Billboard AR Enero 2026

MILO J
COLOR HUMANO
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 3

FOTO: BILLBOARD ARGENTINA
TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING
SALE S DATA
AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES
CO MPIL ED B Y
“Tu Misterioso Alguien
(Cuarteto)” vuelve al N°1 del
Billboard Argentina Hot 100
La canción consigue su décima semana no consecutiva en la cima.
D
espués de un reinado de una
semana por parte de Rosalía
y Yahritza & Su Esencia con
“La Perla”, Luck Ra y Miranda! llegan
nuevamente a la cima del Billboard
Argentina Hot 100 con “Tu Misterioso
Alguien (Cuarteto)”. La canción
marca su 12° semana en el chart y su
10° semana en la cima, quedando así
en segundo lugar de mayor semanas en
lo más alto, luego de “Amor De Vago”
(con 12).
“Tu Jardín Con Enanitos”, “La Perla”,
“Daddy Yankee: Bzrp Music Session
0/66” y “Cuando No Era Cantante”
cierran el Top 5 de la semana del 15 de
diciembre.
El Hot Shot Debut de la Semana va para
La T y La M con “Soy Favela”, tema que
debutó en el N°39 y marca el cuarto ingreso
del dúo en el Billboard Argentina
Hot 100, luego de “Amor de Vago”, “amor
de veraNO” y “No Se Va”.
Por otro lado, Sebastián Yatra, Lucho
RK, Belinda y Gente De Zona se quedaron
con el Greatest Gainer Award de la
Semana gracias a “Canción Para Regresar”,
que aumentó 30 posiciones desde el
No.76 y se afianza en el No.46 para lograr
su mejor escalón hasta la fecha.
Semana
pasada
2
8
3
7
5
4
6
9
11
Esta
semana
2
3
4
5
6
7
8
9
10
Título
#1 por 1 SEMANA
TU MISTERIOSO ALGUIEN
Tu Jardin Con Enanitos
Con Otra
Todo Ke Ver
Tu Vas Sin (Fav)
Hasta Que Me Enamoro
The Fate Of Ophelia
W Sound 05 "LA PLENA"
Yo y Tú
QLOO*
Artista
Luck Ra, Miranda!
Roze Oficial, Max Carra, Valen,
Ramky En Los Controles
Cazzu
JERE KLEIN X KATTEYES
Rels B
Maria Becerra, Tini, Xross
Taylor Swift
Beéle, Westcol, Ovy On The Drums
Beéle, Quevedo, Ovy On the Drums
Young Cister, Kreamly
-VARIACIÓN
-
↑
↓
↑
↓
↓
↓
-
↑
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 5

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 15 DE DICIEMBRE
Semana
pasada
18
Esta
semana
21
Título
No Tiene Sentido
Artista
Beéle
VARIACIÓN
↓
CRÉDITO: POPI GRAÑA
27
22
Si Antes Te Hubiera Conocido
Karol G
↑
35
23
BAILE INoLVIDABLE
Bad Bunny
↑
22
24
Por Mil Noches
Airbag
↓
28
25
Favorita
Ángela Torres
↑
26
26
Una Noche Más
TINI
-
29
27
Si No Es Muy Tarde
Luciano Pereyra, Ezequiel y La Clave,
Un Poco de Ruido y Pinky SD
↑
33
28
444
Yan Block & Panda Black
↑
31
29
Nunca Lo Olvides
Airbag
↑
36
30
Como Eran las Cosas
Babasonicos
↑
32
31
EL PROBLEMA DEL AMOR
Tan Bionica
↑
21
32
JOJO
MARIA BECERRA, XROSS
↓
Semana
pasada
11
8
12
15
16
17
19
39
25
FAVORITA
ÁNGELA TORRES
Esta
semana
11
12
13
14
15
16
17
18
Título
The Fate Of Ophelia
MI AMOR
Todo Ke Ver
Soleao
Yo y Tú
Niño
Capaz
Suena en la Previa Vol. 3
11
12
13
14
15
16
17
18
Artista
Taylor Swift
MARIA BECERRA, REI, XROSS
JERE KLEIN X KATTEYES
Myke Towers & Quevedo
Beéle, Quevedo,Ovy On
the Drums
Milo J
Alleh & Yorghaki
cumbia rocha
VARIACIÓN
-
↓
↓
↑
↑
↑
↑
↑
34
24
30
42
47
37
50
46
53
38
44
43
76
48
59
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48
Shiny
Yogurcito
Golden
VelDA
UWAIE (versión cumbia)
A Las Nueve
Soy Favela
Gil
Cuidado Que Te Supero
DtMF
Pensamientos
Mejor Que Vos
Obsesionario En La Mayor
Canción Para Regresar
Motinha 2.0
amor de veraNO
Easykid
Blessd
HUNTR/X, EJAE, Audrey Nuna
& Rei Ami
BAD BUNNY ft. Dei V, Omar Courtz
Max Carra
No Te Va Gustar
LA T Y LA M
Milo J, Trueno
Los Herrera, Q' Lokura
Bad Bunny
Airbag
Lali & Miranda!
Tan Bionica, Abel Pintos
Sebastián Yatra, Lucho RK,
Belinda, Gente De Zona
Dennis, Luisa Sonza, Emilia
La T Y La M
↑
↓
↓
↑
↑
↓
NEW
↑
↑
↑
↓
-
↓
↑
↑
↑
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14
19
HACE CALOR
19
Maria Becerra, El Alfa, XROSS
↓
40
49
Ramen Para Dos
Maria Becerra, Paulo Londra
↓
20
20
QLOO*
20
Young Cister, Kreamly
-
45
50
Bajo De La Piel
Milo J
↓
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
6 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

07.02.2026 07.02.2026 --- 18HS --- 18HS
Av. Costanera Av. Costanera 2851 - Buenos 2851 - Aires Buenos Aires
BAREM
BAREM
SOLIMANO / / JORGE SAVORETTI / CHAREC / CHAREC
T I C K E T S

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 15 DE DICIEMBRE
Semana
pasada
56
Esta
semana
51
Título
Que Pasaria...
Artista
Rauw Alejandro, Bad Bunny
VARIACIÓN
↑
SEXO, VIOLENCIA
Y LLANTAS
ROSALÍA
100
CRÉDITO: PRENSA
52
52
Hielo Al Vino
Abel Pintos
-
57
53
Blackout
Emilia, Tini & Nicki Nicole
↑
58
54
Perdonarte ¿Para Qué?
Los Ángeles Azules, Emilia
↑
62
55
Pasos Al Costado
TURF & MILO J
↑
54
56
Mi Refe
Beéle, Ovy On The Drums
↓
60
57
PIEL
KE PERSONAJES, TIAGO PZK
↑
23
58
RELIQUIA
ROSALÍA
↓
51
59
PUTERÍ4
DobleP, Peipper
↓
70
60
Mix Cumbia 1
The La Planta, Junior
↑
Semana
pasada
Esta
semana
Título
Artista
VARIACIÓN
25
61
Berghain
Björk & Yves Tumor, ROSALÍA
↓
96
81
BICHO DE CIUDAD
Los Piojos
↑
62
Para Repetir | CROSSOVER #11
Eugenia Quevedo, Roze Oficial,
Big One
↓
93
82
No Podrás
Eugenia Quevedo | Angela Leiva |
La Banda De Carlitos (En Vivo)
↑
68
75
65
55
77
63
87
78
61
64
79
71
69
49
72
63
64
65
66
67
68
69
70
71
72
73
74
75
76
77
78
Es Un Secreto
SINVERGÜENZA
Luna
FRUTILLA DEL PASTEL
El Teléfono
Torteval
No Se Va
Diles Remix
Fronteo
La player
Loco
(Tu Forma De Ser)
Campanas En La Noche
Un Osito De Peluche
De Taiwan
PIERDO LA CABEZA
VOY A LLeVARTE PA PR
Perfecta
Plan B
Emanero, Karina, J Mena,
Angela Torres
Feid, Atl Jacob
Maria Becerra, XROSS
Hector Bambino "EL Father" &
Wisin & Yandel
Gustavo Cerati
La T y La M
Bad Bunny, Ozuna, Farruko,
Arcangel, Ñengo Flow
Plan B
ZION & LENNOX
Los Autenticos Decadentes
Los Tipitos
Los Autenticos Decadentes
Maria Becerra, TAICHU, XROSS
Bad Bunny
Miranda!
↑
↑
-
↓
↑
↓
↑
↑
↓
↓
↑
↓
↓
↓
RE
↓
92
83
85
88
80
66
95
100
82
99
98
94
81
83
84
85
86
87
88
89
90
91
92
93
94
95
96
97
98
Pobre Corazón
Adios
Hoy
Ya No Vuelvas
Extraño
Irresponsables
Lose Control
Tiroteo
Puesto
Hips Don'T Lie
(Spotify Anniversary Version)
CUARTETO SESSIONS #5
La Morocha
Me Gusta
Perreo Th 7
Si Te Pillara
More
Ke Personajes
Gustavo Cerati
Valentino Merlo x The La Planta
Luck Ra, La K'Onga, Ke Personajes
Miranda! & Santiago Motorizado
Babasonicos
Teddy Swims
Marc Seguí
Babasonicos
Ed Sheeran & Beéle, Shakira
Q' Lokura
Luck Ra & Bm
Miranda! & TINI
DJ Plaga, Mamiyosoyelth
Beele
Zion x Ken-Y, Zion
↑
↓
-
↑
↓
↓
↑
↑
RE
↓
NEW
RE
↑
↑
↓
↓
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84
79
Flaca
Andrés Calamaro
↑
91
99
Tan Lejos
No Te Va Gustar
↓
86
80
Khé?
Rauw Alejandro y Romeo Santos
↑
41
100
Sexo, Violencia y Llantas
ROSALÍA
↓
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
8 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

PRESIDENTE
Jorge R. Arias
DIRECCIÓN EJECUTIVA
Juan Pedro Dondo
Analía Arias
Gonzalo Luzza
DIRECCIÓN EDITORIAL
Ezequiel Ruiz
Julián Mastrángelo
Gabriel Sotelo
CONTENIDOS
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Karin Leiva / Mariano Kaplan / Gustavo Serna
Colaboraron en esta edición:
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Valentino Luzza Schimpke / Pedro Lombardo
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Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla / Melanie Lomas
IT / TECNOLOGIA
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DEPARTAMENTO CONTABLE
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CONTACTANOS
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DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL
Sigal Ratner Arias
Billboard Argentina. Prohibida la reproducción total o parcial de
los artículos sin la previa autorización del director. El material
periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.
Lali cerró el 2025 con su quinto Vélez. Reviví los mejores shows de diciembre
RNPI: 5349798
pasado desde la página 50. ISSN 2344-9276 · Año 12 · Nº 146 · Enero 2026 · Argentina: $20000
FOTO: POPI GRAÑA
10 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

Contenidos
CHARTS
3. Billboard Argentina Hot 100
INTRO
13. Pity volvió a los escenarios
ENTREVISTAS
30. Milo J
42. Pablo Alborán
44. Love of Lesbian
46. Ismael Serrano
48. Massano
ESPECIALES
14. Lo mejor de Sonría, Estamos en Billboard
18. Track x Track: NTVG
20. Argentina y Noruega, unidas por MADE
22. 50 discos de 2025
40. Cosquín Folklore
50. Vivo: Shakira, Babasonicos, Maria Becerra, LFC, Trueno,
Nicky Jam, Wos, Dillom
64. EDM Lifestyle
68. Lanzamientos
EN LA TAPA
Milo J, por INDIVIDUA
12 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

TU MISTERIOSO ALGUIEN
(CUARTETO)
LUCK RA, MIRANDA!
10
SEMANAS
EN EL N.1º
13
SEMANAS
EN EL CHART
TU JARDIN CON ENANITOS
ROZE OFICIAL, MAX CARRA, VALEN,
RAMKY EN LOS CONTROLES
DADDY YANKEE: BZRP MUSIC
SESSIONS, VOL. 0/66
BIZARRAP & DADDY YANKEE
HASTA QUE ME ENAMORO
MARIA BECERRA, TINI, XROSS
CON OTRA
CAZZU
AMOR DE VAGO
LA T Y LA M FT MALANDRO DE AMERICA
MI AMOR
MARIA BECERRA, REI, XROSS
NIÑO
MILO J
SUENA EN LA PREVIA VOL.3
CUMBIA ROCHA
HACE CALOR
MARIA BECERRA, EL ALFA, XROSS
14 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

Regreso en Córdoba
IN-
TRO
Pity volvió a los escenarios: “Solo el universo me puede juzgar”
Con repertorio de Viejas Locas e Intoxicados, un tema nuevo y un cover de Blues Motel, el cantante dio un show que quedará
en la historia.
POR JUAN CRUZ REVELLO
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
2
1 horas del sábado 20 de diciembre
de 2025, Ciudad de
Córdoba. En las pantallas dispuestas
a los costados del escenario montado
en el estadio Mario Alberto Kempes,
apareció una placa con un conteo de
reloj y la inscripción, bien grande:
“Pity arranca puntual 21:20”. Dos
días antes, la producción del show
comunició “Tranquilos, Pity ya está
en Córdoba”. También se difundieron
videos donde al líder de Viejas
Locas e Intoxicados se lo veía sobre
el escenario, charlando con los técnicos
y ajustando detalles. Meses antes,
se había anunciado un show en Vélez
que no se hizo y se corrió el rumor
de una fecha en La Plata. Entonces,
sumado a que sus experiencias de
shows en estadios no tenían buenos
antecedentes, el lugar común era
caer en vacilaciones sobre si iba a
aparecer, cómo iba a aparecer, si por
la causa penal podía tocar, si iba a
llegar tarde, si se iba a bancar todo
un show.
Sin embargo, desde el entorno de
Álvarez, aseguraban que estaba en
buen estado, metido en el armado
y motivado por la misión, prometiendo
un show impactante desde la
puesta de luces y sonido. “Va a tener
más luces que el show de Oasis”, le
había prometido Pity a Billboard
Argentina en una conversación
casual.
José Palazzo, uno de los productores
del show, es también abogado y
se encargó de despejar dudas legales
en cuanto a la causa por el asesinato
de Cristian Díaz, ocurrido en julio
del 2018 y por el que Pity estuvo varios
años preso. “Cuando estás en un
proceso judicial y no hay sentencia,
después de 24 meses, la libertad te
debe ser otorgada salvo que seas peligroso
para vos mismo o para terceras
personas. En las pericias psicológicas
que se le fueron haciendo, casación
le ordena al tribunal que termine
con todo lo que tiene que ver con
inhibiciones a la libertad, hasta tanto
haya una sentencia. ¿Por qué no hay
una sentencia? Porque el juicio se
suspende porque no estaba garantizada
la legítima defensa al no poder
interpretar Cristian muchas de las
cosas que se trataban en el juicio. Se
le siguen haciendo pericias con cierta
periodicidad, está suspendido el juicio,
y mientras tanto, goza de todas
las libertades que tiene un ciudadano
común hasta tanto haya una sentencia
que disponga lo contrario”, dijo. Y
luego aclaró: “Interpretar canciones
o cantar en un recital no necesariamente
te hace apto para entender qué,
cómo y porqué se te acusa. Igual no lo
decide la opinión pública, ni los abogados,
sino un grupo de peritos que
lo controlan periódicamente para ver
cuando está en condiciones de continuar
con el juicio”.
En ese sentido, todo estaba dado
para que concretara un recital. Sin
embargo, hasta que no comenzó el
show, permanecía la suspicacia, la
duda, la incertidumbre. Pero el artista
utilizó todo eso a su favor. Primero,
con la huella de un dedo pulgar
(“No es el mío”, nos reveló) como
identidad gráfica sobre su nombre
en la comunicación oficial. Luego,
con ese reloj anunciando que tocaría
puntual. Pity parece haber obtenido
el ojo de Thundera, que ve a distancia
y detecta peligros, controla energías
y tiene habilidades curativas.
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 15

Como ve y siente todo, entendió que
los flashes estaban puestos en que
pifiara, pero no. Y no solo eso, sino
que el recital fue extraordinario.
ESTÁ SALIENDO EL SOL
El pronóstico de Córdoba vaticinaba
tormentas pesadas. Pero el día señalado,
la Docta (como se conoce a la
ciudad mediterránea) amaneció con
un sol espectacular. Docta significa
“la sabia”, que, en consonancia, supo
leer el momento y se arriesgó a recibir
el universo Pity. Ese ecosistema
incluía los rumores de su estado de
salud y las cuestiones legales, sumado
a los prejuicios sobre el público,
que también se iban a esfumar.
La gente invadió la ciudad. En
pleno centro y en las cercanías del
estadio, se multiplicaban los asistentes
al show. Los choferes de servicios
de transporte comentaban que la
ciudad estaba contenta de recibir a
Pity y su gente. La cuota hotelera,
agotada.
Cerca de las 18 se abrieron las
puertas del estadio y el sol no aflojaba.
La previa fue mucho más tranquila
que en cualquier show de Viejas
Locas o Intoxicados en los 90’ o
2000. Los pibes y las pibas están más
grandes, o menos fisuras, o, al igual
que la sabia Córdoba, supieron leer
que la vuelta tenía que ser una fiesta
para todos. Había que portarse bien.
También es cierto que gran parte de
los asistentes iban por primera vez
a ver a Pity y que fueron muchas
familias.
En esa escenografía urbana, los
medios de comunicación cosechaban
testimonios. Un parlanchín se acercó
para decir “Estoy muy emocionado,
gracias por volver, mi rey sin corona,
mi poeta de Lugano”. Todos querían
decir algo y se sucedieron otras
tantas muestras de afecto: “Te amo,
Pity”, “Gracias por la vuelta”, “Espero
que sea la primera de muchas”, “Te
extrañabamos, rey”, “No te vayas
nunca más”... El reloj corría acercándose
a la hora indicada.
Finalmente, llegaron las 21:20. La
hora señalada. Se apagaron las luces
y, desde ahí, el flash. Tres horas de
show con 33 canciones que pasaron
rapidísimo. Los factores emocionales
se potenciaron al sentir que todo
estaba saliendo como deseaba el
público, los artistas y la producción.
La puesta en escena contó con una
planta de luces magnífica y numerosa,
con refuerzos en las torres de
sonido de la mitad y final del campo.
El sonido, poderoso. La banda,
sin ser perfecta (por suerte), estuvo
acorde a la situación. Las pantallas,
generosas, sin mostrar a Pity todo el
tiempo, permitieron apreciar el total
de la propuesta. La lista de temas, soñada.
Un arranque con “Intoxicado”,
“Nena me gustas así”, “Mi inteligencia
intrapersonal” (de lo mejor de la
noche) y “Homero”, que se lo dedicó
a su padre.
Hubo detalles, guiños a los Los
Simpson con Spinal Tap, cuando
simuló leer la ciudad donde estaba
antes de decir “Hola Córdoba”.
También cuando dijo “Korneta” (en
referencia al factótum de Los Gardelitos)
después de la frase "me lo
dijo un viejo que de tristeza se fue
al cielo" (“Se fue al cielo”). Su mamá
Cristina veía el show emocionada,
desde el pit. Exponentes de la cultura
hip hop de distintas épocas (Homer
el Mero Mero, Tiago Pzk y Pablikoman)
celebraron en la tribuna la presentación
de “su hermano menor”
(Pity dixit). Felipe Barrozo se subió
para recrear “Una vela” como en los
viejos tiempos… Pese a que todo se
trataba de él en este regreso, tuvo un
gesto para con Blues Motel, una de
las bandas clave para entender la cultura
stone en Argentina. Y arremetió
con una versión de “Hojas vacías”.
Así, se bancó las 3 horas de show.
Cantó todo lo bien que pudo. Se
notó el esfuerzo descomunal para
llegar a la meta. Lo dio todo para que
saliera como salió. En el medio, tiró
máximas: "El rock no es una campera
de cuero ni un pibe drogado cogiéndose
3 putas a la vez. El rock son
3 tonos a una distancia. Nada más".
Por el contexto, tal vez la frase más
significativa fue: “Estoy emocionado.
Yo creo que solo el universo me
puede juzgar”.
Durante el show no llovió. Pero
cuando todo terminó y mientras la
multitud emprendía la retirada, se
desató una tormenta infernal que
duró varias horas. Parece que ni
quien hace que choquen las nubes se
quiso perder de la vuelta de Pity Álvarez
a los escenarios.
16 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

SONRÍA, ESTAMOS EN BILLBOARD
LO MEJOR DEL MES:
música e historias en primera persona
Artistas que hablan de raíces, recuerdos, amores y canciones
que nacen desde lo más personal.
POR BILL B O ARD A R G E NTINA
En diciembre pasado, Sonría, estamos en Billboard se reeditó con una buena dosis de música y
charlas que retratan el pulso creativo del momento. Por nuestro estudió pasó Eden Muñoz, directamente
desde México a nuestras oficinas; Abril Olivera, con nuevo álbum y mucha música en camino;
Luz Gaggi, que vive uno de sus mejores momentos y Migrantes, que cerrará un año a puro
lanzamiento, colaboraciones y cumbia.
Eden Muñoz
Luz Gaggi
Eden Muñoz Vol. II es la nueva obra del artista mexicano, quién buscó
reflejar un sonido mucho más internacional, con salsa, urbano y algo de
pop, pero sin dejar de lado la raíz mexicana que lo vio crecer. Ex
integrante de Colmillo Norteño y Calibre 50, Muñoz se encuentra en una
etapa de crecimiento como solista y búsqueda de nuevos sonidos. Esa
búsqueda lo trajo a la Argentina junto a Diego Torres, con quién interpretó
“Mi Norte & Mi Sur” en el Movistar Arena Sinfónico del artista argentino.
Migrantes
La cantante pasó por las oficinas de Billboard Argentina donde habló de
todo. Por un lado, su más reciente lanzamiento “Que Mal” que formará
parte de su próximo álbum. Por el otro, sobre el hate, cómo le afecta y el
ser mujer en la industria. La visita estuvo coronada con una interpretación
en vivo del adelanto de su próximo trabajo, con la que Luz sacó a relucir su
estridente voz.
Abril Olivera
“Se Pusieron los Tacos” es el último lanzamiento de Facu y Nico, quienes
cerraron un año como Migrantes cargado de estrenos, colaboraciones y
sueños cumplidos. Desde octubre, el dúo presenta un tema cada dos
semanas, dejando claro que se tomaron en serio el rol que les dio la
industria. “Todos estos lanzamientos preparan el camino hacia un álbum en
2026”, reflejaron en nuestro directo. El cierre de 2025 los espera con el
remix de “Estoy A Un Vaso”, junto a VIUS, LautyGram y Max Carra. “Es
nuestra última canción del año y posiblemente el último remix hasta dentro
de un tiempo. Es tiempo de enfocarnos en Migrantes al 100%”, completaron.
La cantante presentó su segundo disco "Río de la Plata", un homenaje a su
propio paisaje cultural. El disco combina texturas orgánicas y pulsos
eléctricos, una identidad rioplatense contemporánea que fluye entre la
melancolía y la transformación. "En este disco estuve un poquito más jugada
tanto vocalmente como en las decisiones estéticas y en algunos samples. A
nivel letrístico fui un poco más honesta, siempre voy tratando de llegar a una
honestidad más brutal", dijo Abril.
FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA
18 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

Track X Track
FLORECE EN EL CAOS, LO NUEVO DE NO TE VA GUSTAR
Luego de cinco años sin
novedades de estudio, la banda
rioplatense estrena un disco
que grabaron en Montevideo y
produjeron junto a Nico Cotton.
POR GABRIEL SOTELO
E
l nuevo disco de No Te Va Gustar
nace desde una sensación muy
concreta. Venían de un paréntesis largo
y sentían que era el momento de volver
con algo que los representara de verdad.
Después de cinco años sin grabar un
álbum, la intención fue clara. Hacer un
disco que salga como lo imaginaban, sin
forzarlo, y con una energía que se sienta
auténtica.
Ese mismo espíritu define el
concepto general. Florece
en el Caos funciona como
una imagen de época. Un
mundo revuelto, acelerado
y contradictorio, en el que
la música aparece como un
lugar de refugio. No es solo
un título, sino una idea que
atraviesa el disco. En medio
del ruido y del desorden
todavía pueden aparecer
cosas luminosas, pequeñas
salidas, momentos de
claridad.
El proceso de grabación
acompaña esa lectura. “Fue
un trabajo rápido e intenso,
casi como capturar un
impulso”, sostuvo Emiliano
Brancciari, líder de la banda,
junto a Fran Nasser, tecladista,
en diálogo con Billboard
Argentina. Canciones
naciendo en formato simple,
guitarra y voz, pasadas al
ensayo con la banda, y llevadas
al estudio sin demasiada
vuelta. Esa velocidad,
lejos de ser un problema, se
transformó en parte del carácter
del álbum. La frescura
viene de no sobrepensar,
de tocar, elegir y grabar con
decisión.
En ese camino, el rol de
Nico Cotton fue clave para
ordenar sin apagar el fuego.
Su aporte como productor
se sintió en lo práctico, en
las ideas, en la dinámica de
trabajo y en un clima de estudio
que ayudó a que todo
fluyera. No se trató de imponer
una dirección externa,
sino de potenciar lo que la
banda ya tenía entre manos.
Por eso, cuando aparece
la pregunta por “el tema”
del disco, no hay una única
respuesta. “La idea es que
el álbum funcione como un
todo, con distintas intensidades
y matices, pero unido
por el mismo eje”, dice Emi.
Transformar el caos en algo
habitable y dejar que, entre
tanta agitación, aparezcan
flores.
FOTO: DIEGO VELAZCO
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ENERO 2026

1_“HALCONES Y
PAYASOS”
“Abrimos el disco con esta
canción porque es una de
las más potentes. Si el disco
es rockero, estaba bueno
salir con un tema fuerte,
por el poder del riff y de
la canción. También tiene
crítica social: para nosotros
es parte de nuestra forma de
expresarnos, hablar tanto de
sentimientos como de lo que
pasa alrededor”.
5_
“La escribí en
enero en mi casa
-sostiene Emi- y
es una canción
muy luminosa,
“SI
una canción de
amor. Un riff de
guitarra de Pablo
(Coniberti) le
terminó de dar el
EL
toque, y la idea
es que termina y
te deja contento,
con un aire
MAR
fresco dentro del
álbum. Desde
que la terminé
de escribir ya
ME
me había dejado
esa sensación,
y cuando la
empezamos a
tocar entre todos
VE”
se sintió una
felicidad ahí”
2 _“LA NOCHEDE
AYER”
“Es una canción esperanzadora
que tiene muchos años: es de
2014. No había entrado en El
tiempo otra vez avanza, no le
habíamos dado oportunidad, pero
ahora nos dimos cuenta de que era
su momento y estuvimos todos de
acuerdo. Al volver a escucharla
con el tiempo, sí, se resignificó”.
“Es más alegre que el resto y a mí me
gusta para final de show por el final
largo, que se siente como un falso
final -cuenta Fran-. Ese cierre nació
tocando en el estudio: seguimos
tocando, jugando, nos encantó y
dijimos: “¿Por qué no grabar un tema
de siete minutos?”. No tenemos a
nadie que nos diga qué grabar o qué
no: somos independientes, y que sea
más largo no nos hace ruido”.
3_“EN MIL PEDAZOS”
“Sabíamos que
el tema nos
gustaba, pero la
versión definitiva la
encontramos muy
al final. La composición
original era
más balada por
momentos y de
repente se iba al
doble, y no nos terminaba
de convencer.
En el estudio
le encontramos la
versión correcta,
más tirando a un
pop con una mezcla
que nos cerró a
todos, y quedamos
re contentos”.
4_
“EN LLAMAS”
“La pensamos mucho para el vivo, y
en general nos pasa que vemos el álbum
entero para tocarlo. Es de esas
canciones que las tocás y ya salen, y
sentimos que con el resto del disco
pasó algo parecido. La decisión de
sacarla como anticipo fue porque
representa bastante bien la tónica
general del álbum”.
6_“TODO MAL
FT. ANDRÉS CIRO
MARTÍNEZ”
“La colaboración con Andrés no fue
algo que pensé desde el momento de
componer, pero cuando la tuve grabada en
el teléfono con guitarra me apareció la idea
de que le quedaría perfecta. Más adelante,
creo que en julio del año pasado, le escribí y
se dio. Vino a Montevideo dos días para que
fuera cara a cara, y eso se nota: lo dio todo
y quedó buenísimo. La armónica fue para
darle todavía más su identidad, y funciona
perfecto en el tema”, detalló Emi.
7_“QUE NO TE QUEDEN 8_“UNA VEZ MÁS”
“Es una canción de apoyo
“Tiene ese clima de cancha y de agite, sobre
a una amiga que estaba
todo por el estribillo. A la vez es esperanzadora:
transitando un duelo. Tiene
MARCAS” 10_
te deja contento, te deja para adelante”.
un riff poderoso, de esos
que te quedan marcados. Al
principio, cuando empezamos
9_“NO SOMOS
a grabar el álbum, yo no
NOSOTROS”
estaba del todo convencido
de cómo venía quedando,
pero después para mí explotó.
También tiene una cosa
nostálgica: una armonía entre
tanguera y folclórica que
acompaña la letra, le suma
profundidad… Y drama”.
“CARTAS POR JUGAR”
“Está dedicada a un ser querido. Es una
canción bastante sentimental, sin batería, y
te deja una linda sensación cuando termina,
como que te dan ganas de volver a escuchar el
disco. La pusimos al final porque después de
un disco tan intenso estaba bueno cerrar con
ese aire: es la que más se diferencia del resto y
funciona como cierre”.
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ARGENTINA Y NORUEGA,UNIDOS
POR MADE MANAGEMENT
Con el primer show de Hannah
Storm en nuestro país, la
compañía continúa dando
protagonismo a artistas
emergentes de Noruega.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
MADE Management es una
compañía de manejo de artistas
que está enfocada en potenciar
talentos y presentarlos al mundo.
Con base y origen en Noruega,
sus artistas locales comenzaron a
ganar visibilidad y protagonismo
a ritmo de presentaciones y viajes
por Latinoamérica, con Argentina
como uno de sus puntos fuertes.
Aurora o Sigrid, como artistas
principales, o Hannah Storm y
Skaar como estrellas emergentes,
son algunos de los talentos
que MADE busca potenciar y dar a
conocer.
En noviembre, Geir Luedy -su
CEO- y Nicolás Izzo -representante
en Latinoamérica-, organizaron
dos shows especiales de
Hannah Storm: uno en la Embajada
de Noruega y otro en el Museo
de Arte Decorativo de Buenos
Aires. Luego de los shows,
Billboard Argentina dialogó con
ellos para conocer las expectativas
a futuro de la compañía y
qué nuevos artistas vamos a poder
conocer dentro de no mucho
tiempo. “Volveremos con Aurora
en 2026 y también traeremos
a Pomme, directamente desde
Francia, será un gran año para
nosotros”, revelaron.
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BILLBOARD.AR
ENERO 2026

HANNAH STORM
que
¿Es tu primera vez en Argentina,
Hannah?
¡Sí! Tenía muchas ganas de
poder estar acá. Es lo más
lejos que estuve alguna vez
de casa.
¿Cuánto tiempo tardaron en
llegar?
Fueron unas tres horas hasta
Amsterdam y después 14hs de
viaje directo hasta acá. Nos
fuimos el miércoles y llegamos
el jueves por la mañana
directos al Airbnb para prepararnos
para el showcito.
Fueron dos shows mágicos,
era una energía hermosa.
Fueron de los venues más
hermosos en los que alguna
vez toqué. Fue precioso. Había
un jardín increíble, dentro del
propio Museo de Arte Decorativo.
Además aproveché para
aprender un poco más de español
en estos días.
Imagino que va a ser una
experiencia que nunca se van
a olvidar, ni el público ni vos.
Totalmente. Llegar desde Noruega
y ver tanta gente fue increíble.
También me gustó mucho
que fuese un show íntimo
donde tenía
la oportunidad de hablar con
los fans, saludarlos y compartir
la experiencia. La gente fue tan
amorosa… Me sentí realmente
muy querida.
¿Tuviste tiempo de recorrer
la ciudad?
La verdad que poquito, pero
pudimos comer mucha carne,
fue increíble… Realmente
no podía creer el sabor. Por otro
lado, en Noruega está nevando
ahora mismo por lo que llegar al
calor fue lindo también para nosotros.
Después tuve estos dos
shows y ahora estamos por ir a
ver a Oasis. Pude experimentar
mucho en estos tres días, y
realmente espero poder volver
pronto. Estoy quedándome con
una gran primera impresión de
la Argentina.
A nivel proyectos, ¿hay algo
que puedas compartirnos de
lo que viene en el futuro?
¡Claro! Estoy trabajando en volver
en 2026 a la Argentina y también
por el resto de Latinoamérica.
Además, a principios de enero
voy a estrenar mi álbum debut
por lo que sí o sí tengo que volver
para poder interpretarlo en
vivo con su gente.
¿Estás nerviosa por ese lanzamiento?
La verdad es que da miedo porque es algo
en lo que llevo trabajando mucho tiempo
y de repente lo voy a poder compartir con
el mundo. Tengo muchas ganas de poder
mostrar mi nueva música, por lo que realmente
es felicidad, no puedo esperar. Será
muy emocionante ver cuando llegue el
momento cómo reaccionan.
Geir, escuché que estás feliz
en Argentina, ¿cómo te sentís
con el recibimiento a Hannah?
Realmente estoy muy contento
por todo lo que estás pasando.
Creo que es mi cuarta vez en la
Argentina desde que empezamos
a trabajar en Latinoamérica.
Ahora mismo tenemos nieve en
Noruega, y acá hay 25 grados
y mucha música, buenos bares,
linda gente… No podemos pedir
más.
¿Recordás cuándo fue la
primera vez?
Hace tres años únicamente,
cuando empezamos a trabajar
globalmente con Aurora y Girl
In Red. Vine a ver a Nicolás, que
trabaja con nosotros en Latinoamérica
y me mostró la ciudad.
Soy mitad brasilero así que había
ido muchas veces a Brasil,
pero siento que Buenos Aires
es donde la cultura europea se
fusiona con la latinoamericana.
Es hermoso.
El público quedó totalmente
sorprendido e hipnotizado con
Hannah.
La audiencia es increíble. Cada
artista con el que hablo me
dice que es el mejor público del
mundo. Cuando estábamos con
Hannah no podíamos siquiera
escucharla porque estaban todos
cantando al unísono sus canciones,
fue hermoso.
GEIR LUEDY
La agencia está haciendo un
trabajo enorme trayendo artistas
de Noruega a la Argentina y
el resto de Latinoamérica.
Tenemos que trabajar mucho
porque estamos intentando crecer
pero hay que hacerlo despacio.
Queremos tener cada vez
más equipos que se dediquen a
Latinoamérica, y ahora también lo
vamos a hacer en Asia. Estamos
yendo paso a paso, y nos queremos
centrar en encontrar los artistas
que realmente puedan encajar en estos
mercados, que no es fácil. Por ahora estamos
muy bien.
¿Cuál es el siguiente paso?
Vamos a trabajar en la vuelta de Aurora a la
Argentina el año que viene. También esperamos
el regreso de Sigrid y ojalá el de Hannah.
Ella tocará en México. Firmamos muchos
artistas nuevos y empezamos a trabajar en estrategias
globales, por lo que el plan es seguir
construyendo.
NICOLÁS IZZO
dés
¿Cómo funciona hoy en día el
traer a los artistas directamente
de Noruega al vivo?
Es fantástico. Empezamos hace
cinco años de lleno y empezamos
con artistas como Aurora
o Sigrid, que ya son artistas
consagradas mundialmente, y
fuimos construyendo desde esas
nuevas estrategias que se fueron
replicando con mucho éxito. A
partir de ahí fuimos generando
colaboraciones con los diferentes
mercados y eso lo replicamos
con los artistas más chicos
y localizamos el mercado para
cada uno. Estamos creciendo
y evolucionando, tratando de
apoyar a los artistas emergentes
y también a los grandes. Hicimos
hace poco Girl In Red también
en Lollapalooza en Latinoamérica,
así que está yendo bien.
Cada vez tienen más y más
visibilidad.
Totalmente, con Hannah pasó
algo fantástico. Hace dos años,
hicimos un concierto en México
con Aurora y la pusimos a ella
como artista soporte. En dos
shows tocó para 16 mil personas
y fue la primera vez que salía
después de Londres y Noruega a
tocar. Los fans de Aurora la adoraron
y eso fue replicado en todo
el mercado.
Poco después hicimos Corona
Capital donde también participó
ella y ahora empezamos a bajar e
hicimos esto acá. El feedback que
tuvimos de la gente fue muy bueno
y es difícil a veces porque con
artistas que son chicos, obviamente
no son artistas que los po-
sacar y poner a hacer un show,
aunque sea para 300 personas,
pero toda la estrategia que se fue
armando fue muy buena y Hannah
es espectacular.
Encima la vimos en la Embajada
de Noruega, también en el museo,
y la gente estaba obnubilada,
fue mágico.
Realmente fue así. Creo que
tuvimos la posibilidad de que
la Embajada nos esté apoyando,
dándonos la residencia para
poder hacer el evento ahí en
un lugar fantástico y se generó
un clima entre la locación, la
gente, la música… Todo encajó
para que sea algo único y la
gente lo vivió así. Lo del museo
fue algo público ante 200 personas
y el día de la embajada
fue algo privado, ya con gente
de la industria y tal. Pero ambos
eventos, aunque fueron muy
diferentes, fueron realmente
lindos los dos.
¿Tienen pensado algún proyecto próximo
para 2026?
Es muy loco para los artistas cuando llegan
acá y se dan cuenta cómo somos, con esa
pasión, por eso también queremos seguir
desarrollando proyectos de este estilo. Es tan
diferente a los conciertos de allá, que quedan
obnubilados cada vez que hacen un show.
A Aurora le pasó al principio. También
hace poco con Girl In Red, que es una artista
mundialmente conocida, pero no había
venido a Latinoamérica y quedó impactada.
Entonces, en diferentes escalas de artistas,
sean emergentes o conocidos, que todavía
no exploraron el mercado de Latinoamérica,
siempre quedan fascinados con nuestra
cultura.
Respecto a artistas nuevos, en mayo
traemos a la artista francesa Pomme, que
está dentro de los mejores cinco artistas de
Francia en este momento y viene por primera
vez. Después también trabajamos con el
australiano, Rayex. Tenemos varias cosas, así
que estamos trabajando para 2026 y 2027,
ya con varios proyectos para traerlos directamente
para aquí y vamos evolucionando
de a poco.
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LOS 50 DISCOS QUE
DEFINIERON EL
o es un ranking, no son los "mejores": son los discos que más tiempo pasaron por nuestros
oídos y conversaciones durante el año que pasó. De Argentina y de todo el mundo,
N
de géneros y corrientes disímiles, estos trabajos le dieron forma musical al 2025 que se
acaba de ir y abren la puerta a que los próximos 12 meses sean igual o más excitantes.
La selección estuvo a cargo de la redacción de Billboard Argentina y fueron reseñados por
Antonella Lopreato, Karin Leiva, Juan Cruz Revello, Facundo Arroyo y Ezequiel Ruiz.
ROSALÍA_LUX
Si hay un territorio para lo trascendente, Rosalía lo construye a su
medida en Lux. Como una Dante Alighieri que desciende a sus propios
infiernos, la artista se busca a sí misma, convencida de que entender
quién es puede ser la única forma de rozar algo parecido a lo divino. El
punto de partida fue un año entero de lectura. Volvió a las místicas medievales,
a las poetas que pensaron la fe desde el cuerpo, a figuras como
Rabia al-Adawiyya y Simone Weil. De ahí surgieron dieciocho tracks que
navegan, con una mirada femenina, el deseo, la fragilidad y la trascendencia.
Desde la introducción, con “Sexo, Violencia y Llantas”, géneros
como flamenco, clásico, electrónica, pop y jazz conviven sin jerarquías.
La Orquesta Sinfónica de Londres sostiene piezas como “Reliquia" o
“Berghain”, mientras que "Dios es un Stalker" aporta un humor irónico
que descomprime el clima general. A todo eso se suma una apuesta
idiomática: catorce lenguas (del latín al hebreo, del árabe al castellano)
para contar un relato que quiere dialogar con el mundo sin perder la singularidad.
Perfecto para una lista de lo mejor del año, pero, sobre todo,
necesario en un 2025 que olvidó cómo mirar hacia arriba.
MILO J_LA VIDA ERA MÁS CORTA
En épocas de consumo efímero y resultados inmediatos, Milo J hizo un disco
que tiene espíritu de clásico. Son canciones que, al escucharlas, diseminan
en el cuerpo un sentimiento profundo, similar al “dolor” en el pecho, parecido
a la angustia, pero que en este caso indica satisfacción. Está bien producido y
bien tocado. No es un detalle menor, pero rebalsan los discos bien producidos
y bien tocados, que no tienen corazón. En cambio, La vida era más corta tiene
un ciclo cardíaco extraordinario. Las letras son hermosas, buena proporción
de territorio, poesía urbana e ilustrada: “Por el mundo vas de pillo con alma de
caramelo, vi la vida en tus nudillos y su odio en tus hoyuelos” canta en “Niño”,
con voz profunda, dulce y desgarradora a la vez. Es reduccionista describir este
disco solamente de folklore argentino. La vida era más corta es de las calles de
todo el país, donde la cultura popular atraviesa las veredas, los escenarios, las
plazas o los clubes con pisos de baldosas y bombitas de colores, al ritmo de hip
hop, carnavalitos, milongas o murgas, con historias de personas surfeando el
día a día entre el pesimismo, el amor y la alegría de vivir. Participan Soledad, Silvio
Rodriguez (“Luciérnagas” es una joya), Roberto y Cuti Carabajal, Trueno,
una cinta rescatada de Mercedes Sosa y más.
BABASONICOS _ CUERPOS VOL. 1
Pedir un “tiempo-off” como entrada a este álbum es también titular la gran
temática del decimocuarto disco de Babasonicos: una deconstrucción
del poder, el deseo y el cuerpo. También hay una lucha contra la banalidad
digital, un diálogo directo con Miami (1999), aquel disco que también tenía
en el centro de la ironía a la superficialidad. Ahora la pizza y el champagne
vienen en forma de algoritmo. La parte de ensayística del futuro, una fija
en Dárgelos, es cuando dice que vinimos al mundo a hacer cosas con las
manos. La crisis de la expertise, la era de los oficios. Esos que la IA nunca
va a poder hacer. La esperanza de las manos frente a la dispersión de
nuestros ojos y mentes. Sobre la otra red, la que vemos todos los días en
una pantalla, el gran autor del rock argentino dice: “Somos lo que deshicimos”.
El sonido del disco es tan íntimo que ya hubo especialistas de la
música reclamando un show cerrado. Y los géneros, muy puntualizados
en otros discos (rock acelerado, balada), aparecen acá como parte de algo
más. Un Vecna poético musicalizado por cada uno de sus demogorgons
eróticos y dramáticos. Separarlos sería matarlos. O peor aún: dejarlos en
silencio y rotos en tres partes. Cuerpo, pulpa, maracuyá.
BAD BUNNY _ DEBÍ TIRAR MÁS FOTOS
Bad Bunny entendió que, para mirar hacia adelante, primero tenía que
poner los pies donde empezó todo. DeBÍ TiRAR MáS FOToS nace de su reencuentro
con Puerto Rico, de trabajar con músicos de su propia escena,
de escuchar nuevamente las radios de la isla, de desenterrar su archivo
personal para preguntarse qué parte de su historia aún estaba viva.
Hay una distancia nueva en su voz. El artista no suena eufórico frente
a su propio éxito: lo observa con una mezcla rara de ironía y cansancio,
como si estuviera midiendo qué parte de su mito todavía le hace sentido.
Pero más allá de la celebridad, lo que realmente sostiene al disco es la
idea de conservar la cultura boricua antes de que la borren. El resultado
es un proyecto donde suenan salsa, bolero, reguetón y plena, donde la
crítica sociocultural se convierte en el hilo conductor. La obra responde
a una “política del olvido” que avanza sobre su tierra natal: colonialismo,
desplazamiento, corrupción, gentrificación. Temas que ya había tocado
anteriormente, pero nunca con tanta nitidez. Un Benito que, por primera
vez en mucho tiempo, decide no correr detrás de nada y mirar de frente
lo que había quedado fuera del cuadro.
24 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

CA7RIEL & PACO AMOROSO _ PAPOTA
Después de comerse el mundo con el Tiny Desk, el dúo argentino no frenó su
voracidad y redobló la apuesta desde el mismísimo corazón del monstruo.
En una era de saturación de uso de la tecnología (con la IA como rectora,
tanto para componer canciones como para fabricar “memes italianos” o
incluso, tal vez, este o cualquier otro texto), CA7RIEL y Paco nos vienen a
enseñar que está no está mal usar las herramientas disponibles siempre y
cuando no despojes tu trabajo ni de concepto ni de lo que lleves adentro.
De la mano del no menos insaciable productor Gymbaland y el ChadGPT,
fabricaron una pequeña colección de canciones (ensalzadas por un short
film coprotagonizado por Martín Bossi) en la que reflexionan e ironizan
sobre lo que el éxito repentino puede provocar en el ánimo de dos tipos comunes
como ellos: síndrome del impostor, amistades repentinas, romances
fugaces, la despersonalización... La cosa se volvió profecía autocumplida al
hacer que viajaran por todo el mundo con lo suyo (del Lollapalooza a Japón)
y ganar todos los premios posibles. Los festivales del mundo y las alfombras
rojas de los Latin Grammy fueron testigos del meteórico ascenso de dos
pibes que manejan la ansiedad y la alta exposición como pueden.
LALI _ NO VAYAS A ATENDER CUANDO EL DEMONIO LLAMA
La popstar saca a relucir su lado más rebelde y provocador. Este trabajo
marca un giro audaz en la carrera musical de la artista y su álbum más
arriesgado hasta la fecha. Su sexto álbum de estudio cuenta con 15 canciones
y experimenta con varios géneros, tales como el rock alternativo, punk
rock, pop-rock, rock electrónico, disco y pop punk. Que Lali pueda manejarse
tan cómodamente en todos ellos, es una muestra de su versatilidad y de que
no tiene miedo de salir de su zona de confort. Este disco es una declaración
de principios. Con este conjunto de canciones, la argentina se enfrenta a la
superficialidad y a la crítica social. Además, toca temas como el deseo, la
identidad y la vulnerabilidad. Y se anima a citar tanto a los Redondos como a
Attaque 77, tanto en lírica como en melodías. Para darle un poco de variedad
y acompañar el sentido de la obra, la artista sumó colaboraciones clave,
como las de Duki en “Plástico”, Miranda! en “Mejor que vos” o Dillom en “33”.
En suma, el disco muestra cómo una estrella decide tomar las riendas de
su sonido y de su identidad. Esto la lleva a entregar un álbum que no busca
complacer a nadie, sino mostrar su esencia, sus creencias y sus convicciones.
Lali demuestra que no le teme al qué dirán.
TAYLOR SWIFT _ THE LIFE OF A SHOWGIRL
Con su décimo segundo álbum, Swift retomó su alianza con Max Martin
y Shellback para construir un nuevo universo sonoro donde fluyen
géneros como el soft pop y el soft rock. El disco está compuesto por
12 temas, entre ellos “The Fate of Ophelia”, “Elizabeth Taylor” y la colaboración
con Sabrina Carpenter en la canción homónima. Este trabajo
entrelaza a la figura pública con la mujer real. Con una narrativa teatral,
íntima y emocionalmente expuesta, la artista muestra el contraste
entre el glamour y lentejuelas de una showgirl con la vulnerabilidad
que hay detrás del escenario.
Conocida por escribir sobre corazones rotos y relaciones fallidas, en
esta ocasión la artista se muestra optimista respecto al amor y su
futuro. Su prometido, Travis Kelce, funciona como musa y lo retrata
como quien la ayuda a transformar sus cicatrices en fortalezas. Con
este trabajo, Taylor se celebra a sí misma, a sus experiencias, a su trabajo
y el vértigo de vivir bajo los reflectores. Este no es solo un disco,
es una confesión íntima y una renovación artística, con el que Taylor
invita a sus fans a descubrir una nueva era.
LADY GAGA_MAYHEM
El trabajo que marca el regreso de Mama Monster. Lady Gaga vuelve a
sus raíces con un pop más teatral. Pero este no es solo un álbum, es una
reconstrucción tanto personal como artística, marcada por el caos y la
catarsis. Este renacimiento contiene una amplia gama de géneros que la
artista sabe manejar de una manera excelente, tales como el synth-pop,
electro-funk, disco, rock glam y dance-industrial. Su sonido no sólo
rememora sus orígenes, sino también al funk-pop de Prince, los sonidos
glam de David Bowie y el groove de Daft Punk. Un claro ejemplo de esto
es “Killah”, producido por Gesaffelstein, que samplea “Fame” de Bowie.
Por el lado estético y performático, va desde la celebración de su lado
disco-pop, hasta la oscuridad y la experimentación. Gaga vuelve a apostar
al riesgo que tanto la caracteriza. La temática del álbum es el caos,
la destrucción y la reconstrucción. La artista muestra en esta pieza sus
luchas internas, ambiciones e inseguridades. Definido por ella misma,
este disco es una carta de amor tanto para sus fanáticos como para sí
misma, una celebración de la belleza que surge del caos. Un trabajo en el
que Lady Gaga vuelve a sentirse completa.
CAZZU _ LATINAJE
Entre la pluralidad de estilos que contiene el disco, lo que se destaca es el potencial
de voz de Cazzu. El quebranto de su canto encierra sentimientos que transitan
desde la desolación hasta la alegría suprema. Si bien la conocimos con géneros
musicales más anclados en el trap y el reggaetón, por su forma de expresar se
auspiciaba que había una gran cantante esperando las canciones adecuadas. “Me
tocó perder” y “La cueva” justamente son eso, dos puntos hermosos del disco,
donde se espera que la eventual interpretación de canciones con este perfil, no
quede solamente retratadas en esta experiencia. “Odiame” coquetea con el tango
y el sentir arrabalero, con guiños a Tita Merello, quien tal vez fuera la primera jefa
del rap argentino. “Pobrecito mi patrón” es un punto de inflexión de todo el disco.
Aquí se alcanza un nivel de profundidad interpretativa que emociona. Y luego, con
un quiebre abrupto, aparece “Con otra”, una canción que sola funciona muy bien,
pero entre toda la propuesta de Latinaje, desencaja (lo mismo ocurre con “Menú
de degustación”). “Inti” tal vez sea una buena síntesis de todo el universo Cazzu. En
esa línea, cuando termina el disco queda la sensación de que está bueno destacar
que pueda moverse sin dificultad en muchos estilos. Pero sin dudas lo más rico del
álbum pasa por la búsqueda de géneros en los que antes no la encontrábamos.
JUANA MOLINA _ DOGA
Juana Molina siempre fue un planeta aparte y Doga lo confirma.
Su octavo disco, el primero en ocho años, deja claro que las reglas
del pop no son algo que ella tenga en cuenta: hace lo que quiere,
cuando quiere y con los sonidos que encuentra a mano. Hija de
dos nombres pesados, exiliada adolescente en París, criada entre
radios que mezclaban folk africano, electrónica alemana y cualquier
rareza que entrara en el dial, convirtió ese desorden en arte. En este
álbum, la artista vuelve al terreno de los sintetizadores que parecen
criaturas, palabras usadas más como compañía que como mensaje,
y una sensación general de que nada tiene que “cerrar” para funcionar.
La conexión con la flora y la fauna aparece directamente en los
títulos (“uno es árbol”, “indignan a un zorzal”), y en los sonidos que
proyecta. Oscuro por momentos, lúdico por otros, siempre un poco
hipnótico. Es un trabajo que avanza por intuición, que se te pega
por ritmo más que por melodía, y que deja esa impresión de que
estuviste dentro de algo más que escuchando una obra. Al final, es
Juana siendo Juana.
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 25

KALI UCHIS _ SINCERELY,
MARÍA BECERRA_QUIMERA
Kali siempre fue buena para construir mundos,
pero en su quinto álbum decide ordenar el propio.
Es una especie de carta abierta donde la colombiana-estadounidense
se anima a pensar su identidad
artística, familiar y espiritual sin el andamiaje
maximalista de Orquídeas (2024). Primera vez como
productora ejecutiva, primera vez que se muestra
tan confiada en una estética que convoca R&B, retro-pop,
viejo Hollywood y sensibilidad. No hay ansias
de hit, sino, más bien, una artista revisando su
historia personal después de ser madre y armando
un repertorio que acompaña ese proceso, sin necesidad
de subrayarlo canción por canción.
DIVIDIDOS_DIVIDIDOS
Divididos siendo Divididos. Una banda parámetro,
que a lo largo de su historia logró un sonido y concepto
propio. El disco no falla. Para colmo de conceptos,
también es un material dónde el título indica
una marca de época (La era de la boludez, 1993). Lo
titularon igual que a la banda, disparando una dualidad
de términos y significantes, que se completa
con el arte de tapa que agrega sentido político social:
una bandera argentina partida entre el celeste
y el blanco, unida con una sutura grosera, poco sutil.
También contiene gemas surrealistas, representativas
de su lírica (“Llueven ojos en mi guitarra, bafles
caen en el mar”).
Tal como la criatura mitológica, el álbum es un híbrido
entre todas las facetas de Maria pero potenciadas.
Este se divide en cinco partes, que lo vuelven
tan dinámico como interesante. Cada una de ellas
está liderada por un alter ego de Maria, con personalidades
muy diferentes. Estas representan sus
distintas facetas emocionales, artísticas y sonoras.
De manera audaz, con Quimera, Becerra navega por
varios géneros, entre los que se incluyen el pop, urbano,
R&B, salsa y dembow. Esto le da una riqueza
sonora atrevida y diversa. Mientras tanto, sus letras
tratan temas diversos, como amor, desamor, resiliencia,
deseo y sensualidad.
FLORENCE AND THE MACHINE _ EVERYBODY SCREAM
“Nunca supe que mi asesino iba a llegar desde dentro”,
escribía Florence Welch en “King”, tema de Dance
Fever (2022). Una frase que, tres años después,
cumple el rol de prólogo de Everybody Scream. En su
mundo nada ocurre porque sí, y menos aún la idea de
soltar un disco atravesado por un embarazo ectópico
(y una cirugía que le cambió la vida) justo el 31 de octubre,
víspera del Día de Todos los Santos. Juliana de
Norwich y Sylvia Townsend Warner giran alrededor
de una artista que intenta encontrar consuelo en los
libros y termina enfrentándose a la versión más feroz
de sí misma, porque cada intento de serenarse la deja
peleando con sus propios fantasmas.
LOUTA _ UN INSTANTE
NATALIA LAFOURCADE_CANCIONERA
Tras casi dos años fuera de los escenarios y dedicado
a otros asuntos artísticos (por ejemplo, la
actuación), Jaime James sacó del placard a Louta
y lo puso de nuevo bajo el foco. La vuelta fue paulatina:
primero un show teatral y de alto impacto en
el festival Buena Vibra, luego este álbum definitivamente
pop. En Un Instante, vuelve a revelarse como
un escritor habilidoso tanto para los juegos de
palabras ("Mente"), para las referencias solapadas
("Puro" contiene un cameo de Belleza Americana)
como para la observación sociológica ("Le están
hablando al cielo y yo escribo en la pared", asegura
en “Lo mejor de lo mejor”).
KAROL G _TROPICOQUETA
La Bichota volvió a la escena para presentar un álbum
que celebra sus raíces latinas, al mismo tiempo que
defiende el empoderamiento femenino. Tropicoqueta
contiene una amplia gama de géneros como la cumbia,
el reggaeton o la bachata, rindiendo homenaje a
los géneros que la formaron y quienes inspiraron su
sonido. El disco cuenta con la participación de artistas
icónicos como Thalia, Manu Chao y Eddy Lover.
Además, samplea a George Michael en “Cuando Me
Muera Te Olvido”. Este álbum mezcla diversión, amor,
nostalgia y orgullo cultural, resultando en un trabajo
bailable y con espíritu festivo que demuestra cómo
Karol puede encajar en cualquier género.
A los 40 años, la mexicana se topa con un quiebre
personal y creativo. Cancionera nace del choque entre
una maternidad que llegó sin previo aviso y las
ganas de revisarse por dentro. El disco fue grabado
directo a cinta, sin ensayos de por medio, con 18
músicos tocando en tiempo real. La presencia de Israel
Fernández, Diego del Morao y los Hermanos
Gutiérrez suma un idioma flamenco y folclórico que
enmarca la voz de la cantante en una territorialidad
latinoamericana y ordena un recorrido que habla de
identidad, juego y transformación. Entre la introspección
y el registro popular, el trabajo sostiene la
canción como espacio de verdad.
PULP_ MORE
El grupo editó un disco después de 24 años y no se le
oxidó ni un eslabón de su visión onírica con puerto
alternativo en el britpop. Dedicado al bajista Steve
Mackey, fallecido en 2023, Jarvis Cocker no modificó
su foco compositivo. El sexo, en la obra de Pulp,
construye ahora desde la adultez historias que pueden
estar hablando de otros temas trascendentales
pero nunca abandonar lo obsesión de su compositor.
Llega a cimas de emoción y elegancia que, por
momentos (“Background Noise”), parece emular a
David Bowie. Para la entrega dramática está la canción
“My sex” y esta línea letal: “Sin amor, sólo te
estás masturbando dentro de otra persona”.
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BILLBOARD.AR
ENERO 2026

SANTIAGO MOTORIZADO_EL RETORNO
SABRINA CARPENTER _ MAN’S BEST FRIEND
Es su primer disco solista, demorado por proyectos
como musicalizar series y películas. Son canciones
que circularon entre amigos, se filtraron en la web y
cobraron vida en vivo. Hoy tienen arreglos renovados
y suenan con banda completa, donde se destacan
las varias facetas del Santiago songwriter. Grabado
en Texas, en el estudio Sonic Ranch, en piezas como
“El Pastor” y “Camino de Piedras”, hay un perfil country
rock, en línea Neil Young y Johnny Cash. “No me
trates mal”, canción que quedó afuera de La Dinastía
Scorpio, existe el espíritu de balada retro americana.
“Google maps” y “Amor en el cine”, llevan la marca
registrada del primer El Mató.
WOLF ALICE _ THE CLEARING
En el comunicado lo vendieron como “el disco que
haría Fleetwood Mac si hoy viviera en el norte de
Londres”. Y, la verdad, la frase resume bastante bien el
espíritu del álbum. The Clearing inaugura la “segunda
vida” de Wolf Alice: ya sin Dirty Hit, firmando con
RCA y Columbia, y con la libertad para decidir quiénes
quieren ser de ahora en más. Hay un giro hacia
un pop de mayor producción, con una base rítmica
que empuja la nueva dirección. El resultado es un disco
donde el grupo parece más cómodo con su propio
crecimiento, menos atado a la etiqueta indie y más
enfocado en componer canciones que puedan sostenerse
en el tiempo, incluso frente al algoritmo.
En Man’s Best Friend, grita “coquette pero peligrosa”.
Sabrina vuelve a apostar por un pop ingenioso,
divertido y filoso, con guiños retro. De esta manera,
mezcla melodías sintéticas, influencias disco,
soft rock y toques country. Líricamente, la artista
utiliza su característico humor ácido y frases sarcásticas
para profundizar sobre el amor, la vulnerabilidad
y la dinámica con los hombres. El primer
adelanto, “Manchild”, alcanzó el #1 en varias listas
globales. Mientras que “Tears” y “When Did You Get
Hot?”, se volvieron virales en redes. Así, Sabrina
se continúa posicionando entre las popstars más
destacadas de esta época.
DEFTONES _ PRIVATE MUSIC
Durante años se ha debatido cuál es estilo para
encasillar a Deftones, siendo que son admirados
por el público metalero clásico, nü metal, dark,
hip y triphoperos. Lejos de etiquetas, pero cómodos
en el “metal alternativo”, en Private Music van
a lo seguro, fuerte y al medio. Oscuro, intenso y
potente, es un disco que suena a clásico. Tranquilamente
se puede posicionar entre los más destacados
de su carrera. La seguidilla de “ecdysis”,
“infinite source” y “souvenir” es demoledora y climática.
Junto con “metal dreams” y “departing the
body” –las últimas dos canciones- se encuentra lo
más destacado del álbum.
LORDE _VIRGIN
TATE MCRARE_SO CLOSE TO WHAT
La neozelandesa siempre tuvo ese don medio descarado
de cronista callejera. Sale a caminar y cualquier
detalle mínimo ya es material de trabajo. En Virgin, la
ciudad es Nueva York y el centro de gravedad es su
propio cuerpo, que ordena el relato. “Algunos días soy
mujer, otros soy hombre”, dice en “Hammer”, la primera
canción del disco, y desde ahí vuelve a la pregunta
que la persigue desde los 16 años: qué hacer con tanta
sensibilidad. En esas fisuras aparece su madre, la poeta
Sonja Yelich, y con ella, cierta idea de linaje. Ser hija,
ser adulta, ser algo intermedio que todavía no tiene
nombre. Prefiere mostrar la piel en bruto y en esa entrega
recupera la emocionalidad de sus primeros trabajos.
PALOMA MAMI _CÓDIGOS DE MUÑEKA
El segundo álbum de estudio de la chilena es un
derroche de beats bailables y bajos poderosos. Este
cuenta con 11 canciones que muestran sus distintas
facetas, con visuales que cuentan con muñecas
inspiradas en el anime. El título hace alusión a cómo
Paloma es una muñeca que se moldea y experimenta
para encontrarse, pasando por su lado más sexy en
“La Freak” o el más libre en “Síntomas de Soltera”.
Para este viaje de reggaeton puro, Paloma convocó a
artistas como Rauw Alejandro, Pablo Chill-E, Pailita,
El Jordan 23, Marcianeke, Ithan NY y DannyLux.
De esta manera, la artista se explora a sí misma y
nos deja ver cada arista de su personalidad.
Se trata de un álbum cargado de canciones pop super
bailables y vibes dosmileras, pero sin perder la frescura
contemporánea. El disco mezcla géneros como pop,
dance-pop y power pop con toques R&B, mostrando la
versatilidad que Tate pretende imprimirle a su recorrido.
Desde temas más introspectivos y vulnerables a
una sensualidad confiada y un espíritu independiente,
este muestra las dos caras de una misma moneda.
Siempre acompañada de coreografías poderosas tanto
en los videoclips como en el vivo. Así, McRae se abre
camino y, segura, planta su bandera dentro de la escena
musical del pop actual, reconociendo sus influencias
pero agregándole su propia esencia.
LISA _ ALTER EGO
Se trata del primer intento real de Lisa por mostrar
quién es sin el paraguas de BLACKPINK. ¿La estrategia?
Dividirse en cinco personajes y usar cada uno
como excusa para explorar un sonido distinto. Vixi,
presentada con “Fxck Up the World”, impone la lógica
del disco: una villana que le permite disparar ironías
y le responde a los haters. Luego entran Roxi, su versión
rockstar; Sunni, más emocional; Kiki, con aires
de reinvención; y Speedi, la que pisa el acelerador. El
trabajo mezcla trap, R&B y pop sin grandes giros. Se
percibe a una artista que está tanteando bordes, probando
voces y buscando qué parte de ese multiverso
realmente le calza.
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 27

MARILINA BERTOLDI_ PARA QUIÉN TRABAJÁS
TAYLER THE CREATOR_ DON’T TAP THE GLASS
La escenografía que se narra es de paisajes rústicos,
caos, pero con pinceladas de romanticismo
esperanzador. Podría ser la banda de sonido de una
probable Mad Max argenta, contemporánea, donde
pandillas de rockers locales invaden las calles de alguna
capital. Y a fuerza de riffs agresivos, bajos al
frente, teclados, samples y synthes al palo, llaman
a la acción, intentando pasarla un poco mejor entre
tanto desconcierto social. Para quien trabajas
es una obra que cobra mayor sentido como un todo.
Alimentado con audios del pop industrial, encierra
un concepto que varía entre la agresividad del synth-pop
y la new wave argentina de los 80.
ADDISON RAE_ADDISON
El álbum es el punto exacto en el que Addison Rae
deja de ser “la chica de TikTok” para afirmarse como
popstar. Grabado entre París y Luisiana, el disco
toma su vida online -con toda su sobredosis de brillo,
ansiedad y performance- y la destila en un pop
electrónico que seduce, pero que también se permite
aflojar la máscara cuando hace falta. Los singles
ya habían adelantado el proyecto: “Diet Pepsi” como
presentación, “High Fashion” como guiño a su imaginería
fashionista y esa mezcla de ironía y melancolía
que sostiene todo el trabajo. Al final, eso es lo
que lo vuelve interesante, suena a alguien que finalmente
se animó a ocupar su lugar.
Tras Chromakopia (2024), aparece un Tyler más medido,
concentrado en que la música vuelva a sentirse
en el cuerpo, dejando de lado cualquier intento
de gran relato. El álbum va y viene entre el funk,
la electrónica y el R&B, con temas cortos, directos,
pensados para moverse más que para analizar. Juega
con voces, prueba climas, larga barras rápidas y
arma melodías que se te quedan encima. El título
actúa como aviso, “escuchá y no toques el vidrio”.
En criollo, soltá el celular y bailá. En definitiva, un
disco pensado para moverse sin preocuparte por
quién está filmando.
EMMANUEL HORVILLEUR _MI AÑO GÓTICO
Luego del desparejo Aqua di Emma (2023), Horvilleur
retomó su camino solista mientras IKV vuelve a ser
cabeza de cartel en varios festivales grandes de América.
Y en ese mientras tanto, redondeó un álbum en
el que dejó algunas postales de cómo es su vida hoy.
En “Tu cara de culo” (¿habrá perdido una apuesta que
lo obligó a poner la frase "inversamente proporcional"
en el estribillo?) describe la noche y la mañana en la
rutina de convivencia de una pareja adulta. Y en "Supersuave"
cuenta cómo es enamorarse de nuevo. También
cuenta con colaboraciones deluxe: Fito Páez (en
la bossa “Caetano”), Ale Sergi y Javiera Mena (combinados
en la pegadiza “Santo Domingo”).
DEMI LOVATO _ IT’S NOT THAT DEEP
BANDALOS CHINOS_VÁNDALOS
Demi Lovato retoma el pop en It’s Not That
Deep con una soltura que hacía rato no se le
escuchaba. Después del desvío rockero de
Holy Fvck (2022), vuelve a su territorio natural:
sintetizadores al frente, beats pegadizos
y ninguna necesidad de armar una narrativa
grandilocuente alrededor; lo que no quiere
decir que renuncie del todo a la introspección.
El álbum muestra a la cantante enfocada en
moverse, reírse un poco de su propio archivo y
hacer arte sin sobrepensarlo. Un disco que no
pretende profundidad y que, justamente por
eso, encuentra su mejor forma.
MILEY CYRUS _ SOMETHING BEAUTIFUL
Es uno de sus álbumes más maduros de su carrera.
Un ambicioso proyecto conceptual que no está
solo conformado por 13 canciones, sino que viene
acompañado de una película. Esto denota una
etapa creativa mucho más audaz. Este es un viaje
íntimo que tiene como temática principal del disco
la sanación personal y la búsqueda de la belleza en
momentos de oscuridad. De esta manera, Miley nos
abre su corazón dejándonos ver su parte más humana,
mostrándose más adulta, resiliente y feliz. Algunas
de sus canciones más destacadas son “End of
The World” y su colaboración con Naomi Campbell,
“Every Girl You’ve Ever Loved”.
Lo más similar a las canciones de sus discos anteriores
es “Revelación II”, donde dicen: “Dejaste correr el
disco, y no te reconoces (...) / No éramos tan importantes,
ni originales (...) Tuve una revelación, casi una
revolución”. Vándalos es el disco más diferente que hicieron,
teniendo como parámetro a ellos mismos. Podría
decirse que salieron de su zona de confort. Si bien
no es que patean el tablero de cero y son otra banda,
sí se siente diferente. ¿Un poco más oscuro? ¿Más romántico?
¿Menos aires de hit? Sí, todo eso junto hace
un disco interesante de escuchar entero. No cae simpático
rapidísimo y es buena noticia, porque lo que no
se digiere rápido, cuesta más que se vaya.
TURNSTILE _ NEVER ENOUGH
Desde el primer segundo, el grupo avisa que no
piensa reciclar la fórmula que lo convirtió en el bicho
raro más celebrado del hardcore de la última
década. Después de casi cuatro años sin material
nuevo, la banda de Baltimore retoma el ritmo frenético
que dejó Glow On (2021), pero lo ajusta con un
menú nuevo de recursos: capas ochenteras, efectos
vocales y electrónicos, guiños al pop alternativo y
pequeñas intervenciones (trompetas, flautas, percusiones
mínimas). El centro sigue siendo punk y
rockero, pero ahora convive con pasajes reflexivos.
Una actualización del sonido de la banda y un paso
firme hacia su próxima fase.
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BILLBOARD.AR
ENERO 2026

WET LEG_MOISTURIZER
BAXTER DURY_ ALLBARONE
Moisturizer encuentra a Wet Leg en una etapa
menos ansiosa por hacer reír y más interesada en
construir un sonido propio que sobreviva al ruido
del hype. El dúo deja atrás la caricatura viral y se
ordena alrededor de guitarras, producción espesa
y una actitud de desparpajo. Con Dan Carey otra
vez al mando, el disco respira como un proyecto
más seguro de sí mismo, que estira el dance-punk
hacia algo más teatral sin perder la ironía que las
volvió reconocibles. El grupo ahora también abraza
la vulnerabilidad como si fuera otro pedal de efectos.
Es un trabajo diferente, íntimo y valiente, hecho para
quienes disfrutan del caos con una sonrisa torcida.
MIR NICOLÁS_LA CIUDAD DEL POP
Influido por la estética del city pop japonés -mucho
neón, contrastes y veredas húmedas-, el rapper subió
su propia vara con un disco tan callejero y porteño
como sofisticado. Hinchado de referencias pop disímiles
(cine, redes sociales, videogames, fútbol, música,
mucha música), tomando elementos del rock argentino
más clásico y navegando las aguas pantanosas del
jazz más soft, logró un trabajo confesional y aterciopelado.
(Casi) nadie en el rap local está poniendo la mira
en el mismo lugar que Mir Nicolás y eso, entre muchas
otras cosas, lo hace un bicho raro, singular, entrañable.
La ciudad del pop, además, junta colaboraciones de Crimeapple,
Cerounno, Lee Scott, Santiki, Lulo y Valen.
En una entrevista, Dury dijo algo que fue un comentario
al pasar pero que para Allbarone es trascendental:
“Si necesitás tener amigos extravagantes
para escribir buenas canciones entonces no lo estás
haciendo bien”. Y, entre la algarabía, la euforia y
la picardía de la música de su noveno disco, hace
de sus canciones grandes historias de pequeñas
cosas, detalles mínimos. En el tecno que sirve de
apertura al LP dice: “Te dije que era escritor, contrabandeaste
una sonrisa / Me dejaste colgando en un
horizonte vacío”. El compositor indie británico conoció
al productor Paul Epworth y fue claro: quería hacer
un disco como Brat de Charli XCX.
THE HIVES _ THE HIVES FOREVER FOREVER THE HIVES
Los suecos vuelven a ajustarse la corona y entregan
este trabajo, una prueba de que el garage
rock sigue vivo y pateando fuerte. El álbum aparece
después del entierro simbólico de The Death
of Randy Fitzsimmons y abre otra pregunta: ¿Qué
hacés cuando ya desenterraste tu propia historia?
Para ellos, la única respuesta posible es seguir
acelerando. La tapa de estética imperial y el guiño
teatral de “Enough Is Enough” los instala como
una monarquía del ruido que no piensa ceder el
trono. El resultado es el retrato de una banda que
todavía juega como si el rock dependiera de ellos.
Y, a esta altura, es difícil discutirle esa idea.
TAN BIONICA _ EL REGRESO
MON LAFERTE_FEMME FATALE
El primer impasse de Tan Biónica, finalmente, fue de
diez años. Y para este quinto disco eligieron poner la
casa en orden sin comprar ningún mueble. Es decir: pop
radial, un poco más acústico que de costumbre. Chano
Moreno Charpentier conservó la dramática cotidiana
de su interpretación. Hay en su canto exigido y desesperado
una evocación a la soledad que te escupe la
gran ciudad. El ejemplo elocuente de estas diez nuevas
canciones es “El problemas del amor”. La ironía quedó
para el prólogo del octavo track que arranca diciendo
“Santa María de no sé quién”, un tecno-fe, porque hay
que agarrarse de algo, en este tiempo donde las ideas
aflojaron el peso de la verdad.
LILY ALLEN _WEST END GIRL
Lily Allen siempre es más feroz cuando escribe con
el corazón roto, y en West End Girl registra cada sacudida
tal cual viene. Grabado en 16 días, el proyecto
reúne 14 canciones que siguen el recorrido clásico
de una separación: del shock inicial a la reconstrucción.
La producción, repartida entre Blue May, Kito
y un pequeño ejército que entró y salió del estudio,
replica ese caos. Hay soul para hablar de engaños
(“Tennis”), pop para exponer acuerdos rotos (“Dallas
Major”) y arreglos que espejan el mareo mental de
un matrimonio abierto mal negociado (“Ruminating”).
Este disco es su versión de los hechos, con
rencor, humor ácido y pura honestidad.
En este álbum, la cantante le da un nuevo significado
al famoso arquetipo de femme fatale. Esta muestra la
otra cara de esa moneda, dejando ver que una mujer
puede ser poderosa y seductora, pero al mismo tiempo
vulnerable. El álbum está compuesto por 14 canciones
en las que fusiona el pop alternativo con jazz, bolero
y swing. Además, cuenta con colaboraciones de Conociendo
Rusia, Nathy Peluso, Tiago Iorc, Natalia Lafourcade
y Silvana Estrada. Las letras exploran la vulnerabilidad,
el desamor y la soledad. Al mismo tiempo tratan
la esperanza y la búsqueda de la felicidad. De este
modo, muestra un equilibrio entre el caos y la paz que
habitan en ella.
BLOOD ORANGE _ ESSEX HONEY
Inspirado en el duelo que sobrevino a la muerte de su madre,
Devonté Hynes, factótum y cerebro de este proyecto
unipersonal británico, fabricó una colección de canciones
melancólicas y desgarradoras. En un plano analógico,
sumó capas de instrumentación, samples, cuerdas y
voces para dar forma a un trabajo tan íntimo como experimental,
algo a lo que tiene acostumbrada a su fiel audiencia.
El sello de autor se nota, además, en la elección
de las colaboraciones: desde un mito underground como
The Durutti Column (“The Field”), voces de la actualidad
como Lorde y Caroline Polachek (comparten en “Mind
Loaded”) y mezclas inesperadas (en "Scared of It" juntó a
Brendan Yates de Turnstile con el dj Ben Watt).
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 29

JUANA ROZAS_TANYA
HAIM_I QUIT
Juana Rozas toma el caos, la lujuria de la noche porteña
y la paranoia que la persigue desde Vladi, y los
convierte en una pieza que emana a under, a club cerrado
y a personaje literario que se escapa del guión.
Tanya confirma su interés por el technopop, cargado
de dramatismo y con una identidad visual que
acompaña. La cantante se muestra más segura de
su lenguaje y opta por una energía incómoda, donde
la tensión y la exposición se convierten en recursos
expresivos. El corto que acompaña el lanzamiento refuerza
esa dirección y la profundiza hacia un territorio
audiovisual propio. Es un trabajo sólido, coherente
y decisivo para su recorrido.
OLIVIA DEAN_THE ART OF LOVING
Con su segundo trabajo, The Art of Loving, Olivia
Dean confirma su salto dentro del soul británico.
Inspirada por All About Love de bell hooks, la cantante
y el productor Zach Nahome presentaron el
disco con el single “So Easy (To Fall in Love)”, marcando
el tono de un álbum que se mete de lleno en
las distintas formas de enamorarse. La artista ya no
es una promesa ni una heredera obediente de la
escuela Amy Winehouse. Es una compositora que
encontró su tono -cálido, directo e irónico- y lo usa
para escribir todo lo que sabe sobre el amor. Un trabajo
firme, elegante y lo suficientemente claro como
para quedar entre los mejores del año.
I Quit suena a ese momento en que dejás de negociar
con el mundo y empezás a negociar con vos mismo.
Después del fogonazo de Women in Music Pt. III, las
HAIM se alejan del brillo californiano que las había
acompañado. La salida de Ariel Rechtshaid marca un
cambio de era: levantan un trabajo más real, donde
la emoción manda y la producción acompaña. El trío
se mueve como una unidad más equilibrada, sin el
protagonismo tan marcado de trabajos anteriores,
lo que permite que la propuesta aparezca menos dependiente
de una sola mirada. Es un álbum que refleja
transición y reajuste, un retrato de una banda que
revisa su historia para decidir cómo seguir.
VEEYAM _ GAUCHOS
Poseído por el espíritud de Billy Bond, Martín
Villanueva -conocido artísticamente en la
escena del rap como Veeyam- le dio forma e
inventiva a su propia Pesada. Tras varios años
colaborando desde la consola con artistas
como Ysy A o Cazzu, decidió volcarse a hacer
un disco rapero pero que respira de guitarras
distorsionadas. Así, logró un intenso blend en
el que confluyen Emmanuel Horvilleur (que,
coincidente con el regreso de IKV, regresó a su
formato kuryaki en "Deuda espiritual"), Wos,
Edelmiro Molinari, Acru, Ale Kurz, Lula Bertoldi,
Ronpe 99', Foyone y más.
FKA TWIGS_ EUSEXUA
HAYLEY WILLIAMS _ EGO DEATH AT A BACHELORETTE PARTY
“Eusexua es para las chicas que encuentran su
verdadero yo bajo un estilete plateado de metal duro
en la pista húmeda de la rave”. Esta es una de las
tantas explicaciones que Twings dio sobre el concepto
general de su tercer disco. Y quizás sea el más
cercano con respecto al sabor de la música que lo
une. La cantante y modelo extravagante se enamoró
del techno hace unos veranos mientras filmaba la
remake de The Crow de 2024 en Praga; allí escribió la
eufórica pieza central de Eusexua, “Room of Fools”, en
el baño de un club. Y si bien la clave del disco está en
el medio de la pista, también hay por los once tracks
algo de house, garaje y mucho drum and bass.
DANO _ NUEVOS TRAPOS
El rapero afincado en España iba a grabar este LP
en Nueva York y no pudo. Hizo algo con eso: se trajo
el nombre que Charly García le iba a poner a Clics
modernos antes de la foto y el grafiti. Por eso está
dedicado al músico argentino. Lo terminó en Madrid,
con producción y sonido de liga europea, y colaboraciones
con Duki, Ill Pekeño, Ergo Pro y Benny The
Butcher. Nuevos trapos muestra un estilo más pulido
pero con debates sobre la repetición lírica. Aún así,
la crónica oral de Dano muestra el interés general
del día a día (“Like a Colapinto”, dice) y deja sentado
que esa tradición del rap sigue teniendo el objetivo
del registro cultural.
El nuevo álbum de Hayley marca el inicio de una nueva
etapa en su carrera. Este la muestra más independiente
y honesta que nunca, mostrándose como ella
misma, sin la definición de Paramore. Sus 20 canciones
hablan de temas como identidad, ruptura, ansiedad,
inseguridad, dependencia emocional y crecimiento
personal. La cantante eligió el pop alternativo
como base, para luego decorarlo con tintes de indie
rock, trip hop, dream pop y synth-pop. Este muestra
el espíritu libre y rebelde de Williams, pero al mismo
tiempo un lado más maduro y reflexivo. Y no es solo
una declaración de autonomía, sino un viaje por las
distintas emociones que la atraviesan.
WINONA RIDERS _ QUIERO QUE LO QUE YO TE DIGA
SEA UN ARMA EN TU ARSENAL
Ellos graban un disco entero y ya están pensando
en el próximo. Quiero que lo que yo te diga sea un
arma en tu arsenal, cocinado en apenas tres jornadas
posteriores a su show en el Estadio Obras Sanitarias,
reconfirma su lógica de trabajo. Con este
cuarto material, la banda vuelve a apostar por un
sonido compacto, con guitarras al frente y una claridad
sobre qué lugar quieren ocupar dentro del rock
contemporáneo. En ese marco, la obra se presenta
menos como un “regreso” y más como una continuidad
de su propia deriva creativa. La señal más
contundente llega fuera de las canciones: mientras
el proyecto se publicaba, ya circulaba la sigla “WR5”.
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ENERO 2026

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MILO J
“La única forma con
la que sé hablar bien
es con la música”
Con La vida era más corta, dio un giro y se aferró a sus raíces. Luego de conocer sus
orígenes en Santiago del Estero, se inspiró y puso manos en esta obra que es puente
generacional y estilístico. Antes de sacarlo a pasear por el mundo, lo presentará en
Cosquín Folklore, el festival más importante de la música autóctona argentina.
POR EZEQUIEL RUIZ // FOTOS POR INDIVIDUA

“¿Posta me decís?”, pregunta Milo
J a Billboard Argentina. “No me
digas que debuto en Cosquín justo
cuando se cumplen 30 años de la
primera vez que La Sole tocó ahí…
¡Cómo bajó la vara!”, remata entre
risas. En 2025, el rapero nacido en
Morón dio un giro con La vida era
más corta, un álbum donde se hizo
cargo de sus raíces para traerlas al
presente y proyectarse hacia adelante.
En el camino, puso a los pibes a
escuchar folklore. Y ahora, el próximo
domingo 1ro de febrero, sellará
ese cruce cuando se suba al escenario
Atahualpa Yupanqui del Festival
Nacional de Folklore de Cosquín, en
Córdoba.
Partiendo desde el rap y el trap,
viene transitando una evolución vertiginosa.
El primer gran golpe fue a
mediados de 2022 con “Milagrosa”,
que se volvió viral mientras recibía el
aval de referentes como Duki. Meses
más tarde grabó con Nicki Nicole
(“Dispara”) y con Ysy A y Bhavi
(“Flechazo en el centro”). Luego
llegó “Rara vez”, compuesto junto
a Taiu, hijo de Víctor Heredia, y el
primer quiebre público: trascendieron
desacuerdos por las regalías del
tema, algo que Milo dejó entrever
en su “BZRP Music Session Vol. 57”.
“Pegué un tema top global y todavía
no veo un peso”, rapeó. Ese lanzamiento
estuvo acompañado por el
EP en dormir sin Madrid, un punto
de inflexión que empujó su proyección
internacional y lo acercó a una
escritura más cancionista.
Mientras seguía afilando su costado
trap —con proyectos como
511, 111 y 166—, en privado empezaba
a jugar más fuerte con la canción,
el timbre y un enfoque cada
vez menos estándar. El resultado es
La vida era más corta, una obra decisiva
donde incorporó elementos
identitarios del folklore argentino
—bombos, guitarras criollas, voces
ancestrales— a su base rapera. Un
puente entre tradiciones, repleto de
colaboraciones y con el que terminó
de dinamitar cualquier etiqueta.
Es el primer día de diciembre en
San Telmo. El Café Rivas, un notable
que acaba de reabrir, funciona
como escenario para el shooting y
la charla con Camilo Joaquín Villarruel,
19 años, el nombre detrás
del alter ego. No suelta el termo ni
el mate. Tampoco convida, como
haría cualquier matero de pura
cepa. No solo toma por gusto, sino
también para enfatizar lo que dice
o para cerrar una idea. El ruido de
mate como punto y aparte. Habla
en voz baja, algo retraído. Dice que
a veces lo ataca el síndrome del
impostor, que hay cosas de su pasado
que no quiere revivir y que sólo
habla a través de sus canciones.
Que le cuesta abrirse, incluso, ante
las dudas de su madre, quien lee
las letras de su hijo para intentar
decodificarlo.
En dos semanas va a presentar el
disco con dos funciones en Vélez.
Cristalizará el concepto del disco
con un show teatral que tendrá la
intervención/actuación de Peter
Lanzani. Habrá invitados como
Soledad Pastorutti, Duki, Tini,
Bizarrap, Cuti Carabajal, la murga
Agarrate Catalina. Se quebrará
al interpretar “Niño”, quizás su
canción más emotiva. Y cerrará
con “No hago trap”, volando por los
cielos de Liniers. Pero hoy, cuando
todavía faltan unos días para que
suceda todo esto, reniega con el
mote de “promesa”. “Estoy podrido
de que me digan así, boludo. Hay
forros que me dicen ‘promesa de la
música argentina’ y ya agoté un Vélez.
Creo que va a ser una oportunidad
para sacarme eso de encima”,
dice. “Entiendo el tema de mi juventud,
pero lo venimos haciendo
desde muy chicos y ya llegamos a
lugares impensados”.
Estoy podrido de que
me digan ‘promesa de
la música argentina’.
Ya agoté un Vélez”
Es muy familiar tu público.
Unimos bastante a las familias. El
pibe de 15 lo escucha con su viejo y
también hay gente de 30 que escucha
Milo J. Se comparte mucho.
¿Por qué sentís que pasa con tu
música? ¿Qué fibra tocás?
Todavía lo estoy intentando descifrar,
pero es un hecho y es re loco.
Lo de Cosquín es muy, muy loco.
Me llega que hay pibes escuchando
folklore por mi música… Es un orgullo,
pero también es fuerte.
¿Te llegó la propuesta y dijiste
que sí de una? ¿Dudaste?
Con muchas dudas dije que sí. Me la
jugué. Y después seguí dudando.
¿Qué es lo que te hace dudar?
Es la novena luna, el cierre. Es histórico
que un artista del palo urbano lo
haga. Yo le rindo homenaje al folklore,
pero no soy folklorista. Todavía
no caigo y es un orgullo.
¿Qué vínculo tenés con el festival?
¿Fuiste alguna vez, lo veías
por televisión?
Nunca pude ir, pero lo veíamos por
la tele. Para mi familia y para la de
mis músicos es muy fuerte. No me
preocupan las reacciones: voy a mostrar
lo mío. Va a tener la impronta
de La vida era más corta, pero voy
a cantar de todo. Le voy a tirar un
poco de trap y rap al Cosquín. O, tal
vez, tenga que cantar todas baladas,
temas para abajo… Todavía lo estoy
contemplando. Pero creo que vamos
“con de todo”. Mi banda y yo estamos
preparados, pero quiero ver si la
gente está preparada para eso..
¿Qué te da el folklore que el rap
o el trap no?
Un abanico más grande y más rico.
Más que nada en la forma de hacerlo:
es sentarse a componer una canción,
no te tiran un beat y te pones a
bajar melodías. Y si a eso le agregas
los recursos de la música urbana, es
una mezcolanza hermosa.
Está bueno porque no lo planteás
como purista de ningún género.
A los puristas del trap no les gusto, a
los del folklore tampoco, a los puristas
de la música urbana, que deben
ser un par de centroamericanos, no
les gusto. Si vamos al purismo de
algo, no le gusto a nadie.… “¿Qué género
hace Milo J?”. “Milo J”. Yo busco
eso. Nunca seguí ningún molde
para hacer música. Pero siempre con
respeto: a los artistas que dejaron la
vida por el folklore, al género...
¿Qué creés que le falta a tu
generación para conectar con el
folklore?
Entender que no es música de gente
grande. No tenés que ser un abuelo
que se levanta a las 7 de la mañana a
tomar unos mates y escuchar folklore.
La podés escuchar yendo al colegio,
a la facultad. Es un género hermoso,
con letras y melodías bellísimas, y un
abanico de subgéneros gigante. La
música nuestra es riquísima.
¿Y qué le aportás vos al folklore?
No sé si le aporto algo nuevo. Lo que
yo hago, más que nada, es rendirle
homenaje y mostrarle a un público
que no lo escucha y decirle: “Mirá,
pasa esto”. Es rendir memoria más
que aportar.
HISTORIAS DE LA VIDA ERA
MÁS CORTA
La raíz del disco está en Santiago del
Estero, provincia donde nació parte
de la familia de Milo, aunque él no
tenía lazos cotidianos con esa tierra.
Hasta ahora. Si su álbum 166 representaba
el viaje en colectivo desde
Morón (su ciudad natal, ubicada en
el conurbano bonaerense) hasta Palermo
(el barrio porteño que oficia
de capital de la industria musical
argentina), ahora Milo conoció Santiago
para entender sus orígenes y
encontrarse. “Mi bisabuela, por parte
de mi mamá, era de ahí. Me cambió
la cabeza haber ido por primera vez
en mi vida… Y no fue hace mucho”,
cuenta.
Su guía fue Cuti Carabajal, leyenda
del folklore, quien lo metió en el
circuito de peñas y lo llevó por La
Banda, la zona más populosa de la
provincia. La experiencia también lo
llevó a grabar allí todos los videoclips
y visualizers (dirigidos y producidos
por The Movement) con actores y
personal santiagueño. “Conecté con
una parte de mí que sentía perdida.
La provincia terminó siendo la musa
del disco. 166 era el viaje de cómo
logré las cosas; y ya habiendo logrado
las cosas, en este me exilié a Santiago
para encontrar una parte mía. Fui al
núcleo. Fue una secuen más espiritual
que tangible”, dice.
¿Cómo llegaste a La vida era
más corta, el título y el motivo?
Fue un proceso mientras lo hacía: no
planteé un concepto y en base a eso
armé canciones. Lo arranqué al mismo
tiempo que 166, que es todo trap,
algo que hice para cagarme de risa.
Pero para este disco dije: “Le voy a
dedicar tiempo, no va a salir ya”. Yo
estaba en una situación de nostalgia
y de buscarme a mí mismo, de entender
un par de cosas, de reflexionar
sobre lo que me estaba pasando.
De esa impronta iban saliendo
temas, y en grabación y postproducción
terminamos de darle forma: armando
el tracklist y viendo qué historia
queríamos contar, cambiando
versos, poner otras letras... El disco
nace de la impronta de disfrutar el
ahora. A veces el pesimismo o pensar
tanto en la muerte no nos permite
disfrutar del aquí y ahora, lo que
está pasando. Y el título es un vaso
medio lleno. La vida era más corta
34 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

porque ahora va a ser más larga
o la vida era más corta porque es
corta. Ese es el mensaje. Un poco
hippie de mi parte (se ríe).
¿Siempre tuviste claro eso del
aquí y ahora? Recién dijiste
algo de meditar…
(interrumpe) No, no me veas esa
pinta porque no hago esas cosas. El
aquí y ahora lo desarrollé cuando
encaré este disco, porque venía de
una gira intensa: México, Chile,
España, un montón de lados…
La hice con 16, 17 años y no me
acuerdo de nada. Llegué a casa y
dije: “¿Qué pasó?”. Quería dejar de
funcionar en automático y disfrutar
de las cosas hermosas que estaban
pasando, pero lo tenía que lograr
encontrándome a mí mismo,
mirando más para adentro.
Esa vorágine me lleva a en
dormir sin Madrid, el EP con
Bizarrap. ¿Ahí empezó tu cruce
con lo folklórico?
Sí. Ahí empezó. Yo ya había laburado
en “Dispara” con (el productor
y multiinstrumentista) Santi
Alvarado, con quien hicimos el
disco junto con Tatool. En en
dormir sin Madrid trabajamos así:
él armaba armonías con guitarra,
componíamos en tono cancionero
y después lo hacíamos urbano. Yo
bajaba melodías y letras. Después,
pasó lo mismo acá.
Para este disco te corriste de
una escritura autobiográfica.
Hay barras y vivencias mías, pero
las plasmo desde otro punto de
vista. Por ejemplo en “Niño”: hay
experiencias y recursos de mi vida,
pero a mí no se me murió mi viejo
y tengo la mejor con él. Quise ponerme
en la piel de gente que ya no
tiene a ese ser querido.
De algún modo, es un disco
marrón, ¿no? En las tonalidades,
la identidad estética, su
correlato audiovisual. Y justo
es una palabra que hoy se usa
de manera despectiva, como
un insulto peyorativo. Pero de
algún modo estás abrazando
toda esa identidad, haciéndote
cargo de lo que somos, con
ese mestizaje.
Yo soy marrón, el disco es marrón,
el color secundario de Argentina es
marrón. Latinoamérica es marrón.
No me importa cómo usen ahora
el término. Nunca le di bola a eso.
Pero sí, el concepto de colorimetría
y estética es el marrón con el
metal. Por eso también me pego
los dientes de oro, tengo los tajos
en los outfits. Quería que el disco sea
marrón oscuro y que refleje la tierra,
el metal de la chapa vieja. Por eso el
logo del disco vendría a ser un péndulo,
que es casi un triángulo, y que
tiene el mambo de medir el tiempo
también. Un péndulo hecho de voto,
que es joyería vieja, que es lo que le
dejaban de ofrenda a los santos antes
y eso lo hacían todo de plata. Hay
toda una cuestión también histórica
que tiene la estética del disco.
Recién resaltaste la importancia
de la postproducción. ¿Encontraste
el disco ahí?
Sí, 100%. Estructuras, momentos,
qué componentes tiene cada estrofa…
Es todo de la postproducción,
de la edición de audio. Grabamos a
muchos músicos en Unísono (el estudio
de Gustavo Cerati) y después
en postproducción tenés que editar,
decidir, regrabar, ver en qué parte
quedan, cambiar versos para contar
mejor la historia. Todo eso lo descubrimos
en postproducción.
Ahí afilaste tu aspecto de productor,
algo en lo que ya venías
trabajando.
Sí. Pero el de la compu es Tatool. Lo
hicimos en Ableton en una Mac de
Tatool. Pero yo no me callo, no puedo:
sé lo que quiero, lo que hay que
cambiar, lo que va a quedar bien lo
sé y te lo voy a decir. En 2025, 2026
el artista tiene que ser su propio productor:
no sólo impronta vocal, también
de audio. ES casi obligatorio, te
diría. La comunicación no es sólo
verbal. La vida era más corta comunica
en el audio, también.
¿Cómo llega Soledad a grabar
“Lucía”?
A mi generación lo que más le llegó
del folklore es la Sole, fija. Ella marca
el cruce. Cuando empecé “Lucía”
pensé: “Tenemos que meter a la
Sole”. La compuse pensando en que
la iba a cantar ella, con su potencia,
con su voz. Fue de las que más
predispuestas estuvo para estar en el
disco y también fue la que autorizó
el feat con Mercedes Sosa para “Jangadero”.
Lo que canto yo, en realidad
lo estaba cantando ella. Lo de la Sole
en el disco es imprescindible.
Para esta canción en puntual, el
mensaje fue un sueño que tuve, una
alucinación de que me perseguía
un demonio por un bosque. Quise
componer sobre eso en términos de
fantasía y de la ilusión que genera
el disco. Y de cómo se te da vuelta
la imagen que tenés de una mujer.
Por eso en vez de “Lucifer” le digo
“Lucía”. Que viene arraigado a lo que
pasa en “Ama de mi sol” y a lo que
después pasa en “MmmM” con Paula
Prieto.
Sole vino a grabar las voces. Me
le puse al lado en la cabina y le dije:
“Esto es así, así, así, esto estaría bueno
que lo tires así”. Y llegamos a un
resultado increíble. Yo de música no
sé nada, pero no se trata de saber,
sino es cómo lo quiero yo. Ella me
aconsejó un montón de cosas, sobre
todo de cómo afrontó la fama desde
muy chica.
¿Cuál fue el mejor consejo en
esa línea?
Justo haciendo el disco, ella me
aconseja: “Disfrutá el aquí y ahora,
lo que te está pasando. Se te va a
pasar volando”. Tiene razón. Tengo
19 años, no sé qué pingo pasó en los
últimos tres.
Hay una canción muy especial:
“Luciérnagas”, con Silvio Rodríguez.
Entiendo que la compusiste
el día que falleció tu abuela.
La historia con mi abuela es muy
loca porque ella era la secretaria del
colegio de mi mamá. Y mi mamá
llevaba a mi hermana mayor, Ángeles,
que hoy tiene 27 años, cuando
todavía era recién nacida. Entonces,
pegaron muy buena onda con la que
es mi abuela. Pero ni siquiera eran
familia. Y en cierto momento la hospedan
en su casa a mi mamá y esa es
mi casa de toda la vida. Ahí nos tuvo
a nosotros cuatro y nos quiso como
nietos. Ella eligió ser nuestra abuela.
Es una relación rarísima, pero hasta
más fuerte que la de una abuela.
Fue una elección que tuvo la mina.
Cuando se fue como que no podía
creerlo. Ya estábamos acostumbrados
a que siempre iba a estar para
nosotros.
¿Se fue de manera repentina o
tenía una enfermedad prolongada?
Estaba luchando con una enfermedad,
pero el día que pasó, fue muy
repentino. Ese mismo día fue a comprar.
Yo no quise ir al funeral, no fui
y la noche que pasó compuse el tema
a capela y llegué al estudio y con
Alvarado le bajamos la armonía esa
hermosa que tiene y lo fuimos armando.
Fue afrontarlo de otra manera.
Y ella era fan de Silver Rodríguez,
el tema terminó siendo con él. Creo
que es hermoso, la verdad. Lo hicimos
a distancia, muy como se hacen
las cosas ahora, irónicamente. Al
chabón le gustó la melodía y se quiso
sumar, fue completamente genuino.
Hay una canción anterior tuya,
“Domingo”, que también tiene
que ver con una pérdida.
Sí, de un tío. Tenía la melodía y algo
de letra, pero la convertí en canción
de amor porque no me animé a escribirle
a un ser querido. Tenía un
bocho muy de música urbana, me
daba cringe. Hoy ya me saqué prejuicios
para componer. En ese momento,
no lo quería hacer. Pero con lo de
mi abuela fue: “Basta, necesito hablar
de esto”. La única forma con la que sé
hablar bien es con la música.
Hace poco tu mamá dijo que
vos, como típico adolescente,
hablás lo justo y necesario, y
que ella va a las canciones para
entenderte.
Dijo eso para no hacerme quedar
mal, pero no hablo nada. Se enteró,
literalmente, de muchas cosas por
mis canciones. Es algo que tengo
que trabajar, con el tiempo. No sé
decir las cosas y la música me ayuda,
terapéuticamente.
PATRIA Y FAMILIA
Hoy tu equipo de trabajo está
compuesto por tu familia.
¿Cómo te resulta?
Está buenísimo porque puedo ser
sincero, sin prejuicios. A veces nos
peleamos con mi mamá, ella capaz
que la choca más de madre que de
manager. Y viceversa: yo me equivoco
más como hijo que como artista.
Pero el vínculo familiar se fortalece,
los veo mucho más seguido a todos.
Se te percibe cómodo, como si
el éxito no te torturara. ¿Cómo
lo vivís?
La he pasado mal en lo personal.
Vos pensá que me perdí toda mi
adolescencia como persona normal.
Tuve que dejar el colegio porque me
volvían loco los pibes… Pero al final
del día son gajes que, comparado a
lo que recibís, son mínimos. Hacer
música me gusta y yo amo la música,
porque si no sería imposible hacerlo.
Mi amor por la música me lleva a recorrer
otros países y transmitirle mi
mensaje a la gente y que la gente se
vea en mí. Creo que al final, por eso,
terminas haciendo música, y es lo
que realmente vale. Me banco pagar
ese costo. No me voy a victimizar.
Hay gente que no tiene para comer.
Uno no puede estar quejándose de
esas cosas. Y la música me salvó la
vida, eso también hay que decirlo,
porque no tuve adolescencia, pero
no la pasaba bien antes de esto.
¿En qué no la pasabas bien?
En lo económico, en lo social, en
todo tipo de cosas… No me gusta
indagar mucho por ese lado. Lo único
que voy a decir es que la música
me salvó la vida..
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 37

¿Extrañás algo de tu vida anterior al éxito?
Sí… “Qué no extraño” es la pregunta. Recién
me estaba sacando unas fotos y se me quedaban
viendo, pasó una piba llorando… Ese flash de
sentir de que te están mirando no lo quiero tener
y antes no lo tenía. Pero uno ya sabe afrontarlos.
Quisiera ser anónimo. Ya de por sí soy una
persona de perfil bajo. Antes lo era más, nunca
me gustó salir, nunca me gustó que me miren,
nunca me gustó que me hablen, nunca me gustó
la gente… Tampoco elegí el rubro más óptimo,
vamos a decir la verdad (se ríe).
En febrero pasado trascendiste las noticias
musicales cuando ibas a hacer una
presentación en el museo de la Escuela de
Mecánica de la Armada (ESMA, lugar en el
que durante la dictadura cívico militar que
gobernó la Argentina entre 1976 y 1983 funcionó
un centro clandestino de detención,
tortura y desaparición) y el gobierno, a instancias
de la Justicia, lo prohibió. Incluso la
policía quiso desalojar el lugar reprimiendo
a tu público, que estaba esperando a que
ocurriera el show. ¿Cómo lo viviste?
Me sentí muy mal. Quedé con mucho rencor,
muy asustado. Fue muy política la secuen. Yo no
tengo Twitter, pero todos mis amigos me mandaban:
“Milo J tendencia política”. Me empezaron
a decir de muchas maneras, y yo solamente
salí a decir que la gente se vaya del lugar. Yo
nunca me partidié. Nunca tiré para ningún lado.
Vinieron a reprimir a adolescentes, y eso ya no
es partidario. No es “soy de izquierda” o “soy de
derecha”. Está mal lo que pasó. Vos no me podés
permitir poner un escenario una semana antes
y el mismo día decir: “No, no se hace”. Es obvio
que es a propósito. No sé si es censura o no, pero
fue serio lo que pasó y muchos del otro lado me
preguntan: “¿Por qué lo querés hacer en la ex
ESMA?” ¿Y por qué no lo haría ahí? ¿Por qué no
hacerlo la ex ESMA? Eso es lo único que tengo
para responder. Quedé muy afectado después de
ese día, no te voy a mentir.
¿Volverías a organizar un show ahí?
No te puedo dar ahora la respuesta. Tendría que
pensarla un poco más. Porque me siento un poco
culpable. No sé si lo haría de vuelta. Amo hacer
cosas gratis para que pueda venir todo mi público,
financiadas por mí y aportarle todo tipo de comodidad
a mi público, que vengan gratis a ver un
show mío. Me encanta. Pero ya no sé si lo haría
ahí. Quiero sacarme esa cuestión de encima.
¿Te preocupa el país en el que estás viviendo?
Sí, sí, sí. Creo que no estamos atravesando nuestro
mejor momento ni como país ni como sociedad.
Tengo esperanza, igual, no la perdí para
nada. Confío en mi generación, en el pensamiento
de mi generación, en lo que tenga para decir,
para hacer. Y nosotros, como artistas, tenemos la
responsabilidad de cargar con ese mensaje. Y los
artistas que van a venir después, también.
La preocupación por la Argentina es colectiva.
Es de los chicos, de los grandes, los adultos, los
ancianos. Es una preocupación por el futuro. Por
eso puedo decir que confío en mi generación y en
lo que vaya a hacer, más allá de lo que esté pasando
y las decisiones que se estén tomando ahora.
“
No estamos atravesando
nuestro mejor momento
como país. Pero tengo
esperanza en mi generación.
¿Qué sonido de la Argentina te emociona?
Lo que llaman el under, el nuevo trap. En términos
de producción, es interesantísimo. Me parece
increíble lo que hacen no solo como artistas
sino como productores. Los pibes ya traen eso de
ser su propio productor, lo que decía antes. Me
gustaría que prueben samplear cosas de nuestro
folklore, de nuestra cultura. Sonoramente, tienen
mucha data, yo los re banco.
¿Te escuchás a vos mismo?
Este disco, sí. Los otros me dan cosa.
¿Y fuera de la música, te escuchás cuando
te hablás?
Sí. Pienso en tercera persona, siempre, sin querer.
Te escuchás como un otro, pero a vos mismo. Me
hace funcionar.
¿Qué te gustaría que diga alguien que te va
a ver por primera vez en Cosquín?
Que le gustó el show, boludo. Que le gustó todo
el espectáculo. Y un comentario en particular: lo
bien que sonamos. Ese es mi objetivo. Estamos
trabajando en eso.
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 39

CRÉDITOS
Fotos y dirección creativa: Individua
Vestuario: Alma Villarruel
Producción Ejecutiva: Pía Fernández Paz
Producción: Candela Pietragallo
Asistente de Producción: Rafael Patiño
Co-dirección creativa: Manuela Uribe
Asistente de Dirección: Guadalupe Guzmán
Dirección de Fotografía: Vanina Falcone
Gaffer: Quino Styslo
Eléctrica: Meli Kladniew
Asistentes de Fotografía Analógica: Sebastián Ángel
y Ariel Fiminela
Dirección de Arte: Gisela Sosa
DIT y retoque digital: Karen Pérez Vélez.

HABLAN LOS INVITADOS DE LA VIDA ERA MÁS CORTA
El álbum de Milo J funciona como un cadáver exquisito de la música popular americana: además de su muñeca compositiva, su visión como
productor (junto a Santiago Alvarado y Tatool) y su interpretación, aparecen samples, guiños al tango y al candombe, mucho folklore y melodías
rescatadas de antiguas composiciones (de Totó La Momposina a Fito Páez, de Jaime Roos a Horacio Guarany). También suma una
lista de invitados que expande el mapa: Silvio Rodríguez, Cuti y Roberto Carabajal, Mercedes Sosa (desde una cinta, en “Jangadero”), Soledad,
Trueno, Nicki Nicole, Yami Safdie, Akrilla, Paula Prieto y Radamel, un niño guitarrista a quien conoció durante el rodaje de los clips.
En exclusiva para Billboard Argentina, algunos de ellos opinaron sobre su aporte en La vida era más corta.
“Luciérnagas” es una canción muy bien escrita. Me gustó especialmente el respeto
a la tradición musical argentina que evidencia. La identidad es un valor que aprecio.
Milo me explicó que se trataba de una persona muy querida, importante en su formación,
y que ya no estaba. Un sentimiento humano que inevitablemente nos toca
a todos. Desde que existimos los humanos, la pérdida de un ser querido es dolor
en el alma; sólo que las artes tienen la facultad de reflejarlo colectivamente: la pintura,
el cine, la danza, la literatura, el canto lo vienen haciendo desde siempre.
Me pareció un disco muy maduro, cosa que llama la atención en un joven de 18
años –edad de Camilo cuando lo hizo. A esa edad yo ya componía, pero lejos de esa
solidez y variedad creadora.
SILVIO
RODRÍGUEZ
SOLEDAD
Grabar “Lucía” fue muy especial. Milo y los productores me dieron mucha libertad, me invitaron a
sumarme con mi estilo, mi esencia. Querían que trajera algo del folklore, pero desde un lugar muy
natural, sin forzarlo. Aporté mi interpretación, mi forma de decir y sentir la canción, y creo que se
generó algo muy honesto, muy sentido. Cuando me contaron la idea de usar la grabación de
Mercedes en “Jangadero”, no dudé ni un segundo. En su momento habíamos pensado con
Afo (Verde) en usarla en el álbum Raíz nunca me fui, pero sentimos que no era el momento.
Cuando apareció lo de Milo y me dijeron, fue: “¡¡¡Claro!!!!”. Había que esperar, esta pista estaba
aguardando a que viniera el indicado. Me emocionó mucho que un artista como Milo —tan
joven y tan conectado con lo actual— quisiera incluir esa voz tan sagrada de nuestra música
popular. Y más aún que lo hiciera con tanto respeto y sensibilidad. El resultado me encantó.
La voz de Mercedes no solo está bien tratada, está integrada con un amor enorme. No es un
homenaje vacío ni una cita decorativa. Tiene peso, tiene alma, y en el contexto de ese disco,
cobra una dimensión nueva. Me emocionó. “Jangadero” sintetiza lo que es la esencia del folklore:
la búsqueda que perdura en el tiempo, el paso de generación en generación: Mercedes - Soledad
- Milo. Me parece hermoso que Milo llegue a Cosquín. Su disco tiene mucho de raíz, mucho de
búsqueda y creo que va a conectar fuerte con ese público. Yo debuté hace 30 años, muy chica, muy a flor
de piel… Y creo que le diría que se entregue. Que no lo piense tanto, que sienta. Que escuche al público, que abrace el momento.
Cosquín tiene una energía única, te transforma.
YAMI SAFDIE
Fue un honor formar parte de este álbum, que estoy segura
de que va a quedar en la historia. Trabajar con Cami y Tatool
es muy divertido. Yo me puse a entera disposición de ellos
y de su búsqueda. Estuvimos varias horas intentando tomas
diferentes. Hay momentos
corales en los temas que
logramos grabando
muchas veces con
distintos colores.
Por ejemplo, tapándome
la nariz,
o saltando, o
gritando desde
distintos puntos
de la habitación.
Me pone muy feliz
haber ayudado a
los chicos a lograr el
sonido que buscaban.
TRUENO
Fuera de lo musical, con el Cami
nos encontramos en los valores
que tenemos: somos dos pibes de
barrio, de familia, nos gusta jugar
a la pelota, comer asado, tomar
mate, escuchar música, aprender.
Para la canción “Gil”, él quería
hablar de la traición y me vino perfecto
porque yo venía pasando por
una situación similar. Ambos sentimos
la responsabilidad de, en una industria tan
frívola, tan peligrosa, con tantos tiburones, dejar
en claro que los sueños de unos pibes, el arte y la pasión, son intocables. Es
un mensaje positivo para la industria, para que los pibes sepan que si se la
aguantan y le siguen metiendo sin perder el foco, ninguna turbulencia hace
que se termine el vuelo. Cuando estaba escribiendo mi verso, él me agarró y
me dijo: “Tranquilo, amigo, tranquilo”.
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 41

Cuando Cosquín Folklore agrandó la cancha
DE LA LLEGADA DE MILO J Y CAZZU AL RECUERDO
DE CHARLY GARCÍA: “LA GENTE SE VOLVIÓ LOCA,
PARECÍAMOS LOS BEATLES”
El Festival Nacional de Folklore de Cosquín supo abrirle la puerta a otros géneros y artistas que no son del
palo. Este año, la Plaza Próspero Molina recibirá a dos exponentes del rap pero alguna vez también cobijaron a
La Mona Jiménez, Divididos y Fito Páez, entre otros.
P
romoviendo la música de
alcance popular, el Festival
Nacional de Folklore
de Cosquín, a lo largo de los años
supo tener un equilibrio entre dar a
conocer nuevos valores y fortalecer
los tradicionales. Con idas y
vueltas, con virtudes, polémicas
y contradicciones, nunca dejó de
ser un objetivo al que los artistas
del género quieren atravesar: subir
al escenario Atahualpa Yupanqui
y enfrentarse a la experiencia de
convencer al público en la Plaza
Próspero Molina.
Asimismo, históricamente hubo
inclusiones de músicos que no
venían necesariamente del palo
folklórico, sobre todo desde la
década del ‘70, cuando participaron
conjuntos de música melódica
sin que se imponga demasiada
resistencia.
A partir de los ‘80, mediante
artistas interesados en “nuevos sonidos”,
se comenzaron a introducir
instrumentos que venían del universo
del rock -que por entonces
era lo moderno, la tendencia entre
la juventud- en la música folklórica
tradicional. León Gieco fue clave
para popularizar la fusión entre el
folklore y el rock, traspasando esa
barrera. Al punto en que, a pesar de
que existió cierto recelo, fue invitado
a participar.
El espectro también se abrió
para el cuarteto. La inclusión del
Cuarteto Leo en 1987 fue significativa,
pero con la Mona Jiménez
al año siguiente -donde compartió
espacio con Luis Landriscina, los
Tucu Tucu y Ramona Galarza-, la
cosa tomó otra dimensión. Hasta
ese momento, fue el récord de
asistencia de personas, llegando
POR JUAN CRUZ REVELLO
a la ciudad cerca de 100 mil. El
público llevó carteles que decían
“Mona, folklore cordobés”. “Fue
una demostración de que Córdoba
era cuarteto” supo decir La
Mona. El género era resistido, el
concierto fue un caos y se estigmatizó
a tal punto a Jiménez que
recién pudo volver en el 2012. “La
música de cuarteto era para negros,
para gente humilde y ellos no
querían eso. Yo siempre le canté a
la gente más humilde, recordó el
artista cuando le consultaron por
aquella noche.
Entre estos puntos de inflexión y
la actualidad, pasaron otra serie de
músicos provenientes de otros géneros
que marcaron hitos. En ese
sentido, es clave la participación de
Charly García invitado por Mercedes
Sosa en 1997. Fueron apenas
10 minutos sobre el escenario pero
todo el país habló de eso. Antes y
después del show. Consultado por
Billboard Argentina, hoy Charly
dice: “Lo recuerdo muy gratamente.
Yo siempre admiré a Mercedes
Sosa, y cuando me invitó no tuve
otra cosa que hacer que ir y darle
mi apoyo, y a la vez compartir la
idea de que la música incluye todo:
folklore, rock, etc. Cuando llegábamos
y nos íbamos en la combi,
la gente se volvía loca: parecía que
éramos los Beatles”.
¿Cuál era tu relación con el festival
previo a esa invitación?
Bueno, era un poco rara, porque
si bien después toqué en los Cosquín
Rock, este era diferente. Te
podían tirar naranjas o cosas por el
estilo, así que lo de Mercedes fue
un punto de inflexión y lo recuerdo
muy vívidamente.
42 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

¿Sentís que marcó un precedente para
que músicos que no vienen del folklore
también puedan estar en Cosquín?
Sí, esa apertura fue muy importante. Una
vez más, digo que se pueden fusionar
distintos estilos para lograr algo coherente
y artístico.
Más adelante hubo otras actuaciones
resonantes. Divididos, trío de rock con
una profunda ligazón al folklore argentino,
participó en el 2008, año del centenario
del nacimiento de Don Ata. Tuvieron a
Peteco y Demi Carabajal, Rubén Patagonia,
Fortunato Ramos y Ricardo Vilca
como músicos invitados. "Si Cosquín nos
acepta como sus hijos, es un placer muy
grande", dijo esa noche Ricardo Mollo.
Fito Páez tocó en el 2020. Comenzó
el concierto con "Me voy quedando"
de Cuchi Leguizamón, con una bellísima
interpretación en la voz de Fabi Cantilo.
También sacó a relucir el costado más
folklórico de su propio repertorio, con “Yo
vengo a ofrecer mi corazón” y “D.L.G",
una exquisita baguala, entre otras. Antes
de arrancar, el rosarino recordó que de
niño escuchaba el festival por radio, con
su padre, “todas las noches en una casita
de La Falda”. Hacia el final, destacó: "Que
un festival de la naturaleza de Cosquín
esté abrazando otras músicas,
habla maravillas del
corazón argentino. Gracias
Cosquín por abrirte a otras
expresiones, que al final, somos
los mismos".
Todas estas apariciones
en la grilla del Cosquín, en
la previa causaron polémica,
y en el post, elogios.
Hoy, donde la oferta cultural
es cada vez más amplia,
se presentarán artistas de
raíces raperas: Cazzu en la
segunda luna (el domingo
25 de enero) y Milo J, en
la novena (domingo 1ro de
febrero). El anuncio de la
inclusión de ambos fue muy
bien recibido.
Diego Olmos trabaja
hace más de 30 años en el
festival. Comenzó siendo
cadete del histórico presentador
Julio Mahárbiz, y
fue descubriendo varios secretos
del sector. Hoy es el
secretario de programación.
Entrevistado por Billboard
Argentina, recuerda muchas
cosas como ciudadano y
espectador. “Cuando estuvo
La Mona por primera
vez, fue su lanzamiento
nacional. Colapsó la ciudad,
yo estaba con mis viejos,
me acuerdo que nos pasaba
la gente por encima, era
un caos. Después, me tocó
estar adentro y de escuchar
críticas desde otro lado.
Siempre recordé algunos
La Mona Jiménez.
de esos momentos, como
cuando tocaba Horacio
Guaraní. El día que tocaba
él, estaba prohibida la
salida para los chicos por el
caos de gente que venía a
Cosquín. Porque pasaba lo
mismo, una movida impresionante”,
dice.
“En el festival siempre
hubo polémica, muchas veces
causada por los mismos
folkloristas”, asegura sobre
los shows “especiales” que
albergó Cosquín a lo largo
de los años. Y agrega:
“Creo que en un festival tan
importante, siempre pasan
estas cosas. También pasó
que le abrieron la puerta a
Charly en su momento, a
Divididos o Bersuit, el año
pasado. Mercedes y otros
artistas, siempre trataron de
vincularse con ese género”.
¿Por qué crees que no
hubo polémica pública
con la inclusión de Cazzu
y Milo J?
Porque hay una historia de
artistas que comenzaron en
Cosquín cantando folklore
y hoy hacen baladas, son
popcistas y son número
uno del espectáculo: La
Sole, Abel Pintos y Luciano
Pereyra también se tiran
a otros géneros. Con Milo
y Cazzu pasa al revés y la
aceptación es diferente.
Además, hay una búsque-
da específica de estos dos chicos. Cazzu
es de Jujuy, y más allá de que haga otro
género, no desconoce lo cultural y lo
folklórico, siempre algo tiene que ver con
su terruño. Lo de Milo es la interpretación
y la búsqueda de autores y canciones.
Hoy los pibes saben que es “La pucha
con el hombre”, o “Puente Pexoa”, temas
que tienen 50, 60 o 70 años. Un pibe que
viene de otro lado y tiene otro público,
trajo a conocer estas canciones que ya
habían quedado en el olvido hasta por los
folkloristas.
Además, Los Manseros Santiagueños,
Chaqueño Palavecino, Raly Barrionuevo,
Facundo Toro o Los Coplanacu, son
artistas que se relacionaron con las
nuevas generaciones.
Totalmente. Alguna vez planteé cuál sería
la diferencia hoy que un artista de otro
palo esté en el festival y que un artista que
haya sido folklórico esté haciendo otra
cosa, pero sigue en el festival. Simplemente
es conceptual. Creo que es aceptar
las propuestas. En un festival convive
de todo. Cosquín no descuida a sus
artistas tradicionales, tiene lugar para toda
esa gente y nunca se la dejó de dar, por
más de que ponga a estos artistas. Hay
que tener cuidado por cómo se siente un
cantante folklore que piensa que estas
cosas le sacan su lugar. A mí me parece
que están buenas estas sacudidas, porque
generan en el espectáculo y en los artistas
una movida. La gente ve que a estos chicos
les salió algo que a otras personas no
les salió en 20 años: el captar rápidamente
al público y se quede. Esto nos sirve a
todos, al espectáculo y a los otros artistas,
también. Hoy uno se juega poniendo en
una programación a estos artistas, pero
sin descuidar a los tradicionales.
Artistas como Milo y Cazzu salen cada
tanto. Dentro del festival, nos estamos
quedando con muy pocos artistas que
realmente convoquen a una multitud, sino
que convocan a su club de fans. Hoy por
hoy, ya no tenemos un público festivalero,
sino que tenemos un público de fans.
Entonces tenemos que hacer que los fans
convivan para armar una programación.
Divididos.
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 43

KM0, el punto de
partida más íntimo
de Pablo Alborán
De visita en Buenos Aires, el cantante
habla sobre su nuevo disco, por qué
se animó a una canción de nueve
minutos y cómo convive con la fama
mientras sueña colaboraciones con
Tini, María Becerra y Lali.
POR GABRIEL SOTELO
ver con lo que hice antes. Recuerdo la cara
de la compañía, con el ojo temblando, como
diciendo: “¿Esto es lo nuevo?”. “Clickbait” es
una canción donde me desahogo. Necesitaba
escribir sobre la fama, los likes, la obsesión, los
titulares, las fake news, los clickbaits. Después
saqué “KM0”, que es como agarrar velas otra
vez: una canción donde me miro al espejo y
vuelvo a estar conmigo mismo.
P
ablo Alborán llegó a la Argentina
para presentar KM0, un disco personal
en el que revisita sus miedos, sus
afectos y la forma en que entiende la
vida después de un momento límite familiar.
Entre guitarras, emoción y una canción de nueve
minutos que va a contramano del algoritmo,
el álbum se planta como una declaración de que
volver a empezar siempre es posible.
En esta charla con Billboard Argentina
cuenta cómo el título del disco se volvió una filosofía
diaria y el poder caerse y levantarse una
y otra vez. Habla de la sanidad pública que le
salvó la vida a un ser querido, de la fama como
arma de doble filo, del desahogo que encontró
en “Clickbait” y de cómo intenta mantenerse
genuino en un mundo de titulares y likes.
Además revisita su vínculo con la Argentina,
su amor por la música local, las ganas de seguir
colaborando con artistas como Tini, María
Becerra y Lali, y la ilusión por volver a los escenarios
argentinos en 2026 con un show donde
KM0 será el corazón emocional de la noche.
Venís a presentar KM0. ¿Qué significa ese
título para vos?
KM0 es un punto de partida. Todos los días
son un kilómetro 0: te despertás y tenés la
oportunidad de volver a empezar, de equivocarte,
de caerte, de levantarte. Cada obra no
termina cuando vos la terminás, porque vuelve
a ser un kilómetro 0 en cuanto alguien escucha
tu disco o ve una obra de teatro. Y también es
un kilómetro 0 en mi vida porque viene después
de un momento muy fuerte en mi familia,
cuando vimos peligrar la vida de un familiar
que, gracias a un trasplante de médula, se curó.
En ese momento en que la vida de alguien
pende de un hilo, ¿qué se te pasó por la
cabeza?
No pensás. En ese momento tenía la cabeza en
cuidar a esa persona. No pensás en nada más
que en cuidar y acompañar.
¿Sentís que esa experiencia te cambió la
forma de ver la vida?
Muchísimo. Notás que hay algo que es diferente.
Vivís exprimiéndolo todo de otra manera,
disfrutándolo de otra manera, siendo muy
consciente de todo. Es como tener una página
en blanco con muchas cosas que contar. Y obviamente
KM0 es mi nuevo disco.
Hay una canción que dura nueve minutos,
algo poco común hoy. ¿Por qué esa decisión?
No fue una decisión pensada, salió así. Es un
homenaje a nuestra sanidad pública y a la gente
que cuida. La compuse con Vicente Amigo
y nos dejamos llevar. La historia se cuenta en
nueve minutos, pero se hubiera podido contar
en veinte. Menos mal que ya estoy en un momento
donde no pienso demasiado en el algoritmo
ni en agradar o no agradar. La música
tiene que ser libre.
¿Qué fue más “traumático” para la compañía:
esa canción o “Clickbait”?
Fue peor cuando enseñé “Clickbait”. Es una
canción rara, agresiva, que no tiene nada que
Hablás de fama, de titulares… ¿Te cuesta la fama?
La fama es un arma de doble filo. Soy famoso
por mi trabajo, cosa que me encanta, pero
ser personaje público tiene sus historias. Soy
personaje público desde los 21 años, así que
aprendí a reírme y a disfrutarla también.
A una canción le pusiste de nombre “Mis 36”,
tu edad. ¿Cómo te llevás con la edad?
Bien, pero ya no me apetece cumplir más. Este
año fue muy duro, pero bonito. Por eso quise
ponerle ese título a la canción y pensé: “Cuando
pasen 10 años, quiero acordarme de estos
36, quiero ser consciente de lo que pasó con
los 36”. Es un año que voy a recordar la vida.
¿Sentís que este es un año que no se te va a
borrar nunca?
Sí. Por lo bueno, por lo malo, por todo. Es un
álbum que espero que, cuando pase el tiempo
y lo cante en los conciertos, si tengo un mal
día, me recuerde lo que fue importante en
aquel momento.
¿Escuchás música argentina?
Escucho de todo. He escuchado lo último de
Tini, me gusta mucho. Tenemos muchas ganas
de hacer algo juntos. Le mandé una idea hace
poco, le gustó, pero necesito hacerlo con ella:
sentarme, reírme.
También hablaste de María Becerra y Lali.
A María la amo y a mi Lali la adoro. Hablamos
mucho. Cuando acabe la promo me quiero
sentar a trabajar, porque tengo una lista de
canciones e ideas y en casi todas están ellas.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
44 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

Love Of Lesbian
“No cambiamos opiniones,
somos el termómetro de una época
El grupo desembarcó en
Buenos Aires para presentar
Ejército de salvación en el
Teatro Vorterix y, antes del
show, compartió su mirada
sobre el presente y su lugar en
la escena.
POR ANTONELLA LOPREATO
C
onsiderada por buena parte
del público ibérico y latinoamericano
como una de las
bandas fundamentales del indie en español,
Love of Lesbian se convirtió en
uno de esos nombres que nadie pone
en duda. Formados en 1997 en San Vicente
dels Horts, Barcelona, comenzaron
cantando en inglés por puro deslumbramiento
adolescente (The Cure,
el indie británico de los 90, la estética
melancólica de ese tiempo) hasta que
entendieron que su verdadero lugar
estaba más cerca de casa. El salto al
castellano se dio con Maniobras de
escapismo (2005) y alteró la forma de
pensar y escribir la canción alternativa
en España. Desde entonces, su obra es
un territorio literario lleno de ironías,
intimidades y un humor que opera
como vacuna contra cualquier tentación
de solemnidad.
Fueron incomprendidos al principio,
celebrados después y, finalmente,
abrazados por una audiencia
que encontró en sus álbumes una
educación sentimental paralela al sistema.
Su discografía es, a esta altura,
un recorrido por las distintas edades
del grupo, y su último lanzamiento,
Ejército de salvación, un resumen
de todo ese trayecto. Un disco que
plantea la necesidad de no quedar
expuestos en un mundo que arde por
todos lados y donde la hermandad es
el último modo posible de aguantar
el golpe. "Este álbum nos llevó a
buscar refugio en la complicidad y en
los vínculos de la amistad", dice Jordi
Roig Surribas, junto a su compañero
Julián Saldarriaga, en diálogo con
Billboard Argentina.
¿Fue este álbum, de algún modo,
una forma de "resistirse emocionalmente"
frente al cinismo de la
actualidad?
JORDI: Es cierto que existe una desesperación
general, sobre todo cuando
ves a un presidente de una potencia
mundial completamente desequilibrado
en medio de tantos conflictos.
Pero nosotros ya veníamos de
esa profundidad, de esa sensación de
derrumbe, con V.E.H.N. (Viaje épico
hacia la nada). Estábamos enfadados,
pesimistas; las canciones tenían ese
eco gris, esa desazón.
No somos una banda que se quede
demasiado tiempo en una misma idea.
Así que, casi de manera pendular, nos
desplazamos hacia Ejército de Salvación,
un lugar donde aparece cierta
seguridad en la complicidad y en los
vínculos de la amistad. En nuestro
caso, esa amistad tiene 30 o 35 años, y
aunque haya conflictos o momentos
oscuros, siempre surge la intención de
superarlos y reforzar esa unión.
¿Qué papel le queda al arte frente a
las tensiones sociales?
JULIÁN: Es curioso, porque todo nos
toca de lleno. Cuando nos posicionamos,
nos criticaron; cuando no lo hicimos,
también. Hagas lo que hagas,
siempre va a haber alguien que lo
lea al revés. Por eso, más que buscar
una respuesta correcta, creo que lo
esencial es funcionar como un reflejo
de la época. Tener la libertad de
elegir qué contar y cómo, convertirnos
en una especie de diario íntimo
del momento, como hizo Bob Dylan
en ciertas canciones o como ocurrió
con algunas protestas.
Cuando alguien escuche dentro de
unos años un disco grabado en 2010
y encuentre una crítica social o un
comentario irónico, como tenemos
en nuestra canción "Los toros de la
Wii", donde aparece el nombre de
Nicolàs Sarkozy, estará ante una
manera de dejar constancia del tiempo.
Eso debería hacer un cantante:
tomar una época y ponerle una
pincelada, una marca. No creo que
seamos responsables de un cambio
de opinión, pero sí de ser un termómetro
de una época.
Su postura frente a los festivales financiados
por la empresa Kohlberg
Kravis Roberts (KKR) no pasó desapercibida.
¿Cómo fue la decisión
interna de desvincularse?
JORDI: Preferimos posicionarnos y
quedarnos en paz con la conciencia.
Para nosotros fue devastador ver, día
tras día, las imágenes del genocidio:
niños rescatados de los escombros,
familias enteras desaparecidas. Y, al
mismo tiempo, saber que estábamos
en un festival cuyo accionariado
proyecta el negocio inmobiliario del
futuro en esos mismos territorios,
una vez que todo quede reducido a
polvo. Estábamos informados, entendíamos
lo que estaba pasando,
y no podíamos dormir tranquilos.
Necesitábamos, aunque fuese en un
gesto mínimo e inmediato, sentir
que hacíamos algo.
En nuestra escala no vamos a
cambiar nada. El festival contratará
otra banda y seguirá adelante.
Pero para nosotros era una cuestión
de salud mental, de coherencia interna.
De poder mirarnos al espejo
sabiendo que no dejamos pasar el
momento.
Se le pone mucha presión al artista:
"Tenés que posicionarte, tenés que
salir a hablar", pero cuando hablás,
aparece la crítica.
JORDI: Hoy hay mucha gente que
pretende hacer la revolución desde
el sofá, con el móvil en la mano. Se
creen Trotsky, ¿sabés? Y se animan
a trolear a personas que, por una decisión
como esta, efectivamente van
a dejar de trabajar: nosotros y parte
de nuestro equipo. Pero da igual. A
Messi lo criticaron. Salvando todas
las distancias, pero es así. Personas
intachables reciben palos igual. A
Guardiola lo criticaron. A todo el
mundo lo critican. Cualquier postura
-incluso la más inofensiva- va a
tener detractores.
Hace poco me mostraron un tuit
que era solo una foto de un auto
rojo. Nada más. Y las respuestas
eran: "¿Tenés algo contra los autos
verdes?", "¿Por qué odiás las motos?".
Eso te demuestra que cualquier cosa
que digas va a generar oposición. Así
que, al final, tenés que aprender a
cargar con eso y seguir adelante..
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
46 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

Ismael Serrano
“NO PUEDE SER COOL SER CRUEL”
El cantautor español habla con Billboard Argentina sobre su vínculo con el país, la
vigencia de “Papá, cuéntame otra vez” y el desafío de escribir canciones de “nosotros” en
tiempos de algoritmos, mientras sostiene que aún quedan canciones bonitas por hacer.
V
olver a la Argentina
siempre tiene algo de hogar
para Ismael Serrano,
quien esta vez lo hizo para tocar
en formato acústico en el Teatro
Opera. No sólo porque aquí están
muchos de sus afectos, sino porque
fue este país el que le abrió una
puerta inesperada cuando "Papá,
cuéntame otra vez" cruzó el océano
y encontró un eco propio en el
público local.
En tiempos en los que los algoritmos
parecen gobernar los oídos
y las pantallas, defiende la vigencia
de la canción que dice "nosotros",
esa que habla de memoria,
de desencanto y de utopías, aunque
compita en desventaja con estribillos
coreografiables. “Me parece
muy interesante lo que hace Milo
J. Siento que creó un género dentro
de la hegemonía de lo urbano. Un
chaval con esa sensibilidad, con
una militancia en la memoria, me
reconcilia un poco con el mundo.
Además, en un contexto donde hay
mucha impostura, donde el artificio
se pone por encima del corazón y
de la necesidad de contar un relato,
de contar una historia. A mí me parece
que Milo sí tiene un relato, una
historia que contar. Me seduce y me
ilusiona”, destaca Ismael en diálogo
con Billboard Argentina.
"Papá, cuéntame otra vez" aún
sigue vigente.
Es una canción que, por desgracia,
aunque fue compuesta hace
treinta años, no pierde vigencia en
muchos aspectos. Muy a menudo
actualizamos el final, actualizamos
parte de la letra, pero no pierde
distancia. Ahora, por ejemplo,
decimos: "Ahora mueren en
Gaza, los que morían en Vietnam".
Cuando la hice, parecía una canción
coyuntural, que hablaba de
la realidad social e histórica que
me tocaba vivir. Algunas canciones
pueden resultar eternas y
otras pueden ser sólo un símbolo
de una época. Pero es verdad que
esta nace del fruto del desencanto
y de la necesidad de luchar por un
mundo mejor, y convengamos que
ese desencanto ha ido creciendo.
Fue un poco visionaria, o quizá
tenía algo de profecía autocumpli-
48
POR GABRIEL SOTELO
da. Eso de entender que "las hostias
siguen cayendo sobre quien habla
de más" ha ido a más, y el desafecto
hacia cierta clase política, hacia las
promesas electorales, ha crecido en
todos estos años, sobre todo entre
las generaciones más jóvenes. Siempre
ha habido un conflicto militar,
un conflicto bélico que, de alguna
manera, pone de manifiesto que
nos queda mucho por andar en el
camino hacia ese mundo mejor. Supongo
que por eso la canción sigue
vigente: porque las cosas no han
cambiado demasiado.
¿Sentís que se perdió la canción contra
el sistema, la canción revolucionaria,
la que habla de ideales?
Yo creo que lo que se ha perdido es
BILLBOARD.AR
escribir canciones de "nosotros". Lo
que sucede es que el algoritmo no
favorece este tipo de música: compite
de forma muy desigual con otros géneros.
El algoritmo genera comunidades
muy cerradas, fragmenta la
audiencia con muros muy claros, en
la medida en que solo te recomienda
cosas relacionadas con tus hábitos de
escucha y no fomenta la pluralidad.
La carrera de un cantautor, o el impacto
de un cantautor en la audiencia,
no se basa en un estribillo pegadizo
que se pueda coreografiar.
Entre esos covers que hiciste, grabaste
"En otra vida", de Yami Safdie.
¿Cómo te llegó esa canción?
Me llegó por redes y me pareció una
canción muy bonita. Es una canción
muy sencilla y creo que ahí está el
secreto de las grandes canciones: son
sencillas, tienen impacto y cuentan
una historia. Estamos acostumbrados
a escuchar la misma canción de
amor y desamor contada una y mil
veces de la misma manera. Y a mí,
pensar —como todos hemos pensado
alguna vez— en cómo podrían
haber sido ciertas historias en otra
vida, me pareció muy bonito. La melodía
es preciosa y ella me parece encantadora.
La canción me sedujo.
¿Qué hubieras sido en otra vida, en
una donde la música no existiera?
Supongo que habría terminado
la carrera de Ciencias Físicas que
estudiaba y habría acabado en la
docencia, quizá como profesor. En
mi fantasía, me hubiera gustado ser
ese profesor que no se circunscribe
sólo al ámbito académico, sino que
enseña también a pensar más allá
de lo establecido. Quizá habría sido
ese profesor de física que enseñaba
a pensar, no sólo a resolver ecuaciones
diferenciales, sino a hacerse
preguntas sobre todo en la vida.
¿Y qué te preguntás hoy sobre la
vida?
Me pregunto qué podemos hacer
para no sucumbir al pesimismo.
Creo que hoy hay una ola imperante
de pesimismo que nos hace
pensar que pocas cosas se pueden
hacer para cambiar la realidad, que
tenemos que resignarnos. Yo trato
de pensar de qué manera, qué
canciones se pueden construir, qué
espacios de encuentro se pueden
habilitar para entender que no estamos
solos cuando pensamos que se
pueden cambiar las cosas. La crueldad
no puede ser una bandera política
de la que hacer gala, no puede
ser una tendencia "cool" ser cruel,
hacer bullying. Esa es mi pregunta:
cómo podemos recuperar cierta
sensibilidad y poner en común la
idea de que no estamos solos cuando
nos cuestionamos estas cosas.
Me parece muy fuerte el debate
sobre la crueldad. Un presidente
enfrentándose con un niño autista
y llevándolo a juicio de manera implacable…
es tan disparatado y tan
cruel, tan despiadado.
ENERO 2026

Massano en Argentina:
“Este país es como mi segunda casa”
El DJ británico se presentó en Punta Carrasco con el estreno global de su
proyecto Simulate.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
E
l 15 de noviembre Punta Carrasco
vivió un momento histórico
para la electrónica: Massano decidió
estrenar su concepto Simulate en Argentina,
un proyecto que viene trabajando desde abril
de este año y que cambia por completo su
manera de crear.
En ese mismo mes, cuando todo el proyecto
comenzó, el DJ británico estrenó su álbum
debut, Natural, editado a través de su propio
sello, Simulate. El disco debutó en el #1 del
chart general de Beatport y reafirmó su posición
como un artista que redefine los límites
de la música electrónica.
“Simulate no es solo un sello discográfico,
es un concepto artístico y filosófico que
explora la idea de que la vida es una simulación”,
compartió Massano para Billboard
Argentiona. A través de una estética futurista
y un sonido inconfundible, Simulate conecta
tecnología, música y arte visual para crear
experiencias que transportan al público a
un universo donde lo físico y lo digital se
fusionan.
“Como mi novia es Argentina, este país es
mi segunda casa. Cada vez que todo me reciben
de una manera increíble y no me dan ganas
de irme”, reflejó luego de su presentación
en Punta Carrasco.
¿Cómo te sentís con las entrevistas y los
medios, Massano?
No soy el mejor en esto pero cada día me acostumbro
un poco más, de alguna manera tengo
que hacerlo.
¿Cómo fue para vos volver a tocar en
Argentina?
Aprecio mucho a todas las personas que se acercaron
este fin de semana. Siempre es hermoso volver
a la Argentina. Es prácticamente como mi segunda
casa, me siento muy bien cada vez que estoy acá.
Siempre es un set diferente para vos en los shows,
¿cómo se trabaja eso a lo largo del tiempo?
Totalmente, cada vez es una experiencia diferente. Además
en este caso vivimos la primera vez de “Simulate
Party” en la historia, fue muy lindo hacerlo acá. Fue algo
estresante pero quedamos muy contentos con el resultado
final. El sábado fue algo distinto también porque lo
hicimos en el club con otro estilo. No podía salir mal.
¿Tuviste tiempo para descansar entre los shows?
La verdad que no mucho porque perdimos 24 horas
cuando llegamos por culpa del clima. El pronóstico para
el fin de semana era tan malo que tuvimos que adelantar
todo lo que íbamos a hacer, por lo que nos acortó los
tiempos. El equipo tuvo que hacer un esfuerzo enorme,
pero salió genial por suerte.
Por otro lado, este es un proyecto que venimos preparando
desde abril, por lo que queríamos que saliera bien.
El ensayo estaba previsto para el viernes, por lo que perder
tiempo de prueba de sonido era complicado para nosotros,
además la consola de luces estaba en otro venue,
no sabes lo que fue la organización de todo eso (risas).
Hubo un par de cosas que no salieron perfectas por este
tiempo de no ensayar pero el público igualmente lo recibió
con mucho amor, estoy realmente agradecido.
Muchas veces el público no es consciente del tiempo y
trabajo que puede conllevar preparar un set de cuatro o
cinco horas.
Totalmente, ellos van a disfrutar, y no está mal tampoco.
A veces incluso ni nosotros estamos al tanto de todos los
detalles y el trabajo que conlleva preparar esas horas de
set. Muchas veces me doy cuenta de esos detalles cuando
estoy tocando, donde no estoy completamente relajado
porque quiero que todo salga bien. Cuando termina es
hermoso ver cómo toda la gente disfrutó junto a mí.
FOTO: @CECIMINASSIAN
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ENERO 2026

V
VIVO
SHAKIRA //
Nueve meses después de su última presentación
en el Campo Argentino de Polo, Shakira volvió
al Estadio Vélez Sarfield con Las Mujeres Ya No
Lloran World Tour. Una producción de gran escala
acompañó un show que repasó más de treinta años
de carrera. El repertorio mezcló temas recientes
como “Te Felicito” y “TQG” con clásicos que el
estadio cantó de memoria, entre ellos “Antología”,
“Suerte” y “Las de la Intuición”. “Día de Enero”,
dedicada al público argentino, marcó uno de los
momentos más cercanos de la noche. La sorpresa
llegó con “Día Especial”, la canción que la
artista escribió y produjo junto a Gustavo
Cerati. A modo de homenaje, imágenes
del líder de Soda Stereo se proyectaron
en las pantallas del estadio. Antes de
despedirse, la colombiana agradeció
el recibimiento y volvió a referirse a su
vínculo con el país como una historia
de “largo recorrido". Con estos shows,
sumó cinco funciones agotadas en
Buenos Aires durante 2025.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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BILLBOARD.AR
ENERO 2026

VIVO
V
BABASONICOS //
FOTO: MARTÍN BONETTO
Congruente con su carácter escurridizo
e inesperado, la doble función de
Babasonicos en el estadio Ferro -algo
inédito hasta el momento para el grupo,
ya que nunca habían tocado solos en una
cancha de fútbol de la Ciudad de Buenos
Aires- fue inusual. Porque días antes
habían editado Cuerpos Vol. 1, nuevo álbum
de estudio, pero lejos de ser un show de
presentación de disco, el grupo se dedicó
a celebrar parte de su corpus histórico.
Si bien en la lista de temas aparecieron
“Advertencia” y la formidable “Tiempo Off”
(chequear la orquestación minimalista
edificada desde los teclados y las baterías),
el resto fue más bien retrospectivo. Con
una mínima incursión en su cosecha de los
años 90 (“Su ciervo”, “Desfachatados”), se
apoyaron bastante en el repertorio de los
álbumes Infame (con el rescate de“Gratis”)
y Trinchera (la inclusión de “Mentira
nórdica” aplacó el “ánimo de estadio”
y convirtió el lugar en un club oscuro).
Sobre el final, y rompiendo con su habitual
postura arisca, Adrián Dárgelos bajó hasta
el público para recibir un poco de calor
humano mientras entonaba el hit “Putita”.
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 53

V
VIVO
MARIA BECERRA //
Maria Becerra reunió a 85 mil personas en lo
que fue el show más convocante en la historia
del estadio Más Monumental. La noche tuvo,
además, un hito técnico y simbólico: fue el
primer concierto en formato 360 en la cancha
de River, con el público rodeando el escenario
y una puesta que potenció la cercanía y el
impacto de cada canción.
En ese marco, La Nena de Argentina coronó
su show presentando las canciones de su
todavía flamante álbum Quimera, a la vez en
que permitió una sucesión de cruces muy
celebrados: Paulo Londra, Abel Pintos, Ariel
Puchetta de Ráfaga, Tiago PZK, Taichu, Tini
y su novio J Rei se sumaron como invitados
para agregar más clima festivo a la ocasión.
Con esta doble función de diciembre, Becerra
se convirtió en la primera artista femenina de
la Argentina en tocar cuatro veces en River
Plate. Así, el club le entregó una plaqueta que
selló el momento. Récord y abrazo popular en
una misma postal.
FOTO: @JAVITOFOTOMAN
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ENERO 2026

VIVO
V
// LOS FABULOSOS CADILLACS
Desde que volvieron a reagruparse para hacer música en conjunto, para
Los Fabulosos Cadillacs ya se volvió un ritual el de tocar en Buenos
Aires en diciembre. Y así como hicieron en los últimos años, la sede volvió
a ser la cancha de Ferro. Esta vez, con una doble función, ambas a lleno
total. Como siempre en estas ocasiones, el plan es festivo y el grupo saca
a relucir todo su catálogo hitero. "Manuel Santillán, El León", "Demasiada
presión", "El genio del dub", "La vida" y "V Centenario" son solo algunas
muestras del poderío del grupo. Que a su vez, desde hace un tiempo,
volvió bien familiar la cosa, con la inclusión definitiva de Florián
Fernández Capello y Astor Cianciarulo (hijos de Vicentico y Sr Flavio,
respectivamente). La cuestión se amplificó con la presencia de Valeria
Bertucelli (pareja del cantante) para entonar el recitado de “Saco azul”.
Y también con las apariciones de Vicente Fernández Capello junto a
Cocó y Jay Cianciarulo para hacer “Cartas, flores y un puñal”. A la vez,
revisitaron su prehistoria al recordar a Cadillacs 57, germen de esta gran
historia, con Luciano Jr. y Vaino Rigozzi sobre el escenario.
FOTO: NACHO ARNEDO / FOCCO
ENERO 2026 BILLBOARD.AR 55

V
VIVO
TRUENO //
El rapper xeneize regresó a Buenos Aires para
su último baile en el Estadio Ferro. Durante dos
horas, acompañado por una banda muy afilada,
se movió entre rap de vieja escuela, perreo,
freestyle y crítica social. El barrio de Caballito
coreó hits que ya son clásicos, como "Real
Gangsta Love", "Mamichula" y "Ohh Baby". Milo
J subió para cantar por primera vez en vivo
"Gil". Y después, Pedro Aznar y David Lebón
revitalizaron la química de Serú Girán para una
versión enérgica de "No llores por mí, Argentina".
Así, Trueno despidió las canciones de su último
disco y sobre el final del show dejó una promesa:
“El año que viene se rompe La Bombonera".
FOTO: MARIANO KAPLAN
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ENERO 2026

VIVO
V
FOTO: POPI GRAÑA
// NICKY JAM
Después de siete años sin llegar a estas tierras, miles de
voces encendieron la noche cuando Nicky Jam apareció
entre luces rojas, humo y un beat que se sentía en el
pecho, con la seguridad de quien volvió a casa. Sin rodeos,
abrió con ritmo arriba y enfiló un repaso quirúrgico por los
himnos que lo hicieron indiscutible. Sonaron “Travesuras”
y “Hasta el Amanecer” como detonadores de coros
perfectos; “El Perdón” bajó las pulsaciones y dejó los
celulares flotando, mientras que con “Bella y sensual”
volvió a sus raíces. Entre saludos y guiños a Buenos Aires,
la puesta fue internacional, pero el clima, bien porteño
con pogo y bailes de reggaetón, con Lenny Tavárez
como espectador de lujo desde el costado del escenario.
El show duró menos de dos horas, intenso, sin relleno y
alcanzó para que el público saliera con la sensación de
haber cantado todos sus recuerdos en una misma noche.
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V
VIVO
// WOS
Apenas dos semanas después de lanzar su EP Ilusión
Supersport, el rapero convirtió al Estadio Obras en
una caldera. Seis funciones agotadas en el Templo
del Rock, todas noches marcadas por el calor y la
cercanía. Con el aire pesado, el show arrancó con
“Luz Delito”, apoyado en el sample ricotero y desde ahí
no aflojó. Poesía, furia y ese pulso rockero que ya es
parte de su identidad. “Quemarás” llegó con la imagen
del Indio Solari proyectada, un gesto que hizo estallar
al estadio y el freestyle apareció como ritual inevitable.
La estética, diseñada por YOK Estudios, transformó
el lugar con telones y juegos de luces hipnóticas. Con
Wos en cuero y el público empapado, el cierre estuvo
a cargo de “La Cochería” y “Púrpura”.
FOTO: MARIANO KAPLAN
58
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ENERO 2026

VIVO
V
FOTO: POPI GRAÑA
// LALI
El 16 de diciembre la popstar coronó la gran gira argentina
de No vayas a atender cuando el demonio llama con la
quinta función en la cancha de Vélez Sarsfield en 2025
(y sexta en su conteo personal). Así, alcanzó el récord
de ser la artista que más veces tocó en ese lugar en un
año y vendió, solamente en esas cinco funciones, más
de 200 mil entradas. Al margen de las marcas, Lali nos
vino a recordar que el momento para celebrar es ahora
y volvió a abrazar a la música argentina. En esta ocasión,
invitó nuevamente a Dillom (que apareció en la platea
baja para cantar “33”) y también a Sandra Mihanovich
para recrear “Soy lo que soy”, indudable molde de la propia
“Soy”, aunque con una leve y atinada modificación.
“El sol sale igual, para mí y para todos”, rezó para incluir a
su propia comunidad, cada vez más grande y ruidosa.
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V
VIVO
DILLOM //
"La vida es maravillosa, amigos", dijo Dillom, con los brazos abiertos
ante un Vélez casi repleto. Y teniendo en cuenta quién lo dice -porque en
su obra viene filtrando datos autobiográficos y se inspira en las peores
cosas que le pasaron para transformarlas- la frase es llamativa. Pero
hasta ahí: bien vale la celebración para este artista independiente que
logró hacer su primer show de estadio contra viento y marea. Antes y
después de eso, repasó buena parte de sus dos álbumes (Post Mortem
y Por Cesárea, el cual despidió en este recital), algunos singles primitivos
(“Sauce”), invitó a Juanse (para la paranoica “Enlace”), a Lali (gran
intervención teatrística para “La carie”) y a buena parte de la Rip Gang,
estrenó una canción dedicada a su mejor amigo, cortó flequillos, generó
pogo y terror por partes iguales y hasta se le animó a una versión de “A mi
manera”, como si fuera Robbie Williams en el final de su película.
FOTO: MARIANO KAPLAN
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ENERO 2026

Verano en Buenos Aires
Billboard Summer Festival:
el evento musical más importante
del verano
SUMMER
festival
Billboard Argentina y la Ciudad se unen para dar vida a uno
de los hitos del verano en la ciudad más linda del mundo:
música en vivo y al aire libre en pleno corazón urbano.
D
urante enero, la Ciudad
hace latir el verano con una
propuesta única: el Billboard
Summer Festival, música en vivo y
al aire libre que formará parte de la
programación de Verano en Buenos
Aires, el ciclo que reúne propuestas
de entretenimiento, recreativas, al
aire libre y para todas las edades.
La Ciudad de Buenos Aires junto a
Billboard Argentina, en una coproducción
público-privada, proponen
grandes artistas y exponentes de
distintos géneros y sonidos populares
como el cuarteto, la cumbia, el
rock, el pop, entre otros. Una invitación
a reencontrarse en una época
que todo baja un cambio, pero que
sus propuestas se encienden, todo
sigue latiendo con el ritmo que une
energía y entretenimiento y que hacen
que siempre haya un plan para
todos los que la habitan, transitan y
visitan la Ciudad de Buenos Aires.
El Billboard Summer Festival
se inscribe en Verano en Buenos
Aires, una agenda que despliega
durante la temporada múltiples experiencias
en parques, plazas y espacios
urbanos, y que se desarrolla en
el marco de BA 24 horas, la política
que extiende horarios, mejora la
circulación nocturna y potencia la
vida cultural y gastronómica de la
Ciudad.
Además del Billboard Summer
Festival, la programación incluye
Atardeceres, un ciclo de música al
aire libre en parques y plazas; After
BA, encuentros con música electrónica
en zonas gastronómicas para
disfrutar después del trabajo; Verano
en las Plazas, con actividades
recreativas y culturales para toda la
familia en las 15 comunas porteñas.
A esto se suman propuestas en
museos, teatros, centros culturales,
ferias y espacios deportivos.
Toda la programación completa
se puede consultar en Descubrir
BA. Viví el verano en la ciudad más
linda del mundo.
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ENERO 2026

LA JUANITA
DESEMBARCA
EN MAR DEL
PLATA POR
PRIMERA VEZ
Estos son los eventos que la
productora desarrollará a lo largo del
verano en la Costa Atlántica Argentina.
E
ste verano, La Juanita
suma una nueva
parada y llega por
primera vez a Mar del Plata,
integrándose al ciclo de viernes
de UMANO durante enero
y ampliando el recorrido de
un proyecto que viene creciendo
de manera sostenida
dentro de la escena electrónica
nacional.
Desde sus inicios, La Juanita se desarrolló
como una propuesta itinerante,
recorriendo distintas provincias del país
como Corrientes, Córdoba y Bariloche, y
construyendo una identidad que se adapta
a cada ciudad sin perder su esencia. Con
el tiempo, el proyecto también cruzó fronteras
y llegó a plazas como Madrid, Milán,
Copenhague y Montevideo, llevando su
impronta a contextos y públicos diversos,
siempre con la música y la pista como eje
central.
La fecha principal en Mar del Plata será
el 16 de enero y estará encabezada por
Chapa & Castelo, quienes llegan a la costa
luego de celebrar 10 años de trayectoria
con un show histórico en el Estadio UNO
de La Plata, un momento clave dentro de
su recorrido. A lo largo de estos años, el
dúo consolidó un camino propio dentro
de la electrónica argentina, combinando
house, groove y sensibilidad melódica,
con una fuerte conexión con el público.
Ese mismo enfoque es el que atraviesa
a La Juanita: una propuesta donde la música
se desarrolla con tiempo, priorizando
la música y el encuentro. La experiencia se
apoya en una curaduría cuidada y en una
dinámica cercana entre artistas y pista,
algo que se fue reafirmando en cada ciudad
que visitó el proyecto.
El line up se completa con Malone
y Dew Cruz, acompañando una noche
pensada para fluir, sostener la energía y
mantener un clima continuo de principio
a fin.
La llegada de La Juanita a Mar del
Plata marca una nueva etapa dentro de
su recorrido, sumándose a la programación
de verano de UMANO con shows
propios y apariciones sorpresa y reafirmando
el crecimiento de un proyecto
que sigue expandiéndose sin perder su
identidad.
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ENERO 2026

PM!
OPEN AIR

EDM lifestyle
Los mejores eventos de electrónica
durante el verano en Argentina
Fragment acerca las fiestas más destacadas de la temporada: Nick Warren B2B Armen Miran, Sasha & John Digweed,
Guy J y James Hype.
1. THE SOUNDGARDEN: NICK WARREN
B2B ARMEN MIRAN
Tras presentarse por primera vez en Buenos Aires bajo el formato
The Soundgarden, Nick Warren llega con su jardín mágico a la
costa marplatense el 9 de enero, sumando una fecha clave del
verano: The Soundgarden presenta: Nick Warren B2B Armen Miran,
en formato extended set de 4 horas.
Referente indiscutido del progressive house, Warren construyó
una carrera marcada por la narrativa y el viaje musical, mientras
que Armen Miran aporta una mirada contemporánea, profunda
y orgánica que lo posiciona como uno de los nombres más
interesantes de la escena actual.
El formato B2B propone un cruce generacional donde la música fluye
sin cortes, pensada para desarrollarse con tiempo y conexión real con la
pista. Una experiencia que prioriza el recorrido sonoro y el contexto, en
sintonía con el espíritu del ciclo.
2. SASHA Y DIGWEED
Hay cruces que no necesitan presentación. Sasha y John
Digweed son considerados pioneros y leyendas del progressive
house, responsables de definir una estética y una forma de
entender la música electrónica que marcó a generaciones.
El encuentro del 23 de enero se inscribe como una de las fechas
más significativas del verano. Más que un set compartido, se
trata de una reunión que condensa décadas de trayectoria, con
un lenguaje musical propio y una conexión única con la pista.
A lo largo de su carrera, ambos artistas construyeron una
narrativa sonora basada en el desarrollo, la sensibilidad y el clima,
transformando cada presentación en una experiencia inmersiva y
de largo recorrido.
Con esta fecha, Fragment suma a su programación de viernes
de enero un capítulo histórico, posicionando a UMANO,
Mar del Plata como escenario de uno de los encuentros más
emblemáticos de la música electrónica global.
3. GUY J 4. JAMES HYPE
Fragment cierra su ciclo de viernes de enero con una fecha especial
junto a Guy J el 30 de enero, DJ y productor israelí, considerado una
de las figuras más influyentes del progressive house contemporáneo,
en un set extendido de seis horas en Mar del Plata.
Con una carrera consolidada a nivel global y lanzamientos en sellos
clave como Bedrock y su propio imprint Lost & Found, Guy J se
destaca por su enfoque profundo y emocional, construyendo sets que
se desarrollan con tiempo y sensibilidad.
El formato de seis horas propone una experiencia inmersiva, donde
la música evoluciona sin interrupciones y el recorrido sonoro cobra
protagonismo, permitiendo una conexión sostenida entre artista y pista.
Con esta presentación, Fragment cierra su ciclo de verano en
UMANO, Mar del Plata, apostando por propuestas de largo desarrollo
y artistas con una identidad sonora marcada.
El viernes 10 de enero, PM Open Air vuelve a Buenos Aires con
una de las fechas más esperadas del verano en Punta Carrasco,
encabezada por James Hype, uno de los DJs y productores más
destacados de la escena electrónica global actual.
DJ y productor inglés, James Hype se consolidó como uno de
los nombres más potentes del momento gracias a su energía
arrolladora en vivo y a un sonido directo, pensado para el
impacto inmediato en la pista. Su llegada marca uno de los
puntos más altos de la temporada de PM.
El full line up se completa con Almela, Dddancos y Miralles,
aportando una curaduría sólida que mantiene la intensidad a lo
largo de toda la noche.
Con esta fecha, PM Open Air vuelve a combinar música, entorno
y experiencia, reafirmando su lugar como uno de los ciclos clave
del verano porteño.
FOTO/S: LA JUANITA
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ENERO 2026

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Arcana Experience vuelve
a Punta del Este
La segunda edición de esta esperada propuesta se
concretará el próximo 4 de enero de 2026.
E
l próximo domingo 4 de enero
de 2026, Arcana Experience
celebrará su segunda edición
en Punta del Este, consolidándose
como una de las propuestas más
esperadas del verano uruguayo. El
encuentro tendrá lugar en el imponente
Museo Atchugarry, un espacio
emblemático que combina naturaleza,
arte y arquitectura, donde la experiencia
sensorial alcanza una nueva
dimensión.
Desde las 16 horas, el público podrá
disfrutar de un formato sunset inmerso
en los bosques, espejos de agua e
instalaciones artísticas que rodean el
museo, generando un entorno perfecto
para conectar con la música, la luz
del atardecer y la magia del entorno
natural característica de Arcana.
En esta edición se presenta un lineup
excepcional encabezado por los
suizos Adriatique, sin dudas el dúo
más relevante del momento en la escena
electrónica global, reconocidos
por sus grandes hits como “Miracle” &
“Home” o los nuevos “Love’s a Game”
& “Back to life” y por entregar sets
inolvidables en cada una de sus presentaciones
en vivo. Acompañándolos
estará NIM, el talentoso artista argentino
con una destacada trayectoria en
los escenarios más importantes de la
región, aportando su sonido profundo
y elegante para completar una jornada
única.
Con un concepto que une música,
arte y naturaleza, Arcana Experience
propone vivir el mejor sunset de
la temporada, donde cada detalle del
entorno se convierte en parte de la
puesta en escena. Una experiencia
creada para quienes buscan más que
una fiesta: un encuentro con la belleza,
la música y la energía única del
verano esteño. Los tickets ya están a
la venta.
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ENERO 2026

Los lanzamientos de Depeche
Mode en torno a Memento Mori
La banda sigue adelante con el álbum y la gira representando el último capítulo de un legado insuperable
y continuo.
epeche Mode lanzó los packs de
D
CD/DVD y CD/Blu-ray de la película
DEPECHE MODE: M y las ediciones
en CD y vinilo del álbum en vivo MEMENTO
MORI: MEXICO CITY. Este lanzamiento se
encuentra acompañado por la publicación del
video de "Precious (Live in Mexico City)".
Tanto la película DEPECHE MODE: M como
la película de concierto de larga duración ME-
MENTO MORI: MEXICO CITY, ya se encuentran
disponibles para alquilar y descargar.
El lanzamiento físico de DEPECHE MODE: M
a través de Columbia Records incluye 2 DVDs
o Blu-rays y 2 CDs que documentan los tres
conciertos con entradas agotadas de la banda
en el legendario Foro Sol Stadium de Ciudad
de México durante la gira mundial Memento
Mori 2023.
A través del prisma creativo del galardonado
cineasta mexicano Fernando Frías, DEPECHE
MODE: M explora los paralelismos entre los
temas de Memento Mori de Depeche Mode y
la profunda conexión con la muerte y la mortalidad
en la cultura mexicana.
Por un lado, el disco 1 del paquete es DEPECHE
MODE: M – un viaje cinematográfico al corazón
de la relación de la cultura mexicana con la
muerte, enmarcado por actuaciones en vivo fascinantes.
Concebida y dirigida por el galardonado
cineasta mexicano Fernando Frías, la película
combina imágenes de conciertos con intersticiales
interpretativos y material de archivo.
Por el otro, el disco 2 es MEMENTO MORI:
MEXICO CITY, un concierto de larga duración
también dirigido por Fernando Frías en
los conciertos de Ciudad de México en 2023.
Allí, Depeche Mode se presentó ante más de
200.000 fans.
Por último, en cada pack se incluye el álbum en
directo de 2 CDs MEMENTO MORI: MEXICO
CITY, que incluye más de 2 horas de música de estos
conciertos, así como cuatro temas extra inéditos
de las sesiones del álbum Memento Mori.
El álbum en vivo MEMENTO MORI: MEXI-
CO CITY también está disponible en formatos
digitales independientes, 2 CDs, casetes y vinilo
4LP. Ambos formatos incluyen fotos exclusivas
en directo de los espectáculos de Foro Sol.
Todos los formatos incluyen cuatro temas
inéditos grabados junto al álbum Memento
Mori de Depeche Mode de 2023. La primera
de estas canciones, "In The End", se lanzó digitalmente
en todos los DSP con el entusiasta
reconocimiento de artistas como Stereogum,
Brooklyn Vegan y más.
La gira Memento Mori de Depeche Mode
contó con Dave Gahan, Martin Gore y compañía,
actuando ante más de 3 millones de fans
en 112 conciertos alrededor del mundo, y fue
aclamada por la prensa como "una celebración
impresionante de la vida y la música”.
La gira siguió al decimoquinto álbum de estudio
de Depeche Mode, Memento Mori, lanzado
en 2023 y recibió elogios de la crítica universal. Inspiración
imborrable para fans, críticos y artistas por igual,
Depeche Mode sigue adelante, con el álbum y la gira
Memento Mori representando el último capítulo de un
legado insuperable y continuo.
FOTO/S: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA
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ENERO 2026

Los Totora presentan
su nuevo proyecto
Club Totora
La banda de cumbia más representativa de la Argentina
recibe a distintas personalidades y artistas para compartir
un asado, conversar sin guión y crear música en vivo.
L
os Totora presentan
Club Totora, un nuevo proyecto
donde abren las puertas de su
icónico grupo a diferentes personalidades
y artistas de la industria para
que sean parte de su nuevo club.
Este ciclo comenzó el domingo 7 de
diciembre y llegó de la mano de una
alianza estratégica entre su sello discográfico,
Warner Music Cono Sur,
e Infobae, el sitio de noticias más
leído de habla hispana.
Club Totora es un formato novedoso,
cálido y profundamente argentino,
donde Los Totora, la banda
de cumbia más representativa de
nuestro país, reciben a distintas personalidades
y artistas para compartir
un asado, conversar sin guión y
crear música en vivo. El resultado es
un contenido auténtico, espontáneo
y cercano, que captura la esencia del
grupo: amistad, humor, fútbol, música
y esa impronta popular que los
acompaña desde siempre. Este lanzamiento
constituye la primera entrega
de un proyecto que está compuesto
por tres capítulos en total.
El primer capítulo cuenta con la
participación de Pollo Alvarez,
Yeyito De Gregorio, Cris Vanadia,
Chule y Camilú. Cada capítulo
incluye también el lanzamiento de
nuevas canciones, en este caso el capítulo
trae una nueva reversión del
clásico “Marchate Ahora” y dos colaboraciones
inéditas: “Me Da Igual”
junto a Camilú y “Te Está Pasando
Lo Mismo Que A Mí” junto a Chule.
Club Totora no solo representa un
nuevo capítulo en la historia del grupo,
sino también una apuesta estratégica
para el futuro de Warner Music
Cono Sur, que amplía su horizonte
hacia la producción de contenido
audiovisual y reafirma su compromiso
con la innovación dentro de
la industria del entretenimiento. La
alianza con Infobae potencia esta iniciativa,
integrando música, narrativa y
distribución en un proyecto que acerca
a Los Totora a millones de usuarios en
la plataforma más leída de habla hispana
y abre la puerta a nuevas formas de
conectar con el público.
Acerca de la alianza entre Warner
Music Cono Sur e Infobae
Esta iniciativa forma parte de un
acuerdo estratégico entre Warner
Music Cono Sur e Infobae, cuyo objetivo
es potenciar la llegada de los
artistas a nuevas audiencias mediante
la integración de música, storytelling
y distribución multiplataforma.
Infobae, como el medio digital de
mayor alcance en el mundo hispanohablante,
se convierte en el espacio
ideal para amplificar proyectos originales
desarrollados por el sello.
A través de esta alianza, Warner
Music afianza su expansión en la
producción de contenido audiovisual
premium y continúa apostando por
formatos innovadores que conecten
a los artistas con millones de usuarios.
Club Totora inaugura una etapa
donde los lanzamientos musicales
conviven con propuestas editoriales
y de entretenimiento, fortaleciendo
el posicionamiento tanto de los artistas
como del sello dentro del ecosistema
cultural y mediático regional.
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ENERO 2026

ENERO 2026 BILLBOARD.AR 73

EL CRECIMIENTO DE LA CULTURA
DE LA MANO DE KOPI Y UN GRAN CAFÉ
Cómo la empresa se convirtió en un punto de encuentro para locales y turistas en los principales barrios porteños.
K
opi se convirtió en un
gran “tercer lugar”, ese que
no es tu casa, ni tu trabajo. Entre
la predominancia del color verde
pistacho, los perritos formando parte
de la escena, las mesas para instalarte
con la computadora o comer
con amigos, una carta llena de “Kopi
Favs” y su no fundamentalismo del
café (“Acá venís a tomar el café como
te gusta”) hoy es parte de la cultura de
barrios como Palermo, Núñez, Cañitas,
Recoleta y Belgrano, Villa crespo
y Saavedra.
Emiliano Castro fue el motor de
Kopi, abriendo un primer local muy
chico y al paso en La Plata, ahí por
el 2021. Al tiempito se sumó Kate y
llevaron el segundo local a Cañitas.
Emiliano se subió al proyecto un
tiempo después, cuando dieron forma
a los Kopi formato L y XL, esos
que ya incorporaron la cocina. “El
concepto se basa en: calidad en café y
calidad en pastelería”, cuenta Emi. “Al
principio mi mamá me hacía los budines
y la mamá de ella, los alfajores
de almendras; las recetas hoy están
basadas en pastelería artesanal, casera,
sin productos industrializados”.
Dos centros de producción propios
le distribuyen cocina salada y bakery
(laminados, cookies, alfajores y tortas
como la Key Pistacho Lime) a los
doce locales.
Si les preguntamos qué los hace
únicos, también entra el café en la
respuesta. Desde el principio, Kopi
tuesta su propio café y no vende a
ningún otro lugar de la ciudad; solo
en sus locales y en bolsas para llevarte
Kopi a casa (junto con un kit de
merch). “Fuimos la primera cafetería
en tener café con pistacho hace 3
años”, cuenta Kate. “Se llegaron a hacer
la misma cantidad de flat whites
que café con pistacho”. Otras que performaron
muy bien también, fueron
las Bebidas de Verano creadas con
proteína como la Strawberry boom
y la Banana power boost. Vienen en
latas muy cool.
Estar creando constantemente, la
calidad como centro de todo, mantener
una esencia amigable y cercana,
tomar decisiones basadas en data de
consumo del cliente, nunca subestimar
el proyecto; esas son algunas de las claves
para lograr una marca con más de
12 sucursales en cuatro años.
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ENERO 2026

Foo Fighters regresa con
“Asking For A Friend”
Con este single, la banda aumenta la energía y la intensidad,
al mismo tiempo que anuncia su gira de estadios
norteamericana de 2026.
F
creíbles fanáticos y bombardearlos
con todo lo que tenemos. Porque
no estaríamos aquí sin ellos, tenemos
el núcleo más sólido. Y el sol
finalmente se eleva por el horizonte.
¿Qué mejor manera de compartir la
vista que con amigos cercanos?”.
“En 1992 vi por primera vez a
los legendarios Kyuss actuar en el
Off Ramp de Seattle y conocí al Sr.
Josh Homme. La banda era amiga
de un amigo, y en poco tiempo
su álbum Blues for the Red Sun se
convirtió en la banda sonora de
oo Fighters está de
vuelta con su nuevo single
“Asking for a Friend” y el
anuncio de una gira por los estadios
norteamericanos de 2026.
Con un enfoque melódico decididamente
más oscuro que el gran
éxito “Today's Song”, “Asking for
a Friend” aumenta la energía y la
intensidad de su predecesor a favor
de versos iniciales hipnóticos que se
construyen y explotan en estribillos
apasionados de "¿Qué es real? Estoy
preguntando por un amigo…”. Para
cuando el rave-up final de la canción
se detiene con un desgarro de
garganta "¿O es este el final?", los fanáticos
de Foo Fighters de todas las
edades se encontrarán alegremente
impactados.
Dave Grohl escribió extensamente
sobre la inspiración para la
nueva música y la próxima gira, en
una publicación que decía en parte:
"Desde nuestro regreso al escenario
en San Luis Obispo, se nos ha
recordado por qué amamos y estamos
dedicados para siempre a hacer
Foo Fighters. Desde reunirnos
como banda y mirar una lista de 30
años de canciones, hasta reimaginar
versiones con el único e inigualable
Ilan Rubin detrás de la batería, volver
a conectarnos con nuestros inese
verano. 33 años después y con
muchas millas a nuestras espaldas,
he compartido algunos de los momentos
musicales más gratificantes
de mi vida con mi querido amigo,
Josh. Un vínculo de por vida que
va mucho más allá del sonido que
hemos hecho juntos. Así que es
con gran felicidad que podemos
compartir este próximo capítulo
junto con sus todopoderosos
Queens of the Stone Age”, agregó.
Asimismo, señaló: “Pero nada
de esto estaría completo sin nueva
música para compartir de Pat, Nate,
Chris, Rami, Ilan y yo. 'Asking for a
Friend' es una canción para aquellos
que han esperado pacientemente en
el frío, confiando en la esperanza y
la fe para que aparezca su horizonte.
Buscar ‘pruebas’ cuando se cuelga
de un deseo hasta que el sol vuelva a
brillar. Una de las muchas canciones
por venir...".
Junto con el single llega el llamado
para comenzar a entrenar para su
maratón de rock and roll local, ya
que Foo Fighters confirma su primera
gira por estadios desde el tour
masivo de 2023-2024, Everything or
Nothing at All, que agotó las entradas
en los campos de fútbol y béisbol de
todo el mundo.
Comenzando el 4 de agosto en el
Rogers Stadium de Toronto, la nueva
gira verá a Foo Fighters llevar la
euforia al máximo volumen de los
recientes conciertos sorpresa de la
banda en clubes de Estados Unidos,
y los espectáculos al aire libre / arena
en el extranjero a un total de 12 ciudades
de América del Norte.
Por ahora, el tour concluirá el
26 de septiembre en el Allegiant
Stadium de Las Vegas. Asimismo,
Queens of the Stone Age será telonero
en todas las fechas excepto, el
12 de septiembre en Fargo.
FOTO/S: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA
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ENERO 2026

Flor Paz presenta 89: un renacer musical
desde el folklore hacia lo urbano
La cantautora argentina cerró el 2025 con un lanzamiento que representa una nueva etapa en su camino artístico.
ACERCA DE FLOR PAZ
lor Paz cierra el 2025 con un
lanzamiento que representa una
F
nueva etapa en su camino artístico.
Se trata de 89, su nuevo álbum de estudio
compuesto por 10 canciones, en el que explora
nuevos sonidos, sin perder el corazón folclórico
que la define.
Este proyecto nace del deseo personal de seguir
expandiendo su música, llevándola hacia
una fusión latinoamericana donde conviven
elementos del folclore, el gospel y la música
urbana. 89 es, además, una referencia al año
de nacimiento de Flor, y condensa el espíritu
de renacimiento con el que encara este nuevo
ciclo: animarse a salir del género que la vio
crecer para abrazar otras formas que también
habitan en su identidad.
El álbum fue creado junto a MozartMuzik,
reconocido productor del género urbano, y
Poli, artista y compositora con quien Flor trabajó
en la escritura y desarrollo del concepto.
La química del equipo creativo permitió abrir
nuevas búsquedas vocales y compositivas en
un proceso intenso, transformador y lleno de
aprendizaje.
A lo largo del disco, se percibe una mixtura
de influencias: la raíz mansera, la música
afroamericana que marcó su adolescencia, y lo
urbano de su generación. Esta mezcla da como
resultado una propuesta fresca, emocional y
potente, donde se honra la raíz folclórica con
una estética contemporánea.
A diez años del inicio de su carrera, Flor se encuentra
en un momento de plenitud y renovación.
El reconocimiento cosechado la impulsa
a seguir creciendo, pero también le marca un
compromiso: entregarse por completo a cada
etapa, y no dejar de reinventarse.
Flor Paz proyecta una etapa de difusión intensa
para los primeros meses del 2026, con el objetivo
de llevar este nuevo álbum a los festivales
más emblemáticos del norte argentino. Este
lanzamiento, que combina concepto, esencia
y valentía artística, invita a reconectar con las
raíces y mirar hacia adelante. Como resume la
propia artista: no hay vanguardia sin tradición.
Es una joven cantautora argentina con voz
moderna que mantiene la esencia folklórica
desde su raíz, heredada por su padre Onofre
Paz, El Mansero, fundador de Los Manseros
Santiagueños.
Con sólo 4 años fue invitada a cantar en el
disco Cantos de Fe junto a artistas consagrados
como Mercedes Sosa, Jorge Rojas, Octavio
Osuna y El Trío San Javier. A partir de allí
comenzó sus estudios, y con sólo 20 años lanzó
su carrera profesional presentándose en diferentes
escenarios de la Argentina, entre ellos la
reconocida Plaza Próspero Molina de Cosquín,
Córdoba.
Desde entonces, Flor Paz ha participado de
los más prestigiosos festivales de Folklore del
país, entre ellos Jesús María (Córdoba), La
Chaya (La Rioja), La Salamanca, Festival del
Artesano (Santiago del Estero) y el Festival del
Yokavil (Catamarca). En 2015 realizó una gira
por Europa, presentándose en La Maison d'la
Argentine, La Maison Basque de París y en el
Auditorio de Biarritz, frente a público argentino
y europeo.
En 2017 editó Despertar, su segundo trabajo
discográfico, que la llevó a emprender una gira
por territorio nacional e internacional, incluyendo
países como Portugal, Francia y España.
En 2018, y gracias al gran éxito de Despertar,
Flor Paz se hizo merecedora del Premio Gardel
a Mejor Artista Nuevo de Folklore. En el 2022
gana su segundo premio Gardel con su álbum
Soy semilla donde fue distinguida nuevamente
en la industria con el premio a Mejor Álbum
Artista de Folklore.
FOTO: GENTILEZA GRACEMUSIC
78 BILLBOARD.AR
ENERO 2026

Rock en Baradero 2026
Babasónicos, Rata Blanca, Las Pelotas
y Él Mató lideran el explosivo line-up del
emblemático festival
Una nueva edición vuelve a reunir proyectos históricos y nombres clave de la escena
actual, con dos jornadas programadas para el 3 y 4 de abril en el Anfiteatro Municipal.
E
l festival de rock más
emblemático de la provincia
de Buenos Aires vuelve a
encender motores. Rock en Baradero
anunció oficialmente el line up para la
edición 2026, que se realizará el 3 y 4
de abril en el tradicional Anfiteatro
Municipal. La nueva grilla confirma
por qué el encuentro se mantiene
como uno de los puntos clave del calendario
musical argentino.
Este año, el festival reunirá a referentes
históricos, figuras consagradas
y nuevas voces de la escena, consolidando
su identidad como un espacio
diverso, expansivo y profundamente
ligado al pulso del rock nacional.
Entre los emblemas de nuestro
país se encuentran Babasónicos,
Rata Blanca, Las Pelotas, Él Mató a
un Policía Motorizado, Catupecu
Machu, El Kuelgue, La Vela Puerca
y Guasones, llegarán con su set cargado
de himnos para encabezar una
programación que recorre múltiples
generaciones y estilos.
La presencia de artistas como Marilina
Bertoldi, La Delio Valdez,
Peces Raros, Turf, El Plan de la
Mariposa y Los Pericos confirma el
espíritu plural y vibrante que caracte-
riza al festival.
La lista se completa con un abanico
que celebra la diversidad del rock
argentino contemporáneo: Eruca Sativa,
El Zar, Florian, Los Espíritus,
Los Pérez García, Los Tabaleros,
Camionero, Autos Robados, Kill
Flora, Terapia y Juan Baro, entre
otros, serán parte de dos jornadas que
prometen intensidad, música en vivo
y una comunidad reunida alrededor
del pogo, la energía y la tradición del
rock argentino.
Fiel a su lema, La República del
Rock, Rock en Baradero vuelve a presentarse
como un punto de encuentro
para miles de fanáticos que cada año
viajan para vivir una experiencia donde
la música es protagonista absoluta.
Con una programación que combina
leyendas y la nueva generación
del rock nacional, la edición 2026 se
perfila como una de las más grandes
de su historia.
Cada año, la ciudad palpita el festival
y desde temprano se comienza
a vivir un clima distinto. Por las calles
se puede percibir el olor a asado,
se escucha la música que sale de las
casas y se puede ver remeras y banderas
de las bandas más destacadas de
nuestro rock nacional.
CÓMO FUE LA EDICIÓN 2025
La última edición del Rock en Baradero
contó con momentos memorables.
Uno de estos fue cuando Conociendo
Rusia subió al escenario John Foos,
con un repertorio de más de 20 canciones
como "Jet Love", "Cabildo y Juramento"
y "Quiero que me llames".
Más tarde, la jornada tuvo un espacio
especial para el homenaje. Beats
Modernos tomó la posta para rendir
tributo a la obra de Charly García,
con un repertorio que recorrió distintos
pasajes de la carrera del genio
del bigote bicolor. Con temas como
"Buscando un símbolo de paz" y "No
voy en tren", el grupo ofreció un show
cargado de respeto.
Sin lugar a duda uno de los momentos
más esperados de la edición
fue el regreso de Guasones, quienes
celebraron sus 30 años de trayectoria.
La banda brindó una presentación
cargada de emoción con un setlist que
recorrió lo mejor de sus nueve discos
de estudio, entre los que se encontraron
"Tan Distintos", "Reyes de la noche"
y "Espejo Roto".
Otros que se encontraban de
festejo fueron No Te Va Gustar,
quienes también celebraron sus 30
años de carrera. Hits como "No te
quiero acá", "Cero a la izquierda" y
"Al vacío" trajeron consigo la fuerza
de una banda que ha logrado
mantenerse vigente en el corazón
del público año tras año.
Por su parte, Los Auténticos
Decadentes se encargaron de cerrar
la primera jornada. La banda
sinónimo de celebración popular,
garantía de baile, canto y alegría,
se adueñó del escenario Quilmes y
demostró que lo suyo es puro oficio
y carisma. Desde "Los Piratas"
hasta "Loco (Por tu forma de ser)",
el público se entregó a la fiesta,
que siguió con éxitos como "Como
me voy a olvidar", "Pendeviejo" y
el ya clásico "Corazón".
Por otro lado, Kapanga recibió
una enorme llave como reconocimiento
de una década de asistencia
perfecta al festival. Fiel a su
humor ácido, El Mono Fabio preguntó
entre risas si con ella "podía
pasar al baño de cualquier casa
cerca del predio".
La Delio Valdez tomó la posta
para convertir el predio en una pista
de baile con temas como "La cancioncita",
"Corazón Cumbiambero"
e "Inocente" mantuvieron la fiesta en
alto hasta que Bersuit Vergarabat,
banda festivalera, asumió el cierre.
Con una recolección de hits que
cruzan décadas.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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presenta
“chains
of love”
La canción estará
incluida en su
nuevo álbum
Wuthering Heights,
compuesto para la
película Cumbres
Borrascosas.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
C
harli xcx publicó
“Chains Of Love”, adelanto
del nuevo álbum Wuthering
Heights, el cual compuso
para la muy esperada película
Cumbres Borrascosas de Warner
Bros. Pictures, dirigida por
Emerald Fennel, y que se estrenará
en cines el 13 de febrero.
Ese mismo día se conocerá el
disco, a editarse a través de Atlantic
Records y que ya puede
ser preguardado en las plataformas
digitales. “Chains Of Love”
se develó en el avance oficial de
la película.
Previamente, Charli había
revelado el primer adelanto del
álbum junto a John Cale de The
Velvet Underground, el cual se
titula “House”.
En una audaz y original reversión
de una de las grandes
historias de amor de todos los
tiempos, Wuthering Heights
está protagonizada por Margot
Robbie como Cathy y Jacob
Elordi en el papel de Heathcliff,
cuya pasión prohibida pasa de
lo romántico a lo tóxico en un
cuento épico de lujuria, amor
y locura.
A principios del año próximo,
Charli actuará en The
Moment, de A24. Basada en una
idea original de Charli y dirigida
por Aidan Zamiri, la película es
la primera coproducción de su
nuevo estudio 365.
Además, Charli actuará en la
remake a cargo de Daniel Goldhaber
de la película de culto de
1978 Faces of Death; en el thriller
erótico de Greg Araki I Want Your
Sex;, en la película independiente
de Cathy Yan, The Gallerist; en la
fantasía de época de Julia Jackman
100 Nights Of Hero; en la película
satírica de acción de Romain Gavras,
Sacrifice; y en el drama íntimo
de Pete Ohs, Erupcja.
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Adiós Sui Generis
cumple 50 años y Sony Music
lo celebra con un boxset único
El material fue grabado en vivo el 5 de septiembre de 1975 en el
Luna Park, durante dos célebres funciones en una misma noche.
S
ony Music celebra cinco
décadas de Adiós Sui
Generis, uno de los momentos
más emblemáticos
del rock nacional argentino, con el
lanzamiento de un boxset único y
conmemorativo.
Este material histórico revive las
inolvidables funciones de despedida
de Sui Generis en el Luna Park, realizadas
el 5 de septiembre de 1975,
donde miles de personas presenciaron
el cierre de una etapa clave en la
historia del rock argentino.
La edición incluye tres vinilos con
el orden original del recital cuidadosamente
reconstruido, ofreciendo
una experiencia sonora fiel a aquella
mítica noche.
La tapa del boxset presenta la foto
original tomada por Ada Moreno,
mientras que el interior está ilustrado
con imágenes inéditas del show captadas
por el fotógrafo Rubén Andón.
Además de reunir el repertorio
clásico del concierto, este lanzamiento
incluye una joya hasta ahora
inédita tanto en plataformas como
en vinilo y CD: una versión de "Mr.
Jones o pequeña semblanza de una
familia tipo americana”, recordada
por su videoclip dentro del film de
Bebe Kamin, quien registró aquellos
shows memorables.
Esta edición especial también
recupera canciones que formaron
parte del setlist original pero no
habían sido incluidas en los vinilos
originales.
"Nena", que años más tarde sería
reversionada como "Eiti Leda"
por Serú Girán, “Bubulina", luego
interpretada por La Máquina de
Hacer Pájaros, "El fantasma de Canterville",
que Charly grabaría con
PorSuiGieco.
En una reciente entrevista Nito
Mestre recordaba entre risas: “Teníamos
22, 23 años y todos nos
decían ‘Y... Después de los 35 años
ya hay que dedicarse a otra cosa’”.
Claramente, no fue así. Medio siglo
después, Sui Generis sigue sonando
en los oídos de millones.
Esta edición reafirma su lugar
como banda fundacional e inolvidable
del rock argentino, con una
vigencia que atraviesa generaciones.
Esta despedida inolvidable se
encuentra disponible en boxset (3
vinilos) y CD doble. A este se suma
una nueva versión reordenada en
plataformas digitales.
Todas las canciones fueron compuestas
íntegramente por Charly
García, a excepción de “Natalio Ruiz,
el hombrecito del sombrero gris” con
letra de Carlos Piegari y “La niña
juega en el gran jardín” con letra y
música de Rinaldo Rafanelli.
FOTO/S: GENTILEZA SONY MUSIC ARGENTINA
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Uriel Lozano cierra un
exitoso 2025
El cantante se consagra entre los artistas más escuchados de la
Argentina.
C
on más de dos millones de
oyentes mensuales, Uriel Lozano
culmina un año consagratorio dentro
de la música tropical y la cumbia romántica,
celebrándolo con una presentación a sala llena
en el Teatro Gran Rex, rodeado de colegas,
amigos y su público de siempre.
El artista nacido en Santa Fe se consolidó
como cantante de Grupo Trinidad a partir del
año 2000 y dio inicio a su carrera solista en
2004, construyendo desde entonces un camino
sostenido que lo posiciona, hasta el día de hoy,
como uno de los grandes referentes de la cumbia
romántica en la región.
El cierre de año en el Gran Rex contó con
una lista de invitados de lujo que incluyó a
Onda Sabanera, Gero Lozano, Lucho Mussini
y un setlist que hizo un recorrido por los
hits que marcaron su trayectoria y lo llevaron
a convertirse en una figura clave de la música
tropical argentina. Durante la noche del Gran
Rex, y en un momento especialmente emoti-
vo del show, el equipo del sello discográfico
MOJO le hizo entrega de un galardón en reconocimiento
a haber superado los 500 millones
de reproducciones totales en plataformas
digitales con su proyecto Zapada en vivo en Un
Poco de Ruido, uno de los hitos más relevantes
de su carrera reciente y un verdadero fenómeno
de consumo digital.
En el ranking Wrapped de Spotify 2025,
Uriel Lozano se ubicó entre los artistas más escuchados
del país, coronando uno de los años
más activos y colaborativos de su carrera. A lo
largo de 2025 presentó múltiples lanzamientos
que reforzaron su identidad artística, entre
ellos el disco Uriel Lozano / Zapada en vivo en
Un Poco de Ruido, un proyecto que captura la
energía del vivo y supera las 500 millones de
reproducciones en todas las plataformas digitales,
consagrándose como el #6 álbum más
escuchado en Argentina.
El año estuvo marcado por destacados
cruces artísticos. En mayo, se unió a Lucia-
no Pereyra, Pinky SD y Un Poco De Ruido
para una reinterpretación en clave cumbia de
“Tu Dolor”. Más adelante, estrenó una nueva
versión de “Si Yo Fuera Él” junto a Dyango y
lanzó el videoclip de “Amor Prohibido” junto a
La Mona Jiménez, uno de los momentos más
destacados de su 2025.
En paralelo a su actividad discográfica, Uriel
desplegó una intensa agenda de shows que lo
llevó a recorrer distintas regiones del país y a
realizar una gira por España, reafirmando su
proyección internacional. Además de su presentación
en el Gran Rex, fue parte de la previa
del partido Argentina - Venezuela en el Estadio
Monumental, en septiembre de este año.
El último tramo de 2025 lo encontró sumando
nuevos lanzamientos junto a figuras
centrales del cuarteto y la cumbia actual, como
La K’onga y Damián Córdoba, reafirmando el
carácter colectivo y expansivo de su propuesta
artística.
El 23 de diciembre se sumó a la lista de lanzamiento
“Cupido”, una nueva colaboración
junto a Luciano Pereyra que trae de vuelta el
romanticismo, para cerrar un año lleno de éxitos
y respaldo popular.
Este alcance, tanto en el plano digital como
en el vivo, se vio potenciado por una sólida
estrategia de distribución musical a través del
sello discográfico MOJO, compañía encargada
de llevar su catálogo a todas las plataformas digitales,
consolidando su impacto en audiencia
y resultados comerciales.
FOTO: GENTILEZA MOJO
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