scolaires : dossier valise.pdf - Le Parvis

Qui est Véronique Rizzo ?
Véronique Rizzo est née en 1963 à Marseille
où elle vit et travaille. Avec des images
numériques fixes ou animés aux motifs
psychédéliques vivement colorés, elle réalise
des espaces englobant qui provoquent chez le
spectateur des illusions d’optique, des
sensations de claustrophobie mais aussi une
volupté visuelle certaine. « Je travaille sur la
fascination et la charge émotionnelle liées aux
images, leur puissance de projection et
d'introjection, leur capacité d'être un miroir de la conscience » dit elle à propos de son
travail. Pour Véronique Rizzo, créer et inventer des images, c’est faire naître des univers
perceptifs et visuels permettant au spectateur d’expérimenter une relation dynamique,
physique et psychique, avec ce qui l’environne.
Les univers psychédéliques de Véronique Rizzo
Perte des repères habituels de l’espace, sensation d’absorption ou de projection, les
images de véronique Rizzo nous propulsent dans des univers géométriques et
chromatiques proches de certains jeux vidéo, de films d’animation expérimentaux, des
architectures anticipatives ou encore de BD futuristes . Le paysage qui nous est proposé
d’explorer ne contient aucun signe humain, végétal ou animal, il est tout entier composé
d’éléments appartenant au langage mathématique et/ou électronique. L’artiste y fait des
références à l’architecture mais aussi à certains épisodes de l’histoire de la peinture. Ces
espaces sont créés à partir d’images numériques déclinées sous différentes formes :
vidéos, peintures murales, papiers peints et affiches, sculptures, dessins, fonds
d’écrans… Certaines expositions de Véronique Rizzo proposent des installations globales
regroupant plusieurs de ces éléments comme c’est le cas pour son exposition au Parvis.
L’artiste s’intéresse particulièrement ici à l’espace labyrinthique et tentaculaire de
l’hypermarché dans lequel se trouve le centre d’art contemporain, où les écrans et les
caméras de surveillance gèrent au quotidien les flux de visiteurs. Elle le met en écho à
l’espace carcéral qu’elle crée ici à partir de vidéos, de wall paintings, de wall papers et de
volumes qui reprennent les mêmes motifs. Les spectateurs entrent de plain-pied dans une
architecture géométrique aux couleurs dominantes noir, jaune et banc où chaque élément
va provoquer des sensations de vertige et une volupté visuelle.
Les images vidéo
Panopticon XXXX, 2006 – Film DVD PAL, 4’ en boucle
Les images du film présenté au Parvis montrent une
sphère qui chemine à travers un espace technologique
compliqué et oppressant. Pour ce film, l’artiste a créé une
mégastructure complexe aux multiples divisions et
ramifications. On peut penser à une simulation
architecturale de tendance post-industrielle ou à l’imagerie
anticipative de la NASA. C’est aussi une œuvre picturale qui
ouvre l’espace, le creuse, le transforme à la façon des
peintres maniéristes qui fait aussi référence à la peinture
moderniste.

Ligne de fuite, 2005, 3’ en boucle - Installation numérique
de 2 projections synchroniques
Au centre d’un grand panneau de lignes droites, une bulle en
relief se forme entraînant la lente déformation des sillons en
courbes concentriques. La couleur verte fluo de cette
installation contribue à donner un sentiment de dilatation. La
musique de Samuel Lartisien qui joue sur les aigus accentue
cette sensation. « Ligne de fuite se présente comme une grille
horizontale, un mur, qui donne l’impression d’avancer vers
celui qui le regarde. Les lignes se déforment autour d’un point
focal pour donner lieu à un autre espace. Est ce que l’espace
arrive sur nous et nous écrase ou est-ce que l’on peut
traverser les lignes et aller vers des projections possibles ? »
Sun 1, 2005, 3’ - Film numérique
Au premier plan, un grand cercle composé de bandes
colorées réagit par des effets chromatiques au passage
au second plan d’un motif ornemental noir et blanc. La
bande sonore travaillée par Denis Brun évoque le
parasitage.
Pataphysical introduction, 2003, 3’40’’ – Film
numérique
Naissance, vie et mort d’une patate électrique. Sur un
fond brique, une forme oblongue chargée de lignes de
couleurs fluo évolue en changeant au gré des sons d’un
synthétiseur des années 70, la musique de Sun Ra. « A
la fin de la vidéo, la forme prend feu, c ‘est à la fois
inattendu et cliché, un paradoxe qui m’intéresse. La
musique expérimentale des années 1970, certains
psychédélismes, avaient une relation avec la
pataphysique et leur reflexion absurde sur l’existence
Gestalt, 2003 – Film numérique
Des sortes de cellules évoluent dans un environnement
noir et profond, à la fois cosmique et plat. Véronique
Rizzo réalise ici les structures intérieures et les formes
apparentes de patates électriques évoluant dans un
espace improbable à la recherche de communication.
« Le son de la vidéo renvoie directement aux interludes
de la télévision des années 1960. Ce travail fait référence
aux différents passages de l’abstraction au XXème siècle,
du Bauhaus à Jean Arp. »

Tilos, 2002 – Film numérique synchronique
Un mur de rectangle blanc se déforme sous la pression
d’une bulle monumentale qui traverse tout le champ de
vision. Véronique Rizzo développe ici à travers ces
figures géométriques l’homogénéité, la fragmentation et
la hiérarchisation en référence à l’espace kafkaïen.
J’ai utilisé un motif de Vasarely et lui ai fait subir une
accumulation exponentielle, perturbée par le
mouvement d’une sphère. L’art cinétique est ici
déstabilisé par l’utilisation des technologies numériques.
Le carré représente la logique, l’organisation, le
programme, tandis que l’arrondi signifie le mode
insidieux qu’a la consommation de façonner notre environnement »
Labyrinth vert, 2002, 1’ – Film numérique
Cette vidéo reprend les formes esthétiques des premiers
jeux vidéos. On y voit une boule blanche évoluant dans
un univers composé de carrés blancs, verts, jaunes et
noirs. « L’homme dans le labyrinthe » dit Véronique Rizzo
à propos de ces images. « le carré arrondi devient un
dédale, un casse-tête chinois. La boule fait exploser le
cadre contraignant de la surface pour faire intervenir
l’idée d’espace, introduit le désordre où elle trouve
finalement la libération. Je pensais à ces objets ludiques
des années 60, les flippers de poche ou le Rubik Cube,
une magie de plastique ».
Bouches, 2002, 5’40’’ – Film numérique
Les couleurs dominantes sont très acides : le rouge, le
jaune, le orange. Les motifs de bulbes s’ouvrent et se
ferment comme des bouches, ils oscillent entre mollesse
et tension, jusqu’à l’éclatement. « Dans Bouches, j’utilise
la musique de John Barry pour sa capacité à nous
introduire immédiatement dans un univers dramatique.
C’est le compositeur des génériques de James Bond, à la
pointe du design graphique. Ils synthétisaient l’esprit
d’une séduction. Cela rejoint ma reflexion sur les
possibilités d’un motif abstrait à poser une dramaturgie ».
Sphères de réalités possibles, 2002, 10’ – Film
numérique
Des boules aux couleurs flashy évoluent dans une sorte de
ballet céleste. Elles se rencontrent s’enlacent, s’absorbent
ou se combinent, les motifs et les couleurs sont en
transformation permanente. « Dans la plupart de mes
vidéos, ce sont les sphères qui déclenchent des
dynamiques et des récits. Ici, la gestuelle des sphères sur le
fond sans architecture, les mouvements de caméra virtuelle
induisent un récit chorégraphié, entre le jeu vidéo et le clip,
une sorte de space-opera-bollywoodien.

Les peintures murales
Panopticon XXXX, 2008 – Travail préparatoire pour
peintures murales
Au Parvis, Véronique Rizzo réalise une peinture murale
monumentale dans laquelle elle décline le motif de
l’étoile « ninja » à huit branches, figure centrale du
film. On retrouve également les 3 couleurs principales
de l’installation noir, jaune et blanc.
Rectangles 5, 2006 – Peinture murale acrylique,
2,80 x 2,75 m
Véronique Rizzo a réalisé cette peinture sur mur au
centre culturel de Sao Paulo au Brésil. Elle s’inspire
directement de l’architecture du lieu, faite de béton,
d’ouvertures semi-circulaires sur l’extérieur et de
lignes de néons au plafond. Elle provoque ainsi une
combinaison de sa peinture avec son environnement
direct. L’oeuvre s’intègre à l’architecture tout en
provoquant un parasitage visuel
Walldrawing, 2005 – Peinture murale acrylique,
disque inox, 3,66 x 2,2 m
Cette peinture murale accompagne la vidéo Sun 1 et
on retrouve, accrochée au mur, le cercle de la vidéo,
ici en inox. Les zones noires et jaunes se combinent
en maillage provoquant une impression de relief ou
de creux suivant l’endroit où l’on se trouve. Référence
au soleil et à l’énergie nucléaire, le titre de
l’exposition « Free your mind and your ass will
fallow » est sans concession.
Electrische Kartoffein, 2003 – Peinture murale
acrylique, 8,20 x 3,60 m
On retrouve ici la série des patates électriques de la vidéo
Pataphysical. La peinture monumentale qui couvre
entièrement le mur nous donne à voir une constellation de
petites cellules agglutinées autour de la forme oblongue
de la patate électrique qui semble étirer le mur en largeur.

Homogénéité, fragmentation, hiérarchisation,
2001 – Peinture murale glycéro et acrylique,
3,70 x 7 m
Ce wall painting reprend les motifs de la vidéo
Tilos. Le contraste de la peinture glycéro avec la
peinture acrylique permet un effet d’optique
donnant une impression de relief saisissante.
Sphères des réalités possibles ou espaces topologiques,
2000 – Peinture murale, 3,30 x 10 m
Cette fresque monumentale fait partie de la série de la
vidéo Sphères des réalités possibles. Les couleurs de la
peinture, rose et rouge, reprennent les tonalités tout à tour
sucrées et acidulées de la vidéo. Ici, la boule énorme
semble flotter dans un univers rose. Les effets d’optique
sont procurés par la superposition des touches rouges et
oranges sur la surface de la boule, on dirait que la boule
est en relief, de même que Véronique Rizzo se sert du
poteau pour provoquer une déformation particulière.
Les dessins
Outre les peintures murales, les dessins peuvent se décliner sous forme de bâches
imprimées, affiches, papiers peints, fonds d’écrans pour ordinateur, sérigraphies sur
aluminium…
Panopticon XXXX, 2008 – Papier peint
Au Parvis, Véronique Rizzo a réalisé un papier peint
qui recouvre certains murs de la salle d’exposition.
Elle décline ici un des 3 motifs principaux du
PANOPTICON XXX avec cette impression de boulier sur
fond violet.
The Balls, 2004 – Série de 30 dessins
Dans cette série, Véronique Rizzo créé des univers
complexes et labyrinthiques composés de lignes et dans
lesquels une boule en relief provoque des interférences.
Les contrastes des lignes et des couleurs apportent des
effets d’optique comme les creux et les reliefs, les
étirements de l’image etc…

Nébuleuses, 2004 – Série de dessins
Véronique Rizzo décline cette série de dessins sous
forme de posters et de fonds d’écrans. Images de
cosmologies imaginaires qui donnent à voir des objets
célestes d’aspect plus ou moins diffus.
Out in Space, 2004 – Economiseur d’écran
Véronique Rizzo a réalisé plusieurs dessins numériques
mettant en scène des personnages plus ou moins
anthropomorphiques à l’intérieur de paysages lunaires
marqués par des motifs géométriques comme les lignes
ou les quadrillages.
Fleurs Carol Ann, 2004 – Dessin numérique, format variable
Ce dessin fait partie de la série de dessins Out of Space. Les couleurs
qui composent l’orchidée répondent à une disposition géométrique en
ligne.
Les Schizes, 2003 – Bâches imprimées, 160 x 261 cm
Sur des fonds monochromes verts, bleus, rouges, oranges, jaunes,
Véronique Rizzo dessine en noir des figures géométriques elliptiques ou
concentriques qui expriment une certaine tension. A travers ces dessins,
l’artiste exprime les troubles du sens de la réalité appelés « troubles
schizoïdes » se traduisant notamment par un sentiment « d’artificiel », les
individus souffrant de ce mal voyant le monde « au travers d’une vitre »
avec une perception inhabituelle et incontrôlable de ce qui les entourent
comme si les choses étaient distordues. Véronique Rizzo esthétise les
circonvolutions de la schizoïdie.

Les volumes
You are under control, 2008 – Sculpture miroir
La sculpture présentée dans l’exposition au Parvis est composée d’une
tige centrale autour de laquelle sont soudés des miroirs de surveillance de
différentes formes. Les surfaces convexes des miroirs reflètent permettant
une vision pus ou moins élargie de la salle reflètent les spectateurs dans
l’installation psychédélique de PANOPTICONXXXX. Cette sculpture est
un renvoi direct à la réalité de la logique de surveillance.
(sans titre), 2005 – 10 disques inox sérigraphiés,
70 x 70 cm, mousse polyuréthanne recouverte de skaï,
500 x 500 cm
Ces objets font partie de l’exposition « Free your ass
and your mind will follow » dont on a vu une peinture
murale plus haut. Les disques inox recouverts de
lignes concentriques évoquent des spectres solaires
noirs, jaunes, blancs, rouges ou bleus. De loin ils
ressemblent aussi à des boutons. Au sol, les coussins
reprennent les superficies de stockage en modules et
font explicitement référence à l’artiste Lygia Clark.
Les Schizes, objets, 2003 - Plexiglas thermoformé
sérigraphié
On a vu plus haut avec un dessin de la série des Schizes
le travail de véronique Rizzo sur la schizoïdie. Ici elle
décline les circonvolutions en noir gras sur des objets en
plexis transparents comme des vitres et aux coloris très
acides.
Bouches, 2003 - coussins ergonomiques en mousse
polyuréthane recouverts de tissus
Ces coussins de différents coloris en forme de bouches
font partie de l’installation Bouche. Les spectateurs
étaient invités à s’allonger sur ces coussins
ergonomiques pour regarder la vidéo Bouches et à se
laisser aller aux impressions visuelles qu’elle provoque.

AUTOUR DU TRAVAIL DE VERONIQUE RIZZO : PEINTURE, ARCHITECTURE,
BANDE DESSINEE, MUSIQUE POP ET SCIENCE FICTION !
Travaillant sur la fascination et la charge émotionnelle liées aux images, l’oeuvre de
Véronique Rizzo montre à la fois un grand intérêt pour la peinture, depuis les œuvres des
artistes maniéristes à l’abstraction géométrique en passant par l’art cinétique ou le néo
concrétisme, mais aussi pour les formes populaires de la Science Fiction, des jeux vidéos,
des graffitis, de la culture psychédélique, de la musique pop, etc… De même, son attrait
pour l’architecture est très prégnant dans ses images englobantes et géométriques.
Le Tintoret, La Découverte du corps de Saint Marc, 1550
Chef d’oeuvre emblématique du Maniérisme, ce tableau
monumental du Tintoret (1518-1594) créé un espace vertigineux et
dynamique caractéristique de ce courant artistique. Les silhouettes
humaines, aux torsions exacerbées, semblent écrasées dans
l’architecture grandiose aux éléments géométriques répétitifs.
L’étrange lumière, les tons acides de la composition accentuent un
sentiment fantomatique et dramatique tout en créant un spectacle
lyrique et inquiétant
Monsù Desiderio, La chute de l'Atlantide, début du XVIIe siècle
Derrière ce pseudonyme mystérieux se cachent François de Nomé et
Didier Barra, (nés à la fin du XVIème siècle), Auteur d'œuvres
énigmatiques et surprenantes (ruines, cataclysmes, architectures
fantastiques…) Monsù Desiderio fut considéré par André Breton
comme un précurseur du surréalisme. Il est aussi l’un des principaux
représentants de l’art fantastique, terme générique qui recouvre
l’ensemble des créations artistiques insolites ou décalées d’époques
différentes.
Piranese, Carceri d’Invenzione, Planche XIV, 1746
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), dessinateur et
graveur italien, est resté célèbre pour ses estampes de
monuments antiques et de prisons imaginaires. Les
planches, caractérisées par de violents effets de clairsobscurs,
sont peuplées de bâtiments aux structures
enchevêtrées et massives reliées entre elles par des
échelles et des escaliers vertigineux. Les personnages
minuscules semblent victimes d’un piège infernal.
Faisant usage de sa connaisance de la scénographie
théâtrale, Piranèse atteint dans ces gravures une
dimension fantastique et visionnaire d’une extraordinaire
puissance.
Étienne-Louis Boullée, Cénotaphe, 1784
Architecte visionnaire du XVIIIème siècle, Louis
Boullée (1728-1799) est connu pour ses plans
d’architecture rêvée combinant la philosophie
des Lumières, des formes géométriques simples
et une échelle gigantesque. La cité du bonheur
suscite le rêve d'une architecture régénérée,
symbole du bien-être des populations et
emblème de la vie urbaine.

Arthur Heygot Mackmurdo,1883 - Couverture de livre
L’Art nouveau est un mouvement artistique de la fin du XIXème et du
début du XXème siècle qui se caractérise surtout par des formes en
arabesques directement inspirées par les qualités linéaires des plantes et
de leur force organique, comme on peut le voir avec cette couverture de
livre réalisée par l’architecte et designer anglais Arthur H. Mackmurdo
(1851-1942).
Piet Mondrian, Composition N°10, Plus et moins, 1915
Piet Mondrian (1872-1944) est connu pour être par parmi les
premiers artistes, avec Kandinsky et Malevitch, à avoir utilisé
un langage graphique abstrait. En 1941 il déclare « Si nous ne
pouvons nous libérer nous-mêmes nous pouvons libérer notre
vision. » S’inspirant d’abord du cubisme, il parvient à une
simplification des moyens plastiques : il veut réduire la nature
en signes afin d’exprimer l’essentiel. Il parle d'une équivalence
de la nature et de l'esprit, de l'individuel et de l'universel, et
d'une soumission de la personnalité à la collectivité. En 1917,
il définit la théorie mystique du « néo-plasticisme » : il n’y a ni
courbes ni obliques, mais que des traits verticaux ou
horizontaux ; les couleurs sont les primaires uniquement (rouge, bleu et jaune) ainsi que le gris, le
noir et le blanc. Il peint des toiles basées sur une structure de grille, autour de laquelle sont
organisées des couleurs pures. Puis, en découvrant le jazz, il y associe le rythme.
Théo Van Doesburg, Composition arithmétique, 1929-1930
Théo Van Doesburg (1883-1931) adopte les principes du néoplasticisme
de Mondrian. Il développe une œuvre d'art globale et
radicalement nouvelle par la liaison de la peinture abstraite
géométrique avec l'espace architectural. Il fonde la revue De Stijl,
puis en 1930 il crée à Paris le groupe Art concret avec Jean Hélion.
« Peinture concrète et non abstraite parce que rien n'est plus
concret, plus réel qu'une ligne, qu'une couleur, qu'une surface » dit
il. Les compositions picturales de Théo Van Doesburg se réduisent
à des traits verticaux et horizontaux noirs combinés à des aplats
géométriques de couleurs primaires. Il cherche ainsi à réduire la
pratique picturale à ses fondements élémentaires.
Erich Mendelsohn, Tour Einstein à Potsdam, 1917-1921
Erich mendelsohn (1887-1953) est un architecte allemand connu pour ses
bâtiments expressionnistes. L'expressionnisme est un mouvement
artistique apparu au début du XXème siècle, ayant touché de multiples
domaines artistiques. Projection d'une subjectivité qui tend à déformer la
réalité pour inspirer au spectateur une réaction émotionnelle, les
représentations sont souvent basées sur des visions angoissantes,
déformant et stylisant la réalité pour atteindre la plus grande intensité
expressive. En architecture, ce style fut caractérisé par l'adoption de
nouveaux matériaux, d'innovation formelle et d'un inhabituel
amoncellement, parfois inspiré par des formes biomorphiques naturelles.

Bruno Taut, La cloche à fromage de Worpswede, 1926
Architecte et urbaniste allemand, Bruno Taut (1880-1938)
aspire à une architecture cosmique laquelle, par l’emploi
du verre, serait ouverte à la richesse insoupçonnée des
formes d’étoiles et de cristaux. Connu pour ses textes
visionnaires, Il voyait dans l’architecture de verre le
moyen de transformer fondamentalement les hommes
dans un sens moral positif.
Alexandre Rodchenko, URSS, 1925
Alexandre Rodtchenko (1891-1956) est l'un des
fondateurs du constructivisme russe. Photographe,
affichiste, peintre, typographe, il inventa le
photomontage moderne. En 1921 il écrit « À bas l'art,
vive la technique ! » En utilisant les procédés de
reproduction industrielle, le productivisme voulait
réduire à néant l'idée d'oeuvre d'art unique réservée à
une élite pour la diffuser largement auprès du peuple.
L’époque se prêtait aisément à cette reconsidération
révolutionnaire de l’espace graphique qui fit des
émules jusques sur la 5ème avenue à New York.
D’ailleurs, le style constructiviste russe ne fut jamais abandonné et participe encore à notre espace
de communication de tous les jours.
Alexandra Exter, projet pour "Le Cirque,"
(ballet d’Elsa Krueger), 1927-1928
Alexandra Exter (1882-1949) est une artiste de l’Avant-Garde
Russe. Son énergie créatrice s’étendit au théâtre ont elle
bouleversa la mise en scène par l’utilisation de la lumière comme
matériau et par l’introduction de plateaux mobiles et de costumes
flamboyants. Elle se distingue aussi dans l’espace public par
exemple dans les expositions de commerce et d’industrie de
Moscou.
Ludwig Mies Van Der Rohe
Farnsworth House, Plano, Illinois 1950
Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) essaye de créer
des espaces neutres, contemplatifs grâce à une
architecture basée sur l'honnêteté des matériaux et
l'intégrité structurale. Ses réalisations témoignent de
l'intérêt qu'il apporte au rapport intérieur-extérieur, très fort.
L'espace extérieur est en effet considéré comme un
prolongement de l'espace intérieur. Son architecture est
aussi marquée par la dissociation de l'enveloppe et de la
structure.

Maurits Cornelis Escher, Relativity, 1953 – lithographie
Maurits Cornelis Escher (1898-1972) est un artiste néerlandais,
connu pour ses gravures sur bois et lithographies représentant
des constructions impossibles. Il s’est illustré dans l'exploration
de l'infini et des combinaisons de motifs qui se transforment
graduellement en des formes totalement différentes. Son œuvre
expérimente diverses méthodes de pavage en 2 ou 3 dimensions
ou représente des espaces paradoxaux qui défient nos modes
habituels de représentation.
Lygia Clarck, Planos em superfície modulada nº 5, 1957
Lygia Clarck (1920-1988) appartient à une génération d'artistes et
d'intellectuels brésiliens particulièrement actifs au cours des années 60
et 70. Elle se consacre à la peinture jusqu’à la fin des années 50 avec
des œuvres abstraites inpirées du constructivisme. Elle partage
l'enthousiasme de Fernand Léger pour l'intégration de l'art et de
l'architecture. Ses Superficies moduladas (surfaces modulées) attirent
l'attention de l'architecte brésilien Niemeyer. Plus tard, son travail revêt
l'aspect d'une exploration du corps quivise à l'élimination de la
séparation entre le corps et ce qui l'entoure. Elle passe d'une
architecture conçue comme corps - un réceptacle qui doit être habité
par l'homme - à un corps conçu comme une architecture, comme lieu
de l'expérience individuelle, non réglementée et ouverte.
Bridget Riley, Mouvement dans des carrés, 1961
Fortement influencée par les œuvres de Victor Vasarely qui utilise
dès les années 30 les motifs blancs et noirs, les déviations de
lignes, les jeux d'ombre et de lumière et surtout la perspective,
Bridget Riley (née en 1931) s’inscrit elle aussi dans le mouvement
de l’art cinétique. Ses peintures montrent une grande variété de
formes géométriques qui produisent une sensation de mouvement.
Victor Vasarely, Volans, 1979
Victor Vasarely (1906-1997) est considéré comme le père de l’art
cinétique (années 30) et de l’Op art (optic art, apparu dans les
années 60), principes esthétiques qui jouent sur l'illusion optique et
l'esthétique du mouvement. L’art cinétique est principalement
représenté en sculpture où l'on a recours à des éléments mobiles.
Egalement fondé sur les illusions d'optique, sur la vibration
rétinienne et sur l'impossibilité de notre œil à accommoder
simultanément le regard à deux surfaces colorées, violemment
contrastées, l’art cinétique développe dès les années 60 le
cinétisme virtuel : on parle alors de Op Art.
John Cleveland, 1966
Album 33 T vinyle 13th Floor Elevators
Le langage visuel psychédélique, originellement lié à la consommation
de drogues hallucinogènes, est largement inspiré de l'Art Nouveau et
de la Sécession viennoise, en intégrant des éléments orientaux. On y
retrouve en particulier le rejet de la ligne droite en faveur des courbes,
arabesques et motifs végétaux.
La volonté décorative l'emporte sur la recherche de la lisibilité

Guy Peellaert, Pravda la survireuse, 1968 - B.D.
Guy Peellaert (né en 1934) est un graphiste, auteur de BD et
photographe, qui détourne et recompose la réalité autour de
personnages marquants son époque : par exemple Françoise Hardy
qui est prise pour modèle pour la série Pravda la surviveuse. Son
style s’apparente à l’esthétique psychédélique et au Pop Art, ses
compositions rappellent l’unvers cinématographique et annocent les
clips vidéo.
Nicolas Schöffer, Minieffet, 1969
Nicolas Schöffer (1912-1992) est un peintre, sculpteur, architecte,
urbaniste et théoricien de l’art, pionnier de l’art cybernétique et de l’art
vidéo. Il a réalisé les premières œuvres en temps réel de l’histoire de
l’art. Curieux de toutes les nouvelles technologies, il s’est rendu
célèbre par ses sculptures utilisant des techniques électriques et
électroniques. Le Minieffet est une boîte carrée munie d’ampoules
clignotantes, de caches colorés et perforés et d'un écran translucide
pour la réception des images. Le spectateur peut intervenir utilisant
les caches à sa guise. Le Minieffet réalise ainsi des combinaisons
visuelles en mouvement continuel, rythmées, variées à l'infini,
apportant de nouvelles possibilités de développement au plaisir
esthétique selon la créativité de chacun.
Verner Panton, Phantasy Landscape, Visiona II, 1970
Vers la fin des années 60, Verner Panton (1926-1988), célebre
designer danois, délaisse un temps la création d'objets pour
s'adonner à la conception d'environnements que l'on pourrait
qualifier de radicaux et surtout psychédéliques car formant des
ensembles colorés, composés de formes incurvés, de murs
tapissés et de lumière, le tout occupe tout l'espace du sol au
plafond. Souvent ses compositions s'apparentent à un mélange
entre l'intérieur de la Terre et du corps humain.
François Schuiten et Benoît Peeters, Cités obscures,
La fièvre d’Urbicande, 1985 - BD
Bande dessinée de François Schuiten et Benoît Peeters, Cités
obscures raconte l’histoire d’un monde principalement
constitué de cités : le modèle urbanistique est donc
prépondérant, il n'existe pas de vie autour, c'est donc un
monde relativement vide. Chaque cité possède sa propre
autonomie, il n’y a pas de pays. La Tour est à cet égard un
exemple frappant de la densité des territoires. Constituée d'une
tour unique mais gigantesque, c'est à la fois un bâtiment, une
ville et un État. Chaque cité est régie par un courant esthétique
précis et unique, comme l'Art Nouveau pour la ville de Xhystos
ou une forme proche de l'Art Déco ou du Bauhaus pour Urbicande. Chacune offre ainsi une
uniformité architecturale notable, laquelle déteint sur l'organisation politique et les conceptions
intellectuelles de ses habitants.

Vera Molnár, Dialog Between Emotion and Method, 1986
vidéo
Vera Molnár (née en 1924) est une des premières artiste à relier
l’art à l’ordinateur à partir de dessins géométriques et de ce qu’elle
nomme « la machine imaginaire » définissant ainsi le rôle du
cerveau en tant qu’ordinateur dans la création. Fascinée par la
géométrie, elle soumet la ligne, le quadrilatère ou l’ovoïde aux lois
compositionnelles (la répétition, la symétrie-dissymétrie, l’équilibredéséquilibre)
et mathématiques ( modulor, nombre d’or, suite de
Fibonacci …) L’objectif consiste à demeurer dans le domaine
spécifique de la vision et du système perceptif sans chercher à faire
signifier quoi que ce soit à l’œuvre.
Andy et Larry Wachowski, Matrix, 1999
Matrix ou La Matrice est un film de science-fiction réalisé par les frères
Andy et Larry Wachowski et sorti en 1999. Il raconte l’histoire d’un jeune
informaticien contacté via son ordinateur par un groupe de pirates
informatiques qui lui font découvrir que le monde dans lequel il vit n’est
qu’un monde virtuel dans lequel les êtres humains sont gardés sous
contrôle. Les références à divers films, contes et diverses œuvres sont
nombreuses dans Matrix, comme celle à Alice au pays des merveilles :
quand le héro se "réveille" dans le monde réel, il tombe dans un tuyau
interminable avant de tomber dans un lac souterrain.
Christophe Berdaguer & Marie Péjus
Morphine landscape, 2002
Christophe Berdaguer et Marie Péjus (nés en 1968
et 1969) réalisent des installations, des objets, des
sculptures et des propositions d’architectures
utopiques qui interrogent autant le champ des arts
plastiques que celui du design, de l’architecture, de
la sociologie ou de la science (comme la
neurologie). Dans leurs travaux, l’oeuvre entretient
un étrange rapport d’empathie avec le spectateur. Il
ne s’agit plus d’un rapport frontal, déconnecté, mais
d’une sorte d’échange physiologique, comme si l’oeuvre réagissait au corps et à l’état d’esprit du
spectateur, lui-même influencé dans son comportement par la présence de l’oeuvre.
Manu Luksch, Faceless, 2008 – vidéo
Manu Luksch réalise des vidéos qu’elle diffuse sur internet.
Elle s’intéresse aux questions d’identité et d’espace
publique. Faceless est un long métrage de science-fiction
qui se déroule dans une société sans passé, ni futur, où les
humains sont dépourvus de visage. Produit exclusivement
avec des images capturées par les caméras de vidéosurveillance
de Londres, ce film donne à voir et à
expérimenter « un espace public mort ».