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Indio Solari ingresó 36 canciones al
Billboard Argentina Hot 100
El ranking registró una alta presencia de temas de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
y de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado tras la muerte del artista, ocurrida el 5 de junio.
E
l Billboard Argentina Hot 100 registró en la semana del
15 de junio el ingreso de 36 canciones del repertorio del
Indio Solari. La cifra incluye temas de Patricio Rey y sus
Redonditos de Ricota y con Los Fundamentalistas del
Aire Acondicionado, marcando uno de los movimientos
de mayor volumen para un artista dentro del ranking.
Esto ocurrió tras el triste fallecimiento del artista, quien murió a los
77 años en su casa de Parque Leloir, en el partido de Ituzaingó, Gran
Buenos Aires. Solari padecía del mal de Parkinson desde hacía casi
una década, diagnóstico que hizo público en 2016.
El impacto también llegó al Top 10. Seis canciones quedaron ubicadas
en esa parte de la lista: “Un ángel para tu soledad”, “La bestia
pop”, “Un poco de amor francés”, “Encuentro con un ángel amateur”,
“Todo un palo” y “Vencedores vencidos”. En esos primeros 10 puestos,
la obra de Solari compartió espacio con “Puñaladas”, de Amigos
de Artistas, Lauta y Tote; “Swim” de BTS; y “De lejitos” de Jay
Wheeler.
El antecedente inmediato ya incluía algunas apariciones de su repertorio.
En los últimos años, “Ji ji ji” y “Un ángel para tu soledad” ingresaron
al Billboard Argentina Hot 100. La entrada de esas canciones
también volvió a ubicar al rock en el centro del ranking. Entre los
nombres del género que aparecen en el chart figuran Tan Biónica,
Enanitos Verdes, Airbag, Los Piojos y Andrés Calamaro.
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Contenido
INTRO
13. Indio Solari eterno
NOTA DE TAPA
30. Cypress Hill
ENTREVISTAS
14. Lil Supa
26. Nico Cotton
28. Lisa Cerati
48. Ryan
54. Lisan Beat
ESPECIALES
16. Billboard Showcase: Agus Bernasconi
18. En La Cabina
20. El disco nuevo de The Rolling Stones
22. Un día con POMME
24. Billboard Acustic
40. Vivo
50. Track x Track: El Doctor
52. ExTi llega a FIFA Rivals
56. 30 años de Tidal, el clásico de Fiona Apple
58. Discos del mes
60. Emergentes
62. Lanzamientos
EN LA TAPA
Cypress Hill, por Eitan Miskevich
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A R T I S T A S
A R G E N T I N O S
1
Amigo de Artistas, Lauta, Tote
PUÑALADAS
8 SEMANAS EN EL #1 20 SEMANAS EN EL CHART
2
UN ÁNGEL PARA TU SOLEDAD
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
3
LA BESTIA POP
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
4
UN POCO DE AMOR FRANCÉS
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
5
ENCUENTRO CON UN ÁNGEL AMATEUR
Los Fundamentalistas
del Aire Acondicionado
6
TODO UN PALO
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
7
VENCEDORES VENCIDOS
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
8
DOS AMANTES
Tini, Ulises Bueno
9
ESA ESTRELLA ERA MI LUJO
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
10
JI JI JI
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
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INTRO
El día en que el Indio Solari
se volvió eterno
Artista inigualable, hombre de la psicodelia, letrista singular, fenómeno de masas.
Murió a los 77 años después de batallar durante una década contra un mal de Parkinson.
POR EZEQUIEL RUIZ
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D
urante la semana que siguió
a su muerte, en Buenos Aires
no salió el sol. Y si bien toda
su vida le esquivó a las metáforas
fáciles, esa imagen, plomiza
y terca, lo pudo haber
inspirado: Carlos Alberto Indio Solari dejó
este mundo en la fría mañana del viernes 5
de junio de 2026. Como ocurre cada vez que
se desata algo tan enorme, inabarcable e inevitable
como es la muerte, todos recordaremos
por siempre qué estábamos haciendo
cuando nos enteramos de la noticia. Y sin
tenerlo 100% confirmado, permítanme la primera
persona, puedo asegurar que en ese
momento todos atinamos a volver a su música,
ese refugio para al menos cuatro generaciones
de argentinos.
No por nada sus canciones, de Patricio
Rey y sus Redonditos de Ricota y también
con Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado,
coparon como nunca el Hot 100
de Billboard Argentina (ver página 3). Un
tsunami de emociones que guarda cierta picardía
irónica: el tipo que construyó un camino
y una ética de trabajo desde los márgenes
del negocio de la música, con sus reglas
y sin hacer grandes concesiones, estaba de
vuelta en el centro de la industria.
Algo que, a decir verdad, tampoco nos sorprende,
dado el carácter popular y masivo de
su poesía musical. De todas esas canciones,
la más escuchada fue “Un ángel para tu soledad”,
el último tema que los Redondos interpretaron
como banda (en el show que en
agosto de 2001 dieron en la ciudad de Córdoba).
“Ya sufriste cosas mejores que estas”,
cantó el Indio aquella vez y nos sigue cantando
hoy desde el más allá y el más acá.
En esa letra (que en vida, Solari confirmó
que estaba inspirada en la devoción de sus
seguidores por su música) hay otras frases
(“Tu esqueleto te trajo hasta aquí / Con un
cuerpo hambriento, veloz / Y aquí, gracias
a Dios, uno no cree en lo que oye”) que por
esos días parecen haber activado una especie
de estado de ánimo generalizado al que
vamos a llamar “La Última Misa”: un home-
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naje espontáneo y multitudinario en la Plaza
de Mayo porteña durante la tarde noche de
aquel triste viernes; el show que Los Fundamentalistas
tenían previamente pautado en
Comodoro Rivadavia para el sábado 6 fue
visto por más de 300 mil conexiones a través
de YouTube; y el domingo 7, con el funeral
público organizado en la ciudad bonaerense
de Villa Domínico, al que asistieron más de
un millón de personas.
Fue conmovedor verlo por última vez representado
por un cajón de madera brillante.
Una pantalla de led en el fondo nos recordaba
que el artista que tanto admiramos ya es
parte de la eternidad. Un incontable racimo
de ofrendas -remeras, trapos, flores, pañuelos,
recuerdos- y el desconsuelo generalizado,
lo terminaban de confirmar. El corazón latía
como nunca porque sabía que, a partir de
ahora, nos vamos quedando cada vez más
solos. Al menos, tenemos un buen puñado
de canciones. Y con ellas en nuestra memoria
emotiva, no queda otra que seguir siendo
graciosos y valientes. Hasta siempre, Indio.
13

LIL SUPA EN ARGENTINA
“Este un país que me
abrió las puertas y me
recibe con mucho
cariño”
Acabás de llegar a Argentina y te vemos
eligiendo una gorra. ¿Sos de usar
mucho este tipo de accesorios?
Sí, bastante. Por ahí uso más gorras deportivas,
las típicas de running, las de cinco paneles
o incluso las de ciclismo. Pero como
todo rapero, siempre hay que tener alguna
gorra clásica. Al final termina siendo una es-
AEl rapero venezolano se presentó el 12 de junio en Palermo Groove
con el estreno de su último álbum, Animal.
pocos días de su regreso a pecie de armadura del guerrero o la capa del
la Argentina, Lil Supa conversó
con Billboard Argengún
detalle o algún ítem que destaque. Tal
superhéroe. Siempre es importante tener altina
sobre el lanzamiento de vez distrae un poco, pero está bueno mantener
cierto estilo y conservar el buen look.
Animal, el álbum con el que
volvió a explorar las raíces
de su sonido sin dejar de mirar hacia adelante.
El rapero venezolano, una de las figuras cosas?
¿También sos alguien de coleccionar
más respetadas del hip hop en español, se Sí. Además de zapatillas, colecciono muchas
gorras y camisetas de fútbol. En algún
presentó el 12 de junio en Palermo Groove
bajo producción de Pact Group en conjunto momento también me metí en el mundo de
con Legado Latino, en una nueva visita a un las camisetas de la NBA de determinadas
país con el que construyó una conexión especial
desde los comienzos de su carrera. que ni siquiera las usaba. Llega un punto en
épocas, pero terminé abandonándolo por-
“Siempre es súper agradable volver a Argentina”,
asegura el artista, que recuerda al que tenés guardada ahí y te preguntás qué
el que te das cuenta de la cantidad de dinero
público local como uno de los primeros que estás haciendo (risas).
abrazó su propuesta fuera de Venezuela.
“Año tras año están ahí, recibiendo mi propuesta,
acompañándola, abrazándola y de-
Siempre es súper agradable volver. Argen-
¿Qué representa Argentina para vos?
fendiéndola”, explica sobre una relación que tina fue uno de los primeros países que visité
se mantiene intacta desde hace más de una gracias al rap. Nunca había salido de Venezuela
por ninguna circunstancia, ni por estu-
década.
En esta charla, Lil Supa profundiza en el dios ni por vacaciones. Creo que fue en 2010
proceso creativo detrás de Animal, las colaboraciones
con figuras como Feid, Elena sión que tuvimos del público fue increíble.
cuando vine al Flow Fest y la primera impre-
Rose y Big Noyd, el presente de la música Desde entonces vuelvo año tras año. Estoy
venezolana y el vínculo que mantiene con muy agradecido porque esa manada, por llamarla
de alguna forma, ha ido creciendo con
Buenos Aires, una ciudad que incluso terminó
colándose en sus letras. Además, anticipa el tiempo. Año tras año están ahí, recibiendo
mi propuesta, acompañándola, abrazán-
la canción que más espera compartir con el
público argentino y deja abierta la puerta a dola y defendiéndola. Eso es algo que valoro
alguna sorpresa sobre el escenario.
muchísimo.
Animal tiene mucho de tu esencia,
pero también muestra una búsqueda
nueva. ¿Cómo fue el proceso de este
disco?
Traté de rescatar un poco ese sonido por
el que mucha gente me conoció en determinada
época. Ya son más de veinte años rapeando,
así que evidentemente no voy a ra-
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pear igual que antes, pero siempre intento
hacerle algún guiño a ese Supa de 2012. A
veces lo consigo más, a veces menos, pero
está ahí esa intención. Estoy súper agradecido
con la recepción que tuvo el álbum. Además,
me propuse hacerle algunos guiños al
mainstream, pero desde nuestro sonido, sin
tratar de acercarme a lo que está de moda
o a las tendencias del momento. La idea era
traer ese universo hacia nosotros y no al revés,
y creo que se logró muy bien. También
me siento muy agradecido por la participación
de todas las figuras que forman parte
del proyecto. Poder rendir homenaje en vida
a leyendas como Big Noyd o contar con gente
de mi país y con Dano, que siempre acompaña
la narrativa de mis discos, es un privilegio
enorme.
¿Qué se siente cuando artistas que
fueron referencias para vos terminan
formando parte de tu música?
Es como cerrar un círculo. Hace unos cinco
años tuve la oportunidad de compartir escenario
con Mobb Deep y fue ahí donde conocí
a Big Noyd. Cuando volví a acercarme
para invitarlo a participar en el álbum, él recordó
con mucho cariño aquella noche que
compartimos en el camerino. Ese tipo de cosas
son increíbles. Uno crece admirando a
ciertas personas y soñando con formar parte
de su universo, y de repente ocurre al revés:
ellos terminan formando parte del tuyo. Es
una sensación muy especial.
El videoclip de “Veneno” sorprendió
mucho por su estética. ¿Cómo nació esa
idea?
La narrativa del video, en realidad, está
construida de manera inversa. Aunque se
grabó de una forma determinada, después
decidí que la edición mostrara el proceso al
revés, como una manera de simbolizar que
me estaba quitando el veneno de encima y
volviendo a quedar limpio. La canción también
conecta con ese sonido de Queens y
con muchas de las cosas que me han gustado
toda la vida. Además, me interesaba
rescatar personas y colaboradores que han
sido importantes en otros procesos. El instrumental
es de Padrón, uno de mis productores
favoritos en español, y para mí es muy
importante mantener esos vínculos.
¿Y cuál fue la parte más complicada
del rodaje?
Sin duda, pasar cuatro horas dentro del
estudio, con aire acondicionado y completamente
cubierto de pintura. Ese era el verdadero
reto (risas).
En “Cokodrilo” mencionás Buenos Aires.
¿Qué representa la ciudad para vos?
Siempre termino rescatando algo de las
ciudades que me marcan. Buenos Aires, Madrid,
Bogotá o Nueva York son lugares que
me han dejado una huella importante y de
los que también adopto ciertas expresiones
y parte de la jerga. Es algo muy natural. Al
principio ves esas ciudades en las películas
y después te das cuenta de que terminás formando
parte de esa película. La energía se
contagia y acaba apareciendo en las letras y
en las canciones.
Venezuela ha aportado muchísimos
nombres importantes al rap y a la música
en general. ¿Cómo ves el momento
que está viviendo el país dentro de la industria
musical?
Obviamente hay nombres como Elena
Rose, Rawayana, Akapellah o Apache, que
continúa activo. También está todo lo que
dejó Canserbero en vida. Pero creo que la
influencia venezolana va mucho más allá de
la música urbana. Una de las canciones más
interpretadas y traducidas de la historia pertenece
a un venezolano como Simón Díaz
con “Caballo Viejo”, y eso habla mucho de
la tradición poética y musical que existe en
nuestro país. Nosotros somos herederos de
todo eso, pero también somos defensores
de esa cultura.
En el disco también aparece Feid.
¿Cómo fue compartir con él y grabar el
videoclip juntos?
Fue una experiencia muy curiosa porque
Fercho siempre está muy metido en su personaje,
con sus grills verdes y toda esa estética
que ya es parte de su identidad. Cuando
le comenté que para ese videoclip íbamos
a grabar con un teléfono celular y que además
necesitábamos una imagen más sencilla,
porque el auto que aparecía era viejo y
toda la situación pedía otra cosa, se lo tomó
con la mejor energía. Sin ningún problema
se quitó los grills y decidió ponerse al servicio
de la idea. Entró en personaje y entendió
perfectamente la propuesta. Eso habla muy
bien de él.
Creo que valoró mucho el hecho de que
decidiéramos hacer algo más artesanal, porque
él está acostumbrado a producciones
enormes. Sin embargo, se puso la camiseta
desde el primer momento. Incluso llegó
a prestar su propio teléfono para algunas
tomas. Fue algo muy genuino y estoy muy
agradecido tanto con él como con todo su
equipo, que siempre nos ha tratado con muchísimo
respeto.
Da la sensación de que Animal es un
trabajo muy colectivo.
Totalmente. Es una obra colectiva al cien
por ciento. Todo mi equipo audiovisual y gráfico
estuvo muy involucrado en el proceso.
Incluso hubo canciones para las que en un
principio no tenía pensado hacer un acompañamiento
visual y fueron ellos quienes
me impulsaron a desarrollar esas ideas. Mi
hermano Carlos Vázquez, que actualmente
vive en Argentina, estuvo dirigiendo a distancia.
También Jesús Domínguez acompañó
todo el proceso gráfico y creativo del álbum.
Y junto con Phrase23 fueron traduciendo
toda esa visión que yo tenía en imágenes y
conceptos. Gracias a ellos, la idea cobró una
vida mucho más grande y todo terminó teniendo
más sentido. Después, a la hora de
trasladar eso a los visuales, el trabajo se hizo
mucho más llevadero.
¿Sentís que faltó una colaboración argentina
en Animal?
Bueno, ahí está Dano, que dependiendo
del momento es argentino o español (risas).
Pero sí, todavía tengo algunas canciones
que finalmente no terminaron entrando
en el disco y que incluyen colaboraciones
con gente que considero de lo más fuerte
que tiene actualmente el rap argentino. No
es ningún secreto el nivel que tienen C.R.O,
Homer El Mero Mero o Mir Nicolás. Son artistas
que están haciendo cosas increíbles.
FOTOS: @POPLIFT
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Agus Bernasconi
llenó Kopi Café con
sus canciones
El ciclo organizado por Billboard Argentina reunió invitados para una presentación
en formato reducido y con acceso exclusivo.
A
fines de mayo tuvo lugar una
nueva edición del Billboard
Showcase en Kopi Café, la
coqueta cafetería de especialidad
en su sucursal de Villa
Crespo. El encuentro tuvo
la participación estelar de Agus Bernasconi,
quien presentó un show en formato reducido
y privado, al cual acudieron sus fans, invitados
por Billboard Argentina. La actividad
comenzó a las 18 horas y formó parte del ciclo
de showcases impulsado por Billboard
Argentina.
Las canciones elegidas por Agus para este
formato fueron un compilado entre sus mayores
éxitos y algunos de sus últimos lanzamientos,
incluyendo la presentación oficial
de “Besos en Pausa”, su colaboración más
reciente con Yami Safdie, quién también dijo
presente en el show de manera sorpresiva
para los asistentes. El cierre de la jornada estuvo
marcado por “2.50”, uno de los hits que
Bernasconi cosechó con MYA.
Durante la jornada, el artista presentó un
set en vivo frente a un público distribuido
dentro del salón principal del café. El formato
del evento prioriza la cercanía entre artista
y asistentes, en un espacio con capacidad
limitada y circulación reservada para invitados
acreditados. La fecha también dejó registros
fotográficos del recital y de distintos
momentos ocurridos antes y después de la
presentación.
Thonet & Vander y New Era acompañaron
una vez más
El formato propuso nuevamente un cruce
entre lo íntimo y lo performático, acercando
a los artistas al público en una experiencia
diferente a la del circuito tradicional en vivo.
En ese contexto, el sonido ocupó un rol central
durante toda la jornada.
En línea con esto, Thonet & Vander acompañó
la experiencia desde lo técnico, tanto
en los momentos de escucha previa como
durante la performance, con un sistema diseñado
para garantizar claridad, fidelidad
y potencia. La propuesta buscó destacar
cómo la calidad sonora impacta directamente
en la percepción musical y en la conexión
emocional entre el artista y la audiencia.
“Besos en pausa” nació en Miami, ciudad
donde Agus Bernasconi comenzó a trabajar
en esta nueva etapa musical y donde terminó
de darle forma a una composición atravesada
por la nostalgia y la sensibilidad. Fue
allí donde Yami Safdie escuchó el tema por
primera vez y decidió sumarse a una colaboración
que reúne a dos de las voces más
destacadas de la nueva generación de la música
argentina.
New Era, por su parte, generó un gran momento
cuando Agus firmó una gorra especial
durante la entrevista, la cual fue sorteada.
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ESCANEÁ EL QR PARA DISFRUTAR DE ESTA MÚSICA
con Nemi Osman
#10 - DESAKATO
Nemi Osman es una de las nuevas caras
del ritmo urbano en la Argentina. Dembow,
reggaetón y un estilo latino que lo ubica
como una verdadera promesa en la industria.
Para la edición #10 de En La Cabina eligió
la canción “DESAKATO”, último lanzamiento
del joven rapero hasta la fecha y con el que
busca empezar una nueva etapa en su ca-
rrera. “La Dosis Justa”, con Soffia Philo y “Le
Pido A Dios”, junto a Diego Molina y Mozart,
son dos de los tracks que también acompañan
este nuevo proceso.
FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA
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ESCANEÁ EL QR PARA DISFRUTAR DE ESTA MÚSICA
con Soui Uno
#11 - BENDITA
Punto de Quiebre es el último álbum de
Soui Uno y “Bendita” es su canción más representativa.
“La hicimos en una sesión de
estudio con Evan el día que lo conocí. Fui al
estudio a grabar con él y le dije qué tenía ganas
de hacer un estilo parecido al de Lía Kali.
Lo primero que hice fue el solo donde le pido
a Dios por mi salud. A partir de ahí él agarró
la guitarra y empezó a componer”, dijo Soui.
Es una canción que habla del camino de
la rapera a lo largo de estos años, con sus
fortalezas y debilidades y cómo salió adelante
a pesar de las dificultades, es por ello
que fue el track elegido para interpretar En
La Cabina.
FOTOS: BILLBOARD ARGENTINA
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FOTO: KEVIN MAZUR
ROLLING STONES
Foreign Tongues:
la lengua sigue afilada
Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood vuelven a la raíz con un álbum
descarnado, guitarrero y con algunos dardos políticos.
POR ANTONELLA LOPREATO
E
n 1972, mientras promocionaba
Exile on Main St., un Mick
Jagger de 28 años decía que a
los 33 pensaba retirarse. “No
quiero ser una estrella de rock
para toda la vida”, aseguraba,
perturbado ante la posibilidad de terminar
como Elvis Presley en Las Vegas, “cantando
para amas de casa y señoras con carteras”.
Para ese entonces, con los Rolling Stones
ya se había despachado con Aftermath
(1966), Let It Bleed (1969) y Sticky Fingers
(1971). El éxito estaba sobrado de copas y el
blues empezaba a pasar la cuenta. Será porque
nunca supieron quedarse satisfechos,
pero lo cierto es que el flaco seductor de
Dartford está a nada de cumplir 83 y sigue
esquivando la despedida. Tanto es así que,
medio siglo después de la amenaza, las Majestades
Satánicas vuelven con Foreign Tongues:
un disco hecho para darse el gusto y
saciarnos de rock and roll.
Jagger podrá venderlo como una prolongación
de Hackney Diamonds (2023), aquel
regreso al material original tras dos décadas;
sin embargo, este nuevo trabajo suena más
compacto, conmemorativo y stoneano. Keith
Richards y Ronnie Wood recuperan el frente
con ese juego de guitarras entrecortadas
y complementarias; mientras que Mick muta
de registro de acuerdo con lo que pide cada
canción. El trío se apoya en un equipo que ya
es de la casa: Darryl Jones conduce el bajo
y Steve Jordan la batería, en un lugar donde
el ritmo de Charlie Watts sigue siendo la
vara. En la producción vuelve Andrew Watt,
el mismo que estuvo detrás de su disco anterior
y del reciente The Boys of Dungeon Lane
de Paul McCartney.
El silencio se rompe con “Rough and Twisted”,
una descarga cruda y blusera, cargada
de mugre y swing, que suena exactamente
como promete su título. Jagger invoca a Vaslav
Nijinsky y lleva esos pasos rusos a un
rock clásico y rasposo, de esos que todavía
le salen del cuerpo. En “In The Stars”, el ritmo
se abre: más popera, expansiva, con olor
a futuro clásico de setlist si efectivamente
vuelven a la ruta. Si el disco abre con el rock
en primer plano, enseguida se corre hacia
un abanico más amplio, aunque siempre con
la marca de agua Stone: armónica callejera,
soul y funk. Basta pensar en “Jealous Lover”,
uno de los momentos más logrados del álbum,
donde Mick vuelve al falsete con deudas
hacia “Fool to Cry”, “Emotional Rescue” y
“Miss You”, acompañado de Steve Winwood
en los teclados.
“Mr. Charm” merodea la misma pandilla
de la alta sociedad que los Rolling ya miraban
con sorna en “Some Girls”: plata, encanto
barato y sátira con destino a Elon Musk,
ese “mad mogul”. Después, “Divine Intervention”
endurece el asunto con Robert Smith
en modo sombra post-punk, antes de reaparecer
en “Never Wanna Lose You” entre
sintetizadores, bajo funkero de Wood y un
cowbell fantasmal de Bruno Mars. El pasado
también mete la cola: “Hit Me in the
Head” rescata una de las últimas tomas de
Charlie Watts, mientras “You Know I’m No
Good” convierte a Amy Winehouse en material
rollinga. El disco termina donde empezó
todo: Chuck Berry. Como entraron al mundo
en 1963 con “Come On”, ahora cierran con
“Beautiful Delilah”, otra obra de arte del padre
del Rock and Roll y viejo número de sus
presentaciones más primitivas y desprolijas.
Muchos ya se apuran a leer Foreign Tongues
como el último disco. Ahora bien, jugar
con el final siempre es una apuesta tramposa.
Lo concreto es que, si llegara a serlo, el
álbum está a la altura de una discografía que
no necesitaba otra prueba de vigencia pero
igual la consiguió. Canciones para sostenerlo
hay de sobra.
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FOTOS: @POPLIFT
UN DÍA CON POMME
Desde Francia al Vorterix
Recorrimos Buenos Aires con la joven artista, quien se presentó por primera vez
en la ciudad con un repertorio en el que juntó sus mayores éxitos.
¿Q
ué hace Pomme en las horas previas a un
concierto? Para descubrirlo, la acompañamos
durante una jornada muy especial en Buenos
Aires para una nueva edición de Un Día Con...
Entre un paseo por el centro porteño, una parada
obligada en el Obelisco y la curiosidad
de la artista francesa por descubrir algunos
de los rincones más emblemáticos de la ciudad, compartimos con
ella las horas previas a un show muy esperado: su presentación en
el Teatro Vorterix, donde cerraría la noche frente al público argentino
por primera vez.
La visita encontró a Pomme en un gran momento creativo. Tras la
etapa de Saisons, el ambicioso álbum concebido como una obra dividida
en cuatro estaciones, la cantante y compositora nacida cerca de
Lyon comenzó a abrir un nuevo capítulo musical con canciones inéditas
como “des excuses”, mientras continúa llevando su universo de
folk y chanson francesa a escenarios de todo el mundo.
Desde la intimidad de la prueba de sonido hasta las conversaciones
sobre su música, su relación con Latinoamérica y su primera impresión
de Buenos Aires, esta edición de Un Día Con Pomme muestra
una faceta más cercana y cotidiana de una de las voces más singulares
de la escena francesa actual, justo antes de subirse al escenario y
convertir la espera en canciones.
MINUTOS ANTES DE CANTAR
¿Cómo te sentís antes de este show?
Estoy muy emocionada. El lugar es hermoso. Me recuerda un poco
al Olympia de París, que es una sala muy especial para mí. Es un poco
más pequeño, pero tiene una energía similar. Además, me encanta
que el público vaya a estar de pie. Todavía no hice la prueba de sonido,
pero estoy segura de que va a ser una noche increíble.
Trajiste un setup muy especial para esta gira.
Sí. Armamos una pedalera especialmente para este tour. Mi ingeniero
de sonido preparó todo para que pudiera tener un formato muy
minimalista. Sobre el escenario estoy sola con mis instrumentos. No
uso pistas de acompañamiento ni backing tracks.
Tengo la guitarra, el piano, el autoharp y un pequeño piano portátil.
Eso es todo lo que necesito para el show.
¿Qué significa para vos esa autoharp?
Es un instrumento muy fácil de tocar, no hace falta ser una experta
para lograr sonidos hermosos. Lo descubrí escuchando artistas folk
como Dolly Parton, Joan Baez y Emmylou Harris. Desde entonces se
convirtió en uno de mis instrumentos principales.
Esta noche voy a tocar dos canciones con él: una que adoro cantar
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y otra completamente nueva que presenté
por primera vez hace muy poco en São Paulo
y en Santiago de Chile.
¿Cómo reaccionó el público cuando
escuchó esa canción nueva?
Fue increíble. Me encanta tocar canciones
nuevas por primera vez frente a la gente. Es
una sensación muy difícil de describir porque
tiene algo muy vulnerable, pero también
muy valioso. El público escucha con muchísimo
respeto y atención. Además, estas personas
son literalmente las primeras en escuchar
estas canciones. Ni siquiera el público
francés las conoce todavía, así que es algo
muy especial para mí. También estoy presentando
una segunda canción nueva acompañada
por un pequeño piano portátil.
El resto del repertorio está compuesto
principalmente por canciones de mis discos
anteriores. Es como una selección de
mis canciones favoritas para compartir con
ustedes.
También te vimos recorriendo Latinoamérica
con una cámara muy particular.
Sí. Normalmente uso una Handycam que
tiene mejor calidad de imagen y que está
siendo utilizada durante el show para proyectar
videos. Pero esta cámara la compré
especialmente para esta gira por Latinoamérica.
La calidad del video es bastante mala,
sinceramente, pero las fotografías son increíbles.
Tienen una estética muy vintage.
Cuando veo algunas de las imágenes parece
que hubieran sido tomadas en 1975.
Me encanta esa sensación.
No sé exactamente qué voy a hacer con
todo el material porque soy muy mala haciendo
vlogs y editando videos, pero quizás
termine haciendo mi primer vlog. También
estoy grabando algunas cosas con mi
teléfono.
Lo más importante para mí es conservar
estos recuerdos porque es mi primera gira
JULIO 2026
realmente grande por Latinoamérica y quería
tener una forma de recordarla.
¿Qué nos podés adelantar de la canción
que estrenás este 17 de junio?
Es una canción muy especial que hice junto
a Aaron Dessner, con quien también trabajé
en mi lanzamiento anterior. Es muy diferente
a lo que venía haciendo. Tiene una
energía muy grunge que me encanta.
La vamos a lanzar justo antes de la temporada
de festivales en Francia, así que podré
tocarla en vivo con mi banda durante el verano
europeo. Lo más curioso es que la canción
está inspirada en un juego muy popular
en Francia llamado “Hombres Lobo”.
¿De qué trata ese juego?
Todos se sientan en círculo y cada participante
recibe un rol secreto. Podés ser un
hombre lobo o un aldeano. Hay una persona
que dirige el juego y conoce todas las identidades.
Durante la noche todos cierran los
ojos y los hombres lobo despiertan para elegir
a una víctima. Después todos vuelven a
abrir los ojos y tienen que descubrir quiénes
son los culpables.
La canción toma ese juego como punto de
partida, aunque también tiene una segunda
lectura más profunda.
¿Y vos qué preferís ser cuando jugás:
hombre lobo o aldeana?
Me gusta ser hombre lobo. Es mucho más
divertido. Aunque el juego tiene otros personajes
también: la bruja, una niña que puede
espiar durante la noche y varios roles más.
Jugué muchísimo durante mi infancia y
adolescencia. Primero como participante en
campamentos de verano y después como
monitora. Incluso seguí organizando partidas
en mi casa en París.
Por eso la canción tiene un significado
muy personal para mí.
BILLBOARD.AR
¿Tenés ganas de que la gente la
escuche?
Muchísimas. No veo la hora de que puedan
escucharla. Está en francés, obviamente,
pero siempre pueden leer la traducción
de la letra. Tiene un doble sentido muy divertido
y creo que la gente va a disfrutar descubriendo
todas las capas de la canción.
¿Qué puede esperar el público de esta
noche?
Va a ser un show muy íntimo. Mis canciones
suelen ser bastante tristes, así que entre
tema y tema intento hacer reír a la gente para
equilibrar un poco la experiencia. Me gusta
combinar esas canciones melancólicas con
momentos más divertidos y cercanos.
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Flor Paz, Santi Sáez, Valentina
Moreno, Luna DS y más
pasaron por nuestros estudios.
Luna DS
Santiago Sáez
Flor Paz
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JULIO 2026

Valentina Moreno
ESCANEÁ EL QR
PARA DISFRUTAR DE ESTA MÚSICA
B
illboard Acustic está pensado para dar espacio a artistas consagrados y emergentes para que puedan
compartir sus últimos lanzamientos en un ambiente íntimo y relajado. Con el apoyo de guitarras
acústicas, en algunos casos; o violas y bajos en otros, referentes de la escena actual pasaron por
nuestros estudios para dejar en claro por qué ocupan un lugar tan importante en la escena actual.
Valentina Moreno
La joven cantante visitó nuestros
estudios para interpretar
dos canciones presentes en
su último álbum, Lila: “Tirarme
X La Ventana” e “Instinto Animal”.
El soul se apoderó del Billboard
Acustic por primera vez
y demostró por qué Valentina es
considerada una de las mejores
voces de nuestra región.
Luna DS
Otro joven talento, que en este
caso se despojó por un momento
de su pátina dark y la distorsión
para estrenar una versión
acústica de “Fue Con Amor”. La
cantautora interpretó por primera
vez en vivo esta canción para
darle un giro intimista al estilo
más gótico de la versión original.
Flor Paz
La folklorista trajo lo mejor
de su tierra con una interpretación
especial de “Raza Morena”,
“Justito Al Amanecer” -presentes
en su último trabajo discográfico
89 - y “Quiero Nombrar a
Mi Pago”, un éxito que no puede
faltar. Además, esta fue la última
presentación acústica de
Flor antes de su presentación
en Teatro Vorterix, donde deslumbró
con su show Nuestro
Origen.
Santiago Sáez
Se encargó de darle el toque
romántico a nuestro ciclo
con una doble interpretación:
“Transparente” y “Europa”. Estos
dos tracks hablan de los dos
puntos de vista de una relación
y el deseo de estar constantemente
buscando lo mejor para
los dos.
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NICO COTTON
Los secretos del gran
productor argentino
del momento
Galardonado como Mejor Productor en los Latin Grammy 2025, reveló los
detalles de la producción en la Argentina y qué le espera en este 2026.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
E
l 2025 fue un año bisagra en la
carrera de Nico Cotton. Consolidado
hace ya varios años
como uno de los productores
más influyentes de la escena
argentina, logró dejar su huella
en cada una de las producciones a su cargo,
como álbumes de Cazzu, Juanes, Aitana,
Nathy Peluso y muchos más.
Su mayor consagración hasta la fecha
ocurrió en la ceremonia de los Latin Grammy
2025, donde se quedó con el premio a
Mejor Productor, algo que para él todavía sigue
siendo un sueño. “Realmente no me lo
esperaba. Cuando estaba en la ceremonia,
con tan grandes productores ternados, no
pensé que iban a decir mi nombre. Es un recuerdo
que me alegra hasta el día de hoy”,
compartió con Billboard Argentina.
¿Qué fue lo último que publicaste?
Lo último que salió fue el nuevo álbum de
Juanes, que tuve el honor de producir y trabajar
junto a él. Conocerlo fue una experiencia
espectacular porque, además de ser un
gran músico, es una persona increíble. Terminamos
el disco el año pasado y hace poco
finalmente vio la luz. Después sigo haciendo
cosas todo el tiempo, aunque muchas todavía
no se pueden contar. También acabamos
de lanzar una canción de Kenia OS junto a
Cazzu, así que esos son algunos de los proyectos
más recientes.
Hablando de Latinaje, ¿cómo fue ese
proceso de trabajo con Cazzu?
Nos hicimos muy amigos. Empezamos a
trabajar juntos en Nena Trampa, su álbum
anterior, cuando nos fuimos un mes a Puerto
Rico a componer y producir.
Desde entonces comenzamos a colaborar
constantemente y Latinaje fue el resultado
de un proceso muy largo, de casi dos
años, en el que nos animamos a experimentar
y probar cosas diferentes. Fue un camino
muy importante y realmente muy divertido
de recorrer.
Cuando producís una canción, ¿pensás
también en cómo va a sonar en vivo?
No tanto. Cuando hago una canción pien-
so principalmente en la grabación y en lo que
va a quedar registrado. El vivo es otro universo
completamente distinto. Por ejemplo, en
el caso de Cazzu, tiene una banda increíble
que reversionó muchas canciones urbanas
para llevarlas a un formato más orgánico,
con vientos, cuerdas y batería. Eso me
encanta, pero son dos mundos diferentes.
Cuando produzco un álbum trato de concentrarme
en crear ese universo grabado. Después,
el desafío de llevarlo al escenario aparece
más adelante.
A lo largo de tu carrera llegaron muchas
nominaciones y premios. ¿Todavía
te emociona verte compitiendo?
Sí, claro. No es algo que persiga constantemente,
pero cuando llega se disfruta muchísimo.
Ganar el Latin Grammy como Productor
del Año fue una locura. No me lo esperaba
y además tenía un significado muy
especial porque era un reconocimiento personal,
algo que venía directamente asociado
a mi trabajo. También hay algo muy particular
en lograrlo siendo argentino. Estamos
geográficamente lejos de muchos centros
importantes de la industria, así que para mí
fue algo enorme.
¿Qué tres cosas no pueden faltar en tu
estudio?
Lo primero es la luz natural. Tengo una
ventana enorme con vista a un árbol y me
encanta poder ver cómo cambia el día mientras
trabajo. Descubrí que me inspira mucho
más que estar encerrado durante horas. Lo
segundo son los instrumentos. Siempre hay
guitarras, bajos, baterías o algún instrumento
dando vueltas. Me gusta experimentar,
modificar sonidos y tocar constantemente. Y
lo tercero es la tecnología. La computadora
sigue siendo una herramienta fundamental
porque crecí haciendo música de esa manera.
Tener todo funcionando y actualizado es
parte esencial del trabajo.
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DANTE SPINETTA
TOUR 2026
19 DE JUNIO
20 DE JUNIO
26 DE JUNIO
06 DE AGOSTO
07 DE AGOSTO
22 DE AGOSTO
10 DE OCTUBRE
SANTA FE
CÓRDOBA
C.A.B.A.
SAN ISIDRO
LA PLATA
ROSARIO
C.A.B.A.
TRIBUS CLUB DE ARTE
STUDIO THEATER
NICETO CLUB
S O L D O U T
CCSI
TEATRO OPERA
SALA DE LAS ARTES
TEATRO OPERA
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LISA CERATI
“Tardé mucho
en descubrir qué
quería decir”
La cantante presenta Lisa María, su primer álbum, y habla sobre la
construcción de una identidad artística propia, el peso del apellido, la
exposición pública y la presencia de Gustavo Cerati en su vida.
POR ANTONELLA LOPREATO
“T
iene un amor de ultramar,
brilla en la oscuridad”.
Todavía no estaba
en el mundo, pero ya tenía
una canción esperándola.
La frase pertenece
a “Lisa”, el segundo track de Amor
Amarillo (1993), el debut solista de Gustavo
Cerati. Como pasa con los nombres familiares,
el suyo también trae sus teorías. La versión
romántica cuenta que su papá se enamoró
del apelativo por unos peces de un
lago chileno. La más reciente, dice que su
hermano Benito, fanático total de Los Simpson,
habría tenido la última palabra. Lo cierto
es que la acompaña desde siempre y ahora
toma otro significado: Lisa María, su disco de
estudio.
Alcanzan unos minutos de charla con Lisa
para darse cuenta de que su cabeza musical
viene con una suerte de plus. Sobre todo
cuando se refiere a su infancia. Los ojos se
le prenden al mencionar a Michael Jackson,
pero al toque se declara fanática de Garbage.
El primer álbum que tuvo entre manos
fue un compilado de Queen y uno de sus temas
de cabecera es “Pasajera en trance” de
Charly García y Pedro Aznar. En plena enumeración,
comparte al pasar que llegó a ser
“familia” del hombre del bigote bicolor porque
estuvo en pareja con el hermano de su
novia. En su mundo, sentarse con un ídolo no
rompe con la normalidad. El jazz fue la puerta
de entrada; después vinieron el funk y el
groove. En plena edad de descubrimientos,
el pop hizo lo suyo con Madonna, Spice Girls
y demás divas. Ahora atraviesa una etapa
“muy Soda”: si abre el celular, dice, posiblemente
lo último que aparezca sea Soda Stereo
(1984).
“No tengo un recuerdo que no sea con
música”, afirma en diálogo con Billboard Argentina.
“Yendo a un show, a una exposición
de arte, al cine. Más que como un complemento
a la vida, era una forma de vivir”, añade.
Gustavo y su mamá, la exmodelo Cecilia
Amenábar, fueron sus primeros canales hacia
ese mundo, en la casa siempre había un
disco de fondo, alguien ensayando o una película.
El vínculo artístico apareció temprano
y con disciplina. A los 12 años grabó junto
a Benito un álbum de covers de Michael,
con participaciones de su papá en algunas
versiones. El material sigue inédito, aunque
asegura que “el que busca, encuentra”. “Hay
un par de links dando vueltas”, suelta.
Su destino, en teoría, estaba cantado: alguna
forma de arte la iba a encontrar. Hija
de ese ida y vuelta entre Santiago de Chile y
Buenos Aires, estudió cine en la Fundación
Universidad del Cine (FUC) y después fue
abriéndose paso por distintas áreas creativas.
A partir de la pantalla grande, empezó
a escribir. Lo que parecía un hábito personal
comenzó a ocupar más lugar del previsto,
tanto que llegó a los 30 con un compilado de
canciones que terminaron convertidas en su
primer proyecto.
Para llegar a Lisa Maria se tomó casi diez
años. Hay composiciones que arrastra desde
hace una década y otras que escribió
hace apenas dos meses, un archivo armado
a distintas temperaturas. Ella dice que tardó
por insegura y autoexigente. Lo primero
no se nota demasiado: frente a cámara sabe
ocupar lugar, jugar con el gesto, correrse de
“Hay artistas
como mi
papá que
tienen una
cosa muy
inmortal”
la pose tímida. No por nada más de una vez
la compararon con Lady Gaga, por cierto
aire físico como por esa excentricidad que
aparece cuando se acerca a un micrófono.
El video de “Demente”, uno de los centros
del álbum, basta como prueba. Lo segundo,
en cambio, queda a la vista. Cada decisión
parece medida, pensada y vuelta a mirar.
Me llama la atención que te presentaste
como “Lisa María”. ¿Era una manera
de correrte del apellido Cerati?
No, artísticamente me gusta Lisa María.
Siempre fui eso. Cuando me llaman, soy
Lisa. Lisa María. Fue más allá del apellido de
mi papa, me gusta esa combinación. Pero a
veces soy Lisa Cerati, hay momentos en que
está ahí, obviamente. Pero en cuanto a mi
proyección artística, simplemente me gusta
Lisa María.
¿Por qué sentiste que era el momento
de lanzar Lisa María?
Porque este disco lo siento muy personal,
muy mi mundo y mi persona. Tardé mucho
en descubrir eso: qué es lo que quiero decir,
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qué punto quiero cumplir expectativas o ser
yo. Y bueno, el que me sigue, me sigue con
mi autenticidad.
Dentro del archivo íntimo de Cerati
El año también traerá otro movimiento alrededor
del apellido Cerati: Netflix anunció
un documental sobre la vida de Gustavo, con
acceso a material de archivo y videos inéditos.
La producción tendrá dirección de Picky
Talarico (también al frente de Rompan
todo: La historia del rock en América Latina)
y Andy Fogwill. Lisa participa del proyecto,
aunque mira el género biográfico con cierta
desconfianza. Dice que la biopic de Michael
Jackson le encantó, pero que la de Freddie
Mercury le hizo ruido por el peso de la ficción.
Todavía no hay fecha de estreno confirmada,
pero se estima que podría estar lista
el año que viene.
En este trabajo, ¿descubriste algo de
él que no sabías?
Sí, un montón de cosas. En videos, en él
como padre. Yo tenía dos años y obviamente
no me acuerdo, entonces lo veo y digo:
“Guau, cuánto amor”. Le veo los ojos y es
muy hermoso poder tener eso, poder volver
a eso, después de que también pasaron cosas
muy difíciles. También verlo en el estudio,
algunas grabaciones, o amigos que me
cuentan qué artistas le gustaban o le interesaban.
Es como seguir conociéndolo a través
de otras personas. Es algo muy lindo. No
se fue.
FOTOS: @POPLIFT
cuál es mi autenticidad, qué universo quiero
crear. Hay canciones que tienen muchos
años, otras que son de hace literalmente
dos meses. Y hoy sentí que llegué a una Lisa
que abraza todo. Entonces, para mí, es más
un punto de llegada a un compilado personal.
Con lo visual y con todo lo que pasó, lo
que se sumó con otra gente y un equipo, terminó
de darle forma a algo con lo que estoy
contenta.
¿Cómo te llevás con la vulnerabilidad
que implica el arte?
Para mí, la vulnerabilidad es una fortaleza
enorme. Admiro eso en los artistas: cómo sacan
su corazón, su todo, hacia afuera. En lo
personal, lo vulnerable apareció en las letras.
Aunque hay realidad y fantasía mezcladas,
nunca es tal cual una experiencia mía. Pero
me pasó que las letras me costaron mucho
por eso, porque era lo que más exponía, lo
que más sacaba afuera.
¿Te pesa la exposición pública?
Me cuesta a nivel personal. Me cuesta
cuando estoy en el celular y veo el nivel de
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bullying, el nivel de odio. Muy de sobra, muy
deshumanizante. También siento que estoy
en un momento donde no me tomo nada
personal. Estoy mostrando mi arte, y eso
abre un lugar muy vulnerable, donde te pueden
pegar en un lugar que duele. Pero lo tengo
trabajado.
¿De dónde creés que surge ese odio
hacia vos? ¿Por ser “hija de”?
Sí. Tenía Twitter y me fui de ahí. Te juro
que no pude. Pero ni siquiera tanto porque
me atacaran a mí, sino porque veía el descargo
y era como: “Che, suficiente tengo yo
conmigo misma. No me puedo sumar más”.
Siento que ser “hija de” ya viene con un lugar
que, como todo, tiene lo bueno y lo malo.
Como cualquier lugar en el mundo, tiene lo
suyo. Cada una con su historia, sus luchas.
Pero sí, a mí me pasó que me quería probar
a mí misma. Y a veces es difícil, porque hay
una vara muy alta. Parece el punto de partida
para comparar. Y es como: cada uno piensa
en sus padres de una manera. Somos muy
distintos. Podemos tener similitudes -ojalá
muchas-, pero hay una presión ahí: hasta
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No se fue. Y Soda Stereo Ecos es
otra prueba de esa presencia que sigue
intacta.
Fui a varias funciones. Incluso fui a México,
a Perú y a Chile para los estrenos. Es
un espectáculo, por momentos es muy real.
Muchos amigos me preguntan: “Che, ¿qué
te pasa con esto?”. No sé, yo siempre pude
separar mucho a mi papá del artista. Hubo
días en los que lloré toda la noche, pero también
me puse muy feliz. Sobre todo por lo lindo
de ver a las personas.
Es hermoso que la música siga tan
viva. Que pasen los años y nuevas generaciones
sigan llegando a Soda y a su
obra solista.
Es muy loco. Para mí es atemporal. Obvio
que pertenece a una época, pero hay algo
que sigue resonando. Lo escucho hoy y una
letra me puede pegar un montón. Y capaz
me va a pasar lo mismo a los 70. Es algo que
va más allá de una moda o una tendencia.
Hay artistas como él que tienen una cosa
muy inmortal. Y se ve: lo consigue. Está muy
presente.
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Cypress
Hill
“Este disco refleja lo que
están haciendo hoy los raperos
latinos alrededor del mundo”
POR: JULIÁN MASTRÁNGELO | FOTOS: EITÁN MISKEVICH
El legendario grupo de hip hop vuelve al ruedo con Dios
Bendiga, su primer disco enteramente en español, el cual
presentarán en Buenos Aires el próximo 8 de noviembre.
Entrevista exclusiva con los pioneros del rap con sabor.
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ay grupos que dejaron una huella imborrable
en la historia del hip hop, y
H
Cypress Hill es, sin dudas, uno de
ellos. Desde comienzos de los años
noventa, B-Real, Sen Dog, DJ Muggs
y, posteriormente, Eric Bobo, se
convirtieron en referentes de una escena
que retrataba la realidad social
más cruda de California y Los Ángeles,
combinando sonidos innovadores
con una identidad latina que
siempre formó parte esencial de su propuesta.
Esa conexión con sus raíces quedó plasmada en 1999 con Los
Grandes Éxitos en Español, un trabajo que reunió algunas de las canciones
más emblemáticas del grupo adaptadas al español y que terminó
consolidándose como una obra de culto para el público latino.
Temas como “Yo Quiero Fumar” o “Loco en el Coco” evidenciaron
que los orígenes mexicanos y cubanos de varios de sus integrantes
no eran un detalle secundario, sino una parte fundamental de la identidad
de la banda.
Ahora, casi tres décadas después, Cypress Hill vuelve a profundizar
ese vínculo con el lanzamiento de Dios Bendiga, el primer álbum
integrado exclusivamente por material original en español de toda su
carrera. Un proyecto que llega en un momento en el que el rap latino
atraviesa una expansión global sin precedentes y que busca reivindicar
la herencia cultural que acompañó al grupo desde sus inicios.
“‘Dios Bendiga’ es más que una simple colección de canciones; es
una oración por la cultura. Este álbum funciona como un recordatorio
definitivo de que nuestra herencia no es una tendencia, sino un
legado divino y un futuro global. Estamos viviendo una era histórica
para el rap latino, y con este proyecto quisimos aportar un sonido que
honra nuestra historia y resiliencia”, afirmó B-Real en charla con Billboard
Argentina.
Y si de rap latino se trata, el nombre de Trueno era una presencia
inevitable. Tras compartir “F*ck El Police Remix” en 2023, el grupo
volvió a unir fuerzas con el argentino en “Saca Labolsita”, una colaboración
que aporta el sello local a este nuevo trabajo. “Trueno es un
estudioso del hip hop, es alguien con quien da gusto trabajar”, destacó
Sen Dog.
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“Los argentinos nos
aceptaron de
una manera que
ni siquiera nosotros
podíamos
comprender”
El álbum se estrenará el 24 de julio y tendrá
su presentación en vivo en Buenos Aires
el 8 de noviembre en el Estadio Malvinas
Argentinas, show con el que Cypress buscará
continuar afianzar su relación con nuestro
país, el cual visitan desde 1996.
La influencia del grupo, sin embargo, va
mucho más allá de su conexión con la cultura
latina. A lo largo de su carrera, Cypress Hill
logró colocar siete canciones en el Billboard
Hot 100 y alcanzó uno de sus mayores hitos
con “Insane in the Brain”, que llegó al puesto
19 en 1993 y terminó por convertirse en uno
de los himnos más reconocibles del rap de
los noventa. Ese mismo año, el disco Black
Sunday debutó en el número uno del Billboard
200, consolidando al cuarteto como
una de las propuestas más innovadoras y
exitosas de la época.
Con más de tres décadas de trayectoria,
millones de discos vendidos y un legado que
trascendió generaciones, Cypress Hill también
abrió las puertas para que artistas latinos
encontraran un lugar dentro de la escena
del hip hop estadounidense. Su mezcla
de sonidos del West Coast, influencias psicodélicas
y una identidad cultural asumida
con orgullo terminó convirtiéndose en una
referencia para nombres que hoy lideran la
expansión global del rap en español.
En ese contexto, Dios Bendiga no aparece
como una simple curiosidad dentro de la
discografía del grupo, sino como una nueva
declaración de principios. Un álbum que
conecta el pasado con el presente y que encuentra
a Cypress Hill abrazando, más que
nunca, el idioma y la cultura que siempre estuvieron
presentes en su historia.
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¿Cómo nace el proceso de hacer un álbum
completamente en español?
Eric Bobo: Creo que todo nació de la manera
en que se fueron dando las cosas en
el estudio. La forma en que todo fluyó y terminó
encajando. En realidad, al principio no
teníamos completamente claro cómo íbamos
a encarar este proceso. Pero a medida
que avanzábamos, sentíamos que todo estaba
sucediendo de una manera muy natural.
Era como si la música no estuviera fluyendo
solamente a través de nosotros, sino
que viniera de algo más grande. Sentíamos
una presencia, algo positivo. Para nosotros
era como decir: “Dios está con nosotros”. A
partir de esa sensación empezamos a desarrollar
toda esa temática. Además, sabíamos
que era algo muy cercano al corazón de
mucha gente en Latinoamérica, por lo que
el concepto terminó teniendo todavía más
sentido.
¿Cuánto tiempo les llevó preparar
todo?
E.B: La verdad es que no fue tan largo
como podría imaginarse, el camino empezó
en noviembre del año pasado. Terminamos
nuestras partes en aproximadamente en un
mes. Eso fue algo sorprendente porque estábamos
haciendo algo completamente diferente
para Cypress Hill: un disco íntegramente
en español, creando nueva música y
reuniendo todos los elementos necesarios.
Uno pensaría que un proyecto así demandaría
muchísimo tiempo, pero todo fluyó de
una manera muy natural y terminó saliendo
así.
¿Sienten que fue un regreso a sus raíces
latinas?
Sen Dog: Totalmente, fue una forma de
volver a conectar con lo que somos, con
nuestra identidad latina y con la manera en
que crecimos en Los Ángeles. Siempre estuvimos
rodeados del idioma español, de los
modismos y de toda esa cultura. Recuerdo
cuando hicimos Los Grandes Éxitos.., que
básicamente eran versiones en español de
canciones de Cypress Hill. Ese disco tenía
una energía especial. Sinceramente, me
gusta más la sensación que transmite este
nuevo álbum, porque aquí todo es original.
Son canciones nuevas, conceptos nuevos.
No dependemos de nada que hayamos hecho
en el pasado para que este proyecto sea
aceptado por los fanáticos. Musicalmente
refleja mucho mejor lo que están haciendo
hoy los jóvenes latinos alrededor del
mundo. Creo que supimos captar muy bien
esa línea.
Y, como decía Eric, una vez que comenzamos
fue simplemente: “Listos, vamos a hacer
un disco”. Todos los días eran iguales: ir
al estudio, pasar el día juntos, grabar canciones
y volver al día siguiente para repetir el
proceso. No había pausas ni descansos entre
sesiones. Cada uno cumplió con su papel
y todo salió muy bien. Recuerdo que un
día entré al estudio y vi una pizarra con los
títulos de las canciones. Arriba de todo decía
“Dios Bendiga”. En ese momento pensé:
“Me gusta cómo suena eso”. No sé exactamente
quién tuvo la idea, pero apenas lo vi
sentí que era perfecto. Y sé que a mi madre
le habría hecho muy feliz saber que grabamos
este disco.
Cómo voz principal, ¿qué significó
para vos, B-Real?
B-Real: Era algo que teníamos planeado
desde hacía muchísimo tiempo. A veces la
propia carrera se interpone en los planes.
Las giras constantes y otros discos fueron
ocupando nuestro tiempo y nunca terminábamos
de comprometernos realmente con
la idea. Pero esta vez hablamos seriamente y
cuando apareció la oportunidad dijimos: “Si
vamos a hacer este álbum, tenemos que hacerlo
de verdad”. Limpiamos nuestras agendas
y nos aseguramos de no tener conciertos
durante aproximadamente cuatro o cinco
meses, algo bastante inusual para nosotros
porque normalmente estamos tocando
constantemente. Cuando haces un disco,
tienes que reservar tiempo para que el proceso
creativo ocurra. La verdad, yo pensaba
que iba a llevarnos mucho más tiempo. No
habíamos hecho un álbum en español en
treinta años y esta vez todo era material original.
Queríamos que, como decía Sen, no
fueran traducciones. Hay un pequeño guiño
a cosas anteriores, pero prácticamente todo
son composiciones nuevas.
“Trueno es un estudioso
del hip-hop, no podía
faltar en Dios Bendiga”
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“Este álbum era algo que le debíamos hace
mucho tiempo a nuestros seguidores
hispanohablantes”
¿Disfrutaron el proceso?
B-Real: La pasamos muy bien haciendo
este disco y el proceso fue mucho menos
complicado de lo que imaginaba. Era algo
que les debíamos desde hacía mucho tiempo
a nuestros seguidores, especialmente a
los fanáticos de habla hispana y finalmente
llegó el momento de hacerlo. Y por lo que
hemos recibido como respuesta con las dos
canciones que ya se publicaron, incluso personas
que no hablan español nos dicen que
simplemente les gusta cómo suena. Eso es
algo muy importante para mí porque significa
que la música es universal. Es parecido a
lo que ocurrió con nuestros primeros discos,
como Cypress Hill o Black Sunday. Cuando
esas canciones llegaban a países donde no
se hablaba inglés, la gente conectaba con
ellas antes incluso de entender las letras.
Fueron selectivos con las colaboraciones,
eligieron artistas amigos, con
los que ya habían trabajado antes.
B-Real: Ya había trabajado anteriormente
con varios de ellos. Con Alemán había colaborado
un par de veces y también había
trabajado con Trueno junto a Bobo. Con La
Santa Grifa era la primera vez que compartíamos
una canción, pero llevaba mucho
tiempo escuchando su música y nos conocíamos.
Hoy la situación es completamente
distinta. Hay muchísimos artistas, pero elegimos
a aquellos con los que ya habíamos
generado una conexión y que podían aportar
algo especial a las canciones. Con “Wacha
Trucha”, por ejemplo, supimos inmediatamente
que Alemán tenía que estar ahí.
Tiene un estilo increíble y encaja perfectamente
con lo que hacemos. Y con “Saca Labolsita”,
DJ Lord comentó que Trueno sería
ideal para participar, no lo pensó dos veces.
Sen Dog: Además, Trueno es claramente
un estudiante del hip hop. Todos ellos lo
son. Han demostrado hasta dónde ha llegado
el crecimiento del género en Latinoamérica.
Son artistas capaces de escribir y rapear
con un nivel impresionante. Realmente son
extraordinarios en lo que hacen.
¿Fue un desafío volver a rapear en español
junto a ellos?
B-Real: Por supuesto. Es un desafío constante.
No puedo hablar por Sen porque el español
fue su primer idioma, pero en mi caso
crecí como muchos latinos en Estados Unidos,
especialmente en el sur de California.
Los chicanos aprendemos español en casa,
con nuestros padres. Ellos nos hablan en español
y nosotros absorbemos ese conocimiento.
Algunos desarrollan más el idioma y
otros simplemente lo entienden sin hablarlo
tanto. En las escuelas no nos enseñaban
realmente español, salvo alguna clase básica.
Por eso siempre será un reto competir
con raperos que tienen el idioma como
lengua materna y que poseen un nivel muy
avanzado. Eso nos obliga a trabajar mucho
más duro.
Sen Dog: Creo que B-Real lo explicó perfectamente.
Nosotros crecimos hablando
español, pero al mismo tiempo también fuimos
influenciados por el inglés a través de la
escuela y de nuestros amigos. Conocemos
el idioma, claro, pero cuando trabajas con
artistas de México o Sudamérica te encuentras
con personas que dominan el español a
la perfección. Cuando me toca interpretar en
español realmente tengo que concentrarme
mucho. Hay palabras que conozco perfectamente,
pero a veces se me escapan. Por eso
fue increíble escuchar a estos muchachos
haciendo lo suyo.
¿Cómo funciona en el grupo la constante
reinvención? Siguen incorporando
sonidos nuevos con el paso de los
años y se nota que intentan mantenerse
frescos.
B-Real: Te ayuda a explorar lugares a los
que quizás no habrías llegado por tu cuenta.
Como artista, uno tiene que estar dispuesto
a seguir aprendiendo sin importar cuánto
tiempo lleve en esto. Cuando colaboras con
artistas más jóvenes, ellos van a aprender
algo de ti, pero tú también puedes aprender
de ellos. Nosotros siempre hemos sido personas
competitivas. Queremos hacer las cosas
bien y nunca vamos a dejar de mostrar
nuestra fortaleza. Así que nos adaptamos,
tomamos lo que podemos aprender de estos
artistas y seguimos adelante intentando
hacer las mejores canciones posibles.
¿Sienten que el desarrollo del Hip-Hop
en Latinoamérica ayudó a esa reinvención
en el grupo?
Sen Dog: Sin duda. La escena del hip hop
en Sudamérica y en México ha crecido muchísimo
desde la época en que lanzamos
Los Grandes Éxitos y empezamos a viajar
por esos países. Ya entonces veíamos que la
gente vibraba con el hip hop, pero observar
cómo ha evolucionado todo desde entonces
ha sido impresionante. Estos artistas se toman
muy en serio su arte y lo demuestran
constantemente. Año tras año han ido desarrollando
el estilo, la escritura y la cultura del
hip hop, dándole además una identidad propia.
Como decía B-Real, él ya había trabajado
con Trueno, Santa Fe Klan y Alemán. Las
relaciones ya estaban creadas. Solo faltaba
encontrar el momento adecuado para juntarnos
y hacer música. Y cuando llegó ese
momento, todos aparecieron con lo mejor
que tenían. No solamente participaron: trajeron
un nivel increíble. Recuerdo escuchar
sus versos y quedarme realmente impresionado.
Todo eso me hizo comprender todavía
más la riqueza del español. Hay muchísimo
por descubrir dentro del idioma, de los modismos
y de las distintas culturas. Creo que
uno debería prestar más atención a la música
que se hace fuera de su propio país y tratar
de entender qué están haciendo las nuevas
generaciones.
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La evolución del
debate sobre el
cannabis: de la
estigmatización a
la normalización
Cypress Hill comenzó su camino por la
década de los 90’ como uno de los mayores
defensores del cannabis, con referencias en
sus letras y expresiones explícitas en canciones
como “Light Another”, “Something
for the Blunted” o “Stoned Is the Way of the
Walk”, entre otras.
Esta defensa hizo que se ganaran tanto el
cariño de un sector de la población como el
repudio de otro, llegando a ser tanto amados
como cancelados durante varios de sus
primeros años. Su álbum Black Sunday, de
1993, con los tracks “I Wanna Get High” o
“Legalize It” terminó de posicionar su mentalidad
hacia la defensa, pero también marcó
un hito en su historia convirtiéndose en éxito
de ventas - el disco debutó en el No.1 del Billboard
200 y fue catalogado como Cuádruple
Platino en Estados Unidos -.
Vivieron también el paso de la estigmatización
del cannabis a la normalización
del debate, ¿qué significa para ustedes
ese cambio con el paso de los años?
B-Real: Me alegra ver que todo se ha normalizado.
La gente ya no tiene los mismos
prejuicios ni las mismas etiquetas que existían
antes. Ahora entienden mucho mejor de
qué se trata. Incluso personas que antes lo
criticaban o se manifestaban en contra, hoy
son aliadas y hablan a favor de ello. La cantidad
de información disponible permitió que
mucha gente comprendiera realmente qué
es. La normalización es algo positivo porque
significa que ya no vas a tener tantos problemas
por ello. En algunos lugares incluso es
posible vivir de esta industria. Pero más allá
de la normalización, todavía hace falta que
sea legal. Hay países donde ya se ha legalizado
y eso es extraordinario, pero todavía queda
mucho trabajo por hacer, tanto en Estados
Unidos como en otras partes del mundo.
Cuando pienso en dónde estábamos hace
treinta años y comparo aquella realidad con
la actual, realmente es algo increíble.
La historia de Cypress Hill en
los Charts de Billboard
“Insane In The Brain”: Puesto No.19 en el Billboard Hot 100
“Insane in the Brain”: Puesto No.1 del Hot Rap Tracks
Black Sunday: Debutó en el No.1 del Billboard 200 en 1993.
III (Temples of Boom), de 1995 y Skull & Bones, del 2000: Top 5 del Billboard 200.
“Siempre hemos sido una
banda que asume riesgos”
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Ustedes vivieron el paso del hip-hop
como un género marginal hasta el dominio
total de los charts, ¿qué significó
para ustedes formar parte de esa
expansión?
B-Real: Esa es precisamente la fuerza del
hip hop. Nosotros tuvimos la oportunidad de
vivir su crecimiento desde una etapa muy
temprana. Cuando comenzamos a viajar
por México, Sudamérica y Europa, veíamos
cómo las personas celebraban la llegada de
artistas estadounidenses y cómo absorbían
esa cultura con tanta pasión que finalmente
decidían crear sus propias escenas. Recuerdo
que alrededor de 1992 y 1993 comenzamos
a viajar por Europa y a ver ese fenómeno.
Con el paso de los años no solo aparecieron
personas haciendo rap en sus propios
países, sino que esas regiones comenzaron
a generar sus propias estrellas.
¿Por qué eligieron “Wacha Trucha”
y “Campeones” como los adelantos de
este disco?
B-Real: Sentimos que “Wacha Trucha” era
una canción muy importante para el momento
que estamos viviendo. Especialmente por
todo lo que estaba ocurriendo con ICE y las
distintas situaciones que se estaban desarrollando
en Estados Unidos. Era una especie
de canción de alerta, un mensaje para
mantenerse atentos. Pero además tenía una
vibra muy característica de Cypress Hill. Nos
recordaba a esa energía de “We Ain’t Goin’
Out Like That”. Pensamos que era una presentación
perfecta para el disco porque mucha
gente espera precisamente ese tipo de
sonido de nosotros. Siempre hemos sido
una banda que asume riesgos. Nos gusta salirnos
de la caja y probar cosas distintas.
Sen Dog: Con “Campeón”, queríamos
mostrar nuestra flexibilidad. Queríamos demostrar
que también podíamos traer una vibra
festiva, algo más cercano al espíritu latino.
Por eso elegimos esas canciones: primero
mostrar la fuerza y después enseñar que
también sabemos hacer música para celebrar
y pasarla bien, no únicamente canciones
agresivas o de confrontación.
¿Tienen favoritas o alguna les despertó
un sentimiento especial a la hora de
terminarla?
B-Real: Creo que elegiría “Run”, es una
canción muy especial para mí. Es algo especial
porque normalmente el hip hop actual,
especialmente en ese estilo más moderno
que tiene la canción, se basa más en las voces
y las melodías, pero rara vez incluyen a
un DJ haciendo scratches. Nosotros ya somos
hombres mayores haciendo hip hop.
Estamos en nuestros cincuenta y seguimos
dedicándonos a esto. Y el hip hop puede ser
una cultura muy marcada por la edad. Muchas
veces intentan dejarte atrás cuando alcanzas
cierta etapa. Me recuerda a la idea
que planteaba Common en “I Used to Love
H.E.R.”. La próxima vez que escuches “Run”,
piensa en esa metáfora y todo cobrará mucho
más sentido.
Sen Dog: Definitivamente “Campeón”. Tiene
un significado muy especial porque mi
hermano Mellow Man Ace se unió a nosotros
en esa canción. Hacía muchísimo tiempo
que no grabábamos juntos, y mucho menos
los tres. Cuando éramos chicos hacíamos
absolutamente todo juntos. Íbamos a
todas partes, compartíamos experiencias y
crecimos prácticamente inseparables. Después
cada uno tomó su camino. Él inició su
carrera solista y nosotros continuamos con
Cypress Hill. Somos hermanos y, como sucede
en todas las familias, hay buenos momentos
y momentos difíciles. Pero aquí estábamos
nuevamente, compartiendo una canción
y también un videoclip. Es algo que tiene
un valor muy especial porque, al final, se
trata de la familia.
Conexión con la Argentina
B-Real: La primera vez que fuimos a Argentina
creo que fue en 1996. Aquella fue
nuestra primera visita y, aunque éramos un
grupo de hip hop, en ese momento teníamos
una actitud muy cercana al punk rock. Simplemente
no nos importaba nada y salíamos
al escenario dando el cien por ciento. Creo
que eso fue algo que la gente supo apreciar
porque nunca habían visto algo como nosotros.
Y también estaba el hecho de que éramos
latinos y hablábamos español. Incluso
en aquella época ya incluíamos pequeños
elementos en español en nuestra música.
Temas como “Latin Lingo” y otras canciones
permitían que la gente supiera quiénes éramos
y de dónde veníamos. Los argentinos
nos aceptaron de una manera que ni siquiera
nosotros podíamos comprender. Desde
entonces siempre ha existido una historia de
amor con Argentina. Nos encanta ir allí. La
energía que se vive es diferente a cualquier
otro lugar. Es algo increíble.
¿Qué importancia tendrá el álbum en el
show de Buenos Aires?
B-Real: Con este álbum definitivamente
vamos a tocar varias canciones nuevas. Obviamente
seguiremos haciendo un recorrido
por toda nuestra carrera, como hacemos habitualmente,
pero vamos a poner un énfasis
especial en este material porque creemos
mucho en él. Sentimos que estas canciones
van a conectar con la gente y van a hacer
vibrar al público. Así que realmente estamos
esperando con muchas ganas esos
conciertos.
¿Podría aparecer Trueno en el
escenario?
Sen Dog: Si está en la ciudad y no tiene
otros compromisos, por supuesto que vamos
a invitarlo. Definitivamente se lo vamos
a proponer.
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PITY ÁLVAREZ
Después de Córdoba y Rosario, el cantante siguió
peregrinando por la Argentina hasta llegar
a Mendoza, en la primera quincena de junio.
Acompañado por Matías Mango en teclados,
Gabriel Prajsnar en bajo, Juan Colonna en batería,
Hernán Salas en guitarra y Bárbara Corvalán
en coros, Álvarez estuvo al frente de una nueva
recreación del dorado repertorio que edificó en
sus años de Viejas Locas e Intoxicados. “Religión”,
“Está saliendo el sol”, “Volver a casa”, “La
Simpática Demonia”, “Mi inteligencia intrapersonal”,
“Me gustas mucho”, “Fuiste lo mejor”, “Balada
para otra mujer”, “Intoxicado”, “Señor Kiosquero”
y “Qué vas a hacer tan sola hoy” fueron
algunas de las elegidas. También hubo espacio
para “Lejos de ser”, su más reciente canción.
Al otro día del show, Pity anunció cuáles serán
sus próximos movimientos: durante julio se encerrará
a seguir grabando canciones y el 8 de
agosto tocará en Tucumán.
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CRÉDITO: POPI GRAÑA
LALI
La gran bestia pop argentina cerró su tour No vayas
a atender cuando el demonio llama con dos
funciones totalmente agotadas en el estadio River
Plate, a comienzos de junio. Y como no podía
ser de otra manera, ambas noches fueron una
fiesta que no se vio afectada por ninguna lluvia.
Canciones de su último disco (“Lokura”, “Tu novia
2”, “Perdedor”, en la cual Lali se quebró), se
entrelazaron con otros grandes momentos de su
discografía (la perfo-porno de “Ahora”, “Soy”, “2
son 3”). Pero las ovaciones más altas aparecieron
junto con los invitados: los Miranda! (“Mejor
que vos”), Duki (“Plástico”), Dillom (“33”) y la icónica
Kylie Minogue, quien viajó especialmente
a Buenos Aires para estos shows y para recrear
las propias “Can’t Get You Out of My Head” y “Padam
Padam”. El final, marcado por “No me importa”,
contó con “Ji-ji-ji” (Redonditos de Ricota)
como coda, a modo de ofrenda para el Indio Solari,
fallecido en la previa a este fin de semana.
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CRÉDITO: GUIDO ADLER
BABASÓNICOS
“Gracias por poner el cuerpo una vez más”, dijo
Adrián Dárgelos, hombre de pocas (pero certeras)
palabras entre canciones. La doble fecha
en el Movistar Arena realizada a fines de junio y
en pleno fervor mundialista (muchas camisetas
con la “10 Messi” entre el público) fue una especie
de presentación oficial de Cuerpos Vol. 1.
El último álbum del grupo estuvo bien representado
desde la intro, con “Revelaciones aparte” y
“Tiempo off”, pero también a lo largo de la noche
con varias de sus canciones. Entre las más destacadas,
las reinterpretaciones de “Cocos” y “Advertencia”.
Pero el detalle fue una especie de reivindicación
para el repertorio de Mucho (2008),
acaso uno de los discos más discutidos de Babasonicos:
6 de sus temas formaron parte de la
lista, entre ellas, la festejadísima “Cómo eran las
cosas”.
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ÁNGELA LEIVA
La cantante se presentó por primera vez en el
Movistar Arena con entradas completamente
agotadas. Así, ante una multitud, cantó algunas
de las canciones más destacadas en su recorrido
y también algunos de sus singles más recientes,
como “Gato”.
Durante la noche también le rindió homenaje
a Gilda interpretando algunos de sus clásicos
(“Noches vacías”, “Tu”, “No me arrepiento de
este amor”) y hasta hubo espacio para invitados:
cantó “Yo Era” con el Chino de Q’ Lokura, hizo
“No podrás” con Euge Quevedo y también presentaron
por primera vez en vivo la canción “Enemigas”.
El cierre estuvo a cargo de la infaltable
“Amiga Traidora”, todo un broche de oro para una
noche especial.
CRÉDITO: POPI GRAÑA
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FOTO: GUIDO ADLER
SERÚ GIRÁN
Durante más de dos horas, el Movistar Arena fue
escenario de una celebración colectiva en la que
convivieron quienes crecieron con estas canciones
y quienes las descubrieron por primera vez
interpretadas por dos de sus creadores. Familias
enteras, padres e hijos, amigos de distintas edades
y fanáticos de todo el país compartieron una
misma emoción, confirmando que el universo de
Serú Girán continúa atravesando generaciones
con una vigencia extraordinaria. Pedro Aznar y
David Lebón volvieron a reconstruir la magia de
la histórica banda que completaban con Charly
García y el recordado Oscar Moro. Así, le dieron
vida a canciones como “Canción de Alicia en el
país”, “Seminare”, “Perro Andaluz”, “Frecuencia
Modulada”, “Desarma y sangra”, “No llores por
mí, Argentina”, “Cinema Verité”, “Peperina” y muchas
más.
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Q´LOKURA
Con localidades completamente agotadas, la banda fronteada
por Nicolás Sattler y Facundo El Chino Herrera celebraron
su décima función en el Movistar Arena con un espectáculo
en el que volvieron a demostrar por qué son el fenómeno
más convocante del cuarteto y uno de los artistas más escuchados
del país.
El repertorio volvió a confirmar la enorme cantidad de éxitos
que hoy forman parte de la historia del grupo. Sonaron la
“Session #3”, “No Se Va”, “Lo Dejaría Todo”, “Te Voy a Amar”,
“Carita Triste”, “Soy Favela”, “Uno Los Dos” y muchos más,
en un recorrido cargado de clásicos, enganchados y estrenos
que sacudieron al estadio de principio a fin.
A lo largo de la noche participaron Euge Quevedo y Keso
Pavón de La Banda de Carlitos, Olivia Wald, Axel, Los Caligaris,
Ángela Leiva, Luciano Creiner, Damián Córdoba, De
Party, Los Herrera, Migrantes y Ale Ceberio, protagonizando
distintos momentos que fueron despertando la sorpresa y
la ovación permanente del público.
CRÉDITO: POPI GRAÑA
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PULP
En su regreso al Movistar Arena, repasaron clásicos,
presentó canciones de More (2025), su primer
disco en 24 años, y confirmó que su lugar
dentro del britpop sigue siendo el mismo: teatro,
baile y excentricidad. La banda de Sheffield abrió
con “Sorted for E’s & Wizz”, luego “Disco 2000” y
después “Spike Island”, para darle un aire nuevo
a la noche.
Con humor, seducción y elegancia, Jarvis Cocker
ocupó bien el centro del escenario. En “This
Is Hardcore”, el cantante llevó todo hacia su costado
más oscuro; en “Underwear” sacó ropa
interior roja del saco y la tiró al público; y en
“F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.” expuso todo
su magnetismo. Y hubo más lugar para jugar: le
dieron a elegir a su audiencia entre “Lipgloss” y
“Tina”, aunque finalmente sonaron ambas, con
Cocker rebautizando la segunda como “Argen…
Tina”.
FOTO: LUCÍA SORICHETTI
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ner una banda es caótico y para nosotros hacer
música lo es todo. Sacrificamos un montón
de cosas de la rutina diaria que tiene una
persona más acomodada. Eso genera que
tengamos horarios de trabajo caóticos y que
relacionarnos con distintas cosas, más que
nada con familiares o amigos, también sea
caótico. No es buscado, sino simplemente lo
que es. Lo que elegimos por lo que hacemos.
FOTO: KEVIN MAZUR
“Tener una banda
es caótico y para
nosotros hacer
música lo es todo”
La banda habla de Zafarrancho, su disco más
comunitario y desprejuiciado.
POR ANTONELLA LOPREATO
“O
dio el éxtasis, odio la
coca, odio a los modernos,
odio al DJ”.
Así empieza Zafarrancho,
el nuevo disco de
RYAN, citando “Everybody
in the Discotheque (I Hate)” de Stereo
Total. En términos de definiciones, nadie
mejor que ellos para encontrar las que
más le calzan a un repertorio reacio a las
clasificaciones: del rock alternativo al country
cósmico, con la psicodelia de “Bendiciones”,
el frenesí punk de “Bombo y Tacho” y
una balada cincuentera como “Perdería”. “Es
un cocoliche de géneros, pero sigue siendo
un disco de rock alternativo”, le dicen a Billboard
Argentina.
RYAN
Lejos de la ciudad, la banda se instaló durante
un mes en una casa de Cañuelas junto
a un grupo de 15 amigos para construir
el álbum de punta a punta. La tapa -una pintura
de Ezequiel Galicia-, las fotos y los videos
también nacieron en esa convivencia
artística. Antes de salir a defenderlo en vivo
por el país, Dante Citara (voz) y Sebastián
Tortu Venezia (guitarra) repasan el proceso
de un proyecto hecho a mano. Catalina
Banega (bajo), Valentín Moura (guitarra) y
Agustín De Cousandier (batería) completan
el quinteto.
Zafarrancho tiene varios significados,
entre ellos, el caos. ¿Cómo se relacionan
ustedes con esa palabra?
Dante: Somos caóticos y barrocos. Tenemos
un ritmo y un estilo de vida caótico. Te-
¿La vida del rockstar, se podría decir?
Dante: Al revés. No quería que suene así.
Pero no podríamos ir a una oficina de lunes a
viernes, de 8 a 6 de la tarde, porque tenemos
que ir a tocar a Chapadmalal, a Rosario, a Rafaela
o a Córdoba.
El disco arranca con frases de odio hacia
el ambiente nocturno. ¿Le están hablando
a una escena en particular?
Dante: Nos pareció fuerte, con unas líneas
muy direccionales, muy al hueso. Algo que
también se puede interpretar de una manera
sarcástica. Después viajamos a la casa y la
empezamos a armar. La verdad es que lo dejo
a libre interpretación: no somos unos odiadores.
Pero nos parecía interesante arrancar
con algo tan directo y concreto, que al mismo
tiempo se puede interpretar de muchas
maneras. Algo como: “Odio el éxtasis, odio la
coca, odio los modernos”. Nosotros también,
siendo tan jóvenes y siendo una banda nueva,
sentíamos que había un contraste interesante.
Es como estar leyendo un manifiesto
a la gente que lo está escuchando.
¿Cómo hicieron para encontrar un hilo
conductor entre tantos géneros?
Dante: Creo que no quisimos abrazarnos
a la idea de: “Vamos a hacer un disco latino
con sonidos súper tropicales”. Tampoco dijimos:
“Vamos a hacer un disco de punk”. Fuimos
experimentando de a poco y dándonos
el gusto de laburar con trompetas, vientos y
percusión. Fue como preguntarnos: “¿Qué
puede hacer RYAN con estas cosas que nos
gustan?”. No limitarnos, pero tampoco forzarlo
a que sea algo completamente distinto.
No fue como un nuevo branding de la banda,
ni cambiar drásticamente el sonido, sino
probar desde lo que ya somos. Quedó este
cocoliche de géneros que, igual, creo que
se puede resumir en rock alternativo. Siento
que una banda de punk, o una banda que
hace rock con gospel, escucha el disco de
RYAN y dice: “Sigue siendo un disco de rock
alternativo”. Tiene tintes, coquetea con distintas
cosas.
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El Doctor estrena Young Doc, su
obra más ambiciosa y diversa
El rapero más explícito de la Argentina vuelve a editar
un nuevo álbum después de cinco años.
POR EZEQUIEL RUIZ
“E
sta es una buena oportunidad para demostrar de qué estoy hecho”,
dice El Doctor para resumir de qué va Young Doc, su nuevo disco, editado
a través del célebre sello Interscope. El más explícito de los trappers
argentinos vuelve después de casi cinco años: FAFA (2021) había
sido su último álbum y en todo este tiempo se dedicó a publicar
singles y a afilar su estilo crudo en los escenarios. “Es un disco muy
sólido. Hay muchas de las cosas que me pasaron en todos estos años que no edité álbumes,
pero también hay escenas de la juventud del Joven Doctor“, dice en general sobre el
contenido del trabajo.
4. “Albañil”, feat. Stiffy
“Con Stiffy conectamos mucho musicalmente.
Más allá de la discusión de si tal cosa
es under o no, con él tenemos casi las mismas
influencias. Nos gustan los raperos de
Chicago que inventaron el drill, porque no
sabían producir. De todos los fetos que tengo,
con él es con el que mejor me conecté”.
Ahora es tiempo de descubrir
su nueva música, creada
casi en un 100% a partir de
freestyles, tanto en lo lírico
como en lo melódico. En este
Track x Track, El Doctor desmenuza
los detalles del disco
en conversación con Billboard
Argentina.
1. “Intro Young Doc”
“Es una referencia a La Naranja Mecánica. La película
tiene mucho de la violencia en la calle y esa oscuridad
en el disco. Por eso, la intro refiere a parte de
la música de la película. También te pone en tema de
que todo esto se trata de testimonios”.
2. “Click”
“Empieza con un audio de WhatsApp de un youtuber
con el que está todo mal. Ese día nos peleamos
tres contra 80. Después vino la policía y se fueron todos
corriendo. Se quedó uno solo y a ese le dimos
masa, para que tenga. Al otro día de esa pelea, hice la
famosa entrevista con Chiche Gelblung. Le caí todo
amanecido y con salpicaduras de sangre en la ropa,
pero él no se dio cuenta”.
3. “Luis Miguel Tupac”
“Fue un desahogo, bien sufrido. A los primeros que
se los hice escuchar, les pregunté si sentían ese dolor
en la canción. Es un resumen de cómo empecé,
de mis adicciones… Y mezclé a dos artistas con los
que me siento identificado. Dentro de mi entorno hay
gente que flashea que soy Luis Miguel y que se van
a salvar conmigo”.
5. “Curame”
“Es un tema que tenía hecho hace un montón.
Tenía otra producción de mezcla, pero
para este disco llegamos a esta versión, que
tiene un enfoque más de balada. Es distinto”.
6. “No me salves”, feat. Zaravia
Zaudita
“Es uno de mis favoritos del disco. Es uno
de los primeros que hicimos para este trabajo.
Es medio triste y me gusta mucho eso:
pensar cómo sería el mundo sin El Doctor”.
7. “Salvame”
“Es medio bipolar la onda del disco. La
gente ya sabe cómo soy, un poco cambiante.
Es una canción de amor, de desamor…”.
8. “Botellas”
“Es un r&b pero es verdad que tiene un
título medio punkie. Le tengo mucha fe al
tema, creo que mucha gente todavía no lo
descubrió. Me la imagino sonando en los canales
de videoclips que todavía existen”.
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16. “Represente”, feat. Papi
Trujillo
“Es un trap sin sentido, que arranca como
una reflexión y después se va por las ramas.
Me encanta la parte de Papi Trujillo, me siento
muy identificado: ‘Te acordás de cuando
éramos pobres / hicimos ricos a los bloques’.
El vivía en una zona que se llama Las
3000, que es lo más billiken que puede haber
en España, y se influyó de eso. Tenemos
orígenes parecidos”.
17. “Sangrekiller”
“Un tema muy gangster, muy tumba mal.
Creo que nunca nadie hizo un tema así, ni
heavy metal ni cumbia. No hay un tema tan
de culto como este. Tiene un flow pesado,
con una letra triste”.
9. “Droga”
“Muy triste este tema. Pero me encanta,
pese a todo. La canción habla de una fan
mía, que también era cantante. Molly Mami,
se llamaba. Falleció y fui a su velorio. Ahí me
pasó algo muy loco. En los velorios nunca
entro donde está el cajón, me da impresión.
Pero esta vez pasé y la vi. Estaba hermosa
ella y justo en ese momento empezó a sonar
una canción mía, que se llama ‘Me voy’ y que
habla de la muerte. Fue de lo más zarpado
que me pasó en la vida”.
10. “La mejor”
“Un freestyle súper adicto, que habla de
los problemas que tuve con las drogas. Es un
tema con un ritmo alegre, pero con una letra
muy oscura. Me interesan esos contrastes”.
11. “Rolling Stone”, feat.
Gianluca
“Gianluca es uno de los pioneros del trap
en Chile. El siempre fue muy respetuoso de
mi proyecto, muy cariñoso. Y se me ocurrió
convocarlo para que sea parte del álbum. Lo
grabamos acá en Buenos Aires. Él maneja
muy bien su voz, con o sin tune”.
12. “Ahogándome”
“Temón, me encanta. Habla de toda mi
vida, desde cuando era chico: robé porque
era pobre, me bañaba con un balde… Tiré un
par de la pobreza y de cosas del mal camino.
Es muy interesante el ritmo que inventamos
en esta”.
13. “Mejor friends”
“Le tengo mucha fe para que suene en la
radio, aunque tenga mucha cosa explícita.
Pero estoy dispuesto a hacer una versión
limpia para que no sea censurada en ningún
lado”.
14. “Souljadoctor”, feat. Aqua
VS
“Es otro gran artista de Chile. Lo conocí
acá en Buenos Aires y grabamos al toque. Es
muy capo, también muy respetuoso de mi
proyecto. Tengo ganas de viajar a su país a
que la cantemos juntos”.
15. “Me quedo”
“Cuento la historia de mi vida, de principio
a fin. Dura como 8 minutos, es como el
tema ese de Queen (“Bohemian Rhapsody”).
Cuando saqué el disco, no pensé que iba a
tener tanta repercusión esta canción, por
lo larga que es. Mucha gente le está dando
más cabida que a otros temas. Antes de sacarlo,
cuando se lo mostré a mi equipo, me
decían que pasaban volando los 8 minutos,
que es tan entretenido lo que voy contando
que ni te das cuenta de lo que dura. En esta
letra expongo las diferencias que tuve con
mis padres cuando empecé a rapear. Ellos
no me apoyaban. Pero cuando vieron los billetes
que hacía, compraron”.
18. “Funeral”, feat. Loquero
“Fue un flash grabar una canción con
ellos, que son mis ídolos del punk. Ellos habían
cantado un tema mío en un show de
ellos y conecté a partir de esa situación. Esta
canción es una especie de venganza para
unos amigos que tenía. Con ellos teníamos
una banda y siempre íbamos a ver a Loquero,
pero cuando empecé a tirarme para el
rap, no me bancaron. Ahora van a escuchar
este tema y se van a querer matar”.
19. “El ancla”
“Es sobre las groupies, las doctorianas. Un
forreo, un egotrip medio basura de algo que
capaz es medio chocante, pero es una realidad.
Es algo que le puede pasar a cualquier
persona, un hombre, una mujer… No me tires
el ancla después de garchar. Capaz pasás
una noche con alguien y se te instala en
tu casa. Entonces, no me tires el ancla, tomate
el palo”.
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EXTi se convirtió en el primer
artista integrado en el videojuego
con su álbum POR AMOR AL
ARTE
Ocho canciones de su nuevo álbum, una camiseta exclusiva diseñada por el
artista y una instalación física durante la Copa Mundial de la FIFA 2026 marcan
una colaboración histórica entre música, arte, fútbol y gaming
E
n una de las colaboraciones
más innovadoras entre cultura
y entretenimiento realizadas
hasta la fecha, el artista musical
y visual argentino EXTi se
convierte en el primer artista
integrado oficialmente al universo de FIFA
Rivals, el videojuego móvil licenciado por
FIFA y desarrollado por Mythical Games. La
alianza reúne por primera vez todas las disciplinas
que definen el universo creativo de
EXTi.
Coincidiendo con el inicio de la Copa Mundial
de la FIFA 2026, el pasado 11 de junio
ocho canciones de su próximo álbum POR
AMOR AL ARTE ya son parte de la experiencia
oficial del videojuego, mientras que una
camiseta exclusiva diseñada por el artista
será incorporada como contenido especial
dentro del juego a través del paquete IM
FOOTBALL.
La colaboración posiciona a EXTi no solamente
como músico dentro de FIFA Rivals,
sino también como creador visual, llevando
al videojuego la misma identidad artística
que ha caracterizado sus obras, exposiciones,
intervenciones urbanas y colaboraciones
internacionales.
POR AMOR AL ARTE: del álbum al
videojuego
POR AMOR AL ARTE es el nuevo proyecto
discográfico de EXTi y una declaración sobre
la pasión creativa, la identidad y el valor de
crear más allá de cualquier tendencia. Como
parte de esta colaboración, ocho canciones
del álbum fueron seleccionadas para formar
parte de distintas áreas de FIFA Rivals: “MIA-
MI”, “DEALER”, “PACIENTE TERMINAL”, “MI
CLOSET”, “AEROSOL”, “4to C”, “MONTAÑA
RUSA” y “ALTAVOZ”.
Los temas acompañan la experiencia de
los jugadores a través de diferentes secciones
del videojuego, incluyendo los menús
principales, Team Management, Events,
Challenges y la tienda oficial del juego. Entre
ellas destaca “DEALER”, primer sencillo oficial
del disco y canción elegida como tema
principal de la campaña promocional de
esta colaboración global. El videoclip de la
canción fue realizado por Santiago Márquez
en dirección y Juan Leo Magno en edición.
Una camiseta que nace del arte
Además de la música, EXTi desarrolló una
camiseta exclusiva para FIFA Rivals, trasladando
al universo del fútbol los elementos
visuales que han definido su lenguaje artístico.
Reconocido por fusionar arte contemporáneo,
moda, diseño y música, el artista
concibió la equipación como una extensión
de su obra visual, incorporando símbolos,
colores y conceptos presentes en su trabajo
creativo. La camiseta forma parte del paquete
especial IM FOOTBALL, disponible dentro
del videojuego entre el 11 de junio y el 10 de
agosto de 2026, junto a un emblema exclusivo
y una caja sorpresa con jugadores legendarios
de la Selección Argentina.
Del videojuego a Wynwood
La colaboración trasciende el entorno di-
gital. La versión física de la camiseta diseñada
por EXTi también formará parte de una
instalación artística especial presentada
durante la Copa Mundial de la FIFA 2026 en
Latin House Miami, uno de los principales
Watch Parties y Fan Zones de la ciudad durante
el torneo. Ubicada en Wynwood, barrio
que se ha convertido en uno de los centros
creativos más importantes de Miami y donde
la presencia artística de EXTi ha dejado
una huella significativa a través de exposiciones,
murales, colaboraciones y proyectos
culturales, la instalación permitirá que
fanáticos del fútbol, la música, el arte y los videojuegos
experimenten la pieza tanto en el
mundo físico como en el digital. La iniciativa
convierte a la camiseta en algo más que un
objeto coleccionable dentro de un videojuego:
una obra que existe simultáneamente en
dos universos y que conecta comunidades a
través de distintos formatos culturales.
El futuro de la cultura dentro del
gaming
La integración de EXTi en FIFA Rivals representa
una nueva visión sobre la relación
entre videojuegos y cultura. En lugar de limitarse
a una licencia musical tradicional,
el proyecto incorpora música original, diseño
visual, identidad artística y experiencias
físicas dentro de una misma narrativa global.
“EXTi es el primer artista en FIFA Rivals, y
eso representa algo más que una simple colaboración.
La música, la cultura y el fútbol
siempre han sido inseparables, y queríamos
que FIFA Rivals lo reflejara. Esto es solo el
comienzo”, dice John Linden, CEO de Mythical
Games.
La colaboración marca un hito para la representación
de artistas latinoamericanos
dentro de plataformas globales de entretenimiento
interactivo y abre nuevas posibilidades
para la integración entre creadores, comunidades
y experiencias digitales.
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LISAN BEAT
LISAN BEAT
La mirada detrás del productor
de la escena urbana argentina
Trabajos con Milo J, Ysy A, Nicki Nicole o Tiago PZK hicieron
que se posicionara dentro de la elite nacional.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
“S
oy un productor argentino de
29 años que a lo largo de sus
10 años de carrera se pudo encontrar
con artistas que con
el tiempo se volvieron amigos
y familia”. Así se describe hoy
Lisan Beat, productor de grandes referentes
nacionales como Ysy A, Milo J, Nicki Nicole
y más recientemente, Paulo Londra.
166 es una de las producciones más laureadas
de Lisan, con varios Premios Gardel a
sus espaldas y el reconocimiento de una escena
emergente que no para de crecer. Sin
embargo, el camino comenzó mucho antes,
con trabajos más íntimos en su home studio
y proyectos que muchos conocemos al pie
de la letra y que a día de hoy descubrimos su
origen: “Lo Que Me Causa”, de Milo J y Tini;
“Una Luz En Todo Esto”, o “Todo de Oro”, de
Ysy A o “No Matter”, de Tiago PZK son solo
algunos de estos ejemplos.
¿En qué momento te diste cuenta de
que la producción era tu camino de vida?
Fue algo muy progresivo. Cuando tenía 15
años era simplemente un hobby. No existía
una industria establecida para los que hacíamos
beats en la computadora, no había
un piso. Entonces era una idea muy lejana y
también era difícil transmitírselo a mi familia.
Siempre estaba eso de: “Estudiá otra cosa y
después hacé lo que te gusta”. Empecé Psicología
y la dejé. También me anoté en Administración
de Empresas y la dejé. Trabajé
de distintas cosas hasta que esto empezó a
darse y cada vez tuve más claro que era lo
que iba a hacer. Al principio era todo muy
incierto.
Muchos productores que pasaron
por acá hablan de las diferencias entre
aquellos comienzos y la actualidad.
¿Sentís que hoy sos una referencia para
las nuevas generaciones?
Quizás sí. Aunque llevo mucho tiempo haciendo
esto, mi imagen se hizo más pública
recién en la etapa con Ysy A. Antes me dedicaba
a grabar artistas y clientes en mi home
studio. Ahí fue cuando empecé a vivir más
de trabajar con un artista y fue un punto de
inflexión. Hoy recibo muchos mensajes de
chicos preguntándome cómo empecé o qué
les recomendaría. Eso te hace sentir una referencia.
Aunque tampoco quiero que me
pese esa responsabilidad.
Además de tu carrera, también tenés
una familia formada y eso es algo muy
lindo de ver.
Para mí es un lujo que estén acá Meli y
Samuel. Quiero que sean parte de mi carrera
porque van a ser parte de mi vida todo el
tiempo.
Y cuando llegan reconocimientos
como los que viviste recientemente,
como los Premios Gardel con Milo, imagino
que también pensás en ellos.
Literal. Cuando se menciona cada proyecto
en el que estuviste, lo primero que se te
viene a la cabeza es la familia. Uno trabaja
porque ama lo que hace y no piensa en esas
cosas, pero cuando pasan son un shot de
motivación. Te dan ganas de seguir marcando
puntos importantes en tu carrera.
Hoy trabajás con varios artistas importantes
al mismo tiempo. ¿Cómo hacés
para equilibrar todo?
Es difícil querer hacer todo y no quemarte.
Todo requiere energía, atención y creatividad,
y todo tiene un límite. Incluso tuve que
dejar algunos proyectos en manos de otros
equipos. Hay que aprender a calcular y uno
mismo sabe hasta dónde puede llegar.
Y si pudieras hablar con ese chico de
15 años que hacía beats por hobby, ¿qué
le dirías?
Que siga. Que tenga paciencia. En ese momento
era todo muy incierto y no había una
industria como la que existe hoy. Pero creo
que si uno trabaja y es constante, las cosas
terminan llegando. También le diría que disfrute
más del camino, porque muchas veces
uno está tan concentrado en llegar que se olvida
de valorar todo lo que va viviendo.
FOTOS: VALENTINO LUZZA
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El reflejo de nuestra visión sobre las diversas expresiones
artísticas que se desarrollan en nuestra plataforma.
El sello tiende un puente entre Arte, Tecnología y la emoción
humana, capturando la sensibilidad contemporánea desde
proyectos ambient y experimentales, hasta la energía de la
pista de baile. El objetivo es lanzar obras musicales que
conectan las raíces profundas de diferentes creadores, con el
futuro de la música electrónica.
Serie 10° Aniversario:
Varios Artistas
Marcando una década de impulso al sonido de vanguardia, el
sello es una declaración contundente. Esta serie de cuatro
vinilos Various Artists (V/A) encapsulan perfectamente la
identidad sonora de Artlab en la pista de baile. El release
inaugural establece un estándar elevado, llevando el sonido
del baile con cortes distintivos diseñados para el impacto en
horario pico y la inmersión profunda en la pista, allanando el
camino para la extensa colección celebratoria que seguirá.
artlabpro.net/shop
@artlabpro
Artlab Records.
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FIONA APPLE
30 años de Tidal: la chica
del piano venía con dinamita
Hermosa, áspera, sexual, resentida y demasiado lúcida para la edad que tenía.
POR ANTONELLA LOPREATO
1997.
Una muchacha que se niega a ser el chiche del deseo
ajeno sube al escenario de los MTV Video Music Awards
para recibir el premio a Mejor Artista Nuevo por “Sleep to
Dream”, la primera cachetada de Tidal (1996). La canción
es elusiva como todo lo que Fiona Apple escribe y propone,
aunque deja un anticipo sobre la mesa: “Esta mente,
este cuerpo y esta voz no van a dejarse apagar por tus formas desviadas”. Frase de la que haría
uso y abuso a lo largo de su carrera, empezando por ese momento en el que toma el micrófono,
cita a Maya Angelou y tira una bomba televisiva: “Para todos los que estén mirando, este
mundo es una mierda”. Hacía un año que la industria intentaba resolver el rompecabezas de
si estaba frente a una Lolita post-grunge o un lío con fecha abierta para cualquier contrato discográfico.
Su coronación de gloria llegaría rozada por ambas sospechas.
Fue en plena fiebre noventosa, con Hollywood
y sus satélites culturales cebados
con la juventud rota. La música seguía bajo
el efecto de Nevermind de Nirvana y Ten de
Pearl Jam, dos discos lanzados en 1991 que
premiaban la furia y el desencanto; el cine independiente,
con Kids (1995) de Larry Clark,
filmaba la podredumbre sexual neoyorquina;
y la moda dejaba en manos de Kate Moss el
canon de una belleza flaca y mortuoria. Paralelamente,
una camada de mujeres solistas
venía pateando el rock alternativo con psicosis
e insolencia. En ese contexto, Fiona daba
perfecto, pero no cerraba. La figura que el
mundo quería mirar no permanecía callada,
devolvía la mirada en forma de escritura. Y
gran parte de esa descarga quedó registrada
en su debut, que este 23 de julio cumple
30 años de guardar una voz adolescente con
varias vidas de resentimiento haciendo presión
en la garganta.
Dicen que para “pegarla” hace falta una
mezcla injustificada de talento, azar y alguien
con ganas de escuchar. En el caso de
la artista estadounidense, esa fórmula apareció
en una proporción altísima. La historia
fundacional cuenta que grabó tres temas en
un casete (entre ellos, una versión de “Never
Is a Promise”) y le regaló una copia a una
amiga. Esa amiga trabajaba como niñera de
los hijos de Kathryn Schenker, una publicista
que había acompañado a Sting, Bob
Dylan y Tina Turner, y que al escucharla, reconoció
su riqueza artística. Entusiasmada
por el hallazgo, hizo llegar la cinta a Andrew
Slater, productor vinculado a Sony Music y
The WORK Group, quien finalmente la firmó.
Fiona era un enigma con mucha cabeza y
eso la tornaba reprobable. Entre “Sitting in
Limbo” de Jimmy Cliff y “Angel” de Jimi Hendrix
no parecía haber distancia cuando pasaban
por su voz. Hablaba de acostarse con
tipos, la pérdida de la inocencia y sus trastornos
alimenticios con una claridad afectiva
y una conciencia difíciles de asociar a una
debutante de 18 años. Tomaba lo íntimo y lo
exponía ante el tribunal siempre abierto del
prejuicio social. Y además, tenía un gusto
“Quiero que
todos me entiendan,
quiero
que sepan
cómo me
siento”
musical refinado para el instructivo de la promesa
alternativa. Según contó Slater, en sus
primeros encuentros la llevó a una disquería
para entender de dónde venía y lo que buscaba
construir. Ella compró discos de The
Roots, The Pharcyde, Miles Davis, Ella Fitzgerald
y Marvin Gaye. No había escapatoria.
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Su más fiel aliada es la escritura, el mismo
arte que dicta su gran don. La época prefería
envolver ciertos tópicos en eufemismos,
pero Apple iba directo al grano. El título, de
hecho, ya venía con una marea encima. Con
una pluma florecida gracias a las palabras
de escritoras, mucha sensibilidad femenina
y una actitud nada complaciente, tomó el
agua, las estaciones y el frío como una gramática
del daño para nombrar la culpa, el
deseo, la bronca y esa angustia viva en cada
uno de los diez tracks que conforman Tidal.
En el centro del disco ubicó al cuerpo como
zona lastimada para volver a encontrar una
voz propia después del trauma. Tal vez, esa
literalidad era la distinción que la situaba en
un lugar diferente al de colegas como Alanis
Morissette o Tori Amos.
Años más tarde, volvió explícito ese trasfondo
al contar que, cuando tenía doce
años, un hombre la violó en el edificio donde
vivía junto a su mamá. El cimbronazo llegó
con “Sullen Girl”, el segundo tema de Tidal.
“Ellos no saben que yo solía navegar por el
mar profundo y tranquilo / Pero él me arrastró
a la orilla, se llevó mi perla / Y dejó un
caparazón vacío de mí”, canta. Un periodista
italiano le preguntó si hablaba de un hombre
que la había dejado. Ella corrigió la lectura
y desde entonces, el debate se corrió
del abuso a su derecho a contarlo. No volvió
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a hablar sobre el tema hasta una entrevista
con Rolling Stone en 1998. “No es algo de lo
que me sienta avergonzada, así que no actúen
como si tuviera que sentir vergüenza”,
sentenció.
A lo largo del trabajo, Apple encuentra varios
puntos de ataque, pero la sexualidad
aparece siempre como el más peligroso:
una herramienta de poder de la que termina
siendo esclava. “Shadowboxer” fue el primer
contacto con esas emociones que buscaba
poner en boca de todos. Lanzado como single,
narra la humillación dentro de una relación
ambigua entre amantes (“Si dejo que te
acerques, vas a terminar hechizándome”) y
amigos (“una vez mi amante, ahora mi amigo”).
La corporalidad se presenta como campo
de espera y disputa, y sigue siendo el único
canal para recuperar el valor perdido.
Heredera del conflicto de Madonna, somete
su madurez erótica a los códigos de la
moral y la fe, desprovista de pretensiones heroicas.
“Criminal” es el ejemplo más evidente.
Un meteorito irresistible sostenido por un
piano, un videoclip controversial y una plegaria:
“Necesito purgarme de todas estas mentiras”.
El mismo que la llevó a participar de
la primera edición de Lilith Fair y marcó su
entrada al radar de los Grammy, premio que
no volvería a ganar hasta 2021, con Fetch the
Bolt Cutters (2020).
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Toda voz angelical necesita algo más que
un acompañamiento prolijo. En principio iba
camino a ser un trabajo más bien acústico,
con las teclas y cuerdas como únicas protagonistas,
pero finalmente terminó negociando
con los fantasmas de su época. Conserva
una raíz clásica y jazzera, a pesar de que deja
entrar rock alternativo (“Carrion”), trip hop
(“The First Taste”) y una veta de indie folk
(“The Child Is Gone”) en canciones verbosas
de hasta seis minutos. Una apuesta arriesgada
para un registro propenso a fracturarse
en cualquier instante. La pista más larga
es “Slow Like Honey”, donde Apple perfila a
una Kat Stratford anterior a 10 Things I Hate
About You (1999): la incomprendida que busca
rebelarse contra los ojos que alguna vez
la menospreciaron.
“Pale September” es, a lo mejor, el fragmento
más dulce de Tidal. Pero cuidado con
el almíbar, en Fiona los relieves afilados nunca
tardan en aparecer. Encuentra su suavidad
en dos frentes. En lo textual, habla de inviernos,
blindajes y climas emocionales; en
lo sonoro, propicia un ambiente íntimo donde
el piano y la voz batallan cuerpo a cuerpo.
Es el único momento donde baja la guardia,
y es efímero.
Como contrapartida, “Carrion” llega para
quebrar la atmósfera y clausurar el álbum
con una sensualidad gótica y cortes de ritmo
violentos. Hacia el desenlace, deja ver
su faceta más beatlesca: una marcha densa,
comandada por las cuerdas del Chamberlin
(aquel teclado analógico de cintas, antecesor
directo del Mellotron) que Jon Brion y
Patrick Warren despliegan para llenar el cierre
de psicodelia. “Porque, amor, ya me fui”,
canta, y la despedida es inminente.
Tidal en números
El debut de la artista no
tardó en traducirse en un
éxito de ventas. Hacia 1997,
Tidal escalaba hasta el decimoquinto
lugar del Billboard
200 y conquistaba la
segunda posición del Heatseekers
Albums, el ránking
dedicado a las promesas en
ascenso. La punta de lanza
de este avance fue “Criminal”:
tras irrumpir en el puesto
21 del Billboard Hot 100,
la canción transformó definitivamente
a Apple en una de
las figuras más diseccionadas
y polémicas de la era.
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Cuatro discos con sus ciudades de
origen como fuerza compositiva
La vuelta de Paul McCartney, el cuelgue de Kurt Vile, la añoranza de Kevin Morby
y el manifiesto de Elena son una prueba de ello.
POR FACUNDO ARROYO
The Boys of Dungeon Lane, Paul
McCartney
Para el nuevo disco de la leyenda curtida en
Inglaterra hay que imaginar varias cuestiones.
Lo que en su momento significó la salida de
un LP de The Beatles, lo que significa que un
beatle de 83 años siga sacando discos y lo fácil
que es acceder a todo eso en 2026. La industria musical nos acostumbró
a escuchar todo de la misma manera pero con Paul pasa algo.
Se abre un umbral de significancia cuando se escucha su voz por las
plataformas digitales de música. Y desde ese lapso de nirvana momentáneo
se puede pensar en lo bien cantada que está su añoranza
a aquellos años de juventud en Liverpool. Lo bien que sigue cantando
cuando entra al estudio. Todo lo que sigue, además, se da en un
marco de disfrute total. Escucharlo contar historias del pasado desde
composiciones tan lúcidas y sentir la esencia con un boogie con
guitarra de tradición más que acústica. Acá se puede destacar hasta
las canciones más de paso del disco porque todo forma parte de la
idiosincrasia de McCartney. Por eso “Down South” se disfruta tanto
como “Mountain Top”, algo así como la canción más psicodélica, o el
recreo de la tradición onírica concentrada para esta ocasión. No van
a encontrar nada nuevo pero a veces en esas historias del pasado en
Liverpool podría estar el futuro. La añoranza de una leyenda. Y hasta
son fuentes de inspiración para esos compositores que piensan la actualidad
de sus ciudades de cobijo.
Philadelphia’s Been Good To Me, Kurt
Vile
Entre la añoranza y el deseo, el décimo álbum
del pelilargo está inspirado en el lugar
que actualmente lo cobija después de la gira.
Donde lo espera su familia. Y si bien en Vile
siempre se sienten esas infinitas escuchas
que van desde Neil Young y Bob Dylan para la canción a Dinosaur Jr.
y Pavement para la manifestación sonora, en este caso se puntualiza
su manera de decir y el gusto destacado en MF DOOM. Hace unas
semanas eligió Super What? como su disco favorito y entonces la displicencia
aletargada de su decir en “Zoom 97” o “99 BPM” tienen todo
el sentido. También está en este Philadelphia… el cuelgue de las guitarras
que te lleva a ese ensimismamiento existencial. Uno que puede
arrancar con una imagen de Beach House y terminar en Los Ángeles.
Es decir, Vile utiliza el cuelgue para arrancar en Filadelfia y terminar
en algún punto de otra nueva gira. Su corazón está en su ciudad natal
mientras sus manos pueden estar sintiendo el viento de otro estado.
En “You Don’t Know cuz It’s My Life”, canta: “Soy de Filadelfia / Un par
de mis héroes escribieron una canción / Pero no son de ahí / Así que,
oye, no lo sabes”. Así, invita a un viaje como si fuera el guía turístico
de tu cuelgue.
Little Wide Open, Kevin Morby
Dijo el poeta Graziano: sus canciones son
como los girasoles de la tapa de su nuevo disco.
Y es que las de este músico de Texas tienden
a terminar en el mismo lugar por donde
arrancan como idea literaria, ejercicio narrativo,
o aprendiz del mejor Borges. Un escritor
que seguramente nunca haya leído. Y además, están cargadas con
aceite de alto valor nutricional. Morby tiene algo como compositor
que lo destaca de la media. Son canciones inesperadas, desesperadas,
de realización, paternidad o amistad, sin que uno, a veces, se de
cuenta. Para este octavo disco solista, además, termina por afianzarse
en un sonido folk visceral bastante distante al folk americano que
se encarga de los charts actuales. Quizás Morby no lo sepa pero está
en plena conexión con Kurt Vile. Uno desde Pensilvania y el otro en
Kansas. Los bordes internos para las grandes ciudades de Norteamérica.
Para sumarle algo a este mundo, ahora con los tonos de una
tarde cálida, también está Bon Iver en “Badlands” y Lucinda Williams
en “Natural Disaster”. La canción “Javelin” puede servir, además, para
imaginar la espesura de la mano escritora de Morby, dorada y eterna.
Nuevos años locos, Elena
Cuando París era una fiesta también corrían
los años veinte pero del siglo anterior. Cien
años después, parece decir Elena, la fiesta
arranca en La Plata. No hace mucho que la
bajista se muestra como compositora pero sí
como música. Se forjó en Isla Mujeres (donde
también es una de las cantantes), se afianzó en Las Paritarias de
Fonso y ahora decidió focalizar todo eso en su debut solista. Un disco
de nueve canciones que se curte entre una picardía justa, un indie
de texturas otoñales y algunas líneas que bien podrían ser un manifiesto
de esa joven camada de músicos. “Todos piensan que me aburro
como un chico / pero solamente soy una más de mi generación”,
canta entre un slide psicodélico y unos teclados espaciales en “Mi
generación”. Con un equipo de trabajo curtido en las diagonales (lo
produjo Aziz Asse, lo mezcló Percii y lo tocó Santiago Santiago, Martín
Mal Tipo y Nicolás Mir), el disco parece tener 50 kilómetros de
perspectiva a la hora de sonar como en su época. Esto es: una mujer
observadora y perspicaz al frente y un indie nocturno con cierta resignación
epocal. O como lo canta en el segundo track: “La velocidad de
los años veinte / Nuevos años locos de este siglo que / está aniquilando
mi voluntad de creer”.
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EMERGENTES
Capital Lunar estrena
nuevas canciones
La banda independiente del under porteño revela la intimidad detrás de su reciente EP, Apolo.
En plena era del algoritmo y el rencia al proyecto que llegó a la Luna -para
consumo efímero de las redes, quienes crean o no en el alunizaje-. Está la
Capital Lunar esquiva la comodidad
del hype digital para to-
más allá de eso, Apolo también es el dios de
Luna, que nos representa desde siempre. Y,
mar el toro por las astas. El lanzamiento
de Apolo, un EP de sentíamos que todo ese concepto iba bas-
la música en la mitología griega. Entonces
cuatro canciones donde la banda argentina
termina de afirmar su costado dream-pop:
tante bien. Queríamos llevar la tapa un poquito
por ahí.
climas envolventes, guitarras suspendidas y
una sensibilidad más trabajada que en sus
primeros pasos.
¿Qué es lo mejor de trabajar juntos?
La unión y la admiración mutua. Para nosotros
¿Qué buscaban con Apolo?
Dijimos: “Bueno, queremos dar un salto
de calidad”, porque todo lo último que habíamos
hecho antes de eso había sido un poco
con las uñas. Queríamos dar un salto de calidad
en cuanto a sonido y composición. Todos
estuvimos de acuerdo en que necesitábamos
crecer un poquito más. Y ahora estamos
componiendo, decidiendo qué va y qué
no para Apolo II. La intención es dar otro salto
de calidad.
¿Cuál es la historia de la portada?
En la portada está un poco la idea del templo
de Apolo, pero también aparece la refecompetencia
eso es fundamental, porque no hay
y cada uno deja su espacio.
Podemos dialogar a nivel compositivo, y
eso siempre fue importante. A veces aparecen
los egos, el “yo quiero acá”, “yo quiero
esto”, pero por ahora todo se está alineando
naturalmente.
Todos somos apasionados por la música
y por nuestros instrumentos. Encerrarnos a
compartir, sean dos horas, tres horas o un
show en el que estamos toda la tarde con
la prueba de sonido, se disfruta mucho. Hay
una emoción compartida en ir a tocar, una
pasión compartida. Todos sabemos que somos
una pieza de un engranaje, de una máquina,
y cada quien quiere aportar lo suyo.
Tracklist de Apolo
- Tristes risas
- Santa Fe
- Movimientos imperfectos
- Orbitarte
“Todos somos
apasionados
por la música”
Próximo show: Presentarán el EP con una función en La Tangente (Honduras 5317), programada para el 25 de septiembre.
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EMERGENTES
Posguerra: “Soñamos con tocar
en Obras Sanitarias”
La banda editó Todos Extraños, su tercer álbum de estudio,
en el que afilaron su carácter eléctrico y frontal.
T
odos Extraños encuentra a Posguerra
en modo más eléctrico y
frontal. Lanzado hace algunas
semanas, el tercer disco de la
banda argentina condensa diez
canciones en 33 minutos y 23
segundos, con las guitarras distorsionadas
al frente y estribillos pensados para pegar
fuerte. Si Lapso (2022) y Alucinación (2024)
mostraban distintas búsquedas dentro del
rock alternativo, este álbum termina de empujar
al grupo hacia una zona más cruda y
sónica. “Morfina”, su corte de difusión, funciona
como puerta de entrada y ya tiene videoclip
oficial.
¿Sienten que Todos Extraños abre una
nueva etapa para la banda?
En definitiva, cada disco fue muy diferente.
Hoy sentimos que hubo un cambio de paradigma
muy importante en la banda, porque
estamos empezando a concebir la idea de
hacer un disco de a cinco. Por eso también
hay tanta energía puesta en ensayar tres veces
por semana, en hacer las canciones de a
cinco y en trasladar el audio en vivo al estudio.
Todos Extraños representa eso. Y sentimos
que es un camino que no va a terminar
ahí: es una puerta que abrimos y que va a seguir
estando.
¿En qué lugar sueñan con tocar?
Obras Sanitarias.
¿Su tema favorito del nuevo disco?
“Para caer”. La hicimos casi última, mientras
estábamos terminando el disco, y salió en
una tarde. Hubo mucha conexión, salió muy
rápido y hubo cosas que aparecieron improvisando.
Nos parece muy especial que algo
improvisado, casi directo al productor, termine
quedando así.
Tracklist de Todos Extraños
- Nuevo Lugar
- Morfina
- Para caer
- Cicatriz
- Mil vueltas
- Un último minuto
- Muecas
- Imágenes
- Ojos cristalinos
- Su Nombre
Próximo show: El 16 de octubre será la presentación en vivo oficial de Todos Extraños, en el Club Cultural Matienzo (Av. Juan B. Justo 2959, CABA).
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WOLF ALICE
8 preguntas a Joel Amey
El baterista habla sobre The Clearing, las historias detrás de “White Horses”, la identidad, la
pesca y las personas que lo hacen sentir en casa.
mexicano”. Mi herencia familiar y mi aspecto
suelen confundir bastante a la gente. Supongo
que es algo positivo. Muchas veces
me integran rápidamente en distintos lugares
porque asumen que pertenezco a ellos.
De hecho, parte de “White Horses” también
habla de eso.
¿Con qué personaje de ficción te sentís
más identificado?
Aspiro a ser como Animal, el baterista de
Los Muppets. Él es mucho más real que yo.
FOTOS: RACHEL FLEMINGER HUDSON
C
omo aquel clásico que Jackie
Lee escribió para la televisión
británica a fines de los
sesenta, Joel Amey también
encontró en los caballos
blancos una metáfora para
contar una historia. Aunque los suyos poco
tienen que ver con los del tema original. En
The Clearing, el baterista de Wolf Alice compuso
e interpretó “White Horses”, uno de los
centros más comentados del álbum y quizás
el que mejor deja ver su mundo interior.
El título hace alusión a esas líneas de espuma
que coronan las olas cuando el viento
arrecia y el mar cambia de humor. Una señal
para quienes navegan, y una excusa perfecta
para hablar de identidad, movimiento y
pertenencia.
Tras su visita a la Argentina en el marco de
su show en C Complejo Art Media, conversó
con Billboard Argentina y respondió ocho
preguntas que ayudan a entender quién es
cuando baja de la batería. Entre jornadas de
pesca, consejos para atravesar tiempos difíciles
y una inesperada admiración por Los
Muppets, el músico parece mucho más cómodo
explorando los grises que buscando
definiciones cerradas.
¿Tenés algún hobby?
Esto va a sonar aburrido, porque mi vida
siempre estuvo ligada a la música, pero hace
unos siete años me mudé a la costa de Inglaterra
y empecé a pescar con un amigo. Es
más, la canción “White Horses” está inspirada
en esos encuentros. Parte de la letra de la
canción fue escrita mirando la costa británica
desde mar adentro.
Los “white horses” son las crestas blancas
que se forman en la punta de las olas.
Cuando empiezan a aparecer, son una señal
de que el mar se está poniendo más bravo y
de que es hora de volver a la costa. De algún
modo, esa experiencia terminó filtrándose
en mi manera de componer.
¿Hay alguna frase a la que vuelvas una
y otra vez?
Hace poco alguien me mencionó una idea
atribuida a Albert Einstein. La propuesta es
dejar de decir “yo soy esto” y empezar a decir
“hay esto”. Si estás pasando por un momento
difícil, tal vez sea mejor pensar “hay
un problema” en lugar de “yo soy el problema”.
Es una forma útil de tomar distancia y
ordenar ciertas cosas que pasan.
¿Una percepción errónea sobre vos?
De dónde soy. Hace poco viajaba a México
y un hombre mexicano me dijo que se había
sentido más tranquilo al verme porque pensó
que yo también era mexicano. Me dijo:
“Bueno, al menos somos dos mexicanos
acá”. Y yo le respondí: “En realidad no soy
¿Cuál fue el mejor consejo que
recibiste?
Que sea amable conmigo mismo. Creo
que muchos comportamientos destructivos
no necesariamente vienen de fuerzas externas;
a veces nacen de uno mismo. Y ser
amable con vos mismo es una buena manera
de empezar a atravesar las cosas. Vivimos
en un mundo hermoso, pero también bastante
terrible en este momento. Así que sean
amables con ustedes mismos. No se comparen
con todo lo que ven en sus teléfonos. Sé
que son tiempos difíciles, pero espero que
las cosas mejoren.
Describí un día libre perfecto.
En casa con mi esposa y mi perro, mirando
televisión.
¿Las segundas oportunidades
funcionan?
Sí, definitivamente. Espero que todos tengan
la misma suerte.
¿Algo que Argentina hace mejor que el
resto?
Después del show, voy a decir que tienen
el mejor público. Sentí que fue una experiencia
pura, divertida y muy especial. Tenemos
fans increíbles en todas partes y somos muy
afortunados por eso, pero esa noche hubo
algo distinto. Se sintió como un show de
rock, pero por momentos la gente sonaba
como un coro.
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Joaco Burgos presenta su nuevo
disco en el Teatro Coliseo
El joven artista estrenará las canciones de Desde Lo Profundo
en el teatro porteño el próximo martes 4 de agosto.
Tras sus conciertos sold out en
el Teatro Astros, Teatro Vorterix
y Bebop Club (con figuras
de la música nacional como
Leo García, Cachorro López,
Lito Vitale, Fonso, Kevin Johansen,
An Espil, Migue Granados,
Juan Absatz, Fabi Cantilo, Pollo
Raffo, Rosario Ortega y Diego Frenkel), su
show multitudinario en el Obelisco porteño,
el dueto con Fito Páez en el ciclo Muy rico
todo y las visitas a EEUU y España, el joven
pianista, cantante y compositor presentará
su tercer álbum Desde Lo Profundo el próximo
4 de agosto en el Teatro Coliseo.
Burgos dará este show secundado por su
poderosa banda, la cual está compuesta por
Martín Lema (guitarra eléctrica), Federico
Mindlis (bajo), Marco Merlo (teclados), Miranda
Myndlis (voces) y Fernando Samalea
(batería). Además contará con una puesta
sorprendente, una sección de vientos (Dibo,
Bruno Espinola y Lautaro Quipildor) y otros
invitados especiales.
Este anuncio llega como corolario de un
presente arrollador, que lo reafirma como
una de las voces más prometedoras de la
nueva canción argentina, de mirada contemporánea,
diálogo con la tradición y lugar
genuino.
Compuesto por 12 canciones sin colaboraciones,
grabadas junto a su banda y con
la participación de cuerdas y vientos especialmente
registrados para el disco, el álbum
apuesta por la pureza del sonido analógico
y por letras poéticas que retratan las relaciones
de su generación con Buenos Aires
como escenario emocional y narrativo.
El universo del disco se expande además
a través de 12 piezas audiovisuales —3 vi-
deoclips y 9 visualizers— dirigidas por Andrés
Tamagnini y Jerónimo Reinhold.Tras los
adelantos “Poder” y “Aunque Sea Por Hoy”,
el álbum fue grabado en gran parte en los
estudios Panda, co-producido entre Joaco y
Martín Lema, mezclado por Mario Breuer y
masterizado por Daniel Ovié, consolidando
una identidad sonora elegante, sensible y
profundamente personal.
Bautizado por muchos como “el heredero
de la canción argentina”, Joaco entrega aquí
un viaje conceptual que dialoga con la tradición
del rock nacional y la canción de autor
desde una sensibilidad contemporánea.
El resultado es una obra pensada tanto para
melómanos como para nuevas generaciones
que encuentran en sus canciones una conexión
emocional honesta y cinematográfica.
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Eduardo Basagaña hace historia:
es el primer argentino en entrar al
programa de Harvard donde todos
los famosos se pelean por entrar
Se trata del The Business of Entertainment, Media and Sports (BEMS) de Harvard Business School, considerado
uno de los espacios más inaccesibles del planeta para quienes mueven la industria del
entretenimiento, la música y el deporte
E
duardo Basagaña acaba de lograr
algo que, hasta hace muy
poco, parecía imposible para
un argentino dentro del mundo
del entertainment business
global: convertirse en el primer
argentino seleccionado para participar del
prestigioso programa The Business of Entertainment,
Media and Sports (BEMS) de Harvard
Business School, considerado uno de
los espacios más inaccesibles del planeta
para quienes mueven la industria del entretenimiento,
la música y el deporte.
Dirigido por Anita Elberse —la mente detrás
de algunos de los análisis más influyentes
sobre el negocio de los blockbusters, las
superestrellas y las marcas multimillonarias—,
el programa reúne cada año a solo 60
figuras cuidadosamente elegidas entre cientos
de miles de perfiles de todo el mundo.
CEOs, dueños de franquicias deportivas, ejecutivos
de streaming, artistas globales y atletas
legendarios compiten por un lugar que
casi nadie consigue.
Por sus aulas ya pasaron nombres como
Ryan Reynolds, Shakira, Gerard Piqué, Katie
Holmes, Kaká, The Rock, Mr Beast, David
Beckham, y ejecutivos top de compañías
como Disney, Spotify, Nike, la NBA y la NFL.
Pero este año, por primera vez, hubo presencia
argentina en esa mesa donde se discute
el futuro del entretenimiento mundial. Y ese
nombre fue: Eduardo Basagaña.
Lejos de los caminos tradicionales, Basagaña
construyó una carrera completamente
disruptiva dentro del ecosistema de la música,
la tecnología y el streaming. Durante la
pandemia impulsó el crecimiento de +VIVO,
su startup tecnológica, y luego apostó por
una visión que muy pocos se animaban siquiera
a imaginar: expandir la música en español
hacia mercados prácticamente inexplorados,
como Asia, África e India.
ANITA ELBERSE Y EDUARDO BASAGAÑA.
Mientras gran parte del negocio miraba
siempre hacia los mismos destinos, Basagaña
empezó a abrir rutas nuevas. Y esa mentalidad
global, ambiciosa y fuera del molde
fue exactamente lo que captó la atención
de Harvard. La universidad entendió que no
se trataba solamente de un empresario tradicional,
sino de un nuevo tipo de jugador
dentro del entretenimiento internacional: alguien
capaz de conectar culturas, audiencias
y mercados donde hasta hace pocos
años parecía imposible que la música latina
tuviera lugar.
En esta edición de 2026, además, Basagaña
compartió programa con algunas de las
personalidades más impactantes del deporte
y la cultura global. Entre ellas, Eduardo
Camavinga, estrella del Real Madrid; Emma
McKeon, la nadadora australiana que hizo
historia con 16 medallas olímpicas —incluyendo
seis de oro—; Festus Ezeli, campeón
de la NBA con Golden State Warriors; Karl
Jacobs, una de las caras más virales de You-
Tube y colaborador central del imperio digital
de MrBeast; Kevin Beachum, figura de la
NFL; y Ryan Bertrand, campeón de la UEFA
Champions League con Chelsea.
Cada jornada dentro del programa funciona
como una verdadera cumbre de poder de
la industria global. No hay clases tradicionales
ni teoría básica: las discusiones giran alrededor
de decisiones multimillonarias, estrategias
de expansión global, lanzamientos
de artistas gigantescos, derechos deportivos
y operaciones que pueden redefinir el
negocio del entretenimiento entero. Y ahí
estuvo Basagaña: representando por primera
vez a la Argentina en uno de los entornos
más competitivos y exclusivos del planeta.
Pero quizás lo más importante ocurre fuera
del aula. Porque ingresar al BEMS significa
acceder a una red de contactos prácticamente
imposible de replicar. Un ecosistema
donde una conversación casual puede terminar
en una gira internacional, una alianza
estratégica o un acuerdo global valuado en
cientos de millones de dólares.
Para Basagaña, este momento no sólo
marca un reconocimiento académico: funciona
como la confirmación definitiva de
años apostando por mercados que la mayoría
prefería ignorar. Hoy, mientras miles
de aspirantes alrededor del mundo quedan
afuera, un argentino ocupa un lugar dentro
del círculo donde se empiezan a definir los
próximos movimientos de la música, el deporte
y el entretenimiento global.
Y el mensaje ya empezó a resonar fuerte
en la industria: el mapa del entertainment
business internacional acaba de poner los
ojos sobre Argentina.
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Solid Grooves debuta
en la Argentina
Será el 21 de noviembre en Arena Norte, un nuevo espacio
open-air en el barrio porteño de Núñez.
Solid Grooves aterrizará en Argentina
por primera vez en noviembre.
Su reconocida serie global
de eventos llegará a la Ciudad de
Buenos Aires en lo que promete
ser un debut monumental en la
capital del país. El evento tendrá lugar el 21
de noviembre en Arena Norte, un nuevo venue
open-air ubicado en el barrio de Núñez.
Rodeado de vegetación y con el Río de la
Plata como telón de fondo, el espacio ofrece
un entorno ideal para una experiencia que se
extenderá del día a la noche, donde música,
naturaleza y energía del público se fusionarán
de manera verdaderamente inmersiva.
En el centro de esta fecha en Buenos Aires,
el lineup para el debut en Argentina —
que será anunciado en la previa del show—
contará con una selección de favoritos del
sello e invitados especiales que musicalizarán
el evento de principio a fin.
Con artistas cuyos recorridos individuales
han ayudado a definir el house moderno,
este show se suma a lo que ya se perfila
como otro gran año para Solid Grooves,
con nuevos debuts internacionales como su
recientemente anunciado show en Nueva
York. Así, va ampliando aún más su alcance
global.
Reconocido por su sonido distintivo, lineups
cuidadosamente curados y una comunidad
fiel, Solid Grooves continúa combinando
una identidad musical sólida con un
claro enfoque en la ejecución y una constante
evolución. Desde diseños de escenario
únicos hasta una producción de sonido
e iluminación meticulosamente trabajada,
cada elemento está pensado alrededor de
la pista de baile, creando una experiencia
inspirada en la energía y esencia de su reconocida
residencia en DC10 Ibiza y trasladada
a sus showcases globales en constante
evolución.
Este nuevo debut marca otro paso en la
expansión internacional de la marca, trayendo
por primera vez a Argentina uno de los labels,
brands y event series más reconocibles
de la escena house contemporánea, y concretando
una llegada largamente esperada
tanto por artistas como por fans. Los tickets
ya están disponibles a través de la plataforma
Venti.
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Flor Paz presentó Nuestro Origen
en el Teatro Vorterix
La cantante celebró una nueva etapa en su carrera con un show muy especial
en el que le dio otro rodaje a sus canciones.
F
lor Paz dio un nuevo paso en
su recorrido artístico con la
presentación de Nuestro Origen
en el Teatro Vorterix, su
primer show en uno de los escenarios
más importantes de
la escena musical argentina. En una noche
cargada de emoción y significado, la artista
llevó al vivo el universo de 89, el álbum por el
que obtuvo el Premio Gardel 2026 a Mejor
Álbum Folklore Alternativo.
El show comenzó con la presentación
de SHOUT Gospel Choir, el coro dirigido
por Gerardo Flores, que aportó una apertura
emocionante y llena de energía. A lo largo
del concierto, Flor recorrió las canciones
que forman parte de este trabajo discográfico,
un proyecto que nació con el objetivo de
expandir los límites de su propuesta artística
a través de una fusión donde conviven el folclore,
el gospel, la música latinoamericana y
elementos contemporáneos.
Sobre el escenario, esa búsqueda tomó
forma en un espectáculo que reflejó tanto
sus raíces como su presente creativo. La
puesta en escena también contó con la participación
de bailarinas de urbano y bailarines
de danza folclórica que acompañaron distintos
momentos del espectáculo, sumando
una dimensión visual que reforzó el universo
conceptual de “89”.
Uno de los momentos más emotivos de la
noche llegó hacia el cierre del show, cuando
Los Manseros Santiagueños se sumaron
al escenario para interpretar algunas de las
canciones más emblemáticas de su repertorio.
La participación del histórico conjunto
fundado por Onofre Paz, padre de Flor, aportó
una carga simbólica especial al encuentro
y reforzó el espíritu de “Nuestro Origen”, una
propuesta que busca tender puentes entre
la tradición y las nuevas expresiones del folclore.
La noche también contó con la participación
especial del trío vocal femenino Savia,
quienes acompañaron a la artista durante
esta celebración musical cargada de emoción
y significado.
“89”, disponible desde diciembre, representa
una etapa de transformación personal
y musical para la artista. El álbum, cuyo nombre
hace referencia a su año de nacimiento,
marcó un punto de inflexión en su carrera
y abrió una nueva manera de entender y
expresar su identidad artística. En Vorterix,
Flor trasladó ese concepto al vivo a través de
una propuesta que combinó potencia interpretativa,
sensibilidad y una profunda conexión
con el público.
Este primer Teatro Vorterix no solo significó
la presentación oficial de 89 en vivo,
sino también la consolidación de una nueva
etapa para Flor Paz. Con el reciente Premio
Gardel a Mejor Álbum Folklore Alternativo
por 89, el tercero de su carrera, la artista
reafirma un presente excepcional que la
ha llevado a obtener reconocimientos con
sus últimos tres trabajos discográficos. Con
una propuesta artística cada vez más definida,
continúa construyendo un camino propio
dentro de la música argentina, honrando
sus raíces mientras expande los horizontes
de su obra.
Con sólo 4 años, Flor fue invitada a cantar
en el disco Cantos de Fe junto a artistas
consagrados como Mercedes Sosa, Jorge
Rojas, Octavio Osuna y el Trío San Javier. A
partir de allí comenzó sus estudios, a los 20
años lanzó su carrera profesional presentándose
en diferentes escenarios de la Argentina,
entre ellos la reconocida Plaza Próspero
Molina de Cosquín, Córdoba.
Desde entonces, viene participando de
los más prestigiosos festivales de folklore
del país, entre ellos Jesús María (Córdoba),
La Chaya (La Rioja), La Salamanca, Festival
del Artesano (Santiago del Estero) y el Festival
del Yokavil (Catamarca). En 2015 realizó
una gira por Europa, presentándose en La
Maison d’la Argentine, La Maison Basque de
París y en el Auditorio de Biarritz, frente a público
argentino y europeo.
En 2017 editó Despertar, su segundo trabajo
discográfico, que la llevó a emprender
una gira por territorio nacional e internacional,
incluyendo países como Portugal, Francia
y España. Por el trabajo, se hizo merecedora
del Gardel a Mejor Artista Nuevo de
Folklore. En el 2022, volvió a ser distinguida
en los mismos premios pero por su disco
Soy semilla, considerado el Mejor Álbum Artista
de Folklore.
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Niña Pastori publica Color Fania
Se
Niña Pastori presenta Color
Fania, un nuevo trabajo discográfico
con el que la artista
gaditana se adentra en el
universo del mítico sello neoyorquino
Fania Records, responsable
de transformar la música latina en
un fenómeno cultural global y de convertir la
salsa en un lenguaje de identidad, memoria
y celebración. Grabado entre Miami y España
a lo largo de 2025 y 2026 y producido por
el colombiano CASTA, colaborador de artistas
como Shakira, Ed Sheeran o Alejandro
Sanz, el álbum supone uno de los proyectos
más ambiciosos de su trayectoria, un ejercicio
de reinterpretación que no busca imitar,
sino dialogar con un repertorio fundamental
de la historia de la música.
Treinta años después de su debut, Pastori
vuelve a desafiar los límites de su propio lenguaje
artístico con un disco que nace desde
la honestidad y la curiosidad, y que conecta
dos tradiciones que comparten raíz: el flamenco
y la salsa. Porque ambas músicas, nacidas
del mestizaje y de la experiencia colectiva,
entienden la emoción como un punto de
partida y la voz como una herramienta para
contar lo que se siente.
En Color Fania, ese encuentro se convier-
trata de un viaje entre dos orillas que reinterpreta el gran legado de la salsa.
te en relato. Un viaje que parte de Cádiz —
origen vital y artístico de la cantante— y conecta
con el Nueva York en el que la salsa
encontró su forma definitiva como expresión
cultural y social. Dos contextos distintos,
unidos por una misma pulsión: la necesidad
de cantar la vida, la identidad y las historias
que atraviesan a las personas.
Invocar Fania Records es invocar una de
las grandes revoluciones musicales del siglo
XX. Fundado en 1964 por Johnny Pacheco y
Jerry Masucci, el sello aglutinó el talento de
artistas como Celia Cruz, Willie Colón, Héctor
Lavoe, Rubén Blades o Ismael Rivera,
dando forma a un sonido que trascendió lo
musical para convertirse en símbolo cultural
y político para generaciones enteras.
Sobre ese legado se construye Color Fania:
un álbum en el que Niña Pastori revisita
algunos de los títulos más emblemáticos
del repertorio Fania desde su propia verdad
artística, respetando la esencia original pero
filtrándola a través de su voz, su sensibilidad
y su raíz flamenca. Canciones como “Periódico
de ayer”, “El Gran Varón” o “Plástico”
adquieren una nueva dimensión sin perder
su fuerza original, demostrando que las
grandes composiciones siguen vivas cuando
encuentran nuevas formas de ser inter-
pretadas. El resultado es una obra coherente
y profundamente emocional, donde cada
canción forma parte de un discurso mayor:
el de las músicas que se reconocen entre sí
y dialogan desde la autenticidad.
Más allá del formato discográfico, Color
Fania se concibe como un proyecto artístico
global que se expande también en el terreno
audiovisual, a través de un desarrollo
narrativo en formato longform en el que Niña
Pastori recorre el origen y la construcción de
este trabajo. Un relato íntimo y autobiográfico
que combina archivo, actuaciones en directo
y reflexión personal, mostrando el proceso
de conexión entre dos culturas y dos
formas de entender la música.
Con más de tres décadas de trayectoria,
más de dos millones de discos vendidos y
seis Latin Grammy —lo que la sitúa como
una de las artistas españolas más reconocidas
de todos los tiempos—, Niña Pastori
ha construido una carrera marcada por la
autenticidad, la evolución constante y la capacidad
de tender puentes entre géneros y
generaciones.
Desde sus orígenes en Cádiz, marcada
por la influencia de Camarón y la tradición
flamenca, hasta su consolidación internacional,
su trayectoria ha estado guiada por
una misma idea: entender la música como
un espacio de encuentro. Y es precisamente
esa idea la que atraviesa Color Fania, un disco
que no funciona como experimento, sino
como conversación.
Un proyecto que conecta dos orillas, dos
historias y un mismo pulso. Porque, como la
propia artista resume: “Este disco no es un
experimento. Es una conversación entre mis
raíces y las de toda una América que siempre
nos ha mirado de frente”.
Los temas de Color Fania
- Triste y vacía
- Periódico de ayer
- El incomprendido
- Ligia Elena
- El Gran Varón
- Gitana
- Bamboleo
- Plástico
- Oh qué será
- Me voy ahora
- Bemba colorá
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Nuke juega en primera
con el lanzamiento de
“El sueño del pibe”
NLa canción cuenta con la producción de Nahuel The Coach y cuenta
la historia de un joven que sueña con brillar en el fútbol.
uke reafirma su lugar dentro
de la nueva escena de “El sueño del pibe” rinde homenaje al po-
para cambiar su destino.
la cumbia argentina con trero, a las familias que sostienen esos sueños
y a una pasión que atraviesa generacio-
el lanzamiento de “El sueño
del pibe”, una canción nes. La obra encuentra además un fuerte
que transforma uno de los respaldo visual en su videoclip, producido
anhelos más profundos de la cultura popular
en un himno de esfuerzo, identidad y mesa Salvi Goñi, filmado en Villa Fiorito e
por Orco y protagonizado por la joven pro-
superación.
incluyendo escenas registradas en la histórica
casa donde vivió Diego Maradona du-
Producida junto a Nahuel The Coach y
distribuida por Mojo, la canción narra la historia
de un joven que sueña con llegar a Pri-
representativos de que los sueños imposirante
su infancia, uno de los símbolos más
mera División y vestir algún día la camiseta bles pueden hacerse realidad. Con su estilo
auténtico, Nuke suma una canción que
de la Selección Argentina. A través de una
narrativa cercana y emotiva, el tema pone en vibra con la identidad popular, conectando
valor el sacrificio, la perseverancia y la esperanza
que acompañan a miles de chicos animan a perseguir sus sueños hasta el final.
con una historia universal: la de quienes se
que encuentran en el fútbol una oportunidad
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Malcolm Todd
lanzó su nuevo
álbum Do That Again
El cantante, compositor y guitarrista de Los Ángeles está
pasando por un gran momento y apenas está empezando.
Tracklist “Do That Again”
- Jean Skirt
- Obsessica
- Free.99
- Breathe
- I Saw Your Face
- Difficult Love
- Malcolm In The Middle
- Ain’t That The Truth
- Gun To My Head
- X’s & O’s
- Lonely Song
- Good Bye
- Do That Again
M
alcolm Todd lanzó su
nuevo álbum Do That
Again a través de Columbia
Records. El artista
está pasando por un
gran momento y apenas
está empezando. Pasó el último año destacando
como uno de los jóvenes artistas pop
más emocionantes, acumulando entradas
en el Hot 100 y participaciones en festivales,
y conquistando a un público devoto y con
entusiasmo.
En 2025, el cantante, compositor y guitarrista
de Los Ángeles de 22 años se presentó
con entradas agotadas en tres continentes,
tocó en escenarios desde Lollapalooza
hasta Pitchfork Paris y debutó en el show
Jimmy Kimmel. La sonriente y confesional
“Earrings” entró en el Top 10 de la lista de
Spotify de Estados Unidos, y su último single,
“I Saw Your Face”, se convirtió en su debut
con mejor posición.
Y ahora, su álbum más logrado hasta la
fecha. Do That Again llega justo cuando su
mundo se expande rápidamente. Descarado,
desenfadado y sustentado por una sofisticación
silenciosa, el disco muestra a Todd actuando
a un nivel más profundo sin perder
la soltura que le definía al principio. Es el sonido
de un artesano del pop dando un paso
completo hacia sí mismo.
Mientras grababa Do That Again, Malcolm
Todd pasó el verano rebosante de vida. Recién
salido de gira, amigos en la ciudad, sin
nada que le atara, el músico neoyorquino
pasó por los días de los canos, quedándose
fuera hasta tarde, disfrutando del tipo de
tiempo que buscas el resto del año. Pero esa
emoción espontánea iba en paralelo a un enfoque
importante. También estaba trabajando
duro, vertiendo toda esa energía radiante
directamente en su nuevo disco, escribiendo
a través de su crecimiento tanto como
humano como artista. Durante seis meses
en Electric Lady Studios en Nueva York y
Chaplin Recording Studios en Los Ángeles,
Todd pasó largas jornadas y noches largas
con un grupo muy unido de colaboradores
hasta que todo estuvo exactamente en su sitio.
“Me esforcé y pasé mucho tiempo en el
estudio”, dice. “Me sentí más seguro como
guitarrista y compositor.”
Esa visión intrépida es la base del segundo
álbum de Todd. Su versión más libre y
segura hasta ahora, Do That Again se regodea
en ese espacio electrizante de posibilidades
alegres. Días bañados en el sol pasados
aplastando y deslizándose hacia noches
calurosas soñando con lo que podría venir
después.
A lo largo del álbum, Todd entrelaza su
composición pop clásica y su sensibilidad
moldeada por internet a través de una lente
moderna del R&B, tomando tanto de Paul Simon
como del minimalismo sensual y pionero
de Prince. Nada resulta nostálgico por sí
mismo. Todo se reensambla con una precisión
casual, con humor y detalle meticuloso.
Melódica y emocionalmente, “I Saw Your
Face” es el punto más destacado del disco.
Todd escribió el conmovedor ‘earworm’ en
noviembre y pasó los dos meses siguientes
intentando romper la producción —sin
batería, con baterías diferentes, aceleradas,
ralentizadas— antes de desmontarla y reconstruirla
desde cero en el último día de sesiones.
“Sabía lo buena que era la canción”,
dice. “Empezaba a perder la esperanza. Y
luego, en el último segundo, simplemente lo
hicimos posible”. Una preciosa meditación
sobre terminar una relación que sabes que
no es correcta e, igualmente, lamentarla,
captura algo verdadero y difícil de decir: que
irte haya sido tu elección no significa que no
duela. “Si pudiera desear algo / Todo volviera”,
canta, sonando dolido por la brisa de la
canción.
Malcolm Todd, cantante, compositor y
guitarrista afincado en Los Ángeles, está en
su momento más libre y seguro en Do That
Again. Energía luminosa pura; días bañados
por el sol pasados aplastando y deslizándose
hacia noches calurosas soñando con lo
que podría venir después. Ese es el mundo
que Malcolm Todd ha construido en su segundo
y más logrado álbum. Una de las voces
jóvenes más convincentes del pop, Malcolm
Todd entrelaza la composición clásica
de las canciones y la sensibilidad moldeada
por internet a través de una lente moderna
del R&B. Con la naturaleza intrépida de un
artista que se encuentra por completo, Todd
hace música que es traviesa y juguetona en
la superficie y discretamente sofisticada en
su esencia.
CRÉDITOS: AIDAN CULLEN
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Dante Spinetta confirma su gira
nacional para presentar Día 3
DEl artista mostrará su último álbum en San Isidro, La Plata, Rosario y la Ciudad de Buenos Aires.
ante Spinetta ral que hoy saldrá de gira por Argentina,
la cual tendrá fechas en Tras el éxito arrollador de dos, Pablo González en batería,
en el Teatro Ópera porteño. tiempo, Axel Introini en tecla-
está marcando
los albores de una San Isidro, La Plata, Rosario y un Mesa Dulce, ganador de un Latin
Grammy, en este esperadísitías
Mendez en bajo, el rey del
Matías Rada en guitarra y Ma-
nueva era. Día 3, recientemente anunciado Teatro
Ópera.
mo regreso de Dante a los es-
funk, que rompe barreras con
su nuevo álbum,
constituye el fiel Luego de haberse presentado
cenarios argentinos, el público este nuevo trabajo, presentará
reflejo de la identidad de un artista
inabarcable en términos de
etiquetas. Como un creador que
transita la búsqueda constante,
Dante nunca plantó bandera en
ningún lago que lo encasille, y
así lo refleja este nuevo trabajo
que para las agujas del reloj
para mostrar un sonido atempo-
en Santa Fe, Córdoba y en
Buenos Aires (en un Niceto Club
agotado) se vienen nuevas fechas
para Dante: el 6 de agosto
estará en San Isidro; el 7 en el
Teatro Opera de La Plata; el 22
en la Sala de las Artes de Rosario;
y en octubre, volverá a la capital
argentina para presentarse
podrá experimentar en directo,
por primera vez, el viaje sonoro
que significa esta nueva ambición
artística del compositor y
productor argentino, que forma
parte de la trilogía que componen
Puñal, Mesa Dulce y Día 3.
Con una banda de músicos virtuosos
que lo acompaña hace
Día 3 con la fuerza de un trabajo
discográfico que lo representa y
lo afirma como un precursor en
la mezcla de estilos en la música
latinoamericana.
FOTO DANTE: GUIDO ADLER
- Dante
Spinetta
- Bhavi
Bhavi sigue su Mystery Tour en
Haedo, San Miguel y Quilmes
El artista rompe con el formato tradicional de los shows: las entradas tienen precios accesibles y el público
no sabe qué universo musical se encontrará en vivo hasta que empiece el recital.
E
l cantante, rapero
y productor argentino
Bhavi vuelve
a desafiar los límites
y a captar todas
las miradas con su
nuevo álbum NO
TE ENAMORES DE UN ARTISTA.
Reconocido por su enfoque descarado
tanto en su arte como en
su vida personal, lleva todo un
paso más allá, presentando adelantos
del disco de manera provocadora…
¡en OnlyFans!
El trabajo fusiona bases de
trap con un inconfundible sabor
latino. Coproducido por el
propio Bhavi, el álbum rebosa
de energía cruda y propone un
viaje tan personal como sonoramente
arriesgado: su proyecto
más audaz hasta la fecha. “Soy
un libro abierto; escribo lo que
siento”, cuenta sobre el proceso
detrás de este trabajo de 12
canciones creadas en colaboración
con numerosos artistas. De
Alemán, Kidd Keo y Jon Z hasta
YSY A y más: cada track cuenta
con un colaborador destacado.
“Generalmente soy un artista
que colabora mucho, y en este
álbum en particular quise hacerlo
con todos mis amigos y con la
gente con la que me crucé estos
años y que podían sentirse
representados con la música,
el título y los conceptos del álbum.
Lo construí a partir de eso
y del poder de crear un universo
colaborativo”.
El disco está siendo presentado
a través de su Mystery Tour,
un formato que está redefiniendo
la experiencia de los recitales:
las entradas tienen precios
accesibles y el público no sabe
qué universo musical se encontrará
en vivo hasta que empiece
el recital. Cada fecha es una incógnita
y justamente ahí está la
esencia del show. Las próximas
fechas son en el Auditorio Oeste
de Haedo (el 8 de agosto), XLR
de San Miguel (18 de septiembre)
y Club Re de Quilmes (19
de septiembre).
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BHAVI PRESENTA:
MYSTERY TOUR
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