Billboard AR Febrero 2026 Emmanuel Horvilleur

verano
EN BUENOS AIRES
En enero y febrero, disfrutá
festivales de música al aire
libre, museos abiertos,
actividades recreativas
para toda la familia en parques
y plazas, y miles de planes
más para vivir la Ciudad.
La ciudad más
linda del mundo

Contenidos
ENTREVISTAS
8. Barem
10. Amenazzy
12. Carlos Sadness
16. Isolée
18. MHTRESUNO
20. Emmanuel Horvilleur
28. Peipper
36. Pedro Colmeiro
ESPECIALES
4. Billboard Summer Fest
14. Ultra Buenos Aires
37. Billboard Stage x Postales BA
42. Emergentes
EN LA TAPA
Emmanuel Horvilleur, por Agustín Dusserre
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Billboard Summer Festival
MAU & RICKY, LA JOAQUI Y LOS PALMERAS ANIMARON EL
PRIMER GRAN FESTIVAL DE LA TEMPORADA
En la Ciudad de Buenos Aires más de 50 mil personas disfrutaron
de dos jornadas cargadas de música para todos los gustos.
POR ANTONELLA LOPREATO Y KARIN LEIVA
E
l 16 y 17 de enero Billboard Argentina y la Ciudad de Buenos Aires se
unieron para celebrar en Parque Berlín (Av. Pres. Figueroa Alcorta y Av.
Dorrego) el inicio del verano con Billboard Summer Festival, una propuesta
que formó parte de las actividades que la ciudad presenta para vivir el Verano
en Buenos Aires.
Fueron dos jornadas a pura música con muchos protagonistas: en la primera
fecha brillaron La Joaqui, LIT Killah, FMK, Seven Kayne, Rosario
Ortega, Alan Lez, Nemi, Adollz y Luana; y en el cierre el público disfrutó de
los shows de Mau y Ricky, Q' Lokura, Camila Mercado, Los Palmeras, Tuli
Acosta, SER y Aneley, que hicieron latir el corazón de más de 50 mil personas
con sus shows.
Si en la jornada del viernes 16 la música estuvo más volcada hacia lo urbano,
el sábado 17 resultó una apuesta hacia lo tropical & popular, dando cuenta de
lo ecléctica que es la escena actual.
Así fueron los shows del Billboard Summer Festival.
Mau
&
Ricky
La segunda noche del festival cerró
a puro pop. Y para los hermanos
Montaner fue un show especial: el
segundo en Argentina tras más de
dos años sin tocar en el país, luego
de su paso reciente por el Festival
de la Avicultura en Córdoba. El ida
y vuelta con la gente marcó el tono
del set, con agradecimientos y una
cercanía constante. El repertorio
repasó sus hits y sumó "Te Quiero",
canción presentada como adelanto
de una nueva etapa.
FOTOS: @POPIIFT
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La Joaqui
El cierre del primer día quedó en manos de La Joaqui y no hubo
demasiado misterio: era uno de los shows más esperados y se
notó desde el primer segundo. La introducción, con su imagen
proyectada en una moto, ya adelantaba lo que vino después. Cuando
apareció en el escenario -brillos, bailarines y una puesta pensada
para el golpe visual- el Parque Berlín ya estaba lleno y atento.
El arranque con "San Turrona" marcó el tono del set, con un ritmo
sostenido y un ida y vuelta constante con el público. La artista cantó,
bailó, se movió con seguridad y sostuvo el show desde el cuerpo, sin
tiempos muertos ni climas tibios. El cierre con "Butakera" terminó de
sellar la noche bien arriba, contundente y con el que confirmó por
qué su nombre encabezaba la expectativa del viernes.
Q' Lokura
La cumbia santafesina volvió a plantarse en la ciudad. Los
Palmeras hicieron una pausa en el trabajo de su próximo disco
y desplegaron un set cargado de clásicos. Sonaron "Asesina",
"El embrujo", "Perra", "Bombón asesino", "Olvídala" y "Soy
sabalero", y el Parque Berlín respondió con baile, palmas y
coros.
Hubo, además, lugar para los homenajes. La banda se animó a
versiones de Enanitos Verdes ("Lamento boliviano") y Patricio
Rey y sus Redonditos de Ricota ("La bestia pop"), en un día
especial: el cumpleaños número 77 del Indio Solari. Así, se selló
uno de los momentos más celebrados de la jornada.
Antes del show, la banda habló con Billboard Argentina y dejó
algunas definiciones claras. Tras un año movido y polémico,
aseguraron estar atravesando una nueva etapa. Marcos Camino
adelantó que se vienen canciones nuevas y muchos shows, y
destacó el entusiasmo de "compartir grilla con artistas jóvenes y
opciones musicales diversas".
Los Palmeras
Los cordobeses se adueñaron del lugar para
convertir todo el predio en una fiesta. Con la fuerza
que los caracteriza, Nico Sattler y Facu El Chino
Herrera, acompañados de su banda, hicieron bailar
al público presente que los esperaba desde que
se abrieron las puertas del festival. Así recorrieron
sus versiones cuarteteras de éxitos como "Frágil",
"Carita Triste", "Él No Va A Venir" y "Corazón
Partío", mientras el público acompañaba cantando
a todo pulmón.
FMK
Con la noche del viernes hecha realidad, Enzo Sauthier, más
conocido como FMK, se subió con su banda y su arsenal
de éxitos. El gran hitmaker de la escena urbana argentina
arrancó con temas como "Salgo a Bailar", "Un Finde" y
"Ahora No".
Para ir llegando al clímax, el artista eligió "Perfecta",
avivando todavía más a un público ya eufórico. Y la
muchedumbre acompañó con su canto cada verso de la
colaboración con Miranda! y Maria Becerra. Sobre el cierre,
invitó a Palo para hacer por primera vez en vivo "Hacela
corta morocho", el remix que comparten con Micro TDH y
que se perfila para ser uno de los temas del verano.
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SER
Después de un año de ruta intensa, llegaron al festival con
una idea clara: bailar y hacer bailar. Venían de una temporada
marcada por la gira y por haber abierto el show de Miranda!
en el ciclo Noches Capitales, en el Hipódromo de La
Plata, y aprovecharon su paso por el Parque Berlín para volver
a poner en circulación las canciones de La vida baila, su
disco de estudio lanzado en 2024. Además de recorrer temas
propios, la banda reversionó canciones populares que
funcionan como punto de encuentro. Sonaron "Loco (Tu
forma de ser)", de Los Auténticos Decadentes, y "Muchachos,
ahora nos volvimos a ilusionar", de La Mosca, para
empezar a calentar el clima mundialista. Sobre este último
tema, Fede Berdullas explicó que es una canción que los
emociona especialmente porque condensa "una identidad
popular que atraviesa generaciones".
Lit Killah
Como un Demonio de Tasmania de tonalidades
rojas que arremolina todo con
su carisma y su gran capacidad freestyler,
el rapero quemó las naves desde
el comienzo con "La trampa es ley",
multiplicando la euforia del público que
lo estaba esperando. Después, recorrió
distintas etapas de su carrera presentando
éxitos como "Mala suerte", "Entre
nosotros" y "Apaga el celular". Por si
quedaban dudas de su potencia hitera,
cerró su momento con "Los del Espacio",
manteniendo a tope la vibra que
planteó desde el vamos.
Rosario Ortega
En medio de una grilla dominada por la música
urbana, la cantante aportó uno de los shows
más singulares del primer día del festival. Mientras
prepara su tercer disco de estudio y sigue
girando con Beats Modernos, el proyecto
charlygarciano que comparte con Zorrito Von
Quintiero y Fernando Samalea, Rosario expuso
algunas de las canciones más representativas
de su recorrido solista. El set avanzó con
un tono más introspectivo que contrastó con
el resto de la jornada y sirvió como una pausa
necesaria dentro del festival.
El cierre fue una declaración de amor. Como
fan, y heredera, del universo García, eligió "Promesas
sobre el bidet", uno de los temas de Piano
Bar, y logró que el parque entero se subiera a
ese ritual compartido. Tras el show, Ortega conversó
con Billboard Argentina y volvió sobre la
figura de Charly. Se refirió a la foto que circuló
comiendo una hamburguesa, y llevó tranquilidad:
aseguró que la leyenda está bien, “tranquilo
en su casa, mirando shows y conectado con
la música”. También adelantó algunos detalles
de su próximo disco, un trabajo que, según dejó
entrever, dialoga con su recorrido pero “busca
nuevos matices”.
Tuli
Con coreografías incluidas, la bailarina desplegó
su faceta como cantante con un show
lleno de color. La lista de temas incluyó algunos
como "Mala suerte", "Histerikeo" y "+ de 1 Vez
(#2 lugar)", con los que demostró por qué nació
para estar en el escenario.
Carismática y enérgica, la cordobesa pasó por
distintos géneros. Del rock a la bachata y luego
al pop, demostró versatilidad y calidad como
performer. La ocasión también le sirvió para
estrenar en vivo su último lanzamiento, "GRWM
(Get Ready W Me)".
Alan Lez
Con una dupla de bailarines y una banda cubriéndoles
las espaldas, el subcampeón de la
última edición de La Voz Argentina pisó fuerte
en el festival. Se adueñó de la tarde con una
perfo basada en su carisma arrollador y luego
de una intro con "Fanático" (Lali, a quien teloneó
en su última presentación en Vélez), presentó
canciones originales como "Tu solo",
"Fucking cuento" y "Efecto Tabú".
Para redondear este momento súper popero,
recreó su versión de "Prisionero" de Miranda!
y se llevó la primera gran ovación de la tarde,
que celebró la capacidad de Alan para seguir
subiéndose a grandes tablados.
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Seven Kayne
"Fue hermoso, muy zarpado el evento. Shout-out para
Billboard por armar esto. Nos tocó un día muy lindo",
dijo el rapero en diálogo con este medio ni bien terminó
su show. Aunque en la actualidad se está volcando
hacia la actuación, sacó a relucir varias de las canciones
que lo posicionaron como uno de los imprescindibles
de la anterior ola del trap argentino: “Sé que no”,
“Tres rosas” y “Buenos Aires” fueron solo algunas con
las que puso a saltar a toda la multitud.
Con su estética llamativa, una presencia escénica sostenida por las
coreografías y un manojo de canciones pegadizas, las Adollz no desaprovecharon
su chance de desplegar lo suyo. Y con temas como
"Replay", "Inferno" y "Todo el Año", las a-poppers pusieron a bailar a la
multitud que empezaba a juntarse frente al escenario. El cierre quedó
a cargo de "Deja Vu" y "Destino (Run Wild)", temas con los que la girlband
demostró que no hay que perderles el rastro.
Aneley
Nemi
Adollz
Camila Mercado
Con un outfit cargado de lentejuelas, la joven
artista tropical se presentó junto a su banda.
Así, interpretaron distintos clásicos cumbieros
como "Qué Agonía" y "Cómo Te Voy A Olvidar",
aunque también tuvo la chance de presentar
la propia "Alpiste Perdiste". Más tarde, Camila
fue invitada por Los Palmeras para interpretar
juntos "El Embrujo".
Fue la encargada de abrir la segunda
jornada del festival, a medida
que se iba llenando el Parque Berlín.
Junto con su banda, la cantante
entregó un show cargado de hits:
una versión cumbia de "Por Ese
Hombre" de Pimpinela y otra de
"Obsesión" de Aventura, fueron
coreadas por el público durante su
presentación en la acalorada tarde
de verano. Para el cierre, honró a
Gilda al versionar "No Es Mi Despedida",
marcando un cierre emotivo.
Parada brava para el joven rapero bonaerense por
dos motivos: era el encargado de inaugurar el festival
en las primeras horas del viernes y, además, se trataba
de su primer show oficial. Lejos de amilanarse,
pisó las tablas como si fuera un experto curtido en
mil batallas y superó con creces la prueba. “Antes de
venir, dije: ‘Dios, te entrego todo lo que pase hoy, yo
voy a dar lo mejor de mí’. Y superé todas mis expectativas
porque me sentí yo, fui yo”, nos dijo al finalizar
su set. “Digan” y “Conexiones” fueron algunas de sus
canciones más celebradas.
Acerca del Billboard Summer Festival
Billboard Summer Festival fue una
coproducción público-privada con
grandes artistas y exponentes de
distintos géneros y sonidos populares
como el cuarteto, la cumbia, el rock,
el pop, entre otros. En suma, una
programación artística potente y diversa.
Una invitación a reencontrarse en una
época en la que todo baja un cambio.
Pero con propuestas que encienden y
hacen que todo siga latiendo con el ritmo
que une energía y entretenimiento. Así,
siempre habrá un plan para todos los que habitan,
transitan y visitan la Ciudad de Buenos Aires.
El Billboard Summer Festival se inscribe
en Verano en Buenos Aires, una agenda que
durante la temporada despliega múltiples
experiencias en parques, plazas y espacios
urbanos, y que se desarrolla en el marco de
BA 24 horas: la política que extiende horarios,
mejora la circulación nocturna y potencia la
vida cultural y gastronómica de la Ciudad.
Además del Billboard Summer Festival,
la programación de Verano en Buenos Aires
incluye Atardeceres, un ciclo de
música al aire libre en parques y
plazas sábados y domingos; Afters
BA, encuentros con música en zonas
gastronómicas para disfrutar todos
los miércoles después del trabajo;
Verano en las Plazas y Anfiteatros,
con actividades recreativas y culturales
para la familia en toda la Ciudad. A
esto se suman actividades en museos,
teatros, centros culturales, ferias y
espacios deportivos.
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AMENAZZY
“OJALÁ
QUE EL
PÚBLICO
ARGENTINO
RECIBA
CON
CARIÑO
MI NUEVO
ÁLBUM”
tres veces. Lo hicimos ya en un dancehall, la otra fue
un trap y ahora buscamos algo nuevo, pero dentro de
la misma línea. Son canciones atemporales porque uno
las escucha ahora en 2025, 2026 y se siente la vibra de
cuándo las hicimos.
El próximo disco del artista dominicano se llamará Sonido de
Bandido. En ese marco ahora estrenó “Felony”, su nuevo track
junto a Eladio Carrión.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
A
menazzy empezó el año con una
colaboración que ya demostró ser
un éxito y con la que buscó reforzar
su conexión con su compañero y amigo Eladio
Carrión: “Felony”. “Dame Una Hora” y
“Ausente” fueron los otros proyectos que los
unieron en el pasado, pero en esta ocasión
buscaron un sonido nuevo, algo diferente
para brindarle a su público, pero sin dejar
de lado su esencia caribeña. “Las otras dos
fueron un éxito, queríamos repetir la fórmula
con Eladio, somos realmente muy buenos
amigos”, compartió en conversación con Billboard
Argentina.
El lanzamiento, además, forma parte de
un proyecto mucho más especial para el artista
dominicano, su nuevo álbum Sonido de
Bandido, trabajo que reveló a fin del 2025 y
que espera ver la luz a mediados de este año.
El video musical se estrenó simultáneamente
con el sencillo y fue dirigido por Chrisfrezh,
quien lideró la realización visual del
proyecto.
Producido por Nostick, “Felony” se suma
a la sólida evolución musical de Amenazzy,
reconocido por éxitos globales como “La
Chanty”, “Solo” y “Baby”, y por colaboracio-
nes con figuras como Bad Bunny, Farruko,
Nicky Jam y Don Omar.
A lo largo de esta charla, el referente dominicano
también habló sobre su conexión con
Argentina, un país con el que soñaba de chico
y una de sus cuentas pendientes en cuanto a
presentaciones.
¿Cómo estás viviendo los días posteriores
a este lanzamiento? Sabemos que tu
público tenía muchas ganas de volver a
escucharte.
Estoy muy contento. Es la tercera colaboración
con Eladio y gracias a Dios las otras dos
fueron un éxito. Quisimos repetir la fórmula
ahora con “Felony” y estoy seguro de que
es algo que se va a seguir repitiendo porque
Eladio y yo somos muy buenos amigos, no
solamente por la música. Tenemos una gran
conexión musical.
¿Sentís que es más fácil colaborar cuando
son amigos?
Entiendo que entre nosotros sí funciona así.
Los dos nos guiamos por las vibras, no buscamos
los números. Hemos vibrado muy bien
juntos, y eso es lo que hizo que repitiéramos
Hay una cierta tendencia a recuperar ese sonido,
¿verdad?
Sí, es cierto, aunque yo no soy mucho de repetir, para
mí la mejor marca es lo nuevo. Siempre trato de darle
algo diferente a la gente, a veces me gusta tomar lo que
la gente está escuchando en el momento y agregarlo en
las producciones.
¿Tuviste en cuenta la reacción del público en
este lanzamiento?
La verdad es que sí, pero no me guío por comentarios
en redes sociales o plataformas, sino que siento mucho
su apoyo en los shows. Por las redes todo el mundo es
duro, y en persona cambian. En los shows sabes de verdad
si un tema gustó o fue una porquería.
“Felony” forma parte de un proyecto más grande,
¿verdad?
Correcto, esta canción es parte de mi álbum, que se
llama Sonido de Bandido. No lo llamaría el focus track
del disco igualmente, lo soltamos para que la gente se
mantenga activa y sepa que sigo trabajando, estoy activo
como siempre.
¿Notaste el apoyo del público argentino?
A la Argentina solo fui una sola vez por el momento.
Hasta ahora no tuve la suerte de tener presentaciones
pero ojalá se den pronto, sé que hay mucha gente ahí
que está pendiente y nos apoya un montón con cada
estreno. Con este álbum espero que la gente lo asimile y
lo reciba. Argentina era un país que yo veía de chiquito
por la tele y soñaba con ir. La gente es muy servicial y
cariñosa, espero realmente poder ir pronto para allá.
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ULTRA BUENOS AIRES 2026
LA FIESTA INTERMINABLE
LA FIESTA INTERMINABLE
El 14 y 15 de febrero, festival revalidará sus credenciales en el Parque de la Ciudad.
Habla Massano en exclusiva y los 12 datos que tenés que saber antes de ponerte a bailar.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
LTRA Buenos Aires regresó
en 2025 tras una década
de pausa con un solo
U
objetivo: volver a cautivar a los
fanáticos de la música electrónica.
En aquella edición, hace más de un
año, unas 80 mil personas se reunieron
en el Parque de La Ciudad y
pudieron disfrutar de Djs internacionales
de la talla de Boris Brejcha,
Miss Monique, Martin Garrix
y Black Coffee, entre muchos otros,
grilla que dejó la vara alta para futuras
ediciones.
En este 2026, el festival no podía ser
menos. La sexta edición se anunció
a finales de 2025 con la revelación
de la Fase 1 de su lineup, y el público
no pudo estar más conforme:
Camelphat, Above & Beyond,
Zedd y Charlotte de Witte. Así, demostró
que el 2025 fue solo un calentamiento
para todo lo que estaba
por llegar. Esta nueva entrega tendrá
lugar el 14 y 15 de febrero, de
nuevo en el Parque de La Ciudad.
Serán más de 70 artistas distribuidos
entre los dos días, remar-
cando la gran presencia de djs
nacionales que compartirán tarima
con referentes internacionales.
Greta Meier, Emiliano Demarco
b2b Eze Ramirez, Bob Tosh y
Temple Gate -anunciados durante
la Fase 3- serán algunos de los representantes
encargados de demostrar
el sonido emocional y expresivo
de la escena local.
El costado más intenso y de alto
impacto del país también se hace
presente con una selección que
refleja el momento explosivo del
techno y la cultura rave local. Esta
fase incorpora a Milena Adamis
b2b Dist, Jxxxo, Victoria Engel
b2b Nicolás Taboada, Andres Koller
y Elio Riso, quienes combinan
potencia, identidad y una madurez
artística que los ha llevado a ocupar
espacios cada vez más grandes
en la escena regional.
Todos estos talentos nacionales
se integran al festival acompañando
a los headliners, algunos de los
cuales llegan por primera vez a
nuestro país.
MASSANO:
POR PRIMERA VEZ EN ULTRA BUENOS AIRES
EL DJ BRITÁNICO ESTRENÓ SU ÁLBUM DEBUT,
Natural, editado a través de su propio
sello, Simulate. El disco debutó en
el #1 del chart general de Beatport y
reafirmó su posición como un artista
que redefine los límites de la música
electrónica. A finales del 2025, Massano
se presentó en la Argentina y hablamos
con él sobre su próxima llegada
a ULTRA Buenos Aires. “Simulate
no es solo un sello discográfico, es
un concepto artístico y filosófico que
explora la idea de que la vida es una
simulación”, reflejó. “Vamos a explorar
muchos sonidos nuevos en 2026
y colaborar con artistas que nunca
antes trabajé. Poco a poco se van a ir
enterando de las novedades”.
¿Qué vamos a poder esperar
de tu set en ULTRA?
Simulate conecta tecnología,
música y arte visual para crear
experiencias que transportan
al público a un universo donde
lo físico y lo digital se fusionan,
y eso es lo que van a ver en
febrero. Me parece que vamos
a tener un set de cerca de dos
horas, por lo que es mucho más
concentrado de lo que pueden
ver en un evento propio. Tengo
que soltar los fuertes primero.
Este será mi primer festival
en Argentina por lo que estoy
muy emocionado, quiero que
llegue ya.
FOTO MASSANO: @CECIMINASSIA
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12 ARTISTAS, 12 DATOS
JOSEPH CAPRIATI B2B MAU P
JAMIE JONES
ABOVE & BEYOND
El nombre del trío surgió de un
póster motivacional: uno de
sus integrantes, Jono Grant,
tenía en su pared un cartel con
el lema “Above & Beyond”, y
les gustó tanto que adoptaron
ese eslogan como nombre del
grupo.
Esta inusual dupla une dos mundos
electrónicos. Por un lado, el
italiano techno Joseph Capriati
es conocido por su resistencia:
llegó a dar un set maratónico
de 25 horas seguidas en un club
de Miami. Por el otro, Mau P es
en realidad el nuevo alias del dj
holandés Maurice West, quien
anteriormente producía EDM
mainstream y se reinventó en la
escena tech-house con el éxito
“Drugs From Amsterdam”.
En sus inicios, literalmente se
ofreció de “conejillo de indias”
para financiar su sueño de ser
dj. Participaba en ensayos clínicos
pagados (pruebas farmacéuticas)
para ganar dinero
y pagar sus cuentas mientras
producía música y hacía dj sets
underground .
CHARLOTTE DE WITTE
Antes de saltar a la fama con su
propio nombre, la belga inició
su carrera bajo el alias “Raving
George” para evitar prejuicios
por ser mujer DJ: usó un nombre
masculino justamente para
que la juzgaran por su música y
no por su género.
KLANGKUENSTLER
DOM DOLLA
KEVIN DE VRIES
Su nombre significa “artista del
sonido” en alemán, y este dj/
productor hizo honor a ello con
una gran evolución de estilo.
Inició produciendo deep house
y tech house, pero con los años
reinventó su sonido hacia un
techno crudo influenciado por
el hard techno de los 90. Ese
giro potente le ganó un gran seguimiento
en la escena techno
internacional.
DEADMAU5
Su alias tiene un origen muy
literal: Joel Zimmerman eligió
llamarse “Dead Mouse” después
de encontrar un ratón
muerto dentro de su computadora.
Más tarde estilizó su alias
reemplazando la “s” por un 5.
Aunque hoy llena escenarios,
el australiano nunca tuvo sus
propios equipos de dj. Comenzó
pidiendo prestados platos
y mezcladores, y para cuando
pudo comprarlos ya estaba
girando internacionalmente
y no le hacían falta . Es decir,
aprendió a pinchar “a pulmón” y
despegó sin siquiera tener una
cabina
Hasta finales de 2019, el alemán
mantuvo un trabajo diurno como
gerente de un supermercado,
incluso mientras su carrera despegaba.
De viernes a domingo
volaba para tocar en festivales y
clubes, y los lunes por la mañana
volvía a ponerse el uniforme del
súper; un “plan B” laboral que le
dio seguridad mientras lograba
vivir 100% de la música.
FOTOS: ULTRA BUENOS AIRES / BAN TALENT
INDIRA PAGANOTTO
La española se crió entre la
música gracias a su padre,
quien fue dj en los 80. Desde
niña la expuso a géneros
diversos como disco, acid
house y goa trance, influencias
con las que Indira forjó más
adelante su propio estilo
“psytechno” fusionando techno
con psytrance.
STEVE ANGELLO
Antes de conquistar el mundo
con Swedish House Mafia, fue
un precoz dj de hip-hop. A los
12 años ya competía en batallas
de turntablism (scratch) en
Suecia; incluso ganó concursos
locales de dj. En la adolescencia
migró de los platos de hiphop
a producir house y techno,
sentando la base de su exitosa
carrera electrónica.
CAMELPHAT
Mike Di Scala, una de las
mitades del dúo, fue integrante
de la agrupación dance
Ultrabeat (conocida por el hit
“Pretty Green Eyes” de 2003)
antes de formar esta sociedad
con Dave Whelan.
RICHIE HAWTIN
El legendario dj que también usa
el alias de Plastikman es también
un entusiasta del sake japonés.
En 2014 lanzó su propia línea
boutique ENTER.Sake tras años
de recorrer destilerías en Japón.
Ese mismo año fue honrado con
el título oficial de “Sake Samurai”
por la Asociación Japonesa de
Sake, en reconocimiento a su
labor difundiendo el sake en el
mundo.
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Isolée, el intelectual
e introvertido de
la electrónica:
“No todo lo que
hago encaja en el
ambiente del club”
El músico y productor de culto nacido en
Alemania sigue girando y reflexiona acerca de la
música por venir.
POR EMILSE GARZÓN
paso, es bastante horrible.
Ojalá pudiera hacer eso. No creo que
sea horrible (ríe). Me parece que es
algo de la personalidad y yo soy más
bien introvertido. En realidad, no
elegí ser una persona del escenario,
porque al principio sólo se trataba de
hacer música, y después empezás a
viajar, tocar y mezclar en público.
¿Las tecnologías actuales ayudan
a la escena electrónica?
Depende del tipo de tecnología. Al
estar al alcance de todos, ayuda a que
cualquiera pueda hacer música. Pero
con tecnologías como Spotify o similares,
en cierto modo le quita valor
al haber tanto disponible. Cuando
tenías que comprar un disco, elegías
conscientemente ese disco en particular.
En el estudio es parecido, se vuelve
mucho más complejo con tantas
opciones, cuando en realidad tener
algunas limitaciones es bueno para
decidir mejor.
Sobre tu estudio de producción,
¿cómo fue cambiando
desde tus inicios en los 90
hasta hoy?
Me mantuve bastante fiel a mis orígenes,
con sintetizadores y hardware,
aunque a veces terminara en una
pista MIDI. Con el tiempo todo se
volvió más compacto. Ahora es común
grabar directamente en digital
y construir toda la estructura en la
computadora. A mí me gustan los
equipos antiguos, probar dispositivos
que me generan curiosidad aunque
no esté seguro de que haga algo mejor
que su versión digital.
Rajko Müller, conocido
como Isolée, es un
C
arquitecto del sonido que
desde Alemania ha sido el faro del
microhouse. No le hace justicia etiquetarlo
en un solo género: este artista
juega con sonidos analógicos y
digitales para construir atmósferas y
narrativas musicales únicas. En 1998
lanzó el himno “Beau Mot Plage”,
decisivo para su carrera, con una
progresión emotiva inigualable. Sus
vinilos cotizan cada vez y recientemente
lanzó su sello Resort Island.
Solomun sonríe cuando habla del
talento de Rajko, su amigo. Ricardo
Villalobos ha seleccionado sus pistas
para sus sets. DJ Mag recientemente
lo nombró como uno de los artistas
imprescindibles de Classic Music
Company de los últimos 30 años. Así
y todo, mantiene un perfil bajo, pasando
muchas horas en su estudio.
Vive en Hamburgo. Casualmente
se encuentra en Berlín. En menos de
24 horas tocará en el Panorama Bar
del icónico Berghain. Hay menos de
3 grados de temperatura y la leyenda
solitaria ("isolée" significa "solitario"
en francés) resulta ser tímido, humilde
y amable. Aparece con una sonrisa,
toma asiento en el sillón rojo y
escucha con atención cada pregunta.
No responde de forma automática,
reflexiona sobre sus pensamientos.
¿Cómo es prepararse para tocar
en Berghain y en ese formato?
Siempre reviso lo que ya tengo preparado
y pienso en lo que funciona en
un contexto de club, porque no todo lo
que hago encaja en ese entorno, en especial
cuando hay djs antes y después.
Ya sea Panorama Bar o un festival,
tengo que imaginarme en el escenario,
y más que una cantidad de tracks que
me gustaría tocar, prefiero traer a la
pista algo nuevo que sea diferente.
Tus producciones no suenan
mecánicas. ¿Cómo elegís el
instante para introducir un
sonido y crear un momento
inesperado?
No tengo un plan en mi cabeza con
los pasos para producir y cómo hacerlo.
Lo interesante es cómo introducir
algo nuevo, algo que sea diferente
pero usando las estructuras porque
es música electrónica. Suelo trabajar
en las pistas, tener una primera
versión o un primer inicio, y luego
es como si hiciera una pista sobre la
otra. Produzco como unos remixes de
la misma o la tomo para un sampleo.
Así tengo todo tipo de texturas para
lograr un abordaje muy emocional,
porque además yo mismo quiero estar
emocionado con el sonido
No sos el tipo de persona que
podría gritar “Put your fucking
hands up”, que dicho sea de
¿Qué opinás de “Beau Mot
Plage” como el track que se
convirtió en tu sello personal?
Fue en mis inicios, hace mucho
tiempo. Tuve mucha suerte para que
saliera este tipo de música con “Beau
Mot Plage”. No hay una gran historia,
era una época muy creativa e inspiradora
a finales de los 90, en la música
dance y electrónica. Sentí que era un
track un poco más especial pero no
esperaba que se convirtiera en lo que
se convirtió. Aunque en los primeros
años sentía la presión por hacer
algo similar. Más adelante pensé:
"¡Guau! Es genial tener un clásico en
el repertorio".
Uno de tus últimos sencillos
del 2025 fue “Love algorithm”.
¿Qué relación hay entre el amor
y los algoritmos?
Mi idea era unir estas dos palabras
que realmente no tienen nada en
común. Creo que el "algoritmo del
amor" es algo imposible. El algoritmo
es lo opuesto al amor.
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
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FEBRERO 2026

FEBRERO 17 2026 BILLBOARD.AR
FEBRERO 2026 13

EMMANUEL
HORVILLEUR
“HICE USO Y ABUSO DE LA PALABRA ‘CULO’
EN MIS CANCIONES”
Entre el ruido de época y la ternura doméstica, retomó su camino solista con Mi año gótico: funk,
humor, sexo y experimentos con otros artistas. Y admite que la kuryakillamada está siempre lista.
POR EZEQUIEL RUIZ / FOTOS: AGUSTÍN DUSSERRE

C
uando aparece el título allana
el camino. Siempre hay una
frase que a uno lo sorprende, le gusta
y le da risa”, resume Emmanuel
Horvilleur el concepto de Mi año
gótico, tal como bautizó a su último
disco de estudio, editado en noviembre
pasado. Es el primer miércoles
de enero, cinco días después de
que cumpliera 51 años, y estamos
refugiados del calor porteño en Avesexua,
búnker creativo, sala de ensayo
y también estudio de fotografía
de Eduardo Dylan Martí, papá de
Emma y un histórico del rock argentino.
Desde que empezó su camino
solista allá por 2002, un año después
de la disolución de Illya Kuryaki
& The Valderramas, acá es donde
cocinó todos sus álbumes, casi siempre
con el mismo método: llegar sin
nada predeterminado y jugar con su
guitarra, con otros instrumentos y
también con bases programadas.
“No es un disco gótico por lo que
se entiende del término, que es mucho
más oscuro, industrial y alemán
(se ríe). Mi ‘gótico’ es más de cómic,
más Batman”, agrega y razona: “El
contexto del mundo, de guerras, de
poco entendimiento… Todo eso es
gótico, pero a la vez estoy en un yinyang
tremendo porque en mi vida
estoy viviendo un año mucho más
tierno”. Sin mencionarlo de manera
directa, se refiere a su renovada
paternidad: el 23 de mayo de 2023,
justo cuando había cerrado su disco
anterior Aqua di Emma y ya comenzaba
el proceso creativo del nuevo,
nació Marion, la hija que tuvo con
la bailarina Evangelina Bourbon. El
hecho, inevitablemente, condicionó
parte de las letras y el concepto del
trabajo.
La sensualidad, en cambio, sigue
allí. En estas diez canciones atravesadas
por una nueva nocturnidad,
situaciones domésticas, una Buenos
Aires en llamas y también incursiones
al apacible entorno rural de
Luján —a 75 kilómetros de la Ciudad
de Buenos Aires, donde tiene
una casa de campo en la que rodó el
audiovisual Pitada en 2021— conforman
una obra con título “de novela”,
guiada por el funk, el pop y el soul.
En todas figura como productor,
crédito que comparte con Cítrico,
Cachorro López y Martín Allende,
según la canción.
No es un disco de featurings, pero
se combinó con Fito Páez (en la
bossa-pop-homenaje “Caetano”),
Ale Sergi y Javiera Mena (“Santo
Domingo”) y Alex Anwandter (“Ya
es tarde”). “Desde Aqua di Emma
venimos trabajando en un abanico
de canciones muy grande. Es
una etapa de experimentación, de
investigar el resultado de mezclarme
con otros artistas. Incluso tengo
canciones grabadas con León Gieco
y Rubén Rada que aún no vieron la
luz”, revela. En esa línea, asegura que
“podría entregar un disco de canciones
nuevas mañana mismo si me
lo exigiesen, aunque en realidad me
gustaría hacer algo con mi hermano
Lucas Martí”.
“El tema con Alex dice: ‘Emma
tenemos un problema / Siempre hablamos
del mismo tema’. Hablar de
amor, de sexo, de soledad, del fin del
mundo que ya está acá... Hay tópicos
en mi música que se repiten, a esta
altura. Tengo muchos discos y hay
cosas de las que me gusta hablar. Y
también hay posturas que tomo para
hablar de eso. No me gusta ponerme
demasiado solemne. Siempre me
gusta reírme un poco, inclusive de
mí mismo”, dice Horvilleur.
¿Cómo hacés para no repetirte?
¿Qué varas te ponés disco a
disco?
No me asusta repetirme. Porque hay
ciertos terrenos en los que me siento
cómodo y me gustan. Me gusta
haber descubierto ciertos ingredientes
en esa cocina de la canción, los
uso y quedan bien. A veces, cuando
escucho artistas que con esos ingredientes
hacen algo nuevo... No te
digo que me da envidia, pero sí lo
admiro. De un tiempo para acá, por
lo menos la música que más me gusta,
tiene los mismos elementos. El
chiste está en la manera en la que los
usas, en la que vas resumiendo.
“NO ME ASUSTA REPETIRME:
HAY TERRENOS EN LOS QUE
ME SIENTO CÓMODO”
El sexo está muy presente entre
tus tópicos y, en este caso, se
vislumbra cómo tu nueva paternidad
atraviesa esta cuestión.
Sí, pero tampoco es un diario íntimo
mío, ¿no? Muchas veces escribo con
memoria emotiva, con historias que
me cuentan o cosas que se imagina
esta cabecita. Pero sí, el sexo siempre
fue un motor, tanto en las letras
como en lo musical. Hace un par
de días iba manejando y escuchaba
funk, música disco… No recuerdo
bien qué tema era, pero era algo
cuasi religioso y sexual al mismo
tiempo. Mucha de la música negra
que me gusta, de los años 60 y 70,
tiene esa cosa de reverencia, de lo
sagrado aunque no desde la óptica
religiosa, sino de veneración...
Con el cuerpo como templo,
quizás.
Claro, sí, de templo, de disfrute, de
placer y que también… ¡No se olviden
que todos somos hijos de una
relación sexual! Bueno, la mayoría:
ahora ni siquiera hace falta tener
sexo para tener hijos. Pero por lo
menos en la música, en lo rítmico
y en lo tribal también, el sexo sigue
siendo un motor para mi. Obviamente,
en esta etapa está adaptado a
una vida, tal vez, más de la cotidianidad
que juega juega su papel. Ahí
aparecieron canciones que hablan
desde ese lado. "Tu cara de culo" es
una.
“Tu cara de culo en la mañana
de hoy es inversamente proporcional
a tu culo en mi cara en la
noche de ayer”, cantás en ese
tema. Con unos amigos creemos
que perdiste una apuesta
y estuviste obligado a meter la
frase “inversamente proporcional”
en el estribillo.
(risas) Es falso, pero podría jugar
una apuesta de esas. No me molestaría
tener que poner alguna palabra
así. Sí hay cosas que no me gustaría
usar, modismos y cosas muy de esta
época. Por ejemplo, “cringe”. A mí
me da “vergüenza”, no “cringe”. Me
daría cringe decir “cringe”.
Entonces, “inversamente proporcional”
apareció.
Sí. El estribillo se lo canté a mi mujer,
directamente, así, literal. “Che,
esta cara de culo que tenés ahora en
la mañana, no es la misma que anoche.
¿Qué pasó? ¿Con quién soñaste?
Conmigo no” (risas). Fue así y nos
reímos. Y empecé a joder, a jugar. "Inversamente
proporcional" es la frase
que termina siendo el pegamento de
la canción. Yo ya dije "culo" en muchas
canciones, hice uso y abuso de
esa palabra. Creo que puedo llegar a
la decena de canciones, contando las
de IKV y las solistas. Pero bueno, es
una parte del cuerpo que siempre me
gustó. De chico, seguro que me daría
risa. Y de grande... Bueno, también
me causa gracia. Incluso, me han piropeado
por eso en la calle.
FEBRERO 2026 BILLBOARD.AR 15

¿Te llevás bien con el personaje
“Emma Horvilleur”?
Es una especie de traje que me pongo
de vez en cuando, que es divertido
y estoy de acuerdo con que el
escenario sea un lugar libre donde
pasan cosas. Me gusta subirme y
cantar “Tu cara de culo”, “Tu hermana”
u otros estribillos que fueron hechos
hace veinte años y que tienen el
humor de otras épocas. Llevándolo
a otra cosa más doméstica: la noche
del sábado sigue siendo una noche
de sábado para todos, inclusive. Y
a veces, en mi casa, jodiendo, digo:
“Son las 11 y media de la noche,
¿nos vamos a ir a dormir? Es noche
de sábado, mami”. “Bueno, yo me
voy a dormir, no sé vos”, me dicen. Y
yo, bueno… Me pongo cuatro o cinco
videos y me voy a dormir media
hora después (risas).
años, justo en un momento en el
que estaba muy fan de él, y terminé
en una mesa de Edelweiss después
de un show suyo. Yo estaba un poco
alejado de él, era una mesa grande,
y un colaborador de Caetano, en
un momento, le dijo: “Él es de Illya
Kuryaki”. Caetano me miró y me
dijo: "¿En serio? ¿Sos un Illya Kuryaki?".
Y yo por dentro: “¿Conoce a
Illya Kuryaki?”. No lo podía creer.
Eso me habilitó a sentarme más
cerca, para escucharlo y preguntarle
cosas. Fue una noche increíble. Esta
canción apareció y es un homenaje
medio de costado porque es como
una escena: Caetano tocándole un
tema a una chica y yo espiando la
situación. Cuando la tuve, sentí que
Fito era perfecto para acompañarme
en esa aventura.
¿Qué tipo de aventura atravesas
cada vez que encarás una
canción?
Siempre estoy luchando para que
lo que salga de uno tenga un poco
de todo: de magia, de humor, de
no pisar el palito de la demagogia,
de que me represente y que no me
importe el otro. Me parece que en
esta época las letras, a veces, pecan
de ser complacientes con los
bordes que se van planteando en
la sociedad. Esa cosa de lo que se
puede decir, de lo que no se puede
decir… Todo eso va en contra del
acto de escribir una canción o de
plasmar una idea. En definitiva,
lo que importa es sentirte libre,
como si fuese otra época, inclusive.
Y poder divertirte: “Tu cara
de culo”, que la escribí un poco
jodiendo, es de esas canciones que
dejan salir un costado mío que me
gusta. Trato de seguir en la mía,
con la música y con las letras y de
seguir buscando una voz. Aún sigo
buscando la canción que más me
represente.
¿Te das tiempo hoy para cosas
que por ahí antes no?
En la paternidad, sin dudas. Estoy
en la de disfrutar más conscientemente
los momentos con una
niña pequeña... Esta vez sí me
pasó que, en poco tiempo, sentí
que se pasó muy rápido. Pasa
muy rápido el tiempo de ser padre
de una bebé. Y en dos años,
ya tengo una niña que habla, que
dice cosas, te confronta y te pide.
Eso es increíble.
En la letra de “Santo Domingo”
hay algo de eso, de una transformación
en tus noches, ¿no?
Sí. Tiene bastantes lecturas. Cuando
la estábamos grabando con Ale (Sergi),
decíamos que era una canción
muy de resaca, de resacoso. Voy mucho
a Luján porque tengo una casa
y paso bastante por la Basílica, me
la quedo mirando. Y de esas visitas
a la Basílica, se me fueron metiendo
algunas cosas al disco. Toda esa
cosa medio religiosa, que me empata
con Rosalía pero más Acceso Oeste
(risas), se fue metiendo en la música.
Lo mismo ocurre con mis paseos
por Open Door, que se cuela en
"Manicomio".
¿Cómo se dio “Caetano”, tu
colaboración con Fito Páez?
Él estaba en España grabando un
disco. Tenía una semana libre y, en
ese lapso, metió no solo mi canción,
sino también otras colaboraciones
con otros artistas. De hecho, cuando
estábamos haciendo el tema con
Ale, Fito estaba cantando un tema
para Miranda! (“Igual a nadie”).
Aunque lo hayamos grabado a distancia,
para mí cerró una historia
en común con él: la primera vez que
me subí a un escenario con IKV
fue en 1990, en la presentación de
Tercer Mundo, disco de Fito. Y con
Dante cantamos "Fabrico cuero"
y "Solo los chicos". Ahí empezó
todo. También se trata de un guiño
a la música brasilera, que me gusta
mucho, y con toda la historia que
tengo con Caetano (Veloso). Tuve
la suerte de conocerlo hace unos
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“
EN MI VIDA ESTOY
VIVIENDO UN
AÑO MÁS TIERNO
QUE GÓTICO.

¿Con André lo viviste distinto?
Ya no me acuerdo tanto. El ya tiene
21 años. Yo sé que también era otro
Emmanuel.
¿Qué Emmanuel eras como
papá?
Y... yo me separé muy rápido de su
mamá (la actriz Celeste Cid). Entonces
se dio esa situación de padres separados,
de estar mucho y de pronto
no estar. Fuimos como nos salió ser
en ese momento. André decidía un
poco las cosas: "Yo quiero ir a lo de
mi papá y voy". Estaba bueno eso,
pero ahora mi relación con André
es otra. Encaramos algunas cosas de
trabajo juntos, compartimos proyectos…
Él hace fotografía y está estudiando
cine. A veces viene a las giras
y va documentando algo de eso.
¿Hay cosas que por ahí a André
se las permitías y a Marion no?
¿O al revés?
Cambió la información de ciertas
cosas en estos veinte años. Marion
es una niña “cero pantallas”. Todo el
tiempo está con libros. Y la música
está muy presente. Está bueno ser un
poco consciente de eso. Uno tendría
que dejar un poco la pantalla, también.
Cuando puedo lo hago. Pero a
la vez, también, me gusta meterme
a YouTube para ver tutoriales que
te enseñan a tocar el bajo de una
canción o la guitarra de otra. Eso me
gusta de esta época. Igual, a veces
terminás de hacer eso y al toque vas
a buscar el celular. Hay que alejarlo,
ponerlo en una caja. De hecho, mi
primer celular me lo compré cuando
me enteré de que iba a ser padre de
mi primer hijo. Había que tener un
celular por si pasaba cualquier cosa.
Antes de eso, dije mucho: “No quiero
tener celular”. Estaba bueno. Ahora
es una mierda.
¿Y a veces te sentís un boludo
que está mucho tiempo frente a
la pantalla?
Sí, me pasa. Y de pronto digo: “¿Qué
estoy viendo?”. Lo que no quiero es
que me tiren más información de
la que quiero. Algo de eso también
es parte de Mi año gótico. Esta cosa
de verse abrumado con la información.
Siento que antes era más fácil
identificarse con posturas políticas.
Ahora, cualquier cosa que uno dice,
es tergiversada. Después, te quedás
pensando: “¿Yo estoy bien o estoy
mal? ¿O qué?”. A veces digo: "Es mejor
quedarse callado". Y no porque
uno no tenga convicciones. Pero esa
discusión, ¿con quién se da? ¿Quién
es el otro que te está diciendo lo que
te está diciendo? Yo quiero verte a
vos y poder discutir cara a cara. Después,
es un terreno muy sinuoso en
el que cualquiera dice cualquier cosa
y no se termina de sacar algo limpio
de todo eso, que es lo peor. Es todo
ruido.
Al margen de las polarizaciones,
¿te afecta que las discusiones
están en ese nivel?
Yo podría decir: “Che, ¿cómo puede
ser que haya niños que estén revolviendo
la basura?”. Y alguien me
va a venir a decir que soy un zurdo
hijo de puta por decir eso. Está ese
tipo de locura. Se perdió el sentido
común, realmente. Si pudiésemos
recuperarlo un poco, algunas cosas
deberían ser para todos. No tendría
que haber una bandera que te diga
que un pibe no puede tener hambre
en un país como Argentina. Sin
embargo, vos decís eso y seguro que
alguien te va a responder: "No, porque
en realidad no es el hambre, sino
que...". Nada, punto a eso. No puede
ser que un pibe tenga hambre. Eso es
violencia. De ahí nace una violencia
que después hace que la gente se
“EL DISCO TIENE UNA
COSA RELIGIOSA QUE ME
EMPATA CON ROSALÍA,
PERO MÁS ACCESO OESTE”
compre puertas blindadas para que
no le roben. Si empezáramos por las
cosas más básicas, todo sería de otra
manera.
FEBRERO 2026 BILLBOARD.AR 19

UN ASUNTO LLAMADO IKV:
“SOMOS DOS NIÑOS CON BIGOTES
QUE VAN EN BICICLETAS VOLADORAS”
"Me gusta que se encienda
la kuryakillamada,
aparezcamos sobre el
escenario y nada más”,
dice Emma sobre este
momento de IKV.
FOTO IKV: MARIANO KAPLAN
Casi un año atrás, Emma y Dante Spinetta
se reagruparon como IKV después
de unas ocho temporadas sin tocar
juntos. Fue en el festival Buena Vibra
y tuvo el comienzo más fallido
en la historia del grupo: la intro de
“Expedición al Klama Hama” fue casi
instrumental, porque no se oían los
versos de Emma y Dante. “Nada iba a
ensuciar ni opacar esa noche. Nunca
tuvimos una técnica tan pro y minuciosa
como para ese show. Sin embargo,
se apagaban los mics. Pero nos los
cambiaron, arrancamos de nuevo y
fue increíble”, recuerda Emma.
En septiembre pasado dieron una
segunda función en el festival Cordillera,
de Colombia. Y en marzo
próximo retomarán las actividades
en cuatro festivales de América: Isle
of Light (República Dominicana),
Vive Latino (México), Cosquín Rock
(Uruguay) y Una Noche (Perú).
“Estoy re disfrutando del momento
en el que estamos como banda. Me
gusta esta cosa de no hablar mucho
como IKV, de no hacer notas, pero
que se encienda la kuryakillamada
y aparezcamos sobre el escenario. Y
nada más”, define Horvilleur.
De hecho también decidieron
no hacer más discos juntos,
¿verdad?
Sí, por ahora la idea es que no. Tanto
Dante como yo estamos cada uno
con discos nuevos. Pero encontrarnos
en los shows, me encanta. Me
gusta más esto que no tocar juntos.
Se armó con un seleccionado de músicos
increíbles: Matías Rada, Pablo
González, Carlos Salas, Francisco
Fattoruso, Alex Introini, Francisco
Azorai... Un bandón tremendo.
Se van a cumplir diez años de
La Humanidad o Nosotros, que
muy probablemente sea el último
disco de IKV. ¿Te gusta, tal
vez no tanto…?
A mí me gusta. Los dos discos de
estudio que hicimos al volver, Chances
(2012) y L.H.O.N., son buenos
trabajos con buenas canciones. De
hecho, algunas son parte del repertorio.
Tal vez más de Chances. Lo que
pasa es que ahora tenemos un show
de festival, que dura una hora y pico,
y la lista es acotada. Si tuviésemos
que hacer un show propio, creo que
entrarían bastantes de L.H.O.N., un
disco que tiene su onda. No nos metimos
más en el estudio con Dante.
No sé muy bien por qué. O sí sé...
Pero bueno, cada uno tiene una
personalidad que fue delineando
diferente. Tenemos muchas cosas en
común con Dante que son kuryaki,
pero como solistas somos bastante
distintos. Lo cual no quita que nos
podamos juntar. Ahora es esa.
¿Qué es lo que más te gusta de
los discos de Dante?
En los últimos años logró plasmar,
con mucha más certeza, lo que es él.
Siempre investigó y siempre es muy
inquieto en el estudio, me gusta que
lo siga alimentando. Se transformó
en un guitarrista único. Yo soy
muy fan de los guitarristas que hacen
solos, porque yo no sé hacerlos.
Entonces veo esa cosa de cuando
se prenden fuego y me encanta. Y
Dante, para mí, es de los mejores en
ese sentido. Es como un auto que va
de 0 a 100. Es muy funky y también
tiene una cosa muy romántica, cuasi
de bolero sangrado. En ese sentido,
somos diferentes: él tiene una cosa
más pasional y yo soy más mental,
a veces. Me gusta el momento en el
que está Dante. Y por eso también a
veces digo: "Bueno, me gustaría que
volvamos a juntarnos en pos de una
canción" (risas). Somos diferentes y
la unión de esas diferencias hace que
sea Illya Kuryaki.
Sin usar las palabras "hermandad",
"amistad" e "IKV", ¿cómo
describirías tu vínculo con Dante?
Somos dos niños que desde chicos ya
teníamos bigotes. Una vez con Dante,
éramos muy chicos, y dijimos de
hacer una banda. Estábamos en un
campo, tirados, mirando las estrellas.
Y dijimos: “Si nos va muy bien, nos
compramos una bicicleta cada uno”.
Y creo que seguimos siendo eso, un
poco, ¿no? Niños con bigotes que
van en bicicletas voladoras.
IKV IKV IKV IKV
FEBRERO 2026 BILLBOARD.AR 21

Peipper
“VACANCIONES’ ES 100% LAUTARO:
EN ESTE ÁLBUM NO FUI PEIPPER”
El cantante estrenó su nuevo trabajo, con situaciones reales, videoclips de
su vida diaria y 13 canciones para disfrutar el verano.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
Un poco sí, me acuerdo que desde que arranqué a
girar hace cuatro años debo haber pasado solo un
cumpleaños con mi familia, que encima es el 24 de
diciembre. En 2024 elegí quedarme, pero en 2025
lo pasé trabajando porque la verdad es que es algo
que me gusta mucho.
¿Cómo recibió el fan tu nuevo disco?
Lo recibieron muy bien. Está muy buena la energía
porque no es algo tan comercial. Tiene sus cosas,
pero hay muchos temas personales, traté de meter
todos los sentimientos. Quisimos armar una idea
de vivir unas vacaciones con amigos y plasmarlo
en un álbum, y eso es lo que terminó pasando. Las
trece canciones tienen su propio videoclip con la
historia de cómo íbamos de casa hasta Mar del Plata,
se van a sentir muy identificados.
¿Qué fue primero? ¿El viaje armado o el
concepto del álbum con videoclips mostrando
el camino?
El concepto fue primero y después agregamos ese
viaje en la ruta. Queríamos mostrarlo simple, sin lujos,
algo real. Por eso grabamos también con VHS,
que hay algunas imágenes grabadas por mí también,
súper personal todo. El disco era mostrar una parte
de mí y de mi historia, de la gente que me acompaña
desde cero. Fue 100% Lautaro, no Peipper.
“Motores” nos llevó directamente a Fast &
Furious.
Totalmente, era la idea. Cuando fui a hacer el
tema, me junté con Mica y Alan, los productores,
y les dije que quería hacer una canción de
película. Salió bastante rápido te digo, quedó muy
bueno. Igualmente, si bien con todos los temas
del álbum tengo una gran conexión, tengo dos
temas preferidos: “No Puedo Olvidarte” y “Picheo
Cream”, por el estilo del beat medio raro.
¿Que sean 13 tiene algo de especial?
Sabes que fue algo raro, porque empecé a ver el
13 en todos lados. Me subía a un avión, asiento
y pista 13; veo una serie, Apollo 13; investigaba
cualquier cosa, el 13 estaba ahí… Para el álbum
había hecho 20 canciones pero el equipo quiso reducirlas
así que tenían que ser 13 sí o sí. La gente
conoció 10 al principio y durante el verano voy a
estrenar las otras tres. Una de esas es con FMK,
un reggae que quedó tremendo, es un temón.
l 2025 fue un gran año para
Peipper con la consolidación de
E
“Si Las Gatas Se Amotinan”, junto
a Doble P, que superó los 100 millones de
reproducciones en YouTube. También hizo
colaboraciones con referentes como DJ Tao o
Roze y el estreno de su nuevo álbum de estudio,
Vacanciones. Compuesto de 13 canciones,
el disco trata de la vida cotidiana de Lautaro,
saliendo del personaje de Peipper y mostrando
un viaje de Buenos Aires a Mar del Plata
con sus amigos de toda la vida.
“Los videoclips son reales, grabamos tomas
con VHS y cámaras profesionales entre nosotros.
Son mis amigos que me acompañaron
desde cero”, compartió Lautaro en charla con
Billboard Argentina. Si bien el disco está
compuesto por 13 tracks, el público conoció
10 al principio y dejó tres sorpresas para
comienzos de 2026. “Una de esas tres es un
reggae con FMK, quedó increíble y ya quiero
que la escuchen”, dijo.
¿Cómo te trató el 2025, Peipper? Fue un
gran año para vos.
Fue un año de mucho trabajo, igual seguimos
en ello, se vienen cositas nuevas para este verano.
Estoy muy feliz porque estamos a pleno
ensayando todos los días para dar shows nuevos
y mucho más movidos.
¿Fue difícil dejar de lado celebraciones
y fiestas por tener que estar de gira o
tocando en algún lado?
¿Cómo nació Vacanciones?
Yo no tuve la idea la verdad, tengo que admitirlo.
Estábamos con Doble P y le comenté la idea de
este álbum, de las 13 canciones y todo el concepto,
y ahí me dice “ah, como vacaciones”... Y ahí quedó
todo listo. Tenemos una gran conexión con él,
generamos una linda amistad, que es algo difícil
a veces entre artistas. Habíamos roto todo con “Si
Las Gatas se Amotinan” y lo último fue “PUTE-
RÍA”, que también la rompió por todos lados.
¿Son de juntarse fuera del estudio a pasar
el rato?
Lo hemos hecho sí, lo que pasa es que ahora va
a ser papá y ya está en otra etapa de su vida. Nos
vemos cuando nos vemos y siempre tenemos la
mejor relación, es un crack.
FOTO: BILLBOARD ARGENTINA
22 BILLBOARD.AR
FEBRERO 2026

Carlos Sadness
“PERDER LA HUMILDAD
SERÍA UN GRAN ERROR”
El artista habló con Billboard
Argentina sobre su nueva creación y
cómo vive el proceso de cada obra.
POR KARIN LEIVA
C
arlos Sadness es conocido por su
capacidad para crear universos completos
que conectan música, ilustración
y literatura. Recientemente, lanzó su libro, El
Ruido De Las Estrellas. Ahora el artista expande
ese universo con el single homónimo que
acompaña la obra.
Esta nueva canción funciona como una extensión
del libro manteniendo su lenguaje íntimo y
confesional. En esta ocasión, Carlos se autoproduce,
así logra compartirnos y hacernos partícipes
de la obra, mediante diferentes texturas.
De este modo, Billboard Argentina habló con
Carlos sobre este universo, cómo crea y la importancia
de no perder su esencia
Lanzaste El ruido de las estrellas, que
nació como libro y ahora es canción. ¿En
qué momento sentiste que debías expandir
ese universo?
No lo pensé. Empecé a escribir el libro como un
proceso terapéutico, sin pensar en publicarlo.
Cuando ya tenía mucho escrito sobre creatividad,
pensé que podía servirle de acompañamiento
a alguien. No pretendía que fuera un hit.
Con una canción esperás que llegue a mucha
gente, pero un libro es distinto. Recibí un comentario
que decía que leer el libro era como
escuchar una de mis canciones, pero muy larga,
y sentí que esa parte expresiva se completaba.
Tanto el libro como la canción tienen un
tono íntimo y confesional. ¿Cómo vivís
esa exposición?
Yo creo que cuando uno acepta las cartas con
las que juega el arte, acepta eso. A veces el pudor
puede ser un tipo de censura también. A través
de la música encontrás la metáfora, la comparación,
das vueltas para llegar al mismo sitio.
A través de la escritura es más transparente y
explícito. Hay que enfrentar el pudor, aceptar
que el arte viene a hablar de tu punto de vista
del mundo.
Sos conocido por crear universos completos.
¿Cómo es tu proceso creativo?
No soy tan organizado, no puedo trabajar tan
matemáticamente. Siento que es la propia transparencia
del arte la que le da un concepto a todo
a medida que se va formando.
La idea principal de los discos la tengo cuando
los termino. Marcarlo como objetivo desde el
principio me resultaría más artesanal que artístico.
La creatividad no obedece al ponerse a trabajar.
Ganaste un Latin Grammy por diseño de
empaque. ¿Qué tan importante es lo visual
para cerrar una obra?
Si tenés la oportunidad de participar en la parte
musical y visual, todo eso ayuda a construir tu universo
y tu identidad. A mí me gusta ilustrar y diseñar,
y lo hago yo. No es por ego: puede estar mejor
o peor hecho, pero tiene mucha cohesión con el
contenido. Prefiero que no sea perfecto, pero que
esté muy conectado con lo demás.
Llevás una década construyendo tu carrera.
¿Qué cambió en estos diez años?
Principalmente, la industria. Después de la pandemia
cambió el consumo de la música, cuesta más
que la gente escuche un disco entero. Nos acostumbramos
a conocer canciones por fragmentos
en redes.
También la llegada de lo urbano como nuevo pop.
El ejercicio está en encontrar el equilibrio entre
acompañar lo nuevo y no disfrazarte de algo que
no sos.
¿Y a nivel personal?
Aprendí más cosas de la vida que de la música.
Gané seguridad y eso te hace creer más en tus ideas y
menos en imitar fórmulas que funcionaron. Eso te permite
apostar más por tu identidad.
Después de tantas giras y escenarios, ¿qué te
sigue emocionando como al principio?
Un concierto sigue teniendo la misma carga emotiva, y
tengo la suerte de descubrir ciudades nuevas donde no
he tocado y llegar y ver el lugar lleno de gente cantando
es algo que no se puede normalizar.
Por eso sigo yendo con la humildad de un artista que
busca crecer y descubrir. Siento que perder eso sería
un gran error.
En 2026 volvés a Vive Latino, un festival que
marcó tu historia. ¿Cómo se siente ese regreso?
Muy agradecido. Repetir esas experiencias te permite
saborearlas de verdad. Volver me apetece porque quiero
hacerlo creyendo que lo merezco como artista. Ahora
quiero disfrutarlo desde ese lugar, porque aprender
a merecer no es tan sencillo.
¿Por dónde recomendás entrar al universo de
Carlos Sadness?
Hay bastante variedad. En estos casos me gusta usar
“Física Moderna”. Creo que refleja bastante bien mi
identidad y mi sonido. A partir de ahí se puede entrar
y descubrir muchos matices y colores.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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recorrido como artista?
Bastante temprano. A los 25, 26 años tenía
bastante presión estando en el sello más popular
de nuestro género (Minus). Incluso dentro
del sello había que escalar en status y si bien
la competencia era sana, había que luchar un
poco con ciertas cosas como expectativas de
lanzamientos de discos, tocar especialmente
bien en fechas clave, etc. También porque ya
estaba afianzado en el circuito profesional pero
no dejaba de ser muy joven e inexperimentado.
El problema es que estando ahí tampoco se
puede mostrar debilidad porque te pasan por
arriba. En ese momento de mi vida empecé a
notar signos de estrés, ansiedad y cosas así.
Barem: historia, presente
y nuevo lanzamiento
El dj revisita su recorrido artístico, habla del impacto emocional de la
vida en la música electrónica y presenta nueva música como parte del
compilado A10.
A
rranqué a los 17 años e inicialmente
fue más por socializar que por
otra cosa. Yo tocaba la guitarra, era
muy fan del rock de los 60s y 70s, y salvo para
ir a ver bandas no salía mucho, por lo que
me costaba un poco socializar”, rememora
Mauricio Barembuem, más conocido por su
alias de dj Barem, en diálogo con Billboard
Argentina.
“Como casi todos empecé por ir a lugares
donde la música era bastante comercial, pero
dentro de todo había un poco de Daft Punk
y esas cosas que me empezaron a gustar”, recuerda
sobre sus primeros contactos con la
pista. Luego empezó a sumar incursiones a
Pachá (“Que estaba en la época dorada del
progressive”) y empezó a descubrir nombres
como Carlos Alfonsín, Cristóbal Paz y Simbad
que le fueron moldeando el gusto y los
oídos.
Después de un tiempo sin lanzar música,
volverá a editar un track dentro del compilado
A10, que celebra la primera década de
Artlab, la sala porteña que cruza música, arte
y tecnología. En la misma línea, será parte de
la fecha de La Nube el próximo 7 de febrero,
junto con Solimano, Jorge Savoretti y Charec.
Con estas excusas a mano, repasamos un
poco de su historia.
POR EZEQUIEL RUIZ
Tu vínculo con Richie Hawtin fue clave
en una etapa muy formativa de tu carrera.
¿Cómo se conocieron y qué significó
trabajar junto a él?
Nos conocimos en Buenos Aires a partir de
que él empezó a poner un track mío en 2005
(“Suki”). Y me enteré en vivo escuchándolo,
porque antes si no lo veías en vivo no te enterabas
de casi nada. No existía ni YouTube, todavía.
Para mí fue un aval enorme que alguien
como él validara mi trabajo, primero porque
era mi ídolo principal junto con Ricardo Villalobos
y Josh Wink. En ese momento, yo aún
no veía lo que hacía como algo muy profesional,
sino más una actividad de exploración y si
se quiere algo lúdico. Fue un momento clave
para mí porque desde ese día hice el click de
que la música que estaba haciendo ya había
cruzado el umbral del profesionalismo. Y no
solo eso, sino que uno de mis tracks había llegado
a lo más alto de la escena a la que apuntaba
llegar. Ese hecho fue un boom de confianza,
un empujón para tomármelo más en serio.
La música electrónica suele asociarse a
fiesta, energía y éxito, pero pocas veces
se habla del costo emocional. ¿Cuándo
empezaste a tomar conciencia de la
importancia de la salud mental en tu
¿Sentís que durante muchos años hubo
una especie de silencio o negación sobre
estos temas dentro de la escena electrónica?
Puede ser, aunque creo que en general antes
se hablaba mucho menos de esas cosas en la
sociedad. A mí por ejemplo nunca me dio
vergüenza hablar de eso ni contarlo, pero
siempre me llamó la atención la cantidad de
compañeros de profesión que al contárselos
me decían que a ellos les pasaba lo mismo.
Me refiero a que solo lo contaban si alguien
más se los contaba primero. Eso por un lado
me generó la tranquilidad de que mi caso no
era tan raro pero a la vez la certeza de que pasaba
muchísimo más de lo que yo veía en mi
entorno y se callaba.
En tu experiencia, ¿qué factores del
circuito resultan más desafiantes a nivel
mental?
Es el conjunto de todo, pero claramente las
giras son el factor más desestabilizador porque
se suma dormir poco, cambiar de husos
horarios, comer en horarios diferentes, muchas
veces apilar más fechas de lo común
para sacarle más rédito a un viaje largo y
esas cosas. El calendario es muy traicionero
porque mucha de la planificación se hace en
momentos de calma y después cuando te querés
acordar mirás la planilla y no tenés un fin
de semana libre en los próximos 8 meses. Eso
te da vértigo y una vez que te comprometiste
no podés no ir. Obviamente si te pasa eso es
que tu carrera va muy bien y se ve bien desde
afuera, por lo que es difícil salir de esa vorágine.
Si bajás el ritmo se percibe como que
perdiste peso porque fuera de tu entorno de
trabajo casi nadie sabe las razones.
Desde qué lugar creativo nace el track
que aparecerá en el compilado A10?
Quería intentar hacer lo que hago siempre,
que es entablar un vínculo con mis discos de
antes pero mirar para adelante y usar elementos
o estructuras más modernas. Creo que es
importante combinar cosas propias de tu historia
con cosas que te llaman la atención en el
presente porque es una manera de evolucionar
sin darle la espalda al recorrido. Pero es lo
primero que saco en años. Estoy con ganas de
volver a hacer música regularmente y ver para
donde me lleva.
FOTO: GCORBATTA
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Laboratorio
Creativo de
Arte y Tecnología
Abuaf ---- Ale Ros ---- Ana helder > MARIA ---- BECERRA Andrés Mayo
Argenis Brito ---- Ariel Rodz “No ---- dejo Barem que
Carlos Alfonsin ---- Charec ---- me Chicos pueda la Crema
Chinwezz ---- CLONAN presión, eso
Colau & Valentino Calcagno me ---- hace Cufa única” & Zalo
Dana Ruh ---- Dee Jason ---- Delsin La cantante ---- presentó Diego el desembarco Frenkel
de la marca XTI en nuestro país.
DJ Karen ---- Dobao ---- Ekathe ---- ETTA!
Por Julián Mastrángelo
Fatoduo ---- Franz Scala ---- Gillespi & Alvaro Torres
Giuliano Lomonte ---- Guile ---- Gustavo Abril
Harari ---- Heidi Jalkh & Nadya Suvorova ---- Janeret
Jorge Savoretti ---- Juan Campodónico ---- Juna
Julián Tenembaum ---- Klauss ---- LePablot
Light Blue File ---- Loïc ---- Loló Gasparini
Lucas Gutierrez ---- MissLupe ---- Maca viva
Manu Barcelo ---- Martín Muscatello
Matías Aguayo ---- Miguel Silver ---- Mike Shannon
Nebula Estudio ---- Panda ---- Pato Mallet
Pablo Schanton ---- Pripi ---- Proyecto Gomez Casa
Ric Piccolo ---- Ronan ---- San Valentin
Santi Cichelli ---- SloT ---- Solimano
Stefan Goldmann ---- Steffi x Virginia
Valence ---- VJ Gativideo
ENERO / FEBRERO / MARZO / ABRIL / 2026
Roseti 93 - Buenos Aires artlabpro.net @artlabpro
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MHTRESUNO:
EL VIAJE A SANTO DOMINGO
QUE LE CAMBIÓ LA VIDA
El cantante estrenó un álbum cargado de sentimiento,
representación y raíces dominicanas.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
htresuno estrenó a
fines de 2025 su segundo
M
álbum de estudio, Santo
Domingo. En propias palabras, es el
“trabajo más profundo de mi carrera”,
y no es para menos. Con 13 canciones
que nacen de un viaje físico
a la capital de República Dominicana,
el artista surgido de la Villa 31
dio un salto enorme en su carrera,
reflejando un viaje aspiracional que
marca su camino para llegar a nuevos
horizontes.
Santo Domingo es un disco atravesado
por una continua búsqueda de
explorar nuevos géneros, y especialmente
por honrar su historia en el
barrio, un punto que encontró en
común con su destino de viaje. “Me
sentí muy identificado a lo largo de
toda la experiencia, sentí que se sentían
orgullosos del trabajo que estaba
haciendo”, compartió en charla con
Billboard Argentina.
Felicidades por el álbum, estás
viviendo una gran época, ¿verdad?
Es increíble todo lo que venimos trabajando.
Fue un gran esfuerzo pero
realmente vale la pena, estamos muy
contentos.
Vimos que en Santo Domingo tu
casa era el 31, ¿fue a propósito o
casualidad?
No fue a propósito, de hecho para mí
fue algo muy chocante. El viajar hasta
allá, alquilar una casa y darnos cuenta
que era la Villa 31, por cómo le dicen
a las casas quinta en República Dominicana.
Eso fue muy loco porque
no sé si fue un chiste de mi equipo o
una señal divina que me muestra que
estoy haciendo lo correcto.
¿Crees en el destino?
Totalmente, 100%. Igualmente creo
que uno se va forjando también su
camino y puede desafiar de alguna
manera ese destino.
¿Cómo nace este álbum?
Surgió por la primera vez que fui a
República Dominicana, donde mi
equipo me llevó para conocer las raíces
del dembow, un género que tanto
me dio. Se dio la oportunidad de
conocerlo y ahí se abrieron muchas
puertas e ideas para crear algo realmente
puro, con productores de allá
y con videoclips hechos ahí, en sus
calles y en sus playas.
Ese viaje me permitió conocer la cultura
por completo, hizo que entendiera
muchas cosas y que pudiera llevar
mis producciones a otro nivel.
Para aprender un idioma dicen
que lo mejor es hacerlo en el
país de origen, ¿notaste que con
la música pasa algo parecido?
La verdad es que sí. Estar ahí hace
que podamos conocer de dónde viene
y por qué hacen lo que hacen. De alguna
manera siempre intenté rendirles
tributo porque estoy estudiando
su música y sus sonidos. Ir para allá
me dio conocimiento y sentimientos
que voy a llevar conmigo siempre en
el corazón.
¿Te recibieron bien?
Sí, fue hermoso, son muy cálidos. Al
principio te miden un poco para ver
si lo que estás haciendo es a modo de
burla o porque de verdad estás nutriéndote
del sonido. Cuando me conocieron
se dieron cuenta que me estaba
tomando todo muy en serio, por
lo que fue todo muy productivo, de a
poquito me fui ganando el cariño y el
respeto de todos los que estaban ahí.
¿Qué fue lo que más disfrutaste
de ese tiempo en Dominicana?
La alegría que maneja la gente, lo
fuerte que escuchan la música y lo
arriba que están siempre. Es algo que
me sorprendió para bien porque me
sentí muy identificado, en la villa se
escucha música de la misma manera
y me sentí como en casa de alguna
manera.
¿En algún momento se te pasó
por la cabeza dejar de hacer
dembow?
Un poco la industria te impone, además
no puedo ser ajeno a lo que hacen
los demás a mi alrededor. En mi
caso aprendí a no mirar el camino de
los demás… Quería trabajar siendo
fiel a lo que me gusta y lo que represento,
pero te mentiría si te digo que
nunca lo pensé.
Estrenaste el álbum con un
evento con colegas, amigos y
otros artistas.
Fue muy lindo porque yo tenía expectativas
de ese estreno. Fue hermoso
ver gente de la industria, amigos, colegas…
Sentí que me devolvieron un
poco de todo el amor que le puse al
disco. Noté que todos estaban contentos
por cómo resultó el disco.
¿Hubo alguna canción que te
haya sorprendido el resultado?
La que más siento es “Lágrimas Negras”
pero la que mayor reacción tuvo
fue “El Paraíso de Los Malos”, creo
que la gente vio por completo el color
distinto que tiene esa canción con
respecto al resto del disco. Después
también noté que les gustó mucho
“Mi Reina”, me sorprendió cómo la
recibieron.
¿Hay favorita de tu parte?
Después de esas dos, me gustan mucho
“Rubiecita” y “Maldición”, tienen
algo muy loco.
FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA
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A$AP Rocky
presenta su nuevo disco
DON'T BE DUMB
Después de los adelantos con
"HELICOPTER$" y "Punk Rocky" el
rapero editó su cuarto álbum de estudio.
FOTO/S: RCA
l artista multifacético, empresario,
actor e icono de la moda A$AP
E
Rocky lanzó su esperado cuarto álbum
de estudio, DON'T BE DUMB, a través de A$AP
Worldwide/RCA Records. Se trata del primer disco
de Rocky en 8 años, generando una demanda
global sin precedentes entre los fans, con el álbum
superando los 130.000 vinilos vendidos antes de
la fecha de lanzamiento.
DON'T BE DUMB cuenta con una lista extensa
de colaboradores, incluyendo a BossMan Dlow,
Brent Faiyaz, Danny Elfman, Doechii, Gorillaz,
Jon Batiste, Jessica Pratt, Slay Squad, Thundercat,
Tyler, The Creator, Westside Gunn y
will.i.am. Danny Elfman y Thundercat también
aparecieron en el videoclip de "Punk Rocky",
como miembros de la banda junto a un elenco de
personajes.
En colaboración con el galardonado Tim Burton,
la portada de DON'T BE DUMB muestra seis
de las personalidades emblemáticas de Rocky,
que tomaron vida con el inconfundible estilo del
visionario cineasta. Cada personaje del conjunto
de seis miembros ofrece una ventana a momentos
inolvidables a lo largo de la ilustre carrera
de Rocky. La lista de alter egos incluye a GR1M,
MR. MAYERS, RUGAHAND, BABUSHKA BOI,
DUMMY y SHIRTHEAD, preparando el terreno
para el universo narrativo en constante evolución
de DON'T BE DUMB.
Rocky se ha asociado tanto con Quince como
con Bilt para vinilos exclusivos de DON'T BE
DUMB, que sirven como extensión de las colaboraciones
innovadoras que Rocky ha creado a lo
largo del lanzamiento del álbum. Más que simples
discos, las colecciones se erigen como encarnaciones
físicas del universo del trabajo: minimalistas,
disruptivas e intencionadamente atemporales,
difuminando la línea entre música, diseño y
artefacto cultural.
Las dos canciones previas al álbum, "Punk Rocky"
y "Helicopter", habían generado un enorme
hype por DON'T BE DUMB. "Punk Rocky" fue
aclamado por Variety como un "nuevo estándar
en humor y surrealismo" para Rocky. Y Rolling
Stone afirmó que "el álbum que se publicará pronto
se está perfilando como uno de los más creativos
de Rocky hasta la fecha”.
Este álbum llega tras un año enorme para Rocky,
en el que fue copresidente de la Met Gala 2025;
protagonizó dos largometrajes producidos por A24
—Highest 2 Lows, dirigida por Spike Lee, y la ganadora
del Globo de Oro If I Had Legs I'd Kick You,
dirigida por Mary Bronstein; fue anunciado como
director creativo de Ray-Ban; y también fue nombrado
nuevo embajador de la casa Chanel.
VOLUMEN 1
1_ORDER OF PROTEC-
TION
2_HELICOPTER
3_INTERROGATION (SKIT)
4_STOLE YA FLOW
5_STAY HERE 4 LIFE
6_PLAYA
7_NO TRESPASSING
8_STOP SNITCHING
9_STFU
10_PUNK ROCKY
11_AIR FORCE (BLACK
DEMARCO)
TRACKLIST DE DON’T BE DUMB//
12_WHISKEY
(RELEASE ME)
13_ROBBERY
14_DON’T BE
DUMB / TRIP
BABY
15_THE END
VOLUMEN 2
1_SWAT TEAM
2_FISH N STEAK
(WHAT IT IS)
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KENIA OS
inicia su nueva era K de Karma con el estreno
de “Belladona”
Con este primer single, la popstar mexicana activó el pre-save de su álbum, a editarse próximamente.
L
abios rojos sobre pieles Tras el
gran recibimiento del anuncio de K de
Karma en Reels de Instagram —que
actualmente suma 20M de visualizaciones—, Kenia
OS continúa revelando una serie de sorpresas
exclusivas para su audiencia. La popstar mexicana
inicia oficialmente su tan esperada nueva
era con el lanzamiento de “Belladona” , el primer
sencillo de su próximo álbum K de Karma.
Luego de un año y medio de expectativa, K
de Karma presentará a la cantante en su etapa
más madura, audaz y sofisticada hasta la fecha.
“Belladona” representa una declaración artística
contundente, combinando música y visuales en
un mundo inspirado en el teatro y el cine. La
canción narra la historia de una femme fatale
que toma el control del amor y afronta sus consecuencias.
El tema fue compuesto por Kenia
OS en colaboración con Matthew Rey, Ismael
Cano Jr., Mechi Pieretti y Michael Rincón.
La producción del video requirió más de
12 horas continuas de grabación, recreando
todas las eras anteriores de Kenia OS con los
looks originales de Cambios de Luna, K23 y
Pink Aura, sus álbumes pasados.
El anuncio del nuevo disco también fue
destacado en un revelado en redes sociales
junto a la creadora de contenido Doris Jocelyn,
amplificando aún más la emoción de
la audiencia.
El lanzamiento de la canción coincide con
la apertura del pre-save de K de Karma. La
cuenta regresiva de esta activación cuenta
con una novedosa dinámica donde los
seguidores son el centro de la historia. Y es
que, desde el primer momento, el tracklist
será revelado exclusivamente para aquellos que tengan el
álbum pre-guardado.
En las semanas previas al lanzamiento del álbum, la
mexicana continuará revelando una serie de sorpresas
exclusivas para su audiencia. K de Karma estará disponible
próximamente.
Los álbumes de Kenia OS no solo representan un
avance en su carrera musical, sino que también marcan
tendencias, inspiran a su audiencia e influyen en la
moda. Durante el lanzamiento de Pink Aura, la artista
presentó el álbum en vivo a través del docu-concierto
Kenia OS: LA OG, que debutó como número uno en
taquilla el día del estreno, se colocó segundo durante el
primer fin de semana, y sigue siendo el docu-concierto
mexicano más visto en la historia.
A medida que Kenia OS entra en esta nueva era, se esperan
nuevos anuncios y contenidos que continuarán sorprendiendo
e involucrando a sus fans en todo el mundo.
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Gonna Go consolida su
expansión federal con
festivales propios y una
agenda en pleno crecimiento
Tras un 2025 exitoso, la
productora proyecta un año
con fechas internacionales,
una nueva edición de Rock en
Baradero y una agenda activa
en dos espacios emblemáticos
de La Plata: el Hipódromo y el
Teatro Ópera.
E
l inicio de 2026 encuentra
a Gonna Go en plena proyección,
luego de un año que dejó
hitos culturales, ciclos consolidados y
una presencia sostenida en los principales
escenarios del país y del exterior.
Con una identidad ya definida
—basada en la producción integral, la
curaduría artística y la puesta en valor
de diversas salas—, el nuevo calendario
comienza apoyado en un 2025 de
enorme intensidad, donde la música
en vivo se desplegó como experiencia
cultural, social y territorial.
Entre los grandes ejes del año pasado
se destacó la consolidación de
Noches Capitales, el ciclo que transformó
al Hipódromo de La Plata en
una sala a cielo abierto y lo posicionó
como uno de los escenarios más
relevantes del circuito nacional. Los
Fabulosos Cadillacs, YSY A, Los
Auténticos Decadentes, Abel Pintos,
Peces Raros, Miranda!, Andrés Calamaro,
Guasones y Wos animaron las
jornadas.
El 73° aniversario del Teatro Ópera
La Plata fue otro de los grandes
hitos del 2025, celebrando la historia
y la vigencia de una de las salas más
emblemáticas del país. A lo largo de
noviembre y diciembre, se presentaron
Conociendo Rusia, Las Pelotas,
Cadena Perpetua, Piti Fernández,
Molotov, Catupecu Machu, La Delio
Valdez y Kevin Johansen, más un
cierre destacado con dos noches de El
Mató a un Policía Motorizado.
Además, la actividad se desplegó
de manera sostenida en salas clave de
la Provincia de Buenos Aires y la Capital
Federal, con una programación
constante en espacios como sala Roxy
en CABA, XLR Club en San Miguel y
Club RE en Quilmes, que concentraron
una intensa agenda de shows de
diversos géneros, regresos esperados y
apuestas por nuevos talentos. Trabajo
que se complementó con una fuerte
dinámica de giras y cruces internacionales,
llevando eventos de la productora
a distintos escenarios del país y
del exterior.
Este entramado de ciclos propios,
salas activas y tours no solo definió
el pulso de 2025, sino que funciona
hoy como base sólida para un nuevo
año de expansión. Con experiencia
acumulada, profesionales de alto
nivel y una visión clara sobre su rol y
desafío en la industria de la música,
Gonna Go inicia 2026 capitalizando
lo construido y proyectando nuevos
horizontes.
Agenda internacional
Gonna Go refuerza su proyección
internacional con anuncios de alto
impacto que conectan la escena local
con los principales circuitos globales.
Uno de los hitos será el regreso de
The Cardigans, que se presentarán el
12 de febrero en el Teatro Coliseo de
Buenos Aires.
En ese mismo eje de proyección internacional
se inscribe el crecimiento
de Peces Raros, que inicia 2026 con
una fuerte presencia en festivales y
escenarios de escala global: ya fueron
parte del show de Artbat en Mute
Mar del Plata en enero y en el mismo
fin de semana de febrero serán
parte de los festivales Cosquín Rock
y Ultra Buenos Aires. En abril darán
el presente en Rock en Baradero. Y
seguirán con su recorrido con presentaciones
en el Electric Daisy Carnival
(Ciudad de México), en el festival Pa’l
Norte (Monterrey) y como opening
act de Rüfüs Du Sol en parte de su
gira latinoamericana, consolidando
un camino que los posiciona como
uno de los proyectos argentinos con
mayor proyección internacional.
Hipódromo de La Plata:
nuevas fechas confirmadas
El 28 de febrero será el turno de Don
Osvaldo con un show que promete
convocatoria masiva y liturgia rockera
en estado puro. Y el 18 de abril
llegará El Kuelgue, con su universo
festivo, ecléctico y magnético, en una
noche que combina groove, humor
y una puesta en escena que ya es
marca registrada. Dos fechas que
amplían el mapa de acción de la productora
y refuerzan su presencia en
los grandes formatos urbanos.
Rock en Baradero
El festival celebrará su edición número
11 los días 3 y 4 de abril en el
Anfiteatro Municipal de Baradero.
Consolidado como uno de los encuentros
de rock más importantes
del país, vuelve a reunir a distintas
generaciones bajo una misma bandera:
la música en vivo como ritual
colectivo. La grilla ya confirmada
propone un cruce potente de estilos
y trayectorias, con nombres fundamentales
del rock argentino como
Babasonicos, Rata Blanca, Las Pelotas,
El Mató a un Policía Motorizado,
Catupecu Machu, El Kuelgue,
La Vela Puerca, Guasones y Peces
Raros, entre muchos otros. Con opciones
de financiación accesibles y
una propuesta integral que combina
música, territorio y experiencia,
Baradero volverá a convertirse en la
ya consagrada “República del Rock”,
recibiendo a miles de personas de
todo el país.
El Teatro Ópera La Plata:
primeras fechas confirmadas
Luego de un año atravesado por
celebraciones históricas y una actividad
constante, el teatro abre el nuevo
calendario con las primeras fechas
confirmadas, lo que anticipa un año
de programación diversa y sostenida:
La Portuaria (7 de marzo), Turf
(14/3), Bersuit Vergarabat (20/3) y
Zoe Gotusso (8 de mayo).
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Marilina Ross regresa con Canciones dedicadas
A 15 años de su último álbum, la cantante presenta este trabajo junto a Lito Vitale.
ras quince años desde su
T último lanzamiento discográfico
(el dvd Por Arte de Magia,
lanzado en 2010), Marilina Ross
vuelve de la mano de Sandra Mihanovich
a los estudios y a las plataformas
con un material profundamente
íntimo y emotivo.
Canciones Dedicadas es un EP
(extended play o mini álbum) conformado
por cinco piezas originales,
compuestas e interpretadas por
la artista, con la producción musical
y piano de Lito Vitale, en una colaboración
que potencia la sensibilidad
y la profundidad de cada obra.
Este nuevo trabajo representa una
reaparición artística tan esperada
como coherente con la trayectoria
de Marilina: un disco donde cada
canción es un puente afectivo, una
historia personal abierta al oído del
público, una ofrenda musical que
recupera vivencias, amistades, admiraciones
y despedidas.
Con producción y arreglos de Vitale
(con la colaboración de Ave Fenix
Música), este álbum es un compendio
de flautas, saxos, clarinetes,
cellos, violines, entre otros instrumentos,
puestos a disposición de una
obra encantadora. La foto del arte de
tapa es de Gabriel Machado.
“Todo este disco está dedicado a
Sandra Mihanovich, quien siempre
está al comienzo y al final de todos
mis proyectos”, dijo Marilina.
Un regreso esperado
Canciones Dedicadas marca la
gran reaparición discográfica de
Marilina Ross y destaca la vigencia
artística de una creadora fundamental
de la música popular
argentina.
La sensibilidad de su escritura y la
interpretación junto a Lito Vitale dan
como resultado un álbum que dialoga
con el pasado, el presente y la identidad
emocional de la artista.
LAS CINCO CANCIONES Y SUS DEDICATORIAS
“LOLA MORA”
“Me llegan los capítulos
de una posible
serie para las plataformas
sobre la vida
de Lola Mora, donde
yo la personificaría
en sus últimos
años. La autora de
los guiones, María
de las Mercedes
Hernando, quería
una canción para los
títulos y yo cumplí.
Me conmovió tanto
que le dediqué este
tema”, cuenta Ross
sobre esta mirada
sensible sobre la
histórica escultora
argentina.
“QUIÉN ME IBA A
DECIR A MÍ”
“A Patricia,
compañera
entrañable y
amorosa desde
hace más de 20
años, de este tercer
acto de mi vida”,
cuenta sobre este
tema que celebra
el amor maduro,
la complicidad
cotidiana y la
gratitud hacia
el compartir.
Una declaración
luminosa y sincera
dedicada a su
compañera en este
tramo vital.
“NORMA DE VIDA”
Un homenaje
espontáneo y
admirado a Norma
Aleandro, detonada
por uno de los
momentos más
emblemáticos del
cine argentino. La
canción rescata
la conmoción de
ese instante y la
transforma en música.
“Estaba mirando la
entrega de los Oscars
donde Norma lee
La historia oficial,
premiada. Apagué la
TV y compuse de un
tirón esta canción”,
revela Marilina.
“NUESTRA ZAMBA”
Un cruce de amistades, memorias
y raíces folclóricas. Esta nueva
zamba reúne a Marilina con Julia
Zenko y Sandra Mihanovich en
un abrazo musical que conecta
pasado y presente creativo. “Un
día Zenko me comenta que iba
a hacer un disco de folclore, y
me pregunta si yo me animaba.
Recordé entonces que lo primero
que compuse fue una zamba,
‘Chiquitito y a lo lejos’, ¡que nadie
escuchó nunca! ¡Ni el protagonista!
Y compuse nuevamente otra
zamba, para ser cantada por una
mujer mientras mira cómo la bailan
a su lado… Me di el lujo de cantar
con mi gran amiga Sandra, alma
emprendedora de todo este disco”,
resume la autora.
“A MAMÁ”
Una despedida íntima y conmovedora
que convierte el
recuerdo materno en música
pura. El violín, sugerido por
Marilina, se vuelve protagonista
emocional del cierre del
disco. “Los últimos años de mi
madre los pasamos juntas en
mi casa. Y el final fue en mis
brazos… A punto de tomar la
sopa. Quise que se llevara con
ella el solo de un violín con el
que ella soñaba desde chica
y nunca pudo estudiar… Lito
Vitale captó muy bien la idea
y quedó así, no hacen falta
más palabras”, dice sobre esta
emotiva pieza.
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FEBRERO 2026 35

Pedro Colmeiro
¿Cuál es el rol que cumples principalmente
hoy en día?
Actualmente te diría director audiovisual, es
un rol que me costó aceptar porque siempre
me gustó más la producción y el rol de productor.
Además, cómo es algo que vengo haciendo
hace tanto tiempo y me gusta tanto, no me
adapto al título, es algo natural para mí. Yo
arranqué como filmmaker… Es más de esa
escuela.
¿Qué entra dentro de ese rol de director?
Mi tarea es muy variada, pero mucho va desde
la primera bajada del artista. Por ejemplo,
Sebastián Yatra venía y decía: “Tengo esto,
quiero que salga así”, y ahí empieza mi trabajo
de saber cómo bajarlo a tierra. A partir de ahí
empiezo a liderar y también darle seguimiento
a las cosas, soy alguien muy exigente por ese
lado también. Solté mucho la cámara y la edición,
porque hay mucho desgaste.
La dirección detrás de los videos
más exitosos de Bizarrap
El director cuenta cómo es el trabajo del filmmaker hoy en día y qué es lo necesario
para producir una gran obra audiovisual.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
E
l rol del filmmaker y director de fotografía
siempre fue importante en la
industria musical. Con los videoclips y visualizers
tomando más y más protagonismo,
cada vez más jóvenes decidieron volcarse por
completo a esta profesión. Pedro Colmeiro
es un claro ejemplo de que con una cámara y
visión se puede llegar muy lejos.
Su camino empezó por fuera de la música. En
2019 recibió el llamado de la Asociación del
Fútbol Argentino para ejercer como creador
de contenido audiovisual para la Selección
Argentina, rol que lo llevó a viajar con
el equipo alrededor del mundo y conocer
de primera mano a jugadores como Lionel
Messi. “En ese momento tenía un ritmo de
trabajo que era una locura. Viajaba con ellos,
grababa los entrenamientos, editaba cuando
llegaba al hotel y de vuelta a empezar. Ese fue
el comienzo de todo esto”, dijo en charla con
Billboard Argentina.
Un tiempo más tarde llegaría la conexión con
la música: “A través de un amigo en común
conocí a Gonza (Bizarrap) y poco a poco
empecé a trabajar con él y su equipo. Hoy ya
puedo decir que grabé más de 20 sessions”,
dijo. Dentro de todas estas producciones hay
varias que se destacan, no solamente por su
repercusión, sino también por la manera en
cómo fueron grabadas y editadas. “Tengo que
decir que mi favorita es la Quevedo, por todo
lo que conllevó. Fue un récord global, número
uno… Explotó todo”.
Sin embargo, todo éxito trae un sacrificio,
sobre todo en una industria cuando los tiempos
apremian. A lo largo de esta conversación,
Pedro reveló lo mejor y lo peor de ser
director de proyectos tan grandes.
¿Hoy en día necesitas seguir haciendo
todo por tu cuenta o confías más en tu
equipo?
Sin mi equipo no podría hacerlo, seguro. Tuve
una crisis hace un tiempo porque no sabía
cómo organizar el equipo. Si uno está solo
llega un punto que ya no das más. Me gusta
rodearme de gente que es muy buena y que sus
equipos funcionen. Se logra una energía muy
buena a la hora de trabajar. Ahora tenemos un
equipo enorme en la oficina con el que tenemos
una enorme confianza, y eso es lo mejor.
El 2025 fue un año de muchos proyectos,
¿pudiste manejar todo bien?
La verdad que fue uno de los años en los que
más trabajo tuve, sin duda. Estuvimos con el
documental de Emilia y había noches en las
que ya no sabía qué día era, qué hora era…
Tuve que tomarme un momento para pensar
y ver cómo podía llegar a cumplir todo sin
sacrificar mi vida. Es importante dormir bien,
entrenar si a uno le gusta… Ahora estoy en
ese punto donde la organización es lo más importante,
la planificación de los roles para que
justamente podamos tener una vida más allá
de los videos y las producciones.
¿Hay algún momento en estos años que
no te olvidás más?
Tengo uno en la cabeza que es cuando grabamos
la session de Shakira. Fueron muchas
horas de grabación y muchos efectos en edición,
fue un trabajo gigante. Contando la pre
producción habrán sido 20 horas seguidas. Me
acuerdo que llegué a casa para bajar los archivos
y no los encontraba… Enchufé la cámara
y me decía que estaba vacía. Casi me da un
infarto: ¿cómo le decía a Shakira y a Bizarrap
que me falta una toma? Finalmente, descubrimos
que uno de los chicos había guardado las
tarjetas en el estudio y las encontramos, pero
fueron momentos realmente muy tensos.
FOTO/S: BILLBOARD ARGENTINA
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FEBRERO 2026

// Billboard Stage x Postales BA
Una multitud
disfrutó de las
canciones de Luz
Gaggi en Calle
Corrientes
Con la producción de Billboard Argentina, el ciclo es parte de la agenda de Verano
en Buenos Aires, a través de la cual la ciudad se transforma en un escenario abierto
para la industria.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
FOTO/S: @POPIIFT
L
a Calle Corrientes es un
punto de encuentro cultural en
la Ciudad de Buenos Aires. Desde
el Obelisco, recorriendo cada teatro y cada
local, las noches por esa avenida se vuelven
mágicas, y la música no podía estar ausente.
Junto a la Ciudad, Billboard Argentina
participó del ciclo Postales BA para que el
público pueda disfrutar de los mejores shows
de manera gratuita, y Luz Gaggi fue la última
protagonista, con un show de más de media
hora y algunos de sus mayores éxitos.
“La Tortura”, “Qué mal”, “Avión a Madrid”
y una versión especial de “Hallelujah” fueron
algunas de las canciones que la joven cantante
eligió para esta presentación, que se vistió
de un color especial con las luces de Corrientes,
el Obelisco de fondo y las miles de personas
que se reunieron para escucharla.
“Es increíble cómo está esto, yo dije: ‘Vamos
a tocar un ratito con la gente que se acerque’,
pero nunca pensé que sería así. Lo disfrutamos
a pleno: traje mi piano, mi pianista y canciones
que van a gustar”, le dijo Luz a Billboard Argentina
minutos antes de salir a escena.
Encima es en la calle, acompañó el
clima también.
¡Totalmente! Es preciosa para disfrutar
de la música en la calle, nos tocó un
gran clima.
¿Cómo fue la elección de las canciones?
Son las que me representan y que el público
también me pidió por redes cuando
anunciamos el show. Al ser media
hora tienen que ser todas buenas, están
“Que mal” y “Avión y Madrid” que las
últimas que hice y siempre tengo muchas
ganas de tocarlas en vivo.
¿Qué más podemos esperar de vos
para este año?
Dentro de muy poquito sacamos el disco,
y con este trabajo, un gran show, una
gran ceremonia… Tengo muchas ganas
de ya poder presentarlo. Esta presentación
es, de alguna manera, la antesala de
eso. Y funciona también para ver cómo
nos movemos en vivo.
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Corazón Serrano
De Piura al mundo, la cumbia peruana
que conquista Argentina
Uno de los fenómenos más importantes del género en América se presentará el próximo
9 de marzo en el Teatro Gran Rex.
on más de tres décadas de trayectoria,
Corazón Serrano se ha consoli-
C
dado como uno de los fenómenos más importantes
de la cumbia latinoamericana. Nacida en
Piura, al norte del Perú, la agrupación ha sabido
construir una historia única: una banda familiar
que, con perseverancia, identidad y una conexión
auténtica con su público, transformó la
cumbia peruana en un movimiento cultural que
hoy trasciende fronteras.
Desde sus inicios en escenarios populares
hasta llenar estadios y liderar rankings digitales,
Corazón Serrano ha marcado a varias generaciones
con canciones que hablan de amor, desamor
y resiliencia. Su propuesta musical, liderada
por un potente frente femenino, redefinió
el género y lo llevó a nuevas audiencias en toda
la región. Actualmente, el grupo suma millones
de oyentes mensuales en plataformas digitales y
acumula reproducciones que superan los cientos
de millones en YouTube, consolidándose
como una de las agrupaciones más escuchadas
del Perú.
Este crecimiento sostenido ha impulsado a
Corazón Serrano a dar un nuevo paso en su internacionalización:
su llegada a la Argentina. La
banda se presentará el 9 de marzo en el Teatro
Gran Rex, uno de los escenarios más emblemáticos
de Buenos Aires, en un show que promete
ser un hito tanto para la agrupación como para
la comunidad peruana y los amantes de la cumbia
en el país.
El concierto en el Gran Rex no solo representa
un nuevo logro en la carrera de Corazón
Serrano, sino también la confirmación de que la cumbia
peruana vive un momento de expansión regional sin precedentes.
Con una puesta en escena renovada, un repertorio
de grandes éxitos y nuevas canciones, la banda busca
conectar con el público argentino y reafirmar que la música
popular latinoamericana no entiende de fronteras.
Corazón Serrano continúa escribiendo su historia, llevando
el sonido del norte del Perú a los escenarios más
importantes del continente y demostrando que la cumbia,
cuando nace desde la identidad y la pasión, puede
conquistar cualquier corazón.
FOTO: GENTILEZA GRACEMUSIC
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Arcana Festival regresa a
Mendoza en 2026 con una
edición histórica e irrepetible
El sábado 21 y domingo 22 de febrero el público podrá disfrutar de una
experiencia inolvidable en formato sunset en Lomas de Malbec.
DÍA 2 – Domingo 22 de febrero
E
l icónico Festival Arcana vuelve a la provincia de Mendoza, en
Lomas de Malbec para celebrar una nueva edición que promete
ser un verdadero hito en la historia de la música electrónica argentina.
Los días sábado 21 y domingo 22 de febrero el público podrá disfrutar de
una experiencia inolvidable en formato sunset, desde las 16 horas hasta la
medianoche, en un entorno natural único: rodeados de montañas, lagos,
viñedos y un paisaje imponente que se fusiona con la propuesta artística y
estética característica del festival.
Desde su creación, Arcana se ha consolidado como uno de los eventos
más importantes y de mayor prestigio del país, reconocido por su
curaduría musical innovadora, su puesta en escena de nivel internacional
y su capacidad de reunir a una comunidad apasionada por la música, la
naturaleza y la conexión humana.
El segundo día promete una atmósfera épica con Colyn
& Nick Warren al frente del escenario, dos referentes
indiscutidos del sonido melódico y progresivo mundial.
A ellos se sumará el consagrado artista argentino NIM,
junto al mendocino Luciano de Dominicis, quien será
el encargado de dar inicio a una jornada cargada de
emoción y calidad musical.
Un lineup de nivel mundial
La edición 2026 llega con un lineup estelar que reúne a artistas consagrados
de la escena global junto a grandes talentos locales, en una combinación
perfecta de vanguardia y mística:
DÍA 1 – Sábado 21 de febrero
El primer día será encabezado por los superstars Rüfüs Du Sol (dj set) en una
presentación muy esperada por miles de fans. Completan el cartel el reconocido
productor español Arodes, el dúo Luch & Juno dos de los productores más
interesantes del nuevo sonido europeo, y el opening a cargo del artista local
Løvø, quien aportará la energía ideal para comenzar la jornada.
FOTOS: FLAMA
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Emergentes
MOREN’S: “BORRA DEL CAFÉ ES UN RELATO DEL
CICLO COMPLETO DE UN VÍNCULO”
La artista que cruza soul, R&B, funk y pop habla de su EP debut y de los desafíos a
los que se enfrenta en su escena.
POR ANTONELLA LOPREATO
¿Hubo situaciones, comentarios o climas
que te hicieron tomar conciencia de que
no estabas siendo leída solo como artista,
sino también como mujer?
Totalmente. Habiendo compartido proyectos
con varios hombres, noté que muchas veces
los temas financieros o de logística preferían
hablarlo con ellos, más allá de que yo sea la
cantante principal y sepa perfectamente hablar
de estos temas. Cuando comencé mi proyecto
solista tuve que aprender a ir con la frente en
alto, defendiendo y dejando claro que yo quieriada
en el mar y en la música”,
“C
dice su biografía en redes sociales.
A los seis años, mientras sus
compañeros del colegio todavía
estaban aprendiendo a quedarse quietos, ella
ya estaba obsesionada con repetir lo que escuchaba,
desde Calle 13 a Pink Floyd. Así
empezó a tomar forma la obra de Morena
Waisman, hoy Moren’s, una artista que cruza
soul, R&B, funk y pop. A poco de presentar
su EP debut, Borra del Café, conversó con Billboard
Argentina sobre su recorrido, su forma
de escuchar y las preguntas que le interesa
dejar abiertas desde el arte.
En un debut siempre hay decisiones
fundantes: qué mostrar, qué guardar, qué
todavía no decir. ¿Qué parte de vos sentís
que está más expuesta en este EP y cuál
preferiste reservar para más adelante?
Este primer EP es una historia entre el amor
y el desamor, y expongo mi forma de ver los
vínculos, hablo del otro, de las acciones ajenas,
no tanto de mi interior ni de nuestra parte más
vulnerable. Me guardé mis escrituras más poé-
ticas, metafóricas y melancólicas para más adelante.
Siento que necesitaba hablar del afuera
antes de hablar del adentro, del amor propio,
amistades, límites, respeto, que es justamente
lo que me reservé para el próximo EP, el cual
ya estoy trabajando. Es como cuando tenés una
charla con alguien por primera vez. Si le decís:
“¿Y vos? ¿Cómo te sentís con tu vida?”. Es un
poco fuerte. Quería que mis oyentes se sientan
cómodos y cercanos como para hablar, cantarles
de temas más profundos e incómodos.
Generar un vínculo… Yo lo veo así.
El dato: en
2023 fue
invitada
a cantar
el Himno
Nacional
Argentino
en un acto
homenaje
a los 44
héroes del
ARA San
Juan.
ro y puedo manejar mi proyecto de la mejor
manera, diciendo lo que sí y lo que no deseo
de forma natural y frontal, y usando mi feminidad
como fuente de cariño dentro del proyecto,
haciendo sentir seguros y cuidados a los
integrantes de mi banda… Por otro lado, viéndolo
de otra forma mucho más bella, sí siento
que hay personas que piensan en mi mensaje
como cantante y mujer, y lo toman con mucho
cariño viniendo de alguien que sienten que es
una par. Ese sentido de sororidad me encanta y
me pone feliz tener un espacio para expresarme
sabiendo que represento a muchas mujeres.
En la escena emergente, muchas veces
el lugar de las mujeres aparece ya cargado
de expectativas (sobre la voz, el cuerpo,
la sensibilidad). ¿En qué momentos
sentís que eso se vuelve más evidente en
tu recorrido?
Como mujer que mide 1,80 desde los 10 años,
ya me tuve que adaptar bastante a no pertenecer
a ningún estereotipo (se ríe). Las expectativas
con la mujer están siempre, mucho más
cuando estamos en un lugar con llegada a la
gente. Varias personas, incluso mientras estudiaba,
me han dicho algunas veces que no cante
con tanta intensidad, con tanta fuerza, “hay
que ser más suaves” decían… Con el tiempo
me di cuenta de que esa misma fuerza es la que
identifica mi presencia en la música. Ahí dejé
de escuchar estas “recomendaciones” que nos
hacen querer ser cada vez más imperceptibles.
Corporalmente hablando, en los tiempos de
hoy recibo pocos comentarios, pero cuando
me llega alguno, la mayoría vienen de mujeres.
Sinceramente, me entristece más que las mujeres
no se apoyen y se quieran, o que compitan
tanto mutuamente, que cualquier comentario
de un desconocido.
Con los trajes, las fotos, la performance, se
espera que las mujeres gustemos y que generemos
placer siempre, y mi objetivo como
artista y cantante es justamente mostrarme libre,
transmitir una confianza y un brillo. Eso
es lo que quiero contagiar. No encajar en la
expectativa de absolutamente nadie, más que
en la propia.
Después de escuchar Borra del Café,
¿qué preguntas te gustaría que alguien
se lleve, más allá de si le gusta o no?
Borra del Café es un relato del ciclo completo
de un vínculo, e incluso del que nunca llegó a
concretarse. Habla del dolor, del amor no correspondido,
del destino, y resuelve con un deseo
de amor al otro. Sabiendo esto, me gustaría
que piensen: ¿Terminaste bien con tus vínculos?
¿Sos capaz de perdonar para liberar/te?
¿Vas a seguir usando tu tiempo en algo que no
te suma? ¿Sabés poner límites? ¿No querés un
amor más pasional?. En el fondo, todas estas
preguntas apuntan a lo mismo: la importancia
de saber respetar/nos y de estar bien y en
paz para poder construir vínculos sanos con
nosotros mismos y con los demás. Mi deseo
es que, además de esta reflexión, se lleven una
pieza musical que les toque algo adentro, que
puedan sentarse a disfrutarla y que sea parte
de su día a día.
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FEBRERO 2026

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