Billboard AR Abril 2026

NATALIA LAFOURCADE FITO PÁEZ JASON MRAZ
LOLLPALOOZA
ARGENTINA 2026

4 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

FOTO: GENTILEZA PRENSA
TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING
SALE S DATA
AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES
CO MPIL ED B Y
El Bogueto & Yung Beef
logran su tercera semana
en la cima
“Cuando No Era Cantante” marcó su tercera semana no consecutiva
en el No.1
E
l éxito que vivió “Cuando No Era
Cantante” en 2026 fue notable.
Debutó en el Billboard Argentina
Hot 100 en la posición N°18 - logrando
así el Hot Shot Debut de la semana
del 3 de enero - y ahora, casi dos meses
después puede decir que mantiene su
tercera semana en el N°1. Ryan Castro,
Kapo y Gangsta con “La Villa” y La T y
La M con “Soy Favela” completan el Top
3 de la semana del 14 de marzo.
El Hot Shot Debut de la semana fue para
“Tu Cárcel”, de Enanitos Verdes, que ingresó
en el No.43. Este es el primer ingreso
de la banda mendocina desde “Lamento
Boliviano”, a mediados de 2020.
De la Rose con “Yo Te conozco :)” en el
No.48; Harry Styles con “American Girls”
en el No.52 y Marc Anthony con Nathy
Peluso en el No.97 con “Como En El
Idilio” marcaron el resto de debuts de la
semana.
Finalmente, el Greatest Gainer de la Semana
se lo quedó Omar Courtz, quién escaló
38 posiciones con “KOKO” y se asienta en
el No.62.
Semana
pasada
1
2
3
6
8
7
4
5
9
10
Esta
semana
1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
Título
#1 por 1 SEMANA
Cuando No Era Cantante
LA VILLA
Soy Favela
Puñaladas
La Perla
Tu Jardin Con Enanitos
TU MISTERIOSO ALGUIEN
BAILE INoLVIDABLE
UWAIE (versión cumbia)
DtMF
Artista
El Bogueto & Yung Beef
Ryan Castro, Kapo, Gangsta
La T y La M
Amigo de Artistas, Lauta, Tote
ROSALIA & YAHRITZA Y SU ESENCIA
Roze Oficial, Max Carra, Valen,
Ramky En Los Controles
Luck Ra Feat. Miranda!
Bad Bunny
Max Carra
Bad Bunny
-VARIACIÓN
-
-
↑
↑
↑
↓
↓
-
-
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 5

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 14 DE MARZO
CRÉDITO: @POPIIFT
Semana
pasada
23
Esta
semana
21
Título
Con Otra
Artista
Cazuu
VARIACIÓN
↑
CRÉDITO: POPI GRAÑA
22
22
W Sound 05 "LA PLENA"
Beéle, Westcol, Ovy On The Drums
-
28
23
Torteval
Gustavo Cerati
↑
26
24
The Fate Of Ophelia
Taylor Swift
↑
24
25
Amor De Vago
LA T Y LA M ft MALANDRO
DE AMERICA
↓
20
26
VelDA
BAD BUNNY ft. Dei V, Omar Courtz
↓
27
27
NUEVAYoL
Bad Bunny
-
32
28
I Just Might
Bruno Mars
↑
21
29
EoO
Bad Bunny
↓
51
30
POR SI MAÑANA NO ESTOY
OMAR COURTZ
↑
34
31
Pensamientos
Airbag
↑
38
32
A Las Nueve
No Te Va Gustar
↑
Semana
pasada
11
12
16
13
15
18
17
19
Esta
semana
11
12
13
14
15
16
17
18
5
LA PERLA
ROSALÍA
Título
Daddy Yankee: Bzrp Music
Sessions, Vol. 0/66
J Balvin: Bzrp Music
Sessions, Vol. 62/66
JETSKI
Tu Vas Sin (Fav)
Cambiaré
FOREVER TU GANTEL
No Tiene Sentido
Hasta Que Me Enamoro
11
12
13
14
15
16
17
18
Artista
Bizarrap & Daddy Yankee
Bizarrap, J Balvin
MC Meno K, Melody,
PEDRO SAMPAIO
Reels B
Feid, Luis Fonsi
Omar Courtz, Ñengo Flow
Beéle
Maria Becerra, Tini, Xross
VARIACIÓN
-
-
↑
↓
-
↑
-
↑
30
29
40
33
35
31
36
44
37
57
39
45
41
49
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
46
47
48
Suena en la Previa Vol. 3
Yo y Tú
END OF BEGINNING
HACE CALOR
Capaz
Soleao
Por Mil Noches
Como Eran las Cosas
36 VIDAS
DARDOS
Tu Cárcel
Esperando Por Tí
La Noche Sin Tí
Mi Refe
Hagamos Que
Yo te conozco :)
cumbia rocha
Beéle, Quevedo, Ovy On the Drums
Djo
Maria Becerra, El Alfa, XROSS
Alleh & Yorghaki
Myke Towers & Quevedo
Airbag
Babasonicos
TINI
Prince Royce, Romeo Santos
Enanitos Verdes
Roze & Abel Pintos
Los Huayra
Beéle, Ovy On The Drums
Juanes
DE LA ROSE
↓
↓
↑
↓
↓
↓
↓
↑
↓
↓
NEW
↓
-
↓
↑
NEW
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25
19
Ladrón
19
Luck Ra, Karina, Ramky En Los Controles,
Zaira, Bauletti
↑
53
49
444
Yan Block & Panda Black
↓
14
20
VOY A LLeVARTE PA PR
20
Bad Bunny
↓
50
Aperture
Harry Styles
↓
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
6 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

H
HOT 100 AR
SEMANA DEL 14 DE MARZO
Semana
pasada
67
Esta
semana
51
Título
Octubre
Artista
Coti
VARIACIÓN
↑
BAILE INOLVIDABLE
BAD BUNNY
8
CRÉDITO: @POPIIFT
52
AMERICAN GIRLS
Harry Styles
NEW
47
53
KLOuFRENS
Bad Bunny
↓
43
54
Que Pasaria...
Rauw Alejandro, Bad Bunny
↓
50
55
Niño
Milo J
↓
91
56
Yogurcito
Blessd
↑
51
57
Las Guapas
Alejandro Sanz
↓
55
58
Superestrella
Aitana
RE
59
No Se Va
La T y La M
↓
71
60
Tití Me Preguntó
Bad Bunny
↓
Semana
pasada
Esta
semana
Título
Artista
VARIACIÓN
59
61
Canción Para Regresar
Sebastián Yatra, Lucho RK, Belinda,
Gente De Zona
↓
72
81
EL PROBLEMA DEL AMOR
Tan Bionica
↓
100
62
KOKO
OMAR COURTZ
↑
80
82
Nunca quise
Intoxicados
↓
60
55
58
65
71
56
73
66
76
84
54
68
85
74
82
52
63
64
65
66
67
68
69
70
71
72
73
74
75
76
77
78
Si Antes Te Hubiera Conocido
QLOO*
Opalite
Vagabundo (Spanish Version)
Romantica
Secrets
Campanas En La Noche
Tan Lejos
Películas De Acción
Hielo Al Vino
WELTiTA
Pasos Al Costado
Irresponsables
Obsesionario En La Mayor
1+1
LA CANCIÓN
Karol G
Young Cister, Kreamly
Taylor Swift
Sebastián Yatra, Manuel Turizo, Beéle
Maria Becerra, Jay Wheeler, XROSS
Miley Cyrus, Lindsey Buckingham,
Mick Fleetwood
Los Tipitos
No Te Va Gustar
Conociendo Rusia
Abel Pintos
Bad Bunny, Chuwi
TURF & MILO J
Babasonicos
Tan Bionica, Abel Pintos
Maluma & Kany García
Bad Bunny, J Balvin
↓
↓
↓
↓
↑
↓
↑
↓
↑
↑
↓
↓
↑
↓
↑
↓
75
97
77
90
61
62
86
69
91
79
94
78
83
84
85
86
87
88
89
90
91
92
93
94
95
96
97
98
BICHO DE CIUDAD
Me Gusta
Cae El Sol
Es Un Secreto
TENGO UN FEELING
Diles Remix
Será
WO OH OH
PIEL
Cuidado Que Te Supero
Un Osito De Peluche De Taiwan
Corazón
Nunca Lo Olvides
ELLA DIJO
Como En El Idilio
NO ME QUIERO CASAR
Los Piojos
Ciro Y Los Persas
Airbag
Plan B
PEPU, Pizzu
Bad Bunny, Ozuna, Farruko,
Arcangel, Ñengo Flow
Las Pelotas
OMAR COURTZ
KE PERSONAJES, TIAGO PZK
Los Herrera, Q' Lokura
Los Autenticos Decadentes
Cielo Razzo
Airbag
Estelares
Marc Anthony, Nathy Peluso
BAD BUNNY
↓
↑
↓
↑
↓
↓
RE
↓
↓
RE
↓
↓
↓
RE
NEW
↓
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87
79
Loco (Tu Forma De Ser)
Los Autenticos Decadentes
↑
99
CUPIDO
TINI
RE
70
80
Adios
Gustavo Cerati
↓
81
100
Te Dedico
Carlos Vives
↓
SALE S DATA
CO MPIL ED B Y
8 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

PRESIDENTE
Jorge R. Arias
DIRECCIÓN EJECUTIVA
Juan Pedro Dondo
Analía Arias
Gonzalo Luzza
DIRECCIÓN EDITORIAL
Ezequiel Ruiz
Julián Mastrángelo
CONTENIDOS
Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /
Karin Leiva / Mariano Kaplan / Gustavo Serna
Colaboraron en esta edición:
Juan Cruz Revello / Facundo Arroyo
IMAGEN Y DISEÑO
Sofía Graña / Magdalena Medina /
Valentino Luzza Schimpke
BRAND PARTNERSHIPS
Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla / Melanie Lomas
IT / TECNOLOGIA
Franco Di Nitto
DEPARTAMENTO CONTABLE
Marcela Dermgerd
CONTACTANOS
Publicidad: brandpartnerships@billboard.ar
Administración: administracion@billboard.ar
Whatsapp: +54 9 11 5583-3717
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Billboard Argentina es una licencia de
ABC1 Sociedad de Editores S.R.L.
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CHAIRMAN & CEO
Jay Penske
CHIEF OPERATING OFFICER
George Grobar
MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS
Debashish Ghosh
ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS
Gurjeet Chima
ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND
& PARTNERSHIP OPERATIONS
Francesca Lawrence
PRESIDENT
Mike Van
EDITORIAL DIRECTOR
Hannah Karp
SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT
Silvio Pietroluongo
CREATIVE DIRECTOR
Alexis Cook
CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL
Leila Cobo
INTERNATIONAL EDITOR
Alexei Barrionuevo
DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL
Sigal Ratner Arias
Billboard Argentina. Prohibida la reproducción total o parcial de
los artículos sin la previa autorización del director. El material
periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.
Doechii fue una de las sensaciones de Lollapalooza Argentina. Girá la revista para
RNPI: 5349798
ver lo mejor del festival en su edición 2026. ISSN 2344-9276 · Año 12 · Nº 149 · Abril 2026 · Argentina: $20000
FOTO: POPI GRAÑA
10 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

Contenidos
INTRO
13. Fito Páez en Rosario
NOTA DE TAPA
30. Joaquín Levinton
ENTREVISTAS
16. Bad Gyal
24. Ptazeta
25. Natalia Lafourcade
26. Hannah Storm
27. Punchbag / Sun & The Saint
40. Grupo Frontera
42. Silvina Estrada
44. Usted Señalemelo
46. Jason Mraz
56. Adriana Calcanhotto
ESPECIALES
18. Track x Track: Los Pericos
20. En la Cabina
22. Billboard Showcase: J Quiles y Lenny Tavárez
28. Discos del mes
48. Emergentes
50. Vivo
58. Emergentes
EN LA TAPA
Joaquín Levinton, por Martín Bonetto
DEL OTRO LADO
DJO, por Caity Krone
Lollapalooza Argentina 2026
12
BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

SOY
4
SEMANAS
EN EL N.1º
FAVELA 5
LA T Y LA M
TU JARDIN CON ENANITOS
TU MISTERIOSO ALGUIEN
SEMANAS
EN EL CHART
ROZE OFICIAL, MAX CARRA, VALEN,
RAMKY EN LOS CONTROLES
MIRANDA!, LUCK RA
UWAIE (VERSIÓN CUMBIA)
DADDY YANKEE: BZRP MUSIC
SESSIONS, VOL. 0/66
J BALVIN: BZRP MUSIC
SESSIONS, VOL. 62/66
HASTA QUE ME ENAMORO
LADRÓN
CON OTRA
MAX CARRA
BIZARRAP & DADDY YANKEE
BIZZARAP, J BALVIN
MARIA BECERRA, TINI, XROSS
LUCK RA, KARINA, RAMKY EN LOS
CONTROLES, ZAIRA, BAULETTI
CAZZU
TORTEVAL
GUSTAVO CERATI
14 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

INTRO
'Casa Páez' en Rosario: los detalles de la
residencia de Fito en la ciudad que lo vio nacer
Fue un ambicioso hecho artístico que paralizó la ciudad santafesina durante una semana: con un despliegue inédito, el
músico recorrió su obra en tres formatos diferentes y cerró con un cuarto show gratuito en el Monumento a la Bandera,
al que asistieron 300 mil personas.
POR JUAN CRUZ REVELLO
FOTOS: GUIDO ADLER
E
n "Hazte fama", canción irónica
que publicó en Tercer Mundo
(1990), Fito Páez relata lo que se decía
de él por esos días. Básicamente,
que andaba re loco por ahí, que era
un bardo y que su vida era un desastre.
Con el paso del tiempo, le siguieron
haciendo fama de otras cualidades;
entre esas, la de ser un workaholic
de la industria del espectáculo y la
cultura del mundo. En ese contexto,
siempre hace lo que se le canta. Se le
ocurre algo y lo materializa. Libros,
películas, discos largos y conceptuales,
en contra de lo que indica el mercado,
lo hace.
A Fito se le ocurrió el concepto de
Casa Paéz, una serie de tres conciertos
consecutivos pensados solo para
Rosario, su ciudad natal, realizados
en dos espacios importantes para su
historia musical: Teatro El Círculo,
donde presentó por primera vez
su primer disco solista, Del 63; y el
Astengo, dónde asistió a su primer
recital de rock. La Máquina de Hacer
Pájaros, quedando deslumbrado con
la figura de Charly García.
El primero de esos shows fue sinfónico.
El segundo, solo piano. Y el
último, una puesta en escena exclusivamente
dedicada a Novela, su última
obra, opera musical que narra las
peripecias de un circo errante en Villa
Constitución -un pueblo perdido en
el sur de la provincia de Santa Fe-,
con eje en una historia de amor entre
dos preadolescentes. Y a esta trilogía
le agregó un cierre con un show libre
y gratuito en el Monumento a la Bandera.
Por supuesto, la tribuna grita
gol: unas 300 mil personas asistieron
a este broche de oro.
10, 11, 13 y 15 de marzo, las fechas
señaladas. Fue una semana intensa
tanto para Fito como para toda la ciudad.
No fue algo más, una isla entre
la variada oferta cultural de hoy. Pero
todo este despliegue de propuestas
grandilocuentes, hay que hacerlo. ¿Y
qué hizo Fito? Se puso al frente de
todo, decidiendo y dirigiendo lo que
iría a ocurrir. Le pidió a Carlos Vandera
–músico y amigo de confianzaque,
en conjunto con su management
y su productora, se encargara de todo
lo relativo con la producción y coordinación
artística.
“Estos eventos no son usuales. Una
vez que tuvimos claro cuál era el concepto,
él mismo empezó a conectar
con los productores locales y empezó
a trabajar, hace seis meses atrás
más o menos”, contó Vandera para
Billboard Argentina. Así se formó
Orquesta Casa Páez, dirigida por
el maestro Javier Más. Se convocó a
Max Rompo para que toda la lisergia
narrativa de Novela estuviera presente
en la puesta en escena.
Se encargó a Sergio Lacroix el diseño
escénico del show en el Monumento.
Además de, claro, un extenso
equipo que agrupa managers, asistentes,
sonido, luces, comunicación y
logística. Todo a disposición de que
la idea ampulosa no tuviera fisuras.
Mientras tanto, el artista llegó a Rosario
dos semanas antes de la primera
función. Desde su suite en el Holiday
Inn estuvo atento de todo lo que ocurría
a su alrededor, yendo del hotel al
teatro solo para ir a ensayar.
Completamente concentrado en
la exigencia del proyecto, no tuvo
vida social durante su residencia en
Rosario. Al punto de que el festejo de
su cumpleaños número 63, el viernes
13, luego de la tercera presentación
-a la que asistió su amiga Sofia Gala,
acompañada por Leroy Rotman,
hijo del saxofonista cadillac; ambos
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 15

también estuvieron presentes en el show del
Monumento-, fue muy íntimo. “Solo fuimos a
comer un grupo reducido, su familia, amigos. Se
cenó, sopló las velitas y a descansar”, describieron
algunos presentes. No frecuentó los bares
donde suele ir o las casas de sus cercanos. Ni
tampoco fue a la cancha a ver a Rosario Central,
ya que el horario del partido (contra Banfield)
coincidía con la prueba de sonido para el show
en el Monumento. Un detalle que fue calculado
por la producción: de esta forma, con la mitad
de la ciudad más atenta al fútbol que a otra cosa,
mermó la cantidad de curiosos que pudiera
rondar el espacio público en ese momento.
Pero el universo Páez no se centró solo en estos
shows. Las casualidades de la programación
cultural en la ciudad hicieron que en la semana
previa se proyectara el documental La Habana
de Fito, del director cubano Juan Pin Villar.
También Margarita, su hija menor, protagonizó
la obra de teatro Un ritual de paso. Fito fue
parte del aire. Se respiraba su frecuencia por las
calles rosarinas.
LOS DETALLES CLAVE DE 'CASA PÁEZ'
Rompo, responsable de un ambicioso y exclusivo
diseño de escenario para Novela en el Teatro
El Círculo, le confesó a Billboard Argentina
que lo más complejo en estos días fue “intentar
dormir”. “Llevamos varios años trabajando
en Novela en distintos formatos: como guion,
como proyecto cinematográfico, como disco y
espectáculo. Para Rosario, Fito quiso que nos
enfoquemos en la obra y que el público pueda
sostener la concentración durante una hora.
Descubrimos la potencia narrativa de las imágenes
para anclar la atención del público al relato,
entonces fuimos hacia un concepto imponente:
animar todas las escenas de Novela siguiendo el
recorrido del álbum”.
“Novela siempre se pensó como un musical.
Sólo teníamos que encontrar el momento de
cómo hacerlo y dónde, y fue perfecto, poder
estrenarlo en Rosario. Todo fue un lindo desafío
porque Fito es una artista muy desafiante en ese
sentido. Los shows eran muy pegados, había
poco tiempo de descansar y armar, pero hay un
equipo de trabajo que trata de que todo esté impecable.
Estuvo todo bien, fue una semana hermosa
de la que nos vamos a acordar siempre”,
compartió Vandera con este medio.
Esa exigencia también incluyó controlar las
emociones, otro trabajo para el artista durante
esos días. Al punto en que, en distintos momentos
de cada recital aclaró varias veces que no
podía hablar mucho porque se emocionaba y
"tenía que cantar". No era para menos: en esos
cuatro episodios, Páez contó parte de su vida
a través de las canciones. Que son muchas: en
total tocó 91 temas, de los cuáles repitió solo 11
entre cada función.
Dentro de todo ese emplazamiento, también
están los fans. Marcela vino exclusivamente
desde Colombia para estar en Rosario en
esta semana. Llegó a su música porque es futbolera:
“La barra de Millonarios, mi equipo,
canta 'Mariposa Tecknicolor'. Sentí esa tonada
pegajosa, averigüé de donde salía y empecé a
enamorarme y de ahí seguí escuchando su música”,
le dijo a Billboard Argentina. “Viajé con
mi esposo y mi hijo, ellos saben de mi amor por
Fito y me acompañaron”. Ya había estado viendo
a su ídolo en Rosario en el 2022. Pero esta vez no
se lo quiso perder: “Siempre será importante su
presencia en mi casa. Es un ícono, es como el logo
de Rosario”.
Su contacto local es Caravana Páez, un conjunto
de personas que se definen más como seguidores
de Fito que como club de fans. Pedro Levy,
uno de sus integrantes, resaltó que “la importancia
que tiene esta estadía es vital y se va a recordar
en el tiempo como uno de los grandes eventos
culturales. Este concepto, de todos shows diferentes
y consecutivos, nadie lo hizo. También veo en
Fito la necesidad de dejar un legado de otros artistas.
Él los mencionó como 'los Éverest de la música'
para que eso también se conozca en épocas 'de
música cero', como también dice en uno de sus temas.
Además, su show masivo del Monumento es
un regalo, un acercamiento de la música popular
hacia toda la gente”.
Esos picos a los que se refiere fueron artistas que
Fito interpretó dentro de sus shows: Luis Alberto
Spinetta, Charly, Litto Nebbia, Chico Buarque,
Atahualpa Yupanqui o Enrique Cadícamo, entre
otros. También Moris, quien casualmente estaba
en Rosario grabando un tema nuevo y fue al solo
piano. Páez lo invitó a subir al escenario y recibió
una ovación majestuosa. Días después, el legendario
cantautor le dijo a Billboard Argentina que
"todavía seguía emocionado por la situación y que
le gustaría escribir un tema" para Páez. Otra figura
popular que estuvo presente fue Ángel Di María.
El campeón del mundo y emblema Central estuvo
en uno de los palcos del primer concierto acompañado
por amigos y su pareja, Jorgelina Cardoso.
"LIBERTAD TOTAL"
Eso fue lo que Fito le pidió al diseñador Sergio Lacroix
para la parada final, bajo la bandera argentina
en el corazón de Rosario. "Me dijo que haga lo
que yo quiera y yo opté por una actitud clásica. El
Monumento detrás de Fito, imponente, de mármol
travertino. Jugué con claros y oscuros con luces que
se movían casi imperceptibles y con una paleta de
colores muy acostada y natural. Me gustó trabajar
con el misterio de que el monumento apareciera y
desapareciera. Que los lumínicos sean súper suaves,
casi imperceptibles. Los más difícil fue entender
la escala del monumento y captar inmensidad
de masa humana”, explicó para Billboard Argentina
el artista que también trabaja en las puestas de
escenas de Babasonicos, Hernán Cattáneo y más
Esa inmensidad fueron 300 mil personas, una
multitud que disfrutó más de dos horas de show
repleto de esas canciones que Fito puso en nuestro
walkman, en uno de los símbolos culturales más
significativos del país.
Después del show, al fin, el artista se relajó. Se
juntó con sus amigos y staff en Casa Brava, un renombrado
pub local, para un final de fiesta. Pero
seguramente ya estaba pensado en cómo continuará
el inaugurado Sale el Sol Tour porque ya se sabe:
“Hazte fama y échate a dormir”.
16 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 17

BAD GYAL
¿Por qué elegiste “Da Me” y
“Choque” como los adelantos
del álbum?
Son canciones que elegí sin dudar
porque me encantó el resultado y
las vi como verdaderos hits. Además
también son canciones que representan
a la perfección el sonido del disco,
y sabía que a mis fans le iban a gustar.
Era una decisión muy clara.
¿Está volviendo un poco el
reggaetón de la vieja escuela
verdad?
Sí, totalmente. Igual me gusta que el
álbum es muy ecléctico, tiene todos los
géneros que me gustan como Bad Gyal
y también como Alba: dancehall, reggaetón,
R&B, afro…
¿Fue difícil hacer tantas canciones?
Sinceramente no, me encanta hacer
música, fue fácil… Lo difícil fue elegir
cuáles quedaban dentro y cuáles tenía
que sacar, hicimos como 30 canciones.
“Argentina fue un pilar fundamental en mi carrera”
La estrella española lanzó su nuevo álbum de estudio, Más Cara: 19 canciones y nuevos
horizontes.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
B
ad Gyal decidió empezar el
2026 revelando el proyecto en
el que viene trabajando por
más de dos años, su segundo álbum
de estudio: Más Cara. El concepto
nació desde el deseo de crear un disco
como si fuera su playlist soñada, y
el resultado fueron 19 canciones que
navegan entre el reggaetón, el afro, el
R&B y el dancehall, entre otros.
Este trabajo también contó con
la participación de varios amigos y
colegas de nivel internacional, como
8Belial, Chencho Corleone, De La
Rose, J Álvarez, Jadiel, Jenny "La
Sexy Voz", Maureen,
Ozuna y Victor
Mendivil, integrando
tanto a referentes
consolidados como
a nuevas voces que
están marcando el
rumbo de la música
urbana. Estas colaboraciones
amplían el universo sonoro
del álbum y reafirman la capacidad
de Bad Gyal para moverse con naturalidad
entre distintos estilos.
“Este álbum
refleja por
completo lo
que soy”
Momentos antes del estreno del
álbum, Bad Gyal reflejó, en conversación
con Billboard Argentina, su
conexión con nuestro país y el cariño
que siempre recibió por parte de sus
fanáticos: “Estoy muy agradecida
con ellos porque son súper entregados,
me apoyan desde que empecé”.
Estamos a horas del estreno de
Más Cara, ¿cómo te sentís?
Tengo una mezcla de emociones
enorme, entre nervios, felicidad y
emoción. Estoy muy contenta porque
por fin puedo compartir algo que
venimos trabajando
durante tanto tiempo.
Son semanas muy
intensas, de mucha
preparación y mucha
celebración. Mi equipo
no deja de trabajar
para que todo salga
espectacular y que
valga la pena cada minuto.
Cuando compartiste el tracklist
el público se volvió loco, gene-
raste gran expectativa, ¿cómo
fue para vos vivir esa reacción?
Fue algo muy lindo para todo el equipo
porque mis fans son bien intensos
y me lo venían pidiendo hacía rato ya.
Me hacía ilusión compartirlo un ratito
antes y que hoy finalmente llegara
el día para que pudieran ir escuchándolo
a medida leyeran los nombres.
¿Cuán importante para vos
es poder disfrutar un trabajo
terminado?
Siento que el trabajo está hecho, y
por eso nos podemos dar el gusto
de celebrarlo y disfrutar. Lo hicimos
disfrutando también, que es algo
importantísimo para mí. Lo pasamos
súper bien haciendo este disco.
¿Recuerdas algún momento que
hayas disfrutado especialmente?
Claro que sí, cuando hicimos “Da
Me”. Ese día todo el mundo estaba
feliz, emocionado por lo que estábamos
creando. Sentimos que iba a ser
un palo, y me parece que tuvimos
razón (risas).
¿Cómo recibió el anuncio tu
público argentino?
Súper bien como siempre. Argentina
siempre me muestra su cariño y su
apoyo de una manera muy efusiva,
y me encanta. Estoy muy agradecida
con ellos porque son súper entregados,
me apoyan desde que empecé.
Fueron muy clave en mi desarrollo
como artista. Desde el minuto 0 fueron
también muy respetuosos conmigo,
y la cultura argentina me fascina.
Ser tan bien recibida es un gustazo
para mí. Espero volver pronto.
Track x track
“Coro y Ya”
Un homenaje al R&B del principio
de los 2000´. Es un beat creado
desde cero en el estudio con
todo el equipo. Los violines, las
cajas, los ritmos… Trabajamos
todos juntos. Lo disfruté muchísimo,
es algo que no había hecho
nunca y es una canción con la
que me siento súper yo misma,
súper Bad Gyal.
“Fashion Girl Pt.2”
Soy muy fan de esa canción.
Siempre en mi fantasía mental
sentía que era una canción
que de alguna manera estaba
escrita para mí. Soy una gran
apasionada de la moda, en qué
outfits uso para los videoclips,
para el día a día… Soy súper fan
de Jadiel también, el palabreo
y la composición. Tener su
aprobación para poder hacer
este remix se sintió como una
bendición para mí.
FOTOS: GENTILEZA SONY DF ENTERTAINMENT
MUSIC
18 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

80.000
GRACIAS
LA HISTORIA CONTINÚA EL 2 Y 3 DE ABRIL
2027
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Track X Track
LOS PERICOS Y EL DESEO DE SER INMORTAL
La banda revela el origen
de sus nuevas canciones,
las ideas que dispararon
cada letra y las búsquedas
musicales que dieron forma
al disco.
POR ANTONELLA LOPREATO
ace 40 años, Juanchi
Baleiron y Willy
H
Valentinis recorren
América Latina como dos militantes
de la alegría. Con Los
Pericos como vehículo, fueron
dejando el reggae en pueblos,
capitales y megalópolis hasta
que el mapa entero empezó
a reconocerlos como propios.
Giraban, volvían, giraban
otra vez. En ese movimiento,
“Runaway”, “Pupilas lejanas” y
“Waitin’” empezaron a viajar
solas, franqueando generaciones
como cualquier clásico.
Hoy, los compañeros,
compositores, productores
y motores de la maquinaria
rioplatense todavía
parecen tener más para
decir.
Contra ese repertorio que
conocen de memoria y
que inevitablemente aparece
en cada show, lanzan
Inmortal, su primer álbum
completo de canciones
inéditas desde Soundamerica,
publicado en 2016.
“El concepto tiene que ver
con eso que atraviesa a
los músicos: la idea de trascender.
Que tu música, más
allá de tu vida biológica,
siga existiendo”, dice Juanchi
en dialógico con Billboard
Argentina. “Tal vez,
dentro de muchos años, la
gente ya no se acuerde de
tu persona -porque la ley
natural es que todos vamos
pasando-, pero de la obra
sí. Eso es lo que, de alguna
manera, se vuelve inmortal”.
Con el disco en la calle,
los músicos lo desmenuzan
canción por canción.
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
20 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

1. “CORAZÓN DE CRISTAL”
(CON ABEL PINTOS)
JUANCHI: Fue una de las últimas canciones
que hicimos. Más allá de lo artístico, Abel es
un tipo muy cariñoso. Cuando lo llamamos
para invitarlo no preguntó demasiado. Fue
un: “Decime cuándo y dónde”. Vino con
una predisposición increíble, tanto para
grabar como para hacer el video.
WILLY: La canción está inspirada en una
historia real que viví con mi hija. Habla de
acompañar a alguien que querés cuando
está atravesando un momento difícil. Es
una canción sobre decirle al otro que,
incluso cuando parece que no hay salida,
siempre hay una luz al final. A veces uno
está tan metido en el problema que no lo
puede ver.
2. “TE AMO”
WILLY: Dialoga con “Corazón de
cristal”, pero desde otro lugar. Si
aquella hablaba de acompañar
a alguien en un momento difícil,
“Amor bonsái” habla de algo que
llevás muy adentro y que cuidás
mucho. La imagen del bonsái
aparece como metáfora. No en el
sentido de recortar o limitar, sino
al revés: algo pequeño que crece
y que vos ayudás a crecer. La
canción navega la experiencia de
ser padre, de ver cómo algo que
cuidaste tanto empieza a tener su
propio camino. La frase que resume
un poco la idea es esa: “Dejalo ser,
que solo va a crecer”. Vos solo
podés acompañar ese proceso.
3.“LOS LATIDOS” (CON DENNY DENAN)
JUANCHI: Es una canción con un aire melancólico muy marcado,
donde la música y la letra están muy alineadas. También es
de los últimos temas que terminaron de entrar en el disco. De
hecho, varias de las canciones que aparecieron sobre el final
del proceso tienen ese tono más introspectivo y profundo. Por
eso nos gustó empezar el álbum con esa tríada de canciones.
WILLY: Habla de algo bastante simple pero muy fuerte: cuando
entregás tu corazón, en algún punto queda en manos de
otra persona. Y ahí aparece la idea de cuidarlo, porque si ese
corazón se rompe, vos también te rompés.
4.“INQUILINOS DEL ESPACIO” (CON FACUNDO SOTO)
JUANCHI: Arranca con un riff bastante rockero y eso ya le da
otra energía. Es un tema bastante viejo, lo habíamos tocado
incluso antes de la pandemia, pero quedó en pausa. Cuando
retomamos el disco después de todo lo que pasó en esos
años, volvimos a agarrarlo y le dimos una forma más definida.
La base rítmica es híbrida, no es el groove clásico de Los
Pericos, y eso nos divertía mucho.
5. “LA TIERRA” (CON NÉSTOR RAMLJAK)
JUANCHI: Además de ser un
referente del reggae, Néstor es
un gran amigo. Con su banda,
Nonpalidece, nos cruzamos mil
veces de gira, hemos tocado juntos y
siempre hubo mucha conexión.
La letra es de Marcelo (Blanco,
percusionista perico) y tiene una
temática muy linda: habla de la
conciencia sobre lo que está
pasando con el planeta, algo que
hoy se vuelve cada vez más urgente.
Néstor le sumó su impronta con
una especie de toast, como ese
fraseo medio hablado que tiene el
reggae jamaicano, en dos momentos
distintos de la canción.
Musicalmente el tema también tiene
varios climas: por momentos se
vuelve más oscuro, aparece un riff
más pesado, después vuelve la luz
y el aire. Ese ida y vuelta nos gustó
mucho. Es un tema muy “perico”,
pero al mismo tiempo bastante
amplio en su búsqueda.
8. “CORRE” 9. “SOLEDAD”
JUANCHI: Es uno de los temas más antiguos del
disco. Tiene un beat muy lindo, muy empujador.
Está bueno cuando nos permitimos salir un poco
del ska y el reggae más clásico y hacemos cosas
que simplemente nos gustan, que nos motivan.
En este caso, la música apareció primero y a
partir de ahí empezó a tomar forma la letra.
WILLY: Sí, la letra la trabajamos con Ariel Topo
Raiman. Tiene algo de esa vibra medio épica
que también aparece en la música. En un
momento Juanchi hace ese jadeo, como si
alguien estuviera corriendo, y a partir de ahí
imaginamos la escena: alguien que se escapa
de la cárcel para ver a la persona que ama. En la
canción esa persona está huyendo, sabiendo
que probablemente pueda morir en el intento.
Pero aun así prefiere arriesgarse y verla aunque
sea un segundo más.
JUANCHI: La soledad como una compañía, valga la contradicción.
Algo que sabés que va a estar ahí. A veces tiene tanta entidad que
ocupa un lugar propio: no es la nada ni el vacío. Es vos y la soledad,
conviviendo.
WILLY: El tema de la soledad casi siempre se piensa como algo
negativo. Pero mucha gente la disfruta. Hay momentos en los
que uno la disfruta. En esta canción aparece alguien que se
reencuentra con su soledad y la acepta, incluso con cierta alegría,
como diciendo: “Bueno, otra vez nos volvemos a encontrar”.
10. “LA VERDAD”
6. “INMORTAL” (CON SABINO)
JUANCHI: Fue el primer adelanto
que mostramos del álbum. El
video quedó muy lindo y además
tiene un invitado muy especial:
Sabino, un artista mexicano que
viene del mundo urbano pero
con raíces muy rockeras.
WILLY: Trata de un amor que
atraviesa una crisis. En la pareja
hay alguien que duda y el otro
intenta sostener la idea de que
hay un vínculo profundo que no
se rompe, que es más fuerte
que el momento que están
atravesando.
7. “BAILA EL CIELO“
JUANCHI: Es un tema bastante viejo
dentro del repertorio del disco.
Tiene una letra muy linda y, de
alguna manera, también dialoga
con la idea de la inmortalidad,
aunque desde otro lugar. La
canción habla de recordar a
quienes ya no están, pero desde
un lugar de celebración. Algo
que fuimos aprendiendo mucho
viajando a México, donde el Día
de Muertos tiene un significado
muy distinto al que solemos darle
acá. En vez de asociarlo solo al
dolor o a la pérdida, se vive como
una celebración: un momento
para reencontrarse con esas
personas a través de rituales,
altares, objetos.
WILLY: Sentimos que funcionaba bien como cierre. Abre una pregunta bastante filosófica sobre el momento que
estamos viviendo. Hoy estamos rodeados de información: desde noticias realmente importantes hasta cosas
completamente triviales. En ese contexto, la idea de la verdad se vuelve cada vez más relativa. A veces te cuesta
creer ciertas cosas, otras elegís creer algo porque necesitás aferrarte a alguna certeza. Nadie vive sin creer en nada.
JUANCHI: Hoy se habla mucho del “sesgo”, pero en realidad siempre existió. Uno interpreta el mundo desde lo
que ya cree. Al principio la letra decía: “Prefiero no saber la verdad”, pero después la cambiamos en el estudio.
Terminó quedando más irónico: cada uno muestra lo que quiere mostrar y el otro cree lo que quiere creer.
Vivimos un momento bastante así. Muchas veces filtramos la realidad según lo que nos conviene o lo que
estamos dispuestos a aceptar.
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 21

con 143Leti
Los cantantes protagonizaron dos nuevas ediciones del formato musical de Billboard Argentina.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
C
143Leti: La primera sesión doble de En La Cabina
on 19 años, la cantante
se consolidó como una
de las voces emergentes
más singulares de la escena
argentina. Su crecimiento
fue 100% orgánico: mientras
trabajaba en gastronomía,
subía videos a sus redes
desde la cocina del
restaurante, y rápidamente
comenzó a atraer la atención
de miles de oyentes que
se identificaron con su
sensibilidad, su carisma y
manera de contar lo que siente.
Antes de presentarse en
Lollapalooza Argentina por
primera vez, la joven artista
protagonizó una edición
especial de nuestro formato
con dos tracks: “Eu Te Amo” y
“Cerca”.
Estas dos canciones forman
parte de la nueva etapa de la
cantante, quién luego de firmar
con Warner Music Argentina
busca encontrar su nuevo
sonido y dejar claro por qué es
una de las mayores referentes
de la nueva escuela del urbano
nacional.
“Eu Te Amo” es uno de los
tracks principales de Adolecer,
su primer álbum, que presentó
en vivo Niceto a finales del
2025.
FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA
22 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

con Ruggero
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
P
Ruggero: “Polanco” y el comienzo de su gira internacional
olanco” fue la
canción elegida
por el ítalo argentino
para su participación
en este formato. Esta
interpretación se dio bajo
el marco del comienzo de
la gira internacional del
artista (que además de
cantante es actor), quién
llegará a Buenos Aires con
una fecha doble el 30 y 31
de mayo en Music Mansion.
La Dolce Vita Tour
promete ser una
experiencia inolvidable,
donde Ruggero ofrecerá
un repertorio cargado de
emociones, sorpresas y
la energía desbordante
que lo caracteriza. Los
fans podrán disfrutar de
una presentación que
resalta su conexión con la
música italiana, al tiempo
que celebra sus raíces
argentinas.
A su vez, Ruggero se
presentará en varias
ciudades de México,
donde cada show será
una celebración de su
evolución artística y una
oportunidad para conectar
con su público de manera
única.
FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 23

Justin Quiles, Lenny Tavárez y una tarde
cargada de reggaeton en el Billboard Showcase
Los artistas interpretaron por primera vez su nuevo álbum SuperArte en Argentina.
POR KARIN LEIVA
M
inutos antes de las 19 hs del domingo,
1ro de marzo el patio interno
de Kopi Café, acostumbrado al tintineo de
las tazas y las conversaciones relajadas,
se llenó de gente entusiasmada que se
agolpó frente al escenario. Poco después,
Justin Quiles y Lenny Tavárez llegaron a
su encuentro con la energía y carisma que
los caracteriza. El público enloqueció.
"Estamos bien contentos de estar aquí.
Gracias Billboard Argentina por la oportunidad
y gracias a ustedes por venir", señaló
Lenny. Por su parte, antes de iniciar el
show, J Quiles instó: "Disfruten y bacilen
como siempre han hecho. ¡Argentina está
en la casa!".
La elegida para iniciar la tarde de reggaeton
fue "Thank You BB", la misma que
dio inicio a esta era, ya que cumplió el
rol de primer adelanto del álbum meses
atrás. "Esta la escribimos pensando en
una relación que ya no funciona", explicó
Quiles, para luego preguntar: "¿Quién
tiene el corazón roto?". Segundos después
unieron sus voces en este reggaeton de
desamor, despecho y celebración, que
agradece a una ex pareja por las lecciones
aprendidas.
A continuación, se hizo presente "Espacio",
un reggaeton suave mezclado con un
afrobeat que forma parte del nuevo álbum
y sirvió de muestra de la química vocal
entre los artistas.
Para seguir con la celebración, los artistas
dieron inicio a la sección de clásicos en
los que trabajaron juntos. Así, sorprendieron
con "La Ranger", un éxito del álbum colaborativo,
The Academy: Segunda Misión.
El público enloqueció al escuchar los
primeros acordes de "Cuaderno", otra
canción que forma parte del proyecto
"The Avengers", el cual comparten Sech,
Dalex, Feid y Dímelo Flow. A esta se sumó
"Que Más Pues?", donde ambos pudieron
lucir sus voces.
Luego, fue el turno de otra destacada
del nuevo álbum: "Champagne". Esta canción
no solo puso a cantar a la gente con
su pegadiza letra, sino que también los
puso a bailar en una mezcla de reggaeton
lento con tintes de R&B.
En algún momento, lamentablemente, el
show debía llegar a su fin. Pero no todas las
despedidas tienen sabor amargo, algunas saben
a merengue urbano como en este caso.
"After Party" puso a bailar a todos con sus
vibras tropicales. Tal fue la emoción del momento
que incluso los artistas subieron a una
fanática al escenario para bailar con ellos.
Por su parte, New Era y Billboard Argentina
se unieron en una dinámica para agasajar a los
fanáticos. Tras el show, se inició una trivia con
preguntas sobre la carrera de los artistas, el
nuevo lanzamiento y sus visitas a nuestro país.
Finalmente, la ganadora se llevó una gorra
New Era firmada por Justin y Lenny.
A pesar de solo haber podido escuchar en
vivo un poquito de este nuevo proyecto, el
pequeño espectáculo sirvió como un spoiler
de lo que será el show que darán Lenny Tavárez
y Justin Quiles en Tecnópolis el próximo
30 de mayo. Allí se podrá disfrutar de
tanto del nuevo material, como éxitos de The
Avengers y los clásicos de cada uno como
solista.
En este show íntimo, los artistas pudieron
mostrar su madurez musical, la química que
los une y que más que colegas, son familia.
FOTO: @POPIIFT
24 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

FOTOS: @POPIIFT
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 25

también estético y emocional. Sin
negar la fuerza visual que siempre
la caracterizó, aprendió a integrar
otras capas de sí misma sin sentir
contradicción.
“Mi estética es fuerte, agresiva,
y antes eso me generaba dualidad
cuando hacía canciones más vulnerables
o más melódicas”, dice. “Pensaba:
‘Pero yo no soy eso’. Y sí, también
soy eso. Hago lo que me da la
gana y me tengo que sentir cómoda
con las cosas que hago”.
La vuelta de Ptazeta: el estreno
de Amor y un nuevo camino
La artista española se conectó con Billboard Argentina para revelar los detalles de
su vuelta.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
T
ras una pausa necesaria
para reencontrarse con
su música y consigo misma,
Ptazeta regresó a escena con “Ay
Amor”, una bachata inesperada que
inaugura una nueva etapa personal
y artística. En charla con Billboard
Argentina, la artista española habló
sobre el parate, el miedo a volver, su
relación con la industria y el EP que
marca este renacer.
“Ahora tengo otro prisma, tengo
otra aura”, dice entre risas desde
Madrid. Aunque durante su pausa
siguió cumpliendo con conciertos
ya programados, la artista reconoce
que necesitaba frenar. No por falta
de amor a la música, sino justamente
para volver a encontrarse con ese
vínculo desde un lugar sano.
“Necesitaba mirar al horizonte y
decir: ‘Okay, ¿quién eres? ¿Cómo te
llamas? ¿Qué quieres en la vida?’”,
explica. “Había perdido el enfoque
conmigo misma y necesitaba reconciliarme
con la música, porque ya
estaba viendo todo de una manera
diferente, que no era el propósito por
el que empecé a hacer música”.
Lejos de romantizar el agotamiento,
Ptazeta pone en palabras algo que
muchas veces queda fuera del relato
público sobre los artistas: la exigencia
permanente, la falta de rutina,
el desgaste físico y mental de vivir
siempre en movimiento.
“Cuando ya entras en un bucle en
el que vas detestando las cosas que te
están pasando, algo pasa”, reflexiona.
“El simple hecho de llegar y abrir la
maleta para volver a cerrarla no puede
ser una agonía”.
Ese tiempo de pausa le permitió
recuperar hábitos, reconectar con lo
cotidiano y volver a habitar fuera del
personaje. “Pasé más tiempo conmigo
misma, aprendí otros hábitos:
hacer ejercicio, comer bien, sacarme
el carné, compartir con mi familia,
con mis amigos, ir a la playa, salir…
Cositas de persona, de ser humano”,
resume.
Una vuelta inesperada, pero fiel a
sí misma
El regreso llegó con sorpresa: en
lugar de apostar por un sonido previsible
dentro de su recorrido, Ptazeta
volvió con una bachata. Esta canción
rompió cualquier expectativa
previa, aunque para ella tiene todo el
sentido del mundo.
“No esperaba que la vuelta fuera
de esa manera, me lo han dicho mucho”,
cuenta. “Pero yo me siento muy
diferente. Al final, yo soy todo tipo
de música. Me estaba agobiando a mí
misma por no seguir una línea. Y a lo
mejor mi línea es no seguir una línea”.
Esa idea parece atravesar toda esta
nueva etapa. La artista habla de una
aceptación más profunda de su identidad,
no solo a nivel musical, sino
Escribir sin pensar en TikTok ni
en la viralidad
Ptazeta confirma, además, que esta
nueva etapa desemboca en un EP ya
disponible. Aunque el proyecto nace
de una transformación íntima, su
motor tiene un concepto muy claro:
el amor propio. “Por eso el EP se llama
Amor”, revela. “Porque al final lo
que mueve todo es el amor hacia ti
misma. Si tú no tienes amor hacia ti
misma, yo no puedo tener amor hacia
la música, ni hacia mi proyecto,
ni hacia nada”.
Más que una estrategia o un cálculo
de mercado, el proceso creativo
respondió a una necesidad personal:
volver a escribir desde la intuición,
sin la presión de pensar todo en
función del algoritmo o la recepción
inmediata. “Esto viene de escribir sin
pensar, como escribía cuando empecé”,
explica. “Me hacía falta no escribir
pensando en TikTok, en playlists,
en lo viral. Nada. Simplemente escribir.
Me apetece esto hoy, pues esto lo
hago. Me apetece esto mañana, pues
lo hago”.
El miedo a volver
Aunque hoy habla de esta etapa con
entusiasmo, reconoce que el regreso
no fue sencillo. Hubo miedo, nervios
y una sensación de exposición que
se volvió nueva después del tiempo
alejada de las redes y del centro de
la conversación. “Sí, tenía miedo”,
admite. “Cuando empecé otra vez a
subir posts, nunca había estado tan
nerviosa en mi vida por subir una
foto. Era una locura”.
Sin embargo, la respuesta del público
—y también de colegas de la
industria— terminó siendo un sostén
inesperado. “Me ha sorprendido
para bien”, dice. “Gente con la que
no hablaba hace dos o tres años me
escribió para decirme: ‘Te escuché y
me mola’”.
Claro que siguen existiendo las
etiquetas ajenas. Que si Ptazeta “es
rap”, que si “es trap”. Pero ella parece
haber encontrado una definición
propia, mucho más amplia y desprejuiciada.
“Para mí el rap es todo, porque
todo rima”, cierra entre risas.
FOTO: BROOK SIDNEY
26 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

NATALIA LAFOURCADE
“LOS CONCIERTOS
SE VUELVEN
CEREMONIAS
DONDE ABRIMOS
EL CORAZÓN”
En la antesala de su show en el
Movistar Arena, la cantautora
mexicana habló con Billboard
Argentina sobre el álbum que viene a
presentar, su conexión con el público
y su nueva etapa como madre.
POR KARIN LEIVA
FOTO: TUTE DELACROIX
Si algo caracteriza a Natalia Lafourcade
es su sensibilidad y su identidad
artística profundamente ligada
a sus raíces. Con su último álbum,
Cancionera, refuerza esa esencia: el proyecto
abraza la identidad, la memoria y la imaginación,
al mismo tiempo que rinde homenaje a
los cancioneros del mundo, tanto a los consagrados
como a los anónimos.
Ahora, Natalia trae ese universo a Buenos
Aires con su Cancionera Tour el próximo 26 de
mayo, marcando su reencuentro único con el
público argentino luego de tres años. Por esto,
Billboard Argentina conversó con la artista
sobre el disco, su nueva etapa como madre, la
conexión con su público y el ser mujer en la
industria musical
Felicitaciones por el Grammy a Mejor
Álbum Pop Latino. ¿Cómo fue recibir esa
noticia desde tu casa, con tu bebé en
brazos, en esta nueva etapa de tu vida?
Muy contenta, muy conmovida por la maternidad
y emocionada por lo que se viene, por
volver a la gira después de esta pausa tan importante
en mi vida y en mi camino.
En tu discurso hablaste mucho de las
raíces y de la cultura latina. ¿Sentís que
este álbum conecta más con ese lado,
con tu identidad?
Es un disco que conecta con muchos aspectos
de mi mundo. Me hizo volver a esa Natalia en
constante juego con el imaginario, con la fantasía
y lo simbólico. Está lleno de metáforas que
se tejen con ese mundo interior.
Al amar mi cultura, al amarme como mexicana,
aparecen cosas como nuestra forma de
hablar, de bromear, ese doble sentido. Todo eso
está en Cancionera. También es un homenaje
a los cancioneros del mundo, desde Violeta
Parra, Atahualpa Yupanqui o Bob Dylan,
hasta los de la calle, que muchas veces no son
escuchados.
Quería evocar ese personaje: la cancionera,
que terminó siendo un alter ego, un reflejo de
mis máscaras y arquetipos. Es un universo profundo
que también llevo a la gira. Y además,
en esta etapa viví algo inesperado, que fue ser
madre. Es un disco que jamás olvidaré.
Hablando de esta nueva etapa, ¿ser
madre cambia algo en la forma de hacer
música?
Yo creo que sí, aunque es pronto para saber
cómo. Ser madre te cambia todo: el cuerpo,
el cerebro, el ser entero. Seguro va a influir en
cómo me relaciono con la gira, con la música y
el escenario.
Me gusta no pensar tanto cuando hago música,
sino ir desde el corazón. No sé cómo va a ser,
y eso me da curiosidad. Quiero conocer a esa
nueva Natalia.
Vas a volver a Argentina con el Cancionera
Tour. ¿Qué significa para vos reencontrarte
con el público argentino?
Me ilusiona muchísimo. Amo ir a Argentina,
siempre me reciben con mucho amor. Es épico.
Estoy emocionada por compartir esta nueva
etapa, incluso desde un lugar más familiar. Y
también por llevar este concierto en un formato
más desnudo, más minimalista, solo con la
guitarra. Para mí es casi un ritual, volver a esa
esencia del cantautor. Me hace mucha ilusión
hacerlo en Argentina.
Tu música genera una conexión muy
emocional. ¿Qué te produce ver al público
tan entregado en tus shows?
Me genera mucho amor, gratitud y dicha. Los
conciertos se vuelven ceremonias donde dejamos
lo de afuera y abrimos el corazón para
cantar y sentir. Se crea una conexión muy
especial entre todos, y en Argentina eso se potencia:
el público tiene un motor muy grande.
Es como: “Agárrate, porque vamos a llegar a un
lugar que no sabemos cuál es, pero va a estar
bueno”.
Ya presentaste Cancionera en vivo en
otros países. ¿Hay alguna canción que
sientas que conecta especialmente con
el público?
Cada lugar es distinto, pero me gusta mucho
cómo se percibe “Cancionera”. Es una canción
que invita a la contemplación, a la autenticidad,
a vivir la vida con libertad. Cuando cumplí
40 años, mi padre me preguntó cómo iba a
administrar los siguientes 40, y esa pregunta
está muy presente en la canción. Cada frase
tiene mucha profundidad y, aunque no siempre
es la más coreada, lo que sucede energéticamente
es muy especial.
¿Cómo fue tu camino en la industria
como mujer artista?
Hay muchas herramientas: talento, trabajo,
disciplina, perseverancia. Me tocó vivir de
todo. Durante mucho tiempo no sentí que ser
mujer fuera un impedimento, pero después entendí
que sí habían dificultades que no veía.
Algo que me ayudó fue creer mucho en mí.
Muchas veces me dijeron que no iba a poder,
pero nunca lo dudé. También fue clave el
apoyo de otras mujeres. Hoy entiendo que el
talento no es suficiente: hay que construir herramientas,
trabajar en equipo y acompañarnos.
Nunca me permití sentirme víctima, sino
seguir adelante construyendo mi camino.
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 27

Hannah Storm presenta su álbum debut:
“Nunca va a ser el momento perfecto, y por eso
había que hacerlo”
Un debut de 11 canciones marcado por baladas cinematográficas, corazón
roto y una identidad sonora más que clara.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
sabíamos qué hacer con la letra. Yo quería que
estuviera a la altura". Para destrabarla convocaron
a una artista local de Bergen, y luego hicieron
una sesión final de ajustes.
Se siente bastante surreal",
dice Hannah
Storm desde Noruega, a
semanas de presentar su
primer álbum. La última vez que
habló con Billboard Argentina el
proyecto estaba en construcción;
ahora es una realidad con fecha
marcada: el 20 de marzo estrena
It Will Never Be the Right Time,
su esperado debut.
Entre el frío noruego —muy lejos
del "calorcito de Buenos Aires",
como recuerda con cariño— y
los últimos ajustes, la artista describe
meses de "toques finales"
y preparación. En ese camino,
lanzó "Special", el segundo single
del álbum, que celebra por un
motivo simple pero central en su
universo: "Es una balada. Y eso es
lo que amo".
Storm no esquiva la palabra que
mejor define su manera de trabajar:
overthinker. Su tendencia a
sobrepensar y el perfeccionismo
aparecen como motor y obstáculo,
y terminan convirtiéndose en
el concepto que sostiene el disco.
"En algún momento sentís que
siempre hay algo más que podés
hacer, o que la próxima canción
va a ser mejor. Pero llega un
punto en el que tenés que decir:
esto es lo que es ahora, se siente
bien y hay que soltarlo al mundo",
explica.
Así nace el título It Will Never Be
the Right Time ("Nunca va a ser
el momento perfecto"), que para
ella tiene varios sentidos. Y además,
suma un guiño para los fans:
"Es un easter egg, porque el título
aparece en una de las canciones
del álbum. Tengo curiosidad por
ver si la gente adivina en cuál".
11 CANCIONES NO ES
CASUALIDAD
El disco tiene 11 temas, un número
que Hannah tenía definido
desde el inicio. La razón es emocional
y formativa: cuando era
chica en su casa no se escuchaban
tantos álbumes completos, sino
compilados en CDs grabados.
Pero hubo uno que quedó grabado
para siempre: 21 de Adele.
"Ese álbum fue muy formativo
para el tipo de música que hago.
Tiene 11 canciones y yo siempre
supe que quería 11 en mi primer
disco. No puede ser 12, no puede
ser 10: tiene que ser 11", asegura.
EL FIN DEL BLOQUEO Y EL CO-
MIENZO REAL DEL ÁLBUM
Aunque había canciones que ya
sabía que quería incluir, el proceso
se ordenó cuando terminó un bloqueo
creativo que la tuvo frenada
cerca de un año. El punto de
quiebre llegó en una sesión donde,
según cuenta, tuvo un momento
de colapso emocional: "Tuve un
breakdown y lloré porque estaba
sobrepensando todo".
En ese contexto, un productor le
hizo una pregunta clave: qué canción
—lanzada o no— sentía más
"ella". La respuesta fue inmediata:
"Stranger", su primer single.
"BLACK DOG": ACORDEÓN,
TANGO Y CINE
El tema tiene un elemento que
sorprendió por su conexión con el
Río de la Plata: el acordeón. "Me
encanta el acordeón. Quería un
instrumento diferente y la canción
es muy fílmica", explica. Y agrega
un detalle de origen: "La escribí en
este estudio, acá atrás".
También fue una de las canciones
que más trabajo le demandó en
términos de escritura: "Teníamos la
melodía y la producción, pero no
EL CIERRE: "STRANGER" COMO CÍRCULO
COMPLETO
"Stranger" funciona como eje narrativo y también
como cierre. En el álbum aparece en una
versión distinta: más cercana a la balada pura,
con piano, y conectada a un costado fundamental
de su identidad.
"Yo siempre la pensé como una balada flotante.
En la versión lanzada tiene batería, pero quería
que acá fuera una balada de verdad. Además,
es importante para mí mostrar que también
produzco mi música. Se siente bien que al final
tenga esa parte de mí", dice.
Y ahí aparece la idea de círculo completo: "Siendo
mi primer álbum, 'Stranger' fue la primera
canción que escribí en Bergen y la que empezó
todo este viaje".
LO QUE VIENE: FESTIVALES, SHOWS Y LA
PROMESA DE VOLVER
Tras el lanzamiento, Hannah Storm se prepara
para tocar el álbum en vivo. Su primer gran hito
será Bergenfest, en Noruega, y luego vendrán
más fechas y festivales en el año. ¿Sudamérica?
Ella no lo descarta y lo dice con ganas: "Me
encantó Argentina. Me sentí muy bienvenida.
Ojalá volver pronto y poder mostrar el álbum
completo".
Con It Will Never Be the Right Time, Hannah
Storm finalmente pone punto final a la parte
más difícil del proceso: decidir que ya estaba
listo. Y en esa decisión —la de soltar incluso
cuando la mente pide una vuelta más— aparece
el verdadero mensaje del disco: si esperás el momento
perfecto, tal vez nunca llegue.
28 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

Punchbag: La emoción de un nuevo EP:
I’m Obessed
Desde un estudio rodeado
de montañas en Noruega, el
dúo británico Punchbag —
integrado por los hermanos Anders
y Clara Bach— atiende la videollamada
con una mezcla de entusiasmo
y agotamiento creativo. Están
trabajando en nueva música, lejos
del caos de Londres, buscando que
el cambio de paisaje también transforme
la cabeza.
"Londres es rapidísima, siempre
está pasando algo. Eso me encanta.
Pero cuando estás haciendo música,
a veces necesitás irte", cuenta
Anders. "Acá hay nieve, montañas,
silencio… aunque nuestra música
no tiene nada de serena. Es un contraste
interesante. Cambia un poco
la manera en la que pensás".
Ese contraste —entre calma y
ruido, entre belleza natural y distorsión—
parece atravesar todo el
universo de la banda.
"I'M OBSESSED": EL LADO OS-
CURO DE LA MONEDA
El 10 de abril lanzan su nuevo EP, I'm
Obsessed, un trabajo de cinco canciones
que funciona como la contracara
de su debut del año pasado.
"Si el primer EP era más eléctrico
y electrónico, este es más oscuro
y más rockero", explican. "Son dos
partes que conviven en nuestra
música, pero decidimos separarlas".
La metáfora que usan es gráfica:
"Si el primero era como una selfie,
este es como hacer zoom y decir
'¿por qué mis poros se ven tan
grandes?'. Es más confrontativo. No
es música escapista. Es mirar las
cosas de frente".
Esa idea de enfrentarse a lo incómodo,
sin suavizarlo, es central en
su propuesta. La catarsis no está en
huir, sino en atravesar.
Latinoamérica en la mira
Cuando la conversación gira
hacia Latinoamérica, los ojos se
les iluminan: "Siempre que vemos
un recital en YouTube sentimos
que el público más loco del
mundo suele ser en Argentina o
Brasil", dice Anders. "Vi uno de
System of a Down con fogatas en
medio del público. Es otro nivel".
La posibilidad de cruzar el Atlántico
es uno de sus grandes
objetivos. "Tenemos tantas ganas
de ir... Es una meta enorme para
nosotros".
Con un nuevo EP en camino, un
álbum en proceso y una obsesión
que no se apaga —Anders admite
que puede escuchar un demo en
loop incluso camino a casa a las
dos de la mañana— Punchbag
avanza sin freno.
Y si algo queda claro tras la
charla es que, para ellos, la intensidad
no es una pose: es una forma
de vida.
Sun & The Saint: su comienzo, la conexión con
Latinoamérica y un álbum que los catapultó
El dúo basado en Los Ángeles
dio detalles sobre
sus comienzos y planes
a futuros para Latinoamérica
Reed Thomas Lawrence y
Paloma Estévez no se conocieron
con la idea de armar
una banda: primero apareció
la música. "La conexión
fue orgánica, real, y eso no
se puede fabricar", cuentan
sobre el momento en que
empezaron a tocar juntos. Así
nació Sun & The Saint, un dúo
que mezcla pop, rock y blues
con una energía directa, cruda
y rítmica.
Con una dinámica que se
siente más como sociedad
creativa que como "proyecto",
ambos coinciden en que hoy
es difícil encontrar a alguien
con quien compartir esa pasión
en serio. "Hacer música
en solitario ya es bastante
duro. Con alguien al lado,
cuando uno no está en ese
lugar, el otro lo levanta", expli-
can. Ese equilibrio —dicen—
terminó siendo una de las claves
para sostener el proceso
largo de su debut.
"HICIMOS EL DISCO NOSO-
TROS: FUE UNA MONTAÑA DE
DIFICULTADES"
Su primer álbum, Sun & The
Saint, salió el 22 de noviembre
de 2024 y tiene una particularidad
que se nota en cada
detalle: lo hicieron prácticamente
todo ellos.
Reed —con experiencia
previa mezclando audio para
cine y TV— admite que meterse
con un disco completo
fue otro deporte: "Entendía la
mezcla, pero mezclar música
es distinto. Pasamos por fases
en las que creíamos que
estaba bien… hasta que lo
escuchábamos con otras personas
y era como: 'Dios, es
terrible'. Y a empezar de nuevo".
En ese camino, aprender
a parar fue parte del desafío:
"Mezclar tu propia música es lo
más difícil porque no sabés cuándo
detenerte. Necesitás a alguien
que te diga: 'listo'".
DEL TROMBÓN A LA BATERÍA: EL
ORIGEN MUSICAL DE PALOMA
En la charla, Paloma recuerda
que su primer gran flechazo musical
no fue el rock, sino lo clásico:
empezó tocando trombón en la
orquesta de su escuela y describe
esa sensación de "estar adentro"
de la música como algo que todavía
la moviliza.
Con la batería, en cambio, la
historia fue casi destino: cuenta
que a los 13 la empujaron literalmente
a sentarse en un set durante
una fiesta y tuvo que resolverlo
en vivo con una banda de jazz
tocando. "Creo que el instrumento
me eligió a mí", resume entre
risas, mientras también reconoce
el costado poco glamoroso: "Si
pudiera elegir, capaz hoy tocaba
flauta… así no lleno el auto con el
equipo".
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 29

Cuatro discos que beben del pop en
sus distintas formas
EL COTIDIANO DE TOM MISCH, LA VUELTA DE HEAVENLY, LA ELECTRÓNICA DE BAJOFONDO Y
EL SYNTH POP DE USTED SEÑALEMELO.
POR FACUNDO ARROYO
Full Circle
TOM MISCH
Del lo-fi de Soundcloud y la black music de What Kinda Music (2020), aquel buen segundo disco en colaboración con
el baterista de jazz inglés Yussef Dayes, a la sofisticación pop de Happy Music (2023) y este esperado cuarto disco
del músico nacido en Londres. Además de seguir yendo hacia el pop, ahora, el foco de Full Circle, es más intimista.
Una obra introspectiva que desarrolla las historias y los momentos cotidianos que le dieron forma a su vida. Esto es: la
familia, las amistades, la conexión con la naturaleza y el proceso de seguir buscando su voz interior. Para encarar este
sonido más simple y directo, pulido en tanto formato canción, Misch caminó un largo proceso de producción entre las
ciudades de Londres, Cornwall, Portugal y Nashville. En esta última, para darle filo (incluye slides sutiles) a algunos
arreglos de guitarras que, entre los once tracks, se sienten como excepciones al fino equilibrio sonoro. Es tan orgánico
el resultado final que el disco avanza por un solo carril donde las canciones están enganchadas sin demasiados sobresaltos.
Puede sonar de fondo en un café de especialidad o en una cena donde se va a dar una linda noticia familiar.
Highway to Heavenly
HEAVENLY
Del twee pop al indie pop. Y de aquella escena punk inglesa formada a inicios de los noventas a una vuelta inesperada
en un ambiente mucho más calmo en ese mismo territorio, y en esas mismas vidas. Estuvieron tres décadas sin
publicar nada. Para esta vuelta son un quinteto con los miembros originales más el baterista Ian Button. Este quinto LP
fue producido por Toby Burroughs y editado a través del sello de Fletcher y Pursey, Skep Wax. Ahora desde la adultez,
las canciones están desaceleradas, se encaminan a través de melodías luminosas y continúan con una mirada crítica
sobre el presente. En consonancia con su pasado más punk, en los trece tracks hay enojo, duelo, empatía y amor. A
diferencia de Operation Heavenly (1996) –todos sus discos llevan el nombre de la banda inserto-, este LP tiene una
limpieza total en el tratamiento del sonido. Uno puede sentir que hay guiños Beatles amorosos en algunos inicios de
arreglos, sobre todo en las guitarras. O como dicen ellos en “Trophy girlfriend”: “Está besando chicos y chicas / no
puede decidir cuál prefiere”.
OHM
BAJOFONDO
Del tango electrónico al pop montado por los sonidos más futuristas de la rave. O como dice el periodista Carlos
Rodríguez en las liner notes: “Una autopista extensa cargada de referencias que van de Stockhausen a Kraftwerk”. La
pandilla de productores, convertido en proyecto musical, de hecho se ríen de sí mismos cuando afirman que “tango
electrónico era el de antes”, está de vuelta después de siete años de silencio. Da la sensación que en este capítulo, en
el que Gustavo Santaolalla no está tan al frente, lo importante es el sonido y después el track. Luciano Supervielle,
uno de los integrantes que nunca se menciona tanto, dijo que Ohm también tiene el espíritu del Astor Piazzolla más
eléctrico de los 70. Y eso es, el Piazzolla más rítmico, el menos escuchado, el más ninguneado. Una opinión, a la vez,
que no estuvo en la información general de este quinto disco de Bajofondo. A pesar de haber dejado el tango un poco
atrás, el espíritu de la milonga habita, sin lugar a dudas, este nuevo mundo eléctrico. Hay gestos ultra-pop como invitar
a Cristian Castro pero también está el crack de Hugo Fattoruso para sostener aquellas bases. “Sé que hay un lugar
donde mi alma siempre inquieta llega y puede descansar”, dicen entre sintes y bases electrónicas.
TÉRMINOS & CONDICIONES
USTED SEÑALEMELO
Del indie cancionero digital al pop electrónico. La razón sigue siendo el amor pero ahora bajo las nuevas normas
de este siglo complicado y abierto. “Siento la presión de todas las galaxias”, dicen en “No puedo dejar”. En esa
línea donde el compromiso asfixia, y a pesar de que en el medio haya términos & condiciones, el trío parece estar
sujeto más al sonido que a la narrativa de su obra. Rafa Arcaute y Lamadrid parecen, además, guías productoras
necesarias para simplificar todo lo que representan como músicos. Nunca se nota pero US toca mucho más de lo
que se escucha. Y en este nuevo marco electrónico, lo único que arma tangentes fuera del guión son apenas algunos
detalles sonoros que suelen apreciarse desde la consola primero y desde los auriculares después. La síntesis,
o puerto de partida, de este nuevo apoyo electrónico podría ser un synth pop afectivo y sexual, pero sin dejar de
lado los momentos de, por ejemplo, puro R&B que también se destacan. Ahí es cuando dicen “Soy como un rayo” y
las condiciones climáticas cambian.
30
BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

LA CACA QUE NO JUNTÁS HOY,
ES LA QUE PISÁS MAÑANA.
EL OTRO SOS VOS.
SI TODOS HACEMOS LO NUESTRO, CONVIVIMOS MEJOR.
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 31

JOAQUÍN LEVINTON CELEBRA TRES DÉCADAS DE TURF
“SI NO HAY
HUMOR, QUE
NO HAYA
NADA"
Empezó el año con un infarto que casi lo deja fuera de juego.
También se operó las cuerdas vocales y unas semanas después volvió
a los escenarios con la banda de (casi) toda su vida. A la vez, sacó su
primer álbum como solista, lanzó un alfajor propio y es jurado de un
reality show televisivo. Retratos de una vida hecha de canciones.
POR EZEQUIEL RUIZ / FOTOS: MARTÍN BONETTO

Es martes 10 de febrero,
Ehace un calor del demonio
en Buenos Aires. A
la sombra y sobre la vereda,
Joaquín Levinton está almorzando
pescado con puré
en un bodegón a media cuadra de Sound-
Vision, el estudio que está capitaneando
Ezequiel Araujo, su amigo de muchos años
y productor de Yo soy Joaquín, álbum solista
que el cantante de Turf lanzó para su
cumpleaños número 51. Araujo está frente
a él y de cerca se nota que ambos son soldados
curtidos en mil batallas. La mayor
complicidad entre ambos se dio entre 2008
y 2014, épocas en la que Levinton grababa
tres discos a la vez. Vivía encerrado en su
casa de Almagro después de la traumática
separación del grupo, ocurrida cuando estaban
en su momento más alto.
“Hice El Salmón de Joaquín Levinton”,
decía el músico por aquel entonces, comparando
su capacidad creativa con la de Andrés
Calamaro. Había fabricado alrededor
de 300 canciones para discos de Sponsors
(el proyecto que armó post Turf), otro con
Cucho Parisi (cantante de Auténticos Decadentes),
otro con Daniel Melingo, temas
con la leyenda Moris, un volumen de salsa
y otras cosas inclasificables.
“No soy solista ni quiero serlo", aseguró
Joaquín ante la consulta de Billboard
Argentina sobre ese puñado de temas que
rescató y firmó con nombre y apellido por
primera vez. "Es un disco sin pretensiones.
Cuando lo hice, la idea original era sacarlo
sin ninguna compañía, regalarlo y chau. No
va a tener presentación, gira, ni nada parecido
a eso".
Para reafirmar esta cuestión, cuatro días
más tarde estaba subiéndose al escenario
del Cosquín Rock junto a Turf. Fue su
primer show después de haber sufrido, en
enero, un infarto que casi lo mata. La entrada
a escena fue en ambulancia, recostado
sobre una camilla y tapado por una sábana.
Cuando empezaron a sonar los acordes altos
de "No se llama amor", corrió el velo y
saltó como siempre para hacer delirar a la
multitud. Más adelante en el recital se tomó
unos minutos para agradecer a los médicos
del Hospital Fernández, institución pública
de la Ciudad de Buenos Aires a la que fue
derivado tras el infarto que sufrió en la vía
pública.
"Estoy en un momento raro. Me estoy
cuidando para estar en forma, es todo día
a día. Me pone contento que la gente me
quiera, porque el día en que casi me muero,
todo el mundo se preocupó. ¡Me moría
si me moría antes que Mirtha Legrand!",
dijo sobre eso que él mismo llama "renacimiento".
Sobre el escenario, su voz suena
algo fatigada pero compensada por los
coros del grupo que completan Leandro
Lopatín, Carlos Toddy Tapia, Nicolas Rispico
Otavianelli y Fernando Caloia. En
conversación, Levinton carraspea seguido,
habla bajo, pide agua. Pero la chispa de su
interminable monólogo desopilante sigue
intacta.
Ahora es martes 17 de marzo, estamos en
San Telmo y el otoño ya se está empezando
a sentir. Dos días atrás, Turf se presentó en
Lollapalooza Argentina, a la misma hora
en la que Tyler, The Creator hacía su debut
en Buenos Aires. Poco le importó eso a Joaquín,
quien en esa ocasión entró vestido de
jockey y a bordo de un caballo de utilería,
haciéndole honor al nombre de su banda y
contraste a su aparición en Cosquín.
"Entré en caballo y antes en camilla. Sería
en 'cabilla'", se ríe Joaquín de su propia
broma. "Buenas entradas, buenas entradas...
Con todas las cosas que me pasaron, con
esto salimos con más fuerza, me potenció.
Fue una especie de renacimiento”, aclara. En
paralelo sigue afilando su perfil televisivo.
En 2021 fue parte de Masterchef Celebrity,
reality show culinario en el que creó su
plato estrella, “El Pescado Raúl”, que hoy
se convirtió en un alfajor que se consigue
en kioscos. Actualmente es jurado en Es mi
sueño, reality musical que descubre nuevos
artistas con historias de vida conmovedoras.
¿Cómo te sentís ahora?
Me pasó de todo. Tuve un año complicadísimo.
Me la tuve que re bancar. Esa es la verdad.
Situaciones muy adversas como para
estar saltando arriba de un escenario. Por
ahí, si estaba abocado a una recuperación,
a estar tranquilo en mi casa, el problema se
resuelve con tranquilidad. Pero todo eso, en
vivo... Complicado. Estoy recuperando la
voz. De a poco. Me operaron las dos cuerdas
vocales de dos cosas distintas. Eso fue
hace un mes y la recuperación, mínimo, lleva
tres meses. Con lo cual estoy haciendo lo
mejor que puedo. Y haciéndolo en circunstancias
extremadamente grandes, porque
no son shows chicos. Cuesta mantener la
voz. Hacemos fuerza entre todos, cantamos
más todos, hay más coros. Ahora mismo
tengo la voz un poco gastada porque también
estoy haciendo muchas cosas al mismo
tiempo que me requieren hablar mucho.
Estás de nuevo en la tele, en el
programa de Guido Kaczka. ¿Cómo
la llevás?
Me divierte mucho. Siempre me gustó mu-
“
NUESTRO
DESEO ERA
SONAR EN
LA RADIO,
QUE NOS
CONOZCA
ALGUIEN,
PODER
VIVIR SIN
TRABAJAR,
CONSEGUIR
CHICAS”
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 33

cho la televisión, porque es
algo muy teatral. Me gustan
los estudios de televisión. Me
gusta el show, por eso hago
shows. No haría televisión de
chimentos. Tendría mi propio
show, si fuera por mí, si tuviese
tiempo y si fuera dinámicamente
posible. Tuve programas
de radio, de streaming...
Y esto de ahora me gusta. Me
desgasta menos porque estoy
sentado. En Masterchef estaba
todo el tiempo parado, era
una locura. Había un tachito
de basura y cuando no se daban
cuenta, me sentaba ahí.
¿Y ser juez en un show
de TV?
Hay participantes que son
muy buenos, el premio es
mucho dinero. Con lo cual
tiene sentido que lo hagan
bien. Además, sueñan con ser
cantantes. Capaz que eso es
una vidriera muy importante
como para poder lograrlo.
Harry Styles salió de un
programa de TV, Robbie
Williams, Johnny Rotten…
Algo tiene la televisión. Como
jurado, tengo un estilo muy
marcado, mi propio estilo. No
soy cantante como Abel Pintos,
pero sí soy muy bueno
en otras cosas. Está La Mona
Jiménez, con quien somos
parecidos. Por eso nos pusieron
separados, porque sino
no se hubiera podido llevar
a cabo el programa (risas).
Tengo mis tips para decirles.
Si les sirve, y es probable que
algunas cositas les sirva
¿Soñabas con ser
cantante?
Por supuesto. Por eso entiendo
al que sueña con eso.
UNA PILA DE VIDA
"Es difícil de creer", es lo primero
que dice Joaquín cuando
le apuntamos que este año
cumple 30 con Turf. “Me veo
cómo soy hoy, me acuerdo de
cómo era cuando empecé…
¡Y era igual! Pasaron 30 años
pero somos los mismos cinco,
tenemos la misma relación,
estamos preparando un disco
nuevo con el mismo deseo...
Con el primer disco tuvimos
una sensación única porque
nunca habíamos sacado ninguno.
Y nuestro deseo era
sonar en la radio, que nos conozca
alguien, poder vivir sin
trabajar. Conseguir chicas. Y bueno,
30 años después, es básicamente lo
mismo”, se ríe.
Se conocen desde la secundaria
con Lopatín y, junto con él, formaron
ese primer núcleo que derivó en
Turf. “Lo veía en el recreo y sentía
que era el rarito. Era dark, medio
punk. Se la pasaba escuchando música,
con los pelos parados, su onda
oscura y solitaria... Yo era similar:
escuchaba Jesus and Mary Chain,
The Cure, Joy Division. Nos hicimos
amigos. Él tenía su banda, yo la
mía. Empezamos a compartir shows.
Y no tardamos en fusionarnos.
Antes de Turf, tuvimos una banda
que se llamaba Abril en Venus. Era
bastante darkie. Hasta que un día
descubrí que me gustaban los Decadentes.
Y se me fue la tristeza. Entró
la alegría, como una tromba. Ese era
mi verdadero yo. De toda esa mezcla
se genera Turf ”, resume.
Siempre dijiste que una de tus
influencias es Johnny Tolengo.
¡Uhhh! ¡Mirá cómo estoy vestido! Y
nunca más a lugar tu comentario, porque
escuchamos a Johnny Tolengo antes
de salir a tocar. Nos llena de alegría y
esa misma alegría la llevamos al escenario.
Pero es re freaky.
En el show de Cosquín Rock hablaste
de la importancia de defender
la salud pública, la educación
pública. En público, ni vos ni
los Turf fueron de realizar declaraciones
sociales contundentes
en todo este tiempo, más allá de
lo que pensaran en la intimidad.
¿Por qué sentiste la necesidad de
decirlo ahora?
Bueno, porque me salvaron la vida,
por empezar. Por contexto, obviamente
también. Por todo lo que estamos viviendo
en Argentina, nunca más acorde
decirlo. Hubo que salir a defender, hay
que salir a defender estas cosas porque
están siendo atacadas. Siempre traté de
nunca involucrarme en política. Soy
una persona que piensa que la política
está perdida. El poder en sí mismo
corrompe. Es como la mafia. La mafia te
da un sobre, el cual no podés rechazar.
Si lo rechazás, estás eliminado. Y si lo
agarrás, sos cómplice.
Si lo agarrás, el que te lo dio
piensa que te puede comprar
siempre.
Si lo agarraste, ya está. Es una maquinaria
medio echada a perder. Siempre
pensé en la evolución de la tecnología
para ese tipo de problemas. Ahora,
robar es mucho más difícil: cualquier
mierdita que hacés, alguien te filma,
queda documentado, te van a escrachar...
Es muy difícil salirte con la tuya,
al menos por mucho tiempo. Siempre
me mantuve al margen. En todo este
tiempo, atravesamos 700 mil millones
de gobiernos. Y si te tengo que decir la
verdad, fueron todos pésimos.
CANCIONES NOMÁS
Se sabe: Joaquín es un virtuoso contador
de anécdotas. Historias inverosímiles
con personajes de lo más diversos
que pueden llegar a ser tan poderosas
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 35

“Siempre
traté de nunca
involucrarme
en política. Es
una maquinaria
echada a perder”
como sus estribillos. Sin embargo,
esta vez le propusimos hacer foco
justamente ahí, en las canciones.
Uno de los mitos que hay en torno a
sus composiciones es que tenía una
abuela que le validaba los temas antes
de grabarlos.
“Sí, siempre. Ella era la primera en
escuchar. Una vez le mostré una canción
triste y me dijo: '¿Qué te pasa?
¿Estás mal?'. Me la fusiló y la tiré a la
basura”, dice. “Era mi abuela paterna,
vivió hasta los 100 años. Tenía la
característica de ser una persona que
vivía celebrando la vida. Mi familia,
en general, es muy alegre. Nunca
vi deprimidos a mis padres. Tal vez
preocupados, pero nunca deprimidos.
Son muy raros. Y a mi abuela
tampoco nunca la vi así. Solo se deprimió
una vez, mi mamá también:
mi mamá, cuando se murió su papá.
Y lo de mi abuela es muy cómico
porque nunca dijo nada, nada, nada.
Hasta que un día fue al psicólogo.
Entró, lloró sin parar durante una
hora, y después quedó nueva para
todo lo demás, hasta los 100 años.
Estaba triste porque se había muerto
su marido. 60 años de casados. Ella
siguió para adelante pero se ve que
tenía algo guardado”, la describe
Joaquín.
A continuación, algunos de los
éxitos de Turf comentados por
Levinton.
"Casanova"
El primer tema mío que salió en la
radio, una de las primeras canciones
que hice. Hago canciones desde los
13 años, siempre tuve bandas. Las
bandas eran muy malas, no sabíamos
tocar. “Casanova” fue, junto con
"Viajando en jet (set)", las primeras
dos que hice que considero buenas,
que estaban bien hechas, son complejas.
No parece pero son complejas.
Sobre todo porque las hice a los
17 años. "Casanova" es un misterio
de onda, en la música se mezcla Mar
del Plata con David Bowie. La canción
que más feliz me hizo cuando
sonó en la radio. Cuando la escuché
no lo podía creer. Fue increíble, un
sueño. La canción no tenía estribillo.
Bueno, es la melodía de los
vientos.
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 37

“SIEMPRE QUISE
SER COMPOSITOR
Y CANTANTE
POPULAR. NUNCA
ENTENDÍ A LOS
QUE HACEN
MÚSICA DE NICHO”

Claro. La compañía había elegido ese
tema. Y nosotros decíamos: “¿Cuál
es el estribillo?”. Y el tipo, que era
un cavernícola que no sabía nada
de música. Dijo: “El estribillo es ‘pa,
papá, parapapapa’” (risas). “Bueno,
ok, ponelo, qué sé yo”. Raro que eso
sea un estribillo.
"Panorama"
Es el amor. Habla del amor y de la
música. De hacer lo que uno quiere.
Básicamente el motor que todavía
me trae hasta acá. Me acuerdo
que quería hacer una canción onda
T-Rex. Las influencias que teníamos
en esa época eran distintas para
una banda argentina. La música era
cavernícola, hecha por gente cavernícola.
Chabones hablando entre
chabones de cosas de chabones. Y
violentos. Nosotros éramos chiflados
y teníamos humor. Algo que no existía
en esa época, en la que todo era
"a patria o muerte"
(Jorge) Lanata. Y yo dije: “El careta
de Lanata es lo mismo que el otro”.
Y era igual. Son todos iguales. Yo
no puedo creer que haya gente que
crea en una ideología política. Me
parece naive, de ilusos. No puedo
entenderlo.
"Pasos al costado"
Que la hinchada de Boca la haya
TURF CELEBRA
SUS 30 AÑOS EL
9 DE MAYO EN EL
C ART MEDIA
ser compositor y cantante popular,
siempre fue mi visión de la música.
Nunca entendí a los que hacen música
de nicho.
"Kurt Cobain"
Es una historia real. Habla de una
novia que tuve al principio de mi
vida. Tenía una remera de Kurt
Cobain y la conocí cagándose a
"Gatitas y ratones"
Se instaló bastante rápido en nuestro
repertorio. Recupera el espíritu
marplatense que siempre tuvimos y
habíamos dejado. Pero también tiene
algo muy porteño. Y tiene algunos
truquitos: el imaginario de Jorge
Porcel, un guiño a Miguel Abuelo
("la tranquilidad de haber dejado
todo lo mejor que tengo"), las cosas
"Esa luz"
Lo grabamos con Charly García.
Pegamos mucha onda con él. Vino
a tocar mil veces con nosotros, vimos
millones de películas en la casa,
compartimos fanatismo por Asterix...
Su participación la grabamos
en cassette, en la portaestudio con la
cual yo grababa los primeros temas
que hacía con Lea. Lo grabé yo, en
la cama de él. En esa época, él vivía
en su colchón, no se movía de ahí. El
tema y el disco Siempre libre es una
chifladura.
"Loco un poco"
El país se venía abajo, había gente
muerta en las calles, bajó un helicóptero
en la esquina de mi casa. Y dije:
“Acá hay que hacer algo para alegrar
a este país”. Y sabía que la música
tenía el poder de hacerlo. La música
puede curar, aunque uno no lo
crea. También te puede hacer pegar
un corchazo. En esa época todavía
no era un tipo tan alegre ni zarpadamente
copado como para decir:
"Cuando escuches esta canción, te
va a alegrar el corazón". No estaba
listo para eso, pero hubo que pisar el
acelerador y hacer eso para levantar
el ánimo. La gracia de la letra es
que es un metalenguaje. Porque te
estoy avisando lo que va a pasar en el
transcurso de la canción. Y lo logró:
alegró a millones de personas.
¿Te resultó raro que fuera la
cortina del programa político
de Daniel Hadad en esa época
(Después de hora)?
Me gustó que sea parte de esa contradicción.
Porque supuestamente
el malo era ese y el bueno era
cantado primero que la de River es
una de las bromas que le gusta hacer
a Dios. Yo soy fanático de River, voy
a la cancha desde los 6 años. Fui con
mi papá, con mis amigos. El vínculo
se construyó a través de los años y es
muy fuerte. Y vale la pena, porque
es una pasión. Y las pasiones nunca
mueren. Si la canción la hubiese
cantado solo la hinchada de Boca,
me mataba. Yo la canté muchas veces
para River: con los jugadores, con
Marcelo Gallardo mirándonos, con
Lito Vitale, la canté a capela, con la
guitarra solo en la cancha... Hice de
todo con esta canción. Siempre quise
trompadas en la pista de un boliche.
La echaron del boliche y la encontré
afuera. ¡Como para no enamorarse!
Hoy por hoy, es una amiga de muchos
años.
"Los freaks de la TV"
Para algunas personas hoy puedo ser
considerado un freak de la tv. Porque
soy una persona muy rara en la tele.
No sé cómo se ve. Sé que estoy en un
lugar distinto, pero que queda bien.
Creo que me ven como que estoy
jugando. Pero la gente de la tele no
va a jugar, va a trabajar. Esta canción
quizás haya sido premonitoria.
tras bambalinas y la melodía de Earth,
Wind & Fire ("Brazilian Rhyme
- Beijo”).
Están grabando un disco nuevo
con Turf, ¿qué se viene?
Va a salir en marzo del año que
viene. Por lo pronto, tiene mucho
humor. Hay gente que escucha Turf
se pone muy contenta y a la vez,
escucha letras con profundidad y
contenido. Entonces, hay una mezcla
interesante. Porque es como ver una
buena película, pero también con
humor. Porque si no hay humor, que
no haya nada.
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Grupo Frontera
“Hace cuatro años trabajaba
haciendo cercas”
Payo, cantante de la banda, reflexiona sobre el crecimiento del proyecto, el nuevo álbum y la
posibilidad que les brindó la música.
¿Qué significa Bad Bunny para
la música latina?
Es un artista mega grande que promueve
mucho la cultura latina y está
muy conectado con sus raíces. Es
muy importante tener hoy a alguien
así de grande representando la música
en español y la cultura latina.
POR GABRIEL SOTELO
G
rupo Frontera vuelve a
la Argentina el próximo
13 de octubre para presentarse en el
Movistar Arena. La banda mexicana
llegará con su última gira Triste,
pero bien cabrón, en la que presenta
su reciente disco Lo que me falta
por llorar, un trabajo atravesado por
la melancolía, las heridas abiertas y
esa particular manera de convertir el
desamor en celebración colectiva.
En un mano a mano con Billboard
Argentina, Payo, cantante
del grupo, se detiene en ese vínculo
especial que se fue construyendo con
el público local a lo largo de los años:
"Me gusta el aire, la comida, el ritmo
de Buenos Aires y esa familiaridad
que sentimos desde la primera vez
que pisamos el país". Después de
aquel debut en el Luna Park, la historia
siguió creciendo, sumando visitas,
colaboraciones y una conexión
cada vez más profunda que ahora se
proyecta hacia un nuevo capítulo en
uno de los recintos más importantes
del país.
Con un recorrido que los llevó de
tocar los fines de semana en Texas
a compartir canciones con figuras
como Bad Bunny, Nicki Nicole o
Carin León, Grupo Frontera vive un
presente de expansión constante, sin
perder de vista el origen ni el espíritu
con el que nació el proyecto.
¿Escuchás música argentina?
He estado escuchando mucho a
una chica que se llama Flor Álvarez.
Hace como un mes vi un video de
YouTube donde varios artistas argentinos
estaban sentados en una
mesa comiendo y, de vez en cuando,
levantaban el micrófono y cantaban
(“RAPEN MUSIC Vol. 1”). Ahí
Flor cantó una canción que se llama
"Cuando te supero" y desde que salió
la he estado escuchando.
También vi que hizo un cover de una
canción nuestra que se llama "Frágil".
Me gusta mucho que se promocione
sola, con un parlante y un micrófono,
eso se me hace muy bonito.
¿Sentís que hay un puente entre
la música mexicana y la argentina?
Sí. Desde que vinimos por primera
vez al Luna Park no entendíamos
por qué nos querían tanto
acá. Sabíamos que nos escuchaban,
pero no entendíamos el porqué.
Cuando llegamos y tocamos nos
dimos cuenta de que a la gente de
Argentina le gusta mucho la cumbia,
aunque la nuestra sea un poco
diferente.
Empezamos a escuchar más a Ke
Personajes, sobre todo por Julián
(Peña, percusionista de la banda),
que escucha mucha cumbia argentina.
Queríamos hacer algo juntos
para retribuir ese cariño.
¿Cómo nació la colaboración
con Nicki Nicole?
En el álbum Jugando a que no pasa
nada nos llegaron muchas canciones.
Estábamos en unos premios y
alguien nos dijo que Nicki nos estaba
buscando. Durante todo el fin de
semana nos cruzábamos por atrás,
pero nunca nos veíamos.
Al final le mandamos mensaje, empezamos
a hablar y le mostramos
varias canciones. Una de esas era
"Desquite" y así nació todo.
¿Con qué artista argentino te
gustaría colaborar?
Me gustaría mucho invitar a Flor
a alguna presentación. Ella canta
"Frágil" y siento que sería una muy
buena primera vez cantando juntos.
Ojalá sea el 13 de octubre en el Movistar
Arena.
¿Cómo surgió la colaboración
con él?
La canción "un x100to" la habíamos
grabado nosotros en versión cumbia,
pero era un poco más modernizada.
A Juanito se le ocurrió que "le quedaría
a Bad Bunny", aunque parecía
imposible.
Edgar Barrera se encontró con el
productor de Benito, le mostró la
canción y a Benito le encantó. Al día
siguiente ya había grabado su verso.
Nosotros nos enteramos cuando llegamos
al rodaje del video. Pensamos
que no podía ser él, pero sí era. Fue
un antes y un después para nosotros.
¿De qué habla el álbum "Lo que
me falta por llorar"?
De que nunca terminás de llorar todo
lo que llevás adentro. Intentamos que
la música fuera triste, no solo la letra.
La gira se llama "Triste, pero bien cabrón"
porque podés estar llorando y
al mismo tiempo pasándola bien.
¿Qué se viene para el show en
Movistar Arena?
Vamos a armar el escenario como
queramos, tocar más canciones y
hacer un show completo. La gente
sabe que va a ir a escuchar canciones
tristes para estar despechados, pero
la van a pasar increíble.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
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ABRIL 2026

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SILVANA
ESTRADA
"Vendrán suaves lluvias es un canto
para volver a enamorarme de la vida"
La cantante mexicana habla de su nuevo disco, reflexiona sobre el duelo que atravesó en los últimos años, el lugar de las
palabras en sus canciones y cómo se vuelve a escribir después de un silencio que parecía definitivo.
POR ANTONELLA LOPREATO
"V
endrán lluvias suaves y olor a tierra
mojada, y golondrinas rolando
con su chispeante sonido”. El verso pertenece a
un poema de 1918 de Sara Teasdale y es también
la inspiración detrás del título del último
disco de Silvana Estrada. El texto describe un
planeta que sigue girando como si nada después
de que la humanidad se haya borrado a sí
misma en una guerra. La artista mexicana se
agarró de esa imagen para pensar y describir
su batalla contra el duelo y esa sensación de
quedarse sin palabras justo cuando más hacen
falta.
“Es un canto para volver a enamorarme de la
vida”, dice en diálogo con Billboard Argentina.
En 2022, mientras todavía estaba girando
con Marchita -el álbum producido por Gustavo
Santaolalla que la puso en el radar del folk
internacional, la llevó dos veces al Tiny Desk
de NPR y le valió el Latin Grammy a Mejor
Artista Nuevo- atravesó lo que ella misma define
como “su peor bloqueo creativo”. Venía de
recibir uno de los golpes más duros de su vida:
el asesinato de su amigo, el músico y actor
Jorge Tirado. El caso ocupó durante semanas
la agenda cultural y terminó vinculado a una
disputa familiar por una vivienda en la colonia
Roma, en Ciudad de México.
De un día para el otro, escribir se volvió
imposible, ya que ninguna palabra parecía
capaz de nombrar el tamaño de ese agujero.
En medio de ese vaivén apareció una invitación
a la residencia artística en la última casa
de la cantante Chavela Vargas, en Tepoztlán.
Llegó con una amiga y pocas expectativas. “Fui
diciendo: ‘No tengo nada para ofrecer. Vengo
a mirar los árboles y dormir’”, recuerda. Entre
los jardines, las entrevistas que escuchaban por
las noches y esa energía difícil de explicar que
FOTO: JESÚS SOTO FUENTES
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ABRIL 2026

tienen ciertos lugares, apareció “Un rayo de
luz”. La canción salió en quince minutos, como
a ella le gusta que aparezcan las melodías: “Rápidas,
inevitables, como si alguien las estuviera
dictando”.
Ese episodio terminó actuando como el
punto de partida de Vendrán suaves lluvias, un
trabajo que reúne diez temas escritos y producidos
por Estrada a lo largo de los últimos
cinco años. Lo grabó entre Canadá, México,
España y Macedonia, y transita distintos momentos
entre despedidas y preguntas. A principios
de marzo, toda esa emocionalidad viajó
desde Veracruz hasta Buenos Aires: la cantante
volvió a subirse al escenario de La Trastienda.
En la previa del show, habló del lenguaje latinoamericano,
la vulnerabilidad, el consenso de
la crítica alrededor de su obra y lo que significa
volver a cantar después de atravesar el silencio.
Si uno sigue tu discografía, da la sensación
de un recorrido: del marchitarse a la
lluvia. ¿Pensás tus discos como capítulos
de una misma historia?
Totalmente. Siento que todo lo que he hecho
hasta ahora son como instantáneas de momentos
muy específicos de mi vida. Este disco
es como un resumen de mis últimos cinco
años encapsulados en un álbum. Las canciones
están llenas de despedidas, de cosas que
me marcaron y dolieron. Sentí que tenía que
narrarlas. El arte tiene esa posibilidad de soltar
y sanar a través de la belleza. Para mí, Vendrán
suaves lluvias fue justamente eso, y dialoga con
Marchita, el primer encuentro con una parte
profunda de mí, muy conectada y oscura. Fue
como engancharse de ese hilo y sacar y sacar y
sacar. De hecho, componer Marchita fue muy
fácil: todo estaba en sintonía.
En cambio, este disco fue mucho más difícil.
Hubo crisis, preguntas muy fuertes: quién soy,
qué estoy haciendo con mi vida. Es curioso,
porque fue mucho más duro de hacer, pero
suena más luminoso, más esperanzador. Creo
que en mi vida hay una conexión muy fuerte
entre la dificultad y la esperanza. Cuando la
desesperación sube, también sube mi esperanza.
Vendrán suaves lluvias es un canto para volver
a enamorarme de la vida. Si Marchita era
marchitarse, este disco es decir: “Ahora quiero
florecer”.
Contaste que “Un rayo de luz” apareció
en medio de un bloqueo creativo. ¿Qué
ocurrió ahí?
Tuve un bloqueo creativo muy fuerte. El primero
y el único que tuve. Jorge, mi mejor
amigo, murió y también su hermano menor,
que para mí era como otro hermano. Vivíamos
juntos. Cuando pasó, sentí que una parte de
mí también murió. Tuve que atravesar ese dolor
durante mucho tiempo sin saber muy bien
cómo hacerlo. Nunca había convivido con la
muerte, no formaba parte de mis experiencias
de vida. Fue algo tan duro que me daba pánico
escribir. Me daba terror.
Sentía que, frente al misterio de vivir y morir,
todo lo que pudiera decir era insignificante.
Pensaba: no tengo nada que decir frente a
esto. Ahora sí siento que tengo mucho para
decir, pero en ese momento no sabía cómo
canalizarlo. Incluso llegué a pensar que tal vez
nunca volvería a escribir. Estaba lista para decir:
bueno, hasta acá llegué, voy a hacer otra
cosa, inventarme otra profesión.
Después fui a una residencia artística en la
casa de Chavela Vargas, una de mis grandes
maestras. Su última casa, en Tepoztlán, hoy
funciona como residencia. Fui con una amiga
y llegué casi diciendo: no ofrezco nada, no sé
si va a salir algo. Vengo a mirar los árboles y a
dormir. Pero ahí, entre ese lugar, las entrevistas
de Chavela que escuchábamos y -quién
sabe- quizá su fantasma rondando, apareció
“Un rayo de luz”. Salió como me gusta a mí
que salgan las canciones, en quince minutos,
sin corregir, como si alguien te la dictara.
Siempre siento que esas canciones no las escribo,
sino que las recuerdo. Como si ya existieran
en algún lado.
Sos una gran letrista. Hoy se habla mucho
del empobrecimiento del lenguaje.
¿A qué creés que se debe?
Más que un empobrecimiento del lenguaje,
creo que hay un empobrecimiento general.
Son tiempos en los que a veces cuesta detenerse
a buscar lo bello o lo hermoso. A mí
no me molesta que la gente invente palabras.
Al contrario: cuando alguien empieza a jugar
con el lenguaje o a crear expresiones nuevas
“El arte tiene esa
posibilidad de soltar y
sanar a través de la belleza”
TRES DISCOS ELEGIDOS POR
SILVANA
Playa Negra (2024), Gabriel Ríos.
Cantos de Venezuela (1974),
Soledad Bravo.
Siembra (1978), Rubén Blades y
Willie Colón.
me hace mucha ilusión. Creo que eso en realidad
lo enriquece. Quien inventa palabras o
las mezcla de otro modo, en el fondo, le está
dando la vuelta al lenguaje y se está enamorando
de él. Y siento que eso es justamente lo
que nos haría falta: volver a enamorarnos de
las cosas de la vida.
A mí me enamora decir palabras. El otro día
hablaba con un amigo brasileño sobre esto.
Estábamos comentando ciertas palabras y él
decía: “Decir esta palabra es una delicia”. Y es
verdad. A veces pronunciar una palabra tiene
algo maravilloso. Mi manager, por ejemplo, es
dominicano y usa expresiones que me encantan.
Me fascina cómo suenan. Entonces creo
que sería lindo perderle el miedo a inventar, a
crear un lenguaje propio. Al final nada tiene
demasiado sentido, así que mejor inventar
algo que sí lo tenga para uno.
También volver a enamorarse del sonido de
las palabras, de cómo se sienten en la boca.
Hay algo muy animal en eso: somos animales
que hablan, que hacen metáforas, que poetizan.
Es algo muy fuerte de nuestra especie.
La recepción crítica del disco fue muy positiva.
¿Qué lugar le das a ese consenso?
Lo agradezco muchísimo. Siempre tuve mucha
suerte con la crítica, incluso desde el primer
disco. Hay algo que hace que cierta parte de los
medios sea muy cariñosa con mi trabajo. Pero
con Vendrán suaves lluvias me pasó algo particular:
me importó poco lo que se dijera afuera.
No porque no me interese la opinión, sino
porque fue un disco muy difícil de hacer y muy
personal. Durante el proceso cerré bastante las
ventanas hacia el exterior.
Desde afuera sí sentía presión, pero uno de
los ejercicios que me pidió este álbum fue justamente
dejar de escuchar todo eso. Cuando
salió, yo ya estaba muy entrenada en concentrarme
en lo mío: en lo que me gusta, en lo que
me hace feliz.
Me puse muy contenta con las buenas críticas,
claro. Pero tampoco quise engancharme demasiado.
Incluso sé que salieron cosas muy lindas
que ni siquiera leí. Porque si uno se acostumbra
demasiado a eso, el día que aparece una
crítica negativa duele mucho más. Entonces
trato de recibirlo con agradecimiento y cariño,
pero también con cierta distancia.
¿Qué sentís que pudiste decir en este
trabajo que en los anteriores todavía no
había aparecido?
Creo que es el disco más “yo” que hice. Los primeros
álbumes los escribí siendo muy chica,
cuando tenía entre 17 y 20 años, y a esa edad
hay algo muy solemne en la manera de mirar el
mundo. Tu dolor más grande suele ser el amor.
Que, visto a la distancia, es casi una maravilla.
Entonces, todo se vuelve muy serio, muy
oscuro.
Siento que Marchita es un universo con una
gravedad muy profunda. Ese mundo también
soy yo, pero con los años la vida me puso
frente a dolores más difíciles de digerir. Y
eso me obligó a mirar hacia la luz. Me tocó
reírme más, contagiarme del humor, sacarme
máscaras. Vendrán suaves lluvias habla de ese
proceso: entender que hay cosas que duelen
demasiado como para quedarse triste todo el
tiempo.
Lo que intenté fue nombrar el dolor con su belleza.
No ir directo a la oscuridad o a la solemnidad,
sino poder jugar también, poder reír y
mirar hacia la luz. Sentir que el espacio es amplio,
vital, aunque al mismo tiempo sepamos
que vivir es difícil.
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Usted Señalemelo
Regalamos nuestra privacidad todos
los días. Sentimos que nadie hablaba
de eso en canciones y que era algo muy
actual. El disco está atravesado por ese
malestar de estar todo el tiempo con el
celular.
Cuarto disco, misma esencia y otra piel
La banda presenta “Términos y condiciones”, un álbum nacido en plena gira que combina
experimentación sonora, reflexión sobre la era digital y una apuesta fuerte al vivo.
POR GABRIEL SOTELO
rupo mendocino, amigos
G
desde los 12 años y hoy con
cuatro discos en la espalda,
Usted señalemelo atraviesa una nueva
etapa con el lanzamiento de Términos
y condiciones, un trabajo que
amplía su universo sonoro sin perder
la esencia que los trajo hasta acá. Entre
la electrónica, la experimentación
y una búsqueda más conceptual, el
trío vuelve a correrse del lugar cómodo
para reinventarse.
El álbum nació en movimiento.
Durante la gira de Tripolar, entre
pruebas de sonido y kilómetros de
ruta, empezaron a componer nuevas
canciones. Esa dinámica terminó
moldeando un disco que mutó en el
proceso, que se dejó atravesar por
lecturas, conversaciones y una pregunta
latente sobre el presente digital
y la exposición permanente.
El concepto, inspirado en reflexiones
sobre el capitalismo de la vigilancia
y la naturalización de aceptar
“términos y condiciones” sin leer,
se convirtió en el hilo conductor de
un repertorio que habla del malestar
contemporáneo. No desde la bajada
de línea, sino desde la experiencia
cotidiana de vivir pegados a una
pantalla.
Con la mirada puesta también en
el vivo —donde la estética y la experiencia
siempre ocupan un lugar
central— la banda se prepara para
una nueva gira que promete sostener
esa búsqueda. Antes, en esta charla,
repasan el proceso del disco, el
vínculo entre ellos y el camino que
los llevó de "vaciar salas" en Buenos
Aires a consolidarse como una de
las propuestas más singulares de su
generación.
Cuarto disco. ¿Qué les pasa
cuando lo dicen en voz alta?
Nos sentimos más viejos. “Cuarto
disco” suena fuerte, pero también
habla de recorrido. Este trabajo es
distinto a los anteriores, aunque
mantiene la esencia. Hay nuevos
sonidos, nuevas búsquedas. Lo
empezamos durante la gira de
“Tripolar”. Probamos componer
mientras estábamos de viaje y nos
gustó esa dinámica. Arrancó más
tradicional en la composición y
después mutó. Empezamos a destruir
canciones y llevarlas hacia
un lugar más electrónico, más
nuevo para nosotros.
El título “Términos y condiciones”
es bastante explícito.
¿De dónde surge?
El proceso se dividió en dos años.
Primero buscamos canciones.
Después encontramos un hilo
conductor muy marcado por
lecturas y diálogos entre nosotros.
Nos atravesó mucho la idea
del capitalismo de la vigilancia,
de cómo se monetiza lo digital
y cómo aceptamos todo sin leer.
¿Lo pensaron desde el vivo también?
Sí. Esta vez lo encaramos con más tiempo.
Pensamos cómo iba a funcionar
arriba del escenario. Cambiamos instrumentos,
equipamiento, nos enfrentamos
a cosas nuevas. Eso da miedo, pero
si no cambiás te estancás. Nos gusta
jugárnosla.
¿Hubo un quiebre concreto?
No uno solo. Fue una suma. El primer
Lollapalooza fue importante. También
Cosquín. Y el Luna Park 360 fue un
momento muy fuerte.
¿Qué recuerdan de ese Luna Park
360?
Fue una locura. El escenario giraba más
de lo que pensábamos. Era una calesita.
Pero la idea era que todos nos vieran
desde todos los ángulos. Fue hecho por
amor al arte, todo lo que entró de dinero
fue al show. Son momentos especiales
que no podés hacer siempre, pero
que marcan.
¿Cuándo empezaron a sumar más
equipo alrededor?
Fue orgánico. Te das cuenta de qué cosas
podés hacer vos y cuáles necesitan
gente capacitada. Hay que aprender a
soltar. Al principio armábamos todo
nosotros y era un caos. Con el tiempo
entendés que hace falta más estructura.
Se los ve muy unidos. ¿Cómo trabajan
el vínculo?
Hace un año y medio hacemos coaching
y terapia de grupo. Nos conocemos
desde los 12 años. Hubo errores,
claro, pero los supimos curar. Es un
proyecto enorme en nuestras vidas y
queremos que dure. No tenerle miedo
al cambio es clave.
Elijan una canción del disco cada
uno...
JUAN: “No puedo dejar” fue la primera
que salió y marcó la estética.
COCO: “Espejo”. Al principio no me
gustaba y después me reencontré y me
encantó.
LUCCA: “Deseo”. Fue la que casi descartamos.
Empezamos de cero y la salvamos.
Marcó el camino.
¿Alguna los sorprendió en la
recepción?
“Dando vueltas” nos sorprendió mucho
en México. Ver cómo reacciona la gente
también forma parte del concepto del
disco.
FOTOS: GENTILEZA PRENSA
46 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

Jason Mraz
“EL SILENCIO ES UNA MANERA DE PROTEGER AL
CORAZÓN FRENTE AL JUICIO”
El autor de “I’m Yours” repasa su recorrido, su idea del amor como práctica,
la industria que cambió y el poema que marcó su salida pública del clóset.
POR ANTONELLA LOPREATO
C
harlar con él se parece mucho a
escuchar alguno de sus temas.
Tiene ese tono calmo y reflexivo,
una curiosidad por lo que todavía no
conoce y la antena siempre prendida para
ver qué devuelve el otro. Esa es, al menos,
la impresión que viene acompañando a
Jason Mraz desde aquella primera vez
que pisó la Argentina, hace dos décadas,
cuando vino a promocionar su proyecto
en formación. Este 27 de febrero regresó
al Teatro Gran Rex con un repertorio
que ya supera los ocho discos de estudio
y una de las canciones más radiadas del
siglo XXI.
A más de 20 años desde que editó
Waiting for My Rocket to Come (2002), el
álbum que lo sacó del circuito de cafeterías
de San Diego y le dio la posibilidad
empezar a vivir de su pasión. En una época
donde el pop masculino estaba dividido
entre el R&B de Usher, el soul de John
Mayer pre-blues hero y los restos del
post-grunge, el artista trajo a la mesa una
mezcla de folk, funk y scat heredado de
Al Jarreau, fraseo que miraba más a Dave
Matthews que al rock alternativo.
Fue afinando la puntería hasta que en
2005 llegó Mr. A-Z, más grande en arreglos,
con metales y aire de big band; que
trepó hasta el puesto cinco del Billboard
200. Entre ese debut y la consolidación
explotó “The Remedy (I Won't Worry)”, el
single que lo empujó de lleno al mainstream
y lo instaló en la rotación fuerte.
Cuando en 2008 lanzó We Sing, We Dance,
We Steal Things, el terreno ya estaba
abonado y apareció “I'm Yours”, un tema
mínimo en estructura, con cadencia reggae
y, que según él, fue escrita entre 15 y
20 minutos.
El éxito le ofrecía el camino clásico del
popstar pero Mraz eligió correrse de ese
encuadre. Vive en una ciudad pequeña,
lejos del circo, donde la rutina no depende
de guardaespaldas. Sus prioridades
pasan por otro lado, como por ejemplo
el surf, la fotografía -en 2008 publicó A
Thousand Things, un libro con 50 Polaroids
tomadas en sus viajes- y los discos
de Steel Pulse, Aswad o la obra completa
de Bob Marley girando en el equipo de
música.
Desde ese perfil bajo sostiene, sin embargo,
una posición pública en temas sociales;
y la bandera queer ocupa un lugar
central en ese posicionamiento: forma
parte explícita de su presente artístico y
personal. En 2011 dio un paso más y creó
la Jason Mraz Foundation, desde donde
financia iniciativas ligadas a la igualdad
de género, la preservación ambiental
y la educación artística inclusiva. Cada
año otorga subvenciones para proyectos
de acceso cultural, seguridad alimentaria
y acompañamiento a comunidades
vulnerables.
Y todo eso, insiste, es posible “gracias
a que su música encontró un lugar en el
mundo”. En diálogo con Billboard Argentina
repasa ese recorrido y abre el juego
hacia temas que exceden la promoción
de un show, desde la lógica de la industria
hasta el impacto que tuvo el poema que
marcó su salida pública del closet.
La mayoría de tus canciones abordan temas
como el compromiso y los vínculos
amorosos. ¿Cómo fue cambiando tu idea
del amor con los años?
Cuando uno es joven, cree que el amor
llega desde “afuera”, que depende de otra
persona que viene a llenar un vacío o a
completar algo que te falta. Lo vive como
un intercambio: alguien te ofrece su amor
y vos lo recibís. Pero con el tiempo entendí
que el amor es algo que se cultiva
desde “adentro”. Nace del mismo lugar
que la música o las ideas. Vivimos el amor
cuando escuchamos al otro, cuando somos
amables, cuando le hacemos espacio
al otro tal como es. Por el contrario, nos
alejamos del amor cuando nos cerramos,
cuando reaccionamos desde la resistencia
o descartamos lo que oímos sin intentar
comprenderlo.
Cuando editaste We Sing, We Dance,
We Steal Things en 2008, “I’m Yours” se
convirtió en un hit, ¿cuándo sentiste que
la canción había tomado vuelo propio?
En realidad, ocurrió antes de que grabara
el álbum. En 2005 subí una versión casera
a mi página de MySpace, cuando el
streaming recién comenzaba a expandirse.
FOTO: SHERVIN LAINEZ
48 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

Durante los dos años siguientes la canción
empezó a circular de forma orgánica, a viajar
por distintos países y a llegar a oyentes
que yo ni siquiera conocía. Fue entonces
cuando entendí que algo especial estaba
ocurriendo. Viajaba por otros países y el
público la pedía, incluso antes de que existiera
una versión oficial. Fue muy especial.
Nunca terminé de entender por qué logró
una conexión tan grande. La escribí rápido.
Siempre la sentí como una especie de
“rima infantil": una melodía simple, directa,
casi en colores primarios. Es fácil de cantar
y, además, habla de buena voluntad, de
entregarse, de ofrecer el propio tiempo a
alguien o a algo.
Puede dedicarse a alguien concreto, a una
idea o incluso a una fuerza superior. Puede
cantarse como una rendición luminosa,
como un acto de confianza en que algo
más grande te sostiene. Tiene una dimensión
espiritual, pero está escrita con la
libertad y la sencillez con la que podría hacerlo
un niño. Creo que esa combinación
es lo que la volvió tan universal.
¿Cómo te llevás con la canción hoy?
La sigo queriendo mucho. Tal vez porque
no nació en una sala de composición ni
con la intención de fabricar un hit. Surgió
desde un impulso libre, improvisando. Me
reconecta con esa frescura inicial y espontaneidad.
Y cuando el público la canta
conmigo, cuando se suman las armonías,
la experiencia se expande. Escuchar a miles
de personas apropiarse de algo que
nació de manera tan íntima es realmente
extraordinario.
¿Qué similitudes ves entre aquella escena
musical de 2008 y la actual?
No reduciría la respuesta a términos musicales.
Creo que la experiencia humana
no cambió mucho. Seguimos buscando la
paz y cierta sensación de calma. Seguimos
tratando de encontrar propósito, sentido,
relaciones que nos importen y amistades
que nos acompañen.
Lo que sí cambió fue el contexto: la tecnología,
el entretenimiento, la forma en que
nos vinculamos. Hoy podemos conversar
por teléfono o a través de una tablet con
una fluidez impensada hace veinte años,
pero el deseo humano sigue siendo el mismo:
comunidad, colaboración, una mesa
compartida y afecto.
La permanencia es lo que me da esperanza,
porque aunque el mundo alrededor se
acelere y cambie constantemente, seguimos
siendo seres sensibles, vulnerables
y necesitados de afecto. Y esa parte, por
suerte, no se altera con ninguna tecnología.manera
en que abordó su identidad en
su discografía.
En 2018 publicaste el poema “I Am BI
Your Side” en Billboard. ¿Qué implicó
para vos hacer pública esa parte de tu
historia después de tanto tiempo?
Fue una experiencia hermosa. Durante
años atravesé ciertas vivencias en silencio, desde
la negación. Por el entorno en el que crecí y el contexto
del que provengo, mis sentimientos -como les
sucede a muchas personas queer- permanecían resguardados
en el closet. A veces, el silencio es una
manera de proteger al corazón frente al juicio.
Con el paso del tiempo, viajando, conociendo personas
valientes y atravesando experiencias que me
transformaron, entendí que era momento de asumir
plenamente quién soy, de abrir esa puerta y darme
la posibilidad de seguir descubriéndome. Compartir
este poema fue el primer paso para habilitar conversaciones
más profundas. Desde entonces, el camino
ha sido hermoso. Amo la vida.
EL RECONOCIMIENTO
DE SU BISEXUALIDAD
En junio de 2018, durante el Mes del
Orgullo, Mraz publicó en Billboard el
poema “I Am BI Your Side”. Tenía 41
años y, a través de ese texto, confirmó
públicamente que era bisexual. La pieza
formaba parte de una serie de cartas
escritas por artistas de la comunidad
LGBTQ+, pero en su caso funcionó
como salida del closet.
El recurso fue un juego de palabras:
reemplazó “by” por “bi”, reformulando
una frase de apoyo en una afirmación
identitaria. Más tarde explicó que el
poema fue su forma de reconocer
experiencias afectivas con hombres,
incluso mientras estaba en pareja con la
mujer que luego sería su esposa.
En entrevistas posteriores señaló que su
entonces novia lo ayudó a comprender
su identidad desde una idea cercana
al concepto “Two-Spirit”, término
surgido en la década de 1990 dentro
de comunidades nativas americanas
para describir a personas que integran
energías masculinas y femeninas.
La publicación marcó un punto de
quiebre en su trayectoria pública y abrió
una nueva etapa en la manera en que
abordó su identidad en su discografía.
¿Recordás cómo reaccionó la gente en ese momento?
Sí, sobre todo me acuerdo de la de mis padres.
Mi papá, en particular, siempre fue muy comprensivo
con mi vida y carrera. En su momento,
yo había hecho algunos posteos en redes donde
empezaba a mostrar más abiertamente esa
parte de mí, y él me llamó. Con su voz sureña,
me dijo: “Hijo, quiero que sepas que estoy muy
orgulloso de vos. Podés hacer lo que quieras en
este mundo”.
Escuchar esas palabras fue como recibir el aval
para desplegar las alas, para levantar la bandera
sin miedo. Saber que mis padres seguían orgullosos
de mí me dio una libertad todavía mayor.
Creo que ese es el mayor temor de cualquier joven:
cómo va a reaccionar su familia.
¿Creés que hoy la industria es más
receptiva a esa “honestidad” que cuando
empezaste?
Sí, totalmente. Mucho más. Cuando empecé,
formar parte de la comunidad LGBTQ+
solía convertirse en el remate de un chiste,
especialmente entre hombres. Se usaban
términos despectivos para generar risas en
programas de televisión. En ese contexto,
plantarse y decir “este soy yo” no era fácil.
Hoy todo cambió, la aceptación es más
amplia. Uno de mis mentores suele decir
que, si viviéramos lo suficiente, todos
terminaríamos encontrando nuestro lugar
en un mundo queer. Lo que hace falta es
abrir el corazón y permitirse vivir las experiencias
que revelan qué formas de amor
son posibles para cada uno. Veinte años
después, siento que estamos mucho más
cerca de eso.
¿Qué aspecto de la fama te resultó más
difícil?
Procuré no construir una vida en donde la
fama fuera invasiva. Nunca me encontré
con fotógrafos en la puerta de mi casa ni
con personas persiguiéndome por la calle.
No viví ese nivel de exposición. En ese
sentido, tuve mucha suerte. Elegí vivir en
un pueblo chico, donde puedo vivir como
una persona más. La gente me trata como
a cualquier vecino.
Pero, si tengo que señalar la parte más “difícil”
de mi trabajo, diría que viajar constantemente.
Vivir entre hoteles y aeropuertos,
atravesar horarios distintos, estar
ajustándose a nuevos ritmos. En este caso,
por ejemplo, viajar a Sudamérica implica
cambiar de idioma y cultura, entender
las formas y las cortesías de cada lugar. Al
mismo tiempo, sabía perfectamente dónde
me estaba metiendo. Quería dedicarme
al entretenimiento, subirme a escenarios,
recorrer el mundo. En cierta forma, era el
tipo de vida que estaba buscando.
Después de más de 20 años en la industria,
¿cómo definís el éxito?
Al principio, mi idea de éxito era bastante
sencilla: poder vivir de la música y no tener
que depender de otro trabajo; y lo conseguí
relativamente rápido. Logré encontrar
un camino para dedicarme a lo que amo y
mantenerme haciendo música. Hoy en día,
el éxito tiene otra dimensión. Hace quince
años, fundé una organización -Jason Mraz
Foundation- que, con el tiempo, se volvió
más clara en su misión y más eficaz en su
trabajo. Operamos en distintas comunidades
de Estados Unidos, a través de becas y
subvenciones. Brindamos apoyo a organizaciones
de artes escénicas y a iniciativas
que promueven la igualdad, ya sea a través
de programas de vivienda o de acciones
legislativas.
Para mí, eso es el éxito hoy, saber que
todo ese impacto es posible gracias a que
mi música encontró su lugar en el mundo.
Poder devolverlo de una manera es lo que
realmente me hace sentir realizado.
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 49

EMERGENTES
David Tagger presenta El poder de los olvidados:
la tribu de la canción
Un álbum grabado junto a referentes
de varias generaciones que recupera
la música como lugar compartido.
POR ANTONELLA LOPREATO
o hubo una idea de decir
"N
‘mirá quiénes están’, sino
de entender por qué están”,
dice David Tagger
cuando repasa la lista de nombres
que firman El poder de los olvidados,
su segundo disco de estudio. León
Gieco, Nito Mestre, Gustavo Santaolalla,
Lula Bertoldi, entre otros,
son algunas de las figuras que se suman
al pelotón de invitados. La idea
empezó a germinar en el año 2023.
Por esos meses, el artista de La Boca
venía tocando en hospitales, espacios
donde -como él mismo cuenta- la
música vuelve a su forma más básica:
alguien canta, otro escucha y algo
sucede.
Así le dio forma a un álbum de
once temas construido como punto
de encuentro, donde se corre del
individualismo que atraviesa buena
parte de la escena y apuesta por lo
contrario. Antes de presentarlo el
4 de junio en La Tangente, el músico
charla con Billboard Argentina
sobre el origen del trabajo, el
valor de la comunidad y lo que se
aprende cuando en el mismo tema
participan leyendas de la canción
argentina con músicos que vienen
de circuitos mucho más chicos.
El disco reúne músicos de generaciones
muy distintas: desde
Gieco y Mestre hasta Bertoldi
o Maggie Cullen. ¿Cómo se dio
ese cruce? ¿Fue algo buscado
desde el inicio o fue apareciendo
de manera natural?
Es un sueño hecho realidad. Solo
al releer los nombres vuelvo a caer
en el proyecto musical que se pudo
lograr. Pero realmente creo que lo
más mágico de todo fue el hecho
de que se dio de forma natural.
Siento que las canciones que fui
componiendo abrieron el juego
para empezar a invitar a diferentes
artistas que se unían por melodías,
por el disfrute de trabajar
en equipo. No hubo una idea de
decir “mirá quiénes están”, sino
entender el hecho de “por qué es
que están”. Eso fue muy importante.
Sin querer, si observás como va
progresando el disco, pareciera que
va de menor a mayor en cuanto
a nombres y carreras. Todos son
importantes para mi. Ciaro Spinetta,
Manu Sija y Lula fueron los
primeros que quisieron sumarse
cuando el proyecto de “álbum” era
solo una semilla que emergió por
un contexto social tan hostil, con
un mensaje tan individualista, allá,
a fines de 2023.
¿Hay algo que aprendiste de
esas colaboraciones que te haya
cambiado la forma de pensar la
música?
Trabajando en el proceso de creación
de este disco aprendí muchísimas
cosas. La idea de lo colectivo a flor
de piel, de realizar un laburo comunitario.
Todos aportaron algo que
embelleció cada canción. No solo los
artistas históricos. Hay muchos otros
que son desconocidos que fui encontrándome
girando por el interior
del país o incluso, músicos que conocí
en Buenos Aires. La idea de la
música como unión. Desde algo tan
interno, dolores tan propios, como
cada uno aportaba ingredientes,
donde después tuve el honor de poder
mezclar y darle esa última pintada
para sacarlo a la luz. Entender
que la música es un lenguaje propio
y universal. No descubrí nada, pero
internamente fue sentir un poder
muy grande, humaniza verlo así.
También, me divertía mucho el hecho
de unir músicos tan importantes
como, por dar un ejemplo, Santaolalla,
Nito, León, en donde, en esa
misma canción, participaron músicos
salesianos que tocan en la iglesia
y en lugares como trabajo social
para los pibes del barrio de La Boca.
Abrir esas puertas maravillosas en
donde la música une contextos, sin
importar quién hace cada cosa, sino
lo hermoso de sentir el aporte.
En tu forma de escribir aparece
mucho la idea de personajes
y relatos. ¿Te interesa pensar
la canción como una pequeña
crónica?
Me gusta mucho la idea de fantasear
con las historias, pero escribo
como hablo. No podría hacerlo de
otra manera. Me interesa que el que
escucha pueda entenderse como
cuando se genera una conversación.
Saber comunicar lo que necesitás
decir. Las composiciones nacieron
desde lo más profundo de mis dolores
y sentimientos. Experiencias.
Sumado al contexto, también está
la vida y el día a día de uno. Noto la
diferencia entre canción y canción
cuando escucho las que hice más a
fines de 2023 y las que hice en 2024,
al enterarme de la enfermedad de
un familiar muy cercano. Ahí se me
despertaron otros temores. Quizás,
lo expongo en tercera persona, como
en “Sorpréndeme al despertar”, pero,
en definitiva, con el tiempo pareciera
que me hablaba a mí mismo. En
“Pienso en los demás”, cuento exactamente
las cosas que fui viviendo.
No lo pienso tanto, sino que realmente
es la única forma en la que
por ahora me sale escribir letras.
50 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

ABRIL
ROSETI 93 - BUENOS AIRES
20:30HS
CIRCULO
DE SONIDO
23HS
VIE 17 PROYECTO GOMEZ CASA
VIE 24 FATO DUO
GALERIA
19 A 21HS
VIE 03
VIE 10
VIE 24
MIGUEL SILVER
VALENCE
STEFFI X VIRGINIA
SOLIMANO
CARLOS ALFONSIN
CHAREC
ISABELLA
VIE Y
SÁB
INAGURACIÓN MUESTRA X
RADICAL SOFTWARE
EVENTOS ESPECIALES
VIE 03
19HS
SÁB 04
23HS
VIE 10
19HS
SÁB 11
23HS
VIE 17
23HS
NICO SORIN PRESENTA
DIARIO ÁRTICO
SLOT B2B NATCHEO
CRUUZ B2B LAURIE
TOMMY SPARKS B2B
JUAN CRUZ
AGENCIA DE VIAJES
LEO GARCIA
GUSTAVO LAMAS
PABLO SCHANTON
ALEJANDRO ROS
DANI NIJENSOHN
SILVER WALKER PRESENTA
SOUL LINE
VINOCIO SELECTOR DJ SET
DEE JASON
CHIRI B2B GONZ LIJTENBERG
DFRA EXPERIENCE
JAZZ BAND LIVE
HIGHLIFE
YU SU
DOBAO B2B HARARI
LULÚ MATHEOU
ESCUCHAS HIFI
SÁB 04
19HS
SÁB 04
21HS
SÁB 11
19HS
SÁB 11
21HS
SÁB 18
19HS
SÁB 18
21HS
SÁB 25
19HS
SÁB 25
21HS
SADE
DIAMOND LIFE 1984
DEPECHE MODE
MUSIC FOR THE MASSES 1987
FIONA APPLE
TIDAL 1996
FRANK OCEAN
CHANNEL ORANGE 2012
AIR
TALKIE WALKIE 2004
ARCTIC MONKEYS
AM 2013
THE XX
XX 2009
MICHAEL JACKSON
OFF THE WALL 1979
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artlabpro.net @artlabpro

V
VIVO
AC DC //
"Esta noche vamos a cantar rock and roll", anunció Brian Johnson apenas agarró el
micrófono, con Angus Young al lado y el Monumental hecho un mar de gente que se
extendía desde el campo y se perdía en las tribunas del fondo. El vocalista parecía
tan sorprendido como todos: 70 mil personas al agite de "AC/DC" mientras la banda
volvía a pisar Argentina después de casi dos décadas.
En el primero de los tres shows que dieron a finales de marzo en contexto de la gira
internacional Power Up, comenzaron con “If You Want Blood (You’ve Got It)” para
luego recorrer distintos momentos del catálogo del grupo con títulos como “Back in
Black”, “Thunderstruck”, “Hells Bells” y “Highway to Hell”.
El cierre llegó con "T.N.T." y "For Those About to Rock (We Salute You)", siguiendo el
ritual de siempre: cañones disparando, humo cubriendo el escenario y un estadio
entero con cuernos de diablo sacudiéndose. Fue el regreso de una banda histórica
que todavía sabe cómo electrizar multitudes y que, muy probablemente, acaba de
protagonizar el espectáculo de rock más grande que se verá este año en la Argentina.
FOTO: @POPIIFT
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MARZO 2026

VIVO
V
// PABLO ALBORAN
El cantautor malagueño llegó al Movistar Arena con su gira global en la cual presenta
su más reciente disco, KM0. La lista de canciones seleccionadas para la velada generó
un viaje apasionado por el amor, el desamor, la libertad y el disfrute. Clásicos como
“Solamente tú”, “Pasos de cero”, “No vaya a ser” y “Saturno” se fusionaron con canciones
más recientes como “Tabú”, “Clickbait”, “KM0” y “Si quisieras”. Al mismo tiempo, el artista
presentó en vivo “Algo de mí”, lanzada apenas una semana antes del show.
Para cantar “Tu refugio”, se encargó de que fuera un momento especial. Para esto,
subió a dos fanáticas al escenario que lo acompañaron durante toda la canción, que
finalizó con un fragmento de “Dónde está el amor”. Entre baladas intensas, momentos
de intimidad y una conexión constante con el público, Alborán convirtió la noche en un
recorrido emocional que reafirma la potencia de su propuesta en vivo.
FOTO: VICKY DRAGONETTI
MARZO 2026
BILLBOARD.AR
53

V
VIVO
ÁNGELA TORRES //
“Esperé 20 años para este momento”, expresó muy
emocionada la cantante en el clímax de su debut en
el Teatro Gran Rex. Acompañada por una banda y un
cuerpo de bailarinas, el show recorrió por completo
su álbum No Me Olvides, incluyendo “Vértigo”, “Oops!”,
“Favorita” y más. Además, sorprendió con reversiones
de “Qué ganas de no verte nunca más” y “Chihiro”, dos
momentos muy festejados por el auditorio.
La velada, previa a lo que fue su show en Lollapalooza
Argentina, también tuvo lugar para otros favoritos de sus
fans, como “La Vida Rosa” y “AWCH”, que se llevaron un
gran protagonismo en el transcurso del show.
FOTO: TOMI RAIMON
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MARZO 2026

VIVO
V
FOTO: GENTILEZA PRENSA
// ALEJANDRO SANZ
Con sus clásicos y su actitud seductora, el español
dominó por completo el escenario del Campo Argentino
de Polo y mantuvo al público eufórico de principio a fin.
Durante las dos funciones sold out que hizo en marzo,
el madrileño no solo presentó su reciente material, sino
que reversionó y homenajeó su discografía consagrada y
multipremiada de más de 30 años. El setlist mezcló pasión
y melancolía, con canciones como “Corazón partío”,
“Amiga mía”, “No es lo mismo” y “Mi soledad y yo”.
Alejandro aprovechó la velada para presentar una nueva
canción junto a Yami Safdie llamada “Cuéntame”. El
momento tuvo lugar en un set con living y mate, marcando
un momento único, íntimo y cálido.
Tras éxitos como “Cuando nadie me ve” y “Y si fuera ella”,
el artista dió fin al espectáculo con “Corazón partío”, que
pasó de iniciar como una balada melancólica a finalizar en
una fiesta con un remix de música electrónica.
MARZO 2026
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55

V
VIVO
// IKV
“Me gusta que se encienda la kuryakillamada y aparezcamos
sobre el escenario", nos había dicho Emmanuel Horvilleur en la
entrevista para la portada de Billboard Argentina en febrero
de este año. Se refería a la existencia intermitente de los Illya
Kuryaki and The Valderramas, cuando en febrero de 2025
regresaron a tocar por una noche en Buenos Aires, mientras
en paralelo seguían alimentando sus sendos caminos solistas.
En marzo pasado dieron una serie de cuatro shows, en cuatro
festivales ubicados en distintos puntos de América: Perú,
República Dominicana, Uruguay y México. La foto en cuestión
es de este último destino, cuando fueron uno de los números
fuertes del Vive Latino 2026, el gran festival del país del norte. El
dúo (que completa, claro, Dante Spinetta) y su banda soltaron
una colección de hits (de “Expedición al Klama Hama” hasta
“Abarajame”) y se llevaron una gran ovación que, probablemente,
les haya dado ánimo para estirar la gira.
FOTO: TONI FRANÇOIS
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MARZO 2026

VIVO
V
// WOS
“Soy nativo, hago lo que quiero, amo
lo argentino / Esos antipatria nunca
van a estar conmigo”, bramó Wos en
el momento freestyle de su show en el
festival Buena Vibra, amplificado por la
guitarra invitada de Nicolás Bereciartúa
y que derivó en el cierre de “La
cochería”. A fines de febrero, en Ciudad
Universitaria, el encuentro que define al
verano porteño estuvo colmado por unas
20 mil personas que también disfrutaron
de los recitales del rapero, pero también
de Marilina Bertoldi, El Kuelgue (que
invitó a Valentín Oliva a que se sumara
en el hit “Parque Acuático”), Usted
Señalemelo, Emmanuel Horvilleur,
Camionero y más.
En su potente set de poco más de una
hora, hizo un recorrido por su discografía
(“Descartable”, “Niño gordo flaco”,
“Luz delito”, “Fresco”) pero generó un
gran coro popular con “Canguro” y
“Arrancármelo”, las más clásicas de su
repertorio todavía joven.
FOTO: POPI GRAÑA
MARZO 2026
BILLBOARD.AR
57

Adriana Calcanhotto
nuestro mundo, ¿te gustaría reforzar esa
característica en el próximo disco?
En Errante se manifiesta con mayor fuerza
porque las canciones hablan del nomadismo,
de pueblos que vagan y cruzan el planeta en
busca de una vida mejor, a menudo desplazados
sin un Estado. Y, al mismo tiempo, de
la vida de una compositora que se cruza con
estos movimientos, vagando también en su oficio
de trovadora, quien, más allá de su oficio,
también vaga por su ascendencia, derivada de
"parte de su sangre judía".
¿Está volviendo al centro de la escena
la “canción decidora”? Me refiero a esa
música popular donde la palabra importa
más allá de lo estético.
Creo que no deja de existir, sino que atraviesa
ciclos de mayor o menor visibilidad debido a tendencias
estilísticas cíclicas.
¿Cuál es la importancia de la música y
la cultura en tiempos donde la derecha
avanza en todo el mundo?
La mayor importancia. Siempre pienso en el
“LA MEMORIA ES FUNDAMENTAL
PARA PRESERVAR LA DEMOCRACIA”
La performer y cantora popular volvió a Buenos Aires más minimalista que de
costumbre y en diálogo con Billboard Argentina reflexiona sobre el momento
de la música y la cultura.
POR FACUNDO ARROYO
C
omo cuando te volvés
a tu casa con ganas de
hacer todo lo que no hacés.
Así es escuchar la música de Adriana
Calcanhotto y así es también
charlar con ella. Contemporánea,
por sobre todo lo demás. Minimalista,
como el único concepto que
acepta decirse. Brote del impacto
del tropicalismo, por supuesto, pero
también alternativa desde el centro,
de John Cage a Matisse, de Picasso
a María Bethania y Joao Gilberto.
Cinematográfica en la forma
en la que Bernardo Bertolucci o
Jean-Luc Godard aprecian lo sonoro
en el arte. En efecto, culta pero
popular.
A fines de abril hizo una nueva visita
a Buenos Aires, presentándose en
Deseo. La cantora nacida en Porto
Alegre (1965) pero afincada desde
hace décadas en Río, no se desconecta
ni un segundo de la vida contemporánea.
Trabaja y reflexiona
sobre las distintas regiones de
Brasil (“Muchos países dentro
de un país”) y se vincula al arte
más actual desde la canción.
Las suyas (que han sido escuchadas
por millones de brasileños
gracias a la presencia de su
obra en los grandes culebrones
de la noche) y las ajenas (gran
traductora del acervo popular
de su país, de Caetano Veloso
al funk más revolucionario
de las favelas actuales). Fiel a
su estilo minimalista, en este
diálogo con Billboard Argentina
no necesita extenderse.
Cuando contesta es simple y
profunda.
¿Cómo se vincula tu obra
en contacto con Buenos
Aires?
Buenos Aires siempre ha sido
una de las pasiones de mi madre,
así que, como siempre
había oído hablar maravillas de
ella. Cuando llegué a la ciudad
por primera vez en 1996, reconocí
varios aspectos del encanto
que mi madre tiene no solo
por la ciudad sino también por
Argentina.
¿Qué significa grabar un disco
en tiempos de canciones
aisladas y playlist para todo?
Significa que ya no existen
modelos tan rígidos para los
lanzamientos y que los artistas
pueden tener más opciones. Me
gustan los álbumes, escucharlos
y crearlos, pero también me
gusta la idea de que los oyentes
puedan disfrutarlos en el orden
que quieran.
En Errante (2023), tu último
disco, hay mucha reflexión
respecto a la composición
sobre la realidad social de
“La música y la
cultura tienen una
gran importancia en
estos tiempos”
ejemplo del papel de las canciones en la resistencia
y la victoria contra el fascismo en Portugal,
en la Revolución de los Claveles. Las canciones
fueron fundamentales y siguen vigentes hoy
en día, en el sentido de no olvidar. La memoria
es fundamental para preservar la democracia.
¿Qué significa ser una cantora popular
en tiempos conservadores y fascistas?
Implica ir a contracorriente aún más. Requiere
más paciencia por un lado y más indignación
por el otro.
¿Qué es lo que más te interesa de la
música joven de tu región?, ¿estás en
contacto profesional con ellos y ellas?
Las nuevas generaciones están más interesadas en
ser ellas mismas, lo que creo que ha ayudado al
mundo en términos de nuevas identidades, nuevas
familias y nuevas formas de crear y consumir música.
Mantengo contacto con algunos jóvenes artistas
de funk y hip-hop y aprendo mucho de ellos.
Son libres, creativos y muy queridos para mí.
¿Cómo creés que suena hoy en día un
disco como Senhas, editado en 1992?,
¿qué podría decir de su maduración en
todos estos años?
Excelente pregunta. No lo sé. Nunca escucho
mis álbumes después de que se lanzan al mundo;
Necesitaría escucharlo todo para poder
responderte. Creo que a los jóvenes les gusta.
FOTO: GENTILEZA PRENSA
58 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

McDonald’s elevó su experiencia en Lollapalooza Argentina
con una hamburguesa exclusiva y el local más grande del país
En charla con Billboard Argentina, el artista colombiano repasó sus inicios, su conexión con el rock nacional y el legado que
construye con nuevas generaciones.al Estadio Malvinas Argentinas en septiembre.
M
cDonald’s volvió a ser parte del
Lollapalooza Argentina, el festival
de música más influyente del
mundo, que se realizó el 13, 14 y 15 de marzo
en el Hipódromo de San Isidro. En su
cuarto año consecutivo como participante,
la marca llevó su presencia a un nuevo
nivel: durante los días del evento operó el
local más grande del país dentro del predio,
con una superficie de 380 m², dos cocinas
de alta capacidad, cuatro puntos de retiro y
15 puntos de venta.
Con una operación especialmente diseñada
para acompañar el ritmo del festival,
el restaurante contó con un equipo de más
de 300 colaboradores —casi cuatro veces
más que un local tradicional— para garantizar
una experiencia ágil y eficiente para
los miles de asistentes que disfrutaron de
los tres días de música.
Además, como parte de esta edición, Mc-
Donald’s sorprendió con el lanzamiento exclusivo
de la McFeatLolla, una nueva hamburguesa
creada especialmente para vivir la
experiencia Lollapalooza al máximo y que
se convirtió en uno de los grandes protagonistas
gastronómicos del evento.
Además de su propuesta gastronómica, la
marca contó con una fuerte presencia en el
predio y actividades lúdicas, reafirmando su
vínculo con las nuevas generaciones y consolidando
su lugar como una de las experiencias
más convocantes dentro del festival.
“Como marca, siempre buscamos estar
cerca de la gente, de nuestros consumidores,
más allá de nuestros productos. Mc-
Donald's es una marca tan emblemática
que trasciende. Somos experiencia y buscamos
siempre diferentes puntos de conexión,
ser relevantes culturalmente. Y eso,
en un evento tan importante, también se
trata de buscar esa conexión sobre todo
con los jóvenes, con la familia, con toda
la gente que vino acá”, dijo Victoria Fernández
Acuña, Sr. Marketing Manager de
Arcos Dorados Argentina, en diálogo con
BIllboard Argentina.
“Este es el local más grande que tenemos
en el país en un festival. Tiene 15 puntos de
pedido, cuatro zonas de retiro, tenemos un
equivalente a casi cuatro cocinas... Ideal para
atender a las miles y miles de personas que
vinieron al festival. Siempre tratamos de presentar
algo distinto y novedoso. Por eso este
año lanzamos exclusivamente para Lolla una
hamburguesa única que se puede consumir
acá en estos tres días, que es la McFeatLolla”,
agregó Fernández Acuña.
“El producto está buenísimo: es pan grande,
queso, carne, cebolla y una salsa súper
icónica nuestra. Eso siempre genera mucha
intriga y ganas de probar. Y la realidad es
que, año a año, creo que nos superamos. Escuchamos
lo que la gente nos dice y tratamos
de hacer propuestas para que se diviertan.
Tenemos también una zona de activación
que nos sirve para fortalecer ese vínculo y
esa relación que tenemos con la gente”, caracterizó.
ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 59

A$AP Rocky
suma a Tokischa,
Imogen Heap y
Clams Casino en
DON’T BE DUMB
El disco editado en enero incorpora nuevos cortes
que conectan el rap de Nueva York con ritmos del
Caribe y elementos de electrónica.
60
BILLBOARD.AR
SAP ROCKY PRESENTÓ SU CUARTO ÁLBUM
A DE ESTUDIO, DON’T BE DUMB,
primer trabajo discográfico
en ocho años. El lanzamiento
suma nuevas piezas que amplían
el proyecto, entre ellas la canción
“FLACKITO JODYE”, grabada
junto a la artista dominicana Tokischa,
y el mashup “I Smoked
Away My Brain”, que reúne a
Imogen Heap con el productor
Clams Casino.
“FLACKITO JODYE” introduce
elementos del dembow y suma
versos en español dentro de un
estribillo dirigido a su audiencia.
El tema llega acompañado por un
videoclip dirigido por el colectivo
AWGE. La pieza
recurre a animación
3D de estilo
retro y toma como
referencia la avenida
St. Nicholas de
Nueva York, conocida
también como
Juan Pablo Duarte
Boulevard. Ese
corredor conecta
barrios como Harlem
y Washington
Heights, zonas asociadas con la
trayectoria de ambos artistas.
Otra de las incorporaciones al
proyecto es “I Smoked Away My
Brain”. La canción combina la voz
de Imogen Heap con la producción
de Clams Casino, colaborador
frecuente en la discografía de
Rocky. El cruce reúne elementos
del indie electrónico con el rap
que caracteriza el catálogo del
artista.
El álbum apareció precedido
por el sencillo “PUNK ROCKY”,
cuyo material visual contó con
una propuesta estética desarrollada
junto a Tim Burton. Tras la
salida del disco, Rocky anunció
una gira que incluirá presentaciones
en Estados Unidos, Canadá y
varios países de Europa.
Nacido en Harlem bajo el nombre
Rakim Mayers, A$AP Rocky
inició su carrera discográfica en
2011. Desde entonces acumuló
más de 25.700 millones de reproducciones
en plataformas digitales
y cerca de 8.800 millones de
visualizaciones en YouTube. Sus
álbumes LONG. LIVE. A$AP y AT.
LONG. LAST. A$AP alcanzaron el
primer puesto del Billboard 200.
En 2018 publicó TESTING, que superó
los mil millones de reproducciones
globales.
Durante los últimos años editó
sencillos como “Babushka Boi”,
“Same Problems?” y “RIOT (Rowdy
Pipe’n)”, este último con producción
de Pharrell Williams. También
lanzó “HIGHJACK” y “RUBY
ROSARY”, grabado junto a J. Cole.
En paralelo a su actividad musical,
Rocky participó en proyectos
vinculados con cine, moda
y diseño. En 2025 ejerció como
copresidente de la Met Gala bajo
el lema “Superfine: Tailoring Black
Style”. Ese mismo año actuó en
dos producciones de la compañía
A24: Highest 2 Lows, dirigida por
Spike Lee, y If I Had Legs I’d Kick
You, dirigida por Mary Bronstein.
Para la banda sonora de Highest
2 Lows compuso e interpretó los
temas “Trunks” y “Both Eyes Closed”.
ABRIL 2026
FOTOS: GENTILEZA SONY MUSIC

ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 61

El gran regreso de Nico Mattioli a la música
Se unió a Ezequiel “El Brujo” y presentan Románticos, un nuevo encuentro para los amantes de la cumbia santafesina
L
uego del gran recibimiento
que tuvo su primera colaboración
hace un año, Nico
Mattioli y Ezequiel “El Brujo”
vuelven a unir sus voces para presentar
Románticos, un nuevo lanzamiento
que reafirma el poder y la
vigencia de la cumbia santafesina
romántica.
En este nuevo trabajo, ambos
artistas recorren algunos de los clásicos
más sentidos del género en un
enganchado cargado de emoción,
donde el romanticismo y la nostalgia
se mezclan con la energía característica
de la cumbia santafesina.
Románticos reúne cuatro canciones
que marcaron época y siguen
conquistando corazones: “No me
acostumbro”, “Me provoca”, “Sos
una buena mujer” y “Aunque te
duela”.
Cuatro historias intensas que res-
piran sentimiento y que, en las voces
de Mattioli y El Brujo, encuentran
una nueva vida. La combinación
de estilos logra un equilibrio
perfecto, conectando con el público
histórico del género y, al mismo
tiempo, acercando estas canciones a
nuevas generaciones de oyentes.
El lanzamiento cuenta con el respaldo
del sello discográfico Garra
Records en conjunto con MOJO,
acompañando la producción y desarrollo
del proyecto para potenciar su
llegada a nuevas audiencias y consolidar
esta unión artística dentro de la
escena de la cumbia santafesina. El
estreno ya se encuentra disponible
en todas las plataformas digitales.
La historia de Nico Mattioli
Nació el 1 de mayo de 1993 y creció
rodeado de música tropical
santafesina. A los 7 años comenzó
tocando el güiro en la banda de su
padre, el legendario Leo Mattioli,
aunque pronto descubrió su pasión
por el acordeón, animándose desde
muy joven a acompañarlo en los
escenarios.
En 2006 se integró formalmente
a la orquesta del León Santafesino
como acordeonista, participando
en giras y grabaciones por todo el
país, donde también empezó a desarrollar
su faceta como cantante.
Tras el fallecimiento de su padre en
2011, con apenas 18 años decidió
continuar con su legado musical.
En 2012 lanzó su primer disco, Una
carta al cielo, un homenaje a Leo
Mattioli que le valió el Premio Gardel
como Mejor Nuevo Artista.
Luego continuó consolidando su
carrera con los álbumes Yo soy tu
sangre mi viejo (2013), Siguiendo
tus pasos (2015), Nuevas Historias
(2016) y Positivo (2017), además de
diversos sencillos y colaboraciones.
Entre sus trabajos más destacados
se encuentra “Me hace doler el pecho”,
interpretado junto a su padre.
En 2022 obtuvo el Premio Gardel
a Mejor Álbum Artista Tropical por
Herencia.
En los últimos años también
realizó colaboraciones con artistas
como Oscar Belondi y El Polaco,
además de lanzar canciones propias
dedicadas a su padre. En 2024 volvió
a ganar el Gardel a Mejor Álbum
Artista Tropical con Porque Te Quiero
y en 2025 fue nuevamente nominado
por Conmigo te gusto. Con
una carrera en constante crecimiento,
Nico continúa llevando el legado
del León Santafesino a nuevas
generaciones mientras consolida
su propio lugar dentro de la música
tropical.
FOTOS: GENTILEZA MOJO
62 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 63

Wolf Alice tocará por primera vez en Argentina
El grupo británico se presentará el 25 de mayo en C Art Media, en el marco de la gira de The Clearing, su cuarto álbum de estudio.
olf Alice se presentará
W por primera vez en Argentina
el 25 de mayo en C Art Media, en
Buenos Aires. El concierto forma
parte de la gira internacional de
The Clearing, su cuarto álbum de
estudio.
El cuarteto surgió en el norte de
Londres y comenzó a circular en
la escena independiente en 2013.
Su primer álbum, My Love Is Cool
(2015), incluyó la canción “Moaning
Lisa Smile”, que recibió una
nominación al premio Grammy.
Tres años más tarde publicaron Visions
Of A Life (2018), trabajo que
obtuvo el Mercury Music Prize.
Luego llegó Blue Weekend (2022),
disco que alcanzó el primer puesto
en el ranking del Reino Unido y
les otorgó el premio BRIT a Mejor
Grupo.
El nuevo material se escribió en el
barrio de Seven Sisters, en Londres,
y se grabó en Los Ángeles junto al
productor Greg Kurstin. El álbum
presenta canciones que combinan
referencias al pop y al rock de décadas
anteriores con una producción
contemporánea.
La banda está integrada por Ellie
Rowsell, Joff Oddie, Theo Ellis y
Joel Amey. Rowsell ocupa el rol de
cantante y compositora principal.
En sus letras aparecen temas vinculados
con relaciones personales,
pérdida y vínculos humanos.
En febrero de 2026, Wolf Alice
recibió el premio a Grupo Británico
del Año en los BRIT Awards, ceremonia
en la que también interpretaron
la canción “The Sofa”. Durante
su discurso, Rowsell se refirió al
cierre de salas de música en vivo en
el Reino Unido y pidió apoyo para
esos espacios.
Antes del tramo sudamericano, el
grupo realizó conciertos en el Reino
Unido, Europa, Australia y Nueva
Zelanda. La visita a Buenos Aires
forma parte de la primera gira por
esta región.
FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC
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ABRIL 2026

COSQUÍN ROCK
SEDAL ARGENTINA BRILLÓ CON UNA
PROPUESTA FEDERAL, AUTÉNTICA Y LLENA
DE MÚSICA
Junto a Lali, se vivió una edición inolvidable de Cosquín Rock 2026,
acercando a los fanáticos experiencias exclusivas y momentos
que quedarán para siempre de la mano de Sedal Argentina.
L
E
n la edición 2026 de Cosquín Rock, Sedal
Argentina volvió a decir presente
en el festival más federal del país con una propuesta
que celebró la música, la identidad y la
libertad de expresión.
“Creemos que la música es una forma de
expresión y el pelo también. Nos interesa estar
donde está la cultura del país y donde está la
gente, y eso es Cosquín Rock”, expresaron desde
Sedal Argentina.
En un festival donde cada persona vive la
experiencia a su manera, el pelo se convierte
en parte fundamental de la identidad. Es actitud,
es estilo, es confianza. “En Sedal entendemos
que el pelo te da esa seguridad para saltar,
bailar y disfrutar sin límites. Estamos acá para
celebrar esa libertad, acercando una propuesta
federal a un festival que, al igual que nuestra
marca, llega a todo el país y nos une a través de
la pasión por nuestros artistas”, destacaron.
Así, la presencia de la marca no fue solo un
sponsorship, sino una declaración de principios:
acompañar a las personas en esos momentos
donde se expresan tal como son.
UN STAND QUE FUE EL “HIGH POINT” DEL DÍA
El espacio de Sedal Argentina fue uno de los
puntos más convocantes del predio. Pensado
como una verdadera Brand Experience, el
stand invitó al público a vivir el festival con
todos los sentidos.
“Las personas que se acercan a nuestro stand
buscan vivir el festival al máximo. Les ofrecemos
una experiencia de peinados increíble
para que se sientan como una estrella más del
line up”, contaron desde la marca.
Peinados festivaleros, looks personalizados
y mucha actitud fueron parte de la propuesta.
Además, quienes participaron pudieron llevarse
premios de merch exclusivos —gorras, abanicos,
lonas y más— convirtiendo el paso por
el espacio en un momento memorable.
“Queremos que ese rato en nuestro stand
sea el ‘high point’ del día, donde además de
divertirse, se lleven un look que los haga pisar
fuerte. Es nuestra forma de materializar el
apoyo de Sedal a la cultura: transformando un
momento cotidiano en una experiencia inolvidable”,
señalaron.
LALI Y UN BACKSTAGE INOLVIDABLE
Si hubo un momento que marcó esta edición,
fue el show de Lali. Embajadora de la marca, su
presencia sintetiza el espíritu de Sedal Argentina:
autenticidad, energía y conexión federal.
“Lali es todo para nosotros. Estamos felices
de acompañarla una vez más. Representa perfectamente
el espíritu de Sedal: es auténtica,
federal y tiene una energía que no para. Tenerla
como embajadora en este escenario es un
orgullo”, afirmaron desde la marca.
Pero la experiencia no se quedó solo en el
escenario. El sábado, día de su show, algunos
ganadores de Sedal Argentina vivieron un
momento único: conocieron a su ídola y disfrutaron
los primeros temas desde las vallas, en
una experiencia exclusiva de backstage.
“Lo más importante para nosotros es compartir
esa cercanía con la gente. Queremos
premiar la fidelidad de nuestros consumidores
cumpliendo el sueño de conocer a su artista
favorita en el backstage del festival más grande
de Argentina”, concluyeron.
Con una propuesta que integró música,
identidad y experiencias inolvidables, Sedal
Argentina reafirmó en Cosquín Rock 2026 su
compromiso con la cultura y con cada persona
que elige expresarse sin límites.
FOTO: GENTILEZA SEDAL
66 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

El Hipódromo de La Plata se consolida como el venue a cielo
abierto más grande de la ciudad y redobla su apuesta cultural
Con un show de Pimpinela, se inaugura una nueva disposición con campo sectorizado y ubicaciones sentadas.
E
l Hipódromo de La Plata
anuncia la inauguración
de una nueva disposición
de campo con ubicaciones sentadas:
una mejora pensada para
seguir elevando la experiencia del
público y adaptarse a las necesidades
de determinados shows de gran
convocatoria.
Consolidado como uno de los
venues a cielo abierto más destacados
de la ciudad, el Hipódromo
de La Plata se ha posicionado en
los últimos años como un espacio
clave para la música en vivo. Bajo
la gestión de la productora Gonna
Go, durante 2024 y 2025 su escenario
recibió alrededor de 20 shows
de primer nivel, con la presencia
de artistas como CA7RIEL & Paco
Amoroso, Abel Pintos, Andrés
Calamaro, Miranda!, Guasones,
Los Fabulosos Cadillacs, Peces
Raros, Wos, entre otros grandes
nombres de la escena nacional e
internacional.
De cara a 2026, la agenda promete
ser igual o incluso más especial,
sumando además una novedad que
se implementará en aquellos espectáculos
que lo ameriten: un campo
sectorizado con localidades sentadas,
diseñado para ofrecer mayor
comodidad y una experiencia más
personalizada para el público.
La nueva disposición contempla los
siguientes sectores:
- Platea Premium
- Platea Gold
- Platea Silver
- Gradas Generales
Esta incorporación se estrenará el
próximo 3 de octubre, con un show
de Pimpinela. Esto se suma a las
comodidades que ya distinguen al
Hipódromo de La Plata, ahora aún
más optimizadas: estacionamiento
dentro del predio, ingresos seguros
y organizados, una oferta gastronómica
y de bebidas de primer
nivel, y la posibilidad de elegir una
experiencia con ubicaciones sentadas
en shows seleccionados.
Con esta nueva propuesta, el
Hipódromo de La Plata, junto a
la gestión de Gonna Go, reafirma
su compromiso con la calidad, la
innovación y el crecimiento de la
escena musical en la ciudad, adaptándose
a distintos formatos y públicos
sin perder la esencia de los
grandes shows a cielo abierto.
Acerca del Hipódromo de La
Plata
El Hipódromo de La Plata atraviesa
una transformación que marca
un antes y un después en la escena
cultural de la ciudad. El histórico
predio ubicado en Avenida 44 y
115 dejó de ser exclusivamente
un espacio vinculado a la actividad
hípica para convertirse en el
venue a cielo abierto más grande
de La Plata, preparado para
recibir espectáculos masivos y
experiencias culturales de primer
nivel.
Este crecimiento se apoya en
un 2025 que fue clave para consolidar
el espacio como escenario
musical. Durante ese año, el ciclo
Noches Capitales transformó el
predio en uno de los epicentros
culturales más importantes de la
región, reuniendo a miles de personas
en una programación que
combinó artistas consagrados y
referentes de la escena actual.
La edición 2025 presentó 11 fechas
y 10 artistas de primer nivel,
conformando una de las grillas
más potentes del año. Por el escenario
del Hipódromo pasaron
figuras como Wos, encargado
de cerrar el ciclo con un show
demoledor ante una multitud,
además de Los Fabulosos Cadillacs,
YSY A, Miranda!, Abel
Pintos, Andrés Calamaro, Peces
Raros, Guasones, Karina y Néstor
en Bloque, entre otros. Cada
jornada reafirmó el potencial
del predio para albergar grandes
producciones al aire libre y
consolidó a la ciudad como un punto
clave dentro del circuito de conciertos
del país.
Tras ese exitoso año, el Hipódromo
continúa profundizando su evolución
como espacio cultural y mantiene
una agenda que reúne a algunos de
los artistas más convocantes del país.
El 18 de abril llegará El Kuelgue, una
de las bandas más originales de la
escena argentina, reconocida por su
mezcla de rock, funk, improvisación
y humor.
El 9 de mayo será el turno de Ke
Personajes, una de las bandas más
populares de la música actual, que
hará vibrar al público con sus hits que
dominan las plataformas digitales.
El predio cuenta además con sectores
diferenciados, espacio VIP con servicios
exclusivos, una destacada oferta
gastronómica local, sanitarios, puntos
de hidratación, estacionamiento y
operativos de seguridad reforzados, garantizando
una experiencia cómoda y
segura para miles de asistentes.
Con infraestructura renovada, una
programación diversa y el respaldo
de un 2025 que demostró su enorme
potencial, el Hipódromo de La Plata
se consolida definitivamente como el
gran escenario cultural a cielo abierto
de la ciudad, un espacio donde la música,
el encuentro y la experiencia colectiva
encuentran un nuevo hogar.
FOTO: GENTILEZA GONNA GO
68 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

Yami Safdie une fuerzas con Alejandro
Sanz para su nuevo sencillo “Cuéntame”
Se trata de un himno de amor poderoso e
intemporal entre la cantante argentina y
la estrella española.
L
a prometedora cantautora argentina
Yami Safdie presenta
su nuevo y muy esperado sencillo
“Cuéntame”, con la participación
del icono mundial Alejandro Sanz; es
una colaboración profundamente emotiva
nacida de un momento de audaz
instinto y destino artístico.
La historia detrás de “Cuéntame” se
remonta a hace un año. Todo comenzó
en los Premios Lo Nuestro, donde
Yami se propuso conectar con Alejandro.
Aprovechando la oportunidad, se
presentó personalmente, compartió su
información de contacto y le envió una
canción que pronto cambiaría el rumbo
de su carrera.
A los pocos días, Sanz respondió con
entusiasmo, expresando cuánto le
encantaba la canción. Poco después,
grabó sus voces para “Cuéntame”, preservando
la esencia y el corazón de la
letra original de Yami: un gesto extraordinario
que subraya tanto su respeto
por su arte como el innegable poder de
la canción.
La colaboración pronto trascendió el
estudio. Posteriormente, ambos artistas
compartieron escenario en Argentina,
consolidando su conexión creativa
y cautivando al público con su química.
Fue allí donde también grabaron
el videoclip oficial, plasmando la
emotiva narrativa de la canción desde
una perspectiva íntima y visualmente
impactante.
“Cuéntame” es una expresión pura de
amor en su forma más auténtica: una
canción destinada a convertirse en la
banda sonora de momentos inolvidables.
Con su letra conmovedora y sus
melodías cautivadoras, el tema captura
la emoción que invita a bajar las
ventanillas, subir el volumen y cantar a
todo pulmón. En esencia, es una oda al
amor: eterno, universal y profundamente
sentido.
Con este lanzamiento, Yami sigue afianzando
su posición como una de las
voces nuevas más cautivadoras de la
música latina, mientras que Sanz demuestra,
una vez más, su incomparable
capacidad para inspirar y conectar a
través de las generaciones.
“Cuéntame” será el primer sencillo de
Querida Yo Deluxe, un próximo proyecto
que Yami obsequiará a sus fans en
los primeros meses del año.
Ampliando aún más su alcance global,
Yami Safdie se prepara para conectar
con el público de todo el mundo en su
primera gira internacional, la Querida Yo
World Tour, con paradas confirmadas
en México, Paraguay, Chile, Argentina,
Francia, España, Alemania, los Países
Bajos e Italia.
“Cuéntame” ya está disponible en todas
las plataformas de streaming digital.
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ABRIL 2026

ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 71

Dominic Fike presenta el single
“White Keys”
El músico estadounidense
difunde una canción
coproducida junto a John
Cunningham, que circuló en
internet meses atrás a partir
de una versión incompleta.
l músico y actor estadounidense
Dominic Fike publicó
E
el single “White Keys”, una
canción coproducida junto a John
Cunningham. El tema comenzó a
circular en Internet meses atrás a
partir de una versión sin terminar que
se filtró y despertó atención entre
seguidores antes de su lanzamiento
oficial en plataformas.
La salida del single llega después
de Rocket, mixtape editado en el
año 2025. El proyecto reúne doce
canciones atravesadas por episodios
recientes de la vida del artista. Entre
los temas figura “All Hands on Deck”,
acompañado por un video grabado
en vivo en el escenario principal de
Lollapalooza, donde Fike aparece
junto a su hijo.
En paralelo a su carrera solista, el
músico trabaja con Kevin Abstract
en el proyecto Geezer. Bajo ese
nombre publicaron el tema “Geezer”,
acompañado por un videoclip.
Fike desarrolla su actividad entre
la música y la actuación. Su discografía
incluye el mixtape Rocket
(2025), el álbum Sunburn (2023) y
el debut What Could Possibly Go
Wrong (2020), un disco de catorce
canciones. Antes de ese lanzamiento
circularon varios EP vinculados al
proyecto Don’t Forget About Me, Demos
(2018).
72 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

Tecnología aplicada a
experiencias de marca
Behind the screens” Lollapalooza Argentina 2026:
cómo potenciar las activaciones desde la tecnología
Con más de nueve espacios de marca activos, un equipo de más de 20 personas en operación y alrededor de 500 m² de pantallas
LED instaladas, Prina vuelve a ser uno de los actores clave detrás de las experiencias visuales del festival.
ada edición de Lollapalooza
C Argentina transforma a Buenos
Aires en uno de los eventos culturales
más relevantes de la región.
Durante tres días, miles de personas
recorren el predio donde, además
de la música, las marcas despliegan
espacios diseñados para generar interacción
y presencia.
En ese entorno, donde la atención
está en constante disputa, la tecnología
visual ocupa un lugar central.
Pantallas LED, contenidos dinámicos
y estructuras integradas a las activaciones
permiten que cada marca
construya su propio espacio dentro
del festival.
Detrás de muchas de esas experiencias,
el trabajo empieza mucho
antes del montaje. Bajo el concepto
de behind the screens, Prina vuelve
a tener un rol clave en esta edición,
participando en más de nueve stands
y acompañando a marcas como
McDonald’s, Santander, Benetton,
Coca-Cola, Citroën, Personal Flow,
Natura, Unicenter y Johnnie Walker,
entre otras.
El despliegue implica un equipo
entre técnicos, operadores y supervisores,
que trabajando en simultáneo
para asegurar el funcionamiento de
cada solución, despliegan en total,
alrededor de 500 m² de pantallas
LED distribuidas en distintos puntos
del predio.
Cada espacio presenta un desafío
distinto. Las soluciones se definen
en función del entorno: ubicación,
luz, ambiente, flujo de público y
tipo de interacción. Esa lectura previa
permite integrar la tecnología de
manera coherente con el concepto
de cada marca.
“Trabajamos en el Lollapalooza
desde su primer edición hace 11
años y eso nos permite entender
cómo se comporta el evento en la
práctica”, explica Fede Charriere,
CCO y Socio de Prina Argentina.
“Cada decisión responde a una necesidad
concreta del espacio y de
la experiencia que la marca quiere
construir”.
Ese recorrido también posiciona
a Prina como un actor que participa
desde etapas tempranas, trabajando
junto a agencias y productoras para
definir qué solución visual conviene
en cada caso.
“Trabajamos muy cerca de las
agencias para integrar la tecnología
de forma armónica. Muchas veces
el diferencial está en elegir el producto
adecuado según el entorno, el
momento del día o el tipo de contenido”,
agrega Fede.
Un ejemplo concreto es el espacio
de McDonald’s dentro del festival,
uno de los puntos con mayor volumen
de operación. Allí, las pantallas
organizan la comunicación de
productos y promociones en función
del flujo de público, acompañando la
dinámica del espacio en tiempo real.
La participación de Prina en el
evento se apoya en la experiencia
acumulada y en la capacidad de
adaptarse a un entorno donde todo
sucede en simultáneo: montaje,
operación, interacción con el público
y exigencias técnicas constantes.
En un festival de esta escala, donde
múltiples estímulos conviven al
mismo tiempo, la tecnología visual
es una herramienta clave para que
las marcas construyan presencia.
Detrás de muchas de esas pantallas
que capturan la atención
dentro del predio, hay un trabajo
previo que combina planificación,
ingeniería y operación.
Un trabajo que, en esta edición,
vuelve a tener a Prina como parte
del desarrollo de esas experiencias.
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ABRIL 2026

ABRIL 2026 BILLBOARD.AR 75

Citroën fue la
automotriz oficial
de Lollapalooza
Argentina
Con un stand cargado de
actividades y la visita de distintos
influencers, acompañó el festival
con el nuevo C4 Híbrido como
vehículo oficial.
C
itroën reafirmó su vínculo con la
cultura, la música y las nuevas formas
de movilidad al convertirse en la automotriz
oficial de Lollapalooza Argentina, producido
por DF Entertainment. En esta edición, el
Citroën C4 Híbrido fue el vehículo oficial del
festival, acompañando una experiencia que
celebró la innovación, la creatividad y la conexión
con nuevas audiencias.
La participación de Citroën en Lollapalooza
se enmarcó en la estrategia de la marca de
acercarse a los públicos urbanos a través de
experiencias contemporáneas y relevantes, alineadas
con su posicionamiento. El C4 Híbrido,
protagonista del festival, representa esta visión
al combinar diseño, tecnología y eficiencia,
ofreciendo una propuesta de movilidad moderna
y adaptada a los nuevos hábitos de los
usuarios.
Como parte de su presencia en el festival,
Citroën tuvo un espacio de exhibición exclusivo
donde los asistentes pudieron conocer de
cerca una selección de modelos que reflejan la
diversidad y evolución de su portfolio. Entre
ellos se destacó el Citroën C5 Aircross, presentado
en formato avant-première, anticipando
próximas novedades de la marca. La exhibición
se completó con el nuevo Citroën C4
Híbrido en su versión MAX, el Aircross XTR,
el Basalt Dark Edition y el Citroën C3 YOU!,
propuestas que responden a distintos estilos de
vida y necesidades de movilidad.
En el marco de Lollapalooza Argentina
2026, Citroën desplegó además un stand
concebido como un espacio integral de juego,
confort y experiencias en modo festival. Más
que un punto de activación, el stand funcionó
como un verdadero punto de encuentro dentro
del predio, pensado para que los asistentes pudieran
divertirse, recargar energías entre shows
y generar contenido, combinando entretenimiento,
diseño y tecnología.
El universo Citroën invitó a participar de
experiencias lúdicas durante las tres jornadas,
como el Pelotero Citroën, un clásico reinventado
en clave festival, y el Citroën Paper Rush,
una activación de alto impacto visual que pone
a prueba velocidad y reflejos. A lo largo de los
tres días, la marca entregó premios de manera
constante y contó además con un Studio Urbana
Play desde el stand, desde donde se realizaron
entrevistas y generación de contenido en vivo
con artistas e invitados especiales. La propuesta
se completó con activaciones fuera del stand,
incluyendo unidades exhibidas intervenidas con
auriculares gigantes, que se convirtieron en un
photo opportunity icónico donde la movilidad y
la música se fusionan.
Con esta participación, Citroën consolidó su
presencia en uno de los eventos culturales más
relevantes del año y reforzó su compromiso con
una movilidad accesible, eficiente y alineada
con las expectativas de las nuevas generaciones,
integrando producto, experiencia de marca y
cercanía con el público en un entorno donde la
música y la innovación se encuentran.
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ABRIL 2026

X
LO MEJOR
DEL 2026
SABRINA CARPENTER
CHAPPELL ROAN
Y MÁS
DJO
ACTUAR PARA VIVIR
78
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ABRIL 2026

La
fiesta
interminable
La undécima edición reunió a más de 300 mil
personas en San Isidro y dejó un recorrido que fue
del hardcore al pop, con shows de Tyler, The Creator,
Turnstile, Chappell Roan y Sabrina Carpenter.
POR ANTONELLA LOPREATO
el 13 al 15 de marzo, Lollapalooza
Argentina celebró
D
su undécima edición en el
Hipódromo de San Isidro. Lo que
hace poco más de una década parecía
un experimento importado -la
idea original del festival creado por
Perry Farrell para despedir a Jane's
Addiction a comienzos de los
90- hoy ya forma parte estable del
calendario cultural porteño. Más
de 300 mil personas pasaron por
el predio a lo largo de tres jornadas
que, como cada año, sirvieron como
una foto del presente musical.
La grilla volvió a mezclar escenas y
generaciones con más de cien artistas
repartidos en cinco escenarios.
En la primera línea aparecieron
nombres globales como Sabrina
Carpenter, Tyler, The Creator,
Chappell Roan, Deftones, Skrillex,
Lorde, Doechii, Turnstile y
Lewis Capaldi, con Paulo Londra
como único argentino en ese primer
pelotón.
Billboard Argentina estuvo presente
durante los tres días del festival.
Acá, un repaso por algunos de
los momentos más destacados.

TURNSTILE
EL HARDCORE LLEGÓ AL PRIME TIME
TYLER, THE CREATOR
SE LLEVÓ LA NOCHE (Y UNA BANDERA DE MESSI)
La última vez que la banda de Baltimore pasó por el festival
fue en 2022 -aunque regresaron a la Argentina en 2024
con un show en Vorterix-. También el viernes, primera jornada
del festival. Tocaban en simultáneo con Miley Cyrus y el escenario
estaba a contramano del centro del predio. Tres años
después, regresaron al Hipódromo de San Isidro pero esta vez
como uno de los nombres fuertes de la grilla, previo a Tyler,
The Creator.
El repertorio se respaldó principalmente sobre Never Enough
(2025) y Glow On (2021), empezando con el tema que da
nombre al disco nuevo y cerrando a puro pogo con "BIRDS".
En el medio aparecieron "I CARE", "MYSTERY" y "BLACKOUT",
además de una visita a Nonstop Feeling (2015) con el bestial
"Drop".
En la portada de marzo de Billboard Argentina ya lo habían
planteado: la discusión sobre si son "lo suficientemente hardcore"
nunca tuvo demasiado peso, y el show lo confirmó una
vez más. A esta altura, el grupo liderado por Brendan Yates se
permite ir a donde quiera. Después de levantar dos Grammy
(incluido el de Mejor Álbum de Rock) oscila entre rock alternativo,
dream pop y lo que haga falta. De todos modos, alcanza
con verlos en vivo para entender que, más allá de los rótulos,
esto sigue siendo hardcore.
Antes de que el rapero de Hawthorne pisara el escenario,
ya había una versión suya plantada en el predio, frente
a el predio. Un inflable gigante con la estética de Don't Tap The
Glass (2025) servía como punto de encuentro y lugar ideal para
tomarse fotos, como si el festival estuviera entrando en calor
para lo que se venía. Cuando finalmente apareció el Tyler de
carne y hueso, atacó con "Big Poe" y puso en marcha un recorrido
por su propia historia. Hubo varios pasajes de su último
disco, también a Chromakopia (2024) y, por supuesto, esos
hits que el público siempre espera: "Earfquake", "Are We Still
Friends?" y "See You Again".
El artista no paró un segundo: presentó 19 temas, caminó el
escenario de punta a punta, agitó al campo, se rió del VIP y
también de sí mismo. Recordó cuando canceló su paso por
Lollapalooza Argentina 2018 y, entre carcajadas, se adelantó
al chiste e invitó al público a que lo llamara "puto", midiendo la
picardía de sus fans.
En medio del show pasó uno de esos momentos bien argentinos.
Desde el público voló una bandera con un montaje del
cantante levantando la Copa del Mundo junto a Lionel Messi
y La Scaloneta. El artista la levantó, la mostró como trofeo y el
Hipódromo explotó. A partir de ahí todo fue in crescendo, con
canciones como "Who Dat Boy", "NEW MAGIC WAND", "Tamale",
"WUSYANAME". El cierre llegó con miles de personas
todavía empujando hacia adelante, como si nadie quisiera que
la noche se terminara ahí.
EL CABARET POP DE CHAPPELL ROAN
Sombreros de vaquero, pelucas rosas, glitter en la cara y más de una chica
dragueada entre el público: el fandom de Chappell copó temprano la segunda
jornada del festival para presenciar su debut argentino. El sábado por la noche, la cantante
de Misuri montó su propio cuento (con castillo incluido) en el Flow Stage. Una historia
que viene escribiendo desde The Rise and Fall of a Midwest Princess (2023), donde
su personaje va y viene entre diva de teatro, bruja de melodrama gótico y heroína queer
escapada de un cabaret perdido en el Midwest.
Con una banda formada íntegramente por chicas, el show fue subiendo entre melodías
enormes, épica y synth-pop ochentoso con espíritu dosmilero. "Femininomenon",
"After Midnight", "HOT TO GO!" -con el campo entero haciendo la coreo de TikTok a lo
"YMCA" (Village People)- y "Red Wine Supernova" generaron euforia entre el público.
La apuesta por poner a las mujeres en primer plano recorrió toda la presentación, hasta
en el cover de "Barracuda" de Heart -pioneras del hard rock con liderazgo femenino-,
que metió una dosis de rock clásico en medio de todo ese carnaval pop. "Good Luck,
Babe!", "My Kink Is Karma" y "Pink Pony Club" fueron el trío encargado del epílogo.
FOTOS: POPI GRAÑA (DOECHII) / DF ENTERTAINMENT
80 BILLBOARD.AR
ABRIL 2026

DEFTONES
TRES DÉCADAS EN VIVO
En la tercera jornada apareció uno de los nombres más veteranos de
la grilla. Deftones volvió a pisar Buenos Aires y el recibimiento fue el de
siempre: devoción total. Ya había pasado varias veces por acá -en 2001 como
soporte de Red Hot Chili Peppers, y después en 2007, 2012 y 2018- y ese
vínculo con el público local se fue soldando show a show. Esta vez regresaron
con Private Music, su décimo disco de estudio y el primero en cinco años, una
excusa perfecta para recorrer tres décadas de esa mezcla entre metal y rock
alternativo que terminó convirtiéndolos en una banda reverenciada.
El recital fue y vino entre distintas épocas del catálogo, aunque el arranque
dejó claro que el presente pesa. "My Mind Is a Mountain", "Locked Club" e
"Infinite Source", del nuevo álbum, sonaron compactas y densas, con ese equilibrio
entre guitarras pesadas y atmósferas que la banda viene puliendo desde
White Pony (2000). En el medio fueron cayendo los clásicos tal como "Be
Quiet and Drive (Far Away)", "Diamond Eyes", "Rocket Skates", "Swerve City",
"Rosemary", "Hole in the Earth", con momentos más etéreos, entre ellos, "Sextape",
donde el campo entero bajó un cambio.
Como suele pasar en sus visitas, Chino Moreno charló poco. Y a pesar del
apellido y de su ascendencia mexicana, no soltó una sola palabra en español.
Apenas se tomó un momento para agradecer al público bonaerense y dejó
que el show hablara por sí solo: el peso de las guitarras de Stephen Carpenter,
la base precisa de Abe Cunningham y esa voz capaz de pasar del susurro
al alarido en cuestión de segundos. El tramo final terminó de confirmarlo con
"Change (In the House of Flies)", "Genesis", "Headup" y "Milk of the Madonna".
DOECHII
LA NUEVA SENSACIÓN
Nacida en Tampa, Florida, Doechii empezó a circular fuerte
en redes con "Yucky Blucky Fruitcake", un track que explotó
en TikTok y terminó llamando la atención de la compañía discográfica
estadounidense Top Dawg Entertainment. El ruido fue tal que, apenas
unos años después, su nombre apareció entre los artistas elegidos para
cerrar los tres días de Lollapalooza Argentina.
Fue un show de pura presencia escénica: rapeó a toda velocidad,
cambió de registro cuando quiso y recorrió el escenario como si ya
hubiera estado ahí mil veces. Con una base de bailarinas y una puesta
que alternó momentos libres con pasajes coreografiados, el repertorio
estuvo más bien basado en Alligator Bites Never Heal
(2024), el disco que la terminó de consagrar con el Grammy
a Mejor Álbum de Rap en 2025: "Persuasive", "Boiled Peanuts",
"Spookie Coochie", "Nosebleeds", "Crazy", "Bullfrog"
(sample de "C.R.E.A.M." de Wu-Tang Clan incluído) y el
megahit “Anxiety”, con el que terminó de poner caliente
las cosas.
La intensidad fue tal que el público, mezclado con
las fans de Sabrina Carpenter que desde temprano
esperaban a su popstar favorita, se comprimió
por demás y se provocaron avalanchas
contra el vallado. El show debió ser frenado
justo cuando estaba cantando
“Nissan Altima”, pero después de
unos minutos la retomó
como si nada y
encaró el tramo
final de su
set.
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SABRINA CARPENTER
REINA DEL CIERRE
Varios minutos antes de que saliera a
escena, el escenario principal ya era un
mar de gente. La estadounidense apareció
para cerrar el Lollapalooza Argentina frente
a un predio exhausto de calor. Dos años
después de haber pasado por Buenos Aires
como telonera del Eras Tour de Taylor Swift
en River, la cantante volvió como protagonista.
Llegó con Man's Best Friend (2025)
bajo el brazo, aunque con el arranque del
set miró hacia atrás: "Busy Woman" y "Taste",
de Short n' Sweet (2024), abrieron el musical pop.
La puesta era grande y teatral: escenografía con
estética setentera, coreografías minimalistas y
una narrativa visual que recordaba a Dolly Parton.
Canta, baila y juega con un repertorio donde
el sweet pop convive con letras seductoras
e irónicas. Después de "Taste" llegó "Good Graces",
uno de los segmentos más bailables del
show, y más adelante "Slim Pickins", una balada
country que le dio un respiro al ritmo del set.
En el medio apareció uno de los momentos más
esperados: el interludio del "arresto",
parte del ritual que la cantante viene
repitiendo en esta gira y que en Buenos
Aires tuvo a María Becerra como
protagonista antes de que sonara
"Juno". "Please Please Please", "Don't
Smile" y "Espresso" terminaron de llevar
al público a cantar cada estribillo
a los gritos. Entre sarcasmo, revancha
y sensualidad, Carpenter bajó el telón
del festival.
EL ORGULLO LOCAL
Más allá de los nombres internacionales,
Lollapalooza Argentina volvió a demostrar
que la escena local todavía tiene bastante
para decir. Ratones Paranoicos subió al escenario
para recordar por qué siguen siendo un
capítulo central del rock argentino. La banda
de Juanse, Sarco, Roy y Memi repasó clásicos
como "La nave", "Rock del pedazo", "Cowboy"
y "Vicio". Hubo también un momento emotivo
con "Para siempre", el tributo a Diego Maradona,
y en una de las sorpresas de la noche, CA-
7RIEL & Paco Amoroso se sumaron para una
versión eléctrica de "Sigue girando".
Soledad protagonizó otro de los fuertes del
festival: fue la primera gran figura del folklore
argentino en formar parte de la grilla. La cantante
de Arequito se tomó el desafío en serio y
armó un set que cruzó tradición y pop nacional,
subiendo al escenario a los Miranda! para
un medley. Más temprano también hubo lugar
para artistas que vienen agitando la escena
desde otro costado. Marttein, referente del
under porteño, abrió el Alternative Stage con
una actitud que no dependía del tamaño del
público.
Algo de eso también pasó con Ángela Torres
en el Samsung Stage, donde dejó ver su flexibilidad
entre el pop y la canción popular. Hubo
momentos más bailables -como los covers de
"Luna de miel en la mano" de Virus, y "Girls
Just Want to Have Fun" de Cyndi Lauper-,
pero también lugar para el homenaje. Antes de
cantar "Como la cigarra", la canción de María
Elena Walsh que popularizó Mercedes Sosa, la
artista recordó que se cumplen 50 años del inicio
de la última dictadura militar y dejó un mensaje
claro sobre Memoria, Verdad y Justicia.

DJO
CONEXIÓN CON NUESTRO PAÍS, FANATISMO POR BOCA
Y UN PRIMER SHOW INOLVIDABLE
El cantante y actor
estadounidense llegó a
nuestro país bajo el marco de
Lollapalooza Argentina 2026.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
D
JO es el proyecto
musical del actor,
productor y compositor
Joseph David Keery, más
conocido como Joe Kerry.
El camino de esta obra nace
durante los años 2018 y 2019,
luego de separarse de su primera
banda, Post Animal, de
la que fue fundador y formó
parte desde 2014 hasta 2018.
“Empecé a trabajar en Stranger
Things y quería seguir teniendo
un proyecto donde volcarme y
poder ser yo mismo”, compartió
en charla con Billboard Argentina
en la previa a su show
en Lollapalooza Argentina
2026.
Entre la actuación y la música,
DJO encontró el tiempo
durante 2019 para lanzar
el álbum debut con el que se
presentaría al mundo, Twenty
Twenty. Así confirmó su pasión
por esta industria y afinó el talento
para interpretar los sonidos
eclécticos que lo caracterizan
hoy en día. Tres años más
tarde llegaría Decide, obra en
la que está su mayor éxito hasta
la fecha: “End Of Beginning”
FOTOS: @POPIIFT
EL ÉXITO GLOBAL DE “END
OF BEGINNING”
La canción se estrenó en
2022 y ya denotaba un sonido
especial, transportando
al oyente a los años 80’ y
90’, con sintetizadores a
los que ya no estamos tan
acostumbrados. Además,
habla de una sensación real,
del amor y cariño que le tiene
a la ciudad que lo vio crecer,
Chicago, y lo difícil que es
para uno dejar ir el pasado.
Es gracias a esta historia y
la viralidad que logró en 2024
y 2025, que “End Of Beginning”
convirtió a DJO en el
primer artista con una serie #1
en Netflix (Stranger Things) en
llegar al N°1 del Billboard Global
200 -marca alcanzada a finales
de 2025- y al N°6 del Billboard
Hot 100, en febrero de este
2026.
Argentina no sería distinto, ya
que a finales de 2025 y principios
de 2026, la canción se posicionó
en el N°18 del Billboard Argentina
Hot 100, su puesto más alto
hasta la fecha. “Nunca pensé que
iba a tener este recibimiento,
se nota que es una canción que
aman tanto como yo”, dice.
ÚLTIMOS ÁLBUMES Y
LOLLAPALOOZA ARGENTINA
2025 fue el año más productivo
para DJO y su banda. Con
Stranger Things ya finalizada
luego de 10 años, llegó el
momento de volcar su tiempo a
la música. The Crux y The Crux
Deluxe fueron la prueba de ello.
Lanzados en abril y septiembre
respectivamente, esta serie es el
mayor reflejo del estilo de DJO
hasta la fecha: sintetizadores, pop
psicodélico, batería y viola como
protagonista. Con 24 canciones
entre los dos, el trabajo marcó
el final de una etapa para Joe, y
dejó claro por qué se convirtió
en una de las mayores estrellas
internacionales de los últimos
años. El público argentino pudo
disfrutar de sus canciones en vivo
por primera vez bajo el marco de
Lollapalooza Argentina el jueves
12 y viernes 13 de marzo.

“Sé que hago música
algo ecléctica,
pero ahí está lo
divertido, probar
y experimentar lo
máximo que uno
pueda”
¿CÓMO TE RECIBIMOS POR
ARGENTINA, DJO?
La verdad que muy bien, estoy muy contento
de estar acá con ustedes. Vine algunos
días antes y estuve paseando por el sur
de su país y también por Chile. Después
crucé al Chaltén y pude ver unos lugares
hermosos. Más tarde viajamos para Buenos
Aires y por suerte ya pude disfrutar de
unos buenos paseos y comida.
VIMOS QUE ESTUVISTE POR LA
CANCHA DE BOCA JUNIORS, ¿CÓMO
FUE LA EXPERIENCIA PARA VOS?
¡Exacto, vamos Boca! (risas). Ya soy un
completo fan, sé que hay muchos equipos
más pero ellos me invitaron y me recibieron
con mucho cariño. Me hubiera gustado
saber algunas palabras y canciones que
estaban cantando porque parecía que estaban
pasando un gran momento.
¿TENÍAS ALGUNA RELACIÓN CON
NUESTRO PAÍS ANTES DE CONFIRMAR
TU SHOW EN LOLLAPALOOZA?
Absolutamente, tengo un amigo argentino pero no
había podido visitar el país antes, así que es una
gran primera vez. Esa es una de las razones por las
que fui a la Patagonia, él me quería mostrar el hermoso
paisaje que tienen por ahí. También conocía
el nivel de la carne que iba a comer y los buenos
vinos que íbamos a tomar, estuve investigando mucho.
Al ir al partido también me di cuenta lo apasionados
que son, todos unidos.
¿RECORDÁS EL MOMENTO DONDE COMENZÓ EL
PROYECTO DJO Y DEJASTE DE LADO A JOE?
Claro que sí, lo tengo muy presente. Yo tenía
una banda, Post Animal, en Chicago, cuando
vivía ahí luego de recibirme del colegio.
Cuando dejé de tocar en esa banda, allá por
el 2015, 2016, que es cuando empecé a trabajar
en Stranger Things, decidí seguir haciendo
música por mi cuenta, y ahí es cuando todo
nace. De a poquito fue tomando forma porque
tenía que compaginarlo con la actuación,
y eso me ayudó también a seguir con los pies
en la tierra porque está bueno tener algo donde
volcarse siendo uno mismo.
FOTOS: @POPIIFT
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ABRIL 2026

FOTOS: @POPIIFT
¿FUE DIFÍCIL PARA VOS
MEZCLAR LOS DOS
MUNDOS?
Viéndolo ahora siento que
fui muy afortunado por
cómo se dio todo. Tuve
suerte al conseguir ese
trabajo y por supuesto me
ayudó también al reconocimiento
en lugares que nunca
hubiera imaginado. Los
dos mundos son realmente
muy divertidos para mí, no
lo haría si no lo sintiera de
esa manera.
TU ÁLBUM PODRÍA SER
UNA GRAN BANDA
SONORA PARA EL SUR
ARGENTINO, LOS SONIDOS
TRANQUILOS, LA
INSPIRACIÓN…
¡Gracias! De hecho, escribí
muchas de las canciones
cuando estaba en Calgary
(Canadá), en una región al
norte de las famosas Montañas
Rocosas, y hubo muchas
similitudes que después
pude encontrar entre
ese lugar y el sur argentino.
SIRVIÓ DE INSPIRACIÓN,
¿VERDAD?
Fue muy inspirador, claro
que sí. También me sirvió
mucho estar en Buenos Aires
estos días. Cuando estás
fuera de tu casa y no estás
pensando en trabajo es donde
salen las mejores ideas.
CUANDO ANUNCIARON TU
SIDESHOW TUVIERON QUE
CAMBIAR DE VENUE POR LA
GRAN DEMANDA, ¿QUÉ TE
HIZO SENTIR ESE APOYO?
Me puso muy contento
porque significa que iba a
poder cantar con mucha
gente al mismo tiempo, era
algo que realmente estaba
esperando.
¿CÓMO MANEJASTE LOS
TIEMPOS DURANTE 2025
PARA ESTRENAR DOS
ÁLBUMES?
Pasamos mucho tiempo
trabajando en ese grupo
de canciones. Cuando
estrenamos The Crux
quedaron canciones sin
publicar y sentimos que
sería algo bueno poder
ubicarlas en otro espacio,
simplemente lanzarlas.
Tomar la decisión de
Billboard Global 200:
Alcanzó el No. 1 en el chart con
fecha del 17 de enero de 2026.
TikTok Billboard Top 50:
Alcanzó el No. 1 por primera
vez el 2 de marzo de 2024 y
lo mantuvo por más de 34
semanas no consecutivas.
Billboard Hot 100:
Logró un nuevo máximo
histórico al subir al No. 6 en
enero de 2026, superando
su pico anterior de No. 11
alcanzado en marzo de 2024.
Billboard Argentina Hot 100:
Llegó al N°18 del chart nacional
el 11 de enero de 2026.
llamarlo Deluxe hace que
no se sienta completamente
separado, sino que es parte
de un mismo paquete.
De alguna manera funcionó.
No era la idea principal,
ni mucho menos, pero empezó
a tomar forma a medida
íbamos dando shows y
viendo la reacción del público.
Había muchas canciones
que no habían salido pero
que en el vivo cobraban un
sentido especial. De esa
manera nos encargamos de
poner cada pieza una a una
y que todo cobrara forma.
¿QUÉ CANCIÓN ES LA
QUE MÁS QUERÉS TOCAR
CON NUESTRO PÚBLICO?
Hicimos varios cambios en
el set con respecto a otros
shows por lo que estoy
deseando escuchar los momentos
de jam que planeamos.
Sam Jordan, en la
banda, también tiene un riff
que quiero ver en vivo con
su público sí o sí. En cuanto
a canciones, quiero ver la
reacción con “Awake”, que
empieza tranquilo y después
explota al final. Igualmente
estoy nervioso.
¿ALGUNA VEZ
IMAGINASTE EL ÉXITO
QUE TUVO “END OF
BEGINNING”?
No, para nada. Es algo que
no se puede predecir. Estoy
contento no sólo por los
números sino también por
el recibimiento del público,
se nota que es una canción
que aman de verdad. Fue
una locura que haya podido
“renacer” de esta manera.
¿QUÉ SIGUE PARA VOS
ESTE AÑO?
Estoy muy emocionado
porque estoy trabajando en
nueva música y planeando
unas vacaciones. De hecho,
estoy pensando en volver
a la Patagonia para ver
más naturaleza. En verano y
otoño tenemos más shows
también así que vamos a
estar trabajando mucho
para que todo salga bien.
La verdad es que todo es
más fácil cuando tenés un
lindo equipo y podés trabajar
con amigos y una banda
como la mía.
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12, 13 Y 14 DE
MARZO 2027
Hipódromo de San Isidro