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Et ça me laisse dans l’effroi, je ne comprends pas. Je rentre à la maison, j’en parle à des amis, à ma femme et tous me disent c’est impensable, c’est incompréhensible. Puis j’écoute les informations et j’ai l’impression qu’on est en train de fabriquer un monstre. À ce moment-là, je vais voir mes co-auteurs et je leur demande si on ne pourrait pas faire un film pour rendre ce passage à l’acte un peu plus pensable, imaginable et compréhensible, même s’il reste d’énormes vides et qu’on ne répondra pas à toutes les questions. Je pense qu’il y a des actes monstrueux mais qu’il n’y a pas de monstres. Il fallait rendre un visage à celle qui commet cet acte monstrueux. Par ailleurs, il se trouve que c’était au moment où j’allais être papa, ce qui n’est pas si hasardeux que ça. Comment avez-vous abordé l’adaptation de cette histoire ? Le récit médiatique est une chose, mais ça ne fait pas un film. Le travail de la fiction consiste à créer les personnages et à les faire vivre. Quand on a découvert cette histoire, on s’est rendu compte, et je ne dis pas ça pour faire le malin, qu’elle avait une dimension universelle : la rencontre des cultures, Médée et aussi l’idée que l’enfer peut être pavé de bonnes intentions. C’est une idée qui me passionne depuis mon premier film : je crois que la perversion, ça ne s’incarne pas que par le prédateur isolé qui violente et martyrise ; le bien peut engendrer le mal, l’altruisme peut vite se transformer en perversion. Il y a dans cette histoire matière à réfléchir là-dessus. Comme j’avais fait un film avant celui-là qui montrait la limite entre la transmission et la transgression, cette histoire me permettait d’aller encore plus loin. À travers le personnage de Tahar Rahim, on trouve ce conflit de loyauté, tiraillé entre l’envie de répondre au désir de sa femme pour aller vivre ailleurs et ne pas laisser seul celui qui l’a protégé et qui lui a tant donné. Ce conflit crée de la tragédie, et nous l’avons inventée, ce n’était pas dans le récit médiatique. Certaines choses dans le film résonnent avec l’actualité, et on peut se demander si cela relève du fait-divers initial… Ce qui est intéressant dans un film, c’est quand il y a plusieurs couches. Derrière la tragédie familiale, il y a le néo-colonialisme et ses effets : on ne sait pas quoi faire de ces pays dont on a profité, et quand ils veulent s’émanciper, on leur rapproche leur envie d’émancipa- tion. On trouve des prétextes pour cacher notre peur. Ce qui m’a donné envie de faire le film, c’est la possibilité de mettre en scène hors du préjugé. Cette femme européenne qui souffre autant de solitude parce qu’elle est seule dans cette maison en Belgique, est heureuse là-bas au Maroc avec cette famille nombreuse. Là il y a quelque chose à regarder de positif. Cet homme altruiste, généreux, éducateur, c’est lui qui est dans le préjugé et dans le racisme quand il dit : «Tu vas quand même pas laisser éduquer tes filles là-bas ?»… Je connais plein de filles marocaines qui ne sont pas voilées, qui ne correspondent pas aux préjugés sur l’islam. Au début d’“Élève libre”, un exergue disait «À nos limites». On a l’impression que ce film teste encore plus les limites… Exactement. Pour les films précédents, j’étais très fier de dire que j’avais fait un film en 82 plans, ou avec seulement des plans fixes. J’avais envie d’avoir ma carte, de faire cinéaste. Mais cette histoire est tellement riche, les personnages m’ont tellement emporté que je me suis dit : «Arrête de faire le malin et essaie d’emmener le spectateur dans cette histoire, point barre. Sois fasciné par tes acteurs et rends-là accessible». Mais je m’efforce de ne pas tomber dans le populisme. Si le film n’était qu’émouvant, il empêcherait de réfléchir. Or, j’espère que ce n’est pas le cas. C’est frappant de voir à quel point vous avez en effet assoupli votre mise en scène… Le prochain, j’essaierai encore plus, car il ne faut pas oublier qu’on reçoit de l’argent pour faire des choses qui emportent le spectateur. Malgré tout, il y a dans le film un jeu étrange sur les amorces dans les plans… Ce n’est pas ce qu’il y a de plus réussi. Ce que je veux, c’est me débarrasser des dogmes au cinéma car je ne trouve pas ça profitable. Et j’ai un peu pêché… Je ne devrais pas m’automutiler comme ça, mais dans cette histoire, ce qui m’intéresse, c’est la perte d’autonomie, la perte de l’espace privé. Donc il y a tout le temps quelqu’un qui voit ce qui se passe. D’où cette envie de placer des amorces, d’être dans des coins de portes, pour que ce soit un peu oppressant, et au fil du temps, agrandir les cadres pour montrer qu’elle se retrouve seule. On en a peut-être un peu abusé. Ça souligne surtout par la mise en scène quelque chose qui est évident dans le scénario, à savoir l’enfermement… Cela passe mieux dans les ellipses et la sécheresse de la narration… Oui, mais le public qu’on appelle “populaire“, > > > Joachim Lafosse - DR
— SORTIE LE 22 AOÛT — À perdre la raison Il y a, à la fin d’À perdre la raison, une séquence admirable – ce n’est pas la seule du film. Murielle sort de chez sa psychanalyste et se retrouve dans sa voiture à écouter Femmes je vous aime de Julien Clerc. Elle en fredonne approximativement les paroles, puis s’arrête et fond en larmes. En trois minutes et un seul plan, c’est comme si le film, le personnage et l’actrice (Émilie Dequenne, comme on ne l’avait jamais vue) lâchaient tout ce qu’ils retenaient jusqu’ici, dernière respiration avant le drame ou l’asphyxie. Car À perdre la raison est construit comme une toile d’arai- gnée, un piège qui se referme sur son personnage, d’autant plus cruel que personne n’en est vraiment l’instigateur. > > > cette gestion du temps, il la trouve longue et lente. Faire des films pour ma chapelle ou pour mon église ne m’intéresse plus. Quand on cherche à faire financer un film qui raconte l’histoire d’un quadruple infanticide, c’est une énorme cascade, tu te demandes comment tu vas emmener les spectateurs voir ça. Je veux faire des films populaires, mais je ne capitulerai pas sur le fond. Le public populaire a aussi droit à des histoires complexes et à des sujets âpres. Pouvez-vous nous parler de l’apport de Thomas Bidegain, qui vient d’une autre culture scénaristique que la vôtre, plus américaine ? Pas vraiment. Quand on me demande quels films m’ont donné envie de faire du cinéma, je dis E.T. et Kramer contre Kramer. Ce ne sont pas des films qui m’ont instruit, mais qui m’ont donné envie quand j’étais gosse. Et je me suis rendu compte en parlant avec Thomas qu’en fait on aimait Hitchcock, qu’on était passionné par La Nuit du chasseur… On sent quand même qu’il y a chez lui lorsqu’il travaille avec Audiard un certain pragmatisme, un goût de la structure… Une efficacité, oui. Heureusement ! Ce que j’aime chez Thomas, c’est qu’il n’oublie jamais le public. Mais avec mon autre scénariste, on essaie de se méfier de cela, aussi. Est-ce lui qui vous a amené à reconstituer le couple d’“Un prophète”, Tahar Rahim et Niels Arestrup ? Non. Au départ, c’est Depardieu qui devait tenir le rôle d’Arestrup, mais il a préféré faire Astérix et Obélix. Et c’est Tahar qui m’a dit qu’il avait envie de retravailler avec Niels. J’ai pensé qu’on allait dire que je manquais d’originalité. Mais je me suis dit que c’était l’histoire d’une femme qui pense former un couple avec son compagnon et au fur et à mesure, elle découvre qu’elle est rentrée dans une maison où il y a déjà un couple. Et le fait de le faire jouer par un couple de Ce qui se joue ici, ce sont les nœuds d’une société où les choses que l’on croit réglées (le colonialisme, la domination masculine) reviennent comme des réflexes inconscients, provoquant leur lot de tragédies. PATRIARCHE DE GLACE Celle du film a pour base un faitdivers : une mère qui assassine ses quatre enfants. On ne révèle rien, puisque Lafosse en fait l’ouverture de son film. Cette honnêteté-là est aussi celle qui amène le cinéaste à ne jamais apporter de réponses tranchées aux sujets pourtant épineux qu’il effleure : les couples mixtes, la dépendance affective et financière, le poids de la culture et du patriarcat… © Versus production - Fabrizio Maltesse Déjà dans Élève libre, il laissait flotter un parfum de malaise : charge contre les dérives de l’esprit libertaire ou regard mélancolique sur l’impossibilité de transmettre sans vouloir en être payé en retour ? Avec À perdre la raison, il va plus loin tout en adoucissant sa mise en scène, plus proche des corps et des situations. Sur la corde raide, il peint des monstres plein de bonnes intentions, des rapports de servilité consentis, un mariage blanc généreux qui conduit à un ultime tour d’écrou… L’engrenage terrifiant qu’il décrit n’est souvent affaire que d’une petite phrase, d’un regard, d’un geste, comme si tout pouvait basculer à la faveur d’un infime détail. L’idée d’avoir confié à Niels Arestrup le rôle du médecin patriarche est évidemment brillante, tout comme celle de lui avoir donné comme «fils» Tahar Rahim, recréant ainsi le duo d’Un prophète. Les deux acteurs chargent leur rôle de force et de fragilité, d’inquiétude et de bonhomie, de complicité et de malveillance. C’est dans cette ambivalence, ces zones grises de l’âme humaine, que Lafosse trouve le meilleur terreau pour exprimer l’essence de son cinéma. > À perdre la raison De Joachim Lafosse (Fr-Belg, 1h45) avec Émilie Dequenne, Tahar Rahim, Niels Arestrup… cinéma préexistant, c’est sans doute très intéressant pour le spectateur, qu’il ait vu Un prophète ou pas d’ailleurs, car Niels est un très grand acteur. De toute façon, je n’y perds pas grand chose, je vais même y gagner. Était-ce aussi intéressant pour vous cinéaste qu’il existe une proximité entre les deux acteurs assez proche de celle qui existe entre les deux personnages ? Quand je choisis de faire jouer dans Nue propriété les deux frères par Yannick et Jérémie Rénier, c’est la même chose. Dans À perdre la raison, la proximité entre les deux acteurs est telle qu’Émilie va devoir ramer pour exister au sein de ce couple. Et en fait, ils se sont tous tirés vers le haut. Pour l’anecdote, au premier jour de tournage, Tahar et Niels sont venus me voir et m’ont dit : si on fait un moins bon film qu’Un prophète, les gens vont dire que quand Audiard n’est pas là, on n’est pas bons, alors accroche-toi. Je l’ai payé cher, cette prise de risque, mais je pense que la cascade est réussie. Émilie Dequenne fait une performance incroyable… Avec ce trio, sur le plateau, je suis très vite devenu spectateur de mon film. Je les ai laissés faire. La scène de Femmes, je vous aime, on l’a tourné assez tôt, et quand j’ai vu ça… Il y a eu une pudeur entre moi et les acteurs, on a très peu parlé de ce qui nous touchait dans cette histoire, mais j’ai vu qu’ils y mettaient quelque chose d’eux-mêmes. Laisser vivre le film, est-ce aussi le laisser vivre par les débats qu’il risque de susciter ? J’espère qu’il en suscitera ! C’est à ça que je travaille. Élève libre a été une leçon. On me reprochait presque les multiples interprétations du film. Quand je vois Eva de Losey, ce qui me fascine, c’est que ce n’est pas un film qui édicte sa vérité. Pour moi, un grand film populaire, c’est un film dont les spectateurs sortent en ayant tous vus un film différent. Disponible en grandes surfaces, librairies, papeteries, et sur notre boutique en ligne. LE KIT PLIO PROTÈGE BIEN PLUS QUE DES CAHIERS 1 reversé à 50 cartables à gagner En partenariat avec RDV sur le site de la boutique : www.boutique-handicap-international.com
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