Dossier PéDagogique - Le Parvis

Expositions à Ibos
Le Quartier de L’enfance
Botto & Bruno
9 mars - 16 octobre 2010
Stratum
Les frères Chapuisat
9 mars - 1er juillet 2010
Le Parvis centre d’art contemporain
Service éducatif
Dossier PéDagogique
Botto & Bruno, Le Quartier de l’enfance, photomontage, 2010

DEUX EXPOSITIONS A VISITER AVEC VOS CLASSES ET GROUPES
Les deux expositions présentées actuellement au Parvis proposent un regard sur les espaces dans
lesquels nous vivons, nous habitons et nous nous déplaçons en même temps qu’elles nous interrogent
sur la façons dont nous nous les figurons et les imaginons.
Cette programmation intitulée Espèces d’espaces est un clin d’oeil au livre éponyme de Georges Pérec
dans lequel l’écrivain recense et inventorie les espaces qui nous entourent et dans lesquels nous vivons.
Botto & Bruno, duo d’artistes italiens, et les frères Chapuisat, deux artistes suisses, ont mis, chacun à
leur manière, en image pour les uns, en forme pour les autres, ce qu’ils ont perçu et ressenti de la ville de
Tarbes et du centre commercial dans lequel le centre d’art est implanté.
Photographie et architecture se combinent ici et les deux expositions, bien que très différentes,
photographique pour l’une, constructiviste pour l’autre, dialoguent ensemble de manière ludique,
poétique et joyeuse.
Les visites que nous vous proposons avec vos classes et vos groupes, les ateliers, les différents workshops
et rencontres combinent autant que possible les deux expositions pour une approche sensible et
créative des oeuvres spécialement conçues pour le lieu.
* La visite classique en trois temps (pour tous) :
- visite accompagnée de l’exposition Le Quartier de l’enfance de Botto & Bruno
- atelier photomontage avec Arnaud Pora de l’Ecole Supérieure d’Art et Céramique de Tarbes
- visite accompagnée de l’exposition Stratum des frères Chapuisat
* Le coup de projecteur (pour les classes du primaire des Hautes-Pyrénées) :
- visite accompagnée des expositions Le Quartier de l’enfance et Stratum + atelier photomontage
- atelier science avec Olivier Espagnet, animateur science de l’Inspection Académique
* Un projet avec les établissements scolaires de Laubadère :
- workshop photo avec Elsa Mazeau, artiste, enseignante à l’Ecole Supérieure d’Art et Céramique de
Tarbes
* Un projet en collaboration avec l’Atrium FJT/service pôle jeunesse Point Jeunes de Laubadère :
- atelier d’écriture / atelier slam / atelier photo avec les intervenants du projet culturel de quartier
«Dialogue entre populations et territoires»
* Workshop archi avec l’école d’architecture de Toulouse (pour les primaires, collèges et lycées) :
- «Villes et Habitats de demain» : réalisations en carton, modélisation
* Atelier lecture : la cabane dans la littérature (pour tous) :
- séances de lecture autour de la construction des frères Chapuisat dans une mise en scène
spécialement conçue par un comédien
Retrouvez le programme détaillé des activités autour des expositions en dernière partie de ce dossier.
Les visites + ateliers et les différents événements, workshops, rencontres, sont gratuits et s’adaptent à
tous les niveaux scolaires.
Réservation obligatoire au : 05 62 90 60 82 - centredart@parvis.net

SOMMAIRE
1ère partie
Présentation de l’exposition de
Botto & Bruno
Le Quartier de l’enfance
Photomontage du projet Le Quartier de l’enfance, 2010. Photographie tirée sur papier

QUI SONT BOTTO & BRUNO ?
1 ère
partie
`
Botto & Bruno est le nom d’un duo d’artistes italiens : Gianfranco Botto et Roberta
Bruno . Ils utilisent très largement la photographie, mais ont aussi recours à la vidéo, le dessin et
la musique à travers leur groupe de rock Botto & Bruno and Family.
Ils photographient les périphéries de villes européennes. Mais ce travail photographique sur les
banlieues ne cherche pas l’enregistrement du réel, au contraire, il tente de le recomposer et de
le poétiser.
Leur travail procède principalement du collage d’éléments photographiques qu’ils développent
à l’échelle 1/1 et qu’ils collent ensuite comme du papier peint sur les murs des lieux
d’exposition.
A la base de la production de Botto & Bruno, il y a un immense fond d’images constitué de
points de vues que les artistes accumulent sur les architectures des quartiers périphériques
des villes, les banlieues urbaines en Europe. Il s’agit soit de photos qu’ils collectent, soit de
photos qu’ils font eux-mêmes. Ils «collectionnent» ainsi les ciels, les trottoirs, les chaussées, les
architectures des quartiers situés en périphérie des villes. Ils les découpent et les classent en
quatre catégories principales : l’architecture, la figure humaine, l’espace, le ciel.
Botto & Bruno piochent dans cet immense catalogue d’images pour créer, par collage, une
nouvelle photographie de banlieue qui n’existe pas en soi mais qui procède de plusieurs
lieux à la fois. L’image obtenue est ensuite agrandie et collée dans l’espace pour créer un effet
comparable aux éléments de la réalité comme un trompe-l’oeil. Leurs réalisations produisent
ainsi des telescopages visuels avec le lieu dans lequel elles sont présentées.

UN TRAVAIL SUR LES BANLIEUES
Botto & Bruno s’intéressent particulièrement aux banlieues, aux grands ensembles qui
occupent les périphéries des villes, ces cités écartées des centres urbains. On les découvre d’une
manière différente de l’image des banlieues communément véhiculée par les médias. Par des
recompositions, collages de parcelles de zones périphériques différentes, ils construisent une
autre réalité de la banlieue. Ici, pas de violence, pas de promiscuité, pas de voitures incendiées,
ni de bagarres. Au contraire, une impression d’étrange mélancolie, de léthargie, voire de vie en
suspend se dégage des grandes images qui se déploient, en nous enveloppant, comme des
paysages mi urbains-mi ruraux.
Par ce travail, Botto & Bruno réalisent un geste politique. Ils ont eux-même grandi dans les
cités de Turin, grande ville industrielle du nord de l’Italie, et ont choisi de continuer d’y vivre. Le
regard qu’ils portent sur leur environnement immédiat est ainsi un témoignage.
Mais la banlieue qu’ils nous donnent à voir ne resemble nullement aux clichés pleins de violence
diffusés par la presse ou le cinéma : ici la banlieue se meurt, c’est un monde en panne d’avenir,
mais qui n’est cependant pas mort. Pas de sentiment de détresse, ni d’appitoiement. Le travail de
Botto & Bruno, par sa facture et son propos, ouvre les regards sur des espaces et une population
laissés pour compte et active la compréhension de la réalité urbaine aujourd’hui : des lieux
d’une étrange beauté et chargés d’émotion.
Under My Red Sky, 2001

Wall stars, 2004
Le photomontage
Pour leur photomontage, Botto & Bruno n’utilisent que très partiellement les techniques numériques et
préfèrent aux procédés informatiques le travail manuel, presque artisanal, de découpage, de collage et
de peinture directement réalisés sur l’image elle-même. Non pas qu’ils refusent les possibilités qu’offrent
les technologies toujours plus innovantes d’aujourd’hui pour le traitement des images, mais parce qu’ils
souhaitent rendre apparent quelque chose de brut, un geste, une volonté particulière. Celà peut aussi
rappeler les superpositions d’images et la matière presque sculpturle qui en résulte parfois sur les grands
paneaux d’affichage dans les villes. Résultat : leurs compositions s’apparente aussi à la peinture.

Le periferie che stiamo sognando, 2003
La couleur
Botto & Bruno apportent une attention particulière au traitement des couleurs dans leurs compositions.
Ils donnent, par la chromie, une importance particulière au ciel et au sol entre lesquels les personnages,
les infrastructures et les architectures prennnent place, comme pris en étau entre ces entités lourdes,
menaçantes, étouffantes. Ces éléments sont en même temps comparables à un magma, un support, une
matière prometeuse de formes à venir, de nouvelles possibilités.

House where nobody lives, 2001
La peinture
La gamme des couleurs employée par Botto & Bruno dans leurs compositions est particulièrement riche
et travaillée. Totalement articificelle, évoluant du rose à l’orange, du gris au bleu, elle accentue l’aspect
pictural des photographies. L’idée du tableau, du paysage peint sur la toile, est encore appuyée par la
compostion en perspective avec des lignes de fuite crées par les barres d’immeubles en enfilade.
L’ambiance est plutôt crépusculaire, les teintes sombres et contrastées.

My way home, 2005
Les personnages
Les paysages peri-urbains de Botto & Bruno sont quasi désertés. Lorsque l’élément humain apparaît,
c’est toujour pour accentuer l’aspect vide de ces lieux devenus terrains vagues. Un personnage, deux au
maximum. Les habitants de ces cités sont des adolescents vêtus de baggies et de vestes de survêtements
toujours trop larges. On ne voit jamais leurs visages, ils nous tournent le dos, la tête baissée ou camouflée
sous un chapeau ou une capuche. Ils ne commniquent pas non plus entre eux, ils sont comme enfoncés
en eux-mêmes, pour mieux se retirer de ce qui les entoure, ces bâtiments décrépis qui semblent
gangréner tout l’horizon. Leurs corps, leurs postures, sont aussi un paysage en lien direct avec ce qui les
cernent. Ils nous donnent l’impression d’une chorégraphie immobile.

Walking in the empty spaces, 2006
Le trompe-l’oeil
Le travail de Botto & Bruno opère des juxtapositions entre les visuels qu’ils ont créés et les lieux dans
lesquels ils les installent. Deux procédés sont utilisés : soit les murs servent de supports aux gigantesques
wall papers, soit ils servent directement de fond aux différents fragments de l’image qui se compose dans
l’in-situ. Des différentes manières de procéder, l’environnement photographique de banlieues délaissées
et décrépies crée toujours une effet trompe l’oeil dans le lieu dans lequel il est installé, comme dans
l’image ci-dessus qui montre une création de Botto & Bruno pour la gare de Naples.

Sans titre, dessin sur papier, 2008
L’arrivo al villagio, vidéo, 10’, 2003
Le dessin et la vidéo
On retrouve ce regard sur la banlieue en ruine dans les dessins et vidéos de Botto & Bruno, également
réalisés par collages.
Sentiment de léthargie, d’instant vide et figé, sans que la vie toutefois ne soit jamais occultée et absente
de ce qui se déroule sous nos yeux...
Les deux artistes emploient très souvent le dessin et la vidéo dans leurs environnements
photographiques ; en les greffant au montage photographique, ils pertubent l’effet trompe l’oeil du wall
paper tout en accentuant l’aura poétique et fictionnelle.

L’EXPOSITION DE BOTTO & BRUNO AU PARVIS
L’exposition de Botto & Bruno au Parvis s’installe dans le Hall d’entrée de la scène nationale. Les artistes
ont aménagé l’espace en construisant deux grandes cimaises qui prolongent les murs du café des images
jusqu’à la banque d’accueil du Parvis, donnant à ce lieu décousu une unité d’ensemble.
Botto & Bruno recouvrent les murs de ce vaste espace d’accueil et de déambulation d’un wall paper spécialement
conçu pour le lieu. Quand nous passons ici, nous sommes littéralement pris dans l’image monumentale
qui se déroule tel un traveling. nous voilà enveloppés par la photographie imposante traitée à
l’échelle 1/1. Ce nouvel aménagement provoque une collision visuelle entre le lieu où l’on se trouve et ce
que nous montre le photomontage de Botto & Bruno.
Le titre de l’exposition : Le Quartier de l’enfance
A Tarbes, Botto & Bruno ont prospecté dans les quartiers de la ville, les friches industrielles et les zones
en périphérie. Du repérage photographique qu’ils ont réalisé lors de leur séjour, ils se sont particulièrement
intéressés à deux zones distinctes de la ville et pourtant symptomatiques de l’histoire de Tarbes
: les quartiers de Laubadère et de l’Arsenal. Caractéristiques de l’urbanisation et de l’économie de leur
époque, fortement ancrés dans la mémoire de la population et aujourd’hui en voie de réhabilitation, ces
quartiers de Tarbes sont tous deux en attente de leur devenir.
«Le Quartier de l’enfance» nous apparaît comme un poème extrêmement bref et fait penser à un haïku :
les mots expriment bien en effet l’instantané d’un sentiment et dit l’évanescence des choses. Ce ne sont
pas les artistes qui ont inventé ce titre, il s’agit d’un graffiti trouvé à Laubadère, toujours visible, sur une
des barres d’immeuble qui va prochainement être détruite. On le retrouve, parmi d’autres graffitis, dans
la composition photo-murale dans le Hall du Parvis.
Le photomontage au Parvis : une hybridation des facades de Laubadère avec les hangars de l’Arsenal
et les trottoirs de Turin
Ce que nous voyons dans le Hall du Parvis nous semble très familier, on reconnaît certains éléments typiques
des quartiers de Laubadère et de l’Arsenal, et pourtant tout est nouveau en même temps : le fait de
mixer les bâtiments entre eux, d’y ajouter des vues de cités italiennes, des trottoirs et des cieux d’autres
lieux encore, d’autres pays, recompose les paysages urbains que nous connaissons bien de manière poétique
et sensible et nous les donne à voir autrement. De plus, ces images sont aussi en interaction avec
l’environnement immédiat du lieu dans lequel nous sommes, l’hypermarché Leclerc lui-même situé en
périphérie urbaine.
PhotomPhotomontage du projet Le Quartier de l’enfance, 2010. Photographie tirée sur papier

Une composition troublante
En accentuant les effets de couleurs, la théatralité d’un ciel plombé et menacant, la matérialité tragique
de l’alsphate craquelé, Botto & Bruno reconstruisent une image poétique et onirique des deux quartiers
tarbais à partir de la centaine de photographies prises au moment du repérage sur les lieux. Ce sont des
lieux chargés de mémoire, populaire pour Laubadère, ouvrière pour l’Arsenal, à la fois en train de disparaître
(les vieilles barres d’imeubles de Laubadère sont détruites, certains entrepôts de l’Arsenal sont
rasés) et aussi en voie de réhabilitation (on reconstruit des imeubles à neuf à Laubadère, on transforme
certains hangars en cinéma et lieux de spectacle à l’Arsenal).
Pour les artistes, L’Arsenal et Laubadère apparaissent comme les deux sites majeurs de Tarbes, tous deux
représentatifs d’époques majeures de l’histoire de l’architecture : Victor Baltard (1805-1873) en ce qui
concerne l’Arsenal et Le Corbusier (1887-1965) pour Laubadère.
Photomontage du projet Le Quartier de l’enfance, 2010. Photographie tirée sur papier
L’image reflétée
Botto & Bruno traitent plastiquement et esthétiquement le
thème de la mémoire par les reflets que renvoient les vitres,
cassées ou non et les flaques d’eau partout présentes dans
l’installation murale qui se développe dans l’ensemble du
Hall. Tout ici nous invite à scruter l’image au plus près et à
découvrir ce qu’il y a au-delà du premier regard. L’effet miroir
happe littéralement notre regard et l’effet de perspective nous
propulse dans l’image. C’est comme une attraction physique
très forte, un renversement des repères dans l’espace habituel
du Parvis.
Photomontage du projet Le Quartier de l’enfance, 2010. Photographie tirée sur papier

Analyse d’une image de l’exposition
Cette photographie recouvre la totalité d’un mur du Hall d’accueil du Parvis comme du papier à tapisser.
Les éléments sont à échelle humaine ce qui nous donne vraiment l’impression d’être dans une ville. Quelque
chose nous perturbe cependant : on est étonné par les capacités de l’ouverture focale de l’appareil
photographique qui a fait cette image. En fait, ceci est une illusion, aucun appareil photographique ne
peut réaliser une telle image. Il s’agit bien d’un collage de plusieurs éléments ensemble avec une perspective
très appuyée. Ce que nous donne à voir cette photogrtaphie n’est donc pas la réalité.
De plus, plusieurs éléments de divers endroits ont été rapportés ici : à gauche de l’image, on peut reconnaître
des entrepôts du GIAT, à droite se profilent différents immeubles de Laubadère qui, en réalité, ne
sont pas dans le même secteur, et, au fond de l’image, se dressent les facades de cités de Turin. Ce sont
les trottoirs et le ciel qui les rassemblent visuellement.
Ici, la banlieue est traitée comme un paysage en peinture. Ce lieu qui semble figé, désert, sans vie, délabré,
désolé, nous apparaît ici spectaculaire, presque lyrique, tant il exprime de sentiments : la présence
indéniable de ces architectures qui tracent des perspectives magistrales et la puissance des éléments qui
le composent (ciel, sol, empreintes, tags...)
Photomontage du projet Le Quartier de l’enfance, 2010. Photographie tirée sur papier
L’adolescence
Sous nos yeux, la banlieue devient un paysage intérieur, un paysage sentimental, celui de l’adolescence.
Botto & Bruno portent une attention toute particulière à ce stade de la vie humaine qui est à la fois un
moment de non grâce, d’attente, de repli sur soi, de perte de l’innocence et de la fraîcheur... C’est le moment
de l’inquiétude, de la rebellion, de l’ennui, du mal être et du mal de vivre... En même temps, c’est le
temps du tout est possible, de la force irrépréssible d’une énergie qui ne demande qu’à jaillir, qu’à s’exprimer,
qu’à inventer un nouvel horizon.
Les graffitis de Laubadère
Les graffitis sont très présents dans l’installation murale de Botto & Bruno au Parvis. On peut encore les
voir sur les façades du bâtiment F, une des barres centrales du quartier d’où l’on pouvait voir toute la vie
qui s’y déroulait. Les écritures sur les murs apparaissent comme des témoignages, la plupart sont mélancoliques
et sentimentaux, ils expriment à quel point l’endroit d’où nous venons est toujours celui que
nous préférons au monde. Ces graffitis sont le résultat d’un travail mené par l’association Point Jeunes de
Laubadère et les artistes Séverine Le Pan-Voers et Laurent Ferraglio avec les jeunes du quartier autour de
la mémoire. Ils ont été réalisés dans le cadre d’un atelier d’écriture émanant du projet culturel «Dialogue
entre populations et territoires». D’autres actions culturelles ont été menées à l’intérieur du projet : atelier
de mise en voix et en espace, atelier de mise en jeu du corps, ateer de réactions sonores, atelier photo et
vidéo, atelier slam...

2 ème partie
Avec la classe - Préparer et approfondir la
visite de l’exposition de Botto & Bruno
Le Quartier de l’enfance
Rencontre des classes de CM1 et CM2 de l’école d’Odos avec l’artiste Dominique Blais

PHOTOGRAPHIES D’ARCHITECTURE
Dès son invention en 1926 par Nicéphore Niepce, la photographie est intimement liée à l’architecture.
Le XIX ème siècle invente l’approche documentaire, neutre, en dressant l’inventaire
des monuments historiques, en enregistrant les bâtiments qui vont disparaitre sous la poussée
des transformations des villes en Europe, telle la reconfiguration de Paris par le Baron Haussmann.
Cette approche du bâti perdure jusqu’à aujourd’hui et se renouvèle par l’introduction de
la couleur, la taille monumentale des formats et le choix de sujets nouveaux comme les zones
périurbaines.
A partir des années 20 s’invente par ailleurs une vision volontairement expressionniste de l’architecture
: Les usines, les immeubles collectifs fonctionnalistes, les ponts remplacent les monuments
historiques et les immeubles moyenâgeux, et sont regardés selon des points de vue
surprenants.
Botto& Bruno, Le Quartier de l’enfance, photomontage, 2010
Botto & Bruno héritent en apparence de l’approche documentaire des grands ensembles. Mais
leurs images sont en vérité des collages, des montages qui recomposent des paysages urbains
imaginaires malgré « l’effet de vérité » qu’elles produisent. Les artistes laissent volontairement
les traces de ces montages.
On repère tout d’abord l’ajout d’un ciel nuageux et sombre sur l’ensemble des photographies.
On repère ensuite des immeubles en briques rouges, typiques de la banlieue de Turin et non
de Laubadère. Des immeubles et des rues de Laubadère sont artificiellement associés dans une
même image. Enfin, les lieux vidés de tout habitant, les ciels nuageux et noirs, le point de vue
panoramique créent une atmosphère à la fois contemplative et mélancolique.

1. La ville en chantier
Botto & Bruno, Le Quartier de l’enfance, photomontage, 2010
Botto & Bruno photographient le quartier de Laubadère actuellement en pleine rénovation. Les bâtiments
qu’ils nous donnent à voir sont fortement dégradés. Ils sont promis à une démolition proche pour
en construire de nouveaux. Ces photographies témoignent des changements à l’œuvre dans toute ville,
qui peuvent être vus comme un chantier permanent. Mais ces destructions et ces reconstructions sont
fortement chargées émotionnellement : espoir d’un monde meilleur, nostalgie d’un monde qui disparait,
ce sont toujours des vies humaines qui sont ébranlées par le temps qui passe et la mort.
Eugène Atget (1857-1927), Élargissement de
la rue du Petit-Pont. Vue prise de la rue Galande,
février 1909
Équipé d’un trépied et d’une chambre grand
format (18 cm × 24 cm), le photographe Eugène
Atget réalise des milliers de clichés de Paris et
de sa banlieue classés selon des thématiques.
Par exemple, la série « Topographie du vieux
Paris », entreprise en 1906 et achevée en 1919,
rassemble des vues de rues et d’anciennes
façades, des cours et des sites voués à la démolition.
La photographie se veut ici gardienne de
la mémoire.
Il choisit généralement, comme ici, de montrer
la destruction des immeubles anciens avec leur
tas de décombres et non les constructions nouvelles
et l’avenir de la ville.

Stéphane Couturier, Rue Auber Paris 9, 1996, 104 x 109 cm
www.stephanecouturier.fr/
Stéphane Couturier développe une approche de la ville qui hérite des pratiques documentaires du XI-
Xème siècle, comme la Mission héliographique *, qui rendaient compte, de façon distanciée, d’un bâtiment
patrimoniale ou nouveau.
Dans la série « Archéologie urbaine », Il photographie les chantiers des centres villes, sans connotation
nostalgique pour un passé qui disparait mais plutôt pour valoriser le mouvement, la croissance, la métamorphose
incessante des citées.
Il utilise une chambre photographique afin de composer de façon rigoureuse ses images comme une
peinture abstraite : la stricte frontalité du point de vue, un cadrage serré sur les bâtiments, sans montrer
ni le ciel ni la rue, donne une photographie sans profondeur qui écrase les différents plans. Ainsi, l’immeuble
en démolition du premier plan est mis en relation avec les immeubles encore construits qui l’entourent.
D’un coté il met en évidence le contraste entre formes géométriques et chaos, de l’autre il unifie
cet ensemble hétérogène grâce à la couleur : un camaïeu gris ponctué et brun.
* La Mission héliographique est une opération commandée en 1851 par les Monuments historiques aux photographes chargés
de saisir sur plaques une série de monuments remarquables pour lesquelsune rénovation est prévue ou en cours.
Jean-Marc Bustamante, T.21A.79, 103 x 130 cm
Ce photographe regarde de la façon la plus
distanciée possible la périphérie des villes du
monde entier. Il s’attache particulièrement aux
espaces sans identité véritable, en perpétuels
chantiers, où résiste une nature malmenée, peuplés
de poteaux et autres panneaux de signalisation
qui accentuent le désordre et l’hétérogène.
Réalisée dans la banlieue de Barcelone, cette
photographie montre une maison au style
convenu, à peine terminée sur son terrain en
friche. La puissance du ciel noir contraste avec la
banalité de cette construction.

2. L’architecture comme support pour écrire
Botto & Bruno, Le Quartier de l’enfance, 2010
L’installation photographique réalisée au Parvis par Botto et Bruno porte un titre : Le Quartier de l’enfance.
Il s’inspire d’une phrase écrite sur le mur d’un des immeubles du quartier de Laubadère. L’exposition
rappelle ainsi que Le mur est un support pour l’écrit situé dans l’espace public. Légal ou hors la loi, l’écriture
placée sur un mur vise à interpeler, à rencontrer, à déranger, à convaincre, à ordonner la société.
Eugène Atget, Place Saint-André-des-Arts, 1924
Parmi ses inventaires du Paris du début du XXe siècle on trouve des devantures de magasins et d’immenses
murs couverts d’affiches publicitaires...

3. Les marges de la ville : la banlieue, la périphérie, la nuit
La ville est constituée d’un centre, mais aussi d’une périphérie qui s’étend à mesure de la croissance de
la population. La banlieue se développe fortement après la première guerre mondiale. On y trouve les
lotissements pavillonnaires, les grands ensembles, les zones commerciales, les zone industrielles… La
ville est pensée par zones et par fonctions. Si les photographes ont célébré les réalisations architecturales
prestigieuses des centres urbains, ils ont tout autant été attirés par les marges de la ville.
Botto & Bruno s’intéressent aux grands ensembles dont ils donnent une vision poétique. Les couleurs
non réalistes, les rues vides et silencieuses confèrent une douceur mélancolique à ces lieux loin de l’image
violente stéréotypée véhiculée par les médias.
Eugène Atget, Porte d’Italie : la zone, 1913,
39x27cm
Eugène Atget a réalisé une série de photographie
sur «la zone», ce lieu compris entre les
fortifications et la banlieue. C’est un bidonville
que nous voyons à la Porte d’Italie. Un chaos de
baraques de fortune, d’ objets disparates posés
en tas, fruits de la récolte des chiffonniers, de la
terre et de la végétation altérées qui caractérisent
un lieu entre ville et campagne.
Il n’y a chez lui ni misérabilisme, ni condamnation,
mais documentation c’est-à-dire une description
la plus neutre possible de ce qu’il voit, tel
un archiviste.
Brassaï (1899- 1984) : « C’est pour saisir la nuit de Paris que je suis
devenu photographe »
La nuit, le centre des villes appartient aux marges. À partir de
1930, Brassaï marche dans Paris pour photographier la ville de
nuit. Il se sert d’un Voigtländer, un appareil photo de format 6 cm
× 9 cm fixé sur un trépied : la réalisation d’une image nocturne
demande plusieurs minutes de temps de pose. Vue de nuit, la ville
familière devient étrange, étrangère : dans sa préface au livre «
Paris de nuit », Paul Morand note que la nuit n’est pas le négatif
du jour : c’est un autre monde qui nous est donné à voir. Les rues
de la capitale sont désormais vides. La lumière artificielle laisse
dans l’ombre tout une partie des immeubles et met en relief des
éléments qui passent inaperçus habituellement : Ici un plan serré
en plongé sur les pavés mouillés reflétant la lumière d’un réverbère.
Chez lui l’obscurité, doublée parfois du brouillard, sont tout
à la fois inquiétants, « petits théâtres du crime », selon l’expression
de Walter Benjamin, et poétiques. La nuit, la ville appartient aux
poètes surréalistes mais aussi aux sans abris, aux prostitués, aux
voyous et aux fêtards : autant de personnes en marge que Brassai
photographie en utilisant un flash.

Jeff Wall, The Storyteller, (Le Conteur), 1986, diapositive et boite lumineuse, 229 x 437 cm
Les mises en scène photographiques de Jeff Wall portent un regard critique sur notre société moderne.
Nombre de ses images donnent à voir la périphérie des villes. Diatribe (1985), The Crooked Path (1991),
comme The Storyteller ci-dessous, sont des paysages périurbains où, au milieu d’une nature fortement
endommagée, vivent avec dignité des hommes appartenant aux marges de la société.
Ici, les personnes sont des indiens du Canada. Le conteur traditionnel raconte ses histoires sous un pont
d’autoroute, un no man’s land, et non plus dans la nature. La mise en scène, qui fait allusion à Manet,
montre à la fois des hommes seuls et d’autres qui perpétuent les liens autour de la tradition orale.
Enfin, Jeff Wall ne construit pas une image univoque : il veut aussi montrer la beauté et la puissance
plastique de ce paysage urbain, la dimension sculpturale du pont associée à la délicatesse d’un feuillage
jaune.

4. Célébration de la ville moderne
Dans les années 20, s’invente, en URSS puis en France et aux Etats Unis, une photographie qui vise à célébrer
l’héroïsme des temps modernes : Ponts, usines, bâtiments fonctionnalistes, machines sont photographiés
en plongée ou en contre-plongée et selon des angles obliques afin de donner une image dynamique
donc progressiste du nouveau monde qui se met en place. On remarque aussi les forts contrastes
d’ombre et de lumière qui visent à souligner le caractère géométrique des échelles, des escaliers, des
cheminées, poutres métalliques, transformant le réel en des compositions graphiques linéaires et abstraites.
Alexandre Rodtchenko, L’échelle de secours, série maisons
de Myasnitskaya, 1925
En 1921, Alexandre Rodtchenko abandonne la peinture
qu’il considère comme périmée au profit du photomontage
puis de la photographie. Pour lui être photographe
c’est être moderne , ce qui signifie, dans le contexte politique
russe de l’époque, tourner le dos à la civilisation
passée et soutenir la révolution bolchévique qui s’appuie
sur la technologie et l’industrie pour faire accéder le plus
grand nombre au bonheur. Rodtchenko invente donc
une photographie de propagande qui repose sur une
vision inattendue de la ville afin d’éveiller l’attention et
renouveler les consciences.
Germaine Krull, La tour Eiffel, 1928, 22x 16cm
Walker Evans (1903-1975), Brooklyn bridge, New York, 1929, 22.4 x 13.7 cm
La tour Eiffel en France et le pont de Brooklyn en Amérique sont des symboles des temps
modernes.

LEXIQUE
Architecture : glossaire spécifique à cette adresse http://www.fncaue.fr/pedagogie/
Cadrage : En photographie, réaliser un cadrage consiste à choisir ce qui sera vue dans le cadre du viseur
de l’appareil. Tout ce qui se trouve à l’intérieur du cadre est dit « dans le champ ». Tout ce qui n’est pas
dans le cadre est dit hors champ.
Contre plongée : un point de vue où le sujet placé plus haut que le niveau des yeux du photographe. On
regarde vers le haut.
Frontalité : un point de vue où le sujet placé se trouve au même niveau que les yeux du photographe.
Graffiti : Initialement, le graffiti est un dessin ou des mots gravés dans la pierre. Il désigne aujourd’hui un
tracé instinctif et spontané dans l’espace public. Le tag est réalisé à l’aide de peinture en bombes en est
actuellement la forme la plus répandue.
Point de vue : l’angle de vision choisit par le photographe pour faire sa prise de vue. L’angle de vision est
donc un moyen pour donner à voir une opinion, une idéologie, une subjectivité.
Plongée : un point de vue où le sujet est plus bas que le niveau des yeux du photographe. On regarde
vers le bas.
Profondeur de champ : la zone de netteté d’une photographie, et donc par conséquence la zone qui
n’est pas floue.

3ème partie
Présentation de l’exposition des
frères Chapuisat
Stratum
Les frères Chapuisat, Stratum, 2010

QUI SONT LES FRERES CHAPUISAT ?
Les frères Chapuisat c’est d’abord deux frères, Gregory (né en 1972) et Cyril (né en 1976), qui
réalisent des oeuvres qui sont à la fois des sculptures et des architectures. Leurs formes, comme
leur conception, renvoient tour à tour au mode de vie troglodyte, à l’architecture utopique ou aux
films de science-fiction.
Ces oeuvres, souvent monumentales et presque toujours éphémères, sont construites avec
l’aide d’assistants, souvent de jeunes artistes en devenir, qui sont adoubés à leur tour «frères» ou
«soeurs» et qui les suivent fidèlement sur les chantiers de leurs montages d’exposition partout
dans le monde. Les frères Chapuisat désigne donc une sorte de confrérie, plus ou moins anonyme,
à l’image des corporations des bâtisseurs de cathédrales.
Les frères Chapuisat sont des créateurs d’espaces qu’ils donnent à découvrir aux visiteurs à travers
des expériences physiques fortes et intenses. Dans leur travail il est question de jeux, de peur, de
plaisir, de prise de risque. Les sculptures/architectures qu’ils nous demandent d’explorer jouent
avec nos limites, notre sens de l’aventure, nos capacités physiques, notre âme d’enfant.
Ils envisagent donc l’art comme une aventure à vivre de l’intérieur, au coude à coude avec l’oeuvre
qui nous absorbe et dans laquelle on va se frayer un chemin selon nos ressources, parfois les plus
insoupçonnées, qu’elles soient physiques ou mentales.
Les frères Chapuisat

UN TRAVAIL SUR LES ESPACES, LE JEU ET LA PEUR
Les frères Chapuisat créent des structures pénétrables où le plus souvent le visiteur est comme
un spéléologue ou même parfois réduit à l’état d’animal rampant, l’entrée et l’espace de circulation
n’excédant rarement pas les 50 centimètres. Leur goût jamais disparu pour les cabanes
d’enfants bricolées dans les arbres, leur intérêt particulier pour les cocons d’insectes, les galeries
des fourmis et les les terriers d’animaux, leur curiosité inégalée pour les grottes et tous les espaces
souterrains, voire insondables, se développent dans la construction de structures imposantes,
entre sculpture et architecture.
Ce sont des réalisations à l’in situ c’est à dire que les frères Chapuisat font chaque fois l’expérience
d’un lieu en particulier et que ce qu’ils vont construire se fait en résonnance avec un espace
donné et en fonction de ses capacités. Il y a quelque chose de l’instinct animal dans leur façon
de travailler et de comprendre l’espace, un processus de construction qui fonctionne de manière
empirique. Pour les frères Chapuisat, il s’agit de transformer le lieu d’exposition en une sorte de
cocon organique dans lequel on pourra se lover, encore faut il avoir le courage de pénétrer cette
forme labyrinthique et anxyogène.
Ils utilisent des matériaux très simples, ceux qui se présentent à eux dans les lieux à investir, ceux
qui sont sur place et disponibles, des matériaux du quotidien, parfois de récupération. C’est une
méthode de construction qui va au plus direct. Ils utilisent le bois, le béton, le métal, le carton,
les papiers, la toile, les fourrures, les peaux de bêtes, les branches des arbres et la végétation...
Un rien négatif, installation, 2006

Des formes complexes
Les frères Chapuisat explorent toutes sortes de relations à l’espace. Comme par exemple dans l’image
ci-dessous, la sculpture Métamorphose d’espace qui semble en lévitation. Les frères Chapuisat inversent
l’approche physique de l’oeuvre avec cette forme monumentale, sorte de montagne renversée accrochée
au plafond, que l’on découvre petit à petit dans une salle plongée dans l’obscurité. Seul un faiceau
lumineux s’échappe de la pointe de la forme percée d’une ouverture. Le visiteur curieux peut se glisser à
l’intérieur et y découvrir une vaste cavité dorée aux parois scintillantes évoquant une grotte féérique ou
le renfoncement d’un cratère.
Métamorphose d’espace , 2007
Des espaces insoupçonnés
Les frères Chapuisat s’approprient aussi des lieux
qui ne sont habituellement destinés au public et à la
circulation. Comme ici avec Hyperespace en 2005 à la
Neue Kunstalle de Saint-Gall en Suisse où il n’y a pas
de construction visible apparemment. En fait, tout se
passe dans les murs de la galerie, ou plus précisément
entre les plaques de placoplâtre et les cloisons solides
de la façade : les frères Chapuisat y ont construit un
véritable terrier, parcours labyrinthique se déployant
en circonvolutions dans tout cet espace insoupçonné
que les visiteurs sont invités à tester dans le noir le
plus complet. Hyperespace, 2005

Des matériaux du quotidien
Les frères Chapuisat aiment se servir des matériaux les plus simples pour construire leurs espaces cocons
et labyrinthiques, comme ici avec ce gigantesque labyrinthe fait de cartons d’emballage de récupération.
A l’image d’une énorme fourmillière ou d’une galerie de taupe, les couloirs multiples aboutissent à des
chambres. Si l’on est évidement tenté par l’expérience insolite de la découverte d’un espace par l’intérieur,
les impressions d’enfermement et d’étouffement sont quand même très fortes et perturbantes.
Le mythe de la cabane
Dans bon nombre de leurs constructions, les frères Chapuisat développent
la pensée de Donald Woods Winnicott, célèbre pédiatre, psychiatre
et psychanaliste britannique du XXème siècle qui considère le jeu
de la cabane comme une aire intermédiaire d’expérience essentielle au
processus de maturation chez l’enfant, parce qu’il se situe entre la réalité
extérieure et la réalité interne, entre le dedans et le dehors.
Les cabanes des frères Chapuisat sont cependant très complexes, ce
sont des labyrinthes, des cellules d’isolement, un espace métaphorique
fait pour s’extraire du monde extérieur et pénétrer un univers imaginaire,
poétique, voire magique.
Structure piquante, 2009
Hyperespace, 2005

L’EXPOSITION DES FRERES CHAPUISAT AU PARVIS
L’exposition des frères Chapuisatau Parvis prend place sur le demi niveau, devant l’entrée du centre d’art.
L’architecture labyrinthique de l’ensemble, composée en strates avec des niveaux intermédiaires et des
paliers posés sur pilotis, a fortement intrigué les artistes suisses, de même que l’usage prononcé des
piliers ou encore la logique plutôt incertaine des espaces de circulation qui sont aujourd’hui le résultat
des multiples modifications du bâtiment qui se sont accumulées depuis plus de 30 ans d’existence. C’est
donc tout naturellement qu’ils se sont servis de l’aspect fourmillière que leur a inspiré le magasin en général
et qu’ils ont choisi de réaliser une structure architecturale/sculpturale montée sur pilotis.
Le titre de l’exposition : Stratum
Le titre évoque les strates géologiques, les accumulations de couches successives qui se sont créées au
cours du temps. C’est bien ainsi que les frères Chapuisat ont compris l’architecture de l’établissement où
l’on se trouve, avec ses multiples remaniements. Ainsi, la structure qu’ils ont créée au Parvis rappelle t’elle
un paysage de rochers qui se superposent les uns sur les autres.
Les frères Chapuisat, Stratum, 2010

Une structure en bois
Les frères Chapuisat ont privilégié le bois pour cette création au Parvis. Réalisée à partir de tasseaux, de
planches et de voliges, la construction monumentale qui remplit la totalité de l’espace à l’entrée du centre
d’art se déploie tel un paysage minéral ou un animal reptilien.
Le projet d’origine voulait que la structure englobe aussi la passerelle. Faute de temps pour la réaliser
complètement, les artistes ont quand même souhaité empêcher toute pénétration dans la salle du centre
d’art en construisant une sorte de guérite, dans le même esprit que la structure principale.
L’ensemble de la construction est peinte en blanc, en écho avec les différents éléments architectoniques
qui l’entourent. Seuls les pieds ont gardé la couleur brute du bois.
Des tunnels et des chambres
La structure est composée de galeries et d’une dizaine de chambres toutes matelassées, construite dans
l’esprit d’une fourmillière géante. Bien sûr, pour accéder aux chambres, il faut emprunter des tunnels
dans lesquels on est obligé de ramper. Pensé comme un immense jeu de combinaisons, sorte de casse
tête géant, Stratum, par sa complexité, est surtout un défi à notre sens de l’aventure, puisqu’à l’intérieur,
les différents passages, loin d’être facilités, nous obligent à appréhender les possibilités et les limites de
notre corps, sa souplesse potentielle ou insoupçonnée et donc à penser à des stratégies qui ne sont pas
sans rappeler les difficultés du parcours du combattant !
Trois parcours distincts ont été tracés par les artistes.
Pour des raisons de sécurité et en accord avec les consignes du magasin, Stratum ne peut être visitée de
l’intérieur.

Construire une maison avec ce qu’on a sous la main
L’enchevêtrement de bois qui constitue Stratum n’est pas sans rappeler les cabanes d’enfants, bien qu’ici
très complexifiées, ou encore les palombières bien connues dans les Pyrénées. Cette construction peut
aussi évoquer les maisons de fortune qu’on trouve dans les bidonvilles de différents pays et plus particulièrement
dans ceux qui ont une tradition d’architecture sur pilotis comme aux Philippines par exemple.
La notion d’une esthétique du bricolage est tout à fait assumée et défendue par les frères Chapuisat
qui mettent un point d’honneur à utiliser des matériaux de proximité, ceux qui se présentent à nous au
quotidien. Cette idée de la facilité à faire est aussi à mettre en résonnance avec le lieu dans lequel on se
trouve, l’hypermarché, dont les processus de vente liés au marchandising, complexifient toujours plus
nos attentes et nos besoins, limitant en celà notre inventivité et notre adaptation à des situations «extrêmes».

4 ème partie
Avec la classe - Préparer et approfondir la
visite de l’exposition des frères Chapuisat
Stratum
Rencontre des classes de CM1 et CM2 de l’école d’Odos avec l’artiste Dominique Blais

LA CABANE
1. Définitions
La sculpture-installation construite par Les frères Chapuisat au centre d’art du Parvis conjugue
deux archétypes architecturaux : le labyrinthe et la cabane originelle. D’une part, nous
voyons et nous sommes invités à parcourir une structure constituée d’un enchevêtrement de
couloirs, et de l’autre nous pouvons nous abriter dans de petits espaces capitonnés sommairement
bricolés.
Pour ce dossier nous développerons le thème de la cabane, le labyrinthe ayant déjà fait l’objet
d’une approche pédagogique à partir du travail de Véronique Rizzo (dossier téléchargeable
sur le site du Parvis www.parvis.net)
Définition du dictionnaire :
La cabane, du provençal cabana, est une « petite maison précaire », une construction rudimentaire
servant d’habitation, d’abri ou de ressert. La cabane relève donc de l’origine de
l’architecture et de nombreux sculpteurs contemporains, dans une approche élargie de leur
art, se sont emparés de cet objet.
Les matériaux de la cabane :
- Constitués d’éléments composites hétérogènes, trouvés sur place, récupérés, assemblés,
bricolés...
- Construction fragile mais assez résistante pour protéger.
La cabane et son environnement :
- Un abri, un refuge, une protection contre les bêtes sauvages, les hommes, les adultes, le
froid, la pluie, le chaud….
- Cabane close, fermée et en lien symbiotique avec son environnement : la nature, la ville.
- Camouflage.
Les dimensions de la cabane :
Petite maison, la cabane est un espace réduit conçu pour le corps humain, un espace intime.
Symboliques de la cabane :
- La cabane de l’enfance : refuge qui protège du regard des adultes et invite au jeu, à l’aven
ture. Roland Barthes : « S’enclore et s’installer, tel est le rêve existentiel de l’enfance. »
- La cabane primitive : habitat paradisiaque, symbole de « l’état de nature », de l’âge d’or en
tre l’homme, son environnement et les Dieux. (Par exemple, Henri David Thoreau : Walden
ou la vie dans les bois, 1854).
- La cabane du pauvre : la misère extrême, les sans abris, mais aussi l’inventivité, la récupéra
tion.
- La cabane de l’ermite : le retrait volontaire du monde, la recherche de la pauvreté, de l’humi
lité. (Voir les représentations de St Jérôme par Véronèse, Patinir…)
- La cabane d’architecte : une habitation fonctionnelle.
- La cabane utilitaire : de chantier, de bucherons, de chasseurs, de jardin, palombière, carre
let…Utile, elle peut aussi être un lieu pour s’échapper du quotidien.

2. La cabane primitive comme source d’inspiration pour l’architecture
Dans l’histoire de l’architecture, la cabane est le premier abri construit par l’homme. C’est un modèle
mythique pour les architectes fonctionnalistes, depuis les néo-classiques jusqu’aux modernes.
L’architecte romain Vitruve (1er siècle av. J.C.), dans ses Dix Livres d’Architecture, imagine les débuts de
l’architecture prenant modèle sur les abris fabriqués par les animaux : les terriers et les nids. Toutes les
théories concernant la cabane primitive découlent de lui.
« Aussi commencèrent-ils les uns à construire des huttes de feuillage, les autres à creuser des cavernes
au pied des montagnes ; quelques-uns, à l’imitation de l’hirondelle qu’ils voyaient se construire des nids,
façonnèrent avec de l’argile et de petites branches d’arbres des retraites qui parent leur servir d’abri.
Chacun examinait avec soin l’ouvrage de son voisin, et perfectionnait son propre travail par les idées qu’il
y puisait, et les cabanes devenaient de jour en jour plus habitables ». Livre 2
Les architectes Néo-classiques.
Charles Eisen, allégorie de l’Architecture retrouvant
son modèle naturel, Frontispice de l’essai sur l’architecture
de Laugier.
Les architectes néo-classiques veulent rompre avec
la décadence rococo. Le désir de la « table rase » les
conduit à prendre comme modèle l’antiquité grecque
mais aussi à la cabane primitive, considérée comme
l’ancêtre du temple grec, et imaginée comme une
construction rationnelle, sans décor trompeur, virile, en
harmonie avec la nature.
La cabane est un habitat fonctionnel, qui induit une vie
simple et rustique, donc des mœurs naturelles et morales
opposées à la vie dissolue qu’abritent les luxueux
palais rococo.
Abbé Marc Antoine Laugier, Essai sur l’architecture,
1755 :
« La cabane a servi de modèle pour toutes les magnificences
de l’architecture qui lui ont succédé. Les pièces
de bois élevés lui ont donné l’idée des colonnes. Les
pièces horizontales qui les surmontent nous ont donnée
l’idée d’entablement. »
« Quelques branches abattues dans la forêt sont les
matériaux propres à son dessein. Il en choisit quatre
des plus fortes qu’il élève perpendiculairement et qu’il
dispose en carré. Au-dessus, il en met quatre autres en
travers et sur celles-ci il en élève qui s’inclinent, et qui
se réunissent en pointe de deux côtés. Cette espèce de
toit est couvert de feuilles assez serrées pour que ni le
soleil, ni la pluie, ne puissent y pénétrer ; et voilà l’homme
logé. Il est vrai que le froid et le chaud lui feront
sentir leur incommodité dans sa maison ouverte de
toute part ; mais alors il remplira l’entre-deux des piliers,
et se trouvera garanti. »

Le Corbusier (1887- 1965) trouve dans la cabane primitive, la cellule monacale et la cabine du transatlantique,
la légitimité des principes fonctionnalistes qu’il met en place dans les années 20.
En 1952, il construit un Cabanon en rondins de pin sur le site de Roquebrune, Cap-Martin, qui se veut
une unité d’habitation minimum. Ses dimensions sont donc modestes mais harmonieuses selon les proportions
du Modulor : 3, 66m x 3,66m, au sol et 2x26m de hauteur. Le plan très élaboré permet d’intégrer
sur une seule pièce, un lit, une table pivotante, des placards intégrés….
«Voici la maison primitive : là se qualifie l’homme : un créateur de géométrie ; il ne saurait agir sans géométrie.
Il est exact. Pas une pièce de bois dans sa force et sa forme, pas une ligature sans fonction précise.
L’homme est économe. [...] Un jour cette hutte ne sera-t-elle pas le Panthéon de Rome dédié aux dieux ?»
Le Corbusier, Une maison - un palais, 1928, éditions Connivences, Paris, 1989, p. 38

3. LA CABANE PRIMITIVE COMME SOURCE D’INSPIRATION POUR LA
SCULPTURE
Tadashi Kawamata, Tree Huts, 2008. Installations : bois, tôle, fenêtre, porte. Dimensions variables.
http://www.tk-onthetable.com/
La cabane, habitation du pauvre.
Cette installation a été réalisée dans de nombreuses villes comme Paris, New York, Miami, Berlin…
Elle se compose de trois huttes situées en hauteur, donc à distance des hommes envisagés comme un
danger potentiel. Un abri, un refuge mais précaire, fragile, pauvre, comme le manifestent l’irrégularité de
la construction et l’hétérogénéité des matériaux récupérés qui les composent.
Ces huttes ont une dimension politique : ces habitations venues des bidonvilles et placées au cœur des
villes donnent de la visibilité aux gens dont l’extrême pauvreté les exclut dans les marges de la société.

Mario Merz (1925- 2003), Tournons nous autour des maisons ou les maisons tournent telles autour de
nous ? 1985, 2, 7 x 5 x 10m
« Cherche la première maison/ Cherche la maison hémisphérique/Cherche le modèle parfait de l’idée de
maison ». Mario Merz
Mario Merz, artiste italien qui se rattache à l’Arte Povera, a construit une soixante d’igloo-sculpture. Cet
habitat nomade de forme organique traduit la vision romantique de l’artiste dans son désir de retour aux
origines de l’humanité.
La forme régulière en demi-sphère organise l’assemblage de matériaux hétéroclites qui constituent la
couverture de ces maisons : verre brisé, argile, néon, mastique, sert joint, néon, branchages…. Cette
dimension bricolée appartient à l’esthétique de la cabane, mais une cabane moderne qui utilise conjointement
des matériaux industriels et des matériaux naturels.
Ces cabanes ne sont pas des abris stables et paisibles. L’assemblage affiche sa précarité, son ordre temporaire
mais aussi des oppositions de matière: verre transparent/ pierre opaque, serre joint/ mastic, etc.
L’igloo est une maison nomade qui s’inscrit dans un flux, une dynamique.

Nils Udo, Le Nid, 1978, Terre, pierres, bouleaux et herbes, Landes de Lunebourg.
La cabane : un retour à la vie primitive.
Artiste du Land Art, Nils Udo travaille dans et avec la nature. Il réalise des constructions éphémères dont
la beauté est indissociable de la fragilité et donc de la menace de destruction que fait peser la société
hyper industrialisée.
Il a fabriqué plusieurs nids pour être humain. Dans l’un d’eux l’artiste se fait photographier lové nu. Ce
nid, placé au milieu d’une clairière, est gigantesque. L’homme apparait seul, fragile, mais protégé par ces
hauts bords de branchages savamment tressés, et qui forment un abri. Habiter dans une cabane c’est
faire retour à une vie en harmonie avec l’environnement naturel, un âge d’or perdu.
David Nash, Ash Dome, Dôme de frênes, plantés en
1977
« Vingt-deux jeunes frênes ont été plantés sur le périmètre
d’un cercle de neuf mètres de diamètre sur un terrain
plat de la vallée de Flestiniog, dans le nord du pays de
Galles, dans le but de créer une coupole végétale ».
Cette architecture végétale vivante s’approprie la technique
agricole du tressage pour faire de l’art. Cette sorte
d’habitation rappelle les spéculations sur l’origine de
l’architecture gothique menée à la fin du XVIIIe siècle : Sir
James Hall, On the Origins and principales gothic architecture,
1797. Pour cet auteur, et suivant en cela Vitruve,
l’imitation de la nature est à l’origine de l’architecture. On
peut y voir sur une planche la reconstitution d’une nef
gothique avec des perches de saules et de frênes.

5 ème partie
Visites et ateliers
Workshop de l’artiste Dominique Blais dans son exposition Aposiopesis avec les classes de CM1 et CM2 de l’école d’Odos

AUTOUR DE LA VISITE D’EXPOSITION - AVEC LE PUBLIC SCOLAIRE
A chaque exposition, le Service éducatif du Parvis imagine en concertation avec des artistes intervenants
différents ateliers de pratiques artistique et d’analyse d’image qui permettent aux élèves d’aborder de
manière interactive et ludique les différents champs de la création contemporaine.
Centrés sur la présence et la pratique de l’artiste ou plus simplement appuyés sur l’histoire de l’art, les
formes et les expressions représentées dans les expositions, ils s’adaptent à toutes les classes d’âges et
constituent la base même d’un apprentissage créatif et convivial !
UNE VISITE EN TROIS TEMPS : SCOLAIRES + HORS TEMPS SCOLAIRE
La visite, ponctuée de moments de création, se déroule en trois temps sur les deux expositions présentées
actuellement au Parvis : l’exposition de Botto & Bruno dans le Hall du Parvis et celle des frères Chapuisat
Stratum devant la salle d’exposition.
Dans son déroulé, la visite permet ainsi une découverte et une réflexion devant les œuvres elles-mêmes des
processus de création utilisés par les artistes. Elle favorie aussi un regard croisé sur les deux expositions.
Premier temps :
Visite accompagnée de l’exposition Le Quartier de l’enfance de Botto & Bruno.
Deuxième temps :
Atelier photomontage animé par Arnaud Pora de l’Ecole Supérieure d’Art et de Céramique de Tarbes qui
pratique la photographie et le photomontage. Sur le thème «inventer ma ville», cet atelier consiste à réaliser
une nouvelle photographie à partir de prises de vue dont on aura au préalable découpé et classé les
éléments par catégorie : les ciels, les sols, les architectures, les personnages...
Troisième temps :
Visite accompagnée de l’exposition Stratum des frères Chapuisat.
L’ATELIER PHOTOMONTAGE ANIME PAR ARNAUD PORA
LE PHOTOMONTAGE EST UN ASSEMBLAGE DE PHOTOGRAPHIES PAR COLLAGE OU TECHNIQUES
DIGITALES DONNANT A LA PHOTO FINALE UN ASPECT DIFFERENT ET PERMETTANT RETOUCHES ET
TRUCAGES. DEPUIS LA FIN DU XXE SIèCLE, LE PHOTOMONTAGE CONNAIT UN SOUFFLE NOUVEAU
GRâCE À L’INFORMATIQUE ET AUX LOGICIELS DE RETOUCHES D’IMAGES TELS ADOBE PHOTOSHOP,
COREL PAINT SHOP PRO, CORELDRAW OU GIMP... LA PRATIQUE DU PHOTOMONTAGE APPARAIT EN
MEME TEMPS QUE LA PHOTOGRAPHIE ELLE-MEME, MAIS SON ESSOR VERITABLE DATE DE 1916, EN
RUSSIE AVEC LE MOUVEMENT CONSTRUCTIVISTE.
A LA MANIERE DE BOTTO & BRUNO, ARNAUD PORA PROPOSE D’INITIER LES ELEVES A L’ART DE
RETOUCHER, COLLER ET PHOTOMONTER SANS LES METHODES NUMÉRIQUES ACTUELLES.
A PARTIR D’IMAGES FAITES DE NOTRE ENVIRONNEMENT IMMEDIAT (L’HYPERMARCHE, LES GALERIES,
LE PARKING, LA TERRASSE DE LA CAFETERIA...) LES ELEVES CREERONT UNE NOUVELLE IMAGE
SENSIBLEMENT DIFFERENTE DU MAGASIN, POETIQUE ET ETRANGE, ENTRE FICTION ET REALITE.

LES EVENEMENTS AUTOUR DES EXPOSITIONS
LE COUP DE PROJECTEUR - POUR LES CLASSES DU PRIMAIRE
Le coup de projecteur est une opération qui a lieu une fois dans l’année en partenariat avec
l’Inspection Académique des Hautes-Pyrénées et concerne les classes du premier degré.
En concertation avec les conseillers pédagogiques en arts visuels et l’animateur science,
nous vous proposons des entrées différentes des expositions.
Visite des expositions Le Quartier de l’enfance et Stratum + atelier photomontage +
atelier science
En plus des deux visites d’expositions et de l’atelier photomontage autour de l’exposition
Botto & Bruno, Olivier Espagnet, animateur science à l’I.A, propose un atelier science pour
l’exposition Stratum des frères Chapuisat.
L’ATELIER SCIENCE AUTOUR DE L’EXPOSITION STrATuM DES FRERES CHAPUISAT :
DES HABITATS EXTRAORDINAIRES !
A partir de coupes d’habitats d’insectes, d’animaux et aussi de maisons humaines , Olivier
Espagnet amène les enfants à la découverte insolite d’espaces de vie extraordinaires.
La formation des enseignants
Formation à l’art contemporain et la constructions d’outils pédagogiques pour la classe à
partir des deux expositions présentées au Parvis - Mardi 5 mai de 9h à 12h, avec Maryse
Vivé, conseillère pédagogique, Olivier Espagnet, animateur science et l’équipe du service
éducatif du Parvis.
UN PROJET AVEC LES ETABLISSEMENTS SCOLAIRES DE LAUBADERE
AUTOUR DE L’EXPOSITION LE QuArTiEr DE L’ENfANCE DE BOTTO &
BRUNO - PRIMAIRE ET COLLEGE
L’exposition de Botto & Bruno au Parvis donne l’occasion au service éducatif de mener plusieurs
actions en direction des établissements scolaires du quartier de Laubadère.
Workshop photo :
Le workshop est un atelier de création mené par un artiste qui consiste en la création d’une oeuvre
réalisée avec la participation des élèves et centré sur la pratique de l’artiste intervenant. Il se déroule
en classe.
Elsa Mazeau, enseignante à l’Ecole Supérieure d’Art et Céramique de Tarbes, développe un travail
photo et vidéo qui s’inscrit dans le tissu social et explore l’habitat, le loisir, le travail. Autour des
thématiques «Vivre ensemble», «Habiter la ville» , elle accompagne les élèves dans la réalisation
d’un carnet de voyage sur le mode du jeu des regards et des rencontres avec les habitants du
quartier.

ATELIER D’ECRITURE ET BATTLE DE SLAM AUTOUR DE L’EXPOSITION
LE QuArTiEr DE L’ENfANCE DE BOTTO & BRUNO POUR LES COLLèGES
ET LyCéES + HORS TEMPS SCOLAIRE
En partenariat avec Atrium FJT / service pôle jeunesse Point Jeunes de Laubadère et les artistes
intervenants du projet «Dialogue entre populations et territoires»
L’atelier d’écriture se construit à partir des graffitis photographiés à Laubadère par Botto & Bruno et
que l’on peut voir sur leur installation murale au Parvis. Aujourd’hui ces témoignages d’attachement
et de souvenirs liés au quartier sont détruits. L’atelier propose de s’intéresser aux langages urbains et
à leurs pratiques.
- Atelier d’écriture : création de textes poétiques par les adolescents à partir de l’exposition Botto &
Bruno au Parvis
- Battle de slam : mise en voie des textes produits par les élèves autour de l’exposition Botto & bruno
dirigée par des professionnels du slam. Un concours entre les différentes productions des élèves de
collèges et lycées sera organisé en juin.
WORKSHOP ARCHI AVEC L’ECOLE D’ARCHITECTURE DE TOULOUSE
POUR LES PRIMAIRES, LES COLLEGES ET LES LyCEES AUTOUR DE
L’EXPOSITION STrATuM DES FRERES CHAPUISAT
Les étudiants de l’école d’architecture de Toulouse ont spécialement conçus leurs ateliers de
création autour des architectures modulaires, précaires et utopiques. Ils accompagneront petits
et grands dans la réalisation d’objets en lien avec la ville et l’habitat de demain et s’intéresseront à
la réalisation de plans et tout particulièrement à la modélisation de l’intérieur de la structure des
frères Chapuisat.
ATELIER LECTURE AUTOUR DE L’EXPOSITION STrATuM DES FRERES
CHAPUISAT POUR LES PRIMAIRES, LES COLLEGES ET LES LyCEES +
HORS TEMPS SCOLAIRE : LA CABANE DANS LA LITTERATURE
La cabane, petit refuge précaire contruit généralement en hauteur, dans les arbres ou sur pilotis,
est le lieu rêvé de tous les enfants et reste à jamais inscrite dans l’ imaginaire des adultes. La
littérature jeunesse, mais pas seulement, regorge de récits de cabanes que nous vous invitons
à découvrir ici dans une mise en scène pensée tout spécialement par un comédien autour de la
construction des frères Chapuisat !

OUVRAGES, DOCUMENTS ET ARTICLES DE PRESSE A CONSULTER :
- Olivier Kaeser, Les frères Chapuisat, Collection Cahiers d’Artistes, Pro Helvetia Edizioni
Periferia, 2009
- Dossier de presse Stratum , exposition des frères Chapuisat, Le Parvis, 2010 (téléchargeable sur
le site du Parvis www.parvis.net)
- Botto e Bruno, catalogue d’exposition, MAMAC, Nice, 2004
- Botto & Bruno, Kids Riot (in the House of Lost Sound), catalogue d’exposition, Centro per l’arte
contemporanea Luigi Pecci, Prato, 2007
- Dossier de presse Le Quartier de l’enfance, exposition de Botto & Bruno, Le Parvis, 2010
(téléchargeable sur le site du Parvis www.parvis.net)
- «Habiter» Dossier pédagogique enseignants du Service éducatif du Musée des Abattoirs, Toulouse,
2009-2010

Condition de visites
L’entrée de l’exposition, la visite commentée et les ateliers sont gratuits.
Les mardis, mercredis, jeudis et vendredis de 10h à 12h et de 14h à 16h
(horaires modulables sur demande)
Uniquement sur rendez-vous : 05 62 90 60 82
Visites et ateliers adaptés à tous les niveaux scolaires
Le Parvis scène nationale
Marie-Claire Riou, directrice
Contacts
Le Parvis, centre d’art contemporain :
Magali Gentet, responsable du centre d’art contemporain et
commissaire des expositions
Catherine Fontaine, accueil des publics à Ibos 05 62 90 60 82
centredart@parvis.net
Etienne Veillon, accueil des publics à Pau 05 59 80 80 65
parvis@wanadoo.fr
Relais éducatifs :
Philippe Caudron, professeur d’arts plastiques au lycée Marie Curie, chargé
de mission d’action culturelle philippe caudron@ac-toulouse.fr
Maryse Vivé, conseillère en arts visuels Inspection Académique 65
ia65-mvive@ac-toulouse.fr
Christian Sabathié, conseiller en arts visuels Inspection Académique 65
Ia65-csabathie@ac-toulouse.f
Olivier Espagnet, animateur science Inspection Académique 65
olivier.espagnet@ac-toulouse.fr