fracaso en esta sociedad de clases, cómo

esta concepción del éxito o el fracaso viene dada por una educación que

imprime también los traumas y complejos generación tras generación y que

son los que condicionan la autoimagen que quieres “salvar”. Yo viendo estos

temas construí una historia de un chico que ve una oportunidad, gracias a

que es joven y que tiene cierto magnetismo sexual, de introducirse en un

ambiente que claramente le acerca a esa idea de éxito que persigue, que le

acerca a todo eso que busca o que se espera de él, pero que esa juventud le

lleva también a pasarse de listo. Debido a la ambigüedad del personaje yo

sentí que posiblemente no solo persiga el éxito de manera egoísta, creo que

también se deja llevar porsentimientos reales, aunque ni siquiera él sabe

cuál es la verdad. No lo sabía ni yo, jajaja, creo que la vida es así.

NFG: ¿Qué ha significado para usted formar parte de una producción

tan ambiciosa dentro de Netflix?

LN: Creo ha significado un paso grande entrar en una plataforma como

Netflix dónde el número de espectadores que ve el proyecto se multiplica

exponencialmente. Creo que me ha hecho crecer como ya he dicho esa idea

de exposición y creo que ha sido un regalo que confíen en mí y poder

trabajar con actores y actrices de la talla de Belén Cuesta o José Coronado.

NFG: ¿Qué cree que hace de Legado una historia distinta dentro del

panorama actual?

LN: Creo que el tono en el que está contada la historia. La historia es una

crítica dura y bastante objetiva hacia ciertos medios de comunicación y todo

eso creo que esta retratado de una manera verídica y cruda, pero esto se

mezcla con los deseos e inquietudes, con los traumas, complejos e

inseguridades de unos personajes que no consiguen encontrarse a sí

mismos y no consiguen sentir esa realización que tanto buscan,

y estos personajes que se mueven en un mundo de apariencias y glamour

pero que por dentro son como niños perdidos tiñen todo de un tono que

oscila entre la comedia o lo absurdo al drama, haciéndola interesante y muy

entretenida.

NFG: ¿Cómo percibe el estado actual del cine y las series en España?

LN: Creo que desde hace años se está haciendo un cine maravilloso en

España, lleno de alma y estilo propio. Yo no me pierdo nada de lo que va

saliendo nuevo y cada vez me gusta más. Con las series me pasa lo mismo,

creo que hay que darse cuenta de que se está en un momento que se hace

contenido en masa, que cada contenido tiene un

propósito y un público determinado, un objetivo concreto, y que cada

producto busca cubrir unas necesidades, contar unas cosas y creo que en

este país se hace con una calidad altísima.

NFG: ¿Cree que la forma de ver cine y series —ya sea en plataformas,

salas o festivales— está cambiando definitivamente? ¿Y cómo lleva

personalmente esa inmediatez, la irrupción de la inteligencia artificial

y las redes sociales en la profesión?

LN: Bueno sí, creo que ya ha cambiado, creo que en los últimos años y en

nuestras narices ha habido un cambio radical en la manera de consumir

contenido audiovisual, pero realmente el cambio ha sido positivo para la

industria, se producen muchas más series lo que da lugar a mucho más

trabajo para todos, las oportunidades se multiplican. Creo que ya no hay

vuelta atrás no, lo que no tengo claro es cómo será el futuro. Yo llevo bien

esa inmediatez, soy millenial casi generación Z, y me he criado un poco en

esa inmediatez así que estoy cómodo en ella, como actor siento que en esta

inmediatez se pierde un poco lo artístico o más que lo artístico quizás la

magia y misterio que había detrás de los proyectos, pero poco a poco me

voy dando cuenta de que hay que comer y eso es mucho más importante.

La AI aunque es verdad que es una mosquita que tengo detrás de la oreja

no me preocupa en exceso, no pienso en ella, no le tengo miedo, si me

genera algún problema sé que podré encontrar la manera de seguir

actuando aunque sea para mí, siempre nos quedará el teatro. En cuanto a

las redes sociales es innegable que es una herramienta que si sabes

utilizarla puede multiplicar tu exposición y dibujar tu marca personal, no

creo que sean negativas para la profesión todo lo contrario. Creo que lo que

hay que aclarar es que una cosa es ser influencer y otra cosa es ser actor o

actriz, pero vamos creo que todo el mundo puede percibir la delgada fina

línea que separa una cosa de la otra y ambas cosas deben convivir en el

mundo del entretenimiento.


LN: Creo que estoy listo para adentrarme en un personaje más adulto, un

drama realista. Un personaje que sea padre por ejemplo, verme ahí me

encantaría.

NFG: Para terminar, una recomendación personal: ¿Qué película, corto,

documental o serie de 2025 recomendaría a nuestros lectores?

LN: Recomiendo la película. “El Aspirante” de Juan Gautier que está en Filmin

y Rtve a la carta.

ENTREVISTA


D I E G O

VIDALES


DIEGO VIDALES

Con apenas unos años de trayectoria, Diego Vidales se ha convertido en uno de los

rostros emergentes más prometedores del audiovisual español. Tras hacerse un hueco

entre las nuevas generaciones de intérpretes, da ahora un salto decisivo con Dímelo

bajito, la esperada producción de Prime Video que llegará en diciembre y que promete

convertirse en uno de los grandes estrenos del año.



NFG: ¿Qué puede adelantarnos de Dímelo bajito y de su papel

en esta nueva producción de Prime Video?

Diego Vidales: Mira que me gustaría pero lamentablemente no

puedo adelantaros nada, tan solo deciros que la película llega en

diciembre y estoy muy ilusionado por el estreno!

En cuanto a mi papel, interpreto al personaje de Taylor y lo que sí

os puedo contar es que os vais a enamorar de él. Me parece una

persona muy entrañable pero a la vez tiene su punto pícaro.

¡Tengo muchas ganas de que le conozcáis!

NFG: ¿Qué le sedujo del proyecto cuando leyó el guion por

primera vez?

DV: Quizá a simple vista puede parecer la típica historia llena de

clichés de dos hermanos que se enamoran de la misma chica pero

de verdad creo que la película va más allá de eso y siento que

tiene muchas capas. Creo que va a ser una oportunidad para

mostrar una faceta mía más madura, más introspectiva.

Por otro lado me llamó el dilema emocional que plantea: cómo

regresar al pasado puede cambiar el presente, y cómo un

personaje masculino, como Taylor, no solo es el “protector” sino

también quien puede replantearse su propio papel.

Además, trabajar con un reparto tan variado y un formato para

streaming de alcance global me motivaba muchísimo.

NFG: ¿Cómo afronta la responsabilidad de protagonizar una

de las grandes apuestas del año?

DV: La verdad es que no ha sido fácil. Es mi primera película y,

además, protagonizar una superproducción como esta supone

una responsabilidad muy grande. Yo tengo una trayectoria todavía

corta, estoy empezando en este camino, y eso es intimidante, no

te voy a mentir. Pero también siento que he tenido muchísima

suerte: empezar aquí, con este equipo y con este reparto, ha sido

lo mejor que me podía haber pasado. Me he sentido cuidado,

acompañado y escuchado en todo momento. Al final, lo único que

esperamos es estar a la altura de las expectativas: por un lado el

fandom de los libros de Mercedes Ron que espera con ansias la

adaptación ya que los los libros para ellas significan mucho, y por

otro lado está la plataforma de Prime Video, que ha apostado

mucho por este proyecto. Siento que tengo mucha

responsabilidad pero realmente lo que me importa es que el

público sienta que hemos defendido a nuestros personajes con

verdad, con respeto y con cariño. Hemos puesto el corazón en

esto, y ojalá eso se note en pantalla.

NFG: ¿Qué diferencia encuentra entre trabajar en plataformas

y en proyectos más clásicos de cine o teatro?

DV: En las plataformas pienso que todo se mueve más rápido y se

piensa para un público bastante más general que puede ver los

contenidos desde cualquier parte del mundo.

El ritmo de rodaje es más intenso y muy técnico. En el cine y en el

teatro, en cambio, suele haber más tiempo para profundizar y

para construir el personaje de una forma más artesanal. Pero al

final, es el mismo objetivo: contar la historia de la manera más

honesta posible. Yo intento adaptarme a cada formato y aprender

algo diferente de cada uno.

NFG: ¿Qué significa para usted este momento de su carrera?

DV: La verdad es que considero que estoy en un muy buen

momento momento de mi carrera, no me puedo quejar. Creo que

poca gente ha tenido la suerte de empezar por donde yo he

empezado.

Tengo muchas ganas de que la película salga y de afrontar todo lo

que venga después. Pero siempre con los pies en la tierra y sin

dejar de formarme como actor. Para mí, seguir aprendiendo es

parte del camino.

NFG: ¿Cómo percibe el estado actual del cine y las series en

España?

DV: A mi parecer el cine y las series de España están en un muy

buen momento y considero que esto se debe a plataformas como

Prime Video que dan visibilidad a nuevos talentos. Al mismo

tiempo, es un sector que se reinventa constantemente, así que es

emocionante pero exige profesionalidad y adaptarse siempre.




inmediatez, la irrupción de la inteligencia artificial y las redes

sociales en la profesión?

DV: Sí, sí que lo creo. Nuestra forma de hacer cine y de consumirlo

está cambiando. Personalmente siento que hay mucha

sobreinformación, va todo muy acelerado y pienso que ya no hay

“memorabilidad”, ya nada es memorable. Ahora ya no retenemos

nada, lo que ayer nos gustaba hoy nos aburre.


DV: Pues sinceramente no sé qué me deparará el año que viene

pero espero tener la oportunidad de contar más historias,

interpretar nuevos personajes, explorar nuevos géneros...


película, corto, documental o serie de 2025 recomendaría a

nuestros lectores?

DV: Este verano fui al cine a ver Como Entrenar a Tu Dragón (el

live action) y me encantó. Soy muy fan de la original pero esta

película me sorprendió muchísimo. Me encanta la historia y el

personaje de Hipo, ¡creo que es mi papel soñado!

ENTREVISTA


M I G U E L

FERNÁNDEZ


MIGUEL FERNÁNDEZ

Miguel Fernández forma parte de una generación que llega a la ficción española con

conciencia, sensibilidad y ganas de contar su verdad. En Física o Química: La Nueva

Generación, vive su primera gran experiencia profesional desde un lugar

profundamente colectivo: el del equipo, el aprendizaje compartido y la emoción de

sentirse parte de algo que trasciende la pantalla.



NFG: Volver al universo de Física o Química ha sido todo un acontecimiento. ¿Cómo

ha vivido esta nueva etapa dentro de una serie tan icónica?

Miguel Fernández: Mi etapa en física o química la nueva generación la he vivido muy

intensamente en el mejor de los sentidos. He podido compartir rodaje con gente a la que

admiro, gente con la que he entablado una genuina relación de amor y por suerte en el

resultado de la serie se ha podido ver. Fueron unos meses de preparación y rodaje

maravillosos, personalmente el trabajo que he hecho como actor me ha llenado desde el

primer momento. Sentía que verdaderamente éramos todos un equipo, al final por mucho

que algunos hayamos trabajado previamente o no, seguramente sea el inicio de nuestra

carrera y si es así me siento muy afortunado de que sea en esta serie y con esta gente.

NFG: ¿Le dio vértigo cuando le llego la propuesta?

MF: Todas las propuestas dan un poco de vértigo y esta por cargar con el peso y el legado

que carga con la serie original, quizás más aún. Pero al mismo tiempo sabia que si hacia la

serie y si interpretaba al personaje de Jon iba a ser una oportunidad increíble, y

efectivamente así fue. Diría que quizás el vértigo lo empece a sentir más habiendo

terminado la serie, con todos los preparativos de promoción, etc. Ahí es donde ves de

verdad que el proyecto sale y que mi personaje deja de ser solamente mio y de mis

compañeros de rodaje sino de toda la audiencia.

NFG: ¿Qué diría que aporta esta “nueva generación” al espíritu original de la serie?

MF: Como el mismo nombre indica, FOQ la nueva generación lo que trata de aportar es

una representación lo mas cercana a la verdad de mi generación, principalmente de

jóvenes, aunque también de adultos. Cada uno de los personajes protagonistas carga con

su propio peso, un peso que fuera, en la vida real seguramente este reflejado en personas

reales que sufren con su identidad de género, sus relaciones o la percepción de si mismos.

Tratamos de hacer justicia a los problemas de los chavales de hoy en día siendo

completamente conscientes de que no hemos podido representarlos todos. Creo que la

diferencia con la generación antigua esta simplemente en los problemas que se tratan que

antes también existían pero quizás no se les daba voz. Por otro lado es cierto que en

cuanto a la manera de tratar estos temas, FOQ la nueva generación es totalmente fiel a la

original, mantiene esa diversión y ese punto “canalla” que tanto divierte.

NFG: ¿Cómo ha sido el trabajo con un elenco que combina rostros veteranos y nuevas

incorporaciones?

MF: Ha sido, nunca mejor dicho, como ir la colegio a aprender. Puedo decir que he

aprendido algo de todos mis compañeros; de los que trabajaban por primera vez y por

supuesto también de los veteranos con mas años de experiencia. Creo que eso es lo bonito

de esta profesión y en especial de un rodaje tan coral como este, cuando todo el mundo va

con ganas y dispuestos a darlo todo y a aprender, es muy difícil que no vuelvas a casa con

algo nuevo en ti. Además tengo que decir que nuestros compañeros de elenco veteranos

han dios muy generosos con nosotros los pequeños, han estado siempre dispuestos a

escucharnos y ayudarnos en cualquier aspecto.

NFG: ¿Qué le ha sorprendido más de esta experiencia televisiva?

MF: Hay tantas cosas que me han sorprendido de esta experiencia, creo que si tuviese que

rescatar una seria sin duda el calor del publico y quienes han visto la serie. Ya desde el

principio recibimos muchas criticas, sin embargo también muchísimo apoyo. Antes incluso

de que se estrenas la serie notábamos el amor de la serie y habiéndose estrenado mas

aun. Teníamos la fe de que la serie funcionase y calase en la gente, pero aún así me ha

dejado muy impresionado. Bueno, tanto es el cariño que hemos recibido que por fin

podemos decir que física o química la nueva generación vuelve para una segunda

temporada.

NFG: ¿Qué lugar cree que ocupa Física o Química en la memoria colectiva de los

espectadores?

MF: Tanto física o química la original como la nueva generación son dos series que intentan

la máximo ser muy fieles a la realidad de los problemas que mucha gente afronta en su día

a día. De alguna manera estamos poniendo voz y cuerpo a estos problemas en nuestros

personajes y la gente ve ese trabajo, creo que por eso ambas series han tenido un éxito tan

grande. Los espectadores se dan cuenta que no están solos, que hay mas gente que esta

pasando por lo mismo. Física o química marcó una generación precisamente por eso, por

hablar sin miedo de lo que a la gente le pasa le verdad.


MF: Es indudable que esta industria está creciendo a pasos agigantados, yo solamente

tengo 21 años, pero mi generación se ha podido dar cuentan también de que estamos en

un punto d inflexión muy importante en el cine y las series. Creo que lo mas importante y

de lo que mas orgullosos nos tenemos que sentir en España es la cantidad de nuevas

propuestas y la originalidad de todo lo nuevo que sale últimamente. Yo en lo personal

siempre he sido muy fan del cine extranjero o las series americanas, pero llevo mucho

tiempo que lo único que veo son producciones españolas, cada vez esta mas claro que no

tenemos nada que envidiar al resto. Obviamente todo esto no podría ocurrir sin el talento

que hay en España, tanto el talento que siempre ha estado por parte de los veteranos

como el talento joven que ya esta dando mucho que hablar. Me siento muy orgulloso de

pertenecer a esta generación.

NFG: ¿Cree que la forma de ver cine y series —ya sea en plataformas, salas o

festivales— está cambiando definitivamente? ¿Y cómo lleva personalmente esa

inmediatez, la irrupción de la inteligencia artificial y las redes sociales en la

profesión?

MF: Esta claro que las plataformas de “streaming” han cambiado por completo la manera

en la que percibimos el concepto de “ver una serie o una peli”, la inmediatez es algo que

caracteriza a nuestra generación. Somos la generación del ya y del ahora, no estamos

acostumbrados a tener que esperar mucho para conseguir lo que queremos y en parte

esto se debe a las redes sociales, a poder estar conectados las veinticuatro horas del día y

tener acceso a cualquier información en segundos. Las plataformas las veo como una

especie de arma de doble filo, porque en lo que a la profesión del actor se refiere, las

plataformas te dan mas oportunidades, mas castings, mas trabajos, pero al mismo tiempo,

con las RRSS los castings están solo a un click, lo que significa mucha mas competencia. El

panorama está cambiando por completo, por un lado da la posibilidad de producir mas y

de ahí la originalidad en las propuestas que he comentado antes, pero por otro hace que la

inmensa cantidad de oferta haga efecto contrario, es decir, el éxito en las series es mucho

mas perecedero. Tu serie o película puede estar en el top 1 de la plataforma durante una

semana o un mes al lo sumo, pero como a la siguiente va a salir otro proyecto mas y a la

siguiente otro, ese éxito es muy débil. Las plataformas están cambiando también la

experiencia de ir al cine, las salas de cine cada vez están mas vacías, pero claro viéndolo

desde el punto de vista del espectador es lógico, con el dinero que te cuesta una entrada al

cine te puedes pagar una suscripción mensual a una plataforma con mil películas. Sin

embargo soy positivo respecto a este tema, a mi ir al cine me encanta, es una sensación

inexplicable y todo aquel que comparte esa sensación no va a dejar de buscarla. Creo que

las plataformas y el cine pueden convivir la clave esta en quien es capaz de adaptarse

desde dentro de la industria. En cuanto a la inteligencia artificial, es un tema muy complejo,

esta lleno de michas ramas muy distintas. Esta amenazando a todo el mundo profesional

en mayor o menor medida. Pero creo que hay algo del arte, en este caso de la

interpretación, que es exclusivamente del humano. La interpretación la capacidad de crear

emoción, de transmitir con tu rostro o tu cuerpo, eso solo es nuestro y por eso creo que

podemos estar tranquilos.


MF: Si tengo la suerte de seguir trabajando de lo que me gusta, de seguir sintiéndome

inspirado cada vez que interpreto o de poder compartir trabajo con gente apasionada, me

siento satisfecho. Y bueno, ya que me preguntas, una segunda temporada de FOQ que sea

tan buena como la anterior…

NFG: Para terminar, una recomendación personal: ¿Qué película, corto, documental o

serie de 2025 recomendaría a nuestros lectores?

MF: Hay una película que fui a ver al cine y me toco profundamente que es SORDA de Eva

Libertad. Un ejemplo perfecto de todo el talento español que tenemos. Hay dos obras de

teatro que me gustaron mucho este año que fueron las dos de Marta Pazos; Juana de Arco

y Orlando, creo que es una directora que merece mucho la pena ver. Y por ultimo soy muy

fan de la comedia y hay una serie española que se merece todo el éxito que ha tenido que

es Muertos S.L. desternillante.


MUJERES, EDAD Y

DESAPARICIÓN

Cuando cumplir 50 significa desaparecer de

la pantalla

En el audiovisual español, el paso del tiempo no afecta a todos por igual. Mientras muchos actores consolidan su carrera a

partir de los cincuenta —accediendo a papeles de autoridad, complejidad y protagonismo—, para una gran parte de las

actrices esa misma edad marca el inicio de un silencioso proceso de desaparición. No es una percepción. Es una realidad

estructural que sigue atravesando la industria, aunque rara vez se verbalice con claridad.

Las cifras hablan por sí solas: el porcentaje de mujeres

que trabajan en el sector audiovisual desciende de forma

drástica a partir de los 45-50 años, mientras que en el caso

de los hombres se mantiene e incluso crece. A menos

personajes escritos, menos oportunidades de rodaje. Y

menos oportunidades implica menos visibilidad, menos

continuidad profesional y una presión añadida que no se

exige a sus compañeros de generación.

El problema no es la falta de talento ni de experiencia. Al

contrario. Es precisamente cuando una actriz alcanza una

madurez interpretativa plena, con un bagaje emocional y

técnico más profundo, cuando el sistema deja de ofrecerle

espacio. Los guiones siguen imaginando el mundo desde

una mirada que envejece a los personajes femeninos

antes que a los masculinos, reduciendo sus tramas a roles

secundarios, maternos o directamente invisibles.

Esta ausencia no solo empobrece la carrera de las

intérpretes; empobrece las historias que contamos.

¿Dónde están las mujeres de 50, 60 o 70 años como

protagonistas de su propio relato? ¿Dónde sus

contradicciones, sus deseos, su ambición, su erotismo, su

rabia o su humor? El cine y las series españolas, que tan

bien han sabido retratar la complejidad social en otros

ámbitos, siguen fallando en algo tan básico como reflejar

la realidad demográfica de su público.

A esta falta de papeles se suma una presión estética y

mediática desproporcionada. Las alfombras rojas, las

promociones y las apariciones públicas se convierten en

exámenes constantes sobre el cuerpo, el rostro y el “buen

envejecer” de las actrices. Una exigencia que rara vez se

formula en los mismos términos para los hombres. El

mensaje implícito es claro: puedes seguir trabajando

siempre que no parezca que has cumplido años.

Muchas intérpretes hablan —cuando pueden hacerlo— de

la ansiedad que genera esta etapa, del miedo a

desaparecer, de la sensación de tener que reinventarse

constantemente para seguir siendo consideradas

“válidas”. Y, sin embargo, pocas veces el debate se

traslada al centro de la conversación cultural. Se

normaliza que ellas desaparezcan y que ellos

permanezcan.

El problema no es individual. No es una cuestión de

elecciones personales ni de adaptación al mercado. Es un

desequilibrio sistémico que comienza en la escritura de

los guiones, se perpetúa en los procesos de casting y se

consolida en una industria que todavía asocia lo

femenino a la juventud y lo masculino a la autoridad, la

experiencia y el poder narrativo.

Cambiar esta realidad implica algo más que sumar

personajes femeninos maduros de forma puntual. Implica

repensar quién ocupa el centro del relato, quién tiene

derecho a desear, a equivocarse, a liderar una historia sin

que su edad sea el conflicto principal. Implica asumir que

el paso del tiempo también es una narrativa válida, rica y

profundamente cinematográfica.

El audiovisual español está viviendo un momento de

reconocimiento, diversidad de formatos y alcance

internacional. Pero ese éxito no puede ocultar sus

contradicciones internas. Si de verdad aspiramos a una

industria representativa, justa y contemporánea,

debemos preguntarnos a quién seguimos dejando fuera

del plano.

Porque cumplir 50 no debería significar desaparecer de la

pantalla. Debería significar, simplemente, tener más

historias que contar.



PLATAFORMAS

¿aliadas creativas o jaulas invisibles?

En apenas una década, las plataformas han transformado por completo el ecosistema audiovisual español. Han ampliado la

producción, internacionalizado nuestras historias y abierto la puerta a nuevos talentos que, en otro contexto, difícilmente

habrían encontrado espacio. Hoy, buena parte del cine y las series que generan conversación, impacto y visibilidad nacen o se

consolidan bajo el paraguas del streaming.

Negar ese impulso sería injusto. Gracias a las plataformas,

el audiovisual español ha ganado ambición formal,

músculo industrial y una proyección global inédita. Se

producen más series que nunca, se diversifican los

géneros y se normaliza que una historia local dialogue con

públicos de otros países. Para muchos creadores,

intérpretes y técnicos, las plataformas han significado

trabajo, continuidad y una oportunidad real de desarrollo

profesional.

Pero toda expansión trae consigo nuevas reglas. Y es ahí

donde surge la pregunta incómoda: ¿hasta qué punto esta

aparente libertad creativa convive con una nueva forma

de control menos visible, pero igual de determinante?

Las plataformas no funcionan únicamente como

productoras o difusoras de contenido; operan a partir de

datos, métricas y algoritmos que condicionan qué

historias se cuentan, cómo se estructuran y durante

cuánto tiempo permanecen en la conversación. El éxito ya

no se mide solo por la calidad artística o el impacto

cultural, sino por índices de visualización, tasas de

abandono y capacidad de retención en los primeros

minutos.

Esto ha generado una narrativa audiovisual cada vez más

consciente de sí misma como producto. Historias que

deben enganchar rápido, personajes diseñados para

conectar de inmediato, giros que respondan más a la

lógica del consumo que al ritmo interno del relato. No se

trata de una imposición explícita, sino de una presión

silenciosa que acaba moldeando decisiones creativas.

La paradoja es evidente: nunca ha habido tantos recursos

técnicos ni tantas posibilidades de producción, y sin

embargo muchos creadores reconocen sentirse más

obligados que antes. La libertad existe, pero se mueve

dentro de un marco muy concreto. Una jaula que no

siempre se percibe como tal porque ofrece seguridad,

visibilidad y alcance.

En este contexto, el riesgo creativo se redefine. No

desaparece, pero se calcula. Se negocia. Se dosifica. Y eso

plantea una tensión constante entre la necesidad de

contar historias honestas, complejas o incómodas y la

exigencia de cumplir con unos estándares de consumo

global. El reto no es menor: ¿Cómo mantener una voz

propia sin quedar diluido en una oferta masiva y

homogénea?

Al mismo tiempo, sería simplista responsabilizar

únicamente a las plataformas de esta situación. La

industria, los creadores y el público también participan de

este nuevo pacto. El espectador consume de forma más

rápida, fragmentada y voraz, y eso influye

inevitablemente en lo que se produce. Las plataformas

responden a un hábito que ellas mismas han ayudado a

construir.

Quizá la clave no esté en demonizar ni idealizar el

modelo, sino en aprender a habitarlo con mayor

conciencia crítica. Entender las reglas del juego para,

cuando sea posible, tensarlas. Aprovechar la visibilidad

sin renunciar al fondo. Defender la diversidad de miradas

incluso dentro de un sistema que tiende a la repetición de

fórmulas.

Las plataformas han sido, sin duda, grandes aliadas del

audiovisual español. Pero su verdadero valor a largo plazo

dependerá de algo más que los números. Dependerá de su

capacidad para seguir siendo espacios donde la

creatividad no solo sea rentable, sino también libre,

incómoda y necesaria.

Porque el mayor riesgo no es trabajar dentro de una jaula

invisible, sino dejar de preguntarse si lo es.


ENTREVISTA


E M I L I O

PALACIOS


EMILIO PALACIOS

En esta entrevista para el Número Especial de Cine y Series de NouArte Magazine,

Emilio Palacios reflexiona sobre la dureza —y la verdad— que encierra la película: desde

la mirada del personaje que interpreta, un guardia civil atrapado entre deber, ética y

un conflicto que desborda cualquier frontera. A través de su experiencia en el rodaje, su

visión del narcotráfico en España y su lectura del momento audiovisual actual, la

conversación se convierte también en una reflexión sobre el oficio, el compromiso y el

lugar del cine en tiempos de cambio acelerado.


Fotografía de Álvaro Serrano Sierra

Agradecimientos a Trama Films

Nerea FerGom: Tierra de nadie se adentra en un territorio emocional y

físico muy potente. ¿Cómo fue sumergirse en ese universo?

Emilio Palacios: Así es, la historia se adentra en un mundo muy potente, y

rodar la película, a su manera, también fue potente. Hay acción, pero

además hay temas de enorme actualidad que tienen peso en nuestro país;

en Cádiz con especial intensidad. Cierto que las situaciones en otros puntos

del planeta no tienen comparación, pero en España el problema no es

pequeño: somos la puerta número uno de entrada de droga ilegal en

Europa, y Cádiz se lleva la palma. Por su situación geográfica y por la

situación económico-social que ya había desde siempre y que no ha

mejorado lo suficiente. Yo soy de Málaga, que está cerca y también tiene lo

suyo en cuanto a narcotráfico: comparte mucho con Cádiz.

NFG: ¿Qué le interesó de su personaje y qué le exigió como intérprete?

EM: Yo actúo en la película a un Guardia Civil, y la postura del personaje está

clara: hay que ir a por los malos, o nos vamos a la m... Mi sentir personal,

creo que no está lejos del suyo: hay que impedir que se formen

“narcoestados”, claro. Pero estoy convencido de que no se puede impedir

solo con la fuerza, “haciendo cumplir la ley”. En eso no sé si el personaje y yo

pensamos igual: a él le toca demasiado de cerca, aunque no se sabe cómo

vería las cosas en el fondo de su ser: la ficción no suele dar para conocer a

un personaje tanto, si se le intuye, ya es un logro. Recapitulando: yo creo que

quizá hay prioridad, en ciertos casos, en ver las cosas como “buenos” y

“malos” y actuar en consecuencia, pero a la larga, eso sencillamente no es

real… los malos viven la misma problemática que los “guardianes de lo

bueno” desde el lado opuesto, y aunque estén al margen de la ley, son parte

del colectivo. El problema con el narcotráfico, la violencia, etc. pasa por

crecer -espiritualmente, si quieres- como personas y como colectivo. Hasta

entonces, puede ser prioridad vencer, pero también es desgaste de energía,

vidas y recursos para algo nunca definitivo. Ahora bien, a mí, que puedo

filosofar en mi casa sobre el tema, me hace bien actuar con compromiso a

un guardia civil que se pone el chaleco, la pistola y sale a vérselas cara a cara

con dicho tema… dejando de lado lo que yo opine, que importa cero.

NFG: ¿Qué fue lo más duro de este rodaje?

EM: ¿Duro? yo me agobié en algún momento en el Puente de la Pepa con el

sol quemándome, la crema metiéndose en mis ojos, el polvo de la carretera

… pero no le quita ni una micra a la alegría y la satisfacción. Claro que en

rodajes intensos hay que tener cuidado de no hacerse daño y ese tipo de

cosas … pero me cuesta llamarlo “duro”. Es hacer una película, es el sueño de

mi vida, por más que ya haya hecho unas pocas en el tiempo de vida que

llevo.

NFG: ¿Cómo vivió el trabajo con el equipo de la película?

EM: De maravilla. Ya conocía a varias personas, y a las que no, creo que nos

hemos hecho buenas colegas después de rodar juntos. No es solo una

cuestión de cómo yo lo viví, que ya digo que de maravilla y no por decir: es

real; sino que creo que a nivel de equipo, de toda la gente, las cosas salieron

bastante bien. Y la película, claro, también ha salido así de buena… esa

ecuación creo que nunca falla.


EM: Se está produciendo mucho, pero no sé cuánto tiene el alma y el arrojo

suficiente para perdurar en el tiempo, más allá del próximo ranking de la

plataforma. Quizá la fuerza de este tiempo es ésa: una enorme cantidad de

contenido, donde todo tiene cosas buenas, ninguna en sí te transforma,

pero a lo mejor la suma de todo sí. No lo sé. Está claro que producir tanto,

de alguna manera hace que mucha gente trabaje, aporte, y se suma mucho.

Pero es algo engañoso: - por un lado: siguen siendo pocos los actores y actrices

que trabajan. Es normal porque se repiten fórmulas que funcionan, y eso vale para

la gente que aparece en el producto. No se puede no repetir fórmula si no se da

tiempo para reflexionar y profundizar más en qué se

quiere contar. Quizá va apareciendo gente algo más valiente, que

reme en contra. Hace falta. - Por otro lado: hace falta seguir cambiando el enfoque

en cuanto al papel de lo femenino, la diversidad en materia de género y- muy, muy

importante- en cuanto a las minorías y la gente racializada. Creo que ahí hay que

ser más valiente aún, más allá de tachar casilla, cumplir un cupo de integración y

ser “políticamente correctas”. Esta

época es muy estadounidense, muy centrada en vender y muy vana, y estamos

perdiendo no solo la autenticidad que teníamos (que lastraba cosas horribles) sino

la que podríamos tener en el presente. Por eso hace falta más coraje y no

conformarse con que se produzca mucho y “variado”: hay que mirar más allá.

NFG: ¿Cree que la forma de ver cine y series —ya sea en plataformas, salas

o festivales— está cambiando definitivamente? ¿Y cómo lleva personalmente

esa inmediatez, la irrupción de la inteligencia artificial y las redes sociales en

la profesión?

EM: Sí, está cambiando, pero hay un límite donde no se puede cambiar más. Ver

una película o serie es una experiencia en la que la persona se mete dentro de una

historia, lo que necesita de un tiempo, una atención, una falta de distracciones

alrededor, y- en el 70% de los casos- que esa historia la cuenten otras personas.

Los inventos que se parecen a nosotros pueden

asombrar y gustar precisamente porque se parecen a nosotras, y resulta que

nosotras seguimos aquí. Y aquí vamos a seguir, contando historias e inspirando

inventos, como el teatro hizo con las películas y las series. Ni las

RRSS, ni la cantidad abrumadora de contenido en las plataformas, ni la IA, ni

ningún invento puede acabar con la función esencial del cine y las series, porque si

no, sería que no necesitamos cine ni series, y sí los necesitamos.

Para prueba, miremos el teatro: es silencioso, pero le da vida a las mismas

plataformas, y a mucho más que ellas: si acabara, nadie contaría historias, y

de paso tampoco habría plataformas. Lo que mueve tanto dinero viene de

gente sola que está leyendo, escribiendo, pensando, entrenando, yendo a

clases de su oficio, manejando una lente, investigando con colores, imágenes,

fotografías, y yendo por la mañana con unos folios impresos a un

centro cultural en su pueblo; de ahí se alimenta todo lo demás.


EM: Que me sorprenda. Y, por favor, con buenos proyectos. Que venga el

trabajo y que se pueda hacer bien hecho. Dentro de eso, que la vida me

sorprenda, que aquí la espero.



EM: Aún no la he visto, porque no ha salido, pero tengo mucha fe en la película

Ruido, donde actúa mi amiga Asaari Bibang, compañera en Los demonios, la obra

de teatro que actúo y dirijo. Y, cómo no, la miniserie Cien Millones, de Nacho G.

Velilla (donde hago de policía), que saldrá en movistar plus y se rodó esta

primavera. Y que no falte la tercera temporada de El Inmortal, que ya se ha rodado

entera este año.

ENTREVISTA


C A R M E N

FLORES

SANDOVAL


CARMEN FLORES

SANDOVAL

Con más de cuatro temporadas en antena, La Promesa se ha consolidado como uno de

los grandes fenómenos de la ficción española reciente, y en ese universo coral y

exigente, Carmen Flores Sandoval se ha convertido en una presencia imprescindible. La

actriz, que encarna a Simona con una mezcla de calidez, oficio y verdad, reflexiona en

esta conversación para el Número Especial de Cine y Series de NouArte Magazine


Fotografía de Ana Zaragoza


Nerea FerGom: ¿Qué ha supuesto para usted formar

parte de una serie que ya es un fenómeno televisivo

como La Promesa?

Carmen Flores Sandoval: Es un regalo levantarme cada

día, y formar parte de una producción con tanta calidad

humana y técnica y que ha tenido tan buena respuesta del

público.

NFG: ¿Cómo se mantiene la verdad y la frescura en una

serie tan longeva?

CFS: Disfrutando cada secuencia. Tratando de sacar lo

mejor del guión y del despliegue técnico que te da trabajar

con tres cámaras en cada plano, por ejemplo Siempre hay

que adquirir nuevos retos y no acomodarse en lo que ya

nos sale bien.

NFG: ¿Qué vínculos ha creado con su personaje a lo

largo de las temporadas?

CFS: Simona y yo compartimos la escucha, la comprensión

y damos abrazos maravillosos , sobre todo Simona que

cuando da un abrazo, te abraza el alma.

NFG: ¿Cómo es trabajar en una serie diaria? ¿Le da

tranquilidad?

CFS: SÍ, Es una gran tranquilidad laboral y económica. Y un

gran escaparate.

NFG: ¿Cómo percibe el estado actual del cine y las

series en España?

CFS: Creo que cada vez hay más variedad , y también, algo

que me encanta, nuevas cineastas y realizadoras que

están abriendo y enseñando nuevos puntos de vista.

NFG: ¿Cree que la forma de ver cine y series —ya sea

en plataformas, salas o festivales— está cambiando

definitivamente?

CFS: Yo puedo ver series y alguna película en

plataformas... pero me encanta ver cine en sala , es un

ritual... es entrar en la pantalla y dejarte fluir en esa

historia hasta que se dan las luces de sala.

NFG: ¿Y cómo lleva personalmente esa inmediatez, la

irrupción de la inteligencia artificial y las redes

sociales en la profesión?

CFS: Prefiero no pensar en la inteligencia artificial , me da

vértigo... Las redes sociales , en mi caso, son mas bien

laborales no estoy muy pendiente las utilizo como

herramienta de difusión de trabajos.


CFS: Seguir en La Promesa.... y lo que tenga a bien

traerme el destino , pero echo de menos el teatro.

NFG: Para terminar, una recomendación personal:

¿Qué película, corto, documental o serie de 2025

recomendaría a nuestros lectores?

CFS: Serie “ Celeste”

Corto “ La Mort” de Jesús Mtnez con Pepa Aniorte y Luisa

Gavasa. Maravillosas las dos.

Película tengo muuuuchas , mejor te recomiendo una que

sin verla se que estará muy bien. “ Pioneras, solo querían

jugar” de Marta Díaz de López Díaz. Estreno en 2026.

ENTREVISTA


N U R I A

MENCIA


NURIA MENCIA

Nuria Mencía atraviesa uno de los momentos más versátiles de su carrera: tres

proyectos en un mismo año —Bodegón con fantasmas, Atasco y Yakarta— que

demuestran su capacidad para habitar universos radicalmente distintos sin perder la

verdad que caracteriza su trabajo. En esta conversación para el Número Especial de

Cine y Series de NouArte Magazine, la actriz reflexiona sobre su técnica, la importancia

de la emoción, el peso de la memoria y la necesidad de contar historias que amplíen

nuestra mirada.


Fotografía de Serrano Sierra


Nerea FerGom: Tres proyectos en un mismo año, tres

universos distintos. ¿Qué hilo une a todas las mujeres que

interpreta?

Nuria Mencia: El hilo que une a todos estas mujeres es mi

técnica como actriz, mi sentimiento y mi voz,

pero son mujeres muy diferentes entre sí, con un tono muy

diferente y que no tienen nada

que ver conmigo. Personajes que tienen que contar todo su

universo, en poco espacio.

NFG: En Bodegón con fantasmas, el peso de la memoria y

lo cotidiano se mezcla con lo poético.

¿Qué le atrajo de ese tono?

NM: Me atrajo por completo, el universo de Enrique Buleo;

desde el principio. Me encantó su guion me encantó la

naturalidad y la imaginación con la que cuenta las historias y

sus personajes.

NFG: Atasco ha conectado muy bien con el público. ¿Qué

cree que hace que la gente se identifique tanto con esa

serie?

NM: Es una serie con mucha realidad y mucho humor. Con

situaciones en las que puedes sentirte muy identificado. Y hay

mucha variedad de personajes.

NFG: ¿Qué puede adelantarnos de Yakarta y de su papel

en esta nueva ficción?

NM: Es una serie que cuenta una historia muy potente, habla

de las personas que realmente merecen otra oportunidad, de

encuentros con personas que cambian tu vida.

NFG: ¿Qué papel ocupa la emoción —y no solo la técnica—

en su manera de entender el trabajo actoral?

NM: La emoción es importante para expresar lo que le pasa

por dentro al personaje, pero conectar con lo que cuentas y

con la persona que te dirige es primordial para poder hacerlo.


en España?

NM: Es un momento de series muy rico y muy variado. Con

temas y estilos diferentes que son necesarios.

El cine también atraviesa un gran momento, con mucha

diversidad de temas. Pero debe de seguir teniendo apoyo del

público y que se llenen las salas. Que vayamos al cine.






NM: Ya está cambiando, tenemos mucha variedad de estilos y

de formas de ficción y de cómo poder acceder a ellas.

Llevamos así ya mucho tiempo. Como público me gusta seguir

siendo exigente, no todo vale, cada vez lo verdadero y real me

atrae más.

Las redes sociales deben sumar en nuestra profesión. Si

sirven para ayudar a que más gente disfrute de nuestro

trabajo, estupendo. Pero no creo que sea lo más importante

para ser actriz hoy en día.


NM: Le pido muchos trabajos que me llenen de alegría y en

los que pueda seguir aprendiendo. Y contando historias que

amplíen nuestra forma de ver la vida.




NM: Los años nuevos . Es brillante La serie Pubertat me

parece un trabajo impecable de guion, de dirección y de

actuación, como está contada y lo que cuenta.

ENTREVISTA


P A U L A

GALLEGO


PAULA GALLEGO

Paula Gallego vive un momento de madurez profesional en un 2025 marcado por la

continuidad y el riesgo. Consolidada en Machos Alfa, con una tercera temporada ya

estrenada y una cuarta que se estrenará el próximo 9 de Enero, la actriz sigue

explorando la evolución de su personaje sin perder curiosidad ni profundidad.


Fotografía Alex Martin

Agradecimientos a Gran Vía Comunicación

Nerea FerGom: Este 2025 vuelve a ser un año muy intenso para

usted, con la tercera temporada de Machos Alfa ya estrenada y la

cuarta a punto de llegar. ¿Qué ha supuesto seguir creciendo

dentro de una serie tan consolidada?

Paula Gallego: Es un auténtico placer poder seguir creciendo de la

mano de todos los grandes profesionales que hay en esta serie, somos

una familia y espero poder seguir compartiendo muchos momentos y

muchos éxitos juntos.

NFG: Su personaje ha evolucionado mucho a lo largo de las

temporadas. ¿Cómo ha vivido ese crecimiento y qué nuevas capas

ha descubierto en esta etapa?

PG: En esta nueva temporada Álex va a vivir mucho más su

independencia, va a seguir aconsejando al padre y va a reflejar algunos

de los problemas que tienen actualmente los jóvenes. Como actriz es

todo un lujo ver evolucionartanto a un personaje, dándole y

encontrando diversas capas en cada temporada y creciendo a la vez

con ella.

NFG: Machos Alfa combina humor, crítica social y situaciones muy

cotidianas. ¿Qué cree que hace que el público conecte tanto con la

serie?

PG: Al final Machos Alfa habla de actualidad, toca temas que están a la

orden del día y eso sumado a la comedia es la clave estrella. Los

espectadores a través de la risa reflexionan de una manera más

inconsciente sobre los distintos temas que se tocan en la serie y

además es una serie muy coral por lo que todo el mundo puede

sentirse identificado en algún personaje.

NFG: También ha rodado este año el cortometraje 893 kilómetros.

¿Qué le interesó de este proyecto y qué diferencia sintió respecto

al trabajo en una serie tan popular?

PG: Son formatos diferentes, los cortometrajes permiten contar

historias en un periodo muy corto de tiempo por lo que a los

personajes se les dota de más intensidad. En este caso, en cuanto

Rubén Guindo me envió la historia y la leí no dudé en decirle que sí.

893 KM cuenta una historia real relacionada con uno de los casos más

aterradores de nuestro país, es una historia muy conmovedora e

inesperada que a mí me puso los pelos de punta, además como actriz

fue todo un reto poder interpretar a Tania tanto interpretativa como

físicamente.

NFG: ¿Qué le atrae de compaginar formatos tan diferentes como

una gran serie de plataforma y un proyecto cinematográfico más

íntimo como un corto?

PG: Lo que más me atrae es la historia que se cuenta

independientemente del tipo de proyecto.

NFG: ¿Cómo se prepara emocional y creativamente para proyectos

que exigen registros distintos?

PG: Depende mucho del tipo de personaje, juego mucho con la

imaginación y la intuición dándole forma a los personajes junto al texto

que al final siempre es el que nos da la mayor información de los

personajes. En el caso de interpretar a personajes reales me ayuda

mucho poder conocerlos, sobre todo para prepararme físicamente.

Y algo que me encanta es dejar un periodo de improvisación en el

rodaje donde las emociones fluyan, esa es la magia de nuestra

profesión.

NFG: ¿Qué le gustaría que el público descubriera de su trabajo en

los próximos meses?

PG: Wow, no sabría decirte. Tengo muchas ganas de que se estrene “A

Culpa” una peli que rodamos en octubre ambientada en Galicia y

conozcan mi faceta gallega.

Sin duda lo que más me gusta es que el público conecte con mis

personajes, que se lo pase bien y que por un ratito se evadan del

mundo real.


España?

PG: Hay un gran auge de cine y series españolas, se están contando

historias increíbles que hasta ahora nadie había tenido la valentía de

contar. Las plataformas también han sido una gran ayuda para poder

trasladar todo el talento español al resto del mundo. Vamos por el

buen camino.


plataformas, salas o festivales— está cambiando definitivamente?

¿Y cómo lleva personalmente esa inmediatez, la irrupción de la

inteligencia artificial y las redes sociales en la profesión?

PG: Claro que está cambiando, al final nos estamos acostumbrando a

recibir estímulos constantemente y por lo tanto si empezamos una

serie o una peli y no nos convence en los primeros 10 minutos la

cambiamos, el consumo cada vez es más rápido.

Personalmente, me encanta reservar un ratito de mi tiempo para

poder ver cine y series, poder disfrutar de ellas tranquilamente. En

general me gusta vivirlo todo poco a poco, sin prisa, pero sin pausa.

Con respecto a la IA creo que es una herramienta muy útil para

avances como en el caso de la sanidad, sin embargo, es una

herramienta de doble filo al igual que las redes sociales.


PG: Crecer, crecer y crecer tanto profesionalmente como

personalmente. Me encantaría experimentar proyectos y personajes

nuevos.

NFG: Para terminar, una recomendación personal: ¿Qué película,

corto, documental o serie de 2025 recomendaría a nuestros

lectores?

PG: La serie “El Jardinero”.

ENTREVISTA


I B R A H I M

AL SHAMI J


IBRAHIM AL SHAMI J

Ibrahim Al Shami J. forma parte del engranaje humano que ha convertido La Promesa

en uno de los grandes fenómenos de la ficción diaria en España. Su trabajo, sostenido

desde la constancia y el respeto por el oficio, refleja el pulso de una serie que ha sabido

conectar con el público desde lo emocional y lo cotidiano.


Fotografía Carlos Villarejo


Nerea FerGom: “La Promesa” se ha convertido en una de las series

diarias más seguidas del país. ¿Qué cree usted que tiene esta

ficción para haber conectado tan profundamente con el público?

Ibrahim Al Shami J: Sinceramente, pienso que el pilar que sostiene esta

maravilla de ficción es el guion que enlaza y a la vez enreda todas la

relaciones de los personajes. Por supuesto todo es un engranaje

perfecto en el que metemos a todos los equipos técnicos que hacen un

trabajo impecable. Por ultimo y ni menos importante tenemos al

equipo artístico, actores que ensalzan todos los trabajos y por

supuesto la interpretación es algo muy cuidado en esta ficción.

NFG: ¿Qué fue lo que más le atrajo de su personaje cuando leyó el

guion por primera vez?

IASJ: Era un personaje en el que intuía muchos cambios a lo largo de

sus tramas, y me pareció un auténtico lujo poder dar vida a un andaluz

al que le ocurrieran tantas cosas y que pasara por tantos lugares.

Poder llevar mi acento al campo desde donde yo mismo me crie, es

algo que enriquece la pantalla y al mismo personaje.

NFG: La serie combina drama, romance, intriga y un universo coral

muy amplio. ¿Cómotrabaja usted la evolución emocional de su

personaje dentro de una historia tan viva y constante?

IASJ: No podría extenderme mucho en esta pregunta ya que mi

respuesta es muy clara. Admiro la forma de escribir las tramas ya que

la vida es puramente una montaña rusa de situaciones cómicas,

dramas, emociones… muestra tal y como es la vida

NFG: ¿Ha habido algún momento concreto en el rodaje que haya

supuesto un reto interpretativo o personal especial para usted?

IASJ: A nivel interpretativo, te diría que pasé un poco por todo: desde

coger a unos bebés hasta la huida del personaje de Catalina. Por otro

lado, hay algo que no he contado en ningún medio y que para mí es

especialmente difícil y complejo. Nunca me había visto involucrado en

algo así. Antes de marcharme e ingresar por un problema de salud

complicado, estuve interpretando al personaje en unas condiciones en

las que casi me caía y apenas podía ver. No quería irme al hospital;

trabajar me daba una felicidad que necesitaba, sobre todo al no saber

cómo iba a sobrellevar estar encerrado en una habitación sin saber

cómo iba a terminar toda aquella situación personal. Como actor y

como persona, aprendí algo que jamás pensé que aprendería en mi

vida y, además, en tan poco tiempo.

NFG: ¿Qué diría que es lo que más ha aprendido trabajando en un

equipo tan grande, con un reparto y un equipo técnico tan

sólidos?

IASJ: No es fácil llegar a un sitio donde ya todo esta predispuesto y las

relaciones personales ya son fuertes. He tenido la suerte de conocer a

muchos en todos los departamentos cosa que de primeras ayuda a

abrirte, pero es una familia que te acoge, te escucha, te abraza… ese es

el trabajo en equipo que hace que esta serie triunfe como lo hace.


España?

IASJ: Creo que ya veníamos estando en un momento perfecto para

seguir creando y produciendo historias que tienen grandes alcances

como esta serie. Tenemos una forma de contar y expresar lo que

sentimos, que debemos seguir escuchándonos y confiando en nuestro

producto. LAS HISTORIAS ESPAÑOLAS YA NO TIENEN BARRERAS.





IASJ: Por supuesto es un cambio inminente del que no puedes ir en

contra. Ahora eres tú quien decides como y cuando, debemos

acoplarnos a las nuevas fórmulas. Lo único que me cuesta entender y

razonar es como la IA estará haciendo de las suyas en esta industria,

eso sí, el corazón y el sentimiento solo se trasmiten a través de unos

ojos humanos.


IASJ: Seguir como hemos estado desde hace 10 años, sin parar,

creciendo, aprendiendo, admirando, regalando, pero sobre todo

mucha salud…



lectores?

IASJ: Sin duda “LA CENA”.

NFG: La Promesa es una producción diaria con un ritmo muy

exigente. ¿Cómo gestiona la intensidad del día a día en un formato

tan demandante?

IASJ: Al tener gran experiencia en este formato, ya sé cómo

organizarme de la mejor manera posible para afrontar lo que será una

semana dura de trabajo. He probado todo tipo de formatos

audiovisuales y la diaria tiene ese “algo” que también me apasiona. Lo

importante es ser consciente de lo que haces y de cómo lo haces. Esta

profesión te obliga, y a la vez te enseña, a saber gestionar tu vida a

toda costa.

ENTREVISTA


N O R M A

RUIZ


NORMA RUIZ

Norma Ruiz atraviesa un momento de transición consciente, donde cada proyecto

parece dialogar con el siguiente desde lugares muy distintos. Entre el cine familiar, el

drama más exigente y nuevos trabajos por llegar, 2025 ha sido para ella un año de

preparación, reflexión y cambio.


Fotografía Romero de Luque


NEREA FERGOM: Viene de un año muy diverso: cine

familiar, drama y proyectos por estrenar. ¿Qué balance

haces de este 2025 tan plural?

NORMA RUIZ: Este 2025 ha sido un año raro. Yo diría que de

preparación a todo lo que está por llegar. Creo que ha sido un

año de cambio y reflexión que tampoco viene mal.

NFG: ¿Respecto a Los Futbolísimos 2 y qué le aporta

trabajar en un género tan ligado a las nuevas

generaciones?

NR: Es una comedia familiar y juvenil que aporta frescura,

alegría y entretenimiento. Estar cerca de las nuevas

generaciones siempre es bonito, son el futuro de nuestra

sociedad.

NFG: En Idilia le vemos en un registro muy diferente.

¿Cómo vivió ese cambio de tono y energía?

NR: Diana Leiva sin duda es el personaje más antitético a mi al

que me he enfrentado en mi carrera profesional. Es la primera

vez que veo un trabajo mío y no me veo a mi por ningún lado.

También fue un reto personal muy fuerte y muy exigente,

pero estas son las cosas más gratificantes de este

maravillosos oficio.

NFG: Para 2026 llegará Tres de Más. ¿Qué nos puede

adelantar del proyecto o de su personaje?

NR: Yo creo q es una comedia fresca y divertida. Mi personaje

es estéticamente muy potente y extremadamente sensible

pero yo me lo pasé muy bien interpretándolo.

NFG: ¿Qué busca en un personaje para sentir que puede

hacerle crecer como actriz?

NR: Que sea un reto y lo más diferente a mi posible. Que me

suponga estudio y trabajo minucioso. Que sea un cambio de

registro.

NFG: Cuando compagina tantos universos distintos,

¿Cómo encuentra su propio centro creativo?

NR: A veces cuando he compaginado varios trabajos me ha

costado mantener el centro porque pasaba de una cosa a otra

sin pensarlo mucho. Me iba bien porque lo resolvía sin

problema.

Pero no es lo ideal. Lo mejor para disfrutar un trabajo es que

no se solape con otro u otros a la vez. Pero como esta

profesión es así que es o todo o nada. Tienes que aprovechar

cuando te llega una racha buena.


en España?

NR: Creo que vamos mejorando y se están haciendo

proyectos cada vez mejores y con una factura muy buena.

Pero sigue faltando imaginación en los castings y arriesgar

más bajo mi punto de vista en las historias también. En

general se va mucho a lo que se cree que es lo seguro, y luego

no siempre da los resultados que se creía.






NR: Ahora se hace mucho, pero te tiene que tocar. La

industria está muy cerrada. El tema de las IA aún no nos

afecta mucho pero las redes sociales sí. Se está demostrando

que hay gente que, por muchos seguidores que tenga, no

necesariamente sirve para llevar público al cine o a una serie.

Yo intento utilizarlas con cabeza y sin obsesionarme

demasiado.


NR: Le pido todo lo bueno que me pueda venir. Papeles

importantes en proyectos de envergadura en el que pueda

hacer un gran trabajo profesional.




NR: Documental: “Rabbuní”. Serie “The Offer”.

ENTREVISTA


B I E L

ANTÓN


BIEL ANTÓN

Biel Antón forma parte de una generación de intérpretes que llega a la ficción con

conciencia de legado y mirada propia. Su incorporación a Física o Química: La Nueva

Generación no solo dialoga con una serie icónica, sino también con los conflictos,

miedos y contradicciones de la juventud actual.


Fotografía de Luis del Amo


Nerea FerGom: “Física o Química: La Nueva Generación” ha llegado

cargada de expectación. ¿Qué fue lo primero que le atrajo del

proyecto cuando le llegó la propuesta?

Biel Antón: Lo primero que me atrajo fue la responsabilidad y el peso

que tiene “Física o Química” como proyecto generacional. Sabía que no

era una serie más, que venía con una historia muy potente detrás y con

una audiencia que la iba a mirar con lupa. Además, cuando leí que mi

personaje era tan distinto a mí, tan marcado y con tantas capas, me

pareció un reto brutal como actor y no dudé en subirme al proyecto.

NFG: ¿Cómo describiría a su personaje dentro del universo del

Zurbarán y qué le interesó más de interpretarlo?

BA: Pelayo es el típico pijo y popular del instituto, alguien que parece

tenerlo todo: estatus, seguridad, admiración… pero que por dentro

está lleno de contradicciones, miedos y presiones. Lo que más me

interesó de interpretarlo fue precisamente eso: poder mostrar que

detrás de esa fachada perfecta hay un chaval muy perdido, criado en

un entorno que le ha enseñado a no mostrarse vulnerable.

NFG: La serie mezcla conflictos adolescentes, temas sociales y una

mirada actual al crecimiento personal. ¿Cómo trabajó

emocionalmente ese equilibrio en su interpretación?

BA: El equilibrio emocional fue clave. La serie habla de cosas muy

serias, pero desde la mirada adolescente, donde todo se vive con

mucha intensidad. Yo intenté no juzgar nunca a Pelayo, entender por

qué actúa como actúa y desde dónde habla, incluso cuando se

equivoca. Trabajé mucho desde la contención, desde lo que no dice,

porque a veces su conflicto está más en el silencio que en la acción.

NFG: ¿Hubo alguna escena que le supusiera un reto especial como

actor?

BA: Todas y cada una de ellas. Cada escena nueva trato de hacerla

mejor que la anterior y mejorar día a día, ese es el mayor reto.

NFG: ¿Cómo vivió el rodaje con un reparto joven y una energía tan

marcada por la diversidad y la contemporaneidad?

BA: El rodaje fue una experiencia increíble. Éramos un equipo muy

joven, con mucha energía y con realidades muy distintas entre

nosotros. Eso hizo que todo fuera muy real, muy vivo. Se respiraba

diversidad, libertad y muchas ganas de contar algo que conectara de

verdad con la gente de nuestra generación. Creo que eso se nota en

pantalla.

NFG: FOQ siempre ha sido una serie generacional. ¿Qué cree que

aporta esta nueva versión a la audiencia de hoy?

BA: Creo que esta nueva versión aporta una mirada mucho más actual.

Habla de temas que hoy están sobre la mesa sin tapujos, desde la

identidad hasta las relaciones, la salud mental o la presión social.

Siento que puede servir de espejo para muchos jóvenes que ahora

mismo están viviendo cosas parecidas.


España?

BA: Veo el cine y las series en España en un momento muy potente,

con muchísima creatividad y con una generación de intérpretes y

creadores muy preparada. También creo que se están abriendo más

espacios para historias distintas, más reales, menos estereotipadas, y

eso es muy ilusionante.





BA: Está claro que la forma de consumir ha cambiado para siempre.

Ahora todo es más inmediato, más rápido, y eso tiene cosas buenas y

otras más complicadas. Personalmente intento vivirlo con calma, no

dejarme arrastrar por la presión de las redes y enfocarme en mi

trabajo. La inteligencia artificial me genera curiosidad, pero también

respeto: creo que nunca podrá sustituir la verdad y la emoción

humana.


BA: Profesionalmente, al 2026 le pido seguir creciendo con proyectos

que me reten y me hagan aprender, pero sobre todo que tengan algo

que decir. Me gustaría formar parte de historias que conecten con la

gente, que acompañen, que hagan pensar o que ayuden a alguien a

sentirse un poco menos solo. Creo que el cine y las series también

tienen una responsabilidad emocional y social, y ojalá pueda aportar

mi granito de arena desde ahí, sin perder nunca la ilusión por actuar.



lectores?

BA: Recomendaría Anatomía de un instante. Me parece una obra

impresionante por cómo reconstruye un momento clave de nuestra

historia desde un punto de vista muy humano. Tiene una tensión

brutal y un trabajo interpretativo y creativo increíble.


SER ACTRIZ NO DEBERÍA

TENER FECHA DE

CADUCIDAD

En el audiovisual español, cumplir 50 sigue siendo, para muchas actrices, una frontera silenciosa. No escrita, pero

perfectamente entendida. A partir de cierta edad, los personajes se reducen, se repiten o directamente desaparecen. No

porque falte talento, experiencia o presencia, sino porque el sistema sigue mirando a las mujeres desde un lugar

profundamente limitante.

Los datos hablan, aunque a veces se prefiera no

escucharlos: hay menos mujeres trabajando en el

audiovisual que hombres, y la brecha se agranda con la

edad. Mientras que muchos actores ven cómo sus

oportunidades se transforman y maduran, las actrices se

enfrentan a una pérdida progresiva de espacio. Menos

papeles protagonistas. Menos complejidad. Menos

continuidad laboral.

La industria no suele decirlo en voz alta, pero lo practica

con naturalidad: el deseo, el conflicto, la ambición y la

centralidad narrativa siguen asociados a cuerpos jóvenes.

A las mujeres se les concede el paso del tiempo como una

concesión, no como un valor. Y cuando aparecen, a

menudo lo hacen bajo etiquetas estrechas: la madre, la

mujer rota, el apoyo emocional, la figura secundaria.

Ser actriz no debería implicar luchar contra el calendario.

No debería significar adaptarse a la invisibilidad ni

aceptar que la carrera tiene un techo biológico impuesto

desde fuera. La experiencia no resta, suma. El paso del

tiempo no debilita una interpretación, la afina.

Mientras no se revise de forma honesta quién ocupa el

centro de las historias y por qué, la desigualdad seguirá

reproduciéndose con aparente normalidad. No se trata de

cuotas ni de gestos simbólicos. Se trata de contar el

mundo como es. Y el mundo, también, está lleno de

mujeres mayores de 50 con vidas, conflictos y deseos que

merecen ser narrados.

Porque una actriz no caduca.

Lo que caduca es una industria que se niega a mirarlas.

El problema no es la edad. El problema es la mirada. Una

mirada que sigue entendiendo a la mujer como imagen

antes que como relato. Como presencia decorativa antes

que como sujeto de la historia. Y esa mirada no solo

afecta a las actrices: empobrece el conjunto del

audiovisual, reduce la diversidad de relatos y limita la

identificación del público con realidades mucho más

amplias y complejas.

Resulta paradójico que en un momento de expansión de

contenidos, plataformas y formatos, siga existiendo esta

amputación silenciosa del talento femenino. Nunca se

han producido tantas series y películas, y sin embargo

tantas intérpretes ven cómo el teléfono deja de sonar

justo cuando alcanzan una madurez artística plena.



EL ÉXITO YA NO BASTA

Ahora también tienes que existir en redes

Durante mucho tiempo, en el audiovisual bastaba con hacer bien tu trabajo.

Construir una carrera, elegir proyectos, sostener personajes, equivocarte y volver a

intentarlo. Hoy, eso ya no es suficiente. Ahora, además de ser actor o actriz, también

se espera que seas visible, constante, accesible y medible en redes sociales.

El talento sigue siendo importante, pero ha dejado de ser el único valor. La presencia digital se ha

convertido en una extensión casi obligatoria de la profesión. No como una herramienta opcional, sino

como un requisito implícito. Likes, seguidores, engagement. Cifras que empiezan a pesar en los

procesos de selección, en las campañas de promoción y, en algunos casos, incluso en las decisiones de

casting.

El problema no es que existan las redes. El problema es la exigencia constante de estar ahí. De opinar,

de mostrarte, de exponerte. De convertir tu vida —o una versión cuidadosamente editada de ella— en

parte del trabajo. Y eso tiene un coste emocional que rara vez se tiene en cuenta.

La industria olvida con demasiada facilidad que detrás de un perfil hay una persona. Que no todo el

mundo gestiona igual la exposición, la crítica inmediata o el juicio público. Que no todos los cuerpos,

las edades o las personalidades encajan en los códigos de lo viral. Sin embargo, se penaliza el silencio y

se premia la hiperpresencia.

Además, esta lógica introduce una confusión peligrosa: la delgada línea entre ser intérprete y ser

influencer. No son lo mismo. No responden a los mismos procesos creativos ni a los mismos tiempos.

Pero el sistema tiende a mezclarlos, como si la capacidad de atraer clics fuera equivalente a la

capacidad de sostener un personaje.

Esta presión constante termina por deshumanizar. El actor o la actriz deja de ser un profesional para

convertirse en un producto en tiempo real, siempre disponible, siempre opinable. El error ya no se

diluye con el tiempo: se amplifica. La pausa se interpreta como ausencia. La intimidad, como una

estrategia fallida.

Paradójicamente, en un sector que trabaja con la emoción y la complejidad humana, se exige una

presencia digital simplificada, rápida y constante. Todo debe ser digerible, breve y compartible. Incluso

el proceso creativo.

Las redes pueden ser un altavoz, una herramienta poderosa, una forma de conexión directa con el

público.

Pero no deberían convertirse en una obligación que determine el valor profesional de nadie. El éxito no

puede medirse solo en números ni la valía artística en métricas.

Porque existir en redes no debería ser más importante que existir en las historias.

Y porque, antes que perfiles, seguimos siendo personas.


ENTREVISTA


J U L I A

CAMUS


JULIA CAMUS

Julia Camus irrumpe con sensibilidad y verdad en Física o Química: La Nueva

Generación, dando vida a Bárbara, un personaje directo, luminoso y profundamente

reconocible. En una serie que revisita un universo icónico desde una mirada

contemporánea, su interpretación conecta con la adolescencia vivida sin filtros, con la

amistad como refugio y con la necesidad urgente de decir lo que se siente.


Fotografía Vico Vang


NEREA FERGOM: Física o Química: La Nueva Generación ha sido uno de los estrenos

más comentados del año. ¿Qué fue lo primero que le sedujo de este proyecto y del

personaje que interpreta?

JULIA CAMUS: En cuanto leí la primera separata en la que me adjudicaron el personaje de

Bárbara, me sedujo absolutamente todo, para mí siempre han sido especiales los

personajes que tienen a su mejor amiga y ellas dos pueden con todo en su adolescencia,

viviendo en primera persona cosas con las que todos y todas podemos sentirnos

relacionadas.

Bárbara me pareció muy divertida, y sobre todo muy sincera, a veces nos cuesta un poco

decir las cosas que sentimos y me parecía inspirador que ella fuera tan directa y no

tuviera pelos en la lengua. Desde el principio entendíperfectamente porque ella es así,

como se podía sentir y empatice enseguida.

NFG: Su personaje atraviesa conflictos propios de la adolescencia, pero también

muy universales. ¿Cómotrabajó esa mezcla entre intensidad emocional y verdad

cotidiana?

JC: Para mí la vida en parte es un poco así, una mezcla entre intensidad y verdad, así que

intenté representarlo consinceridad, sin olvidarme que Barbara es un personaje ficticio y

yo la actriz que le da cuerpo y voz. Bárbara, en concreto toca temas delicados y sobre

todo muy reales que están ocurriendo a día de hoy así que intenté informarme todo lo

que pude hablando con amigas de mi entorno que se han podido sentir así, leyendo,

viendo cine,acordándome de personas que me he cruzado anteriormente en mi vida,

debatiendo sobre esto…

NFG: Esta nueva versión de Física o Química dialoga con temas actuales: salud

mental, identidad, diversidad, presión social. ¿Qué le interesó especialmente de

esta mirada más contemporánea?

JC:No puedo escoger un tema en concreto, creo que lo más preciado de esta serie es que

cada personaje tiene una historia como en la vida real, como en cualquier sitio. Es ficción

y tenemos que contarlo en unos pocos capítulos, pero aún así viviendo en esta sociedad,

habiendo vivido mi adolescencia hace relativamente poco, todos estos temas tan

importantes han estado siempre presentes en mi vida y en mi alrededor y muchos de

ellos han estado muy cerca de mí. A mi me interesa escuchar a las personas, escuchar en

este caso, por tratar temas en la adolescencia, a las personas más jóvenes que quizá

están pasando por miedos, pensamientos o problemas que se merecen ser más que

escuchados. Y nosotros hemos intentado desde el corazón y el respeto, representar

algunos de ellos.

NFG: ¿Cómo vivió el rodaje con un elenco tan joven y una serie con tanto peso

emocional y fanbase detrás?

JC: El elenco es algo muy clave en esta serie, éramos realmente una clase. Nos

pasábamos las mañanas enteras sentados en nuestra silla y era muy especial porque

llegábamos con las mochilas y sabíamos perfectamente cuál era nuestra mesa así que

para nosotros en ese sentido fue algo también muy cercano y muy real.

Nos ayudábamos mucho los unos a los otros y nos hemos reído tanto. Esta serie tiene un

título al que se le tiene mucho amor y nostalgia y eso es precioso, siempre lo respeté

porque soy totalmente consciente de que ha ayudado y cambiado la vida de muchas

personas. Al ser una generación nueva, en realidad todo es distinto. Me hace realmente

feliz cuando alguien que ha sido muy fan de la serie original, me ha hecho saber que esta

también le ha encantado. Opiniones va a haber siempre en la vida y en todo, hay que

intentar simplemente escucharlas y relativizarlas.

NFG: ¿Qué ha aprendido de su personaje? ¿Hay algo de usted que descubrió

interpretándolo?

JC: He aprendido muchísimo, la he entendido a ella y a muchas que se pueden sentir de

forma similar. He aprendido a no sentir algunos miedos, a ser más sincera, conmigo y

con los demás; en resumen, he aprendido un poco a vivir gracias a ella. Me he conocido

mucho, de una forma especial y en poco tiempo. En realidad, ha sido mi primer

personaje, y eso no lo olvidaré nunca.

NFG: ¿Cómo encaja Física o Química: La Nueva Generación dentro del momento

profesional en el que se encuentra?

JC: Cuando me llegó el Casting estaba en un momento de conocerme, de estar recién

llegada en Madrid, estaba estudiando pero me había venido hasta aquí para cumplir mi

sueño. Llegue con 17 años y 5 meses más tarde me dijeron que si en este proyecto.

Siempre sentí que llegó en un momento clave, iba todos los días a la

universidadescuchando “física o química” de Los Despistaos, paseando por la facultad

sintiéndome parte de esto, cuando ni siquiera sabía si me habían seleccionado o no.En

cierta forma, lo manifesté y cuando llegó, cambió un poco todo. Ahora estoy

formándome como actriz, aprendiendo técnicas y formas diversas para tener más y más

conocimientos. Estar rodeada de personas que son artistas me inspira, me ilusiona, me

ayuda a crear.


JC: Desde mi punto de vista, soy una gran admiradora de cine y series españolas. El cine

que más me gusta, disfruto y amo, es el que se hace aquí. Gracias a este, en parte, soy

quien soy. Tenemos grandes actrices y actores, podría nombrar a muchos que me

inspiran cada día, directores y directoras impresionantes y sobre todo, ideas

enormemente bonitas.

En Almería hay pocos cines y llegan pocas películas, al vivir en Madrid, aprovecho mucho

la diversidad y cantidad de películas que hay en las salas. Suelo consumir más películas

que series pero ambas las veo semanalmente. En general, la interpretación está

enconstante contacto conmigo y con mi entorno.


festivales— está cambiando definitivamente?

JC: Yo pienso que sí, los cambios a veces son muy bonitos pero en este caso, debo decir

que echo de menos ir al cine y ver la sala llena.

Recuerdo los videoclubs como algo muy lejano y que pude disfrutar muy poco tiempo.

Creo que es bueno estar en contacto con arte, aunque sea desde el sofá de casa, pero

estar ahí, ver series, ver películas, leer, escribir, ir al teatro, escuchar música… Ojalá ir al

cine vuelva a ser un gran plan para muchas más personas y renazca un poco este

sentimiento.

NFG: ¿Y cómo lleva personalmente esa inmediatez, la irrupción de la inteligencia

artificial y las redes sociales en la profesión?

JC: Los nuevos descubrimientos nos ayudan en muchas cosas pero esta profesión, es

diferente. Lo que me parece más bonito de la profesión, lo más especial, es el factor

humano. La huella humana que hay en el arte es irremplazable, hay algo que no se

puede expresar, que solo vemos en una mirada, una melodía, un plano, una secuencia,

una persona.


JC: Pues le pido aprender mucho, formarme y descubrir cosas nuevas para seguir

completándome como actriz. Si tuviera que pedirle algo más laboral, podría ser,

participar en una película, ya que ir al cine en Almería, con mi familia sería un sueño

cumplido. A parte de esto, me gusta pensar que lo que está para mí, vendrá; y esto que

quita que hay que trabajar duro para conseguirlo.


documental o serie de 2025recomendaría a nuestros lectores?

JC: Esta pregunta me encanta. Podría recomendar mil cosas.

Voy a recomendar “También esto pasará” de María Ripoll y “Enemigos” de David Valero.

Tengo que recomendar “Las chicas están bien” de Itsaso Arana, aunque no sea de 2025,

porque me cambio un poco la vida cuando la vi.

ENTREVISTA


M A R T A

BELMONTE


MARTA BELMONTE

Marta Belmonte atraviesa uno de esos momentos de madurez artística que solo se

construyen desde la constancia y el oficio. Su trabajo en Sueños de Libertad la sitúa en

el corazón de la ficción diaria, un formato exigente que permite observar la evolución

del personaje casi en tiempo real y establecer un vínculo directo con el público.


Fotografía de Asier Corera


NEREA FERGOM: Está viviendo un momento muy sólido

con Sueños de libertad. ¿Qué significa para usted formar

parte de una serie diaria?

MARTA BELMONTE: Es una suerte formar parte de una

historia desde el inicio, verla gestarse y sentir como llega

desde la nada a ser parte del día a día de miles de personas,

como actriz te permite un desarrollo del personaje día a día

poco común.

NFG: ¿Qué es lo más desafiante y lo más gratificante de un

ritmo de rodaje tan exigente?

MB: Lo más desafiante es el volumen de texto, las horas de

rodaje y sacarle todo el jugo posible a pesar de la falta de

tiempo y ensayos; a su vez cuando consigues gestionar tu

trabajo precisamente en esas circunstancias y contar algo de

verdad es muy gratificante.

NFG: ¿Cómo cuida la evolución de un personaje que el

público ve todos los días?

MB: Tratamos de mantener coherencia, de mostrar un

desarrollo. Es todo un reto en una diaria donde la exigencia

del formato demanda cambios y sorpresas de guion y tramas

a cualquier coste.

NFG: ¿Qué le enamoró de este proyecto cuando le llegó la

propuesta?

MB: La confianza de que lo produjese Diagonal TV, para una

cadena como Antena 3. Después de ver el desarrollo de

”Amar” y otros proyectos que han hecho tenía muy claro que

quería trabajar con ellos. Además,he tenido la suerte de

enamorarme de mi personaje y su historia.

NFG: ¿Ha cambiado su relación con la interpretación

desde que forma parte de la serie?

MB: Siempre se aprende algo, me siento más libre, más

jugona… Sin duda, se gana confianza.

NFG: ¿Qué ha sido lo más sorprendente que le ha regalado

el público?

MB: Sentir que importa de veras lo que cuentas.


en España?

MB: Percibo que hay proyectos maravillosos buscando nuevas

formas de verse, al mismo tiempo la manera de consumir

historias está cambiando y creo que mutando, no sé por

dónde irá, pero creo que hay que proteger el ritual de ir al

cine como acto colectivo.






MB: Como te comentaba, habrá que ver cómo adaptarse si

prescindir de “lo humano” sobre la IA… ni te hablo, me aterra

y produce bastante rechazo, espero que se sepa gestionar en

el ámbito creativo. Lo de las redes sociales es abrir otro

melón, me gustan poco o nada, y me interesan menos

todavía, lo cual no quiere decir que me cueste no estar

inmersa, trato de dar un giro con eso. Posiblemente prescinda

de las redes de a poco.


MB: Al 2026 le pido trabajo de calidad y, trabajos disfrutones.




MB: ¡Hay mil! Apostaría por contenido menos violento, con

cuidar lo que ves y como te afecta.

ENTREVISTA


I V Á N

PRADOS


IVÁN PRADOS

Con Dos Tumbas, Iván Prados ha firmado uno de esos debuts que no pasan desapercibidos. En una

miniserie marcada por la tensión, el misterio y una fuerte carga emocional, su interpretación de Jonás

ha conectado con el público desde un lugar honesto, contenido y profundamente humano. Un

personaje atravesado por la culpa, el silencio y la mirada ajena, que exige al actor un trabajo interior

poco habitual en relatos de este género.


Agradecimientos a Iván Prados

NEREA FERGOM: Este año le hemos visto en Dos Tumbas, una de

las miniseries más comentadas. ¿Qué fue lo primero que le atrapó

del proyecto cuando le llegó el guión?

IVÁN PRADOS: La verdad es que desde el momento en que hice el

casting sentí una conexión inmediata con el personaje de Jonás. Desde

la primera lectura del texto, todo el trasfondo del personaje y las

experiencias que había vivido resonaron en mí de manera muy directa.

Tanto es así, que para la prueba grabé solo una toma para enviar,

porque sentía una verdad y una conexión que nunca había

experimentado antes de estar realmente dentro del proyecto. Luego, al

leer el guión completo, quedé completamente atrapado por la historia.

Es un guión que te mantiene enganchado de principio a fin.

NFG: ¿Cómo se preparó para un personaje dentro de una historia

tan cargada de tensión emocional y misterio?

IP: Como decía antes, la conexión con Jonás fue casi mágica. Cuando

tuve la oportunidad de trabajar el personaje con Kike y con Yasmina,

todo fluyó de manera muy natural. Me hicieron el camino muy fácil y

me ayudaron muchísimo a encontrar ese trasfondo tan profundo que

tenía el personaje.

Jonás es un personaje que vemos en dos etapas muy distintas, y el

cambio entre ambas es enorme: pasa de llevar una vida normal,

podríamos decir, a encontrarse en una situación en la que todo el

mundo le atribuye la culpa de un crimen. Es alguien que carga con

muchísimo interiormente y que no ha podido expresarlo, y para mí fue

un reto personal lograr conectar con esas dos realidades tan opuestas.

Además, trabajar con el equipazo que forma el reparto hizo que todo

resultara aún más sencillo. Especialmente quiero mencionar a Kiti

Manver, con quien compartí la escena más cargada emocionalmente.

Para mí fue como un máster de interpretación: estando simplemente

en el aquí y el ahora con ella, aprendí muchísimo.

NFG: La serie ha conectado muy bien con el público. ¿Qué crees

que la ha hecho tan especial dentro del género?

IP: Creo que, más allá del guión, que considero que está muy bien

escrito y que, como espectador, te cambia las suposiciones a cada

momento, el formato de miniserie ayuda mucho a que el público

quiera verla completa en un mismo día. Además, es una trama que

engancha porque se trata de un thriller protagonizado por un

personaje que no solemos ver en este tipo de situaciones, como es el

de Isabel. Es una serie que cuenta muchísimas cosas en muy poco

tiempo, y eso la vuelve especial y muy atractiva para el espectador.

Siento que es una historia necesaria porque coloca en el centro de un

thriller a un personaje poco habitual en este tipo de narrativas,

ofreciendo una perspectiva fresca y con un enfoque claramente

feminista.


España?

IP: Creo que estamos en un grandísimo momento en el audiovisual

español. No paran de salir series y películas de un nivel espectacular

que demuestran que tenemos una industria muy potente. Cada vez

sorprende menos que las películas o series que más resuenan entre el

público sean las nacionales.

Aunque aún falta mucho camino por recorrer y seguir desarrollando,

creo que estamos en la línea correcta y con una situación muy

mejorada respecto a lo que podíamos ver hace unos años. Tenemos

que seguir potenciando nuestra industria y dando oportunidades a

nuevos talentos emergentes.





IP: Sin duda, la manera de ver cine está cambiando. La reducción de la

atención y la necesidad de estímulos constantes que experimentamos

hoy en día condiciona que el espectador promedio se acostumbre a

ver proyectos audiovisuales mientras interactúa con alguna pantalla

adicional, prestando menos atención a la historia.

Creo que, especialmente en esta época, es fundamental reivindicar las

salas de cine: un espacio donde se puede vivir la experiencia de

manera más inmersiva, aislándose y centrándose en la película con

todo el ser. No considero que las plataformas sean negativas; de

hecho, están impulsando la producción de más películas y series y

generando empleo en la industria. La inmediatez, sin embargo, afecta

la capacidad de atención del público, haciendo cada vez más difícil que

se mantenga concentrado durante toda la visualización. Me preocupa

especialmente la irrupción de la inteligencia artificial. Toda

herramienta de progreso es necesaria, pero la evolución y la deriva

que está tomando no me terminan de convencer. El cine es una

industria que genera muchísimo empleo, y ahora podría verse en

peligro si la IA empieza a producir contenido de manera más rápida y

económica. No temo que sustituya por completo al ser humano,

porque siempre necesitará de nuestra creatividad para generar algo

genuino. En cuanto a las redes sociales, es un aspecto que

personalmente debo aprender a manejar y adaptar a mi trabajo. Son

una herramienta más para el actor: permiten dar visibilidad y facilitar

el acceso a ofertas de trabajo. Aunque considero importante mantener

cierta separación entre la vida personal y los personajes que

interpreto, estas plataformas ofrecen oportunidades que no se pueden

ignorar.

NFG: ¿Qué le pide Iván Prados al 2026 en lo profesional?

IP: ¡Al 2026 le pido muchísimos proyectos! Espero que sea un año de

muchos rodajes y espero mi mayor problema sea el no poder cuadrar

la agenda con tranquilidad.

NFG: Pregunta fija NouArte: ¿Qué obra, disco, película o artista te

ha inspirado últimamente y recomendarías sin dudarlo?

IP: Este año recomiendo sin dudar, en cine: Parthenope de Sorrentino,

Sinners de Ryan Coogler, Una batalla tras otra de Paul Thomas

Anderson y Frankenstein de Guillermo del Toro. De esta última, me

gustaría también recomendar el libro de Shelley, ya que plantea un

debate filosófico muy interesante sobre quién es realmente el

monstruo en nuestra sociedad.

Con toda modestia, pero con mucho entusiasmo, recomiendo Dos

Tumbas a quienes aún no la hayan visto.

Y en el ámbito musical, ha sido un año de revisitar canciones,

destacando especialmente el álbum The Heist de Macklemore y El

Madrileño de C.Tangana.


IR AL CINE COMO

ACTO EMOCIONAL Y

CULTURAL

Ir al cine no es solo ver una película. Es detener el tiempo durante un par de

horas. Es entrar en una sala oscura con desconocidos y compartir una experiencia

que, aunque íntima, es profundamente colectiva.

En un momento en el que todo se consume rápido, en pantallas pequeñas y con

interrupciones constantes, el cine en sala sigue siendo un gesto casi revolucionario. Apagar

el móvil. Sentarse. Mirar. Escuchar. Dejarse llevar sin pausa ni distracciones. Permitir que

una historia marque el ritmo y no al revés.

Las plataformas han democratizado el acceso al audiovisual y han abierto oportunidades

impensables hace apenas una década. Han cambiado hábitos, han ampliado públicos y han

multiplicado relatos. Pero nada sustituye del todo a la experiencia física del cine. A esa

respiración compartida, a la risa que se contagia, al silencio que pesa cuando una escena

golpea de verdad.

Ir al cine es también un acto cultural. Un ritual que sostiene a las salas, a los festivales, a los

cines de barrio, a los ciclos, a las filmotecas. Un gesto que mantiene viva una forma de

encuentro con las historias que va más allá del consumo individual. No se trata de oponer

formatos, sino de recordar lo que se pierde cuando desaparece uno de ellos.

Hay películas que se entienden mejor en una sala. No solo por el tamaño de la pantalla o el

sonido, sino por el contexto emocional que se crea. Porque hay historias que necesitan

tiempo, silencio y atención plena. Porque hay imágenes que piden ser vistas sin prisas, sin

pausa, sin scroll.

Defender el cine en salas no es rechazar el presente ni idealizar el pasado. Es reconocer que

algunas experiencias culturales necesitan un espacio propio para existir plenamente. Que

no todo puede reducirse a la lógica de la comodidad o la inmediatez.

En un mundo que nos empuja a consumir sin parar, ir al cine sigue siendo una forma de

resistencia suave. Un recordatorio de que mirar también puede ser un acto consciente. Y de

que, a veces, sentarse en la oscuridad junto a otros sigue siendo la mejor manera de

entendernos.



EL AUDIOVISUAL ESPAÑOL

NO ES TAN IGUALITARIO

COMO CREEMOS

Durante los últimos años, el audiovisual español ha construido un relato de éxito que se repite con entusiasmo: más

producciones, más visibilidad internacional, más diversidad. Y es cierto que se han dado pasos importantes. Pero asumir que

el sector ya es igualitario no solo es ingenuo, es peligroso. Porque cuando se da por conquistado un terreno que aún está

lleno de desigualdades, se deja de mirar donde todavía duele.

La desigualdad en el audiovisual no siempre es explícita. No se manifiesta únicamente en

grandes titulares o conflictos abiertos. Está en los porcentajes, en los silencios, en las

ausencias. En quién dirige, quién escribe, quién protagoniza y quién permanece. En quién

envejece con la cámara y quién desaparece de ella.

Las mujeres siguen siendo menos en puestos de poder creativo y, cuando están, suelen tener

trayectorias más frágiles y discontinuas. A partir de cierta edad, la brecha se agranda de forma

evidente. Mientras muchos actores continúan ampliando su abanico de personajes, las actrices

ven cómo sus oportunidades se estrechan. No por falta de talento, sino por una estructura que

sigue asociando valor y deseo a la juventud femenina.

Tampoco es un sector igualitario en términos de clase, origen o cuerpos. No todas las historias

tienen el mismo acceso a la producción ni todas las voces el mismo altavoz. Existe una

diversidad representada en pantalla que no siempre se corresponde con una diversidad real

detrás de ella. A menudo, la inclusión funciona como imagen, pero no como transformación

profunda.

A esto se suma una nueva forma de desigualdad más silenciosa: la presión de la visibilidad. Hoy

no basta con trabajar bien, también hay que estar disponible, presente, activo en redes. Esta

exigencia no afecta a todos por igual. Penaliza más a quienes no encajan en los estándares de

exposición, juventud o hiperconectividad. Y convierte la carrera artística en una carrera de

resistencia emocional.

El relato oficial tiende a celebrar los logros —que los hay—, pero evita profundizar en las

grietas. Hablar de desigualdad incomoda porque rompe la imagen de un sector moderno,

abierto y progresista. Sin embargo, no nombrar esas grietas no las hace desaparecer. Al

contrario, las normaliza.

Cuestionar no es atacar. Revisar no es deslegitimar. Reconocer las contradicciones del

audiovisual español es, precisamente, una forma de quererlo y de aspirar a algo mejor. Un

sector cultural no se mide solo por el número de producciones que genera, sino por la justicia

con la que reparte oportunidades y por la honestidad con la que se mira a sí mismo.

El audiovisual español ha avanzado, sí.

Pero no es tan igualitario como creemos.

Y solo aceptándolo podremos empezar a cambiarlo de verdad.


ENTREVISTA


M A R Í A

ADÁNEZ


MARÍA ADÁNEZ

María Adánez forma parte de la memoria emocional de la televisión española. Su trayectoria atraviesa

décadas, formatos y generaciones, siempre desde una mirada lúcida, irónica y profundamente comprometida

con el oficio. Actriz de comedia y de drama, de televisión, cine y teatro —escenario al que nunca ha dejado de

volver—, su carrera es también un reflejo de la evolución del audiovisual en nuestro país.


Fotografía de Geraldine Leloutre


NEREA FERGOM: Tras su regreso a La que se avecina, lleva dos temporadas de puro

vértigo. ¿Qué le ha aportado reencontrarte con este universo?

MARÍA ADÁNEZ: Reencontrarme siempre con los hermanos Caballero es un lujo. Como

ya me habéis oído muchas veces o leído en entrevistas, es uno de los tándems más

genuinos y con más talento de la televisión. Además, cuando me propusieron la vuelta y

leí el primer capítulo, hubo algo que me impresionó mucho. De hecho, le di la

enhorabuena expresamente a Alberto porque pensé: “madre mía, después de tantos y

tantos años escribiendo para esta serie, sigue viva, sigue fresca, con nuevos personajes

y en plena forma”.

NFG: ¿Cómo afronta darle continuidad a un personaje tan icónico sin caer en

repetir fórmulas?

MA: Porque estoy muy bien rodeada. El trabajo de los actores no depende solo del

criterio del propio actor; en primer lugar están la escritura y la partitura. Si la escritura y

la partitura son buenas, el actor tiene que hacer ya muy poquito.

Y, por otro lado, tenemos un equipo de directores muy buenos, con Mario Montero a la

cabeza, igual que Ricardo, que son espléndidos directores de comedia. En sus manos es

muy difícil caer en clichés o en maniqueísmos.

NFG: Este año también le veremos en Atasco T3. ¿Qué le atrajo de esta comedia y

de su tono tan particular?

MA: Bueno, me atrajeron dos cosas. Primero, que la idea me parece muy genuina, muy

divertida y muy original, que en un atasco sucedan distintas historias a través de los

coches o de los vehículos de los personajes.

Y, por otro lado, me atrajo su director y dramaturgo, en este caso guionista, que es

Rodrigo Sopeña, que es otro de los directores más prolíficos del panorama actual.

Sopeña se escribe él solo todos los capítulos de la serie, y eso tiene un mérito increíble,

afrontar ese vacío del papel sin la ayuda de ningún guionista o colega me parece

realmente asombroso. Además, dirige muy bien. Estoy muy contenta con este trabajo;

es uno de los trabajos que he hecho en televisión de los que más orgullosa me siento.

NFG: Es una actriz con una carrera sólida y muy variada. ¿Qué le mueve hoy a decir

“sí” a un proyecto?

MA: Que esté bien escrito, eso es lo primero. Ese es el punto principal. Y, en segundo

lugar, que mi personaje cuente algo, que realmente aporte a la historia. Porque sin una

buena historia hay poco que hacer.

NFG: ¿Qué lectura hace de la evolución de la comedia televisiva en España?

MA: En general, la ficción televisiva y el cine se encuentran en un estado de gloria. La

llegada de las plataformas ha hecho que haya muchísimo trabajo, muchísimas series y

muchísimas películas. Y, sobre todo, se han roto varios clichés que durante años

estuvieron muy establecidos en la televisión. Yo empecé hace muchos años y, antes,

para que una serie se produjera, todo dependía de fórmulas muy conservadoras, tenía

que ser amable con las familias, tenían que estar los abuelos, los hijos… Eran esquemas

muy repetitivos que yo misma viví en varias series y que se imponían un poco a los

creativos. Creo que Aquí no hay quien viva empezó a romper con todo eso y,

evidentemente, la llegada hace unos años de Netflix o Prime Video terminó de romper

esos esquemas, dando paso a historias jamás contadas, a creaciones muy genuinas y

originales, sin límites en la creatividad. Por eso creo que ahora la comedia, y, en general,

todos los géneros, están en muy buena forma.

NFG: Cuando trabaja en series tan queridas por el público, ¿siente

responsabilidad, libertad o ambas?

MA: Normalmente, cuando estás metido en grandes éxitos, como han sido, en mi caso,

Pepa y Pepe, Farmacia de Guardia, Aquí no hay quien viva o La que se avecina, que ya

forman parte de la historia de la televisión, nunca eres del todo consciente del éxito. Esa

conciencia llega con el paso del tiempo, cuando miras atrás y dices: “madre mía…”. En

cualquier caso, siempre das las gracias, siempre agradeces formar parte de un proyecto

tan querido por el público y, evidentemente, siempre intentas hacerlo lo mejor posible.


MA: Como os decía antes, en la pregunta de la comedia, veo el panorama

cinematográfico y televisivo mejor que nunca. Ya lo anticipé hace unos años, cuando

quise ir a Estados Unidos a hacer televisión, justo cuando series como A Dos Metros

Bajo Tierra, Los Soprano o Breaking Bad estaban rompiendo los hitos

de la televisión americana, y todo ese impulso empezaba a llegar aquí.

Yo, que he nacido y crecido con la televisión en este país y siempre he amado el

formato, aunque hace años no tenía tanto prestigio y no estaba bien visto trabajar en

televisión como lo está ahora, veo un cambio enorme. Hoy, gente joven que tiene éxito

en Netflix o en estas plataformas se puede convertir en una estrella mundial, incluso

haciendo un producto de nuestras cadenas tradicionales; antes eso era impensable. Sin

duda, la televisión está en su mejor momento, y el cine también, sobre todo porque ha

renovado su mirada. Afortunadamente, hay muchas mujeres directoras con un cine

nuevo que me encanta. Por ejemplo, Los Domingos, de Alauda, ofrece unas miradas

muy interesantes. No estábamos acostumbrados a eso; antes predominaba una mirada

mucho más masculina y por supuesto, siempre ha habido gran cine, pero me

sorprende y me gusta que, no sé si fue esta o en la anterior edición de los Goya, la

mayoría de las películas nominadas estaban dirigidas por mujeres. Entonces, me gusta

mucho esta renovación de la mirada cinematográfica.


festivales— está cambiando definitivamente?

MA: Sí, claro, ahora el poder ver una serie en ocho horas en tu casa ha cambiado

totalmente el formato.

No sé si es mejor, ni si estos atracones de audiovisual nos hacen más felices. Hace poco

hablaba con un compañero y comentábamos que antes, las series te acompañaban a lo

largo de tu vida, los personajes crecían con el público… ese formato ya es como antiguo.

Ahora hay que hacer muchas series de pequeño formato, más parecidas al cine.

Es como si lo que entendíamos por televisión, una serie que te acompaña a lo largo del

tiempo, se estuviera desdibujando; los límites se están difuminando. Evidentemente,

ahora puedes consumir todo el cine y toda la televisión que quieras, pero no sé si tenía

más magia o si la vida era mejor cuando teníamos un capítulo a la semana y esperabas

con muchas ganas que ese capítulo llegara. Ahora somos totalmente adictos a la

inmediatez y a los atracones televisivos.

NFG: ¿Y cómo lleva personalmente esa inmediatez, la irrupción de la inteligencia

artificial y las redes sociales en la profesión?

Por un lado, las redes sociales nos han exigido ser multitarea, ahora son un oficio más,

un trabajo añadido, del que tienes que estar pendiente. Hace unos años se decía incluso

que se elegían a los actores en función de la cantidad de followers que tenían.

Sinceramente, prefiero el mundo de antes, el mundo sin redes sociales, la era analógica.

Evidentemente, son un buen portal y un buen escaparate para el trabajo, y traen cosas

muy buenas, pero creo que hay un exceso de exposición y que la intimidad se ha

convertido casi en algo del pasado. En ese sentido, me resulta preocupante.

La inteligencia artificial traerá cosas buenas y también cosas malas, pero me consta que

el teatro seguirá siendo un refugio al que la IA no podrá entrar. Y ahí estaré yo muy

contenta, porque llevo prácticamente veinte años subida a un escenario sin bajarme.

Creo que el teatro es un buen seguro de vida y que lo va a seguir siendo todavía más,

con todo lo que supone la IA.


MA: A ver, al 2026 le pido, sobre todo, salud, para mí, para mi gente y para mi familia. Y

también que no haya guerras en el mundo. Con las dos cosas, podremos seguir

haciendo cine y televisión.



MA: “Los Domingos” de Alauda, “Anatomía de un instante”, gran serie, “Pubertat”, de

Leticia Dolera y “Adolescencia”.

ENTREVISTA


D I E G O

ANIDO


DIEGO ANIDO

Diego Anido no se esconde detrás de discursos complacientes. Su mirada sobre el oficio es tan afilada como su

sentido del humor, y esa honestidad atraviesa toda esta conversación. Actor de sólida trayectoria teatral,

Anido transita el cine desde un lugar poco solemne, consciente del juego, del riesgo y de la incomodidad que

también forman parte del proceso creativo.



NEREA FERGOM: ¿Qué le atrajo de Ya no quedan junglas y

de su personaje dentro de esta historia tan particular?

DIEGO ANIDO: Álvaro Ariza, uno de los productores e impulsor

del proyecto. Es un hombre con gran entusiasmo, muy

creativo, arriesgado y cercano. Me ganó desde el primer

momento.

NFG: ¿Qué emociones o reflexiones le despertó al rodarla?

DA: Aunque pueda parecer lo contrario, ninguna negativa u

oscura. Cómo siempre, es muy divertido crear personajes

desagradables e histriónicos.

NFG: ¿Cómo fue trabajar con el equipo de ya no quedan

junglas?

DA: Al ser la segunda película consecutiva que rodé ese año

en Donosti, conocía prácticamente a todo el equipo técnico.

Eso es como trabajar en casa. En cuanto a mis compas: con

Hovik, Megan y Marco mucha complicidad. Con Ron Perlman:

un encanto, un regalo.

NFG: Usted viene de una trayectoria teatral muy sólida.

¿Qué le aporta el cine que el teatro no le da, y viceversa?

¿A parte del dinero? Jejeje

DA: En el teatro puedes llegar a convivir con gente a la que

terminas queriendo muchísimo. A veces 2 años por proyecto.

En cine puedes llegar a no tener que convivir con personas

con las que no quieres convivir.






DA: Imagino que el cine, tal como lo conocemos ahora, hecho

“por”, “con” y “para” humanos irá poco a poco languideciendo

hasta convertirse en algo minoritario, imprescindible e

inmortal. Y cada noche se acostará a

descansar en el ataúd que está justo al lado del ataúd del

teatro.


DA: Antes de que se vaya todo al carajo me gustaría

interpretar a un antihéroe que no tenga que ser

especialmente guapo, como yo, que tenga algún atractivo

oculto, como yo… no sé, un James Cole en “12 monos” un

César en “Abre los ojos”, una Karen Blixen en “Memorias de

África” … o si no, algo que todavía no se haya inventado.




DA: Estoy viendo una película este año, pero todavía no la he

terminado y es “El caso Mazón”. No sé si lo recomiendo, pero

tiene giros constantes y es capaz de captar tu atención en

todo momento.


en España?

DA: Supongo que a nivel de público le va mejor a las series,

pero, la verdad, no tengo ni idea.

ENTREVISTA


M A R I B E L

SALAS


MARIBEL SALAS

Hablar con Maribel Salas es hablar de oficio, de constancia y de amor por la interpretación. Con una carrera

marcada por la comedia, la televisión y el teatro, su mirada combina experiencia y entusiasmo, sin perder

nunca la capacidad de emocionarse ante un nuevo proyecto.


Fotografía de Lucía Vittoria Sabba


NEREA FERGOM: La Favorita 1922 ha sido una de

las series más comentadas del año. ¿Qué le

interesó de ese retrato histórico?

MARIBEL SALAS: Sobre todo meterme en la piel de

un personaje de otra época tanto por indagar en la

manera de pensar y de vivir de una mujer de mi

edad en esos tiempos, como por la ambientación y

la recreación, el equipo de arte hizo un trabajo

brutal, la primera vez que vimos los decorados fue

impresionante nos emocionamos.

NFG: Usted tiene una larga trayectoria en la

comedia. ¿Cree que la comedia tiene el sitio que

merece?

MS: No, no entiendo porque, pero la comedia no se

considera ni se tiene en cuenta a la hora de valorar

un trabajo y yo creo que es un género que no es

fácil y que es ¡muy necesaria!

NFG: ¿Cómo ha sido volver a vaya semanita

después de tantos años?

MS: Muy emociónate, vaya semanita para mi ha sido

uno de los proyectos más importantes y se generó

algo muy mágico y sobre todo una familia, volver a

reunirnos ha sido un regalo.

NFG: ¿Cómo ha evolucionado el papel de las

mujeres en la ficción desde que comenzó su

carrera?

MS: Pues aunque aún no está todo lo bien que me

gustaría, tengo que reconocer que estamos

asistiendo a un momento dulce ya que se está

escribiendo y generando proyectos teniendo en

cuenta la Mirada femenina y hay muchas más

mujeres realizadoras que nos tienen más en cuenta

que hace unos años.

NFG: ¿Cómo percibe el estado actual del cine y

las series en España?

MS: Es verdad que han proliferado y que

actualmente hay mucha producción, eso es una

buena noticia, también se corre el riesgo de cuidar

menos los trabajos y de que se consuma de una

manera compulsiva y reste calidad.

NFG: ¿Cree que la forma de ver cine y series —ya

sea en plataformas, salas o festivales— está

cambiando definitivamente? ¿Y cómo lleva

personalmente esa inmediatez, la irrupción de la

inteligencia artificial y las


MS: Si ha cambiado totalmente, como decía antes

esa inmediatez y ese consumo compulsivo creo que

puede hacer que perdamos ilusión y que veamos los

proyectos con menos pasión, en cuanto a la IA y las

redes sociales, creo que es un arma de doble filo,

pueden ser herramientas maravillosas pero también

peligrosas como en todo el secreto está en la

medida, y utilizarlas con sentido común.


MS: Sobre todo salud , cada vez más valoro sentirme

bien y que los míos también lo estén, ¡será la edad!

jaja y ya puestos también le pido proyectos bonitos

con personajes interesantes que me permitan

seguir disfrutando de mi profesión a la que amo.

NFG: Para terminar, una recomendación

personal: ¿Qué película, corto, documental o

serie de 2025 recomendaría a nuestros lectores?

MS: Me declaro fan absoluta de “Poquita fe” creo

que es de lo mejor que he visto en tiempo, esa

comedia es una delicia , tiene todos los ingredientes

que valoro en una serie, Yakarta también me ha

encantado, Javier Cámara está inmenso, es una

lección ver como ha construido al personaje.

ENTREVISTA


M A R Í A

VÁZQUEZ


MARÍA VÁZQUEZ

Hay actrices que no solo interpretan historias, sino que las atraviesan.

En este Volumen Especial de Cine y Series, María Vázquez reflexiona desde un lugar honesto y sereno sobre el

amor, el paso del tiempo, los vínculos que se transforman y la necesidad de mirarse —en la pareja, en el oficio

y en la vida— sin miedo a desmontar lo aprendido.



NEREA FERGOM: Nosotros, explora los límites de la intimidad y la identidad.

¿Qué resonó en usted de esa historia?

MARÍA VÁZQUEZ ¿Qué resonó? “Nosotros”, yo creo que habla y tiene mucho que

ver con la edad que tengo y el momento vital, las crisis de pareja, las expectativas

que nos hacemos en la pareja, el desmontar el amor romántico que nos han

vendido, bueno me resonaba muchas cosas y yo tengo una pareja

afortunadamente hace 23 años, pero bueno son cosas que nos resuenan y que nos

tenemos que trabajar día a día porque el amor como nos lo vendieron y las

historias para siempre pensando que son para siempre y que no hay que mirarse,

revisarse, trabajarse y cuidarse, pues los milagros no existen en las parejas, mucho

menos porque es una cosa de dos y me resonó la historia, me apetecía eso de

desmontar el romanticismo y me apetecía

revisarme a mí misma también que para eso muchas veces hago las películas de

temas que me implican que me hacen revisarme y que me enseñan y me gusta

también que en la película hay una cosa que se habla de que estar 20 años con una

persona, aunque se acabe, no es un fracaso, sino un triunfo y me gusta pensar eso

en mi pareja y vivirla día a día y pensar que ya ha sido un éxito llegar hasta aquí, lo

que pasará no lo sabemos. Ir viviendo el día a día y pensar; bueno pues es una

suerte ya haber vivido esto, entendiendo que cuando tienes una pareja es de igual

a igual y que quiere crecer y que no es tóxica, luego hay parejas que perduran que

sería muchísimo mejor que no perduraran.

NFG: En El Jardinero su personaje se mueve en un terreno más contenido y

emocional. ¿Qué le pide cada proyecto como actriz? ¿Y cómo fue trabajar en

este proyecto?

MV: Pues la verdad que “El jardinero” fue un descubrimiento para mí muy bonito,

yo decidí hacer la serie principalmente si soy sincera, es porque trabajaba con

Francis Lorenzo que ya lo conocía y ya había trabajado con él y estaba a gusto y

porque se rodaba en Galicia. Entonces era un periodo en el que yo venía de hacer

muchas películas muy intensas y tenía ganas de descansar pero me pareció un

proyecto al que no podía decir que no, porque era cómodo, estaba cerca de casa y

era un personaje que emocionalmente tampoco me implicaba algo tan

comprometido y bueno pues que era un poco cómodo para mí, por eso decidí

decir que sí y la verdad que lo disfruté un montón, me lo pasé muy bien hacer

género me encantó que era algo que tampoco normalmente hago y el personaje

era contenido y me gustó, y también decidí decir que sí, porque aunque era un

personaje secundario, tenía su identidad propia y rompió un poco los moldes de

policía típica y de mujer típica de cliché, que a veces ocurren en las series como que

era una tía más independiente, sin buscar el romanticismo ni encontrar una pareja,

sino como que está muy a su bola y muy contenta y feliz en ese rol, entonces me

parecía interesante explorarlo y contarlo. Y luego que fue un regalo humano, que

realmente ya es lo que más busco en estos momentos de mi vida trabajar con

buena gente con buen clima. Cuidarse, respetarse y trabajar de una manera más

transversal donde todo el mundo pueda opinar, donde las relaciones sean

igualitarias o lo más igualitarias posibles, y en esto estoy ahora y yo creo que fue

una grata sorpresa en esta serie, donde desde la producción, la dirección, los

compañeros y compañeras fue muy fácil y muy colaborativo.

NFG: ¿Hay alguna película o directora que le haya transformado su manera

de entender este oficio?

MV: Para mí trabajar con Álvaro Gago en “Matria”, que fue un antes y un después

en mi manera de entender el oficio y yo ya lo intuía pero para mí esa manera de

trabajar donde la autoría es de todo el mundo, aunque haya un autor obviamente,

pero donde importan mucho y donde la manera de producirse la película y de

hacerse la película tiene que ver con el contenido de la

película, muchas veces tú cuentas una historia en la que estás muy de acuerdo

pero luego todo lo que la rodea es un poco que te genera controversia y aquí fue

como como un antes y un después de eso de ver que hay otras maneras de

trabajar, de que es posible, donde todo el mundo cuenta, donde el entorno cuenta

y hay que respetarlo bueno siendo respetuoso lo que debería ser cualquier trabajo

y el mundo pero no es tan fácil no encontrarlo, entonces para mí ya no hay vuelta

atrás y por suerte en general, lo he ido encontrando, trabajar con Celia Rico

también fue una maravilla en ese sentido, lo que hablaba de “El jardinero”, todos

los trabajos que he tenido posteriormente en general han sido bastante así y

cuando no han sido así he podido poner límites y entender que yo ya no voy a

trabajar de otra manera, así que agradecidísima “Matria” y a Álvaro Gago para

siempre.


MV: Es innegable que el cine y la televisión en nuestro país ha crecido

sustancialmente en los últimos años y no sólo en cantidad (gracias a la llegada de

plataformas) sino en calidad, (la representación en premios y festivales

internacionales nos avalan). Pero no podemos olvidar que los datos sobre la

situación laboral de la mayoría de los trabajadores del sector (muy pocos pueden

vivir de su trabajo) y la baja representación de diversidad en nuestras producciones

nos hacen no perder el foco para seguir mejorando nuestros derechos y tomarnos

en serio la responsabilidad que tenemos para crear referentes más igualitarios que

nos hagan seguir creciendo y avanzando como sociedad.

NFG: ¿Cree que la forma de ver cine y series —ya sea en plataformas, salas

o festivales— está cambiando definitivamente? ¿Y cómo lleva personalmente

esa inmediatez, la irrupción de la inteligencia artificial y las redes sociales en

la profesión?

MV: Me parece muy amplia y muy complicada de responder sin tener datos reales.

Aún no puedo hablar porque de inteligencia artificial para mí todavía es muy

pronto y obviamente tengo miedos y reticencias, pero como con todo lo nuevo

supongo que serán una cuestión de ver poco a poco cómo evoluciona y cómo se va

regulando. Lo que me da más miedo ahora es la inmediatez de las plataformas y

de consumir un poco fast food, yo misma me doy cuenta que a veces estoy viendo

una serie, que me encanta, que me engancha, que me la veo toda del tirón seis

capítulos y pese a haberme gustado, a los dos meses me olvido, porque como se

consume con esa rapidez, no da tiempo a digerir las cosas.

Yo por lo menos necesito volver a ver las cosas con calma, productos que también

requieran su tiempo de digestión y yo tomarme como espectadora ese tiempo,

porque también sino generamos frustración. Yo lo veo en las nuevas generaciones

porque también tengo hijo e hija adolescentes; esta intolerancia a la frustración

que existe también tiene que ver con esta inmediatez de tener todo ya y verlo todo

ya. Antes teníamos que esperar una semana para otro capítulo, incluso comernos

los anuncios que no me gustan nada pero que hacen que no puedas dominar tú el

tiempo todo el rato. Eso sí que me preocupa, creo que hay que seguir yendo al

cine, te da esto de poder ver las cosas con tranquilidad ir a un espacio, apagar las

luces, requiere como una energía que te concentra en lo que ves y se te queda más

en el corazón y en la mente, por eso digo también que siempre nos quedará el

teatro, a mí me encanta el teatro y yo creo que pase lo que pases es lo único que la

inteligencia artificial no va a poder suplir, esa inmediatez de los espectáculos en

directo.


Pues le pido seguir como estoy porque llevo unos años con mucho trabajo con

trabajos bonitos que me apetecen, historias que me apetece contar, personajes

interesantes. Ahora estreno en enero “Rondallas”, de Daniel Sánchez Arévalo, que

también fue otra experiencia increíble de cultura, del pueblo, para el pueblo y con

el pueblo. Contar historias con personas comunes, corrientes como todos esos

rondalleiros y rondalleiras que nos dieron material para componer el 90 % de la

película con ellos y con ellas, así que fue un regalo, gente maravillosa y también

contar una historia que hay música por medio, yo creo que la música es de las

artes que más conmueve y que más memoria sensorial hace despertar, así que

creo que va a ser una película que lo va a petar porque es preciosa y habla mucho

de familia, de comunidad, de tradición de cómo también que conviva la tradición,

las distintas tradiciones, las distintas generaciones, lo que pueden aportar las

distintas generaciones, lo que se puede aportar trans generacionalmente, también

lo que es vivir en un pueblo sin idealizarlo, con todo lo positivo que tiene y todo lo

negativo también. De estar en un sitio cerrado donde todo el mundo se conoce y

donde todo el mundo se hace una idea de quién eres, también como romper con

eso. Así que le pido al 2026, seguir como estoy y también un poquito más de

tiempo para disfrutar de mi entorno familiar, de amistades y de mi pueblo y de mi

zona para para poder disfrutar del territorio también.



Este año no me puedo quedar con ninguna película porque es una cosecha

impresionante. Hay unas pelis maravillosas de compañeras directoras y

compañeras actrices, que hacen unos trabajos espectaculares como “Los Tortuga”,

“Los domingos”, “Furia”, “Una quinta portuguesa”, “Sorda”, es que hay grandes

películas. Una serie me quedaría con “Pubertat” quizá también por el momento

vital en el que estoy con hijos adolescentes, un hijo y una hija adolescentes. Me

impactó mucho, pero también me reconfortó con que hay reparación posible,

simplemente que hay que conocer, hay que querer, hay que asumir, es dura, pero

muy bonita y luminosa a la vez.

Guía NouArte

MATERIA MARKET

Diseño, artesanía y comunidad creativa

HAY ESPACIOS QUE NO SE RECORREN CON PRISA. MATERIA

MARKET ES UNO DE ELLOS. UN LUGAR DONDE EL OBJETO DEJA DE

SER MERCANCÍA PARA CONVERTIRSE EN GESTO, PROCESO Y

CONVERSACIÓN. EN UNA ESCENA SATURADA DE CONSUMO

RÁPIDO, ESTE MARKET PROPONE UNA PAUSA: MIRAR DE CERCA,

TOCAR, PREGUNTAR, ESCUCHAR A QUIEN CREA.

MATERIA NACE COMO UN PUNTO DE ENCUENTRO PARA ARTISTAS Y

PROYECTOS QUE TRABAJAN DESDE LO MANUAL, LO ORGÁNICO Y LO

AUTÉNTICO. DISEÑADORES DE INDUMENTARIA, JOYEROS

ARTESANALES, ARTISTAS PLÁSTICOS Y CREADORES DE OBJETOS

ÚNICOS CONVIVEN AQUÍ BAJO UNA MISMA PREMISA: EL VALOR

DE LO HECHO A MANO Y EL RESPETO POR LOS TIEMPOS DEL OFICIO.

DURANTE SUS JORNADAS EN LA CALLE VELARDE, EL ESPACIO SE

TRANSFORMA EN UNA PEQUEÑA COMUNIDAD EFÍMERA DONDE LA

ARTESANÍA DIALOGA CON EL DISEÑO CONTEMPORÁNEO. NO SE

TRATA SOLO DE VENDER, SINO DE COMPARTIR PROCESOS,

INSPIRACIONES Y MIRADAS.

MATERIA MARKET FUNCIONA COMO UN ESCAPARATE SENSIBLE DE

UNA NUEVA GENERACIÓN DE CREADORES QUE ENTIENDEN EL

DISEÑO COMO UNA EXTENSIÓN DE SU IDENTIDAD.

GUÍA NOUARTE

“SI HAS LLEGADO HASTA AQUÍ Y QUIERES

FORMAR PARTE DE NOUARTE…”

contactonouarte@gmail.com

CRÉDITOS EDITORIALES

ESTE MAGAZINE ES CREADO

ÍNTEGRAMENTE

POR NEREA FERGOM

Agradecimientos a

Gran Vía Comunicación

Paloma Juanes

Trama Films

Materia Market

Vol Especial Cine Y series 2025

PRÓXIMO VOLUMEN FEBRERO 2026

Agenda Abierta para propuestas

nouartemagazine@gmail.com

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cultura de hoy.

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