JANV / FÉV - Le Parvis

JANV / FÉV 2012

collection d’hiver
Ven 6 Ciné Parvis Méridien
17h Projection de Cria Cuervos de Carlos Saura cinéma
20h30 Le Parvis
ANGÉLICA LIDDELL l Maldito sea el hombre... théâtre
Mar 10 Le Parvis
20h30 NATACHA RÉGNIER l Vivre dans le feu théâtre
Mer 11 Les Nouveautés
20h30 GISÈLE VIENNE l Jerk théâtre
Du Mer 11 Cinéma Parvis Méridien
au Mar 17 AGNÈS VARDA, CLAIRE DENIS, SOFIA COPPOLA, cinéma
CHANTAL AKERMAN... I Voyez comme elles tournent !
Jeu 12 Les Nouveautés
19h GISÈLE VIENNE l Jerk théâtre
20h30 Le Parvis
CIE NATHALIE BÉASSE l Happy Child théâtre / danse
Ven 13 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
19h Vernissage de l’exposition de G. Vienne, J-L Verna, V. Gastaldon art contemporain
20h30 Les Nouveautés
GISÈLE VIENNE l Jerk théâtre
Sam 14 Le Parvis
15h Table ronde animée par Bruno Tackels et Laure Adler rencontre / débat
Où en est le féminin dans l’art d’aujourd’hui ?
20h30 CHANTAL AKERMAN I Avant-première de La folie Almayer cinéma
Jeu 19 Le Parvis
20h30 HÉLA FATTOUMI l Manta danse
Sam 28 Le Parvis Centre d’art
14h30 -17h Café lecture et voix l Dans l’exposition de Gisèle Vienne art contemporain
Avec le soutien de l’Onda et de France Culture
Partenaires du Parvis saison 2011’ 2012
Mairie de
LE PARVIS
Scène Nationale Tarbes Pyrénées
Centre Méridien - Route de Pau
BP 20 - 65421 IBOS Cedex
www.parvis.net
Licences : 1-1036508 2-1036509 3-1036510
DIRECTION Marie-Claire Riou
ADMINISTRATION
05 62 90 08 55
Fax 05 62 90 60 20
9h30-12h30, 14h-18h00
INFORMATIONS CINÉMA ET SPECTACLES
Boîte vocale 24h/24 : 08 92 68 04 73 (0,34 €/min)
BILLETTERIE
Le Parvis
du mardi au samedi 10h-12h / 13h30-19h00
05 62 90 08 55
Les Nouveautés
lundi, mercredi et vendredi
9h30-12h30 / 13h30-17h
05 62 93 30 93
TARIFS
Tarifs de la Carte Parvis + : de 5 € à 25 €
(collectivités : adhésion forfaitaire 50 €)
Plein Adhérents Abonnés
Tarif M 12 € 10 € 8 €
Tarif C 23 € 19 € 16 €
Tarif B 27 € 23 € 19 €
Tarif A 31 € 26 € 23 €
Tarif A+ 40 € 35 € 30 €
Parvis 3 Librairie
Centre Leclerc Université
Av. Louis-Sallenave - 64000 PAU
05 59 80 80 90
FORUM N° 302
Mensuel d’Information du Parvis
Fondateur Marc Bélit
Directeur de Publication
Marie-Claire Riou
N° ISSN : 0335 21 10
Dépôt légal janvier 2012
Coordination Béatrice Daupagne
Rédaction L’équipe du Parvis
Réalisation Aurélie Blain
Création maquette Studio ALQ
Carolina Rojas
Impression Conseil Imprime
couverture © Pedro González
p4-5 © Angelica Liddell • p6-7 ©
Stéphane Pauvret, Wilfried
Thierry • p8-9 © Mathilde Darel,
Marc Domage • p11 © Laurent
Philippe.
Partenaire Culturel depuis 1984
Novembre
La prochaine vague
Collection d’hiver revient avec dans ses bagages, une édition
entièrement consacrée aux femmes. Nous avions le désir
d’accueillir quelques-unes des artistes qui nous avaient
fortement surprises ces dernières années. Il y avait Gisèle
Vienne, que nous avions déjà invitée, et Angélica Liddell
bien sûr, qui nous avait littéralement soufflé avec La Casa
de la fuerza, il y a deux ans en Avignon. Ensuite sont venus
d’autres noms et nous nous sommes rendu compte qu’une
seule édition ne suffirait peut-être pas pour présenter tout
ce que nous avions envie de défendre.
C’est ainsi qu’est née La prochaine vague, sur le désir de
montrer une nouvelle génération d’artistes femmes, qui
nous semblait participer fortement au renouvellement des
esthétiques en usant de beaucoup de liberté, en renonçant
aussi aux convenances et au politiquement correct. Bref,
elles nous livraient des œuvres sans compromis. On y
retrouvait à la fois de l’audace, de la simplicité dans la façon
directe de traiter les sujets, et toujours du talent. Bien sûr ce
qu’on vous décrit là n’est pas l’apanage des femmes, mais
quand même, il nous semblait qu’elles avaient la main.
Nous imaginions aussi qu’une telle programmation
pourrait irriter. Pourquoi donc, presque 40 ans après la
naissance du féminisme, consacrer une édition spéciale
de Collection d’hiver aux femmes ? L’ équipe du Parvis était
suffisamment jeune pour n’avoir pas vécu cette période. Le
féminisme avait joué un rôle important dans notre société
certes, mais depuis la fin des années 1980, il était devenu
quasi confidentiel et il faudrait attendre le tournant du
siècle pour que la question resurgisse… mais sous la forme
de la violence faite aux femmes. Ce n’est d’ailleurs qu’en
2010 que la lutte contre la violence faite aux femmes
est devenue cause nationale, et ceci sous l’influence
d’associations féministes.
Et dans le domaine de la culture et des arts, qu’en est-il au
juste ? Là aussi, il a fallu attendre 2006 pour que Reine Prat,
alors chargée de mission auprès du Ministre de la Culture
Renaud Donnedieu de Vabres, remette son rapport intitulé
Pour l’égal accès des femmes et des hommes aux postes de
responsabilité, aux lieux de décision et à la maîtrise de la
représentation.
Ce rapport a fait l’effet d’une bombe. Non : le milieu des
arts et de la culture n’est pas au-dessus des autres. Et
pour ce qui est de la place faite aux femmes, il y a de quoi
s’inquiéter, voire s’alarmer. On y apprend au passage que
92% des théâtres consacrés à la création dramatique sont
dirigés par des hommes, de même que 89% des institutions
musicales et 86% des établissements d’enseignement. Ce
déséquilibre massif concerne également les spectacles
eux-mêmes : 97% des musiques qu’on peut entendre dans
ces institutions ont été composées par des hommes, qui
sont les auteurs de 85% des textes montés… Parmi tous les
cas qu’examine Reine Prat (dans son deuxième rapport de
2008), le plus spectaculaire est sans doute celui du Théâtre
de l’Odéon où, depuis la rentrée 1997 (et sous les directions
successives de Georges Lavaudant et d’Olivier Py), n’ont
été programmés que des spectacles mis en scène par des
hommes, et seulement 5% de metteurs en scène femmes
aux Ateliers Berthier, le second lieu programmé par
l’Odéon. Le domaine de l’art contemporain n’est pas moins
conservateur et le pourcentage des œuvres de femmes
dans les grandes collections publiques est très faible, bien
que - et cela depuis deux décennies - les filles sortent plus
nombreuses diplômées des grandes écoles d’art. De même
que le public du théâtre est, lui, majoritairement féminin.
Cela veut dire que la route est longue et qu’il faudra du
temps pour parvenir à une forme de parité ou, en tout cas,
à davantage d’égalité dans ce secteur de la culture.
N’avons-nous pas besoin de représentations artistiques les
plus diversifiées possibles et les plus singulières ? Dans ce
dialogue entre les arts et la société, le fait que les femmes
prennent d’assaut les écrans ou les plateaux est plutôt bon
signe, mais il ne faudrait pas croire que les choses vont de
soi. Le fait que l’équipe de programmation du Parvis soit
majoritairement féminine n’est pas non plus neutre dans
les choix artistiques que nous faisons.
Cette édition de Collection d’hiver sonnera aussi comme
une sorte de rappel de l’histoire, car si la jeunesse y est très
présente nous consacrerons aussi du temps à quelques
figures féminines qui ont compté pour nous, nous ont
inspiré et continuent de le faire, telles Chantal Akerman
ou Claire Denis par exemple, et auxquelles nous rendrons
hommage.
Et le 14 janvier, dans la grande salle du Parvis, il y aura une
grande table ronde qui réunira des femmes aussi différentes
que Gisèle Vienne, Laure Adler, Chantal Akerman, Coraline
Lamaison, Cynthia Fleury, Nathalie Béasse et bien d’autres
encore.
Alors, on se retrouve en Janvier.
Marie-Claire Riou

Angélica Liddell
L’art, un mode de survie
De l’espagnole Angélica Liddell,
auteur, metteur en scène,
magnifique performeuse,
scénographe, on avait découvert
avec stupéfaction au Festival
d’Avignon 2010 La Casa de la
Fuerza, un univers crucifié,
douloureux et ensanglanté,
où elle se livrait en direct
à une sidérante exploration
de la douleur : sur soi
et sur les autres.
Elle se définit elle-même
comme « anarchiste paradoxale
et sociopathe sous contrôle »
et fait de son théâtre
de la cruauté le lieu
d’une douleur qui la porte
à cette extrême défiance,
une méfiance exacerbée
vis-à-vis des autres
et du monde, le lieu
« où rompre le pacte social ».
Tout, dans le théâtre-cri
d’Angélica Liddell, revient
à rejouer encore et encore
la mise à mort de l’enfance,
qui débouche sur un monde
avili, où tout n’est que
destruction, et à clouer
au pilori la bien-pensance
de notre époque.
« Je ne pourrais pas vivre
si je n’avais pas trouvé
cette voie de création. Je ne
sais pas vivre autrement. Je ne
sais pas gérer la douleur ou la
joie. (…) Je suis une résistante
civile, qui cherche à convoquer
l’intelligence du public
à travers l’émotion…
La vie est une escroquerie.
Mais il faut avoir beaucoup
aimé la vie pour en arriver
à cette conclusion ».
4 | 5
Maldito sea el hombre
que confia en el hombre :
un projet d’alphabétisation
de, par et avec Angélica Liddell
La pièce Maldito sea el hombre que
confia en el hombre (Maudit soit
l’homme qui se confie en l’homme)...
« est une œuvre sur l’innocence massacrée
que j’ai construite à partir d’expériences
qui ont fait exploser ma
vie », déclare Angélica Liddell dans un
entretien à l’AFP. « J’avais besoin de
parler de ces sentiments pour ne pas
me tirer une balle. C’était une question
de survie », ajoute-t-elle. Dans
cette pièce, créée au dernier festival
d’Avignon, elle dénonce la pédophilie,
l’inceste et l’hypocrisie des familles.
La mélancolie et la douceur l’emportent
sur la violence du texte mais
l’effet n’en est pas moins dévastateur.
La pièce s’ouvre sur une cour dans un
royaume enchanté où deux petites
filles en robe dorée paraissent sortir
d’un conte de fée (Alice au pays des merveilles).
Ce sont les sœurs de l’enfant
de Cría Cuervos, le film de Carlos Saura,
dont l’inoubliable chanson, Porque te
vas, réinterprétée en français (Pour qui
tu vis, et où tu vas), revient tout au long
du spectacle comme un leitmotiv. Les
fillettes apprendront à leurs dépens
que l’entrée dans l’âge adulte n’est pas
de tout repos. La scène se transformera
rapidement en un cruel champ de
bataille dans lequel Angélica Liddell
hurle son dégoût pour le monde et
la nécessité de la vengeance. « Nous
sommes des enfants dans des corps
d’adultes, nous avons besoin de nous
venger du monde (…). Je parle dans ce
spectacle de ce paysage désolé, noir,
au milieu du néant, dans lequel je me
trouve avec la conscience que nous ne
sommes pas des êtres bons. Et avec
l’envie de mettre le feu au monde »,
dit-elle. « Le pire qui puisse arriver
est qu’on abuse de toi avec amour.
Quand tu as le dos criblé de balles,
tout tourne autour de la méfiance. Tu
ne veux plus recommencer à pleurer »,
poursuit-elle. Angélica Liddell admet
avoir transformé sa vie en un carnet
de notes, s’écartant de la fiction pour
utiliser ses propres expériences, souvent
brutales, pour nourrir son art.
« Ce n’était pas prémédité, mais j’en
suis venue à ne plus croire en la fiction.
Elle me paraît insuffisante pour parler
de la vie, de la désespérance. Je voulais
rompre les barrières de la pudeur,
parler sans pudeur de la manière dont
l’amour avait été un échec dans nos
vies, de la pire manière, de la manière
la plus douloureuse », raconte l’artiste.
« Cette pièce est une vengeance »,
ajoute-t-elle. « La vengeance est le
moteur de mon théâtre ».
Liddell a conçu cette pièce comme un
abécédaire, une structure ouverte,
une distribution de cartes qui fonctionne
par associations, par superpositions,
par accumulations, de « A
comme argent » à « Z comme Zidane »
en passant par « M comme méfiance »,
« R comme Rage », « L comme Loup »,
« I comme idéologie », « U comme
Utopie », chaque définition étant distribuée
de façon non alphabétique…
Première entrée E comme enfant : « Je
n’ai pas connu un seul enfant qui soit
devenu un bon adulte ». Le ton est
donné, et c’est peu dire qu’il sera grinçant.
L’abécédaire est un labyrinthe
semé de lapins empaillés, qu’elle
arpente vêtue en petite fille, accompagnée
d’une autre actrice (double et
petite sœur), Lola Jiménez. Maudit soit
l’homme est un voyage sous forme de
jeu de massacre (Alice au pays des horreurs),
qui mène, lettre après lettre,
de la rage à la tristesse, « S comme
société : Si seuls les braves gens/
avaient droit aux allocations chômage
/ Les familles seraient mortes de
faim / C’est-à-dire de méchanceté. » et
s’achève sur « U comme Utopie : Que
plus un enfant ne soit conçu à la surface
de la Terre. »
En chemin, elle fait des rencontres
- groupe d’acrobates chinois, autres
acteurs -, écoute encore et encore
un piano mécanique qui joue du
Schubert, écorche un flamenco, et
sème la désolation à travers ses mots,
jusqu’à littéralement se faire rentrer
dans la gorge un Ave Maria détourné.
Ses créations se nourrissent de sa
vie mais elles comportent toujours
une vision du monde. Elle note sur
des cahiers ses idées, ses sentiments,
ses colères, tout ce qu’elle vit et qui se
retrouve, plus ou moins transformé,
dans ses spectacles. Loin de parler d’autofiction,
elle envisage plutôt un processus
comparable à celui qu’évoque
John Cassavetes dans Opening Night
où la vie et la création se nourrissent
l’une de l’autre et se transforment l’une
et l’autre. « Au fond, je parle toujours de
monstres et de monstruosité. Je m’intéresse
à tout ce qui est méprisable. Mais
ça n’a pas été évident dès le départ. J’ai
commencé par imaginer des personnages
monstrueux. Puis j’en suis arrivée
à moi-même comme être monstrueux,
une Angélica monstrueuse. Finalement,
tout ce que je fais sur scène, c’est pour
me venger. Les règles de la société nous
empêchent de vivre comme on le voudrait.
Je veux me venger de tous les
collection d’hiver
enfoirés que j’ai rencontrés. Me venger
de moi-même parce que je n’aime pas
ce que je suis. Je ne comprends pas ce
que cela signifie d’être en vie, alors je
me venge. » Elle précise qu’elle travaille
à partir de ses obsessions. Le ressassement
représente un élément essentiel
de son théâtre, qui peut prendre
les formes les plus frénétiques comme
les plus douces, à l’image de ce piano
qui, dans le spectacle, joue tout seul
un andante de Schubert repris indéfiniment,
produisant une sorte de tourment
mélancolique à la fois vaguement
vertigineux et assez drôle. « La musique
tient le rôle d’un personnage à part
entière, explique la jeune femme. Ce
piano sans pianiste nous éloigne de
l’humanité, il exprime la solitude. J’ai
toujours le sentiment que c’est mon
portrait que j’entends dans la musique
de Schubert, dans ce mélange de
mélancolie et de turbulence. Qu’y a-t-il
de plus mélancolique que l’image d’un
piano jouant tout seul ? ».
Sources : La Scène, AFP, Libération, Télérama,
Le Monde, Les Inrockuptibles, Théâtral.
Cría Cuervos de Carlos Saura
« Dès l’enfance on nous mutile » affirme
Nizan. Le chef-d’œuvre de Carlos Saura
illustre cette terrible parole au travers
du regard d’une enfant sur le monde
alentour, sur les adultes, sur tout ce
qui s’avère un inadmissible scandale.
L’une des principales sources d’inspiration
d’Angélica Liddell.
> Vendredi 6 janvier
Cría Cuervos
17h / Cinéma Méridien
> Vendredi 6 janvier
Maldito sea el hombre
20h30 / Le Parvis
En partenariat avec Espaces pluriels,
scène conventionnée danse - théâtre Pau / Béarn.

Vivre dans le feu
Marina Tsvetaeva, Bérangère Jannelle,
Natacha Régnier
Fruit d’une passion pour
la langue incandescente
de l’immense Tsvetaeva,
un spectacle comme une
expérience poétique de jeu,
une conversation extrême,
un hommage sincèrement
amoureux à cette poétesse
malicieuse et totalement
anticonformiste.
Bérangère Jannelle
La comédienne Natacha Régnier (prix
d’interprétation à Cannes - César du
meilleur espoir féminin en 1998 pour
La Vie rêvée des anges), vient du cinéma
et pour ses débuts au théâtre, rencontre
une femme inflexiblement
lucide, poète d’exception, Marina
Tsvetaeva (1892-1941).
Vivre dans le Feu s’appuie sur les
poèmes et carnets de Marina
Tsvetaeva, qui fut la poète russe la
plus moderne du XX e siècle, la plus
audacieuse, la plus radicale et la plus
obstinée. Dans ses écrits, dans sa vie
sociale et amoureuse, elle s’est montrée
inflexiblement lucide et passionnée.
Libre, comme peu de femmes – ou
d’hommes – ont osé l’être, elle a dû
s’exiler et elle est revenue sans jamais
céder. Ses carnets doivent être considérés
comme les documents les plus
spontanés et les plus subjectifs de
l’héritage de Marina Tsvetaeva. Ce sont
des journaux intimes, vestiges de sa
vie secrète, indissociables de son activité
créatrice. Sans cesse à la recherche
de nouvelles issues du genre poétique,
Marina Tsvetaeva explore d’autres
formes d’expression. Elle se tourne
vers l’écriture théâtrale qui est, une
tentative d’adaptation du vers à une
forme en action. Ses milliers de pages
protégèrent Marina Tsvetaeva d’un
anéantissement créatif.
6 | 7
« J’ai été vraiment touchée par le côté
entier et vital » de l’écriture de Marina
Tsvetaeva, explique Natacha Régnier,
une plume dérangeante « qui ne
s’est jamais rangée dans une catégorie
sociale particulière », s’est frottée
à l’hostilité des autorités et à l’indifférence
de ses pairs. Les fragments de
textes évoquent la quête d’absolu, la
hantise du quotidien et le besoin viscéral
d’écriture de cette femme issue de
la bourgeoisie russe, qui s’est pendue
dans son pays natal à l’âge de 49 ans,
après avoir connu la pauvreté et plusieurs
exils. Son écriture, d’ « une beauté
renversante (…) parle aux sensations
(…) Une telle puissance d’émotion, ça
saute aux yeux », dit l’actrice, en soulignant
« son envie de vivre, sa recherche
de joie dans une vie tragique ». « Il fallait
qu’elle fasse ses mots, ne pas céder
et partir vers la vie mondaine » qu’elle
aurait pu avoir, explique l’actrice, qui se
« reconnaît » dans le côté « sans concession
» de Marina Tsvetaeva.
Propos recueillis par Anne meyer, AFP
le 14 janvier 2011
Réunissant des poèmes et des extraits
de ses carnets, Bérangère Jannelle
a composé le portrait d’une femme
qui n’a su vivre que dans le feu. Feu,
brûlure, les mots reviennent à tous
les instants de son parcours. Et c’est
Natacha Régnier qui, pour ses débuts
au théâtre, avec une audace qu’aurait
aimée Tsvetaeva, interprète ce personnage
exceptionnel. Seule devant une
table, possédée par les mots. Femme
de feu. »
Colette Godard
> Mardi 10 janvier
20h30 / Le Parvis
Rencontre à l’issue
de la représentation
avec Natacha Régnier
et Bérangère Jannelle
Happy child
Compagnie Nathalie Béasse
Dans cet espace, cinq interprètes
vivent une grande aventure
avec peu de mots, quelques
chœurs et des moments très
intenses : réminiscences de
jeux, courses, retrouvailles
bouleversées. Ils et elles
s’embrassent, s’embrasent,
fusionnent, jouent, s’affrontent
aussi. Les fratries qui
s’empoignent ou s’étreignent
nous chavirent, tant le jeu
est intense, provoquant notre
empathie jusqu’aux larmes.
Nous sommes dans un monde
mental qui est le nôtre et qui est
aussi celui d’un Shakespeare.
La magie de l’enfance,
dans les pas de Nathalie Béasse
On y est, on y croit. La magie de Happy
Child réside dans sa façon de redonner
au théâtre ses vertus fondamentales
de sincérité et d’illusion, de catharsis
aussi, liées à l’enfance. Loin des pon-
cifs, ce spectacle rayonne d’une pure
beauté ludique, rend à la scène une
candeur qui émerveille. Son sens de
l’économie visuelle relève d’une esthétique
minimaliste sans ostentation.
Le petit théâtre malhabile que l’on
dresse, enfant, avec trois caisses et
quelques vieux vêtements, n’est pas
loin du plateau de Nathalie Béasse
qui en retrouve les codes d’accès avec
un instinct sophistiqué. Faire tout (un
monde) avec rien (une couverture) est
la recette féconde de Happy Child.
Certaines scènes possèdent un attrait
fou et incompréhensible. D’autres font
rire sans non plus qu’on en décrypte
les dessous. La séquence au cours de
laquelle trois hommes en tailleurs
féminins, chaussures à talons et perruques
blondes, se livrent à un numéro
de gymnastique qui dérape en
concert de human beat box hip hop
laisse bouche ouverte. Le talent des
acteurs danseurs mène la ronde tandis
que l’inconscient sert de tapis
volant aux associations d’images.
collection d’hiver
L’ enfance heureuse évoquée
par le titre tisse la trame
généreuse d’une fascinante
composition que l’on doit
à Nathalie Béasse,
une jeune metteur en scène
et chorégraphe, formée
en arts visuels aux Beaux-
Arts puis au Conservatoire
d’Art Dramatique d’Angers.
Également scénographe,
elle crée pour Happy Child
« un écrin somptueux,
tendu de velours écru,
piano dans la fourrure
blanche, lumières
profondes emmitouflées
dans un cocon douillet :
une douceur heureuse
ruisselle en majesté de cette
proposition tout à fait hors
du commun.»
Si l’on parle de « danse théâtre »,
en référence à la chorégraphe allemande
Pina Bausch (1940-2009),
on peut ici évoquer une forme de
« théâtre danse ». Des situations ordinaires
(enlacer une femme en train de
jouer du piano) décollent de la réalité
grâce à une écriture chorégraphique
paradoxalement savante et brute de
décoffrage. Aucun mouvement gratuit
dans cette exaspération physique
d’une action nimbée de maladresse
enfantine. Avec Happy Child, Nathalie
Béasse, metteur en scène et chorégraphe,
signe une alliance spectaculaire
tout simplement impeccable.
Rosita BOISSEAU, Le Monde, 04/11/2010
> Jeudi 12 janvier
20h30 / Le Parvis
Rencontre avec Nathalie
Béasse à l’issue
de la représentation.

Gisèle Vienne
« J’aime appréhender la scène
comme un lieu de cérémonie,
celui de nos fantasmes. »
Nous souhaitions réinviter Gisèle
Vienne en raison de son talent
immense et de l’influence
qu’elle exerce déjà dans les arts
de la scène et les arts visuels.
C’est avec Jerk, spectacle
déjà accueilli en 2009,
que nous la retrouverons,
et avec Last Spring,
une installation qui sera
présentée au Centre d’art.
Mêlant théâtre, danse, art
de la marionnette et arts
plastiques, Gisèle Vienne livre
des spectacles déroutants
ou de troublants objets
plastiques et scéniques,
jouant du fantasme
comme de la réalité, creusant
leur sillon dans nos plus
inavouables contradictions.
Pulsions de vie, de mort
et de sexe parcourent,
dans un rituel très personnel,
l’univers de cette artiste
qui articule savamment les corps,
les images, la musique
et les mots. Pour une expérience
dérangeante mais salvatrice
qui, par le processus
de transfiguration artistique,
met à jour une certaine vérité
de soi et de notre civilisation.
8 | 9
Jerk
Solo pour marionnettes
Jerk est une reconstitution imaginaire,
étrange et sombre des crimes
perpétrés par le serial killer américain
Dean Corli, qui, avec l’aide de deux
adolescents, David Brooks et Wayne
Henley, a tué plus d’une vingtaine de
garçons dans l’état du Texas au milieu
des années 70.
On se retrouve face à David Brooks
qui purge une peine à perpétuité,
assis sur une vilaine chaise, une
vieille radiocassette et un vulgaire
sac de sport à ses pieds. Il en sort
des marionnettes affublées de têtes
d’animaux en peluche, à qui il va faire
subir les pires outrages pour l’instruction
d’une classe de psychologie et sa
propre thérapie carcérale.
Ce personnage inspiré d’un fait-divers,
revisité par l’écrivain et critique d’art
américain Dennis Cooper, est interprété
par Jonathan Capdevielle,
né à Tarbes, accueilli la saison dernière
avec Adishatz et collaborateur
fétiche de Gisèle Vienne. Les gens qui
connaissent Jonathan Capdevielle
n’en mènent pas large quand ils le
voient dans Jerk, car ils lui trouvent les
mêmes attitudes qu’au naturel, sauf
que là il interprète un tortionnaire
avec une justesse stupéfiante. D’une
voix calme, il relate, en endossant les
voix de plusieurs personnages, des
scènes mêlant sexualité et violence
et évoque à la perfection et en pur
ventriloque les râles de jouissance ou
d’agonie ainsi que les bruits divers qui
accompagnent les actes macabres. Il
est tout entier habité par son histoire
dont on ne sait plus trop au juste qui
tire les ficelles. Une histoire vraie nous
est racontée par un bonimenteur plus
vrai que nature à tel point qu’il se
confond dans notre esprit de spectateur
avec le vrai personnage de David
Brooks. C’est là où le spectateur vacille
sur ses bases et qu’il s’interroge.
Avec Jerk, c’est un voyage en eaux
troubles qui vous est proposé, une
expérience extrême pour explorer les
rapports entre cruauté et innocence.
Une cérémonie à vivre absolument,
histoire de chasser le monstre qui se
cache en nous…
Extrait des Inrockuptibles :
Jerk pourra paraître à certains insupportable.
Mais à nos yeux, le théâtre
qui se frotte avec une telle intelligence
au réel, aussi violent soit-il, est
salutaire.
> Mercredi 11 janvier
20h30 / Les Nouveautés
> Jeudi 12 janvier
19h / Les Nouveautés
> Vendredi 13 janvier
20h30 / Les Nouveautés
Installation
Avant, je croyais
qu’il parlait
tout seul
Tout commence en 1884, quand Sarah
Winchester, veuve de l’inventeur de la
célèbre carabine, construit une maison
fantasmagorique sur les conseils que
lui donnent les esprits des victimes des
armes Winchester avec qui elle s’entretient
chaque nuit.
Jean-Luc Verna
Suzanne-Janet Préault, black widow • 2011
En effet, afin de lui permettre d’échapper
à une mort certaine, ces derniers
lui intiment l’ordre de bâtir une
maison irréelle en dehors de toutes
logiques d’échelles et d’espaces. Et ce
sont quelques 160 pièces, des demiétages,
des fenêtres ouvertes dans
le sol et des portes qui donnent dans
le vide, des escaliers qui ne mènent
nulle part ou encore des armoires, trop
petites pour y ranger quoique ce soit,
qui donnent à cette maison aux esprits
toute sa démesure et son étrangeté.
L’exposition conçue dans le cadre du
festival Collection d’Hiver s’inspire de
cette expérience mystique et associe
pour une première collaboration, trois
artistes dont les univers artistiques
pourtant proches ne les ont jamais
portés à exposer ensemble. Cette
exposition au Parvis Centre d’art sera
leur première expérience commune.
Gisèle Vienne à laquelle le Centre
d’art confie une carte blanche invite
donc les plasticiens Jean-Luc Verna et
Vidya Gastaldon à écrire avec elle les
base d’une exposition qui se présente
comme une pièce de théâtre. Rien
d’étonnant à cela puisque voilà main-
tenant une dizaine d’année que Gisèle
Vienne œuvre dans le monde des arts
vivants en proposant une succession
de variations théâtrales dont l’univers
se situe à la limite de la fiction et de
la réalité. Chez Gisèle Vienne, le réel se
situe dans un espace de perceptions
multiples qu’elle met en scène avec
une grande liberté narrative, mise sous
tension par une série d’artifices et de
pièges. Au Parvis, l’artiste propose au
spectateur d’habiter un espace visité
par des spectres… une installation
intitulée Last Spring : a Prequel dont le
décor rappelle l’architecture des maisons
hantées, des espaces virtuels et
évoque directement la structure des
oeuvres de Dennis Cooper, écrivain
américain avec lequel elle collabore
régulièrement….
Dans un coin caché au fond du centre
d’art, un adolescent, incarné par une
poupée ventriloque et animée, endosse
le rôle d’un bonimenteur. Il prend place
dans un espace qui déploie l’univers
plastique régissant l’ensemble du projet,
lequel pourrait tout aussi bien correspondre
à un jeu de cache-cache
avec les fantômes, victimes de la carabine
Winchester.
Vidya Gastaldon Floating Moutain
Gisèle Vienne vit et travaille à Grenoble
et Paris. Après avoir étudié la musique
et la philosophie, elle fait ses études à
l’Ecole Supérieure Nationale des Arts
de la Marionnette. Depuis 1999, elle
travaille comme chorégraphe, metteur
en scène, scénographe, interprète et
plasticienne.
collection d’hiver
Vidya Gastaldon est une artiste française
vivant à Genève. Dans le Centre
d’art, l’artiste dispose au sol et suspend
au plafond des sculptures colorées
qui convoquent deux traditions de
l’art radicalement opposées : l’art minimal
d’un coté, l’artisanat de l’autre ( les
sculptures étant réalisées en laine). Soit,
l’une des armes massives (ou du moins
considérée comme telle ) des artistes
femmes, comme Annette Messager ou
Rose Marie Trockel. Pas question pour
autant de cataloguer le travail de Vidya
Gastaldon dans un art de la citation
féministe. Ésotérique, son oeuvre n’emprunte
à aucune tendance artistique et
se nourrit exclusivement de son imaginaire
fantasque et poétique. Quant à
ses dessins, une dizaine ici accrochés,
ils font la part belle aux paysages que
Vidya Gastaldon considère comme « la
forme la plus appropriée pour évoquer
un certain état de contemplation ».
Des paysages oniriques mais inquiétants
associant en un joyeux maelström
icônes populaires, personnages
mystiques, ambiances post-apocalyptiques
et mondes hallucinés.
Jean-Luc Verna pour finir est un des
artistes les plus intéressants de sa
génération. Dessinateur virtuose,
tombé un peu par hasard dans la
chaudron magique de l’art contemporain,
Jean-Luc Verna a décidé voilà des
années de faire de sa vie son œuvre
en livrant son corps aux mains des
tatoueurs et des entraîneurs sportifs.
Parsemé de tatoos d’étoiles, sculpté
comme un statue grecque, son corps
est un des principaux objets de son travail.
Dans les auto-portraits qu’il met
en scène Jean-Luc Verna prend la pose
nu, imitant des stars de l’histoire de
l’art telle La petite danseuse de Degas…
Et de stars il ne manque pas de s’inspirer.
À commencer par Siouxies Sioux,
sa muse, grande figure de la scène Rock
ou Delphine Seyrig, actrice et féministe
française, que l’on retrouve au Centre
d’art et dont il « dresse les portraits »
en deux sublimes représentations noir
et blanc, lithographiées comme des
fantômes d’images s’emblant s’enfoncer
dans la matière des murs.
Ce texte s’inspire des écrits de Claire
Moulène et Emmanuelle Lequeux.
> Vernissage
Vendredi 13 janvier à 19h
Le Parvis / Centre d’art

Table ronde
Au cœur de Collection d’hiver
> Table ronde Collection
d’hiver animée par Bruno
Tackels accompagné
de Laure Adler
samedi 14 janvier
15h / Le Parvis
Les Avant et Après
spectacles
Au café des images
Venez poursuivre les soirées
de Collection d’hiver
autour d’un verre.
Dans une ambiance feutrée,
DJ Peak et El Selector Andaluz
sont aux manettes pour vous
donner leurs visions sonores
dédiées notamment aux femmes
inrockuptibles. Un capharnaüm
organisé où peuvent se côtoyer
la proto-disco, l’avant-rock, les drônes
électroniques, la musique séculaire,
tantôt dansante, tantôt d’écoute.
Des sons que l’on touche de ses yeux
et regarde avec ses oreilles...
Une restauration vous est proposée
dès 19h, avant les spectacles
au Parvis, avec une formule à 8 €
(comprenant plat chaud, dessert
et vin servi au verre) sur réservation
uniquement au 05 62 90 08 55.
Le menu changera tous les soirs.
10 | 11
Où en est
le féminin dans l’art
d’aujourd’hui ?
Depuis plus de trente ans, les femmes
ont pris la parole, sur le plan politique,
comme sur le terrain des arts. Sous le
nom de féminisme, cette prise de position
a donné lieu à de nombreuses
formes d’expression, parfois contradictoires,
mais porteuse d’une promesse
d’émancipation et d’égalité. Où
en sommes-nous aujourd’hui avec la
parole et les formes de présence de la
femme dans les arts ? Révolte, lutte,
revendication. Où en sommes-nous
avec le féminisme du siècle dernier ?
Que disent les femmes aujourd’hui ?
Ont-elles fait le deuil des utopies de
leurs aînées ?
Avec le Festival Collection d’hiver, le
Parvis a choisi de donner la parole à
ces femmes qui écrivent aujourd’hui
notre récit collectif, sur les plateaux
et sur les écrans. Y a-t-il une parole de
femmes sur nos scènes contemporaines
? Et que disent-elles du féminin
? Comment ce dernier a-t-il évolué
au cours des dernières décennies ? Et
quel rôle la théorie des genres a-t-il eu
sur l’évolution des femmes, et sur leurs
combats de libération ?
Pour nourrir cette réflexion à multiples
entrées, nous avons réuni des femmes
artistes, auteurs, réalisatrices, programmatrices
: Gisèle Vienne, Laure
Adler, Chantal Akerman, Coraline
Lamaison, Cinthia Fleury et Hortense
Archambault (sous réserve), Nathalie
Béasse, et bien d’autres...
Bruno Tackels
Docteur en philosophie de l’Université
de Strasbourg, Bruno Tackels est
essayiste et dramaturge. Il enseigne
l’esthétique au département des arts
du spectacle de Rennes II. Il est critique
de théâtre pour la revue Mouvement et
sur France Culture. Figure importante
des éditions Les Solitaires intempestifs,
il rédige une série d’essais monographiques
consacrés à des « Écrivains
de plateau » : Anatoli Vassiliev, Rodrigo
Garcia, Pippo Delbono, le Théâtre du
Radeau, le Théâtre du Soleil, et une
monographie consacrée à Olivier Py.
Laure Adler
Historienne, écrivain, journaliste et
productrice à France Culture notamment
de l’émission Hors-champs, elle
est l’auteur de plusieurs ouvrages historiques,
notamment Les premières
journalistes (Payot), Les femmes politiques
(Seuil), Dans les pas de Hannah
Arendt (Gallimard) et Marguerite
Duras (Gallimard) pour laquelle elle a
reçu le Prix Femina de l’essai, et dernièrement
Les femmes qui lisent sont de
plus en plus dangereuses (Flammarion)
et Manifeste féministe (Autrement).
Encore et encore, il faut continuer à se
battre pour l’égalité économique, politique,
sexuelle entre les hommes et les
femmes. De cette lutte, il ne faut pas
exclure les hommes. Tout au long de
l’histoire, certains d’entre eux se sont
mobilisés pour la cause des femmes,
pour que l’on cesse de les tenir à l’écart
de l’éducation, de la pensée, de l’action
sociale ou politique...
Laure Adler
Manta
Inséparables, Héla Fattoumi
et Eric Lamoureux écrivent
toutes leurs pièces
ensemble depuis vingt ans,
et dirigent à deux le Centre
Chorégraphique National
de Caen depuis 2004.
Leur dernière création,
Manta, (littéralement
en espagnol une couverture,
qui renvoie dans l’esprit des
auteurs à l’ensemble des
voiles qui couvrent le corps
de la femme) donne lieu
à une réflexion éclairée
et prend à bras le corps
un sujet dont on parle
beaucoup, le port du voile
intégral. Abordé avec
nuance et intelligence,
le solo Manta semble
plus relever d’une prise
de position publique
que d’un simple état
des lieux, par une chorégraphe
tunisienne qui a toujours
refusé de voiler sa féminité.
« Je ne porte pas de jugements
sur celles qui affirment le mettre
par choix. J’en appelle cependant
à la liberté des femmes,
à la liberté de vivre leur vie
de femmes sans restrictions. »
Héla Fattoumi
Sur scène et pour un acte chorégraphique,
vous portez un hijab pour la
première fois de votre vie ?
Héla Fattoumi : Oui, je n’avais jamais
osé. Cela s’est fait petit à petit. J’en
avais peur, l’impression d’enfreindre
quelque chose de sacré. C’est un
vêtement religieux avec lequel
on ne s’amuse pas. C’est aussi un
tissu encombrant, pesant et chaud.
Comment on bouge avec ça ? Ce que
je produis sous ce voile, je ne le vois
pas. Je suis dans la sensation.
Vous parlez du fort pouvoir esthétique
de ce vêtement sur scène, pouvez
vous nous en dire plus ?
collection d’hiver
H.F : On s’est rendu compte très vite
avec Eric Lamoureux que le hijab avec
son drapé, ses plis, directement investi
quand on le pose sur un plateau,
est d’un incroyable pouvoir esthétique,
voire fascinant, avec le danger
que cela comporte. ( …) On ne peut pas
jouer à être une femme voilée, ça n’a
pas de sens. Par contre, on peut se voiler
pour en faire l’expérience, il y a une
grande nuance.
Quel rapport artistique avez-vous
développé en conjuguant vos regards
sur la culture orientale et occidentale ?
H.F : Un entrelacs sans cesse remis en
question, un échange, un débat perpétuel.
On essaie de forger un terme
qui serait une identité « relation composite
». Tout est partagé, à tous les
niveaux et les strates de la création.
Nous sommes deux personnalités,
avec Eric Lamoureux, sans rôle assigné,
deux imaginaires avec un creuset
commun où rien n’est évacué. Ce
n’est pas la quête d’une harmonie permanente
ni une fusion qui ferait un
monde trop plat.
Propos recueillis par Anne Leray
Le propos de Manta est engagé et ne
fait pas dans la demi-mesure. Le choix
d’un solo est fort approprié, car, sans
comparse féminin ou masculin, il permet
au spectateur de porter son regard
uniquement sur la femme voilée, ses
gestes et ses émotions. Il s’agit d’un
point de vue sur la question, celui d’une
artiste d’origine tunisienne qui interroge
le voile dans son rapport à la liberté
de l’être qui est, en premier lieu, celle
de ses mouvements.
Fatima Miloudi, Les Trois coups
mardi 30 juin 2009
> Jeudi 19 janvier
20h30 / Le Parvis
Une rencontre
avec Héla Fattoumi
aura lieu à l’issue
de la représentation

Cinéma
Voyez comme elles tournent !
Dans les années 1950, à l’école
Vaugirard, où l’on enseignait
aux jeunes gens le beau métier
d’opérateur, un enseignant
avertissait ses ouailles
que « les femmes à la caméra
rencontrent un gros problème :
quand elles ont leurs règles,
elles ne voient plus les couleurs
de la même façon ».
C’était une époque où la chimie
naturelle était beaucoup
plus puissante qu’aujourd’hui.
Leurs hormones empêchaient
les femmes de cadrer, d’éclairer,
de prendre le son, de décorer,
de produire, de réaliser,
et même de scénariser.
Mais elles ne leur interdisaient
pas de jouer, de faire la scripte,
ou de monter. Séduction
ou maternage tolérés.
Pouvoir et création prohibés (…)
L’express – 25/03/11
En 1962, précurseur d’une nouvelle
vague féminine, Agnès Varda tourne
Cléo de 5 à 7, dans lequel une jeune
chanteuse attend les résultats de
ses analyses et craint d’avoir un cancer.
Dans son film, la réalisatrice, alors
âgée de 34 ans, dépeint un personnage
féminin qui se définit par rapport
à elle-même et à sa crainte de
la maladie. Sous l’impulsion donnée
par Varda, d’autres réalisatrices
apparaissent sur la scène cinématographique.
L’année 1968 donne jour
à un véritable besoin d’expression de
la part des femmes. Et le 7 e art est
un terrain tout indiqué pour s’exprimer.
C’est ainsi que l’on voit naître
au cinéma Marguerite Duras, Nadine
Trintignant, Nelly Kaplan ou Nina
Companeez. D’autres suivront dans
les années 70 : Coline Serreau, Chantal
Akerman, Christine Pascal…
Agnès Varda tourne en 1977 L’une
chante, l’autre pas, l’histoire de deux
12 | 13
femmes en plein mouvement de la
libération féminine. Avec ce film phare,
elle réalise quelque chose qui a à voir
avec la nouvelle condition des femmes
dans la société. C’est ainsi un véritable
reflet de beaucoup de préoccupations
de l’époque : droit pour les femmes de
disposer de leur corps, liberté sexuelle
ou choix familial, lutte pour l’avortement,
création artistique…
Les années 80-90 permettront de
découvrir des auteures affirmées :
Claire Denis, Brigitte Roüan, et à
l’étranger Jane Campion qui sera
en 1993 la première femme à recevoir
la palme d’or à Cannes. Certaines
cinéastes vont jusqu’à soulever un
vent de polémique sur le thème de
la sexualité. C’est le cas de Catherine
Breillat dont les films, atypiques, ont
une place relativement à part dans le
cinéma français.
Cléo de 5 à 7
Ces dix dernières années, en France, on
assiste à l’explosion d’une jeune génération
de réalisatrices. La profession,
la critique, le public, le monde de la
recherche leur portent une attention
grandissante. Leurs œuvres, souvent
leurs premières d’ailleurs, se voient
récompensées au palmarès de nombreux
festivals.
C’est un panorama (non exhaustif)
des ces cinéastes que nous vous proposons
de découvrir du 11 au 17 janvier.
Cette programmation a été élaborée
avec la collaboration de Laure Adler
qui animera avec Bruno Tackels une
table ronde le samedi 14 janvier à
15h : Où en est le féminin dans l’art
d’aujourd’hui ? Le même jour, nous
vous proposerons une projection en
avant-première et en présence de
la réalisatrice : La folie Almayer de
Chantal Akerman.
CLÉO DE 5 A 7
Un film de Agnès Varda (1962)
Cléo, belle et chanteuse, attend les
résultats d’une analyse médicale. De
la superstition à la peur, de la rue de
Rivoli au Café de Dôme, de la coquetterie
à l’angoisse, de chez elle au Parc
Montsouris, Cléo vit quatre-vingt-dix
minutes particulières. Son amant, son
musicien, une amie puis un soldat lui
ouvrent les yeux sur le monde.
LA FIANCEE DU PIRATE
Un film de Nelly Kaplan (1969)
Une jolie vagabonde se venge des
humiliations subies par elle et sa mère
en séduisant tous les notables d’un
village.
COCKTAIL MOLOTOV
Un film de Diane Kurys (1979)
Pour pouvoir vivre librement leur
amour, Anne et Frédéric fuguent à
Venise. Mais Frédéric a le mal du pays,
et sa famille lui manque...
LA GARCE
Un film de Christine Pascal (1984)
Interdit aux moins de 12 ans
Lucien Sabatier, inspecteur de police,
roule derrière une Jaguar lorsque soudain,
une jeune femme en est éjectée.
Il stoppe et la prend à son bord...
LE LIVRE DE JEREMIE
Un film de Asia Argento (2005)
Interdit aux moins de 16 ans
L’histoire d’une enfance déchirée, vue
Hanezu, l’esprit des montagnes
par les yeux d’un petit garçon, Jérémie,
et de sa mère, Sarah, jeune femme
impulsive, insatiable et profondément
perdue qui se prostitue pour des routiers
sur des aires d’autoroute dans le
sud des Etats-Unis.
WENDY ET LUCY
Un film de Kelly Reichardt (2009)
Wendy, accompagnée de son chien
Lucy, a pris la route de l’Alaska dans
l’espoir de trouver un petit boulot et
commencer une nouvelle vie. Lorsque
sa voiture tombe en panne dans une
petite ville de l’Oregon...
WHITE MATERIAL
Un film de Claire Denis (2009)
Quelque part en Afrique, dans une
région en proie à la guerre civile, Maria
refuse d’abandonner sa plantation de
café avant la fin de la récolte, malgré la
menace qui pèse sur elle et les siens.
BELLE ÉPINE
Un film de Rebecca Zlotowski (2011)
Prudence Friedman a 17 ans. Soudain
livrée à elle-même dans l’appartement
familial, elle rencontre Marilyne,
une frondeuse du lycée qui lui fait
découvrir le circuit sauvage de Rungis,
où tournent dangereusement grosses
cylindrées et petites motos trafiquées.
Fascinée par la bande du circuit,
Reynald, Franck et les autres,
Prudence tente d’y gagner sa place,
en essayant de faire passer sa solitude
pour de la liberté.
collection d’hiver
SOMEWHERE
Un film de Sofia Coppola (2011)
Johnny Marco, auteur à la réputation
sulfureuse vit à l’hôtel du Château
Marmont à Los Angeles. Il va recevoir
une visite inattendue : sa fille de 11 ans.
WE NEED TO TALK ABOUT
KEVIN
Un film de Lynne Ramsay (2011)
Interdit aux moins de 12 ans
Eva a mis sa vie professionnelle et ses
ambitions personnelles entre parenthèses
pour donner naissance à Kevin.
La communication entre mère et fils
s’avère d’emblée très compliquée. À
l’aube de ses 16 ans, il commet l’irréparable.
Eva s’interroge alors sur sa
responsabilité. En se remémorant les
étapes de sa vie avant et avec Kevin,
elle tente de comprendre ce qu’elle
aurait pu ou peut-être dû faire.
HANEZU, L’ESPRIT
DES MONTAGNES
Un film de Naomi Kawase (2012)
Dans la région d’Asuka, berceau du
Japon, Takumi mène une double vie :
tranquille avec Tetsuya son mari, passionnée
avec son amant Kayoko, sculpteur
qui lui fait découvrir les plaisirs
simples de la nature. Takumi apprend
qu’elle est enceinte. L’arrivée de cet
enfant est l’occasion pour chacun de
prolonger son histoire familiale et ses
rêves inassouvis. Mais bientôt, Takumi
devra choisir avec qui elle veut faire sa
vie. Comme au temps des Dieux qui
habitaient les trois montagnes environnantes,
la confrontation est inévitable.
LA FOLIE ALMAYER
Un film de Chantal Akerman (2012)
Quelque part en Asie du Sud-Est, loin
de tout, sur la rive d’un grand fleuve
tumultueux. Un fleuve qui aura un
rôle déterminant dans l’histoire. Une
simple histoire qui réunit passion et
rêves, racisme et argent, désir d’indépendance
et lâcheté, mais par dessus
tout l’amour d’un père pour sa fille. Un
amour qui l’entraînera vers sa perte.
> Programme complet
sur la feuille mensuelle
du 10 janvier
> 3,50 e la séance

Pendant les vacances de février,
découvrez les décors
et les marionnettes qui ont servi
au tournage du film, venus tout droit
des studios de République Tchèque !
La date sera précisée dans la feuille
mensuelle Cinéma.
Un vieux roi a trois fils. Il leur confie
pour mission de lui ramener un petit
chapeau qu’il a oublié, voici fort longtemps,
dans une auberge des Terres
Lointaines. La récompense pour celui
qui y parvient : être à son tour couronné
roi. Aussitôt, ils se lancent sur
les routes avec de drôles de bolides
de course… Avec deux films récents
aux thèmes philosophiques, le cinéma
d’animation tchèque, très connu pour
ses films de marionnettes, renoue avec
une longue tradition autrefois brillamment
illustrée par les films de Jiri
Trnka ou de Bretislav Pojar - dont vous
connaissez peut-être Les deux oursons
ou Monsieur et Monsieur.
Un programme de deux courts-métrages
d’animation mettant en scène
des prétendants, prêts à tout
pour gagner la course au trône !
LE JARDINIER QUI VOULAIT ETRE ROI
Mercredi 15, jeudi 16, lundi 20, mardi 21,
samedi 25 février et samedi 3 mars
Programme de 2 films
Rép. Tchèque • 2012 • 1h • Animation
4 ans et +
Une mare abandonnée. Deux enfants
solitaires tombent sous le charme
de ce lieu sauvage qui les rapproche
peu à peu l’un de l’autre et les aide à
apprivoiser la vie. À travers leur regard,
leur imaginaire, la mare devient un
royaume secret à la fois merveilleux
et inquiétant, peuplé de créatures de
rêve ou de cauchemar. Une expérience
initiatique, brève et intense qui va les
transformer.
LA CLÉ DES CHAMPS
Samedi 4 février et samedi 10 mars
De Claude Nuridsany, Marie Pérennou
France • 2012 • 1h20 • Documentaire
8 ans et +
Le premier est couvert de pois, tandis
que l’autre est parsemé de points. Et
ils sont très heureux comme ça. Mais
vous n’êtes pas au bout de vos surprises
car les aventures de Gros-pois
et Petit-point riment avec imagination,
observation et expérimentation...
Un délice pour les plus petits !
GROS POIS ET PETIT POINT
Mercredi 4 et samedi 7 janvier
Programme de 4 films
Suède • 2012 • 43 mn • Animation
2 ans et +
Cinéma
> Mercredi 29 février
15h / Les Nouveautés
Elsa Prioux - www.theatre-enfants.com
Impossible donc de ne pas se laisser complètement
emporter dans ces petites
migrations, bijou de poésie et d’émotion.
Quel que soit l’âge du spectateur,
ce magnifique parcours initiatique qui
n’est pas sans rappeler certains contes,
émerveille. Comme le petit personnage
rentre grand à la fin de son voyage, on
sort de ce très beau spectacle, instant
suspendu, béat et transformé.
À l’ère du virtuel et des effets spéciaux
toujours plus sophistiqués, le théâtre
d’ombre et son côté très artisanal a une
force incroyable. Sa magie est immédiate
et touche autant par l’effet né de
la combinaison marionnettes / éclairage,
que par la manipulation ellemême.
desquelles le personnage se transforme
: ses cheveux vont pousser, ses
pieds vont grandir…
de gauche à droite : Le jardinier et La clé des champs
Commence alors pour lui une série de
pérégrinations imaginaires au cours
Après une mauvaise nuit, un petit personnage
se réveille, s’habille, enfile ses
bottes beaucoup trop grandes pour lui,
et se rend à l’école. Dans la cour, tous
les enfants entourent le personnage et
se moquent de lui à cause de ses bottes
trop grandes. Il part se cacher derrière
l’arbre de la cour d’école et s’évade...
« Sans l’ombre que projette notre
corps, nous deviendrions invisibles, et
si petits que nous aurions disparus. »
Petites migrations
Théâtre de Nuit
Théâtre d’ombres pour les 3 à 6 ans.
durée 40mn + visite décor
> Mardi 31 janvier
20h30 / Le Parvis
Orianne Charpentier - Le Monde
Toujours est-il que ce miroir à multiples
dimensions qu’est la représentation
théâtrale nous plonge au cœur
d’un conte, revisité avec puissance.
tango. Parce que le tango sait exprimer
tour à tour la souffrance et la joie…
Peut-être est-ce un jeu. Ou peut être
pas. Peut-être le Petit chaperon rouge
se fait-il manger par le loup. Ou peutêtre
revient-il sous un autre aspect
pour nous dire quelque chose d’énigmatique,
de gai et de grave. Quelque
chose qui parle d’initiation et de passage,
et qui se danse sur un air de
Le Petit chaperon rouge a peur du loup,
mais il n’en est pas moins attiré par ce
ténébreux visage humain et par ses
griffes démesurées. Superbement revisité
par Florence Lavaud, le fameux
conte a perdu de sa naïveté. Il suggère,
sans mots et avec des images
d’une beauté pénétrante, le passage
des curiosités de l’enfance aux désirs
ambigus de l’adolescence. Ce petit chaperon
rouge naïf et rieur s’aventure sur
les chemins pavés d’ombres cruelles,
de peur et d’énigmes.
Un petit chaperon
rouge
Cie Chantier Théâtre
Théâtre à partir de 8 ans.
durée 1h
> Mercredi 25 janvier
15h / Le Pari
10 | 11
Anne Leray - L’Hérault du jour
Les tableaux s’enchaînent, les trois
comédiens manipulent une foule d’objets
et jonglent avec les signifiants. Des
mots, des expressions, des légumes, des
fleurs, des sentiments, des humeurs.
Sanguine est aussi un voyage ouvert
sur les cultures du monde, indienne,
japonaise, chinoise, africaine. Un spectacle
osant évoquer l’étymologie de la
couleur dont il parle.
Rouge est la couleur par excellence.
Synonyme de beauté, elle est double, porteuse
de vie et de violence. Elle fascine,
toujours et partout. Sanguine est le dernier
volet d’un cycle de quatre « leçons
de choses » poétiques et chromatiques,
après le jaune, le vert, le bleu, ce nouveau
spectacle met en scène la couleur
rouge avec sa force vitale et son universalité.
Elle est la couleur par excellence,
la seule à avoir un nom dans toutes les
langues. Synonyme de beauté, elle est
double, porteuse de vie et de violence. La
couleur rouge attire et repousse. Elle fascine,
toujours et partout.
Sanguine
Cie l’Atalante
Théâtre plastique pour les 4 à 8 ans.
durée 50mn
Spectacles
Jeune public
de gauche à droite : Sanguine et Petites migrations
jeune public

Qu’en est-il de Dieu ? Est-ce une
invention, et si oui, de quel type : une
œuvre géniale créée par l’imagination
humaine, une découverte insoupçonnée,
inimaginable, opérée par voie de
révélation, une pure fiction construite
sur fond de peur et de désir, un mensonge
phénoménal concocté pour les
naïfs ? On peut opter pour une signification
unique et s’y tenir sa vie
durant, ou migrer d’un sens à un autre
au fil du temps. On peut aussi déambuler
sans fin, en zigzag et en spirale,
autour d’une seule signification qui
s’impose plus troublante et magnétique
que les autres, pour l’interroger,
encore et encore. Et si celle-ci, aussi
sapée, criblée de doutes, de points critiques
et de pénombres soit-elle, coïncide
avec les données de la religion
reçue en héritage par voie du hasard de
la naissance, alors ce hasard se transforme
progressivement en aventure, et
l’aventure en destin, à force d’être sans
cesse relancée, poursuivie. Prix Femina
1989 pour Jours de colère, Grand Prix
Jean Giono 1998 pour Tobie des Marais,
Sylvie Germain a publié aux éditions
Albin Michel Magnus, prix Goncourt
des lycéens 2005 (140.000 ex. vendus
en librairie), L’inaperçu, Hors champ et
Le monde sans vous en 2011.
Parvis 3 / Pau
Jeudi 26 janvier à 18h
Sylvie Germain
Rendez-vous nomades
Editions Albin Michel
Codécouvreur du virus, médecin, chercheur
à l’hôpital Raymond Poincaré de
Garches, Jacques Leibowitch réévalue
les dogmes autour du sida et examine
les recherches actuelles qui renversent
les certitudes et bouleversent les idées
reçues. Non, nous ne sommes pas tous
égaux devant le risque d’attraper le
virus : certains groupes sont dramatiquement
touchés. Non, « l’effondrement
des défenses immunitaires » ne
suffit pas à entraîner l’apparition du
SIDA. Oui, les séropositifs sous traitement
bien conduit ne transmettent
plus le virus, même lors de rapports
sexuels non protégés. Oui, un essai en
cours ouvre la voie à un protocole allégé
qui permet de réduire la fréquence
du traitement à une prise par semaine
avec, à la clé, un confort de vie pour
les patients et des économies considérables
pour nos systèmes de santé.
C’est toutes nos représentations de la
pandémie qu’il nous faut réviser.
Jeudi 19 janvier à 18h
Jacques Leibowitch
Pour en finir avec le Sida
Editions Plon
Après la disparition tragique de ses
parents, la jeune et ténébreuse Gloria
Osunera Platero dirige désormais le
domaine de Las Espadas Cruzadas,
l’une des propriétés les plus en vue
de Ribera del Duero. En accueillant l’illustre
œnologue Benjamin Cooker et
son assistant Virgile, la riche héritière
entend poursuivre seule l’œuvre de sa
famille. Mais il traîne comme un parfum
de souffre dans cette région viticole
au passé glorieux. Un marquis
extravagant, un régisseur qui perd la
tête, un maître de chais irréprochable,
un commissaire sans illusions et des
petits vignerons malmenés suffisent
à créer un assemblage pour le moins
corsé. Entre une escapade gourmande
dans la Rioja, un dossier aussi technique
que cabalistique et une plongée
vertigineuse dans l’univers des
cépages, les experts bordelais goûtent
à l’ivresse des nuits castillanes.
Vendredi 13 janvier à 18h
Jean Pierre Alaux
Nuit d’ivresse en Castille
Editions Fayard
Rencontres littéraires
à Pau
de gauche à droite : Parvis 3 / Pau, Sylvie Germain
> Mardi 28 février
20h30 / Le Parvis
Jack Dion - Marianne 2, novembre 2011
Voilà un spectacle accessible à tous,
servi par des comédiens d’exception,
à commencer par Claude Merlin, plus
vrai que nature en Sganarelle.
Ainsi fustige-t-il la langue de bois des
pseudo savants de la science et de ces
Diafoirus qui étaient à la médecine de
son époque ce que les adeptes de la
pensée unique sont aujourd’hui à l’économie.
Ecouter ces esprits bornés, sûrs
d’eux et dominateurs, asséner leurs
pseudo vérités, ne peut pas ne pas faire
penser à ces donneurs de leçons d’un
autre acabit que sont les technocrates
pérorant à tout va.
Grâce au savoir-faire de Claude
Buchvald, qui officie tout en délicatesse,
ce triptyque drôlissime débouche
sur un pur moment de grâce. On peut
y apprécier quelques unes des idées
forces de Molière, qui n’avait pas son
pareil pour retourner les conventions
de l’époque grâce à un art consommé
de la dérision.
justes noces. Dans la troisième, il y est
contraint à l’insu de son plein gré, au
terme d’un piège cousu main.
Dans la première pièce, Sganarelle se
refuse à marier sa fille. Dans la seconde,
c’est lui qui ne veut plus convoler en
La folie
Sganarelle
Le mariage est un
sport de combat
Les farces de Molière sont comme
les « petits » films de Chaplin : on y
trouve toutes les pépites qui font le
charme des grandes œuvres. À preuve
La folie Sganarelle que propose Claude
Buchvald à partir de trois pièces où
l’on retrouve l’éternel Sganarelle, personnage
que Molière, le plus souvent,
interprétait lui-même : L’Amour médecin,
Le mariage forcé, et La jalousie du
barbouillé.
> Jeudi 9 février
20h30 / Le Parvis
consacré son dernier enregistrement,
elle dit « je vivais à la maison baignée
dans la musique de Schubert jouée par
Alfred Brendel. Je le mets tout en haut
de mon panthéon. Je ne peux pas imaginer
ma vie de musicienne sans lui, je
suis certaine de m’en nourrir toute ma
vie. L’interpréter est devenu pour moi
une nécessité, une évidence. J’aime
sa nostalgie un peu voilée, sa pudeur
aussi. »
8 | 9
À propose de Schubert, auquel elle a
Discrète, secrète, racée… Vanessa
Wagner ne multiplie pas les apparitions
médiatiques, elle ne cultive pas
le glamour des stars. Elle a cette beauté
calme qui recèle des trésors sous
l’apparente simplicité. « Le côté mondain,
la carrière de l’ego, dit-elle avec
humour, ce n’est pas pour moi. Je ne
veux pas une vie de star esseulée d’hôtel
en hôtel, et je ne vis pas que de
musique ! »
Vanessa
Wagner
Jeu intense
et sensibilité
à fleur de peau
Petit retour en arrière. Le 1er juillet
2011, en ouverture de Visa pour la nuit,
Vanessa Wagner accompagne la soprano
Karen Vourc’h dans un concert inoubliable
au sommet du Pic du Midi. Elle
interprète même, dans des conditions
climatiques difficiles, un Impromptu de
Schubert. Pour ceux qui n’auraient pas
eu la chance d’assister à ce moment
exceptionnel, Vanessa Wagner propose
à nouveau quatre Impromptus au
programme de son récital, et consacre
la deuxième partie à Claude Debussy,
dont nous fêtons en 2012 le 150e anniversaire
de la naissance.
de gauche à droite : Vanessa Wagner et La folie Sganarelle
récital de piano / théâtre

Jeudi 26 janvier
20h30 / Les Nouveautés
D’après Frédéric Vignale – le mague.fr,
2002
moines et des philosophes chrétiens
ou encore des soufis et des théoriciens
de l’islam. Oui, c’est dans ce sens
que j’ai une certaine tendresse pour
le monothéisme et ses esprits libres.
Je me sens faire partie, de toute ma
chair, de cette chaîne d’humanité qui
devait, depuis des millénaires, trouver
absolument un sens à sa vie et améliorer
la condition d’humain. Toutes
les croyances sont nées pour répondre
à cet idéal et pour aider l’homme à se
procurer un remède et une paix intérieure.
Les religions incarnent toujours
une forme de thérapie parfaite!
Lorsque j’approche certains textes de
telle ou telle époque, je sens couler
dans mes veines tous ces siècles chargés
de vie et cela me fait frissonner...
vibrer. Mais, ce qui est absolument choquant
aujourd’hui dans ces trois religions,
c’est le manque total d’humour
et cette façon de détourner la générosité
d’origine et la force de la spiritualité
pour ne garder que des lois figées
et des règles d’autrefois, en désaccord
complet avec notre vie actuelle, sans
parler du mépris qu’elles véhiculent
envers la femme.
danse / musique du monde
Abed Azrié : Les trois religions monothéistes
proviennent essentiellement
d’un même archétype : les mythologies
mésopotamienne, cananéenne
et égyptienne aussi. Elles reprennent
les mêmes thèmes et les développent
selon la pensée, la théologie, les lois et
la morale de chaque époque. C’est cet
effort et cette tentative de s’interroger
sur la destinée humaine qui me touche
profondément, sans parler des dissidents
que ces religions ont condamnés,
je veux parler des mystiques juifs, des
Abed Azrié
Mystic
Abed Azrié est un artiste total. La musicalité
du Proche-Orient l’attire comme
un aimant, l’inspire comme un aimant.
Loin de la ville d’Alep qui l’a vu naître
en Syrie, il recompose la fulgurante
modernité de textes antiques visionnaires,
terreau de la pensée des civilisations
du livre. Puis il leur donne vie,
soufflant ses mélodies profondes et
légères sur les pages qui deviennent
les vaisseaux de nos voyages à travers
l’espace-temps.
> Mardi 24 janvier
20h30 / Le Parvis
accompagné, sur scène, de projections
d’images d’archives dans lesquelles on
peut voir à l’œuvre divers danseurs des
années 1930 à aujourd’hui, y compris
lui-même à dix ans.
Œuvre intime et ludique, Out of Time
tient à la fois de l’hommage sans complaisance
à la danse traditionnelle irlandaise
et de l’introspection dans laquelle
le chorégraphe revient sur ses rapports
personnels et artistiques à la tradition,
qui ont façonné son existence. Avec
la collaboration de l’ingénieur du son
Fionán de Barra, les sons percussifs produits
par les pas du danseur sont numérisés
sur le vif, traités en boucle, remixés
et superposés par couches successives
pour créer un accompagnement sonore
hypnotique. Colin Dunne est aussi
Colin Dunne a tenu plusieurs années
durant le rôle principal dans Riverdance
contribuant largement à la renommée
internationale du spectacle. Puis
il a ouvert une nouvelle voie dans sa
démarche créatrice, à la suite de son
passage comme artiste résident à l’Université
de Limerick.
Colin Dunne
Out of time
Le maître de la danse traditionnelle
irlandaise Colin Dunne présente au
Parvis son premier solo intégral, Out
of Time. Cette présentation est une
œuvre autobiographique extraordinairement
touchante qui intègre mouvement
contemporain, texte, séquences
filmées et conception sonore à la
danse irlandaise, créant un saisissant
dialogue entre le passé et le présent du
chorégraphe et danseur.
de gauche à droite : Colin Dunne et Abed Azrié
> Vendredi 3 février
20h30 / Le Parvis
Propos recueillis par Pieter T’Jonk, TIJD
- 21/09/04
Quel est le rapport entre votre œuvre
théâtrale et votre activité d’artiste
plasticien ?
J.L : Le théâtre pose d’autres questions
que les arts plastiques. Un comédien
est-il un artiste, par exemple ?
Comment se positionne-t-on par rapport
au public ? Est-il vrai, comme le dit
Louise Bourgeois, que les applaudissements
sont une forme de terrorisme
de l’esprit ? L’évolution du théâtre nous
enseigne, par exemple, que jadis, on
explorait les limites du théâtre dans de
petites salles expérimentales, tandis
que les grandes salles étaient entièrement
acquises aux bourgeois.(...)
À Avignon, j’ai été frappé par le fait
que festival off ne produit plus que des
œuvres conservatrices, tandis que la
sélection officielle propose un théâtre
expérimental, provocateur. Mais dans
un lieu qui est complètement récupéré
par le pouvoir.
je sois présent sur la scène sans participer
à l’action fait en sorte qu’il ne
s’agit plus de moi. Je considère la scène
comme un espace mental dans lequel
on peut réfléchir sur les choses.
Ce nom de famille fait-il référence au
peintre italien Giorgio Morandi, qui
toute sa vie n’a peint que des natures
mortes sans éclat ?
J.L : C’est un petit clin d’œil. Parfois,
je voudrais être un de ces artistes qui
sont capables de se concentrer sur une
seule chose pour en extraire la quintessence(…)
En définitive, tous ces personnages
forment ensemble une image de
qui je suis, et où j’en suis. Mais dès que
la pièce a existé, j’ai préféré m’en effacer
le plus possible. Cela peut sembler
paradoxal, mais c’est justement pour
cette raison que cette fois-ci, je joue
moi-même dans la pièce. C’est-à-dire,
je suis présent sur la scène, mais sans
avoir clairement un rôle ou une place.
On pourrait dire que le simple fait que
nographe amateur. Enfant, ça n’a jamais
suscité de questions chez moi : j’ai grandi
parmi ces objets. Après coup, on se
demande évidemment ce qui suscitait
cette passion. (…) Tout cela m’a amené à
écrire une histoire à propos de cette collection.
Mais l’histoire est racontée par
une femme, Isabella Morandi, qui en
réalité n’a jamais existé. Son récit commence
en 1910 et il va jusqu’à nos jours.
Cela donne par la même occasion un
panorama du siècle passé. Elle étudie la
collection et rêve de se rendre en Afrique.
Mais cela ne se fera jamais, à l’exception
d’un passage éclair.
La chambre d’Isabella
Jan Lauwers / Needcompany
6 | 7
Qui est au juste Isabella ?
Jan Lauwers : Quand mon père est décédé,
il y a deux ans, il m’a laissé en héritage
environ 5800 objets ethnologiques
et archéologiques. Mon père était médecin,
mais à ses heures il était aussi eth-
La compagnie de l’artiste prolixe Jan
Lauwers nous donne rendez-vous avec
ce qui est certainement sa pièce maîtresse
: La Chambre d’Isabella. Succès
mondial depuis sa création au festival
d’Avignon en 2004, la pièce à l’esthétique
aussi originale que remarquable
arrive enfin dans nos murs !
Pour la première fois,
le Parvis a le plaisir d’accueillir
la troupe flamande
de la Needcompany.
En vingt ans, elle a créé
une vingtaine de pièces
qui ont fait le tour
du monde. Ces créations
ont pour particularités
d’offrir un délicat mélange
de danse, théâtre,
performance et des arts
visuels, et de créer à chaque
fois une atmosphère inédite.
de gauche à droite : La Chambre d’Isabella
théâtre danse

Projection en direct
du Metropolitan Opera
à New York
Samedi 11 février
18h / Le Parvis
Carl Fischer – classiquenews.com,
mai 2011
cycle cohérent appelant nécessairement
la redite de son commencement
pour un retour éternel à
une aube de promesses, le drame
s’achève après la mort de tous, par
la réapparition des filles du Rhin, le
fleuve débordant même de son lit
pour reprendre ce qui lui avait été
honteusement dérobé : l’or, l’anneau,
le pouvoir, la force axiale du
monde dont dépend l’équilibre du
cosmos. Pour autant, il n’est pas
dit que les hommes soient sauvés,
ou que, s’ils récidivent, la nature
reprenne encore et toujours le cours
initial de son essor pour sauver ce
qui doit l’être. Ainsi Le Crépuscule se
conclue sur une incertitude que les
metteurs en scène soulignent avec
bonheur ou dérapage... Une chose
est certaine, ceux qui font le jeu du
pouvoir, de la richesse à tout prix, les
marchands... méprisant tout amour
et tout humanisme, sont condamnés
à périr des erreurs qu’ils ont
eux-mêmes commis.
opéra au cinéma
Fort de ses trouvailles dans Tristan
et Isolde, Wagner compose pour son
Crépuscule, une partition éruptive
et violente au diapason de cette
vision crue et désenchantée. Tout
Avec Le Crépuscule des
dieux, Wagner peint la fin
d’un monde barbare
et maudit, voué par
lui-même à la destruction :
par vanité, calcul,
tromperie et duplicité,
l’humanité court à sa
perte. Il n’est pas de
théâtre plus cynique
et inhumain que
Le Crépuscule des Dieux :
la musique, a contrario
du livret qui a été le
premier texte écrit
par Wagner dans sa
conception globale de
la Tétralogie, recueille
les dernières avancées
esthétiques et expressives
de l’auteur.
Crépuscule
wagnérien
> Samedi 28 janvier à 20h30
Salle Padre Pio / Lourdes
Plan d’accès sur www.parvis.net
D’après un entretien avec Etienne Billaut
Evene.fr, 2007
suis laissé surprendre par ce phénomène,
un jour, en entendant un autre
contre-ténor en concert. La première
fois que j’ai entendu Carlos Mena par
exemple, j’ai pris conscience du décalage
qu’il y a entre le corps et la voix
dans ce registre. D’autre part, lorsqu’on
chante, on passe son temps à exprimer
des choses sexuelles, et il faut assumer
cela aussi en plus du fait que la voix est
l’instrument le plus personnel qui soit,
qui dit et qui touche à ce que l’on est
en propre. Ce que je ne supporte pas en
revanche, c’est le fantasme qui tourne
autour de la voix de contre-ténor. Car
ce n’est pas lui rendre service que de la
fantasmer en l’enfermant dans des clichés
du type “la voix des anges, la voix
du ciel”... Comme si cette voix était un
miracle ! Or cette voix n’a rien de surnaturel
du tout, elle repose sur des phénomènes
physiologiques bien connus
et une technique très solide. Cette voix
n’est d’ailleurs plus aussi rare qu’autrefois
et le public est devenu d’autant
plus exigeant face à elle, et c’est tant
mieux !
de gauche à droite : Philippe Jaroussky et Le crépuscule des dieux
On se demande comment la voix peut
sortir d’un tel corps. Moi-même, je me
Il y a également une réelle ambiguïté
sexuelle concernant votre type de
voix. Est-ce que c’est quelque chose
qui vous attire, qui vous intéresse et
que vous souhaitez cultiver ?
J’ai en effet refusé cette ambiguïté
au départ, estimant que j’avais choisi
cette voix pour des raisons purement
techniques et esthétiques - c’était
la voix musicalement la plus souple
chez moi et la plus riche en possibilités
musicales selon moi. Je n’ai absolument
pas choisi cette voix pour des
raisons sexuelles, fantasmatiques ou
par désir d’androgynie comme certains
peuvent le faire. Cela dit, avec le temps
et l’expérience, j’ai tendance à prendre
de plus en plus au sérieux cette réalité
car je me suis rendu compte à de
nombreuses reprises que le public réagissait
avec étonnement en entendant
ma voix au début d’un concert. J’ai pris
acte du contraste et du choc qui se produisait
entre la voix et le corps chez un
contre-ténor, c’est comme s’il y avait
une certaine irréalité qui se créait.
table terrain d’expression avec la tendance
actuelle à remonter des opéras
baroques un peu partout et jusque sur
les plus grandes scènes internationales.
La voix de contre-ténor, telle que je la
pratique donc aujourd’hui dans mon
répertoire (Haendel, Scarlatti…), est en
quelque sorte une aberration historique
puisque j’interprète en grande
partie un répertoire qui n’a pas été écrit
pour moi, mais pour castrat. La voix de
contre-ténor est réapparue il y a tout
juste un demi-siècle, mais elle bénéficie
surtout aujourd’hui, depuis une
dizaine d’années seulement, d’un véri-
Comment vous-même définiriez-vous
votre voix ?
Je chante dans la même tessiture
qu’une soprano ou mezzo-soprano,
c’est-à-dire, une voix de femme. Le
contre-ténor est une voix qui a existé
par le passé et a qui été abondamment
employée avant l’époque des castrats
(XVII-XVIIIe siècles). Puis elle a été remplacée,
un temps, pour des raisons
physiologiquement évidentes, par ces
castrats possédant des potentialités
vocales supérieures. Elle est enfin réapparue
dans la seconde moitié du XXe ,
avec des artistes comme Alfred Deller
ou Russel Oberlin, qui ont exhumé le
répertoire de musique ancienne attaché
à cette voix. Cette voix suscitant
un enthousiasme grandissant auprès
du public et des interprètes, on a fini
par chanter le répertoire des castrats
eux-mêmes avec cette voix.
Philippe Jaroussky
De Monteverdi à Piazzolla
4 | 5
Philippe Jaroussky
est la grande révélation
lyrique du 21e siècle.
Il retrouve ici Christina
Pluhar et l’ensemble
Arpeggiata pour un projet
original, constitué d’airs
de l’Espagne du XVIIe siècle –
pays d’où sont partis
les conquistadores
à la découverte
et à la conquête du
continent sud-américain –,
et de musiques d’Amérique
latine baroques
et contemporaines dans
la tradition des chansons
anciennes, jusqu’à certaines
des Canciones d’Astor
Piazzolla, dans lesquelles
Philippe Jaroussky excelle
tout particulièrement.
de gauche à droite : Philippe Jaroussky & l’Ensemble Arpeggiata
récital lyrique

Depuis que sa femme a été victime de
brûlures dans un accident de voiture,
le docteur Robert Ledgard, éminent
chirurgien esthétique, se consacre à la
création d’une nouvelle peau, grâce à
laquelle il aurait pu sauver son épouse.
Douze ans après le drame, il réussit
dans son laboratoire privé à cultiver
cette peau grâce à une femme cobaye...
LA PIEL QUE HABITO
De Pedro Almodóvar avec Antonio
Banderas, Elena Anaya
Au cœur des steppes d’Anatolie, un
meurtrier tente de guider une équipe
de policiers vers l’endroit où il a enterré
le corps de sa victime
IL ÉTAIT UNE FOIS EN ANATOLIE
De Nuri Bilge Ceylan avec Muhammed
Uzuner, Yılmaz Erdoan
Lorsque sa femme le quitte, Nader
engage une aide-soignante pour s’occuper
de son père malade. Il ignore
alors que la jeune femme est enceinte
et a accepté ce travail sans l’accord de
son mari..
UNE SÉPARATION
De Asghar Farhadi avec Leila Hatami,
Peyman Moadi
Collection d’hiver se termine tout juste et nous enchaînons avec un festival
de têtes d’affiches, nourri par la sélection Télérama 2011 de vos et nos films préférés
et deux rendez-vous incontournables de la saison : Philippe Jaroussky, la révélation lyrique
du 21e siècle, et La chambre d’Isabella, succès mondial depuis sa création en 2004.
Un festival de têtes d’affiches
Il était une fois en Anatolie
Laure, 10 ans, est un garçon manqué.
Arrivée dans un nouveau quartier, elle
fait croire à Lisa et sa bande qu’elle est
un garçon. Action ou vérité ? Action !
TOMBOY
De Céline Sciamma avec Zoé Héran,
Malonn Lévana
Bien qu’ayant perdu son travail, Michel
vit heureux avec Marie-Claire. Leur
bonheur va voler en éclats devant deux
jeunes hommes armés et masqués qui
les frappent. Ils apprennent que cette
agression a été organisée par l’un des
jeunes ouvriers licenciés avec Michel...
LES NEIGES DU KILIMANDJARO
De Robert Guédiguian avec Ariane
Ascaride, Jean-Pierre Darroussin
Après la mort du Pape, le Conclave
se réunit afin d’élire son successeur.
Enfin, un cardinal est élu ! Mais
les fidèles massés sur la place Saint-
Pierre attendent en vain l’apparition au
balcon du nouveau souverain pontife...
HABEMUS PAPAM
De Nanni Moretti avec Michel Piccoli,
Nanni Moretti
Un couple, Roméo et Juliette. Un
enfant, Adam. Un combat, la maladie.
Et surtout, une grande histoire
d’amour, la leur...
LA GUERRE EST DÉCLARÉE
De Valérie Donzelli avec Valérie Donzelli,
Jérémie Elkaïm
Le ministre des Transports est réveillé
en pleine nuit : un car a basculé dans
un ravin. Il y va, il n’a pas le choix. Ainsi
commence l’odyssée d’un homme
d’Etat dans un monde toujours plus
complexe et hostile.
L’EXERCICE DE L’ÉTAT
De Pierre Schoeller avec Olivier Gourmet,
Michel Blanc
Marcel Marx s’est exilé dans la ville du
Havre où son métier de cireur de chaussures
lui donne le sentiment d’être plus
proche du peuple. Il mène une vie satisfaisante
quand le destin met brusquement
sur son chemin un enfant
immigré originaire d’Afrique noire...
LE HAVRE
De Aki Kaurismäki avec André Wilms,
Kati Outinen, Jean-Pierre Daroussin
Vous trouverez un Pass à découper
dans le magazine Télérama. En échange
de ce pass, une carte valable pour 2
personnes vous sera remise à la caisse
du cinéma durant toute la durée de
la manifestation. Sur présentation de
cette carte, tous les films du Festival
Télérama sont au tarif de 3 € (par place
et par personne).
> Du 18 au 24 janvier 2012
Festival Télérama
Flash-back sur les grands films
de l’année
Novembre
Partenaire Culturel depuis 1984
couverture © Peter Hallward
p4-5 © Marc Borggreve, Simon
Fowler, Brigitte Lacombe /
Metropolitan Opera • p6-7 ©
Eveline Vanasshe, Peter Hallward,
Aya • p8-9 © Balazs Borocz /
Pilvax Studio, Fabienne
Rappeneau / Wikispectacle • p10-
11 © Thomas Shepmann, Nicolas
Gasco.
FORUM N° 302
Mensuel d’Information du Parvis
Fondateur Marc Bélit
Directeur de Publication
Marie-Claire Riou
N° ISSN : 0335 21 10
Dépôt légal janvier 2012
Coordination Béatrice Daupagne
Rédaction L’équipe du Parvis
Réalisation Aurélie Blain
Création maquette Studio ALQ
Carolina Rojas
Impression Conseil Imprime
Parvis 3 Librairie
Centre Leclerc Université
Av. Louis-Sallenave - 64000 PAU
05 59 80 80 90
Plein Adhérents Abonnés
Tarif M 12 € 10 € 8 €
Tarif C 23 € 19 € 16 €
Tarif B 27 € 23 € 19 €
Tarif A 31 € 26 € 23 €
Tarif A+ 40 € 35 € 30 €
TARIFS
Tarifs de la Carte Parvis + : de 5 € à 25 €
(collectivités : adhésion forfaitaire 50 €)
BILLETTERIE
Le Parvis
du mardi au samedi 10h-12h / 13h30-19h00
05 62 90 08 55
Les Nouveautés
lundi, mercredi et vendredi
9h30-12h30 / 13h30-17h
05 62 93 30 93
INFORMATIONS CINÉMA ET SPECTACLES
Boîte vocale 24h/24 : 08 92 68 04 73 (0,34 €/min)
ADMINISTRATION
05 62 90 08 55
Fax 05 62 90 60 20
9h30-12h30, 14h-18h00
DIRECTION Marie-Claire Riou
Licences : 1-1036508 2-1036509 3-1036510
LE PARVIS
Scène Nationale Tarbes Pyrénées
Centre Méridien - Route de Pau
BP 20 - 65421 IBOS Cedex
www.parvis.net
Mairie de
Partenaires du Parvis saison 2011’ 2012
Mer 29 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
14h30 - 16h L’envers du décor visite
15h Les Nouveautés
THÉÂTRE DE NUIT l Petites migrations théâtre jeune public
Mar 28 Le Parvis
20h30 MOLIÈRE / CLAUDE BUCHVALD l La folie Sganarelle théâtre
Sam 11 Le Parvis
18h RICHARD WAGNER l Le crépuscule des dieux opéra au cinéma
Jeu 9 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
19h - 20h Visite à deux voix art contemporain
20h30 Le Parvis
VANESSA WAGNER l Debussy / Schubert récital de piano
Mer 8 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
15h - 17h Atelier I Création de petits théâtres d’ombres atelier jeune public
18h Le Parvis 3 / Pau
Stanislas Larminat I Les contrevérités de l’écologisme rencontre littéraire
Sam 4 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
15h - 16h30 Les enfants font la visite aux parents atelier jeune public
Ven 3 Le Parvis
20h30 JAN LAUWERS l La chambre d’Isabella théâtre / danse
Mer 1 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
15h - 17h Atelier I Création de petits théâtres d’ombres atelier jeune public
février
Mar 31 Le Parvis
20h30 CIE CHANTIER THÉÂTRE l Un petit chaperon rouge jeune public
18h Le Parvis 3 / Pau / Espace librairie
Maxime Vivas I Pas si zen rencontre littéraire
Sam 28 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
14h30 - 17h Café lecture et voix atelier tout public
15h - 16h30 Les enfants font la visite aux parents atelier tout public
20h30 Salle Padre Pio - Lourdes
PHILIPPE JAROUSSKY & L’ENSEMBLE ARPEGGIATA récital lyrique
Jeu 26 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
10h - 12h Café artistique I Écriture et post-it atelier jeune public
20h30 Les Nouveautés
ABED AZRIÉ l Mystic musique du monde
Mer 25 Le Parvis Centre d’Art Contemporain
15h - 17h Atelier I Création d’un théâtre d’ombres atelier jeune public
15h Le Pari
CIE L’ ATALANTE l Sanguine, variations au cœur du rouge spectacle jeune public
18h Le Parvis 3 / Pau / Espace librairie
Dominique Resch l Les mots de tête rencontre littéraire
Mar 24 Le Parvis 3 / Pau
18h Sylvie Germain I Rendez-vous nomades rencontre littéraire
Le Parvis
20h30 COLIN DUNNE l Out of time tap dance
Jeu 19 Le Parvis 3 / Pau
18h Jacques Leibowitch l Pour en finir avec le Sida rencontre littéraire
Sam 14 Le Parvis Centre d’Art Contemporain / Pau
14h - 16h Atelier I Dessiner des mots atelier jeune public
Ven 13 Le Parvis 3 / Pau
18h Jean Pierre Alaux l Nuit d’ivresse en Castille. Le sang de la vigne rencontre littéraire
Mer 11 Le Parvis Centre d’Art Contemporain / Pau
14h - 16h Atelier I Dessiner des mots atelier jeune public
Le Parvis Centre d’Art Contemporain
14h30 - 16h L’envers du décor visite
janvier

LE CRÉPUSCULE
DES DIEUX
FESTIVAL
TÉLÉRAMA
LA CHAMBRE
D’ISABELLA
PHILIPPE
JAROUSSKY
JANV / FÉV 2012